PERÚ ARTE CONTEMPORÁNEO by Arte al Límite

Directora / Director Ana María Matthei Curador / Curator Gustavo Buntinx Edición / Editor Kristell Pfeifer Producción y Dirección de Arte / Production and Art direction Catalina Papic Diseño y diagramación / Design and layout Carlos Huerta Corrector de Texto / Text Corrector Valentina Escobar Verónica Morgado Traducción / Translation José Miguel Trujillo Este libro ha sido realizado gracias al aporte de Entel, a través de la Ley de Donaciones Culturales y el apoyo de la Corporación Patrimonio Cultural de Chile. Este libro se terminó de imprimir en noviembre de 2015 Impreso en Santiago de Chile. Imprenta Ograma. Primera Edición 2015 Todos los derechos reservados ©Arte Al Limite, 2015

ISBN 00000000000000

Proyecto acogido a la Ley de Donaciones Culturales

06 .......... MENSAJE DEL GERENTE GENERAL / MESSAGE FROM THE CHIEF EXECUTIVE OFFICER 08 .......... INTRODUCCIÓN / INTRODUCTION 10 .......... (NEO)BARROCO / (NEO)BAROQUE 16 .......... Proyecto A Imagen y Semejanza 22 .......... Christian Bendayán 28 .......... Harry Chávez 34 .......... Luis Martín Bogdanovich 40 .......... Christian Fuchs 46 .......... Moho Colectivo 52 .......... Jorge Cabieses 58 .......... Alice Wagner 64 .......... Pablo Patrucco 70 .......... Carmen Reátegui 76 .......... POST CONCEPTUAL 82 .......... Jota Castro 88 .......... Miguel Aguirre 94 .......... Fernando Bryce 100 .......... Sandra Gamarra 106 .......... POÉTICAS DEL RESTO / POETICS OF THE REMAINS 112 .......... Roberto Huarcaya 118 .......... Ernesto Benavides 124 .......... Sonia Cunliffe y Silvana Pestana 130 .......... Claudia Martínez Garay 136 .......... Rudolph Castro 142 .......... Gladys Alvarado 148 .......... Giancarlo Scaglia 154 .......... CHOLO POP 160 .......... Claudia Coca 166 .......... Cherman Quino 172 .......... Elliot Túpac y Decertor 178 .......... Fernando Gutiérrez (“Huanchaco”) 184 .......... BIOGRAFÍAS / BIOGRAPHIES

MENSAJE DEL GERENTE GENERAL

n Entel llevamos más de una década editando libros de arte, porque creemos que es una ventana única para conectarnos con visiones y emociones

diversas y enriquecedoras. Nuestra misión como empresa es ayudar a las personas a vivir mejor conectadas y este libro, “Perú Arte Contemporáneo”, que editamos con el patrocinio de la Corporación Patrimonio Cultural de Chile, es una invitación a “conectarnos” con el corazón del arte peruano contemporáneo. Un paso más en este camino.

Antonio Büchi Buc Gerente General Grupo Entel

MESSAGE FROM THE CHIEF EXECUTIVE OFFICER

t Entel, we have been publishing art books for a decade because we believe it is a unique window to connect with diverse and enriching visions and

emotions. Our mission as a company is to help people to live better connected and this book, “Perú Arte Contemporáneo” which we publish under the sponsorship of the Chilean Cultural Heritage Corporation, is an invitation to “connect” with the heart of contemporary Peruvian art. This is another step in that direction.

Antonio Büchi Buc

(NEO)BA

ARROCO

“LA IMAGEN ES LA SEMEJANZA DE OTRA COSA A LA QUE REPRESENTA EN SU AUSENCIA”. (JUAN DE TORQUEMADA. MONARCHIA INDIANA. 1615)

“The image is the similarity of something else represented it in its absence”. (Juan de Torquemada, Monarchia Indiana, 1615)

“A

l apostar por el examen de las políticas y programas de la imagen podemos comprobar que, a pesar del desplazamiento de un objeto de culto por otro, un objeto de dominación por otro, estas políticas siguen su curso en la medida que

resulten eficaces para el nuevo orden. El caso del barroco es ejemplar y nos lleva a la revisión y posterior creación de imágenes barrocas contemporáneas. El eje de culto ya no es la Divina Trinidad sino el Great Seal impreso tras los billetes de un dólar. Sin embargo, la imagen barroca no ha abandonado su sitial en este confín del orbe globalizado. Más bien se re-inventa con el ánimo de concluir una apropiación longeva”. “Through making our proposal on examining image policies and programs we can confirm that, despite the displacement of one cult object for another, one object of domination for another, these policies follow their course as far as they turn out to be efficient for the new order. The case of the baroque is exemplary and leads us to the review and later creation of contemporary baroque images. The cult axis is no more longer the divine trinity or the great seal printed on the back of dollar bills. But the baroque image has not abandoned its place in this confine of the globalized globe. Rather, it re-invents itself with the intention of concluding a long-lived appropriation”.

Trinidad Esférica, Proyecto A Imagen y Semejanza (AI&S) (Álex Ángeles, Carlos Lamas, Ángel Valdez), 2003, óleo y serigrafía sobre tela, 223 cm. diámetro. | Caja Negra, Proyecto A Imagen y Semejanza (Alfredo Márquez, Ángel Valdez), 2001, acrílico y serigrafía sobre tela, 240 x 240 cm. | Imagen / Estigma, Proyecto A Imagen y Semejanza (AI&S) (Álex Ángeles, Carlos Lamas, Ángel Valdez), 2004, acrílico y serigrafía sobre tela, 180 x 116,5 cm. | Trade Center (Fosa de valores), Proyecto A Imagen y Semejanza (AI&S) (Carlos Lamas), 2004, díptico, óleo y serigrafía sobre tela, 120 x 120 cm. cada panel / Trinidad Esférica, Proyecto A Imagen y Semejanza (AI&S) (Álex Ángeles, Carlos Lamas, Ángel Valdez), 2003, oil and serigraphy on canvas, 223 cm. diameter. | Caja Negra, Proyecto A Imagen y Semejanza (Alfredo Márquez, Ángel Valdez), 2001, acrylic and serigraphy on canvas, 240 x 240 cm. | Imagen / Estigma, Proyecto A Imagen y Semejanza (AI&S) (Álex Ángeles, Carlos Lamas, Ángel Valdez), 2004, acrylic and serigraphy on canvas, 180 x 116,5 cm. | Trade Center (Fosa de valores), Proyecto A Imagen y Semejanza (AI&S) (Carlos Lamas), 2004, diptych, oil and serigraphy on canvas, 120 x 120 cm. each panel.

“HAY MUCHO ARTE EN EL PERÚ QUE NO IMITA LO QUE VIENE DE AFUERA, QUE HURGA EN EL PENSAMIENTO, CREENCIAS Y SENTIMIENTOS DE LOS PUEBLOS PERUANOS. ES NECESARIO QUE COMPARTAMOS ESE CONOCIMIENTO CON EL MUNDO”.

“There is a great deal of art in Peru that does not imitate art from abroad, which delves into the ideas, beliefs and feelings of the Peruvian people. It is necessary for us to share that knowledge with the world”.

“L

o que hago es pintura charapa. Así como en la Amazonía peruana tenemos un hablar propio donde se mezcla el castellano con algunas palabras quechuas, otras de origen kukama-kukamiria, bora, huitoto o shipibo-conibo, en un modo que se dicen casi

cantando; de la misma manera, mi obra junta modos occidentales de pintura con ideas, sueños, mitos y costumbres de los pueblos de la selva, con una visualidad estridente, casi sonora y musical. En mis pinturas siempre hay una cita o reinterpretación de la obra de otro artista amazónico, ya sea reconocido o anónimo, urbano o indígena, histórico o contemporáneo. Considero importante hacer que el Perú reconozca la historia de esta región, su legado artístico y su contemporaneidad para que pueda asumirse como un país amazónico. Yo soy charapa y no puedo concebir el mundo sin la Amazonía, y el mundo no puede subsistir sin ella”. “What I do is Charapa painting. As we have a manner of speaking in the Peruvian Amazon, which mixes Spanish with Quechua words, and other languages of Kukama-Kukamiria, Bora, Huitoto or Shipibo-Conibo origin, in a way in which things are said almost singing; in the same way, my work brings together Western modes of painting with ideas, dreams, myths and customs of the Amazon people, with a strident visual character, almost resonant and musical. In my paintings there is always a quote or reinterpretation of the work of another Amazonian artist, be it someone established or anonymous, urban or indigenous, historical or contemporary. I consider it of importance to make Peru recognize the history of this region, its artistic legacy and contemporary status for it to be able to be assumed as an Amazonian country. I am Charapa and cannot conceive the world without the Amazon, and the world cannot survive without it”.

Fila India, 2012, óleo sobre tela, 170 x 300 cm. | Amazonas, 2007, óleo sobre tela, 220 x 360 cm. | El curandero del amor, 2011, óleo sobre tela, 200 x 200 cm. | Huarmi Boa 1, 2007, óleo sobre tela, 150 X 150 cm. / Fila India, 2012, oil on canvas, 170 x 300 cm. | Amazonas, 2007, oil on canvas, 220 x 360 cm. | El curandero del amor, 2011, oil on canvas, 200 x 200 cm. | Huarmi Boa 1, 2007, oil on canvas, 150 X 150 cm.

“EXPLORO EL CONOCIMIENTO ANCESTRAL DE MUCHAS CULTURAS, EN ESPECIAL LA ANDINO-AMAZÓNICA PERUANA. CON SINGULAR TÉCNICA Y SÍNTESIS PROPONGO UNA MITOLOGÍA VIVA, CONTEMPORÁNEA”.

“I explore the ancestral knowledge of many cultures, especially the Peruvian Andean-Amazonian one. With a singular technique and synthesis I propose a living, contemporary mythology”.

“E

l arte popular, el arte prehispánico, el arte nativo y el permanente mestizaje entre culturas locales y foráneas, es una dinámica recurrente y característica de nuestra historia. Este sincretismo ofrece un universo múltiple de colores, formas, símbolos y

credos, que pueblan mis obras como respuestas sensibles a las preguntas existenciales de pertenencia y sentido. Es importante que el espectador se sienta atraído por la obra. Que sienta asombro y perciba la belleza. Que la intensidad de este impacto y el universo simbólico que le ofrece la obra sean una invitación para la creación y el reconocimiento de un universo asombroso y bello dentro y fuera de sí mismo”. “Popular art, prehispanic art, native art and the ongoing miscegenation between local and foreign cultures is a recurring and characteristic dynamics of our history. This syncretism offers a universe filled with colors, shapes, symbols and creeds, which populate my works as an sensible answer to the existential questions of belonging and meaning. Is important that the spectator feels attracted to the work, for him to feel amazed and to perceive beauty. For the intensity of this impact and the symbolic universe it offers him to be an invitation to creation and an acknowledgement of an astonishing and beautiful universe inside and outside of itself”.

Maestra Curandera, 2012, cuentas de fantasía sobre MDP, 135 cm. diámetro | Sagrado Corazón de Jesús Curandero, 2009, collage de autoadhesivos sobre MDP, 165 x 165 cm. | Amaru Runa (Hombre serpiente), 2014, cuentas de fantasía sobre MDP, 120 x 240 cm. aproximadamente. / Maestra Curandera, 2012, fantasy beads on wood, 135 cm. diameter | Sagrado Corazón de Jesús Curandero, 2009, collage of stickers on wood, 165 x 165 cm. | Amaru Runa (Hombre serpiente), 2014, fantasy beads on wood, 120 x 240 cm. approximately.

“MI TRABAJO SE CENTRA EN EL DEVENIR DE LO ARQUITECTÓNICO, LO HISTÓRICO Y LO PATRIMONIAL, PERO SOBRE TODO EN LA OBSERVACIÓN Y CONTEMPLACIÓN DE LA MATERIA Y DE LAS FORMAS, YA SEAN ESTAS CONSTRUIDAS POR EL HOMBRE O POR LA NATURALEZA”.

“My work centers on the progression of architecture, history and heritage, but above all, on observation and contemplation of matter and the shapes, be they man-made or nature-made”.

“E

l personaje observa lo que el artífice quiere, y el espectador de la obra contempla, siente y experimenta lo que el personaje observa al interior del cuadro. Así, se plantea un diálogo tripartito. Los personajes nos hacen partícipes de esta experiencia de lo

inasible, sus espaldas nos invitan a entrar a la escena de silenciosa contemplación, sus siluetas -ensombrecidas por la luz del paisaje- enfatizan aún más la insignificancia humana frente a la naturaleza. El hombre es absorbido por ésta. En algunos casos nos transmite miedo, en otros, la vista es complaciente y llena al espectador de un sentimiento de melancolía y esperanza. Mi trabajo se centra en lo arquitectónico, en lo histórico y lo patrimonial, pero sobre todo en la observación y contemplación de la materia y de las formas, ya sean estas construidas por el hombre o por la naturaleza. En estos paisajes la persona funge de protagonista de la escena, aparentando que todo gira en torno a su medida. Sin embargo, es todo lo contrario; el personaje es tan sólo el pretexto que nos permite observar y descubrir, a través de sus ojos, la ubicuidad y plenitud de la naturaleza”. “The character observes what the author wants, and the spectator of the work contemplates, feels and experiences what the character observes in the painting. Thus, a three-party dialogue is established. The characters make us participants of this experience of what is elusive, their backs invite us to enter the scene of silent contemplation, its silhouettes –shadowed by the light of the landscape- emphasize human insignificance facing nature even further. Man is absorbed by it. In some cases it transmits us fear, in others, the sight is pleasing and fills the spectator with a feeling of melancholy and hope. My work centers on what is architectural, historical and patrimonial, but above all on observation and contemplation of matter and shapes, be they manmade or nature-made. In these landscapes the individual functions as protagonist of the scene, pretending that everything revolves in his measure. But it is all the opposite; the character is only the pretext that allows us to observe and discover, through his eyes, the ubiquity and plenitude of nature”.

Caminante adentrándose a la tormenta, 2013, fotografía digital, 180 x 120 cm. | Lomas de Lúcumo, 2013, fotografía digital, 180 x 120 cm. | Ruinas de Sacsayhuaman, 2013, fotografía digital, 120 x 180 cm. | Sobre los Andes, 2013, fotografía digital, 120 x 180 cm. / Caminante adentrándose a la tormenta, 2013, digital photography, 180 x 120 cm. | Lomas de Lúcumo, 2013, digital photography, 180 x 120 cm. | Ruinas de Sacsayhuaman, 2013, digital photography, 120 x 180 cm. | Sobre los Andes, 2013, digital photography, 120 x 180 cm.

“MI TRABAJO SE CENTRA EN LA MEMORIA, EN LA TRANSFERENCIA DEL ESPÍRITU A TRAVÉS DE LAS GENERACIONES Y EN REVIVIR EMOCIONES E HISTORIAS DE MIS ANCESTROS VIVIDAS EN OTROS ESPACIOS DE TIEMPO, USANDO MI CUERPO COMO VEHÍCULO”.

“My work centers on memory, in the transference of the spirit through generations and in re-living emotions and stories of my ancestors, experienced in other spaces of time, using my body as a vehicle”.

“E

l tema central de mi obra es la memoria. A través de fotografías, pinturas, diarios y otros elementos, reconstruyo mi historia personal y familiar. Es en ella en donde permanecen vivos los actos y vivencias de quienes nos precedieron. Existe también

una memoria genética que es la responsable de la transmisión de las características físicas y de personalidad, e incluso de las experiencias de nuestros antepasados que se encuentran grabadas en nuestro cuerpo. Definiría mi trabajo como fotoperformance, en donde uso mi cuerpo como un vehículo para revivir las memorias de personajes de mi familia de un pasado lejano, rompiendo de esta forma el concepto del tiempo lineal y usando la fotografía como medio. Para esto trabajo con especialistas en caracterización y vestuario, y creo los escenarios que me permiten encarnar a mis personajes”. “The central issue of my work is memory. Through photographs, paintings, diaries and other elements I reconstruct my personal and family history. It is there where the acts and experiences of those who came before us remain alive. There is also a genetic memory that is responsible for the transmission of the physical and personality characteristics, and even of the experiences of our ancestors, which are recorded in our body. I would define my work as photo-performance, where I use my body as a vehicle to relive the memories of people long gone in my family, thus breaking the concept of linear time, and using photography as a means. For this I work with specialists in characterization and wardrobe, and create the scenarios that allow me to embody my characters”.

Gran Mariscal Don Juan Bautista Eléspuru y Montes de Oca, 2014, autorretrato fotografía digital, 63 x 55 cm. | Doña Enriqueta Eléspuru y Martínez de Pinillos, 2015, autorretrato fotografía digital, 105 x 73 cm. | Doña Natividad Martínez de Pinillos Cacho y Lavalle, 2014, autorretrato fotografía digital, 63 x 55 cm. | Don Eulogio Eléspuru y Martínez de Pinillos, 2015, autorretrato fotografía digital, 130 x 98 cm. / Gran Mariscal Don Juan Bautista Eléspuru y Montes de Oca, 2014, digital photography self-portrait, 63 x 55 cm. | Doña Enriqueta Eléspuru y Martínez de Pinillos, 2015, digital photography self-portrait, 105 x 73 cm. | Doña Natividad Martínez de Pinillos Cacho y Lavalle, 2014, digital photography self-portrait, 63 x 55 cm. | Don Eulogio Eléspuru y Martínez de Pinillos, 2015, digital photography self-portrait, 130 x 98 cm.

“NUESTRA OBRA PARTE DEL UNIVERSO DOMÉSTICO, DESDE EL CUAL NOS VALEMOS DE LO ESTÉTICO PARA CAMUFLAR LO AMENAZANTE DE NUESTRAS EXISTENCIAS”.

“Our work starts off from the domestic universe, from which we use aesthetics to camouflage what is threatening about our existence”.

“N

uestro trabajo habla de cubrir, velar y ocultar las cosas que no funcionan del todo bien en los hogares. Valiéndonos de esa imagen como metáfora, al usar el nombre de “Moho” hablamos de todo aquello que lleva implícito el paso del tiempo, y que

se encuentra de cierta forma recubierto por elementos que distraen la mirada a lo esencial, entablando un paralelo con el estilo conservador de vida, el manejo de las relaciones interpersonales y el hogar. Identificamos cómo los objetos domésticos adquieren la carga de sus dueños, y que esta energía permanece con ellos más allá de la vida de sus propietarios. Buscamos el punto en el cual el objeto deja de ser un simple objeto, y adquiere “alma”. La decisión de trabajar con elementos deviene del análisis de nuestra cotidianeidad doméstica y de la manera cómo nos aferramos a lo material para encubrir ciertas carencias y de cierta forma, distraer la mirada. Es como una gran metáfora de las relaciones y el espacio doméstico”. “Our work speaks of covering, veiling and hiding things that do not function entirely well in

homes. Using that image as a metaphor, using the name “Moho” (mold), we speak of everything that the passing of time would imply, and which in a certain way is found covered by elements distracting the gaze to what is essential, establishing a parallel with the conservative lifepreserving style, the management of interpersonal relationships and the home. We identify how domestic objects acquire the load of their owners, and that this energy remains with them beyond the life of the owners. We seek the point in which the object ceases to be a simple object and acquires a “soul”. The decision of working with this elements originates from the analysis of our domestic everyday life and the way in how we hold on to material things to cover up certain shortages, and in a way, to distract the gaze. It is like a great metaphor of relations and the domestic space”.

Autorretrato, 2014, impresión en papel fotográfico, medidas variables. | El revés del afuera, 2014, instalación, medidas variables. | “Moscas“ de la serie Plaga, 2014, cerámica, 75 x 14 x 18 cm. | Sobremesa, 2014, ensamblaje de vajilla antigua, bronce, 87 x 102 x 19 cm. Fotografías: Talía Duclos / Autorretrato, 2014, printing on photo paper, variable measures | El revés del afuera, 2014, installation, variable measures | “Moscas“ from the series Plaga, 2014, ceramics, 75 x 14 x 18 cm. | Sobremesa, 2014, assembly of old crockery, bronce, 87 x 102 x 19 cm. Photography: Talía Duclos.

“AMPLIFICANDO Y MULTIPLICANDO LA PRESENCIA DE LAS FORMAS GEOMÉTRICAS A TRAVÉS DE LA GENERACIÓN DE PATRONES REPETIDOS Y UN DESPLIEGUE PREVISUALIZADO DE GAMAS DE COLOR RESPLANDECIENTE, CONSTRUYO IMÁGENES QUE APUNTAN A DIVERSAS FUENTES CULTURALES”.

“Amplifying and multiplying the presence of geometric forms through the generation of repeated patterns and a pre-visualized display of shining color spectrums, I build images pointing to diverse cultural sources”.

“E

l estatus de la imagen como tal es el constante cuestionamiento que estructura mi obra. Mi proyecto actual se inscribe en la liberación de cualquier asociación simbólica con la realidad. He intentado en esta ecuación cuajar un discreto sesgo crítico a lo

post-moderno, aquel que se dedica a sacralizar al fabricante de imágenes en desmedro de la imagen. El pintor mismo desaparece y el espectador acostumbrado al discurso de lo figurativo termina extraviado frente a la anulación de la historia y la reivindicación de lo esencial: la forma y el color. Así, en mi obra pretendo a través de una problematización del espacio, confrontarme a ciertos cánones de la imagen latinoamericana: la obsesión por la narración, el sentimentalismo exacerbado, el morbo de lo privado. Frente a ellos se establece una tensión constructiva en búsqueda de algo más universal, a pesar de mi propia angustia por la armonía y gracias a una íntima convicción de mis propios elementos”. “The status of the image as such is the constant questioning that structures my work. My current project is inscribed in the liberation of any symbolic association with reality. In this equation I have tried to set a discreet bias to what is post-modern, that which is dedicated to sacralize the image manufacturer to the detriment of the image. The very painter disappears and the spectator used to the discourse of figuration ends up lost facing the cancellation of history and the vindication of what is essential: shape and color. Thus, in my work I try, through a problematization of space, to confront certain cannons of the Latin American image: the obsession with narrative, an exacerbated sentimentalism, the morbidity of what is private. Facing them, a constructive tension is established in search of something more universal, despite my own anguish for harmony and thanks to an intimate conviction of my own elements”.

Sin título, 2012, pintura serigráfica sobre gobelino, 110 x 140 cm. | Sin título, 2012, pintura serigráfica sobre tapiz decorativo, 130 x 180 cm. | Sin título, 2012, pintura serigráfica sobre tapiz decorativo, 130 x 180 cm. | Sin título, 2012, pintura serigráfica sobre gobelino, 160 x 180 cm. / Untitled, 2012, silkscreen painting on tapestry, 110 x 140 cm. | Untitled, 2012, silkscreen painting on decorative tapestry, 130 x 180 cm. | Untitled, 2012, silkscreen painting on decorative tapestry, 130 x 180 cm. | Untitled, 2012, silkscreen painting on tapestry, 160 x 180 cm.

“CREO QUE LA IRONÍA ES UN COMPONENTE CLAVE EN MI TRABAJO, ESTÁ PRESENTE EN MAYOR O MENOR MEDIDA SEGÚN CADA PROYECTO, MUCHAS VECES CAMUFLADA Y OTRAS VECES MÁS EXPLÍCITA”.

“I believe irony is a key component in my work, it is present to a greater or lesser degree according to the project, many times camouflaged and at others more explicit”.

“M

i trabajo está caracterizado por el continuo uso de diversas técnicas y materiales. En los últimos años me he sentido atraída por los vestigios o rezagos de elementos culturales que alguna vez formaron parte de la circulación masiva.

La apropiación de material gráfico y su posterior re-elaboración con otros fines me han servido para explorar temas de memoria, pasado, identidad e historia. Considero que a pesar de la apacible pero deliberada ironía que envuelve a mi obra, existe un claro signo de lucidez. No es el retorno de lo real lo que propongo, sino una realidad no retornable. La paradoja que planteo es que todo se torna en ausencia sin que nada se hunda en el olvido. Y que todo se toque sin que medie proximidad alguna, porque estamos en un mundo de vasos comunicantes”. “My work is characterized by the ongoing use of diverse techniques and materials. The remains or things left behind by cultural elements that at one point were part of mass circulation, have attracted me in recent years. Appropriating graphic material and its later re-elaboration with other purposes has served me to explore issues around memory, the past, identity and history. I think that despite the placid but deliberate irony that surrounds my work, there is a clear sign of lucidity. It is not the return of what is real that I propose, but a non-returnable reality. The paradox I state is that everything turns into absence without anything sinking into oblivion. And that everything is touched upon without any proximity mediating because we are in a world of communicating vessels”.

Variaciones sobre un tema de Seurat #1, 2003, acrílico sobre lienzo, 180 x 220 cm. | Variaciones sobre un tema de Degas, 2004, acrílico sobre lienzo, 180 x 200 cm. | Variaciones sobre un tema de Cézanne, 2004, acrílico sobre lienzo, 130 x 150 cm. | Variaciones sobre un tema de Seurat #2, 2004, acrílico sobre lienzo, 180 x 220 cm. Fotografías:Juan Pablo Murrugarra / Variaciones sobre un tema de Seurat #1, 2003, acrylic on canvas, 180 x 220 cm. | Variaciones sobre un tema de Degas, 2004, acrylic on canvas, 180 x 200 cm. | Variaciones sobre un tema de Cézanne, 2004, acrylic on canvas, 130 x 150 cm. | Variaciones sobre un tema de Seurat #2, 2004, acrylic on canvas, 180 x 220 cm. Photography:Juan Pablo Murrugarra.

“MI TRABAJO ES UNA BÚSQUEDA PERSONAL POR LA HISTORIA DEL ARTE, PARA TERMINAR APROPIÁNDOME DE ELEMENTOS CON LOS QUE PUEDA ELABORAR UN DISCURSO COHERENTE”.

“My work is a personal search for the history of art, to end up appropriating elements with which I can elaborate a coherent discourse”.

“M

i trabajo siempre ha girado entre los que para mí son los tres grandes tópicos de la pintura: el retrato, el paisaje y el bodegón. Me apropio de imágenes y temas que, por cotidianos, nos terminan resultando invisibles. Lo hago, además, buscando

siempre una revalorización contemporánea del tema. Intento no provocar al espectador, le dejo una lectura imparcial de lo que yo veo y le permito a su vez que trate de sacar sus propias conclusiones. Siempre me preocupo de cuidar exhaustivamente mi trabajo, diría que en muchos aspectos soy un obseso en lo que se refiere a éste. Dar mi mejor esfuerzo y quedarme tranquilo con lo que entrego. Creo que eso en definitiva es lo que define lo que hago”. “My work has always moved within what for me are the three great issues of painting: portrait, landscape and still life. I appropriate images from issues that, because of their everyday character, end up seeming invisible to us. I always do this seeking a contemporary re-valuation of the issue. I try not to provoke the spectator, I leave him an impartial reading of what I see and simultaneously allow him to reach his own conclusions. I exhaustingly take care of my work, I would say that in many aspects I am obsessed in what affects it. Giving my best effort and stay at ease with what I deliver is what I think, in the end, defines what I do”.

Huacos, 2009, óleo sobre tela, 85 x 201 cm. | Santos, 2009, óleo sobre tela, 150 x 150 cm. | Zapatos, 2006, óleo sobre tela, 150 x 150 cm. / Huacos, 2009, oil on canvas, 85 x 201 cm. | Santos, 2009, oil on canvas, 150 x 150 cm. | Zapatos, 2006, oil on canvas, 150 x 150 cm.

“MI OBRA ABORDA AL SER HUMANO DESDE SUS PROCESOS BIOLÓGICOS DE LO TEMPORAL Y LA RE-SIGNIFICACIÓN DE AQUELLO QUE NOS HUMANIZA Y DEFINE. EL ÍCONO Y EL RITUAL COMO ESPACIOS DE REDENCIÓN Y FECUNDIDAD”.

“My works approaches human beings from their biological processes of what is temporary and the re-signification of that which humanizes and defines us, icons and rituals as spaces of redemption and fruitfulness”.

“E

n mi obra uso distintos medios de expresión para el desarrollo de un proyecto. Abarca al ser humano desde sus procesos biológicos de lo temporal. Hay, por lo tanto, una pugna entre Eros y Tánatos, donde juega un rol preponderante el deseo, que es aquello que

nos humaniza. Entrelazo lo sensual y lo espiritual desde el género femenino con la anatomía de nuestra líbido, establezco una tensión entre la pulsión carnal y la pulsión mística. Trabajo la ofrenda y el ritual como procesos de redención y fecundidad, como en el caso de los vegetales y tubérculos; papas y maíces transfigurados en piedra de Huamanga, o en la activación telúrica de los ciclos regeneradores de la existencia. La polisemia se encuentra al servicio de connotaciones sincréticas de tradiciones arcaicas vigentes aún y transfigurantes; reconciliando naturaleza y cultura”. “I use different means of expression for the development of a project. It covers the human being from his biological processes of what is temporary. There is, therefore, a struggle between Eros and Thanatos in which desire plays a prevailing role, and desire is what humanizes us. I intertwine what is sensual and spiritual from the female gender with the anatomy of our libido, I establish a tension between the carnal and the mystical pulse. I work on the offering and the ritual as processes of redemption and fruitfulness, as in the case of vegetables and tubers; potatoes and maize transfigured on Huamanga stone, or in the telluric activity of existence’s regenerating cycles. Polysemy is at the service of syncretic connotations of archaic traditions still prevailing and transfiguring; reconciling nature and culture”.

Qosqo (Ombligo cósmico), 2014, instalación (maíces tallados en piedra de Huamanga, uno recubierto con pan de oro), 30 x 245 x 265 cm. | Taita Sara (d’aprés Mantegna), 2011, pictoinstalación (cuadro: óleo y técnica mixta sobre tela, 105 x 120 cm.; sudario: urna de vidrio sobre base de acero, 49 x 74 x 160 cm.) | Sudario, 2014, fotografía sobre papel de algodón, 121 x 271 cm. / Qosqo, 2014, installation, carving corn on Huamanga stone, gold leaf on Huamanga stone. 30 x 245 x 265 cm. | Taita Sara, d’aprés Mantegna, 2011, picto installation, oil and mixed media on linen, 105 x 120 cm. Shroud: glass and steel urn. Glass: 49 x 74 x 160 cm. | Shroud, 2014, photography on cotton paper, 121 x 271 cm.

POST CON

NCEPTUAL

“TRABAJO SOBRE PROBLEMAS. PASO TODO MI TIEMPO INTENTANDO CONCENTRARLOS EN UNA IMAGEN, EN UNA IDEA, EN UNA LUZ O REFLEJO. HAY TANTOS PROBLEMAS QUE NUNCA ME FALTARÁ UN TEMA”.

“I work on issues. I spend all my time trying to concentrate them into an image, an idea, a light, or a reflection. There are so many issues I will never run out a theme”.

“M

is obras están basadas en el día a día. Nacen de reflexiones sobre problemas que me interesan, que despiertan mi curiosidad. Solamente si llego a convencerme de que la obra responde a mis interrogaciones teóricamente, la hago. Generalmente

comienzan con una lectura sobre un problema cualquiera en una primera fase, viene después el análisis de éste y mi visualización o respuesta. Los temas que trato son siempre sociales, utilizo el humor a veces y un lenguaje lo más simple posible. Desde el inicio de mi carrera juego con una idea de Donald Winnicott. Él hablaba de “deep culture” para explicar el fenómeno de la conservación de imágenes en nuestro inconsciente. Yo articulo y simplifico la imagen de la siguiente manera: el observador de mi obra tiene un disco duro en la cabeza repleto de imágenes que fueron archivadas sin mayor control. Es ahí donde aprovecho esa memoria pasiva para crear un objeto que pueda provocar, inconscientemente, que la persona que ve mi obra se identifique o identifique algo que provoque una reacción de su parte, positiva o negativa. Si logro que el observador recupere una imagen pasiva de su disco duro, ya gané su atención. Es casi una búsqueda de analogías en su mente”. “My works are based on everyday life. They arise from issues that interest me, awaken my curiosity. Only if I get to convince myself that the work theoretically responds to my questionings, I make it. Generally they begin with a reading on whatever issue during a first phase, and then its analysis and a visualization or response. The issues I work with are always social, I sometimes use humor and a language as simple as possible. I have worked on an idea by Donald Winnicott from the beginning of my career. He speaks of a “deep culture” to explain the phenomenon of the conservation of images in our subconscious. I articulate and simplify the image as follows: the observer of my work has a hard drive in his head full of images that were filed without much control. It is there where I take advantage of that passive memory to create an object that can provoke a reaction on his part, be it positive or negative. If I make the observer recuperate a passive image from his hard drive, I already earned his attention. It is almost a search for analogies in his mind”.

Shengen, 2012, acero galvanizado, 220 x 70 x 70 cm. | Zietgeist, 2012, madera, espejo con acabado de aluminio, 300 x 70,5 x 180,5 cm. | Us, 2011, madera, espejo con acabado de aluminio 700 x 720 x 2100 cm. / Shengen, 2012, galvanized steel, 220 x 70 x 70 cm. | Zietgeist, 2012, wood, mirror finished aluminium composite, 300 x 70,5 x 180,5 cm. | Us, 2011, Wood, mirror finished aluminium composite, 700 x 720 x 2100 cm.

“PROCURO LA (RE)INTERPRETACIÓN DE ACONTECIMIENTOS QUE NOS IMPULSEN A PENSAR LA HISTORIA, NO COMO UNA NARRACIÓN ÚNICA E INEQUÍVOCA, SINO PLURAL Y DIVERGENTE”.

“I aim for the re-interpretation of events to impulse us to conceive history, not as a sole and unequivocal narrative, but a plural and divergent one”.

“A

puesto por el género de pintura de historia porque me da la posibilidad de pensar el pasado reciente y el presente desde la perspectiva de su representación, sea esta una imagen “real” o una puesta en escena. A su vez, cuando pintas te incorporas

inevitablemente a una tradición de siglos. La Historia del Arte es un componente que “apadrina” cada pincelada que ejecutas. Sin embargo, esta Historia ya no es, felizmente, una verdad pétrea. Aquellas pinturas sobre la heroicidad de Napoleón –por citar un ejemplo- hoy nos parecen serviles y claudicantes. Los pintores de imágenes somos parte de esta rancia tradición, pero debemos ser muy conscientes de su alcance limitado, ahora y siempre. Mi obra, enmarcada en un determinado contexto artístico –una exposición, una publicación impresa, una mesa redonda- tendría que estimular aspectos como la subjetividad y la reinterpretación de acontecimientos, hechos que te impulsarían a pensar la Historia no como una narración única e inequívoca, sino plural y divergente”. “My proposal is on the genre of history painting because it grants me the possibility of

thinking about the recent past and the present from the perspective of its representation, be it with a “real” image or a staging. Simultaneously, when you paint you inevitably incorporate yourself into a tradition of centuries. The history of art is a component that “sponsors” every stroke you execute. But this history, happily, is no more a stony truth. Those paintings on Napoleon’s heroism –to cite an example- today seem servile and tame. We painters of images are part of this tradition, but we have to be very aware of its limited reach, now and always. My work, framed within a determined artistic context –an exhibition, a printed publication, a roundtable- would have to stimulate aspects such as subjectivity and the reinterpretation of events, facts that would impulse you to conceive history not as a sole and unequivocal narrative, but a plural and diverging one”.

Armenia, ca. 1916 (according to Egoyan) – II, de la serie Dramatization, 2007, óleo sobre papel, 25 x 35 cm. | Vietnam, ca. 1968 (according to Coppola) – III, de la serie Dramatization, 2008, óleo sobre papel, 25 x 35 cm. | Omaha Beach, June 6 1944 (according to Spielberg) – I, de la serie Dramatization, 2006, óleo sobre papel, 25 x 35 cm. | Baghdad, January 16 1991 (according to Jackson) – I, de la serie Dramatization, 2007, óleo sobre papel, 25 x 35 cm. / Armenia, ca. 1916 (according to Egoyan) – II, from the series Dramatization, 2007, oil on paper, 25 x 35 cm. | Vietnam, ca. 1968 (according to Coppola) – III, from the series Dramatization, 2008, oil on paper, 25 x 35 cm.| Omaha Beach, June 6 1944 (according to Spielberg) – I, from the series Dramatization, 2006, oil on paper, 25 x 35 cm. | Baghdad, January 16 1991 (according to Jackson) – I, from the series Dramatization, 2007, oil on paper, 25 x 35 cm.

“LO QUE LOS DIBUJOS PRETENDEN, EN TANTO HECHO ESTÉTICO, ES DAR OTRA VISIBILIDAD A TODO ESTE MUNDO DE IMÁGENES ENTENDIDAS COMO EVIDENCIAS DE LA HISTORIA COLECTIVA Y SOCIAL, PERO TAMBIÉN COMO REPRESENTACIONES Y CONSTRUCCIONES IDEOLÓGICAS”.

“What the drawing aim for, as aesthetic fact, is giving another visibility to this world of images understood as evidences of collective and social history, but also as ideological representations and constructs”.

“H

ay una cierta intención en general en mi trabajo, que tiene que ver con una idea de transfigurar estas imágenes, sacándolas del archivo y replanteando su contexto histórico. En la fuente están condenadas a ser prisioneras de su tiempo, de las

circunstancias en las que fueron construidas. Todo ese mundo lo saco con la copia. El documento es un hecho del pasado, el dibujo es un hecho nuevo. Al transfigurar el documento, al dibujarlo, lo que me interesa es que se convierta en otra cosa, que se libere de su materialidad original y del orden institucional en el que está inscrito. Ya no es el periódico y eso me gusta. Al estar asociado a otras imágenes también se establece la igualdad iconográfica y se puede iniciar una suerte de discurso a través de las imágenes, que las va cuestionando en un proceso de reproducción y reordenamiento visual”. “There is a certain general intention in my work, which has to do with an idea of transfiguring these images, taking them out of the archive and restating its historical context. At the source they are condemned to being prisoners of their time, of the circumstances in which they were built. I take out that entire world with copying. The document is a fact of the past, a drawing is a new fact. When transfiguring the document, drawing it, what I am interested in is for it to turn into something else, for it to free itself of its original materiality and of the institutional order it is inscribed in. It is no longer the newspaper, and I like that. Through being associated to other images it also establishes the iconographic equality, and a kind of discourse of images, which goes on to questioning them in a process or reproduction and visual reordering”.

Atlas Perú, 2000-2001, 494 dibujos, tinta sobre papel, 30 x 21 cm. cada uno. / Atlas Perú, 2000-2001, 494 drawings, ink on paper, 30 x 21 cm. each.

“SIN COPIA, NO HAY ORIGINAL. LA COPIA REMITE A LA MEMORIA, A LA COMUNIDAD, AL TRABAJO CONJUNTO; LA ORIGINALIDAD, A LA SOLEDAD, AL VACÍO. CREO QUE TANTO UNA COMO LA OTRA SON DIFERENTES ESTADOS DE LO MISMO”.

“Without a copy, there is no original. The copy remits to memory, the community, the joint work, loneliness, and emptiness. I believe that both are different states of the same thing”.

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“M

i trabajo utiliza los mecanismos del mundo del arte, su comercio, exhibición y procesos de producción para hacer con ello una reflexión acerca de la realidad y su sistematización. Para mí la ficción, la traducción y la selección son ingredientes

esenciales de la realidad, que a gran escala se disuelven en el espectáculo, haciéndose imperceptibles. Mediante mi trabajo quiero, al reducir los elementos que intervienen, señalar estos procedimientos para hacerlos latentes y cuestionar nuestra participación en ellos. Mi obra propone que una de las maneras de responder y hacer frente a esta realidad es utilizar sus propios mecanismos de “creación” para formular fricciones mediante una re-selección de esta supuesta totalidad siempre parcial”. “My work uses the mechanisms of the art world, its commerce, exhibition and production processes to reflect about reality and systematization. Fiction, translation and selection are for me essential ingredients of reality, which at a great scale dissolve into the spectacle, becoming unperceivable. Through my work, reducing the elements that intervene, I want to point out these procedures to make them latent and questioning our participation at them. Mi work proposes that one of the ways to answer and facing this reality is using its very mechanisms of “creation” to formulate through a re-selection of that ever-partial supposed totality”.

Oradora II, 2008, óleo sobre tela, 195 x 162 cm. | San Sebastián, 2008, óleo sobre tela, 195 x 195 cm. Cortesía Galeria Leme, Sao Paulo | Clara, 2008, óleo sobre tela, 200 x 440 cm. Fotografía: Galería Leme, Sao Paulo / Oradora II, 2008, oil on canvas, 195 x 162 cm. | San Sebastián, 2008, oil on canvas, 195 x 195 cm. Photography: Galeria Leme, Sao Paulo | Clara, 2008, oil on canvas, 200 x 440 cm. Courtesy Galeria Leme, Sao Paulo

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POÉTICAS

DEL RESTO

“EL PROYECTO CAMPOS DE BATALLA BUSCA, A TRAVÉS DE IMÁGENES DE PAISAJES DONDE SE DIERON ENFRENTAMIENTOS IMPORTANTES, INDUCIR A REFLEXIONAR SOBRE LOS PROCESOS HISTÓRICOS DE LA CONSTRUCCIÓN DE UNA NACIÓN”.

“The project seeks to, through images of countries in which important conflicts occurred, inducing a reflection on historical processes of the construction of a nation”.

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“M

i trabajo ha sufrido un desplazamiento en términos temáticos. Inicialmente se centraron en temáticas referidas a la identidad individual y de género para después desplazarse a temas vinculados a generar una reflexión sobre la identidad del país

en términos históricos y actuales. En otras palabras, un desplazamiento temático del sujeto a lo social. Otro tema que tiene un tejido continuo es lo referido a lo marginal en el sentido más amplio del término. Mi intención es generar un tipo de estímulo que interpele al espectador y que lo deje reflexionando sobre el tema, no induciendo a respuestas sino sólo a preguntas y dudas, cuestionando. Definiría mi obra como experimental, en términos que cada trabajo y proyecto desarrollan su propio proceso en donde se va configurando su identidad visual, pero también la búsqueda del mejor medio y/o formato para desarrollarlo. Esto genera una aparente discontinuidad formal, donde la continuidad se da a un nivel más complejo de ejes temáticos”. “My work has suffered a displacement in thematic terms. Initially they were centered on issues referred to individual and gender identity for later diverge to themes linked to generating a reflection on the identity of the country in historical and current terms. In other words, a thematic displacement from the subject, to what is social. Another issue that has an ongoing weave is referred to what is marginal in the broadest sense of the word. My intention is generating a stimulus to question the spectator and leave him reflecting on the issue, not inducing answers, but only questions and doubts. I would define my work as experimental, in terms that every work and project develop their own process in which its visual identity goes on the configured, but also the search for the best means and/or format to develop it. This generates an apparent formal discontinuity in which continuity is given on a more complex level than on thematic axes”.

“Iquique. Punta Angamos. 8 de octubre de 1879” de la serie Campos de batalla, 2010, transparencia 6 x 12 cm. copia inyección de tinta, 200 x 52 cm. | “Ayacucho. Pampa de la Quinua. 9 de diciembre de 1824” de la serie Campos de batalla, 2011, transparencia 6 x 12 cm. copia inyección de tinta, 200 x 52 cm. | “Cuzco. Sacsayhuaman. 1536” de la serie Campos de batalla, 2011, transparencia 6 x 12 cm. copia inyección de tinta, 200 x 52 cm. | “Chorrillos. 13 de enero de 1881” de la serie Campos de batalla, 2010, transparencia 6 x 12 cm. copia inyección de tinta, 200 x 52 cm. / “Iquique. Punta Angamos. 8 de octubre de 1879” from the series Campos de batalla, 2010, transparency, 6 x 12 cm. copy inkjet, 200 x 52 cm. | “Ayacucho. Pampa de la Quinua. 9 de diciembre de 1824” from the series Campos de batalla, 2011, transparency, 6 x 12 cm. copy inkjet, 200 x 52 cm. | “Cuzco. Sacsayhuaman. 1536” from the series Campos de batalla, 2011, transparency, 6 x 12 cm. copy inkjet, 200 x 52 cm. | “Chorrillos. 13 de enero de 1881” from the series Campos de batalla, 2010, transparency, 6 x 12 cm. copy inkjet, 200 x 52 cm.

“LA FOTOGRAFÍA, YA SEA COMO EXPRESIÓN PERSONAL, DOCUMENTO AUTÉNTICO O DEMANDA, OFRECE UNA VARIEDAD INFINITA DE OPINIONES E INTERPRETACIONES. YO QUIERO, CON MI FOTOGRAFÍA, GENERAR DEBATE Y PLANTEAR UNA CUESTIÓN”.

“Photography, be it as a personal expression, an authentic document or a demand, offers an infinite variety of opinions and interpretations. I wish to, with my photography, generate a debate and state an issue”.

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“M

e alejo de temas personales, ya sea de índole familiar psicológica o cualquier cosa que me involucre, aunque no podría negar que mi personalidad debe de estar reflejada en mi trabajo. Fuera de eso, los temas están afuera y cada uno

va escogiéndolos de acuerdo a su propia experiencia de vida, recuerdos, impresiones, fascinaciones. En mis fotografías espero reflejar lo que cada uno sea capaz de ver por su propia cuenta. Quizás sea sorpresa, cuestionamientos, alegría o dolor. A fin de cuentas, la reacción va a ir ligada al tema que esté representando. Es una gran sorpresa analizar la reacción del público luego de exhibir un trabajo. Mi obra está en constante proceso de cambio. El desarrollo de mi estilo fotográfico es el viaje, mas no el destino”. “I keep away form personal issues, be it of family, psychological or anything involving myself, even if I could not deny that my personality must somehow be reflected in my work. Apart from this, my issues are on the outside and everyone goes on to choosing them according to their own life experience, memories, impressions, fascinations. In my photographs I hope to reflect what everyone is capable of seeing on their own. It may be surprise, questionings, happiness or pain. In the end, the reaction will be linked to the issue being represented. It is greatly surprising to analyze the public’s reaction when exhibiting a piece. My work is in a constant process of change. The development of my photographic style is the trip, but not my destiny”.

De la serie Wanu, 2009, fotografía digital, 80 x 120 cm. / From the series Wanu, 2009, digital photography, 80 x 120 cm.

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“CRITICAMOS Y DESAFIAMOS LOS LUGARES COMUNES Y LAS CÓMODAS CONVENCIONES CON QUE EL PENSAMIENTO ESTABLECIDO REPRIME EL FRACASO FUNDACIONAL DE NUESTRA HISTORIA CONTEMPORÁNEA”.

“We criticize and challenge the commonplace and the comfortable conventions with which the establishment represses the foundational failure of our contemporary history”.

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“N

uestra obra aborda temas de memoria y reflexiona sobre heridas no resueltas en la historia reciente de nuestro país. Hablamos de un hecho trascendente que nos afectó tanto política como socialmente: la reforma agraria. La enfocamos a través

de la mirada de un grupo de niños, los cuales se encuentran en una situación de abandono por las circunstancias políticas en las que se ve envuelto el Perú en ese momento. Con nuestra obra intentamos construir sentidos esenciales políticos, poéticos, radicales: hacemos una crítica extrema, desafiando los lugares comunes y las cómodas convenciones con que el pensamiento establecido no niega, sino reprime el fracaso fundacional de nuestra terrible historia contemporánea y sus consecuencias traumáticas que aún nos asolan. Es mediante un cuento, una mirada infantil, que buscamos conmover al espectador, evidenciando así cómo la infancia siempre queda al margen de las decisiones políticas. Trabajamos poéticamente el tema del desarraigo mediante una metáfora, resumiéndolo en una frase recurrente en la obra: “Los canarios no sobreviven en libertad”. “Our work addresses the issues of memory and reflects on unresolved wounds in our recent

history. We speak of a transcendental event that affected us both politically as well as socially: the land reform. We approached it through the glance of a group of children, who are in a situation of abandonment due to the political circumstances in which Peru was at the time. With our work we try to build essential political, poetic, radical senses: we make an extreme criticism, challenging the commonplace and the comfortable conventions with which the establishment’s ideas does not deny, but represses the foundational failure of our terrible contemporary history and its traumatic consequences still affecting us today. Through a story, a child’s glance, we seek to move the spectator, thus evidencing how childhood always left at the margins of political decisions. We work the issue of alienation poetically, through a metaphor, condensing it in one recurring sentence in the piece: “Canaries do not survive freedom”.

Casona Sojo, 2014, fotografía digital, impresión digital, 180 x 200 cm. | Entrada Casona Sojo, 2014, fotografía digital, impresión digital, 180 x 200 cm. | Torre caída, 2014, técnica mixta, impresión fotográfica sobre tela, intervenida con acrílico, 180 x 200 cm. / Casona Sojo, 2014, digital photography, digital printing, 180 x 200 cm. | Entrada Casona Sojo, 2014, digital photography, digital printing, 180 x 200 cm. | Torre caída, 2014, mixed media, photo printing on canvas, acrylic intervened, 180 x 200 cm.

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GARAY “ME INTERESA LA CUALIDAD ATEMPORAL DE LA IMAGEN DE ARCHIVO Y CÓMO, A TRAVÉS DE ELLA, SE REVELA LA RELACIÓN ENTRE LO QUE SE RECUERDA Y LO QUE SE CONSTRUYE COMO RECUERDO”.

“II am interested in the timeless quality of the archival image and how through it, the relation between what is remembered and what is built as a memory is revealed”.

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“M

i trabajo toma como punto de partida la historia reciente peruana. Me baso en la observación, análisis e investigación de archivos visuales, de los acontecimientos que se dieron durante la guerra interna. En este momento,

más que los acontecimientos en sí, me interesa cómo se construye la historia y lo que recordamos a partir de las imágenes de archivo. Y cómo, a través de distintas estrategias de construcción y transformación de la imagen, se puede cambiar no sólo la percepción individual, sino la histórica. Espero que el espectador cuestione lo que mira y cómo lo mira; es decir, que confronte su posición con respecto a lo que observa. La mayoría de mis trabajos están planteados para leerse en dos momentos, primero a través de lo visual y segundo, a través del contenido e interpretación de la materialidad. Ambos momentos pueden confrontarse o contradecirse, y esa sensación se da posteriormente de una manera simultánea, lo cual puede causar cierta incertidumbre. Relaciono ese estado con las propias contradicciones en las que muchas veces nos encontramos”. “My work takes recent Peruvian history as a starting point. I am based on observation, analysis and research of visual archives, of the events occurred during the civil war. In this moment, more than the events themselves, I am interested in how history is built and what we remember from archival images. And how, through different strategies of image construction and transformation, one can change not only individual perception, but history. I hope the spectator questions what he sees and how he sees it; this is, to confront his position in relation to what he is observing. The majority of my works are stated to be read in two moments, first through what is visual, and second, through the content and interpretation of materiality. Both moments can confront or contradict each other, and that feeling later appears simultaneous, which can cause a certain uncertainty. I relate that state with the very contradictions we often find ourselves in”.

Detrás del ícono 2, 2010, impresión digital y serigrafía sobre papel de algodón, 88 x 59 cm. | Detrás del ícono 1, 2010, impresión digital y serigrafía sobre papel de algodón, 59 x 88 cm. | Detrás del ícono 3, 2010, impresión digital y serigrafía sobre papel de algodón, 57 x 89 cm. | Detrás del ícono 5, 2010, impresión digital y serigrafía sobre papel de algodón, 79 x 59 cm. / Detrás del ícono 2, 2010, digital print and serigraphy on cotton paper, 88 x 59 cm. | Detrás del ícono 1, 2010, digital print and serigraphy on cotton paper, 59 x 88 cm. | Detrás del ícono 3, 2010, digital print and serigraphy on cotton paper, 57 x 89 cm. | Detrás del ícono 5, 2010, digital print and serigraphy on cotton paper, 79 x 59 cm.

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“SON EL JUGUETE Y EL JUEGO LOS QUE SUBYUGAN A MI MEMORIA ADULTA, TOMANDO RECUERDOS PERSONALES Y COLECTIVOS MEDIANTE LA FRAGILIDAD DE LOS OBJETOS INERTES QUE RETRATABAN ALGÚN MOMENTO EN EL TIEMPO Y CONDICIÓN DEL SER HUMANO”,

“Toys and games subjugate my adult memory, taking personal and collective resources through the fragility of these inert objects that portrayed some moment in time and the human condition”.

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“A

través de los objetos que exploro, descubro, aprendo e interactúo mediante múltiples soportes, adecuándome a su desarrollo. Tomo ese espacio del tiempo en donde sus historias convivían y vivían. La memoria es el eje de palabra de mis

trabajos: recojo recuerdos personales y colectivos mediante la fragilidad de los objetos casi inertes que retrataban alguna condición del ser humano. Espero resaltar la dignidad humana, remover conciencias y despertar inquietudes sobre la brutalidad y violencia manchada en nuestra historia. Es una línea de denuncia social y aproximación a los problemas comunes que, pugnando por su promoción y defensa, intentan alimentar nuestra desnutrida memoria colectiva”. “Through the objects I explore, discover, learn and interact through multiple supports,

adapting to their development. I take that space of time in which their histories coexisted and lived. Memory is the word axis of my works: I gather personal and collective memories through the fragile nature of the almost inert objects that portrayed some condition of human beings. I hope to point out human dignity, moving consciences and awakening concerns on the brutality and violence splattering our history. It is a line of social denouncement and an approximation to common problems, which, struggling for their promotion and defense, try to feed our undernourished collective memory”.

3, 2, 1……BOOM!!, 2008, técnica mixta sobre tela, 100 x 140 cm. | Tres, dos, uno, 2010, instalación (fierro pintado, automóvil a pedales de lata siniestrada, desmonte, audio digital), automóvil: 105 x 100 x 58 cm., instalación: 10m2 aprox. | El Frontón, 2009, lápiz y carbón vegetal sobre backlight, 65 x 125 cm. | 4644 - 4643 = Putis, 2009, técnica mixta sobre tela, 100 x 170 cm. / 3, 2, 1……BOOM!!, 2008, mixed media on canvas, 100 x 140 cm. | Tres, dos, uno, 2010, installation (painted iron, pedal car, disassemble, digital audio), car: 105 x 100 x 58 cm. Installation: 10m2 aprox. | El Frontón, 2009, pencil and charcoal on backlight, 65 x 125 cm. | 4644 - 4643 = Putis, 2009, mixed media on canvas, 100 x 170 cm.

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“EXISTEN CIUDADES QUE SE HACEN INVISIBLES A SUS HABITANTES. TRATO DE HACERLAS VISIBLES, QUE SEAN DESCUBIERTAS POR QUIENES LAS TRANSITAN DIARIAMENTE”.

“There are cities that become invisible to their inhabitants. I try to make them visible, for them to be discovered by those who daily transit them”.

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“¿Q

ué evocan los restos arquitectónicos, las paredes incompletas, los pedazos de techos regados por todas partes? Bloques sólidos de concreto, ladrillos, polvo. La isla ha vuelto a ser lo que fue originalmente: una isla guanera. Sin

embargo, al caminar sobre capas de materia orgánica mezclada con fragmentos inorgánicos, se percibe la sensación de un desplazamiento dentro de un gran espacio mutilado, de un resto al que le falta algo. La erosión, el fuerte olor, el crujir de las plumas y sus cartílagos bajo mis pies me hicieron notar que la naturaleza está reclamando nuevamente esa isla para sí. Mas, frente a este paisaje, y hasta ante su reproducción, cortada, sesgada, seccionada, sentí y pensé en todo lo que conozco de la época en la que El Frontón no era lo que es hoy. Me perturba fuertemente esto que pertenece a mi historia, que forma parte de mi memoria. Para mi generación, las imágenes son signo de la guerra interna más cruenta que ha sufrido el Perú y a la que fuimos expuestos durante nuestros años de crecimiento, de afianzamiento como personas. Nos remiten a algo que aún está ahí. El Frontón es a la vez detritus, resto, presencia mutilada, presencia de una ausencia. ¿Es demasiado pronto para reconocerlo como una ruina contemporánea? ¿Demasiado tarde para desaparecerlo?”. “What do the architectural remains, the crumbling walls, the pieces of roofs scattered

everywhere evoke? Solid concrete blocks, bricks, dust. The island has again become what it was, a guano island. But when walking on the layers of organic matter mixed with inorganic fragments, you can perceive a displacement within a great, mutilated space, of remains that are missing something. Erosion, the strong smell, the rustle of the feathers and their cartilage under my feet made me notice that nature is again claiming the island for itself. Furthermore, facing this landscape, and even its reproduction, cut, sloped, sectioned and I felt and thought in everything I know about the time in which El Frontón was not what it is today. I am strongly disturbed with this being part of my history, which is part of my memory. For my generation, the images are a sign of the cruelest civil war Peru has suffered, and to which we were exposed during our formative years, of consolidating ourselves as individuals. They remit us to something that is still there. El Frontón is at once detritus, remains, mutilated presence, the presence of an absence. Is it too soon to recognize it as contemporary ruins? Is it too late to make it disappear?”

“El Frotón VI“, de la serie Demasiado pronto / Demasiado tarde, 2009, fotografía digital | “El Frotón VIII“, de la serie Demasiado pronto / Demasiado tarde, 2009, fotografía digital | “El Frortón XIX“, de la serie Demasiado pronto / Demasiado tarde, 2009, fotografía digital / “El Frotón VI“, from the series Demasiado pronto / Demasiado tarde, 2009, digital photography | “El Frotón VIII“, from the series Demasiado pronto / Demasiado tarde, 2009, digital photography | “El Frotón XIX“, from the series Demasiado pronto / Demasiado tarde, 2009, digital photography.

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“LA ISLA ME HABLA DE SU PASADO, Y ES EN ESTE DIÁLOGO ENTRE ELLA Y YO, QUE BUSCO RESPUESTAS A NUESTRO FUTURO”.

“The island speaks to me of its past, and it is in that dialogue between it and myself, that I search for answers to our future”.

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“M

i trabajo busca reinterpretar distintos acontecimientos del conflicto armado ocurrido entre los años 80 y 90 en el Perú. Mi interés por recontextualizar estos sucesos dentro del campo del arte, me llevan a cuestionarme en todo momento

el origen de las vanguardias y a preguntarme de qué depende que una acción o un gesto sean considerados arte o no. Sobre el proyecto Poéticas del resto (Stellar 1), luego de una investigación de tres años en la isla El Frontón, reúno un cuerpo de obra que aborda un hecho trágico, tratando de hacer un llamado a la memoria. El Frontón adquirió significancia histórica cuando el 18 de junio de 1986 se convirtió en el escenario del motín que daría lugar a uno de los enfrentamientos más violentos entre las Fuerzas Armadas y la agrupación Sendero Luminoso”. “My work seeks to reinterpret different events of the armed conflict between the 80s and 90s in Peru. My interest for re-contextualizing these events within the field of art leads me to question the origin of avant-gardes at all times, and asking myself what an action or gesture depends on for being considered art or not. About the Poéticas del resto (Stellar 1) (poetics of the rest, stellar 1), after a three-year research on El Frontón island, I gather a body of work that touches on a tragic event, trying to make a call for memory. El Frontón took on historic significance when on June 18, 1986 it turned into the scenario of the El Frontón riot, one of the most violent confrontations between the armed forces and the Sendero Luminoso guerrilla”.

Plumbum Orión, 2015, instalación, estructura de plomo recuperado de balas derretidas, escombros encontrados en la Isla de El Frontón y óleo sobre tela, medidas variables | Stellar (Comedor Guardia Republicana), 2014, tinta sobre papel de arroz, 980 x 320 cm. / Plumbum Orión, 2015, installation, lead structure made of melted bullets, rubble found in El Frontón Island and oil on canvas, variable measures | Stellar (Comedor Guardia Republicana), 2014, ink on rice paper, 980 x 320 cm.

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CHOLO

O POP

“EL LENGUAJE Y SU NARRATIVA TRABAJAN COMO RECURSO PARA ESTABLECER RELACIONES DE PODER; EL LENGUAJE Y SU POÉTICA, PARA INSTALAR LOS IMAGINARIOS COLECTIVOS”.

“Language and its narrative work as a resource to establish relations of power; language and its poetics, work to install collective imageries”.

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“M

i obra toca temas políticos y culturales, todos contemporáneos: género, ciudadanía, mestizaje y racismo. En mi trabajo analizo las estrategias coloniales en la creación del discurso racial y cómo, a través de diferentes imaginarios colectivos, éste se fue

instalando en la sociedad latinoamericana. Analizo también el lenguaje y cómo se construyen las ideas sobre las jerarquías de género o la racialidad del mestizaje, como herramientas para establecer un orden jerárquico y así generar relaciones de poder. En el desarrollo de mi obra y su recorrido interdisciplinario, los textos y la palabra han tenido un lugar relevante, no sólo por la importancia del concepto y un desarrollo discursivo al plantear sus ideas y finalidades, sino por la importancia del lenguaje como medio para comunicarme con el espectador, directa o indirectamente. Los títulos de mis obras, así como los textos incluidos en ciertas piezas, han hecho que mi lenguaje artístico no se encuentre sólo en la imagen. En las últimas series he desarrollado la implicancia de la palabra y la poética en mi discurso visual. Éstas se han complementado con el lenguaje como fin y medio de mi propio discurso”. “My work touches on political and cultural issues, all of them contemporary: gender, citizenship, miscegenation and racism. In my work I analyze the colonial strategies in the creation of the racial discourse and how, through different collective imaginaries, it went on the install itself in Latin American society. I also analyze language and how the ideas on gender hierarchy and the raceness of miscegenation, as tools to establish a hierarchical order and in that way generate relations of power. In the development of my work and its interdisciplinary tour, texts and words have had a relevant

position, not only because of the importance of the concept and a discursive development when stating its ideas or purposes, but because of the importance of language as a means of communicating with the spectator, directly or indirectly. The titles in my work, as the texts included in certain pieces have made my artistic language not only reside in an image. In the latest series I have taken on the implication of words and the poetics of my visual discourse. These have complemented with language as a purpose and means of my own discourse”.

Luchadora, 2005, acrílico sobre tela, 180 x 100 cm. | It’s Hot, 2007, acrílico sobre tela, 180 x 120 cm. | Crying Girl. D’aprés, Lichtenstein, 2004, acrílico sobre tela, 170 x 217 cm. | Plebeya, 2005, acrílico sobre tela, 150 x 192 cm. / Luchadora, 2005, acrylic on canvas, 180 x 100 cm. | It’s Hot, 2007, acrylic on canvas, 180 x 120 cm. | Crying Girl. D’aprés, Lichtenstein, 2004, acrylic on canvas, 170 x 217 cm. | Plebeya, 2005, acrylic on canvas, 150 x 192 cm.

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“ANTE TODO SOY GRAFISTA, QUE ES ALGO ASÍ COMO DIBUJAR SIN LÍMITES DE NADA”.

“Above all I am a graphic artist, which is something like drawing without any limits”.

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“M

i trabajo esencialmente viene del cómic. En los 70 fui parte de su época de plata, tuve la suerte de llegar a crecer en sitios repletos de cómics y dibujos, paredes en kioskos y mercados, la variedad era notable. Los viajes que hiciera con mi padre

y hermano hacia el norte me llevaron a vivir pensando en un país hecho cómic, hecho historieta. Con el tiempo, quise ver mi versión de nuestra cultura e historia y ahí nació la idea de dedicarme con cierta preocupación a los retratos, que con el tiempo son quizás la parte más importantes de mi gráfica coleccionable. Creo que soy grafista sobre todo, para mí es tan importante dibujar como diseñar, hacer cómic, humor gráfico, lápices, acrílicos, pintar en un lienzo o pintar en una plataforma. No creo en los límites en ningún tipo de mundo. Por el momento aprovecho tener la paciencia y fuerzas para seguir usando una computadora y hacer vectores horas tras horas, pero quién sabe, algún día tal vez pueda dejar de tenerlos como soporte principal. Una foto no dice necesariamente lo que conlleva un dibujo, una ilustración... y es precisamente ese límite en donde nos encontramos”. “My work essentially comes from comics. In the seventies I was part of their silver age, I was lucky of growing up around places full of comics and drawings, stacks at kiosks and markets, the variety was considerable. The trips north I took with my father and brother led me to live thinking in a country turned a comic strip. Over time, I wanted to see my version of our culture and history, and thus the idea of somehow worryingly dedicating myself to portraits, which over time are perhaps the most important part of my collectable graphics. I believe I am a graphic designer above all, for me it is as important as designing, drawing comics, graphic humor, pencils, acrylics, painting on a canvas, or on a platform. I do not believe in limits in any kind of world, for the moment I take advantage having patience and the strength to keep using a computer and make vectors for hours, but who knows, one day I might stop having them as main support. A photograph does not necessarily say what a drawing or illustration implies… and that is precisely the limit we are at”.

Chakalon, Lorenzo Palacios Quispe, 2006, dibujo vectorial, impresión digital, 42 x 30 cm. | Julio C. Tello, 2006, dibujo vectorial, impresión digital, 42 x 30 cm. | Túpac Amaru, 2008, dibujo vectorial, serigrafía, 70 x 50 cm. | Micaela Bastidas, 2008, dibujo vectorial, serigrafía, 70 x 50 cm. / Chakalon, Lorenzo Palacios Quispe, 2006, vector drawing, digital print, 42 x 30 cm. | Julio C. Tello, 2006, vector drawing, digital print, 42 x 30 cm. | Túpac Amaru, 2008, vector drawing, serigraphy, 70 x 50 cm. | Micaela Bastidas, 2008, vector drawing, serigraphy, 70 x 50 cm.

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“CREEMOS EN UN MUNDO MEJOR, REFLEJAMOS NUESTRAS CREENCIAS Y PENSAMIENTOS EN LAS PAREDES DE LAS CALLES CON EL FIN DE DEMOCRATIZAR EL PENSAMIENTO”.

“We believe in a better world, we reflect our beliefs and ideas on the street walls with the aim of democratizing thought”.

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“N

uestra obra es un trabajo pictórico social, donde compartimos mensajes humanitarios de respeto y prosperidad. Así, procuramos generar un cuestionamiento que promueva los pensamientos positivos y modifique los negativos, en un discurso

gráfico transversal socialmente. Queremos dejar una semilla en el alma del espectador para que germine y florezcan buenos actos, y que éstos den fruto en su entorno social inmediato. Los elementos de las composiciones cumplen una función emotiva, donde la palabra y los componentes figurativos se complementan en temas de amor, equilibrio y paz. Los colores y fluidez tienen una asociación visual al carnaval. La idea es que el discurso sea claro y amable, no violento, y que de esta forma se genere un acercamiento social”. “Our work is a social pictorial work, where we share humanitarian messages of respect and prosperity. Thus, we try to generate a questioning to promote positive thoughts and modify negative ones, in a transversally social graphic discourse. We want to leave a seed in the soul of the spectator for it to germinate and for good actions to flourish, and for these to impact their immediate social surroundings. The elements of the compositions fulfill an emotive function, where the word and the figurative components complement each other in themes of love, balance and peace. Colors and flow have a visual association with the carnival. The idea is for the discourse to be clear, friendly and non-violent, and in this way generate a social coming together”.

Equilibrio, 2015, Art Lima, spray y acrílico, 7 x 2,20 mt. Fotografía: Elliot Túpac. | Antes soñaba, 2012, Jirón Lampa, Centro Histórico de Lima, spray, acrílico y látex satinado, 13 x 4.80 mt. Fotografía: Daniel Cortez “Decertor” | Detalle de Street Art Latino, 2013, Jirón Callao, Centro Histórico de Lima, spray, acrílico y látex satinado, 10 x 3 mt., Fotografía: Adrián Portugal/Supayfotos / Equilibrio, 2015, Art Lima, spray and acrylic, 7 x 2,20 mt. Photography: Elliot Túpac | Antes soñaba, 2012, Jirón Lampa, Centro Histórico de Lima, spray, acrylic and satin latex, 13 x 4.80 mt. Photography: Daniel Cortez “Decertor” | Detail of Street Art Latino, 2013, Jirón Callao, Centro Histórico de Lima, spray, acrylic and satin latex, 10 x 3 mt. Photography: Adrián Portugal/Supayfotos.

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(“HUANCHACO”) “SI BIEN CADA PROYECTO TIENE UN DISCURSO MUY PARTICULAR, SON SUS PERSONAJES Y LA AMISTAD QUE CONSTRUYO CON ELLOS LO QUE REALMENTE HACE QUE EL VIAJE O EXPEDICIÓN VALGA LA PENA”.

“It is the characters and the friendship I build with them which really make it worthwhile submerging in these projects. They normally end up in travels and expeditions, and during that time I learn to see things from their perspective”.

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“M

i obra se basa en una revisión irónica de estrategias históricas de representación utilizadas en el siglo XIX en América Latina. Estas formas de representar el arquetipo de los nuevos países independientes son absorbidas para crear un

discurso paralelo junto con el contexto actual de Perú. La “repetición irónica del pasado” no es de ninguna manera nostálgica, aunque es bastante crítica. Es una vuelta a las formas del pasado para indicar las relaciones entre las representaciones actuales, las consecuencias de los cambios políticos y sociales, y los elementos que se han mantenido sin cambios. En un contexto complejo como el peruano, reconozco mi trabajo como una estrategia de “supervivencia”, de asumir y hacer frente a la configuración de la propia identidad a través de la parodia. Una conciencia histórica sarcástica es la única manera de soportar los “desastres” de la historia del Perú. Así, decido repetir esta estrategia a través de mi obra”. “My work is based on an ironic revision of historical strategies of representation used in Latin America in the nineteenth century. These forms of representing the archetype of the new independent countries are absorbed to create a parallel discourse next to the current Peruvian context. The “ironic repetition of the past” is in no way nostalgic, even if it is quite critical. It is a new take on the forms of the past to indicate the relations among the current representations, the consequences of the political and social changes, and the elements that have remained unchanged. In a complex context such as the Peruvian one, I recognize my work as a “survival” strategy of assuming and confronting the configuration of ones own identity through parody. A sarcastic historical conscience is the only way of enduring the “disasters” of the history of Peru. Thus, I decide to repeat this strategy throughout my work”.

Domingo salsero el deceso de la independencia, 2011–2012, óleo sobre tela, 140 x 200 cm. | Los wantanes con Magnani, 2007, oleo sobre tela, 143 x 143 cm. | El retorno de Naylamp (el norte se pone de pie), 2012, óleo sobre tela, 190 x 270 cm. | Basta de realidad queremos una utopía, 2013, fotografía, medidas variables. / Domingo salsero el deceso de la independencia, 2011–2012, oil on canvass, 140 x 200 cm. | Los wantanes con Magnani, 2007, oil on canvas, 143 x 143 cm. | El retorno de Naylamp (el norte se pone de pie), 2012, oil on canvas, 190 x 270 cm. | Basta de realidad queremos una utopía, 2013, photography, variable measures.

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BIOGR

RAFIAS

Lima, 1973

Lima, 1963

Lima, 1961

Lima, 1978

Vive y trabaja entre Lima, Perú y Tarragona, España / Lives and works in Lima, Peru and Tarragona, Spain

Vive y trabaja en Lima, Perú / Lives and works in Lima, Peru

www.miguelaguirre.com

www.gladysalvarado.com

alexangelestaller@gmail.co

www.supayfotos.com

Bachiller en Artes Plásticas (Pontificia Universidad Católica del Perú, 1996). Diploma de Estudios Avanzados (Universidad de Barcelona, 2006). Primer Premio en el V Concurso de Artes Plásticas Fundación Telefónica (Lima, 2001). Segundo Premio en el III Concurso Nuevos Artistas del Banco de Crédito del Perú (Lima, 1996). Veinticinco exposiciones individuales en Perú, Brasil, Chile, Ecuador, Suiza, España y EE.UU. Obras en Fraport (Frankfurt am Main); la Fundación José Ortega y Gasset (Madrid); el Museo de Arte de Lima (MALI); el Museo de Arte Contemporáneo de Lima (MAC-LIMA); el LiMAC-Museo de Arte Contemporáneo de Lima; el Museo de Arte de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos (Lima); el Instituto Cultural Peruano Norteamericano (Lima); la Fundación Telefónica (Lima); el Banco de Crédito del Perú (Lima); y Micromuseo (“al fondo hay sitio”) (Lima); además de numerosas colecciones privadas. __

Estudios de finanzas en la Universidad del Pacífico (Lima) y de fotografía en el Centro de la Imagen (Lima). Graduada del I Máster Latinoamericano de Fotografía Contemporánea dirigido por el curador español Alejandro Castellote (Lima). Trabaja en el estudio arquitectónico de Reynaldo Ledgard. Nominada al Pictet Prix (2015); Segundo Premio en el Concurso Repsol 2014 (Lima); finalista en el Primer Concurso de Fotolibro de la Editorial RM (México, 2010). Cuatro exposiciones individuales en Perú. Dos libros publicados sobre su obra fotográfica: El Frontón y La Lima del Metro (ambos en 2014). Obras en numerosas colecciones privadas. __

Estudios en arquitectura y urbanismo (Universidad Ricardo Palma, Lima, 1979-1987). Autodidacta en arte. Miembro fundador de los proyectos colectivos Bestiarios / Bestias (19841987); Taller N.N. (1987-1989); Taller A / O (Arte / Oficio) (1993-1996); Taller Perúfábrica (1999-2003); Piensa (2000-2001); Túpac*Caput (20012002); y Taller Territorio (2012-2013). Miembro fundador el Director del Taller ÁÁ, de edición de obra gráfica (2001-2015). Integrante del Proyecto A Imagen y Semejanza. Primer Premio en el Salón Nacional de Grabado, Instituto Cultural Peruano Norteamericano (Lima, 1997), y en el Salón Regional de Lima (2000) (como parte del colectivo Piensa). Obras en el Museo de Arte de Lima (MALI); el Museo de Arte de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos (Lima); y Micromuseo (“al fondo hay sitio”) (Lima), además de numerosas colecciones privadas. __

Bachiller en Comunicaciones (Universidad de Lima, 2004). Ganador de los Premios a la Excelencia Periodística de la SIP (2010); el All Roads Photography Program, de la National Geographic Society (categoría Emergentes) (2011); y el Concurso Amalamar (2014). Segundo Premio en los concursos POYI (Picture of the Year), categoria Historia de Noticias (2012); Espacio Tiempo de la Universidad Privada Antenor Orrego (2013); IPA (International Press Awards) (categoría Best Documentary Book) (2014); y el Global Landscapes Forum (2014). Una exposición individual en Perú. Obras en numerosas colecciones privadas. __

Graduated of plastic arts (Pontificia Universidad Católica del Perú art school, 1996). Obtains his advanced studies diploma (Universidad de Barcelona fine arts faculty, 2006). Obtains the first prize at the 5th Fundación Telefónica plastic arts competition (Lima, 2001). Obtains the second prize at the 3rd Banco de Crédito del Perú new artists competition (Lima, 1996). Twentyfive solo exhibitions in Peru, Brazil, Chile, Ecuador, Switzerland, Spain and the USA. Obras de Arte al Límite (Santiago de Chile); Fraport (Frankfurt am Main, Germany); Fundación José Ortega y Gasset foundation (Madrid); Museo de Arte de Lima (MALI); Museo de Arte Contemporáneo de Lima (MAC_LIMA); Museo de Arte de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos (Lima); Instituto Cultural Peruano Norteamericano (Lima); Fundación Telefónica (Lima); Banco de Crédito del Perú (Lima), and Micromuseo (“al fondo hay sitio” – “there is room in the back”) (Lima), and several private collections.

She studies finance at the Universidad del Pacífico (Lima) and photography at the Centro de la Imagen (Lima). She graduates from the 1st Latin American Master’s of Contemporary Photography directed by Spanish curator Alejandro Castellote (Lima). She works at the Reynaldo Ledgard architect’s studio. Nominated to the Pictet Prix (2015); Second prize at the Concurso Repsol 2014 competition (Lima); finalist at the Primer Concurso de Fotolibro competition of the Editorial RM publishing house (Mexico, 2010). Four solo exhibitions in Peru. There are two publications on her work: El Frontón and La Lima del Metro –Lima of the electric train(both 2014). Works of hers are found in numerous private collections.

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Studied architecture and urban planning (Universidad Ricardo Palma, Lima, 1979-1987). Self-taught artist. Founding member of the Bestiarios/Bestias (1984-1987), Taller N.N. (1987-1989), Taller A/O (Arte/Oficio) (1993-1996), Taller Perúfábrica (1999, 2003), Piensa (2000-2001), Túpac*Caput (20012002) and Taller Territorio (2012-2013) collective projects. Founding member of the A Imagen y Semejanza project. First prize at the Salón Nacional de Grabado engraving competition, Instituto Cultural Peruano Norteamericano (Lima, 1997), and at the Salón Regional de Lima (2000), as part of the Piensa collective). Works of his can be found at the Museo de Arte de Lima (MALI); Museo de Arte de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos (Lima) and the Micromuseo (“al fondo hay sitio” – “there is room in the back”), as well as numerous private collections.

Graduate in communications (Universidad de Lima, 2004). Winner of the Premios a la Excelencia Periodística de la SIP Inter-American press Association prizes (2010); All Roads photography Program of the National Geographic Society (emerging artists category) (2011); Concurso Amalamar competition (2014). Second prize at the POYI (Picture of the Year) contests, in the History of News category (2012); Espacio Tiempo of the Universidad Privada Antenor Orrego (2913); IPA (International Press Awards), in the Best Documentary Book category (2014); Global Landscapes Forum (2014). He has held one solo exhibition in Peru. His works are found in numerous private collections.

Foto: Renato Ghiazza

Foto: Alonso Molina

Iquitos, 1973

Lima, 1985

Lima, 1965

Lima, 1971

Yurimaguas, Perú, 1965

Vive y trabaja en Lima, Perú / Lives and works in Lima, Peru

Vive y trabaja entre Nueva York y Berlín / Lives and works between New York and Berlin

Vive y trabaja en Lima, Perú / Lives and works in Lima, Peru

Vive y trabaja en Bruselas, Bélgica / Lives and works in Brussels, Belgium

christian.bendayan@gmail.com

lmbogdanovich@pucp.edu.pe

info@bthumm.de

www.cabieses.com

www.jota.castro.eu

Autodidacta en arte. Primer Premio en el Concurso Regional de Pintura (Municipalidad Provincial de Maynas, Iquitos, 1994); y en el III Concurso Pasaporte para un Artista (Lima, 2000). Premio Luces del diario El Comercio a la Mejor Exposición Individual del año (2007). Premio Nacional de Cultura, categoría Creatividad (Lima, 2012). Director del Instituto Nacional de Cultura de Loreto (2010). Director artístico de ART LIMA, Feria Internacional de Arte de Lima (desde 2012). Dieciséis exposiciones individuales en Francia, Perú y Estados Unidos. Obras en el Museo de Arte de Lima (MALI); y Micromuseo (“al fondo hay sitio”) (Lima); además de numerosas colecciones privadas. __

Licenciado en Arquitectura (Pontificia Universidad Católica del Perú, Lima, 2008); Diplomado en Historia del Arte (Pontificia Universidad Católica del Perú, Lima, 2011). Docente de arquitectura e investigador del Departamento de Arquitectura de la PUCP. Premio Docente a la Responsabilidad Social Universitaria (RSU, Lima, 2012). Elaboración y supervisión de diversos proyectos de restauración de arquitectura y arte colonial en Lima. Asesor Cultural de la Municipalidad Metropolitana de Lima (2015). Integrante de la plataforma de arte peruano La Encomienda (2012-2015). Ha participado como curador en diversas exposiciones de arte antiguo y contemporáneo. Una exposición individual en Perú. Obras en numerosas colecciones privadas. __

Estudios de artes en la Ecole des Beaux Arts de Paris (1987-1991). Veinticuatro exposiciones individuales en Alemania, Argentina, España, Estados Unidos, México, Perú, Suecia y Suiza. Obras en el Museum of Modern Art (MoMA) (Nueva York); el Museum of Fine Arts (Houston); el Carnegie Museum of Art (Pittsburgh); el Pérez Art Museum (Miami); la Art Collection of the University of Chicago Booth School of Business (Chicago); el museo Tate Modern (Londres); el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC), León; el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MALBA); el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC, México, D.F.); el Museo de Arte de Lima (MALI, Lima); y Micromuseo (“al fondo hay sitio”) (Lima); además de numerosas colecciones privadas. __

Bachiller en Artes Plásticas (Escuela Superior de Arte Corriente Alterna, Lima, 2000). Nueve exposiciones individuales en Colombia y Perú. Seleccionado para la Beca de la Fundación Cisneros CIFO 2011, 2014 y 2015. Participación en el proyecto Abstraction in Action de la curadora Cecilia Fajardo Hill sobre arte geométrico en Latinoamérica. Obras en la Fundación Ella Cisneros Fontanals (Miami); y Micromuseo (“al fondo hay sitio”) (Lima); además de numerosas colecciones privadas. __

Estudios en derecho internacional y administración europea (Universidad la Sorbonne, París, 1984-1988; College of Europe, Brujas, 19881990). Premio Poeta Joven del Perú (1983). Editor consultor de Janus Magazine (Bélgica) y Nolens Volens (España). Enseña en la Universidad Europea de Madrid. Primer Premio en la Bienal de Guanyú, Corea del Sur (2004); y el Festival Europeo de Artes Visuales en Hospitales (2009). Ha participado en la Bienal de Venecia cuatro veces como artista y dos como curador del Pabellón de la Urgencia en 2009 y 2013. Cocurador de Dublin Contemporary (2011). Veinticuatro exposiciones individuales en Alemania, Argentina, Australia, Bélgica, Canadá, España, Estados Unidos, Finlandia, Italia, Japón, México, Perú, Suecia y Suiza. Obras en numerosas colecciones privadas. __

Self taught artist. First prize at the Concurso Regional de Pintura (Maynas provincial municipality, Iquitos, 1994), and at the 3rd Concurso Pasaporte para un Artista competition (Lima, 2000). Premio Luces prize of the El Comercio newspaper for the best solo exhibition (2007). Premio Nacional de Cultura prize in the creativity category (Lima, 2012). Director of the Instituto Nacional de Cultura de Loreto (2010). Art director of the ART LIMA international art fair (2012 onwards). Sixteen solo exhibitions in France, Peru and the United States. Works of his are found at the Museo de Arte de Lima museum (MALI) and the Micromuseo (“al fondo hay sitio” – “there is room in the back”) (Lima), besides numerous private collections.

Graduated in architecture (Pontificia Universidad Católica del Perú, Lima, 2008); Obtained his diploma in art history (Pontificia Universidad Católica del PErú, Lima, 2011). Architecture teacher and researcher at the Department of Architecture at the PUCP. Premio Docente a la Responsabilidad Social Universitaria prize (RSU, Lima, 2012). He develops and supervises diverse architectonic and colonial art restoration projects. Cultural advisor to the Municipalidad Metropolitana de Lima municipality (2015). He has participated as a curator at diverse antique and contemporary art exhibitions. Has exhibited solo once in Peru. Works of his are found in numerous private collections.

Art studies undertaken at the Ecole des Beaux Arts in Paris, 1987-1991. Twenty-four solo exhibitions in Germany, Argentina, Spain, the United States, Mexico, Peru, Sweden and Switzerland. Works of his found at the Museum of Modern Art (MoMA) in New York; Museum of Fine Arts (Houston); Carnegie Museum of Art (Pittsburgh); Pérez Art Museum (Miami); Art Collection of the University of Chicago Booth School of Business (Chicago); Tate Modern (London); Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC), (León, Spain); Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MALBA, Argentina); Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC, Mexico, F.D.); Museo de Arte de Lima (MALI, Lima, Peru) and the Micromuseo (“al fondo hay sitio” – “there is room in the back”), besides numerous private collections.

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Graduated of plastic arts (Escuela Superior de Arte Corriente Alterna, Lima, 2000). He has held nine solo exhibitions in Colombia and Peru. Selected for the Fundación Cisneros CIFO grant 2011, 2014 and 2015. He participates of the Abstraction in Action project of curator Cecilia Fajardo Hill on geometrical art in Latin America. Works of hers are found at the Ella Cisneros Fontanals foundation (Miami) and the Micromuseo (“al fondo hay sitio” – “there is room in the back”), besides numerous private collections.

Studies in international law (Université Paris-Sorbone, Paris, France) and at the College of Europe, Brussels, Belgium. Poeta Joven del Perú prize (1983). Consulting editor at Janus Magazine (Belgium) and Nolens Volens magazine (Spain). He teaches at the Universidad Europea de Madrid. Obtained the first prize at the Guanyu biennial, South Korea (2004) and the Festival Europeo de Artes Visuales en Hospitales festival of visual arts in hospitals (2009). Has participated at the Venice biennial four times as an artist and twice as a curator of the Pabellón de la Urgencia (pavilion of urgency) collateral exhibition in 2009 and 2013. Co-curator of Dublin Contemporary (2011). Twentyfour solo exhibitions in Germany, Argentina, Australia, Belgium, Canada, Spain, the United States, Finland, Italy, Japan, Mexico, Peru, Sweden and Switzerland. Works of his are part of numerous private collections.

Foto: Josep Vicent Rodriguez i Muñoz

Lima, 1982

Lima, 1978

Lima, 1970

Lima, 1966

Vive y trabaja entre Lima y Buenos Aires / Lives and works between Lima and Buenos Aires

Vive y trabaja en Caraz, Perú / Lives and works in Caraz, Peru

Vive y trabaja en Lima, Perú / Lives and works in Lima, Peru

rudolphcastro.wordpress.com

harrychavez12@gmail.com

www.claudiacoca.com

cunliffesonia@gmail.com

Bachiller en Arte (Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú, [ENSABAP], 2008) y en Historia del Arte (Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2010). Estudios de animación y efectos especiales (Instituto Superior Toulouse Lautrec, 2006). Ocho exposiciones individuales en Perú. Obras en el Instituto Cultural Peruano Norteamericano (Lima); y Micromuseo (“al fondo hay sitio”) (Lima); además de numerosas colecciones privadas. __

Egresado de la Facultad de Artes Plásticas (Pontificia Universidad Católica del Perú, Lima, 2004). Programa de Intercambio con la Universidad Dankook de Seúl, Corea del Sur (2001). Primer Premio en el III Concurso Nacional de Pintura Banco Central de Reserva del Perú (Lima, 2011); y en el Concurso Milka Expressions (Lima, 2003). Segundo Premio en el Concurso Jóvenes Artistas de Cerro Verde (Arequipa, 2007). Seis exposiciones individuales en Perú. Obras en el Museo del Banco Central de Reserva del Perú (Lima); la Colección Cerro Verde (Arequipa); la Colección ámaZ (Lima); y Micromuseo (“al fondo hay sitio”) (Lima); además de numerosas colecciones privadas. __

Egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes del Perú (Lima, 1994). “Premio Luces” por su muestra antológica Mestiza, Museo de Arte Contemporáneo (Lima, 2014). Segundo Premio del Concurso Nacional de Pintura del Banco Central de Reserva del Perú (2009). Trienal de Chile, en el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago (2009). Beca del Tercer Coloquio de Derechos Humanos en Sao Paulo, Brasil (2003). III Bienal de Mersosur, Porto Alegre, Brasil (2001). Siete exposiciones individuales. Miembro fundadora del Colectivo Sociedad Civil. Obras en el Museo del Banco Central de Reserva del Perú (Lima); el Museo de Arte Contemporáneo de Lima (MAC-Lima); el Museo de Arte de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos (Lima); y Micromuseo (“al fondo hay sitio”) (Lima); además de numerosas colecciones privadas. __

Bachiller en Educación Inicial (Universidad Femenina del Sagrado Corazón, Lima, 1990). Estudios en artes plásticas, fotografía y fotografía de moda (Escuela Panamericana de Arte, Sao Paulo, 2006- 2007). Realiza importantes proyectos artísticos al alimón con Silvana Pestana. Cuatro exposiciones individuales y dos exposiciones bipersonales en Perú. Obras en el C21 Museum (Kentucky); la Pinacoteca de Sao Paulo; y Micromuseo (“al fondo hay sitio”), Lima; además de numerosas colecciones privadas. __

Graduate in art (Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú, ENSABAP, 2008) and history of art (Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2010). Studies animation and special effects (Instituto Superior Toulouse Lautrec, 2006). Has held eight solo exhibitions in Peru. Works of his can be found at the Instituto Cultural Peruano Norteamericano (Lima) and the Micromuseo (“al fondo hay sitio” – “there is room in the back”) (Lima), besides numerous private collections.

Graduated at the plastic arts Faculty (Pontificia Universidad Católica del Perú, Lima, 2004). Exchange program with the Dankook University in Seoul, South Korea (2001). First prize at the 3rd Banco Central de Reserva del Perú (Lima, 2011) and at the Milka Expresions (Lima, 2003) contest. Second prize at the Jovenes Artistas de Cerro Verde contest (Arequipa, 2007). Six solo exhibitions in Peru. Works of his are found at the Museo del Banco Central de Reserva del Perú (Lima); the Colección Cerro Verde collection (Arequipa); Colección ámaZ (Lima) and the Micromuseo (“Al fondo hay sitio” – “there is room in the back”), besides numerous private collections.

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Graduated at the Escuela Nacional de Bellas Artes del Perú (Lima, 1994). “Luces” prize for her antological solo show Mestiza, Museo de Arte Contemporáneo (Lima, 2014). Second prize in the National Painting Contest from Banco Central de Reserva del Perú (2009). Trienal de Chile, Museo de Arte Contemporáneo de Santiago (2009). Grant from the Tercer Coloquio de Derechos Humanos in Sao Paulo, Brazil (2003). III Bienal de Mersosur, Porto Alegre, Brazil (2001). Seven solo shows. Founding member of the Civil Society Collective. Works of hers can be found at the Museo del Banco Central de Reserva del Perú (Lima); Museo de Arte Contemporáneo de Lima (MAC-Lima); Museo de Arte de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos (Lima); and Micromuseo (“al fondo hay sitio” – “there is room in the back”,) (Lima); besides numerous private collections

Graduated in pre-school education (Universidad Femenina del Sagrado Corazón, Lima, 1990). She studies plastic arts, photography and fashion photography (Escuela Panamericana de Arte, Sao Paulo, Brazil, 20062007). Realizes important artistic projects in collaboration with Silvana Pestana. Four solo exhibitions and two bi-personal exhibitions in Peru. Works of hers can be found at the C21 Museum (Kentucky); Pinacoteca de Sao Paulo and the Micromuseo (“al fondo hay sitio” – “there is room in the back”), besides numerous private collections.

Foto: Holden Warren

Lima, 1987

Lima, 1979

Lima, 1972

Trujillo, 1978

Lima, 1959

Vive y trabaja en Lima, Perú / Lives and works in Lima, Peru

Vive y trabaja entre Madrid y Lima / Lives and works between Madrid and Lima.

Vive y trabaja en Lima, Perú / Lives and works in Lima, Peru

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www.superchaco.com

www.robertohuarcaya.com

Autodidacta en arte. Protagonista destacado del movimiento muralista y del arte callejero en el Perú. Múltiples obras monumentales en espacios públicos de Argentina, Bolivia, Chile, Colombia, Ecuador, Estados Unidos, Marruecos, México, y varias ciudades de Perú. Obra comisionada para el Lugar de la Memoria, la Tolerancia, y la Inclusión Social, Lima. __

Licenciado en Derecho (Pontificia Universidad Católica del Perú, Lima, 2004); estudios en fotografía (Centro de la Imagen, Lima, 20062007). Integrante de la plataforma de arte peruano La Encomienda (2012-2015). Dos exposiciones individuales en Perú. Obras en numerosas colecciones privadas. __

Bachiller en Artes Plásticas (Pontificia Universidad Católica del Perú, 1997). Estudios de Doctorado (Facultad de Arte de Cuenca, España, 2003). Beca de la fundación Botín, Santander, España (2005). Veintiocho exposiciones individuales en Brasil, España, Estados Unidos, Perú, México, Portugal, Suiza, Venezuela. Obras en el Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York; Tate Modern, Londres; Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC), León; Centro Museo Vasco de Arte Contemporáneo (ARTIUM), Vitoria-Gasteiz; Patio Herreriano, Valladolid; Museo de Arte de Lima (MALI), Lima; y Micromuseo (“al fondo hay sitio”, Lima); además de numerosas colecciones privadas.

Bachiller en Artes Plásticas (Pontificia Universidad Católica del Perú, Lima, 2003). Profesor de arte en la Pontificia Universidad Católica del Perú (Lima, 2011-2014) y en la Escuela Superior de Arte Corriente Alterna (Lima, 20112014). Primer Premio en el Concurso Philips Art Expression (2002); y en el Concurso Unión Latina (Lima, 2003). Integrante de la plataforma de arte peruano La Encomienda (2012-2015). Ocho exposiciones individuales en Argentina, Bélgica, Inglaterra, Perú. Obras en Micromuseo (“al fondo hay sitio”, Lima); además de numerosas colecciones privadas. __

Estudios en psicología (Pontificia Universidad Católica del Perú, Lima); cine (Instituto Italiano de Cultura, Lima); y fotografía (Centro del Video y la Imagen, Madrid). Primer Premio en el concurso Imagen del Perú (Lima, 1991); y en el Premio Petrobras (Buenos Aires, 2010). Fundador, profesor y director del Centro de la Imagen), Lima. Veinte exposiciones individuales en Argentina, Ecuador, España, Estados Unidos, Francia, Inglaterra, Perú, Portugal. Obras en la Maison Européenne de la Photographie (París); el Museum of Latin American Art (MOLAA) (California); el Museum of Fine Arts (Houston); el COCA Center on Contemporary Art (Seattle); el Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam (La Habana); la Fundación América (Santiago de Chile); y Micromuseo (“al fondo hay sitio”) (Lima), además de numerosas colecciones privadas. __

Self taught artist. He is a distinguished protagonist of the muralist movement and street art in Peru. Has multiple monumental works in public spaces in Argentina, Bolivia, Chile, Colombia, Ecuador, the United States, Morocco, Mexico and several cities around Peru. He was commissioned for a piece for the Lugar de la Memoria, la Tolerancia, y la Inclusión Social memorial in Lima.

Graduated in law (Pontificia Universidad Católica del Perú, Lima, 2004). Studies photography (Centro de la Imagen, Lima, 2006-2007). He is a member of the La Encomienda Peruvian art platform (2012-2015). Two solo exhibitions in Peru and a series of group exhibitions in Peru. Works in several private collections.

__ A graduate of plastic arts (Pontificia Universidad Católica del Perú, 1997). Obtains a doctor’s degree (Facultad de Arte de Cuenca, Spain, 2003). Obtains the Botín Foundation grant, Santander, Spain (2005). Twenty-five solo exhibitions in Brazil, Spain, the United States, Peru, Mexico, Portugal, Switzerland, Venezuela. Works of hers can be found at the Museum of Modern Art (MoMA), New York; Tate Modern, London; Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC), León, Spain; Centro Museo Vasco de Arte Contemporáneo (ARTIUM), Vitoria-Gasteiz, Valladolid, Spain and the Museo de Arte de Lima (MALI), Lima; and Micromuseo (“al fondo hay sitio” – “there is room in the back”) (Lima), besides various private collections.

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Graduate in plastic arts (Pontificia Universidad Católica del Perú, Lima, 2003). Art professor at the same university (Lima, 2011-2014) and at the Escuela Superior de Bellas Artes Corriente Alterna (Lima, 2011-2014). Wins the first prize at the Philips Art Expression competition (2002) and at the Concurso Unión Latina competition (Lima, 2003). He is a member of the La Encomienda Peruvian art platform (2012-2015). Has held eight solo exhibitions in Argentina, Belgium, Britain and Peru. Works of his can be found at the Micromuseo (“al fondo hay sitio” – “there is room in the back”) (Lima), besides various private collections.

He studies psychology (Pontificia Universidad Católica del Perú, Lima), cinema (Instituto Italiano de Cultura, Lima) and photography (Centro del Video y la Imagen, Madrid). Obtains the first prize at the Imagen del Perú competition (Lima, 1991) and the second prize at the Premio Petrobras competition (Buenos Aires, 2010). Founder, professor and director of the Centro de la Imagen (Lima). Has participated at twenty solo exhibitions in Argentina, Ecuador Spain, the United States, France, Britain, Peru and Portugal. Works of his can be found at the Maison Européenne de la Photographie (Paris); Museum of Latin American Art (MOLAA, Long Beach); Museum of Fine Arts (Houston); COCA Center of Contemporary Art (Seatlle); Centro de Arte Contemporáneo Wilfredo Lam (Havana); Fundación América (Santiago de Chile) and the Micromuseo (“al fondo hay sitio” – “there is room in the back”) as well as in numerous private collections.

Foto: Josep Vicent Rodríguez i Muñoz

Lima, 1959

Lima, 1966

Lima, 1963

Ayacucho, Perú, 1983

Vive y trabaja en Lima, Perú / Lives and works in Lima, Peru

chololamas@hotmail.com

www.rossanalopezguerra.com www.mohocolectivo.blogspot.com

www.madeinperu.com.pe

claudiamartinezgaray@gmail.com

Estudios en arquitectura y urbanismo (Universidad Ricardo Palma, Lima). Autodidacta en arte. Dos exposiciones individuales y dos exposiciones bipersonales en Perú. Fundador de los colectivos Bestiarios/Bestias (19841987); Taller N.N. (1987-1989), Made in Perú (1992-1994) y PERUFABRICA (1999-2003); y de los proyectos TUPAC*CAPUT (2001-2002), A Imagen y Semejanza (2001-2003) y Vestigio Barroco (2005). Curador de la exposición Inkarri/Vestigio Barroco (Lima, 2005) y co-curador de la muestra antológica Bestiario (19841987) DOCUMENTA (Lima, 2012). Obras en el David Rockefeller Center for Latin American Studies; el Museo de Arte de Lima (MALI); el Museo de Arte Contemporáneo de Lima (MACLima); el Museo Itinerante Arte por la Memoria (Lima); y Micromuseo (“al fondo hay sitio”) (Lima); además de numerosas colecciones privadas. __

Bachiller en Artes Plásticas (Pontificia Universidad Católica del Perú, 2007). Primer Premio en el XIV Concurso Nacional de Artes Visuales Pasaporte Para un Artista (Lima, 2011). Segundo Premio en el II Concurso Nacional de Pintura Banco Central de Reserva del Perú (Lima, 2010). Seis exposiciones individuales en el Perú. Obras en la Fundación Studi e Ricerche Benetton (Roma); el Museo de Arte de Lima (MALI); el Museo del Banco Central de Reserva del Perú (Lima); y Micromuseo (“al fondo hay sitio”) (Lima); además de numerosas colecciones privadas. __

Bachiller en Artes Plásticas (Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú, [ENSABAP], 2015), título profesional de artista plástico (ENSABAP, 2007). Otros estudios en la Scuola Serale de Arte (Roma, 1991) y la Facultad de Arquitectura de la Universidad Particular Ricardo Palma (Lima, 19771980). Primer Premio del Concurso de Paisaje de Universidad Agraria de la Molina (Lima, 1984). Integrante del proyecto A Imagen y Semejanza (AIyS), Seis exposiciones individuales en Perú. Obras en Micromuseo (“al fondo hay sitio”) (Lima); además de numerosas colecciones privadas. __ Graduate in plastic arts (Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú, ENSABAP, 2015), and obtained his plastic arts degree (ENSABAP, 2007). He undertook other studies at the Scuola Serale de Arte (Rome, 1991) and the architecture faculty at the Universidad Particular Ricardo Palma (Lima, 19771980). Obtains the first prize at the Concurso de Paisaje competition of the Universidad Agraria de la Molina (Lima, 1984). He is a member of the A Imagen & Semejanza project (AI&S) collective, and has held six soo exhibitions in Peru. Works of his can be found at the Micromuseo (“al fondo hay sitio” - “there is room in the back”) (Lima), besides numerous private collections.

Bachiller en Ciencias de la Comunicación (Universidad de Lima, 1989); egresada en Artes Plásticas (Escuela Superior de Arte Corriente Alterna, Lima, 2012, medalla de oro y medalla a la trayectoria). Miembro fundadora del Colectivo Moho. Una exposición individual y una exposición bipersonal (como Colectivo Moho), en Perú. Obras en numerosas colecciones privadas. __ Graduate in communications sciences (Universidad de Lima, 1989) and graduates in plastic arts (Escuela Superior de Arte Corriente Alterna, Lima, 2012). Obtains the gold medal and the trajectory award. She is a founding member of the Colectivo Moho collective. She has held one solo exhibition and one bi-personal exhibition (as Colectivo Moho) in Peru. Works of hers can be found in numerous private collections.

Undertook studies in architecture and urban planning (Universidad Ricardo Palma, Lima). He is a self-taught artista. He has held two solo exhibitions and two bi-personal exhibitions in Peru. He is founder of the groups Bestiarios/ Bestias (1984-1987); Taller N.N. (19871989), Made in Perú (1992-1994) y PERUFABRICA (1999-2003); and of the projects TUPAC*CAPUT (2001-2002), A Imagen y Semejanza (2001-2003) y Vestigio Barroco (2005). Curator of the exhibition Inkarri/Vestigio Barroco (Lima, 2005) and co-curator of the antological exhibition Bestiario (1984-1987) Works of his can be found at the David Rockefeller Center for Latin American Studies; Museo de Arte de Lima (MALI); Museo de Arte Contemporáneo de Lima (MAC-Lima); Museo Itinerante Arte por la Memoria (Lima) and the Micromuseo (“al fondo hay sitio” – “there is room in the back”), besides numerous private collections.

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Graduate in plastic arts (Pontificia Universidad Católica del Perú, 2007). Obtains the first prize at the 14th Concurso Nacional de Artes Visuales Pasaporte para un Artista competition (Lima, 2011) and the second prize at the 2nd Concurso Nacional de Pintura Bamco Central de Reserva del Perú competition (Lima, 2010). Works of hers can be found at the Studi e Ricerche Benetton foundation (Rome); Museo de Arte de Lima (MALI); Museo del Banco Central de Reserva del Perú (Lima) and the Micromuseo (“al fondo hay sitio” – “there is room in the back”), besides numerous private collections.

Lima, 1975

Lima, 1967

Lima, 1969

Lima, 1946

Lima, 1985

Vive y trabaja en Lima, Perú / Lives and works in Lima, Peru

pablopatrucco@hotmail.com

www.silvanapestana.net

www.cherman.pe

www.carmenreategui.com

www.luciareategui.com www.mohocolectivo.blogspot.com

Bachiller en Artes Plásticas (Escuela Superior de Arte Corriente Alterna, Lima, 2000) y en Historia del Arte (Universidad Nacional Mayor de San Marcos, Lima, 2007). Primer Premio en el VII Salón Nacional de Dibujo, Instituto Cultural Peruano Norteamericano (Lima, 2002). Diez exposiciones individuales en Bolivia y Perú. Obras en el Museo de Arte de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos (Lima); el Museum of Latin American Art (MOLAA) (California); el Instituto Cultural Peruano Norteamericano (Lima); y Micromuseo (“al fondo hay sitio”) (Lima); además de numerosas colecciones privadas. __

Estudios en artes plásticas y diseño gráfico (Instituto Superior Toulouse Lautrec, Lima, 1995; Rhode Island School of Design, Providence, 1993; Parsons School of Design y Pratt Institute, Nueva York). Realiza importantes proyectos artísticos al alimón con Sonia Cunliffe. Dos exposiciones individuales y dos exposiciones bipersonales en Perú. Obras en el C21 Museum (Kentucky); la Pinacoteca de Sao Paulo; y Micromuseo (“al fondo hay sitio”, Lima); además de numerosas colecciones privadas. __

Estudios en talleres libres de arte y de historieta. Diez exposiciones individuales en Perú. Fundador del taller gráfico Mehr Licht (1995) y del fanzine Crash Boom Zap (1998). Amplia labor de diseño gráfico e indumentario. Obras en Micromuseo (“al fondo hay sitio”), Lima; además de numerosas colecciones privadas. Actualmente es dueño de La Kasa Roja, tienda/ galería de arte gráfico. __

Escuela Nacional Superior Autónoma del Perú (ENSABAP) (Lima, 1998); Primera Mención, Promoción Cristina Galvez. Menciones Honrosas en Nuevos Valores (Pontificia Universidad Católica del Perú / Escuela Nacional de Bellas Artes del Perú [ENSABAP], Lima, 1989); y la IV Bienal Internacional de Florencia (2003). Realiza proyectos de arte con participación social y trabajos de carácter multidisciplinarios. Actualmente trabaja e investiga proyectos comprometidos con la sociedad civil; reciclaje, contaminación, abuso de género, drogadicción. Exposiciones individuales en Ecuador, Suiza, Austria y Perú. Obras en Micromuseo (“al fondo hay sitio”), Lima; además de numerosas colecciones privadas. __

Graduate in plastic arts (Escuela Superior de Arte Corriente Alterna, Lima, 2000) and in history of art (Universidad Nacional Mayor de San Marcos, Lima, 2007). He obtains the first prize at the 7th Salón Nacional de Dibujo, Instituto Cultural Peruano Norteamericano (Lima, 2002) competition. He has held ten solo exhibitions in Bolivia and Peru. Works of his can be found at the Museo de Arte de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos (Lima); Museum of Latin American Art (MOLAA, Long Beach, California); Instituto Cultural Peruano Norteamericano (Lima) and the Micromuseo (“al fondo hay sitio” – “there is room in the back”), besides numerous private collections.

She undertook studies in plastic arts and graphic design (Instituto Superior Toulouse Lautrec, Lima, 1995; Rhode Island School of Design, Providence, 1993; Parsons School of Design and the Pratt Institute, New York). She undertakes important artistic projects in collaboration with Sonia Cunliffe. She has held two solo exhibitions and two bi-personal exhibitions in Peru. Works of hers can be found at the C21 Museum (Kentucky); Pinacoteca de Sao Paulo and the Micromuseo (“al fondo hay sitio” – “there is room in the back”, Lima), besides numerous private collections.

Studied at the free art and comics workshops. Has held ten solo exhibitions in Peru. Founder of the Mehr Licht graphics workshop (1995) and the Crash Boom Zap fanzine (1998). Has performed a broad range of work in graphic and fashion design. Works of his can be found at the Micromuseo (“al fondo hay sitio” – “there is room in the back”), Lima, besides numerous private collections. He currently owns La Kasa Roja graphic art shop/gallery.

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Escuela Nacional Superior Autónoma del Perú (ENSABAP) (Lima, 1998); First Mention, Cristina Galvez Promotion. Honorable Mentions for new talent (Pontificia Universidad Católica del Perú / Escuela Nacional de Bellas Artes del Perú [ENSABAP], Lima, 1989); and the 4th Florence International Biennial (2003). Executes social participation art projects and multidisciplinary work. She currently works and researches projects committed to civil society, recycling, ecology, and gender and drug abuse protection. She has held diverse solo exhibitions in Ecuador, Switzerland, Austria and Peru. Works at the Micromuseo (“al fondo hay sitio” – “there is room in the back”) (Lima), besides numerous private collections.

Bachiller en Artes Plásticas (Escuela Superior de Arte Corriente Alterna, Lima, 2008, medalla de oro). Docente en la Escuela Superior de Arte Corriente Alterna; asistente curatorial (proyectos varios); y responsable de gestión cultural de la galería de Petroperú (2004-2005). Miembro fundadora del Colectivo Moho. Dos exposiciones individuales y una exposición bipersonal (como Colectivo Moho) en Perú. Obras en el Archivo Histórico Wando Svevo (Fundación Bienal de Sao Paulo, Brasil); y la Alianza Francesa de Lima; además de numerosas colecciones privadas. __ Graduated with honors in Plastic Arts (Escuela Superior de Arte Corriente Alterna, Lima, 2008). She teaches at the Escuela Superior de Arte Corriente Alterna, and is a curatorial assistant (various projects); responsible for cultural management at the Petroperú gallery (20042005). She is a founding member of the Colectivo Moho collective. Has held two solo exhibitions and one bi-personal exhibition (as Moho Colectivo) in Peru. Works of hers can be found at the Archivo Histórico Wando Svevo (Bienal de Sao Paulo foundation, Brazil); and at the Alianza Francesa, Lima; besides numerous private collections.

Foto: Alex Bryce

Foto: Josep Vincent Rodríguez y Muñoz

Foto: Rochi León

Lima, 1981

Lima, 1978

Lima, 1961

Lima, 1974

Vive y trabaja en Lima, Perú / Lives and works in Lima, Peru

www.revolvergaleria.com/artistas/ artistas/giancarlo-scaglia/

www.elliottupac.com

arteceniza@yahoo.com

www.alicewagnersuito.com

Estudios en ciencias de la comunicación (Universidad San Martín de Porres, 1996-2000). Creador de tipografías especiales para la industria artesanal de la publicidad “chicha”. Diseñador invitado para revistas como Creative Review (Inglaterra); y Somos (Lima). Autor de escenografías artísticas para las películas Madeinusa y La teta asustada, de Claudia Llosa. Protagonista destacado del movimiento muralista y de arte callejero en el Perú. Múltiples obras monumentales en espacios públicos de Chile, Argentina, Colombia, Costa Rica, México, Estados Unidos, Inglaterra, Túnez y varias ciudades del Perú. Nueve exposiciones individuales y dos exposiciones bipersonales en Argentina, Chile, Gran Bretaña, México y Perú. Obras en el Museo de Arte de Lima (MALI); y Micromuseo (“al fondo hay sitio”, Lima); además de numerosas colecciones privadas. __

Estudios en antropología (Pontificia Universidad Católica del Perú, Lima); artes plásticas (Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú, Lima); diseño escenográfico y digital, iluminación y maquinaria teatral (Instituto de las Artes Escénicas y de la Música, Madrid). Cofundador del Proyecto A Imagen y Semejanza (2001). Becario del Ministerio de Educación y Cultura de España y la Agencia Española de Cooperación Internacional (AECI). Profesor de la Pontificia Universidad Católica del Perú (Lima, 2002-2005). Siete exposiciones individuales en Perú y Francia; cuatro bipersonales en Francia y Perú. Obras en el Museo de Arte Contemporáneo de Lima; el Museo de Arte Contemporáneo de Arequipa; el Museo del Banco Central de Reserva del Perú (Lima); el Banco de Crédito del Perú (Lima); y Micromuseo (“al fondo hay sitio”, Lima). __

Bachiller en Artes Plásticas (Escuela Superior de Arte Corriente Alterna, 1999, medallas de oro y de plata) y en Historia del Arte (Programa de Bachillerato Complementario, Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2007). Beca de la Fundación Pollock-Krasner, (Nueva York, 2005). Semifinalista de la convocatoria al proyecto Fab Lab Lima, de la Universidad de Arquitectura Avanzada de Cataluña. Ocho exposiciones individuales en Perú y Suiza. Obras en el Nasher Museum de Duke University (Carolina del Norte, Estados Unidos); el Museo de Arte de Lima (MALI); y Micromuseo (“al fondo hay sitio”, Lima); además de numerosas colecciones privadas. __

He undertakes studies in communication sciences (Universidad San Martín de Porres, 1996-2000). He is the creator of special typographies for the “chicha” artisan advertising industry. He is a guest designer for magazines such as Creative Review (Britain) and Somos (Lima). He has made art settings for Madeinusa and La teta asustada films by Cladia Llosa. He is a renown representative of the muralist movement and street art in Peru. Multiple monumental works in public spaces in Chile, Argentina, Colombia, Costa Rica, Mexico, the United States, Britain, Tunisia and numerous cities in Perú. He has held nine solo exhibitions and two bi-personal exhibitions in Argentina, Chile, Britain, Mexico and Peru. Works of his can be found at the Museo de Arte de Lima (MALI) and the Micromuseo (“al fondo hay sitio” – “there is room in the back”), besides numerous private collections.

She undertakes studies in anthropology (Pontificia Católica del Perú), plastic arts (Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú, Lima), stage and digital design, lighting and stage machinery (Instituto de las Artes Escénicas y de la Música, Madrid). He is a co-founder of the Proyecto A Imagen y Semejanza (2001). He received grants of the ministry of education and culture of Spain and the Agencia Española de Cooperación Internacional (AECI). He is a professor at the Pontificia Universidad Católica del Perú (2002-2005). He has held seven solo exhibitions in Peru and France, and four bi-personal exhibitions in France and Peru. Works of his can be found at the Museo de Arte Contemporáneo de Lima; Museo de Arte Contemporáneo de Arequipa; Museo del Banco Central de Reserva del Perú (Lima); Banco de Crédito del Perú (Lima) and the Micromuseo (“al fondo hay sitio” – “there is room in the back”)

Bachiller en Artes Plásticas (Escuela Superior de Arte Corriente Alterna, Lima, 2004) y en Historia del Arte (Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2007). Primer Premio en los concursos Pasaporte para un Artista (Lima, 2007); Artista Emergente Chandon (Buenos Aires, 2008); y Arcos Dorados Pintura Latinoamericana (Buenos Aires, 2011). Fundador y director de Revolver Galería (Lima). Nueve exposiciones individuales en Argentina, Chile, España, Francia, Italia, Perú, y Puerto Rico. Trienal Poli/Gráfica Puerto Rico (2015); Bienal del Mercosur en Porto Alegre (2015). Obras en el Museo de Arte de Lima (MALI); y Micromuseo (“al fondo hay sitio”, Lima); además de numerosas colecciones privadas. __ Graduates in plastic arts (Escuela Superior de Arte Corriente Alterna, Lima, 2004) and in art history (Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2007). Obtains the first prize at the Pasaporte para un artista (Lima, 2007), the Artistas Emergentes Chandon (Buenos Aires, 2008) and the Arcos Dorados Pintura Latinoamericana (Buenos Aires, 2011) competitions. He is a founding member and director of Revolver Galería (Lima). He has held nine solo exhibitions in Argentina, Chile, Spain, France, Italy, Peru and Puerto Rico. Poly/Graphic Triennial Puerto Rico (2015); Mercosul Biennial in Porto Alegre (2015). Works of his can be found at the Museo de Arte de Lima (MALI) and the Micromuseo (“al fondo hay sitio” – “there is room in the back”, Lima) besides numerous private collections.

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Graduate in plastic arts (Escuela Superior de Arte Corriente Alterna, 1999, with honors) and history of art (Programa de Bachillerato Complementario, Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2007). Foundation Pollock-Krasner grant (New York, 2005). She was a semi-finalist of the calling of the Fab Lab Lima project of the Universidad de Arquitectura Avanzada de Cataluña. She has held eight solo exhibitions in Peru and Switzerland. Works of hers can be found at the Nasher Museum of the Duke University (North Carolina); Museo de Arte de Lima (MALI) and the Micromuseo (“al fondo hay sitio” – “there is room in the back”, Lima), as well as in numerous private collections.