LaCarne Magazine N100 by LaCarne Magazine

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Nº100 - OCT 2020 - AÑO 10

EXPERIENCIAS cacería stream sets julián x gunvolt

ENTREVISTAS

antonio cabanillas brutus m3 natural poesía primitivo sacristía paskinel

investigación jimi hendrix

ESPECIAL

quién escribe en lacarne magazine?

Rubén rubio

un bajista de otro mundo

N100 aÑo 10 oct 2020

SUMARIO

experiencias 06 Cacería, debutando con sólo dos

entrevistas 34 Quién escribe en LaCarne Magazi-

08 Stream Sets, el nuevo camino de

42 Antonio Cabanillas y el techno

músicos

los eventos musicales

ne?

como forma de vida

12 Julian X Gunvolt y su nuevo disco 48 Sacristía, Death Metal con toques Fulminator

investigación 18 Jimi Hendrix, imagen icónica del Rock mundial

modernos

54 Natural Poesía, hip hop con poder femenino

60 Primitivo, identidad Metal chilena 68 Brutus M3, Rock y distorsión sin complejos

74 Paskinel, Metal nuevo y progresivo

26 Rubén Rubio,

un bajista de otro mundo

contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición Pedro Gallardo

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Colaboradores

jorge ares, la chica boom, alfonseka, cristobal torres, ángela sumy, omar vega Foto Portada por Rubén Cebrián * No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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Cacería

debutando con sólo dos músicos casi cualquier escena emergente, es la enorme dificultad que implica hallar músicos. LEER MÁS

acería es una banda oriunda de Cuernavaca, Morelos, nacida hace ya cinco años por iniciativa del vocalista Dante Rodriguez, y el guitarrista Ariyuki Arce. Recién en marzo de este año el dúo logró publicar su álbum debut homónimo, compuesto, escrito, grabado e interpretado únicamente por ambos miembros previamente mencionados. Una de las principales razones que estanca a las agrupaciones, tanto mexicanas como de

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Cacería, debutando con sólo dos músicos Con Cacería (2020), Dante Rodríguez y Ariyuki Arce han logrado destruir uno de los enormes frenos de mano que han detenido a la escena mexicana: no tener una alineación completa. La verdad es que en México abundan músicos de calidad, el problema es que muy pocos se pueden dar el lujo de tener una vida laboral y al mismo tiempo dedicarse a la música. Ésta es una razón por la que innumerables

agrupaciones de la escena subterránea dejan pasar años y hasta lustros sin hacer nada. Esperan encontrar a los músicos que complementen una alineación, para después empezar a ensayar, para después empezar a componer, y, años más tarde, volver a cambiar de alineación y empezar de nuevo. Con renta de instrumentos y un meticuloso trabajo casero, Rodríguez y Arce dieron vida a una obra que brilla no sólo por el mérito que significó su creación, también destaca su labor compositiva y lírica. Sólo la voz de Rodríguez fue grabada en un estudio, así como la mezcla y masterización, mismas que corrieron a cargo de Tonio Ruiz, un músico cuya trayectoria ha logrado salir del underground con bandas como Coda y QBO. A nivel compositivo se nota a leguas que fue un trabajo en equipo. Las líneas de voz están muy bien complementadas por las líneas de guitarra. Aunque existe una base rítmica, es muy común escuchar que la guitarra de Ariyuki dibuje líneas melódicas en los precoros y estribillos, como en Frente al destino, Esclavos De La Traición y Sin mirar atrás. Ninguno de los dos elementos (voz y guitarra) queda opacado entre sí. Es sorprendente cómo la interpretación de Rodríguez se combina con los licks y arreglos de Arce, formando una unidad casi simbiótica. Es la evidencia perfecta de que este álbum es una obra realizada en equipo, el ideal al que toda banda debería aspirar, y que muy pocas logran con éxito y fluidez. Dante Rodríguez deja escuchar un amplio rango vocal. Su timbre se transforma en diferentes momentos del álbum, por ejemplo, en Desolación rasguña un tono casi gutural. En Alma Errante hizo casi todas las estrofas corales, dejando escuchar su voz en diferentes tonalidades.

Por su parte, Ariyuki Arce destaca por dos condiciones que hacen de un guitarrista alguien de diferente pasta: gran técnica y una amplia habilidad para crear melodías que le permitan hacer brillar su técnica. Muchos son los guitarristas capaces de sacar canciones de Yngwie Malmsteen, o de quien ustedes quieran, pero al momento de hacer su propia música pierden todo el fulgor. Ariyuki es un compositor que ha sabido encontrar una voz y una verdadera forma de expresión a través de la música. Su técnica en la guitarra ha venido a significar una herramienta y no un fin per se. Basta escuchar parte de su obra solista (https://soundcloud.com/lordariyuki) para darse cuenta del enorme horizonte compositivo que este guitarrista posee. Esto completamente explica por qué Cacería es una banda que puede ser disfrutada por un amplio rango de personas que no necesariamente alimentan sus oídos de puro Power y Heavy Metal. Después de lanzar el álbum (mismo que solamente se encuentra en formato digital), Cacería logró completar su alineación; sin embargo, hasta ahora no ha podido tocar en vivo. La pandemia vino a frenar muchos proyectos, como una gira por algunas ciudades de la República Mexicana, lo que sin lugar a dudas habría sido un hito. A pesar de las circunstancias, afortunadamente el paso más importante ya fue dado: el lanzamiento de su disco debut, uno que nos deja ver que las excusas son vanas cuando la voluntad musical se impone.

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Stream Sets

el nuevo camino de los eventos musicales LEER MÁS

i bien la pandemia del COVID 19 ha frenado la realización de eventos presenciales, los DJ’s/productores bolivianos, colectivos de música electrónica, y organizadores de eventos, han encontrado formas para poder seguir creciendo y mantenerse en acción: los Stream Sets.

El “boom” de los stream sets Desde el inicio de la cuarentena en Bolivia en marzo de 2020, colectivos y organizadoras de eventos de música electrónica, así como DJ’s/ productores por cuenta propia o en grupos, se han organizado para poder realizar “stream sets” de distintos géneros y estilos. Fueron tantas las iniciativas realizadas, que

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describir cada una de ellas sería realmente extenso. Sin embargo, en este artículo, mencionaremos algunos de estos eventos “online” que han logrado mantener viva esta escena, en medio de toda esta situación de pandemia en la que los eventos públicos y/o masivos están totalmente prohibidos. Comenzamos con las SLANG IN YOUR HOUSE, transmisiones enfocadas a géneros como el House y Techno, organizadas por el colectivo de música electrónica underground “BMT”, que hasta la fecha realizó diez sesiones. Varios artistas (pertenecientes al colectivo e invitados) participaron en estas transmisiones, entre los que podemos mencionar a Skipi & Sezé (creadores del colectivo), A.K.A. Andy, Morana, RUMA, Mr. Progressive, Daftwho, S3rbas, entre otros. Además, es destacable que dichas transmisiones no se enfocaron únicamente a la presentación de sets, sino que además incluyeron charlas referentes a la música electrónica

Otras iniciativas de este tipo fueron realizadas por grupos de jóvenes dedicados a la organización y/o administración de páginas del género en la red Social de Facebook, tales como ser Treep Team, organizadora de eventos de la ciudad de Potosí que realizó tres transmisiones virtuales hasta la fecha: STAY AT HOME ELECTRO FESTIVAL, FIRE FESTIVAL y el tercero de ellos BOLIVIA FEST, como una forma de homenajear a Bolivia en su aniversario, el 6 de agosto. Dichos eventos contaron con la participación de una decena de jóvenes DJ’s/productores de distintos lugares de Bolivia. También destacamos a CRASH LANDS, evento online realizado el 19, 20 y 21 de junio, cuya organización estuvo a cargo de los DJ’s/productores bolivianos Red Death Grave, DIVMO y Blvckscvrecrow.

s en Bolivia, experiencias de DJ’s/productores bolivianos, y aspectos relacionados a la producción y mezcla musical entre otros temas. Las iniciativas personales también fueron muy importantes, entre éstas destacan BEATS AT HOME, organizado por el DJ/productor paceño Redken Panda. Dichas transmisiones se realizaron a lo largo de cuatro episodios los fines de semana por la red social Facebook, y contaron con la participación de DJ’s/productores como CXB, Mell, Dj Ark y Drew. Además, esta iniciativa continuó con el desarrollo del proyecto musical SUB ROOM, que según su creador Redken Panda, estará enfocado en la transmisión de stream sets orientados al Bass. De la misma manera, destacamos a DJ Shon y sus transmisiones realizadas de forma semanal y bisemanal a lo largo de estos meses, enfocadas a distintos géneros de la música electrónica.

Crash Lands contó con la participación de más de 20 DJ’s/productores bolivianos de distintos géneros y estilos, quienes se presentaron durante los tres días del evento. La plataforma elegida para dicha transmisión fue Twitch. Otros eventos que podemos mencionar son KOLLA FEST, eventoorganizado por el sello discográfico Fire Records, en homenaje al aniversario de la ciudad de La Paz, que se realizó durante el 15 y 16 de julio. HOME FESTIVAL, organizado por el DJ’/productor paceño Ax Lewis y Jan Farid. HOME DUBSTEP BOLIVIA y FESTIVAL BASS, organizados por Dubstep Bolivia, y ELECTRO MUSIC FESTIVAL, organizado por Electro Music Bolivia. Finalmente, enfocándose a géneros más underground, destacan los stream sets realizados por CHAKANOS Agency. Mismos que presentan artistas nuevos y de amplia trayectoria en la escena under boliviana, además de contar con CHAKANOS Room (que cuenta con el apoyo de 3600 Stage), espacio en el cual se realizaron charlas de distintos temas relacionados a la música electrónica.

Stream sets con música de autor Refiriéndonos a eventos online con un costo LaCarne Magazine

extra, destacamos a VACÍOS ELECTRÓNICOS, un streaming de música electrónica de autor realizado el 10 de julio, y que contó con la participación de DJ’s/productores de amplia trayectoria como ser Ra Beat, Pituko, Daniel Bargach y Pablo Asturizaga.

realizadas por distintos colectivos, organizadoras y DJ’s/productores, cuyo objetivo en común fue continuar con la movida electrónica en estos tiempos de pandemia, donde, sin duda alguna, el concepto de “asistir” a un evento ha cambiado totalmente.

Para su presentación se tuvieron dos días de rodaje, concluyendo así en 70 minutos de viaje musical a través de sets experimentales y música ecléctica de géneros como el Ambient, Andes Step, Synth Pop, Electropunk, House, entre otros. El aporte para poder acceder a este evento online fue de 25 Bs (poco más de 3 dólares).

Por ello, es indudable reconocer el papel importante que juega la tecnología, las redes sociales y plataformas virtuales en el crecimiento de la música electrónica en Bolivia, en un contexto en el cual los artistas han tenido que replantear su situación y empezar a cimentar las bases de una nueva forma de transmitir su música al público.

Otro evento realizado con el concepto de brindar música electrónica de autor fue LA OBERTURA RESISTANCE Live Streaming, organizado por el Centro Cultural la Obertura, y que contó con la participación de Nina Schatz, St. Peter y JoC H. Dicho evento se realizó el viernes 7 de agosto, y el costo también fue de 25 Bs.

Quizá más distante, y sin el calor humano presente en estos eventos como en tiempos pasados, pero sí con la pasión que caracteriza a los DJ’s/productores bolivianos, ya sean nuevos en la escena o con años de experiencia, ya sea enfocados a los géneros comerciales o a los “underground”.

De la cercanía física a la virtual Y así como todas estas iniciativas (gratuitas o con algún costo) han existido, muchas más

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Lo importante y decisivo será el apoyo que brinde el público a este tipo de iniciativas y eventos para que esta escena siga creciendo, a pesar de todos los obstáculos que le ha tocado enfrentar.

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Julian X Gunvolt y su nuevo disco Fulminator

dos décadas sólo han lanzado un demo, y eso ocurrió hace ya 17 años: Demo 2003 (2003). LEER MÁS

ulian X Gunvolt es el proyecto del multinstrumentista Julián Barragán, un músico xalapeño (es decir, de Xalapa, Veracruz, México) que ha participado en algunas agrupaciones como Asmodeus y Razorblade.

Julian X Gunvolt, ¿estorba tocar con muchos miembros? ¿A qué vienen estos dos desoladores datos? Pues para comparar que, en apenas tres años, Julian X Gunvolt ya ha lanzado dos álbumes, un EP y un sencillo, todo con un solo músico.

Curiosamente, ambas agrupaciones cuentan con muchos años de existencia, pero no de trayectoria. De la primera se puede mencionar un disco lanzado hace 21 años: Fin de la luz (1999).

Fulminator (2020) es su álbum más reciente. Vio la luz en plataformas digitales durante la primera semana de mayo, y recién en la segunda semana de agosto apareció en formato físico.

Y de la segunda se puede decir que en casi

Julian X se encargó de cantar, componer, gra-

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Eso dio la sensación de que fue una colaboración metida con calzador. Habría sido mejor mantener a “Ripper” acompañando la voz del mismo Julián, cantando en español lo poco que pudiera. Fulminator también cuenta con la participación de Tania Shoung interpretando la pieza: En la oscuridad. Su presencia nos recuerda el enorme talento que existe en cuanto a voces femeninas en México. Podemos decir con total seguridad que no hay una región de la República Mexicana que no cuente con una voz fémina de gran nivel, el problema es que muy pocos las conocen. Las composiciones de Julian X son muy sencillas, pero también muy efectivas. Mantienen una estructura clásica de introducción, estrofas, precoro, y estribillo. A nivel vocal, Julián es un intérprete que, a pesar de contar con pocos recursos en la voz, saca adelante las canciones con mucho sentimiento y buen porte. Es por su forma de estructurar las piezas que las limitaciones técnicas de su voz quedan subsanadas. bar y tocar todos los instrumentos. Un caso que, a pesar de ser muy común en la escena subterránea, no deja de ser admirable. El álbum posee muchas cualidades que a estas alturas de la historia ya no deberían sorprender: buen sonido, buena producción, gran mezcla, un arte muy atractivo, y colaboraciones de lujo. Debemos remarcar mucho el último rubro, pues la primera canción, homónima del álbum, cuenta con la participación de Tim “Ripper” Owens. Lo malo es que a Julián nunca se le ocurrió invitar al vocalista a cantar en español. Le entregó el último estribillo de la pieza, donde el norteamericano cambió el idioma de la letra a inglés.

Deja escuchar un rango muy limitado de tonalidades, llegando al punto de no marcar una diferencia notable entre las estrofas y los estribillos. No obstante, gracias a la estructura de sus piezas, logra construir la tensión necesaria para diferenciar la intensidad de sus momentos. Stormbreaker ejemplifica muy bien lo anterior. En general se puede decir lo mismo de sus composiciones: su técnica se encuentra en un umbral promedio, es lo suficientemente buena como para interpretar los instrumentos y sonar muy bien. Otro punto destacado son sus letras. Consigue versos muy bien medidos que aportan todavía más a la cadencia de sus composiciones. LaCarne Magazine

Pero no sólo eso, también toca temas muy cercanos al mexicano promedio que muy pocas bandas nacionales han querido explorar, como el fútbol y la lucha libre. Por ejemplo, Stormbreaker es el retrato de un ficticio gladiador enmascarado que fácilmente se adapta a cualquier leyenda del pancracio nacional.

Otros discos de Julián X Gunvolt En 2018 también lanzó un EP titulado Con la Mirada en el Mundial a propósito de la justa mundialista de Rusia. Se escuchan melodías de guitarra sencillas, pero muy bien colocadas en los momentos correctos que permiten ir elevando la intensidad. Julian X es capaz de crear imágenes y escenas del imaginario nacional sin reducir ni un ápice el aire heavy de sus canciones. Ahí radica una gran característica de su música, y que definitivamente debería explotar más. Porque, si algo nos ha demostrado la escena metropolitana del Rock urbano, es que no se trata de tocar bien. Todo gira alrededor de darle un sencillo acompañamiento musical a narraciones nacidas de las galeras proletarias, como lo han hecho El

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Haragán, Charlie Montana, y demás luminarias de las profundidades citadinas. Sorprendentemente, en los últimos años no ha habido una sola agrupación de Heavy o Power mexicana que dirija sus canciones al quehacer cotidiano. La mayoría ha optado por seguir la tendencia de agrupaciones internacionales para hablar de los mismos temas trillados, o, ya en el mejor de los casos, hablar de mitología prehispánica. Julian X Gunvolt es uno de los primeros brotes que dan ese giro lírico hacia temas contemporáneos, que fácilmente podrían capturar a varias personas. Julian X Gunvolt es un proyecto autoral de enorme valor. No sólo brinda música interesante, también nos confirma que la falta de músicos no es un pretexto para mantenerse inactivo. No pasará mucho tiempo para volver a saber de un nuevo trabajo suyo.

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Jimi Hendrix

imagen icónica del Rock mundial curiosa, por si queréis investigar por vuestra cuenta, mis pequeños procastinantes. LEER MÁS

n esta entrega vamos a hablar de uno de los guitarristas más importantes e influyentes de la historia de la música, que consiguió hitos con las cuerdas que ni hoy en día han sido superados… y eso que su carrera principal sólo duro 4 años, pero vaya 4 años… Hablamos del inconmensurable, inimitable y siempre respetable Jimi Hendrix.

Jimi hendrix y sus primeros pasos en la música James Marshall Hendrix nació un 27 de noviembre de 1942, en Seattle, Washington. Con una herencia familiar diversa, la historia de su familia, en concreto la paterna, es bastante

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Siendo pequeño, ayudando a su padre encontró un ukelele entre la basura, sólo tenía una cuerda, pero eso no le importó. Rápidamente aprendió a tocar de oído, principalmente con notas individuales, imitando canciones de Elvis Presley, sobre todo Houng Dog. Adquiriría su primera guitarra acústica cuando tenía 15 añitos, y le costó 15 dólares. Se pasaba horas y horas practicando, siempre observando artistas de Blues como Muddy Waters, B. B. King, Howlin’ Wolf o Robert Johnson, sus primeras influencias. Al tiempo formó su primera banda, eran The Velvetones; sin embargo, duraron muy poco tiempo, ya que con la guitarra acústica no eran capaces de sacar el sonido que querían.

gió su bajo y ambos empezaron a improvisar. En unas semanas estaban tocando por los clubes cercanos a la base en una especie de banda, The Casuals. Después de dejar el ejército, se marchó a Clarksville (Tennessee) junto a Cox, donde formaron la banda The King Kasual. Pronto se mudaron a Nashville, donde había una próspera esfera musical de R&B, y allí se ganaron un lugar como residentes en el Club Marruecos. Los dos siguientes años, aparte del trabajo en el Marruecos, se dedicaba a ir actuando por los clubes del Sur afiliados al Circuito Chitlin. Durante esta época se dedicaba casi por completo a ejercer de respaldo de músicos ya consolidados de Soul y R&B, como Wilson Pickett, Jackie Wilson, Sam Cooke, o Ike y Tina Turner.

Nueva York, una nueva aventura para Jimi Hendrix

En 1959, finalmente su padre le compró una guitarra eléctrica (una Supro Ozark de color blanco), y aquí se le abrieron las puertas del cielo al joven Jimi Hendrix. Daría su primer concierto por esta época con una banda sin nombre en la Sala Jaffe de Seattle. Sin embargo, tras acabar el concierto fue despedido de la banda por pavonearse y presumir con la guitarra… Antes de cumplir los 19 ya había sido detenido varias veces, así las autoridades le dieron dos opciones: cárcel o alistarse en el ejército. Se alistó el 31 de mayo de 1961. Estando allí escribió desesperado a su padre para que le mandase su guitarra. Ya con ella, se pasaba las horas de recreo y descanso tocando. En una de ésas, su compañero Billy Cox le escuchó y se quedó completamente alucinado, describiéndole como mezcla entre John Lee Hooker y Beethoven. Rápidamente co-

En 1964, cansado de esta escena musical tan comercial, se mudó a Nueva York, concretamente al barrio de Harlem. Se apuntó a un concurso de aficionados del Teatro Apollo, y, obviamente, lo ganó. Esto le permitió girar por varios circuitos musicales, consiguiendo asentarse como músico principal con varias bandas, entre ellas los míticos The Isley Brothers. Juntos lanzaron un sencillo en dos partes: Testify. Sin embargo, nuestro Jimi tenía una mente inquieta, y cansado de tocar todas las noches el mismo espectáculo, dejó la banda a finales de ese año. Después se unió a la banda de Little Richard, The Upsetters; sin embargo, no se llevaban muy bien, y discutían bastante a menudo por las pintas de Jimi Hendrix (que lo dijera Little Richard… ver para creer). Le despidieron a mediados de 1965. Contratado en el Café WHA? de Nueva York, se fue haciendo pronto popular gracias a su personal estilo con la guitarra. Además, se hizo muy amigo de Curtis Knight, el líder de The Squires y de Linda Keith, una modelo LaCarne Magazine

que hizo las presentaciones entre Jimi y Chas Chandler, bajista de The Animals, que al verlo se quedó completamente hipnotizado. Al rato le estaba convenciendo para que marcharan a Inglaterra, donde la escena de Rock era súper potente.

Jimi Hendrix y su fama en Inglaterra Y eso hicieron, marcharon a Inglaterra, donde Chandler (su ya productor y manager) ya había reclutado al bajista Noel Redding, muy suelto en las progresiones de Blues, y al batería Mitch Mitchel. Este combo funcionó muy bien, y eso que seguir el ritmo a las improvisaciones de Jimi debía ser una auténtica prueba de fuego: The Jimi Hendrix Experience había nacido. El mismo día que firmaron el contrato, el grupo hizo una actuación improvisada en The Scotch of St James. Durante esta época, Chandler le llevó una noche al concierto de una poderosa banda de Rock del momento, The Cream. Le invitaron a tocar con ellos, y cuando su guitarrista, un joven Eric Clapton, le vio tocar casi todos los estilos imaginables en uno sin perder el ritmo, declaró: “se fue, y mi vida nunca volvió a ser la misma”. Casi todas las noches, jóvenes músicos como John Lennon, Pete Townshend, Mick Jagger o Kevin Ayers acudían a verle actuar. Alguno ha comentado posteriormente: “y allí estábamos en el público con la boca muy abierta, y pensando: Joder, a ver qué hacemos ahora”. A finales de 1966 estaba firmando con un nuevo sello, y grabando su primer tema, Hey Joe. En Inglaterra se hizo famosísimo: conciertos, giras, entrevistas. Le llamaban Mr Phenomenon, pues nadie podía creer que ese sonido tan apabullante saliese únicamente de una banda con tres músicos. Tras romper las listas de éxitos de Reino Unido, comenzaron a reunir material para sacar un álbum, y de aquí salió Are You Experience?, con temarracos como Red House, Highway Chile o Remember. Salió en 1967, y

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se tiró 33 semanas en las listas, llegando a ser número 2 tras los Beatles. Este álbum le dio una bofetada al mundo, y lo dejó cambiado para siempre, estando considerado entre los 15 mejores discos de todos los tiempos.

El regreso de Jimi Hendrix a EE.UU. Volvió a EE. UU. y comenzó a girar. Invitado en el Festival de Pop de Monterey, interpretó Killing Floor de Howin’ Wolf, y el público se volvió completamente loco. Además, ya había adoptado ese estilo suyo peculiar entre hippie y Cherokee, y creó una especie de ri-

Ahora ya había conquistado EE. UU. Y el mundo entero se rendía a sus pies. Sería el momento de su segundo álbum, Axis: Bold as Love. Éste es un disco mucho más experimental, con sonidos psicodélicos que presentaba una nueva sutileza en el trabajo de Jimi, pues se atrevía a jugar con los sonidos de la mesa de mezclas, entre otras cosas. A este disco le seguiría Electric Ladyland, su tercer y último disco junto a la Experience. En la banda estaban todos muy frustrados debido a las exigencias de Jimi, que era un perfeccionista nato, y que por otro lado estaba completamente descontrolado con las drogas y el alcohol, y muchas veces ni se presentaba a los ensayos. La grabación de este disco no fue fácil, el ambiente estaba enrarecido, y además el estudio de grabación estaba siempre lleno de amigos y conocidos de Jimi, haciéndolo todo bastante caótico. Sin embargo, salió adelante, con temas como la versión de Dylan All Along The Watchtower o Burning Of The Midnight Lamp, la primera canción de la historia donde se usó el wah-wah.

tual vudú, donde también interpretó Rock Me Baby de B.B. King, Like a Rolling Stone de Bob Dylan, y 4 composiciones nuevas: Foxy Lady, Can you See Me, The Wind cries Mary y Purple Haze. Al final de la actuación, después de un meneíto hiper sensual con su guitarra (literalmente parecía que estaba follando con ella), quemó su guitarra en directo y arrojó piezas al público. El mundo aún no se ha recuperado de esa actuación, creándose un momento perfecto del Rock, convirtiendo a Jimi Hendrix en imagen icónica para el Rock mundial.

Meses más tarde darían una serie de conciertos en el Royal Albert Hall que serían los últimos de la formación como tal. Las relaciones entre los tres estaban más que viciadas, sobre todo entre Hendrix y Redding, que finalmente fue sustituido por Billy Cox. Finalmente, Mitchel también abandonó el grupo. La nueva banda estaba formada por Jimi, Billy Cox y Ed Shaughnessy.

La fama mundial de Jimi Hendrix En 1969 nos encontramos con que la fama de Jimi es casi mundial, siendo en ese momento el músico de Rock mejor pagado, así que se convirtió en cabeza de cartel de todos los festivales de Rock del momento. El más conocido de ellos fue el de Woodstock, todo un acontecimiento que consiguió reunir un aforo de 400.000 personas en total, un auténtico hervidero de hippies, vamos… Jimi era el encargado de cerrar el festival. LaCarne Magazine

La noche del domingo, cuando le tocaba subir al escenario, al ver a tanta gente reunida se agobió, y decidió cambiar la hora del concierto, cerrando el festival el lunes a las 8 de la mañana. Esta actuación es un hito en la historia de la música, donde incluyó una versión del himno americano distorsionada y con mucho uso del feedback, y para siempre permanecerá en nuestras retinas ese hippie vestido con chaqueta de cuero blanca con flecos azules y bandana en el pelo, y con la Fender Stratocaster como prolongación de su brazo (la imagen más icónica de toda una época, con permiso de Janis Joplin y sus flores en el pelo). Al acabar la actuación se desmayó de cansancio. Llevaba tres días sin dormir. Después de varios festivales más, se decidió a hacer un disco con actuaciones en directo. Para ello creó una nueva banda, Band of Gypsy, para la que reunió a Billy Cox y el batería Buddy Miles, con quien Jimi hizo muy buenas migas. Cuando improvisaban juntos se creaba una especie de combinación entre Rock y Jazz.

Un trágico final De nuevo estaba girando por Europa; sin embargo, Jimi estaba exhausto física y emocionalmente. El 16 de septiembre de 1970 daría su último concierto en una jam improvisada en el Soho de Londres, junto a la banda War, aunque únicamente hizo de guitarra de acompañamiento. Moría días después, el 18 de septiembre de 1970. Su muerte aún sigue envuelta en un poco de misterio. Parece ser que cenó con su novia del momento, después ésta le llevó a casa de unos amigos y le recogió más tarde. Se acostaron, y a las 11 de la mañana, cuando ella despertó, le encontró respirando, pero en estado de inconsciencia. Le recogió una ambulancia, pero a las 12.45 se confirmaba su muerte.

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Según la autopsia, aspiró su propio vómito, produciéndole asfixia e intoxicación por barbitúricos. Su novia declaró que había consumido 18 veces más de la dosis recomendada de unas pastillas que le habían recetado. Tiempo después se reveló que el motivo de la muerte fue un enfisema pulmonar. Se embalsamó el cuerpo y se mandó al cementerio de Greenwood de Renton, Washington, junto a su madre. Entre amigos y colegas de profesión se reunieron más de 200 personas a su funeral. La relación de Hendrix con las drogas y el alcohol pues fue como siempre, un foco de destrucción. El alcohol le ponía muy violento, y con las drogas, pues eso, que si subidote de LSD, que si fiestorro de coca… Esta época es muy convulsa, y la experimentación con las drogas estaba a la orden del día, y así pasaba, que muchos ni llegaban a los 30. Considerado el instrumentista más grande de la historia del Rock, Jimi Hendrix expandió el vocabulario de la guitarra eléctrica hasta caminos insospechados. Con unas habilidades técnicas increíbles, y una capacidad creativa enorme, hizo del instrumento una fuente de sonido eléctrico, convirtiendo efectos como el acople o la distorsión en algo controlado. Jimi se inspiró en el R&B y el Blues eléctrico. Estaba muy a favor de los amplificadores saturados con alto volumen y ganancias, además hacía uso de sonidos causados por la retroalimentación del amplificador. Fue de los primeros en utilizar unidades de efecto con la distorsión fuzz, el wah-wah o el uni-vibe, además de ser el primer músico en usar efectos de fase estereofónicos en grabaciones. Todos esos efectos él los convertía en un vocabulario fluido y controlado. A saber qué vueltas hubiera dado el Rock si este joven de 27 años no hubiera muerto… Nos queda un impresionante legado por lo menos… Joder, Jimi, qué bien lo hiciste, pero qué corto.

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Foto por Rubén Cebrián

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ablar de Rubén Rubio es hablar de un bajista de otro mundo, y eso es algo que podréis comprobar con cada una de sus canciones. Su primer disco, Biondo, nos impactó de una forma brutal, y convirtió a Extremadura en un referente nacional del Jazz Fusión, cosechando premios por toda España durante varios años. Ahora llega a nuestras manos Inexorable, su último trabajo, y ha sido una pequeña revolución que ha inundado de ritmos nuestra cabeza. Mucho más trabajado, y conceptual, Inexorable no es la continuación de Biondo, sino la manifestación más clara de la necesidad humana más básica, que lucha con el destino por arañar algo de tiempo en una vida finita y caduca. Este nuevo disco confirma a Rubén Rubio como uno de los grandes bajistas de España actualmente, y le abre el camino directo a los mejores circuitos europeos y latinoaméricanos. Si tienes oportunidad de escuchar su música, ponte cómodo y disfruta con este gran artista. por Pedro Gallardo

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Texto por S. Plata

n placer tenerte de nuevo en las páginas de LaCarne Magazine, Rubén. Han pasado unos meses desde la última vez que hablamos, ¿cómo ha ido todo desde entonces? ¿Ha cambiado mucho el panorama de actuaciones desde que hablamos? Hola a todos. El placer es todo mío, gracias por recibirme una vez más. Pese a que está todo bastante mal en lo que se refiere a la cultura, y en concreto a los conciertos, he podido hacer cuatro conciertos este verano. Dos de ellos con la formación de sexteto, uno a cuarteto, y otro en solitario a modo de Showcase. Echando la vista atrás, desde que sacaste Biondo hasta hace unos meses que presentaste tu segundo disco, Inexorable, la situación ha cambiado bastante si hablamos de giras de conciertos, no es como hace unos años. ¿Cuánto tiempo estuviste de gira con Biondo? ¿Hubo salidas fuera de España? ¿Te lo plan-

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teaste? Con Biondo estuvimos presentándolo durante dos años, e hicimos más de 50 conciertos por toda España. Se estuvo negociando la posibilidad de haber salido a Italia, Portugal o Alemania, pero por motivos económicos no fue viable. Imaginamos que tendrás muy buenos recuerdos de estos conciertos. ¿Qué concierto o qué momento de esa gira es el que siempre recordarás? No podría quedarme con un momento concreto. Todos esos conciertos, kilómetros en furgo o avión, visitar esas ciudades con tu propia banda... Todo aquello lo recuerdo con mucho cariño junto a mis compañeros. La verdad es que lo mejor de todo fue poder compartir aquello con amigos que además cada noche lo daban todo en el escenario. Y después de la gira de Biondo, ¿es este periodo cuando se empezó a gestar Inexorable,

con el que cierro fecha de grabación es con Miguel Lamas para que grabe las baterías en varios de los temas. Hasta entonces todo había sido hecho muy tímidamente, y con mucha incertidumbre, pero cuando concreté con Miguel, me dije, ya estoy embarcao de nuevo, vamos pallá...! Háblanos del contenido del disco. Hay temas que suenan muy funk y otros más a soul, alguno con toques de folk, otros de jazz… ¿tenías clara esta fusión de todos estos estilos? La verdad es que sí. Nunca he sido un músico de un solo estilo. Siempre he estado cambiando de estilo, e intentando empaparme y hacerme a cada uno de ellos según iban surgiendo. Supongo que al final todos fueron dejando algo en mí. Para ti, ¿qué género es el más cómodo de tocar? ¿y cuál es el más divertido? Suelo divertirme con cualquier música que toco siempre que suene bien, aunque evidentemente con lo que más cómodo me siento es con el jazz fusión.

tu nuevo disco? ¿Dónde y cómo van surgiendo los primeros temas? Después de esa gira acabé muy agotado, y tristemente agotado por tener que dedicar la mayor parte de mi tiempo a tareas que nada tenían que ver con el instrumento para poder seguir moviendo el proyecto. Y es por ese motivo por el que estuve varios años simplemente dedicado a tocar o grabar para otros artistas o grupos. Y aunque yo siempre estoy ideando y grabando ideas que se me van ocurriendo, simplemente por disfrute personal. No fue hasta el 2018 cuando me encuentro con bastante material y con ciertas ganas de volver a intentarlo. ¿Cuándo fue el momento en el que dices “voy a sacar otro disco”? ¿Cómo te planteaste el cómo, cuándo y con quién hacer Inexorable? En enero de 2019, con la mayoría de los demos maquetados, empiezo a hablar con alguno de los músicos con los que me gustaría contar para el nuevo disco, y con el primero

Da igual qué estilo sea, todas las canciones de Inexorable valdrían para bandas sonoras de pelis de distintos géneros… ¿te gustaría? ¿Te has planteado alguna vez trabajar para el cine? Soy muy peliculero. Me gusta imaginarme historias con mi música, y me encantan las bandas sonoras, por lo que para mí sería un placer si alguna vez mi música sonase en cine. No me he planteado nunca trabajar para cine, pero si surgiese seguro que lo disfrutaría mucho y lo haría encantado. El título del disco, Inexorable, nos lleva a pensar en el paso del tiempo. Cuéntanos por qué este título y qué relación tiene con el contenido de este trabajo. Efectivamente, el título hace alusión al fenómeno “tiempo”. Creo que es algo de lo que todos estamos pendientes, a veces incluso de una manera obsesiva. Y decidí que tanto el título del disco como todas las canciones estuvieran planteadas alrededor de ese fenómeno. Hablemos de los músicos que han participado LaCarne Magazine

en Inexorable, que no son pocos. ¿tenías ya pensado quién iba a participar y en qué canción del disco? Son más de treinta los músicos/amigos que han hecho posible este disco. Con el grano de arena de cada uno de ellos se ha conseguido un resultado más allá del que yo ideé y planteé en mis maquetas. Con su buen hacer han hecho que sea real, humano, y le han dado una dimensión que nunca hubiese esperado. Estoy muy agradecido a todos ellos. A muchos ya los escuchaba en mi cabeza desde el primer momento, otros fueron surgiendo según la producción avanzaba. Como hemos dicho, en este disco han participado muchísimos músicos, pero aquí viene lo difícil. ¿Cómo te has organizado con ellos para los ensayos, la grabación del disco, etc? Por motivos logísticos y económicos, la mayoría de los que han participado en el disco han grabado desde su estudio particular, ya que cada uno de ellos se encuentra en una parte distinta del planeta: Madrid, Sevilla, Mérida, Miami, Costa Rica, Guareña, UK, Cáceres... Y para grabarlo, con todo lo que ha pasado y está pasando, ¿cómo y dónde lo has hecho?

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¿Qué ha sido lo más complicado de hacer este disco? Realmente el disco estaba prácticamente terminado en febrero del 2020. Cuando llegó la pandemia, decido esperar esos 15 días que se suponía que iba a durar, pero al ver que nunca acababa decidí seguir hacia adelante. Durante el confinamiento sólo hubo que grabar algunas cosas más para terminar un par de temas más para la edición en CD, mezclar y masterizar. Estos dos últimos procesos sí llevaron algo más de tiempo de lo normal debido a la situación. Todo esto habrá hecho que necesitaras más tiempo para hacer Inexorable, ¿no? Desde que iniciaste el proyecto hasta que salió el disco, ¿cuánto tiempo te ha llevado y cuánto le has dedicado? Desde que comienzo a maquetar hasta que termino toda la producción pasan dos años. Pero realmente dura bastante más, ya que, como he dicho, muchas ideas estaban desde antes, y después debes seguir pensando en promoción, publicidad, redes sociales, etc. Has contado con micromecenazgo para que

Foto por Rubén Cebrián LaCarne Magazine

el disco pudiera hacerse realidad. Tus seguidores se han portado muy bien y lo han hecho posible, y, si no estamos equivocados, están muy contentos con sus recompensas. ¿Qué les ha parecido tu nuevo trabajo? ¿Cómo lo han recibido? Una vez que veo el final de la producción más o menos clara, decido que además de editarlo en formato digital, aunque sea por romanticismo, estaría genial hacerlo en físico. Y comencé un crowdfunding para poder costear esos CD’s y USB’s. No estaba muy convencido de llegar a conseguirlo, pero para mi sorpresa se completó gracias a 117 mecenas que apoyaron y confiaron en mi música, y a los que estoy inmensamente agradecido. Presentaste Inexorable en Los Conciertos de Pedrilla, y por lo que hemos visto en tus redes, has seguido, afortunadamente, con más conciertos. ¿Qué tal se han dado estos directos? ¿Cómo son estos conciertos en la “nueva normalidad”? Como dije al principio, he conseguido hacer algunos conciertos de presentación que por otro lado no esperaba, ya que todo está muy complicado a causa del COVID-19. Pero los conciertos funcionaron estupendamente. Todo el mundo estaba concienciado de que había que seguir unas normas de seguridad, y en ningún

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momento perjudicaron al show. Al contrario, el hecho de estar todo el mundo distanciado hizo que el público estuviese más atento a lo que ocurría en el escenario. Por lo demás, estar en un concierto es una de las cosas más seguras que hoy en día se pueden hacer, ya que cumplen a rajatabla cada una de las precauciones de seguridad. Con el actual aforo limitado, distancia de seguridad, mascarillas, geles desinfectantes, etc., ¿cómo es tu visión del público desde el escenario? ¿Qué echas de menos ver entre el público? Lo único que echo en falta es que se pierda el pánico a asistir y/o programar conciertos, ya que hay otras muchas actividades que hacemos a diario que conllevan mayores riesgos y que no cumplen ninguna norma de seguridad, y en ningún momento nos planteamos dejar de hacerlas. Echo en falta empatía por las personas que se dedican a la cultura, y que lo están pasando realmente mal, mientras algunos lo ven como el que ve llover. A pesar de la situación, hemos visto en tus redes que sigues cerrando conciertos. Cuéntanos, ¿puedes adelantarnos más fechas? ¿Hay a la vista más conciertos en más ciudades? Pues a pesar de todo, todavía hay gente con

ganas y fuerzas para intentar programar cosas. Tengo algunas pendientes de formalizar, y que espero que se den las condiciones necesarias para que se materialicen, pero prefiero instaros a seguir mis redes y web para ver qué sucede finalmente. www.rubenrubiobass. net Aunque esté complicado hacer una gira nacional, la posibilidad está ahí. Y quién sabe, podría darse el caso de una gira internacional… Hay que ser positivos. ¿Te planteas viajar fuera de nuestras fronteras para dar a conocer Inexorable? Seguro que tendrías mucho éxito en varios países latinoamericanos. ¿Cómo te has planteado la gira de este disco? A día de hoy, el mayor planteamiento es seguir a flote, y por supuesto estar preparado para que vientos mejores nos hagan navegar hacía tierra firme. Iré a defender mi música donde se me requiera, ya sea a este lado del atlántico o al otro. Será un placer...

Siempre es un placer hablar contigo y, por supuesto, escuchar tu nuevo material, ¡somos fans incondicionales! Te deseamos mucho éxito y mucha suerte, y, sobre todo, muchos conciertos en cualquier parte del mundo. Un fuerte abrazo, Rubén! Sólo puedo volver a daros las gracias por traerme hasta vuestras páginas una vez más, que como siempre es un placer. Invito a todos vuestros lectores a que me sigan por redes y que escuchen mi música. Pueden encontrarla en las principales plataformas, y si realmente les gustó y están interesados en apoyar, adquieran el disco a través de la web ya sea en CD, USB o formato digital. Abrazo a todos!

web facebook spotify LaCarne Magazine

especial 10º aniversario

quién escribe en

lacarne magazine? LEER MÁS

parte de que este mes publiquemos el número 100 de LaCarne Magazine, resulta que cumplimos 10 años de la publicación del número 0, y eso es algo fantástico. En esta ocasión hemos aparcado las grandes celebraciones, y lanzamos una mirada introspectiva para que descubráis todo lo que hay dentro de LaCarne Magazine. Hablamos con varios colaboradores de la revista para que podáis conocernos un poco más. Como veréis, nos encanta que nuestro equipo sea tan variado y diverso, con tantas culturas, gustos, y estilos diferentes. Os dejamos ya con sus respuestas!

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Para empezar, nos gustaría que nos dijerais desde dónde escribís, y sobre qué temas o estilos escribís en LaCarne Magazine. MARRAKETA BLINDADA: Desde La Paz, Bolivia. Me he dedicado a hacer entrevistas a los colegas musicantes que radican en mi país. Especializado en Rap Music, pero sin dejar de lado a los géneros que marcan escena, como el PUNK, ROCK o el METAL. Han sido varios estilos y amigos que he podido editar y enviar a la revista. También re alzar la carrera de grandes leyendas -vivas y muertas- dentro de la música contemporánea boliviana. Ahora comienzo mi expansión al resto del planeta, justamente con ganas de romper las fronteras. LA CHICA BOOM: Hola a todos y todas. Pues La Chica Boom escribe desde la bella ciudad de Cáceres. Su propósito escribiendo para LaCarne es que conozcáis las historias atrapadas de los artistas más excelentes de música negra, muy popular, pero llena de racismo, apropiación cultural y desplantes. Es un pequeño homenaje para todos esos artistas que fueron maltratados en vida, pero que aun así nos dejaron un legado innegable y maravilloso. EVA MARÍA AROCA: Escribo desde Madrid, y escribo reseñas de álbumes nuevos, entrevistas, o experiencias acerca de algún concierto al que haya asistido, artistas que voy descubriendo y me parecen interesantes. Normalmente suelen ser bandas metaleras. JORGE ARES: Desde un ordenador jejeje. En serio, vivo en Barcelona, que es desde donde escribo para vosotros, pero yo empecé a escribir sobre música, cine y otras cosas desde bien jovencito en fanzines y otras revistas, blogs y webs cuando vivía en Badajoz, que es de donde soy originario. JOSÉ LUIS MUÑOZ: Hola, pues escribo desde mi pueblo, Montijo, entre Badajoz y Mérida. Un pueblo un tanto peculiar de donde han salido grupos como Los ganglios. Me gusta escribir y hacer entrevistas a grupos undergrounds que se muevan dentro del Rock&Roll. OMAR VEGA: Saludos, y gracias por esta

oportunidad. Y muy buena esta iniciativa, y así conocer a los colaboradores más ampliamente. Soy Omar Vega, y escribo desde la isla del caribe, en Cuba. Vivo en la zona oriental del país, en la ciudad de Holguín, una ciudad muy turística. Siempre he escrito, desde que comencé a colaborar en este medio, pues de la música rock, y más específicamente sobre el metal. He escrito algunos artículos no tan a lo metal. VICTORIA BURGIO: Buenas! Escribo desde Uruguay, y lo hago sobre Rock and Roll y Metal. Me gusta hacer entrevistas y cubrir shows. Muchas de mis entrevistas han sido a bandas extranjeras también, no a solo bandas nacionales. A través del inglés he hecho entrevistas a bandas israelís, o a artistas noruegos o suecos. También a artistas argentinos. Disfruto mucho el escribir y poder lograr que bandas nacionales lleguen a ser conocidas en Europa y el resto del mundo. Realmente es algo muy satisfactorio, es mi granito de arena. ISRAEL S. MARCELO: Hola! Pues escribo desde Wesseling, una ciudad que hasta los años 80 fue el barrio más al sur de Colonia. Las crónicas tratan sobre los grupos que actúan en el Centro Cultural Machado, aquí en Alemania. Es un espacio cultural con vocación integradora, así que lo mismo puedes escuchar un concierto de flamenco, como al Coro Amadeus de Puebla de la Calzada (que nos visitaron hace dos años), o un grupo de jazz hispanoamericano. Afortunadamente, no puedo escribir sobre un estilo en concreto. ÁNGELA SUMY: Escribo desde la ciudad de La Paz, Bolivia. Mis artículos y entrevistas están enfocadas al género de la música electrónica. Es decir, escribo sobre los eventos de este género en mi país, sobre la carrera y trayectoria de DJ’s/productores, y también artículos de opinión sobre este tema. Mi objetivo es que tanto en Latinoamérica como España puedan conocer el talento enfocado a este género existente en Bolivia, y que en mi país los propios bolivianos podamos apoyar a los DJ’s/ productores y eventos locales, sintiéndonos orgullosos del talento que tenemos acá.

LaCarne Magazine

bir de talento emergente es posible darle valor al sitio, y también valorar el tiempo de los lectores. Generalmente redacto reseñas, aunque también he podido participar con entrevistas, crónicas, y algunos análisis de bandas ya más consagradas. LUIS LAMA: Escribo desde Zafra (Badajoz), y suelo escribir sobre Metal, Hardcore, Punk y Hip Hop.

Ángela Sumy

En estos 10 años de revista hemos conocido a muy buenos escritores en nuestra Redacción. ¿Cuánto tiempo lleváis escribiendo en LaCarne Magazine? ¿Recordáis cuál fue vuestro primer artículo? MARRAKETA BLINDADA: Empecé en 2016. Claro que lo recuerdo. El primer artículo fue un homenaje a un ahijado del rap, así los he bautizado a los alumnos y talleristas que han pasado por casa -el HOME STUDIO-. Como me dedico a la producción musical, he tenido la oportunidad de apadrinar una gran cantidad de jóvenes valores. Blady MC aka Marka Aru (Q.E.P.D.) acababa de fallecer, y arranqué mi trabajo periodístico haciendo una reseña de su paso por el HIP HOP boliviano. Un sentido tributo al rimador paceño. LA CHICA BOOM: Pues llevo escribiendo con LaCarne casi tres años. Tres años muy reconfortantes, pues con el paso de los meses he notado como la calidad en los artículos, como los lectores, ha ido creciendo. Mi primer artículo fue sobre la maravillosa Billie Holiday. Lo leo ahora y me encanta, pero se nota la falta de experiencia. Qué mona...

Cristobal Torres CRISTOBAL TORRES: Escribo desde la Ciudad de México, México. Procuro escribir acerca de bandas latinoamericanas de heavy y power metal, así como bandas de heavy metal tradicional en ascenso que todavía no son tan conocidas. La intención es hablar de agrupaciones con gran calidad, pero que muy pocos conocen, ya sea por la proverbial cerrazón de los medios tradicionales o porque la gente escucha las mismas bandas de siempre (que en realidad es un síntoma de lo primero). Al escri-

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EVA MARÍA AROCA: Pues justo en octubre cumpliré mi primer año escribiendo para LaCarne Magazine, y lo cierto es que ha sido un año maravilloso musicalmente, y ha sido un privilegio poder compartirlo con todos (equipo y lectores). Además, siento que así puedo ayudar y dar visibilidad a algunos artistas que son realmente buenos. Escribir para LaCarne Magazine me ha dado la oportunidad también de descubrir mucha música nueva. El primer artículo que escribí fue una reseña de “Black Anima”, el último álbum de la banda italiana LACUNA COIL. Es un álbum muy personal y

oscuro, pero con un mensaje muy esperanzador. JORGE ARES: Pues no sé si desde el principio, pero llevo un porrón de años. He visto crecer la revista y extenderse el proyecto hasta cruzar el charco. Se ha profesionalizado, y fundamentalmente ha ocupado un espacio periodístico musical que no teníamos. Básicamente no había ningún medio de comunicación escrito que hablara de la música que se hace en Extremadura, y además de eso, tampoco existe un medio escrito español que hable de la música latina o hispano americana (el término latino está como muy estereotipado) desde el ámbito más underground. El primer artículo que escribí ni me acuerdo, pero hay festivales que los sigo habitualmente y me gusta visitarlos y hablar de ellos, como son BAM festival o Festigàbal.

Eva María Aroca

JOSÉ LUIS MUÑOZ: Creo que empecé a colaborar en 2015, pero he tenido un parón por motivos laborales. Mi primer artículo puede que fuese una entrevista a The Buildings, un grupo de Cáceres que debéis escuchar. OMAR VEGA: En LaCarne Magazine llevo escribiendo ya pues poco más de tres años. Mis dos primeros trabajos salieron en la edición número 61 de mayo de 2017. Lo primero que escribí para esta revista fueron dos entrevistas: una, a la reconocida banda de Brasil, y reconocida a nivel internacional, Nervosa. Fue algo sorprendente al ver que Fernanda, quien fuera su vocalista que recientemente abandonó a la agrupación, me respondiera aquella entrevista. La otra entrevista publicada en esa primera colaboración fue la realizada a una joven banda venezolana de nombre Sueño Abstracto. VICTORIA BURGIO: Escribo desde el 2018, y mi primer artículo fue una entrevista a Reytoro. ISRAEL S. MARCELO: Mi primer artículo fue sobre una ópera infantil mejicana. Venían de gira por Europa, y seguramente no los volveré a ver más, pero sigo en contacto con ellos a través de redes sociales. Puede parecer una

Jorge Ares tontería, pero la labor de revistas como LaCarne Magazine va muchísimo más allá de dar a conocer a tantos buenos grupos a nivel mundial. Hacéis una gran labor social, y por ello os estoy muy agradecido. Creo que también hablo en nombre de los grupos que entrevisté. ÁNGELA SUMY: Mi primer artículo se publicó el 7 de agosto de 2018, y fue una reseña sobre un evento local de música electrónica realizado en la ciudad de La Paz. Esta primeLaCarne Magazine

ra nota tuvo una muy buena llegada, y contó con el apoyo de varios DJ’s/productores y el público oyente de este género. La verdad que no me esperaba todo ese apoyo que significó bastante para mí, y fue desde ese momento que decidí continuar escribiendo para la revista, porque me di cuenta que gracias a ella podía lograr apoyar a la escena local de mi país, para que el trabajo de todos quienes forman parte de esto pueda ser reconocido no sólo en Bolivia, sino también más allá de nuestras fronteras. CRISTOBAL TORRES: Llevo escribiendo un año y nueve meses aproximadamente. Trato de hacerlo de forma constante, aunque a veces la agenda laboral lo complica un poco. El primer texto que publicaron fue una reseña del concierto que Saurom dio en el Circo Volador, el 7 de diciembre de 2018. Apareció el 1 de enero de 2019. Sin embargo, el primer texto que escribí ex profeso para el sitio fue uno titulado: NWOTHM, ¿una década perdida?

Jose Luis Muñoz

LUIS LAMA: Lo primero que quiero hacer es agradecer a mi mujer Inma que me dijera que buscaban gente en la revista y convenciera para escribir, y gracias a ella estoy aquí en esta gran revista. Mi primera entrevista fue en Junio de 2015 a La Causa del Odio y Cassette, ambos muy recomendables. Fue una entrevista muy especial, pues fue la primera y porque a Dani Aka Patxi lo admiro muchísimo, es un gran músico y mejor persona, y porque Cassette (Marc y Neko) son grandes raperos. ¿Leéis a otros colaboradores? ¿Tenéis algún favorito del que os gusten sus artículos? MARRAKETA BLINDADA: Los de mi compatriota Cronico, causalmente porque él me hizo una entrevista como Marraketa Blindada -en 2016-, y de ahí conocí la revista. También los que hace, en general para no tropezar con la misma banda a la hora de entrevistar. Y así lo hago con los escritores de Bolivia, como Ángela Sumy Sánchez, o Ana Poma. He disfrutado el que Salome Plata le hizo a ZPU, y los que en general hace la redacción de LC MAG, el de Lamb of God entre otros muchos.

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Luis Lama LA CHICA BOOM: Claro. Me gustan muchos artículos dispares de LaCarne. Disfruto mucho con los de los propios creadores de la página, y también con los de Marc Rodriguez. EVA MARÍA AROCA: Claro que sí. ¡Yo siempre me leo la revista entera! Me gustan mucho los artículos de investigación de LA CHICA BOOM. Aporta información y curiosidades de artistas clásicos realmente muy interesantes, es como una fusión de historia y música de la

rios artículos así porque crean debate. OMAR VEGA: Sí, por supuesto que leo a más colaboradores que escriben para LaCarne Magazine, y todos aportan mucha variedad de géneros musicales, y eso es algo bueno. Artículos como los de La Chica Boom, donde siempre nos transporta a aquellos años de jazz, soul, rock and roll, Rhythm and blues…, excelentes artículos. Y ni hablar de esas entrevistas y artículos de Salome Plata, de Luis Lama, de Jorge Ares, de Pedro Gallardo… Todo hay que leerlo, y es la forma de conocer más sobre algunas temáticas musicales y bandas desconocidas algunas para nosotros.

Omar Vega

ISRAEL S. MARCELO: Me gustan especialmente los dedicados al jazz, al clásico, y al folclore. Tampoco os podría destacar un nombre propio. ÁNGELA SUMY: Pues sí, la verdad que me encantan los artículos de Esther “La chica boom”, enfocados a personalidades del Blues, Jazz, Rock & Roll y en fin, música de lo que yo considero una época dorada. Me encantan porque a través de sus artículos logra mantener viva la memoria de estos artistas, muchos de los cuales lamentablemente fallecieron, pero que, gracias a su música y el legado que dejaron, siguen presentes. Además, es muy interesante el estilo que tiene a la hora de escribir, ya que brinda confianza al lector.

Victoria Burgio que siempre aprendes algo nuevo. JORGE ARES: Me gusta lo que escribe Marc Rodríguez, Ángela Sumy o Sebastián Díaz (es un crack en lo referente al folclore extremeño). JOSÉ LUIS MUÑOZ: Me gustan los artículos de Jorge Ares. En concreto, me pareció muy interesante el artículo que hizo sobre la realidad de los festivales extremeños. Son necesa-

CRISTOBAL TORRES: Me gusta mucho el estilo de Eva María Aroca porque escribe como si estuviera platicando con los lectores, y eso permite que sus textos sean muy amenos y nada pesados. También me gusta el trabajo de Omar Vega por la forma en la que da espacio a bandas emergentes. Gracias a él he escuchado a bandas que no conocía, tanto de México como de otros países. No quisiera omitir colaboradores, pero puedo decir que disfruto la lectura de la revista que el sitio publica mes a mes. LUIS LAMA: No tengo ningún favorito, pero me leo la revista de principio a fin. Hay un gran nivel en ella.

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Además de escribir para LaCarne Magazine, ¿a qué os dedicáis profesionalmente? ¿Dónde podemos ver vuestro trabajo? MARRAKETA BLINDADA: Soy MC en Marraketa Blindada, productor en Wakala Discos, y comunicador social para el desarrollo. Mis redes sociales son: Facebook Alfonseka, Facebook Marraketa Blindada y Youtube. LA CHICA BOOM: Pues yo estudié Historia del Arte, y las salidas en ese mundo son casi invisibles..., así que me dedico a lo que sale. Podéis leer alguna cosilla mía en revistas especializadas en Arte Rupestre, pero se aleja mucho de los contenidos que puedo ofrecer aquí, son academicismo puro y duro. EVA MARÍA AROCA: Bueno, ahora mismo soy madre a tiempo completo, pero hace como dos años quise dar una vuelta de tuerca a mi carrera profesional, y decidí meterme de lleno en la fotografía, principalmente paisajes y autorretratos más artísticos, no me refiero a los selfies. Podéis verlo en mi cuenta de instagram @Coiranna. Tengo un portfolio de fotografía de naturaleza en Portfoliobox.net, sólo tenéis que buscar mi nombre. JORGE ARES: Yo soy profesor. Pero también soy miembro de la formación electrónica Supersexy Sound System. Puedes ver mi trabajo desde Bandcamp, Twitter, Instagram, y Facebook JOSÉ LUIS MUÑOZ: Soy maestro y tengo dos grupos: Subterráneos y J. Vega. Podéis encontrarnos aquí: web y Facebook. OMAR VEGA: Desde hace años estoy en este mundo del periodismo underground, si se puede catalogar así. Comencé en el 1998 a realizar un fanzine llamado Turbulencia, del cual saqué 12 ediciones de forma impresa, pero siempre sus impresiones se realizaron fuera de Cuba. Luego en el 2007 comencé con Subtle Death Magazine de forma digital, aunque se han sacado copias impresas también fuera de la isla. Aún me mantengo con esta publicación, que ya está cerca de la edición 80. También realizo dos fanzines más: el Anti Zine para una amiga de Perú, y el Zona

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Under para un amigo de Argentina. Y desde hace algunos meses realizo la revista oficial de metal de Botswana, país de África, llamada Vulture Thrust Metal Magazine. En todas estas publicaciones siempre incluyo algún trabajo mío. Facebook y Facebook Subtle Death Magazine. VICTORIA BURGIO: Bueno, profesionalmente me dedico a trabajar en una casa de música. También hago arreglos de lutheria, y tengo una banda de mujeres cuyo nombre es Piezas del destino, y, bueno, todos mis trabajos pueden verlos en Instagram y en Facebook (Instagram y Facebook de Piezas del Destino). ISRAEL S. MARCELO: Me dedico a la enseñanza musical. Tengo una escuela de percusión que afortunadamente funciona al 100%. Cuando vivía en Badajoz, toqué con gente muy buena como la Iberian Big Band, e incluso tuve el honor de componer la música del nuevo himno del Club Deportivo Badajoz 1905. Los enlaces están en mi página web. ÁNGELA SUMY: Siempre he amado escribir. Desde que estaba en colegio siempre fue mi pasatiempo favorito, y por ello estudié la carrera de Comunicación Social, con el claro objetivo de algún día poder escribir para una revista sobre temas que realmente me apasionen, y con LaCarne Magazine estoy cumpliendo ese sueño. Siento que al formar parte de este equipo estoy cumpliendo esa faceta de mi vida de una manera “freelance”, pero que me encanta, porque me brinda la libertad de escribir sobre el tema que elija sin restricciones, a diferencia de un medio tradicional en el cual muchas veces estás sujeto a seguir una línea específica o limitarte en ciertos temas y/o enfoques. Por ello, creo que encontré el lugar ideal para hacer lo que tanto amo, y sobre temas que definitivamente disfruto escribir. A la par, estoy desarrollando un proyecto enfocado también a la música electrónica en mi página de Facebook llamada Bolivian Beats, en la cual intento apoyar la escena electrónica boliviana, promocionando eventos, producciones y artistas del género. Si bien aún es una página pequeña, tengo muchas ideas para poder impulsar su crecimiento, y que a futuro se

convierta en un medio de comunicación digital referente en Bolivia. CRISTOBAL TORRES: Aprovecharé esta vitrina para soltar una bomba que tenía guardada: hace casi un año cumplí uno de mis sueños al ser reportero de una sección cultural dirigida por uno de mis grandes ídolos, Víctor Roura, uno de los más grandes referentes del periodismo cultural en México. Logré contactarlo epistolarmente, y de manera providencial me invitó a ser su reportero en la sección cultural de Notimex, la Agencia de Noticias del Estado Mexicano. Todo era muy bueno para ser cierto, sinceramente no me la creía; sin embargo, al poseer genes propios de una dependencia gubernamental, surgieron conflictos sindicales que terminaron paralizando a Notimex, y desde junio las labores periodísticas cesaron. Lo peor es que gran parte del material publicado está perdido, pues el sitio web cambió su estructura de enlaces y nadie tuvo el cuidado de generar redireccionamientos (y es muy probable que tampoco haya respaldos de las entradas realizadas). Ni hablar. Independientemente de lo que pase en la agencia, mi más grande lenitivo es que aún puedo seguir aprendiendo de manera directa con uno de mis ídolos. Ahora que tengo más tiempo libre, he podido escribir de todas las bandas y discos que han surgido en los últimos meses. Hice una página web: heavyriff.net, que es la continuación de una revista que fundé hace diez años, pero que (precisamente por motivos laborales) dejé de editar. En esta época también he tenido oportunidad de redactar en Metal-Rules.com, lo que ha significado una verdadera experiencia, pues nunca había escrito en inglés. LUIS LAMA: Ahora mismo estoy desempleado, pero he sido cuponero, administrativo, pizzero, y el que más me gustó: churrero.

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Antonio Cabanillas y el techno como forma de vida LEER MÁS

ntonio Cabanillas, natural de Orellana La Vieja, es viejo conocido de la escena Techno extremeña de finales de los 90 y principios de la década de 2000. Actualmente alterna su amor por la electrónica con su pasión como técnico de sonido, siendo responsable de Visor Estudios. Con más de 20 años de experiencia en cabinas de índole regional y nacional, para nosotros es un placer tener a uno de los máximos representantes del Techno en Extremadura, y poder conocer en profundidad su trayectoria, su presente, y futuro.

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En primer lugar, bienvenido. ¿Qué es para ti el techno? Hola a todos! Es un placer estar con todos vosotros. Para mí el Techno es sin lugar a dudas una forma y un estilo de vida. El techno es un discurso musical totalmente atemporal. Jamás elegí este estilo musical por ser una moda o por aparentar ser “cool” ante los demás. Para mí es incluso una disciplina que intento aplicar en otras facetas de mi vida. El Techno es algo que llevo en la sangre y seguirá siendo así hasta que me muera. Tu nombre propio es Antonio Cabanillas, pero háblanos de tu nuevo seudónimo o proyecto músical llamado “Xorphase”. Como bien dices, Xorphase es mi nuevo proyecto musical. Es un proyecto totalmente nuevo, aún está en pañales, muy desconocido, que le queda mucho bagaje y trabajo por delante.

me teletransporta a aquel momento cuando era más joven, e iba por las principales tiendas de discos de nuestro país comprando y comprando Techno, además de en otras ciudades europeas como Londres, Nottingham o Birmingham, dónde también compraba o me enviaban música con asiduidad. Por diferente, que no peores, los formatos digitales del presente te permiten maximizar tu creatividad de forma exponencial, y te permiten explorar terrenos que mezclando solo con dos o tres giradiscos es imposible alcanzar. El factor improvisación que te brinda un buen live-set bien estructurado es algo bastante divertido y dinámico. Ojo, no me refiero a ser un mero “lanzador de loops”.

Bajo este seudónimo intento expresarme musicalmente, hablando desde un punto más visceral o intenso, simplemente produciendo la música que me gusta. Me da un poco igual que la música esté o no asociada a la pista de baile, o que se pueda etiquetar incluso fuera del formato dj-set más tradicional. No busco etiquetas, sino disfrutar con la música que hago. En algunas de tus últimas actuaciones en formato streamings que hemos podido ver desde Visor Estudios, además de realizar live act, también pinchas con vinilos. ¿Con cuál de las dos disciplinas te sientes más cómodo? ¡¡Es una buena pregunta…!! Llevo pinchando con vinilos y coleccionando vinilos desde hace casi más de 25 años. Usar vinilos es algo mágico para mí. Cada disco, cada plástico que reproduzco

En cuanto a tu faceta como Técnico/Ingeniero de sonido, eres el responsable de Visor estudios. ¿Nos comentas tu proyecto? Visor Estudios es algo tremendamente personal. Ha sido un reto y un sueño poder haberlo hecho realidad. Sin la ayuda de las personas que realmente me quieren, mi familia, y de los profesionales que me han apoyado y ayudado hasta el final de su construcción, como Audio Acústica, empresa afincada en Barcelona, jamás podría haberlo conseguido. Hacer una “inversión musical” de estas características en nuestra región, y más en una población de poco más de 2500 habitantes, es siempre muy duro, y más si cabe en el estado que se encuentra la industria musical en estos momentos, dónde, a mi juicio, predomina la cantidad y no la calidad de las obras, y los presupuestos para producción casi no existen. En definitiva, en nuestro estudio van entrando proyectos poco a poco, no sólo de otros artistas, sino míos propios. Visor Estudios es un proyecto de por vida afincado a mi pasión por la música electrónica. Háblanos de los artistas, grupos o ingenieros que han pasado por Visor Estudios. Ahora mismo, más que ofrecer servicios de producción, mezcla y/o mastering, desde el 2017 hasta ahora he preferido contar con LaCarne Magazine

profesionales cualificados y amigos del sector para seguir aprendiendo y formándome como técnico e ingeniero de sonido. Aplicar dichos conceptos a la hora de producir mi música o remezclar a otros ha sido muy importante para mí. Ir creciendo poco a poco, “sónicamente” hablando, ha sido mi prioridad y es puro placer. Es cierto que ha habido artistas que han sido mezclados por mí en este tiempo, pero quizás aprender de forma presencial en Visor con ingenieros de la talla de Carlos Koschitzky, Miguel Sar (Tadeo) o Antonio Escobar me ha dado mucha confianza en mí mismo, confianza que espero que muy pronto se materialice con una paquetización de servicios y productos de alta calidad, y que realmente estén acordes a las constantes exigencias de la

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industria musical. Tengo un enorme respeto a este sector. Ser humilde e ir de menos a más creo que es el camino recto y correcto. Como dice el gran ingeniero de sonido Chris Lord-Alge, al que admiro muchísimo, “…dime como “suenas” y te diré “quien eres..”. Es difícil formarse en el mundo del audio en nuestro país. ¿Existe realmente una educación reglada al respecto? ¿Cuál es tu opinión? Es una pena, pero una educación reglada, académicamente hablando, como “Ingeniería de sonido”, impartida desde universidades públicas con reconocimiento estatal, no existe en nuestro país. O al menos que yo sepa. Hace unos años intenté estudiar dicha ingeniería, pero siempre las encontré formando

parte de otras carreras que las integraban como parte de ello, o como módulos con ciertos créditos a tu favor en caso de finalizarlos. Existen universidades privadas o centro educativos que las están incluyendo, de los cuales muchos de ellos son los profesores que mencioné anteriormente, y que vinieron a Visor a visitarnos y también a realizar formación con nosotros. Existen centros de formación que intentan maximizar sus recursos apoyándose en universidades, pero al final sus títulos no son reconocidos como en otras disciplinas como pueden ser informática, medicina, u otras carreras o grados, por poner un ejemplo. Es una pena, estamos a años luz de UK en este sentido.

Amante de Kraftwerk, Depeche Mode, Aphex Twin, Autechre, Surgeon o Stanislav Tolkachev, ¿cuáles son tus influencias a la hora de crear, componer y pinchar? ¿En qué estilo te sientes a gusto? Todos tenemos referencias por las que nos guiamos. Esbozar en el estudio las referencias de tus artistas preferidos te permite examinar bien sus estructuras, tipos de transición entre sus arreglos, etc. Este estudio minucioso te permitirá aprender muchísimo sobre la creación del estilo que quieres producir, tomando referencias a tus artistas preferidos. Los artistas que mencionas más arriba me encantan, y no siendo contemporáneos en su tiempo, todos aportan una originalidad y un sonido con carácter propio que, sin saber que son ellos, sabes que está sonando su música.

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Una de las metas a conseguir como artista en el estudio cuando produces música es conseguir esa “magia única” en el carácter o timbre de tu sonido personal. El que alguien te conozca por tu sonido, y no por estar leyendo el nombre de tu álbum, release o nombre artístico es un “momento dulce” en tu carrera musical increíble. Con los estilos que más me identifico produciendo, y más agusto me encuentro son produciendo techno o música IDM. ¿Cómo está actualmente la escena techno extremeña? ¿Cuál es la dirección que está tomando? Analizar esta pregunta y responderla bajo mi criterio podría llevarme mucho tiempo. Para ser conciso y claro, en la actualidad en Extremadura no existe una cultura underground importante o realmente relevante, y lo peor, la poca escena que existe. Va camino de “ninguna parte”. En el pasado, los artistas y salas que existían en nuestra región en aquellos días, luchamos mucho por mantener el tipo, invirtiendo, cada uno dentro de sus posibilidades, en organizar eventos con artistas de primer nivel, o potenciando la imagen o el trabajo del “dj residente”. Este trabajo era fin de semana tras fin de semana, no existían redes sociales, todo estaba mucho más “humanizado”, y el movimiento “clubbers” era muy diferente al de hoy. Recuerdo cuando me pateaba Extremadura entera junto a mis compañeros, repartiendo los primeros flyers (dípticos) de los eventos que producía. Íbamos principalmente a todas las salidas y cierres de discotecas o clubs que programaban techno en nuestra región. Como anécdota contaré que mucha gente cuando llegabas y le ofrecías un flyer en formato díptico y a todo color, se echaban la mano al bolsillo, y te decían con mucha “timidez” que no tenían dinero suelto para pagarte por aquel contenido impreso. Luego les decíamos que era publicidad de mano gratuita, y entonces se

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iban tan contentos y te daban las gracias. Eran otros tiempos. Ni siquiera la cultura del flyer digital como medio de publicidad estaba instaurada en nuestra región. Quizás ahora mismo me preocupo más de trabajar de día en el estudio que de dedicarme a realizar o intentar conseguir bolos de discoteca en discoteca. Desde mi opinión, la escena extremeña está inmersa en otros estilos musicales que no comparto, o que no me siento identificado con ellos. Quizás mi sentimiento “oldschool”, y el poco pelo que me queda (y encima bastante canoso, por cierto) tengan la culpa de ello. jajajaja A la hora de producir, ¿eres más de software o hardware? Soy totalmente híbrido. Con software y una “worksation” potente, según mi opinión, puedes llegar a sitios muy retorcidos y verdaderamente increíbles. Con hardware puedes llegar a un punto concreto de forma más rápida si realmente sabes lo que estas haciendo. Las máquinas hardware, para mi gusto, son realmente muy agradecidas. Ambos mundos son igual de válidos. Aprovecharte de lo mejor que te aportan cada uno de ellos es lo realmente interesante. “…La culpa de no hacer buena música no la tiene la flecha sino el indio…” Muchas gracias por tu trabajo y por tu atención. ¡Nos vemos pronto! Gracias a vosotros por contar conmigo en vuestra plataforma digital. Un abrazo fuerte!!!

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Sacristía

Death Metal con toques modernos modernos LEER MÁS

l Metal malagueño hace acto de presencia, pues desde Málaga es la banda Sacristía. Una agrupación que ha apostado por el sonido Death Metal desde su mismo comienzo, en el año 1993. A lo largo de su trayectoria han sufrido muchos cambios de integrantes, y también han evolucionado hacia un Death Metal con toques modernos, pero manteniendo sus raíces. La entrevista la responden varios de sus integrantes.

Sacristía, Death Metal con toques 48 LaCarne Magazine

Saludos, y, antes que nada, y para que los conozcan nuestros lectores, ¿quiénes integran Sacristía? Isaac Nieto: Muy buenas, y muchas gracias por esta entrevista. Actualmente la formación de Sacristía está compuesta por: José Manuel Plaza – Voz y Bajo, Gustavo Ballesteros – Guitarra, Isaac Nieto – Guitarra y José Miguel Sánchez – Batería. Bien, ¿cuándo y cómo se forma Sacristía, y qué los motivó a crear una banda de este tipo de música? José Manuel Plaza: A comienzos de los noventa, en el barrio del cual procedemos, existían numerosas bandas que ensayaban en los sótanos de los locales comerciales, puesto que por aquel entonces no existían salas de ensayo profesionales tal y como hoy las co-

mente, y en la variedad está el buen gusto. Referente a influencias, tenemos desde los clásicos de toda la vida, pasando por el Thrash (género que me encanta), y, como no, el Death Metal, tanto old school como actual, con alguna pincelada más “progresiva”. Por poner nombres, diría desde Extremoduro hasta Obscura. Su primer material fue Ocultos, compuesto sólo de tres temas. ¿Qué tal fue el recibimiento por parte del público de este material? José Manuel Plaza: La maqueta Ocultos recogía los tres temas de más peso del repertorio. La grabación fue toda una odisea, puesto que era la primera vez tanto para nosotros como para los técnicos que la realizaron, puesto que para ellos también todo era una novedad. El resultado al final fue muy mejorable. La edición física de la maqueta también fue muy modesta, y no se hicieron muchas copias. Podemos considerar más la experiencia adquirida para el siguiente trabajo más que la repercusión en sí que tuvo para la banda.

nocemos. Fue entonces cuando la banda surge entre un grupo de amigos. Algunos ya veníamos de otras formaciones, y para otros fue su primer grupo. Sacristy of Hell nacía con un Doom Metal en inglés “inventado”, jaja, que no dejaba indiferente a nadie. No tardamos mucho en adaptar el nombre al español, y a trabajar letras en español. ¿Qué elementos particulares piensan que los distingue en su propuesta de Death Metal? ¿Cuáles han sido sus influencias principales? Isaac: Creo que una de nuestras características más notorias es el hecho de cantar en castellano, y el no encasillarnos en un solo estilo de Death Metal, ya que el género tiene muchas variantes. Somos muy abiertos de

Luego vendría otro material compuesto también por tres temas, Muerte o Libertad. ¿Éste estaba en la misma línea que el actual concepto de Sacristía? Gustavo: Muerte o Libertad es un trabajo al que le tengo mucho cariño porque coincidió justo en el momento en que me uní a la banda. Me propusieron participar en la grabación y accedí encantado. Lleva una línea en algunos aspectos más tirando al Thrash que la que podemos llevar ahora debido a la influencia del que era por aquel entonces el único guitarrista de la banda, Kalin Borissov. Ahora estamos tirando un poco a lo “Old School”, pero mezclado con una producción más moderna, donde podemos incluir teclados u orquestaciones en algunas partes o incluso samples, pero no olvidamos esos pasajes más Thrash, e incluso en muchas partes guiños al LaCarne Magazine

Metal progresivo. Luego en el 2014 vendría el primer disco titulado Obsolescencia Programada. Danos detalles sobre este disco. Gustavo: Como bien dices, Obsolescencia Programada es nuestro primer disco, y ha sido nuestro primer contacto con todo lo que conlleva el autoproducir un material de este tipo. En los tiempos que corren, tenemos la gran suerte de poder mostrar tu música al mundo entero sin apenas tener presupuesto, pero el gran handicap es que te ves sólo en un mundillo que desconoces, y te tienes que hacer un experto en varias materias. Ninguno sabíamos grabar un disco, ni teníamos los medios técnicos necesarios, pero contamos con la ayuda del gran Slavian Kuzmanic, y lo grabamos todo en nuestro local de ensayo. Las fotos del libreto se las debemos a David Alcaide, el diseño a Cristina. Con las copias

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tuvimos un problema, y pagamos la novatada y nos quisieron estafar, pero la policía y el juzgado hicieron su trabajo (esto da para otra entrevista…jajaja). En fin, que lo que no te mata te hace más fuerte, y creo que con este primer trabajo hemos adquirido bastante experiencia en este mundillo. En cuanto al trabajo en sí, creo que el disco te sumerge en distintos pasajes del Death Metal, a veces más oscuro, otras veces más Thrash, partes melódicas. Creo que no deja indiferente a nadie, y que no aburre al oyente porque cada tema es distinto al anterior, y a su vez al siguiente, y se digiere muy fácilmente. No ocurre como con otros discos de muchas bandas, que a partir del tercer tema te parece todo igual y se te hace muy pesado continuar escuchando (al menos a mí me ocurre). ¿Cómo han percibido la respuesta del público

más interesante que cantar en un idioma que no domino, y que, a mi entender, no aporta la riqueza que tienen ahora las canciones. Sacristía es una agrupación con muchos años de carrera, e imagino que las presentaciones han sido muchas. ¿Es así? Coméntanos. José Manuel Plaza: A través de los años Sacristía ha sufrido muchos cambios en la formación. Así de memoria te puedo decir que han sido cuatro baterías, dos bajistas, contándome yo, y de guitarras creo que han sido nueve si no me equivoco. La verdad es que nos llevamos todos muy bien, y todos recuerdan con mucho cariño el paso por la banda. Pudimos juntarnos muchos de nuevo en el escenario cuando celebramos los veinte aniversarios de la banda, donde dimos dos pases, uno con el repertorio actual y otro con canciones antiguas que interpretaron distintos componentes que ya no estaban en la banda. Fue una noche inolvidable.

y de la prensa hacia este trabajo Obsolescencia Programada? Gustavo: Sinceramente, no esperábamos tan buena respuesta, tanto por parte de los oyentes como de los medios. Tuvimos una muy buena repercusión en los medios nacionales e incluso en algunos internacionales, con entrevistas en televisión, con actuaciones en directo, entrevistas en radio, prensa, acceso a festivales con buen nombre a nivel nacional, concursos, etc… Las copias físicas de nuestro trabajo han llegado a todas partes del mundo, y eso es algo de lo que nos sentimos muy orgullosos. ¿Por qué el español en sus letras cuando la mayoría de las bandas de este corte lo hacen en inglés? José Manuel Plaza: Para el tema de las letras nos surgía la necesidad de hacer algo diferente a lo que el resto de bandas hacía. La necesidad de expresar con fluidez y de vocalizar en español era un reto para mí mucho

Sacristía ha participado en algunos concursos, pero obtuvieron un importante premio en el Andalus-In del 2010. ¿Qué ha significado esto para ustedes como músicos y en lo personal? Gustavo: Para nosotros es un auténtico orgullo recibir un premio de estas características. Cuando uno se sube a un escenario intenta darlo todo, y lo hace disfrutando al máximo ese momento. Nuestro objetivo en los conciertos es que el público se lo pase tan bien al menos como nosotros nos lo pasamos encima del escenario, y recibir un premio donde es el público quien emite el veredicto valorando la puesta en escena, la actitud y el sonido en directo, es la mayor alegría que nos pueden dar. Aquí lo tengo en el pequeño estudio que tengo montado en mi casa, y cuando lo miro me lleno de orgullo y me anima a seguir con lo que estoy haciendo. En la actualidad, la escena del metal en España cuenta con muchísimas bandas. Desde su punto de vista, ¿qué nos pueden comentar sobre la escena española en cuanto a metal LaCarne Magazine

extremo? Isaac: Personalmente pienso que la escena de metal extremo en España está en alza. Hay muchísimas bandas y con muchísima calidad en sus integrantes. En Málaga, que es de donde somos nosotros, hay mucho Metal extremo y de calidad. Tenemos desde bandas old school hasta estilos Core. En estos tantos años de Sacristía se han presentado en varios eventos y compartido con reconocidas bandas, tantos nacionales como internacionales. Comenta sobre esto y algunas de las bandas que han estado a su lado en conciertos. Gustavo: Por suerte, o por desgracia, el llevar tanto tiempo en esto te lleva a eso, a compartir si tienes suerte cartel o escenario con bandas reconocidas a nivel nacional e internacional. En ese sentido hemos tenido suerte de compartir cartel o escenario con Morphium, Angelus Apátrida, Noctem, Vita Imana, Machetazo o los americanos Blaspheriam.

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¿Planes próximo para la banda? Isaac: Por el momento estamos en fase de composición, y rematando unos temas que tenemos pendientes con la esperanza de que 2021 sea mucho mejor que este 2020, y podamos dar conciertos y, si todo va como tiene que ir, presentar material nuevo. ¿Algo que quieras agregar para terminar esta entrevista? No sin antes agradecerte por tu tiempo para responder las preguntas. José Manuel Plaza: Bueno, pues para despedirnos me gustaría agradecerte está entrevista. Es un placer para nosotros. Y te diré para terminar que seguimos trabajando y luchando contra viento y marea, la verdad. Es un mundillo muy difícil y muy cruel a veces, pero nos empuja la ilusión como el primer día, y estaremos dando guerra mucho tiempo más. Muchas gracias.

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Natural Poesía hip hop con poder femenino femenino

onocí el rap de Natural Poesía, formalmente conocida como Mell Rosales, por medio de sus redes sociales, y me voló la cabeza. Pocas propuestas logran cautivar mi atención en un mundo repleto de información y lleno de magia musical. Inmediatamente quedé hipnotizado por la fuerza energética que transmite su arte. Acaba de estrenar material discográfico, y es un orgullo boliviano dentro de la nueva escuela del Hip Hop latinoamericano.

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Saludos blindados desde La Paz hasta Sucre. ¿Cómo te encuentras en este tiempo de cambio? Con respecto a la situacion actual, «la pandemia», han sido meses muy duros, ya que mucha gente se quedó sin trabajo. Cada vez hay más gente que muere por este virus creado para matarnos. Han sido meses duros ecoómicamente, y como artista, pues uno trata de reinventarse cada día, y ver la forma de seguir adelante, aunque para muchos esto significó un letargo en sus proyectos, pero a pesar de todo aquí estamos firmes. ¿Cómo nace la música en tu vida y Natural Poesía?

co debut, que, metafóricamente, es como dar a luz un nuevo ser. Cuéntanos un poco de los detalles de este espectacular trabajo. Como tú lo dijiste, un disco es como un hijo. La etapa creativa del álbum Melomanía fue muy linda y sacrificada, pero grata. Un proceso que duró 9 meses. Justo lo que dura un embarazo. Melomanía nació en enero de este año, cuando lo presenté en vivo en Sucre y Cochabamba. Ya durante esta cuarentena me dediqué a promocionarlo y publicarlo en las plataformas digitales. Fueron meses, muchas horas de trabajo junto con mi querido productor Kali Jah (DJ LD) de 24-7 Studio-Familia, donde trabajamos cada beat, la composición, y temática de cada tema, que tienen un trasfondo personal y a la vez muy amplio, ya que es apto para todos los públicos. En Melomanía encontrarás temas de protesta, temas que te hacen bailar, temas con fusiones con el Soul y el Reggae, temas con vivencias reales como «Ella» y «En mi Corazón» (dedicado a mi hijo), siempre manteniendo mi línea, que es dar un mensaje de vida.

La música nace en mí desde el vientre de mi madre, ya que ella canta y mi padre es músico. Ahí es donde se transmite toda la esencia, y así fui creciendo, siempre rodeada de un ambiente musical. Aprendí a tocar instrumentos desde pequeña, también me involucré en el canto, la danza, en fin. A los 17 empecé a tocar en una banda de Reggae. A lo largo de mi vida he escuchado mucha música, eso me nutrió para ser hoy Natural Poesía, cantando y rimando, fusionando para lograr un estilo propio dentro del RAP. Hace tres años me gradué de Ingeniera en Grabación de Sonido y Especialista en Sonido & Audio. De ahí se justifica mi pasión por la música y la producción. Con Natural Poesía acabas de estrenar tu dis-

¿Cómo lo has realizado? Como comenté en la respuesta anterior, el álbum se hizo en 9 meses. Un proceso largo, ya que fue trabajado a distancia. Como saben, yo vivo en Sucre, y mi productor en La Paz. Pero eso jamás fue un impedimento para poder sacar Melomanía. Las voces fueron grabadas en M´STUDIO, aquí en Sucre. Las ediciones y master de las voces y pistas fueron hechas en 24-7 StudioFamilia, en la ciudad de La Paz. Queremos saber más detalles de la producción musical y ópera prima de Natural Poesía. ¿Qué nos puedes acotar? Dentro de los 8 beats propios que tiene el álbum, dos fueron creados en M´STUDIO. Los arreglos de dichos beats fueron hechos por 24-7 Studio-Familia. El resto fueron compuestos por mi productor DJ LD (KALI_JAH), quien está a cargo de cada scratch que se encuentra en el disco. LaCarne Magazine

Cada beat surge de una temática, de una idea sobre lo que quería plasmar en cada letra. Cada beat tiene esa vida y esencia, como cada letra plasmada en ellos. Es muy lindo e importante tener la conexión con cada persona que estuvo en la travesía de esta obra maestra. Yo conocí a Lui Ortega (productor de M´STUDIO) hace varios años atrás, donde grabé el tema «Hipnotizándote», y, la verdad, siempre me he sentido muy cómoda trabajando con él, ya que hubo esa conexión musical que uno busca a la hora de trabajar. Con LD (productor de 24-7 Studio-Familia) fue una experiencia y conexión única. Cuando lo conocí, al instante sentí esa magia musical, y supe que era el lugar y la persona indicada para trabajar. No sólo Melomanía, sino muchas cosas más que se vienen. Aprendimos a ser colegas, amigos. A pesar de la distancia fue algo mágico, y siempre estaré agradecida por eso, por encontrar personas que hablan el mismo idioma musical que uno siente.

colega Boca Ck. Fue la primera vez que canté en un evento dentro de la movida.

¿Qué influencias artísticas tienes? Mis influencias artísticas son muchas. Como comenté anteriormente, el arte en general me encanta, la danza, la pintura, la poesía, muchas cosas…

Desde ese entonces no paramos. Cada año que ha pasado fue para pulirme y para aprender más, para capacitarme más, y cada día ser mejor en lo que amo hacer: la música.

Escuché mucha música antes de quedarme en el Rap en sí. Muchos estilos fusionan mi ser y me hacen ser quien soy ahora: Natural Poesía.

Gracias a Dios se me han abierto muchas puertas a lo largo de estos años, pero, como sabes, nada es gratis en este mundo, y todo fue una siembra para luego cosechar.

¿Cómo nace el nombre de Natural Poesía? El nombre Natural Poesía nace de una canción compuesta para mi persona, con varias frases dichas. En ese tema me sentí identificada. De ahí nace mi nombre artístico.

He tenido mucho apoyo de la gente, de mi productor DJ LD, también se me han abierto puertas en el exterior del país, y la música a traspasado las fronteras. Eso es muy gratificante.

¿Cómo te inicias en el Movimiento Hip Hop? Ya son 6 años que llevo dentro de la Cultura HIP HOP. Recuerdo mi primera tocada, que fue en «El Mundito», un boliche de Sucre, un festival de Rap/Reggae que organizó nuestro

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¿Cuál es tu visión del Hip Hop boliviano? Desde mi punto de vista, en la escena nacional del Hip Hop veo mucho crecimiento, muchos talentos que están emergiendo con fuerza, con pasión. ¿Cómo lo vibras al Hip Hop latino en la actua-

lidad? Pienso que el Hip Hop latinoamericano tiene mucha fuerza, y sobre todo esencia, ya que como latinos somos fuertes en nuestras raíces. ¿Qué es el Rap para Natural Poesía? Es como cuando uno es adolescente y va buscando su camino, lo mismo es con la música. Yo pasé por muchos géneros musicales que fueron parte de mi escuela musical también, pero cuando encuentro verdaderamente el Rap, es ahí cuando encuentro mi camino y digo: aquí me quedo. Así fue y así es para mí. Cuando me enamoré del rap, cuando pude sentir y fluir sobre una instrumental: ahí nace la firmeza. Empiezas a ser una MC reconocida, con el poder femenino y con la fuerza de la palabra. ¿Cómo has percibido este proceso de la llamada «pandemia»? Sabemos que el Rap y toda la música es una

herramienta, y, más que eso, un «arma» para disparar y hacer la revolución con rimas, con palabras, con canciones. En estos momentos crudos y oscuros que se viven mundialmente, nosotros somos voceros, tenemos el poder de la palabra y podemos cambiar muchas cosas. Sólo debemos tener la convicción de saber de dónde venimos y hacia dónde vamos, nunca perder el enfoque. Cuando Melomanía estaba en proceso, nunca imaginamos lo que sucedería meses después. Cuando llego la «cuarentena» hubo confusiones en las mentes, miedos, paranoia. En lo personal consideré que no era el momento para sacar el álbum a las plataformas. Todo tiene su tiempo, y había llegado el momento. Lo hice, ya son dos meses y medio. Y a pesar de todo lo que estamos atravesando, el disco tuvo mucha aceptación de la gente. ¿Cuál es tu frase, lema o verso que te anima a seguir? LaCarne Magazine

«Debo cumplir mi misión» se podría decir que es una frase que me digo a mí misma cuando voy a subir al escenario o voy a grabar. Siempre hay emociones, nervios, pero lo hacemos firmes. ¿Qué videos has realizado hasta la fecha? Hasta el momento tengo 4 videoclips. Los dos primeros, «Hipnotizándote» y «La Luz», que fueron grabados por Donkan Films de la cuidad de El Alto. Ambos fueron realizados en un día entero. Grabando cada escena en Sucre (Hipnotizándote) y en La Paz (La Luz). El tercer vídeo, «Invencibles», fue grabado en la cuidad de Potosí por Producciones Contra Informa, un trabajo de un día y medio. El cuarto vídeo, «Ella», fue grabado aquí en Sucre, en varias escenas, proceso de una semana más o menos. Fue realizado por Soul Films.

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El arte en Bolivia es independiente y autogestionado. Qué nos importan los gobernantes, y sus políticas anti-cultura, ¿no? Cada producción que hice (temas, videos y álbum) son autogestionados. Siempre debemos apoyar la autogestión, tanto del artista como del productor. El gobierno boliviano, en plena cuarentena, ha cerrado el Ministerio de Culturas, justificando que el artista es un «mal gasto» para la nación. ¿Qué opinas al respecto? Pues pienso que nuestro rol como artistas es tan importante como el de cualquier otro. Debemos conocer bien nuestros derechos y luchar por ellos. ¿Podrías resumirnos tu ópera prima? Bueno, el álbum Melomanía es muy variado, y a la vez sigue una línea. Hay temas que protestan, hay temas que te dan fuerza, hay un

tema para los hijos, un tema para las mujeres. Hay temas que te transmiten mucha energía. El tema «Ella» es muy poderoso. ¿Puedes hablarnos de él? El video «Ella” es muy especial. Es uno de mis temas favoritos porque rompe barreras musicales, como, por ejemplo, usamos hits de Trap manteniendo el bombo y caja crudos. También tiene un coro muy pegadizo, y muchas mujeres se lo han vivido. Fue una experiencia muy grata hacer cada escena con mis hermanas (actrices principales), con mis amigos que apoyaron las escenas. Cada secuencia tiene su vivencia detrás, jajaja. ¿Cuáles son las palabras que quieres enviar a la gente que se empieza a dedicar a la música? ¡Sigan adelante! A todos los que están em-

pezando con verdadera pasión, sigan y no se detengan. Tracen sus metas, busquen una visión, un enfoque directo. ¿Algún mensaje de apoyo y aguante a la Nación Hip Hop? El Hip Hop para mí es vida, es entrega, pasión, dedicación. Como dije antes: «somos voceros», y tenemos «el poder de la palabra», así que hay que usarlo. Y seguir más firmes que nunca. Palabras de despedida y por favor. Gracias a toda la gente que sigue mi música y apoya mi arte, gracias de corazón. Saludos desde la ciudad blanca.

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Primitivo

identidad Metal chilena LEER MÁS

sta banda, de nombre Primitivo, comenzó a dar batalla en el año 2005 con un sonido muy influenciado por el Metal de finales de la década del 80 y principios de los 90. En el 2018 lanzan su primer trabajo discográfico, donde ya muestran una evolución en cuanto al sonido, luego vendrían presentaciones y nuevos discos. Su vocalista, Paolo “Primitivo” Herrera, da respuesta a la entrevista donde se conocerá más sobre esta banda de Chile.

Primitivo, identidad del Metal chilena

Saludos, y comencemos inmediatamente con la entrevista. La banda en sus inicios estaba

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en una orientación hacia el metal de los 80 y principio de los 90, luego evolucionan hacia un sonido más Death Thrash. ¿Por qué deciden adoptar esta nueva sonoridad? Bueno, de partida buen día y saludos a todos quienes nos van a leer. Es un placer! Respondiendo. Primitivo en sus inicios partió como una junta de amigos para tocar Metal y pasarlo bien. Creo que en un principio nada es concreto y todo se va definiendo. El estilo quizás es algo que vas a hacer 30 años tocando lo mismo, o vas a evolucionar lo que estás haciendo. En este caso se evoluciona, y claramente se quiso adoptar ese sonido más seco y crudo del Metal sudamericano como tal. Ese Death/Thrash desprolijo y sencillo de esos años. Sus inicios datan de 2005. Quisiera me comentaras sobre ese periodo de formación.

A principio de 2008 ustedes graban su primer disco, “Primitivo”. Por favor, cuéntanos acerca de este primer trabajo y si aún está disponible. Ese Primitivo fue el primer larga duración que se lanzó. Fue ese disco con el que Primitivo dijo: “¡Acá estamos!”. Con letras en su 100% en español, este disco llego a poner ese primer grano de arena como banda independiente y activa. Las letras las hizo el vocalista de ese momento, en complemento a los fundadores (Mauricio y Roberto), los cuales le dieron un sentido bien contestatario al estilo que se venía haciendo. Y en cuanto a la música, esto está bien marcado por este Metal Groove que se estaba haciendo ya entre la década del 90 y el 2000. Acá también llego un segundo guitarrista como invitado para darle el toque de los solos a algunos temas. Por ejemplo, Patán, sencillo de ese disco el cual pueden encontrar su video aún en YouTube.

¡Claro! Y como te lo repito, son momentos de formación como tal, una época en la que se marca el inicio y sus pilares fundamentales. Roberto Limonao y Mauricio Aguilera, marcados como los fundadores de Primitivo, y bueno, el resto de los integrantes también, siguieron sus caminos en distintas bandas. Acá también nace un primer demo, que poco nos gusta mostrar, jajaja. Pero es porque se venía experimentando esta identidad de banda y preparándose para ese primer disco bien hecho. Se define también el sonido instrumental que se quería sobrellevar, el sonido imponente de las 2 guitarras a 7 cuerdas como peso primordial. Una rítmica y la otra marcando el peso. De todas maneras, esto a futuro se definió como simplemente el peso de una de estas guitarras sonando en vivo de forma estéreo.

El disco físico a la venta, la verdad es que ya no está, quizás a futuro pensemos en hacer una reedición o algo así, aunque en verdad desconozco, aunque a veces hasta yo me he sorprendido de buscar el disco en línea y encontrarlo para su descarga, pero de momento quedan algunas copias físicas disponibles de manera interna con la banda. De todas maneras, si de algo sirve, en cada disco nuevo hemos hecho una versión distinta de a lo menos 1 tema de ese disco. En World out of Balance sale Hacia el Final y Eliminar (pero en versión en inglés, Eliminate), en The Last Domination sale Caos Total, y ahora igualmente estamos rearmando otro de ese disco que irá incluido en nuestro nuevo álbum. ¿Primitivo ya se ha presentado fuera de Chile? ¿A qué países han ofrecido conciertos? Nos han invitado a varios lugares en Sudamérica, Europa y USA. Pero la verdad, por cosas de la vida, aún no se han logrado concretar bien, algunas se cancelaron. Pero no nos preocupa. Esto se dará más adelante, cuando la contingencia mundial comience a decaer.

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Acá en Sudamérica hemos sido invitados 3 veces a Argentina, la cual hemos tenido una gran recepción de parte del público (San Juan, Mendoza y Pergamino en Buenos Aires). Excelentes experiencias. De seguro pronto iremos a otros países. World Out of Balance fue el segundo álbum de la banda, que salió en el 2013, y según la crítica, este disco marcó una evolución en la banda. Coméntanos. Jajajajaja! Ufff! Hablando de evolución, sí que sí, y, como te lo mencioné anteriormente, es así, o nos quedamos en algo o evolucionamos. Y este disco tiene harto que sale de su métrica común, acá no vamos a decir que solo hay Death/Thrash. Este disco tiene tintes progresivos también, la cual denota la mano de la formación que había en ese momento. Siendo sinceros, a algunos no nos gustó mucho ese disco, aunque como lo dices tú, la crítica notó una evolución. Pero en lo personal, en ese disco hay cosas que no me gustan, como otras que me vuelan el cráneo y me dan ganas de ir hacer Mosh a Neptuno. Jajaja. Pero en sí igual es un buen disco, hay harto trabajo en equipo de por medio en cuanto a los músicos, y bueno, en cuanto a técnicos también. Este disco fue totalmente producido en Sade Estudios de Juan Pablo Donoso (Pentagram/Sadism). Hubo un trabajo en complemento junto a él y Gabriel Hidalgo. En cuanto a la distribución, se encargó el sello Australis Records, el cual nos abrió las puertas a la difusión, y comenzaron a llegar buenas críticas desde muchos zines de todo el mundo: Alemania, Rusia, España, Brasil, Japón, etc.… Y un sinfín de medios que nos felicitaron, y eso nos sorprendió bastante, la verdad.

no solo nos referimos a la evolución de la música como tal, sino que a la pésima evolución lograda por nuestro ser humano. ¿Que la destrucción como la conocemos tiene que ser necesaria? ¿Y siempre es parte de los intereses económicos de algunos…? Eso habla World out of Balance, el mundo en el desequilibrio máximo. La auto destrucción del hombre que estamos consiguiendo gracias a como manejan la globalización. World Destroyer: La destrucción de nuestra tierra para construir cemento y centros de energía tóxicos y/o nucleares. Megathieves: los mega ladrones del mundo.

En cuanto a la conceptualidad, te podría hablar de forma un poco más directa, ya que a estas alturas ya llevaba 4 años con Primitivo, y por ende me empecé a hacer cargo “casi” en su totalidad de la redacción de las letras.

Out of Balance: El desequilibrio de todo gracias al mal manejo de la globalización.

Y volviendo al tema de la “evolución”, ya acá

Hacia el Final: ¡Resistir hasta el final!

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Eliminate: La eliminación de la población de parte de sus gobiernos.

da no ha tenido un cambio de formación o un agregado adicional? Parte de yo mismo, no vengo del inicio como tal, había un vocalista anteriormente, y yo soy el segundo vocal desde 2010. Guitarras de solos han pasado 2, si no me equivoco, bajistas, quizás unos 7, y bateristas, 2, hasta que volvió Roberto, el batero fundador. Ése fue un muy buen momento también, el yo ver cómo se reunieron los fundadores de Primitivo nuevamente. Y no fue para nada difícil encontrar buenos músicos y hermanos nuevamente, pero tampoco fue necesario en su momento. Primitivo, al revés de quedar cojo, se reordenó. Todas esas métricas irregulares del disco mencionado anteriormente que no nos gustaron, desaparecieron. Primitivo no quería eso en verdad, quería ese power sencillo y agresivo, sin tanto toques progresivos, más directo, como le decimos acá, ¡Directo! ¡Al callo! ¡Chacal! ¡Antiguo, cavernícola! ¡Primitivo! ¡Esa era! Terror: El momento del infierno y la destrucción del todo como lo conocemos hasta hoy. Hasta el último tema, que es instrumental, termina en la nada. Un fade out que, en lo personal, me dan ganas de saber que viene… Para los videos de este disco, en Out of Balance viajamos a la Quinta Región, grabamos dentro de un matadero antiguo que estaba quemado completamente y lleno de cenizas en su interior. Y World Destroyer está hecho con imágenes de lo que fue el lanzamiento de este disco en “La Batuta” Ñuñoa, Santiago/ Chile. Ya saben que el disco completo y sus videos/ single Out of Balance y World Destroyer los pueden encontrar en YouTube, y Spotify entre más plataformas. Durante el año 2018, algunos de los miembros abandonan la banda. ¿Puedes comentarnos por qué salieron? ¿Fue muy difícil encontrar los nuevos músicos? Bueno, cosas que son necesarias. ¿Qué ban-

Y se logró, se logró reidentificar esa identidad con todos estos cambios de formación, esa identidad del Metal Sudamericano como tal. Claramente siempre estaremos necesitando algún solo por aquí o por allá, y quizás un segundo guitarra que nos estará acompañando, pero ya llegará quien quiera darle un toque de magia a Primitivo. De momento seguimos trabajando, y aquel personaje llegará en su momento adecuado. En el 2018 lanzan el EP The Last Domination. ¿Éste es una continuación de su disco anterior o tiene conceptos diferentes? Sí, sigue una línea. The Last Domination, la última dominación, o sea después del desequilibrio mundial viene lo nuevo, el nuevo orden, el nuevo mundo, la nueva conquista. Este disco viene hablar netamente de cómo un nuevo mundo nos hace nuevamente esclavos modernos bajo un nuevo orden totalmente desquiciado y fuera de control, por los mismos intereses socioeconómicos que vivimos el día LaCarne Magazine

a día. Entre inglés y español, para que el mensaje se escuche en todo el mundo. Hablemos más sobre este EP. El arte de portada ha sido realizado por un importante diseñador, así como su masterización. Coméntanos. ¡Oye, qué informados jajajaja! Bueno, efectivamente el diseño de la carátula está realizado por el reconocido diseñador Eliran Kantor, quien le ha diseñado carátulas a Testament, Soulfly, entre varios. Gran artista! Y el sonido, bueno acá hay una mezcla de gestiones importante (encuentro yo). El disco en sí lo grabamos nosotros en nuestra casa, en nuestra sala, con Roberto Limonao, baterista y fundador de la banda, y dueño de su estudio Club Silencio, y acá, Mauricio Aguilera (guitarra/fundador) fue el gestor precursor en enviar esto “al mundo” en pocas palabras. Y quien lo escuchó y le gustó y nos dijo: “Oye, yo quiero producir ese álbum” (pero en polaco ajajaja) fue Mariusz Konieczny de Heavy Gear Studios en Polonia, el cual en menos de 24 horas nos manda una muestra de cómo deberíamos sonar con ese pequeño tema que le mandamos, y el resultado fue tan aplanador que nos dejó a todos peinados tipo “lengüeteado de vaca”, y decidimos hacer el resto del EP con él. Que al final fue bastante provechoso, ya que también el mismo Mariusz tenía un amigo guitarrista, Marcin Garyga, compañeros de banda de los polacos Hellspawn, el cual motivado nos acompañó con sus solos en 2 de los temas, Caos Total y Morden Slavery System, en los cuales se luce nuestro hermano. La verdad es que este álbum nos dejó con ese gusto de: “Esto era lo que queríamos”. Así que por ese lado felices y satisfechos. ¿Cómo ha sido el trabajo de promoción de este material? ¿A qué países ha llegado este EP? En verdad, como solo fue un EP, no le dimos mucho énfasis al marketing, solo pusimos algo de publicidad en Facebook y lanzamos su respectivo video, el cual tiene su sabor especial,

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ya que lo grabamos en un show teloneando a Brujería acá en Chile, y hasta sale Juan Brujo al final del tema dando una pequeña mención. Fue un muy buen día. Pero la promoción la estamos dejando para lo que se viene en verdad. Estamos trabajando en cosas nuevas, material nuevo para la banda, el cual le dará automáticamente más difusión a este disco. Todo viene de la mano, y quien quiere escuchar, siempre quiere saber qué había antes. Así que nosotros nos preocupamos simplemente de seguir avanzando. Respondiéndote sobre a qué países hemos llegado, la verdad es que a varios. Así como cuando estuvimos con sello llegaron reviews de hartos lados del mundo, con este EP nos pasó lo mismo, pero en lo personal, siento que lo seguirán escuchando en muchos lados más, y así ya es difícil responder a qué países puedes llegar. Es inimaginable, ya que siempre llega gente de distintos lados del mundo mandándote tu apoyo y toda la fuerza al metal

de Primitivo. En lo personal, de hecho, ni me preocupo en saber a cuantos países llegamos o podemos llegar, simplemente me gusta saber que a donde sea, el mensaje se escuche Fuerte y Claro. En otro ámbito, ¿cómo ves el actual movimiento metalero en Chile? ¿Qué aspectos positivos y negativos resaltarías de tu escena? En Chile siempre se ha vivido Metal o el Rock de una manera apoteósicamente distinta en comparación al mundo entero. Grandes personajes o bandas a nivel mundial destacan a Chile como uno de los países más locos, desordenados, y apasionados por su música en el mundo entero, y esto se sigue viviendo al día de hoy. El confinamiento tiene (o tenía) a muchas bandas sin poder tocar o mostrar su arte, pero el chileno es muy conocido por ser “vivaracho”, o

para que tod@s entendamos: “se logra adaptar perfectamente a cualquier situación”, donde sea. Y en este aspecto creo que la música jamás ha parado. Quizás han parado los shows presenciales masivos, pero la música no, y por ejemplo como banda estábamos preparados para tocar y dar cualquier show en vivo, y justo nos invitaron a este primer Live Streaming que salió con mucho éxito, y así tal cual se está empezando a dar para muchas bandas más. Muchas bandas siguieron trabajando en sus discos, muchas bandas grabando videos desde casa. Entonces, el movimiento no para, simplemente “muta”, y acá con lo hiperquinético que somos, quizás sí, hay muchos que no han podido y se han sentido muy encerrados sin saber qué hacer, pero quizás a ell@s mismos les diré: No entrar en desesperación, herman@s, ni en pánico, porque ya volveremos todos a ser libres como están esperando, y siempre debe existir ese mínimo espacio

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para auto recrearnos.

ese tercer disco “Larga duración”.

Que quizás es la parte negativa de lo que me estabas preguntando, la desesperación de la gente. Algunos quizás esperábamos algunas cosas, y a otros quizás jamás se les pasó por la cabeza lo que se venía, y simplemente se estancaron en sus trabajos personales por sus seres queridos, familias, etc…

Pero no sé, quizás preferimos ponerle harta historia y contenido a 1 tema, y que se entienda bien el mensaje, y complementarlo con 3 o 4 temas más y hacer otro EP. Sentimos como banda que se valorarán más que un disco de 14 temas. Estamos trabajando actualmente en eso justamente. Estamos siempre actualizando nuestros estados.

Un tema delicado en el mundo entero, la verdad, que a todos nos ha afectado. Y creo que gracias a esto mismo el chileno tiene ganas de seguir creciendo, seguir dándole a la música, pase lo que pase, y al revés en cuanto al metal. ¡A darle! ¡Con más rabia y poder que nunca! Aprovecho esta instancia para mandarle un fuerte abrazo a todos quienes alrededor del mundo no lo han pasado bien en estos tiempos de horror apocalíptico. En serio, que tod@s hoy debemos plasmar esa gran huella hasta el fin de los tiempos que conocemos. ¡Y con mucha, mucha fuerza! ¿Es Primitivo una banda que está tratando de denunciar la enfermedad social que se vive en nuestro entorno? ¿Sobre qué tratan sus letras? Yo creo que es más que evidente. Como anteriormente lo mencione en pocas palabras, Primitivo se mantiene hablando de forma contestataria el mal manejo evolutivo de nuestra civilización, y hoy se está viviendo esa enfermedad y control social tal cual como le venimos hablando, y es que siempre ha sido parte de todo esto, no hay que ser un visionario para saber lo que está pasando. “Destruir para volver a vivir”. Siempre nos mantenemos haciendo música. Roberto y Mauro siempre full componiendo, y por mi parte siempre escribo y trato de plasmar una vivencia, un momento. Y ese momento que quiero gritarle al hijo de puta, lo terminamos musicalizando para sacar un tema. A veces igual me han hablado y me han dicho que esperan más de Primitivo y un disco largo y todo eso, se ha pensado hacer

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¿Para cuándo tendremos un nuevo álbum de la banda? Bueno, el nuevo single ya lo lanzamos de forma oficial. Éste salió en nuestro primer Live Streaming, producido por Chargola Producciones y Warehouse, que lo pueden revisar en este enlace: ver aquí Ethnocide, el segundo tema de este setlist, que viene a dar este gran mensaje sobre la invasión étnica, el como siempre, la invasión de nuestras etnias ha sido protagonista de la construcción de sus imperios o gobiernos, y lo hacen ver de forma linda, como una “Conquista”. Sin ir más allá, la invasión que ha vivido el pueblo Mapuche hoy y siempre, y no solo acá, todas nuestras etnias indígenas a nivel mundial han sido simplemente invadidas y lo seguirán siendo mientras no paremos el etnocidio que ya, a estas alturas del caos mundial, lo tienen normalizado. El mensaje acá es directo y “¡No queremos más Etnocidio”, simple!

Por temas técnicos sale algo cortado el tema en la transmisión en un principio, pero está bien, ya que el tema completo lo publicaremos y de manera oficial prontamente. El álbum nuevo también está en trabajo, pero de momento no les quiero dar detalles, ya que vienen hartas cosas nuevas que están tomando tiempo, así que simplemente me gustaría que queden atentos a lo que se viene, ya que, junto a esta sonoridad brutal, estamos trabajando también en material audiovisual bastante interesante para nosotros, el cual no adelantaremos mucho, ya que está en pleno proceso. Y por la misma razón los invito estar atentos, ya que, de seguro, pronto existirán noticias al respecto. De momento ¡atentos a Ethnocide! Una pregunta sugerente, ¿qué le dirías a los metaleros para que escuchen y disfruten de Primitivo? Verdaderamente es una difícil pregunta, más cuando es una pregunta recurrente que quizás muchos te digan que quieren sonar lo más brutal posible, o hacer lo más raro o progresivo o gore, o no sé. Cada quien hace lo que quiere en cuanto a su música, la verdad. Acá también yo puedo estar hablando a modo personal, y quizás también en parte por mis hermanos, y dentro de esto creo que vuelvo al principio.

Primitivo se armó como una junta de amigos a hacer música para pasarlo bien, para juntarse a tocar, a meter bulla simplemente de manera libre, sin ser tan talibán al momento de decir, “oye, ésa no es una nota”. ¡Naa, relájate y filo!, después se ordena para que sea la nota que debería ser jajaja. Eso no se ha perdido jamás, no estamos preocupados de hacer un disco de 14 temas una vez por año, simplemente nos preocupamos de pasarlo bien creando, y reafinar, obviamente, siempre ese detalle para que suene mejor ese riff, o simplemente para que el mensaje se escuche más fuerte y lo disfrutamos, que es lo importante. Así que yo creo que ése sería el mensaje para quienes gustan del buen metal. Disfrútenlo, como nosotros lo hacemos siempre, porque en serio que es pasión lo que existe entre la sangre y esta música que tanto amamos que es el metal. Por el momento es todo. ¿Podrías darnos algunas palabras para finalizar? De parte de Primitivo te digo: mantente firme y poderoso, hermano, que nuestros puños se están levantando de a poco. Nos veremos muy pronto, que PRIMITIVO se viene con todo. Es más, te dejaremos en parte de adelanto nuestro nuevo logo, ese escudo que nos acompañará en nuestras futuras batallas. Espero les guste. De parte mía como Paolo Primitivo te digo: ¡A no dormirse! ¡Esta reconstrucción recién comienza! ¡Éste es el momento de levantarse con más fuerza que nunca! Recuerde… ¡Con toó, si no para qué!

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Brutus M3

Rock y distorsión sin complejos LEER MÁS

l comienzo de esta agrupación fue de poco a poco. Estos músicos amigos se reunieron y decidieron darle forma a esta banda que han llamado Brutus M3. Grabaron algunos temas para darse a conocer, y luego el sello No Humano Records lanzó su material. Parte de los integrantes de la banda dan respuesta a la entrevista.

Brutus M3, Rock y distorsión sin complejos

Saludos y bienvenidos a este medio de promoción. Gracias por aceptar esta entrevista. Para comenzar, nos gustaría que nos contaran cómo y cuándo surgió la banda.

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Guillermo: La banda BRUTUS M3 ha ido surgiendo desde las cenizas de proyectos anteriores, algunos con muchos años de recorrido y varios discos publicados, como Mallacán, El Corazón del Sapo, MSF, GEN (éstos todavía en activo), y otros proyectos más efímeros como Les Peloplumes, Freak Kennedys o La Orquesta Totaal. La necesidad de mantenernos activos, de seguir creando, tocando y jugando tiene como fruto hace unos tres años. Esta reunión de amigos que se unen para dar forma a unas ideas que me andaban rebotando por la cabeza, y que vamos moldeando poco a poco, sin prisas, pero con el tesón y la humildad que nos da la experiencia. En cuanto a su sonido, ¿cómo definirían su propuesta musical? ¿De dónde parte la idea del nombre de la banda?

fluenciado más a Brutus M3? Arturo: Como hemos comentado antes, es inevitable dejarse llevar por las influencias de todo lo que hemos escuchado y observado a lo largo de los años. La experiencia en bandas anteriores con las que hemos girado durante mucho tiempo, visitando diferentes escenas de Europa e incluso Asia, nos ha impregnado la forma de componer y transmitir nuestras ideas. Es innegable también la influencia del Hard Rock de los 70 y el Hardcore Punk de los 80, las principales bandas de cabecera con las que aprendimos a escuchar e intentar emular en nuestros comienzos. Háblanos sobre los integrantes. Me imagino que, como toda banda, han tenido cambios. ¿Quiénes conforman actualmente la banda? Edu: Entre la banda que fue germen y precedió a Brutus M3, los Freak Kennedys (destrozando con cierto gusto canciones de Biafra y compañía desde 2004), y los propios Brutus M3, sólo hubo un cambio: Pitufo, bajista. Nos tuvo que dejar al terminar lo de los Freak Kennedys. Edu: Nuestra propuesta es la suma de influencias y actitudes de las que llevamos años respirando. Nos hemos movido siempre en torno al Rock, el Punk, el Hardcore, y el Heavy. Nos ha gustado siempre la caña, la distorsión, y no tenemos complejos en fusionarlo todo si es necesario, mezclarlo en la coctelera y experimentar con los resultados. Guillermo: El nombre de la banda está entresacado de los recuerdos de nuestra niñez, de la serie japonesa de animación Mazinger Z, que veíamos en la televisión de la década de los 70. Brutus M3 es un personaje que aparece en uno de los episodios, y nos gustó mucho su sonoridad para nombrar nuestro proyecto. Toda banda siempre tiene algo de influencias. ¿Dinos qué bandas consideras que han in-

Y entonces suplimos su enérgica presencia con el terremoto Raúl Gen para iniciar la aventura Brutus M3, y asegurarnos la buena lubricación de la locomotora rítmica de la banda. Así que Raúl Gen al bajo, Guillermo Sapo a la Guitarra, Arturo Mallacán-Monaguillos a la batería, y Eduardo Monaguillos a la voz, fuimos los que iniciamos le experiencia Brutus M3. Raúl: Y actualmente seguimos siendo los mismos cuatro, aportando cada uno el lastre de nuestras influencias, y ahí nos mantenemos estables y bien avenidos hasta que el cuarto disco o el quinto, por lo menos, nos separe como los católicos que no somos. Pasemos a su trabajo discográfico. Acaban de lanzar un disco compuesto de 6 temas, que creo es el primer trabajo de la banda. ¿Dónde LaCarne Magazine

se grabó, la producción, qué sello lo lanzó…? Raúl: El disco, que surgió por casualidad, ya que lo único que queríamos era “capturar” las canciones para hacernos una idea de cómo sonaba la banda, fue grabado por el gran Franchi en los estudios Monegrian Wood, y producido y mezclado por el propio Franchi y Guillermo Sapo, que era el que mejor conocía los “relieves” de estas seis canciones.

muchas derrotas, han ido generando un cuaderno de ruta del que debemos aprender para seguir peleando, y, además, debemos transmitir ese cuaderno a las generaciones venideras, que andan excesivamente preocupadas con sus falsas aspiraciones de «clase media», para que no pare la lucha, para que los malos se enteren de que tienen a alguien enfrente y que no les va a salir gratis su actitud caníbal.

Los kilos de sonido de la masterización corrieron a cargo de Javi Vacuum en sus estudios Vacuum Mastering, y la edición y distribución corrió a cargo de Mario Himura y su sello No Humano Records.

Decía mi abuelo, con un tanto de amargura y resignación, que la victoria era un plato que no estaba hecho para los pobres. Pero que quitarles una tajada de ese plato, o dos, o el plato entero a los que lo acaparaban era, además de un placer, una necesidad y una obligación.

Y en la parte gráfica del vinilo, nuestros asesores robóticos fueron Samuel de Oshito. Audiovisual en la maquetación y diseño del logo y la carpeta del disco, Juan, que nos inmortalizó con su cámara de fotos; Lizer, que a los 6 años se inventó el dibujo de la portada; y Cayo, de Espacio Kaotika, que lo retocó para que luciera en la portada de nuestro primer disco. Muchas bandas relacionadas con el punk hablan sobre problemas sociales, personales, ecológicos… ¿Las letras de Brutus M3 plantean soluciones? Edu: Las letras de Brutus M3 hablan simplemente de los problemas que nos rodean y nos agobian. Desde la calidad del agua del río que pasa junto a nuestra casa, hasta la actitud de los que tratan a los de su especie (el hombre) y al resto de especies como elementos explotables y prescindibles. ¿Soluciones? Hallado el problema, que se resume en uno sólo: «considerar al planeta Tierra como propio y además un medio de recursos infinitos», la solución es sencilla: «anular» a los que así piensan y actúan, apartarlos de su venenosa «jefatura» acaparadora, redistribuir los recursos del planeta que consideran exclusivamente suyos, y hacer de esta piedra rodante un medio más justo, tanto social como económicamente. ¿Y cómo se hace eso? ¿Cómo se desactiva a esos «malos»? Esa es la cuestión. Siglos de pelea, aciertos, errores, pequeñas victorias y

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Es difícil vivir de la música, así que me ima-

gino que cada integrante debe tener sus actividades personales y profesionales. ¿Cómo logran complementar su tiempo con el trabajo que hacen en Brutus M3? Guillermo: Por desgracia, es difícil vivir de la música, del arte, y de cualquier expresión cultural que no entre en los cánones de la «productividad capitalista». Sin embargo, en nuestras bandas anteriores podían más las ganas de tocar y difundir el mensaje que el beneficio económico que ello nos pudiera reportar. Ahora, a Brutus M3 lo consideramos más como un pequeño juguete con el que disfrutamos en los descansos que da la vida, una banda cuya única pretensión es tocar sin pri-

sas con los amigos, tocar en directo cuando se tercie, y, sobre todo, una excusa para ver a gente con la que de otra manera no te verías. Algo así como un «pegamento social» en forma de grupo. Hablemos de la escena española. ¿Cuál es su punto de vista en cuanto a su escena actualmente? ¿Qué de positivo y negativo destacarías? Arturo: La escena ahí se va manteniendo. Transformándose y adaptándose a las circunstancias que le toca vivir. Tocando cada vez mejor, sin duda, y utilizando las redes como medio para llegar a más gente, aunque eso a veces conlleve pasar desapercibido dentro de la inmensidad de Internet.

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¿Negativo? No sé. Quizás esto último. Que, con tanta música a golpe de un click, la peña ha cambiado su forma de disfrutar la música, y, saturada de tanta información, ha abandonado la esencia del directo. Quizás lo peor sea eso. Aunque claro, luego ves a El Corazón del Sapo llenar dos días seguidos una sala de 1000 espectadores y se te cae la teoría. Edu: Y lo mejor de la escena, sin duda, las bandas y su gente. De la escena zaragozana, apunta: Criatura, Gen, Red Baleine, Himura, Pol Pot, Manolo Kabezabolo, Camille, NUEI, 13 Krauss, Rouille… y mil más que seguro olvidamos, bandas cuyo compromiso social las convierte en algo más que un «grupo de música». Volviendo a su disco “Brutus M3”, ¿cómo va la distribución? ¿Cómo ha sido recibido por la gente? ¿Algún comentario positivo o negativo? Raúl: La distribución va bien… una mezcla de Internet, y el boca a boca de toda la vida hace que podamos llegar a bastante gente del rock en todos los sitios. Tenemos muy claro que, por nuestro tamaño, el grupo no va a llegar a ti sin que tú quieras buscarlo o interesarte por él, y ahí es donde creo que estamos haciendo un buen trabajo en cuanto a mantener al día las diversas plataformas donde poder escuchar el disco, así como las redes sociales donde puedes encontrar información y noticias alrededor del grupo. Le damos la importancia justa sin querer llegar a la saturación. El recibimiento ha sido bastante bueno por lo que leemos, oímos y nos cuentan. La gente está contenta y nosotros también. Además, es un disco que arriesga y toma decisiones en cuanto a la producción musical, por ejemplo. Desde el inicio del pre-order que hicimos, ya se veía que la gente tenía ganas y curiosidad por ver cómo sonaba la nueva banda de estos cuatro veteranos.

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Arturo: Y bueno, en cuanto a lo positivo, pues las muestras de afecto y comentarios cariñosos y cercanos acerca del disco que te llegan y te alegran. Y negativo, bueno, es un poco tópico, pero si hubiéramos tenido un par de semanitas más de grabación y mezcla para pulir alguna cosa por ahí, pues mejor, claro. Con miras hacia el futuro, ¿para qué se prepara Brutus M3 actualmente? ¿Hay planes para lanzamiento de un posible álbum? ¿Estáis trabajando en algo actualmente? Raúl: Actualmente seguimos preparando la puesta de largo en directo del disco, ya que debido al tema del Covid-19 todavía no hemos podido estrenarlo, y esperamos poder hacerlo pronto. También tenemos temas nuevos para un LP, que día a día vamos dándoles formas distintas, y ahí estamos, moldeándolos de manera diferente para dejarlos bien pulidos, grabarlos, y mostrarlos a algún sello que esté interesado en su publicación. Aunque por el momento, lo más importante para nosotros es poder mostrar en directo la esencia del grupo, esperemos que se dé pronto esa situación. Os agradezco el espacio y el tiempo para esta entrevista. Les deseo la mejor como banda, y que sigan consolidándose en la escena española. ¿Hay algo que desees agregar? Edu: Pues agradeceros a ti y tus lectores el interés por el conjunto, y esperemos que todo vuelva a la normalidad cuanto antes, y podamos alternar y charlar después de un concierto. Guillermo: Un abrazo fuerte y lo dicho, gracias por el interés.

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MĂ S INFO LaCarne Magazine

Paskinel

Metal nuevo y progresivo LEER MÁS

esde Argentina nos llega la agrupación Paskinel, que se formó hace algún tiempo atrás. La iniciativa de formar la banda fue de Alex Paskinel, quien fue fundador de bandas como Rockmotor y Mackina. Paskinel hace un trabajo musical donde encontramos referencias e influencias de grandes bandas del Heavy Metal. El mismo Alex Paskinel da respuesta a la entrevista, donde conoceremos mucho más de su banda.

Paskinel, Metal nuevo y progresivo

Saludos y sean bienvenidos. Vamos a comenzar la entrevista con la típica pregunta de ¿cuándo y por quiénes se funda Paskinel? Hola, amigos. Mi nombre es Alex Paskinel,

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bajista de la banda Paskinel. La banda se forma en el año 2013, decisión que tomamos Matías Ramírez, guitarrista de Paskinel, y yo, después que se disolviera la banda Mackina. Cabe aclarar que todos los actuales músicos de Paskinel hemos sido miembros de la banda Mackina en distintas etapas. ¿Por qué Paskinel como nombre para la banda? En un viejo libro de mi mamá leí una vez que un tal Alexander Paskinel era un asesino serial de la vieja Unión Soviética Rusa, que asesinaba a sus víctimas con una hoz o guadaña de mano. Adopté yo ese nombre para mí, y luego, llegado el momento en 2013, decidimos ponerle ese nombre a la banda. Tomamos también todas las insignias de la vieja Rusia, adaptándolas a nuestra banda de Metal.

La banda es Miguel Salinas (voz), Nico Roa (guitarra), Matías Ramírez (guitarra), Alejandro “Pelu” Rocha (batería), y yo en el bajo. Todos los colectivos (ómnibus) que viajen hasta Motörhead, Black Label Society, Judas Priest, “Ripper” Owen solista, nos deja muy bien. El 2019 fue un gran año para ustedes indudablemente con la edición del disco “Paskinel”. ¿Qué representó para la banda plasmar este disco? Un sueño hecho realidad. En Argentina ser músico, y más de Metal, pareciera ser como “escalar una pared con una mano”, todo es sacrificio, mucho dinero, y horas interminables de trabajo. Gracias a Dios lo hicimos, y desde ese momento vemos que las puertas se van abriendo, aunque algunas las golpeemos con toda la furia… jajaja.

Ustedes definen su música como metal clásico. ¿Qué elementos tomarían de su propuesta si quisieran explicar el concepto musical de Paskinel? Yo soy el más grande, o viejo, de los 5 músicos que integramos Paskinel, y me crié con bandas como Kiss, Motörhead, Judas Priest, y Iron Maiden. Miguel Salinas (cantante) y Nico Roa (guitarrista) tienen la mitad de mi edad, y obviamente tienen otros gustos musicales dentro del Metal. Digamos que nuestra propuesta musical es “la experiencia de la vieja escuela mezclada con lo industrial y la sangre arrolladora del Metal nuevo y progresivo”. ¿Quiénes componen hoy la banda, y qué influencias reconocen desde lo grupal?

¿Por qué decidieron incluir bonus tracks de Mackina? Como dije, todos fuimos miembros de la banda Mackina, y con ella no llegamos a grabar un disco, por lo que incluimos esos temas a modo de tributo. ¿Qué respuesta han tenido en Argentina y en el exterior con el disco? Hasta ahora hemos recogido satisfacción y buena respuesta. Paskinel ya giraba por el país antes de sacarlo, por lo que era ya una necesidad plasmar toda esa música que habíamos llevado a gran parte de nuestro territorio en un disco. Este año habríamos empezado ya con giras por el exterior sino fuera por lo que acontece en el mundo. De todas maneras, Paskinel ya está sonando en parte de Sudamérica, México y España gracias a los muchos medios que también confiaron en nosotros. Hoy, transcurrido un corto tiempo desde su edición, ¿están satisfechos con el álbum? ¿Sienten que los representa en total forma? ¡La verdad, NO! ¡No estamos satisfechos! Hoy LaCarne Magazine

escuchamos el disco y decimos, “le hubiésemos hecho un millón de cosas más”. Hoy la banda es más madura, creció, es mucho más precisa que hace 3 o 4 años atrás. En vivo hacemos mejor los temas que cuando los grabamos. Es la señal que vamos por buen camino, aprendiendo y creciendo. ¿Cómo es la escena metalera de Argentina, para aquellos que por distancia no estamos tan al tanto de lo que allí sucede? ¿Hay signos de crecimiento, o todo sigue siendo a niveles subterráneos? En la Argentina todas las bandas deben pasar por distintas etapas dentro del under, y luego las ligas mayores. Primero tocas para amigos en clubes, después pasas a los sótanos, después a los bares “con gente”, después a los boliches con cierta capacidad, después ya vas asomando la cabeza en lugares donde te dejen las bandas de renombre, luego teatros, y por último estadios. Digamos que Paskinel está transitando entre bares y boliches, un Under cómodo jajajajaj. Regresemos a su disco nuevamente. Según tengo entendido, este material salió de forma independiente. ¿Algún sello discográfico se ha interesado en la banda? Jajajajajajaja, ¿existen los sellos discográficos? No tuvimos ofertas, y si las hubiésemos tenido, igual lo hacíamos a nuestro modo. Recién ahora que estamos planeando nuestro segundo disco, están surgiendo algunas propuestas. Nada seguro. La libertad con la que nos manejamos en el primer disco NO TIENE PRECIO. Algo que ha caracterizado a la banda es su hermandad o pasión por las motos. ¿A qué se debe esta pasión por las dos ruedas? Desde antes de la banda Mackina, nosotros recorrimos el país por distintos “Moto Encuentros” donde solo la pasas bien, escuchas y ves muy buena música, y el ambiente es de camaradería y amistad.

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Hemos tocado en escenarios como los de los grandes estadios, como así también en cantinas. De día, de noche, y hasta lloviendo. Todo es genial compartido con los y las motociclistas. Gracias a todos esos encuentros, grandes amigos, y haber rodado miles y miles de kilómetros, es que Paskinel pudo visitar gran parte de nuestro país. ¿Cómo vienen de actividad en vivo? Entiendo que con esto de la Covid-19 han estado algo inactivos. Obviamente shows en vivo no hay, pero la banda no paró nunca. Estamos desde febrero presentando videos, algunos en vivo de fechas pasadas, y otros (bastantes) videos home. Estamos a pleno sacando temas que fueron

parte del disco en video, y al mismo tiempo componiendo mucho material para el segundo disco. Paskinel no descansa, jajaja. ¿Cuáles son los planes de Paskinel para lo que queda de año y para el venidero 2021? Acá en Argentina es difícil que se pueda hacer shows en vivo hasta el año que viene, por lo que los Paskinel nos pusimos como próxima meta entrar a grabar, si Dios quiere, en diciembre, para así los primeros meses del 2021 salir y cumplir con todos los compromisos y giras que teníamos en este año, solo que más reforzado, jajajaja. Morimos por salir a tocar, Paskinel siempre está en la ruta y con material nuevo. Un agradecimiento especial para la banda, y que las últimas palabras en esta entrevista

sean las de ustedes. Primero, el agradecimiento a ustedes, LaCarne Magazine, por su atención a nosotros, después nuestro agradecimiento a todos los medios que a través de ellos nosotros llegamos a más y más gente amante del Metal, y, por último, y los más importantes de todo, el público, el que nos conoce, por hacer siempre el aguante. Y a los que no nos conocen, decirles que vamos por ustedes, a bendecirlos, malditos pecadores, con todo nuestro METAL DE LA CORTINA DE HIERRO.

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