DECIREVES MARZO 2009

Punkean en este numero Andres Gutierrez Emily Noanan Edgar Lopez Laura Avalos Daniel Franco Morales Laura E, Caceres Delhi Sucre Arturo Perez moran Luis Alberto Gonzalez

Diseño Grafico El Oso Polar decirevesrevist@gmail.com

Correccion de estilo Lu Garcia terciopelocarmesi@hotmail.com

Editora en Jefe Laura Avalos aura_mgv@hotmail.com

Director del Changarro Luis Alberto Gonzalez Macias beatnik7@gmail.com

Decireves Es una publicación totalmente gratuita Para su distribución en la red Sin intermediarios, sin pagos, totalmente libre Con la única consigna de hacerte llegar la música que te gusta o te puede llegar gustar Imprime, distribuye y da a conocer este zine online a todo mundo

Iron Maiden en Monterrey-Reseña impuntual pero igual de efectiva Old School -Seccion requetebuena para hablar de bandas rucas Las Bicicletas y sus Dueños de Rogelio Garza -Una entrevista amena con el creador de tan singular libro.

Dejalo Arder, Breve y maciza historia del Punk -Con nombres pelos y señales…one two three four!

Mientras llora mi guitarra punk –Otro articulo sobre los mejores-que no virtuosos-guitarros del genero Las muñecas de Nueva York –Grupos emblematicos si los hay.

The Velvet Underground and Nico –El primer album de Punk (aunque no suena a punk) Manden todo a la chingada… –Otro disco monumental del genero.

Sid el Vicioso –Reflexiones varias sobre el mozalbete de los pelos parados.

PJ Harvey –El canto de sirena mas friqueante del punk rock.

Entre los silencios de Aime –Entrevista con una banda eminentemente experimental.

Que rejodidos son los Condecci’s? –Faunas grotescas si las hay.

Pelos!! –Un texto hipermegapeludo sobre una banda subestimada.

Death Proof –Una de las tantas acometidas filmicas de Quentin Tarantino.

Tammi Terrel –Un pequeño recuerdo para esta leyenda del soul.

Discada –Pocos pero bonitos (discos).

Los Gorrones –Andan tapados estos parias.

Un cuento cantico –Enrique Bunbury desmenuzado en esta seccion.

Por:Andres Gutierrez Correo electronico: andres3g@hotmail.com

25 de febrero del 2009 por fin se llego el día esperado por los metaleros regios, ese que todos esperábamos desde Noviembre que se anunciaron las fechas de la gira “Somewhere Back In Time World Tour la cual tuvo tal éxito que le permitió a Maiden regresar entre otras partes de América a nuestro México.

Yo pues, si bien no fui el primero en la fila(tuve que ir a la Facultad) , hice el sacrificio de llegar desde la 1pm a hacer fila para cancha 2 , no sin antes darme una vuelta por los puestos de playeras y recuerdos conmemorativos del concierto, en fin, una vez enfundado en mi playera negra de Maiden , con una pulsera de la banda y una cadena con una placa de Eddie (Eddie Maiden la mascota terrorífica de la banda N de R) que me compre , me senté a hacer fila viendo pasar por la calle un desfile de personas de diferentes edades(desde los cincuentones aguerridos a su espíritu metalero, hasta los jóvenes casi niños que les han inculcado a Iron Maiden en sus gustos musicales), gente de todos colores, cabelleras y físicos diversos en los alrededores del estadio , y como dato gracioso , siendo fotografiado por la gente que pasaba en los camiones públicos que pasan en Ciudad Universitaria y sacaba su celular para tomar fotos a la gente que estábamos en la fila.

Aproximadamente a las 3pm la fila se empezó a mover y empezamos a entrar al estadio , rápidamente llegue, baje a la cancha y me plante en la valla divisoria entre cancha 1 y cancha 2.

Los primeros en abrir el mini-festival fueron los locales IRA , una banda regiomontana de heavy en español de muchos años aquí en monterrey, que según he leído y escuchado, por lo general son invitados a abrir en conciertos importantes de la ciudad, con el solazo en nuestras cabezas era difícil prenderse mucho con ellos mas sin embargo recibieron apoyo de ciertas secciones del publico y en general estuvo bien su presentación.

Posteriormente llegaría la hija del legendario Steve Harris (bajista, fundador y líder de Iron Maiden), la joven y linda Lauren Harris con su banda pop-rock que si bien no fue abucheada (como he sabido que le fue en el DF) pues a duras penas consiguió atraer nuestras miradas.

Ya con un estadio con más sombra, se presento Morbid Angel con su death metal que si llego a prender a buena parte del público siendo bien recibidos y aplaudidos por el público regio que les demostró que su death metal fue muy bien recibido.

Mas noche, con el sol al fin desaparecido se presento Carcass banda también de Death Metal pero de origen ingles, usando parte de la iluminación de Maiden y las 2 mega pantallas a los costados de los escenarios lograron animar aun mas a la gente, generando el clásico slam en la cancha por ciertos periodos de tiempo.

Después llegaría el invitado que no debió haber sido invitado, la banda harcdcore metal Atreyu , no era ningún secreto a voces que todos íbamos a abuchear, pero el hecho de que fueran los teloneros de Maiden agravo las cosas al grado de que la gente creía que si los bajaban del escenario Maiden podría iniciar antes , así que apenas subieron y una lluvia de vasos de cerveza y demás cosas se dejaron ver , algunos vasos cayeron en sus piernas ,otros pasaban cerca , uno incluso le dio al bajista de atreyu en la cara haciéndolo sangrar , fueron parte de su participación trágica-cómica llena de abucheos y gritos de “Maiden , Maiden!!!” .

Así pues una vez terminada su participación, se dejo ver al crew de Iron Maiden preparando el escenario y alentando al publico que ya habíamos llenado la cancha y general (la orilla de arriba del estadio) además de varios sectores de numerado (abajito de general pues).

Minutos previos a las 9 p.m. se escucho la canción “Doctor , Doctor” como un pre-intro , después las luces se apagaron para dar vista a las 2 pantallas laterales del escenario , mostrando imágenes de la gira “somewhere back in time” al ritmo de “Transilvania” , generando la euforia de todos los presentes que estábamos , para así escucharse al infaltable discurso de Churchill’s abriendo paso a “Aces High” rola que definitivamente, y después de horas de espera, pudo hacer explotar el Volcán con sus enérgicos riffs y solos, después se dio paso a “Wratchild” y “2 Minutes To Midnight” provocando gritos y aplausos por parte del publico que explotaba cada vez que Dickinson gritaba “Scream for me Monterrey!!!”, después de esta ultima rola se dio un ligero discurso por parte de Dickinson en el que menciono “Que adoran este país ” y se mostró algo sorprendido ya que dijo que “la ultima vez tocamos en un lugar pequeño”(refiriéndose a la Arena Monterrey) haciendo la seña de pequeño para decir después “pero ahora miren cuanta gente hay aquí” con cara de impresión y admiración hacia las 28,500 personas(cifra oficial según leí).

El repertorio continuo con “Children Of The Damned” y ”Phantom Of The Opera” 2 cortes clásicos y raramente tocados en vivo para deleite de los fans , después se dejo escuchar la épica y poderosa “The Trooper” dejando ver a Dickison con su traje de soldado ingles ondeando la bandera del Reino Unido, después se daría paso a “Wasted Years” una de las rolas mas coreadas por la gente y “The Rime Of the Ancient Mariner” esta ultima teniendo una duración de mas de 13 minutos.

Iron Maiden seguiria quemando cartuchos al tocar “Powerslave” dejando ver a Dickinson y su mascara de Plumas y fuertes llamaradas de fuego en el escenario, después seguiría la clásica “Run To The Hills” que nunca falta en los conciertos de la banda, acto seguido se dejo escuchar “Fear Of The Dark” provocando que el Estadio Universitario coreara a una sola voz los épicos riffs de este clásico y sacando encendedores y celulares para iluminar en la oscuridad que lleno al estadio en el intro de la rola ,después seguirían con otra rola de culto “Hallowed Be Thy Name” que no podía faltar en esta gira.

La gente estaba mas que prendida cuando se dejo escuchar otro clásico de la banda la rola homónima de la banda, nada mas ni nada menos que “Iron Maiden” que entre gritos, aplausos y llamativa pirotecnia, además de que se dejo ver a una nueva edición del Eddie momia gigante salir detrás del escenario, tal como aquel que apareciera en el legendario concierto de culto “Live after death” de los años 80´s, generando la euforia de los fans.

Después de una despedida en falso de dio paso a el encore que la banda nos tenia preparado , con el clásico imprescindible para esta gira “The Number Of The Beast”con la presencia de un diablo gigante que solo observaba al publico en lo que fue sin duda uno de los mejores momentos del concierto , posteriormente tocaron “The Evil That Men Do” dejando ver a Cyborg Eddie(el de la portada del disco Somewhere In Time) pasearse por el escenario , por ultimo y después de casi 2 horas de heavy de primer mundo tocaron “Sanctuary” la cual a pesar de que la mayoría de los presentes habíamos estado asoleados y parados por horas , no dejamos de cantar y saltar hasta el ultimo segundo de la rola.

Asi pues Iron Maiden nos demostró a todos que siguen vigentes y llenos de energía, prometiendo volver con un disco nuevo bajo la manga se despidieron entre gritos y aplausos por parte de los miles de fans que quedamos mas que satisfechos con la descarga musical que dan 16 temas clásicos en casi 2 horas de show en lo que fue sin duda alguna un evento sin precedentes lleno de metal del que solo Iron Maiden puede otorgar.

Por:Emiliy Noanan www.corajitos.blogspot.com

Es un grupo que recientemente escucho gracias a que mis hermanos son fans del GTA SAN ANDRES. Un grupo de lo mas netamente Indie Rock. Aunque digan que el genero es Folk, pop y country rock.

A pesar de que fueron todo un ĂŠxito en los 70 y 80 con algunas rolas se que muchos de ustedes no los recuerdan y se que vagamente las canciones las escucharan en las estaciones de radio de GTA SAN ANDRES.

Hay que animarnos a recordar el pasado sobre todo lo que viene siendo el rock. Grupo como América es una buena influencia para toda esas banditas nuevas que están saliendo últimamente.

Este grupo es algo bueno para hacernos recordar que es el Indie rock, A pesar de que en su tiempo la critica los destrozo como un grupo mas que pasaba sin pena ni gloria.

Pero "Horse with no name" es una canción sencilla y armoniosa que te anima a bailarla mientras el grupo toca en el escenario y tal vez pudieras casi escuchar que todos corean los "La la la la la, la la la" (si la has escuchado sabrás a que me refiero) Y de repente te das cuenta que estas en tu casa sentado un sábado por la noche mientras te tomas una cerveza. A que me refiero con esto a que la música te transporta (mentalmente) a otros sitios agradables que tal vez quisieras haber vivido.

Y contándoles un poco más de historia quienes han sido miembros de esta banda les hago llegar varios nombres de los que actualmente participan en ella Gerry Beckley, Dewey Bunnell, Willie Leacox, Michael Woods, Richard Campbell.

Miembros originales fueron Gerry Beckley, Dewey Bunnell y Dan Peek. Que fue este último que decidió salirse del grupo para crear música cristina. Ya que la fe hacia esa religión lo había sacado del bajo mundo del cual se había sumergido (llámese drogas).

George Martin (productor, arreglista y compositor, que algunos llaman el quinto vétale). ayudo a este grupo con su álbum llamado Holiday de 1974. A si que no eran unos simples amateurs salidos de una vieja cochera. Como en su tiempo se les llego a catalogar. Esta es la vieja escuela. Chicos cantando rolas sencillas con su pelo largo y sus guitarras intentado hacer acústicos para dejárnoslo en la historia. Es por eso que deben ser recordados.

Rolas que no te deben faltar de esta banda: * Horses with not name * Tin man * Lonely People * Don't Cross the river * Ventura Highway * I need you * Sister Golden Hair * Daisy Jane * Chasing the rainbow * Sandman

¿QUE HACER EN CASO DE INCENDIO? Historia, teoría y práctica del PUNK Por aeromusa/ www.dipsomanias.blogspot.com

A toda acción corresponde una reacción. La difícil situación social de principios de los 70´s, demostraba que el FLOWER POWER no funcionaba, y se debían tomar otras medidas. El fracaso de las luchas sociales eran la causa de las nacientes opresiones políticas y la fuerte crisis económica.

El ojo del huracán se encontraba en Londres en donde el desempleo que enfrentaba la nueva generación hacia evidente la inestabilidad del país. Inglaterra conocía a Margaret Thatcher candidata del partido conservador y con su mandato conocía también las injusticias sociales y el descontento de los barrios pobres. Demasiada rigidez, demasiada opresión y pocas oportunidades.

En Estados Unidos la situación no era muy diferente. Nueva York era la cloaca del país, también con pocas oportunidades, desempleo y el descontento general por trabajos que llegaban a degradar la esencia humana.

DO IT YOURSELF… Las condiciones sociales generan un nuevo pensamiento que da vida a una nueva tribu. En Londres comienza a inspirarse en corrientes políticas izquierdistas rechazando toda condición o rol social, además de condenar, las apariencias y las ambiciones capitalistas que en ese entonces comenzaban a ser mella en las inestables economías inglesas y estadounidenses.

La búsqueda de la libertad se centra en la creación de diferentes y mejores condiciones laborales, que impulsen el desarrollo del individuo. La lucha contra el autoritarismo, en pocas palabras, la lucha por el libre pensamiento y la libertad individual. La nueva generación critica ferozmente al mundo y el desarrollo de sus economías, el capitalismo es el blanco principal, de esos ataques, así como el conservadurismo político y social. Todo comienza con una idea fúnebre, no hay futuro, no hay salida. Pero esa idea pronto es complementada por otra, es verdad no hay futuro, a nadie le importas, así que hazlo tu mismo. Entonces es necesario salir del hoyo por medios propios, lo que impulsa a esta nueva generación a ingeniárselas con lo que haya a la mano.

A mediados de los setentas, el rock se encontraba en un letargo, su manufactura de masas, meloso, comercial o muy complicado (el rock progresivo estaba en su apogeo) no reflejaban la inconformidad en la que vivían los jóvenes, que se enfrentaban a una de las peores etapas de rescisión económica. Ante consignas de acción, rebeldía, ruptura generacional, el rock, hubiera sido el pretexto ideal para llevar acabo la tarea de catalizador, para liberar la tensión de la juventud; pero se había convertido en algo sin sentido, había dejado las trincheras adolescentes para ser una herramienta más de mercadeo. De buenas a primeras los ídolos se convirtieron en patéticas caricaturas de sí mismos.

El mundo tenía que cambiar, y el proceso no seria agradable.

IMAGINATION TO THE POWER Los escapes de la realidad suelen ser totalmente improvisados. La falta tiempo, espacios y dinero, se convirtieron en armas en lugar de ser desventajas para la creación de un nuevo género de rock. Con notables carencias musicales y sin voces privilegiadas la consigna era gritar la dramática situación que se vivía, las carencias, injusticias, y restricciones gubernamentales.

En Nueva York, los jóvenes comienzan a tomar las aportaciones que dejaban bandas como Velvet Underground, con sus letras alusivas a las drogas y la vida oscura de la ciudad, que fueron el marco perfecto para los experimentales riffs y el naciente noise, sello distintivo de la banda. Muy a pesar de la poca aceptación y difusión de Velvet Underground, su creatividad logro captar la atención de un selecto grupo de jóvenes lo que les dio el rango de banda de culto, y a la vuelta de los años, sus seguidores comenzaron a crear sus propias agrupaciones, con particulares sonidos.

Dos bandas que recién arribaban a la ciudad nacidas en la industrial Detroit también influenciaban en la conciencia de los jóvenes ávidos de soluciones: The Stooges presentaban un sonido crudo, sin armonías convencionales, siempre coqueteando en la línea mortal de vivir el instante lo más rápido posible, entre sexo, drogas y rock and roll. Mientras que MC5 hacia memorables presentaciones enérgicas e incitaban a sus fans a comprometerse con los movimientos sociales relevantes que aun subsidian al sueño hippie. Ambas bandas en escena demostraban una vez más que el rock no estaba muerto, pero su mutación era más que palpable.

Mientras en la escena underground de Londres se daba muestras de una nueva forma que poco o nada tenía que ver con sus antecesores. La estética, su filosofía era una clara afrenta contra el sistema que había marginado a toda una generación minimizándola por completo.

LET´S PUNK El término nació por la publicación de una revista estadounidense que circulaba en Nueva York, creada por John Holmstrom, Ged Dunn y Legs McNeil quienes publicaban reseñas sobre noches de cerveza, sexo, y música. Pero pronto, se tornó en algo más. En el lenguaje sajón el Punk es la basura, lo marginal, lo despreciable, la escoria. El lado B del american way of life.

La reacción natural ante los desastres sociales que se vivían, era la búsqueda de alternativas que ayuden a subsistir. Por eso la corriente PUNK nace del rechazo a cualquier estereotipo, o doctrina, no busca la verdad absoluta pero si el razonamiento de lo que nos rodea. Rechaza cualquier manipulación mediática, luchando contra el consumismo irracional y enfatizando el PIENSA POR TI MISMO. Busca la conciencia social, es idealista, transgresora, libertaria. No da explicaciones sobre su comportamiento y es por eso que incomoda al establishment, es políticamente incorrecto.

El PUNK debido a su naturaleza, cae en ocasiones en la anarquía violenta, pero siempre defendiendo siempre el libre albedrío. Su constante crítica del mundo y del desarrollo de las sociedades modernas y capitalistas lo hacen blanco fácil del conservadurismo político y social, sectores que condenan a los seguidores de esta corriente por no ser “normales”.

La estética tuvo un papel fundamental en ese sentido. En un principio los PUNKS londinenses marchaban con borceguíes y casacas militares, que eran las remesas de las tropas, hechas con materiales resistentes y sobre todo eran baratas.

Por su parte en Estados Unidos, el uso de jeans, tenis de lona y viejas playeras ceñidas era el uniforme más recurrente, y era inspirado por la estética de Richard Hell, una personalidad importante en la escena punk neoyorquina, líder de la banda The Voidoids y quien, además fue el primer músico en utilizar la imagen punk del cabello en punta, la ropa destrozada y los alfileres de gancho para sostenerla, cadenas, y navajas de afeitar. Además se comienza a enfatizar el look andrógino. En este rubro existen dos nombres inevitables de citar: Malcolm McLaren y Vivienne Westwood quienes dotaron de una identidad con su particular moda a la tribu punk, agregando fetiches sadomasoquistas a ropa reciclada. El vestuario comenzó a ser motivo de provocación, se inventaba para generar escándalo, mostrando un estilo salvaje, totalmente anticonvencional, prendas rotas, alfileres de gancho, agujeros, telas gastadas con imágenes controvertidas eran (y aun son) de uso frecuente y enmarcaban a la perfección el rechazo por la alta costura que se generaba en París y que era el signo del lujo, la decadencia capitalista y la música disco.

Después de esto era inevitable, ocultar que algo estaba pasando.

El arte se vio influenciado por la novel ideología, los artistas plásticos, comenzaron a usar el reciclaje de imágenes y materiales. La música, fue fuente de inspiración y catarsis para una metamorfosis mas que sufriría el rock.

En Nueva York, la cuna del movimiento era un lugar tan marginal como sus visitantes. El CGBG habría sus puertas desde 1973, para acoger a todos los artistas incomprendidos y marginados del este de la ciudad. Ahí se reunían gente con propuestas diferentes como Andy Warhol, los mismos Velvet, y fue ahí en donde la primera oleada punk nació: The Ramones, Talking Heads, Television, Devo, Blondie, T Rex entre otros, rompían los cánones musicales cada noche en el mítico bar.

DIOS SALVE A LOS PISTOLS Por otro lado, el underground londinense encabezado por Sex Pistols y The Clash mostraba dos caras de la misma moneda. Los Pistols montados en su visión nihilista, terminaban todos sus conciertos con batallas campales entre el público y el grupo. Mostrando su irreverencia a la menor provocación.

Irónicamente, es precisamente una batalla legal entre una disquera y Sex Pistols, lo que pone en el mapa la música punk.

La disquera EMI se anticipa a los pronósticos y firma a los Pistols en un acto ventajoso por poseer un sus filas los “primeros exponentes de la nueva ola”, lejos de optimizar sus intereses, los Pistols llevan a la disquera por una vergonzosa serie de declaraciones por parte del grupo, en especial del vocalista autonombrado Johnny Rotten. Su primer sencillo Anarchy, asusta a los ejecutivos de EMI, provocando que retire el disco del mercado y que a los Pistols se les prohibiera tocar en su propia tierra. ¿Resultado? EMI pierde el caso pagando a los Pistols una buena cantidad por incumpliendo de contrato. Y los Pistols recorren la nación tocando clandestinamente en cines, bares, teatros viejos, conciertos que generalmente terminaban en peleas. El concierto mas relevante es protagonizado en la barcaza Queen Elizabeth situación que los convertiría en el símbolo definitivo de la contracultura londinense, ya que interpretan God Save the Queen, a lo largo del Támesis mientras que en el palacio real se desarrolla una fiesta de gala. Todo termina en un pleito campal entre policías y músicos, y en excelentes ventas del disco, lo que se convierte en una enorme paradoja.

LLAMANDO A THE CLASH. Con un contexto más intelectual, pero de igual nivel contestatario The Clash es considerada como una banda punk por motivos diferentes. Inmersos en problemáticas políticas y en la búsqueda de soluciones enfrentan el nihilismo de Sex Pistols, con canciones que abogan por el cambio y la acción social. Y toman la filosofía punk como único medio para poder gritar sus consignas, a pesar de mezclar reggae, ska, jazz y dub a sus composiciones. Su activismo político los hace blanco de la censura y por parte de sus congéneres musicales son poco aceptados.

No así por las audiencias, que se identificaban totalmente con la visión del grupo: palabras y hechos. Sus propuestas son algo más que agresión, y aunque apoyan el individualismo, son conscientes de que la situación política y económica que viven solo se resuelve con los movimientos en comunitarios, es por eso que son considerados como la guerrilla de la música punk.

¿I WANNA BE SEDATED? Aunque el contexto de ambas generaciones era similar, era obvio que la respuesta estadounidense no se manifestaba de la misma manera. Los punks neoyorkinos contemplaban con desdén los mismos problemas de sus similares europeos, y a pesar de sufrir el desempleo y la falta de oportunidades, ellos preferían hacer canciones con temáticas mas ligeras, divertidas, mientras en Inglaterra se enarbolaba como una amenaza para el imperio.

The Ramones, mostraban un lado mas “amable” del movimiento, innovando con ritmos rápidos, canciones sencillas en cuanto a composición musical y lírica. Su minimalismo influenciado por el pop de los 50´s y 60´s los llevó a ser el emblema de la ciudad misma.

Desgraciadamente no todo era color de rosa, hacia principios de los ochenta la lucha contra el establishmet era cansada y sobre todo engañosa. La libertad creativa, era puesta en peligro cuando alguna de las bandas “cedía”, sobre la producción de su música.

Los grupos mas representativos del movimiento firmaron con grandes trasnacionales que los dio a conocer por el mundo, pero que a la vez, alejaba sus seguidores ya que traicionaban a lo que alguna vez consideraron la anarquía total. The Clash firmó con CBS de Londres. Blondie grabó su éxito mas conocido Heart of a glass, canción que descansa cómodamente en una base rítmica similar a la música disco. A pesar de sus modos anarquistas, los Sex Pistols comienzan a perder credibilidad antes sus seguidores, incluso entre sus mismos integrantes. El bajista original de la banda Glen Matlock abandona la banda, para ser sustituido por Syd Vicious. Pero eso no los salva de estrellarse contra sus propias consignas.

La moda por otro lado, era ya del común de las personas, los peinados, y emblemas utilizados, se quemaban en la vorágine consumista. A pesar de que lucharon por mantenerse al margen, muchas bandas sucumbieron por el bien de su música. El punk comenzó a sufrir su siguiente metamorfosis, la cual incluía la mezcla de actitud punk con otros géneros como el ska, el reagge, o bien con ideologías extremistas como el Anarcopunk. La simplicidad y libertad que se respiraba dentro del género fue cayendo poco a poco. El post punk fue muestra inevitable de ese fenómeno. La música comenzó a ser más elaborada, arriesgándose con estructuras más desafiantes y buscando un enfoque más artístico.

Para bien o mal, la ideología que enmarcaba esta generación buscaba por todos lo medios la libertad, no como un derecho, sino como único modo de subsistir. El PUNK comenzó a crecer con una diversidad desmedida de actitudes, propuestas y corrientes, que enriquecían el movimiento, pero que a la larga sería su propio caos el que lo llevaría a la ruina.

ENTONCES… ¿QUÉ HACER EN CASO DE INCENDIO? Afortunadamente para las generaciones subsecuentes el legado del PUNK dio la pauta para las diferentes corrientes no solo musicales sino artísticas que hasta nuestros días nos siguen. El movimiento grunge no se explicaría sin el PUNK, y por ende el actual INDIE (whatever than means) tiene como abuelo rebelde la misma corriente.

El DO IT YOURSELF es un arma poderosa que en tiempos modernos ha sido la válvula de escape para el desarrollo de proyectos interesantes, aunque también de aberraciones espantosas.

Como filosofía, el PUNK es el resultado de la ruptura generacional que de vez en vez se estalla en nuestro entorno, la necesidad de destruir para construir es la paradoja llevó a sus mas fervientes ejemplos a luchar desde adentro del sistema, como en alguna ocasión lo mencionó The Clash o Bad Religión. Pero esta revolución corrió la misma suerte que cualquier revolución proletaria del pasado siglo, mostrando que el sistema podía reacomodar a cualquier disidente alineándolo en su beneficio.

Lo más rescatable de todo, es que el mundo se dio cuenta de que la juventud de aquel 1977 no era invisible, que podía hacer algo si se lo proponía y que las cosas, no estaban bien como iban. El surgimiento de un circuito realmente alternativo, y contracultural que iba más allá de los pelos parados, las casacas militares o la agresividad “sin sentido”. El PUNK demostró que para hacerse escuchar, eran mas efectivos un micrófono y una guitarra, que una arma empuñada por algún oficial al servicio “de”. El no tener miedo a destruir para construir sobre las cenizas… entonces la respuesta es lógica… ¿Qué hacer en caso de incendio?... Dejarlo arder.

Por:Daniel Franco Morales www.danielofranco.blogspot.com

Cada año sin excepción, algún medio publica su lista definitiva de los mejores guitarristas de todos los tiempos, los mejores guitarristas del rock, del metal, del blues, del jazz, etc. Muy pocas mencionan grandes guitarristas del punk. ¿La razón?

Es un poco simple: En este género, pocos son los destacados técnicamente hablando. Una de las bases de donde el punk (como subgénero roquero) mama es precisamente esa, la ausencia de conocimiento musical o técnica alguna para ejecutar un instrumento.

En el caso de la guitarra, el punk representó una bofetada para la escena musical plagada hasta el hartazgo de los músicos virtuosos del rock progresivo. David Gilmour, Robert Fripp, Greg Lake o hasta el propio Jimmy Page, eran considerados auténticos genios de la guitarra, poseedores de una técnica impresionante al momento de ejecutar el instrumento de las seis cuerdas.

Hubo entonces un veloz conteo que si bien no cambió su posición como excelentes ejecutantes, si desplazó la atención al otro lado de la balanza: One, two, three four!

La aparición de los Ramones cambió el rumbo de las cosas. Johnny Ramone y su básica forma de tocar tres acordes por canción a muy alta velocidad y en muy poco tiempo, sin requintos o riffs enviaron un mensaje: Tocar no es exclusivo de los virtuosos.

Con el amplificador en su nivel máximo, acordes formados de únicamente dos notas y guitarras baratas (eran las únicas que podía costearse al principio), Johnny Ramone es definitivamente el guitarrista más importante del punk. ¿Fue el primero? No. Básicamente y visto desde la muy obtusa óptica del que esto escribe, el protopunk y las manifestaciones garage de los sesenta sintetizaron en los Ramones, y lo hecho por bandas punk posteriormente se desprendió de lo hecho por los Ramones.

Iggy Pop & The Stooges, MC5, Velvet Underground y los New York Dolls hicieron música en los sesenta que años después fue considerada como punk.

Lou Reed de The Velvet Underground consolidó su estilo partiendo de una sencilla premisa: La repetición cuasi robótica y el ruido. Resulta un tanto paradójico que muchas de sus más entrañables composiciones como solista incluyen guitarras acústicas y pianos sutiles.

Tanto Johnny Thunders de los New York Dolls como Fred “Sonic” Smith de MC5 hicieron del volumen su bandera al tocar. El primero inspiró a la escena glam que literalmente floreció desde la segunda mitad de los setenta hasta finales de los ochenta, mientras que el segundo quedó prácticamente sordo al abusar tanto del volumen, pero entre otras cosas, se ligó a Patty Smith e inspiró el nombre de una banda llamada Sonic Youth.

Tal vez Ron Asheton de los Stooges no tuvo mayor influencia ni aportación como guitarrista, pero Iggy Pop, con su loco comportamiento en el escenario (que lo llevó a arriesgar su vida en actos estúpidos pero efectivos para entretener a la audiencia) influyó a cualquiera que haya presenciado su acto (entre ellos, los mismos Ramones). Iggy Pop es sin duda alguna la encarnación del punk en la tierra. No tiene comparación ni rival. El punk es Pop.

Al grabar su primer y único álbum, los Sex Pistols buscaban sonar como los Ramones. Su guitarrista, Steve Jones, a pesar de no poseer grandes cualidades como guitarrista, era muy preciso a la hora de tocar su Gibson Les Paul blanca. Una guitarra cara y poco accesible para grupos primerizos. Sin embargo, el dinero nunca le preocupó a los Pistols. Después de todo, Malcolm McLaren prefabricó al grupo e hizo la inversión pertinente para catapultarlos al estrellato. A diferencia de todas las agrupaciones antes mencionadas, los Sex Pistols sí obtuvieron éxito comercial.

En 1976, The Clash irrumpió en la escena punk, que ya en esos años estaba en pleno apogeo, y le dio un vuelco a las cosas musical e ideológicamente hablando. Mick Jones no sé limitó a tocar punk, sino que logró fusionarlo con diversos géneros musivcales diametralmente opuestos como el reggae, el ska o el jazz. La obsesión con la experimentación de Jones llevaron al resto de la banda a expulsarlo de la misma en 1982.

Probablemente el guitarrista más virtuoso del punk sea Tom Verlaine, fundador del grupo Television. Poseedor de una gran técnica que desarrolló con el paso de los años, siempre tuvo como objetivo convertirse en un buen guitarrista. Lo logró. Al lado de Richard Lloyd formó una mancuerna guitarrera excepcional. Tiene una carrera como solista brillante aunque nunca ha gozado de éxito entre los grandes públicos. A diferencia del resto de agrupaciones mencionadas en este texto, Verlaine nunca ha basado su sonido en la distorsión, sino que se ha permitido incorporar los más diversos sonidos en su música. Algo realmente punk.

El espacio es muy corto, y aún faltan por mencionar excelentes guitarristas de diversas bandas punk o herederas directas o indirectas del mismo, tales como Greg Ginn de Black Flag, Kristy Wallace de The Cramps, Lee Ranaldo y Thurston Moore de Sonic Youth, Kurt Cobain de Nirvana, entre muchos otros más omitidos. Aunque bueno, en esas listas de los mejores guitarristas, siempre falta alguno por mencionar.

Now I wanna sniff some glue!

The Velvet Underground fue una rara avis en el panorama del rock sesentero, considerados por muchos como la banda de la cual derivaron "otras 200". Andy Warhol, el maestro del Arte Pop, concibio la idea artistica de producirles un disco (idea nada cierta ya que Warhol tenía de productor lo que yo de astronauta, pero bueno) abastecido monetariamente por él y con producción de Tom Wilson (quien produjo Freak Out de Frank Zappa y las Madres de la Invención). El disco fue un atentado contra las buenas costumbres del rock americano de esos años, con una lógica punk cuando al punk aún no le llamaban así.

El cuarteto conformado por Lou Reed en las guitarras, el maestro del rock experimental John Cale, el bajista y tecladista Sterling Morrison y la baterista Maurinne (Moe) Tucker hicieron sucumbir a la escena del rock con textos rudos, música sucia y un instinto de la experimentación aún sin contar con los recursos de grabación de un Hendrix, unos Beatles o unos Rolling Stones...The Velvet eran antibeatles, antistones...

Si de textos pesado y densos se trata, adéntrense en este disco que es como una postal obscura del Nueva York de esa época, drogas, sexo, masoquismo y tipos con pinta de buenas gentes pero todos entachados y con crudas del demonio. Desde la inicial, dulce y onírica Sunday Morning que tiene un ambiente buena onda, pero que en su texto revela a un cuate que anda acá todo crudo y se asusta al ver unas calles nioyorkinas todas desoladas. Todo este relato es enmarcado por una música muy dulce (con campanitas y todo el pedo) la parte inicial esta revestida inmejorablemente con ese instrumento llamado celesta tocado por John Cale y que le da un ambiente tétrico a la pieza, a estos elementos se contrapone un efectivo aunque sesentero y un tanto ñoño solo de guitarra. Después, como por arte de magia, la voz lánguida de Reed se libera en un hermoso y perfecto uso del reverb en una canción de rock. En seguida, aparece de manera contrastante una pieza de fuerza inusitada, la ruda I'm Waiting For the Man que habla de un guey que espera a otro en Lexington Avenue con 26 dolares y le va a dar algo que lo pondrá en estado catatónico, la sección rítmica (¿voluntaria o involuntariamente?) que incluye un piano minimalista y acordes tocados repetitivamente, fue calcada por los Strokes en The Modern Age del album Is This It (2001). Después llega uno de los tres temas cantados por Nico, la actriz secundaria de Federico Fellini en La Dolce Vita, se trata de Femme Fatale. La voz se oye acompasada e incluye el característico timbre de la alemana "con voz de robot", es un tema dulce que tiene uno de los contrapuntos más bellos en este disco (Lou Reed y Sterling Morrison haciendo unos coros inolvidables). Sigue la que, a mi gusto es la mejor canción del álbum y por varias razones, se trata de la rítmica Run Run Run que se oye poperísima pero que se atasca de efectos de feedback , sobre todo por la sección central (aún y cuando el primer uso del feedback se le atribuyo a John Lennon en el álbum A Hard Day's Night con el tema I Feel Fine) hasta unos guitarreos libres que parecen un panal de abejas amplificado... Continúa el placer masoquista que se enfunda de perversidad en la cachondona Venus In Furs que lleva 3 acordes, unos bombos pesadotes y la sección final donde hay debrayes que no son sino polirítmias (algo que han de haber aprendido de Zappa). A continuación está una de las canciones más apesadumbradas, darketas y gordas de todo el álbum, la marcial All Tomorrow Parties que tiene una introducción guitarrera fuera de micro (¡ahora ya sé de donde se copió Jack White la intro para el cover de I just don't know wath to do with myself!) y que va subiendo con sus tamborzotes y la voz fríamente calculada de Christa Päffggen, uno de los grandes temas de este disco, para derivar en uno de los monumentos o más bien antimonumentos de la historia del rock (sí, esa historia que ha subvaluado a Lou Reed y Cía. aunque lo ha subsanado con DVD'S y CD'S reeditados) la clásica Heroin un abierto canto a las drogas que incluye desde un sereno guitarreo inicial y bombos y la viola de Cale haciendo una figura que envuelve toda la pieza y que finaliza con una intensidad que estalla en algo que fue, es y será, claro y seguro noise rock a la Sonic Youth (aunque en este caso la banda de Thurston Moore son hijos bastardos) la viola atonal de Cale, la batería endemoniada de Moe Tucker anteponiéndose al bajeo incesante de Sterling Morrison y la guitarra sucia de Reed crearon para la posteridad uno de los muros de sonido mas impresionantes de la historia del rock.

Sigue la pieza más popera de todo el álbum, la hasta cierto punto irrelevante There She Goes Again que tiene un ritmo de guitarra claramente roquero y tiene ciertas reminiscencias de grupos como The Who y Los Rolling Stones (oigan la vocalización de Reed a la Mick Jagger) quizás el punto débil de todo el álbum, para después pasar a una pieza que tiene mucho de minimalismo e incluye un riff de guitarra harto sencillo y una pandereta como elemento rítmico, se trata de I'll Be Your Mirror donde finaliza la participación de la autora de The Marble Index, una canción que da paso quizás a los dos temas más extraños de todo el álbum, la extraña y claustrofóbica The Black Angel Death Song que contiene varios elementos, como la viola de Cale haciendo las llamado cacofonías y una extraña forma de recitar de Reed casi como spoken word y que incluye unos inenarrables sonidos hechos con la boca (¿alguien metiéndose un pasón?).

Así llega el turno de ese tour de force llamado European Son que comienza con un típico riff de guitarra que MUCHOS grupos post Velvet Underground han copiado hasta el hartazgo y que va subiendo de intensidad y se resquebraja por medio de la técnica de grabación de una cosa que arrastran y que seoye como una pila de platos que estrellan contra el piso.

Así termina uno de los discos más emblemáticos en la historia del rock, un disco que no buscó la fama por medio de música bonita e insustancial, pero que en su hallazgo después de la separación de la banda fue visto (y de hecho es visto) como un parteaguas del rock. De aquí derivó cantidad de géneros que hoy son tan comunes como el garage (por el no uso de la variedad tecnológica de un estudio de grabación) el punk (por hacerlo con los propios recursos en un seminal Do it yourself primigenio) la new wave (los oníricos ambientes de las piezas cantadas por Nico ) el dark y el goth (Nico) el noise rock (Lou Reed y su guitarra sucia y viciada) y el rock experimental (Cale y las violas )...un álbum a fin de cuentas EXTRAORDINAIRE.

Por:Luis Alberto Gonzalez Macias www.decireves.blogspot.com

Por:Luis Alberto Gonzalez Macias www.decireves.blogspot.com

Hablar de los Sex Pistols es embarcarse en esas décadas en las cuales uno ni había nacido, cuando uno apenas va creciendo y los ritmos de moda te atrapan y no te sueltan (como yo soy de la década de los 80’s la onda que surgía en ese entonces era desde la new wave, el techno ochentero y una basca interminable de música popera desechable pero que generaba muy buenas ganancias).

En la turbulenta década de los setenta los músicos de rock estaban hasta el tope, por ahí ya se veía venir el pomposo rock progresivo o art rock que se gestó de manera por demás extravagante, desde los Beach Boys en Estados Unidos y The Beatles, The Who y Pink Floyd (el Sargento Pimienta fue el inicio interminable de una camada de discos con un espíritu de avanzada donde se miraba todo ese embrollo de odiseas espaciales, gnomos, música celta, folk escocés y canciones interminables y con largos pasajes instrumentales para la introspección y el pensamiento filosófico) Para volver a decirlo, en la década de los setenta se produjo un rock áspero, volátil, que emergía de los hoyos funkies gringos (la primera banda en adoptar la bandera punk -sin proponérselo- quizás fue The Velvet Underground con su propuesta escénica disparatada, sus ensambles de ruido y textos feroces y sadomasoquistas, todo este circo auspiciado por Andy Warhol en The Factory y su tropa de artistas, escritores, fotógrafos, etc., los cuales aplaudían lo mostrado por Andy a pesar de que en ciertas ocasiones esos intentos por mostrar arte subversivo caían en el humor involuntario) y que rehuían del virtuosismo que estaba poniendo hasta la madre a los rockeros que no sabían de notas, acordes, progresiones etc.

PUNKS POR ANTONOMASIA. Los Ramones fueron la banda punk por antonomasia, subversivos, con la imagen a tope (chamarras de cuero, pelos largos, pantalones de mezclilla rotos, actitud desmadrosa en los escenarios) y un instinto asesino para componer canciones basadas en lo más elemental de la música, dejar lo mejor y quitar lo que no sirva según uno de los manifiestos ramonescos. En el Reino Unido una banda prefabricada emergía de las alcantarillas inglesas con toda la podredumbre como bandera, rock áspero, sucio, detonador de las buenas conciencias, efectivo y macizo, eran los Sex Pistols, un cuarteto de mozalbetes adictos al speed, crack y la heroína; cínicos y desvergonzados, vomitivos y amenazadores, nada de caras lindas a lo Beatles ni chingones en su instrumento como un David Gilmour o un Keith Emerson.

A mí la verdad me sorprende hoy en día que muchas bandas adopten la actitud de este grupo, los pelos, los ropajes (ahí tienen a Sum 41 calcando la imagen de Johnny Rotten) ahí tienen al Green Day de Dookie copiando descaradamente las notas musicales, pero lo importante a final de cuentas es que aun y sabiendo que eran una maquinaria perfectamente fabricada, dejaron para la posteridad uno de los mejores discos en la historia, ya no sólo del rock si no de la música popular del siglo XX, el rápido, efectivo, conciso e iracundo Never Mind the Bollocks.

NEVERMIND THE BOLLOCKS Con la producción de Chris Tomas en la consola de grabación, los Pistols grabaron un disco monumental. Resulta curioso que muchas veces se catalogue a la música punk como una onda panfletaria, nihilista, onda DIY pero a la vez una cosa hecha con las patas, de mal gusto etc. En este caso la experiencia del productor vino a dejar aspectos inmejorables en cuestiones técnicas y de ejecución musical, algo fuera de serie, ahí tienen el inicial y restallante Holidays In The Sun con su furibunda entrada llena de fuegos de artificio rocanroleros, su coro insistente; ahí tienen también a Bodies con la garganta de Johnny desgañitándose de una escalofriante manera; le sigue la ego centrista No Feelings con su frase divertida “No tengo sentimientos, excepto para mí” canta Rotten con una desfachatez. Liar es un rock macizo y potente, todas las canciones del álbum a pesar de pertenecer, según a esa escena, llamada punk rock son muy sencillas y elementales, pero la fuerza instrumental de Glen Matlock (una pendejada el hecho de que lo hayan corrido para darle paso al Sid Vicious); Steve Jones, un guitarrista certero y preciso, y Paul Cook, batería elemental y poderosa, le dan el toque maestro a cada canción a pesar de ser un puñado de chavos de alrededor de 20 años de edad que eran unos inexpertos para tocar música.

El siguiente tema God Save The Queen es quizás el equivalente a Blitzkrieg Bop de los Ramones, pero mientras el canto de los Ramones radica en la fuerza y convocación a madrear gentes, la canción de los Pistols es una mentada directa a la Reina y sus súbditos (aunque la famosa Queen podría ser la mismísima Margaret Tatcher) el lado inicial del vinilo termina con Problems, un canto mal pedo sobre lo que se veía en esos tiempos allá en Inglaterra.

Seventeen abre el lado dos con una fuerza e ímpetu la mar de elevado, y quizás tiene el mejor efecto de guitarra involuntariamente hecho para finalizar la canción de una extraña manera. Le sigue la clásica y señera Anarchy in the U.K. con su potente guitarreo inicial y su letra anti todo. Le sigue a mi parecer la mejor canción: Submission, con su ritmo más pausado y lento, con la voz tenebrosa y cavernosa de Rotten escupiendo ondas más honestas y sencillas. En seguida llega, quizás el cenit de todo el álbum, la excelente y sesentera (se oye el riff inicial muy a la Kinks) Pretty Vacant, los dos temas finales son a mi gusto los mas flojos: New York el cual según declaro Rotten es para “todos esos que se creen poetas y se toman muy en serio su pinche pose”…E.M.I. es el final enloquecedor con su dedicatoria a la disquera que no los quiso contratar, por ser la banda más estrambótica, más exageradamente radical y siniestra de la música punk. Este, a mi entender, es el disco que definió el rumbo de ese género, ya después The Clash lo sacudiría (e innovaría) con el fastuoso London Calling.

Por:Laura E. Caceres www.ciudadanaherzeleid.blogspot.com

Comencemos desde el principio ¿Quién eras? Sí, un don nadie en una época aburrida en la vieja Inglaterra (todavía se considera estereotípicamente aburrida). ¿A qué te dedicabas? Por ahí decían que nomás a hacer desmadre, me cae que haz fama y échate a dormir, pero ya desde antes lo traías ¿o a poco eso de que tu mamá te inyectara era puro cuidado maternal? ¡No mames, tu mamita te compartía droga! ¡Anfetas de las buenas! Y lógico, de ahí que te fuiste a venderles a los desmadrosos en otros conciertos. Claro que no lo niegas, por lógica, tenías que superar la locura de tu madre hippie.

Te fuiste a Flowers of Romance y pasaste por The Banshees, por los nombres de las bandas puedo asegurar que apenas empezaba tu viaje. Oh, sí, te estabas preparando, [lu1] porque pronto llegarías a los Sex Pistols, y ahí están las fotos en las que estás todo ensangrentado ¿a quién en su sano juicio le gusta rasgarse y escribirse mensajes en el pecho con vidrios rotos? Jo, eras el puro show, m’ijo.

Por ahí a finales de mil novecientos setenta y siete conociste a esta chava, la Nancy, claro que te acuerdas muy bien de ella, representaba todo lo que a ti te gustaba, las drogas, el sexo, todo rápido. En esa época te acababas de separar de Las Pistolas e hiciste el cover de My way echando a perder un clásico que a mis padres les gusta mucho, todo iba bien, pero grandes vueltas da la rueda de la fortuna.

Tenías que levantarte del pasón de drogas para darte cuenta que tu novia estaba muerta ¿verdad? ¡¡Muy bien Sid, aquello te salió de maravilla!¡Bravo, lo aplaudo de nuevo, imbecilito! ¿En qué estabas pensando? Okey, ya sé lo que se dice “nadie sabe, nadie supo” del caso no se habló, pero insisto ¿Qué pasaba por tu cabeza de cabellos picudos?

Obtienes mi perdón porque todo lo que te quedó de vida sin Nancy, la buscabas, estabas jodido, lo demostrabas porque continuaste cortándote, estabas tan aburrido que odiabas vivir sin ella. Y luego tu madre se volvió a entrometer, seguramente dijo “Ay, no me gusta verte tan triste, ten, tomate esta medicina, te va a hacer bien”. Ah, qué maternal se volvió, pero esa sería su maldición, sin que ella lo supiera pedías el suicidio, en tu carta estabas tan dolido que hasta tuviste que pedirle a los padres de Nancy que te dieran chance de enterrarte con ella, y ellos dijeron “Ni maíz, paloma”. ¡Chingao! Las cosas no salieron bien después de todo, tu historia no es bonita, ni melodramática, y no se puede saber qué es cierto entre lo que se exagera y lo que realmente hiciste.

Representabas el espíritu punk de “Hazlo tú mismo”, supongo que si hubieras seguido vivo te habría ido bien, a nadie le hubiera interesado tu vida, la creación no vende, tú lo sabías sin darte cuenta.

No importa, en la poca creación que hiciste implicaste la energía de la destrucción, ya de otros dependerá si regresa ese espíritu o tan solo te dejan de mártir. Por mi cuenta seguiré diciendo “Que se jodan todos, tú rifabas”, así sea.

Por:Delhi Almazan www.nocheslluviosas.blogspot.com

La conocí a mis 17 y la leí muchas veces, (en aquellos años sólo podía leer música, para escucharla tuvieron que pasar varios años más) la vi en fotografías crudas, su rostro frío, con sus cabellos oscuros y escurridos, de su silueta efímera y siempre poca, compacta. Tal vez su semejanza con lo que me encontraba en los espejos , fue lo primero que el inconsciente trazo en mi cabeza para marcar la atracción, tal vez su neblina y su acento, tal vez sus piernas, su sexo, tal vez su voz, su grito que resonaba entre acordes duros y esquemas sombríos y a la vez excitantes que me invitaban a envidiar las historias que iba contando.

Polly Jean Harvey, una chica frágil de un pueblo frío, de mirada firme y angustiosa, poseedora de un canto de sirenas y un cuerpo que no rebasa las 100lb. Desde sus primeros álbumes, marcó la pauta que la caracteriza hasta ahora y la ha convertido en una de las más influyentes cantautoras: un humor negro con demoledora honestidad al explorar temas como el sexo y la religión, tal como lo expone James Blandford en su biografía Sirens Rising, (2004).

Lick my legs of desire Escuchar el Rid of Me (Island 1993),su segundo álbum, es una experiencia sexo-etílica, con todo y su resaca. Es el equivalente a amanecer en una cama desconocida, con los olores de un sexo extraño, un aliento a whisky de semanas, un cigarro y la cabeza demasiado enmarañada como para saber qué es real y qué no lo es. La revista Melody Maker publicaría en su momento que ningún otro artista británico es capaz de explotar tan agresivamente el lado oscuro de la naturaleza humana y su humor negro, así como ningún otro posee el nervio y mucho menos el talento para evocar su propio soundtrack. El álbum fue producido por alguien a quien PJ llama un genio, Steve Albini. Juntos logran una atmósfera llena de zonas grises e incertidumbre, los caminos difíciles y complejos.,las tortuosas letras, las polarizaciones de sus arreglos, hacen de este álbum una obra honesta con cierto propósito (oculto) y gran poder.

Rid of Me, 50ft Queenie, Man-Size Sexte, salieron como sencillos del álbum. Llenas de una carga erótica por demás provocadora junto con ese humor inglés que la han caracterizado siempre, inclusive 50ft Queenie fue nominada para los premios Mercury Music,y le permitió también abrir los conciertos de la gira Zooropa de U2.

El arte del disco fue motivo de controversia, mientras que en la cara frontal se aprecia una fotografía en blanco y negro de una Harvey “medusa”, en la contraparte un close up a su rostro, aparecían simulaciones de marcas de quemaduras.

Considerado dentro de los 500 mejores discos de la historia según la RS, la influencia de este álbum a sido tan importante, que para el 2007, salió a la venta una novela basada en el mismo, de la pluma de Kate Schatz, 14 capítulos forman esta obra, mismos que representan los 14 tracks del disco, en donde va contando una historia de violencia, sexo, deseo y memorias de dos mujeres.

A Woman A Man Walked By, es el nombre del nuevo álbum de PJ, programado para estrenarse este fin de mes, donde repite el dueto con John Parish (Dance Hall at Louse Point 1996) esta vez con la colaboración de Flood para la mezcla. La NME dio a conocer el track list, de donde se desprende el primer sencillo Black Hearted Love del que se dice, está en la vena del grunge puro y nostálgico. El lunes 2 de marzo, se podrá escuchar parte del álbum en el show de Zane Lowe. Después estará disponible en la página oficial de ambos.

El álbum ha sido descrito por el periodista John Harris como "... maligno, mortalmente serio, elegante y poético, dotados de un poder brutal no está claro si oye como un disco lleno de creatividad pero podría ser de los mejores del año”.

Dos caras (una por descubrir) de una mujer etérea que se reinventa no importando el tiempo, el sonido en voga o la moda, una mujer de belleza extraña que sigue cantando a las pasiones ocultas para las mañanas de resaca.

Por:Laura Avalos “Aeromusa” www.dipsomanias.blogspot.com Fotografias Edgar Rivera My Spaces www.myspace.com/aimedormida www.myspce.com/fuzzrecords

Uruapan es una ciudad amable, al menos a primera vista. Muestra orgullosa su calidad en la exportación de aguacates. Y a ultimas fechas, también sus actos violentos. En medio de todo se gestan proyectos alternativos insospechados, proyectos que merecen toda la etiqueta que el INDIE puede otorgar, que no tienen otra finalidad mas que el disfrute de hacerlos. En ese rubro se encuentra un grupo formado por Oscar Valdez y Leopoldo González, AIME un proyecto audiovisual que en este año cumple 7 años de búsqueda, encuentros, desencuentros, musas y alebrijes.

aeromusa: ¿cómo fue que se formó AIME? Polo: Surgió de una idea de Oscar y unos amigos de él, tenían una banda; yo conocía a uno de ellos un día caí a un ensayo, me puse a cantar y pendejear y pues de la nada me pidieron que cantara. aeromusa: entonces ¿eras el agregado en la banda?

Polo: Así es llegaba a los ensayos porque el bajista siempre llevaba chelas, hahaha y pues a gorrear, ahí me tiraban mucha carreta. Decían que me parecía a Alex Sintek, ya después fue que me parecía al de Belanova. aeromusa: y en ese momento ¿qué tipo de música tocaban?

Polo: Pues en ese momento el bajista de las chelas era el que mas jalaba las riendas ahí, eran sus canciones. Pero era una mamada porque quería sonar a Héroes del Silencio, muy denso, con guitarras bypass sin efectos en amplis de culeros de 15 watts.

No daba mucho para poder hacer algo. Lo bueno fue que el tiempo pasó y crecimos conseguimos empleos para poder comprar el “mugrero” y empezar a encausar todo para buscar un sonido propio. aeromusa: entonces, la idea fue siempre hacer música propia Polo: Siempre. Uruapan está atascado de banditas de covers.

Así que una directriz principal del proyecto fue que tocáramos covers pero solamente durante los ensayos, y solo de canciones que nos encantan. Por ejemplo llegamos a adaptar My Way de Frank Sinatra y era muy divertido tocarla. Pero nunca pretendimos jugar al rockerito radical recalcitrante, que por pura pose quiere elevar la autoestima andando de hocicones con una emancipación pueril. La realidad es que somos bien nerds. Lo cual nos orilla a clavarnos en el punto de decirnos: ¿Por qué dejar que alguien más haga la música que nos gusta? aeromusa: ¿cuáles bandas marcaron a AIME? Polo: Uuuta va desde José José, Los Ángeles Negros, Mecano, Los Hermanos Carrión, el Buena Vista Social Club, Radiohead, Depeche Mode… son las que mas nos forjaron. Me marcaron las rolas que me recuerdan a mi hermana mayor haciendo el quehacer los sábados en la mañana y llenaba de olor a pinol toda la casa con acordes de Love Will Tear Us Apart de la hermosa y gris banda de Ian Curtis. Esa es la música que nos marcó.

Una vez me preguntaron como quién me gustaría cantar, y mi respuesta fue directa, tajante y con una duda en mi sexualidad por la admiración que le tengo, dije Leonardo Favio, jajaja.

aeromusa: Bueno lo que dices se nota mucho en lo que se escucha y ve en Aimé, su música mas que de influencias musicales, es influenciada por el ambiente, al menos en lo personal así los percibo, recrean ambientes,… es intencional o pura coincidencia?

Polo: Siempre se está en la plena conciencia de que somos parte de un ambiente. Y siempre queremos reflejarlo a nuestra subjetiva manera, lo decodificamos y luego lo exponemos a veces lo logramos a veces no… Lo que escuchas y captas es la intención de comunicar como somos pero con el fracaso de que no nos conocemos bien a nosotros mismos, el miedo, las dudas, esas son las líneas medulares de la música de AIME. No somos bonitos ni guapos, sabemos que nos falta para ser unos virtuosos.

Entonces nos retroalimentamos del ambiente de la gente que nos ve, y nos oye, ellos son los que nos ayudan a conocernos a nosotros mismos, y salir un poco de ese fracaso. aeromusa: En la agrupación había mas integrantes, mas instrumentos. Ahora solo quedan Oscar y tú, al reducir el número de los involucrados ¿se dificultó el proceso creativo?

Polo: No, el proceso siempre ha sido igual. Cada uno tiene sus responsabilidades. Uno de los dos llega con la idea de lo que se quiere comunicar, entonces hacemos la música, secuencias, acordes, letra, etc.…

Oscar es quien le da el toque con la guitarra y su muy severa crítica. De hecho ambos somos bastante severos, al grado de tener 50 canciones de las cuales solo sobreviven 12, porque nuestra exigencia nos hace mandar al carajo las que de plano son un desperdicio de neuronas. Cuando la pieza ya está dominada por los dos, entra nuestro atormentado productor Mateo (FUZZ Records) quien hace que todo sea tangible para que dos wueyes lo ejecuten en vivo.

Lo primero es saber que queremos expresar, las decisiones las tomamos ambos, o uno solo, así nada mas rendimos cuentas para planear la ejecución y quedar como caballeros a la antigüita.

Somos tan vintange, no somos la típica banda con lucha de egos, somos niños buenos, no es nuestra culpa que nos llevemos pocamadre con nuestros papás, eso en la escena local y estatal lo usan para decir que somos fresas, jajaja me cago en ellos!!! aeromusa: hahaha pero bueno esa rebeldía sigue siendo tangible, finalmente ustedes hacen su propio espacio dentro de la escena.

Incluso una forma de hacerlo más inteligentemente.

Polo: hahaha, Gracias aeromusa: Por cierto, esto me lleva a una pregunta inevitable, ¿consideran que ustedes entran en la etiqueta del INDIE? ¿Es difícil cargar con esa etiqueta?

Polo: ¡Somos INDIE a todo lo que da! Mira nosotros creemos y defendemos el concepto de la autogestión. Lamentablemente, a veces pesa por que, el concepto lo confunde a la gente. Se piensa que las bandas de hobbie o de covers entran en ese nicho, y eso le resta formalidad a las bandas indie que intentan un concepto propio, pero se cae en un grado polisémico increíble, pero simplemente, nosotros no nos vamos con la moda, adoptamos la formalidad y la disposición del género.

aeromusa: La libertad es valiosa, en diferentes términos y niveles, cuesta ¿a que los ha orillado tener esa libertad como banda?

Polo: Si cuesta. Sobre todo cuando vives en Uruapan y en la madrugada escuchas granadas detonarse a dos cuadras de tu casa, entones la libertad se remite a escapar, así vemos ahora la libertad. Desafortunadamente no hemos podido alejarnos de esta violencia. Como banda la libertad nos da la chance de cambiar visualmente, aunque no toquemos. Sitios como myspace nos ha apoyado muchísimo pues somos una banda audiovisual, el espacio es perfecto para nosotros. Ahí nos promovemos. Económicamente absorbemos los gastos entre Oscar y yo, pero todo se convierte en inversión cuando estamos frente al público. Claro que la libertad del indie nos lleva a sufrir cabrón por un cable o una púa, pero gozamos de lo lindo cuando un wuey que nos llama “fresa”, nos pide prestado equipo, porque con todo el sacrificio lo tenemos al día.

Lo mas difícil es tocar frecuentemente, la gente no está dispuesta a digerir propuestas propias, prefieren bandas que tocan las mismas canciones desde hace años, los mismos covers, ya sabes, Creep, Love me two times y todas esas canciones tan emblemáticas que ellos mismos hacen tu odies!!! Es culero decir odio Another Brick in the wall, solo porque toda tu pubertad escuchaste como un grupo le partió su madre. Y ahora los morritos que te hablan de “usted” le siguen partiendo su madre.

Ese es un motivo por el cual no tocamos seguido, nos aliamos en un frente común con otras bandas, estilo Darwin, buscamos a los semejantes para sobrevivir. aeromusa: ¿No tener foros ha mermado el avance del público?

Polo: No, definitivamente no, lo que nos ha frenado mucho es que no hemos tenido una alineación constante. Entran y salen de AIME. Hasta ahora hemos tenido 14 bajas, entre bateristas, guitarristas, vocales y bajistas. Eso es lo que lo ha detenido, cada vez que alguien sale el sonido cambia, y todo lo que con lleva en él: imagen, intención, texturas, todo. Eso es lo que no nos ha dejado avanzar.

Por eso ahora, esto ya es un performance en vivo de dos personas, cuando podamos pagarle a un baterista lo haremos, pero el punto es ya no retrasar tanto los planes.

Es inevitable que es un sueño lleno de sonidos, sonidos familiares y otros no tanto. Como el silencio que se genera después de que las granadas explotan. El tono que emite tu celular cuando marcas un número ocupado. Existe un silencio que es interminable, inexacto, profundo. Es como escuchar libélulas y el sonido de una taza de café cayendo del cielo, eso es AIME.

aeromusa: Han mencionado que su disco, será conceptual.

Conjugando la trayectoria de AIME. Pero ¿cómo lograron homogeneizarlo… digo teniendo tantos cambios a lo largo de la vida de la banda?

Polo: Buena pregunta. La verdad es que no fue algo complicado.

Primero fue lanzar un disco ya que un EP no bastaba, un disco con 10 temas, y para poder homogeneizarlo y no dejar ninguna de las épocas de AIME sin mencionar el disco seguirá siendo conceptual, con silencios incómodos, y pues acá entre nos, está dedicado e inspirado por tres mujeres: una es la mujer que jamás podrá estar contigo en esta vida; otra es la que estuvo pero tuvo que irse y la otra es la que yo no existe, es como el silencio que deja ese ser y se convierte en una incisiva molestia. Metimos teclados, efectos, sonidos, usamos vasos desechables para samplers, llamadas de un continente a otro a las 4 am. Homogeneizar lo que queríamos expresar con el medio, por ejemplo una persona tosiendo que de repente rompa el silencio, o el tono de celular cuando esta junto a tu Ipod, esos ruiditos peculiares cuando preguntas “¿a quién le están llamando?”

Fue complicado, pero contamos con un muy buen productor que nos dio la dirección, aterrizándonos cuando ya estábamos muy arriba, y aportando sobre los ruidos que llevaban a cada silencio.

aeromusa: entonces ¿Mateo se convirtió por un momento en el tercer AIME? Polo: Creo que Mateo podría ser considerado como un tercer AIME más que los otros 14 que han pasado por ahí. Mateo supo la necesidad que teníamos y se metió al proyecto, aportó, ayudó, animó y se aventó la chinga, las madrugadas y hasta fue de los primeros en conocer el arte del disco, incluso opinó. Es un gran músico, excelente persona y buen amigo. Es de los únicos que dejamos que metan mano en algo de AIME, somos medio mamones y fresas pensándolo bien hahahaha. aeromusa: hahaha , y hablando del arte, AIME siempre se ha caracterizado por su imagen, como comentabas antes, las postales, las ediciones de fotografías, incluso de Ximena Sariñana!!!

Polo: Ximena!! Antes de que se le sentara al chico Mars Volta jajaja pues era inevitable. Fíjate que a veces pienso que formo parte de una banda nada más porque me permite diseñar y estar aportando un complemento visual a lo que es AIME. Y a veces creo que diseño para poder tocar y darle espacio sonoro a lo que diseño, es muy raro, porque en los 8 años ha habido infinidad de cambios pero afortunadamente la gente ya sabe cuando es algo de AIME, a pesar de lo “polarizado” que pueda estar estéticamente, incluso es chingón, porque hay gente que colecciona cuanta pendejada hago de AIME, hasta las cosas tangibles y la mercancía que se hace en tiraje único y artesanal. Todo va de la mano aeromusa: Eso también les ha abierto las puertas fuera del país. ¿Cómo se dio ese proceso?

Polo: Mira, no se como ha llegado a parar estos diseños a tantos discos duros, y debido a esto las invitaciones han llegado.

Desafortunadamente, no se ha podido acudir a las exposiciones con todo el set audiovisual, solamente el año pasado logré ir a España a exponerlo, y consta de una exposición de retratos de mujeres 40, para ser preciso, y 2 horas de performance audiovisual, en el cual se muestra una trama musicalizada por nosotros y que ha resultado muy bien. Lamentablemente, la etiqueta de INDIE hace que no se vea como algo formal, y en México no se ha podido montar el performance como debe ser, simplemente porque no se abren los espacios a proyectos alternativos que no vengan con una recomendación fantoche. Ya nos invitaron a España a exponer otra vez, para otoño y seguiremos buscando espacios esperando que uno de ellos ya sea en México aeromusa: ¿para asistir tuvieron algún apoyo gubernamental, o de particulares?

Polo: Cero. De México no se obtuvo nada, la Junta de Galicia si nos apoyó con los viáticos, el resto corrió por mi cuenta aeromusa: ¿Y este año?¿Qué hará AIME? Polo: Este año se buscará más que nada tocar, tener más actividad en vivo. Tocar en el extranjero, con todo el set visual del disco, para ello tendremos que emigrar porque aquí la verdad esta complicado. El disco ya viene pronto también, trae sorpresas, quizás sea debut y despedida, pero queremos lograr la mejor calidad que podamos, hemos hablado de un disco doble, de un DVD. La cosa es que nuestra necesidad cambia continuamente, quizás hagamos algo instrumental, tenemos muchos interludios, muchas texturas, mucha ridiculez y ternurita mal pedo aeromusa: entonces AIME no está dormida Polo: No, sigue soñando, pero creemos que despertará por completo estando lejos de aquí.

Por:Laura E. Caceres www.ciudadanaherzeleid.blogspot.com

Quien sea de la Condesa defeña y lea esto, va a decir con nariz arrugada que huele muy mal. No pueden decir que hiede o que apesta aunque se hayan puesto mierda debajo de las fosas nasales, porque perderían su estilo tan característicamente mamón. ¿Es merecida esta fama para con los que viven ahí? Antes que nada, hay que aclarar que no es una colonia completamente rica como lo sería Santa Fe, metida en el estado de México, lo que tienen es historia. Veamos el contexto: La Condesa cumplió cien años como colonia de la delegación Cuauhtémoc en el Distrito Federal, se creó en la época de Porfirio Díaz al igual que la colonia Roma. Todo esto fue adquirido gracias a algunos familiares de la Condesa de Miravalle… sí, estamos hablando de la era del caldo.

Ahora, en cuestiones más actuales, se ha convertido en un centro donde viven o se reúnen estos seres. No se les puede llamar fresas como a los pretenciosos de Monterrey porque, al menos, tienen conocimiento del mundo. Tampoco se les puede llamar nacos pues inevitablemente están a la última, debido a que son los nuevos ricos, estos son los intelectuales, ya sea porque tuvieron la fortuna de nacer ahí o porque su padre es dueño de alguna institución, organización u otra cuestión “cultural”. Se puede decir “¡Ah, entonces por ser así deben ser banda!” pero eso está muy alejado de la realidad.

Para empezar, ellos siempre vivirán en pose, es su método de supervivencia, muchos alrededor de ellos viven de la misma forma.

Siempre harán alguna actividad “artística” ya sea golpear pianos con un martillo, tomar fotografías de sus zapatos o pintar “surrealismo” y de entre todas estas actividades cabe destacar una subespecie “Las vacas sagradas” cuya lista sería interminable.

Las personas que no están en ese ambiente le encuentran muchas ventajas plausibles: librerías, cafeterías, puestos de comida exótica. Uno como turista, lo ve como una novedad. No obstante, hasta entre “condes” se echan carrilla, diciéndose frente a frente “Oh, pero qué pintura tan linda” sin embargo la estocada viene por la espalda cuando dicen cosas tan hirientes como “Esos elementos que ahí tiene son una copia de artistas de los cuarenta cuya propuesta está gastada”.

Su modo de ataque no consiste en golpes directos, son más de guante blanco, eso resulta increíble en esta época en la que las poses ya se dejaron de lado, sin embargo, aún proliferan en esta colonia específica.

Y que me disculpen mis pocos amigos de esas colonias, esto ya se los he dicho de frente, la Condesa es bonita, pintoresca, antigua y guarda mucha historia, pero la gente que vive ahí es la que no soporto demasiado.

Por:Arturo Perez Moran www.yellowfacewarrior.blogspot.com

Pelos!!! Grito de guerra ancestral que nos transporta a los amaneceres del hombre, donde su única protección contra los depredadores y las inclemencias del tiempo era el espeso abrigo de pelo que lo cubría. Después de ahí el pelo del cuerpo solo ha jugado distintos papeles estéticos y eróticos. Hay pelos en la toma de decisiones que mueven al mundo. Hay pelos en la seducción que han llevado a la perdición civilizaciones enteras. Hay pelos al momento de demostrar hombría y feminidad. También hay un terror constante, digamos diario, de que te crezcan pelos en la mano.

La música también tiene pelos y en 1995 cinco Galeses: Huw Bunford, Dafydd Leuan, Guto Pryce, Cian Ciaran y Gruff Rhys, emprendieron la búsqueda del autentico sonido peludo explorando nuevos mundos. Atravesaron universos paralelos, descubrieron dimensiones desconocidas y trajeron la primera evidencia del Santo Grial del sonido con pelos: Llanfairpwllgwyngllgogerychwyrndrobwllynyngofod. Que en buen cristiano quiere decir “en el espacio”. Así, aquellos Galeses que un día dijeron adiós a este planeta lleno de ruido y polución, regresaron convertidos en los Super Furry Animals (SFA), únicos emisarios en varias galaxias a la redonda del Furry Sound.

La obra de los SFA había comenzado y nada en este mundo podría evitar que su mensaje se propagara y en 1996 vio la luz Fuzzy Logic donde proclamaban: Dios: muéstrame la magia!. En 1997 editaron Radiator, donde le cantan a personajes tan disímbolos como Einstein y el Chupacabras, éste último según los SFA va cantando soy super bien mientras deja un camino de cadáveres de cabra resecos tras de si, siguiendo el consejo de los SFA: lo que quieras hacer hazlo ahora y paga después.

En 1998 los SFA traen al mundo Out Spaced en un empaque con forma de chiche lleno de lados B donde los SFA sueltan una perla, una verdad indiscutible The Man Don't Give A Fuck y el disco cierra con una obra monumental cantada en su idioma natal: ¿Blerwytindod? ¿De donde vienes? preguntan y uno debe saber que responder pues Gruff aclara: cuando las ruedas giren yo nadaré en el cielo nuevamente.

Al finalizar, el eco de una batalla estelar resuena por 11 minutos exactamente.

Un nuevo evangelio en la biblia de los SFA se dio a conocer con Guerrilla en 1999, en donde es necesario hacer que retroceda el primer track (!!!!) para que The Citizen’s Band nos de la bienvenida al mas evidente experimento sicodélico que nos acerca cada vez más a la piedra angular del sonido peludo.

En su incansable peregrinar buscando expandir su mensaje, los SFA editan en el año en que se acabó el mundo Mwng, un disco totalmente cantado en su incomprensible idioma. Y después de un lustro de búsqueda, el mundo postapocaliptico conoció el Super Sonido Peludo en todo su esplendor cuando en 2001 trajeron a esta dimensión su obra maestra: Rings Around The World. Un disco maravilloso de principio a fin acompañado de sublimes lados B, donde hasta Sir Paul McCartney le entró a la celebración masticando zanahorias en la grabación de una de las mejores canciones de los SFA: Receptacle for de Respetable.

Si existe un trabajo que solidifique de manera contundente la obra de los SFA ese es Phantom Force complemento de su séptimo disco: Phantom Power. Se trata de un DVD con animaciones realizadas por Pete Fowler inspiradas en cada una de las canciones del disco mencionado. Y si existe un tema, hasta hoy, que englobe el mensaje, la sicodelia y el arte de los SFA ese es Slow Life.

Los SFA empezaron una nueva etapa en su peregrinar cuando en 2006 grabaron Love Kraft. A pesar de que el titulo y el arte del disco se antojan siniestros, los temas son dulces, más acústicos y menos electrónicos, además algunos de los integrantes de la banda toman el micrófono para dar su versión de los hechos y se aventuran a experimentar con el folk-rock norteamericano sin dejar de lado el toque rockansicodélico que los caracteriza. Cuando, en un disco, el primer sonido que se escucha es el de una roca cayendo al agua, es mejor escuchar en silencio.

El último disco de los SFA fue Hey Venus! Llamado así en honor a una tortuga que era, o es, mascota de Gruff, de hecho en Phantom Power también le dedica una canción pues Venus (y Serena) era uno de los únicos seres sobre la Tierra que comprendían los momentos tan difíciles por los que Gruff pasaba de pequeño. En Hey Venus! retoman el espíritu rockanrollero de sus primeras canciones y por supuesto, no se trata de un retroceso en su trabajo, sino una afirmación de su genialidad. Tal vez el único pero en este trabajo sea el arte del disco pues quedó a cargo del artista japonés Keiichi Taanami quien sustilló a Pete Fowler y a sus fascinantes y aterradoramente tiernas criaturitas.

Ahora en 2009 está lista una nueva galaxia en el universo de los SFA. El disco lleva por nombre DARK DAYS/LIGHT YEARS y ya lo pueden conseguir a partir de este mes (salio el 16 de marzo) Como diría el buen chef de South Park: Hey! Super Furry Animals! Queremos toda su sabiduría!

Por aeromusa/www.dipsomanias.blogspot.com

Por:Emiliy Noanan www.corajitos.blogspot.com

Thomasina Montgomery mejor conocida como Tammi Terrel fue una de las mejores exponentes del soul. Fue compa単era de Marvin Gaye. a la chica de tan solo 24 a単os se le detecto un tumor cerebral que la dejo fuera de los escenarios pero hasta sus ultimos tiempos hizo grabaciones con Marvin. Sufrio de diversas operaciones y el deterioro fisico y mental termino con la vida de esta interprete en marzo de 1970.

Rolas que no te deben faltar * Ain't no mountain high enough * You're All I Need To Get By * Baby Dont'cha Worry

Por:Luis Alberto Gonzalez Macias www.decireves.blogspot.com

MR RACOON KATY

BON IVER FOR EMMA FOREVER AGO 2008 De este disco se han dicho muchas cosas, que si su musica destila melancolia, que es monotono, que es una obra maestra, en fin...

Lo que si se puede decir es que este discreto cantautor ha creado uno de los discos mas personales y autocriticos en epocas recientes, ante tanta aparente ternura desfilan en sus letras frases punzantes y aterradoras, devastadoras para corazones rotos, como una carta para un ser que se aleja irremediablemente, aqui hay letras sobre ruptura, desamor, su musica se sumerge en el mar tranquilo del folk con ciertas instrumentaciones de fondo a la mar de tenebrosas (escuchad el inquietante arreglo de sintetizadores? detras de la pieza inicial "Flume") "Lump Sum" es una alegoria a la soledad enmarcada por el soberbio arreglo inicial a manera de suite coral con un discreto pero efectivo arreglo percutivo que contrasta con las guitarras acusticas al tope, las influencias son innegables pero a la vez refuerzan lo que da a conocer este cantautor (aqui me suena desde el Neil Young pasando por el Nick Drake del Pink Moon) un disco interesantismo al que hay que valorar en toda su dimension, por su audacia sonora (no suena a indie rock) por su sentimiento de melancolia que flota en cada track y por el coraje y las agallas de sacar lo mas cabron y canalizarlo en el arte mas bello que es la musica.

2009 Un disco terso, sutil, amoroso, introspectivo, esta grabacion atrapa al escucha con sus simples como contundentes instrumentaciones, en su mayoria organicas, pero embellecidas con sutiles arreglos electronicos de vanguardia, aqui hay desde folk, al hip hop, pop melodico (pero nada que puede parecer comercial ...o si?)desde el arranque inicial con la electronica Asi de simple y su instrumentacion de altos vuelos y que desemboca en un caos de ruido, o la folkie Katy (la que le da titulo al album)pasando Por que a todos nos gusta con su ritmica hiphopera que se complementa con voces tranquilas, el disco presenta variantes pero todos compactados con una fuerza tremenda, no hay un solo corte de desperdicio, desde la psicodelica/campirana Pussygrama (vaya titulo!) o la creciente e inesperada Mision Desesperada (con su fabrica de ruidos que crece conforme va subiendo la cancion) o la tranquilona Puerta Colosal sin mas elementos que una bella guitarra acustica y un dialogo ininteligible de fondo, quizas los mas insolito es el cover de Walking the cow de Daniel Johnston (a.k.a. titulada Paseando a la vaca) low fi y ruido de guevos, Ferry 3 no me gusta tanto como si Playa guitarritas (esos ruidos de fondo)Serpientelinda se aleja un poco del target del album (electronica y con un bajeo en fuzz y una onda electrosa rasposa en verdad friqueante que marca la pauta en toda la cancion)el disco termina con la monumental Papalote en el arbol, una de las canciones mas valemadristas en la historia del rock regio (aunque la historia del rock regio no la conozca del todo)...bueno mas bien, una de las canciones mas interesantes en estos ultimos 20 a単os en el alicaido panorama del rock regio, tan bella en su construccion como ilustrativa y poderosa (su arreglo de sintetizadores evoca a la perfeccion la maestria Brian Enoniana perfectamente aplicada a la nostalgia que emana de este ultimo track), un disco intenso, bello que nada le pide a esa madre llamada new weird folk o american folk weird ...de lo mejor en este joven 2009.

JUAN SON MERMAID SASHIMI

FRANZ FERDINAND TONIGHT

2009

2009

Porter lo arriesgo en musica y en el arte de su ultimo disco (no cualquiera se avienta un arte tan exquisito para adornar sus discos en estos años) y pues ya te das cuenta que el mero mole de esa banda fue el Mussgo (ahora Juan Son) tan creativo, loco y asi como que bien excentrico el bato con sus disfraces, maquillaje y pelos todos mal peinados, pues la respuesta de Juan Son a todos esos criticos y "criticos" (me incluyo) es su album debut, Mermaid Sashimi, una delicada paleta sonora de coloridos paisajes pop tan bellos y al mismo tiempo enervantes, desde la impresionante obertura The Remains (con su bella capa de sintetizadores de fondo y un piano discreto y el no menos destacado trabajo de ruidos incidentales a la manera de un Matmos) la musica crece entre ondas electronicas y la voz fantasmal de Juan Son evocando en ciertos momentos a la friqueante belleza de Bjork, Nada tiene una deliciosa figura acustica que se esconde entre esa bateria medio new wave y los coros beatlescos sin lugar a dudas y un mas que evidente cuarteto de cuerdas tan bello, le sigue la bjorkiana (me acorde en ciertos momentos en The triumph of a heart) Goldfish es una cosa asi mas siniestrona, con ecos de Postal Service en su musica, En camilla al quirofano es una tersidad instrumental que da paso a Captain Whirlpool con su remarcado acento bailable pero con un marciano ritmo apoyado en una especia como de musica circense de fondo pero en onda tachuda, Unicorn's Puberty es mas obscura con apoyo de musica electronica en un ritmo similar al Personal Jesus de Depeche Mode, Marianela va de la mano con un bellisimo arreglo de cuerdas y el Resplandor lleva un arreglo de trompetas con musica muy ochentera de fondo (el bajeo denle una oida), Monitor flotando Muestra señales es mas ruido electronico, Toma esta menta es un foxtrot enloquecido con una chispeanta carpeta de ruidos, colores, formas, texturas, toytronica pura e inmisercorde para el escucha, una guitarra hawaiiana de fondo enmarca el ritmo y lo refuerza con ese guiño a la Miles Davis, el disco cierra con Ana Paula, una cancion que lleva de fondo acordeones (al derecho y al reves) cuerdas, sintetizadores, el sentir por la experimentacion, la belleza melodica, la interpretacion tan extraña por parte de Juan Son y su arriesgue a no entregar algo que complazca a las orejas que estan esperando el sabor indie de la semana por lo menos ya le deparan un lugar en los mejores discos de este 2009, un disco tan encantadoramente pop que nunca de los nunca estara en la discoteca particular de Sir Hugo Garcia Michel

Escuche mucho sobre este nuevo álbum, que era bailable, sensual, adecuado para cualquier ocasión y estado de animo, la mejor recomendación para iniciar de buen humor el año, (bueno lo que va), pero… Talvez se esperaba demasiado, les sucedió la maldición del tercer álbum, (aun no creo que hayan podido superar el primero, el que no tiene ni un solo track de desperdicio) Inician con Ulysses y es esta misma que escogieron como primer sencillo, lo que bien hubieramos podido esperar de temas como Bite hard o Lucid dreams que resultan las mas potentes del disco, los ritmos experimentales y todo lo nuevo que quisieron probar(incluso sus ondas africanas) se quedo en un buen intento, no se niega que sea digerible, casi igual o mas que el anterior, pero carece de consistencia, del elemento sorpresivo que explotaron en el entrañable primer álbum,talvez es de esos discos que debes escuchar hasta agarrarles el gusto, la primera impresión no paso el filtro,pero que me hace caso a mí, vaya y bájelo de donde pueda y juzgue usted mismo pero talvez al escuchar este plato, usted, querido y fiel lector también se quedara con la inmensa y pretenciosa pregunta: y?(agréguele usted el adjetivo que mejor le parezca)

BEIRUT THE MARCH OF ZAPOTEC 2009 Si en Gulag Orkestar va de chingadazo a mostrar a las noveles promesas como se debe de reorientar la musica de antaño, darle una sacudida y que suene como nueva o en The Flying Club Cup mostrando señeros de musica afrancesada (con un uso discreto de ciertos dialogos de peliculas de por aquellos rumbos) ahora con este La Marcha del Zapoteco Zach Condon se la saca en serio y bien bonito dejando pendejos a muchos musicos que tildan de ser la mera onda en cuanto a musica de avanzada se refiere, aqui lo que se ve es, desde una portada como las de antaño (con letrota blanca y los logotipos grandotes como en los viniles viejitos) y la musica mas extraña e inquietante,(ojo, el decir lo de "extraña" o "inquietante" no es por que sea musica de otro mundo si no que este cabron le da una dimension mas profunda ya que abreva a la manera de un Ry Cooder lo aprendido pero siempre respetando la escencia de la musica de la cual esta aprendiendo) pero a la vez agradecible que un extranjero venga a desempolvar "nuestra"musica aunque muchos le tildaran de ser el tipico "foraneo" que vende espejitos a cambio de generosas dadivas, aqui la cosa es al reves, el agradecido es el que expande su sonido con musica de por estos rumbos y la revuelca entre marejadas de tamboras, tubas, clarinetes e instrumentos muy propios de tierras mexicanas para elaborar un disco cumplidor , en extremo generoso en sonoridas frescas y muy "familiares"...una chulada de EP que merece la atencion del escucha y por supuesto para que le den una revisada a sus dos albumes de estudio anteriores.

ALEXICO DIOS ES LO MAXIMO 2007

El espectro del rock hecho en casa abarca muchas manifestaciones, buenos instrumentistas, buenas ejecuciones musicales, dos que tres aciertos en las voces de algunos discos recientes, buena experimentacion, rasgos electronicos que ni de chiste sonarian en un disco a no ser que se trate de una banda de esas experimentales las cuales toman a la electronica como un brazo y apoyo fuerte etc.

En el caso de este disco la pretension se vuelve grotesca, es ese disco arty , ruidoso, glitcheroso, con un dizque humor raro que puede sonar bien en el contexto de una banda exranjera pero que no se adapta a una onda mexicana, o quizas si, quizas solo es que no estoy acostumbrado a tanta mamarrachada de canciones sueltas y disperas a lo largo de "33" tracks donde por ejemplo suena uno y se brincan espacios de silencio de 5 o 6 segundos cada uno, o el uso indiscriminado de sampling (ese ruido tomado de la tv del programa "Los animales mas asombrosos del planeta") o una oda ruidista, tremenda y rara como lo es "Santisima Trinidad" y su burla a una frase explicitamente catolica, quizas las mejores canciones son las donde se refleja el verdadero sentir melodico de este musico como por ejemplo "Matehuala","No se" o la gore (por el video sanginoliento a morir) "Mis amigos y yo te amamos", se pierden irremediablemente en la aparatez de la pretension artistica mas vacua y grotesca de estos ultimos tiempos, para ruido, distorsion, melodias marcianas y verdaderas cosas armadas con el fin de llegar a "algo" prefiero a los pretenciosos Animal Collective, Boris, Mono, Panda Bear, El Guincho etc...

Esto no es la letra traducida es solo una interpretaci贸n del autor de este texto, de lo que pudiera ser una de las tantas historias que pudiera tener esta canci贸n.

Por:Emiliy Noanan www.corajitos.blogspot.com

Una canción triste para los momentos bajos, para sentirte acompañado cuando sientes vencido, una canción triste para cuando estas solo, cuando no sabes el modo de salir adelante.

Has tenido el mundo a tus pies, el aroma de la gloria es buena compañía, pero poco duradera, lo que sube baja, y si permanece intacta, pierdes las llaves de la mansión, alguien ocupo tu salón, y se acuesta con tu mujer, lo peor es que disfruta más que en tu luna de miel, se bañan en tu piscina se comen tu comida y tiran el piano blanco por el balcón.

Una canción triste para los momentos bajos, para sentirte acompañado cuando te sientes vencido.

Una canción triste para cuando estás solo, cuando no sabes el modo de salir adelante.

Una canción triste para los momentos bajos, para sentirte acompañado cuando te sientes vencido.

Una canción triste para cuando estás solo, cuando no sabes el modo de salir adelante.

Has tenido la furia consentida, la que sin duda merecías, los chicos se arrodillaban al verte pasar, como un profeta, o un Mesías, tú pronosticabas lo que iba a suceder.

Un fallo lo tiene cualquiera, cualquiera menos tú.

Tenías el touch, y el don especial, tocado por la mano de Dios, ¿qué es lo que pasó?, ¿quién se ofendió?

Una canción triste para los momentos bajos, para sentirte acompañado cuando te sientes vencido.

Una canción triste para cuando estás solo, cuando no sabes el modo de salir adelante

Enrique Bunbury estará en varias partes de la republica ofreciendo conciertos en la siguiente pagina se despliega una lista de las ciudades y días en los que se presentara.

El whisky se acaba y esa canción sigue tocándose en mi vieja grabadora que fue lo único que me quedo, no me siento tan solo después de todo. No pensé que existieran esas canciones que contaran tu vida.

Esa desgraciada tuvo todo a sus pies, sabia que ese perfume barato me diría exactamente con quien me case. Esta vida tan rápida y exacta que te hace pensar en las leyes de la inercia lo que sube baja.

Me he quedado en la ruina, me he quedado sin casa, cama y mi mujer maldita desgraciada. Es que acostarse con alguien mas joven que yo. viviendo a mis costillas y derrochando mi fortuna.

Necesito de todos esos vicios para estos momentos bajos. Para sentirme acompañado, "una canción triste para cuando estas solo" Para poder salir adelante.

Recuerdo la buena vida, esa que sin duda me había ganado. Donde todos se arrodillaban a al verme pasar como Mesías. Yo sabia exactamente lo que iba a suceder. Si todo mundo se equivoca, todo mundo excepto yo.

Tenía ese don especial. Esa suerte que solo se obtiene por las manos de Dios. ¿que es lo que paso? ¿quien se ofendió?

Una canción triste para estos momentos deprimentes, para no sentirme tan solo ahora que estoy deprimido. una canción para no pensar tanto cuando no sabes como salir del agujero.

Tijuana Fecha: Martes 3 de marzo, 20:00 horas Lugar: El Foro (antiguo Palacio Jai Alai), Tijuana, B.C. Ciudad Juárez, Chihuahua Fecha: Sábado 7 de marzo, 21:00 horas Lugar: Estadio Beisbol Av. Reforma, 8:00pm Guadalajara Fecha: Miércoles 11 de marzo, 21:00 horas Lugar: Arena VFG, Guadalajara, Jalisco Acapulco Fecha: Sábado 14 de marzo, 21:00 horas Lugar: Mundo Imperial, Acapulco, Gro. Monterrey Fecha: Viernes 20 de marzo Lugar: Arena Montrerrey Puebla Fecha: Miércoles 25 de marzo, 20:30 horas Lugar: Auditorio Siglo XXI, Puebla, Pue. D.F. Fecha: Domingo 29 de marzo, 19:30 horas Lugar: Foro Sol, México, D.F. León Fecha: Martes 31 de marzo, 21:00 horas Lugar: Domo de la Feria, León, Gto. Querétaro Fecha: Jueves 2 de abril, 21:00 horas Lugar: Plaza de Toros Santa María, Querétaro, Qro.

CON MOTIVO DE SU REGRESO A TIERRAS MEXICANAS DECIREVES TIENE EL HONOR DE PRESENTAR UNA SERIE DE TESTIMONIALES QUE DAN FE DE LA HAZAÑA CONCERTISTA DE LA MEJOR BANDA DE ROCK DE TODOS LOS TIEMPOS (DESPUES DE LOS BEATLES)

Un especial que hara historia… www.decireves.blogspot.com