Humanize Issue 7

HUMANIZE magazine Issue 7

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V L amos a intentar una cosa.

Vamos a levantarnos todos los que estemos leyendo esto y vamos a ir a una librería (da igual donde estés, y puede ser cualquier librería). Y vamos a comprar un libro. Si hacemos esto, quizás en veinte años nuestros hijos podrán hacerlo también. Es imposible evitar nuestra propia mortalidad, pero no la de los libros.

et’s try something. All of us who are reading this should get up and go to a bookstore (it doesn’t matter where you are and it can be any bookstore). And let’s buy a book. If we do this, perhaps in twenty years our children will be able to do the same thing. It’s impossible to avoid our own mortality, but not that of books.

Much love, Karla D. Romero

Directora // Editor Karla D. Romero

(karla@humanizemag.com)

Diseño y Fotografía // Design and Photography Belma Hernández-Francés León (belma@humanizemag.com)

HUMANIZE magazine Redactores // Writers Fátima Rodríguez Pedro Moreno Carmen Valache Saraí Linares Manjarrez

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Portada // Cover: Jason Allsebrook Humanize Magazine es una publicación independiente, sin pertenencia a grupo, colectivo o asociación. No se hace responsable de la opinión de sus colaboradores. Prohibida la reproducción parcial o total de cualquier contenido.

Humanize Magazine is an independent publication that does not belong to a collective group or any association. It does not take responsibility for it contributors’ opinions. The reproduction of any content is prohibited.

6 ACCORDIONS 18 26 ALEXANDER SOKUROV

LUIS LODOS

MIGUEL A. GARCÍA DE LA CALERA

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JASON ALLSEBROOK

64 74

SERGIO CHEJFEC

CONTENIDO CONTENTS

MARTINA MAFFINI

ACCORDIONS Por // By: Karla D. Romero Fotos // Photos: Belma H-F Le贸n

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“I’ve come apart / living in a world of shadows / can I say I’ve done my part…”

Nos sentamos en el restaurante, mientras esperábamos a que nos trajeran la comida, y la conversación empezó de una manera tan natural, que se me olvidó por completo que estaba grabando. Hablamos acerca de la música en general, nuestras raíces, inspiración, colección de antigüedades, el futuro, el pasado, y todo entremedias.

Estaba inmediatamente entre amigos, y les acababa de conocer esa tarde.

We sat in the restaurant waiting to be served and the conversation began in such a natural way, that I completely forgot about the recorder. We talked about music, roots, inspiration, hording, the future, the past, and everything in between. I was immediately amongst friends, and we had only met that afternoon.

Su pasión innata por la música, su sutil implicación de grandeza y su simple bondad fue algo que nunca había visto en un grupo con tanto talento. Cada uno me explico cómo había llegado a apasionarse por la música. Y sus historias me hicieron querer poder sentirme así sobre cualquier cosa.

Their innate passion for music, their subtle implications of greatness and their simple kindness was something I had never encountered from such a talented group. Each of them described how they first became interested in music. And their stories made me wish I felt that way about anything.

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“Muy conectado a mi familia, a mis raíces” // “Very connected to my family, to my roots” “Vengo de una familia bastante musical… mi abuelo por parte de mi madre tocaba en una banda de baile en Detroit cuando era joven en los años veinte, y tocaba el banjo”, dijo Kipp Normand, el violinista y multiinstrumentalista del grupo. “Cantaba y silbaba canciones siempre”, continuo diciendo de su abuelo, “también me introdujo a la música folk… me dio unos discos de Burl Ives cuando era pequeño… a mi abuelo también le encantaba Mozart, era un hombre interesante, con un gusto musical muy diverso… uno de los tíos de mi padre también era violinista y también tenía otro que tocaba el contrabajo en una banda de baile en el norte”, añadió Normad. “Soy de Detroit y mi familia es del norte de Michigan, o sea que ha habido músicos en mi familia, y por eso siempre había música en mi casa.” Normand continuó compartiendo sus raíces musicales, poniendo énfasis en su interés por la música folk.

“I come from a pretty musical family… my grandfather on my mother’s side used to play in a dance band in Detroit when he was a young man in the twenties, and so he played a banjo,” started Kipp Normand, the band’s fiddle player and multi-instrumentalist. “He used to sing and whistle songs all the time,” he continued saying about his grandfather, “he also got me really interested in folk music… he gave me some Burl Ives records when I was a kid… my grandfather also loved Mozart, kind of an interesting fella, with a diverse musical taste… one of my dad’s uncles was a fiddle player and then he had another uncle who played the stand-up bass in a dance band way up north,” Normand added. “I’m from Detroit and my family is from upper Michigan, so there have been musicians in my family, so really there was music all the time in my house.” Normand continued to share his musical roots, emphasizing his interest in folk music, especially.

“Mi madre toca el violín y siempre nos ha animado a mis hermanos a que toquemos el instrumento y también aprendí a tocar el saxo en la banda del colegio”, dijo Joseph Kilbourn, el guitarrista, multi-instrumentalista y coros. “Finalmente empecé a tocar la guitarra… mis hermanos mayores, a ellos les encanta la música independiente y tuve una especie de influencia musical de mi madre e influencia independiente por parte de mis hermanos”, continuó Kilbourn. “Sabes, tenia estas influencias y siento como que tengo el síndrome de hijo pequeño, aunque no lo soy, pero tengo todas estas influencias que me han formado de alguna manera y no me veo con mucha identidad personal… veo estas cosas que me han formado en la persona que soy”. Kilbourn estudio guitarra clásica y española en la universidad de Butler en Indianápolis.

No solo tiene talento, sino que es humilde, y su intuición musical es algo único, mas allá de lo que le ha formado.

“My mom plays violin and she always encouraged my brothers and my sisters to learn the instrument and I learned saxophone in the band in junior high and high school,” said Joseph Kilbourn, the band’s guitarist, multi-instrumentalist and backup vocalist. “I picked up the guitar eventually… my older brothers, they’re really into independent music and so I had kind of this musician influence from my mom and this independent influence from my brothers,” Kilbourn continued.

“You know, I had these influences and I feel like I’ve got kind of a youngest child thing, even though I’m not the youngest, but I’ve got all these influences that have kind of shaped me and I don’t see a lot of personal identity in myself… I see these things that have shaped me into who I am.” Kilbourn studied classical and Spanish guitar at Butler. He is not only talented, but humble, and his musical intuitiveness is certainly something unique, beyond what has shaped him.

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“Supongo que si tengo que ubicar con exactitud de donde viene mi interés hacia la música, diría que es una mezcla entre mi padre y mi abuela. Mi padre es profesor de teoría musical en la universidad de Valparaíso (Indiana) y es organista y su abuelo fue organista y su padre fue organista… todo el mundo por parte de mi padre ha sido organista y yo he roto con eso, pero no sé, no es tan distinto. Y mi abuela no era mi abuela en realidad… supongo que me conoció en un evento para la iglesia y me cogió en brazos y empezó a cuidarme, y tuvimos una relación increíble. Y desde que pueda recordar, tocaba Für Elise en el piano en su casa y me dejaba tocarlo si le prometía que no iba a darle fuerte a las teclas. Tocaba la cítara para mí y me ensenaba este viejo zither que había heredado”, dijo Ben Bernthal, el vocalista y multi-instrumentalista del grupo (especialmente la cítara). “Cuando toco algo me siento muy conectado a mi familia, a mis raíces. Siento esta conexión a mi padre y a mi abuela… my abuela murió, y muchas de las canciones en el disco están directamente relacionadas con ella, con su funeral. La canción ‘Magellan’ (‘Magellanes’) va sobre mi abuelo en el funeral de mi abuela…”

“I guess if I had to pinpoint where my interest in music came from, it would be a mixture of my father and my grandmother.

My father is a music theory professor at Valparaiso University and an organist and his grandfather was an organist and his father was an organist… everyone on my dad’s side was a Lutheran organist and I kind of break that mold, but I don’t know, it’s not dissimilar. And my grandmother actually wasn’t my grandmother… I guess she met me when I was one on a hay ride for church and held me and just started watching me, and we just had this incredible relationship. And ever since I can remember, she would be playing Für Elise on her piano in her house and she would let me play her piano if I promised not to bang on the keys. She would play the autoharp for me and show me this old zither that she had passed down in the family,” said Ben Bernthal, the band’s vocalist and multi-instrumentalist (mostly autoharp). “When I play music I feel very connected to my family, to my roots. I feel this connection to my father and with my grandmother… my grandmother’s now diseased, so some of the songs on the album are actually directed influenced by her, by her funeral.

The song ‘Magellan’ was written about my grandfather at her funeral…”

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“Empecé a tocar el piano en tercero de primaria”, dijo Ben Leslie, el que toca la trompeta para el grupo, y lo has adivinado, también es multi-instrumentalista. “Empecé a tocar la trompeta en séptimo, y continué con ambos instrumentos haciendo diferentes cosas durante la universidad… pero creo que mi influencia, de nuevo, fue mi familia. Me crie escuchando a mi padre tocar la guitarra acústica y cantar y siempre ha tenido pasión hacia la música que creo que… fueron arraigadas en mi porque nunca me obligó a ser músico”.

“I started taking piano lessons in about third grade,” said Ben Leslie, the band’s trumpet player, and you guessed it, multi-instrumentalist. “I started playing trumpet for junior high band, and continued both of those through college in various ways… but I think that the real influences on me were, again, family. I just grew up listening to my dad basically just play acoustic guitar and sing and he definitely has a passion for music that… I think was ingrained in me more because he didn’t try to force it…”

“Hubo un profesor particular de música que trajo un montón de instrumentos al colegio (estaba en cuarto de primaria y viviendo en Florida) y nos hizo una demostración de cada instrumento, con la esperanza de que nos gustara alguno para hacer clases con él o formar un grupo, etc. (lo hicimos).

Cuando llegó a la trompa, me impresionó muchísimo cuando tocó el tema de la Guerra de las Galaxias. ¡Quería tocar esa canción lo antes posible! No fue tan fácil como pensaba, pero no lo dejé. También me crié escuchando y cantando góspel e himnos, los cuales llegaron antes que el incidente de la Guerra de las Galaxias”, dijo Caleb McCoach, el que toca la trompa para el grupo, y el nuevo miembro de Accordions.

“This freelance music teacher brought all these instruments into my school (I was in fourth grade then and living in Florida) and gave a demonstration of each instrument in hopes that enough of us would become interested and take lessons and/ or form an ensemble, etc. (which we did). When he got to the French horn, I was taken aback as he played the main theme of Star Wars. I wanted to be able to play that song as soon as

possible! It wasn’t as easy as I thought it was going to be but I didn’t give up. I also grew up listening and singing gospel and hymns as well, which actually predates the Star Wars theme incident,” stated Caleb McCoach, the band’s French horn player and most recent addition to Accordions.

Estas son sus raíces musicales, sus orígenes, las cuales comparten un rasgo común: la familia. Su influencia es evidente en las canciones – lo único que uno tiene que hacer es escuchar ‘Magellan’, mencionado antes por Bernthal.

La letra es preciosa, y es acompañada por una variedad perfecta de instrumentos. Es fácil ser transportado a un lugar en el pasado de Bernthal, lleno de desesperación y orgullo.

Perder a una persona querida, la alegría de saber que su memoria vivirá para siempre a través de los que dejaron atrás. Aunque esta canción está directamente relacionada con Bernthal, la intensidad en la música refleja mucho más que sus sentimientos, pero también los del resto del grupo.

“Lo primero que escuché de Accordions fue a Ben tocar ‘Magellan’ en la cítara y esa canción sonaba casi igual que como suena ahora”, dijo Leslie acerca de la canción, “No creo que haya conocido a nadie que no haya alucinado con esa canción…”

These are their musical roots, their origins sharing one common trait: family. Their influence is truly evident in their songs – all one must do is listen to ‘Magellan,’ mentioned previously by Bernthal. The beautiful lyrics, accompanied by the perfect variety of instruments can easily transport any listener to a place in Bernthal’s past, filled with a sense of desperation and pride, all at once. The loss of a loved one, the joy of knowing that their memory will live on forever through those left behind. Although this song is directly related to Bernthal, the intensity in the music reflects much more than his feeling, but also those of the entire band. “The first thing I ever heard that was Accordions was Ben play the song ‘Magellan’ on autoharp and that song was pretty close to what it is now when he played it,” said Leslie about the song, “I don’t think I’ve ever run into someone who wasn’t blown away by that song…”

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Accordions se formaron de una manera muy normal. Bernthal, Kilbourn y Leslie estaban juntos en el grupo de jazz de la universidad. Bernthal había grabado unos temas y le preguntoo a Kilbourn que tocara con él en la residencia, y poco después le dijeron a Leslie que se uniera, tocando la trompeta para poder reproducir el sonido de las grabaciones de Bernthal. Normand llegoo en octubre del 2009, y McCoach se unió hace pocos meses como miembro oficial del grupo.

Accordions formed in the most common of ways. Bernthal, Kilbourn and Leslie were all in jazz band together. Bernthal had made some recordings and asked Kilbourn to play along with him in his dorm, and then they later asked Leslie to join them on trumpet in order to reproduce Bernthal’s recordings.

Normand came along in October of 2009, and McCoach joined them just a few months ago as an official member.

“Creo que Indianápolis ha guardado un asiento para Accordions” // “I think Indy saved a seat for Accordions” Cuando encontramos a músicos a los que admiramos, por su dedicación y lealtad hacia sus seguidores, es fácil olvidar a los que solo les preocupa la fama y la fortuna, a esos que tocan cualquier concierto, para cobrar una pasta. Hay que reconocer que muchas veces es inevitable rechazar esos vicios que han derrotado a tantos grupos, sobre todo si ha estado relacionado con alguna discográfica.

When we find musicians that we admire for their dedication and loyalty to fans, we forget about those that seem to care only about fame and fortune, those who play any show, as long as they get a fat check. But many times it’s inevitable to reject those vices that so many bands have fallen victim to, especially when it comes to record labels.

“Creo que si creyéramos en la discográfica y…” empezó Bernthal, “… y pudiéramos establecer una relación que no fuera sólo un contrato”, continuo Kilbourn, “si fuera más colaborativo que simplemente sacarnos dinero el uno al otro, porque normalmente joden al mas débil”.

“I think if we believed in the label and…” Started to say Bernthal, “… and we could establish a relationship and it wasn’t just a contract,” continued Kilbourn, “if it was more collaborative than just trying to make money off of each other, because usually the little guy gets screwed.”

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Todos estaban de acuerdo, y Normand continuó, “Creo que tuvimos esta conversación en uno de nuestros sitios preferidos, The Red Key (un bar en Broad Ripple, Indianápolis)… fue como, ‘¿Y si ganáramos la lotería?’, pero más bien, ‘¿Y si nos hacen una oferta para firmar con una discográfica?’, y todos dijimos lo que haríamos… creo que yo dije que me compraría un rascacielos abandonado en Detroit”.

They all agreed, and Normand continued, “I think we had a conversation like this once at our favorite place, The Red Key (a bar in Broad Ripple, Indianapolis)… it was kind of like, ‘What if we won the lottery,’ sort of thing, ‘What if we got offered to sign with a label,’ and said what we would do… I think I wanted to buy an abandoned skyscraper in Detroit.”

Accordions no sólo están seguros de su lealtad como músicos en el sentido de que nunca se venderán si significa perder su esencia, si no que también formar una parte activa y apasionada en la comunidad de Indianápolis. Aunque es una ciudad pequeña, bastante conservadora y con menos presencia de música independiente en comparación con otras ciudades estadounidenses más grandes, Accordions han sido capaces de hacer que Indianápolis sea su escenario principal con mucho éxito. “[Indianápolis] parece que nos puede limitar un poco, quizás porque… ¿no hay tanto potencial? Quizás es mas difícil llegar a un potencial más alto, pero también, al nivel que estamos, hace que las cosas valgan mas la pena”, dijo Leslie. “Creo que podríamos hacer el mismo esfuerzo en Chicago y sólo llegaríamos a la mitad de donde estamos ahora”. McCoach también compartió su opinión y dijo, “La escena musical parece ser como una película súper guay que está a punto de empezar y todo el mundo está corriendo hacia sus asientos antes de que empiece. Creo que Indianápolis ha guardado un asiento para Accordions. Somos parte de un colectivo”.

Not only are Accordions sure of their loyalty as musicians in a non-sellout sort of way, they’re also passionate and active members of the Indianapolis community. Despite being a smaller, typically-conservative city, with less of an independent music scene than many other larger cities in the U.S., Accordions have successfully made Indianapolis their center stage. “[Indianapolis] does feel slightly limiting as far as not being as much, maybe, potential? Maybe it’s harder to reach a really high potential, but it’s also, at the level we’re at, it makes things really worthwhile,” said Leslie. “It feels like we could do the same amount of work in Chicago and get half as far.” McCoach shared his side and said, “The music scene seems to be something like an awesome movie is about to begin so everyone is hurrying to find their seat before it starts. I think Indy saved a seat for Accordions. We’re part of the whole.”

Bernthal estaba de acuerdo y añadió, “No me puedo creer lo generosa que es la gente! Hablamos con Casey Roberts cuando me mudé aquí por primera vez. Es un artista basado en Indianápolis, uno de mis artistas preferidos. Hizo la portada del disco, en realidad era una pintura… Recuerdo verla en una galería y me enamoré y hablando con él y sabes, ¡era un niño en mi primer año de carrera! No era nada condescendiente, simplemente le hizo ilusión contarme el proceso que había usado”, dijo Bernthal, “Finalmente nos dejó usar la pintura para nuestro disco sin cobrarnos y cuando le dije que había escrito, ‘Hope for the best’, (‘Espera lo mejor’, en español), en el muro de Berlín, que en efecto fue el titulo de nuestro disco, me dijo que me lo quería dar…

Nunca he conocido a nadie así en otro sitio”.

Bernthal agreed and continued, “I really can’t believe how generous people are! We talked to Casey Roberts when I first moved here. He’s an Indianapolis artist, one of my favorite artists. He did the album artwork for us, it was actually a painting… I remember seeing it in a gallery opening and just falling in love with it and talking to him and you know, I was just a freshman in college, I was just some kid! He was not condescending in the least, just very excited to tell me all about it and the process that he used,” Bernthal said, “He eventually let us use his artwork free-of-charge for our album cover and when I told him I wrote, ‘Hope for the best,’ on the Berlin Wall, which was the title of his painting and consequently our album, he told me that he wanted to give me the painting… People like that I’ve never come across in any other town.”

Si existe un grupo con tanto talento y tanta humildad en una ciudad como Indianápolis, ¿Qué más existirá en el resto del mundo? ¿Quién nos queda por descubrir en el mundo del arte? ¿Y el cine? ¿Y la fotografía? Después de conocer a Accordions, estoy segura de que hay tantas cosas por descubrir, que con una vida será imposible ver, escuchar y sentir todo. Muchas gracias por todo, chicos.

If a band exists in a city like Indianapolis, with such talent and humility, what else exists in the rest of the world? Who’s left to be discovered in the art world? And in film? In photography?

After meeting Accordions, I’m certain that there is so much to discover, that one life isn’t enough to see, hear and feel everything. Thanks for everything, guys.

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LUIS LODOS

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El director contra el sistema The film director against the system

Por // By: Fátima Rodríguez

En el libro Rebelde sin pasta, Robert Rodríguez narra el complicado proceso de creación de una película cuando apenas se tiene presupuesto y todos los elementos parecen ponerse en tu contra. Una experiencia parecida es la que podría narrar el director de cine canario Luis Lodos, un cineasta que ha conseguido rodar once cortos y un largometraje hasta la fecha, sin más apoyo que su autosuficiencia y su fuerza de voluntad. Como es evidente, un presupuesto mínimo es el mayor escollo en el camino del cineasta, tal como cuenta Luis: “La financiación es la mayor complicación a la hora de rodar. Los sistemas de financiación que se utilizan actualmente están heredados de modelos artísticos obsoletos y requieren años para reunir el capital necesario para rodar cualquier cosa”.

In the book Rebel Without a Crew, Robert Rodríguez tells the complicated process for the creation of a film when budget is hardly visible and all the elements seem to be against you. A similar experience could be related by the Canary Islands-native and film director Luis Lodos, a moviemaker that has filmed eleven short films and a full-length film until now, without more support than his self-reliance and willpower. Obviously, a minimum budget is the main handicap for a filmmaker, as Luis tells: “Budget is the main complication for a shooting. Financing systems currently used are a legacy of obsolete artistic models and it requires years to raise the capital to shoot anything.”

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Su primera película, Quemando Suerte, se rodó con un presupuesto mínimo a pesar de contar una historia de lo más trepidante. Dejemos que el propio Luis Lodos nos cuente el argumento de su film: “Quemando Suerte es una película independiente de cine negro rodada en Gran Canaria. Trata sobre un hombre amargado por una enfermedad congénita, que tras encontrarse sorpresivamente con una maleta repleta de cocaína, intenta hacerse pasar por traficante para vender la droga a unos delincuentes nada confiados. Es una película que planteé como proyecto final para cerrar una etapa de diez años de formación como cineasta.”

His first film, Quemando Suerte, was filmed with a minimum budget although it tells a vibrating story. We must let that Luis Lodos tells the plot of his film: “Quemando Suerte is an independent film noir filmed in Gran Canarias. It‘s about a bitter man with a congenital illness. After finding a suitcase full of cocaine surprisingly, he tries to impersonate a trafficker to sell the drug to some criminals that don’t trust him. It’s a movie that I raised as a final project to close a period of ten years of training as a filmmaker.”

El proceso de creación a lo largo del tiempo // The process of creation over time Desde el principio se supo que el proceso de gestación de un proyecto así no iba a ser fácil, y por eso es fundamental la implicación al completo de un equipo entregado. El secreto podría resumirse en trabajo y más trabajo. Luis explica cómo se desarrolló el proyecto: “Escribí el guión durante un año, intentando que resultara una producción verdaderamente sencilla de ejecutar, ya que imaginaba que el presupuesto iba a ser prácticamente cero. Del borrador inicial a la versión final se eliminaron muchas situaciones, escenarios y personajes, intentando mantener una estructura sólida.

Gracias a este planteamiento del guión, la película se pudo llevar a cabo con el empuje de tres pequeñas productoras locales (Factoría Integral, Tembleque y Laboratorio de Artes Audiovisuales), además del compromiso de los miembros del equipo y de la dedicación de un buen montador que cuidó cada fotograma”. Si realizar el largometraje ya es

complicado, distribuir y dar a conocer la historia es aún más arduo, sobre todo tratándose de un film tan arriesgado: “La película se ha presentado en cinco festivales de cine, entre ellos el Festival de Cine Negro de Manresa, lo que fue todo un orgullo porque había un cartel muy importante, incluyendo varias producciones de Hollywood. Actualmente la película busca una distribución que permita difundirla más ampliamente. Es relativamente pronto para hacer un balance, pero no ha sido terminarla y recibir ofertas de distribución. Es una realidad que las televisiones no quieren películas independientes ni regaladas, porque buscan otro tipo de productos. El cine indie está relegado a canales temáticos, con suerte. Pero era un riesgo que conocía desde el principio y lo acepté”.

Since the beginning, he knew the gestation of a project like this would not be easy, so the full time involvement of a devoted team is fundamental. The secret could be work and more work. Luis explains the project development: “I wrote the screenplay in one year; I tried to make a very simple production, because I supposed that the budget would be virtually zero. From the first rough draft to the final version I deleted a lot of situations, stages and characters, trying to keep a solid structure. Thanks to the approach of the screenplay, the film was made with the support of three little local production companies - Factoría Integral, Tembleque and Laboratorio de Artes Audiovisuales -, apart from the commitment from the members of the team and the dedication of a good film editor that cared for every frame”. If making a movie is very complicated, to distribute it and let people know the story is even more difficult. “The movie has been introduced in five film festivals, as the Festival de Cine Negro de Manresa, something that was an honor because there were very important movies, for example some Hollywood productions. Nowadays, the film is searching a distribution to be more widely. It’s relatively early to take stock, but I haven’t received distribution offers just ending the shooting. It’s a fact that televisions don’t want independent films, because they want other kind of products. Indie film is relegated to thematic channels, at best. But it was a risk I knew since the beginning and I accepted it”.

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Las dificultades del cineasta independiente // The difficulties of the independent filmmaker Cuando creas una obra independiente en todos los sentidos, siempre es mucho más difícil conseguir el éxito o como mínimo el reconocimiento de un determinado sector del público. Pero si a todo esto se le añade un cine español siempre en decadencia (económica) y una devastadora crisis económica, todo se complica aún más. Además, parece que el cine siempre está en una situación más o menos crítica, ¿verdad? Todo este panorama desanimaría a cualquiera, pero Luis no se acobardó: “El cine es una industria que ha conocido muchas crisis: la transición al sonoro, al color, la llegada del vídeo VHS, del DVD, la lucha de formatos, Internet... etc. Si te refieres a la crisis financiera internacional y al cine español en particular, no he contrastado apenas cambios. El cine en España se realiza con un gran aporte de dinero público y esta fuente tiene mucha capacidad de absorción de fluctuaciones porque no se guía por la oferta y la demanda, al contrario que en Estados Unidos. La crisis financiera es una anécdota comparada con la crisis de Internet. Actualmente las películas tienen un gran medio para distribuirse a través de la Red, pero en lugar de explotar este recurso se le está demonizando. Es parecido a lo que ocurrió cuando se inventó el vídeo VHS, las grandes distribuidoras pusieron el grito en el cielo porque ¿quién iba a ir al cine cuando alguien podía grabar la película en casa y verla cuando quisiera?”.

When you create an independent work in any way, it is always much harder to achieve success or at least the recognition of a particular sector of the audience. But if you add Spanish film, always in a (financial) decline and a devastating economic crisis, everything is further complicated. Not to mention it seems that film is always in a critical situation, isn’t it? This outlook would discourage anyone, but Luis did not shrink: “Film is an industry that has known a lot of crisis: the transition from silent films to talking films, from B/W film to color, the arrival of VHS, DVD, the fight of formats, Internet… If you mean the international financial crisis and Spanish film in particular, I haven’t noticed any changes.

Spanish films are made with a lot of public money, and this source has a great capacity to absorb fluctuations because it’s not guided by supply and demand, not like United States.

Financial crisis is an anecdote compared to Internet crisis.

At present, movies have a great way to spread via network, but this resource is being demonized. It happened when VHS was invented, large distributors were alarmed because, who would go to the movies when someone could record the movie at home and watch it whenever he wanted?”

El cine español es un caso aparte, tal como señala el cineasta: “El cine español lo veo mal. El sistema de financiación es insolidario y la mayoría de los proyectos son insostenibles. Sobre la recaudación, las películas españolas recauda tanto como las películas estadounidenses de autor, porque prácticamente todo el cine español es de autor. Con “autor” me refiero a que surge de la creación personal sin tener en cuenta las tendencias ni el gusto del público. El problema de este tipo de cine es que tiene un público reducido. Si hablamos de recaudación tenemos que diferenciar entre cine industrial y comercial”. Por supuesto, la piratería es uno de los grandes enemigos del cine, pero Luis propone algunas soluciones para combatirlo: “Para destruir la piratería hay que utilizar esos canales a su máxima capacidad. El público no se descarga una película para pagar menos, lo hace porque la descarga gratuita es la única descarga. Cuando iTunes apareció en el mercado destruyó la piratería en su segmento, porque ofrecía lo mismo, pero mejor”.

Spanish cinema is a special case, as the filmmaker says: “I think Spanish film is in trouble. Funding systems are unsupportive and most projects are unsustanaible. About box office, Spanish movies earn the same as American auteur films, because Spanish films are auteur film, generally speaking. With “auteur film” I mean it arises from the personal creation, regardless of trends or public taste. The problem of this kind of film is that it has a small audience. If we speak about box office, we have to make differences between industrial and mainstream film.” And of course, downloading pirated movies is one of the worst enemies of film, but Luis proposes some solutions to combat it: “To destroy piracy, we have to use these channels to the max.

People don’t download a film to pay less; they do it because a free download is the only option they have. When iTunes appeared on the market, it destroyed piracy in music because it offered the same, but better.”

Luis sigue promocionando y buscando distribución para su debut en el largometraje, pero no se dedica a esto exclusivamente: prepara un ciclo de conferencias sobre Cine Sostenible, donde recopila los conocimientos y sabiduría que ha acumulado durante estos diez años como cineasta: “Gracias a este y otros proyectos que he realizado durante estos años, he podido recopilar una información muy interesante sobre la producción cinematográfica industrial e independiente. Ahora estoy desarrollando un sistema que permita desbloquear una situación muy preocupante en la actualidad cinematográfica española: el talento y la calidad de un proyecto no garantizan que se lleve acabo con éxito.

Este ciclo de conferencias trata de abordar el problema de una manera distinta, aplicando conceptos de sostenibilidad a la producción de cine. Espero que este modelo represente una alternativa real y permita a los cineastas que se ven atados de manos poder explotar tu creatividad y realizar sus sueños”. Aparte, también prepara proyectos que le permitan continuar en el mundo del Séptimo Arte: “Actualmente estoy desarrollando dos proyectos de largometraje para diferentes mercados, aplicando los conceptos del modelo de Cine Sostenible. Cuando lleguen a su realización, espero poder contar mi experiencia a los jóvenes realizadores y cambiar la mentalidad de no compartir información que el cineasta ha experimentado durante tanto tiempo”. Esperamos de todo corazón que todo salga bien a este interesante director.

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Luis keeps advertising and searching for distribution for his debut in full-length film, but he doesn’t do this exclusively: he has prepared a series of lectures about Sustainable Film, which collects the knowledge and wisdom that he has accumulated over the last ten years as a filmmaker. “Thanks to this and other projects I have done during these ten years, I could compile very interesting information about industrial and independent cinematographic production. Now I am developing a system to unlock a very worrying situation currently affecting Spanish film: the talent and quality of a project don’t warrant success. This series of lectures tries to deal with this problem in a different way, applying concepts of sustainability in film production. I hope this model will be a true alternative and allows to filmmakers who are bounded hand and foot to develop their creativity to make their dreams come true.” He has also prepared several projects which allow him to continue in the world of the Seventh Art: “Nowadays I am developing two film projects for different markets, while applying the concepts of the Sustainable Film model. When they end, I hope to tell my experience to young creators and change the mindset of not sharing information that filmmaker have experienced for so long.” We sincerely hope everything works out for this interesting director.

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Alexander Sokurov

&MOTHERS

Padres

FATHERS

madres

Por // By: Pedro Moreno Traduccion// Translation: Saraí Linares Manjarrez

Las relaciones entre padres e hijos poseen una naturaleza única inigualable. Sea cual sea la índole del vínculo, el amor y la fraternidad, la deuda establecida y el respeto, aunque sea distante, siempre se conserva en el corazón de las familias nucleares como un nudo gordiano infranqueable.

siempre en los integrantes revelándose en cada individuo con distinto rostro a la espera de ocupar un plano común en el interior del recuerdo familiar colectivo -caso del espléndido cómic Mother, Come Home (2004), de Paul Hornschemeier, cómplice de una lectura desgarradora

The relationship between parents and their children is of a unique, peerless nature. Whatever nature of the bond, love and fraternity, the established gratitude and respect, though perhaps far-off, is always maintained at the heart of the nuclear family like an impenetrable Gordian knot.

Although it may come off as plain, parents are always on hand to guide, according to their possibilities, their children, at the same time as they act with diligence not to let their parents down. Even once gone, either parents or children - the harshness is of the same intensity - the presence of the absence lives forever in the subjects, revealing itself in each individual with a different face in the hope of occupying a common plane inside the collective familial memory - case n point, the splendid comic Mother, Come Home (2004), by Paul Hornschemeier, creator of a heart-rending read.

Aunque suene a tópico, los padres siempre están ahí para guiar según sus posibilidades a los hijos, a la vez que éstos actúan con entrega para no defraudarlos. Incluso una vez desaparecidos, sean padres o hijos -la dureza es de la misma intensidad- la presencia de la ausencia cohabita para

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Quede claro que se habla aquí del ideal más o menos universal de familia nuclear. Si bien hay que destacar que las particularidades son obvias y que cada prole inserta en determinada civilización, algo más homogénea ahora para occidente, son motivo de análisis caso a caso. No existe una familia modelo al igual que no existe un amor verdadero o un genuino criterio definitivo que sirva de patrón que lidere a los demás. Todo son orientaciones necesarias en torno a las que se ordena la comprensión, en pos de un enriquecimiento individual en directo beneficio de un otro colectivo.

Let’s be clear here and point out that we speak of the more or less universal ideal of a nuclear family. Nevertheless, it must be pointed out that the particularities that are evident and that each populace inserts in a given civilization, somewhat more homogenous now in the West, are reason for case-bycase analysis. There exists no model family, just as no true love exists, nor a genuinely definitive criterion that’s useful as a pattern to guide all the rest. All is necessary guidelines around which understanding comes into order, in search of individual enrichment in direct benefit of the collective one.

Para el ruso Alexander Sokurov, la familia es el último resquicio irreductible de verdadera espiritualidad y comunión con la humanidad. En su seno se hallan atisbos de la atemporalidad inconsciente del ser cimentada por la eterna solidaridad paterno-filial, aquella que ningún sistema organizativo debería permitirse el lujo de sobornar. La complicidad que implica el vínculo de parentesco más inmediato nunca debería ser viciada. Sus honestas –aunque algo sobredimensionadas- películas sobre la complejidad del sentimiento de consanguinidad -Madre e hijo (1997) y Padre e hijo (2003)- bastan para confirmarlo.

For the Russian Alexander Sokurov, family is the last, irreducible liaison of true spirituality and communion with humanity. At its heart, there are glimpses of the ageless unconscious of the being, grounded by the eternal father-son solidarity, one that no organizing system should give itself the luxury of corrupting.

The link implied by the bond of immediate kinship should never be tainted. His honest - although somewhat over-sized films - on the complexity of the feeling of blood ties - Mother and Son (1997) and Father and Son (2003) - are enough to confirm it.

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La solitaria obra de Sokurov habla de un hombre decidido en su empeño por revalorizar y reinventar un cine de aportes y abstracciones, muy basada en la luz de la pintura romántica del S. XIX, pero desigual, o en ocasiones poco claro, en sus resultados. Su cine es tan radical y excesivo en su intento por brindar nuevas formas de expresión en el medio, así como potentes y provocadores son sus comentarios envenenados acerca de la [según él] mediocridad circundante en el cine contemporáneo.

The singular work of Sokurov speaks of a man resolute in his effort to revalue and to re-invent a cinema of contributions and abstractions, heavily based on the light of the romantic paintings of the XIX century, though uneven, and at times opaque, in its results. His filmmaking is as radical and excessive in its attempt to offer new forms of expression in the medium, as powerful and provocative are his poisoned commentaries about (according to him) the besieging mediocrity of contemporary cinema.

El arte, asevera el ruso, pervierte y está pervertido por encontrarse repleto de imágenes carentes de reflexión creadas por artesanos mediocres sumergidos en la occidentalización que en el peor de los casos, sin querer, trasmiten cierta ideología indeseable. Punto este bastante discutible y que en su pedante batalla como liberador del artista para fines más nobles ajeno a la mundano de la realidad sí que adquiere sentido, a pesar de cierto tono de superioridad moral que impone con su mirada.

Art, asserts the Russian, perverts and is perverted from being stuffed with images devoid of reflection created by mediocre craftsmen submerged in the westernization that in the worse one of the cases, without wanting, pass on a certain undesirable ideology. This is a quite debatable point, but one that in his pedantic battle as a liberator of the artist for nobler aims, blind to reality’s mundaneness, does acquires sense, in spite of a certain tone of moral superiority that he imposes with his glance.

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Al autor ruso, como a la mayoría de los directores más interesantes de la actualidad (Min Liang, Van Sant, Kawase, Guerín y por supuesto Hsiao Hsien y Kiarostami) le interesa profundizar en la idea de espacio cinematográfico. Si el cine ha sido considerado como un modo solapado de esculpir en el tiempo, estos directores reformulan nociones que parecían obvias e inmutables y así toparse con exploraciones nada baldías.

Las técnicas y recursos de los que se sirve Sokurov no promueven en absoluto un paso atrás; la suya no es para nada la obra de un director reaccionario. Sus métodos amplían el marco en el que el nuevo cine puede desarrollarse al tiempo que revienta los códigos convencionales mediante un tratamiento de la naturaleza cinematográfica con pocos precedentes (“El cine como arte aún no ha nacido”, declaró el discípulo de Tarkovski).

To the Russian author, like to the majority of the most interesting directors at present,(Min Liang, Van Sant, Kawase, Guerín and of course Hsiao Hsien and Kiarostami) it’s interesting to probe into in the idea of cinematographic space. If cinema has been considered a cunning way to sculpt in time, these directors reformulate concepts that seemed obvious and immutable, and thus to drive into explorations that are not at all hollow.

The techniques and recourses that Sokurov uses do not in any way promote even one step back; his is not in any way the work of a reactionary director. His methods extend the frame in which the new cinema can develop as it blows the pre-arranged codes up by means of a treatment of cinematographic nature with few precedents. (“Cinema as art is not yet born,” the disciple of Tarkovski declared).

Sokurov, por su parte, piensa que el espacio tridimensional –ahora que está tan en boga- en el cine es una falacia y que el arte de un filme se traiciona si se aspira a tal entelequia.

“Trabajo para que la mínima figura que habita el plano sea ubicada como lo entiendo, y no como la realidad querría imponérmelo”, asegura el director. De ahí proviene por tanto su obsesión por deformar la imagen para alcanzar la anamorfosis (inteligente recurso de perspectiva de origen pictórico que data del siglo XVII, empleado con el fin de generar una imagen distorsionada de lo representado).

Sokurov, on the other hand, thinks that the three-dimensional space - now so much in fashion - in the cinema is a fallacy and that a film’s art is betrayed if it such artifice is aspired to. “ I work so that the smallest figure that occupies the plane is placed as I understand it, and not as reality wants to impose it on me,” affirms the director. From here, therefore, derives the obsession to deform the image to reach anamorphosis. (An intelligent recourse of perspective of pictorial origin that dates from the XVII century, used with the purpose of generating a distorted image of the thing represented).

Para lograr estos objetivos se sirve sobre todo de lentes especiales que tinta en los bordes, de objetivos anomórficos y de un ejemplar empleo del sonido. Juntos, y por lo general bien engrasados, producen una nebulosa fantasmagórica difícil de asumir en un primer visionado.

In order to achieve these objectives he mainly uses special lenses that he shades in at the edges, of anamorphic objectives, and an exemplary use of sound. Together, and l generally well greased, they produce a phantasmagoric nebula difficult to ascertain at the first viewing.

Sokurov emplea y articula con eficacia estas herramientas para elevar así la franqueza de sus películas a una inédita contemplación pero que en su culminación deviene como inherente a la magia del desarrollo cinematográfico.

Sokurov employs and articulates with effectiveness these tools, to elevate therefore the directness of his films to an unforeseen reflection, but that in its culmination appears as inherent to the magic of the cinematic process.

FILMOGRAFÍA // Filmograghy The Degraded (1980) Painful Indifference (983–1987) Empire (1986) Days of Eclipse (1988) Save and Protect (1989) The Second Circle (1990) Stone (1992) Whispering Pages (1993)

Mother and Son (1996) Moloch (1999) Taurus (2000) Russian Ark (2002) Father and Son (2003) The Sun (2004) Alexandra (2007)

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MOTHER AND SON,1997 Todo en esta película es sobrecogedor. En un páramo perdido, alejado de la sofisticación moderna, una madre moribunda y su leal hijo viven sus últimos momentos juntos.

En poco más de 73 minutos y con menos de 60 planos de deslumbrante plasticidad – herederos de la atmósfera de Rembrandt y la vaporosidad de Turner – Sokurov traza con una pulsión única y apoyado por un sutil uso de la banda de sonido, una película de dolor insondable. Tanto que por momentos expulsa al espectador, mirón intrigado por la relación mostrada, que tendrá que habituarse a lo expuesto por otros mecanismos de comprensión, ineludibles si realmente se sigue el hilo. La importancia de la naturaleza y la muerte en esta película es tal que se llegan a oler sus fragancias en algunas de esas secuencias pausadas donde los personajes se fusionan completamente con el entorno.

Film atípico y rotundo acerca de la naturaleza del alma humana, que peca de un misticismo excesivo.

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Everything in this movie is shocking. In a lost plateau, away from modern civilization, a dying mother and her loyal son live their last moments together. In just over 73 minutes and with less than 60 shots of stunning plasticity – heirs to Rembrandt’s atmosphere and Turner’s vaporosity – Sokurov draws with a unique pulse and supported by the subtle use of a soundtrack, a film of unfathomable pain. So much so that for moments at a time, it expulses the viewer, an intrigued bystander of the relationship being shown, that one must get used to what is exposed by means of other comprehension mechanisms, unavoidable if you really want to follow the ideas. The importance of nature and death in this film are so present that one is able to smell their fragrances in various scenes, where the characters are fused completely with their surroundings. A round and atypical film about human nature, with perhaps an excessive mysticism.

FATHER AND SON, 2003 Esta película se siente como un amanecer. Gracias a su rutilante aspecto y a la belleza de los rostros de todos los personajes que aparecen en ella, la felicidad que transmite es sólo equiparable a la conmoción que provoca. La intensa relación afectiva de un hercúleo padre con su hijo, aprendiz de militar que desea pasar algo más de tiempo con sus compañeros, es representada mediante una extrema fisicidad. Al igual que en Madre e hijo, la corporalidad, el espacio que ocupan los cuerpos, es fundamental para la recreación del movimiento interno del film. Mucho más acelerado en esta ocasión, pero igual de punzante. El mayor logro de este film, además de estar rodada con una luminosa vigorosidad, está en el montaje, repleto de cortes, pero que fluye suavemente, sin brusquedad, asimilándose desde su inicio a un brillante sueño, para nada forzado. El amor entre dos hombres sin temor a ser expresado.

This film feels like dawn. Thanks to its rutilating shining aspect and all of the characters’ beautiful faces, the happiness it transmits is only comparable to the emotion it provokes. The intense emotional relationship of a herculean father with his son, a military apprentice that wants to spend a little more time with his friends, is represented by means of an extreme physical sense. Just as in Mother and Son, the body, the space occupied by the bodies, are fundamental to recreate internal movement in the film. Much more accelerated in the film, but just as sharp. The biggest success in this movie, asides from being filmed in a vigorous luminosity, is in the editing, full of cuts, yet it flows well, without roughness, taking in itself from the beginning to a brilliant dream, not at all forced. Love between two men without fear of expressing it.

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Miguel A. GARCĂ­A

DE LA CALERA Entre atracos, persecuciones y 3D // among hold-ups, pursuits and 3D

Por // By: Fátima Rodríguez

Cuando se tienen talento y ganas no importa la juventud de una persona, sino la fuerza de voluntad que ponga en su trabajo. Aunque suena a tópico, es verdad que en ocasiones se puede ser muy joven y realizar tus sueños artísticos. Éste es el caso de Miguel A. García de la Calera, un precoz director de cine que con sólo 22 años acaba de estrenar su cuarto corto, Memorias de Atracos.

When someone has talent and desire, it doesn’t matter how young they are, only their willpower at work. Although it sounds like a cliché, it’s true that sometimes you can be very young and realize your artistic dreams. This is the case of Miguel A. García de la Calera, a beginning filmmaker who is only 22-years-old and has just released his fourth short film, Memorias de Atracos (Memories of a Hold-Up).

En este cortometraje, se cuenta la siguiente historia: un atracador se dedica a desvalijar las casas de sus víctimas.

Un periodista graba un reportaje con los testimonios de las víctimas, que narran sus experiencias y cómo se enfrentaron a este ladrón. La particularidad de este corto es cómo se combinan varias historias: unas son más dramáticas y otras tienen más cómico. No se trata de un planteamiento sencillo, y por lo tanto la preparación del corto tampoco lo fue. Miguel nos lo cuenta: “Es un cortometraje con el que llevo con el guión desde mayo de 2008, cuando tuve la idea. Me tiré con la preproducción hasta mayo de 2009, que fue cuando lo grabé. Luego estuve un año entero con la postproducción, que en un principio iba a ser más chica y que estaba previsto que fuera el 30 de octubre. Pero la cosa siempre se retrasa, aunque por fin ya se ha terminado.

El corto trata ante todo sobre la subjetividad humana, sobre cómo cada uno vemos de forma distinta una misma cosa.

Era un reto como director, porque se retratan distintos puntos de vista y de diferentes estilos artísticos, de montaje y de todo a lo que hemos podido llevarlo: a la comedia, al drama…

Pretendía jugar tanto con esa parte artística como con el guión. Todos vemos siempre lo mismo pero desde una forma distinta según nuestro interés, tanto que a veces incluso nos creemos nuestras mentiras. Aunque no son realmente mentiras, sino que interiorizamos algo y nos lo creemos aunque realmente no sea así”.

This is the story of the short film: a robber dedicates his life to plundering the houses of his victims. A journalist writes an article with the testimonies of the victims, who narrate their experiences and how they dealt with this thief. The particularity of this short film is how it combines several stories: some are more dramatic and others have more comedy.

It’s not a simple approach, so the preparation wasn’t either.

Miguel tells us, “It’s a short film which started when I wrote the screenplay in May of 2008, when I had the idea. I was with pre-production until May of 2009, when I filmed it. Then, I spent an entire year on post-production, because at the beginning the production was going to be smaller, and it was scheduled to open on October 30th. It was postponed, but is already finished. The film is firstly and foremost about human subjectivity, how we all see the same thing differently. It was a challenge as a director, because I have to depict different views and different artistic and editing styles, and we have touched every genre we could: comedy, drama… I tried to play with this artistic and literary part. We all see the same but in a different way depending on our interest, so sometimes we believe our lies. But they are not really lies, because we internalize something and we believe it although it is not really that way.”

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El atraco sólo es la excusa // Mugging is just an excuse Ante la visión del film, la pregunta es obligada: ¿por qué el tema de los atracos? ¿A qué viene esa fascinación?: “El tema de los atracos da mucha libertad. Yo quería centrarme en la forma, en contarlo con diferentes maneras y estilos, pero tenía que buscar un contenido para adaptarlo a éstos.

Así que necesitaba algo con lo que la gente realmente se identificase, y una historia que se pueda desarrollar. De ahí el atraco: tiene su principio cuando entra el ladrón, el nudo con la pelea y el desenlace con el robo y la huida. Creo que he destripado la historia, pero es para explicar que necesitábamos algo que atrape a la gente. Tiene algo de suspense pero contado de diferentes maneras, que era mi objetivo”. En el estreno del cortometraje, varios lo definieron como un cortobook, ya que se combinan distintos géneros que demuestran la versatilidad de este realizador. Según Miguel, todo está pensado desde el primer momento: “Eso viene bien tanto para los actores como para mí, porque en un principio parecen cuatro cortos cuando en realidad es uno. Ésa es la idea: retratar una misma historia desde distintos puntos de vista y con diferente montaje, distintos encuadres, fotografía, decorados, música”.

When we watch the film, the question is required: Why the issue of the mugging? What’s the fascination? “The issue of mugging gave me a lot of freedom. I wanted to focus on the form, have different ways and styles, but I had to find content to suit them. So I needed something that people really identify with, and a story that may be developed. So I chose mugging: it has a beginning when the thief enters, a development with the fight and an ending with the burglary and the runaway.

I think I have spoiled the story, but I try to explain that we needed something to trap people. It’s a thriller but told in different ways, this was my objective”. In the opening night, some people defined it as a “short film book”, because it combines some different genres which show the versatility of this filmmaker. According to Miguel, everything is designed from the outset: “This is good for the actors and for me, because firstly it seems four short films in one. That’s the idea: to show the same story with some different points of view and with different editing, different framing, photography, stages, music.”

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Un cortometraje de estas características, en el que se intercalan varias historias y decorados, podría derivar en un rodaje largo, complejo y sobre todo caro. Muchos os preguntareis cómo lo ha hecho para rodar un corto así sin que el presupuesto se desborde. Miguel lo explica: “Se hace apelando a la buena voluntad humana. Fue perfecto, porque de los decorados se encargó una empresa que no nos cobró nada por mano de obra, sólo nos cobraron el material (como la madera), que nos salió más barato que si lo hubiéramos comprado todo por nuestra cuenta. Fue muy barato porque pedí varios presupuestos a empresas y en la mayoría se disparaba el presupuesto: no sólo el mío, sino el de la mayoría de la gente que hace cortos, más propio de un largo. Pero esta empresa se adaptó a mi presupuesto, y la gente de allí fue súper maja y nos ayudaron mucho durante el rodaje. Rodamos en dos fines de semana distintos, y entre semana íbamos modelando. En ese sentido todo fue perfecto”. Otra particularidad de este film es que ha sido rodado con una Red One, una cámara digital con una excelente relación calidad-precio y que permite pasar sus imágenes a formato cine. De hecho, eso es lo que pretende Miguel para un futuro: “Mi objetivo es pasarlo a formato cine si tengo más dinero cuando lo lleve a festivales. Con la Red One ya tengo la calidad, y su relación calidad-precio es uno de sus puntos fuertes: el tema de los 4K para pasarlo al cine y que tiene una profundidad de campo tipo cine”.

A short film with these characteristics, which combines several stories and stages, could be a long, complex and very expensive shooting. Maybe you wonder how he did it to film a short like this without the budget overflow. Miguel explains us: “I did it appealing to human goodwill. It was perfect, because the stages are from a company that didn’t charge us nothing for manpower, they only charge us for materials –like the wood-, which were cheaper that if we had bought everything for ourselves. It was really cheap because I asked a lot of budgets to companies and the film budget soared: not only mine, it was more expensive for people that film shorts, more typical from a full-length film. But this company adapted to my budget, and people from there was very nice and helped us a lot during the shooting. We filmed during two different weekends, and we modeled at weekdays. In this way everything was perfect”. Another special feature of this film is that had been shoot with a Red One, a digital camera with an excellent value for money which enables you to switch its format film images to cinema format. In fact, this is what Miguel wants: “My aim is pass it to a celluloid format if I have more money when I take it to festivals. With a Red One I already have quality, and its value for money is one of its strengths: the issue of 4k to pass it to celluloid format and its focal length similar to celluloid.”

La experiencia es un grado // Experience is a plus Éste es el cuarto cortometraje de Miguel A. de la Calera, y ha llegado a él gracias a la realización de otros cortos anteriores, que le han curtido sobremanera. Miguel nos habla de sus experiencias anteriores: “Cada corto te sirve como aprendizaje para hacerlo mejor en el futuro. Hasta ahora había hecho tres cortos: dos individuales y uno en conjunto. Con cada corto ganas fluidez, ya que esto es como aprender a escribir: con 5 años lo haces muy mal y poco a poco lo vas haciendo mejor. También te comunicas mejor con la gente desde el punto de vista de dirección, porque así te desenvuelves más rápido y te comunicas mejor con el resto del equipo”. También le han formado como cineasta sus referencias cinematográficas, que Miguel nos enumera: “Para este corto, lo de mezclar tres o cuatro estilos distintos es muy de las vanguardias de los años 20, del expresionismo alemán, la parte cómica se inspira en la comedia de Chaplin de los años 20 y el surrealismo, el constructivismo ruso…Yo creo que también me inspira la pintura, como el expresionismo de Cagliari que se ve en un decorado lleno de luces y sombras y que también es muy Dalí, y una comedia muy en plan gag cómico, muy slapstick con caídas y humor físico. En cuanto a mis referencias personales, me encantan Kubrick y Hitchcock, aunque prefiero a uno o a otro según la época que me pille”.

This is the fourth short film by Miguel A. García de la Calera, and he had arrived to this point thanks to the filming of other shorts before, which had toughed it a lot. Miguel talks about his previous experiences: “Every short film will serve as learning to do better in the future. Until now I had filmed three works: two as a solo and one collective. With every film you flow rack, because it’s like learning to write: with 5 years you do it wrong and you’re going slowly getting better.

You also communicate better with people from the point of view of the management, because you get on faster and you communicate better with the rest of the team”. He has also been trained as a filmmaker thanks to film references, which we Miguel lists: “For this short film, to mix three or four different styles is from the avant-garde of the 20s, from German Expressionism. The comedy is inspired in Chaplin comedies from 20s and Surrealism, Russian Constructivism…I think that Painting also inspires me, like Cagliari’s Expressionism that could be seen in a stage full of lights and shadows and it’s also like Dalí, and a comedy full of comical gags, slapstick with falls and physical humor. About my personal preferences, I love Kubrick and Hitchcock, but I prefer one or the other depending on the time.”

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Memorias de Atracos es el último corto que Miguel ha estrenado, pero no es el último: hace poco rodó otro corto que espera su correspondiente estreno: “Hace poco he grabado otro corto con Toni Cantó, Joaquín Kremel, Alberto Ferreiro…

En realidad, Memorias de Atracos es un corto de 2009, pero lo estrenamos ahora. El corto de 2010 es éste más reciente que se llama La Persecución Preestablecida, que aún no tiene página web, y queremos estrenarlo en 2011. También queremos hacer un corto en 3D, y queremos empezar a hacerlo en octubre o noviembre o como muy tarde diciembre.

También tiene que ver con la subjetividad humana. Por otro lado, también estoy planeando un largo de ciencia ficción, pero claro, esto es complicado, porque tengo que terminar el guión para verano y luego tengo que buscar financiación, que siempre es difícil. Pero estamos muy ilusionados”. Aquí tienen a otro nuevo talento emergente del cine español, al que debemos seguir con atención.

Memorias de Atracos is the last short film that Miguel has opened, but not last: he has recently filmed another film which expects its corresponding opening: “I recently shot another short film with Toni Cantó, Joaquín Kremel, Alberto Ferreiro… Actually, Memorias de Atracos is a film of 2009, but we release it now. The film of 2010 which is more recent is called La Persecución Preestablecida, which it hasn’t website yet, and we want to open it in 2011. We also want to film a 3D short film, and we want to begin the shooting in October, November or December at the latest. It’s about human subjectivity too. In the other hand, I’m also planning to shoot a science fiction full length film, but of course this is complicated, because I have to finish the screenplay for this summer and then I have to search budget, and this is always complicated.

But we are very excited”. Here is another new emerging talent of Spanish cinema, which we will follow closely

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Newgiraffecity.com

+

Monsters =

JASON

ALLSEBROOK Por // By: Karla D. Romero Traducci贸n// Translation: Belma H-F Le贸n

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¿Cuándo y dónde naciste? // When and where were you born?

Nací en Ely, Cambridge, Inglaterra, en 1973. Mi padre estaba destinado allí para el Ejército del Aire Real. No obstante, poco después de que naciera, se fue y nos mudamos al pueblo de mis padres, Kirkby, en Ashfield, Nottinghamshire. Ahí es donde me crié.

I was born in Ely, Cambridge, England in 1973. My father was stationed there with Royal Air Force. However, not long after my birth, he left and we moved to my parents’ hometown of Kirkby, in Ashfield, Nottinghamshire. This is where I grew up.

¿Cuándo te empezó a interesar la ilustración? / How did you first become interested in illustration?

Desde que era pequeño, me ha encantado dibujar y crear.

Mi pasión hacia la ilustración empezó estudiando bellas artes.

Me encantaba el arte en comics y empecé a imitar ese género, pero nunca se me dio muy bien el nivel de realismo.

Supongo que es por esto que mi estilo ha desarrollado de una manera más suelta y más ilustrativa, y mi estilo cambia y sigue evolucionando.

I’ve always loved to draw and create since I was a child. My passion for illustration began at art college. I loved comic art and began to emulate this genre, but I was never very good at that level of realism. I guess that’s why my style developed into a looser and illustrative style, and my style changes and evolves still.

¿Cuál es tu tema preferido en tus ilustraciones y por qué? // What is your favorite subject in your illustrations and why?

Mmm, por ahora creo que los monstros. Antes era la gente rara, pero se han puesto más peludas y con más escamosos con el tiempo (como monstruos). Me encanta meter nubes, lluvia, a menudo montañas y ciudades a una distancia. Me encantan los arboles, sobre todo la corteza. Me encantan los estampados, y me encantan las líneas.

Mmm, at the moment it seems to be monsters, It used to be strange looking people, but they’ve become hairy or scaly over time (monster like). I love including clouds, rain, often mountains and cities in the distance. I like trees, especially the bark. I love the patterns, and love the lines.

¿Te ha inspirado algún ilustrador en particular? ¿Quién y por qué? // Do you have any specific illustrators or artists in general that have inspired you? If yes, who and why?

Siempre he sido fan de Jamie Hewlett, el que hizo el comic Tank Girl y ahora trabaja con el grupo Gorillaz. Me encantan los libros de niños, sobre todo los más antiguos. Me encantan Richard Scarry y Dr. Seuss. En términos de libros ilustrados para niños, echarle un vistazo a Oliver Jeffers, tiene un estilo y unos cuentos fabulosos.

I’ve always been a big fan of Jamie Hewlett, who did the Tank Girl strip and now does work with the band Gorillaz. I love children’s books, especially older ones. I love the likes of Richard Scarry, and Dr. Seuss. In terms of modern children’s book illustration check out Oliver Jeffers, he has a great style and storytelling.

¿Cómo ves tu futuro en el mundo del arte como ilustrador? // How do you see your future in the art world as an illustrator?

Veo mi obra en varias áreas. Me encanta añadirles historias a mis imágenes, o sea que una colección publicada estaría genial. Estoy haciendo unos cuantos libros de niños ahora mismo, algunos son sólo ideas, otros ya están en papel y estoy finalizando las ideas, etc. Camisetas, fondos, textiles, tarjetas, y juguetes son cosas donde podría ver mis ilustraciones.

Vamos a ver lo que pasa.

I see my work in a few areas. I love adding stories to my images, so a published collection would be nice. I’m working on a number of children’s books at the moment, some are just ideas, others I’ve put down on paper and currently ironing the details, etc. T-shirts, wallpaper, textiles, greeting cards, and designer toys, are all places where I could see my illustrations.

Let’s see what happens.

Jason Allsebrook tiene una página web impresionante, con una gran colección de su obra ilustrada. No dudéis en visitar su web: www.newgiraffecity.com Jason Allsebrook has an amazing webpage, with a huge selection of his illustrated work. Don’t hesitate to check out his site: www.newgiraffecity.com

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El monstruo Tobías no se preocupaba mucho de la ciudad. Prefería la compañía de los árboles, el olor a césped y sentimiento de los grandes espacios abiertos. Cuando cambia el tiempo, basta que haya un agujero dónde se pueda refugiar.

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EL ĂšLTIMO

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Por la noche se cay贸

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Ellos vinieron, Los árboles fueron los primeros en llegar, Luego las criaturas más pequeñas, Las colinas, Las montañas, Las nubes, Pero las personas no vinieron, Porque ellos no lo sabían.

Él se cayó por un tiempo, Ellos tenían el cielo cerrado, Ellos veían su caída.

Viajaron durante días, semanas y meses, Hacia el punto donde había caido, Para despedirse, Para asombrarse por su tamaño y majestía

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Las canciones fueron cantadas, Las palabras dichas, Se dio el silencio, El cuerpo se cubri贸.

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Con el tiempo a la multitud le salieron patas,

Las colinas y las montañas se marcharon, Las nubes se dispersaron.

Los árboles permanecieron, Continuaron observando.

Aún están allí.

En el sitio donde cayeron.

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Era algo nuevo, algo diferente.

Muchos monstruos vinieron, con mรกs hay mรกs seguridad.

Al principio estaban asustados, que no les diera miedo.

El monstruo Mo se fue primero.

El monstruo Mo dio la bienvenida.

Finalmente todos le dieron la bienvenida.

Mรกs les siguieron.

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Se cuenta, Que hace mucho tiempo, Al amanecer en el tiempo de los monstruos, Era el final del tiempo de otros.

Una brisa agradable vino, Causando la devastaci贸n en el planeta, Dispersando a las personas por las estrellas.

El monstruo era joven.

Ellos se quedaron a ver como se destru铆a el planeta, Para salvaguardarlo y esperar el retorno.

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MARTINA

MAFFINI www.martinamaffini.com

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S

ER

The psychological and mental journey by the hand of

Por // By: Fátima Rodriguez Dentro de la literatura latinoamericana existen numerosos autores de culto, desconocidos para un público mayoritario pero adorados por una legión de fieles y acérrimos seguidores. Hablamos de autores como Ednodio Quintero, Diego Trelles Paz o Sergio Chejfec, en quién nos centraremos. Nacido en Argentina, vivió varios años en Venezuela (su estancia en país le ha influido mucho en su creatividad artística). Actualmente, reside en Nueva York, aunque la influencia de Sudamérica aún le persigue.

In Latin American literature there are several cult authors, unknown for major audiences but beloved by a legion of faithful and staunch followers. We talk about authors like Ednodio Quintero, Diego Trelles Paz and Sergio Chejfec, who we will focus on right now. Born in Argentina, he lived some years in Venezuela – his stay in the country has greatly influenced by his artistic creativity. He currently lives in New York, although the influence of South America still pursues him.

Como tantos escritores, Sergio comenzó escribiendo artículos en revistas como Tiempo Argentino y Babel. En 1990 publicó su primera novela, Lenta Biografía, a la cual le siguió Moral. Al poco tiempo llegó el éxito y con él las ofertas de editoriales más grandes. Novelas, libros de poesía y un ensayo titulado El punto vacilante, forman su trayectoria, hasta llegar a este último tramo de su carrera: por un lado, Mis Dos Mundos, su novela más reciente y publicada en 2009. Por el otro, la publicación de Baroni.

Un Viaje, obra de 2007 pero que acaba de publicarse en España.

Like many writers, Sergio began writing articles for magazines, like Tiempo Argentino and Babel. In 1990 he published his first novel, Lenta Biografía, which was followed by Moral. Success and huge publishing deals came to him almost immediately. Novels, poetry and an essay called El Punto Vacilante, are part of his career, up to this last stretch of his life: on one hand, Mis Dos Mundos, his most recent novel and published in 2009; on the other hand, the Baroni publication. Un Viaje, a piece from 2007 that has just been published in Spain.

RGIO

El viaje psicológico y mental de la mano de

CHEJFEC

El apellido Chejfec es de origen polaco, y en la casa del escritor se hablaba yiddish. Esto hacía que al salir a la calle muchas veces le costara hablar con la gente de la calle, pero poco a poco se vio obligado a superar esta dificultad.

A esto hay que añadirle una escasa afición por la literatura en el hogar, pero estos inconvenientes iniciales no mermaron en su futura carrera como escritor. De hecho, esto se refleja en su estilo. Como él dice, “Cada novela tiene sus reglas y herramientas. Tuve que inventarme una lengua que no traicionara mis orígenes titubeantes y que me permitiera mostrar el mundo que quería enseñar”. Y continúa: “Para mí, la literatura fue un acto de voluntad, aunque también se debe a una serie de acciones casuales”.

Unas maneras pausadas y particulares // His leisurely and private ways

The last name Chejfeck is of Polish origin, and at home the writer spoke Yiddish. Because of this, he had trouble speaking with people from the street, but with some effort he was forced to overcome this difficulty. And we have to add the lack of interest for literature at home, but these early problems didn’t damage his future career as a writer. In fact, this is shown in his style. As he said, “Every novel has its rules and tools. I had to invent a language that didn’t betray my origins and allowed me to show the world I wanted.” And he continued, “To me, literature was an act of will, but it’s also due to a series of random actions.”

Chejfec’s literature is characterized by an introspective and reflective style, where the action and the thoughts of characters and narrator intertwine for the most part. That’s present in Baroni. Un Viaje. The narrator is present almost entirely in narrative, though in this case she’s one of the main characters in the story. The narrator sends erratic messages at times, so the reader has to draw his own conclusions.

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La literatura de Chejfec se caracteriza por un estilo introspectivo y reflexivo, en el que se entremezclan la acción y los pensamientos tanto de los personajes como del narrador sobre todo. Esto está presente en Baroni. Un Viaje. El narrador está presente en prácticamente toda la narración, aunque en este caso se trata de uno de los personajes principales de la historia. El narrador manda mensajes en ocasiones erráticos, para que el espectador saque sus propias conclusiones.

La protagonista de Baroni es una artista, cuyo apellido da título de la obra. Se trata de una mujer que fascina como artista y como persona al personaje que narra la novela.

No es para menos: Baroni crea pequeñas obras de arte a pesar de unos orígenes humildes y de no tener ninguna formación, y como mujer ha sufrido tanto enfermedades como desgracias personales que la han convertido en alguien frágil en apariencia pero mucho más fuerte de lo que

parece. Sergio habla sobre este personaje: “Baroni asume varias personalidades a lo largo de su vida. También me sirve para incluir varias reflexiones sobre la creatividad artística”.

Otra peculiaridad del personaje es que muere varias veces a lo largo de su vida, como una forma de enfrentarse al estrés extremo y como una forma de renacer y crecerse ante las dificultades.

para hablar de la estética, pero sobre todo para describir Venezuela a través de los objetos creados por las manos de Rafaela Baroni. Un país donde Chejfec ha vivido varios años y que le ha servido como fuente de inspiración en muchas ocasiones, pero donde curiosamente nunca ha publicado ninguna novela. De esta manera, Chejfec pudo ser escritor pero manteniendo el anonimato.

The main character in Baroni is an artist, and the lastname Baroni itself gives the book its title. She is a woman who fascinates the narrator as an artist and as a person. Baroni creates tiny works of art despite her humble beginnings and her lack of training, and as a woman she has suffered illness and personal disasters that have made her fragile in appearance, but she is someone much stronger than she looks. Sergio talks about this character: “Baroni assumes some personalities throughout her life. I also included multiple reflections about artistic creativity.” Another particularity of this character is that she dies several times throughout her life, as a way of coping with extreme stress and as a form of rebirth and rise above her difficulties.

Sergio Chejfec defines Baroni this way: “It is a strange and brooding fiction, with writing that crosses itself, with a walker script that passes through some places in the world.” In the novel, the idea of journey is the revelation, because this journey changes the lives of the characters. What’s more, the story is an excuse to talk about aesthetics, but specially to describe Venezuela through the objects created by the hands of Rafaela Baroni. A country where Chejfec has lived some years and has served as an inspiration on many occasions, but where curiously he has never published a single novel.

Because of this, Chejfec can be a writer while maintaining anonymity.

Un largo recorrido // A long way Sergio Chejfec define Baroni de esta manera: “Se trata de una ficción extraña y cavilante, con una escritura en travesía, de caminador que recorre muchos lugares del mundo”. En la novela, la idea del viaje es la revelación, ya que éste cambia la vida de los personajes. Aparte, el relato es una excusa

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Por otra parte, en Baroni se mantiene otra constante presente en la literatura de Chejfec: la persona fuera de lugar: “No me considero realista, porque realizamos viajes físicos y materiales pero también a través de los medios de comunicación, como si el mundo fuera un paisaje global. Algo que puede decepcionar”. También aparece la idea del personaje caminante, un recurso narrativo que consiste en seguir a alguien y ver hacia dónde se dirige. Algo que en la vida real hacía Kafka: cuando alguna persona que caminaba por la calle despertaba su curiosidad, el escritor le seguía para ver hacia donde encaminaba sus pasos.

Furthermore, in Baroni there is another constant maintained in Chejfec’s literature, the person out of place. “I don’t consider myself a realist, because we do physical and material travel but also through the media, as if the world was a global landscape. Something that may disappoint.” It also appears to be the idea of the walking character, a narrative resource that consists in following someone to see where she is going.

Something that Kafka did in real life: when someone that was walking down the street, it aroused his curiosity, so the writer would followed them to see where their steps were taking them.

Baroni se distingue por ser una novela en la que se produce un mestizaje de géneros, que podría definirse de esta manera: Libro de viajes + novela + ensayo = Baroni. Un Viaje. Todos los seguidores de estos géneros disfrutarán de la historia y de la narración que podremos ver en Baroni. Al mismo tiempo, podrán conocer a algunos de los autores más interesantes de la última oleada literaria de Latinoamérica. Así, descubrirán una literatura original y diferente, algo que atraerá a quiénes han terminado hartos de la literatura comercial, Ferias del Libro y los cuatro autores multireconocidos de siempre.

Baroni is distinguished as a novel in the sense that there is a combination of genres that could be defined in the following way: a travel book + novel + essay = Baroni. Un Viaje. All followers of these genres will enjoy the story and the narration we will see in Baroni. At the same time, they can meet some of the most interesting authors that make up part of the latest wave of Latin American literature. They will also discover unique and uncommon literature, something that will attract people who are fed up with mainstream literature, Book Fairs and the four acclaimed authors present everywhere, as if no one else existed.

Un camino fascinante pero lleno de obstáculos

A fascinating journey full of obstacles

Leer un libro como Baroni. Un Viaje no es fácil, de modo que todos los posibles futuros lectores de este libro quedan avisados de antemano. Los que esperen la típica historia con una estructura normal compuesta por principio-nudodesenlace igual quedan un poco desencantados. O mejor dicho, desorientados y desconcertados. Éste es un libro poco convencional, y esto quizás extrañará a quiénes no estéis sobre aviso. Por eso, lo mejor es que los que os sumerjáis en el universo creado por Sergio Chejfec simplemente os dejéis llevar, sin plantearos lo realista o extravagante de la historia, si es una obra original o no, etc.

Reading a book like Baroni. Un Viaje is not easy, so future readers of this book are advised in advanced. Those who expect the typical story with a normal structure consisting of a beginning – the development of the story – and an ending, will be a bit disappointed. Or maybe, disoriented and confused. This is an unconventional book, and this perhaps will be a surprise to unadvised people. Because of this, it is better that you plunge into the universe created by Sergio Chejfec and you simply let yourself be led, without questioning whether the story is realistic or not, without raising whether the work is original or not...

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Baroni es muchas cosas y a la vez ninguna. Puede ser un libro de viajes, pero no es una típica road movie en la que los protagonistas van y vienen de un sitio a otro mientras les suceden diferentes aventuras. No es una biografía, porque a Rafaela Baroni la conocemos pero no de una manera profunda ni exhaustiva. Y por supuesto tampoco es una novela, porque su discurso podría asemejarse al de una persona que está contando varias anécdotas de su vida, pero diciendo lo que se le ocurre a cada momento y sin preocuparse por conseguir una estructura ordenada. Esto a veces puede ser algo frustrante, porque te preguntas adonde quiere llegar el narrador. Además (y esto puede considerarse una falta que no puede dejarse con facilidad) el final es algo contradictorio, ya que da la sensación de que podría terminar de cualquier otra manera: no es una conclusión tajante, ni tampoco intenta dejar buen o mal sabor de boca.

Pero bueno, suponemos que ésa sería la intención del escritor.

y la inocencia de su mirada y sin apenas proponérselo.

Especialmente conseguida es la fascinante y contradictoria relación que establece con la vida y la muerte como contraposición a una vida más bien desgraciada. Enternece pero sin caer en la trampa fácil del sentimentalismo, algo que se agradece (mucho).

Baroni is many things and nothing at once. It can be a travel book, but it is not a typical road movie where main characters come and go from one place to another as different adventures befall. It is not a biography, because we know Rafaela Baroni but not in a deep or comprehensive way. And of course it is not a novel, because its speech might resemble with a person who is telling several anecdotes of his or her life, but saying what happens every time without worrying about having an ordered structure. Sometimes this can be frustrating, because you wonder where the narrator wants to go. Furthermore – and this can be considered a failure which cannot be easily ignored – the ending is contradictory, because it gives the impression that it could end in any other way: emphatically speaking, it is not a conclusion, or tries to leave good or bad memory to the reader. At least we assume that this would was the intention of the writer.

Los apasionados por descubrir otras tierras y geografías se sentirán encantados con varios pasajes de Baroni. Un Viaje. Hay que destacar que las descripciones que hace de algunos pueblos y lugares de Venezuela son excelentes, sobre todo para quiénes apenas sepan nada de este país sudamericano. En un tono a medio camino entre el costumbrismo y el realismo mágico, los fanáticos de estas literaturas seguramente pasearán con agrado por las páginas de esta obra. Recomendable sobre todo para quiénes saben que la literatura latinoamericana va mucho más allá de los autores de best sellers estilo Isabel Allende.

Hay que resaltar que Baroni. Un Viaje es una obra eminentemente experimental, ya que tiene una estructura anárquica y desordenada, como si el escritor hubiera registrado sus emociones y sensaciones según le hubieran llegado, y sin orden ni concierto. Es decir, literatura por impulsos, donde prima lo emocional y apenas hay espacio para lo racional. Aquí, la intención principal consiste en trasladarnos al momento y al lugar, algo evidente si nos fijamos en sus multidetalladas descripciones, en el que se mencionan hasta el más mínimo detalle. A veces, parece que si no se nos habla de la disposición del terreno como si fuera un papel arrugado o del tacto que tenía la brisa del lugar se perderá la identificación con la historia o los personajes.

Undoubtedly, the main success of this book is precisely the creation of a really fascinating character: Rafaela Baroni, the artist who can create authentic works of art with little formal education and without the airs of a tormented artist, only with the tenderness and innocence of her eyes and intentionally doing so. What is especially fascinating is the achieved and contradictory relationship established with life and death as an opposition to her rather unhappy life. The book softens but without falling into the easy trap of sentimentality, something I appreciate (a lot).

Those who love discovering other lands and geographies will be delighted by several passages from Baroni. Un Viaje.

It should be noted that the descriptions made of some towns and places of Venezuela are excellent, especially for those who barely know anything about this South American nation. In a tone halfway between the Costumbrismo and magic realism genre, the fans of these types of literature will certainly welcome a stroll through the pages of this book.

Recommended especially for those who know that Latin American literature goes far beyond the best-selling author Isabel Allende.

We should note that Baroni. Un Viaje is an eminently experimental work, because it is structurally anarchic and disorganized, as if the writer had registered their emotions and feelings as they have arrived, without any order. That’s it, impulse literature, where emotions take priority and there is hardly any space for rationality. Here, the main intent is to move to that time and place, something self-evident if you look at the multiple detailed descriptions, where even the smallest detail is referenced. Sometimes, it seems that if he doesn’t describe the layout of the land like a crumpled paper or the touch that had the breeze of the place, we will lose the identification with the story or the characters.

Sin duda, el gran acierto de esta libro es precisamente la creación de un personaje realmente fascinante: Rafaela Baroni, esa creadora capaz de crear auténticas obras de arte sin apenas formación académica ni ínfulas de artista atormentado-pero-genial, sino sólo con la ternura

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