Mujeres en el arte chileno by Arte al Límite

Directora AAL | Director AAL Ana María Matthei Curador invitado | Guest curator Ernesto Muñoz Edición | Editor Kristell Pfeifer Producción y Dirección de Arte | Production and Art direction Catalina Papic Textos | Texts Kristell Pfeifer Paz Vásquez Diseño y diagramación | Design and Layout Catalina Garcés Corrección de Texto | Text Corrector Valentina Escobar Eric Caravacci Traducción | Translation José Miguel Trujillo Este libro se terminó de imprimir en noviembre de 2016 Impreso en Santiago de Chile. Ograma impresores. Primera Edición 2016 Todos los derechos reservados ©Arte Al Limite, 2016

INDI CE INDEX

154

Marcela Vicuña

1 1 Introducción | Introduction

160

Alejandra Delfau

16 Sol Guillon

166

María Eugenia Akel

22 Tere Ivanovic

172

Bernardita Garib

28 Macarena Matte

178

Elda Villena

34 Daphne Lyon

184

Isabel Brinck

40 Julita Luco

190

Karin Barrera

46 Claudia Parodi

196

Paulina Wagemann

52 María José Benvenuto

202

Cecilia Quezada

58 Patricia Astorga

208

Lourdes Naveillan

08 Editorial

64 Cata Perl

214

Daphne Anastassiou

70 Francisca Castaño

220

Paula Swinburn

76 Yuki Yamamoto

226

Maya Estrada

82 Jeannette Canale

232

Camila Cafatti

88 Luz María Yrarrazaval

238

Gloria Brito

94 Milena Lehmann

244

María Victoria Carvallo

100 María Luisa Ruiz-Tagle

250

Macarena Vicuña

106 Fernanda Saldivia

256

Francisca Lohmann

1 1 2 Pola Alcalde

262

Pauline Cristi

118 Ruby Yunis

268

Ximena Gumucio

124 Evelyn Richter

274

Macarena Salinas

130 Elena Vial

280

Verónica Byers

136 Andrea Lazo

286

Raquel Yuhaniak

142 Carmen Rodillo

292

Paulina Beyer

148 María Luisa Benedetti

EDI TO RIAL C

on gran orgullo presentamos Mujeres en el Arte Chileno, un nuevo libro dedicado a la producción visual de destacadas creadoras chilenas. Son 47 artistas las que llenan de vida, color y energía estás páginas, mujeres que han abocado gran parte de su existencia a transmitir sus ideas y mensajes más profundos a través de su rol en el arte. Las obras de este compilado surgen de manos y mentes de mujeres creativas, generadoras de realidades propicias para la contemplación, el cuestionamiento y el asombro. Todo desde una mirada actual, llena de sutilezas. La diversidad en las disciplinas es amplia, abarca la pintura, fotografía, grabado, dibujo, escultura y técnica mixta. El manejo del color y el dominio de la técnica se hace esencial en trabajos que recorren desde la abstracción hasta lo figurativo, en propuestas que nos sumergen en una amalgama de posibilidades estéticas y conceptuales para llegar a lo más íntimo de cada una de las artistas aquí presentes. Las mujeres se han hecho cargo del lugar que les corresponde en la sociedad, lo que innegablemente se ve traducido también en la recuperación de sus espacios en el arte como creadoras. Con valor y convicción, se han sabido sobreponer a barreras antes inquebrantables, hoy obsoletas gracias a su poder. Y es aquella fuerza la que se palpa en cada una de las páginas de este tomo. Este libro nos demuestra que no hay arte diferenciado entre hombres y mujeres. Las fronteras de la producción artística llegan cada vez más lejos y la diversificación no se crea por el género, sino por las temáticas que cada artista aborda y la manera que tienen de enfrentar y trabajar las diversas disciplinas. Lo que cambia es sólo el discurso, donde la mirada femenina siempre tiene algo nuevo que entregar. Los invito a recorrer y sorprenderse con las propuestas de las mujeres que hoy marcan el acontecer artístico en nuestro país.

Ana María Matthei Directora Arte Al Límite

EDI TO RIAL W

e proudly present Mujeres en el Arte Chileno, a new book aimed at the visual production of outstanding Chilean women artists. There are forty seven artists, who fill these pages with life, color and energy, women who have dedicated a great deal of their lives to transmitting their deepest ideas and messages by means of their role in art. The works in this compilation emerge from the hands and minds of creative women generating realities favorable for contemplation, questioning and amazement. All of this from a current perspective filled with subtleties. The diversity of the disciplines is wide. It covers painting, photography, engraving, drawing, sculpture and mixed media. The use of color and the dominance of the technique become essential in works ranging from abstraction to figuration, in proposals that submerge us in an amalgam of aesthetic and conceptual possibilities in order to reach that which is the most intimate for each of the artists present here. Women have taken charge of their rightful place in society, which undoubtedly is also translated in the recovery of their space within art as creative artists. With courage and conviction they have overcome previously unyielding obstacles, obsolete today due to their power. However, it is that power that can be felt in each one of the pages in this volume. This book shows us there is no differentiated art between men and women. The boundaries of artistic production reach ever further and diversification is not created by gender but by the issues each artist approaches and the way in which they have to confront and work in within the diverse disciplines. What changes is the discourse, in which each glance has something new to deliver. I invite you to browse and be amazed with the proposals of women who mark the artistic life of our country today.

Ana María Matthei Directora Arte Al Límite

INTRO DUC CION

INTRODUCTION

esde hace ya varios años en Chile se ha abierto a la mujer el camino en el arte, espacio que en el pasado se le negó persistentemente. La secundarización y la invisibilización del arte femenino han quedado atrás y en la actualidad es común encontrar muestras de artistas mujeres en distintos espacios expositivos. Se han celebrado muchos seminarios, se han realizado innumerables exposiciones, se ha escrito demasiado sobre el arte femenino y su postergación por la cultura de género imperante en nuestro país. Finalmente hoy en día el tema del género y su postergación en el arte dejó de ser una constante. El desafío que debían enfrentar las mujeres para poder dar a conocer sus obras con algún grado de éxito, tiene ahora resultados positivos. El predominio de la segregación femenina realmente aún no termina, pero día a día, se impone con mayor fuerza la igualdad de género. No hay arte diferenciado entre hombres y mujeres, lo que hay son propuestas creativas de acuerdo a las personalidades. El aporte de las artistas a la cultura es innegable, más aún con la riqueza de experiencias que a todos les llega. La lucha de los movimientos feministas en el mundo ha tenido éxito y las puertas de museos y galerías se han abierto, para beneplácito de los amantes del arte. En la actualidad, la tendencia apunta a establecer diversas rutas creativas en el arte chileno, olvidándose de que existe un arte masculino y otro

femenino, pues no hay espacio para discusiones de género, sino búsquedas por hablar de aquello verdaderamente importante y trascendente. Hay espacios de solvencia de igual mérito. Rescatando eso sí, para la mujer, aquellos donde la sensibilidad juega un rol esencial en la expresión visual. El escritor irlandés James Joyce decía que todas las historias están contadas y ahora debemos preocuparnos de cómo se cuentan. Y es justamente ahí donde se encuentra el hilo conductor de este libro. Son historias o relatos visuales de mujeres creadoras que unen sus experiencias, exploraciones derivadas desde la docencia en escuelas universitarias, talleres de maestros o bien búsquedas autodidactas, entregando parte de ese fructífero resultado en las obras expuestas en esta publicación. En los primeros años de nuestra existencia, y cuando aparecen atisbos de creación artística excepcional, es cuando el apoyo familiar y la docencia logran encaminar a las personas en la persecución de un objetivo en el mundo del arte. En el caso de la mujer no se lograba, pues existía un prejuicio social que predisponía a sus congéneres a la critica fácil sólo por su género. Si bien se les hacia difícil exponer, muchas de ellas lograron traspasar esas barreras y se ganaron un lugar en la historia. Este libro es una clara demostración de lo que son capaces las mujeres en el mundo del arte. Aquí aparece esa mujer artista que no se detiene en su creación, presentando investigaciones propias

según cánones que nos proporciona la historia del arte y que son fruto de sus ideas, cuestionamientos, sentimientos y experiencias de vida. Consignando el desarrollo del arte en un plano teórico, en las ultimas décadas éste ha cambiado en forma drástica. Desde un desarrollo enciclopédico, donde el arte presentaba una historia central con un argumento estricto, se ha volcado a uno que abandona esa rigidez, con tendencias en que el artista genera su obra, fuera y alejado de las metrópolis. En otras palabras, el apego del arte emanado de París, que motivó a los artistas chilenos a viajar durante décadas a Francia, se ha traslado a otros lugares. Los polos de creación se han esparcido por todo el planeta, y nuestros artistas tienen la oportunidad de encontrar nuevos y renovados focos de creación, permitiéndoles una originalidad reflejada en el arte, incluyendo por cierto a las mujeres. Se puede ver que la temática de la obra en mujeres y hombres no es tan diferente, permitiendo encontrar un común interés por las causas ecológicas y en los temas relativos al contexto socio-cultural de los artistas. La pintura, la fotografía, la escultura, el grabado, la técnica mixta y la inter-disciplinaridad, con sus reinterpretaciones y nuevas propuestas, se han establecido en el quehacer artístico, lo que se ve reflejado en las numerosas muestras convocadas y donde los artistas nacionales han podido desplegar sus potencialidades creativas.

El libro Mujeres en el Arte Chileno aborda la disciplina pictórica desde diversas miradas. Es así como nos enfrentamos a abstracciones de carácter lúdico llenas de juegos cromáticos, y frente a ella una geometría sugerente, propia de un sistema mental. La figuración es otra mirada que es convocada a dos niveles; presentada con afanes testimoniales como una cita histórica y también con una orientación de tendencias surrealistas. La escultura aparece con formas de estricto rigor, mientras se enfrenta a figuras emanadas de la historia y la idea del cuento. El libro consta de otras interesantes y nutridas miradas; es así que aparece la fotografía, tratada como género adulto y en constante expansión, alternada con propuestas de grabado de gran aliento manual. Este coloquio de miradas se agrupa de manera prístina para presentarnos un desarrollo representativo del arte chileno realizado por mujeres. Esta publicación ve la luz en momentos de una importante presencia de artistas mujeres en nuestro medio. Artistas que realizan sus aportes creativos en busca de una sociedad más inclusiva y solidaria para ser testimonios de estos tiempos. Estas mujeres, con sus principios extendidos al arte, son claro ejemplo de una realidad en la que ellas realizan sus aportes con un gesto de madurez, talento y generosidad.

Ernesto Muñoz Santiago de Chile, 2016

or several years now, women in Chile have

there is a masculine and a feminine art, since today

art history limits that provides us with, and which are

The Mujeres en el Arte Chileno (Women in Chilean

had a broader presence in art, a space that

there is no space for gender discussions, but to search

fruit of their own ideas, questionings, feelings and life

Art) book approaches the pictorial discipline from

was persistently denied to them in the past.

in order to speak of what is really important and

experiences.

multiple perspectives. That is how we confronted the

The processes of sidelining and making feminine

transcending. There are spaces of solvency for equal

art invisible are things of the past and it is currently

merit, but of course rescuing those where sensibility

normal to find women artists’ exhibitions at different

plays an essential role in visual expression for women.

abstractions of a playful character, full of chromatic a

interplay and facing it, suggesting a geometry proper

theoretical plane, it has changed drastically in the last

of a mental system. Figuration is the other glance

few decades. From an encyclopedic development,

convoked at two levels; presented with testimonial

James Joyce said all stories have been told

where art presented a central story with a strict plot,

pretensions as a historical quote, as well as with an

Many seminars, innumerable exhibitions have

and we now have to worry about how they are told.

there has been a shift toward an art that abandons

orientation of surrealist leanings.

been held and a great deal has been written on

However, it is precisely there where this book’s

that rigidness, through trends in which the artist

feminine art and the contempt it has received on

unifying thread is found. They are visual stories or

generates her/his work, outside and removed from

part of the gender culture prevailing in our country.

narratives by creative women bringing together their

large cities. In other words, the attachment to

shapes of strict rigor, while it faces figures emanated

Finally, the gender issue today and its sidelining in art

experiences, explorations derived from teaching at

French art, which motivated Chilean artists to travel

from history and the concept of the tale. The book

has ceased to be constant. The challenge women had

university faculties, master-apprentice workshops or

to Europe for decades, has moved elsewhere. The

includes other interesting and healthy glances:

to face in order to be able to show their work with

self taught processes, delivering part of that fruitful

poles of creation have been scattered about, and are

thus photography, treated as a full-grown genre in

any degree of success now has positive results. The

result in the works exhibited in this publication.

today found all over the planet and our artists have

constant expansion, alternated with proposals around

the opportunity to find new and renewed focal points

engraving of a great manual inspiration. This debate

of creation, allowing them an originality reflected in

of glances is grouped pristinely in order to present

our art, certainly including women.

us with a development representative of Chilean art

exhibition spaces.

predominance of the culture of feminine segregation has not really come to an end, but, one day at a time,

During the first years of our life and when

gender equality imposes itself with greater strength.

exceptional glimmers of creativity appear, is when

Recording

the

development

art

family support and teaching manage to guide people

Sculpture

makes

its

appearance

through

made by women.

There is no differentiated art among men and

pursuing an objective in the art world. For women this

One can observe that the subject matter is not

women; there are creative proposals according to

was not possible, since there was a social prejudice

that different between men and women, allowing

This publication sees the light of day at times

the personalities formulating them. The contribution

that predisposed their peers to an easy criticism due

discovering a common interest for ecological causes

of an important presence of women artists in our

of women artists to culture is undeniable, even from

to the fact of being a woman. Even if it was difficult

and issues related to artists’ socio cultural context.

environment. Artists that make creative contributions

a richness of experiences that moves it. The struggle

for them to exhibit, many of them managed to cross

of the feminist movements the world over has been

those barriers and earned a place in history.

as part of a search for a more inclusive and solidary Painting, photography, sculpture, engraving,

society and testify for our times. These women, with

mixed media and interdisciplinary work, with its

their principle extended into art, are a clear example

This book is a clear demonstration of what

reinterpretations and new proposals, have established

of a reality in which they make their contributions

women are capable of in the art world. We have here

themselves in the art world, which is reflected in the

with a gesture of maturity, talent and generosity.

The trend currently points toward establishing

a woman artist who does not cease in her creative

numerous exhibitions held, at which local artists have

diverse creative routes in Chilean art, forgetting that

process, presenting her own research according to

been able to display their creative potential.

successful and museum and gallery doors have opened, much to the joy of art lovers.

Ernesto Muñoz Santiago de Chile, 2016

ARTISTA MULTIDISCIPLINAR | MULTIDISCIPLINARY ARTIST

Expresionismo universal | Universal expressionism

SOL GUI LLON

"Trabajo en constante búsqueda de un mejor resultado visual y plástico”. Así define Sol Guillon su concepto de inspiración. Por eso, las diversas temáticas que aborda en su obra lo hace a través de las representaciones en serie, con infinitas variaciones de color, de formas, de líneas e incluso de materiales. Se trata de buscar distintas maneras de representar una misma obsesión, que tiene como base la universalidad de la abstracción geométrica, el estudio riguroso del color, las proporciones y las líneas puras. En su creación de murales se aprecian influencias del de arte cinético, lo que surge de la observación amplificada de tejidos textiles y del entender cómo en un telar, tejido o bordado, las hebras se van entrecruzando para producir un efecto que se puede mirar a distancia, pero que es fascinante al apreciarlo desde la misma fibra. Los hilos o hebras son reemplazados por listones de madera, en donde el relieve, la trama, y en especial la interacción de color, son protagónicos.

“I work in constant search of a better visual outcome”. Thus Sol Guillon defines her concept of inspiration. That is why she takes on the varied themes she approaches in her work through series of representations with infinite color, shape, line and even material variations. It is about seeking different ways to represent a single obsession, which has the universality of geometric abstraction, a rigorous study of color, proportions and pure lines as its basis. In her creation of murals, influences of kinetic art are appreciated, what emerges from the amplified observation of textiles and in the act of understanding how in a loom, weaving or embroidery, threads interweave to produce an effect that can look away but it is fascinating to appreciate from the fiber. The threads or strands are replaced by wooden slats, where the relief, plot, and especially the interaction of color, are the protagonists.

www.solguillon.cl

SOL GUILLON

Carro del cielo (Homena je a Gabriela Mistral), 2016, madera de pino, 3600 x 250 cm. Primer Lugar en Concurso Público MOP Chile, Centro Cultural GAM, Santiago. Mural Edificio ISA PVN, 2016, madera de álamo, 400 x 250 cm. Providencia, Santiago | El sonido de los colores, 2013, madera de pino, 700 x 300 cm. Edificio San Isidro 635, Santiago. | Fotografía: Camila Duch.

Diseñadora de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Comenzó a incursionar en el arte desde el 2000. Fue seleccionada para el Salón de Otoño en Barcelona y obtuvo una Mención Honrosa otorgada por la Sociedad Nacional de Bellas Artes. También fue premiada en el Congreso Iberoamericano de Gráfica Digital (SIGRADI) y en 2013 participó en los World Art Games, en Croacia. Ha expuesto en numerosas ocasiones tanto en Chile como en el extranjero, además de intervenir diversos espacios públicos como el centro TROI del Hospital Calvo Mackenna, el Parque Escrivá de Balaguer en Vitacura y el Centro Cultural Gabriela Mistral. Actualmente es miembro de la Asociación de Pintores y Escultores de Chile y docente en la Universidad Finis Terrae y en la Universidad del Desarrollo.

She graduated from the Pontificia Universidad Católica de Chile design school. She began her incursion into art in 2000. She was selected for the Salón de Otoño exhibition in Barcelona and obtained an honorable mention from the Sociedad Nacional de Bellas Artes corporation. She was also distinguished at the Ibero-American congress of digital graphics (SIGRADI) and in 2013 she participated at the World Art Games (Croatia). She has abundantly exhibited both in Chile and abroad, such as at the TROI center of the Calvo Mackenna hospital, the Parque Escrivá de Balaguer park (Vitacura), and the Gabriela Mistral cultural center. She is currently a member of the painters and sculptors association of Chile (APECH) and teaches at the Universidad Finis Terrae and the Universidad del Desarrollo.

Heaven’s Carriage (Homage to Gabriela Mistral), 2016, pine tree wood, 1417 x 98 in. First Place in the Public Contest MOP Chile, GAM Cultural Center, Santiago. | ISA PVN’s Building Mural, 2016, poplar wood, 157 x 98 in. Providencia. | Color’s Sound, 2013, pine tree wood, 276 x 118 in. 635 San Isidro Building, Santiago. | Photography by: Camila Duch.

TÉCNICA MIXTA | MIXED MEDIA

La experiencia hipnótica del ritmo | The hypnotic experience of rythm

TERE IVAN OVIC

Todo parte con la naturaleza y la variedad de sus texturas. O con la observación profunda y detenida de lo cotidiano; la sencillez poética del agua que corre en una tina de baño, por ejemplo. Luego viene su obsesión por dominar la línea, un impulso que la lleva a construir formas diversas y rítmicas traducidas con la repetición compulsiva del tallado en la xilografía y del collage en los sobre relieves. Sus imágenes se extienden hasta topar con los límites de las superficies, tales como papeles, maderas y prensa, encontrando en el sistema de módulos una posibilidad para tornar su obra virtualmente infinita. La tensión entre la fluidez de sus figuras -familiares, rítmicas y complejasy la rigidez de la madera como material de trabajo, es el centro de su proceso creativo. Sus procedimientos repetitivos la llevaron a construir una obra de tramas suaves y envolventes, una experiencia sensorial con la que pretende hipnotizar al espectador, creando patrones del entorno que logren capturar su mirada.

Everything begins with nature and the variety of its textures; or with a deep observation of the everyday; the poetic simplicity of water running in a bathtub, for instance. Then comes her obsession of dominating the line, an impulse that leads her to build diverse and rhythmical shapes translated with the compulsive repetition of carving xylography and collage in the above embossments. Her images extend until bordering the limits of surfaces, such as paper, wood and roller press, finding in the module system a possibility to turn her work virtually infinite. The tension between the fluidness of her figures, familiar, rhythmical and complex, and the rigidness of wood as working material is the center of her creative process. Her repetitious procedures lead her to build a work of soft and enveloping weaves, a sensory experience with which she intends to hypnotize the spectator, creating patterns of the surroundings that manage to capture her glance.

www.tereivanovic.cl

TERE IVANOVIC

1980

Licenciada en Artes Plásticas con mención en grabado de la Universidad Finis Terrae. Estudió pedagogía en la Universidad Católica y Arte Terapia en la Universidad de Chile. Se dedicó 10 años a la docencia y en 2013 retomó de manera exclusiva su trabajo artístico al incorporarse al taller de Eugenio Dittborn. Ha participado en diversas exposiciones colectivas, entre las que destacan las llevadas a cabo en el Museo de Artes Visuales, la Galería Artespacio y la Galería Municipal de Arte de Valparaíso, donde se llevó a cabo la Bienal de Grabado Carlos Hermosilla. Su obra también ha sido expuesta en Austria, Italia y Argentina, y actualmente trabaja en su primera muestra individual.

1980

She is a visual arts graduate with a mention in engraving from the Finis Terrae University. She studied teaching at the Universidad Católica and art therapy at the Universidad de Chile. She was a teacher for ten years and in 2013 went back to her artistic work exclusively when she joined the Eugenio Dittborn’s workshop. She has participated at diverse group exhibitions, among which the ones held at the Museo de Artes Visuales, Artespacio gallery and at the Valparaíso municipal art gallery (where the Carlos Hermosilla engraving biennial took place) stand out. Her work has also been shown in Austria, Italy and Argentina, and she is currently working on her first solo exhibition.

Vuelo, 2015, sobre relieve composición de madera, 110 x 115 cm | Corriente, 2015, sobre relieve composición de madera, 170 x 130 cm | Tetera, loro, flor, 2014, dibujo sobre cartón, 40 x 40 cm | Pulsante, 2013, xilografía sobre papel, 200 x 200 cm. Flight, 2015, wood composition on relief, 43 x 45 in. | Flowing, 2015, wood composition on relief, 67 x 51 in. | Kettle, Parrot, Flower, 2014, drawing on cardboard, 15 x 15 in. | Pulsing, 2013, xylography on paper, 78 x 78 in.

PINTURA | PAINTING

Itinerario de Identidades | Itinerary of Identities

MACA RENA MATTE

La poética genuina presente en la obra Macarena Matte pone al servicio de su mundo personal formas y colores que reflejan la necesidad de hacer visible procesos internos de la conciencia y del sentido de las cosas. El dibujo lineal, las manchas de color y las certeras pinceladas de pigmento, van armando y dando vitalidad a su composición. El resultado de sus obras surge tras explorar diferentes técnicas: acuarela, grabado, óleo, cerámica y acrílico. Con este último elemento logra interpretar su identidad a través de los colores utilizados, dando una acuosidad y transparencia que entregan significado a la obra en su totalidad. Es un trabajo que plantea un itinerario, que busca que el observador encuentre un punto de atracción y que desde ahí recorra la obra completa, hasta lograr identificarse con los personajes que dejan estelas de historia y que son quizás lo más característico de su propuesta.

The poetics genuinely presented in Macarena Matte’s work put shapes and colors, reflecting the need to make visible internal processes of conscienceness and the meaning of things at the service of her personal world. Linear drawing, color stains and well aimed pigment brushstrokes go on to assemble and give vitality to her composition. The outcome of her works emerges after exploring different techniques: watercolor, engraving, oil paint, ceramic and acrylic. With this later element she achieves an identity that manages to interpret the colors she looks for, giving a wateriness and transparency that signify the work in its totality. This is a work that states an itinerary, seeking for the observer to find a point of attraction and from there on to tour all of the piece until managing to identify with the characters leaving behind historical trails and which perhaps are the most characteristic elements of her proposal.

www.macarenamatte.cl

MACARENA MATTE

1970

Es diseñadora gráfica de profesión y su formación en pintura vino de la mano de Carmen Silva, mientras que la acuarela la adquirió con Judith Oddó y Alejandra Bendell. En el Taller 99 ejercitó el grabado, y el dibujo lo aprendió con Jaime León. Ha expuesto tanto en Chile como en el extranjero, participando en Singapur en Bank Artfair a través de la Galería Javier Román. Entre sus muestras individuales destacan “La fuerza del trazo” en Casas de Lo Matta, “137 km” en el Museo Vicuña Mackena y un mural en la sala de espera broncopulmonar del Hospital Roberto del Río.

1970

She is a professional graphic designer and her education in painting came by the hand of Carmen Silva, while taking up watercolor through Judith Oddó and Alejandra Bendell. She went into engraving and drawing at the Taller 99 workshop, studying drawing with Jaime León. She has exhibited both in Chile as well as abroad, participating in Ban Artfair in Singapore represented by Javier Román Gallery. Some of her solo exhibitions are "La Fuerza del Trazo" (Casas de Lo Matta), "137 Km" (Vicuña Mackenna Museum) and a mural in the waiting room of the Roberto del Río hospital.

La ciudad, 2015, técnica mixta, 130 x 160 cm | Santiago, 2016, técnica mixta, 100 x 80 cm | NY, 2015, técnica mixta, 130 x 90 cm | Santiago Centro, 2016, técnica mixta, 65 x 150 cm. The City, 2015, mixed media, 51 x 63 in. | Santiago, 2016, mixed media 39 x 31 in. | NY, 2015, mixed media, 51 x 35 in. | Downtown Santiago, 2016, mixed media, 25.5 x 59 in.

ESCULTURA | SCULPTURE

La pureza de la estructura | The purity of structure

DAPH NE LYON

La artista ha proyectado esculturas abstractas, traslucidas y livianas, que surgieron como un ejercicio de dibujos tridimensionales con fierros encontrados en calles y barracas. Daphne Lyon quería -mediante la libertad que entrega este medio- crear dibujos tridimensionales sin limitaciones, canalizando así lo más directo desde el subconsciente. Estas estructuras representan la fuerza, un esqueleto orgánico, simple y flexible, resistente ante cualquier temporal como ocurre en la misma naturaleza. “En esa simpleza de la estructura hay una belleza pura”, asegura la artista. Luego viene la comunión con el material, entre el frío y la dureza del fierro y su propio cuerpo. Es el resultado de largos procesos de investigación, observación y silencio para aprender a escuchar lo que la obra quiere decir. Y es que para ella, en cierto punto, la escultura adquiere vida propia, tiene energía y alma; emerge y se desarrolla en un proceso que debe ser respetado. La clave es la comunicación, el diálogo entre el artista y la obra, el respeto, amor y humildad que existe entre la creación y la ejecución misma.

The artist has projected abstract, translucent and light sculptures that emerge as an exercise of threedimensional drawings with metal pieces found on streets and in tool shacks. Daphne Lyon wanted, through the freedom this medium delivers, to create limitless threedimensional drawings, thus channeling the subconscious in the most direct manner possible. These structures represent strength, an organic skeleton, simple and flexible, resistant to any storm like in nature itself. “There is a pure beauty in the simplicity of structure”, the artist assures. Then there is the communion with the materials, between the cold and hardness of metal and her own body, warmer and soft. It is the result of long research, observation and silent processes in order to hear what the work has got to say. Because for her, to a certain point, sculptures take on a life of their own, they have energy and soul; they emerge and develop in a process that has got to be respected. The key is communication, the dialogue between the artist and the work, the respect, love and humbleness there is between creation and its execution itself.

DAPHNE LYON

www.daphne.cl

1982

Estudió artes plásticas en la Universidad de Chile y se dedicó en forma paralela a la pintura y a la escultura, trabajando el bronce, el acero y la cerámica gres. Participó en el taller de escultura de Octavio Román. Se perfeccionó en Europa y vivió tres años España. Ha expuesto en Barcelona, Londres, Ciudad de México y Santiago, y entre sus muestras individuales destacan “Tierra”, en la Galería Esther Arias; “Transmutaciones”, en el Galpón Quinta Normal; “Ni Dios Ni el Diablo”, en Espacio Oops!; y “Espacio No Vacío” en Galería La Sala. Participó en la Feria de Arte Parallax 2011 y Ch.ACO 2015. Actualmente asiste al taller de Eugenio Dittborn.

1982

She studied visual arts at the Universidad de Chile and in parallel dedicated herself to painting and sculpture, working with bronze, steel and ceramic. She participated in Octavio Román’s sculpture workshop, and specialized in Europe, living in Spain for three years. She has exhibited in Barcelona, London, Mexico City and Santiago, and among her solo exhibitions "Tierra" (Esther Arias Gallery), "Transmutaciones" (Galpón Quinta Normal), "Ni Dios Ni el Diablo" (Espacio Oops!) and "Espacio No Vacío" (La Sala Gallery). She participated at the 2011 Art Parallax fair and Ch.ACO fair in 2015. She is currently studying at the Eugenio Dittborn workshop.

Adan, 2016, fierro, pintura electrostática y esmalte, 126 x 47 x 40 cm | Eva, 2016, fierro, pintura electrostática y esmalte, 115 x 56 x 30 cm | Azul, 2015, fierro, pintura electrostática y esmalte, 75 x 80 x 107 cm | Amarillo, 2016, fierro, pintura electrostática y esmalte, 110 x 60 x 60 cm. Adan, 2016, iron, electrostatic paint, and varnish, 49.6 x 18.5 x 15.7 in. | Eva, 2016, iron, electrostatic paint, and varnish, 45.2 x 22 x 11 in. | Blue, 2015, iron, electrostatic paint, and varnish, 29.5 x 31.4 x 42.1 in. | Yellow, 2016, iron, electrostatic paint, and varnish, 43.3 x 23.6 x 23.6 in.

PINTURA | PAINTING Alegría experimental | Experimental joy

ULITA LUCO JULITA LUCO

Una manera de vivir, de transmitir y expresar alegría, eso es pintar para Julita Luco. Su obra está revestida de gran fuerza emocional, son sus vivencias. Su pintura es luminosa, intensa, explosiva, intuitiva y alegre, con un gran manejo del color. Ese optimismo frente a la vida impregna su obra de luz, manchas, agua y color, que están al servicio de esa energía vital que la caracteriza. Su época inicial se ve reflejada en botes llenos de colores. Luego transmutó a la representación de plazas, parques, organilleros y árboles. De ahí saltó a la ciudad, con sus movimientos, colores y luces, imágenes e información, personas y velocidad; es la urbe activa y explosiva. Cultiva la pintura al óleo, el acrílico, los pigmentos, el carbón y la técnica mixta, pues su trabajo es eminentemente experimental, con soportes que aportan y expresan la sensación de estar en medio de la calle, en medio de la gran ciudad. Imágenes sobre imágenes, algunas más fantasmales y menos definidas, se ven y se ocultan. Es el resultado de aguadas, brochazos, manchas sueltas e intensas sobre grandes formatos.

A way of living, of transmitting and expressing joy; for Julita Luco, that is painting. Her work is aligned with a great emotional strength, her experiences. Her painting is luminous, explosive, intuitive, loose and joyful, with a great use of colors. This optimism facing life impregnates her work of light, stains, water and color, all at the service of this vital energy that characterizes her. Her initial dreamy artist phase is reflected in boats filled with colors. She then shifted toward representing squares, parks, organ players and trees. From there she jumped to the city, with its movement, colors and lights, images and information, people and speed; it is the active and explosive city. She paints with oil paint, acrylics, pigment, charcoal and mixed media, since her work is eminently experimental, with supports that make a contribution and express the feeling of being in the midst of the street, in the middle of the big city. Images on top of images, some more ghostly and less defined, are seen and then hidden. This is the result of applying gouache, brush strokes, loose and intensely stains on large formats.

www.julitaluco.com

1971

Diseñadora gráfica chilena nacida en Madrid. Participó por más de una década en el taller de creatividad de Concepción Balmes y por un tiempo también lo hizo en el taller del artista Matías Movillo, entre otros. Pertenece a la Asociación de Pintores y Escultores de Chile y ha expuesto en diversos espacios, entre los que destacan la Galería La Sala, el Centro Cultural Palacio La Moneda, Fundación Telefónica, Centro Cultural Estación Mapocho y la feria de arte Faxxi. También participó en el proyecto “Bancas pintadas”, de la Municipalidad de Santiago, y en “Caballos pintados”, de la Municipalidad de Las Condes. Su obra “Corazón aventurero a bordo de un velero” está incluida en el libro de poemas "Entre Júpiter y Marte, un saludo a las estrellas", de Antonio Skármeta.

1971

She is a Chilean graphic designer born in Madrid. She participated at the Concepción Balmes creativity workshop for over a decade and for some time also at Matías Movillo’s workshop, among others. She belongs to the association of Chilean painters and sculptors and has exhibited at diverse spaces, among which are: La Sala gallery, La Moneda Palace Cultural Center, Telefónca Foundation, Estación Mapocho Cultural Center and the Faxxi art fair stand out. She was also part of the "Bancas Pintadas" project (Santiago Municipality) and "Caballos Pintados" (Las Condes Municipality). Her piece "Corazón Aventurero a bordo de un velero" is included in the book of poems "Entre Júpiter y Marte, un saludo a las estrellas", by Antonio Skármeta.

Ciudad en movimiento, 2014, técnica mixta sobre tela, 152 x 152 cm | El color de la ciudad, 2016, técnica mixta sobre tela, 100 x 100 cm | La ciudad, 2014, técnica mixta sobre tela, 100 x 192 cm | Fotografía: Camila Duch. Cities-in-motion, 2014, mixed media on canvas, 59.8 x 59.8 in. | City’s Color, 2016, mixed media on canvas, 39.3 x 39.3 in. | The City, 2014, mixed media on canvas, 39.3 x 75.5 in. | Photography by: Camila Duch.

PINTURA | PAINTING

El encanto del color | The allure of color

CLAU DIA PARO DI CLAUDIA PARODI

Abundante en color y pleno de felicidad. Así define su obra Claudia Parodi, cuyas temáticas abordan la simpleza de la vida, lo urbano y la naturaleza en un contexto lúdico en el que los colores son los protagonistas. Tiene una predilección por los grandes formatos, esos que permiten aplicar gruesas capas de pintura y que dan textura a la obra. También ha incursionado -por periodos- en la escultura, los telares y el grabado; pero sobre todo busca integrarlos en una misma obra y continuar explorando distintas disciplinas y técnicas. Trabaja para impresionar al espectador y reflejar su personalidad a través del uso de una paleta que transmite alegría y ganas de vivir, logrando que los espacios que la obra ocupa se vuelvan encantadores y que, finalmente, enamoren. Quizás por eso una de las figuras que más representa es el corazón, símbolo que explora de todas formas y colores, interviniéndolo con textos y veladuras o a veces sólo con una línea fuerte que delimita el espacio.

Abundant in color and plentifully happy, that is how Claudia Parodi defines her work, whose themes approach the simplicity of life, what is urban and nature in a playful context in which colors are the protagonists. She favors large formats, which allow her to apply thick layers of paint, giving the work texture. During certain periods she has also forayed into sculpture, looming and engraving, but above all she seeks to integrate them in the same piece of work and continue exploring disciplines and techniques. She works in order to impress spectators and reflect her personality, by means of a palette transmitting happiness and a joie de vivre, achieving the spaces the piece occupies to become enchanting and which, in the end, make fall in love. Perhaps that is why one of the figures she represents the most is the heart, a symbol that she explores in all shapes and colors, intervening it with text and veils, or sometimes only with a strong line delimiting the space.

www.arteparodi.cl

1973

Es comunicadora audiovisual de la Uniacc. Sus inicios en la pintura fueron de forma autodidacta y luego cursó un diplomado en arte en la Pontificia Universidad Católica de Chile. Ahí fue discípula del maestro Eduardo Vilches, en su cursos de Color. Algunas de sus exposiciones individuales son “Todo Sobre Papel” en Galería Blanc en Santiago; “Color” en PepsiCo Corporate Holding Art Gallery, Nueva York; y “Amor Urbano Recargado”, en Galería Praxis. Destacan, entre las muestras colectivas, “EnterArte” en el Centro Cultural Estación Mapocho y “Viviendo un sueño” en la sala de artes del edificio corporativo de Rosen.

1973

She is a visual communicator from the UNIACC university. Her beginnings in painting were of a self taught character and she later took on a diploma in art at the Universidad Católica de Chile, and there she studied under master Eduardo Vilches at his color workshops. Some of her solo exhibitions are "Todo Sobre Papel" (Blanc Gallery, Santiago), Color (PepsiCo Corporate Holding Art Gallery, New York) and "Amor Urbano Recargado" (Praxis Gallery). Among her group exhibitions, "EnterArte" (Estación Mapocho Cultural Center) and "Viviendo un Sueño" (Rosen corporate building art space), stand out.

Llegó la Primavera, 2016, técnica mixta sobre tela, 160 x 150 cm | Árboles enamorados, 2016, técnica mixta sobre tela, 180 x 100 cm | Ciudad Amor, 2016, técnica mixta sobre tela, 180 x 110 cm | Fotografía: Camila Duch. Spring’s Arrival, 2016, mixed media on canvas, 82.6 x 52.7 in. | Trees in love, 2016, mixed media on canvas, 70.8 x 39.3 in. | City Love, 2016, mixed media on canvas, 70.8 x 43.3 in. | Photography by: Camila Duch.

PINTURA | PAINTING

Espontaneidad a color | Spontaneity in color

MARÍA OSE BENVE NUTO MARÍA JOSÉ BENVENUTO

Experimentación constante. Esa podría ser la premisa que define el trabajo de esta artista, quien a través de diversos formatos y técnicas explora el comportamiento matérico en todas sus dimensiones. Hay en su obra una dualidad constante entre el control y el azar, una fuerza que surge desde la espontaneidad y que María José intenciona, pero que finalmente tomará su propio rumbo, completamente impredecible. Y es ese movimiento azaroso el que tanto captura su atención plástica. Trabaja sobre tela y papel, dos superficies y líneas de creación que se complementan y en las que cada elemento encuentra su espacio para funcionar en armonía con los demás. Esmalte al agua, esmalte sintético, acrílico, acuarela, lápices; todo se funde al tiempo que propone interesantes contrastes según las diferentes maneras en que es trabajado, permitiendo así que el material cobre vida propia y hable por sí solo.

Constant experimentation. That could be the premise that defines this artist’s work, who through diverse formats and techniques explores the behavior of matter in all of its dimensions. There is an ongoing duality between control and chance in her work, a force that emerges from spontaneity and that María José puts into an intention, but which in the end will take on its own way, completely unpredictable. However, it is that chance movement that captures her visual attention so much. She works on canvas and paper, two surfaces and lines of creation that complement each other and in which every element finds its space to work in harmony with the others. Water based and synthetic enamel, acrylics, pencils, everything merges as she proposes interesting contrasts according to the different ways in which they are worked, thus allowing for the material to come alive and speak for itself.

www.maria josebenvenuto.cl

1990

Licenciada en artes visuales de la Pontifica Universidad Católica de Chile, donde obtiene el certificado académico en diseño integral. Entre sus exposiciones individuales destacan “De la industria a la tela”, en la Municipalidad de Vitacura, y “Art of Dance”, en Sala Gente. Ha expuesto colectivamente en más de una decena de oportunidades tanto en Chile como en el extranjero, destacando sus participaciones en la Bienal de Florencia el año 2013, Red Dot Art Fair Miami en 2016 y en la cuarta versión de Faxxi, donde estuvo presente pintando in situ. Su trabajo ha sido también exhibido en lugares como Galería Isabel Aninat, Galería Madhaus, Galería Oops! y Art Santiago en el Centro Cultural Gabriela Mistral, entre otros. Entre sus reconocimientos se encuentra el haber obtenido el Cuarto Lugar en la categoría “Obras sobre papel”, premio Lorenzo il Magnifico de la Bienal de Florencia, Italia.

1990

She is a visual arts graduate from the Pontificia Universida Católica de Chile, where she obtained an integral design degree. Among her solo exhibitions, "De la Industria a la Tela" (Vitacura Municipality) and "Art of Dance" (Sala Gente), stand out. She has also showed collectively over a dozen times both in Chile and abroad, with her two participations at the 2013 Florence Biennial, the Red Dot Art Fair (Miami, 2016), and the fourth version of Faxxi, where she participated painting in situ. Her work has also been exhibited at the Isabel Aninat, Madhaus and Oops! galleries and at Art Santiago (Gabriela Mistral Cultural Center), among others. Among her distinctions obtained, fourth place in the works on paper category of the Lorenzo il Magnifico prize at the Florence Biennial is noteworthy.

Montaña, 2016, acrílico sobre papel, 55 x 75 cm | Edificio, 2016, acrílico sobre papel, 55 x 75 cm | Ciudad, 2016, acrílico sobre papel, 55 x 75 cm | Cerro, 2016, acrílico sobre papel, 55 x 75 cm Mountain, 2016, acrylic on paper, 21.6 x 29.5 in. | Building, 2016, acrylic on paper, 21.6 x 29.5 in. | City, 2016, acrylic on paper, 21.6 x 29.5 in. | Hill, 2016, acrylic on paper, 21.6 x 29.5

TÉCNICA MIXTA | MIXED MEDIA

Atmósferas | Atmospheres

PATRI CIA ASTOR GA PATRICIA ASTORGA

En la obra de Patricia Astorga se funden el mundo interior con los acontecimientos cotidianos, dando vida a un trabajo que nace desde lo más íntimo para conectarse con la esencia terrenal. Son emociones, pensamientos, ideas; retratos de vida que la artista construye mediante escenas que trasladan a un espacio irreal y que transmite a través de un profundo acto de introspección. Su obra remite a un mundo onírico, un estado de goce y ensueño que atrapa bajo sus atmosferas envolventes. Representa aquel momento de dejarse llevar y trasladarse a un espacio que va más allá de lo concreto. Funde retazos de diversos contextos en búsqueda de lugares únicos donde no hay límites establecidos entre lo real y lo imaginario, la tierra del cielo, lo físico de lo espiritual. De mente inquieta y creativa, Patricia ha explorado diversas disciplinas como la pintura, la escultura, la fotografía y la técnica mixta, siempre con el objetivo de investigar aquella dualidad entre su mundo interior y aquello que la rodea.

Her inner world and everyday events merge in Patricia Astorga’s work, giving life to a labor that is born of what is most intimate to connect with an earthly essence. There are feelings, thoughts, ideas, life portraits the artist builds through scenes that take one to an unreal space and which she transmits through a deep act of introspection. Her work remits to a dreamlike world, a state of joy and daydreaming that traps under its surrounding atmospheres. She represents that moment of letting go and transit to a space beyond what is concrete. She fuses remnants to form diverse contexts in search of unique places where there are no established limits between what is real and what is imaginary, earth and sky, what is physical and what is spiritual. Of a restless and creative mind, Patricia has explored diverse disciplines such as painting, photography and mixed media, always with the aim of researching that duality between her inner world and that which surrounds her.

www.patriciaastorga.cl

1966

Estudió licenciatura en artes en la Pontificia Universidad Católica de Chile, titulándose con distinciones en 1992. Alumna de Gonzalo Cienfuegos y discípula de Ignacio Villegas, logra consolidar su pintura con una fuerte noción del dibujo. Con su proyecto de título, guiado por José Balmes, empezó a esbozar los lineamentos de su obra artística. Posteriormente complementó su formación con una residencia en Espacio O a cargo de Arturo Duclós. Ha expuesto en numerosas oportunidades en Chile y el extranjero, en lugares como la II Bienal de Palermo, Italia; la Bienal de Arte de Barcelona, España; el Carrousel du Louvre en París y una exposición en la misma ciudad invitada por Mecenavie; en Miami bajo la feria Spectrum, en Colombia en la feria Art Medellín y en Nueva York, entre otras participaciones.

1966

She studied a degree in arts at the Pontificia Universidad Católica de Chile, earning her degree with honors in 1992. A student with Gonzalo Cienfuegos and a disciple of Ignacio Villegas, she manages to consolidate her painting with a strong notion of drawing. With her degree project, tutored by José Balmes, she began to trace the guidelines of her visual work. Later she complemented her education with a residency at Espacio O under the tutelage of Arturo Duclos. She has exhibited numerously in Chile and abroad, such as, at the 2nd Palermo Biennial (Italy), the Barcelona Art Biennial (Spain), the Carrousel de Louvre and an exhibition by invitation from the Mecenavie Gallery (Paris), the Spectrum Fair (Miami), the Art Medellín Fair and in New York, among others.

La vida diaria, 2014, impresión sobre tela intervenida con acrílico y acuarela, 31 x 21 cm | Algunas Dolencias, 2015, técnica mixta intervenida con acrílico y acuarela, 31 x 21 cm | Whisper, 2014, impresión sobre tela, intervenida con acrílico y acuarela, 31 x 21 cm | Respuestas, 2015, impresión sobre tela intervenida con óleo, 90 x 70 cm. Everyday Life, 2014, printing on a canvas intervened with acrylic and watercolor, 12.2 x 8.2 in. | Some Maladies, 2015, mixed media intervened with acrylic and watercolor, 12.2 x 8.2 in. | Whisper, 2015, printing on a canvas intervened with acrylic and watercolor, 12.2 x 8.2 in. | Answers, 2015, printing on a canvas intervened with oil painting, 35.4 x 27.5 in.

PINTURA | PAINTING

El color que actúa | The color that acts

CATA PERL

Su obra es mayormente abstracta. Casi siempre trabaja en series o con patrones, creando así un interés especial por cada fragmento, cada detalle. Su principal temática, en tanto, es el color. En general se basa en los elementos de la naturaleza: el color de un tronco, el de una fruta, paisajes con sus tonalidades diversas dependiendo de la hora del día o de las estaciones del año, afectados por la primera lluvia o un rayo de luz en invierno. Pero también la música es fuente de inspiración, con una sensibilidad sinestésica que traduce melodía en pigmentos. La versatilidad de la acuarela le permite trabajar de manera pura, respetando aguadas y transparencias, pero manteniendo la intensidad del color. A esto se suma el azar, la mancha que se expande de manera impredecible y que vuelve único cada módulo de su obra. El acrílico, por otra parte, la seduce por la posibilidad que brindan los soportes de mayor extensión y el contraste que puede lograr lo gráfico de cada figura con la textura del fondo. Su objetivo final es conmover al espectador mediante el color que actúa y que evoca sensaciones diversas.

Her work is mostly abstract. Most of the time, she works in series or with patterns, creating a special interest in each fragment and every detail. Her main theme is color. Generally she bases her work on the elements of nature: like the color of a tree´s trunk, a fruit, or landscapes with their diverse tonalities, depending on the time of the day or the season of the year, affected by the first rain or a winter’s beam of light. However, music is also a source for inspiration, with a synesthetic sensibility, which translates melody into pigments. The versatility of watercolor allows her to work in a pure way, respecting washes and transparencies, but keeping the color’s intensity. Added to this, there is chance in the stain, which spreads unpredictably and turns each module of her work unique. Acrylic, on the other hand, allures her with the possibilities offered by larger extent supports, and the contrast achieved by each figure’s graphics with the background’s texture. Her final aim is to thrill the spectator throughout the acting color, which evokes a diversity of emotions

CATA PERL

www.cataperl.com

1985

Estudió licenciatura en Arte en la Pontificia Universidad Católica de Chile. También obtuvo un diplomado en Post Producción fotográfica y fue aprendiz de pintura en el taller de Sergio Stitchkin. Su proyecto de grado fue seleccionado para participar en la exposición “Umbrales” de la UC y recibió una mención honrosa en el concurso “La insoportable sobriedad del ser”, de la Dirección de Asuntos Estudiantiles de la Universidad Católica. Exhibió su obra en muestras colectivas en el Taller El Ciruelillo y en el Centro Cultural Estación Mapocho. Se ha dedicado a la enseñanza en su propio taller de pintura integral, acuarela y fotografía.

1985

She studied an art degree at the Pontificia Universidad Católica de Chile. She also obtained a degree in photography postproduction and she was a trainee at Sergio Stitchkin’s workshop. Her degree project was selected to participate at the "Umbrales" contest at the Universidad Católica and she received an honorable mention at the "La Insoportable Sobriedad del Ser" exhibition of the student affairs direction from the Universidad Católica. She has shown her work at group exhibitions at the El Ciruelillo workshop and the Estación Mapocho cultural center and she has been dedicated to teaching painting at her own integral painting, watercolor and photography workshop.

Oro, 2016, acrílico sobre lino natrual, 60 x 45 cm | Cobre, 2016, acrílico sobre lino natural, 60 x 45 cm | Mar, 2015, acuarela sobre papel, 41 x 30 cm | Primavera, 2015, acuarela sobre papel, 75 x 53 cm. Gold, 2016, acrylic on natural linen, 23.6 x 17.7 in. | Copper, 2016, acrylic on natural linen, 23.6 x 17.7 in. | Sea, 2015, watercolor on paper, 16 x 11 in. | Spring, 2015, watercolor on paper, 29.5 x 20 in.

TÉCNICA MIXTA | MIXED MEDIA

El orden del caos | The order of chaos

FRAN CISCA CAS TANO FRANCISCA CASTAÑO

De la serie Figuras humanas en bloque, 2015, grabado digital con intervención, 45 x 210 cm | De la serie Alcanzando la meta, 2016, acrílico en canvas, 205 x 75 cm.

Los inicios de Francisca Castaño se encuentran marcados por la abstracción. Más tarde comenzó a incorporar la figura humana: su anatomía, el estudio del movimiento, la secuencia y el desplazamiento. Estas nociones se cruzan con aspectos geométricos como el juego de la línea, el trazo y la perspectiva, creando formas que combinan una amplia base creativa. La libertad de la tela en blanco es inicialmente caótica. Con soltura va componiendo y dominando el caos. Llega así la calma y el proceso se vuelve racional. Es el momento del disfrute, del goce. La obra comienza a adquirir vida propia y toma directrices que la artista ejecuta, influenciada quizás por el automatismo, el cubismo analítico o -como ella dice- por un “surrealismo abstracto figurativo”. El barroco también se hace patente, con esa obsesión por la complejidad formal, la utilización de todo el espacio disponible y el horror al vacío, recargando con elementos curvos, rectos e intersticios, generando así una obra que se expande fuera de sus límites hacia el infinito.

Abstraction in the work of Francisca Castaño has always been relevant. Those were her origins, but over time she went on to incorporate the human figure, its anatomy, the study of movement in blocks, sequences and displacement. Geometry also manifests itself, the play of lines, strokes and perspective, shapes that are weaved together with the human figure. The freedom the white canvas allows is initially chaotic. With ease, she goes on to compose, building and dominating chaos. Thus the calm arrives and the process becomes rational. It is the moment of her enjoyment, enjoying the act. The work begins to take on a life of its own and takes directives the artist executes, perhaps influenced by automatism, analytic cubism or, as she says, “an abstract figurative surrealism”. The Baroque is also a manifest, with that obsession with formal complexity, the use of all of the space available and the horror of the empty space, loading the work with curved and straight elements and interstices, thus generating a work expanding beyond its limits, towards the infinite.

www.franciscacastano.com

1958

Estudió artes aplicadas en la Universidad de Chile. Se especializó en dibujo de figura humana en la Universidad Católica y en la Universidad Finis Terrae, mientras que profundizó su pintura en la Academia Martín Soria. Sus maestros fueron Ávaro Cabrera, Leonor Damesti, Arturo Santana, Jaime León y Sarjo. Obtuvo una mención especial en un concurso organizado por el Instituto Chileno Japonés y es parte de la colección CCU, del diario El Mercurio, Americatel y del Museo de Arte Latinoamericano (MoLAA) en Estados Unidos. Su obra ha sido expuesta en ferias en Argentina, Toronto, Miami, Philadelphia y Nueva York. Fue artista destacada en la IX Bienal Internacional de Arte de Valparaíso y entre sus exposiciones individuales destacan “Color and Images in Chilean Art” en Estados Unidos, y muestras en la Galerie Du Cónsul de París; el Molino de Pérez en Montevideo; la Casa América Latina y el Centro Cultural Le Botanique, ambos en Bruselas; el Instituto Cultural de Providencia y la sala El Farol de la Universidad de Valparaíso.

1958

She studied applied arts at the Universidad de Chile and specialized in human figure drawing at the Católica and Finis Terrae universities, while she went deeper into painting at the Martín Soria academy. Her teachers were Álvaro Cabrera, Leonor Damesti, Arturo Santana, Jaime León and Sarjo. She obtained a special mention at a competition organized by the Chilean Japanese Institute and her works are part of the CCU, El Mercurio, Americatel and the Arte Latinoamericano (MoLAA) Museum collections. Her work has been shown in Argentina, Toronto, Miami, Philadelphia and New York. She was a distinguished artist at the 9th Valparaíso International Art Biennial and among her solo exhibitions, "Color and Images in Chilean Art" (the United States), as well as exhibitions at the Galerie Du Cónsul (Paris), Molino de Pérez (Montevideo), Casa América Latina and Le Botanique Cultural Center (both in Brussels), the Providencia Cultural Institute and the El Farol space (Valparaíso University), stand out.

From the series Human Figures en Masse, 2015, digital printmaking intervened, 17.7 x 82.6 in. | From the series Reaching the Goal, 2016, acrylic on canvas, 80.7 x 29.5 in.

ESCULTURA | SCULPTURE

La metáfora de lo sentimental | The metaphor of emotions

YUKI YAMA MOTO

Yuki Yamamoto se busca a sí misma en sus cuadros. Está presente en todos ellos, pero se esconde. Se esconde en la materialidad de la pintura que es tan importante como la figura misma. Se esconde también en el uso del árbol como metáfora de la persona: sea éste frondoso o sin hojas, pequeño o grande, con raíces profundas o sin ellas, ahí está la artista. Se oculta en la figura de la casa y la escalera, una como símbolo de intimidad y la otra como representación del cambio. En su obra no hay un plan previo y el resultado es siempre inesperado. Su personalidad o estado de ánimo emerge hasta que se arma una historia y ésta queda terminada, una obra en la que el alma pueda sentirse emocionada por la historia que se cuenta. Por eso define su trabajo como “inocente, sin grandes ambiciones y sentimental”, porque en él la realidad no tiene importancia y sólo prima la emoción.

Yuki Yamamoto's paintings represent her life journey of self discovery. She is present yet hidden in all her paintings. She can be discovered not only in main figure, but also in the material quality of the paintings, which are just as important as the figures in the paintings. The trees in her paintings are used as a personal metaphor. Be they leafy or barren, small or large, of deep roots or without them, there is the artist. She can also be discovered in the figure of the house and ladder; one symbolizing intimacy and the other representing change. There is no previous planning in her work and the outcome is always unexpected. Her character or mood rises until a story is created and the piece is over. A work where the soul may be touched by the story being told. That is why she defines her work as “naïve; without great ambitions and sentimental”, because in it reality does not matter and only emotions prevail.

www.yukiyamamoto.cl

YUKI YAMAMOTO

1973

Estudió licenciatura en Arte mención Restauración en la Universidad Católica. Trabajó 10 años en el laboratorio de restauración de pintura de caballete del Museo Nacional de Bellas Artes, participó en el Taller 99 para experimentar con el grabado en metal y luego exploró el color en el taller de Cristian Abelli. En 2008 decidió dedicarse exclusivamente a la pintura, aunque también ha incursionado en la escultura en cerámica gres y en metal, asistiendo a los talleres de Ricardo Irarrázaval y Cristián Arrué, respectivamente. De padre japonés y madre chilena, Yuki Yamamoto nació en Rosario, Argentina, pero vivió en Kyoto hasta los siete años. Actualmente reside y trabaja en Santiago de Chile.

1973

She obtained a degree in Art with a minor in Restoration from the Universidad Católica de Chile. Yuki began her careeer working at the easel painting restoration laboratory of the Museo Nacional de Bellas Artes. She has participated in the taller 99 workshop in order to experiment with metal engraving. Then, she explored color at Cristian Abelli's workshop. In 2008, she decided to dedicate herself exclusively to painting, even though she dabbled in tile ceramics and metal sculptures, joining the Ricardo Irarrazaval and Cristián Arrué workshops respectively. A descendent of both Japanese and Chilean heritage, Yuki was born in Rosario, Argentina, but lived in Kyoto until she was seven years old. Yuki currently lives and works in Santiago, Chile.

Confesiones de vecindad, 2015, cobre y fierro, 47 x 25 x 20 cm. | Favela, 2015, cerámica gres y bronce, 50 x 30 cm | Acompañados, 2016, óleo sobre madera y lámina de bronce calada, 130x70 cm. | No estamos solos, 2016, óleo sobre madera y lámina de cobre calada, 130 x 70 cm. | Fotografía: Álvaro Cortés Testart. Neighborhood’s Confessions, 2015, copper and iron, 18.5 x 10 x 8 in. | Shantytown, 2015, stoneware and bronze, 19.6 x 11 in. | Accompanied, 2016, oil painting on wood and soaked bronze layer, 51 x 27 in. | We are not alone, 2016, oil painting on wood and soaked bronze layer, 51 x 27 in. | Photography by: Álvaro Cortés Testart.

TÉCNICA MIXTA | MIXED MEDIA

Más allá de la expresión | Beyond expression

EAN NETTE CANA LE

Arte y energía. La propuesta de Jeanette Canale abarca todas las posibilidades formales. Sus obras son figurativas, abstractas o mandálicas, rescatando siempre las texturas, los cristales Swarovski y las piedras semipreciosas. Una propuesta que despierta los sentidos y busca ser una vía para conseguir equilibrio emocional y mental. Para ella el arte debe ir más allá de la mera expresión e impactar positivamente en la vida de la gente. Por eso se hace responsable de lo que crea a través de la psicoplástica, la geocromoterapia y la gemoterapia. Después de haber dominado el óleo con una pintura de corte realista, exploró el acrílico, diferentes texturas y efectos e incorporó los cristales, cuya misteriosa perfección geométrica transmite códigos de sanación. Su trabajo es el resultado de una evolución constante, con un estilo detallista y riguroso que escarba en el inconsciente colectivo y rescata aquello que pertenece a nuestra raíz común: símbolos transversales, arquetipos o estructuras gráficas que llevan implícita una energía y que despiertan posibilidades de comportamiento que están potencialmente en cada uno.

Art and energy; harmonizing through art. Jeannette Canale’s proposal covers all formal possibilities. Her works are figurative, abstract or mandalic, but her seal will always be textures, Swarovski crystals and semiprecious stones. A proposal that awakens the senses and seeks a way to achieve an emotional and mental balance. For her, art has to go beyond mere expression, positively impacting peoples’ lives. That is why she is responsible for what she creates through psychoplastics, geochromotherapy and gem therapy. After having dominated realistic oil painting, she explored acrylics, different textures and effects and incorporated crystals, whose mysterious geometric perfection transmits healing codes. Her work is the outcome of an ongoing evolution, of a meticulous and rigorous style that digs in the collective subconscious and rescues that which belongs to our common root: transversal symbols, archetypes and graphics that imply an energy that awakens possibilities of behavior potentially found within us all.

www.jeannettecanale.cl

JEANNETTE CANALE

1974

Virgen Mal va (detalle), 2016, técnica mixta sobre tela intervenida con Swarovski Elements y piedras semipreciosas (cuarzo, cristal, amatistas, peridoto, coral y perlas), 100 x 105 cm | Expectación en Rojo, 2016, técnica mixta sobre tela intervenida con Swarovski Elements y piedras semipreciosas (cuarzo, cristal, labradoritas, jaspe, piedra del sol, ojo de tigre y peridoto), 130 x 70 cm | Snakes, 2016, técnica mixta sobre tela intervenida con Swarovski Elements y piedras semipreciosas (cuarzo, cristal y amatistas). 130 x 70cm | Beso Rojo, 2016, técnica mixta sobre tela intervenida con Swarovski Elements y piedras semipreciosas (cuarzo, cristal, turquesas y hematitas), 130 x 93 cm.

Es diseñadora textil de la Universidad del Pacífico. Tiene estudios en administración y negocios, marketing gerencial, psicoplástica y psicología jungiana. Durante su estadía en Italia, conoció y aprendió la gemoterapia. Además de Chile, ha expuesto en Reino Unido, Argentina, México, China y Estados Unidos. Entre sus exposiciones más destacadas se encuentran “Cristales, códigos y reflejos” en el Hotel NH de Santiago; “Axiomas”, en la Galería Yuri Lopez Kullins; y “Percepción sutil”, en Galería Atelier.

1974

She is a textile designer from the Universidad del Pacífico, and has studied business administration, managerial marketing, psychoplastics and Jungian psychology. During a stay in Italy she took up gem therapy. Besides Chile, she has exhibited in the United Kingdom, Argentina, Mexico, China and the Unites States. Among her more noteworthy exhibitions are; "Cristales, Códigos y Reflejos" (NH hotel, Santiago), "Axiomas" (Yuri López Kullins Gallery) and "Percepción sutil" at Atelier Gallery.

Mauve Virgin (detail) 2016, mixed media on canvas intervened with Swarovski Elements and bloodstones (quartz, crystal, amethyst, olivine, coral, and pearls,) 39.3 x 41.3 in. | Expectancy in Red, 2016, mixed media on canvas intervened with Swarovski Elements and bloodstones (quartz, crystal, labradorites, jasper, sunstone, tiger eye, and olivine,) 51.1 x 27.5 in. | Snakes, 2016, mixed media on canvas Intervened with Swarovski Elements and bloodstones (quarz, crystal, amethysts,) 51.1 x 27.5 in. | Red Kiss, 2016, mixed media on canvas intervened with Swarovski Elements and bloodstones (quartz, crystal, turquoises, and hematite,) 51.1 x 36.6 in.

PINTURA | PAINTING

Poéticas del diario vivir | Poetics of everyday life

LUZ MARÍA YRARRA ZAVAL LUZ MARÍA YRARRAZAVAL

La pintura de Luz María Yrarrázaval es profundamente introspectiva. Sus imágenes son el resultado de su mundo interior, aquellos pensamientos y sentimientos que capturan su atención y que siente el deber de llevar a la tela. Mediante una variedad de materiales y técnicas, como lápices, crayones, acrílicos, óleo, papeles y el uso de herramientas digitales, crea coloridas texturas que trasmiten aquella poesía inherente en cada fragmento de la vida diaria. La figura humana es el eje principal, el modelo que jamás se agota y que la artista explora una y otra vez sin cansancio. Estudia sus poses y movimientos, las actitudes, las impresiones, los recuerdos. El dibujo es también parte fundamental de la composición y funciona estructurando la tela, para luego lograr, con un cromatismo rico en matices, aquella armonía característica de su trabajo.

Luz María Yrarrázaval’s painting is deeply introspective. Her images are the outcome of her inner world, of those thoughts and feelings capturing her attention and about which she feels she has a duty to take to the canvas. By means of a variety of materials and techniques such as pencils, crayons, oil paint, paper and digital tools she creates colorful textures transmitting that poetry inherent in each fragment of everyday life. The human figure is the central concept, the inexhaustible model and which the artist tirelessly explores time and again. She studies the body’s poses and movements, attitudes, impressions, memories. Drawing is also a fundamental part of the composition and it functions structuring the canvas to then, through a use of colors rich in shades, achieve that harmony that characterizes her work.

luzmariayrarrazaval@gmail.com

1950

Licenciada en artes con especialidad en grabado de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Complementó su formación con estudios de cerámica con Isabel Philippi, estudios de dibujo y pintura en los talleres de Juan Ibarra, Eva Lefever, Matías Vergara y Concepción Balmes, y estudios de herramientas digitales con Alfred Naeter. Ha expuesto colectivamente en decenas de oportunidades dentro de Chile y también en Argentina, Estados Unidos, Francia y Uruguay. Entre éstas destacan su participación en dos oportunidades en muestras en Jaditte Gallery, Nueva York, una exhibición en el Museum of the Americas, Miami, y “Femmes du Sud” (Mujeres de Chile), en Atrium de Chaville, París. Ha participado en ferias de arte en Argentina, Chile, Suiza y Estados Unidos y ha sido reconocida con premios del Instituto Chileno Japonés y la Municipalidad de Lo Barnechea, entre otros.

1950

She graduated in arts with a specialization in engraving at the Pontificia Universidad Católica de Chile. She complemented her education with studies in ceramics with Isabel Philippi, drawing and painting at the Juan Ibarra, Eva Lefever, Matías Vergara and Concepción Balmes workshops and digital tools with Alfred Naeter. She has exhibited collectively a number of times in Chile as well as in Argentina, the U.S., France and Uruguay, and among these, two participations at the Jaditte Gallery (New York), an exhibition at the Museum of the Americas (Miami) and "Femmes du Sud" (Women from Chile) (Atrium de Chaville, Paris) are worth noting. She has participated at art fairs in Argentina, Chile, Switzerland and the U.S., and she has been distinguished with prizes from the Chilean Japanese Institute and the Lo Barnechea municipality (Santiago), among others.

Gonzalo, 1999, carboncillo sobre papel, 35 x 30 cm | Maternidad, 2015, digitalización sobre papel, 40 x 30 cm | Niñita sola, 2016, técnica mixta sobre tela 50 x 50 cm | Niña Vitreaux, 2010, digitalización sobre papel, 50 x 80 cm. Gonzalo, 1999, charcoal pencil on paper, 13.7 x 11 in. | Motherhood, 2015, digitalization on paper, 15.7 x 11 in. | Alone Little Girl, 2016, mixed media on canvas, 19.6 x 19.6 in. | Vitreaux Girl, 2010, digitalization on paper, 19.6 x 31.4 in.

ESCULTURA | SCULPTURE

Hacia la pureza de la creación | Toward the purity of creation

MILE NA LEH MANN MILENA LEHMANN

La escultura de Milena Lehmann es suave y a la vez profunda. Suave como las formas orgánicas y de la naturaleza en las que se inspira; profunda como la conexión entre el ser y la creación, como la intimidad que se produce en la experiencia de la maternidad, uno de sus temas recurrentes. En cada trabajo, la artista comunica fuertes emociónes y sentidos mediante la plasticidad de la arcilla y la estimulación creativa que produce el añadir o sustraer ese material. También ha explorado el metal y el papel cerámico, la figura humana y la abstracción, dando vida a líneas sinuosas y estilizadas. Busca que el espectador experimente sensaciones y dé curso libre a su imaginación, con la posibilidad de interpretar sin ataduras ni prejuicios. En definitiva, sus creaciones conducen a dimensiones poéticas y conceptuales que trascienden la simpleza de una semilla o de una montaña, elementos que son parte de su imaginario.

Milena Lehmann’s sculpture is soft and deep at once. Soft as the organic and natural shapes that inspire her; deep as the connection between beings and creation, such as the intimacy that is produced in the experience of maternity, one of her recurring subjects. In each piece of work the artist communicates strong emotions and meanings through the plasticity of clay and the creative stimulation produced by adding or subtracting said material. She has also explored metal and ceramic paper, the human figure and abstraction, giving life to sinuous and stylized lines. She seeks for the spectator to experience feelings and give his or her imagination free range, with the possibility of interpreting without bonds or prejudice. Ultimately her creations lead to poetic and conceptual dimensions that transcend the simplicity of a seed or a mountain, elements that are part of her imagery.

www.milenalehmann.cl

1960

Milena Lehmann ha trabajado la escultura por más de 27 años, complementando sus estudios con un diplomado en escultura en la Universidad Católica. Se formó en el taller de María Consuelo de la Maza y en el de fotografía digital en la Universidad de Los Andes. La escultura en piedra la aprendió en el taller de Alberto Maffei y la escultura en fierro en el de Javier Stitchkin. Ha expuesto en diversos espacios, entre los que destaca el Centro Cultural de Reñaca, la Sala de la Fundación Nacional de Cultura, el Centro Cultural Montecarmelo, la Corporación Cultural de Las Condes y el Centro de Extensión de la Universidad Católica, en donde obtuvo el Primer premio en escultura con su obra “Maternidad”. Entre sus exposiciones individuales destaca “Mujeres en el arte”, en el American Museum de Miami.

1960

Milena Lehmann has worked in sculpture for over twentyseven years, complementing her studies with a diploma in sculpture from the Universidad Católica. She was initially trained at the María Consuelo de la Maza and the Universidad de Los Andes digital photography workshops. She took on stone and iron sculpture at Alberto Maffei’s and Javier Stichkin’s workshops. She has exhibited at diverse spaces, among which we can point out the Reñaca Cultural Center, the National Culture Foundation, the Montecarmelo Cultural Center, the Las Condes Cultural Corporation and the Universidad Católica Extension Center (where she obtained first prize in sculpture for her piece Maternidad), and among her solo exhibitions, "Mujeres en el Arte", at the American Museum (Miami), stands out.

Ciclos, 1997, cerámica gres, 83 x 53 cm | Nacer, 2006, cerámica gres, 52 x 68 cm | Encuentro, 2006, cerámica gres, 50 x 70 cm | Mundo, 1997, cerámica gres, 83 x 53 cm. Cycle, 1997, stoneware, 32.6 x 20.8 in. | Be Born, 2006, stoneware, 20.4 x 26.7 in. | Encounter, 2006, stoneware, 19.6 x 27.5 in. | “World”, 1997, stoneware, 32.6 x 20.8 in.

DIBUJO | DRAWING

Instantes del hombre | Instants of man

MARÍA LUISA RUIZTAGLE MARÍA LUISA RUIZ-TAGLE

Las facetas de María Luisa Ruiz-Tagle se expanden con vitalidad a través de dibujos, óleos y esculturas que muestran su búsqueda con determinación. Su obra evidencia el desenfado de la línea y su temática se establece como única en el campo visual nacional. El croquis emanado y repetido en innumerables poses, se transforma de pronto en un testigo privilegiado de las situaciones cotidianas que alimentan el día a día. Estas poses y rostros transmiten las conductas no verbales, aquellas verdades ocultas que rápidamente se convierten en el testigo de vidas anónimas. Ruiz-Tagle no se detiene y de manera inflexible expande su concepto de arte. La artista converge en diversas disciplinas, todas en torno a su gran imaginario: el hombre. Va en búsqueda de ese ser en un lugar específico que, sumado al tiempo, cita en cada gesto captado en un instante fugaz, aquel momento atesorado, el de los principios estéticos del fotógrafo Sergio Larraín. Ese instante difícil de lograr y tan deseado por los creadores es el que la artista consigue con soltura.

María Luisa Ruiz-Tagle’s facets vitally expand through sculptures, oil paintings and drawings showing her determined search. Her work evidences the aplomb of a line and her theme is uniquely established in the local visual field. The sketch emanated from the artist’s work, repeated in uncountable poses, suddenly transforms into a privileged witness of everyday scenes feeding the day to day. These poses and faces transmit nonverbal behavior, those hidden truths that rapidly turn into the witness of these anonymous lives. Ruiz-Tagle does not stop and inflexibly expands her concept of art. The artist converges diverse disciplines, all around her great imagery: man. She seeks that being and together with time, each gesture of these anonymous beings captured in a fleeting instant, that cherished moment based on the aesthetic principles of photographer Sergio Larraín. That hard to reach and instant, much desired by artists, is the one she achieves with ease.

mluisartd@gmail.com

1975

Educadora diferencial de la Universidad de Chile. Su formación artística la desarrolló en talleres junto a Francisco Fernández, Concepción Balmes, Pedro Millar y Enrique Ordóñez. Complementó con talleres de grabado, escultura en gres, técnicas digitales y estudios en Ringiling School of Art, Sarasota, Estados Unidos, además de tutorías con Arturo Duclos y Eugenio Dittborn. Ha expuesto individualmente en Giles Gallery, Bradenton, Estados Unidos; y en Galería La Sala, en Santiago de Chile. Entre sus muestras colectivas en Chile destacan las llevadas a cabo en el Museo Nacional de Bellas Artes, la Corporación Cultural de Vitacura, Casa Matter, Galería Bosques de Montemar, Galería Casaplan y Asociación Nacional de Pintores Chilenos, entre otras. A nivel internacional, ha expuesto colectivamente en España y en Estados Unidos en reiteradas oportunidades. Fue reconocida con el Primer Lugar en “Fall Member Exhibition”, Art Center Sarasota, Estados Unidos.

1975

She studied special education at the Universidad de Chile. She developed her artistic training at diverse painting, drawing and creativity workshops with teachers such as, Francisco Fernández, Concepción Balmes, Pedro Millar and Enrique Ordoñez. She complemented her training through engraving, digital techniques undertaken at the Ringling School of Art (Sarasota, U.S.A.), besides tutorials with Arturo Duclos and Eugenio Dittborn. She has exhibited on her own at the Gille’s Gallery (Bradenton, U.S.A.) and the La Sala Gallery (Santiago). Among her group exhibitions, the ones held at the Museo Nacional de Bellas Artes, Vitacura Cultural Corporation, Casa Matter, Bosques de Montemar Gallery, Casaplan Gallery and the National Association of Chilean Painters, stand out. On an international level, she has repeatedly participated in group exhibitions in Spain and the United States, and she earned first prize at the "Fall Member Exhibition" at the Art Center Sarasota (U.S.).

Todas las obras de la serie Individuos y multitudes, 2015-2016, acrílico y tinta china sobre papel, 45 x 30 cm. All of the works from the series Individuals and multitudes, 2015-2016, acrylic and india ink on paper, 17.7 x 11 in.

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GRABADO | ENGRAVING

Los animales del alma | The animals of the soul

FER NANDA SALDI VIA

Grabadora, pintora, escultora. Fernanda Saldivia es una artista multidisciplinar que explora constantemente diversas disciplinas como parte de una investigación relacionada a lo material. En su búsqueda creativa descubrió el grabado verde, una técnica llevada a cabo a través de materiales sustentables que dio un giro en su producción artística y la hizo volcarse hacia una forma de trabajar más relacionada a la ecología y el uso consciente de los materiales. Es así como construye, a través de diversas formas recortadas a mano, la matriz que luego es la base de un trabajo seriado basado en el uso del color y la forma libre y espontánea, obteniendo resultados y tonalidades muy similares a las desarrolladas en el grabado en metal. El reino animal es su referente preferido y se ha convertido en una fuente de imágenes constante que le permite transformar, mezclar y unir, creando seres coloridos que de alguna u otra manera representan a todo ser humano.

Fernanda Saldivia is an engraver, painter and sculptor. She is a multidisciplinary artist constantly exploring diverse disciplines as part of research related to the material. During her creative search she discovered green engraving, a technique executed through sustainable materials and which implied a change of direction of her artistic production and made her turn to a way of working more related to ecology and the conscientious use of materials. Thus, she builds the matrix that will later be the basis of a color based and spontaneously free form serialized work, through diverse shapes cut out by hand, obtaining tonalities very similar to the ones developed in metal engraving. The animal kingdom is her preferred referent and which has become a constant source of images allowing her to transform, blend and unite, creating colorful beings that in one way or another represent every human being.

fernandasaldivia@hotmail.com

FERNANDA SALDIVIA

1975

Diseñadora gráfica de la Universidad del Pacífico y licenciada en estética de la Pontifica Universidad Católica de Chile. Posteriormente realizó una serie de talleres en diferentes técnicas artísticas, tanto en Santiago como en Barcelona, entre los que destaca su profundización en óleo, grabado en metal y grabado verde. Entre sus exposiciones destaca la muestra bipersonal “ParaDogma” junto a Verónica Allamand en Galería Isabel Aninat. Además, ha participado en diversas muestras colectivas, tanto en Chile como en el extranjero.

1975

She is a graphic designer from the Universidad del Pacífico and obtained a degree in aesthetics at the Pontificia Universidad Católica de Chile. She then realized a series of workshops in different artistic techniques, both in Santiago as in Barcelona, among which her specialization in oil painting, metal engraving and green engraving stand out. Among her exhibitions, the bipersonal "ParaDogma" exhibition with Verónica Allamand (Isabel Aninat Gallery), stands out, and she has participated in diverse group exhibitions both in Chile and abroad.

Huacha y Lomo, 2014, técnica mixta sobre tapiz, 80 cm | Voy y Vuelo, 2015, técnica mixta sobre tapiz, 80 cm | Vacanal, 2015, técnica mixta sobre tela, 100 × 100 cm Lechuga Reina, 2015, técnica mixta sobre tela, 80 x 160 cm. Huacha y Lomo, 2014, mixed media on tapestry, 31.4 in. | Go and Come Back, 2015, mixed media on tapestry, 31.4 in. | Vacanal, 2015, mixed media on canvas, 39.3 x 39.3 in. | Queen Lettuce, 2015, mixed media on canvas, 31.4 x 63 in.

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PINTURA | PAINTING

La rearticulación de lo finito | The restoration of the infinite

POLA ALCA LDE

Pola Alcalde define su trabajo como expresionista. Escogió la pintura porque el pincel, una barra o un lápiz son el medio directo para llegar a lo que quiere expresar. En su obra se aprecia la espontaneidad, sobre todo en los trazos que pinta previamente en un papel y que luego rompe en cientos de cuadrados irregulares y dispuestos de forma inorgánica. Su procedimiento consiste en crear un paisaje que es borrado y que luego vuelve a aparecer, donde las capas se superponen, donde la mancha y la huella de lo borrado cobran relevancia propia. El gesto inmediato se impone y anula toda premeditación. Así, la obra emerge en la medida en que trabaja en ella. Su obra rescata la temporalidad que limita la existencia y vuelve al hombre un ser finito. Tiempo fugaz que adquiere resonancia con el uso de la tiza, el carbón, el trupán o el cartón, materiales volátiles. Ha explorado otros recursos como el collage y la acuarela, y ha encontrado una nueva forma de apropiarse del papel: lo moja, lo rompe, lo raspa, lo pega, lo raya, lo cuadricula en pedazos para luego rearmarlo. El papel se transforma en cuerpo, cuerpo que está a merced del tiempo, que es materia, que es finito.

Pola Acalde defines her work as expressionist. She chose painting from among other artistic disciplines because the brush, a bar or pencil are the direct medium to arrive to what she wants to express. In her work, spontaneity is perceivable, especially in the lines she previously paints on a piece of paper and then tears apart into hundreds of irregular squares, displayed inorganically. Her procedure consists in creating a landscape, which is erased and then reappears, in which layers superimpose, stains and the traces of what was erased take on their own relevance. The immediate gesture imposes itself and voids any premeditation. Thus, the work emerges as she works on it. Time is a theme crossing her work, temporality limiting existence and turning humans into finite beings. Fleeting and scarce time that takes on more resonance with the use of chalk, charcoal, particle board or cardboard, materials subject to disappear, which are volatile. She has also explored other resources such as collage and watercolors, and has found a new way to appropriate the piece of paper: she soaks, tears, scratches, scribbles, segments it into square pieces to then reassemble it. Paper turns into body, bodies at the mercy of time, which are matter, which is finite.

POLA ALCALDE

polaalcalde@yahoo.com

1976

Sobre el recorrido, 2016, collage: distintos papeles pintados y recortados sobre papel, 28 x 35 cm | Disgregación de la línea, 2016, collage: distintos tipos de papel pintado y recortado sobre papel, 28 x 35 cm | El cuerpo del papel, 2016, collage: distintos tipos de papel pintado y recortado sobre papel, 28 x 35 cm | Análisis I, 2014, collage: papel pintado y recortado sobre papel, 28 x 35 cm.

Licenciada en artes de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Vivió en Irlanda casi dos años, donde estudió The art of Japan y European painting en el Trinity College. Ha visitado Argentina, Brasil, Perú, Bolivia, Uruguay, Estados Unidos, Italia, España, Hungría, Austria, Turquía y Portugal, incorporando esas experiencias en su obra. También realizó una residencia en la Reserva de la Biósfera Conguillío junto a otros 11 artistas y fue artista invitada al Art Experience Tour en Punta del Este. Ha expuesto en diferentes espacios, como en el Museo Casas de Lo Matta, el Centro Cultural de Las Condes y la Galería QuQu.

1976

She graduated in art from the Pontificia Universidad Católica de Chile. She lived in Ireland for almost two years, where she studied the art of Japan and European painting at Trinity College. She has visited Argentina, Brazil, Peru, Bolivia, Uruguay, the United States, Italy, Spain, Hungary, Austria, Turkey and Portugal, incorporating those experiences into her work. She also took on a residency at the Conguillío biosphere reservation with another eleven artists, and she was a guest artist at the Art Experience Tour (Punta del Este). She has exhibited at various spaces, such as the Casa de Lo Matta Museum, the Las Condes Cultural Center and the QuQu Gallery.

On the tour, 2016, collage: different papers painted and cut on off paper, 11 x 13.7 in. | Line’s Disintegration, 2016, collage: different papers painted and cut off on paper, 11 x 13.7 in. | Paper’s Body, 2016, collage: different papers painted and cut off on paper, 11 x 13.7 in. | Analyze I, 2014, collage: painted and cut off paper on paper, 11 x 13.7 in.

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GRABADO SOLAR | SOLAR ENGRAVING

Creación sin límites | Creation without limits

RUBY YU NIS

Una propuesta íntima y personal es la que desarrolla Ruby Yunis. A través del grabado solar, técnica que descubrió después de una larga experimentación, explora aquello que va más allá de nosotros mismos y nuestra presencia terrenal. Es el universo, la metafísica, el silencio y la introspección. Son momentos meditativos que se funden para dar espacio a composiciones abstractas que remiten a galaxias y constelaciones lejanas, donde la fuerza y el movimiento dialogan con la luz y el color. Sus propuestas entrecruzan la armonía del espíritu con la materia para insistir en un discurso visual que se abre a una creación sin límites. Comparte con el espectador los cuestionamientos esenciales que capturan su atención, invitando a descubrir aquello comúnmente escondido tras la rapidez del quehacer cotidiano. Ruby invita a viajar, a recorrer un proceso de despertar de la conciencia que ella misma ha realizado con trabajo y reflexión. "Estoy levantando el velo, esto es, estoy desvelando con el fin de mostrar lo que encontré ", dice.

Ruby Yunis’ is an intimate and personal proposal. Through solar engraving, a technique she discovered after a long path of experimentation, the artist explores that which goes beyond ourselves and our worldly presence. This is the universe, metaphysics, silence and introspection. They are meditative moments merging in a creative mind to give way to abstract compositions that remit to galaxies and far away constellations, where strength and movement dialogue with light and color. Her proposals intertwine a spiritual harmony with matter to insist on a visual discourse opening up a creation without limits. With the spectator she shares those essential questionings that constantly captures her attention, extending an invitation to discover a dimension commonly hidden behind the speed of everyday life. Ruby invites the spectator to travel, to tour a conscience awaking process she herself has held through hours of work and reflection. “I am lifting the veil, this is, I am unveiling in order to show what I found”, she says.

www.rubyunis.cl

RUBY YUNIS

1941

Nébula I, 2012, grabado solar a la cera encáustica, 46 x 33 cm | Fractal II, 2012, grabado solar a la cera encáustica, 46 x 33 cm | Parallel Universes I, 2012, grabado solar sobre papel okawara , 43 x 32 cm | Fractal, 2012, grabado solar sobre papel okawara, 43 x 32 cm. Nebula I, 2012, solar printmaking to encaustic wax, 18 x 13 in. | Fractal II, 2012, solar printmaking to encaustic wax, 18 x 13 in. | Parallel Universes I, 2012, solar printmaking on okawara paper, 17 x 12.5 in. | Fractal, 2012, solar printmaking on okawara paper, 17 x 12.5 in.

Cursó estudios de Psicología Clínica en la Pontificia Universidad Católica de Chile, de Antropología en la Universidad de Chile y Orientación Familiar y Juvenil en el Instituto Carlos Casanueva. Su formación artística la inició en el Instituto de Arte Contemporáneo. Participó en diversos talleres artísticos y programas de residencia como el de Benito Rojo, Francisco Gacitúa, Sergio Soza, Eva Holz, Eva Lefever y Soledad Salamé. Gran parte de su trayectoria la ha realizado en Estados Unidos y sus obras son parte de colecciones privadas tanto de ese país como de Argentina, Chile, España, Japón y Perú. Entre sus exposiciones individuales destacan “Traspasando Umbrales” en el Club Palestino y “Cosmovisión de un Mundo Paralelo” en la Pontificia Universidad Católica de Chile. “First Impressions” en Stevenson University, Baltimore MD; “Under the Sun” en Hyllier Art Space, Washington DC; y “Subjects of Splendor” en Art Fusion Galleries, Wynwood, FL; son algunas de sus muestras internacionales más destacadas.

1941

She undertook clinical Psychology studies at the Pontificia Universidad Católica de Chile, Anthropology at the Universidad de Chile and Family and Youth Counseling at the Carlos Casanueva Institute. Her artistic education began at the Instituto de Arte Contemporáneo. She participated of several workshops and residency programs with Benito Rojo, Francisco Gacitúa, Sergio Soza, Eva Holz, Eva Lefever and Soledad Salamé. She has undertaken a great deal of her career in the United States and her works are part of private collections there and in Argentina, Chile, Spain, Japan and Peru. Among her solo exhibitions "Traspasando Umbrales" (Palestino Club) and "Cosmovisión de un Mundo Paralelo" (Universidad Católica) stand out. "First Impressions" (Stevenson University, Baltimore, MD), "Under the Sun" (Hyllier Art Space, Washington DC) and "Subjects of Splendor" (Art Fusion Galleries, Wynwood, FL) are some of her more noteworthy group exhibitions.

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PINTURA | PAINTING

Vuelo libre | Free flight

EVE LYN RICH TER EVELYN RICHTER

El trabajo de Evelyn Richter es impulsivo, espontáneo, expresivo y libre, como un bordado de imágenes superpuestas. Siempre en busca de la soltura y la belleza que lleven al espectador a soñar y conocer su mundo interior. Con el tiempo ha ido integrando a su proceso creativo formas expresivas de mayor movilidad y afinidad con su mensaje, por eso la técnica mixta es su preferida. Recrea con sus pinceladas simples y precisas, fuertes y controladas, el caos de sus colores emocionales traspasados de movimientos y atmósferas mágicas. Las figuras inconclusas evocan recuerdos que señalan la ruta idónea para sumergirse en su mundo. Carnavales y circos se contraponen a la nostalgia de nidos vacíos, demostrando mediante la complejidad de colores la expresión genuina de la espontaneidad. En sus obras Evelyn nos regala un increíble viaje que empieza con el minotauro y termina en un vuelo sobre un arcoíris.

Evelyn Richter’s work is impulsive, spontaneous, expressive and free, in the manner of a kind of embroidery of superimposed images. She is always looking for a looseness and beauty to make the spectator dream and approach her inner world. Over time she has integrated expressive shapes of a greater mobility and affinity with her message into her creative process. That is why the mixed media technique is her favorite. She recreates the chaos of her emotional colors, transferred from magical movements and atmospheres with simple and precise brushstrokes. The unfinished figures evoke memories pointing to the appropriate route to submerge into her world. Carnivals and circuses are contrasted with the nostalgia of empty nests, showing the genuine expression of spontaneity through color complexity. In her works, Evelyn presents us with an unbelievable journey that begins with the Minotaur and ends in a flight over a rainbow.

evelyn.richter.c@gmail.com

1953

Diseñadora de la Universidad de Chile, paisajista y diseñadora de interiores. Ha participado en los talleres de Celina Gálvez, Carmen Silva, Sergio Stichkin y Concepción Balmes. Inició su trayectoria de exposiciones en 1988 con la muestra colectiva “Pintando Providencia” y desde entonces no ha dejado de exhibir su trabajo. Participó en la Bienal Internacional Acuarela, en Expotrastienda en Buenos Aires, y Etnia V en Bruselas. Desde 2015 alguna de sus obras han sido seleccionadas para acompañar a la embajadora de Chile en Roma, siendo destacada como la cara visible del país en esa sede diplomática.

1953

She is a Universidad de Chile designer, as well as a landscape and interior designer. She has been part of the Celina Gálvez, Carmen Silva, Sergio Stitchkin and Concepción Balmes workshops, and began her exhibition trajectory in 1988 with the Pintando Providencia group exhibition, and from there on she has not ceased to exhibit her work. She was part of the international watercolor biennial at Expotrastienda (Buenos Aires) and Etnia V (Brussels). Since 2015 some of her works have been selected to accompany the Chilean ambassador in Rome, being pointed out as the country’s visible face at that diplomatic mission.

Vuelo a las estrellas, 2016, técnica mixta sobre papel. 110 x 75 cm | Libertad, 2016, acrílico sobre papel, 110 x 75 cm | Yupiiiii, 2016, técnica mixta sobre papel, 110 x 75 cm | Prater 1, 2015, técnica mixta sobre papel, 50 x 70 cm. | Fotografía: Camila Duch. Flight to the stars, 2015, mixed media using paper, 43 x 30 in. | Liberty, acrylic on paper, 43x30 in. | Yupiiiiii, 2016, mixed media using paper, 43 x 30 in. Prater I, mixed media using paper, 27.5x20 in. | Photography by: Camila Duch.

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TÉCNICA MIXTA | MIXED MEDIA

La poética de lo sencillo | The poetics of simplicity

ELE NA VIAL

En la obra de Elena Vial existe una poderosa relación entre materialidad y creación, y su levedad busca la poética de las sutilezas. Con mínimos elementos visuales, construye escenas que introducen al espectador en universos atemporales y etéreos, en donde el tejido de las fibras de papel se integran al grabado con soltura y esponteaneidad dejando evidencia de cómo el intento racional subyace a las cualidades naturales de la materia. En su propuesta la obra es un intermediario que intenta asombrar ante la nobleza de lo sencillo, que busca provocar en el espectador evocaciones de lo sublime del paisaje, el que en el silencio de su contemplación deja una huella indeleble de sus magnitudes. La artista define su trabajo como añoranzas de la manera sensitiva con la que contactamos con el universo, y describe su proceso como un espacio lleno de intentos, sorpresas y descubrimientos, sometido a un devenir a veces doloroso y frustrante, otras, sereno y tranquilo, pero siempre desafiante y precioso.

There is a powerful relationship between material nature and creativity in Elena Vial’s work. Her lightness seeks the poetic of subtleties, where by means of minimal visual elements; she stages scenes that introduce the spectator in timeless and ethereal universes. The weave of paper fibers integrates into engravings with looseness and spontaneity, leaving an evidence of the rational effort subjacent to the natural qualities of matter. In her proposal, works are an intermediary trying to amaze, facing the nobleness of what is simple, seeking to provoke evocations of what is sublime about landscape in the spectator, that, in the silence of her contemplation, leaves an indelible trace of its magnitudes behind. The artist defines her work as longing for the sensitive way with which we contact the universe and she describes her process as a space filled with attempts, surprises and discoveries, submitted to an, at times, painful and frustrating progression, serene and calm at others, but always challenging and precious.

www.elenavial.com

ELENA VIAL

1962

Estudió diseño en la Universidad Católica y luego pintura y dibujo en la Escuela de Arte de la misma institución. Tuvo entre sus maestros a María Carolina Barros en grabado y en el taller de fabricación de papel japonés al profesor Iván Pérez. Fue seleccionada en el Primer Concurso de Grabado Carlos Hermosilla, en Valparaíso, y en el concurso Marco Bontá del Museo de Arte Contemporáneo. También en Europa, en el Premio El Caliú de España y el Premio Aquí Terme en Italia. Participó en la 1ª Feria Artchicó en Colombia y entre sus exposiciones individuales destacan “Fibras del Paisaje”, en el Centro Cultural Las Condes e “Interrelaciones de tramas”, en la Sala Casaplan de Valparaíso.

1962

She studied design at the Universidad Católica and then painting at the same institutions’ art school. Among her professors were María Carolina Barros (engraving) and Iván Pérez (Japanese papermaking workshop). She was selected at the first Carlos Hermosilla engraving competition (Valparaíso) and at the Marco Bontá competition (Museo de Arte Contemporáneo). She has been distinguished in Europe with the El Caliú prize (Spain) and the Aquí Terme prize (Italy). She participated at the 1st Artchicó fair (Colombia) and among her solo exhibitions, "Fibras del Paisaje" (Las Condes cultural center) and "Interrelaciones de Tramas" (Sala Casaplan, Valparaíso), stand out.

Sin título, 2016, agua tinta sobre papel hecho a mano, 35 x 35 cm | Sin título, 2016, agua tinta sobre papel hecho a mano, 35 x 35 cm | Sin título, 2016, agua tinta sobre papel hecho a mano, 90 x 160 cm. Untitled, 2016, water ink on handmade paper, 13 x 13 in. | Untitled, 2016, water ink on handmade paper, 13 x 13 in. | Untitled, 2016, water ink over handmade paper, 35 x 63 in.

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DIBUJO | DRAWING

La pulcritud de una estética austera | The nitness of an austere aesthetics

AN DREA LAZO

La concepción minimalista del espacio, la búsqueda de la armonía, la limpieza de los espacios, la simetría y la composición equilibrada, son los pilares sobre los cuales se sostiene la obra de Andrea Lazo. Y un concepto que la atraviesa de principio a fin es lo efímero, aquello que muta, que cambia. Por eso recurre a las imágenes de seres vivos, elementos orgánicos con los que pretende detener el tiempo y congelar el instante que marca el encuentro de la luz con el objeto. Busca afanosamente capturar momentos cotidianos y convertirlos en mágicos. Aislar el entorno y focalizar la atención en un gesto, un movimiento, una expresión; evocar una sensación y provocar una reflexión. Selecciona partes, trozos y fragmentos ampliados que al ser sacados de contexto se logran ver. El carboncillo, con su simpleza y amplio registro de grises, es su mejor aliado para lograr el juego de figura y fondo que desea: una atmósfera general de limpieza, luz y claridad; imágenes pulcras de una estética austera.

A minimalist conception of space, searching for harmony, the cleanliness of spaces, symmetry and a balanced composition are the pillars on which Andrea Lazo’s work sustains itself. In addition, one concept that crosses it from beginning to end is what is fleeting, that which mutates, changes. That is why she recurs to images of living beings, organic elements with which she attempts to stop time and freeze the instant, marking the meeting of light and the object. She eagerly tries to capture everyday moments and turn them magical, isolating the surroundings and focusing attention on a gesture, a movement, an expression; evoking a feeling and provoking a reflection. She selects enlarged parts, pieces and fragments that become visible when taken out of their context. Charcoal, with its simplicity and broad register of greys is her best ally to achieve the interplay of figures and background she desires: an atmosphere of general cleanliness, light and clarity, tidy images of an austere aesthetics.

ANDREA LAZO

www.andrealazo.com

1966

Estudió diseño gráfico en la Universidad del Pacífico. Se inicia en el dibujo y la pintura con Félix Lazo y luego se especializa en la Academia de Bellas Artes de Martin Soria y en el taller de pintura de Cristóbal Anwandter. Entre sus exposiciones individuales destacan “Bi-sual” en el Instituto Cultural de Providencia y “12 formas de decir mujer” en la Galeria Bosque Nativo de Puerto Varas. Algunas de sus obras son parte de la colección del Museo Nacional de Historia Natural de Chile.

1966

She studied graphic design at the Universidad del Pacífico, and took up drawing and painting with Félix Lazo to later obtain a specialization at the Martin Soria Academia de Bellas Artes and at the Cristóbal Anwandter painting workshops. Among her solo exhibitions "Bi-sual" (Providencia Cultural Institute) and "12 formas de decir mujer" (Bosque Nativo Gallery, Puerto Varas) stand out, and some of her works are part of the Chilean Natural History Museum collection.

Marcia, 2012, carboncillo sobre papel, 50 x 65 cm | Vale, 2011, carboncillo sobre papel, 50 x 65 cm | Martita, 2013, carboncillo sobre papel, 50 x 65 cm | Nicolás, 2014, carboncillo sobre papel, 50 x 65 cm. Marcia, 2012, charcoal pencil on paper, 19.6 x 25.5 in. | Vale, 2011, charcoal pencil on paper, 19.6 x 25.5 in. | Martita, 2013, charcoal pencil on paper, 19.6 x 25.5 in. | Nicolás, 2014, charcoal pencil on paper, 19.6 x 25.5 in.

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FOTOGRAFÍA | PHOTOGRAPHY

Belleza a segunda vista | Beauty at second glance

CAR MEN RODI LLO CARMEN RODILLO

La obra fotográfica de Carmen Rodillo ha transitado desde la fotografía analógica hasta la digital, desde los paisajes hasta la fotografía macro que le permite entrar en un mundo lleno de detalles, texturas y formas. Su trabajo es solitario, íntimo, personal y meditativo, retratando lo cotidiano y su entorno más inmediato, su casa y su jardín, por ejemplo. Hay también un intento por capturar lo efímero, la expresión de luz en un instante, lo fugaz, aquello que mañana será distinto. Intenta mostrar la inmaterialidad del objeto, la cosa etérea no figurativa, donde la fotografía es la abstracción del objeto retratado. El color no es lo fundamental en su obra, pero está siempre presente. Su invitación final es que el observador se sorprenda al encontrarse con la belleza escondida en un objeto común y corriente, aquello que a primera vista suele pasar inadvertido pero a través del lente, los encueadres y ángulos de la artista, adquieren proporciones cautivantes que obligan a mirar de nuevo.

Carmen Rodillo’s photography work has transitioned from analog to digital photography, from landscapes to macro photography, which allows her to enter a world of details, textures and shapes. Her work is solitary and meditative, portraying the everyday and her more immediate surroundings, her house and garden, for instance. There is also an attempt to capture what is fleeting, the expression of light in an instant, that which is brief, will be different tomorrow. She tries to show the material nature of the object, the ethereal, non-figurative entity, where photography is the abstraction of the portrayed object. Color is not fundamental in her work, but it is ever present. Her invitation, in the end, is for the spectator to be surprised when running into the hidden beauty of a common ordinary object, which at first sight usually goes unnoticed, but through the lens, the artist’s framing and angles go on to take on captivating proportions pushing for a repeated glance.

www.crodillofotos.cl

1950

Se inició tardíamente en la fotografía. Primero egresó como técnico en administración de empresas de Manpower, con mención finanzas, y luego obtuvo un diploma como coach ontológico en Newfield Network. Estudió tarot con Carmen Balmaceda, Jaime Hales y Aníbal Bascuñán, mientras que la técnica fotográfica la desarrolló en el taller de Bob Borowicz, el reconocido maestro polaco formador de generaciones de fotógrafos en Chile. También se formó con Luis Poirot y Elisa Díaz, pero fue con los cursos de Alejandra Raffo en la Universidad Andrés Bello donde pudo sistematizar su trabajo. Entre sus viajes fotográficos destacan su visita a Machu Pichu, Torres del Paine, San Pedro de Atacama y el Parque Nacional Conguillío.

1950

She started out late in photography. First, she graduated as a Business Administration Technician with a mention in Finance from Manpower and then obtained her diploma as an Ontological coach from the Newfield Network. She studied tarot with Carmen Balmaceda, Jaime Hales and Aníbal Bascuñan, while she developed her photographic technique at Bob Borowicz’s workshop (renown Polish master who taught generations of photographers in Chile). She also studied with Luis Poirot and Elisa Diaz, but it was with Alejandra Raffo’s courses at the Universidad Andrés Bello where she could systematize her work. Among her photographic travels, her visits to Machu Pichu, Torres del Paine, San Pedro de Atacama and the Conguillío National Park stand out.

Sin Título, 2016, fotografía digital, 38 x 25 cm | Sin Título, 2016, fotografía digital, 53 x 35 cm | Sin Título, 2016, fotografía digital, 39 x 25 cm | Sin Título, 2016, fotografía digital, 45 x 30 cm. Untitled, 2016, digital photography, 15 x 9.8 in. | Untitled, 2016, digital photography, 20 x 13.7 in. | Untitled, 2016, digital photography, 15.3 x 9.8 in. | Untitled, 2016, digital photography, 17.7 x 11 in.

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TÉCNICA MIXTA | MIXED MEDIA

Instantes irrepetibles | Unrepeatable instants

MARÍA LUISA BENE DETTI MARÍA LUISA BENEDETTI

Avances grises, 2016, técnica mixta: aguadas, tintas, serigrafía sobre soporte de lino, 77 x 60 cm | Recuerdos olvidados, 2016, técnica mixta: aguadas, tintas, serigrafía sobre soporte de lino, 77 x 60 cm | Mecidos invernales, 2016, técnica mixta: aguadas, tintas, serigrafía sobre soporte de lino, 77 x 60 cm | Grises Atrapados, 2016, técnica mixta: aguadas, tintas, serigrafía sobre soporte de lino, 77 x 60 cm.

En la obra de María Luisa Benedetti existe un ejercicio constante de experimentación. Con soltura y asertividad la artista explora la pintura, aguadas y tintas, interviene grabados, ensaya con el color e innova en la búsqueda de nuevas directrices creativas. Su obra es el reflejo del paso sutil y efímero del hombre sobre la tierra, una manera de expresar aquella múltiples formas en que el ser humano se materializa a través de figuras que funden la abstracción con ciertas nociones geométricas. El resultado son obras que identifican al espectador en el descubrimiento de su propia fragilidad. Creaciones surgidas de una diversidad de técnicas para dar cuenta de que cada segundo es irrepetible y que la vida es una acumulación de momentos sutiles y frágiles suspendidos en el constante misterio del universo. La profunda conexión de la artista con la naturaleza y el mundo que la rodea, así como también con su espiritualidad, hace surgir formas irrepetibles, mágicas y misteriosas.

There is an ongoing exercise of experimentation in María Luisa Benedetti’s work. With ease and assertiveness the artist explores painting, gouaches and ink, intervening engravings, practices with color and innovation in the search for new creative guidelines. Her work is the reflection of the subtle and fleeting passing of humans on earth, a way to express the multiple shapes in which human beings materialize by means of figures blending abstraction with certain geometrical notions. The outcome consists of works that identify the spectator in the discovery of his/her own fragility. Creations emerged from the diversity of techniques to give account of each second being unrepeatable and that life is an accumulation of subtle and fragile moments suspended in the constant mystery of the universe. The deep connection the artist has with nature and the world that surrounds her, as well as with her spirituality, makes unrepeatable, magicical and mysterious shapes emerge.

marialuisabenedetti@hotmail.com

1962

Artista autodidacta con estudios junto a Eugenio Dittborn y acuarela por más de seis años con Hardy Wistubba. Entre sus exposiciones individuales destacan “A Través del Agua”, en Casa de Lo Matta, y las muestras llevadas a cabo en el Instituto Cultural de Las Condes, la Municipalidad de Zapallar y Club de Golf Las Brisas de Santo Domingo. Colectivamente ha participado en diversas muestras en lugares como el Colegio People Help People de Santo Domingo y el Instituto Cultural de Las Condes en dos oportunidades, entre otras. Participó en el mural La Dama y el Campesino, de Mauricio Rugendas, creado en el Museo Nacional de Bellas Artes, y en concursos en Galería La Sala y el denominado Concurso Vicente Huidobro. Además de Chile, su obra también ha sido exhibida en Nueva York, Estados Unidos.

1962

She is a self-taught artist with studies undertaken with Eugenio Dittborn, as well as watercolor studies with Hardy Wistubba for over six years. Among her solo exhibitions, "A Través del Agua" (Casa de Lo Matta), and the exhibitions held at the Las Condes Cultural Institute, the Zapallar Municipality and Las Brisas de Santo Domingo Golf Club, stand out. She has collectively participated at diverse exhibitions, such as, at the People Help People School (Santo Domingo) and twice at Las Condes Cultural Institute, among others. She took part at the La Dama y el Campesino mural by Mauricio Rugendas made at the Museo Nacional de Bellas Artes, La Sala Gallery and Vicente Huidobro contest. Besides Chile, her work has also been exhibited in New York, United States..

Gray Progresses, 2016, mixed media: opaque watercolor, inks, serigraphy in a linen bracket, 30.3 x 23.6 in. | Forgotten Memories, 2016, mixed media: opaque watercolor, inks, serigraphy in a linen bracket, 30.3 x 23.6 | Winter Sways, 2016, mixed media: opaque watercolor, inks, serigraphy in a linen bracket, 30.3 x 23.6 in. | Caught Grays, 2016, mixed media opaque watercolor, ink, serigraphy in a linen bracket, 30.3 x 23.6 in.

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TÉCNICA MIXTA | MIXED MEDIA

Diálogo primigenio | Primal dialogue

MAR CELA VICU NA MARCELA VICUÑA

El proceso creativo de Marcela Vicuña comienza con una observación profunda de la naturaleza y sus vibraciones trascendentes. Es un trabajo de encuentro pausado, de calma y calidez, de conexión y diálogo. Su taller es un laboratorio donde diferentes disciplinas conviven y de esa comunicación surge la materia prima que enriquece su propuesta, una verdadera investigación artística. Su obra se caracteriza por la libertad de técnicas y temáticas. Su trabajo más reciente se enfoca en el desarrollo y profundización de la serie Khipu, donde el encuentro e integración de técnicas se concentra en un diálogo entre pintura, textil y gres, para dar forma a una obra inspirada en el sistema de conteo y registro de los Incas. Retoma los conceptos de nudos, ritmos y secuencias, integrando colores con dimensiones simbólicas: las tonalidades de la tierra hablan de la calidez y fertilidad, mientras que los blancos y crudos representan el aire y la luz; los tonos rosas y rojos simbolizan el amor, y en los azules y turquesas se encuentra la frescura del agua.

Marcela Vicuña’s creative process begins with a deep observation of nature and its transcending vibrations. It is a labor of slow converging, calmness and warmth, connection and dialogue. Her workshop is a laboratory where different disciplines coexist and from that communication emerges the raw material that enriches her proposal, a true artistic research. Her work is characterized by the freedom of techniques and themes. Her most recent work focuses on the development and deepening of the Khipu series where the encounter and integration of different techniques concentrates on a dialogue between painting, textile work and ceramics, to shape a work inspired in the Inca counting and registry system. She re-takes the concepts of knot, rhythm and sequence, integrating colors with symbolic dimensions: earthy tones speak of warmth and fertility, while the white and raw ones represent air and light; pink and red tones symbolize love and in the blues and turquoises the freshness of water is found.

www.marcelavicuna.com

1961

Estudió diseño gráfico en el Incacea de Viña del Mar. Luego estudió pintura durante siete años con Matilde Pérez y tres años en el taller de creación de Concepción Balmes. Desarrolló la escultura en gres en el taller de Claudia Comparini y en el de Paca Rodríguez. Además, tomó diversos cursos de dibujo en la Universidad Católica. Ha participado en la II Bienal de Arte Contemporáneo de Argentina -donde obtuvo mención honrosa en pintura-, en la V Bienal Internacional de Acuarela de Viña del Mar y la Bienal de Florencia en el 2011. Entre sus exposiciones destacadas se encuentran “Tierra de luz” y “Melodías al viento” en Espacio Siena, además de diversas muestras colectivas en Nueva York, Italia, Mónaco, Austria, Croacia, Turquía y México.

1961

She studied graphic design at INCACEA (Viña del Mar), and then studied painting for six years with Matilde Pérez and three years at the Concepción Balmes creation workshop. She developed clay sculpture at Claudia Comparini’s and Paca Rodríguez’s workshops. She also took several drawing courses at the Universidad Católica. She has participated at the 2nd Contemporary Art Biennial in Argentina -where she obtained an honorable mention in painting-, at the VIña del Mar Watercolor Biennial and the 2011 Florence Biennial. Among her outstanding exhibitions we find "Tierra de luz" and "Melodías al viento" (Espacio Siena), besides diverse group exhibitions in New York, Italy, Monaco, Austria, Croatia, Turkey and Mexico.

Khipu XXVI PURUN (Desierto), 2016, pintura y textil sobre tela, 40 x 40 cm | Khipu III, 2015, pintura y textil sobre tela, 40 x 40 cm | Khipu XXI, 2016, pintura y textil sobre tela, 30 x 30 cm | Khipu V, 2015, pintura y textil sobre tela, 100 x 120 cm. Khipu XXVI PURUN (Desert) 2016, paint and textile on canvas, 15.7 x 15.7 in. | Khipu III, 2015, paint and textile on canvas, 15.7 x 15.7 in. | Khipu XXI, 2016, paint and textile on canvas, 11 x 11 in. | Khipu V, 2015, paint and textile on canvas, 39.3 x 47.2 in.

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TÉCNICA MIXTA | MIXED MEDIA

La libertad de la pintura | The freedom of painting

ALE AN DRA DEL FAU ALEJANDRA DELFAU

La obra de Alejandra Delfau es lúdica y libre. Se estructura como un juego de paisajes abstractos e imágenes un poco irreales y mágicas. Textos, fotografías en blanco y negro, texturas, nubes y objetos también se dan cita en sus propuestas. Y es que la técnica mixta le permite llegar a nuevas formas de abordar el trabajo pictórico, inventando un lenguaje propio. Disfruta dejarse llevar por la pintura misma que la guía hacia el resultado final, no a partir de conceptos, sino más bien como un ir descubriendo en el proceso de creación la dirección que va a tomar. Íntimamente vinculada consigo misma, la obra es reflejo de sus emociones, experiencias y sueños. El objetivo último es que el espectador también se sienta libre de recorrer la obra desde su propia perspectiva, conectándose con su imaginación y descubriendo sus propias imágenes e historias. “Me gusta que mi obra transmita esa libertad que a mí me entrega la pintura”, concluye.

Alejandra Delfau’s work is playful and free. It is structured as interplay of abstract landscapes and slightly unreal and magical images. Texts, black and white photographs, textures, clouds and objects all come together in her works. Because it is in mixed media, it allows her to arrive at new ways of approaching the pictorial work, inventing a language of her own. She enjoys letting herself be taken away by painting itself, guiding her towards the end result, not from concepts, but rather as a progressive discovery in the process of creation of the direction she is going to take. Intuitively linked to her, the work is a reflection of her feelings, experiences and dreams. The ultimate aim is for the spectator to also feel free from touring the work from his or her own perspective, connecting with her imagination and discovering their own images and stories. “I like that my work transmits that liberty painting gives me”, she concludes.

alejandra.delfau@gmail.com

1981

Estudió administración de empresas en la Universidad de Los Andes. Al egresar, se desempeñó en el área de producción de eventos y durante seis años se dedicó al diseño y confección de modas. En 2013 comenzó sus estudios de pintura en el taller de Verónica Allamand y en los cursos de Pablo Contrisciani, Isabel Brinck y Catalina de la Cruz. Entre sus exposiciones destacan “Colectivo 4” en Galería Arte Mundo, y su participación en Spectrum Miami y Art Medellín. Su obra ha sido premiada en el proyecto de “Bancas Pintadas” de Galería La Sala y la Municipalidad de Las Condes, y a fines de 2016 participó en la feria Aqua, en Miami, en el contexto de Art Basel.

1981

She studied business administration at the Universidad de Los Andes, and after graduating she worked in event production and dedicated herself for six years to fashion design and manufacturing. In 2013 she began her painting studies at Verónica Allamand’s workshop and at Pablo Contrisciani’s, Isabel Brinck’s and Catalina de la Cruz’s courses. Among her exhibitions, "Colectivo 4" (Arte Mundo Gallery), and her participation in Spectrum Art (Miami) and Art Medellín stand out. Her work has been distinguished at the "Bancas Pintadas" project (La Sala Gallery and the Las Condes Municipality) and she participated at the Aqua Art Miami fair in the context of Art Basel in late 2016.

Uno.1, 2016, técnica mixta sobre tela, 70 x 90 cm | Uno.2, 2016, técnica mixta sobre tela, 70 x 90 cm | Tarde de Verano, 2015, tecnica mixta sobre papel, 50 x 70 cm | Lago, 2015, técnica mixta sobre papel, 30 x 40 cm. One.1, 2016, mixed media on canvas, 27.5 x 35.4 in. | One.2, 2016, mixed media on canvas, 27.5 x 35.4 in. | Summer Evening, 2015, mixed media on paper, 19.6 x 27.5 Lagoon, 2015, mixed media on paper, 11 x 15.7 in.

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TÉCNICA MIXTA | MIXED MEDIA

Via jes inagotables | Exhaustible travels

MARÍA EUGE NIA AKEL MARÍA EUGENIA AKEL

María Eugenia Akel es artista de técnica mixta y experta en representación. En sus obras el espectador se encuentra en un mundo de mil interpretaciones conducido por texturas, pigmentos y un esquema específico de uso del color. Son lugares donde no existen literalidades, todo está determinado por las abstracciones y la ausencia de fronteras. Hay una fusión de realidad con imaginación donde las técnicas de impresión se combinan con la intervención pictórica. Es el ejemplo perfecto de que el arte es un engendro de mil caras, como esos que aparecen en los sueños. La artista se autodefine como viajera incansable, transitando entre varios mundos paralelos y simultáneos. Su obra integra la fotografía, la pintura y el dibujo para lograr composiciones surrealistas y atmósferas oníricas. Su técnica la denomina como pictografía. El tema principal que aborda en sus obras son los viajeros, personajes que se mueven sin descanso en mundos paralelos y superpuestos, que llaman al observador a sentirse protagonista de estas travesías inagotables.

María Eugenia Akel is a mixed media artist expert in representation. In her works there is a world of a thousand interpretations the spectator finds him or herself in, conducted by textures, pigments and a specific color use scheme. They are places without literalities; everything is determined by abstractions and the absence of borders. There is a fusion of reality and imagination where printing techniques are combined with the intervention of purely pictorial ones. This is the perfect example of art being a creature of a thousand faces, like the ones sometimes appearing in dreams. The artist defines herself as a tireless traveller, transiting in between parallel and subterranean worlds. Her work integrates photography, painting and drawing in order to achieve surrealist compositions and dreamlike atmospheres. She calls her technique pictographic. The main theme she approaches in her works are travellers, characters moving tirelessly in parallel and superimposed worlds, calling the spectator to feel like the main character of these inexhaustible travels.

www.mariaeugeniaakel.cl

Arquitecta y Artista Visual, socia de Apech y Aiap. Ha desempeñado diversos cargos organizando grupos de artistas para bienales en Chile y Argentina. Ha expuesto en el Museo Nacional de Arte Beijing, en la Fundación Guayasamín y en el Museo de Arte Contemporáneo de Cuenca, Ecuador. En Chile, su obra ha sido exhibida en el Museo Nacional de Bellas Artes, Museo Ralli, feria de arte Ch.ACO, Fundación Telefónica, Centro Cultural Palacio de La Moneda y en diversas galerías y centros culturales, además de exponer en Europa, Estados Unidos y China. Fue premiada en la Bienal de Florencia, en la Bienal de Buenos Aires 2012 y 2014 y fue la única artista chilena seleccionada para la Bienal de Beijing 2015. Su más reciente exposición individual fue “Viajeros del infinito”, en la Universidad Autónoma de Talca y la muestra de esculturas “TransformARTE”, en el Centro Cultural Estación Mapocho, destaca entre las colectivas.

She is an architect and visual artist. She is a member of APECH and AIAP, and has held diverse positions organizing groups of artists for biennials in Chile and Argentina. She has exhibited at the Beijing national art museum, the Guayasamín foundation and the contemporary art museum (Cuenca, Ecuador). In Chile her work has been exhibited at the Chilean National Fine Arts Museum, Ralli Museum, Ch.ACo art fair, Telefónica Foundation, La Moneda Cultural Center and at diverse galleries and cultural centers, also exhibiting in Europe, the United States and China. She was distinguished at the Florence Biennial, at the 2012 and 2014 Buenos Aires Biennial and she was the only Chilean artist selected for the 2015 Beijing Biennial. Her most recent exhibition was "Viajeros del Infinito" at the Universidad Autónoma (Talca) and the "TransfromARTE" exhibition at the Estación Mapocho Cultural Center stands out among her group exhibitions.

Nella Fantasía, 2015, pictografía sobre tela, 90 x 140 cm | Travelers Beijing, 2014, pictografía sobre tela, 90 x 180 cm. Nella Fantasía, 2015, pictograph on canvas, 35.4 x 55.1 in. | Travelers Beijing, 2014, pictograph on canvas, 35.4 x 70.8 in.

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PINTURA | PAINTING

Inconsciente creativo y fortuito | Creative fortuitous unconscious

BER NAR DITA GARIB BERNARDITA GARIB

Una mancha accidental o una aguada es el comienzo de su proceso creativo. No hay etapas ni ordenamiento que lo preceda. Y ese gesto representa la libertad en el momento de enfrentar la tela o el papel en blanco. Esa es la condición para conectarse con el estado interior que necesita, con la introspección adecuada para dejar que el inconsciente hable. El color es el principio y el fin de su pintura abstracta. Pero la abstracción no impide que exista una conexión con la realidad. Los objetos aparecen tímidamente en la pintura, desde una mancha o un dibujo sutil con carboncillo, de la espátula e incluso del uso de spray con un acabado de grafiti. Explora diversos materiales, pero reconoce la centralidad del acrílico. Recientemente ha incorporado la fotografía, el contrapunto temporal entre el instante fotográfico y el lento proceso de la pintura.

An accidental stain or a gouache is the starting point of her creative process. There are no stages or set of laws preceding them. Additionally, that gesture represents the liberty at the moment of confronting the canvas or the white piece of paper. This is the condition to connect with the inner state she needs, with the adequate introspection to let the subconscious express itself. Color is the beginning and the end of her abstract painting. However, abstraction is not an obstacle for a connection with reality. Objects shyly appear in the painting, from a stain, a subtle charcoal drawing, from the palette knife or even from spray with a graffiti finish. She explores diverse materials, but recognizes the central character of acrylics. She has recently incorporated photography, the temporary counterpoint between the photographic instant and the slow process of painting.

www.bernarditagarib.com

1979

Bernardita Garib tiene una vasta formación artística. Participó en los talleres de Bororo, en los de acuarela de Alejandra Bendel, otro de restauración con María Cecilia Beas, color con el maestro Vilches, pintura con Verónica Allamand, serigrafía, dibujo y perspectiva con Hilda Piedrahita, fotografía con Paz Lira y emulsiones fotográficas con Catalina de la Cruz. También fueron relevantes para el desarrollo de su obra los estudios de apreciación del arte con Gaspar Galaz y Claudia Campaña y los seminarios con Concepción Balmes. Entre sus exposiciones individuales destacan “De la calle” en la Galería Art Labbé, “Con el corazón en la mano” en la Corporación Cultural de Osorno y “Restos” en el Club de Golf de Cachagua. En cuanto a las exposiciones colectivas cabe mencionar “Masters of Imagination” en Nueva York, “Heroicas” en el Teatro del Lago y “En reparaciones” en la Corporación Cultural de Las Condes.

1979

Bernardita Garib has a vast artistic education. She participated in workshops with the Bororo, Alejandra Bendel (watercolor), María Cecilia Beas (restoration), master Eduardo Vilches (color), Verónica Allamand (painting), Hilda Piedrahita (screenprinting, drawing and perspective), Paz Lira (photography) and Catalina de la Cruz (photographic emulsions). Her studies with Gaspar Galaz and Claudia Campaña (art appreciation) and seminars with Concepción Balmes have been relevant for the development of her work as well. Among her solo exhibitions, "De la Calle" (Art Labbé Gallery), "Con el corazón en la mano" (Osorno Cultural Corporation) and "Restos" (Cachagua Golf Club) stand out. As far as group exhibitions, "Masters of Imagination" (New York), "Heroicas" (Teatro del Lago) and "En reparaciones" (Las Condes Cultural Corporation) are worth mentioning.

Desafio Circular I, 2015, técnica mixta sobre tela, 70 cm | Desafío Circular II, 2015, técnica mixta sobre tela, 70 cm | Fiesta Sutil, 2016, técnica mixta sobre tela, 100 x 100 cm | Sin título, 2016, técnica mixta sobre tela, 100 x 100 cm | Fotografía: Distrito Arte. Circular Defiance I, 2015, mixed media on canvas, 27.5 in. | Circular Defiance II, 2015, mixed media on canvas, 27.5 in. | Subtle Party, 2016, mixed media on canvas, 39.3 x 39.3 in. | Untitled, 2016, mixed media on canvas, 39.3 x 39.3 in. | Photography by: Distrito Arte.

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TÉCNICA MIXTA | MIXED MEDIA

El arte de la evocación | The art of evocation

ELDA VILLE NA

En el cuerpo de obra de Elda Villena, armonizan disciplinas disimiles que se unen a las artes visuales desde puntos de interés basados en la historia y la antropología. En la construcción de repertorio visual recurre a un arte multidisciplinario, donde la pintura juega un rol con lo digital y se conjugan el dibujo con la fotografía. Influenciada por el filosofo Henri Bergson, importante figura al momento de reflexionar en torno al concepto de memoria, despliega sus intereses para conformar un relato que cubre todos los ámbitos de la cultura nacional constituida con la música, la literatura y las artes visuales. La impronta de esta obra es un claro desarrollo visual producto de investigaciones realizadas con fuentes primarias y trabajos de archivo, lo que permite a los espectadores ser testigos de un pasado y un contexto perdido en la historia que resurge en nuestra época con un fuerte contenido social y patrimonial, de carácter público y ciudadano.

In Elda Villena’s body of work dissimilar disciplines come together with the visual arts from points of interest based on history and anthropology in harmony. In the construction of a visual repertoire she resorts to an interdisciplinary art in which painting plays a role together with digital work and drawing is conjugated with photography. Influenced by philosopher Henri Bergson, an important figure when reflecting on the concept of memory, she displays her interests in order to conform a narrative covering all aspects of our culture built through music, literature and the visual arts. This work’s mark is a clear visual development product of research carried out with primary sources and archive work, which allows the spectators to be witnesses of a past and a context lost in history that reemerges in our times with a strong social and patrimonial content, of a public and citizens’ character.

www.villena.cl

ELDA VILLENA

1942

Recuerdo cuatro (Parque Arrieta), 2013, téncica mixta sobre tela, 140 x 102 cm | Recuerdo ocho (Inés Echeverría, escritora 1868-1949), 2013, técnica mixta sobre tela, 141 x 120 cm | Recuerdo trece (Alberto García Guerrero, painista 181886-1959), 2013, técnica mixta sobre tela, 141 x 120 cm | Recuerdo doce (Magdalena Petit, escritora 1903-1968), 2013, técnica moxta sobre tela, 141 x 120 cm | Fotografía retrato: Aldo Coggiola.

Inició sus estudios de dibujo y pintura con el muralista Gregorio de la Fuente en el Instituto Cultural de Ñuñoa. Luego ingresó a la Facultad de Artes de la Universidad de Chile y participó en la primera Feria de Arte del Parque Forestal en 1959. Egresada de la Licenciatura de Arte de la Escuela de Bellas Artes, trabajó en el taller de Matilde Pérez de forma constante. Sus estudios de estética los realizó con Alberto Pérez y Milán Ivelic; estuvo en el Instituto de Arte Contemporáneo e incursionó en el campo de la fotografía y cine teórico con José Román. Posteriormente realizó un Diplomado Digital en la Universidad Católica de Chile. Entre sus exposiciones individuales destacan "Desde Siempre", en la Universidad Metropolitana; “Memoria", en el Instituto Cultural de Providencia; “En busca del Santiago perdido”, en el Colegio de Arquitectos de Chile -proyecto que contó con el patrocinio de la Comisión Bicentenario-; y "Recuerdos Olvidados", en la Casa de Arte de la Universidad Autónoma.

1942

She began her studies in painting and drawing with muralist Gregorio de la Fuente at the Ñuñoa cultural institute. She then entered the Universidad de Chile art faculty and participated at the first Parque Forestal art fair in 1959. Once she obtained her degree in fine arts, she constantly worked at Matilde Pérez’s workshop. She studied aesthetics with Alberto Pérez and Milán Ivelic, she was at the Instituto de Arte Contemporáneo and got into photography and cinema theory with José Román. Later she studied a digital diploma at the Universidad Católica. Among her solo exhibitions, "Desde Siempre" (Universidad Metropolitana), Memoria (Providencia Cultural Institute), "En Busca del Santiago Perdido" (College of Chilean Architects), a project sponsored by the Bicentenary Commission, and "Recuerdos Olvidados" (Casa de Arte, Universidad Autónoma), stand out.

Memory Four, (Arrieta Park), 2013, mixed media on canvas, 55.1 x 40.1 in. | Memory Eight, (Inés Echeverría, Writer 1868-1949), 2013, mixed media on canvas, 55.5 x 47.2 | Memory Thirteen (Alberto García Guerrero, pianist 1886-1959), 2013, mixed media on canvas, 55.5 x 47.2 in. | Memory Twelve (Magdalena Petit, Writer 1903- 1968), 2013, mixed media on canvas, 55.5 x 47.2 in. | Photography by: Aldo Coggiola.

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PINTURA | PAINTING

La voz de los colores | The voice of colors

ISA BEL BRIN CK ISABEL BRINCK

All I want for dinner is you, 2016, técnica mixta, 210 x 134 cm | Slow down, 2016, técnica mixta, 190 x 120 cm | Vida, 2016, óleo sobre tela, 167 x 127 cm | My Wonderland, 2015, óleo sobre tela, 76 x 100 cm.

La obra de Isabel Brinck es abstracta, surrealista, expresionista, onírica y mucho más al mismo tiempo; difícil de encasillar. Crea atmósferas complejas y en movimiento, ambientes en los que se puede entrar, viajar y descubrir cosas nuevas que suceden incesantemente. A través de metáforas y analogías, sus obras son verdaderos vehículos que transportan a un mundo cargado de sentidos espirituales y de mayor imaginación. Al pintar, la artista recupera su centro interno y logra una libertad que luego se convierte en la temática que intenta reflejar en su obra. Una búsqueda por el verdadero significado de la vida y el afán de hacer visible lo invisible, capturando experiencias, relaciones, emociones profundas y todo lo que afecte la existencia humana. Trabaja con los colores primarios y disfruta mezclarlos para lograr toda la gama del arcoíris. Lograr emocionar al espectador y comunicar la voz de sus colores la hace tan feliz como el mismo proceso de cada pintura. Con un punto de vista irónico, onírico, optimista y siempre lleno de color, la obra esconde un secreto que sólo la artista conoce y en donde los títulos son una de las claves para descubrir algo de aquellos cuentos compartidos.

Isabel Brinck’s work is abstract, surreal, expressive, dreamlike and far beyond time, it is hard to pigeonhole. She creates complex and moving atmospheres, environments one can enter, travel and find new things happening endlessly. Through metaphors and analogies, her artworks are true vehicles that transport to a world loaded with spiritual meaning. When painting, the artist recovers her inner center and achieves a freedom that then turns into the theme she tries to reflect in her work, capturing experiences, relationships, deep emotions and everything affecting human existence. She works with primary colors and enjoys mixing them in order to achieve the entire spectrum of the rainbow. Move the spectator and communicate the voice of her colors makes her as happy as the process of each painting. With an ironic, dreamlike and optimist point of view, always full of colors, Isabel's work hides a secret only the artist knows and where the titles are one of the keys to discover part of those shared stories.

www.isabelbrinck.com

1965

Se graduó con honores como diseñadora gráfica en la Universidad de Chile. Trabajó en este ámbito durante bastante tiempo y alrededor de 1998 comenzó a dar un vuelco hacia las artes visuales. En 2003 participó en el taller de Jaime Ferrer (Studio 1156), experiencia que continuó por 10 años. Entre sus exposiciones individuales destaca “My Passion Project”, en la que exhibió 45 obras en el LMNT Gallery, en Wynwood Miami, que luego llevó a la Galería Trece en Santiago de Chile. Recibió una mención especial en pintura durante la II Bienal de Arte Contemporáneo de Buenos Aires y su obra ha sido exhibida, además, en importantes ferias de arte tales como Art Palm Beach, Arte Americas Miami, Indian Wells Art Fair (California, EE.UU), Wag Croatia 2013, Red Dot Art Fair y Spectrum Miami, entre otras. Actualmente vive y trabaja en Miami, Estados Unidos.

1965

She graduated with honors as a graphic designer from the Universidad de Chile. She worked in this field for quite some time and around 1998 she began taking a turn toward visual arts. In 2003 she participated at Jaime Ferrer’s Studio 1156 workshop, where she stayed for ten years. Among her solo exhibitions, "My Passion Project" (LMNT, Wynwood, Miami), which she then took to the Galería Trece (Santiago). She received a special mention in painting at the 2 nd Buenos Aires Contemporary Art Fair and her work has also been exhibited at important art fairs such as Art Palm Beach, Arte Americas (Miami), Indian Wells Art Fair (California, U.S.A.), Wag Croatia 2013, Red Dot Art Fair and Spectrum Miami, among others. She currently lives and works in Miami (U.S.A.).

All I want for dinner is you, 2016, mixed media, 82.6 x 52.7 in. | Slow Down, 2016, mixed media, 74.8 x 47.2 in. | Life, 2016, oil painting on canvas, 65.7 x 50 in. My Wonderland, 2015, oil painting on canvas, 29.9 x 39.3 in.

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PINTURA | PAINTING

Canto a la naturaleza | Song of nature

KARIN BARR ERA

La protección de la naturaleza, su cuidado y el amor a la tierra son lo pilares bajo los cuales nace el trabajo de Karin Barrera. De una profunda conexión emotiva y espiritual, su obra invita a reflexionar en torno a reutilización como eje sustentable del mundo. Esta premisa se aplica tanto a la temática que explora en sus pinturas como a la forma en que su trabajo está compuesto, mediante el uso de radiografías recicladas como soporte para mostrar sus figuras humanas, el mundo femenino, pájaros, árboles y, sobre todo, naturaleza. Colores intensos y llamativos brotan de su paleta; verdes de naturaleza, rojos como símbolo de su interioridad, amarillos, violetas, ocres. Cada tonalidad es usada en mayor o menor medida según el periodo que atraviese su imaginación creativa, siempre dotando de importancia a la luz que se abre en bosques, montañas y cielos. Un arcoiris pictórico que da vida y danza con energía en cada una de sus obras.

The protection of nature its care and the love of the earth are the pillars under which Karin Barrera’s work emerges. Of an emotive and spiritual connection, her work invites one to reflect on re-usage as a sustainable axis of the world. This premise is applied to the themes she explores in her paintings, as well as the way in which her work is made up, by means of the use of recycled medical X-rays as a support to show her human figures, the feminine world, birds, trees, and above all, nature. Intense and striking colors emerge from her palette; nature greens, red tones as a symbol of her inner world, yellows, violets, and ochre tones. Every tonality is used to a greater or lesser degree according to the period her creative imagination is going through, always giving importance to the light opening up in forests, mountains and skies, a visual rainbow giving energetic life and choreography in each of her works.

www.artekarinbarrera.com

KARIN BARRERA

1975

Cursó estudios de arte en Santiago y Barcelona, donde se especializó en dibujo y modelado de figura humana en la Scuola Da Vinci. Desde el año 2000 trabaja en torno a la pintura, la acuarela, la ilustración botánica, el collage y la escultura. Complementó su formación con talleres de arte en el Museo Nacional de Bellas Artes y cursos de dibujo y pintura de figura humana, historia del arte, pintura, escultura e ilustración botánica. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales recorriendo Chile de norte a sur, y también en el extranjero, donde destacan las llevadas a cabo en la II y III Bienal de Arte Contemporáneo de Argentina (Centro Cultural Borges), Galeria Thullier en París, Centro Cultural Luis Nishisawa, México, World Art Games Zagred, Croacia y muestras en España, Perú y Costa Rica.

1975

She studied art in Santiago and Barcelona, where she specialized in human figure drawing and modeling at the Scuola Davinci art school. Since 2000 she has been working around painting, watercolor, botanical illustration, collage and sculpture. She complemented her education through art workshops at the Museo Nacional de Bellas Artes and human figure drawing, art history, painting, sculpture and botanical illustration courses. She has been part of numerous collective and solo exhibitions, touring Chile from north to south as well as abroad, among which the ones held at the 2nd and 3rd Buenos Aires Contemporary Art Biennial (Centro Cultural Borges), the Thullier Gallery (Paris), The Luis Nishisawa Cultural Center (Mexico), the World Art Games (Zagreb, Croatia), as well as exhibitions in Spain, Peru and Costa Rica stand out.

Quien dirige el viento, 2016, técnica mixta sobre papel, 100 x 100 cm | La flor, la libélula y el pensamiento, 2016, técnica mixta sobre papel, 100 x 100 cm | Alguien habrá para ti allá afuera, 2016, técnica mixta sobre papel, 100 x 100 cm | Amapola, 2015, técnica mixta sobre papel, 80 x 80 cm. Who Runs Wind, 2016, mixed media on paper, 39.3 x 39.3 | The Flower, the Dragonfly, and the Pansy, 2016, mixed media on paper, 39.3 x 39.3 in. | There’s Someone Out there for you, 2016, mixed media on paper, 39.3 x 39.3 in. | Poppy, 2015, mixed media on paper 31.4 x 31.4 in.

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ESCULTURA | SCULPTURE

Entre la tierra y el agua | Between earth and water

PAU LINA WAGE MANN PAULINA WAGEMANN

La casa danzante, cerámica gres, quema en oxidación, fierro, 50 x 30 x 20 cm | Tú crees que paso todo el día pinándome las uñas?, cerámica gres, quema en oxidación, 42 x 33 x 20 cm | Sueño azul, cerámica gres, quema en oxidación, 30 x 40 x 32 cm | Volando, cerámica gres, quema en oxidación, 45 x 40 x 20 cm Fotografía: Diego Bernales y Juan Esteban Saez.

Energía primaria es el concepto que trabaja Paulina Wagemann en sus obras. Existe un paralelo entre la fuerza propia de la naturaleza y la energía creativa: ambas se encuentran en el interior de la artista y son el impulso que da origen a sus obras. Bosques, volcanes, mujeres, abrazos, bailes y personajes de la vida cotidiana configuran su universo. En sus obras, se percibe la nostalgia por recapturar recuerdos, memorias que hablan de la ternura de la pareja, amor y femeneidad. Su última serie trae personajes de la vida cotidiana mirados con humor, donde los esmaltes utilizados en las quemas en gres son creados por ella para cada pieza en particular. En su lenguaje plástico, tanto en la escultura como en la pintura, el imperativo temático idealiza la pasión. Y va desde lo figurativo mágico a lo abstracto, en una explosión de colores alegres.

Primary energy is the concept Paulina Wagemann deals with in her works. There is a parallel between the strength of nature and creative energy: both are found within the artist and they are the impulses originating her works. Forests, volcanoes, embraces, dances and characters of everyday life configure her universe. In her works, nostalgia for recovering memories, memories speaking of the tenderness, love and femininity of a couple is perceived. Her latest series incorporates everyday life characters, seen humorously, where glazes used at the ceramics firing up are created specifically for all of her pieces. In her visual language, both in sculpture as in painting, the thematic imperative idealizes passion. And she goes from the magicfigurative to the abstract, in an explosion of lively colors.

www.ceramicagres.blogspot.com

1963

Paulina Wagemann nació en Valdivia. Estudió obstetricia, profesión que ejerció por varios años para luego dedicarse al turismo aventura en el sur de Chile. Entre 2002 y 2011, ya en Santiago, participó en el taller de Pilar Correa Amunátegui, luego se retiró para crear su propio taller, llamado Peumayén. Hizo clases de cerámica en el Colegio Santa Catalina de Siena. Tomó clases dibujo con Jaime León, de pintura con Mónica Maiocchi, y se mantiene experimentando, y estudiando en su taller. Ha participado en múltiples exposiciones, tanto de pintura como de escultura. Entre las más importantes se destaca su participación en el Museo Nacional de Bellas Artes con la obra “Mujer mirando al este”, seleccionada en homenaje a Lily Garafulic. Entre sus muestras colectivas destacan “Zensillamente”, en el Aeropuerto de la Araucanía; “Negro Esteka”, en la Sala de Arte del Centro de Extensión UC y “TransformArte” en el Centro Cultural Palacio de la Moneda y en Fundación Telefónica.

1963

Paulina Wagemann was born in Valdivia. She studied obstetrics, exercising the profession for several years to then dedicate herself to adventure travel in the south of Chile. Between 2002 and 2011, and now in Santiago, she has participated at the Pilar Correa Amunátegui workshop and then left to create her own workshop, called Peumayén. She has taught ceramics classes at the Santa Catalina de Siena School, and has taken drawing classes with Jaime León, painting classes with Mónica Maiocchi, and keeps experimenting and studying in her workshop. She has participated in numerous exhibitions, showing both paintings as well as sculptures. Among her more prominent exhibitions is her participation with her "Mujer mirando al este" as homage to Lily Garafulic at the Museo Nacional de Bellas Artes. Among her group exhibitions, "Zensillamente" (Araucanía Airport), "Negro Esteka" (UC Extension Center) and "TransforArte" (Telefónica Foundation) stand out.

The Dancing House, stoneware, oxidation burning, iron, 19.6 x 11 x 7.8 in. | Do you Think I spent All Day Polishing my Nails?, stoneware, oxidation burning, 16.5 x 13, 7.8 in. | Blue Dream, stoneware, oxidation burning, 11 x 15.7 x 12.5 in. | Flying, stone ware, oxidation burning, 17.7x 15.7 x 7.8 in. | Photography by: Diego Bernales and Juan Esteban Saez.

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TÉCNICA MIXTA | MIXED MEDIA

Esbozos de mujer | Glimpses of women

CECI LIA QUE ZADA CECILIA QUEZADA

Cecilia Quezada ha dedicado su carrera artística a explorar el universo femenino. Busca capturar los mundos, poses, actitudes y semblantes de diferentes mujeres a través de técnicas que varían según la necesidad plástica y simbólica de cada obra. No se limita a la pintura y utiliza sin miedo diferentes materiales para dar con aquel resultado que busca incansablemente. Es así como incorpora papeles, tintas, crayones y lo que encuentre a su mano para lograr obras que destacan por su textura y color. Su trabajo se encuentra influenciado por nociones del afiche y el grafiti, y son estas técnicas las que ha incorporado de una manera ágil y dinámica, lo que le permite aquel gesto rápido donde el color y el gesto funcionan como ejes fundamentales. Con pocos elementos bien pensados y dispuestos, Cecilia Quezada es capaz de dar aquel sello único y atrapante a sus creaciones.

Cecilia Quezada has focused her artistic career in exploring the feminine universe. She seeks to capture the worlds, poses, attitudes and demeanors of different women by means varying according to each work’s visual and symbolic need. She does not limit herself to painting and fearlessly uses various types of paper, ink, crayons and whatever she has on hand in order to achieve works singular because of their texture and color. Her work is influenced by the notions behind posters and graffiti, and it is these techniques which she has skillfully and dynamically incorporated what has allowed her that quick gesture in which color and the gesture work are basic core ideas. With a few, well thought out and arranged elements, Cecilia Quezada is able to give her creations that unique and captivating touch.

ceciliaquezadamoreno@gmail.com

1950

Su formación artística la ha desarrollado por medio de diversos cursos a lo largo de su carrera, estudiando en los talleres de Celina Gálvez, Concepción Balmes, Eva Lefever y Carmen Silva, y tomando estudios complementarios de figura humana, fotografía y pintura digital. Entre sus exposiciones individuales destacan “Mujeres” y “Cabezas”, ambas llevadas a cabo en Galería Matthei, “Arte en el Objeto”, organizado por Arte Urbano, y muestras en el Instituto Chileno Norteamericano de Cultura y el Club de Golf Las Brisas de Santo Domingo. Colectivamente ha participado en muestras en Chile, Estados Unidos y Japón. Su obra ha sido exhibida en ferias de arte internacional en Miami, Puerto Rico y Bélgica.

1950

She has developed her artistic education by means of diverse courses along her career, studying at the Cecilia Gálvez, Concepción Balmes, Eva Lefever and Carmen Silva workshops, as well as taking up studies on human figure, photography and painting. Among her solo exhibitions, Mujeres and Cabezas (both Galería Matthei), "Arte en el Objeto" organized by Arte Urbano, as well as exhibitions at the Chilean North American Cultural Institute and Las Brisas Golf Club (Santo Domingo) stand out; she has also participated in group exhibitions in Chile, the U.S. and Japan and her work has been shown at international art fairs in Miami, Puerto Rico and Belgium.

Graffiti Chic, 2016, técnica mixta, 97 x 110 cm | Paleta de colores, 2016, técnica mixta, 110 x 130 cm | Urbano entre líneas, 2016, técnica mixta, 100 x 130 cm | Mezcla de cultura, 2016, técnica mixta, 110 x 130 cm. Graffiti Chic, 2016, mixed media, 38.1 x 43.3 in. | Color Palette, 2016, mixed media, 43.3 x 51.1 in. | Urban between Lines, 2016, mixed media, 39.3 x 51.1 in. | Culture Blend, 2016, mixed media, 43.3 x 51.1 in.

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PINTURA | PAINTING

Mundos explosivos | Explosives worlds

LOUR DES NAVEI LLAN LOURDES NAVEILLAN

Serie Imaginario VI, 2016, técnica mixta, 52 x 44 cm | Serie Imaginario IV, 2016, técnica mixta, 52 x 44 cm | Serie Imaginario V, 2016, técnica mixta, 52 x 44 cm | Serie imaginario I, 2016, técnica mixta, 52 x 44 cm.

Lourdes Naveillan no le tiene miedo a la tela ni al papel en blanco. Por el contrario, se sumerge en la obra como si fuera una verdadera piscina de color, en la que sus emociones fluyen y se abren a la sorpresa, a lo inesperado, a la experimentación del material y la técnica. Trabaja con pigmentos, óleos, pasteles, tinta y acrílico; también con madera, fierro, alambres y materiales de desecho que rayan en lo escultórico. No hay fronteras aparentes en su expresiva creación; es un juego que se desborda entre la línea, la forma de la mancha que se expande y el gesto de la mano que deja huella. Figuras extravagantes se superponen libremente, creando nuevos mundos al interior de la obra. Son formas que reflejan el propio ser de la artista, experiencias de vida profundas que se mezclan con un estado de alerta permanente sobre su entorno. Finalmente, todo se traduce en una obra enérgica, visceral, una explosión creativa que emerge desde sus manos a la tela y el papel.

Lourdes Naveillán is not afraid of a canvas or a white piece of paper. On the contrary, she submerges within the work as if it was a true pool of colors, in which her emotions flow and open up to surprise, to the unexpected, and to experimentation with materials and techniques. She works with pigment, oil paint, pastels, ink and acrylic, as well as with wood, iron, wire and waste materials bordering on the sculptural. There are no apparent borders in her expansive creation; it is a game overflowing between lines, the shape of the expanding stain and the manual gesture leaving behind tracks. Extravagant figures freely superimpose themselves, creating new worlds within the work. They are shapes reflecting the artists' very own being, deep life experiences which blend with a permanent state of alert in relation to her surroundings. Finally, everything is translated into an energetic, visceral work, a creative explosion emerging from her hands onto canvas and paper.

www.lourdesnaveillan.com

1971

Se inició en el arte desde temprana edad, con la estimulación de sus padres y la orientación de sus profesoras en el Colegio Le Maisonnette. Desde ahí confirmó su vocación y cursó el Bachillerato Internacional de Arte, además de estudios en Instituto de Arte Contemporáneo y en la Universidad Católica. Más tarde participó en el taller de Eugenio Dittborn, en el histórico Taller 99 fundando por Nemesio Antúnez y en el taller curatorial de Arturo Duclos. Su obra es parte de la colección de la Universidad de Talca y de la Embajada de Chile en París, además de haber participado en diversas ferias de arte tales como Spectrum Miami del circuito Art Basel y expuesto en Chile, Argentina, Estados Unidos y Francia. Entre sus exposiciones individuales destacan “Entre tiempos”, en la Galería La Sala; “Junquillar”, en la Universidad de Talca; e “Imaginarios”, en la Sala David Stitchkin de la Universidad de Concepción. Actualmente vive y trabaja en Talca, desde donde promueve la creación hacia las provincias.

1971

She started out in art at an early age, encouraged by her parents and with the guidance of her teachers at the Le Maisonnette school. From there she confirmed her vocation and took on an international art high school diploma, besides studies at the Instituto de Arte Contemporáneo and the Universidad Católica. Later on she participated at the Eugenio Dittborn’s workshop, the historical Taller 99 workspace founded by Nemesio Antúnez and Arturo Duclos’ curatorial workshop. Her works are part of the Universidad de Talca collection and the Chilean embassy in Paris, apart from having participated at diverse art fairs such as, Spectrum Miami of the Art Basel circuit, and she has exhibited in Chile, Argentina, the United States and France. Among her solo exhibitions, "Entre Tiempos" (Galería La Sala), "Junquillar" (Universidad de Talca) and "Imaginarios" (Sala David Stitchkin, Universidad de Concepción) stand out. She currently lives and works in Talca from where she promotes creation towards the provinces.

Series Imaginary VI, 2016, mixed media, 20 x 17 in. | Series Imaginary IV, 2016, mixed media, 20 x 17 in. | Series Imaginary V, 2016, mixed media, 20 x 17 in. | Series Imaginary I, 2016, mixed media, 20 x 17 in.

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PINTURA | PAINTING

El lengua je del universo | The language of the universe

DAPHNE ANASTA SSIOU

Daphne Anastassiou plasma en su pintura un proceso interno de inspiración que emerge desde lo profundo de su identidad, basado en su experiencia de continua búsqueda y recorrido espiritual, orientada en la trascendencia del Ser. Su paleta de colores y movimientos insinúan tener vida y alma propia, dando un toque de belleza y femineidad que se traduce en figuras que se deslizan a través de la tela con energía y fuerza. Los movimientos, expresados a través de los colores y contrastes, se aprecian en forma sutil e intensa, percibiendo la dualidad de dos fuerzas que se oponen y se complementan. Su pintura es un carrusel de colores que impactan a primera vista y dan rienda suelta a la imaginación y libre interpretación. En sus cuadros todo lo que emerge pareciera moverse, vincularse y relacionarse entre sí, logrando una continua transformación. Como el universo, está en constante movimiento, manteniendo una armonía y orden coherentes que se manifiestan y perciben en toda su obra, como una celebración.

Daphne Anastassiou captures in her painting an inner process of inspiration that comes from the profoundness of her identity, based on her experience of continuous search and spiritual trajectory, oriented on the trascendency of the being. Her pallette of colours and movements seem to have their own life and soul, giving a touch of beauty and femininity that turns into figures that glide through the canvas with energy and strength. The movements expressed through the colours and contrasts can be noticed in both a sutil and intense way, perceiving the duality of two forces that are, at the same time, complementary opposites. Her painting is a carousel of colours that impact at first sight and allows imagination and free interpretation to run free. In her work all that emerges seem to move, to be linked and to be connected, achieving a continuous transformation. As the universe, she is in constant movement, keeping a consistent harmony and order that is reflected and can be noticed in her work as a celebration.

www.daphneanastassiou.cl

DAPHNE ANASTASSIOU

1955

Artista chilena de origen griego nacida en Viña del Mar. Psicóloga de profesión y con una gran trayectoria en diversas creaciones. Daphne es una pintora autodidacta vinculada con el arte desde su infancia, inspirada por su madre artista. Su inquietud interna y sensibilidad la llevaron a aventurarse en el mundo del desarrollo creativo. Su obra ha sido exhibida en Santiago, Buenos Aires, Nueva York, París, Londres, Madrid y Shanghai. A partir del año 2011, la Galería Colette Dubois la representa en París, lugar donde presentó su tercera exposición individual. Actualmente vive y trabaja en Santiago de Chile.

1955

Chilean artist of greek origin born in Viña del Mar. Psychologist as a profession and with a great trajectory in various creations. Daphne is a self tought person, linked with the art from her childhood, inspired by her artist mother. Her inner curiosity and sensitivity drove her to venture in the world of creative development. Her works have been exhibited in Santiago, Buenos Aires, New York, Paris, London, Madrid and Shanghai. Since 2011th the Gallery Colette Dubois represents her in Paris, where she performed her third solo exhibition. She currently lives and works in Santiago, Chile.

Intercambio, 2010, técnica mixta sobre tela, 200 x 120 cm | Aleluya, 2007, técnica mixta sobre papel, 120 x 100 cm | Odisea, 2016, técnica mixta sobre tela, 150 x 300 cm. Exchange, 2010, mixed media on canvas, 78.7 x 47.2 in. | Alleluia, 2007, mixed media on paper, 47.2 x 39.3 in. | Odyssey, 2016, mixed media on canvas, 59 x 118 in.

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PINTURA | PAINTING

Matriz creativa | Creative mold

PAULA SWIN BURN

La pintura de Paula Swinburn es un ejercicio pigmentario de cosmovisiones ancestrales, visiones de otras existencias que finalizan su viaje en la topografía del formato. Cada gesto sobre el papel es la antípoda de uno realizado en otras condiciones, en una atmósfera diversa y desemejante, una suerte de entelequia que la artista no evita plasmar. La potencia de los flujos de color que se abren paso mediante formas abstractas, es el resultado misterioso de la dialéctica entre lo necesario y lo casual, dando paso a imaginarios de erupciones volcánicas, fondos marinos, secano costero: emociones en permanente fluidez y dispersión. Pero hay aún una migración por realizar, aquella que lleva más allá de los bordes de la obra ejecutada, por encima de sus dobleces, de sus límites, hacia misteriosas geologías que pronto han de manifestarse.

Paula Swinburn’s painting is a pigment exercise of ancestral worldview, visions of other existences that end their journey at the topography of the format. Each gesture on paper is the opposite of one realized in other conditions, in a diverse and dissimilar atmosphere, a kind of entelechy the artist does not avoid expressing. The potency of the color flows making their way by means of abstract shapes is the mysterious result of the dialectics between what is necessary and what is casual, giving way to volcanic eruptions, sea bottoms, and coastal dry-land imaginary: emotions in permanent fluidness and dispersion. However, there still is a migration to be undertaken, one leading beyond the borders of the executed work, above its folds, its limits, towards mysterious geologies that will soon manifest.

www.swinburn.com

PAULA SWINBURN

1964

Licenciada en Artes Plásticas de la Universidad de Chile. Se perfeccionó en un curso de Estética en la Universidad Católica. Tomó cursos de pintura con Teresa Gacitúa y más tarde profundizó en la escultura con Francisco Gacitúa y en la fotografía con Luis Poirot. Ha exhibido sus obras en el Instituto Chileno Norteamericano de Cultura, en Galería Artespacio y en el Centro Cultural Las Condes, entre otros. Fue seleccionada en el concurso Artistas Siglo XXI de la Universidad Católica, en 2007 y 2008, y por Asociación de Críticos de Arte de Chile en la muestra “13x13 Voces emergentes”. Participó como invitada en la Segunda Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Argentina y en Ch.ACO 2015 y 2016. Su más reciente exposición es “El Enigma del Espejo”, realizada en la Universidad de Talca, ciudad de Talca.

1964

She obtained her degree in visual arts from the Universidad de Chile, and continued to specialize her career at an aesthetics course at the Universidad Católica. As a teenager she took painting courses with Teresa Gacitúa and later went deeper into sculpture with Francisco Gacitúa and photography with Luis Poirot. She has exhibited her works at the Chilean North American cultural institute, Artespacio gallery and at the Las Condes cultural center, among others. She was selected for the Artistas Siglo XXI competition of the Universidad Católica in 2007 and 2008 and for the "13x13 Voces Emergentes" exhibition of the Chilean Art Critics Association. She was invited to the Second International Contemporary Art Biennial (Argentina) and at Ch.ACO 2015 and 2016 fair (Santiago). Her most recent exhibition "El Enigma del Espejo" was held at the Universidad de Talca.

Sin título, 2016, óleo sobre papel, 100 x 65 cm | Sin título, 2016, esmalte sobre papel, 100 x 65 cm | Sin título, 2014, esmalte sobre papel, 100 x 65 cm | Fotografía: Sebastián Sepúlveda. Untitled, 2016, oil painting on canvas, 39.3 x 25.5 in. | Untitled, 2016, varnish on paper, 39.3 x 25.5 in. | Untitled, 2014, varnish on paper, 39.3 x 25.5 in. | Photography by: Sebastián Sepúlveda.

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FOTOGRAFÍA | PHOTOGRAPHY

Instantes capturados | Captured instants

MAYA ESTRA DA

Maya Estrada se ha dedicado a explorar la figura humana en todas sus facetas. A partir de una contemplación profunda, logra capturar aquellas sutilezas que comúnmente pasan inadvertidas, adentrándose en cada cuerpo hasta llegar a su lugar más recóndito. Sus imágenes transmiten una belleza sublime producto de un intenso estado de compenetración con aquello que se enfrenta a su lente. Son imágenes misteriosas, seductoras, atrayentes. Capturadas en distintas situaciones, desde la más trivial a la más íntima, logra dar con aquello que hace único a cada ser humano: su alma. Lo hace a través de un registro pulcro, silencioso y sincero, que encuentra en los pequeños matices la fórmula para lograr la perfección. Constantemente llevada por su afán creativo, Maya ha desarrollado un cuerpo de obra que tiene al hombre y la naturaleza como su principal referente, encontrando en la fotografía y en la escultura los medios para expresar aquello que capta su sensibilidad donde quiera que vaya.

Maya Estrada has engaged in exploring the human figure in all of its facets. From a deep contemplation she achieves capturing those subtleties usually going unnoticed, venturing into each body until reaching its most remote space. Her images transmit a sublime beauty product of an intense state of rapport with what faces her lens. Her images are mysterious, seductive, attractive. Captured in various situations, from the more trivial to the most private, she reaches that which makes every human being unique: their soul. She does this by means of a faultless, silent and honest register that finds the formula for achieving perfection in the small nuances. Constantly driven by her creative zeal, Maya has developed a body of work that has humans and nature as its main referent, finding in photography and sculpture the means to express that which captures her sensibility wherever she goes.

www.maya.cl

MAYA ESTRADA

1963

Se formó como tecnóloga médica en la Universidad de Chile y luego cursó diplomados de escultura y estudios de arte con mención en figura humana en la Pontificia Universidad Católica de Chile. Complementó su formación artística con cursos de color, manipulación de imágenes digitales, antropología y fotografía en la misma institución. Ha expuesto tanto su trabajo escultórico como fotográfico en reiteradas oportunidades, de manera individual y colectiva. Entre sus muestras individuales destacan las llevadas a cabo en Espacio Telefónica, Campus San Joaquín UC, Scuola Italiana, Casa Colorada y Estadio Italiano. Ha expuesto colectivamente en decenas de oportunidades y realizado registros fotográficos para instituciones culturales a nivel nacional e internacional.

1963

She studied medical technology at the Universidad de Chile and then studied diplomas in sculpture and art with a specialization in the human figure at the Pontificia Universidad Católica de Chile. She complemented her education with courses in color, digital image manipulation, anthropology and photography at the same institution. She has repeatedly exhibited both her sculptural and photographic work, both individual and collectively. Among her solo exhibitions, the ones at Espacio Telefónica, the Universidad Católica San Joaquín campus, Scuola Italiana, Casa Colorada and Estadio Italiano stand out and she has very often been part of group exhibitions and also realizes photographic registers for cultural institutions both local and internationally.

Sutil, 2010, fotografía digital, 52 x34 cm | Extrema, 2010, fotografía digital, 50 x 34 cm | Sensualidad de la linea, 2009, fotografía digital, 52 x 34 cm | Íntimo, 2010, fotografía digital, 40 x 27 cm. Subtle, 2010, digital photography, 20.4 x 13.3 in. | Extreme, 2010, digital photography, 19.6 x 13.3 in. | Line’s Sensuality, 2009, digital photography, 20.4 x 13.3 in. Intimate, 2010, digital photography, 15.7 x 10.6 in.

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PINTURA | PAINTING

Mujeres a color | Women in color

CAMI LA CAFA TTI

La obra de Camila Cafatti explora el rol de la mujer en un contexto dual. Por un lado, cuestiona los cánones actuales impuestos a través de la publicidad y los medios de comunicación, como una forma crítica de mostrar una realidad que se exhibe pero que finalmente es ficticia; y por otro, rescata el papel de aquella mujer fuerte y empoderada característica del mundo actual. Ambos roles se mezclan y superponen en escenas cotidianas trabajadas mediante un gran manejo del color y la atmósfera. Ha elegido el esmalte sintético para desarrollar una pintura que en su materialidad también transmite aquello que sus imágenes proyectan: el brillo y la plasticidad de un mundo construido en el imaginario colectivo, influenciado por los cientos de imágenes que recibimos día a día. Con una pintura directa e interpretativa, Cafatti construye su propio retoque pictórico para enfrentarnos a nuestra maquillada realidad.

Camila Cafatti’s work explores the role of women in a dual context. On one hand she questions the current limits imposed by means of advertising and the communication media as a critical way of showing a reality that is exhibited but which is finally fictitious; and on the other, she rescues the role of that strong and empowered woman, characteristic of the world of today. Both roles blend and superimpose on everyday scenes worked on through a skillful management of color and atmosphere. She has chosen synthetic enamel in order to develop a painting that in its material quality also transmits that which her images project: the shine and plasticity of a world built on the collective imagery influenced by the hundreds of images we receive every day. By means of a direct and interpretative painting, Cafatti builds her own visual retouch to confront us with our made up world.

www.camilacafatti.com

CAMILA CAFATTI

1986

Licenciada en artes visuales y minor en diseño integral de la Universidad Católica de Chile. Posteriormente cursó un diplomado en arte contemporáneo en teoría y práctica del mercado en Sotheby’s Institute of Art, Nueva York, Estados Unidos. Entre sus exposiciones colectivas destacan “Bancas Pintadas”, en la Municipalidad de Vitacura y Las Condes; “Sueño de Realidad” en Galería La Sala; “Plástica Chilena” en Universidad del Pacífico y una muestra llevada a cabo en el Hall de Municipalidad de Las Condes, entre otras.

1986

She is a visual arts and integral design graduate from the Universidad Católica de Chile. She later studied a diploma in contemporary art market theory and practice at the Sotheby’s Institute of Art (New York). Among her group exhibitions, "Bancas Pintadas" (Vitacura and Las Condes municipalities), "Sueño de Realidad" (La Sala Gallery), "Plástica Chilena" (Universidad del Pacífico) and an exhibition held at the Las Condes Municipality access hall, stand out.

Dulce frescura, 2015, esmalte sintético sobre madera, 80 x 80 cm | Baño de sol, 2014, esmalte sintético sobre madera, 80 x 80 cm | Fearless, 2014, esmalte sintético sobre madera, 50 x 50 cm | Amelia, 2014, esmalte sintético sobre madera, 50 x 50 cm. Sweet Freshness, 2015, syntetic enamel on wood, 31.4 x 31.4 in. | Sun-Bath, 2014, synthetic enamel on wood, 31.4 x 31.4 in. | Fearless, 2014, synthetic enamel on wood, 19.6 x 19.6 in. | Amelia, 2014, synthetic enamel on wood, 19.6 x 19.6 in.

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PINTURA | PAINTING

Pasión por el color | Passion for color

GLO RIA BRI TO GLORIA BRITO

Color, vida y alegría. La obra de Gloria Brito transmite la energía de un mundo imaginario que toma elementos de la realidad para fundirlos en un universo propio que surge de forma espontánea del pincel. Une figura y fondo en un juego sin límites que le permite experimentar constantemente, trabajando el chorreo y la espátula para crear texturas que se mueven con vitalidad Hay en su obra un interesante juego de superposición de planos, cuyo resultado final es impredecible, pues no existen reglas ni cánones predeterminados y cada obra sigue su propio curso hasta dar con el resultado final. Inspirándose en fuentes espirituales, en el ser humano y en la naturaleza, Gloria busca transmitir aquello que realmente le apasiona y la lleva a crear mundos alegres, coloridos y llenos de vida.

Color, life and joy. Gloria Brito’s work transmits the energy of an imaginary world that takes elements of reality to merge them in a personal universe emerging spontaneously from the brush. She brings together figure and background in a limitless play that allows her to constantly experiment, working with dripping and the palette knife to create vitally moving textures. There is an interesting game of superposition of planes in her work, whose end result is unpredictable, since there are no predetermined rules or limits and every piece follows its own course until reaching the final result. Taking inspiration from spiritual figures, human beings and nature, Gloria seeks to transmit that for which she is really passionate about and leads her to create joyful, colorful and utterly vital worlds.

www.gloriartechile.com

1975

Licenciada en teoría e Historia del Arte de la Universidad de Chile, con estudios de pintura en la misma institución. En su carrera artística ha explorado el óleo, la acuarela y el pastel seco, especializándose en el acrílico, material que mejor representa su expresión plástica. Además de artista, se ha desempeñado como ilustradora, docente e investigadora. Ha perfeccionado sus estudios con distintos talleres y cursos donde ha explorado la fotografía, la teoría y la actualidad artística. Su trabajo ha sido expuesto individual y colectivamente en Chile, España, Estados Unidos, Francia e Italia, donde obtuvo el premio "Leonardo da Vinci" en Roma, otorgado por el Museo de Las Américas. Fue seleccionada para el libro “International Women Artists”, publicado por la Biblioteca de Artistas del Museum of the Americas de Miami, Florida, y distribuido en Dubai; y para el libro “Current Masters”, editado en Estados Unidos.

1975

She is a art theory and history graduate of the Universidad de Chile with studies in painting at the same institution. During her artistic career she has explored oil paint, watercolors and dry pastels, specializing in acrylics, a material that better represents her visual expression. Besides art, she has worked as illustrator, teacher and researcher. She has deepened her studies through different workshops and courses in which she has explored photography, theory and artistic current affairs. Her work has been exhibited solo and collectively in Chile, Spain, the United States, France and Italy, where she earned the "Leonardo da Vinci" Prize in Rome, awarded by the Museum of the Americas. She was selected for the "International Women Artists" book published by the Museum of the Americas (Miami, Florida), distributed in Dubai, and for the "Current Masters" book published in the U.S.

Inspiración, 2015, acrílico sobre tela, 80 x 70 cm | Familia, 2016, acrílico sobre tela, 150 x 80 cm. Inspiration, 2015, acrylic on canvas, 31.4 x 27.5 in. | Family, 2016, acrylic on canvas, 59 x 31.4 in.

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PINTURA | PAINTING

Arte desde la emoción | Art from emotion

M.VIC TORIA CAR VALLO

María Victoria Carvallo define su obra como una visión de mundo relacionada con una suerte de voyerismo, de lo que esconde emocionalmente una apariencia. A través de la plástica intenta representar y perpetuar los sentimientos fugaces, captados en un momento determinado. Su pintura es una figuración intimista de la “geografía emocional” y sus sutiles matices, las luces y sombras que se mezclan y confunden en nuestro ser interno. Busca que su trabajo logre desdibujar al observador de lo observado, que se detengan y se observen a sí mismos, evocando emociones privadas muchas veces reprimidas y luego olvidadas. Su obra no exige una compresión intelectual sino que sea re-vivida desde la emotividad. Esa mirada interior es una parte esencial del trabajo de Carvallo, donde convergen con libertad absoluta el encuentro con la esencia de las cosas y los sentimientos, en especial el del universo femenino. Que el espectador vuele, se sienta libre y se vea transportado a otro espacio y tiempo psicológicos son sus objetivos.

María Victoria Carvallo defines her work as a world vision related to a kind of voyeurism, of what an appearance hides, emotionally speaking. Through visual art she attempts to represent and perpetuate fleeting emotions, captured in a determined moment. Her painting is an intimate figuration of an emotional geography and its subtle shades, the lights and shadows that merge and are mixed up within our inner selves. She seeks her work to achieve blurring spectators from what is observed, for them to stop and observe themselves, evoking private emotions often repressed and later forgotten. Her work does not demand an intellectual understanding but to be re-lived through an emotive nature. That inner glance is an essential part of Carvallo’s work, where the essence of things and feelings converges with an absolute freedom, especially of the feminine universe. Her objectives are for the spectator to fly, feel free and see him or herself transported to another psychological space and time.

MARÍA VICTORIA CARVALLO

www.mvictoriacarvallo.blogspot.com

1960

Nace en Santiago y es Educadora de Párvulos de profesión. También estudió Agronomía, hasta el 4to año, y Administración Financiera. Experimentó con la plástica en forma libre y autodidacta hasta sentir la necesidad de recibir una formación pictórica y directrices teóricas. Por eso decidió entrar a la Academia de Pintura de la Sociedad Nacional de Bellas Artes, bajo la tutela de Santos Assereto, compañero de Claudio Bravo y ambos discípulos del maestro Miguel Venegas. También participó en los talleres de pintura de la Corporación Arrau y en el de Hugo Robles, además de los talleres de pintura de Fundación De Rokha.

1960

She was born in Santiago and is a preschool teacher. She also studied agronomy for four years and financial administration. She experimented with visual art freely and in a self-taught manner until she felt the need to receive artistic training and theoretical guidelines. That is why she decided to enter the painting academy of the Sociedad Nacional de Bellas Artes national fine arts academy, under the tutelage of Santos Assereto (classmate of Claudio Bravo), with both of them being disciples of master Miguel Venegas. She also participated in the Rokha foundation painting workshops.

Clown, 2016, óleo sobre tela, 90 x 70 cm | Calenda, 2014, óleo sobre tela, 100 x 70 cm | Reinterpretando al maestro, 2014, óleo sobre tela; 70 x 50 cm | Visita al poeta, 2014, óleo sobre tela, 80 x 60 cm. Clown, 2016, oil painting on canvas, 35.4 x 27.5 in. | Calenda, 2014, oil painting on canvas, 39.3 x 27.5 in. | Reinterpreting the Master, 2014, oil painting on canvas, 27.5 x 19.6 in. | Visit to the Poet, 2014, oil painting on canvas, 31.4 x 23.6 in.

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PINTURA | PAINTING

La insinuación del alma | The insinuation of the soul

MACA RENA VICU NA MACARENA VICUÑA

De la misma manera en que la luz del sol entra en el taller de Macarena Vicuña, la artista ilumina las formas y figuras escondidas entre las veladuras, las manchas y los trazos de carboncillo. En sus obras se ven cuerpos inconclusos, siluetas, lo femenino que invita al espectador a penetrar en una atmósfera íntima creada por la superposición de capas de pintura y juego de transparencias. Inspirada en las obras de Degas y Monet -y con una paleta de colores más bien neutra- su proceso creativo comienza con la observación profunda y reposada; una mancha pastosa que se abre camino de manera espontánea, pero que luego va reclamando la insinuación del dibujo. Así, la obra de arte se convierte en el autorretrato simbólico del alma de la artista, un instante de tiempo que ha dejado su huella en la tela.

In the same way in which sunlight enters Macarena Vicuña’s workspace, the artist illuminates the shapes and figures hidden among glazing, stain and charcoal lines. In her works unfinished bodies, silhouettes can be seen, the feminine inviting the spectator to penetrate an intimate atmosphere created by the superposition of layers of paint and the interplay of transparencies. Inspired by the works of Degas and Monet, and with a rather neutral color palette, her creative process begins by means of a deeply settled observation, a thick stain spontaneously opening its way through but then going on to claim the insinuation of the drawing. Thus, the work of art turns into the symbolic self-portrait of the artist’s soul, an instant of time that has left its trace on the canvas.

www.macaviart.cl

1971

Macarena Vicuña nació en Viña del Mar y desde muy joven inició sus estudios en arte. Diplomada de Artes Generales y Pintura en la Pontificia Universidad Católica de Chile, participó en los talleres de Roberto Farriol, Jaime León y Fernando Cifuentes Soro. En 2013 expuso en la IX Bienal de Florencia y ha estado presente en diversas ferias de arte en Chile, Argentina y Estados Unidos, siendo la más destacada Artexpo New York, feria en la que ha expuesto dos veces. Con más de 20 años de trayectoria, su obra ha sido exhibida en 38 ocasiones. Entre sus exposiciones individuales más relevantes se encuentran “De norte a Sur” en la Galería Blanc by Praxis e “Instantes Permanentes”, en Casas de lo Matta. Actualmente vive y trabaja en Santiago, donde imparte diversos talleres.

1971

Macarena Vicuña was born in Viña del Mar and she began her art studies very early on. She is a general arts and painting graduate from the Universidad Católica de Chile and she has participated at the Roberto Farriol, Jaime León and Fernando Cifuentes Soro workshops. In 2013 she exhibited at the 9th Florence biennial and she has been part of diverse art fairs in Chile, Argentina and the United States, with Artexpo New York (where she has exhibited twice), standing out. With a career of over twenty years, her work has been showed thirty eight times. Among her more relevant solo exhibitions are, "De Norte a Sur" (Blanc gallery by Praxis) and "Instantes Permanentes" (Casas de Lo Matta). She currently lives and works in Santiago, where she imparts several workshops.

Instantes Permanentes II, 2014, técnica mixta, 200 x 110 cm | Instantes Permanentes IX, 2014, técnica mixta, 110 x 140 cm | Instantes Permanentes XI, 2014, técnica mixta, 110 x 140 cm. Permanent Instants II, 2014, mixed media, 79 x 43 in. | Permanent Instants IX, 2014, mixed media, 43 x 55 in. | Permanent Instants XI, 2014, mixed media, 43 x 55 in.

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ESCULTURA | SCULPTURE

Las inagotables formas de una parra | The endless shapes of a vine

FRAN CISCA LOH MANN FRANCISCA LOHMANN

El viento sopla, sopla y sopla, 2016, cerámica gres, 22 x 19 x 18 cm | Así es la vida, 2015, cerámica gres, 24 x 11 x 14 cm | El viento la quiso botar, 2016, cerámica gres, 28,5 x 25,5 x 21 cm | Gritó' Una Parra, 2016, cerámica gres, 13 x 8,5 x 7 cm | Fotografía: Camila Duch.

La obra de Francisca Lohmann está vitalmente vinculada a la naturaleza. Cordilleras, paisajes, flores y frutas, pero por sobre todo viñas, las de Curicó especialmente, esa que visita cada cierto tiempo para realizar un trabajo profundo de observación. Las parras son su objeto de representación predilecto. La artista asegura que pueden pasar inadvertidas a simple vista, pero esconden una energía vital y una belleza sin igual que, dependiendo de la estación del año, puede adquirir todos los colores de la paleta. Las ha abordado en casi todos los materiales y técnicas: en óleo, cartón, madera, escultura al gres, con materiales reciclados, carbón, acrílico, técnica mixta y papel. Su fascinación por las viñas y parras no se agota. Y es que para ella, las parras son metáforas del individuo actual y su sociedad. Su trabajo es más bien expresión de manchas, colores y sentimientos que nacen de la observación y de la riqueza interior de la artista, invitando al espectador a que juegue y trate de completar la línea que ha dejado inconclusa, la figura a medio terminar.

Francisca Lohmann’s work is vitally linked to nature. Mountain ranges, landscapes, flowers and fruits, but above all vines, the ones in Curicó specially, that she visits periodically to perform a deep work of observation. Vines are her favorite object of representation, she assures they may go unnoticed at first sight, but that they hide a vital energy and a peerless beauty which depending of the season, can acquire all the colors of the palette. She has approached them through almost all materials and techniques: oil paint, cardboard, wood, ceramic sculpture, recycled materials, charcoal, acrylic, mixed media and paper. Her fascination for vines never ceases. Because for her, vines are metaphors of the modern times individuals and their society; her work is rather an expression of stains, colors and feelings emerging from observation and the inner richness of the artist, inviting the spectator to play and try to complete the line she has left half unresolved, the half-finished figure.

www.franciscalohmann.cl

1960

Estudió Enfermería Obstetricia en la Pontificia Universidad Católica de Chile. Ha participado en numerosas ferias, como Art Miami, la feria de arte contemporáneo de Shanghai, feria PINTA en Londres y la de Buenos Aires. También ha expuesto en París, Normandía, Puerto Rico, Miami, Nueva York, Shangai, Uruguay, Buenos Aires y Chile, y su obra es parte de la colección de la Universidad de Talca, de la Corporación Cultural de Curicó y de la Municipalidad de Curicó. Entre sus exposiciones individuales destacan “Tierra, Vida y Viñas” en el Centro Cultural de Extensión de la Universidad Católica del Maule, “Cordillera de los Andes” y “Homenaje a la mujer” en la Universidad de Talca y en el Congreso Nacional y "Vendimia" en el Centro Cultural de Las Condes. Entre las colectivas del último año están “La Divina Comedia, Los 7 Pecados Capitales” en la Casa Colorada, “Transformarte II” en el Centro Cultural Estación Mapocho y Fundación Teléfonica y “Barricas Pintadas”, en Viña la Estampa y etiquetas para vinos boutique de Viñedos Puertas.

1960

She studied obstetric nursery at the Pontificia Universidad Católica de Chile. She has participated at numerous art fairs, such as Art Miami, the Shanghai Contemporary Art Fair, the PINTA fair (London) and the Buenos Aires Contemporary Art Fair. She has also exhibited in Paris, Normandy, Puerto Rico, Miami, New York, Shanghai, Uruguay, Buenos Aires and Chile, and her work is part of the Universidad de Talca and the Curicó Cultural Corporation and municipality collections. Among her solo exhibitions, "Tierra, Vida y Viñas" (Universidad Católica del Maule Extension Center), "Cordillera de los Andes" and "Homenaje a la Mujer" (Universidad de Talca, the National Congress and Las Condes Cultural Center) stand out, and among her group exhibitions over the past year are "La Divina Comedia, Los 7 Pecados Capitales" (Casa Colorada), "Transformarte II" (Estación Mapocho Cultural Center and the Telefónica Foundation) and "Barricas Pintadas" (Estampa winery) and labels for boutique wines by the Viñedos Puertas vineyard.

The wind blows, blows and blows, 2015, stoneware, 8.6 x 7.4 x 7 in. | That’s life, 2015, stoneware, 9.4 x 4.3 x 5.5 in. | Wind wanted to bounce it, 2016, stoneware, 11.2 x 10 x 8.2 in. | A vine screamed, 2016, stoneware, 5.1 x 3.3 x 2.7 in. | Photography by: Camila Duch.

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PINTURA | PAINTING

Comunicar sensaciones | Communicating feelings

PAU LINE CRIS TI PAULINE CRISTI

Pauline Cristi es minuciosa y metódica. Por eso, cuando hay un objeto que la obsesiona, lo estudia en sus infinitas dimensiones. La serie Botes, por ejemplo, nace de la fotografía que retrata las sensaciones de los pescadores e incorpora elementos naturales propios del lugar, esforzándose por reflejar el alma con el trazo y la mancha espontána. De las fotografías del desierto y la Patagonia, surge su serie de Imágenes imaginarias, expresionismo abstracto que manifiesta la inexactitud de la vida misma, con un color irreal en apariencia, pero intensamente real en su profundidad. Diversidad de capas y planos, aguadas, transparencias y texturas, son lo que le permite concentrar sus energías en captar brillos, colores, movimientos y trazos sueltos para comunicar sensaciones. Además de un acabado estudio del color, la artista domina magistralmente tanto el pincel como la espátula, incorporando elementos de la naturaleza como raíces, arenas, algas, plumas, semillas y óleo.

Pauline Cristi is meticulous and methodical. That is why, when there is an object that obsesses her, she studies it in its infinite dimensions. The Botes (Boats) series for instance, emerged from a photography portraying the feelings of fishermen incorporating natural elements proper of the place, struggling to reflect the soul with lines and spontaneous stains. Out of photographs of the desert and Patagonia emerges the Imágenes Imaginarias (Imaginary Images) series, an abstract expressionism manifesting the inexactitude of life itself, with the same apparently unreal color, but intensely real in its depth. A diversity of layers and planes gouaches, transparencies and textures, are what allows her to focus her energies on capturing the shining, colors, movement and loose lines in order to communicate feelings. Besides an accomplished study of color, the artist masterfully dominates both the brush and the palette knife, incorporating elements of nature such as roots, sand, algae, feathers, seeds and oil.

www.pccav.blogspot.com

1962

Estudió Diseño Gráfico en la Universidad del Pacífico. Partició en el taller de color de Eduardo Vilches, en el de fotografía con Walter Alvial, en los talleres de dibujo y pintura de María Cristina Lamas y Jaime Petit Brenilh. Actualmente participa en el taller y tutoría del artista Arturo Duclos. Obtuvo una primera mención honrosa por su técnica al óleo en la Sociedad Nacional de Bellas Artes y una primera mención honrosa en el concurso “Puerto Montt y el mar”, entre otras. Entre sus exposiciones individuales destacan “Mar adentro”, en la Corporación Cultural Las Condes y “Corriente Austral”, en la sala de exhibiciones de la Embajada de Chile en Washington, además de exhibir su obra en Casas de Lo Matta; en la feria Ch.ACO y Arte Spectrum Miami. “The Latin American Fine art Exhibition”, en el Agora Gallery de Nueva York, destaca entre sus muestras colectivas.

1962

She studied graphic design at the Universidad del Pacífico and participated in Eduardo Vilches’ color workshop, Walter Alvial’s photography workshop, and at María Cristina Lamas’ and Jaime Petit Brenilh’s drawing and painting workshops. She currently participates at Arturo Duclos’ workshop and tutorial. She obtained her first honorable mention for her oil paint technique at the Sociedad Nacional de Bellas Artes, as well as one at Puerto Montt y el Mar competition. Among her solo exhibitions, "Mar Adentro" (Las Condes Cultural Corporation) and "Corriente Austral" (Chilean Embassy in Washington) stand out, and she has also exhibited at Casas de Lo Matta, Ch.ACO art fair and Spectrum (Miami). Among her group exhibition, "The Latin American Fine Art Exhibition" (Agora Gallery, New York) stands out.

Tres, 2015, óleo y técnica mixta sobre tela, 290 x 73 cm | Invierno, 2015, óleo y técnica mixta sobre tela, 180 x 50 cm | Vaivén, 2015, óleo y técnica mixta sobre tela, 100 x 100 cm | Incansable, 2015, óleo y técnica mixta sobre tela, 120 x 120 cm. Three, 2015, oil painting and mixed media on canvas, 114.1 x 28.7 in. | Winter, 2015, oil painting and mixed media on canvas, 70.8 x 19.6 in. | Swaying, 2015, oil painting and mixed media on canvas, 39.9 x 39.3 in. | Indefatigable, 2015, oil painting and mixed media on canvas, 47.2 x 47.2 in.

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PINTURA | PAINTING

La fuerza del mar | The strenght of the sea

XIME NA GUMU CIO XIMENA GUMUCIO

Ximena Gumucio se ha dedicado a explorar el mundo náutico en todas sus facetas y a través de diversas disciplinas. Con pasión y creatividad aborda este mundo que la atrae desde siempre, buscando plasmar aquella energía que mueve lo mares y que es como la vida misma: intensa, sorprendente, impredecible. Aquel vaivén rítmico del pincel es el que da vida a sus composiciones, creando grandes telas donde abundan los colores intensos que se mueven entre azules, turquesas, rojos y amarillos. Son tonos fuertes, decididos, tal como el trazo y la intención que hay detrás de cada composición. La idea en su mente prevalece hasta encontrar el medio más adecuado para llevarla a cabo. Es por esto que no se ha limitado solamente a la pintura y ha explorado también el dibujo y la escultura, tratando temas de naturaleza y figura humana e incursionando también con carboncillo, acrílico, pigmento, madera, óleo y spray. Su obra brota desde su interior, en una muestra íntima de sus impulsos y la energía que mueve su ser.

Ximena Gumucio has dedicated herself to exploring the nautical world in all of its facets and through diverse disciplines. With passion and creativity she approaches these worlds that has attracted her forever, seeking to express that energy that moves the seas and which is like life itself: intense, surprising, unpredictable. That rhythmical swaying of the brush is what gives her compositions life, creating large paintings where intense colors abound, moving in between shades of blue, turquoise, red and yellow. There are strong, decided tones, just like the stroke and the intention behind every composition. The idea on her mind prevails until finding the most adequate medium to execute it. This is why she has not limited herself just to painting and has also explored drawing and sculpture, dealing with themes from nature and human figure, also taking up charcoal drawing, acrylics, pigment, wood, oil and spray paint. Her work emerges from within her, in an intimate display of her impulses and the energy that moves her being.

www.ximenagumucio.cl

1958

Licenciada en pedagogía básica de la Pontificia Universidad Católica de Chile, estudios de artes visuales en la misma institución. Realizó un taller con Celina Galvez y luego con Concepción Balmes, Jaime León y Matías Vergara. De manera paralela cursó un diplomado en pintura y un diplomado en dibujo en la Universidad Católica, además de realizar tutorías a cargo de Arturo Duclos. Su obra ha sido exhibida a lo largo de Chile, así como también en países como Argentina, Estados Unidos, Puerto Rico, Suiza y Uruguay. Entre sus muestras individuales destacan las llevadas a cabo en la Municipalidad de Las Condes, la Galería de Arte de la Universidad Autónoma de Chile en Talca y tres muestras desarrolladas en Galería Praxis. Colectivamente ha expuesto en más de treinta ocasiones a lo largo de Chile y en países como Uruguay y Estados Unidos, entre otros.

1958

She is an elementary education graduate from the Pontificia Uiversidad Católica de Chile, and she also undertook visual art studies at the same institution. She joined an artists workshop with Celina Galvez and then with Concepción Balmes, Jaime León and Matías Vergara. In parallel she studied a degrees in painting and drawing at the Universidad Católica, besides taking on tutorials in charge of Arturo Duclos. Her work has been shown in Chile, as well as in Argentina, the United States, Puerto Rico, Switzerland and Uruguay. Among her solo exhibitions, the ones held at the Las Condes Municipality, the Universidad Autónoma de Chile Gallery (Talca) and three exhibitions held at Praxis Gallery, stand out. She has been part of group exhibitions over thirty times all over Chile and in Uruguay and the U.S., among others.

Pacífico, 2015, técnica mixta, 130 x 150 cm | Vela naranja (detalle), 2015, técnica mixta, 120 x 130 cm | Regata, 2015, técnica mixta, 100 x 200 cm. Pacific, 2015, mixed media, 51.1 x 59 in. | Orange Sail (detail), 2015, mixed media, 47.2 x 51.1 in. | Regatta, 2015, mixed media, 39.3 x 78.7 in.

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ESCULTURA | SCULPTURE

Via je hacia el origen | Journey to the source

MACA RENA SALI NAS MACARENA SALINAS

El sello de la obra escultórica de Macarena Salinas es el desarrollo de un lenguaje de signos, símbolos y códigos que se unen en un viaje hacia lo esencial, hacia el origen. En sus esculturas en cerámica gres, con terminaciones de lanas e hilos de alambre de cobre, crea una simbología de formas simples, con círculos o cintas como símbolo de eternidad. Existe una conexión mística expresada en su obra, que al igual que el chamanismo, plasma un sentimiento profundo que queda atrapado en la escultura. La belleza y simpleza de sus textiles, en tanto, es evocación primigenia de los pueblos originarios, una propuesta armónica entre el trabajo manual y el trabajo con la arcilla. El proceso es lento. Hay que darle tiempo al secado, que el material se queme y luego se enfríe, mientras la artista embarrila las lanas e hilos una por una para conseguir el atrayente resultado final.

The seal of Macarena Salinas’ sculptural work is the development of a language of signs, symbols and codes coming together in a journey towards the essence, the origin. In her ceramic tile sculptures with finishes in wool and copper wire thread she creates a symbology of simple forms with circles or ribbons as symbols of eternity. There is a mystical connection expressed in her work, which the same as shamanism represents a deep meaning that is contained in sculpture. The beauty and simplicity of her textiles, meanwhile, is a primeval evocation of native peoples, a harmonic proposal between manual work and clay. The process is slow. You have to give the drying process time, for the material to burn and then cool down, while the artist winds the wool and threads one by one to achieve the attractive final result.

www.macarenasalinas.cl

1971

Licenciada en arte con mención en pintura de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Se formó con José Balmes, Gracia Barros y Gonzalo Cienfuegos. y participó en los talleres de Eugenio Dittborn, de Concepción Balmes y en el taller Huara Huara con Ruth Krauskopf, en el que ha podido profundizar en la cerámica gres y la escultura. También participó en la Bienal de París y en la muestra “Arte en Vivo” del Museo de Bellas Artes. Entre sus exposiciones individuales más destacadas se encuentran “Escencial” en Galería Isabel Aninat y “Origen” en la Galería Artium.

1971

She obtained her art degree with a mention in painting at the Pontificia Universidad Católica de Chile, studied with José Balmes, Gracia Barros and Gonzalo Cienfuegos and was part of the Eugenio Dittborn, Concepción Balmes and Huara Huara (Ruth Krauskopf) workshops, in the latter she has been able to go deeper into tile ceramic and sculpture. She was also part of the Paris biennial and of the "Arte en Vivo" exhibition at the Museo de Bellas Artes. Among her more prominent solo exhibitions are "Escencial" (Isabel Aninat Gallery) and "Origen" (Atrium Gallery).

Transparente, 2016, cerámica gres, alambre de cobre y lana, 35 x 28 x 66 cm | Primitivo, 2016, cerámica gres, alambre de cobre y lana, 25 x 23 x 43 cm | Etnia, 2016, cerámica gres, alambre de cobre y lana, 32 x 36 x 45 cm | Infinito, 2016, cerámica gres, alambre de cobre y lana, 20 x 50 x 58 cm | Fotografía: Pedro Marinello y Álvaro Mardones. Sheer, 2016, stoneware, copper wire, and wool, 13.7 x 11 x 26 in. | Primitive, 2016, stoneware, copper wire, and wool, 9.8 x 9 x 17 in. | Ethnicity, 2016, stoneware, copper wire, and wool, 12.5 x 14 x 17.7 in. | Infinity, 2016, stoneware, copper wire, and wool, 7.8 x 19.6 x 22.8 in. | Photography by: Pedro Marinello and Álvaro Mardones. WWW.MACARENASALINAS.CL

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PINTURA | PAINTING

La expresión de lo onírico | The expression of the dreamlike

VERÓ NICA BYERS

Verónica Byers no es fácil de encasillar. Cada una de sus obras tiene un proceso creativo distinto, cada una obedece a una necesidad de expresión diferente. A veces un cuadro de mediano formato es suficiente; otras, una tela de dos metros no alcanza. Trabaja con óleo, carbón, esmaltes, brochas gruesas y delgadas, lo que sea necesario para llevar al límite las posibilidades estéticas y perceptivas. Comienza con la creación de un microcosmos, una puesta en escena dramática en la que el color del fondo actúa como facilitador. Puede que arroje manchas de acrílico sobre la tela y luego tal vez incluya figuras de un fondo marino, una mujer recostada, una niña o un perro. Se ha dedicado a investigar el paisaje, pero sin duda lo suyo es lo figura humana, los niños, la mujer. Imágenes figurativas atravesadas por el color que configuran un espacio irreal, escenas oníricas que mezclan lo abstracto con la expresión concreta de miradas solitarias. Pero también hay en sus cuadros coloridas fiestas con aires circenses o de carnaval, mundos internos reflejados en ese otro mundo, uno de ensueño.

Verónica Byers is not easy to pigeonhole. Each of her works has a different creative process; each work obeys a distinct need for expression. Sometimes a medium format painting is enough, at others, a two-meter canvas will not suffice. She works with oil paint, charcoal and enamel as well as with thick and fine brushes, whatever it takes to take the aesthetic and perceptual possibilities to the limit. She starts out with the creation of micro cosmos, a dramatic staging in which the background color acts as a facilitator. She may throw acrylic stains onto the canvas and then perhaps include figures of a sea bottom, a resting woman, a girl or a dog. She has dedicated herself to researching landscape, but without a doubt her theme is the human figure, children, women. Figurative images crossed by color, configuring an unreal space, dreamlike scenes mixing the abstract with the concrete expression of solitary glances. But there are also colorful celebrations of a circus or carnival like tone; inner worlds reflected in this other world, a dreamlike one.

VERÓNICA BYERS

cocobyers.wixsite.com/veronicabyers

1950

Estudió en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile y en el Instituto de Arte Contemporáneo. Vivió 10 años en Europa y a su regreso participó en los talleres de pintura de Eugenio Dittborn, Gonzalo Cienfuegos, Celina Gálvez, Andrés Baldwin y Francisco González. Ha expuesto tanto en Chile como en el extranjero, entre las que destaca una muestra colectiva en La posada de las Artes Kingman en Quito, una muestra individual en el Centro Cultural de Las Condes, su participación en la Bienal de Acuarela de Viña del Mar y en el concurso Marcos Bontá del Museo de Arte Contemporáneo. Su obra es parte de la colección permanente de la Galería Vinciarts, en Singapore, y de la Galería Frame@Arts Miami, en Estados Unidos.

1950

She studied at the Universidad de Chile fine arts school and at the Instituto de Arte Contemporáneo. She lived in Europe for ten years and upon her return joined the Eugenio Dittborn, Gonzalo Cienfuegos, Celina Gálvez, Andrés Baldwin and Francisco González painting workshops. She has exhibited both in Chile and abroad, among which we can point out a group show at the Posada de las Artes Kingman (Quito), a solo exhibition at the Centro Cultural de Las Condes, her participation at the Viña del Mar watercolor biennial and at the Marcos Bontá competition at the Museo de Arte Contemporáneo. Her work is part of the Galería Vinciarts (Singapore) and the Frame@Arts gallery (Miami) permanent collections.

Niña, 2015, acrílico, carbón y lápiz sobre papel, 50 x 70 cm | Sobreviviente, 2016, acrílico, carbón y lápiz sobre papel, 50 x 70 cm | Esperándote, 2016, acrílico y carbón sobre papel, 50x70 cm | M.M, 2015, acrílico, spray y carbón sobre papel, 57 x 70 cm. Girl, 2015, acrylic, charcoal, and pen on paper, 20 x 27.5 in. | Survivor, 2015, acrylic, charcoal, and pen on paper, 20 x 27.5 in. | Waiting for you, 2016, acrylic, and charcoal on paper, 20 x 27.5 in. | M.M, 2015, acrylic, spray-paint, and charcoal on paper, 22 x 27.5 in.

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ARTE TEXTIL | TEXTILE ART

Lo que dicen los textiles | What textiles say

RA QUEL YUHA NIAK RAQUEL YUHANIAK

Eros, 2013, tapiz en marco de tubo de cobre, tejido en telar de clavos con lino e hilo de cobre, 20 x 20 cm | Encaje (detalle), 2012, tejido a crochet en marco de tubos de cobre, tejido en hilo de cobre, golillas y tapas de aluminio, 75 x 125 cm | Trio Cu (detalle), 2008, mural de tres tapices unidos hechos en telar de clavos en hilo de cobre, láminas de cobre oxidadas y naturales, tubos de cobre, 40 x 120 cm | Mini-Midi (detalle), 2015, tapiz tejido en telar de clavos, tejido en lino, cáñamo, láminas de cobre naturales y oxidadas e hilo de cobre, 25 x 40 cm.

El proceso creativo de Raquel Yuhaniak parte del recuerdo de un paisaje, del encuentro con algún material olvidado en su taller, de la experimentación con el papel, la seda, con textiles de fibras naturales, con algodón, cáñamo o cobre. Las calmadas combinaciones de colores entre de nudos y tubos que la artista genera, van más allá de la belleza compositiva. Le interesa el mensaje, aquello que la obra expresa. Del tejido telar decantó rápidamente por el arte textil, y exploró tanto el shibori -técnica de teñido japonés que produce patrones sobre la tela- como la cerámica gres. La diversidad de materiales trabajados desembocaron en una obra compleja, de gran resolución técnica y atractivo visual, con entramados y grillas, uniones y remates. Y ahí, gritando, está el mensaje manifestado en una abstracción formal y textil.

Raquel Yuhaniak’s creative process begins with the memory of a landscape, running into some material forgotten in her workspace and experimenting with paper, silk, natural fiber textiles, cotton, hemp or copper. The calm combinations of colors in between knots and tubes that the artist generates, go beyond compositional beauty. She is interested in the message, that which the work expresses. From loom knitting she quickly settled on textile art and explored shibori, a Japanese dying technique that produces patterns on the fabric as well as ceramic tiles. The diversity of materials worked with lead to a complex work, of great visually attractive technical resolution, with schemes and grids, unions and finishes. From there, screaming is the message manifested in a formal and textile abstraction.

www.raquelyuhaniak.cl

1954

Se tituló como arquitecta en 1978, más tarde decidió dedicarse completamente al arte, una vocación que surgió a muy temprana edad, investigando todo tipo de posibilidades manuales y creativas. Ha expuesto en numerosas ocasiones, tanto en Chile como el extranjero. Galería Isabel Aninat, Cecilia Palma y Galería Patricia Ready son algunos de los espacios en los que ha exhibido su obra, además de exponer en Estados Unidos, Costa Rica, Argentina, México e Italia. Destacan sus muestras en el Instituto Chileno Israelí y la participación de una de sus creaciones en el desfile del Museo MoLAA, en California. En 2009 fue invitada a participar en la Bienal mundial de textiles de Buenos Aires y en 2014 obtuvo el segundo lugar en el concurso Arte Raíz Judía Cis., mientras exponía en la Galería Agora de Nueva York. El año 2016 participó en el Mural Por la Paz, en Venecia.

1954

She obtained her degree in architecture in 1978 and later decided to completely dedicate herself to art, a very early vocation, researching every kind of manual and creative possibility. She has exhibited numerous times, both in Chile and abroad. The Isabel Aninat, Cecilia Palma and Patricia Ready galleries are some of the spaces that have exhibited her work, and she has shown in the United States, Costa Rica, Argentina, Mexico and Italy as well. Her exhibitions at the Chilean Israeli institute and her participation of one of her creations at the MoLAA Museum (Long Beach, California) parade are worthy of mention as well. In 2009 she was invited to the Buenos Aires World Textile Biennial and in 2014 she obtained second place at the Arte Raíz Judía competition of the Santiago Israeli Circle while she was exhibiting at the Agora Gallery in New York. In 2016 she participated at the Peace Wall (Venice).

Eros, 2013, tapestry in a copper tube frame, woven in a nail loom with copper wire, 7.8 x 7.8 in. | Lace (detail,) 2012, crochet seams in a copper tube frame, woven in copper wire, washers, and aluminum lids, 29.5 x 49.2 in. | Cu Trio (detail,) 2008, loom of three connected tapestries made in nail loom with copper wire, oxidized and natural copper layers, copper tubes, 15.7 x 47.2 in. | Mini-Midi (detail,) 2015, woven tapestry in nail loom, linen-woven, hemp, oxidized and natural copper layers, and copper wire, 9.8 x 15.7 in.

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PINTURA | PAINTING

Contemplación colorida del paisa je | Colorful contemplation of landscape

PAU LINA BEYER

La inspiración para Paulina Beyer proviene del acto simple y profundo de contemplar. Ahí habitan los motivos que dan curso a su obra. Una atención cuidadosa escurre por paisajes rurales y urbanos fijando colores, contrastes y encantos de la naturaleza. Entre sus territorios preferidos están las calles y cerros de Valparaíso y un sitial exclusivo tienen montañas, mares y ríos como expresión de lo natural, que es fuente encantada de donde emanan las principales ideas de sus obras. Su inspiración no se agota en los formatos. Ha incursionado en escultura, cerámica y pintura. Admira lo multifacético de los materiales y su capacidad de adaptarse al proceso creativo, distingue la generosidad en la maleabilidad del gres, la naturaleza de la madera y los metales nobles.

Inspiration for Paulina Beyer comes from the simple and profound act of contemplating. The motives directing her work reside therein; a careful attention that trickles through rural and urban landscapes, fixing colors, contrasts and wonders of nature. Among her favorite territories are the streets and hills of Valparaíso; mountains, oceans and rivers that enjoy a privileged position, out of which the main ideas of her works emanate. Her inspiration is not exhausted in formats. She has made forays into sculpture, ceramic and painting. She admires the multifaceted nature of materials and their ability to adapt to the creative process that distinguishes the generosity in clay’s malleability, the nature of wood and noble metals.

www.paulinabeyer.cl

PAULINA BEYER

1969

Ciudad Bella I, 2016, técnica mixta sobre tela, 50 x 50 cm | Ciudad Bella II, 2016, técnica mixta sobre tela, 50 x 50 cm | Paisaje de ensueño, 2016, técnica mixta sobre tela, 130 x 60 cm | Primavera en la ciudad, 2016, técnica mixta sobre tela, 130 x 60 cm | Espacios de Colores, 2016, técnica mixta sobre tela, 160 x 60 cm | Colorful, 2016, técnica mixta sobre tela, 185 x 70 cm | Fotografía: Macarena Macaya.

Egresó como diseñadora gráfica del Incacea de Viña del Mar y en la Escuela Bellas Artes de esa ciudad estudió cerámica y esmalte al horno. También profundizó en la policromía, en la pintura sobre madera y pátinas. Sus estudios de óleo y acrílico los hizo con los pintores Augusto Barcia y José Esteban Basso. Ha expuesto en China, Malasia, Japón, Italia, Nueva York, Francia y República Dominica. En 2007 fue artista invitada de la Bienal de Arte Contemporáneo de Florencia y en 2016 estuvo en la Bienal de Arte Contemporáneo de Buenos Aires. Ha recibido numerosos reconocimientos, entre los que destacan una mención honrosa y un segundo lugar en Acrilex de Revista Paula, una mención honrosa en Color de Sur de Puerto Varas y un premio en la Exposición de Artistas Latinoamericanos en Milán.

1969

She graduated as a graphic designer from the INCACEA institute and studied ceramic and baked enamel at the Escuela de Bellas Artes (both in Viña del Mar). She also got further involved with polychrome; painting on wood and copper. Her oil paint and acrylic studies were carried out with painters Augusto Barcia and José Esteban Basso. She has exhibited in China, Malaysia, Japan, Italy, New York, France and the Dominican Republic. In 2007 she was invited to the Florence contemporary art biennial and in 2016 she took part at the Buenos Aires contemporary art biennial. She has received numerous recognitions, among which stand out are; an honorable mention and second place at Acrilex by Revista Paula magazine, an honorable mention at the Color del Sur competition (Puerto Varas) and a prize at the Latin-American art exhibition (Milan).

Beautiful City I, 2016, mixed media on canvas, 19.6 x 19.6 in. | Beautiful City II, 2016, mixed media on canvas, 19.6 x 19.6 in. | Dreamy Landscape, 2016, mixed media on canvas, 51.1 x 23.6 in. | Spring in the City, 2016, mixed media on canvas, 51.1 x 23.6 in. | Colored Spaces, 2016, mixed media on canvas, 63 x 23.6 in | Colorful, 2016, mixed media on canvas, 72.8 x 27.5 in. | Photography by: Macarena Macaya.

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