Revista septiembre - octubre Ed 74 by Arte al Límite

ISSN 0719-2878

Hernán Gana José Romussi Klaudia Kemper Mauricio Garrido Nicolás Radic

Editorial

Una serie de acontecimientos parecen circular en torno a la visualidad durante el mes de septiembre en Chile. Mes de la patria y también del arte, en el que, además, celebramos 14 años difundiendo y promoviendo a los artistas del continente; mes en que se lleva a cabo la feria de arte más importante del país, Ch.ACO, donde hemos decidido apoyar el talento local con una edición exclusiva.

A series of events seem to revolve around the visuality during the month of September in Chile. It is the month of our nation and also a month for art, in which we also celebrate 14 years of dispersing and promoting artists from the continent; it is the month when the country’s most important art fair is held, Ch.ACO, where we have decided to support local talent with an exclusive edition.

Desde 2001 estamos situados en el mundo editorial, entrevistando a grandes artistas de todo el mundo, como Marina Abramovic, Vik Muniz, León Ferrari, Takashi Murakami, entre muchos otros. Y hemos considerado a los creadores locales, tal y como hicimos en 2008, con nuestra primera edición especial dedicada a los artistas chilenos, con Alfredo Jaar en la portada; y en 2010, con un especial de artistas jóvenes.

Since 2001, we have been involved in the world of publication, interviewing the biggest names in art from all over the world, such as Marina Abramovic, Vik Muniz, León Ferrari, Takashi Murakami, among many others. Also, we have taken into consideration local artist, just as we did in 2008 with our first special edition devoted to Chilean artists, which featured Alfredo Jaar on the cover; and in 2010, we did a special on young artists.

Treinta números después, esta edición se suma a nuestra misión de contribuir a la expansión del arte latinoamericano, esta vez retomando el arte chileno con artistas que abarcan desde la instalación, con Klaudia Kemper o Alejandro Leonhardt, hasta el bordado de José Romussi; pasando por la escultura de Andrea Rodríguez Vial y Sandra Santander; por la pintura de Hernán Gana y Catalina Prado; y por diversos artistas multidisciplinares.

Thirty issues later, this edition joins to our mission to contribute to the expansion of Latin American art, but this time by revisiting Chilean art with artists who take on mediums ranging from installation, such as Klaudia Kemper or Alejandro Leonhardt, to the embroidery of José Romussi; we will also through the sculptures of Andrea Rodríguez Vial and Sandra Santander; the paintings of Hernán Gana and Catalina Prado; and also diverse multidisciplinary artists.

Nuestra revista ha sido uno de los canales más importantes de difusión del arte latinoamericano, pero no es el único. Queremos seguir creciendo y facilitar el acceso de los coleccionistas a las obras que se realizan en el continente; para apoyar los procesos de reconocimiento y validación de cada uno de ellos. Así, nuestro portal web se está expandido de manera radical con nuestra Galería virtual. Una plataforma para artistas donde pueden exhibir y/o vender sus obras en línea, asegurando su entrega segura en cualquier parte del mundo, y además, permite el acceso directo para que los artistas participen, junto a nuestra revista, de diversas ferias como Art Basel en Suiza, Miami y Hong Kong, The Armory Show, ArtBo, ArtLima, ArteBa, SPArte, entre otras.

Our magazine has been one of the most important channels to spread the Latin American art; however, it isn’t the only one. We would like to keep growing and keep making it easier for collectors to access the artwork made on the continent; in order to support the processes of recognition and validation of each one of them. Through this, our website has been drastically expanded with our virtual gallery. It is a platform for artists where they can exhibit and/or sell their work online, thus ensuring its safe delivery to any part of the world, and plus, it provides direct access so artists can participate, along with our magazine, in different fairs such as the Art Basel held in Switzerland, Miami and Hong Kong, The Armory Show, ArtBo, ArtLima, ArteBa, SPArte, among others.

De esta manera, Arte Al Límite, se posiciona como líder indiscutible en el continente, gracias a los múltiples medios que presentamos, y que se complementan con la Galería online de artistas, lo que nos convierte en un grupo consolidado, cuya máxima ocupación es dar a conocer lo mejor del arte de América Latina.

Through this, Arte Al Límite places itself as an undeniable leader on the continent, thanks to the various forms of media that we present and that are complemented with the online gallery of artists, which makes us a consolidated group whose biggest concern is publishing the best of Latin American art.

Ana MARÍA MATTHEI DIrectora | Director

Feria internacional de arte de bogotรก 1 al 4 de octubre de 2015 artbo.co

Un programa de

Colaboradores / Contributors

demetrio paparoni

julio sapolnik

LAETICIA MELLO

LUCIANA ACUÑA

Crítico y Curador de Arte | Art Critic and Curator Italia | Italy

Licenciado en Historia de las Artes | Art History Graduate Argentina | Argentina

Crítica de Arte | Art Critic Argentina | Argentina

Historiadora del Arte y Curadora | Art Historian and Curator Argentina | Argentina

Nació en 1954, en Siracusa. Fundó la revista de arte Tema Celeste y la Casa Editorial Homónima. Es curador y crítico de arte. Ha realizado numerosos documentales para Rai Educational. Colabora con ArtChina (Shanghai) y Arte Al Límite.

Nació en Buenos Aires. Es Máster en Cultura Argentina, director del Palais de Glace y Curador de Arte. Crítico en los diarios Clarín, Página 12, y conduce el programa “Cultura al Día”, en Metro, Argentina.

Nació en 1983, en Buenos Aires, reside actualmente en Barcelona. Ejerce como Curadora Independiente, Crítica de Arte y Profesora de Historia del Arte. Además, es colaboradora permanente de Arte Al Límite.

Nació en Buenos Aires, en 1977. Estudió Bellas Artes en la Universidad Nacional de La Plata, y luego en la Universidad del Museo Social Argentino. Es redactora de contenidos y docente de Arte Latinoamericano.

Born in 1954, Siracusa. He founded the art magazine Tema Celeste and the homonymous publishing house. He has developed several documentaries for Rai Educational. He is a contributor for ArtChina (Shanghai) and Arte Al Límite.

Born in Buenos Aires. He has an MA in Argentinian Culture, directs the Palais de Glace and is an art curator. He writes critics for the Clarín and Page 12 newspapers and hosts the show “Cultura al día” in Metro, Argentina.

Born in the year 1983, Buenos Aires, she currently lives in Barcelona. She works as an independent curator, art critic and teacher of Art History. Also, she is a permanent contributor for Arte Al Límite.

Born in Buenos Aires, 1977. She studied Fine Arts at the Universidad Nacional de La Plata, and afterwards, at the Universidad del Museo Social Argentino. She’s a copywriter and Latin American Art teacher.

FABIO NERI SAN ROMÁN

Francesco Scagliola

LETICIA ABRAMEC

natalia vidal toutin

Periodista | Journalist Chile | Chile

Licenciado en Letras y Filosofía | Letters and Philosophy graduate Italia | Italy

Lic. en Ciencias de la Comunicación Social | Social Communication Studies graduate Argentina | Argentina

Periodista | Journalist Chile | Chile

Nació en Santiago en 1988. Estudió en la Universidad Diego Portales. Fue editor de la web Santiago. Crónico, en 2011. Algunos de sus relatos han sido publicados en antologías de la SECH (2012) y la editorial Nuevo Ser (Argentina, 2009).

Nació en Bologna en 1985. Actualmente reside en Santiago de Chile. Estudió en la Universidad de Bologna, y Periodismo en la Universidad de Parma, posee un Master en Periodismo Cultural en la Universidad CEU San Pablo de Madrid.

Nació en Buenos Aires, en 1985, ciudad donde reside. Sus estudios profesionales, los realizó en la Universidad de Buenos Aires. Es redactora, productora de arte y medios de comunicación. Además, colaboradora de Arte Al Límite.

Nació en Santiago de Chile en 1990, ciudad donde reside actualmente. Estudió en la Pontificia Universidad Católica, y es directora de La Plumería, Letras. Colabora permanentemente en la revista de Arte Al Límite.

He was born in Santiago un 1988. He studied at Universidad Diego Portales. In 2011, he was editor of Santiago. Crónico webpage. Some of his stories have been published con SECH antologies (2012) and by Nuevo Ser publishing house (Argentina, 2009).

Born in Bologna, 1985. He currently lives in Santiago, Chile. He studied at the Universidad de Bologna and Journalism at the Universidad de Parma. He has an MA in Cultural Journalism at the Universidad CEU San Pablo, Madrid.

Born in 1985, Buenos Aires, city where she currently lives. She received her professional education at the Universidad de Buenos Aires. She’s an editor, art and communication media producer. Also, contributor for Arte Al Límite.

She was born in the year 1990, Santiago, city where she currently lives. She studied at the Pontificia Universidad Católica de Chile, and directs La Plumería Letras. She’s a permanent contributor for Arte Al Límite magazine.

FRANCISCA CASTILLO

JAVIERA ROMERO m.

GONZALO MEDINA

NADIA PAZ

Historiadora del Arte | Art Historian Chile | Chile

Periodista | Journalist Chile | Chile

Curadora de Arte | Art Curator Argentina | Argenitna

Actualmente cursa un Doctorado en Artes, con mención en Arte Latinoamericano Contemporáneo. Su trabajo se ha concentrado en la investigación histórica-estética, crítica y diversos artículos para variados medios.

Nació en 1989 en la región de Coquimbo. Estudiante de Comunicaciones en la P. Universidad Católica de Chile. Cantante y guitarrista de la banda de rock experimental Va la paloma y artista autodidacta.

Es Licenciado en Com. Social y Periodista. Ha realizado investigación en semiótica y en el área de periodismo cultural. Actualmente cursa un Diplomado en Gestión Cultural en la Universidad de Chile.

Nació en 1986, en Buenos Aires donde actualmente reside. Licenciada en Ciencias de la Comunicación de la Universidad de Buenos Aires y Artista Plástica, es discípula de Anna Rank y curadora de arte. Escribe notas para distintos medios.

At present, she is attending to a PhD in Arts with mention in Latin American Contemporary Art. Her work has been focused on historic-aesthetic research, critique and many articles for various media.

She was born in 1989 in the Coquimbo Region. Student of Communications at the Universidad Católica de Chile. Singer and guitarist for the experimental rock band Va la Paloma and self-taught artist.

He has a Bachelor degree in Social Communication and Journalism. He has conducted academic research in semiotics and research in cultural journalism's area. He attends to a Diploma in Cultural Management.

She was born in 1986, Buenos Aires, where she currently lives in. She has a degree in Communication Studies at the Universidad de Buenos Aires. She's a visual artist, disciple of Anna Rank, and an art curator. She writes articles for several press media.

PAULA BUSTOS FLORES

CAMILA LONDOÑO

DANIEL G. ALFONSO

CAROLINA SCHMIDT

Licenciada en Arte | Bachelor of Art Chile | Chile

Periodista |Journalist Colombia | Colombia

Historiador del Arte | Art Historian Cuba | Cuba

Licenciada y pedagoga en Artes Visuales | Visual Arts graduate and teacher Chile | Chile

Es Licenciada en Artes Visuales, posee un diplomado en Estética y Filosofía en la UC y ha sido becaria del programa de la Escuelab en Lima, Perú. Es integrante de la Corporación Cultural La Faena.

Nació en 1989. Atraída por la cultura chilena, llegó a Santiago de Chile, donde trabaja como encargada de comunicaciones. Ha sido redactora, colaboradora y editora de varias revistas culturales.

Es editor y redactor de la Revista ArteCubano SelloArteCubano. Practica la crítica de arte en diversas publicaciones y fue curador de diversas exposiciones en la duodécima Bienal de La Habana, Cuba.

Nació en 1989, en Santiago de Chile. Cursó sus estudios de Artes Visuales en la Pontificia Universidad Católica, y Pedagogía en la Universidad de Los Andes. Actualmente, es Profesora en el Colegio Mariano de Schoenstatt.

She is Bachelor degree in Visual Arts, she has a Diploma in Aesthetic and Philosophy. She got a scholarship of the program of residences from Escuelab in Peru. She is member of Corporación Cultural La Faena.

She was born in 1989. Attracted by the Chilean culture, came to Santiago of Chile, where she works as communications manager. She has been an editor, contributor and publisher of several cultures magazines.

He works as editor and writer from ArteCubano SelloArteCubano magazine. He makes art critics in many publications and was curator of many displays on the 12th La Havana Biennial, Cuba.

Born in 1989, Santiago de Chile. She studied Visual Arts at the Pontificia Universidad Católica and Pedagogy at the Universidad de Los Andes. Currently, she teaches at Colegio Mariano de Schoenstatt.

ministério da cultura e ueg araucária apresentam

bienaldecuritiba.org facebook.com/bienaldecuritiba

Patrocínio:

realização:

Sumario / Summary

DIRECTORES Ana María Matthei Ricardo Duch DIRECTOR COMERCIAL Cristóbal Duch DIRECTORA DE ARTE Catalina Papic PROYECTOS CULTURALES Camila Duch EDITORA GENERAL Kristell Pfeifer EDITORA Elisa Massardo DISEÑADORAS GRÁFICAS Javiera de la Fuente Lía Alvarado PERIODISTA Y CORRECTORA Daniela Sánchez M. ASESORES Leo Prieto Benjamín Duch Jorge Azócar Ignacio del Solar REPRESENTANTES INTERNACIONALES Alfredo Ginocchio (México) Julio Sapollnik (Argentina) jsapollnik@gmail.com Manuel Munive (Perú) manuelmunive@yahoo.es REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón TRADUCCIÓN INGLÉS Jonathan Anthony Iván Henríquez SUSCRIPCIONES 56-2-2955 3261 suscripciones@arteallimite.com IMPRESIÓN Maval, Editora e Imprenta DIRECCIONES Chile / Camino Agua del Carrizal 9497. Lo Barnechea, Santiago de Chile. www.arteallimite.com VENTA PUBLICIDAD 56-2-2955 3261 info@arteallimite.com ventas@arteallimite.com Derechos reservados Publicaciones Arte Al Límite Ltda.

@arteallimite2

@arteallimite

@arte_allimite

@arteallimiterevista

Klaudia Kemper

Ignacio Gana

Metáforas corporales

Un juego eterno

Mauricio Garrido

Nicolás Radic

Fragmentos de arte

En búsqueda de un realismo iconográfico

102

Hernán Gana

María Elena Covarrubias

A través de la persiana

En base a lo infinito

108

Francisco Peró

Teresa Montero

El hiperrealismo como una pregunta

La reflexión poética

114

Alejandro Leonhardt

Sandra Santander

Poéticas de la cotidianeidad

Territorios imaginarios

120

Yisa

Denise Blanchard

Una reflexión social sobre la identidad

Artesana visual

126

Norka Lepileo

Catalina Prado

Trazos de fantasía

De la parte al todo

132

Camila Lobos

Cekis

Difuminando los límites; apareciendo en el otro

La pasión por el grafiti

138

José Romussi

Víctor Espinoza

Puntadas de sentido

Bordando entre el dibujo y la pintura

144

Andrea Rodríguez Vial

Pablo Valenzuela Vaillant

Dramaturgia complaciente desde la cerámica

Instantes de una geometría natural y humana

Corporal metaphors

Fragments of art

Through the blinds

Hyperrealism as a question

The poetics of the ordinary

Social reflection about identity

Lines of fantasy

Blurring the limits; appearing in the Other

Meaningful stitches

Pleasing drama from ceramic

82 Michelin Basso Dibujar con el pensamiento Drawing with thought

An eternal game

In search of iconographic realism

Based on infinity

Poetic reflection

Imaginary lands

Visual artisan

From a part, to the whole

Passion for graffiti

Embroidering between drawing and painting

Moments of natural and human geometry

Walter Darby Bannard, “Cifuentas #2”, 1959, Alkyd resin on canvas, Berry Campbell Gallery, New York

CONTEMPORARY | MODERN | EMERGING | NEW MEDIA Art Silicon Valley/San Francisco (Art SV/SF) is Art Miami’s International Contemporary and Modern Art Fair on the West Coast. Centrally located between Silicon Valley and San Francisco, the fair will showcase important investment quality art from the 20th and 21st centuries in collaboration with international galleries and art institutions.

TICKETS

INFO:

WWW.ARTSVFAIR.COM

16 . 17

Chile | Chile Artista Multidisciplinar | Multidisciplinary Artist

Cavando sobre Mojado, 2006, video instalaci贸n, proyecci贸n sobre tela tensada en formato c贸nico 250 x 250 x 60 cm. Foto: Alejandro Barruel.

Klaudia Kemper Metáforas corporales Corporal metaphors Situemos al cuerpo como el centro del universo, luego, hagamos que cada luz, cada fuerza, cada movimiento lo afecte directamente. Entonces, y solo así, podremos comprender la profundidad de la obra de Klaudia Kemper. Un abismo de posibilidades y metáforas se hacen reales en sus trabajos para vivir y revitalizar conceptos a través del tiempo, el espacio, el universo y el cuerpo. Place our bodies at the center of the universe, and later, make each light, force, and movement directly affect it. Then, and only then, will we be able to understand the depth of Klaudia Kemper’s work. An abyss of possibilities and metaphors become real in her pieces in order to revitalize and bring concepts to life through time, space, the universe and the body. Por Elisa Massardo. Lic. en Historia y Estética (Chile). Imágenes cortesía de la artista.

l cuerpo es nuestro contacto matérico con el universo, somos cuerpo, y a través de él nos relacionamos con el exterior. El cuerpo habla, se expresa sin interferencias, sin trampas. La mente nos pone trampas, nos puede decir que un suceso no nos afecta; el cuerpo no, enferma, adolece”, son las palabras de Klaudia Kemper, artista chileno-brasileña, quien considera al cuerpo como una unión entre nosotros y lo de afuera, un borde permeable por el que traspasa el aire, la contaminación y también las diversas energías con las que nos topamos a diario. Recuerdo hace años, escuchar decir: “mi problema con el cuerpo es que somos blandos”, y claro, sino el contacto matérico dejaría de existir, y por ende nuestra caracterización como seres humanos quedaría confinada a un pensar inacabable, sin límites ni espacios definibles. Porque sí, en el cuerpo está nuestro borde y nuestra unión.

he body is our material contact with the universe. We are a body, and through it we connect with the outside. The body speaks and expresses itself without interference, without tricks. The mind tricks us, it can tell us that an event doesn’t affect us; the body doesn’t, it gets sick, it suffers,” are the words of Klaudia Kemper, a Chilean-Brazilian artist who sees the body as a union between ourselves and the outside world. It is a border that can be permeated by that which goes through the air, contamination, and also the diverse energies that we run into every day. I remember hearing her say years ago, “my problem with the body is that we are soft,” and sure, if not material contact would cease to exist, and for that matter our characterization as human beings would be confined to endless thought, without limits or definable spaces. This is because our border and our union lie within the body.

Y este cuerpo es parte de lo que Klaudia ha trabajado como artista visual, siendo su muestra más impresionante la realizada en el Museo Nacional de Bellas Artes, en Santiago de Chile hace un par de años atrás. Inmersión, es una metáfora del cuerpo que recopila gran parte del trabajo de la artista desde 1990 hasta el 2012, y que alude a las nociones de vínculos pulsionales y biográficos, así como a la importancia que tienen para ella las figuras del viaje, el ojo, los relatos y la implicancia gestual y por ende corporal de la creación. Todo, en base a cinco salas del museo que se llenaron de cuerpo/s: la sala uno, con los órganos vitales haciendo alusión a los afectos, la memoria, la familia y la melancolía del tiempo pasado; sala dos, visión, desbordando los límites del yo y diluyendo las normas que rigen su identidad, imágenes que muestran una memoria corporal difusa. En la sala 3, pies-piernas-músculos, la conexión del hombre con el mundo, lo que nos permite el movimiento hacia los cambios y transformaciones, la temporalidad, el espacio público, una suma de metáforas que se pueden deducir de lo que la parte inferior de nuestro cuerpo implica. Mientras que en la sala 4, la boca-cuerdas vocales, el habla, el relato, el lenguaje; y en la sala 5, manos, manualidad, tocar, sentir, pensar.

And this body is part of what Klaudia has worked with as a visual artist. Her most impressive exhibition was that held in the Museo Nacional de Bellas Artes in Santiago, Chile a few years back. Inmersión is a metaphor of the body and it brings together a large part of the artist’s work from 1990 to 2012. It also alludes to the notion of instinctual and biographic links, such as the importance that the figures from travel, the eye, the stories and the gestural implication hold to her and therefore the body of the creation. Everything, based on five rooms in the museum that were filled with bodies: The first room, with the vital organs referring to the feelings, memory, family and the melancholy of time spent; in room two, vision, which addresses the limits of the self and dilutes the norms that govern its identity, images that show a vague corporal memory. In the third room, feet-legs-muscles, man’s connection with the world, that which allows us to move towards change and transformations, transitoriness, public space, a whole host of metaphors that could be deduced from what the lower part of our body implies. Meanwhile, in the fourth room, the mouth-vocal cords, speech, story, language; and in room five, hands, handiwork, touch, feeling, thought.

Cada parte del cuerpo representada por diversas formas, fotografías, video instalaciones, objetos, entre otros, fueron dando vida a este proyecto en el que Klaudia se autorretrataba y exponía al público. “Toda mi obra es autobiográfica, mi trabajo implica una suerte de inmersión y reflexión en los procesos de vida. Esa relación se produce con un cierto delay, es decir, siempre la toma de conciencia tiene que ver con el pasado, nos damos cuenta del pasado porque el presente es aún imperceptible”, señala, mientras introduce dos conceptos fundamentales: el tiempo y el espacio. Conceptos claves para el ser humano y su posición en el mundo. Desde la Historia, ambos son fenómenos cuestionados, pensados y repensados para ver cómo nos incorporamos a ambos, cómo nos involucran, cómo se juntan

Each part of the body represented by different forms, photographs, video installations, objects, among other things, gave life to this project in which Klaudia made a self-portrait and exhibited it to the public. “All of my work is autobiographical. My work implies a kind of immersion and reflection about life processes. That relationship is produced with a certain delay. That is to say, raising awareness has to do with the past, we are aware of the past because the present is still unnoticeable,” she states, while she presents two fundamental concepts: time and space, which are key concepts for human beings and their position in the world. Historically, both are phenomena that are questioned, thought about and then thought about again in order to see how we are joined to both, how we are involved, how they are connected

El Cuerpo que Habito, 2013, video instalaci贸n, proyecci贸n sobre tela tensada en formato c贸nico 300 x 300 x 900 cm. Foto: Gonzalo Donoso.

y generan las condiciones que nos rodean. Igualmente, la pregunta por el qué pasaría si uno de ellos desaparece.

and create the conditions that surround us. Similarly, we find the question regarding what would happen if one of them disappeared.

Un juego eterno que Klaudia ha vivido durante sus travesías por el desierto de Atacama para ir de Chile a Brasil, desde que era muy niña, y que sin lugar a dudas ha ayudado a formar sus nociones tanto de identidad como sobre el arduo trabajo conceptual que ha desarrollado como artista, en el que palabras como globalización, cuerpo, espacio, organismo y universo parecieran ser ejes centrales: “Si extendemos este concepto de 'globalización', entendido como un cuerpo único global, que es el universo del cual formamos parte, podemos despertar la conciencia de algunas cosas: lo primero es que no estamos solos, somos parte de una unidad mayor. Luego, de que somos una parte ínfima, pequeña y, en ese sentido, las cosas del día a día no debieran tener tanta importancia como solemos asignarles. Y, por último, que aunque pequeña, cada parte de este todo afecta al total. Eso nos debiera hacer tener una conciencia más global, del otro, de que lo que le pasa al otro también me afecta”, explica Klaudia, y al respecto el arte ayuda, pues: “Es un medio de expresión y comunicación, lo que no tiene palabras puede ser dicho a través del arte. El arte opera estableciendo relaciones múltiples, como el pensamiento y pretende establecer un puente, desde lo interno a lo público”, comenta la artista.

It is an eternal game that Klaudia has experienced during her journeys through the Atacama desert to go from Chile to Brazil, ever since she was a young girl, and that undoubtedly has helped her to form her ideas about identity and the arduous conceptual work that she has developed as an artist, where words like globalization, body, space, organism and universe seem to be central concepts. “If we extend this concept of’ globalization’, understood as a single global body which is the universe that we are part of, we can rouse awareness of some things: the first thing is that we are not alone, we are part of a larger unit. Next, that we are a minute, small part and, in that sense, day to day things shouldn’t hold as much importance as we tend to give them. And, lastly, that although small, each part of the whole affects everything. That should make us be more aware globally, of others, and of the fact that what happens to someone else also affects me,” explains Klaudia. Regarding this, art helps since “it is a means of expression and communication. That which doesn’t have words can be said through art. Art works by establishing various relationships, like thought, and it hopes to create a bridge from what’s internal to what’s public,” comments the artist.

La antigua teoría del micro-macrocosmos hablaba de lo mismo. El cuerpo como puente entre el ser y el universo. Una representación constante de lo que afuera ocurre, porque nosotros como seres poseemos dentro de nosotros lo mismo que el universo y, así, cada cosa que pase en él nos afecta directamente. En Oriente, el pensamiento es similar, el cosmos rige sobre el ser humano directamente, siendo este afectado por todo lo que ocurra fuera de él. Pero esta consciencia, pareciera perderse entre las tecnologías, los recorridos y esa academia de la que Klaudia prefiere mofarse asumiendo un sistema en el que la creatividad se limita: “La academia es tiránica, hace creer que hay una manera correcta y todas las demás son incorrectas”, explica en una frase que cobra aún más sentido luego de considerar el último proyecto que está realizando, un largometraje documental que ha tomado más de dos años de trabajo, una reflexión en torno al tiempo. En sus palabras: “Registré por seis meses mi cotidiano al interior de mi departamento. El desafío era hacer una película sin trama, sin guion, sin acción. La cámara me permitió ver el presente, el paso del tiempo. Y así es sorprendente ver pequeñas instancias que suceden día a día, y que no las hubieras visto nunca. Sorprendente percibir que la realidad tiene varios niveles. Nuestros sentidos son limitados, no podemos oír el palpitar de nuestro corazón, no podemos ver los microorganismos, ni umbrales de temperaturas de color. Aun así creemos que sabemos mucho del universo, es divertida nuestra ingenuidad”.

The old theory of the micro-macrocosms refers to the same thing. The body as a bridge between the being and the universe. A constant representation of that which happens outside, since we, as beings, possess the same thing that the universe has within us. It is through this, that each thing that happens within the universe affects us directly. In the East, they see it very similar; the cosmos govern human beings directly and they are affected by everything that happens outside of them. However, they are conscious, they seem to get lost between technology, movement and that society that Klaudia prefers to mock by taking on a system where creativity is limited. “Society is tyrannical, it makes you believe that there is a correct way and that everything else is wrong,” she explains in a phrase that makes even more sense after thinking about the latest project that she is making, a feature-length documentary that has taken more than two years of work, a reflection about time. In her words, “For six months, I recorded my daily life in my apartment. The challenge was to make a movie without drama, without a script, without action. The camera allowed me to see the present, the passage of time. It is amazing to see small instances that happen from day to day, and that you wouldn’t have ever seen. It is amazing to see that reality has several levels. Our feelings are limited, we can’t hear the beat of our heart, we can’t see microorganisms, or the threshold of color temperatures. Still yet, we believe that we know so much about the universe, our innocence is entertaining.”

Cuerpo, 2005, video instalaci贸n, proyecci贸n sobre globos, 300 x 250 x 250 cm.

22 . 23

Chile | Chile Artista Multidisciplinar | Multidisciplinary Artist

Mauricio Garrido Fragmentos de arte Fragments of art Mauricio Garrido, artista chileno, crea collages y esculturas con estilo propio. Atraviesa su contemporaneidad retornando al pasado con temáticas antiguas y una producción completamente manual y artesanal. De este modo, evoca al futuro mostrando nuevos modos de significar y representar el arte.

Mauricio Garrido, a Chilean artist, creates collages and sculptures with his own style. He experiences his contemporaneity by returning to the past with old subject matter and completely manual and artisanal production; he invokes the future by showing new ways of meaning and representing art.

Por Nadia Paz. Curadora de arte (Argentina). Imágenes cortesía del artista.

Durante su adolescencia pasó por diversas etapas en donde él, físicamente, era compositor de lo creado mediante la asistencia a talleres de teatro y performance. Este proceso duró varios años sin nunca dejar de hacer plástica simultáneamente. A los 21 años tomó un taller con Francisca Núñez y cuando ella vio sus cuadernos de dibujo, en un instante le dijo: “Estos dibujos son esculturas”. Entonces comenzó, para él, una vorágine de esculturas gigantes y pequeñas, construidas con elementos encontrados, junto con innumerables exposiciones e intervenciones en lugares públicos. En medio de este aprendizaje obtuvo una beca para la universidad Finis Terrae, lo que le dio más herramientas para la producción de sus obras.

During his teenage years, he went through different stages where he was, physically, the composer of that created by attending theater and performance workshops. This process lasted several years while making art simultaneously. At 21, he went to a workshop with Francisca Núñez and when she saw his sketchbooks, she told him right away: “Those drawings are sculptures.” So began, for him, a whirlwind of giant and small sculptures, built with found objects, along with innumerable exhibitions and interventions in public places. In the middle of this experience, he received a scholarship at the Finis Terrae University, which gave him more tools to produce his work.

Además de las esculturas, se dedicó a la realización de collages por diversión y placer personal que no eran mostrados al público. Hasta que el año 2006, animado por sus amigos, decidió exhibirlos en una muestra llamada Doll en la Sala Neruda de la estación de Metro Quinta Normal, de Santiago de Chile.

In addition to sculpture, he also made collages for fun and personal pleasure that weren’t shown to the public. Until 2006, when encouraged by his friends, he decided to exhibit them in an exhibition called Doll in the Neruda Salon of the Quinta Normal subway station in Santiago, Chile.

Mauricio es un artista muy obsesivo, detallista y estudioso. Si bien se lo asocia al arte barroco, no le gusta encasillarse en ninguna corriente y le atrae la idea del cambio, de cierta transformación artística. Se dedica a sus obras todo el tiempo que le es posible y reconoce la responsabilidad con la que

Mauricio is a very obsessive, meticulous and studious artist. While he is associated with Baroque art, he doesn’t like to categorize himself in any trend and he is drawn to the idea of change, the idea of a certain artistic transformation. He devotes all the time that he has to his work and recognizes

l collage es un ejercicio que Mauricio realiza desde que tiene memoria. Ya desde niño cortaba sus dibujos para jugar, recortaba con las enormes tijeras de sastre de su madre, pegaba elementos, telas u objetos encontrados para hacer composiciones. También, desde pequeño construía esculturas con elementos de su propia casa. Llegó a realizar un centauro con un muñeco viejo y las sillas de su living comedor y hasta usó un juego completo de clavos de acero para caracterizarlos como personajes de una novela de ciencia ficción.

ollage is something that Mauricio has done as long as he can remember. As a child, he would cut up his drawings to play, cut things out with his mother’s huge sewing scissors, glue things, fabrics and objects he found to make compositions. Also, from a young age, he would build sculptures with elements from his own home. He even made a centaur with an old doll and the chairs from his dining room and he even used a whole set of steel nails to dress them up as people from a science fiction novel.

Tríptico de la Transmigración, Paraíso, 2008, collage , 125 x 94 cm. Foto Roberto Garrido Cordero.

Las Tentaciones de San Antonio N.7, 2011, collage, 200 x 84 cm. Foto Roberto Garrido Cordero.

realiza su tarea, que está basada en ser fiel a sus propios ideales. Sus obras son un reflejo de sus pulsiones que traducidas a la actividad laboral, pueden observarse como una gran vocación por la creación. De este modo, crear implica seguir pistas que él mismo va encontrando o auto descubriendo. Señales que la parte más instintiva va dejando a la razón. Y en ese sentido, sus objetivos como artista se basan en premoniciones al adelantarse a la imagen antes que ésta se vuelva algo real o visible.

the responsibility he has with what he uses to execute his task, which is based on being loyal to his own ideas. His pieces are a reflection of his impulses, which explained in terms of work, can be seen as a higher calling for creation. In this way, creating implies following clues that he himself finds or discovers along the way. They are signs that the most instinctive part is leaving behind reason. And in that sense, his goals as an artist are based on the premonitions upon delving into the image before it becomes something real or visible.

Una gran parte de la obra de Garrido está basada en la exhaustiva investigación que realizó del mito histórico Las tentaciones de San Antonio, de San Antonio. El artista partió de la pregunta sobre el funcionamiento de las imágenes como mecanismo de relato sintetizado. Es decir, las analizó como alegorías y observó que muchos de los artistas admirados por él (El Bosco, Max Ernst, Leonora Carrington, Carlos Nine) habían reversionado este episodio. Así, observó la infinidad de soluciones plásticas y filosóficas que fueron representadas para descubrir la simultaneidad de los deseos humanos otorgándole mayor profundidad y significaciones nuevas a un mismo hecho. Algo que contrasta permanentemente con la actualidad en la que vivimos, que se encuentra caracterizada por información inmediata y desechable, que circula cotidianamente sin anclarse en ningún otro referente más que el de su propio movimiento. Es así que en el año 2011 expuso una serie de collages sobre esta temática en Galería Animal, realizados sobre láminas de anatomía en escala humana.

A big part of Garrido’s work is based on the thorough investigation that he did on the historic myth Las tentaciones de San Antonio of St. Anthony. The artist started with the question about the role of the images as mechanisms of a summarized story. That is to say, he analyzed them as allegories and observed that many of the artists that he admires (Bosch, Max Ernst, Leonora Carrington, Carlos Nine) had made their own versions of this episode. Thus, he saw the infinite artistic and philosophical solutions that were represented to discover the simultaneity of human desires, giving it more depth and new meaning of the same fact. Something that permanently contrasts with the current times we live in, that is characterized by immediate and disposable information that circulates on a daily basis without clinging to any other reference other than that of its own movement. That is how in 2011, he exhibited a series of collages about this issue in Animal Gallery, made on anatomy sheets on a human scale.

Mauricio impone y crea sus propias reglas a medida que va creando. El camino es totalmente experimental. Realiza un trabajo constante de búsqueda de imágenes, las que no son impresas sino extraídas de libros, por lo general antiguos, de pinturas, dibujos, entre otros. Las fotografías, por otro lado, no son su objeto de búsqueda porque como él mismo lo define, “se escapan de mi control”. Una vez que ha logrado juntar una cantidad suficiente de imágenes realiza una suerte de selección de formas, objetos, personas, plantas, animales, colores. Y se dispone a disfrutar en silencio el extenso tiempo que conlleva recortar las innumerables imágenes obtenidas. Luego, llega el momento de la composición en la que, como un sueño, las imágenes se van uniendo. El proceso es delicado y paciente, pero con un impulso animal que deja fluir y que guía la obra de arte hasta su concreción.

Mauricio imposes and creates his own rules as he creates. The path is completely experimental. He makes constant work that seeks for images, that aren’t printed, but rather extracted from, generally old, painting and drawing books, among others. Photography, on the other hand, isn’t what he is looking for since he himself defines it as, “out of my control.” Once he has managed to gather enough images, he makes a kind of selection of shapes, objects, people, plants, animals and colors. Then, he prepares to enjoy in silence the large amount of time that it takes to cut out the countless images obtained. Later, the time to compose the image comes, where, like in a dream, the images come together. The process is delicate and patient, but with an animal impulse that flows through him and guides the work of art to its completion.

La obra de Mauricio se muestra y circula por varios países; mientras que en su tierra natal se ha producido una oleada de artistas que se han dedicado a esta disciplina y eso lo estimula a seguir produciendo. En este sentido, en el mundo actual, caracterizado por la tecnología, los medios de comunicación, la velocidad y la inmediatez, Garrido propone volver a la producción manual, al contacto directo con la materia y a generar una pausa en el tiempo de creación. El arte, para él, es una forma de auto comprensión que sirve para pensar la realidad desde otros lugares. Y de este modo, poder producir nuevos modos de pensar en el hecho artístico.

Mauricio’s work is shown and travels through several countries; while in his home country, a wave of artists that have devoted themselves to this discipline have been produced and that drives him to keep working. In this sense, in the current world, characterized by technology, means of communication, velocity and immediacy, Garrido proposes returning to manual production, to direct contact with the material and to cause a pause in the time of creation. For him, art is a way of self-understanding that helps us to think about reality from other places. And through this, we are able to create new ways of seeing artistic activity.

Etruria, 2015, collage, 110 x 72 cm. Foto Roberto Garrido Cordero.

28 . 29

Chile | Chile Pintura | Painting

Hernán Gana A través de la persiana Through the blinds El deseo de pintar paisajes nevados e inhóspitos desde un escondite –una persiana o una enceguecedora tormenta de nieve– condujo a Hernán Gana a buscar una excusa. Y la encontró en Edwards Snowden. Sin embargo, lo que partiría siendo un pretexto se convertiría en una crítica velada y sutil al fenómeno de espionaje masivo que ha remecido a Estados Unidos y el mundo. The desire to paint snow-covered and inhospitable landscapes from a hiding place –blinds or a blinding snow storm– lead Hernán Gana to search for a pretext. He found it in Edward Snowden. However, what would start out being a pretext would become a veiled and subtle critique to the phenomenon of mass spying that has shaken up the United States and the world.

Por Fabio Neri San Román. Periodista (Chile). Imágenes cortesía del artista.

uando el artista Hernán Gana (Santiago, 1969) conoció a Mark Bernekow, coleccionista norteamericano y especialista en temas de mass media, y le mostró algunos de los cuadros que estaba haciendo, no se imaginaba el entramado que estaba creando. Los cuadros formaban parte de una muestra mayor cuyo título sería Snowden’s Landscapes, y pretendían transmitir la incómoda sensación de Edward Snowden, el administrador de sistemas que trabajó en la CIA, que filtró una numerosa cantidad documentos confidenciales de la inteligencia Norteamericana y

hen the artist Hernán Gana (Santiago, 1969) met Mark Bernekow, a North American collector and specialist in mass media issues, and showed him some of the paintings that he was making, he never imagined the network that he was creating. The paintings formed part of a bigger exhibition titled Snowden’s Landscapes and hoped to convey the uncomfortable feeling of Edward Snowden, the system administrator that worked in the CIA and leaked a large amount of confidential documents regarding North American intelligence and who had to seek refuge in Hong

SND L1, 2014, acuarela, 贸leo y resina sobre papel montado en madera, 150 x 275 cm.

que debió exiliarse en Hong Kong y luego en Rusia. Quería transmitir la incómoda sensación de exilio; la incómoda sensación de esconderse tras la ventana de su refugio, en medio del invierno boreal ruso; la paradoja de observar la comodidad externa parapetado tras la persiana de la casa en la que está escondido. “Para los gringos este tipo está condenado a muerte porque es traición a la patria, en cambio para el resto de la humanidad está nominado Premio Nobel de la Paz”, resume desde su punto de vista.

Kong and later in Russia. He wanted to convey the uneasy feeling of exile; the uncomfortable feeling of hiding oneself behind the window of one’s refuge in the middle of winter in the north of Russia; the paradox of seeing external comfort taking refuge behind the blinds of the house one is hiding in. “For Americans this guy is condemned to die since he betrayed his homeland, in turn, to the rest of humankind, he is nominated for the Nobel Peace Prize,” he says based on his point of view.

La idea de Hernán Gana era pintar paisajes deshabitados, netamente descriptivos, casi impersonales, usando el concepto de Edward Snowden como excusa. Para eso, tomó fotos obtenidas a través de un buscador y las fue seleccionando. De hecho, fue más allá: buscó fotografías de resorts sepultados por la nieve a través de los cuales transmitir la paradoja: una comodidad congelada. Cuenta, de hecho, que cuando inauguró la exposición en la Galería XS, mientras un centenar de personas recorría el pasillo donde se desplegaban los cuadros sobre aquellas paredes de impersonal sugerencia, le pidió a la encargada del lugar que apagara la calefacción. “Quería que estuvieran incómodos, que hiciera frío, que fueran exiliados, que fueran alguien que estuviera afuera. Andaba detrás de una sensación de incomodidad, de paradoja”, explica.

Hernán Gana’s idea was to paint uninhabited, purely descriptive, and almost impersonal landscapes by using Edward Snowden’s concept as an excuse. For that, he took pictures that he got through a search engine and chose from them. In fact, he took it even further; he looked for pictures of resorts buried in snow that he used to convey the paradox: a frozen comfort. Actually, he says that when the exhibition opened in Galería XS, while tons of people roamed the halls, where the paintings were displayed on walls with impersonal overtones, he asked the person in charge of the place to turn off the heat. “I wanted them to be uncomfortable and cold. I wanted them to be refugees and feel like someone that was there. I wanted them to feel a sensation of discomfort, a paradox,” he explains.

Para entonces, sin embargo, el giro más sorprendente de la exposición ya había sido hecho. Tiempo antes de la inauguración, el mismo Mark Bernekow le preguntó a Hernán Gana, luego de haber visto sus cuadros y haberse enterado del sentido de la obra: –¿Y sabes lo que significa “den”? –No –contestó Hernán Gana. –“Refugio”. Es de decir, Snowden es “refugio en la nieve”.

By then, however, the most shocking part of the exhibition had already happened. Some time before the opening, after seeing his work and discovering the work’s meaning, Mark Bernekow himself asked Hernán Gana: –And do you know what “den” means? –No –answered Hernán Gana. –“Refuge.” That is to say, Snowden is a “refuge in the snow.”

De esta manera, y sin haberlo esperado, Edward Snowden quedaba encerrado en su propio apellido, y asimismo, la idea de Hernán Gana quedaba encerrada dentro de aquella sutil y pretendida paradoja.

Through this, and without expecting it, Edward Snowden was imprisoned in his own last name, and likewise, Hernán Gana’s idea was imprisoned within that subtle and sought after paradox.

Fuck the subtle

Hernán Gana estudió arquitectura en Chile, luego arte y grabado en Nueva York. Su trabajo ha ido cambiando con el tiempo. Para él, avanzar es cambiar, aunque haya aspectos que, por personalidad, no se lo permita. Uno de ellos es la sutileza. Por eso, cuando Mark Bernekow visitó la inauguración de Snowden’s Landscapes, lo interpeló debido a aquella falta de riesgo, a ese exceso de sutileza, es decir, a no ser más explícito al mostrar lo que se terminó convirtiendo en la segunda lectura de sus obras. Le dijo, con propiedad: “Fuck the subtle”. A la mierda lo sutil. “Pero yo no soy contestatario, no soy orgulloso. Al no definir tanto dejas abierto”, se defiende.

Hernán Gana studied architecture in Chile and then art and printmaking in New York. His work has changed over time; for him, advancing is changing, although there are aspects that, due to his personality, don’t allow it. One of those is subtlety. Because of that, when Mark Bernekow went to the opening of Snowden’s Landscapes, he questioned it due to that lack of risk, that excess of subtlety, that is to say, not being more explicit when showing what ended up becoming the second interpretation of his work. He told him, with authority: “Fuck the subtle.” To hell with subtlety. “But I’m not rebellious or arrogant. By not defining so much you leave room,” he says.

SND L3, 2015, acuarela, 贸leo y resina sobre papel montado en madera, 150 x 178 cm.

De la serie Conspiraciones 4, “Blind”, óleo sobre tela, 80 x 180 cm.

Por eso los mensajes que podría interpretar el espectador vienen luego de una reflexión más pausada. Y esos mismos mensajes tienen que ver, en todo sentido, con la técnica utilizada. A diferencia de series anteriores – como De lo urbano a lo divino (2006) o Punto sin retorno (2011) –, esta vez dejó de preocuparse por el trazo o por el material en el que trabajó. Escogió el papel para, precisamente, entregarse más a la volatilidad y escatimó en los detalles de las hojas de los árboles, por ejemplo. ¿Para qué? Para embriagarse de una idea que para él terminó siendo más importante: las franjas horizontales y los círculos que cubren casi por completo la mayoría de estos cuadros. Es lo que él denomina “ver a través”. Es sentirse en los zapatos de Snowden observando, sintiendo la paradoja de comodidad e incomodidad, inscrito en algo conspirativo. Todo esto, sumado al paisaje deshabitado, obliga al espectador a quedar atrapado en la obra durante dos o tres segundos. Y si éste puede ir un poco más allá, incluso, pueden ser hasta diez. “A mí lo que me gusta es robar tiempo al espectador, es más, encuentro que la calidad de un cuadro se mide según eso: cuánto tiempo te roba. Eso le da un grado de buena calidad a mi pintura”, dice.

For that, the messages that the viewer could interpret come after careful thought. Those same messages have to do with, in every aspect, the technique used. Unlike previous series –like De lo urbano a lo divino (2006) or Punto sin retorno (2011)–, this time he quit worrying about the design or the material he was working with. He chose paper to dedicate himself more to volatility and he skimped on the details of the trees’ leaves, for example. Why? In order to intoxicate himself with an idea that for him ended up being more important: the horizontal stripes and circles that almost completely cover most of these paintings. It is what he calls “seeing through”. It is putting yourself in Snowden’s shoes and seeing and feeling the paradox of comfort and discomfort, reflected in something conspiratorial. All of this, added to the uninhabited landscape, forces the viewer to get trapped in the work for two or three seconds. And this could go on longer; it could even be up to ten seconds. “For me, what I like to do is to steal time from the viewer; moreover, I think that the quality of a painting is measured according to that: how much time it takes from you. That gives my paintings a degree of quality,” he says.

Otro elemento que sostiene aún más esta pretensión es el hecho de que, pese a que Hernán Gana nunca trabaje con figura humana, esta vez la utilice en una ocasión. Y sostiene la pretensión porque, en un momento, específicamente en el cuadro Blind, serie conspiración 4, rompe su propio esquema y deja de lado el abandono –o la sensación de lugar inhópsito como él mismo señala– para abrirse paso con un personaje. Pero es una figura sin rostro, sin gesto, oscura, sólo una forma que observa desde afuera hacia la ventana, como si hubiese descubierto que hay alguien escondido, refugiándose tras las persianas. De alguna manera, explica, necesitaba que alguien interpelara a Snowden.

Another element that further supports this pretense is the fact that, although Hernán Gana never works with the human figure, this time he used it on one occasion. And it supports the pretense since, at one point, specifically in the piece Blind, serie conspiración 4, he breaks away from his own schema and sets aside neglect –or the sense of an uninhabitable place as he himself states– in order to break through with a character. However, it is a dark, faceless, expressionless figure. It is just a form looking towards the window from outside, as if it had discovered that there was someone hidden there, taking refuge behind the blinds. Somehow, he explains, he needed someone to question Snowden.

Un guiño a la contingencia

A nod to contingency

Otro elemento que ha perpetuado Hernán Gana en sus obras –desde distintos puntos de vista, por cierto– ha sido la contingencia. Así como en obras anteriores trabajó la devastación de recursos naturales o el estallido demográfico, en esta ocasión abordó el espionaje masivo y la conspiración. De hecho, es casi palpable mientras recorremos el primer piso de la Galería Animal, donde tiene algunos de los cuadros que no entraron en la Galería XS, y otros de series anteriores. Así como también es palpable esa sensación incómoda, inhóspita y fría de la serie Snowden’s Landscapes. Se me ocurre preguntarle, entonces: –¿Hasta cuándo estará montada esta exposición? –Hasta septiembre –me responde. Y luego, entre risas, agrega–: Cuando empiecen a derretirse.

Another element that Hernán Gana has continually placed in his work – based on different points of view, of course– has been contingency. Just as he worked with the devastation of natural resources or demographic explosions in his prior pieces, on this occasion, he tackled mass espionage and conspiracy. In fact, it is almost tangible as we walk around the first floor of Galería Animal, where he has some of his paintings that weren’t included in the Galería XS exhibition, as well as others from previous series. Also, that uncomfortable, inhospitable and cold feeling of the Snowden’s Landscapes series is tangible. So, it occurred to me to ask him: –How long will the exhibition be up? –Until September –he answers. And then, between smiles, he adds-: When they start to melt.

SND L4, 2014, 贸leo sobre tela, 122 x 130 cm.

36 . 37

Chile | Chile Pintura | Painting

Francisco Peró El hiperrealismo como una pregunta Hyperrealism as a question El hiperrealismo de Francisco Peró deambula en la gran pregunta entre la tensión de la forma y el contenido. La sociedad contemporánea es su objeto de estudio constante, en donde –a través de la pintura– problematiza ciertas figuras e imaginarios del presente. Francisco Peró’s hyperrealism lies in the question regarding the tension between form and content. Contemporary society is always his subject matter, where –through painting– he raises questions about certain contemporary figures and imagery.

Por Gonzalo Medina. Periodista (Chile). Imágenes cortesía del artista.

u obra es más bien una pregunta que está conformada por siluetas y una pintura que aborda tanto a cuerpos como a animales en una taxidermia bidimensional, los grandes formatos de su propuesta visual transitan constantemente en la espectacularidad del trazo hiperrealista. El trabajo autoral lo ha construido entre residencias artísticas, exposiciones colectivas y su asociación con la Galería de Isabel Aninat que lo mantiene activo en ferias trascendentales para el arte contemporáneo en Latinoamérica y el resto del mundo, por su presencia en ferias como arteBA, Just Mad o Summa Madrid, entre otras. Mientras que en su obra, objeto y fondo son importantes, junto al vacío que desea complementar con lo alegórico y con ciertos atisbos extraídos de la realidad, y que Peró inserta a modo de collage en su obra pictórica.

is work is rather a question that is made up by silhouettes and a painting that deals with both bodies and animals in two-dimensional taxidermy. The large-formats of his visual proposal constantly move within the spectacular nature of hyperrealist design. He has created authorial work between artistic residencies, collective exhibitions and his association with the Isabel Aninat Gallery that keeps him busy in important contemporary art fairs in Latin America and the rest of the world through his presence in fairs like ArteBA, Just Mad or Summa Madrid, among others. Meanwhile, in his work, the object and background are important, along with the void that he wishes to complement with allegory and with certain traces extracted from reality, which Peró inserts into his pictorial work using collage.

Survivor of the fittest, 2014, 贸leo sobre tela, 180 x 150 cm.

Transacción de siluetas se denomina el texto creado por el curador Rodolfo Andaur y que retrata de manera idónea la obra de Peró, la cual sitúa a veces en bastidor, a veces en siluetas a la imagen, que es su tema central. La pintura, si bien no queda relegada, es un medio que su obra critica constantemente: “Creo que el arte contemporáneo se trata de plantear preguntas más que respuestas, se puede observar a la pintura como un medio, no un discurso en sí mismo –explica el artista–. Sí, me interesa mucho la pintura que parece otra cosa, que el público piense que es un collage, o calcamonedas, y en el fondo es pintura, me gusta el ‘engaño’. Una de las posibilidades de la pintura es la transformación justamente a esta sensación de confusión visual, algo que parece que pero que, luego, en una segunda mirada cambia su relato”. La pintura hiperrealista de Francisco Peró no está al servicio de la pintura en sí misma, sino del proceso de la imagen, entendiendo por ello los discursos contenidos en su obra, la tensión de una idea. Por eso su trabajo no presenta lo que se cree ver. Las figuras son el marco de otras imágenes que generan un relato no lineal y crítico, así, la silueta de dos hombres es rellenada por la figura de militares, y dos tigres se enfrentan dualmente, mientras dentro de uno de ellos se vislumbran a jóvenes en una galería de arte, el contrapunto entre forma y artificio se compone como una incertidumbre para el público: “Mi pintura no presenta lo que en una primera mirada se muestra en la imagen, soy una persona muy inquieta, eso se traduce en mi trabajo visual. Ahora estoy desglosando las siluetas, haciendo alusión a la condición dual forma/contenido de la cual tomo su forma pero no su contenido, en estas se desprenden dos relatos de una misma imagen; la lucha de dos tigres y personas desvinculadas que miran ferias de arte. La silueta como objeto vacío es rellenado con estas imágenes modificando el sentido de su forma y el vacío que la envuelve será por contraste dando cuenta del conflicto entre lo lleno y lo vacío…”, comenta.

Transacción de siluetas is the name of the text created by curator Rodolfo Andaur and that perfectly portrays Peró’s work, which at times he places on the frame, and other times in silhouettes of the image, which is his central theme. Although painting isn’t set aside, it is a medium that his work often critiques: “I think that contemporary art is more about posing questions than answers. You can see painting as a medium, not as a discourse in itself,” explains the artist. “I am very interested in painting that seems to be something else, that the audience thinks is a collage or calcamonedas, and ultimately it is a painting. I like the ‘deceit’,” he says. One of the possibilities of painting is the exact transformation to that sensation of visual confusion, something that appears but, then, on second glance changes its story.” The hyperrealist paintings of Francisco Peró aren’t in the service of painting in itself, but rather the process of the image. Through this, he understands the discourses contained in his work, the tension of an idea. Because of this, his work doesn’t exhibit what is thought to be seen. The figures are the frame of other images that create a non-linear and critical story, thus, the silhouette of two men is filled with the figure of soldiers, and two tigers dually face one another, while within one of them, we can make out young people in an art gallery, the counterpoint between form and artifact is composed as an uncertainty for the public: “My paintings don’t exhibit what is seen at first glance in the image. I am a very restless person and that is seen in my work. Now I am breaking down the silhouettes, thus referring to the dual form/ content condition from which I get the form but not the content. There, two stories of the same image can be deduced; the fight of the two tigers and unrelated people that look at art fairs. The silhouette used as an empty object is filled with these images and changes the meaning of their form and the void that engulfs it will be, in contrast, a testament of the conflict between what is full and what is empty…” he comments.

Sin t铆tulo, 2015, 贸leo sobre tela, 110 x 90 cm.

Francisco Peró comenzó a abandonar el bastidor y a crear formas que hablaran de cosas concretas pero con un discurso no lineal, la sinergia es un gran concepto de estrategia visual que presenta y representa en su obra. Sin duda cree que el todo, es mayor que la suma de sus partes. Su trabajo Eutopía, vincula esta idea que deja de lado lo irrealizable, por lo concreto de lo hiperrealista que apela a que el espectador se pregunte constantemente sobre esta tensión entre forma y fondo. Actualmente su obra abandona, incluso, el escenario más convencional de la pintura para situar la pincelada en otros objetos que generen un diálogo desde la incertidumbre con el público. “Mi necesidad se ha hecho más latente aún, al punto de abandonar el bastidor y empezar a trabajar en estas siluetas en acrílicos y ponerlos sobre la muralla sin este mismo armazón que soporta la idea. (…) El bastidor cierra mucho, la pintura se sigue viendo como en siglo XX y hacia atrás, ahora estamos con mucha más tecnología, más información y más imágenes, el bastidor ya comienza a sobrar, no quiero decir que sea incorrecto pero a título personal creo que cierra mucho. Me interesa la idea de esa pintura que no parece pintura”, profundiza Francisco Peró. Actualmente en el taller del pintor chileno Eugenio Dittborn, en Santiago de Chile, se reúne con otros pintores contemporáneos en donde se discute constantemente sobre los devenires actuales del arte, sus conceptos claves y el rol del método científico en la producción visual. Francisco Peró, en este sentido, se plantea como una investigación visual constante, en donde la pregunta tiene mayor énfasis que la respuesta, y en donde la pintura es el medio para interpelar al espectador: “Siempre estoy tratando de investigar y de llegar a la raíz de algo, a la raíz de las respuestas, tratando de articular imágenes que generan relatos. Así surge este mapa de imágenes, y se descompone el discurso de la linealidad, a la hora de componer imágenes”, explica.

Francisco Peró started to abandon the frame and create forms that spoke of concrete things but with a non-linear discourse. Synergy is a great concept of visual strategy that is shown and depicted in his work. Without a doubt, he believes that the whole is greater than the sum of its parts. His work Eutopia, connects this idea that excludes the impossible, through the definitiveness of hyperrealism which calls on the viewer to constantly ask themselves about that tension between the form and the background. Currently, his work even abandons the more conventional scene of painting to place brush strokes on other objects that create a dialogue through the audience’s uncertainty. “My need has become even more latent, to the point of leaving the frame and starting to work on those silhouettes in acrylic and put them on the wall without that same skeleton that supports the idea. (…) The frame shuts out a lot, painting is still seen as 20th century and back. Now we have much more technology, more information and more images, the frame now starts to be excess. I don’t want to say that it is wrong, but for me, I think that it shuts out a lot. I am interested in the idea of that painting that doesn’t look like a painting,” explains Francisco Peró. Currently in the studio of Chilean painter Eugenio Dittborn, in Santiago, Chile, he gets together with other contemporary painters where they constantly discuss the current future of art, its key concepts and the role of the scientific method in visual production. Francisco Peró, in this sense, stands as a constant visual investigation, where the question is more important than the answer, and where painting is the medium to question the viewer: “I am always trying to investigate and get to the bottom of things, to the bottom of the answers, by trying to construct images that create stories. Through this, a map of images arises and the discourse of linearity is broken down when composing images,” he explains.

Sin t铆tulo, 2015, 贸leo sobre tela, 180 x 150 cm.

What makes this an object of value?

GASTON UGALDE

9:00 pm 2015 110 x 160 cm Archival Inkjet Print

44 . 45

Chile | Chile Instalación | Installation

Alejandro Leonhardt Poéticas de la cotidianeidad The poetics of the ordinary “Su ojo abierto, su oído preparado, buscan otra cosa distinta a la que la muchedumbre viene a ver…”, así comenzaba la definición de flanêur en El libro de los pasajes de Walter Benjamin. “With open eyes, ready to listen, they search for something different than what the crowd came to see…” is how the definition of flanêur begins in Passagenwerk by Walter Benjamin.

Por Luciana Acuña. Historiadora del arte y curadora (Chile). Imágenes cortesía del artista y L21 Gallery.

n nuestra contemporaneidad se hace evidente que la visión de los que nos rodean se vuelve tan naturalizada que nos impide ver más allá de los meros objetos en su utilidad, Alejandro Leonhardt al igual que un flanêur nos muestra otra percepción en sus construcciones poéticas de la realidad. Considero conveniente hablar de nosotros, público, como espectadores modernos. A partir de esto no nos resulta extraño que en nuestro día a día, en nuestro transitar cotidiano, mucho de lo que nos rodea nos pase desapercibido. Naturalizamos recorridos y trayectos, no hay tiempo para detenimientos, la vorágine en la que estamos inmersos nos vuelve autómatas, los no-lugares de los que habla Augè están más presentes que nunca.

n our times, it is clear that the view of those surrounding us has become so second nature that it keeps us from seeing beyond mere objects in their use. Alejandro Leonhardt, just like a flanêur, shows us another perception in his poetic constructions of reality. I think it is right to talk about us, the public, as modern viewers. Based on this, it’s nothing new that in our everyday lives, in our daily transit, much of that surrounding us goes unseen. We naturalize paths and routes, there’s no time to be thorough, and the whirlwind that we are immersed in makes us automatons. The non-places that Augè speaks about are more present than ever.

Su aparente fragilidad s贸lo rehusaba la monoton铆a, 2014, vista de instalaci贸n, variables.

En este sentido la figura de un flanêur, que actúa de manera casi detectivesca como un investigador de rastros e indicios, nos rescata de la alienación de la que formamos parte todos aquellos que vivimos en el espacio de lo urbano. En el texto de Benjamin se pueden observar varias interpretaciones acerca de lo que es un flanêur. Yo prefiero utilizar el término para definir a Alejandro Leonhardt como un deambulador que recolecta trozos de realidades que a nosotros, espectadores urbanos alienados, nos resultan como una yuxtaposición de utilidades disímiles. Leonhardt nos trae otras posibilidades de pensamiento donde los espacios de libertad se pueden hallar desde nuestra cotidianeidad, hasta en lo más insignificante; mientras está cargado de sentido y emocionalidad lo inestable se vuelve disparador, y el contraste un continuo hallazgo de belleza.

In this sense, the figure of a flanêur, which acts almost like a detective looking for tracks and clues, rescues us from the alienation that all of those who live in urban spaces make up. In Benjamin’s text we can see several interpretations regarding what a flanêur is. I prefer to use the term to define Alejandro Leonhardt as a wanderer who gathers pieces of reality, that to us, the alienated urban viewers, look like a juxtaposition of dissimilar utilities. Leonhardt grants us other opportunities of thinking where free spaces can be discovered based on our daily nature, even in the most insignificant things; meanwhile, it is charged with feeling and sentiment and the unstable becomes a trigger, and the contrast becomes a continuous discovery of beauty.

“Mi trabajo deambula entre referencias propias de las artes y de la vida cotidiana. Pero desde hace un tiempo he optado por privilegiar estas últimas, ya que a mi parecer, su potencial poético es significativamente más enriquecedor”, comenta el artista. Desde este punto de vista no es casual que el artista elija la instalación como el soporte para sus obras, en donde los objetos son descontextualizados e interpelan al espectador. Esta interpelación desestructura, ya que en sus espacios originales o primigenios tales objetos eran simplemente ignorados. Consolidando una nueva construcción de sentido y es aquí en donde entra en juego una suerte de yuxtaposición de estética y concepto, a la que el artista se refiere de la siguiente manera: “…el sentido estético y el conceptual los visualizo como engranajes cuya singularidad está dada por la fricción entre ambos. La energía que de ello generan podría entenderse como obra”.

“My work strays between references from art and everyday life. However, for quite some time now I have chosen to favor the latter, since to me, its poetic potential is much more enriching,” comments the artist. From this point of view, it’s no wonder the artist chooses installation as the genre for his work, where objects are decontextualized and question the viewer. This questioning can deconstruct, since in its original space such objects are simply ignored. He forms a new construction of meaning and it is here where a kind of aesthetic and conceptual juxtaposition comes into play. Regarding this, the artist states “… I see the aesthetic and conceptual sense as gears whose singularity is due to the friction between them both. The energy that is created from them could be understood as the work.”

Lo inesperado y desestabilizador es el motor de nuevos discursos, “cada objeto guarda un mensaje como material significante”, según comenta. Y cada uno en sí mismo, al vincularse o tener interacción con otro, genera una nueva transformación que puede ser leída como un nuevo comienzo.

The unexpected and that which throws you off balance is the driving force of new discourses, “each object has a message as meaningful material,” according to the artist. Each one in itself, upon being linked to or interacting with the other, creates a new transformation that can be interpreted as a new beginning.

En Junta de vecinos, el artista agrupa 42 fragmentos de pintura removida de las fachadas de viviendas, recolectados en el perímetro de una cuadra a la redonda en un barrio de Santiago. En un primer vistazo la obra me recuerda a los catálogos de colores de las pinturerías, sin embargo al observarla en sus detalles, cada pequeño fragmento guarda en sí una singularidad que lo vuelve único como una huella digital. Lo transitorio se representa en el paso del tiempo que, inexorable, se muestra en algunos

On Junta de vecinos, the artist groups together 42 fragments of paint taken off of the facades of houses, gathered at the perimeter of a city block in a neighborhood in Santiago. At first glance, the work reminds me of the color catalogues at a paint shop, however, upon looking at it in closer detail, each small fragment has a singularity that makes it unique, like a fingerprint. The ephemeral is represented in the passage of time (which is inexorable) which is shown in some cases in layers

Mancha de limpieza para 谩caros vanidosos, 2014, instalaci贸n, variables.

casos en capas y capas de pintura, en texturas y descascaramientos, en sutilezas y desbordes, análogos si se quiere a los huéspedes que en ellos anidan. Son huellas, registros de humanidad y existencia, como una metáfora de lo finitos que somos, el tiempo lo destruye todo.

and layers of paint, textures and peeling paint, subtleties and spills, analogous, if you like, to the lodgers that dwell within them. They are remnants, records of humanity and existence, like a metaphor for how finite we are; time destroys all.

En cambio en su instalación Situaciones reales de consecuencias imaginarias, el artista va a trabajar desde la abstracción de los objetos, el concepto de la violencia, no desde una definición como él lo comenta; sino desde la colonización de un material que invade pesadamente y permanentemente a otro. Aquí particularmente la materialidad es la que entra en juego para definir contrastes y relatos, vemos una persiana americana incrustada sobre un soporte de cemento, el cemento ha invadido la materialidad de la persiana, a su vez un cajón de bebidas es atravesado por una pesa y está relleno de cemento también, otro objeto es bañado por una especie de resina o polímero rígido, “ahogando” la materialidad originaria del objeto colonizado. Utilizo el término colonizado desde un aspecto de sustitución e imposición violenta y desde esta lectura puedo percibir ese grado de violencia. Ya no desde lo dado por los medios masivos de comunicación sino desde la metáfora en la yuxtaposición agresiva de materiales opuestos, en la que la materialidad invadida se vuelve frágil y acorralada.

However, in his installation Situaciones reales de consecuencias imaginarias, the artist works based on the abstraction of the objects, the concept of violence, and not from a definition as he comments; rather, it is based on the colonization of a material that heavily and permanently invades the other. Here, particularly the material is what comes into play to define contrast and stories. We see Persian blinds set against a cement background. The cement has invaded the material of the blinds and in turn, a drawer of drinks is crossed by a weight and is also full of cement. Another object is coated with a type of hard resin or polymer, “drowning” the original material of the colonized object. I use the term colonized based on a substitution and violent imposition aspect and from that interpretation I can see that grade of violence. I no longer use that provided by mass media but rather the metaphor within the aggressive juxtaposition of opposing materials, where the invaded material becomes fragile and cornered.

En otro orden su obra Mancha de limpieza para ácaros vanidosos, recuerda al informalismo latinoamericano de la mano de Alberto Greco, en donde la idea del flanêur se hace patente en el deambular cotidiano que conlleva al descubrimiento o hallazgo de algo hermoso, o bien del indicio de una nueva posibilidad estética y conceptual. En ambos ejemplos la materialidad es atravesada por el tiempo que representa lo inexorable de la existencia humana –en Leonhardt el objeto en cuestión es una alfombra que encuentra en la oficina de su galerista. En este caso el objeto en cuestión es intervenido por el artista, quien desgarra una parte del mismo. La alfombra se exhibe colgada con su suciedad enclavada en el muro, el pedazo faltante se encuentra en el suelo, pero a diferencia de su contraparte, este se encuentra limpio evidenciando el color de los días que vieron nacer a tal objeto, guardando estrecha relación con el título de dicha obra, en donde la ironía y el sarcasmo también forman parte del discurso del artista.

On a separate note, his work Mancha de limpieza para ácaros vanidosos, reminds us of the Latin American informalism used by Alberto Greco, where the idea of the flanêur is evident in the daily wandering that leads to finding or discovering something beautiful, or the sign of a new aesthetic and conceptual possibility. In both instances, the material is traversed by time, which represents the inexorableness of human existence –in Leonhardt, the object in question is a rug that is in the office of his gallery director. In this case, the object in question is changed by the artist, who tears a piece of it off. The rug is shown hanging with its filth nailed to the wall, the missing piece is on the floor, but unlike its counterpart, it is clean, thus showing the color of the days that saw said object come to life, maintaining a close-knit relationship with the title of said work, where irony and sarcasm also make up part of the artists discourse.

Leonhardt presenta espacios de libertad, donde el detenimiento es el disparador para descubrir aquello que nuestra contemporaneidad nos mantiene velados como espectadores apresurados en la alienación de nuestra propia urbanidad.

Leonhardt exhibits free spaces, where close attention to detail is the trigger to discovering that which our contemporaneity keeps veiled like viewers hastened in the alienation of our own urbanity.

Recluido en giros, 2014, instalaci贸n, variables.

50 . 51

Chile | Chile Pintura | Painting

Yisa Una reflexión social sobre la identidad Social reflection about identity El santiaguino José Caerol, mejor conocido como Yisa, habla de su trayectoria que, desde sus inicios en el grafiti, lo ha llevado a exponer en reconocidos espacios museísticos. De hecho, actualmente, desarrolla una propuesta artística que se aprovecha del contacto directo con la calle para armar obras donde una renovada reflexión político-social se construye con elementos materiales y semióticos.

Santiago native José Caerol, better known as Yisa, talks about his career which, since his beginnings in graffiti, has led him to exhibit in renowned museum spaces. In fact, currently he is developing an artistic proposal that uses direct contact with the streets to create works where a renewed sociopolitical reflection is built with material and semiotic elements.

Por Francesco Scagliola. Periodista (Italia). Imágenes cortesía del artista.

José, que ama tomar café en las tardes soleadas, es José Caerol, quien nació en 1984; y la suya es la historia de un adolescente que a los catorce rayaba con un tag los muros de la capital chilena y, hoy en día –tras una carrera en artes visuales y unos cuantos viajes arriba y abajo del Ecuador, intercalados con numerosas exposiciones– propone en renombrados museos y galerías

José, who loves drinking coffee in the sunny evenings, is José Caerol, who was born in 1984; and his story is that of a teenager who scribbled tags on the walls of Chile’s capital city at the age of 14 and, today, –after a career in visual arts and a few trips above and below the equator, interspersed with numerous exhibitions– he puts forward work and installations in renowned

veces, cuando en las templadas tardes santiaguinas hay sol, José ama sentarse en el umbral de su casa-taller con un café humeante en la mano. Conoce a muchos en el barrio, y muchos más lo conocen. Una cuadra más arriba, por ejemplo, una calavera gigante indica el ingreso a un rinconcito mexicano. Él mismo la pintó. Y así, entre un sorbo y otro de cafeína, hay quienes pasan y saludan con un gesto y quienes, en cambio, se detienen para cruzar unas palabras: hasta que una amiga pide entrar a visitar el taller. La puerta entreabierta de madera desgastada que esconde un timbre que nadie encuentra deja, sin embargo, vislumbrar la sala clamorosamente rayada donde José trabaja. En la entrada el letrero de algún decanato de algún curso universitario campea sarcástico colgando por el arquitrabe.

ometimes, when the sun is out during a cool evening in Santiago, José loves to sit on the doorstep of his house-studio with a steaming cup of coffee in hand. He knows a lot of people in the neighborhood, and many more know him. One block down, for example, a huge skull indicates the entrance to a little Mexican spot. He painted it himself. And as such, between sips of caffeine, there are those who pass by and say hi with a gesture and those who, in turn, stop to exchange words: until a friend asks to go in the studio. The worn down half-open wood door that hides a doorbell that nobody finds does, however, give you a glimpse of the clamorously scribbled up room where José works. In the entryway, the sign of some deanship from some university class lies sarcastically hanging in the architrave.

De la serie Operaci贸n Siglo XX, 2015, collage, pintura y calado sobre impresi贸n digital en Fabriano, 120 x 90 cm.

nacionales e internacionales obras e instalaciones que, mezclando materia y símbolo, invitan a público a reflexionar sobre la presencia/ausencia de una identidad (a menudo aquella latinoamericana). Sin embargo, aunque su propuesta artística haya finalmente tomado otros caminos, a José se le conoce todavía con el mismo apodo que eligió como tag en su amanecer creativo noventero: Yisa. “Es que el tiempo se va y uno ni se da cuenta –reflexiona–. Hace rato que la pintura en la calle, el grafiti, la intervención pública no ha sido mi tema. Claramente mi historia viene de ahí. Es innegable, porque lo primero que pinté en mi vida fue una pared, aunque luego empecé a dedicarme a otros proyectos expositivos para espacios museísticos”.

international and national museums and galleries that, by mixing material and symbolism, invite the public to reflect on the presence/absence of identity (often that of Latin America). However, although his artistic proposal ended up taking a different path, José is still known by the same alias he chose as a tag in his creative beginnings in the 90s’: Yisa. “It’s just that time goes on and you don’t realize it,” he shares. “For a while now painting in the street, graffiti, public intervention hasn’t been my thing. Clearly my history comes from there. That can’t be denied, because the first thing that I painted in my life was a wall, although later I started to devote myself to other exhibition projects for museum spaces.”

Pues era el año 2009, y Yisa acababa de regresar del BAC en Barcelona, cuando le pidieron que armara una gran obra para una importante exposición colectiva en Santiago. Así que el desafío que supuso planear y montar La Fatiga de San Jorge fue la chispa que le permitió dar aquel anhelado paso adelante en términos creativos. “La idea fue plantear el trabajo en relación con el espacio público –explica–. Yo vivo en este barrio, y de aquí empecé a ver lo que más me llamaba la atención. Me apropie del hito arquitectónico de la iglesia ortodoxa de San Jorge transformándola en un símbolo para hablar de la resistencia, la identidad y la migración. Luego hice esta santa trinidad de calaveras sostenidas con unas bigas pertenecientes a casas de aquí. Surgió algo que tiene, claramente, una relación con Pedro, con la Iglesia, con algo fundacional; pero también con la resistencia, con la marcha y con la batalla”.

The year was 2009 and Yisa had just returned from BAC in Barcelona when he was asked to put together a big piece for an important collective exhibition in Santiago. Thus, the challenge that planned out and put together in La Fatiga de San Jorge was the spark which allowed him to take the step forward that he longed for in creative terms. “The idea was to pose the work in relationship to the public space,” he explains. “I live in this neighborhood, and from here I started to see what stood out to me the most. I got hold of the San Jorge orthodox church architectural landmark, transforming it as a symbol for talking about resistance of identity and migration. Later, I made that holy trinity of skulls held with beams of houses from here. What arose was something that clearly has to do with Peter, with the church, with something foundational; but also with resistance, with the march and with the battle.”

La Fatiga es, de hecho, una lampante ejemplificación de la poética de su autor: por un lado el recurso a una acentuada materialidad. Acero, goma, madera, trigo, tierra, piedra, excrementos de pájaro, aceite quemado, tela. En fin, todo lo que sea necesario para otorgar a la obra una concreción descifrable que la vuelva testimonio. Por otro lado, la poderosa fuerza del elemento semiótico. El símbolo como descarga improvisada de pasiones ocultas, escondidas, inconscientemente arrinconadas (la imagen fálica o la calavera son dos ejemplos que Yisa ocupa a menudo). El enfrentamiento imprevisto y repentino con las fuerzas, tanto primordiales como modernas, que encasillan la sociedad del ayer al igual que la de hoy. “El símbolo y la semiótica –subraya en este sentido el artista– han sido justamente el punto de convergencia donde mi trabajo de la calle pudo encontrar una explicación que me satisficiese”.

Fatiga is, in fact, a clear example of the poetics of its author: on the one hand, the use of accentuated materiality –steel, rubber, wood, wheat, soil, stone, bird excrement, burnt oil, canvas. In the end, everything that is needed to give the work a decipherable concretion that becomes testimony. On the other hand, the powerful force of the semiotic element. The symbol as an improvised discharge of hidden secret passions that are unconsciously buried away (the phallic image or the skull are two examples that Yisa often uses). The improvised and sudden confrontation with the forces, both primordial and modern, which categorize both the societies of today and yesteryear. “Symbolism and semiotics have been the exact convergence point where my street work was able to find an explanation that satisfies me,” says the artist.

Y en el medio, entre estos dos aspectos creativos, queda el gesto pictórico como pegamento y, a la vez, molécula de contraste. El dibujo resulta, entonces, ser la reminiscencia imborrable de la trayectoria como pintor y la última pieza necesaria para dar vida a una mezcla enérgica que procede en una constante búsqueda de una reflexión, por así decirle, de carácter

And in the middle, between these two creative aspects, lies the pictorial gesture as the glue and, at the same time, contrast molecule. Drawing then becomes the indelible memory of the career as a painter and the last piece needed to give life to an energetic mix that proceeds in an ongoing search for political thought, in a manner of speaking. Firstly, where

De la serie Operaci贸n Siglo XX, 2015, collage, pintura y calado sobre impresi贸n digital en Fabriano, 120 x 90 cm.

político. Donde con política se entiende la exploración, en primer lugar, de las relaciones entre seres humanos y, en segundo, de las conexiones del poder en el intento de hallar aquel concepto de identidad, hoy en día más que nunca, matizado y multifacético.

the exploration of relationships between human beings is understood with politics and, secondly, the exploration of connections of power are understood in the attempt to find that multifaceted and tinged concept of identity, now more than ever.

Un tema que aparece de manera desbordante en la serie Operación Siglo XX (2015) donde, al parecer, Yisa abandona por completo el aspecto “material”, sin embargo, también resulta clarísimo cómo explota en sus pinturas aquel lenguaje semiótico que le permite, gracias a una amalgama fuertemente estetizante de representaciones procedentes de diferentes y opuestos imaginarios, investigar y redefinir el concepto mismo de belleza. Así, debajo de la primera capa compositiva, se esconde un universo iconográfico dominado por unas geometrías que traen inmediatamente a la memoria ciertos símbolos de naturaleza abiertamente fascista. Pues lo que Yisa justamente arma, en esta serie, es un explosivo atentado estético (como sugiere el nombre, tomado en préstamo del fallido atentado a Pinochet en 1986), cuya función, una vez más, es trabajar en vilo entre diferentes niveles semánticos (y semióticos) para crear una situación de ambigüedad enmarcada dentro de aquella imprescindible reflexión social, política y de identidad ya mencionada. “En Operación siglo XX –cuenta Yisa– juego a hacer una obra totalmente estética. Y planteo la estética y la visión de belleza como un canon implantado. Como un fascismo heredado, sea cual sea: los griegos, los romanos, u hoy en día. Son unas obras donde todo el mundo ve una belleza intrínseca en estas geometrías que son, en el fondo, símbolos fascistas”.

An issue that boundlessly appears in the Operación Siglo XX series (2015), where, apparently, Yisa completely abandons the “material” aspect. However, it is still crystal clear how he makes use of that semiotic language in his paintings that allows him, thanks to a highly aesthetic amalgam of representations coming from different and opposing imagery, to investigate and redefine the concept of beauty itself. Thus, under the first compositional layer, an iconographic universe dominated by geometry is hidden that immediately brings to mind openly fascist symbols. What Yisa constructs in this series is an explosive aesthetic attack (as the name suggest which was borrowed from the failed attack on Pinochet in 1986), whose purpose, once again, is to work on pins and needles between different semantic (and semiotic) levels to create a situation of ambiguity within that essential aforementioned social and political reflection as well as a reflection of identity. Yisa says, “In Operación siglo XX, I play at making a completely aesthetic piece. And I pose the aesthetics and view of beauty as an instilled standard. As inherited fascism, whatever it is: the Greeks, the Romans, or present times. They are pieces where the whole world sees intrinsic beauty in the geometry that is, at heart, fascist symbols.”

Queda claro cómo Yisa procede según un perpetuo acto de cuestionamiento. Algo que, de hecho, está a la base de su vida artística: así empezó cuando rayó su primera pared; y así sigue hoy al ocupar, por ejemplo, decenas de sacos de abono, cosidos entre sí en un gran lienzo, rodeando una montaña de coronta –el residuo del maíz, alimento básico de los pueblos latinoamericanos– para dar forma a su última impactante creación, El Robo de América. Es más: se trata de un cuestionamiento que, con el paso del tiempo, ha mutado. Pasando de ser un simple enfrentamiento a la cara a un duro desafío que, sin embargo, ya se ha vuelto diálogo. Así los trabajos de Yisa siempre plantean una pregunta para que, luego, se pueda convertir en debate. Moldean y re-construyen la memoria con el fin de hacer luz sobre la actualidad y, a la vez, discuten la actualidad por su falta de memoria. Andan, al fin y al cabo, en caza de una identidad que no define sus límites y que tampoco es capaz de reconocerlos. “Creo –finaliza Yisa– que mi trabajo es una reflexión. Puede ser muy agresiva mi forma de reflexionar, pero opino que la sociedad también es muy agresiva, así que la reflexión tiene que ser conforme a lo que la sociedad es”.

It is clear how Yisa proceeds according to a perpetual act of questioning. Something that, in fact, is the bases of his artistic life: that is how he started when he tagged his first wall; and that is how he continues today when using, for example, dozens of sacks of manure, sewn to each other on a huge canvas, surrounding a mountain of corncobs –the waste from corn, the basic food of Latin American towns– in order to give form to his latest shocking creation, El Robo de América. Moreover, it is about questioning which, over time, has mutated. Shifting from a simple confrontation to the face of a hard challenge that, nonetheless, has already become a conversation piece. That is how Yisa’s works always pose a question so that it can later become a debate. His pieces shape and reconstruct memory in order to shed light on the present and, at the same time, they contradict the present with their lack of memory. When it is all said and done, they hunt for an identity that doesn’t define their limits and that isn’t capable of acknowledging them. “I believe that my work is a reflection. My way of reflecting can be very aggressive, but I think that society is also very aggressive, so the reflection has to be compatible with what society is,” concludes Yisa.

De la serie Operaci贸n Siglo XX, 2015, collage, pintura y calado sobre impresi贸n digital en Fabriano, 120 x 90 cm.

56 . 57

Chile | Chile Dibujo | Drawing

Norka Lepileo Trazos de fantasía Lines of fantasy Las líneas que dan forma a los dibujos de Norka están llenas de emociones y expresividad, dando vida a seres que, con sus posturas y gestos, revelan la ambigüedad de un mundo imaginario. Soñar y salir de sí misma para contar historias.

The lines that give shape to Norka’s drawings are full of emotions and expression, thus giving life to beings who reveal the ambiguity of an imaginary world through their poses and gestures. She dreams and breaks out of her shell to tell stories.

Por Daniela Sánchez M. Lic. en Lengua y Literatura Hispánica (Chile). Imágenes cortesía de la artista.

El sueño y la imaginación son los componentes perfectos para configurar la estética de esta dibujante, que oscila entre la ternura y lo sombrío, tal como ocurriría al ver una película o las mismas ilustraciones de Tim Burton: líneas que juegan con lo espeluznante y la expresividad. Una estética que la artista define como un mundo imaginario, el cual se escapa de los límites de la realidad y juega con las malformaciones y las miradas tristes, para darles un giro y convertirlos en una expresión pura: dolor, sorpresa, sopor, horror o la más simple alegría. Y es que, para Norka, el arte no es sólo una imagen bonita o fea, el arte debe conmover al espectador que se acerca para apreciarla, sentirla y analizar cada trazo o color que el artista elige para lograr una obra completa.

Dream and imagination are the perfect components to form the aesthetic quality of this artist, who varies between tenderness and darkness, just like if you were to see a Tim Burton movie or illustrations: lines that play with what is horrific and expression. The artist defines this aesthetic as an imaginary world that is outside the limits of reality and that plays with deformities and sadly gazes in order to turn them around and make them into pure expression: pain, surprise, sleepiness, horror or the simplest joy. Plus, for Norka, art is not only a pretty or ugly image; it should move the viewer that sees it, feels it and analyzes each stroke or color that the artist chooses to accomplish a finished piece.

Ilustración y expresividad

Illustration and expression

Para esta ilustradora, de 25 años y licenciada en Artes Visuales de la Universidad Católica de Temuco, los detalles y la disparidad son esenciales al momento de sentarse a dibujar y retratar la ambigüedad del mundo, tanto su belleza como su fealdad: “Es tan simple como complejo, así como hermoso y cruel. Pero tiene sus pistas, se puede buscar sentido y sobre todo color”, explica sobre su búsqueda estética que la conecta con sus propias emociones y que plasma en cada uno de sus dibujos.

For this 25 year-old illustrator, who graduated in visual arts from Universidad Católica de Temuco, details and disparity are essential when it comes to sitting down to draw and portraying the ambiguity of the world, both its beauty and ugliness: “It is just as simple as it is complex, just like it is as beautiful as cruel. However, it has its clues and you can find meaning and above all color,” she explains regarding her aesthetic search that connects her to her own emotions and that she displays in each one of her drawings.

na pupila, que no es cualquier pupila. De doble iris, uno rojo y el otro lila. Son los ojos de uno de los personajes que forman parte de un mundo que rebosa de peculiares características: ojos enormes y expresivos, pequeños cuernos, narices filudas y colas. Todos están hechos con trazos finos que delimitan las figuras delgadas y amorfas de estos dibujos sacados de un imaginario único que, a través de sus expresiones, aspecto y postura, cuentan historias. Porque para Norka Lepileo, todo se trata de contar historias y así mostrar lo ambiguo de la realidad a través de la fantasía.

pupil that isn’t just any old pupil. Two irises, one red and the other lilac. These are the eyes of one of the characters that make up a world that is overrun with odd features: enormous and expressive eyes, small horns, pointy noses and tails. All are made with fine strokes that outline the thin and formless figures of these drawings taken from unique imagery that tell stories through their expressions, appearance and poses. For Norka Lepileo, everything is about telling stories and through these stories she shows the ambiguity of reality through fantasy.

Sin tĂtulo, 2014, policromos y acuarela sobre papel, 21 x 29,7 cm.

Oscar, 2014, policromos y acuarela sobre papel, 21 x 29,7 cm.

Una vez que terminó su carrera, Norka miró hacia atrás y vio todos los intentos que había hecho para dedicarse a la pintura y la fotografía, sin embargo, ninguna de ellas la satisfacían. Entonces, con tan sólo echar un vistazo a sus cuadernos se dio cuenta de lo que podía hacer con esos miles de garabatos y “monitos locos” –como ella los nombra–, que había hecho en sus momentos de ocio, eran aquello que quería hacer: “Cuando finalmente tuve un set de lápices de colores, no pude detenerme. La ilustración se conecta bien conmigo, con mi afición por el dibujo y con mi gusto por las historias”, señala Norka.

Once she finished her studies, Norka looked back and saw all the efforts she had made to devote herself to painting and photography. However, none of them were enough for her. So, by just glancing at her sketchbooks she realized what she could do with those thousands of scribbles and “crazy doodles” –as she calls them– that she had made in her free time; they were what she wanted to do: “When I finally had a colored pencil set, I couldn’t stop. I feel a strong connection to illustration and my love of drawing as well as my love of stories,” says Norka.

Estuvo ahí todo el tiempo, latiendo bajo su mano, señalando cada trazo pero sin que ella sea capaz de percibirlo. Quizás el arte va más allá de esa comunicación intencional y se relaciona directamente con esa capacidad del artista para mostrar o develar su inconsciente, en una forma natural y que la rodea en todo momento. Aquellos dibujos soñados que tanto pensó hasta tomar consciencia de ellos.

The drawings were there the whole time, pulsating under her hand, indicating each stroke, but without her being able to see it. Perhaps art goes beyond that intentional communication and is directly related to the artist’s ability to naturally show or reveal her subconscious and that surrounds her in every moment; those dreamt up drawings that she thought of until becoming aware of them.

Y ahora, que es mucho más que un pasatiempo, en cualquier momento puede asaltar el deseo de plasmar esas escenas que invaden su cabeza. Por eso prefiere los formatos pequeños, ya que es parte fundamental de su trabajo poder sentarse a dibujar –y a escribir– donde sea. “A veces las ideas surgen en cualquier lugar, por eso es necesario tener un bolígrafo en todo momento”, ya que es ese deseo incesante de vivir su arte de forma espontánea se ha convertido en su estilo de vida. Porque cualquier momento es perfecto para salir de sí misma y soñar.

And now, that it is much more than a hobby; at any time she can act on the desire to express those scenes that invade her head. Because of this, she prefers small-formats, since being able to sit down and draw –and write– anywhere is an essential part of her work. “Sometimes ideas arise anywhere. Because of that, I always have to have a pen on me,” since that incessant desire to spontaneously experience her art has become her lifestyle. Because any moment is perfect to break out of her shell and dream.

Norka define sus creaciones como seres aparentemente frágiles, en los cuales intenta combinar la inocencia y el amor, lo divertido y lo humorístico, así como la soledad, la ironía o incluso lo patético. Cada uno relata experiencias por medio de su semblante, la postura, los detalles, gestos y cualidades dispares.

Norka defines her creations as apparently fragile beings where she tries to combine innocence and love, playfulness with humor, as well as solitude, irony or even pity. Thus, each one relates experiences through their demeanor, poses, details, gestures and disparate qualities.

Tal como ocurriría en un libro de ilustraciones de Alicia en el País de las Maravillas, Peter Pan, o Los Miserables –algunos de sus libros favoritos–, sus pequeños seres no superan la fragilidad de la pubertad y los dilemas propios de esa etapa: insensibles a los problemas de la realidad, parecen perturbados o afectados por asuntos que se encuentran fuera de esta esfera.

Just like it would play out in a book of illustrations for Alice in Wonderland, Peter Pan or Les Misérables –some of her favorite books–, her small beings don’t overcome the fragility of puberty and the dilemmas typical for that age: numb to the problems of reality, they seem disturbed or affected by matters that are outside of that realm.

Algunas de las texturas y tonalidades que Norka utiliza en sus trabajos son extraídas de los diferentes paisajes que va descubriendo en Temuco, región de La Araucanía, lugar en donde vive. “Me gusta integrar la naturaleza a mi trabajo como parte de la vida y cuerpo de mis personajes, ya que es parte de mi vida también”, cuenta la artista.

Some of the textures and color-schemes that Norka uses in her work are extracted from different landscapes that she has discovered along the way in Temuco, in the La Araucanía region where she lives. “I like to incorporate nature in my work as part of the life and body of my characters, since it is part of my life as well,” says the artist.

Entonces, no es coincidencia notar que sus ilustraciones rebosan vida natural, ya que toda su vida ha estado rodeada de paisajes sureños, árboles, lluvia y cerros que salen a la luz como parte de su paleta de colores y su particular estética: bosques sacados de un paisaje invernal, cielos estrellados, o sinuosas ramas que salen de los cuerpos de sus personajes como si fueran extremidades. Porque todo puede servir para dar vida a sus excéntricos seres.

So, it is no coincidence that her illustrations are full of natural life since all of her life she has been surrounded by southern landscapes, trees, rain and hills that come out as part of her color palette and her particular aesthetic style: forests taken from a wintry landscape, star-filled skies, or winding branches that come from the bodies of her characters as if they were extremities. Everything can be used to give life to her eccentric beings.

Cerezo y los nabos, 2015, policromos y acuarela sobre papel, 21 x 29,7 cm.

62 . 63

Chile | Chile Artista Multidisciplinar | Multidisciplinary Artist

Camila Lobos Difuminando los límites; apareciendo en el otro Blurring the limits; appearing in the Other La luz juega a las sombras haciendo aparecer letras y palabras que facilitan o impiden la lectura. El himno nacional se incorpora a las placas de vidrio a través del suave tallado. La obra de Camila Lobos juega a crear en base al otro, en base a lo difuso y a la cambiante capacidad conceptual de cada palabra.

Light plays with shadow making letters and words appear that provide or prevent how it is interpreted. The national hymn gently engraved on sheets of glass. The work of Camila Lobos plays at creating based on the Other, based on what is vague and the changing conceptual capacity of each word.

Por Elisa Massardo. Lic. en Historia y Estética (Chile). Imágenes cortesía de la artista.

Utilizando la instalación y la luz, Camila Lobos ha realizado diversas exposiciones en Chile y Cuba, mostrando el juego de palabras que le entregan ciertos escritores o filósofos que trabajan el concepto del ser. Autores como Debord, de quien confiesa: “Me interesa esa oposición del ser en tener, la construcción del límite de algo tiene que ver con la pertenencia o la posición de ese algo. Esas cosas van definiendo los contornos del ser. Por ejemplo, Debord dice algo así como: ‘hablando del ser en tener, a algo solo le está permitido aparecer en lo que no es…’”, señala Camila, mientras recuerda a Olu Oguibe diciendo algo como: “si el otro carece de forma, lo propio deja de existir”.

By using installation and light, Camila Lobos has carried out several exhibitions in Chile and Cuba that show the play of words that she gets from certain writers and philosophers who work with the concept of being. Authors like Debord, of who she says: “I am interested in that opposition of being into having, the construction of the limit of something has to do with the pertinence or the position of that something. Those things gradually define the outline of the being. For example, Debord says something like: ‘speaking of being into having, to something that is only allowed to appear in that which doesn’t exist…” says Camila, while recalling Olu Oguibe saying something like: “if the Other has no form, the One ceases to exist.”

Esta definición del ser en el otro, de la figura en base a su opuesto, de los límites propios armados por lo que lo rodea, de las palabras en base a las sombras, a sus cruces, a las miradas, es el trabajo que realizó en Border. La obra fue expuesta tanto en Chile como en Cuba, y la llevó a darse cuenta de la preocupación que tiene por la complejidad de la traducción entre personas, culturas y lenguajes; la relación con los cuerpos y sus límites con las palabras y sus significaciones. Las palabras se modifican por los contextos, y Camila se cuestiona con su trabajo el cómo o el por qué ocurren estas repercusiones conceptuales en cada palabra, que se transforman por la diversidad de realidades que la acogen. “En el Espacio Telefónica la obra estaba pensada para que las palabras aparecieran en el cruce de las sombras de los espectadores, transeúntes, [en el piso]. En

That definition of the being into the Other, of the figure based on its opposite, of the typical limits created by that which surrounds us, of the words based on the shadows, crosses, viewpoints, is the work that she executed in Border. The piece was exhibited in both Chile and Cuba and it led her to realize the concern that she has for the complexity of translation between people, cultures and languages; the relationship with the bodies and their limits with the words and their meanings. The words are modified by the context, and Camila questions how or why these conceptual repercussions occur in each word with her work, which is transformed by the diversity of realities that welcome it. “In Espacio Telefónica the work was thought out so that the words would appear at the intersections of the shadows from the viewers and passers-by [on the floor].

as gotas de lluvia hacen borrosa la visión. Esa mañana miles de ellas caían por todo Santiago haciendo imposible avanzar. Las largas filas de automóviles amontonados esperando llegar a destino, se hacían cada vez más desesperantes para la cantidad de trámites y de energía que los días ocupan. Esa mañana, teníamos un reencuentro para conocer una obra tan borrosa como la visión bajo la lluvia. Una obra que juega con lo difuso, con los límites y con la forma para que, a través de la luz, se pueda señalar la existencia del otro, que se forma y transforma en base a su opuesto.

aindrops make our vision blurry. That morning, thousands of them fell upon all of Santiago, making it impossible to advance. Long lines of cars piled up waiting to get to their destination and became more and more infuriated due to the number of errands and energy that the days take up. That morning, we had a meeting to see a piece of art that is as blurry as our view under the rain. It is a piece of art that plays with vagueness, limits and form, in order to show, through the light, the existence of the Other, which takes shape and transforms based on its opposite.

Border, 2014, caja de luz controlada por arduino, 5 mini proyectores (tubo de pvc, fuentes de luz LED, plantillas, sistema 贸ptico), 150 x 110 x 50 cm.

cambio, en Cuba, por la relación de los cubanos con su cuerpo comenzaron a atrapar las proyecciones en el aire, antes de que tocaran el piso, siendo estas capturadas en diversas partes de su cuerpo. Entonces, cuando en el cuerpo de un cubano aparece ‘Lo propio’ es muy diferente, porque el sentido de la propiedad es diferente en ese contexto”, explica la artista, señalando las diferencias que adquieren las palabras al ser empleadas en diferentes contextos y cómo el mismo idioma muta y se diversifica en cada ser, en su creación en base al otro, a quien se refleja, a quien lo mira y aprehende para comprender que la verdad se hace relativa a cada minuto que pasa, a cada lugar en el que se encuentra.

Instead, in Cuba, due to the relationship the Cubans have with their bodies, they started to capture the projections in the air, before they hit the floor while being captured on different parts of their bodies. So, when ‘Lo propio’ appears on the body of a Cuban, it is very different since the meaning of the property is different in that context,” explains the artist, while showing the difference that words take on upon being used in different contexts and how the same language mutates and is spread out on each being, on her creation based on the Other, whoever it reflects, whoever looks at it and thinks to understand that the truth is relative to each minute that passes, to each place where it is found.

Y dentro de esta serie de instalaciones, a partir de luces y de otros materiales, en los que los textos toman cuerpo a partir de diferentes contornos las obras se transforman en el juego de hacer visible mientras se invisibilizan, en el fondo escribir para ocultar, como ocurre con Sobre la aparición –obra que llevó a la 12° Bienal de la Habana, en 2015. También aparece en su obra una preocupación constante por el espacio, desde el cuestionamiento hacia la sensación individual del estar ahí, en ese siendo que te conforma. Casi como si la pregunta del ser se replanteara debido a qué es lo que lo rodea, a cómo lo rodea y cómo lo transforma. “Los espacios en realidad significan porque hay un contexto que lo está definiendo, porque hay un conjunto de imaginarios que lo determina y que los transforma en espacios simbólicos que pueden mutar, dependiendo cómo cada individuo resignifica esos símbolos”, explica Camila. Por ejemplo, si tenemos un individuo X, situado en un espacio abierto, público, una plaza por ejemplo, este individuo X experimentará una serie de sensaciones diversas que serán imperceptibles a nivel consciente. Esta es la razón que fundamenta la obra de Camila Lobos, quien a través de sus diversos trabajos logra develar y traer al consciente esas experiencias que parecieran no existir, “¿qué le pasa al cuerpo en diferentes espacios?”, cuestiona la artista.

And within that series of installations, based on lights and other materials, where the texts take shape from different contours, the works transform into the game of making something visible while being made invisible, which at heart is writing to hide something, like what happens with Sobre la aparición –a piece that took her to the 12th Havana Biennial in 2015. Also a constant concern for space appears in her work, based on questioning the individual feeling of being there; in that being that forms you. It is almost as if the question of the being is reconsidered due to what is surrounding it, how it surrounds it and how it transforms it. “Spaces in reality have meaning because there is a context that is defining it, because there is a set of images that determines it and that transforms them into symbolic spaces that can mutate depending on how each individual redefines those symbols,” explains Camila. For example, if we have any individual who is placed in an open, public space like a plaza for example, this person will experience a series of diverse sensations that will be indiscernible on a conscious level. This is the reason that lays the foundation for the work of Camila Lobos, who manages to reveal and make us aware of those experiences that seem to not exist through her work. “What happens to the body in different spaces?” asks the artist.

Letra x letra

Letter by letter

Así como las croqueras de muchos artistas se llenan de dibujos, la croquera de Camila Lobos se llena de textos, palabras e ideas sobre cómo montar sus obras e instalaciones. Porque a diferencia de la pintura o la escultura, su trabajo no puede permanecer almacenado en bodegas esperando a ser exhibido. Por lo general, debe aguardar en el papel mientras se presenta alguna convocatoria o invitación donde pueda exhibir. “Tengo muchas ideas que no he hecho – señala–. Siempre están dando vueltas”, y las anota o arma digitalmente para ver la factibilidad de su realización. Y en este proceso, Camila en su búsqueda por crear ha aprendido diversos lenguajes, como programación, apropiándose de la tecnología e incorporándola a su obra como otros medios para escribir.

Just as the sketchbooks of many artists are filled with drawings, Camila Lobos’ sketchbook is full of text, words and ideas about how to assemble her pieces and installations. This is because, unlike painting or sculpture, her work cannot be stored in a warehouse waiting to be exhibited. In general, she has to store her work on paper until someone calls her or invites her to exhibit it. “I have many ideas that I haven’t done. They are always going through my head,” she says. She writes them down or constructs them digitally in order to see the feasibility of creating them. And in this process, during her quest to create, Camila has learned different languages, such as programming, thus appropriating technology and incorporating it into her work as another means to write.

Y esta realización es algo compleja, algo confusa, algo que pareciera determinarse dependiendo del otro. El otro, siendo el espacio de exposición, el lugar donde montar y armar una obra compleja y que requiere de ella solamente para ser montada.

This development is something complex, something confusing, and something that seems to be determined depending on the Other. The Other, being the exhibition space, the space where a complex work of art is assembled and created and that only requires her to put it together.

La lluvia ha dejado de ser tan densa como al principio, casi como si nuestra conversación se uniera a la comprensión de su obra y de nuestras vidas. Esas vidas que han pasado en la materialización de una idea que da vueltas en su cabeza, hasta que Camila logra adquirir las herramientas y el espacio para mostrarlas. De lo contrario, quedan en esa croquera llena de palabras o en las maquetas digitales que debe armar para contar su historia, que en este último caso, tratará de un programa que procese todos los titulares de diversos periódicos de Chile, que se suben en formato HTML a la web, para luego fragmentarlos, letra por letra, tirándolas al azar sobre un muro, proyectando cada encabezado sin que la audiencia sea capaz de captar los titulares. Conformándose, así, la idea solo en la mente que quien la observa… sólo en base al otro que se proyecta frente a sus ojos.

The rain isn’t as heavy as it was in the beginning. It is almost as if our conversation brought together the understanding of her work and our lives; those lives that have passed by in realization of an idea that flies about in her head, until Camila manages to attain the tools and space to show them. On the contrary, they remain in that sketchbook full of words and in the digital mockups that she must put together to tell her story, which in the latter case, will be about a program that processes all the headlines from different newspapers in Chile, which are uploaded to the internet in HTML format, to later break them up, letter by letter, randomly placing them on a wall, projecting each banner without the audience being able to understand the headlines. Through this, the idea only forms in the mind of the person that sees them… solely based on the Other that is projected in front of their eyes.

Border, 2014, caja de luz controlada por arduino, 5 mini proyectores (tubo de pvc, fuentes de luz LED, plantillas, sistema 贸ptico), 150 x 110 x 50 cm.

Toronto Los Ángeles

• ART TORONTO

• PHOTO LOS ANGELES • CONTEMPORARY ART • LA ART SHOW

• ARMORY SHOW • VOLTA • SCOPE • PULSE

Miami • ART BASEL • SCOPE • PINTA • ART MIAMI • UNTITLED

Nueva York

Curitiba • BIENAL DE CURITIBA

México DF • ZONA MACO

Bogotá

São Paulo

• ARTBO • BARCÚ • ODEON

• SP ARTE • PARTE

Lima Punta del Este

• ART LIMA • PARC • LIMA PHOTO

• ARTE PUNTA

Santiago • CHACO

Buenos Aires • ARTEBA • ARDI • BUENOS AIRES PHOTO • MIRÁ

revista - periódico - web

Mónaco • ART MONACO

Londres

Basel • SCOPE • VOLTA • LISTE • ART BASEL

• PINTA • VOLTA

Beijing • INTERNATIONAL ART EXPO

Barcelona • SWAB • LOOP

Estambul • CONTEMPORARY ISTANBUL

Shangai • ART SHANGAI

Madrid

Italia

• ARCO • ART MADRID • MADRID PHOTO

Hong Kong

• ROMA • ARTISSIMA

• ART BASEL • AHAF

Dubai Ibiza

• WORLD ART DUBAI

• ART IBIZA

Taiwán • ART KAOHSIUNG

Find us at the following art fairs Encuéntranos en las siguientes ferias de arte

www.arteallimite.com

68 . 69

Chile | Chile Artista Multidisciplinar | Multidisciplinary Artist

José Romussi Puntadas de sentido Meaningful stitches José Romussi hila fino. Las imágenes sobre papel se presentan ante sus ojos como oportunidades, como reflejos incompletos de donde rescatar sentido, donde borda una nueva historia o culmina una no terminada.

José Romussi splits hairs. The images on paper are displayed before his eyes as opportunities, as incomplete reflections of where to take back meaning, where he embroiders a new story or completes unfinished ones.

Por Natalia Vidal Toutin. Periodista (Chile). Imágenes cortesía del artista.

as estaciones de metro en Berlín están pobladas de gente. Las resume el movimiento, la actividad y los pasajeros. Miles de almas se cruzan y comparten segundos efímeros que el tiempo se lleva para rescatarlos en la memoria. La fugacidad en su esplendor. Una de las estaciones llamó la atención de José Romussi, el artista chileno radicado en Berlín, quien se detuvo a contemplar las formas, los colores y los andenes que la componían. Era el escenario idílico para su serie Kunst un Untergrun. “Hice un estudio visual de la estación. Junté un grupo de gente que la frecuentaba y les hice una sesión fotográfica en un estudio. Los entrevisté uno por uno para conocer sus historias. Según lo que me transmitieron, me inspiré en el diseño de cada personaje. La composición resulta de ese proceso, al que le sigue el bordado”, relata José Romussi sobre su última serie.

he subway stations in Berlin are full of people. They are summed up by the movement, activity and passengers. Thousands of souls cross paths and share ephemeral seconds that time leads them to recover in memory. Fleetingness in all its glory. One of the stations caught the eye of José Romussi, a Chilean artist living in Berlin, who stopped to contemplate the shapes, colors and platforms that formed it. It was the idyllic stage for his Kunst un Untergrun series. “I did a visual study of the station. I gathered a group of people that frequented it and had a photographic session with them in a studio. I interviewed them one by one to get to know their backgrounds. According to what they conveyed to me, I was inspired by the design of each person. The composition came from that process, which was followed by embroidery,” says José Romussi regarding his latest series.

La transición, los rostros genuinos y espontáneos y el carácter inspiran el color. El diálogo que surge entre la experiencia, los actos, un código y las sogas que les atan. “La obra es un constante diálogo. La forma que intervengo la foto no tiene que ver con transformar una cosa en otra, sino convertirla en una sola pieza y que compartan entre ellas”, explica respecto de aquella composición que contrapone el colorido del hilado al poderoso blanco y negro de las imágenes.

The transition, the spontaneous and genuine faces and character inspire the color. The dialogue that arises between the experience, the acts, a code and cords tie them together. The way that I intervene the photo has nothing to do with transforming one thing into another, but rather converting it into one single piece and share among them,” he explains regarding that composition which contrasts the color of the thread against the powerful grayscale of the images.

El llamado llega desde el abstracto, los instintos y los sentidos. La intención de interpretar y poner frente al ojo humano aquello que por sus características no es posible visibilizar: lo interior. Cada cuerpo, una historia. Cada desplazamiento, una desafiante revelación. “Trato de conectar a través de mi dibujo o intervención lo que existe al interior de esa figura humana. Me gusta representar algo que no podemos necesariamente ver o entender. Construyo una especie de portal que conecta estos dos mundos, el interior y el exterior”, especifica.

The call comes from the abstract, instinct and feeling. He tries to interpret and place before our eyes that which can’t be seen because of its characteristics: what is inside. Each body has a story. Each displacement has a defiant revelation. “I try to connect through my drawings or intervene that which exist within that human figure. I like to depict something that we cannot necessarily see or understand. I create a type of portal that connects these two worlds, the interior and exterior,” he specifies.

Las representaciones por su calidad de ficcionales y simuladoras, permiten que este ejercicio se realice de manera idónea y característica. Todo aquello que la estética cubre u oculta en sus fotografías, dicta un juicio o una

Due to the fictional and simulation qualities, the depictions allow this exercise to be carried out appropriately and characteristically. Everything that the aesthetics cover or hide in his photographs dictates a judgment or world view

Violeta #Anti-serie, 2015, bordado sobre recorte de revista, 21 x 29,7 cm.

YD1, 2013, bordado sobre recorte de revista, 21 x 29,7 cm.

Re-name, 2015, bordado sobre recorte de revista, 21 x 29,7 cm.

cosmovisión que intenta desenmascarar el carácter empírico y hacerle espacio al imaginario, personal o colectivo.

that tries to expose the empirical character and make room for imagination, whether personal or collective.

La naturaleza, la geometría, o la redacción tienen su origen en la sugerencia de un rostro, de una mueca o de un perfil. El desafío a la publicidad contempló parte de un exitoso trabajo que lo ha expuesto a un público masivo y le ha alejado del resto de los exponentes que dedican sus horas a bordar, al igual que él.

Nature, geometry, or composition originates in the suggestion of a face, expression or profile. The defiance of advertising contemplated part of successful work that he has shown to a mass audience and he has gotten away from the rest of the exponents who spend their time embroidering, just like him.

El trabajo es alegre e intuitivo, los colores que le siguen a la fabricación de la imagen relatan un contexto distinto, intervienen rupturistamente. Y se hace con la intención, no continúan la imagen ni la enaltecen, la intervienen y la conectan con la esencia descrita. “Ese trabajo es intencional, es cambiar una visión, la estética y la estructura que representa un retrato o un paisaje”, describe.

His work is lively and intuitive, the colors that come after constructing the image tell a different context and they intervene in a groundbreaking way. Furthermore, it is done intentionally; they are not continuations of the image nor do they exalt it, they intervene it and connect it to the described essence. “That work is intentional, it is changing a view, the aesthetics and the structure that depicts a portrait or landscape,” he describes.

¿Qué hay en un trazado de colores? ¿Qué hay en el colorear? Suena el cliché de una experiencia ya vista en ocasiones reiteradas, pero Paul Cézanne, describió lo que la práctica de quienes agregan color condensa: “No hay que pintar lo que nosotros creemos que vemos, sino lo que vemos”, he ahí el desenlace revelador y la oportunidad de dibujar y colorear una escena de dudosa comprensión en la experiencia y de fructífera interpretación en la realidad del consciente. A su vez, Óscar Wilde ha dicho que “el único deber que tenemos con la historia es reescribirla”. La reescritura, la reinterpretación e impresión de una narrativa que no le es condensable a las imágenes y que no captura la esencia de un movimiento, la irreverencia de una época o la intención de un artista, es aquella que por medio de trabajos vinculantes y que actúan como naturales canales de vinculación entre las percepciones y la realidad, son las que completan la visión que rescata el espíritu de los tiempos.

What exists in an outline of colors? What exists in the embellishments? It sounds like a cliché experience that has already been seen time and time again, however, Paul Cezanne described what the practice of those who add color summarizes: “You don’t have to paint what we think we see, but rather what we see,” this is the revealing outcome and the chance to draw and color a scene of questionable understanding in the experience and of fruitful interpretation in the reality of consciousness. In turn, Oscar Wilde has said that, “the only duty we have regarding history is rewriting it.” The rewriting, the reinterpretation and printing of a narrative that can’t be condensed down to images and that doesn’t capture the essence of a movement, the irreverence of a certain time or the intent of an artist, is that which, through work that brings us together and work that acts as a natural channel to connect perceptions and reality, completes the vision that revives the spirit of the times.

El hilado se ha impregnado y alojado en las manos de José Romussi desde muy pequeño. Desde los cinco años, ya se había iniciado en el mundo del arte trabajando en algunas manualidades producto de la injerencia de su madre. No le representa la antigüedad y su ambición por querer reformar la escena artística y representar una obra nueva, creativa y original le ha llevado a estudiar y ahondar en la técnica una y mil veces. Sus manos agotadas exhiben el profesionalismo de cada puntada en el trabajo terminado. La prueba y el error describen la máxima que ha practicado en el ejercicio de cada una de sus series y la virtud y gracia que describe como su mejor aliada para llevarlo a escenarios de carácter mundial en el mundo del arte.

Embroidery has been a part of José Romussi since he was young. At age five, he had already gotten his start in the art world by working on handicrafts thanks to his mother. Age doesn’t represent him and his ambition to want to reform the art scene and portray new creative and original work has led him to study and dig deeper into technique time and time again. His worn out hands show the professionalism of each stitch in the finished work. Trial and error describe the core idea that he has put into practice while carrying out each one of his series and the virtue and grace that he describes as his best ally to take them to the world stage in the art world.

Hilando fino

Splitting hairs

¿Cómo trabajas la fragilidad del papel con la delgadez y sutileza del hilo? Como en todo proceso artístico probando, las pruebas fueron infinitas y rompí muchas fotos. Entonces encontré la mecánica perfecta para poder hacerlo, la técnica que uso al bordar o coser con el hilo. Esto contempla hasta el papel que elijo para cada pieza que quiero crear según su diseño.

How do you handle the fragility of the paper with the thinness and subtlety of the thread? Like in all artistic processes, by trying. There were infinite trials and I broke a lot of photos. I found the perfect mechanism to be able to do it, which is the technique that I use to embroider or sew with thread. This takes into consideration even the paper that I choose for each piece that I want to create according to its design.

¿Mediante qué proceso decides dónde intervenir con color e hilado? En el proceso de diseño. Es, de hecho, la parte que más me gusta. Lo que hago es dibujar mis ideas, luego las traspaso a la fotografía mediante el proceso bordado.

Through which process do you decide where to intervene with color and thread? In the design process. In fact, it is the part that I like the most. I draw out my ideas, and then I transfer them to photography through the embroidery process.

Flower 1, 2013, bordado sobre recorte de revista, 29,7 x 42 cm.

76 . 77

Chile | Chile Escultura | Sculpture

Andrea Rodríguez Vial Dramaturgia complaciente desde la cerámica Pleasing drama from ceramic Por Daniel G. Alfonso. Teórico del arte (Cuba). Imágenes cortesía de Omar Van de Wyngard.

Procesi贸n, 2015, cer谩mica y acero inoxidable, 89 x 9 x 19 cm.

Su dedicado trabajo y variadas investigaciones tuvieron un happy end, pues la galería Madhaus, como parte de las celebraciones por su primer aniversario, acogió en una de sus salas, la primera exhibición personal de Andrea Rodríguez titulada Animal Kingdom. Desde el propio rótulo otorgado a la muestra, Andrea le posibilita al receptor algunas pistas, no obstante, un elemento clave en su quehacer asombra a la retina de los espectadores. La sorpresa se encuentra en el empleo y exploración de la cerámica como

Her staunch work and varied research had a happy end, since the Madhaus gallery, as part of the celebrations for its first anniversary, welcomed Andrea Rodríguez’s first individual exhibition titled Animal Kingdom in one of its exhibition rooms. From the sign itself, given to the exhibition, Andrea gives the viewer some clues; nonetheless, a key element in her work astonishes the viewer’s eyes. The surprise is found in the use and exploration of ceramics as a material that enables

l arte y sus diferentes manifestaciones están estrechamente ligadas al contexto en el que se desarrolla; el artista, a través de su obra, solo refleja o hace eco de sus más apremiantes necesidades expresivas o sus conflictos internos, siempre a partir del uso de metáforas y de una simbología muy personal. Cada generación recurre a códigos, estéticas y criterios que permiten apreciar creaciones en las que se hallan sus sentimientos, sueños y fantasías. Observar en piezas, pasión, interés y dedicación, ha sucedido en pocas ocasiones. Otorgarle forma a objetos estéticamente bellos y que contengan en su interior mensajes subliminales que pongan “el dedo en la llaga” y nos hagan pensar, no es tarea fácil; sin embargo, para la joven artista visual Andrea Rodríguez Vial forma parte de su praxis actual. Su intención fundamental –nos comenta– es problematizar sobre conceptos otorgados por el hombre para convivir con los animales, para lo que maneja criterios como el de plaga, domesticación, bestialidad, extinción, entre otros.

Reflejo, 2015, cerámica y pigmento de platino, 34 x 28 x 48 cm., cada uno.

rt and its different forms of representation are tightly linked to the context in which they are developed; the artist, through their work, only reflects or repeats their most pressing expressive needs or internal conflicts, always by using metaphors and very personal symbology. Every generation turns to codes, aesthetics and criteria that allow them to appreciate creations where their feelings, dreams and fantasies are present. Seeing passion, interest and dedication in a piece doesn’t happen often. Giving form to aesthetically beautiful objects that contain subliminal messages that “rub salt on the wound” and make us think, is no easy task; however, for the young visual artist, Andrea Rodríguez Vial, this is part of her everyday process. Her main goal –she tells us– is to raise questions about concepts issued by man to coexist with animals, which is why she works with concepts such as plague, domestication, bestiality, extinction, among others.

un material que le facilita la producción de objetos artísticos expresivos y de alto valor estético, todo sin dejar de lado la relación de cada cuerpo (en este caso animal) con el contexto social y las cuestiones ambientales que la rodea. Además, revela la calidad que ha tenido en cada momento la producción visual de esta creadora, en la que estamos en presencia de un período de madurez en el que se toman caminos insólitos y noveles proyectos.

her to produce expressive and highly aesthetic artistic objects without neglecting the relationship of each body (animal in this case) with social context and the environmental questions that surround it. Moreover, it reveals the workmanship that she employs during visual production, where we can witness a time of maturity where unheard of paths were taken and original new projects created.

Hace dos años viene trabajando el modelado de figuras (con un realismo impresionante) provenientes del reino animal. Asimismo, la selección de la cerámica se sustenta en las características principales del material, como algo noble, sencillo, hermoso y frágil que puede alegóricamente aludir al tema de la fragilidad existencial. Sus más recientes resultados están ejecutados en cerámica cruda, es decir, que no transita por proceso alguno de cocción; elemento que nos permite establecer nexos con lo efímero y vulnerable que pueden ser los animales (no importa raza o tipo) frente a una sociedad cambiante que aumenta día a día y que destruye constantemente todo lo que se halla en su camino. Cada construcción es un escenario íntimo y misterioso, en el que los límites de la realidad y la ficción es una mezcla de ironía y provocación, con lecturas ambiguas que juegan dramáticamente con la mente del espectador.

For two years she has been sculpting figures (with impressive realism) from the animal kingdom. Likewise, the choice of ceramic is based on the material’s main characteristics such as something noble, simple, beautiful and fragile, which can allegorically refer to the issue of existential fragility. Her most recent work is executed in raw ceramic, that is, ceramic that doesn’t undergo any firing process; this allows us to key into just how ephemeral and vulnerable animals are (no matter the breed or type) in a changing society that grows on a daily basis and that constantly destroys everything that comes into its path. Each construction is an intimate and mysterious scenario, where the limits of reality and fiction are a mix of irony and provocation, with ambiguous interpretations that dramatically play with the viewer’s mind.

Sus disímiles montajes, en algunas ocasiones, de influencia barroca crean ilusiones ópticas, visuales y sensoriales. La aglomeración de figuras y la

Her disparate creations, which at times are of Baroque influence, create optical, visual and sensorial illusions. The build-up of figures and theatricality

Liebre, 2015, cerámica cruda. 65 x 30 x 39 cm.

xxxx xxxxxes xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxxcomo xxxxx xxxxx teatralidad una constante, asíxxxxx nos topamos con obras lasxxxxx que forman xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx parte de la serie Mausoleos, en la que cada obra es enumerada para poder xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx diferenciarlas. Acáxxxxx el color cumple una de las funciones más importantes, xxxxx xxxxx xxxxx xxxxxpero xxxxx xxxxx xxxxx para xxxxxlaxxxxx xxxxx xxxxx es unaxxxxx cualidad imperceptible muy necesaria dramaturgia de la xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx escena. Tonalidades que lanzan señales al espectador y que nos xxxxx hablanxxxxx de la xxxxx xxxxx xxxxxque xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx necesidad dexxxxx protección debemos tener en cuenta a laxxxxx hora de establecer xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx relaciones con el universo de la fauna, ya seaxxxxx salvaje o doméstica. El blanco, xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx en la exposición, esxxxxx el matiz quexxxxx más se repite, pues para xxxxx Andrea expresa la xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx vida y xxxxx la muerte; esxxxxx comoxxxxx un homenaje a la existencia delxxxxx ser humano y del xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxx animal.xxxxx Mientras que el título dexxxxx la serie, alude a la memoria y al testimonio. xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx Por esta misma línea dexxxxx trabajo y pensamiento, se encuentra Procesión xxxxx xxxxxy xxxxx xxxxx 89 xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx (cerámica acero xxxxx inoxidable, x 9 xxxxx x 19 cm), una instalación en laxxxxx que xxxxx xxxxx axxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx apreciamos diversas razas de xxxxx animales quexxxxx marchan hacia unxxxxx imaginario xxxxxde xxxxx xxxxxdexxxxx xxxxx xxxxx xxxxx han xxxxx xxxxxdaños, xxxxx xxxxx Arca Noéxxxxx en busca su salvación. Algunos sufrido otros xxxxx xxxxx xxxxx xxxxxelxxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx están casi enxxxxx peligro de xxxxx extinción, material y lo inacabado de algunas xxxxx xxxx xxxxx xxxxxelxxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx figurasxxxxx en miniatura nosxxxxx refuerzan discurso. xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx uno xxxxx xxxxx xxxxxabordados xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx Cada dexxxxx los contenidos por Andrea Rodríguez Vial, gexxxxx xxxxx xxxxx místicos xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx neran ambientes en xxxxx los que se respira airesxxxxx de sabiduría. En xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxunxxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx cada representación existe trabajo previo reflexivo y conceptual, en xxxxx xxxxxdexxxxx xxxxxartista xxxxx yxxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx el que xxxxx la mirada la propia el espectador es xx trascendental. xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx

xxxxx xxxxx in xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx is constant her xxxxx work; xxxxx therefore wexxxxx comexxxxx across pieces likexxxxx thosexxxxx that xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx form the Mausoleos series, where each piece is numbered in order xxxxx to be xxxxx xxxxxapart. xxxxxHere, xxxxxcolor xxxxx xxxxx xxxxxrole. xxxxx xxxxx xxxxx able toxxxxx tell them plays a vital It isxxxxx an indiscernible xxx xxxxx xxxxxforxxxxx xxxxx of xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx quality butxxxxx very xxxxx necessary the drama the xxxxx scenario. Tonalities that xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxxto xxxxx xxxxxthe xxxxx xxxxx xxxxx send signals to thexxxxx viewer and xxxxx that speak us about need to protect xxxxx xxxxx xxxxx when xxxxx it’s xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx that we mustxxxxx remember time to establish relationships with the xxxxx xxxxx xxxxxwhether xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxxinxxxxx xxxxx xxxxx animal universe, it is wild or xxxxx domestic. White, the exhibition, is xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxxsince xxxxxforxxxxx xxxxx xxxxx xxxxx the color thatxxxxx is repeated the most, Andrea, it xxxxx expresses life and xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxxof xxxxx xxxxx xxxxxand xxxxx xxxxx death;xxxxx it is like a tribute to thexxxxx existence human beings animals. xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx In the meantime, the title of the series alludes to memory and testimony. xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxxline xxxxx xxxxx and xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx Along the same of work thought, we find Procesión (ceramic xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxxwhere xxxxx we xxxxx xxxxx and stainless steel, 89 xxxxxx 9 x 19 cm),xxxxx an installation can see xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx diverse breeds of animals that march towards an imaginary Noah’s Ark in xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxxare xxxxx xxxxx xxxxx search of salvation. Some havexxxxx suffered harm, others almost extinct, xxxxxthe xxxxx xxxxx and xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx and material the unfinished quality of xxxxx somexxxxx of thexxxxx miniature xxxxx xxxxxthis xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx figuresxxxxx reinforce idea. xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxxby xxxxx xxxxxRodríguez xxxxx xxxxxVial, xxxxxcreate xxxxx Each one ofxxxxx the xxxxx issuesxxxxx tackled Andrea xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx mystical environments wherexxxxx a gust of wisdom canxxxxx be breathed in. xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx preparatory xxxxx xxxxx Each representation contains thoughtful and conceptual xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxxisxxxxx xxxxx work, xxxxx wherexxxxx the outlook of thexxxxx artist xxxxx herselfxxxxx and the viewer important. xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxxx

Con nuestra visión inquieta que todo pretende descubrir nos enfrentamos a una topografía de pasos, huellas y acciones que el tiempo no ha dejado que se borren. La fauna, al igual que el reino floral, es importante para el desarrollo y equilibrio del ecosistema y de nuestra sociedad, no ver lo que sucede y no expresarnos a favor de su protección es el mensaje que nos transmite la obra Reflejo, en la que dos conejos, uno frente a otro, son el reflejo y a su vez no son iguales, el color del esmalte los diferencia a ambos. Como la leyenda de los tres monos, pero en este caso particular solo dos, uno no quiere observar y el otro no desea hablar; sin embargo, a través de sus orejas todo es escuchado, ruidos de construcción y expansión de la urbe; una ciudad que aumenta su población y disminuye cada vez más los espacios para los animales.

In our uneasy view that all will be revealed, we face mapping of footprints, tracks and actions that time hasn’t allowed to be erased. Animals, just like the plant kingdom, are important for the development and balance of the ecosystem and our society. Not seeing what is going on and not standing up for their protection is the message that the piece Reflejo conveys to us, where two rabbits, one in front of the other, reflect one another and at the same time, they are different, the color of the glaze differentiates them from one another. Like the legend of the three monkeys, but in this particular case, there are only two. One doesn’t want to see and the other doesn’t want to talk; however, through their ears everything is heard, noise from construction and urban expansion; a city that is growing in population and steadily diminishing spaces for animals.

Animal Kingdom es una propuesta que resume toda una jornada de trabajo de la joven artista chilena Andrea Rodríguez Vial, su camino está dirigido hacia la exploración de la cerámica y las posibilidades estéticas que esta le permite. La naturaleza se está transformando, el ser humano que forma parte de ella avanza y no reflexiona sobre lo que sucede a su alrededor. El reino animal, objeto principal de la muestra, es puesto a dialogar en un período en el que debemos izar nuestras banderas para su protección; con una estética actual, las instalaciones y esculturas introducen al espectador en un universo ficticio pero que a su vez pertenecen a nuestra realidad.

Animal Kingdon is a proposal that summarizes a day’s work for the young Chilean artist Andrea Rodríguez Vial. Her path is directed towards exploring ceramics and the aesthetic possibilities that it provides. Nature is changing, human beings that make up part of nature advance and don’t reflect on what is happening around them. The animal kingdom, the main object of the exhibition, is used to speak about a time in which we must raise our flags to protect it; through modern aesthetics, the installations and sculptures introduce the viewer to a fictitious universe that simultaneously belongs to our reality.

Mausoleo #3, 2015, cerámica, 57 x 20 x 20 cm.

Michelin Basso Dibujar con el pensamiento Drawing with thought La artista chilena Michelin Basso utiliza el dibujo en una declinación puramente lineal para investigar el paisaje, generando así unas representaciones que, más allá de los rasgos abiertamente descriptivos típicos de este género, se relacionan en profundidad con las dinámicas de la memoria, del diálogo y, en general, del pensamiento mismo. The Chilean artist Michelin Basso uses drawing in a purely linear descent to investigate landscape; through this, she creates representations that, beyond the typical openly descriptive characteristics of this genre, are deeply related to the dynamics of memory, dialogue, and, in general, thought itself. Por Francesco Scagliola. Periodista (Italia). Imágenes cortesía de la artista.

Chile | Chile Dibujo | Drawing

Sin tĂtulo, 2015, grafito sobre tela, 50 x 40 cm.

82 . 83

Sin título, 2015, grafito sobre tela, 50 x 40 cm.

Empieza entonces a trazarse aquel, ya mencionado, sólido trabajo teórico respaldado y levantado por la misma técnica que la artista temuquense elige para sus obras: el dibujo. Mejor dicho, una representación lineal donde el punto y la línea remontan, antes que todo, a una profunda idea

So, she starts to sketch out that solid theoretic work mentioned above that is supported and founded by the same technique that the artist from Temuco chooses for her work: drawing. Better said, it is a linear depiction where dots and lines go back, above all, to a profound initial idea. An origin that

ichelin Basso vive y trabaja en Temuco, en el sur de Chile, donde no faltan las selvas exuberantes y aún la naturaleza se manifiesta de forma deslumbrante en un eterno y magnifico despliegue paisajístico. Puede que sea exactamente por esta razón geográfica que, hoy en día, lo de Michelin es justamente el dibujo de paisajes. Y, tal vez, sea efectivamente así. Sí, porque pese a las temáticas que escoge, no cabe duda alguna que definirla simplemente una artista de paisajes sería absolutamente restrictivo. Por no decir completamente equivocado. De hecho, Michelin Basso es, en primer lugar, una minuciosa investigadora del paisaje y luego –gracias a una actitud definitivamente subjetiva– una exponente del homónimo género pictórico. Es, en última instancia, una meticulosa teórica que ocupa el dibujo como medio privilegiado, primordial e imprescindible, para encontrar respuestas a los interrogantes que el paisaje mismo le postula. Sea esto conocido o desconocido. “El dibujo se antepone al género –explica Michelin– y este pierde su relevancia en cuanto lo utilizo desde una perspectiva conceptual. Con lo cual llego a preguntarme ¿Qué es paisaje? Disposiciones lineales en el soporte espacio. Por consiguiente, representar descriptivamente los elementos del paisaje no constituiría la obra. Al contrario –continúa– la multiplicidad lineal provoca la semejanza necesaria para esta conceptualización”.

ichelin Basso lives and works in Temuco, in the south of Chile, where lush forest are plentiful and nature still stunningly embodied in an eternal and magnificent scenic display. Perhaps it is for this very geographic reason that, today, Michelin draws landscapes. And, maybe, this is in fact the case. Indeed, since despite the subject matter that she chooses, there’s no doubt that defining her simply as a landscape artist would be completely restrictive, if not completely wrong. In fact, Michelin Basso is, primarily, a meticulous investigator of landscapes and later –thanks to a definitely subjective attitude– a model of the homonymous pictorial genre. She is, ultimately, a meticulous theorist that uses drawing as an exceptional, vital and indispensable medium to find answers to the questions that landscape postulates itself, being known or unknown. As Michelin explains, “Drawing comes before style, and it loses its relevance once I use it from a conceptual perspective. With this, I ask myself, what is the landscape? Linear arrangements on a spatial medium. Because of this, descriptively depicting the elements of the landscape doesn’t constitute the work. It’s quite the opposite; the linear multiplicity causes the likeness that is needed for this conceptualization.”

Sin título, 2015, grafito sobre tela, 50 x 50 cm.

originaria. Un origen antecedente al paisaje representado e intrínseco en el signo mismo, marcado por el movimiento de la muñeca de Michelin sobre el lienzo blanco. Un origen que se esconde y se halla en la memoria. Un origen que es una huella a punto de borrarse, aunque siga indicando un posible camino por recorrer. Un origen, al fin y al cabo, que se configura a la vez tanto como contraposición y diferenciación, como solución y aglomerado, y se concreta –o no– en un punto gráfico, ahí, donde los haya. O en la ausencia de este.

precedes the depicted and intrinsic landscape in the gesture itself, which stands out due to the movement of Michelin’s wrist above the white canvas. It is an origin that is hidden and is found within the memory. It is an origin that is a remnant that is about to disappear, although it keeps indicating a possible path to be taken. When it is all said and done, it is an origin that is simultaneously arranged as a comparison and differentiation as well as a solution and agglomeration, and is summed up –or not– in a graphical point where, there, they exist. Or in the absence of this.

Apenas con mirar una de las obras de Michelin Basso resulta inmediatamente comprensible cómo aquel contraste entre llenos y vacíos, puntos y blancos, representación y lienzo intacto, vegetación y la nada, recuerdo y olvido, ya no es simplemente una elección estilística, sino que surge evidentemente de una profunda inquietud que bordea una intuición casi filosófica. “Tanto el blanco, como los segmentos o las insinuaciones, se originan a partir de una lectura constructiva –relata la artista– que nace desde la memoria o de la acotación final que exige aquella analogía entre punto y paisaje, y que llevo trabajando desde hace un par de años. Creo –subraya– que el juego de equilibrios permite entrar literalmente en la obra. Sitúa al espectador. Así, también, se relaciona con la simpleza de lo mínimo, con la austeridad del grafito, y hasta con el acto de irreverencia ante la pulcritud que afanosamente me define”.

Just looking at one of Michelin Basso’s pieces is enough to immediately understand it as that contrast between full and empty, marks and blank spaces, depictions and intact canvas, vegetation and nothingness, memory and oblivion, it is no longer simply a stylistic choice, but rather it obviously arises from a deep concern that borders an almost philosophical intuition. According to the artist, “Both the white spaces and the segments or insinuations come from a constructive interpretation that is born from the memory or final layout that requires that analogy between the marks and landscape. I have been working with this for a couple of years. I think that the play of balance enables you to literally enter into the work; to place the viewer in it. Also, through this, it is related to the simplicity of minimalism, the austerity of the graphite and even to the act of irreverence against the tidiness that diligently defines me.”

Y aquí está el verdadero eje de la labor artística de Michelin Basso: el dibujo es para la dibujante chilena, nada más ni nada menos, que la con-

And that is the true focus of Michelin Basso’s artistic work: drawing –that powerful linear stroke that is blended in an infinity of marks or,

creta posibilidad visual del pensamiento, este poderoso trazo lineal que se matiza en una infinidad de puntos o que, mejor dicho, desde los mismos puntos, va delineando la representación final. “Dibujar es pensar” es, de hecho, el enunciado creativo e investigativo que la empuja a renovar continuamente su búsqueda artística.

better said, those same marks that she gradually draws out the final depiction with– is for the Chilean artist, nothing more and nothing less than the specific visual opportunity for thought. “Drawing is thinking” is, in fact, the creative and investigative statement that drives her to constantly renovate her artistic search.

“Mi dibujo –cuenta Michelin– no se basa en demostrar una elaboración técnica o compositiva. Al contrario, lo desarrollo como respuesta ante las infinitas proyecciones lineales que configuran las nuevas propuestas planteadas desde la idea al soporte. Pues asumí la necesidad de investigar, al momento de negar la técnica como fundamento de admiración; aunque pueda llegar a una cercanía con la obra desde la emoción a la que me enfrento. He ahí la rigurosidad de mi obra, la que concluída me parece un pensamiento sublime, visible. Y me impacta –concluye– que mi mano genere un texto visual que tiene su origen en una idea o pensamiento”. De esta manera el espectador y, antes que nadie, la artista misma, se enfrenta a una representación que conlleva en unas características casi de boceto, una enérgica –y tal vez inesperada– potencia imaginativa. Porque, entonces, parece que quien mira tiene la tarea de reconstruir aquella especie de huella mnemónica ancestral. Una reminiscencia que va tomando forma, aunque –como todo recuerdo– no deja de ser borrosa, mimética, semejante a otras y a la vez diferente, incompleta en fin. A punto de reproducirse.

“My drawings are not based on showing a technical or compositional development. On the contrary, I develop it as a response against the infinite linear projections that make up the new proposals laid out ranging from the idea to the medium. I embraced the need to investigate upon rejecting technique as the basis for admiration; however, it can reach closeness with the work through the emotion that I am faced with. That is the preciseness of my work. When it is finished, for me it is a sublime and visible thought. And I am shocked that my hand created a visual text that originated from an idea or thought,” she concludes. Through this, the viewer, and above all, the artist herself, faces a representation that involves some almost sketch like characteristics and energetic –and maybe unexpected– imaginative power. Therefore, it seems that whoever looks at it has the task of reconstructing that type of ancient mnemonic remnant. A memory that gradually takes shape, although –like all memories– it is hazy, mimetic, similar to others and, at the same time, different and incomplete in the end. It is on the verge of reproducing itself.

Así, los bosques de Michelin Basso se configuran como flash evocativos, básicos en sus formas, que penetran gráficamente el pensamiento de quien decida atravesarlos; ocasionando, quizás, una correspondencia biunívoca entre la originaria muestra grafica de la reflexión de la artista y el trabajo del espectador de recepción de esta misma que se traduce, finalmente, en una vuelta a la dimensión pensativa.

Thus, the forest of Michelin Basso are arranged as evocative flash, basic in their forms, that graphically delve into the thought of whoever decides to experience them; thus causing, perhaps, a biunivocal correspondence between the initial graphic depiction of the artist’s thought and the viewer’s job of receiving it which, in the end, translates into a return to the pensive dimension.

Parecería que lo verdaderamente importante, para Michelin Basso, sea entablar un diálogo consigo misma y, en última instancia, con su público. Un diálogo que se puntualiza en la estructura orgánica del paisaje –aunque no se trate de una mera descripción– cuya forma se matiza precisamente en el desgaste de una grafía subordinada a la evocación. Estos frágiles troncos que parecen desvanecer en la amnesia del vacío mientras, al mismo tiempo, prosperan en un espeso triunfo vegetal. Un pedacito del todo, una pista. Un debate y una oposición. Una idea. Una pregunta. Un comienzo. El concepto mismo de paisaje.

It would seem that what is truly important for Michelin Basso is starting a dialogue with herself and, lastly, with her audience. A dialogue that is detailed in the organic structure of the landscape –although it isn’t about a mere description– whose form blend together in the wearing away of a graphical symbol that is subordinate to evocation. They are fragile trunks that appear to vanish in the amnesia of the void that simultaneously prosper in a dense vegetal victory. A little piece of everything, a clue. A debate and opposition. An idea. A question. A beginning. The concept itself of landscape.

Sin tĂtulo, 2015, grafito sobre tela, 30 x 30 cm.

90 . 91

Chile | Chile Artista Multidisciplinar | Multidisciplinary Artist

Ignacio Gana Un juego eterno An eternal game Expresiones calmas, viajes imaginarios y escenarios quiméricos son los que el artista chileno Ignacio Gana, crea a partir de su sentido de aventura y bloques de bronce. Inspirado en la experiencia de ser padre, sus obras recrean un eterno juego de niños.

Calm expressions, imaginary journeys and chimerical scenes are what the Chilean artist Ignacio Gana creates from his feeling of adventure and blocks of bronze. Inspired by the experience of being a father, his work recreates an eternal game for children.

Por Javiera Romero M. Periodista (Chile). Imágenes cortesía del artista.

El artista comenzó su incursión en el arte a través de la pintura, imitando el trazo de artistas famosos y guardándolo con una memoria fotográfica en sus recuerdos, luego de sus constantes visitas a museos. Si bien no se define como un artista chileno, sí está seguro de ser un artista latinoamericano que explota escenas cotidianas con toques de surrealismo, en mundos con una personalidad delineada por colores intensos y paisajes que evocan desde el altiplano hasta las costas y el clima austral de su país.

The artist started his journey into art through painting, by imitating the brush strokes of famous artists and saving them in his photographic memory after his constant visits to the museums. While he doesn’t define himself as a Chilean artist, he is sure the he is a Latin American artist that makes use of daily scenes with a touch of surrealism, in worlds with a personality drawn in bright colors and landscapes that range from the high Andean plateau to the coastlines and the southern climate of his country.

gnacio Gana es arquitecto de profesión y escultor de oficio. Su fascinación por la creación comenzó en la universidad, al verse enfrentado a desafíos arquitectónicos que ponían al límite su sentido de la abstracción y su evidente apetito creativo. Sin embargo, al descubrir la escultura encontró un territorio que pudo llamar propio, inexplorado y lleno de posibilidades infinitas que no se demarcaban por pedidos y las convenciones sociales en las que vio involucrado el quehacer de una carrera como arquitectura.

gnacio Gana is an architect by profession and sculpture by trade. His fascination with creation began in college, upon being confronted with architectural challenges that tested the limits of his sense of abstraction and his evident creative appetite. However, upon discovering sculpture, he found a world he could call his own that was unexplored and full of infinite possibilities that wasn’t defined by requests and the social conventions that he thought the duties of an architect involved.

Sol, 2015, bronce, 60 x 30 x 30 cm. Foto: Macarena Achurra.

A pesar de también dedicarse a la pintura, a Ignacio lo define la escultura, área en la que ha logrado dominar la elaboración y creación de las piezas mediante detalles exquisitos. Gana se convirtió en escultor cuando sus hijos nacieron, situación que él relaciona directamente porque los juegos de niños y la armonía de la que goza desde que se convirtió en padre, han dado como resultado –de manera grata e inesperada– sus creaciones como escultor.

Despite being a painter, sculpture is what defines Ignacio. It is an area where he has managed to master the production and creation of pieces through exquisite details. Gana became a sculptor when his kids were born. He directly relates to these situations since children’s games and the harmony he has enjoyed since becoming a father pleasantly and unexpectedly resulted in his creations as a sculptor.

Inspirado en su labor de padre, Ignacio dio rienda suelta a su lado infantil, a ése que busca explorar el mundo sin miedo, confiado en que la aventura es un juego primordial y absolutamente necesario en la vida de todo ser humano sin importar su edad. De esta forma, el artista comenzó a crear personajes en obras que podrían confundirse con juguetes; personas felices buscando un destino, nadadores sonrientes flotando en piscinas de agua o montando patos de hule, aviadores observando el destino que les espera. Cada uno de ellos es un aventurero, un valiente que –en cada observación del espectador– elabora cuál será su próxima parada en un viaje lleno de buenas expectativas.

Inspired by his duties as a father, Ignacio gave free rein to his inner child, which seeks to explore the world fearlessly, confident that adventure is a fundamental game and absolutely necessary in the life of every human being, regardless of their age. Through this, the artist began to create characters in works that could be confused with toys; happy people looking for a destination, smiling swimmers floating in pools of water or riding rubber ducks, aviators observing the destination that awaits them. Each one of them is an adventurer, a brave person who –in each of the viewer’s observations– creates what will be his or her next stop on a journey full of good expectations.

En la obra de Ignacio Gana existen motivos y objetos recurrentes que gozan de un fuerte significado y hacen de su obra una pieza fuertemente contemplativa. Tanto en la pintura como en la escultura, es patente un barco hecho de papel. Éste origami es un fiel reflejo de cómo la imaginación y la decisión presentes en el hacer son capaces de la creación a partir de elementos simples; en éste caso, de una hoja de papel en blanco. La presencia de este objeto en algunas de sus obras dota de simbolismo el trabajo final y permite al observador evocar una construcción por parte del personaje, inmerso en una atmósfera que invita a viajar y a transportarse mediante la emoción.

In Ignacio Gana’s work there are recurring objects and motifs that have a strong meaning and turn his work into highly thought-provoking pieces. In both painting and sculpture, we can clearly see a boat made of paper. This origami is a faithful reflection of how imagination and the decisions present in doing something are capable of creation through simple elements; in this case, a sheet of white paper. The presence of this object in some of his pieces gives the final piece symbolism and allows the viewer to recall a construction by the character, lost in an ambience that invites you to travel and transport yourself through its emotion.

Además de barcos de papel, Ignacio elaboró una serie completa de personajes desenvolviéndose en actividades que incluían un pato de hule, serie que el artista expuso bajo el título ¡Al agua, pato! En sí mismo, el objeto adquiere vida mediante la manera en que el artista convierte al objeto en un medio de transporte. En una de las obras, un personaje se encuentra montando al

In addition to paper ships, Ignacio created a complete series of characters doing activities that include a rubber duck, a series that the artist exhibited under the title ¡Al agua, pato! In itself, the object obtains life through the way in which the artist converts the object into a means of transportation. In one of the pieces, a character is found riding the toy,

Mujer vestido de pileta, 2015, bronce/oro, 60 x 30 x 30 cm. Foto: Macarena Achurra.

juguete, mirando hacia el horizonte. De esta forma, los objetos infantiles se convierten en un instrumento de la adultez, una manera en la que el artista define su propia exploración, tanto en su quehacer artístico como en los artificios que descubre en la producción de su arte y en su rol de padre.

looking towards the horizon. Through this, the childish objects become an object of adulthood, a way in which the artist defines his own exploration in both his artistic work as well as in the artifices that he discovers while making his art and his role as a father.

Si bien la niñez y la aventura son las temáticas más reforzadas en la obra de Ignacio Gana, la seducción, la figura femenina y el movimiento son motivos que también se hacen presentes a lo largo de su carrera en el arte. Mujeres sobre patines entregadas en un desplazamiento que parece eterno, evocaciones a la sutil y delicada corriente de gestos de la mujer: eso es lo que el artista se encuentra elaborando a partir de cinceladas precisas y rostros dotados de gran expresión mediante la minuciosidad del detalle. Y si no es movimiento, las esculturas del artista chileno entregan al observador una experiencia de completa admiración del cuerpo femenino, en poses que logran escapar de la sexualidad y que capturan las formas mediante la quietud y la elegancia.

While childhood and adventure are the strongest themes in the Ignacio Gana’s work, seduction, the female figure and movement are motifs that have also been present throughout his career in art. Women on skates shown in a movement that seems eternal, evocations to the subtle and delicate current of women’s gestures: that is what the artist finds by creating with precise cuts with his chisel and faces full of expression through his attention to detail. And if it isn’t movement, the Chilean artist’s sculptures give the viewer an experience of complete admiration of the female body, in poses that manage to go outside of sexuality and that capture the forms through their stillness and elegance.

Los hombres y mujeres en las obras de Ignacio Gana, son personas que se entregan al viaje, al instinto y a la fantasía. Son seres que no esperan la llegada de un barco o de un avión, sino que son hombres y mujeres que traen la aventura y la confianza en un buen destino bajo el brazo. Todas estas características son las que representan al creador de esculturas que invitan a soñar y que, por sobre todo, son una declaración valiente de independencia.

The men and women in Ignacio Gana’s work are people who surrender themselves to a journey, to their instinct and to fantasy. They are beings that don’t wait for a ship or a plane to arrive, instead they are men and women that carry adventure with them as well as the confidence that their destination will be ideal. All these characteristics are those that represent the creator of sculptures that entice us to dream, and that, above all, are a brave declaration of independence.

La obra del artista chileno pretende ser un reflejo de imaginarios regionales. Con imágenes claras y motivos lúdicos, Ignacio Gana es un fiel representante del arte latinoamericano y esa es su carta de presentación en cada una de sus muestras. Con un horizonte enfocado a la exportación artística, Ignacio ha creado fuertes vínculos en el extranjero, en el que su arte es ampliamente apreciado; el artista cuenta además que “en comparación con la obra de artistas de Estados Unidos y de otros países fuera del continente, mi obra es fácilmente reconocible por sus rasgos latinos”. Es esta circunstancia lo que lo convierte en un artista más universal que local, un amplio representante de valores colectivos inscritos en una región en la que el arte es un deleite reservado para unos pocos.

The work of this Chilean artist strives to be a reflection of regional imagery. With clear images and ludic motifs, Ignacio Gana is a true representative of Latin American art and that is his calling card in every one of his exhibitions. With his horizon focused on artistic exportation, Ignacio has created strong links abroad where his art is highly regarded; the artist also tells us that “in comparison with the work of American artists and artists from other countries on other continents, my work is easily recognized by its Latino characteristics.” It is this situation that makes him more of a universal artist than local, a broad representative of inscribed collective values in a region where art is a guilty pleasure for some people.

Chocolate Girl, 2015, bronce, 70 x 30 x 30 cm. Foto: Macarena Achurra.

96 . 97

Chile | Chile Pintura | Painting

Nicolás Radic En búsqueda de un realismo iconográfico In search of iconographic realism La producción pictórica de Nicolás Radic se arraiga en la pintura al óleo y en recrear, de manera realista, objetos de una naturalidad cotidiana, reinterpretando y apoderándose no sólo de la tradición pictórica de la técnica, sino también entregándole una renovada mirada a materiales que en su contexto real no poseen mayor atractivo estético, buscando así crear un lenguaje iconográfico propio.

Nicolás Radic’s pictorial production is rooted in oil painting and recreating everyday objects realistically by reinterpreting and taking control of the pictorial tradition of the technique. He also does this by giving a renovated outlook to the materials, which in their actual context aren’t very aesthetically pleasing, thus seeking to create a unique iconographic language.

Por Francisca Castillo. Historiadora del Arte (Chile). Imágenes cortesía del artista.

El óleo se convirtió en su técnica preferida por su flexibilidad, ya que entrega un tipo de pigmento único, por su gama de colores y por su carga histórica. En palabras de Radic, “es muy interesante trabajar con un medio tan clásico y hacerlo contemporáneo. El público, además, se siente cómodo con un medio tan conocido, pero que presenta algo nuevo”. La pintura es una forma de explorar las posibilidades existentes para desarrollar su arte y su principal interés, captar la luz, lo cual logra sacando muchas fotos de un mismo objeto para capturar la interacción de éste con la luminiscencia.

Oil paint became his preferred technique due to its flexibility, since it provides a type of unique pigment because of its color range and its historic importance. In the words of Radic, “it is very interesting to work with such a classic medium and make it contemporary. Furthermore, the public feels comfortable with such a well-known medium that also presents something new.” Painting is a way to explore the possibilities that exist to develop his art and his main interest, capturing light, which he manages to do by taking many pictures of a single object to capture the interaction it has with the lighting.

Así, la fotografía es esencial, porque al ser materiales reflectantes no pueden ser recreados pictóricamente mediante un escenario natural; mientras que la fotografía, como tiene una imagen estática, puede captar una determinada luz y su efecto sobre los objetos que dominan sus estudios creativos. Por ejemplo, con los aluminios, cada pintura representa un momento en específico, que no necesariamente se forma por medio de una sola fotografía. “Todos los objetos pueden llegar a ser un motivo”, señala Radic.

Therefore, photography is essential, since reflective materials can’t be pictorially recreated in a natural setting; at the same time, photography, since it has a static image, can capture a certain light and its effect on the objects that dominate his creative studies. For example, with aluminum, each painting represents a specific moment that isn’t necessarily made up of just one photograph. “Every object can become an inspiration,” says Radic.

odo pintor, o artista, parte con la duda. Interrogantes diversas sobre qué pintar, qué crear o cómo comunicar. En el caso de Radic, algo bastante complejo pero que se resolvió frente a las impresiones que tuvo luego de un viaje a Europa, en el que tanto el oficio como la forma de la pintura atrajeron su atención inmediatamente. Así fue como empezó a experimentar con los elementos y técnicas que más llamaban su atención, y con los que finalmente se sentía más cómodo. Fue un proceso natural, que respondía a un impulso, explica el pintor, pues para él evidenciar un material por medio de sus dobleces y su presentación directa se transformó en uno de sus intereses estéticos primordiales. Su trabajo consiste, entonces, en una búsqueda constante por replicar materialidades de una forma realista, pero al mismo tiempo incluyendo en sus obras una mirada particular.

very painter, or artist, starts with doubt. Diverse questions about what to paint, what to create or how to communicate. In Radic’s case, it was something rather complex, but that he figured out in face of the impression that a trip to Europe had left on him, where both the role and form of paint immediately caught his eye. That was how he began to experiment with elements and techniques that he was drawn to and that he ended up being the most comfortable with. It was a natural process which responded to an impulse, explains the painter, since for him, showing a material through its folds and direct presentation became one of his basic aesthetic interests. His work consists of a constant search to replicate materials in a realistic way, while including a particular stance in his work.

Aluminio, 2014, 贸leo sobre tela, 180 x 120 cm.

Pl谩stico Negro, 2013, 贸leo sobre tela, 180 x 120 cm.

Pl谩stico Burbujas, 2014, 贸leo sobre tela, 180 x 120 cm.

Utilizar un elemento requiere de una investigación profunda, por lo que el interés de Nicolás Radic se concentra en desarrollar un estudio acabado de cada uno de los objetos, basándose en el ejercicio de volver a mirarlos y así poder transformar una materialidad cotidiana en algo más, descontextualizarlos completamente y darles un nuevo lugar, resituarlos a través de su pintura. “Porque nunca se mira al plástico, la chatarra o el aluminio de esa manera, ya que como objetos cotidianos muchas veces están destinados a desaparecer, o tener un uso efímero”, explica.

Using an element requires a lot of research, which is why Nicolás Radic’s interest lies in developing a finished study for each one of the objects in order to look at them again, and thus be able to transform daily materials into something more, completely decontextualizing them and giving them a new space, redefining them through his painting. “It’s because plastic, junk or aluminum are never seen as such, since as daily objects they are often bound to disappear, or have an ephemeral use,” he explains.

El primer material con el que trabajó fue el plástico, temática que desarrolló desde la universidad; luego el aluminio, que fue para él como una especie de revelación; y posteriormente la chatarra, con la que se encontró por mera casualidad. Siempre con la idea de incursionar en nuevas materialidades, Nicolás Radic sigue una línea de trabajo en la que no le interesa recrear los paisajes en los que se insertan sus objetos, sino que los busca –a estos, como cosas– dentro de la ciudad, para sacarlos de su realidades y brindarles una nueva visión, con la idea del rescate pictórico que puede realizar. Así logra sacar la “anécdota” a los objetos, presentarlos de una manera fría que no hable de nada más allá que la estética misma. “La obra en sí está descontextualizada, dejando que la materialidad y las texturas hablen por sí solas”, explica mientras comenta que su mirada siempre debe estar alerta, ya que constantemente está en búsqueda de estos objetos.

The first material that he worked with was plastic, a theme that he developed in university; later aluminum, which for him, was a type of revelation; and later he used scraps, which he happened to stumble upon. While always trying to dabble in new materials, Nicolás Radic follows a line of work in which he’s not interested in recreating the landscapes that his objects are inserted in, but rather he looks for them –these, as things– within the city in order to remove them from their reality and give them a new vision while trying to pictorially recover that he can. This is how he manages to take the “anecdote” from objects. He presents them in a cold manner that doesn’t talk about anything beyond the aesthetics themselves. “The work in itself is decontextualized and lets the material and the textures speak for themselves,” he explains while commenting how he must always be on alert since he is constantly looking for those objects.

A pesar de que su obra se puede considerar como un trabajo realista, él no está ensimismado en representar fielmente la realidad; está preocupado de hacer pintura, de concentrarse en las materialidades y no de hacer un hiperrealismo fotográfico. Es un rescate de los mejores atributos de cada uno de los objetos, a los que a su vez complementa por medio del retoque en las maquetas digitales y su visión al pintarlos. De esta forma, Nicolás se autodefine como hiperrealista, ya que considera que sí existe una fidelidad de la realidad en sus composiciones y lo que se entiende por ella. Pero recalca que es su “propia interpretación de la realidad”, y no una copia representativa de las fotografías que saca. Entre sus técnicas está la de modificar las luces que reflejan los objetos, o la necesidad de enfocarse en una determinada gama de colores y, a la vez, su gusto por pintar ligeramente desenfocado, ya que le da un acabado que es parte de su firma.

Although his work could be considered as realist work, he isn’t engrossed in faithfully depicting reality; he is concerned with making a painting and focusing on the materials, not making photographic hyperrealism. It is a taking back of the best attributes of each one of the objects, which in turn are complemented by finishing touches in the digital mock-ups and his vision upon painting them. Through this, Nicolás defines himself as a hyperrealist, since he thinks that there is fidelity to reality in his compositions and what is meant by it. However, he stresses that it is his “own interpretation of reality,” and not a representative copy of the pictures he takes. Among other techniques, he modifies the lights that reflect the objects, or the need to focus on a certain color range and, at the same time, his liking towards painting somewhat out of focus, since it gives him a finished piece that is part of his signature style.

La finalidad de su trabajo busca desarrollar una iconografía –no sólo chilena, sino que también mundial– que se considere una contribución a la estética del arte contemporáneo para ser considerado como referente del hiperrealismo. Esa insistencia en la temática de los objetos es esencial para conseguir una coherencia iconográfica de sus obras, una evolución y reinterpretación de los materiales. Un compromiso con su discurso estético, haciendo de la investigación su principal medio para crear un lenguaje propio y profundo.

The purpose of his work seeks to develop an iconography –not only Chilean, but also from the world– that is seen as a contribution to the aesthetics of contemporary art, in order to be considered as an example of hyperrealism. That persistence in the subject matter of the objects is essential to get iconographic coherence in his works, an evolution and reinterpretation of the materials. He has a commitment with his aesthetic discourse, thus making investigation his main medium to create a unique and profound language.

La obra de Nicolás Radic se encuentra orientada a una búsqueda creativa y visual que nace de sus propias necesidades artísticas; pero aun así no puede considerarse como un trabajo basado, simplemente, en saciar sus intereses sino que su objetivo posee un fin mayor: elaborar un corpus creativo que cree su propia iconografía. Por lo tanto puede entenderse que su insistencia con el trabajo de un mismo material le permite una exploración más profunda de aquellas características que poseen, abordando de diferentes formas el juego de la luz, el reflejo y las posibilidades que le brindan las materialidades.

Nicolás Radic’s work is geared towards a creative and visual search that arises from his own artistic needs; but still, it can’t be considered as work simply based on quenching his interests, but rather that his goal holds a higher purpose: elaborating a creative body of work that creates its own iconography. Therefore, we can infer that his perseverance in working with one material allows him to explore deeper into the characteristics that it possesses, by tackling the play of light, reflection and the possibilities that the materials provide him in different ways.

Chatarra Gris, 2013, 贸leo sobre tela, 180 x 120 cm.

102 . 103

Chile | Chile Artista Multidisciplinar | Multidisciplinary Artist

María Elena Covarrubias En base a lo infinito Based on infinity Como la confección de un mándala o la repetición de un mantra tibetano. Así es posible describir el trabajo de la artista María Elena Covarrubias quien, a través de diferentes texturas y materialidades, da vida a círculos que invitan a perderse en su recorrido y en la superposición de colores.

It’s like creating a mandala or the repetition of a Tibetan mantra. That would be one way to describe the work of the artist María Elena Covarrubias, who, through different textures and materials, gives life to circles that invite us to get lost in their movement and overlapping colors.

Por Daniela Sánchez M. Lic. en Lengua y Literatura Hispánica (Chile). Imágenes cortesía de la artista.

a técnica del papel sobre papel llegó así como llegan los momentos inesperados de la vida, que rompen con la rutina y entregan nuevas energías para comenzar. Así fue como María Elena Covarrubias se encontró con el collage, en medio de su trabajo con el metal y la orfebrería. Fue la experimentación con tonalidades, texturas, materiales y, en especial, con nuevas formas de componer, lo que la condujo –una idea tras otra– a pensar en el papel como soporte y técnica, en la superposición, en la forma y el ensamble. De manera natural, tomándose su tiempo y dejando que las cosas ocuparan sus espacios.

he paper on paper technique arrived, like unexpected moments in life arrive that break away from the routine and provide new energy to begin. That was how María Elena Covarrubias discovered collage, amidst her work with metal and goldsmithing. It was by experimenting with colorschemes, textures, materials and, especially, new forms of composing – which led her to one idea after another. This also led her to consider paper as a medium and technique, as well as superimposition, form and how to assemble it. Naturally, she took her time and let things fall into place.

Un sentido de búsqueda que la ha llevado a experimentar con diferentes texturas. Tal y como sucedió una vez, cuando María Elena se encontraba de lleno en la pintura, haciendo bodegones, y tuvo un período “de naranjas”, en el que esta fruta centraba sus creaciones de manera constante. “Viví la obsesión de lograr una buena representación de este fruto, por lo que experimenté con varios materiales hasta que, sirviéndome azúcar en el café, me cayó la idea: AZÚCAR. Fue el mejor artífice de la mejor cáscara. El resultado fue todo un éxito”, cuenta.

It is a sense of search that has led her to experiment with different textures. It is just as it had happened once before, when María Elena was fully into painting, making still lifes, and went through a period “of oranges” where this fruit was constantly the center of her creations. “I was obsessed with achieving a good representation of this fruit, which is why I experimented with different materials until one day, while putting some sugar in my coffee, the idea came to me: SUGAR. It was the best artifice of the best peel. The result was a complete success,” she says.

María Elena estudió decoración de interiores, por lo que declara que en el arte ha sido autodidacta. “Me he formado en diversos talleres, a los cuales fui llegando a medida que cambiaban mis intereses. Fui conformando una cultura visual de la cual aprendo todos los días”, explica la artista, quien ha demostrado –con varias exposiciones en Santiago, Lima y Sao Paulo bajo el

María Elena studied interior decorating, which is why she says that she is self-taught in art. “I have educated myself in different workshops, which I attended as my interest changed. I gradually formed a visual culture that I learn from every day,” explains the artist, who has shown –with several exhibitions in Santiago, Lima and Sao Paulo under her belt– that her

Huella, 2015, técnica mixta, diámetro 120 cm.

Introspección, 2015, técnica mixta , diámetro 120 cm.

Expansión, 2014, técnica mixta , diámetro 60 cm.

brazo– que esa instrucción personal la ha llevado lejos. Y es ese ojo de decoradora el que la ayuda a convertir los diferentes materiales en obras que producen un goce estético particular, tal y como ella espera, a través del uso de colores, texturas y formas que producen armonía y limpieza.

self-education has taken her far. And, it is that decorator’s eye that helps her to convert different materials into works of art that produce a certain aesthetic joy, just like she hopes, through the use of colors, textures and forms that produce harmony and neatness.

Además, han sido las raíces latinoamericanas las que María Elena ha observado con ahínco y que ha incorporado paulatinamente en su trabajo. “Busco reflejar la riqueza de nuestros pueblos originarios, su cultura y cosmovisión. Desde formas que recuerdan sus trabajos, desde su construcción, piedra por piedra, a sus calendarios”, afirma. Lo que inmediatamente trae a la memoria la simbología maya, con su calendario, sus círculos concéntricos y sus ciclos que aparecen de manera divergente a nuestra realidad. Creando y recreando las formas en base a lo circular, a lo natural y a una cosmogonía originaria del continente.

Furthermore, it has been the roots of Latin America that María Elena has dedicatedly observed and gradually incorporated into her work. “I seek to reflect the richness of our native peoples, their culture and world views. This is done through forms that recall their work, from their stone by stone constructions, to their calendars,” she states. That which Mayan symbology instantly brings to mind, with its calendar, its concentric circles and its cycles that divergently turn up in our reality. By creating and recreating the forms based on the circle, nature and a native cosmogony of the continent.

La experimentación y la búsqueda la llevaron a conocer, investigar y fascinarse por el círculo, esa forma que no tiene principio ni fin, y que gira una y otra vez sobre sí misma. Figura que representa lo eterno, lo absoluto. “Te podría dar mil definiciones del círculo. Lo que significa en los pueblos originarios, en la mitología, en lo espiritual y en la matemática, pero, para ser honesta, fue un proceso. A medida que fui trabajando derivé en el círculo, hasta que quedé completamente circunscrita en él. Y, junto con esta evolución inconsciente, fui estudiando el significado de esta maravillosa forma geométrica, la cual espero dejar en algún momento. Siempre estoy abierta a seguir evolucionando, buscando nuevas formas y movimientos”, explica la artista.

Experimentation and searching have led her to get to know, investigate and become captivated by the circle, that form that doesn’t have a beginning or an end, and that turns round and round itself; it is a figure that represents eternity and the absolute. “You could define the circle in thousands of different ways. What it means in indigenous cultures, in mythology, in spirituality and in mathematics, but, to be honest, it was a process. As I worked I diverted to the circle until I only worked with it. And, along with that unconscious evolution, I studied the meaning of that wonderful geometric form, which I hope to leave some day. I am always open to continuously evolve, looking for new forms and movements,” explains the artist.

La composición, su estructura y disposición, es el eje central en el trabajo de María Elena. Método que comienza con la indagación y el cambio. Utilizando el papel como soporte, el cual recibe las diferentes texturas que entregan el lápiz, el acrílico y la cola, siempre en buscando nuevos resultados. Es por esto que el dinamismo se ha convertido en un factor indispensable, tanto en la composición como en la forma de enfrentarse al proceso de creación.

The composition, its structure and disposition, is the main focus of María Elena’s work. Her method starts with investigation and change. She uses paper as her medium, which receives the different textures that the pencils, acrylic paint and glue provide, while always seeking new results. It is because of this that the energy has been turned into an indispensable factor in both the composition and the way of facing the creation process.

Sin embargo, esa es la parte en que escoge los colores y las materialidades que utilizará, lo cual se sigue de largas horas de trabajo repetitivo, ensamblando, ideando, formando círculos concéntricos que se fragmentan, como el mapa de una ciudad que crece, o como una caracola de tonalidad frías o cálidas, que invitan a perderse en la superposición y el fraccionamiento. “Es una especie de meditación, que me recuerda a los mándalas tibetanos, que requieren de largas horas de trabajo”, confiesa la artista.

However, that is the part where she chooses the colors and materials that she will use, which is followed by long hours of repetitive work, assembling, inventing, and forming concentric circles that are fragmented like the map of a growing city, or like a shell with warm and cool colors that invite us to get lost in their overlapping and divisions. “It is a kind of meditation, that reminds me of the Tibetan mandalas that require many hours of work,” confesses the artist.

Como una disciplina oriental, en que la paciencia es esencial para llevar a cabo ese trabajo de reiteración y perfección, donde cada línea, cada fragmento, cada pigmento y combinación de técnicas y colores generan ese efecto tan deseado: el de encandilarse y perderse en el infinito.

It is like an eastern discipline, in which patience is key to carry out that repetitive and perfect work, where each line, each fragment, each pigment and combination of techniques and colors create that sought-after effect: being dazzled and losing yourself in infinity.

Adentro, 2015, técnica mixta , diámetro 80 cm.

108 . 109

Chile |Chile Artista Multidisciplinar | Multidisciplinary Artist

Teresa Montero La reflexión poética Poetic reflection Con múltiples influencias que se basan en artistas chinos y filósofos contemporáneos franceses como Gilles Deleuze, Teresa Montero crea una obra en base a la tinta china y al concepto que puede transmitir con su obra.

With multiple influences that are based on Chinese artists and French contemporary philosophers such as Gilles Deleuze, Teresa Montero creates work in India ink that is based on the concept that she can transmit with her work.

Por Paula Bustos Flores. Lic. en Artes Visuales (Chile). Imágenes cortesía de la artista.

Sin título, 2013, tinta china sobre papel de china, encolado sobre tela, 60 x 60 cm.

uy ligada al acto poético como idea matriz, Teresa Montero (Santiago, 1959) concibe su obra artística sin desprenderse de su formación inicial como diseñadora gráfica de la Escuela de Arquitectura y Diseño de la U. Católica de Valparaíso, un lugar multifacético que grabó en ella el valor del oficio y del método de trabajo que cultiva y profesa.

hile holding strong ties to poetics as a main idea, Teresa Montero (Santiago, 1959) conceives her artistic work without becoming detached from her studies as a graphic designer at the School of Architecture and Design of Universidad Católica de Valparaíso, a multifaceted place that etched into her the value of the profession and work method that she practices and follows.

Altamente influida por un arraigo en la investigación experimental basada en el hacer infatigable, la artista produce y reproduce su obra y, a la vez, como docente traspasa su saber por medio de la práctica directa: “Todo lo hago con el Taller, mi manera de enseñar es pensar con la mano, es hacer las cosas. Por ejemplo: si pensamos ‘esto se vería bien si…’, la mano instantáneamente debe estar dibujando”, cuenta Teresa, quien basa sus obras en una situación del presente, en la práctica del hacer-creando como si el cerebro y la mano tuvieran una unión perfecta que la invita a una producción permanente y continua.

Being highly influenced by her roots in experimental research based on tireless work, the artists produces and reproduces her work and, at the same time, she transfers her knowledge as a teacher through direct practice: “I do everything with the Workshop. My way of teaching is thinking with my hands and doing things. For example: if we think ‘this would look good if…’, the hand should immediately be drawing,” says Teresa, who bases her work on present day situations and the practice of doing by creating as if the brain and hand were in perfect unison, which grants her a permanent and continuous production.

Pensando una obra

Thinking an artwork

El fuerte vínculo que desarrolló mientras estudiaba, marcó para siempre su forma de diseñar sus propuestas artísticas. La educación que recibió en distintas etapas de su vida, siempre multidimensional y creativamente

The strong link that she developed during her studies left a permanent mark on her way of designing her artistic proposals. The education that she received in different stages of her life, which was always multidimensional and

abierta, fomentó una postura de pensamiento reflexivo, que persiste y se comunica al exhibir obras. “Tuve dos maestros que me formaron profundamente: el escultor Claudio Girola y el poeta Godofredo Iommi”, explica. De esta forma y sin siquiera sentirse parte del circuito del arte, Teresa concretó su proyecto de viajar fuera de Chile para profundizar en el área académica, de este modo estudió en Europa en torno a la factura que le ofrece la técnica del grabado como estrategia visual, lo que le permitió darle continuidad a las visiones que ya tenía desde el diseño.

creatively open, encouraged a stance of reflexive thought that lingers on and is communicated when she exhibits her work. “I had two teachers that profoundly affected my education: the sculptor Claudio Girola and the poet Godofredo Iommi," she explains. In this way, and without even feeling like a part of the art circuit, Teresa carried out her project of traveling outside of Chile in order to deepen her knowledge in the academic area. Through this, she studied in Europe regarding the style that printmaking offers her as a visual strategy, which allowed her to give continuity to the visions that she already had from design.

La dedicación y rigurosidad con las que opera marcan una tendencia de manufactura en mutua conexión entre oficio y reflexión, en sus palabras: “La formación que tuve, ligada a la poesía, fue siempre muy filosófica. Eso abrió en mí la profundidad de pensar, de aprender a pensar una obra; ya que con eso de la poesía, una vez que uno cae dentro de ella no sale más”, declara conversando sobre cómo estos sucesos influyen en sus procesos creativos y en su manera de entender la vida, desde la resonancia con la poesía.

The dedication and rigor that Teresa employs set a manufacturing tendency that mutually connects profession and reflection. In her words: “The education that I had, linked to poetry, was always very philosophical. That opened me up to the depth of thinking and learning to plan a piece; since with poetics, once you fall in, you can’t get out,” she declares while talking about how those events have an influence on her creative processes and on her way of understanding life through the resonance with poetry.

Mientras estudiaba en el viejo continente, en una de sus estadías en París, conoció la obra del artista chino Zao Woo Ki, que le fascina hasta el día de hoy, y que le sirvió como influencia directa en su creación actual. Es más, de ahí que la experimentación aprendida con anterioridad la motive para trabajar con

While she was studying in the old continent, she discovered the work of the Chinese artist Zao Woo Ki in one of her stays in Paris. Still today, she is fascinated by his work and it has served as a direct influence on her current creations. Moreover, that moment and the previously learned experimentation

Sin título, 2013, tinta china sobre papel de china, encolado sobre tela, 60 x 60 cm.

tinta china, caligrafía, papel de arroz, uso de la mancha como gesto gráfico y del B/N como recursos que se desprenden del noble oficio “editor”. Y razón fundamental para que el trabajo en papel y tinta china se haya convertido en una vertiente importante de su obra, proyectándose en el grabado sobre metal. De esta forma el oficio “editor”, puede ir más allá del grabado, siendo también un guiño permanente sobre las materialidades que constituyen el acto poético. Así, su discurso visual impresiona por su impecable factura e interroga en torno al trasfondo de su forma.

are what motivate her to work with India ink, calligraphy, rice paper, the use of blots of ink as graphic gestures and the use of black and white as a resource that separates her from the noble "editor" profession. And that was the essential reason why working with paper and Indian ink has become into an important aspect of her work, presenting itself on prints on metal. In this way, the role of “editor” can go beyond printmaking and also be a permanent reference about the materials that form the poetic act. Thus, her visual discourse moves us through its flawless execution and raises question regarding the background of its form.

En Percepto - El mundo que fluye, la artista desarrolló la idea que da título a su muestra a partir del análisis que el filósofo Gilles Deleuze genera en torno a las ideas en el arte. Para entenderlo, en la práctica, Deleuze señala que si hiciéramos un paralelo entre lo que es un concepto para un filósofo, y lo que es un concepto para un artista; el concepto filosófico se correspondería con los perceptos para los artistas. El percepto sería, entonces, la percepción plástica de una idea. Siguiendo esta idea, Teresa Montero, incorpora como percepto el “devenir” en este fluir del mundo y trabaja el flujo, representándolo formalmente en el gesto de la mancha de tinta china negra al recoger el momento en que ésta se deposita sobre la superficie delgada de papel y constituye una única luz: la tinta fluyendo (siendo) es la metáfora del mundo en devenir, entendiendo que en la realidad nada

In Percepto - El mundo que fluye, the artist developed the idea that gives a title to her exhibition through the analysis that the philosopher Gilles Deleuze generates regarding ideas in art. To understand this, in practice, Deleuze points out that if we made a parallel between what is a concept for a philosopher, and what is a concept for an artist, the philosophical concept would correspond to the percepts for artists. Then, the percept would be the artistic perception of an idea. Following this idea, Teresa Montero incorporates the “becoming” on this flow of the world as a percept and works with the flow by representing it formally in the gesture of the blots in black India ink upon collecting the moment where it is placed over the thin paper surface and forms a single light: the flowing ink (being) is the metaphor for the evolving world, understanding that nothing is static

es estático, sino que somos un flujo, una corriente dinámica que expresa la variabilidad sustancial de las cosas y de los fenómenos.

in reality, but that we are a flow, a dynamic stream that expresses the substantial variability of things and phenomena.

Es así como un gran panel de 7 metros de largo por 3 de alto –conformado por la unión de 70 bastidores, todos dibujados con grafismos hechos con tinta negra sobre papel blanco– se convierten en el resultado de su exploración en base a la idea de lo que fluye. Teresa explica que: “Las manchas, técnicamente tienen todo un tema, hay una investigación bastante grande aquí. Así como los compuse se pueden recomponer en otro orden y, al mismo tiempo de que la mancha se convierta en un gesto, la composición en sí es una reconstrucción. Cada papel de 60 x 60 cm. lo corto en cuadrados de 10 x 10 con los que recompongo una imagen y los voy pegando sobre la tela”.

That is how a large 7 meter by 3 meter high panel –made up of the union of 70 frames, all drawn with graphics made with black ink on white paper– transforms into the result of her exploration in base of the idea that everything flows. Teresa explains that: “Technically, the blots of ink have a topic. There is a rather large investigation here. In the way that I composed them, they can be rebuilt in another order and, while the mark becomes a gesture, the composition itself is a reconstruction. I cut every 60 x 60 cm paper into 10 x 10 squares, which I use for recomposing an image and I glue them onto the canvas."

Otra constante muy marcada en su trabajo es la falta color, ante lo que explica: “No hay color, mi trabajo es en blanco y negro, y esto tiene que ver con la fijación en la caligrafía y desde el fondo con la escritura y sus materialidades: tinta, papel y pensamiento. Ordeno los cuadrados con la intención de provocar movimiento y continuar con la idea del devenir, por lo tanto las obras son infinitas. Papel seco, papel mojado, tinta diluida, tinta pura. Una vez que tenía hechos los 70 cuadros, los compuse. Como parte del estudio empecé a darme cuenta que cuando encolaba el papel este volvía a su intensidad

Another very pronounced constant in her work is the lack of color, which she explains: “There’s no color. My work is in black and white, and this has to do with my fixation on calligraphy and from the background with writing and its materials: Ink, paper and thought. I arrange the squares with the intention of causing movement and continuing with the idea of becoming. Therefore, the pieces are endless. Dry paper, wet paper, diluted ink, pure ink. Once I have the 70 frames, I compose them. As part of the research, I started to realize that when I was gluing the paper, it got back its prime intensity. It was no

Sin título, 2013, tinta china sobre papel de china, encolado sobre tela, 60 x 60 cm.

prima, ya no estaba opaco, sino que volvía a aparecer su fuerza tonal como estando húmedo”. Y es que para ella la constante blanco/negro es algo a lo que le da importancia y tal como: “Jacques Frélaut grabador francés, decía: el negro es todo. Tiene la capacidad de evocar, sin que atrape. Si lo ves en negro te evoca. Puede ser cualquier cosa, es más abierto y abstracto, más sintético y esa libertad es la que me gusta”, comenta Teresa, y es en esta ausencia de color donde el contenido recibe mayor atención.

longer dull, but rather its tonal strength reappeared as when it was when wet.” And, for her, the constant black and white is something that she gives importance to, and as such: "Jacques Frélaut, a French printmaker, said: Black is everything. It has the ability to evoke, without capturing. If you see it in black, it evokes you. It can be anything; it is more open and abstract, more synthetic, and that liberty is what I like,” Teresa commented, and it is in this absence of color where the content receives more attention.

La obra de Teresa Montero posee riqueza por su coherencia formal, que se destaca por el continuo método de trabajo con el que da vida a una reflexión poética aprendida en los inicios de su carrera. Y es que al revisar parte de su obra se puede corroborar fehacientemente que “Vida, Trabajo y Estudio”, las tres claves simbólicas de la escuela fundada por Godofredo Iommi, en Valparaíso, hacen sentido en su quehacer y tal como concluye: “En el fondo uno tiene una o dos ideas toda la vida, y trabaja con eso que puede tomar distintas formas o aspectos, pero siempre es tu idea la que te mueve. Por lo que, más que ver con el talento que es circunstancial, para ser artista tienes que tener rigor. La obra va a salir en la medida en que tú la hagas, el contrato es contigo mismo. Aquí tú te haces tu propio encargo. Cuando eres artista no tienes a nadie que te encargue, tú te encargas”, finaliza Teresa.

The work of Teresa Montero possesses richness due to its formal coherence, which stands out for the continuous work method which gives life to poetic reflection learnt at the beginning of her career. And when we review part of her work, it can be irrefutably verified that “Life, Work and Study”, the three symbolic keys of the school founded by Godofredo Iommi in Valparaíso, make sense in her endeavor and as such she concludes: “In essence, you have one or two ideas throughout all your life, and you work with that which can take many different forms or appearances, but it is always your idea which moves you. Consequently, it has more to do with talent, which is circumstantial, to be an artist you need to have rigor. The work is going to appear as long as you make it, the contract is with yourself. Here, you make your own assignment. When you are an artist, you don’t have anybody in charge of you, you are in charge of yourself”, Teresa concludes.

114 . 115

Chile | Chile Escultura | Sculpture

Sandra Santander Territorios imaginarios Imaginary lands Sandra Santander construye de manera orgánica e irrefrenable su singular visión de un territorio imaginario con cada obra que realiza. Un corpus que no hay que considerarlo desde la individualidad de cada obra, sino desde la conjunción de todas en la conformación de un todo.

Sandra Santander organically and irrepressibly builds her unique vision of an imaginary land with each piece that she makes. A body of work that shouldn’t be viewed in terms of the individuality of each piece, but rather in terms of the conjunction of all the pieces in the conformation as a whole.

Por Luciana Acuña. Historiadora del arte y curadora (Chile). Imágenes cortesía de la artista.

En este orden de pensamiento al contemplar su obra, esta mirada cobra un nuevo enfoque, las formas puras exquisitamente pulidas en algunos casos sugieren un vínculo muy profundo de la artista con el material trabajado. Es así que la calificación de traductora de las materialidades me viene como anillo al dedo.

Along this line of thought, when we think about her work, this stance takes on a new perspective, at times exquisitely refined pure forms suggest a very profound link that the artist has with the material she works with. Therefore, the title of translator of materials perfectly comes to mind.

Santander quien ya cuenta con una consolidada trayectoria de más de treinta años, muestra su estrecha relación con las maderas nativas de Chile, la cual es un rasgo identitario que refleja su profundo respeto por el territorio

Santander, whose career spans more than 30 years, shows her close relationship with Chile’s native wood, which is a characteristic having to do with identity that reflects her deep respect for her native country.

i bien, en una primera instancia, su trabajo lo asoció inevitablemente a la naturaleza, la artista comenta que: “La naturaleza aquí no es representación, es solo un referente, el resto es pura invención. A través de cada escultura voy construyendo las partes de un paisaje imaginario. No es que haga varias esculturas sino que todas constituyen una sola obra: un territorio”, explica.

lthough, at first glance, her work was inevitably associated with nature, the artist comments that: “Here, nature isn’t a representation, it is only a reference, and the rest is pure invention. Through every sculpture I can build the pieces of an imaginary landscape; it’s not that I make various sculptures, but that they all make up a single work: one land,” she explains.

Carozo, 2013, madera, 62 x 35 x 20 cm.

que la vio nacer. En este orden comenta lo siguiente: “Indudablemente la madera, especialmente la nativa, constituye la topografía de mi discurso escultórico. Es el material que me rodea, la conozco y he trabajado con ella desde mis comienzos, está viva… igual no me cierro a otros materiales, pero su elección responde claramente a una vinculación con un determinado territorio y a una ubicación geográfica desde donde sitúo mi trabajo”.

Regarding this, she says the following: “Undoubtedly wood, especially native wood, makes up the terrain of my sculptural discourse. It is the material that surrounds me, I know it well and have worked with it since I started, it’s alive… but I am still open to other materials, but what I choose is clearly related to a connection with a certain terrain and a geographic location from where I base my work.”

La artista transita entre dos materialidades, en donde cada una de ellas anidan significados y simbolismos muy marcados. Si bien la madera, en todas sus variedades, habla de los árboles nativos de Chile, con toda la carga subjetiva que nos transmiten otra materialidad va a ser utilizada por parte de la artista para sus trabajos en escultura pública, en ella los materiales perdurables van a ser la representación de lo imperecedero y la memoria de la Historia de Chile.

The artist moves between two materials and both add noticeable meanings and symbolism. While wood, in all its varieties, speaks of trees native to Chile, with all the subjective weight that it conveys to us, another material is going to be used by the artist for her work in public sculpture, where the long-lasting materials will represent that which is enduring and the memory of the History of Chile.

Los memoriales en particular van a ser pensados en piedra y metal, esto guarda relación con la permanencia a largo plazo, estamos hablando de memoriales que reivindican el recuerdo de aquellos detenidos-desaparecidos en la dictadura pinochetista. Al respecto la artista plantea que la concreción de dichos proyectos: “ha sido un compromiso ético y ciudadano, con toda la carga emocional que ello pueda generar. En el proceso de realización de cada obra he estado en contacto con algunas de las víctimas, he tenido testimonios directos de personas que sufrieron las barbaridades más increíbles y que sin embargo sobrevivieron, otros me llegaron por boca de sus familiares, en donde pasas del asombro a la consternación, al horror y a la pesadumbre… ¿Cómo traducir todo eso? La cicatriz que queda es oscura e imborrable, y el memorial es un intento por reparar, recuperar y vencer el trauma social. A diferencia del monumento que celebra o conmemora un hecho histórico o personaje en particular, estos hitos escultóricos emplazados en el espacio público, apelan a la conciencia colectiva para dignificar el recuerdo de todas esas personas que creyeron y soñaron con una sociedad más justa, a reflexionar lo que nos ocurrió como sociedad y a no permitir que vuelva a suceder”, profundiza Santander.

Memorials, in particular, will be designed in stone and metal. This is related to its presence in the long run; we are talking about memorials that reclaim the memory of those apprehended and those that disappeared during the Pinochet dictatorship. Regarding this, the artist poses that the realization of said projects: “has been an ethical and civic commitment, with all the emotional charge possible. While making each piece, I’m in touch with some of the victims; I have direct testimonies from people who suffered the most incredible atrocities and that, nonetheless, survived. Other testimonies come to me by word of mouth from their family members, where what you hear goes from shock to consternation, to horror and to grief… How do you convey that? The scar that is left is dark and cannot be erased, and memorials are an attempt to repair, recover, and overcome the social trauma. Unlike monuments, which celebrate or commemorate a historical fact or character in particular, these sculptural milestones placed in a public space appeal to the collective conscience to dignify the memory of all those people who hoped and dreamed of a fairer society, while thinking about what happened to us as a society and not letting it happen again,” states Santander.

Vemos dos vertientes en la madera, las formas puras pulidas con esmero son atravesadas y hasta esgrafiadas pero no de manera violenta, todas conforman un organismo que nos remite a otros mundos posibles. Lo

We see two aspects in wood. The painstakingly refined pure forms are pierced and even engraved, but not violently. They all make up an organism that sends us to other possible worlds. That which leads us

Semilla II, 2013, madera, 45 x 30 x 28 cm.

que nos lleva a pensar en una versión macro de lo micro, de aquello que no vemos. Son como microorganismos pero a escalas monumentales. Si bien los títulos de sus obras van a sugerir elementos que conforman la naturaleza, la percepción hace que las piense desde esta perspectiva. Es la sensación de contemplar otro mundo en donde aquello que es diezmado en nuestra contemporaneidad, en este imaginario es reivindicado y erigido como tótems gigantes en donde los astros deciden posarse sin jerarquías, pero simultáneamente imponentes y respetuosos.

to think about a macro version of the micro, that which we don’t see. They are like microorganisms, but on a monumental scale. While the titles of her pieces suggest elements that make up nature, perception makes you think about them from that perspective. It is the feeling of gazing at another world where that which is decimated in our times is reclaimed and erected in this imagined time as huge totem poles where the stars decide where to settle in the sky without hierarchy, but all the while imposing and respectful.

Son como jardines de ensoñación, ese mundo anhelado de la artista en donde lo mágico es inherente a la vida cotidiana y en donde la mano del ser humano no daña ni destruye. Sin embargo, en su otra vertiente, los materiales perdurables tales como el ferro-cemento, el acero estructural y la piedra, van a ser los encargados de representar la memoria, así erigidos en el espacio público y al igual que los restos de otras culturas, ellos van a ser los encargados de dejar la voz de una época como registro y documento histórico, perpetuos y constantes. Para reivindicar la memoria de aquellos que soñaban con una utopía posible, estos grandes gigantes se alzan en algunos casos con formas de brazos abiertos, en espacios donde la tranquilidad de la naturaleza los envuelve y cobija en su descanso eterno.

They are like daydreams, that world longed for by the artist where magic is inherent to daily life and where human beings don’t cause harm or destroy. However, in its other aspect, the long-lasting materials such as ferro-concrete, structural steel and stone will be responsible for representing memory, and erected as such in public spaces and just like the remains of other cultures, they will be the ones in charge of leaving the voice of an age, like a record and historical document, perpetual and constant. In order to reclaim the memory of those that dreamed of a possible utopia, these huge giants sometimes rise with the form of open arms, in spaces where the tranquility of nature surrounds them and takes refuge in their eternal rest.

En ambas vertientes la idea de un imaginario paralelo se hace patente, Santander encarna la figura de una soñadora de utopías posibles y las concreta en el corpus de su obra que está lejos de concluir. Lo que vemos es el proceso de un camino que comenzó a recorrer hace ya más de treinta años y que perdurará en el tiempo consolidando el registro histórico de una nueva forma de concebir la historia de su país, creando en las próximas generaciones la reflexión necesaria acerca de los hechos ocurridos en esa etapa oscura de la Historia de Chile.

In both aspects the idea of an imaginary parallel is evident. Santander embodies the figure of a dreamer of possible utopias and makes them a reality with the body of her work that is far from being finished. What we see is the process of a path that she set upon more than thirty years ago and that will endure in time thus strengthening the historic record of a new way of seeing the history of her country, creating in future generations, the thought needed regarding the hidden facts in that dark stage of Chile’s history.

La mirada de Santander nos interpela con sus obras y nos trae otra realidad soñada pero posible, en donde la sociedad en la que vivimos es respetuosa de su memoria histórica, de su territorio y su naturaleza pero esa utopía soñada solo será posible en la medida en la que, como actores, cambiemos el camino de nuestras decisiones y acciones, para transitar ese nuevo mundo que queremos dejar a los hijos de nuestras historias.

Santander’s outlook questions us with her work and gives us another reality that was dreamed-about but possible, where the society in which we live is respectful of its historic memory, of its land and its nature, but that dreamed-about utopia would only be possible if, we as active participants, we change the path of our decisions and actions in order to move towards that new world that we want to leave to the children of our history.

Semilla sol, 2015, madera, 40 x 42 x 14 cm.

120 . 121

Chile | Chile Instalación | Installation

Denise Blanchard Artesana visual Visual artisan A veces, las cosas más simples son las que más nos sorprenden. Una bolsa de té, por ejemplo, tan pequeña, frágil y con una vida útil cortísima, puede servir para realizar pequeñas acciones como acumular, sobreponer, coser o plegar; puede convertirse en un verdadero juego de matices y texturas. La artista Denise Blanchard usa éste y otros elementos para componer, logrando increíbles experiencias tanto visuales como sensoriales. Sometimes, the simplest things are what surprise us the most. A bag of tea, for example, so small, fragile and with a short lifespan, can be used to carry out small actions such as being piled up, overlapped, sewn or folded; it can turn into a true set of shades and textures. The artist Denise Blanchard uses this and other elements to create, achieving interesting visual and sensorial experiences.

Por Carolina Schmidt. Licenciada en Artes Visuales (Chile). Imágenes cortesía de la artista.

Paño de té, 2010, técnica collage y costuras de bolsitas de té, 300 x 400 cm.

Tiene predilección por los materiales en desuso y el reciclaje, los cuales aprovecha de manera original. Ha trabajado con retazos de diferentes telas, resinas, acrílicos, hilos, bolsitas de té y últimamente está experimentando con filtros de vino. Dependiendo de cómo se comporten los materiales, se determina el proceso de su trabajo y la elaboración su obra. Es una artista muy versátil y se reconoce ingeniosa e imaginativa.

She has a preference for waste materials and recycled materials, which she uses in original ways; she has worked with fragments of different canvases, resins, acrylic, thread, tea bags and lately she is experimenting with wine filters. According to how the materials behave, she determines her work process and how to construct the piece. She is a very versatile artist and is recognized as clever and imaginative.

Su último trabajo tiene como elemento central las bolsas de té. La artista realizó todo un proceso de recolección de bolsitas usadas, las cuales le facilitaron en casinos y casas de amigos, para luego secarlas y prepararlas para ser usadas nuevamente, esta vez con un propósito distinto. “Existen muchas técnicas para trabajar el material. Yo coso a máquina y a mano. Las pliego, hago origami, las intervengo con mono-copias y acrílico, entre otros procesos. Al terminar y para su protección y durabilidad, aplico un filtro UV y un sellante”, nos cuenta.

Her latest work’s main element is tea bags. The artist carried out an entire collecting process for used tea bags, which she obtained from cafeterias and friends’ homes, to later dry them and prepare them to be used again, but with a different purpose. “There are many techniques to use the material. I sew by machine and by hand. I fold them and do origami, I intervene with mono-prints and acrylic, among other processes. When I’m finished, I apply a UV filter and sealant for their protection as well as to make them last,” she tells us.

El proceso es muy natural, Denise cuida de no alterar el material con ningún tipo de químico, por lo que el color que apreciamos es el resultado únicamente del tinte propio de este tipo de infusiones. Es un material no tradicional, de desecho e inmensamente poético y simbólico. “A pesar de haber sido diseñadas industrialmente logran, desde su proceso en serie, definir su individualidad al ser usadas, transformándose en pequeños módulos, únicos e irrepetibles, que al unirse, hilarse o tejerse, cambian su funcionalidad y se convierten en cálidos mantos textiles. Tapices contenedores de historias y vivencias expresadas por su uso, recalcando y elevando su contexto original”.

The process is very natural: Denise makes sure to not alter the material with any type of chemical, which is why the color that we see is the unique result of the tint that is typical of this type of infusion. It is a non-traditional waste material that is immensely poetic and symbolic. “Despite having been designed industrially, they manage to define their individuality upon being used through their serial process, thus transforming them into small, unique and one-off modules that upon being joined, strung together or knitted, change their functionality and become warm textile blankets. They become tapestries that contain stories and experiences expressed through their use, thus emphasizing and elevating their original context.”

Del trabajo con este material han surgido muestras de todo tipo, ya sea bidimensional como también escultóricas. Ha realizado obras donde el énfasis está en la composición con el color y sus transparencias, en las cuales también ha incorporado luces. Otras donde la intención es narrar una historia con la

From her work with this material, other types of exhibitions have arisen with two-dimensional work and sculpture. She has made works where the emphasis lies in the composition with color and its different transparent shades, where she has also incorporated lighting. In other exhibitions the goal

odo comienza con una idea con potencial, luego se experimenta. Se realizan muestras, prototipos, algunos van cambiando en el trayecto porque no funcionan o resultan cosas inesperadas que podrían complementarse a la perfección con la idea original. Se debe estar atento a lo que aparece, a los nuevos descubrimientos. Esta es la forma en que trabaja Denise, siempre alerta a lo que ocurre en su entorno para captar aquellos materiales que podrían convertirse en algo más, darles una nueva vida y un nuevo significado.

verything starts with an idea that has potential and later you try it out. Samples or prototypes are made, some are changed along the way because they don’t work or because unexpected things happened; they could perfectly go hand in hand with the original idea. We should be mindful of what appears, of the new discoveries. This is how Denise works; she is always alert to that happening around her in order to capture those materials that can be turned into something else, giving them a new life and a new meaning.

Taza de tĂŠ, 2014, esculturas realizadas con papel de bolsitas de tĂŠ, 25 x 25 x 15 cm.

técnica del collage, llegando por último a utilizarlas como módulos aglutinados por la resina lo que las transforma en increíbles esculturas. La bolsa de té se adapta a las necesidades de la artista y nos muestra sus múltiples facetas.

is to narrate a story with collage technique and finally use them as modules joined together with resin which makes them interesting sculptures. The tea bag is adapted to the artist’s needs and shows us its many facets.

A pesar de que trabaja con diferentes materiales y su premisa es experimentar, Denise tiene una constante en su obra; reformular. Buscar el máximo potencial. Ella es capaz de ver las múltiples posibilidades que nos ofrecen los materiales más simples, viendo la belleza y riqueza que cada uno de ellos nos ofrece. Si bien su trabajo se podría enmarcar en varios movimientos como Arte Póvera o textil, su intención va más allá. Además, no se siente cómoda cuando la encasillan, ya que su trabajo no tiene límites, expresa y comunica con mucha intensidad. “Tengo muchos referentes, pero los agruparía en artistas que se sirven de medios inverosímiles, ya sea comunicar, protestar o simplemente crear en forma inusual. Por nombrar a uno que reúne mucho de lo que quiero decir sería Ai Wei Wei, de quien tuve la oportunidad de ver en exposición el año 2014, en el Brooklyn Museum en NY”, explica Denise. Otro artista que resulta difícil de dejar al margen cuando se mira la obra de Denise es Eugenio Dittborn. Su relación con este artista radica en que ambos trabajan con materiales simples o en desuso y utilizan el pliegue como técnica de composición. Claramente los dos tienen intenciones diferentes pero su base es común.

Despite the fact that she works with different materials and that her premise is experimentation, Denise does have a constant element in her work; rethinking things. Finding something’s maximum potential. She is able to see the many possibilities that even the simplest materials have to offer by seeing the beauty and richness that each one of them provides us with. While her work could be defined under various movements such as Arte Povera or textile art, her notion goes beyond. However, she feels uncomfortable when she is placed into one category, since her work doesn’t have limits and expresses and communicates with a lot of intensity. “I have a lot of references, but I would classify them as artists who implement unlikely mediums, whether by communicating, protesting or simply creating in an unusual way. One artist that sums up a lot of what I want to say would be Ai Wei Wei, whom I had the chance to see in exhibition in 2014 in the Brooklyn Museum in New York,” explains Denise. Another artist that comes to mind when seeing Denise’s work is Eugenio Dittborn; her relationship with this artist stems from the fact that both work with simple or waste materials and use display as a composition technique. Clearly both of them have different intentions, but they share a common base.

Denise tiene, al igual que su obra, otra faceta: es profesora básica con mención en artes plásticas. A pesar de que actualmente no se encuentra trabajando con niños, toda su pasión por experimentar trata de traspasársela a sus alumnos. “Uno siempre les está dando desafíos y maneras de que solucionen las interrogantes de cualquier tipo usando la creatividad. Uno no puede ser más que un guía. Ellos son los creativos”. Además, realiza un workshop de arte textil para adultos una vez al mes junto a Maite Izquierdo, y participa activamente del colectivo Arsfactus, junto con la Factoría de Arte Santa Rosa, en Santiago de Chile.

Denise has, just like her work, another side; she is an elementary school teacher who specializes in visual arts. Although she is not currently working with kids, all her passion for experimenting tries to be passed on to her students. “You’re always challenging them and giving them ways to solve any kind of question by using creativity. You can only be a guide. They are the creative ones.” Also, she has a workshop on textile art for adults once a month along with Maite Izquierdo, and she actively participates in the Arsfactus collective, along with the Santa Rosa Art Factory in Santiago, Chile.

El trabajo de Denise Blanchard seduce por sus formas y colores, que emergen con fuerza desde el interior de cada uno de los materiales que utiliza. Deja atrás la funcionalidad del objeto para elevarlo a la categoría de imagen, para darle un carácter e individualidad propios. En sus palabras: “Los materiales son el pretexto para crear que, a través de trabajarlos manualmente, se transforman en manifestaciones plásticas”.

Denise Blanchard’s work draws us in with its forms and colors that drastically arise from within each one of the materials that she uses. She puts aside the object’s functionality in order to elevate it to become an image, to give it character and its own individuality. In her words: “The materials are the pretext for creation. They turn into artistic creations by working with them by hand.”

Mantel de TĂŠ, 2013, costura e impresiones sobre bolsitas de tĂŠ, 80 x 250 cm.

126 . 127

Chile | Chile Pintura | Painting

Catalina Prado De la parte al todo From a part, to the whole Catalina Prado ha dedicado su vida a mezclar imágenes que sugieren estar dentro de un espacio limitante, inmaculado por el arte. En él, se unen para que gesten un diálogo que mientras avanza se revela como verdadero agente de sentido particulado y, una vez juntas, forman una historia.

Catalina Prado has dedicated her life to mixing images that suggest being inside a restricting space, immaculate through art. In it, images are brought together in order to develop a dialogue where a real agent of particulate meaning is revealed as it unfolds and, once they are together, they form a story.

Por Natalia Vidal Toutin. Periodista (Chile). Imágenes cortesía de la artista.

La geometría y la ficción enmarcan los espacios creados y el tenor del relato, mientras acompañan una fiesta figurativa que se enreda y desenreda en detalles y motivos que ceden al espectador la tarea de la interpretación. “Me parece interesante y divertido a la vez ver qué pasa cuando el espectador se acerca a mirar lo que los personajes están mirando. Cada uno verá lo que quiere ver”, relata la artista chilena a propósito de uno de sus trabajos en el que la mirada de sus protagonistas se posa en un punto, prácticamente indivisible, cuya composición se presta para ser cambiante, una paradoja.

Geometry and fiction define the created spaces and the meaning of the story. At the same time, they are part of a figurative celebration that is tangled and untangled in details and motifs that allow the viewer to interpret them. “It is both interesting and fun to see what happens when the viewer approaches to see what the characters are looking at. Each one will see what they want to see,” says the Chilean artist regarding one of her pieces in which the gaze of its protagonists is fixed in one practically indivisible spot, whose composition is provided to be changeable, a paradox.

Todo se inicia con la intención y el color que la describe y traza sobre el lienzo. Las imágenes que se posarán sobre la escena se prestan para componerla despojadas de su contexto, para crear nuevas historias, para protagonizar un mensaje diferente. El trabajo de Catalina se nutre de la posibilidad de ir variando y dotándose de imágenes y formatos distintos en los que plasmar un mensaje que fluctúe en la mente de las personas y vaya abriendo espacios, tanto en su mente como en la del resto. “La obra debe estar viva y eso implica que se le debe inyectar una buena dosis de angustia de no saber si funciona", explica respecto de la magia en la que el proceso comienza y luego busca terminar, quizás en ella, quizás en otros.

It all starts with the intent and the color that describes and depicts it on the canvas. The images that will be placed on the scene are provided to form the intent. The images stripped of their context in order to create new stories, to put the spotlight on a different message. Catalina’s work feeds on the possibility of change and providing itself with images and different formats in which conveying a message that fluctuates in the minds of the viewers and opens up space in both her mind and the minds’ of others. “The work should be alive, and that implies adding a good dose of the angst of not knowing if it will work,” she explains regarding the magic where the process begins and later seeks to end up, perhaps, in her or in someone else.

Hoy trabaja en una exposición que decidió hacer en formato pequeño y alargado. Una de sus obras está compuesta por tres secciones dialogantes, donde cada una tiene un personaje que observa un punto, ubicado en la

Today, she is working on an exhibition that she decided to make in a small, stretched out format. One of her pieces is made up of three dialogue sections, where each one has a character that looks at a point, located on the main

ente, animales. Tránsitos vinculantes entre la realidad y la ficción. Ambientes recreados a partir del color que enfatiza, afecta y permea. La dimensionalidad, el espacio y la locación crean un diálogo que trasciende al mero interior de la obra y se vincula con la serie, con una práctica continua y versátil, que indaga en múltiples formatos y se nutre de distintos soportes.

eople, animals. Binding crossings between reality and fiction. Environments reproduced based on the color that emphasizes, makes an impact and permeates. Dimensionality, space and location create a dialogue that transcends the mere interior of the piece and is tied together with the series, with continuous and versatile work, that looks into multiple formats and is inspired by different mediums.

De la serie Mirar I,II,II, 2015, tĂŠcnica mixta sobre tela, 50 x 30 cms.

Mudanza, 2015, 贸leo sobre tela, 195 x 135 cm.

parte central del trabajo. Tres locaciones y un solo punto de vista contenido justo en la parte central de la trilogía. Pequeño, casi imperceptible, al cual admiran tanto los protagonistas de la obra como quienes la observan. “Cuando alguien en la calle se queda mirando un punto fijo, quienes pasan por su lado, se quedan mirando –casi como en un acto de reflejo– el lugar donde esta persona está mirando, tratando de ver lo que le llama tanto la atención”, describe la artista de este aspecto curioso del ser humano, concepto que intentará abarcar en su próxima exposición.

part of the piece. Three locations and only one point of view that is contained right in the main part of the trilogy. It is a small and almost indiscernible spot that the protagonists of the piece admire as much as those who see it. “When someone on the street is standing there looking at a fixed point, everyone that passes starts looking at the place where that person is looking –almost like a reflex–, trying to see what has that person’s attention,” describes the artist regarding this curious aspect of human beings, a concept that she will try to tackle in her next exhibition.

Entonces se consigue, en la percepción, aunar sentido y conceptos, reunir imágenes sobrepuestas en un trabajo que bordea los fundamentos del collage. La tarea de enlazar cabos recae en el tercero que interpreta, que recibe el estímulo a través de múltiples figuras e imágenes y construye conclusiones, descubriendo en ellas nuevos pensamientos a partir de esta nueva disposición. “La historia se arma cuando encuentro imágenes diversas que, por alguna razón que desconozco, se fijan en mi mente. Es como si las imágenes me encontraran a mí”, explica Catalina respecto de la cronología de una obra. Viene luego de la selección, el proceso en el que se posan sobre el diálogo y comienzan la transferencia de información y dotación de sentido. Éste es un elemento especial dentro del trazado, puesto que ella reconoce que las imágenes siempre le sugieren algo, aunque no todas las veces puede identificar lo que es, antes de ponerlas sobre el juego. ”Cuando logro entender que es lo que estoy haciendo se produce una euforia máxima dentro de mí, de ahí en adelante, sólo restan unos toques para redondear”, cuenta la artista.

In our perception, we manage to combine feeling and concepts by gathering images superimposed on a work that borders the basics of collage. The task of connecting the loose ends falls on the one that interprets or receives the stimulus through the multiple figures and images and constructs conclusions, thus discovering new thoughts based on that new disposition in them. “The story is assembled when I find diverse images that, for some reason I do not know, get stuck in my mind. It is as if the images found me,” explains Catalina, regarding the chronology of a piece. Later comes the selection process, where they are placed above the dialogue and they start to transfer information and make sense. This is a spatial element within the design, since she acknowledges that the images always arise from something (even though she can’t always identify what that something is) before placing them on the piece. “When I manage to understand what it is that I am doing, I feel a sense of euphoria like no other inside me, and from then on out, there’s just a few finishing touches to finish up,” says the artist.

De la cabeza al lienzo…

From her head to the canvas…

Roles del color, la figura humana y espacio… El color es primero, es lo que cobija y determina el tono de la historia que voy a contar. Luego viene el paisaje. Creo un escenario que visitarán mis personajes y en donde se desarrollará la trama. A veces el escenario actúa únicamente como telón de fondo, pero otras, se me hace necesario que aparezca como una acotación al margen, lo que el personaje principal opina o piensa.

Roles of color, the human figure and space… Color comes first, it is what creates and determines the tone of the story that I am going to tell. Later comes the landscape. I create a scenario that my characters will visit. It is a place where the plot will unfold. Sometimes the scenario acts solely as the backdrop, but other times, I need it to appear as a side note to what the main character believes or thinks.

Relación entre naturaleza y geometría… Los elementos geométricos actúan de diversas maneras en mi trabajo. A veces son un personaje más. Otras, sirven para guiar la mirada hacia algún detalle en específico; o bien, sirven de habitáculo para los actores. Su misión es infinita, lo uso mucho para hacer el contrapunto con lo más rítmico y suelto de las pinceladas. Me parece que estos dos recursos se potencian y se hacen brillar mutuamente.

Relationship between nature and geometry Geometric elements act in different ways in my work. Sometimes they are just another character. Other times, they serve to guide the gaze toward some specific detail; Also, they serve as a living space for the players. Their mission is infinite and I use it a lot to contrast the more rhythmic and loose brush strokes. I think that these two resources make each other stronger and stand out.

Juego entre la dimensionalidad y la realidad… Me interesa ser versátil a la hora de pintar. Hago trabajos enormes y también miniaturas, sobre todo, selecciono soportes que me puedan plantear un desafío en lo creativo y en la factura. Aprendo haciendo y arranco a los resultados seguros, partes de lo que ya sé conseguir.

Play between dimensionality and reality I like to be versatile when it comes to painting. I do huge work and also miniatures; above all, I select formats that can pose a challenge to me regarding creativity and execution. I learn by doing and I stick with the sure bets, parts that I already know how to achieve.

Intervención de la ficción en la comunicación entre tus obras y series… Comienzo pensando que hago ficción porque relaciono imágenes que, a simple vista, no tienen nada que ver, o que no tienen lógica aparente al estar juntas en un relato. Luego, si he estado alerta en el proceso –y las musas me han acompañado– al terminar comprendo que sí se relacionan y funcionan como las metáforas en la poesía: juntas detonan un nuevo significado más allá de lo que está pintado. Eso pasa poco, pero cuando pasa renuevo mis votos de pintora.

Intervention of fiction in the communication between your work and series… I am starting to think that I make fiction since I relate to images that, at first glance, have nothing to do with anything, or that have no apparent logic upon being together in a story. Later, if I was alert during the process –and if my muses were with me– when I finish I understand that the images do relate and work as metaphors in the poetics: together they spark a new meaning beyond that which is painted. That happens rarely, but when it happens, I renew my vows as a painter.

De la serie Mirar I,II,II, 2015, tĂŠcnica mixta sobre tela, 50 x 30 cms.

132 . 133

Chile | Chile Street Art | Street Art

Cekis La pasión por el grafiti Passion for graffiti Inició su actividad artística en los inicios de los ’90, cuando el país entraba en democracia y las influencias del arte callejero norteamericano llegaban de a poco a las calles santiaguinas. Luego de migrar a Nueva York empezó a experimentar con obras en pequeño formato. Hoy, su obra no sólo puede encontrarse en las calles sino que ha alcanzado importantes galerías de arte alrededor del mundo.

He started his artistic activity in the beginning of the 90s, when the country was just entering democracy and influences from North American graffiti was slowly arriving to the streets of Santiago. After moving to New York, he started to experiment with smallscale work. Today, his work can not only be seen on the streets, but has also reached important art galleries all around the world.

Por Francisca Castillo. Historiadora del arte (Chile). Imágenes cortesía del artista.

us inicios están ligados con la cultura del grafiti, y desde muy joven se interesó por la pintura mural –por la influencia de los pocos referentes que llegaban a Chile desde el extranjero, que retrataban la cultural artística de Nueva York de los ‘80–, pero al mismo tiempo se sintió atraído por la tradición muralista chilena, que por esos años ya había alcanzado un nivel de sofisticación mayor. Parte de su memoria visual se originó a partir de los murales y rayados que veía por las calles santiaguinas, y así fue interesándose por aprender más sobre la técnica, los dibujos y la difusión de este arte. “Creo que mi generación, la cual vivió su niñez bajo la dictadura, y pasó a la juventud justo cuando Chile empezaba una nueva etapa ‘democrática’ es especial –comenta el artista–. Estábamos en una posición, a fines de los 80, sin muchos líderes naturales y con una cultura popular censurada por la dictadura, y a la vez con nuevas tendencias importadas de Europa y EE.UU. Entonces fue natural querer hacer algo que venía de afuera, adoptarla y crear una versión chilenizada”. Cekis destaca, en ese sentido, por amalgamar influencias de estilos y técnicas que empezaría a desarrollar al inicio de su carrera artística y que demarcarían su carácter de búsqueda incesante a lo largo de los años.

is beginnings are tied to graffiti culture, and since a young age he was interested in mural painting –due to the influence from the few references that made it to Chile from abroad, that depicted the artistic culture of New York in the 80s–, but at the same time, he was drawn towards the Chilean muralist tradition, that during those years had already reached a higher level of sophistication. Part of his visual memory came from the murals and tags that he saw on the streets of Santiago. From these he gained interest in learning more about technique, drawing and the diffusion of this art. “I think that my generation, which went through their childhood under the dictatorship and lived out their youth right when Chile was starting a new ‘democratic’ stage, is special,” says the artist. “At the end of the 80s, we were in a position without many natural leaders and with a popular culture that was censored by the dictatorship, and at the same time, that had new important trends from Europe and the United States. So it was natural to try to make something that came from abroad, adopt it and create a Chilean version.” Cekis stands out, in that sense, by amalgamating influences of style and technique that he started to develop in the beginning of his artistic career and willdefine his incessant pursuit over the years.

De la serie Gente Insur, "#09", 2014, marcador acrĂlico sobre foto impresa de libro, 18 x 13 cm.

Sus primeros trabajos los realizó en el colegio con su compañero, y también artista, José Mella (B-SAI) con quién forjó sus primeras experiencias con el grafiti. Durante sus primeros años, el interés de Cekis se centraba en lo que significaba vivir y sentir la pintura durante un instante preciso, de manera inmediata, involucrando la adrenalina que implica tomarse los espacios. Así, en este período lograron impulsar un movimiento desconocido en un Chile aún sensible a los cambios; contribuir de cierta forma a un despertar estético que no tenía que ver con algo político, sino con una expresión urbana que se desarrollaba a la par en diferentes partes del mundo, lo que permitió que la gente se interesara por estas nuevas ideas y estilos, y no como un acto de vandalismo.

His first pieces were made in the school with his classmate, and also an artist, José Mella (B-SAI), with whom he forged his first experiences in graffiti. During his first few years, Cekis’s interests were focused on what meant living and feeling a painting at a particular moment, immediately, by involving the adrenaline required to take over spaces. In this period they were able to inspire an unknown movement in a country that was still sensitive to the changes; thus contributing, in a certain way, to an aesthetical awakening that had nothing to do with politics, but rather with an urban expression that was being developed simultaneously in different parts of the world. This allowed people to become interested in these new ideas and styles, and not see them as an act of vandalism.

A pesar de no tener una educación formal en Arte, Cekis se rodeó de los principales exponentes del grafiti nacional, formando un movimiento dinámico y excepcional que construyó las bases que, hasta hoy, pueden verse reflejadas en las nuevas generaciones de artistas grafiteros chilenos. Entre ellos se encuentran Víctor de la Fuente (Grin), Roberto Cristi (Sic) y Ricardo Céspedes (Derik). Participó, en 1996, del primer Encuentro Internacional de Grafiti, organizado por un exponente del hip hop en Chile: Jorge Zapata. Ahí tuvo la oportunidad de conocer a figuras internacionales tan importantes como Os Gemeos y Vitche.

Despite not having a formal education in art, Cekis surrounded himself by the main examples of national graffiti, thus forming a dynamic and exceptional movement that built the bases that can still be seen reflected today in the new generation of Chilean street artists. Among those we find Víctor de la Fuente (Grin), Roberto Cristi (Sic), and Ricardo Céspedes (Derik). In 1996, he participated in the first International Graffiti Summit, which was organized by an exponent of hip-hop in Chile: Jorge Zapata. There, he had the chance to get to know very important international figures such as Os Gemeos and Vitche.

En este período de formación que vivió en Chile estuvo enfocado principalmente en la experimentación y absorción de la mayor cantidad de experiencias, así como también de probar, con diferentes técnicas, en el Grafiti, buscando así un propio estilo y en colaboración con otros artistas. En esta etapa quiso concentrarse en el aerosol pero, hacia el año 2002, empezó a probar con otras técnicas como rodillos y brochas, y así abarcar espacios más grandes y diseños más complejos. Su conexión con el Arte Mural la describe como: “la intención de unirse al muro de alguna forma. Entonces la idea de la composición saldrá entre el concepto que tengo en ese momento [dibujo] unido o adaptado a la forma del muro”, comenta.

In this educational period that he lived in Chile, he was mainly focused on experimentation and gaining as much experience as possible. He also tried different graffiti techniques in search of his own style and collaborated with other artists. At that stage he wanted to focus on aerosol, but towards 2002 he started to try other techniques like paint rollers and brushes, and through those, take on bigger spaces and more complex designs. He describes his connection to Mural Art as: “like trying to join yourself to the wall somehow. So the idea of the composition will turn out somewhere between the concept that I have in that moment [drawing] combined to or adapted to the form of the wall,” he comments.

La vida en el origen del grafiti

Life in the beginning of graffiti

Queriendo expandir sus horizontes, Cekis decidió viajar a Estados Unidos, específicamente al lugar de nacimiento del Grafiti: Nueva York. Allí pudo experimentar de primera fuente la cultura grafitera, además de desarrollar diferentes posibilidades para su arte, intentando por primera vez pintar puertas adentro y tener un taller, momento en que además conoció a Phil Frost, de quien sería asistente por unos años. Cekis incursionó en un mundo nuevo y desconocido para él, evolución que le permitió una mayor libertad creativa, la que se evidencia en una experimentación con las técnicas que fueron importantes a la hora de definir una nueva forma de pintar, la que aplicó a su continuo trabajo en las calles. Sigue así con su constante proceso de maduración artística y su apertura a nuevos

By wanting to expand his horizons, Cekis decided to travel to the United States, specifically to the birthplace of graffiti: New York. There, he could firsthand experience the graffiti culture , plus develop different options for his art, by trying to paint indoors and have a studio for the first time. Also during this time, he met Phil Frost and became his assistant for a few months. Cekis made a descent into a world that was new and unknown to him. It was an evolution that granted him more creative freedom, where we can see experimentation in techniques that were important when defining a new way of painting, which he applied to his constant work in the streets. He continues to do so with his continuous process of artistic maturation and by opening up to new horizons in

De la serie Gente Insur, "#10", 2014, marcador acrĂlico sobre foto impresa de libro, 18 x 13 cm.

horizontes en la pintura, que lo destacan como un artista permeable a nuevas influencias para perfeccionarse.

painting that make him stand out as an artist who is pervious to new influences to perfect his work.

Sobre su trabajo en tela, considera que: “Es un poco más libre, ya que me da la opción de experimentar más, si quiero. Cuando trabajo en un taller, lo hago en serie, voy trabajando varias al mismo tiempo. Generalmente tienen una base en común, ya sea con colores y diseños parecidos o unidos, pero con la aplicación de diferentes capas de colores, que van tomando su propia identidad hasta llegar a ser una pieza única”, explica.

Regarding his work on canvas, he states that: “it is a little more flexible, since it gives me the chance to experiment more if I want. When I work in a studio, I work in series. I work on several pieces at a time. Generally, they have a common theme, whether it’s with color and similar or united designs. However, by applying different layers of color, they gradually take on their own identity until they become a unique piece,” he explains.

Su aprendizaje también estuvo ligado a la colaboración en talleres de otros artistas, y a una necesidad por aprender sobre la historia del arte en el siglo XX y así conocer más sobre el lugar que podía tener su arte dentro de la escena contemporánea. Pero su proceso de maduración tuvo mucho que ver también con la tradición del Grafiti de colaboración entre artistas, nutriéndose de estos diálogos y viajando por diferentes partes del mundo, difundiendo su arte y conociendo nuevas técnicas y artistas. “El hecho de viajar y poder conocer gente que hace lo mismo que uno, pero con una experiencia distinta, te enriquece y generalmente cambia tu percepción de las cosas para mejor. En mi caso, el poder apreciar nuevas cultura y paisajes es inspirador para seguir trabajando, salen nuevas ideas y te abres al mundo”, cuenta.

His progression was also linked to collaborating in other artists’ studios, and to a need to learn about the history of art in the 20th century. Through this he got to know more about the position that art could hold within the contemporary scene. However, his process of maturity also had a lot to do with the tradition of collaborative graffiti between artist, thus encouraging dialogues and trips to different parts of the world, spreading his art and learning new techniques and artist. “The fact of traveling and being able to meet people that do the same thing as you, but with a different experience enriches you and generally changes your perception of things for the better. In my case, being able to see new cultures and landscapes is inspiration to keep working. New ideas spring forth and you open up to the world,” he says.

Actualmente su trabajo se divide entre la creación de murales y el trabajo en pequeños formatos, que han logrado notoriedad en diferentes esferas del mundo del arte internacional, ya que no sólo es invitado a participar en la creación de murales, sino que también es posible encontrar su obra en galerías de arte. Sin embargo, continúa con un trabajo que ha sido su pasión desde que vivió en carne propia la emigración, un estilo diferente, que él denomina la serie Fence, el cual consiste en rejas que convocan un simbolismo que remite al espectador a contemplar más allá de una imagen figurativa, permitiendo una lectura más profunda. También le ha permitido explorar nuevas posibilidades en la pintura: utilizando colores planos jugando con tonos que crean dimensión y profundidad. Esta técnica la puede usar tanto en spray como en acrílico, permitiéndole trabajar tanto en murales como en pintura de pequeño formato.

Currently, his work is divided between creating murals and small-scale work that have gained notoriety in different aspects of the international art world, since he is not only invited to participate in the creation of murals, but also has works in art galleries. However, he keeps moving forward with the work that has been his passion since he experienced emigration firsthand, a different style, which he calls: The Fence series which consists of fences that bring together symbolism that directs the viewer to think beyond a figurative image, thus granting a deeper interpretation. Also, this has allowed him to explore new opportunities in painting: by using flat colors, playing with tones that create dimensionality and depth. This technique can be used with both spray paint and acrylic, thus allowing him to work on both murals and small-scale paintings.

Cekis es un artista que aprendió mirando y experimentando desde los influjos que lo rodeaban. Formó parte del movimiento artístico callejero, siendo fundador y referente para la Historia del grafiti en Chile, pero su importancia artística radica en la evolución de su trabajo y en la necesidad del artista por buscar nuevos referentes y caminos en el arte –haciéndolo desde un aprendizaje autodidacta y de maduración– en conjunto con experiencias de intercambio con otros artistas. Demostrando una capacidad única para experimentar y definir nuevos rumbos en su creación. Su estilo posee una reciprocidad entre el trabajo realizado en sus primeros años en la calle, la inclusión de nuevas técnicas conseguidas en el taller y la implementación de éstas al trabajo mural que continúa realizando.

Cekis is an artist who learned by observing and experimenting with the influences that surrounded him. He formed part of the street art movement, being a founder and model for the history of graffiti in Chile, but his artistic importance stems from the evolution of his work and the artist’s need to look for new references and paths in art –through self-learning and maturing– along with opportunities to share ideas with other artists. All while showing a unique ability for experimenting and defining new paths in his creation. His style possesses reciprocity among work made in his first years on the street, the inclusion of new techniques obtained in the studio and the implementation of these techniques in mural work, which he still does.

De la serie Gente Insur, "#01", 2012, marcador acrĂlico sobre foto impresa de libro, 18 x 13 cm.

138 . 139

Chile | Chile Artista Multidisciplinar | Multidisciplinary Artist

Víctor Espinoza Bordando entre el dibujo y la pintura Embroidering between drawing and painting A simple vista podemos registrar trazos delicados y colores pasteles. Pero, al agudizar el foco, encontramos la verdadera magia de la obra de este artista chileno: el hilado como pincelada. Velocidad, noción de la luz y la sombra, y un trabajo minucioso le dan a sus obras un marco ineludible de potencia artística. At first glance we can detect delicate strokes and pastel colors. However, when we focus more, we find the true magic of this Chilean artist’s work: thread used as brush-strokes. Speed, the sense of light and shadow, and a meticulous work give his work an unavoidable sense of artistic power.

Por Leticia Abramec. Periodista (Argentina). Imágenes cortesía del artista.

onocer la obra de Víctor Espinoza es, de alguna manera, comprender que la técnica y el desafío son dos conceptos que pueden leerse de manera conjunta a la hora de indagar en las nociones generales del arte. Lo aprendido en la academia, puede ser exactamente lo opuesto a aquello que un artista necesita para liberar en sus obras pero, sin embargo, también es el impulso y bagaje principal que desata ideas e invita a jugar con las reglas de una manera diferente a la tradicional. El trabajo que realiza Espinoza, se mueve de manera pendular entre lo estudiado y lo imaginado, entre lo que hay que saber y lo que se sueña crear. La creatividad que atraviesa sus obras es una trama tensada de hilos, que se bordan casi furiosamente sobre la tela. Así, logra expresar la potencia de un

eeing Víctor Espinoza’s work is, in some ways, understanding that technique and challenge are two concepts that can be interpreted together when it comes to looking into the general concepts of art. What is learned through academia can be exactly the opposite of that which an artist needs to set himself free in his work, but, nonetheless, it is also the drive and knowledge that set free ideas and invite you to play with the rules in a way that differs from what’s traditional. The work that Espinoza makes pendulously shifts between what is studied and what is imagined, between what you must know and who you dream to create. The creativity featured in his work is a tense weave of threads that are almost furiously embroidered onto the canvas. Through this, he manages

Madre e hija, 2015, bordado sobre tela, 67 x 96 cm.

trazo que cualquier pincelada podría obtener. Pero su técnica no mancha, no necesita agua y tampoco requiere demasiados trapos para que su taller vuelva a quedar impoluto. Dialogando entre estudiar y formar su propia identidad artística, Víctor reflexiona: “Pasé por la carrera de Bellas Artes en la Universidad ARCIS y, aunque no me titulé, fue un aprendizaje muy productivo. Vi mucho, y perdí cierta ingenuidad. Sin embargo, creo que mi lógica de trabajo está en clara sintonía con la del autodidacta. Siempre he tenido interés por un estilo de imágenes que me cautivan desde lo intuitivo, y utilicé tanto el dibujo como lo pictórico como herramienta. La universidad me dio un carácter un poco más reflexivo, y además me hizo consciente de la lógica del sistema del arte. Lo autodidacta me permite trabajar con más libertad, calculando menos”. Su llegada al arte textil no fue exigida, sino que surgió por el natural interés de muchos artistas de experimentar con nuevos materiales y explorar sensaciones. “Descubrí que el bordado funcionaba de manera similar al dibujo. Los diferentes tipos de hilos, con su amplia variedad de grosores, eran el equivalente del tamaño y la textura en las líneas, como también de los colores y el componente pictórico. La técnica que he estado desarrollando, funciona como dibujo y pintura al mismo tiempo, pero siempre desde la mecánica del trazo”, explica. De lejos, se nos ocurriría arriesgar y decir que sus cuadros están realizados con lápices de colores, pero la técnica no deja de impresionar a cualquier espectador. No sólo por el reto de desafiarse a sí mismo en una técnica nueva, sino por el tamaño de sus obras, el delicado trabajo de selección de hilos para cada parte de la imagen. Aun así, reconoce que no le lleva tanto más tiempo que otro tipo de obras, dado que las agujas que utiliza le permiten trabajar con rapidez. “Bordar es, en apariencia, una disciplina a la escala de la mano y la muñeca. Pero, en cuanto hice crecer el formato, el desafío se convirtió en un asunto que involucraba al cuerpo en su totalidad. En este proceso, para mí es muy importante la música. Funciona como un elemento que enajena al cuerpo, y lo instala en un estado automático que resulta muy productivo

to express the power of a line that any brushstroke could make. However, his technique is neater, it doesn’t need water and it also doesn’t require tons of rags so your studio remains spotless. By working between studying and forming his own artistic identity, Víctor comments: “I went through the Fine Arts program at Universidad ARCIS and, although I didn’t graduate, it was a very productive learning experience. I saw a lot, and I lost a certain naïveté. However, I think that my work logic is clearly in tune with selfeducation. I have always been interested in a style of images that fascinate me intuitively, and I use both drawing and pictorial aspects as a tool. College made me more pensive, and it also made me conscious of the art system’s logic. Self-education allows me to work more freely and calculate less.” His arrival to textile art wasn’t mandated, rather it emerged through the natural interest of many artists to experiment with new materials and explore feelings. “I found that embroidery worked in a similar way to drawing. The different types of threads, with the wide variety of thicknesses, were the equivalent to the size and texture of the lines, as well as the colors and the pictorial component. The technique that I have been developing, works like drawing and painting at the same time, but always based on the mechanics of the brush-stroke,” he explains. From far away, we might make the mistake of saying that his canvases are made with color pencils, but the technique leaves every viewer amazed. Not only for taking on the task of challenging himself with a new technique, but also for the size of his pieces and the delicate task of choosing the threads for each part of the image. Still yet, he acknowledges that it doesn’t take much longer than other types of work, since the needles that he uses allow him to work quickly. “Embroidering is, in appearance, a discipline on the scale of the hand and wrist. But as I made the format larger, the challenge became an issue that involved the entire body. In this process, music is very important to me. It serves as an element that alienates the body and puts it in an automatic state that ends up being very productive for work,” says Víctor.

Auto y casa, 2015, bordado sobre tela, 65 x 100 cm.

para trabajar”, cuenta Víctor, y así deja entrever el placer necesario a la hora de realizar una obra. No es un instante, no es un momento cualquiera, sino aquella circunstancia extraordinaria que manifiesta una búsqueda, un aprendizaje y el desarrollo imaginativo de una persona inquieta. Hay pocos sentidos tan libres como la mirada y, por momentos, parece una acción involuntaria de nuestro cuerpo. Su libertad va de la mano con la inspiración, con aquello que súbitamente llega a nuestros ojos para llamarnos la atención de alguna manera. Sin dudas, el mundo moderno nos brinda un sinfín de fotografías y momentos que se retienen en imágenes. Espinoza no ignora la sociedad en la que vive, el tiempo del que es protagonista, y es así como se amiga con su mundo para inspirarse: “Muchas veces, las imágenes que me interesan me atraen, no por su contenido, sino por su composición. Cómo se distribuyen los volúmenes, los colores y por la diversidad de atmósferas que crean. En este sentido, no discrimino. He trabajado a partir de imágenes de paisajes que he encontrado en libros, como también de fotografías personales que me encuentro en Facebook. Recientemente, me he interesado por esa intimidad puesta a disposición pública en las redes sociales. Creo que se convirtió en una especie de álbum familiar de acceso público. Facebook es como un atlas de intimidades, y me brinda un abanico de posibilidades creativas a mi disposición”. Víctor se vinculó, un poco por su tendencia textil, y otro poco por su trabajo en fotografías de modelos, con el mundo de la moda. Hoy ya no se identifica absolutamente con ese rubro, y demuestra que su trabajo no se detiene en el tiempo. Su obra avanza, y sus cuadros bordados tienen un nivel de identidad definido y fuerte. Espinoza logró sorprender con una técnica innovadora, y desde niño supo cómo alimentar su pasión por el dibujo para motivar al joven inquieto en busca de más aprendizaje. Él realiza pintura bordada, o quizá bordados pintados. La etiqueta sería, simplemente, una necesidad de nombrar aquello que deslumbra de su obra y nos deja absortos y ansiosos por ver su próxima serie.

It is through this that he gives us a glance of the pleasure required when making a piece. It’s not any occasion, it’s not any moment, but rather, it is that extraordinary circumstance that reveals a search, a learning experience and the imaginative development of a restless person. There are few senses as free as sight, and, at times, it seems like an involuntary action of our body. Its freedom goes hand in hand with inspiration, that which unexpectedly comes across our eyes to grab our attention in some way. Undoubtedly, the modern world provides us with an endless amount of photographs and moments that are captured in images. Espinoza doesn’t ignore the society in which he lives. Here, he is a protagonist, and it is through this that he befriends his world to draw inspiration: “Many times, the images that interest me draw me to them, not due to their content, but rather for their composition and how the shapes and colors are distributed. I am also drawn to them for the diversity of ambiences that they create. In this sense, I don’t discriminate. I have worked based on images of landscapes that I found in books, as well as personal photographs that I find on Facebook. Recently, I have been interested in the intimacy willingly made public on social networks. Facebook is an atlas of intimate details, and that puts a wide range of creative possibilities at my disposal.” Víctor got into the world of fashion, partly for its textile trends and partly due to his work with photographs of models. Today, he no longer completely identifies himself with that title, and he shows that his work hasn’t slowed down over time. His work advances, and his embroidered canvases have a well-defined and strong level of identity. Espinoza managed to surprise us with an innovative technique, and since he was a child, he has known how to feed his passion through drawing, which encouraged the restless kid in search of more learning experiences. He makes embroidered paintings, or perhaps painted embroideries. A tag would simply be putting a name on that which shines from his work and leaves us fascinated and anxious to see his next series.

Angela en el avi贸n, 2015, bordado sobre tela, 73 x 92 cm.

144 . 145

Chile | Chile Fotografía | Photography

Cementerio de Punta Arenas I, 2015, fotografia digital, 90 x 60 cm.

Pablo Valenzuela Vaillant Instantes de una geometría natural y humana Moments of natural and human geometry Sus fotografías son una dosis de realidad abstracta, una mirada personal que se presenta en forma de sensaciones. Son una expresión geométrica de lo humano y lo natural. Son segundos únicos que vibran en lo más profundo de cada imagen que captura.

His photographs are a dose of abstract reality. They are a personal stance that is presented in the form of feelings. They are a geometric expression of humanity and nature. They are unique moments that tremble in the depths of each image that he captures.

Por Camila Londoño. Periodista (Colombia). Imágenes cortesía del artista.

Cementerio de Punta Arenas II, 2015, fotografia digital, 90 x 60 cm.

Su carrera como fotógrafo se inició cuando era un estudiante de ingeniería civil y, casi tres años después de haberse titulado de esta carrera, tomó la arriesgada y acertada decisión de dedicarse de lleno a la fotografía. Este es su medio para dar a conocer y poner en valor el patrimonio natural de su país, lo que evolucionó con el paso de los años, pero no cabe duda que Chile era y sigue siendo para él una fuente de inspiración. La especial estructura geográfica hacen que este alargado territorio sea muy especial de recorrer y fácil de abordar. Sobre todo por el extremo sur patagónico lineal, con sus bosques, montañas, hielos, y el extremo desértico norte, con sus altiplanos y amplio cielo. Pero no solo los paisajes lo inspiran y motivan, las personas que lo habitan también han sido parte clave de su obra.

His career as a photographer started when he was studying civil engineering and then, almost three years after graduating, he took the daring and wise decision to fully devote himself to photography. This is his means to make the natural heritage of his country known and add value to it, which evolved over the years. However, there’s no doubt that Chile was and is still a source of inspiration for him. The special geographic structure makes this long country very special to travel within and easy to approach. Above all, in the linear southernmost part of Patagonia with its forest, mountains, glaciers and the northernmost desert with its high plateaus and ample skies. But it isn’t just the landscapes that inspire and move him, the people that inhabit them have also been a key part of his work.

La belleza para él, es un factor inspirador y fundamental; la belleza entendida como un instante que se percibe a través de una mirada personal, que se transforma en la interpretación de un momento único que pasó como un giro en la historia, sin intervenciones artificiales. Sus imágenes reales, pero no muy obvias son un regalo del paisaje, del segundo.

Beauty, for him, is an inspiring and fundamental factor; beauty is understood as a moment that is perceived through a personal viewpoint that becomes the interpretation of a unique moment that happened like a turning point in history, without artificial interventions. His real, but not obviously real, images are a gift from the landscape, a gift from the moment.

ablo Valenzuela Vaillant se inició escalando montañas. Conectarse con la naturaleza desde las alturas y otros rincones, le entregó la posibilidad de generar un sólido y trascendental vínculo con los vastos y variados territorios chilenos. Se enamoró de su tierra, tanto, que decidió capturarla de una forma extraordinaria, pero llegar a entender y retratar a Chile, fue un proceso que construyó paso a paso, tal como se sube una montaña.

ablo Valenzuela got his start by climbing mountains. Connecting with nature from high above and other corners of Chile provided him with the chance to create a solid and an essential link with the vast and assorted terrains in Chile. He fell in love with its land so much that he decided to capture it in an extraordinary way, but coming to understand and photograph Chile was a process that he built one step at a time, just like when you climb a mountain.

Cementerio de Punta Arenas III, 2015, fotografia digital, 90 x 60 cm.

Al comienzo de su carrera presentó una mirada documental-ambientalista; más tarde, en series como Paisaje Minimalista, Chile Blanco, Texturas y Patrimonio, la forma de ver y presentar los espacios, es menos obvia. Lo abstracto en su trabajo entró a jugar un papel muy importante en sus historias fotográficas. A partir de la geografía, la materia, la textura y las líneas, empezaron a surgir instantes de una realidad que se aleja de las grandes vistas y paisajes, pero que no ignoran el amor por la tierra chilena. Abandonó la amplitud para concentrarse en lo mínimo, sin dejar de reflejar momentos reales y trascendentales, segundos de profunda inspiración íntima que se presentan como una geometría de un paisaje natural y humano.

At the beginning of his career, he had a documentary-environmentalist standpoint in series like Paisaje Minimalista, Chile Blanco, Texturas, and Patrimonio. His way of seeing and presenting the spaces is less obvious. What is abstract in his work came to play a very important role in his photographic stories. Based on the geography, material, texture and lines, moments started to arise from a reality that is distant from the huge sights and landscapes, but that don’t ignore his love for Chile’s land. He abandoned space to focus on minimalism, while still reflecting real and important moments, seconds of profound and intimate inspiration that are presented as the geometry of a natural and human landscape.

Pablo viene de la escuela análoga, sin embargo, su trabajo desde el 2011 es cien por ciento digital, así sin importar su técnica o formato, ha logrado retratar un paisaje que se compone de planos cerrados, arquitectura, rostros e infinitas sensaciones. A través de los elementos que le entregan el paisaje y el momento, busca construir nuevas imagenes.

Pablo’s origins are in analogue photography; however, his work has been one hundred percent digital since 2011. No matter his technique or medium, he has managed to photograph landscapes that are made up of closed planes, architecture, faces and infinite sensations. Through the elements that give him the landscape and the moment, he seeks to construct new images.

De los camposantos

From churchyard

Con respecto a los cementerios, Pablo asegura ser un enamorado de estos espacios a los que muchos les temen. De hecho, en su larga carrera como fotógrafo ha conocido muchísimos a lo largo de Chile. Aquellos escondidos en las recónditas quebradas del Norte Grande y los más pequeños cementerios en la Tierra de Fuego. Dentro de toda la lista, el de Punta Arenas, reconocido por su gran belleza, siempre le llamó la atención. Lo

Regarding cemeteries, Pablo claims to be a fan of those spaces that many are afraid of. In fact, in his long career as a photographer, he has been to many throughout Chile. Those hidden in the distant ravines in the Great North and the small cemeteries in Tierra de Fuego. Among all of them on the list, the one in Punta Arenas, which is known for its great beauty, has always caught his attention. He went there more than

Cementerio de Punta Arenas IV, 2015, fotografia digital, 90 x 60 cm.

conoció hace más de 20 años y desde ese entonces, cada vez que viaja a esta mágica ciudad, visita el lugar.

20 years ago and since then, each time that he travels to that magical city, he visits the cemetery.

Punta Arenas es una ciudad de inmigrantes provenientes de muchos rincones europeos. Se pueden apreciar entonces, inscripciones que cuentan historias maravillosas de una larga lista de personas con apellidos de origen croata, inglés, alemán, entre muchos otros. Este hecho captó sin duda alguna la atención del fotógrafo, pues refleja el interesante origen y patrimonio histórico y cultural de esta ciudad, donde yacen muchísimas personas que un día llegaron de tierras muy lejanas.

Punta Arenas is a city of immigrants from many corners of Europe. Here you can see inscriptions that tell wonderful stories of a long list of people with Croatian, English, and German surnames, among many others. This fact undoubtedly caught the attention of the photographer, since it reflects the interesting origin and historical and cultural heritage of that city, where many people who once came from faraway lands lie.

Además de este hecho ligado a las historias del lugar, la particular estética del cementerio, sus avenidas de cipreses cuidadosamente podados y las espectaculares formas de mausoleos y tumbas, lo han encantado por completo. El contraste entre el blanco de las construcciones y el verde oscuro de los árboles, las formas geométricas, las líneas, las luces y sombras, han resultado, desde un punto de vista artístico, un hecho bastante inspirador para él. Esta serie que se muestra en particular, surgió después de varios días de haber recorrido hasta el último rincón, desde el amanecer hasta el atardecer.

Apart from this fact linked to the history of the place, the artist has always loved the particular aesthetic qualities of the cemetery and its avenues with carefully pruned cypress trees and the spectacular forms of mausoleums and tombs. The contrast between the whiteness of the buildings and the dark green of the trees, the geometric forms, the lines, the lights and shadows, have turned out to be, from an artistic point of view, quite inspiring for him. This series that is exhibited in particular, emerged after several days of exploring everywhere from sun up to sun down.

Este sensible espectador de paisajes ya lleva años viajando, deleitándose con los espacios, subiendo montañas, recorriendo inmensos valles, esperando momentos, amaneceres y atardeceres detrás de los cuales se esconden lugares y personas cargados de recuerdos e historias muchas veces invisibles. Historias que han desembocado en miles de sublimes e inspiradoras fotografías que invitan a hacer parte de ellas de una manera profunda.

This profound spectator of landscapes has already spent years travelling and enjoying spaces, climbing mountains, traversing immense valleys, waiting for moments, daybreak and sundown. In these experiences lie places and people that are loaded with often unseen memories and stories. Stories that have resulted in thousands of sublime and inspirational photographs that invite you to become part of them in a profound manner.

/Art Lovers Linkers Thinkers Makers Shakers /Art Toronto 2015 Canadaâ&#x20AC;&#x2122;s international fair for modern and contemporary art

October 23-26 PRESENTING SPONSOR

Opening Night Preview Thursday, October 22

Art Toronto Metro Toronto arttoronto.ca Convention Centre

OFFICIAL ART INSURER

OPENING NIGHT PREVIEW PARTNER

OFFICIAL VISUAL ART MEDIA PARTNER

ONLINE PREVIEW PARTNER

1-6.12.2015 1-6.12.2015 1-6.12.2015 1-6.12.2015

SCOPE-ART.COM SCOPE-ART.COM SCOPE-ART.COM SCOPE-ART.COM

ART RIO