Periódico Arte Al Límite | Edición 120, octubre 2015 by Arte al Límite

PERIÓDICO N° 120 Octubre 2015 Santiago de Chile

12. REALIDAD ONÍRICA

30. LA VUELTA AL MUNDO HASTA BOGOTÁ

El prestigioso Charles Saatchi demanda a Saatchi Art por usar su firma y el nombre de su galería por algunos años.

El surrealismo y Dalí, los sueños, el inconsciente y la libre asociación son parte fundamental de todo su trabajo artístico.

Colombia se viste fiesta, días llenos de arte, gente en las calles y un mundo dispuesto a conocer las nuevas tendencias que presentan cientos de galerías.

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3 0. LA VUE LTA A L M U ND O H ASTA B O GOTÁ

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06. SAATCHI VS SAATCHI

D I S T R I B U C I Ó N G R AT U I TA

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SUMARIO

SU M AR I O 0 5. EDI TO R I A L

2 8 . D ESTACA DO DEL M ES

4ta. versión de la Trienal Poli/Gráfica

3 6. REPO RTA JE REVISTA AAL

Andrea Rodríguez Vial

0 6 . R E P O RTA J E

Saatchi vs. Saatchi 12. M I RAR L A HI STO RI A 14 . EN E L TA L L E R

Mario Vélez

3 0. FE RI AS

La vuelta al mundo hasta Bogotá 3 4 . E NT REV I STA

Caroll Yasky y María José del Piano 3 8 . L I BRO S A A L

16 . ART E J OV E N

Jesús Hdez-Güero 18. PANO RA MAS 24 . R E P O RTA J E

De la idea a la exposición

REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón F. | INFORMACIONES info@arteallimite.com SUSCRIPCIÓN suscripciones@arteallimite.com | FONO-FAX (56-2) 2955 3261 (56-9) 84195009 | VENTAS marketing@arteallimite.com WEB www.arteallimite.com | FACEBOOK facebook.com/arteallimite2 | TWITTER @arteallimite | INSTAGRAM @arte_allimite | YOUTUBE www.youtube.com/allimiterevista PORTADA Barcú | Galería Co - Ernesto Javier Fernández, Our World, 2013, impresión digital, neón y caja de madera, 120 x 80 cm. IMPRENTA Maval Editora e Imprenta, Santiago, Chile.

E D I TO R I A L

eptiembre dio la bienvenida a la primavera en nuestro hemisferio y con ello se inauguraron una serie de ferias de arte de suma importancia para el continente, desde Ch.ACO en Chile, hasta la Semana del Arte en Bogotá, cuyas ferias cierran sus puertas durante los primeros días de octubre, el mundo de las artes visuales se ha centrado en el sur de nuestro continente. Pero en el hemisferio norte las cosas parecieran seguir su propio ritmo y pulso. Así, mientras Miami está a solo un par de meses con su imperdible semana del arte; Charles Saatchi se convierte en el centro de atención y en nuestro reportaje principal, por la demanda impuesta contra Saatchi Art, la famosa plataforma virtual que acepta a artistas de diversas partes del mundo para que puedan vender sus obras, utilizando el nombre de la prestigiosa Saatchi Gallery. Lo que nos lleva hacia el cuestionamiento por la importancia de la marca, del nombre. ¿Es realmente una palabra la que da prestigio, imagen y venta? Varias de las exposiciones que se han traído a Chile durante los últimos dos a tres años han caído en este juego del prestigio del nombre, de la marca, más allá del fondo. Así ocurrió con la exposición de Joseph Beuys, Marcel Duchamp, Yayoi Kusama y David Lachapelle, por solo nombrar algunas: una gran cantidad de obras, basadas en archivos, que la audiencia no cuestiona, no critica, ni juzga, solo visita como en un dar vueltas insólito donde se mira inconscientemente el color, la forma y el fondo queda atrás. Sobre las decisiones y los presupuestos de los centros culturales, quienes han sido protagonistas de algunas de estas muestras trata el reportaje De la idea a la exposición. Sin embargo, gran parte del arte actualmente se basa en el fondo, en el contenido y el concepto como eje central del trabajo a realizar. Es el giro copernicano que se dio en el siglo pasado y que hasta la fecha no se ha podido superar. Artistas como Jesús Hdez-Güero, cubano, que trabaja con instalaciones site-specific y cuya obra hace eco en países como Cuba y Venezuela, donde ha abordado temas controversiales como la violencia estatal, la represión o lo irónico de algunos símbolos de legitimación como los monumentos nacionales, buscan la reflexión del público, a una audiencia capacitada para comprenderlo y cuestionarse el mundo en base a una obra. Y sí, en nuestro país múltiples artistas trabajan de esta manera, pero ¿está la audiencia preparada? La crisis en la educación es evidente, más marchas no son necesarias para exigir un cambio que logre una audiencia preparada para emitir juicios sobre el mundo, sobre el fondo, sobre el arte y la cultura más allá del mercado y su movimiento radical, que parte de nuestra economía deja de lado cada vez que hay crisis. El arte y los artistas son la forma más sana de expresar y por ello difundirlos, validarlos e incluso criticarlos es algo absolutamente necesario.

Ana María Matthei Directora

R E P O R TA J E

SAATCHI VS SAATCHI ¿Qué hay detrás de la reconocida marca Saatchi? Uno de los coleccionistas más famosos y reconocidos del mundo del arte, Charles Saatchi, dueño de la prestigiosa Saatchi Gallery, nuevamente ha salido a luz pública gracias a la demanda que presentó contra la plataforma online, Saatchi Art, por uso indebido de su nombre. ¿De dónde viene su prestigio y fama? ¿En qué afecta a los artistas la pelea legal entre estos dos grandes del arte? Por Daniela Sánchez M. / Chile. Ilustración de Iván Henríquez (Gato Morado).

a historia de Charles Saatchi es, en realidad, varias historias. Dinero, fama, excentricidades y fortuna. Charles Saatchi parece tenerlo todo, incluso artículos en la prensa rosa gracias a los escándalos generados con su esposa, la igualmente famosa chef Nigella Lawson. Sin embargo, su apellido ha inundado las salas de exposiciones y la mente de artistas y personalidades del mundo del arte, que lo han asociado a lo más exclusivo del arte contemporáneo gracias a su reconocida Saatchi Gallery. Un nombre que ahora suena aún más fuerte gracias a la demanda que Charles Saatchi ha establecido en contra de la plataforma online Saatchi Art –la cual originalmente nació de la galería, pero que ahora se ha conformado como un empresa independiente– por el uso indebido de su nombre. El nombre sa’atchi, en Irak, significa relojero o comerciante (dealer), concepto que puede describir muy bien a la familia de Charles, cuyo padre, judío sefaradí, era un exitoso comerciante de algodón y que, cuando él tenía cuatro años, decidieron dejar

Bagdad para radicarse en Londres, gracias a la fructífera empresa textil que uno de sus hermanos instaló en el norte de la ciudad inglesa. Desde pequeño le llamó la atención el coleccionismo, pero uno de los momentos más importantes de su vida fue un viaje a

“Saatchi Art tiene una propiedad intelectual con Charles Saatchi para usar el nombre de Saatchi para operar negocios utilizando su nombre” Nicole Garton, representante Saatchi Art.

Estados Unidos, según ha declarado en varios medios: cuando logró ver una pintura de Jackson Pollock en el Museo de Arte Moderno en Nueva York. Charles estudió en el London College of Communication y trabajó para algunas agencias de publicidad antes de asociarse con su hermano Maurice y fundar la legendaria Saatchi & Saatchi en 1970, una compañía de publi-

cidad que ya en 1986, según la Enciclopedia Británica, fue considerada la empresa de publicidad más grande en el mundo, que reunió a más de 600 oficinas y que cotizaba en las bolsas de Londres, Nueva York y Tokio. Tanto fue su prestigio y reconocimiento que, al ser adeptos del Partido Conservador, ayudaron a articular las campañas políticas de Margaret Thatcher durante su mandato, que duró entre 1979 y 1990. De hecho, fueron los responsables tras el slogan “labour isn’t working” (algo así como “el trabajo no está funcionando”), que en 1979 la llevó a liderar el gobierno británico. Sin embargo, a pesar de haber obtenido su fama y fortuna gracias al mundo de la publicidad y los negocios, Saatchi comenzó a adquirir piezas de arte contemporáneo a inicios de los ochenta, especialmente minimalistas americanos, como Donald Judd y Sol LeWitt. Sólo bastaron cinco años para que, en 1985, inaugurara Saatchi Gallery en el norte de Londres, que posteriormente se trasladaría a las orillas del Tamsesis, cerca de la Tate Modern.

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R E P O R TA J E

EL INSACIABLE GUSTO POR EL ARTE Desde ese momento su apellido no sólo se vinculó con la publicidad –gracias a su agencia que ya a mediados de los noventa se derrumbaba y causaba la renuncia de los hermanos Saachi– sino que se comenzó a asociar con el refinamiento, el coleccionismo y el arte, exhibiendo durante los primeros cinco años de la galería obras de artistas como Andy Warhol, Frank Stella, Jeff Koons, Lucian Freud, entre otros. Así, muchas de las acciones de Charles Saatchi durante esos años, como su interés por el arte británico y los artistas jóvenes en general, comenzaron a ser percibidas como las nuevas directrices hacia donde debía dirigirse la mirada de los grandes adquisidores de arte. Uno de esas tantas acciones fue invertir y catalizar el desarrollo de la carrera de los llamados Young British Artists (YBAs), un grupo de artistas de Reino Unido –casi todos provenientes del Goldsmith College of Arts y cuyas obras son reconocidas por utilizar materiales inusuales que buscaban impactar a las audiencias– quienes durante los '90 realizaron sus primeras exhibiciones en la Saatchi Gallery, en donde la muestra estrella era una vitrina que contenía un tiburón en formol titulada The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living, del controvertido Damien Hirst, y que se ha convertido en un emblema del arte británico. Entre septiembre y diciembre de 1997, Saatchi y Norman Rosenthal organizaron la exposición Sensation: Young British Artist From the Saatchi Collection en la Royal Academy of Art (y que después recorrió Berlín y Nueva York), en la que se presentaron 110 obras de 42 artistas, varios de ellos pertenecientes a los YBAs. La provocación y el shock fueron la tónica de

esta legendaria exposición, en donde se podían ver obras como el autorretrato de Marc Quinn (una cabeza congelada hecha con su propia sangre); imágenes y esculturas explícitamente sexuales de Sarah Lucas; o el gigantesco cuadro de Marcus Harvey basado en la fotografía policial de Myra Hindley, autora de la violación y asesinato de cinco niños durante los sesenta en Inglaterra. Sin embargo, más allá del morbo, las

“El uso no autorizado de una marca puede acarrear numerosos problemas, sobre todo cuando se trata de productos y si ese uso confunde al público”. Matías Letelier, abogado Universidad de Chile.

acusaciones de marketing y el escándalo que generó en los medios, esta exposición marcó un precedente y abrió una gran puerta a toda una generación de artistas británicos poco ortodoxos. Con todo este precedente, Saatchi, con 72 años, se ha convertido en uno de los coleccionistas más importante y millonarios del mundo, y que no se salva de excentricidades: ha escrito dos libros titulados My Name is Charles Saatchi and I Am an Artoholic y Be the Worst You Can Be: Life’s is too Long for Patience &Virtue; y ha aparecido en varios medios gracias a las diferentes demandas y problemas legales –que incluyen agresiones y adicciones– con su esposa, la chef Nigella Lawson. Sin embargo, el nombre de Saatchi no se ha podido opacar, y la leyenda de Charles Saatchi continúa. En 2010, se anunció la donación de 200 obras de la galería valoradas en alrededor de $40 millones de dóla-

res, además del edificio donde opera la galería, para fundar lo que sería el Museo de Arte Contemporáneo (MOCA) de Londres, pero que aún está inconcluso. LA IRRUPCIÓN DEL INTERNET: SAATCHI ONLINE La prestigiosa galería de arte no podía quedarse atrás durante la explosiva conquista del internet. Por esto, en 2006, la página web de Saatchi Gallery abrió un espacio llamado “Your Gallery” en donde cualquier artista podía subir, a una página personal, 20 obras y una biografía. La iniciativa se convirtió en un éxito por lo que, dos años después, la sección fue renombrada como “Saatchi Online”, siendo clasificada dentro de los 300 sitios web más importantes del mundo. Pero la alianza duró poco, y en diciembre de 2009 el portal web y la galería se separaron, generando dos empresas totalmente independientes, según cuenta Nicole Garton, representante de Saatchi Art. “En ese momento, Charles Saatchi permitió el uso de su nombre a Saatchi Art, conocido como Saatchi Online, ya que era uno de sus accionistas, antes de que fuera adquirido por Demand Media, en agosto de 2014”, explica Garton. La persona encargada de esta nueva plataforma –que está ubicada en Los Ángeles, Estados Unidos– fue Rebecca Wilson, quien fuera la mano derecha de Charles Saatchi durante siete años en la galería. Wilson se convirtió en la curadora principal del portal, comenzando un nuevo negocio con la venta de obras de arte a través de internet, más democrática, que le permite a todos los artista ingresar sin pago de por medio y entregando un 30% de comisión por la venta de sus obras; a diferencia de Saatchi Gallery, donde los artistas son seleccionados a través de una curatoria

FOTO: Robert Gray

FOTO: C. G. P. Grey

Saatchi Gallery fue inaugurada en 1985 y se instal贸 en el norte de Londres, aunque posteriormente se trasladar铆a a las orillas del Tamesis, cerca de la Tate Modern.

R E P O R TA J E

especial. Negocio que a fines del año pasado se vio enfrentado a denuncias legales por parte de Charles Saatchi, quien la acusó de comerciar con su nombre. En septiembre de 2014, el coleccionista les pidió a sus abogados que concluyeran el acuerdo de propiedad intelectual que tenían ambas empresas –cuando aún eran parte de la galería– para así cancelar su derecho de utilizar su nombre y marca. Este fue sólo el inicio de la batalla legal por el uso de uno de los apellidos más reconocidos del mundo. Fue la compra de Saatchi Art por parte de la empresa Demand Media –empresa estadounidense que también es dueña del sitio Society6 y que se centra en los medios online, tecnología y publicidad digital– lo que, efectivamente, causó este problema legal y las posteriores demandas por parte de Saatchi, en el Tribunal de Justicia del Reino Unido, en contra de los actuales dueños de Saatchi Art, a quienes les está pidiendo, según el medio online ArtNet, que dejen de utilizar su nombre debido a la violación del acuerdo de propiedad intelectual que data de febrero de 2010, y que ya habría caducado. Según este mismo medio, se cree que ha sido el bajo precio de transacción de Saatchi Art lo que generó la demanda, y que podría perjudicar la marca Saatchi ya que dejaría de ser asociada con la excelencia y el máximo rango del mercado del arte. Sin embargo, Nicole Garton insiste en que no hay una infracción legal en el uso de la marca y que de ninguna manera afecta a la galería inglesa: “Saatchi Art tiene una propiedad intelectual con el señor Charles Saatchi para usar el nombre de Saatchi en conexión con los negocios de la galería Saatchi Art Online, por lo que Saatchi Art está autorizado para operar negocios utilizando su nombre”.

Para Matías Letelier, abogado de la Universidad de Chile, en el caso de Saatchi Art, el nuevo contrato en donde se plasmó la venta de la plataforma online debería haber contemplado el uso de su nombre ya que este tiene cierto prestigio que hay que respetar, a pesar de que, en su origen, la creación de Saatchi Art se hizo con el consentimiento de Charles Saatchi. “Hablando en forma más general,

“El prestigio de una marca que distingue algún producto constituye su activo más importante por lo que su uso ilegal constituye una infracción que es castigada en todo el mundo”. Orlando Calderón, abogado.

el uso no autorizado de una marca puede acarrear numerosos problemas, sobre todo cuando se trata de marcas de productos y si ese uso confunde al público”, explica Letelier. Por otro lado, el abogado experto en marcas, Orlando Calderón, explica que las sentencias son claras respecto del uso indebido de la identidad corporativa, en la medida que se protege el prestigio ganado a través del tiempo. “Claramente, en el caso de Saatchi hay un aprovechamiento del prestigio de dicha marca, con sede en Londres, como galería de arte”, afirma Calderón, y agrega: “La construcción del prestigio de una marca que distingue algún producto o servicio a través del tiempo constituye un activo importante, por no decir el más importante, de tal manera que el uso ilegal a través de un tercero constituye una infrac-

ción que es severamente castigada por nuestra legislación, y en todo el mundo”. Todas estas complicaciones legales respecto de una marca y otra llevan a la inevitable pregunta: ¿cómo afecta esto a los artistas usuarios de Saatchi Art? Letelier afirma que la imagen negativa que pueda adquirir la empresa sólo debería afectar de manera marginal a los artistas “ya que ellos no fueron responsables del uso indebido de la marca”. Sin embargo, Calderón va más allá y explica las consecuencias que tienen para el público consumidor –en este caso los artistas que ingresan a la plataforma creyendo que es parte de la prestigiosa Saatchi Gallery– este tipo de situaciones: “El uso ilegítimo de una marca tiende a confundir al público consumidor, dado que creen que están consumiendo un producto asociado a la fama y notoriedad de una marca determinada, cuando en realidad lo que está haciendo es consumir solo un sustituto, lo que debilita muchas veces el prestigio de la original. Los artistas que utilizan una u otra plataforma, en el caso de Saatchi, no tienen responsabilidad alguna en cuanto ellos no pueden percibir cuál de las marcas es la auténtica”. La fama, el dinero y las excentricidades nuevamente se involucran en el mundo artístico, esta vez en una batalla legal por el uso indebido de uno de los nombres y una de las marcas más reconocidas de todo el mundo y con un prestigio indiscutible en el arte contemporáneo. El uso ilegal de marcas por motivos publicitarios es una costumbre que se ha hecho frecuente desde que la globalización hace de las suyas. Por eso, este caso nos hace preguntarnos: ¿El cambio de nombre puede realmente arruinar el prestigio?

A fines del a帽o pasado la plataforma online Saatchi Art se vio enfrentado a denuncias legales por parte de Charles Saatchi, quien la acus贸 de comerciar con su nombre.

M I R A R L A H I S TO R I A

Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar, de SALVADOR DALÍ

REALIDAD ONÍRICA Es uno de los artistas más reconocidos del siglo XX, exponente central del movimiento surrealista y desde luego una figura controversial en el mundo del arte. Sus obras han sido reproducidas innumerables veces y se exponen en los museos más importantes del mundo. Por Francisca Castillo / Chile. Imagen cortesía de Museo Thyssen-Bornemisza.

alvador Dalí nació en el seno de una familia acomodada de Cataluña, en 1904. Desde muy joven sus aspiraciones lo llevaron a encontrar nuevos caminos para expresarse y desarrollar un estilo único. Partió a Madrid en 1922 a estudiar en la que se conocería como la Residencia de Estudiantes más prolíficas de España, donde conoció algunos referentes culturales tan importantes como Federico García Lorca y Luis Buñuel, con quienes además de la habitación, compartió diferentes proyectos, como la primera película surrealista “Un perro Andalúz” realizada en junto a Buñuel. Su afiliación al insipiente círculo surrealista vino después de su primer viaje a París, donde conoció a André Breton y Man Ray, entre otros, quienes lo influenciaron a experimentar con la libre asociación, el inconsciente y las teorías de Sigmund Freud, referentes a la exploración de los sueños y la sexualidad sin tapujos morales. Allí empezó a liberarse de los prejuicios y a jugar con temáticas que iban más allá de lo representacional, algunas de las obras más populares de su producción se realizarían en este período, formando parte esencial de su imaginario iconográfico. Su vida no estuvo exenta de polémicas, sobre todo en relación a sus inclinaciones políticas, o la falta de ellas, lo que le provocó un alejamiento del grupo

surrealista, quienes inclusive lo expulsaron del movimiento por su falta de compromiso, en particular durante el inicio de la popularidad de Hitler y las dictaduras fascistas europeas de los años 30. En este periodo, en París, conocería a la que sería su musa: Gala, una mujer once años mayor que él, se transformaría en una pieza central en la gran mayoría de su producción artística. Convirtiendo su figura en el modelo ideal para llevar a cabo todas sus fantasías y sueños plasmados en su pintura, y los proyectos relacionados a este estilo de vida. Iniciativas a las que Gala se adhirió y participó sin reparos, haciendo de su relación una de las más icónicas de la Historia del Arte. Dalí y Gala residieron en Estados Unidos entre 1941 y 1948, y allí se destacaron dentro del circuito social de Nueva York. A pesar de su copada agenda, no fue muy abundante su producción artística durante estos años, debido a su interés por proporcionar servicios vinculados a las demandas económicas y publicitarias provenientes de su popularidad. A pesar de ello, Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes del despertar fue creado en este tiempo, en 1944. Es en ella donde se conjuga de mejor forma su cercanía y concordancia con las teorías freudianas y surrealistas. La obra representa precisamente esta relación con los avances en la investigación del inconsciente, los

sueños y la libre asociación mencionados anteriormente. La capacidad de crear un imaginario que entrelaza de forma aleatoria una serie de imágenes para formular una composición iconográficamente potente es algo que se destaca en esta pintura. Todo se inicia desde un acontecimiento en particular, la granada y el vuelo de una abeja sobre ella, que desemboca en una serie de figuras entrelazadas entre sí: la mujer, las escopetas, los tigres, el pez, para retornar nuevamente a una granada. Pareciera ser una explosión de imágenes que se condicen de manera armónica entre ellas, a pesar de no tener un relato coherente entre estos elementos. El escenario en el que están insertos ayuda a la sensación onírica en la que Dalí nos introduce. La obra incluye a su vez ciertos personajes que forman parte de su repertorio pictórico: las figuras alargadas de los elefantes y los páramos desiertos que parecen extenderse infinitamente. Dalí se mantiene consistente en su labor de originar obras que contengan una figuración realista pero que se encuentran en escenarios alejados de lo mundano. Es esta una de las características existentes en esta pintura que lo hacen sobresalir de otros artistas, la firme creencia en aquellos preceptos del inconsciente que lo movilizan en la creación de una iconografía única que se repite acá y durante toda su carrera.

Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar, 1944, óleo sobre tabla, 51 cm × 41 cm. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, España.

E N E L TA L L E R | colombia

MARIO VÉLEZ La síntesis material de una aporía estética Por Lucía Rey / Chile. Imágenes cortesía de la artista.

ario Vélez trabaja en el mismo taller hace 20 años el cual, a su vez, forma parte importante de su casa en Bogotá. Este espacio es amplio y funciona como un cuerpo cuyo sistema de tránsito vincula y cristaliza los pensamientos del artista, para luego alojarlos experimentalmente en diferentes lugares/espacios del mismo. Así, cada tema que va apareciendo en esta circulación estética va generando otro, constituyendo su obra como un gran cuerpo en construcción, demarcado por tres ejes importantes, localizados tanto en su elaboración visual como en su taller: la abstracción (EE.UU.), el expresionismo (Alemania) y el figurativismo precolombino, que articulan la compresión entre el contenido y la forma ante el espectador, dejando en claro mediante cierta metáfora figurativa el lugar reflexivo interrogado en la obra. Como se dijo, estos ejes estarían localizados en el taller desde el punto de vista de quien lo recorre, cual flaneur, logrando encontrar detalles objetuales que pueden ser

motores del fluido creativo. Por lo tanto podría pensarse que su obra goza de un hilo conductor y un pulso, lo que posibilita una conceptualización estética, en las coordenadas de una estructura formal, que permite abarcar las temáticas desde una óptica orgánica. Atlas, su actual producción, se presenta como una alegoría de un Mundo Otro desconocido y relatado en su aspecto gráfico de mapamundi (compuesta por dos ovoides intersectados). El recorrido de este mapa parece más bien un laberinto comprimido, que marca el lugar de cada apertura creativa, dejando una señal de ruta figurada en un ovoide, el cual apunta inmediatamente a la metáfora del nacimiento de una nueva obra tras su gestación. Este ovoide es materializado en tres dimensiones, logrando vincular conceptualmente como un vaso comunicante su taller y su obra, problematizado desde la gráfica, el pigmento y la objetualidad de una instalación. Su obra se expone a sí

misma pictóricamente, en una trama reticular que transpone las antípodas del mismo mundo/nudo: lo macro/lo micro, lo plano/lo profundo, lo abstracto/ lo figurativo, etc., esbozando la cuestión orgánica de la pintura y sus motivos, donde el momento artístico surgiría en la poética dialéctica de un cruce fractal. Así es que, al recorrer visualmente este taller, se puede hallar con facilidad un mundo objetual que alude a algún discurso enigmático en torno al mundo vegetal, dando la impresión de que el artista busca una praxis pesquisadora de registros de un mundo muerto, pero que se extiende en nuestra realidad por medio de un arqueo estético dado en el propio espacio del taller. Entonces, este buscador de vestigios vegetales y animales, practica un andar óptico, como si caminara sobre la gran lupa de su estudio, en donde procesualmente va hallando elementos que se comportan como la brújula de su trabajo artístico.

Los grandes formatos de su obra encuentran una amplia acogida en su espacio taller, lo que le permite distribuir el material y sus trabajos por funcionalidad estética y por momentos generativos respectivamente. Existen, por ejemplo, lugares que él llama “banco de pigmentos” en donde se puede observar múltiples gamas de acrílicos en grandes potes, diversos matices de óleos en barra, como también objetos almacenados a la espera de un impulso representacional. El taller de Mario es un inventario en donde acopia un sistema de traducción visual, objetual y lingüístico de todo cuanto constituye su propia existencia. Es como el cuerpo en donde se habita que, estando siempre en movimiento exterior, da cuenta de cada movimiento interior mediante la somatización, cuya traducción estética (en esta alegoría) se materializa en una obra.

A R T E J OV E N | C U B A

JESÚS HDEZ-GÜERO Velvet Revolver: Operatorias de un macrosistema La obra de Jesús Hdez-Güero se construye desde un sitio algo incómodo, pues el artista persiste en socavar las simulaciones del mundo contemporáneo para mostrar cuán manipulado puede ser el sujeto común. Su trabajo escoge la dramaturgia internacional como pretexto para desenmascarar estructuras mayores y mostrar las carencias morales y los vacíos significativos sobre los que se sustenta una sociedad. Por Maeva Peraza / Cuba. Imágenes cortesía del artista.

Hdez-Güero (1983), no le interesa empatar o incomodar –aunque lo logra casi siempre–, su estrategia se encamina a que el espectador descubra cuál es realmente el terreno en que se mueve, al quitar el velo que nos tiene enajenados; es por ello que su obra molesta, y muchas veces, es tachada de “subversiva”. Su investigación en cuanto al tema social se ha visto plasmada en numerosas obras, donde estudia el motivo de la ausencia o de la imposibilidad de llegar a la verdad. Piezas como Calados capitales en lugares de paso, parten de una documentación en soportes impresos y seriados, en este caso descubre monumentos que aparecen plasmados en billetes de distintos países y después de realizar un calado de estos, visita el lugar y superpone el billete al monumento, logrando que converjan los dos símbolos de legitimación a través de la fotografía, mediante un trabajo site specific. Gran parte de su obra aborda asuntos relativos al contexto cubano, pero este no es su único centro. Sus intereses abarcan las fuentes de malestar social en un macrocontexto signado por las arbitrariedades de la autoridad, aunque en los últimos años ha focalizado con mayor intención el panorama venezolano. En dicho país reside desde el 2011 y realiza la mayor parte de su producción visual, pues ha encontrado otra fuente de conflictos, casi todos basados en el futuro de esa nación, la operatoria sobre los símbolos, el discurso del

poder y la violencia. En este caso, sus piezas también generan agitación, porque recuerdan y traen nuevamente a discusión lo que conviene olvidar o relegar a un segundo plano, como demuestra en Tener la culpa, puesta en escena que incluía una bandera que yacía en el suelo frente a un importante edificio de Venezuela. La pieza fue asediada y en muchas ocasiones tapada para terminar finalmente censurada, llevando a procesos de participación de funcionarios y agentes del orden. Su propuesta se insertó dentro de una serie de trabajos, en los cuales los mecanismos de represión ejercidos en su contra, paradójicamente terminaron por formar parte de la obra y darle un nuevo rumbo. Por otro lado, en la reciente edición de la Bienal de La Habana, su trabajo pudo apreciarse en varias exhibiciones y Open Studios, entre los que se destacó Las armas no matan, obra que fue expuesta anteriormente en Caracas. La pieza, que se concibe como un environement con multiplicidad de lecturas, parte del interés de Hdez-Güero en asuntos como la violencia, el tráfico de armas y la deificación de ciertos códigos. A partir de un estudio en las publicaciones periódicas de Venezuela, el artista hizo una selección de las armas más usadas para perpetrar asaltos y asesinatos y las dibujó en pólvora, completando la pieza al diseminar sobre el suelo más de diez mil casquillos de balas. De este modo la obra desempeña dos funciones estrechamente relacionadas, por una parte se convierte en un muestrario de diferentes armas de fuego, como si fuera una exposición

convencional que pudiéramos encontrar en cualquier museo o exhibición militar; y por otra, el camino de proyectiles intenta quebrar al espectador que entra a la muestra al hacerlo pisar un terrero no seguro, lleno de historias de muerte y violencia. La pieza llama la atención sobre la corporeización que adquiere la violencia en el entramado social y cómo esta puede influir en el individuo al convertirse en parte de su entorno cotidiano, al llegar a ser un suceso común. Por otro lado, el hecho de que esta obra se haya presentado La Habana, donde los ciudadanos tienen prohibido portar armas, activa otros códigos de lectura: La pervivencia de lo entredicho, de lo supuestamente prohibido que yace en un submundo de otredad es lo que le interesa aportar con esta presentación, además de aprovechar la carga simbólica que tiene el espacio donde fue exhibida: el Complejo Histórico Militar Morro-Cabaña, un recinto que tiempo atrás fungió como una conocida fortaleza y cárcel, donde se perpetraron actos de fusilamiento. De esta forma, con diferentes significados y lecturas, la obra de Jesús Hdez-Güero se inserta dentro de un macrosistema, donde el artista activa un camino de interrogación e inconformidad desde disímiles mecanismos. El objetivo fundamental es buscar la veracidad y mostrarla sin adornos ni concesiones, lo que hace que por momentos sus apreciaciones sean incómodas y dolorosas, pero también necesarias.

De la Serie Cuba, "Calados capitales en lugares de paso", 2012-, fotograf铆as sobre papel moneda y billetes (dinero), dimensiones variables. Las armas no matan, 2011-2015, intalaci贸n, 24 dibujos con p贸lvora de armamento sobre lienzo / , Casquillos de 9mm y cartuchos de escopetas.

PA N O R A M A S

EXPOSICIONES SANTIAGO Esta es la oportunidad de vivir una muestra que explora el mundo de los guerreros japoneses, entre los siglos XII al XIX, y que ilustra su evolución y arte. Son 20 armaduras cascos, protectores faciales, armas, aperos ecuestres y equipos de batalla usados en los períodos Kamakura (1185-1333), Nanbokuchō (1333-1392), Muromachi (1392- 1573), Momoyama (1573-1615) y Edo (1615-1868)

Samurái. Armaduras de Japón XXXXX

Centro Cultural Palacio La Moneda Del 14 de octubre al 7 de febrero Plaza de la Ciudadanía n°26, Santiago www.ccplm.cl

MUSEO DE LA MEMORIA y los Derechos Humanos

FUNDACIÓN CULTURAL PROVIDENCIA

Sombra del cóndor JoÃo Pina

Cruzar el océano Varios Artistas

Hasta el 27 de diciembre

Hasta el 22 de noviembre

La exposición cuenta con más de 110 fotografías del portugués João Pina, quien ha pasado

Exposición de arte contemporáneo chino. Reúne a 17 artistas, y está compuesta de 35

nueve años tejiendo la historia; que muestra lo que fue la Operación Cóndor, alianza político-

obras, donde se plasma el trabajo de los artistas chinos en la actualidad. Es una muestra

militar entre las diversas dictaduras militares en América del Sur durante la década de 1970.

diversa, que reúne diferentes técnicas y temáticas.

Matucana 501, Metro Quinta Normal, Santiago www.museodelamemoria.cl

Nueva Providencia 1995, Providencia www.culturaprovidencia.cl

co galería

Galería de Arte La Sala

Madeja Mabel Poblet

Web Maps Víctor Pellegrini

Hasta el 31 de octubre

Hasta el 27 de octubre

En esta exposición la artista utiliza el hilo como elemento simbólico pero vinculando

La exposición cuenta con tres seriescompuestas por 25 obras con formatos que van

otros recursos. Ha elegido al blanco, rojo y azul como maneras de expresar la identidad,

desde mapas intervenidos, cajas de luz e instalaciones. “El artista en sí pasa a ser un

como un mensaje ambiguo que alude tanto a la bandera cubana como de otros países.

‘link’ entre la naturaleza y la ciudad, entre geografías, entre la imagen digital y la pintura”.

Nueva Costanera Nº 3840, Depto 11, Vitacura www.cogaleria.com

Alonso de Córdova 2700, primer piso, Vitacura www.galerialasala.cl

MAC Parque Forestal

MATUCANA 100

n Rainer Krause

ANTUAN: Backride Antuan

Hasta el 8 de noviembre

Hasta el 1 de noviembre

La voz humana, su timbre y tesitura, su color, o bien la percepción de su escucha y

Tomando como punto de inspiración las spintrias –monedas o fichas romanas con las se pagaban

el habla, son elementos recurrentes en la obra de Rainer Krause. En esta exposición

servicios sexuales–, Antuan presenta una serie de dibujos realizados en tinta sobre papel

participan los artistas Mónica Bate, Felipe Fierro, Nicolás Fuentes y Sebastián Valenzuela.

que trasladan de escenario esos actos sexuales a uno muy contemporáneo: la sala de cine.

Parque Forestal s/n frente a calle Mosqueto, Metro Bellas Artes www.mac.uchile.cl

Av. Matucana N° 100 Estación Central, Santiago www.m100.cl

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.

PA N O R A M A S

EXPOSICIONES REGIONES Universidad Católica de Temuco

Galería Balmaceda Arte Joven

Pintura y representación en Chile. Construcciones, lenguajes y narrativas Varios Artistas

Puntos de Fuga Cristian Toro y Oscar Gutierrez Hasta el 30 de octubre

Hasta el 25 de octubre

Esta exposición forma parte del Programa de Itinerancia 2015 del MNBA y Fundación

Esta muestra presenta una serie de obras asociadas al proyecto multiplataforma homónimo,

Itaú recorriendo desde el extremo sur de nuestro país con 26 obras que dan cuenta

que incluye murales en la ciudad de Concepción. Son 10 serigrafías de estética urbana, cuatro

de la evolución del concepto de la representación en la pintura chilena del siglo XX.

dibujos de panorámicas del libro "Líneas de fuga" y un mapa de la ciudad de Concepción.

Avenida Alemania 0422, Temuco www.uct.cl/galeria

Colo Colo #1855, Sector Remodelación Anibal Pinto, Concepción www.balmacedartejoven.cl/sedes/sede-bio-bio

Pinacoteca Universidad de Concepción

Casa Verde

Ejercicios para la ciudad Varios Artistas

Casa Verde tributa a sus artistas Varios Artistas

Hasta el 31 de octubre

La celebración de los 50 años del mural “Presencia de América Latia” incluye exposiciones

La galería tributa a todos sus artistas, los cuales han expuesto en los seis años de

simultáneas de la colección de pintura chilena en once salas de la intercomuna, muralismo

funcionamiento, entre quienes se destaca Roser Bru. Habrá obras de Roberto Matta,

en salas de la Casa del Arte y un mural pintado por niños, entre otras actividades.

Guillermo Nuñez, Gonzalo Cienfuegos, Víctor Mahana, entre muchos más.

Chacabuco esquina Paicaví s/n, Concepción www.extensionudec.cl/pinacoteca

Camino Real 1783, Recreo Viña del Mar www.galeriacasaverde.cl

TALLERES / WEB AAL Espacio Siena

Casa de la Cultura de Nuñoa

Monocromías VERÓNICA DOERNER

En Tonos de Violeta VII Varios Artistas

Del 17 Al 30 octubre

Hasta el 30 de octubre

Este proyecto se basa en la monocromía como técnica de superposición del color y

La Asociación de Pintores y Escultores de Chile (APECH) celebra este nuevo tributo

fusión del acrílico con el agua. La figura aflora entre el color y la textura para crear

creando una obra de pequeño formato basada en la obra y vida de Violeta Parra, en

ambientes y sentir emociones.

donde participará la artista Carolina Busquets, entre otros.

Av. Italia 1449 L9 www.arteallimite.com/galeria/artistas/veronica-doerner

Irarrázabal 4055, Municipalidad de Nuñoa www.arteallimite.com/galeria/artistas/carolina-busquets

Casa Errázuriz

Talleres de los Oficios

Sabores de nuestro mar y tierra Varios Artistas

Talleres de Artes y Oficios abren sus puertas VARIOS ARTISTAS

Hasta fines de noviembre

24 y 25 de octubre

Esta muestra –en la que participarán artistas como Julita Luco, María Francisca Lohman, entre

Hace un par de años, un grupo de artistas se instaló en los llamados “Talleres de los Oficios”,

otros– gira entorno a la comida, bebestibles, los amigos, la familia. Una experiencia sensorial

un lugar donde la creación va acompañada de la paz del entorno y la convivencia de más de

inolvidable para re descubrir nuestras raíces.

20 artistas, que abrirá sus puertas para compartir nuestro trabajo un fin de semana especial.

Edmundo Eluchans 595, esquina Tito Livio Moggia, Reñaca www.arteallimite.com/galeria/artistas

Francisco Bulnes Correa 699, al final del camino de tierra, San Carlos de Apoquindo www.arteallimite.com/galeria/artistas/macarena-vicuna-macavi-50

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.

Difundiendo el arte latinoamericano

TODO EL ARTE EN UN MISMO LUGAR El arte nos ayuda a dar vida a nuestro entorno, entregando en cada rincón emociones, expresiones y armonía. Así, las razones para adquirir una obra de arte pueden ser muchas y todas válidas. Desde la satisfacción personal, la estética, la moda y las sensaciones; hasta el coleccionismo, la apuesta por un artista, la inversión y el lujo de conseguir lo deseado, son motivos por los que se compra una obra de arte. Adquirir una obra es algo único e inolvidable.

www.arteallimite.com

Venta de obras online Revista de colecci贸n Peri贸dico mensual Libros de arte Galer铆a de artistas Ranking de artistas latinoamericanos

R E P O R TA J E

El CA660 fue inaugurado en agosto de 2014 y hasta la fecha ha presentado cuatro exposiciones.

DE LA IDEA A LA EXPOSICIÓN Seis de los principales centros culturales de Santiago de Chile, conversaron con Arte Al Límite, para contarnos cuáles son los factores esenciales que determinan que una exhibición ocupe sus espacios. El interés por promover el patrimonio, dar acceso a colecciones más restringidas, potenciar el arte joven, o simplemente deslumbrar al público son algunos de los elementos para elegir una exposición sobre otra. Por Lía Alvear / Chile. Imágenes cortesía de CA660, CCEM, CLAC, M100, CCPLM y GAM.

l papel de los centros culturales como espacios activos para las artes visuales ha sido fundamental para dar acceso a la cultura de los chilenos. Específicamente en la capital de nuestro país, Santiago, conviven diferentes entidades sin fines de lucro, tanto en forma de fundación como de corporación. Las muestras que se exhiben en las galerías, museos y otros espacios del país, marcan pauta en el

acceso cultural de las personas y otorgan relevancia mediática a sus creadores, tal como ha sucedido con exposiciones de gran envergadura, como Obsesión Infinita de la artista japonesa Yayoi Kusama, que recorrió México, Argentina y Brasil; Parra 100 para celebrar el centenario del antipoeta, con más de cien imágenes de archivo; y De Rubens a VanDyck, una exposición que recorrió España y Perú. La gran variedad de propuestas, especialmente

aquellas que vienen del extranjero, nos hace preguntarnos: ¿Cuáles son los criterios para privilegiar una exhibición sobre otra? MÁS QUE UNA VITRINA En más de 30 años de historia, la Corporación Cultural de Las Condes ha presentado cerca de 1.500 exposiciones, algunas de ellas retrospectivas dedi-

El CCEM cuenta con dos salas de exhibición permanente, una de ellas dedicada exclusivamente a la fotografía.

cadas a grandes pintores chilenos como Pedro Lira (1992) y Valenzuela Puelma (2009). Gracias a la alianza con otras instituciones, en los últimos años se han abierto a los circuitos internacionales y han salido a buscar muestras de itinerancia mundial, con exposiciones como De Rubens a Van Dyck (2012), Occhio mobile (2014) y, próximamente, Vivian Maier. Una fotógrafa revelada. De acuerdo al director de la corporación, Francisco Javier Court, uno de los objetivos principales es acercar a la audiencia al patrimonio público y privado del país. “Nosotros buscamos el tema de las exposiciones, investigamos y preparamos un montaje adecuado, integrado casi en su totalidad por piezas provenientes de colecciones privadas a las que, de otra manera, los espectadores no tendrían acceso”, señala. Así, la programación anual es decidida por el equipo de artes visuales y el presupuesto global es asumido por la Municipalidad en un 80%. El 20% restante es generado por aportes de privados vía auspicios.

El GAM cuenta con una Sala de Artes Visuales que ha sido visitada por más de 800 mil personas.

Otro modelo de financiamiento es el que tiene el Centro Cultural Palacio La Moneda (CCPLM), el cual fue inaugurado en 2006, bajo el alero de una fundación de igual nombre. Por su envergadura, este espacio se ha caracterizado por traer muestras tan valiosas como El

“Buscamos el tema de las exposiciones integrado por piezas de colecciones privadas a las que, de otra manera, los espectadores no tendrían acceso” Francisco Javier Court, director de la Corporación Cultural de Las Condes.

Ejército de Terracota (2009) y Grandes Modernos de la Colección Peggy Guggenheim (2012). Aunque la fundación está completamente al tanto de las operaciones, quien decide lo que se exhibirá es el equipo de Artes Visuales, liderado por la directora ejecutiva, Alejandra Serrano, quien personalmente busca y define exposiciones que sean patrimonio universal, de Chile o el mundo.

El financiamiento del CCPLM corresponde a un aporte anual entregado a través de la Ley de Presupuesto, el cual se destina a los gastos de operación más que a exhibiciones en sí, las que principalmente son financiadas con la ayuda del sector privado y con el dinero recaudado por la gestión de las unidades de negocio, el cual representa casi un 40% del presupuesto total. No obstante, este modelo tiene sus riesgos, como lo que sucedió para Samurái, su próxima exposición. En esta ocasión contaban con el total financiamiento de una reconocida minera, pero ésta retiró su apoyo debido a los recientes problemas con el precio del cobre. “Pudimos solucionar esto gracias a que progresivamente hemos generado un pequeño fondo de reserva. Estar preparados para las eventualidades es una de las características que nos transforman en una organización sólida”, afirma Serrano. Otro espacio de gran procedencia es el Centro Cultural Estación Mapocho (CCEM), que pese a funcionar en un edificio público, es administrado y financiado

El programa de M100 está definido a dos años por el nuevo curador Paco Barragán.

completamente por la corporación homónima que autogestiona todas sus actividades, por medio del arriendo del espacio y alianzas estratégicas.

otro del CNCA–, tiene total autonomía al momento de decidir. Ni la Corporación, ni nadie interfiere en estas decisiones”, indica Valdés.

Actualmente el CCEM cuenta con dos salas de exhibición permanente: la Galería Bicentenario, destinada al arte contemporáneo en todas sus plataformas; y la Sala Joaquín Edwards Bello, que, con el patrocinio del Área de Fotografía del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA), es dedicado exclusivamente a proyectos con mirada de autor. Ambos espacios son programados de acuerdo a convocatorias anuales, exceptuando algunas exposiciones acordadas con el Centro Nacional de Patrimonio Fotográfico.

ELEFANTES, PERO NO BLANCOS

Según su directora de Cultura, María Gracia Valdés, el CCEM se plantea como un espacio ávido de arte emergente e inserto en la sociedad, con una fuerte consideración por los artistas regionales, sin embargo, “el jurado –compuesto por ella, un fotógrafo independiente, un representante de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, uno de Balmaceda Arte Joven y

En marzo de 2015, Matucana 100 (M100), inaugurado en 2001, anunció el nombramiento del nuevo curador de Artes Visuales, Paco Barragán, quien fue escogido por concurso público tras presentar un proyecto curatorial de dos años que se ajusta a las expectativas de internacionalización de la Corporación Matucana 100.

“Aunque existen algunos proyectos súper atractivos, si no tenemos las herramientas de mediación para llevarlo a cabo, lo descartamos” Isidora Cabezón, coordinadora de Programación CA660.

De acuerdo a la coordinadora de Artes Visuales, Judith Jorquera, en M100 tienen absoluta libertad, la única modificación del proyecto de Barragán responde a la necesidad de incluir artistas chilenos en las muestras: “el 100% del programa incluía artistas internacionales, la idea fue agregar artistas nacionales y hacerlos dialogar”, señala. En cuanto al financiamiento, el área de exposiciones cuenta con un presupuesto anual definido, sin embargo, en el caso de la exhibición Política y Celebridad, por ejemplo, fue necesario el apoyo de diversas embajadas para gestionar el arribo de las obras al país y, al mismo tiempo, algunos artistas poseían fondos propios para hacer circular su trabajo. “Si bien trabajamos con alianzas formales, también existen muchas gestiones informales producto de los contactos que tenemos. Yo pienso, de forma personal, que nuestro presupuesto está bien, pero para hacer una programación nacional, para la internacional aún nos falta”, explica Jorquera, Otro espacio importante para las artes en Santiago, aunque incipiente, es el Centro de las Artes 660

El Centro Cultural de Las Condes es una de las organizaciones culturales más antiguas de Santiago.

El CCPLM posee más de mil metros cuadrados para exhibición.

(CA660), que se inauguró en agosto de 2014 y en donde se han instalado grandes exposiciones, como Obsesión Infinita de Yayoi Kusama la que convocó a más de 160 mil visitantes en solo tres meses.

directamente en las decisiones del centro cultural, lo cual marca una gran diferencia con lo que sucede en el resto de los espacios entrevistados. Según Cabezón, “ellos están muy insertos en el

Aunque el espacio aún no posee una línea programática definida, de acuerdo a Isidora Cabezón, coordinadora de Programación: “CA660 tiene una vida muy joven, entonces la manera en la que estamos haciendo las cosas todavía está en vías de definirse”. Sin embargo, la coordinadora de Exposiciones, María Píes, reconoce que el factor “mediación” ha sido determinante al momento de decidir. “Ofrecer proyectos artísticos de calidad que sean accesibles a diferentes tipos de público es clave. Aunque existen algunos proyectos súper atractivos, si hoy en día no tenemos las herramientas de mediación suficientes para llevarlo a cabo, lo descartamos”, explica.

“La programación artística de GAM se estructura sobre los ejes de memoria, territorio y utopías, dada la historia del edificio”.

Además, el directorio de la Fundación Corpartes –compuesto por la familia Saieh– ha interferido

Javier Ibacache, director de Programación GAM.

mundo de las artes visuales y su opinión ha sido fundamental hasta ahora”. En 2010 se inauguró el Centro Cultural Gabriela Mistral (GAM) y con él, su Sala de Artes Visuales, un espacio que hasta la fecha ha sido visitado por un total de 827.501 personas; y ha acogido muestras tales como Imágenes Indelebles de Koen Wessing (2012) y Parra 100 (2014). Según el director de Pro-

gramación, Javier Ibacache: “La programación artística de GAM se estructura sobre los ejes de memoria, territorio y utopías, dada la historia del edificio”. Además, afirma que la programación se define con un año de anticipación, aunque la planificación preliminar se establece con dos años de antelación. “Los proyectos y propuestas son analizados desde GAM a partir de los ejes y énfasis editoriales, evaluando su vinculación con las otras líneas de programación y la relevancia para la formación y desarrollo de audiencias. La mayoría de las muestras son gestionadas de manera independiente y consideran su propia curatoría”, señala el director. Si bien las alternativas que promueven estos centros culturales han logrado estructurar una agenda con distintos enfoques y cualidades, todas las entidades reconocen un desafío en común: su capacidad para atraer y fidelizar a nuevas audiencias. Lograr que las personas que no tienen el hábito de apreciar exposiciones puedan cautivarse, sistemáticamente, con el arte.

Voluspa Jarpa, Minimal Secret, 2012, políptico, 24 piezas de 30 x 45 cm. de acrílico 3mm. cortadas con láser y estructura de madera lacada negra189 x 182,6 cm. Colección

D E S TACA D O D E L M E S | P U E R TO R I C O

4ta versión de la Trienal Poli/Gráfica

IMÁGENES DESPLAZADAS/ IMÁGENES EN EL ESPACIO La 4ta versión de la Trienal Poli/Gráfica de América Latina y el Caribe invita a problematizar la poli-grafía de la imagen contemporánea desde la tradicional imagen gráfica a la hibridación de la imagen contemporánea. Por Pía Cordero / Chile. Imágenes cortesía de la Trienal Proli/Gráfica.

l evento cuenta con el auspicio del Gobierno de Puerto Rico y es dirigido por el Instituto de Cultura Puertorriqueña. En esta versión de la Trienal el destacado curador cubano Gerardo Mosquera, creador de la primera versión de la Bienal de la Habana, junto a la curadora chilena Alexia Tala y la curadora puertorriqueña Vanessa Hernández, exhiben el trabajo de artistas de Latinoamérica y el Caribe, problematizando el eje curatorial de la Trienal “Imágenes desplazadas/ Imágenes en el espacio”. Asimismo, el evento cuenta con numerosas actividades educativas que, mediante un simposio internacional y talleres de arte, buscan fomentar la participación del espectador a través del diálogo con los artistas y sus obras. El título de la 4ta versión de la Trienal propone repensar la movilidad de las imágenes, suerte de idearios nómades que transitan por culturas y lugares, modificando sus significados, soportes y técnicas. De esta manera, su propuesta curatorial invita a reflexionar sobre la multidimensionalidad del relato contemporáneo, cuya médula contiene la cualidad de la inagotabilidad. Tomando como

punto de partida la imagen gráfica, los curadores proyectan sus desplazamientos, sean conceptuales o metodológicos, en busca de una post-gráfica. Así, mediante la escultura, la instalación y la fotografía, entre otros soportes y técnicas, se intenta comprender cómo la imagen gráfica desmantela su identidad, consagrada en su origen a las artes de oficio, el diseño, la impresión, el grabado, incluyendo el trabajo editorial, entre otros. Las exhibiciones de la Trienal se extienden por todo el territorio de Puerto Rico, a través de museos, galerías, espacios alternativos e institucionales. Desarrollando un completo itinerario hasta febrero del año 2016, en el que se mostrarán los trabajos de más de cincuenta artistas latinoamericanos. Destacan las obras de los consagrados artistas Félix González Torres, Luis Camnitzer, Alfredo Jaar, Carlos Amorales, Waltercio Caldas, Jose Iraola, Rivane Neuenschwander y Vik Muniz, entre otros artistas. Así también, contará con la participación de los artistas chilenos Voluspa Jarpa, Alicia Villarreal, Paula Dittborn, Rodrigo Arteaga y Francisca Aninat.

La 4ta versión de la Trienal Poli/Gráfica promueve la participación de la comunidad puertorriqueña mediante actividades educativas que buscan actualizar el rol de artistas, docentes de arte, monitores y oradores en la vivencia colectiva del arte. En este ámbito destaca el Simposio Internacional La imagen contemporánea: del espacio simbólico como hegemonía al espacio simbólico como problematización, en el Teatro del Recinto de Río Piedras de la Universidad de Puerto Rico; talleres dirigidos a estudiantes de artes visuales, que podrán participar de los procesos creativos de los artistas Ricardo Lanzarini y Mônica Nador; y, actividades para profesores a cargo de las artistas Sandra Ramos Lorenzo, Alicia Villareal y Francisca Aninat, quienes elaborarán didácticas educativas a partir de la propuesta conceptual de la Trienal. 4º TRIENAL POLI/GRÁFICA de San Juan, América Latina y El Caribe. FECHA: Del 24 de octubre de 2015 al 27 de febrero de 2016 LUGAR: Instituto de Cultura Puertorriqueña DIRECCIÓN: 3 Calle La Puntilla, San Juan, Puerto Rico

ferias | internacional

LA VUELTA AL MUNDO HASTA BOGOTÁ Habrá que dar una verdadera vuelta al mundo, pero esta vez en tan solo treinta días. Pues el intenso panorama de ferias de Octubre se presenta no solamente riquísimo de eventos, sino que también geográficamente muy dilatado. Aunque cuidado: una ciudad destacará entre las demás. Por Francesco Scagliola / Italia. Imágenes cortesía de Buenos Aires Photo, Odeón y Feria del Millón.

ue se despliegue el mapa. La primera banderita (no se seguirá una secuencia cronológica) se pinchará en Seúl, Corea del Sur: Kiaf 2015 (7/10 – 11/10) será caracterizada por las galerías de Japón que, este año, llega al acontecimiento coreano como país invitado de honor. Nuevamente, en el Coex Hall, el público tendrá la oportunidad de gozar del más extenso mercado artístico de Asia a través de expositores procedentes de más de 20 países por un total de alrededor de 200 galerías. Otra banderita habrá que clavarla en Barcelona –ciudad símbolo de la cultura mediterránea– donde se desarrollará Swab (1/10 – 4/10). En el Pavelló Italia, tendrá lugar la octava edición de la feria internación de la ciudad catalán que, una vez más, se propone como plataforma privilegiada tanto para artista afirmados como para los emergentes gracias a su gran variedad de programas expositivos que incluyen, también, uno dedicado específicamente al continente americano. Habrá entonces que cruzar el charco y aterrizar en una de las ciudades más multiculturales del planeta y tercera parada de este maratón ferial, pues To-

ronto presentará Art Toronto 2015 (23/10 – 26/10) donde, además de la excelencia de una feria que lleva 16 años de trayectoria, destacará la sección Focus: Latin America. Pensada para dar visibilidad a galerías de todo el continente sudamericano. Faltarán entonces dos ciudades más por “pinchar”, ambas por debajo del Ecuador: la primera es la colombiana Bogotá; mientras que la segunda será la mismísima Buenos Aires. Aquí se llevará a cabo BA Art Photo 2015 (15/10 – 18/10), feria dedicada al arte fotográfico que buscará en su nueva edición establecer un diálogo entre la fotografía y otras disciplinas gracias al proyecto Fuera de Foco, dedicado a cinco propuestas de carácter “instalativo” desarrollados por “jóvenes galerías”. Muy interesante también es la nueva sección Wunderkammer gracias a la cual el público podrá acercarse a toda la producción fotográfica antigua. UN PASEO POR BOGOTÁ Y ¿Bogotá? Pues ahí, en tan solo unos pocos kilómetros y en tan solo una semana, se llevarán a cabo cuatro diferentes ferias de arte.

La gran feria bogotana ArtBo, y Odeón, La Feria del Millón y Barcú se configuran de hecho como acontecimientos que, a partir de diferentes planteamientos hacia el mercado del arte, nominan la metrópoli colombiana como una de las legítimas capitales culturales de América entera. UNA CIUDADELA DE LA CULTURA Ha pasado apenas un año desde el estreno de Barcú (30/9 – 5/10), y la feria ya ha duplicado el número de galerías participantes (de 12 a 25), de lugares de exposición (de 6 a 14) y, en general, de eventos culturales relacionados. Pese a su “juventud”, Barcú se inscribe entre aquellas sólidas certezas que vienen re-edificando exitosamente la cultura y la imagen de Bogotá desde hace una década gracias, sobre todo, al lugar donde se lleva a cabo: el Barrio La Candelaria. “Barcú trata de usar los cascos antiguos e históricos para mostrar las culturas contemporáneas –explica Christopher Paschall, director de la feria–. Pues no hay lugar más propicio que La Candelaria, que es patrimonio histórico del Sur de América”.

Buenos Aires Photo | The White Lodge - Ramiro Chavez Dos Palmeras, 2014, fotografĂa, 90 x 60 cm.

Feria del Millón | Jani Zubkovs De la serie This is not a dark ride, 2015.

La idea de cerrar un reticulado de callejones para que el público pueda aprovechar al máximo el recorrido entre las 14 casas históricas hace que Barcú profundice, en una atmósfera de calidad y a la vez de independencia. Además: “Destacarán algunas galerías que vuelven a participar como Jacob Karpio, Alfredo Ginocchio, LGM, PSH Projects, Casa Cuadrada y adicionalmente tendremos la Casa del Arte Urbano curada por Fabien Castanier y la Casa de los Tesoros del Siglo XX, donde se dará importancia a los grandes aristas de este período”, subraya Paschall. UN TEATRO EN LA CANDELARIA La trayectoria de feria Odeón (2/10 – 5/10) es más larga, esta será su quinta edición, pero comparte con la “itinerante” Barcú el carácter independiente

y el papel de re-definición del entorno urbano de La Candelaria gracias a la transformación del antiguo y abandonado Teatro Popular de Bogotá en el Centro Cultural Espacio Odeón. “El proyecto general de este centro cultural siempre ha tenido muy presente atraer al público a esta zona –relatan la directora de la feria Tatiana Rais y la curadora Ximena Gama– que por mucho tiempo ha sido abandonada y desprestigiada. La feria entonces se convierte en una apuesta para la recuperación del barrio La Candelaria”. Y resulta sumamente interesante averiguar cómo Odeón busca cuidar a aquellos artistas emergentes y de mediana carrera para que sigan creciendo en la comercialización de su arte. “La idea es abrir un espacio en Bogotá para que galerías que no manejan un formato convencional puedan insertarse también

en una dinámica fundamental, como es la comercial –siguen explicando las organizadoras–. De esa manera Odeón le abre las puertas a espacios híbridos y hasta cierto punto alternativos”. CUANDO EL PRECIO HACE LA DIFERENCIA El Centro Creativo Textura, hospeda La Feria del Millón (3/10 – 5/10), la cual aunque no esté en el casco antiguo también se propone revitalizar la zona industrial de Bogotá. Sin embargo, la peculiaridad de La Feria del Millón es otra, intrínseca en el nombre que los organizadores le pusieron hace ya tres años. Aquel “Millón” se refiere, de hecho, al valor máximo de un millón de pesos colombianos que pueden llegar a costar las obras expuestas. “La idea es desmitificar que el arte es algo elitista, solo

Odeón | Portas Vilaseca - Iris Helena De la serie Lembretes, "Notas Públicas II", 2009, impresión inkjet sobre post-it amarillos, 200 x 295 cm.

DONDE EMPEZÓ LA RESURRECCIÓN

para unas minorías –afirma Diego Garzón, director de la feria– Pues es una feria independiente, en la medida en que fue una iniciativa no “institucional”. Mi trabajo es periodista, soy director de revista SoHo, y el otro director es arquitecto: de un café entre dos amigos salió la idea, totalmente ajena a entidades institucionales”, explica.

Hace diez años, fue la plataforma ArtBo (1/10 – 4/10), patrocinada por la Cámara de Comercio de Bogotá, uno de los primeros eventos que volvieron a poner la capital colombiana en el mapa internacional del mercado de las artes.

Sin embargo, a pesar de un surgimiento tan jovial, La Feria del Millón tiene números impresionantes: 95% de obras vendidas, 968 portafolios este año, 4 mil personas en 2013, 8 mil en 2014. Y las cifras subirán, pues como subraya Garzón: “Por un lado sirve de plataforma a los artistas jóvenes que no tienen representación y, por el otro, incentiva el coleccionismo: gente que nunca compra ahora lo puede hacer por un precio accesible”.

Y las cifras actuales lo confirman: ocho secciones diferentes entre las cuales destacan –además del programa Principal– Proyectos, donde reconocidos artistas contemporáneos son seleccionados e invitados por un curador; Referentes, obras de grandes maestros; y Artecámara, donde jóvenes artistas colombianos, sin representación comercial de una galería, son seleccionados a través de una convocatoria pública nacional. Y es más: 30 mil visitantes,

66 galerías de 33 ciudades alrededor del mundo, 14 proyectos individuales para un total de más de 450 artistas exponiendo solo en 2014. Pero también existen las ventajas que un acontecimiento de esta magnitud proporciona a todos los demás festivales: ArtBo no solamente consigue, cada año, traer a Bogotá una gran cantidad de público, sino que llama la atención de los grandes galeristas internacionales que pueden fácilmente acercarse a todas las propuestas alternativas que la ciudad ofrece en el mismo período. Garantizando un crecimiento cultural absoluto que beneficia a cada enlace de la cadena artística. Desde quienes asisten a quienes exponen; quienes compran y quienes venden. Y quienes, simplemente, quieren conocer y descubrir, lo cual es el más profundo propósito del arte.

E N T R E V I S TA

Caroll yasky y maría josé del piano

EJEMPLO DE SOLIDARIDAD Y RESISTENCIA En el contexto de la conmemoración de los 25 años del restablecimiento de las relaciones diplomáticas entre Chile y México, el Museo de la Solidaridad Salvador Allende presentó un catálogo razonado que reúne las obras donadas por artistas mexicanos entre 1971 y 1990. Por Lía Alvear / Chile. Imagen cortesía de Lorena Tasca.

l Museo de la Solidaridad Salvador Allende (MSSA), en colaboración con la Embajada de México y el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC), presentaron un catálogo razonado en el cual se recoge y clasifica las obras que distintos artistas mexicanos donaron en tiempos de Solidaridad (1971-1973) y en el posterior período de Resistencia (1975-1990).

ción, ya que en 1977, cuando se inauguró el Museo de Resistencia en México, algunas de las obras donadas por artistas mexicanos fueron subastadas para conseguir fondos. Ya en democracia hubo un intento por parte de Isabel Allende Bussi y Carmen Waugh para pedirle a esos artistas que hicieran una nueva donación al museo, pero muy pocos respondieron al llamado.

La publicación México, Solidaridad y Resistencia: Donaciones Fundacionales Museo de la Solidaridad Salvador Allende, 1971-1990 busca levantar información y dar un contexto histórico a la colección del MSSA, para dar paso a una investigación más profunda. Conversamos con la encargada de Colecciones del Museo, Caroll Yasky, y con la coordinadora de Archivo e Investigación, María José Del Piano, acerca de los detalles de este catálogo.

¿Qué obras podrían destacar, tanto por su valor artístico como político? C.Y.: Del primer periodo hay piezas del Taller de Gráfica Popular, un colectivo mexicano que es importante en términos de apoyo político y revolucionario. Y también hay obras más abstractas, representativas de un modernismo mexicano, grabados en su mayoría.

¿Cuántas obras se consideraron? ¿Además de fotografías también hay esculturas y otro tipo de piezas? Carol Yasky (C.Y.): El catálogo en su totalidad consta de 306 piezas, de las cuales 179 pertenecen a Solidaridad y 127 a Resistencia. En las obras de la colección hay diversas tipologías: pinturas, esculturas, grabados, fotografía, pero hay diferencias entre ambos períodos. Por ejemplo, en el primer período no había fotografías.

¿En qué consisten los proyectos La historia del MSSA, develando proceso y recuperando memoria y El proyecto latinoamericanista y el MSSA, memorias de archivo? MJ.P.: El objetivo del primer proyecto es tratar de reconstruir la historia de las donaciones en cada uno de los países donde se organizaron comités para este efecto, y uno de los primeros a estudiar en profundidad es México. Mientras que el segundo es el proyecto específico que levantamos con el Museo Universitario de Arte Mexicano, ya que la idea es poder investigar un poco más acerca de quiénes son los agentes que colaboraron con este envío, y cuáles fueron las redes y vínculos diplomáticos y políticos.

¿El catálogo reúne todas las obras donadas durante el período “Solidaridad” y “Resistencia”? María José Del Piano (MJ.P.): Se catalogaron todas las obras que actualmente pertenecen a la colec-

¿Por qué comenzaron por México? MJ.P.: Fueron intereses conjuntos que fueron delineándose y llegando a puerto. Sobre todo, se dio un impulso importante a México porque este 2015 se celebraron los 25 años del restablecimiento de las relaciones diplomáticas. Representantes de ambas partes se organizaron y crearon un fondo de recursos, del cual tuvimos la fortuna de recibir apoyo para la realización del catálogo. ¿Cuánto tiempo tardaron en realizar el catálogo? C.Y.: La catalogación del periodo Solidaridad ya estaba lista y la catalogación de Resistencia empezó en marzo del año pasado, por lo que ya se había avanzado mucho con obras pictóricas. Nosotros vamos registrando por tipo de obra: partimos con todas las pinturas, luego con los grabados y los papeles, y quedó al final la escultura. Fue en ese momento que entró el proyecto del catálogo, por lo que solo nos faltaba la escultura. El proceso de ordenar el material, edición y revisión terminó por enero de este año. ¿Ya tienen definidos los países con los que continuarán esta labor? MJ.P.: Estamos paralelamente trabajando con el envío de Gran Bretaña, pero hasta el momento estamos cerrando esta etapa. Son proyectos de gran envergadura, que nos demandan mucho tiempo. C.Y.: Queremos aclarar las historias de los envíos, el formato puede variar. En este caso fue un catálogo, pero también puede terminar en una exposición. No hay que olvidar que recién desde el año pasado se han comenzado a ordenar los archivos.

reportaje revista aal

ANDREA RODRÍGUEZ VIAL Un cuestionamiento a lo bello Arte Al Límite cumplió 14 años y decidió celebrarlo junto al mes de la patria, con una edición especial de artistas chilenos. La Edición 74 de la revista AAL llena sus páginas de diferentes técnicas y colores para difundir a artistas jóvenes o ya consolidados en el resto del mundo. Por Equipo Arte Al Límite. Imágenes cortesía de la artista. Edición Nº 74, Septiembre-Octubre.

Mausoleo #3, 2015, cerámica, 57 x 20 x 20 cms.

esde la instalación de Klaudia Kemper hasta el bordado de diversos artistas como José Romussi y Víctor Espinoza, en esta revista encontramos diversos trabajos que requieren tiempo, energía, proyectos, imaginación y concepto; un dibujo especializado y un elogio a la técnica.

Así, pasando por el dibujo, la fotografía y la escultura con artistas como Denise Blanchard y Sandra Santander, la forma va cobrando sentido a través de las manos de estos artistas, quienes reviven y recrean sus imaginarios para llegar a un público que cuestionará o admirará el trabajo de cada uno de ellos.

Quizás una de las formas que más llama la atención es el collage, el cual realizan artistas como Yisa y Mauricio Garrido, a través del recorte de diversas imágenes que luego armonizan y se entienden unas a otras en un diálogo permanente y cuestionador de nuestra realidad. La pintura, por otro lado, es abarcada de diversas formas con Hernán Gana, quien recrea la situación y experiencia que debe estar pasando Edward Snowden tras las puertas cerradas en el invierno ruso, con diversos paisajes nevados o sellados, bajo persianas, bajo el frío y la hostilidad del exilio; mientras Nicolás Radic presenta un trabajo realista, donde el juego de la luz y la técnica nos hacen creer que vemos papel o plástico, sin embargo es óleo sobre tela.

DRAMATURGIA COMPLACIENTE DESDE LA CERÁMICA Andrea Rodríguez Vial crea utilizando metáforas y una simbología basada en sus necesidades expresivas o conflictos internos. Objetos estéticamente bellos, figuras conocidas, de animales solitarios o varios de ellos juntos, uniéndose, luchando, conversando o mirándose de frente como en un espejo. Animales que conocemos, pero que se hacen admirables a la retina cuando se trata de una de sus obras. Pero Andrea va más allá de la gracia de la figura y lo complaciente que esta pueda ser, ella busca problematizar los conceptos otorgados por el hombre para convivir con los animales, para lo que maneja criterios como los de plaga, domesticación, bestialidad, extinción, entre otros. Y quizás la reflexión apunta, justamente a esa inconsciencia con que los tratamos, a esa cruda idea de que están para “servirnos” o bien para alimentarnos. Seres con una vida propia que parecen objetos ante la industria de la carne, ante los cazadores ilegales que son incapaces de respetar el ecosistema y sus propios tiempos; personalidades absurdas que cruzan sus vidas usando pieles exóticas, todo para demostrar que están por encima de unos seres maravillosos. El trabajo de esta artista, que moldea con sus manos cada figura creada, busca rescatar la esencia de los animales y perpetuar la enorme lucha que se realiza diariamente por un mundo más

justo, donde se respete la vida de aquellos que se están extinguiendo. De esta forma, durante dos años, Andrea ha trabajo el modelado en cerámica para, últimamente, ejecutar sus obras en cerámica cruda, elemento que permite establecer vínculos entre lo efímero y lo vulnerable que pueden ser los animales frente a una sociedad que cambia diariamente. Y el color también cobra sentido en su trabajo, siendo cada detalle un preciado espacio de expresión, por ejemplo, el blanco, siendo la vida y la muerte, un homenaje a la existencia del ser humano y del animal. Con un trabajo que puede recurrir a seis esculturas rotas para finalmente lograr la única perfecta; un formato que varía desde lo pequeño hasta una serie de pájaros colgando que van desde el techo al suelo; una ilusoria forma de ver la realidad que parece hermosa a la vista, pero compleja para la mente que se cuestiona qué pasa con estos seres y que no se queda tranquila hasta descubrirlo. Chile está lleno de maravillas, desde la cordillera hasta el mar, desde el norte hasta el sur. Artistas de regiones y de la capital, artistas que ya no residen en nuestro país, pero que acá comenzaron, artistas que ven los días como una nueva forma de crear y que entablan relaciones entre ellos por los cruces visuales y conceptuales que cada obra significa. Son ellos los que dan vida estás páginas, todos, artistas publicados por primera vez en nuestra revista.

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LIBROS AL LÍMITE

RECOMENDADOS AAL Helmut Newton (1920-2004) es uno de los fotógrafos alemanes más importantes del siglo XX. Su trabajo se caracteriza por el glamour, los desnudos femeninos y los tacones altos, lo cual se ve reflejado en Polaroids, libro editado en 2011, con fotografías reunidas por su viuda, June Newton. La fotografía digital nos quita la magia de la impresión que se realizaba minutos después de apretar el obturador. Sin embargo, Helmut Newton guardó consigo una cámara Polaroid de prueba con la que tomó diversas fotografías, durante más de tres décadas. “He decidido darlas a conocer, ya que tienen una vida propia. Siempre la tuvieron, aunque para él fueran meramente una orientación antes de llevar a cabo la sesión de fotos real”, señala June Newton en el prólogo del libro.

para Playboy, este libro muestra una increíble variedad de imágenes. Muchas de ellas previas a la fotografía final, otras tal y cual fue el resultado publicado. Polaroids, se presenta como una forma de atraer al espectador, a vivenciar y recorrer los años de trabajo de este atrevido alemán que fue capaz de hacer de la fotografía de moda un arte visual. Por Elisa Massardo / Chile.

POLAROIDS AUTOR: Helmut Newton EDITORIAL: Taschen

Desde la fotografía de moda hecha para Vogue hasta retratos de modelos, o bien los trabajos que realizó

Este libro es producto de un concurso público de ensayos del Centro de Documentación (CeDoc), que en su cuarta edición mantiene el interés en la investigación del arte en Chile durante los años 70 y 80, abordando una temática particular –que permite visualizar trabajos de diferentes investigadores– buscando conseguir y llenar los vacíos existentes en la historiografía nacional del arte desde diferentes perspectivas académicas: realidades artísticas, estéticas e históricas del arte chileno. Los ensayos ganadores cubrieron diferentes realidades, por un lado el ensayo de Claudio Galeno se enfocó en la producción artística de Guillermo Deisler durante su estadía en Antofagasta y el vínculo que forjó allí, época de mucha producción artística durante un período convulsionado de la historia a principios de los años 70. Paz López se adentra en la relación entre la escritura de Ronald Kay y la imagen fotográfica, realizando un análisis comparativo y teórico en conjunción con la

obra de Eugenio Dittborn. Por último Jocelyn Muñoz investiga sobre la divulgación del arte en espacios televisivos públicos durante los años 80, enfocándose en Demoliendo el Muro (UCVTV) programa que traía a la audiencia al mundo del arte, durante una época en la que se mantenía un estricto seguimiento a la programación de la televisión durante la Dictadura. Francisca Castillo / Chile.

ENSAYOS SOBRE ARTES VISUALES. PRÁCTICAS Y DISCURSOS DE LOS AÑOS 70 Y 80 EN CHILE. VOL. IV AUTOR: Claudio Galeno Ibaceta, Jocelyn Muñoz Báez, Paz López EDITORIAL: LOM AÑO: 2015 PRECIO: $ 10.000

AÑO: 2011 PRECIO: $ 48.800

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