Peru Al Limite by Arte al Límite

Perú al límite

Peruanos

Perú al límite

Directora / Director Ana María Matthei Curador invitado / Guest curator Ana María Rodrigo Edición / Editor Kristell Pfeifer Producción y Dirección de Arte / Production and Art direction Catalina Papic Textos / Texts Ángela Basch Kristell Pfeifer Diseño y diagramación / Design and Layout Johanna Rivas Corrección de Texto / Text Corrector Valentina Escobar Eric Caravacci Traducción / Translation Jonathan Anthony Cristel Suazo Este libro se terminó de imprimir en noviembre de 2015 Impreso en Santiago de Chile. BHA Impresores & Marketing. Primera Edición 2015 Todos los derechos reservados ©Arte Al Limite, 2015 Código ISBN 978-956-9765-07-0

Perú al límite

índice

Index 06 Editorial

44 SERGIO FERNÁNDEZ

86 LORENA NOBLECILLA

08 presentación curadora Ana maría rodrigo

50 CHRISTIAN FUCHS

92 ADRIANA TOMATIS

14 CARMEN REÁTEGUI

56 FERNANDO OTERO

98 KAREN MACHER

20 MARIÚ PALACIOS

62 JEAN PAUL ZELADA

104 CLAUDIA MARTíNEZ garay

26 JAIRO ROBINSON

68 Jorge Flores Nájar

110 María Cecilia Piazza

32 Emilia Cunliffe

74 LALA REBAZA

116 PATRICIA ARENA

38 FELIPE LLONA

80 LENNIN VASQUEZ

122 JACQUES CUSTER

128 Gonzalo García Callegari

170 GIULIANA D'ANGELO

212 JAVIER BRAVO DE RUEDA

134 JOSÉ LUIS CARRANZA

176 GIANNA POLLAROLO

218 Mili DC Hartinger

140 AuGUSTA BARREDA

182 VALENTINO SIBADON

224 PATricia GYGAX

146 SILVANA PESTANA

188 AKIRA CHINEN

230 MICHELLE PRAZAK

152 ANA DE ORBEGOSO

194 Mateo Liébana

236 MATEO CABRERA

158 IVANA FERRER

200 VERóNICA WIESE

242 eleonora bedon

164 MAFE GARCÍA

206 Paola Baertl

248 MICHELLE MAGOT

Editorial

En los últimos años, Perú ha experimentado un gran crecimiento

con Perú Al Límite, una selección de 40 destacados artistas

en el campo de las artes visuales. Sumado a la aparición y

peruanos reunidos en un tomo que pretende dar cuenta del

consolidación de importantes encuentros de arte contemporáneo,

estado actual de las artes visuales del país.

la realización de grandes muestras en los museos, el aumento del

Nos enorgullece enormemente presentar el primer tomo de

coleccionismo y la diversidad de medios de difusión, ha surgido

esta serie, que abarcará en el futuro a otros países de la región,

también un conjunto de interesantes exponentes plásticos. Son

conformando una colección única para comprender el arte

estos representantes quienes, con un trabajo creativo y riguroso,

latinoamericano actual. No es aleatorio que el primer tomo de esta

han abierto las puertas de Perú y lo han convertido en la actualidad

colección esté dedicado a Perú: el enorme talento de sus artistas

en un importante punto de desarrollo del arte contemporáneo a

ha dado vida a un gran libro, un tomo que marcará pauta en las

nivel regional y mundial.

publicaciones dedicadas al arte peruano y que es también una

Perú tiene mucho para sorprender. Desde sus históricas civilizaciones, su hermosa arquitectura y su reconocida gastronomía,

forma de perpetuar en el tiempo el excelente trabajo de quienes están presentes en las próximas páginas.

encontramos a un país inmensamente rico culturalmente, y el campo

Distintas disciplinas, diferentes miradas, discursos, posturas. La

de la plástica no es la excepción. En nuestros 14 años de trayectoria

variedad de las propuestas aquí reunidas es el reflejo de la diversidad

en Arte Al Límite hemos tenido la oportunidad de conocer muy de

del Perú. Artistas de amplia y reconocida carrera se funden con

cerca las propuestas de los artistas que habitan esta tierra, y es por

quienes están forjando su trayectoria, logrando mostrar, a través de

esto que hemos decidido dar inicio a la serie de libros Al Límite

una interesante mixtura, el panorama actual del arte visual peruano.

Ana María Matthei

Directora AAL

In recent years, Peru has undergone a lot of growth in the field of visual arts. In addition to the appearance and

single volume that aims to represent the current state of visual arts in the country.

increase of contemporary art gatherings, large exhibitions

We are very proud to present the first volume of this

in museums, the rise in collectors and diversity in media

series, which will eventually include other countries from

outlets, interesting artists have also emerged. These are

the region, to make up a unique collection to understand

the artists who have opened Peru’s gates through their

contemporary Latin American art. It was not by chance that

creative and rigorous work. They have now turned Peru into

the first volume of this collection is dedicated to Peru: the

an important stage in the development of contemporary

vast talent of its artists has given life to a wonderful book,

art both regionally and globally.

a volume that will set the bar for publications dedicated

Peru holds many surprises from its ancient civilizations to its beautiful architecture and famous food, culturally,

to Peruvian art. It also serves as a way to immortalize the excellent work of those featured in the pages to come.

Peru is vastly rich and the arts are no different. Over our

Different disciplines, different perspectives, speeches

14 years at Arte Al Límite we have had the chance to really

and postures. The variety of the proposals compiled here

get to know the proposals of artists who inhabit this land.

is a reflection of Peru’s diversity. Seasoned and renowned

Because of this, we have decided to start the Al Límite

artists come together with those who are building their

series with the book Perú Al Límite, a selection of 40

careers, thus showing the current Peruvian visual arts

prominent Peruvian artist who are brought together in a

scene through an interesting mixture of art.

Ana María Matthei

AAL Director

Perú al límite

Los que aún tenemos un “romance” con el ar te

básicamente Moderna. Conviven los rezagos de agendas

contemporáneo podemos seguir sus pasos y sus cambios.

del pasado con los que más nos reflejan y examinan, los de

De las primeras etapas más moralistas y políticas, en estas

nuestra contemporaneidad.

latitudes nos encontramos hoy con un panorama, en general,

Los discursos van desde la exploración de la intimidad y la

más plural, siempre híbrido y cada vez más interesado en

oferta de imágenes como metonimias de personales estados

salir sólo de los discursos sobre los “Pecados Capitales del

emocionales, en donde aparecen el dolor, los temores y los

Sistema” para inspeccionar la realidad y la identidad también

goces, hasta la colección de imágenes aniñadas, sintéticas

con la ayuda de ciertos datos de la física, la ciencia, la

y casi banales que son deudoras del dibujo de la más

ingeniería, la medicina, y la mayoría de las veces, la filosofía,

consciente o inconscientemente trivial animación, aunque,

el cine, la literatura y la música. Este, que no es sobre todo

como sucede con todo, nunca exenta de carga ideológica.

un camino local, no ha dejado de aparecer, de forma todavía

Y siempre está el interés en los discursos del pasado, los

reducida, en el espacio más cutting edge o innovador de

de las etnias “victmizadas”, el terrorismo y la violencia, el

este territorio socio-cultural.

archivo de la destrucción y el nunca justificado sacrificio de

Los discursos políticos son aún una tendencia fuerte, pero

los inocentes o aparentemente inocentes, en un estilo ya sea

no la única. Y, en definitiva, ninguna postura o discurso deja

figurativo y más tradicional, tanto como híbrido o “chicha”.

de ser político, ideológico. El panorama que este libro ofrece

La fotografía aparece en un Babel de tendencias, y aquí

es el de algunos aspectos del arte local actual. En algunos

se muestra desde la representación de exquisitas imágenes

casos está algo de lo más cutting edge, mientras que en

en la línea de C. Sherman o la del artista japonés Morimura

otros se mantiene un poco la agenda de “estetización”, casi

(copias alteradas de autorretratos/retratos de aristócratas

...Te ofrezco explicaciones de ti mismo, teorías sobre ti mismo, autenticas y sorprendentes noticias de ti mismo...

J.L. Borges

del pasado, de un exquisito y humorístico travestismo en

percepción y aparecen también imágenes humorísticas y

donde nadie es quien parece ser), o la urbana y fragmentada

críticas del sentido de lo nacional y su historia.

cuadrícula de la ciudad, que casi termina por convertirse en

El arte objetual, la técnica mixta, las instalaciones, las

pura abstracción. La geometría y retícula, el sujeto/objeto

acciones y sus registros proliferan y se inscriben claramente

como metáfora de lo roto, la herida del sujeto, la hibridación

en el espacio de la globalidad. Muchas de estas piezas entre

de paisajes en donde se fusionan naturaleza y cultura, la

objeto y escultura mezclan materiales de avanzada tecnología

historia imposible del archivo como una pieza conceptual o

con otros domésticos o industriales, pobres o populares, y

el retrato de lo urbano/no urbano que termina en una realidad

remiten a dualidades como dentro/fuera, lo público/lo privado,

imposible, en la realidad, sobretodo, de una idea .

lo macro/micro, la vida/la muerte, la ficción/la ilusión de lo

La pintura que ya no reina desde hace más de 60 años,

real, el tiempo detenido/el envejecimiento, lo orgánico/ lo

pero que tampoco muere, se enfoca en temas donde lo local

inorgánico. La “multidisciplinaridad” muestra un caleidoscopio

y lo global se fusionan. A veces, conviven las estrategias del

de posibilidades.

pasado con las más críticas, cotidianas o sensuales del mundo

Y, curiosamente, la piezas más globalizadas, más interesante

de hoy. Están las imágenes barrocas, neo- expresionistas,

y rabiosamente post-modernas, no dejan de ser sobre todo

exageradas, o la figuración deudora de la tradición de los

“coloniales”; colonizadas por estilos, discursos, ritmos… de

50s y 60s; una interesante abstracción neo-geo en la que

los Centros, de Asia o África, de otras culturas de nuestro

la pintura minimalista -anti-subjetiva, en principio- crea

territorio y por otros Tiempos y géneros no locales. Es la

imágenes abstractas. Como sucediera desde los 90s, sigue

Babel post-moderna que sigue hablándonos de lo que somos,

la preocupación por la naturaleza y alcance de nuestra

deseamos y somos capaces de crear e imaginar.

Ana María Rodrigo Prado

Curadora Octubre de 2015

Perú al límite

Those of us that are still in love with contemporary art are

it adheres more to the agenda of “aestheticization", which is

able to keep up with its movements and changes. In the more

almost basically Modern. That which remains from past times

moralistic and political periods, we now find ourselves with a

harmoniously exist with that which best reflects and analyzes

generally more diverse panorama that is always a composite

us; that from our contemporaneity.

of various elements. However, it has become increasingly

The messages expressed range from the exploration of

more interested in only breaking away from the speeches

intimacy and exhibiting images such as, metonymies of personal

on the “System’s Mortal Sins” in order to take a look into

moods, where pain, fear and joy appear. Other examples are

both reality and identity with the help of certain information

the collection of childlike, synthetic and almost banal images

pertaining to physics, science, engineering, medicine and

that are indebted to the most trivial conscious or unconscious

mostly, philosophy, cinema, literature and music. In a way it

animation, that like most work, never lacks ideological content.

is still limited, in which it is not only a local direction, therefore

There is always an underlying interest in speeches from the

it continues to show up in the most cutting edge or innovative

past such as those from “victimized” ethnicities, terrorism and

spaces of this socio-cultural area.

violence, the recording of destruction and the never justified

Political speeches are still a popular trend, but they are not the

sacrifice of innocent or seemingly innocent people, whether it is

only one. In the end, no stance or speech ceases to be political

executed in a figurative, more traditional, hybrid or “chicha” style.

or ideological. The panorama that this book offers pertains to

Photography appears in a hodgepodge of trends, and here it

some aspects of contemporary local art. In some cases, this

shows everything from the representation of exquisite images in

consists of the most cutting edge art, while in other cases

line with the work of C. Sherman or the Japanese artist Morimura

...offer you explanations of yourself, theories about yourself, authentic and surprising news about yourself ...

J.L. Borges

(altered copies of self-portraits/portraits of aristocrats from the

continues to be present as well as the scope of our perception.

past, exquisite and humorous transvestism where nobody is who

Comical images also appear as well as critiques regarding the

they seem to be), or the urban and fragmented grid of the city,

meaning of what is national and its history.

which almost ends up being converted into pure abstraction.

Object art, mixed technique, installations, actions and their

Geometry and the grid, the subject/object as a metaphor for what

records proliferate and are clearly part of the global space.

is broken, the subject’s wound, the hybridization of landscapes

Many of these pieces that fall between object and sculpture

where nature and culture merge, the impossible history of a

mix materials of advanced technology with other domestic or

record as a conceptual piece or urban or non-urban portraits that

industrial materials, rather poor or popular, and refer to dualities

end in an impossible reality; above all, in the reality of an idea.

such as, inner/outer, public/private, macro/micro, life/death,

Painting, which has not reigned supreme for more than 60

fiction/illusion of reality, frozen time/aging, organic/inorganic.

years, but isn’t dead either, focuses on issues where local and

“Multi-disciplinarity” shows a kaleidoscope of possibilities.

global matters are combined. Sometimes, strategies from the

Curiously, the more comprehensive, interesting and furiously

past coexist with critical, daily or sensual strategies from today’s

post-modern pieces never stop being “colonial”; they are colonized

world. We can see Baroque, neo-expressionist and exaggerated

by styles, speeches, and rhythms. These come from the Central

images or the forms that emerged from the traditions of the

regions of Asia or Africa, from other cultures from our land and

‘50s and ‘60s. It is an interesting neo-geo abstraction in which

by other non-local times and styles. It is the post-modern Babel

minimalist painting (anti-subjective, in theory) creates abstract

that keeps speaking to us about who we are, what we want and

images. This has happened since the ‘90s, a concern for nature

what we are capable of creating and imagining.

Ana María Rodrigo Prado

Curator October, 2015

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La obra de Carmen Reátegui utiliza distintos medios de expresión para el desarrollo de un proyecto, abarcando al ser humano desde sus procesos biológicos de lo temporal. Hay, por lo tanto, una pugna entre Eros y Tánatos, donde juega un rol preponderante el deseo, que es aquello que nos humaniza. Su trabajo entrelaza lo sensual con lo espiritual desde el género femenino con la anatomía de nuestra líbido, estableciendo una tensión entre la pulsión carnal y la pulsión mística. Trabaja la ofrenda y el ritual como procesos de redención y fecundidad, como en el caso de los vegetales y tubérculos; papas y maíces transfigurados en piedra de Huamanga, o en la activación de los ciclos regeneradores de la existencia. La polisemia se encuentra al servicio de connotaciones sincréticas de tradiciones arcaicas vigentes y transfigurantes; reconciliando así, naturaleza y cultura. Carmen Reátegui’s work uses different means of expression in order to develop a project that addresses human beings based on their time-based biological processes. Therefore, there is a struggle between Eros and Thanatos, where desire plays the essential role of humanizing us. Her work intertwines the sensual with the spiritual based on the female gender and the anatomy of its libido, thus creating tension between carnal urge and mystical drive. She works with offering and ritual as freeing and fruitful processes, like in the case of vegetables and tubers; potatoes and corn transfigured into Huamanga stone art, or into the activation of regenerative life cycles. The polysemy benefits the syncretic connotations of existing and transfiguring archaic traditions; thus bringing together nature and culture.

www.carmenreategui.com / contacto@carmenreategui.com

1946. Egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes del Perú. Realiza proyectos de arte con participación social y trabajos de carácter multidisciplinario. Actualmente trabaja e investiga proyectos comprometidos con la sociedad civil; reciclaje, contaminación, abuso de género, drogadicción. 17 exposiciones individuales e intervenciones en espacios públicos en Ecuador, Suiza, Austria y Perú, además de una serie de muestras colectivas.

1946. Graduated from the National School of Fine Arts Peru. She performs art projects with social participation and multi-disciplinary work. Currently works and researches projects committed to civil society; recycling, pollution, abuse gender, drug addiction. 17 solo exhibitions and interventions in public spaces in Ecuador, Switzerland, Austria and Peru, along with a series of group exhibitions.

"Proceso de desintegración" de la serie Ofrenda y vasallaje, 2008 a 2014, papas reales recubiertas en pan de oro y plata, imagen fotografica sobre papel de algodón 1⁄4, 40 x 60 cm. "Proceso de desintegración" from the series Ofrenda y vasallaje, 2008 a 2014, real potatoes coated in gold and silver, photographic image on cotton paper 1/4, 15,7 x 23,6 in.

La Última Cena, Hacienda Santa Rosa, 2014, foto instalación; mesa; 320 x 130 cm., mantel de hilo blanco; 395 x 205 cm. La Última Cena, Hacienda Santa Rosa, 2014, photo installation; table; 125,9 x 51,1 in., white linen tablecloth; 155,5 x 80,7 in.

Ofrenda y Vasallaje, ArtCartagena, 2015, foto instalaci贸n; foto, 240 x 172 cm.; papas talladas en piedra de Huamanga, 24 recubiertas en pan de oro, 300 x 100 cm. Ofrenda y Vasallaje, ArtCartagena, 2015, photo installation; photo, 94,4 x 67,7 in.; huamanga stone carved potatoes, 24 coated in gold leaf, 118,1 x 39,3 in.

Mariú Palacios Mariú Palacios Mariú Palacios Mar Mariu Palacios Mariu Palacios MariU Palacios Mar Palacios Mariu Palacios MariU Palacios Mariu pal Mariu Palacios Mariu Palacios MariU Palacios Mar riu Palacios Mariu Palacios MariU Palacios Mariu p riu Mariú Palacios MariU Palacios Mariu p fotografía · photography Mariu Palacios Mariu Palacios MariU Palacios Mari Palacios Mariu Palacios MariU Palacios Mariu pala riu Palacios Mariu Palacios MariU Palacios Mariu p ariu Palacios Mariu Palacios MariU Palacios Mariu riu Palacios Mariu Palacios MariU Palacios Mariu p riu Palacios Mariu Palacios MariU Palacios Mariu p Mariu Palacios Mariu Palacios MariU Palacios Mari riu Palacios Mariu Palacios MariU Palacios Mariu p alacios Mariu Palacios MariU Palacios Mariu pala cios Mariu Palacios MariU Palacios Mariu palacios riu Palacios Mariu Palacios MariU Palacios Mariu p cios Mariu Palacios MariU Palacios Mariu palacios ariu Palacios Mariu Palacios MariU Palacios Mariu

La historia que da vida a la obra de Mariú Palacios comenzó a gestarse mucho antes de su nacimiento. Hace más de un centenar de años atrás vivió Enrique Palacios, marino, Héroe de Guerra del Perú y tío tatarabuelo de la artista. Hoy, un siglo después, su sobrina recoge los pedazos de un relato de valentía y entrega patria para fundirlos con sus propias convicciones y creencias. Así, surge una historia ficticia entre el naval y su amante, y la respectiva correspondencia entrañable que ambos intercambiaban fruto de la distancia que los separaba. Aquella mujer fuerte, entregada y dispuesta a sacrificar su amor por el bien de una patria, es ahora la protagonista de un trabajo que a través de diarios, tatuajes y envolturas, demuestra los fuertes lazos que unen a cada quien con su país. Mariú Palacios presenta a su propia heroína del siglo XXI bajo el alero de una mujer que probablemente existió, no una, sino infinitas veces. The story that gives life to Mariú Palacios work started to take form long before her birth. More than 100 years ago lived Enrique Palacios, a marine, Peruvian war hero and great uncle of the artist. Today, a century later, his niece is picking up the pieces of a tale of courage and providing nationalism in order to spread them with her own convictions and beliefs. Thus, a fictitious story arises between the marine and his lover, and the respective close connection that both exchanged as a result of the distance that separated them. That strong woman, who was devoted and ready to sacrifice her love for the good of the country, is now the protagonist of artwork that uses newspapers, tattoos and packaging to show the strong ties that unite everyone to their country. Mariú Palacios exhibits her own 21st century heroine under the guise of a woman who probably existed, not once, but infinite times.

mariupalacios@hotmail.com

1976. Durante su niñez y comienzos de su vida adulta vive en muchos lugares del Perú, en el sur, en la Amazonía, en la sierra, en la costa y en Lima. Entre 1997 y 1998 estudia artes plásticas en el Instituto Corriente Alterna (Lima) y entre 1998 y 2001 continúa sus estudios en el Art institute en Miami, Florida, donde se gradúa con el primer puesto en la especialidad de pintura. Entre 2003 y 2007 participa en diversos cursos y talleres de pintura, dibujo, figura humana y escultura en el Instituto Corriente Alterna de Lima. El año 2011 sigue un curso de escultura de figura humana en la Escuela de Arte de Tel Aviv. Ha expuesto individualmente en Galería Artco, Lima; Galería de Arte Contemporáneo Cecilia González, Lima; y Galería Younique, París. Además, ha participado en ferias como ArtLima y Pulse Miami, y en una serie de muestras colectivas en Perú, Colombia, Estados Unidos y Taiwán, entre otras.

1976. During her childhood and in the beginning of her adult life, she lived in many places of the country, in the South, in the Amazon, in the sierra, in the coast, and Lima. She started to study Visual Arts at the Corriente Alterna Institute in Lima between 1997 and 1998. Between 1998 and 2001, she continued her studies at the Art Institute in Miami, Florida, where she graduated as the top student in Specialty of Painting. Between 2003 and 2007, she participated in various courses and workshops of painting, drawing human figures, and sculpture at the Corriente Alterna Institute in Lima. In 2011 she continued her human figure’s sculpture course at the Escuela de Arte de Tel Aviv. She has exhibited individually in the Artco Gallery in Lima; Galería de Arte Contemporáneo Cecilia González, Lima; and Galería Younique, Paris. She has also participated in fairs such as ArtLima and Pulse Miami, and in a series of group exhibitions in Peru, Colombia, Spain, United States, and Taiwan, among others.

Pág. izq. Sin título, fotografía impresa sobre papel de algodón y registro de performances de la artista ,70 x 30 cm. Left. Untitled, photograph printed on cotton paper and record performances of the artist, 27.5 x 11.8 in. Pág. der. Sin título, fotografía impresa sobre papel de algodón y registro de performances de la artista ,190 x 100 cm. Right. Untitled, photograph printed on cotton paper and record performances of the artist, 74.8 x 39.3 in.

Pág. izq. Sin título, fotografía impresa sobre papel de algodón y registro de performances de la artista, 180 x 70 cm. Left. Untitled, photograph printed on cotton paper and record performances of the artist, 70.8 x 27.5 in. Pág. der. Sin título, fotografía impresa sobre papel de algodón y registro de performances de la artista ,190 x 100 cm. Right. Untitled,photograph printed on cotton paper and record performances of the artist, 74.8 x 39.3 in.

airo robinson Jairo robinson Jairo robinson Jair nson Jairo robinson Jairo robinson Jairo robins o robinson Jairo robinson Jairo robinson Jairo r son Jairo robinson Jairo robinson Jairo robinso o robinson Jairo robinson Jairo robinson Jairo r sonJairo robinson jairo robinson Jairo pintura 路 painting iro robinson Jairo robinson Jairo robinson Jairo Jairo robinson Jairo robinson Jairo robinson jai o robinson Jairo robinson Jairo robinson Jairo r airo robinson Jairo robinson Jairo robinson Jair Jairo robinson Jairo robinson Jairo robinson ja o robinson Jairo robinson Jairo robinson Jairo r airo robinson Jairo robinson Jairo robinson Jair nson Jairo robinson Jairo robinson Jairo robinso Jairo robinson Jairo robinson Jairo robinson ja airo robinson Jairo robinson Jairo robinson Jair son Jairo robinson Jairo robinson Jairo robinson Jairo robinson Jairo robinson Jairo robinson ja o robinson Jairo robinson Jairo robinson Jairo r

Jairo Robinson compone construcciones de corte abstracto y geométrico, en un diálogo personal que despliega a través de capas y balances de colores, formas, planos y bloques. Dice que la abstracción es su verdad y su manera de ver el mundo, reducido a mínimos componentes. Por medio de esta perspectiva simplificada, logra abrir un portal interior que se multiplica como la energía misma, la que matemática y geométricamente se expresa en una red que fluye entorno al cosmos universal. En sus obras, esta obsesiva técnica pareciera no encontrar respiro ni vacíos, sino más bien líneas; rectas que, como protagonistas de infinitas posibilidades, generan intensidad y movimiento, y hacen virtud en la definición de los caóticos entramados que desde su tensión, logran un orden vital. Jairo Robinson creates abstract and geometric constructions in a personal dialogue that he displays through the balance and layering of shapes, planes and blocks of colors. He says that abstraction is his truth and his way of seeing the world, which is reduced to minimum components. Through this simplified way of looking at the world, he manages to open up an inner gate that is greatly boosted like energy itself, which is mathematically and geometrically expressed as a network that flows around the universal cosmos. In his work, this obsessive technique seems to have no room to breathe or empty spaces, but rather lines; straight lines that, like protagonists with infinite possibilities, generate intensity and movement, and are necessary to define the chaotic grids that achieve a vital order through their tension.

www.cordames.blogspot.com / yayorobinson@gmail.com

1982. Estudia en la Escuela Nacional de Bellas Artes del Perú y se especializa en Pintura y Dibujo. Logra exponer en numerosas galerías, tanto de manera individual como colectiva, en Perú, Argentina, Colombia, México, Brasil, E.E.U.U., España, Alemania y Reino Unido, destacándose su participación en residencias de arte, ferias e intervenciones. En 2012 participa de la I Bienal Internacional de Arte Público en Colombia; el mismo año exhibe en Artigo, Feria de Arte Contemporáneo en Brasil; y en 2014 participa en Art Lima. Sus obras se encuentran en diversos espacios públicos como el Museo de Arte de Tlaxcala en México; Expressiones Cultural Center en Estados Unidos, en el coliseo Roberto de Vicenzo (Berazategui-Buenos Aires) y en la Escuela de Arte Emilio Caraffa (Cosquin-Córboba), ambas en Argentina, entre otros.

1982. He studied at the National School of Fine Arts in Peru, specializing in Painting and Drawing. He has participated in several galleries, both individually and collectively in Peru, Argentina, Colombia, Mexico, Brazil, USA, Spain, Germany and the UK, some of his highlighted participation is in art residencies, fairs and interventions. In 2012 he participated in the First International Biennial of Public Art in Colombia; the same year he exhibited in Artigo, Contemporary Art Fair in Brazil; and in 2014 he participated in Lima Art. His works are found in many public spaces such Museo de Artede Tlaxcala in México; Expressiones CulturalCenter in USA, Roberto de Vicenzo coliseum (Berazategui-Buenos Aires) and the Escuela deArte Emilio Caraffa (Cosquin-Córboba) both in Argentina, among others.

Pág. izq. C.81.14, 2014, acrílico sobre tela, 150 x 150 cm. Left. C.81.14, 2014, acrylic on canvas, 59 x 59 in. Pág. der. C.80.14, 2014, acrílico sobre tela, 180 x 150 cm. Right. C.80.14, 2014, acrylic on canvas, 70.8 x 59 in.

Pág. izq. C.93.15, 2015, acrílico sobre tela,150 x 150 cm. Left. C.93.15, 2015, acrylic on canvas, 59 x 59 in. Pág. der. C.87.14, 2014, acrílico sobre tela, 80 x 80 cm. Right. C.87.14, 2014, acrylic on canvas, 31,4 x 31,4 in.

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A partir de una muestra-objeto estática, conformada por bloques de resina transparente con nadadores de cerámica encapsulados dentro, María Emilia Cunliffe intenta emocionar y sorprender al espectador. Propone un espacio volumétrico que simula ser el mar y que resalta desde una metáfora interior potente: escenas congeladas combinan en perfecta armonía un cuerpo habitando, perteneciendo y siendo uno con el medio acuático, en un encuentro de goce y plenitud. Así, apelando no solo a la visualidad, sino también al tacto por medio del sentido que tiene el objeto y su materialidad en la obra, incita a una actitud activa respecto a la reflexión de fondo. Una que busca descolocar al espectador de lo cotidiano y conectarlo con sus emociones primarias, haciéndolo testigo de un espacio que retrata la esencia de la paz y conexión. Through a static object made up of blocks of transparent resin with ceramic swimmers encapsulated within, María Emilia Cunliffe tries to thrill and surprise the viewer. She proposes a volumetric space that simulates the ocean and that creates emphasis through a powerful inner metaphor: frozen scenes perfectly combine a living body, belonging and being one with the aquatic medium in a full and joyful encounter. Through this, by appealing not only to visuality, but also to touch through how the object feels and its materiality in the work, she incites an active attitude regarding the underlying reflection. She tries to throw off the viewer from what is every day and connect them with their primal emotions, thus making them a witness to a space that portrays the essence of peace and connection.

emiliacunliffe@hotmail.com

1971. Egresada de Arte de la Escuela de Arte Edith Saachs en Lima, con incursiones en Escultura en Constantin Meunier en Bruselas, Bélgica, y cursos de soldadura y modelado en el Creative Art Center de Dallas, Estados Unidos. También ha cursado el taller de Eugenio Dittborn, Premio Nacional de Arte Chileno. Desde sus inicios, ha realizado muestras individuales entre las que destacan Ser Humano (2003), y 70% H2O (2005), y otras colectivas en exhibiciones y ferias internacionales como Art Cartagena Ik Projects (2015); Art Miami (2004 y 2005); Feria Iberoamericana de Arte en Caracas, Venezuela (2000); y la organizada por Galería Occidiana en Quedlinburg, Alemania (2002), entre otras.

1971. She is a graduate of art at the Escuela de Arte Edith Saachs in Lima, with Sculpture incursions at Constantin Meunier in Brussels, Belgium. She also studied welding and modeling courses at the Creative Art Center of Dallas, United States. She also had studied in the workshop of Eugenio Dittborn who won the National Prize of Art of Chile. Since the beginning she has made highlighted individual exhibitions such as Ser Humano (2003); and 70% H2O (2005); and other exhibition groups and international fairs such as Art Cartagena Ik Projects (2015); Art Miami (2004 and 2005); Iberoamerican Art Fair in Caracas, Venezuela(2000); and the fair organized by Occidiana in Quedlinburg, Germany (2002), among others.

Pág. izq. Sin Título, técnica mixta, resina y cerámica, 70 x 30 cm. Left. Untitled, resin, mixed media and ceramics, 27.5 x 11.8 in. Pág. der. Sin Título, técnica mixta, resina, acrílico y luz, 35 cm. de diámetro, 80 cm. de altura. Right. Untitled, mixed media, resin, acrylic and light, 13.7 in. diameter, 31.4 in. high.

Sin Título, técnica mixta, resina y cerámica, 110 x 40 x 8 cm. Untitled, resin, mixed media and ceramics, 43.3 x 15.7 x 3 in.

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Sin desligarse de su formación de arquitecto, Felipe Llona explora el campo de la fotografía como una herramienta que se desliza entre la razón y la imaginación. Su lente recorre la ciudad para dar con aquellos espacios creados por el hombre, los que, desde cierto punto de vista, transforma en sugerentes composiciones que bordean la abstracción. Ligado al neoplasticismo y al simbolismo, el fotógrafo explora la geometría inherente en cada ciudad, para despojarla de su humanidad latente y reducirla a lo esencial. Rectas, colores, formas, todo se une en una composición perfectamente reticulada que cuestiona la forma en que habitamos los seres humanos. Encerrando el espacio a su manera, Felipe Llona logra detener el tiempo y alejarse de ataduras conceptuales para concentrarse en los símbolos que sutilmente nos entrega la realidad.

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Without separating from his training as an architect, Felipe Llona explores the field of photography as a tool that slides between reason and imagination. His lens moves through the city to give those spaces created by man that from a certain point of view transform into suggestive compositions that border abstraction. Linked to Neoplasticism and symbolism, the photographer explores the geometry inherent in each city to strip it of its latent humanity and reduce it to the essentials. Lines, colors, shapes, everything comes together in a perfectly cross-linked composition that questions the way that human beings live. Enclosing the space in his own way, Felipe Llona manages to stop time and get away from conceptual ties to focus on symbols that subtly give us reality.

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Fotografía : Lorena Noblecilla

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felipellona@gmail.com

1979. Estudia Arquitectura y Fotografía en la Universidad Peruana Ciencias Aplicadas (UPC) y posteriormente Administración en la Universidad San Ignacio De Loyola (USIL). Ha participado en muestras colectivas en Perú, Chile y Brasil, entre las que destacan La Encomienda en el Museo de Bellas Artes, Santiago de Chile, y en el Museo Memorial América Latina, Sao Paulo; La Arista del Tiempo, en Galería Artespacio. Su trabajo ha sido exhibido en ferias como Lima Photo y ArtLima. Ha sido finalista del Concurso (ICPNA – Centro De La Imagen), 3er Salón Bienal Fotografía, Lima, 2012.

1979. He studied architecture and photography at the Peruvian University of Applied Science (UPC), and after he studied administration in the Saint Ignatius of Loyola University (USIL). He has participated in group exhibitions in Peru, Chile, and Brazil. Some of the most important were in La Encomienda at the Chilean National Museum of Fine Arts and the Museo Memorial América Latina, Sao Paulo; La Artista del Tiempo in Galeria Artespacio. His work has been exhibited in fairs such as Lima Photo and ArtLima. He was a finalist of the contest (ICPNA – Centro de Imágen), 3rd Biennial Photography Hall, Lima, 2012.

De la serie Habitáculo, 2015, fotografía digital, impresión en tinta sobre papel de algodón montada en marco de aluminio, 80 x 120 cm. From the series Habitáculo, 2015, digital photography, inkjet print on cotton paper, aluminum frame, 31.4 x 47.2 in.

Pág. siguiente. De la serie Habitáculo, 2015, fotografía digital, impresión en tinta sobre papel de algodón montadas sobre marco de madera de pino, 90 x 120 cm. Next page. From the series Habitáculo, 2015, digital photography, inkjet print on cotton paper, wood frame, 35.4 x 47.2 in. Pág. siguiente. De la serie Habitáculo, 2015, fotografía digital, impresión en tinta sobre papel de algodón montada en marco de aluminio, 100 x 150 cm Next page. From the series Habitáculo, 2015, digital photography, inkjet print on cotton paper, aluminum frame, 39.3 x 59 in.

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Influenciado por su formación de arquitecto, Sergio Fernández comienza su incursión en la fotografía realizando una mirada crítica a los conceptos de historia, identidad y territorio del Perú. Los escenarios son aquellos desiertos periféricos de las ciudades de la costa peruana; construcciones anónimas que cubren grandes espacios de paisajes áridos y que el fotógrafo combina con imponentes estructuras de corte arquitectónico. Sus imágenes suelen estar descontextualizadas y no contienen referencia de escala, lo que lleva al innegable cuestionamiento de parte de quien observa. Capturando rigurosamente escenas ambiguas que transitan entre el paisaje y lo urbano, entre la naturaleza y las grandes edificaciones, su obra nos invita a descubrir, en silencio, la historia detrás de aquellas solitarias formas. Influenced by his education in architecture, Sergio Fernández started his journey into photography by taking a critical look at concepts regarding history, identity and territory in Peru. The scenes are of deserts on the outskirts of coastal cities of Peru; anonymous buildings that span huge areas of arid landscapes which the photographer combines with imposing architectural structures. His images tend to be decontextualized and do not contain scale references, which leads to undeniable questions from whoever sees his work. By strictly capturing ambiguous scenes that range between landscapes and urban scenery, between nature and big buildings, his work invites us to silently discover the history behind those lonely forms.

www.sergiofernandez.pe / info@sergiofernandez.pe

1979. Arquitecto de la Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas (UPC). Trabaja en Londres en el estudio Rabih Hage Ltd. ejerciendo una práctica interdisciplinaria donde enfatiza su interés por el manejo del espacio, la luz y la imagen; empezando una formación autodidacta como fotógrafo. Posteriormente estudia Diseño de Exhibición en el Instituto de Diseño Europeo IED, Barcelona, para luego regresar a Lima a ejercer como arquitecto y fotógrafo. Ha expuesto individualmente la muestra Inversiones, en Galería Lucía de la Puente, Lima. Ha participado de una serie de muestras colectivas en Brasil, Chile, Costa Rica, Estados Unidos, Francia, Perú, Uruguay, Suiza y Alemania. Forma parte del colectivo La Encomienda, junto a quienes ha participado de importantes ferias de arte como Scope Miami, ArtBo, Art Lima, entre otras.

1979. He is an Architect from the Peruvian University of Applied Sciences (UPC). He is working in London in the Rabih Hage Ltd studio. Exerting an interdisciplinary practice which emphasizes his interest in the use of space, light and image; starting a self-taught education as photographer. Later he studied Design Exhibition at the European Design Institute IED, Barcelona. Then he returned to Lima to work as an architect and photographer. He has exposed individually at the exhibition Inversiones, in Lucia de la Puente Gallery, Lima. He has participated in a number of group exhibitions in Brazil, Chile, Costa Rica, the United States, France, Peru, Uruguay, Switzerland and Germany. He is part of La Encomienda, with whom he has participated in important art fairs such as Scope Miami, ArtBo, ArtLima, among others.

"Sin título", de la serie Paisajes Intermedios, 2015, registro análogo, impresión a tinta sobre papel de algodón a partir de película diapositiva digitalizada, 100 x 100 cm. "Untitled", from the series Paisajes Intermedios, 2015, analogue photography, inkjet print on cotton paper based on digitized slide film, 39.3 x 39.3 in.

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C R n C u

C n R u C n R u s n C

En un íntimo trabajo elaborado en torno a recuerdos fotográficos familiares, Christian Fuchs recrea su propia historia a través de encarnaciones de parientes pasados, que él mismo interpreta. Lo llama fotoperformance, pues a partir de un proceso de caracterización de época, logra encontrarse con aquellos que habitan en una memoria común, una vinculada por sangre, y que por medio de una especie de regresión, logra que revivan como proyecciones futuristas en sus descendientes. El fotógrafo plantea que para entender su presente debe conocer su pasado. Por ello, centra sus trabajos en las profundidades de la memoria, en los recovecos y transferencias de espíritus que anidan por generaciones en este espacio mágico. Uno que lo conecta con otros tiempos, historias y sensaciones. Through an intimate work created around family memories, Christian Fuchs recreates his own history by characterizing past relatives, which he himself portrays through photo-performances. Fuchs manages to meet with those who inhabit a common memory, a link through blood, and, through a similar regression, he makes them come to life again as futuristic projections on his descendants: “In order to understand my present, I must get to know my past”. Because of this, he focuses his work on the depths of memory, the nooks and crannies and the transference of spirits that dwell in this magical space for generations, something that connects him to other times, stories and feelings.

www.fuchschristian.com / christianh.fuchs@gmail.com

1979. Tras estudiar Fotografía en el Centro de la Imagen en Lima, desarrolla su primera exposición individual Ahnensonne, en la galería 80m2 el año 2009, la cual giró en torno a la exploración de la historia de sus antecesores, como también lo hizo su segunda exhibición en la Galería Corriente Alterna, en 2011. Ha participado en numerosas muestras colectivas y en ferias internacionales como Art Lima (2013, 2014, 2015); Lima Photo (2011, 2014); Pulse (Contemporary Art Fair, Miami, USA (2013); Scope Miami (2012); ArtBo (2012); Spirit Unlimited en Hamburgo, Alemania (2013); Häuserträume für Kinder, subasta organizada por Sotheby´s, Alemania (2012); entre otras. Además, forma parte del proyecto “La Encomienda”.

Pág. izq. Gran Mariscal Don Juan Bautista Eléspuru y Montes de Oca (autorretrato), 2014, fotografía digital, 62 x 51 cm. Left.Gran Mariscal Don Juan Bautista Eléspuru y Montes de Oca (self portrait), 2014, digital photography, 24.4 x 20 in. Pág. der. Enriqueta Elespuru y Martínez de Pinillos,2015, fotografía digital, 105 x 73 cm. Right. Enriqueta Elespuru y Martínez de Pinillos,2015, digital photography, 41.3 x 28.7 in.

Pág. izq.Don Eulogio Elespuru y Martínez de Pinillos, 2015, fotografía digital, 130 x 100 cm. Left. Don Eulogio Elespuru y Martínez de Pinillos, 2015, digital photography, 51 x 39.3 in. Pág. der. Doña Benjamina Elespuru y Martínez de Pinillos, 2015, fotografía digital, 105 x 70 cm. Right.Doña Benjamina Elespuru y Martínez de Pinillos, 2015, digital photography, 41.3 x 27.5 in.

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De amplio rango creativo y con lineamientos geométricos como denominador común, la trayectoria del artista Fernando Otero transita entre la pintura, la escultura y la instalación de objetos, siempre a partir de la necesidad de establecer estructuras y la fragilidad de sus conjunciones. En su obra, particularmente en sus series objetuales, la arquitectura funciona como un inquietante factor protagónico; la utiliza como una metáfora que representa una estética protectora frente a colecciones que develan orígenes íntimos y una demanda intrínseca de orden a diferentes niveles, desde lo concreto a lo psíquico. En este sentido, Otero reconstruye y resignifica objetos, vestigios y extractos a través de una particular lectura social. Using immense creativity and geometric arrangements as a common denominator, the career of artist Fernando Otero shifts between painting, sculpture and the installation of objects. Meanwhile he always basing his work on the need to create structures and the fragility of their junctions. In his work, particularly in his object-based series, the architecture acts as a leading disturbing factor; he uses it as a metaphor that represents a protective aesthetic quality in face of collections that reveal intimate origins and that intrinsically demand order at different levels, ranging from what is real to the psychological. In this sense, Otero rebuilds and redefines objects, vestiges and extracts through a certain social interpretation.

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t o t o t

fernandooteroferrer@hotmail.com

1972. Es egresado de la carrera de Artes Plásticas con especialidad en Pintura, de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Ha realizado exposiciones individuales y grupales, tanto en su país natal como en el extranjero. Entre las más recientes se encuentran Estructuras precarias, Sao Paulo, Brasil (2015); The building and its artifacts, Londres, Reino Unido (2015); Voz y palabra, Caracas, Venezuela (2014); y La Encomienda en Chile, exhibida en el Museo de Bellas Artes, Santiago, Chile (2014); entre otras. Además, ha participado en diversas ferias internacionales, como SP Arte, ArtRio, Pinta (London y EE.UU), PARTE, Scope, ArtBO, Valoarte; y nacionales como LimaPhoto, ArtLima y PARC, logrando una sólida carrera que también cuenta con el Premio PADIS, Lima, Perú, 2008.

1972. He graduated from a career of Arts specializing in Painting, from the Pontificia Universidad Catolica del Peru. He has had solo and group exhibitions in his native country and abroad. Among the most recent are precarious structures, Sao Paulo, Brazil (2015); the building and its artifacts, London, UK (2015); Voice and word, Caracas, Venezuela (2014); The Encomiendaen, Chile, exhibited at the Museum of Fine Arts, Santiago, Chile (2014); among others. He has also participated in several international exhibitions such as, Art as SP, ArtRio, Pinta (London and US) PART, Scope, ArtBO, Valoarte; and nationally in LimaPhoto, ArtLima and PARC, creating a solid career that also includes the PADIS award, Lima, Peru, 2008.

Objetos sin importancia 1, 2015, tĂŠcnica mixta, 54.5 x 35.5 cm. Objetos sin importancia 1, 2015, mixed media, 21.4 x 13.9 in.

Objetos sin importancia 2, 2015, tĂŠcnica mixta, 54.5 x 35.5 cm. Objetos sin importancia 2, 2015, mixed media, 21.4 x 13.9 in.

Objetos sin importancia 3, 2015, tĂŠcnica mixta, 54.5 x 35.5 cm. Objetos sin importancia 3, 2015, mixed media, 21.4 x 13.9 in.

Objetos sin importancia 5, 2015, tĂŠcnica mixta, 54.5 x 35.5 cm. Objetos sin importancia 5, 2015, mixed media, 21.4 x 13.9 in.

ean paul Zelada Jean paul Zelada Jean paul Zel Jean paul Zelada Jean paul Zelada Jean paul Ze paul Zelada Jean paul Zelada Jean paul Zelada paul Zelada Jean paul Zelada Jean paul Zelada ul Zelada Jean paul Zelada Jean paul Zelada je ada Jean paul Zelada jean paul Zelada pintura 路 painting aul Zelada Jean paul Zelada Jean paul Zelada j ean paul Zelada Jean paul Zelada Jean paul Zel an paul Zelada Jean paul Zelada Jean paul Zela paul Zelada Jean paul Zelada Jean paul Ze Zela elada Jean paul Zelada Jean paul Ze Zelada Jea da Jean paul Zelada Jean paul Ze Zelada Jean p paul Zelada Jean paul Zelada Jean paul Ze Zela n paul Zelada Jean paul Zelada Jean paul Zelad paul Zelada Jean paul Zelada Jean paul Zelada da Jean paul Zelada Jean paul Ze Zelada Jean p paul Zelada Jean paul Zelada Jean paul Zelada j da Jean paul Zelada Jean paul Ze Zelada Jean p ul Zelada Jean paul Zelada Jean paul Ze Zelada

l e a a e

Encuadres fotográficos recorren la ciudad. Bien podrían provenir de una Polaroid, de un archivo personal, o encontrarse en las redes sociales de un extraño, como visiones ajenas a la suya. Jean Paul Zelada se apropia de estas imágenes, guiado por el interés de analizar la contemporaneidad e identidad del contexto urbano. Entonces, conecta esta información visual con el tradicional método de la pintura, transformando la fotografía original en una obra al óleo que, por más mimética que parezca, resulta siempre inexacta. Al hacerlo, abre la posibilidad de enfrentar un momento cotidiano que generalmente es reproducido por medios tecnológicos de manera masiva e inmediata, con una imagen trabajada en un tiempo distendido. El resultado es un híbrido enriquecedor de ambas disciplinas. Photo frames span the city. They may well come from a Polaroid, a personal file, or be on some stranger’s social network like far away visions of the world. Jean Paul Zelada appropriates these images and is led by the interest to analyze the contemporaneity and identity of the urban concept. So, he connects this visual information with the traditional method of painting, thus transforming the original photograph into an oil painting that, no matter how similar it seems, always turns out inexact. Upon making it, he opens up the possibility to face a daily moment that is generally reproduced through mass and immediate technological means, with an image that is worked on over time. The final result is an enriching hybrid of both disciplines.

www.paulzelada.blogspot.com / paulzelada@hotmail.com

1972. Nació en la ciudad de Trujillo, y realizó sus estudios en la Escuela Superior de Bellas Artes Macedonio de la Torre. Su trabajo se mueve entre la pintura, la fotografía y el video. Ha desarrollado varias muestras individuales y colectivas, tanto a nivel nacional como en el extranjero. Se le reconoce por haber recibido el Segundo Premio del IV Concurso Nacional de Pintura BCR (2012), el Premio Unión Latina a la Creación Joven Artes Plásticas en Perú (2007), y el Segundo Premio en el XXV Concurso Nacional de Pintura Michell, en Arequipa (2005), entre varios otros a lo largo de su trayectoria.

1972. He was born in Trujillo City and he studied at the School of Fine Arts Macedonio de la Torre. His work specializes between painting, photography, and video. He has developed several individual and group exhibitions as much at a national level as at a international one. He is recognized for receiving the Second Prize in the IV National Painting Contest BCR (2012); the prize Unión Latina to Young Creation in Plastic Arts, Peru (2007), and second prize in the XXV Concurso Nacional de Pintura Michell, Arequipa (2005), among others prizes along his artistic career.

Tracking I, 2015, 贸leo sobre lienzo ,130 x 130 cm. Tracking I, 2015, oil on canvas, 51,1 x 51,1 in

Transcodificacion, 2015, 贸leo sobre lienzo 170 x 140 cm . Transcodificacion, 2015, oil on canvas, 66,9 x 55,1 in.

Chroma, 2015, 贸leo sobre lienzo ,150 x 150 cm. Chroma, 2015, oil on canvas, 59 x 59 in.

El vacio II 2013, 贸leo sobre lienzo,100 x 140 cm. El vacio ii, 2013, oil on canvas, 39.37 x 55.1 in.

orge Flores Nájar Jorge Flores Nájar Jorge Fl Jorge Flores Nájar Jorge Flores Nájar Jorge F e Flores Nájar Jorge Flores Nájar Jorge Flore lores Nájar Jorge Flores Nájar Jorge Flores N ores Nájar Jorge Flores Nájar Jorge Flores Ná ada Jorge Flores Nájar Jorge Flores artista multidisciplinar · multidisciplinary artist orge Flores Nájar Jorge Flores Nájar Jorge Fl e Flores Nájar Jorge Flores Nájar Jorge Flore rge Flores Nájar Jorge Flores Nájar Jorge Flo Jorge Flores Nájar Jorge Flores Nájar Jorge F lores Nájar Jorge Flores Nájar Jorge Flores N Nájar Jorge Flores Nájar Jorge Flores Nájar j Flores Nájar Jorge Flores Nájar Jorge Flores res Nájar Jorge Flores Nájar Jorge Flores Náj Flores Nájar Jorge Flores Nájar Jorge Flores ar Jorge Flores Nájar Jorge Flores Nájar Jor s Nájar Jorge Flores Nájar Jorge Flores Nájar lores Nájar Jorge Flores Nájar Jorge Flores N rge Flores Nájar Jorge Flores Nájar Jorge Flo

Por medio de una estética de cromatismo profuso, original e irreverente; Flores explora la contemporaneidad a través del consumo, recurriendo al uso de iconografías cotidianas como crítica respecto a las influencias en la formación de la identidad. Avisos publicitarios, cartoons o imágenes históricas, son algunos referentes que en su obra descontextualiza para romper con los discursos originales, en un ácido acto a través del cual consigue construir su propio discurso. Con cierto cinismo, deja entrever los efectos adormecedores de los medios, los cuales delatan que aunque nos pensemos únicos, acarreamos una lapidaria memoria visual que nos camufla socialmente. Una obra producida casi a nivel industrial que engendra entidades yuxtapuestas, propias de una cultura decadente, masiva e indefinida. Through an extravagant, original and irreverent color scheme, Flores explores contemporary times through consumption, by turning to the use of everyday iconography as a critique on the influences they have on forming ones identity. Advertisements, cartoons or historical images, are some of the references that are decontextualized in his work to break away from the original discourse, in a harsh act though which he manages to construct his own discourse. A certain level of cynicism gives us a glimpse of the mediums’ soporific effects, which give away the fact that although we think we are unique, we bear an immortal visual memory that socially camouflages us. It is work that is almost produced industrially that engenders juxtaposed entities that belong to a decadent, massive and indefinite culture.

www.jorgefloresnajar.com / jfloresperu@yahoo.com

1980. Estudió Diseño Gráfico en el Instituto Thomas Jefferson del Cultural Peruano Norteamericano en Arequipa y luego Arte con mención en Escultura y Dibujo en la Escuela de Bellas Artes del Cusco. Su más reciente exposición individual es Mothersheep (2012, Galería Delbarrio), y en cuanto a las colectivas, se destaca su presencia internacional en Profundo Respirar (2015, Perú, Colombia, Chile); y Ojo Andino (2015, Venecia, Italia), como también su participación en las ferias FilaAC – Feira Independente Latino Americana de Arte Contemporánea (2014, Brasil); y Art Lima (2013, Perú); por nombrar algunas. Fue co-editor de la revista Lagartero, miembro fundador del colectivo de arte Proyecto 3399, se ha desempeñado como curador independiente y, actualmente, su obra se encuentra en la colección del Museo de Arte Contemporáneo del Qorikancha.

1980. He studied Graphic Design at the Instituto Thomas Jefferson del Cultural Peruano Norteamericano in Arequipa, and art with a mention in Sculpture and Drawing at the School of Fine Arts in Cusco. His most recent individual exhibition is Mothersheep (2012, Delbarrio Gallery). His group exhibitions are as follows; Profundo Respirar (2015, Peru, Colombia, Chile); and Ojo Andino (2015, Venecia, Italy). His international presence as well as his participation in fairs is as such; FilaAC – Feira Independiente Latino Americana de Arte Contemporánea (2014, Brazil); and Art Lima (2013, Peru); to name a few. He was co- editor of the Lagartero magazine, founding member of the collective Proyecto 3399. He has performed as independent curator and currently his work is located in the collection of the Museo de Arte Contemporáneo del Qorikancha.

Pág. izq. Of the cross, 2013, pintura y técnica mixta sobre lienzo, 250 x 90 cm. Left. Of the cross, 2013, painting and mixed media on canvas, 98,4 x 35,4 in. Pág.der. Charwi #0, 2015, óleo sobre lienzo, 60 x 40 cm. Right. Charwi #0, 2015, oil on canvas, 23,6 x 15,7 in.

Pág. izq. Desideratum, 2015, pintura y técnica mixta sobre lienzo, 100 x 100 cm. Left. Desideratum, 2015, painting and mixed media on canvas, 39.3 x 39.3 in. Pág.der. Plus Ultra, 2015, pintura y técnica mixta sobre lienzo, 100 x 100 cm. Right. Plus Ultra, 2015, painting and mixed media on canvas, 39.3 x 39.3 in.

Lala Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaz Lala Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaz Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaza lal Lala Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaz la Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaza l aza Lala Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaza escultura 路 sculpture Lala Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaz ala Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaza a Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaza la Lala Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaz Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaza lal Lala Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaz a Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaza la la Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaza l Lala Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaz Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaza lal Lala Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaz ala Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaza la Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaza Lala Rebaza l

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A partir de una muestra personal que articula meticulosamente piezas y argumentos de fondo, la artista busca transmitir un potente mensaje a través de inocentes y lúdicas figuras. Una serie de críptidas –mujeres de otro mundo, originadas en la fantasía y creadas con naturalidad, tal y como se personificaría el miedo u otras emociones, representan aquel universo mágico e improbable. Un universo que se mantiene vigente en la imaginación de la artista, produciendo seres extraños que en lo cotidiano protagonizan historias de martirio, sacrificio, soledad y discriminación social; representan los males del mundo real. Son figuras que podrían ser bestiales, pero que curiosamente resultan dulces, incluso cargando en silencio incertidumbres impuestas e inevitables angustias. In a solo exhibition that meticulously brings together pieces and substantive arguments, the artist seeks to convey a powerful message through innocent and ludic figures. A series of cryptids –women from another world arising from fantasy that are naturally created just like fear and other emotions would be personified– represent that magical and improbable universe. It is a universe that remains valid in the artist’s imagination, thus creating strange beings that, in everyday life, play the leading roles in stories of martyrdom sacrifice, solitude and social discrimination; they represent real world evils. They are figures that could be beasts, but that curiously turn out sweet and even loaded with imposed silent uncertainties and unavoidable angst.

lalarebaza@yahoo.com

1972. Diseñadora Gráfica del Instituto de Diseño y Comunicación Toulouse Lautrec. Ha realizado talleres de cerámica en Studio 743 y en el Art Institute, en San Francisco, Estados Unidos, además de una residencia en cerámica en The Clay Studio, en Filadelfia. Respecto a sus muestras individuales, su obra ha sido exhibida en Críptidas, Galería 770 Centro Cultural Ricardo Palma (2012), Cena, Galería Punctum (2005), y Lunes, Galería Artco (2004). En cuanto a sus exhibiciones colectivas, destacan Yo No Solo Coso, Galería John Harrimann, Centro Cultural Británico (2013); Iniciando Colecciones en la feria Art Lima (2013); Esplendor de Sirenas. Música y Tradición en las Aguas del Perú, Casa Rímac, Municipalidad de Lima (2013); Descabelladas, Galería Corriente Alterna (2013), y la Trienal de Chile, en el Museo de Arte Contemporáneo (2009), entre otras.

1972. She is a Graphic Designer from the Institute of Design and Communication Toulouse Lautrec. She has participated in ceramic workshops at Studio 743 and at the Art Institute in San Francisco, United States. She has a ceramic residence in The Clay Studio, in Philadelphia. In respect to her individual works, they have been exhibited in Críptidas, GalerÌa 770 Centro Cultural Ricardo Palma (2012); Cena, Galería Punctum (2005); and Lunes, Galería Artco (2004). In relation to her group exhibitions, some of the most highlighted are: Yo No Solo Coso, GalerÌa Jhon Herrimann, Centro Cultural Brit·nico (2013); Iniciando Colecciones in the Lima Art fair (2013); Descabelladas, the Corriente Alterna Gallery (2013), and the Triennial in Chile in the Contemporary Art Museum (2009), among others.

Sebastiana, 2012, cerรกmica, 30 x 40 x 94 cm. Sebastiana, 2012, ceramic, 11.8 x 15.7 x 37 in

Purificaci贸n, 2012, cer谩mica, 24 x 24 x 58 cm Purificaci贸n, 2012, ceramic, 9.4 x 9.4 x 22.8 in.

Trinidad, 2012, cerรกmica, cama de madera y terciopelo, 62 x 33 x 32 cm. Trinidad, 2012, ceramic, wood and velvet bed, 24.4 x 12.9 x 12.5 in.

Gala, 2012, cerรกmica, 55 x35 x30 cm Gala, 2012, ceramic, 21.6 x 13.7 x 11.8 in

Lennin Vásquez Lennin Vásquez Lennin Vásquez Lennin Vásquez Lennin Vásquez Lennin Vásquez l n Vásquez Lennin Vásquez Lennin Vásquez lennin Lennin Vásquez Lennin Vásquez Lennin Vásquez nnin Vásquez Lennin Vásquez Lennin Vásquez len nin Lennin Vásquez Lennin Vásquez Lennin pintura · painting Lennin Vásquez Lennin Vásquez Lennin Vásquez nnin Vásquez Lennin Vásquez Lennin Vásquez len n Vásquez Lennin Vásquez Lennin Vásquez lennin Lennin Vásquez Lennin Vásquez Lennin Vásquez nnin Vásquez Lennin Vásquez Lennin Vásquez len Lennin Vásquez Lennin Vásquez Lennin Vásquez ásquez Lennin Vásquez Lennin Vásquez lennin va nnin Vásquez Lennin Vásquez Lennin Vásquez len Lennin Vásquez Lennin Vásquez Lennin Vásquez uez Lennin Vásquez Lennin Vásquez lennin valen n Vásquez Lennin Vásquez Lennin Vásquez lennin quez Lennin Vásquez Lennin Vásquez lennin vasq ásquez Lennin Vásquez Lennin Vásquez lennin va

l n z n n

En el pincel de Lennin Vásquez desembocan una serie de influencias que dan vida a una obra única con un sello muy personal. Un sentimiento arraigadamente peruano une sus raíces con los colores que plasma en la tela, conectando las oníricas figuras que surgen de su imaginación con el intrincado entorno surrealista que las envuelve. Son personas, peces, animales, vegetación y agua los que se funden en lúdicas formas cromáticas que rescatan lo andino y sus rituales para unirlos a la mitología, en una interesante propuesta pictórica y conceptual. Aquellos seres surgen de lo más profundo e invitan a conectarnos con nuestra esencia, con esa búsqueda de todo ser humano por encontrarse a sí mismo. Bajo una mirada que va más allá de lo real, el pintor propone un mundo nuevo en el que podemos perdernos en el soñar, hasta encontrar los trazos de nuestro ser. A series of influences that give life to a unique piece of art with a very personal hallmark flows through the brushes of Lennin Vásquez. A firmly Peruvian feeling ties his roots to the colors that he displays on the canvas, thus connecting the oneiric figures that arise from his imagination to the intricate surrealist environment that surrounds them. People, fish, animals, vegetation and water are brought together in ludic chromatic forms that revive all that is Andean and its rituals in order to tie them to mythology in an interesting pictorial and conceptual proposal. Those beings spring from the depths and invite us to connect with our essence, that quest of every human being to find themself. Under a view that goes beyond what is real, the painter proposes a new world where we can lose ourselves in dreams until finding the traces of our being.

lenninvasquez@yahoo.es

1978. Estudia en la Escuela Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú entre los años 1996 y 2002, donde obtuvo medalla de oro en dibujo. Entre sus exposiciones personales destacan Ancestros Andinos (2005); Seres Rituales (2007); En los Ojos del Apu (2009); Viento SURrealista (2010); Cuadrante Onírico – jardines y laberintos (2015), entre otras. Desde 1997 ha expuesto colectivamente en decenas de oportunidades en Perú, Bolivia, Chile, Argentina y Colombia. En 2010 realiza un mural en el encuentro internacional Arte x Parte en Berazategui, Buenos Aires, Argentina. Su obra se encuentra en el Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile; Alianza Francesa Lima, Perú; Municipio de Suba, Bogotá, Colombia; y Colección Faber Castell, Lima, Perú

1978. He studied at the National Superior Autonomous School of Fine Arts in Peru in the years 1996 and 2002 where she received the gold medal in Painting. Among her individual exhibitions are the following: Ancestros Andinos (2005); Seres Rituales (2007); En los Ojos del Apu (2009); Viento SURrealista (2010); Cuadrante Onírico – jardines y laberintos (2015), among others. Since 1997, she has exhibited collectively in several opportunities in Peru, Bolivia, Chile, Argentina, and Colombia. In 2010, he realized a mural at the international meeting Arte x Parte in Berazategui, Buenos Aires, Argentina. Her work is located in the Chilean National Museum of fine arts, Santiago; Alianza Francesa Lima, Peru; Municipio de Suba, Bogota, Colombia; y Colección Faber Castell, Lima, Peru.

Conversando con tu ausencia, 2011, 贸leo sobre lienzo, 180 x 150 cm. Conversando con tu ausencia, 2011, oil on canvas, 70.8 x 59 in.

Mahamba, 2013, 贸leo sobre lienzo, 180 x 150 cm. Mahamba, 2013, oil on canvas, 70.8 x 59 in.

Pág. izq. El lugar donde se fabrican las nubes, 2011, óleo sobre lienzo, 120 x 180 cm. Left. El lugar donde se fabrican las nubes, 2011, oil on canvas, 47 x 70.8 in. Pág. der. La barca de los sueños, 2015, óleo sobre lienzo, 80 x 80 cm. Right. La barca de los sueños, 2015, oil on canvas, 31.4 x 31.4 in.

Lorena Noblecilla Lorena Noblecilla Lorena No Lorena Noblecilla Lorena Noblecilla Lorena No na Noblecilla Lorena Noblecilla Lorena Noblecil Lorena Noblecilla Lorena Noblecilla Lorena No rena Noblecilla Lorena Noblecilla Lorena Noble lla Lorena Noblecilla Lorena Noblecil fotograf铆a 路 photography Lorena Noblecilla Lorena Noblecilla Lorena No ena Noblecilla Lorena Noblecilla Lorena Nobleci ena Noblecilla Lorena Noblecilla Lorena Noblec Noblecilla Lorena Noblecilla Lorena Noblecilla na Noblecilla Lorena Noblecilla Lorena Noblecil Lorena Noblecilla Lorena Noblecilla Lorena No ena Noblecilla Lorena Noblecilla Lorena Noblec rena Noblecilla Lorena Noblecilla Lorena Noble blecilla Lorena Noblecilla Lorena Noblecilla lo Lorena Noblecilla Lorena Noblecilla Lorena No lla Lorena Noblecilla Lorena Noblecilla Lorena orena Noblecilla Lorena Noblecilla Lorena Nobl rena Noblecilla Lorena Noblecilla Lorena Noble

o o l o e

El trabajo de Lorena Noblecilla es una delicada superposición de contrastes. La naturaleza y su emotividad, ese desorden romántico y sensible, se contrapone a la intervención de elementos geométricos a los que aquellos parajes se ven sometidos. La racionalidad y la matemática presente en un círculo se enfrenta a lo irracional de la naturaleza misma, generando interesantes puntos de tensión entre ambos mundos aparénteme opuestos. En este llamativo cruce surge un paisaje híbrido; un espacio nuevo, único e inexistente que cobra vida en la yuxtaposición de imágenes provenientes de orígenes disímiles. Así, un bosque se fusiona con la cordillera, un río con una pradera. Otras veces, la geometría presente no busca confluir paisajes distintos, sino sólo irrumpir en aquellos espacios y desafiar las leyes de la percepción a las que estamos acostumbrados. Bajo una mirada única e intuitiva, el trabajo de la fotógrafa plantea un encuentro entre realidades aparénteme distantes, pero que en realidad se encuentran muy unidas entre sí. Lorena Noblecilla’s work is a delicate overlapping of contrasting elements. Nature and its emotive nature, that romantic and sensitive disorder, are placed against the intervention of geometric elements to which these places are subjected. The rationality and mathematics present in a circle to challenge the irrationality of nature itself, thus creating interesting points of tension between both apparently opposite worlds. In this striking meeting point, a hybrid landscape emerges; a new, unique and nonexistent space that comes alive in the juxtaposition of images coming from dissimilar origins. Thus, a forest is merged with the mountain range, a river with a meadow. Other times, the geometry present doesn’t seek to join different landscapes, but rather just storm into those spaces and challenge the laws of perception that we are used to. Under a unique and intuitive eye, the work of the photographer poses a meeting point between realities that are apparently distant, but that are actually closely tied to one other.

lnoblecilla@gmail.com

1977. Realizó estudios de Artes Plásticas en la Escuela de artes Corriente Alterna y posteriormente, talleres de fotografía en el Centro de la Imagen. Se ha desempeñado como fotógrafa de arquitectura para distintas publicaciones y medios graficos además, de trabajos de dirección de arte y curatoría para diferentes proyectos públicos. Ha expuesto individualmente en dos ocasiones: Compás (2009) y De lo ambiguo (2014), ambas en Galería Forum. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas como la Feria Internacional de Arte Lima Photo durante cinco años consecutivos. Su proyecto de libro Lugares Comunes fue seleccionado en la XIII Feria de Fotolibros de Autor en Central Newbery, Buenos Aires. Su trabajo fotográfico ha aparecido en publicaciones como Lima, Perú, de Mario Testino. Su obra forma parte de la Colección del FOLA, fototeca Latinoamericana, Buenos Aires, Argentina, además de numerosas colecciones privadas.

1977. She studied Visual Arts at the School of Fine Arts Corriente Alterna and subsequently photography workshops at the Centro de la Imagen. She has performed as an architecture photographer for different publications, media design, works of art direction, and curatorships for different public projects. She has exhibited individually on two occasions: Compás (2009), and De lo ambiguo (2014), both in the Forum Gallery. She has participated in numerous exhibition groups such as the Feria Internacional de Arte Lima Photo during five consecutive years. Her book’s Project called Lugares Comunes was selected in the XIII Feria de Fotolibros de Autor in Central Newbery, Buenos Aires. Her photographic work has appeared in publications such as Lima, Peru by Mario Testino. Her work is part of the FOLA Collection, fototeca Latinoamericana, Buenos Aires, Argentina, in addition to numerous private collections.

Pág. izq. Colonización del espacio, 2015, fotografía digital intervenida, 90 x 90 cm. Left. Colonización del espacio, 2015, intervened digital photography, 35.4 x 35.4 in. Pág. der. Colonización del espacio, 2015, fotografía digital intervenida, 90 x 90 cm. Right. Colonización del espacio, 2015, intervened digital photography, 35.4 x 35.4 in.

Pág. izq. Colonización del espacio - Espacial II, 2015, fotografía digital intervenida, 80 x 80 cm. Left. Colonización del espacio - Espacial II, 2015, intervened digital photography, 31.4 x 31.4 in. Pág. der. Colonización Del espacio - Espacial I, 2015, fotografía digital intervenida, 80 x 80 cm. Right. Colonización Del espacio - Espacial I, 2015, intervened digital photography, 31.4 x 31.4 in.

driana tomatis Adriana tomatis Adriana tomatis a omatis Adriana tomatis Adriana tomatis Adriana t ana tomatis Adriana tomatis Adriana tomatis Adri riana tomatis Adriana tomatis Adriana tomatis Ad omatis Adriana tomatis Adriana tomatis Adriana t atis Adriana tomatis Adriana tomatis a pintura 路 painting driana tomatis Adriana tomatis Adriana tomatis a ana tomatis Adriana tomatis Adriana tomatis Adri omatis Adriana tomatis Adriana tomatis Adriana t riana tomatis Adriana tomatis Adriana tomatis Ad tis Adriana tomatis Adriana tomatis Adriana toma driana tomatis Adriana tomatis Adriana tomatis a omatis Adriana tomatis Adriana tomatis Adriana t ana tomatis Adriana tomatis Adriana tomatis Adri tis Adriana tomatis Adriana tomatis Adriana toma riana tomatis Adriana tomatis Adriana tomatis Ad omatis Adriana tomatis Adriana tomatis Adriana t s Adriana tomatis Adriana tomatis Adriana tomati omatis Adriana tomatis Adriana tomatis Adriana t

Por medio de un interesante proceso que comienza con fotografías que ella misma toma, altera digitalmente y luego traspasa al lienzo, Adriana Tomatis trabaja en torno a variadas críticas de la sociedad actual. Al mismo tiempo que explora temas contemporáneos, aborda un aspecto íntimo: la pérdida de un ser querido, procesos de desamor, depresión y ansiedad que habitan en ella, y que abiertamente comparte de manera criptográfica. Sus obras son intencionadamente difíciles de leer; usa el desenfoque pues considera que, mientras más difusas, mayor será el trabajo del espectador para completar su mensaje. Una propuesta que hurga en una memoria melancólica y privada dejando pistas, pero que finalmente se mantiene como una breve y profunda introspección contenida. Through an interesting process that begins with photographs that the artist takes herself, digitally alters and later puts on canvas, Adriana Tomatis works around mixed reviews of modern society. At the same time, she explores contemporary themes and tackles an intimate aspect: the loss of a loved one, the process of heartbreak, depression and anxiety that reside within her, and that she openly shares in a cryptographic way. Her work is intentionally difficult to interpret; she uses blur because she believes that the more diffuse the image, the greater the work will be for the viewer to complete her message. It is a proposal that delves into melancholic and private memories and leaves clues, but that ends up remaining a brief and profound introspection contained within.

www.adrianatomatis.com / adritomatis@gmail.com

1981. Ingresó a estudiar Pintura en la Escuela Superior de Bellas Artes Corriente Alterna, y más adelante realizó un Bachiller Complementario de Arte en la Universidad de San Marcos. Desde entonces ha realizado varios talleres y se destaca por sus tres exposiciones individuales: Happy Days (2008); Neurosis Histérica (2013); y Juan (2014). Además, ha desarrollado varias muestras colectivas, entre las más recientes, Sombras Coloniales (2013); Mundo Hombre (2013); y Descabelladas (2012). Participó con Retrovanguardia en la II Bienal de Grabado de Lima (2008), fue Finalista en el Primer Concurso de Pintura del Museo del Banco Central de Reserva (2009), y Finalista del I Concurso de Pintura Alfa Romeo de la Galería Artco (2007). Actualmente, trabaja también como docente de Corriente Alterna.

1981. She started to study Painting at the Escuela Superior de Bellas Artes Corriente Alterna, and later she realized an Art Complementary Bachelor at the National University of San Marcos. Since then, she has done several workshops and she is known for her three individual exhibitions: Happy Days (2008); Neurosis Histérica (2013); and Juan (2014). She has also developed several group exhibitions, including the most recent, Sombras Coloniales (2013); Mundo Hombre (2013); and Descabelladas (2012). She participated with retrovanguard in the Second Biennial of Engraving in Lima (2008), she was a finalist in the First Painting Contest of the Museum of the Central Reserve Bank(2009), and she was a finalist of the First painting Contest Alpha Romeo of the Artco Gallery (2007). Currently, she works as a teacher at Corriente Alterna.

Sin t铆tulo, 2014, 贸leo sobre lienzo, 127.3 x 35.4 cm. Untitled, 2014, oil on canvas, 50.1 x 41.3 in.

Sin t铆tulo, 2014, 贸leo sobre lienzo. Untitled, 2014, oil on canvas.

Sin t铆tulo, 2014, 贸leo sobre lienzo, 148.5 x 105 cm. Untitled, 2014, oil on canvas, 58.4 x 41.3 in.

Karen Macher Karen Macher Karen Macher Karen Karen Macher Karen Macher Karen Macher Karen n Macher Karen Macher Karen Macher Karen mach Karen Macher Karen Macher Karen Macher Karen ren Macher Karen Macher Karen Macher Karen ma ren artista Karen Macher Karen Macher Karen m multidisciplinar 路 multidisciplinary artist Karen Macher Karen Macher Karen Macher Karen ren Macher Karen Macher Karen Macher Karen ma acher Karen Macher Karen Macher Karen Macher cher Karen Macher Karen Macher Karen Macher k Karen Macher Karen Macher Karen Macher Karen ren Macher Karen Macher Karen Macher Karen ma r Karen Macher Karen Macher Karen Macher kare er Karen Macher Karen Macher Karen Macher kar ren Macher Karen Macher Karen Macher Karen ma en Macher Karen Macher Karen Macher Karen mac ren Macher Karen Macher Karen Macher Karen ma acher Karen Macher Karen Macher Karen macher en Macher Karen Macher Karen Macher Karen mac

n n h n a m n a r k n a e r a c a r c

A partir de la belleza de los cambios que fluyen sin repetir sus pasos, la escultora dialoga con plantas, piedras y otros elementos del medioambiente. Relaciona los procesos de la naturaleza con los propios del ser humano como espectáculos irrepetibles y efímeros, que se albergan en instantes, experiencias, sensaciones. Al trabajar con medios del mundo natural, sus obras también serán extintas por el cambio. Por ello, registra esos momentos de íntima conexión con el entorno para rescatar sus cargas y recuerdos, aquellos que simbólicamente quedan impregnados en hojas, troncos y arroyos, como vestigios de una historia permutable. Una historia que es otra en cada momento y que por lo mismo es bella, al igual que la obra que surge de ella. Through the beauty of the changes that flow without repeating their steps, the sculptor speaks with plants, stones and other elements from the environment, thus linking natureís processes with those from man that are unique and ephemeral and that contain moments, experiences and feelings. Upon working with mediums from the natural world, her work will also become extinct due to the change. Because of this, she records those moments of intimate connection with the environment in order to recover its power and memories, those that symbolically remain imbued in leaves, trunks and streams, like remains of a permutable history. A history that is different in each moment and that, because of those differences, is beautiful, just like the work that emerges from her.

www.karenmacherportafolio.blogspot.com / kmachern@yahoo.es

1979. Licenciada en Arte con mención en Escultura de la Pontificia Universidad Católica del Perú, Máster en Producción Artística de la Universidad Politécnica de Valencia, España. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas, simposios y bienales internacionales, de las que destacan PARC – Feria Internacional de Arte (2014); Art Lima (2013); III Bienal de Arte Latinoamericano de Bronx Art Space, Estados Unidos (2012); Geumgang Nature Art Biennale, Corea del Sur (2010); 7th One Minute Film & Video Festival Aarau, Suiza (2010); y la 1era Bienal de Arte Contemporáneo de Chapingo, México (2008); entre otros. Además, dentro de sus más recientes reconocimientos, consiguió el Tercer Premio de Instalación en la I Bienal de Arte Contemporáneo en México y fue finalista en el III Concurso de Videoarte de la Fundación Telefónica del Perú.

1979. She has a Bachelor in Art with mention in Sculpture from the Pontifica Catholic University of Peru, and a M·ster en Artistic production from the Universidad Politécnica de Valencia, Spain. She has participated in several group exhibitions such as international symposiums and biennails in the following places: PARC - Feria Internacional de Arte (2014); Art Lima (2013); III Biennial of Latinoamerican Art of Bronx Art Space, E.E.U.U (2012); Geumgang Nature Art Biennial, South Korea (2010); 7th One Minute Film & Video Festival Aarau, Suiza (2010); and the 1th biennial of Contemporary Art of Chapingo, Mexico (2008); among others. In addition, in her most recent awards, she received Third Prize of Installation in the I Biennial of Conteporary Art in Mexico, and she was a finalist in the III Concurso de Videoarte de la Fundación Telefónica of Perú.

Jardín Flotante. Chenglong Environmental Art Project, Taiwán. 2011, bambú reciclado, soga, plantas locales. 800 cm. diámetro. Jardín Flotante. Chenglong Environmental Art Project, Taiwán. 2011, recycled bamboo, rope, local plants. 315 in. diameter.

Pág. izq. Nueva Piel, Drift Environmental Art Project, Holanda, 2012, papel Endurecido, medidas variables. Left. Nueva Piel, Drift Environmental Art Project, Holland, 2012, hardened paper, variable measures. Pág. der. Ofrenda de conejos para la Fertilidad de la Tierra, Geumgang Nature Art Biennial, Corea del Sur, 2010, arcilla natural local, paja, cemento en mínimas proporciones. 30 piezas de 60 x 30 x 30 cms. Right. Ofrenda de conejos para la Fertilidad de la Tierra, Geumgang Nature Art Biennial, Corea del Sur, 2010, local clay, straw, cement in minimum proportions. 30 pieces of 23.6 x 11.8 x 11.8 in.

laudia Martínez Garay Claudia Martínez Garay Cl dia Martínez Garay Claudia Martínez Garay ClauDi Martínez Garay Claudia Martínez Garay Claudia M laudia Martínez Garay Claudia Martínez Garay Cl nez Garay Claudia Martínez Garay Claudia Martín ray Claudia Martínez Claud Garay artista multidisciplinar · multidisciplinary artist Claudia Martínez Garay Claudia Martínez Garay C dia Martínez Garay Claudia Martínez Garay ClauDi artínez Garay Claudia Martínez Garay Claudia Ma laudia Martínez Garay Claudia Martínez Garay Cl z Garay Claudia Martínez Garay Claudia Martínez nez Garay Claudia Martínez Garay Claudia Martín ia Martínez Garay Claudia Martínez Garay ClauDi laudia Martínez Garay Claudia Martínez Garay Cl aray Claudia Martínez Garay Claudia Martínez Ga dia Martínez Garay Claudia Martínez Garay ClauDi Garay Claudia Martínez Garay Claudia Martínez nez Garay Claudia Martínez Garay Claudia Martín Martínez Garay Claudia Martínez Garay Claudia M

M l n d C Di a l z n

El potente compromiso de una imagen radica en que, como seres principalmente visuales, éstas son procesadas más rápido que textos escritos y, en muchas ocasiones, pueden construir percepciones históricas influyentes, aunque no necesariamente reales. En este sentido, la artista Claudia Martínez Garay, reflexiona en torno a la memoria de conflictos armados, un recuerdo que fácilmente puede dejarse llevar por ideas plasmadas en imágenes de archivos. Una forma de trabajar con la historia a través del arte, provocando y cuestionando mediante una realidad muchas veces cruda y violenta. The strong commitment of an image lies in that, as mainly visual beings, it is processed faster than written texts and, on many occasions, can create influential historic perceptions, although not necessarily real ones. In this sense, the artist Claudia Martinez Garay reflects on the memory of armed conflicts, a memory one can easily get carried away with because of ideas shown in image archives. It is a way of working with history through art, thus arousing questions through a reality that is often crude and violent.

www.claudiamartinezgaray.com / claudiamartinezgaray@gmail.com

1983. Nació en Ayacucho y estudió en la Facultad de Arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Ha presentado las exposiciones individuales Todos los Perros Van al Cielo (2013), El otro el mismo (2012), El Imperio del Sol (2011) e Invisible (2007); y ha participado en la 12° Bienal Internacional de Cuenca en Ecuador (2014); Arte al paso - Colección Contemporánea del Museo de Arte de Lima - MALI (2011-2013); Anamnesia (2012); Trienal de Chile (2009), Trienal Poligráfica de San Juan, Puerto Rico (2015), entre otras. En cuanto a sus distinciones, ha sido elegida para la residencia en la Rijksakademie van Beeldende Kunsten en Amsterdam (2016-2017), obtuvo el Primer Premio en el XIV Concurso Nacional de Artes Visuales Pasaporte Para un Artista organizado por la embajada de Francia (2011) y el Segundo Premio en el II Concurso Nacional de Pintura del Banco Central de Reserva del Perú, entre otros reconocimientos.

1983. She was born in Ayacucho and she studied in the Pontifical Catholic University in Peru. She has presented the following individual exhibitions: Todos los Perros Van al Cielo (2013), El otro el mismo (2012), El Imperio del Sol (2011), and Invisible (2007). She has participated in the 12th International Biennial of Cuenca in Ecuador (2014); Arte al paso Contemporary Collection at The Lima Art Museum, MALI (2011- 2013); Anamnesia (2012); Chile Triennial (2009); Trienal Poligráfica de San Juan, Puerto Rico (2015), among others. In respect of her awards, she has been chosen for the residence at the Rijksakademie van Beeldende Kunsten in Amsterdam (2016-2017); she won First Prize for “Pasaporte Para un Artista” at the XIV National Visual Arts Competition organized by the French Embassy (2011); and Second Prize at the Second National Painting Contest of the Central Reserve Bank of Peru; among other awards.

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El Perú Avanza, 2011, cangrejos sobre vidrio y luz, cuatro piezas de 72 x 65 cm. Colección Hochschild. El Perú Avanza, 2011, crabs on glass and light, four pieces of 28.3 x 25.5 in. Hochschild Collection.

Cielo de perritos, 2013, tinta china sobre cartulina, trĂptico, 100 x 70 cm. cada uno. Obra presentada en la 12 Bienal de Cuenca. Cielo de perritos, 2013, ink on cardboard, triptych, 39.37 x 27.5 in. each one. Presented at the 12th Biennial of Cuenca.

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i i a i a

i a p a a z c a a z a a a

Como método de expresión, la artista habla en palabras visuales y fotográficas acerca de la condición humana, la soledad, el aislamiento y aquel estado de encierro, tan perturbador en su sensación como en sus obras. Falsos maniquíes dotados de extraña indolencia cobran vida dentro de su plástico existir, reflejando un aspecto poético y melancólico a la vez. A través de su discurso pictórico, María Cecilia Piazza logra generar una profunda inquietud respecto a lo ignorado, como si aquellos cuerpos inertes pidieran ayuda. Como si gritaran con desesperación desde una vulnerabilidad compasible, con ganas de salir del empaque, aun cuando al mismo tiempo resultan desafiantes y perturbadores, como posibles vengadores por su fatídico destino en vitrina. As a means of expression, the artist speaks in visual and photographic words regarding the human condition, solitude, isolation and that feeling of imprisonment that is just as disturbing in her emotions as in her work. Fake mannequins given a strange indolence come to life in her present artistic work, thus reflecting both a poetic and melancholic quality. Though her pictorial discourse, María Cecilia Piazza manages to create a profound concern regarding that which is ignored, as if those inert bodies were asking for help. It is as if they were desperately screaming based on a compassionate vulnerability, eager to get out of their packaging, even though they are simultaneously challenging and disturbing, like potential avengers for their fateful destiny on display.

mcp562@gmail.com

1956. Estudia Pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Lima y luego Fotografía en Parsons School of Desing en Nueva York. Entre sus muestras individuales destacan Retratos, Galería Fórum (2015); y Percepciones, Galería ICPNA Retrospectiva Lima (2010). En su espectro grupal, ha participado en Foto Fest 20110, en Houston, Texas; Ciudad Contenida, en Galería Vértice; en varias bienales, como la I Bienal de Fotografía de Lima (2012); I Bienal Iberoamericana de Lima, (1997); y también en la Feria Internacional de Fotografía, Lima Photo, representada por la galería de arte Fórum, desde 2010 hasta 2015.

1956. She studied Painting at the National School of Fine Arts in Lima, and then she studied photography at the Parsons School of Design in New York. Among her individual exhibitions highlights are: Retratos, the Forum Gallery (2015); and Percepciones, Galería ICPNA Retrospectiva Lima (2010). In her exhibition group, she has participated in FotoFest 20110, Huston, Texas; Ciudad Contenida, in the Vertice Gallery; in several biennials such as I Biennial of Photography in Lima (2012); I Biennial Iberoamerican in Lima (1997); and also in International Lima Photo Fair represented by the art gallery called Forum, since 2010 to 2015.

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Retratos, 2015, imagen digital, medidas variables. Retratos, 2015, digital image, variables measures.

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Tras abrazar con gratitud su intuición e intensa sensibilidad frente a situaciones, personas, arquitectura, paisajes o momentos, la artista ha optado por no limitar su universo temático. Su trabajo volcado a la fotografía se caracteriza, simple y profundamente, por ir en búsqueda de la belleza a través de un recorrido perceptivo y silencioso que nace de su voz interior, sea cual sea la imagen a capturar. Una belleza intrínseca y natural que proviene de los orígenes, de la tierra y sus raíces, con ansias de acercarse a aquello que los tiempos modernos han alejado. Entonces se acerca, translúcida, y espera que la escena deslumbre humilde con su propia esencia; logrando así una fotografía que puede categorizarse como música interior. After embracing her intuition and intense awareness with gratitude in face of situations, people, architecture, landscapes or moments, the artist has chosen to not limit her universe of subject matter. Her photography based work is simply and profoundly characterized by searching for beauty through a perceptive and silent journey that gives rise to her inner voice, regardless of the image to be captured. It is an intrinsic and natural beauty that emerges from the origins of the earth and its roots, with longings to get closer to that which modern times have moved away from. So, she transparently approaches and hopes that the scene humbly shines with its own essence, thus achieving a photograph that can be categorized as inner music.

www.patriciaarena.com / patriciaarena@yahoo.com 1961. Tras estudiar Administración de Viajes y Turismo en Boston, toma cursos de Civilización Francesa, Lengua e Historia del Arte en la Université de la Sorbonne, Eurocentres y en el École du Musée du Louvre, respectivamente en París. Asimismo, realiza workshops de Fotografía en el London School of Photography y en Nikon Training School en Londres. Ha realizado varias exhibiciones fotográficas como Cámara Oculta, en Galería Vértice (2014); La otra dimensión de Gam, en Galería Lucía de la Puente (2004) e Intuyo en mí algo de ti, en el Museo de Osma (2001), por nombrar algunas; y participado en ferias como Lima Photo (2015); Pinta London (2014) y Mirafoto (2005 y 2007). Sus fotografías están en catálogos de diversos artistas plásticos y en la Colección Maestros de la Pintura Peruana, a quienes ha venido retratando en sus propios talleres, testimoniando sus procesos creativos. Actualmente se está certificando como instructora de Yoga espiritual en The Chopra Center en California.

1961. After studying Travel and Tourism Management in Boston, she took courses of French Civilization, Language and Art History at the Université de la Sorbonne, Eurocentres and the École du Louvre, Paris respectively. She also took Photography workshops at the London School of Photography, and at the Nikon Training School in London. She has made several photo exhibitions such as, Cámara Oculta, at Vértice Gallery (2014); La otra dimensión de Gam, in Lucia de la Puente Gallery (2004); e Intuyo en mí algo de ti, at the Museo de Osma (2001), to name a few; and she participated in fairs such as Lima Photo (2015); Pinta London (2014) and Mirafoto (2005 and 2007). Her photographs are in various visual artists catalogs and in the Colección Maestros de la Pintura Peruana, who have been portraying them in their own ateliers, witnessing their creative processes. Currently she is obtaining a certification as a Spiritual Yoga Instructor at The Chopra Center in California

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Pergaminos de Silencio I, Tanzania, 2014, fotografía digital impresa en papel de algodón, formato de fotografía: 65 x 43 cm, pergaminos orgánicos de Nepal (18 pliegos), partituras de música de Vivaldi, suspendidos en dos tablas de madera de nogal natural dejando su corteza expuesta, tuercas de cobre, tamaño de la pieza completa: 90 x 80 cm. Pergaminos de Silencio I, Tanzania, 2014, digital photograph printed on cotton paper, photography’s format: 26 x 17 in., organic scrolls Nepal (18 sheets), music scores by Vivaldi, suspended on two wooden boards with its exposed natural walnut bark, copper nuts, whole piece size: 35 x 31 in.

Pergaminos de Silencio III, Tanzania, 2014, fotografía digital impresa en papel de algodón, formato de fotografía: 65 x 43 cm, pergaminos orgánicos de Nepal (18 pliegos), partituras de música de Vivaldi, suspendidos en dos tablas de madera de nogal natural dejando su corteza expuesta, tuercas de cobre, tamaño de la pieza completa: 90 x 80 cm. Pergaminos de Silencio III, Tanzania, 2014, digital photograph printed on cotton paper, photography’s format: 26 x 17 in., organic scrolls Nepal (18 sheets), music scores by Vivaldi, suspended on two wooden boards with its exposed natural walnut bark, copper nuts, whole piece size: 35 x 31 in.

Pergaminos de Silencio, Tanzania, 2014, fotografía digital impresa en papel de algodón, formato de fotografía: 65 x 43 cm, pergaminos orgánicos de Nepal (18 pliegos), partituras de música de Vivaldi, suspendidos en dos tablas de madera de nogal natural dejando su corteza expuesta, tuercas de cobre, tamaño de la pieza completa: 90 x 80 cm. Pergaminos de Silencio I, Tanzania, 2014, digital photograph printed on cotton paper, photography’s format: 26 x 17 in., organic scrolls Nepal (18 sheets), music scores by Vivaldi, suspended on two wooden boards with its exposed natural walnut bark, copper nuts, whole piece size: 35 x 31 in.

Pergaminos de Silencio VI, Tanzania, 2014, fotografía digital impresa en papel de algodón, formato de fotografía: 60 x 40 cm, pergaminos orgánicos de Nepal y Japón (18 pliegos), partituras de música de Vivaldi, suspendidos en dos tablas de madera de Nogal natural dejando su corteza expuesta, tuercas de cobre, tamaño de la pieza completa: 90 x 70 cm. Pergaminos de Silencio VI, Tanzania, 2014, fdigital photograph printed on cotton paper, photographic format: 23.6 x 15.7 in., organic scrolls Nepal and Japan (18 sheets), scores of music by Vivaldi, suspended on two wooden boards leaving her exposed natural walnut bark, copper nuts, whole piece size: 35.4 x 27.5 in.

acques custer jacques custer jacques custer jacques custer jacques custer jacques custe ques custer jacques custer jacques custer ja acques custer jacques custer jacques custer cques custer jacques custer jacques custer j uesjacques custer jacques custer jac fotograf铆a 路 photography cques custer jacques custer jacques custer j custer jacques custer jacques custer jacqu ques custer jacques custer jacques custer ja uster jacques custer jacques custer jacques jacques custer jacques custer jacques custe uster jacques custer jacques custer jacques acques custer jacques custer jacques custer custer jacques custer jacques custer jacqu cques custer jacques custer jacques custer j uster jacques custer jacques custer jacques cques custer jacques custer jacques custer j uster jacques custer jacques custer jacques es custer jacques custer jacques custer jacq

La modernidad avanza y a su paso deja vestigios arquitectónicos; el correr del tiempo homologa las estructuras y convierte aquellas construcciones, antes alegres y coloridas, en edificios seriados de vidrios y espejos. El lente de Jacques Custer rescata aquellos espacios que aún permanecen, esas paredes de color que se levantan como islas en medio del paisaje arquitectónico actual. Dotadas de un encuadre especial, sus obras reivindican el valor de la historia y proponen al mismo tiempo un interesante juego entre la realidad y la abstracción de las formas que de la misma ciudad emanan. De esta forma surgen texturas, movimiento y volumen; aquellos espacios se alzan ante nuestros ojos como la evidencia de un mundo que existe y que no vemos, proponiendo al mismo tiempo una nueva realidad reflejada en los espejos de las construcciones contiguas. Modernity moves forward and as it passes it leaves architectural remains; the passage of time homologates the structures and turns those once lively and colorful constructions into a series of glass and mirrored buildings. Jacques Custer lens revives those spaces that still remain; those walls of color that rise up as islands in the middle of the present architectural landscape. Equipped with a special frame, his work reclaims the value of history and simultaneously proposes an interesting play between reality and the abstraction of the forms emanating from the city itself. Through this, textures, movement and volume emerge; those spaces elevate before our very eyes as proof of a world that exists and that we cannot see, while also proposing a new reality reflected in the mirrors of the adjoining constructions

www.jacquescuster.com / jcjacques0@gmail.com

1977. Estudió diseño publicitario en el Instituto Peruano de Publicidad y posteriormente realizó talleres de iluminación y food styling en el Centro de la Imagen, Lima, para luego obtener el título de fotógrafo profesional en la misma institución. Ha expuesto individualmente la serie Identidad Latente en el Garage Art, Andrea Llosa, Lima (2013) y la serie Metamorfosis de la Ciudad en La Galería, Lima. Ha participado en una serie de muestras colectivas y encuentros artísticos como Lima Photo y Casacor, en reiteradas oportunidades. Se ha desempeñado como fotógrafo profesional de distintas revistas en Lima, entre las que se encuentran Vogue, Hola y Cosas.

1977. He studied advertising design at the Peruvian Institute of Advertising and subsequently made workshops of lighting and food styling at the Centro de la Imagen in Lima. As well, he graduated as a professional photographer in the same institution. He has displayed the serie Identidad Latente in Garage Art, Andrea Llosa, Lima (2013) and the serie Metamorphosis de la Ciudad, Lima. He has participated in a number of group exhibitions and artistic events like Lima Photo and Casacor in several occasions. He has worked as a professional photographer for various magazines in Lima, among which are Vogue, Hola and Cosas.

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Pág. izq. Sin título 10, 2014, impresión sobre aluminio, 70x70 cm. 1/5 Av. Ernesto Diez Canseco 448, Miraflores. Left. Untitled 10, 2014, printing on aluminum,27.5 x 27.5 in. 1/5 Av. Ernesto Diez Canseco 448, Miraflores. Pág. der. Sin título 8, 2014, impresión papel lustre 91x60 cm. 1/3.Av. Alfredo Benavides 457, Miraflores. Right. Untitled 8, 2014, gloss printing paper, 35.8 x 23.6 in. 1/3. Av. Alfredo Benavides 457, Miraflores.

Sin t铆tulo 4, 2014, impresi贸n papel lustre, 120 x 65.5 cm. 1/3.Av. De la aviaci贸n 500, Miraflores Untitled 4, 2014, gloss printing paper, 47.2 x 25.7 in. 1/3.Av. De la aviaci贸n 500, Miraflores

Gonzalo García Callegari Gonzalo García Calleg zalo García Callegari Gonzalo García Callegari g o García Callegari Gonzalo García Callegari gon zalo García Callegari Gonzalo García Callegari g Gonzalo García Callegari Gonzalo García Calleg arilGonzalo García Callegari gonz pintura · painting alo García Callegari Gonzalo García Callegari g o García Callegari Gonzalo García Callegari gon Gonzalo García Callegari Gonzalo García Calleg arcía Callegari Gonzalo García Callegari gonzal Gonzalo García Callegari Gonzalo García Calleg ía Callegari Gonzalo García Callegari gonzalo g alo García Callegari Gonzalo García Callegari g allegari Gonzalo García Callegari gonzalo garci Gonzalo García Callegari Gonzalo García Calleg egari Gonzalo García Callegari gonzalo garcia g alo García Callegari Gonzalo García Callegari g arcía Callegari Gonzalo García Callegari gonzal allegari Gonzalo García Callegari gonzalo garci

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El tiempo arrasa e inevitablemente transforma el paso de la historia; por ello es que el artista Gonzalo García Callegari intenta reinterpretar la de su país mediante una exploración de imágenes almacenadas en el colectivo nacional, desde una perspectiva vigente. Sus obras rescatan héroes y símbolos patrios del pasado y los contrasta con sus significaciones contemporáneas, invitando a una reflexión pictórica acerca de la identidad de su país. Con sutil sarcasmo e influencia del cómic, el artista crea pinturas y dibujos que utilizan peruanismos -como él mismo los llama-, exhibidos desde el humor y la ironía. De esta forma, logra reconstruir un abanico idiosincrático, llevándolo a un extremo puramente provocador. Time triumphs and inevitably alters the passage of history; that is why artist Gonzalo García Callegari tries to reinterpret from his country by exploring images stored in the national collective, from a contemporary point of view. His work revives heroes and national symbols from the past and contrasts them with their contemporary meanings, thus enticing a pictorial reflection regarding the identity of his country. Through a subtle kind of sarcasm and comic influences, the artist creates paintings and drawings that use Peruvianisms -as he calls them- shown through humor and irony. Through this, he manages to reconstruct a wide array of idiosyncrasies, leading him to a completely provocative extreme.

www.garciacallegari.com / garciacallegari@yahoo.com

1971. Bachiller en Arte por la Pontificia Universidad Católica del Perú, para luego especializar sus estudios con una mención en Pintura en la misma institución. Desde entonces, se ha interesado por observar la sociedad y la relación del ser humano dentro de ésta, tanto en sus aspectos más concretos, como también en aquellos que se vinculan con el sentido de la formación del ser -y sobre todo-, con el ser peruano. Sus obras han sido exhibidas en diversas galerías dentro de Perú, así como en el extranjero; ha participado en más de setenta exposiciones colectivas y durante tres años consecutivos desde el 2013, se ha destacado por su presencia en la reconocida feria ArtLima.

1971. Gonzalo Garcia Callegari earned a bachelor in Arts from the Pontifical Catholic University of Peru. Then, he specialized his studies with a mention in Painting in the institution mentioned before. Since then, he has been interested in observing society and its relation with human beings, both in its more specific aspects, as well as those that relate to the sense of the formation of being and above all, of being Peruvian. His works has been exhibited in various galleries in Peru as well as abroad. He has participated in over seventy group exhibitions and he has participated at the renowned ArtLima fair for three years consecutively since 2013.

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Serie Peruanismos vol. 2, acrĂlico y lĂĄpiz sobre papel impreso, 75 x 53 cm. Series Peruanismos vol. 2, acrylic and pencil on printed paper, 29.5 x 20.8 in.

José Luis Carranza José Luis Carranza José Luis osé Luis Carranza José Luis Carranza José Luis Luis Carranza José Luis Carranza José Luis car uis Carranza José Luis Carranza José Luis carr sé Luis Carranza José Luis Carranza José Luis c nza José Luis Carranza José Luis Carr pintura · painting José Luis Carranza José Luis Carranza José Luis uis Carranza José Luis Carranza José Luis carr sé Luis Carranza José Luis Carranza José Luis c José Luis Carranza José Luis Carranza José Luis arranza José Luis Carranza José Luis Carranza José Luis Carranza José Luis Carranza José Luis ranza José Luis Carranza José Luis Carranza jo rranza José Luis Carranza José Luis Carranza j José Luis Carranza José Luis Carranza José Luis uis Carranza José Luis Carranza José Luis carr José Luis Carranza José Luis Carranza José Luis arranza José Luis Carranza José Luis Carranza is Carranza José Luis Carranza José Luis carra

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Surcando en una memoria colectiva que atesora personajes y anécdotas, en la historia y en la contemporaneidad expresada por medios de comunicación, José Luis Carranza encuentra su inspiración para recrear situaciones por medio de la pintura. Un estilo barroco, figurativo y narrativo caracteriza su trabajo, como si se tratara de una documentación o un método de supervivencia; uno que dejará huellas de esta prehistoria del futuro, y que a través de sus lienzos, evitará el vacío absoluto en el caso de que llegase el fin. Sus obras logran desmembrase con exquisita maestría y uso del color, en una delirante jungla de personajes histéricos como un intento por reflejar el desequilibrado carácter del hombre y su mundo irracional, en una metáfora de la realidad. By plowing through a collective memory that amasses characters and anecdotes from history and modern times expressed by the media, José Luis Carranza finds his inspiration to recreate situations through painting. A baroque style, figurative and narrative characterizes his work, as if it were some kind of documentation or means of survival, one that will leave its mark on this prehistory of the future, and that through his canvases, will avoid the absolute void if it makes it to the end. His pieces manage to be broken up with wonderful mastery and the use color, in a crazed jungle of hysterical characters as a way to try and reflect the unbalanced nature of man and his irrational world, in a metaphor for reality.

www.ksteinmetz.net / carranza81g@gmail.com

1981. Estudia Pintura en la Escuela Superior de Bellas Artes del Perú, obteniendo la medalla de oro en su especialidad. Desde el año 2007 ha realizado doce exposiciones individuales, siendo la última en la galería Klaus Steinmetz, en Costa Rica (Pinturas 2014). Ha participado también en diversas exposiciones colectivas en países como España, Alemania, Reino Unido, E.E.U.U., Colombia, Ecuador y Chile. También ha asistido a distintas ediciones de las ferias de arte PARC y ArtLima. Obtuvo el Primer lugar en el concurso Pasaporte para un Artista, ofrecido por la Embajada del Gobierno Francés en Perú (2009). Sus obras se pueden encontrar en colecciones públicas, tales como la del Museo de Arte de la Universidad de San Marcos (Perú); la colección de arte de la Alianza Francesa (Perú); la Universidad Ricardo Palma (Perú); la Fundación Benetton (Italia); y en Arte Al Límite (Chile).

1981. He studied Painting at the College of Fine Arts in Peru, with a gold medal in his specialty. Since 2007 he has done twelve individual exhibitions, the last one being Pintura in 2014 in the Klaus Steinmetz gallery, Costa Rica. He has also participated in various group exhibitions in countries such as Spain, Germany, United Kingdom, United States, Colombia, Ecuador and Chile. He has also attended different fair editions like PARC and ArtiLima. He has won first prize in the contest “Passport for an artist”, offered by the French Embassy in Peru (2009). His works can be found in group collections in places such as the Museo de Arte de la Universidad de San Marcos (Peru); the art collection of the French Alliance (Peru); the Universidad Ricardo Palma (Peru) the Fundación Benettón (Italy); and Arte al Limite (Chile)

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P谩g.izq. El juicio de las horas, 2013, 贸leo sobre tela, 120 x 150 cm. Left. El juicio de las horas, 2013, oil on canvas, 47,2 x 59 in. P谩g. der. El triunfo de Venus, 2014, 贸leo sobre tela, 150 x 120 cm. Right. El triunfo de Venus, 2014, oil on canvas, 59 x 47,2 in.

Pág. izq. La muerte de Acteón, 2014, óleo sobre tela, 150 x 180 cm. Left. La muerte de Acteón, 2014, oil on canvas, 59 x 70.8 in. Pág. der. El rapto de Europa, 2014, óleo sobre tela, 150 x 180 cm. Right. El rapto de Europa, 2014, oil on canvas, 59 x 70.8 in.

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La destacada escultora trabaja con intensidad. Metales, madera y otros materiales son sus plataformas base, a las cuales les aplica recursos gráficos con técnicas provenientes del grabado, dotándolas de singulares efectos plásticos que reinventan sus orígenes de forma lúdica y poco convencional. Por medio de una desbordada imaginación, encuentra y extrae su belleza natural para incorporarla a nuestros entornos habituales, trascendiendo así de las dimensiones nativas con absoluta libertad creativa. Un método que renueva las incursiones de la escultura, sus miradas y las capacidades volumétricas, dando vida a piezas que desde una abstracción de la naturaleza, logran un lenguaje atractivamente revelador. This renowned sculptor works passionately. Metal, wood and other materials are her platform, and to them she applies graphic resources with techniques stemming from printmaking. This gives them a unique artistic effect that reinvents their origins playfully and somewhat unconventionally. Through a very active imagination she finds and extracts natural beauty of the materials to incorporate them into our normal environments, thus exceeding the native dimensions with complete creative freedom. It is a method that renovates all areas of sculpture, its stances and volumetric possibilities, thus giving life to pieces that attain an attractively revealing language.

www.augustabarreda.com / augustabb@augustabarrea.com

1954. Egresada de la Escuela de Artes Visuales de Río de Janeiro; del taller de grabado de Rith Leaf; y del estudio The Sculpture Center, en Nueva York. Se ha desempeñado como profesora del curso de grabado “El Taller", del cual es fundadora, y de Grabado en la Escuela Nacional de Bellas Artes, Lima. Ha inaugurado más de treinta exposiciones individuales en Perú, Venezuela, Brasil, Chile, España, Canadá y Egipto; y ha sido reconocida con mención honrosa en la Exposición Anual de Artistas Brasileños en Río de Janeiro (1976); en la Exposición Anual de Artistas Grabadores, Escuela de Artes Visuales, Parque Lage, Rio de Janeiro (1977); en el XVI Salón Nacional de Grabado del ICPNA, Lima (1980); y con el tercer Premio en el Concurso Municipal de Lima (1981).

1954. She is a graduate from the School of Visual Arts in Rio de Janeiro, in engraving workshop of Rith Leaf, and the Sculpture Center in New York. She has performed as a teacher of an engraving course called “El Taller” in which she is the founder, and also Engraving at the National School of Fine Arts in Lima. She has opened more than thirty individual exhibitions in Peru, Venezuela, Brazil, Chile, Spain, Canada and Egypt. She has been recognized with honorable mention in The Annual Exhibition of Brazilian artists in Rio de Janeiro (1976); at the Annual Exhibition of Engraving Artists, School of Visual Arts, in Parque Lage, Rio de Janeiro (1977); in the XVI National Salon of Engraving ICPNA in Lima (1980); and the third prize at the Municipal Contest in Lima (1981).

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Poyuda, 2003, madera tallada te単ida y laqueada, 310 x 30 x 9 cm, 240 x 30 x 9 cm, 178 x 26 x 9 cm, 150 x 22 x 7 cm. Poyuda, 2003, carved, stained and lacquered wood, 122 x 11.8 x 3.5 in., 94.4 x 11.8 x 3.5 in., 70 x 10.2 x 3.5 in., 59 x 8.6 x 2.7 in.

Pompom, 2003, madera tallada te単ida y laqueada, 222 x 50 x 10 cm, 250 x 22 x 10 cm, 222 x 50 x 10 cm. Pompom, 2003, carved, stained and lacquered wood, 87.4 x 19.6 x 3.9 in., 98.4 x 8.6 x 3.9 in., 87.4 x 19.6 x 3.9 in.

Pag. izq. Esterlicias, madera tallada teñida y laqueada, medidas variables. Pag. left. Esterlicias, carved, stained and lacquered wood, variables measures. Pag. der. Rojicias, 2009, instalación de 27 fotografías digitales sobre lienzo, 100 x 80 cm. Pag. right. Rojicias, 2009, installation of 27 digital photos on canvas, 39.37 x 31.4 in.

Silvana Pestana Silvana Pestana Silvana Pestana Silvana Pestana Silvana Pestana Silvana Pestana ana Pestana Silvana Pestana Silvana Pestana silv Silvana Pestana Silvana Pestana Silvana Pestana lvana Pestana Silvana Pestana Silvana Pestana si ana Silvana Pestana Silvana Pestana silv artista multidisciplinar 路 multidisciplinary artist Silvana Pestana Silvana Pestana Silvana Pestana Silvana Pestana Silvana Pestana Silvana Pestana Pestana Silvana Pestana Silvana Pestana silvana Silvana Pestana Silvana Pestana Silvana Pestana lvana Pestana Silvana Pestana Silvana Pestana s Silvana Pestana Silvana Pestana Silvana Pestana vana Pestana Silvana Pestana Silvana Pestana sil na Pestana Silvana Pestana Silvana Pestana silva Silvana Pestana Silvana Pestana Silvana Pestana Pestana Silvana Pestana Silvana Pestana silvana Silvana Pestana Silvana Pestana Silvana Pestana stana Silvana Pestana Silvana Pestana silvana pe lvana Pestana Silvana Pestana Silvana Pestana si

A través de un trabajo potente y estético, la artista pone en jaque imágenes de las reveladoras condiciones de la minería ilegal de la selva peruana frente a la sensibilidad del espectador, como un testigo que a partir de su obra observa las atrocidades que derivan en la explotación de menores, maltrato laboral y esclavitud. A través de la escultura y la fotografía, Silvana Pestana logra evidenciar situaciones que muchos preferirían no mirar, pero aun así provoca un testimonio de la gravedad de los tiempos contemporáneos que no pasa desapercibido; su trabajo refleja metafóricamente el bien y el mal, la lujuria y la obsesión desmesurada por poseer, la codicia, y la tensión que corroe una realidad que fluye en paralelo por el Amazonas. Through powerful and aesthetic work, the artist questions images of the revealing conditions corresponding to the illegal mining of the Peruvian jungle against the viewer’s awareness, like a witness who sees the atrocities that stem from the exploitation of minors, workplace abuse and slavery through art work. Through sculpture and photography, Silvana Pestana manages to show situations that many would prefer not to see. Still yet, she stirs up a testimony of the gravity of contemporary times that doesn’t go unnoticed; her work metaphorically reflects good and bad, luxury and excessive obsession with possessions, greed, and the tension that consumes a reality that simultaneously flows through the Amazon.

s.pestana@icloud.com

1967. Es egresada del Instituto de Diseño Toulouse Lautrec y ha realizado estudios complementarios en Parsons, Nueva York, y en RISD, Rhode Island. Ha profundizado tanto en las artes visuales como en el rubro publicitario; ha ejercido como Directora de Arte en la Agencia de Publicidad Plusynzki & Associated (NY), Directora de Arte del Departamento de Publicidad de Bergdorf Goodman (NY), y Ebel (Lima, Perú). En 2015 fue parte del colectivo Amazonismos en ArtLima; exponiendo Oro Negro restos de lo sagrado, en galería González y González, y en 2014 presentó su proyecto bipersonal Desarraigo con la artista Sonia Cunliffe, en el espacio cultural Coya en Londres, y en el C21 Museum; entre otras, considerando su presencia internacional en variadas ferias como ArtBO, Scope Miami, Untitled Miami, Art Toronto, Scope Basel, SP Foto Sao Paulo y ArtRio.

1967. She graduated from the Institute of Design Toulouse Lautrec and has studied complementary in Parsons, New York, and RISD, Rhode Island. She has deepened her focus in the visual arts and in the field of advertising; he served as Director of Art Advertising at the Plusynzki & Associated Agency (NY), Art Director Publicity Department of Bergdorf Goodman (NY), and Ebel (Lima, Peru). In 2015, she was part of the collective Amazonismos in ArtLima; Gold remains of Black sacred, González y González gallery, and in 2014 she introduced her two-person project Uprooting the artist Sonia Cunliffe in Coya cultural space in London, and in the C21 Museum; among others, considering her international presence in various fairs such as, ArtBO, Scope Miami, Scope Basel, SP Photo Sao Paulo and ArtRio.

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Pág. izq. "Oro negro 5" de la serie Oro negro-restos de lo sagrado, Políptico Madre de Dios 1, Madre de Dios 2, Madre de Dios 3, Madre de Dios 4,110 x 76 cm. Left. "Oro negro 5" from the series Oro negro-restos de lo sagrado, Polyptych Madre de Dios 1, Madre de Dios 2, Madre de Dios 3, Madre de Dios 4, 43.3 x 29.9 in. Pág. der. "Oro negro 4" de la serie Oro negro-restos de lo sagrado, Díptico Linda, niña bora 9, Linda, niña bora 10,110 cm x 76 cm. Right. "Oro negro 4" from the series Oro negro-restos de lo sagrado, Diptych Linda, niña bora 9, Linda, niña bora 10, 43.3 x 29.9 in.

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"Oro negro 8" de la serie Oro negro-restos de lo sagrado, instalación; niña Bora: escultura en resina 150 cm. de alto, cacao de bronce; troncos, esculturas en bronce, Fotografía impresa en madera intervenida con acrílico y pan de oro. "Oro negro 8" from the series Oro negro-restos de lo sagrado, installation; Bora girl: 59 in. tall resin sculpture, cocoa bronze; logs, sculptures in bronze, wood printed photograph intervened with acrylic and gold leaf.

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na de orbegoso ana de orbegoso ana de orbego e orbegoso ana de orbegoso ana de orbegoso a ana de orbegoso ana de orbegoso ana de orbego e orbegoso ana de orbegoso ana de orbegoso a rbegoso ana de orbegoso ana de orbegoso ana de orbegoso oso ana ana de orbegoso artista multidisciplinar 路 multidisciplinary artist na de orbegoso ana de orbegoso ana de orbego orbegoso ana de orbegoso ana de orbegoso ana o ana de orbegoso ana de orbegoso ana de orbe rbegoso ana de orbegoso ana de orbegoso ana na de orbegoso ana de orbegoso ana de orbego oso ana de orbegoso ana de orbegoso ana de ob rbegoso ana de orbegoso ana de orbegoso ana so ana de orbegoso ana de orbegoso ana de orbe begoso ana de orbegoso ana de orbegoso ana d o ana de orbegoso ana de orbegoso ana de orbe na de orbegoso ana de orbegoso ana de orbego begoso ana de orbegoso ana de orbegoso ana d e orbegoso ana de orbegoso ana de orbegoso a

Al considerar la cultura madre del arte, originaria de nuestras raíces, y un medio de trascendencia a lo largo del tiempo, Ana De Orbegoso -reconocida fotógrafa y videasta-, se dedica a explorar el proceso en el que se forma la identidad existencial e histórica en relación a herencias culturales. Así, a través de interdisciplinarios y versátiles proyectos, deconstruye imágenes provenientes de un pasado común, para posteriormente intervenir con elementos visuales -contemporáneos y populares- que consigan ser identificados por el espectador actual. Un método que supera las proyecciones estéticas y que permite reinterpretar y renovar tanto iconografías como sus significantes, al despertar una memoria dormida pero capaz de reconocer el trasfondo de una propuesta lúdica, original y, sobre todo, inclusiva. Upon considering culture the mother of art, originating from our roots, that has been an important means throughout time, Ana De Orbegoso –renowned photographer and video artist –has devoted herself to exploring the process in which the existential and historic identity is formed in relationship to cultural heritage. Through this, and through interdisciplinary and versatile projects, she deconstructs images that come from a common past to later intervene with visual elements -contemporary and popular- that manage to be identified by the actual viewer. It is a method that surpasses aesthetic effects and that allows you to reinterpret and update both the imagery and its meaning, upon awaking a sleeping memory, one that is able to recognize the undertone of a dreamlike original, and above all, inclusive proposal.

www.anadeorbegoso.com / anadeorbegoso@mac.com

1964. Tras estudiar un taller de Fotografía y Video en el International Center of Photography, ingresa a estudiar Cinematografía en New York University, más adelante Pintura en el Art Students’ League, y finalmente Restauración de Arte en Fine Art Decorating. Ha realizado múltiples exhibiciones individuales, dentro de las que se destacan Arte Donde Vallas - Vírgenes Urbanas (2015); The Invisible Wall (2014); y La Última Princesa Inca (2014). Respecto a sus muestras grupales, se encuentran Art After Dark (2015); A Common Thread (2015); y participaciones en ferias como Parc Lima (2015); y Lima Photo (2015); entre otras. Ha recibido un fellowship del New York Foundations for the Arts en Fotografía y un grant del National Association of Latino Arts & Culture, en el 2008, entre otros reconocimientos. Su trabajo se encuentra en múltiples colecciones como la del Museo de Fine Arts de Houston, Museo de Arte de San Marcos, y MALI Museo de Arte de Lima.

1964. After studying Photography and Video at the International Center of Photography, she studied Cinematography at New York University, Painting at the Art Students' League, and finally Restoration Art at Fine Art Decorating. She has made numerous individual exhibitions, in which are highlighted: Arte Donde Vallas – Urban Virgins (2015); The Invisible Wall (2014); and The Last Inca Princess (2014). Regarding her group exhibitions, they include: Art After Dark (2015); A Common Thread (2015); and fairs participation like Parc Lima (2015); Lima Photo (2015); among others. She has received a fellowship from the New York Foundation for the Arts in Photography and a grant from the National Association of Latino Arts & Culture in 2008, among other awards. Her work is part of many collections such as the Museum of Fine Arts, Houston; the Museo de Arte de San Marcos, and MALI Lima Art Museum.

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"Neo Iconografía"La #1",Virgen de la serie de lasY Aguas", qué hacemos de la serie con nuestra Vírgeneshistoria? Urbanas, , 2015, 2006,collage, fotografía, 58 x 132.8 43 cm.x 100 cm. Y qué from hacemos con nuestra historia? , 2015, collage, 22.8 x 16.9 in.x 39.37 in. "Neo Iconografía"The #1", from Virgen theofseries the water", the series Vírgenes Urbanas, 2006, photography, 52.3

"Neo Iconografía #2", de la serie Y qué hacemos con nuestra historia?, 2015, collage, 58 x 43 cm. "Neo Iconografía #2", from the series Y qué hacemos con nuestra historia?, 2015, collage, 22.8 x 16.9 in.

"Santa Rosa de Lima", de la serie Vírgenes Urbanas. 2006, fotografía, 100 x 120 cm. "Santa Rosa de Lima", from the series Vírgenes Urbanas. 2006, photography, 39.3 x 47.2 in.

"La Virgen inmaculada", de la serie Vírgenes Urbanas, 2006, fotografía, 150 x 102.7 cm. "The Immaculate virgin", from the series Vírgenes Urbanas, 2006, photography, 59.05 x 40.44 in.

La Última Princesa Inca, 2014, video arte. La Última Princesa Inca, 2014, video art.

a Ferrer Ivana Ferrer Ivana Ferrer Ivana Ferrer vana Ferrer Ivana Ferrer Ivana Ferrer Ivana Fer a Ferrer Ivana Ferrer Ivana Ferrer Ivana Ferrer vana Ferrer Ivana Ferrer Ivana Ferrer Ivana Fer na Ferrer Ivana Ferrer Ivana Ferrer Ivana Ferre rer Ivana Ferrer Ivana Ferrer Ivana Ferre pintura 路 painting Ferrer Ivana Ferrer Ivana Ferrer Ivana Ferrer rrer Ivana Ferrer Ivana Ferrer Ivana Ferrer ivan a Ferrer Ivana Ferrer Ivana Ferrer Ivana Ferrer r Ivana Ferrer Ivana Ferrer Ivana Ferrer Ivana F a Ferrer Ivana Ferrer Ivana Ferrer Ivana Ferrer r Ivana Ferrer Ivana Ferrer Ivana Ferrer Ivana F errer Ivana Ferrer Ivana Ferrer Ivana Ferrer iva ana Ferrer Ivana Ferrer Ivana Ferrer Ivana Ferr vana Ferrer Ivana Ferrer Ivana Ferrer Ivana Fer rrer Ivana Ferrer Ivana Ferrer Ivana Ferrer iva rer Ivana Ferrer Ivana Ferrer Ivana Ferrer ivana vana Ferrer Ivana Ferrer Ivana Ferrer Ivana Fer rrer Ivana Ferrer Ivana Ferrer Ivana Ferrer iva

F a r r

El transcurso del tiempo deja registros de vestigios anónimos; marcas que confirman su paso sobre la materia que, en una indiscutible vida útil, se enfrenta a una sentencia que se reconoce sobre texturas, como huellas, como memoria. Las obras de la artista plástica Ivana Ferrer, en primera instancia, podrían parecer abstractas. Muestran un acercamiento que explora las profundidades de imágenes figurativas, caracterizándose por la admiración hacia el detalle como si se tratara de nostálgicas piezas de un puzle coleccionable, cotidiano, e íntimo. Obras que conversan con el espectador y que proponen múltiples lecturas al dejarse interpretar desde la pintura, considerando lo particular y lo mínimo, tesoros memorables que guarda el tiempo. The course of time leaves records of anonymous remains; marks that confirm its passing on the material that, in an undeniable lifespan, challenges a precept that is recognized on textures, like remnants, like memories. The work of artist Ivana Ferrer, at first glance, may seem abstract. The pieces display an approach that explore the depths of figurative images and that are characterized by the admiration towards detail as if they were nostalgic pieces of a collectable, everyday life and intimate puzzle. They are pieces that speak to the viewer and that propose various interpretations, allowing themselves to be interpreted through the paint, while keeping in mind individuality and minimalism, unforgettable treasures that maintain time.

www.ivanaferrer.com / ivaferrer@gmail.com 1976. Egresa con medalla de oro de Artes Plásticas de la Escuela Superior de Arte Corriente Alterna, y continúa con talleres de fotografía en el Centro de la Imagen, Lima. Entre sus muestras individuales se encuentran texturasINSTANTES, Huellas/Umbrales y Antípodas, todas en Galería Lucía de la Puente (2011, 2013 y 2014 respectivamente), y Relicario, llevada a cabo en el Instituto Cultural Peruano Norteamericano (2014). Entre sus muestras colectivas, tanto en Perú como en el extranjero, destacan ComarArt, en Museo de la Nación (2014), Paradero, en Galeria Lucía de la Puente (2013); y RETROVANGUARDIA , en la II Bienal de Grabado ICPNA (2008). El 2001 recibe el Primer Premio categoría Análoga, y Mención Honrosa en Digital, del Premio Phillips de Arte para Jóvenes Talentos; el 2002, fue finalista del VI Concurso de Artes Plásticas de la Fundación Telefónica; y el 2005 finalista del VIII Concurso de Artes Visuales de la Embajada de Francia Pasaporte Para un Artista.

1976. She graduated in Visual Arts from the Escuela Superior de Arte Corriente Alterna with a gold medal, and continued with photography workshops at Centro de la Imagen, Lima. Among her individual works, texturasInstantes, Huellas/ Umbrales and Antípodas which are located in LucÌa de la Puente Gallery (respectively in 2011, 2013 y 2014), and her individual exhibitions are; Relicario, work carried out in the Instituto Cultural Peruano Norteamericano (2014). Among her group exhibitions, both in Peru and abroad are: ComasArt in the Museum of the Nation (2014); Paradero in Lucía de la Puente Gallery (2013); and RETROVANGUARDIA in the II Biennial of Engraving ICPNA (2008). In 2001 she received the first prize in analog, and honorable mention in the category of Philips Digital Art Award for young talent. In 2002 she was a finalist in the VI Contest of Plastic Arts of the Telefónica Foundation; in 2005 she was a finalist for the Visual Arts Contest VIII of the French Embassy, Passport for an artist.

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Pág. anterior. "Sin título", de la serie Relicario, 2014, óleo sobre lienzo, 40 x 60 cm. Previous page. "Untitled", from the series Relicario, 2014, oil on canvas, 15.7 x 23.6 in. "Sin título", de la serie Relicario, 2014, óleo sobre lienzo, 40 x 60 cm "Untitled", from the series Relicario, 2014, oil on canvas, 15.7 x 23.6 in..

"Sin t铆tulo", de la serie Relicario, 2014, 贸leo sobre lienzo, 33 x 50 cm. "Untitled", from the series Relicario, 2014, oil on canvas, 12.9 x 19.6 in.

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En sus casi quince años de trabajo como fotógrafa, Mafe García ha ido cambiando y evolucionando en cuanto a sus planteamientos estéticos, pero ha mantenido una línea temática de base: una constante reflexión sobre la información depositada y reconocible en los objetos, experiencias y sujetos; sobre cómo se administra y organiza a partir de distintas jerarquías y valores atribuidos; sobre el lugar que ocupa tanto física como mentalmente. En este sentido, aborda temáticas diferentes como la construcción de la memoria y la identidad, las relaciones humanas, los roles y el deber ser, pero siempre el entorno cercano y el objeto funcionan como elementos claves en su búsqueda, pues parecen repetirse en mayor o menor escala en cada uno de sus proyectos. In her near 15 years as a photographer, Mafe García has gradually changed and evolved in terms of her aesthetic proposals. However, she has stuck with an underlying theme: an ongoing reflection on records of information found in objects, experiences or thoughts. She works with this based on how they are stored in certain hierarchies, orders or organizations; and based on where they are stored, in both physical and emotional aspects. In this sense, she tackles different issues like the construction of memory and identity, human relationships, roles and what ought to be, but her nearby environment and the object always work as key elements in her search, since they seem to be repeated on a large or small scale in each one of her projects.

www.mafegarcia-fotografa.com / garcia.mafe@gmail.com 1976. Tras graduarse como Comunicadora Social en la Universidad de Lima y llevar cursos en el Centro de la Imagen, estudia Fotografía en La Escola de Fotografia GRISART en Barcelona, España. Desde entonces, se ha dedicado a la fotografía a través de la docencia y de su producción de obra. Dentro de las más recientes individuales destaca Brevario del ser y estar, en Galería Forum (Perú, 2014); y Lazos de Familia, en Centro de la Imagen (Perú, 2013). En tanto a las muestras grupales, se encuentran Obra reciente, y Paisajes intermedios, ambas en Carlos Caamaño Proyecto Fotográfico (Perú, 2015 y 2014 respectivamente); Arte Laguna, en Arsenal de Venecia (Italia, 2014); Grand Prix de la Decouverté, en donde obtuvo el primer puesto en la categoría Retrato (Francia, 2013); y Portraits, en Center for Fine Art Photography (Estados Unidos, 2013), en donde obtuvo mención honrosa; por nombrar algunas. Además, ha participado en distintas Ferias internacionales, como Positions, en Berlín; Lima Photo; Festival Internacional de Fotografía DALI, en China; y PhotoBasel, en Suiza, entre varias más.

1976. After graduating as a Social Communicator from the University of Lima and courses in the Centro de la Imagen, he studied photography at the School of Photography GRISART in Barcelona, Spain. Since then, he has devoted himself to photography through his production his teaching and production work. Among the most recent individual expositions are in breviary ser y estar in the Gallery Forum (Peru, 2014); and Lazos de Family Centre Image (Peru, 2013). In both groups are recent works, and intermediate Landscapes, ambasen Carlos Caamaño Photography Project (Peru, 2015 and 2014 respectively); Arte Laguna in Arsenal of Venice (Italy, 2014); Grand Prix de la Decouverte, where he won first place in the Portrait category (France, 2013); Portraits and in Fine Art Center for Photography (US, 2013), where he earned honorable mention, to name a few. In addition, he has participated in various international fairs, such as Positions, in Berlin; Lima Photo; DALI International Photography Festival in China; and PhotoBasel in Switzerland, among several others.

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PĂĄg anterior. Contenedores y Detonadores, Lado B, 2015, fotografĂa digital y escaneado sobre papel Baryta Hahnemuhle, pieza completa 200x 170 cm. Previous page. Contenedores y Detonadores, Lado B, 2015, digital photography and scanned paper Baryta Hahnemuhle, pieza completa 78.7 x 67 in. Contenedores y Detonadores, Lado B (detalle), 2015, fotografĂa digital y escaneado sobre papel Baryta Hahnemuhle, pieza completa 200x 170 cm. Contenedores y Detonadores, Lado B (detail), 2015, digital photography and scan paper, Baryta Hahnemuhle, complete piece 78.7 x 67 in.

Lazos de Familia, S/T, 2013, fotografĂa digital en papel Baryta Hahnemuhle, 70 x 70 cm. C/U Lazos de Familia, S/T, 2013, digital photography on Baryta Hahnemuhle paper, 27.5 x 27.5 in. each one.

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ana D'Angelo Giuliana D'Angelo Giuliana D'Angelo Giuliana D'Angelo Giuliana D'Angelo Giuliana D'Ang ana D'Angelo Giuliana D'Angelo Giuliana D'Angelo na D'Angelo Giuliana D'Angelo Giuliana D'Angelo g Giuliana D'Angelo Giuliana D'Angelo Giuliana D'Ang elo Giuliana D'Angelo Giuliana D'Angelo dibujo 路 drawing Giuliana D'Angelo Giuliana D'Angelo Giuliana D'Ang a D'Angelo Giuliana D'Angelo Giuliana D'Anggelo g ana D'Angelo Giuliana D'Angelo Giuliana D'Angelo Angelo Giuliana D'Angelo Giuliana D'Anggelo giuli Giuliana D'Angelo Giuliana D'Angelo Giuliana D'Ang elo Giuliana D'Angelo Giuliana D'Anggelo giuliana Giuliana D'Angelo Giuliana D'Angelo Giuliana D'Ang elo Giuliana D'Angelo Giuliana D'Angelo giuliana d gelo Giuliana D'Angelo Giuliana D'Angelo giuliana Giuliana D'Angelo Giuliana D'Angelo Giuliana D'Ang gelo Giuliana D'Angelo Giuliana D'Angelo giuliana uliana D'Angelo Giuliana D'Angelo Giuliana D'Angg Giuliana D'Angelo Giuliana D'Angelo Giuliana D'Ang

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A través de un proceso silencioso y elegante, la artista Giuliana D’Angelo encuentra verdadera inspiración en la naturaleza. La pelvis, la rodilla, el lomo de un caballo o las arrugas de la cara de un elefante, son expuestas de tal manera que logran ser obras de arte en sí mismas. Cada pieza descubre una belleza que desborda armonía. Sin sobrestimular al espectador con atributos despampanantes, logra con precisión y sutileza un momento de silencio y contemplación. Uno que devela la verdadera esencia de cada ser por medio de la autenticidad pura y pulcra que habita en cada especie viva. Through a silent and elegant process, the artist Giuliana D'Angelo finds true inspiration in nature. The pelvis, the knee, the back of a horse or the wrinkles on the face of an elephant are shown in such a way that they become works of art in themselves. Each piece describes a kind of beauty that radiates harmony. Without overwhelming the viewer with stunning features, she achieves a moment of silence and contemplation through precision and subtlety. A moment that reveals the true essence of each being through the pure and meticulous authenticity that resides in each living species.

gdangeloc@gmail.com

1983. Tras estudiar Ciencias de la Comunicación en la Universidad de Lima, ingresa a la carrera de Bellas Artes en el Instituto Lorenzo de Medici, en Florencia, Italia. Desde entonces ha exhibido colectivamente, destacándose por la serie El Silencio de lo que Es, en Casacor (2014). Parte de su obra se encuentran actualmente en la Galería Vértice.

1983. After she studied Communication Science at the University of Lima, she started a Fine Arts career at the Instituto Lorenzo de Medici in Florence. Since then, she has exhibited collectively, highlighted by El Silencio de lo que Es, in Casacor (2014) series. Part of her work is currently found at the Vértice Gallery.

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Sonido de amanecer, un petirrojo enciende mi coraz贸n, tinta china sobre papel, 100 x 70 cm. Sonido de amanecer, un petirrojo enciende mi coraz贸n, ink on paper, 39.3 x 27.55 in.

El problema especulativo, tinta china sobre papel, 100 x 70 cm. El problema especulativo, ink on paper, 39.3 x 27.5 in.

La visita, tinta china sobre papel, 200 x 70 cm. La visita, ink on paper, 78.7 x 27.5 in.

Y el alma como paloma, tinta china sobre papel, 100 x 70 cm. Y el alma como paloma, ink on paper, 39.3 x 27.5 in..

na pollarolo Gianna pollarolo Gianna pollarolo Gianna pollarolo Gianna pollarolo Gianna pollar na pollarolo Gianna pollarolo Gianna pollarolo ollarolo Gianna pollarolo Gianna pollarolo Gian Gianna pollarolo Gianna pollarolo Gianna pollar olo Gianna pollarolo Gianna pollarol pintura 路 painting Gianna pollarolo Gianna pollarolo Gianna pollar ollarolo Gianna pollarolo Gianna pollarolo Gian na pollarolo Gianna pollarolo Gianna pollarolo arolo Gianna pollarolo Gianna pollarolo Gianna Gianna pollarolo Gianna pollarolo Gianna pollar ollarolo Gianna pollarolo Gianna pollarolo Gian na pollarolo Gianna pollarolo Gianna pollarolo o Gianna pollarolo Gianna pollarolo Gianna poll na pollarolo Gianna pollarolo Gianna pollarolo Gianna pollarolo Gianna pollarolo Gianna pollar na pollarolo Gianna pollarolo Gianna pollarolo arolo Gianna pollarolo Gianna pollarolo Gianna Gianna pollarolo Gianna pollarolo Gianna pollar

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Estimulada por las capacidades de nuevos lentes tecnológicos que generan y captan imágenes imperceptibles ante el ojo humano, Gianna Pollarolo se enfrenta -y encuentra- con desconocidas dimensiones científicas; conocimientos inéditos, atisbados sólo en partes, pero revolucionarios en cuanto a los paradigmas actuales del pensamiento. Aquellos campos indocumentados, abiertos a ser explorados, le brindan a la artista nuevos tópicos visuales, los cuales estudia y utiliza para relacionarlos desde planos geométricos con el espacio, el tiempo y, sobre todo, con las artes visuales, componiendo así obras con una estética diferente. Una obra que parece abstracta en una primera mirada, pero que en realidad es resultado de una gráfica y del uso de herramientas científicas entrecruzadas con su imaginario. Driven by the capabilities of new technological lenses that create and capture images imperceptible to the human eye, Gianna Pollarolo takes on and finds unknown scientific dimensions; unknown knowledge only seen in pieces, but that is revolutionary in regards to current paradigms of thinking. Those undocumented fields, which are open to be explored, provide the artist with new visual subjects, which she studies and uses to connect them to space, time and above all, visual arts through geometric planes. Through this she creates pieces with a different aesthetic style. It is work that seems abstract at first glance, but that is really the result of graphics and the use of scientific tools intertwined with her imagination.

pollarologianna@gmail.com / gpollarolo@hotmail.com

1972. Es egresada de Artes Plásticas con especialización en Pintura, de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Finalista del X Concurso Nacional de Artistas Jóvenes. Ha participado en la VIII Bienal Internacional Print & Drawing, Taipei Fine Arts Museums, en Taiwán, y a lo largo de su carrera ha realizado diversas exposiciones individuales -tanto en Perú como en el extranjero-, además de un listado de muestras colectivas. Su trabajo también ha sido exhibido en ferias como Art Cartagena; Art Lima; PARC; FIA (Feria Iberoamericana de Arte); Art Miami; y ARCO, en Madrid, España, entre otras.

1972. She is a graduate of Visual Arts with a specialization in Painting at the Pontifical Catholic University of Peru. She was finalist in the X Concurso Nacional de Artistas Jóvenes. She has participated in the VIII International Biennial Print & Drawing, Taipei Fine Arts Museums in Taiwan, and throughout her career she has made several individual exhibitions, both in Peru and abroad, and also a list of group exhibitions. Her work has also been exhibited at fairs such as Art Cartagena; Art Lima; PARC; FIA (Iberoamerican Art Fair); Art Miami; and ARCO in Madrid, Spain, among others.

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Relatividad I, 2014, pintura sobre tela con aplicaci贸n de grabado en placa de metaloid , 100 x 100 cm. Fotograf铆a: Daniel Benaim. Relatividad I, 2014, paint on canvas with engraving application on metaloids plates, 39.3 x 39.3 in. Photography: Daniel Benaim.

H2O, 2015, instalacion lumínica de moléculas de agua sobre cama de carbón vegetal, 45 x 45 x 12 cm. Fotografía: Daniel Benaim H2O, 2015, light installation of water molecules on charcoal, 17.7 x 17.7 x 4.7 in. Photography: Daniel Benaim

Hole I, 2014, pintura sobre tela ,con aplicación de grabado en placa de metaloid, díptico de 150 x 150 cm. cada uno. Fotografía: Jacques Custer. Hole I, 2014, paint on canvas with engraving application on metaloids plates, diptych 59 x 59 in. each one. Photography: Jacques Custer.

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tino Sibadon Valentino Sibadon Valentino Sibadon lentino Sibadon Valentino Sibadon Valentino siba n Valentino Sibadon Valentino Sibadon Valentino ntino Sibadon Valentino Sibadon Valentino sibad alentino Sibadon Valentino Sibadon Valentino sib don Valentino Sibadon Sibadon Valentin artista multidisciplinar 路 multidisciplinary artist entino Sibadon Valentino Sibadon Valentino sib Valentino Sibadon Valentino Sibadon Valentino s lentino Sibadon Valentino Sibadon Valentino siba Valentino Sibadon Valentino Sibadon Valentino Valentino Sibadon Valentino Sibadon Valentino si Valentino Sibadon Valentino Sibadon Valentino alentino Sibadon Valentino Sibadon Valentino sib alentino Sibadon Valentino Sibadon Valentino sib Valentino Sibadon Valentino Sibadon Valentino entino Sibadon Valentino Sibadon Valentino sib Sibadon Valentino Sibadon Valentino sibadon va Valentino Sibadon Valentino Sibadon Valentino s n Valentino Sibadon Valentino Sibadon Valentino

Desde que Valentino Sibadon ha captado el arte como un campo de procesos mecánicos e instintivos en paralelo, ha quedado fascinado por estudiar diversas disciplinas. Especialmente se ha volcado a la exploración de la pintura y su interacción con superficies y espacios, realizando intervenciones en exteriores abandonados, espacios públicos e interiores. Sus influencias del graffiti aportan el potencial del espacio, y la dimensión temporal se suma cuando entrega recorridos visuales por medio de sus obras. Sibadon interpreta la vertiente abstracta de cortes geométricos y capas de colores, y a su vez, intenta dilucidar sus composiciones desde la sutileza atmosférica y orgánica. Esto, con la convicción de encontrar un balance armonioso en cuanto a colores, formas y, sobre todo, con el entorno. Ever since Valentino Sibadon has captured art as a field of mechanical and instinctive processes, he has been fascinated by studying different disciplines. He has especially focused on exploring painting and its interaction with surfaces and spaces by carrying out interventions in abandoned outdoor spaces, public spaces and interior spaces. His influences from graffiti provide a space’s potential and a temporal dimension is added when he takes us on visual journeys through his pieces. Sibadon interprets the abstract aspect of geometric cuts and layers of color, and in turn, he tries to explain his compositions through organic and atmospheric subtlety. He does this with the conviction of finding a harmonious balance in terms of color, shape, and above all, with the environment.

www.valentinosibadon.com / valentino.sibadon@gmail.com 1984. Estudió Pintura en la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú y desarrolló una serie de cursos, talleres y residencias en el extranjero. Entre sus exposiciones individuales se encuentran: Regalo de Joyas (Kiosko Galería, Bolivia, 2014); Año Nuevo en Etiopía (Galería Lucía de la Puente, Perú, 2013); Valentino Sibadon @ P.E.1 (Testino-Testino Artlab, Perú, 2012); y Adaptación (Galería Morbo, Perú, 2012). Ha participado en ferias como ArteBa (2015), PARC (2015), Art Lima (2014), y ha desarrollado varias muestras colectivas, entre las más recientes: Vejiga de Pez – Vol. 4 – Proyecto Laguna (MAC Lima, Perú, 2016); ICH BIN LATINER (Neurotitan, Alemania, 2015); y Señalamientos (Galería Lucía de la Puente, Perú, 2015). Fue finalista de 13 Salón Nacional de Pintura ICPNA”(2015), y del Concurso Pasaporte Para un Artista (2012); obtuvo el Segundo Lugar en La Pinta de Lima, de la Municipalidad Metropolitana de Lima & EMAPE (2012); y ganó el Tercer Lugar en el Concurso Golden Graffiti Profundidad (2011).

1984. He studied Painting at the National Superior School of Fine Arts in Peru and he took a series of courses, workshops and abroad residences. Among his individual exhibitions include: Regalo de Joyas (KioskGallery, Bolivia, 2014); Año Nuevo en Etiopía (Lucia dela Puente Gallery, Peru, 2013); Valentino Sibadon @ PE1 (Testino Testino-Artlab, Peru, 2012); and Adaptación (Gallería Morbo, Peru, 2012). He has participated in fairs such as ArteBa (2015), PARC (2015), Art Lima(2014), and he has developed several group exhibitions, among the most recent: Vejiga de Pez - Vol 4 – Proyecto Laguna (MAC Lima, Peru, 2015); ICH BIN LATINER (Neurotitan, Germany, 2016); and Señalamientos (Lucia de la Puente Gallery, Peru, 2015). He was a finalist of "13ICPNA National Painting" (2015), and Pasaporte Paraun Artista Competition (2012); He won second place in "La Pinta de Lima", from the Metropolitan Municipality of Lima & EMAPE (2012); and he won third place in the Contest Golden Graffiti "Profundidad" (2011).

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Espectro turquesa, 2013, spray sobre lienzo, 150 x 150 cm. Espectro turquesa, 2013, spray on canvas, 59 x 59 in.

Calor submarino, 2014, spray sobre lienzo, 150x150cm Calor submarino, 2014, spray on canvas, 59 x 59 in.

Interior, 2012, satinado sobre pared, piso y techo, 350 x 2000 x 6000 cm. Interior, 2012, skated wall, floor and ceiling, 137.7 x 787.4 x 2362 in.

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Akira chinen

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Dibujo y pintura se unen para crear los personajes que Akira Chinen dispone cuidadosamente en el plano. Silenciosos, solitarios y algo melancólicos, demuestran la verdad contenida en sus miradas, y a través de ésta nos develan su interior. Son figuras construidas en grafito; delgadas líneas que recorren la tela cual fibras de una entramada composición. Atrás, el vacío y el color en estado puro complementan el encuadre, en un diálogo constante entre la materialidad del lápiz y del pincel. El artista ha decidido explorar al ser humano como infinita fuente de expresión e inspiración, volcando su energía creativa a construir un lenguaje que toma elementos del cine, de la fotografía y de la vida misma, pero que a su vez tiene un sello indisolublemente propio. Drawing and painting are brought together to create characters that Akira Chinen carefully places in the background. Silent, alone and somewhat melancholic, they show the truth contained in their gazes and through this they reveal their inner being to us. They are figures made in graphite; thin lines that span the canvas are the fibers of an intricate composition. In the background, the empty space and pure colors complement the composition, in a constant dialogue between the materiality of the pencil and the paintbrush. The artist has decided to explore the human being as an infinite source of expression and inspiration, expressing his creative energy to construct a language that takes elements from film, photography and life itself, but that in turn, is undeniably unique.

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www.akirachinen.com /akira.chinen@gmail.com

1982. Egresado con medalla de oro en la especialidad de dibujo de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú, donde obtuvo la especialidad de Dibujo y Pintura. Posteriormente estudia un Bachillerato Complementario en Arte en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos y un Programa de Licenciatura en Educación en la Facultad de Teología Pontificia y Civil de Lima. Entre sus muestras individuales destacan Intersticios, Espacio y Forma, Lorem Ipsum y Nuevos Extraños Sobre el Plano, todas llevadas a cabo en Lima. Ha participado en una serie de exposiciones colectivas en Perú, Estados Unidos, España y Alemania. Entre sus reconocimientos se encuentra el haber sido finalista en el III Concurso de Arte Joven en Miraflores 2005 y el II Concurso Nacional de Pintura del Banco Central de Reserva del Perú, 2010. Su obra forma parte de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú, Alianza Francesa de Lima y Museo de las Américas de Miami, entre otras.

1982. He is a graduate with a gold medal in Drawing Specialty at the National Superior Autonomous School of Fine Arts in Peru, where he obtained the Specialty of Drawing and Painting. Later, he studied a Complementary Bachelor of Arts at the Universidad Nacional Mayor de San Marcos and a Bachelor degree of Education Program in the Facultad de Teología Pontificia y Civil in Lima. Among some of his highlighted individual exhibitions are Intersticios, Espacio y Forma, Lorem Ipsum and Nuevos Extraños Sobre el Plano, all works performed in Lima. He has participated in a number of group exhibitions in Peru, the United States, Spain and Germany. Among his awards were: finalist in the III Arte Joven Contest in Miraflores 2005, and the Miraflores Second National Painting Contest of the Central Reserve Bank of Peru in 2010. His work is part of the National Superior Autonomous School of Fine Arts in Peru, Alianza Francesa de Lima and the Museum of the Americas, Miami, among others.

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Pág. anterior. Al otro lado del hilo rojo, 2015, técnica mixta sobre tela, díptico, lienzos de 30 x 26 cm. cada uno. Previous page. Al otro lado del hilo rojo, 2015, mixed media on canvas, diptych, canvases 11.8 x 10.2 in. each one. El mito del fuego (Hombre disfrutando un cigarro), 2014,técnica mixta sobre tela,160 x 100 cm. El mito del fuego (Hombre disfrutando un cigarro), 2014, mixed media on canvas, 39.3 x 62.9 in.

El mito del fuego (Louise Brooks fumando a través de una boquilla), 2014, técnica mixta sobre tela, 100 x 160 cm. El mito del fuego (Louise Brooks fumando a través de una boquilla), 2014, mixed media on canvas, 39.3 x 62.9 in.

Mateo Liébana Mateo Liébana Mateo Liébana Mateo Mateo Liébana Mateo Liébana Mateo Liébana Mateo eo Liébana Mateo Liébana Mateo Liébana Mateo Liéb Liébana Mateo Liébana Mateo Liébana Mateo Liéban ateo Liébana Mateo Liébana Mateo Liébana Mateo li anaMateo Liébana Liébana Mateo Liébana pintura · painting Mateo Liébana Mateo Liébana Mateo Liébana Mateo ana mateo Liébana Mateo Liébana Mateo Liébana Ma teo Liébana Mateo Liébana Mateo Liébana Mateo lié Mateo Liébana Mateo Liébana Mateo Liébana Mateo ateo Liébana Mateo Liébana Mateo Liébana Mateo l Mateo Liébana Mateo Liébana Mateo Liébana Mateo teo Liébana Mateo Liébana Mateo Liébana Mateo lié ateo Liébana Mateo Liébana Mateo Liébana Mateo li Mateo Liébana Mateo Liébana Mateo Liébana Mateo eo Liébana Mateo Liébana Mateo Liébana Mateo Lié Mateo Liébana Mateo Liébana Mateo Liébana Mateo bana Mateo Liébana Mateo Liébana Mateo Liébana m ateo Liébana Mateo Liébana Mateo Liébana Mateo li

o o b n i a o a é o l o é i o é o m li

Ante una nostalgia por pintorescas tradiciones callejeras, de barrio, de bares; el arquitecto y artista Mateo Liébana trabaja personajes que no terminan por concluirse, situados en caóticas fiestas que tampoco definen sus límites. Sus trazos son figurativos, expresivos; nacen de su imaginación, de sueños y pesadillas. Los traslada al lienzo para plasmar la esencia de aquellos submundos atiborrados de locura que, más que ser habitados por humanos, son emociones humanificadas, casi demonios desbordados y sórdidos; figuras que intencionadamente deja sin terminar para invitar al espectador a completar sus esbozos. Su trabajo pretende hacer parte al espectador, ya que Liébana finalmente se desprende para dejar volar la mente de otro. In face of nostalgia for quaint traditions from the street, neighborhood, and bars, architect and artist Mateo Liébana works with characters that are unfinished and placed in chaotic parties that also have undefined limits. His brushstrokes are figurative and expressive; they emerge from his imagination, dreams and nightmares. He puts them on canvass to show the essence of those jam-packed mad underworlds that, apart from being inhabited by humans, are humanized emotions, almost like overwhelmed and sordid demons, figures that are intentionally unfinished to invite the viewer to complete their outlines. His work tries to be part of the viewer, since Liébana ultimately detaches himself to let someone elseís mind soar.

liebanamateo@gmail.com

1974. Arquitecto de la Universidad Ricardo Palma de Lima, y pintor de vocación tras haber incursionado con dos grandes murales que le encargaron para el Hotel Westin. Desde entonces, se ha inmerso en el mundo de la plástica; ha realizado cursos de dibujo anatómico en la Escuela Superior de Arte Corriente Alterna, y tiene reconocidas obras en dos hoteles limeños; el Westin, y el hotel Park Plaza, en donde trabaja un estilo de arte en vivo a vista del público. Ahí, los comensales del restaurante pueden ver la evolución de sus obras in situ. Actualmente, su obra se encuentra en la colección de Alfredo Barreda y en la colección personal del cantante Joaquín Sabina.

1974. Architect from the Universidad Ricardo Palma of Lima and painter by vocation after his incursion with two large murals that where ordered by Westin Hotel. Since then, he has been immersed in the world of plastic; He has taken courses in anatomical drawing at the Superior School of Fine Arts Corriente Alterna, and he has recognized works in two Lima hotels; Westin, and the Park Plaza hotel, where he did a live style of art works in the spotlight. There, the restaurant diners could see the evolution of his works in situ. Currently, his work is in the collection of Alfredo Barreda and in the personal collection of the singer Joaquin Sabina.

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Pág. izq. La cuenta por favor, acrílico sobre lienzo, 70 x 90 cm. Fotografía: Santiago Barco Left. La cuenta por favor, acrilyc on canvas, 27.5 x 35.4 in. Photography: Santiago Barco. Pág. der. No fui yo, acrílico sobre lienzo, 90 x 140 cm. Fotografía: Santiago Barco Right. No fui yo, acrílico sobre lienzo, 35.4 x 55 in. Photography: Santiago Barco.

Pág. izq. Escapando de la tentación, acrílico sobre lienzo, 100 x 100 cm. Fotografía: Santiago Barco Left. Escapando de la tentación, acrilyc on canvas, 39.3 x 39.3 in. Photography: Santiago Barco. Página der. Rey del mundo al menos por una noche, acrílico sobre lienzo, 120 x 155 cm. Fotografía: Santiago Barco Right. Rey del mundo al menos por una noche, acrilyc on canvas, 47.2 x 61 in. Photography: Santiago Barco.

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e v a v r o v i o v e v o e o

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A través de la escultura, el video y la fotografía, Verónica Wiese se ha adentrado en la exploración de la corporalidad y los conceptos asociados a ésta. La vida y la muerte, el envejecimiento, la generación de nueva vida, la relación cuerpo-objeto y cuerpo-máquina son algunos de los tópicos que la artista investiga, confrontándolos con el uso de la tecnología y de cómo ésta puede trasformar la construcción de nuestro propio cuerpo. Con una mirada aguda y crítica, plantea reflexiones que, desde la multiplicidad de disciplinas, recrean espacios con experiencias visuales y sonoras integradas, en una búsqueda relacionada con la instalación y la atmósfera en que éstas insertan al espectador. La universalidad de los temas que trata cuestiona directamente a quien se enfrenta a su trabajo, generando experiencias intensas sobre planteamientos inherentes a la vida misma. Through sculpture, video and photography, Verónica Wiese has delved deep into the exploration of corporeality and the concepts associated to it. Life and death, aging, the creation of new life, body-object and body-machine relationships are some of the topics that the artist looks into, confronting them with the use of technology and how it can transform the construction of our own body. With an observant and critical eye, she poses thoughts that, through a wide variety of disciplines, recreates spaces with integrated sound and visual experiences in a quest related to installation and the atmosphere that these place the viewer in. The universality of the subject matter that tries to directly question whoever comes face to face with her work, creates intense experiences regarding proposals inherent to life itself.

www.veronicawiese.com / veronica.wiese@terra.com.pe 1973. Estudió Comunicación Audiovisual en el Instituto Peruano de Publicidad y Fotografía en el Instituto Antonio Gaudí, Lima, y Escultura en el Art Students League de Nueva York. Sus exposiciones individuales incluyen Biotipos, llevada a cabo en el Museo de la Nación (Lima) y el Centro Cultural Matucana 100 (Santiago, Chile); Microfusión, en la Galería El Ojo Ajeno (Lima) y la Galería Animal (Santiago, Chile); Con Pecado Concebido, también en la Galería El Ojo Ajeno y XClu-Eternity en el Museo de Arte Contemporáneo de Lima. En el 2015, fue artista invitada en la Bienal de la Habana y la Bienal de Cape Town. En 2014, participó de la sexta edición de la Bienal Internacional de Fotografía Grid en Ámsterdam. Ha participado en la Bienal de Fotografía de Lima en 2008 y 2012. Su obra se encuentra en la colección del Amsterdam Photo Foundation, en el MAC de Lima y en colecciones privadas de Perú, Costa Rica, Colombia, Estados Unidos y Europa.

1973. She studied Audiovisual Communication at the Peruvian Institute of Advertising, and Photography at the Antonio Gaudi, Lima, and Sculpture at the Art Students League of New York Institute. Her individual exhibitions include Biotipos, held at the Museum of the Nation (Lima) and the Centro Cultural Matucana 100(Santiago, Chile); Microfusión, in Galería El Ojo Ajeno (Lima) and the Galería Animal (Santiago, Chile); Con Pecado Concebido, also in Galería El Ojo Ajeno and XClu-Eternity in the Museo de Arte Contemporáneo in Lima. In 2015, she was artist guest at the Havana Biennial and the Biennial of Cape Town. In 2014, she participated in the sixth edition of the International Biennial of Photography Grid in Amsterdam. She has participated in the Photography Biennial of Lima in 2008 and 2012. Her work is in the Amsterdam Photo Foundation’s collection, the MAC of Lima and in private collections in Peru, Costa Rica, Colombia, United States and Europe.

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"Stills" de la serie Nadie viene, Bienal de La Habana 2015. "Stills" from the series Nadie viene, Havana Biennial 2015.

Still del video Xclu-eternity, Bienal de la Habana, 2015 Still video Xclu-eternity, Havana Biennial, 2015

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Paola Baertl Paola Baertl Paola Baertl Paola B Paola Baertl Paola Baertl Paola Baertl Paola B Baertl Paola Baertl Paola Baertl Paola Baertl Paola Baertl Paola Baertl Paola Baertl Paola rtl Paola Baertl Paola Baertl Paola Bae Baertl uru artista Paola Baertl Paola Baertl Paola Bae multidisciplinar 路 multidisciplinary artist Paola Baertl Paola Baertl Paola Baertl Paola B aola Baertl Paola Baertl Paola Baertl Paola Ba la Baertl Paola Baertl Paola Baertl Paola Baer Baertl Paola Baertl Paola Baertl Paola Baertl aola Baertl Paola Baertl Paola Baertl Paola Ba Baertl Paola Baertl Paola Baertl Paola Baertl la Baertl Paola Baertl Paola Baertl Paola Baer aola Baertl Paola Baertl Paola Baertl Paola Ba Paola Baertl Paola Baertl Paola Baertl Paola B Baertl Paola Baertl Paola Baertl Paola Baertl Paola Baertl Paola Baertl Paola Baertl Paola B Baertl Paola Baertl Paola Baertl Paola Baertl ola Baertl Paola Baertl Paola Baertl Paola Bal

Como un entramado profundo, sensible y personal, Paola Baertl compone sus obras para hablar de su propia historia como si se tratara de un delicado tejido que, nudo a nudo, enlaza su vida. Lo hace a partir de constantes observaciones de su entorno, especialmente de aquellos temas cotidianos y domésticos que la afectan desde la nostalgia, como recuerdos acumulados y amados o preguntas sin respuestas que se albergan en su ser, atesoradas en su memoria, y que finalmente llegan a definirla. En sus lienzos se encuentra un predominio de composiciones lineales que funcionan como parte de su recorrido, junto a colores y matices que, tal como las emociones, logran crear un mundo inventado, una historia encarrilada, una íntima realidad. Like a profound, deep and personal web, Paola Baertl creates her work in order to speak about her own past as if it were a delicate weave that, stitch by stitch, connects her life. She does this based on her constant observations of her surroundings, especially those daily and domestic issues that affect her through nostalgia, such as accumulated memories and loved ones or unanswered questions that are contained within her being, amassed in her memory, and that end up defining her. Her canvases are predominately linear compositions that serve as part of her journey, along with colors and hues that, just like emotions, manage to create a made-up world, a guided story, an intimate reality.

www.paolabaertl.com / pbaertl@hotmail.com

1975. Tras estudiar Arte con especialidad en Pintura en la Pontificia Universidad Católica del Perú, la artista se ha dedicado a perfeccionar sus habilidades; tomó talleres en la Escuela de Arte Corriente Alterna, y otros como el de Fotografía y Pintura que realizó en Pont Aven School of Art en Francia. Actualmente se dedica también a la cerámica en el Taller Escuela de Cerámica Sonia Céspedes Rossel. Ha realizado dos exposiciones individuales: Germinar (2007), e Infinita Trama (2013); y su obra ha formado parte de numerosas exhibiciones colectivas, como en Art Panamá y Art Santa Fe en Nuevo México. Obtuvo el premio Adolfo Winternitz y ha sido finalista en el Concurso Arte Joven y también en el Concurso Arte en Libertad. Actualmente se pueden encontrar sus obras en colecciones privadas, así como en la colección de Luciano Benetton.

1975. After studying Art with a Specialization in Painting from the Pontifical Catholic University in Peru, the artist has been dedicated to perfecting her skills; she took workshops at the School of Art Corriente Alterna, and she realized other workshops such as photography and painting at the Pont Aven School of Art in France. Currently she is also dedicated to ceramics at the Taller Escuela de Cerámica Sonia Céspedes Rossel. She has done two individual exhibitions: Germinar (2007), and Infinita Trama (2013); and her work has been part of numerous group exhibitions, such as Panama Art and Art Santa Fe in New Mexico. She won the Adolfo Winternitz prize and she has been a finalist in the Arte Joven and Arte en Libertad contests. Currently you can find her works in private collections as well as in the collection of Luciano Benetton.

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Sin Título, 2015, óleo sobre lienzo, 130 x 130 cm. Fotografía: Gabriela Avendaño. Untitled, 2015, oil on canvas, 51,1 x 51,1 in. Photography: Gabriela Avendaño.

Sin Título, 2014, óleo sobre lienzo, 160 x 160 cm. Fotografía: Gabriela Avendaño Untitled, 2014, oil on canvas, 62,9 x 62,9 in. Photography: Gabriela Avendaño

Sin Título, 2014, óleo sobre lienzo, díptico,100 x 200 cm. Fotografía: Gabriela Avendaño Untitled, 2014, oil on canvas, diptych, 39,3 x 78,7 in. Photography: Gabriela Avendaño

Cadenas, 2015, porcelana,45 x 31 cm. Fotografía: Gabriela Avendaño Cadenas, 2015, porcelain, 17.7 x 12.2 in. Photography: Gabriela Avendaño

avier Bravo de rueda Javier Bravo de rueda jav er Bravo de rueda Javier Bravo de rueda javier r Bravo de rueda Javier Bravo de rueda Javier B er Bravo de rueda Javier Bravo de rueda javier vo de rueda Javier Bravo de rueda javier Bravo eda Javier Bravo de rueda javier Bra pintura 路 painting avo de rueda Javier Bravo de rueda javier Brav e rueda Javier Bravo de rueda javier Bravo de r eda Javier Bravo de rueda javier Bravo de rued avier Bravo de rueda Javier Bravo de rueda jav er Bravo de rueda Javier Bravo de rueda javier rueda Javier Bravo de rueda javier Bravo de ru avo de rueda Javier Bravo de rueda javier Brav avier Bravo de rueda Javier Bravo de rueda jav ueda Javier Bravo de rueda javier Bravo de rue avier Bravo de rueda Javier Bravo de rueda Jav r Bravo de rueda Javier Bravo de rueda Javier B er Bravo de rueda Javier Bravo de rueda javier eda Javier Bravo de rueda javier Bravo de rued

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En un interesante limbo ubicado entre la investigación material plástica y la formal temática, el artista Javier Bravo de Rueda realiza obras no figurativas que tienen que ver con los quehaceres cotidianos y aquellas problemáticas relacionadas con el entorno físico, social o cultural del Perú. Trabajando disciplinas como la pintura o la cerámica, expresa sus ideas a través de una ficción lírica o mitológica, transportándolas a un plano simbólico y estético. El artista crea una interesante mixtura técnica que experimenta con acabados, colores, elementos, materias y temperaturas, logrando una indagación profunda en los conflictos del lenguaje, esos usuales, como huellas y reflejos de un diálogo poético que pasa desapercibido en el día a día. In an interesting limbo located between plastic material research and formal thematic, artist Javier Bravo de Rueda takes no figurative works that deal with the daily chores and those problems related to the physical, social or cultural environment of Peru. Working disciplines like painting or pottery, express their ideas through a lyrical or mythological fiction, transporting them to a symbolic and aesthetic level. The artist creates an interesting mixture experiencing technical finishes, colors, elements, materials and temperatures, achieving a deep inquiry into the conflicts of language, these common like footprints and reflections of a poetic dialogue that go unnoticed in the day.

r www.javierbravoderueda.com / javierbdr20@gmail.com

v 1989. Es Bachiller en Pintura de la Pontificia Universidad Católica del Perú, y ha realizado cursos complementarios de Escultura y Video, en la Pontificia Universidad Católica de Chile; de Cerámica, en el Taller Huara Huara en Santiago de Chile; y de Dibujo y Grabado, en el Art Students League en Nueva York, Estados Unidos. Entre sus exposiciones se encuentran El Otro Cuerpo, Perú (2015); Yaku¨s Ride (Bipersonal con Aileen Gavonel), USA (2015); e Il Senso del Corpo, FISAD, Italia (2015); entre otras. Ha sido reconocido con la Mención Honrosa del Premio de la Crítica, PUCP. Su obra puede encontrarse en las colecciones Tafur Portugal, y Zariquiey, ambas en Perú; y en la colección Langatta Heredia, en Nueva York, USA.

1982. He holds a Bachelor of Painting from the Pontifical Catholic University of Peru, and has completed additional courses in sculpture at the Catholic Pontificia Universidad of Chile; Huara Huara Workshop in Santiago; and the Dibujoy Grabado, in the Art Students League in New York, U.S. Among his exhibits are the other body, Peru (2015); Yakus Ride (Bipersonalcon Aileen Gavonel), USA (2015); and Il Senso delCorpo, FISAD, Italy (2015). Throughout his career he has been awarded the honorable mention critics award, PUCP. His work can be found in the Tafur collections, Portugal and Zariquiey, both in Peru; and the Langatta Heredia collection in New York, USA.

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Pág. izq. B1, 2014, ténica mixta sobre lienzo, 120 x 90 cm. Left. B1, 2014, mixed media on canvas, 47.2 x 35.4 in. Pág. der. Katmandu, 2015, técnica mixta sobre lienzo, 170 x 130 cm. Right. Katmandu, 2015, mixed media on canvas, 67 x 51 in.

Pág. izq. Noche de LLuvia, 2015, ténica mixta sobre lienzo, 150 x 150 cm. Left. Noche de LLuvia, 2015, mixed media on canvas, 59 x 59 in. Pág. der. Amigos, 2015, técnica mixta sobre lienzo, 165 x 145 cm. Right. Amigos, 2015, mixed media on canvas, 65 x 57 in.

Mili DC Hartinger Mili DC Hartinger Mili DC Hartin Mili DC Hartinger Mili DC Hartinger Mili DC Hartinge li DC Hartinger Mili DC Hartinger Mili DC Hartinger Mili DC Hartinger Mili DC Hartinger Mili DCHarting li DC Hartinger Mili DC Hartinger Mili DC Hartinger gerMili DC Hartinger Mili DC Hartinger mil fotograf铆a 路 photography DC Hartinger Mili DC Hartinger Mili DC Hartinger artinger Mili DC Hartinger Mili DC Hartinger mili d DC Hartinger Mili DC Hartinger Mili DC Hartinger m Mili DC Hartinger Mili DC Hartinger Mili DC Harting li DC Hartinger Mili DC Hartinger Mili DC Hartinger Mili DC Hartinger Mili DC Hartinger Mili DC Harting DC Hartinger Mili DC Hartinger Mili DC Hartinger m li DC Hartinger Mili DC Hartinger Mili DC Hartinger Mili DC Hartinger Mili DC Hartinger Mili DC Harting Hartinger Mili DC Hartinger Mili DC Hartinger mili Mili DC Hartinger Mili DC Hartinger Mili DC Harting tinger Mili DC Hartinger Mili DC Hartinger Mili DC li DC Hartinger Mili DC Hartinger Mili DC Hartinger

n e r g r l r d m g r g m r g i g DC r

Desde sus primeros encuentros con la naturaleza en su estado revelador -como cuando se aprecia el cielo despejado o superficies de agua cristalina-, Mili comprendió que su rol sería el de mensajera. Sus fotografías comienzan con un viaje y con su fiel cámara al costado, pues fue ésta disciplina la que dice le enseñó a mirar; y desde su visión, capturar paisajes -sin mayores retoques- que considera verdaderos regalos del universo. Imágenes que decide compartir a través de su mirada y tornarlas en obras abstractas, desmitificadas de sus significados originales, para que luego puedan ser interpretadas libremente desde el sentimiento reducido que provocan en cada alma observadora. Sus composiciones se ubican en la frontera de lo real y lo abstracto, sobre todo, porque cada mirada es única para admirar el mundo. Since her first encounters with nature in its revealing state –like when you see a clear sky or crystal clear bodies of water–, Mili understood that her role would be to play the messenger. Her photographs start with a trip and her faithful camera at her side, since she says that it was photography that taught her to see; and through her eye, she captures landscapes –with hardly any retouching– that she sees as true gifts from the universe. Images that she decides to share through her viewpoint and turn them into abstract pieces that are demystified from their original meanings, to later be freely interpreted based on the limited feeling that they cause in each observant soul. Her compositions are places on the border of what is real and what is abstract, especially since each eye has a unique way of admiring the world.

www.milidch.com / info@milidch.com

1988. Estudia un título técnico de Diseño Gráfico en el Instituto San Ignacio de Lima (ISIL), para luego dedicarse formalmente a la fotografía en el International Center of Photography en Nueva York. Desde entonces, ha realizado la exposición individual Hanan Pacha (Centro Colich, Lima, 2013), y una muestra en Artifact Gallery, Nueva York. También participó en la muestra colectiva Identidad, en Agora Gallery, en Nueva York; y en Galería del Centro Empresarial, en Lima. Respecto a su presencia en ferias internacionales, el 2014 participó con Hanan Pacha en Parallax Art Fair, en Londres; y en Lima Photo’14; mientras que en 2015 estuvo en Art Monaco; y nuevamente en Lima Photo’15.

1988. She studied a technical degree in Graphic Design at ISIL Instituto San Ignacio in Lima, and then she formally dedicated to photography at the International Center of Photography in New York. Since then, she has performed the individual exhibition Hanan Pacha (Colich Center, Lima, 2013), and an exhibition at Artifact Gallery, New York. She also participated in the group exhibition Identidad at the Agora Gallery in New York; Gallery and Corporate Center in Lima. Regarding her presence in international fairs, in 2014 she participated with Hanan Pacha in the Parallax Art Fair in London; and Lima Photo '14; while in 2015 she was in Art Monaco; and again in Lima Photo '15.

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Sin TĂtulo, 2015, fotografĂa digital, 120 x 80 cm. Untitled, 2015, digital photography, 47.2 x 31.4 in.

Sin TĂtulo, 2015, fotografĂa digital, 120x 80 cm. Untitled, 2015, digital photography, 47.2 x 31.4 in.

Sin TĂtulo, 2015, fotografĂa digital, 120 x 80 cm. Untitled, 2015, digital photography, 47.2 x 31.4 in.

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t t a r c

Pintados al óleo en primer plano, retratos de mujeres expresan dolor a través de sus miradas. El cuerpo humano como producto de mercadería, envasado, cubierto de plástico y con fecha límite; carne en su estado visceral -cual cuerpo inerte-, como portada de revista. Las obras de la artista Patricia Gygax revelan la potencia de un mensaje antecesor, utilizado para expresar la crítica frente a una imagen impregnada sobre las expectativas de género, agrediendo especialmente la identidad femenina. Lejos de ser sensacionalista, su pintura busca revertir ciertas problemáticas sociales, las que, por medio de la crudeza, intenta desenmascarar. Painted in the foreground in oil, portraits of women express hurt through their gazes. The human body as a product for sale, packaged, covered with plastic and given an expiration date; meat in its visceral state – like a motionless body -, as a magazine cover. The work of artist Patricia Gygax reveals the power of a preceding message, used to express the critique against a loaded image regarding gender expectations, thus attacking the female identity in particular. Far from being sensationalistic, her paintings seek to revert to certain social issues, which she tries to expose through crudity.

www.pattygygax.blogspot.com / pgygax@hotmail.com

1978. Estudia un año Artes Plásticas en la Pontificia Universidad Católica del Perú, para luego ingresar a la Escuela Superior de Artes Visuales Corriente Alterna, de la cual egresa como la primera de su promoción. Posteriormente, obtiene una Mención Honrosa en el XVI Concurso Nacional de Artistas Jóvenes – Premio Cerro Verde; y más adelante el año 2011, es finalista del III Concurso Nacional de Pintura BCRP – Banco Central de Reserva del Perú. A lo largo de su carrera, ha desarrollado distintas exposiciones colectivas, siendo su última en la Feria de Arte Internacional – ArtLima 2015, como parte de la colectiva Talleres de Artistas: Procesos Productivos, del grupo La Encomienda. En la actualidad, se desempeña como docente en la Escuela Superior de Artes Visuales Corriente Alterna.

1978. She studied Visual Arts one year at the Pontifical Catholic University of Peru, and then she joined the School of Visual Arts Corriente Alterna, from which she graduated first of her class. Subsequently, she obtained an Honorable Mention in the XVI Concurso Nacional de Artistas Jóvenes, Cerro Verde Prize; and later in 2011, she was a finalist for the lll National Painting Competition organized by BCRP (Central Reserve Bank of Peru). Throughout her career, she has developed various exhibition groups. Her last exhibition was at the International Art Fair - ArtLima 2015, as part of the collective Talleres de Artistas: Procesos Productivos of La Encomienda group. Currently, she teaches at the School of Visual Arts Corriente Alterna.

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Pág izq. Matadero, 2010, óleo sobre lienzo, 100 x 140 cm. Left. Matadero, 2011, oil on canvas, 39.3x 55.1 in. Pág. der.Confrontación I, 2009, óleo sobre lienzo, 180 x 130 cm. Rigth. Confrontación I, 2009, oil on canvas, 70.8 x 51 in.

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P谩g izq. Carne Premium, 2008, 贸leo sobre lienzo, 180 x 240 cm. Left. Carne Premium, 2008, oil on canvas, 70.8 x 94.4 in. P谩g. der.El encuentro, 2011, 贸leo sobre lienzo, 260 x 194 cm. Rigth. El encuentro, 2011, oil on canvas, 102.3x 76.3 in.

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De manera intuitiva y espontánea nace su lenguaje plástico; abstracto, geométrico y con un marcado interés por los aspectos inmateriales e ilusorios, capaces de activar la percepción visual y sensorial por medio de la exploración de conceptos como el tiempo o el espacio. Asi, en sus obras compuestas de planos, idea nociones de movimiento y de relaciones espaciales, como si se tratara de una herramienta gramatical que le permite fluir en su habla. Una melodía infinita juega en un ir y venir con la luz, con desbalances y con la tensión entre la superficie plana y la ilusión de espacio tridimensional. Más allá de una simple reducción de la forma al diseño geométrico, conduce al espectador hacia una contemplación poética que está marcada por el aquí y el ahora. Intuitively and spontaneously her artistic language is born; abstract, geometric, and with a noticeable interest in immaterial and illusory aspects that are able to activate visual and sensorial perception by exploring concepts such as time or space. Through this, in her pieces made up of geometric planes, she devises notions of movement and spatial relationships as if they were a grammatical tool that allows her to speak freely. An infinite melody plays in a push and pull of light, imbalances, and the tension between the flat surface and the illusion of three-dimensional space. Beyond simply reducing the shapes to a geometric design, she leads the viewer towards a poetic contemplation that is characterized by the here and now.

www.michelleprazak.com / michelleprazak@gmail.com

1977. Es licenciada en Bellas Artes de la Escuela de Artes Plásticas Corriente Alterna en Lima y diplomada en Artes Plásticas del Instituto Lorenzo di Medici en Florencia, Italia. Posteriormente completó una maestría en Artes Plásticas en Byam Shaw School of Art, en Londres, y luego realizó un postgrado en Educación, en el Institute of Education University of London, Inglaterra. Desde entonces, se ha desempeñado como docente de pintura y dibujo en la University of the Arts Florence, en el British Museum y en el Victoria & Albert Museum. A lo largo de su carrera, se ha destacado por sus exposiciones tanto a nivel nacional como en el extranjero, llegando a exponer en reiteradas ocasiones en prestigiosas galerías en Estados Unidos, Inglaterra y Alemania.

1977. She is a graduate from the Fine Arts at the School of Visual Arts Corriente Alterna in Lima and a holder of a diploma in Visual Arts at Instituto Lorenzo di Medici in Florence, Italy. Afterwards, she completed a master's degree in Visual Arts from the Byam Shaw School of Art in London, then a postgraduate degree in Education from the Institute of Education University of London, England. Since then, she has taught painting and drawing at the University of the Arts Florence, at the British Museum and the Victoria & Albert Museum. Throughout her career, she has participated in many national exhibitions as well as her exhibitions abroad, exposing many times at prestigious galleries in the United States, England and Germany.

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The Passing, 2010, 贸leo sobre tela, 20 x 20 cm. The Passing, 2010, oil on canvas, 7,8 x 7,8 in.

Forma Negra 2, 2015, 贸leo sobre lino, 100 x 100 cm. Forma Negra 2, 2015, oil on linen, 39,3 x 39,3 in.

Synchronicities 2, 2009, 贸leo sobre madera, poliptico, 60 x 175 cm. Synchronicities 2, 2009, oil on wood, polypthyc, 23,6 x 59 in.

Mateo Cabrera Mateo Cabrera Mateo Cabrera ma Mateo Cabrera Mateo Cabrera Mateo Cabrera ma o Cabrera Mateo Cabrera Mateo Cabrera mateo c Mateo Cabrera Mateo Cabrera Mateo Cabrera ma teo Cabrera Mateo Cabrera Mateo Cabrera mate era Mateo Cabrera Mateo Cabrera mate pintura 路 painting Mateo Cabrera Mateo Cabrera Mateo Cabrera ma ateo Cabrera Mateo Cabrera Mateo Cabrera mate o Cabrera Mateo Cabrera Mateo Cabrera mateo c Mateo Cabrera Mateo Cabrera Mateo Cabrera ma eo Cabrera Mateo Cabrera Mateo Cabrera mateo abrera Mateo Cabrera Mateo Cabrera mateo cab eo Cabrera Mateo Cabrera Mateo Cabrera mateo ateo Cabrera Mateo Cabrera Mateo Cabrera mate Cabrera Mateo Cabrera Mateo Cabrera mate0 ca abrera Mateo Cabrera Mateo Cabrera mateo cab era Mateo Cabrera Mateo Cabrera mateo cabrer a Mateo Cabrera Mateo Cabrera mateo cabrera m ateo Cabrera Mateo Cabrera Mateo Cabrera mate

a e c a o b o e a b r m e

A partir de una suave y lúdica estética desde la que percibe y recrea la naturaleza que lo rodea, Mateo Cabrera se aventura a pintar desde su imaginación, con un lenguaje inventado que ha desarrollado en sueños. En sus obras plasma animales, cuerpos, paisajes; es poesía que deja fluir bajo su lógica personal, una que no se atañe a tópicos particulares, sino que se deja correr libre, permitiendo que el proceso de creación no sea limitado por ningún tipo de control mental. A sus ojos, es necesario desplegar sus emociones, y la mejor manera de hacerlo es a través del arte y desde la más genuina hermosura natural, la que al ser su inspiración y vehículo de comunicación, también se transforma en el modo de descubrirse a sí mismo. Through a soft and ludic aesthetic style through which he sees and recreates the nature that surrounds him, Mateo Cabrera ventures into painting through his imagination and a made up language that he has developed in dreams. In his work he displays animals, bodies, and landscapes; It is poetry that allows him to flow under his personal logic, poetry that has nothing to do with certain topics, but instead allows him to run free, enabling his creation process to not be limited by any type of mental control. In his eyes, it is necessary to display his emotions, and the best way to do that is through art and through the most genuine natural beauty, that which is his inspiration and means of communication also becomes the way in which he discovers himself.

www.mateocabrera.com / mateo@mateocabrera.com

1982. Estudió en la Facultad de Ciencias de la Comunicación en la Universidad de Lima, para luego tomar un año de especialización en Pintura, en la Escuela Superior de Bellas Artes Corriente Alterna, y dos más para terminar en la University of the Arts London, Inglaterra. Ha desarrollado las exposiciones individuales: Vicisitudes y Hallazgos de una Ruta Imposible (La Galería, 2013); De mi Rancho; Todos sus Animalitos son de Amor (Club Empresarial, 2012); y La Mente está Demente (Corriente Alterna, 2011). Además, actualmente trabaja en su próxima muestra de pintura a exponerse en 2016, llamada Muerte y Resurrección, Según Juan Mateo’s.

1982. He studied in the Faculty of Communication Science at University of Lima. Then, he took one year of Specialization in Painting at the Superior School of Fine Arts Corriente Alterna, and after he took two more years to finish at the University of Arts London, England. He has developed the following individual exhibitions: Vicisitudes y Hallazgos en una Ruta Imposible (La Galería, 2013); De mi Rancho; Todos sus Animalitos son de Amor (Club empresarial, 2012); and La mente esta Demente (Corriente Alterna, 2011).Currently, he is working on his next painting exhibition called Muerte y Resurrección, according to Juan Mateo it will be exhibited in 2016.

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Del tigre y su desconcierto sali贸 todo el universo, 2013, serigraf铆a y 贸leo sobre tela, 30 x 30 cm. Del tigre y su desconcierto sali贸 todo el universo, 2013, serigraphy and oil on canvas, 11.8 x 11.8 in.

Del toro que busca las cosas que encuentra y del pato que no busca porque no hay pato que sea, 2013, 贸leo sobre tela, 140 x 110 cm. Del toro que busca las cosas que encuentra y del pato que no busca porque no hay pato que sea, 2013, oil on canvas, 55 x 43.3 in.

De los orificios misterioso de donde sali贸 todo el universo y el gran chancho de la abundancia, 2015, 贸leo sobre tela, 130 x 110 cm. De los orificios misterioso de donde sali贸 todo el universo y el gran chancho de la abundancia, 2015, oil on canvas, 51,1 x 43,3 in.

Nostalgias de revoluci贸n, 2014, 贸leo sobre tela, 120 x 150 cm. Nostalgias de revoluci贸n, 2014, oil on canvas, 47.2 x 59 in.

eleonora bedon eleonora bedon eleonora bedon eleonora bedon eleonora bedon eleonora bedon eonora bedon eleonora bedon eleonora bedon e edon eleonora bedon eleonora bedon eleonora eleonora bedon eleonora bedon eleonora bedon dail eleonora eleonora bedon bedon artista multidisciplinar 路 multidisciplinary artist bedon eleonora bedon eleonora bedon eleonor eleonora bedon eleonora bedon eleonora bedon bedon eleonora bedon eleonora bedon eleonor ora bedon eleonora bedon eleonora bedon eleo eleonora bedon eleonora bedon eleonora bedon eleonora bedon eleonora bedon eleonora bedon eleonora bedon eleonora bedon eleonora bedon onora bedon eleonora bedon eleonora bedon el eleonora bedon eleonora bedon eleonora bedon eleonora bedon eleonora bedon eleonora bedon onora bedon eleonora bedon eleonora bedon el eleonora bedon eleonora bedon eleonora bedon a bedon eleonora bedon eleonora bedon eleono

Eli Bedon compone una interesante reflexión acerca del imaginario idealizado que se ha instalado en el paradigma imperante. Una absurda obsesión impulsada por los medios de comunicación, la publicidad y la industria del espectáculo en torno a estereotipos de género y la imitación de iconos de belleza contemporáneos. A partir de imágenes fotográficas que encuentra, la artista produce copias pictóricas como metáfora de aquellos jóvenes actores o deportistas que, productos ya posicionados en la sociedad, se encuentran a la venta frente a una masa creciente y carente de identidad personal. Una multitud que en respuesta a los estímulos comerciales se transforma en mera representación de los líderes efectivos, duplicados sin valor, en una deprimente patología que se reproduce en cantidades como stock de mercado. Eli Bedon forms an interesting reflection about the idealized imagery placed in the prevailing paradigm. It is an absurd obsession driven by means of communication, advertising and the show business industry regarding gender stereotypes and the imitation of contemporary beauty icons. Through photographs that she finds, the artist pictorially reproduces them as a metaphor for those young actors or athletes (which are products already placed in society) who are on sale for a growing mass that lacks personal identity. A multitude of people that in response to the stimuli of advertisements become mere representations of the actual leaders, worthless duplicates, in a depressing pathology that is massively reproduced like market goods.

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elibedon@hotmail.com

1963. Estudia Arquitectura en la Universidad Ricardo Palma, y Diseño Gráfico en el Instituto Montemar. Además se forma como artista entre el 2003 y 2007, en el proyecto alternativo Flujo, y presenta su primera exposición individual Youth (2009), con la curaduría de Miguel Zegarra, en la Galería Vértice. Entre 2010 y 2011, participa de diversas exposiciones colectivas en la Galería Vértice y Galería 1900. En 2012, forma parte de la exposición Animales históricos, en la Galería de Arte y Diseño de la Escuela Corriente Alterna, con la curaduría de Florencia Portocarrero y Giuliana Vidarte. Su trabajo ha sido presentado en la feria Art Lima y en CasaCor.

1963. She studied architecture at the Universiad Ricardo Palma, and Graphic Design at the Instituto Montemar. She was educated as an artist between 2003 and 2007 in the alternative project called Flujo, and she presented her first individual Youth (2009) created by Miguel Zagarra at the Vertice Gallery. Between 2010 and 2011, she participated in various group exhibitions at the Vertice Gallery and Galería 1900. In 2012, she formed part of the exhibition called Animales Históricos, at the Galería de Arte y Diseño de la Escuela Corriente Alterna, curated by Florence Portocarrero and Giuliana Vidarte. Her work has been presented in the Art Lima exhibition and CasaCor.

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Pág. izq. Lolita, 2007, acrílico sobre lienzo, 100 x 100 cm. Fotografía: Kait Jones Left. Lolita, 2007, acrylic on canvas, 39.37 x 39.37 in. Photography: Kait Jones Pág. der. Trans, 2008, acrilico sobre lienzo, 180 x 140 cm (rostro). Fotografía: David Sims Right. Trans, 2008, acrylic on canvas, 70.8 x 55.1 in. (rostro). Photography: David Sims

Youth (detalle), 2009, acrĂlico sobre lienzo, 120 x 100 cm. Youth (detail), 2009, acrylic on canvas, 47.2 x 39.3 in.

Lolita (detalle), 2007, acrĂlico sobre lienzo, 100 x 100 cm. FotografĂa: Kait Jones Lolita (detail), 2007, acrylic on canvas, 39.37 x 39.37 in. Photography: Kait Jones

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Guiada por el fuerte interés de estudiar las percepciones de la llamada realidad, la artista plástica Michelle Magot se dedica fundamentalmente a la abstracción; un lenguaje silencioso pero directo con el que utiliza formas y colores en sus estados primarios, junto a figuras geométricas y matices. Pero sobre todo, utiliza la naturaleza desde la imperfección de sus materiales encontrados, para trabajar composiciones que mantienen deliberadamente y hasta el último momento, un factor sorpresa a través de un recorrido por lo espontáneo, lo inexacto, o lo irregular, como símbolos impersonales que caracterizan su obra. Un trabajo que busca estudiar la armonía de las formas de la incoherencia, refiriéndose a una gestualidad de expresión universal o colectiva. Led by the strong interest to study the perceptions of the so-called reality, artist Michelle Magot has essentially devoted herself to abstraction; a silent but direct language with which she uses forms and colors in their primary states, along with geometric figures and subtle colors. But above all, she uses nature based on the imperfection of her found materials to create compositions that deliberately hold a factor of surprise till the very end through a journey to the spontaneous, inexact or irregular, like impersonal symbols that characterize her work. Her work seeks to study the harmony of the forms of incoherency, thus referring to a gestural quality of universal or collective expression.

www.michellemagot.com / michimagot@gmail.com

1978. Ingresó a la Escuela Superior de Arte Corriente Alterna en Perú, y más adelante continuó perfeccionando sus conocimientos en el Istituto D’arte Lorenzo D’Medici, en Florencia, Italia, en donde obtuvo un Bachiller de Artes Plásticas, con especialización en Pintura. Posteriormente, realizó una maestría en la escuela de Byam Shaw, Central Saint Martins School of Art en Londres, Inglaterra, y asistió a distintas residencias artísticas en Italia. A lo largo de su trayectoria, ha participado en numerosas muestras individuales en Perú, y en colectivos internacionales como A new visión, UNCONN Stamfrod Gallery, en USA; Tertulia, The Arts Gallery, en el Reino Unido; y BinoScapes, Berliner Kunstproject, en Berlin, Alemania; entre otros.

1978. She entered the Superior School of Fine Arts Corriente Alterna in Peru, and later she kept perfecting her skills at the Istituto Lorenzo D'Art D'Medici in Florence, Italy, where she obtained a Bachelor of Visual Arts with a major in Painting. Subsequently, she completed a masterís degree at the Byam Shaw, Central Saint Martins School of Art in London, England, and she attended several artist residencies in Italy. Throughout her career, she has participated in numerous individual exhibitions in Peru, and international groups such as A New Vision, UNCONN Stamfrod Gallery in USA; Tertulia, The Arts Gallery, in the UK; and BinoScapes, Berliner Kunstproject in Berlin, Germany, among others.

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Irregular IV – Azul, 2015, óleo sobre lienzo y ensamblaje con madera, 130 x 227 cm. Irregular IV – Azul, 2015, oil on canvas and wood assembly, 51 x 88.9 in.

Irregular Iii – Red, 2015, óleo sobre lienzo y ensamblaje con madera, 130 x 226 cm. Irregular Iii – Red, 2015,oil on canvas and wood assembly, 51 x 88.9 in.

Irregular I - Amarillo Cadmio, 2015, 贸leo sobre lienzo y ensamblaje con madera, 100 x 120 cm. Irregular I - Amarillo Cadmio, 2015, oil on canvas and wood assembly, 39.3 x 47.2 in.

"Linea Amarilla", de la serie Moving sections, 2014, 贸leo sobre madera, 120 x 3 x 5 cm. "Linea Amarilla", from the series Moving sections, 2014, oil on wood, 47.2 x 1 x 1.96 in.

Akira chinen Akira chinen Akira chinen Akira chin Adriana tomatis Adriana tomatis Adriana tomati ana de orbegoso ana de orbegoso ana de orbe Augusta barreda Augusta barreda Augusta ba reátegui carmen reátegui carmen reátegui car Christian Fuchs Christian Fuchs Christian Fuch Claudia Martínez Garay Claudia Martínez garay eleonora bedon eleonora bedon eleonora bed Emilia Cunliffe Emilia Cunliffe Emilia Cunliffe em felipe llona felipe llona felipe llona felipe ll fernando otero fernando otero fernando ote Gonzalo García Callegari Gonzalo García Call Giuliana D'Angelo Giuliana D'Anggelo giuliana d' Ivana Ferrer Ivana Ferrer Ivana Ferrer ivana f jacques custer jacques custer jacques cus Jairo robinson Jairo robinson Jairo robinson J Javier Bravo de rueda javier Bravo de la rued Jean paul Zelada Jean paul Zelada Jean paul Karen Macher Karen Macher Karen Macher Kar José Luis Carranza José Luis Carranza josé l

Perú al límite