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LACARNE gussy Nº102 - DIC 2020 - AÑO 10

un viajero eterno desde pamplona

EXPERIENCIAS

My Dying Bride Monobeat Original Amaranthe

investigación

Los indios del Mardi Gras

ENTREVISTAS La Derretida Amaduzia Toto Álvarez Ruiseñora Kramp Martin Joffré

N102 aÑo 10 DIC 2020

SUMARIO

experiencias entrevistas 06 My Dying Bride, sorpresa doble en 38 La Derretida, pionera del Hip Hop en 2020

Chile

10 Monobeat Original, música desde 46 Amaduzia, y su propuesta de Heavy el futuro

Industrial

14 Amaranthe y su nuevo disco

58 Improvisación Libre con Toto

Manifest

investigación 20 Los indios del Mardi Gras, simbolismo y tradición

Álvarez

62 Ruiseñora, Música Electrónica y tradición folclórica

66 Kramp, una banda de Heavy Metal tradicional

70 Martin Joffré, creador de grandes éxitos y canciones

28 gussy

un viajero eterno desde Pamplona

contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición Pedro Gallardo

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Colaboradores

jorge ares, la chica boom, alfonseka, Rafa dorado, omar vega, J.G. Entonado, eva maría aroca

* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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My Dying Bride sorpresa doble en 2020

rán nuevo EP bajo el título Macabre Cabaret.

uenas a todos, mis queridos lectores! Esta vez os traigo a My Dying Bride, algo más relajado, para leer y escuchar en un momento de tranquilidad. Es música perfecta para días de lluvia, y ver la tormenta desde tu ventana y dejarte llevar por la calma y la melancolía. A Secret Kiss, éste es el nuevo tema que lanzaron recientemente los ingleses My Dying Bride, ya que nos han dado la gran noticia de que para el próximo 20 de noviembre estrena-

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Un EP del cual, por el momento, no sabemos nada más, pero del que se espera mucho. Sin duda ha sido toda una sorpresa entre los fans, ya que esta banda lanzó su nuevo álbum, The Ghost of Orion, el pasado 6 de marzo de 2020, un día increíble para lanzar un álbum, ya que es el día de mi cumpleaños (risas). The Ghost of Orion es el decimotercer álbum de estudio de la banda, y el primero bajo el sello de Nuclear Blast. Anteriormente, estaban trabajando con Peaceville Records. Un álbum que se compone de ocho temas, y que los fans han calificado como “un álbum sublime”. Destacado por el género musical Doom Metal, podemos decir que My Dying

tamos para sentirnos mental y emocionalmente sanos, pese a las adversidades de la vida.

My Dying Bride y su trabajo The Ghost of Orion – Abraza tu oscuridad

Hagamos un pequeño repaso de algunas de las canciones que encontramos en este magnífico álbum. Your Brocken Shore, que es el tema que nos da la bienvenida, es un tema depresivo con un sonido que me recuerda muchísimo a los temas más oscuros de Lacuna Coil en sus principios, en el sonido de la guitarra y bajo principalmente. Supongo que los italianos también han cogido influencias de My Dying Bride. Me encanta el sonido de violín y cello que viste elegantemente a la canción. Para ello han contado con la colaboración de Jo Quail (cello), a quien también podemos ver en el vídeo. Le siguen los temas To Outlive the Gods y Tired of Tears, que continúan en la misma línea depresiva y lenta, pero, como cuentan los fans de la banda en los comentarios del vídeo, es música Doom Metal que va buscando tener un poco de esperanza y alivio. Quizá nos encontramos en una situación similar ahora mismo, ¿no creéis?

Bride están en la cima de este género musical junto a otras bandas como Anathema o Katatonia desde hace décadas. Recordemos que la banda se formó en el verano de 1990, y desde entonces han ido cosechando éxitos, incluso tras haber pasado por alguna crisis que puso en riesgo la continuidad de la banda. Cuando escuchas The Ghost of Orion, se percibe en sus letras y melodías esas batallas internas con las que todos tenemos que lidiar a lo largo de nuestra vida, aunque finalmente acaba en un agradecimiento por el aprendizaje de esas experiencias, y un llamamiento a la bondad. Esa búsqueda de equilibrio que todos necesi-

El cuarto tema, The Solace, es un tema delicado y profundo vocalmente, y que a muchos les recuerda a la B.S.O. de la película Gladiator. Para ello, en esta ocasión han contado con la colaboración de la vocalista de la banda noruega Wardruna, Lindy Fay Hella, quien le aporta un toque de misticismo nórdico que, a mí personalmente, me encanta. Y ya en el ecuador de este álbum, que a pesar de tener tan solo ocho temas no es breve, ya que son casi 57 minutos de música. Seguimos con los temas The Long Black Land y The Ghost of Orion, que le da el título al álbum, es una pieza instrumental fantasmagórica, es inquietante y misteriosa… Casi finalizando, podemos escuchar The Old Earth, que es su pieza más larga en este álbum, ya que su duración es de algo más de LaCarne Magazine

diez minutos, y, sin salir del estilo pesado y lento, es un tema muy guitarrero y con gruñidos que te amenizan el viaje a través de este penúltimo tema que, a mitad de canción, hace un sorprendente cambio de ritmo, convirtiendo este tema en el favorito del álbum para muchos. Casi al final de la canción, la batería suena contundente, (ya sabéis que eso me chifla en las canciones metaleras), para finalizar con una preciosa melodía de violín que es sencillamente espectacular. Y para terminar esta calmada y relajante lectura (eso espero), y dando el final a The Ghost of Orion, una breve y preciosa pieza instrumental: Your Woven Shore, que viene para dejarte en un estado de paz y esperanza tras una intensa escucha que te transporta a revivir esos estados depresivos, casi rozando la tragedia y la fatalidad. Como veis, este álbum es una gran obra que ha significado mucho para los fans, por lo que esperan quedar igual de satisfechos con la llegada de su nuevo EP para el próximo 20 de noviembre, Macabre Cabaret. De momento, su tema A Secret Kiss, que podéis escuchar

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al principio de este artículo, es bastante prometedor. Espero que os haya gustado, y que al menos haya servido para pasar un rato relajado, y, sobretodo, que os haya hecho pensar, que es lo que más me gusta de las bandas de este tipo de género musical, que sus letras son profundas y nos hacen pensar, identificándonos con sus historias. Pero como ellos mismos han querido transmitir en este álbum, también debemos agradecer y crecer con estas experiencias y retos que nos va imponiendo la vida. No olvidéis seguirles en sus redes sociales y en plataformas digitales. A cuidarse mucho. Nos vemos en la próxima.

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Monobeat Original música desde el futuro

de ese estilo denominado “Krautrock”, o lo que es lo mismo, la respuesta alemana a la explosión progresiva anglosajona. LEER MÁS

onobeat Original, el nuevo proyecto del miembro fundador de Faust, Werner “Zappi” Diermaier. Música desde un futuro demasiado lejano Su nombre de guerra es “Zappi”, y lleva aporreando tambores y objetos diversos desde que unió su suerte a la de la banda Faust en sus inicios a finales de la década de los 60. ¿Qué quiénes son Faust? Y digo bien, “son”, porque hay que hablar de ellos en presente ya que siguen activos. Pues nada más y nada menos que un baluarte y nombre fundacional

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Nunca una etiqueta tan despectiva, creada por la prensa inglesa para encuadrar a una serie de bandas alemanas que cerraban la década de los 60 con propuestas atípicas y regeneradoras, albergó tantas sorpresas creativas. Los “Kraut” o “repollos”, por la afición gastronómica de los teutones al chucrut, era como se denominaba a los soldados alemanes en las guerras mundiales. Y toda una nueva generación de jóvenes, que se sentían avergonzados de su pasado, comenzaron a expresar su rabia y hartazgo haciendo ruidos de diferente catadura que albergaban Psicodelia Rock, Free Jazz, tribalismos rítmicos, y disonancias varias desde una

estilos basados en su impronta desde el tecno al post punk.

perspectiva muy personal. Al mismo tiempo abrazaban las vanguardias más recientes, tanto formales y modales como instrumentales, con la incorporación de nuevos aparatos electrónicos que darían lugar a la Escuela de Berlín con Tangerine Dream o Klaus Schulze, y a la de Dusseldorf con Kraftwerk o Neu, pero también las electroacústicas de música concreta del padre de todos ellos, Karlheinz Stockhausen. Los Faust se reunieron originalmente alrededor de Hans Joachim Irmler, Arnulf Meifert, Jean-Hervé Péron, Rudolf Sosna, Gunther Wüsthoff y el propio Werner «Zappi» Diermaier. Y su legado ha influido a varias generaciones de músicos que han desarrollado diferentes

Reivindicados tanto por luminarias del sonido industrial del nivel de Throbbing Gristle como por popes del Post Rock (Tortoise), los Faust han continuado impasibles su trayectoria sin deslumbrarse por la adoración, ni abatirse ante el desdén. Ahora, a finales de este extraño 2020, Zappi W Diermaier se reinventa y presenta su primer proyecto personal, Monobeat Original, al margen de Faust, y lo hace bajo el paraguas del sello gallego áMARXE Música. Monobeat Original, que así se llama este nuevo impulso, presenta en su primer trabajo, titulado Arbeitstitel, una fiesta orgiástica de rítmicas que van de lo tribal a lo postindustrial, casi sin solución de continuidad, jalonadas de efectos y atmósferas de diferente densidad nebulosa. Su natural irreverencia sigue activa y militante de una transgresión utópica, tan necesaria en estos días de “amueblamiento” físico y mental. Quizá es una de las obras más complejas LaCarne Magazine

y brutales de toda su trayectoria (incluyo a Faust), con ese aire entre lo burlesco y lo trascendente, que destroza a su paso convencionalismos estéticos de la música contemporánea aliándose con ritmos atávicos, tan primitivos, esenciales y obsesivos, que parecen extraídos de un potente sintetizador con un arcaico sistema operativo, o sonidos concretos, paisajes sonoros, y mucha, mucha improvisación y libertad. Un mundo fascinante de musicalidad arcaica, fantasías del pasado que nos llevan a un futuro lejano. Un impacto certero en plena línea de flotación de la música moderna. El propio Zappi define así su actual proceso creativo de Monobeat Original: “Actualmente estoy experimentando con sonidos, rítmicas y dinámicas según el antiguo principio de «prueba y error». Nuevas grabaciones y presentaciones en vivo están en espera. Los ritmos y sonidos en bucle, que son elementos esenciales del Krautrock, siguen siendo mis favoritos. Sigo confiando en esa coincidencia que surge al realizar un experimento, e

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incluso usar el fallo como sonido básico en la “orquestación” del sonido. No me interesa el contenido verbal, pero sí considero la voz humana como un elemento musical más. Para mí es la expresión más directa de estados de ánimo y sentimientos. La fusión de diferentes géneros musicales acelera y amplía el experimento. Básicamente rechazo la reproducción de patrones y estereotipos.” Acompañan a Zappi (batería, teclados, percusiones, salterio), Elke Drapatz (efectos), Amaury Cambuzat (guitarra y compañero de aventuras en Faust), Uwe Bastiansen (guitarra), Dirk Dresselhaus (guitarra), así como diversos búhos y palomas. Además, la música viene lujosamente parapetada tras un diseño del artista lucense Iago Méndez Suazo que invita a iniciar este viaje de destino incierto por una música desde un futuro muy, muy lejano.

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Amaranthe

y su nuevo disco Manifest buenos riffs, sintetizadores, gruñidos, y estribillos a coro que son súper pegadizos. LEER MÁS

uy buenas a todos de nuevo! Espero que estéis preparados para una buena lectura y buena música. Esta vez os traigo una reseña del último álbum de la banda de Heavy Metal más enérgico que conozco: Amaranthe. Manifest es el título del álbum en cuestión, su sexto álbum de estudio, que fue lanzado el pasado 2 de Octubre. Se compone de doce temas, y todos en su línea, bastante movido, quizá un poco más Pop por la parte aportada de la bellísima Elize Ryd, pero como siempre

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Es un álbum que, según la propia banda afirma, “tiene que ver con cómo deberíamos ser, aunque cada uno le puede dar su significado personal”.

Amaranthe se manifiestan

Para abrir el manifiesto, el primer tema, Fearless, un tema que hará que te levantes del asiento y bailes, con un mensaje empoderado y optimista. Le sigue Make it Better en la misma línea. Ya sabemos que Amaranthe se caracteriza por hacer música muy movida. Esta canción tiene riffs contundentes, y quizá con un toque más

pop en esta ocasión. Muy buen tema. De Scream my Name me encanta cómo suena la combinación de las voces de ambos cantantes. Quizá un tema más pausado, aunque lejos de ser una balada. Veo bien que de vez en cuando alguna canción sea más llevadera y no tan enérgica para no caer en un álbum demasiado “machacón”. El cuarto tema, Viral, ya lo conocíamos de antes, ya que lo lanzaron a principios de pandemia, hace unos meses. Continuamos con Adrenaline. Desde luego que adrenalina no les falta, y, como dice la canción, es todo lo que necesitan. En este tema se puede apreciar más el sonido de la batería y sintetizadores, con una guitarra muy

heavy. Es una canción que se me hace muy amena de escuchar. De hecho, la he escuchado en bucle durante un rato. El sexto tema, Strong, cuenta con la colaboración de la finlandesa Noora Louhimo y su potente voz. Este tema también es conocido de tiempo atrás, pues lo lanzaron también a modo de presentación del nuevo álbum. Me gusta la representación del video, el dueto de ambas chicas suena bien, pero digamos que la canción tampoco me dice demasiado. The Game, séptimo tema del álbum y pasando el ecuador del mismo, vuelve a ser muy enérgico. Quizá me guste más cómo suenan las voces que la música en sí. Para mi gusto personal no está mal, pero no es una canción que escucharía a menudo, tal vez la considero LaCarne Magazine

demasiado cañera, aunque lo compensan con el siguiente tema, Crystalline, que a modo de descanso de tanto metal es una balada que suena fenomenal, rockera, y las voces suenan como los ángeles.

vocalmente, y sólo escuchamos a Elize en los coros del estribillo. Es una auténtica pasada, aunque personalmente me gusta más la versión con Ángela. Podéis ver los dos vídeos y juzgáis vosotros mismos.

Y continúo con el juego de palabras para pasar a la canción Archangel, tema que me encanta de principio a fin, y que además cuenta con un videoclip brutal. No digo más. ¡Me encanta!

Como podéis comprobar, es un álbum que, como os dije al principio, os hará saltar del sofá y poneros a bailar, o para salir a correr o hacer deporte en general, no es broma. Es música muy motivacional.

Boom! es el décimo tema del álbum, y hace referencia a su nombre porque ¡Wow!, literalmente es la bomba, o sea, con rap incluido, y qué guitarras, qué potencia. Esta canción es la caña, no me la esperaba así. Otra de mis favoritas desde que empieza es Die and Wake up, penúltimo tema de Manifest, otro tema sorprendente que, al igual que el anterior, es algo diferente, pero me gusta muchísimo. Y para cerrar el álbum y poniéndole el broche de oro, el tema Do or Die, del cual ya tienen una versión junto a Ángela Gossow (Ex Arch Enemy), aunque en esta ocasión no la escucharemos. Es un tema muy Heavy, pesado, y muy potente, en el que esta vez son los chicos (Henrik Englund y Nils Molin) quienes toman el mando

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A mí me ha encantado, excepto por un tema que es, para mi gusto personal, demasiado “barullo” y casi no puedo apreciar con claridad la música, pero por todo lo demás le doy un sobresaliente a este nuevo trabajo de estos chicos y chica. Si os ha gustado, no dudéis en seguirles en sus redes sociales y apoyar su música comprándola y escuchándola. Sin más que añadir, creo que voy a seguir bailando con Amaranthe y su álbum Manifest. Un abrazo enorme, y a cuidarse!

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Los indios del Mardi simbolismo y tradición

n esta entrega os propongo un viaje un tanto diferente. Si bien vamos a irnos a Nueva Orleans una vez más, en esta ocasión vamos a visitar la Nola más profunda y folclórica de la mano de una de las manifestaciones culturales más curiosas de Norteamerica: los Indios del Mardi Gras. Pero, ¿qué es eso del Mardi Gras? El Mardi

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Gras es el nombre con el que se conoce el Carnaval en Nueva Orleans (entre otros lugares, como Québec o Alabama). Se trata de una tradición francesa que vendría a ser como nuestro Martes de Carnaval, aunque más quisieramos nosotros…

Los indios del Mardi Gras, simbolismo y tradición

Comienza el 6 de enero con un desfile nocturno de carrozas, bailes de máscaras y las King Cakes. Desde esa fecha hasta el martes de Carnaval se pueden ver desfiles diarios, siendo los más espectaculares los de los últimos

Gras

cinco días. Entre todas estas festividades, hoy en día ya súper masificadas por turistas, podemos encontrar en las zonas más alejadas del centro celebraciones alternativas cargadas de simbolismo y tradición, como la que se lleva a cabo en el barrio de Tremé por parte de los indios la noche de San José, o los llamados Sunny Sundays. Y ¿de dónde viene esta tradición de vestirse de indios? Retomemos la historia desde el principio y viajemos hasta el Siglo XVIII. Nue-

va Orleans era la cuna de la esclavitud, como ya sabréis. Muchos negros cimarrones huían de las grandes plantaciones en busca de una vida mejor. Entre 1750 y 1760 se produjo un gran éxodo de esclavos del área del Mississippi, muchos grupos se establecieron en las zonas pantanosas cercanas a Nueva Orleans (el Bayou), mientras que otros se alistaban en el ejército del Norte (los Buffalo Soldiers). Sí, sí, como la canción de Bob Marley que hace un homenaje a estos perseguidos. En LaCarne Magazine

esa huida, a menudo coincidían con los otros grandes parias de la sociedad americana, los nativos americanos (vamos, los indios, que curiosamente pusieron el nombre de Buffalo Soldiers a los negros alistados al ejército, pues decían que tenían el pelo rizado como los búfalos). Tras la abolición de la esclavitud, los descendientes de esos primeros huidos ya se habían hermanado con los nativos americanos, creando una subcultura híbrida. Segregados de la sociedad como estaban, se reunieron en imaginarias tribus para seguir conservando una tradición cultural que habían hecho propia, y mantener así el sentido de su comunidad e identidad negras. Como grupo con identidad propia, pronto se integraron en la sociedad de Nueva Orleans, pero a su manera, adaptando la tradición de aquellas comunidades nativas que les acogieron a sus tradiciones africanas. Eran los outsiders de la sociedad dominada por los blancos. Poco a poco fueron evolucionando como sociedades semisecretas, con sus canciones y costumbres propias, y un lenguaje que derivaba del slang y del patois (jergas callejeras). El primer desfile de indios del Mardi Gras fue en 1865. Parece ser que entre 50 y 60 «indios de las Llanuras» desfilaron ese año durante el Carnaval, y unos meses después se creaba la primera tribu de indios afroamericanos: la Creolé Wild West, que parece ser que eran exmiembros del show mundial de Buffalo Bill, que curiosamente estuvo en España en 1899, y que llegó a Nueva Orleans en 1864, dejando un montón de nuevos ciudadanos (este show también fue el refugio de muchos esclavos huidos y muchos nativos desesperados ante el voraz colonialismo europeo). La Creole Wild West estaba lideraba por Becate Batiste, el primer criollo que se vistió como indio en Mardi Gras. Las tribus estuvieron muchos años enfrentadas entre ellas, incluso se aprovechaba el desfile para cometer actos de venganza. Sin

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embargo, en los años 60, el nieto del legendario Becate Batiste, Allison Tootie Montana, imploraba por la unión de las tribus, consiguiendo cambiar la dinámica de la lucha. En vez de armas se lucharían con aguja e hilo (algo que se conseguiría definitivamente en 1987 con el Consejo Indio del Mardi Gras, superando esos conflictos históricos que había entre tribus para unirse y poder preservar y enriquecer juntos su cultura). Ahora la lucha consistía en ser la tribu más vistosa y original, y para ello se esmeraban durante un año entero en confeccionar trajes espectaculares a base de plumas, pedrerías, remaches brillantes, y un gran bordado central, donde se solía (y suele) representar alguna escena evocadora de la tradición de los indios nativos. Se trata de verdaderas obras de arte, muy llamativos y aparatosos, pareciendo

increíble que estén hechos a mano.

para el desfile.

En 1964 se aprobó la Ley de Derechos Civiles que acababa con el segregacionismo. A partir de ese momento, los indios podían recorrer toda la ciudad, dándole una gran popularidad a este festejo, y dando como resultado la «institucionalización» de una de las tradiciones más curiosas de todo Estados Unidos.

A éste le sigue el Second Chief, su segundo a bordo. Después viene el Spy Boy, que es como una especie de oteador que vigila el encuentro con otra tribu, y que al hacerlo avisa rápidamente el Wild Man, el portador del arma simbólica que se encarga de anunciar a la otra tribu la entrada en escena de su jefe.

Los primeros indios negros eran más ortodoxos, sus vestimentas eran muy similares a las de los nativos originales, pero con el paso del tiempo han ido volviéndose cada vez más espectaculares.

También están el Flag Boy, portador del estandarte de la tribu, y los Second Liners, los vecinos que apoyan y acompañan a la tribu en su recorrido (espero no haberos liado mucho).

En cuanto la organización interna de las tribus, cuentan con jerarquías muy marcadas. En la parte más alta se encuentra el Big Chief o Gran Jefe, que entre otras cosas es quien decide, secretamente, cuál va a ser el recorrido

Cuando dos tribus se encuentran, empieza «la batalla». Informada la tribu, el Wild Man abre paso a su jefe ante el jefe de la otra tribu. Enfrentados estos, empiezan a increparse con mucho swing (que para eso son de Nueva Orleans), como si estuvieran rapeando, burLaCarne Magazine

lándose de la otra tribu a partir de la improvisación. Cuando los jefes se cansan, continúan su camino hasta que se encuentran con otra tribu y vuelta a empezar. Las creaciones musicales que acompañan a estos desfiles y sus batallas son producto de la improvisación y la espontaneidad. Es como un acto hipnótico que se basa en cánticos de llamada y respuesta, y en percusiones polirrítmicas, a la manera de los Riots. Las tribus tienen un local de encuentro, una especie de club social, donde se reúnen durante todo el año para trabajar en los trajes, ensayar sus cánticos, y organizarse. Es un lugar donde mantener vivas sus tradiciones. Hoy en día existen más de 50 tribus: Bo Dollis & The Wild Magnolias, Monk Boufreaux & The Golden Eagles, Creole Wild West, Fi Yi Yi, Yellow Pocahontas… Algunas de ellas han grabado discos, casi siempre respaldados por músicos como The Neville Brothers, Rebirth Brass Band o Dr John. Si bien los discos no suenan como la música de los desfiles, nos sirve para entender esta tradición musical que podría considerarse el germen del resto de las músicas negras, pues su influencia, aunque poco reconocida, es innegable. Algo curioso es que casi ningún indio es músico profesional. Yo soy de las que considera que en estas manifestaciones culturales es donde hay que rebuscar para intentar entender qué es eso a lo que denominamos Música de Nueva Orleans, esa música que te llega al alma, pero que no eres capaz de meter en ningún saco de estilos. Porque Nueva Orleans huele y sabe a música, a raíz, a África y también a América, pero a la América más pura y real, aquella que levantaron los oprimidos… por eso «make great América, amiguis», pero a lo Cooty Fiyo (echadle un ojo a la serie Tremé. En serio, hacedme caso).

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gussy un viajero eterno desde Pamplona

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l sector de la música se ha visto muy dañado este año, haciendo que se pare casi toda la industria, pero aún quedan artistas como Gussy que luchan contra viento y marea para dar a conocer su música, sin importar todas las nuevas medidas que deba seguir, y adaptándose a nuevos métodos de promoción. El pamplonés Gussy se atrevió a grabar un disco en directo el 12 de junio de 2020, en mitad de la pandemia mundial del COVID-19 en el escenario principal del Palacio de Congresos y Auditorio Baluarte de Pamplona. Hemos hablado largamente con este gran artista para que le conozcáis un poco más, y os contagiéis de su optimismo y su música. Os presentamos desde LaCarne Magazine a Gussy!

Gussy, un viajero eterno desde Pamplona

Antes de hablar de Gussy, tu proyecto musical, nos gustaría conocer a la persona que hay detrás. Felipe Carbajal, cuéntanos cómo surgió en ti la llamada de la música. ¿Cuándo te planteas que quieres dedicarte a la música? La historia es larga porque son ya casi 25 años en la música, pero voy a intentar resumir. No vengo de una familia musical, sino que empecé a tocar la guitarra a los 14 años por darle una alegría a mi madre, que me lo pidió “por favor” porque ella tenía una guitarra en casa, pero nunca había aprendido a tocarla. Ahí fue cuando empecé a darme cuenta de que con un instrumento y mi voz podía sacar muchas cosas que llevaba dentro, y además me sentaba muy bien. Desde el primer momento en que aprendí mis dos primeros acordes empecé a escribir canciones. Al principio hice bandas con mis amigos en el colegio, y yo era el guitarrista y compositor pero no cantaba (era un cantante realmente malo), hasta que me di cuenta de que necesitaba de alguna manera cantar lo que escribía. Di el paso de apuntarme a clases de canto, y conseguí aprender a manejar mi voz hasta el punto de lanzarme con 18 años a grabar mi primera maqueta, en la que, con el valor de un LaCarne Magazine

adolescente, yo tocaba todos los instrumentos. Háblanos de tu experiencia musical, porque sabemos que antes de Gussy formaste parte de otras formaciones. ¿Fue Barracus tu primera banda? ¿Qué recuerdos guardas de aquella época, y qué es lo que aprendiste en ella? A los 18 años ya participaba en certámenes de cantautores, y montaba bandas efímeras con mis amigos a la vez que estudiaba en la universidad, pero fue al acabar la carrera cuando formé mi primera banda seria, y con la que conseguí el sueño de grabar discos y girar en una furgoneta por todo el país. Se llamaba El Color de la Duda, y estuvimos en activo 10 años. Conseguimos sonar en las radiofórmulas una temporada, hicimos conciertos grandes y pequeños, pero, sobre todo, aprendimos de qué iba esto del negocio de la música. Fue muchísimo trabajo entre cuatro veinteañeros que nos queríamos comer el mundo. Al final, el desgaste acabó con el grupo, pero seguimos siendo como una familia. Luego vino Barracus, un proyecto a dúo con Lucas Irisarri, y que acabó creciendo casi sin

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quererlo. Ambos veníamos de ser los cantantes de otras bandas, y ahí nos juntamos a jugar con las canciones, y, sin darnos cuenta, conseguimos grabar tres discos de estudio y uno en directo, y girar de nuevo por todo el país, tanto en formato acústico como con nuestra banda de acompañamiento, los Bedbreakers. Si antes había aprendido lo que era el trabajo duro con una banda, ahora aprendí a divertirme y dejar fluir la música sin pretensiones. Algo que también me ha venido muy bien luego. Además, creamos nuestro propio sello discográfico, y comencé a ser el técnico de sonido y productor de nuestros propios discos, algo que sigo haciendo a día de hoy. Después de esta experiencia, decides emprender un nuevo viaje musical bajo el nombre de Gussy. Cuéntanos cómo surge este proyecto y con qué sonidos podemos identificarlo. Mi primer disco en solitario como Gussy (Imposible, 2015) lo grabé a la vez que seguíamos tocando con Barracus. Iba a ser solo un capricho puntual para sacar unas cuantas canciones del cajón de las canciones olvidadas, pero coincidió que ese mismo año la vida de

años que llevaba en la música, tenía la agenda del móvil llena de números de gente que, además de ser buenos amigos, eran grandes músicos a los que admiraba. Llamarles uno a uno para liarles y robarles algo de su arte para mis canciones, y que todos me dijeran que “si” fue como un premio para mí. Creo que fueron más de 15 músicos los que dieron forma a ese disco en el que hay distintos baterías, guitarristas, bajistas, cantantes, teclistas… Para mí escuchar ese disco es como ver un álbum de fotos de una gran parte de mi vida musical y de mis amigos.

Lucas y la mía fueron por distintos caminos por distintas causas (familia, trabajos etc…), y Barracus empezó a dejar de ser tan productivo como había sido hasta la fecha. Yo he seguido haciendo discos porque es mi dinámica. Intentar componer un disco al año con Gussy. Hago lo mismo que siempre: inventarme canciones que creo que son bonitas, pero ya no tengo el filtro de una banda o de otro músico, sino que es 100% lo que sale de mí, y ése puede ser el cambio o la evolución que se puede ver en mi música en solitario con respecto a la de otros proyectos míos. Barracus aún no ha muerto del todo, y es posible que sigan surgiendo canciones, a un ritmo mucho más lento que antes, pero creo que seguiremos creando algo de vez en cuando. Ya ha llovido desde que en 2015 sacaras Imposible, tu primer trabajo como Gussy, y empezaste bastante fuerte contando con una gran cantidad de músicos. Desde la distancia, ¿cómo lo ves ahora? ¿Guardas algún recuerdo en especial de este trabajo? Guardo un recuerdo maravilloso de ese disco y de esa grabación. Después de todos los

En 2016 y 2017 llegan otros dos nuevos trabajos, Nos mojaremos cuando llueva y Horizontes respectivamente, y en 2019, Canciones cortas para viajes largos. A lo largo de todos ellos vemos cómo has ido creciendo y evolucionando en tu sonido. Personalmente, ¿cómo te has visto tú en esta evolución? He seguido con la inercia de componer y grabar discos, ahora defendiéndolos en solitario la mayoría de las veces, pero, poco a poco, contando cada vez en más ocasiones con una banda a mis espaldas. Supongo que tanto el rodaje de mis canciones en solitario, acompañado únicamente de mi guitarra, como el rodearme de distintos músicos para grabar los discos y defenderlos en ocasiones en directo con banda, han ido haciendo que mis canciones cojan un rumbo natural. Adquiriendo más madurez, experiencia y sonido de banda, que es mi objetivo a pesar de firmar las canciones con mi nombre. Espero que haya una evolución que el publico aprecie entre un disco y otro, pero yo no la busco premeditadamente. Simplemente sigo dándome el placer de componer y grabar canciones. Eso sí, me alegra que la evolución exista y sea apreciable. Ojalá no me estanque nunca, y, cuando sea viejo, escriba canciones de señor mayor. Ésa es la evolución que me gustaría. Entremos en materia y hablemos de tu último trabajo, Gussy y Los Tripulantes en Directo, grabado desde el Baluarte de Pamplona, y en plena pandemia de Covid-19. En primer lugar, LaCarne Magazine

nos gustaría que nos contaras cómo ha sido esta experiencia de tocar sin público. Imaginamos que se echa de menos, ¿no? La experiencia fue muy rara. Después de más tres meses sin dar un concierto, fue una alegría enorme recibir la llamada de Baluarte para ofrecernos la posibilidad de dar un concierto en su sala principal, con todos los medios humanos y técnicos a nuestra disposición y emitirlo en streaming. Un honor que pensaran en nosotros para algo así, y una alegría tener esa excusa para volver a juntarnos toda la banda, y subirnos a un escenario en mitad de todo lo que estaba pasando en el mundo.

me comenzó a acompañar en los conciertos acústicos desde el primer disco. Luego fue grabando guitarras en posteriores discos, y, finalmente, ha acabado siendo el responsable de la guitarra.

El hecho de tocar frente a 1500 butacas vacías fue una experiencia que me alegro de haber vivido, pero espero no volver a tener que repetir. Afortunadamente, la alegría de estar todos juntos tocando, los técnicos trabajando, las cámaras, las luces…, nos hizo olvidarnos enseguida de que no había publico, y lo pasamos muy bien.

Carlos Colina (teclas y pedal Steel guitar) merece mención aparte porque es el más músico de todos. Multi instrumentista, compositor, cantante…, lo tiene todo, y para toda la banda es un honor tocar con él, y disfrutar de su gusto arreglando las canciones. Lleva conmigo desde el primer disco de Barracus, y siempre con una sonrisa y con la nota justa en el momento preciso.

No había nadie delante nuestro, pero entre bambalinas había un montón de trabajadores del espectáculo que ese día estaban haciendo lo que más les gusta: trabajar, llevar un concierto adelante…, y creo que fue un momento de extrema felicidad para todos los que estábamos ahí. Duro, pero feliz. Pero en este proyecto no estás completamente solo, porque te acompañan cinco musicazos: Los Tripulantes. Cuéntanos cómo surge esta conjunción entre Gussy y Los Tripulantes ¿ya estaban formados y contaste con ellos, o se formaron a partir de contar tú con ellos? Los Tripulantes es una banda que se ha ido formando con el paso de los discos y los conciertos de Gussy. Son parte de los amigos que se han ido sumando a mis canciones, y que finalmente se han convertido en fijos. Me gusta pensar que ninguno de ellos tiene ningún compromiso conmigo. Son la tripulación de mis canciones, y están en esto porque están disfrutando del viaje. Los últimos en incorporarse fueron Tote Garjon (bajo) y Sergio Izquierdo (batería). Jon Carbajal (guitarra) es mi hermano, y

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Es una gozada grabar con él porque, como yo también soy guitarrista, no tenemos esa lucha de egos entre músicos, el respeto es total y da igual quien grabe una toma u otra de guitarra. Luego nos repartimos el trabajo para el directo y ya está. Además, estar tocando con la banda, mirar a un lado y ver a tu hermano disfrutando contigo, es la leche!

Hemos hecho una piña con Gussy, y es una gozada contar con estos músicos a mi lado.

Hemos visto algunos vídeos de este disco de Gussy y Los Tripulantes en Directo, como Las Vegas o Desde los tejados. ¿Cuántos vídeos de este directo hay disponibles? ¿Te planteaste hacer un DVD? Creo que ahora mismo hay 11 de los 15 temas que interpretamos en directo. Los vamos subiendo poco a poco al canal de Youtube. Pronto estarán todos. La verdad es que sería bonito tener un dvd en directo porque la realización audiovisual de ese concierto fue alucinante. Igual algún día lo hacemos. Cuando tengamos dinero para gastar en fabricar dvds que poca gente verá. Hoy en día la música se consume frente a la pantalla del ordenador. Somos conscientes de ello. Además de Los Tripulantes, contaste también con algunos artistas invitados. ¿Ya tenías pensado quiénes iban a participar y en qué canción? Háblanos de ellos y de su colaboración en este trabajo. En cuanto me llamaron para el concierto tuve claro que iba a invitar a un buen puñado de amigos. Lo primero, porque me encanta ro-

dearme de amigos, y lo segundo, porque me parecía justo ofrecerles el gusto de volver a un escenario después de esos meses tan duros para todos. Todos habían colaborado antes conmigo en otros conciertos, y esta vez tan especial no podía dejar de ofrecerles la oportunidad de sumarse a la fiesta. David Orduña grabó la trompeta de Vuelve, el single de nuestro último disco, y después se había sumado a más de un concierto acompañándonos en otros temas. Es otro fiera que te da tal confianza que solo hay que ponerle un micrófono, y decirle “sopla la trompeta cuando quieras y en la canción que quieras”, y sabes que lo va a hacer bien. A Naiara Ruz la conozco desde que empecé como cantautor y ella participaba en los mismos certámenes que yo. Hemos ido creciendo musicalmente juntos, y es una de las mejores voces que tenemos en Pamplona, además de ser la bailarina que sale en el videoclip de “Vuelve”.

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Lucas Irisarri era mi compañero en Barracus, y recuperé la canción Rolling Stones de nuestro último disco juntos para tocarla ese día con mi banda, y con Raul Elizalde a la guitarra (que también era el guitarrista de Barracus) Y Ángel Ocray… Cada vez que veo su cara entre el publico le invito a cantar “Caminos de espejos” porque es una canción que, aunque la compuse yo, él la hace suya cada vez que abre la boca, y le da ese arte flamenco que solo Ángel tiene dentro. A pesar de la pandemia, ¿tenías previamente pensado grabar este disco en directo? Cuéntanos cómo nació esta iniciativa y cómo ha sido posible llevarla a cabo. No teníamos pensado grabar un disco en directo. Solo fuimos a dar un concierto con todas las ganas del mundo. Cuando ya pasó todo, y empezamos a ver y oir las canciones que habían quedado grabadas en la emisión del streaming, nos dimos cuenta de que habíamos tenido un buen día, y que se respiraba algo especial en ese concierto. Fue entonces cuando dijimos: ¿y si lo publicamos en un disco? La verdad, escuchando el disco es como si estuviéramos allí, y eso dice mucho del trabajo que hay detrás de este directo. ¿Cómo fueron los preparativos, el “antes de”? ¿Qué ha sido lo más complicado de este trabajo? Te mentiría si digo que fue complicado. Posiblemente haya sido el disco más fácil de hacer de nuestra carrera. ¡Solo tocamos y disfrutamos! No sabíamos que estábamos grabando un disco. Hicimos tres ensayos en medio de un confinamiento, y nos encontramos sobre un escenario enorme con un montón de gente trabajando para que todo saliera bien. Teníamos muchísimas ganas de tocar, solo teníamos que darle a la misma nota todos a la vez, y hacer lo que se supone que sabemos hacer. Tocar canciones juntos. Y salió todo rodado. Podría no haber sido así,

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pero ese día nos salió! En cuanto a los temas que ibas a grabar en este disco, ¿ha habido una selección especial de canciones? ¿Las que más te gustan a ti, las que gustan más al público, algún tema nuevo? Cuéntanos.

resumen de mis cuatro discos en solitario con canciones de todos ellos. Si yo fuera un artista de éxito, te diría que ahí están mis grandes éxitos de estos últimos cinco años. Cuando llegó el día de grabar el concierto, ¿qué sensaciones tenías? ¿Cómo te sentiste sobre el escenario? Como no era consciente de estar grabando un disco en directo, no tuve esa presión añadida. Pesaba mucho más la emoción y la responsabilidad de ser uno de los primeros conciertos que se hacían tras el confinamiento, que se emitía en streaming, que necesitábamos el contacto humano, y estábamos tocando para un auditorio vacío, aunque hubiera gente en sus casas viéndonos. Creo que la presión de todos fue el intentar transmitir que “no pasa nada”, “esto ya se acaba”, “ánimo a todo el mundo”. Nuestra mayor presión era tratar de hacer un concierto normal en una situación extraña. Posteriormente a la grabación de este disco, hay un gran trabajo de producción y edición para que todo quedara perfecto. Sabemos que suele haber más gente detrás trabajando. Háblanos del equipo del que te has rodeado para llevar a cabo este disco. Lo que oyes en el disco es exactamente lo que sonó en ese momento. No hay ningún tipo de edición posterior (exceptuando que hemos eliminado alguna charla excesivamente larga por mi parte entre algunas canciones). Ese día hubo un problema con la grabación multipistas, y no se grabó el concierto por pistas, sino que solo se grabó la señal L-R que salía por la mesa de mezclas, de forma que no había posibilidad de retocar luego nada. Si hay una nota mal dada, ahí se queda. En el disco EN DIRECTO están todos los temas que interpretamos ese día, y en el orden que los tocamos. Hicimos un repertorio para una hora de concierto, que era el tiempo recomendado por la organización para el streaming, y eso nos hizo seleccionar bien los temas. Al final creo que ha quedado un bonito

Afortunadamente contábamos con un equipo técnico de lujo, y Rau Elizalde (nuestro técnico de sonido) hizo un trabajo enorme mezclando en directo el concierto. Esto, sumado a que contábamos con el personal de sonido de Telesonic, y la iluminación y escenografía de Global, ha hecho que podamos publicar este LaCarne Magazine

disco de esta manera. Es un directo de verdad. Sin ningún retoque posterior. Una vez está hecho el disco, llega el momento de darlo a conocer, que el público lo escuche y hacer balance de los resultados. Dinos, ¿cómo lo ha recibido la gente? ¿Estás contento con este trabajo, o es pronto para hacer ese balance? Es pronto, pero hemos sacado un disco en una época en la que casi nadie está sacando discos. Eso, sumado a la peculiaridad del directo y lo especial de la fecha en que se grabó, ha hecho que la noticia llegue a más gente, y estamos muy contentos con la respuesta del público. Le están haciendo mucho caso, y las ventas físicas están siendo un reflejo del apoyo que nos da nuestro publico a los trabajadores de la música. La situación actual del sector musical, al igual que otros sectores, se ha visto muy afectada por la pandemia. En tu caso, ¿cómo te ha afectado personal y musicalmente hablando? ¿Has cancelado o pospuesto fechas de conciertos? He tenido que cancelar muchísimos conciertos, y otros se han ido cancelando conforme se acercaban las fechas. Es un desastre. Yo hasta ahora vivía de mis cuatro o cinco conciertos al mes en pequeñas salas o bares, y de mi trabajo como técnico de sonido en mi estudio y en directo. Todo se ha caído, y ahora sobrevivo como puedo, haciendo algunos trabajos en el estudio y tratando de seguir creando música. Mi familia, como la de muchísimas personas, se sostiene sobre un pilar que siempre ha sido inestable, pero que ahora está en ruinas. Los conciertos. Aun y todo me siento afortunado porque aún me mantengo en pie. No puedo imaginarme la situación de las personas cuyo único trabajo estaba dentro de las giras de bandas, como técnicos en salas de conciertos, los pipas, los backliners… Nosotros seguimos reafirmando que la cultura es segura, aunque tal y como está el panorama actual, artistas y bandas tienen bastante

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complicado hacer una gira. Músicos como tú se las ingenian para seguir adelante, en tu caso con este disco en directo, en otros casos con conciertos en streaming. ¿Cómo lo ves? ¿Crees que el sector saldrá adelante? La música nunca va a dejar de sonar, y la situación cambiará. No creo que nada vuelva a ser lo mismo, pero tampoco creo que sea el fin del mundo. Lo que más miedo me da es qué va a pasar con los que antes jugábamos en segunda o tercera división. Cuando se vuelva a los directos, va a haber tal exceso de ofertas que no va a ser fácil encontrar un hueco para los pequeños como yo. Los grandes siempre van a poder agarrar una guitarra acústica y hacer una gira de teatros, de salas, de bares…, pero si en los escenarios donde antes tocaba yo ahora esta Amaral (por ejemplo) tocando en acústico…, ¿qué pasa con los que antes estábamos ahí? De todas formas, creo que hay que pensar en positivo y seguir adelante. Algo pasará. Esperemos que bueno. Mientras tanto, hay que seguir buscando la canción perfecta y seguir manteniendo la ilusión. Que lo que venga nos pille alegres y preparados. Nos ha gustado mucho tu trabajo, Gussy, y esperamos que la situación mejore pronto para poder disfrutar de tu música en directo junto a Los Tripulantes. Ha sido un placer hablar contigo y conocerte un poco más. Te esperamos nuevamente en LaCarne Magazine para que nos cuentes cómo te va. Un fuerte abrazo para ti y para Los Tripulantes. Muchísimas gracias a vosotros por abrirme esta ventana, y a vuestros lectores por leer estas líneas. Espero que nos veamos pronto en un concierto, nos abracemos, y brindemos porque ha vuelto la vieja normalidad. Salud!

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La Derretida

pionera del Hip Hop en Chile este 2020.

Os traemos a La Derretida en entrevista exclusiva para LaCarne Magazine.

onocí a Nalini Galdamez aka La Derretida entre mayo y junio del 2002 junto a su compañero de vida Alex Saavedra aka Sustancia Loop en pleno Santiago. Hicimos lazos de amistad y colaboré en tema, Mirándonos a los ojos, que saldría su nuevo proyecto, Mantekilla Digital, y el álbum Reponedores del Sentido, que editó en 2002.

un en en se

Es una de las voces femeninas pioneras del Movimiento Hip Hop en Chile con su grupo Corrosivas, activista y productora, que ahora vive una edad adulta rodeada de la familia y de la música que dan a la luz desde Viña del Mar, y acaba de estrenar un nuevo material discográfico, Súper Sólido, EP que nos ilumina en

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La Derretida, pionera del Hip Hop en Chile

Mc Nalini es una mujer poeta, rimadora y con actitud de nobleza. Se presenta como músico, autodidacta, comunicadora audiovisual, adicta a los aromas y vegetariana real. Un saludo muy grande y fraterno desde las alturas paceñas. ¿Cómo se encuentran durante esta época de contingencia o bien llamada pandemia? Querido Alfonseka, agradecida de esta invitación, siempre un placer conversar contigo. Son tiempos de grandes cambios en todo nivel -políticos, sociales, de consciencia, energía-. Siento que todo cobra más sentido y responsabilidad para darle un giro a mi entorno, entregando música, amor, conciencia, y difundiendo todo lo que pueda aportar. ¡El cambio es ahora!

mensaje subliminal y feminista. En alguna entrevista te escuché decir algo simpático: “el Hip Hop es una forma de vida, inspira mucho estilo, placas tectónicas para ver la diversidad”. ¿Qué es el Hip Hop para ti, luego de entregarte más de la mitad de la vida a las rimas y movidas culturales? Es como una gran familia -terrible & cool-, de la cual sigues aprendiendo y evolucionando. Aunque las generaciones cambien, nunca te va a desconocer, porque aprendiste de sus códigos, te alimentaste con tus sueños, y tienes el placer de ver crecer y mutar este Movimiento al ritmo de los cambios sociales, políticos y ambientales. Tu dedicación es ser MC -con una vasta discografía- que va desde Corrosivas – Destino Invisible (2000), Mantekilla Digital – Reponedores del Sentido (2003), Mantekilla Digital – Peligro de Temporal (2006), La Derretida – Sólido y Líquido (2012). Acabas de lanzar Súper Sólido, EP que trae La Derretida en el 2020. ¿Cómo resumes tu discografía hasta la fecha? Totalmente “ad-hoc” a las etapas de mi vida. Son el reflejo de mis inquietudes, gustos y visiones de adolescente. Te inicias como B Girl en los 90’s, para luego escribir letras y conformar el grupo Corrosivas con participación femenina exclusiva. Editaron su disco Destino Invisible en el 2000, y han sembrado un legado para las nuevas generaciones de mujeres hip hopperas. ¿Cómo fue esta experiencia? Un descubrimiento y enamoramiento de la Cultura Hip Hop como tal, un eterno aprender de nuestros pasos como mujeres, reconociendo el estrecho espacio, haciendo presente nuestro canto, desmarcándonos del paradigma de “la mujer objeto” en el rap, acercándonos cada vez más a “la mujer como ser humano en igualdad de derechos”. Sin duda aprendimos mucho, ha sido una enorme experiencia de la cual me siento orgullosa, porque no descansamos hasta lograrlo -jejejey-. Sin darnos cuenta abrimos el camino a las raperas de hoy, alguien tenía que hacerlo, y allí estuvimos las Corrosivas con su

Como Corrosivas -marcada por una rebeldía feminista-, Mantekilla Digital -la ironía- y La Derretida -más madura, con familia-. Distintos procesos que me han entregado mucho para cada trabajo. Hablando de Súper Sólido, que es el flamante material recientemente estrenado en las plataformas digitales -en plena cuarentena uno se reinventa-, hay resistencia lirical y musical ante las nuevas imposiciones gubernamentales y mundiales del orden por reestablecer. Nos han tapado la boca, pero no la voz ¿Cómo te sientes musicalmente en estos momentos de dar a luz una nueva obra discográfica? Es un respiro profundo -como después de un parto-. Sale a luz un trabajo que esperó 3 años por distintos motivos personales, el estallido social, la pandemia, etc. Y siento que no pudo haber salido en mejor LaCarne Magazine

momento. Creo que la gente está más dispuesta a escuchar temas con contenido social y crítica constructiva. Vivimos mucho tiempo atrapados por el neoliberalismo, ciegos del consumo y lo cómodamente desechable. Ahora nos toca hacernos cargo de nuestra realidad y de cómo queremos vivirla. Háblanos de la producción de Súper Sólido. ¿Cuánto tiempo te llevó engendrarlo? Tienes un par de colaboraciones, además de la familia haciendo la producción musical. Coméntanos de Dj Reina, Dr. KWatt, Solo Di Medina y de Chico A e hijos. ¿Cuéntanos de los artistas que participaron en el flamante EP? El disco llevó 3 años en producir, donde hice la mayoría de los temas y otros que se compusieron este 2020. La verdad es que son más temas, que por presupuesto lo dividí en 2 EP’s. (SúperSólido, y el próximo que viene en 2021). La producción del disco está hecha casi en su totalidad por Chico A, Pera Prezz y mis hijos, que compusieron 2 temas del disco. Los

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invitados como Dj Reina, Solo Di Medina, Dr. Kwatt y los músicos, sumaron el trabajo final. Estoy muy contenta y conforme con cada aporte. Me encanta leer que son “la icónica y virtuosa dupla”, celebrando años de historia musical. En esta producción discográfica, en compañía de sus dos hijos – Aidan (bajo) y Adhar (guitarra)-, ¿cómo se la vive y se la siente tan bella experiencia? Es realmente maravilloso. Jamás te imaginas que tus hijos sigan tus pasos. De hecho, nunca los obligamos a hacer algo que no quisieran, y trabajar con ellos fue muy natural y sincrónico. Se han tomado muy en serio su oficio de músicos, y quisieron aportar con melodías de su creación. Me siento muy orgullosa de ellos y de poder vivir esta experiencia junto a ellos. Arrancamos disfrutando con Súper Sólido -tema homónimo del EP-, que tiene un aire Funky, con scracthes de DJ Reina. Una fuerte declaración de amor al Hip Hop. ¿Quiénes participan en la musicalización? ¿Cómo te fluyó la lírica?

ché del disco. Estamos rodeados de grandes opresores, dictadores, gobernantes estatales o bancarios, que hacen lo que les da la gana con la humanidad. ¿Cómo nace la idea del tema? ¿Qué te inspiró para la lírica? Está basado en una historia real que me tocó vivir muy de cerca -en época de post dictadura-, y siempre me persiguió la idea de decirle en su cara al torturador, opresor, encubridor, criminal. Todas las perversidades y demonios internos que presentan esos personajes, del cual nunca serán libres por todo el daño causado. Una jerarquía de abusos, que hasta el día de hoy muchos siguen protegidos e impunes.

Ese tema es como el alma del disco, mi manifiesto, un nuevo estado atómico del que me siento y proyecto. Así nace, presento mis elementos, como bien tú dices: una declaración. Pura alquimia, familia y Funky. En la producción musical, mis hijos proponen la línea melódica con bass y guitarra, y Chico A el beat. Dj Reina al final lo decora con frases de química -de este nuevo estado- de la materia. Uno de mis preferidos es el tema Traficantes de influencias, canción con temática social o políticamente explícito -como en muchos casos es el Rap combativo-. ¿Quiénes te acompañan en la producción musical? Este tema es producción de Chico A con mis hijos -al igual que SúperSolido-. Propusieron toda la línea melódica -guitarra, bajo y sampler-. También participa un tremendo percusionista cubano radicado en Suiza llamado Mambi. Mezclado y producido en Suiza en Studios MP, donde están actualmente. Enemigo Público es el primer tema que escu-

Muévete tiene un aire musical caribeño, de Son Cubano. Colaborando contigo en las voces está Solo Di Medina, una pieza que hace bailar hasta los más tiesos o necios -ja ja ja-. ¿Cómo nace la canción? ¿Quiénes participan en la producción musical? El tema está producido por Chico A y Pera Prezz, quien hizo el nexo con Víctor Flores – Solo Di Medina – en Modo Studio (Chile), donde masterizamos el disco. Participan músicos-percusionista, trombón y piano- que le dan su toque más caribeño. Yo grabé la lírica y se la enviamos a Víctor, y él fluyó con todo ese sabor latino cubano. Se produjo esta mezcla que habla de la mujer latina, de su gente luchadora y esforzada, del calor y amor de su pueblo, del inmigrante y las adversidades para seguir adelante. Me encanta la simpleza y entrega de nuestra gente. “Self destruction, no quiero más self destrution” es uno de los versos más apreciables del tema Despierta, que viaja musicalmente hasta el Dance Hall. ¿Qué magia hay entre la producción musical y la poesía lírica para poder sacar joyas tan relevantes como ésta? La conexión con el productor, concentración, meditación, y que te guste mucho lo que estas escuchando para sacar el mensaje. Me motivó apenas lo escuché. Cerramos la obra musical con Recién Comienza junto a Dr. Kwatt, canción que realizó una LaCarne Magazine

nueva obra -visual- entre ambos participantes. Coméntanos de la producción musical y del videoclip, ¿quiénes participan? ¿Cómo llega la letra? Dr. Kwatt son Nomades y Sebastián, dos productores de beat a quienes conozco hace mucho tiempo, y me invitaron a este tema. En un principio era para su disco, y cuando terminé la letra les propuse que apareciera en mi disco también. Invité al Pera Prezz, que hizo unas guitarras increíbles que le dieron un toque más Funky. Esa onda Electro Funk me inspiró para hablar de una volada más espiritual en medio de la

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ciudad, una especie de terapia que me libera del encierro y del caos con música para el alma que me levanta cada día para empezar de nuevo. Les gustó la idea y les propuse el guión del video, que terminamos auto-produciendo con Kwatt. Cerrando el repaso de Súper Sólido, queda el detalle del arte, la portada, el cover del disco, un trabajo indiscutiblemente excelente. ¿Quién es el autor? ¿Cuéntanos el concepto de la magnífica obra? El responsable es Víctor Miced, un talentoso diseñador amigo y rapero. Le conté en qué volada estaba yo, escucha-

mos algunos temas en su casa, hablamos del disco (que era un estado de transformación que estaba pasando ya hace un tiempo), hablamos de las piedras, los minerales, los átomos, le mandé referencias de la estética, y él le dio el concepto con los colores. Diseñó con la tabla periódica que aparece con el nombre del disco, cerrando esta idea de los estados de la materia. Mi nuevo estado. Del vídeo Lillo, estate atento (Mantekilla Digital – 2003), a Misterios sexuales (La Derretida – 2012) hasta Derrítase y libere (La Derretida – 2016) han puesto calidad a sus propuestas visuales, a sus producciones. Son directores y productores de sus propios guiones. ¿Cómo fue esta experiencia de realizar y dirigir sus videos? Siempre ligados al audiovisual -yo estudié cine-, así es que siempre lo traté de aplicar en mis creaciones, trabajando con compañeros del Instituto o amigos relacionados con el medio. Siempre nos apoyaron en estas ideas locas, aprendiendo y aplicando el conocimiento desde el guión, la producción, dirección arte, etc. Maravillosas las experiencias en cada trabajo, en cada video se aprende el oficio. Raúl Venegas dirigió el Lillo, estate atento, Callemetrajes con Congo film, Derrítase y libere fue una realización cinematográfica increíble, gracias a Uwe Dietrich, quien apostó por mi trabajo. El disco de La Derretida, Sólido y Líquido / Konga Records (2012), trajo grandes líricas y rítmicas, canciones emotivas llenas de potencia única y singular que caracteriza su particular sonido. En ese momento me enganché, y logramos editarlo limitadamente por Wakala Discos (para La Paz – Bolivia). Todos Matan lo que aman, entre otros hits que me iluminaron y formaron parte del soundtrack de mi vida. ¿Coméntanos algunas anécdotas de ese disco debut? Sí, ése fue mi debut como solista, disco producido Chico A y otros temas por Francisca Bascuñán, quien mezcló el disco completo, y se masterizó en Alemania.

En ese momento recuerdo haber grabado los temas en el estudio de la Fran con casi 9 meses de embarazo, apenas me salía el aire, pero las patadas que sentía eran que estaba bailando a todo ritmo mi melodía (je je je). Siempre los he considerado como unos Maestros desde aquel encuentro causal donde grabamos un Rap en su Home Studio para el disco debut de Mantekilla Digital (2002). Aprendí mucho en ese encuentro Hip Hop. Pude darles -mágicamente- las gracias con la conexión hacia el amigo y compatriota productor Andrés Martínez, quien finalizaba -en Santiago- sus estudios de Ingeniería de Sonido. ¿Qué recuerdan de aquella producción? ¿Cómo le fue al disco? ¿Algunas anécdotas luego de tantos años pasados? Tremenda conexión, “Hermano Blindado”. Desde que nos conocimos tuvimos tema en común. Colaboraste con nuestro proyecto e hiciste posible que Martínez masterizara el disco y lo dejara sonando ¡a todo cañón! Muy profesional y eternamente agradecidos. Ése fue nuestro primer disco larga duración de Mantekilla Digital (Reponedores del sentido). Y hasta el día de hoy nos trae los mejores recuerdos. Un disco sacado a pura creatividad y sin presupuesto -ja ja ja-, y apareció Kalimba -un sello independiente- que apostó por estos “reponedores”. Manifiestas en conversaciones que observé en las redes sociales una ideología del “soñar despierta, vivir intensa, transmitir el mensaje con el estilo del Hip Hop y con contenido… transmitir lenguaje y sensaciones”. Mantekilla Digital es un proyecto junto a Chico A. Una familia (Saavedra Galdames) musicante. ¿Qué experiencia dejan los años de trabajo logrados en matrimonio musical? Uff… un continuo aprendizaje de convivencia, de creación, de organización y desorganización, de confianza, etc. Siempre nos llevamos muy bien en todo sentido, y nuestras diferencias a veces eran netamente musicales (ja ja ja), detalles, sonidos, samplers… Es loco que tu pareja comparta lo mismo que LaCarne Magazine

tú. La verdad, no es usual, y esto nos hizo una conexión muy especial desde que nos conocimos para luego crear música. Esa química de “partner” y sentido del humor -que mantenemos vivo-, eso ha hecho que los procesos creativos tengan esa llama prendida, la complicidad y conexión es retroactivo. Luego vinieron los hijos -parece que esto se prendió más (ja ja ja)-, y reflexiono al ver esta herencia musical. Podemos hacer tanto apoyando y motivando a los niños, que ellos querrán seguir tus pasos. De los 90’s a estos tiempos, la tecnología nos permite informarnos y comunicarnos sin fronteras ni barreras. Estuviste transmitiendo por las redes sociales un programa llamado “Amotinadas” con Benita Babel, actualmente realizando “Historias & Pandemia”. ¿Cómo nacieron estas experiencias comunicacionales y culturales? La pandemia te pone muy creativo (ja ja ja). Entre la ansiedad y la incertidumbre surge esta idea a modo de crear canales de comunicación, de rescate cultural, y de aprender a través de las experiencias y vivencias de los entrevistados. Por otra parte, me encanta investigar, así es que me ha servido harto para ahondar en temas de la música, del cine, y de la Cultura Hip Hop que me apasiona y entretiene. El estilo de vida que hemos elegido tiene distintas connotaciones en nuestras sociedades, ¿cómo la han hecho para mantenerse consecuentes al Hip Hop y la música, dentro de sistemas conservadores y duros de roer? ¿Algún plan de contingencia de ahora en adelante? Hacer, practicar, vibrar, y respetar sin dudar de tu libertad. Nadie puede derribar este castillo. Entre los recuerdos que guardo de nuestro encuentro Hip Hop, quedan las charlas de Rap y datos que a todo coleccionista de música o melómano le gusta saber, como por ejemplo que MC Nalini junto a Chico A colaboraron en un tema – Combo 10 – para el icónico disco debut de Tiro de Gracia – Ser Humano (1997

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– EMI). También charlamos de los sellos disqueros internacionales vs. producción independiente, ideologías en los textos y creaciones de beats. Ese par de días fueron para mí una “universidad con maestría para mi carrera musical”. ¿Qué ideología han manejado para mantenerse en el juego? Siempre auto-producido. Creo que quien sabe mover las piezas es quien lo creó. Sé que es mucho más autoexigente y arriesgado, pero te da la libertad de decidir dónde, cómo y con quién quieres trabajar. Hoy ha cambiado mucho el tema de la industria musical, de alguna manera se ha democratizado lo que antes era el “sello” -disquero-. Hoy eres tú el encargado, así es que hay que estar en continuo aprendizaje. La tecnología exige todo el rato adaptarse. Escuché -como anécdota suya- que en su viaje a Buenos Aires (Argentina) con Mantekilla Digital palparon y vibraron un respeto total allá. Cero xenofobias como las acostumbradas en Chile. ¿Nadie es profeta en su tierra? ¿Cómo anda la Cultura en general por allá? ¿Siguen las rivalidades? ¿Es más fuerte la crítica que el apoyo? Es impresionante cuando te sientes orgulloso de tu raza, de tu gente, cuando tu identidad cultural se hace presente, y eso marca una diferencia en el trato y en la autonomía. Pero cuando hay un escalón tan grande -social y cultural-, la idiosincrasia chilena deja harto que desear. Me sigue sorprendiendo en estos tiempos: la poca empatía, el machismo, temas como la aceptación, el racismo. La mayoría discrimina, sobre todo en redes sociales, donde se sienten súper poderosos y libres de expresar su opinión, y en verdad muestran ese doble estándar llenos de prejuicios y discriminación. Hay poco apoyo entre los músicos y colegas, la verdad: poco hemos avanzado. Hay un peligroso narcisismo disfrazado de “humildad”. El Hip Hop chileno tiene un alto nivel en todo aspecto, siendo una ocupación que demanda

tiempo y dedicación. Hay mucho talento que pulir para abrirse un camino, y hacerse un nombre dentro de la escena profesional que se ha desarrollado y apropiado desde los 80’s en Chile. ¿Cómo se encontraba el Movimiento Cultural Hip Hop por allá antes y durante la pandemia? Diría que, de las nuevas generaciones, muchos aprendieron a profesionalizarse y a trabajar muy bien sus materiales, llevándolo al próximo nivel. En el Movimiento -desde la llegada de la tecnología- comenzó una fuerte explosión de producciones y trabajos de mejor calidad, lo que por un lado ha servido para conectar con el mundo, y por otro, se ha fragmentado bastante como Movimiento. Cada cual haciendo sus cosas sin mucho contacto humano, y ahora en pandemia peor (jajaja). Es el precio de la “era digital”, no veo un Movimiento Cultural de Hip Hop unido hace harto rato -como lo veía en los 90’s-. “Cada cual se salva solo”, como diríamos en Chile. Falta integración, aunque yo creo que en estos tiempos el mensaje irá cambiando para encontrarse nuevamente. En Chile, la marihuana y su uso tienen sus leyes. La Cultura Cannábica se ha unido a tu estilo de vida, propietaria de “Bio Orgánica Spa”, una ocupación paralela a la música. ¿Cómo te va con el emprendimiento? Con “Vida Orgánica” llevamos ya sus años como empresa familiar -en la cosmética de cáñamo-. Cuando comenzamos, recién se estaba hablando del tema del Cannabis en Chile. La verdad, no fue fácil embarcarnos en esta industria, ya que hay muchas leyes que impiden el uso de Cannabis Medicinal, así es que decidí ocupar la porción de la planta terapéutica -permitida -para la cosmética, y para eso tuve que gestionar toda la parte técnica y química de los productos, para que estuviesen en regla y poder venderlos a tiendas. Hoy está mucho más compleja la situación por el tema de la pandemia. Sin embargo, muchos

de nuestros clientes necesitan “Vida Orgánica” como alternativa natural para sentirse mejor, y eso me motiva a seguir luchando por “Vida Orgánica”. Llegar a todos los rincones del planeta, la música es universal para transmitirla. Chico A laburando desde Suiza, hicieron la presentación del nuevo EP Súper Sólido de manera virtual -con transmisión por las redes sociales. Se viene una segunda parte, por lo que escuché. ¿Qué proyectos para adelante? Sí, estuvo muy lindo eso, y nos llena de entusiasmo poder generar lo que viene en camino, son proyectos paralelos. Por un lado, la segunda parte de mi disco Súper Luna, y por otro lado Esencial Beat, que es la “fábrica de beat” en Suiza producido por Chico A y nuestros hijos. Hay harto material que se está trabajando, produciendo, y te puedo decir que se vienen cosas ¡muy buenas! Gracias por el Rap consciente e independiente, por el ejemplo a seguir en todos los aspectos de nuestra Cultura Hip Hop, y más aún en la vida musical. ¿Cuál es tu mensaje de despedida? Gracias a ti, mi hermano, por esta oportunidad de poder compartir nuestro trabajo con todos nuestros hermanos que llevamos en el corazón. Sin duda el proceso creativo es tan importante como lo técnico. Hagas la disciplina que hagas, hazlo de las vísceras, de los ovarios, de donde más profundo tengas que llegar para expresarlo. Estamos viviendo tiempos críticos, y es donde hay que iluminar el camino para encontrarnos como seres humanos, y transmitir eso que tú sabes y que tanto bien le hace a la humanidad para sanarla. Muchas gracias y muchas buenas vibras, saludos desde el altiplano paceño boliviano.

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Amaduzia

y su propuesta de Heavy Industrial LEER MÁS

siguen las buenas bandas del sur de Latinoamérica! Amaduzia es una de estas bandas, y provienen de Uruguay.

La banda ha transitado por malos y buenos momentos, pero no se dejan vencer y continúan en la batalla. Uno de sus guitarristas, Daniel Capobianco, da respuesta a la entrevista.

Amaduzia y su mezcla de Heavy Metal e Industrial

Saludos, y sean bienvenidos a este medio de promoción. Para comenzar y poner al día a los

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futuros seguidores de Amaduzia, háblanos un poquito de cómo se formó la banda, de los orígenes de Amaduzia. Gracias, Omar. Respondiendo a tu pregunta, Amaduzia se formó en el año 2004, en plena extensión del Thrash Metal en Uruguay. Recuerdo que habíamos enviado material a Bogotá, y había gustado mucho la banda, tanto que mandaron a pedir un CD. En ese momento promocionábamos el demo, y aquí siempre fue muy difícil y costoso lograr grabar un álbum, hasta estos días lo es, pues el Metal no es la música más escuchada aquí, los medios no apoyan, por lo que son las bandas quienes costean sus grabaciones. Amaduzia se formó como banda de Thrash Metal. En ese tiempo, el Metal aquí en Uruguay funcionaba muy bien, tocamos a locales

ticamente nos subieron a patadas en el vuelo de regreso, y una vez en Uruguay no realicé nada en la música hasta el año 2004, que comenzaron a sonar algunas bandas en las radios, y el Rock comenzó a surgir nuevamente. Sentí la necesidad de volver, pero esta vez más profesional, por lo tanto, reuní músicos amigos, como Leonardo Varela, y buscamos el resto para conformar la banda. Al poco tiempo de formados lanzan un primer demo para darse a conocer. Háblanos sobre este demo y sus temas, ¿están en la misma línea que actualmente la banda hace? El demo que se grabó fue en el año 2004, contaba de 3 temas: Salvajismo, La Senda y A la Distancia. Son temas totalmente diferentes a lo actual, incluso la banda ya no tiene nada de lo que fue años atrás, está muy lejos del Thrash Metal al día de hoy. No dejamos que las tendencias del momento nos arrastren, siempre hicimos lo que nos gustaba, y ahora es igual, solo que con una propuesta más Heavy, mezclado con Industrial.

llenos, y éramos una banda que estilaba siempre realizar un buen show. Las bandas en ese tiempo solo apostaban a la música. Nosotros siempre algo nuevo incluíamos, como explosiones, o atábamos una chica en ropa interior en el escenario. Amaduzia se originó en Montevideo. Aquí, desde el año 98 hasta el 2003/2004 el Rock y Metal estuvo muerto, no valía ni la pena ensayar. En el año 98 llegaba a su fin una banda en la cual formé parte 4 años llamada Carniza, que su estilo era un Heavy muy bien elaborado, pero con letras bien inmundas. Al día de hoy lo pueden escuchar en Spotify (hay 3 álbumes), después de unas presentaciones en España, vivíamos de descontroles y desastre todos los días de las instancias, prác-

Estamos probando nuevas cosas, no alejándonos de lo que nos agrada musicalmente. El demo de Amaduzia grabado en el año 2004 se puede escuchar en Youtube. ¿Cómo clasificarían la música de Amaduzia? ¿De qué suelen hablar en sus canciones? ¿Cuáles son sus principales influencias? Amaduzia hoy es un Heavy Metal variado. Encontrarán que ningún tema se parece al anterior. En lo personal, mis letras son orientadas a pasajes bíblicos. Me parece muy interesante todo ese tema ya que soy cristiano, pero todos participamos en las composiciones. Hay letras góticas, místicas con historias, quien escuche sacará sus conclusiones. En cuanto a nuestras influencias, tratamos de ser lo más original que podemos, y nos sale, no queremos parecernos a ninguna banda, solo ser auténticos. Te podrá gustar o no Amaduzia, pero apostamos a ser nosotros. LaCarne Magazine

Pues nuestras influencias, en lo que a los integrantes refiere, y hablo por todos, son: Kiss, Yngwie Malmsteem, Judas, Joe Satriani, Metallica, Ozzy, Battle Beast, Nightwish, Evanescence…, te podría nombrar una infinidad más, pero en nada nos parecemos. En el 2008 un tema de la banda fue seleccionado para un filme. Coméntanos sobre esto, y de cómo fue que se escogió un tema de la banda para una película y cuál filme es. Danos detalles. Fue una propuesta de ocasión, que desechó un músico del medio, y le cedió el contacto del director de la película a nuestro bajista Leonardo. Se puso en contacto, y luego de realizada la propuesta, el director accedió a que le enviáramos un tema. Había solo un lugar para que el tema formara parte del film, y tenía que ser para el comienzo de la película, se había pedido que la duración

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del tema fuera de 2.30 minutos. Ya en ese año, 2007/2008, la banda estaba en sus últimos meses, por lo cual no contábamos con el vocalista original, y para enviar el tema cambiamos el nombre por Rebel Vengeance, buscamos quien cantara el tema, enviamos el tema Bitch Slap (Take the Ride), para el film Bitch Slap. Es una película bizarra, lo cual gustó mucho la fonética con la cual fue cantada, pues obviamente no era exacta al inglés, y fue seleccionado el tema para el comienzo de la película. Su autor fue Leonardo Varela, y era ya los últimos días de la banda en ese año 2008. Ya en el 2009 Amaduzia estaba disuelta, pero nos juntamos para ver la película. En realidad, fue toda una experiencia nueva en ese momento: realizar un tema para un film, y que saliera seleccionado. En mi opinión, me hubiera gustado que la banda tocara en la

misma película, en el escenario de una taberna de mala muerte, pero bien, quizás se dé en algún momento. Siempre quise formar parte de alguna película, ya sea de Rock o que tenga un breve pasar la banda en alguna escena. Yo nunca estoy conforme, siempre quiero algo más. Y en esta película, Bitch Slap, lamento aún pues las tías, esas sí que se veían bien. La banda estuvo desintegrada por un tiempo. ¿A qué se debió el periodo de inactividad de la banda? ¿Qué los motivó a reagruparse nuevamente y continuar adelante? Como te comentaba anteriormente, que no solo debes vértelas con el medio, que no es lo más propicio para el metal nacional, que tienes que lidiar con otras cosas como el amiguismo, y las bandas puestas a dedo, que si fueran buenas no molestaría, que se resolviera así, pues si una banda es mejor que Amaduzia está en todo su derecho, en ganar su lugar, pero en este caso sí molesta, y mucho, porque por lo general todas esas bandas que son colocadas así son más patéticas que las que no son seleccionadas. Les asombraría saber la infinidad de bandas excelentes que trabajaron duro sin recibir tan solo un reconocimiento, y siempre quedaron en último lugar por esta modalidad de darle prioridad a bandas que no están tan bien, y como son amigos o conocidos de los organizadores, les pasan por arriba a las bandas pro. Esto no es nada nuevo, en todas partes se da, pero quizás en otro lugar sean bandas profesionales, aquí las peores le pasan por arriba a las mejores, por intermedio de actos de privilegios, y los integrantes de las bandas no seleccionadas se terminan frustrando, porque, la verdad, no es nada lindo ver una banda que es seleccionada, y al escucharla, ya con oír el cantante, te preguntas, ¿cómo estos tipos llegaron ahí? Y esto fue lo que pasó con Amaduzia. Nos inscribimos en muchos concursos, en esos años se dieron muchos, en todos pasó lo mismo, 2 años seguidos nos inscribimos en el Pepsi Rock, que era televisado, y las ban-

das que quedaban seleccionadas pasaban sus nombres por la TV, y la semana siguiente actuaban. Recuerdo que siempre lo miraba, y no podía creer las bandas que eran seleccionadas, daban ganas te suicidarse frente a la TV. A todo esto, como condimento le sumamos que decidimos grabar un disco con 14 temas, pues en un par de shows nos fue muy bien, e hicimos buena ganancia, que nos alcanzaba perfectamente para los gastos de un buen estudio pro. El vocalista en ese momento hizo la propuesta de grabar con un amigo que había montado un estudio y que grabaríamos sin tiempo que nos corra, y bla, bla, bla. Yo ya tenía todo arreglado en un buen estudio para comenzar. No se grabó donde propuse, y nos hicieron un desastre, no pudimos recuperar nada. La cereza de la torta fue que llegaba Sepultura a Montevideo y pedían dos bandas para talonearlos. Se presentó una banda y Amaduzia, dejamos los demos y quedó como que ya estábamos en esa fecha las dos bandas. Pues nunca estuvimos ninguna de las dos bandas que nos presentamos, y cuando llegó la fecha, las bandas que actuaron fue gente que se formó de momento, hicieron temas que ni solos tenían, los temas que tocaron fue lo primero que se les ocurrió, y era claro que era para poder tocar esa fecha y listo, después nunca más se volvieron a ver ni saber de ellos. Luego nos enteramos que eran todos conocidos y amigos de la producción, y ésa fue la razón por la que se presentaron. Por lo tanto, terminamos discutiendo por lo sucedido con la grabación del disco, y creo que se juntó todo como una bomba de tiempo, y ésa fue la razón por lo cual la banda espiró. En el 2017 me encontraba que había pasado por varias bandas que me fue muy bien, pero ya podía ver que se terminaba en cualquier momento, de modo encontré en mi ordenador temas de Amaduzia grabados en una sala de ensayo que sonaban 1000 veces mejor que lo que intentamos grabar, y me di cuenta lo bueLaCarne Magazine

no que éramos. Decidí buscar a Leonardo Varela, el bajista que en la primera formación tocó la segunda guitarra, y al batero. Nos reunimos y comenzamos a ensayar los temas. Colocamos un aviso buscando vocalista, y no llegó nadie que nos conformara, hasta que vino Gabriela Aguiar, nuestra vocalista. En ningún momento habíamos pensado en una mujer, pero tampoco me desagradó la idea. Ella llegó a un ensayo, y recuerdo que terminó de cantar y nos dijo: “Bien, vean y me avisan si les parece”. Y no la dejamos que ni se fuera para decidir. Le dijimos, ya está, el puesto es tuyo. A fines de 2017 hace su primera presentación con su nueva formación. ¿Qué tal fue este primer concierto luego de algún tiempo alejado de los escenarios? Fue en un tributo a Death que se hacía en Montevideo llamado The Songs of Perseverance. Varios músicos fanáticos se juntaban para rendir homenaje a esta banda. Cuando se enteraron que estábamos formados nuevamente, no dudaron en invitarnos, por lo que tuvimos que apurar todo, pues solo teníamos 6 meses para estar listos. La gente se preguntaba, ¿cómo sería la nueva formación?, y creo que generó expectativa el hecho de que ahora cantaría una mujer. Todos disfrutamos esa noche, y personalmente me sentí muy cómodo. Gabriela es muy profesional, y todos sabíamos ya cómo pararnos en un escenario, y esa noche quedo demostrado. Luego de esa noche se disparó un ascenso en varios eventos más. Volver a los escenarios siempre es bueno, es lo que nos gusta hacer, y donde estar. Creo que cualquier banda lo que busca es estar la mayor parte en ellos, pero ver la banda consolidada otra vez y en acción fue todo un logro nuevamente. ¿Cuál es la actual alineación de la banda? Amaduzia es: voz y teclados: Gabriela Aguiar,

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guitarras: Daniel Capobianco y Hugo Balbi, bajo: Leonardo Varela Rañon y batería: Enrique Picerno. ¿Cómo ves la escena en Uruguay? ¿Está el Metal apoyado por los medios en general? Mal. Después del año 2009/2012 el Metal decreció mucho, las bandas no reciben apoyo alguno de nada, y hoy día menos. Los pocos lugares que funcionaban para realizar recitales cerraron a causa de la pandemia. Ya aquí poco público asiste a los recitales, y ya venía así mucho antes del tema del Covid-19. Pues aquí, en los años anteriores, arribaron muchas bandas del exterior con algo más que su música, con buenos shows, y las bandas locales siguen apostando a solo su música, y eso yo lo veo como un grave error. Una buena banda es estética, es show, y es buena música. Si cualquier persona que entre a un recital no sale cantando un estribillo o un tema o un riff hasta que llegue a su casa, y eso le genere problemas hasta para dormir lo que vivió esa noche, quiere decir que no se llevó nada de ese evento, y hoy yo veo bandas que no generan nada. Entonces mucha gente del metal se reúne en bares de Rock & Metal, y lo pasan de la misma manera que viendo las bandas, por lo que aquí la escena calló muchísimo. Luego hay otra modalidad que se viene practicando hace tiempo y se estila mucho en países vecinos, que si hay una fecha de una banda extranjera hacen un llamado a bandas locales para abrir esa noche, y les cobran a las bandas para poder tocar por el hecho de que esa noche serán teloneros de X banda internacional, manera de proceder muchas veces. Lo comenté, y productores de diferentes países no me lo creen. El año pasado quedamos fuera de la grilla del Lima Fest, pues en ese momento no terminamos el EP para enviar material. Este año nos frenó el Covid-19, pero el Lima Fest ofreció una paga, no quise preguntar

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cuánto, poco nos importaba, lo que queríamos era participar, pero cuando contacté cometí la estupidez de preguntarle si había que pagar para participar, para tener en cuenta si valía la pena gestionar todo o no, y cuando consulté quedó un silencio y me preguntaron: ¿Qué estás hablando, men?, jajajajaja Bueno, cosas que pasan. En cuanto a conciertos, Amaduzia es una banda que ha estado en varios eventos. Coméntanos. Sí, en noviembre del año 2018 fuimos elegidos a participar de Suena Oeste, evento para promoción de bandas nacionales, realizado en un teatro recientemente inaugurado. Ese año 2019 Amaduzia es elegida a competir entre 25 bandas para participar en W.O.A Wacken, un evento que aquí es llamado Metal Batle, se selecciona entre las 25 bandas una para viajar a Alemania al W.O.A. En el mismo año 2019 es seleccionada para Mad Coold 2019, pero el evento no concluyó y no se realizó sin explicación alguna. En el plano internacional se presentaron ya fuera de su territorio. Según creo fue en Argentina. Háblanos de esa presentación, y cómo fueron recibidos en ese país. El hecho de salir a tocar fuera de Montevideo nos llenó de alegría. Sabíamos que Argentina es muy buena para este tipo de eventos. Nunca nos imaginamos que sería aún más. Recibimos la invitación de Coraza, banda de Monte Grande, y fue toda una fiesta el viaje. Argentina no es lejos de Uruguay, tan solo 5 horas de viaje, viajas en ómnibus hasta el departamento de Colonia, luego trasbordas en barco, y es aproximadamente 1 hora. Aprovechamos para recorrer el barco e ir al Shopping y comprar wiskey y algunas otras cosas. El público argentino gustó mucho de Amaduzia, y nos dimos el gusto de terminar de tocar e irnos con las personas que nos vio y pasamos la noche con ellos, sacándonos fotos, compartimos cervezas, nos quedó un recuerdo hermoso de esa noche.

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El público argentino es muy afectuoso, y siempre está en nosotros volver. Así tengamos que pagar para ir a la Argentina, volveremos. ¿Cuáles han sido los conciertos más importantes de la banda y con quién han tenido el gusto de compartir escenario? Bien, para nosotros fue un gusto y recomiendo escuchar Coraza, lo tienen en Spotify como así tienen a Amaduzia. Compartimos escenario y fue espectacular. Ahora tenemos una propuesta que quedó para el año que viene. En noviembre de este año 2020 arribaría en su última gira la banda española Barón Rojo, dado las circunstancias del momento se suspendió, y quedó para marzo del año próximo. Había recibido la propuesta que teloneáramos a Barón Rojo, pero no terminó de resolver la propuesta.

25 bandas para participar en W.O.A Wacken. Detalles. Metal Batle nos sirvió mucho, pues mueve mucho público, ya que el mimo publico participa en la votación de las bandas que actúan esa noche, se mueve medios radiales, entrevistas, fanzines, etc. La prioridad de Amaduzia fue participar, mostrar la nueva banda, que, pese a los cambios, no había perdido vigencia. Pero en nada teníamos como meta ganar el Metal Batle, ya que no es nada nuevo lo que diré: la banda debe costearse, pasaje, estadía, manutención y todo en lo que comprende el viaje a Alemania. Una vez ahí, actuarás, no en el escenario principal, sino en una carpa para 7000 personas, eso sí, pero a las bandas latinas las ponen en los primeros horarios, las filmaciones que vi de bandas que fueron de Uruguay con suerte tenían 1000 personas viéndoles, 25 minutos estrictos y cortan la corriente, guarda tus cosas y vete rápido.

Cuando todo esto se detuvo, y viendo cómo son las cosas acá, lo que más temo es saber si nos llamaron para tocar o pagar para tocar, así que no es una seguridad que abramos para Barón Rojo el año próximo jajajajajaja. Lo que resta de este año, pocos recitales habrá en Montevideo, internacionales nada, y los pocos que se organizaron fue bajo protocolo un número determinado de público, todos sentados en mesas y separados. Les comento que si soy publico me quedo en casa comiendo Pizza y jugando al Xbox. En Metal Batle compartimos escenario con muchas bandas de todo el país, muchas bandas no las conocía y no sabía que existían. Me sorprendió mucho las buenas bandas que surgieron en estos últimos años. El 2019 fue un año importante para ustedes, pues Amaduzia es elegida a competir entre

En el Metal Batle éramos 6 integrantes, teníamos una tecladista, luego al poco tiempo se despidió de la banda. Debíamos contar con 10.000 dólares en caso si viajábamos para actuar 25 minutos, y que no se nos cambiara la vida en nada. Pues las bandas que fueron de aquí, llegaron y siguieron siendo las mismas, solo con menos plata y más deudas hasta el 2035. Pero disfrutamos mucho el evento, estuvimos dos semanas a full en radios, medios de comunicación, grabamos en vivo, que dejaré el link al final, y para nosotros fue el empuje a seguir apostando más a la banda. También estuvieron presente en el Got Talent Uruguay presentando una Opera Rock. ¿Cómo surgió esto? Got Talen Uruguay es un evento televisivo. Pues bien, cuando realizaron el llamado, consulté al sitio web y aceptaban bandas. La norma para el casting era que teníamos 25 minutos para armar, presentar un tema de máximo 2.50 minutos, desarmar y marcharnos, lo cual LaCarne Magazine

no fue nada difícil, habíamos pasado por lo mismo en el Metal Batle. Por lo tanto, realizamos un tema con una intro de Ópera, ya que Gabriela está acostumbrada a eso, no es nada nuevo para ella ya que forma parte de la ÓPERA DEL SODRE aquí en Montevideo, y nos agendaron una fecha y concurrimos. Había mucha gente, estábamos en la fila para la entrada, y nos seleccionaron para realizar una performance, la incluyeron en el comienzo del programa, si bien no participamos del Got Talent, pues seleccionaron personas, individuales, cantantes solistas. Ese día fuimos varias bandas, pero ninguna participó.

las propias historias para los videos clip. En este caso el guion es de Leonardo, Gabriela y quien les escribe. Las vistas del videoclip siguen en acenso en nuestro canal de YouTube. Trabajamos mucho para que salieran a la luz, y creo que está funcionando bien. Hace apenas 3 meses de su lanzamiento, es lento, pero estas cosas llevan su tiempo, y más para las bandas de Uruguay, aquí nada es fácil.

De todos modos, algo siempre se gana, igual la experiencia en concurrir a eventos así, participes o no.

¿Están satisfechos con el EP? ¿Sienten que los representa en total forma? Sí, cuenta con 7 tracks al mejor estilo de lo que es esta nueva banda. El EP salió como queríamos, los temas están al mejor estilo Heavy, y un tema industrial. Como dije, probamos cosas que hasta el momento no habíamos realizado, y nos pareció como novedad incluir un cover de la banda alemana Kraftwerk.

En el 2020 logran sacar el EP Vine Aquí. ¿Qué representó para la banda plasmar este disco? Se lanzó EP y un videoclip. En el transcurso de la grabación nos tomamos el tiempo para filmar el primer videoclip de la banda, La Luna, tema número 3 de dicho EP.

¿Quién no conoce el tema The Model? Seas del género que seas, es un tema que está espectacular. Hay una versión de Rammstein que me gusta mucho, y nosotros nos gustó hacer este tema, ya que estamos innovando en lo industrial.

Significó mucho esfuerzo, ya que fue costeado por Amaduzia, conforme con el trabajo de edición grabado en GR Estudios, sin duda el mejor en Montevideo. En cuanto al sonido, estoy más que satisfecho.

Decidimos dedicarlo a la memoria de Florián Schneider tras su desaparición física. Aquí en The Model, que es el último track del EP, no era mi intención que el cover quedara igual al original, debía darle el estilo de Amaduzia, de modo que Gabriela se encargó del teclado y sintetizadores, y suplantamos el resto de las melodías hechas con sintetizadores en el tema original.

Los resultados mucho más. Este EP propulsó que estuviéramos otra vez en medios radiales, entrevistas, etc. Abrió la puerta a medios del exterior. Estamos totalmente conformes con lo obtenido. Nuestro videoclip ha gustado mucho. Fue filmado en un castillo que es Monumento Nacional, a las afueras de Montevideo. Fue divertido, pasamos corriendo por sus enormes patios, y los interiores los filmamos en un salón enorme. Fue un día de trabajo duro, pero pasamos muy bien. No solo la música, me gusta crear, realizar video también me agrada, me gusta crear

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La suplantamos con las guitarras y efectos de violín, tril, etc. Quedó una versión rara, pero en parte de eso se trata, y en lo personal me gusta mucho. Para agregar, el EP logró lo que todo CD debe lograr, muchas personas que adquirieron el disco, así como conductores de radio, me comentaban que les parecía muy corto su duración, que le dejaba la sensación de querer escuchar más, y al despertar el día siguiente lo tenían que escuchar nuevamente. Siempre, digo un álbum, EP, o Demo, que

está bien realizado, tiene que generar eso, así cuente con 20 temas siempre tiene que dejar la sensación de seguir escuchando la banda, y si no hay más, pues bien, comienza a escucharlo nuevamente todo el día, hasta que te duermas.

Amaduzia como su producto.

¿Este EP salió de forma auto-producido e independiente? Ahora bien, ¿han recibido ofertas de algún sello nacional para grabar? ¿Han enviado sus grabaciones a alguno sello discográfico dentro o fuera del país? En realidad, es auto-producido, y hoy las bandas contamos con la libertad de las plataformas que te permiten no depender de ningún sello. Aquí son contadas con los dedos de la mano las bandas de Metal que sacan sus trabajos a través de un sello.

Las plataformas son maravillosas, el mismo día que terminas tu trabajo lo subes y listo, está en todo el mundo. Claro que debes hacer una buena publicidad, pero ya no es como años atrás, que debías salir poco más a suplicar que algún sello te respaldara, como lo fue el caso de una muy buena banda aquí.

Sí las hay, pero muy pocas, la mayoría pagan ellos los costos y el sello coloca su nombre. Nosotros hablamos con un sello, pero este año no incluirían nuevas bandas. Les pareció muy bien, y les gustó tanto la propuesta de

Acordamos de volver a negociar el año próximo, pues este año está cancelado para lo que sea bandas, espectáculos, recitales…, nada de nada por la inesperada Covid-19.

En su momento no existía internet, o al menos aquí en Uruguay, y ningún sello les quiso difundir su trabajo, los pobres tipos terminaron vendiendo el LP como si fuera rodaballo, en las ferias y en la puerta de recitales. Luego con la llegada de internet y las plataformas, alguien de los integrantes tuvo la brillante idea de subirlo a una plataforma, y recibieron LaCarne Magazine

millones de escuchas y compras virtuales después de que se habían disuelto hacía como 10 años. Para algunos un breve reconocimiento dura años, jajajaja. Por lo tanto, yo he apostado mucho a las plataformas, es menos costoso que realizar copias, y en pocos meses estas recaudando, claro que no desecho la posibilidad de un sello. No conté con el tiempo necesario para buscar sello en el exterior. Como mencioné, hace 3 meses que salió, pero si, los buscare, iré preparando el terreno para cuando el álbum esté listo. ¿Qué próximos planes hay para la banda? El año próximo comenzaremos lo que no se pudo terminar éste. Está sobre la mesa el realizar otro videoclip, no tenemos definido cuál tema será. Espero que podamos dar terminación al álbum, nuestros deseos de regresar a la Argentina están latentes, quizás me ocupe de viajar a organizar alguna presentación. Está pendiente muchas cosas que quedaron varadas este año, como Lima Fest, ahora ya tenemos material para enviar. En realidad, somos una banda que estamos trabajando para el exterior, pues aquí donde estamos no genera mucho hacer una presentación, apostamos al exterior, trataremos de recorrer el Mercosur si la oportunidad se nos da. Trabajamos mucho por esta banda, ninguno de los integrantes vivimos de la música, cada cual tiene su vida personal, su trabajo, eso hace que las horas sean pocas para los ensayos y se complique, pero siempre hacemos que la banda salga adelante. Tenemos un sistema de trabajo que se trata de tener la idea de un tema nuevo terminada, en la semana lo vemos, y le damos forma, y cada cual le hace los cambios o lo escribe. Al momento del ensayo realizamos las modi-

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ficaciones hasta quedar conformes, hacemos lo que nos gusta y nos sale obviamente, tratamos de estar en un principio conforme nosotros. Luego se expone, es el público el que dirá si nos escucha o no. Bien, esto sería todo. Muchas gracias por tu tiempo. Para finalizar, aquí tienes espacio para cualquier comentario final. El agradecimiento a ti, Omar, por interesarte en Amaduzia, y agradecido con LaCarne Magazine. Quiero enviar un gran saludo y el agradecimiento por toda su música a mi querida banda española Barón Rojo, que de chavales escuchábamos sus temas cientos de veces. Son mis mayores deseos, si el año próximo arriban a Montevideo, poder abrir para ellos. En caso que no tengamos esa suerte, pues bien, estaremos como público, es su última gira, gracias por la música que nos dejaron. Un saludo a todos los metaleros que lean esta entrevista, un gusto llegar a todos ustedes, siempre es un placer conocer, gente nueva por intermedio de la música que nos apasiona, esperando que el camino muchas veces incierto de la música nos lleve en algún momento a realizar alguna presentación en su país de residencia. Dejaré los enlaces a nuestras redes sociales, EP, canal YouTube, y videoclip, como lo mencioné con anterioridad. Sin más, me despido de todos ustedes. Siempre me apasiona compartir con los lectores el trabajo de la banda, nuestras experiencias e historias de vida, pues es lo que hacemos, las bandas trabajamos para su público. Larga vida a ustedes.

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Improvisación Libre con

Toto Álvarez Y

a hablé el mes pasado de que mi amigo y músico de improvisación libre Ricardo Tejero me pasó la grabación de un concierto que dio él en 2014 en Valparaíso, junto a Luis “Toto” Álvarez. Me gustó tanto el concierto que le pedí a Ricardo que se pusiera en contacto con Toto porque me interesaba que respondiera a las preguntas de esta entrevista. A Toto no lo conozco personalmente, pero musicalmente hablando me interesa mucho su opinión. ¿Cuándo y cómo llegaste a la improvisación libre? ¿Por qué te interesa esta forma de hacer música? Comencé en la improvisación libre a mediados de los años 90 como una práctica de estudio,

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ya que quería extender mi forma de trabajo con la guitarra principalmente en ese momento, y buscar aprendizaje fuera del estudio de repertorios o métodos, siempre lo hice a través de la intuición. Se me hizo interesante porque era un camino a la exploración, expandir las propias fronteras, y ver que hay más allá en la aventura de la música. ¿Crees que es necesario escuchar improvisación libre para ser un buen improvisador? Es algo que me he planteado de vez en cuando. Yo, en particular, no suelo escuchar mucha música improvisada. Por supuesto, en los conciertos que asisto, o mientras toco con otra gente, pero no suelo escuchar discos o ver vídeos de este tipo de música. Lo hago, pero no con frecuencia. La fuente de inspiración la busco en otros sitios: lectura, escuchando música “convencional” e interesándome por otras disciplinas artísticas o no necesariamente ar-

tísticas. ¿Cuál es tu opinión? Es un punto interesante porque ésto aborda de alguna manera el asunto del por qué estás aquí en la improvisación, y qué te motiva a ser parte. En lo personal tampoco escucho improvisción libre habitualmente, prefiero siempre hacerlo en los conciertos en vivo, donde la práctica está viva, y el sonido hace un efecto directo. En un principio estuve más interesado en escuchar grabaciones, pero no quería que fueran una influencia fuerte, eso lleva a la pérdida de libertad para encontrar tu propio discurso. La idea es ésa, que desarrollemos nuestra identidad y desde ahí nos comuniquemos. Esto es importante no sólo en la improvisación. En ninguna forma musical me gustan los clones o malas copias, no son necesarias. Debo decir que mi razón principal por escuchar muchos discos es para comprender el desarrollo y la historia en las formas musicales, las inspiraciones para crear y tocar vienen de cualquier cosa, no sólo de la misma música, somos seres con capacidad de percepción y traducción de millones de estímulos. ¿Piensas que el arte hay que tomárselo “en serio”? Quiero decir, si hay que tenerle respeto, o simplemente encararte con él y hacer lo que sientas sin pensar en cómo te van a juzgar. ¿Es algo elevado y trascendental? ¿O es preferible, en tu opinión, bajarlo de su pedestal y considerarlo más terrenal, menos sublime? Creo que hay que tener el valor de encararse a sí mismo, es el mismo individuo quién pone las primeras barreras. Al principio uno enfrenta cosas que no tienen que ver precisamente con el arte.

porque las personas sean artistas están en un sitial distinto, son importantes y vitales como todas las personas en una sociedad. ¿Qué es para ti “espacios” en una pieza? Quiero decir, que si te dicen: “vamos a crear una pieza con ‘espacios’, ¿qué interpretas? Me imagino que debe ser la indicación de que te darán un espacio o momento para que hagas lo que sabes hacer, quizás. En realidad, no soy cercano a esa experiencia. Mi forma de tocar es simplemente plantarse a tocar, y la improvisación es el lenguaje de comunicación y conexión entre músicos. Alguna vez participé en un ensamble de improvisación dirigida y escuché cosas así, pero fue una mala experiencia que no volvería a repetir, al menos con personas que no tienen experiencia para andar cediendo espacios o “dirigiendo”. En cuanto a composición, es otra historia, espacios puede ser cualquier cosa que el compositor quiera desarrollar con los intérpretes, incluso decirte acá tienes espacio para que tomes un café mientras seguimos ensayando. ¿Consideras que la improvisación libre es un género musical autónomo? Para mí en rigor al momento de darle un nombre ya de cierta manera establecemos su autonomía, pero como género reúne muchas formas. No creo que sea un estilo de música, es más bien una práctica que se nutre de fuentes diversas y de otros géneros libremente. No puedo dejar de lado que mucha música contiene el ejercicio de la improvisación, el acto del improviso, pero no se han catalogado dentro de la improvisación libre.

Los prejuicios son construcciones de una comunidad específica, una escuela, un grupo de personas, los mercados y las aspiraciones. Es a eso a lo que debemos bajarle del pedestal.

Tendríamos que ir más allá para ver cómo se puso esta bandera y qué define, es una interesante materia de estudio musicológico y filosofía musical.

La comunicación con el arte es silenciosa e íntima, debes disfrutar esa vida con el arte, y entenderlo de manera natural, sin presión ni prisa. Es terrenal y sublime a la vez, pero no

Hay músicos e improvisadores (como yo, por ejemplo) cercanos a la idea de hacer primeras tomas y de dejarse llevar por la intuición, la inmediatez y la espontaneidad. Hay quien LaCarne Magazine

dice, sin embargo, que esa forma de entender el arte lleva a fórmulas repetitivas y aburridas, y que el ensayo y la composición son necesarios para evitar esos inconvenientes. En mi opinión, las fórmulas y patrones se repiten en cualquier manifestación artística. ¿Qué opinas? En cuanto a Improvisación, me gusta y practico la intuición e inmediatez, gesto espontáneo. Lo que viene después de eso son procesos cerebrales distintos, el razonamiento teórico, estético o simplemente competitivo. En cuanto a otras formas musicales, la historia puede ser diferente, pero siempre la espontaneidad y la primera toma se harán presentes, porque tienen un flujo vivo. Formas y patrones hay de todo tipo en el arte y la cultura. Por ejemplo, se han establecido algunos para definir, comercializar, y/o validar ciertas expresiones, pero por otro lado tenemos formas y patrones que derivan de la cosmovisión andina, y han dado estructura a una sociedad, forma de ver la vida, el universo y la tierra, al urbanismo, la agricultura y mucho más. En un libro llamado “El nuevo paisaje sonoro”, de R. Murray Schaffer, viene la siguiente afirmación: “Es cierto que hay mucha gente que no son sensibles al ruido; pero esos son precisamente los que tampoco son sensibles al argumento, o al pensamiento, o a la poesía, o al arte, en una palabra: a cualquier tipo de influencia intelectual. La razón de esto es que el tejido de sus cerebros es de una calidad muy tosca y ordinaria. Por otro lado, el ruido es una tortura para gente intelectual”. ¿Cuál es tu opinión sobre esta afirmación? Es muy difícil poder afirmar qué tanta gente no es sensible a esto o a esto otro. Creo que es bastante aventurera y pretenciosa tal idea. Así mismo, y más grave es según esa afirmación establecer premisas neuro-cerebrales sobre las personas. No se puede definir cierta riqueza o fineza de tu tejido cerebral en base a un grupo tan específico de “sensibilidades”.

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Deberíamos primero saber a qué ruido se refieren estos estudios, y qué es ser sensible al mismo. Para nosotros como latinoamericanos la vida es distinta, vivimos en diferencias sociales y económicas. El neoliberalismo se ha ocupado de destruir la educación de los pueblos. Por eso creo que las afirmaciones académicas desde aulas privilegiadas deben ponerse en contexto más amplio. Hay expresiones que son ruido y que pueden ser un desafío y un misterio para un intelectual de la música o el sonido, pero que son parte viva de una comunidad, la devoción y la festividad. A través de ese “ruido” la gente vibra y se expresa. Por ejemplo, los Bailes Chinos en Chile. También hay toda una tradición musical que escapa al mundo diatónico o al oído templado occidental, sistemas e instrumentos sonoromusicales complejos desarrollados por la cultura precolombina, formas de percepción del sonido y su efecto en las culturas, que aún desconocemos. Por otro lado, en cuanto al “ruido” hoy en una sala de arte, creo que la mayoría, aunque le moleste, dirá que lo entiende o disfruta, o le es interesante, porque ese medio está lleno de snobismo y aspiracionismo. Yo tampoco afirmaría que esas personas son intelectuales con un fino bordado cerebral. Finalmente te puedo decir que valoro más la honestidad de decir que algo te molesta o te parece horrible, que la condescendencia por querer lucir “intelectual”. Explícame brevemente tu concepto artístico No tengo un concepto específico en este momento, pero creo que algo lo he desarrollado ya con las preguntas anteriores.

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Ruiseñora

Música Electrónica y tradición folclórica LEER MÁS

R tival.

uiseñora es un dueto formado por Elia Maqueda y Atilio González que conocimos hace unos años en Grito Fes-

Electrónica y tradición folclórica es su propuesta que resulta realmente fascinante porque rompe con los clichés de la música popular, y acerca dos estilos inicialmente opuestos pero que convergen en la lisergia y la psicodelia. En primer lugar, bienvenidos, Elia y Atilio. Son nombres muy tradicionales y muy arraigados a nuestra cultura popular que encajan con vuestro proyecto Ruiseñora. Parecíais estar predestinados a encontraros pese a que Atilio procede de Madrid y Elia de Badajoz. ¿Cómo

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os conocisteis? Yo en realidad soy canario (Atilio), pero vivo en Madrid desde los cinco años, y aquí nos conocimos en 2015. Ambos estábamos en grupos de la escena madrileña, coincidíamos en conciertos, y teníamos amigos en común. Predestinados no sé, pero míranos, un proyecto musical y una hija. No se nos ha dado mal del todo. Vuestro objetivo es adaptar la tradición hacia nuevos lenguajes sonoros, o eso creemos nosotros. No sabemos si etiquetaros como Electro-Copla. ¿Cómo os definís? Empezamos llamándolo Psicodelia Popular, y creemos que ésas son un poco las marcas de agua del proyecto, y aunque va mutando, siempre se encaja entre esos dos conceptos: la Psicodelia y lo Popular. La cosa empezó más cerca del Synth-Pop sinfónico, pero ha ido evolucionando hacia una electrónica más

el primer concierto (quizá por eso mismo). Con Relente, vuestro segundo álbum, habéis fichado por Raso, que cuenta con estrellas nacionales como Baiuca, además de artistas brasileños como Labaq, o argentinos como Guadalupe Álvarez. ¿Qué supone pertenecer a Raso, y qué tal es la relación con el resto de artistas y bandas que forman parte de esos facilitadores musicales madrileños, como se hacen llamar ellos? A tope con Raso siempre. Nos encanta nuestro sello. Nos interesa todo lo que sacan, y creemos que tienen una línea editorial muy coherente, además de una filosofía que casa muy bien con nosotros y nuestra forma de ver las cosas. Alan es el mejor, eso es así. De nuestros compañeros de sello hemos coincidido sobre todo con Baiuca, Blanco Palamera y Zuaraz, que son más majos que las pesetas.

a incisiva. Lo de la Copla vino más por las reminiscencias de la forma de cantar, por la actitud, y porque el primer disco quizá podía tener un aire más coplero, pero sí que creemos que queda a nivel conceptual como una forma de renovación y reivindicación de la canción española. Habéis pasado por Grito Festival, Museo Thyssen, Sala El Sol, Festival del Noroeste de Estrella Galicia… Contadnos cómo han sido vuestras experiencias en los conciertos, y con qué lugar, o festival de los que habéis estado, os quedáis, os gustaría repetir, o bien en dónde os gustaría tocar. Hemos pasado por todos esos y por otros escenarios, pero sin duda el concierto que más disfrutamos fue el de debut en la sala Maravillas. Se generó una magia especial, y eso que era

En vuestro directo os hemos visto en formato dúo o sexteto. ¿Qué diferencias hay entre ambos shows? Son dos conceptos distintos. El formato sexteto es un concierto más clásico, casi todo se toca en directo (tres teclados, batería y voces), y hay quizás una presencia musical más orgánica. El formato dúo, sin embargo, es otra cosa, quiere representar el concepto de la coplista con acompañamiento musical, pero llevado al terreno de la electrónica: Atilio suelta las bases y toca en directo las líneas principales, y Elia canta. Son dos experiencias muy distintas. Tocar con banda es una pasada, pero la realidad de salir a tocar fuera y lo difícil que es compaginar tiempos, ensayos y agendas (los demás músicos están también en otros proyectos), hace que el formato dúo seguramente sea el más habitual a partir de ahora, sobre todo en los tiempos que corren. ¿Qué diferencias hay entre vuestro primer trabajo, Siglo XX, con respecto a Relente, y las nuevas canciones como “La Cuesta” o vuestro reciente single “Puñales que te doy”? LaCarne Magazine

Siglo XX es un primer disco, y por lo tanto es menos conceptual. En él estábamos en una fase de experimentación, haciendo las primeras canciones, y quizá no teníamos tan claro el sonido como ahora, sino que queríamos probar que la mezcla funcionaba. Además, se compuso, se grabó, y se produjo en apenas seis meses. Relente es un disco más cercano al rock progresivo hecho con sintes, es más conceptual y más oscuro, y el proceso nos llevó dos años y medio, bebé mediante. Las canciones nuevas van a formar parte de un tercer trabajo que, como decíamos antes, tendrá un corte más electrónico y está muy enfocado hacia el concepto, el sonido, y la imaginería de la Semana Santa. Creemos que abre un camino nuevo y distinto, además de que estamos probando el método de ir sacando singles a medida que los tenemos listos, y estamos muy contentos con cómo está yendo hasta ahora. ¿Cómo veis el futuro de la música y de la cultura en la actualidad? ¿Habrá festivales y conciertos en 2021 con la libertad que teníamos antes de la era Covid? ¿Es el sector de la cultura y de la música uno de los sectores más perjudicados o perseguidos en los tiempos Covid? La cosa está fea, y tocar casi sin público o ante gente sentada y sin poder moverse, por mucho que escuche atenta, se hace extrañísimo. Creemos que después de todo esto va a haber un boom cultural. Vamos a vivir un resurgir de la industria del ocio, pero ¿cuándo? Es difícil decirlo, y más con lo mal que se está tratando a la cultura y sobre todo a la música durante esta crisis. Sin duda es uno de los sectores más ninguneados, y es una vergüenza, porque se ha adaptado de forma ejemplar. Pero insistimos, quizá pequemos de ilusos, pero sí que vemos unos locos años veinte de verdad cuando todo esto pase. Ojalá.

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¿Qué bandas, artistas o djs conocéis de la escena musical extremeña? ¿Hay futuro musical en Extremadura o hay que emigrar, como pasa con otras profesiones? No vivimos en Extremadura, pero yo nací en Badajoz (Elia), la sigo considerando mi ciudad. Mi adolescencia la pasé en conciertos de Darksound y Payasos Dopados, y luego he sido una habitual de conciertos en el Mercantil y la Sala Aftasí, pero siempre me ha dado mucha pena que en Badajoz no se genere una escena musical potente, porque hay gente con mucho talento (pienso en Gecko Turner, en Cira, en The Wish en su día, en la tradición que hay de flamenco), pero falta infraestructura, apoyo institucional, y público para que haya un circuito de salas que puedan sobrevivir. Quizá la Música Electrónica sí que ha funcionado mejor en Badajoz siempre, quizá porque es algo que va por vías más independientes, o sencillamente tiene más público.

En Cáceres en cambio veo una escena de bandas más sólida (Fônal, Chloé Bird, etcétera), aunque lo del apoyo institucional sigue siendo un escollo en toda Extremadura en general. Si es que hasta un festival de referencia a nivel nacional como el Contempopranea tiene obstáculos para celebrarse, es incomprensible. ¿Tenéis buena acogida en Extremadura o uno nunca es profeta en su tierra? Pues la verdad es que, teniendo en cuenta que todo el trabajo de las letras gira en torno al dialecto extremeño y a una reivindicación de la idiosincrasia de allí (que por mi parte empezó en la poesía y luego ha virado a la música), hemos tardado en tener algo de acogida allí. El primero fue Pepe Rades, que siempre ha seguido todos los grupos en los que he estado, y ha prestado mucha atención a Ruiseñora en Cantarrana y El Sol sale por el Oeste, pero en Badajoz, por ejemplo, no hemos tocado nunca.

En cambio, en Cáceres nos llevaron al Festival Grito y hemos tenido algo más de acogida. Este año en cambio nos han seleccionado en las jornadas MUM para la promoción de la música extremeña, y esperamos poder llegar a más gente allí. Muchas gracias por vuestro trabajo, y deseando estamos de poder disfrutar de la voz de Elia en directo con la libertad de las raves y la psicodelia de Atilio. Muchas gracias a vosotros por darnos voz. Nosotros también tenemos muchas ganas de tocar.

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Kramp

una banda de Heavy Metal tradicional LEER MÁS

ramp es una banda de Heavy Metal procedente de España. Todo comenzó en Palencia, cuando Mina y su hermano Lap deciden buscar músicos para formar una banda. Luego los hermanos se trasladan a Madrid, y es donde comienzan ya a darle mayor forma a la banda. Su vocalista Mina es quien da respuesta a la entrevista, y nos brinda más información sobre su banda. Saludos y sean bienvenidos. Bien, en el 2010 sacan un Demo, y ya con esto comienzan a conocerse. ¿Es en este año que surge la banda o ya se venía desde antes gestando el proyecto?

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La verdad es que mi hermano (Lap, bajista) y yo habíamos pasado por diferentes proyectos que no habían llegado a nada, y estábamos hasta los cojones. Yo mantenía la idea clara de hacer heavy metal clásico, y me hartaba de esperar a que apareciesen músicos, así que empecé a componer como una cabrona. Por fin, en 2010, empezamos a encontrar gente con la que trabajar bien, y ya fuimos a cañón sin perder tiempo, dentro de las posibilidades. ¿Cómo se podría catalogar a la banda en cuanto a su propuesta musical? Una banda de Heavy Metal tradicional. Para quien le guste el sonido de Heavy Metal épico, o del US Power Metal. ¿Cuáles han sido tanto nacional como internacionalmente las bandas que han influido en el trabajo de Kramp? Dio, Manowar, Omen, Running Wild, Al-

fonso X, Grave Digger, Iron Maiden, Judas Priest, Riot… En el 2013 graban un nuevo material, que, según información, nunca vio la luz. ¿A qué fue debido esto? Apostamos por grabarlo de una manera y en unas condiciones que no eran las más propicias, y no quedamos agusto con el resultado. A lo largo del tiempo, por la banda han pasado varios integrantes. ¿A qué se debe este ir y venir de músicos? Bueno, remontándonos a los comienzos, la banda se formó en una ciudad muy pequeña con poco interés y actividad musical, y mucho menos relacionado con el heavy metal tradicional. En Madrid fue mucho más fácil encontrar gente afín con la que trabajar, aunque haya habido mucho cambio de músicos. La gente tiene sus compromisos y prioridades. Además de que hay muchísimas bandas en los últimos tiempos, y los músicos con gustos afines suelen estar “pillados”, así que los castings son toda una aventura. ¿Tú o algunos de los integrantes de la banda tienen proyectos paralelos, o están de lleno en Kramp? ¿Quiénes son actualmente los integrantes de Kramp? Kramp es mi proyecto principal a todos los niveles, pero sí que tengo mucho material separado para varios proyectos que termino dejando sin concluir, pero espero finalizar algún día, jaja. Todas esas composiciones que no encajan en mi idea de Kramp. Ahora estoy envuelta en algo con alguien más, y resulta fresco centrarme únicamente en componer las voces y letras. Espero poder hablar muy pronto de este proyecto, porque llevamos un tiempo trabajando en un álbum y estoy muy emocionada. Lap es cellista profesional también, así que está siempre de aquí para allá dando conciertos en orquestas y todo eso, y Sara se unió recientemente a Rave in Fire como bajista. En los años 2015 y 2016 temas de la banda

son incluidos en compilatorios. ¿Cómo se pudo lograr esto? Bueno, cuando llegué a Madrid tuve oportunidad de moverme mucho más y conocer gente. Hice amistad con una de las partes de lo que antaño era Iberia Metálica, que desde el principio tuvo interés en lanzar algo de la banda, pero no había posibilidad de grabar por entonces. Él había oído esa demo inédita de 2013, y le parecía buena idea sacarla, pero yo quería prender fuego a ese documento. Un tiempo después, Andrés Horrillo empezó a preparar el primer volumen del recopilatorio de Iberia Metálica, y su compañero de aventuras me animó a incluir algo. Yo, justo había encontrado gente con la que trabajar en Kramp, pero nos era imposible grabar por entonces, aunque lo intentamos. Queríamos grabar uno de los temas nuevos, pero al final terminamos metiendo Walkyrie con otro sonido diferente al original. Respecto al Spanish Steel Attack: Paco Mate estaba buscando bandas para su primer volumen, y me puse en contacto con él. Wield Revenge es el EP que lanzaron en 2016 por Metal Crusaders y Lullaby Records. ¿Cuéntanos acerca de esta producción, y si aún está disponible? Salió en CD-R, y la verdad es que se vendió como churros. Yo me he mudado bastantes veces en los últimos años, y recuerdo que, en una de esas, fui a guardar una caja de copias en la que pensaba que había unas cuantas, ¡pero me encontré con que no quedaba ninguna y que la edición se había agotado! En pocos años han logrado consolidarse en el ámbito metalero español, y compartir con grandes de la escena. Tanto para la banda como en lo personal de los integrantes ¿Qué ha significado ésto? ¡Qué alegría leer eso! Jaja Desde dentro se ve diferente, la verdad. El trabajo siempre es constante, y el mismo objetivo de hacer las cosas lo mejor posible y avanzar siempre, así LaCarne Magazine

que da gusto ver que se aprecia. Ampudia Apoya la Música y Barcia Metal Fest fueron dos eventos y concursos donde participaron en el 2017. ¿Qué tal les fue? ¿Cómo fue la aceptación hacia la banda? Pues el asunto de Ampudia fue bastante gracioso. Quedamos seleccionados para la semifinal, y nos avisaron con poco tiempo. Por aquellas, Darío acababa de entrar, o tal vez estaba haciendo pruebas, ni lo recuerdo. La cosa es que era su primer concierto serio, y su primera presentación con nosotros. Teníamos un límite de 3 temas. Nosotros llegamos allí, y todo eran poperos repipis. No sé qué cojones pintábamos en un sitio así, por lo que olía bastante mal el asunto. Incluso había una niñata entre las participantes que se puso a hacer comentarios con mucho rintintín, haciendo referencia hacia nosotros. Como si tocar alto nos hubiera dejado sordos y no pudiéramos oírla, no te jode. Pero, bueno, nosotros actuamos y nos quedamos tan anchos.

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La gente de ese pueblo se estaba tapando los oídos, haciendo muecas y murmurando cosas. Hasta algún señor se santiguo. Yo me sentí como Dee Snider en los buenos 70’s, jajaja. Sabíamos que no íbamos a ganar ni de coña, así que nos comimos toda la cecina y el jamón del catering sin ningún remordimiento. Luego nos contrataron para una fecha allí, así que supongo que les gustamos después de todo. Para el Barcia recibí un mensaje unos días antes, porque Dr. X se habían caído del cartel. Nosotros teníamos un circo cojonudo. Cada uno teníamos lo nuestro, pero respondimos a la Batseñal como pudimos. Yo ni siquiera pude encontrar mi ropa de concierto usual porque estaba en medio de una “mudanza-puto caos de mierda”, y no sabía ni dónde tenía las bragas, así que literalmente me fui con lo puesto. Fue una de esas fechas raras en las que parece que se juntan todas las fuerzas del universo. Mi hermano, que vive en Palencia, trabajaba en Valladolid esa misma mañana, y tuvo que llevarse el bajo al curro, salir a la puta carrera en tren a Madrid sin comer porque no le daba tiempo.

Le recogimos en Chamartín con un bocata preparado, y salimos cagando hostias porque teníamos que estar allí a las 19:30. Fue muy estresante, pero conocimos a gente de putísima madre gracias a esa fecha, y nos pusimos de olivas hasta el culo. Vamos, que el resumen es que, si hay un concurso de por medio, vamos a salir bien comidos. Ya para el 2019 lograron realizar una primera gira fuera del país. ¿Dónde se presentaron, con qué bandas compartieron, cómo se sintieron y qué representó para ustedes tocar fuera de España? Tocamos en UK: Lancaster, Edimburgo y Glasgow. ¡Hace justo un año mientras escribo esto! Allí compartimos escenario con Midnight Force y Eliminator. Ambas bandas nos acompañaron en las tres fechas. También pudimos tocar con Stormrider y Tantrum. La experiencia fue maravillosa. Nosotros íbamos un poco cagados, y no esperábamos esa recepción, pero volvimos contentísimos y con las pilas a tope de batería para las fechas que nos quedaban por delante. En el año 2020 sacan el álbum Gods of Death. Coméntame sobre este disco. ¿Hay diferencia de aquella banda de los inicios con la actual? Yo no veo diferencia alguna porque soy una jodida cabezona con las ideas muy claras. Aunque me gusta hacer lo que me da la gana, creo que mi personalidad está muy marcada, y que, entre todos los temas, aunque puedan resultar “diferentes”, se encuentra ese nexo en común para el sonido. Obviamente, antaño estaba más limitada a la hora de componer, y he ido aprendiendo y encontrando nuevos recursos con el tiempo, así que espero que se note, jeje. Si no estoy errado, este nuevo álbum Gods of Death salió vía Rafchild Records. ¿Es cierto? ¿Algún otro sello se ha interesado en la banda? ¿Qué ha ofrecido éste que otros no? Hemos tenido contacto con varios sellos. Algunas ofertas han estado encima de la mesa

siempre, otras se barajaron antes de que Rafchild Records apareciese, y posteriormente han llegado nuevas ofertas. No quiero entrar en detalles. Rafchild es un sello joven, pero con una idea clara de lo que quiere, y cuando Raphael me lanzó la propuesta, estuve bastante convencida. Una de las diferencias respecto a otros sellos puede ser el número de copias o los formatos. ¡Es un valiente que se va a atrever él sólo con los 3 formatos físicos! ¿Podrías contar algo de la escena de su zona y en general de toda España? Últimamente estoy recibiendo un huevo de mensajes de extranjeros alabando “la escena española”. ¡Que resulta que tienen a España como un referente en la actualidad! Ahora mismo hay unas cuantas bandas tocando un buen Heavy Metal tradicional y rompiendo tabúes, demostrando a los que se quejan de que, “claro, como no somos suecos, canadienses o estadounidenses”, que sí se pueden hacer cosas y se pueden hacer bien. Yo hablo a nivel underground, claro, que es lo que me interesa a mí como fan. Pero que algunos de esos grupos se están haciendo un nombre más allá del submundo, fíjate tú. ¿Qué podemos esperar de Kramp para lo que viene? La banda sigue trabajando y preparando nuevo material, así que espero que disfrutéis el nuevo álbum cuando salga, porque no hay intención de bajar el ritmo. Bueno, este espacio es tuyo. ¿Algún mensaje para terminar la entrevista o algo más que desees añadir? Muchas gracias por el apoyo y el interés. Podéis seguirnos en redes sociales para conocer las novedades de la banda, y conseguir nuestro material y merchandise.

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Martin Joffré

creador de grandes éxitos y canciones do en las FM’s -radios- y fiestas públicas o privadas hasta el día de hoy.

artin Joffré es el bajista, compositor, y fundador de la banda boliviana LouKass, quienes a inicios de los 90’s rompieron los paradigmas de la música contemporánea hecha en Bolivia. El año pasado -2019- Martin Joffré defendió los 25 años del disco Akasa con presentaciones exclusivas para dejar en claro que lo hecho fue de alma, vida, y corazón, marcando para siempre en la historia de los miles de bolivianos alrededor del planeta que han bailado, enamorado y enfiestado con su música. En exclusiva para LaCarne Magazine, conversamos con Martin Joffré el creador de grandes éxitos y canciones que siguen sonan-

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¿Cuándo fue la primera vez que quisiste ser músico? La verdad es que más que querer ser músico, es cuándo te llama la atención la música. Yo creo que a los 5 a 6 años, cuando escuché y veía las caricaturas de los Beatles en la televisión. Ese fue el momento en que sabía que me gustaba la música y quería hacerla. Posteriormente decidí como profesión a los 17 años. ¿Cuál fue el primer proyecto musical que tuviste, Martin Joffré? Fue una banda escolar, y teníamos el nombre del colegio (Excélsior), a los 13 años. Defendíamos al colegio porque ellos nos daban todo -digamos que el grupo musical del colegio- en Santiago de Chile.

A partir de ahí los integrantes eran nada más y nada menos que Rodrigo “Grillo” Villegas (en la guitarra), y Rodolfo Ortiz (en la batería). Básicamente ese grupo se volvió LouKass en el futuro. ¿Y ahí es que aparece Christian Krauss? Más que aparecer Krauss, surgen los escenarios para poder tocar. Hasta ese momento yo tenía 19 años, y todo lo que habíamos hecho era “por amor al deporte”. Nunca recibíamos ni un solo centavo por tocada, ¿no? En esa época la mayoría de edad eran los 21 años -en la década de los 80’s, comenzando los 90’s-. Entonces Grillo -que tenía 21-, ya podía ir a los boliches y conocer ese lugar que era “El Socavón”. El mítico Socavón… ¿Cómo era? Se puede decir que era un “Centro Cultural”, un local, un “Bar Cultural”, en donde había algunas opciones para poder tocar y para presentar nuevas propuestas, que era lo más interesante.

Viví toda mi vida en Bolivia, excepto ese año que fui enviado al internado -en el ‘84-. Hasta ese momento yo aprendí a tocar la guitarra, a mis 11 años. Empírico -autodidacta-, como se dice. ¿Cómo se da el génesis de Lou-Kass? Al volver del internado precisamente, mi hermano, Juan Pablo Joffré, era el cantante de una banda de Rock llamada Fox, un grupo de amigos de la zona sur de La Paz. Ellos tenían una banda, al ser él miembro, y yo llegando de Chile -teniendo mi experiencia fabulosa con el grupo de Rock del colegioinmediatamente yo estaba ansioso por tener una banda. Mi hermano me dice que en su grupo el bajista iba a retirarse, y, si yo quería, entraba a tocar el bajo (en ese momento tocaba la guitarra).

Entonces, si tú querías encontrar algo nuevo, ahí lo encontrabas. No lo encontrabas en otros lugares, no se arriesgaban a nada, sólo lo clásico. No intentaban hacer nada nuevo. No había opción, y en este lugar sí. Entonces Grillo Villegas empezó a tocar con Drago Dogan, con Rodo Ortiz. A raíz que Drago no les pagaba muy bien -jajaja- esas noches, es que deciden llamarme y decirme: juntemos la banda o armemos una banda nosotros, porque apareció un cantante y músico de Alemania. Y ése era Christian Krauss, quien era un mochilero que iba al Socavón. Siempre había un momento donde podías invitar a alguien al escenario a tocar. ¿Los “Jam-Sessions”? Los “Jam Sessions”. Entonces Krauss en una ocasión se subió, y ahí vieron que canta genial, y además tocaba la percusión de una forma extraordinaria.

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Deciden dejarlo al Drago, y le dijeron al Krauss: hagamos una banda contigo y nosotros traemos al bajista, que era yo. Es ahí donde nos juntamos otra vez los que éramos Fox (‘85 al ’88), pero ya con otro estilo musical, con otra dirección musical. ¿Cómo fue que el nombre Lou-Kass apareció? Ese nombre mágico… Como has dicho tú, ha sido bien mágico (jajaja). Si bien estaba la banda – Krauss, Villegas, Ortiz y mi persona- tratando de decidir el nombre, nos acompañaba un gran pintor llamado Sol Mateo. La idea del nombre es que pudiéramos ponerle un nombre y apellido, como Red Hot Chilli Peppers. Era algo que buscábamos. Lo interesante fue que indagábamos entre una y otra cosa, y decidimos poner el nombre Lou-Kass como un juego de palabras. Y en ese momento “LU…KAS” sonaba interesante, pero dijimos que se llame La Nave de Lou-Kass. Entonces el pintor Sol Mateo -dueño del Socavón- nos estaba dando la mano de cómo nos podíamos llamar. En España hay un refresco que se llama “Kas”, creo que es con una “s”, nosotros hemos jugado un poco con eso. En alguna ocasión es un mezclador también, entonces te tomas un “Ron Kas”, “Vodka Kas”, “Gin Kas”, ¿entiendes? “Lu Kas”-jajaja- lo tomamos como el mezclador, ¿no? ¿En el mismo Socavón estaban hilvanando el nombre? ¿En esas sesiones bohemias? Exactamente, tal cual. Ahí reunidos en una mesa, sentados, riéndonos, haciéndonos la burla de todo. El Socavón era como un “templo”. Si vas a tocar ahí, vas a subir de nivel, tu estima también. De esa aparición del nombre (Lou-Kass), ¿cuánto tiempo tardan en debutar? Unas dos o tres semanas. Ya teníamos una fecha -octubre del ‘90-. ¿Qué composiciones estaban ahí? ¿Ya presentaron Escrúpula?

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Sí, sí, sí. Ya estaba… prácticamente el primer disco ya lo teníamos, por eso nuestra intención era invitar al productor de Discolandia (Juan Carlos Gutiérrez) a que nos escuche, y veo el público, su reacción, toda esa cosa… Tocábamos nuestras propias canciones. Lo que pasa es que nosotros teníamos una estrategia bien interesante. Empezamos a tocar Rock en español de bandas alternativas. No el “greatest hits”, no tocábamos la cúpula de Soda Stereo ni los Enanitos Verdes. ¿Recuerdas qué tocaban? Claro, nosotros hacíamos covers de grupos alternativos que eran Top como Los Redonditos de Ricota, que no conocía acá casi nadie. Sumo, por ejemplo. Titas de Brasil, traducía-

¿Cómo llega el primer disco con esa portada tan enigmática? Nosotros teníamos ganas de componer, como te decía, de hacer una propuesta nueva. Entonces, cuando empezamos con Lou-Kass, hemos llegado con las canciones. Teníamos un estilo incursionando en el Funky, Rock, Reggae, al mismo tiempo como que empezamos a componer un poco con eso. Nosotros nos las íbamos a buscar. ¿En qué año sale el álbum? El ‘92. ¿Tenían las puertas abiertas de Discolandia? Claro, porque había una estrategia de cómo poner las cosas. No queríamos emocionar a la gente porque tocábamos So Lonely, no tocábamos Another Brick in the Wall. ¿Entiendes lo que te estoy queriendo decir? La repercusión fue increíble ¿Qué memorias te trae ese primer disco? Ha sido un álbum bien batallado, ha sido muy interesante. De todas maneras, no éramos los únicos. Coda 3 también ya había sacado su segundo disco, Dies Irae… Ya en ese momento como que todos empezamos a salir. El productor de Discolandia vio una buena cepa de músicos, en realidad de bandas, que estaban dando una alternativa. mos al español. ¿Traían un aire Reggae también? Claro, tocábamos Bob Marley, que en esa época no era muy conocido. ¿Cuál fue la estrategia? En medio de esas canciones, tocábamos las nuestras. Por ejemplo, La vaca cubana. Terminaba esa canción y le metíamos Escrúpula, y luego La rubia tarada o Los viejos vinagres, y después tocábamos 2 Años, que son temas nuestros. ¿Eso es el ‘92? No, es el ‘90 – ‘91. La gente no percibía de quiénes eran las canciones.

Lou-Kass lo hacía de manera diferente, ¿no? Claro, nosotros tocábamos nuestras canciones. Era como una estrategia de fútbol, el orden de las canciones era súper importante. ¿Cuál primero? ¿Cuál después? ¿Qué les vamos a hacer sentir? Son canciones que no conocen, a lo mucho conocen Escrúpula, y va más por ahí… ¿no? ¿Y cómo les tocamos ésta? ¿Y qué es lo que les tenemos que decir? Pero era así, nosotros no teníamos miedo de presentar nuestras canciones porque desde el principio hacíamos covers de canciones que la gente no conocía. Hemos roto con el miedo. El álbum Akasa, su segundo álbum, parte con LaCarne Magazine

la “historia de la música contemporánea boliviana”, cambiándola. Rompiendo ejes. ¿Qué recuerdas de esta etapa creativa? ¿Qué anécdotas rememoras en esta época? El Akasa es un gran disco, ¿ya? Fue una época donde nosotros estábamos con mucha creatividad, de mucha sensibilidad con la gente. Es que ese disco realmente ha sido muy bueno y muy fluido, ¿no? Porque después del primer álbum hemos estado componiendo, nunca dejamos de hacerlo. Es más, estábamos tan acostumbrados a hacer las pruebas de sonido y ahí componíamos canciones. ¿Con esa magia han cocinado el Akasa? Claro, con esa magia que sentíamos. Cada vez que teníamos una presentación. Entonces, la prueba de sonido no era -sí, sí, check,

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ya sonó, vámonos y volvemos-, ¡no! Era la preparación para esperar a la gente. Tocábamos, y de ahí empezaron a salir muchas canciones. Feel High nace en una prueba de sonido. Cantábamos lo que estaba pasando ese momento, había una atmosfera de tanta creatividad -de tanta conexión- con la vida, con el momento, con el tiempo, con los equipos de sonido. Cuéntanos del himno Feel High. ¿Cómo fue la concepción? Yo medio que tenía la base, entonces al Rodo le digo “toca un poco”, y empiezo a hacer la línea de bajo de Feel High, a probar el micrófono, y cantar encima “ta na na na na… is a reggae music…”. O sea, slameando un poco. El Krauss sube a probar el mic. Él dice “a ver, seguí tocando eso”, y cantamos. Entonces ahí

empezamos a cantar y crear Feel High, porque estábamos muy enganchados, muy conectados. Había mucha magia, además de la fama encima. ¿Deciden editar la canción? Claro, ya estábamos famosos. Entonces, cuando terminamos de hacer Feel High, no la tocamos nunca en vivo, sino que directamente la fuimos a grabar. La sacamos en cassette como single. Ese material es una joya para la colección de música boliviana. ¿Tienes ese single que es una versión diferente a la que salió en el álbum? ¡No! Hay que conseguirla… Es la versión muy diferente porque la grabación es análoga, registrada en el “viejo” Studio de Discolandia. Recuerdo que hemos hecho los teclados en un Synth Yamaha SY1, era un aparatito pequeño. Entonces la lanzamos como corte para continuar esa idea de seguir grabando discos. Feel High se volvió número 1 en un ratito. La disquera nos exige que hagamos un segundo álbum. ¿Cómo fue la producción de la segunda placa discográfica? Del ‘93 al ‘94 hemos grabado rápido, ya teníamos todo en la cabeza. Sabíamos bien lo que hacíamos. El Akasa fue mejor pre-producido que el primer disco.

para ella. ¿Cómo logra editarse en el álbum? El director de cine Marcos Loayza nos pidió una canción para la tele serie “Radio Pasión” que se estaba produciendo. Decidí compartir la composición con el Grillo, que luego de escucharla me sugirió presentarla para el soundtrack. Loayza nos dice: chicos, cómo me van a traer esta porquería de canción… ¿No la quieres tú? Votación en la banda y ese tema entró en el disco. No reces al sol ni estuvo en las listas Nº1, ni la ponían en la radio. Se convirtió en la canción favorita de la gente. Estábamos en el Teatro al Aire Libre en 1994, lleno total. Listos para la presentación oficial del Akasa. Se escuchaban rumores de que el vocalista había abandonado el grupo. En el momento del show ustedes tres lo hicieron increíble, logrando grabar en vivo la actuación para un póstumo disco en directo. ¿Cuáles fueron las circunstancias para que Krauss deje la banda, sin defender ni promocionar el nuevo material? ¿Qué paso? Krauss grabó el disco y se fue, extrañaba mucho a su mamá. Ucha… creo que estábamos viviendo un momento difícil, un momento muy loco, donde la fama te vuela la cabeza además.

Yo a esas alturas me había comprado una Portastudio 4-track, entonces decidimos hacer el disco buscando las 10 mejores canciones. Teníamos de 16 a 20.

Somos personas simples, sencillas. No hay ni los medios, estoy hablando de productores, de managers. Peor aún, no había el aspecto de la “industria musical”. Porque es un aspecto psicológico, porque es una dimensión diferente.

Y ese material, ¿quedó archivado? ¿Lo tienes? Claro, está ahí. Hay canciones buenísimas que nunca salieron, así como los Beatles y su “Antología”, igual. Nosotros ya grabábamos las canciones.

¿Eso afectó a la estabilidad emocional de la banda? Yo creo que sí, absolutamente, y en especial a Christian Krauss, quien quería volver a Alemania. Luego de grabar el Akasa, él jamás conoció lo que ocurrió con el disco.

Por ejemplo, una de las canciones que no iba a salir en el disco era No reces al sol porque la he escrito para una persona especial, y era

Representaron el disco sin el vocalista, ¿cómo lo lograron? Ha sido realmente increíble – Grillo Villegas, LaCarne Magazine

Rodo Ortiz y Martin Joffré – el 24 de agosto del ‘94. Fuimos muy valientes en defender uno de los discos más “épicos”. ¿Y fue inevitable la partida de Krauss? En ese momento, lo puedo decir de esta manera, “la locura” era…, no te digo incontrolable, era una liga que se podía estirar demasiado, ¿no? Entonces ya no reconocías si estaba todo bien o si estaba todo mal, si era correcto lo que estabas haciendo o no. Ya no podías medir las distancias de los límites, porque eso es lo que ocurre. O sea, ya no conoces límites. En 1999 retorna la banda completa con un par de conciertos para registrar en vivo el disco doble que salió editado bajo el nombre de Akisitos I & II. ¿Cómo fue la experiencia del reencuentro I? ¿Qué rememoras de aquel fin de milenio? En realidad, era una filmación -iba a ser un video-, pero la empresa que filmó borró todos los masters. Antiguamente se grababa en U-Matic (cassettes de cinta), los borraron de accidente. Tampoco nos devolvieron el dinero, ¿no?

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Para el 2008 se reunieron -el segundo reencuentro- con varias actuaciones en vivo y directo. Una nueva generación pudo disfrutar de sus presentaciones, con un show en particular realizado en el Hall del Palacio “Quemado” de Gobierno, y un par de noches -a lleno total- en el Teatro 16 de Julio. ¿Volverá Lou-Kass en esta época de cambio que atraviesa la humanidad? Yo creo que esto nos aleja. Hubo una época -hace dos años atrás- con la posibilidad de unir a la banda, pero no se pudo dar. Es muy triste que no nos hayamos juntado y muy raro. ¿Quiénes son tus influencias en la música? Eh… The Beatles -de entrada-, y The Police, son mis grandes influencias. Muchas otras bandas que me marcaron como los Tears for Fears, Soda Stereo -quienes fueron mi “lo puedo hacer”-. Quizás un poco Charly García, pero más que todo fueron influencias anglosajonas las que más me inspiraron y movieron el motor. Llegó el cambio en tu vida, y Martin Joffré pasa a crear el grupo Thejila, dejando atrás

la música de fiesta, de chacota, de joda, y en adelante emprendiendo un camino espiritual. ¿Cómo surge la banda? ¿Quiénes conforman este grupo? Bueno, había una banda en la Congregación donde yo iba que se llamaba Jethro. En ella estaban los hermanos Zapata -Dante (guitarra) & Martín (bajo)-, y en la batería estaba Mauricio Salcedo -hijo del Pastor-. Luego se deshizo y formamos Thejila junto conmigo. Era un proyecto juvenil cristiano, en el cual quería yo -personalmente- transmitir una verdad, no un cuento religioso. Además, con una identidad, es cómo yo me sentía -en esa época tenía 24 años- todavía era un muchacho. ¿Cuál es la discografía de Thejila? Con Thejila tenemos 4 discos. El primero fue Tejiendo el alma (1997), el segundo fue Vivo (disco precisamente en directo), el tercero fue Invencible (2010), y el cuarto fue otro disco en vivo. ¿Ahí termina Thejila? Sí, no logra concluir su música. También estuvimos en búsqueda de expandirnos al mundo. Teníamos un contrato -lastimosamente firma-

do, pero no ejecutado- con BMG. En esa época las disqueras o sellos internacionales estaban retirándose de Bolivia. Estaban cambiando las cosas en el mundo, y el soporte digital empezó a arruinarles las ventas. En otras palabras: “la piratería”. Con Thejila has compuesto grandes canciones como Dolor por Amor. ¿Qué recuerdas de esta etapa creativa? Yo creo que todavía estaba viniendo un poco con las ideas de Lou-Kass, porque al ser otra banda, todos se adaptan de manera diferente. Yo en Thejila tocaba la guitarra, tener otro bajista, otro guitarrista, al tocar la guitarra también, todo cambia. La conexión es diferente, es como salir con otra novia, ¿no? Dolor por amor es un Reggae – Rock, es un tema muy lindo inspirado precisamente en lo que yo llamaría el Evangelio, o sea, en resúmenes. Empezaste en ese momento tu gran etapa de compositor y autor como Martin Joffré. ¿Qué anécdota recuerdas de aquella época? Antes de tener Thejila, yo fui miembro -como

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músico famoso- del grupo de Ekklesía, el grupo musical de alabanza, y ahí también se componían canciones. Entonces yo compuse una canción que se llama Venció para ese grupo, y también la hemos interpretado con Thejila. Y un cantante muy famoso, Marcos Witt, en el medio cristiano, se interesó por el tema, lo llegó a producir y también sacó su disco con mi canción, haciéndola internacional, y grabándola en 6 idiomas, incluyendo japonés. ¿En ese momento llegaste a ganar de Derechos de Autor? ¿Qué más recuerdas de aquel instante? Sí, por supuesto. Yo animo a los compositores a que registren sus canciones, porque eso les genera regalías. Entonces lo que ocurrió es que me buscó el productor de Cristian Castro para componer canciones para el disco Azul. Yo rechacé esa posibilidad, precisamente porque no lo vi bien. Quizás estaba sumergido en esa espiritualidad que ni yo mismo la estaba entendiendo. ¿Cómo te sentiste? ¿Fue una buena elección? No me di cuenta de lo que hice, y lastimosamente fui retirado del listado de los músicos compositores. Ése fue el error más intenso, se puede decir. En el mundo internacional de la Billboard hay como una lista. De repente, si hay una canción que se hace N.º 1, en este caso Venció, te pone en un listado de quién es esa canción. Te has rayado así, como decimos en La Paz. ¿Qué pasó entonces? Me empezaron a buscar otros artistas y los rechacé a ellos más porque supuestamente había unas ideas, una visión espirituosa. ¿Estás preparando nuevo material? Lastimosamente este asunto de la pandemia lo ha frenado todo. Yo tenía la intención de sacar pronto un disco, un proyecto. Pero un disco involucra presentaciones en vivo, giras, etc. La pandemia hizo a un lado ese proyecto del disco, no como proyecto, sino las canciones.

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En este momento yo no cantaría las canciones compuestas para el disco. Se necesita escuchar otra cosa, necesitamos transmitir otro mensaje. Sin embargo, al mismo tiempo, al margen de estar componiendo para mí, también estoy componiendo para otros artistas. Capella Records, de donde salieron producciones de bandas como Trameline Ferret, Ícaro, Plika, etc. Has grabado y/o producido bastantes grupos y discos para el Rock boliviano, de esa manera has contribuido con tu sapiencia y experiencia a una nueva generación de músicos. ¿Qué recuerdas de tu etapa de productor? He disfrutado de todos y cada uno de ellos. Trameline Ferret ha sido el debut. La idea de Capella Records era dar un servicio a los grupos emergentes, porque a nosotros nos costó, o sea, no fue gratis. Si bien la llevábamos en el corazón, no teníamos las facilidades. Los discos, en esa época no estábamos preparados, no sonaban con el nivel internacional, ¿te das cuenta? Conocer y estudiar con algunas personas – Emilio Estefan, José “Chilitos” Valenzuela-, trabajando con ellos y sobre todo estudiando, pasaba cursos, talleres.

Sí, defender el Akasa es como defender el Let it be de los Beatles sin Paul McCartney, digamos. O sea, ha sido muy valeroso lo que hemos hecho, y porque nos ha marcado el principio de ser cantantes en el futuro de nuestros propios proyectos. ¿Cuál es tu tema preferido de Lou-Kass? La verdad que todos los temas de Lou-Kass me llenan, son 20. ¿Editarías nuevo material de Lou-Kass, rescatando las sesiones del Portastudio 4-track? Habría que escucharlo, para ver cuáles pueden salir. ¿Tienes algún hobbie? Bueno, si ver YouTube es un hobbie, entonces sí (jajaja). Me encanta, me fascina esa plataforma. También con Brass Sweden, el Ingeniero de Michael Jackson, y con Eddie Kramer, quien grabó para Jimmy Hendrix, Led Zeppelin, etc. Entonces, metiéndome en eso y conociendo.

¿Cuál es tu frase, lema o verso que te levanta el ánimo? Yo no soy administrador, pero cuando se trata de mis propios negocios o de administrar lo que yo quiero, el que más sabe soy yo.

Eres compositor, cantante, guitarrista, padre de familia. ¿Cómo te has acomodado a la realidad boliviana para llevar tus ocupaciones, pasiones y profesiones? Primero que Bolivia es un hermosísimo país para vivir, lugar que te da mucha paz, tranquilidad, ¿no? Facilidades en algunos aspectos, comodidades en otros, aunque pareciera que no es así.

La otra es: “valórense mucho”. Es muy importante cuánto crees tú que vales. Aunque lo pidas a la gente y no te lo da, nunca renuncies cuánto verdaderamente vales.

La naturaleza es extraordinaria, el ecosistema es increíble. Siento que mi Bolivia es inocente, los bolivianos somos una nación inocente. Somos sencillos, no somos angurrientos. Entonces, si uno lo ve de la forma correcta, es un buen lugar y una atmósfera de inspiración muy profunda. Martin Joffré, te he visto el año pasado homenajeando a la banda Lou-Kass. ¿Cómo te fue? Fue precisamente recordando los 25 años del Akasa en vivo, porque fue un disco muy valiente.

Llegará el día en que realmente ese precio que tú sientes por ti mismo va a ser reconocido y visto por otros. ¿Algo más que quieras decir a toda la gente? Un mensaje de despedida. A todos les deseo mucha paz, que haya siempre una unidad. Cambiar es bueno, cambiar hacia el prójimo, hacia el del lado. Si bien la envidia no acabará nunca porque es un espíritu, hay que intentar dejar de ser envidioso. Ya basta. No sirve de nada serlo, no lo necesitamos. Reconcíliate con el vecino, con el hermano, y acabemos con ciertas cosas que ¡ya tenemos mucho!

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