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nÂş 02 abril 2011 Revista digital de Las Baladas del CĂclope 16

www.elciclopemecanico.com

© El Cíclope Mecánico, 2011 Edición y Producción: El Cíclope Mecánico Editor: Sergio Flores Documentación: Sergio Castañeira Diseño y maquetación: Arturo Andújar Fotografía de portada: Manolo Espaliú Publicación on-line: www.issuu.com

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digital Revista digital de Las Baladas del Cíclope 16

nº 02 abril 2011 INDICE Editorial Libro recomendado Saturación Visual Las Baladas del Cíclope 16 Homenaje a un clásico: Gonzalo Juanes

editorial

Inconsciente Colectivo No es accidental qué un grupo de personas, dispares, de diferente procedencia, con distintas trayectorias vitales y desiguales anhelos, se unan bajo un nexo común. Cuando esto ocurre siempre existe una fuerza motora detrás, un resorte que se encarga de impulsar a todas y cada una de esas piezas hacía un espacio común. En el colectivo El Cíclope Mecánico esa pasión, esa fuerza que nos aglutina, se llama fotografía. Ella nos hace reunirnos, discutir, trabajar a deshoras, mirar y observar, reir; nos hace ponernos serios y vivir momentos felices, conocer y soñar, pero sobretodo ha hecho que podamos compartirnos y que podamos compartirla con otros. Esta es la verdadera premisa del colectivo, compartir fotografía y que ésta sea la encargada de mezclarnos, de conectarnos con todos aquellos que la aman. A eso precisamente se refiere el concepto inconsciente colectivo, una teoría que viene a decir que existe un lenguaje común a los seres humanos de todos los tiempos y lugares. Sin ser tan ambiciosos, nos gusta pensar que la fotografía es nuestro particular lenguaje común; y que nuestro lugar, más allá de nuestras vidas privadas, es el colectivo. Por este escenario, desde 2006, han ido pasando vidas y personas. Cada una de ellas ha hecho que El Cíclope Mecánico sea lo que es ahora: una criatura viva y en continua regeneración. Por el camino a veces ha estado enferma y ha atravesado cientos de vicisitudes, pero ha sabido sobreponerse y nos enorgullece decir que hoy, cinco años después, se encuentra en uno de sus mejores momentos de forma.

Somos conscientes de que la única manera de sobrevivir cómo colectivo es afrontar nuevos retos, y en esto trabajamos, y con ese horizonte nos vemos semanalmente y estamos en permanente contacto. Tratamos, cada uno en su forma y medida, de alimentar al Cíclope con ilusiones y esperanzas, además de con mucho esfuerzo personal. Claro que el resultado, el éxito o desatino de esa receta, no nos corresponde a nosotros juzgarlo. Ahí dejamos Las Baladas, esta revista, la difusión de los autores, los encuentros, el sitio web, los espacios, las reflexiones… sin buscar el aplauso fácil, pero si el reconocimiento, porque no es dañino ni inútil el orgullo coherente y honesto. A todos los que nos han acompañado y lo siguen haciendo durante la travesía nos gustaría darles las gracias; por estar con nosotros y apoyarnos en Las Baladas, por mandarnos vuestros trabajos, por leernos y por seguir, en definitiva, creyendo en todos nosotros. Seguiremos trabajando.

Libro recomendado:

“En la Playa”. Richard Misrach. Ed. Blume Richard Misrach, (nacido en 1949, Los Angeles) es uno de los maestros más prolíficos de la fotografía contemporánea, y es reconocido internacionalmente por sus bellas y épicas imágenes. “En la playa” es una monografía publicada en España por Editorial Blume,y uno de los libros más influyentes del fotógrafo norteamericano. Tenemos ante nosotros un libro de costosa elaboración, de gran tamaño (41 x 51 cm) que cuenta con una espectacular serie de 38 fotografías, con las que Misrach expresa nuestra delicada relación con el mar y la fragilidad de la figura humana en el paisaje. Luz, color y forma son componentes vitales en Misrach. Las fotografías de este libro fueron tomadas desde ventanas de habitación de hotel en Hawai durante tres años (2002-2005). Este trabajo se sirve de una paleta de colores en torno al azul y el verde, desde el más suave hasta el más oscuro y misterioso, obteniendo cambios en la profundidad, con patrones abstractos de las olas, el agua ondulante y el vacío en las playas. En algunas imágenes, una figura solitaria flota en un campo de líquido de color turquesa, y en otras, se encuentra una figura varada y parcialmente enterrada en la arena, o parejas retozando en el agua. Sin línea del horizonte, las vastas extensiones de arena y agua ofrecen una vista de extraña desorientación. Desde su mirada vertiginosa, las imágenes de Misrach evocan temor, asombro, así como una sensación de malestar. Las personas aparecen como pequeñas figuras, a menudo aisladas en un escenario inmenso. Esta bella monografía nos recuerda la fragilidad y la relativa importancia de la humanidad en la faz de la naturaleza aparentemente infinita.

Tal como comentó el autor, el pensamiento acerca de este trabajo fue influenciado por los acontecimientos del 11 de Septiembre en New York, sobre todo por las imágenes de los individuos y las parejas en caída libre desde las Torres del World Trade. También le influyó la novela y película “On the beach” de los años 50” rodada en plena Guerra Fría. Misrach ha expuesto extensamente en los Estados Unidos y otros países. Su obra está representada en numerosas colecciones permanentes, incluyendo el Museo de Arte Moderno de Nueva York, y el Metropolitan Museum of Art, Nueva York. También ha recibido numerosos premios, entre ellos el Guggenheim Fellowship, Estados Unidos y el Kulturpreis, Alemania por toda su carrera en la fotografía. Cortesía de Eclipse Libros www.eclipselibros.com

Saturación visual Sergio Flores Pretendemos estar constantemente informados. Nos levantamos con los sentidos puestos en las últimas noticias que emite la radio, leemos los diarios mientras tomamos nuestro café, navegamos por la red sin parar de buscar información, acudimos a blogs, podcast, redes sociales, ojeamos ‘newsletters’ y picamos sin cesar enlaces que amigos y desconocidos nos ofrecen para acceder a información sobre ciertos temas; millones de músicas y músicos a un solo click de ratón y, de vuelta a casa, nos espera algo de televisión para terminar de cerrar el día. ¿Cómo es posible manejar tal volumen de información?, la mayoría de las veces sucede que cuando necesitamos un dato preciso no lo encontramos en nuestra memoria, y la rueda comienza de nuevo a girar, acudimos a internet para tratar de rescatarlo. El mundo de la fotografía no es ajeno a esta sobrecarga de información. Las imágenes inundan nuestro mundo cercano, miramos fotografías allá donde vayamos, a discreción, cientos de imágenes diarias que no atraviesan ningún filtro. Por no hablar de la incontinencia a la hora de apretar el disparador de las cámaras. Existen datos; se calcula que sólo en Estados Unidos los fotógrafos aficionados tomaron alrededor de 28 billones de fotografías el pasado año. Nadamos en la era de la abundancia fotográfica. Quizá sea el momento adecuado para reflexionar y buscar un poco de silencio entre tanto ruido. Tomar la distancia adecuada ante esta ingente cantidad de fotografía y dejar de entender el silencio como signo de inmovilidad, sino cómo la herramienta que nos permita recomponernos. En música se considera que el silencio es una nota que no se ejecuta y que tiene la función de dar tiempo de descanso al intérprete, en fotografía quizás esta nota surja de preguntarnos a nosotros mismos qué merece ser visto.

Hubo un tiempo donde en los hogares había una pequeña colección de fotografías en papel que suponían un tesoro, se respetaban y guardaban con mimo. Hoy día la mayoría de las fotografías se pierden en el horizonte, se convierten en fotos anónimas y sin valor que caen en el saco roto de las “DSC-.jpg”. Muchos sufrimos de un mal de esta época, aquello que han venido a llamar infoxicación, un neologismo fruto del cruce de las palabras información e intoxicación. El término se refiere a la intoxicación intelectual que causa el exceso de información disponible a causa de las nuevas tecnologías, y la ansiedad que conlleva el hecho de que no podamos asimilar tal cantidad de información. El resultado es que perdemos toda capacidad de análisis eficiente. Ante esta vorágine lo único qué podemos hacer es una dieta de imágenes y un planteamiento que tiene que ver con la capacidad de selección de cada uno de nosotros, ¿qué tipo de fotografía me interesa?, ¿sobre qué autores quiero estar informado?, dicho de forma más directa, se trata de saber buscar, de establecer criterios y saber desdeñar. Al igual que nuestros trabajos deben ser editados, tenemos que intentar editar la información fotográfica que nos llega. Y hacerlo sin miedos ni complejos. Todos nos hemos encontrados con amigos que nos hablan de una película que les ha marcado y cuando respondemos negativamente a la pregunta de si la habíamos visto se quedan absolutamente perplejos. No nos debe interesar verlo todo sino verlo con criterio, nadie tiene porque conocer la obra y trayectoria de los miles de fotógrafos que existen, es necesario cerrar un poco el grifo, no es necesario tanto caudal, mejor unas gotas que un aluvión que no nos cabe en la boca. Las circunstancias tecnológicas del tiempo en qué vivimos han hecho que todos seamos gestores de una cantidad enorme de información, y es nuestro deber ser responsables y restrictivos con ella.

Las Baladas del Cíclope16 autores trabajos Marta Anglada: "A medias” www.arrowphoto.org Leo Simoes: "Territorios” www.leosimoes.com Marcos López: "Pop Latino” www.marcoslopez.com Michele Tagliaferri: "8 Meses” www.vimeo.com/20142262 Manolo Espaliú: "Revolución 1.0 vs Revolución 2.0 “ www.vimeo.com/20304655 Arturo Rodriguez: "DF” www.vimeo.com/14274808 Carlos Spottorno: " China Western” www.vimeo.com/14518929 Salva López: "Roig, 26” www.vimeo.com/20143673 Rosa Muñoz:"El Paisaje Desintegrado” www.vimeo.com/20564601 Mark Tipple: "Underwater Project"

www.vimeo.com/11575356

Sala El Fotómata 17 febrero 2011

Sala El Fotómata

Marta Anglada Madrid (1989). Marta Anglada forma parte del colectivo ArrowPhoto y ha estudiado fotografía en la Escuela Blank paper. Con el trabajo “A Medias” ha ganado la beca del año 2009 de las Jornadas de Fotoperiodismo de Albarracín. Proyección: “A medias” “A medias” comenzó siendo un ejercicio fotográfico sobre mi generación. Pretendía abarcarlo todo. Poco a poco me dí cuenta de que lo que empezaba a funcionar era lo más intimo, con lo que de verdad estaba siendo sincera, que es mi entorno más cercano. Así nos convertimos, mis amigos y yo, en los protagonistas de estas fotos, haciéndonos un poco más mayores en cada una de ellas.

www.arrowphoto.org

ÂŠ Marta Anglada

Leo Simoes Durango, Vizcaya, 1968. Compra su primera cámara en 1988 con la intención de dedicarse plenamente a la fotografía. Desde entonces se ha empleado en su proyectos personales, ha asistido a una buena cantidad de talleres impartidos por diferentes fotógrafos, ha realizado numerosas exposiciones individuales y ha participado en muestras colectivas. En la actualidad desarrolla varios proyectos fotográficos y paralelamente imparte, dirige y coordina distintos talleres. Proyección: “ Territorios” “Territorios” recorre lugares que escapan a lo geográfico y se centra en la experiencia personal e íntima del autor. Paisajes, retratos, desnudos… son utilizados para construir un mundo propio a medio camino entre ficción y realidad.

www.leosimoes.com

Marcos López Santa Fe, Argentina, 1958. Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires como fotógrafo y realizador independiente de video. Ha incursionado en la pintura, el fotoperiodismo y la dirección de arte y de fotografía para publicidad televisiva. Su obra es representada por la Galería Luis Fernando Pradilla en Madrid, la Galería Ruth Benzacar de Buenos Aires, y Galería KBK Arte Contemporáneo de México. Estas galerías muestran regularmente su trabajo en las principales Ferias de Arte Contemporáneo (Chicago, Art Basel Miami, Paris Photo, ArteBA, Feria MACO de México, FIA de Caracas y ARCO de Madrid). Proyección: “Pop Latino” La obra de Marcos López apenas necesita presentación. Sus imágenes de jugador de fútbol y de su Gardel con gesto preocupado (ambos parte de su proyecto Pop Latino) están cerca de convertirse en íconos culturales. López ha utilizado el formato de retrato como un tema organizador de su obra durante las últimas dos décadas. Y es precisamente su experimentación con este género, -probablemente el género mas versátil y al mismo tiempo mas duradero de la historia de la fotografía-, la que constituye el centro de esta muestra. La presente exhibición muestra como el formato de retrato puede ser vaciado de su contenido representativo convencional por medio de su deconstrucción sistemática, y es convertido en un vehículo de crítica social.

www.marcoslopez.com

漏 Marcos L贸pez

Michele Tagliaferri Piombino (Italia) en 1980. Cogí una cámara de fotos por primera vez hace mas o menos 6 años. Quería impresionar a una chica que en ese entonces me gustaba mucho. Después, con el tiempo, me di cuenta que con la fotografía puedo conocer las cosas que me rodean y, tarea mucho mas complicada, conocerme a mi mismo. Asistí a un taller de Georgiy Pinkhassov. Entre otras cosas nos contó que, en sus tiempos (durante el régimen comunista en Rusia), la fotografía le daba mucha libertad y que el quiso ser fotógrafo para ser libre. Quiero pensar que sigo haciendo fotos para acercarme cada vez más a un día en el que pueda pensar en sentirme libre. Proyección: “8 meses” www.vimeo.com/20142262 Las fotografías de esta serie las hice durante un viaje a América Latina. No es importante para mi el lugar, o los lugares, que visité a lo largo de este tiempo, sino los encuentros y desencuentros que ocurrieron y que quiero guardar celosamente para crear poco a poco un mapa. Un mapa hecho de marcas muy pequeñas que unidas entre ellas, con el tiempo, podrán constituir uno de mis horizontes posibles.

www.micheletagliaferri.com

ÂŠ Michele Tagliaferri

Manolo Espaliú Sevilla, 1970. Con la fotografía descubre. Se sirve de ella para tratar de entender (o perderse más, según afirma) en los temas que le interesan, las religiones, el Islam y/o países árabes, los orígenes andalusíes de nuestra historia y nuestra relación con estas culturas. No sabe si viaja para fotografiar o fotografía para viajar y conocer lo diferente. Proyección: Revolución 1.0 vs Revolución 2.0 www.vimeo.com/20304655 Irán vive una situación tensa. La revolución verde ha pasado la frontera que les hace rozar la libertad. A pesar de las decenas de asesinados y desaparecidos, cada vez las protestas son más evidentes. Ajenos a esto, una gran parte de la población más conservadora se siente afín al régimen. Bien por convicción o por conveniencia, siguen mostrando su apoyo a los Mulás. En el día del aniversario de la Revolución Islámica participan en una gran manifestación y un rezo colectivo en la Plaza del Imán. Más tarde, muchos van a honrar a sus fallecidos al cementerio de los Mártires donde se entierran por miles los caídos en la Guerra Irán - Irak.

www.espaliu.com

Arturo Rodríguez Arturo Rodríguez es profesor en la escuela de fotografía en BlankPaper Escuela, Madrid. Anteriormente ha colaborado como fotógrafo freelance para diferentes medios de comunicación nacionales y agencias internacionales. En 2008 recibe la Beca de Fotoperiodismo Ciudad de Gijón y en 2009 la Beca del Seminario de Fotografía y Fotoperiodismo de la Fundación Santa María de Albarracín. Proyección: “D.F.” www.vimeo.com/14274808 Quizás me obsesiona hablar sobre la violencia porque es la mejor manera de explorar mi miedo, de encontrar el valor que he ido perdiendo desde que agaché la cabeza por primera vez. Solo me he peleado una vez, perdí la pelea aunque no recuerdo nada de dolor. Si cierro los ojos puedo escuchar los sonidos del momento, escucho como Juan Carlos me daba patadas en la cara; puedo recordar el sonido que hizo mi nariz al romperse, puedo recordar que fue la primera vez que pude ver tanta sangre saliendo de mi. Algo tan simple como una pelea de instituto te puede arruinar la vida. Aquel día se rompió algo más que mi nariz, si me toco el tabique, puedo notar la fractura, es la única cicatriz que tengo. Sobreviví a la pelea y a mi mismo. Él me pegaba, y yo no hacía nada más que mirarle y recibir golpes; Durante años he pensado que me gustaría volver en el tiempo para matarle. Afortunadamente aún no podemos viajar en el tiempo, si pudiese, no vendría a México. Gritos y la luz de una linterna, como en una pesadilla, como en un estilo de vida en el que te ves obligado a caminar entre una linea difusa, disfrutando sin comprender qué esta bien y qué esta mal. Eso es México. www.arrowphoto.org

ÂŠ Arturo Rodriguez

Carlos Spottorno Budapest en 1971. Aunque trabaja en distintas disciplinas de la fotografía focaliza su trabajo en el ámbito documental, en el que utiliza su visión particular para resaltar el trasfondo socioeconómico y cultural de los lugares que fotografía. En su obra conviven en equilibrio la dimensión estética y el lenguaje narrativo. Proyeción: China Western www.vimeo.com/14518929 El proyecto “China Western” hace un análisis sobre Xinjiang la provincia más noroccidental de China, cuyas fronteras limitan con Mongolia, Rusia, Kazajistán, Tayikistán, Kirguizistán, Afganistán, Pakistán e India. La etnia autóctona, los figures, son musulmanes de origen turco y reclaman la independencia de lo que ellos llaman Turkestán del Este. Xinjiang es una zona rica en gas y petróleo y es el camino natural hacia las reservas energéticas del Caspio por lo que su valor estratégico es de gran importancia para el gobierno Chino. El proyecto fue realizado durante los meses de Diciembre de 2006, 2007 y 2008 y se ha convertido en un libro publicado por La Fábrica en 2010.

www.spottorno.com

ÂŠ Carlos Spottorno

Salva López En 2007, obtiene su primera cámara réflex casi por casualidad y desde entonces la fotografía le engancha de tal modo que se ha convertido en toda una pasión. Sus intereses fotográficos tratan sobretodo del hombre y la relación que éste tiene con su entorno, ya sea social o natural. Busca conocerse a mí mismo y a sus congéneres a través de la fotografía. Así, intenta buscar una imagen abierta a la que el espectador pueda entrar y terminar la lectura. Proyección: “Roig 26”. www.vimeo.com/20143673 “Roig 26” es un proyecto que ha realizado poco a poco a través de la contemplación, la reflexión y la experiencia de más de cinco años de convivencia con sus abuelos, Marina y José, en un humilde apartamento situado en la calle Roig del céntrico barrio barcelonés de 'El Raval', apartamento que ha sido escenario de esta relación durante más de sesenta años. Toda una vida entre las mismas paredes y los mismos temores. Con este proyecto, no pretende hacer un fiel retrato de su realidad, si no más bien, una realidad recreada a través de la experiencia de lo vivido con ellos.

www.salvalopez.com

漏 Salva L贸pez

Rosa Muñoz Madrid, 1963. A los 17 años realiza sus primeras fotografías por las calles de Madrid y en 1981 comienza a publicar en el periódico Villa de Madrid. A partir de los noventa experimenta con el ángulo con que toma sus fotografías y con la reinvención de la realidad. Desde 1992 se dedica plenamente a la fotografía escenificada. Realiza también encargos para diversas publicaciones, sobre todo en Magazine, para la que ha realizado numerosos reportajes. Con una extensa trayectoria internacional de exposiciones, su obra está presente en colecciones públicas y privadas. Destacan las del Centre Nacional d`Art Georges Pompidou, Comunidad de Madrid, Colección Publica de fotografía de Alcobendas (Madrid), Aduana (Diputación Cadiz), Museo Municipal de Madrid Cuartel Conde Duque y el museo MACUF, Gas Natural Fenosa, ( Coruña) Proyección: El paisaje Desintegrado www.vimeo.com/20564601 Siempre he pensado que fotografiar puede ser mucho más que un acto de registro fiel de una realidad, mucho más que conseguir una prueba documental, testimonial y veraz. Lo que a mí me interesa siempre es realizar una cierta trasgresión de la realidad para hacerla más sugerente. Me gusta construir realidades inventadas, realidades que han sido fotografiadas pero añadiéndoles un punto de ficción que las convierte en metáforas visuales, en guiños ópticos que sorprendan al espectador. Para ello realizo puestas en escena que coreografió unas veces in situ, exclusivamente delante de la cámara y otras veces amplifico y mejoro en un segundo tiempo con el uso de las nuevas tecnologías. En cualquiera de los dos casos, lo que mueve mi trabajo es satisfacer mi imaginación, conseguir la idea preconcebida en mi cabeza que siempre tiende a lo surreal. www.rosamunoz.com

Mark Tipple Australia, 1981. Mark Tipple se ha convertido en un fotógrafo documental notable en los últimos 3 años, después de haber trabajado en estrecha colaboración con organizaciones que buscan el cambio social en Australia y los países vecinos, como Gallery for Justice, una ONG que lucha por la justicia social a través del arte. Su trabajo más comercial ha aparecido en publicaciones de todo el mundo como The Telegraph, Composition, De Morgen, las revistas View, Blackbook y Multticlique. Proyección: “The Underwater Project”. www.vimeo.com/11575356 Como fotógrafo principal e impulsor del "Underwater Project", trata de mostrar la relación de Australia con el mar, con el océano que la rodea. A través de sus diferentes campos de su trabajo, Mark tiene como objetivo llevar luz a las historias que difícilmente publican los medios de comunicación tradicionales.

www.marktipple.com

ÂŠ Mark Tipple

Luz y sencillez Homenaje a un clásico: Gonzalo Juanes

Por Sergio Flores

Cuenta la fábula que hubo una vez un gran restaurante, con una gran cocina y un gran corral de donde el cocinero sacaba la materia prima para todos sus platos. Llegó el día en que el cocinero reunío a todos los animales del corral, allí estaban la cabra, el cerdo, las ovejas y gallinas, y les formuló la siguiente pregunta: ¿con qué salsa queréis ser cocinados? Tras la impresión inicial, y conscientes de sus destinos, sumisamente uno a uno fue eligiendo… esta salsa, esta otra, hasta que llegó el turno de una valiente gallina que, mirando fijamente al cocinero, dijo: señor yo no quiero que me cocinen. Gonzalo Juanes actuó como aquella humilde gallina, y decidió no ser cocinado. Actuó siempre siguiendo sus propias convicciones y su obra jamás fue circunstancial, sino fruto de su personalidad: austera, sencilla y honesta. Su vida desprende lirismo. Recuerda como su mejor escuela el escaparate madrileño del retratista Nicolás Muller. En este escaparate se colgaba cada semana un único retrato y Juanes, curioso, pasaba por allí y estudiaba las luces y la pose de los retratados. Sacaba conclusiones; para él el camino de la humildad, de la técnica discreta, de la naturalidad, era el buen camino. “La buena fotografía-afirmaba-debe ser sencilla, de modesta apariencia, intencionadamente en tono menor”, siempre huyó de la artificiosidad de la fotografía supuestamente artística. Amó la fotografía, y ella le llevó al amor. Al realizar un encargo para la revista Arte Fotográfico conoció a la que seria su mujer, Isabel, una adolescente de diecisiete años que le sirvió cómo modelo. “El álbum de Isabel”, como el lo llamó, es un álbum encantador e intimista, es precioso. La Rollei 6x6 que utilizaba se fascinó tanto cómo el fotográfo con la belleza inocente de esa chica, que posaba ausente, cómo distraída; era ella misma la que abría el obturador y dejaba la vida entrar.

Muchos han sido los que han hablado del paralelismo entre Juanes y su admirado Willian Klein, sobretodo el de la época de su libro New York. Dispuestos a ese juego a mi me gusta pensar que Isabel fue a Juanes lo que Eleonor supuso para Harry Callahan, y veo en ellos la misma distancia, ni cerca ni lejos, y la misma forma de acercarse a sus respectivas compañeras, cómo si las sintieran lejanas e inaccesibles pero al mismo tiempo suyas. Y Gonzalo fue caminando, y le sobrevino el hartazgo del gris. Así, en una época en la que todo lo considerado como serio e importante se hacía en blanco y negro, Juanes decide avanzar por el camino del color. Se deshace convencido de su laboratorio, probetas, ampliadora, termómetros, embudos…y los vende a un chamarilero. En la venta van incluidos todos los negativos impresionados hasta entonces, incluido el material negativo de su obra del primer periodo, el tránsito por AFAL. Opta por el color porque ama la luz tal cuál es, con sus matices y tonalidades, y porque comenzó a cansarse de revelar cuando llegaba a casa, prefería leer, algo que le gustaba infinitamente más; así de simple. La diapositiva le facilita el trabajo. Comienza escudriñando su tierra, Asturias, realizando un retrato social que nos habla de la inserción de la industria en un mundo eminentemente rural; de ahí me quedo con la foto de esa niña del paraguas rojo, tan pequeña, tan insignificante, dando la espalda a una enorme escombrera… está llena de simbolismos. Pero quizá sean las tomas de la serie de la Calle Serrano, de la misma época, las que con mayor fijación se han quedado en nuestras retinas. Ese retrato de la joven burguesía del tardofranquismo es absolutamente moderno, incluso hoy. Juanes se apostaba con una Leica dejando irse las horas, mientras observaba a todas aquellas gentes deambular por su mundo, un mundo al que era totalmente ajeno y que miraba con cierta extrañeza, mujeres y hombres ociosos y elegantemente vestidos, que pasean sus perros y sus corbatas mientras un fotógrafo de provincias asistía como notario al espectáculo.

Gonzalo Juanes siguió haciendo fotografía hasta hace unos años. En una de las entrevistas que ofrece cuando sale a la luz su Photobolsillo resume de forma magistral su ideario fotográfico, decía: “yo lo que nunca intente (…) fue hacer una fotografía profesional, porque me daba la sensación de que iba a hacer muchas cosas que no me interesaba hacer, y llegó a gustarme tanto la fotografía, que pensé que lo mejor era ser completamente libre y hacer lo que me apeteciese, nada más, si estaba de moda o si no estaba de moda y, desde luego sin ningún compromiso; luego yo en ese sentido he sido una persona feliz, porque siempre hice lo que quise y al ritmo que quise”. Oído maestro, intentaremos ser felices.

Desde El Cíclope Mecánico queremos agradecer la participación y colaboración de todos los autores en la elaboración de Las Baladas del Cíclope y esta revista. Si estás interesado en mostrar tu trabajo a través de Las Baladas, o quieres compartir una idea o sugerencia no dudes en ponerte en contacto con nosotros: info@elciclopemecanico.com Así mismo, os invitamos a pasar por nuestra web, www.elciclopemecanico.com donde entre otras cosas encontrarás las bases de participación.

eCM.

El Cíclope Mecánico lo forman: Antonio Iglesias Arturo Andújar Sergio Castañeira Sergio Flores Manolo Espaliú Roberto Durá Pilar Barrionuevo Susana Jorge Fernando Vega

Abril 2011