Colección Arte Al Límite, Sin Límites by Arte al Límite

DIRECTORA AAL/AAL DIRECTOR

Ana María Matthei Ricardo Duch EDICIÓN / EDITOR

Elisa Massardo DIRECCIÓN DE ARTE / ART DIRECTION

Catalina Papic DISEÑO Y DIAGRAMACIÓN / DESIGN AND LAYOUT

Johanna Rivas ASESOR CULTURAL/ CULTURAL ADVISOR

Felipe Forteza TEXTOS / TEXT

Victoria Jiménez Constanza Navarrete Francesco Scagliola Andrea Catalán Catalina Pino A. TRADUCCIÓN / TRANSLATION

Mariluz Cartagena CORRECIÓN DE TEXTO / TEXT CORRECTOR

Catalina Aguilar P. Adriana Cruz L. 1ª edición. Todos los derechos reservados © ARTE AL LÍMITE. ISBN: 978-956-9765-08-7 Este libro se terminó de imprimir en Agosto del 2017. Impreso en santiago de chile por Aimpresores.

CONTE NIDO

Paisaje Landscape

2 Memoria Memory

PolĂtica Politic

110

Espacio y forma 142 Space & shape

6 8

5 Urbano Urban

202

Cuerpo Body

280

240

7 BiografĂa Biography

Rostro Face

318

EDITO RIAL El arte visual es una manifestación humana sobre la realidad del mundo, el aporte cultural, las posturas críticas, la forma de interpretar y reflejar lo que ocurre es trascendental para las personas, son aportes invaluables que, extrañamente, tienen la representatividad que necesitan. Al respecto, coleccionar arte visual, moderno o contemporáneo, es una pasión que fortalece la cultura, no solo en una familia sino a todo aquél que tiene acceso a verla. Esta colección se ha formado por los intereses familiares que hemos cultivado, para hacer un aporte a la cultura, para incentivar la creación y fortalecer los vínculos hacia la visualidad, la comprensión del mundo. La intención, visibilizar, democratizar, mostrar y enseñar que sí se puede ser artista, que sí se puede ver el mundo desde una sala y qué sí se puede coleccionar arte. La selección que tenemos se basa en nuestros intereses, en las obras y trabajos que vemos con potencial, proyección, o ya consolidadas, tanto en bienales como en museos, ferias de arte y galerías que hemos recorrido durante 20 años alrededor del mundo. Considerando también el criterio de importantes curadores, colaboradores y críticos que han aportado con sus conocimientos para hacer de esta colección un aporte cultural con diversas técnicas, temáticas y con artistas de trayectoria nacional, internacional, emergentes y consagrados.

Este año expondremos, por primera vez, parte de la Colección Arte Al Límite (AAL) en Espacio Fundación Telefónica de Chile, ubicado en el punto más céntrico de la capital, que contempla diversos acercamientos a las artes visuales en diversas partes del mundo, que cuenta con salas privilegiadas y contempla contenido educativo. Además, existirán diálogos de artistas en Fundación Cultural Providencia, Centro Cultural Estación Mapocho y Galería Posada del Corregidor, para hacer una muestra variada, contingente y atractiva. Finalmente, como familia, esperamos contar prontamente con un espacio propio de exposición AAL y poder exhibir en centros culturales del país y Latinoamérica, para alcanzar el fin contemplado, hacer del arte algo para todos.

ANA MARÍA MATTHEI

RICARDO DUCH

EDITO RIAL Visual arts are the human manifestationn of our world’s reality , a contribution to culture, and it creates myriad of critical opinions, the manner of interpreting and reflecting on what happens is of the utmost importance for people, these are invaluable contributions that strangely represent what they need. In this regard, collecting visual art – whether it be modern or contemporary art– is a passion that strengthens culture, not only within the family, but for everyone that has access to it. This collection was created starting from the family interests that we foster in order to make a contribution to culture, to encourage creation, and to strengthen the ties to visuality and understanding the world. Our intention is to highlight and democratize art to demonstrate that it is possible to be an artist, that the world can indeed be observed from a single room and that art can be collected. The selection was built upon our interests, in pieces and efforts that we believe have potential, or that are already well established, in both biennials and museums, art fairs and galleries that we have visited all over the world during the last 20 years. We also considered the opinion of important curators, collaborators, and critics that have brought their knowledge to the table in order to make this collection a cultural contribution. Several techniques and themes are featured in the work of budding and renowned artists, with an national or international trajectory.

For the first time this year we will exhibit part of the Arte Al Límite (AAL) collection at Espacio Fundación Telefónica de Chile, located in the center of the capital. The exhibition will include different approaches to visual arts from many parts of the world and it will be held in privileged halls, also including educational content. Moreover, there will be conversations with artists at the Fundación Cultural Providencia, the Mapocho Cultural Center, and the Posada del Corregidor Gallery in order to offer a varied, contingent, and attractive exhibition. Finally, as a family, we hope to have our own exhibition space for AAL soon and hold exhibitions in cultural centers of the country and Latin America to achieve our goal: making art accessible for everyone.

ANA MARÍA MATTHEI

RICARDO DUCH

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

COLECCIÓN

AL LÍMITE, SIN LÍMITES

COLECCIÓN

AL LÍMITE, SIN LÍMITES

Hace 20 años en Santiago de Chile, Ana María Matthei sembró las semillas de lo que hoy se ha convertido en una vasta colección y plataforma de arte contemporáneo, cuyo propósito es promover el arte contemporáneo en Chile y acercar a los artistas a la comunidad. La gran visión y décadas de esfuerzo de Matthei tuvieron como resultado una colección que reúne las obras de un amplio espectro de artistas internacionales que cuentan historias profundas y personales usando fotografía, pinturas, instalaciones, dibujos, objetos, esculturas y nuevos medios. Para conmemorar el vigésimo aniversario de la colección permanente de Matthei, realicé una curatoría cuidadosamente sobre la Colección Al Límite, Sin Límites, una exhibición que presentará una selección de las obras más prominentes de la colección. Desde el punto de vista curatorial, la exhibición analizará, explorará y examinará el proceso de proceso de compilación de arte contemporáneo internacional en el trascurso de dos décadas. Asimismo, generará una discusión acerca de la diversidad, los movimientos artísticos en el mundo y, además, demostrará cómo Chile y sus artistas se comunican con el resto del mundo del arte. Colección Arte Al Límite, Sin Límites urge tanto a expertos como al público general a reflexionar sobre cómo se presenta, se gestiona y se planea una exhibición para así promover la carrera de artistas emergentes y consolidados mientras éstos enfrentan nuevos desafíos locales y globales.

Edward Moreno (Colombia), Maquiamelo (Colombia), Iris Helena (Brasil) and Mariana Tocornal (Chile). Para facilitar un diálogo y discusión extensa y abierta, la muestra incluirá reflexiones contemporáneas acerca de importantes problemáticas sociopolíticas actuales. Un ejemplo de esto es la instalación Jardín de la artista colombiana Diana Drews, que combina formas orgánicas y poéticas para explorar la igualdad en el medio educativo. Por su parte, el artista cubano Antúan Rodríguez presentará The Red Bad, una instalación de sacos de boxeo con los rostros de diversas figuras políticas impresas sobre éstos, incluyendo el rostro de un enojado Donald Trump, presidente de los Estados Unidos. Como objetivo personal, quise que en la exhibición se pueda evaluar cuán influyente puede llegar a ser una colección de arte. Por esta razón, seleccioné al artista cubano Ángel Delgado, cuya obra es una de las más destacadas de la muestra, centrada en la problemática de la libertad individual o la ausencia de la misma. A principios de los años 1990, Delgado fue sentenciado a pasar seis meses en prisión luego de una controvertida presentación pública que llevó a cabo en la Habana. Por ende, es evidente que su obra es el resultado de dicha experiencia tan dramática.

Otros artistas participantes incluyen a Nicola Constantino (Argentina), Nicolas Bruno (Estados Unidos), Salustiano (España) y maestros como Polesello (Argentina). La selección de artistas se realizó bajo diversos criterios, los cuales incluyen cualidades visuales, comunicación de valores y conceptos, emociones que generan las obras y sus inspiraciones, uso de tecnología (nuevos medios), trabajo experimental y, por sobretodo, la celebración de lo simple. La Colección Al Límite, Sin Límites dará inicio, además, a una serie de actividades y exhibiciones complementarias que abordarán diversos aspectos de la identidad de la colección, su historia, misión y visión a lo largo de los años. Chile tiene el honor de presentar una colección como la de Matthei, la que seguro creará un puente de comunicación entre el país latinoamericano y el mundo de arte contemporáneo internacional.

Los problemas de identidad y libertad también se abordarán en la Colección Al Límite, Sin Límite a través del trabajo de Eugenia Vargas Pereira (Chile), Alexander Zaar (Alemania), Daniela Edburg, Diego Lama (Perú), Betsabee Romero (México), entre otros. La exhibición también comprenderá las obras poéticas pero potentes de Cecilia Paredes (Perú), Celeste Martínez (Argentina), Daniela Kovasic (Chile),

MARISA CAICHIOLO

Curadora Internacional

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

COLECCIÓN

AL LÍMITE, SIN LÍMITES

Twenty years ago in Santiago de Chile, Ana María Matthei planted the seeds of what today has become a vast art collection and a contemporary art platform aimed at promoting contemporary art in Chile and at bringing artists closer to the community. Matthei’s great vision and decades-long effort have resulted in a collection that brings together the works of a wide range of international artists who tell profound stories and some personal accounts using mediums such as photography, paintings, installations, drawings, objects, sculptures and new media. To mark the 20th anniversary of Matthei’s permanent collection, I have carefully-curated “Al Límite, Sin Límites,” an exhibit that will present a selection of some of the collection’s most outstanding artworks. From a curatorial standpoint, the show will review, explore and examine the process of collecting international contemporary art over a two-decade period. But it will also generate a discussion on diversity, art movements around the globe, and it will show how Chile and its artists are communicating with the world. “Al Límite, Sin Límite” encourages art experts and average viewers to reflect on how art is being presented, managed and planned behind the scenes in order to promote the career of both emerging and established artists as they face new local and global challenges.

To facilitate extended discussion and open dialogues, the exhibition will include contemporary reflections on current and pressing socio-political issues. An example of this is “Garden,” an installation by Colombian artist Diana Drews that combines organic and poetic forms to explore equality in education. Cuban artist Antuan Rodríguez will present “The Red Bad,” an installation of punching bags with the faces of many political figures printed on them. Among them will be the angry face of U.S. President Donald Trump. On a more personal note, I also wanted this exhibition to assess how impactful an art collection can be. To this end, I selected Cuban artist Ángel Delgado, whose work, one of the exhibit’s highlights, is centered on the issue of individual liberty or the lack thereof. In the early 1990s, Delgado was sentenced to and spent six months in prison following a controversial public performance that he had done in Havana. It is only natural that his artwork is the result of such a dramatic experience.

(Argentina), Daniela Kovasic (Chile), Edward Moreno (Colombia), Maquiamelo (Colombia), Iris Helena (Brazil) and Mariana Tocormal (Chile). Other participating artists include Nicola Constantino (Argentina), Nicolas Bruno (United States), Salustiano (Spain) and masters like Polesello (Argentina). The selection of artists was thoroughly considered based on several criteria, which include visual qualities, communication of values and concepts, elicit emotions and inspirations, use of technology (new media), experimental work, and most importantly, the celebration of simplicity. “Al Límite, Sin Límites” will kick off other complimentary activities and a satellite exhibit that will address various aspects of the collection’s identity, history, mission and vision throughout the years. Chile is deeply honored to have a collection like Matthei’s, which will surely create a bridge of communication between this Latin American country and today’s international contemporary art scene.

The issues of identity and liberty will also be addressed in “Al Límite, Sin Límite” through the work of Eugenia Vargas Pereira (Chile), Alexander Zaar (Germany), Daniela Edburg, Diego Lama (Peru), Betsabee Romero (Mexico) and others. The exhibit will also showcase the poetic yet powerful work of Cecilia Paredes (Perú), Celeste Martínez

MARISA CAICHIOLO

International Curator

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PAISAJE

PAISAJES: DE LO LLENO A LO VACÍO LANDSCAPES: FROM FULLNESS TO EMPTINESS

Por JULIO SAPOLLNIK. ARGENTINA. Crítico de Arte / Art critic .

LANDSCAPE

La atracción que ejerce el paisaje en todos nosotros es algo que prevalece aún hoy, ante el avance de la tecnología. Esto que ocurre entre el paisaje y nosotros quizás lo definió muy bien el escritor Jorge Luis Borges cuando dijo: “Hay una hora de la tarde en que la llanura está por decir algo; nunca lo dice o tal vez lo dice infinitamente y no lo entendemos, o lo entendemos pero es intraducible como una música…”. Qué otro sentimiento podemos tener ante la obra de Alexander Zaar donde el guardián de la llanura erguido y al centro de la composición, parece cuidar que nada escape en esa frontera imaginaria entre la sombra y la luz. El paisaje no es algo que se llegue a llenar, por el contrario, el vacío es un término que lo acompaña y determina. El vacío es un concepto filosófico de reflexión que define lo que es y lo que no es, y esto pictóricamente se representa a través de una realidad fragmentada que no se asienta en tierra firme sino en la nada.

The attraction exerted by landscapes on all of us is something that prevails even today, considering the progress of technology. What happens between the landscape and us was probably best defined by the writer Jorge Luis Borges when he said: “There is a time in the afternoon when the grassland is about to say something; it never says it or maybe it says it infinitely and we do not understand it, or we understand it but cannot translate it, just like music…” What other feeling may we have before the work of Alexander Zaar, where the guardian of the grassland, upright, and at the center of the composition, seems to ensure that nothing escapes that imaginary border between shadow and light? The landscape is not something that can be filled, on the contrary, the emptiness is a term that accompanies and determines it. Emptiness is a philosophical concept of reflection which defines what it is and what it is not, and pictorially, this is represented through a fragmented reality that does not settle on solid ground, but on nothing.

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PAISAJE

En la obra de Sair García navegan muy bien estas palabras. La diagonal que generan estas barcazas dirige la mirada al centro del cuadro. Hay que ser muy valiente para fragmentar la imagen por la mitad y darle tanta importancia al registro inferior cargado de personas y barcazas como en el registro superior donde impera el vacío. Por el contrario otros artistas se expresan dentro del horror vacui. Así lo vemos en José Luis Carranza, donde siempre hay una forma nueva de llenar hasta el más mínimo centímetro cuadrado de lienzo. Las manos de los personajes generan una diagonal ascendente que acompaña la sucesión de elementos ante la mirada desorbitada del individuo. La exaltación de la naturaleza puede llevar a un panteísmo orgánico en la cual el artista no se detiene en una realidad trascendente, sino

“I watch the snow come down like dust in a tomb,/ watch the fog spread out like somebody dying. / And to keep from going mad I don’t count the minutes, / for only now is the long night beginning.” - GABRIELA MISTRAL

In the work of Sair García, these words seem to navigate so well. The diagonal created by these barges directs the gaze towards the center of the frame. One has to be very brave to fragment the image in half and give so much importance to the inferior part of the frame filled with people and barges, and the superior part where emptiness rules. On the contrary, other artists express themselves within the horror vacui. This is what we see in the work of José Luis Carranza, where there is always a new way of filling up the smallest square centimeter of canvas. The hands of the characters create an ascending diagonal that accompanies the succession of elements before the exorbitant gaze of the individual. The glorification of nature can lead to an organic pantheism in which the artist does not stop at a transcendent reality, but rather see nature as the sole possibility of viewing reality. In the work of Patricia Claro there are no other elements that are not inherent to nature: the reflection of trees and water expanding silence as sound. The pantheistic adoration of nature is its identity. The main characteristic that her country has are the snow-topped high peaks in the Andes. Their melting with the change of seasons is halted in the painting, worshipping water. The immensity of nature has a fundamental role in the photographs of Daniela Edburg. The remoteness and the shift of tones towards sky blue are all elements that deepen the distance by placing the character in close-up views. This creates an intimate idea present in the piece

LANDSCAPE

que ve a la naturaleza como única posibilidad de visión de la realidad. En la obra de Patricia Claro no hay otros elementos que no sean propios de la naturaleza: el reflejo de los árboles y el agua expandiendo el silencio como sonido. La adoración panteísta de la naturaleza es su identidad. La principal característica que tiene su país son las altas cumbres que guardan la nieve en la Cordillera de los Andes. Su derretir con el cambio de estación, queda detenida en la pintura venerando el agua.

“Miro bajar la nieve como el polvo en la huesa;/ miro crecer la niebla como el agonizante,/ y por no enloquecer no cuento los instantes,/ porque la “noche larga” ahora tan sólo empieza”.

En las fotografías de Daniela Edburg ocupa un papel fundamental lo que es la inmensidad en la naturaleza. La lejanía, el viraje de los tonos hacia el azul del cielo, son todos elementos que profundizan la distancia al ubicar el personaje en primer plano. Esto genera una idea intimista que está presente en la obra a través de la mirada hacia una lana ovillada como hemisferios cerebrales. La dureza de las piedras y el contorno de las montañas contrastan con lo blando y esponjoso de la lana y la natural feminidad de la protagonista.

through the perspective of wool balls that resemble cerebral hemispheres. The hardness of the stones and the outline of mountains contrast the softness and sponginess of wool and the natural femininity of the main character.

Contemplar el paisaje a través del arte moviliza a cada espectador según su sensibilidad. Los habitantes de las grandes capitales agradecen a los artistas traer un espacio de montaña o llanura a la ciudad. Así se alimenta la fantasía de libertad y valoración de lo que nos rodea. Así lo expresó Gabriela Mistral:

Contemplating landscapes through art moves every viewer according to their sensitivity. Inhabitants of large capitals appreciate artists who bring a mountain space or grassland into the city. This is how the fantasy of freedom and appreciation of what surrounds is fed. This is how Gabriela Mistral put it into words:

“Miro bajar la nieve como el polvo en la huesa;/ miro crecer la niebla como el agonizante,/ y por no enloquecer no cuento los instantes,/ porque la “noche larga” ahora tan sólo empieza”.

- GABRIELA MISTRAL

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PAISAJE

Aleksandar Zaar

ALEMANIA (DE)

Sofía López Mañán

ARGENTINA (AR)

Patricia Claro

CHILE (CL)

Anibal Gomescásseres

COLOMBIA (CO)

Katja Loher

SUIZA (CH)

Rafel Bestard

ESPAÑA (ES)

Nici Jost

ALEMANIA (DE)

Daniela Edburg

MÉXICO (MX)

Julia Romano

ARGENTINA (AR)

Ysabel Lemay

ESTADOS UNIDOS (EEUU)

Betsy Green

ESTADOS UNIDOS (EEUU)

José Basso

CHILE (CL)

Sair García

COLOMBIA (CO)

Katrin Gunther

ALEMANIA (DE)

Mario Vélez

COLOMBIA (CO)

Benedetto Pietromacchi ITALIA (IT) José Luis Carranza

PERÚ (PE)

LANDSCAPE

Aleksandar Zaar

ALEMANIA (DE)

Sofía López Mañán

ARGENTINA (AR)

Patricia Claro

CHILE (CL)

Anibal Gomescásseres

COLOMBIA (CO)

Katja Loher

SUIZA (CH)

Rafel Bestard

ESPAÑA (ES)

Nici Jost

ALEMANIA (DE)

Daniela Edburg

MÉXICO (MX)

Julia Romano

ARGENTINA (AR)

Ysabel Lemay

ESTADOS UNIDOS (EEUU)

Betsy Green

ESTADOS UNIDOS (EEUU)

José Basso

CHILE (CL)

Sair García

COLOMBIA (CO)

Katrin Gunther

ALEMANIA (DE)

Mario Vélez

COLOMBIA (CO)

Benedetto Pietromacchi ITALIA (IT) José Luis Carranza

PERÚ (PE) 21

PAISAJE

La mirada hacia el verdadero sentido del objeto, llevar a la doble lectura escenarios cotidianos, encuadrar idealizando lo que se da por sentado, ampliar los espacios, son estrategias conceptuales en la obra de Aleksandar Zaar. El arte tiene la función de hacer visible ideas, y es ahí donde lo más sencillo puede adquirir consistencia discursiva. Zaar apela a la identidad, a la deducción, a la persistencia y al desborde a través de la añoranza. Hay además una permanente visibilidad figurativa. Plasma imágenes con estética de tiempos pasados, embellece límites entre paredes y suelo proporcionando una nueva forma de mirar, así como también paisajes vigilados por un guardia que podría estar ahí porque lo obligan o lo desea. Sin embargo, es indudable su solemnidad ante la vastedad del horizonte. Los roles están idealizados y el ajuste fotográfico prioriza la obnubilación ante lo que debería ser sencillo. La inmensidad se hace parte de su propuesta, en donde el vacío y el silencio contradicen la vorágine a la que estamos sometidos. Su obra apela a reflexionar acerca de la identidad y la ausencia, tentándonos a encontrar belleza en la soledad. Un paisaje que esconde y que deja entrever el paso del tiempo, un tiempo que queda en la memoria.

ALEKSANDAR ZAAR DE Looking at the true meaning of the object, making a double interpretation of daily situations, framing the idealization of what is taken for granted, and amplifying spaces are conceptual strategies in the work of Aleksandar Zaar. A function of art is to make ideas visible, and that is where the simplest things may acquire discursive consistency. Zaar appeals to identity, deduction, persistence, and overflowing through yearning. There is also a permanent figurative visibility. He captures images with a past time aesthetic; embellishes the limits between the walls and the floor, offering a new way of looking at things, as well as shooting landscapes watched over by a guard that could be there due to obligation or desire. However, the solemnity in the face of the vastness of the horizon is unquestionable. The roles are idealized and the photographic adjustment prioritizes the bewilderment by things that should be simple. Immensity becomes a part of his work, in which emptiness and silence contradict the maelstrom we are subjected to. His work urges us to reflect on identity and absence, tempting us to find beauty in solitude. He manages to capture hidden landscapes that provides glimpses of the passing of time, a time that persists in memory.

DE LA SERIE SECURITY, “FIELDWORK NO. 1”, 2009, impresión lambda montada sobre alu-dibond, 100 x 100 cm. (detalle).

LANDSCAPE

COLECCIÓN SIN LÍMITES

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

PAISAJE

LANDSCAPE

SOFÍA LÓPEZ MAÑÁN AR ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

PAISAJE

Avanzar junto con la fotógrafa Sofía Lopez Mañan hacia un bosque significa exponerse a encuentros perturbadores: desde las hojas salen unas piernas desnudas, encima de una rama yace una ninfa cubierta con un abrigo de visón. No menos inquietantes resultan ser los interiores que Mañan representa: lugares ruinosos o pertenecientes al universo burgués, pero marcados por la ausencia de vida humana. La existencia deserta los salones para recomponerse ambiguamente en las sagradas profundidades de los bosques. En este sentido, el blanco y negro que la fotógrafa adopta resulta ser perfectamente adecuado para su profunda intención simbólica.

SOFÍA LOPEZ MAÑAN AR Moving with photographer Sofía Lopez Mañan towards a forest means to expose oneself to disturbing encounters: from the leaves naked legs appear, above a branch lies a nymph wearing a mink coat. Not less disturbing are the interior scenes that Mañan represents: dilapidated places or ones belonging to the bourgeois universe, but marked by the absence of human life. Existence deserts the halls in order to vaguely recompose itself in the sacred depths of the forests. In that sense, the black and white configuration that the photographer adopts turns out to be perfectly adequate for her profound symbolic intention.

EL DESCANSO, 2013, fotografía digital impresión, 50 x 75 cm. (detalle)

LANDSCAPE

En los grandes lienzos de Patricia Claro se mezclan desde la técnica pictórica, lo tradicional y lo contemporáneo. Por un lado, la fotografía digital es un elemento fundamental en el proceso creativo, por otro el minucioso trabajo llevado a cabo a la hora de traspasar las tomas al lienzo refleja un manejo excepcional del arte pictórico. El resultado, grandes obras en las cuales los paisajes reflejados en un charco de agua son capturados en un irrepetible, fluyente y líquido instante. Es justamente este dinamismo sin fin lo que la artista busca: si desde lejos las composiciones de Claro se definían como hiperrealistas, al acercarse se descomponen en una infinidad de formas geométricas, pixeles, gotas de color en construcción y deconstrucción perpetua que subrayan aquel dinamismo “acuático” anhelado.

PATRICIA CLARO CL On the large canvasses of Patricia Claro, the traditional and the contemporary are combined in terms of painting technique. On one hand, digital photography is a fundamental element in the creative process. On the other, the meticulous work performed at the moment of transferring the shots to a canvas reflects an exceptional mastery of pictorial art. The results are large works of art in which the landscapes reflected in a puddle are captured in an unrepeatable, flowing, and liquid instant. It is exactly that endless dynamism that the artist seeks: although the compositions of Claro are defined as hyper-realistic from far away, when one gets closer, they are separated into infinite geometrical shapes, pixels, droplets of color under eternal construction and deconstruction that underline that sought-after “aquatic” dynamism.

ANOTHER LANDSCAPE II, 2009, óleo sobre tela, 75 x 125 cm. (detalle)

PAISAJE

LANDSCAPE

PATRICIA CLARO CL ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

PAISAJE

ANÍBAL GOMESCÁSSERES Aníbal Gomescásseres divide su obra en dos estilos, los de Satisfacción Artificial, en el cual a través de llamativos colores y un estudio tanto del mercado como de las técnicas de publicidad contemporánea, muestra los códigos creados para atraer a los consumidores hacia algo de bajo costo que le promete felicidad y placer, por su función práctica, la ilusión de seguridad distorsionada y de placer. El otro es la Iluminación de Ambientes, donde registra diversos movimientos de la luz natural dentro de espacios cerrados y las variaciones que sufre ante elementos como el agua u otros materiales.

DESIERTO, 2013, impresión digital, 160 x 50 cm.

Aníbal Gomescásseres divides his work into two styles, those from Satisfacción Artificial, in which, through bright colors and the study of both the market and modern advertising techniques, he shows the codes created to appeal to consumers to move towards something of low-cost that promises happiness and pleasure, for its practical function, the distorted illusion of safety and pleasure. The other is the Iluminación de Ambientes, where he registers diverse movements of natural light within closed spaces and the variations experienced before elements such as water and other materials.

LANDSCAPE

KATJA LOHER

Los trabajos videoartísticos de Katja Loher se alejan de las proyecciones tradicionales sobre pantalla, generando lo que ella ha denominado “esculturas de video”. Estas obras en sus palabras “tratan de liberar a la imagen en movimiento, y de la tecnología”, concibiendo sus obras como un lenguaje objetual e instalatorio, donde la tecnología es un recurso netamente auxiliar. Es así que la artista se encarga de cada detalle, siendo ella quien filma y edita las imágenes que se proyectan, a veces, sobre personas vestidas con diseños de su propia autoría; a veces, sobre burbujas de vidrio sopladas previamente por ella misma. Estos y muchos otros elementos van componiendo idealizados universos de fantasía tecnicolor, que al mismo tiempo interactúan con la crudeza de la realidad cotidiana.

The video art of Katja Loher is far from traditional screen projections, creating what she has called “video sculptures”. These works, in her own words, “attempt to release a moving image, and from technology”, conceiving her work as an objectual and installation language, where technology is a purely additional resource. For this reason, the artist is in charge of every detail and she is the one who shoots and edits the projected images, sometimes on people dressed with designs of her own creation, and sometimes, on glass bubbles previously blown by her. These and many other elements make up idealized universes of technicolor fantasy that at the same time interact with the harshness of everyday reality.

BETWEEN THE SUN AND..., 2013, escultura de vidrio autónomo, video monocal, pantalla de video incrustado, círculo blanco en acrílico, duración 3.30 min., 25 x 25 x 5 cm.

PAISAJE

RAFEL BESTARD ES En la obra de Bestard nos encontramos con situaciones particulares: mujeres con poses y miradas eróticas, en conjunto con animales situados en espacios naturales o a veces interiores. La referencia al cuento aparece a menudo, mas no desde lo infantil e inocente, sino al contrario: cierto misterio y atisbos de sensualidad se hacen latentes en su producción, bordeando lo absurdo e incluso perverso. Sus escenas juegan con ese sutil límite entre lo onírico, la fantasía y realidad.

I’M SURE OF IT, óleo sobre tela, 80 x 81 cm.

In the work of Bestard we find peculiar situations: women posing and glancing erotically together with animals in natural places or sometimes in interiors. References to tales often appear, not in a childish and innocent manner, but the opposite: a certain mystery and traces of sensuality appear in his work, bordering on the absurd and even depraved. His scenes play with the thin line that separates dreams, fantasy and reality.

LANDSCAPE

NICI JOST DE A pesar de las dificultades que se encuentran al buscar el denominador común en una obra híbrida y multiformato, la definición de un nuevo espacio perceptivo configura a cabalidad el concepto de Nici Jost, quien presenta una diversidad de elementos que tienen en común el exterminio de lo tradicional. A partir de la metamorfosis y del ordenamiento de ciertos objetos, explora la tensión entre lo cultural y lo natural, entre los espacios recorridos y los espacios oníricos, desligando la funcionalidad de la que inevitablemente somos parte, para proponer un nuevo escenario, en donde la arista cultural, es decir, la arista intervenida por el individuo, es la que mayormente queda en desventaja.

In spite of the difficulties one faces when searching for the common denominator in a hybrid and multi-format artwork, the definition of a new perceptual space wholly represents the concept of Nici Jost, who presents a variety of elements that have the extermination of traditional in common. With the metamorphosis and organization of certain objects as the starting point, she explores the tension between culture and nature, between visited places and the places in our dreams, exempting the functionality that we inevitably are members of, in order to propose a new scenario in which the cultural aspect, that is to say, the aspect intervened by the individual, has the biggest disadvantage.

AERIAL 5, 2010, disparo en Pinewood Studios, Londres, fotografía lenticular, 75 x 75 cm. 9 ediciones.

PAISAJE

LANDSCAPE

DANIELA EDBURG MX En el trabajo de Daniela Edburg existe un punto en común, la temporalidad analizada desde la ansiedad que genera en el ser humano y su existencia. La forma, sin embargo, transita entre la fotografía, donde analiza al ser humano, el mundo artificial y aquellos escenarios extremos y ficticios que confunden al espectador. Por otro lado, trabaja el tejido para representar cosas suaves y absurdas, con un toque irónico y sarcástico a partir de escenarios formales, donde banaliza la muerte y la razón.

In the work of Daniela Edburg there is a common point, temporality analyzed from the perspective of the anxiety that it produces in human beings and its existence. The shape, however, moves between photography, where the human being is analyzed, the artificial world and those extremes and fictitious scenarios that confuse the viewer. On the other hand, she works the fabric in order to represent new soft and absurd things, with a touch of irony and satire based on formal scenarios, where death and reason are taken lightly.

CEREBRO, 2009, impresión digital con tintas de archivo, 100 x 110 cm. (detalle)

PAISAJE

LANDSCAPE

JULIA ROMANO AR El interés de la artista por el estudio del paisaje proviene de la evolución de este género a lo largo de la historia del arte, cuyas representaciones son muchas veces alteradas en la actualidad mediante distintas técnicas. Es así como los paisajes de Julia son creados con collage digital a partir de diversos fragmentos fotográficos. Son ambientes naturales de carácter ficticio, en donde la luz sobre los follajes, así como los reflejos en el agua que no siempre calzan, remiten a una realidad supra terrenal, que bordea lo onírico y fantástico.

The artist’s interest for the study of landscapes comes from the evolution of this genre throughout the history of art, whose representations are often altered these days by means of different techniques. This is how Julia’s landscapes are created with digital collages from diverse photographic fragments. These are natural environments of a fictitious nature, where the light on the foliage, as well as the reflections on the water that sometimes do not fit, refer to a supernatural reality that borders the dreamlike and fantasy.

CASERÍO, 2017, impresión digital, 110 x 110 cm.

PAISAJE

YSABEL LEMAY EEUU Ysabel LeMay realiza collages digitales. El proceso comienza con la toma de cientos de fotografías, que posteriormente son intervenidas y mezcladas computacionalmente para resaltar propiedades visuales de luz y color. Luego organiza detallados montajes para formar una composición total. Sus imágenes presentan panorámicas de una flora y fauna idealizada y fantástica, de múltiples hábitats posibles solo en ese universo visual, tan vívidamente realizadas que parecen naturales. Si bien la técnica es de alta tecnología, el proceso de trabajo, lejos de ser mecánico es íntimo personal y orgánico.

Ysabel LeMay makes digital collages. The process starts by capturing hundreds of photographs that are subsequently intervened and combined computationally in order to highlight visual light and color properties. Then, she organizes detailed assemblies to form the final composition. Her images present panoramic snapshots of an idealized and fantastic flora and fauna, of multiple habitats only possible in this visual universe, so vividly carried out that they seem natural. Although the technique is highly technological, the work process, far from being mechanic, is intimate, personal and organic.

EVE, 2015, impresión sobre papel Hahnemule, 121 x 137 cm. (detalle)

LANDSCAPE

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

PAISAJE

BETSY GREEN EEUU

CONFRONTING THE SUBLIME, LES CALANQUES 7, 2008, fotografía cromogénica, 176 x 116 cm. (detalle)

LANDSCAPE

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

PAISAJE

JOSÉ BASSO

José Basso crea paisajes con mínimos elementos visuales: colores planos de tonos saturados activan el campo pictórico, desprovisto de grandes detalles; sólo un árbol y una casa en el horizonte bastan para señalar un vasto espacio natural, donde nadie habita. Son vistas lejanas, tipo gran plano general. Al medio de las telas yace el horizonte que separa el plano del prado y el del cielo. De ese modo vemos una síntesis paisajística, cuyo principal componente es la división por color para crear atmósferas no siempre verosímiles.

SIN TÍTULO, 2013, acrílico sobre tela, 80 x 40 cm.

José Basso creates landscapes with minimal visual elements: flat colors in saturated tones activate the pictorial field, devoid of great details; just a tree and a house on the horizon are enough to highlight an extensive natural place where nobody lives. They are distant views, using very wide shots. In the middle of the fabrics lies the horizon that separates the prairie from the sky. That way we can see a synthesis of the landscape whose main component is the division by color to try to create atmospheres that are not always plausible.

LANDSCAPE

SAIR GARCÍA

Un enfoque sociológico, en donde se retrata al hombre y al río colombiano, que sufre dificultades y se siente desplazado por una vorágine material es el ideario de Sair García. En su obra, sujeta a un canon figurativo, se configuran escenas de la Colombia tropical, lo cual se traduce en un paisaje frondoso y vistas amplias del río, sin embargo también queda de manifiesto su carácter trágico y periférico, dando muestras de un escenario desconectado del ritmo acelerado que conlleva la urbanidad y del resabio posterior a la violencia. García sutilmente está haciendo esta denuncia, con pinturas hechas en acero lo cual tiene sintonía entre el mensaje que quiere entregar y la índole dúctil y cohesiva de las aguas del río.

A sociological approach, in which men and the Colombian river are portrayed, experiencing difficulties and feeling displaced by a material whirlwind is the ideology of Sair García. In his work, a figurative canon is fixed; scenes from tropical Colombia are configured, which translate into a lush scenery and broad views of the river. However, its tragic and marginal character is also manifested, evidencing a landscape that is disconnected from the quick rhythm of urban life and the bitter aftertaste of violence. García subtly denounces this situation with steel paintings, which are in tune with the message that he wants to deliver and the malleable and cohesive nature river’s waters.

DE LA SERIE MAGDALENA, 2014, óleo sobre acero inoxidable, 80 x 80 cm.

PAISAJE

KATRIN GUNTHER

Katrin Gunther hegemoniza la construcción arquitectónica, multiplicando su poderío y saturando el espacio a través de su geometrización. El mecanismo es a la usanza barroquista; vigas, construcciones y planos se van entretejiendo en diagonales imperturbables, enmarañando y atiborrando el paisaje que contiene dicho oleaje rectilíneo. La factura es depurada y precisa, se permite el detalle minucioso, se engolosina la multiposición y el punto de fuga, junto con ello, a través de un dibujo regido por criterios de perspectiva y composición bidimensional, Gunther da vida a una arquitectura propositiva, que permite la profundidad y se apodera rítmicamente de los espacios.

Katrin Gunther lets architectural construction rule supreme, multiplying its powers and saturating space through its geometrization. The mechanism is baroque; beams, constructions, and layers are interwoven in composed diagonals, tangling and cramming the landscape that contains this surge of rectilinear waves. The finishing is clean and precise, and small details are present. Along with this the multi-position and vanishing point are embellished, through a drawing ruled by two-dimensional perspective and composition criteria, Gunther gives life to a proactive architecture that allows for depth and rhythmically takes over spaces.

WÜNSCHELWALD, 2013, tinta sobre papel, 100 x 120 cm. (detalle)

LANDSCAPE

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

PAISAJE

MARIO VÉLEZ

TEXTURA ATMOSFERICA - ATMOSPHERIC TEXTURE, 2013-14, óleo, acrílico y poliester sobre tela, 80 X 140 cm. (detalle)

LANDSCAPE

BENEDETTO PIETROMACCHI Con una formación en escultura clásica y arquitectura, Benedetto Pietromacchi mantiene la línea de sus estudios muy presente en su obra. Haciendo uso de diversos materiales como yeso, terracota, metales o madera, da forma a esculturas centradas en temas como los desplazamientos, la alteración de escalas o la correspondencia entre naturaleza y artificio. Su oficio y agudeza técnica reflejan su formación en escultura académica, donde la escala y el tamaño de sus objetos generan monumentales artefactos lúdicos y absurdos.

With a background in classic sculptures and architecture, Benedetto Pietromachi maintains the line of his studies very present in his work. Using diverse materials, such as plaster, terracotta, metal, or wood, he gives shape to sculptures centered on topics such as displacement, alteration of scales, or the correspondence of nature and artificiality. His effort and technical acuity reflect his formation in academic sculpturing, in which the scale and size of his objects generate monumental ludic and absurd artifacts.

FATIMA, 2014, carbón sobre tela, 100 x 138 cm. (detalle)

PAISAJE

JOSร LUIS CARRANZA PE

LEDA, 2015, รณleo sobre tela, 120 x 100 cm. (detalle)

POLITICA

EL PODER POLÍTICO DE UNA OBRA DE ARTE THE POLITICAL POWER OF A MASTERPIECE

Por MARÍA ALEJANDRA TORO VESGA. COLOMBIA. Periodista cultural / Cultural Journalist

POLITICS

Los seres humanos estamos inmersos en un gran orden mundial que es ante todo político. Político en el sentido en que ordena, jerarquiza y normatiza. Establece reglas implícitas sobre el deber ser y el devenir de una sociedad, las cuales varían y se enmarcan dentro de lo que conocemos como repúblicas, naciones o estados, entre otras formas de división. Estas varían en ciertos casos o se asemejan en otros, y producen diferencias que generan múltiples puntos de vista sobre nuestro mundo, y que pueden manifestarse en la danza, la música, el cine y, por supuesto, las artes plásticas. Salvo aquellos que voluntariamente deciden alejarse del orden social establecido –como los ermitaños que se alejan de las grandes urbes o aquellos que las habitan pero que no siguen las reglas y por tanto son excluidos– todo ciudadano debe responder antes las leyes sociales, aportar y desarrollarse dentro de esos márgenes de libertad. Una libertad que aboga por el desarrollo del ser, por la exploración de sus capacidades y por su autoconocimiento, algo que es en sí mismo una gran responsabilidad. Podemos desarrollarnos en libertad, siempre y cuando no afectemos a la de los demás y nos rijamos bajo los principios normativos de la sociedad. Sin embargo, este anhelo de libertad suele ser amilanada por la desigualdad económica y otros factores que inciden en el desarrollo del ser. Por el contrario, los individuos se convierten en un engranaje más del mercado; en sirvientes que están enajenados por distractores producidos por el mismo sistema que dice defender su libertad y sus ideales: el consumismo, el status las posesiones materiales y demás artilugios que suelen generar satisfacciones y, al mismo tiempo, sentimientos de frustración.

Human beings are immersed in a great world order that is, above all, political. Political in the sense that it organizes, creates hierarchies and regulates. It establishes implicit rules regarding what must be and society’s evolution, which vary and are framed within what we know as republics, nations, or states, among other forms of division. In certain cases, these change or might be similar in other circumstances, and create differences that result in multiple perspectives on our world, that can be manifested through dance, music, movies and, of course, visual arts. With the exception of those who voluntarily decide to distance themselves from the established social order, such as hermits that leave big cities or those who inhabit them but do not follow the rules and, therefore, are excluded; all citizens must answer before social laws, contribute, and grow within those margins of freedom. A freedom that advocates for the development of people, for the exploration of their capacities and for their self-knowledge, something that is a great responsibility in itself. We can grow freely as long as we do not affect the growth of others and we operate under the regulatory principles of society. However, this desire for freedom tends to be discouraged by economic inequality and other factors that have a direct impact on human development. On the contrary, individuals become a mere cog in the market, servants that are isolated by distractions created by the same system that claims to defend their freedom and ideals: consumerism, the status material possessions provide and other devices that tend to bring satisfaction and, at the same time, feelings of frustration.

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POLITICA

As individuals immersed in a social reality that is less and less local and more transnational, we are called on to be participants and critics of our era

A pesar de estas situaciones existen maneras de ‘escapar’ a estas condiciones limitantes. Una de estas es el arte, entendido como una forma de producción de pensamiento que reflexiona, conmueve y genera preguntas. Tal es el caso del trabajo de varios de los artistas pertenecientes a esta colección. Seres que, movidos por una pulsión interior, por una experiencia personal o cercana y ante todo por una enorme sensibilidad hacen de su obra una vía para cuestionar el aparente orden del cual debemos ser partícipes. Los artistas que, o bien producen obras con la pretensión de denunciar, o con la intención de dar cuenta de algo, poseen la capacidad de plantearse preguntas diferentes a las ya formuladas; dominan diferentes técnicas y las modifican, propiciando un diálogo en un lenguaje que se enmarca dentro de una libertad: la creativa. Desde ahí, el beneficio que aportan a la sociedad es consecuencia de ese ejercicio creativo. Sin pretender erigirse como salvadores de la sociedad, dejan

Notwithstanding these situations, there are means of “escaping” these restricting conditions. One of them is art, understood as a method to produce thoughts that reflect, move, and generate questions. Such is the case of the works of several artists that make up this collection. Individuals that, driven by an inner force, by a personal or close experience and, primarily by an immense sensitivity, make of their work a path to question the apparent order in which we must participate. Artists who create works with the desire of denouncing or, with the intention of bringing something to light, have the capacity to ask themselves different questions from those that had already been asked; they master different techniques and they modify them, fostering a dialogue in a language that is part of a type of freedom: the creative one. From there, the benefit they contribute to society is the result of that creative exercise. Without pretending to emerge as saviors of society, they leave a material legacy that allows to demonstrate that there are indeed paths for development. A legacy that, subsequently, becomes historic and cultural. As individuals immersed in a social reality that is less and less local and more transnational, we are called on to be participants and critics of our era. Ultimately, among those obligations that we acquire for being citizens is that of acting as political and reflective beings, in the sense Aristotle proposed in his work Politics, when he indicated that humans are social and rational beings.

POLITICS

un legado material que permite demostrar que sí existen caminos para desarrollarse. Un legado que, posteriormente, se convierte en histórico y cultural. Como individuos inmersos en una realidad social cada vez menos local y más transnacional, estamos llamados a ser partícipes y críticos de nuestra era. En últimas, entre aquellos deberes que adquirimos por el hecho de ser ciudadanos está el de actuar como seres políticos y reflexivos, en el sentido que planteó Aristóteles en el tratado Política, al señalar que el ser humano es un ser social y racional. De ahí que el punto de partida del arte sea indiscutiblemente social. Independientemente de si se trata de arte abstracto, cinético, performativo, escultórico, pictórico, toda producción está enlazada a lo humano y a lo sensible. La exploración técnica alimenta lo conceptual y permite crear un nuevo lenguaje para expresarse y propiciar diferentes lecturas. Interpretaciones que enriquecen a la obra y que la ponen a circular dentro del contexto en el que se crea y se expone a un público. En un mundo dominado por el exceso de información, con enormes autopistas virtuales de datos verídicos y no verídicos existen los artistas quienes, con un lenguaje propio que excede a las palabras nos muestran que a pesar de las dificultades compartimos los mismos ideales. Que podemos empezar a cambiar nuestra realidad a partir de las preguntas que surgen al situarnos frente a una obra o hecho artístico. Algo que en sí mismo es un aporte, porque nos recuerda que somos seres políticos y que formamos parte de esa realidad que los artistas nos presentan a su manera. La política en una de sus manifestaciones más puras.

That is the reason why art is indisputably social. Regardless of the fact that it might be abstract, kinetic, performing, sculptural or pictorial art, all production is linked to the human and to sensitivity. The technical exploration feeds the conceptual and allows creating a new language to express ourselves and promote new readings. Interpretations that enrich the work and which allow it to move within the context of its creation and exhibition to an audience. In a world dominated by the excess of information, with huge virtual highways of true and false data, there are artists who, with their own language that goes beyond words, show us that in spite of difficulties, we share the same ideals. We can start changing our reality based on the questions that appear when we face an artistic work or activity. Something which is a contribution in itself, since it reminds us that we are political beings and we are part of the reality that artists display in their own manner. Politics is one of their most pure manifestations.

Como individuos inmersos en una realidad social cada vez menos local y más transnacional, estamos llamados a ser partícipes y críticos de nuestra era ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

Antuán

CUBA-ESTADOS UNIDOS (CU-EEUU)

Mario Soro

CHILE (CL)

Fernando Arias

COLOMBIA (CO)

Imanol Marrodán Rafael Gomezbarros Nahuel Tupac-Losada

ESPAÑA (ES)

Genietta Varsi

PERÚ (PE)

Adonis Flores

CUBA (CU)

Diana Drews

COLOMBIA (CO)

Heide Hatry

ALEMANIA (DE)

Guillermo Núñez

CHILE (CL)

Ismael Frigerio

CHILE (CL)

Omar Castañeda

COLOMBIA (CO)

Florian Raiss

BRASIL (BR)

Andrey Kezzyn

ALEMANIA (DE)

Gastón Ugalde

BOLIVIA (BO)

Eduardo Villanes

PERÚ (PE)

Joel Grossman

COLOMBIA (CO)

COLOMBIA (CO) ESPAÑA (ES)

Armando Mariño

CUBA (CU)

Jeremy Dean

ESTADOS UNIDOS (EEUU)

Carlos Montes de Oca CHILE (CL) Maquiamelo

COLOMBIA (CO)

Daniela Kovacic

CHILE (CL)

Evelyn Tovar

COLOMBIA (CO)

Miguel Aguirre

PERÚ (PE)

Ángel Delgado

CUBA (CU)

Sergio Fasola

ARGENTINA (AR)

Jesús Hdez-Güero

CUBA (CU)

Raúl Marroquín

COLOMBIA (CO)

Verónica Riedel

GUATEMALA (GT)

Rodrigo Petrella

BRASIL (BR)

Tomás Ochoa

COLOMBIA (CO)

Sandra Mann

ALEMANIA (DE)

Diego Lama

PERÚ (PE)

Camila Lobos

CHILE (CL)

Eduard Moreno

COLOMBIA (CO)

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

POLITICA

POLITICS

ANTUÁN CU-EEUU ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

POLITICA

El objeto y la figura humana son dos elementos recurrentes en la obra de Antuán, quien busca alterar la percepción del espectador cuando se enfrenta a su trabajo para que el objeto pueda revelar cosas al individuo. De manera directa, como los puching balls y mopas con rostros de políticos contemporáneos; o indirecta, como ocurre con las obras de Antuán donde trabaja significados opuestos como el camino de la verdad, valores, espiritualidad, ecología, conciencia, meditación y armonía, sus obras son una constante reflexión sobre el ser humano, la interacción, las dualidades, el estoicismo y lo positivo de la vida que hace pleno al ser.

ANTUÁN CU-EEUU Objects and the human figure are two recurring elements in Antuán’s work, who seeks to alter the perception of the viewer when facing his work in order for the object to reveal things to the individual. In a forward manner, with punching balls and mops with faces of modern politicians, or indirectly, like in the pieces where he confronts opposite meanings as the path for truth, values, spirituality, ecology, conscience, meditation, and harmony, his work is a constant reflection about the human being, interaction, dualities, stoicism and the positive aspects of life that fully satisfy the human being.

LEFT OR RIGHT, IZQUIERDA O DERECHA, 2004, instalación de materiales diversos, medidas variables. Foto: Mariano Costa Peuser.

POLITICS

A partir del grabado, las instalaciones y el trabajo performático, el artista Mario Soro propone una reflexión en torno a dinámicas sociológicas, a realidades nacionales de la historia de Chile, a los caídos, a la fe y al género. Su trabajo conceptual durante y posterior a la dictadura dan cuenta de un análisis profundo acerca de qué es lo que nos importa como sociedad y hasta dónde podemos modificar nuestra idiosincrasia, su identidad y sus particularidades. Su mirada es analítica y pone de manifiesto una visión crítica en donde el individuo queda expuesto al cuestionamiento. Su propuesta también es gráfica, donde construye imágenes a partir del grabado y de la impresión digital para narrar un accionar y un desenmascarar en ejercicio. Nunca un polígrafo había sido tan empoderado como imagen.

MARIO SORO CL By recurring to engravings, installations, and performances, the artist Mario Soro proposes a reflection about sociological dynamics, national realities of the history of Chile, of the fallen, faith, and gender. His conceptual work during and after the dictatorship provides a profound analysis about what really matters to us as a society and how far we can alter our idiosyncrasy, its identity, and its particularities. His view is analytical and highlights a critical vision where the individual is exposed to questioning. His proposal is also graphic, he constructs images using engravings and digital impressions in order to narrate actions and unmask the work. Never had a polygraph been so empowered as an image.

YO SOY LA MARCA (CUADRÍPTICO), 2016, collage de fuente analoga con diseño e impresión digital sobre papel, 70 x 55 cm. c/u. Montaje digital: Rodrigo Adaos. Impresión: Manuel Basualto.

POLITICA

POLITICS

MARIO SORO CL 63

POLITICA

FERNANDO ARIAS CO La obra de Fernando Arias se sustenta en una visión crítica e irónica acerca de la globalización, el conflicto armado colombiano y las repercusiones sociales del manejo de los mismos, entregando un discurso directo e incluso político en donde convergen distintas propuestas visuales. A través de la fotografía digital, la instalación y la performance, Arias vincula una postura ideológica con el otro integrante trascendental de la obra, el espectador. Siendo este partícipe en varios de sus desarrollos performáticos, lo cual amplía la visión colectiva gracias a la información aguda que logra desarrollar.

ESPELHO, ESPELHO, 2014, serigrafía sobre papel, 30 x 40 cm.

The work of Fernando Arias is founded on a critical and ironic view of globalization, the Colombian armed conflict, and the social repercussions of their handling, delivering a direct and even political discourse in which different visual proposal converge. Through digital photography, installations, and performance, Arias relates an ideological position with another fundamental component of the art work, the spectator. The latter being a participant in several of his performances, which widens the collective vision thanks to the acute information that he manages to develop.

POLITICS

IMANOL MARRODÁN ES

K'UN YARTE CH'IEN, impresión digital, 63.5 x 95.5 (detalle) AL2009, LÍMITE | COLECCIÓN SINcm. LÍMITES

POLITICA

RAFAEL GOMEZBARROS CO Lo festivo, las consecuencias de la guerrilla, la crítica al sensacionalismo de los medios de comunicación, la reflexión espiritual y valórica, junto a las dificultades del inmigrante en un mundo globalizado, configuran los hitos de la obra de Rafael Gomezbarros. Su obra se remite a instalaciones de cuidada factura, en donde es importante representar una atmósfera legible con elementos que se encuentran en nuestro contexto. Además le interesa reflexionar acerca de problemáticas existenciales como la identidad y el anonimato, la fe y la negación de la muerte, los valores y la confianza en los pares que siempre están bajo cuestionamiento, por algo sus manos tomadas cuelgan inestables. Esto hace que la propuesta conceptual de Gomezbarros se articule bajo una gran diversidad de discurso.

The festive, the consequences of the guerrilla, the criticism of the sensationalism of the media, the spiritual and moral reflections, together with the difficulties immigrants face in a globalized world, make up the milestones of Rafael Gomezbarros’ work. His work consists of carefully crafted installations, where it is important to represent a legible atmosphere with elements that are inside our context. He is also interested in reflecting on existential issues such as identity and anonymity, faith and the denial of death, values and trust in peers that are always under questioning, which is why his tied hands hang unstably. This makes it so that the conceptual proposal of Gomezbarros is articulated under a great diversity of discourse.

POLITICS

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES DESCONFÍO DE LAS COSAS ESTABLES (SOMOS HUMANOS), 2015, cerámica, cuerdas, plásticos y cobre, medidas variables.

POLITICA

NAHUEL TUPAC-LOSADA ES Saturación de íconos pop mezclados con obras consagradas de la historia del arte, imponencia de la figuras mediáticas, todo atiborrado para crear un nuevo lenguaje en sí mismo, un lenguaje consonante al exceso de información que nos rodea y a la que podemos fácilmente acceder. Además existe el afán de provocación a partir de lo que el inconsciente colectivo maneja como propio. La cultura de masas y su banalización son el denominador común. Tupac Losada, utiliza herramientas de la tecnología para generar una semiótica propia en donde queda de manifiesto la sacralización del canon de belleza, el materialismo inevitable y el control de los hegemónicos, todo encapsulado en una irónica propuesta. The combination of both the saturation of pop icons mixed with renowned works of art and the imposition of media figures creates a new language in itself, a language that complies with the excess of information surrounding us and that we can easily access. In addition, there is an effort to provoke using what the collective unconscious handles as its own. Mass culture and its trivialization are the common denominator. Tupac Losada uses technological tools to generate self-made semiotics in which the sacralization of beauty standards, the inevitable materialism and hegemonic control encapsule his ironic proposal.

POLITICS

A GEM IN I, 2012, estampa digital en material translĂşcido, montado en caja de luz, 35 x 100 x 12 cm. Serie limitada.

POLITICA

GENIETTA VARSI

NUEVOS CUERPOS: CRECIMIENTO, 2014, cerรกmica y pelo humano, 120 x 20 x 200 cm.

POLITICS

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

POLITICA

Las propuestas multidisciplinarias de Adonis Flores, se caracterizan por la permanente parodia al mundo castrense, desde la cual se aproxima críticamente a temas como la inflexibilidad, instrumentalización y uniformidad del aparato militar. Desde la imagen y la ironía, Flores busca desconcertar al espectador mostrando en sus fotografías el rostro de un soldado pintado de camuflaje-payaso, o uno de cuya boca sale un ramo de flores en vez de un grito viril. Desacralizar el culto por una soberanía armada y resignificar los íconos bélicos por los de la paz y el humor, son recursos desde los cuales desarma el estereotipo de las Fuerzas Armadas. El caso específico de Cuba –país del artista– merece, quizás, una mirada más cercana a la luz de sus obras, ya que arroja ideas sobre un fenómeno polémico y complejo en el que está vigente un proyecto soberano desde la milicia.

ADONIS FLORES CU The multidisciplinary proposals of Adonis Flores are characterized by the permanent parody of the military world, from which he critically approaches subjects such as the inflexibility, exploitation and uniformity of the military apparatus. From the image and irony, Flores seeks to bewilder the viewer by showing the face of a soldier painted in camouflage-clown in his photographs, or one where a bouquet of flowers comes out of his mouth instead of a manly call. To demystify the cult of an armed sovereignty and giving a new meaning to war icons through peace and humor are the resources from which he disarms the stereotype of the armed forces. In the specific case of Cuba, the artist’s homeland, it may warrant a closer look in light of his works, since he presents ideas regarding a controversial and complex phenomenon that involves a sovereign project of the militia.

EL HIJO, 2008, impresión digital, 100 x 66.6 cm.

POLITICS

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

POLITICA

GLORIA EVAPORADA, 1994, macrofotografía de fotografía vintage, papel Hanhemulle, 70 x 47 cm.

POLITICS

DIANA DREWS CO JARDÍN-BOSQUE, SIN TÍTULO, 2017, XXX, impresión digital, 120 140 x 120 110 cm.

POLITICA

Heide Hatry asume la finitud como la posibilidad de una nueva naturaleza. La carne se transforma en materialidad modificando en discurso lo que antes fue contexto. En su desarrollo plástico, se hace consciente la vulnerabilidad pero también la regeneración de la materia, trozos animales se transforman en instrumentos y en impronta, contradiciendo lo que asumimos del cuerpo muerto, dicho animal es comida e incluso es agente patógeno, es ahí donde está la tensión y la ironía lúdica de la artista, a partir de lo que nos produce la necesidad inconsciente de comer o de alejarnos por lo insalubre, Hatry embellece las formas y crea, por ejemplo, una nueva noción de jardín, concepto esencialmente apacible. Aparecen flores sutiles armadas con lengua de pato y estómago de toro, flores hechas de ojos de pez, el jardín ostenta el desecho cadavérico animal de manera lírica. En otra de sus propuestas, dando un salto desde lo apacible, dicha materialidad animal le sirve para crear rostros acoplados de piel, lo que forja un afán de nueva vida a partir de la muerte, génesis oscurantista que sólo logra fortalecer su discurso. Se asume lo finito, se le da una nueva oportunidad, retratos a partir de cenizas de difuntos, partes de animales que construyen y ornamentan, el agente creador es permanente y además femenino.

HEIDE HATRY DE Heide Hatry assumes finitude as the possibility for a new nature. Flesh is transformed into materiality, modifying what used to be its context in terms of discourse. In her visual development, there is awareness of vulnerability, but also of the regeneration of matter; bits of animals are made into instruments and become her signature, contradicting our assumptions about carcasses. Said animal is both nourishment and a pathogenic agent and this is where the tension and playful irony of the artist lies, forcing the spectator to choose between the unconscious need to either eat or to distance oneself from the unsanitary display Hatry beautifies shapes and creates, for example, a new notion of the garden, an essentially placid concept. There are subtle flowers arranged with duck tongues and bull stomachs, and flowers made from fish eyes. The garden flaunts the cadaverous animal waste in a lyrical manner. In another of her works, distancing herself from placidness, the aforementioned animal materiality serves to create faces loaded with skin, which forges an ambition for new life after death, an obscurantist genesis that only strengthens her discourse. The finite is embraced, it is given a new chance through portraits made from the ashes of the deceased, from animal parts that are used to construct and decorate. The creative agenct is permanent and also feminine.

HOLLY BARNES, 2014, técnica mixta (partículas de cenizas sueltas, carbon de abedul pulverizado, polvo de mármol blanco y cera de abejas), 35.5 x 27.9 cm.

POLITICS

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

POLITICA

GUILLERMO NÚÑEZ CL Guillermo Núñez es uno de los artistas más destacados dentro de la escena artística nacional, reconocido internacionalmente. Además obtuvo el Premio Nacional de Artes Visuales en 2007. Su trabajo, principalmente pictórico, ha integrado también objetos, instalación y grabado en grandes tirajes, el cual se ha caracterizado por aludir a problemáticas sociopolíticas locales vinculadas en parte a la dictadura militar, por la que fue exiliado del país. De ese modo la violencia, opresión y el dolor son constitutivos a su obra, realizadas de forma figurativa y también abstracta, con distintas técnicas y formatos.

Guillermo Núñez is one of the most outstanding artists of the national art scene and is internationally renowned. In addition, he obtained the National Visual Arts Award in 2007. His work, mainly pictorial, has also incorporated objects, installations, and engravings in large quantities, which are distinguished for alluding to local socio-political problems partly related to the military dictatorship, due to which he was exiled from the country. Because of this, violence, oppression, and pain are the building blocks of his work, created in a figurative and also abstract form, with different techniques and formats.

DESÁRMELO Y BÓTELO. PELIGROSO JUGUETE MÓVIL PARA USO ANTIPOPULAR, 1970, serigrafía, 78 x 58.5 cm.

POLITICS

ISMAEL FRIGERIO CL Formado en su juventud desde el Expresionismo Abstracto chileno, decidió establecer una identidad creativa, convirtiéndose en uno de los primeros artistas que volvió la mirada sobre Latinoamérica. Desde la pintura, o desde técnicas derivadas de ésta, Frigerio comenzó a poner en visible mitos, leyendas, elementos de la naturaleza y otras imágenes que tuvieran significados distintos en occidente antiguo y en América Precolombina. De este modo, la serpiente o el agua podrían interpretarse en clave cristiana (pecado y bautismo), pero también –en América– como divinidades ancestrales de germinación y vida. Son precisamente estos choques culturales coloniales y la resacralización pictórica, asuntos que han marcado las propuestas de Frigerio.

Trained in his youth in Chilean Abstract Expressionism, he decided to establish a creative identity, becoming one of the first artists that brought attention to Latin America. From painting or techniques derived from it, Frigerio began to highlight myths and legends, elements of nature, and other images that would have different meanings in the Ancient West and in pre-Columbian America. By doing so, the snake or water could be interpreted in a Christian manner (sin and baptism), but also, in America, as ancient deities of germination and life. These colonial culture shocks and the new pictorial enrichment are precisely the affairs that have defined Frigerio’s proposals.

VOCES DEL AGUA, 2015, técnica mixta sobre tela, 130 x 160 cm.

POLITICA

OMAR CASTAÑEDA

La obtención de alimentos y su producción en manos de empresas que los sobreexplotan, ha sido la consigna de Omar Castañeda. Por ello decidió trabajar hace más de dos décadas con pieles, restos animales o latas de conserva como herramientas de denuncia. No obstante, su material distintivo ha sido la panela o chancaca, alimento cuyo ingrediente es el jugo de caña de azúcar, “el oro dulce” de Colombia, subsidiario histórico del desarrollo económico del país y del mercado de hombres esclavos, es decir el oro y el azúcar son depositarios de valores extremos.

Obtaining food and its production by over-exploiting companies have been the motto of Omar Castañeda. For this reason, more than two decades ago he decided to work with fur, animal remains, or canned food as tools of denunciation. Nevertheless, his distinctive material has been raw cane sugar or “chancaca”, a food that contains sugar cane juice, “the sweet gold” of Colombia, a historical subsidiary of the country’s economic development and slave market. In other words, gold and sugar are holders of extreme values.

WALKERS, 2014, papel y patas de cuervo, 30 x 40 x 7 cm.

POLITICS

FLORIAN RAISS

EL PACTO, 2001, bronce pulido, 36 x 17 x 11.5 cm.

POLITICA

ANDREY KEZZYN

Andrey Kezzyn realiza verdaderas narraciones cinematográficas a través de sus obras. Imágenes inéditas que se relacionan a la historia de Rusia son parte de sus creaciones con diversos personajes, siempre con ironía y humor en la escena. Sus trabajos, caracterizados por tener el mínimo de edición posible adquieren fuerza a través de una iluminación potente, buenos asistentes y una increíble composición.

Andrey Kezzyn makes true cinematographic narrations through his work. Unpublished images related to Russia’s history are part of his creations with different characters, always with irony and humor in the scene. His pieces, characterized for having the least amount of editing possible, gain strength through strong lighting, good assistants, and incredible composition.

POLITICS

MEIN LIEBES FRÄULEIN, 2012, impresión en papel gliceé, 150 x 100 cm.

POLITICA

GASTÓN UGALDE BO La obra de Gastón Ugalde se configura como el grito del continente latinoamericano, desecado y asediado por agobiantes símbolos de una cultura extranjera y agresiva. Sin embargo parece indicar al espectador elementos de una vitalidad indígena en los que depositar la esperanza de un renacimiento: alfombras andinas vuelan encima de un árido salar, llueven confetis colorados, un velo rojo asume diferentes formas mientras el viento le hace dar vueltas. Finalmente en los gestos arcaicos encarados por los objetos representados en las imágenes de Ugalde se resume el sentido de una atávica cultura que todavía fermenta.

LA GUERRA DEL AGUA 2000, 2000, técnica mixta, medidas variables.

Gastón Ugalde’s work represents the cry of the Latin American continent, desiccated and besieged by the overwhelming symbols of a foreign and aggressive culture. However, he seems to hint at elements of an indigenous vitality to the spectator, with which he delivers the hope for a rebirth: Andean rugs that overfly an arid salt pan, colored confetti pouring over and a red veil assuming different shapes while the wind spins it. Finally, the archaic gestures of the objects represented in Ugalde’s images sum up the meaning of an atavistic culture that still rouses.

POLITICS

EDUARDO VILLANES PE

GLORIA EVAPORADA, 1994, macrofotografía de fotografía vintage, papel Hanhemulle, 70 x 47 cm.

POLITICA

JOEL GROSSMAN CO La historia del arte, el cine, la literatura, así como los medios de comunicación contemporáneos, son sin duda repertorios para la creación artística en el contexto posmoderno. Es el caso de Joel Grossman, quien se sirve tanto de obras icónicas de la tradición artística, como de imágenes sacadas de los medios masivos para crear sus propias obras por medio del dibujo y pintura digital. Grossman re-significa a la vez que actualiza dichos referentes, planteando una nueva historia del arte, o bien una nueva mirada frente a lo que vemos cotidianamente en las noticias. Para ello el artista enfatiza en imágenes u obras de carácter político, que puedan generar cierta tensión y relectura respecto a su tiempo-espacio de origen y al actual donde se insertan.

PROTESTA, pintura digital sobre acrilico, 80x 60 cm.

Art history, cinema, literature, as well as modern media is, undoubtedly, a repertoire for the artistic creation in the post-modern context. This is the case of Joel Grossman, who uses both iconic works from the artistic tradition and images taken from mass media in order to create his own pieces through drawing and digital painting. Grossman gives a new meaning and, at the same time, updates said reference points, proposing a new art history, or a new look regarding what we see every day in the news. For this purpose, the artist focuses on images or works of a political nature, which may generate certain tension and reinterpretation regarding their time-space of origin and the current one where they are inserted.

POLITICS

ARMANDO MARIÑO CU

ARTE LÍMITE | COLECCIÓN SIN 61 LÍMITES THE AL PROTESTER, 2011, óleo sobre papel, x 72 cm.

POLITICA

JEREMY DEAN EEUU God bless America, resuena en el inconsciente colectivo dando pie a una verdad poco contradecible, Estados Unidos se corona como la posibilidad de concretar las aspiraciones para el habitante del tercer mundo. Su bandera, por lo tanto, se imprime de una hegemonía del control, de la nueva oportunidad, del paraíso del sueño americano, y son estas directrices las que condicionan la propuesta del artista norteamericano Jeremy Dean. En su obra, banderas de USA se van tejiendo a través de hilos y agujas, vinculadas con imágenes en donde se reconocen personajes históricos o íconos del mass media. Estados Unidos muestra así su potestad mediática. Desde indios nativos americanos hasta la mujer maravilla, las banderas de Dean flamean lo que es simplemente la verdad, los hilos de las marionetas los manejan ellos.

BUY-SELL, 2011, bandera de EE.UU. deshilada, aguja y oro de 23 k., 44.5 x 62 cm.

God bless America, resonates in the collective unconscious revealing an undisputed truth: the United States is crowned as the possibility to realize the aspirations of third world inhabitants. Its flag, therefore, is stamped with the hegemony of control, of new opportunities, of the paradisiacal American dream, and these are the guidelines that condition the proposal of the North American artist Jeremy Dean. In his work, USA flags are woven through threads and needles, connected to images of historical characters and mass media icons. Thus, the United States shows its mediatic power. From Native Americans to Wonder Woman, Dean’s flags simply wave with the truth: they control the marionette’s strings.

POLITICS

CARLOS MONTES DE OCA CL

LA RESISTENCIA DE ESCRIBIR, 2004, libro y lรกpices de madera, 30 x 43 cm. (rojo). EL QUร DE LAS COSAS, 2004, libro y lรกpices de madera 30 x 42 cm. (azul)

POLITICA

Controversiales y provocativas son las obras de Maquiamelo, artista que saltó a la tribuna pública por sus trabajos con cabezas alusivas a “tribus urbanas” como punks, rastas o emos; o de celebridades como Pablo Escobar o Marilyn Monroe. De aspecto jibarizado y realizadas con técnicas mixtas que simulan a las de las tribus tsantsa amazónicas. Una vinculación sarcástica y chocante, que se condice perfectamente con el pseudónimo elegido por el artista, que tiene resonancias en el maquiavelismo y sus vías irrestrictas para acceder a determinados objetivos.

MAQUIAMELO CO Controversial and provocative are words to describe Maquiamelo’s work, an artist who managed to come into the public eye for his pieces with heads allusive to “urban tribes” like punks, emos, Rastafari; or heads of celebrities such as Pablo Escobar or Marilyn Monroe. With Jivaroan features and made with mixed media, they simulate the shrunken heads or “tsantsa” of the Amazonian tribes. A sarcastic and shocking parallel consistent with the pseudonym the artist selected, which resonates with Machiavellianism and its unrestricted way to achieve certain purposes.

ANDY WARHOL, 2016, impresión lenticular, 140 x 140 cm.

POLITICS

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

POLITICA

DANIELA KOVACIC

DE LA SERIE VERSUS, "ROSQUILLA", 2010, รณleo sobre tela, 200 x 135 cm.

POLITICS

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

POLITICA

EVELYN TOVAR

La observación del comportamiento del individuo supeditado al fenómeno urbano, sus jerarquías, repercusiones ambientales, clasificaciones sociales y desplazamientos son materiales traducibles a un ideario conceptual, que fundamentan una mirada lúcida e incisiva si se tiene la astucia. Esta es la premisa ideológica de Evelyn Tovar. Su enfoque está alerta a desentrañar las consecuencias nefastas del avance tecnológico y urbanístico. La naturaleza pierde su sentido, se hace tan cotidiana que la vorágine del crecimiento social la da por sentado y las secuelas de ese desapego se transforman en costumbre. Su lectura es determinista y crítica. Un ejemplo es la recopilación de material sobrante de ladrillos para después utilizarlos como material plástico de su obra, en la que construye pequeños módulos que se van atiborrando de manera ordenada y aparentemente inofensiva, haciendo eco a la sensación colectiva del crecimiento de la ciudad.

TERRAPLÉN, 2015, papel moneda, asfalto y aluminio, 8 x 8 x 30 cm.

Observing the behavior of an individual subjected to the urban phenomenon, its hierarchy, environmental repercussions, social classifications and displacements are materials that could easily constitute a conceptual ideology for a lucid and incisive perspective, if one is clever enough to do so. This is the ideological premise of Evelyn Tovar. Her focus is fixed on unraveling the nefarious consequences of technological and urban progress. Nature loses its meaning, it becomes so quotidian that the whirlwind of social growth takes it for granted and this detachment is transformed into a habit. Her interpretation is deterministic and critical. For instance, she gathered unwanted bricks to use them as materials in her work, constructing small modules that are crammed in a neatly and apparently inoffensive manner, echoing the collective sensation of the city’s growth.

POLITICS

MIGUEL AGUIRRE

DE LA SERIE HANGING THE WAR HOME, “ANKARA”, 2010, collage y óleo sobre papel, x 32 cm. ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN 46 LÍMITES

POLITICA

ÁNGEL DELGADO En 1990 tras hacer una performance en que defecaba sobre el periódico del órgano oficial del Comité Central del Partido Comunista de Cuba, Ángel Delgado nacido en la Habana en 1965 fue enviado a la cárcel por seis meses por alterar el orden público. A partir de entonces la libertad –o su ausencia– son ejes centrales de sus propuestas. Muchas de sus materialidades derivan de los meses de cautiverio, donde descubrió la posibilidad de dibujar sobre pañuelos y sábanas, o tallar imágenes sobre jabón de lavar. Tampoco está ausente el trabajo sobre medios artísticos más tradicionales como pinturas en acrílico o impresión digital, y es precisamente desde sus diversos recursos que Delgado apela a la imposición –carcelaria o laboral– de restricciones, prohibiciones y controles.

CU In 1990, after a performance in which he defecated on the newspaper of the official body of the Central Committee of the Cuban Communist Party, Angel Delgado, born in Havana in 1965, was sent to prison for six months for disturbing public order. Since then, freedom –or its absence– has been a central theme in his proposals. Much of his materiality derives from the months spent in captivity, during which he discovered the possibility of drawing on handkerchiefs and sheets, or carving images on soap. He has also done work with more traditional artistic means, such as acrylic paintings or digital prints, and it is precisely because of his diverse resources that Delgado appeals to the imposition –in prison or labor– of restrictions, prohibitions, and controls.

LÍMITE CONTINUO II, 2009, lápiz de cera, pastel seco e impresión digital sobre tela, 120 x 100 cm.

POLITICS

SERGIO FASOLA AR

MADONNA DELL ACQUA, 2008, fotografÃa digital editada, 70 x 90 cm.

POLITICA

JESÚS HDEZ-GÜERO En la obra interdisciplinar de Jesús Hdez-Güero, vemos cómo el arte se inserta al centro de la problemática política y social. Mediante técnicas como el collage, instalación, fotografía, video, entre otros. El artista explicita fenómenos sociales, muchas veces noticiosos aunque no siempre vistos ni visibles. Juega además con los discursos e identidades, mezclando diversos personajes icónicos de la política mundial, como ocurre con su serie Coincidencias históricas. Su gesto artístico genera una mirada crítica en el espectador; reflexiva respecto a lo que ve, lee y también sobre su entorno. Que el arte se convierta así en una plataforma comunicacional, vinculando y no diferenciando lo que es arte y política con tal de evidenciar las contradicciones contemporáneas.

SOBRE UN VACÍO PERIODÍSTICO, 2007, video, mini dv transferido a dvd, duración 13.18 min.

In the interdisciplinary work of Jesús HdezGüero we see how art is inserted into the center of political and social issues. By means of techniques like collages, installations, photography, videos, among others, the artist makes social phenomena explicit, which are sometimes newsworthy, but not always seen or visible. He also plays with discourses and identities, mixing diverse iconic characters of world politics, like in his series Coincidencias históricas. His artistic gesture generates a critical perspective in the spectator; thoughtful about what he sees, reads, and also his environment. Art thus becomes a communicational platform, relating and not differentiating what art and politics are in order to bring current contradictions forth.

POLITICS

RAÚL MARROQUÍN CO La noción de Raúl Marroquín está fundada en la primacía de los medios de comunicación. Le interesa el cruce y la inmediatez de la información, de manera que los objetos funcionales se presten a su servicio. Los elementos de sus propuestas son múltiples, desde un periódico –en sus inicios–, hasta televisores conectados y material audiovisual. Marroquín está enfocado en el análisis del contexto y a la entrega inmediata del acontecer, es por eso que ver un helicóptero junto a un diskette rodeando a la Torre Eiffel, situada en un mapa compendia la semiótica perfecta entre lo codificado y lo emitido, enlazando así las vertientes innegables del comunicar.

Raúl Marroquín’s notion is founded on the supremacy of the media. He is interested in the exchange and immediacy of information, and functional objects are at his disposal. There are multiple elements in his proposals, from newspaper –in his beginnings– to plugged-in television sets and audiovisual material. Marroquín is focused on the analysis of context and the immediate provision of occurrences, that is why seeing a helicopter and a diskette circling the Eiffel Tower, placed on a map, summarizes the perfect semiotics between what is coded and what is emitted, thus linking the undeniable aspects of communication.

HELICOPTER VIEW OF LA TOUR EIFFEL, 2001, múltiples caja de cartón, medidas variables. ARTE AL materiales LÍMITE | en COLECCIÓN SIN LÍMITES

POLITICA

VERÓNICA RIEDEL GT

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BELLEZA INTERNA, 2006, impresión en papel gliceé, 120 x 100 cm.

POLITICS

RODRIGO PETRELLA BR

SIN Tร TULO, impresiรณn digital, 120 x 120 cm.

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POLITICA

TOMÁS OCHOA

El fotógrafo Tomás Ochoa interviene sobre el imaginario histórico con el cual los colonizadores “dibujaron” a los pueblos amerindios: barbaros caníbales para cristianizar. Así la intención de Ochoa es la de deconstruir estas historias ficticias que todavía afectan el continente sudamericano, para liberar finalmente los relatos de los derrotados. Para hacerlo recurre a imágenes del pasado apelando a la memoria relacionándola dialógicamente con el presente. Ochoa entonces –según las palabras de Walter Benjamin– “cepilla la historia a contrapelo”, rescatando de las imágenes su función originaria y acompañándolas hacia una dimensión simbólica.

Photographer Tomás Ochoa intervenes on the historical imaginary used by the colonists to “draw” the Native Americans: cannibalistic barbarians in need of evangelization. Thus, Ochoa’s intention is to deconstruct those fictitious stories that still affect the South American continent in order to finally liberate the stories of the vanquished. To do this, he resorts to images of the past appealing to memory by dialogically relating it to the present. Ochoa, then, in the words of Walter Benjamin, “brushes history against the grain,” retrieving the original function of the images and setting them towards a symbolic dimension.

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DEL PROYECTO LIBRES DE TODA MALA RAZA, 2013, técnica mixta sobre pólvora en tela, 180 x 70 cm.

SANDRA MANN DE

BALLA BALLA, 2008, impresiรณn digital, 118 x 78 cm.

POLITICA

En el universo del arte audiovisual-digital el riesgo es inminente, la nueva materialidad permite la diversidad de enfoques y de recursos visuales, sin embargo el mecanismo es peligroso en el sentido de que el discurso puede verse fácilmente opacado por el efectismo. Esta es una problemática que en la obra de Diego Lama se ve completamente superada, el preponderante es crítico y por lo tanto el resultado visual se sujeta de un ojo examinador y astuto, en donde su visión siempre está evaluando el entorno. Le interesa analizar la estratificación social, la política y la disposición en la que se fomenta la cultura de su país Perú. Lama entiende que la población se flagela, y que el acceso a ciertos privilegios incluso culturales queda para unos pocos, de modo que no hace la vista gorda respecto a dichos fenómenos que al estar tan arraigados, en muchos casos, pasan desapercibidos. La ostentación arquitectónica, el lujo que se asocia a la cotidianeidad del poder, el optimismo ingenuo de la masa son manifestaciones claras que Lama entiende como problemática directa hacia los que tienen menos acceso y que en muchos casos no se dan cuenta de aquello. Todos estos pilares conjugan un trabajo sensible, discursivo y opinante, que no sólo se queda en lo descriptivo, sino que también apela a esa emancipación de los medios como anecdotario inconsistente para utilizarlo con fines de crítica social. No es casualidad que en su propuesta conceptual podamos ver incendiándose fragmentos de obras, la finitud y la vulnerabilidad para él es inminente.

DIEGO LAMA PE In the universe of audiovisual-digital art, risk is imminent. New materiality nurtures a diversity of approaches and visual resources; however, the mechanism is dangerous in the sense that the discourse can be easily seen as overshadowed by sensationalism. Diego Lama’s work has completely eradicated this issue; the dominant force is critical and, therefore, the visual result is subject to an examination and a clever eye, where his vision is always assessing the environment. He is interested in analyzing social stratification, politics and the way Peruvian culture, his native culture, was built. Lama understands that the population is self-flagellating, and that access to certain privileges, even cultural ones, is reserved just for a few so it is impossible for him to turn a blind eye on said deeply-rooted phenomena, which, in many cases, go unnoticed. The architectonic ostentation, the luxuries associated with the powerful’s daily lives, and the naïve optimism of the masses are all clear manifestations what Lama understands to be the direct problem of the less fortunate, who, in many cases, are unaware of it. All these pillars create a sensitive, discursive and opinionated work that is not only limited to the descriptive, but that also appeals to the emancipation of the media as an inconsistent anecdote in order to use it for social criticism purposes. It is not by chance that in his conceptual proposal we can see fragments of works catching fire. Finitude and vulnerability are imminent for him.

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TEMPUS FUGIT, 2013, video, medidas variables, 3 min. de duración

POLITICS

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POLITICA

CAMILA LOBOS CL Los límites son algo confuso, la luz puede ayudar a visibilizarlos o hacerlos aún más complejos. El trabajo de Camila Lobos aborda diversas problemáticas de la sociedad a través de la poesía visual. Ya sea con luz fluorescente, vidrio tallado o proyecciones, su obra genera cuestionamientos en el espectador que varían según su contexto, vida y forma de comprender la obra, con puntos críticos sobre la realidad.

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EJERCICIO DE VISIBILIDAD, 2015, luces de neón, 160 x 70 cm.

Limits are somewhat confusing, light can help to make them visible or even more complex. The work of Camila Lobos addresses diverse social issues through visual poetry. Either with fluorescent light, polished glass or projections, her work leaves the viewer with questions, which vary according to their context, life, and the manner of understanding the work, with critical points on reality.

POLITICS

EDUARD MORENO CO El individuo olvida sus raíces y condiciona el fomento de lo mediático, del papelerío, del trámite y del aparato burocrático, sin embargo siempre hay espacio para plasmar lo autóctono. Este es el entramado que le interesa retratar al artista Eduard Moreno, engalanar y hacer patente nuestro origen junto con su inevitable fragilidad, desmitificar nuestra supuesta trascendencia y apelar a los recursos obsoletos en términos de materialidad para así dar una segunda mirada a concepciones arraigadas en nuestro ideario, desde lo específico en el mundo del arte interviniendo citas residuales de obras maestras y también desde lo más antropológico al analizar nuestras raíces, ciertos comportamientos sociales y también las calamidades de la industria minera. Prima por sobre todo la doble lectura.

The individual forgets their roots and conditions the promotion of the media, paperwork, formality, and the bureaucratic system; however, there is always space to depict the indigenous. This is the framework that the artist Eduard Moreno is interested in portraying, to embellish and demonstrate our origin along with its inevitable fragility, to demystify our alleged transcendence and to appeal to obsolete resources in terms of materiality in order to provide a second glance at deep-rooted concepts in our ideology, from the specific concepts in the art world by intervening lingering quotes from masterpieces, and also from the most anthropological by analyzing our roots, certain social behaviors and and the catastrophes of the mining industry. Double interpretation prevails above all else.

DE LA SERIE TIERRA EN LA LENGUA, "NO. 10", 2013, huella de impresión deARTE punto sobre formas continuas de papel carbón, x 82 cm. AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN 72 LÍMITES

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MEMORIA

GRACIAS A LA MEMORIA SE DA EN LOS HOMBRES LO QUE SE LLAMA EXPERIENCIA - ARISTÃ&#x201C;TELES

THANKS TO MEMORY, MEN HAVE WHAT IS CALLED EXPERIENCE - ARISTOTELES

Por FELIPE FORTEZA. CHILE. Curador de Arte / Art Curator

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MEMORY

Una preocupación que ha caracterizado al arte en las últimas décadas, determinado por el proceso de globalización, ha sido la reformulación de la identidad en relación al paso del tiempo, de las historias pasadas y del concepto de memoria. La memoria posibilita codificar, almacenar y recuperar información del pasado, reteniendo experiencias que permiten meditar, entre otras cosas, sobre los aciertos y errores que cada época ha generado en el mundo, en forma colectiva o individual. Al examinar este fenómeno artístico, vale la pena preguntarse sobre los distintos procesos de memoria y sobre la influencia que estas representaciones han generado en torno a diferentes ideas como la ausencia, el olvido y la identidad, propiciando efectos en las diversas manifestaciones artísticas y en los públicos que las contemplan. Asimismo, analizar la posibilidad de algún cambio de paradigma en la percepción de memoria, según contextos históricos, sociales o culturales, especialmente sobre el arte contemporáneo.

One concern that has characterized art in recent decades, and that has been determined by the process of globalization, is the reformulation of identity in relation to the passing of time, past history, and the concept of memory. Memory allows codifying, storing, and recovering information of the past, retaining experiences that let one meditate, among others things, about the triumphs and failures that each age has brought upon the world, in a collective or individual manner. When examining this artistic phenomenon, it is worth asking oneself about the different processes of memory and the influence that these representations have had on different ideas, such as absence, oblivion, and identity, causing an effect on the different manifestations of art and the audience that observes them. It is equally important to , analyze the possibility of a paradigm shift in the perception of memory, in accordance to historical, social, or cultural contexts, especially on contemporary art.

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

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MEMORIA

Me parece relevante reflexionar sobre el sentido que tiene la representación del pasado en diversas manifestaciones artísticas, descifrando el significado de éste en el presente, mediante el gesto del recuerdo y de la memoria, como también sobre las diversas acciones que desarrollan artistas contemporáneos, materializando el pasado reciente o lejano como un intento de recreación óptica de algo o alguien que no permanece en el presente por mucho tiempo o también como un impulso de registrar, de evocar y de determinar marcos tangibles del recuerdo, a modo de estrategia visual, como si fuera un vestigio de tiempos pretéritos. Los conceptos generales de la memoria son principalmente la identidad, la huella, el testigo, el memorial y la inexistencia, situados como ejemplos precisos de recreaciones visuales de la memoria. Tal como nos indica Walter Benjamin, la imagen no representa un mero recurso retórico para ilustrar o enfatizar una idea, tiene más bien una fuerza expresiva propia, un potencial derivado del hecho que su forma y su contenido están intrínsecamente unidos. Muchas de las obras que vemos en este capítulo, enfocado en la memoria, como las obras de Chistian Fuchs, Hugo Lugo, Matilde Marín,

I believe it is relevant to reflect about the meaning representations of the past have on various manifestations of art, deciphering its influence on the present, through reminiscence and memory, as well as the different actions that contemporary artists carry out, materializing the recent or distant past as an effort of optical recreation of something or someone that does not remain in the present for long, or also as an impulse to record, evoke, and determine tangible frames of reminiscence, like a visual strategy, as if it were a vestige of days gone by. The general concepts of memory are mainly identity, prints, the memorial, and inexistence, positioned as precise examples of visual recreations of memory. Just as Walter Benjamin says, the image does not represent a mere rhetorical resource to illustrate or emphasize an idea. Rather than that, it has its own expressive force, a potential derived from the fact that its shape and content are intrinsically linked. Many of the works examined in this chapter, centered on memory, such as the pieces of Christian Fuchs, Hugo Lugo, Matilde Marín, Claudia Hersz, Cristina Fresca, Erika Ewell, Patricio Reig and Aurora, move across different states where memory captures the attention and themes of the artists. These spaces, either real or imaginary, move to different worlds of memory in a documentary or fictitious manner, with a concept of memory that is built upon a narration of the past, without tossing aside their ability to create pieces that are enormously valid and mysterious, such as the ones created by Hugo Vásquez, Ana de Orbegoso, Nicole Ahland, Federico Uribe, and Patricio Vogel. Each piece makes way for a particular universe of meaning, transcending space and time, and, at the same time, perceived as memories recovered from the imaginary of each creator. Something worth highlighting from this “memory” is that each of

Memory allows codifying, storing, and recovering information of the past, retaining experiences that let one meditate, among others things, about the triumphs and failures that each age has brought upon the world, in a collective or individual manner. 112

MEMORY

Claudia Hersz, Cristina Fresca, Erika Ewell, Patricio Reig y Aurora, se mueven en diversos escenarios donde la memoria capta la atención y temática de los artistas. Estos espacios, sean reales o imaginarios se desplazan a diversos mundos de los recuerdos de manera documental o ficticia, con una concepción de memoria que se construye a partir de una narración del pasado, sin dejar de lado su habilidad de crear obras de gran vigencia y misterio, como son las de Hugo Vásquez, Ana de Orbegoso, Nicole Ahland, Federico Uribe y Patricio Vogel. Cada registro da paso a un universo particular de significantes, trascendiendo tiempo y espacio, y a su vez percibiéndose como recuerdos recuperados del imaginario de cada creador. Algo destacable de esta “memoria” es que cada uno de los artistas expuestos facilitan una trasmisión histórica de sus propias experiencias, obsesiones o impresiones a las generaciones futuras, como Allison Janae Hamilton y su interés por la identidad de raza del sur de Estados Unidos, Claudia Coca y sus cavilaciones sobre el colonialismo peruano, Yves Hayat con sus bucólicas y dormidas imágenes de destacados personajes de la historia o Inti, quien con sus obras transfiere la memoria latinoamericana a través del arte urbano. Las artes visuales en la actualidad, en cualquiera de sus expresiones, pintura, fotografía, instalación o escultura, por nombrar algunasse desarrollan a una velocidad vertiginosa, creando nuevas dimensiones y posibilitando la aparición de nuevos lenguajes que abordan un amplio rango de temáticas, como la política, la crítica social, el género, la raza, la sexualidad o la memoria- tal como lo hacen estos artistascreando experiencias en el observador que se convertirán, con la misma rapidez con que fueron realizadas, en parte de su memoria, vinculando el pasado con el presente del artista y su obra.

La memoria posibilita codificar, almacenar y recuperar información del pasado, reteniendo experiencias que permiten meditar, entre otras cosas, sobre los aciertos y errores que cada época ha generado en el mundo, en forma colectiva o individual the artists facilitates a historic transmission of their own experiences, obsessions, or impressions on future generations, like Allison Janae Hamilton and her interest in racial identity in southern USA, Claudia Coca and her meditations on Peruvian colonialism, Yves Hayat and his bucolic and sleepy images of important historic figures, or Inti, who transmits the memory of Latin America through his street art. Currently, visual arts in any of its expressions, painting, photography, installation, or sculpture, to name a few – are developed with a dizzying speed, creating new dimensions and permitting the appearance of new languages that address a wide range of themes, such as politics, social critique, gender, race, sexuality, or memory – just as these artists do – creating experiences in the observer that will become, at the same speed that they were created, part of their memory, linking the past with the present of the artist and their work.

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

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Nicole Ahland

ALEMANIA (DE)

Matilde Marín

ARGENTINA (AR)

Allison Janae Hamilton

ESTADOS UNIDOS (EEUU)

Margarita Dittborn

CHILE (CL)

Aurora

CHILE (CL)

Cristina Fresca

ARGENTINA (AR)

Christian Fuchs

PERÚ (PE)

Claudia Hersz

BRASIL (BR)

Ana de Orbegoso

PERÚ (PE)

Hugo Lugo

MEXICO (MX)

Hugo Vásquez

PERÚ (PE)

Inti

CHILE (CL)

Patricio Vogel

CHILE (CL)

Federico Uribe

COLOMBIA (CO)

Claudia Coca

PERÚ (PE)

Erika Ewell

BOLIVIA (BO)

Patricio Reig

ARGENTINA (AR)

Yves Hayat

EGIPTO (EG)

Nicole Ahland

ALEMANIA (DE)

Matilde Marín

ARGENTINA (AR)

Allison Janae Hamilton

ESTADOS UNIDOS (EEUU)

Margarita Dittborn

CHILE (CL)

Aurora

CHILE (CL)

Cristina Fresca

ARGENTINA (AR)

Christian Fuchs

PERÚ (PE)

Claudia Hersz

BRASIL (BR)

Ana de Orbegoso

PERÚ (PE)

Hugo Lugo

MEXICO (MX)

Hugo Vásquez

PERÚ (PE)

Inti

CHILE (CL)

Patricio Vogel

CHILE (CL)

Federico Uribe

COLOMBIA (CO)

Claudia Coca

BOLIVIA (BO)

Erika Ewell

BOLIVIA (BO)

Patricio Reig

ARGENTINA (AR)

Yves Hayat

EGIPTO (EG)

MEMORIA

NICOLE AHLAND DE El silencio, la nostalgia, el vacio habitable, la melancolía, el misterio, el sigilo, la travesía que deja huella son algunas características del ojo íntimo y fotográfico de Nicole Ahland. Artista que en estos tiempos de conceptualización aguda, en donde las propuestas apelan siempre a lo incisivo y a ratos hasta a la estridencia, logra un descanso y una lírica que se impone despojada de toda vanidad. Aparecen rincones que revelan la añoranza de lo que ya ha sucedido o de lo que tal vez sucederá, su encuadre es un ojo solitario y vigilante, pero no vigilante bajo la arista de la intimidación, sino de la esencia del ser testigo, es así como desde la focalización de habitaciones vacías se nos revela un momento acaecido en constante desaparición. Hasta lo espectral se hace posible, sin necesidad de ningún signo latente, sólo por la constante sensación de pregunta ante lo desocupado.

Silence, nostalgia, the inhabitable void, melancholy, mystery, discretion, the voyage that leaves a mark are some of the features of the intimate photographic lens of Nicole Ahland. She is an artist that –in this era of acute conceptualization, in which the proposals always address the incisiveness and at times shrillness, reaches a resting point and a lyricism that is stripped of all vanity. The longing for what came beforeor for what might happen is unveiled in the corners of her photographs. The framing is a single and vigilant eye, which comes from the sheer essence of being a witness and not from intimidation, This way, an incessantly disappearing moment is revealed by focusing on empty rooms. Even the spectral becomes possible without the need of any latent signs, only because of the constant sensation of questioning vacant places.

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SPACE #15, 2015, fotografía en blanco y negro, 60 x 60 cm.

MEMORY

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

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MEMORIA

Aunque la fotografía Matilde Marín se podría definir “paisajística”, en sus imágenes coexisten fuerzas mucho más poderosas que la sencilla búsqueda de una representación equilibrada de la naturaleza (o de la ciudad). Hay una indeterminación y atemporalidad que transforman los lugares representados en testimonios casi ancestrales del mundo que los hospeda. Está en ellos el místico silencio experimentado por el fotógrafo-observador que, viajando sin descanso, contempla largamente aquello que lo rodea. Está la pureza sí, y también la belleza, aunque a menudo en contraste con la alteración artificial. Está la memoria: de quien ha mirado a través del obturador y de quien disfruta de la imagen. Y, finalmente, el deseo de testimoniar: un cambio, una permanencia, una ausencia, una alteración. Una vocación testimonial que, sin duda, Marín siempre pone como premisa fundamental de su trabajo.

MATILDE MARÍN AR Although photographer Matilde Marín can be defined as “landscape-oriented”, much more powerful forces than the mere search for a balanced representation of nature (or the city) coexist in her images. There is an uncertainty and timelessness that transform the represented places into almost ancestral testimonies of the world that houses them. In them there is the mystical silence experimented by the photographer-viewer that, travelling relentlessly, widely contemplates everything surrounding them. There is purity itself, and also beauty, although often in contrast to artificial alteration. There is memory: of those who have looked through the shutter and enjoy the image. And, ultimately, the desire to testify: a change, permanence, an absence, an alteration. A testimonial calling that, undoubtedly, Marín always makes a fundamental premise of her work.

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MEMORY

TORRE DE USHUAIA, 2009, fotografía analógica con intervensión digital, medidas variables.

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MEMORIA

ALLISON JANAE HAMILTON EEUU El de trabajo Allison Janae Hamilton integra escenas cotidianas de los habitantes negros del sur estadounidense, con el bucólico misticismo que permanece en esa región. Las imágenes de la artista logran aunar los cuidados estéticos de la fotografía de moda, con antiguos cuentos de hadas, narraciones populares, supersticiones y archivos familiares, que pertenecen a un imaginario emotivo, solo posible de reconstruir desde la ficción artística. Los elementos que Hamilton dispone meditadamente en sus escenarios instalativos o fotográficos plantean reflexiones sobre la identidad de los negros del sur rural, en medio de la dominante cultura blanca y urbana contemporánea.

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THE HOURS, 2015, impresión de pigmentos, medidas variables.

The work of Allison Janae Hamilton integrates daily scenes of the black inhabitants of the south of the United States, with the pastoral mysticism that remains in that region. The images of the artist manage to combine the aesthetic considerations of fashion photography with old fairy tales, popular stories, superstitions, and family archives that belong to an emotive imaginary that is only possible to reconstruct from the perspective of artistic fiction. The elements that Hamilton meditatively uses in her installations or photographic sceneries bring forth a reflection about the identity of black people in the rural south, amidst the dominant contemporaneous white and urban culture.

MEMORY

MARGARITA DITTBORN CL La fotógrafa y artista audiovisual Margarita Dittborn juega con las posibilidades otorgadas por nuevas tecnologías como el fotomontaje digital para construir, a partir de un imaginario que remonta a elementos barrocos, aspectos característicos de la tradición latinoamericana. Su propuesta creativa genera una reflexión totalmente contemporánea, donde asuntos como la abundancia, el exceso, la dependencia, el desenfreno o la exageración, son aglutinados en una mezcla simbólica y atemporal de formas, objetos y personajes.

The photographer and audiovisual artist Margarita Dittborn plays with the possibilities afforded by new technology such as digital photomontages to construct the characteristic aspects of Latin American tradition, starting from an imaginary that uses Baroque elements. Her creative proposal generates a totally contemporaneous reflection in which topics such as abundance, excess, dependence, debauchery, or exaggeration, are brought together in a symbolic and timeless mixture of shapes, objects, and characters.

GLICEÉ, 2015, esmalte sobre papel de algodón, 65 x 100 cm.

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MEMORIA

AURORA CL

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ARMADURA, “LA ACEPTACIÓN DE SUCESOS ES UNA PROTECCIÓN DIVINA”, 2009, bordado sobre tela, 50 x 100 x 47 cm.

MEMORY

CRISTINA FRESCA AR

LO QUE MIRAN TUS OJOS, 2009, impresiรณn digital, 120 x 80 cm.

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MEMORIA

Una visión genealógica es la propuesta del artista Christian Fuchs. Le interesa hacerse parte del peso de sus antepasados, tomando en cuenta la cadena interminable de información genética que da como resultado una sucesión de seres únicos e irrepetibles, lo que permite la existencia de los siguientes, todos conectados por la sangre y por la consecuencia de haber sido parte de la realidad en un momento determinado. Es el propio artista el que representa a cada uno de sus vestigios históricos, retratándose y con ello siendo parte de su propia historia, resucitando esas imágenes que le acompañaban en la casa de sus abuelos donde fue criado. Ya sean hombres o mujeres, Fuchs se personifica disfrazado y recrea a partir de fotografías digitales a sus ancestros, recreando sus vestimentas y el gesto que en ese instante les fue capturado. La intención es honorífica, Fuchs quiere honrar su ascendencia, porque le debe agradecer nada menos que la particular e ínfima opción de existir.

CHRISTIAN FUCHS PE A genealogical vision makes up the proposal of the artist Christian Fuchs. He is interested in becoming a part of the weight of his ancestors, taking into consideration the endless chain of genetic information that results in a succession of unique and unrepeatable beings, which allows the existence of the next, all connected by blood and as a consequence of being a part of the same reality at a certain moment. The artist himself represents each of his historical traces, portraying himself and, therefore, becoming part of his own history, bringing back the images that accompanied him at his grandparents’ house, the place where he was raised. Whether male or female, Fuchs incarnates and recreates his ancestors in costumes using digital photographs, imitating their clothing and the gestures that were captured during that instant. The intention is honorary; Fuchs wants to honor his lineage, because he is thankful for the specific and negligible chance to exist they have given him.

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CARL SCHILLING, 2014, impresión digital, 72.4 x 61 cm.

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MEMORIA

CLAUDIA HERSZ BR En la propuesta de Claudia Hersz hay una vinculación entre intertextos histórico-temporales. El protocolo visual de una escena historicista de la conquista de América, realizando una de las acciones más comunes del mundo postmoderno como tomarse una selfie, conjugan un escenario satírico y atemporal. El enfoque apela a una intervención histórica y a esa necesidad inherente del individuo a autoreferirse a sí mismo, lo que seguramente existió desde esos tiempos de batalla y que sin embargo, evidentemente no tenía las herramientas ni la conciencia de hacerse gesto. La acción en desarrollo denota la captura de un momento que colinda en lo ilógico; la materialidad intensifica la solemnidad del evento histórico debido a que es un tapiz; y el soporte textil es estratégicamente adecuado para aumentar la ironía.

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MEMORY

In the proposal of Claudia Hersz there is a link between historical-temporary intertexts. The visual protocol of a historicist scene from the Conquest of America, carrying out one of the most common actions of the post-modern world, such as taking a selfie, unite to create a satirical and timeless scenario. The approach appeals to a historical intervention and to that inherent need of the individual to refer to themselves, which surely has existed since those times of battle and, however, evidently the tools or consciousness to make it happen did not exist. The on-going action demonstrates the capturing of a moment that borders on the illogical, the materiality intensifies the formality of the historical event since it is a tapestry; and the textile support is strategically adequate to increase irony.

SOLES DE SELFIES 1/5, 2016, tapĂz, 71 x 57 cm.

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MEMORIA

ANA DE ORBEGOSO PE Los trabajos de la artista multidisciplinaria Ana De Orbegoso, que se mueve entre fotografía, video, escultura, pintura e instalaciones. Abordan el concepto general de identidad a partir de iconografías variadas y situaciones prefabricadas que exploran diferentes perspectivas y análisis. De alguna forma su propósito pareciera ser confrontar al espectador con un espejo para despertar memoria. Entonces, en su trabajo, la artista suele tomar como punto de partida creativo aquellas argumentaciones según las cuales la personalidad –sea personal, social o histórica– sería un “conjunto total”, para acabar desmontándolas pieza por pieza y lograr así proporcionar una nueva y profunda reflexión acerca del tema.

The work of the multidisciplinary artist, Ana De Orbegoso, who moves between photography, video, sculpture, painting, and installation, deals with the general concept of identity with varied iconographies and fabricated situations that explore different perspectives and analysis. In some ways, her purpose seems to be confronting the spectator with a mirror to awaken memories. Thus, in her work, the artist tends to take as the creative starting point the argument that personality –whether individual, social, or historic– would be a “total ensemble”, in order to end up dismounting them piece by piece and thus offer a new and profound reflection about the topic.

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MEMORY

ICARUS, 2012, impresiรณn digital, 150 x 100 cm.

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MEMORIA

El hito clave de la obra de Hugo Lugo es la interpelación ante la espera, es a partir de esta condicionante que su despliegue visual se hace presente con imágenes que rememoran ese momento. En toda su propuesta hay un juego entre la fotografía, el dibujo y la pintura, superponiendo dichas técnicas para generar una composición que avale la reacción ante un fin posterior. En su obra siempre se desarrolla una acción en ejercicio. El soporte, por otro lado, también cobra importancia. Lugo quiere dejar constancia del concepto de boceto a través de la simulación de un papel encuadernado, donde marca los orificios del espiral a la usanza del cuaderno, para luego plasmar su impronta. El boceto es símbolo del mecanismo de apunte permanente que vivimos. Percibimos el entorno y dejamos algo en consideración, ese es el eje de esta ideología visual del tiempo.

HUGO LUGO MX The key milestone of Hugo Lugo’s work is the interpellation of the expectations. Based on this condition, his visual display becomes present with images that reminisce a specific moment. He plays with photography, drawing, and painting along his entire proposal, overlaying said techniques in order to create a composition that endorses the reaction before a posterior objective. In his work, there is always the development of an ongoing action. On the other hand, support also becomes important. Lugo wants to leave a record of the concept of sketching by simulating the image of a bound paper. For this, he marks the orifices of the spiral like it is usually done in notebooks in order to imprint his signature. The sketch is a symbol of the permanent note taking mechanism that we live with. Lugo’s visual ideology of time is based on the fact that we perceive the environment and we take note of something, leaving a consideration behind.

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BOCETO PARA PERDER LA MEMORIA-ALARGAR LA ESPERA, 2011, acrílico y óleo sobre tela, 180 x 135 cm.

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MEMORIA

HUGO VÁSQUEZ PE Mirar sin poder develar del todo, es parte de la estrategia que utiliza este fotógrafo en sus imágenes de retratos y sujetos, como en su serie Society o Hiding. La idea de filtro intervenido entre el lente y lo fotografiado, así como la falta de color, oscuridad y su consecuente incertidumbre, son una constante en la fotografía del artista, quien oculta parte de la identidad de sus personajes, dejándolos en la penumbra y misterio, cual memoria difusa e indefinible.

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Looking without being able to fully reveal is part of the strategy used by this photographer in his portraits and subjects, like in his series Society or Hiding. The idea of an intervened filter between the lens and the subject, as well as the lack of color, darkness and its resulting uncertainty, are a constant in the artist’s photography, who hides a part of the identity of his characters, leaving them shrouded in shadows and mystery, like a vague and indefinable memory.

DE LA SERIE OCULTAMIENTO, “TERNO” (DÍPTICO), 2013, inyección de tinta sobre papel de algodón, 34 x 48 cm.

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INTI CL

PAGANO, 2013, litografía realizada en IDEM Studio, París, 70 x 55 cm.

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MEMORIA

PATRICIO VOGEL CL Patricio Vogel trabaja en instalaciones que buscan, según sus palabras, “activar el espacio”. Para lograr dicha “activación” ocupa todo tipo de técnica: desde la fotografía al video, desde la proyección a la pintura, desde la amplia utilización de los más modernos medios digitales hasta la escultura. Pues su poética se propone situar al espectador dentro de un espacio intervenido a 360 grados que genera en él una reflexión acerca de la experiencia contemporánea y que, a la vez, activa aquellos receptores directamente conectados con el ejercicio mnemónico. Una vez más se trata de un redescubrimiento, una actividad tanto práctica como cognitiva que bordea lo arqueológico: una estimulación allí donde parecía haber solo abandono y olvido. Una recuperación. Una reconstrucción finalmente.

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Patricio Vogel works on installations that seek, in his own words, “to activate space.” In order to achieve such “activation,” he uses all kinds of techniques: from photography to video, from projection to painting, from a wide use of modern digital media to sculpture. In fact, his poetics intend to position the spectator within an intervened space of 360°, generating a reflection about the contemporary experience and that, at the same time, activates the receptors that are directly connected to the mnemonic exercise. Once again, it is about a re-discovery, an activity that is both practical and cognitive that verges on the archeological: a stimulation where there would seem to be only abandonment and oblivion. A recovery. Finally, a reconstruction.

SERIE IMAGES IN THE BODY, 2013, libro diseño de objetos: cortado y plegado sobre revistimiento negro brillante (Lamitech), 47 x 27.3 x 13 cm.

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FEDERICO URIBE CO

FOOTBALL, 2013, lรกpices de color, 25 cm. de diรกmetro.

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MEMORIA

CLAUDIA COCA

La obra de Claudia Coca bebe en sus aspectos formales de referentes fotográficos, del pop y de la cultura peruana vernácula. Una sumatoria creativa que junto al autorretrato, gatillan mordaces reflexiones acerca del colonialismo, y la manera en que el racismo se asentó en la sociedad latinoamericana y peruana. Todo ello desde imaginarios colectivos que hoy están muy legitimados socialmente. Muchas de sus obras ironizan sobre el deseo de las cholas por ser rubias, o –desde su propia imagen mestiza– refieren a un histórico y doloroso desprecio por nuestro porcentaje genético indígena. En tal sentido los sensibles objetivos de la artista son: “la reconciliación con nuestra imagen de mestizos, con el cuerpo y nuestra geografía, tanto como el abandono del pensamiento colonial”.

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MY KINGDOM FOR A MAKE-UP, 2013, cerámica, 20 x 60 x 30 cm.

In its formal aspects, Claudia Coca’s work is nourished by photographic references in pop and the vernacular Peruvian culture. A creative sum that, together with self-portraits, triggers sharp reflections on colonialism and and the manner in which racism was established in the Latin American and Peruvian societies, starting from collective ideals that are currently socially legitimized. Several of her works mock the desire of “cholas” to be blonde. Others are based on her own mixed-race image, refer to a historic and painful disregard of our own indigenous genetic percentage. In this sense: “the reconciliation with our mixed-race image, with the body and our geography, as well as the abandonment of the colonial thinking.”

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ERIKA EWELL BO La obra de Erika Ewel aborda lugares, paisajes, historias, así como la autobiografía y las prácticas femeninas. Desde la pintura y bordado, ha expuesto la noción del recuerdo frente a lo vivido, pero también rememorando el quehacer de la mujer, acaso ya extinto en el caso del bordado. Su serie Entre Puntadas, por ejemplo, recopila sus producciones anteriores a través del collage de telas, tejidos y encajes, que ella misma vuelve a intervenir. Dibuja y tacha superficies con hilos, uniendo aquellos fragmentos provenientes de diferentes sitios. Aquel gesto mantiene la idea de paisaje anteriormente desarrollado, junto a la construcción de historias tanto propias como ajenas que en última instancia conducen a una historia geográfica de su propio país.

The work of Erika Ewel addresses places, landscapes, stories, as well as the autobiography and feminine practices. With painting and embroidery, she has exposed the notion of memory in the faced of what was already experienced, but also recalling womanly crafts, perhaps extinct in the case of embroidery. For example, her series Entre Puntadas compiles her previous productions through patchwork, knitting, and laces that she once again intervenes. She draws and crosses out surfaces with threads, putting together fragments coming from different places. This gesture maintains the previously developed idea of landscape, in addition to the construction of stories of both a personal and alien nature, which ultimately lead to a geographic history of her own country.

LABERINTO, 2015, técnica mixta y bordado, 45 x 45 cm.

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MEMORIA

PATRICIO REIG

El eje creativo de Patricio Reig se puede individualizar en la continua investigación del concepto de memoria. La memoria concebida como una dimensión en la cual se entremezclan tiempo y espacio en una ineluctable secuencia que deja en evidencia la naturaleza transitoria de la mismísima existencia humana. Su obra se desarrolla a través de medios técnicos que remontan a los comienzos de la práctica fotográfica, hecho que entrega a sus imágenes una capacidad aún más poderosa a la hora de generar sensaciones evocativas. Finalmente sus fotografías –en las cuales se privilegia el blanco y negro– anhelan representar una reflexión, una esencia, el rastro de un recuerdo, por encima de la sola realidad.

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039 # 7, 039 # 9, 2010, materiales diversos, fotografía sobre plexiglas y madera, 71 x 51 cm. Ed. única

Patricio Reig’s creative axis can be identified in his continuous research of the concept of memory, which he conceives to be a dimension in which time and space are intermixed in an inevitable sequence that reveals the transitory nature of human existence itself. His work is developed through technical means that date back to the beginnings of photographic practices, a fact that provides his images with an even more powerful capacity to create evocative sensations. Finally, his photographs, which favor black and white, wish to represent a reflection, an essence, the trail of memory, over mere reality.

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YVES HAYAT EG

LES ICONS SONT FATIGUEES, 2011-2014, impresiones C-color en lรกminas transparentes, quemadas en cajas de plexiglas, 15 x 20 cm. c/u.

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DECONSTRUYENDO LA REALIDAD DECONSTRUCTING REALITY

Por FRANCISCA CASTILLO. CHILE. Historiadora del Arte / Art Historian

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SPACE & SHAPE

Cuando se nos presenta una obra de arte abstracto/conceptual muchas veces la primera impresión es la de sentir la dificultad por leer y comprender el significado de ésta, debido –entre otras cosas– a que nuestra educación persigue lo fidedigno de la realidad naturalista. Lo abstracto es, sin duda, un estilo menos popular entre el público general a exposiciones, donde las formas, texturas y colores muchas veces no presentan mayor información sobre el contenido que el artista plasmó en su creación. Pero el valor que uno puede otorgar a lo conceptual es su fidelidad con lo estético propiamente tal. Walter Benjamin hablaba del aura en una creación artística, esa experiencia pura de observar y presenciar arte por primera vez sin agentes externos que la contaminen –para mí, la abstracción se permite de perpetuar la experiencia primigenia, las formas dentro de un espacio permiten un juego de interpretación y sensación únicos para cada persona–. No responde a una temática restringida y teorizada, sino más bien a una libertad conceptual en toda su expresión. La realidad se convierte en un punto de partida para la experimentación, no es visible a simple vista y por lo tanto se funda en lo estético para generar contenido. La abstracción y lo conceptual se convirtieron en una constante dentro del escenario artístico del siglo XX, cuando los límites del arte se rompieron gracias a las vanguardias, ya no se requería de una copia realista de la naturaleza, si no que se buscaba aquello que está más allá: las emociones expresadas por medio del color, las formas convertidas en una evocación de lo verdadero y el espacio como parte importante de la estrategia visual sobre lo representado. Este tránsito entre lo naturalista y lo abstracto, se puede considerar como el primer quiebre real en el arte hacia lo conceptual (lo vemos también en otras áreas artísticas como la música o la danza que también se aventuraron en romper con los esquemas tradicionales de ejecución y representación). Andrea Giunta reflexiona

When we are in front of an abstract/conceptual work of art, our first impression is often feeling that it is difficult to interpret and understand its meaning due to, among other factors, that our education pursues the reliability of a naturalist reality. The abstract is, without a doubt, a less popular style among the general public at exhibitions, in which shapes, textures, and colors often times do not offer much information about the content that the artist expressed in their creation. However, the value one can assign to the conceptual is its faithfulness to the purely aesthetic. Walter Benjamin talked about the aura in an artistic creation, that pure experience of observing and witnessing art for the first time without external agents contaminating it. For me, abstraction perpetuates the primitive experience, the shapes within a space allow for a game of interpretations and sensations that is unique for each person. It does not respond to a restricted and theorized theme, but rather a conceptual freedom in all of its expression. Reality becomes a starting point for experimentation. It is not visible at plain sight, and is therefore founded on the aesthetic to generate content. The abstract and conceptual became a constant in the art scene of the 20th century when the limits of art were shattered thanks to the avant-garde movements. A true copy of nature was no longer required, as that which is beyond was being sought: the emotions expressed through color, shapes converted into an evocation of truth, and space as an important aspect of the visual strategy of the represented. This transition between the naturalist and the abstract can be considered as the first actual breaking point in art towards the conceptual (we can also see it in other areas of art, such as music and dancing, which also ventured into breaking traditional approaches of execution and representation). Andrea Giunta reflects about this role of contemporary art, in which the work itself takes on a leading part: “They are the ones interfering and stating their own status in the world of representations. The intention of this is

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ESPACIO Y FORMA

sobre este rol que posee el arte contemporáneo, donde la obra en sí misma adquiere un rol protagónico: “son ellas las que interfieren y señalan sus propias situaciones en el mundo de las representaciones. Con esto se busca destacar que las obras no pueden deducirse ni de las genealogías ni de los contextos. Por el contrario, buscamos observar la situación en la que se formulan; los dispositivos, las formas y los sentidos que ellas administran. Se trata de entender su intervención, el momento específico que inauguran”.

to emphasize that works of art cannot be deduced from genealogies or context. On the contrary, we wish to observe the situation in which they are created; the devices, shapes, and meanings they administer. It is about understanding their intervention, the specific moment they inaugurate.” The creative freedom accepted by the game of abstraction has allowed artists to develop different mechanisms to approach artistic creation: on one hand, there are some who prefer the instinctive creation of a piece, the one that lets the subconscious and primitive explore the possibilities of shapes, space, and color. On the other hand, there are artists that plan and reflect about the placement and purpose of each element in the piece, often using geometric shapes to propel compositional complexities. Certainly, it is not up to us to judge how an artist should tackle their own creativity, or confer it a great aesthetic or theoretical value. The remarkable part is the freedom in the creation of an abstract/conceptual piece from the artist’s perspective, and the independence that we, the spectators, confront it with.

Es la autonomía de acción la que hace a la abstracción –en todas sus acepciones– una oportunidad para involucrarse en una experiencia estética pura, que permite contemplar obras que hablan por sí mismas

La libertad creativa que admite el juego de la abstracción ha permitido desarrollar en los artistas diferentes mecanismos para abordar la producción artística: por un lado existen algunos que prefieren la liberación emotiva que ofrece la creación instintiva de una pieza, aquella que deja al inconsciente y lo primitivo explorar las posibilidades en las formas, el espacio y el color. Por otro lado, existen aquellos artistas que planifican y reflexionan sobre la disposición e intencionalidad de cada elemento que se disponen en la obra, tomando muchas veces las formas geométricas para impulsar las complejidades compositivas. Ciertamente no está en nosotros el juzgar cómo debe enfrentarse un artista ante su propia creatividad, ni otorgarle mayor valor estético o teórico, lo llamativo es la libertad con la que se genera una obra de arte abstracto/conceptual desde el

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artista, y la autonomía con la cual los espectadores nos enfrentamos a las mismas. Es la autonomía de acción la que hace a la abstracción –en todas sus acepciones– una oportunidad para involucrarse en una experiencia estética pura, que permite contemplar obras que hablan por sí mismas. Es importante considerar la fuerza iconográfica que adquieren las formas y figuras, que ya no se justifican en lo representativo; sino más bien crean un lenguaje visual autónomo que utiliza la línea, el color y la textura para crear composiciones que poseen una independencia de las referencias visuales naturalistas. Nos encontramos con instalaciones y esculturas que irrumpen en el espacio, que se apoderan de su entorno y abstraen al espectador de la realidad circundante: formas, colores y materialidades diversas permiten experimentar con la libertad de una lectura personal. Pero lo bidimensional no se queda atrás en la exploración de la emancipación de las formas y las emociones que evocan. Se permite una profundidad de contenidos debido a que no se afianza la comprensión de la obra en la figuración, sino en la imagen misma.

It is the independence of action that makes abstraction, in all its meanings, an opportunity to involve oneself in a pure aesthetic experience that allows contemplating works that speak for themselves. It is important to consider the iconographic strength acquired by shapes and figures that are no longer justified in the representative, as they create an autonomous visual language that uses lines, colors, and textures to create compositions that are independent from the naturalistic visual references. We find ourselves in front of installations and sculptures that burst into space, which take over their environment, and disengage the spectator from the surrounding reality: diverse shapes, colors, and materiality allow e x p e ri m e n t i n g with the freedom of personal i nterpretati on. Nevertheless, the two-dimensional is not forgotten in the exploration of the emancipation of shapes and emotions they evoke. A depth of content is permitted because the comprehension of the work is not secured in figuration, but in the image itself.

The independence of action is what makes abstraction, in all its meanings, an opportunity to involve oneself in a pure aesthetic experience that allows contemplating works that speak for themselves.

El reto de la abstracción considera dejar de lado aquellos valores tradicionales que ataron al arte y que lo constreñían a una sola visión del mundo; la experimentación se vuelve fundamental para aquellos decididos a incursionar con una forma de creación única y libre. Este tipo de trabajos sobrepasa a la figuración y no se condiciona por la realidad.

The challenge of abstraction lies in casting aside the traditional values that tied down art and restricted it to a single vision of the world. Experimentation becomes fundamental for the ones who are determined to penetrate into a unique and free method of creation. This type of work surpasses figuration and is not conditioned by reality.

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Kylla Piqueras Douglas Rodrigo Rada Sipho Mabona Irene Mamiye Soledad Chadwick Ruth Morán José Rosenblatt Reymond Romero Anke Eilergerhard Marcela Cabutti Grimanesa Amorós Marco Lamoyi Kim Hyun Sik Raom & Loba Pablo Griss Sofi Zezmer Petra Eiko Pablo Lehmann José Manuel Ballester Patrick Steeger Matt Neuman 146

PERÚ (PE) BOLIVIA (BO) SUIZA (CH) FRANCIA (FR) CHILE (CL) ESPAÑA (ES) ARGENTINA (AR) VENEZUELA (VE) ALEMANIA (DE) ARGENTINA (AR) PERÚ-ESTADOS UNIDOS(PE-EEUU) MEXICO (MX) COREA DEL SUR (KR) FRANCIA-ARGENTINA (FR-AR) VENEZUELA (VE) POLONIA (PL) ALEMANIA (DE) ARGENTINA (AR) ESPAÑA (ES) CHILE (CL) ESTADOS UNIDOS (EEUU)

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Alicia Larraín Renato Dib Martín Carral Mariana Tocornal Xawery Wolski Paula Swinburn Robert Schaberl Ignacio Bahna Bert Vredegoor Lin Lima Mariana Villafañe Rogelio Polesello Javier León Pérez Guillermo Bert Ignacio Noguerol Aldo Chaparro Chiyomi Longo Robert Ferrer I Martorell Carmen Anzano Kristin Bauer

CHILE (CL) BRASIL (BR) ESPAÑA (ES) CHILE (CL) POLONIA (PL) CHILE (CL) AUSTRIA (AT) CHILE (CL) PAISES BAJOS (NL) BRASIL (BR) ARGENTINA (AR) ARGENTINA (AR) ESPAÑA (ES) CHILE-ESTADOS UNIDOS(CL-EEUU) PERÚ (PE) PERÚ (PE) JAPÓN (JP) ESPAÑA (ES) ESPAÑA (ES) ESTADOS UNIDOS (EEUU)

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KYLLA PIQUERAS PE El universo, cosmos, su espacio, energía e infinitud, son temas que aborda Kylla Piqueras a través de su trabajo. Cómo plasmar en materia aspectos que trascienden a ésta, es uno de los desafíos impuestos por Piqueras, quien mediante técnicas mixtas realiza microcosmos pictóricos; espacios de color, textura, tramas y reverberación, que hacen eco de las energías del universo. Imágenes abstractas simétricas, tipo mantras o ilusiones caleidoscópicas en pequeños y grandes formatos, nos transportan hacia el espacio sideral, hacia lo orgánico y espiritual, por medio de diseños tan simples como complejos, siempre en aras de expansión.

The universe, the cosmos, its space, energy and vastness are topics covered by Kylla Piqueras through her work. How to materially capture aspects that transcend matter is one of the challenges faced by Piqueras, who, using mixed techniques, makes pictorial microcosms; spaces of color, textures, weaves, and reverberations that echo the energies of the universe. Symmetrical abstract images, such as mantras or kaleidoscopic illusions in small and large formats, take us to outer space, towards the organic and spiritual, through designs as simple as they are complex, always in the interest of expansion.

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PORTAL ESTELAR I, II, III, IV, 2016, técnica mixta sobre terciopelo, 60 x 60 cm. c/u.

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La realidad está llena de objetos y es ahí donde la astucia del artista tiene la obligación de crear un universo que se sostenga en sí mismo. La labor es desarrollada con creces en la obra del artista Douglas Rodrigo Rada, su búsqueda conceptual lo lleva a desarrollar un juego relacional de elementos que aportan la suficiente densidad semiótica para extralimitar la funcionalidad del aparato expositivo. Los objetos se cuestionan y se re-identifican en un nuevo funcionamiento independiente que al estar supeditado a la paridad, siempre gana más que pierde, porque aunque ya no pueda usarse, el objeto ahora puede sublimarse. El nuevo elemento aporta, nunca anula.

DOUGLAS RODRIGO RADA BO Reality is full of objects and that is where the cleverness of the artist has the obligation to create a universe that can support itself. This task is fully accomplished in the work of artist Douglas Rodrigo Rada. His conceptual search leads him to develop a relational game of elements that contribute enough semiotic density to exceed the functionality of the expository system. The objects are questioned and re-identified under a new independent functioning that, by being subject to equality, always gain more than they lose, because although it cannot longer be used, the object can now be sublimated. A new element contributes, never nullifies.

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CONEXION, alambre de puas y antenas, 2012, 17 de diámetro.

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SIPHO MABONA CH

CREASE PATTERN (BIRD), 2016, papel, 30 x 30 cm.

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IRENE MAMIYE FR

VEILS 4025, 2014, impresiรณn con pigmento, 81.3 x 152 cm.

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SOLEDAD CHADWICK CL Un hito tridimensional y reivindicador del origen, un objeto parte del todo, símil a la flora y la fauna que se configura como parte de un ciclo es la matriz de la obra de Soledad Chadwick. Instalaciones, esculturas y pinturas le brindan los medios para desplegar estas nuevas entidades fundadas en los resabios que deja el acercamiento propio de la artista a la naturaleza. Chadwick se apropia de un nacimiento, llevando a la síntesis formas que podemos asociar a criaturas marinas, estados de gestación o enredaderas interminables. El objeto evoca origen y brote, la lectura es inevitablemente lírica en función del sentirse parte de un hábitat en desarrollo. Chadwick estimula lo contemplativo.

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SOL EN ROTACIÓN,2012, acrílico, papel autoadhesivo y madera, 46 x 46 x 6 cm.

A three-dimensional and vindicating milestone of origin, an object that is a part of the whole, similes to the flora and fauna that is configured as part of a cycle, is the matrix of the work of Soledad Chadwick. Installations, sculptures, and paintings provide the medium to deploy these new entities based on the aftertaste left by the artist’s approach to nature. Chadwick takes hold of a birth, synthesizing shapes that we can associate with sea creatures, gestation periods or unending vines. The objects evoke origin and sprouting, the interpretation is unavoidably lyrical because it feels like it is part of a developing habitat. Chadwick stimulates contemplation.

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RUTH MORÁN

TECTÓNICA DEL ESPACIO, 2015, temple vinílico y tinta sobre papel, 121 x 68 cm.

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JOSÉ ROSENBLATT AR

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SIN TÍTULO, 2010, óleo sobre tela, 178 x 178 cm. Cortesía de Jacob Karpio Galería, Bogotá, Colombia.

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REYMOND ROMERO VE

CONJUNTO DE PICTOGRAFÍA, 2015, textil y técnica mixta sobre lienzo, 190 x 190 x 4 cm.

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ANKE EILERGERHARD DE

RAMONA, 2014, silicona altamente pigmentada, 36 x 29 cm; base de aluminio, 24 cm.

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MARCELA CABUTTI AR Una propuesta híbrida y experimental, ese es el determinismo que define la obra de Marcela Cabutti, escultora focalizada a la búsqueda material y a la transgresión de los elementos desde su sitial establecido, para contradecirlo y proporcionarle una nueva manera de funcionamiento objetual. Es así como le interesa darle liviandad al ladrillo sólido, volumen y peso al aire, densidad a la transparencia, estatura a lo ínfimo, la idea es oponer estados y desarmar la lógica de lo ya concebido para generar una nueva lectura. Su escultura es un tránsito permanente, desde seres seudo-insecto inflados que nos remontan a un infantilismo torcido e intimidante, hasta arcos simétricos acompañados de piezas flotantes de ladrillo que nos crean escenarios idílicos transgrediendo la dureza del material, la obra está en constante metamorfosis haciendo paralelismo a la curiosidad con cimientos científicos latentes de la artista.

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BESOS, 2014, vidrio soplado, 50 x 20 x 30 cm.

A hybrid and experimental proposal is the determinism that defines the work of Marcela Cabutti, a sculptor focused on material search and the transgression of the elements from their established place in order to contradict it and provide them a new way of functioning as an object. This is how she is interested in giving lightness to solid bricks, volume and weight to air, density to transparence, stature to the insignificant; the idea is to oppose states and disassemble the logic of what has already been conceived to generate a new reading. Her sculpture is a constant transition, from inflated pseudo-insect creatures that evoke a twisted and intimidating childishness, to symmetric arches accompanied by floating brick pieces that create an idyllic scenery, transgressing the hardness of the material, the work is under constant metamorphosis, drawing parallels to the scientific curiosity of the artist.

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GRIMANESA AMORÓS PE—EEUU Grimanesa Amorós, es una artista interdisciplinaria que produce esculturas de luz diseñadas para lugares específicos. La tecnología, los cables, enchufes y luces LED en sus obras, son recursos protagónicos que –a juicio de la artista– manifiestan la constante necesidad humana de estar conectados. De este modo, como un cordón umbilical luminoso, las hebras de luz de Amorós conectan artistas, coleccionistas, críticos e historiadores de todo el mundo. Un laberinto de energía, de ondas sonoras, de radiofrecuencia y transmisión luminosa, que nos vinculan a distancia desde la mirada y el sonido.

Grimanesa Amorós is an interdisciplinary artist that creates sculptures of light designed for specific places. Technology, cables, power outlets, and LED lights in her pieces are major resources that –in the artist’s opinion– manifest the constant human need for connection. In this manner, like an illuminated umbilical cord, Amorós’ strings of light connect artists, collectors, critics, and historians from all over the world. A labyrinth of energy, sound waves, radio frequencies, and light transmission bind us together from a distance with our eyes and sound.

ORGANISMO, 2010, silicona y técnica mixta, 45.5 x 25.4 x 8.3 cm.

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MARCO LAMOYI MX La hegemonía de la materialidad objetual, esa es la dirección en la que se enfoca el artista Marco Lamoyi. Su lenguaje propositivo conjuga las disciplinas de la pintura y la escultura, concibiendo una mezcla homogénea donde el color se transforma en masa. Hay un despliegue pastoso, matérico y táctil que se funda en la densidad, en la corporalidad y en el volumen. El brochazo se hace concreto y se construye sobre la base de un trazo que ahora tiene la posibilidad de ser elemento. Toda esta escultura-pictórica se muestra en un momento versátil y poderosa, hay juegos cromáticos y texturas que ratifican esta evolución del material.

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QKIRT, 2007, óleo sobre lino y montaje en creta, 48 x 47 x 15 cm.

Artist Marco Lamoyi’s work is based on the predominance of objectual materiality. His propositional language brings disciplines such as painting and sculpture together, designing a homogenous mixture where color is transformed into mass. There is a pasty, material, and tactile display that is founded on density, corporeality, and volume. Brushstrokes become real and they are constructed on the basis of a single stroke that now has the possibility of being an element. All of this pictorial-sculpture is displayed as versatile and powerful in a moment; there are chromatic and textural interplays that confirm the evolution of the material.

SPACE & SHAPE

KIM HYUN SIK

WHO LIKES K-AQUA BLUE?, 2014, resina epoxy y color acrÃlico, 100 x 100 cm.

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ESPACIO Y FORMA

RAOM & LOBA

Esta dupla está formada por un pintor argentino y una diseñadora gráfica francesa. El análisis conceptual que realizan se fundamenta en hacer visibles, de manera interpretativa, aspectos de la naturaleza humana, en donde lo objetual se lleva el peso de la analogía. En su obra se mezclan elementos reales e imaginarios y como complemento todas las imágenes ofrecen un espacio en profundidad que puede verse en estereoscopia, así gracias a un dispositivo óptico más apropiado se ofrece al espectador un enfoque tridimensional. El universo discursivo habla de micro ficciones y realidades fragmentadas, en donde todas se relacionan y se acercan a imágenes realistas. Les interesan los relieves y la visión binocular.

This duo consists of an Argentinian painter and a French graphic designer. The conceptual analysis that they perform is based on highlighting, in an interpretative way, aspects of human nature in which the objectual carries the weight of analogy. In their work, real and imaginary elements are mixed, and as a complement, all the images offer a profound space that can be viewed stereoscopically. Thus, thanks to a more appropriate optical device, the spectator is offered a three-dimensional focus. Their discursive universe talks about micro-fictions and fragmented realities, in which all of them are related and approach realistic images. They are interested in reliefs and binocular vision.

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SPACE & SHAPE

ICE0044, 2015, impresiรณn digital en papel canson, 100 x 75 cm.

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ESPACIO Y FORMA

Las obras geométricas de Pablo Griss, aparentemente juegan con los planos de color, las líneas, su desplazamiento y fusión, creando ilusiones ópticas de movimiento. No obstante, su interés no es limitarse al Op art ni cinetismo sino también indagar en lo conceptual. Su estudio más que taller es un laboratorio en el cual planifica y explora dentro de los límites pictóricos del plano, el color y contraste. El artista compone sus pinturas a partir de una estructura geométrica con formas romboidales, que generan una progresión ascendente. Para ello, juega con los ejes, márgenes y con colores que remiten tanto al mundo digital como a la psicodelia.

PABLO GRISS

The geometrical works of Pablo Griss apparently play with color planes, lines, their displacement and fusion, creating optical illusions of movement. However, his interest is not to be limited to Op. or Kinetic Art, but also delving into the conceptual. His studio is more of a laboratory than a workshop, where he plans and explores within the pictorial limits of planes, colors and contrast. The artist forms his paintings from a geometrical structure with rhomboid shapes, which create an ascending progression. For this, he plays with the axes, margins, and colors that refer to both the digital world as well as psychedelia.

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SPACE & SHAPE

DIABLO PINK, 2015, acrÃlico sobre lino, 106 x 122 cm.

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ESPACIO Y FORMA

Una mixtura objetual que se condice con el afán de atmosferizar un espacio, aportando una nueva forma y a la vez haciéndose partícipe de la lectura del entorno es el resultado visual de la artista Sofi Zezmer. Su propuesta nos entrega un abanico de objetos inexistentes, que se expanden o que contienen nuevos elementos aportando un mundo ilógico, abstracto y orgánico, siempre bajo la premisa de no obstaculizar al contexto. Su corpus es inofensivo, relacional entre elementos disímiles, sin embargo se fusionan lo suficiente para configurarse como nuevas identidades. En todo momento se da una constante de ondas que a ratos se enreda, traduciendo un ideario libre y a la vez predispuesto al caos. Zezmer construye un juego lúdico y erguido, haciendo honor a la prestancia de la abstracción.

SOFI ZEZMER PL An objectual mixture that is consistent with the desire of creating an atmosphere in a place, creating new shapes while still actively interpreting the environment is the visual result of artist Sofi Zezmer. Her proposal provides us with a range of non-existent objects that expand or that contain new elements adding an illogical, abstract, and organic world, always under the assumption that context should not be blocked. Her corpus is harmless, relating elements that, though dissimilar, are merged enough to configure themselves as new identities. At all times there is a constant of waves that is often tangled, translating free ideals willing to create chaos at the same time. Zezmer builds a playful and upright game, honoring the elegance of abstraction.

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SPACE & SHAPE

AMERICAN DREAMS LS1, PINK, 2009, materiales sintÃ©ticos, metal y vidrio, 30 x 25 x 18 cm.

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ESPACIO Y FORMA

La vida requiere de un flujo energético intrínseco, de aquello que nos moviliza, este es el motor inspiracional de la artista Petra Eiko, la esencia de lo que somos, el ciclo en el que estamos insertos, lo regulados que son nuestros procesos, la conexión que tenemos con el macro y el micro universo. En su obra la materialidad mantiene un orden, se desarrolla una armonía compositiva que es análoga a la limpieza espiritual y al ciclo de la vida, todo circula, todo se multiplica, todo se expande, estamos en todo momento siendo testigos de la manifestación profunda del fluir. La observación, como reflejo del espectador en su obra, se hace parte de un diálogo que vincula dos mundos que en la teoría son concebidos bajo cierto criterio de distancia. Ese es un punto clave para no definir la obra de Eiko bajo un parámetro de obra de arte tradicional. En su propuesta visual dicha desvinculación queda desarmada y la contemplación nos hace parte del imaginario y equivalentes a su organicidad. El mundo que nos propone es un mundo etéreo y espiritual, tridimensional, cúbico y de superposición de planos, en donde los elementos se van multiplicando y ordenando de manera circular, siguiendo un ritmo calmado y meditabundo.

PETRA EIKO DE Life requires an inherent flow of energy, a flow what moves us. That is the inspirational engine of the artist Petra Eiko, the essence of what we are, the cycle we are inserted into, the regulation of our processes, our connection to the macro and micro universe. In her work, materiality maintains an order, a compositional harmony analogous to spiritual cleanliness and the cycle of life is developed. Everything circulates, everything is multiplied, everything expands, and we are always witnessing the profound manifestation of the flow. Observation, as a reflection of the spectator in her work, takes part in a dialogue that binds two worlds together, worlds that, in theory, are conceived under certain criteria of distance. That the key point that distinguishes the work of Eiko from the parameters of a traditional art piece. In her visual proposal, said separation is disassembled and contemplation makes us a part of the imaginary and equivalent to its organicity. The world she proposes is an ethereal and spiritual world, it is three-dimensional, cubic, and has overlapping layers in which elements are multiplied and organized in a circular manner, following a calm and meditative rhythm.

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ILLUSION 5, 2014, plexiglás con pintura acrílica, 29 x 29 x 9 cm.

SPACE & SHAPE

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ESPACIO Y FORMA

Pablo Lehmann se enfoca en la construcción de tramas de papel tallado que generan casi mágicamente un doble nivel semántico e interpretativo. El espectador, por un lado siente la tentación de dejarse llevar por los enredos curvilíneos que acompañan el ojo hacia el descubrimiento de referencias, señales, pistas y mundos maravillosos hasta aquel instante desconocidos; por el otro, está invitado a entrar en la complicada red de llenos y vacíos, para entrever aquellas palabras que en el papel se han quedado impresas: letras, términos, frases, que en la tridimensionalidad del trabajo incursionan las geometrías y el espacio entregando un poder aún más grande a la palabra.

PABLO LEHMANN AR Pablo Lehmann focuses on the construction of weaves of carved paper that almost magically generate a double semantic and interpretative level. The spectator, on the one hand, feels tempted to be carried away by the curved tangles that join the eyes towards the discovery of references, signs, paths, and marvelous worlds that were unknown until that moment. On the other hand, they are invited to enter the complicated network of full and empty spaces to catch a glimpse of the words that have been printed on the paper: letters, terms and phrases that make an incursion into geometry and space in the three dimensional work, bestowing an even greater power to words.

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TEXTO ESCONDIDO II, 2011, papel calado, 23 x 13 cm.

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ESPACIO Y FORMA

JOSÉ MANUEL BALLESTER ES José Manuel Ballester, es un pintor, escultor y fotógrafo español conocido principalmente por sus registros fotográficos a espacios arquitectónicos, sitios que congregan lo figurativo con la abstracción geométrica, demostrando que esas fronteras disciplinares en el mundo del arte son muy flexibles. Otro ejemplo de ese cuestionamiento a la rigidez disciplinar, son sus fotografías –impresas sobre lienzo– que citan conocidas pinturas de Vermeer, Gericault o Velázquez donde Ballester ha omitido a los personajes y ha completado el espacio oculto por las figuras. Ballester invita a los espectadores a mirar en sus obras espacios desde nuevos ángulos para reinterpretar o dar vigencia a historias que creíamos conocidas.

José Manuel Ballester is a Spanish painter, sculptor, and photographer mainly known for his photographic records of architectural spaces, sites that unite the figurative with geometrical abstraction, proving that those disciplinary borders are very flexible in the world of art. Another example of this questioning of disciplinary rigidity are his photographs printed over canvases that reference famous paintings of Vermeer, Gericault, or Velázquez in which Ballester has omitted the characters and has completed the space hidden by the figures. Ballester invites the viewers to look at spaces from new angles in his pieces in order to reinterpret or to make stories that we thought we knew relevant.

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SPACE & SHAPE

PLACE FOR THE PHYSICAL IMPOSSIBILITY OF DEATH IN THE MIND OF SOMEONE LIVING, 2010, impresión digital sobre papel Hahnemühle Photo Rag Baryta, 25.9 x 40 cm.

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ESPACIO Y FORMA

PATRICK STEEGER CL En los oficiosos volúmenes de Patrick Steeger, se concreta la búsqueda de un punto de fusión entre escultura, diseño y arquitectura. Esculturas en la mayoría de los casos de grandes dimensiones, que exploran la versatil disponibilidad de la madera en una sala de exposiciones o en el paisaje natural y ofrecen un domicilio para quienes deseen experimentar nuevos conceptos y modos de habitar. El resultado de sus propuestas es una actitud estetizante con respecto a la técnica, o una tecnificación desde una propuesta escultórica utópica y sugestiva.

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SIN TÍTULO, 1990, cemento, medidas variables.

In the officious volumes of Patrick Steeger, the search for a fusing point between sculpture, design, and architecture are summed up. Sculptures that are mostly very large and explore the versatile availability of wood in an exhibition hall or the natural landscape, offer a home for those who wish to explore new concepts and ways of living. The result of his proposals is an embellishing attitude regarding technique, or a technification from a utopic and suggestive sculptural proposal.

SPACE & SHAPE

MATT NEUMAN EEUU

UNTITLED (CIRCLE PRINT 53), 2012, grabado en madera sobre papel, 74 x 94 cm.

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ESPACIO Y FORMA

ALICIA LARRAÍN CL

ARTEFACTO AZUL, 2016, cortado, troquelado y anillado, 50 x 50 cm., cada cuadrado, 200 x 200 cm.

SPACE & SHAPE

ESPACIO Y FORMA

El trabajo textil de Renato Dib toma como modelo de observación la visceralidad del organismo, su trabajo consiste en recrear fragmentos conectados entre sí que reflejen la complejidad sistémica de los órganos que están presentes en el cuerpo humano. En su propuesta configura una objetualidad anatómica, en donde a partir de trozos de tela, rellenos y con costuras, adhiere aparatos que simulan ser un engranaje visceral. Dib no quiere quedarse con la apariencia, su enfoque transparenta los cuerpos para verlos en su ritmo interno, en su dimensión macro y micro, recreando piel, parpados, órganos, arrugas, protuberancias, entre otros. Gracias a las texturas, color y materialidad que le proporciona la tela hace posible diferenciar capas y superficies, componiendo tridimensionalmente esa pieza objetual latente, que emana lo interno.

RENATO DIB

The textile work of Renato Dib takes the visceral nature of the organism as an observation model. His work is based on recreating fragments connected to each other that reflect the systemic complexity of the organs of the human body. In his proposal, he configures an anatomical objectuality, where, starting from pieces of cloth, fillings and seams, he sticks devices that simulate to be a visceral gear. Dib does not want to stop at appearances; his approach gives transparency to the bodies to see them in their internal rhythm, in their micro and macro dimension, recreating the skin, eyelids, organs, wrinkles, lumps, among others. Thanks to textures, colors and the materiality provided by the fabric, it becomes possible to establish differences between layers and surfaces, composing in a three-dimensional manner a latent objectual piece, emanated by the internal.

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AIR EMBROIDERY: TOOTH, 2013, tela hecha de objetos, 215 x 42 cm.

SPACE & SHAPE

MARTÍN CARRAL

DE LA SERIE CENTRÍFUGA, 2012, óleo sobre tela, 150 x 150 cm.

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ESPACIO Y FORMA

MARIANA TOCORNAL La división condicionante y la desfragmentación del objeto son las pautas de la artista Mariana Tocornal. Su propuesta se hace cargo del acopio de fragmentos de porcelana, lo cuales inventan una nueva dinámica en razón de haber sido parte de un pasado funcional, para ahora ser vestigio. El objeto jamás podrá usarse, sin embargo los pedazos quedan y es ahí donde prioriza la esencia y la memoria, bajo un cuidado estético delicado, esencialmente femenino. Se cuida el color, se mantiene un caos regulado, lo material trasciende desde su espacio tangible, para transformarse en un resabio de lo que alguna vez fue parte. El objeto serial pierde identidad y se hace parte de un nuevo juego, un juego que desarma la jerarquía. Todo queda reducido a piezas, paralelo sospechosamente adecuado ante la experiencia colectiva del vivir.

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TORRE BLANCA, 2013, porcelana, 24 x 24 x 24 cm.

CL The limiting division and defragmentation of the object are the guidelines of Mariana Tocornal’s work. Her proposal takes over the collection of porcelain fragments that create a new dynamic by being part of a functional past that now becomes vestigial. The object can never be used again, but its pieces remain, prioritizing essence and memory, under a delicate and essentially feminine esthetic treatment. Color is undertaken in a regulated chaos, where the material transgresses its tangible space to be transformed into a bittersweet reminder of what it once was. Serial objects loose their identity and participate in a new game, a game that dismantles hierarchy. Everything falls into pieces, a suspiciously appropriate parallel to the collective experience of living.

SPACE & SHAPE

XAWERY WOLSKI

GLOBES, 2010, alambre tejido, dimensiones variables.

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ESPACIO Y FORMA

PAULA SWINBURN CL Paula Swinburn desarrolla en su obra, principalmente en el campo de la pintura. Es allí donde formas orgánicas de múltiples colores se entremezclan creando una abstracción aparentemente azarosa. El blanco del soporte contiene y rodea a los pigmentos que yacen generalmente redondeados en el centro, generando un fuerte contrapunto entre lo vivo y saturado del color, versus la quietud del fondo desde donde surge y flota la mancha.

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ESPEJO DE AGUA VII, 2017, óleo sobre acrílico, 160 x 120 cm.

Paula Swinburn develops her work mainly in the field of painting. There, organic shapes of multiple colors blend together creating an apparently random abstraction. The whiteness of the support contains and surrounds the pigments that generally lie rounded up in the center, creating a strong counterpoint between the color’s brightness and saturation and the peacefulness of the background from where the spot appears and floats.

SPACE & SHAPE

ROBERT SCHABERL AT Robert Schaberl es un artista con cierta obsesión por los círculos: los pinta una y otra vez en gran formato, cuales vinilos gigantes con múltiples colores. Tonos saturados, a veces monocromos, también metálicos y con degradaciones, conducen la mirada del espectador hacia su centro envolvente. La concentración de la luz y el brillo de la superficie circular hacen reflectar el entorno en donde se sitúan, permitiendo verlos desde distintas perspectivas o ángulos, ampliando la vista única frontal típica de la pintura tradicional. Por otro lado, la pincelada desaparece en un acabado perfecto para darle fuerza esencialmente al color.

Robert Schaberl is an artist with a certain obsession for circles: he paints them constantly in large sizes, like giant vinyl records in numerous colors. Saturated shades, sometimes monochromatic, also metallic and with degradation, guide the eyes of the spectator towards its enveloping center. The concentration of light and the brightness of the circular surface reflect the environment in which they are located, allowing us to see them from different perspectives or angles, amplifying the typical single frontal view of traditional painting. On the other hand, the strokes disappear in a perfect finish, essentially giving strength to color.

ZF DEEP BRIGHT ULTRAMARINE DANCE WITH DARK PURPLE 2-4, 2013, acrílico sobre tela, 130 x 130 cm.

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ESPACIO Y FORMA

IGNACIO BAHNA CL

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ANTENA SATELITAL, 2009, construcciรณn y ensamble en madera 100 x 73 x 45 cm.

SPACE & SHAPE

BERT VREDEGOOR NL

INTO PURITY, 2008, pintura de aerosol en terciopelo, 95 x 95 cm. Ed. 5/10.

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ESPACIO Y FORMA

LIN LIMA BR Lin Lima recrea geografías montañosas por medio de la disposición de numerosos lápices sobre pared u otra superficie, haciendo del lápiz grafito un elemento modular, tallado con diversos modos y tamaños. La referencia topográfica es utilizada para generar estas novedosas composiciones que invierten la funcionalidad del lápiz: no se utiliza para dibujar sino para conformar relieves bidimensionales desde su objetualidad, logrando un efecto óptico que hace guiño al Op art. Por otro lado, el artista dibuja formas y texturas orgánicas en gran formato sobre paredes que parecieran moverse y expandirse continuamente.

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ESTUDIO SIMÉTRICO #2, 2016, ensamblaje de lápices sobre papel, 68 x 48 cm.

Lin Lima recreates mountainous geographies through the layout of numerous pencils on the wall or other surfaces, making the graphite pencil a modular element, carved in diverse ways and sizes. The topographic reference is used to create these new compositions that invert the functionality of the pencil: it is not used to draw but to form two-dimensional reliefs with its objectuality, achieving an optical effect that resembles Op. Art. On the other hand, the artist draws organic shapes and textures in large formats on walls that seem to continuously move and expand.

SPACE & SHAPE

MARIANA VILLAFAÑE AR

SINCRONÍA, 2014, tinta sobre papel fine art algodón Canson Hishgloss Premium RC, 315 grs., emplacado en Sintra 3 mm., bajo acrílico clear 3 mm., cantos pulidos, con bastidor de pino finger palo 3x2 a 10 cm. de los bordes por retiro, 100 x 100 cm.

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ESPACIO Y FORMA

En la obra de Rogelio Polesello es una constante la percepción óptica de movimiento. Esta dinámica se genera a partir de la secuencia geométrica y de los efectos visuales que posee. Lo estático puede recrear movimiento, un movimiento estructurado y rítmico, que en todo momento está regulado por la secuencia. El movimiento en lo estático, aunque parezca contradictorio, es la fundamentación de la impronta del arte cinético. Hay una lectura en la bidimensionalidad que permite la diversificación del ojo y esa clave fue desarrollada con creces en su obra. Su trabajo podría definirse perfectamente en una abstracción geométrica, pero regulada bajo una fórmula visual que permite actividad del cuerpo-objeto. Sus obras siguen secuencias geométricas equilibradas, simétricas y regulares, el color se acerca a lo primario, dando énfasis en las formas que en todo momento se hacen repetitivas. El salto lo da hacia la escultura, Polesello hace crecer estas formas colindantes y rítmicas, y las construye bajo reglas de tridimensionalidad, aun así la propuesta mantiene simetría ya consolidada.

ROGELIO POLESELLO

The visual perception of movement is a constant in Rogelio Polesello’s work. This dynamic is generated through geometric frequencies and the visual effect his work has. Static elements can recreate movement, a structured and rhythmic movement that is always ruled by sequences. Though it may seem contradictory, bestowing static elements with movement is the basis of kinetic art. There is a bidimensional interpretation to his work which allows for the diversification of perspective, a key element that has been broadly developed by him. His work can be perfectly defined by a geometric abstraction, but regulated under a visual formula that allows for the activity of body-object. His pieces follow balanced geometric sequences, symmetric and regular; the palette is closer to primary colors, emphasizing the endlessly repeating shapes. The jump is towards sculpture; Polesello makes this contiguous and rhythmic shapes grow, building them under tridimensional parameters whilst maintaining an already established symmetry.

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SIN TÍTULO, 2013, acrílico sobre tela, 65 x 65 cm.

SPACE & SHAPE

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ESPACIO Y FORMA

JAVIER LEÓN PÉREZ El detalle es fundamental en las obras de Javier León Pérez, quien realiza sus trabajos a través de una eterna repetición de pequeños elementos que cubren una superficie, en una especie de fórmula sagrada y ritual para el artista. Cada uno de los componentes es esencial para lograr la gran obra final, que invita al espectador a ser parte, a compenetrarse en lo abstracto y encontrar aquellos símbolos y signos que inevitablemente se encuentran en su trabajo.

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MEDIUM #4, 2016, papel japonés, 80 x 60 x 5 cm.

Detail is fundamental in the work of Javier León Pérez, who makes his pieces through an eternal repetition of small elements that cover a surface, in a sort of sacred and ritual formula for the artist. Each of the components is essential in order to achieve the great final work, which invites the viewer to become part of it, to work together with the abstract and to find those symbols and signs that are inevitably found in his work.

SPACE & SHAPE

CREDITO

GUILLERMO BERT

CL-EEUU

La obra de Guillermo Bert prioriza un orden secuencial y multimedial. El componente percibido avanza en series que priorizan regularidad, sistematizando una especie de tejido, de modo que se dé un vínculo directo con lo autóctono. La propuesta hace sintonía con la uniformidad del código de barras y del objeto repetitivo. Esto tiene directa relación con los símbolos culturales y sociológicos que implican su desplazamiento entre Chile y Estados Unidos, lo cual le proporciona una carga ideológica suficiente para surtir su ideario. El individuo consumista y globalizado es el origen de esta búsqueda visual.

The work of Guillermo Bert prioritizes a sequential and multimedia organization. The perceived component advances in series that favor regularity, systemizing a sort of fabric, in order to create a direct link with the indigenous. The proposal is consistent with the uniformity of the barcode and the repetitive object. This has a direct relation with cultural and sociological symbols from his travels between Chile and the United States, which provides enough ideological burdens to furnish his imaginary. The consumerist and globalized individual is the origin of this visual search.

DEMOCRACY PATTERN #1, 2014, técnica mixta, 38 x 38 cm.

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ESPACIO Y FORMA

IGNACIO NOGUEROL PE La materialidad proporciona distintas herramientas compositivas, y si a eso le agregamos un criterio anhelante por el avance, el resultado será fructífero. Esa inquietud interesa al artista Ignacio Noguerol, quien diversifica su obra a partir de las instalaciones, dibujos y pinturas, todas con un cimiento axiomático, el paisaje de su ciudad Lima y su transformación a lenguaje. Su trabajo se funda en la conversión, el paisaje muta hacia un agente abstracto, de manera tal que los horizontes abandonan su regularidad para quebrarse en triángulos, por ejemplo. Configura un gesto y lo consagra en el tiempo de manera independiente, adquiriendo vida en sí mismo.

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GEOGRAFÍA, 2015, acrílico y polvo de mármol sobre linezo, 150x200 cm.

Materiality provides different compositional tools, and if we add a criteria yearning for progress, the result will be productive. This concern is an interest of the artist Ignacio Noguerol, who diversifies his work with installations, drawings, and paintings, all of which have an axiomatic foundation, the scenery of his city, Lima, and its transformation into language. His work is based on conversion; scenery mutates towards an abstract agent so horizons abandon their regularity in order to be broken into triangles, for example. He configures a gesture and establishes it in time in an independent way, acquiring a life of its own.

SPACE & SHAPE

ALDO CHAPARRO PE La obra de Aldo Chaparro oscila entre la escultura, el diseño y la arquitectura. Sus esculturas muestran formas geométricas enlazadas tipo cubos, tótems alargados, o bien apariencias de papel arrugado con formas irregulares en versión tridimensional. Hechas con madera, a veces quemada o cromada, y también con acero inoxidable, adquiriendo diversidad de tonos, opacidades y brillos que interactúan con el entorno.

The work of Aldo Chaparro fluctuates between sculptures, design, and architecture. His sculptures display linked geometric shapes, like cubes, prolonged totems, or items made of crumbled paper with irregular shapes in three-dimensional versions. Made out of wood, sometimes burnt or chromed, and also of stainless steel, acquiring a diversity of shades, opacity, and brightness that interact with the surroundings.

18 DE DICIEMBRE DEL 2013, 2013, acero inoxidable, 38 x 32 cm.

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ESPACIO Y FORMA

CHIYOMI LONGO JP La obra de Chiyomi Longo busca fusionar la sutileza y sensibilidad oriental de la técnica oriental Sumi, empleada en la pintura y caligrafía japonesa, con la abstracción y mancha occidental, propias del Informalismo y expresionismo abstracto. En ese sentido, su obra tiene tanto de azar como de control o bien de espontaneidad como rigor, pues hay una intención y cuidado en sus trazos, más allá de arrojar energía y pigmentos. A base de técnicas mixtas mantiene la conexión con la naturaleza que implica el Sumi, a través de la simpleza y fluidez visual. Por otro lado, apreciamos soltura y gesto, donde se abandona el realismo para ser reemplazado por manchas, chorreos y materia, aunque de una forma que dista de lo grotesco, en donde prevalecen colores blanquecinos junto a tinta negra.

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KAI CHO OF SUMI, 2014, técnica mixta sobre tela, 23 x 18 cm.

The work of Chiyomi Longo seeks to fuse the oriental subtlety and sensibility of Sumi, a technique used in Japanese painting and calligraphy, with the western abstraction and spotting, traditional of informalism and abstract expressionism. In that sense, her work has as much randomness as it has control, or as much spontaneity as accuracy, since there is an intention and care in her strokes that go beyond tossing energy and pigments around. Based on mixed techniques she maintains the connection with nature that Sumi involves, through visual simplicity and fluency. On the other side, we can observe skill and gesture, where realism is left behind in order to be replaced by spotting, leaks and matter, although in a manner that is far from grotesque, where milky colors prevail next to black ink.

SPACE & SHAPE

ROBERT FERRER I MARTORELL ES La propuesta de Robert Ferrer i Martorell da movimiento a piezas geométricas que se acoplan diversificando planteamientos estructurales, plasmando un nuevo lenguaje, ángulos leibles que se conectan y equilibran entre estas composiciones volumétricas que visualmente resultan muy estimulantes. Ferrer I Martorell logra darle un atisbo orgánico a lo que esencialmente es estructurado. Y al encajar en cajas transparentes cada proposición visual le otorga un carácter solemne y expositivo, separando la obra del mundo que la observa. La luz se hace parte de estos fragmentos, potenciando el engranaje que se delimita como un caos ordenado y dócil.

Robert Ferrer i Martorell’s proposal provides movement to geometric pieces that become superposed, diversifying structural approaches, expressing a new language, readable angles that are connected and balanced between these volumetric compositions that are truly visually stimulating. Ferrer i Martorell manages to give an organic quality to something that is essentially structured. And when he places each visual proposal into transparent boxes, he gives it a solemn and expository character, separating the work from the world that observes it. Light becomes a part of these fragments, enhancing the gears that are demarcated as an organized and gentle chaos.

DE LA SERIE PORTA A L´INVISIBLE, 2017, papel, metacrilato, nylon sobre tablero contrachapado, 40 x 20 x 10 cm.

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ESPACIO Y FORMA

CARMEN ANZANO ES Las obras de Carmen Anzano, realizadas en pintura como en técnica mixta, tienen en común la idea de la trama. El entrecruzamiento lineal por capas posee cierta profundidad que, en el caso de sus trabajos con hilo y otros materiales afines, apelan a un tejido de emociones también asociados a un tejido universal. Se presenta allí una contraposición entre luces y sombras, lo lineal del tejido versus el plano del soporte, la superficie y el fondo. En el caso de sus pinturas, además de la textura visual producida por las tramas de colores, aparece lo modular de las formas cuadradas, como en la serie Prismas, o bien de los soportes encajados según se observa en Tramas modulares.

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DE LA SERIE PRISMAS, óleo sobre tela, 150 x 150 cm.

The works of Carmen Anzano, made with both painting and mixed techniques, have the idea of weaving in common. The linear intertwining of layers possesses a certain depth that, in the case of her work with threads and other similar materials, appeal to a fabric of emotions that is also associated to a universal fabric. She presents a contrast between lights and shadows, a comparison between the linear quality of the fabric and the flatness of the support, surface and bottom. In the case of her paintings, in addition to the visual texture produced by weaving colors, the modular nature of square shapes appears, such as in the Prismas series, or of the fitted supports as can be observed in Tramas modulares.

SPACE & SHAPE

KRISTIN BAUER EEUU

TO DESCRIBE, 2016, Pigmento polimérico y plexiglás, 30 x30 x30cm

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ROSTROS

ROSTROS QUE DESEAN, CARAS QUE SE OCULTAN FACES THAT DESIRE, FACES THAT HIDE

Por SUSET SÁNCHEZ. España Crítica de Arte / Art Critic

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FACES

No fue un género primado en las jerarquías establecidas por las academias europeas para definir la importancia de los temas dentro de la pintura; sin embargo, el retrato ha logrado persistir como una de las categorías cuyas taxonomías estéticas e históricas han trascendido varios siglos hasta adquirir un impulso renovado con el nacimiento de la fotografía en la primera mitad del siglo XIX. De carácter simbólico o alegórico, como representación del estatus social del comitente, en tanto documento de denuncia política, o apenas una recreación hedonista, cualquiera que sea su función, el arte de representar la figura humana –individualmente o en colectivo– ha expandido sus límites y desdibujado sus atávicos preceptos académicos para insertarse con sentido crítico en la plural construcción de la imagen dentro de la cultura visual contemporánea.

It was not a genre that received priority in the hierarchies established by European academies to define the importance of themes in painting. However, portraits have managed to remain as one of the categories whose aesthetic and historical taxonomies have transcended several centuries until they acquired a renewed impulse with the birth of photography in the first half of the 19th century. Whether symbolic or allegoric, as a representation of the social status of the subject, as a document for political denunciation, or simply as a hedonistic recreation, whatever its function might be, the art of representing the human figure – individually or collectively– has expanded its limits and blurred its atavistic academic precepts in order to insert itself, with a critical sense, in the plural construction of the image within contemporaneous visual culture.

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

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ROSTROS

Esa condición poliédrica del “retrato” –llamémosle así sin ceñirnos a una lectura historicista ni a ninguna definición del género– respecto a sus funciones y valores en el imaginario del presente, se ha complejizado en la medida en que los propios lenguajes artísticos y contextos del arte han creado fisuras en sus fronteras tradicionales. Hay que entender estas representaciones como parte de los movimientos geopolíticos y las deconstrucciones operadas sobre los ideales excluyentes, eurocéntricos y heteropatriarcales del sujeto moderno; como revisiones de los modelos afirmativos y positivistas que clausuran las identidades en un intento por signarlas como formas fijas y unívocas dentro de relaciones de poder en el sistema mundo moderno/ colonial de género. Esa performatividad de la imagen que juega a desdoblar los intrincados pliegues de las subjetividades que habitan los escenarios globales, nos enfrenta a una galería de rostros cuyas expresiones dan cuenta de los imaginarios históricos de la violencia. Son pieles

“portraits have managed to remain as one of the categories whose aesthetic and historical taxonomies have transcended several centuries until they acquired a renewed impulse with the birth of photography”

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That multifaceted condition of “portraits” –let’s call it that way without confining ourselves to a historicist lecture or any definition of the genre– regarding its functions and values in the imaginary of the present, has become more complex as the artistic languages and contexts of art have created fissures in its traditional frontiers. These representations have to be seen as part of geopolitical movements and the deconstructions of excluding, Eurocentric, and hetero-patriarchal ideals of the modern subject; as examinations of affirmative and positivist models that restrict identities in an attempt to seal them as fixed and unambiguous forms among power relations in the modern/colonial world gender system. That performativity of the image that tends to unfold the intricate layers of the subjectivities that inhabit the global scenario directs us to a gallery of faces whose expressions give an account of the historic imaginaries of violence. These are skins marked by scientific, biologic, and organic fiction. Many of these looks that seek explanations from the canvasses, screens, or pictures, entail a deconstruction of gender, sexual, ethno-racial, religious, ideological, class, etc. archetypes that involve the bodies in discourses about the bio(geo)political effects and marks of modern life. Examples of this are the portraits of female human rights activists in China created by Gisela Ràfols or the visceral hyper-realistic portraits of Craig Wylie. In some cases, the images evolve into auto-representations that have as background a thought about the place and the social function of artists in our schizophrenic societies, or a subjective reflection, like in some photographic series of Gisela Ràfols; or in the auto-projection of subjectivity in the photographic documentation that Diego Beyró made of his sexual encounter with a young woman he met through Tinder in the project Scarlett. These representations are also not alien to the explosion

FACES

marcadas por ficciones científicas, biologicistas y orgánicas. Muchas de esas miradas que interpelan desde los lienzos, las pantallas o las fotos, conllevan una deconstrucción de arquetipos de género, sexuales, etno-raciales, religiosos, ideológicos, de clase, etc., que involucran a los cuerpos en discursos sobre los afectos y las marcas bio(geo)políticas de la vida hoy. Ejemplos de ello podrían ser los retratos de mujeres activistas por los derechos humanos en China realizados por Gisela Ràfols o los viscerales retratos hiperrealistas de Craig Wylie. En algunos casos, las imágenes devienen en auto-representaciones que tienen como trasfondo un pensamiento sobre el lugar y la función social del artista en nuestras esquizofrénicas sociedades o una reflexión subjetiva, como en algunas series fotográficas de Gisela Ràfols; o en la auto-proyección de su subjetividad en la documentación fotográfica que hace Diego Beyró de su encuentro sexual con una joven contactada a través de Tinder en el proyecto Scarlett. Estas representaciones tampoco son ajenas a la explosión y democratización de formas de auto-exposición a las cámaras y las pantallas que han acompañado el crecimiento exponencial de las tecnologías digitales. La recurrencia narcisista de la imagen propia en medio del caos y la saturación de píxeles a la que las retinas se enfrentan en la sociedad contemporánea –pulsión que podría comprenderse como una necesidad de autodefinición del yo–, ha acabado siendo una parte esencial de las estrategias discursivas y morfologías del retrato contemporáneo. Interesantes son también las maneras en que los pintores están pervirtiendo la tradición del género, despojándose del lastre del realismo y redefiniendo los códigos del expresionismo y la abstracción en propuestas que fragmentan, enmascaran, velan o desarticulan cualquier atisbo de mimesis y naturalismo en la inaprensible voluntad de describir la psicología humana, tales son los casos de, Jimmy Law, Lidia Masllorens o Tully Satre.

“el retrato ha logrado persistir como una de las categorías cuyas taxonomías estéticas e históricas han trascendido varios siglos hasta adquirir un impulso renovado con el nacimiento de la fotografía”

and democratization of the self-exposure methods to cameras and the screens that have accompanied the exponential growth of digital technology. The narcissistic recurrence of self-image amidst the chaos and saturation of pixels that retinas face in modern societies –an impulse that can be seen as a need for self-definition– has become an essential part of the discursive strategies and morphology of contemporaneous portraits. The manner in which painters are perverting the genre traditions is also interesting, relinquishing the ballast of realism and redefining the codes of expressionism and abstraction in proposals that fragment, mask, veil, or disarticulate any trace of mimesis and naturalism in the incomprehensible wish to describe human psychology, and such are the cases of Jimmy Law, Lidia Masllorens, or Tully Sartre.

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

205

ROSTROS

206

Harding Meyer

BRASIL (BR)

Ángela Lergo

ESPAÑA (ES)

Bernardí Roig

ESPAÑA (ES)

Alex Ten Napel

PAISES BAJOS (NL)

Francisco Peró

CHILE (CL)

Jimmy Law

SUDAFRICA (ZA)

Salustiano

ESPAÑA (ES)

Cecilia Avendaño

CHILE (CL)

Craig Alan

ESTADOS UNIDOS (EEUU)

Bohdan Burenko

UCRANIA (UA)

Koh Sang Woo

COREA (KR)

Felipe Schiffrin

CHILE (CL)

FACES

Diego Beyró

ARGENTINA (AR)

Annemarie Busschers

ALEMANIA (DE)

Felipe Bedoya

COLOMBIA (CO)

Lidia Masllorenz

ESPAÑA (ES)

Craig Wylie

ZIMBAWE (ZW)

Tully Satre

ESTADOS UNIDOS (EEUU)

Zhenya Gershman

RUSIA(RU)

Zulema Maza

ARGENTINA (AR)

Sonia Falcone

BOLIVIA (BO)

Rodrigo Bueno

BRASIL (BR)

Diana Beltrán

COLOMBIA (CO)

Gisela Ráfols

ESPAÑA (ES)

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

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ROSTROS

Los rostros que crea Harding Meyer aportan omnipotencia visual y densidad matérica plasmando un trabajo aglutinado que se va construyendo de retazos a partir de múltiples rostros, creados mediante capas y trazos de óleo. Cada uno de los retratos escogidos por el artista se superpone a otro, en 50 o más capas, formando seres deformes que son incapaces de perder la armonía, pues a través de una paleta suave logra crear obras de gran atractivo visual, que dotan de historias e identidades nuevas haciendo a cada personaje único en su mezcla.

HARDING MEYER

The faces created by Harding Meyer give off a visual omnipotence and a material density, expressing a united work that is built from fragments of multiple faces, made through layers and strokes of oil paint. Each of the portraits chosen by the artist is overlapped onto another, in 50 or more layers, creating deformed beings that are unable to lose harmony, because, by using of a soft palette, he is able to create pieces of great visual appeal that provide new stories and identities, making each character unique in its mixture.

208

O.T., 2013, óleo sobre tela, 90 x 110 cm.

FACES

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

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ROSTROS

CRAIG WYLIE

ÁNGELA LERGO ES

210

METALES DE MI MEMORIA - DESDE EL FONDO DE UN ESPEJO, 2012, barro cocido, cara, poliuretano, resina, 15 x 15 x 15 cm.

FACES

BERNARDÍ ROIG

BLACKHEAD EXERCICES, 2003, aguatinta bruñida a la manera negra, estampado sobre papel arches (velin), 76 x 56 cm.

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

211

ROSTROS

ALEX TEN NAPEL NL 212

DIURA, impresión digital en colores cromogénicos, 100 x 100 cm. (edición de 5) o 60 x 60 cm. (edición de 9) (detalle)

FACES

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

213

ROSTROS

FRANCISCO PERร CL

214

LOS POSIBLES XIV, 2017, รณleo sobre papel satinado, 75 x 55 cm.

FACES

JIMMY LAW

MIRRORS LIE, 2016, รณleo sobre tela, 163 x 150 cm.

215

ROSTROS

La obra de Salustiano se caracteriza por sus retratos de factura oficiosa y pulcra, con modelos que posan haciendo guiños al Clasicismo o al Renacimiento, aunque procurando que éstos exhiban elementos inconfundiblemente contemporáneos. En la mayoría de sus obras, el color de fondo suelen ser rojos, rosados, negros o blancos intensos; los retratados –de distintas edades y sexos– posan en actitud introspectiva, a veces melancólicos, ensimismados, coquetos o serios, en actitud solemne y con una vestimenta que se funde con el fondo brillante y monocromo, lo cual da total protagonismo al rostro del sujeto representado. Los encuadres ayudan a la jerarquización de estos personajes que parecieran pertenecer a una nueva nobleza, que el artista tiene el poder de otorgar a sujetos que encuentra en la calle e inmortaliza en sus obras. Sus pinturas a veces utilizan hasta sesenta capas de cochinilla, un pigmento rojo intenso utilizado por los pueblos nativos de América Central, que se dio a conocer en Europa por los españoles, así a nivel técnico y temático aúna dualidades de tiempo y cultura.

SALUSTIANO ES Salustiano’s work is characterized by his informal and clean crafted portraits, with models that pose winking an eye to Classicism or Renaissance, although ensuring that these show unmistakable contemporary elements. In most of his work, the background colors are often bright red, pink, black or white. The portrayed people, of different ages and sexes, pose with an introspective attitude, sometimes melancholic, lost in thought, flirty or serious, with a formal attitude and in clothing that fuses with the bright and monochrome background, which highlights the subject’s face. The frames help to hierarchically organize these characters that seem to belong to a new aristocracy, which the artist has the power to grant to subjects that he encounters on the street and immortalizes in his works. Sometimes, his paintings require up to sixty layers of cochineal, a bright red pigment used by the native peoples of Central America, which was introduced in Europe by the Spanish, thus, combining the dualities of time and culture at a technical and thematic level.

216

FACES

INSTANTE DE ETERNIDAD. VERANO II, 2009, pigmentos naturales y resina sobre tela, 80 cm. de diรกmetro

217

ROSTROS

CECILIA AVENDAร O

218

PRIDE, 2010, montaje digital, impresiรณn glice, 80 x 80 cm. (detalle)

FACES

RAMONA, 2016, Silicona pigmentada/Pigmented silicone, 26 x 29 cms.

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

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ROSTROS

CRAIG ALAN

220

EEUU

JACKIE KENNEDY, 2015, tÃ©cnica mixta sobre tela, 28 x 28 cm.

FACES

BOHDAN BURENKO UA

GENTLEMAN 4.3, acrÃlico sobre tela, 80 x 80 cm.

221

ROSTROS

KOH SANG WOO KR

222

ETHER, 2014, archivo de impresiรณn digital montado sobre diasec, 76.2 x 101.6 cm.

FACES

FELIPE SCHIFFRIN CL RAMONA, 2016, Silicona pigmentada/Pigmented silicone, 26 x 29 cms.

ARTE SIN AL LÍMITE COLECCIÓN SIN 75 LÍMITES TÍTULO, | 2008, impresión digital, x 50 cm.

223

ROSTROS

DIEGO BEYRÓ

224

MANUELA, 2014, acrílico sobre papel, 200 x 135 cm.

FACES

ANNEMARIE BUSSCHERS DE

AL LÍMITE | COLECCIÓN SINcm. LÍMITES SELF PORTRAIT XIV, ARTE 2012, acrílico y lápiz sobre algodón, 250 x 160 (detalle)

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ROSTROS

FELIPE BEDOYA CO

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SIN Tร TULO, 2015, impresiรณn digital sobre papel de algodรณn, 39 x 34 cm. Ed.1/3.

FACES

LIDIA MASLLORENZ ES

SIN TÍTULO, 2016, acrílico sobre papel, 178 x 178 cm.Detalle

227

ROSTROS

CRAIG WYLIE ZW

228

MG (FEVER), 2010, รณleo sobre tela, 210 x 147.3 cm.

FACES

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

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ROSTROS

TULLY SATRE EEUU Si bien Tully Satre se identifica como pintor, plantea a sus obras más bien como objetos debido al uso de técnicas mixtas. Cada una de ellas incluye fotografía, serigrafía y pintura, por medio de franjas “trenzadas” bidimensionalmente. Surge en dicha operación un gesto constructivo, o bien deconstructivo, que emplea mediante las diversas tiras o franjas de color que componen su obra. En su entrelazamiento, cual tejido pictórico, se configuran retratos reconocibles como también más abstractos, los cuales desaparecen pasando a ser un juego cromático. Aquel gesto de fragmentación en que los rostros devienen abstracción, surgen atisbos de cubismo; los límites corporales de las figuras se diluyen o bien expanden a través de las coordenadas de franjas más o menos gruesas que ascienden y avanzan.

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OUT OF THE BLUE, 2014, óleo, serigrafía y acrílico sobre tela, 63.5 x 80.7 x 5 cm

Although Tully Sartre identifies himself as a painter, he lays out his pieces more as objects due to the use of mixed techniques. Each of them includes photography, serigraphy, and painting through two-dimensionally “braided” stripes. In this procedure, a constructive gesture arises, or rather deconstructive, that he operates by means of the different colored bands or stripes that comprise his work. In their interweaving, as if it were a pictorial weave, he composes recognizable portraits, as well as more abstract depictions, which disappear into a chromatic game. In this gesture of fragmentation in which the faces become abstraction, there are traces of cubism: the corporeal limits of the figures are diluted or expanded through the coordinates of rather thick stripes that ascend and move forward.

FACES

ZHENYA GERSHMAN RU Principalmente conocida por sus enormes retratos a personalidades icónicas como Clint Eastwood, Bruce Springsteen o Sting, no ha dejado de lado el retrato a individuos anónimos. Lo que une a todos ellos en las obras de Gershman es la densidad y soltura del gesto pictórico y el afán de captar al retratado en un ademán vinculado a algún estado emocional o la transparencia de un instante cotidiano. El retrato es su impronta protagónica y en él despliega toda su profundidad y destreza compositiva. Raspados, brochazos y primeros planos, convierten el rostro en un modelo que se construye y deconstruye ante nuestros ojos.

Mainly known for her enormous portraits of iconic personalities such as Clint Eastwood, Bruce Springsteen or Sting, she has not stopped portraying anonymous individuals. What unites all of them in Gershman’s pieces are the density and ease of the pictorial gesture and the desire to capture the portrayed person in a motion linked to some emotional state or to the transparency of an everyday instant. Portraits are her signature and in them she displays all of her compositional depth and skill. Scraping, brush strokes and close-ups transform the face into a model that is constructed and deconstructed before our eyes.

STING, 2014, óleo sobre tela, 152.4 x 137.2 cm.

231

ROSTROS

ZULEMA MAZA

En los trabajos de Zulema Maza un aparente glamour, que remite a refinadas imágenes femeninas de carácter pseudo publicitario, se ve asechado por la aparición de representaciones que alteran el significado hacia el cual la obra parecía destinada. Tal y como en los mitológicos asuntos de ninfas y diosas, desde las mujeres de Maza brotan formas de naturaleza animal y vegetal. Las imágenes a las que se le quita su acostumbrado uso parecen volver a adquirir una incontenible fuerza simbólica. Toda la operación se configurará entonces como un rescate de la imagen femenina estandarizada, a la vez que un intento para devolver a la luz el fundamento mítico-biológico de lo femenino.

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NIÑA II, 2010, imagen digitalizada, 90 x 100 cm.

In the work of Zulema Maza there is an apparent glamour that refers to refined female images of a pseudo advertising nature, haunted by the appearance of representations that alter the meaning that the piece seemed destined to move towards. Just like in the mythological affairs of nymphs and goddesses, shapes of an animal and plant-like nature blossom from Maza’s women. The images, which have their traditional use taken from them, seem to reacquire an irrepressible symbolic force. Then, the entire operation is configured as a rescue of the standardized female image, as well as an effort to return to light the mythical-biological foundation of the feminine.

FACES

SONIA FALCONE BO

ARTE AL LÍMITE COLECCIÓN SIN76LÍMITES SELF-PORTRAIT III, 2011, scanning en 3D impreso en papel|fotográfico translúcido, x 121 cm.

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ROSTROS

RODRIGO BUENO BR

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DE LA SERIE ADOREI AS ALMAS, “SERENO”, 2016, pintura acrílica sobre fotografía reconstruida, 17.5 x 23.5 cm.

FACES

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ROSTROS

DIANA BELTRÁN CO La mirada de Diana Beltrán se focaliza en el retrato fotográfico, propone dualidades de rostros en un instante expresivo fuera del contexto de vanidad y de pose. En su propuesta, crea imágenes digitales intervenidas que superponen elementos seriales fraccionando el encuadre y aportando un enfoque pictórico que sensibiliza la imagen. Es así como el rostro que se desmaterializa no pierde su carácter legible, por el contrario, se intensifica la densidad de discurso a través de un ícono propositivo y expresivo. La secuencia de los elementos que dividen la imagen es organizada y aporta a la composición bidimensional del encuadre, vinculando así lo descriptivo del retrato con lo propiamente abstracto.

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DÍPTICO DE LÍNEAS SUSPENDIDAS I, 2013, ensamble fotográfico, 60 x 60 cm. c/u.

The perspective of Diana Beltrán focuses on photographic portraits. She proposes dualities of faces in an expressive instant outside the context of vanity and poses. In her proposal, she creates intervened digital images that juxtapose serial elements, dividing the frame and adding a pictorial approach that makes the image more sensitive. This way, the dematerialized face does not lose its legible character. On the contrary, the density of discourse is intensified through a proactive and expressive icon. The sequence of the elements that divide the image is organized and contributes to the two-dimensional composition of the frame, thus connecting the descriptive aspect of the portrait with the purely abstract.

FACES

GISELA Rร FOLS ES

SIN TI, 2009, impresiรณn lambda a color, 120 x 180 cm.

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URBANO

UNA MIRADA Mร LTIPLE E IMAGINARIA DE LO URBANO A DIVERSE AND IMAGINARY PERSPECTIVE ON THE URBAN SPHERE

Por DANIEL G. ALFONSO. Cuba. Teรณrico del Arte / Art Teoric

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URBAN

La ciudad, ese espacio de aglomeraciones, de tranquilidad, de tránsito, de permanencia, de significados. Ciudad, metáfora de vida, de muerte, de alegría, de tristeza, de desarrollo, de sucesos; la urbe constituye el patrimonio cultural material y forma parte de la memoria histórica de cualquier nación, contiene a su vez diversos significados para la conformación de la identidad y de nuestro imaginario. Plasmar el modo de relación que existe entre ser humano y ciudad, o la urbe en todo su esplendor ha sido tarea de disímiles artistas, desde las culturas antiguas hasta nuestros días. Recuerdo los murales de Pompeya, algunas representaciones en la cerámica griega, la pintura romántica inglesa, las telas de Claudio de Lorena, las escenas de Tintoretto, las atmósferas oníricas de Giorgio De Chirico; de Cuba me vienen a la mente imágenes de las obras de Marcelo Pogolotti, René Portocarrero, Mariano Rodríguez, Rubén Alpízar, Reynerio Tamayo, Luis Enrique Camejo, entre otros. Cada creador, a lo largo de la historia del arte, ha incorporado desde una visión muy personal e íntima elementos del paisaje citadino, interior o arquitectónico a través del que se apoyan para analizar, reflexionar y hablar de cuestiones como la identidad, la territorialidad, la migración, del pasado y el presente de la sociedad que vivimos. La urbe para todos es comprendida como un cuerpo en el que se vienen a unir símbolos, atributos, metáforas y significantes que son el resultado de todos los imaginarios posibles que sobre la ciudad discursan.

The city is a space of agglomerations, of calmness, of transit, of lingering, of meanings. The city is a metaphor for life, death, joy, sadness, development and events; the metropolis constitutes our cultural and material heritage, a part of the historic memory of every nation, which carry several meanings for the construction of identity and our imaginaries. Capturing the way in which human beings relate to the city, or the metropolis in all its splendor has been undertaken by many different artists, from ancient cultures until our days. The memory of the Pompeii murals, some representations in Greek ceramic ports, English Romantic paintings, Claudio de Lorena’s canvases, scenes by Tintoretto, the dream-like scenarios by Giorgio De Chirico; the images of Cuban artists Marcelo Pogolotti, René Portocarrero, Mariana Rodríguez, Rubén Alpízar, Reynerio Tamayo and Luis Enrique Camejo, among others. Throughout the history of art, each artist has incorporated elements of city, of indoor or architectural landscapes from a very personal and intimate vision, from which they analyze, reflect on, and speak about issues like identity, territoriality, migration, and our society’s past and present. The metropolis is regarded by everyone as the body in which symbols, attributes, metaphors and meanings blossom as the result of all possible imaginations. Thus, when artists capture fragments of a given city in their creations, the urban and architectural become a mixture of images extracted from the subconscious and a more immediate reality. In every piece, whether it is a photograph, painting, installation, object, video or drawing, the symbol doesn’t always convey a

Es entonces que, cuando los artistas plasman en sus creaciones fragmento de una ciudad determinada, lo arquitectónico y urbano se convierte en mixtura de imágenes extraídas del subconsciente y de la realidad más inmediata. En cada obra, ya sea fotografía, pintura, instalación, objeto, video o dibujo, el signo no siempre posee

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

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URBANO sole and precise message; interpretations can vary depending on the context it is inserted in. un único y preciso mensaje; las lecturas pueden ser disímiles, siempre dependiendo del contexto en el que esta se inserte. La reflexión en torno a lo urbano representa los sentimientos del ser latinoamericano, son contactos visuales entre el mestizaje del Nuevo Mundo con el Viejo Continente. Los imaginarios urbanos, entonces, van a ser generados por los propios aristas a partir de sus propias ideas, sus representaciones y las relaciones que logran establecer con el hábitat. Además, los artistas rastrean objetos, formas o conceptos con los que logran establecer una conexión directa con el sentir de la calle, de la cotidianidad y efervescencia de lo urbano.

The reflection surrounding the urban sphere represents the feelings Latin American identity; they are the visual connection between the process of miscegenation in the New World and the Old Continent. Therefore, urban imaginaries are generated by the artists themselves from their own ideas, their representations and liaisons, managing to establish a relationship with the environment. Moreover, artists track down objects, shapes or concepts with which they completely link the feeling of the streets, daily life and the effervescence of the urban.

Los imaginarios urbanos, entonces, van a ser generados por los propios aristas a partir de sus propias ideas, sus representaciones y las relaciones que logran establecer con el hábitat

Cada uno, en su radio de acción, deconstruye la realidad mediante signos que encuentran y coleccionan, ya sea física o visualmente; son exámenes de nuestras urbes que permiten desentrañar lo más epidérmico de la autonomía social que nos rodea. Las obras, de manera general, se convierten en alegorías del lugar en el que ocurre el hecho artístico, de la ciudad que se recorre con cámara en mano y se vive sensorial y emotivamente; de la historia y los discursos que se encuentran en cada rincón, en cada esquina, en cada detalle diseñado similar y diferente al mismo tiempo.

El paisaje urbano intenta plantear disímiles perspectivas, desde imágenes que definen a la ciudad hasta las marcas más peculiares; la fotografía a través del

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Each one, in their action radius, deconstructs reality through symbols that they find and collect, whether physically or visually; they are testaments of our cities that allow elucidating the deepest under layer of social autonomy that surrounds them. In general, the pieces become allegories of the location in which the artistic action is carried out, of the city that’s walked through with a camera in hand and experienced in a sensory and emotional way; of the history and the discourses that can be found on every corner, on every detail that is both similar and different at the same time. Urban landscapes try to propose divergent perspectives, from images that define the city to the

URBAN

lente o la pintura con cada pincelada se encarga de registrar escenarios bien construidos, naturales o ficticios y, a su vez, funciona como archivo o memoria. Nuestro sentimiento con respecto al espacio urbano resulta un pequeño muestrario de distintas escenas en las que priman órdenes como lo visual, auditivo, olfativo, kinésico, entre otros. Cada sentido funciona como un sistema modelado por la cultura, por las creencias, por nuestro modo de manifestarnos y por nuestro pensamiento. Los artistas adoptan el uso de un lenguaje que los haga más universales, por ello asumen la ciudad con nuevas concepciones y connotaciones; sus constructos ofrecen la posibilidad de indagar en procesos y proyecciones utópicas frente a diferentes hechos artísticos. Dibujo, fotografía, pintura, objetos, instalaciones, performance, videos son medios a través de los que trascienden inquietudes personales emergidas de postales citadinas, imágenes que se convierten en pretexto para abordar temas que se extienden hacia una ciudad genérica, de todos y de nadie al mismo tiempo.

most peculiar marks; photography through a lens or a painting that, with each stroke, captures well-built, natural or fictional scenarios and, simultaneously, serves as an archive or memory. Our feelings regarding urban spaces are a collection of samples from different scenes where the visual, auditory, olfactory and kinetic orders are prioritized. Every sense functions as a system that is modeled after our culture, beliefs, way of expressing ourselves, and thoughts. Artists adopt the use of a language that makes their work more universal, which is why they tackle the city with new points of view and connotations; their constructs offer the possibility of analyzing the utopian processes and projections in the face of different artistic facts. Drawings, p h o t o graphs, paintings, objects, installations, performances and videos are the means through which personal worries are transcended, images that become a pretext to address the issues that are extended to a generic city, which belongs to everyone and no one at the same time.

Therefore, urban imaginaries are generated by the artists themselves from their own ideas, their representations and liaisons, managing to establish a relationship with the environment

Cada creador convertido en “artista etnógrafo” se interesa por la historia y los significados intrínsecos e indaga en las relaciones entre identidad local, la global y sus prácticas artísticas contemporáneas. Las obras devienen en un laberinto imaginario en el que lo privado se transforma en público, donde cuestiones como el poder aflora y los ideales urbanos son portadores de gran belleza estética pero a la vez son imágenes que ejercen la más sutil y refinada critica social y política.

Each creator becomes an “ethnographic artist”, interested in the history and the intrinsic meanings, analyzing the link between local and global identity, and its contemporary art practices. The works become an imaginary labyrinth in which the private sphere becomes public, where issues like power struggles emerge and urban ideals are the bearers of a great esthetic beauty, whilst being images that exert a more subtle and refined social and political criticism.

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

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URBANO

Celeste Martínez Lluis Barba Iris Helena Ariel Ballester Christian Voigt Muu Blanco Alejandro Leonhardt Raimundo Rubio Betsabeé Romero Wim de Schamphelaere Felipe Llona Nicolas Bruno André Cypriano Achraf Baznani Romina Orazi Rómulo Celdrán Kyu Hak Lee Elise Wehle Edgardo Neira Sergio Fernández Robert Chamberlin Jacques Bedel

ARGENTINA (AR) ESPAÑA (ES) BRASIL (BR) ARGENTINA (AR) ALEMANIA (DE) VENEZUELA (VE) CHILE (CL) CHILE (CL) MEXICO (MX) BÉLGICA (BE) PERÚ (PE) ESTADOS UNIDOS (EEUU) BRASIL (BR) MARRUECOS (MA) ARGENTINA (AR) ESPAÑA (ES) COREA DEL SUR (KR) ESTADOS UNIDOS (EEUU) CHILE (CL) PERÚ (PE) ESTADOS UNIDOS (EEUU) ARGENTINA (AR)

URBAN

Celeste Martínez Lluis Barba Iris Helena Ariel Ballester Christian Voigt Muu Blanco Alejandro Leonhardt Reumundo Rubio Betsabee Romero Wim de Schamphelaere Felipe Llona Nicolás Bruno André Cypriano Achraf Baznani Romina Orazi Rómulo Celdrán Kyu Hak Lee Elise Wehle Edgardo Neira Sergio Fernández Robert Chamberlin Jacques Bedel

URBANO

CELESTE MARTÍNEZ AR El arte y la ciencia han estado ligados desde sus cimientos. Ejemplos incontables en donde las verdades de la ciencia sirven de motivo y recopilación para el desahogo artístico y, vice versa, el arte se utiliza como herramienta investigativa para determinar validaciones científicas. La imagen es clave a la hora de recopilación de datos. El ideario ya quedó, el mundo científico y sus verdades absolutas son una plataforma para la búsqueda artística y conceptual, y es ahí donde la obra de Celeste Martínez se hace clave para ejemplificar esta mixtura. A través de medios digitales, instalaciones y material audiovisual, utiliza resultados científicos médicos de enfermedades para plasmarlos como ícono gráfico, vinculando el micro mundo de las células y agentes patógenos con la posibilidad de ser imagen, es decir, de ser signo visual. Juega con este mundo para transformarlo en visión estética, dando como fruto una lectura que señala la posibilidad cierta del vínculo.

Art and science have always been linked. There are countless examples in which scientific facts serve as motivation and collection for artistic relief and, vice versa, examples in which art is used as a research tool to determine scientific validations. Images are key when collecting data. Ideals are left behind, the scientific world and its absolute truths are a platform for artistic and conceptual exploration, and it is precisely there where the work of Celeste Martínez becomes key to illustrate this mixture. Through digital media, installations and audiovisual material, she uses medical scientific results of diseases in order to capture them as graphic icons, connecting the cellular micro world and pathogenic agents to the possibility of being an image, that is to say, of being a visual sign. She plays with this world in order to transform it into an aesthetic vision, resulting in a reading that indicates the true possibility of the link.

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REQUIEM, 2016, impresión digital, 100 x 150 cm.

BODY

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LLUIS BARBA ES El mundo de la cita residual en un abanico en donde el arte puede intervenir en la información aportada por los medios, para ser manipulada, brindando la posibilidad de intervenir lo que ya está consagrado y dando una visión irónica, desfachatada. Así se conjuga el trabajo de Lluis Barba, artista empeñado en calibrar y desenmascarar a la sociedad y hacer patente sus más categóricos desperfectos. Barba se siente fascinado por cómo procesamos la información que llega a nuestros cerebros. A través de la retina la información se codifica, llega al hipotálamo y la conceptualización de esta se

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condiciona al entorno cultural en el que nos hemos desarrollado, sesgando la verdadera realidad. Además dicho entorno está banalizado, lo cual se traduce en una inherente nimiedad colectiva. Lo que vemos lo filtramos y definimos según nuestra conveniencia y circunstancias El contexto nos condiciona, la importancia de los cánones publicitarios marcados por lo pop, el esnobismo y la monarquía de la farándula sirven como pieza clave en esta doble lectura que al artista le interesa criticar. La ironía está en la extirpación de lo sagrado de obras consagradas de la historia del arte bajo estas predisposiciones del presente.

TRAVELLERS IN TIME, FRAGMENT OF GASSED. SARGENT JHON SINGER, 2014, diasec, medidas variables.

URBAN

The world of the lingering quote in a range of possibilities where art can intervene the information provided by the media, to manipulate it, allowing the possibility to intervene what is embodied and to give an ironic and blatant view. That is how the work of Lluis Barba comes to life, an artist determined to calibrate and unmask society and to demonstrate its most outright flaws. Barba feels fascinated by how we process the information that our brains receive. Through the retina the data is coded, reaches the hypothalamus and the conceptualization of it is conditioned by the cultural environment in

which we have developed, skewing true reality. Also, said environment is trivialized, which translates into an inherent collective trifle. What we see, we filter and define according to our convenience and circumstances. We are conditioned by the context, the importance of advertising standards marked by pop, snobbery and the monarchy of show business, which serve as a key piece in this double interpretation that the artist is interested in criticizing. The irony is in the removal of the sacredness of renowned pieces of the history of art under these predispositions of the present.

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URBANO

IRIS HELENA BR La fotógrafa brasileña Iris Helena se ha especializado a lo largo de su carrera en la representación de la ciudad y de la vida metropolitana que en ella fluye. Sin embargo, en su obra, Helena decide actuar creativamente no solo a partir la elección del sujeto, sino que particularmente, a través del tratamiento del material. Mejor dicho: del soporte. De hecho, siendo reproducidas encima de post-it, de papel higiénico, o de envases blíster usados, sus imágenes se vuelven entonces elementos de un bricolaje que transforma en representación los objetos más banales y comunes con los cuales el ser humano tiene que lidiar cotidianamente. Vehiculadas por estos soportes las imágenes fragmentadas de Helena asumen un halo que las asemja a ruinas: el espectador se queda así mirandolas envuelto en una especie de enigmática falta de actualidad que entrega a los trabajos de Helena los rasgos de monumentos que parecen derrumbarse en el mismo momento de su edificación.

The Brazilian photographer, Iris Helena, has specialized in the representation of the city and the urban life that unfolds within it during her career in. However, in her work, Helena decides to act creatively not only from the selection of the subject, but also, particularly, through the treatment of the material. In other words: of the support. In fact, being reproduced on post-its, made of toilet paper or used blister packs, her images become elements of a bricolage that transforms the most trivial and common objects that humans have to deal with on a day-to-day basis into representation. Mediated by these supports, the fragmented images of Helena assume a halo that resembles ruins: the spectator looks at them wrapped in a sort of enigmatic lack of actuality that gives Helena’s pieces the features of monuments that seem to crumble as they are built.

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NOTAS PÚBLICAS II, 2010, tinta sobre notas amarillas, 210 x 297 cm.

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ARIEL BALLESTER AR Las obras fotográficas de Ariel Ballester, hacen uso de múltiples recursos tecnológicos, para referirse a temas como el tiempo, la memoria y los desplazamientos. Es así como en uno de sus proyectos más recientes, ha logrado viajar –sin moverse de su lugar de trabajo– por las lejanas tierras de Japón, en épocas que ciudades del país oriental habían sido destruidas por un terremoto catastrófico. Desde una observación de las calles niponas, y registros de ellas con dispositivos

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ISHINOMAKI I, 2012, fotografía sobre papel de algodón, 40 x 110 cm.

ópticos de larga distancia, logró diversas vistas fotográficas de una calle destruida. Gracias a las herramientas tecnológicas, Ballester también pudo hacer tomas de la misma calle antes de la catástrofe desde idénticos ángulos. Toda esta sumatoria de escenas del pasado y el presente, fueron posteriormente editadas por el artista y superpuestas, produciendo un video en loop que duraba –tal como el evento telúrico– un minuto y cuarenta segundos.

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The photographic work of Ariel Ballester makes use of multiple technological resources in order to refer to subjects like time, memory, and displacements. Therefore, in one of his most recent projects he has been able to travel, without leaving his workplace, to the distant lands of Japan, in a time where some cities of the eastern country had been destroyed by a catastrophic earthquake. From observing Japanese streets, and by recording them with

long-distance optical devices, he was able to obtain photographic views of a destroyed street. Thanks to technological tools, Ballester was also able to take shots of the same street prior to the catastrophe from identical angles. All these scenes from the past and the present were subsequently edited by the artist and overlapped, creating a loop video that lasted â&#x20AC;&#x201C;just like the seismic eventâ&#x20AC;&#x201C; one minute and forty seconds.

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CHRISTIAN VOIGT DE

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FRUIT MARKET, SIEM REAP, CAMBODIA, 2012, impresión digital cromogénica expuesta en papel fotográfico, enmarcada en paspartú con lámina de aluminio Dibon, 250 x 130 cm.

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MUU BLANCO VE En la propuesta de Muu Blanco no hay nada inofensivo, no hay vanidad, no hay afán por lo sublime, lo que se quiere es configurar una cachetada, una ironía que responde a la molestia de ver un país desmembrado, que al estar mal organizado y bajo el yugo de la corrupción y la lucha no deja escapatoria y evidentemente no da un escenario propicio para el despliegue creativo del arte. Así, posee un enfoque vigilante, contestatario, aguerrido y sin embargo lúdico, la contradicción potencia su manifiesto, elementos infantilistas y animalescos prácticamente de juguete arman seres nuevos que se fundan en el narcisismo de dejarse llevar por las influencias y también, audios de peleas armadas en manifestaciones que dejaron víctimas fatales a principios del 2014 en Venezuela. Un artista multidisciplinar que a través de diversas técnicas toma, apela y critica la realidad.

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EL HOMBRE NUEVO, A Y C, 2012, impresión digital, 100 x 70 cm.

In the proposal of Muu Blanco, there is nothing inoffensive, there is no vanity, there is no pursuit of the sublime. What he is trying to give shape to is a slap in the face, an irony that responds to the pain of seeing a dismembered country, that, being badly organized and under the oppression of corruption and struggle, does not give a chance to escape, and evidently does not offer a favorable stage for the creative production of art. Thus, it possesses a focus that is vigilant, rebellious, courageous, yet playful, a contradiction that strengthens his manifest, elements of an infantile and animal-like nature, practically made of toys, create new beings that are founded on the narcissism of letting oneself be carried away by influences, accompanied by audios of armed clashes during protests with fatal victims in the beginning of the year 2014 in Venezuela. A multi-disciplinary artist that, through the use of diverse techniques, takes, appeals to, and critiques reality.

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ALEJANDRO LEONHARDT CL

JUNTA DE VECINOS N°4, 2014, vitrina de aluminio, melamina y acrílico, 99 x 69 x 8 cm.

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RAIMUNDO RUBIO CL Manipular el tiempo a su antojo, detener un instante colmado de signos infantiles y de sus más preciados recuerdos, modificar la naturaleza, calibrar desde el análisis, causar una reacción que tenga la densidad suficiente para admitir la verdad que esta propuesta dictamina. La finitud es inherente, los estados se modifican y el individuo es responsable de los cambios que perjudican a la naturaleza. Raimundo Rubio, tiene la vista despejada, le interesa dar forma a un paralelismo que afecta la vida diaria y a sí mismo, influenciado por la tragedia bíblica, en lo narrativo y en lo material. Su trabajo implica reacciones químicas, rocía con agua salificada el entramado que construye a partir de elementos de su propio ideario. Una terapia o castigo autobiográfico cristalizando con capas y capas de sal que le insertan una caducidad artificiosa sospechosamente parecida a la de su propio contexto, el contexto de todos. Rubio hace eco de Sodoma y Gomorra al solidificar su propuesta tridimensional. Es un castigo al comportamiento, a la avaricia, al descuido hacia el medioambiente, a la hegemonía industrial y a la superficialidad que capitanea la voluntad colectiva.

Manipulating time at will, stopping an instant overfilled with childish signs and his most cherished memories, altering nature, calibrating through analysis, causing a reaction that is dense enough to admit the truth that this proposal dictates. Finiteness is inherent, the states are modified and the individual is responsible for the changes that harm nature. Raimundo Rubio has a clear view; he is interested in shaping a parallelism that affects him and his daily life, influenced by biblical tragedy both in the narrative and the material. His work plays with chemical reactions: he sprinkles salted water on the structure he constructs with elements from his own imaginary. A therapy or auto-biographic punishment crystallized with layers upon layers of salt that insert an artificial expiration date which is suspiciously similar to that of his own context, to everyone’s context. Rubio echoes Sodom and Gomorrah by solidifying his three-dimensional proposal. It is a punishment for the behavior, greed, the neglect towards the environment, the industrial hegemony and the superficiality of collective will.

ENTER, 2009. imagen de instalación “Marie Antoinette”, medidas variables

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Las instalaciones, videos e intervenciones de Betsabee Romero, fusionan el lenguaje del arte contemporáneo con la artesanía popular. La artista utiliza y modifica artículos cotidianos de consumo masivo, como chicles, neumáticos o automóviles que emplea a modo de metáforas materiales frente a temas como la migración, los roles de género, la religiosidad o el mestizaje. Se trata de obras ingeniosas, que animan a pensar acerca de la génesis, el empleo y relaciones sociales generadas en torno a objetos y materiales. Por ejemplo en muchos de sus trabajos, utiliza automóviles o parte de ellos, especialmente neumáticos, donde nos recuerda que el caucho es un recurso de la selva, obtenido con frecuencia del trabajo forzado y la explotación industrial.

BETSABEÉ ROMERO MX The installations, videos, and interventions of Betsabee Romero fuse the language of contemporary art with popular handicrafts. The artist uses and modifies mass consumption daily items, such as chewing gum, tires, or cars that she uses as material metaphors when referring to topics like migration, gender roles, religiousness, or miscegenation. Her pieces are clever and encourage to think about the creation, the use, and social relations created around objects and materials. For example, in many of her pieces, she uses cars or parts of them, especially tires, to remind us that rubber is a resource that comes from the jungle, and that has often been obtained through forced labor and industrial exploitation.

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PAISAJES MESTIZOS, 2014, papel de china picado e impresión serigráfica, 70 cm. de diámetro.

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WIM DE SCHAMPHELAERE BE A partir de la experiencia y la inserción en el medio que le interesa retratar, Wim de Schamphelaere genera lazos afectivos y testimoniales con el espectador. Esto da como resultado una fotografía digital limpia y documentalista, capaz de reflejar el abandono, la esencia y la precariedad de las locaciones que el artista elige, sin embargo su enfoque encuentra la manera de calibrar analíticamente la composición, luces,

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THE WALL, 2015, impresión digital, 80 x 231 cm.

horizontalidad y perspectiva para dar solemnidad y preponderancia a la belleza melancólica de sus parajes y su gente. En su trabajo se evidencia el interés por ser parte de su propio encuadre, vinculándose con la idiosincrasia del pueblo retratado, ganándose su respeto y la confianza de los que en su marginalidad poco saben de lo exterior. Se refleja un espacio que enaltece a los desposeídos.

URBAN

Starting from experience and integration into the environment that he is interested in portraying, Wim de Schamphelaere creates affective and testimonial bonds with the viewer. This results in a clean and documentary-like digital photography able to reflect the abandonment, essence, and scarcity of the locations chosen by the artist. However, his approach finds the way to analytically calibrate the composition,

lights, flatness, and perspective in order to provide dignity and prevalence to the melancholic beauty of his landscapes and their people. In his work the interest to be part of his own frame is evident, connecting with the idiosyncrasy of the people portrayed, earning the respect and trust of those that in their marginality know little about the exterior. A space that elevates the deprived ones is reflected.

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FELIPE LLONA PE La propuesta de Felipe Llona se cimienta en la bipartición simétrica, en la repetición y en la mirada atiborrada. La estimulación visual de sus fotografías se tiene en un enfoque psicodélico y a ratos febril que nos transporta desde lo real a lo ilusorio. En su trabajo compone a partir de imágenes figurativas, las que al ser intervenidas en su punto focal modifican la perspectiva, recrea un nuevo escenario, un espacio fantástico en donde los juegos lumínicos ayudan a intensificar la composición. Hay una constante expansiva que siempre se rige por un contrapeso, equilibrando toda esta saturación de forma y color para ser leída de una manera tranquila, a pesar de lo inquietante de su movimiento.

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Felipe Llona’s proposal is based on a symmetrical division, repetition, and a crammed look. The visual stimulus of his photographs is in a psychedelic and sometimes febrile approach that takes us from what is real to illusion. In his work, he creates through figurative images whose focal point has been modified to shift the perspective, recreating a new scenario, a fantastic space where lighting changes help intensify composition. There is an expansive constant that is always governed by a counterweight, balancing all saturation of shape and color in order to be read in a tranquil manner, regardless of how unsettling their movement is.

DE LA SERIE URBAN REFLEX, 2014, fotografía digital, impresión en tinta sobre papel de fibra de algodón, 100 x 150 cm.

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NICOLAS BRUNO EEUU

PERDITA, 2012, impresiรณn digital, medidas variables.

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Cuando en la fotografía la mirada es testimonial siempre queda de manifiesto un afán observador que nos traslada al lugar retratado, haciendo que el proceso de reflexión se funda en la empatía y en la sensibilidad, dos valores agregados al discurso conceptual posmodernista que, siendo estrictos están en una peligrosa escasez. El fotógrafo André Cypriano se hace cargo de dejarnos ese legado, su visión es contemplativa ya la vez denunciante, se hace parte de un mundo que le duele y que a la vez le inspira. La belleza de la familia en las favelas, los rostros del esfuerzo, la pobreza, los cuerpos estilizados, las etnias, las balas usadas. El instinto de Cypriano abre esa puerta a lo velado de la marginalidad.

ANDRÉ CYPRIANO BR When the perspective is testimonial in photography, an eagerness to observe that takes us to the depicted location manifests itself, making the process of reflection to focus on empathy and sensitivity, two added values to a post-modern conceptual discourse that, strictly speaking, are dangerously scarce. The photographer André Cypriano manages to offer us that legacy, his vision is contemplative, and at the same time accusing. It becomes part of a world that hurts and at the same time inspires him. He depicts the beauty of family in the favelas, the faces of effort, poverty, stylized bodies, ethnicities, used bullets. Cypriano’s instinct opens the door to what is shrouded in marginality.

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ARCHITECTURE - SHANTY, FAVELA RÍO DE JANEIRO, 1999, impresión digital, 50 x 40 cm.

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ACHRAF BAZNANI MA Una visión surrealista, en donde los tamaños se presentan contradictorios, narrando una escena que está en ejercicio. Así es el universo onírico que presenta el fotógrafo Achraf Baznani. Incentiva a una muestra de realidades paralelas, en donde se disfruta al individuo como testigo activo de la ensoñación. Prioriza lo figurativo, sus elementos son los que nos rodean frecuentemente, sin embargo el uso que se les da se ve alterado por una transmutación funcional que permite un ideal comprensible. Un hombre dentro de una ampolleta, volando tomado de una hoja de otoño, sentado en un libro gigante. Baznani relata fantasías, lo suficientemente equilibradas para engañar el ojo y cautivar a ese niño que llevamos dentro. La imagen permanece, la interacción se hace legible y los mundos posibles atrapan.

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MY SMALL WORLD, 2014, impresión digital, 50 x 50 cm.

Photographer Achraf Baznani introduces a dream-like universe in his work, with a surreal perspective in which sizes are contradictory, narrating a scene that is still under development. He encourages a sample of parallel realities in which the individual is enjoyed as an active witness of a dream state. He prioritizes the figurative; his elements are those that frequently surround us. However, their use is altered by a functional transmutation that permits a comprehensible ideal. A man inside a light bulb, flying and hanging from an autumn leave, sitting on a giant book. Baznani narrates fantasies that are balanced enough to trick the eye and fascinate our inner child. The image persists, the interaction becomes readable, and the possible worlds Baznani creates are captivating.

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ROMINA ORAZI AR El planteamiento lo desarrolla Romina Orazi, quien pone en evidencia las mecánicas del desarrollo sustentable, la ecología, el medio ambiente, la adulteración humana infringiendo en el ecosistema, todo esto vinculado a una lectura objetual y expositiva en donde el objeto-arte es en sí mismo un nuevo componente vivo de la biósfera. Una máquina expendedora de vida, que depende de insertarle una moneda, desclasifica a todo el aparato “sustentable“ en el planeta, que está sujeto a una economía mercantilista. Igualmente ocurre con sus muebles que germinan en sí mismos vinculando la intervención del individuo y la naturaleza en una armonía idealizante. La obra de Orazi despliega vida y ciclo, deteniéndonos necesariamente en la reflexión de las consecuencias que hemos dejado en términos ecosistémicos.

The approach is developed by Romina Orazi, who demonstrates the mechanics of sustainable development, ecology, the environment, human intervention infringing on the ecosystem, all of which is related to an objectual and expositional interpretation where the art object is a new living component of the biosphere in itself. A vending machine that sells life, dependent on coins being inserted into it, discredits the entire “sustainable” apparatus of the planet, which is subjected to a merchant economy. The same occurs with his furniture, which germinate themselves, linking the intervention of the individual and nature in an idealizing harmony. The work of Orazi unfolds life and cycle, necessarily compelling us to reflect about the consequences we are causing to the ecosystems.

SIN TÍTULO, 2008, impresión digital, 30 x 24 cm.

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Las esculturas de Rómulo Celdran se apropian de la realidad alterando las escalas de objetos de la vida cotidiana. Sus obras embebidas por la fascinación por los detalles, reproducen con asombrosa fidelidad un tubo de óleo en gran escala –con sus respectivas abolladuras y manchas de uso–, orificios de aire dentro de una enorme rebanada de pan de molde, o un palo de fósforo a medio quemar de más de un metro de longitud. Un modo de exaltar los objetos invisibilizados por la manipulación diaria, y de cuestionar los principios de percepción y realidad. Al igual que sus esculturas, sus pinturas realistas nos invitan a dar una segunda mirada a objetos simples, agrupando lo ordinario con lo extraordinario.

RÓMULO CELDRAN ES The sculptures of Rómulo Celdran take over reality by altering the scales of the objects of daily life. His pieces, embedded with his fascination for detail, reproduce with an astonishing faithfulness a large-scale oil painting tube with its corresponding dents and stains from being used, the air orifices inside an enormous slice of bread, or a half-burnt matchstick that is over one meter long. This is method of exalting objects that have become invisible because of daily use, as well as questioning the principles of perception and reality. Just like his sculptures, his realistic paintings invite us to have a second look at simple objects, uniting the ordinary with the extraordinary.

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ZOOM XVIII, 2010, acrílico y lápiz sobre lienzo, 118 x 55 cm.

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KYU HAK LEE KR Aunque a simple vista, los cuadros del artista Kyu Hak Lee son recreaciones de obras icónicas del pintor Vincent Van Gogh, una observación más cuidadosa nos adentra en las novedades propuestas en su trabajo. Una de ellas es la técnica con que reproduce la dirección y el color de las pinceladas gestuales, con módulos de espuma de poliestireno de diferentes longitudes, envueltos en papel de diario y hanji (tradicional de Corea). Los coloridos bajorrelieves contienen una observación material sobre la ligereza, lo artificioso o lo insustancial, pues la espuma de poliestireno es frágil al tacto, al calor y no se descompone. Emplearlo con fines artísticos implica un acto de resignificación de una sustancia que refleja la cultura de nuestro tiempo.

Although in plain sight the paintings of artist Kyu Hak Lee are recreations of Vincent Van Gogh’s iconic pieces, a more careful observation reveals the novelties proposed in his work. One of them is the technique with which he replicates the direction and color of the gestural brushstrokes, with polystyrene foam modules of different lengths, wrapped in newspaper and hanji (traditional of Korea). The colorful bas-reliefs contain a material observation about lightness, artificialness or banality since polystyrene foam is fragile to touch, heat, and does not decompose. Using it for artistic purposes provides new meaning to a substance whose characteristics reflect the culture of our time.

DE LA SERIE MONUMENT, “NIGHT CAFÉ NO. 2”, 2011, técnica mixta sobre tela, 130 x 89 cm.

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ELISE WEHLE EEUU Elise Wehle propone un ejercicio meticuloso y consciente de cortes y mixturas sobre la base de imágenes persistentemente legibles. Por medio del collage y la multiposición de capas va configurando un enramado que se teje, se diversifica regulado, ornamental y rítmicamente para generar una nueva vista de la obra a intervenir. Sus motivos comienzan sobre la base de una imagen figurativa, aparecen retratos, rostros escultóricos, paisajes, encuadres arquitectónicos, vistas de ciudad, entre otros, los que son dictaminadamente cortados en trozos simétricos conectados entre sí, los que en ningún momento desarticulan la imagen inicial, por el contrario, se conjugan en una relación armónica y etérea, intensificando el detalle y el juego visual que incita a la asimilación.

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CITYSCAPE 4, 2015, collage de papel, 46 x 61 cm.

Elise Wehle proposes a meticulous and conscious exercise of cuts and mixtures on the foundation of persistently readable images. By means of collage and the multi-position of layers, she configures a woven framework that is diversified in a regulated, ornamental, and rhythmic manner in order to create a new view of the work that will be intervened. Her motifs begin on the basis of a figurative image; portraits, sculptural faces, landscapes, architectural fames, and city views appear, among other elements, which are decidedly cut in symmetric pieces connected to each other and never disassemble the initial image. On the contrary, they combine in a harmonious and ethereal relationship, intensifying the detail and the visual game that incites assimilation.

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EDGARDO NEIRA CL Las pinturas de Neira entregan un cierto aire melancólico: lugares exteriores, fríos y marinos se esbozan entre las manchas de una figuración que está más próxima a devenir abstracción. Las gotas de agua se dejan aparecer en varias de sus obras, recordando la lluvia sureña de Chile. De otro lado, podemos ver elementos de interiores, también monocromos, azulosos en su mayoría, que hacen alusión a la idea de vacío y opulencia; luz y oscuridad.

The paintings of Neira give off a certain melancholic vibe: outdoors, cold, and marine locations are outlined between the spots of a figuration that is closer to abstraction. Drops of water appear in several of his pieces, reminding us of the rain in southern Chile. From another perspective, we can see interior elements, also monochromatic, mostly bluish, that allude to the idea of emptiness and opulence; light and darkness.

MESA PARA ILUSIONAR, acrílico sobre tela, 120 x 120 cm.

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SERGIO FERNÁNDEZ PE Sergio Fernández rescata, desde la fotografía análoga, la noción de territorio y naturaleza en contraposición a la arquitectura y su alteración por el hombre. El contraste entre lo natural y lo cultural; el paisaje y su intervención, son fotografiados por este artista que centra su atención en el abandono y apropiación posterior de carteles en el desierto, o bien de edificios y construcciones a medio terminar y que irrumpen dentro de un lugar. La precariedad a nivel arquitectónico es desarrollada en su proyecto Paisajes intermedios (2015), donde por medio del montaje fotográfico se busca emular paisajes desérticos en los que materiales naturales son puestos como metáfora de las estructuras mínimas de construcción, que a su vez constituyen –y reflejan– un cuerpo social.

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ZAGA/5, 2012, impresión digital sobre papel premium luster, 180 x 120 cm.

Sergio Fernández revives the notion of territory and nature opposed to architecture and its alteration by mankind with the use of analogue photography. The contrast between the natural and the cultural; the landscape and its intervention are photographed by this artist that focuses his attention on the abandonment and subsequent appropriation of signs in the desert, or half-finished buildings and constructions that invade places. Precariousness is explored at an architectural level in his project Paisajes Intermedios (2015), which – by means of photography – seeks to emulate desert landscapes in which natural materials are used as a metaphor for minimal construction structures that at the same time constitute and reflect a social body.

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ROBERT CHAMBERLIN EEUU Robert Chamberlin ha trabajado con medios diversos, pero desde hace algunos años, se ha centrado en el modelado con porcelana, desde el cual trabaja temas como el deseo de posesión y deseos emocionales. Es así como sus jarrones profusamente decorados a mano con herramientas de repostería, sugieren la opulencia y el poder del pasado, así como su caída (pues algunos son incapaces de soportar el peso de sus propios adornos). Cada vaso es una verdadera entidad personificada: a veces atraen, pero otras veces se empujan. Y como todo ser deseante, entre estos jarrones algunos parecen más estables y equilibrados que otros.

Robert Chamberlin has worked with diverse media, but for a couple of years now, he has centered on porcelain modelling, which he uses to develop topics such as the desire for possession and emotional desires. That is how his vases, profusely decorated by hand with confectionary tools, suggest the luxury and power of the past, as well as its downfall – because some are incapable of withstanding the weight of their decoration. Each vase is a true personified entity: sometimes they attract, but other times they push each other away. And as any being with desires, some of these vases seem to be more stable and balanced than others.

EMPTY VESSEL 111, 2014, porcelana, 20.3 x 15.2 x 16.5 cm.

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En la obra de Jacques Bedel aparecen densas referencias culturales (desde Calvino hasta Borges solo para mencionar las más evidentes). El eje del trabajo de Bedel es, sin duda, el libro entendido de forma metafórica y como manantial desde el cual brotan infinitos descubrimientos. Así, la relación que este artista plástico desea entablar con el espectador se hace dinámica en un doble sentido: las obras están en movimiento casi como en las esculturas cinéticas, pero a la vez es el movimiento mismo del espectador el que genera un cambio en la percepción. Lo que resulta es la continua reconfiguración de la relación con lo visible: un espejismo que podemos aprovechar o perder.

JACQUES BEDEL AR In the work of Jacques Bedel dense cultural references appear – from Calvin to Borges, only to mention the most evident. Bedel’s work axis is, undoubtedly, the book understood metaphorically and as a source from which infinite discoveries blossom. Thus, the relationship that this visual artist wishes to establish with the viewer becomes dynamic in a double sense: the works are moving, almost as in kinetic sculptures, but at the same time, it is the movement of the viewer themselves that generates a shift in perception. The result is the continuous reconfiguration of the relationship with the visible: an illusion that we can benefit from or lose.

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DE LA SERIE SKYLINES, “R1033CF12”, 2012, impresión digital sobre plástico laminado, 120 x 120 cm.

URBAN

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CUERPO

CUERPO, EL TODO DE INFINITAS PARTES THE BODY, THE WHOLE OF INFINITE PARTS

Por ELISA MASSARDO. Chile. Licenciada en Historia y EstÃ©tica / Bachelor in History and Aesthetics

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Aquello que envuelve, marca límites con el ambiente, da formas, volumen y limita al ser o al actuar, es también parte de los animales como de las cosas, de los humanos y de todo aquello que se puede tocar, pues todo ello posee un cuerpo. Un cuerpo que ha sido objeto de debate en la filosofía desde la época griega hasta la actualidad, porque genera interrogantes, movimiento, formas y dolor. Independiente de la forma, existe. Y su materialidad genera las más extrañas controversias que van desde su asociación a la belleza, la idealización con la pureza del ser, hasta la cosificación del cuerpo y su disolución con las vanguardias. Ha sido blando, penetrable, fracturable, incluso los instantes en que se rompe pueden ser objeto del arte visual. Es una incertidumbre de miles de partes que invitan a crear, a mirar, a bailar y a sentir que el arte es parte del ser, de lo más intrínseco, de aquello sin lo cual no existimos.

That which surrounds, sets boundaries with the environment, gives shape, volume, and restricts the being and its acts, is a part of animals as well as things, of humans, and a part of everything that can be touched, since all of them have a body. One body that has been the subject of discussion in philosophy from the Greeks until today, because it poses questions, movements, shapes, and pain. Regardless of the shape, it exists. And its materiality arises the strangest controversies that range from its association to beauty, the idealization of the purity of beings, and the objectification of the body and its dissolution with avant-garde movements. It has been soft, penetrable, easy to fracture, even in those instants where it is broken, it can be the object of visual art. It is an uncertainty of thousands of parts that encourage to create, look, dance and feel that art is a part of beings, of the most intrinsic, of that without which we do not exist.

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CUERPO

Quizás podría hacer una lectura desde la teoría y sí o sí habría que pensar en el Cuerpo sin Órganos (CsO), porque el cuerpo no es solo la materia que actúa, sino también lo que representa. Y en este caso sería aquello que revoluciona nuestra forma de percibirlo y lo asocia a la política, aquello donde “el enemigo es el organismo. El CsO no se opone a los órganos, sino a esa organización de los órganos que llamamos organismo (…) a la organización orgánica de los órganos”, explica Deleuze en Mil Mesetas, porque es esa organización, es esa forma de ver a las partes del cuerpo donde la individualidad es olvidada, donde nos convertimos en objeto de las ciencias sociales como una masa gigante de seres comunes, donde se acepta la organización y el organismo. Una vez escuché decir, “el problema de nosotros es que somos blandos, somos traspasables”, y claro, si las bacterias se apoderan del cuerpo, la publicidad, los negocios, la venta, la razón, el ejercicio y la tortura. Un ejemplo claro sería el cuerpo agotado, abrumado y al borde del colapso en su tolerancia al dolor, a tal punto que es capaz de doblegar la voluntad de las personas, de delatar aquello impensado; delatar y torturar al punto del genocidio en ese mundo moderno. Pero el cuerpo es más que un todo, son partes de este ser que –además– se amolda, se transforma y actúa en performances donde el elemento principal es aquel sensual y travieso cuerpo.

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Maybe I could make an interpretation from the perspective of theory and we would have to think of the Body without Organs (BwO) no matter what, since the body is not only matter that acts, but also what it represents. And in that case, it would be what revolutionizes our perception of it and associate it to politics, the instance where “The enemy is the organism. The BwO is opposed not to the organs but to that organization of the organs called the organism […] the organic organization of the organs”, explains Deleuze in A Thousand Plateaus, because that organization, that manner of seeing parts of the body is where individuality is forgotten, where we become the object of social sciences, like a giant mass of common beings, where organization and the organism are accepted.

“El cuerpo no es un todo conjunto sin separación, tampoco es propio o exclusivo del ser humano. Al contrario, es parte de todo lo que nos rodea –incluso, aquello que no podemos ver– y siempre está construido por sus partes”

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“The body is not a complete set without separation, neither is it owned or exclusive to human beings. On the contrary, it is a part of everything surrounding us, even that we cannot see, and it is always built by its parts”.

I once heard someone saying “our problem is that we are soft, we are transferable”, and of course, if bacteria take hold of the body, advertising, business, sales, reason, exercise, and torture. One clear example would be the exhausted body, overwhelmed and on the verge of collapse from its pain tolerance, or at the point where it is capable of breaking the will of people, of giving away the unthinkable, giving away and torturing to the point of genocide in that modern world. But the body is more than a whole, they are parts of this being that also shapes and transforms itself and acts in performances where the main element is the sensual and mischievous body.

El cuerpo no es un todo conjunto sin separación, tampoco es propio o exclusivo del ser humano. Al contrario, es parte de todo lo que nos rodea –incluso, aquello que no podemos ver– y siempre está construido por sus partes, es por ello que sin el valor que merece cada órgano, sin su consideración, no podría funcionar. En una analogía evidente al sistema, hay artistas que así lo abordan, con una vista crítica como hace Sol Mateo, Eugenia Vargas o Evelyn Bencicova; en una asociación a las formas de organización y hacia la pasividad con la que afrontamos la realidad, al sistema burocrático, a la masividad, a un todo mecánico-técnico con un funcionamiento sistematizado. Pero el cuerpo, también se puede alejar de esa crítica y volver a la realidad griega donde era vista como una cárcel. O a lo que aconteció cuando el cuerpo era puro y bello –y en el caso de las mujeres, virginal– como la obra de Barnabás Bardón, que aunque contradictoria es inevitable asociar, cuya paleta de colores del cuerpo andrógino se asocia a figuras angelicales.

The body is not a complete set without separation, neither is it owned or exclusive to human beings. On the contrary, it is a part of everything surrounding us, even that we cannot see, and it is always built by its parts, the reason for which, without the value that each organ deserves, without its consideration, it could not function. In an evident analogy to the system, there are artists that address it in that manner, with a critical view, such as Sol Mateo, Eugenia Vargas, or Evelyn Bencicova, in an association with the ways of organization and towards the passivity with which we face reality, the bureaucratic system, massiveness, a mechanical-technical whole with a systematized functioning. But the body also distances itself from that criticism and goes back to the Greek reality where it was regarded as a prison. Or what happened when the body was pure and beautiful, and in the case of women, virginal, such as the work of Barnabás Bardón, though contradictory, it is inevitable to associate, and whose color palette of the androgynous body is linked to angelical figures.

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

283

CUERPO

Eugenia Vargas

CHILE (CL)

Claire Becker

FRANCIA (FR)

Cecilia Paredes

PERÚ (PE)

Viktor Freso

ESLOVAQUIA (SVK)

Jeff Robb

INGLATERRA (UK)

Barnabás Bardón

HUNGRÍA (HU)

Evelyn Bencicova

ESLOVAQUIA (SVK)

Jean Paul Zelada

PERÚ (PE)

Florentijn Hofman

PAÍSES BAJOS (NL)

Miguel Prypchan

VENEZUELA (VE)

Geza Szollosi

HUNGRÍA (HU)

Guillermo Lorca

CHILE (CL)

BODY

Floria González

ARGENTINA (AR)

Sol Mateo

BOLIVIA (BO)

Tatiana Parceró

MÉXICO (MX)

Mateo Liébana

PERÚ (PE)

José Tolá

PERÚ (PE)

Mirial

FRANCIA (FR)

Rachel Bullock

ESTADOS UNIDOS (EEUU)

Nicola Costantino

ARGENTINA (AR)

Josué Castro

MÉXICO (MX)

Mónica Rojas

ARGENTINA (AR)

Stefanie Gutheil

ALEMANIA (DE)

Óscar Barra

CHILE (CL)

285

BODY

EUGENIA VARGAS PEREIRA CL En las imágenes de la artista multisiciplinar Eugenia Vargas están presentes dos diferentes caminos creativos: aquel que se relaciona estrictamente con la representación del cuerpo femenino y aquel que da paso a una reflexión acerca del medio fotográfico. Dos rutas que se entretejen y se matizan. En ambos casos está planteada una compleja resistencia contra el abuso y el deterioro. Así encima del cuerpo femenino germinan las monstruosas excrecencias de dispositivos audiovisuales, mientras que las imágenes hundidas en el agua pierden paulatinamente cualquier capacidad de significación. Sin embargo, en la obra de Vargas, a esta dimensión degradante se oponen – de repente- elementos figurativos más belicosos (como la mujer de rojo que apunta un arma hacia el espectador) casi como si la artista quisera subrayar que aún no es tiempo para la rendición.

In the images of the multidisciplinary artist Eugenia Vargas, two creative paths are present: one strictly related to the representation of the female body, and one triggers a reflection on the photographic medium, two routes that are interwoven and blended. In both cases, the artist proposes a complex resistance against abuse and deterioration. Thus, the monstrous excrescences of audiovisual devices are germinating over the female body, while the images sunken in water gradually lose all their capacity for to mean something. However, in the work of Vargas, suddenly, more belligerent figurative elements are in opposition to this degrading dimension (such as the lady in read pointing a gun at the spectator), almost as if the artist wanted to stress that it is still not time to give up.

SIN TÍTULO, 2010-2013, fotografía digital, impresión lambda, 102 x 152 cm.

287

CLAIRE BECKER FR

NUEVAS GEOGRAFÍAS DEL SER II, 2001, marmolina, 48 x 30 x 36 cm.

La escultura de Claire Becker hace resonancia con la fisionomía de un organismo. Dichas formas se ven alteradas desde su abstracción para transformarse en una pieza que a pesar de lo amorfa, tiene una connotación de ser vivo, incluso un tanto oscurantista debido a que presenta la mixtura de partes antropomorfas reconocibles tales como bocas, narices y orejas en su superficie. A la artista le interesa hacer del objeto una entidad que se comunica, que exprese cierta actitud a pesar de su connotación objetual. Todas estas inclusiones figurativas son a partir de modelos humanos reales. El objeto es un cuerpo cerrado, hermético en sí mismo que evoca a cierto peso y expresividad por la postura ambivalente de los órganos, en especial las bocas. La boca juega en el sentido de ser un espacio del cuerpo de entrada y salida, se aprovecha esta dinámica agregando en algunas de sus esculturas pequeños cilindros por donde circula agua. Claire propone una escultura inquietante y maleable que en su materialidad de bronce se hace consistente. Su obra es un vínculo análogo entre lo que existe y lo irreal. Es parte de su discurso crear un nuevo cosmos. La metáfora está en el desarticular lo identificable. Temáticas como el feminismo, el erotismo, la sensualidad, la mutación y la carnalidad son los cimientos de este proceso.

The sculptures of Claire Becker resonate with the appearance of an organism. The shapes are altered through an abstraction in order to become a piece that, in spite of being amorphous, has a connotation of a living being, even a little obscurantist due to the mixture of recognizable anthropomorphous features, such as mouths, noses, and ears on its surface. The artist is interested in making the object an entity that communicates, that expresses a certain attitude, in spite of its objectual connotation. All of these figurative inclusions start with real human models. The object is a closed body, hermetic, that conjures up a certain weight and expressivity for the ambivalent posture of the organs, especially the mouths. The idea that the mouth is a body part that is both entry and exit is taken advantage of by adding small cylinders for water to circulate in some of her sculptures. Claire proposes a disturbing and malleable sculpture that in its bronze materiality becomes consistent. Her work is an analogue link between the existing and the unreal. Creating a new cosmos is part of her discourse. The metaphor lies in the dislocation of the identifiable. Topics like feminism, eroticism, sensuality, mutation, and carnality are the foundations of this process.

CUERPO

CECILIA PAREDES PE En la obra de Cecilia Paredes se prioriza la sensación de camuflaje y también la de refinamiento. Su obra transita entre la performance y la fotografía, donde el encuadre siempre vincula los estampados cromáticos entre sí, para jugar ópticamente con la composición. La silueta de su modelo, que es ella misma, se hace parte de la pared, posee su mismo mural; o la pared posee su misma piel, objetualizando ambos componentes que al unísono armonizan. Es un juego de escondites, trasmutación y mixtura, Paredes anula su propia identidad para vincularla al espacio elegido, haciéndose parte ambos de un momento de sosiego. A pesar de esa calma, está somatizando el mundo que la rodea y experimentando las vivencias que este le provoca. Aun así nunca se pierde la esencia femenina y grácil. Las posturas corporales son sutiles, elegantes y los papeles decomurales floreados apelan aún más a esa femineidad. Hay una postura íntima y solemne que la artista sabe potenciar.

In the work of Cecilia Paredes, the sensations of camouflage and refinement are prioritized. Her work moves between performance art and photography, in which the frame always ties chromatic patterns together in order to visually play with compositions. The silhouette of her model – meaning, her silhouette – becomes part of the wall, it has the same background texture, or rather, the wall has the same skin as her. With this, she objectifies two components that are in harmony. It is a game of hide and seek, transmutations, and mixtures. Paredes nullifies her own identity to connect it to the chosen location, both becoming part of a moment of tranquility. In spite of that tranquility, she somatizes the world around her and the experiences that it has to offer. Even so, the female essence and grace are never lost. The body poses she uses are subtle and elegant, and the floral wallpapers make an even stronger appeal to femininity. There is an intimate and solemn posture that the artist understands how to promote.

290

MEMORIES, 2011, fotoperformance, 100 x 100 cm.

BODY

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

291

Una recopilación incesante objetual que itinera entre la ironía, el infantilismo, la propuesta, el recuerdo, lo grotesco, lo floral, lo gestual, lo absurdo y hasta lo sutilmente vandálico. Sin detenerse ahí, su materialidad abarca pintura, esculturas e instalaciones, Viktor Freso es un empalagoso generador de nuevas realidades y nuevas asimilaciones, en donde los discursos se van entretejiendo para dar cuenta de una incorpórea e insistente sensación de pregunta. ¿Hacia dónde va la obra de Freso?, ¿quiere denunciar, acicalar, crear, contradecir, burlarse? es una mirada ambivalente que contrapone el corpus objetual a las más variadas manifestaciones, pareciera que no dice nada, cuando está diciéndolo todo. Es interesante hacer el vínculo entre una patria que se autodefine y carga una historia confusa y un artista que se autodefine y que presenta una obra confusa. El arte debe tomarse en serio tanto como ser manoseado hasta perderse, en Freso no existe la solemnidad. La lógica de los objetos cambia de posición, presidentes son sacralizados, se arrojan piedras a ventanas, se crea un ente de muy pequeña estatura con la mirada más intimidante posible, opciones escultóricas múltiples a partir de objetos conocidos que se sostienen en una situación meta-estable, ascensores que no van a ninguna parte, la importante es desdoblar lo cotidiano hacia una fantasía de la inutilidad.

VIKTOR FRESO

SVK

A relentless objectual compilation that roams between irony, infantilism, the proposal, memory, the grotesque, the floral, the gestural, the absurd, and even the subtly loutish. Without stopping there, his materiality covers paintings, sculptures, and installations. Viktor Freso is an overly sweet creator of new realities and assimilations in which discourses are woven together to form an incorporeal and persistent sense of questioning. Where is Fresno’s work headed? Does he want to denounce, clean up, create, contradict or mock? It is an ambivalent look that puts the objectual corpus up against the most varied manifestations, seeming like he is not saying anything, when he is in fact saying everything. It is interesting to make a link between a motherland that defines itself and has a confusing history and an artist that defines himself and presents a confusing work. Art must be taken seriously to the point of being overly handled until it becomes lost. In Freso’s work, there is no solemnity. The logic of objects changes positions, presidents are sanctified, stones are thrown at windows, a very short being with the most intimidating look possible is created, multiple sculptural options from known objects are sustained in a meta-stable situation, elevators that do not go anywhere. The important thing is unfolding the quotidian towards a fantasy of uselessness.

292

NIEMAND (PICUS), 2015, fotografía, caja de luz, caja de plástico con batería, 36 x 46 x 5 cm.

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

293

CUERPO

JEFF ROBB UK

294

THOUGHT EXPERIMENT I, 2013, fotografÃa lenticular, 75 x 75 cm.

BODY

BARNABÁS BARDÓN

ARTE AL LÍMITE2009, | COLECCIÓN SIN DE LA SERIE HERMAFRODITA, “APOLLON”, acrílico sobre tela, 164LÍMITES x 135 cm.

295

CUERPO

EVELYN BENCICOVA SVK En las obras de Evelyn Bencicova existe una pasión por el cuerpo, la piel y las formas que generan cuando se aglomeran unos con otros; mientras que también realiza retratos individuales de aquellas personas que conoce hace tiempo y, donde la artista, siente la confianza de capturar imágenes. Cada composición es creada previamente por la artista, quien elige los detalles, el movimiento y la postura de las modelos que acompañan en las escenas. Los colores generalmente suaves, pueden llegar a un negro poco nítido que nos recuerda a la violencia y momentos trágicos de la historia.

296

HEROINE, 2013, impresión de pigmentos, 140 x 95 cm.

In the work of Evelyn Bencicova there is a passion for the body, skin, and the shapes they create when placed next to each other. She also makes individual portraits of people she has known for a long time, situations in which the artist feels the confidence to capture images. Each composition is created in advance by the artist, who chooses the details, movement, and pose of the models accompanying the scene. Generally soft colors can become an unclear black that reminds us of violence and tragic moments of history.

BODY

JEAN PAUL ZELADA PE

ARTE NOCTURNO, AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN110 LÍMITES 2013, óleo sobre tela, x 85 cm.

297

URBANO

FLORENTIJN HOFMAN NL Las esculturas gigantes de Hofman vinculan el espacio íntimo, casero y cotidiano con el espacio público, abierto y accesible a un sinfín de transeúntes de diversas partes del mundo. Objetos escultóricos realizados en gran formato y con distintos materiales habitan lugares en donde se exponen y transitan de una forma lúdica y llamativa. Utiliza referentes de juguetes infantiles, como el patito de goma que flota en la ducha, peluches, animales, entre otros. Juega así con las escalas y proporciones para hacer de lo pequeño y tomable, obras que se recorren o ven desde lejos, interpelando visualmente al espectador y alterando con humor la rutina urbana.

298

RUBBER, 2012, patitos de hule, 11 x 10 cm.

Hoffman’s giant sculptures connect the intimate, homey, and everyday space with the public and open space accessible to an endless number of pedestrians of different parts of the world. Sculptural objects made in large format and with different materials, inhabit the places where they are exhibited and move in a playful and striking manner. The artist uses children’s toys as references, such as the rubber ducky that floats in the shower, stuffed toys, and animals, among others. He plays with scales and proportions to transform the small things that can be picked up into pieces that can be traversed or seen from afar, visually questioning the viewer and altering the urban routine with humor.

URBAN

MIGUEL PRYPCHAN VE

ASYMMETRIC 2015, hierro policromado, SIN 95 x 85 x 30 cm. ARTEHORSE, AL LÍMITE | COLECCIÓN LÍMITES

299

CUERPO

GEZA SZOLLOSI HU El desmantelamiento del cuerpo y su posterior configuración arman la propuesta de Geza Szollosi. Este proceso va desde lo inofensivo hasta lo controversial. En su obra Postman, utiliza partes de escarabajos para articular una figura antropomorfa, que se visualiza en una postura ágil y liviana en un instante determinado. El insecto se hace parte de la anatomía del individuo. Su propuesta vincula la animalidad de lo humano, lo cual extralimita hasta un punto de no retorno. No sólo se queda con los insectos. A partir de carne de cerdo, estratégicamente parecida a la carne humana, recrea rostros cadavéricos, genitales y actividades sexuales corrugadas, haciéndolas lícitas y analizables. Szollosi quiebra toda idealización del individuo para transformarlo en un concepto expositivo y morboso.

300

POSTMAN, 2015, partes de escarabajo y resina, 15 x 11 x 5.5 cm.

Dismantling the body and its subsequent configuration make up the proposal of Geza Szollosi. This process goes from the harmless to the controversial. In his work Postman, he uses parts of beetles to assemble an anthropomorphous figure, which can be seen in an agile and light posture in a determined instant. The insect becomes part of the individual’s anatomy. His proposal links the animality of the human, which he oversteps to a point of no return. He doesn’t stop at insects. Starting with pork meat, which is strategically similar to human flesh, he recreates cadaveric faces, genitals, and corrugated sexual activities, making them illicit and analyzable. Szollosi breaks all idealization of the individual in order to transform it into an explanatory and morbid concept.

BODY

GUILLERMO LORCA CL El imaginario más conocido de Guillermo Lorca son sus pinturas figurativas, protagonizadas por niñas prepúberes, cuyos espacios se ven irrumpidos por una fauna indomable. Los objetos y sus escalas actúan como señales del paso y existencia de adultos, pero que en medio de la ferocidad animal, se encuentran ausentes (tan ausentes como la inocencia de sus pequeñas ninfas vulneradas). El retrato –y el autorretrato–, es otro género pictórico que también ha sido ampliamente trabajado por Lorca. Sus cuadros al óleo con ciertas claves barrocas, dan cuenta de un ánimo crítico intencionado por reforzar el valor de la pintura tradicional, en un momento en que se tiende hacia lo conceptual.

The most well-known imaginary of Guillermo Lorca are his figurative paintings where prepubescent girls are the protagonists, whose spaces are invaded by an untamable fauna. The objects and their scales act as signs of de passing and existence of adults, who are blatantly absent amidst animal ferocity, as absent as the innocence of Lorca’s small, damaged nymphs. Portraits and self-portraits is another pictorial genre that has been extensively explored by Lorca. His oil paintings, with certain baroque touches, evidence a critical mood that intends to strengthen the value of traditional painting at a time in which the conceptual is a trend.

AUTORETRATO IV, 2010, óleo sobre tela, 80 x 80 cm.

301

CUERPO

FLORIA GONZÁLEZ

Fotografía y dramaturgia, pareciera que estas dos vertientes de la expresividad se fusionan en la obra de Floria González. En su enfoque fotográfico hay una intencionalidad oscurantista, desoladora, incluso melancólica, con un leve y cuidadoso aire de decadencia. Todo acompañado de un trabajo lumínico sutil que hace protagónicos a los íconos que ella necesita destacar. Construye escenarios misteriosos, cercanos a lo terrorífico, su obra inquieta y captura esa vulnerabilidad inherente del individuo ante lo intimidante. La muerte, el recelo, el vacio y el abandono se hacen parte de una narrativa que traspasa lo visual.

302

JUGANDO A NO ESTAR, 2007, impresión digital, 120 x 122 cm.

Photography and dramaturgy, two different fields of expression, seem to be fused in the work of Floria González. In her photographic approach, there is an obscurantist, desolate, even melancholic willfulness that has a soft and calm air of decadence. All of this is accompanied by a subtle lighting that makes the icons that she needs to highlight the protagonists. She constructs mysterious scenarios that are close to the terrifying; her work unsettles and captures the inherent vulnerability of individuals in the face of intimidation. Death, mistrust, emptiness and abandonment are part of a narrative that runs beyond the visual.

BODY

SOL MATEO BO

CIELOS FALSOS, digital, medidas variables. ARTE AL2007-2008, LÍMITE impresión | COLECCIÓN SIN LÍMITES

303

CUERPO

TATIANA PARCERÓ MX

304

FIN Y PRINCIPIO #8, 2008, fotografía impresa en papel metálico, 110 x 80 cm.

BODY

305

CUERPO

MATEO LIÉBANA

Los enormes lienzos de Mateo Liébana están repletos de personajes con cuerpos rechonchos o andróginos, instalados en medio de espacios caóticos. Otros habitantes de estos lugares saturados de color son mujeres con tres o cuatro pechos, perros bestiales y seres con cuernos puntiagudos. Lejos de pretender asustar al espectador, Liébana busca evocar recuerdos o sensaciones emotivas, por eso explica que “no tienen color ni pelo, son personajes o recuerdos que habitan en los pasajes de mi subconsciente”. Es justamente en el universo personal que –en estas imágenes– lo torcido, amorfo o descomunal, tienen un lugar para ofrecernos sus monstruosos encantos.

306

TENTACIONES DEL CARDENAL, 2014, acrílico sobre tela, 140 x 140 cm.

The enormous canvases of Mateo Liébana are full of characters with stubby and androgynous bodies, placed in the middle of chaotic spaces. Other inhabitants of these places saturated with color are women with three or four breasts, beastly dogs, and beings with sharp horns. Far from seeking to scare the viewer, Liébana aims to stir up emotional memories or sensations and that is why he explains that “they do not have color or hair, these are characters or memories that inhabit the passages of my subconscious.” It is precisely in the personal universe that, in these images, the twisted, amorphous, or gigantic have a place to offer us their monstrous charms.

JOSÉ TOLÁ PE El discurso pictórico de José Tolá está basado en la representación de un bestiario antropomorfo, donde los personajes creados son la traducción de un afán expresivo, emotivo y contestatario. Las sensaciones e ideas de Tolá se ven impregnadas en estos interlocutores visuales llenos potencia y estridencia, que en todo momento declaman y se hacen partícipes del discurso. Sus rasgos son deformes e intimidantes representando muy bien a los monstruos que poseemos a nivel social hoy en nuestro contexto. Hay siempre un rescate a lo figurativo para hacer más legible su empoderamiento. La declamación es perturbadora.

The pictorial discourse of José Tolá is based on the representation of an anthropomorphous bestiary in which the characters are the translation of an expressive, emotional, and rebellious effort. Tolá’s sensations and ideas are imbued in these visual interlocutors full of strength and raucousness, which at all times declaim and participate in the discourse. Their features are deformed and intimidating, aptly representing the monsters that exist in our current social context. The figurative in order to make their empowering more legible. The declamation is unsettling.

EL HOMBRE SIN CONFUSIÓN, 2015, grabado en metal, 62 x 43 cm.

307

URBANO

MIRIAL

308

HERMAPHRODITE V, 2015, fotografía de luz de neón y superposición de gráficos anatómicos, medidas variables.

URBAN

RACHEL BULLOCK

EEUU

APU.2, 2015, carboncillo y corrector blanco sobre papel, 106.5 x 177 cm.

309

CUERPO

NICOLA COSTANTINO AR No cabe duda que el el eje creativo de Nicola Costantino ha sido el cuerpo humano, y en particular, el femenino. Eso sí, los suyos son cuerpos incursionados, investigados y, finalmente, representados a través de variados medios: desde la costura hasta la escultura pasando por fotografía, el videoarte e instalaciones realizadas mediante la compleja construcción de objetos mecánicos que encaminan su obra hacia una producción casi cinética. Costantino siempre mantuvo en sus obras aquel trasfondo profundamente crítico que parece querer recordar al espectador como hoy en día la ostentación de la belleza, la obsesión por el bienestar y por la vanidad, la búsqueda del status symbol, pueden en realidad ocultar los rastros violentos y obscenos de la sociedad.

310

NICOLA SATÍRICA, SEGÚN KERTESZ, 2007, impresión en lambda, medidas variables.

There is no doubt that the creative axis of Nicola Costantino’s work has been the human body and, in particular, the female body. Indeed, hers are explored, researched bodies, and ultimately, represented through varied means: from sewing to sculpture, through photography, video art, and installations made through the complex construction of mechanical objects that focus her work towards an almost kinetic production. Costantino has always maintained in her pieces the deeply critical background that seems to want to remind the viewer that today the ostentation of beauty, the obsession with well-being and vanity, the pursuit of the status symbol, can actually hide the violent and obscene traces of society.

BODY

JOSUÉ CASTRO

PUROHEDONISMO.HEDONISMOPURO, impresión digital, 120LÍMITES x 210 cm. ARTE AL LÍMITE2014, | COLECCIÓN SIN

311

CUERPO

MÓNICA ROJAS

La belleza de la calamidad, la decadencia, el paso del tiempo y el abandono, el individuo vulnerado ante las circunstancias, todas estas categorías estéticas fundadas en un piso melancólico y experiencial, que sostienen el enfoque fotográfico de Mónica Rojas. Artista que recorre escenarios víctimas del deterioro, del paso inclemente del tiempo, en donde mujeres danzantes se solazan ante la libertad irrefrenable del caos. Se acumulan escombros, las paredes se disgregan, la luz entra escurridiza por agujeros que dan cuenta del ocaso de un hogar hace años abandonado, todo esto en una dinámica lumínica suave y nostálgica que deja la sensación de pérdida pero también de recuerdo. La acumulación de elementos es innegable, como toda ruina se desordena y se transforma en una realidad paralela, que se rige bajo sus propias reglas.

The beauty of calamity, decadence, the passing of time and abandonment, the individual weakened by circumstances, all these aesthetic categories grounded on a melancholic and experiential base sustain the photographic focus of Mónica Rojas. She is an artist that visits scenes that have become victims of deterioration, of the merciless passing of time, in which dancing women take pleasure in the irrepressible freedom of chaos. Debris is amassed, walls are scattered, light enters elusively through holes that show the decline of a home that has been abandoned for years, all of this in a soft and nostalgic lighting dynamic that creates the sensation of loss, but also of memories. The accumulation of elements is undeniable, as all ruins are messy and become a parallel reality that is governed by its own rules.

312

CIRCUVALACIÓN DEL OLVIDO, 2012, fotografía digital, medidas variables

BODY

313

CUERPO

STEFANIE GUTHEIL DE Una impronta desvinculada de toda pretensión y armada de estridencia, infantilismo, ironía y al mismo tiempo desfachatez, la obra pictórica de Stefanie Gutheil, es un desacato de las normas, una levantamiento en términos de color y ruido que conjugados en íconos tan amistosos como los animales, juegan un discurso liviano y contradictorio, que en ningún momento pierde densidad.

314

KATZE IM SACK, 2009, técnica mixta sobre tela, 120 x 130 cm.

A signature disassociated from all presumption and armed with shrillness, childishness, irony, and impertinence at the same time, the pictorial work of Stefanie Gutheil represents the contempt for rules, an uprising in terms of color and noise, which combined with icons as friendly as animals, play with a light and contradictory discourse that never loses density.

BODY

ÓSCAR BARRA

ÓSCAR BARRA CL

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN LÍMITES AMIGOS IMAGINARIOS, acrílico sobre SIN tela, 90 x 63 cm.

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BIOGRAFIA

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BIOGRAPHY

BIOGRAFÍA BIOGRAPHY

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

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BIOGRAFIA ALEKSANDAR ZAAR (ALEMANIA,1971) Como fotógrafo ha expuesto en el Museo Arteum y el encuentro de fotografía Anntenes en Francia. Además ha participado en exhibiciones en galerías de arte en Alemania, México, Alemania y España. Su trabajo reside principalmente en colecciones privadas en Alemania, España, Reino Unido, México, así como en Fundaciones en Marruecos, Fundación ONA y en Francia, Fundación Cari. As a photographer, his art has been exhibited in the Arteum Museum and in the photography convention of Anntenes, France. He has also participated in exhibitions in art galleries in Germany, Mexico, Germany, and Spain. His pieces are mostly in the possession of private collections in Germany, Spain, the United Kingdom, Mexico, as well as foundations in Morocco, the ONA Foundation, and the Cari Foundation in France.

ANÍBAL GÓMESCÁSSERES (COLOMBIA)

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SOFÍA LÓPEZ MAÑAN (ARGENTINA, 1982)

PATRICIA CLARO (CHILE, 1960)

Licenciada en Artes en la Universidad Nacional de las Artes, Argentina; también estudió Dirección de Arte, y Dirección de Fotografía en Cine en la Escuela Argentina de Fotografía y en la Asociación de Reporteros Gráficos de la República Argentina y SICA. Ha expuesto individualmente en España y Argentina, además de participar en ferias como Swab, Lima Photo, ARCO y Buenos Aires Photo.

Estudió Diseño y Licenciatura en Artes Visuales en la Pontificia Universidad Católica de Chile. Participó en la Bienal del fin del mundo en Ushuaia. Ha tenido exposiciones en museos, galerías y ferias en Chile, Estados Unidos, China, Bélgica entre otros. Se desempeña como profesora de pintura en la Escuela de Arte en Educación Continua, en la Pontificia Universidad Católica de Chile.

She has a Bachelor’s Degree in Arts from the National University of Arts, Argentina and she also studied Art Direction and Cinema Photography Direction in the Argentinian School of Photography and in the Association of Press Photographers of the Argentine Republic and SICA. Her work has been individually exhibited in Spain and Argentina, and she has also participated in fairs such as Swab, Lima Photo, ARCO, and Buenos Aires Photo.

She studied Design and has a Bachelor’s degree in Visual Arts from the Pontifical Catholic University of Chile. She participated in the Fin del Mundo Biennale in Ushuaia, Argentina. She has had exhibitions in museums, galleries and festivals in Chile, United States, China, Belgium, among others. She works as a painting professor in the Escuela de Arte en Educación Continua at the Pontifical Catholic University of Chile.

KATJA LOHER (SUIZA, 1979)

RAFEL BESTARD (ESPAÑA, 1967)

Estudió Artes Plásticas en la Academia Superior de Artes de Bogotá en la Universidad Distrital Francisco José de Caldas. Ha expuesto en galerías de arte en Colombia, Japón y Estados Unidos. También ha participado en ferias artísticas en Art Shanghai, Art Korea, ArtBo y Art Wynwood Miami. Actualmente su obra forma parte de colecciones privadas como Correval, e importantes bancas de inversión en Colombia, y en la Fundación Cardíoinfantil.

Participó en la Bienal de Arquitectura de Venecia y Bienal de Arte en Chongqing, China. También expuso en el Nuevo Museo de Arte Británico para Arte Americano, Londres; Museo TelFair, Georgia; Museo de Arte Figge, Iowa; Museo Brasileño de Escultura, Sao Paulo Brasil, Museo del Hermitage, Rusia; Museo de las artes del siglo XXI, Roma; The World Expo Museum, Shanghai. También ha participado de residencias artísticas en Berlín, Nueva York y Beijing.

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona; participó en cursos y seminarios de Teoría e Historia del Arte Contemporáneo de la Fundación Pilar i Joan Miró. Expuso en la Bienal de Arte Internacional de Beijing, China; y la Bienal de Artes Plásticas Ciudad de Albacete. Además ha participado en ferias internacionales de arte como Toronto Art Fair, Scope Basel Suiza; Scope Miami, USA; Swab Barcelona, España; entre otros.

He studied Fine Arts at the Superior Academy of Arts in Bogotá at the Francisco José de Caldas District University. He has exhibited in art galleries in Colombia, Japan and the United States. He has also participated in art fairs at Art Shanghai, Art Korea, ArtBo and Art Wynwood Miami. Currently his work is a part of private collections such as Correval, and important investment banks in Colombia, and the Cardioinfantil Foundation.

He participated in the Venice Biennale of Architecture and the Chongqing International Biennale of Contemporary Art, China. He also exhibited in the New Britain Museum of American Art, USA, the TelFair Museums, Georgia; the Figge Art Museum, Iowa; the Brazilian Museum of Sculpture, Sao Paulo, Brazil; the Hermitage Museum, Russia; the Museum of 21st Century Arts, Rome; and the World Expo Museum, Shanghai. He has also participated in art residencies in Berlin, New York, and Beijing.

He is a Bachelor in Fine Arts from the University of Barcelona. He participated in courses and seminars on Contemporary Art Theory and History of the Fundació Pilar i Joan Miró. His art was displayed in the International Beijing Art Biennale, China, and in the Albacete Visual Arts Biennale. In addition, he has participated in international art fairs, such as the Toronto Art Fair, Scope Basel, Switzerland, Scope Miami, USA, Swab Barcelona, Spain, among others.

BIOGRAPHY NICI JOST (CANADÁ,1984)

DANIELA EDBURG (MÉXICO, 1975)

JULIA ROMANO (ARGENTINA, 1978)

Licenciada en Artes Mediales en la Universidad de Ciencias Aplicadas en Basel, cuenta también con un Máster en Artes en la misma universidad y Diplomado en Fotografía. Ha realizado exposiciones nacionales individuales y colectivas, además en Estados Unidos, España, República Checa Hungría y Alemania. En 2011 ganó el prestigioso premio de arte la fundación Alexander Clavel. Actualmente vive y trabaja en Suiza.

Estudió Artes Visuales en la Academia San Carlos de la Ciudad de México. Su trabajo ha sido presentado en Photoquai en la Bienal de Imágenes del Mundo en París, Francia; en la Bienal Internacional de Moscú para el Arte Joven, y en la Trienal Internacional del Caribe. Ha expuesto en museos de China, España, Chile y Rusia. Sus piezas han sido adquiridas por el Museo de Bellas Artes de Boston, el Museo de Arte de las Américas en Washington DC, el Museo de Arte Latinoamericano de California, así como el Museo Astrup Fearnley en Oslo, Noruega.

Es Licenciada en Artes Plásticas, Profesora Superior de Artes Plásticas-Grabado y Licenciatura en Grabado. Ha realizado diversas exposiciones en Argentina, China, España, Estados Unidos, Inglaterra, España, entre otros. Ha recibido múltiples premios y distinciones, y su obra se encuentra en colecciones privadas y públicas como el Museo Provincial de Bellas Artes Emilio A. Caraffa de Córdoba, Museo de Arte Contemporáneo de Rosario, etcétera.

Bachelor in Media Art from the University of Applied Sciences Northwestern Switzerland in Basel. She also has a Master’s Degree in Art from the same university, and a Degree in Photography. She has participated in national individual and collective exhibitions, as well as in the United States, Spain, Czech Republic, Hungary, and Germany. In 2011, she won the prestigious art award of the VV Clavel Foundation. She currently works and lives in Switzerland.

YSABEL LEMAY (ESTADOS UNIDOS, 1966) Posee estudios de Diseño Gráfico y Comunicaciones en la Escuela de Sainte Foy en Vancouver, Canadá y estudió Arte en la Universidad de Arte y Diseño Emily Carr en Québec. Fue ganadora del Kipton ART, y ha participado en la Bienal de Texas en el Museo Blue Star Contemporary en San Antonio, y también representó a Texas en la cuarta edición de Women to Watch en el Museo Nacional de Mujeres en el Arte, Washington DC. Además ha expuesto en galerías de arte en Miami, Londres, Nueva York, Los Ángeles, Montreal, entre otras. She has a degree in Graphic Design and Communications at the Sainte Foy School in Vancouver, Canada and studied Art at the Emily Carr University of Art and Design in Quebec. She was a winner of the Kipton ART Rising Star Program, and has participated in the Texas Biennial at the Blue Star Contemporary Museum in San Antonio, and also represented Texas at the fourth edition of Women to Watch at the National Museum of Women in Art, Washington DC. She has also exhibited in art galleries in Miami, London, New York, Los Angeles, Montreal, among others.

He studied Visual Arts at the San Carlos Academy of Mexico City. His work has been presented at the Photoquai World Images Biennial in Paris, France, in the Moscow International Biennale for Young Art, and in the International Caribbean Triennale. His art has been displayed in museums in China, Spain, Chile, and Russia. His pieces have been acquired by the Museum of Fine Arts in Boston, the Art Museum of the Americas in Washington DC, the Museum of Latin American Art in California, as well as the Astrup Fearnley Museum of Modern Art in Oslo, Norway.

She is a Bachelor in Visual Arts, a Professor of Visual Arts-Engraving and a Bachelor in Engraving. Her work has been in different exhibitions in Argentina, China, Spain, United States, England, Spain, among others. She has received multiple awards and distinctions, and her work is in private and public collections, such as in the Museo Provincial de Bellas Artes Emilio A. Caraffa in Córdoba, the Museo de Arte Contemporáneo in Rosario, etc.

BETSY GREEN (ESTADOS UNIDOS, 1962)

JOSÉ BASSO (CHILE, 1949)

Estudió Arte en la Escuela de Diseño de Rhode Island, Estados Unidos, y una Maestría en Artes Visuales en la Academia Jan Van Eyck, Países Bajos. Fue finalista para el premio Prix de Roma de Fotografía. Ha expuesto en diversos países como Estados Unidos, Suiza, Países Bajos, Italia, entre otros. Su trabajo se puede encontrar en colecciones internacionales tanto públicas como privadas.

Estudió Arte en la Universidad de Chile de Valparaíso. Recibe el premio de pintura de la II Bienal Internacional de Valparaíso, y partició en las Bienales Internacionales como San Juan en Puerto Rico, Montevideo y en la XVII Bienal de Sao Paulo, Brasil. Recibió el Primer Premio de Grabado de los 100 años del Museo Nacional de Bellas Artes, la Beca Amigos del Arte y una Beca del Gobierno Francés para una residencia en París. Se desempeña como académico de la Universidad de Playa Ancha de Valparaíso.

She studied Art in the School of Design of Rhode Island, United States, and has a Master’s degree in Visual Arts from the Jan van Eyck Academy, the Netherlands. She was a finalist in the Prix de Rome Photography Award. Her work has been exhibited in several countries such as the United States, Switzerland, the Netherlands, Italy, among others. Her work can be found in international public and private collections.

He studied Art at the University of Chile of Valparaiso. He received the painting prize of the 2nd International Biennale of Valparaiso, and he participated in the San Juan International Biennale in Puerto Rico, and in the 17th Sao Paulo Biennale, Brazil. He received the First Prize in Engraving at the 100th anniversary of the Museo Nacional de Bellas Artes, the Amigos del Arte Scholarship, and a scholarship from the French Government for a residency in Paris. He works as professor in the Playa Ancha University in Valparaiso.

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

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BIOGRAFIA SAIR GARCÍA (COLOMBIA, 1975)

KATRIN GUNTHER (ALEMANIA,1970)

MARIO VÉLEZ (COLOMBIA, 1968)

Estudió Artes Plásticas en la Universidad Antonio Nariño, Bucaramanga, y Universidad Nacional, ambas en Colombia. Participó en la XII Bienal de la Habana Ha expuesto en el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago; Museo De Arte de Constanza Rumania; Museo de Arte de Szombathely, Hungría. Ha ganado distinciones como XVI Art Salón Ibero American Migration Mexican Cultural Institute, Washington D.C,Estados Unidos; Premio Philips de arte para jóvenes talentos, Bogotá, Colombia. Su obra se puede encontrar en las colecciones de arte del Museo Nacional Teatro Givatayim Tel Aviv, Israel; Museum, Louisville Kentucky, USA. Museo Memorial de América Latina, Sao Paulo, Brasil. Colección Unesco, París, Francia.

Posee estudios en Arquitectura en la Universidad de Técnica de Brandenburgo, Alemania y en la Universidad Politécnica de Milán, Italia. Desde el 2005 trabaja como artista autodidacta. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas, entre ellas en la Bienal de Zeichnung en el Centro Cultural de Eislingen, Alemania. Actualmente se desempeña como profesora de Arte y Diseño en la Universidad de Ciencias Aplicadas Constance en Alemania.

Artista Plástico de la Universidad Nacional de Colombia. Además estudió dibujo y pintura en la Universidad Hochschule fur Angewandte Kunst, en Viena, y obtuvo su Maestría en Pintura en la Universidad Hochschule der Kunste, en Berlín. Su trabajo ha sido presentado en varios espacios de todo el mundo como Museum Fur Angwandte Kunst, además de galerías en espacios en Alemania, Francia, México, Panamá, Perú, Brasil y Colombia.

He studied Fine Arts at the Antonio Nariño University, Bucaramanga, and Universidad Nacional, both in Colombia. He participated in the 12th Havana Biennial, exposed in the Museo de Arte Contemporáneo in Santiago; the Constanta’s Art Museum in Romania; Szombathely Art Gallery, Hungary. He has won distinctions such as the 17th Art Salon on Ibero-American Migration at the Mexican Cultural Institute, Washington D.C, United States; the Philips Prize for Young Talent Art, Bogotá, Colombia. His work can be found in the art collections of the Museum-Theater Givatayim, Tel Aviv, Israel; the Louisville 21c Museum Hotel, Kentucky, USA; the Latin American Memorial Museum, Sao Paulo, Brazil; and the UNESCO Collection, Paris, France.

BENEDETTO PIETROMACCHI (ITALIA, 1972) Estudió Escultura Clásica en la Accademia de Bellas Artes de Carrara, Italia, y Arquitectura en la Architectural Association School of Architecture de Londres. Participó en la Bienal para artistas jóvenes de Zamalek, Egipto. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas en galerías de arte en Estados Unidos, Inglaterra e Italia. Su obra se encuentra en diversas colecciones internacionales. She studied Classical Sculpture at the Academy of Fine Arts of Carrara, Italy, and Architecture at the Architectural Association School of Architecture of London. She participated in the Biennale for young artists in Zamalek, Egypt. She has participated in individual and collective exhibitions in art galleries in the United States, England, and Italy. Her work can be found in different international collections.

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She studied Architecture at the Brandenburg University of Technology, Germany and the Polytechnic University of Milan, Italy. Since 2005, she has been working as a self-taught artist. She has participated in individual and collective exhibitions, including the Biennale of Zeichnung at the Eislingen Cultural Center, Germany. Currently, she works as an art and design professor at the Konstanz University of Applied Sciences in Germany.

Plastic artist from the National University of Colombia. He also studied drawing and painting at the University Universität für angewandte Kunst in Vienna and obtained his Master’s Degree in Painting from the Universität der Künste in Berlin. His work has been presented in several spaces around the world such as the Museum Angwandte Kunst, as well as galleries in Germany, France, Mexico, Panama, Peru, Brazil and Colombia.

JOSÉ LUIS CARRANZA (PERÚ, 1981)

ANTUÁN (CUBA, 1972)

Estudió pintura y dibujo en la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú con mención en pintura y dibujo. Ha expuesto en Centro Cultural de la Universidad Ricardo Palma, Perú; el Museo Pedro de Osma, Perú; el Museo de Arte Contemporáneo del Cusco, Perú; el Museo de las Américas, EE.UU. Además de exponer en el encuentro de pintura peruana joven en la galería de arte en la embajada de Perú en Londres. También ha expuesto en galerías de arte en España, Alemania, Chile y Perú. Ganó el Primer premio en el Concurso Pasaporte para un artista organizado por la Embajada francesa en Perú

Cursó sus estudios artísticos en la Universidad Félix Varela, en Cuba. Posteriormente cursó una maestrías en escultura en Bronce bajo la bajo la dirección del escultor Joseph Castell, además en hierro y resina en el atelier de arte Ros Mari en Valencia, España. Ha recibido reconocimientos como el primer premio en la Galería Nacional de Artes Plásticas, Cuba, y el premio Sculpture Key West, Florida, EE. UU., en 2006. Además de participar en exposiciones internacionales como en la Bienal Del Sur de Panamá, III Bienal Del Fin del Mundo, Argentina, Museo de Arte Contemporáneo en Toronto, Canadá y en el Museo de Arte Contemporáneo en Miami.

He studied Painting and Drawing at the Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Peru with a specialization in Painting and Drawing. His work has been exhibited in the Cultural Center of the University Ricardo Palma, Peru; the Museo Pedro de Osma, Peru; the Museo de Arte Contemporáneo del Cusco Peru; and the Art Museum of the Americas, United States. He also exhibited his work in the Peruvian young painting event in the art gallery at the Peruvian Embassy in London. His work has been exhibited in art galleries in Spain, Germany, Chile, and Peru. He won the First Prize in the Pasaporte para un artista contest organized by the French Embassy in Peru.

He carried out his art studies in the Félix Varela University in Cuba. Afterwards, he took post-graduate courses in bronze sculptures under the tutelage of the sculptor Joseph Castell, as well as in iron and resin in the Ros Mari Atelier D’Art in Valencia, Spain. He has received distinctions like the first prize in the Galería Nacional de Artes Plásticas, Cuba, and the Sculpture Key West prize, Florida, USA, in 2006. He has also participated in international exhibitions, like in the South Panama Biennale, the 3rd Fin del Mundo Biennale, Argentina, the Museum of Contemporary Art in Toronto, Canada, and in the Museum of Contemporary Art in Miami.

BIOGRAPHY MARIO SORO (CHILE, 1957)

FERNANDO ARIAS (COLOMBIA, 1963)

IMANOL MARRODÁN (ESPAÑA, 1964)

Estudió en la Escuela de Arte de la Universidad Católica de Chile donde fue alumno del grabador Eduardo Vilches. En 1982 obtuvo el grado de Licenciado en Arte con mención en Grabado. Ha participado en las Bienales de México, La Habana, en la Bienal de Mercosur en Brasil y en la del Museo de Arte Contemporáneo en Chile. Ha impartido clases en la Escuela de Diseño y Arquitectura de la Universidad Mayor, la Universidad Metropolitana de Ciencias de la Educación, la Universidad ARCIS de Santiago y en la Universidad de Playa Ancha de Valparaíso, Chile.

Estudió publicidad en la Universidad Jorge Tadeo Lozano, en Bogotá. Además de Arte y Diseño en Londres. Fue ganador del premio Nacional de Artistas Colombianos y ha participado con su trabajo en la Bienal de Venecia, Italia; Bienal de La Habana, Cuba; Bienal de Mercosur, Brasil; y la Bienal de Tirana, Albania. Ha participado en exposiciones en diversos países del mundo. Su obra es parte de colecciones como Daros Latinamerica, Zurich; Victoria&Albert Museum, Londres; Museo de Arte Moderno, Bogotá; entre otras.

Artista multidisciplinar que ha expuesto en países como Reino Unido, Francia, Alemania, Portugal, Bélgica, Corea, Argentina, Suiza y Estados Unidos. Además ha participado de ferias como ARCO, Valencia Art, Arte Santander, Art Cologne , Kunst Kóln Alemania , KIAF Corea, ArteBA Buenos Aires. Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas del Gobierno Vasco en Bilbao, Museo de Arte e Historia de Durango, Museo de Navarraen Pamplona; Museo de Bellas Artes de Bilbao, entre otras.

He studied Advertising in Jorge Tadeo Lozano University in Bogota. He also studied Art and Design in London. He was the winner of the National Prize for Colombian Artists and has participated with his work in the Biennale of Venice, Italy; Biennale of Havana, Cuba; the Biennale of Mercosur, Brazil and in the Biennale of Tirana, Albania. He has participated in exhibitions in different countries of the world. His work is part of collections such as Daros Latin America, Zurich; Victoria & Albert Museum, London; Modern Art Museum, Bogota, among others.

Multidisciplinary artist that has presented his work in countries such as the United Kingdom, France, Germany, Portugal, Belgium, Korea, Argentina, Switzerland, and the United States. He has also participated in festivals such as ARCO, Valencia Art, Arte Santander, Art Cologne, Kunst Kóln Germany, KIAF Korea, ArteBA Buenos Aires. His work is part of public and private collections of the Basque Government in Bilbao, Museo de Arte e Historia de Durango, the Museo de Navarra in Pamplona, and the Museo de Bellas Artes de Bilbao, among others.

He studied in the School of Art of the Pontifical Catholic University of Chile, where he was a student of the engraver Eduardo Vilches. In 1982, he obtained his Bachelor’s degree in Art with a specialization in Engraving. He has participated in the Mexico and Havana Biennales, in the Mercosur Biennale in Brazil, and in the Biennale at the Museo de Arte Contemporáneo in Chile. He has held lectures in the School of Design and Architecture of the Mayor University, the Metropolitan University of Educational Sciences, the ARCIS University in Santiago, and the Playa Ancha University in Valparaíso, Chile.

RAFAEL GOMEZBARROS (COLOMBIA, 1972)

NAHUEL TUPAC-LOSADA (ESPAÑA, 1977)

GENIETTA VARSI (PERÚ, 1991)

Cursó sus estudios de Artes Plásticas en la Universidad Jorge Tadeo Lozano. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas en Colombia, México, Londres, Bélgica, Argentina y Venezuela. Destacando en 2010 la Trienal Del Caribe, Museo de Arte Contemporáneo, R. Dominicana y el 2012 en la 11Bienal De La Habana, Cuba. Ha participado en residencias en el Centro Wanas Konst, Suecia, Centro Kulturquartier Linz Austria y Argentina.

Estudió Licenciatura en Producción de Cine y Ciencias Audiovisuales en Hunter College, Nueva York, y Producción y Arte Dramático en la Academy of Live and Recorded Arts en Londres. Expuso en la Bienal Sharjah en Emiratos Árabes y en el Centro Cultural de las Rozas de Madrid, España. Además de galerías en Croacia, España, Grecia y Estados Unidos.

Estudió arte en la Pontificia Universidad Católica del Perú, especializándose en escultura. Ha expuesto en diversos museos y galerías en Perú y España, tanto individual como colectivamente. Además de una exposición bipersonal en República Checa. Además ha ganado distinciones en Escultura, entre ellas el segundo lugar entre la crítica escultórica en su país.

He has a Bachelor’s Degree in Cinema Production and Audiovisual Sciences from Hunter College, New York, and Production and Dramatic Arts from the Academy of Live and Recorded Arts in London. His work has been exhibited in the Biennale of Sharjah in the United Arab Emirates and in the Centro Cultural de Las Rozas in Madrid, Spain, in addition to galleries in Croatia, Spain, Greece and the United States.

She studied art in the Pontifical Catholic University of Peru, where she specialized in sculpture. Her work has been exhibited in several museums and galleries in Peru and Spain, both individually and collectively, in addition to a two-artist exhibition in the Czech Republic. She has also won awards in sculpture, including the second place among the sculptural critics in her country.

He performed his studies in Visual Arts in the University Jorge Tadeo Lozano. He has participated in individual and collective exhibitions in Colombia, Mexico, London, Belgium, Argentina, and Venezuela. His participation at the Caribbean Triennale, Museum of Contemporary Art, Dominican Republic in 2010 , and in 2012, the 11th Havana Biennial, Cuba, are noteworthy. He has taken part in residencies in the Wanas Konst Center, Sweden; Kulturquartier Center in Linz, Austria; and Argentina.

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

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BIOGRAFIA ADONIS FLORES (CUBA, 1971)

DIANA DREWS (COLOMBIA, 1971)

HEIDE HATRY (ALEMANIA,1965)

Graduado de Arquitectura en la Universidad Central de Las Villas en Cuba. Ha participado en la Bienal de la Habana y en la Bienal de Mercosur en Curitiba, Brasil. Ha obtenido diversos reconocimientos, como el Premio de Curaduría por la exposición Memorial en 2010, Mención de Curaduría por Carne de Cañón en 2007; la residencia Batiscafo patrocinada por Gasworks de Inglaterra en 2006; la beca de creación Juan Francisco Elso, y el Premio Provincial de Artes Plásticas de Sancti Spíritus del año 2002.

Se graduó en Bogotá como Maestra en Artes Plásticas, en la Universidad de Los Andes, posteriormente obtuvo un Master of Arts en Art in Context del Institut für Kunst im Kontext de la Universität der Künste, Alemania. De ahí en adelante expuso individualmente en galerías de Bogotá, Cartagena, el Museo de Arte de Pereira, Banco de la República en Bogotá, Embajada de Colombia en Alemania, Bucerius Law School en Hamburgo y ferias de Bogotá, Medellín, Cali, Miami, Nueva York, Londres, Berlín, España.

He obtained his degree in Architecture from the Central University of Las Villas in Cuba. He has participated in the Havana Biennale and the Mercosur Biennale in Curitiba, Brazil. He has received various distinctions, such as the Curatorship Award for the exhibition Memorial in 2010, the Curatorship Award for the exhibition Carne de Cañón in 2007, the Batiscafo residency sponsored by Gasworks, England in 2006, the Juan Francisco Elso scholarship for creation, and the Provincial Award of Visual Arts of Sancti Spíritus in the year 2002.

She graduated in Bogota with a Master’s Degree in Plastic Arts from the Los Andes University, and she subsequently obtained a Master of Arts Degree in Art in Context from the Institut für Kunst im Kontext of the Universität der Künste, Germany. From then on, she has presented her work individually in galleries in Bogota, Cartagena, the Museo de Arte de Pereira, the Banco de la República in Bogota, the Embassy of Colombia in Germany, Bucerius Law School in Hamburg and festivals in Bogota, Medellín, Cali, Miami, New York, London, Berlin, and Spain.

Se desempeña como artista, curadora y editora de libros de arte. Estudió Historia del Arte en la Universidad de Heidelberg, Alemania y enseñó Pintura, Escultura y Grabado en la misma casa de estudios. Participó en la Bienal de Mikonos, Grecia. Ha expuesto en el The Museum of Old and New Art (MONA), Tazmania; el Museo Nacional Reina Sofía; The Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York; Centro de Exposiciones de Brooklyn, USA; El Salón Conmemorativo Nacional de Chiang Kai-shek, China. Desde 2003 ha curado numerosas exposiciones en Estados Unidos, Alemania y España. Además ha editado más de 200 libros y catálogos de arte.

GUILLERMO NÚÑEZ (CHILE, 1930)

ISMAEL FRIGERIO (CHILE, 1955)

OMAR CASTAÑEDA (COLOMBIA, 1978)

Estudió Bellas Artes y Teatro en la Universidad de Chile. Fue reconocido con el Premio Nacional de Bellas Artes, Chile; y el Premio Altazor en Grabado y Dibujo en tres ocasiones, entre otros. Cuenta con diversas exposiciones individuales en museos de Chile, España, Argentina y otros espacios culturales de Francia, Alemania, EE.UU., Suiza, Cuba, Bélgica, etcétera. Su obra se encuentra en colecciones privadas a nivel internacional y en museos de Chile, Estados Unidos, Francia, Cuba, Colombia, Nicaragua, México y Rusia, entre otros.

Licenciado en arte de la Universidad de Chile, con mención en pintura. Participó en la Bienal de Arte de Johannesburgo, Sudáfrica y la Bienal de la Habana, 2017. Además La Sociedad Amigos del Arte de Santiago le otorgó una Beca en Pintura; y recibió una Mención Honrosa en el II Concurso de Pintura del Ministerio de Relaciones Exteriores de Chile. Desempeña como académico de arte de las Universidades Finis Terrae y Uniacc. Ha participado de diversas ferias de arte como Art Lima, Barcu, ArteBa, entre otras. Sus obras están en colecciones como el Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico, el Museo del Barrio de Nueva York y el Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago.

Estudió Artes Visuales en La Universidad de Los Andes en Bogotá, Colombia. Tomó cursos de fotografía en la Universidad de Camberwell y posee un Máster en Artes Visuales en Central St. Martins, Londres. Expuso en la Bienal de Venecia, Bienal del Fin del Mundo en Argentina y Valparaíso. También expuso en el Museo de Arte Contemporáneo en Buenos Aires y Bogotá, entre diversos países. Su obra se encuentra en diversas colecciones internacionales.

He studied Fine Arts and Theater at the University of Chile. He was awarded the National Prize of Fine Arts, Chile, and the Altazor Prize in Engraving and Drawing on three occasions, among others. His work has been exhibited numerous times in museums in Chile, Spain, Argentina, and other cultural spaces in France, Germany, United States, Switzerland, Cuba, Belgium, etc. His work can be found in international private collections and in museums in Chile, United States, France, Cuba, Colombia, Nicaragua, Mexico, Russia, among others.

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He has a Bachelor’s Degree from the University of Chile with a specialization in painting. He participated in the Johannesburg Biennale, South Africa, and the 2017 Havana Biennial. He was also granted a Painting Scholarship by the Amigos del Arte Society, and received an Honorable Mention in the 2nd Painting Contest of the Foreign Affairs Ministry of Chile. He works as an art professor in the Finis Terrae and Uniacc universities. He has participated in several art fairs such as Art Lima, Barcu, ArteBa, among others. His works are included in collections at the Puerto Rico Museum of Contemporary Art, the El Museo del Barrio in New York, and in the Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago.

She works as an artist, curator, and editor of art books. She studied Art History at the Heidelberg University, Germany, and taught painting, sculpture, and engraving at the same educational institution. She participated in the Mykonos Biennale, Greece. Her work has been exhibited in the Museum of Old and New Art (MONA), Tasmania; the Queen Sofia National Museum; the Whitney Museum of American Art, New York; the Brooklyn Expo Center, USA; the Chiang National Kai-shek Memorial Hall, China. Since 2003, she has curated numerous exhibitions in the United States, Germany and Spain. She has also edited more than 200 art books and catalogues.

He studied Visual Arts in Los Andes University in Bogota, Colombia. He took courses of photography in Camberwell University and has a Master’s Degree in Visual Arts from Central St. Martins, London. His work was exhibited in the Biennale of Venice, Biennale of the End of the World in Argentina and Valparaiso. His work was also exhibited in the Contemporary Art Museum in Buenos Aires and Bogota, among different countries. His work is in diverse international collections.

BIOGRAPHY FLORIAN RAISS (BRASIL, 1955)

ANDREY KEZZYN (ALEMANIA, 1979)

GASTÓN UGALDE (BOLIVIA, 1944)

Estudió pintura en la Academia de Bellas Artes de Roma; y Diseño, en la Academia de San Carlos de la Universidad de México. Entre las diversas exposiciones de las que ha participado, destacan el II Salón Paulista de Arte Contemporáneo, Sao Paulo; Arte Xerox Brasil, en la Pinacoteca del Estado de São Paulo; en la Sociedad Nacional de Bellas Artes, Lisboa, Portugal y Museo de Arte Moderno en Río de Janeiro. Además de participar en varias exposiciones colectivas en Brasil, Alemania, Suecia, Venezuela, Holanda, Portugal y Estados Unidos.

Es miembro de la Federación de Fotógrafos Europeos (FEP). Ha expuesto en Micro Museo Monzá, Italia; en la muestra Internacional de Impresión de la Real Sociedad Fotográfica, Londres; el Centro de Arte Samara, Rusia; Casa Nacional de las Minorías, Praga, República Checa; entre otros. Ha participado también en ferias de arte como Scope Miami, Scope Basel Suiza, ArtBreda Amsterdam, La Quatrième Image Photo, París. Sus fotografías se encuentran en colecciones de instituciones privadas y públicas en Rusia, Francia, Chile, Italia, Alemania, República Checa y Estados Unidos.

Estudió arquitectura en la Universidad Mayor de San Andrés, Bolivia. Luego estudió en la Escuela de Artes de Vancouver. Ha exhibido en las bienales más importantes como Venecia (2001, 2009), Sao Paulo (1978, 1981, 1985), París (1982) y La Habana (1986, 1999), Mercosul (2015). También ha expuesto en el Museo de Arte Moderno de La Paz, Museum de Arte Contemporáneo de Santiago, Museo Contemporáneo de Caracas, Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey. Ha ganado el primer premio de pintura en la Bienal de INBO, Bolivia, Gran Premio Bienal Internacional de Santa Cruz, Gran Premio Fundación Konex MERCOSUR, Buenos Aires. Su obra se puede encontrar en colecciones como Museum of Latin American Art Long Beach; Museum Villa Haiss, Alemania; Museo Nacional de Bellas Artes, Argentina.

He studied Painting at the Academy of Fine Arts in Rome, and Design at the Academy of San Carlos of the University of Mexico. The several exhibitions in which he has participated include the 2nd Hall of Contemporary Art in Sao Paulo; Xerox Art Brazil, the Pinacoteca do Estado de São Paulo; the National Society of Fine Arts, Lisbon, Portugal, and the Museum of Modern Art in Rio de Janeiro. He has also participated in several collective exhibitions in Brazil, Germany, Sweden, Venezuela, the Netherlands, Portugal, and the United States.

Member of the Federation of European Photographers (FEP). He has exhibited at the Mimumo Micro Museo Monza, Italy; the Royal Photographic Society’s International Print Exhibition, London; the Samara Regional Museum of Art, Russia; the House of National Minorities, Prague, Czech Republic; among others. He has also participated in art fairs such as Scope Miami, Scope Basel Switzerland, ArtBreda Amsterdam, the 4th Image Photo, Paris. His photographs are found in collections of private and public institutions in Russia, France, Chile, Italy, Germany, Czech Republic and the United States.

EDUARDO VILLANES, (PERÚ, 1967)

JOEL GROSSMAN (COLOMBIA, 1976)

Estudió en la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú, con mención en pintura. Ha participado en exposiciones en el Centro Internacional de Fotografía, Nueva York; Fundación Cartier para el Arte Contemporáneo, París; Museo de Arte Moderno Santo Domingo, República Dominicana; Museo de Arte Panamá; Museo de Arte y Diseño de San José de Costa Rica. Participó en la residencia artística en el Centro Litchtenstein de las Artes, Pittsfield, Massachusetts. Además ha participado de diversas ferias internacionales.

Estudió Bellas Artes en Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Philadelphia, e Historia del Arte y Filosofía en la University of Pennsylvania, ArtSpace; Escultura en Italia y, por último, Bellas Artes en Nueva York Studio School. Cuenta con exposiciones individuales en Estados Unidos y Colombia, además de muestras colectivas en ambos países junto a China, Inglaterra, Suiza y Japón. Ha recibido diversos premios en Argentina.

He studied in the National Autonomous University of Fine Arts in Peru with a specialization in painting. He has participated in exhibitions in the International Center of Photography, New York; the Cartier Foundation for Contemporary Art, Paris; the Museo de Arte Moderno Santo Domingo, Dominican Republic; the Museo de Arte Panamá; and the Museo de Arte y Diseño de San José in Costa Rica. He participated in the artistic residency at the Lichtenstein Center For Arts, Pittsfield, Massachusetts. He has also taken part in different international festivals.

He studied Architecture at the Mayor University of San Andres, Bolivia. Then, he studied at the Vancouver School of Arts. His work has been displayed in the most important biennales, such as the Venice Biennale (2001, 2009), Sao Paulo (1978, 1981, 1985), Paris (1982), Havana (1986, 1999), and Mercosur (2015). His work has also been exhibited in the Museo de Arte Moderno, La Paz, the Museo de Arte Contemporáneo, Santiago, Caracas’ Museo de Arte Contemporáneo, and in the Museo de Arte Contemporáneo in Monterrey. He won the First Prize in Painting in the INBO Biennale, Bolivia, the Grand Prize of the International Biennale of Santa Cruz, and the Grand Prize for the Konex MERCOSUR Foundation, Buenos Aires. His work can be found in collections such as the Museum of Latin American Art, Long Beach; Museum Villa Haiss, Germany and the Museo Nacional de Bellas Artes, Argentina.

He studied Fine Arts in the Pennsylvania Academy of Fine Arts, Philadelphia, and Art History of and Philosophy at the University of Pennsylvania, ArtSpace, Sculpture in Italy, and finally, Fine Arts at the New York Studio School. He has held individual exhibitions in United States and Colombia, in addition to collective exhibitions in the aforementioned countries and China, England, Switzerland, and Japan.

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

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BIOGRAFIA ARMANDO MARIÑO (CUBA, 1968) Estudió Artes Visuales en la Escuela Provincial de Arte Joaquín Tejada en Cuba. También en la Facultad de Educación Artística del Instituto Superior Pedagógico “Enrique José Varona”, La Habana, Cuba. Posteriormente participó en una residencia artística en la Academia Vanbeeldende Kunsten en Amsterdam; Holanda. Participó en la Tercera Bienal de Pintura del Caribe y en la Bienal de la Habana. Además ha expuesto en el Museo Iberoamericano de Arte Contemporáneo en Badajoz, España; el Museo de Arte Moderno, Santo Domingo, República Dominicana; Museo de Nuoro, Cerdeña, Italia; entre otros. He studied Visual Arts in the Joaquin Tejada Provincial School of Arts in Cuba. He also studied in the Faculty of Artistic Education of the National Educational University “Enrique José Varona”, Havana, Cuba. Subsequently, he participated in an artistic residency in the Vanbeeldende Kunsten Academy in Amsterdam; the Netherlands. He participated in the 3rd Biennale Painting of the Caribbean and in the Biennale of Havana. His work has also been exhibited in the Museo Iberoamericano de Arte Contemporáneo in Badajoz, Spain; the Modern Art Museum, Santo Domingo, Dominican Republic, the Museum of Nuoro, Sardinia, Italy, among others.

CARLOS MONTES DE OCA (CHILE, 1960)

Estudió artes en Flagler College en Florida, USA. Posteriormente estudió un Magister en Cine en University of the Nations, Kona, HI. USA. Ganó el premio al mérito artístico de Flagler College y el Premio de Jurados 2004, Festival de Cine del Museo de Arte de ASU. Ha expuesto en el Queens Museum of Art en EE.UU., además de galerías y ferias de arte como en Nueva York, Miami, y Berlín.

Estudió Filosofía y Diseño en la Universidad Católica, luego Comunicación Audiovisual en el Instituto Arcos. Se recibió en 1996 como licenciado en Arte en la Universidad de Chile e ingresó al programa de Magíster en Artes Visuales, desde entonces también ha realizado diversas curatorías. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en Chile, Brasil Rusia, Turquía y Alemania, además en la I Bienal Internacional de Arte en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, Argentina.

He studied arts in Flagler College in Florida, USA. Subsequently, he obtained his Master’s Degree in Cinema at the University of Nations in Kona, Hawaii, USA. He was awarded the Flagler College artistic merit prize and the 2004 Jury Award at the ASU Art Museum Film Festival. His work have been displayed in the Queens Museum of Art in USA, in addition to galleries and art fairs in New York, Miami, and Berlin.

He studied Philosophy and Design at the Pontifical Catholic University of Chile and then Audiovisual Communication at the Arcos Institute. He graduated in 1996 as a Bachelor in Arts from the University of Chile and enrolled in the Master’s Degree program on Visual Arts. Since then, he has also carried out several curatorships. He has presented individual and collective exhibitions in Chile, Brazil, Russia, Turkey, and Germany, and has also participated in the 1st International Biennale of Arts at the Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, Argentina.

MAQUIAMELO (COLOMBIA, 1972)

DANIELA KOVACIC (CHILE, 1983)

EVELYN TOVAR (COLOMBIA, 1985)

En 2012 recibió el premio XVIII Bienal de Santa Cruz de la Sierra, Bolivia. Ha participado en Bienales de Arte Contemporáneo en Argentina, Panamá, y Estados Unidos, y fue nominado para la Beca Guggenheim Foundation. Ha participado en exposiciones internacionales en Europa y América. Su obra se puede encontrar en colecciones públicas en Museos de Arte Contemporáneo en Ecuador, Colombia, Bolivia, Puerto Rico.

Estudió Licenciatura en Artes Visuales con mención en Pintura en la Universidad Finis Terrae, Chile, y luego obtuvo el grado de Magister en la New York Academy of Art. Ha recibido diversos reconocimientos, entre ellos la beca al mérito otorgada por Nueva York Academy of Art, beca Channel, residencia en Francia por Terra Fundation for American Art-Europe y premio de pintura Robert Gamblin. Ha expuesto en Chile, Francia y Nueva York, entre otros

Estudió en la Universidad Distrital Francisco José de Caldas Facultad de Artes ASAB en Bogotá, Colombia. Expuso en 2015 en la Bienal de Venecia. Además ha realizado exposiciones en en Centro Cultural Convenio Andrés Bello, Bogotá; y ha participado en la feria de arte de Parc, Perú; Odeón, Colombia; y Justmad Madrid, España. Su obra se encuentra en diversas colecciones a nivel internacional.

In 2012, he received the award of the 18th Santa Cruz de la Sierra Biennale in Bolivia. He has participated in Contemporary Art Biennales in Argentina, Panama, and United States, and was nominated for the Guggenheim Foundation Scholarship. He has participated in international exhibitions in Europe and America. His work can be found in public collections of Contemporary Art Museums in Ecuador, Colombia, Bolivia, and Puerto Rico.

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JEREMY DEAN (ESTADOS UNIDOS, 1977)

She has a Bachelor’s Degree in Visual Arts with a specialization in Painting from Finis Terrae University, Chile, and then she obtained a Master’s Degree at the New York Academy of Art. She has received several recognitions, such as the Merit Scholarship by the New York Academy of Art, the Channel Scholarship, a residency in France by the Terra Foundation for American Art-Europe and the Robert Gamblin Painting Award. She has exhibited her works in Chile, France and New York, among others.

She studied at the ASAB Faculty of Arts of Francisco José de Caldas District University in Bogota, Colombia. In 2015, her work was exhibited in the Venice Biennale. Her work has also been exhibited in the Centro Cultural Convenio Andrés Bello, Bogota, and she has participated in the art fairs of Parc, Peru; Odeon, Colombia and Justmad Madrid, Spain. Her work is part of several collections at an international level.

BIOGRAPHY MIGUEL AGUIRRE (PERÚ, 1973)

ÁNGEL DELGADO (CUBA, 1965)

SERGIO FASOLA (ARGENTINA, 1953)

Estudió pintura, Facultad de Arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú, Lima. También posee estudios de doctorado, Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona. Ha participado en la II Bienal de Fotografía de Lima; la Bienal de Mercosur, Brasil; y en la II Bienal Nacional de Lima, Perú. Además ha expuesto en diversos países como Estados Unidos, España, Perú, Chile, entre otros. Ha recibido diversos en Perú y España, y sus obras se encuentran en diversas colecciones públicas, incluyendo museos, y privadas a nivel internacional.

Estudió en la Escuela Elemental de Artes Plásticas de La Habana. Graduado de la Academia de Bellas Artes San Alejandro en 1984, cursó estudios en el Instituto Superior de Arte de La Habana hasta 1986. En 1990 la performance La esperanza es lo último que se está perdiendo, lo condujo a la cárcel por seis meses, marcando su obra. En 2016 obtuvo la residencia artística en The Fountainhead Residency, Miami. Actualmente es representado por la Galería y Fundación Building Bridges Art Exchange, en California. Ha participado en exhibiciones individuales y colectivas en Cuba, Estados Unidos, Bélgica, México, Argentina, Turquía, Alemania, Colombia, España, entre otros.

Guionista, productor, editor fotográfico y docente. Cuenta con exposiciones en países como Bélgica, Estados Unidos, Argentina, México y Chile. Ha recibido más de 10 premios del Museo Rosa Galisteo de Rodríguez. Su obra pertenece a las colecciones del Museo del Barrio, NY; Centro de la Imagen, México; San Antonio Museum of Fine Arts, EE.UU.; Museo de Artes Visuales de Cipolletti, Argentina; Museo de Bellas Artes de Concordia, Argentina, entre otras.

He studied painting in the Faculty of Arts of the Catholic University, Lima. He has also taken doctoral studies in the Faculty of Fine Arts of the University of Barcelona. He has participated in the 2nd Lima Photography Biennale, the Mercosul Biennale in Brazil, and in the 2nd National Lima Biennale in Peru. His work has also been exhibited in countries such as United States, Spain, Peru, Chile, among others. He has received various awards in Peru and Spain, and his pieces can be found in many public collections, including museums, as well as private collections around the world.

He studied at the National School of Plastic Arts of Havana. He graduated from the San Alejandro Academy of Fine Arts in 1984 and he studied at the University of Arts of Cuba until 1986. In 1990, the performance La esperanza es lo último que se está perdiendo landed him in jail for six months, marking his work. In 2016, he obtained the artistic residency at The Fountainhead Residency, Miami. Currently, he is represented by the Building Bridges Art Exchange Gallery and Foundation in California. He has participated in individual and collective exhibitions in Cuba, United States, Belgium, Mexico, Argentina, Turkey, Germany, Colombia, Spain, and other countries.

He is a screenwriter, producer, photography editor, and teacher, and has exhibited in countries like Belgium, the United States, Argentina, Mexico, and Chile. He has received more than 10 awards from the Museo Rosa Galisteo de Rodríguez. His work can be found in collections of the Museo del Barrio, NY; Centro de la Imagen, Mexico; the San Antonio Museum of Art, United States; the Museo de Artes Visuales de Cipolletti, Argentina; the Museo de Bellas Artes de Concordia, Argentina, among others.

JESÚS HDEZ-GÜERO (CUBA, 1983)

RAÚL MARROQUÍN (COLOMBIA, 1948)

VERÓNICA RIEDEL (GUATEMALA, 1961)

Estudió Bellas Artes en el Instituto Superior de Arte (ISA), Cuba, y realizó residencias en Cuba y Polonia. Cuenta con exposiciones individuales en Cuba y Polonia, incluyendo un evento colateral en la Bienal de La Habana; y colectivas en México, Perú, EE.UU., España, Colombia, Suecia, entre otros. Además ha recibió el 1st Prize of Photography en el “International Contemporary Art Competition 2017”, by Open Art Miami, US; y El “Young Youth 2016” Prize, galardonado por el Museum of Art of Valencia (MUVA) in Venezuela; entre otros. Su obra se encuentra en diversas colecciones a nivel internacional.

Estudió artes visuales en la universidad Nacional de Bogotá y realizó cursos de postgrado en la Academia Jan van Eyck, Países Bajos. Su trabajo ha estado presente en Museos de Europa, Japón, China y en instituciones como ICA Londres, ICC Amberes, Neue Galerie, Aquisgrán, Instituto de Arte de Chicago. Su obra es parte de un gran número de colecciones públicas y privadas, como el Museo Stedelijk, Amsterdam; Centre Pompidou París, Museo Reina Sofía, Madrid; Museo de Arte Moderno, Estocolmo; Museo de Arte Moderno en Nueva York; Colección Saatchi Londres; Colección Ludwig, Alemania.

Directora, productora, escritora y artista visual. Sus obras se han presentado en galerías y museos de diversos países de América, Europa y Estados Unidos. Sus fotografías de la serie Neo Geo-Grafía y Mestizas se destacan en colecciones permanentes como el Museo de Arte Latinoamericano. Sus instalaciones y videoartes han ganado premios en el Festival de Gramao en Montecatini, Brasil; Festival de Cine Latinoamericano de Dublín y en las Bienales del Istmo Centroamericano y en la Interamericana organizada por el BID en Washington, D.C, Estados Unidos. Ha exhibido en museos y bienales, ganando importantes reconocimientos

He studied Fine Arts at the Superior Institute of Art (ISA), Cuba, and performed residencies in Cuba and Poland. He has held individual exhibitions in Cuba and Poland, including a collateral event in the Havana Biennial, and collective exhibitions in Mexico, Peru, USA, Spain, Colombia, Sweden, among others. In addition, he received the 1st Prize of Photography at the 2017 International Contemporary Art Competition, by Open Art Miami, US, and the 2016 Young Youth Prize, given by the Museo de Arte Valencia (MUVA) in Venezuela, among others. His work can be found in different collections around the world.

He studied Visual Arts at the National University of Bogota and took post-graduate courses at the Jan van Eyck Academy in the Netherlands. His work has been present in museums across Europe, Japan, and China and in institutions such as ICA, London, ICC Antwerp, Neue Galerie, Aachen, and the Art Institute of Chicago. His work is part of a great number of public and private collections, like the Stedelijk Museum, Amsterdam; the Centre Pompidou, Paris, the Queen Sofia Museum, Madrid; the Moderna Museet Stockholm; the Museum of Modern Art in New York; and the Ludwig Collection, Germany.

Director, producer, writer and visual artist. Her works have been exhibited in galleries and museums of several countries of America, Europe and the United States. Her photographs in the Neo Geo-Grafia and Mestizas series are featured in permanent collections such as those in the Museum of Latin American Art. Her installations and video-art has won awards in the Gramao Festival in Montecatini, Brazil; the Latin American Movie Festival in Dublin, the Central American Isthmus Biennial, and the Inter-American Biennale organized by the BID in Washington, D.C., United States. Her work has been exhibited in museums and biennales and has won important recognitions.

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

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BIOGRAFIA RODRIGO PETRELLA (BRASIL, 1984)

TOMÁS OCHOA (ECUADOR, 1965)

SANDRA MANN (ALEMANIA,1970)

Como fotógrafo, ha participado de la Bienal de Fotografía en el Museo del Barro, Asunción, Paraguay. Ha expuesto su trabajo países como España, Brasil, China y Rusia, entre otros. Además su obra está en las colecciones de Ministerio de Cultura de China, Museo de la Solidaridad Salvador Allende, Chile; Museo Nacional de Historia Natural del Inst. Smithsoniano de Washington, USA, entre otros.

Estudió Lengua y Literatura Universidad de Cuenca, Ecuador. Además cuenta con estudios de postgrado en arte de la Universidad Autónoma de México. Participó en las Bienales de Venecia; Bienal del Sur, Panamá; y Bienal de Cuenca, Ecuador, entre otras. Ha expuesto en diversos países como España, Colombia, Japón, Croacia, Alemania, EE.UU., Italia, Ecuador, Suiza, Grecia, Bélgica, entre otros.

As a photographer, he has participated in the Photography Biennale at the Museo del Barro in Asunción, Paraguay. His work has been displayed in countries like Spain, Brazil, China, and Russia, among others. In addition, his work is also part of the collections of the Chinese Ministry of Culture, the Museo de la Solidaridad Salvador Allende, Chile, the Natural History Museum of the Smithsonian Institution in Washington, USA, among others.

He studied Language and Literature at the Cuenca University, Ecuador. He also coursed post-graduate art studies at the Autonomous University of Mexico. He participated in the Venice Biennale, Biennale del Sur, Panama, and in the Cuenca Biennale, Ecuador, among others. His work has been exhibited in different countries such as Spain, Colombia, Japan, Croatia, Germany, United States, Italy, Ecuador, Switzerland, Greece, Belgium, among others.

Estudió en la Universidad de Arte y Diseño de Offenbach, Alemania. Realiza clases en distintas escuelas de arte y diseño en Alemania y Estados Unidos, y además, desde 2009, ha curado varias exposiciones de arte. Sus obras pueden verse en el Museo de Arte Moderno, Fráncfort del Meno, MUCA, Ciudad de México, Kunsthalle Wien y su obra se encuentra en las colecciones de DZ Bank, Kunsthalle Mannheim y la Colección de Arte Alemán Boerse.

DIEGO LAMA (PERÚ, 1980)

CAMILA LOBOS (CHILE, 1988)

EDUARD MORENO (COLOMBIA, 1975)

Estudio en la Arte Corriente Alterna en Perú, además participó en el programa de Cine y Arte de la Fundación Carolina y en la Escuela Skowhegan de Pintura y Escultura en EE.UU. Ha expuesto en la Bienal de La Habana, la Bienal de Curitiba y la Trienal de Arte Contemporáneo de Praga. Ha expuesto en museos como el Reina Sofía de Madrid, The Getty Center de Los Ángeles y el Museo de la Imagen en Movimiento de Nueva York, entre otros. Sus obras están en las colecciones del The Getty Center en Los Ángeles, Videobrasil en Sao Paulo, Caixa Forum en Barcelona, Instituto Cervantes en Múnich, Wifredo Lam Center en La Habana, el Museo de Arte de Lima.

Licenciada en Arte, Pontificia Universidad Católica de Chile. Entre sus exposiciones colectivas destacan en el Museo de Arte Contemporáneo, Santiago; Concurso Matilde Pérez, Arte y Tecnologías Digitales 3.0, donde obtuvo el tercer lugar, en Fundación Telefónica, Santiago; Concurso Artefacto en Casas de lo Matta, Santiago, y en la Bienal de La Habana (2015), en la Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro, Cuba. Además en la galería Schleifmhülgasse, en el Museo Kunstraum Niederoesterreich y en Galería Fluc, Austria.

Estudió en la Universidad Nacional de Colombia especializándose en pintura. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas, recibiendo diferentes como el Primer Premio en el XX Salón Nacional del Fuego 2008 de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño, Mención de Honor en el Salón Premio Fernando Botero 2008, y el 2011 con el Latin America Art Award, otorgado en ArtBo como reconocimiento a su trayectoria artística. También es docente en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Jorge Tadeo Lozano.

She is a Bachelor in Arts from the Pontifical Catholic University of Chile. Among her collective exhibitions, the ones that stand out are in the Museo de Arte Contemporáneo, Santiago, the Matilde Pérez Contest on Art and Digital Technologies 3.0, in which she came in third, the Fundación Telefónica, Santiago, Artefacto Contest at Casas de lo Matta, Santiago, and the Havana Biennial (2015), in the Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro, Cuba, in addition to the Schleifmhülgasse gallery in the Kunstraum Niederoesterreich Museum, and in the Fluc Gallery, Austria.

He studied in the National University of Colombia, specializing in painting. He has participated in individual and collective exhibitions, receiving different awards, such as the First Prize in the 20th National Fire Hall, 2008, of the Gilberto Alzate Avendaño Foundation; an Honorary Mention in the Fernando Botero Award Hall, 2008 and 2011; and the Latin American Art Award, granted at ArtBo as a distinction for his artistic career. He is also a professor in the Faculty of Fine Arts of the University Jorge Tadeo Lozano.

He studied in the Corriente Alterna School in Peru, and also participated in the Cinema and Art program of the Carolina Foundation and the Skowhegan School of Painting and Sculpture in USA. His work has been displayed in the Havana Biennial, the Curitiba Biennale, and the International Triennale of Contemporary Art in Prague, as well as museums like the Queen Sofia Museum in Madrid, The Getty Center in Los Angeles, and the Museum of the Moving Image in New York, among others. His works can be found in the collections of The Getty Center, Videobrasil in Sao Paulo, Caixa Forum in Barcelona, the Cervantes Institute in Munich, the Wifredo Lam Center in Havana, and the Museo de Arte in Lima.

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She studied in the Offenbach University of Art and Design in Germany. He teaches in different art and design schools in Germany and the United States, and since 2009, has curated various art exhibitions. Her work can be seen at the Museo de Arte Moderno, Fráncfort del Meno, MUCA, Mexico City, and the Kunsthalle Wien museum in Vienna. His pieces can also be found in the collections of the DZ Bank, Kunsthalle Mannheim, and the Art Collection Deutsche Böerse.

BIOGRAPHY NICOLE AHLAND (ALEMANIA,1970)

MATILDE MARÍN (ARGENTINA, 1948)

Estudió Bellas Artes en la Universidad de Johannes Gutenberg de Magnucia, Alemania. Entre 2007 y 2008 fue asistente de investigación en Teoría del Arte en la Escuela de Arte alemana AfBK Mainz. Ha expuesto en prestigiosas galerías y ha participado en residencias artísticas entre ellas en el Museo de Arte Moderno de Kunst der Westküste, Alemania.

Egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes de Argentina, cursó, además, estudios en Zürich, Suiza. Ha participado las bienales de La Habana y Curitiba, Brasil, entre otras. Además obtuvo los premios de la Bienal de Puerto Rico y Bienal de Cuenca, Ecuador, junto al Jorge Romero Brest a la trayectoria, de la Asociación Argentina de Críticos de Arte; y el premio Konex de Platino a los veinte artistas más destacados de la Argentina. Su obra ha sido expuesta en diversos países a nivel internacional, como Chile, España, México y Alemania, entre otros.

She studied Fine Arts at the Johannes Gutenberg University in Mainz, Germany. Between 2007 and 2008, she was a research assistant in Art Theory in the German Art School AfBK Mainz. Her work has been displayed in prestigious galleries and she has participated in artistic residencies, among them in the Museum Kunst der Westküste, Germany.

She graduated from the National School of Fine Arts in Argentina and she also took courses in Zurich, Switzerland. She has participated in the Havana and the Curitiba (Brazil) Biennials among others. In addition, she obtained awards from the Puerto Rico Biennial and the Cuenca Biennale, Ecuador, and also the Jorge Romero Brest Award for Professional Achievement by the Argentinian Association of Art Critics, and the Platinum Konex Award for the twenty most notable artists in Argentina. Her work has been exhibited in several countries at an international level, such as Chile, Spain, Mexico, and Germany, among others.

ALLISON JANAE HAMILTON (ESTADOS UNIDOS, 1984) Posee un título en Estudios Americanos de la Universidad de Nueva York, un Magíster en Artes Visuales de la Universidad de Columbia; y participó en cursos de arte en el Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York. Su trabajo se ha presentado en la Bienal de Fotografía de Brighton y en la Bienal de diseño de Estambul. Además ha expuesto en museos como el Museo de Arte Moderno de Nueva York; The Smithsonian National Portrait Gallery Washington DC; y el Museo de Fotografía Contemporánea, Chicago; entre otros. Ha participado en residencias artísticas en Fundación Botín, España, y la Escuela de Artes Visuales de Nueva York. She has degrees in American Studies from the New York University, a Master’s Degree in Visual Arts from the University of Columbia, and she participated in art competitions in the Whitney Museum of American Art, New York. Her work has been presented in the Brighton Photography Biennale and the Istanbul Design Biennale. Additionally, she has exhibited in museums like the Museum of Modern Art in New York, The Smithsonian National Portrait Gallery in Washington DC, and the Museum of Contemporary photography in Chicago, among others. She has participated in artistic residencies at the Fundación Botín, Spain, and the School of Visual Arts in New York.

MARGARITA DITTBORN (CHILE, 1981)

AURORA (CHILE, 1984)

CRISTINA FRESCA (ARGENTINA, 1962)

Artista y fotógrafa autodidacta. Ganó el 2008 el premio del Círculo de Críticos de Chile a la mejor exposición de fotografía chilena. Ha expuesto su trabajo en el Museo de Arte Contemporáneo de Chiloé y Santiago; además de diversas exposiciones en diversos países. Ha participado en ferias como ArtDubai, Scope Basel, Kiaf, Art Seattle, Art Toronto, ArtBo, ArteBa y Lima Photo.

Estudió Bellas Artes en Nueva Escuela, Buenos Aires. Ha participado en cursos de Escenografía y Vestuario en el Sindicato de Cine Argentino, y de Escultura con el artista argentino Javier Bernasconi. Además de cursos de bordados en Santiago y España. Ha expuesto su trabajo en galerías de arte en Argentina, Canadá y Chile.

Se formó en las Escuela Nacional de Bellas Artes, Prilidiano Pueyrredón y Ernesto de la Cárcova. Posteriormente realizó una residencia en Castello di Postignano, Italia. Ha exhibido su trabajo en la VI Bienal de Arte Contemporáneo de Italia y la Bienal del Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca. Además ha expuesto en el Centro Cultural Recoleta de Bs. As., Argentina; el Museo Diego Rivera de Guanajato, México, entre otros. Ha recibido premios como el 1° lugar del Salón Provincial Cipolletti; y 1° lugar del Salón Nacional Museo Rosa Galisteo de Santa Fé, entre otros.

Self-taught artist and photographer. She won the 2008 Award of the Critics Circle of Chile for the best exhibition of Chilean photography. Her work has been exhibited at the Museo de Arte Contemporáneo de Chiloé and Santiago; in addition to different exhibitions in several countries. She has participated in festivals such as ArtDubai, Scope, Basel, Kiaf, Art Seattle, Art Toronto, ArtBo, ArteBa, and Lima Photo.

She studied Fine Arts at Nueva Escuela, Buenos Aires. She has participated in Set Design and Wardrobe courses at the Argentinian Film Union and Sculpture courses with the Argentinian artist Javier Bernasconi. Additionally, she has taken embroidery courses in Santiago and Spain. She has displayed her work in art galleries in Argentina, Canada, and Chile.

She studied at the National School of Fine Arts, Prilidiano Pueyrredón and in the Ernesto de la Cárcova National University of the Arts. Subsequently, she did a residency in Castello di Postignano, Italy. Her work has been exhibited at the 6th Biennale of Contemporary Art in Italy and the Biennale of the Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca. Her work has also been exhibited in the Centro Cultural Recoleta in Buenos Aires, Argentina; in the Diego Rivera Museum of Guanajuato, Mexico, among others. She has received awards such as the 1st place at the Salón Provincial Cipolletti; and the 1st place at Salón Nacional Museo Rosa Galisteo in Santa Fé, among others.

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

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BIOGRAFIA CHRISTIAN FUCHS (PERÚ, 1979)

CLAUDIA HERSZ (BRASIL, 1960)

ANA DE ORBEGOSO (PERÚ, 1964)

Fotógrafo y artista visual, estudió Fotografía en el Centro de la Imagen en Lima. Ha participado en varias exposiciones colectivas incluyendo la subasta Häuserträume für Kinder en Hamburgo en 2012, organizada por Sotheby’s. ArtBo, Alcance Miami, Art Lima, el Museo de Bellas Artes de Santiago de Chile, y el Memorial de América Latina en Sao Paulo, Brasil.

Graduada en arquitectura en la Universidad Federal de Río de Janeiro, Brasil. Ha participado en diversas exposiciones individuales en Brasil, y colectivas en Brasil, Perú, Suecia, Estados Unidos, Cuba e Inglaterra, entre otros. Además ha recibido diversos premios como el Premio aquisicao, Colecao da Cidade de Sao Paulo; Interferencias Urbanas, Aterro do Flamengo, Río de Janeiro; y el VIII Salón Internacional de Arte Digital, de La Habana, Cuba; entre otros.

Estudió fotografía en el Centro Internacional de Fotografía de la Escuela de Artes Visuales del Instituto Pratt. Además, Cinematografía en la Universidad de Nueva York. Ha participado en la Bienal de Fotografía de Arequipa y Lima. Fue ganadora a la mejor película experimental del Festival de Cine de Mujeres de California. Ha realizado exposiciones en diversos países y su trabajo se encuentra en la colección del Museo de Arte de Houston; Museo de Arte de San Marcos, Lima; U. Lehigh, Pennsylvania; Museo de Arte de Lima; Instituto de Arte Fotográfico de Lima; Instituto Cultural Peruano Norteamericano de Lima; Gorman Museum UC Davies, entre otras.

He is a photographer and visual artist that studied Photography at the Centro de la Imagen in Lima. He has participated in several collective exhibitions, including the 2012 Sotheby’s auction Häuserträume für Kinder in Hamburg, ArtBo, Alcance Miami, Art Lima, the Museo de Bellas Artes in Santiago de Chile, and the Latin American Memorial in Sao Paulo, Brazil.

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She graduated in Architecture from the Federal University of Rio de Janeiro, Brazil. She has participated in several individual exhibitions in Brazil, and collective exhibitions in Brazil, Peru, Sweden, United States, Cuba and England, among others. She has also received diverse awards such as the Aquisicao Award, Colecao da Ciudade de Sao Paulo; Urban Interferences, Aterro do Flamengo, Rio de Janeiro; and the 8th International Hall of Digital Art, Havana, Cuba, among others.

She studied Photography at the International Center for Photography of Pratt Institute’s School of Visual Arts. She also studied Cinematography in New York University. She has participated in the Arequipa and Lima Photography Biennales. She was the winner of the best experimental movie at the California Women’s Film Festival. She has presented her exhibitions in several countries and her work is part of the collection of the Museum of Fine Arts, Houston; the Museo de Arte de San Marcos, Lima; U. Lehigh, Pennsylvania; the Museo de Arte de Lima; the Instituto de Arte Fotográfico in Lima; the Instituto Cultural Peruano Norteamericano de Lima; UC Davis’ Gorman Museum, among others.

HUGO LUGO (MÉXICO,1974)

HUGO VÁSQUEZ (PERÚ, 1983)

INTI CASTRO (CHILE, 1982)

Estudió Artes Visuales en la Universidad de Montemorelos en México. Su obra ha sido expuesta en ciudades como Caracas, Ámsterdam, París, Ciudad de México, Bogotá, Hong Kong, Río de Janeiro y Singapur, entre otras. Además ha expuesto en la Bienal de Fotografía en el Centro de la Imagen, México. Entre sus premios más destacados se encuentran la Beca Jóvenes Creadores del FONCA, el Premio Nacional de Arte Joven, y el premio de adquisición en la Bienal de Pintura del Museo Rufino Tamayo Arte Contemporáneo.

Estudió fotografía en el Centro de la Imagen en Lima. Ha expuesto individualmente en el Borde Centro de la Imagen en Lima. Ha participado en exposiciones colectivas y ferias de arte como LimaPhoto, ArtLima, Buenos Aires Photo, Art Basel Miami. Fue finalista del Premio Petrobras; Concurso “Pasaporte para Artista” patrocinado por la Embajada de Francia en Lima. Ha participado también en el Salón Fotográfico Nacional auspiciado por el Instituto Peruano Americano en 2008 y 2014.

Grafitero y muralista de Valparaíso, estudió en la Escuela de Bellas Artes de Viña del Mar, mención en pintura. Desde los 14 años practica el grafiti y el muralismo de manera autodidacta. Ha sido invitado a intervenir la arquitectura de París y ha pintado murales de gran escala en Chile, Argentina, Brasil, Estados Unidos, Suecia, Noruega, Marruecos, Polonia, Puerto Rico, Francia Turquía, Perú y Bolivia. También ha sido invitado a distintos festivales internacionales de street art en Polonia y Beirut. Además de participar en el festival Hecho en Casa, Chile.

He studied Visual Arts at the University of Montemorelos in Mexico. His work has been exhibited in cities such as Caracas, Amsterdam, Paris, Mexico City, Bogota, Hong Kong, Rio de Janeiro and Singapore, among others. His work has also been displayed in the Photography Biennale at the Centro de la Imagen in Mexico. Among his most important awards are the Young Creators Scholarship of the FONCA, the National Award of Young Arts and the Acquisition Award in the Biennale of Painting of the Contemporary Art Museum Rufino Tamayo.

He studied photography in the Centro de la Imagen in Lima. He has exhibited individually in the Centro de la Imagen in Lima. He has participated in collective exhibitions and art fairs, such as LimaPhoto, ArtLima, Buenos Aires Photo, Art Basel Miami. He was a finalist in the Petrobras Award, Pasaporte para Artista contest sponsored by the Embassy of France in Lima. He has also participated in the National Photographic Hall sponsored by the Peruvian-American Institute in 2008 and 2014.

Graffiti artist and muralist in Valparaíso, studied at the School of Fine Arts of Viña del Mar, specializing in painting. Furthermore, from the age of 14 he has been practicing graffiti and mural painting in a self-taught way. He has been invited to intervene the architecture of Paris and has painted large-scale murals in Chile, Argentina, Brazil, Sweden, Norway, Morocco, Poland, Puerto Rico, Spain, Turkey, Peru and Bolivia. He has also been invited to various international street art festivals in Poland and Beirut, in addition to participating in the festival Hecho en Casa, Chile.

BIOGRAPHY PATRICIO VOGEL (CHILE, 1971)

FEDERICO URIBE (COLOMBIA, 1962)

CLAUDIA COCA (PERÚ, 1970)

Licenciado de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, mención pintura. Ha participado en las Bienal de arte electrónico en el Museo de Arte Contemporáneo, Santiago y en la Cuatrienal de Arte en Atenas. Ha realizado diversas exposiciones individuales en Chile, y en Miami, USA. Además, colectivamente ha expuesto en Chile, Lima, Colombia, Nueva Zelanda, Cuba y Estados Unidos, entre otros.

Estudió arte en la Universidad de Los Andes en Bogotá y en 1988 se fue a Nueva York para estudiar un título de Maestría en Bellas Artes bajo la supervisión de Luis Camnitzer. Entre sus exposiciones se destacan el Museo de Arte Boca Raton en Florida, en Chelsea Art Museum, Nueva York y en el Museo de Arte Contemporáneo de Massachusetts, entre muchas más. Su obra se puede encontrar en colecciones públicas y privadas como en el Museo de Boston y el Museo Bass de Miami, Fundación Hermes en Paris, entre otras.

Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Lima. Hoy en día es artista visual, docente y activista política peruana. Ha expuesto en el la Bienal de Mercosur, Porto Alegre, Museo de Arte Contemporáneo de Santiago, Chile, entre otros . Además ha ganado diversos premios, como el Premio Luces a la mejor exposición retrospectiva por su muestra Mestiza en el Museo de Arte Contemporáneo de Lima. Desde el 2011, es directora académica de la Escuela de Artes Visuales Corriente Alterna en Lima.

He has a Bachelor’s Degree from the Faculty of Arts of the University of Chile with a specialization in painting. He has participated in the Biennale of Electronic Art in the Museo de Arte Contemporáneo, Santiago, and the Quadrennial of Art in Athens. He has presented his work in different individual exhibitions in Chile and Miami, USA. He has also participated in collective exhibitions in Chile, Lima, Colombia, New Zealand, Cuba, and United States, among others.

He studied Art at the Los Andes University in Bogota, and in 1988 moved to New York to follor a Master’s Degree program in Fine Arts under the supervision of Luis Camnitzer. His exhibitions include those in the Boca Raton Museum of Art in Florida, the Chelsea Art Museum, New York and the Massachusetts Museum of Contemporary Art , among many others. His work is found in public and private collections in the Boston Museum; the Bass Museum in Miami, and the Hermes Foundation in Paris, to name a few.

She studied in the School of Fine Arts in Lima. Currently, she is a visual artist, teacher, and Peruvian political activist. Her work has been exhibited in the Mercosur and Porto Alegre Biennials, in the Museo de Arte Contemporáneo in Santiago, Chile, among others. She has also won several awards such as the Luces Prize for best retrospective exhibition for her Mestiza exhibition in Lima’s Museo de Arte Contemporáneo. Since 2011, she has worked as the academic director of the Corriente Alterna School of Visual Arts in Lima.

ERIKA EWELL (BOLIVIA 1970)

PATRICIO REIG (ARGENTINA, 1959)

YVES HAYAT (EGIPTO, 1946)

Estudió Bellas Artes en la Universidad Federal de Minas Gerais, Brasil; obtuvo una Maestría en pintura en la Academia de San Carlos de México. Participó en diversas bienales como la IX Bienal de Cuenca, Ecuador; la Bienal de Mercosur, Brasil; y la II Bienal de Estandartes, México. También ha expuesto en el Museo de Bellas Artes de Santiago de Chile; Museo Nacional de las Artes de la Paz; Museo de Arte, Bolivia; Museo de Arte Moderno de República Dominicana; Museum of Latin American Art, Mola, EE.UU. Ha ganado diversos premios de arte.

Pintor y fotógrafo autodidacta, posee un doctorado en Arquitectura en la Universidad Politéctica de Catalunya, Barcelona. España. Ha expuesto en el Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson, San Juan Argentina; en el Centro de Arte Contemporáneo en Barcelona, España; el Museo de Arte Moderno La Tertulia, Cali, Colombia; entre otros. Además ha participado en exposiciones en galerías de Colombia, España, Canadá, China, Estados Unidos, México, Italia y Bélgica; y ferias como ARCO, Art Miami, y el Festival de Video de arte en Barcelona, entre otras.

Artista radicado en Francia desde 1956 luego de la revolución egipcia. Estudió Artes en la Escuela Nacional de Artes Nice French Riviera, Francia. Ha participado en la Bienal de Venecia (2013), además de diversas exposiciones individuales y colectivas, y ferias de arte internacionales.

She studied Fine Arts at the Federal University of Minas Gerais, Brazil, and obtained a Master’s Degree in painting at the Academy of San Carlos in Mexico. She participated in different biennales, such as the 9th Cuenca Biennale, Ecuador, the Mercosur Biennale, Brazil, and the 2nd Estandartes Biennale, Mexico. She has also exhibited in the Museo de Bellas Artes in Santiago de Chile, the Museo Nacional de las Artes de la Paz, the Museo de Arte, the Museo de Arte Moderno in the Dominican Republic, and the Museum of Latin American Art, (MOLA), United States. She has won several art awards.

Self-taught painter and photographer. He has a doctorate in Architecture from the Polytechnic University of Catalonia, Barcelona, Spain. His work has been exhibited at the Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson, San Juan, Argentina; the Centro de Arte Contemporáneo in Barcelona, Spain; the Museo de Arte Moderno La Tertulia, Cali, Colombia; among others. He has also participated in gallery exhibitions in Colombia, Spain, Canada, China, United States, Mexico, Italy, and Belgium and in fairs such as ARCO, Art Miami and the Art Video Festival in Barcelona, among others.

He is an artist that has been based in France since 1956, after the Egyptian revolution. He studied Arts in the National Art School in Nice on the French Riviera. He has participated in the 2013 Venice Biennale, in addition to various individual and collective exhibitions and international art fairs.

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

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BIOGRAFIA KYLLA PIQUERAS (PERÚ, 1979) Artista multidisciplinaria y autodidacta que ha realizado cursos en Diseño y Artes Plásticas en Toulouse-Lautrec, Corriente Alterna y la Pontificia Universidad Católica del Perú. Ha realizado exposiciones colectivas e individuales en Lima, Sao Paulo y Cusco; además del Museo Convento Santo Domingo y el Millenium Art Museum en Beijing. En el 2014 ganó el VI Concurso Nacional de Pintura del Banco Central de Reserva del Perú. También dirige el colectivo multidisciplinario Entre Visiones que promueve la educación experimental por medio de la creatividad. A multidisciplinary and self-taught artist who has taken courses in Design and Plastic Arts in Toulouse-Lautrec, Corriente Alterna and the Pontifical Catholic University of Peru. She has held group and individual exhibitions in Lima, Sao Paulo and Cusco, in addition to the Museo Convento, Santo Domingo and the Millennium Art Museum in Beijing. In 2014, she won the 6th National Painting Contest of the Central Reserve Bank of Peru. She also directs the multidisciplinary collective Entre Visiones that promotes experimental education through creativity.

Licenciado en Artes Plásticas por la Universidad de las Américas en México. Ha participado en exposiciones en diversos países como Australia, Chile, España, Italia, Uruguay, Brasil, Argentina y Ecuador, entre otros. En 2003 realizó una residencia en Apexart en Nueva York, USA, y en 2005 ganó el primer premio de la Bienal SIART en Bolivia, y uno de los premios de la Bienal de Santa Cruz de la Sierra. He is a Bachelor in Visual Arts from the University of the Americas in Mexico. He has participated in exhibitions in different countries, such as Australia, Chile, Spain, Italy, Uruguay, Brazil, Argentina, and Ecuador, among others. In 2003, he did a residency in Apexart in New York, USA, and in 2005 he won the first prize in the SIART Biennale in Bolivia, and one of the awards of the Santa Cruz de la Sierra Biennale.

SIPHO MABONA (SUIZA, 1980) Artista visual especializado en origami. Ha realizado exposiciones en países como EE.UU., Suiza, Bélgica, Sudáfrica, Alemania, Suiza, España, Japón y China, entre otros. Además recibió el Grand Prize en el Eurobest Oro en el N.Y. Festival; Oro en the London International Awards; plata en el Clio en Miami; y dos bronces en el ADC de Alemania. Su obra se encuentra en diversas colecciones internacionales. Visual artist specialized in origami. His work has been exhibited in countries such as the United States, Switzerland, Belgium, South Africa, Germany, Spain, Japan, and China, among others. He also received the Gold Grand Prize in the N.Y. Festival; Gold in the London International Awards; Silver in Clio in Miami, and two Bronze Prizes in ADC Germany. His work is included in several international collections.

IRENE MAMIYE (FRANCIA, 1957)

SOLEDAD CHADWICK (CHILE, 1955)

RUTH MORÁN (ESPAÑA, 1976)

Estudió un Máster en Fotografía, Video y Nuevos Medios en la Escuela de Artes Visuales, School of Visual Arts, New York, NY. Ha expuesto galerías y museos de Estados Unidos, entre éstos museo de Museo de Artes y Diseño de Nueva York; Museo de Artes y Ciencias de Baton Rouge, Los Ángeles; Museo de Arte de Cornell en Rollins College, Florida. Su obra se encuentra en diversas colecciones a nivel internacional.

Participó de diversos talleres en el Instituto de Arte Contemporáneo, luego estudió Licenciatura en Artes con mención en pintura en la Universidad de Chile. Ha participado en ferias de arte nacionales y extranjeras como Ch.ACO, Chile y ArtLima, Perú. Además ha expuesto en el Museo de Bellas Artes de Santiago de Chile y en el Centro Cultural Palacio La Moneda, Santiago, entre otros.

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla. Ha expuesto individualmente en importantes centros de arte españoles como el MEIAC de Badajoz, el CAAC de Sevilla o el Centro de Arte de Alcobendas y ha participado en ferias internacionales como Art Lima, ARCO, Context Art Miami, Pinta Art London, ArteBA. Ha recibido premios como el Primer Premio Grúas Lozano de Sevilla en 2006, el Primer Premio de Pintura Focus Abengoa, el Premio de Pintura y Fotografía ABC, y la beca en el Colegio de España en París acordada por el Ministerio de Cultura.

She has a Master’s Degree in Photography, Video, and New Media from the School of Visual Arts, New York. Her work has been exhibited in galleries and museums of the United States, including the Museum of Arts and Design in New York; the Art & Science Museum in Baton Rouge, Los Angeles; the Cornell Fine Arts Museum in Rollins College, Florida. Her work can be found in several collections at an international level.

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DOUGLAS RODRIGO RADA (BOLIVIA, 1974)

She participated in several workshops at the Institute of Contemporary Art and then obtained a Bachelor’s Degree in Arts with a specialization in painting from the University of Chile. She has taken part in national and international art exhibitions such as Ch.ACO, Chile and ArtLima, Peru. She has exhibited her work at the Museo de Bellas Artes and at the Centro Cultural Palacio La Moneda in Santiago, among others.

She has a Bachelor’s Degree in Fine Arts from the University of Seville. She has presented her work individually in important Spanish art centers such as the MEIAC in Badajoz, the CAAC in Seville and the Centro de Arte de Alcobendas and she has participated in international fairs such as Art Lima, ARCO, Context Art Miami, Pinta Art London and ArteBA. She has received awards such as the First Prize at the 2006 Grúas Lozano in Seville, the First Prize for Painting at Focus Abengoa, the ABC Painting and Photography Award, and the Scholarship at the Colegio de España in Paris granted by the Ministry of Culture.

BIOGRAPHY JOSÉ ROSENBLATT (ARGENTINA, 1949)

REYMOND ROMERO (VENEZUELA, 1979)

ANKE EILERGERHARD; (ALEMANIA, 1963)

Artista autodidacta que se ha formado en pintura y escultura con sus pares artistas. Expuso en el Museo de Bellas Artes Bonaerense, Museo de Bellas Artes, Posadas; Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina. Participó en la Bienal de Rafaela, Costa Rica; Participa también en ferias internacionales de arte como Scope Miami, ArteBo, Scope Basel Suiza, ArteBa.

Egresado del Instituto Superior de Artes Plasticas Armando Reveron, Venezuela como Licenciado en Artes Plasticas mencion Multimedia y especializándose en Textil art y Fashion Art, además realizó estudios de Mercado de Arte en New York, U.S. Ha realizado diversas exposiciones individuales en Venezuela y colectivas en Estados Unidos, Canadá, España, Perú, Corea, China y Suiza, entre otros. Ha recibido diversos premios, como Premio Nacional de Artes Visuales “Armando Reverón”, entre otros. Su obra se encuentra en las colecciones del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Venezuela; The Bronx Museum, USA; CIFO, USA, entre otros.

Con estudios en arte con el teórico, Bazon Brock y un diplomado en diseño en comunicación en la Universidad de Wuppertal. Desde el 2004, ha trabajado la forma escultórica del remolino de crema batida, autodenominándolas kitchen plastics. Ganó en 2011 el premio de arte en el museo Haus am Kleistpark en Berlín y recientemente ganó el concurso en silicona en la competencia Tempelhof-Schönberger en la misma ciudad. Sus obras han sido presentadas en numerosos museos y en ferias internacionales de arte, como Francia, Dubái, Tokio, Paris, Chile, Hong Kong, Madrid, etc. Actualmente vive y trabaja en Berlín.

He is a self-taught artist that has studied painting and sculpture with his artistic peers. He has exhibited his work in the Museo de Bellas Artes in Posadas, Buenos Aires and the Centro Cultural Recoleta in Buenos Aires, Argentina. He participated in the Rafaela Biennale in Costa Rica, as well as in international art fairs, such as Scope Miami, ArteBo, Scope Basel, Switzerland, ArteBa.

He graduated from the Armando Reveron Superior Institute of Visual Arts, Venezuela, as a Bachelor in Visual Arts with a focus on Multimedia and specializing in Textile and Fashion Art. In addition, he coursed Art Market studies in New York, USA. He has carried out different individual exhibitions in Venezuela and collective exhibits in United States, Canada, Spain, Peru, Korea, China, and Switzerland, among others. He has received various awards, such as the Armando Reverón National Visual Arts Award, among others. His work can be found in the collections of the Museo de Arte Contemporáneo in Venezuela, the Bronx Museum, USA, CIFO, USA, among others.

She has studied art under theoretician Bazon Brock and has completed a certification program in communication design at the University of Wuppertal. Since 2004, she has worked with the sculptural shape of whirlwinds in whipped cream, calling them kitchen plastics. In 2011, she won the art award in the Haus am Kleistpark museum in Berlin, and recently she won the silicon contest in the competition Tempelhof-Schönberger in the same city. Her works of art have been presented in a number of museums and international art fairs in France, Dubai, Tokyo, Paris, Chile, Hong Kong, Madrid, etc. Currently, she lives and works in Berlin.

MARCELA CABUTTI (ARGENTINA, 1967)

GRIMANESA AMORÓS (PERÚ, 1962)

MARCO LAMOYI (MÉXICO, 1957)

Estudió en la Universidad Nacional de La Plata donde se recibió de Licenciada en Escultura y Profesora de Historia del Arte. Realizó el Máster en Diseño en el Centro di Ricerche Istituto Europeo di Design, Milán, Italia, y su residencia en Delfina Studio Trust, en Londres. En el 2000 recibió la beca de Médicis Foundation para participar de la residencia en Duende Ateliers, Rótterdam, además el Centro Cultural Recoleta inició un programa de Intercambio en USA que le permitió trabajar en el Columbus College of Art and Design (Ohio). Ha obtenido diversos premios y desempeña como docente universitaria.

Artista multidisciplinar radicada en Nueva York, USA. Ha participado de la Bienal de Venecia y Biennale Des Antiquaires, Francia, entre otras. Además ha expuesto en el Georgian National Museum’s National Gallery, Georgia; en el Museo Nacional Universitario de Arte de Seúl, Corea; en el The Wereldmuseum in Rotterdam, The Netherlands; Museo Nacional de arte de Taiwán y en The Today Art Museum in Beijing, China; Times Square, Nueva York, entre muchos más.

Es un creador experimental que ha participado en exposiciones de pintura, fotografía e instalaciones de manera individual y colectiva, en más de 90 muestras nacionales e internacionales, en países como Canadá, Suecia, Italia, Japón, Alemania, Noruega, Polonia, Sudáfrica y Francia, entre otros. Su obra forma parte de importantes colecciones, como la del Museo de Arte Moderno de México.

She studied at the La Plata National University, where she graduated as a Bachelor in Sculpture and Professor of Art History. She received a Master’s Degree in Design at the Centro di Ricerche Istituto Europeo di Design, Milano, Italy, and did a residency at Delfina Studio Trust in London. In 2000, she received the Médicis Foundation scholarship to participate in the residency Duende Studios in Rotterdam. The Centro Cultural Recoleta started an exchange program in USA that allowed her to work at Collumbus College of Art and Design (Ohio). She has obtained various awards and she works as a university professor.

Multidisciplinary artist residing in New York, USA. She has participated in the Venice Biennale and Des Antiquaires, France, among others. She has also exhibited her work at the National Gallery of the Georgian National Museum, Georgia; the Seoul National University Museum of Art, Korea; The Wereldmuseum in Rotterdam, The Netherlands; the National Taiwan Museum of Arts; and the Today Art Museum in Beijing, China; Times Square, New York, and many more.

He is an experimental creator who has participated in painting, photography and installation exhibitions, both individually and collectively, in more than 90 national and international exhibitions, in countries such as Canada, Sweden, Italy, Japan, Germany, Norway, Poland, South Africa, and France, among others. His work is part of important collections, like the one at the Museo de Arte Moderno de México.

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

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BIOGRAFIA KIM HYUN SIK (COREA DEL SUR, 1965) Estudió artes especializándose en pintura en Hongik Unversity, Seúl. Ha expuesto en el centro Cultural Ulsukdo, Busan, y en el el Museo SeJong Seoul, ambos en Corea. Además ha participado en galerías de Corea, Suiza y Alemania, junto a ferias de arte contemporáneo como ArtMiami, ArtTaipei y ArtShanghai, entre otras. He studied arts and then specialized in painting at the Hongik University, Seoul. His work has been exhibited at the Cultural Center Ulsukdo, Busan, and in the SeJong Seoul Museum, both in Korea. In addition, he has participated in galleries in Korea, Switzerland, and Germany, and in contemporary art exhibitions, such as ArtMiami, ArtTaipei, and ArtShanghai, among others.

Colectivo artístico conformado por dos integrantes. Raom, pintor argentino graduado en ilustración de la Escuela de Bellas Artes; y Loba, diseñadora gráfica de la Universidad de París. Formaron el grupo de creación Experiencias Visuales que se basa en la práctica fotográfica, así como en las técnicas y procesos de la imagen en relieve al contacto de las nuevas tecnologías digitales y nuevos procesos de creación. Han presentado su trabajo en la Bienal Internacional de la Imagen en Francia. Además de exponer galerías de arte en Francia, Argentina, México y Estados Unidos. An art collective with two members: Raom, Argentinian painter with an illustration degree from the School of Fine Arts, and Loba, a graphic designer from the University of Paris. They created the creative group Experiencias Visuales, which is based on photography, as well as techniques and processes for the creation of relief images, mixed with new digital technologies and new creation processes. They have displayed their work in the International Image Biennale in France, in addition to participating in exhibitions in art galleries in France, Argentina, Mexico, and the United States.

PABLO GRISS (VENEZUELA, 1971) Graduado en la Escuela de Artes Visuales de la Universidad de Columbia, Nueva York. Ha participado en diversas exposiciones individuales y colectivas en galerías de arte en Estados Unidos, Europa y América Latina. Además de ferias internacionales como ArtBo, London Contemporary, ArtSpot Miami, Pinta Art Basel. He graduated from the School of Visual Arts of the University of Columbia, New York. He has participated in different individual and collective exhibitions in art galleries in the United States, Europe, and Latin America, in addition to international fairs, such as ArtBo, London Contemporary, ArtSpot Miami, Pinta Art Basel.

SOFI ZEZMER (POLONIA, 1959)

PETRA EIKO (ALEMANIA, 1955)

PABLO LEHMANN (ARGENTINA, 1974)

Posee una maestría en Historia del Arte en Hunter College, Nueva York. Ha participado en numerosas exposiciones internacionales de galerías y museos, entre las que destacan el Museo Wiesbaden y en el Museo de Arte Contemporáneo del siglo XXI, Kanazawa, Japón. Su obra se puede encontrar en colecciones en Alemania, Ámsterdam, Nueva York, Dinamarca, Nueva Zelanda, entre otras.

Artista y escritora. Ha participado en exposiciones individuales con el patrocinio de la organización cultural de arte Building Bridges Art Exchange, en el Centro de Convenciones de los Ángeles y el Centro Cultural Katara, en Qatar. Además ha expuesto en California, Alemania y Corea. En 2009, diseñó el proyecto Green Heart para fomentar la tolerancia y participación del arte público a través de actividades artísticas interactivas.

Graduado como profesor en la Escuela Nacional de Bellas Artes P. Pueyrredón y como Licenciado en Artes Visuales en el Instituto Universitario Nacional del Arte. Desempeña como profesor en la Universidad Nacional de las Artes. Ha participado en las Bienales de Caligrafía en el Museo Sharjah, Emiratos Árabes y en la Bienal del papel en el Museo Rijswijk, Holanda. Su obra ha sido expuesta en países como Estados Unidos, Argentina, Colombia y España, además ha recibido diversos premios en Argentina.

She has a Master’s Degree in Art History from Hunter College, New York. She has participated in numerous international exhibitions in galleries and museums, including the Museum Wiesbaden and the 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa, Japan. Her work can be found in collections in Germany, Amsterdam, New York, Denmark, New Zealand, among others.

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RAOM (ARGENTINA, 1962) & LOBA (FRANCIA,1972)

Artist and writer. She has participated in individual exhibitions with the sponsorship of the Building Bridges Art Exchange cultural organization in the Los Angeles Convention Center and in the Cultural Village of Katara in Qatar. Her work has also been exhibited in California, Germany, and Korea. In 2009, she designed the Green Heart Project to promote tolerance and participation in public art through interactive artistic activities.

He graduated as a professor from the P. Pueyrredón National School of Fine Arts and as a Bachelor in Visual Arts from the National University Institute of Arts. He works as professor in the National University of Arts. He has participated in the Sharjah Calligraphy Biennial, United Arab Emirates and in the Paper Biennial Rijswijk at the Museum Rijswijk, the Netherlands. His work has been displayed in countries such as the United States, Argentina, Colombia, and Spain, and he has also received several awards in Argentina.

BIOGRAPHY JOSÉ MANUEL BALLESTER (ESPAÑA, 1960)

PATRICK STEEGER (CHILE, 1970)

MATT NEUMAN (ESTADOS UNIDOS, 1985)

Licenciado de Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Galardonado con el Premio Nacional de Grabado en y el Premio Goya de Pintura Villa de Madrid, además obtuvo el Premio Nacional de Fotografía por el Ministerio de Cultura. Sus obras forman parte la colecciones del MANCARS; Museo Marugame de Arte Contemporáneo Español de Japón; IVAM de Valencia; Museo de Arte de Miami, USA; Cisneros Fontanals Art Foundation de Miami, USA; Central Academy of Fine Arts de Pekín; Museo Würth de Logroño, Fundación Telefónica; Museo Guggenheim de Bilbao y entre otros.

Licenciado en arte de la Universidad Católica de Santiago de Chile, además tiene estudios de Escultura Urbana y Escultura Pública, en Escola Massana Barcelona. También ha desempeñado como profesor de clases de arte en Universidades de Chile. Ha expuesto en el Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile; el Museo de Arte Contemporáneo de Valdivia, Chile; el Museo de Arte Contemporáneo, Santiago; entre otros. Y fue ganador de la Beca Amigos del arte y el Primer Premio del Concurso de Arte Público del Ministerio de Obras Públicas, Aeropuerto Arturo Merino Benítez, Chile; entre otros.

Estudió en Skidmore College y luego un magíster en artes visuales en la Universidad de Boston University. Estados Unidos. Expuso en el Museo Danforth, Massachusetts; Museo Gibson House, Boston; en el centro Horowitz Performing Arts Center. Además de exponer en galerías de arte en Boston, Florida, Miami y Aspen. También ha participado en la residencia artística en pintura del programa del centro artístico Anderson Ranch, Colorado.

He has a Bachelor’s Degree in Arts from the Complutense University of Madrid. He has been awarded the National Prize for Engraving and the Goya Prize for Painting Villa de Madrid, and he also obtained the National Photography Prize of the Ministry of Culture. His works are part of the collections of MANCARS; the Marugame Hirai Museum of Spanish Contemporary Art; IVAM in Valencia; Museum of Art in Miami, USA; the Cisneros Fontanals Art Foundation of Miami, USA; the Central Academy of Fine Arts of Beijing; Würth of Logroño Museum, Fundación Telefónica and the Guggenheim Museum of Bilbao, among others.

He has a Bachelor’s Degree in Arts from the Pontifical Catholic University of Santiago de Chile and he also has studied Urban and Public Sculpture in the Escola Massana, Barcelona. He has also worked as an art professor at the University of Chile. His work has been exhibited in the Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile; the Museo de Arte Contemporáneo de Valdivia, Chile; and the Museo de Arte Contemporáneo, Santiago, among others. He was the winner of the Amigos del Arte Scholarship and the First Prize for the Public Art Contest of the Ministry of Public Works, Arturo Merino Benitez Airport, Chile, among others.

He studied at Skidmore College and then earned a Master’s Degree in Visual Arts at the Boston University, United States. He has exhibited in the Danforth Museum, Massachusetts, the Gibson House Museum, Boston, the Horowitz Performing Arts Center, in addition to exhibiting in art galleries in Boston, Florida, Miami, and Aspen. He has also participated in the artistic painting residency of the Anderson Ranch Arts Center program in Colorado.

ALICIA LARRAÍN (CHILE, 1944)

RENATO DIB (BRASIL, 1973)

MARTÍN CARRAL (ESPAÑA, 1959)

Licenciada en diseño de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Ha expuesto en el Museo de Bellas Artes, Santiago, Museo de Arte Contemporáneo de Sao Paulo, Brasil; Museo Fundación Oswaldo Guayasamín, Quito, Ecuador; Museo de Artes Plásticas Eduardo Sivori, Buenos Aires, Argentina; Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad Austral de Valdivia, entre otros. Ha ganado diversos premios y su obra se puede encontrar en las colecciones públicas como el Parque de las Esculturas, Santiago; Centro Cultural Palacio la Moneda.

Ha participado de la la Bienal del Fin del Mundo en el Mar del Plata, Argentina; Bienal del Herning Kunstmuseum en Dinamarca; Bienal Textil de Holanda; Museo Lasar Segall, Brasil. Además ha expuesto en galerías de arte en diversos países como Argentina, Brasil, Alemania, España, Dinamarca e Israel. Su obra se encuentra en la colección del Museo de Arte de Santa Catarina, Florianópolis, Brasil, entre otras.

Ingresó en la Escuela de Artes y Oficios, Llotja, de Barcelona. Se Licenció en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona. Ha expuesto en España, Eslovenia, Francia, Portugal, Marruecos, y ha participado en ferias como Arco, ArtMadrid y ArteSantander. Ha ganado los premios de Pintura del Real Círculo Artístico, Barcelona; Primer Premio de Pintura I Bienal de Martorell, Barcelona. Su obra está en importantes museos y colecciones como el Museo Municipal de Bellas Artes de Santander; Museo de Arte de Torrelaguna, Madrid; Colección Norte de Arte Contemporáneo; Gobierno de Cantabria; y Centro de Arte Contemporáneo Piramidón, Barcelona.

She has a Bachelor’s Degree in Design from the Pontifical Catholic University of Chile. Her work has been exhibited in the Museo de Bellas Artes in Santiago, the Museum of Contemporary Art of Sao Paulo, Brazil, the Museo Fundación Oswaldo Guayasamín, Quito, Ecuador, the Museo de Artes Plásticas Eduardo Sivori, Argentina, the Museo de Arte Contemporáneo from Valdivia’s Austral University, among others. He has received different awards, and his art can be found in different public collections, such as in Parque de las Esculturas, Santiago, and the Centro Cultural Palacio La Moneda.

He has participated in the Fin de Mundo Biennale in Mar del Plata, Argentina; the Herning Kunstmuseum Biennale in Denmark; the Rijswijk Textile Biennial, the Netherlands; and the Lasar Segall Museum, Brazil. His work has also been exhibited in art galleries in several countries, such as Argentina, Brazil, Germany, Spain, Denmark, and Israel. His work is in the collection of the Santa Catarina Art Museum, Florianopolis, Brazil, among others.

He enrolled in the Escola Llotja in Barcelona. He graduated from the Faculty of Fine Arts of the University of Barcelona. His work has been exhibited in Spain, Slovenia, France, Portugal, and Morocco and he has participated in festivals such as Arco, ArtMadrid, and ArteSantander. He has won the Painting Prize of the Royal Artistic Circle, Barcelona; First Prize of Painting in the 1st Martorell Biennale, Barcelona. His work is in important museums and collections such as the Museo Municipal de Bellas Artes de Santander; the Museo de Arte de Torrelaguna, Madrid; the Colección Norte de Arte Contemporáneo; the Government of Cantabria and the Centro de Arte Contemporáneo Piramidón, Barcelona, Barcelona.

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

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BIOGRAFIA MARIANA TOCORNAL (CHILE, 1976)

XAWERY WOLSKI (POLONIA, 1960)

PAULA SWINBURN (CHILE, 1964)

Estudió Licenciatura en Artes Plásticas en la Pontificia Universidad Católica. Y se desempeñó como profesora en cursos de extensión en la misma Escuela. En 2006 cursó un Magíster en Artes Visuales en The California College of the Arts. Su trabajo ha sido expuesto en Oaxaca, Milán, Londres, San Francisco, Sydney y Copenhague. En Chile ha participado en numerosas exposiciones colectivas en lugares como en el GAM, Museo de Artes Visuales y Galería Éspora, entre otros. Fue seleccionada por Waldemar Sommer como artista del año para la Exposición de la selección de Críticos “12x12 Nuevos Medios” en 2013.

Acudió a la Academia de Bellas Artes de Varsovia y de París. Además participó en la Escuela de Dibujo, Pintura y Escultura en Nueva York. Ha expuesto en diferentes partes del mundo, como en la Bienal Internacional de Arte Textil Contemporáneo, en el Museo Diego Rivera Anahuacalli, México D. F. Ha obtenido variados reconocimientos como el Premio de Escultura en la Bienal de Niza, Francia y la Beca de la Fundación Krasner Pollock, Nueva York. Su obra se encuentra en las colecciones del Museo de Arte Reina Sofía, Museo de Arte Contemporáneo de México y diversos Museos de Polonia y Francia.

Es una pintora, fotógrafa y escultora chilena. Estudió Licenciatura en Artes Plásticas en la Facultad de Arte de la Universidad de Chile. También estudió Escultura con el artista Francisco Gacitúa y fotografía con el artista Luis Poirot. Ha sido invitada a la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Argentina. Ha expuesto en la Corporación Cultural de las Condes, Centro de Extensión Pontificia Universidad Católica de Chile, Universidad de Talca, Museo de Arte Contemporáneo de Santiago. Fue seleccionada en concurso Artistas Siglo XXI de la Universidad Católica, y por AICA (Asociación de Críticos de Arte de Chile)

She has a Bachelor’s Degree in Plastic Arts from the Pontifical Catholic University in Chile and worked as a professor in extension courses in the same school. In 2006, she took a Master’s Degree program in Visual Arts at the California College of the Arts. Her work has been exhibited in Oaxaca, Milan, London, San Francisco, Sydney and Copenhagen. In Chile, she has participated in several collective exhibitions in places such as GAM, Museum of Visual Arts, and Éspora Gallery, among others. She was selected by Waldemar Sommer as artist of the year for the Critics’ Choice Exhibition “12x12 Nuevos Medios” in 2013.

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He attended the Academy of Fine Arts in Warszaw and Paris. He also participated in the New York Studio School of Drawing, Painting and Sculpture. His artwork has been displayed in different parts of the world, like in the International Biennale of Contemporary Textile Art, at the Museo Diego Rivera Anahuacalli, Mexico City. He has received numerous distinctions, such as the Sculpture Award in the Nice Biennale, France, and the Krasner Pollock Foundation Scholarship. His work can be found in the collections of the Queen Sofia Museum, the Museo de Arte Moderno in Mexico, and different museums in Poland and France.

She is a Chilean painter, photographer, and sculptor. She has a Bachelor’s Degree in Visual Arts from the Faculty of Art of the University of Chile. She also studied Sculpture with the artist Francisco Gacitúa, and photography with the artist Luis Poirot. She has been invited to the International Contemporary Art Biennale in Argentina, and has exhibited in the Cultural Corporation of Las Condes, the Extension Center of the Pontifical Catholic University of Chile, University of Talca, and the Museo de Arte Contemporáneo in Santiago. She was selected in the competition 21st Century Artists of the Catholic University, and by AICA (Art Critics Association of Chile).

ROBERT SCHABERL (AUSTRIA, 1961)

IGNACIO BAHNA (CHILE, 1980)

Estudió Arte en el Mozarteum de Salzburgo. Cuenta con exposiciones en Reino Unido, Alemania, Canadá, Italia, Suiza, y Francia, entre otros. Además recibió el premio al el arte arquitectónico concurso de la Universidad Tecnológica de Graz. Sus obras han sido expuestas en numerosas ferias internacionales de como Art Basel Miami Beach, Art Cologne, Art Fair 21 y Art Forum Berlin. Su obra se encuentra en diversas colecciones públicas y privadas.

BERT VREDEGOOR/ PAÍSES BAJOS (1956)

Estudió Bellas Artes en la Universidad de Barcelona, recibiendo dos veces la Beca Matrícula de Honor a la Distinción Académica. Ha exhibido su trabajo en en Museo de Artes Visuales, Santiago y en diversas galerías nacionales e internacionales, y en ciudades como Basilea, Madrid, Barcelona, Nueva York, Arizona, Lima. También ha estado presente en diversas ferias de arte contemporáneo como Volta 9 Basel, Pinta Nueva York, Art Lima, entre otras.

He studied Art at the Mozarteum of Salzburg. His art has been exhibited in the United Kingdom, Germany, Canada, Italy, Switzerland, and France, among others. Additionally, he received the award for the architectural art contest of the Graz University of Technology. His work has been exhibited in a number of international art fairs, such as Art Basel, Miami Beach, Art Cologne, Art Fair 21, and Art Forum Berlin. His work can be found in different public and private collections.

Estudió en la Academia de Arte en Arnhem. Ha participado de exposiciones individuales y colectivas en su país y en el extranjero, como en el Stedelijk Museum Schiedam y el Museum Het Prinsenhof, Delft, ambos en Países Bajos. Además de exponer en ferias internacionales de arte como ARCO, Madrid y Art Fair KunstRAI en Amsterdam. Su obra se puede encontrar en las colecciones de arte de patrimonio cultural en Amsterdam y en el Museo de Arte Moderno Rase, España, entre otros.

He studied Fine Arts at the University of Barcelona, earning the Honor Enrollment Scholarship for Academic Distinction twice. His work has been exhibited in the Museo de Artes Visuales, Santiago and in different national and international galleries, and in cities such as Basel, Madrid, Barcelona, New York, Arizona and Lima. He has also taken part in several contemporary art fairs such as Volta 9 Basel, Pinta New York, Art Lima, among others.

He studied in the Academy of Arts in Arnhem. He has taken part in individual and collective exhibitions in his country and abroad, such as the Stedelijk Museum Schiedam and the Museum Het Prinsenhof, Delft, both in the Netherlands, in addition to exhibiting his work in international art festivals such as ARCO in Madrid and the Art Fair KunstRAI in Amsterdam. His work can be found in art cultural heritage collections in Amsterdam and the Museu d’Art Modern de Raset, Spain, among others.

BIOGRAPHY LIN LIMA (BRASIL 1976) Se graduó en la pintura de la Universidad Federal de Río de Janeiro, y se especializó en Dirección de Arte en la Escuela de Publicidad y Marketing en Río de Janeiro. Cuenta con exposiciones en Brasil, Colombia y Francia, entre otros. Su obra se encuentra en la colección del Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, Brasil; y, la del Banco do Nordeste, Juaseiro do Norte, Brasil; junto a otras colecciones privadas a nivel internacional. He graduated in painting from the Federal University of Rio de Janeiro and specialized in Art Direction at the School of Advertising and Marketing in Rio de Janeiro. He has exhibited in Brazil, Colombia, and France, among others. His work can be found in the collections of the Museum of Modern Art of Rio de Janeiro, Brazil, and of Banco do Nordeste, Juaseiro do Norte, Brazil, as well as other private collections around the world.

MARIANA VILLAFAÑE (ARGENTINA, 1972) Estudio Arquitectura y Artes Visuales. Como artista multidisciplinar, cuenta con exposiciones en Argentina, Colombia, EE.UU., Lima, Panamá, Chile y Alemania; y ha participado de diversas ferias de arte como Scope NY, Lima Photo; Pinta Art Fair; Scope Miami, etc. Su obra pertenece a diversas colecciones públicas y privadas a nivel internacional. She studied Architecture and Visual Arts. As a multidisciplinary artist, she has had exhibitions in Argentina, Colombia, USA, Lima, Panama, Chile, and Germany, and has participated in different art fairs, such as Scope NY, Lima Photo, Pinta Art Fair, Scope Miami, etc. Her work is in different public and private collections over the world.

ROGELIO POLESELLO (ARGENTINA, 1939-2014) En 1958 se graduó como profesor de Grabado, Dibujo y Pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Entre sus exposiciones individuales destacan la Unión Panamericana en Washington, el Museo de Bellas Artes de Caracas, el Centro de Artes Visuales del Instituto Torcuato Di Tella, The Center for Inter American Relations, New York, y el Museo de Arte Moderno de Bogotá. Integra las colecciones del MOMA y Guggenheim, N.Y.; The Art Museum of the Americas, Washington DC; Museo de Arte Moderno, Bogotá; Museo de Bellas Artes, Caracas; Museo de Arte Moderno y el MALBA en Buenos Aires, entre otros. In 1958, he graduated as a professor in Engraving, Drawing, and Painting from the Prilidiano Pueyrredón National School of Fine Arts. Among his individual exhibitions are the Pan-American Union in Washington, the Museo de Bellas Artes in Caracas, the Center for Visual Arts of the Torcuato Di Tella Institute, The Center for Inter-American Relations, New York, and the Museum of Museo de Arte Moderno in Bogota. His work is part of the collections of the MOMA and Guggenheim museums in New York, The Art Museum of the Americas, Washington DC, and the MAMBA and MALBA museums in Buenos Aires, among others.

JAVIER LEÓN PÉREZ (ESPAÑA, 1977)

GUILLERMO BERT (CHILE, 1959)

IGNACIO NOGUEROL (PERÚ, 1992)

Estudió Licenciatura en Cerámica y Escultura en la Escuela de Artes y Oficios Artísticos de Sevilla, y luego obtuvo la mención en pintura en la Universidad de Artes de Sevilla, además posee un Magíster en Artes Visuales en Creación e Investigación en la Universidad Complutense de Madrid. Su trabajo ha sido expuesto en la Bienal de Arte Contemporáneo en el Museo Rijswijk, Países Bajos; y en la Bienal de Arte Contemporáneo de Lalín, España. Además ha participado en las ferias de arte Art Central, Hong Kong; Art Taipei Taiwan; JustMad, Madrid; Bazaar Jakarta, Indonesia; Kiaf, Korea; Art Madrid, España.

Estudió Licenciatura en Arte con mención en Pintura en la Universidad Católica de Chile; además de Litografía y otras técnicas de impresión en el L.A. Valley College, y asistió a la Escuela de Arte y Diseño Otis Parsons, Los Ángeles, CA., Estados Unidos. Se desempeñó como director de arte de Los Ángeles Times, Estados Unidos y fue profesor de técnica mixta en el Art Center School of Design en Pasadena, California. Ha participado en la 1° Bienal de Performance en San Francisco, USA; y la Bienal de la Sociedad Textil de América

Ha expuesto en el Centro Cultural Ricardo Palma, Perú. Entre sus distinciones están el primer premio del XX Concurso nacional de artistas jóvenes Cerro Verde en el Museo de Arte Contemporáneo de Arequipa, el primer concurso Face 1 en la galería Revolver, el V Concurso nacional del Banco de la Reserva del Perú (BCR) y Pasaporte para un artista. Su obra forma parte de colecciones importantes de Perú, Argentina, Chile, Portugal y España.

He is a Bachelor in Ceramics and Sculpture from the School of Arts and Artistic Professions in Sevilla, and then he specialized in painting at the University of Arts of Sevilla, in addition to having a Master’s Degree in Visual Arts in Creation and Research from the Complutense University of Madrid. His work has been displayed in the Contemporary Art Biennale in the Rijswijk Museum, the Netherlands, and in the Contemporary Art Biennale in Lalín, Spain. Furthermore, he has participated in the art fairs Art Central, Hong Kong, Art Taipei, Taiwan, JustMad, Madrid, Bazaar Jakarta, Indonesia, Kiaf, Korea, and Art Madrid, Spain.

He has a Bachelor’s degree in Art with a specialization in Painting from Pontifical Catholic University of Chile, in addition to Lithography and other printing techniques from the L.A. Valley College, and attended the Otis Parsons College of Arts and Design, Los Angeles, United States. He worked as art director for the Los Angeles Times, United States, and was a professor of mixed technique at the Art Center School of Design in Pasadena, California. He participated in the 1st Performance Biennale in San Francisco, USA, and in the Textile Society of America’s Biennial.

His work has been exhibited at the Centro Cultural Ricardo Palma, Peru. Among his awards are the first prize of the 20th Cerro Verde National Contest for Young Artists at the Museo de Arte Contemporáneo de Arequipa, the first Face 1 contest at the Revolver gallery, the 5th National Contest of the Central Reserve Bank of Peru (BCR), and the contest Pasaporte para un artista. His work is part of important collections in Peru, Argentina, Chile, Portugal, and Spain.

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

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BIOGRAFIA ALDO CHAPARRO (PERÚ, 1965)

CHIYOMI TANEIKE LONGO (JAPÓN, 1937)

ROBERT FERRER I MARTORELL (ESPAÑA, 1978)

Estudió Arte en la Universidad Católica del Perú. Su trabajo ha sido expuesto en galerías y museos de todo el mundo y en ferias como Art Basel Miami, ARCO, Arte de Lima, Arte BA, PARC, Art Dubai, Art Brusels, ArtBo y Zona MACO. Además de su trabajo como artista, fue profesor en la Universidad de Monterrey, ha sido editor y director de arte. Actualmente vive y trabaja en la Ciudad de México, Nueva York y Lima.

Posee un Magíster del Instituto de la Universidad de San Francisco con mención en pintura y dibujo. Ha expuesto en el Museo de Artes Visuales de Sonoma, California; Museo Histórico Regional de Ensenada, México; Museo de Arte de Nagasaki; Museo de Arte Moderno de San Francisco; Museo Municipal de la Isla de Jei Ju, Corea. Ha ganado los reconocimientos a mejor artista en técnica mixta en el Museo de Sonoma, el premio Gamblin Artist Colors en categoría pintura, San Francisco.

Formado en la Facultad de Bellas Artes en Valencia. Ha ganado distintos premios en pintura y escultura, entre ellos de la Fundación Barceló y del ayuntamiento de Mallorca, España. Ha expuesto en el Museo de la Universidad de Alicante, en el Museo de Bellas Artes de Castellón y en el Museo Salvador Victoria en España. Además de participar en ferias de arte como ArtLima, Feria Internacional de Arte Sao Paulo, Feria Internacional de Arte Contemporáneo ODEÓN, Bogotá, Colombia y Just Madrid, entre otras.

She has a Master’s Degree from the Institute of the University of San Francisco, with a specialization in painting and drawing. She has exhibited her work in the Sonoma Museum of Visual Arts, California; the Ensenada Regional Historical Museum, Mexico, the Nagasaki Prefectural Art Museum; the San Francisco Museum of Modern Art; the Municipal Museum of Jei Ju Island, Korea. She has received distinctions as the best artist for mixed media by the Museum of Sonoma, and the Gamblin Artist Colors prize in the painting category in San Francisco.

He studied in the Faculty of Fine Arts in Valencia and has won different awards in painting and sculpture, such as the Barceló Foundation award and one from the Municipality of Mallorca, Spain. His work has been exhibited in the Museo de la Universidad de Alicante, the el Museo de Bellas Artes de Castellón, and the Museo Salvador Victoria in Spain. He has also participated in art exhibitions such as ArtLima, Sao Paulo International Art Festival, International Festival of Contemporary Art ODEÓN, Bogota, Colombia, and Just Madrid, among others.

KRISTIN BAUER (ESTADOS UNIDOS, 1982)

HARDING MEYER (BRASIL, 1964)

He studied art in the Catholic University of Peru. His work has been exhibited in galleries and museums all over the world and in fairs like Art Basel Miami, ARCO, Arte de Lima, Arte BA, PARC, Art Dubai, Art Brussels, ArtBo, and Zona MACO. Besides his work as an artist, he has been a professor at the University of Monterrey, and an art director and editor. Currently, he lives and works between Mexico City, New York, and Lima.

CARMEN ANZANO (ESPAÑA, 1960) Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, España. Ha expuesto Galería Almirante en Madrid, el Centro Cultural de Caja Cantabria en Santander, la Galería Verena Hofer en Barcelona, en el Espacio Volart de la Fundación Vila Casas, Barcelona; y en el Museo Würth de la Rioja y en el Palacio de Caja Cantabria en Santillana del Mar, España. She is a Bachelor in Visual Arts from the University of Barcelona, Spain. She has exhibited at the Almirante Gallery in Madrid, the Centro Cultural Caja Cantabria in Santander, the Verena Hoder Gallery in Barcelona, the Espacio Volart of the Vila Casas Foundation, Barcelona, and the Museo Würth de la Rioja and the Caja Cantabria Palace in Santillana del Mar, Spain.

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Estudió pintura en la Universidad Estatal de Arizona y posteriormente cursó una maestría en arte terapia en la Universidad de Ottawa en Phoenix, además estudió en la Escuela Superior Dante Alighieri en Florencia, Italia. Ha expuesto en galerías y museos, incluyendo la Bienal de Arizona y el Museo de Arte de Phoenix. Su trabajo fue incluido en la Bienal Fronteriza de 2015, exhibiendo tanto en el Museo de Arte de El Paso como en el Museo de Arte Ciudad Juárez. Además recibió una Beca de Artista del Foro Contemporáneo del Museo de Arte de Phoenix en 2012, donde expuso su trabajo al año siguiente. She studied painting at the Arizona State University and subsequently obtained a Master’s Degree in Art Therapy at the Ottawa University in Phoenix, and she also studied at the Dante Alighieri Superior School in Florence, Italy. She has exhibited in galleries and museums, including the Arizona Biennial and the Phoenix Art Museum. Her work was included in the 2015 Border Biennale, exhibiting both in the El Paso Museum of Art, as well as in the Museum of Art of Ciudad Juárez. In addition, she received an Artist Scholarship from the Contemporary Forum of the Phoenix Art Museum in 2012, where she exhibited her work the following year.

Estudió en la academia Staatliche Bildenden Künste en Alemania. Ha ganado el premio de arte Helmut Stober y el premio de pintura del Museo Michetti. Ha expuesto en el Museo Würth France Erstein, Francia; en El palacio Ducal de Génova, Italia y en la Villa Cultural de de Katara, Catar. Además de exponer en galerías de arte en Viena, Toronto, Berlín, Düsseldorf. También ha participado en ferias de arte como Art Bruselas, Art Frankfurt, Art Moscú, Art Chicago, Art Basel Miami, Art Róterdam. He studied at the Staatliche Bildenden Künste Academy in Germany. He won the Helmut Stober Art Prize and the Painting Prize from the Michetti Museum. His work has been exhibited in the Würth France Erstein Museum, France; the Doge’s Palace in Genoa, Italy and the Cultural Village of Katara, Qatar. His work has also been exhibited in art galleries in Vienna, Toronto, Berlin, and Düsseldorf. He has also participated in art fairs such as Art Brussels, Art Frankfurt, Art Moscow, Art Chicago, Art Basel Miami, and Art Rotterdam.

BIOGRAPHY ÁNGELA LERGO (ESPAÑA, 1965)

BERNARDÍ ROIG (ESPAÑA, 1965)

ALEX TEN NAPEL (PAÍSES BAJOS,1958)

Especializada en Escultura en la Universidad de Sevilla, España. Además en Escenografía y Descubrimiento en la Universidad Internacional Menéndez Pelayo. Ha participado en exposiciones internacionales entre ellas la Bienal de Arte en Almería, España y en el Museo de Arte Moderno de Moscú, Rusia. Como también en exposiciones individuales y colectivas, y ferias de arte internacionales en diversas ciudades, entre ellas Nueva York, Berlín, Oslo, Bruselas, Toronto y Madrid.

Cuenta con numerosas exposiciones internacionales y ha participado de numerosas Bienales en Argentina, Venecia, Cuba, Venezuela y España. Posee distinciones como el Premio Oficial en la XXI Bienal de Alejandría, Egipto; Premio Oficial de la XXI International Bienal de Arte Gráfico en Ljubljana, Slovenia. Entre sus últimas exposiciones individuales destaca, en 2014, la Phillips Collection de Washington, donde fue el primer artista español que recibió la invitación para participar en su programa Intersections.

Estudió en la Royal Academy of Art de La Haya. Ha expuesto su trabajo en el Epson Photo Festival, en los Países Bajos y en Paris Photo, París. Su obra fue nominada para el Premio de Fotografía 2006 en la National Portrait Gallery de Londres y el Prix Photographique BMW-Paris Photo 2006, París. Desde 1996 su trabajo ha estado en numerosas exposiciones grupales e individuales en galerías y festivales como la Galería Pobeda en Moscú, Cook Fine Art en Nueva York, Galería Omar Alonso en Puerto Vallarta, México, Foto Art Festiwal en Bielsko-Biala, Polonia y Miami Photo 2008.

She specialized in Sculpture at the University of Sevilla, Spain, in addition to Scenography and Discovery in the Menéndez Pelayo International University. He has also participated in international exhibitions, among them, the Almería Art Biennale, Spain, and the Moscow Museum of Modern Art, Russia, as well as in individual and collective exhibitions and international art fairs in different cities, such as New York, Berlin, Oslo, Brussels, Toronto, and Madrid.

His work has been featured in a number of international exhibitions and he has participated in several Biennales in Argentina, Venice, Cuba, Venezuela, and Spain. He has received different distinctions, such as the Official prize in the 21st Alexandria Biennale, Egypt, the Official Prize of the 21st Biennial of Graphic Arts in Ljubljana, Slovenia. Among his most recent individual expositions are, in 2014, the Phillips Collection in Washington, where he was the first Spanish artist to receive an invitation to participate in its Intersections program.

He studied in the Royal Academy of Art in The Hague. His work has been exhibited at Epson Photo Festival, in the Netherlands, and at Paris Photo, Paris. His work was nominated for the 2006 Photography Award at the National Portrait Gallery in London and the Prix Photographique BMW-Paris Photo 2006, Paris. Since 1996 his work has been in numerous group and individual exhibitions in galleries and festivals such as the Pobeda Gallery in Moscow, Cook Fine Art in New York, Omar Alonso Gallery in Puerto Vallarta, Mexico, the Foto Art Festival in Bielsko-Biala, Poland, and the 2008 Miami Photo.

FRANCISCO PERÓ (CHILE, 1981)

JIMMY LAW (SUDÁFRICA, 1970)

SALUSTIANO (ESPAÑA, 1965)

Licenciado en Artes Visuales con mención pintura de la Universidad Finis Terrae, con estudios previos de Arquitectura, Pintura y Pintura de figura humana. Además de participar en la Bienal de Santa Cruz de Bolivia; Museo de arte contemporáneo en Colombia; Museo Nacional de Bellas Artes en Santiago; Museo de Arte Iberoamericano de los Ángeles, USA además cuenta con exposiciones individuales y colectivas que incluyen muestras en Perú, Puerto Rico, Londres y España.

Estudió Diseño Gráfico en The Technicon of the Orange Free State. Ha expuesto individual y colectivamente, entre ellas en la Universidad en Stellenbosch, Sudáfrica y en galerías de arte en Francia, Sudáfrica, Inglaterra y Sudáfrica. También ha participado en ferias de arte como Stroke art Fair en Munich, Urban Art en París, Turbine art en Johannesburgo y el Festival de Arte de Sudáfrica.

Especializado en pintura en la Universidad de Sevilla, España. Ha expuesto en el Fowler Museum de Los Ángeles, el Luma Museum de Chicago, o el Museo Vostell-Malpartida de Cáceres. Ha colaborado con instituciones de prestigio internacional, como la Fundación Dalai Lama, la organización internacional Woman Together y la Fundación Cisneros. También ha participado en las ferias Armory Show de Nueva York, Art Basel, Basilea; Kiaf, Corea; ARCO, España; y Scope Londres; así como numerosas exposiciones internacionales en Shanghái, Alemania, Japón, Rusia, Chicago, París, Austria, Portugal y España.

He has a Bachelor’s Degree in Visual Arts with a specialization in Painting from the Finis Terrae University, with prior studies in Architecture, Painting, and Human Figure Painting. In addition, he has participated in the Santa Cruz Biennale in Bolivia; the Museo de arte contemporáneo in Colombia; the Museo Nacional de Bellas Artes in Santiago; the Museum of Latin American Art, Los Angeles, USA. He has also participated in individual and collective exhibitions in Peru, Puerto Rico, London, and Spain.

He studied Graphic Design at the Technicon of the Orange Free State. He has been in individual and collective exhibitions, including the Stellenbosch University, South Africa; and in art galleries in France, England, and South Africa. He has also participated in art fairs, such as Stroke Art Fair in Munich, Urban Art in Paris, Turbine Art in Johannesburg, and the South African Art Festival.

He specialized in painting at the University of Sevilla, Spain. His work has been exhibited in the Fowler Museum in Los Angeles, the LUMA Museum in Chicago, and the Museo VostellMalpartida in Cáceres. He has collaborated with internationally renowned institutions, such as the Dalai Lama Foundation, the international organization Women Together, and the Cisneros Foundation. He has also participated in the fairs Armory Show in New York, Art Basel in Basel, Kiaf in Korea, ARCO in Spain, and Scope London, as well as a number of international exhibitions in Shanghai, Germany, Japan, Russia, Chicago, Paris, Austria, Portugal, and Spain.

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

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BIOGRAFIA CECILIA AVENDAÑO (CHILE, 1980)

CRAIG ALAN (ESTADOS UNIDOS, 1971)

BOHDAN BURENKO (UCRANIA, 1987)

Licenciada en Artes Visuales con mención en Fotografía de la Universidad de Chile en 2005. En 2008 ganó el Concurso Cabeza de Ratón del Mavi, desde entonces ha expuesto en centros culturales, museos, galerías y ferias de arte en Chile y el extranjero, como ArteBa, Lima Foto, Odeón y en Iberoamericana Foto Week, de Washington DC, EE.UU. También ha desarrollado su trabajo como directora de fotografía en proyectos audiovisuales y publicitarios. Su trabajo ha sido exhibido en el Festival Internacional de Arte (BAC) Barcelona, España.

Estudió en la Universidad de Alabama. Su trabajo ha sido expuesto en el edificio del Capitolio en Washington D.C y es parte de colecciones de arte en Estados Unidos, Alemania e Inglaterra. Además ha participado en ferias de arte como Palm Beach Show, Art Silicon Valley, Context Art Miami, Scope Basel, Art Baltimore. Su obra se encuentra en diversas colecciones a nivel internacional. entre otras.

Estudió en la Universidad Nacional Kyiv de la Cultura y las Artes. Conocido por la serie de pinturas de cabezas, la cual propone capturar a través de la subjetividad la esencia del ser humano. Ha expuesto en galerías de arte colectivamente como también de manera individual, entre ellas en Nueva Jersey, San Francisco y Londres.

She graduated as a Bachelor in Visual Arts with a specialization in Photography from the University of Chile in 2005. In 2008, she won the Cabeza de Ratón del Mavi Contest, and since then her work has appeared in culture centers, museums, galleries, and art fairs in Chile and abroad, such as in ArteBa, Lima Foto, Odeón, and Iberoamericana Foto Week in Washington DC, USA. She has also worked as a photography director in audiovisual and advertising projects. Her work has been exhibited in the International Art Festival (BAC) in Barcelona, Spain.

KOH SANG WOO (COREA DEL SUR, 1976)

FELIPE SCHIFFRIN, (CHILE, 1969)

DIEGO BEYRÓ (ARGENTINA, 1984)

Graduado de la escuela de Arte del Instituto de Chicago, especializado en fotografía y performance. Además de participar en el estudio de Nueva York en la asociación independiente de escuelas de Arte y diseño. Participó en la Bienal de Beijing y ha expuesto en el Museo de Lancaster, Pensilvania; el Museo de Sungkok, Seúl; Museo de Arte Contemporáneo de Chicago. Su obra se encuentra en diversas colecciones internacionales.

Artista y cineasta, estudió cine en la Universidad de Artes, Ciencias y Comunicación, UNIACC en Chile. Además de tomar cursos de Fotografía en la Academia Visions of Art. Ha expuesto su trabajo en las Bienales Foto América, Chile y en la Bienal Foto, México. Además de exponer su trabajo en el Centro de las Artes de Cancún, México.

Estudió Dirección de Arte en la Escuela Superior de Creativos Publicitarios. Su formación en el campo artístico es mayormente autodidacta. Ha participado de exposiciones en en Italia, España, Portugal, Líbano, Estados Unidos, Israel, Colombia, México, Chile y Argentina. Su obra se encuentra en diversas colecciones a nivel internacional.

He is an artist and film-maker that studied cinema in the University of Arts, Science, and Communication, UNIACC, in Chile. Additionally, he has taken courses in Photography at the Visions of Art Academy. His work has been exhibited in the Foto América Biennales in Chile and in the Foto Biennale, Mexico. In addition, his work has been displayed in the Centro de las Artes in Cancun, Mexico.

He studied Art Management at the Escuela Superior de Creativos Publicitarios, Buenos Aires. He is mostly self-taught in the field of art. He has participated in exhibitions in Italy, Spain, Portugal, Lebanon, United States, Israel, Colombia, Mexico, Chile, and Argentina. His work can be found in different collections around the world.

He graduated from the School of Arts of the Chicago Institute, with a specialization in Photography and Performance. He also participated in the study of New York in the Independent Association of Schools of Arts and Design. He participated in the Biennale of Beijing and his work has been exhibited in the Lancaster Museum, Pennsylvania; the Sungkok Museum, Seoul and in the Contemporary Art Museum of Chicago. His work can be found in different international collections.

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He studied at the University of Alabama. His work has been exhibited in the Capitol Building in Washington, D.C., and it is part of art collections in the United States, Germany, and England. He has also participated in art fairs such as the Palm Beach Show, Art Silicon Valley, Context Art Miami, Scope Basel and Art Baltimore. His work is included in different collections at an international level.

He studied at the Kyiv National University of Culture and Arts. He has held several individual and collective exhibitions in galleries in the United Kingdom, the United States and Ukraine. His work is in various collections at an international level.

BIOGRAPHY ANNEMARIE BUSSCHERS; (PAÍSES BAJOS, 1970)

FELIPE BEDOYA (COLOMBIA, 1986)

LIDIA MASLLORENZ (ESPAÑA, 1967)

Con estudios formales en arte en la Academia Minerva en la Universidad de Hanze Groningen, se especializó en técnicas gráficas. Ha expuesto en el Museo de Sunderland, Inglaterra; Museo Groningen, Países Bajos; en la Royal West Academy de Londres y también destacando en la National Gallery de Londres siendo seleccionada para el Premio BP en la categoría de retratos. Además ha participado en ferias de arte como Art Copenhagen, Scope New York, Scope Basel, Context Miami, Art Amsterdam.

Con estudios en el Instituto Departamental de Bellas Artes y la Universidad Nacional de Bogotá, ha participado de exposiciones y ferias de arte en Colombia, Nueva York, Argentina, Chile y Brasil. También ha dictado conferencias y workshops sobre ilustración y nuevos medios en universidades colombianas.

Licenciada en Bellas Artes en la Universidad de Barcelona especializada en pintura, fotografía, escultura y grabado. Ha participado en exposiciones individuales en Francia, Estados Unidos y España; y de muestras colectivas en Alemania, Francia, Bélgica, Estados Unidos, Suiza, Países Bajos, entre otros.

He studied in the Fine Arts Departmental institute and the National University of Bogota. He has participated in art exhibitions and fairs in Colombia, New York, Argentina, Chile, and Brazil. He has also held conferences and workshops about illustration and new methods at Colombian universities.

She has a Bachelor’s Degree in Fine Arts from the University of Barcelona, specializing in painting, photography, sculpture, and engraving. She has participated in individual exhibitions in France, the United States, and Spain, and in collective exhibitions in Germany, France, Belgium, United States, Switzerland, the Netherlands, among others.

CRAIG WYLIE (ZIMBABWE, 1973)

TULLY SATRE (ESTADOS UNIDOS, 1989)

ZHENYA GERSHMAN (RUSIA, 1975)

Estudió Artes Visuales con honores en la Universidad de Rhodes en Sudáfrica. Vive y trabaja en Londres desde 1998. Ha expuesto y ganado distinciones en renombradas instituciones en Londres, entre ellas en la National Portrait Gallery, obteniendo el primer lugar; Royal College of Arts; y Royal Institute of Oil Painters.

Licenciado de la Escuela de Arte del Instituto de Arte de Chicago y realizó un postgrado del Royal Academy of Arts en Londres. Fue docente en el museo de Anchorage en Alaska, donde dictó un curso sobre pintura contemporánea. Ha ganado los reconocimientos como mención honrosa en el Concurso Nacional de Arte Joven de la Universidad de Valparaíso, Chile y ha sido seleccionado por la galería Saatchi como uno de los mejores artistas del 2013. Su trabajo se encuentra tanto en colecciones como en The Royal Academy Schools de Londres y la Universidad de Chile en Santiago.

Realizó su primera exposición individual en San Petersburgo a los 14 años. Fue la estudiante más joven en el Instituto de Arte Otis, donde se graduó con honores y más tarde realizó una Maestría en Bellas Artes de la Escuela de Arte del Centro de Diseño. Ha expuesto en Building Bridges International Art Exchange; Museo del Condado de Los Ángeles. Y ha participado en Ferias de Arte Internacionales como Art Aspen, Art Miami y Art Chicago. Su obra se encuentra en diversas colecciones internacionales.

She has formal studies in Art from the Minerva Art Academy of the Hanzehogeschool Groningen University and she specialized in Graphic Techniques. Her work has been exhibited in the Sunderland Museum, England; the Groningen Museum, the Netherlands; the Royal West Academy in London and also the National Gallery of London, where she was selected for the BP Prize in the Portrait category. She has also participated in art festivals such as Art Copenhagen, Scope New York, Scope Basel, Context Miami and Art Amsterdam.

He studied visual arts and graduated with honors from the Rhodes University, South Africa. He has lived and worked in London since 1998. He has held exhibitions and won awards in renowned institutions in London, including the National Portrait Gallery, where he won the first prize, the Royal College of Arts, and the Royal Institute of Oil Painters.

He has a Bachelor’s Degree from the School of the Art Institute of Chicago and took post-graduate courses in the Royal Academy of Arts in London. He worked as a teacher in the Anchorage Museum in Alaska, where he imparted a course on contemporary painting. He has won recognitions such as the Honorable Mention in the National Young Art Contest of the University of Valparaíso, Chile, and was selected by the Saatchi gallery as one of the best artists of 2013. His work is in collections in The Royal Academy Schools in London and the University of Chile in Santiago.

She performed her first individual exhibition in Saint Petersburg when she was only 14 years old. She was the youngest student at the Otis Art Institute, where she graduated with honors and later completed a Master’s Degree in Fine Arts from the Art Center College of Design. She has exhibited at the Building Bridges International Art Exchange and the Los Angeles County Museum. She has participated in international art fairs such as Art Aspen, Art Miami and Art Chicago. Her work is in several international collections.

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

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BIOGRAFIA ZULEMA MAZA (ARGENTINA, 1949)

SONIA FALCONE (BOLIVIA, 1965)

RODRIGO BUENO (BRASIL,1967)

Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano, Buenos Aires, y se perfeccionó en técnicas gráficas, en los talleres de Julio Muñeza y Alfredo de Vincenzo. Ha participado de diversas bienales en latinoamérica y europa, además de numerosas exposiciones colectivas en Argentina, Alemania, Francia, España, Italia, Venezuela, Brasil, Chile, China, entre otros. Ha recibido premios como Beca Miró, Barcelona, España; Primer Premio Municipal de Grabado Manuel Belgrano; Gran Premio de Honor del Salón Nacional de Grabado, y Primer Premio de Honor Trienal de El Cairo.

Es una pintora y artista plástica. Participó de la Bienal de Dublin y Bienal de Venecia. Ha expuesto en diversos países como Inglaterra, Estados Unidos, Rucia, Italia, Mónaco, Canadá, Bolivia, Colombia, Argentina, Brasil y China. Además de ferias internacionales como ArtBo, Pinta London, Pinta Miami, entre otras. Su obra se encuentra en diversas colecciones públicas y privadas a nivel internacional.

Graduado en comunicación social en Brasil, posee postítulos en Artes plásticas en Artes Plásticas de la Escuela de Artes Visuales en Nueva York, y en Arte y Consciencia en la Universidad John F. Kennedy en California. Ha realizado residencias en la Fundación Sacatar en Bahía, y en el Encuentro Internacional de Medellín, Prácticas Artísticas Contemporáneas, Colombia. Partició en la Bienal de Sao Paulo y ha expuesto en Bélgica, Inglaterra, EE.UU., Francia, Argentina, Colombia y Perú.

She studied at the Manuel Belgrano National School of Fine Arts, Buenos Aires and specialized in graphic techniques in the workshops of Julio Muñeza and Alfredo de Vincenzo. She has participated in several biennales in Latin America and Europe, in addition to numerous collective exhibitions in Argentina, Germany, France, Spain, Italy, Venezuela, Brazil, Chile, and China, among others. She has received awards such as the Miro Scholarship, Barcelona, Spain; the First Manuel Belgrano Municipal Prize for Engraving; the Grand Prize of Honor from the National Hall of Engraving and First Prize of Honor at the Cairo Triennale .

DIANA BELTRÁN (COLOMBIA, 1978) Maestra de Artes Plásticas de la Universidad Nacional de Colombia, posee una maestría en fotografía artística en EFTI de Madrid. Ha expuesto en Colombia, España, EE.UU., Perú, Venezuela y Singapur. Sus obras pertenecen a diferentes colecciones de Chile, Colombia, EEUU, Panamá, España, Perú y Londres. Ha recibido premios y distinciones como ganadora Beca de exhibición artística Vitrina de Arte Bogotá FUGA 2014, Mención de Honor, III Salón de Arte Joven de Colsanitas, Colombia; 2008, Ganadora I Concurso de Fotografía Novel de Dove, Madrid 2010. She has a Master’s Degree in Plastic Arts from the National University of Colombia, and a Master’s Degree in artistic photography from EFTI in Madrid. Her work has been exhibited in Colombia, Spain, United States, Peru, Venezuela, and Singapore. Her works belong to different collections in Chile, Colombia, United States, Panama, Spain, Peru, and London. She has received awards and recognitions, such as FUGA’s 2014 Vitrina de Arte Scholarship for Artistic Exhibition, an honorable mention at the 3rd Hall of Young Art of Colsanitas, Colombia 2008, and the winning prize at the 1st Novel de Dove Photography Contest, Madrid 2010.

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She is a painter and visual artist. She participated in the Dublin and Venice Biennials, and her art has been exhibited in different countries, such as England, United States, Russia, Italy, Monaco, Canada, Bolivia, Colombia, Argentina, Brazil, and China, in addition to international fairs, such as ArtBo, Pinta London, Pinta Miami, among others. Her work can be found in different public and private collections around the world.

He has a Bachelor’s Degree in Social Communication in Brazil, and he also has Post-graduate studies in Visual Arts from the School of Visual Arts in New York, and in Arts and Conscience from the John F. Kennedy University in California. He has participated in residencies in the Sacatar Foundation in Bahia, and in the Medellín International Event: Contemporary Artistic Practices in Colombia. He participated in the Sao Paulo Biennial and his work has been exhibited in Belgium, England, United States, France, Argentina, Colombia, and Peru.

GISELA RÁFOLS (ESPAÑA, 1984)

CELESTE MARTÍNEZ (ARGENTINA, 1973)

Graduada en Fotografía y Creación Digital en la Universitat Politécnica de Cataluña, España. Dentro de su trayectoria artística se encuentran exposiciones en galerías y ferias de arte en ciudades como Barcelona, Madrid, Lisboa, Berlín, Buenos Aires, New York o Beijing entre otras. Ha ganado distinciones por sus instalaciones y ha sido becada para participar en diversas residencias en España y Beijing.

Estudió en la Escuela de Artes de la Universidad de Córdoba, y trabajó en el área de Cultura de la Municipalidad de Córdoba. Es profesora de Historia del Arte y otros cursos en la institución donde estudió, como parte parte de un proyecto de investigación sobre arte contemporáneo. Desde 1996 ha realizado diversas exposiciones y recibió el Primer Premio ArteBa. Algunas de sus obras pertenecen a colecciones nacionales y del exterior.

Graduated in Photography and Digital Creation from the Polytechnic University of Catalonia, Spain. During her career, she has exhibited her work in galleries and art fairs in cities like Barcelona, Madrid, Lisbon, Berlin, Buenos Aires, New York, or Beijing, among others. She has received distinctions for her installations and been awarded a scholarship to participate in different residencies in Spain and Beijing.

She studied at the School of Arts of the University of Córdoba and worked in the culture division of the Municipality of Córdoba. She is a professor in History of Art and other courses in the same institution where she studied, as part of a research project on contemporary art. Since 1996, she has participated in various exhibitions and received the ArteBa First Prize. Some of her pieces are in national and foreign collections.

BIOGRAPHY LLUIS BARBA (ESPAÑA, 1952)

IRIS HELENA (BRASIL, 1987)

ARIEL BALLESTER (ARGENTINA, 1977)

Estudió Diseño en la Escuela de Llotja y en el Centro de Artes Plásticas de la Escuela Massana de Barcelona. Ha participado en distintas Bienales como la de La Habana, Venecia y El Cairo. Recibió el premio de jóvenes maestros otorgado por The Courtauld Institut of Art London. Ha expuesto su trabajo en Europa, Estados Unidos, América Latina, Canadá y Japón. Su obra forma parte de varias colecciones públicas y museos como el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, Centro Wifredo Lam Arte Contemporáneo, La Habana, Marugame Hirai Museo Español de Arte Contemporáneo en Japón, Museo de Arte Contemporáneo y Diseño en Costa Rica y el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, entre otros.

Graduada en Artes Visuales en la Universidad Federal de Paraíba y cuenta con una Maestría en Poéticas Contemporáneas por la Universidad de Brasilia. Participó en exposiciones colectivas, siendo las principales el 61 Salón de Abril, Fortaleza, II Premio EDP en las Artes, en el Instituto Tomie Ohtake, São Paulo. En 2012 en II Ural industrial en la Bienal de Arte Contemporáneo en Ekaterinburg en Rusia. En 2011 participó en el programa Rutas Artes Visuales de Itaú Cultural. Además ha participado de diversas ferias de arte a nivel internacional

Egresó de la escuela de Arte Fotográfico de Avellaneda, donde además se desempeña como docente en Historia de la Fotografía. Su obra ha sido exhibida en muestras individuales y colectivas en galerías de arte en Argentina, España, Estados Unidos, México, Colombia. Ha participado de diversas ferias de arte, como ArteBa, Pinta Nueva York, ArtBo y Art Photo Barcelona. Su obra forma parte de distintas colecciones privadas y fundaciones.

He studied Design at the Escola Llotja and at the Center of Plastic Arts of the Massana School in Barcelona. He has been part of different Biennales, such as in Havana, Venice, and Cairo. He received the award for young teachers granted by The Courtauld Institute of Art in London. His work has been exhibited in Europe, United States, Latin America, Canada and Japan. His work is part of several public collections and museums such as the Museo de Arte Contemporáneo in Barcelona, the Wifredo Lam Arte Contemporáneo, Havana, the Marugame Hirai Museum of Spanish Contemporary Art in Japan, the Museum of Contemporary Art and Design, and the Museo de Arte Contemporáneo in Caracas, among others.

She graduated in Visual Arts from the Federal University of Paraíba and has a Master’s Degree in Contemporary Poetics from the University of Brasilia. She has taken part in collective exhibitions, the most important of which are the 61st Salón de Abril, Fortaleza; the 2nd EDP Award on Arts at the Tomie Ohtake Institute, Sao Paulo; and the 2nd Ural Industrial Biennial of Contemporary Art in Yekaterinburg, Russia, in 2012. In 2011, she participated in the program Rutas de Artes Visuales of Itaú Cultural. She has also participated in different art festivals at an international level.

He graduated from the Avellaneda School of Photographic Art, where he also works as teacher of History of Photography. His work has been exhibited in individual and collective exhibitions in art galleries in Argentina, Spain, United States, Mexico, and Colombia. He has participated in several art festivals such as ArteBa, Pinta New York, ArtBo, and Art Photo Barcelona. His work is part of different private collections and foundations.

CHRISTIAN VOIGT (ALEMANIA, 1961)

MUU BLANCO (VENEZUELA, 1966)

Fotógrafo. Cuenta con exposiciones individuales en galerías de arte como Lucía Mendoza en España; Die Hamburger en Alemania; Unix en Nueva York; Bel Air Fine Arte en Suiza; Holanda; Galería Bárbara de Palma en Francia y el Museo de Arte Salsali en Dubai. Ha participado en ferias de arte como Art New York, Art Miami, London Art Fair, Art Silicon Valley.

ALEJANDRO LEONHARDT (CHILE, 1985)

Estudió Pintura e Historia del Arte en el Museo de Bellas Artes y el Instituto Federico Brandt en Caracas; además tiene un máster en Práctica y Crítica de los Sistemas de Representación Contemporánea en el Inst. Universitario de Estudios Sup. de Artes Plást. Armando Reverón. En 1994, obtuvo una mención especial en el V Premio Nacional de Arte Guayana. Ha participado en muestras colectivas e individuales en diversos espacios de Latinoamérica, Estados Unidos, Canadá, España, entre otros.

Es Licenciado en Bellas Artes, en la Universidad ARCIS, y cuenta con un Magíster en Artes Visuales, en la Universidad de Chile. Ha participado en la Bienal de Video y Artes Mediales en el Museo de Bellas Artes, Santiago. Su trabajo ha sido expuesto recientemente en el Museo Arte Contemporáneo Gas Fenosa (A Coruña), en Galería Gabriela Mistral Santiago, Centro Getty, Los Ángeles, EE.UU.

Photographer. He has presented individual exhibitions in art galleries such as Lucia Mendoza in Spain; Die Hamburger in Germany; Unix in New York; Bel-Air Fine Art in Switzerland; the Netherlands; Barbara de Palma Gallery in France, and the Dubai Salsali Private Art Museum. He has participated in art festivals such as Art New York, Art Miami, London Air Fair, and Art Silicon Valley.

He studied Painting and Art History at the Museo de Bellas Artes and the Federico Brandt Institute in Caracas. Additionally, he obtained a Master’s Degree in the Practice and Critique of the Contemporary Systems of Representation from the Armando Reverón University Institute of Higher Education on Visual Arts. In 1994, he received a special mention in the 5th National Guyana Art Award. He has participated in collective and individual exhibitions in different locations in Latin America, United States, Canada and Spain, among others.

He has a Bachelor’s Degree in Fine Arts from ARCIS University and also a Master’s Degree in Visual Arts from the University of Chile. He has participated in the Biennale of Video and Media Arts at the Museo de Bellas Artes, Santiago. His work has been recently exhibited at the Museo de Arte Contemporáneo Gas Fenosa (A Coruña, Spain), the Gabriela Mistral Gallery, Santiago and the Getty Center, Los Angeles, United States.

ARTE AL LÍMITE | COLECCIÓN SIN LÍMITES

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BIOGRAFIA RAIMUNDO RUBIO (CHILE, 1956) Estudió en el Instituto Experimental de Arte en Santiago y en los talleres de pintura de Fred Jarvis y Kurt Herdan. En 1979 se trasladó a Washington D.C. y desde 1999 vive y trabaja en Nueva York. Ha realizado diversas exposiciones individuales y numerosas muestras grupales en Barcelona, Santiago, Washington D.C. y Nueva York. También ha sido parte de exhibiciones grupales en El Museo del Barrio, Nueva York; Corcoran Gallery of Art, Washington D.C. y en el Chelsea Museum of Art, Nueva York. He studied at the Institute of Experimental Art in Santiago and in the painting workshops of Fred Jarvis and Kurt Herdan. In 1979 he moved to Washington, D.C. and since 1999 he has lived and worked in New York. He has held diverse individual exhibitions and numerous group samples in Barcelona, Santiago, Washington, D.C., and New York. He has also taken part in group exhibitions in El Museo del Barrio (also known as El Museo), New York; the Corcoran Gallery of Art, Washington, D.C., and in the Chelsea Museum of Art, New York.

FELIPE LLONA (PERÚ, 1979) Fotógrafo, participó en la Bienal de Fotografía en Lima, Perú. También ha exhibido en el Museo Memorial América Latina, Sao Paulo, Brasil; Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago de Chile; Centro Cultural el Olivar, Lima, Perú. Además ha participado de las ferias internacionales de arte como Art Lima y Lima Foto, Perú. Su obra se encuentra en diversas colecciones a nivel internacional. Photographer, participated in the Photography Biennial in Lima, Peru. He has also exhibited at the Latin American Memorial Museum, Sao Paulo, Brazil; the Museo Nacional de Bellas Artes in Santiago de Chile; and the Cultural Center El Olivar, Lima, Peru. He has also participated in international art fairs such as Art Lima and Lima Foto, Peru. His work is in various collections at international level.

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BETSABEÉ ROMERO (MÉXICO, 1963)

WIM DE SCHAMPHELAERE (BÉLGICA, 1963)

Estudió Arte en la Academia San Carlos y en la UNAM, además de la Escuela de Bellas Artes de París, Francia. Ha participado en numerosas residencias y exposiciones internacionales como Bienal de la Habana, Bienal de Portoalegre, Trienal de Poligráfica en Puerto Rico, Museo de Louvre, Museo Reyna Sofía, Bienal del Cairo. Su obra forma parte de importantes colecciones como British Museum Collection, Daros Collection en Suiza, Nelson & Atkins, Nevada Museum of Art Collection ,Banco Mundial en Washington, Gelman en México, MOCA de Los Ángeles, Museo de Monterrey, Museo De Arte Contemporáneo de Portoalegre Brasil y otras.

Como Fotógrafo ha participado de la Bienal de Ballarat, Melbourne. También ha expuesto en el Museo de la Fotografía de Charleroi, Bélgica; Museo de África, Bélgica. Ha participado de las ferias internacionales como Art Bruselas, Foto Madrid, Art Amsterdam, Scope Basel Bélgica, Photo Río Brasil. Su obra se encuentra en diversas colecciones a nivel internacional.

She studied Art at the San Carlos Academy, UNAM and also the School of Fine Arts of Paris, France. She has participated in numerous residencies and international exhibitions, such as the Havana and Porto Alegre Biennials, the Poly/Graphic Triennale in Puerto Rico, the Louvre Museum, the Queen Sofia Museum, and the Biennale of Cairo. Her work is part of important collections such as the British Museum Collection, the Daros Collection in Switzerland, the Nelson & Atkins, Nevada Museum of Art Collection, the World Bank in Washington, Gelman in Mexico, MOCA in Los Angeles, the Museo de Monterrey, and MAC RS in Brazil, and others.

NICOLAS BRUNO (ESTADOS UNIDOS, 1993) Estudió Fotografía Digital en Purchase College, Nueva York. Su trabajo ha sido exhibido en la exposición para artistas de excelencia en el Museo de arte en Huntington, Nueva York. Además ha expuesto tanto de manera individual como colectiva en las galerías Soren Christensen en Nueva Orleans, la galería Passage en Purchase, Nueva York y en Haven Gallery, North Port, Florida. He studied Digital Photography in Purchase College, New York. His work has been exhibited in the artists of excellence exhibition in the Huntington Museum of Art, New York. His work has been exhibited both individually and collectively in the Soren Christensen gallery in New Orleans, the Passage gallery in Purchase, New York and in the Haven Gallery, North Port, Florida.

As a photographer, he has participated in the Ballarat International Foto Biennale, Melbourne. His work has also been exhibited in the Charleroi Museum of Photography, Belgium; the Africa Museum , Belgium. He has participated in international fairs such as Art Brussels, Foto Madrid, Art Amsterdam, Scope Basel Belgium, and Photo Rio Brazil. His work is in several collections internationally.

ANDRÉ CYPRIANO (BRASIL,1964) Estudió fotografía en el City College de San Francisco. Ha realizado diversos proyectos que se han expuestos en galerías y museos de América del Sur, América del Norte y Europa. Ha ganado premios y becas como el World Competition Image Award promovido por Photo District News en Nueva York en 1992, New Works Awards promovido por In Focus en Nueva York en 1998, Fondo Internacional Mother Jones de Fotografía Documental en 1999, Vitae Artes de São Paulo Stock Exchange en 2002, Think Tank Caracas en 2003, así como el All Roads Photography Program de National Geographic Society en 2005. He studied photography in San Francisco’s City College. He has created various projects that have been displayed in galleries and museums in South America, North America, and Europe. He has won prizes and scholarships, such as the World Competition Image Award, promoted by Photo District News in New York in 1992, New York Awards, promoted by In Focus in New York, 1998, Mother Jones International Fund for Documentary Photography in 1999, Vitae Artes of Sao Paulo Stock Exchange in 2002, Think Tank Caracas in 2003, as well as the All Roads photography Program of National Geographic Society in 2005.

BIOGRAPHY ACHRAF BAZNANI (MARRUECOS, 1979)

ROMINA ORAZI (ARGENTINA, 1972)

RÓMULO CELDRÁN (ESPAÑA, 1973)

Fotógrafo autodidacta, ha ganado premios internacionales como el primer Premio en concurso de arte B2zone en Suiza, Ganador del Primer Lugar en Golden Ribbon en el concurso de revistas de fotografía Notindoor y Premios de Fotografía de Bellas Artes Categoría Conceptual en Londres, entre otros. Ha participado en ferias de arte como Park Art en Alemania, además de participar en una exposición digital para el Museo del Louvre y de exponer en galerías en Budapest, Marruecos, Portugal y Estados Unidos.

Es Licenciada en Artes Visuales con mención en Pintura en Diseño de Indumentaria Textil y Diseño Gráfico en la Universidad de Buenos Aires. Ha expuesto en el Museum of Latin American Art, Long Beach, California y en la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur. Ha obtenido múltiples becas artísticas como la Beca Lipac (Laboratorio de Investigación en Prácticas Artísticas Contemporáneas), y de la Fundación Telefónica. Además de premios y menciones en el Salón Nacional de Rosario, Museo Castagnino.

Como artista visual ha participado de la IV Bienal de Arte Contemporáneo de la Fundación ONCE Foundation, España. Además ha expuesto en el Museo Universidad de Murcia, España; Museo Artium; Centro Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria, España. Obtuvo el Premio Internacional de Jóvenes Escultores, Italia; y el Premio al Arte Europeo de Indonesia. Además ha participado en Ferias de arte Internacionales como Arte Lisboa; Arco Madrid, España; Scope Basel, Suiza; y Múnich Contemporáneo, Alemania; entre otros.

Self-taught photographer who has won international awards such as the 1st Prize in the B2zone art contest in Switzerland, Winner of First Place of Golden Ribbon in the photography magazine contest Notindoor, and Prizes of Photography of Fine Arts in the Conceptual Category in London, among others. He has participated in art exhibitions such as Park Art in Germany and also in a digital exhibition for the Louvre Museum. His work has been displayed in galleries in Budapest, Morocco, Portugal, and United States

She is a Bachelor in Visual Arts with a specialization in Painting, Design of Textile Apparel, and Graphic Design in the University of Buenos Aires. Her work has been exhibited in the Museum of Latin American Art, Long Beach, California, and in the International Contemporary Art Biennial of South America. She has been granted multiple art scholarships, such as the Lipac Scholarship (Research Laboratory of Contemporary Artistic Practices), and at the Fundación Telefónica. She has also received awards and distinctions at the Salón Nacional de Rosario, Museo Castagnino.

As a visual artist, he has participated in the 4th Contemporary Art Biennale of the ONCE Foundation in Spain. His work has also been exhibited at the Museo Universidad de Murcia, Spain, at the Basque Museum-Center of Contemporary Art in Victoria, Spain. He obtained the International Award for Young Sculptors, Italy, and the Indonesian Award for European Art. He has also participated in international art fairs, such as Art Lisbon; Arco Madrid, Spain; Scope Basel, Switzerland; and Contemporary Munich, Germany, among others.

KYU HAK LEE (COREA DEL SUR, 1968)

ELISE WEHLE (ESTADOS UNIDOS, 1986)

EDGARDO NEIRA (CHILE, 1948)

Posee un máster en artes de la Universidad de Chung-Ang Seúl, Corea. Ha exhibido su trabajo en el Museo Asiático Fukuoka en Japón y el Museo de Guangzhou en China, y ha participado en diversas ferias y galerías de arte en Estados Unidos como Art New York, su obra se encuentra en colecciones en la Fundación Boghossian en Bélgica, Artist Pension Trust en Inglaterra, y en Mónaco, París, Miami, Shanghai, Ginebra y México.

Estudió Artes Visuales en Brigham Young University, Utah. Ha expuesto en el Museo de Artesanía y Diseño de San Francisco, California; el Centro de las Artes de Evergreen, Colorado. También ha participado en ferias de arte como Scope New York, Art Miami, Scope Basel Suiza, Art Copenhagen, Texas Contemporary. Su obra se encuentra en diversas colecciones a nivel internacional.

Estudió Licenciatura en Artes Plásticas, mención pintura en la Universidad de Concepción. También es Licenciado en Arte y Magíster en Literaturas Hispánicas de la misma Universidad. Participó en la IX Bienal Internacional de Arte de Valparaíso, Chile, y expuso en el Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile. Se ha desempeñado como profesor de la Universidad del Bio-Bio y en la Universidad de Concepción.

He has a Master’s Degree in Arts from ChungAng University, Seoul, Korea. He has presented his work at the Fukoka Asian Art Museum in Japan and in the Guangzhou Museum in China, and has participated in several art fairs and galleries in the United States, such as Art New York. His work is included in the collections of the Foundation Boghossian in Belgium, the Artist Pension Trust in England and in Monaco, Paris, Miami, Shanghai, Geneva, and Mexico.

She studied Visual Arts at the Brigham Young University, Utah. Her work has been exhibited in the Museum of Crafts and Design in San Francisco, California; the Center for the Arts in Evergreen, Colorado. She has also participated in art fairs such as Scope New York, Art Miami, Scope Basel Switzerland, Art Copenhagen, and Texas Contemporary. Her work is included in several international collections.

He has a Bachelor’s Degree in Visual Arts with a specialization in Painting from the University of Concepción. He also has a Bachelor’s Degree in Arts and a Master’s Degree in Spanish Literature from the same university. He participated in the 9th International Biennale of Art of Valparaíso, Chile, and his work has been exhibited in the Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago. Chile. He has worked as a Professor in both the University of Bío-Bío and in the University of Concepción.

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BIOGRAFIA SERGIO FERNÁNDEZ (PERÚ, 1979)

ROBERT CHAMBERLIN (ESTADOS UNIDOS, 1987)

Estudió Arquitectura en la Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas UPC y luego trabajó en Londres en el estudio Rabih Hage. Posteriormente estudió Diseño de Exhibición en el Instituto de Diseño Europeo. Es autodidacta como fotógrafo, ha participado de exposiciones en el Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, y ha expuesto en galerías y ferias de arte de Brasil, Perú, Estados Unidos y Colombia.

Estudió Artes Visuales con mención en Fotografía en la Escuela de Arte y Diseño Ernest G. Welch de la Universidad del Estado de Georgia, Atlanta. Además posee un Máster en Artes Visuales de la Escuela del Museo de Artes Visuales de Boston, USA. Ha expuesto en diversas partes del mundo y ganó el tercer lugar en uno de los premios más importantes de Fotografía de Canadá, el Premio Yousuf Karsh.

He studied Architecture in the Peruvian University of Applied Sciences, UPC, and then worked in London in the Rabih Hage studio. Subsequently, he studied Exhibition Design at the European Design Institute. He is a self-taught photographer and has participated in exhibitions at the Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, and has participated in exhibitions in art galleries and fairs in Brazil, Peru, United States, and Colombia.

He studied Visual Arts with a major in Photography at the Ernest G. Welch School of Art and Design at Georgia State University, Atlanta. He also holds a Master’s Degree in Visual Arts from the School of Visual Arts of the Museum of Boston, USA. He has exhibited in various parts of the world and won the third place in one of the most important photography awards in Canada, the Yousuf Karsh Prize.

Egresado de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires. Ha participado en 14 Bienales Internacionales de Arte y en más de 450 exposiciones en la Argentina y el extranjero. Ha recibido más 45 premios y distinciones nacionales e internacionales, entre ellas las otorgadas por la VII Bienal de Arquitectura de Buenos Aires; Gran Premio Latinoamericano, Buenos Aires; el primer Premio de la Crítica de Arte en la XIV Bienal Internacional de Arte de Sao Paulo. Entre sus exposiciones destacan el Centro Cultural Recoleta, XLVIII Bienal de Venecia y el Museo de Arte Moderno en Nueva York, Estados Unidos. He graduated from the Faculty of Architecture and Urban Planning of the University of Buenos Aires. He has participated in 14 International Art Biennales and more than 450 exhibitions in Argentina and abroad. He has received more than 45 awards and recognitions, both nationally and internationally, including the 7th Architecture Biennale of Buenos Aires, the Grand Latin American Prize, Buenos Aires, and the 1st Prize of Art Critique at the 14th São Paulo Biennial. He has exhibited his work at the Centro Cultural Recoleta, the 48th Venice Biennale, and the Museum Of Modern Art in New York, United States.

EUGENIA VARGAS PEREIRA (CHILE, 1959)

CLAIRE BECKER (FRANCIA, 1964)

CECILIA PAREDES (PERÚ, 1950)

Artista multidisciplinaria que ha desempeñado también como curadora. Su obra ha sido expuesta en la Bienal de Venecia; en la Bienal de Fotografía, de Rotterdam, Holanda; en la Bienal de Fotografía de México, D.F.; además de lugares como el Museo de Arte Contemporáneo de Miami, USA; el Museo Nacional de Bellas Artes de Caracas; el Centre Pompidou de París, Francia; y el Museo de Arte Moderno de México, entre otros. Está en las colecciones del Ludwig Forum for International, Alemania; en el Museo de Santa Barbara, California; entre otros, junto a en entidades privadas en Europa, Estados Unidos y América Latina.

Artista francesa radicada en México. Participó de la Bienal de Venecia. Además ha realizado más de 80 exposiciones y ferias internacionales en países como México, Cuba, Chile, Estados Unidos, Canadá, China, Francia, Alemania, entre otros. Ha recibido diversos premios de Francia, México, Chile y Estados Unidos. Su obra se encuentra en diversas colecciones internacionales.

Estudió Artes Plásticas en la Universidad Católica de Lima. Y también en la Escuela de Artes y Oficios de Cambridge en Inglaterra. Ha participado en la Bienal de Venecia, Bienal de la Habana; Bienal de arte y arquitectura de Islas Canarias. También en el Museo de Arte Moderno de Moscú, Museo de Arte de Costa Rica. Ha ganado el premio nacional de grabado en Perú, premio a la excelencia en el festival de fotografía Pingyao, China. Su obra se encuentra en colecciones en el Centro Wilfredo Lam, La Habana, Museo del Barrio Nueva York, Universidad de Salamanca, entre otros. Además artista invitada e investigadora del Departamento de Historia y Artes en la Universidad de Pensilvania.

Multidisciplinary artist who has also worked as a curator. Her work has been exhibited in the Venice Biennale, Photo Biennale Rotterdam, the Netherlands, the Biennale of Photography in Mexico City, as well as in places such as the Museum of Contemporary Art in Miami, USA; the Museo Nacional de Bellas Artes in Caracas; the Centre Pompidou in Paris, France and the Museo de Arte Moderno in Mexico, among others. Her work is part of the collections of the Ludwig Forum für Internationale Kunst, Germany, the Santa Barbara Museum, California, etc. and private collections in Europe, United States, and Latin America.

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JACQUES BEDEL (ARGENTINA, 1947)

French artist based in Mexico. She participated in the Venice Biennale. Additionally, she has participated in over 80 exhibitions and fairs in countries like Mexico, Cuba, Chile, The United States, Canada, China, France, Germany, among others. She has received numerous awards in France, Mexico, Chile, and United States. Her work can be found in the various international collections.

She studied Visual Arts at the Catholic University of Lima. She also studied in the Cambridge Arts and Crafts School, England. She has participated in the Venice Biennale, the Havana Biennial and in the Canary Islands Biennial: Art, Architecture and Landscape. Her work has also been exhibited in the Moscow Museum of Modern Art and the Museo de Arte in Costa Rica. She won the National Engraving Award in Peru and the Excellence Award in the Pingyao International Photography Festival, China. Her work is in the collections of the Centro Wilfredo Lam, Havana; the Museo del Barrio, New York; and the University of Salamanca, among others. She has also been an invited artist and researcher at the Department of History and Arts in the University of Pennsylvania.

BIOGRAPHY VIKTOR FRESO (ESLOVAQUIA, 1974)

JEFF ROBB (INGLATERRA, 1965)

BARNABÁS BARDÓN (HUNGRÍA, 1987)

Estudió en la Academia de Bellas Artes y Diseño en Bratislava, y en Praga en la Academia de Bellas Artes. Entre sus exposiciones destacan en dos ocasiones en la Bienal del Danubio en Eslovaquia; El Museo Danubiana Meulensteen; Museo de Arte Contemporáneo de Vojvodina, Serbia; Museo de Arte Contemporáneo de Wroclaw; Artbanka Museum of Young Art, Praga. Además ha expuesto en galerías de arte en Argentina, Francia, Londres, Estados Unidos, Rumania, Francia entre otros. Fue finalista para el premio Oskár Čepan, otorgado para destacados artistas eslovacos.

Estudió una Maestría en Artes en la Royal College of Art, en Londres. Su obra se puede encontrar en las colecciones Ten el Museo de Artes en Houston, The Her Royal Highness Princess Firyal of Jordan Victoria and Albert Museum, Londres; y en el Getty Museum, Los Angeles.También ha participado en ferias de arte internacionales en Taipei, Londres, Nueva Delhi, Nueva York, Madrid, entre otros.

Estudió en la Universidad de Artes Visuales de Budapest. Expuso en la Bienal de Pintura de Szeged, Hungría; y el Centro cultural en Kecskemét, Hungría; además de múltiples galerías en Budapest. También ha participado en la feria de Arte Scope Miami. Su obra se encuentra en diversas colecciones a nivel internacional.

He studied at the Academy of Fine Arts and Design in Bratislava and at the Academy of Fine Arts in Prague. His exhibitions include the Danube Biennale in Slovakia on two occasions; the Danubiana Meulesteen Art Museum; Museum of Contemporary Art in Vojvodina, Serbia; the Wroclaw Contemporary Art Museum; the Artbanka Museum of Young Art, Prague. His work has also been exhibited in art galleries in Argentina, France, London, United States, and Romania, among others. He was a finalist for the Oskár Čepan award for outstanding Slovakian artists.

EVELYN BENCICOVA (ESLOVAQUIA, 1992) Estudió fotografía en la Universität fur Angewandte Kunst de Viena. Además estudió un diplomado en multimedia en la Universidad de Regents en Londres. Expuso en el Centro Cultural de Museumsquartier, Austria. Ha participado en las ferias internacionales de fotografía Photokina, Colonia y Photo Expo en Praga. Fue ganadora del Premio Hasselblad Masters, y el premio de fotografía internacional Trierenberg Super Circuit, Austria. She studied Photography at the Universität fur Angewandte Kunst in Vienna. She also has a Diploma in Multimedia from the Regents University in London. Her work was exhibited in the Cultural Center of Museumsquartier, Austria. She has participated in the international photography fairs of Photokina, Cologne, and Photo Expo in Prague. She was the winner of the Hasselblad Masters Prize, and the International Trierenberg Super Circuit Prize for Photography, Austria.

He has a Master’s degree in Arts from the Royal College of Art in London. His work can be found in the collections of the Museum of Fine Arts in Houston, Her Royal Highness Princess Firyal of Jordan, Victoria and Albert Museum in London, and in the Getty Museum in Los Angeles. He has also participated in international art exhibitions in Taipei, London, New Delhi, New York, and Madrid, among others.

JEAN PAUL ZELADA (PERÚ, 1972) Estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes Macedonio de la Torre, Perú. Ha llevado a cabo muestras individuales en Lima, Trujillo y Bruselas. Su participación en proyectos colectivos data de 1994 y entre sus más recientes distinciones destacan la Mención Honrosa del Concurso Nacional del Año Internacional de la Papa, el Premio Unión Latina a la Creación Joven en Artes Plásticas del Perú y el Segundo Premio del XXV Concurso Nacional de Pintura Michell, además de exponer en países como Ecuador, México, Colombia, Bolivia, España, Bélgica, Marruecos, Argelia, USA, Canadá, Alemania y China. He studied in the Macedonio de la Torre University of Fine Arts, Peru. He has carried out individual exhibitions in Lima, Trujillo, and Brussels. His involvement in collective projects started in 1994 and among his most recent recognitions are the Honorable Mention of the National Contest of the International Year of the Potato, the Latin Union Prize for Young Creation in Plastic Arts in Peru, and the Second Prize of the 25th National Michell Painting Contest, in addition to exhibiting his work in countries like Ecuador, Mexico, Colombia, Bolivia, Spain, Belgium, Morocco, Algeria, United States, Canada, Germany and China.

He studied at the Hungarian University of Fine Arts. He participated in the Painting Biennale in Szeged, Hungary; the Kecskemet Cultural Center, Hungary; and the Scope Miami Art Festival. His work has also been exhibited in multiples galleries in Budapest. Also he participated in the art fair Scope Art Miami. His work is part of different collections at an international level.

FLORENTIJN HOFMAN (HOLANDA, 1977) Estudió Artes en la Academia de Arte de Kempen, Alemania. Participó en la Bienal de Estuaire en Francia. Cuenta con exposiciones e instalaciones de obra en espacio público en Alemania, Bélgica, Brasil, Holanda, Suiza, Francia, Países Bajos, Sao Paulo, Japón entre otros. Sus obras se encuentran en diversas colecciones a nivel internacional.entre otras. He studied art at the Academy of Art in Kempen, Germany. He participated in the Estuaire Biennale in France, and has exhibited and put up installations in public spaces in Germany, Belgium, Brazil, Holland, Switzerland, France, Holland, Sao Paulo, Japan, among others. His work can be found in different collections around the world.

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BIOGRAFIA MIGUEL PRYPCHAN (VENEZUELA, 1974)

GEZA SZOLLOSI (HUNGRÍA, 1977)

GUILLERMO LORCA (CHILE, 1984)

Artista plástico, piloto, y abogado de la Universidad Central de Venezuela, cuenta además con estudios en Comunicación Social y Museología; y es director de la agencia de publicidad Propela Creativa. Cuenta con diversas exposiciones en Venezuela y ha participado en ferias como ArtBo, Art Lima, Context y Art Palm Beach.

Estudió Artes en la Universidad de Pécs, Hungría, posteriormente Fotografía y Arte Contemporáneo en la Universidad de Creative Arts, en Londres. Y Diseño en la Universidad Moholy-Nagy University of Art and Design, Budapest. Ha recibido premios como el National Graphics Design Biennale XIV en Hungría, y ha participado en la Bienal Internacional de Casablanca, Marruecos, en el Museo de Arte Joven en Vienna y el Museo de Artes aplicadas en Budapest, entre otros.

Artista autodidacta inicia a los dieciséis años su formación artística con el pintor chileno Sergio Montero, fue aprendiz y asistente en el taller del artista noruego Odd Nerdrum. Ha expuesto individualmente en la Sala de Arte CCU, participó en el proyecto Bicentenario en el Metro de Santiago donde realiza pinturas de gran formato. Ha participado de diversas exposiciones en Chile y en galerías de México y Noruega. Su obra se encuentra en diversas colecciones a nivel internacional.

He studied Arts in the University of Pécs, Hungary and then Photography and Contemporary Art in the University for the Creative Arts in London. He also studied Design in the Moholy-Nagy University of Art and Design, Budapest. He has received awards such as the 14th National Graphics Design Biennale in Hungary, and has participated in the International Biennale of Casablanca, Morocco, in the Museum of Young Arts in Vienna, and in the Museum of Applied Arts in Budapest, among others.

Self-taught artist that began his art training at sixteen with the Chilean painter, Sergio Montero. He was student and assistant in the workshop of Norwegian artist Odd Nerdrum. He has exhibited individually in the CCU Art Room; he participated in the Bicentennial project in Santiago’s subway, where he made large-format paintings. He has participated in diverse exhibitions in Chile and in galleries in Mexico and Norway. His work is in different international collections .

FLORIA GONZÁLEZ (MÉXICO, 1980)

SOL MATEO (BOLIVIA, 1956)

TATIANA PARCERÓ (MÉXICO, 1967)

Estudió Fotografía y Cine en Ciudad de México y en San Antonio, Texas. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas en lugares como Ciudad de México., Monterrey, Acapulco, Nueva York, Austin, Los Ángeles, Miami, y países como Bolivia, Chile, Argentina, Italia y Singapur. Es creadora y directora de Floto Estudio, una casa de producción que realiza proyectos como videoclips, fotografía y videos publicitarios para distintos sellos musicales.

Artista autodidacta, expuso sus obras desde 1982 en galerías nacionales y del exterior del país en España, Holanda, Argentina, Paraguay, Chile, Uruguay, Brasil, Alemania. Además de participar en múltiples Bienales como la Bienal Fotográfica en Bogotá, Colombia. Bienal de la Habana en Cuba (1997), Bienal de Venecia (1997 y 2015). En la Bienal Mercosur (1997 y 2005), en la Bienal de Cuenca, Ecuador (1996), en La Bienal de Sao Paulo, Brasil (1994).

She studied Photography and Cinema in Mexico City and in San Antonio, Texas. She has participated in individual and collective exhibitions in places such as Mexico City, Monterrey, Acapulco, New York, Austin, Los Angeles, Miami, and in countries such as Bolivia, Chile, Argentina, Italy, and Singapore. She is the creator and director of Floto Estudio, a production company that carries out projects like video clips, photography, and advertising videos for different music labels.

He is a self-taught artist that has been exhibiting his work since 1982 in national and foreign galleries in Spain, the Netherlands, Argentina, Paraguay, Chile, Uruguay, Brazil, and Germany. He has also participated in multiple Biennales, such as the Photography Biennale in Bogota, Colombia, the Havana Biennial in Cuba (1997), the Venice Biennale (1997 and 2015), the Mercosur Biennale (1997 and 2005), in the Cuenca Biennale, Ecuador 1996, and in the Sao Paulo Biennale, Brazil (1994).

Estudió Psicología en la Universidad Nacional Autónoma de México y en 1995 obtuvo la maestría del International Center of Photography de la Universidad de Nueva York. Ha recibido distinciones como el Subsidio a la Creación Artística otorgado por la Fundación Antorchas, Buenos Aires y la Beca de Estudios de la Organización de Estados Americanos (OEA). Su obra está en las colecciones del The Museum of Fine Arts, Houston, USA; El Museo del Barrio, Nueva York, USA; Instituto Nacional de Bellas Artes, México; el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Argentina; y el Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico, entre otras.

Visual artist, pilot, and attorney from the Central University of Venezuela. He also has studied Social Communication and Museology, and he is the director of the advertising agency Propela Creativa. He has been in various exhibitions in Venezuela and participated in fairs, such as ArtBo, Art Lima, Context, and Art Palm Beach.

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She studied Psychology at the National Autonomous University of Mexico and in 1995 she obtained a Master’s Degree from the International Center of Photography of New York University. She has received awards such as the Artistic Creation Grant by the Antorchas Foundation in Buenos Aires and the Study Scholarship of the Organization of American States (OAS). Her work is part of the collections of the Museum of Fine Arts, Houston, USA, the Museo del Barrio in New York, USA; the Instituto Nacional de Bellas Artes, Mexico; the Museo de Arte Moderno in Buenos Aires, Argentina, and the Puerto Rico Museum of Contemporary Art, among others.

BIOGRAPHY MATEO LIÉBANA (PERÚ, 1974)

JOSÉ TOLÁ (PERÚ, 1943)

ANTHONY MIRIAL (FRANCIA,1989)

Estudió Arquitectura en la Universidad Ricardo Palma de Lima. Además ha realizado cursos de dibujo anatómico en la Escuela Superior de Arte Corriente Alterna. Su obra se encuentra en exhibición en dos de los hoteles más importantes de Lima. Además su trabajo se encuentra en la colección de arte de Alfredo Barreda, y otras a nivel internacional.

Estudia en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, España, egresando como Profesor de Dibujo y Pintura. Ha participado en la Bienal Tecnoquímica, Lima, Perú; Bienal de La Habana, Cuba; Bienal de Sao Paulo. También ha expuesto en el Instituto Nacional de Bellas Artes de México. Ha ganado premios por sus pinturas en el Salón de Artes Plásticas de San Isidro. Lima, Perú. Su obra se encuentra en las colecciones del Banco Mundial, Washington DC; Colección Museo de Arte Moderno de México, México D.F.; Colección Museo de Arte Carrillo Gil, México D.F.; Museo de Arte de Lima; entre otras.

Fotógrafo autodidacta que ha expuesto tanto de manera colectiva como individual en galerías de arte en Francia. Además ha participado en ferias de arte Internacionales como Art New York, Art Miami en Estados Unidos; What´s up Photo Doc en París; Collective Basel, Suiza y Art Singapur.

He studied architecture at the Ricardo Palma University in Lima. He has also taken courses in anatomical drawing at the Escuela Superior de Arte Alternativa. His work is on display in two of the most important hotels in Lima. In addiction, his work can be found in Alfredo Barreda’s art collection, and others collections at an international level.

He is a self-taught photographer that has been in both collective and individual exhibitions in art galleries in France. Additionally, he has participated in international art fairs such as Art New York and Art Miami in USA, What’s Up Photo Doc in Paris, Collective Basel, Switzerland, and Art Singapore.

He studied in the Real Academia de Bellas Artes de San Fernando in Madrid, Spain, and graduated as Professor of Drawing and Painting. He has participated in the Techno-chemistry Biennale in Lima, Peru; the Havana Biennial, Cuba; and the Biennale of Sao Paulo. He has had exhibitions in Mexico’s Instituto Nacional de Bellas Artes. He has won awards for his paintings at the Salón de Artes Plásticas de San Isidro, Lima, Peru. His work is included in the collections of the World Bank, Washington, DC; the Museo de Arte Moderno de México, Mexico D.F.; the Museo de Arte Carrillo Gil, Mexico D.F.; and the Museo de Arte de Lima, among others.

RACHEL BULLOCK (ESTADOS UNIDOS, 1966)

NICOLA COSTANTINO (ARGENTINA, 1964)

JOSUÉ CASTRO (MÉXICO, 1967)

Artista visual que cuenta con diversas exposiciones en galerías al rededor de Estados Unidos. Su obra se encuentra en diferentes exposiciones a nivel internacional.

Estudió en Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Rosario, Argentina. Sus obras han recibido diferentes premios, entre ellos el Premio a la Artista Argentina en la II Bienal de Arte de Buenos Aires, Premio Konex en Escultura por la Fundación Konex, y el Gran premio de honor del Salón Nacional, especialidad Fotografía, entre otros. En 2013 participó en la 55.ª Bienal de Venecia. Además en museos de Argentina, Noruega, Suiza, Israel y Estados Unidos, y en La Academia de Arte de Oslo y la Universidad Complutense de Madrid donde además ha sido invitada como profesora visitante.

Diseñador gráfico egresado de la Universidad Iberoamericana de la ciudad de México. Y Licenciado en Artes de la Escuela de Arte La Esmeralda. Ha expuesto en México, Estados Unidos, Francia, Holanda, España y Japón, entre otros. Además, dirige The Kitchen, espacio alternativo donde se conjugan varias disciplinas desde la fotografía hasta la cocina.

Visual artist who has held several exhibitions in galleries around the United States. Her work is in various collections at an international level.

She studied at the School of Fine Arts of the University of Rosario, Argentina. Her works have received different awards, including the Award for Argentinian Artist at the 2nd Biennale of Art of Buenos Aires, the Konex Award in Sculpture granted by the Konex Foundation, and the Grand Prize of Honor of the Salón Nacional, Photography division, among others. In 2013, she participated in the 55th Venice Biennale. Her work has also been exhibited in museums in Argentina, Norway, Switzerland, Israel, and the United States and in the Complutense University of Madrid, where she has also been invited as a visiting professor.

He is a graphic designer graduated from the Ibero-American University of Mexico City and a Bachelor of Arts from the La Esmeralda Art School. He has exhibited in Mexico, United States, France, the Netherlands, Spain, and Japan, among others. He also directs The Kitchen, an alternative space where numerous disciplines are combined, from photography to cooking.

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BIOGRAFIA MÓNICA ROJAS (ARGENTINA, 1964)

STEFANIE GUTHEIL (ALEMANIA,1980)

ÓSCAR BARRA (CHILE, 1946)

Estudió Artes Plásticas, Pintura y Grabado. Obtuvo una beca de posgrado por parte del secretario de Relaciones Exteriores de la Embajada de México UNAM en San Carlos, donde estudió historia del muralismo mexicano y técnicas del fresco. En 2006 participó en la Bienal Latinoamericana de Gráficos en el Centro Cultural Borges. Ha ganado premios en varias ciudades de Buenos Aires, y ha realizado varias exposiciones en diversos países, también participó en el Salón Nacional y en el Salón Manuel Belgrano.

Estudió Arte en la Universidad de Kunste, Berlín y tiene un Máster en Artes en la misma institución. Su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas alrededor del mundo, incluyendo las de Taguchi en Tokio; The Hudson Valley Centro de ArtE Contemporáneo, Nueva York, y el Museo Nerman de Arte Contemporáneo en Overland Park, USA. Además de participar en la destacada residencia artística The Fountainhead en Miami

Estudió Licenciatura en Artes Plásticas en la Universidad de Concepción. Fue miembro fundador del Grupo Grisalla. Destacan sus numerosas exhibiciones tanto colectivas como individuales en el Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago; Museo de Arte Contemporáneo, Universidad de Chile, Santiago; entre otras. Fue seleccionado para participar en el Concurso Si la Tierra Hablara para exponer en Museo de Arte de las Américas en Washington DC, Estados Unidos. Su obra se encuentra en colecciones de arte en el Museo de Artes Visuales de Santiago (MAVI),Museo de Arte Moderno de Chiloé (MAM), Museo Ralli en Israel, Santiago y Uruguay.

She studied Visual Arts, Painting, and Engraving, and obtained a post-graduate scholarship by the Secretary of Foreign Affairs of the UNAM Embassy of Mexico in San Carlos, where she studied the history and techniques of Mexican fresco painting. In 2006, she participated in the Latin American Biennale of Graphic Art at the Centro Cultural Borges. She has won awards in a number of cities in Buenos Aires, and has held exhibitions in different countries. She also participated in the Salón Nacional and the Salón Manuel Belgrano halls.

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She studied Art at the Berlin University of the Arts, and has a Master’s Degree in Art from the same institution. Her work can be found in public and private collections around the world, including Taguchi in Tokyo, the Hudson Valley Center of Contemporary Art, New York, and the Nerman Museum of Contemporary Art in Overland Park, USA. In addition, she has participated in the prominent artistic residency The Fountainhead in Miami.

He has a Bachelor’s Degree in Arts from the University of Concepción. He was a founding member of the Grisalla Group. He has held several collective and individual exhibitions in the Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago; the Museo de Arte Contemporáneo, University of Chile, Santiago; among others. He was selected to participate in the “Si la Tierra Hablara contest to exhibit in the Art Museum of the Americas in Washington DC, United States. His work is in art collections at the Museo de Artes Visuales in Santiago (MAVI), the Museo de Arte Moderno in Chiloé (MAM), the Ralli Museum in Israel, and he has held other exhibitions in Santiago and Uruguay.

BIOGRAPHY

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PRESENTA

AUSPICIA

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