Humanize Issue 3 by Humanize Magazine

HUMANIZE magazine issue three

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LL evo un mes o así escuchando un disco buenísimo: Puzzle Shapes, de Boat Beam. Hay una canción en particular que no paro de escuchar una y otra vez, “The Rain Pauly”. Puedo decir mil cosas sobre la calidad musical, pero eso no es lo que más me gusta de la canción. Las letras. Esas letras sombrías, crudas.

I’ve spent the last month or so listening to a great album: Puzzle Shapes, by the Spain-based band, Boat Beam. There is one song in particular that I keep putting on repeat on my iPod, “The Rain Pauly.” I can go on about its musical quality, but that’s not what made me obsess about it. The lyrics. Those gloomy, crude lyrics. “Sobre estimulado and poco motivado / Empiezas un millón de cosas y nunca terminas nada…” Sé lo que es eso. Sé exactamente lo que es eso. Todos lo sabemos. “Over-stimulated and under-motivated / You start a million things and never finish one of them…” I know that. I know exactly what that feels like. We all do.

Queremos ser inspirados, queremos hacer tantas cosas. Pero no somos capaces. Cuando decidimos que vamos a hacer lo que queremos, cuando empezamos ese millón de cosas y pensamos que hemos llegado a alguna parte, nos damos cuenta que no podemos terminar nada. Al final, aunque me duela escribirlo, todo es a suerte y enchufe. Quizás esa suerte y esa gente te saquen del trabajo miserable de oficina, quizás te hagan una estrella. We want to be inspired, we want to do so much. But we can’t seem to do it. When we decide that we’re going to do what we want, when we start those million things and think we’ve gotten somewhere, we realize we can’t finish a damned thing. In the end, and as much as I hate to put this into words, it’s about luck and knowing the right people. Maybe they can get you out of your miserable office job, maybe they can make you a star.

Odio la palabra “crisis”. Creo que el 2009 ha sido el año de la palabra “crisis”, gracias a los medios de comunicación españoles (y otros, claro). Gracias por recordarnos todos los días que nuestra

economía está por los suelos. Gracias por decirnos que millones de personas están sin trabajo. ¿Y los que tienen trabajo? Como si no lo tuvieran, porque en España, un sueldo decente no pasa los 1.000 Euros.

I hate the word “crisis.” I think 2009 was the year of the word, “crisis,” thanks to the lovely Spanish media (and others, of course). Thank you for reminding us every day that our economy is in the gutter. Thanks for telling us that there are millions without jobs. And those of who have jobs? They might as well be unemployed, because in Spain, a decent paycheck doesn’t surpass 1,000 Euros. Puedes hacer dos cosas, en mi opinión: trabajar toda tu vida en uno de esos trabajos de oficina y rezar (o hacer lo que hagas) para que te asciendan y que puedas ganar un poco más. O puedes decir, “A la mierda con esperar y con la suerte y con enchufes. Voy a hacer lo que quiera y lo voy a terminar”. Te vas a sentir mejor, por lo menos.

You can do two things, in my opinion: work your entire life in one of those office jobs and pray (or do whatever it is you do) that you’ll move up and make a little more money. Or you can say, “To hell with hoping and with luck and with knowing the right people. I’m doing what I want and I’m going to finish it.” You’ll feel better, at the very least. Esto dicho, quiero darles las gracias a las chicas de Boat Beam por interpretar la dura verdad en sus canciones, inspirando (por lo menos a mi) a hacer algo para solucionar todo esto. Y ahora vamos al número tres. Supongo que tuvimos suerte. ¿O tuve una crisis existencial? Si me conoces, sabes la respuesta. Si no me conoces, creo que es obvio.

This said, I want to thank the lovely ladies from Boat Beam for interpreting the harsh truth in their songs, inspiring (at least me) to do something about it all. And now we’re on issue three. I guess we got lucky. Or did I have an existential crisis? If you know me, you know the answer. If you don’t know me, I think it’s obvious. Much love,

Karla D. Romero

Editor // Director

Karla D. Romero (karla@humanizemag.com)

Diseño y Fotografía // Design and Photography Belma Hdez-Francés León

(belma@humanizemag.com)

Redactores // Writers Alberto Salas Fátima Rodríguez Julia Sierra Gonzalo Marcos Celia Conde Nesa Nourmohammadi

Colaboradores // Colaborators

HUMANIZE

magazine

Eugenia Fernández Héctor G. Barnés Alejandro Zaballa

Publicidad // Advertising

advertising@humanizemag.com

Humanize Magazine es una publicación independiente, sin pertenencia a grupo, colectivo o asociación. No se hace responsable de la opinión de sus colaboradores. Prohibida la reproducción total o parcial de cualquiera de los reportajes. Humanize Magazine is an independent publication that does not not belong to a collective group or any association. It does not take responsibility for its contributors’ opinions. The reproduction of any and all articles is prohibited. Depósito Legal: LE-1874-2009

CONTENIDOS // CONTENTS

24Nick Garrie Maneras de sobrevivir Ways to Survive

36 Reigning Sound El ritmo del garage de Greg Cartwright Greg Cartwright’s Garage Rhythm

44 DC Go Go

52 Manuel Martínez Soler Meter la gamba Put The Shrimp

74 Isabel Tallos

Notodo FilmFest

88 Torreznos 94 23 Pandoras Portada por // Cover by: Miguel B. Núñez

[

INFORME

GRUPOS NOVELES

humanize

ESPAﾃ前LES

Segunda Parte

REPORT

[

OF NEW SPANISH BANDS

Part Two

¿Crisis? ¿Qué crisis? Crisis? What crisis? Por // By: Gonzalo Marcos

1. Habéis sacado vuestro primer disco el año

pasado pero, ¿qué podéis contarnos del grupo hasta este momento?

1. You released your first album last year, but what can you tell us about the band until this moment?

2. ¿Habéis quedado satisfechos primero con

2. Were you first satisfied by the artistic result of the album and then with its repercussion?

3. Se habla mucho de la crisis de la industria

3. There is a lot of talk regarding the economic crisis and the music industry. Was it easy to record, produce, edit, distribute and promote your album?

el resultado artístico del disco y después con su repercusión?

musical. ¿Ha sido fácil grabar, producir, editar, distribuir y promocionar el disco?

4. ¿Qué esperáis del año que empieza? 5. ¿Qué otros grupos españoles nos recomendáis? ¿Os sentís cercanos a alguno de ellos?

4. What do you expect will happen this coming year? 5. What other Spanish bands do you recommend? Are you close to any of them?

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COHETE

Cohete (Micro-Macro)

1. Pues que ha sido un año muy intenso, sin lugar

a dudas. Después de luchar mucho por tener el disco en la calle, crear nuestro sello discográfico y contar con una distribuidora, nos hemos centrado en tocar en directo y presentar el disco allí donde pudiéramos. This has been a very intense year, no doubt about it. After trying too hard to get our album released, create our own label, and find a distribution company, we have focused on live performances, presenting the album wherever we could..

2. No sólo estamos satisfechos con el resultado

del disco, sino también con lo que ha sido todo el proceso de creación. Creemos que en este tiempo hemos madurado individualmente como músicos y también como banda. Por otra parte, no hay que olvidar que cuando uno se autoedita y tiene que hacer TODO, el esfuerzo es muy grande pero también lo es la satisfacción de haberlo hecho bien. Y a nivel de repercusión mediatica no podríamos estar más contentos: todas las críticas han sido buenas y el disco figura ya en alguna lista de lo mejor del 2009... En cuanto a la repercusión en las ventas sí que podríamos estar más felices. We are satisfied not just with the results, but also about the creative process. We think that we have been individually maturing as musicians and also as a band. In addition, when something is self-edited, the band must do ALL the work, and that means a greater effort, but the satisfaction of getting it is equally great. As for the mediatic impact, we could not be happier: we have received positive criticisms, and the album is now considered one of the best of 2009... Regarding the sales, we could be happier.

3. El panorama musical está cambiando y al igual

que se consume música de diferente manera, hay que plantear diferentes maneras de llevar a cabo los proyectos. En nuestro caso la autoedición fue la opción. Lo que sí está claro es que un grupo no puede abarcar todo... cosas como la distribución y la promoción hay que sacarlas fuera.

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The musical scene is changing and music is consumed in a different way. It is necessary to find new forms of projects development. Self-editing was our choice. It is clear that a band cannot cope with everything... things as distribution and advertising need extra help.

4. El año 2010 empieza muy bien, con una agenda

de conciertos amplia y variada, que nos mantendrá entretenidos hasta mayo. Esperemos que se mantenga así y poder acudir a los festivales de verano. En cuanto a nuestros objetivos para el 2010 y lo que esperamos de este año, dejar configurada la sección de vientos y empezar a trabajar en el segundo disco 2010 starts really well, with a concerts agenda quite complete, and it will have us busy till May. We hope it continues like that so we are able to be present at summer festivals. As for 2010 wishes and goals, to prepare a wind section and start working in our second album.

5. Hay muchos grupos que están haciendo cosas

muy originales y si hubiese que buscar un punto en común o de cercanía con ellos sería la inquietud por hacer cosas que te gusten al margen de clichés o modas. Tarántula, Punsetes, Margarita... son grupos que tienen que estar en este elenco. Pablo Cobollo ha sacado un CD doble chulísimo, psicodelia para toda la familia (aunque no para todas las familias) y Los Claveles son la Velvet Underground pasada por el colador de los años 80 madrileños. There are lots of groups doing very interesting things and if we are asked to find something in common with any of them will be the interest about doing the things you like despite clichés or trends. Tarántula, Punsetes, Margarita... are groups that must be named here. Pablo Cobollo has released a double album that is really nice, psychedelia suitable for all the family (but not for all the families) and Los Claveles are a kind of ‘the Velvet Underground meets the 80’s Spanish movida’.

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Foto // Photo: J.A.Areta Go単i

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EUREKA HOT IV World Champions (Gaztelupeko Hotsak)

1. Eureka Hot 4 nos formamos en 2005, yo había

tocado anteriormente en Atom Rhumba, Gotzon en Münsterland y Josu en Cyprinidians. Comenzamos como trío sin bajo y autoeditamos un cd con 6 temas, bajo nuestro nombre por aquel entonces, Eureka Hot 3. Forjamos nuestro sonido mezclando el lado más crudo de la musica negra y el punk que siempre nos ha gustado. Más adelante se sumó Zala al grupo ya que los nuevos temas iban pidiendo más y más bajo. Ya como cuarteto fuimos mejorando nuestro directo y componiendo nuevos temas hasta decidirnos a grabar “World Champions”. Actualmente estamos presentando el disco en directo... la verdad es que cada vez sonamos mejor y la gente se lo pasa bomba en los conciertos. Eureka Hot 4 formed in 2005, I have been playing with Atom Rhumba, Gotzon in Münsterland and Josu in Cyprinidians. We started as a trio without a bass and we self-edited a 6 track cd under our name then, Eureka Hot 3. We begot our sound fusing the rawest side of black music and the punk we always loved. Later Zala joined, as the new songs needed of a bass line. As a quartet we start to improve our live performances and create more material. Then we decided to record “World Champions”. Now we are presenting the album on tour... the truth is that gradually we sound better, and people really enjoy our shows.

2. Estamos muy satisfechos de cómo ha quedado

el disco. Martin del grupo bilbao-bonaerense Capsula nos ayudó con la producción artística. Las bases fueron grabadas en el estudio Tio Pete en un fin de semana y el resto de elementos los hicimos en su estudio. Finalmente la mezcla y mastering fue realizada por Santi Garcia en Ultramarinos Costa Brava. Santi ha hecho una mezcla muy potente y a la vez definida de los temas con lo cual el producto final es brutal, temas “10” con sonido-cohete. A parte el tema de la presentación ha acabado de darle el toque de “disco para toda la vida”... lo hicimos en el estudio donde trabajo, Vudumedia. Altamente recomendable es la edición en vinilo, editada por Gaztelupeko Hotsak junto al CD. We are quite satisfied about the album. Martin, from Capsula, helped us with the art work. Tracks were recorded at Tio Pete studio during a weekend and the rest were played and added also there. Finally the mixing and mastering were the work of Santi Garcia at Ultramarinos Costa Brava studios. Santi has done a very powerful and defined mix of the songs and the resulting product is amazing. A+ tracks pure

cohete sound. Also, the editing touch has provided the album with an everlasting signature... we made it in my studio, Vudumedia. Highly recommended is its vinyl edition, edited by Gaztelupeko Hotsak together with the CD.

3. El disco está recibiendo buenas críticas por

parte de crítica y público lo cual nos satisface... todos sabemos que hoy en dia vender mucho es prácticamente imposible. La parte que más se nos escapa es la de la promoción.. hacen falta buenos contactos y localizar los canales en el momento adecuado. Por lo demás nuestro sello tiene hoy por hoy buena cobertura de distribución, afortunadamente, pudiéndose encontrar en grandes superficies tipo fnac además de tiendas más especializadas. The album is being praised both by critics and public, what satisfies us... we all know that selling a lot of records is almost impossible nowadays. The most difficult part for us is the promotion issue... you need good contacts and find the paths at the right moment. Apart from this, our record label has a good distribution coverage, luckily... making possible for the album to be in places like Fnac or the kind, or more specialized shops.

4. Nuestras esperanzas para este año sería cubrir

estas carencias de difusión y promoción aparte de continuar preparando nuestro próximo disco. Seguir presentando nuestra propuesta por toda España, Europa y donde se tercie. Our wish for this year would be to cover the lack of management and promotion, as well as to continue the preparation of the next album. And also to continue our project around the country, Europe and wherever the opportunity arises.

5. Nuestras recomendaciones serían Munlet, el

Fabuloso Combo Espectro, Ornamento y Delito, Los Brebes, Lobo Eléctrico, los Paniks, Los Chicos, Crapulesque... Te comento grupos que nos molan porque tienen actitud, o porque tienen algo propio que contar en vez de ser clones de la última sensación de la temporada Our recommendations would be Munlet, El Fabuloso Combo Espectro, Ornamento y Delito, Los Brebes, Lobo Eléctrico, Paniks, Los Chicos, Crapulesque... Those are some of the groups we like because they have attitude, or have something of their own, instead of being clones of the season’s last sensation.

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EXTRAPERLO

Desayuno Continental (Mushroom Pillow)

1. Hace tiempo que existimos como grupo pero

no lográbamos mantener el interés en nuestras propias canciones, por eso no habíamos editado nada antes. “Desayuno Continental” es un disco que estuvimos pensando durante un año y que trabajamos mucho en casa, hasta que finalmente escogimos once canciones que podían resumir un universo amplio y a la vez determinado. Posteriormente, tuvimos la suerte de grabar un single compartido con The Ruby Suns que editó Doble Vida (un sello de Barcelona). De hecho, intentamos estar siempre activos y nos parece interesante el hecho de sacar singles con canciones inéditas. Recientemente, hemos grabado una versión de “Sáhara” de Rafael Medina, un cantante español de los años 40. It is a long time since we formed as a group but we could not maintain the interest level in our songs, that is why we did not edit anything before. “Desayuno Continental” is an album that we were thinking of about one year, and it was really worked on, till finally we chose eleven songs that could summarize a wide, though specific, universe. Then, we were lucky enough to record a shared single with The Ruby Suns, which was edited by Doble

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Vida (a label from Barcelona). In fact, we try to be active and we are keen on releasing singles with inedited tracks. Recently we have recorded a cover of “Sáhara”, a song by Rafael Medina , a Spanish singer from the 40’s.

2. Estamos satisfechos con el resultado pero

distinguimos muy bien las carencias, las cosas que no repetiríamos de la producción; algunas por el mero hecho de hacerlo diferente y otras porque tenemos la sensación de habernos quedado a medias con nuestra propia idea. Por otra parte, intentamos no pensar demasiado en la repercusión que haya podido tener el disco, no creemos que eso tenga que ser muy significativo para un grupo que quiere actuar sin prejuicio alguno, de hecho nos sorprendió mucho que nos editaran en Japón. We are satisfied with the results but we know the lacks, the things we would not repeat regarding production; some of them just for the sake of making things in a different way, and other things because we feel half way from our original idea. Anyway, we try not to think too much about the album impact, as we do not find it significant for a group that aims to work without prejudices, in fact we were really surprised when the album was edited in Japan.

3. Vemos la supuesta crisis de la industria musical

como un nuevo escenario lógico en el que los grupos tienden a tener el control sobre sus propios discos. Los sellos venden menos y tienen menores recursos a la hora de afrontar las producciones, quizás sea el momento de que los grupos aporten medios para grabar los discos y sean también copropietarios de los másters. Para nosotros no fue difícil grabar porque nunca buscamos un sello, lo íbamos a hacer todo nosotros. Pero finalmente hablamos con Mushroom Pillow y Ártica, y estamos contentos con su trabajo. Creemos que ellos están aprendiendo a renovarse al verse arraigados a un mercado que está quedando obsoleto. Quizá esa sea la ventaja de los sellos independientes, puede que tengan más capacidad para adaptarse a las nuevas circunstancias We see the musical industry crisis as logic new scenario in which groups now tend to control their own productions. Labels sell less and have fewer resources to face productions, so maybe this is the moment for bands to provide the means for recordings, being thus the masters co-owners. For us it was not difficult to record because we need not a label. We wanted to do everything by ourselves, but finally we contated Mushroom Pillow and Ártica, and we are happy with their work. We think they are all learning to update themselves, placed in a market system that is becoming obsolete. Maybe that is the advantage of independent labels; perhaps they are now more capable to adapt themselves to the new situation.

4. De momento hemos parado de tocar para

preparar un formato distinto de directo para el 2010, estamos aburridos de tocar las canciones siempre de la misma manera. Por otra parte, iremos unos días al Pirineo catalán para estructurar y arreglar canciones para nuestro segundo disco, que esperamos grabar este verano. Necesitamos tranquilidad y pensar solamente en eso. At the moment we are not performing as we are preparing a new live format for this 2010, we were bored of playing song in the same old way. Also we’ll stay some days at the Pirineo Catalan, to give shape and arrange new songs for our second album that hopefully will be recorded in summer. We need some peace to focus on that.

5. Os recomendamos muchos grupos españoles.

Primero de todo, uno que ya conoceréis: El Guincho. Nos sentimos muy cercanos a Pablo, por amistad y porque es el mejor músico y compositor que hemos conocido. Por otra parte, en Barcelona hay muchos grupos a los que nos sentimos muy cercanos: Veracruz, Joe Crepúsculo, Hidrogenesse, Delorean, Thelemáticos y todos los que aparecen en nuestro myspace. We recommend a lot of Spanish groups. First of all, one you already know: El Guincho. We feel really close to Pablo, not just in a friendly way but also because he is the best musician and composer we have ever met. Also, there are a lot of groups in Barcelona that we really love: Veracruz, Joe Crepúsculo, Hidrogenesse, Delorean, Thelemáticos, and all the ones linked in our myspace. s

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GUADALUPE PLATA Guadalupe Plata (Sociedad Fonográfica Subterránea)

1. Piernas rotas, algún ojo morado, latas voladoras y un cocodrilo que se lo comía todo.

4. Salud, paz y mucho pantano para los hombres que aman al señor.

Broken legs, some black eyes, flying cans, and a crocodile that ate everything.

Good health, peace, and lots of swamps for those who love God.

2. Mucho. Conseguimos epatar el pantanismo

5. The Awesome J´Haybers, The Hollers, Little

aunque buscábamos un poco mas de crudismo. Ya sabe, vuelta y vuelta. Quizá para la próxima tumba. A lot. We achieved to emulate the swamp thing though we were looking for something rawest. You know, rare. Maybe in the next tomb.

3. Quitando que casi se inunda el estudio, que el

barreñista sufrió una picadura de alacrán que casi lo deja fuera de este mundo y una bala perdida que atravesó al productor retrasando la grabacion, el resto ha ido rodado. Leaving aside that the studio almost get flooded, that the plumber suffered a scorpion sting that nearly puts him out of this world, and a stray bullet which got into the producer’s body –what delayed the recordings- the rest was a piece of cake.

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Cobras, Los Malignos, Los Creyentes, Los Granadians, Fabuloso Combo Espectro, La Urss, Los Chicos, Los Bikini Lovers, Midnight Wolf, Wau y los Arrrghs!!!, Furiosos del Ritmo... Amigos y amantes todos ellos. The Awesome J´Haybers, The Hollers, Little Cobras, Los Malignos, Los Creyentes, Los Granadians, Fabuloso Combo Espectro, La Urss, Los Chicos, Los Bikini Lovers, Midnight Wolf, Wau y los Arrrghs!!!, Furiosos del Ritmo... Friends and lovers all of them.

Foto // Photo: Carlos Jimena

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JOAQUĂ?N PASCUAL El Ritmo De Los Acontecimientos (El Ritmo De Los Acontecimientos)

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1. En realidad en 2009 sólo se distribuyó una edición limitada y numerada del disco que yo mismo envié a la gente que lo pidió desde mi casa. Si todo ha ido bien, en febrero estará disponible una edición para venta en tiendas de discos. Actually, in 2009 only a limited edition was distributed. I personally send it from home to all people who asked for it. If everything goes ok, a new edition for record shops will be out in February.

2. Me gusta mucho como suena el disco. Me

gustaba ya su sonido directo y crudo del estudio de Paco Loco en Cádiz, pero aun ganó más al hacer la masterización en los estudios Kadifornia también del Puerto de Santa Maria. En cuanto a la repercusión también muy bien. Por ahora la edición limitada ya la he distribuido toda y las críticas de la gente que ha conseguido el disco, amigos, prensa... también han sido muy buenas. I love the way the album sounds. I liked it already in its live and raw form back in Cadiz, at Paco Loco studio, but it has improved with the masterization at Kadifornia studios, also in Puerto de Santa Maria. Regarding the impact, everything’s fine too. By now the limited edition is completely distributed, and people’s opinions about the record, those of friends, press... have been quite positive.

3. En mi caso sí y espero que siga así a partir de la salida de la edición en febrero.

It was easy for me, and I hope the same for the February edition and the rest.

4. Espero que salga el disco y tocar, tocar mucho. I hope the album is soon released, and I want to play, play a lot.

5. Me ha gustado mucho los nuevos discos de

Anari, de Tórtel y he oído canciones de Parade, Pumuky o Joe Crepúsculo que también me han gustado. Espero poder escuchar pronto lo nuevo de Triángulo de Amor Bizarro.

Foto // Photo: Angela Pascual

I have really enjoyed the new albums from Anari, Tórtel, and I have also listened to songs by Parade, Pumuky or Joe Crepúsculo, which I have also enjoyed. I’m waiting for Triángulo de Amor Bizarro’s new work.

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LINDA MIRADA China Es Otra Cultura (La Cooperativa)

1. Pues que se trata de un proyecto individual

que acabó convirtiéndose en un trabajo lleno de colaboraciones. Un proyecto casero que tomó forma gracias a la ayuda de Bart Davenport. It was an individual project which ended up being a work of collaborations. A homemade project that took form thanks to Bart Davenport’s help.

2. Sí claro que sí. A día de hoy que no paran de

surgir bandas y mucha gente tiene acceso a mucha información tengo la impresión de que cierta sensación ha causado, al menos el disco se vende. Yes, of course. Nowadays new bands are continually emerging, and many people have access to a lot of information. I got the feeling that the album has made a good impression in a way, at least it is selling good.

3. Es difícil. Aunque uno crea que con internet todo el mundo tiene un mayor campo de promoción yo creo que las cosas siguen funcionando igual y los creadores de opinión tienen todavía mucha mano en lo que puede llamar o no la atención. Por otro lado las grabaciones; aunque uno pueda disponer de mayores medios que hace unos años para grabar en casa, para que un disco suene bien tienes que seguir invirtiendo. Yo estoy en una situación privilegiada porque trabajo en una

distribuidora pero veo el caso de muchos grupos que me preguntan que no lo tienen tan fácil. It’s difficult. Though one could think that internet provides with a wider scope of promotion, in my opinion things are working the same old way, and the opinion gurus still have much influence in what is in or out. Also, the recordings; despite having at home more resources than we had before, for a record to sound good it is necessary to keep on investing. I’m in a privileged position as a work in a distributor, but I’m aware of many goups’ situation, as they ask me for advice.

4. Estoy intentando montar una banda para tocar en directo.

I’m trying to form a band in order to play live.

5. Me gustan mucho los Punsetes y Anntona. Pero

bueno el único grupo que se me antoja destacar es la Costa Brava, para mí el mejor grupo nacional en los últimos 20 años, y el único que de verdad me ha podido influir al componer. I like Los Punsetes and Anntona a lot. But a group that I would like to place emphasis on are La Costa Brava, to me the best national group in the last 20 years, and the only one which has really influenced me as a composer.

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MAMUT

Amanece En Pekín (Subterfuge)

1. Pues somos y hemos sido un grupo muy acelera-

do; en poco más de un año y medio, nos ha dado tiempo a conocernos a través de foros de internet , hemos montado las canciones, grabado maqueta, firmado contrato con Subterfuge, grabado disco, hecho más de 16 conciertos de presentación e incluso hemos tenido cambios de formación. That we are and we have been quite an accelerated group; in less than a year and a half we have met each other through internet forums, we have arrange the songs, recorded the rough cut, sign with Subterfuge, recorded our album, give 16 presentation concerts, and even change the group’s line.

2. Con el resultado artístico del disco estamos

más que contentos, porque siendo un grupo muy reciente y con poca experiencia, creemos que el resultado es más que digno teniendo en cuenta los mimbres de los que partíamos, con lo cual no tenemos más que palabras de agradecimiento para Fino Oyonarte que es quien nos produjo el disco y ordenó las ideas que teníamos en mente cuando empezamos con esto. Además la portada de Miguel Gallardo y las colaboraciones de Joaquín Pascual, Eric de los Planetas y Clovis al completo es mucho más de lo que podíamos imaginar hace un año. Con respecto a la repercusión del disco, pues creo que bien, recibimos bastantes comentarios de gente a través de MySpace, hemos hecho bastantes entrevistas y algunas apariciones en blogs, y no nos faltan los conciertos, que para nosotros y en este momento es de lo que se trata. With the artistic result we are more than happy; despite being a quite new group and experienceless, we think the result is quite decent given our humble starting point. Due to this, we can just thank Fino Oyonarte who is our producer, and the one who ordered our ideas when we started with all this. Also, the artwork by Miguel Gallardo and the collaborations of Joaquín Pascual, Eric (Los Planetas) and Clovis, is much more of what we could imagined a year ago. Regarding the album impact, I think it has been a good one, we receive many comments on Myspace, we had quite a few interviews, and blog citations, and we are not short of concerts, that is what this is about.

3. Para nosotros fue relativamente fácil, porque

nos encontramos con Subterfuge incluso antes de tener el grupo montado, con lo cual contando con un respaldo así, todo es mucho más fácil. La crisis

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de la industria musical es una putada para los que somos consumidores compulsivos de música porque la escasez de medios hace que hayan muchísimas cosas buenas que se quedan por el camino o que no tienen la repercusión suficiente para que te enteres de que existen, o que se graben cosas sin medios penalizando el sonido. Si aún en un entorno tan jodido salen constantemente tantos grupos y discos tan buenos, imagínate si la industria no estuviese en crisis. Además, la crisis de la industria, implica entre otras cosas que se produce un abaratamiento de los costes de producción, cosa que molesta bastante porque escuchar música en mp3 me parece aberrante. Que un disco suene bien, esté bien grabado y mejor producido es muy importante. For us it was more or less easy, as we found Subterfuge even before the group was complete. With a support of the kind, everything is much easier. Musical industry crisis is a shit for people who, like us, are music compulsive consumers. Shortage of means leave many good things on the way, or artists which have not enough advertisement for you to know of their existence, or many things that are poorly recorded due to lack of resources. If in such a crap of situation there are still so many new bands and so good albums, try to imagine if the industry were not in crisis! In addition, industry crisis means, among other things, that production costs fall, something that bother me a lot, as I consider unnatural listening to mp3 format. For an album to sound good it is essential that is well recorded and better produced.

4. Como mínimo, esperamos hacer tantas cosas

como hemos hecho en el 2009. De momento, hay que consolidar al grupo y más adelante tenemos idea de grabar un segundo disco. Además, queremos dar todos los conciertos que se nos pongan por delante, y nos ronda por las cabezuelas una idea de bombero consistente en meter en el grupo a 4 ó 5 músicos más (ahora mismo sólo somos 8) para ocasiones especiales. Tenemos confianza en que algún festival nos quiera este verano y podamos estrenar esta formación orquestal. At least we aim to do as many things as we did in 2009. Right now, the group must be consolidated and later on we have in mind a second album. Also, we want to play as many concerts as possible, and there is in our little heads a crazy idea about having other 4 or 5 members (we are 8 by now) for special occasions.

5. Grupos que esté escuchando recientemente:

Joaquín Pascual, Tórtel, Klaus and Kinski, La Bien Querida, Templeton, Napoleón Solo, Cohete, Lidia Damunt, Clovis, Linda Mirada, Como Vivir en el Campo, Anntona, Baltimore, Coffee&Wine... Groups I have been lately listening to: Joaquín Pascual, Tórtel, Klaus and Kinski, La Bien Querida, Templeton, Napoleón Solo, Cohete, Lidia Damunt, Clovis, Linda Mirada, Como Vivir en el Campo, Anntona, Baltimore, Coffee&Wine...

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Maneras de sobrevivir

Nick Garrie Ways to Survive

Por // By: Gonzalo Marcos

Traducción // Translation: Eugenia Fernández

30 de Diciembre de 2009: Nick Garrie tiene sesenta años y toca esta misma noche en la Nave de Terneras del antiguo Matadero de Madrid. El concierto es parte de las actividades del Festival Alta Fidelidad y seguirá a la proyección de la película que le da nombre y a una -insustancial- charla sobre la relación entre la literatura y la música pop. El lugar es grande y Nick se mantiene en el extremo opuesto del recinto al escenario, de pie, solo, apoyado contra la pared y como aquél que pasa por allí: “Tengo confianza en Elefant Records, si me llaman para tocar en algún sitio por muy extraño que parezca voy. Estuve en Andorra de Teruel, en el Easy Pop Weekend, toqué con Pigmy (ex-Carrots, hicimos siete canciones juntos) junto a Ladybug Transistor, que ya les conocía de Nueva York, y fue un verdadero placer.” 30th December 2009: Nick Garrie has turned sixty and tonight he is playing at the Nave de Terneras (Antiguo Matadero, Madrid). The concert is part of the shows of the Festival Alta Fidelidad and will be following the projection of the film which gives the title to the festival (High Fidelity), and a dull talk on the relationship literaturepop music. The place is big and Garrie stands at the bottom, alone, resting against the wall, as one who is passing by: “I trust Elefant Records, if they call me to play anywhere, no matter how odd the place may seem, I go there. I was at Easy Pop Weekend in Andorra (Teruel) I played with Pigmy (ex-Carrots, we played seven songs) together with Ladybug Transistor - I already met them in New Yorkso it was really a pleasure.”

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Por fin tras muchos años de desencantos Garrie parece haber encontrado su sitio en esto de la música. Y hay que agradecérselo al sello madrileño que le ha hecho recoger la confianza necesaria para primero publicar un disco, “49 Arlington Gardens”, y después acceder a la reedición de su disco maldito, “The Nightmare of J.B. Stanislas”, que no vendrá solo: “Ahora Elefant vuelve a editar Stanislas y he escrito un pequeño libro en donde cuento un poco la gestación y los problemas que tuve con éste. Y al escribirlo me di cuenta de por qué escribo canciones, y lo hago claramente para mí, para darle sentido a las cosas, sin ninguna voluntad comercial.” Finally, after all the disenchantment years, Garrie seems to find his place in the music scene. And we must thank that record label in Madrid which has persuaded him to release 49 Arlington Gardens, besides accepting the re-edition of his fatidical The Nightmare of J.B. Stanislas, which will not come alone: “Elefant re-edits Stanislas and I have written a little book about the record creation and the problems around it. When I finished I realized why I do write songs really, and the reason is me, I need to see the point of everything, it has nothing to do with commercial reasons.” 1969: Un joven inglés llamado Nick Garrie cumple veinte años. Se ha criado en Francia: “Fui solista en una iglesia durante bastante tiempo cuando era muy pequeño pero no fue hasta que me fui a París que grabé mi primer disco Stanislas, que nunca salió.” Esto no es exactamente cierto, el disco es editado por DiscAZ tras ser producido por Eddie Vartan con el acompañamiento de una orquesta de casi sesenta músicos. Garrie odia la pomposidad de los arreglos desde el principio, acostumbrado a cantar con el único apoyo de su guitarra acústica: “Nunca me gustó la producción del disco. Fue muy duro porque el productor era muy agradable, un buen tipo, pero yo es que ni reconocía las canciones que había escrito. Eso no eran mis canciones. Salvo la última, “Evening”, en la que Vartan, harto de mis quejas, me dejó hacer lo que quise. Largué a toda la orquesta menos a un trompetista llamado Ronnie Buttacavoli, la hicimos juntos y fue la única canción que salió como yo esperaba”. 1969: A young British man called Nick Garrie becomes twenty. He has grow up in France: “I was the lead singer in a church choir many years, when I was a child, but it was already in Paris when I recorded my first album Stanislas, which was never released.” That is not completely accurate. The album is edited by DiscAZ after being produced by Eddie Vartan, and a sixty musician orchestra collaborated in the recording. Garrie hates that ostentation from the beginning, being used to play just with his acoustic guitar: “I never liked the record production. It was hard because producer thought it was really nice. He was a good man, but I couldn’t recognize my own songs in it. Except the

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last one, “Evening”, in which Vartan, fed up with my complaints, let me had my way.en la que Vartan, harto de mis quejas, me dejó hacer lo que quise. I tell the whole orchestrestra to go, except trumpet Ronnie Buttacavoli. We made it together and was the only song I was proud of.” Sin embargo el suicidio de Lucien Morisse, dueño del sello, provoca que la tirada sea mínima y la promoción nula. Pasa pues desapercibido a pesar de ser sin duda alguna uno de los discos más bellos e inquietantes de finales de los años sesenta. Un disco maduro, melancólico, con un ojo en la psicodelia y otro en la chanson francesa: “Escribo de diferentes maneras, en general tiendo a ser bastante romántico, nostálgico. Me crié en Francia así que escuchaba también a Brel, Brassens, Moustaki... y gracias a ellos comprendí que la letra tenía que entrar justo en la nota. No te puedes perder como con el inglés. La letra debe de vivir sobre la nota e iluminarla.” Curiosamente con el tiempo va creciendo el culto entorno a estas grabaciones, llegando a pagarse 1200 euros por una copia original de las mismas. Nick no volverá a escuchar estas canciones hasta la reedición del disco por Rev-Ola ¡en 2005! However, Lucien Morisse’s suicide, label owner, blurred promotion and shortened edition. The album becomes underrated despite being one of the most beautiful and disturbing works of the late seventies. A mature, melancholic record, with an eye on psychedelia and other on French chanson: “I write in different ways. In general I tend to be quite romantic, nostalgic. I grew up in France so I listened to Brel. Brassens, Moustaki... thanks to them I undertand that lyrics must fit notes. You cannot mess around as in English. Music must support words and the latter are to illuminate it all.” Curiously time brings cult to those recordings, and originals are sometimes sold by 1200 euros. Nick Garrie would not listen to these songs until they are re-edited by RevOla... in 2005! “Y decidí dedicarme a otras cosas. Realmente siempre estuve mal con DiscAz, me desencanté mucho del primer disco, con tanta charla, tanto parloteo para que luego ni siquiera saliera. Soy un hombre bastante activo y rápidamente entendí que esta historia había terminado para mí. Monté escuelas de esquí en Francia y sobre todo en Suiza, me dediqué a ello durante una veintena de años”. “I decided to set my mind in other things. I was in really bad terms with DiscAz, I was very disappointed with the first album, all that chatting and finally nothing came of it. I’m quite active and I quickly realized that all that was over to me. I started up some ski schools in France and mainly in Switzerland; I was in it for twenty years.”

1984 y 1993: Corren los años ochenta y surge la oportunidad de grabar un segundo disco, “Suitcase Man”, esta vez bajo el nombre de Nick Hamilton: “Firmé un contrato con Francis Lai y me insistió en que cambiara el nombre para no tener problemas con la antigua compañía. De hecho quería que me llamara Nick Martin. ¡Qué horror! Hamilton era el verdadero apellido de soltera de mi madre así que acepté”. Un disco que no contiene la magia del primero, pero que permite al autor grabar de manera desnuda, a su manera. Tampoco es un disco de éxito y provoca una nueva huída de la industria musical de nuestro nómada protagonista. Sin embargo le permitirá cumplir uno de sus sueños: “Recuerdo con mucho cariño la gira que hice teloneando a Leonard Cohen. Él realmente me trató como si fuera su primo pequeño y me ayudó a entender cómo tratar al público. Desde entonces cambié mi manera de cantar en directo. Ahora escucho al público, le atiendo, tengo mucho cuidado.” Y añade: “Yo realmente nunca he dejado de cantar, jamás he abandonado la música a pesar de la creencia de muchos”. Casi diez años después, Nick graba su tercer disco, “The Playing Fields”, segundo como Nick Hamilton. De nuevo un disco reposado, austero, grabado sólo con la compañía de Peter Vetesse. Sin tener tampoco demasiada repercusión, le permite hacer una extensa gira por Japón y Corea con la banda de Francis Lai. 1984 y 1993: During the eighties there is a second chance for recording. Suitcase Man appears under the name of Nick Hamilton: “I signed a contract with Francis Lai and he insisted on changing my name to avoid lawsuits with the previous company. In fact he wanted me to appear as Nick Martin. Damn! Hamilton was my mother’s maiden name, so I accepted.” A record lacking the magic of the previous one, but that allows Garrie to record it his way, in a bare way. It was not a successful album either, and that meant a new escape for our nomadic artist. However, he was able to fulfill one of his dreams: “I remember with great affection my tour supporting Leonard Cohen. He really treated me as a little cousin and helped me to understand how to communicate with the public. From that moment I changed my way of singing. Now I listen to the audience, I take care of it, I’m quite heedful.” He adds: “I have never stopped singing, I have never abandoned music despite some may say the contrary.” Almost ten years after, Garrie records his third album, The Playing Fields also as Nick Hamilton. A serene album, too, just accompanied by Peter Vettese. It had not too much impact, but Nick toured Japan and Korea with Francis Lai’s band.

Gardens” que grabaría años después. Y al poco, la revelación: “Yo no tenía idea alguna de que se había formado tanto culto alrededor del Stanislas. Aluciné al enterarme que había tenido éxito, me pareció una historia de locos. Yo seguía tocando alguna de las canciones. De hecho “Deeper tones of blue”, sabía que era una canción bonita, siempre pensé que alguien algún día haría algo con ella.” Y ha conseguido reconciliarse con aquellos tiempos: “Sí, ahora he vuelto a tocar aquellas canciones y lo hago a mi manera. Hace poco abrí en Londres para Camera Obscura y me encontré con un profesor, ¡como yo!, -Nick Garrie es actualmente profesor en una escuela infantil en Inglaterra- y tocó conmigo. Ahora cuando hacemos directos en Londres lo hago acompañado de él y retoma los elementos de Stanilas al teclado pero sin toda la pomposidad de aquél”. 2002 - 2009: In these years Garrie’s career gave a volte-face. He recorded “Twelve Old Songs” with Portuguese musicians, a review of ancient songs without great arrangements; the advance of what will be 49 Arlington Gardens, some years later. And soon, the revelation: “I haven’t got any idea of the cult movement surrounding Stanislas. I was amazed at his impact, it was a crazy thing. I still played some of its songs. In fact, “Deeper Tones of Blue” was a nice song to me, I always knew I would do something out of it.” And he has overcome those years: “Yes, now I’m playing again all those songs and I do it my way. Not long ago I opened the stage for Camera Obscura and I met there a professor, just like me! -Nick Garrie is nowadays professor in an elementary school in England- and he played with me. Now when we play live in London he accompanies me playing the keyboard, reintroducing elements from Stanilas but without that pomposity.”

2002 - 2009: Es en la primera década del milenio cuando la carrera de Garrie da un giro de 180 grados. Primero graba “Twelve Old Songs” con músicos portugueses, una revisión de canciones antiguas sin la ornamentación anterior: la verdadera anticipación al enorme “49 Arlington

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Finalmente Rev-Ola reedita por fin el álbum perdido. Y, como siempre, Garrie tiene algo que contarnos al respecto: “Hice un concurso de cantautores y gané. El premio era básicamente una web en internet. De repente la gente se dio cuenta de que el autor de Stanislas seguía vivo y me escribieron muchísimas personas. Tuve al menos seis o siete ofertas para reeditarlo. Yo no quería hacer sólo esto, ya que tenía otras canciones. El jefe de Rev-Ola me propuso ir a Escocia y presentarme a un grupo de buenos músicos de allí. Me fui para allá en unas vacaciones escolares y fue maravilloso. Estaban completamente implicados, entusiasmados con las nuevas canciones.” Y así nace “49 Arlington Gardens”, un disco a la altura del Stanislas, la gran obra maestra de Nick Garrie: “El disco nuevo prácticamente no tiene producción, suena a lo que es. Se hizo de manera completamente orgánica.” Finally Rev-Ola re-edits the lost album. And, as usual, Garrie has something to tell us about it: “I won a singers contest. The prize was basically a wesite on the net. Suddenly many people realized that Stanislas’ autor was alive and many of them wrote me. I had at least six or seven offers for the reedition. I wanted to release new songs as well. Rev-Ola manager invited me to Scotland and introduced me a fantastic group of local musicians. I went there for a holiday and it was wonderful. They were really involved, excited with the project.” And thus, 49 Arlington Gardens was born. An album just as good as Stanislas, Nick Garrie’s masterpiece: “The new album hardly has any production, it sounds just as it is. It was made in a totally organic way.” ¡Hasta el título del disco tiene historia!: “Estuve casado 21 años y me divorcié hace 3. Siempre es una desdicha muy grande, es duro. Estaba perdido, me fui, tenía todas mis pertenencias en el coche. Y llamé a la única persona que conocía en la ciudad, un compañero de mi antiguo equipo de rugby. Y básicamente salió con su mujer y me rescataron y dieron alojamiento. Esta pareja son los propietarios de 49 Arlington Gardens -¡que por cierto estaban en el concierto!-. Yo en esa época ni tocaba música ni hacía nada, estaba triste. Retomé lo de tocar justo allí y me dije: si vuelvo a hacer un disco se llamará 49 Arlington Gardens. De hecho dándole vueltas siempre algo grande en mi vida ha rodeado a la salida de mis discos. “Suitcase Man” lo hice tras el fallecimiento de mi madre, creo que es mi manera de sobrevivir.”

album, it will be called 49 Arlington Gardens. Something important out of my life has surrounded the released of my albums. “I made Suitcase Man after my mother’s death. I think this is my way to survive.” 30 de Diciembre 2009: Vuelta a la Nave de Terneras. Nick Garrie en el escenario solo con su guitarra, sentado, interpretando canciones de Stanislas con una voz portentosa. Me recuerda en todo momento a un Syd Barrett sereno, orgulloso y melancólico. Con “Wheels Of Fortune” y “Deeper Tones Of Blue” abraza la excelencia. Pero es que supera lo insuperable con las canciones nuevas: ¡qué animaladas “On a Wing and a Prayer” e “In Every Nook And Cranny”! Uno de los mejores conciertos del año, el penúltimo día del mismo. Además toca en el segundo bis “Twilight” dedicada a quien escribe estas líneas. Y tan contento que me fui. 30 de Diciembre 2009: Back to the Nave de Terneras. Nick Garrie on stage with his guitar, sitting there, interpreting songs from Stanislas, with an amazing voice. I think all the time of a calm Syd Barrett sereno, proud and melancholic. He reaches excellency with “Wheels Of Fortune” and “Deeper Tones Of Blue”. But he beats the unbeatable with his new songs: how incredible “On a Wing and a Prayer” and “In Every Nook And Cranny”are! One of the best lives of the year, precisely on the day before it comes to an end. Nick dedicated his second encore, “Twilight”, to this humble writer, so I left the place fully glad. Nos despedimos: “Encontré un escritor en Londres que me dijo que tenía que ir a la fiesta del 75 cumpleaños de Leonard Cohen pero como puedes imaginar, a mí no me van mucho esas cosas. Eso sí, le dije que le preguntara si se acordaba de mí. ¡Y en efecto, me recordaba perfectamente! Estas cosas dan verdadero placer. Es un hombre maravilloso, tenemos mucha suerte de que haya gente así en la música.” Y de que haya gente como tú, Nick. We said goodbye. “I met a writer in London who invited me to Leonard Cohen’s 75th birthday. As you may imagine, I don’t go along with all that. Anyway I asked him to tell Cohen if he remembered me, and indeed he did remember me! Those are the real things. Cohen is a wonderful man, we are lucky there are such kind people in the music scene.” And also people like you, Nick.

Even the title has its story!: “I was married for 21 years and I got divorced 3 years ago. That is always a misfortune, it is something hard. I was lost, I moved away, I had all my stuff in the car. The only person I knew around was an old rugby mate from school. Basically he came around with his wife and they rescued me and took me to their house. This couple are the owners of 49 Arlington Gardens –by the way the pair was at the concert!-. Back in these days I was so sad I did not do anything. I started then to play again, and I said to myself: If I ever do another

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Mis Discos Internacionales de la Década Puede que hayan sido los mejores años para el avispado melómano conectado a Internet: emules, torrents, rapidshares, spotifys y sobre todo, toneladas de información. Nunca fue tan corto el proceso entre el descubrimiento y la escucha de un grupo. Ni nunca fue mayor el desconcierto imperante en el panorama indie. Y sabiendo que estoy echando piedras sobre mi propio tejado, he de decir que la mayor plaga de desinformación-musical-masiva no ha provenido como suele decirse de los simpáticos blogs de aficionados a la escritura, sino de los medios oficiales. ¿Poca imaginación, pereza, falta de indagación? El colofón: ¿cómo puede ser que en las listas de lo mejor del año, de la década, aparezcan siempre los mismos grupos? Prometo que en esta no saldrán Animal Collective.

It’s posible that these last ten year have been the best for music lovers who are connected to the internet: E-mules, Torrents, Rapidshares, Spotifies and specially, tons of information. The process between discovering and listening to a band has never been shorter. Nor has the disconcerted ruling of indie music been greater. And knowing that I’m only a pot calling the kettle black, it must be said that the biggest massivemusical-disinformation plague has not come, as is often said, from those nice aficionado blogs, but from mainstream media. Laziness, little imagination, lack of research? The climax: How is it possible that the same bands appear on the lists of the best albums of the decade? You will not see Animal Collective on this list, I promise.

My conclusion: The two-thousands Mi conclusión: ¡qué buena música had great music! hemos tenido en los “dosmiles”!

My Favorite Albums of the Decade

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01 Wilco - Sky Blue Sky (2007) La banda más importante del planeta tocando el cielo. Suenan ambiciosos, progresivos, es un encuentro imposible entre Television (Nels Cline) y The Beatles (Jeff Tweedy). Y misteriosamente, es un disco incomprendido. The most important band in the planet playing in the sky. They sound ambitious, progressive, it’s an impossible encounter between Television (Nels Cline) and The Beatles (Jeff Tweedy). And mysteriously, it’s a misunderstood album.

02 Lucinda Williams - Essence (2001) Un álbum de falso perfil bajo. La maravillosa voz de Lucinda en primer plano y unos arreglos delicadísimos mezclándose de la mejor manera posible. El alma en cada canción. An album with a false low profile. A close-up of Lucinda’s wonderful voice and few delicately mixed arrangements in the best possible way. Soul in each song.

03 Lambchop - Aw C’mon / No You C’mon (2004) Kurt Wagner musitando pequeñas historias sobre el mejor countrypolitan imaginable. (Casi) toda la tradición musical de Nashville en un inabarcable doble LP. Mi disco preferido para salir a pasear. Kurt Wagner murmuring short stories over the best countrypolitan sound imaginable. (Almost) the entire musical tradition of Nashville in an unattainable double LP. My favorite album to listen to while out for a walk.

Teenage Fanclub - Howdy! (2000)

Algo pasa en Escocia que de ahí salen decenas de discos de pop precioso cada año. Y mucho tiene que ver en esto lo que han ido sembrando Norman Blake y compañía desde principios de los 90. “Howdy!” es su disco más luminoso, un milagro en technicolor. Something’s happening in Scotland, when so many beautiful pop albums are released each year. And a lot of it has to do with what Norman Blake and company have been sowing since the early nineties. “Howdy!” is more luminous, a technicolor miracle.

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Mike Viola - Lurch (2007)

Llevo dos años preguntándome cómo han podido pasar tan desaparcibidas las canciones de Mike Viola. Es pop-rock para todos los públicos con un ojo en Tom Petty y otro en Fountains Of Wayne acertando siempre en el centro de la diana. Por cierto, Viola es el tipo que cantaba aquel “That Thing You Do!” de The Wonders... I’ve been asking myself for two years how it’s possible that Mike Viola’s songs have been so overlooked. It’s pop-rock for all audiences, with a hint of Tom Petty and Fountains of Wayne, always hitting the target. By the way, Viola is the guy that sang “That Thing You Do!” for The Wonders…

Reigning Sound - Time Bomb High School (2002)

No iba a faltar en esta lista el disco de rock n’ roll más emocionante que he podido escuchar en estos años. Tres acordes, mucho soul y la garganta de Greg Cartwright al límite. Además contiene la balada más bonita del mundo: “I’m Holding Out”. There’s no way that I wasn’t going to include the most emotional rock n’ roll that I’ve listened to during the last few years. Three chords, lots of soul and Greg Cartwright’s throat to the limit. And it has the most beautiful ballad in the world, “I’m Holding Out.”

Milky Wimpshake - Popshaped (2005)

Pete Dale nos habla de anarquía, de amor o de tebeos como si le fuera la vida en ello. En “Popshaped” nos ofrecen canciones de amor para punkrockers y sacan el más especial de los discos twee posibles, ¡Milky Wimpshake son mejores que la cafeína! Pete Dale tells us about anarchy, love, and comics and if his life depended on them. In “Popshaped,” we get love songs for punk-rockers and release the most special twee albums: Milky Wimpshake is better than caffeine!

Neil Diamond - 12 Songs (2005)

Rick Rubin desnuda a Neil Diamond y le deja a solas con su guitarra, su voz y su edad. Y vaya, el resultado casi asusta: uno de los hombres más exitosos de la historia de la industria musical agarrando por el cuello a sus demonios y ofreciéndonoslos en forma de canción. Rick Rubin leaves Neil Diamond naked and alone with his guitar, voice and his age. And wow, the result is a bit scary: one of the most successful men in the music industry’s history grabbing his demons by the throat and offering it to us in form of songs.

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Daniel Darc - Crève-coeur (2004)

El ex Taxi Girl nos destroza literalmente el corazón en un disco durísimo e inclasificable cantado con la más frágil de las voces. Si Burroughs hubiese grabado un disco igual sonaba parecido a esto. The ex – member of Taxi Girl literally destroys our hearts with a harsh album and an unclassifiable singing using the most fragile of all voices. If Burroughs would have recorded an album, it would have sounded like this.

Harlan T. Bobo - Too Much Love (2006)

Harlan nos canta sobre una ruptura en su primer disco. Y lo hace con el corazón abierto, ya sea desgañitándose en canciones rock (“Too Much Love”) o meciéndonos en suaves melodías country (“Left Your Door Unlocked”). Lo suelta todo. Impresiona. Harlan sings to us about rupture in his first album. And does so with his heart open, whether it be yelling at himself in rock songs (“Too Much Love”) or gently rocking us with soft country melodies (“Left Your Door Unlocked”). He lets everything go. It’s impressive.

Bill Callahan - Woke on a Whaleheart (2007)

“We were swimming in the rivers of the rains of our days before we knew / And it’s hard to explain what I was doing or thinking before you.” Podría citar una docena de memorables versos en el disco más intrincado, juguetón y redondo de la carrera del enorme Bill Callahan. “We were swimming in the rivers of the rains of our days before we knew / And it’s hard to explain what I was doing or thinking before you.” I could cite dozens of memorable verses from the great Bill Callahan’s most intricate, playful and round album.

Gorky’s Zygotic Mynci - How I Long to Feel That Summer in My Heart (2001)

Los Gorky’s ofrecen un saco de nostálgicas canciones que recuerdan a los Love más reposados, a los Beach Boys del “Friends”... ¿hace falta decir más? The Gorky’s offer a bag full of nostalgic songs that remind us of the calmer side of Love, the “Friends” era of The Beach Boys… must I go on?

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Paul Steel - Moon Rock (2008)

El gran desconocido de la lista y el secreto mejor guardado de Inglaterra: un geniecillo de veinte años, componiendo y grabando todo él solito en su casa, y sonando imponente. Pop y psicodelia de todos los colores. Va a ser muy grande (aunque por ahora sólo se estén dando cuenta en Japón). The great unknown on this list and England’s best-kept secret: a 20-yearold genius, composing and recording all by his lonesome at home, with an imposing sound. Pop and psychedelic in every color. He’s going to be big (even though they’re only realizing this in Japan).

Nick Garrie - 49 Arlington Gardens (2009)

Vuelve Nick Garrie después de cuarenta años para grabar el disco que siempre quiso hacer. Un disco de autor, culto y sosegado. La mayor sorpresa del final de la década. Nick Garrie returns after forty years to record an album that he always wanted to make. An indie, cultured and calm album. The end of the decade’s biggest surprise.

Eugene Edwards - My Favorite Revolution (2004)

Seguramente el mejor disco de power pop clásico aparecido en los últimos diez años. No desmerece de los primeros trabajos de Any Trouble o Elvis Costello. Una gema. Probably the best classic power-pop album in the last ten years. It doesn’t detract from Any Trouble’s or Elvis Costello’s first albums. A gem.

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Y EL RITMO DEL GARAG

Reigning

AND GREG CARTWRIGHT

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GE DE GREG CARTWRIGHT

Sound

T’S GARAGE RHYTHM

Por // By: Héctor G. Barnes Traducción // Translation: Eugenia Fernández Pocos grupos han conseguido mantener a lo largo de la década que acaba de terminar un nivel tan alto como el conjunto de garage-punksoul de Greg Cartwright, un camino que les lleva del debut Break Up… Break Down al maduro Love & Curses, y que recorreremos en las próximas páginas. Few groups have been able to maintain during the past decade such a high level as the garage-punk-soul band of Greg Cartwright, something that takes them from their debut album Break Up… Break Down to the mature Love & Curses, which is reviewed in these pages. “Kids, they don’t know shit / They just want a hit / I don’t write hits / I wonder what happened / To the real songs.” —”Cry About the Radio”, canción escrita por Greg Cartwright, interpretada por

Mary Weiss // song written by Greg Cartwright, interpreted by Mary Weiss. Memphis, Tennessee, tierra de faraones. Ciudad conocida universalmente por ser la sede donde se localiza Graceland, ese mausoleo kitsch donde descansan los restos mortales de Elvis Presley, pero que es ante todo una de las encrucijadas más importantes de la música del sur americano, junto a Nueva Orleáns, Nashville o Austin. Fue allí, a orillas del Mississippi, donde Sam Phillips dio a luz al rock ’n’ roll, juntando country salvaje con blues frenético para su sello Sun Records, pero también donde pocos años después Stax Records dio forma al soul más puro de la década de los sesenta. En Memphis nació también Alex Chilton de la crucial banda pop Big Star, y es donde Al Green ejerce como reverendo cada domingo.

Memphis, Tennessee, land of pharaohs. A city universally known as the home of Graceland - a kitsch mausoleum where Elvis Presley had his final resting place - but above all, one of the major Southern music routes, near to New Orleans, Nashville or Austin. It was there where Sam Phillips gave birth to rock ‘n’ roll music, amalgamating the savage country with a frenzy blues for his label Sun Records. There too, where some years later Stax Records concocted the purest soul of the seventies. In Memphis as well Alex Chilton, member of the crucial pop band Big Star, was born; and there too Rev. Al Green preaches his Sunday sermon at Full Gospel Tabernacle.

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Rock’n’roll primigenio, soul descarnado y pop esplendoroso son los tres pilares sobre los que se asienta la carrera de Greg Cartwright, hijo pródigo del fecundo underground de la ciudad. Junto a Jack Yarber forma Compulsive Gamblers a comienzos de los noventa, combo de R&B-garage que desaparece en 1993 para dar paso a The Oblivians, ya con Eric Friedl. Es la era del grunge y el rock alternativo, frente a los cuales el grupo se erige como plaza de resistencia de las esencias del rock and roll añejo, el más crujiente y violento. Graban cuatro álbumes para Crypt Records, marca crucial del garage-punk de la década, con cuyo dueño Tim Warren tuvieron sus más y sus menos, parece ser que ya superados, al no pagarles todo lo correspondido por las grabaciones de Oblivians. Pristine Rock’n’roll, stark soul and radiant pop are the three mainstays of Greg Cartwright’s career, prodigal son of fertile underground of the city. Besides Jack Yarber, they form Compulsive Gamblers back in the early nineties, R&B-garage band which disappears in 1993 to bring about The Oblivians, now with Eric Friedl. It is grunge and alternative rock era, and facing both the band becomes a genuine rock bastion of resistance, the most violent and crusty. They recorded three albums for Crypt Records, an essential label to the decade’s garage-punk. It looks like its owner, Tim Warren, did not reward the band for their Oblivians recordings, differences that now seem solved. A finales de la década, con Oblivians disueltos, Compulsive Gamblers registran dos discos brillantes y complejos como son Bluff City (1999) y Crystal Gazing Luck Amazing (2000), el pistoletazo de salida para que Greg decidiese, en el nuevo milenio, dar un giro de timón y formar Reigning Sound. In the late nineties, when Oblivians dissolved, Compulsive Gamblers registered two

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Foto // Photo: Bully Rook impressive and complex albums, Bluff City (1999) and Crystal Gazing Luck Amazing (2000), starting signal for Cartwright to make a turn, in the new millennium, and form Reigning Sound.

Garganta blanca, corazón negro // White Throat, Black Heart El sonido de la nueva banda de Greg surge de la tensión entre dos tendencias aparentemente irreconciliables, que en su encuentro conforman la personalidad de un grupo que digiere la tradición musical de su ciudad como ningún otro. Por un lado, como herencia de sus anteriores grupos, el gusto por la crudeza, por abordar los géneros clásicos (R’N’R, soul, blues) en sus versiones más desnudas, casi deconstruídas. Y por otro, y esta es la novedad, la aspiración de Greg de convertirse un compositor de canciones clásico, de la vieja escuela podría decirse, de los que hacían del género un lugar para el reflejo de la experiencia del escritor. Ya Head Shop, el disco grabado bajo el nombre de Greg Oblivian & the Tip Tops (1998, Sympathy for the Record Industry) dejaba patenta su anhelo por ser un Roy Orbison (“Precious One”) o un Percy Sledge (“Twice As Deep”) sin adulterar, pero es Break

Up… Break Down (SFTRI, 2001), debut de Reigning Sound, toda una sorpresa para los fans de Oblivians. En su forzada placidez y coqueteo con alguno de los tópicos del country-rock termina resultando un trabajo algo fallido, pero un interesante primer paso hacia el sonido que Greg tenía en su cabeza. Greg’s new band sound arises from the strain between two apparently irreconcilable tendencies, that in their clash conform a unique band able to digests the city’s musical tradition like no other. On the one hand, they inherit from their previous groups a taste for the raw, for tackling classical genres (R’N’R, soul, blues) in their purest, almost deconstructed variants. On the other hand, and here comes the novelty, Greg aims to become a classic songs composer -old school one we could say- of the sort of those who make a writer’s experience place out of the genre. In Head Shop, the album recorded under the name Greg Oblivian & the Tip Tops (1998, Sympathy for the Record Industry), there is already a clear yearning for resemblance: Roy Orbison (Precious One) or Percy Sledge (Twice As Deep) without adulteration. But it will be Break Up… Break Down (SFTRI, 2001), Reigning Sound debut, the real surprise for all Oblivians fans. In its compellable placidness and

flirtation with country-rock topics, the album ends being a somehow flawed work, though an interesting first step towards the sound Greg had in mind. Un sonido en el que juega un papel fundamental el órgano de Alex Greene (en la banda hasta 2004), que tanto puede sonar como el Farfisa de un grupo de garage de los sesenta como convertirse en un Booker T. blanco o recordar a Garth Hudson de The Band. Una formación que se completaba con Greg Robertson a la batería y Jeremy Scott al bajo, músicos que significaron un soplo de aire fresco para un Cartwright demasiado acostumbrado a Friedl y Yarber. A sound in which Alex Greene’s organ (in the band until 2004) plays a crucial role. It could sound as a 60’s garage band Farfisa, now as a white Booker T., now resembling Garth Hudson from The Band. A group line that was completed with Greg Robertson (drums) and Jeremy Scott (bass), musicians that meant a a breath of fresh air for a Cartwright too used to Friedl and Yarber. Apenas un año después de la publicación del debut de la banda, Carwright terminaría de conformar por fin ese sonido que diese forma a su caleidoscópica personalidad con Time Bomb Highschool (In the Red, 2002), que parece la versión lo-fi, reducida, de aquellos discos que, como The River de Springsteen o London

Calling de The Clash, aspiraban a evocar toda la historia del rock en sus surcos. Hay aquí de todo y para todos los gustos, en el que probablemente sea el mejor trabajo de Greg hasta la fecha: rock’n’punk a la vieja usanza (“She’s Bored with You”, o la canción que da título al álbum), folk-rock (“Dressy”), baladas soul (“Wait and See”, una de sus mejores canciones) y lustrosas versiones de olvidados grupos como The Guillotines o The Gentrys. Barely a year after their debut was released, Carwright was totally in that sound which shaped his caleidoscopic personality. It was with Time Bomb Highschool (In the Red, 2002), the reduced lo-fi version of albums - like Springsteen’s The River or The Clash’s London Calling- which aimed to play all rock hisory in their grooves. A very complete work to suit all tastes, this is probably the best album to date: old-style rock’n’punk (“She’s Bored with You”, or the one entitled as the album), folk-rock (“Dressy”), soul balads (“Wait and See”, one of their bests) and luscious covers from forgotten groups such as The Guillotines or The Gentrys. Cuando todo apuntaba a que Too Much Guitar (In the Red, 2004) seguiría la senda de su predecesor, Alex Greene anuncia, tras completar el álbum en los estudios Easley-McCain, que abandona la formación.

Cartwright decide entonces regrabar algunas partes en formato trío en la tienda de discos de la que era propietario (Legba Records, más tarde reconvertida en Goner Records) con la ayuda de Alicja Trout y el tristemente recién fallecido Jay Reatard, ambos por aquel entonces miembros de Lost Sounds. Es su trabajo más sucio y desgarrado desde los tiempos de Oblivians, y un clásico del garage-punk desde el mismo día de su publicación. No hay en toda la década un inicio tan fulgurante y poderoso como el que forman “We Repel Each Other”, “Your Love Is a Fine Thing” y “If You Can’t Give Me Everything”. When everything pointed towards Too Much Guitar (In the Red, 2004) as the group continuation, Alex Greene announces his leave, right after the album was fully recorded at Easley-McCain studios. Cartwright then decides to re-record some material in a trio format, in the records shop he owned (Legba Records, later Goner Records) with the support of Alicja Trout and Jay Reatard -who recently sadly passed away-members of Lost Sounds. This was their dirtiest, heartrending work after Oblivians’ times, and a true garage-punk classic from the moment of its release. There is not such a blazing and powerful start in the decade, as the one brought about by “We Repel Each Other,” “Your Love Is a Fine Thing” and “If You Can’t Give Me Everything.”

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Algunas de las versiones alternativas de las primeras sesiones de Too Much Guitar verían poco después la luz en Home for Orphans (SFTRI, 2005), el hermano intimista y relajado de la explosión sónica de aquél, y que contiene una de los mejores temas de Cartwright, “Pretty Girl”. Dos discos en directo, Live at Maxwell’s (Telstar Records, 2005) y Live at Goner Records (2006) serán la última noticia discográfica de la banda durante un tiempo, mientras siguen girando con, entre otros, sus admiradores suecos The Hives. Some of the alternative versions of Too Much Guitar first sessions came out in Home for Orphans (SFTRI, 2005), the calmed, intimate brother of that sonic explosion which meant the previous album. The new album included one of Cartwright’s mater pieces: “Pretty Girl”. Two live recordings, Live at Maxwell’s (Telstar Records, 2005) and Live at Goner Records (2006), will be the last album new from the band while they tour, among others, with their Swedish admirers, The Hives.

Juegos peligrosos // Dangerous Games Pero la ausencia de nuevos temas de Reigning Sound no significa, por supuesto, que Cartwright dejase su hiperactividad a un lado. En septiembre de 2005, Arthur Lee de los legendarios Love, se mudaba a Memphis y fichaba a Cartwright, Greene y Yarber como sustitutos de Baby Lemonade, la que había sido su banda de acompañamiento durante los últimos años. La muerte de Lee en verano de 2006 nos dejó sin conocer los resultados del que habría sido uno de los encuentros musicales más decisivos de la década. The absence of new songs did not mean at all that Cartwright was setting aside his hyperactivity. In September 2005 Arthur Lee, from legendary Love, moved to Memphis and contacted Cartwright, Greene and Yarber to substitute Baby Lemonade,

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Lee’s band accompaniment for years. His death in summer 2006, left us without knowing the results from what would be one of the decade’s musical highlights. Pero poco después, Cartwright tendría la oportunidad de trabajar con otra leyenda de los sesenta, Mary Weiss, una de las componentes de Shangri-Las, la “girl band” que produjo George “Shadow” Morton. Recordadas por “Leader of the Pack” o “Give Him a Great Big Kiss”, eran las hermanas macarras de las Ronettes, probablemente el grupo de chicas más barroco de su época. Greg se enfrentaba a una gran dificultad como productor junto a Billy Miller y compositor de gran parte del disco: ¿cómo devolver a la vida a una artista tan vinculada a una época y una imagen tan concretas, tras casi cuarenta años al margen de la escena musical? Lo que en un primer momento termina siendo un acierto, que es separar a Weiss de su imagen de niña mala para acercarla a una cierta intermporalidad, termina siendo el fracaso del disco, pues en ningún momento éste supera el ejercicio de estilo de una mujer de sesenta años, que ni refleja la vida de una persona de su edad ni alcanza las cotas del drama adolescente de las Shangri-Las. Un sonido demasiado pulcro tampoco ayuda demasiado a un disco resultón si no se le buscan más pretensiones. Curiosamente, para quien critica la limitada voz de Cartwright, ninguna de las versiones de Weiss supera a las originales, como en el caso de “Stop and Think It Over”. But short after, Cartwright had the opportunity to collaborate with another legend from the sixties, Mary Weiss, member of the Shangri-Las, the girl band produced by George “Shadow” Morton. Remembered by “Leader of the Pack” or “Give Him a Great Big Kiss,” they were the Ronettes’ rowdy sisters, and probably the baroquest group of their time. Greg faced a great challenge as co-producer –besides Billy Miller- and composer of great

part of the album. How to bring back to life an artist so linked to a specific period and imaginary, after forty years of musical inactivity? What in a first moment seemed a wise move (the fact of separating Weiss from her bad girl image) ended being the project’s failure, as it neither surpasses the style of a woman of her age and personality, nor reaches the levels of Shangri-Las’ teenage drama. A too immaculate sound does not help an attractive and unpretentious album. Curiously, for those who criticize the limitations of Cartwright’s voice, none of the covers by Weiss exceeds the originals, as is the case of “Stop and Think It Over.” Love & Curses (In the Red, 2009) nos devolvió por fin el pasado verano una versión ampliada y mejorada de unos Reigning Sound demasiado tiempo desaparecidos. Es más de lo mismo, pero mejor, y se podría afirmar que por fin, Cartwright ha conseguido convertirse en ese clásico en vida que pretendía ser. Aunque recupera alguno de los temas presentes en el trabajo con Mary Weiss como “Break It” o “Dangerous Game”, una experiencia de la que aquí demuestra ha salido fortalecido, no hay nada en toda su discografía tan brillante y preciosista como “The Bells” ni tan sentido como “Trash Talk”, aunque por supuesto, no falten los momentos para la fiesta con su versión de Glass Sun “Stick up for me”. Love & Curses (In the Red, 2009) gave us back a fully recovered version of Reigning Sound, missed for a long time. Same old thing, but better. It could be said that Cartwright finally has become a classic, just as he wished. Though some of the songs of his collaboration with Weiss are skillfully recovered – “Break It”, “Dangerous Game”- there is no other song in all his discography as brilliant and precious as “The Bells”, or as heartfelt as, “Trash Talk”. But there are also moments of fun as it happens with their Glass Sun cover, “Stick up for me.”

Foto // Photo: Andy Junk

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Es una nueva encarnación de la banda, ahora mismo formada por Dave Amels al órgano, David Wayne Gay al bajo y Lance Wille a la batería, como resultado de la reforma que tuvo lugar después de que Greg se mudase recientemente a Asheville, en Carolina del Norte. This is the band’s reincarnation, now with Dave Amels (organ), David Wayne Gay (bass), and Lance Wille (drums), as the result of the last reform, which took place after Cartwright moved to Asheville, North Carolina.

esta década, cada colaboración de Greg en un álbum era una garantía segura de calidad. Aparte del ya mentado trabajo con Mary Weiss, han pasado por sus manos de productor grupos entonces noveles como The Cuts, The Horrors, Porch Ghouls, Mr. Airplane Man o los muy recomendables Deadly Snakes, además de leyendas del soul como André Williams. Each local scene usually has an main artist surrounded by the rest of artists there. Greg

Greg Cartwright doblará este mismo año la esquina de los cuarenta, y con tres hijos a su cargo, debe racionar su actividad en directo, ahora casi dedicada en exclusiva a Reigning Sound y unos recién reunidos Oblivians. Son tiempos de madurez para un espíritu que lleva veinte años intentando ser por siempre joven. Greg Cartwright will be forty this year, and having fathered three children, he must limit his live performances, as his spare time is entirely devoted to Reigning Sound and the newly refounded Oblivians. These are times of maturity for a spirit who has been feeling itself (for twenty years now) forever young.

Por sus Redondo Beat. Foto // Photo: Valerie Schneider colaboraciones los Cartwright has been that key conoceréis // By Their figure in Memphis for over twenty Collaborations You Shall years, though his grasp reaches Know Them the American underground in En cada escena local suele haber un artista alrededor del cual pivotan el resto de grupos de la misma, y Greg Cartwright ha sido ese centro neurálgico del Memphis de los últimos veinte años, aunque su radio de acción se extienda al underground americano en general. Durante

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general. During this decade, each of Cartwright’s collaborations was a security guarantee for an album. Apart from the mentioned work with Weiss, he produced starting bands such as The Cuts, The Horrors, Porch Ghouls, Mr. Airplane Man or the really worthy Deadly Snakes, but also soul legends as André Williams.

Pero también ha dado la alternativa en directo a conjuntos que de otra forma no habrían podido llegar a tocar en EE.UU., como ocurrió con la sensacional banda alemana de power-pop/ garage Redondo Beat. Su líder Roman Aul nos cuenta cómo fue su primer encuentro con Cartwright, y su admiración hacia él: “viajé a Holanda yo solo para ver a Reigning Sound, y cuando me presenté me reconoció, porque un amigo le había dado un disco nuestro y le gustábamos. Congeniamos y nos dejó acompañarle en sus siguientes fechas. Tocamos en Memphis con ellos porque King Kang BBQ Show se cayeron del cartel y les sustituimos”. ¿Cuál cree Roman que es la importancia de Greg en el panorama musical? “Mary Weiss le eligió para producir y tocar en su disco y grabó nueve composiciones suyas para el mismo. Creo que con eso está todo dicho.” Cartwright has also made possible for some groups to play in the USA, as was the case of the German power-pop garage band Redondo Beat. Their leader Roman Aul told us how it was when he first met Cartwright, and how he admired him: “I went to Holland alone to see Reigning Sound, and when I tried to introduce myself he already knew who I was, he told me that a friend has given him one of our records and he did like it. We got along and he allowed us to accompany him on tour. We played with them in Memphis when King Khan & BBQ Show cancelled their show and we substituted them.” How important is Cartwright’s legacy in the musical scene according to Roman Aul? “Mary Weiss chose him to produce and play in her album and Cartwright recorded nine compositions for her. That says it all.”

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DC GO GO Por // By: Nesa Nourmohammadi Fotos // Photos: Andrew Markowitz Traducción // Translation: Eugenia Fernández

Seis días a la semana funciona el Fat Tuesday’s, situado en Fairfax, Virginia, en las afueras de Washington D.C., como barrestaurante y espacio abierto. Esta noche, el popular garito de la universidad George Mason se transforma en un espectáculo de Go-Go y no del de bailar en jaula. Pero iremos por partes… Six days of the week, Fat Tuesday’s in the Washington D.C. suburb of Fairfax, VA serves the community as a popular restaurant and performing space. Tonight, the popular George Mason University hangout has been transformed into a GoGo -- and not one of the cage-dancing variety. But more on that later… Desde sus comienzos partiendo de la herencia creativa de Chuck Brown (al que se conoce cariñosamente como “el padrino del Go-Go”), este estilo, ahijado del funk, ha crecido hasta convertirse en toda una cultura que no solamente ha incorporado el sonido, sino también seguidores y lugar de origen, a una nueva macro actividad musical. Since its inception from the creative styling’s of Chuck Brown (affectionately referred to as “the Godfather of Go-Go”), the stepchild of funk has grown into a culture that not only incorporates its sound, but fans and location, into an all-inclusive, musical act.

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by the likes of Earth, Wind & Fire and George Clinton’s Parliament and Funkadelic (later united at Parliament-Funkadelic), Go-Go was founded in the latter half of the seventies. Building upon the already popular funk scene, Go-Go pushed the envelope further, notably through expanding the sound via an increased rhythm and percussion section. Not only did bass and drums become more prevalent, so did congas, keyboards and horns, among other instruments. En otras palabras, el funk y R&B se mezclan con una banda de instituto. In Layman’s terms, its funk and R&B meets high school drum line. “Es la esencia de la música en su forma más elemental,” explica Hammond. “Puedes identificar cada uno de los instrumentos que suenan. Eso es lo que esperas escuchar en el Go-Go… si suena sobrecargado y caótico, a lío saturado, eso no tiene mucho que ver con el Go-Go.” “It’s the essence of music in its rawest form,” Hammond further elaborates. “You can pinpoint every single instrument that’s being played. That’s what you’re listening for in Go-Go…if it sounds crowded and jumbled up, overloaded and messy, that’s not a good indication of Go-Go.”

“El Go-Go no es sólo música, es una experiencia”, nos dice Kevin “Kato” Hammond, experto en diferentes estilos dentro del género, aunque más conocido por su revista online Take Me Out to the Go-Go (TMOTTGoGo.com), ser miembro de bandas como Little Benny and the Masters o Proper Utensils, un programa semanal de radio en GoGoMusic. com y un cargo ejecutivo en Bag of Beats Records como responsable de Artistas y Repertorio. “Go-go is not just a music; it’s an experience,” said Kevin “Kato” Hammond, an expert of sorts on the genre, he is best-known for his online magazine, Take Me Out to the Go-Go (TMOTTGoGo.com), stints in local bands including Little Benny and the Masters and Proper Utensils, a weekly radio show on GoGoMusic.com and position at Bag of Beats Records as an A&R executive. Concebido en medio del apogeo funk de Earth, Wind & Fire y George Clinton’s Parliament and Funkadelic (posteriormente Parliament-Funkadelic), el Go-Go aparece en la última mitad de los setenta. Surgido de la ya famosa escena funk, el Go-Go fué más allá, principalmente por enriquecer el sonido con incrementos de ritmo y percusión. No solo se destacó el sonido de bajos y baterías, sino también el de las congas, vientos y teclados, entre otros instrumentos. Conceived in the midst of the funk heyday ruled

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Pese a cosechar algún interés por parte de Timbaland, Justin Timberlake, Chris Brown y otros artistas mainstream, la cultura y música Go-Go continúan siendo relativamente desconocidas fuera de lo que viene siendo el DMV (Distrito, Maryland, Virginia). Hammond cree que es una cuestión de geografía y logística. Resume la experiencia GoGo en una sencilla fórmula: una escala 1:1 entre audiencia y banda. Yet despite garnering an interest from the likes of Timbaland, Justin Timberlake, Chris Brown and other mainstream recording artists, Go-Go music and culture remains relatively unknown outside what is affectionately referred to as the DMV (D.C., Maryland, Virginia). Over the past 30 or so years, only a tiny handful of Go-Go artists have moderate success on the national front. Hammond believes it’s a matter of geography and logistics. He breaks down the Go-Go experience to a simple formula: a 1-to-1 ratio of band and audience. “Cientos de veces intento contar a la gente lo que es el Go-Go y no lo pillan,” cuenta Hammond. “Puedo hacer que lo escuchen, explicarlo, poner cintas y CDs... pero no podrán entenderlo a no ser que estén allí.” “Hundreds of times, I try and explain to people what Go-Go is and they really don’t get it,” said Hammond. “I can let them hear it, I can explain it, I can play the tapes and CDs…but they don’t unless they’re there.”

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De vuelta al Back at Fat Tuesday’s, la falta de espacio y un suelo lleno de cáscaras de cacahuetes no suponen obstáculo para el espectáculo en vivo de esa noche. Es justo lo que decía Hammond: el Go-Go puede estar en cualquier parte, mientras estén el público y la banda. Sobrevivimos al acto de apertura – una cacofonía de rock y rap al estilo Linkin Park y Limp Bizkit. El segundo grupo ofrece algo de espectáculo, pero es olvidado fácilmente. Back at Fat Tuesday’s, a lack of open space and a floor scattered with peanut shells cannot stop the evening’s live event. It’s just like Hammond said; a physical Go-Go can be anywhere, so long as the band and audience are. We have survived the opening act – a rap-rock cacophony akin to the likes of Linkin Park and Limp Bizkit. The second band provides some entertainment, but is instantly forgettable. A la nada ortodoxa hora de las 00:15, los cabezas de cartel suben al escenario. En estos momentos, Mambo Sauce parecen ser la representación de Go-Go con mayor repercusión mediática. El sencillo con más éxito del grupo, “Welcome to D.C.”, irrumpió en el billboard americano de HipHop y R&B, mientras su último disco, The Recipe, ha cosechado elogios por parte de la crítica, dando lugar a la nominación como mejor banda Go-Go en los Premios DMV de este año 2010. En el ámbito del directo, Mambo Sauce estarán muy pronto de gira, con una inminente actuación en el Harpers Ferry de Boston. At the unorthodox time of 12:15 A.M., the headlining act takes to the stage. At this time in the present, Mambo Sauce looks to be Go-Go’s biggest shot at mainstream success. The band’s hallmark single, “Welcome to D.C.” broke into the Billboard Hip-Hop/ R&B charts, while their latest album, The Recipe, has garnered critical praise, resulting in the group’s 2010 DMV Awards nomination for Best Go-Go Band. On the touring front, Mambo Sauce is about to take their act on the road, with an upcoming show at Harpers Ferry in Boston. Formada por Joi “JC” Carter (voz), Alfred “Black Boo” Duncan (voz rap), Patricia “Twink” Little (batería), Jermaine “Pep” Cole (percusión), Khari Pratt (bajo) y Chris Wright (teclados), Mambo Sauce combina una variedad de sonidos y géneros dentro de su estilo característico. Es por ello que cuando les catalogan simplemente como Go-Go (lo que ocurre a menudo), lo rebaten automáticamente. Composed of Joi “JC” Carter (vocals), Alfred “Black Boo” Duncan (rapper/vocals), Patricia “Twink” Little (drums), Jermaine “Pep” Cole (percussion), Khari Pratt (bass) and Chris Wright (keyboards), Mambo Sauce combines a variety of sounds and genres into their own unique flavor. So when the band gets labeled solely as Go-Go (which happens often), they are quick to retort.

“Es algo reducido (ser catalogados Go-Go), comenta said JC. “No nos gusta etiquetarnos como un estilo de banda concreto. Somos un grupo que hace buena música.” Según ellos, sus influencias pasan por el rock de No Doubt y Maroon 5, iconos de los ochenta Duran Duran, hasta las influencias hip-hop de los Fugees. De la guitarrera “Long Time Coming,” a la soulera y radiofónica “Miracles”, generan multitud de sonidos capaces de contentar al más exigente entre el público de sus conciertos. Decir que Mambo Sauce son una experiencia acústica única y ecléctica es quizás quedarse corto. “It is very much confining (being labeled as Go-Go), said JC. “We don’t like to be labeled as any type of band. We are a band that plays great music.” According to them, influences range from rock acts like No Doubt and Maroon 5, to eighties icons like Duran Duran and hip-hop’s own Fugees. From the guitar-laden “Long Time Coming,” to the soulful, radio-friendly “Miracles,” they churn out the sounds to appease the most stringent of concert goers. To say Mambo Sauce makes for a unique and eclectic listening experience would be an understatement. Cuando la banda reparte magia sobre el escenario, la energía se hace palpable abajo. Estás literalmente rodeado de gente que corea y baila los temas de manera contagiosa, asi que comienzas a saltar para no perder comba. Conscientes del ambiente, JC y Black Boo piden a algunos afortunados que les acompañen a las voces, antes de saltar ellos mismo al público y perderse en él. As the band works the magic on stage, the energy off it becomes palpable. Not only does the crowd surrounds you from all sides, their uninhibited dancing and singing become so infectious, you start jumping just to keep up. Well-aware of what they see, JC and Black Boo grab some lucky fans to join them on vocals, before wandering into the audience and getting down themselves. Al final de la noche, queda claro que siendo así de enérgico y agradable al oído, el Go-Go tiene potencial para mantener su espacio dentro de la escena global de la música. Pero ¿tendrá también la oportunidad de salir de Washington?, es más ¿dejará el Distrito que eso ocurra? At the end of the evening, it becomes clear that with such energy and easy listening, Go-Go has all the tools to take craft its own permanent spot in the global music scene. But will Go-Go ever have the opportunity to leave D.C.? Or even more, will D.C. let that happen?

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“Es genial ser comercial, porque es genial que te conozcan,” dice Hammond. “Pero a la vez, el Go-Go ha podido pasar sin eso… la gente se ha ganado la vida con ello, lo pasa en grande… que te conozcan a nivel nacional es increíble, pero sin eso, también lo sería.” “It’s cool to be mainstream, because it’s cool to be recognized,” said Hammond. “But at the same time, Go-Go has been able to strive without it… people have made a living off of it, big time…being nationally known is awesome, but if it doesn’t be, then so be it.” ¿Es el Distrito suficiente para Mambo Sauce? “Para nada, pienso que nuestra música es bastante potente… necesitaría ser escuchada en todo el mundo, no solo en Estados Unidos,” responde Twink tras el concierto. “Todo el mundo necesita oír nuestra música, porque creo que toca el corazón de la gente.” Is D.C. enough for Mambo Sauce? “Not at all, I feel like our music is so powerful…that it needs to be heard all over the world, not just the United States,” said Twink after the show. “Everybody needs to hear our music, because I believe our music has touched the hearts of people.”

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Black Boo se niega a dejar que su ciudad ensombrezca la banda. “A la gente le gusta decir que Mambo Sauce representa DMV, y eso es genial,” dice. “Pero al final, queremos representarnos a nosotros mismos. Si tiene que haber algún tipo de presión, sera la que nos impongamos nosotros.” Black Boo refuses to let his hometown cast a shadow over his band. “People want to say Mambo Sauce is representing the DMV, and that’s cool,” he said. “But all in all, we want to represent ourselves. If there’s any pressure, it’s the pressure we put on ourselves.” La fama mundial está al alcance tanto del Go-Go como de Mambo Sauce, pero lo que vemos ahora es un indicador de la privilegiada posición que esta cultura musical mantiene en la capital americana. Como el Congreso o la Casa Blanca, el Go-Go también es sinónimo de Washington. Mientras sigan existiendo grupos y la gente baile, el Go-Go seguirá mereciendo la pena. Global stardom remains to be seen for both GoGo and Mambo Sauce, but what can be witnessed serves as an indicator of the special hold this music culture has on the American capital. Like Congress or the White House, Go-Go’s become synonymous with its home. So long as the bands keep playing and the people keep dancing, Go-Go remains worth looking in to.

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METER LA GAMBA Manuel Martínez Soler

PUT IN THE SHRIMP Por // By: Gonzalo Marcos

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Traducción // Translation: Eugenia Fernández

Manuel Martínez Soler nació en 1984, vive en Madrid y tiene un blog // he was born in 1984, he lives in Madrid and he has a blog: http://medusasycerebros.blogspot.com Además de todas estas cosas tiene una dirección de correo electrónico por si quieres decirle algo // On top of all of these things, he has an email address, in case you want to say something to him: manuelmarsol@hotmail.com.

Le damos la palabra // He writes: Una amiga me dijo el otro día que tenía un problema con las gambas, porque siempre acabo metiendo una en muchos de mis dibujos. Lo que sí tengo claro es que a la plancha y con limón me encantan (y si es en Málaga mucho mejor). Supongo que también habrá algo recurrente en mi inconsciente con el fondo del mar, las conchas, las medusas, las algas… en el Mar Menor recogía caballitos de mar y conchas secas con mi hermana y mi padre que luego pegábamos en tablas que pintábamos todos juntos. Me pasaba horas con mi hermana buceando y pescando con un vaso de tubo y pan, muchas veces rodeados de medusas que me producían una mezcla de miedo y fascinación al mismo tiempo. Eso de alguna manera habrá quedado en lo que hago, siempre se respira un poco de mar. A friend told me the other day that she had a problem with shrimp, because I always end up putting them in lots of my drawings. What I do

know is that I love them grilled with lemon (and if it’s in Malaga, they’re much better). I guess there is something unconsciously recurrent about the bottom of the sea, the shells, jellyfishes, seaweeds... in Mar Menor I used to collect seahorses and dry shells with my dad and my sister, and then we glued them onto wood pieces and we all painted them. Together with my sister I spent hour and hours diving and fishing with a plastic cup and some crumbs, many of the times surrounded by jellyfishes I was both fascinated by and aghast at. Somehow all that remains in what I do, a piece of sea can be breathed. Casi siempre pinto todo de primeras, el error también juega y muchas veces es fundamental. Hacerlo así me aburre menos. Aunque a veces sea obligado pasar por un boceto, cuanto más ligero y esquemático mejor. Si “meto la gamba”, ¡no pasa nada! Prefiero tirarme a la piscina (o al mar, según se mire) incluso en una pared (cuando pinté la pared del restaurante de un amigo, creo que quiso matarme hasta que vio el resultado final). Almost always I paint in one go, wrong moves also count and most of the times are crucial. That way is less boring, though sometimes I have to use sketches, the more schematic and simple, the better. So if I make a blunder, it does not matter! I prefer ‘taking a dive’ (into the sea, if possible). Once, I painted a friend of mine’s restaurant wall... He wanted to kill me, until he saw the result!

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01 “Hombre pegado a una gamba, y a una cabeza, y a un pez…” Este dibujo salió de una mancha de pintura en un papel. Estaba mezclando colores y de repente vi una gamba (para variar). Como te decía, me gusta no tener ni idea de lo que estoy haciendo y descubrir formas de una manera entre aleatoria e intuitiva. Me resulta divertido encontrar un ojo, una nariz o una boca en cualquier lugar de una mancha. Generalmente, el resultado suele ser más original, o al menos inesperado para mí. Así salen formas que difícilmente se me ocurrirían antes de pasar al papel. ¿Qué significan la mayoría de mis dibujos? No tengo ni idea, porque muchas veces no parten de una intención muy clara al principio, voy encontrándoles sentido o forma según avanzo. Dicho todo lo anterior, tengo la sensación de que todo lo que quiera dibujar, todo lo que quiera explorar, ya lo intuyó Picasso mucho mejor. Desde él los demás sólo copiamos, creemos encontrar algo cuando él pasó por allí mucho antes. This drawing came out from a paint stain on a paper. I was mixing colors and suddenly I saw a shrimp (yes, again). As I said before, I like to be perfectly unaware of what I’m creating, so I discover new forms in an intuitive, fortuitous way. I believe it is funny finding an eye, a nose, or a mouth, out of a stain. Usually, the result is more genuine or at least, rather unexpected to me. In this way I have shapes that hardly would come to me otherwise. What do my drawings mean? I have no idea, because most of the times they do not arise from a clear intention, but gradually I can see the point in a given form. Having said this, I have the feeling that all I ever want to draw, all I ever want to explore, Picasso visualized it better. After him the rest we just copy, we think we discover something but he was there before long time ago.

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02 “Cielito lindo, cielito de café” Así llamaba Horacio a la Maga en Rayuela. Aquí está con su corazón de huevo frito y miga hechos de maga, bebiendo un café de letras que es el capítulo 93 de Rayuela, ¡una declaración de amor impresionante! Está pintado sobre el cartón de una cama que compré el año que estuve de Erasmus en Copenhague. Lo curioso es que empecé a pintarlo porque al poco de llegar allí abrieron una cafetería/ librería en mi calle que se llamaba Rayuela. Como me gusta tantísimo Cortázar, me lo tomé como una de esas casualidades tan suyas, y empecé a pintar. This is the way Horacio called La Maga in Cortazar’s Hopscotch. Here I have represented him with his friedegg-crumb heart made of Maga, drinking a letters coffee that is chapter 93 of the novel, a breathtaking declaration of love! It is painted on the cardboard of a bed I bought my Erasmus year at Copenhague. The curious thing is that I started to paint it because short after I arrived, a coffee-book shop named Rayuela (Hopscotch) opened up on the street I lived in. As I love Cortazar so, I thought the happening a hazard of his, and I started to paint. El cuadro estuvo a medias varios meses, pensaba en cómo terminarlo y sobre todo en cómo regalárselo a los dueños de Rayuela sin parecer un loco. Es una tontería, pero para mí significaba mucho que se quedase allí (¡y también era muy grande para llevármelo en el avión!) Menos mal que Nuria --¡gracias!-- me convenció para dárselo. Parece que les gustó, lo gracioso es que hace poco lo vi colgado en la pared, con su cristalito y todo, en una entrevista que les hicieron en un programa tipo españoles por el mundo. Seguro que Cortázar tuvo algo que ver en esta casualidad. This picture was unfinished for months, I was thinking in how to finish it and give it to the coffee owners without seeming a fool. I know it is crazy, but to me it was important for the picture to remain there (also it was too big for the plane back home!). It’s a good thing Nuria – thanks! - persuaded me of it. It seems they liked the picture, and curiously I saw it not long ago, fully framed, in a TV documentary about Spanish people around the world. I’m sure Cortazar had his share in that chance.

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03 “Arrancacorazones” Sólo por el título ya me gustó el libro de Vian. Al igual que el mar, los órganos y la anatomía interna son muy recurrentes en lo que hago, así como el realismo mágico (¡¡¡en esta novela hay niños que vuelan gracias a babosas azules!!!) A veces hago portadas de los libros que me gustan con la ilusión de que le guste a algún editor. Lo de enseñar los órganos o abrir a los personajes de par en par es una manera muy directa de ver lo que les pasa, de llegar a sus emociones más profundas, a sus entrañas, a las tripas. Esto no es nada nuevo, ahí están Francis Bacon o Basquiat, e incluso Franju con su documental “La sangre de las bestias”, aunque lo haga con animales. No es sadismo como alguno me dice, un chorro de sangre disparado desde el corazón puede ser un grito de desesperación, por ejemplo. Just the title makes Vian’s book worthy. As the sea, body organs and inner anatomy are quite recurrent in what I do, just as the magic realism (in that novel blue slugs make children fly!!). Sometimes I made book covers with the hope that some editor may like them. Showing organs or splitting characters wide open is a straightforward way of seeing what happens to them, of reaching their inner emotions, their entrails, their guts. This is nothing new; there is Francis Bacon or Basquiat, or even Franju’s documentary Blood of the Beasts, no matter which animals are involved. Blood gushing out of a heart is not something sadistic -as some people point out- it could be seen as a desperate loud cry. Como dice Juanjo Sáez en su genial libro “El arte, conversaciones imaginarias con mi madre”, para llegar a lo bonito a veces hay que tirar por el camino de lo feo. Yo en el fondo quiero que a la gente le parezcan bonitas las cosas que hago, incluso entrañables (y no precisamente por enseñar entrañas…). As Juanjo Sáez tells in his book El arte, conversaciones imaginarias con mi madre, beauty constantly shows up through ugliness. Deep in my heart I want people to love my paintings, and to think of them something intimate (not just because of their inner anatomy is portrayed).

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04 “Gamba, saxo, mujer” ¿No se parece una gamba, si le das la vuelta, a un saxofón, llena de teclas/patas? El collage es un recurso muy útil, a veces añadir un recorte hace que me gusten cosas en un dibujo que antes no me gustaban. Tan sencillo como pegar un recorte e imaginar las formas que lo continúan para empezar. Las texturas también ayudan mucho a eso. Como viene a decir la obra de Tápies, hay que mirar más a las paredes, llenas de formas y texturas sorprendentes. En este caso, mirando al suelo encontré esta bonita bolsa de chucherías arrugada. Does it not look as a shrimp, if you turn a saxophone upside down, all full of keys-legs? Collage is a very useful resource, sometimes adding a cut-out makes a drawing something I like, though I did not like it before. As easy as gluing a cutting and imagining the forms that make it flow, to begin with. Textures help a lot, too. As we can infer from Tápies’ work, we have to observe walls, which are full of forms and amazing textures. In this case, looking at the floor I found this beautiful, creased bag of sweets.

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05 “Salmacis” Esta ilustración la hice para un libro de poemas de un amigo belga, Gertjan Willems. Va sobre el mito de Salmacis. Otra vez el mar, la carne y una estética basada en los personajes de las urnas griegas. Estilísticamente es el que más se separa del resto, pero me gusta mucho. This illustration was made for a poem book by Gertjan Willems, a Belgian friend of mine. It’s about the myth of Salmacis. Again, the sea, the flesh and an aesthetic based on Greek urns figures. Stylistically speaking, it is different from the rest, but I like it a lot.

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06 “Coco & Boulli” Dos amigos de París enamorados, unidos por el estómago. Un “David y Claudia” de Los Planetas particular, “…puedo hacer que te vuelvas, desde dentro hacia fuera… puedo andar dentro de ti, puedo estar en tu cabeza…” Aquí, igual que en “Cielito Lindo…” se ve otra de mis obsesiones, la tipografía como elemento visual, más que para ser leída, es otro garabato que completa el dibujo. Two Parisian friends in love, united by their stomachs. A peculiar Los Planetas’ David y Claudia “… puedo hacer que te vuelvas, desde dentro hacia fuera… puedo andar dentro de ti, puedo estar en tu cabeza…” (I can turn you upside down / I can walk inside you / I can be in your head...). Here, as in, “Cielito lindo, cielito de café,” another of my obsessions can be seen: the typography as a visual element, rather than to be read, it is a scrawl which completes the drawing.

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07 “Saliendo del Agua” Tengo cierta fijación con los abrazos, me intriga mucho la mezcla de los organismos, que una barba pueda estar hecha de tentáculos y algas, o una cabeza de cáscara de gamba. En el fondo casi todo lo que hago va de alguien que busca el amor de otro, ya sea a través de abrazos, de algún tipo de metamorfosis o de miradas. I have certain fixation on embraces. I very curious about organisms mixing among themselves, a beard made of tentacles and seaweeds, or a head made of shrimp shell. In the end, almost everything I do is about someone looking for some other’s love, whether by some kind of metamorphosis, gazes, or embraces.

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LOUISA MERINO Por // By: Fátima Rodríguez

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Some actors reconstruct these facts in their own way, just to see how they would be in the present. Meanwhile, Louisa takes photos of these moments. Finally, young and old people meet in the emblematic Pradillo Square. Past and present embrace in the stage of this particular way to understand the theater.

Louisa Merino propone un viaje a través de la memoria con Mapping Journeys // Louisa Merino proposes a journey through memory with Mapping Journeys Danza, fotografía y teatro. ¿Pueden convivir estas tres disciplinas en el mismo escenario? La respuesta es afirmativa. En Mapping Journeys, Louisa Merino nos trae una propuesta rompedora: una performance en la que pasado y presente se encuentran a través de las imágenes y los testimonios de los habitantes de un lugar. Además, este espectáculo ya ha recorrido ciudades como La Habana o Santander. En nuestro caso, nos disponemos a disfrutar de la representación en Móstoles. Es el penúltimo destino de este viaje que empezó su recorrido en abril de 2009 y que terminará en El Ferrol en agosto. Dance, photography and theater. Can these three disciplines

coexist on the same stage? The answer is affirmative. In Mapping Journeys, Louisa Merino brings a breakthrough proposal: a performance where past and present meet through the images and the testimonies of local people. What’s more, this show has already travelled to cities like Havana and Santander. In this case, we are going to enjoy the production in Mostoles. It’s the penultimate destination of this journey which began its tour in April 2009 and will end in El Ferrol in August. La pieza comienza con una agradable charla entre Louisa Merino y tres habitantes de Móstoles de toda la vida: Carmen, Lorenzo y Mari Carmen. Entre todos rememoran algunas vivencias pasadas de su juventud. En la segunda parte, todos salimos a la calle para recorrer a pie los lugares de esas historias. Unos actores reconstruyen esos hechos a su manera, para ver cómo serían en el presente. Mientras tanto, Louisa toma fotos de esos momentos. Finalmente, jóvenes y ancianos se encuentran en la emblemática plaza Pradillo. Pasado y presente se funden en un abrazo entre “abuelos” y “nietos”. De esta manera, las calles del pueblo se convierten en el escenario de esta particular forma de entender el teatro. The piece begins with a pleasant chat among Louisa Merino and three lifelong inhabitants of Mostoles: Carmen, Lorenzo and Mari Carmen. They remember some past experiences from their youth. In the second part, all of us go outside to walk on foot the places of the stories.

La creadora es Louisa Merino, una bailarina y actriz que combina su labor de coreógrafa con la creación de diversos montajes y piezas cortas. No es fácil definir un espectáculo tan inclasificable como Mapping Journeys. Por eso, nadie mejor que la autora para hablarnos de él: “Es una pieza que reflexiona sobre los acontecimientos efímeros de la vida. La obra es una performance que parte de hechos cotidianos que nos ocurren a todos en las calles. Son hechos que parece que no tienen ninguna importancia, porque cuando vamos caminando por la calle ocurren mil cosas: puedes mirar un escaparate, se te rompe un tacón o llevas unas bolsas en la mano y se te cae algo. He ido rescatando este tipo de hechos sin importancia para darles una forma presente”. The creator is Louisa Merino, a dancer and actress who combines her work as a choreographer with the creation of various stagings and short pieces. It’s not easy to define a so unclassifiable show like Mapping Journeys. For this reason, no one better than the author to speak about it: “It’s a piece which reflects about ephemeral life events. It’s a performance which parts of daily events that happens to all of us in the streets. These are facts that seem to have no importance, because when we walk down the street, thousand things happens: you can look at a shop window, you can break a heel or you bring a shopping bag and you drop something. I have been rescuing his kind of seemingly unimportant facts to give them a present form.”

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La persistencia de la memoria // The Persistence of Memory El factor humano tiene una gran importancia en este espectáculo, tanto de las personas que se suben al escenario a compartir vivencias como del público. Louisa explica la metodología: “Hablo con personas mayores de la ciudad donde lo hago, ya que tienen vivencias de esas calles de cuando eran jóvenes y les pido que me cuenten historias de este tipo que recuerden. Después, hago una reconstrucción del presente a través de las fotografías para captar lo que ocurre entre el pasado y el presente”. Pero el público también tiene un papel muy importante: “A través de las imágenes, también crean una presencia. Hay unas acciones que ocurren afuera mientras yo estoy haciendo las fotografías, así que el público va dejando su huella en las calles de la ciudad. Son huellas se quedan ahí durante décadas o siglos, y el público termina formando parte de todo eso”. Por eso, no hay dos representaciones iguales, ya que los espectadores no son los mismos y por lo tanto, la respuesta cambia. En resumen, no es lo mismo ver Mapping Journeys en La Habana que en Móstoles. Por ejemplo, en la ciudad cubana los actores también eran bailarines, así que la danza tuvo más protagonismo. The human factor has a great importance during this show, both the persons who jump on stage to share experiences and the audience. Louisa explains her methodology: “I speak with elderly people of the place where the show is performed, because they have experiences to remember in these streets. Then, I reconstruct the facts through photography to capture what is happening between past and present”. But the spectators have a very important role: “Through images, they also create a presence. There are some actions that happen outside while I take the pictures, so the audience

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leaves his mark in the streets of the town. These traces remain there for decades or centuries, and the audience becomes a part of this.” For this reason, every performance is different, because the spectators aren’t the same, so the answer changes. In short, it’s not the same to see Mapping Journeys in Havana than in Mostoles. For example, in the Cuban city the actors were also dancers, so dance had much more prominence. No es la primera vez que Louisa se inspira en la memoria y en las vivencias de las personas mayores. Su anterior montaje, Una tierra de felicidad, también abordaba estos temas recuperando los lugares de la infancia y juventud de los participantes. ¿Por qué esta fijación? Louisa lo aclara: “Me interesa trabajar con mayores porque tienen una memoria más antigua que la de un joven. Me parece fascinante cómo rescatar esas imágenes”. Está claro que el espacio y el tiempo son esenciales en la obra de Merino, ya que ella tiene unas creencias muy firmes al respecto: “Cuando uno ha habitado una casa, la lleva consigo de por vida. Ese recuerdo está dentro de tu memoria. Es como si todos los lugares, todas las casas, todos los espacios que has habitado formaran parte de ti, y puedes sacarlos fuera. Me interesa cómo el pasado puede volver al presente y cómo las historias de las personas pueden cobrar vida”. It’s not the first time Louisa inspires in memory and elderly people experiences. Her previous performance, Una Tierra De Felicidad. A Land Of Happiness, also raised these issues making up the places of childhood and youth of participating persons. Why this obsession? Louisa clarifies it: “I’m interested in work with elderly people because they have an older memory than a young one. I think it is fascinating how to rescue these images.” It’s clear that space and time are essential in Merino’s work, because she has very strong

beliefs about it: “When someone has lived in a house, he carries it forever. This memory is in your mind. Every place, every house, every space you have inhabited is part of you, and you can let it out. I’m interested in how past returns to present and how the stories come to life.” Louisa Merino sabe combinar diferentes facetas artísticas. Es posible que algunos puristas se asusten ante esta mezcla, aunque ella no teme estas reacciones y expone su punto de vista: “Creo que el artista debe plasmar lo que quiere contar con los medios que tiene a su alcance, ya sea un texto o una imagen. Es interesante poder utilizar los elementos más oportunos en cada momento. Siempre me he sentido más identificada con la danza, porque es lo que he hecho desde el principio. Pero todas las artes que tienen que ver con el movimiento me interesan”. Louisa Merino knows how to combine different artistic sides. It’s possible that some purists scare of this mix, but she doesn’t fear these reactions and express her point of view: “I think the artist must express what he wants to tell with every mean he can reach, no matter if it is a text or an image. It’s interesting to use the most appropriate elements in every moment. I always feel more identified with the dance, because it’s what I’ve done since the beginning. But all the arts that have to do with movement interest me.”

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Entre Suiza y España // Between Switzerland and Spain Es cierto que, generalmente hablando, el público español no está acostumbrado a un espectáculo tan intimista. Louisa ha vivido varios años en Suiza, donde la gente no tiene tanto miedo a lo experimental, ya que acuden más al teatro: “Cuando vas a un teatro en Suiza, normalmente siempre está lleno. Por ejemplo, Ginebra es una ciudad mucho más pequeña que Madrid, pero proporcionalmente hay muchos más teatros que aquí. Además, también te puedes encontrar entre el público a chicos de quince años con gente de setenta en la misma sala, da igual que sea una performance o una obra clásica. Incluso los adolescentes que salen en pandilla gastan el dinero que tienen para el fin de semana para ir al teatro, porque realmente les gusta. Prefieren ir a eso que hacer otra cosa, como aquí. A los suizos se les acostumbra desde pequeños, así que lo tienen asimilado y lo entienden mejor. El público allí respalda mucho y tiene mucho criterio, porque ha visto muchas cosas. También tienen una mentalidad muy abierta como espectadores”. Generally speaking, it’s true that Spanish audiences are not accustomed to a so intimate show. Louisa has lived some years in Switzerland, where people have no fear to Fringe Theater, because they go more times: “When you go to the theater in Switzerland, it’s usually full. For example, Geneva is smaller than Madrid, but proportionately there are many more theaters than here. What’s more, you can also find fifteen-year-old adolescents with seventy-year-old people among the spectators, no matter if it is a modern performance or a classic piece. Even teenagers who go out with the gang spend their money for the weekend on going to the theater, because they really love it. They prefer to go there than do another thing, as happens here. Swiss people

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are accustomed since they were little, so they have assimilated and understand it better. The audience supports a lot and they have a lot of judgment, because they have seen a lot of things. They also have a very open mind as spectators.” Aunque Mapping Journeys aún tiene que pasar por otra ciudad, Louisa ya piensa en otro proyecto, aunque aún no puede adelantar demasiado: “Tengo en mente otra pieza a la que estoy empezando a dar vueltas. Me metería a investigar para desarrollar la creación de esta pieza. Pero todavía no puedo contar nada, pero estaré trabajando en ella en los próximos meses. Se irá creando a medida que vaya investigando en esa idea”. Although Mapping Journeys has to pass another town. Louisa is preparing another project, but she can’t get ahead of oneself: “I’m keeping on mind a new performance and I’m mulling over it. I will research to develop the creation of the piece. But I can’t tell anything yet, because I’ll be working in it next months. It will create as I research this idea.” Mapping Journeys tiene otra particularidad: todas las representaciones son grabadas, ya que al final el material grabado se editará en vídeo. Louisa comenta esto: “En un principio, mi idea era grabar todas las entrevistas y todo el proceso de trabajo de cada lugar donde lo organizo. Como lo hacía en varias ciudades, lo mejor era grabarlo en un formato audiovisual. No sé si al final quedará como un documental o como una pieza. Eso lo veré a posteriori, depende de las condiciones se dan”. En este caso, algo tan tradicional como el teatro y las nuevas tecnologías se cruzan, para que incluso los que se pierdan esta performance puedan disfrutar de esta original propuesta. Mapping Journeys has another special feature: every performance is recorded,

because the recordings will be edited and released on video. Louisa comments this: “At first, my idea was to record every interview and the work process of every place where I organize it. Because I do it in various towns, the best is to record in an audiovisual format. I don’t know if it’s going to be a documentary or a piece. I will decide it later if I see, it depends on the conditions.” In this case, something so traditional like theater pass new technologies, so even people who won’t see this performance can enjoy this original proposal.

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ISABEL TALLOS Por // By: Julia Sierra Pureza, vacuidad, ingravidez, limpieza, simplicidad...son términos que podrían describir las instantáneas de Isabel Tallos, uno de los jóvenes talentos de la fotografía española más reciente. Sus creaciones destilan ingenio y originalidad, y pesar de su aparente sencillez, consiguen crear gran impacto visual. Para ella son “un juego, un intento de desorientar y perturbar al espectador. Una creación artificial y abstracta nacida de fragmentos de instantes.” Purity, emptiness, weightlessness, cleanliness, simplicity... are terms that might describe the Isabel Tallos’s snapshots, one of the young talents of the latest Spanish photography. Her creations exude ingenuity and originality, and despite its apparent simplicity, it manages to create great visual impact. For her is “a game, an attempt to disorient and disturb the viewer. A creation born of artificial and abstract fragments of moments.” Con tan solo 26 años, esta madrileña, licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, ha conseguido numerosos reconocimientos y becas, como

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el premio Madrilonia DeArte 2008 (Feria DeArte Contemporáneo 2008), el premio del jurado en la Primera Muestra Internacional de arte ARTEfactos07, la beca Roberto Villagraz, la mención de Honor en el XXXV Premio Bancaja de Arte Digital, el segundo premio del Ayuntamiento de Madrid en el 75 Salón de Otoño, o el puesto de finalista en el International Talent Suport Photo Web (Trieste, Italia) y en Viphoto 2009, entre otros. A sus espaldas lleva unas 40 exposiciones que, como “Inhabitados”, “Encriptadas” o “Ingrávitas”, han viajado por toda España e incluso parte del extranjero. El Museo de Arte Contemporáneo de Madrid (EntreFotos XI), la Biblioteca Nacional, el Palacio de Congresos de Madrid, el Centro Cultural Conde Duque, el Ciulionis Museum en Kaunas (Lituania), el Centro Cultural de España en Lima (Perú), la London Business School (Reino Unido), o los institutos Cervantes de Frankfurt y Múnich, entre otros, son varios de los sitios que han visto sus obras. Sin duda, un potente comienzo para una artista tan joven. At the young age of 26, this Madrid native, with a degree in Fine Arts from Universidad

Complutense de Madrid, has won many awards and scholarships, such as the prize Madrilonia DeArte 2008 (Exhibition of Contemporary Art 2008), the Jury Prize at the First International ARTEfactos07 fair, the Roberto Villagraz Scholarship, the Honorable Mention Award at the XXXV Bancaja Prize of Digital Art, the Second Prize at City Hall’s 75th Salón de Otoño event and was a finalist at the International Talent Suport Photo Web (Trieste, Italy) and in Viphoto 2009, among others. She has done over 40 exhibitions such as Inhabitados, Encriptadas and Ingrávitas, which have been seen all over Spain and even abroad. The Museum of Contemporary Art in Madrid (EntreFotos XI), the National Library, the Palacio de Congresos de Madrid, Centro Cultural Conde Duque, the Ciulionis Museum in Kaunas (Lithuania), the Cultural Center of Spain in Lima (Peru), the London Business School (England) and the Instituto Cervantes in Frankfurt and Munich, among others, are several places where her work has been seen. This is without a doubt a powerful beginning for such a young artist.

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El interés por el arte apareció en ella a una temprana edad, “desde muy pequeña me gustó la pintura y el dibujo; mis padres me llevaron mucho a museos y exposiciones, aunque ninguno de ellos está relacionado profesionalmente con el tema. Desde los 12 años supe que quería estudiar Bellas Artes aunque hasta quinto de carrera no empecé a entender en qué consistía aquello.” Aunque sus comienzos están más ligados al mundo de la pintura, al final fue la fotografía la que consiguió engancharla, especializándose con un máster internacional por la escuela EFTI y otro tipo de cursos y seminarios. “A los 19 años empecé a presentarme a concursos de pintura y dibujo y así comencé con mis primeras exposiciones colectivas. Aquellos trabajos eran aleatorios y no tenían ninguna conexión entre sí, pero conseguí que me seleccionaran en muchas convocatorias. Al intentarlo en los concursos fotográficos tuve muchos más problemas. Imagino que la fotografía se convirtió, de ese modo, en un reto. Tallos became interested in art a young age, “since I was very little I liked painting and drawing, my parents took me to museums and exhibitions a lot, but none of them is related to this professionally. By the age of 12 I knew I wanted to study Fine Arts, but until my last year of studying, I didn’t begin to understand what it actually was.” Although her beginnings are more linked to the world of painting, what finally got her hooked was photography, specializing in it with an international master’s degree at the EFTI school and by taking other courses and seminars. “At 19 years old I began to take part in painting and drawing competitions and so I started with my first exhibitions. That work was random and had no connection to one another but I was selected for many competitions. When I tried the photography competitions, I had many more problems. I imagine that because of this, photography became a challenge.

Cabe preguntarse qué fue lo que suscitó en Tallos el cambio de registro en su obra. “La fotografía me parece un medio fascinante porque la gente se la cree. Me gusta poner la comparación con el cine. Cuando salimos de ver una película, muy pocas veces se oye a la gente preguntarse cómo la hicieron, da igual si salen bombas, terremotos o personas que vuelan. A veces se habla de los “efectos especiales” pero como un ente que lo engloba todo, no intentamos averiguar exactamente cómo se hizo. Sin embargo, en las fotografías esperamos ver la vida “real”. Nuestro imaginario, nuestra vida pasada, está formada por fotografías, de ahí que tenga esa extraña relación con la “realidad”. Por este motivo considero la fotografía el medio más cercano al espectador y me facilita captar su atención al distorsionar dicha “realidad”.” You may wonder what prompted Tallos to change so drastically. “For me photography is fascinating because people believe it. I like to make the comparison with cinema. When we go to see a movie, you rarely hear people wondering how they did it, no matter if there are bombs, earthquakes, or people flying. Sometimes you hear about the “special effects” but as an entity that encompasses all, we do not try to figure out exactly how it functions. However, in pictures we expect to see “real” life. Our imagination, our past life... consist of photographs, hence that strange relationship with “reality.” For this reason I think photography is the closest means to the viewer and enables me to capture their attention by distorting “reality.” Es esa apariencia de realidad lo que atrae a Tallos, puesto que su obra carece completamente de realismo: en unos espacios poco probables se ciernen figuras realizando movimientos imposibles bajo una gravedad alterada, es a todas luces, un mundo imaginario que sin embargo da sensación de autenticidad por tratarse de

fotografía. La contraposición entre realidad y ficción está más cerca que nunca. Así mismo, la simplicidad, la pureza de los colores, los espacios abiertos, junto con una luminosidad muy cuidada son factores siempre presenten en su obra, y consiguen evocar diferentes sensaciones en el espectador. Aunque Tallos revela que no hay ningún mensaje implícito en su fotografía, “intento que vaya más allá de la imagen, intento provocar cierta ensoñación en quien la mira.” That appearance of reality is what attracts Tallos, since her work is completely unrealistic: you can see figures making impossible movements in unlikely spaces with an altered gravity; this is clearly an imaginary world that, nevertheless, seems authentic because it is photography. The contrast between reality and fiction is closer than ever. Likewise, simplicity, colors’ purity, open spaces, along with a very careful luminosity, are factors always present in her work, and it evokes different feelings in the viewer. Although Tallos reveals that there is no implicit message in her work, “I try to go beyond the image; I try to evoke some sort of dream within the viewer.”

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Sus influencias en el campo de la fotografía son variadas aunque reconoce que quien más a aportado a su progreso como artista fue el fallecido catedrático Juan José Gómez Molina. “Él me enseñó a dejar de depender de las críticas ajenas, de los comentarios de los profesores y compañeros. Me enseñó a pensar por mi misma, a ser exigente con mi trabajo. Cosió todos los conocimientos que pululaban por mi cabeza, de manera que pude construir un discurso coherente y sincero.” Entre sus fuentes de inspiración figuran “Vilhnes Hammershoi, James Casebere o Daniel Canogar. También considero importantes películas como “El séptimo sello”, libros como “La poética del espacio” o espectáculos de danza, en particular de Butoh.” Her influences in the field of photography are varied, but she recognizes that the one who most contributed to her progress as an artist was the late Professor Juan José Gómez Molina. “He taught me to stop relying on foreign criticism, teachers and peers’ comments. He taught me to think for myself, to be picky with my work. He sewed all the knowledge that swarmed through my head, so I could build a coherent and honest speech.” Among her inspirations are “Vilhnes Hammershoi, James Casebere and Daniel Canogar. I also consider films such as The Seventh Seal, books like The Poetics of Space or dance, especially Butoh.” El proceso creativo de Tallos surge en su cabeza y no tanto sobre el terreno como en otros casos, aunque esto depende. Según cuenta “generalmente la imagen se va formando en mi cabeza, a veces la visualizo claramente y otras, con ciertas dudas. Suele tener una conexión directa con imágenes que acabo de realizar. Luego paso a dibujarla, me resulta imprescindible plasmarla en las dos dimensiones ya que lo que visualiza la mente no siempre puede ser plasmado con claridad. Una vez tengo claro el

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procedimiento hago las fotos. La toma de fotografía es la parte más pequeña y considero la menos importante de mi trabajo.” Tallos’s creative process comes up in her mind and not so much on the ground as in other cases, although this depends. According to her, “generally the image takes shape in my head, though I sometimes visualize it clearly and others with some hesitation. It usually has a direct connection with images I have just made. Then I move to draw it, I find it necessary to translate it into two dimensions because what a mind visualizes cannot always be captured clearly. Once I have a clear view of the procedure, I take the photos. Taking the picture is the smallest and less relevant part of my job for me. “ Su última exposición “Check In” mostraba a la artista realizando distintas e imposibles posturas en diferentes hoteles en los que se ha alojado y de nuevo, jugando con la ingravidez. La protagonista de las fotografías, que a veces aparece escondida y otras no, parece solicitar al espectador que se detenga a buscarla dentro de la imagen. Su presencia deja una huella en ese espacio que perdura aunque ella ya no se encuentre ahí. Según nos cuenta la artista “la idea surgió en 2007, mientras asistía a un taller de Photoespaña con Daniel Canogar, que nos pidió que presentásemos un proyecto final de taller. Yo me alojaba en un pequeño hostal en Aranjuez. Siempre he realizado fotografía de estudio y me cuesta muchísimo encontrar interés en la fotografía de exteriores. De este modo no me quedaba otra opción que trabajar en la pequeña habitación, pero carecía de una pared que hiciese de fondo y no tenía luces de estudio, ni siquiera un flash de mano. En ese momento surgió la primera foto de la serie.” Her latest exhibition Check In showed the artist performing different and impossible positions in different hotels where she has been and again, playing with

weightlessness. The photographs’ protagonist, who sometimes is hidden and sometimes is not, seems to ask the viewer to stop and look within the image in order to find her. Her presence leaves a trace in this space that remains even if she is no longer there. According to the artist, “the idea came in 2007, while I was attending a Photoespaña workshop with Daniel Canogar, who asked us to present a final project workshop. I was staying in a small hotel in Aranjuez. I’ve always done studio photography and I can hardly find much interest in outdoor photography. Thus I had no other choice but to work in the small room, but I lacked a wall that could serve as background and had no studio lights, not even a flash of a hand. At that moment came the first photo of the series. “

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A parte de esta muestra, la actividad de Isabel no para en los próximos meses, nada menos que hasta seis exposiciones tiene previstas entre las que se cuentan la Feria de Arte Moderno y Contemporáneo ArtMadrid, exhibiciones en la galería Moret Art, Inés Barrenechea o en el Museo de San Clemente de la Fundación Antonio Pérez. Un actividad frenética que da fe de las firme dirección que ha tomado nuestra protagonista con respecto a su carrera. “Mi objetivo es poder vivir dentro de ámbito del arte que me fascina. En este momento me considero muy afortunada por poder vivir de la creación. No descarto acercarme al mundo de la enseñanza, ya que lo considero muy enriquecedor para cualquier artista.” Besides this show, Tallos’ activity during the next months doesn’t stop: she has up to six forecasted shows, such as the Modern and Contemporary Art Fair ArtMadrid, exhibitions at the Moret Art Gallery, Inés Barrenechea or the San Clemente Museum at the Antonio Pérez Fundation. A busy schedule that proves the steady direction that our protagonist has taken towards her career’s aim. “My goal is to make a living from the art that fascinates me. At this point I consider myself very lucky to live from my creation. I do not rule out an approach to the world of education, since I consider it very rewarding for any artist.” La fotografía actual está fuertemente determinada por los medios digitales, que han revolucionado el concepto y sus posibilidades. La gran mayoría de lo que hoy es vanguardista, moderno, impactante...en fotografía, lleva implícito la distintiva huella del Photoshop en su factura, programa fundamental, pero que se engloba dentro de una nueva era en la que lo virtual, digital son lo determinante. Tallos cree que “la fotografía ha seguido un rumbo muy interesante desde la aparición de los medios digitales. A diferencia de otras técnicas, como el grabado, la fotografía

se ha reinventado y ahora se plantea como una estética y una técnica totalmente renovada. Más que Photoshop, el cambio ha sido producido por toda la revolución de la imagen que hemos vivido en tan poco tiempo, incluido internet, los teléfonos con cámaras…” Current photography is strongly influenced by digital media, which has revolutionized the concept and its possibilities. The vast majority of today’s avantgarde, modern and stunning photography involves the distinctive mark of Photoshop, a program that is included within a new era in which virtual and digital terms are what matters. Tallos believes that, “photography has followed a very interesting direction since the emergence of digital media. Unlike other techniques such as printmaking, photography has reinvented itself and now arises with a totally renewed aesthetic and technique. Apart from Photoshop, the change has been produced by the whole image’s revolution that has taken place in such a short time, including the Internet, camera phones...” Pero para ella el cambio realmente importante se ha producido con la aparición de las cámaras fotográficas digitales, y apunta “principalmente por el hecho de poder visualizar la imagen en el momento. Este hecho cambia radicalmente el modo de trabajo de un fotógrafo, acercándole al del pintor, que puede analizar y corregir sobre la marcha la imagen. Photoshop y los demás programas de retoque digital son una herramienta más para trabajar, me parece absurdo posicionarse a favor o en contra de una herramienta. Está ahí para quien la quiera usar. Al igual que podemos intercambiar objetivos, filtros y demás.” But for her, the important change has occurred with the emergence of digital cameras, and says: “primarily by being able to view the image at the time. This fact radically changes the photographer’s way of working,

making it similar to the painter’s, who can analyze and correct the image on the fly. Photoshop and other digital editing software is another tool one uses to work; it seems absurd to position myself for or against a tool. It’s there for those who want to use it. As well as we exchange lenses, filters and more.” A pesar de que el arte digital pueda ser considerado por algunos como una mera manipulación de la imagen, la cual, sin esas aplicaciones, habría resultado en un trabajo mucho más distinto y posiblemente modesto, otros opinan que los medios digitales, como Photoshop, no son más que nuevas herramientas que añadir a las ya existentes. La diferencia es que éstas multiplican por 1.000 el número de posibilidades de una fotografía, por lo tanto es la libertad del artista la que se ve premiada con ello. Although digital art can be considered by some as a mere manipulation of the image, which, without those applications, would result in a much different and perhaps modest product, others argue that digital software, such as Photoshop, is merely a tool to add to the existing ones. The difference is that they multiply by a thousand the number of possibilities in photography, and therefore it is the artist’s freedom which is awarded.

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La gran diferencia para Tallos entre el arte digital y el tradicional reside en que “una imagen está formada por píxeles y la otra por gelatina de plata. Una imagen fotográfica, en mi opinión, siempre va a ser una manipulación, ya sea tomada digital o analógicamente. En el mismo momento que un fotógrafo se posiciona y capta una fragmento de tiempo de un fragmento de escena en particular, está mostrándonos un punto de vista, el suyo, de los millones distintos que se podrían haber tomado de esa misma escena. Las posibilidades siguen aumentando al añadir factores como el objetivo, que deforma la imagen, filtros, que oscurecen o aclaran partes de la imagen… Siempre me ha gustado poner el ejemplo de las fotonovelas. Cuando en una fotonovela se quería fotografiar un beso, los actores se ponían de frente, giraban cada uno la cabeza en distinto sentido, de forma que en la foto pudiese verse la espalda de uno y aparecer la cabeza del otro por detrás. Estos personajes podían estar separados por medio metro, pero la fotografía resultaba creíble.” The big difference for Tallos between digital and traditional art is that, “an image is made up of pixels and the other in

silver gelatin. A photographic image, in my opinion, is always a manipulation, either digital or analog. At the very moment in which a photographer positions and captures a time portion of a scene in particular, it is showing a point of view, his or her own, from the different millions that could have been taken of the same scene. The possibilities continue to grow by adding factors as the lens, which distorts the image, filters that obscure or clarify parts of the image… I’ve always liked to give the example of the soap opera. When they want to take a picture of a kiss in a soap opera, the actors are placed in front, each head facing in a different direction, so that the photo shows the back of one of them and the head of the other appearing from behind. These characters could be separated by half a meter, but photography makes it believable.” En definitiva en el arte todo es manipulación y añade “no nos engañemos, la aplicación de los medios digitales no pueden disminuir la veracidad de una fotografía, puesto que una fotografía es de por sí una mentira.”

digital software cannot diminish the veracity of a photograph, since a picture is in itself a lie.” ----Próximas exposiciones: 17 de Marzo: inauguración de una exposición colectiva con el título: “Artistas hablan de arte”, Museo López Villaseñor, en Ciudad Real. 15 de Abril: inauguración de una exposición individual, de la serie de “Espacio Tiempo” en la galería Inés Barrenechea, en Madrid. Mayo (aún por determinar el día): exposición individual en la Galería Aleph, en Ciudad Real. Next exhibitions: March 17: Inauguration of a group exhibition entitled: Artists Talk About Art, López Villaseñor Museum, in Ciudad Real. April 15: Inauguration of a solo exhibition of the Espacio Tiempo series, Inés Barrenechea Gallery, in Madrid. May (still to fix a date): solo exhibition at the Gallery Aleph, in Ciudad Real.

In art, everything is manipulation and she adds, “Let’s not kid ourselves, the application of

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hilo conductor, ya que como en el resto de ediciones, todo está permitido.

El festival más concurrido y desternillante de nuestro país está llegando a su recta final tras unos meses frenéticos de duro trabajo. Como cada año, dado el pistoletazo de salida, el mundo audiovisual comenzó a revolucionarse. Llegaron esos días en los que las horas se van junto a la pantalla del ordenador y una bolsa de palomitas. Indudable negar que los cortos del festival enganchan, y es que cada año son más los participantes que nos otorgan obras de arte comprimidas en unos poco minutos. Ideas frescas en donde la imaginación es el

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The most popular and hilarious festival of our country is nearing its final stretch after a few frantic months of hard work. Like every year, since the kick-start, the audiovisual world began to be revolutionized. Those days when the hours go along with the computer screen and a bag of popcorn. It’s Undoubtedly deny that the festival’s shorts hook, each year there are more participants who give us art compressed in a few minutes. Fresh ideas where imagination is the common thread, because as in other editions, everything is permitted. Ocho años han pasado desde su creación, ocho años cautivando tanto a amantes del séptimo arte, como a curiosos internautas, todos dispuestos a pasar grandes momentos con un solo clic. Su fuerte es la democraticidad; cualquier persona puede

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participar. “Que no se preocupen por las formas, sólo por el fondo. Que la escasez de medios no suponga una limitación, sino todo lo contrario, una liberación. Que hagan de las limitaciones una virtud, que les ayude a disparar la imaginación” aconseja a los participantes el actual director del festival Daniel Sánchez Arébalo. Eight years have passed since its inception, eight years captivate both lovers of cinema, as curious surfers, all willing to spend great moments with a single click. Its strength is its democratic way; anyone can join. “Do not worry about the forms, only about the fund. That lack of means does not imply a limitation, on the contrary, liberation. Constraints that became a virtue that help them to widen their imagination,’ advises the current festival director Daniel Sánchez Arébalo to the participants.

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Ha quedado demostrado en estos años que hay creatividad de sobra en España. Desde su creación, más de 6000 cortos han pasado por sus manos. El telón del Jameson Notodofilmfest siempre está levantado, sin límites horarios ni geográficos, simplemente necesitas Internet y ganas de pasar un buen rato. Da igual el estilo, siempre encuentras algo que llama la atención, algo que no podrás dejar de compartir con los más cercanos.

around the world by the hand of Agencia Audiovisual Freak. Notodofilmfest Jameson is not the end but the beginning and many of the most successful filmmakers know this. “It changed my life dramatically. Especially after winning the festival for the second consecutive year with”Exprés.” I suddenly existed in the eyes of producers who were interested in my work and want know if I had a script on my mind”, says Arébalo.

It has been proven over the years that there is plenty of creativity in Spain. Since its inception, more than 6,000 short films have passed through its hands. In Jameson Notodofilmfest, the curtain is always raised, without limits of time or geography; you simply need Internet and a desire to have a good time. No matter the style, one always finds something striking, something that one cannot stop sharing with the people closest to them.

¡Qué se puede esperar si más de nueve millones de personas han sido ciberespectadores de este singular festival! Internet es así, sin fronteras. Treinta nacionalidades se han reunido en torno a los cortometrajes durante las diversas ediciones. Por eso el jurado siempre ha estado a la altura; lo mejorcito del cine español e internacional. Este año destaca la argentina Lucrecia Martel entre españoles como Borja Cobeaga, Isabel Coixet o Javier Fesser. Todos ellos bajo la dirección de uno de los grandes del Jameson Notodofilmfest, Daniel Sánchez Arébalo. Asiduo al festival que hizo despegar su carrera.

A nivel profesional es una gran plataforma para nuevos creadores. “Es muy mediático”, nos comenta que cormetrajista Jorge Vallejo, ganador del Gran Premio del Jurado en 2008 con su corto ¡Cómo está el mundo, Fermín!”. Los treinta mejores trabajos se distribuyen gratuitamente en festivales de todo el mundo de la mano de la Agencia Audiovisual Freak. Jameson Notodofilmfest no es el fin, sino el comienzo, y muchos de los directores más afortunados lo saben bien. “A mí me cambió la vida radicalmente. Sobre todo a raíz de ganar el festival por segundo año consecutivo con «Exprés». De repente empecé a existir a ojos de los productores que se interesaron por mi trabajo y por saber si tenía algún guión entre manos”, nos comenta Arébalo. Profesionally, it’s a great platform for new creators. “It’s exposed to the media,” says the short filmmaker Jorge Vallejo, winner of the Grand Jury Prize in 2008 with his short ¡Cómo está el mundo, Fermín! The thirty best films are distributed for free in festivals

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This is to be expected, since more than nine million online viewers have seen this unique festival! This is Internet without borders. Thirty nations have gathered around the short films during the various editions. So the jury always meets expectations, the best of Spanish and international film. This year highlights Argentina’s Lucrecia Martel between Spaniards such as Cobeaga Borja, Isabel Coixet and Javier Fesser. All under the direction of one of the greats of Notodofilmfest Jameson, Daniel Sanchez Arébalo. Regular at the festival that made his career takeoff. Otros grandes directores han pasado por sus manos. ¿Quién no recuerda los fantásticos cortos de Nacho Vigalondo? Joven promesa del cine español, con estilo propio, desenfadado y con aire misterioso. A pesar de que Nacho siempre fue asiduo a varios festivales, su carrera agradeció la repercusión

mediática del certamen. Al final no ganó, pero su huella siempre estará en los Notodoadictos. Other big directors have passed through its this festival. Who can forget Nacho Vigalondo’s fantastic short films? A young promise of Spanish film, with his own style, bold and mysterious. Although Vigalondo has always been assiduous in various festivals, his success is due in part to the media coverage of the event. At the end he did not win, but his mark will always be in the Notodofans.

Renovarse o morir // Renovate or Die Cada año las posibilidades aumentan gracias a nuevas secciones para los concursantes más ingeniosos. “Una película de…” nos presenta las diferentes interpretaciones basadas en un pie de acto escrito por un conocido director. Este año el honor ha recaído sobre Alejandro Amenábar. Los Amates de la escritura disfrutaran del premio al mejor Guión, laboriosa tarea de que en ocasiones se menosprecia. El premios Starlight pretende motivar a aquellos amantes del cielo y las estrellas, nostálgica temática de la que muchos han sabido sacar partido. Por último no se ha dejado de lado a los géneros más desenfadados; Calle 13 emitirá aquellos trabajos relacionados con la ficción, fantasía, terror, acción y aventura. Catorce categorías y 68.000 euros en premios que dentro de poco se distribuirán entre los mejores trabajos de esta nueva edición que está a punto de bajar el telón. Each year, the chances increase with new sections for the more resourceful contestants. “Una película de…” presents us with different interpretations based on an equal act written by a renowned director. This year the honor has fallen on Alejandro Amenábar. Those who like to write will enjoy the award for Best Screenplay, a laborious task that is sometimes disregarded. The Starlight Award is intended to motivate those who love the sky and stars, nostalgic theme which many have taken advantage of. Lastly, the more carefree categories have not been put to the side; Calle 13 will emit those films related to fiction, fantasy, horror, action and adventure. Fourteen categories and 68,000 Euros that will soon be distributed to the best film of this new edition.

nos dice que lo importante es participar, siempre se queda un mejor sabor de boca con un premio bajo el brazo. Difícil, aunque que como Jorge Vallejo aconseja a los creadores que, ”si llegan a ser finalistas que le den tanta importancia como si hubieran ganado, porque estar seleccionado de entre 600 o 700 cortos no es tan fácil”. Their luck has been casted, all that is left is to see and to evaluate. It’s a difficult task due to the torrent of creativity present in all sections, and although the proverb tells us that the important thing is to participate, it always leaves a better aftertaste to have a prize under your arm. Difficult, though as Jorge Vallejo advises the creators, “if they become finalists, they should give it as much importance as if they had won, because being selected from 600 to 700 short films is not easy.”

La suerte está echada, ahora sólo queda visionar y valorar. Tarea difícil debido al torrente de creatividad presente en todas las secciones y, aunque el refranero

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“

Humor is something essential for life, not only for art and creation…

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LOS TORREZNOS

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Por // By: Fátima Rodríguez Traducción // Translation: Alejandro Zaballa

El humor es algo fundamental para la vida, no sólo para el arte y la creación…

”

El cielo. Elemento que ha inspirado a tantos artistas a lo largo de la historia, como hemos podido observar a través de la literatura o la pintura. Una idea simple pero que ha dado para tanto. Por ejemplo, para una original performance en el que los actores se enfrentan a un escenario vacío. Esto es El cielo, el último espectáculo de Los Torreznos, un dúo formado por Jaime Vallaure y Rafael Lamata que goza del respeto de los seguidores del arte y el teatro alternativos. Este nombre tan peculiar tiene una doble explicación: hace referencia a este aperitivo conocido por todos. Su sabor es agradable e intrascendente, pero deja un fuerte sabor en la boca y en el estómago que no desaparece con facilidad. Es una manera de definir su arte: aunque parece un entretenimiento ligero, en realidad da qué pensar y se queda anclado en la memoria durante bastante tiempo. Heaven. An element that has inspired many artists throughout History, we have seen through literature or paintings. It’s simple idea that has given so much. For example, for an original performance where the actors face an empty stage. This is El Cielo, the last show of Los Torreznos, a duo formed by Jaime Vallaure and Rafael Lamata who has gained the respect of alternative theater and art followers. This peculiar name has a double meaning: it refers to the snack known by everybody. Its taste is pleasant and insignificant, but it leaves a strong taste in the mouth and the stomach that doesn’t go away easily. This is a way to define their art: although it seems like a light entertainment, but it really gets people thinking for a long time

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El punto de partida es sencillo: los dos se presentan con una escalera bajo el brazo en un escenario vacío. Los primeros cinco minutos son una provocación: frases sin sentido y dichas de una forma lenta y exasperante. Cuando el público está a punto de huir, comienza un discurso en el que se nos comenta que todo era una broma. Es una crítica a esas obras de arte contemporáneo que nadie entiende. Eso sí, usando las mismas tácticas, algo que se puede debatir largo rato. Después, los gritos y las quejas ante esta situación sólo se calman cuando suben a su escalera para señalar los elementos del cielo. Parece que en él está la paz, cuanto menos. Sin duda, El cielo es un espectáculo polémico por lo arriesgado de su propuesta. Nadie quedó indiferente: unos la ovacionaron y otros se sintieron vilmente engañados. El mundo del arte es así. The starting point is simple: the two men enter with a ladder under their arms on an empty stage. The first five minutes are a provocation: meaningless sentences pronounced in a slow and exasperating way. Right when the audience is about to leave, he begins a speech and tells us that it was just a joke. It’s a way to criticize those contemporary art works that nobody understands. But they use the same strategies, something that can be discussed for a long time. Then, the shouting and whining caused by this situation finally go away when they climb up the later and point to the elements in the sky. At least it seems as if there is peace. Undoubtedly, El Cielo is a controversial show because a risky proposition. Nobody remained indifferent: some cheered and the others felt cruelly deceived. This is the world of art. Una de las características de Los Torreznos es partir de un concepto sencillo y conocido por todos. Esto conlleva un riesgo: caer en el déja vu. Pero ellos no temen esto. Lo explica Jaime Vallaure: “A la hora de abordar un tema, nosotros no tenemos en cuenta si antes lo ha tocado mucha gente o poca. Nos gustan mucho los temas universales, que todo el mundo puede comprender. Como nosotros trabajamos mucho con lugares y situaciones comunes, nos parecía que éste podía ser un buen concepto para plantearlo a más gente. Creo que nuestra marca y nuestra manera de hacer las cosas es suficiente para diferenciar esa personalidad respecto a otros artistas”. Rafael Lamata está de acuerdo con su compañero: “Tampoco nos planteamos hacer algo diferente por el título. En general, nos interesa trabajar con temas muy normales y abiertos: que cualquier persona pueda tener una relación con ellos y puedan tener diferentes lecturas. Sobre el cielo puedes tener referencias relacionadas con la religión, la imaginación, la ciencia o la distancia”. One of the characteristics of Los Torreznos consists of starting with a simple concept that is well known to everybody. This carries a risk: to fall in déjà vu. But this doesn’t worry them. Jaime Vallaure explains:

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“When we come up with an idea, we don’t take into consideration if people have already thought about it. We really love universal topics, ones that everyone can understand. We worked a lot with common places and situations; so we thought that this would be a good concept to share with people. I believe our signature and our way of doing things is enough to differentiate our personality with those of other artists.” Rafael Lamata agrees with his colleague: “We didn’t consider making something different because of the title. Generally, we are interested in working with very normal and open topics: meaning that any person could relate with them and have different interpretations. When it comes to Heaven, you can have many different references with Religion, imagination, science or distance.”

El público, uno más // The Audience, Just Another Part of the Show En sus espectáculos, el público no es un simple receptor pasivo que se sienta en su butaca a tragarse lo que le echen. Los espectadores son muy importantes, ya que se implican en la representación y hasta llegan a interactuar con ellos. Por esta razón, la reacción del público es fundamental. Jaime comenta qué suelen esperar de ellos: “Todo y nada. Es una parte primordial en nuestro trabajo, porque nos da la energía para poder intensificar nuestra propuesta. Pero por otro lado, nunca se sabe cómo va a reaccionar. Es imposible”. La cercanía con la gente es otra característica que les distinguen de otros grupos más convencionales, algo que explica Rafael: “Intentamos que nuestro arte sea bastante cercano. Trabajamos más en salas donde no hay una distancia tan grande entre el público y la escena, como centros de arte contemporáneo. El público es el que hace que tenga sentido este tipo de espectáculo. Esperamos provocar alguna reacción intensa”. During their shows, the spectators are not simple passive receivers who sit through anything. The audience is very important, because they get involved in the performance and sometimes even interact with them. This is why the audience’s reactions are essential. Jamie comments that they usually expect, “Everything and nothing, from them. It’s a fundamental part of our job, it gives us the energy to intensify our proposal. But we can’t always know how they are going to react. It’s impossible”. Rafael explains that being so close to the people is another characteristic that separates them from more conventional groups: “We try to show the art up close. We usually work in halls where the distance between the audience and the stage is not too far, like contemporary art centers. The audience gives meaning to this kind of show. We try to provoke any strong reaction.”

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Siempre se dice que los pequeñas detalles son los que hacen la vida. Ésta es una de las particularidades de Los Torreznos: tratan temas diarios, como la familia, pero desde su particular punto de vista. Todo esto tiene un objetivo, que Jaime nos explica: “Trabajamos lo cotidiano desde lo extraordinario, lo normal de lo anormal, lo comprensible desde lo incomprensible. Nos gusta que la gente pueda acceder a nuestro trabajo de arte contemporáneo, pero también que piensen en lo que se le propone”. Por supuesto, su nueva obra no es una excepción, según Rafael: “En El cielo, trabajamos dentro de una situación normal en un lugar que se hace extraño. Los temas y las situaciones son como puntos de partida, siempre se

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intenta estirar una situación hasta que de alguna manera se rompe o se cuestiona. Esa dualidad de lo ordinario y lo extraordinario pasa de un sitio a otro, aunque el título y los medios sean muy sencillos”. It’s always said that the small details make up life. This is one of the particularities of Los Torreznos: they deal with daily issues like family, but from a specific point of view. Jaime explains their goal: “We work on everyday, common things, ranging from the extraordinary, the normality within the abnormal, the comprehensible from the incomprehensible. We like that people are able to access our contemporary artwork, but we also like that they think about what is being proposed”. Of course, their new work is no

exception, according to Rafael: “In El Cielo, we work within a normal situation in a strange place. The issues and the situations are like starting points; we always try to stretch a situation until it breaks or until it is questioned. That duality of ordinary and extraordinary moves from place to place, even thought the title and the means are very simple.” Todos los grupos de artes escénicas tienen un rasgo de identidad que los distingue de los demás. En el caso de Los Torreznos, son conocidos por la insistencia de palabras y expresiones durante sus espectáculos lo más rápido posible. En YouTube podemos encontrar algunos vídeos de sus anteriores espectáculos, como De Perejil a Diwanija. Un recurso muy utilizado y que no deja indiferente a nadie, ya que se trata de un elemento celebrado por sus seguidores y denostado por sus detractores. Por supuesto, esto tiene una finalidad. Rafael lo explica: “Planteamos una economía de medios, utilizamos pocos recursos para contar algo, para conseguir el máximo con el mínimo de referencias y de lenguaje. Además, así creamos una situación donde una palabra que tiene un significado muy simple se convierte en otra casa, se modifica. En este espectáculo lo utilizamos menos”. All performing art groups have a unique sense of identity that differs them from the others. In the case of Los Torreznos, they are known because of the persistency of words and expressions during their shows as fast as possible. In YouTube we can find some videos of their previous shows, like De Perejil a Diwanija. A widely used resource that leaves no one indifferent, because it’s an acclaimed element by their followers and criticized by their detractors. Of course, this has a purpose. Rafael explains it: “We propose an economy of means; we use few resources to tell something and to achieve the maximum with the minimum amount of references and use of language. Also, this we way, we create a situation where a word that has a simple meaning turns into something else, it changes. In this show we use it less.”

El humor como salvavidas // Humor as a Lifejacket El sentido del humor siempre está presente en la obra de Los Torreznos, algo que se agradece si tenemos en cuenta que la cultura alternativa (en especial en las artes escénicas) está repleta de creadores que se toman demasiado en serio a sí mismos. Rafael bromea con esto: “Dentro del arte contemporáneo y experimental a veces se encuentran cosas muy crípticas y difíciles de entender para alguien que no esté habituado. Nosotros intentamos buscar otro tipo de enfoques que sean accesibles a cualquier persona que no tenga un gran conocimiento del arte contemporáneo. El humor es una herramienta muy importante para poder comunicarnos con cualquier tipo de gente”. Jaime señala lo importante que

es el humor tanto en su obra como en la vida: “El humor es algo fundamental para la vida, no sólo para el arte y la creación. Sin él, sería complicado abordar algunas cuestiones. Lo que pasa es que no somos humoristas ni pretendemos hacer reír a nadie. El humor es una consecuencia, no queremos hacer obras graciosas, sino reírnos de nosotros mismos para que el público nos acompañe. Pretendemos llamar la atención sobre la insignificancia del ser humano y su capacidad de volver a caer en los mismos errores una y otra vez, pero sin caer en una actitud derrotista. Al contrario, queremos dar a entender que podremos salir de las situaciones difíciles si nos reímos de nosotros mismos”. Sense of humor is used a lot in the work of Los Torreznos, something that we can appreciated if we consider that the alternative culture (especially stage art) is full of artists who take themselves too seriously. Rafael jokes around with this: “In contemporary and experimental art we sometimes find very cryptic things so difficult to understand for someone who is not used to it. We also try to include other focus points to connect with the people who are not as familiar with contemporary art. Humor is a great way to communicate anybody.” Jamie explains that humor is just as important in his work as it is in life: “Humor is something essential for life, not just for art and creation. Without this, it’s complicated to raise some issues. The thing is, we are not comedians, our intentions aren’t to make people laugh. Humor comes naturally: we don’t want make our pieces funny; we just laugh at ourselves so the audience can be part of it. We try to attract attention about the insignificance of human beings and our ability to repeat the same mistakes over and over again, avoiding a defeatist attitude. On the contrary, we want to get the idea across that we can overcome difficult situations by just laughing at ourselves.” A pesar del éxito de El cielo, Los Torreznos no van a parar ni siquiera para tomarse un respiro. Por eso, ya preparan su siguiente espectáculo, tal como nos cuenta Jaime: “Este proyecto llamado El desierto. Es una pieza presencial que vamos a presentar en el próximo Festival de Glasgow, en marzo. También es una videoinstalación que se basa en esta misma idea del desierto. La historia arranca en Arizona en el año 2009 y seguramente terminará en febrero o marzo de este año”. Como podemos ver, el cielo no es el final del camino. Despite the success of El Cielo, Los Torreznos are not going to stop, not even just to relax. Jamie explains that this is why they’re already preparing for their next show: “This project is called El Desierto. It’s a face-to-face piece which we are going to launch in the next Glasgow Festival in March. It’s also a video installation based on this idea of the desert. The story starts in Arizona in 2009 and will probably end in February or March of this year.” As we can see, Heaven is not the end of the road.

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Hablamos con 23 Pandoras, las integrantes de la antología de poemas más aclamada de los últimos meses We talk with 23 Pandoras, the members of the most acclaimed anthology of poems in recent months Literatura femenina. Una de las etiquetas más repetidas en los últimos años, celebrada por algunos y denostada por otros. Existen una serie de características que se asocian a este subgénero, pero también hay otras mujeres que pretenden escapar de estos clichés. En este punto, nos encontramos con 23 Pandoras, la última revelación dentro de la poesía alternativa española. Women’s literature. One of the most repeated labels in recent years, celebrated by some and reviled by others. There are a number of characteristics associated with this subgenre, but there are also other women that try to escape the clichés. At this point, we found 23 Pandoras, the new sensation In the Spanish alternative poetry. 23 Pandoras es una antología de poemas con una particularidad: todas las autoras son mujeres.

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Por supuesto, existen otras diferencias, como el lugar de origen o la edad, con una diferencia de unos 20 años entre la más joven y la mayor. Las Pandoras del título son Almudena Vidorreta, Lucía Boscá, Sofía Castañón, Eva Villavieja, Carmen Beltrán, Déborah Vukušic, Carmen Ruiz Fleta, Safrika, Sonia San Román, Carmen Camacho, Brenda Ascoz, Miriam Reyes, María Eloy García, Eva Vaz, Silvia Rodríguez, Ana Pérez Cañamares, Inma Luna, Roxana Popelka, Begoña Paz, Isabel Pérez Montalbán, Belén Reyes, Isabel Bono y Mada Alderete. Unas con un estilo más clásico y otras más abiertas a la experimentación, a veces tiernas y otras dramáticas, la calidad de esta antología es indiscutible. La magia de cada una de ellas ha sido seleccionada y manejada por Vicente Muñoz Álvarez, responsable de otras antologías memorables como Hank Over. Resaca. 23 Pandoras is an anthology of poems with a uniqueness: all the authors are women. Of course, there are other differences, such as their place of orgin and age, with a difference of about 20 years between the youngest and oldest. The Pandoras of the title are Almudena Vidorreta, Lucía Boscá, Sofía Castañón, Eva Villavieja, Carmen Beltrán, Déborah Vukušic, Carmen Ruiz Fleta, Safrika, Sonia San Román, Carmen Camacho, Brenda Ascoz, Miriam

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Por // By: Fátma Rodríguez Traducción // Translation: Alejandro Zaballa

Reyes, María Eloy García, Eva Vaz, Silvia Rodríguez, Ana Pérez Cañamares, Inma Luna, Roxana Popelka, Begoña Paz, Isabel Pérez Montalbán, Belén Reyes, Isabel Bono and Mada Alderete. Some with a more classical style and others more experimental, sometimes loving and other times dramatic, the quality of this anthology is indisputable. The magic of each one has been selected and managed by Vincente Muñoz Alvárez, responsible for other memorable anthologies like Hank Over. Resaca. Me encuentro en un lugar mítico de Malasaña con cinco de las autoras: Sofía Castañón, Déborah Vukušic, Ana Pérez Cañamares, Inma Luna y Roxana Popelka. Entre cañas y humo de cigarrillos, las chicas reflexionan sobre la literatura de mujer y su papel en ese mundo. Inma opina: “Sobre todo hay un desconocimiento o una falta de interés entre nuestros compañeros hombres, porque aún piensan que esto es algo minoritario. Para leer poemas, hemos estado en igualdad de condiciones. Pero me he sentido relegada para hablar de ella, parece que ahí tenemos menos que decir. Es una pelea constante”. Roxana continúa explicando: “Esto se ve en el mundo de los premios literarios. Si analizas cualquier concurso, todo está copado por hombres. No puedo creer que las mujeres no merezcan más premios, para nada. Todavía nos falta mucho camino, porque hay una visión muy paternalista

desde los jurados y los propios escritores”. Deborah es la más optimista: “En la mayoría de las antologías la nómina de hombres es cuantitativamente superior al de mujeres, pero creo que ahora estamos en el momento contrario. Es estupendo ser mujer y ser incluida en antologías por eso”. I meet in a legendary place of Malasaña with five of the authors: Sofía Castañón, Déborah Vukušic, Ana Pérez Cañamares, Inma Luna and Roxana Popelka. Through the cigarettes smoke and beer, the girls reflect upon women’s literature and their role in this world. Inma shares her opinion: “Above all, there is a lack of interest from our male companions, because they still think that this is MINORITY. We have an equal right to read, but I feel as if I’ve been neglected to talk about it, it seems as if we have nothing to say. It’s a constant battle.” Roxana continues explaining: “This is seen in the literary awards world. If you analyze any competition, everything is taken by men. I can’t believe that women don’t deserve more awards, I really can’t. We still have a long way to go because the judges and authors themselves have a very paternalist vision.” Deborah is the most optimistic: “In most of the anthologies, men are quantitatively superior to women, but I think we are at the opposite time. It’s great being a woman and to be included in anthologies because of this.”

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¿Temas menores? // Minor issues? A la literatura femenina se le asocian una serie de temas muy específicos, como la maternidad. Algo que las Pandoras ponen en entredicho. Inma lo explica: “Parece que la poesía social es exclusivo de lo masculino, mientras que a nosotras nos preocupa lo sentimental y lo doméstico por lo general. Y éstos se ven como temas menores. Por ejemplo, el hablar de nuestros hijos debería preocuparnos tanto a hombres como a mujeres”. Sofía es más concreta: “No creo que a Goytisolo le digan que Palabras para Julia sea un libro menor porque habla de una hija. También me revientan expresiones como ‘Escribes como un hombre’. Como lectora, no quiero antologías de mujeres: quiero antologías en las que también haya mujeres, porque cada vez hay más que escriben”. Carmen Camacho, otra Pandora con quién también he podido hablar, es más explícita: “Sigue siendo un mundo de hombres. Y eso pone lejos de las gentes no sólo la poesía con voz de mujer: también la literatura valiente, la minoritaria, la de vanguardia”. También lo tiene claro a la hora de referirse a las antologías femeninas: “Ojalá llegue el día en que nadie se espante por ver un libro donde todas las autoras son mujeres”. Women’s literature can be associated with very specific issues, such as maternity. “It seems as if social poetry is strictly for men, but, generally, we care more about domestic and sentimental issues. And this is seen with little importance. For example, when it comes to our children, both women and men should be just as responsible for them.” Sofia is more specific: “I don’t think anybody told Goytisolo that Palabras para Julia is not that important just because it’s about a daughter. What really gets on my nerves is when people say, “You write like a man.” As a reader, I don’t want anthologies of women: I want anthologies where we can also find women, because there are more and more who write”. Another woman who I have also been able to talk to, Carmen Camacho, is more explicit: “It’s still a man’s world. And that keeps not only poetry far from the rest of the world, but also brave, minority and vanguard literature.” She is also very clear when referring to female anthologies: “Hopefully, one day it will not be a surprise to see a book written by only women.” El nombre de 23 Pandoras tiene una doble explicación. Por un lado, hace referencia al mito griego de Pandora, que liberó los males del mundo

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pero dejó dentro la Esperanza. Por otro lado, se inspira en la banda de garage punk The Pandoras, integrado sólo por mujeres y que revolucionó la música de los 80. Esta dualidad entre pasado y modernidad está presente, e intenta expresar que el cambio es posible. Inma lo aclara: “Nuestras poemas tienen ironía y una poquito de mala leche”. Roxana continúa: “Nuestra poesía busca ese equilibrio entre aportar el matiz que puede dar cada una y tratar lo común, lo que nos puede pasar a todos”. Carmen expresa su opinión: “Pasan por un buen momento las etiquetas ‘alternativa’, ‘subversiva’ o ‘contracultural’. Pero la literatura verdaderamente alternativa al canon, a las leyes del mercado, a las modas, a la sociedad del espectáculo… no, no estoy tan segura de que pase un buen momento. De hecho, jamás lo tuvo. Eso sí, para mí ya es todo un éxito cualquier iniciativa editorial que pretenda acercar vanguardia y público. Y las hay”. The name of 23 Pandoras has a double meaning. In one way, it refers to the Greek myth of Pandora, who released the evils of the world except for Hope. On the other hand, it’s inspired by the 80’s garage punk band The Pandoras, made up of only women. They revolutionized the world of music. This duality between past and modernity is always present, and it tries to express that change is possible. Inma clarifies: “Our poems are ironic and have a bit of an attitude.” Roxana continues: “Our poetry searches for the equilibrium between providing the nuance of each one and treating the common, it could happen to all of us.” Carmen expresses her opinion: “Labels like alternative, subversive or contracultural are going through a good patch. But not the truely alternative literature, they face the market rules, the fashion, the show business society… I’m not so sure it is going through a good moment. In fact, it never had. But yes, in my opinion every publishing initiative which brings the vanguard to audiences is a success. And there are a few.” Gracias a estas características, este poemario puede calificarse de alternativo, tal como reza la portada del libro. Sofía lo define en este caso: “El término ‘alternativas’ que nos pone Vicente es muy acertado, porque es una alternativa al enfrentamiento, tanto en la literatura como en la vida”. En los últimos tiempos, esta palabra está en boca de todo el mundo. Incluso podría decirse que ser así está de moda, por lo que muchas veces esconde una realidad más comercial. Que se lo digan si no a los grandes almacenes, con esos elegantes atuendos de punk de manual. Se

puede llegar a la conclusión de que el auténtico alternativo es el que no pretende serlo. Según Inma: “Esta antología se distingue porque no pretende innovar en nada, con la pretensión de mostrarnos tal y como somos, como escritoras y como poetas. Si hay algún valor que se pueda resaltar es ése: una poesía carente de prejuicios, las veintitrés estamos en pelotas”. Sofía lo define así: “Ser alternativo consiste en sentirte libre en todo momento. Se nos pretende encasillar porque las librerías tienen que clasificar los libros”. Ésa es la clave de 23 Pandoras: la intención no es aprovechar la popularidad de un movimiento, sino mostrar una serie de sentimientos y creencias a través de unos poemas valientes, arriesgados, sinceros, a veces alegres y otras tan dolorosos que llegan a ser desgarradores. Thanks to these characteristics, this collection of poems can be classified as alternative, as the book cover reads. In this case Sofía defines it: “The name ‘alternative’ that Vicente gives us is very correct, because is an alternative to confrontation in literature and life.” Lately, this word is in everyone’s vocabulary. We could even say that it is in style to be that way; it so often hides a mainstream reality. Tell that to department stores, with those elegant clothes for poseur punks. We can conclude that the real alternative doesn’t try to be so, it just is. According to Inma: “This anthology is significant

Inma Luna

because we don’t try to innovate, with the goal of showing us just as we are, as readers and as poets. If there is any value that can be highlighted is that: an unprejudiced poetry, where all twenty-three of us are vulnerable”. Sofía defines that: “Being alternative is to feel free at all times. People want to categorize us because bookshops have to classify their books”. This is the key of 23 Pandoras: the intentions are not to follow what is in style, but to show our beliefs and feelings through brave, risky, sincere poetry, sometimes happy and other times, heartbreaking.

Carmen Camacho

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Por amor al arte…literalmente // For the Love of Art… Literally Todo el mundo sabe que dedicar la vida a la literatura no es tarea fácil en general. La poesía aún es considerada demasiado minoritaria por un público amplio, y la cultura en este país aún no se valora lo suficiente. Una triste realidad que Ana ha vivido en persona recientemente: “En España es casi imposible vivir de la literatura. Somos currantes y por eso entendemos el mundo de los currantes. Además, muchas veces las aportaciones y los recitales los hacemos gratis y por amor al arte. No conozco a nadie que viva de esto. De hecho, los que sí lo hacen se terminan profesionalizando y acaban escribiendo para comer. Tal como está ahora, no quisiera vivir de esto. He estado buscando becas de creación, pero para mi edad y situación no hay nada. Tan sólo hay tres: la que disfruta Sofía (para jóvenes creadores) y otras dos en las que no cuadraba ni por la edad ni por nada”. Roxana compara esta realidad con las facilidades para los escritores en el extranjero: “Si viviéramos en EE.UU., sí que podríamos acceder a muchas más becas. Incluso en países como México existe un mayor apoyo a los escritores”. Ana continúa: “Ni siquiera podemos plantearnos tomarnos un año sabático para escribir. Esa posibilidad sólo existe si has presentado un telediario o has ganado el Planeta”. Everybody knows that dedicating your life to literature, generally, is not an easy task. Poetry is still considered less important by major audiences, and this country does not value culture enough. A sad truth that Ana has recently experienced: “In Spain it is almost impossible to live off of literature. We are workers, and that is why we understand the workers’ world. What’s more, on occasions, our contributions and readings are free and for the love of the art: I don’t know anybody who can live like this. In fact, those who do it, end up making it a profession and they write for food. The way things are right now, I would not want to make a living out of this. I have been searching writing grants, but there is nothing for someone of my age and situation. There are only three: one that Sofía is enjoying –for young creatorsand other two which are not flexible with my age or anything for that matter.” Roxana compares this reality with the advantages writers abroad: “If we live in the USA, we could access more grants. Even in Mexico, there is a lot more support for the writers.” Ana continues: “We can not even ask to take a year off to write. This is only possible if you have presented the news or you have won the Planeta award.” El camino para publicar una obra es largo y tortuoso, y se vuelve aún más intransitable cuando hay que darla a conocer. Pero vivimos nuevos tiempos, y en este caso Internet vuelve a ser el mejor aliado de los autores menos conocidos. 23 Pandoras no es una excepción: prácticamente todas son blogueras, además del blog creado para dar a conocer la antología. Gracias a la incansable

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promoción a través de Internet y en varios fanzines, el poemario ya va por su segunda edición. Aunque tampoco podemos obviar el esfuerzo de varias pequeñas editoriales independientes, como Baile del Sol o Eclipsados. Roxana lo aclara: “Hay mucha gente que no apuesta por un nombre consagrado, sino por un libro de poemas. No hay estrellas, y las editoriales independientes dan el mismo trato al que publica su primer libro que al que lleva diez. ¡Un lujo!”. Ana compara esta realidad con otra muy distinta dentro del ambiente editorial: “Hasta hace poco me dedicaba a la narrativa, y sólo conocía el mundo de la poesía desde el punto de vista oficial propio de los suplementos. Veía todo muy lejano, rodeado de premios que se daban sin tener muy claro por qué. Pero también hay un mundo muy vivo, sin complejidades, lleno de gente súper comprometida y que escribe cosas alucinantes”. ¿Quién dijo crisis? The road to publish a book is long and tortuous, and it becomes more impassable when it’s time to tell everyone. But we live new times, and once again, the Internet is the best ally of the lesserknown authors. 23 Pandoras is no exception: all the authors are bloggers, in addition to the blog created to let people know the anthology. Thanks to the tireless promotion through Internet and some fanzines, the collection of poems is headed towards its second edition. We can’t forget the effort of some small publishing companies, like Baile del Sol or Eclipsados. Roxana clarifies: “There are a lot of people who don’t support an acclaimed name but yes to a book of poems. There aren’t any stars, and the independent companies show the same respect to someone who has published his first work as they do to someone who has published ten. It’s a luxury!” Ana compares this reality with something very different in the publishers’ atmosphere: “Until recently, I dedicated myself to narration, and I only knew the world of poetry from the point of view of supplements. For me everything was unclear, it was surrounded by awards that were given without even knowing why. But this world is very much alive, without complexities, full of very committed people who write amazing things.” What crisis?

Sofía Castañón Ana Pérez Roxana Popelka Deborah Vukusic

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Formato // Format: Foto / Photo: Polaroid 600 D贸nde y cu谩ndo // When and Where: 2009, Mooresville, Indiana Autor // Author: Belma H-F Le贸n

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Formato // Format: Foto / Photo: Polaroid 600 D贸nde y cu谩ndo // When and Where: 2009, Chicago Autor // Author: Belma H-F Le贸n

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