Revista N 78 by Arte al Límite

Portada: Renato Dib Ryan Gander Anish Kapoor Joseph Klibansky Ljubodrag Andric Marcus Lyon

Editorial

Mayo y Junio son dos agitados meses para ambos hemisferios. Desde Latinoamerica hasta el norte de europa, las ferias de arte son un eje que mueve al mundo del arte.

May and June are both rough months to the world’s hemispheres. From Latinoamerica to the North Europe, art fairs are the central axis that move the world related to arts.

Hace 25 años, en Buenos Aires, se plantearon el gran reto de crear una feria que sea importante a nivel mundial. Hoy, esta ciudad , produce la edición número 25 de la feria ArteBa. Con más de 50 galerías, latinoamericanas y del resto del mundo, distribuye su organización espacial en 6 sectores donde se mostrarán galerías y espacios únicos para artistas, editoriales, foros abiertos y una sección destinada al aniversario de la feria. Todo esto entre el 19 y 22 de mayo, finalizando el otoño en nuestra región.

25 years ago, in Buenos Aires, it was planned a big challenge: to create an art fair with a global importance. Today, this city brings the 25th edition of ArteBa fair. With more than 50 galleries (Latinoamerican and the rest of the world), the fair distributes the spatial organization in 6 areas where will be show galleries and single places to artists, editorials, open forums and a section related with fair’s anniversary.

El verano en el hemisferio norte trae consigo muchas actividades. Junio, se impone nuevamente como un mes de vital importancia para las artes visuales pues se realiza la feria más grande del mundo Art Basel, en Basilea, Suiza. Durante seis días las calles de la ciudad se llenaran de galeristas, artistas, coleccionistas y otros personajes del mundo del arte.

Summer in the North hemisphere brings several activities. June is an important month in terms of visual arts because the biggest art fair in the world, Art Basel, is showed in Basel, Switzerland. During six days, the streets of the city will be full of gallerists, artists, collectors and more people related with the world of arts.

En su edición número 46, la feria sorprenderá con más de 280 galerías y 4 mil artistas de diversas partes del mundo, en un espacio que se divide en 8 sectores, incluyendo pintura, escultura, instalaciones, videoarte, impresiones, fotografía y performances en directo. Pero no solo Art Basel se encarga del arte en Suiza, también están las ferias Liste, Volta y Scope, demostrando el variado panorama con el que cuenta el norte para el cambio de estación.

In the 26th edition, the fair will showed more than 280 galleries and 4,000 artists of different parts of the world, in 8 areas that includes: painting, sculpture, instalations, videoart, printing, photography and performances. But Art Basel isn’t the only art fair in Switzerland. Also, it will be the Liste, Volta and Scope art fairs, showing the several events realized in the North hemisphere in the change of season.

En nuestra edición n° 78, la Pintura ha salido de su rol protagónico. Aun así contamos con artistas que nos presentan su trabajo, como Mateo Liébana y Paula Swinburn, con una obra figurativa o absolutamente abstracta, llenan de color y vitalidad muestras páginas; mientras que el dibujo, de la mano de Jonathan Ardon y Natalia Revilla, se acerca al realismo, al recuerdo y a lo latinoamericano. Pero la instalación, la fotografía y escultura son las que agarran los puntos centrales. Con las impresionantes obras de Anish Kappoor, Joseph Klibansky, Ryan Gander y Renato Dib, los artículos se vuelven conceptuales, analíticos, y grotescos en sus relaciones. Mientras que Marcus Lyon, llena los espacios fotográficos de personas, autos o patrones; Martiza Caneca y Ljubodrag Andric, muestran realidades despobladas, la ausencia, ese detener del tiempo que nos deja atónitos.

In the 78th edition, painting wasn’t part of an important role. However, there are artists that show their artworks, for example: Mateo Liébana and Paula Swinburn show figurative or abstract paintings, full of color and vitality, to decorate our pages. On the other hand, drawing is close to the realism, the memories and the Latinoamerican features, with Jonathan Ardon and Natalia Revilla. Articles have turned conceptual, analytical and odd with the amazing artworks of Anish Kappoor, Joseph Klibansky, Ryan Gander and Renato Dib. Also we have the artist Marcus Lyon, who fills the photographic spaces with people, cars or patterns, or Maritza Caneca and Ljubodrag Andric, showing lonely realities, the absence, this way of “stop the time” that make us to be astonished.

Ana MARÍA MATTHEI Directora | Director

Colaboradores / Contributors

demetrio paparoni

SANDRA FERNANDEZ

Juan Pablo Casado

DANIEL G. ALFONSO

Crítico y Curador de Arte | Art Critic and Curator Italia | Italy

Periodista | Journalist Colombia| Colombia

Periodista | Journalist Chile | Chile

Historiador del Arte | Art Historian Cuba | Cuba

Nació en 1954, en Siracusa. Fundó la revista de arte Tema Celeste y la Casa Editorial Homónima. Es curador y crítico de arte. Ha realizado numerosos documentales para Rai Educational. Colabora con ArtChina (Shanghai) y Arte Al Límite.

Nació en Bogotá, desde donde se dedica a la escritura y al periodismo cultural, trabajó en la revista Cartel urbano, colaboradora de la revista Inkult Magazine y voluntaria en Espacio Odeón de Bogotá.

Licenciado en Bachillerato en Humanidades y periodista UC especializado en prensa escrita. Hoy preparando la defensa de tesis en Literatura Hispánica en la misma universidad. Amante de las artes y próximo escritor.

Es editor y redactor de la Revista ArteCubano SelloArteCubano. Practica la crítica de arte en diversas publicaciones y fue curador de diversas exposiciones en la duodécima Bienal de La Habana, Cuba.

Born in 1954, Siracusa. He founded the art magazine Tema Celeste and the homonymous publishing house. He has developed several documentaries for Rai Educational. He is a contributor for ArtChina (Shanghai) and Arte Al Límite.

Born in Bogotá,. I studied at the Universidad Central de Colombia. Art and culture lover. I have published in the magazine Cartel Urbano in Colombia, the digital magazine Inkult Magazine, and I am a volunteer in the cultural center Espacio Odeón in Bogotá

Graduated in Humanities Bachelor’s degree and journalist of UC specialized in print media. He is preparing his thesis defense in Spanish Literature at the same university. He is a lover of the arts and coming writer.

He works as editor and writer from ArteCubano SelloArteCubano magazine. He makes art critics in many publications and was curator of many displays on the 12th La Havana Biennial, Cuba.

Javiera romero

natalia vidal

Francesco Scagliola

francisca castillo

Peridista | Journalist Chile| Chile

Licenciado en Letras y Filosofía | Letters and Philosophy graduate Italia | Italy

Historiadora del Arte | Art Historian Chile | Chile

Nació en 1989 en la región de Coquimbo. Estudiante de Comunicaciones en la P. Universidad Católica de Chile. Cantante y guitarrista de la banda de rock experimental Va la paloma y artista autodidacta

Nació en Santiago de Chile en 1990, ciudad donde reside actualmente. Estudió en la Pontificia Universidad Católica, y es directora de La Plumería, Letras. Colabora permanentemente en la revista de Arte Al Límite.

Nació en Bologna en 1985. Actualmente reside en Santiago de Chile. Estudió en la Universidad de Bologna, y Periodismo en la Universidad de Parma,posee un Master en Periodismo Cultural en la Universidad CEU San Pablo de Madrid.

Actualmente cursa un Doctorado en Artes, con mención en Arte Latinoamericano Contemporáneo. Su trabajo se ha concentrado en la investigación histórica-estética, crítica y diversos artículos para variados medios.

She was born in 1989 in the Coquimbo Region. Student of Communications at the Universidad Católica de Chile. Singer and guitarist for the experimental rock band Va la Paloma and self-taught artist.

She was born in the year 1990, Santiago, city where she currently lives. She studied at the Pontificia Universidad Católica de Chile, and directs La Plumería Letras. She’s a permanent contributor for Arte Al Límite magazine.

Born in Bologna, 1985. He currently lives in Santiago, Chile. He studied at the Universidad de Bologna and Journalism at the Universidad de Parma. He has an MA in Cultural Journalism at the Universidad CEU San Pablo, Madrid.

At present, she is attending to a PhD in Arts with mention in Latin American Contemporary Art. Her work has been focused on historic-aesthetic research, critique and many articles for various media.

nadia paz

Gonzalo Medina

leticia abramec

Lucía rey

Peridista | Journalist Argentina | Argentina

Periodista | Journalist Chile | Chile

Licenciada en Ciencias de la Comunicación Social | Social Communication Studies graduate Argentina | Argentina

Teória del arte | Art Theorist Chile | Chile

Nació en 1986, en Buenos Aires donde actualmente reside. Licenciada en Ciencias de la Comunicación de la Universidad de Buenos Aires y Artista Plástica, es discípula de Anna Rank y curadora de arte. Escribe notas para distintos medios.

Es Licenciado en Com. Social y Periodista. Ha realizado investigación en semiótica y en el área de periodismo cultural. Actualmente cursa un Diplomado en Gestión Cultural en la Universidad de Chile.

Nació en Buenos Aires, en 1985, ciudad donde reside. Sus estudios profesionales, los realizó en la Universidad de Buenos Aires. Es redactora, productora de arte y medios de comunicación. Además, colaboradora de Arte Al Límite.

Docente, teórica y crítica del arte, miembro de CIELA (Cto de investigaciones estéticas latinoamericanas de la Facultad de Arte U. Chile), Artista de performance. Actualmente reside en Santiago de Chile.

She was born in 1986, Buenos Aires, where she currently lives in. She has a degree in Communication Studies at the Universidad de Buenos Aires. She’s a visual artist, disciple of Anna Rank, and an art curator. She writes articles for several press media.

He has a Bachelor degree in Social Communication and Journalism. He has conducted academic research in semiotics and research in cultural journalism’s area. He attends to a Diploma in Cultural Management.

Born in 1985, Buenos Aires, city where she currently lives. She received her professional education at the Universidad de Buenos Aires. She’s an editor, art and communication media producer. Also, contributor for Arte Al Límite.

Te a c h e r, a r t t h e o r i s t a n d critic, member of CIELA (Latin American aesthetics research center of the Facultad de Arte U. Chile), artist of performance. Currently, she lives in Santiago de Chile.

FRANCISCA MEDINA

florencia ortolani

daleysi moya

luciana acuña

Periodista | Journalist Chile | Chile

Crítica de Arte |Art critic Argentina | Argentina

Curadora y crítica de arte | Curator and Art critic Cuba | Cuba

Historiadora del Arte y Curadora. | Art Historian and Curator Argentina | Argentina

Nació en 1989, en Santiago de Chile, donde reside actualmente. Estudió artes visuales y luego se tituló de periodismo en la Universidad Diego Portales, cursando un semestre de profundización en Barcelona.

Nació en Neuquén, en 1982. Actualmente reside en Buenos Aires. Es Profesora de Bellas Artes y bloggera en El Kiosko de arte. Ha publicado en Ramona, Arte Críticas, La Voz Joven y diversos medios de prensa en Argentina.

Nació en 1985, en La Habana. Es licenciada en Historia del Arte, ejerce como curadora y crítica de arte. Ha trabajado en importantes galería cubanas, y es parte del equipo curatorial del Proyecto F5.

Nació en Buenos Aires, en 1977. Estudió Bellas Artes en la Universidad Nacional de La Plata, y luego en la Universidad del Museo Social Argentino. Es redactora de contenidos y docente de Arte Latinoamericano.

She was born in 1989, Santiago, Chile, where she lives now. She studied Visual Arts and then she obtained her Journalism degree in Diego Portales University. While studying Journalism, she went to Barcelona for one semester in order to study that area deeply.

Born in Neuquén, 1982. She currently lives in Buenos Aires. She’s a Fine Arts teacher and blogger at El Kioso de arte. She has published in Ramona, Arte Críticas, La Voz Joven and several press media from Argentina.

She was born in 1985 in Havana. She has a degree in Art History, serves as curator and art critic. She has worked in important Cuban galleries, and is part of the curatorial team of Proyecto F5.

Born in Buenos Aires, 1977. She studied Fine Arts at the Universidad Nacional de La Plata, and afterwards, at the Universidad del Museo Social Argentino. She’s a copywriter and Latin American Art teacher.

Sumario / Summary

DIRECTORES Ana María Matthei Ricardo Duch DIRECTOR COMERCIAL Cristóbal Duch DIRECTORA DE ARTE Catalina Papic PROYECTOS CULTURALES Camila Duch EDITORAL LIBROS Kristell Pfeifer EDITORA Elisa Massardo DISEÑADORA GRÁFICA Monserrat Reyes PERIODISTA Natalia Vidal Toutin ASESORES Leo Prieto Benjamín Duch Jorge Azócar REPRESENTANTES INTERNACIONALES Alfredo Ginocchio (México) Julio Sapollnik (Argentina) jsapollnik@gmail.com Manuel Munive (Perú) manuelmunive@yahoo.es REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón TRADUCCIÓN INGLÉS Sofía Camus Jonathan Anthony TRADUCCIÓN ITALIANO Francisca Castillo SUSCRIPCIONES 56 2 2955 3261 suscripciones@arteallimite.com IMPRESIÓN A Impresores DIRECCIONES Chile / Francisco de Noguera 201 Providencia, Santiago de Chile. www.arteallimite.com VENTA PUBLICIDAD 56 2 2955 3261 info@arteallimite.com marketing@arteallimite.com Derechos reservados Publicaciones Arte Al Límite Ltda.

@arteallimite2 Portada: Renato Dib “Air Embroidery”, 2015. Foto: Gui Morelli

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@arteallimiterevista

14 Renato Dib Órganos vivos en la ligereza del aire Live organs in the lightness of the air

Ljubodrag Andric

Natalia Revilla

La ralentización del espacio Slowing down a space

Entre recuerdos y política

Between politic and memories

100

Joseph Lee

Maritza Caneca

El arte como pensamiento Art as thought

Capturando atmósferas Capturing ambiences

104

Ana Vidigal

Daniel Diaz-Tai

Cirugías mnémicas para el olvido Mnemonic Surgeries for Oblivion

Conversaciones desde el subconsciente Conversations from the subconscious

110

Diana Drews

Ryan Gander

Objetos conceptuales que cuentan historias reales Conceptual objects that tell real stories

50 Marcus Lyon La fotografía como realidad y ficción Photography as reality and fiction

58 Jonathan Ardon Naturaleza plástica y deforme Deformed and artistic nature

Lecturas Posibles Possible readings

116

Ashleigh Sumner Entre el pop y lo urbano; la impresión y la manualidad Between pop and street; printing and manual arts

122 Paula Swinburn

Comunicando en silencio Communicating in silence

128

Michael Williams

Anish Kapoor

Posibilidades infinitas Infinite possibilities

Anish Kapoor & Rembrandt Anish Kapoor & Rembrand

132

Mateo Liébana

Felipe Riesco

El camuflaje perfecto The perfect camouflage

Los vaivenes de un inconsciente suspendido The ups and downs of suspended unconscious

138

Joseph Klibansky

Sipho Mabona

Una cosa y su esencia A Thing and Its Essence

Las esculturas sentidas Heartfelt sculptures

144

Kristin Bauer

Mario Mogrovejo

Escultura poética y percepción cognitiva Poetic sculpture and cognitive perception

La democracia de la pintura The democracy of paiting

14 . 15

Brasil | Brazil Artista Multidisciplinar | Multidisciplinary Artist

Renato Dib Órganos vivos en la ligereza del aire LIVE ORGANS IN THE LIGHTNESS OF THE AIR Objetos en sitio forman tejidos dilatados por las constantes emociones que se suspenden en el aire como si tuvieran alas, con texturas y tonalidades propias a la carne, a ese rojo vibrante y vivo que constituye la formación de un individuo. Una visión emotiva hacia el interior se hace posible en las piezas hechas con telas que realiza el artista brasileño Renato Dib. On-site objects form tissues that are spread out through the incessant emotions that suspend them in the air, as if they had wings, with flesh-like textures and tones, that vibrant and intense red that forms an individual. This enables an emotional inward view through Brazilian artist Renato Dib’s textile-based pieces.

Por Sandra Fernández. Periodista (Colombia). Imágenes cortesía del artista.

De izquierda a derecha:Membrana-Trama, 2015, telas variadas, 350x350x350cm. Corpo-Peneira na poltrona, 2015, telas variadas,75x90x100cm. Corpo-Peneria na parede, 2015, telas variadas 250x250x250cm. Varal-Sepente, 2015, telas variadas,280x50x160cm. Foto: Pedro Victor Brand達o.Todos en Casa Juisi/Phosphorus en San Pablo - Julio 2015.

u exploración en el arte inicia con la pintura, los colores, la composición y el uso de la luz implementadas en sus obras. La representación de sus sentimientos lo llevaron a traspasar la capa del lienzo para iniciar una búsqueda hacia su propio arte, mientras que en su interior encarna las texturas y los objetos: “Yo soy una persona introspectiva. El arte es una buena manera de estar en contacto conmigo mismo, con el misterio que hay en mi interior”, comenta Dib al indagar sobre sus inicios en esta disciplina. El artista recalca que ha sido una de las maneras casi perfectas de descubrimiento, iniciando con la pintura y luego instaurándolo en las telas y bordados.

is exploration in art began with painting, color, composition and light usage in his pieces. Depicting his feelings led him to go beyond the canvas in order to begin a search towards art he could call his own, while internally embodying textures and objects: “I am an introspective person. Art is a good way of being in contact with myself and the mysteries that lie within,” comments Dib as he delves into his beginnings in this discipline. The artist emphasizes that beginning with painting and later getting started in textiles and embroidery has been an almost perfect path towards discovery.

El reencuentro con los objetos empieza cuando en el lienzo de sus pinturas pega algunos pedazos de tela, y así el lienzo se convierte en una composición de tela sobre tela, en la que después Renato Dibs, en vez de pegar con algún pegamento, empieza a coser sobre el lienzo. Exploración que lo llevó a la construcción con tonos carmesí y a experimentar las texturas que se relacionan con la creación, los animales y seres humanos, las mismas que encuentra nen las telas, algunas delicadas y suaves, otras pesadas y ásperas que empiezan a formar sus piezas artísticas.

Using objects started when he began to glue pieces of fabric to his canvasses; thus, turning the canvas into a fabric on fabric composition. Later, Renato Dibs started to sew onto the canvas instead of using glue. This exploration led him to crimson-colored constructions and experimenting with textures related to creation, animals, and human beings. They are the same constructions found in the canvases, some being delicate and smooth, others being heavy and rough, which start to form his work.

En el año 2010 realizó piezas hechas de seda, en su trabajo titulado Nó-Vê-Lo, una obra tan delicada que se entreteje a lo alto del techo, con transparencias y membranas curvilíneas, un tipo textil que viene de un capullo y que según el artista le recuerdan a las texturas de la piel humana. La finura de la seda forma un tejido de rasgos sensibles, piezas que el artista va reconociendo a través de las emociones y órganos que representa en otros trabajos de manera pesada, con ciertas texturas suaves que caen sin tocar el suelo como nubes de algodón.

In 2010, he made pieces out of silk, in his work titled Nó-Vê-Lo, a very delicate piece that weaves together a type of textile that comes from a cocoon, with transparent silk and curved membranes, to the top of the ceiling. According to the artist, it reminds him of the textures of human skin. The quality of the silk forms a delicate tissue. They are pieces that the artist gradually creates through the emotions and organs that he depicts in other work in a more powerful way, with certain smooth textures that fall without touching the floor like fluffy clouds.

Aparecen trabajos como Corpo-Peneira na Poltrona desarrollados en una residencia en Casa Juisi/Phosphorus en São Paulo, Brasil en 2015. En este proyecto se desarrollan algunas piezas en donde prevalece la idea de “soporte”, el cuerpo dialoga formando objetos que se convierten en órganos disfrazados de texturas animales, aparecen tonos verdes y telas estampadas enrolladas en medio del espacio, situados para colgarse desde el techo como si se tratara de órganos vivos a los que les hace falta respirar. Las obras in situ del artista proponen crear tejidos en las paredes en medio del suelo y generar sentimientos que adquieren forma.

There are pieces such as Corpo-Peneira na Poltrona which were made during his residency at Casa Juisi/Phosphorus in Sao Paulo, Brazil, in 2015. In this project, he created some pieces where the prevailing idea is the “support”. The body engages in a dialogue and forms objects which turn into organs disguised as animal textures. There are green tones and printed fabrics wrapped in the middle of the space, placed there in order to hang from the ceiling as if they were living organs lacking breath. The artist’s in-situ pieces set out to create tissues on the walls in the middle of the floor and bringing forth feelings that take shape.

Las emociones para el artista se convierten en la tesis de su obra, las que adheridas a la piel le dan cierta connotación de tocar, percibir para después sentir. Finalmente le da otro significado a la piel, un tejido que puede ser sensible, que puede romperse con facilidad pero que en ocasiones puede tratarse de un caparazón –como en el caso de los animales– el cual no deja que se asomen, desde su interior, las emociones y sentimientos alusivos a la susceptibilidad representados en objetos flotantes, suspendidos en el

For the artist, emotions turn into the thesis of his work, which, against the skin, give off a certain implication of touch, seeing and then feeling. They end up giving skin a new meaning, a textile that can be felt, that can be easily broken down, but that occasionally can be like a shell –such as in the case of animals– which doesn’t allow inner emotions and feelings alluding to the susceptibility portrayed in floating objects, suspended in the air, to be seen. According to

Varal-Sepente, 2015, telas variadas, 280x50x160cm. Foto: Pedro Victor Brand達o

Corpo-Peneria na parede, 2015, telas variadas, 250x250x250cm. Foto: Pedro Victor Brand達o.

De izquierda a derecha: Air Embroidery: Drops, 2013, objeto en tejidos, 130 x ø23cm Air Embroidery: Tooth, 2013, objeto en tejidos – 215 x ø42cm Air Embroidery: Expand, 2014, objeto en tejidos – 215 x ø40cm Fotos: Gui Morelli.

aire que según el artista, al trabajar con telas tan ligeras y suaves, siempre necesitan un soporte para vencer la gravedad.

the artist, when you work with fabrics so light and smooth, they always need some type of support to overcome gravity.

Sus obras son objetos determinados en un sitio, en una habitación que se imagina como el cuerpo o en medio de una calle tratando de salir para no ahogarse en el encierro. Son extensiones de telas amorfas, queriendo representar un órgano vital que –al estar suspendidas en el aire– reflejan ser parte del cuerpo. Las piezas del artista brasileño navegan por el interior del organismo para formar sus órganos, sus tejidos, los mismos que componen aquellas emociones que desde su perspectiva, adquieren un estado sólido y se determinan entre el suelo y el aire.

His pieces are objects that are determined on site, in a room that is pictured as the body or in the middle of a street while trying to find his way out in order to not suffocate in the confinement. They are extensions of formless textiles that hope to depict a vital organ which –upon being suspended in the air–reflects being part of the body. This Brazilian artist’s pieces navigate within the organism in order to form its organs and tissues; the same elements which form those emotions which, from his perspective, take on a solid state and are determined between the ground and air.

Si se trae a colación la representación de los tejidos aparece su proyecto titulado Air Embroidery - Bordados no Ar, que parten de tejidos que forman alguna especie de piel, y en los cuales aparecen capullos, pieles de serpientes, la estructura de un diente hecho en tela y muchas más experimentaciones de tejidos que podrían hacerse a partir de las telas.

If the depiction of the textiles is taken into account, we can see his project titled Air Embroidery -Bordados no Ar, which is based on textiles that form some kind of skin. In them, there are cocoons, snake skins, the structure of a tooth made out of fabric, and many more experimentations with textiles that could be made from fabric.

Extraes el interior del cuerpo humano y lo representas de manera bella y singular ¿Qué significa para ti el cuerpo?

You take the inside of the human body and you depict it in a beautiful and singular way. What does the body mean to you?

Somos nuestros cuerpos. Yo creo que el universo de elementos está en nuestro interior, es nuestro campo de batalla todos los días, es la cúpula de placer. A veces me siento como uno de esos antiguos profetas que pretendían ver el futuro dentro de las vísceras animales, incluso cuando pienso en nuestra piel y en nuestra frontera exterior. Recopilamos tantas marcas a lo largo de nuestra vida que parecen ser dibujos.

We are our bodies. I believe that the universe of elements is within us, it is our battlefield every day, it is the pleasure dome. Sometimes, I feel like one of those ancient prophets who used to claim to see the future within animal entrails, even when I think about our skin and our external border. We compile so many marks and scars throughout our lives that they look like drawings.

¿Por qué hacer una representación de los órganos del cuerpo humano?

Why to depict organs from the human body?

Eso es lo que está dentro de cada ser humano, sin embargo, es desconocido para nosotros, para las personas comunes. No es únicamente la representación de los órganos, es más como personificaciones de los sentimientos. Se relacionan con muchas otras formas de flores, plantas, células, nidos, cáscaras, estrellas, todo entrelazado.

That is what is within each human being; however, it is unknown to us, to ordinary people. It isn’t only the depiction of organs, it is more like the personification of feelings. They are related to many other forms of flowers, plants, cells, nests, shells, stars, everything is intertwined.

¿Cómo empieza a asociar el bordado con los tejidos humanos?

How did you start associating embroidery to human tissues?

Los tejidos humanos son como los tejidos de tela y el tejido es alguna construcción hecha de hilo. El hilo es una línea, como las líneas de la mano, las líneas del destino.

Human tissues are like woven fabrics, and fabric is some construction made of thread. Thread is a line, like the lines in your hand, like lines of destiny.

Se podría decir que tus obras se desarrollan site-specific ¿Qué papel juega el espacio en su trabajo artístico?

Could you say that your work is site-specific? What role does the space play in your artwork?

Nosotros vivimos en espacios, nuestra casa es nuestro asilo, nuestra ropa también es nuestro refugio. Somos suaves y blandos, nuestros órganos son cálidos y alrededor estamos teniendo una relación fuerte, recta y fría la mayoría de las veces. Es muy interesante explorar estos contrastes, como se pueden ver en Membrana-Trama o Soft-Corner.

We live in spaces, our home is our asylum, and our clothes are also our refuge. We are smooth and soft, our organs are warm and around them we usually have a strong, straightforward and cold relationship. It is very interesting to explore these contrasting ideas, as we can see in Membrana-Trama or Soft-Corner.

N贸-v锚-Lo, 2010, 12 paneles em seda, 250x140cm. cada uno. Foto: Gui Morelli.

22 . 23

Italiana - Canadá | Itally- Canada Fotografía | Photography

Ljubodrag Andric La ralentización del espacio Slowing down a space El suspenso en la mirada puede llevarnos a múltiples lecturas o significados que no se acercarán jamás a la sencillez de un solo término. Un muro, algo que ha cruzado al hombre y a la historia, es el centro en el trabajo de Ljubodrag Andric, quien a través de una obra minimalista logra una composición homogénea, real o irreal y, sin duda, compleja. The suspense within a gaze can lead us to various interpretations or meanings which could never be explained by the simplicity of a single term. A wall, something which has crossed man’s path as well as history’s, is the centerpiece of Ljubodrag Andric’s work, who creates uniform, real or unreal and undoubtedly complex compositions through minimalist work. Por Elisa Massardo. Lic. en Historia y Estética (Chile). Imágenes cortesía del artista.

n la historia de las sociedades se ha hablado innumerables veces sobre la importancia de los muros. Desde la muralla China hasta las murallas virtuales, que actualmente se crean para impedir el conocimiento en algunos países, hay una evidencia clara del no querer conocer, no querer ver, o hacer sencillamente que la gente no avance. El trabajo de Ljubodrag Andric es una fotografía de espacios, ya sea de aquellos cerrados en los que la perspectiva se aprecia gracias a las líneas de profundidad que recuerdan aquellos trabajos del Quattrocento; ya sea de aquellos abiertos que agarran muros, ubicándonos frente a ellos, frente al color y la textura de obras de gran formato.

hroughout the history of societies, the importance of walls has been discussed a myriad of times. From the Great Wall of China to virtual walls, which are now created to obstruct knowledge in some countries, there is clear evidence of not wanting people to learn, see, or simply advance. Ljubodrag Andric’s work consists of photographs of spaces, whether interiors where the perspective is seen thanks to deep lines that are reminiscent of work by a Quattrocentro artist; or open spaces that take walls and place us in front of them and in front of the color and texture of these large format works.

China 2, 2013, Inyecci贸n de tinta sobre papel liso Ultra Hahnemuhle, 134.62 x 101.6 cm.

La recolección de estos muros, la manera de atraparlos con la cámara y la edición son la forma de crear sus obras. A través de gente que conoce los países donde Andric transita, logra llegar al espacio perfecto. “Hay una semilla en esa imagen inicial, en esa imagen cruda. Esa semilla se convierte en una línea débil y frágil que se desarrolla a medida que trabajo en la imagen y no se interrumpe, tomando nuevos giros mientras procedo... La ‘composición’ inicial no es más que una limitación necesaria que permite que el trabajo se convierta. Sin constricciones habría caos o entropía. La falta de limitaciones finalmente equivale a una libertad de no hacer, en lugar de la libertad del hacer”, explica el fotógrafo, y desde aquí entonces podría comprenderse el porqué de los muros, el porqué de los límites y se podrían justificar una infinidad de situaciones en las cuales las reglas, las leyes, las restricciones se justifican, pero es aquí incluso donde la respuesta se hace aún más compleja. Una obra que se aleja de la simple interpretación, de aquella historia mal contada en la que lo sublime se vuelve esencial y la obra pasa a ser una comunicación, un medio hacia otros mundos. No, todo lo contrario, es la textura de la pintura descascarándose, es el encorsetamiento de vivir en un mundo caótico, lleno de límites y complejidades que nos impiden una libertad real, y donde la libertad se subentiende como la capacidad de compra, de acumulación de capital, de viajes o de superficialidades que nos alejan de la libertad de crear, de ese el suspenso del tiempo (suspenso, que podría recordarnos el tiempo del origen, suspenso que se puede trabajar como ese momento de estar en nuestro propio tiempo, el cual en palabras de Andric, es “el único real”). Ese tiempo que, como las murallas, se hace una tentación filosófica para la historiografía que se pregunta el por qué del antes y del futuro, por el deseo del ser humano de ser imperecedero, de

Selecting of walls, capturing them with his camera and subsequent editing and digital rebalancing is how he creates his work. Thanks to the people that he meets in the countries where Andric travels, he is able to get to the perfect place. “There is a seed in that initial, raw image. That seed becomes a faint and fragile line that develops as I work on the image and remains uninterrupted, taking new twists and turns as I proceed… The initial ‘composition’ is nothing more than a necessary constraint that allows the work to become. Without constraints there would be chaos, or entropy. Lack of constraints would eventually amount to a freedom not to do, rather than the freedom to do,” the photographer explains. Based on this, we can understand why he uses walls, why do limits exist. We can also justify an infinite number of situations in which the rules, laws and restrictions are justified, but it is here where the answer becomes even more complicated. The work moves away from ordinary interpretation, from that poorly told story where the sublime becomes essential and the piece is just a form of communication, a path towards other worlds. Rather, his work is quite the opposite. It is the texture of peeling paint, it is the restrictions of living in a chaotic world, full of limitations and complexities that keep us from real freedom, where freedom is understood as the ability to purchase, accumulate capital, travel or have superfluities that keep us away from the freedom of creating and thereby the suspension of time (suspension, which could remind us of the time of origin, suspension that could be used as that moment of being in our own time, which in the Andric’s words is “the only real one”). That time which, like the walls, becomes a philosophic temptation for the historiography which questions why, in regards to the past and the future, man wishes to be immortal and become eternal. Among

China 9, 2013, Inyecci贸n de tinta sobre papel liso Ultra Hahnemuhle, 134.62 x 101.6 cm.

mantenerse y hacerse eterno. Entre estos cuestionamientos, sobre los que la filosofía china también se ha preguntado, manteniéndose en el ahora como en el presente absoluto, como en ese momento donde el futuro y el pasado dejan de existir sólo por el ahora; en ese lugar, se encuentra uno frente al muro. En ese letargo que pareciera circular inevitablemente, en esa luz homogénea que saca a la imagen de realidad, en esa constricción natural, porque sí, la naturaleza también tiene muros.

Es acá donde la pregunta sobre los límites se hace impostergable. Si en la naturaleza existen, ¿por qué no crear un límite artificial? ¿por qué no hacer como China, Berlín o Estados Unidos con México? “En estas imágenes se suspende el tiempo, o al menos lo ralentizo hasta un grado que permite una claridad de visión. Mediante el establecimiento de una relación entre todos los elementos de la imagen a través del color y la luz, todo es necesario y no se impone al espectador”. Pero el tiempo ¿se vincula directamente al muro? El color intenso, la fuerte calidad de la imagen, ver, sentir, imaginar que la pintura de aquella impresión se está cayendo a pedazos, mientras la luz cubre cada espacio como si fuera igual al anterior. En una obra de dos metros de ancho por uno de alto frente al espectador, frente a aquella persona que transita por un espacio determinado, esperando... solo esperando ver algo que lo saque de la realidad cotidiana por un segundo, o que quizás lo deje en la nada, en el suspenso nuevamente. Un muro bruto. Es la pausa, ese paréntesis que vincula al tiempo con el espacio y que se conjuga en esta obra que carece de una lectura lineal y que en palabras del mismo artista, se aleja de la narrativa: “Nunca tuve la intención de hacer de la fotografía el medio apropiado para la narrativa: uno debería escribir un libro o hacer una película si la narrativa es el área de interés. Una imagen fija ofrece otras posibilidades que estos medios no tienen. Pero lo más importante, y aquí citaré a Gerhard Richter: ‘La teoría no tiene nada que ver con una obra those questions, which Chinese philosophy has also asked, we can stay in the now and in the absolute present, such as in that moment where the future and past give way to the now; in that place, one can find oneself in front of a wall. One can find oneself in that stagnation which seems inevitably circular, in that uniform light which extracts the image from reality, in that natural constriction, because nature also has walls. It is here where the question regarding limits becomes imperative. If they exist in nature, why don’t they create an artificial boundary? Why don’t they do like China, Berlin or the United States with Mexico? “in these images time is suspended, or at least slowed down to a degree that allows a clarity of vision. Establishing a relationship between all elements of the image through color and light, all is necessary and nothing imposes itself on the viewer.” But is time directly linked to the wall? The intense colors, the strong nature of the image, seeing, feeling, imagining that the paint of that print is falling apart, while light covers each space as if it were unchanging. In a piece that is 120 x 160 cm, in front of the viewer, in front of that person passing through a determined space, hoping… Just hoping to see something that he took from everyday reality for a second, or that perhaps he left in the middle of nothing, in suspension once again. A crude wall. It is a pause, that digression which links time to space and that comes together in this work which lacks a linear interpretation and which in the artist’s words gets away from the narrative: “I never intended photography to be the appropriate medium for narrative: one should write a book or make a movie if narrative is the area of interest. A still image offers other possibilities that these mediums don’t have. But most importantly, I will quote Gerhard Richter here: ‘Theory has nothing to do with a work of art. Pictures which are interpretable, and which contain

Beijing 1, 2015, Inyecci贸n de tinta sobre papel liso Ultra Hahnemuhle, 134.62 x 101.6 cm.

de arte. La pintura que es interpretable y que contiene un significado, es mala pintura. Una imagen se presenta como algo inmanejable, lo ilógico, lo sin sentido. Esto demuestra lo interminable en una multiplicidad de aspectos; aleja nuestras certezas porque priva a una cosa de su significado y de su nombre. Nos muestra las cosas en todo el significado y en la infinita variedad que impide la emergencia de cada significado y vista sencilla.’” Deleuze decía que la filosofía es la creación de los propios conceptos. De aquellos conceptos que circulan en un mapa, superficie o mejor dicho plano de inmanencia o planómeno, en el cual cada concepto -que es absoluto y relativo a la vez, por ser fragmentario- se rodea, se circunda, se vincula y se repele de los otros, en una construcción abstracta donde quizás, si pudiéramos ver, se apreciaría esta infinita variedad de significados, esta multiplicidad de lo cual nuestra era posmoderna ha hecho notar de manera constante. Esta multiplicidad de la cual Bob Wilson se aprovecha en sus óperas a través de un trabajo minimalista y de aparente repetición, en el cual: “la riqueza que tiene comienza con la eliminación de la narrativa, algo que hago, así aunque con medios completamente diferentes, por supuesto. Entonces la mente puede seguir las muchas cosas diferentes que son igualmente importantes en el escenario. Es hipnótico, mágico”, explica Andric sobre este genio del siglo XX que hizo cambios radicales en este complejo tipo de creación, que alguna vez intentó ser la obra de arte total. Muros que parecen planos, pero no lo son en ningún momento. Quizás ese soporte que atrapa múltiples significados o el plano aquel donde cada concepto se reúne. El minimalismo de la fotografía y de la imagen vinculado a un sinfín de preguntas. Un todo, que Andric explica como una necesidad de un tipo de simplicidad, “donde uno se siente real, presente, totalmente y donde un sentido de claridad infinita se manifiesta. Quizás eso es la magia”. Quizás esa es la magia que se encuentra frente a los muros o aquellos espacios cerrados, el misterio de una obra que por minimalista en la forma, se hace compleja en la realidad. a meaning, are bad pictures. A picture presents itself as the Unmanageable, the Illogical, the Meaningless. It demonstrates the endless multiplicity of aspects; it takes away our certainty, because it deprives a thing of its meaning and its name. It shows us the thing in all the manifold significance and infinite variety that preclude the emergence of any single meaning and view.’” Gilles Deleuze used to say that philosophy is the creation of concepts. From those concepts circulating a map, a surface or better said the plane of immanence or the planomenon, where each created concept is surrounded by, linked to and rejected by other concepts, in an abstract construction where perhaps, if we could see it, we would see that infinite variety of meanings, that multiplicity which our postmodern era has constantly noted. That multiplicity which Bob Wilson uses in his operas by means of an apparently minimalist work and repetition, in which: “The richness it has starts with the elimination of narrative, something I do as well although with completely different means, of course. Then, one’s mind can follow the many different things that are equally important, on the stage. It is hypnotic, magical,” explains Andric regarding this 20th century genius who made major changes in this complex type of creating, who once tried to be the complete work of art. Walls which look flat, but aren’t at all. Perhaps that is the medium which captures a variety of meanings or the plane of immanence where each concept cohabits. The minimalist quality of the photography and image is linked to an endless number of questions. An entirety which Andric explains as a necessity for a type of simplicity, where one feels real, present, fully, then, a sense of infinite clarity manifests itself. Perhaps that is what magic is. Perhaps that is the magic that is found in front of the walls or closed spaces, the mystery of a piece of art that is minimalist in the form but it turns complex in reality.

Miami 1, 2011, Inyecci贸n de tinta sobre papel liso Ultra Hahnemuhle, 134.62 x 101.6 cm.

EE.UU | USA Pintura | Painting

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Joseph Lee El arte como pensamiento Art as thought Luego de terminar la carrera de teatro en Indiana, Estados Unidos, Joseph Lee llegó a los estudios de Hollywood en búsqueda de un espacio en el mundo de la actuación. Después de dos años en los que interpretó pequeños roles y atendió de mesero en restaurantes de la zona, Lee ahorró el dinero suficiente para probar suerte en la pintura. Con trabajos para firmas como Nike, hoy el pintor de retratos ha alcanzado una autonomía que le permite vivir como artista en Norteamérica.

After studying theater in Indiana, United States, Joseph Lee came to the studios of Hollywood trying to find his space in the world of acting. After spending two years playing small roles and working as a waiter in restaurants in the area, Lee saved up enough money to try his luck in painting. With work for companies such as Nike, today this portrait artist has reached a level of independence that allows him to live as an artist in North America.

Por Juan Pablo Casado. Licenciado en Literatura (Chile). Imágenes cortesía del artista.

ampos y llanuras son los paisajes presentes en Indiana, ciudad natal de Lee. Su niñez y adolescencia transcurrieron en aquel lugar, en donde la agricultura es el principal medio de subsistencia. “La manera con la que mi familia me crío fue muy sencilla. Me enseñaron que lo realmente importante en la vida son las cosas simples. Esas son las bases de mi vida y de quién soy”, asegura el pintor, para quien buen artista es alguien consecuente con sus deseos, más allá del trabajo en el que se desempeñe “no importa si es un pintor o dibujante. Puedes encontrar arte en todo, si te conoces a ti mismo y persigues lo que de verdad quieres hacer para mi eres un verdadero artista”, concluye.

ields and plains are the landscapes that exist in Indiana, Lee’s birthplace. His childhood and adolescence took place there, where agriculture is the main means of livelihood. “My family raised me in a very simple way; they taught me that the simple things are what really count in life. Those are the foundations of my life and who I am,” states the painter, who thinks that a good artist is someone who is consistent with their desires, beyond the work that they are doing, “no matter if they are painting or drawing, you can find art in everything, if you know yourself and follow what you truly want to do. For me, that is a true artist,” he concludes.

Antes de encontrar la estabilidad en la pintura, pensamientos de duda inundaban la mente de Lee. Aunque en aquella época el teatro fue su refugio, el actor no se sentía cómodo con los roles que asumía. Lee se sentía perdido; buscaba algo pero no sabía qué. En la pintura encontró las respuestas. El artista halló una vía de escape a los problemas que lo inquietaban. Como si de meditación se tratara, el acto de pintar le permitió dejar de lado reflexiones que lo llevaban a lugares ajenos, a ideas fijas que finalmente terminaban por inmovilizarlo. “Pienso demasiado, el arte para mí es lo que me permite no pensar. Me gusta eso”, y agrega “seguiré haciendo retratos hasta que me aburra”.

Before finding stability in painting, Lee was overwhelmed with doubt. Even though at that time theater was his sanctuary, the actor didn’t feel comfortable in the roles that he took on. Lee felt lost. He was looking for something but he didn’t know what and he found answers in painting. The artist found a way to escape fom the problems that bothered him. Almost as if it were meditation, painting allowed him to put aside the thoughts which led him to distant places, to fixed ideas that ended up dying due to not acting on them. “I overthink things. For me, art is what allows me do not think. I like that,” and he adds, “I will keep doing portraits until I get bored.”

En rostro de Los Ángeles

The face of Los Angeles

Hollywood, centro del cine norteamericano. En este distrito de Los Ángeles, California, se reúnen actores en búsqueda de algún papel que los lance a la fama. Los más jóvenes subsisten interpretando roles secundarios en algún show o comercial; otros prefieren trabajar de garzones en uno de los bares ubicados en Beverly Hills, Long Beach o Compton. “Creo que las personas vienen aquí en la búsqueda de algo. Esta es una ciudad de gente que está muy perdida, incluyéndome a mí. Todos están tratando de encontrar su identidad”, asegura Joseph Lee, quien llegó esta ciudad en 2011, cuando se desempeñaba como actor, actividad que aún realiza.

Hollywood, the center of North American cinema. In this district of Los Angeles, California, actors gather in search of a role that will launch them into fame. The young ones survive by playing small roles on some show or commercial, others prefer to work as waiters in one of the bars in Beverly Hills, Long Beach or Compton. “I think that people come here looking for something, this is a city where people are very lost, including myself. They are all trying to find their identity,” says Joseph Lee, who arrived to this city in 2011, when he was working as an actor, activity that he’s still doing.

Su formación académica fue autodidacta. Desde niño comenzó a hacer dibujos de personas y objetos que lo rodeaban. Después de terminar teatro, empezó a pintar de manera independiente.“Creo que es muy importante

His formal education was self-taught; he started doing drawings of people and things that were around him when he was a child. After breaking away from theater, he started to paint independently, “I think it is very

Suarez, 2015, acrĂlico en panel de madera, 50.8 x 76.2 cm.

Next of Kin, 2015, acrĂlico sobre tela, 50.8x 50.8 cm.

JMB, 2015, tĂŠcnica mixta sobre tela, 91.44 x 121.92 cm.

crear mi propio estilo, mi propia identidad por ahora; más adelante me gustaría tener una formación más profunda para transformarme en un mejor artista”, dice Lee, quien espera estudiar arte en una universidad en el futuro.

important to create my own style, my own identity for now; someday I would like to get a more in-depth education in order to become a better artist,” says Lee, who hopes to study art in a university in the future.

De no haber estudiado teatro, cree que nunca habría llegado a la pintura,“En el teatro uno investiga emociones, individuos; por eso disfruto hacer retratos. Porque lo más fácil para mí es acceder al interior de otras personas”. Desde 2013 se define como pintor a tiempo completo. Para él no contar con una formación académica en arte le ha entregado una identidad propia a su obra, aunque admite que esta situación le hace difícil definir su estilo. Al principio sus bocetos eran más figurativos que abstractos; con el tiempo esta realidad cambió: “mientras más arte hacía comencé a dejar de lado esos límites, a crear mis propias reglas. Hoy mi obra está transformándose en algo distinto, más abstracto, pero aún me considero un artista figurativo”, declara.

He believes that he would have never discovered painting if he had not studied theater. “In theater, you investigate emotions, individuals; that is why I enjoy doing portraits. Because accessing what’s inside of other people is what is easiest for me.” Since 2013, he has defined himself as a full-time painter. For him, do not have a formal education in art has given his work its own identity, although he admits that this situation makes it difficult to define his style. In the beginning, his sketches were more figurative than abstract, overtime this reality changed: “the more art that I made, the more I started to ignore those limits, and create my own rules. Today, my work is becoming something different, more abstract, but I still think of myself as a figurative artist,” he states.

Su estudio se encuentra en el centro de Los Ángeles. Para inspirarse, el artista prende un cigarro, agarra su cámara réflex y baja a las calles que rodean el lugar. Con su mirada concentrada en los transeúntes, busca rostros que lo estimulen, “de ahí saco unos ojos que me llamen la atención, una boca de alguien, la oreja de otra persona; con todo eso trato de formular algo” sostiene. Su obra gira en torno a la expresión contenida en el rostro, “me defino como un obsesionado de la mirada”, asegura, y agrega: “crecí con una fascinación por la gente. Me encanta sentarme solo en un restaurant o en una banca en el parque a observar gente. Me fascinan las personalidades, cuán diferentes son las personas. Eso es lo que trato de llevar a mis pinturas”.

His studio is located in downtown Los Angeles. To get inspired, the artist lights a cigarette, grabs his reflex camera, and goes down to the streets surrounding him. With his eye focused on those passer-by, he looks for faces that motivates him, “from there I get some eyes that stand out, a someone’s mouth, another person’s ear, and with it all, I try to put something together,” he says. His work revolves around the expressions contained in the face, “I am obsessed with the gaze,” he says. He adds, “I grew up with a fascination with people, I love sitting by myself in a restaurant or on a park bench and observing people. I am fascinated by their personalities and how different people are. That is what I try to bring to my paintings.”

Su especialidad son los retratos en acrílico y óleo. En ellos se pueden ver trazos que a través de la unión de fragmentos dan forma a rostros. Sus herramientas favoritas son los cuchillos y las espátulas; también usa pinceles y spray al momento de componer. Aunque el pintor prefiere representar a personas de la calle, también ha trabajado para firmas como Nike o la compañía The Money Team (TMT). “Si hago una pintura para Nike nadie la va a recordar en 10 años, pero sé que si hago una pintura para la madre de alguien, probablemente la atesoren por el resto de su vida. Aun así, disfruto de ambas modalidades”.

His specialty is acrylic and oil portraits, in his portraits, we can see individual strokes that come together and give form to faces. His favorite tools are knives and spatulas; he also uses brushes and spray paint when he paints. Although the painter prefers to depict people from the street, he has also worked with companies such as Nike or the company The Money Team (TMT). “If I do a painting for Nike, no one is going to remember it in 10 years, but I know that if I do a painting for someone’s mother, they will probably treasure it for the rest of their life. Still yet, I enjoy both types of work.”

A la vitrina que le han dado las grandes marcas se ha complementado la difusión que ha alcanzado su obra gracias a las redes sociales, para Lee “Ya no tienes que poner tanto énfasis en colocar tus obras en galerías. Ya no está la necesidad de que otra gente controle tu trabajo. Ahora puedes construir una relación directa con tus fans y seguidores”.

The public exposure that big brands have given him has helped spread his work in addition to social networks. For Lee, “You no longer have to focus so much on getting your work into galleries. It’s no longer necessary that other people have power over your work. Now you can build a direct relationship with your fans and followers.”

Charlie, OHIO, 2015, tĂŠcnica mixta sobre tela, 91.44 x 121.92 cm.

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Portugal | Portugal Artista Multidisciplinar | Multidisciplinary Artist

Ana Vidigal Cirugías mnémicas para el olvido Mnemonic Surgeries for Oblivion “La vida ha sucumbido contra la muerte, pero la memoria sale victoriosa contra la nada” T. Todorov: Los abusos de la memoria

“Life has succumbed to death, but memory comes out victorious against nothing” T. Todorov: Les abus de la mémoire

Por Lucía Rey licenciada en artes (Chile). Imágenes cortesía del artista. Representada por Galerí Baginski.

a obra de Ana Vidigal esta tejida por elementos relacionados con un cotidiano interior, pero de un interior que refiere a un mundo habitacional recordado, como estéticas de un cotidiano en el olvido. La autora trabaja con papel desde la infancia, recortando y encolando papel sobre papel; este gesto fragmentador y reconstructor desde fragmentos puede tener una aplicación estética para una gráfica representacional articulada en su abstracción. En general, los materiales que ocupa son el papel y la cola, pintura/ tinta acrílica, recortes de revistas viejas, fotografías, papeles japone-

na Vidigal’s work is woven together by elements related to an everyday inner nature, but an inner nature that refers to a recollected livable world, such as aesthetic qualities of an everyday situation. The artist has worked with paper since she was a child, cutting and gluing paper on paper; this fragmenting and reconstructing action can have a fragment-based aesthetic application for the representational art articulated in her abstraction. Generally, the materials that she uses are: paper, glue, acrylic paint/ ink, clippings from old magazines, photographs, and washi paper,

IXI YA MAVU (terra de barro vermelho), 2014, tĂŠcnica mixta sobre tela,130 X 195 cm.

ses, sobre tela o sobre papel. Le preocupa la memoria y el tiempo desde lo autobiográfico. Trabaja con imágenes escaneadas, proyectadas sobre la superficie, o directamente imágenes recortadas de revistas o libros viejos. Esta operación de seleccionar, recortar, encolar y pegar puede imaginarse como la re-estructuración ritual de alguna memoria heredada, de manera que con las mismas imágenes en los fragmentos se pudiera construir un recuerdo diferente, una especie de cirugía mnémica, cuyo cirujano y paciente son la misma persona siendo su instrumento de trabajo el arte. Como si mediante estas realizaciones artísticas reuniera memorias invisibles, de-fragmentadas y re-significadas, otorgándoles un sentido colectivo de activación circular. La retícula de estas obras aluden a micro-mundos con sus micro-narrativas, ya sea con figuras curvadas o cuadriculares. Hay un razonar estético en la construcción de estas figuras, como si ellas constituyeran órganos interiores de un cuerpo (vísceras de un cotidiano invisible), ya sea en su figura general o su posible metáfora de representación microscópica. Ana trabaja desde la libertad para crear mediante la fijación de memorias vernáculas, en la posibilidad de formar imágenes en el mismo viaje de profundización hacia un cotidiano obviado como experiencia, por lo tanto, desconocido. De manera que se prescinde de la exploración del mundo que es exterior, quedando lo recordado y el recordador diluido en el viaje hacia océanos de fragmentos y memorias no visibilizadas por el recuerdo. El recorte del papel, instala simbólicamente la memoria selectiva como un eje estético en su obra. Un recordar intencionadamente y manteniendo una especie de banco de recuerdos específicos apilados, que van generando patrones de figuras en movimiento.

on canvas or on paper. She is concerned with memory and time from an autobiographical stance. She works with scanned images, projected on the surface, or directly with images cut out of magazines or old books. This process of selecting, cutting, gluing, and pasting can be imagined as the rearranging ritual of some inherited memory, so the same images in the fragments could construct a different memory, a kind of mnemonic surgery, whose surgeon and patient are one in the same, while art serves as her instrument. It is as if through these artistic creations, she combines invisible memories that have been de-fragmented and given new meanings, thus giving them a collective sense of circular activation. The reticule of these pieces alludes to micro-worlds and their micronarratives, whether it is with curved or squared figures. There is an aesthetic reasoning in the construction of these figures, as if they constructed organs within their bodies, entrails from an invisible everyday situation, whether it’s within their general figure or their possible metaphor for microscopic representation. Ana works through the freedom of creation by focusing on vernacular memories, in hope of forming images during the same journey to expound upon an everyday situation obviated as an experience, therefore it is unknown. In order to disregard exploring the outer world, leaving what is remembered and the person making the memories bogged down in the journey towards oceans of fragments, and memories not visualized by the memory. The cutting of the paper, symbolically sets up selective memories as a central aesthetic concept in her work. It involves purposefully remembering and keeping a kind of bank of gathered specific

ANGOLAR, 2014, técnica mixta sobre tela, 130 X 195 cm.

Construcciones de imágenes de “presentes” por fragmentos, cuya estructura reticular rítmica, permite observar mediante el corte del papel (luego, corte de la imagen) un recuerdo obturado por la memoria. Así, desde la perspectiva de las memorias familiares emerge la cuestión de lo femenino en la instalación de lo cíclico y lo circular, desde materialidades encontradas en espacios domésticos entre trazados lineales que redirigen su dirección. Estas obras traen matices de movimientos artísticos del fines del siglo XIX y principios del XX. Del Art Nouveau, se puede encontrar la referencia a lo cotidiano mediante materialidades y “diseños” de espacios domésticos, en su posibilidad como imagen mural sobre papel. Del Cubismo, la capacidad de de-fragmentar una imagen de un recuerdo abstracto y reproducirla mántricamente como una meditación visual. Del impresionismo, se encuentra el gesto de capturar impresiones de recuerdo, mediante contrastes y superposiciones de colores, en figuraciones que parecieran lentes amplificadores de la realidad, que manifiestan su textura a nivel microscópico, como si abarcase de esta forma la categoría de lo científico, esbozando una emanación de vacío e impermanencia, mediante el uso de materiales frágiles, en conjunto con la reticulación extática en el rito de una micro-intervención al cotidiano invisible. Sus artistas preferidas son: Sophie Calle, Annette Messager, Gina Pane, posiblemente porque estas, desde diferentes soportes y contemporaneidades, abordan la cuestión estética de lo cotidiano y lo femenino. Si bien, Vidigal se declara pintora abstracta, su técnica le permite usar figuraciones mínimas como estructura narrativa, lo que le permite ser desde un lenguaje abstracto impenetrable, a un abstraccionismo simbólico creativo, donde los recortes pegados se constituyen como flash mnémico, de alguna memoria a algún lugar de los recuerdos, donde entre medio de las figuras se abren relatos mitificados, como estampas de micro-figuraciones domésticas.

memories, which gradually create patterns of moving figures. Constructions of images of “things that are present” through fragments, whose reticulated rhythmic structure allows us to observe through the cutting of the paper (later, the cutting of the image) a memory stopped by the mind. Thus, based on the perspective of familiar memories, comes the question of femininity when using cyclical or circular qualities, through materials found in domestic spaces among linear paths that reroute their direction. These pieces carry nuances of artistic movements from the end of the 19th century and the beginning of the 20th century. From Art Nouveau, we can find references to everydayness through materials and “designs” of domestic spaces, in its potential as a mural of images on paper. From Cubism, we find the ability to break down an image of an abstract memory, and mantrically reproduce it in a meter way as visual meditation. From Impressionism, we find the act of capturing impressions of memories, through contrasts and the superimposing of colors, in figurations that seem like magnifying glasses for reality, which show their texture on a microscopic level, as if by doing so they encompass a scientific level, thus insinuating the emanation of void and impermanence, through the use of fragile materials, along with the ecstatic reticulation in the ritual of microintervening invisible everyday situations. Her favorite artists are: Sophie Calle, Annette Messager, Gina Pane, possibly because they, through different means and contemporaneous concepts, tackle the aesthetic issue of everydayness and femininity. Even though, Vidigal declares herself an abstract painter, her technique allows her to use minimal figurations as a narrative structure, which allows her to be from an impenetrable abstract language, a creative symbolic abstractionism, where the pasted cuts of paper are constituted as a flash imitation, of some memory to some in the mind, where mythologized tales unfold in the middle of the figures like images of domestic micro-figurations.

KWANZA, 2014, tĂŠcnica mista sobre tela, 130 X 195 cm.

Colombia | Colombia Instalación | Installation

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Diana Drews Objetos conceptuales que cuentan historias reales Conceptual objects that tell real stories

Por María Francisca Medina. Periodista (Chile). Imágenes cortesía de la artista.

ntelectuales, artistas, escritores y arquitectos, amistades de una familia que se formó con un amor y admiración especial en el arte. Nació en Bogotá, y siendo la menor de tres hermanos, Diana Drews creció con una condición que marcó su vida personal y artística: el ser colombo-alemana. Dos países que dotan de una fuerte historia y que, sumados a una educación temprana en Europa, otorgaron una relación cercana a la creatividad y el valor de esta misma. En los años setenta pasó una temporada en la ciudad de München, Alemania, donde asistió por primera vez al colegio, aprendiendo a leer y escribir. En familia aprovechaban los fines de semana para recorrer el país y entrar a cada museo e iglesia que se les cruzaba en el camino. De vuelta en Bogotá, continuó sus estudios en un colegio Alemán. Creció amando la naturaleza, las fincas, y pasando vacaciones fuera de la ciudad, en el campo, sensibilizando aún más su personalidad y desarrollando una fuerte capacidad de observación.

rtists, writers, architects and intellectuals, all friends of a family educated with a special love and admiration towards art. She was born in Bogota, and being the youngest of three brothers, Diana Drew grew up with a condition that marked her personal and artistic life: being German-Colombian. There are two countries that have a strong history, which in addition to an early education in Europe granted her a close relationship with creativity and its value. In the 70’s she spent a season in the city of Munich, Germany, where she started attending school for the first time and learned how to read and write. During the weekends she spent time with her family travelling throughout the country and entering every church and museum that crossed their way. Back in Bogota, she continued her studies at a German school. She grew up loving nature, farms, and spending vacations outside the city, in the countryside, becoming even more sensible and developing a strong ability of observation.

Al terminar la secundaria, comenzó a estudiar Antropología y Artes Plásticas en la Universidad de los Andes de Bogotá, donde finalmente se especializó completamente en Arte, adquiriendo también la docencia en Plásticas en 1995. Un año más tarde conoció a su gran amor y actual marido, y como no podía ser coincidencia, Guillermo Londoño también es artista. Ya comparten 20 años de vida, aficiones e intereses en común. En el 2000 se fueron a vivir a Berlín, la cuna de arte, diseño y arquitectura cosmopolita de Alemania, donde realizó un Master en el Institut für Kunst im Kontext de la Universidad de las Artes.

After finishing High School, she began her Anthropology and Visual Arts studies in the University of Los Andes de Bogotá, where she finally became specialized in Art, also acquiring a teaching degree in Visuals in 1995. She met her great love and actual husband, Guillermo Londoño, a year later and not coincidentally, he is also an artist. They have shared 20 years of life, fondness and interests in common. In 2000 they went to live in Berlin, Germany´s home of art, design and cosmopolitan architecture, where she obtained a Master’s degree in the Institut für Kunst im Kontext of the University of the Arts.

De regreso en Bogotá siguió su camino, que inició definitivamente con la pintura y que hoy en día incluye obras en fotografía, instalaciones, objetos y dibujos. “Pienso que siempre hay diferentes maneras de expresarse y de afrontar un tema, muchas veces inicio con pintura y luego tomo el camino tridimensional. No quiero limitarme a un medio, el arte es así, abierto, lleno de posibilidades que no se deben descartar. Trabajo lentamente, sin afanes, con gusto” afirma.

Back in Bogota she continued her way, which definitively began with painting and that currently includes installations, photography, objects and drawings. “I believe there are always several ways of facing a subject; many times I begin with painting and take the tri-dimensional way afterwards. I do not want to limit myself to one means: art is open, and full of possibilities that must not be dismissed. I work slowly, with pleasure and without ambition,” she states.

Crítica con las problemáticas sociales y su entorno, últimamente le ha costado trabajo compaginar con el mundo del arte actual. Para ella se ha convertido en grandes shows que buscan impactar, imponer y competir por la figuración constantemente, atrayendo coleccionistas que recorren

Critique towards social issues and her surroundings, she has had trouble lately coming together with the art world. She believes art these days consists of big shows that want to impact, impose and compete for constant recognition, in order to attract collectors who walk around fairs

De la serie Jardín, 2014, fotografía digital, 37 x 50 cm, ó 50 x 37 cm, según la dirección.

ferias y exposiciones con “los ojos cerrados”, escuchando a sus asesores, buscando sólo nombres y comprando de forma rápida. Diana sostiene que muchas veces no hay una valoración real con el trabajo y que existe una idoneidad, “una competencia por adueñarse de cosas que frecuentemente ni siquiera comprenden, y en el fondo que ni les interesa comprender, sólo tener”, explica.

and exhibitions “with their eyes shut”, listening to their advisors, buying quickly and searching only for names. Diana sustains that many times there is not a real valuation of work and that there is suitability, “a competition for owning things that are frequently not understood, and that are not meant to be, only possessed”, she explains.

En los inicios su obra abordaba temas íntimos, de hogar, algo más personal y propio, luego salió de ese círculo y se quiso adentrar en las problemáticas sociales, políticas y reales que han ocurrido a lo largo de la historia tanto en Colombia (donde vive y trabaja), como en otros países donde es evidente la situación, y donde hay un tema de seguridad pendiente. Habla del desplazamiento humano, del secuestro y el vacío que dejan las personas, de la soledad y la tristeza. Todos estos temas los ha afrontado haciendo énfasis en las cosas más que en los humanos, en las palabras y muchas veces textos, que aparecen casi siempre en la obra. “Mi proceso creativo inicia habitualmente por medio de la palabra escrita, me van llevando hacia el medio en el cuál me siento cómoda y así me concentro para realizar la serie de obras”, comenta.

In the beginning her work dealt with intimate themes, related to home and personal life. Afterwards, she stepped out of this circle and started getting into real, social and political issues that have occurred throughout history in Colombia –where she works and lives– like in other countries of the world where the situation is clear, and there also is a pending security issue. She speaks about human relocation, kidnapping and the emptiness left by those departed, of sadness and loneliness. She has faced all these themes emphasizing on things rather than people, on words and many other times on texts, which appear almost always in her work. “My creative process usually begins with written words, and they take me to the medium that feels comfortable, in which I focus to carry out a series of works”, she comments.

Diana crea una forma que cambia constantemente, pero que casi siempre está ligada a los objetos cotidianos. Ella no los crea, si no que los encuentra, los busca entre todo lo material que nos rodea. El color va directamente relacionado al objeto, donde a lo largo de su historia pictórica, el blanco ha sido de los más presentes. “Muchas veces como un velo que cubre, protege, como una niebla que impide ver claramente, que suaviza la imagen y la oculta a la vez”, explica.

Diana creates a constantly evolving shape that is always bound to everyday objects. She does not make them; she finds them, searches through all the materials that surround us. The color is directly related to the object, where white has been most present throughout her pictorial history. “Many times like a veil that covers and protects, like a mist that hampers our vision, softens and at the same time, hides the image”, she explains.

El lenguaje y texto han sido una constante en su obra. De hecho la base de su trabajo son las palabras, sustantivos, verbos o adjetivos que encuentra en diversos libros, programas de la radio, canciones y conversaciones, para luego anotarlas y no perderlas. Así las selecciona y las imprime en sus objetos, donde recalca, enfatiza, reafirma y logra ser redundante con éstas, ya que son la marca que diferencia un objeto conceptual desnudo a uno de su obra. El mensaje se ve claro, de frente, son algo de lo que ella no se quiere apartar, es un gusto personal.

Language and text have been constant in her work. In fact, her work is based on words, nouns, verbs or adjectives she finds in different books, radio shows, songs and conversations, which she later writes down, so she does not forget them. This way she selects them and prints them in her objects, where she underscores, emphasizes, reinforces and becomes redundant with them, since they are what differentiate a naked conceptual object from her work. The message can be clearly seen, upfront; they are something she does not want to be separate from. It is a personal taste.

El trabajo pareciera llegar de manera fácil al espectador, al ser sencillo pero a la vez conceptual, lo cual genera una comprensión más inmediata de sobre el trabajo de la artista. “No es exigente hacia las personas. Y así lo he vivido en las exposiciones, la gente se acerca tranquilamente a comentar sus impresiones y los sentimientos que les ha generado la obra, sin prevención”.

Her artwork reach the viewer easily, since they are simple but conceptual, which generates a more immediate comprehension of the artist’s work. “It is not demanding towards people. I have perceived this at exhibitions, where viewers calmly approach me to share the feelings and impressions my artwork have caused over them, without precaution”.

Drews afirma que no es fácil vender sus creaciones, cree que, los sentimientos que evoca son justamente esos de los que la gente prefiere no rodearse, lo que ha pasado y ha dejado su marca, esa huella que siempre está en contexto con las problemáticas de la humanidad. El trabajo mismo lo dice, y para la artista es clave darse cuenta cuándo está terminado y así poder aterrizarlo en el momento justo, para que no contenga adornos ni elementos que sobren, que sea un trabajo de una lectura prolija y entendible.

Drew states that it is not easy to sell her creations; she believes the feelings they evoke are those which people step away from; what has occurred has left its mark, that mark that relates always to the problems of humanity. Her artwork itself expresses them, and it is key for the artist to realize when it is completed so she can set it down at the right time, and is not excessively ornamented, so that it can be understood and meticulously read.

Su sueño es unir cada día más su profesión de artista con el amor por la naturaleza y poder pasar más tiempo en el campo, buscando proyectos artísticos que hablen de la importancia de la conservación. Apunta a crear conciencia desde su trabajo y el de otros artistas, a los que invita a formar parte de esta aventura. Para ella la constante en su obra es expresar temas que afectan el entorno en el que vivimos y con sinceridad aportar a una mejor sociedad, cree que antes -como ahora- los artistas debiesen seguir reflexionando sobre esto, más que “alimentar egos de curadores y coleccionistas”, finaliza la artista.

Her dream is to further unite her work as an artist with her love towards nature, and this way spend more time at the countryside, searching for artistic projects that talk about the importance of preservation. She aims towards creating awareness from her work and from other artists, whom she invites to become part of this adventure. For her, the constant in her work is to express topics of what affect our surroundings and sincerely contribute to create a better society. She believes artists should continue reflecting upon this, instead of “feeding the egos of collectors and curators”.

De la serie Jardín, 2014, fotografía digital, 37 x 50 cm, ó 50 x 37 cm, según la dirección.

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Reino Unido | United Kingdom Fotografía | Photography

Marcus Lyon La fotografía como realidad y ficción Photography as reality and fiction A través del lente, de la cámara y de la realidad, Marcus Lyon genera una obra crítica, produciendo importantes reflexiones en el espectador, sobre la ciudad y la construcción de un futuro consciente. Through the lens of his camera and reality, Marcus Lyon creates critical work which produces important thoughts in the viewer in regards to the city and the construction of a conscious future. Por Daniel G. Alfonso. Teórico del Arte (Cuba). Imágenes cortesía de Marsiaj Tempo Galería.

BRIC III, Yogo-Zapadniy Okryg, MoscĂş, 2008, impresiones de pigmentos, 160 x 80 cm.

EXODUS IV, Hong Kong, China, 2010, impresiones de pigmentos, 160 x 80 cm.

esde el surgimiento de la fotografía, especialistas e investigadores de la manifestación han expresado que a través del arte del lente se ha podido otorgar forma a la Historia de cualquier nación. Sus criterios son válidos, sin embargo, podemos añadir otros aspectos que enriquecen y hacen de la fotografía una expresión que junto al resto de las artes plásticas (dígase pintura, dibujo, escultura, etcétera) ha sabido enriquecer y entrenar la retina de los espectadores, lo que, en pleno siglo XXI, es parte fundamental para completar del significado de una obra de arte.

ince photography emerged, exhibition specialists and researchers have said that they have been able to give form to t h e history of any nation through photographic art. Their opinions are valid; however, we can add other aspects that enrich photography and make it into an expression which, along with the rest of the visual arts (that is painting, drawing, sculpture, etcetera), has enriched and trained the viewers’ eyes which in the 21st century, is an essential part to filling in the meaning of a work of art.

Con el paso del tiempo, los fotógrafos experimentan nuevos lenguajes y los medios en los que se insertan o montan sus capturas. Por eso nos topamos con fotos en la que la figura humana cobra total protagonismo; obras de corte abstracto, donde la subjetividad es fundamental a la hora de hacer lecturas posibles; piezas conceptuales donde la semiología cobra fuerza y en las que se observa cierta mixtura entre lo figurativo-abstracto-conceptual.

Over time, photographers have experimented with new languages and the means in which they place or mount their shots. Because of this, we come across photos where the human figure plays a leading role; abstract pieces, where subjectivity is crucial when it comes to possible interpretations; conceptual pieces where semiotics gain strength and where a certain mixture between the figurative, abstract, and conceptual can be seen.

En este punto se ubican las fotografías del creador británico Marcus Lyon (1965). Su producción es muy variada, desde retratos de grandes personalidades hasta excelentes panorámicas de ciudades “cosmopolitas”. Su extensa labor inicia en los barrios y gueto de países subdesarrollados, en ellos explora e indaga en temáticas sobre los niños en las calles y el trabajo infantil. Estas problemáticas llevaron a Marcus a preocuparse por tópicos como la adaptación de la humanidad, el caos reinante en un medio ambiente que se encuentra en constante transformaciones y que se ha centrado, además, en tratar de buscar un significado de los comportamientos del individuo en el universo actual. Estos aspectos hablan de un hombre que se rige por sus emociones y por las acciones que puede tomar para remediar y hacer reflexionar a quien observe sus imágenes sobre ciertos problemas ambientales. Sin embargo, para la ocasión, se hará referencia a sus últimos trabajos que se basan en la investigación y desarrollo, con especial énfasis en el espacio urbano y la migración, según plantea el propio artífice.

In this point, we find the photographs of British artist Marcus Lyon (1965). His work widely varies from portraits of famous people to excellent panoramic photos of “cosmopolitan” cities. His extensive work begins in the neighborhoods and ghettos of underdeveloped countries. Here he explores and looks into issues regarding children on the streets and child labor. These issues led Marcus to worry about topics such as humanity’s adaptive skills and the prevailing chaos in an environment that is constantly changing and that has also been focused on trying to find a meaning for the behaviors of an individual in the current universe. These aspects speak of a man who is governed by his emotions and by the actions that he may take in order to solve and invoke thought in those who observe his images on certain environmental problems. However, for this occasion, reference will be made to his latest pieces which are based on investigation and development with a special emphasis on urban spaces and migration, according to what the artist himself states.

Su trabajo lo encontramos dividido por series de fotografía, a decir de: Éxodo, Timeout, Bric, Stadia, entre otros. El quehacer seriado posee ciertas ventajas, una de ellas, es que cada serie está a expensas de seguir creciendo con capturas nuevas y con ello las ganancias de adquirir otras experiencias en el proceso creativo. Asimismo, para el espectador es un modo de facilitarle la comprensión de las diferentes problemáticas que se abordan al interior de sus fotografías.

His work is divided into photographic series, that is: Éxodo, Timeout, Bric, Stadia, among others. Working in series holds certain advantages. One of these advantages is that each series is subject to keep growing with new shots and with them, the benefit of gaining other experiences in the creative process. Likewise, it is a way of making it easier for the viewer to understand the different issues that are tackled within his photographs. His pieces are exhibited on a scale that impacts the viewer’s eye, while

Sus obras son presentadas con una escala que impacta el ojo visual del receptor, al mismo tiempo que le facilita observar el consumo y la migración en un mundo que cada vez nos parece más pequeño, dice Lyon. Tomadas desde una vista aérea, formalmente en la distancia, estamos frente a imágenes de tendencias abstractas, por lo que existe cierta ambigüedad en su discurso: un lenguaje catalogado por la crítica británica “como fotografías que rozan la fantasía y la realidad”. Su técnica es admirable, sencilla y esmerada. Sus escenas existen para hacer un llamado de atención sobre temas globales como los antes mencionados, consumo desenfrenado, expansión urbana y una enorme diferencia entre clases sociales. Marcus Lyon, incuso comenta que: “me he esforzado por crear nuevos lenguajes visuales con los que puedo comunicar sin pelos en la lengua una verdad más profunda e hiriente”.

simultaneously making it easier to see consumption and migration in a world that seems smaller to us every day, says Lyon. We come face to face with aerial photographs, formally taken from far away, of usually abstract images, which explain why there is a certain ambiguity in his discourse: a language catalogued by a British critic “as photographs that approach the edge of fantasy and reality.” His technique is admirable, simple and painstaking. His scenes exists to attract attention to global issues such as those already mentioned, as well as, uncontrollable consumption, urban sprawl, and a huge difference between social classes. Marcus Lyon, even says that: “I have put forth a lot of effort to create new visual languages where I can speak openly about a deeper and hurtful truth.”

Su narración, completa y coherente, provoca reacciones contrarias a quienes la observa. Bric, iniciada en el año 2008, aborda un punto importante que sufren todas las naciones, el traslado desenfrenado de seres que habitan en zonas rurales hacia las grandes metrópolis, transformando así los espacios en nuevos centros urbanos con numerosas edificaciones. Así, nos muestra vistas satelitales, abstractas en un principio, de mega ciudades como Brasil, Rusia, India, China (países sobrepoblados). Éxodo, por su parte y como bien anuncia el propio título, explora las migraciones más significativas del presente siglo. Lyon, se cuestiona, como las personas, los bienes materiales y los servicios aumentan cada día; aspectos, que pasamos desapercibidos pero que afectan el desarrollo del planeta. Esta es una serie que más que dar respuestas logra hacer que el receptor se realice preguntas concernientes a los cambios que sufren las sociedades contemporáneas; cambios que estamos viviendo masivamente desde principios del siglo XX y que han transformado tanto el paisaje, como las costumbres, las realidades y las formas de relacionarnos. Un mundo global, en el cual la urbanización se hace cada vez más compleja, creando y recreando constantemente las diferencias sociales (solo existentes en las ciudades), de forma latente; mientras el mundo rural sigue con su propio ritmo, con sus diferencias y singularidades.

His comprehensive and coherent narration provokes contrary reactions in the viewers. Bric, which began in 2008, addresses an important point that all nations suffer from, the uncontrollable shift of beings that live in rural areas towards large metropolitan areas, thus transforming the spaces into new urban centers with many buildings. Through this, he shows us satellite views that are abstract at first, of mega cities in Brazil, Russia, India, and China (overpopulated countries). Éxodo, on the other hand, as the title itself says, explores the most significant migrations of this century. Lyon questions how people, material assets, and services increase every day; aspects which are unnoticed for us, but that affect the development of the planet. This is a series which, more than provide answers, manages to make the viewer ask questions concerning the changes that contemporary societies suffer from; changes that we have heavily experienced since the beginnings of the 20th century and that have transformed not only the landscape, but also the customs, realities and ways of relating to one another. A global world, where urbanization is increasingly complex and constantly creates and recreates social differences (only existing in cities) in a latent way; meanwhile, the rural world remains at its own pace, with its differences and singularities.

Marcus Lyon, sabe cómo transmitir mensajes de alerta y avisos, para que pensemos una vez más sobre la sociedad futura que estamos construyendo. Hace del espectador un participante más, ellos son las voces necesarias para abordar asuntos como las que muestran sus impactantes imágenes. Nos libera y nos inserta en cada uno de sus viajes, travesías que hacen reflexionar sobre las dos caras de la moneda de la existencia del ser humano.

Marcus Lyon knows how to convey alerting and informing messages, in order to make us think once again about the future society that we are building. He turns the viewer into another participant. They are the voices needed to tackle issues such as those which show his striking images. He frees us and places us within each one of his trips and journeys which make us think about the two sides of the coin regarding humankind’s existence.

EXODUS VI, West Lamma Channel, Mar del Sur de China, 2011, impresiones de pigmentos, 160 x 80 cm.

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Guatemala | Guatemala Dibujo | Drawing

Jonathan Ardon Naturaleza plástica y deforme Deformed and artistic nature Como una reinvención cotidiana del Ser, Jonathan Ardon compone sinfonías plásticas que osan dibujar desde la deformidad. Las aves como pensamiento son su concepto, y lo traslada a una mancha, a un desvío material que transforma en una nueva versión de volar. Este artista, inicialmente dibujante, desgaja las alas de cada pájaro para contar una historia diferente, en la que comparte un mundo infinito

Like an everyday reinvention of the Self, Jonathan Ardon creates artistic symphonies that dare to make drawings using deformity. He uses birds, just as he uses thought, as his concept, and he turns a smear on the paper into a digression of materials, which transforms into a new way of flying. This artist, who started out drawing, tears off the wings of each bird in order to tell a different story, where he shares an infinite world.

Por Leticia Abramec. Periodista (Argentina). Imágenes cortesía del artista.

ara la carrera profesional de artista, Jonathan es un joven que recién comienza a dejar huellas pequeñas en la arena de un largo camino. Aun así, sus ideas se encuentran palpables y visibles a cada definición. En una mirada aguda, se puede ver un trabajo dedicado, minucioso y que alterna entre el detalle y la mancha hasta encontrarse en el mismo lugar. ¿Cuál es ese punto de encuentro? La obra, el sobrevuelo del ave, la mirada despojada de destino hacia el que volar. Mira hacia todos lados hasta encontrar el bastidor, el papel, el remate.

n regards to his career, Jonathan is a young artist who is just starting to leave his footprints in the sand of a long trail. Nonetheless, his ideas are both palpable and visible. With a keen eye, we can see devoted, meticulous work that alternates between detail and blots of paint until they merge together. Where is that merging point? The piece, the bird flying over, the stripped down view of the destination towards which we fly. He looks in every direction until finding the frame, paper, and the finished piece.

A los siete años, Ardon ya sentía la finitud de la realidad. Necesitaba expresar sus sentimientos de una manera amorfa, lúdica y libre. Así es como narra: “Todo comenzó al descubrir mi facilidad para reproducir imágenes a mi antojo. Era apenas un niño cuando descubrí esa cualidad. Desde entonces, las miradas y las texturas pueden ser traducidas al papel. Es un universo infinito donde todo es posible”. Leerlo inspira libertad, una libertad que supo enfocar hasta encontrar la técnica por medio de la cual

At 7 years of age, Ardon already felt the finitude of reality. He needed to express his feelings in an amorphous, playful, and free manner. Regarding this he states: “It all started when I discovered how easy it was to reproduce images as I pleased. I was just a boy when I discovered that ability. Since then, I have been able to put what I see and textures down on paper, it is an infinite universe where anything is possible.” Reading this inspires freedom, a freedom that he knew to focus on until finding the technique he needed to

Ave de interior encendido, 2015, tinta acrĂlica y acrĂlico sobre tela, 160 cm x 120 cm.

Opus II: Inflexi贸n, 2015, tinta acr铆lica sobre tela, 152.4 x 72.6 cm.

Desasosiego, 2015, tinta acrĂlica sobre tela, 152.4 x 72.6 cm.

quería expresarse: “En el 2006, tomé la decisión de estudiar formalmente en la Escuela Nacional De Artes Plásticas de Guatemala. Eso me destapó la cabeza y comprendí que la capacidad plástica no es suficiente. Es necesario tener algo para decir, esa capacidad es una responsabilidad. A partir de ese descubrimiento, comencé a interesarme en el espacio que ocupa el ser humano para otro ser humano”, cuenta Jonathan. Si seguimos la lógica del pensamiento de Ardon, podemos afirmar que para ser libre, primero hay que ser responsable. Para romper las reglas, primero hay que conocerlas. Como estas, podríamos repetir muchas frases que relaten las analogías planteadas por este artista. Joven pero buen alumno y respetuoso de sus principios, comprende las nociones que trascienden la academia para crear su propio imaginario, su propia realidad argumentativa para explicar la obra que realiza.

express himself: “In 2006, I decided to formally study at the National School of Visual Arts of Guatemala. That cleared my head and I understood that artistic ability is not enough; you had to have something to say, that ability is a responsibility. Based on that discovery, I started to take up an interest in the space that human beings use for other human beings,” says Jonathan. If we follow Ardon’s logic, we can assure that to be free, first we must be responsible, to break the rules, first you must know them. Like these, we could repeat many phrases that describe the analogies posed by this artist. He is young, but has always been a good and respectful student, he understands the notions that transcend academia in order to create his own imagery, his own argumentative reality to explain the work he makes.

Cuando nos preguntamos cuál es el misterio de las aves en su imaginario, nos cuenta que “tomaron un rol protagónico en su obra, porque en ellas ve reflejada una manera de vivir, la capacidad de volar, la soledad en el viento, la creación de sus nidos y la búsqueda de su pareja”. Y añade: “En mis obras, el origen es el nido. Como lugar que contiene o está diseñado para contener algo. Desde allí se forma un entramado que puede, al igual que un pájaro, contener muchos materiales: las plumas, las ramas, las texturas. Todo crea un texto en el que se puede leer la necesidad de ser habitado. En algunas ocasiones son aves que desean volar, y en otras sufren por no encontrar donde reposar”. Sin dudas, Jonathan humaniza la vida de los pájaros o simplemente retoma sus valores y los encuentra análogos del ser humano. Dialoga con ellos buscando una libertad imposible, o quizá encontrando dónde vivirla. De cualquier modo, disfruta de volar a la par de la rusticidad fina que comportan las aves. Hacia todos lados y hacia ninguno, solas en el cielo o escondidas en un nido, pero libres.

When we ask ourselves what the mystery is in regards to the birds in his imagery, he tells us that “they took on a leading role in his work, since a way of living is reflected in them, as well as the ability to fly, solitude in the wind, the creation of their nests and the search for their partner.” Plus he adds: “In my pieces the nest is the origin. It serves as a place that holds or is designed to hold something. From there, the framework, just like a bird, which contains a lot of materials is formed: the feathers, the twigs, the textures. Everything creates a text where we can interpret the need to be inhabited. On some occasions, they are birds that wish to fly, and on others, they suffer because they can’t find a place to rest.” Undoubtedly, Jonathan humanizes the live of birds, or simply picks up on their values and finds them akin to human beings. He speaks through them while searching for an impossible freedom, or perhaps while finding where to experience it. Be that as it may, he enjoys flying on par with the fine rusticity that comes with the birds. Going in every direction and towards nowhere, alone in the sky or hidden in a nest, but free.

En cuanto a la técnica, Ardon dice que sus obras son dibujos sobre tela realizados a pincel, y que la mezcla de materiales le fascina. “Mi obra se caracteriza por un trabajo meticuloso y arduo. Con un tejido gráfico que desemboca en un proceso académico pero liberador”, cuenta. Ardon pinta para ser libre, quizá para ser y volar. A través del trazo ancho y cargado de pintura, se plantea la ruta a seguir sin haberla planeado con anterioridad. Su inspiración ha sido infinita, clásica pero contundente: “Hay artistas que admiro por su vocación por este oficio, que saben que necesitan dibujar, pintar, crear. Que no pueden quedarse con un sentimiento encerrado. Egon Schiele, me brindó una profunda enseñanza desde su carga emocional. Aubrey Beardley también se encuentra en mi lista de aprendizajes. Y en mi país, también hay artistas que veo como grandes maestros para mí: Arnoldo Ramirez Amaya, dibujante y Rodolfo Abularach, pintor, escultor y grabador. Ambos impulsan a mejorar constantemente”.

In regards to his technique, Ardon says that his pieces are drawings on canvas done in brush, and he is fascinated by the mix of materials. “My work is characterized by meticulous and arduous work, as well as a graphic web that results in an academic, but freeing, process,” he says. Ardon paints to be free, and perhaps to be and fly. Through the thick lines loaded with paint, he lays out the path to be followed without prior planning. His inspirations have been infinite, classic and convincing: “There are artists that I admire due to their vocation for this profession, who know they need to draw, paint, and create. Those who can’t hold their feelings back. Egon Schiele, gave me a profound lesson with his emotional content, Aubry Beardley is also on my list of people to learn from. And in my country, there are also artists who I see as great masters such as: Arnoldo Ramirez Amaya, who draws, and Rodolfo Abularach, a painter, sculptor and printmaker. Both constantly strive to be better.”

Jonathan Ardon lleva menos de 30 años en su pulso plástico, pero invita a confiar en la evolución de su investigación, en un trabajo que, como el de todo artista, se erige entre la libertad y la técnica, entre la estructura y la búsqueda por perderla. Podrá teorizar sobre todas las corrientes y escuelas de pensamiento que desee, pero finalmente su raíz aristotélica de la búsqueda de la felicidad termina rebalsando el bastidor: “No espero atravesar nada con mi obra. En realidad, lo que espero es que el arte me ayude a recorrer la vida de la mejor manera”. Ser o no ser, humano o pájaro, pero que desde la mancha acrílica se convierta en una renovada y renacida manera de vivir. Empezar a seguir a Ardon, puede sorprender. Hagan sus apuestas.

Jonathan Ardon has practiced art for less than 30 years, but he invites us to have faith in the evolution of his investigation as well as the work which, like that of all artists, stands between freedom and technique, between structure and the quest to lose it. And you may theorize about all the trends and schools of thought that you wish, but in the end, his Aristotelic roots in the quest for happiness ends up flowing off the frame: “I do not expect to cross into anything with my work. Actually, what I expect is that art helps me live life the best way possible.” Being or not being, human or bird, a smear of acrylic paint turns into a renovated and revived way of living. Starting to follow Ardon can be surprising. Place your bets.

Crepúsculo, 2015, tinta acrílica sobre tela, 152.4 x 152.4 cm.

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Canadá | Canada Pintura | Painting

Michael Williams Posibilidades infinitas Infinite possibilities Michael Williams usa la luz para recrear la figura humana en una dimensión en la que no existen límites. A través de blancos lienzos y toques de acuarela, el artista hace visible lo invisible en cada uno de sus personajes.

Michael Williams uses light to recreate the human figure in a dimension where limits don’t exist. With blank canvases and splashes of watercolor, the artist brings the visible to invisible in each of his portraits.

Por Javiera Romero M. Imágenes cortesía del artista. Representado por CANCIO CONTEMPORARY y Luky Cancio.

l dibujo y la ilustración fueron parte de los primeros acercamientos de Michael Williams al arte. Una fascinación por el ser y la expresión se desarrollaron por el hastío de las líneas en la litografía y en técnicas similares, soportes con los que Williams se inició en a los 22 años. Hoy, su obra es madura con un lenguaje claro en una temática que, si bien no es única, es particular en el trazo de su realizador, pero que sobre todo, cobra vida a través del constante juego con lo invisible.

rawing and illustration were some of Michael Williams’ first steps towards art. A fascination with the being and expression was developed through the boredom of lines on a lithograph, and in similar techniques, the mediums that Williams started with at the age of 22. Today, his work is mature and has a clear language regarding a subject that, despite not being unique, is special in the strokes of its creator, but that above all, comes alive through a continuous game with what is invisible.

Hombre con Cabello Castano y Largo, 2012, Mirroring The Reflection 3, acuarela sobre tela, 243.8 x 274.3 cm.

Hombre con Lengua Afuera, 2012, Mirroring The Reflection 4, acuarela sobre tela, 243.8 x 365.8 cm.

Hombre Moreno, 2015, Furrowed, acuarela sobre tela, 121.9 x 182.9 cm.

La luz muestra, pero también es la causa de la ausencia. Una dicotomía visual es la que representa el retrato de Michael Williams, quien a través de cuidadosos trazos representa a la persona con énfasis en la luz, que dibujan líneas imaginarias en la mente del observador. Sin embargo, estos retratos van más allá de ser interpretativos; con una paleta acotada y un rostro definido, el artista logra hacer visibles rasgos y expresiones mediante la ausencia de color, la que se genera en lienzos blancos que actúan como un escenario infinito de luz. Así, lo infinito se transforma en una posibilidad, y esa posibilidad es el imaginario que recrea el escenario en el que se desenvuelve el retrato en cada una de las piezas del artista.

The light reveals absence, but it is also the cause of it. A visual dichotomy that represents the portrait of Michael Williams, who uses careful brushstrokes to depict a person with emphasis placed on the light, which draws imaginary lines in the viewer’s mind. However, these portraits go beyond being interpretative; with a limited palette and a clear face, the artist manages to make features and expressions visible through the absence of color, which is created on white canvases that act as an endless stage of light. Thus, the infinite becomes a possibility, and that possibility is the imagery that recreates the stage which unravels the portrait in each one of the artist’s pieces.

De forma inmediata, la obra de Williams se nos presenta como un trabajo maduro. Lejos de estéticas surrealistas en las que abundan caracteres naifs y explosiones de color, el trabajo de este artista no es pretencioso en su forma. Michael nos acerca a la realidad de sus personajes y de sus cuerpos a través del minimalismo en el uso del color, mediante la simpleza de sus trazos y, a la vez, nos enfrenta a lo que podrían ser –a ese abanico eterno de imágenes– formas y líneas definidas por la luz representada en el lienzo. No es fácil darle al observador la tarea de reconstruir y tal vez –sin advertirlo– el artista nos da la oportunidad de imaginar, situar y repensar lo que ya está creado en su obra.

Immediately, Williams’ work is exhibited to us as mature work. Far from the aesthetic quality of surrealism, where naïve characters and explosions of color are plentiful, the work of this artist isn’t pretentious in its form. Michael brings us closer to the reality of the people he portrays and their bodies through minimalist in the use of color, the simplicity of his brushstrokes, all while bringing us face to face with what could be (that never-ending range of images) shapes and lines defined by the light depicted on the canvas. It isn’t easy to give the spectator the task of reconstructing, and perhaps (without saying to) the artist gives us the chance to imagine, to place and rethink what is already created in his work.

Más allá de lo que vemos de un artista en sus creaciones, Williams es una persona que disfruta de la interacción, del poder del encuentro con otros para discutir sobre el arte. Así, su obra es expresiva, mientras que el habla complementa sus piezas y lo construyen a él mismo en otra dimensión de su quehacer artístico. Un realizador que no comunica hace de su trabajo un ser inerte, carente de apreciación, y aunque cada obra de Williams comunica en sí misma en el lienzo, esta faceta social del autor es algo que define su inserción en el mundo del arte, y su estudio siempre está abierto a quien quiera visitarlo. El artista es capaz de obtener una retroalimentación directa con quienes presencian su trabajo, lo que puede considerarse como un recurso escaso en una escena que muchas veces se presenta hermética y elitista. Acercar, convocar y comunicar también se logran fuera de la galería.

Beyond what we see from an artist and their creations, Williams is a person who enjoys interaction and the power of meeting with others to discuss art. Thus, his work is expressive, and speech complements his pieces and he creates it himself in another dimension of his artistic endeavors. An artist who doesn’t communicate makes his or her work an inert being, lacking appreciation, and although each of William’s pieces communicate on their own on the canvas, this social component of the artist is something that defines his inclusion in the art world, and his studio is always open to anyone who wants to visit it. The artist is able to get direct feedback with those who see his work, which could be seen as a scarce resource in a scenario that is often secretive and exclusive. Getting together, meeting up and communicating are also done outside the gallery.

Gran parte de los realizadores tienen un concepto para iniciar una obra. Michael tiende a evocar cierta expresión en un mensaje preconcebido, sin embargo, su estética hace que el observador vea lo que quiere ver. La obra de Williams no es un mandato; en ella, no podemos encontrar imposiciones, sólo seres, formas y cuerpos que se rinden ante la luz, ante la paradoja del encandilamiento y de la definición de la figura.

Most artists have a concept to start a piece. Michael tends to invoke certain expressions in a preconceived message, however, his aesthetic style makes spectator see what they want to see. Williams’ work isn’t a command; in it, we don’t find imposition, only beings, forms and bodies that surrender before the light, before the paradox of the glare and the definition of the figure.

Podemos llamarlo ausencia, como también nos puede parecer un exceso, pero el blanco es el protagonista. Dibujar con la ausencia, con el exceso, es el juego en el que nos entrapamos con Williams, y esas rondas de observación son las que representan el desafío en el trabajo del pintor. De esta forma, cada pieza de Michael es en esencia dialógica, pues apela a cada espacio del imaginario y de las experiencias del observador, quienes pueden aceptar o no el reto de introducirse en un viaje de reconstrucción. Sin embargo, la naturaleza misma del cuadro, tanto en su temática como en su formato, hace casi imposible ignorar la conversación a la que Williams nos invita, razón por la cual no podemos escapar de su obra.

We could call it absence, as it may also seem like excess to us, but the white is the protagonist. Drawing with absence, with excess, is the game we trap ourselves in with Williams, and those rounds of observation are what represent the challenge in the painter’s work. Through this, each of Michael’s pieces is dialogic in essence, since it appeals to each space of the imagination and experiences of spectator, who can accept or not accept the challenge of introducing themselves in a journey of reconstruction. However, the nature itself of the canvas, in regards to both its subject matter and its format, makes it almost impossible to ignore the conversation that Williams invites us to, that is the reason why we cannot escape his work.

Nina Rubia, 2015, A Glance, acuarela sobre tela, 121.9 x 182.9 cm.

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Mateo Liébana El camuflaje perfecto The perfect camouflage La obra de Mateo Liébana pareciera estar lejos de ser sacada de un cuento de hadas y, quizás por lo mismo, nos recuerda aquella agresividad/pasividad que está dentro de cada uno de nosotros, de esos opuestos complementarios que son fundamentales. Esa lucha entre el consciente e inconsciente que no se acaba jamás.

Mateo Liébana’s work seems to be far from taken out of a fairy tale, and maybe due to this, reminds us of that passiveness/aggressiveness inside each one of us, of those essential and complementary opposites. That never-ending dispute between conscious and unconscious. Por Elisa Massardo. Lic. en Historia y Estética (Chile). Imágenes cortesía del artista.

os cuentos y moralejas, generalmente, incluyen a seres animados, a animales personificados con historias que demuestran emociones, formas de aprendizajes o enseñanzas morales. Siempre con un interés puntual: que las personas o los niños, comprendan lo que sienten, se “porten bien” y aprendan a vivir. La obra de Mateo Liébana, lejos de tener una lección de moralidad, sí se vincula a los sentimientos, es así como, más allá de crear seres monstruosos o cuerpos humanos, lo que busca representar son emociones o recuerdos, “por eso es que no tienen color ni pelo, son personajes o recuerdos que habitan en los pasajes de mi subconsciente, es como si fueran proyecciones de mis sueños, anhelos, temores, recuerdos…”, explica el artista.

tories and parables generally include animated beings, animals that are personified in stories to express emotions, ways of learning or moral lessons. Always with a particular interest in making adults and children to understand their feelings, so that they can “behave well” and learn to live. Even though Mateo Liébana’s work does not contain a moral lesson, it does bind to feelings. This is how, beyond creating monstrous beings or human bodies, it intends to portrait memories or emotions, “this is why they do not have hair or color, they are characters or memories that exist in the passages of my subconscious, as if they were projections of my dreams, fears, memories, and desires…”, the artist explains.

Detalle de la serie Pasajes mentales, “Caminantes”, 2016, acrílico y carbón sobre lienzo / sellado, 210 x 290 cm.

Y como en cada cuento para niños, lo cruel se disfraza o suaviza con diversas imágenes o tonalidades. Cada uno de estos seres, dibujados en negro y llenos de un apacible color blanco, se rodea de múltiples matices. En palabras de Mateo: “Como los personajes a veces resultan ser demasiado grotescos, mi intención era ‘camuflar’ lo grotesco con una paleta de colores casi infantiles o pasteles, creando una especie de contrariedad entre lo sombrío de los personajes y los colores que los envuelven”. Este mensaje se puede abstraer al simbolismo que implica lo agresivo y lo pasivo, hacia lo masculino y femenino, hacia aquellos arquetipos que –en contrariedad u oposición– llevan a la armonía, a ese yin y yang que a través de los colores suaviza una realidad más brutal. La obra de Mateo carece de una simple interpretación llenándose de simbolismo a través de estos opuestos complementarios. Un mundo de personajes Son cabezas incompletas, rostros de expresión neutra pero ¿con lentes? Quizás asombro en las miradas, o duda, ¿el sexo? No existe, seres asexuados de los que no se podría aducir androginismo. Un tanto rellenitos, gorditos, con sus partes bien marcadas y los colores alrededor. Entre los azules, amarillos, verdes, rosas y otros tantos, se encuentran estas formas que recuerdan la violencia y crueldad de aquellos cuentos infantiles. Como explica Mateo, es un dibujo de su subconsciente, un dibujo grotesco que no pasa desapercibido. Una composición que podría recordarnos las obras del impresionista Renoir, por la disposición de las figuras, como en Merienda en la fiesta del barco / Renoir, en la que encontramos –además– esa idea de captar el momento, de retratar lo que se está viviendo junto al caos cotidiano de una realidad que –más de un siglo después– se hace caótica en otros, o en los mismos, términos. En una sociedad donde los valores aún se cuestionan, pues ahora el consumismo capital se hace interminable y la saturación pareciera ser

Cruelty is disguised or softened with different images or tonalities, as it occurs in children’s stories. Each one of these beings, traced in black and filled with a pleasant white color, is surrounded by multiple shades. In Mateo’s words: “Since my characters sometimes turn out too grotesque, I intended to ‘camouflage’ hideous with a palette of –almost– childish colors or pastels, somehow opposing the characters’ darkness to the colors that surround them”. This message can be withdrawn to the symbolism implied in passion and aggression, towards masculine and feminine, towards those archetypes that drive us to harmony –in an opposing manner–; to that yin and yang that softens brutal reality with colors. Mateo’s artwork lacks simple interpretation, but is filled with symbols through these complementary opposites. A world of characters Their heads are incomplete and their countenance neutral, but…are they wearing glasses? They may look amazed or doubtful… and their gender? It does not exist; they are sexless, yet not androgynous, beings. A little chubby, overweight, with marked body parts surrounded by colors. These figures are found between blue, yellow, green, pink and various other shades, and remind us of the cruelty and violence present in children’s books. As Mateo explains, they are drawn from his subconscious, a grotesque drawing that cannot be unnoticed. A composition that might remind us Renoir’s paintings due to its figure arrangements, as in Merienda en la fiesta del barco /Renoir,, in which we also find the idea of capturing the moment, of portraying life alongside the everyday disorder of a reality that becomes chaotic in the same –or

Detalle de la serie: Two minutes later, Detalle del díptico “#oneminutelater / Renoir: merienda en la fiesta del barco”, 2016, acrílico y carbón sobre lienzo / sellado, 107 x 125 cm. Foto: Mateo Liébana. De la serie: Two minutes later, Deta

De la serie Pasajes mentales, “Resaca del inconsciente”, 2016, acrílico y carbón sobre lienzo / sellado, 145 x 115 cm.

De la serie Pasajes mentales, Detalle de “Tensión superficial”, 2016, acrílico y carbón sobre lienzo / sellado, 195 x 195 cm., cada uno.

algo con lo que nuestros ojos se deleitan. Una sociedad donde nos diferenciamos más por el vestuario y las apariencias que por lo que se encuentra bajo nuestros trajes diarios. Vestimenta que en las pinturas de Mateo son casi invisibles, pues está la silueta por sobre el ropaje, recordando lo esencial del ser humano y haciendo una inevitable alusión a todo ese aparataje olvidado que se encuentra en la memoria, a aquella parte de la mente a la que Freud dedicaba horas de estudio experimentando con terapias. Dentro de esta línea tenemos una obra provocativa, cuyos cálidos colores hacen ver a estos personajes como una tentadora opción de acercarnos a algo prohibido, de dejar fluir las pulsiones y acercarnos o hacer latente aquello que se encuentra reprimido. La forma en que se complementa esta agresividad/pasividad está justamente en la armonía que Liébana encuentra entre los colores y los personajes. El freno hacia nuestra agresividad se suaviza y se logra lentamente, haciendo de la obra un complemento valedero. Quizás esos sentidos que tanto llamaban la atención de otros pintores contemporáneos a Renoir, quizás esa figura femenina que ahora se realza dentro del personaje masculino, sean la representación de los planteamientos más complejos en la obra de Liébana: cómo un ser –que pese a no tener pelo y ser grotesco a simple vista– puede ser femenino solo por la delineación de los pechos y, sin embargo, verse igual de grotesco que su compañero de cuadro. En la obra Tensión Superficial, se aprecia esta unión, donde una paleta pálida hace de complemento perfecto para apaciguar lo grotesco de los personajes, donde el ying y el yang se conectan en una mirada que no existe, que no está clara. En esta ocasión, una serie de elementos juega a favor de la hipótesis, desde los colores y su distribución, hasta los personajes –incluso la idea inicial de que sean asexuados–. A través de un mundo de personajes e ideas se cruzan las ideas más profundas. Los sueños, anhelos y formas de representarlas se llevan a cabo en gran formato, en murales e incluso fuera del cuadro. La obra de Mateo Liébana rememora la forma, la silueta, involucrando profundas ideas sobre el fondo y nuestro inconsciente, dejando –incluso– abierta la puerta a los cuestionamientos sobre aquello que tenemos en la memoria y ya no está, ya no recordamos, pero permanece por siempre. different– ways, more than a century later. In a society where values are still questioned, where unstoppable consumerism and saturation seem to captivate our sight. A society where appearances and clothing, rather than what lies underneath, distinguish us from others. Outfits almost invisible in Mateo’s paintings, since silhouettes exist above costumes, reminding us about what is essential in human beings and making an unavoidable allusion to the forgotten machinery of memory; to that part of the mind to which Freud dedicated hours of study experimenting with therapy. In the same vein we find a provocative piece, whose warm colors portray these characters as a tempting chance to bring us close to something forbidden, allowing our urges to flow in order to approach what is repressed. This passion and aggression are –precisely– a complement to the harmony that Liébana finds in characters and colors. Our restrained aggressiveness is softened and slowly diminished, making his artwork a worthy complement. Maybe those senses that captured the attention of Renoir’s contemporaries, maybe that feminine figure now enhanced inside the male character, represent the most complex proposals of Liébana’s work: how a hairless, grotesque being can be feminine only by outlining its breasts? and however, look as hideous as the other characters inside the frame. This bond can be perceived in Superficial Tension, where a pale palette is a perfect complement to ease the character’s grotesque qualities; where ying and yang come together in an unreal and unclear view. In this opportunity, a series of elements act in favor of this hypothesis: from color and its distribution, to the characters portrayed and their lack of gender. The most profound ideas come across a world of characters and ideas. Dreams, desires and their representation are displayed in large format, in murals or even outside the frame. Mateo Liebana’s artwork recalls shape and silhouette, and involves profound ideas about depth and our subconscious, giving space to questions about what we had inside our memory but it is no longer there, things we do not remember, but remain forever.

Detalle de la serie Pasajes mentales, “Resaca del inconsciente”, 2016, acrílico y carbón sobre lienzo / sellado, 145 x 115 cm.

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Sud África | South Africa Artista Multidisciplinar | Multidisciplinary Artist

Joseph Klibansky Una cosa y su esencia A Thing and Its Essence

Por Demetrio Paparoni. Crítico del arte (Italia). Imágenes cortesía del artista.

Es en esta complejidad donde encontramos nuestro punto de partida, donde debemos acercarnos a la ambigüedad del significado multifacético que también yace en Reflections of Truth. Esta escultura representa a Pinocho que está arrodillado mientras ensarta su larga nariz en un anillo de diamante. Hecho en bronce pulido, el falso títere tiene los brazos levantados: una postura que es la reminiscencia de un ritual. La preciosidad del material, junto con la refinada calidad de los detalles, hace que el personaje literario de quintaesencia se vea

It is with this complexity as our point of departure that we must approach the ambiguity of the multifaceted meaning that we also find in Reflections of Truth. This sculpture portrays Pinocchio on his knees as he threads his long nose through a diamond ring. Made of polished bronze, the deceitful puppet is shown with his arms raised, a stance that is reminiscent of a ritual. The preciousness of the material, along with the refined quality of the details, make the quintessential lying literary figure elegant and in

n el trabajo de Joseph Klibansky se examina la relación entre una cosa y su esencia, entre lo que vemos y lo que implica una imagen. El precario sentido del equilibrio que se puede encontrar en sus últimas pinturas y esculturas revelan cuán triste puede ser lo distópico en una imagen y cómo, a simple vista, puede lucir como una alegre utopía. Por lo tanto, revela la forma en que la utopía y la distopía pueden coexistir dentro de una misma imagen.

oseph Klibansky’s work examines the relationship between a thing and its essence, between what we see and what an image implies. The precarious sense of equilibrium that can be found in his recent paintings and in his sculptures reveal just how sadly dystopian an image can be that, at first glance, appears happily utopian. It thus reveals how utopia and dystopia can coexist within the same image.

Immechien, 2012-2016, bronce pulido edici贸n 5 + 3 AP, 130 x 75 x 50 cm.

elegante y, en cierto modo, encantador. Reflections of Truth nos demuestra la manera en que el proceso de simbolización y el impulso de asociar están correlacionados, en la medida en que las asociaciones de diferentes símbolos se relacionan entre sí. La persona que ejemplifica esta teoría es el físico y psicoanalista Georg Groddeck, quien se enfoca en el anillo de la obra como un símbolo de fidelidad sexual. Él escribe lo siguiente: “Si comenzamos con la idea de que el matrimonio significa fidelidad sexual, entonces este símbolo es fácil de interpretar: el anillo representa el órgano sexual femenino y el dedo equivale a lo masculino; nunca se debe colocar el anillo en el dedo de otra persona que no sea el legítimo cónyuge. Por lo tanto, esto representa la promesa de que el anillo de la mujer nunca recibirá otro miembro que no sea el su esposo”. Este ejemplo lo utiliza Groddeck para enfatizar en la conciencia de que la vida del hombre siempre se ha regido por símbolos.

some way charming. Reflections of Truth demonstrates how the process of symbolization and the impulse to associate are correlated, insofar as in associations different symbols are related to each other. Exemplifying this theory is the physician and psychoanalyst Georg Groddeck who focused on the ring as a symbol of sexual fidelity. “If we begin with the idea that marriage means sexual fidelity” writes Groddeck, “then it becomes easy to interpret this symbol: a ring represents the female sexual organ and the finger that of the male; the ring must never be placed on a finger other than that of a legitimate spouse, and therefore represents the promise that the woman’s ring will never receive a member other than that of her spouse.” This example is used by Groddeck in order to emphasize the awareness that man’s life has always been governed by symbols.

La descripción de Groddeck sobre el simbolismo del anillo nos permite entender la narración de Reflections of Truth. La naturaleza sexual de esta representación se testifica más allá del hecho de que Pinocho está sacando la lengua, mientras este ensarta su nariz a través del anillo. Contrariamente a lo que ocurre en el rito del matrimonio, aquí, Pinocho coloca el anillo en su propia nariz, lo que representa la promesa de ser fiel a sí mismo. Sin embargo, sea cual sea el compromiso del Pinocho de Klibansky, este se contradice de todas maneras por su naturaleza engañosa. Por ende, esta obra ilustra la transformación del rito de la promesa en algo vacío. Este tema está inevitablemente relacionado con el concepto de utopía, que es solo una promesa fallida. Esto también evoca el concepto de un sueño que se entiende como una aspiración para alcanzar una meta. En consecuencia, no podría estar más distante de la dimensión onírica que caracteriza el trabajo de los surrealistas.

The ring symbolism described by Groddeck allows us to understand the narration in Reflections of Truth. The sexual nature of the depiction is further testified by the fact that, while threading his nose through the ring, Pinocchio sticks out his tongue. Contrary to what takes place in the rite of matrimony, here Pinocchio places the ring on his own nose, directing his promise to be faithful to himself. Yet, whatever commitment Klibansky’s Pinocchio is making with himself is contradicted by his deceitful nature. The work thus illustrates the rite of promise’s transformation into emptiness. This theme is inevitably related to the concept of utopia, which is just a failed promise. It also recalls the concept of a dream understood as an aspiration to reach a goal. It could not be more distant, therefore, from the oneiric dimension that characterizes the work of the surrealists.

La referencia sexual en Reflections of Truth también se puede confirmar con otra escultura de bronce pulido llamada Baby We Made It (2016), que representa a dos tortugas que llevan unos pequeños sombreros en forma de cono que, al igual que Pinocho, sacan sus lenguas. Aquí, Klibansky cubre el acto de apareamiento del mundo animal al utilizar un elemento, el oro, que es la manifestación de aquello que es sagrado por excelencia. Al mismo tiempo, la interpretación de los sombreros de oro que llevan ambos animales oscila entre un paramento litúrgico y un frívolo sombrero de fiesta. Al transformar el acto de apareamiento en un ritual que es más social que sagrado, la obra presenta de nuevo un concepto de mentira y sugiere que no somos capaces de interpretar el profundo mensaje de las imágenes. Estos animales de apariencia prehistórica siempre han cautivado nuestra imaginación, siendo nosotros quienes les hemos entregado una simbología positiva. Los caparazones convexos de estos animales siempre se han asociado con la esfera celeste, mientras que la parte inferior de sus caparazones se relaciona con la Tierra. Es por esto que la tortuga se convirtió en un símbolo de la unión entre el cielo y la Tierra, y en consecuencia, la tortuga, en un símbolo de harmonía. A pesar de esto, la tortuga es un animal agresivo durante sus distintas fases de cortejo y apareamiento, y su caparazón sirvió de inspiración para la “formación en testudo”, estrategia militar propia de las legiones de la Antigua Roma. Además, el caparazón inspiró a Leonardo da Vinci para crear su diseño precursor de lo que sería el moderno tanque de guerra. Como siempre, Klibansky esconde las verdades que no nos gusta ver tras una imagen brillante. Una vez más, Klibansky está aquí para contarnos que una cosa y su imagen no coinciden.

The sexual reference in Reflections of Truth is confirmed by another polished bronze sculpture, Baby We Made It (2016), which portrays two turtles wearing small cone hats who, like Pinocchio, also stick out their tongues. Here Klibansky drapes the act of mating in the animal world by using an element: gold, which is the manifestation of that which is sacred par excellence. At the same time, the interpretation of the golden caps worn by the two animals oscillates between a liturgical parament and a frivolous party hat. By transforming the act of mating into a ritual that is more social than sacred, the work reintroduces the concept of a lie and suggests that we are not longer able to interpret the profound meaning of images. These prehistoric-looking animals have always captivate the imagination of humans, who have charged them with positive symbology. Their convex shells have been associated with the celestial sphere, while the lower portion of their carapace has been associated with the Earth. This has made the turtle a symbol of the conjunction between the heavens and the Earth, hence a symbol of harmony. And yet the turtle is an aggressive animal in its different phases of courting and mating, and its shell inspired the “testudo formation” in the military strategies of the ancient Roman Legions. In addition, it inspired Leonardo da Vinci in his design of what was the precursor of the modern army tank. As usual, Klibansky hides the truths we prefer not to see behind a shining image. Once again, Klibansky is here to tell us that a thing and its image do not coincide.

Este tema no es nuevo en la historia del arte contemporáneo. Consideremos algunos ejemplos. Damien Hirst exhibe los estantes de su farmacia de manera que los medicamentos sigan un criterio estético basado en el tamaño y en el color de los envases. Mientras tanto, en las farmacias de hoy los medicamentos

This topic is not new to the history of contemporary art. Let us consider a few examples. Damien Hirst’s pharmacy shelves display confections of medicine following an aesthetic criterion based on the size and colors of the packaging, while in an actual pharmacy the confections are organized

Baby we made it, 2016, bronce pulido edici贸n 5 + 3 AP, 27 x 69 x 34 cm. Cortes铆a del artista.

se organizan de acuerdo a un criterio muy distinto. Hasta hace poco tiempo los medicamentos se organizaron según su tratamiento, el orden alfabético o la empresa farmacéutica. Hoy en día, las farmacias guardan las recetas médicas para que nadie las vea. Si seguimos la extraña lógica de los farmacéuticos, los estantes con medicamentos de Damien Hirst no son lo que parecen.

according to very different criteria. Until not so long ago, they were arranged based on the illness being treated, in alphabetical order or by pharmaceutical company. Today, pharmacies keep prescription medicine in cases, out of sight. Following a logic alien to pharmacists, Damien Hirst’s medicine shelves are not what they appear.

El trabajo de Klibansky es semejante al de aquellos artistas ya mencionados. Por ejemplo, para las obras Elements of Desire (2013) y Elements of Life (2013) se obtuvieron imágenes normales, con la ayuda de una impresora 3D, para representar imágenes simbólicas y populares como un tazón de Starbucks, un osito de peluche, una botella de perfume, un pequeño corazón, un cono de helado, una botella de Coca Cola, un cráneo y un feto. En consecuencia, todos estos elementos se encuentran en un mismo nivel. Estos objetos permanecen juntos por medio de un soporte semejante a un marco, como si fueran esas piezas plásticas de modelos a escala que se desmontan. Las obras Elements of Desire y Elements of Life, que están hechas a partir de oro o de resina azul, también evocan los pectorales de oro, plata y bronce del antiguo Egipto. Es decir, aquellos que se fabricaban por medio de adornos calados, cuyas representaciones están asociadas con las narraciones mítico-religiosas. La referencia de las esculturas, en relación a la estructura lingüística de un pasado distante, hace que estas figuras sean un tipo de reliquia arqueológica del futuro. Es como si Klibansky hubiese deseado diseminar los elementos que utilizarán las generaciones posteriores para que ellos puedan interpretar la realidad actual y describir a una sociedad que luchaba por atribuirle un valor sagrado a los productos de consumo que nos acompañan desde nuestro nacimiento (el feto) hasta la muerte (el cráneo).

Klibansky’s work is akin to those of the aforementioned artists. Elements of Desire (2013) and Elements of Life (2013), for instance, capture ordinary images, with the help of a 3D printer, that ascend to popular symbolic images, like a Starbucks mug, a teddy bear, a perfume bottle, a little heart, an ice cream cone, a Coca-Cola bottle, a skull and a fetus, placing them all on the same level. These elements are enclosed and held together by a frame-like support that recalls that of the detachable miniature plastic pieces found in model building kits. Made from gold or blue resin, Elements of Desire and Elements of Life also recall ancient Egyptian gold, silver and bronze pectorals, made through openwork, whose depictions are associated with mythical-religious narrations. The sculptures’ reference to the linguistic structure of a distant past makes of them a sort of archeological relic for the future. It is as if Klibansky wished to seminate the elements that will be used by those who come after us in order to interpret today’s reality and that describe a society that strives to ascribe a sacred value to the consumer products that accompany us from birth (the fetus) to death (the skull).

Según estas premisas, en Blue Dreams (2014) el feto azul de Klein abraza un cono de helado dorado dentro de una parábola blanca, donde se pueden ver unos garabatos de color azul que evocan nubes que se mueven por el viento. Una vez más, nos enfrentamos con una escultura que transmite un mensaje intencionalmente ambiguo hasta tal punto que podemos ver una antorcha en vez de un cono de helado, lo que demuestra una vez más la forma inconexa que puede tener un sujeto de un objeto. El hecho de que Klibansky utilice el azul y se relacione con el trabajo de Klein se puede evidenciar en Golden Evolution (2016), la escultura geminada de Blue Dreams, cuyo feto es el único que está hecho completamente de oro. La intercambiabilidad entre el azul y el oro es un testimonio sobre el hecho de que ambos colores se utilizan con el mismo valor simbólico que usa Klein, quien asoció el color de la contemplación y el oro con la purificación. En la obra de Klibansky, el hecho de que los mismos temas se presentan nuevamente con colores y materiales distintos no se ajusta a las seriales lógicas de los artistas del arte pop, sino que es una expresión de un sistema simbólico que es capaz de manifestarse por sí solo de una manera que cambia constantemente.

In keeping with these same premises, in Blue Dreams (2014) a Klein blue fetus embraces a golden ice cream cone within a white parabola upon which blue scribbles recall clouds thrusted by the wind. Once again, we are faced with a sculpture that transmits an intentionally ambiguous message, to such a degree that we see a torch instead of an ice cream cone, further demonstrating how disjointed a subject can be from an object. Evidence that Klibansky’s use of blue is connected to Klein’s work is found in Golden Evolution (2016), the geminate sculpture to Blue Dreams, only this fetus is entirely made of gold. The interchangeability of blue and gold is a testament to the fact that the two colors are used with the same symbolic valence used by Klein, who associated the color of contemplation and gold with purification. In Klibansky’s work the the same subjects being reintroduced with different colors and materials does not correspond to the serial logic of pop artists, but rather is the expression of a symbolic system that is able to manifest itself in ever-changing ways.

Finalmente, Big Bang (2016) representa la cabeza gigante de un gorila negro que viste un sombrero de fiesta dorado y un cuerno, lo que hace un agudo contraste con la mirada hosca del animal. Esta escultura, hecha de bronce pulido y brillante, también fue hecha gracias a la ayuda de una gigantesca impresora 3D. En sus esculturas, Klibansky permite que coexista la tecnología computacional y las técnicas artísticas tradicionales, como en el caso de sus trabajos foto-pictóricos. Big Bang es una obra totémica a pesar de que tiene un sombrero de fiesta y un cuerno. Esta obra presenta nuevamente el motivo de la máscara junto con un rito que se transforma en vacío. A pesar de que por medio de su capacidad para evidenciar el vacío que se encuentra detrás de lo que llamamos civilización, la intención de Klibansky nunca fue la de profanar; lo esencial de su estética es la idea recurrente de que debemos cavar profundamente para poder revelar lo que está escondido detrás de los fenómenos.

Lastly, Big Bang (2016) is the gigantic black gorilla head clad with a golden party hat and horn, in sharp contrast with the animal’s sullen gaze. Made of glossed and polished bronze, this sculpture was also realized with the aid of a giant 3D printer. As is the case with his photo-pictorial works, in his sculptures Klibansky allows computer technology and traditional artistic techniques to coexist. Big Bang is totemic, in spite of the party hat and horn.This work reintroduces the mask motif, along with a rite’s transformation into emptiness. Despite his ability to make evident just how much emptiness can be found behind what we call civilization, Klibansky’s intention is never desecrating; the staple of his aesthetics is the recurrent idea that we must dig deeply in order to reveal what is hidden behind phenomena.

Big Bang, 2016, patinado negro y bronce pulido edici贸n 5 + 3 AP, 149 x 70 x 80 cm.

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Estados Unidos | United States Artista Multidisciplinar | Multidisciplinary Artist

Kristin Bauer Escultura poética y percepción cognitiva Poetic sculpture and cognitive perception La artista estadounidense Kristin Bauer indaga a partir de un claro trasfondo de estudios psicológicos, aquellos complejos caminos que empujan al ser humano hacia la construcción de un conjunto cognitivo con significado, tras una serie de estímulos visuales tales como son el lenguaje, la tridimensionalidad y las transparencias de sus esculturas modulares.

The American artist, Kristin Bauer, investigates based on a clear background of psychological studies, those complex paths that push mankind towards the construction of meaningful cognitive processes after a series of visual stimuli such as language, three-dimensionality, and the transparency of her modular sculptures.

Por Francesco Scagliola. Periodista (Italia). Imágenes cortesía de la artista. Representada por Aureus Contemporary.

u hogar actualmente es la ciudad de Tempe –Arizona– ubicada en el medio del desierto de Sonoran (y no es casualidad que la luz se haya vuelto un elemento plástico significativo en su obra).Cuando Kristin era adolescente empezó a moverse en el mundo del arte tras vender sus primeras obras, en estas su trabajo aparecía estrictamente autobiográfico y más orientado hacia lo pictórico. Después de “encontrar su vocación” visitando la Bienal de Venecia y así comenzar una investigación más cercana a la dimensión conceptual, en el año 2010 –finalmente– se produjeron aquellos cambios fundamentales que, todavía hoy, moldean su peculiar poética creativa: por un lado, su encuentro con el artista Emmett Potter (que, además, desembocó en amor y matrimonio) y, por otro, estuvo el Master Universitario en Psicología especializada en Terapia del Arte.

er current home is Tempe, Arizona, which is located in the middle of the Sonoran desert (and it’s not accident that light has become a significant visual element in her work). When Kristin was a teenager, she started to get around in the art world after selling her first works, in which her work seemed strictly autobiographical and more geared towards pictorial art. After “finding her calling” when she visited the Venice Biennale, she began to closely investigate conceptual aspects. Finally, in 2010, fundamental changes took place which, still today, shapes her peculiar creative poetics: on the one hand, due to her meeting with the artist Emmett Potter (who also resulted in love and marriage) and, on the other hand, her Master’s degree in Psychology with a specialization in Art Therapy.

Al parecer esta experiencia fue crucial y en resumen ocasionó un giro de 360° por lo que concierne a las expectativas de Kristin que, si al principio imaginaba que su trasfondo como artista iba a servirle para ser una buena Art Therapist, acabó en cambio dándose cuenta de que estos mismos estudios en psicología se habían convertido en un perfecto entrenamiento para desarrollar a fondo su faceta de arista conceptual. “Durante este tiempo –cuenta la artista– sucedieron una serie de cosas que influyeron en mi futuro como artista: descubrí mi fascinación para la cognición, para la terapia Gestalt, las teorías de Jung y la maleabilidad de las ideologías a través de las palabras y de la percepción. Las relaciones espaciales y la estética de las ideas y del lenguaje comenzaron a aparecer en mi estudio y desde este punto en adelante casi la totalidad de mi trabajo incluiría lenguaje o la alusión a su ausencia. Además, durante este tiempo, mi hija mayor estaba aprendiendo a leer y escribir: observar y participar de las ideas que van formando los niños mientras arman significados a través de la sintaxis, tuvo un efecto profundo en mí a nivel artístico”.

Apparently this experience was crucial and, in short, it caused a complete turnaround in regards to Kristin’s expectations. At first, she thought that her background as an artist would help her be a good Art Therapist, but in turn, she ended up realizing that her studies in psychology had become the perfect training to thoroughly develop her conceptual side as an artist. She says, “During this time, a number of things happened that influenced my future as an artist: I discovered my fascination for cognition, for Gestalt therapy, Jung’s theories, and the malleability of ideologies through words and perception. The aesthetic and spatial relationships of ideas and language started to appear in my studio, and from that point on, almost all my work included language or the allusion to its absence. Furthermore, over this period, my oldest daughter was learning to read and write: observing and participating in the ideas which educate children, as they create meaning through syntax had a profound effect on me artistically.”

Pues ¿cómo se podría definir hoy Kristin Bauer sino una verdadera escultora del lenguaje? De hecho resulta ser sumamente interesante notar cómo, para esta artista, palabras y expresiones se comportan exactamente como materia entre sus manos, como grieta por formar en el torno, acero fundido por golpear o como vidrio soplado en la fragua, algo capaz de ser doblado, moldeado y torcido. Pues se observa en sus obras modulares los términos más distintos (“To become”, “But then”, “They climbed”, por ejemplo), los

So, how could we define Kristin Bauer today except as a true sculptor of language? In fact, it is extremely interesting to see how, for this artist, words and expressions behave exactly like a matter in her hands, as clay to be shaped on the potter’s wheel, molten steel to be struck or like glass blown into shape, something that can be bent, shaped and twisted. In her modular pieces, we can see more distinct terms (“To become”, “But then”, “They climbed”, for example), which are overlapped, intertwined, merged

For How, 2015, pigmento de polĂmero y plexiglas, 51 x 51 x 8 cm.

If This, 2015, pigmento de polĂmero y plexiglas, 30x30x30 cm, in The Bradley Collection

We Begin, 2015, pigmento de polĂmero y plexiglas, 30x 30 x 30 cm

cuales se superponen, se entrecruzan, se funden, se combinan, y a la vez se alejan, se borran y se anulan, se descomponen dentro de un proceso tridimensional que a menudo bordea lo psicodélico y que siempre llega a parecerse muy de cerca a una composición poética (de hecho suele ocurrir que las palabras ocupadas sean partes de poemas de Kristin misma).

together, and combined, while simultaneously moving away, blotting, and cancelling each other out; they are broken down with a three-dimensional process that often borders psychedelia and that always closely resembles a poetic composition (in fact, the words that are used are usually from poems written by Kristin herself).

“Estoy fascinada con la maleabilidad del lenguaje, y obsesionada con el potencial del espacio negativo. Lo que queda fuera es a menudo tan potente como lo que está escrito. Considero el movimiento de los espectadores alrededor de mi trabajo como una activación de este potencial. Al principio me puse a trabajar con esculturas de cubos pintados, viendo el cubo de madera como un lienzo tridimensional. Luego empecé a utilizar plexiglás, que me cautivó por el potencial del espacio negativo con la transparencia, en la búsqueda de una manera de eliminar la sensación de pintura. La presencia de la textura y las pinceladas de pintura en mi trabajo refleja una autobiografía o una subjetividad que quería restar. Estoy fascinada con el potencial de situar las palabras fuera de una narrativa lineal. Porque nuestras experiencias, pensamientos, ideas y recuerdos no son necesariamente lineales. La percepción es lo que ancla nuestras ideas de la realidad”, explica la artista. Es, en lo específico, aquel proceso cognitivo que la artista misma llama “Meaning Making”, o sea el armazón teórico de la obra de Kristin Bauer que sujeta, talla y se refleja en la estructura concreta de su trabajo: es decir aquella posibilidad cerebral de desarrollar –tras la recepción de una serie de estímulos– cada vez, una nueva construcción sintáctico-simbólica de un “todo” que conlleve algún significado.

“I am fascinated with the malleability of language, and I am obsessed with the potential of negative space. That which is left out is often just as strong as what is written. I see how spectators will move around my work as something that can activate this potential. At first, I started to work with painted cube sculptures, while seeing the wooden cube as a three-dimensional canvass. Later, I started to use Plexiglas, which captured my attention due to the negative space’s potential in addition to its transparency, in the search for a way to eliminate the sensation of a painting. The presence of texture and brush strokes of paint in my work reflects an autobiography or a subjectivity that I wanted to play down. I am fascinated with the potential of placing words outside of a linear narrative, since our experiences, thoughts, ideas and memories necessarily linear. Perception is what anchors our ideas to reality,” explains the artist. Specifically, it is that cognitive process that the artist herself calls “Meaning Making”. In other words, it is the theoretical framework of Kristin Bauer’s work which grabs onto, sculpts and is reflected in the particular structure of her work: that is to say, that rational opportunity to develop – after receiving a series of stimuli –a new syntactic-symbolic construction of a “whole” that implies some meaning every time.

En fin, las estructuras de Kristin Bauer parecen configurarse como combinaciones creativas donde se enfrentan potentes dualismos tales como presencia /ausencia, transparencia /materia, texto /imagen; torres que crecen, cubo tras cubo, como fuesen una invitación a abrir nuevas puertas, una propuesta para cruzar nuevos umbrales y, como ya se ha mencionado, ir en busca de nuevas perspectivas cognitivas. Una representación física, presente y concreta que empuja hacia aquel giro de 360° que siempre se necesita para alcanzar nuevos conocimientos y para descubrir un poco más de uno mismo. Así, en estos arquitectónicos haikús, el lenguaje, la tridimensionalidad, la modularidad y las transparencias se entrecruzan directamente con la mirada y el movimiento del espectador para activar y llevar a cabo una oportunidad para la mente de danzar con la perspectiva. “Creo –concluye Kristin– que el arte que viene desde una profunda sinceridad, finalmente es de todos y trata de todos. Todos tenemos ojos, oídos e historias. Así lo que una persona ve en mi trabajo es probable que se diferencie mucho de lo que encuentra otra. Esto se debe a que todos nosotros nos exponemos al interactuar con el arte. Siempre es mi objetivo pinchar esta cuerda universal. Pues si he tenido éxito con eso o no, son los espectadores quienes lo descubrirán”.

In a nutshell, Kristin Bauer’s structures seem to be configured as creative combinations where powerful dualisms clash such as presence/absence, transparency/material, text/image; towers that grow, cube after cube, as if they were an invitation to open new doors, a proposal to cross into new thresholds and, as already stated, search for new cognitive perspectives. A physical, present and specific representation that drives a complete turnaround that is always needed to reach new understandings, and to discover a little more about oneself. As such, in these architectural haikus, language, three-dimensionality, modularity, and transparency are directly intertwined with the perspective and movement of spectator in order to activate and carry out an opportunity for the mind to dance with perspective. Kristin concludes, “I think that art that comes from profound sincerity, in the end, is for everyone and addresses everyone. We all have eyes, ears and pasts. So what a person sees in my work is probably a lot different from what someone else sees. This is because we all expose ourselves to interact with the art. My goal is always to tap into this universal thread. Whether I have had success with this or not, the spectators are the ones who will discover it.”

Stand Still, 2015, pigmento de polĂmero y plexiglas, 51 x 51 x 8 cm

Perú | Perú Dibujo | Drawing

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Natalia Revilla Entre recuerdos y política Between politic and memories Desde los coches bombas, hasta el terrorismo de los 80´s, el trabajo de Natalia Revilla se enfoca en la memoria, en la reconstrucción de ese pasado que no debe olvidarse y que debe ser procesado para comprender nuestro presente y nuestra historia.

From car bombs, to terrorism in the 80s, Natalia Revilla’s work focuses on memory and reconstructing that past which we must never forget and that must be processed in order to understand the present and our history.

Por Elisa Massardo. Lic. en Historia y Estética (Chile). Imágenes cortesía de la artista. Representada por Pabellón 4.

a violencia en Latinoamérica ha sido un tema transversal a la historia del continente. Desde la llegada de los españoles, hasta el siglo XX, pasando por la colonia y la época independentista, diversas formas de agresión han estado sobre los habitantes de estas tierras. Como aquél karma del cual es difícil desapegarse, como aquella herida que duele a diario. El trabajo de Natalia Revilla hace alusión a esta violencia, al género, a los problemas del abuso y des-abuso que se puede cometer con diversas personas y ¿cómo no?, si era tan solo una niña que creció en Lima, en momentos en que el terrorismo causaba estragos en su país –debido a la corrupción, inflación y deuda externa se cruzaron con la lucha armada de grupos como Sendero Luminoso y el Movimiento Revolucionario Túpac Amaru, los cuales fueron radicalmente reprimidos por las Fuerzas Armadas, generando la muerte de miles de combatientes, campesinos y personas de diversas ciudades¬–. Y luego, la dictadura. Fujimori asumió el poder en los ’90, con drásticas medidas económicas que buscaban estabilizar al país pero con fuertes consecuencias sociales, y un proceso de corrupción que iba en aumento. De esta manera, Natalia cuenta que creció “en medio del conflicto armado interno, la violencia al interior del país se percibía lejana en un primer momento a la capital, y en la década de los 90´s, durante la dictadura de Fujimori, paros armados y coches bombas eran palabras que se escuchaban a menudo. Y el velo de la violencia presentida se hizo certera y

iolence in Latin America has been a cross-cutting issue in the history of the continent. From the arrival of the Spanish, to the 20th century, passing through colonial times and the independence era, different forms of aggression have hovered above the inhabitants of these lands. It is like that kind of karma that is hard to shake off, like that wound that hurts every day. Natalia Revilla’s work alludes to that violence, the genre, the problems of abuse and dis-abuse that can be committed with different people, and, why not?, She was just a girl who grew up in Lima, in moments when terrorism wreaked havoc in her country (since corruption, inflation and foreign debt were combined with the armed conflicts of groups like the Shining Path and the Revolutionary Movement of Tupac Amaru, which were drastically repressed by the Armed Forces, thus causing the death of thousands of combatants, country folk and people from different cities). And later, the dictatorship. Fujimori took power in the 90s, with drastic economic measures that sought to bring stability to the country but with intense social consequences, and a process of corruption that was on the rise. Through this, Natalia says that she grew up, “in the middle of internal armed conflict. The violence within the country seemed far from the capital at first, and in the 90s, during Fujimori’s dictatorship, armed strikes and car bombs were words that were often heard. Plus, the veil of violence that was felt became well-aimed and manipulated, in addition to being characterized by corruption

Inkenishiku II (En el Bosque), 2016, carbonilla sobre tela, 150 x 100 cm. Colecci贸n Marc Amalvy M茅xico.

manipulada, además de caracterizarse por la corrupción y ruptura con la democracia”, señala la artista, quien hizo suyo el tema y lo aborda en su trabajo de diferentes modos: entre ellos, absorbiendo los rezagos de la violencia que construyen la memoria, “lo que se elige para ser representado en los procesos de reconstrucción de la memoria y lo que está ausente al interior de estos discursos es lo que me interesa”, explica Natalia. Y frente a esto nos encontramos con la técnica, con la vida y con las formas. Cuerpos, siluetas y naturaleza, todo unido en diversos dibujos donde la técnica es potente, donde cada trazo pareciera mostrar el suspenso o el misterio. Hay algo detrás de cada escena que la artista dibuja, hay algo que no vemos y es ahí donde entramos en el juego de las lecturas, en la complicidad entre el artista y el espectador. Natalia invita al espectador a reconstruir a partir de claves tenues, de lo que para ella es: “una toma de posición”, donde su trabajo se visibiliza como forma de posibilitar la interacción, de activación y de diálogo que pueda irse generando con otras personas. Los rostros son raramente visibles, están cubiertos por esta naturaleza frondosa que caracteriza ciertas zonas del Perú, de esa naturaleza que muchas veces fue un refugio seguro para los guerrilleros, para los combatientes. Un refugio que fue un lugar de olvido para los cuerpos que no tienen cabida luego de las muertes violentas, para la desaparición y la extinción de aquello que quiso ser alguna vez. Y estos cuerpos también aparecen desarmados, muertos en lagos, flotando en las nubes, tapados o escondidos. Una alusión constante al peligro, a lo que ocurrió y a lo que todos aquellos que lo vivieron, permitieron que ocurriese. Al respecto, la artista señala que: “Tenemos una responsabilidad compartida. Participamos, de alguna manera, por acción u omisión de lo que sucede y es, en ese sentido, que somos cómplices en diferentes aspectos de lo violento”. Y es así como las investigaciones de la Comisión de la Verdad y la Reconciliación, fueron importantes en su trabajo, pues cada nueva investigación o descubrimiento es una nueva mirada con la que la artista trabaja. “Al principio fue una manera automática, guardaba volantes de las marchas o fotografías de periódicos e internet, sin tener mucha certeza de cómo las utilizaría, sin pensar que las destinaría para mi trabajo. Después, fue una manera más metódica, clasificando imágenes con la procedencia del archivo y autor, otras separándolas por año y algunas porque disparaban ideas”, explica Natalia sobre su proceso de reconstrucción. Porque detrás de todo está la memoria, aquello que no nos deja en paz y que vive con nosotros a diario, aquello que no podemos olvidar que sucedió y donde el arte se hace presente, pues la pregunta de pos-guerra luego de los genocidios de la II Guerra Mundial sigue latente, ¿qué hacemos ahora?, ¿cómo nos hacemos cargo?, la respuesta no es simple, pero Natalia reconstruye, recuerda y rememora: “Creo que no es la violencia en sí misma la que nos convoca, es lo que pasó en la violencia para pensar en la manera en que nos vinculamos a los procesos históricos que nos rodean”, finaliza la artista.

and a break from democracy,” says the artist, who made her story the subject and tackles it in her work in different ways: among them, by picking up the left over pieces of violence that make up her memory, “that which is chosen to be depicted in the reconstruction process of the memory and that which is absent within this discourse is what I am interested in,” explains Natalia. And in face of this, we find technique, life and shapes. Bodies, silhouettes and nature, all united in different drawings where the technique is powerful, where each stroke seems to show suspense or mystery. There is something behind each scene that the artist draws, there is something that we can’t see and that is where we enter the game of interpretation and the involvement between the artist and the viewer. Natalia invites the viewer to reconstruct based on faint clues, which for her is: “a stance”, where her work is seen as a form of enabling interaction, activation and dialogue that can created with other people. The faces are rarely visible and they are covered by lush nature that characterizes certain areas of Peru, the same nature that was often a safe haven for guerilla fighters, for the combatants. A refuge that was a place of neglect for the bodies that have no place after violent deaths, for the disappearance and extinction of that which wanted to be at one time. And these bodies also appear unarmed, dead in lakes, floating in clouds, covered or hidden. It is a continuous allusion to danger, to what happened and to all those who experienced it that let it happen. Regarding this, the artist states that: “We have a shared responsibility. We participate, in some ways, through action or omission of what happens and, in that sense, we are accomplices to the violence in different ways.” This is why the investigations done by the Commission of Truth and Reconciliation were important in her work, since each new investigation or discovery is a new perspective that the artist can work with. “At first it was automatic. I saved flyers from marches or photographs from newspapers and the internet, without really knowing how I would use them and without thinking that I would set them aside for my work. Later, it was more methodic, classifying images by their origin or author, while separating others by year and some because they sparked ideas,” explains Natalia regarding her reconstruction process. Behind everything is a memory, that which doesn’t let us rest and that lives with us every day, things which we cannot forget about and where art is present, as if a post-war question after the genocide of World War II remains latent: What do we do now? How do we take charge? The answer isn’t simple, but Natalia reconstructs, remembers and recalls: “I believe that it isn’t the violence itself that moves us, it is what happened in the violence in order to think about the way in which we are linked to historic process that surround us,” concludes the artist.

Inkenishiku I (En el Bosque), 2015, carbonilla sobre tela, 150 x 100 cm.

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Brasil | Brazil Fotografía | Photography

Piscina Vazia, Santa Teresa, 2015, impresión en papel de celulosa Hahnemuhle, 100 x 150 cm. ed. 1/5.

Maritza Caneca Capturando atmósferas Capturing ambiences Retratar los instantes coloridos y habituales que caracterizan una cultura sobresale en el trabajo fotográfico de la brasileña Maritza Caneca, sus matices que combinan la maravilla de atrapar los instantes en movimiento para el cine y la colección de imágenes quietas de los lugares que la han deslumbrado, representan los mayores desafíos para esta directora fotográfica.

Portraying the colorful and inveterate moments that characterize a culture stands out in the photographic work of Brazilian artist Maritza Caneca. Her shades, which combines the wonders of capturing moments in motion for the cinema and collecting still images from places that have dazzled her, represent the major challenges for this photographic director.

Por Sandra Fernández. Periodista (Colombia). Imágenes cortesía de la artista.

San Francisco Pool, 2015, impresión en papel de celulosa Hahnemuhle, 100 x 150 cm. ed. 1/5.

irar sus fotografías es como tocar con los ojos las texturas plasmadas, visitar las ciudades a simple vista y conocer a las personas que transitan por sus imágenes. Al igual que en su trabajo fotográfico en el cine, la televisión y la música, su manera de revelar lo que observa, pasa de capturar los momentos adecuados a evidenciar la belleza del paisaje.

ooking at her photographs is like touching the reflected textures with your eyes, seeing the cities with the naked eye and getting to know the people that move about through her images. Just like in her photographic work in cinema, television and music, her way of displaying what she observes goes from capturing the right moment to showing the beauty of the landscape.

Maritza Caneca comienza su carrera en 1986 como asistente de fotografía de varios proyectos audiovisuales en Brasil, país de donde es procedente. La primera cinta en la que participó fue Cinema Falado del director y compositor musical Caetano Veloso, posteriormente hizo parte de varios filmes como El increíble Hulk, Zuzu Angel, Brasil Animado 3D,entre otros. Entre sus grandes proyectos figura como directora de fotografía en la realización de documentales y videos musicales entre los que se destaca su participación en el videoclip Walk on de la banda irlandesa U2 que fue grabado en Brasil.

Maritza Caneca started her career in 1986 as a photography assistant in several audiovisual projects in Brazil, the country where she is from. The first film she participated in was Cinema Falado by Director and musical composer Caetano Veloso. She later took part in various films such as The Incredible Hulk, Zuzu Angel, Brasil Animado 3D, among others. In Between her big projects she appears as the photography director in the making of documentaries and music videos. Among those, she stands out for her participation in the music video Walk On from the Irish band U2 which was recorded in Brazil.

Esta gran pasión la llevó a que, durante su rol como directora de fotografía, conservara esos instantes en imágenes que ahora pertenecen a varias series que constituyen el placer de capturar las atmósferas de diversos sitios en el mundo; los colores y los diferentes objetos representativos de cada cultura le dan un significado mayor. Dentro de su trabajo, se destacan cuatro series fotográficas las cuales hablan del espacio mismo entre las que están: Cuba, Piscinas Vazias, Fachadas y Avenida Brasil.

This devotion during her role as photography director lead her to preserving those moments in images that now belong to several series that create the pleasure of capturing the ambiance of different sites throughout the world; the colors and the different objects representing each culture give her a greater meaning. Among her work, four photographic series stand out which talk about the space itself. In which are: Cuba, Piscinas Vazias, Fachadas and Avenida Brasil.

Piscina, Rio de Janeiro, 2015, impresión en papel de celulosa Hahnemuhle, 100 x 150 cm. ed. 4/8

La Habana y Jerusalén

Havana and Jerusalem

En la serie fotográfica Havana, capturó una representación personal de Cuba y en esta ocasión de su capital. Esta colección de fotografías determina los estilos de vida de la población que en este espacio habita. “Gasté cinco días allí en septiembre de 2014 y el lugar es todavía el mismo que hace cincuenta años, tiene demasiados espacios ricos en arquitectura”, dice Maritza Caneca.

In the photographic series Havana, she captured a personal representation of Cuba and in this occasion of its capital. This collection of photographs defines the lifestyles of the people that inhabit this space. “I spent five days there in September, 2014 and the place is still as it was fifty years ago. It has so many architecturally rich spaces,” says Maritza Caneca.

Jerusalén fue otro de los lugares captados por la artista durante su visita en el año 2013, su preferencia por la cultura se ve instantáneamente cuando plantea la religiosidad muy arraigada a los pobladores de esta tierra. Los templos y los rezos se evidencian al instante, mientras que no deja de lado su pasión por retratar las fachadas del lugar, es así que aparecen representaciones pictóricas en las paredes, ropaje colgando de sus tendederos, desiertos con arena blanca que son perceptibles a la vista, y muchas texturas entre las que destaca la piedra.

Jerusalem was another of the places captured by the artist during her visit in 2013. Her preference towards the culture is seen instantly when she brings up the deeply rooted religiousness to the settlers of this land. The temples and prayers are evidenced immediately. Meanwhile, her passion for portraying the places facades isn’t ignored, thus pictorial representations appear on the walls, garments hang from their clothes lines, white-sand deserts clearly in view, and many textures among those emphasized the stone.

Así, poder captar los detalles, parece ser algo recurrente en la obra de Caneca, pues también se puede ver en la serie de fotografías donde hace homenaje a la bicicleta, al igual que el agua que se convierte en un elemento que con azul intenso logra captar la admiración. En el exterior, en donde aprovecha tomas sobre el aire, fija en imágenes los pequeños destellos de color de las personas, los que se pierden en la suave arena que toca el mar.

In that way, being able to capture the details seems to be recurring in Caneca’s work. We can also see in the photography series where she pays homage to the bicycle, just like water, which becomes an element that is able to capture admiration with bright blue. In the exterior, where she takes advantage of the shots above air, to place the small glimmers of color of the people, which are lost among the soft sand that touches the sea.

Women, San Francisco, 2015, impresión en papel de celulosa Hahnemuhle, 100 x 150 cm. ed. 2/5.

En sus palabras…

In her words…

Con respecto a la Habana y a Jerusalén, ¿Por qué tomar fotos en estos lugares? Fui a la Habana en septiembre de 2014 y me di cuenta que habían cosas que deberían haber cambiado en ese país. Decidí tomar fotos allí porque deseaba capturar ese momento a n t e s d e l o s c a m b i o s q u e s e o c a s i o n a r í a n . E n c u a n t o a J e r us a l é n m i f a s c i n a c i ó n s e d i o p o r e n c o n t r a r, e n e l m i s m o l u g a r, tres religiones diferentes: judíos, cristianos e islámicos. La fe y el respeto en estas religiones son muy fuertes.

Regarding Havana and Jerusalem, why take photos there? I went to Havana in September of 2014 and I realized that there were things that should have changed in that country. I decided to take photos there because I wanted to capture that moment before changes occurred. At that time, I saw an untouchable country that had stayed the same for fifty years. For me, that was spectacular. In regards to Jerusalem, my fascination started by finding, in Jerusalem, three different religions: the Jews, Christians and Islamic. Faith and respect in those religions are very strong.

¿Qué te gusta fotografiar preferentemente? La atmósfera de los lugares, la geometría, el vacío y el silencio.

What do you prefer to photograph? The ambience of places, the geometry, the empty spaces and silence.

¿Es importante fotografiar a la gente en sus imágenes? En mi trabajo realmente me gusta fotografiar los espacios, las líneas, las simetrías. Me gusta hacer que la gente piense sobre qué tipo de persona vive ahí. Sin embargo, tanto en la Habana como en Jerusalén sentí la necesidad de mostrar a las personas que viven en esas ciudades y sus historias. Cuando no estoy con la cámara y camino en las calles estoy tomando fotos con mis ojos. Me gusta que mis fotos llamen la atención de alguna manera, mostrando sentimientos. Esto hace que el espectador se emocione y que lo que siento en el momento se capture en la imagen.

Is it important to photograph the people in your images? In my work, I really like to photograph the spaces, lines and symmetries. I like to make people think about what kind of person lives there. However, in both Havana and Jerusalem, I felt the need to show the people who live in those cities and their stories. When I’m walking through the streets without my camera I am taking photos with my eyes. I like that my photos draw attention in some way by showing feelings. This excites the viewer and allows what I feel in the moment to be captured in the image.

Venezuela | Venezuela Artista Multidisciplinar | Multidisciplinary Artist

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Daniel Diaz-Tai Conversaciones desde el subconsciente Conversations from the subconscious Daniel Díaz-Tai investiga su multifacética identidad (venezolana-taiwanés) a través de la creación de –lo que él define como– “caligrafías asémicas”: es decir una representación gráfica, marcadamente abstracta, de lenguajes desconocidos y privadas de un claro valor semántico que brotan directamente desde una dimensión subconsciente. D a n i e l D í a z - Ta i i n v e s t i g a t e s h i s m u l t i f a c e t e d i d e n t i t y ( Ve n e z u e l a n - Ta i w a n e s e ) b y c re a t i n g w h a t h e d e f i n e s a s “ a s e m i c w r i t i n g s ” : t h a t i s t o s a y, a d i s t i n c t l y a b s t r a c t g r a p h i c re p re s e n t a t i o n o f c l e a r l y s e m a n t i c u n k n o w n a n d p r i v a t e l a n g u a g e s w h i c h s t e m d i re c t l y f ro m a s u b c o n s c i o u s d i m e n s i o n . Por Francesco Scagliola. Periodista (Italia). Imágenes cortesía del artista.

a identidad de Daniel es múltiple, cambiante e indefinible así como los incomprensibles discursos que escuchaba alrededor de la mesa al comienzo de su estadía en el extremo oriente: imposibles de descifrar, evanescentes sonidos en rápido movimiento aéreo. Pues es interesante porque las escrituras asémicas que protagonizan hoy las obras de Daniel funcionan exactamente de la misma forma: un movimiento que genera una comunicación cuyo valor semántico resulta, sin embargo, incomprensible. Los comienzos: del Diseño Gráfico a las Caligrafías “..O sea yo de chiquito pinté, pero el amor al arte comenzó cuando me introdujeron a la caligrafía”, explica Daniel Díaz-Tai, quien actualmente disfruta

aniel has a diverse, changing and indefinable identity, just like the unintelligible conversations that he heard around the table at the beginning of his stay in the Far East: impossible to decipher, evanescent sounds quickly moving through the air. This is interesting since the asemic writings featured in Daniel’s paintings work in exactly the same way, movement that creates communication whose semantic value seems, nonetheless, incomprehensible. The beginning: From Graphic Design to Calligraphy “…I have painted since I was a boy, but my love for art started when I was introduced to calligraphy,” explains Daniel Díaz-Tai, who currently

Asemic N526.15, 2015,Medium: Mix Media on Paper,Size: 22 x 30 in, Abstract

de su carrera en el Fine Art, término con el que define su trabajo: pinta y crea en San Francisco, vende en New York, participa en ferias alrededor del mundo. Sigue desplazándose entre Asia, Europa, EE.UU, Latinoamérica. Planea nuevos proyectos, trabaja duro y disfruta de vez en cuando de la naturaleza californiana. Abrió también su propia galería. Sin embargo, pese a que durante su infancia y adolescencia ya había aparecido alguna clase de vocación creativa, Daniel empezó a plantearse lo de ser artista a tiempo completo solo cuando, cursando la carrera de Diseño Gráfico, entró a las “aburridas” clases de caligrafías. “Las clases de caligrafía era para los logos y todas estas cosas. Cuando era chico mi papa pensaba que yo tenía la letra muy fea y me ponía a hacer planas para escribir bonito. Hacía muchas repeticiones todos los días y, por eso, entrando a la clase era como volver a hacer lo de las planas de nuevo, pero con tinta. Me parecía un muy aburrido deja vu”, cuenta el artista. Así es como Daniel llegó a llenar el libro de caligrafías con la ayuda de la que entonces era su pareja, quien escribía por él: pero el engaño no resultó. “La Profesora me dijo que trabajara las páginas que quedaban con lo que yo pensaba que tenía que hacer. Ahí es cuando empecé”, explica. En las sucesivas clases, las de caligrafía avanzada, Daniel ya empujaba su creatividad más allá de aquellos ejercicios repetitivos de antaña memoria, esta vez sin ayuda alguna. Se tituló. Empezó a ejercer la profesión, pero al poco tiempo fue aceptado en una galería: “Eran o asiáticos o latinos ahí –cuenta Daniel– y yo estaba exactamente al medio, como persona y como artista”. En fin, sus obras se vendieron todas rápidamente y, aunque desde entonces no haya vuelto al oficio de diseñador gráfico (de no ser para su propia galería), elestilo minimalista que caracteriza sus series no deja de delatar aquella clarísima descendencia. Subconscious. Hoy. Subconsciente no es solamente el título de una de sus series. Es, ante todo, la fuerza, la dimensión, el terreno desde el cual se mueve toda la producción creativa de Daniel Díaz-Tai. Si el abstracto es su sello estilístico, el subconsciente es la vertiente generadora de la obra en sí. Es el empujón enjoys his career in Fine Art, a term which defines his work: he paints and creates in San Francisco, sells in New York, participates in fairs around the world. He continues to travel between Asia, Europe, the United States, and Latin America. He plans new projects, works hard and enjoys nature in California from time to time. He also opened his own gallery. However, in spite of already having some kind of creative calling in his childhood and adolescence, Daniel only started to contemplate being a full-time artist when he went into “boring” calligraphy classes while studying Graphic Design. “The calligraphy classes were for logos and all that stuff. When I was a kid, my dad thought I had very ugly handwriting and he made me write whole pages in order to write nice, I would write over and over again every day and, because of that, starting that class was like what my dad made me do all over again, but in ink. I thought it was a very boring form of déjà vu,” says the artist. That is how Daniel came to fill up a book of calligraphy with the help of his partner at that time, who would write for him: but the ruse did not work. “The teacher told me to fill up the pages that were left, with what I thought I needed to do. That is when I started,” he explains. In the classes after that, which were advanced calligraphy, Daniel had already pushed his creativity beyond those repetitive exercises from long ago, only now without help. He graduated. He started to work as a graphic designer, but not long after that he was accepted in a gallery: “There were Asians and Latinos there, and I was exactly in the middle, as a person and as an artist,” says Daniel. All and all his work sold quickly, and although he hasn’t gone back to graphic design since that moment, unless it was for his own gallery, the minimalist style that characterizes his series continues to show that clear derivation. Subconscious, Today Subconscious is not just the title of one of his series, it is above all, the force, dimension, and grounds upon which all of Daniel Díaz-Tai’s creative work moves. If abstraction is his calling card, the subconscious is the productive side of the work itself. It is the drive that gets Daniel to the studio, that

Asemic N517.15, 2015, Mix Medial on Paper,22 x 30 in,Abstract

que lleva Daniel al taller, que le hace agarrar el pincel, que le permite atacar la tela. Las caligrafías asémicas nacen justamente en esta dimensión alienada, donde los desplazamientos identitarios sugieren el gesto artístico que, como consecuencia, produce un movimiento sobre el papel mismo; dejando que la mano fluya por horas en un torbellino creativo estrictamente relacionado con el conjunto de experiencias que Daniel vivió y vive. El componente físico es, de hecho, importantísimo en la medida en que expresa su contraparte cerebral: finalmente parecería tratarse de alguna clase de sesión psicoanalítica, hipnótica, durante la cual Daniel investiga sus variadas identidades a través de una espontánea emotividad traducida gráficamente a una especie de ilegible idioma “Esperanto”. “A veces me preguntan; ¿Y cómo empiezas? Y yo no tengo ni la menor idea de lo que voy a hacer –reflexiona el artista– Pongo el panel, agarro con la mano y zumbo pintura para arriba y comienzo a marcar el cuadro”. Daniel es, él mismo, un ininteligible proyecto humano y lingüístico en continuo e inconsciente desarrollo; encarnación de una de sus conversaciones asémicas. Pues con sus obras, de hecho, expresa el anhelo de hallar puentes entre las orillas de sus personalidades, tal y como los oscilantes tirantes del Golden Gate Bridge que conectan a la ciudad con la costa al otro lado de la bahía, y entre medio, a veces hay sol y se ve el océano resplandeciendo, y otras cae la niebla escondiéndolo todo. Pero lo cierto es que los puentes existen para cruzarlos, ojalá hacia lo desconocido. Hacia aquel lugar donde, probablemente, aguardarán por descubrir palabras que no se pronuncian y discursos que no se leen. Todos los hermosos e indescifrables lenguajes escondidos en las grietas de la experiencia de cada cual: exactamente como las caligrafías asémicas. Y entonces Daniel escribe y escribe por horas sobre la tela, casi purificándose: es el paciente de sí mismo. Es el hablante y el oyente. El autor y la obra. Cerebro y mano. Es el puente por cruzar y el promontorio por alcanzar. Es el caminante y el camino. Un símbolo que busca un significado. Es lo conocido y lo desconocido en progreso. Es movimiento: tanto físico como mental, geográfico como cultural, personal e universal. Es, en última instancia, el subconsciente que se hace tangible en cada grumo de pintura.

makes him grab his brush, and that allows him to attack the canvas. Asemic writing arises right in this alienated dimension, where the selfdefining movements suggest the artistic gesture that, as a consequence, produces movement on the paper itself; letting his hand flow for hours in a creative whirlwind closely related to all of Daniel’s experiences, past and present. The physical component is, in fact, extremely important insofar as how he expresses its rational counterpart: in the end, it seems to be about some kind of psychoanalytical, hypnotic session that Daniel uses to investigate his multiple identities through a spontaneous emotionalism which graphically translates into a kind of “Esperanto” illegible language. “Sometimes I am asked: How do you start? And I don’t have a clue about what I am going to do,” says the artist. He continues, “I put up the panel, grab some paint and slap it on, and I start to paint the canvas.” Daniel is himself, an incomprehensible human and linguistic project that is constantly and unconsciously in development; the personification of one of his asemic conversations. In fact, through his work, he expresses the desire to find bridges between the edges of his personalities, just like the oscillating cables of the Golden Gate Bridge which connect the city to the coast on the other side of the bay. Between the coast and bay, sometimes there is sun and you can see the ocean shining, and other times fog hides everything. Yet, what is certain is that the bridges exist in order to cross them, hopefully towards the unknown. Towards that place where, most likely, words which can´t be pronounced are waiting to be discovered as well as speech that can´t be read. All the beauties and indecipherable languages hidden in the cracks of each one’s experience: exactly like asemic writing. So, Daniel writes and writes for hours on the canvas, almost purifying himself: he is his own patient. He is the speaker and the listener. The author and the work. Brain and hand. He is the bridge that will be crossed and the omen to be reached. He is the one walking and the path. A symbol in search of a meaning. He is the known and unknown in progress. He is movement: both physical and mental, geographic and cultural, personal and universal. He is ultimately, the subconscious that becomes tangible in every dollop of paint.

Asemic N527.15, 2015,Mix Media on Paper, 22 x 30 in,Abstract

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Reino Unido | United Kingdom Artista Multidisciplinar | Multidisciplinary Artist

Never Enough, 2015, guijarros, dimensiones variables.

Ryan Gander Lecturas posibles Possible readings Pintar múltiples retratos para ser destruidos, podría parecer una locura. Algo impensable. Algo que solo a Ryan Gander se le ocurriría y, luego, ¿qué se expone? Aquellas paletas llenas de colores que hacen a nuestra imaginación trabajar, que nos hace pensar en los rostros o lo que cada uno desee; que nos hace notar cómo el proceso puede ser más importante que el resultado, y que una obra jamás tendrá solo una interpretación. Painting multiple portraits to be destroyed might seem craziness. Unthinkable. Something that could only come to Ryan Gander’s mind; and then, what is displayed? Colorful palettes that drive our imagination, making us think about faces or about whatever we desire; we become aware of the fact that the artistic process can be more important than its result, and that one piece will never be read only in one way. Por Elisa Massardo. Lic. en Historia y Estética (Chile). Imágenes cortesía de © Ryan Gander; Courtesy Lisson Gallery. Representado por Lisson Gallery.

I is... (i), 2012, mármol, 165 x 122 x 96 cm.

na serie de círculos transparentes cuelgan en la pared de una galería, con múltiples colores y manchas por doquier. Podrían ser el punto inicial de un mundo nuevo, una serie de ideas y diversas formas para desarrollar la creatividad. Nos obliga a pensar, a crear, a contar una historia. El trabajo de Ryan Gander hace esto, narra historias y nos obliga a imaginar lo que hay detrás de cada obra. El artista, con gran amor por la creatividad infantil busca re-crear este tipo de conocimientos en el espectador, quizás para recordar aquella pregunta que la filosofía se ha hecho desde tiempos platónicos, para que nos cuestionemos el qué, cómo o por qué.

series of transparent circles hang from a gallery wall, covered with multiple colors and stains. They could be the starting point of a new world, a series of ideas and shapes to develop creativity. They force us to think, create, and tell a story. Ryan Gander’s work possesses this narrative power, obliging us to imagine what is behind each work. The artist, with great love towards children’s creativity, recreates this type of knowledge in the viewer, maybe to recall that question made by Philosophy since Platonic times, making us wonder what, why or how.

Si pudiéramos mirar el mundo como pequeños niños quedaríamos asombrados de todo lo que se muestra ante nosotros, de cada cosa, de cada vuelo, de cada sonido. Nuestra inteligencia se multiplicaría, nuestro cerebro podría concentrarse en dos o tres cosas a la vez, pero no. Fuimos capaces de perder todo, de dejarlo atrás para concentrarnos en solo una cosa y ser más eficientes en este tiempo cronológico que no da cabida a multiplicidades. Es aquí donde encontramos la crítica de Ryan Gander a un sistema y a un mundo que no genera humanos más creativo, sino que los limita. Tal como El Mito de la Caverna explicaba, ¿qué pasaría si fuéramos capaces de ver ese mundo iluminado, donde todo son ideas? La mente se abriría y, solo algunos, serían capaces de llegar a este estado.

If we could stare at the world as children we would be amazed of all that is shown to us: every little thing, every flight, and every sound. Our intelligence would be multiplied; our brain could focus on more than one thing at a time… but no. We were able to lose everything, leave everything behind in order to put all our attention into one thing and be more efficient in these times, which does not give way to multiplicity. Here we find the critique of Ryan Gander to a system and a world that do not generate creative human beings, but it limits them. As explained in the Myth of the Cave: what would happen if we were able to see that enlightened world, full of ideas? Our minds would be opened, and only some would be able to reach that state.

I is... (xi), 2014, resina de mármol, 225 x 100 x 100 cm. Edición única.

Esta paradoja entre el hecho de que solo algunos lleguen a un estado mental que sea creativo en la vida misma, podría ser el centro de su trabajo también. Ryan Gander, es un artista discapacitado y tal como vive con esto a diario, hace de la temática algo presente en su obra. Cuando monta sus exposiciones, se cuestiona el espacio en total, la dificultad del acceso y nos recuerda –justamente– el problema que tenemos para llegar al sitial donde las cosas serían diferentes. La discriminación y el temor social que viene de tiempos inmemoriales por lo que es “distinto”, sería un tema más a abordar. ¿Qué pasa ahora con la obra de Gander, en un mundo donde los cuestionamientos y la creatividad pueden ser tildados de locura?

This paradox about the fact that only some people can reach a creative mental state in their everyday lives could also be the center of his work. Ryan Gander is a disabled artist, and as such deals with this on a daily basis he makes this subject present in his work. While assembling his exhibitions, he questions the total space, access difficulties and reminds us –fairly the problem we have trying to find the site where things would be different. Discrimination and social fear regarding what is “different” exist since ancient times. It would be another subject to encounter. What happens with Gander’s work nowadays, in a world where questions and creativity can be considered craziness?

Es la gracia de la crítica el hacer múltiples lecturas posibles de la misma pieza, y es el brillo de pensar paralelamente en las opciones para resolver conflictos, es la unión entre esa racionalidad e irracionalidad la que nos deja paralizados al ver una sala llena de guijarros cubriendo el suelo. Las interpretaciones en las obras de Gander están constantemente abiertas, dispuestas y sus obras hechas para múltiples lecturas. Es más, el artista ni siquiera responde a todas las preguntas que se hacen sobre sus obras, pues sería una contrariedad a su trabajo. Así el espectador interactúa, se sitúa en un punto, reflexiona y cuestiona. Imaginar es todo lo que se debe hacer en una exposición: imaginar y comprender. Aun y cuando sea difícil en un mundo donde la publicidad

Making multiple readings is flair of critique, and it is also what stands out whilst considering ways of solving conflicts concurrently. It is the bond between rationality and irrationality what paralyzes us in a room full of pebbles covering up the floor. The interpretations of Gander’s work are constantly ready and open, and his pieces are created for multiple readings. Moreover, the artist doesn’t even answer all the questions he is asked about his work, since they oppose to it. This way, the viewer is able to interact, placing himself in a point, in order to reflect and question. Imagining is all that should be done in an exhibition: imagining and understanding. Even when it is hard in a

Even though it’s wrong, or And I dreamed your dream for you and now your dream is real how can you look at me as I was just another one of your deals? (pushing plinth), 2009, bronce, medidas variables: 80 x 50 x 50 cm. (base) 60 cm. de alto. (escultura).

nos da el trabajo hecho y las imágenes resueltas para que simplemente obedezcamos el mandato.

world where publicity does this job for us and offers us images that have been previously solved and are shown to be obeyed.

Entre ir y venir…

Coming and going…

Muchas técnicas, muchas formas. Performance, escultura, grabado, pintura. Y en el fondo, importantes investigaciones, apuntes y lecturas de los niños quienes nacen siendo artistas o filósofos –como planteaba Platón–, pero muchas veces lo olvidan en al arduo trabajo de crecer.

Various techniques and various shapes. Performance, sculpture, painting, engraving. Essentially, important investigations, notes and readings of children that are born being philosophers or artists- as Plato suggested-, but often forget it during the toilsome task of becoming an adult.

Uno de los videos realizados por la BBC muestra a Ryan Gander en su estudio. Rodeado de papeles, apuntes, frases e impresiones. En base a ellas se realizarán sus próximos trabajos, como cuestionamientos que lo invitan a crear o a pensar: ¿qué pasa con esas formas escultóricas que se ven en tantos museos y, siempre están igual? Sacar a la bailarina de Degas o al pensador de Rodin, de la posición que han tenido por siglos, no es tarea sencilla. Gander lo hace: toma la Historia del Arte y la transforma en una nueva búsqueda, en posiciones des-habituales, convirtiendo a la base de aquella escultura en el punto central, o en el soporte que ya no sostiene a la bailarina, sino que la acompaña.

A video made by BBC shows Ryan Gander in his studio. Surrounded by papers, notes, impressions and phrases. These will be the base of his coming work, questions that invite him to create or think about: what happens with these sculptural shapes exhibited in so many museums that remain unchanged? Drawing Degas’s ballerina or Rodin’s thinker out of the shape they have had for centuries is not a simple task. Gander achieves it by altering History of Art and transforming it into a new quest, into unusual positions, considering the base of that sculpture a center point, or the foundation that no longer holds the ballerina, but accompanies her.

Los siglos de tradición son cuestionados, son usados en una rupturista

Centuries of tradition are inquired, are broken down and used as a way

Fieldwork, 2015, 32 objetos con base presentados en una cinta transportadora en movimiento, medidas variables.

forma de recordarnos a aquellas estatuas que vemos siempre, que nos sabemos de memoria y cuyos autores son referentes obligados, y que alguna vez buscaron ser algo más que eso. Las estatuas de museos no están ahí por nada, así como nuestra propia historia está hecha en base a algo que debemos recordar para sobrepasar, para entender, para mejorar. Se crearon con una intención, la cual que se aleja de ser un simple recuerdo de museo. Al respecto Gander comenta que: “Es mejor hablar de la Historia del Arte que sentarte al lado de un artista en un pub que te cuente sobre el pago de la hipoteca, la matrícula de los hijos…”, por lo mismo hablar de sus referentes sería complejo, tan complejo o erróneo como creer que en sus obras hay un solo significado, motivo o intención.

of reminding us about those statues we always see, that we know by heart and whose authors are mandatory models who yearned to be more than that in their times. Statues in museums have a purpose, as well as our own history, which unfolds basing itself in something we must remember in order to get by, to understand and improve. They were created with the intention of distancing from a simple museum memory. Gander comments: “It is better to speak about History of Art than listening how an artist speaks about the mortgage or his son’s school bills…” For this same reason, it would be hard to talk about his models as complex or erroneous as believing that his work has only one meaning, motif or intention.

Y es más, en base a la misma idea ¿podríamos nosotros hacer una obra de arte, de aquel cotidiano dibujo que crean los niños? La pregunta se hace compleja, sobre todo al considerar cómo el arte conceptual ha llegado a puntos extremos de lo que se considera o no una obra de arte. Es aquí donde las obras I is…, de Ryan Gander nos dan una o múltiples respuestas. Este trabajo, creado en base a los dibujos en papel de su pequeña hija Olive, se convirtió en diferentes esculturas de Ryan. Esculturas que invitan a reflexionar sobre el objeto, sobre la materialidad y la creación misma ¿en qué te centras? ¿cómo eliges? ¿qué se espera del arte hoy?

Furthermore, based on the same idea, are we able to create a piece of art from that everyday drawing made by children? The inquiry is complex, taking into account how conceptual art has reached extreme points regarding what is considered an artwork. Here it’s where I is…, by Ryan Gander’s offers us one or multiple answers. This work, produced on the basis of his little daughter Olive’s drawings, was transformed into different sculptures. Sculptures that invite us to reflect upon object, matter and creation itself: what is your focus? How do you choose? What is expected from art nowadays?

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EE.UU | EE.UU Pintura| Paiting

Ashleigh Sumner Entre el pop y lo urbano; la impresión y la manualidad Between pop and street; printing and manual arts Con la obra de Sumner podemos ver la reutilización y renovación de íconos sociales, de connotación simbólica en el contexto actual, como también la adopción de un método de trabajo que integra, por un lado, varias técnicas artísticas, y por otro, la yuxtaposición de capas de imágenes, signos, etc. que dan cuenta de una influencia y mirada hacia el arte urbano.

In Sumner’s work we can see the reuse and renovation of social icons, which are symbolic in today’s context, as well as using a method that provides, on the one hand, various artistic techniques, and on the other hand, the juxtaposition of layers of images, signs, etc. which show influence and a focus on urban art.

Por Constanza Navarrete. Lic. en Arte y Estética (Chile). Imágenes cortesía de la artista. Representada por Art Unified

a artista estadounidense, Ashleigh Sumner, inició sus actividades laborales en el mundo de la actuación. Trabajó casi una década como actriz en cine, teatro y televisión, además de ser asistente de dirección teatral. No obstante, en los últimos años dio un giro a su carrera para dedicarse al arte visual, donde ha encontrado un nuevo espacio de expresión personal, alejado del continuo trabajo en grupo que poseía anteriormente. La artista señala que, “parte de la belleza de trabajar en películas y artes escénicas es el aspecto colaborativo de las obras, pero llegó un momento en mi vida, donde estaba profundamente atrapada en la soledad de pintar. Me sentí atraída a crear un conjunto de obras que fueron realizadas, absolutamente, a partir de mi propia experiencia. No hubo colaboración externa, ni de dirección ni de editar. Llegó un momento en el que aparecieron oportunidades como pintora, donde necesitaba tomar la decisión de donde quería enfocar mi tiempo y energía. Claramente en ese tiempo mi corazón estaba en el estudio”. Aún así ha mantenido cierta relación con la actuación, pudiendo trasladar algunas técnicas aprendidas hacia el ámbito de la pintura, como la capacidad para acceder a distintos niveles de emoción.

merican artist, Ashleigh Sumner, began her career as an actress. She worked for almost a decade as a cinema, theater and television actress, in addition to being an assistant theater director. However, in regards to her career she has done a complete turnaround over the last few years in order to become a visual artist, where she has found a new space for personal expression that is far from the continuous group work that she had before. The artist states that, “Part of the beauty of working in performing arts and film is the collaborative aspect of the work. But there came a time in my life where I was deeply drawn to the solitude of painting. I was drawn to creating a body of work that was completely my own experience. There was no outside collaboration, direction or editing. There came a point with opportunities as a painter where I needed to make a decision about where I wanted to focus my time and energy. At that time my heart was clearly in the studio.” Still yet, she has a certain relationship with acting, thus allowing her to transfer some of the techniques she learned to painting, such as the ability to access different levels of emotion.

Dead Marilyn, 2016, t茅cnica mixta: pintura de casa y pulverizaci贸n de pintura en panel de abedul acabado en resina, 121.92 x 121.92 cm.

There’s A Hole In My Pocket Where My Dreams Fell Through, 2015, técnica mixta: pintura de casa y pulverización de pintura en panel de abedul acabado en resina, 91.44 x 91.44 cm.

Land, 2014, t茅cnica mixta: pintura de casa y pulverizaci贸n de pintura en panel de abedul acabado en resina, 121.92 x 121.92 cm.

El trabajo pictórico de Ashleigh es una mezcla entre collage, pintura, fotografía y grabado, que se fusionan creando imágenes con una estética bastante Pop. Su proceso de producción de obra comienza con la recolección de diversos flyers, afiches, diarios, entre otros, encontrados dentro de su barrio, o bien en sus viajes por otros lugares. Explica al respecto: “Alrededor del mundo he acumulado folletos de conciertos, de lecturas poéticas, de protestas políticas, folletos del orgullo gay, etc. He fotocopiado cientos de esos folletos de la calle; comienzo a amontonarlos y a pegar varias capas de estos documentos en paneles de madera. Una vez que el papel ha sido estratificado, el proceso de pintura real comienza, incorporo pintura en aerosol y a veces un grafiti con la letra de una canción, versos de poesía o una cita sobre otra… El amontonamiento, las pinturas y el pulimiento son parte del proceso que se repite varias veces hasta lograr el efecto deseado”. Para terminar, incorpora mediante una impresión fotográfica o serigráfica, la imagen de un ícono social, político o religioso.

Ashleigh’s pictorial work is a mix between collage, painting, photography and printmaking, which merge together and create images with quite a Pop aesthetic quality. Her work process begins with gathering different flyers, posters, newspapers, among other things, which she finds in her neighborhood or when traveling. Regarding this, she explains: “I’ve collected flyers from across the globe about concerts, poetry readings, political protests, gay Pride flyers, etc. I make hundreds of Xerox copies of these street flyers and I start stacking and pasting several layers of these papers to wood panels. Once the paper has been layered, the actual painting process begins. I incorporate spray paint and often graffiti a song lyric, poetry verse, or quote over and over (…) The stacking, painting and sanding is a part of the process that is repeated several times until I get my desired effect.” To finish, she incorporates the image of a social, political or religious icon via printing or serigraphy.

De ese modo, podemos encontrar a personajes tan reconocidos como Marilyn Monroe, Jackie Kennedy, Hillary Clinton, Mohamed Ali, incluyendo a Cristo y Buda, por numerar algunos. Cabe recordar que quien comenzó incluyendo íconos en su obra fue el artista Pop Andy Warhol, durante la segunda mitad del siglo XX. En ese entonces, Warhol utilizaba la imagen de diferentes objetos y sujetos, característicos de una época y que representaban el gusto y consumo popular, propio del mercado de masas. Por lo mismo, hacía de dichas imágenes una repetición serial a través de la fotoserigrafía. Entre las obras más destacadas de Warhol se encuentra Marilyn, mujer ícono de belleza y sensualidad en el s. XX occidental, quien es nuevamente incorporada en la obra de Sumner. Sin embargo, muestra otra imagen de ella y en diálogo con un dólar que le cubre la boca, lo cual cambia radicalmente la lectura y sentido de la obra. Dead Marilyn de Ashleigh Sumner no sólo alude a la fama y belleza, sino –y sobre todo– a su valor económico y simbólico; el dinero y el poder exaltan pero a la vez silencian, privan, censuran. Cuenta la artista: “Escogí personalidades emblemáticas que con el tiempo se han convertido en un símbolo más grande que solo su celebridad. Me gusta usar iconos del pasado que son símbolos modernos del día, de movimientos sociales o ideas políticas. Por ejemplo: Muhammad Ali es más que un símbolo de boxeo, es un símbolo de los derechos civiles y del movimiento pacifista. Creo que está abierto a interpretaciones de si mi trabajo es crítica social o mofa, sin embargo, me gusta pensar en mi trabajo reciente como la representación social y la dicotomía política. Me encanta tomar símbolos con significados opuestos y combinarlos para crear una nueva interpretación de lo que ellos eran antes”.

Through this, we can find people as famous as Marilyn Monroe, Jackie Kennedy, Hillary Clinton, Mohamed Ali, and even Christ and Buddha, to name a few. We must remember that it was pop artist Andy Warhol, who began including icons in his work during the second half of the 20th century. Back then, Warhol used the image of different objects and subjects that were representative of an era, and which represent tastes and popular consumption, typical of the mass market. Consequently, he produced series of these image through silk-screen printing. Among Warhol’s most well-known work we find Marilyn, a beautiful and sensual iconic woman in 20th century Western art, who is once again incorporated in Sumner’s work. However, he shows another image of her, one with a dollar covering her mouth, which dramatically changes the meaning and sense of work. Ashleigh Sumner’s Dead Marilyn doesn’t just allude to fame and beauty, but (above all) its symbolic and economic value; money and power extol her while silencing, depriving and censuring her at the same time. The artist says: “I chose certain iconic personalities that over time have become symbolic of something greater than just their celebrity. I like to use icons from the past that are modern day symbols of a social movement or political idea. For example, Muhammad Ali is symbolic of much more than just boxing. He’s a symbol of the Civil Rights and Anti War movement. I guess it’s open to interpretation whether my work is social criticism or mockery but I’d like to think of my recent work as representing social and political dicotomy. I love taking symbols with opposite meanings and combining them to create a completely new interpretation of what they were before.”

Junto a la imagen iconográfica, tenemos el tratamiento pictórico ligado a la estética urbana y al collage de imágenes de reproducción masiva, que ella misma interviene de forma manual: palabras, frases, números, la bandera de Estados Unidos, entre otros gestos y signos, aparecen como un fondo que en ocasiones compiten y perturban a la figura del primer plano. La superposición de sucesivas capas nos hacen percibir su obra como un proceso cargado de información un tanto indescifrable, en un constante juego de ocultar-develar e insinuar.

Along with iconographic images, we also find the artistic handling linked to an urban aesthetic quality and the collaging of massively reproduced images, which she herself physically intervenes: words, phrases, numbers, the US flag, among other gestures and signs, appear as a background that sometimes competes and disrupts the figure in the foreground. The superposition of consecutive layers makes us see the work as a process that is loaded with somewhat indecipherable information, in a continuous game of hiding-revealing and insinuating.

Si bien Ashleigh siempre estuvo atraída por el arte callejero, afirma tener actualmente otros referentes de arte contemporáneo pero con voz urbana: “Aún me siento inspirada por el comentario político de Bansky, y me fascinan las obras de Sheppard Fairey; las capas en las obras de Bradford se plasman en mi mente. Me inspira el ingenio e inteligencia del comentario social de Barbara Kruger. Constantemente observo obras de Christopher Wool y Rauchenberg, también como referencia. Las obras de Mary Weatherford con el neón es algo que también estoy viendo. Constantemente estoy en busca de artistas que puedan abrir mi mente un poco más”, finaliza la artista.

Although Ashleigh was always drawn to street art, she says she currently has other contemporary yet urban references: “I’m still inspired by the political commentary of Bansky and I love Sheppard Fairey’s work. The layers in Bradford’s work boggle my mind. I’m inspired by the wit and intelligence of Barbara Kruger’s social commentary. I’m constantly looking at Christopher Wool and Rauchenberg’s work as a reference as well. Mary Weatherford’s work with neon is something I’m looking at these days as well. I’m constantly looking for artists who open my mind just a little more,” concludes the artist.

Peaceful Warrior, 2016, tĂŠcnica mixta: pintura y tinta serigrĂĄfica, pintura de casa y el spray en el panel de abedul acabado en resina, 121.92 x 91.44 cm.

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Chile | Chile Pintura | Painting

Paula Swinburn Comunicando en silencio Communicating in silence Paula Swinburg, aborda el color desde la fuerza creativa y pulsional que permite la producción ar tística. Olvida el mundo d i s c u r s i vo y s e a b o c a a l a re p re s e n ta c i ó n d e l e n g u a j e s m u d o s , q u e l e o t o r g a n u n a i m p ro n t a c a ra c te r í s t i c a a s u s p i n t u ra s.

Paula Swinburg tackles color with a driving and creative force that enables her to create ar t. She forgets the discursive world and focuses on representing silent languages, which gives her paintings a distinctive style.

Por Nadia Paz. Curadora de arte (Argentina). Imágenes cortesía de la artista.

aula Swinburn comenzó a interesarse en las artes visuales desde muy pequeña, aproximadamente desde los cuatro años. La pintura, los volúmenes, las líneas, las formas y sobre todo los colores siempre la cautivaron. Desde entonces ha desarrollado una mirada muy contemplativa, observando constantemente la naturaleza, los árboles, el movimiento de las hojas con el viento, los remolinos y la tierra con sus atardeceres. Captar los colores de los paisajes en diferentes horas del día la inspiraba para continuar desarrollando su propia obra. La pintura ha sido siempre parte sustancial en su vida, comenzando por los paisajes de su tatarabuelo Enrique Swinburn Kirk, presentes en la casa de sus abuelos y de sus padres, hasta los concursos de pintura que organizaba su madre entre sus hermanos.

aul a Swinburn s tarted getti ng i nt er est ed i n vi sual ar t s at around the age of four. Paint, volume, line, shape, and especially color have always fascinated her. Since she was a child, she has developed a very contemplative eye, constantly observing nature, trees, the movement of the leaves in the wind, eddies, and the earth and its sunsets. Capturing the colors of the landscapes at different times of the day inspired her to keep developing her own art. Painting has always be an important part of her life, beginning with the landscapes of her great-great-grandfather Enrique Swinburn Kirk that hung in her grandparents and parents’ house, her mother even held painting contes ts between her s ib li ngs.

# 45, 2014, esmalte sobre papel, 65 x 100 cm.

A la temprana edad de nueve años, comienza a asistir a clases de pintura con Teresa Gacitúa y luego con otros artistas. Luego, continuó sus estudios en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile. Más tarde, dos años con el fotógrafo Luis Poirot y clases de escultura con el escultor Francisco Gacitúa. La creación artística implica, junto con los seres que ama, todo en su vida. Desde muy pequeña supo que la realización de su ser estaba en las artes, en esos instantes en donde era realmente feliz, donde podía expresar su sentir, consigo misma y con los demás. El arte la ha visto nacer y entre sus brazos la ha ido acompañando en su crecimiento.

At the young age of nine, she started to attend painting classes with Teresa Gacitúa and later with other artists. Later, she continued her education at the Universidad de Chile’s Faculty of Arts. After that, she spent two years with the photographer Luis Poirot and took sculpture classes with sculptor Francisco Gacitúa. Artistic creation, as well as the people she loves, means everything in her life. From a young age she knew she belonged in art and in those moments when she was really happy, where she could express her feelings with herself and everyone else. Art watched her come into this world and has been beside her, arm in arm, as she grows.

Su creación artística la ha llevado a explorar el mundo de la escultura, la fotografía y la danza, siempre relacionada con la pintura, ya que es ahí donde ha transitado día a día, donde ha encontrado su canal de comunicación con el mundo. En este sentido, lo que motiva su trabajo es encontrar en la pintura el momento de mayor conexión con la vida, con la esencia, donde sólo se vive el presente y la armonía. Su pintura nace de la profunda necesidad de expresar lo que nunca encontró a través de la palabra. Ella lo define como: “ese espacio diminuto e inmenso que hay entre palabra y palabra, donde prevalece el silencio, la quietud, la contemplación, donde están nuestras mayores reservas de vida y creatividad, nuestro origen”. Así sus pinturas son como pequeñas ventanas de conciencia, formas llenas de contenidos que sólo se ven en el interior del alma.

Her artistic work has led her to explore the world of sculpture, photography and dance, which is always connected to painting, since that is what she has worked with every day and also where she found her channel of communication with the world. In this sense, what inspires her work is finding that moment of really connecting with life in the paint, connecting with its essence, where only the present and harmony exist. Her paintings arise from the profound need of expressing that which she could never find words for. She defines this as: “that tiny yet immense space that exists between words, where silence, stillness, and contemplation prevail, where our greatest reservations about life and creativity lie, our origin.” Her paintings are like small windows into consciousness, forms full of content that can only be seen within the soul.

Swinburn tiene un solo objetivo: seguir pintando, creando, zambullirse en el océano creativo y lograr borrar todas las distancias del viaje desde el interior de su ser al papel, quedando no sólo la obra sino también la experiencia. “No hay distancia entre lo que soy y lo que estoy experimentando en mí, y lo que está sucediendo en la obra”, afirma la artista, quien se interesa en rescatar ese espacio sin tiempo, el espacio de silencio. Para plasmar el silencio, ese estado meditativo, necesariamente debe recurrir a la acción y a la materia, que en su caso se produce a través del óleo y el esmalte.

Swinburn has only one goal: to keep painting and creating, to immerse herself in a creative ocean and successfully narrow the distance in the journey between her inner being and the paper, leaving behind not only the painting but the experience as well. “There is not distance between what I am and what I am experiencing within me, and what is happening in my work,” states the artist, who is interested in reviving that timeless space, that space of silence. In order to display that meditative state, she must resort to the action and the matter, which in her case is produced through oil paint and enamel.

Paula trabaja con materiales que le permiten danzar con ellos, de manera de que no haya detención ni vacilación, donde el movimiento es certero y consciente, donde todo su ser, cuerpo, mente y corazón están presentes, viviendo la pintura, creando y haciendo de esa una experiencia única. Cada obra es un nacimiento, una gestación. Si bien en un comienzo, la emoción era la protagonista, con el correr del tiempo y la profesionalización de la artista, hoy en día la obra presenta una mayor contención. El blanco soporte rodea y abraza el color, la forma se mantiene en el interior con un equilibrio único y complejo. Cada cuadro tiene la armonía y la firmeza de sostenerse como un universo propio.

Paula works with materials that she can dance with, in a way in which there is no stopping or hesitation, where movement is sure and conscious, where her entire being, body, mind, and heart are present, living through the paint, creating and making it into a unique experience. Each piece is a beginning, a gestation. Even though emotion was the protagonist in the beginning, with time and progression as an artist, today her work is more controlled. The white canvass surrounds and embraces the color, the form remains within it in a uniquely and complexly balanced way. Each canvas has harmony and is strong enough to stand up as a universe in itself.

Swinburn admite que el arte es la antítesis del pensamiento lógico. Su obra, como ella admite, no está del todo terminada sino hasta que se produce la interacción con el espectador. En este sentido, ella desea llegar al alma de quien observa su obra, llevarlo a un espacio fuera de lógica, donde la comunicación entre ambos se produce a través de ese silencio, de esa pausa activa a la que ella le da tanto sentido. Comunicación de lenguaje propio, que excede las palabras, o que se escabulle entre ellas.

Swinburn admits that art is the antithesis of logic thinking. Her work, as she admits, is not completely finished until it interacts with the viewer. In this sense, she hopes to touch the soul of whoever is observing her work, and take them to a space outside of logic, where communication between them and the piece is created through that silence, through that active pause that she gives so much meaning to. It is communicating in her own language, which exceeds words, or slips among them.

#22, 2014, esmalte sobre papel, 65 x 100 cm.

Crítica | Critique

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Anish Kapoor Anish Kapoor & Rembrandt Anish Kapoor & Rembrand Por Demetrio Paparoni. Crítico de arte (Italia). Imágenes cortesía del artista.

a exposición de Anish Kapoor & Rembrandt, en el Rijkmuseum de Ámsterdam, ha ofrecido la oportunidad de mirar y dialogar con extraordinaria intensidad a dos grandes artistas del arte occidental. La representación de la decadencia de la carne y las implicancias que esta tiene con la cultura religiosa, es el hilo conductor de la exposición. Representar la decadencia de la carne siempre conlleva implicaciones que refieren a la trascendencia y a la transformación de la materia. Esta relación emerge en el ciclo de trabajos que Anish Kapoor ha dedicado a la Keriah (2014-2015) y al tríptico Internal Object in Three Parts, en exhibición en el Rijksmuseum de Ámsterdam, que se presentan como fragmentos de carne viva. Como en los mejores Soutine y Bacon se percibe el dolor de la carne. Quizás aún más que en Bacon. Acá la sangre se puede ver, los trozos de la carne afloran, los tendones, los músculos lacerados. Sientes que si tuvieras que tocar su mano quedaría bañada de sangre. Estas obras van más allá del dolor: son un rezo en el estado puro. Internal Object in Three Parts hace referencia al relato mitológico del sátiro Marsia, que fue desollado vivo por Apolo, Dios de las Artes y la Música, por no haber desmentido que sus dotes musicales eran superiores que las del

he Anish Kapoor & Rembrandt exhibition, in the Rijkmuseum in Amsterdam, has given us the opportunity to fervently see and talk about two great western artists. The representation of the decay of flesh and the implications it has in regards to religious culture is the main theme of the exhibition. Depicting the decay of flesh always involves implications that refer to the importance and transformation of the material. This relationship emerges in the period of works that Anish Kapoor has devoted to Keriah (2014-2015) and to the Internal Object in Three Parts triptych, on display in Amsterdam’s Rijkmeseum, which is exhibited as fragments of live flesh. Like in the best Soutine and Bacon pieces, we can see the pain of the flesh, perhaps even more so than in a Bacon. Here, we can see blood, pieces of flesh appear, tendons, lacerated muscles. It gives the sense that that if you had to touch it, your hand would be covered in blood. These works go beyond pain: they are a prayer in its purest form. Internal Object in Three Parts refers to the Greek mythology satyr Marsyas, who was flayed alive by Apollo, God of the Arts and Music, for not having disproved that his musical gifts were superior to those of the gods. Apollo,

Internal objects in three parts, 2013-2015, silicona y pigmentos, dimensiones variables. Foto: Dave Morgan. ÂŠ Anish Kapoor, 2016.

Dios. Apolo, que tocaba la lira, retó a Marsia a tocar su instrumento y a cantar al mismo tiempo. Siendo la flauta el instrumento de Marsia, no fue capaz de hacer lo que Apolo podía hacer con la lira. Aristóteles veía este reto como la contraposición entre racionalidad (Apolo) e instinto (Marsia). La poética de Kapoor siempre ha enfrentado el tema de los opuestos, su capacidad de convivir o de generar cambios continuos, inclusive violentos. El relato mitológico deviene así para Kapoor como un instrumento de lectura de la realidad contemporánea. “Es interesante ver como los relatos mitológicos están presentes en nuestras psiques”, ha dicho Kapoor comentando su obra, “por esto Freud siempre ha insistido en interpretar los comportamientos humanos por medio de la mitología”.

who played the lyre, challenged Marsyas to play his instrument and sing at the same time. Since Marsyas played the flute, he wasn’t able to do what Apollo could do with the lyre. Aristoteles saw this challenge as the comparison between rationality (Apollo) and instinct (Marsyas). Kapoor’s poetics i has always challenged the issue of opposites, their ability to coexist or create continuous, and even violent, changes. So, for Kapoor, the Greek myth turns into an instrument to interpret contemporary reality. “It is interesting to see how Greek myths are present in our psyches,” Kapoor has said in regards to his work. “This is why Freud always insisted on interpreting human behavior through mythology,” says Kapoor.

Observar estas obras al lado de pinturas de Rembrandt multiplica la emoción. Cambian los lenguajes pero la potencia expresiva es la misma. Se puede tomar nota del hecho que, respecto a los artistas pasados en relación a los de hoy sólo puede decirse que son diferentes, ni mejores ni peores. Es en sí misma una valoración de mérito si se quiere hacer, que se realiza entre Rembrandt y los artistas de su tiempo, y Kapoor y sus contemporáneos.

Seeing these pieces next to Rembrandt’s paintings greatly increases emotionality. They change the language, but the expressive potential remains the same. In fact, we could note that in regards to past artists in reference to today’s artists, we can only say that they are different, not better or worse. An assessment of their merit is in oneself if they want to do it, which is done between Rembrandt and the artists of his time, and Kapoor and his contemporaries.

Internal Object in Three Parts, presenta una fuerte relación en el plano formal a los cuadros recientes que Kapoor ha dedicado al tema de la Keriah, usanza hebrea de usar ropa rasgada durante una semana a partir de un funeral. La laceración de la vestimenta es una manifestación del luto que tiene su origen en los relatos bíblicos. Afrontando este tema, Kapoor ha reconducido su trabajo a una narración ya presente en la Historia del Arte occidental. La laceración de la vestimenta como manifestación del luto, por ejemplo, también ha estado representada por Giotto en la Crucifixión en la capilla degli Scrovegni. Kapoor nos describe el significado originario del rito de laceración interior, un rito que crea dolor físico de la cual la Keriah es una manifestación simbólica. En las masas rojas venosas de blanco de Kapoor, este significado profundo irrumpe violentamente, rozando la forma fija de la liturgia para continuar transmitiendo su contenido a lo largo de los siglos.

Internal Object in Three Parts shows a strong relationship, on a formal level, to the recent paintings that Kapoor has dedicated to the subject of the Keriah, a Hebrew custom wearing torn clothing for a week in light of a funeral. The laceration of the clothing is a demonstration of mourning which originated in biblical tales. By taking on this theme, Kapoor has reworked his work into a narration that already exists in Western art history. The laceration of clothing as a way to demonstrate mourning, for example: has also been depicted by Giotto in the Crucifixion in the Scrovegni Chapel. Kapoor describes the original meaning of the inner laceration ritual to us, a ritual that creates physical pain from which the Keriah is a symbolic expression. In Kapoor’s venous red masses of white, this profound meaning violently erupts, touching on the fixed form of liturgy to continue conveying its content throughout the centuries.

Estas obras son la continuación natural de My Red Homeland, del 2003, una masa de cera rojo oscura adosada a un brazo mecánico, que siempre se mantiene modificando la forma de la escultura con un movimiento rotativo tan lento que es casi imperceptible. A la luz de estos nuevos trabajos el mensaje de My Red Homeland, y también de Svayambh (2009) y Shooting into de Corner (2009), aparece aún más claro.

These works are the natural continuation of My Red Homeland, from 2003, a mass of dark red wax attached to a mechanical arm, which is constantly modifying the sculpture’s shape through a slow rotating movement that it is almost unnoticeable. In light of these new pieces, the message in My Red Homeland, and also Svayambh (2009) and Shooting into the Corner (2009), seems even clearer.

Como en Rembrandt, el arte de Kapoor es austero y tiene implicaciones existencialistas. Las diferentes entre ambos son evidentes, pero la combinación de sus obras ayuda a entender que, a pesar de que pueden cambiar los lenguajes y las tendencias artísticas, mucho de esto se mantiene aún invariable en el espíritu humano. Rembrandt vuelve la escena austera, envolviéndola en tinieblas. En sus retratos es como si quisiese mostrar a personas que afrontan la existencia adhiriéndose a los rígidos principios del calvinismo. Los sujetos que ha retratado con ropajes oscuros en un fondo oscuro refuerzan esta idea de austeridad, a la que también concurre su uso particular de la luz. La decadencia de la carne a la que el artista le da una imagen en sus autorretratos con capas de pintura empalmadas en la tela con un cuchillo, hacen de él, el primer pintor existencialista de la Historia del Arte. Como sucede con el Cristo de Issenheim pintado por Grünewald, en Kapoor no es la narración fijada por la liturgia religiosa a involucrarse, en cuanto a la potencia de la forma y el modo en el que el Arte logra recoger elementos capaces de insinuarse en nuestras mentes. Todo esto se percibe con fuerza ante las obras de Rembrandt y Kapoor, en esta exhibición en las salas del Rijksmuseum de Ámsterdam.

Like with Rembrandt, Kapoor’s art is austere and has existentialist implications. The differences between both are clear, but the combination of his works help us to understand that, despite the fact that they can change the languages and artistic trends, many things still remain unchanged in the human spirit. Rembrandt becomes the austere scene, and shrouds it in darkness. In his portraits, it is as if he wanted to show people who confront existence by adhering to the strict principles of Calvinism. The subjects that he has portrayed with dark robes in a dark background reinforce that idea of austerity, which also coincides with his particular use of light. The decay of flesh, to which the artist applies to his self-portraits through layers of paint layered on the canvass with a knife, make him the first existentialist painter in the history of art. As happens with the Issenheim Alterpiece painted by Grunewalk, with Kapoor the narration isn’t set by the religious liturgy that will be involved, in terms of the power to form and the way in which art is able to bring together elements that can worm their way into our minds. All of this is strongly felt in the works of Rembrandt and Kapoor, in this exhibition in the halls of the Rijksmuseum in Amsterdam.

Internal objects in three parts, 2013-2015, silicona y pigmentos, dimensiones variables. Foto: Dave Morgan. ÂŠ Anish Kapoor, 2016.

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Chile| Chile Pintura | Painting

Felipe Riesco Los vaivenes de un inconsciente suspendido The ups and downs of suspended unconsciouness Por Natalia Vidal Toutin. Periodista (Chile). ImĂĄgenes cortesĂa del artista.

Sin t铆tulo, 2015, 贸leo sobre tela, 300 x 200 cm.

Cuando el fluir de las horas se torna incesante y omite la residencia de la conciencia en el paso del tiempo, ocurre la vida. Ella misma te va sumergiendo en la vorágine de significados y significantes, ella misma reproduce frente a la percepción una serie de circunstancias que decide para mantener tu atención en lo que va poblando tu vista. Felipe Riesco trabaja precisamente desde la vereda del frente. Mira cómo todo sucede intentando retratar en su trabajo, precisamente, una salida que sugiera el respiro de un observador constante.

When the flow of time becomes incessant and omits where the conscious resides in the passage of time, life happens. Life itself immerses you in the whirlwind of meanings and signifiers; life itself is depicted in face of perceiving a series of circumstances that decide to keep your attention on what is filling your view. Felipe Riesco works right from the other side. He sees how everything happens and tries to portray a way out in his work which suggests the breath of a constant observer.

Entonces la oposición a lo transitorio y trivial produce la detención. El silencio: el muro, la obra y tú; y cuando ello finalmente sucede, de fondo empieza a oírse, mientras apartas la atención de lo físico, el discurso que alguna vez arguyó el escritor Juan Rulfo: “La imaginación es infinita, no tiene límites y hay que romper donde se cierra el círculo; hay una puerta, puede haber una puerta de escape, y por esa puerta, hay que desembocar, hay que irse”.

Therefore, the opposition to what is fleeting and trivial creates a pause. The silence: the wall, the work and you; and when it finally happens, deep down you start to hear yourself, while your attention shifts away from the physical, the discourse that writer Juan Rulfo once inferred: “Imagination is infinite, it has not limits and you must tear where the circle closes; there is a door, perhaps it’s an exit, and through that door, you must go into it, you must leave.”

El escape es un término en el que el joven artista chileno deriva una y mil veces, quizá como misión, quizá como acérrimo propósito. Y se refiere a apartar la mirada de lo que ocurre para fijarla en el imaginario, el mundo paralelo que pasa en el subconsciente y que durante la vida se presenta, desaparece y se recupera. “En mis trabajos siempre hay niños o adultos mayores, porque es en esas etapas en las que el ser humano se permite crear mundos mágicos. El imaginario, que se desprende del cuerpo en la adultez, se recupera luego, en la tercera edad y se permite la creatividad y el espacio para imaginar”, explica le joven artista.

The exit is a term that the young Chilean artist uses a thousand times over, perhaps as a calling, perhaps as staunch purpose. It refers to moving the eye from what is happening to the imagery, the parallel world that occurs in the subconscious and that comes, goes and is revived throughout life. “There are always children and older adults in my work because it is during those stages in life that human beings can create magical worlds. Imagination, which leaves the body during adulthood, it is later regained in old age and enables creativity and room to imagine,” explains the young artist.

Tiene 24 años. Es chileno. Estudió en Florencia Bellas Artes durante dos años y medio con lo que recolectó de la venta de dos obras y un Premio de arte joven. Se muestra interesado en pintar la voluptuosidad con influencias impresionistas. Derrite, reviste y depura sus pinceladas con la música. Goza del desplante en los modelos y el carácter para poder hacer un buen traspaso al lienzo. Le hizo guiños directos al hiperrealismo, pero dobló en u al descubrir su profundo interés por el subconsciente. Se rodea de amantes del arte en todas sus expresiones. Frecuenta la experiencia cuando se trata de artes visuales. Es el menor y único exponente figurativo de la galería que lo representa y en su juventud, la película “El viaje de Chihiro”, de Hayao Miyazaki, fue un pilar potente de inspiración figurativa.

He is 24 years old and Chilean. He studied in the Academy of Fine Arts of Florence for two and a half years, where he sold two pieces and won a young artist award. He is interested in painting voluptuousness with impressionist influences. He melts, disguises and refines his brushstrokes with music. He enjoys the models insolence and character in order to be able to depict it well on the canvas. He made direct nods to hyperrealism, but completely changed upon discovering his profound interest in the subconscious. He is surrounded by art aficionados in all his expressions. He frequents the experience when it is about visual arts. He is the youngest and only figurative artist in the gallery that represents him. In his youth, the film “Spirited Away” by Hayao Miyazaki was a strong pillar of figurative inspiration.

-Mamá, ese edificio se está quejando. -Es sólo un sueño. Un sueño.

-Mom, that building is moaning. -It’s just a dream. A dream.

Parlamento del film El viaje de Chihiro

Lines from the film Spirited Away

Si bien es cierto lo barroco, lo crudo y la carne en sí con sus tonalidades son parte sustancial del trabajo de muchos artistas realistas, a Felipe no lo representan. Últimamente, la cercanía con el tópico de lo onírico lo han alejado del común que describe la técnica para conducirlo hacia la sensación. “Por ejemplo con la música, hay veces que no entiendo una letra, pero me transmite una sensación. Luego la escucho, la escucho y la escucho otra vez persiguiendo sentirla. Ese es el mismo efecto que quiero conseguir con mi trabajo. No una interpretación, sino una sensación”, describe.

Although it is true that the baroque, natural things, and flesh with all its tonalities are a big part of many realist artists’ work, they don’t represent Felipe. As of late, his work regarding the topic of dreamery has moved him away from how we usually describing the technique to lead him towards emotion. “For example with music, there are many times that I don’t understand a lyric, but it conveys a feeling. Later I hear it over and over again trying to feel it. That is the same effect that I want to obtain with my work. Not an interpretation, but rather a feeling,” he describes.

Dos series están tomando forma en un taller de donde no sale, ni entra luz

Two series are taking shape in a studio where light neither enters nor

pero resplandece una paleta que él llamaría “de tubo”. Ambas de tendencia realista. “Yo hago realismo pictórico, pero un poco caricaturesco. Tiene algo de animé: nubes, cielo, animales. El ser humano y la naturaleza insertos en el cuadro. Me mueven los sueños”, relata el artista mientras hace hincapié en que todo ello no puede ir separado de lo que la técnica indica: “Siempre he tratado de capturar en mis obras la sensación de movimiento, color y expresión, es lo que más me importa y mi fuerte también, yo creo”.

escapes, but reveals a palette that he calls “from the tube”. Both are tendencies of realism. “I do pictorial realism, but it is a little caricature. It has elements from anime: clouds, sky, animals. Human being and nature are added to the canvas. My dreams move me,” says the artist as he emphasizes that all of that cannot be set apart from what the technique indicates: “I have always tried to capture the sensation of movement, color and expression in my works. It is what matters the most to me and it is my strength as well, I think.”

Tienen mucha fuerza los fondos, adquieren un protagonismo efusivo… Sí, son fuertes. Me gusta. No se ve mucho eso en el realismo o hiperrealismo. Aquí he trabajado con colores prácticamente sacados de tubo, es el volumen es el que consigue el efecto realista. Siempre he trabajado con los colores y se me dan fácil.

The backgrounds are very powerful, they take on an effusive leading role… Yes, they are powerful. I like that. You don’t see much of that in realism or hyperrealism. Here, I have worked with colors that are practically taken from the tube and the volume is what achieves that realistic effect. I have always worked with color and it is easy for me.

Eso es lo primero que te aleja y contrasta, precisamente, del hiperrealismo…. Mis obras no son reproducciones sin interpretación. Es más, he llegado a acercarme al surrealismo, buscando que mis cuadros sean un escape de la realidad tóxica en la que vivimos. No quiero criticarla, hay suficientes artistas que cumplen con ese trabajo y se interiorizan en la sociedad, pero quisiera que lo mío proyecte los mundos de los que participamos en la infancia o la vejez.

That is the first thing that takes you away and contrasts with hyperrealism… My pieces aren’t meaningless reproductions. For that matter, I have gotten more into surrealism and I try to make my paintings an escape from the toxic reality we live in. I don’t want to criticize it, there are enough artists that do that and taken in by society, but I wanted my work to project the worlds that we participate in during childhood or old age.

¿Todo parte de un cuento y un sueño? Es al tiempo onírico y real, surge de objetos concretos… Sí, he tratado de marginarme un poco de la ejecución para darle énfasis a la historia. La narración misma del cuadro. Un cuento en una imagen.

Does it all start from a story and a dream? Specific objects arise in real and oneiric time… Yes, I have tried to alienate myself a little from the execution in order to place emphasis on the story. The painting’s narration itself. A story in an image.

¿Reconoces en ellos momentos tuyos, son imágenes que te gustaría presenciar? Creo que sí. Juego cuando compongo, se suceden las imágenes al mismo tiempo en que en la paleta se van formando colores sugerentes y se me torna como un test de Rorschach. Entonces todo sale, sucede.

Do you recognize your own experiences in them? Are they images that you would like to see? I think so. I play when I compose, and the images occur while intriguing colors are formed on the palette and it turns into a Rorschach test. So everything comes about, it plays out.

Algunos elementos en la composición sugieren, quizá, algo angelical… Es porque trabajé el concepto y lo he venido desarrollando durante un tiempo con pruebas. En el momento en que descubrí los caballos y el carácter que le imprimen a la obra fue sustancial. Quedan elegantes, me conformaban y pude trabajar con su aspecto y postura para alejarme de lo directamente asociado al concepto de sueño.

Some elements in the composition suggest, perhaps, something angelic… It is because I worked with the concept and I have been developing it over time through experimentation. Discovering the horses and the character they give the work was a vital moment,hey were elegant and I was happy with them, I could work with how they looked and their pose in order to distance myself from what is directly linked to the dream concept.

¿A qué aludes el éxito de tu carrera, cómo se empieza desde tan joven? Quizá porque empecé desde chico. Trabajaba dibujando músicos y animé. Un día, estando en el colegio, fui a una galería con todos. Era una galería prestigiosa, los llevé para ver qué pasaba. Iba con buzo de colegio, un dreadlock, despeinado. La dueña me recibió en la oficina y miró lo que hacía. Me recomendó meterme a clases de pintura, porque debe haber advertido algo de talento. Entonces, en vez de hacer preuniversitario hice clases de arte motivado yo con el tema siempre. Pero no fue hasta mi primera exposición a los 19 años que recibí el apoyo de mi familia y conseguí que avalaran este afán. Desde entonces tomó vuelo todo.

What do you allude the success of your career to? How does one start so young? Maybe it is because I started so young. I used to draw musicians and anime. One day in school, I went to a gallery with everyone. It was a prestigious gallery and I took my drawings to see what would happen. I went in my school uniform, a dreadlock and my hair was a mess. The owner took me into the office and looked at what I was doing, she recommended taking painting classes, because she must have sensed some kind of talent. So, instead of going to pre-university, I took art classes and I was always interested in the subject. However, it wasn’t until my first exhibition at 19 years that I got the support of my family and got them to support my desire.Since then, it just took off.

Cloud atlas, 2015, 贸leo sobre tela, 200 x 120 cm.

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Suiza | Switzerland Artista Multidisciplinar | Multidisciplinary Artist

Sipho Mabona Uniendo tradición y modernidad Binding tradition with modernity Empezó a hacer aviones de papel a los cinco años, a los quince ya estaba adentrándose en el mundo del origami, y desde allí ha desarrollado proyectos que involucran el arte de crear figuras doblando una hoja de papel de pequeña a gran escala, con intervenciones e instalaciones de figuras de origami, moldes de cerámica y collage. Su estilo es muy diverso, abarcando desde intrincados diseños representacionales a figuras de abstracción geométrica.

He started making paper airplanes when he was five. At fifteen he entered the world of origami and began developing projects related to the art of creating figures by folding papers from small to large scale, through interventions, origami figure installations, ceramic molds and collage. His style is diverse and includes intricate representative designs and abstract geometrical figures.

Francisca Castillo. Historiadora del Arte. (Chile). Imágenes cortesía del artista. Representado por Aureus Contemporary

Evolution of a Man, 2015, hoja de oro con acrilico y papel doblado,104x104 cm.

Ha sido reconocido por entidades dedicadas al origami, específicamente de la tierra que vio nacer a este tipo de arte: Japón, convirtiéndose en el primer extranjero en recibir el honor de tener su obra en la portada de la revista oficial Japan Origami Academic Society. Su trabajo también se ha expandido al mundo de la publicidad, donde ha prestado su inspiración para crear figuras originales y atractivas para que formen parte de un imaginario único. Y todo comenzó con simples piezas de origami, luego instalaciones y figuras a gran escala; después la composición de rostros entremezclados con papel, moldes de cerámica que emulan papeles doblados y, finalmente, composiciones geométricas de colores, dólares y oro…

His work has been recognized by entities dedicated to the art of origami, and more specifically by Japan, land in which it was born. He had the honor of becoming the first foreigner whose work was displayed in the cover of the official Japan Origami Academic Society magazine. His work has also expanded to publicity, where he has shared his inspiration to create original and attractive figures that are part of a unique imaginary. It all began with simple origami pieces, giving way to installations and large scale figures; afterwards, countenance composition mixed with paper, ceramic molds that emulate folded papers and, finally, geometric arrangements of dollars, colors and gold…

¿Fue un llamado a nuevos desafíos, o tal vez una posibilidad de explorar nuevas alternativas en el arte? Bueno, de hecho, fueron ambas y un poco más. Cuando usas una técnica que por cientos de años ha sido vista como un pasatiempo para niños o artesanía más que arte, tú sientes la necesidad de buscar medios para distanciarte de esa reputación. Pero también estaba cansado de hacer pequeñas esculturas que no entregaban un mensaje, más allá de la elegancia con la que estaban hechas. Sentía que necesitaba de nuevos materiales para reconectarme con mis orígenes en el origami. La interacción me permitió introducir nuevos temas, como la fragilidad, la atracción, la vulnerabilidad, la pasión, debilidad y lujuria. Y que al mismo tiempo hacen énfasis, intensifican y les dan mayor profundidad a los temas existentes en mi obra.

Was it a call to new challenges, or perhaps it was a possibility of exploring new alternatives in art? Well, actually, it was both and a little more. When you use a technique that has been viewed for hundreds of years as a hobby for kids or handicraft, you feel the need to seek ways to distance yourself from that reputation. But also, I was tired of doing small sculptures that didn’t provide a message, beyond the elegance with which they were made. I felt that I needed new materials to reconnect with my origins in origami. The interaction allowed me to introduce new subjects, such as fragility, attraction, vulnerability, passion, weakness and luxury. At the same time, they emphasize, strengthen and expound upon the themes present in my work.

En estas nuevas composiciones geométricas de papel corrugado hay un camino hacia lo simple, una reducción estética que no ha mermado el contenido conceptual de la obra. Muchos piensan que se trata de piezas de origami desplegado, pero son –de hecho– papeles pre doblados: una hoja de papel que posee todo lo necesario para convertirse en cierta criatura, son obras que poseen todo el potencial para convertirse en otra cosa.

A road towards simplicity unfolds in these new geometrical compositions of corrugated paper; an aesthetical reduction that has not decreased the conceptual content of his artwork. Many think these are origami pieces folded out, but they are –in fact– previously folded papers: a sheet of paper containing all that is necessary to become certain creature, his works possess full potential to become other thing.

Sipho transforma al papel en una oportunidad para revelar un mensaje, en los últimos años ha comenzado a experimentar con láminas de oro y dólares norteamericanos, se trata de una crítica al sistema económico, a las constantes crisis que éste ha sufrido, y cómo la visión del dinero ha

Sipho tranforms paper into an opportunity to reveal a message. In recent years he has begun to experiment with gold leaf and US dollars. His work is a critique on the economic system and the constant crises it has undergone, and how the view on money has been changing in our society and in

ay artistas que necesitan años para encontrar un estilo que se acomode más a sus intereses, y hay otros que desde temprana edad encuentran su camino –Sipho Mabona es uno de ellos. Pero no se detuvo ahí, decidió explorar y expandir los límites de su arte, de diseños complejos a estudios de reinterpretación del papel, con juegos de texturas y materiales ha logrado mantener su trabajo en constante evolución. Su interés por el papel viene de niño, más por lo simple de su naturaleza, que por la complejidad de significados que hoy le podemos asignar: “no se necesitan otras herramientas o materiales más que las manos y un trozo de papel”, comenta el artista. Y si bien los diseños se han complejizado desde los aviones de papel de su infancia, es la aproximación reduccionista y el retorno a las raíces lo que lo continúa cautivando.

ome artists need years to find a style that suits their interests, while others find their way at an early age (Sipho Mabona is one of them). His quest, however, did not come to a halt and he decided to explore and expand his artistic limits: complex designs and studies about the reinterpretation of paper, combined with texture and material games have maintained his work in constant evolution. His interest towards paper was born during his childhood, more because of its simple nature rather than, the complexity of meanings that can be assigned to it nowadays: “no other tools or materials apart from hands and a piece of paper are required”, the artist comments. And even though his childhood designs of paper planes have become more complex, returning to the roots through a reductive approach keep him captivated.

Crab, 2015, hoja de oro con acrilico y papel doblado, 64x64 cm.

ido cambiando en nuestra sociedad y en nuestras relaciones humanas. “La introducción de dinero y oro en mi trabajo me permitió reflejar inquietudes sobre la importancia de los valores materiales en nuestra sociedad”. Debido principalmente a las convenciones sociales que nos han convencido de aceptar a éstos como objetos de valor. Por lo que Sipho cuestiona estas convenciones y creencias conectadas con ellas – que se encuentran constantemente a nuestro alrededor en esta sociedad capitalista. “Ellos proveen una gran fuente de placer sólo para unos pocos privilegiados en el planeta, de los cuales yo soy uno de ellos. Pero lamentablemente, y más importante aún, es una fuente de sufrimiento para la gran mayoría de la humanidad”. Su obra por lo tanto quiere ir más allá de una simple belleza compositiva, geométrica o estética, hay una evolución en su trabajo que busca una mayor complejidad narrativa, que busca generar en los espectadores un cuestionamiento: presentando un discurso que toma una postura y postula una crítica.

our relationships with one another. “Introducing money and gold into my work has allowed me to reflect concerns regarding the importance of material values in our society.” This is mainly due to social conventions which have convinced us to accept them as objects of value. This is why Sipho questions these conventions and beliefs associated with them -which constantly surround us in this capitalist society. “They provide immense pleasure for a few lucky people on this earth, myself included. But unfortunately, and more importantly still, it is a source of suffering for most of the human race.” Therefore, his work attempts to go beyond simple compositional, geometric or aesthetic beauty, there is an evolved aspect of his work that seeks a more complex narrative structure, and that hopes to give the viewers a sense of questioning: by presenting a discourse that takes a stand and critiques.

Podemos ver en estas obras de papel de colores y pre-doblado, una referencia a los jugadores tradicionales del mercado financiero. La combinación de dos colores –comenta Sipho– simboliza la dualidad que se presencia en este mundo: la secuencia de decisiones conscientes que llevan a un estado u otro; la complejidad de estas opciones que nos vuelven indefensos ante ellas, sin poder comprenderlas; y, al mismo, a la posibilidad de influenciar en una realidad que también vivimos.

We can see, in these colored, pre-folded paper works, a reference to traditional players of the financial market. The combination of two colors –Sipho comments– symbolizes the duality present in this world: the sequence of conscious decisions that take us to one state or the other; the complexities behind these options that leave us defenseless and unable to understand them, and at the same time, the possibility of being influent over our reality.

Tu trabajo en el mundo del arte ¿cómo se comprende, cómo se proyecta? El doblado de papel crea algo a partir de una transformación, por lo tanto, abre nuevas aproximaciones conceptuales y narrativas al mundo del arte. Espero que pueda ser apreciado ya que no hay límites de lo que se pueda hacer desde una hoja de papel y creo que eso se puede encontrar en mi trabajo. Últimamente me he dado cuenta que mi evolución como artista ha sido la deconstrucción de la teoría del diseño del origami. Empecé realizando esculturas muy acabadas, para luego volver al papel pre doblado, recientemente he estado pintando ríos y círculos, que son las bases geométricas de los patrones de pliegues. He sentido el deseo de transformar estas pinturas en esculturas nuevamente. Es un camino continuo, y me encuentro muy entusiasmado por ver donde me lleva.

How is your work comprehended and projected in the art world? The folded paper creates something through transformation, therefore, it opens up new conceptual and narrative analyses of the art world. I hope that it can be seen since there are no limits in regards to what can be done with a sheet of paper and I believe that this can be found in my work. Lately, I have realized that my evolution as an artist has been the deconstruction of the theory of designing origami. I began making very finished sculptures, but later I went back to pre-folded paper, and I have been painting rivers and circles lately which are the geometric basis for the fold patterns. I have felt a desire to transform these paintings into sculptures again. It is a continuous path, and I am very excited to see where it leads me.

El trabajo de Sipho Mabona es la unión entre una técnica milenaria y la revisión contemporánea y fresca del uso del papel. La creatividad y la exploración de diferentes soluciones plásticas de pequeña y gran escala. Es la simpleza de un trozo de papel doblado que le permite al artista darle énfasis a la importancia y la omnipresencia de la transformación constante y lo efímero de la vida. La temática puede variar, pero la seriedad y pulcritud de la obra se mantienen constantes: es la búsqueda por resignificar un material, al que le da una nueva dimensión de profundidad. Convierte al papel en un elemento de representación en sí mismo que comunica, por medio de juegos plásticos, un lenguaje estético único. Es un artista que desea seguir cuestionándose el significado de su obra y lo que quiere entregarnos con ella, para equilibrar la simpleza de un arte puro y bello, con un estudio crítico sobre lo que le rodea e importa.

Sipho Mabona’s artwork combines a millenary technique with the contemporary, fresh revision of the uses of paper. Creativity and exploration of different plastic solutions of small and large scale. The simplicity of a folded piece of paper allows the artist to emphasize on the importance and omnipresence of constant transformation, and what is ephemeral of life. Themes may vary, but his work’s seriousness and neatness remain constant: it is the quest to give new meaning, and a new dimension of depth, to a certain material. He transforms paper into an object of representation in itself that communicates a unique aesthetical language, through plastic games. He is an artist that wants to continue wondering about the meaning of his artwork and what he wants to deliver us, in order to balance the simplicity of pure and beautiful art, with a critical study about what surrounds him and is important to him.

Locust (Heads), 2015, hoja de oro con hoja de moneda de EE.UU, 46x46 cm.

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Perú | Peru Pintura | Painting

Mario Mogrovejo La democracia de la pintura The democracy of painting

Mario Mogrovejo, desarrolla pinturas que proponen una rehumanización de la sociedad contemporánea. En sus pinturas, retrata escenas cotidianas y situaciones de vulnerabilidad las que, a través de colores vibrantes, exponen realidades que proponen ampliar el marco conceptual de quien las observa.

Mario Mogrovejo makes paintings that propose a rehumanization of contemporary society. In his paintings, he depicts everyday scenarios and situations of vulnerability which, through bright colors, show realities that suggest broadening the viewer’s conceptual framework.

Por Nadia Paz. Curadora de arte (Argentina). Imágenes cortesía del artista.

ario Mogrovejo fue incentivado desde niño en el arte, a través de cursos de pintura y visitas a diversos museos. Comenzó a estudiar pintura y dibujo en el Museo de Arte de Lima a los siete años de edad, siendo esta una actividad que solo pausó una vez y por breve tiempo. En su adolescencia, ingresó a la Escuela Nacional de Bellas Artes del Perú, y realizó diversos viajes por su país recorriendo varios museos. Así, llegó a Cusco donde toda la vorágine de creatividad que ahí encontró, produjeron un quiebre en su vocación, desviando su deseo hacia la arqueología. Pero esta aventura no duraría mucho tiempo. La televisión causa estragos en las personas, y así fue como la noticia de la matanza de un estudiante de arqueología en Lima, lo impactó tanto que dejó la iniciativa para retomar las artes plásticas. De este modo, es la pintura, el lenguaje que eligió para expresarse. La pasión que tiene por las artes visuales ha construido en él la posibilidad de tenerlo como un medio de comunicación poderoso. Es un medio sabroso, como él la llama, que le permite jugar con la construcción de su discurso a través de la técnica. En este sentido, vive con la pintura una autodenominada democracia, donde sus propias reflexiones tienen cabida y oído. Dedica a la pintura más del 70% de su tiempo, como un pintor nocturno que prefiere la quietud y el silencio de la noche para trabajar. Es, además, profesor de pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes.

s a child, Mario Mogrovejo’s passion for art was fuelled by painting courses and museum visits. At the age of six, he started to study painting and drawing at the Lima Art Museum, where he only put his studies on hold once for a short time. As a teenager, he enrolled in the National School of Fine Arts of Peru and travelled throughout his country to various museums. Through this, he reached Cusco, where he found a whirlwind of creativity which caused him to take a break in his studies and redirect his desires towards archeology. However, this adventure wouldn’t last long. Television impacts people, and the news of the killing of an archeology student in Lima affected him so much, that he gave up his initiative to get back to the visual arts. This is how he found painting, the language that he chose to express himself. His passion for visual arts has given him the chance to use art as a powerful means of communication. It is a savory medium, as he calls it, which allows him to play with how he constructs his discourse through technique. In this sense, a self-proclaimed democracy exists within painting, where his thoughts can be seen and heard. He devotes over 70% of his time to painting, which he does at night since he prefers its peacefulness and silence to work. In addition to this, he is also a painting professor at the National School of Fine Arts.

La Monalisa del Folclore, 2014, 贸leo sobre lienzo, 120 x 100 cm.

Una de las principales motivaciones para sus trabajos es la sociedad peruana, considerada por él como una sociedad herida y obsoleta, que vive de espaldas a su cultura negando su identidad mestiza pero al mismo tiempo cosmopolita. Es por esto que su objetivo a través del arte, se centra en la posibilidad de estimular, volver a una sociedad más reflexiva, más autocrítica y para ello propone la re-humanización. Es decir, evolucionar la sociedad a un estado más justo, más humana. Esto se logra en la conjunción permanente que plantean sus pinturas, mirando atentamente la sociedad en la que vive e imaginando el mundo que querría ver. Es, en este sentido, que Mario expone situaciones que representan la realidad actual de su país, más allá de lo mostrado en los medios hegemónicos. Expone sucesos de calle, realidades cotidianas, usos y costumbres propias de la ciudad que lo vio crecer. Pone en primer plano, personajes característicos, escenarios reales e imaginarios que construyen nuevas significaciones en sus obras.

One of the main motivations behind his work is Peru’s society, which he sees as wounded and obsolete. He also believes that Peruvian society has turned its back on its culture by denying its mestizo but also cosmopolitan identity. Because of this, his artistic objective focuses on the possibility of stimulation, to return to a more pensive and selfcritical society in order to do so, he proposes re-humanizing it. This means evolving the society into a fairer and more humane state. This is achieved in the constant togetherness which his paintings suggest, by taking a close look at the society in which we live and imagining the world that he wanted to see. Mario exposes situations that represent the current reality of his country, beyond what is shown by the hegemonic media. He shows occurrences from the street, everyday realities, customs and typical traditions in the city that witnessed his grow. He places typical characters as well as real and imaginary scenarios in the foreground which create new meanings in his works.

Para el antropólogo Argentino Néstor García Canclini: “Las prácticas y formas de pensamiento que los sectores populares crean para sí mismos, para concebir y manifestar su realidad, su lugar subordinado en la producción, la circulación y el consumo, [junto con] las prácticas laborales, familiares, comunicacionales y de todo tipo con que el sistema capitalista organiza la vida de todos sus miembros” constituyen los ámbitos de construcción de las culturas populares. Son estos elementos, usos, prácticas los que están en la permanente mirada de Mario Mogrovejo.

For the Argentine anthropologist, Néstor García Canclini: “Customs and ways of thinking which popular sectors believe in to conceive and manifest their reality, their subordinate place in production, circulation and consumption, [along with] communicational, family and work practices, as well as all of those practices that the capitalist system uses to arrange the lives of its members” make up the areas that construct popular cultures. These elements, customs, and practices are constantly part of Mario Mogrovejo’s perspective.

El artista pretende invitar a la reflexión y ofrece una visión crítica sobre la sociedad peruana. Es su espacio para mostrar los males que aquejan su contexto de trabajo y a su vez, darle protagonismo a sectores marginados. En este sentido, también le permite recrear sobre el lienzo un Perú moderno, integrado y sano. Re-humanizado. Sus pinturas, así, se tornan muy cercanas a los espectadores que reciben un mensaje directo de reflexión, admiración y aceptación.

The artist claims to invite us to think and offers us a critical view on Peruvian society. It is his space to show us the evils that ail his work context and, in turn, put the spotlight on marginalized sectors. In this sense, it also allows him to recreate a modern, integrated and healthy Peru on canvas. His paintings become very familiar to the viewers who receive a direct message of reflection, admiration and acceptation.

A la hora de la producción se siente atraído por el tradicionalismo de los materiales, como por ejemplo el óleo y todo lo que ello conlleva, su academicismo, su técnica. Pero también se interesa en la exploración permanente de nuevos materiales, soportes y medios. Su arte se caracteriza por el despliegue de colores vibrantes, llenos de energía. Sus obras atraen desde lejos y producen una suerte de hipnosis en la que no se puede sacar la vista del lienzo. Es su pintura, su lenguaje visual. Su forma de contarnos que el mundo tiene aún mucho por aprender, mucho por mirar y cambiar. Son gritos de color, de marginación, de vulnerabilidad. Una forma de dar voz a quienes no la tienen. Un retratista de identidades que reclaman visibilidad en un mundo consumido en su propio consumo. Es por ello, una obra compleja que intenta democratizar los territorios de exclusión que subyacen en su propia contemporaneidad.

When he is making the pieces, he is drawn to the traditional nature of the materials, such as oil paint and everything that goes with it such as its formal academic qualities and techniques. However, he is also interested in constantly exploring new materials, formats and mediums. His art is characterized by displaying vibrant colors, full of energy. His work grabs your attention from afar and produces a sort of hypnosis, making it impossible to take your eyes off the canvas. It is his painting style, his visual language. His way of telling us that the world still has much to learn, much to see and change. They are screams of color, alienation, and vulnerability. It is a way of giving a voice to those who don’t have one. He is a portrait painter of identities which demand to be seen in a world consumed by its own consumption. This turns his pieces into complex work that tries to democratize the areas of exclusion which lurk in his own contemporaneity.

La Internacional Gotita de Amor, 2013, 贸leo sobre lienzo, 180 x 150 cm.

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