Chile Arte Joven by Arte al Límite

Directora / Director Ana María Matthei Edición / Editor Kristell Pfeifer Producción y Dirección de Arte / Production and Art direction Catalina Papic Textos / Texts Kristell Pfeifer Ángela Basch Diseño y diagramación / Design and layout Caco Huerta, Estudio Folio Corrector de Texto / Text Corrector Elisa Massardo Eric Caravacci Traducción / Translation Jonathan Anthony Iván Henríquez

CHILE ARTE JOVEN

álvaro izquierdo . andrea rodríguez vial . cecilia avendaño . celine reymond . constanza ragal . fabián ciraolo . felipe achondo . felipe cusicanqui . francisca eluchans . francisca valdivieso . francisco peró . inti . guillermo lorca . inti . jon jacobsen . JOSÉ PEDREROS PRADO . josé benmayor . josé cori . josé pedro godoy . joséromussi.juanagómez.martínkaulen.monolira nicolÁs radic . norKa lepileo . pilar quinteros .YISA sebastiánmaquIeira.catalinapérezwagner.JOSÉCORI margarita dittborn . martÍn avendaño . marÍa luisa murillo . álvaro izquierdo . andrea rodríguez vial . cecilia avendaño . celine reymond . constanza ragal fabián ciraolo . felipe achondo . felipe cusicanqui . francisca eluchans . francisca valdivieso . guillermo lorca . inti . ignacio bahna . jon jacobsen . yisa . josé benmayor . josé cori . josé pedro godoy . daniela lara joséromussi.juanagómez.martínkaulen.monolira nicolas radic . norKa lepileo . pilar quinteros . inti . sebastián maquIeira . tan vargas . yisa . FRANCISCO PERÓ margarita dittborn . martin avendaño . maria luisa murillo.fabiánciraolo.píaaldana.catalinapérezwagner josépedrerosprado.juanagómez.martínkaulen.yisa

íNDICE 06

Editorial Fundación Coca - Cola

Editorial Arte Al Límite

Margarita Dittborn

Catalina Pérez Wagner

Tan Vargas

José Romussi

María Luisa Murillo

Martín Kaulen

Celine Reymond

Felipe Achondo

José Pedro Godoy

Andrea Rodríguez Vial

Cecilia Avendaño

José Cori

106

Constanza Ragal

114

Juana Gómez

122

Yisa

130

José Benmayor

138

Francisca Valdivieso

146

Martín Avendaño

154

Felipe Cusicanqui

162

Inti

170

Mono Lira

178

Jon Jacobsen

186

Ignacio Bahna

194

Álvaro Izquierdo

202

Sebastián Maquieira

210

Daniela Lara Espinoza

218

José Pedreros Prado

226

Francisca Eluchans

234

Francisco Peró

242

Pilar Quinteros

250

Guillermo Lorca

258

Nicolás Radic

266

Fabián Ciraolo

274

Norka Lepileo

282

Pía Aldana

290

Biografías

EDITORIAL

Este año la mítica y contorneada botella de vidrio de Coca-Cola “Contour” está cumpliendo un siglo de vida, convertida en un icono de la cultura popular que ha desempeñado un papel fundamental en el cine, la historia social, las bellas artes y el diseño. Desde Keith Haring y Andy Warhol hasta Matthew Williamson, Dolce & Gabbana y Uniqlo, la botella de Coca-Cola ha obtenido el estatus de musa para artistas y diseñadores durante 100 años. Inspirados en la historia de innovación de “Contour”, quiero compartir con ustedes este libro Arte chileno joven que recoge la selección de obras de 35 artistas jóvenes, que son referentes en sus respectivas disciplinas, desde la pintura y la escultura, hasta el vanguardista arte urbano y la instalación. Desde la variedad de sus propuestas, algunas con más años en el circuito que otras, todos tienen algo en común: buscan expresarse e ilustrar una realidad. Creatividad, talento, magia y sentido llenan las páginas de este libro que representa a la nueva generación de artistas nacionales que buscamos relevar con esta selección. Tal como la botella “Contour” ha sido y sigue siendo una pieza de referencia del diseño contemporáneo, estamos seguros de que este libro será una inspiración para las nuevas generaciones de artistas que buscan una señal para volcar su imaginación y creatividad. Coca-Cola tiene una histórica relación con el arte, el cine y la música. Nuestros productos han sido retratados o filmados en innumerables obras, y como compañía hemos apoyado múltiples creaciones y proyectos alrededor del mundo. Hoy, a través de esta publicación, damos un nuevo paso. Quiero terminar estas líneas agradeciendo a los autores de Arte chileno joven por invitarnos a ser parte de un proyecto editorial que nos llena de orgullo y que, sabemos, será un gran aporte para la difusión de las artes visuales en Chile.

DINO TRONI presidente Fundación Coca-Cola Chile

EDITORIAL

This year, Coca-Cola’s mythic “Contour” glass bottle celebrates its 100th anniversary. It has become a pop culture icon that has played an essential role in film, social history, fine arts and design. From Keith Haring and Andy Warhol to Matthew Williamson, Dolce & Gabbana and Uniqlo, the Coca-Cola bottle has been a muse for artists and designers alike for 100 years. Inspired by “Contour’s” innovative history, I want to share with you this book on Young Chilean Art that gathers a selection of work from 35 young artists, who are exemplars in their respective fields, from painting and sculpture, to cutting-edge urban art and installation. From the variety of their proposals, some with more years on the circuit than others, all of them have something in common: they seek to express themselves and depict reality. Creativity, talent, magic and meaning fill the pages of this book that represents the new generation of national artists who we would like to display with this selection. Just like the “Contour” bottle has been and is still a reference in contemporary design, we are sure that this book will be an inspiration for the new generations of artist who are looking for a sign to express their imagination and creativity. Coca-Cola has a history related to art, film and music. Our products have been depicted or filmed in innumerable works of art, and as a company we have supported several creations and projects around the world. Today, through this publication, we take a new step. I would like to conclude by thanking all of the authors of Young Chilean Art for inviting us to be a part of an editorial project that fills us with pride and that, we know, will be a huge contribution to spread visual arts in Chile.

DINO TRONI president Coca-Cola Foundation Chile

EDITORIAL

El libro Chile Arte Joven reúne las propuestas plásticas de 35 representantes que forman parte de la nueva generación de artistas nacionales. Pintura, dibujo, fotografía, escultura, grabado, arte urbano e ilustración adquieren nuevas significancias bajo sus miradas innovadoras, proponiendo interesantes cruces entre las distintas disciplinas y sus propuestas conceptuales. Estamos conscientes del enorme talento de los artistas nacionales y su gran potencial. Teniendo esto en cuenta seleccionamos un grupo que representa lo que actualmente sucede en el campo de las artes visuales en nuestro país. Las propuestas que componen este libro son una prueba de las infinitas posibilidades en el campo de la plástica, lo que nos muestra que hoy en día los artistas se expresan sin miedo y con absoluta libertad. Cada disciplina es abordada de una manera contemporánea que implica la utilización de nuevas fórmulas y medios, reafirmando el hecho de que la plástica se encuentra en constante expansión y que no existen límites cuando hablamos de creación. Con ideas originales y transformadoras, estos 35 jóvenes artistas nos muestran, sin palabras, que tienen mucho que decir. Estamos frente a una generación enormemente activa, una generación que comprende el rol del arte como cuestionador del mundo que habitamos y crítico de cómo los seres humanos nos desenvolvemos en él. A partir de la realidad o de su propio mundo inventado, las propuestas presentes en este tomo no dejan indiferente e invitan al lector a observar con una mirada atenta. De esta manera detallista, aguda y crítica es como debemos enfrentarnos a estas obras. Producciones que, seguramente, definirán el futuro de las artes en nuestro país en los años venideros.

ANA MARÍA MATTHEI DIRECTORA AAL

EDITORIAL

The book Young Chilean Art brings together the artistic proposals of 35 artists who make up part of the new generation of national artists. Painting, drawing, photography, sculpture, printmaking, urban art and illustration take on new meanings under the new innovative outlooks of the artists who propose interesting crosses between different disciplines and their conceptual proposals. We are aware of the immense talent of national artists and their vast potential. While keeping this in mind, we chose a group that we feel represents what is currently happening in the field of visual arts in our country. The proposals that make up this book are a demonstration of the infinite possibilities available in the field of art, which show us that today’s artists express themselves without fear and with absolute freedom. Each discipline is tackled in a contemporary way that implies using new formulas and mediums, thus reinforcing the fact that art is constantly expanding and that there are no limits when it comes to creation. Through original and transforming ideas, these 35 young artists show us, without words, that they have a lot to say. We face a highly active generation, a generation that understands art’s role to raise questions about the world that we live in and critique how human beings get by in it. Even when they use reality or their own made up world as a starting point, the proposals featured in this book will not leave you indifferent and invite us to see them under the scrutiny of someone who can not be fooled. Thus we must face these pieces in a meticulous, observant, and critical way, but always with a sense of humor. Surely, they are pieces that will define the future of art in our country in the years to come.

ANA MARÍA MATTHEI DIRECTOR AAL

Como parte del proceso creativo, creo en la importancia de la la idealizaci贸n o la deformaci贸n amorosa, el anhelo, la histeria y el hambre. As part of the creative process, I believe in the importance of idealization or romantic distortion, desire, hysteria, and hunger

Fotografía / Photography

MARGARITA

DITTBORN

El deseo, el placer y la tentación flirtean con el interés del espectador en un juego emotivo y sensual al mismo tiempo. Es delicada e instintiva esa técnica que Margarita plantea en sus obras y provoca a ratos hambre y, a ratos, ganas. Desde sus pasiones y la percepción que tiene de la esencia del ser humano, Dittborn pone en vitrina el desatado impulso que surge en el interior de un individuo cuando siente la necesidad de devorar. Un acto inherente al ser humano y un elemento impregnado en nuestra cultura desde el nacimiento, que a veces permanece agazapado, pero aflora inmediatamente al enfrentarse a los seductores y provocativos fotomontajes que propone la artista. Desire, pleasure and temptation flirt with the viewer’s interest in an emotional and sensual game. The technique that Margarita poses in her work is delicate and instinctive and at times provokes hunger and, at times, cravings. Through her passions and the perception that she has of the essence of the human being, Dittborn puts the wild impulse that emerges within an individual when they feel the need to devour. It is an act that is inherent to human beings and an element that is engrained in our culture from birth, which at times stays hidden, but immediately flourishes upon facing the seductive and provocative photomontages that the artist proposes.

Ofrenda I, 2014, fotomontaje digital, medidas variables | Demasiado, 2014, fotomontaje digital, medidas variables | Todo el amor del mundo II, 2013, fotomontaje digital, medidas variables | Ofrenda III, 2014, fotomontaje digital, medidas variables | Latente I, 2013, fotomontaje digital, medidas variables / Ofrenda I, 2014, digital photomontage, variable measures | Demasiado, 2014, digital photomontage, variable measures | Todo el amor del mundo II, 2013, digital photomontage, variable measures | Ofrenda III, 2014, digital photomontage, variable measures | Latente I, 2013, digital photomontage, variable measures.

Me atrae el potencial expresivo del rostro y las distintas emociones que pueden surgir de ĂŠl. I am drawn to the expressive potential of the face and the different emotions that can come from it.

PINTURA / PAINTING

CATALINA

PÉREZ WAGNER

Ningún rostro es igual a otro. Cada semblante es el reflejo de una historia única y personal recorrida a lo largo del tiempo, donde las huellas del pasado quedan marcadas en una expresión que será irrepetible. Aquel momento es el que toma Catalina Pérez Wagner para cada una de sus pinturas. Ese rasgo distintivo, esa mirada especial, será el punto de partida para un trabajo que, capa por capa, configurará un rostro expresivo y penetrante. Una mirada única existente sólo en los óleos de la artista, cuya base en la realidad se traslada al lugar donde la imaginación y la fuerza del pincel tienen la palabra final. La suya es una obra que interroga de forma directa al espectador. Lo enfrenta desgarradoramente, generando un cara a cara en el que nuestras propias emociones son evidenciadas. No two faces are alike. Each facial expression is the reflection of a unique story and personal journey over time, where remnants of the past are shown in an expression that will be once-in-a-lifetime. That moment is what Catalina Pérez Wagner uses for each one of her paintings. That distinctive characteristic, that special gaze, will be the starting point for work that will make up an expressive and intense face layer by layer. A unique gaze that only exists in the paintings of the artist, whose basis in reality shifts to the place where imagination and the strength of the brush have the final word. Her work directly questions the viewer. It heartbreakingly challenges the observer, generating a face to face encounter in which our own emotions are revealed.

Mark, 2015, óleo sobre tela, 60 x 80 cm. | Ted, 2015, óleo sobre tela, 100 x 100 cm. | Cat I, 2015, óleo sobre tela, 61 x 87 cm. | Cat II, 2015, óleo sobre tela, 61 x 87 cm. | Vic, 2015, óleo sobre tela, 100 x 100 cm. | Vic II, 2015, óleo sobre tela, 100 x 100 cm. / Mark, 2015, oil on canvas, 60 x 80 cm. | Ted, 2015, oil on canvas, 100 x 100 cm. | Cat I, 2015, oil on canvas, 61 x 87 cm. | Cat II, 2015, oil on canvas, 61 x 87 cm. | Vic, 2015, oil on canvas, 100 x 100 cm. | Vic II, 2015, oil on canvas, 100 x 100 cm.

Mi obra funciona como un catastro de ideas que complace y deleita fielmente mis propias necesidades de consumo estĂŠtico. My work serves as a record of ideas that faithfully delight and please my own needs for aesthetic consumption.

PINTURA / PAINTING

TAN

VARGAS Sus obras apuestan a la versatilidad temática; sin temor a la intervención, al color, o al uso desmedido de iconografías que reinterpreta mediante elementos superpuestos, Tan Vargas trabaja desde la selección y el acopio de imágenes para lograr una reconstrucción gráfica de contenidos aleatorios. Desde diversos medios, los archiva en un abanico disperso que luego hace transmutar hacia un lenguaje íntegro y transversal, logrando una sola pieza conjunta. De raíces pictóricas, sus series manifiestan ideas relacionadas a la ciencia, tecnología y sociedad, desarrollando a través del uso del collage, la pintura, la fotoserigrafía o la impresión análoga, resultados que se emparentan a la estética publicitaria, y que mediante sus contenidos reconducen la percepción y las miradas hacia lugares imprevisibles. His work expresses versatility in subject matter; without fearing intervention, color, or excessive use of iconography that he reinterprets through superimposed elements. Tan Vargas works by selecting and gathering images to achieve a graphic reconstruction of random contents. Through different mediums, he stores them away in a disperse array that later transmutes into a comprehensive and transversal language, thus attaining a single combined piece. From pictorial origins, his series express ideas related to science, technology and society and are developed through the use of collage, painting, photo-serigraphy or analogue prints. The results are related to the aesthetics of advertising, and through their content they redirect the perception and gaze towards unforeseeable places.

Ramadal, 2015, acrílico, serigrafía y collage sobre papel 310 gramos, 80 x 107 cm. | Trial, 2015, acrílico, serigrafía y collage sobre papel, 110 x 85 cm. | Matchbox, 2015, acrílico, serigrafía y collage sobre papel 310 gramos, 93 x 123 cm. | Blossom, 2015, acrílico, serigrafía y collage sobre papel 310 gramos, 93 x 123 cm. | Nikola Tesla, 2015, acrílico, serigrafía y collage sobre papel 310 gramos, 93 x 123cm. | Carbonated, 2015, acrílico, serigrafía y collage sobre papel, 110 x 85 cm. / Radamal, 2015, acrylic, serigraphy and collage on 310 gr. paper, 80 x 107 cm. | Trial, 2015, acrylic, serigraphy and collage on paper, 110 x 85 cm. | Matchbox, 2015, acrylic, serigraphy and collage on 310 gr. paper, 93 x 123 cm. | Blossom, 2015, acrylic, serigraphy and collage on 310 gr. paper, 93 x 123 cm. | Nikola Tesla, 2015, acrylic, serigraphy and collage on 310 gr. paper, 93 x 123 cm. | Carbonated, 2015, acrylic, serigraphy and collage on paper, 110 x 85 cm.

Las disciplinas no las elegimos. Se van dando en el camino. En mi caso, una situación llevó a la otra y comencé con el bordado. We don’t choose disciplines, they come along the way. In my case, one situation led to another and I started to embroider.

ARTISTA MULTIDISCIPLINAR / MULTIDISCIPLINARY ARTIST

JOSÉ

ROMUSSI

A partir de su perfil observador y curioso, José Romussi se ha interiorizado particularmente en una de las dualidades más enigmáticas que, según él, ha encontrado en las personas: el interés por estudiar sus mundos internos y externos. Por esto, el artista autodidacta fusiona en sus trabajos una doble intensión al crear una capa más humana, realista y superficial a través de fotografías, y a la vez captar un aspecto más profundo, mágico y divino desde la técnica del bordado. Así, crea una intervención novedosa que logra transmitir esta doble complejidad, como si sus coloridos hilos escribieran con agujas nuevas historias sobre la plenitud del papel, otorgando la justa textura que profundiza los cuerpos y saca a la luz las auténticas identidades. Through his observant and curious nature, José Romussi has embraced, in particular, one of the most enigmatic dualities that, according to him, he has found in people: the interest to study their internal and external worlds. For this, the self-taught artist brings together a dual purpose in his pieces upon creating a more human, realistic and superficial layer through photographs while capturing a more profound, magical and divine aspect through embroidery. He creates an original intervention that manages to convey this dualcomplexity, as if his colorful threads were writing new stories on the plenitude of the paper hence, thus giving it the right texture that digs into bodies and brings the genuine identity to light.

Kunst Im Untergrund, Ceyhum, 2013, bordado sobre fotografía original, 200 x 110 cm. | Kunst Im Untergrund, Jupiter, 2013, bordado sobre fotografía original, 200 x 110 cm. | #Antiserie, Violeta, 2015, bordado sobre fotografía, 50 x 38 cm. | #Newserie, Flores 1, 2013, bordado sobre fotografía, 38 x 22 cm. | Kunst Im Untergrund, María, 2013, bordado sobre fotografía original, 200 x 110 cm. | Kunst Im Untergrund, Amanda, 2013, bordado sobre fotografía original, 200 x 110 cm. / Kunst Im Untergrund, Ceyhum, 2013, embroidered on original photograph, 200 x 110 cm. | Kunst Im Untergrund, Jupiter, 2013, embroidered on original photograph, 200 x 110 cm. | #Antiserie, Violeta, 2015, embroidered on photograph, 50 x 38 cm. | #Newserie, Flores 1, 2013, embroidered on photograph, 38 x 22 cm. | Kunst Im Untergrund, María, 2013, embroidered on original photograph, 200 x 110 cm. | Kunst Im Untergrund, Amanda, 2013, embroidered on original photograph, 200 x 110 cm.

Me gusta provocar curiosidad en el espectador, que se interese por saber quĂŠ hay detrĂĄs de ese estrecho pedazo de realidad. I like to provoke curiosity in the viewer, who is interested in knowing what exists behind that small patch of reality.

Fotografía / Photography

MARÍA LUISA

MURILLO

Ha pasado por distintas etapas y disciplinas creativas, pero por sobre todo, la artista ha centrado sus proyectos en torno a la intimidad y la cotidianeidad mediante la captura de acciones en el entorno doméstico. Su enfoque se ha desplazado gradualmente hacia una representación más bien abstracta y metafórica de los espacios en sí mismos, los que han ganado protagonismo como receptores de una historia. María Luisa Murillo sostiene que sus paisajes no son entes “estáticos”; más bien son retratos, espacios como cuerpos moldeados por huellas físicas del activismo colectivo o individual, que denotan cierta relación íntima entre el habitante y su hábitat. Son fruto de una búsqueda de escenarios reales, que hablan por sí solos, capturando la poética de lo cotidiano. She has gone through different stages and creative disciplines, but above all, the artist has focused her projects around intimacy and normalcy through capturing domestic actions. Her focus has gradually shifted towards a rather abstract and metaphoric representation of the spaces themselves, which have gained importance as the recipients of a story. María Luisa Murillo contends that her landscapes are not “static” entities; rather, they are portraits, spaces as bodies molded by physical remnants of collective or individual activism that denotes a certain intimate relationship between the inhabitant and its habitat. They are the fruit of a search for real scenes that speak for themselves and capture the poetry of everyday things.

“El Mendigo”, de la serie One World, One Dream, 2007, impresión giclée sobre papel 100% algodón, 100 x 100 cm. | “Compra y Venta”, de la serie One World, One Dream, 2007, impresión giclée sobre papel 100% algodón, 100 x 100 cm. | “Puesto Ambulante de Miel“, de la serie One World, One Dream, 2007, impresión giclée sobre papel 100% algodón, 100 x 100 cm. | “En Construcción“, de la serie One World, One Dream, 2007, impresión giclée sobre papel 100% algodón, 100 x 100 cm. | “La Periferia”, de la serie One World, One Dream, 2007, impresión giclée sobre papel 100% algodón, 100 x 100 cm. | “Restaurant Chino“, de la serie One World, One Dream, 2007, impresión giclée sobre papel 100% algodón, 100 x 100 cm. / “El Mendigo”, from the One World, One Dream series, 2007, giclée printing on 100% cotton paper, 100 x 100 cm. | “Compra y Venta”, from the One World, One Dream series, 2007, giclée printing on 100% cotton paper, 100 x 100 cm. | “Puesto Ambulante de Miel”, from the One World, One Dream series, 2007, giclée printing on 100% cotton paper, 100 x 100 cm. | “En Construcción”, from the One World, One Dream series, 2007, giclée printing on 100% cotton paper, 100 x 100 cm. | “La Periferia”, from the One World, One Dream series, 2007, giclée printing on 100% cotton paper, 100 x 100 cm. | “Restaurant Chino”, from the One World, One Dream series, 2007, giclée printing on 100% cotton paper, 100 x 100 cm.

Exploro un posible lenguaje que las plantas comunican a los seres humanos. I explore a possible language which plants communicate with human beings.

ARTISTA MULTIDISCIPLINAR / MULTIDISCIPLINARY ARTIST

MARTÍN

KAULEN

Interesado por el uso que le dan al bambú en la selva amazónica, específicamente en el área artesanal y de la construcción, Martín Kaulen comenzó a trabajar esculturas con esta madera y se entusiasmó particularmente por materiales de origen vegetal, que para él esconden un misterio y una estética interna, geométrica y totalmente perfecta: sincronía pura. Proporciones y registros escritos sobre una piel natural es lo que utiliza el artista para reinterpretar sus obras como cuerpos vivos; a través de cortes transversales y disección de sus piezas, estudia su interior, atemporal y puro, contemplando un lenguaje trascendental que deja a la luz patrones en forma de vetas, nudos, anillos, otorgando así un nuevo sentido conceptual y estético. Interested by the uses given to bamboo in the Amazon jungle, specifically in regards to handicraft and construction, Martín Kaulen started to create bamboo sculptures and was especially excited by materials of plant origin, which, for him, hide a mystery and an internal, geometric and completely perfect aesthetic quality: pure synchrony. Proportions and records written on a natural skin is what the artist uses to reinterpret his work as living bodies; through cross-cuts and by dissecting his pieces, he studies what is within them, which is timeless and pure, while considering an important language that leaves patterns of light in the form of grains, knots and rings thus giving it a new conceptual and aesthetic meaning.

Estudio de geometría bambusoideae I, 2013. madera de bambú, 25 x 40 x 1 cm. | Flor bambusoideae, 2013, madera de bambú, 21 x 21 x 1 cm. | Estudio de geometría bambusoideae V – Cubo, 2014, madera de bambú, 70 x 65 x 1 cm. | Difracción, 2014, madera de bambú, 50 x 50 x 1 cm. | Estudio de geometría bambusoideae IV, 2013, madera de bambú, 66 x 80 x 2 cm. | Estudio de geometría bambusoideae III, 2013, madera de bambú, 106 x 146 x 2 cm. / Estudio de geometría bambusoideae I, 2013. Bamboo wood, 25 x 40 x 1 cm. | Flor bambusoideae, 2013. Bamboo wood, 21 x 21 x 1 cm. | Estudio de geometría bambusoideae V – Cubo, 2014. Bamboo wood, 70 x 65 x 1 cm. | Difracción, 2014, bamboo wood, 50 x 50 x 1 cm. | Estudio de geometría bambusoideae IV, 2013. Bamboo wood, 66 x 80 x 2 cm. | Estudio de geometría bambusoideae III, 2013. Bamboo wood, 106 x 146 x 2 cm.

Yo hago mĂşsica y mis collages nacieron de la necesidad de presentar una estĂŠtica que tuviese que ver con mi sonido y mis letras. I make music and my collages emerge from the need to express it graphically and exhibit an aesthetic quality that has to do with my sound and lyrics.

COLLAGE / COLLAGE

CELINE

rEYMOND

Ver una canción, tocar un olor, cantar un color. Sueña extraño pero es perfectamente posible a través de la sinestesia, una forma de vincular los distintos sentidos en un mismo acto perceptivo. Esta condición funciona como el punto de partida del desarrollo plástico de Celine Reymond. Su colorida obra responde a la necesidad de representar gráficamente las canciones que esta artista autodidacta compone. Su trabajo, al igual que la técnica que usa para llevarlo a cabo, es una mezcla de estilos, referencias, historias y elementos que desencadenan un mundo imaginario enormemente sugerente. Influencias de un pasado palestino, el oriente, el mundo kitsch, abuelas cuya juventud se vivió bajo los arquetipos de los años 50, la acumulación y lo exótico, todo se une en un torbellino de figuras y color imposible de detener. El movimiento está ante nuestros ojos, sólo debemos dejarnos llevar por esta amalgama de formas y su cadencia musical. Seeing a song, touching a smell, singing a color. It sounds strange but it is completely possible through synesthesia, a way of linking different senses in a single perceptive act. This condition works as the starting point of Celine Reymond’s artistic work. Her colorful work responds to the need to graphically depict songs that this self-taught artist creates. Her work, just like the technique that she uses to carry it out, is a mix of styles, references, stories and elements that unleash a vastly suggestive imaginary world. Influences from a Palestinian past, the east, the world of kitsch, grandmas whose youth were lived out under the archetypes of the 50s, accumulation and the exotic are all brought together in a barrage of figures and colors that are impossible to stop. Movement is placed before our eyes and we only have to let ourselves be carried away by this hodgepodge of shapes and her musical cadence.

Breviario del amor sublime, 2015, collage digital, 49 x 67 cm. | Bouquet Histórico, 2015, collage digital, 50 x 70 cm. | Pangasila love, 2015, collage digital, 52 x 45 cm. | Zhenya la fantástica, 2014, collage digital, 65 x 40 cm. | Reinas trágicas, 2015, collage digital, 42 x 30 cm. | El placer de acordarse de los placeres, 2015, collage digital, 52 x 52 cm. / Breviario del amor sublime, 2015, digital collage, 49 x 67 cm. | Bouquet Histórico, 2015, digital collage, 50 x 70 cm. | Pangasila love, 2015, digital collage, 52 x 45 cm. | Zhenya la fantástica, 2014, digital collage, 65 x 40 cm. | Reinas trágicas, 2015, digital collage, 42 x 30 cm. | El placer de acordarse de los placeres, 2015, digital collage, 52 x 52 cm.

El trabajo del realismo se ve expresado en el quehacer de la obra, dejando peque単as casualidades o imperfecciones como parte esencial de la pieza. Realism is expressed in the endeavor of the work, leaving small mishaps or imperfections as an essential parts of the piece.

PINTURA / PAINTING

FELIPE

ACHONDO

El arte como proceso mismo del pintar es el verdadero sentido que encuentra Felipe Achondo en sus óleos. Se interesa más en el transcurso que en el tema mismo. Es ahí donde se enfrenta con las casualidades y errores que, capa a capa, va dejando el aceite derramado, los roces de las brochas sobre la tela y las manchas de colores que van adhiriéndose como transparencias. Finalmente, aquellos imprevistos logran develar retratos y figuras humanas en dramáticas escenas. Desde su perspectiva, son procesos que surgen desde el azar y dan vida a sus personajes, captando circunstancias ya maduras y momentos precisos, íntimos, poéticos, todo a partir del suave y paciente trabajo de la experimentación. Art as a process of painting itself is the true meaning that Felipe Achondo finds in his paintings. He is more interested in the process than the subject itself. It is within the process that we run into the chance occurrences and mistakes that are left layer by layer by spilled oil, the touch of the brushes on the canvas and the smears of color that are built up as transparent layers. In the end, those incidentals are able to reveal portraits and human figures in dramatic scenes. From his point of view, they are processes that give life to his characters through chance, capturing already mature circumstances and precise, intimate, poetic moments through the soft and patient work of experimentation.

Desnudo frontal, 2014, óleo sobre acrílico transparente de 8mm, 180 x 80 cm. | Desnudo derecha, 2014, óleo sobre acrílico transparente de 8mm, 180 x 80 cm. | Florencia 1, 2014, óleo sobre acrílico transparente y MDF rojo, 100 x 100 cm. | Florencia 2, 2014, óleo sobre acrílico transparente y MDF rojo, 100 x 100 cm. | Desnudo 1, 2014, óleo sobre acrílico transparente 2 capas, 100 x 100 cm. | Desnudo 2, 2014, óleo sobre acrílico transparente 2 capas, 100 x 100 cm. / Desnudo frontal, 2014, oil on 8 mm. plexiglass, 180 x 180 cm. | Desnudo frontal, 2014, oil on 8 mm. plexiglass, 180 x 180 cm. | Florencia 1, 2014, oil on plexiglass and red MDF, 100 x 100 cm. | Florencia 2, 2014, oil on plexiglass and red MDF, 100 x 100 cm. | Desnudo 1, 2014, oil on 8 mm. plexiglass of two layers, 180 x 180 cm. | Desnudo 2, 2014, oil on 8 mm. plexiglass of two layers, 180 x 180 cm.

Me gusta pintar y me interesa la pintura como medio, como punto de vista, como lugar de aprendizaje y como lenguaje. I like to paint and I am interested in painting as a medium, as a point of view, as a place of learning and language.

PINTURA / PAINTING

JOSÉ PEDRO

GODOY

Hay un mundo que sólo existe en la imaginación. Un mundo que mezcla deseos, sueños, vivencias e ideas y las funde para crear un nuevo cosmos, un universo que capta tanto nuestra atención que termina por parecer más real que la vida misma. La obra de José Pedro Godoy responde a esa especie de cosmos real e imaginario a la vez. Es la pintura la que hace posible que aquellos mundos que desvelan al artista puedan ser también contemplados por otros. Son escenarios donde el erotismo y el deseo se hacen visibles en cada pincelada, fundiéndose con la realidad inexistente que rodea a sus personajes. Con un acabado estudio fisionómico, el pintor da vida a una obra donde cada detalle respira los instintos con que se desenvuelve nuestro mundo animal. There is a world that only exists in the imagination. A world that mixes desires, dreams, experiences and ideas and merges them to create a new cosmos, a universe that captures our attention and ends up seeming more real than life itself. José Pedro Godoy’s work responds to both that kind of real or imaginary cosmos. Painting is what enables those worlds that the artist reveals to be able to also be envisaged by others. They are scenes where eroticism and desire appear in each brushstroke and merge with the nonexistent reality that surrounds his characters. With a finished physiognomic study, the painter gives life to work where each detail breathes the instincts used to unravel our animal world.

El Triunfo del Amor, 2012, óleo sobre tela, 300 x 501 cm. | Los muchachos, 2013, óleo sobre tela, 60 x 80 cm. | 4 alegorías del amor: siento que floto, 2012, óleo sobre tela, 50 x 70 cm. | El patio de José, 2014, óleo sobre tela, 300 x 486 cm. / El Triunfo del Amor, 2012, oil on canvas, 300 x 501 cm. | Los muchachos, 2013, oil on canvas, 60 x 80 cm. | 4 alegorías del amor: Siento que floto, 2012, oil on canvas, 50 x 70 cm. | El patio de José, 2014, oil on canvas, 300 x 486 cm.

Los humanos somos animales que no queremos serlo, pero la ambici贸n y otras cosas humanas delatan eso que nosotros mismos llamamos animalidad. Humans are animals that do not want to be animals, but ambition and other perfectly human things give away that which we ourselves call animality.

ESCULTURA / SCULPTURE

ANDREA

rODRíGUEZ VIAL Figuras de animales delicadamente trabajadas en cerámica se agrupan ante los ojos del espectador, en un escenario que tensiona los límites entre el mundo salvaje y el humano. Osos, conejos, cisnes, leopardos, hipopótamos y gorilas son las exóticas figuras que el hombre comúnmente adora, pero que al mismo tiempo extermina constantemente. Mediante un interesante cruce entre la nobleza del material y lo artesanal del oficio, Andrea Rodríguez Vial reflexiona sobre la complicada relación que se genera entre los seres humanos, la naturaleza y las distintas especies que la constituyen, explorando la idea de lo natural y cómo ésta ha cambiado y transformado en algo artificioso, distorsionado e incluso ficticio. La relación del hombre con los animales, el maltrato animal, la supremacía del hombre frente a ello, la sobreexplotación de los recursos naturales y el mundo de los excesos son conductas que, para la artista, representan la incoherencia en que muchas veces vive el ser humano. Una obra que desde la delicadeza del material pone en evidencia la fragilidad de la vida que muchas veces ignoramos. Animal figures delicately made in ceramic are grouped together before the viewer’s eyes in a scene that puts stress on the limits between the savage and human world. Bears, rabbits, swans, leopards, hippopotamuses and gorillas are the exotic figures that man commonly adores, but that he also continuously kills at the same time. Through an interesting mix between the nobleness of the material and the craft of the profession, Andrea Rodríguez Vial reflects on the complicated relationship that is created between human beings, nature and the different species that form it, by exploring the idea of what is natural and how it has changed and transformed into something artificial, distorted and even fictitious. Man’s relationship with animals, the mistreatment of animals, the supremacy of man regarding them, the overexploitation of natural resources and the world of excessiveness are behaviors that, for the artist, represent the incoherence in which man often lives. It is work that displays the fragility of life that we often ignore through the delicateness of the material.

Mausoleo #5, 2015, cerámica y pigmento de oro, 32 x 26 x 28 cm. | Self defense #1, 2014, cerámica y pigmento de oro, 28 x 15 x 29 cm. | Mausoleo #3, 2015, cerámica, 57 x 20 x 20 cm. | Gemelos, 2015, cerámica, 25 x 25 x 25 cm. | Reflejo, 2015, cerámica y pigmento de platino, 34 x 28 x 48 cm. cada conejo. Fotografías: Omar Van de Wyngard / Mausoleo #5, 2015, ceramic and gold pigment, 32 x 26 x 28 cm. | Self defense #1, 2015, ceramic and gold pigment, 28 x 15 x 29 cm. | Mausoleo #3, 2015, ceramic, 57 x 20 x 20 cm. | Gemelos, 2015, ceramic, 25 x 25 x 25 cm. | Reflejo, 2015, ceramic and platinum pigment, 34 x 28 x 48 cm each bunny. Photography: Omar Van de Wyngard

La no. M. Dis, publiqui cludeatasdam prat rest facto etra con derus patquid inenate musqueme moentror loctemur. Itant vervis, nonsusqua di, clut L. Um silnequ itemus forum, Catintrei studam facture, sul viverit? Robutus, niu mentiurena, Cupiena timusper iam morum Palibus? Tam patque quonsulto Catem ferum traedem, antios hostrors hilicae et vid fuidem, Patuus, Catu / La nois, publiqui cludeatasdam prat rest facto etra con derus patquid inenate musqueme moentror loctemur. Itant vervis, nonsusqua di, clut L. Um silnequ itemus forum, Catintrei studam facture, sul viverit? Robutus, niu mentiurena, Cupiena timusper iam morum Palibus? Tam patque quonsulto Catem ferum traedem, antios hostrors hilicae et vid fuidem, Patuus, Catu

Trabajo tratando de alterar los esquemas mentales, de distorsionar y mezclar el cรกnon de lo bello y lo feo. My work intends to alter mental schemes, distort and mix the standard for what is beautiful and what is ugly.

Fotografía / Photography

CECILIA

AVENDAÑO

Para Cecilia Avendaño ningún rostro pasa inadvertido. Todos tienen algo único, cada uno contiene en sí mismo la compleja verdad de quiénes somos. Su expresión abarca la totalidad del ser humano y es este poder el que la ha llevado a transformar esta parte del cuerpo en la pieza central de su trabajo. Manipulando digitalmente distintas fotografías, la artista construye diversos montajes que desafían los cánones de belleza y proponen imágenes que funden la realidad con la ficción. Lo bello y lo grotesco se dan la mano y se mezclan delicadamente en un juego que provoca extrañeza y atracción al mismo tiempo. For Cecilia Avendaño no face goes unnoticed. They all have something unique; each one holds the complex truth of who we are. Her expression spans the entirety of the human being and it is this power that has led her to transform this part of the body into the central focus of her work. By digitally manipulating different photographs, the artist constructs different montages that challenge beauty standards and suggest images that mix reality with fiction. Beauty and the grotesque come together and are delicately fused in a game that provokes strangeness and attraction at the same time.

e.6, 2014, impresión giclée, 100 x 86 cm. | e.8, 2014, impresión giclée, 80 x 80 cm. | e.4, 2014, impresión giclée, 80 x 80 cm. | e.2, 2014, impresión giclée, 100 x 100 cm. | e.9, 2014, impresión giclée, 57,4 x 110 cm. | e.10, 2014, impresión giclée, 100 x 100 cm. / e.6, 2014, giclée print, 100 x 86 cm. | e.8, 2014, giclée print, 80 x 80 cm. | e.4, 2014, giclée print, 80 x 80 cm. | e.2, 2014, giclée print, 100 x 100 cm. | e.9, 2014, giclée print, 57,4 x 110 cm. | e.10, 2014, giclée print, 100 x 100 cm.

Mis obras no funcionan como met谩fora de algo, sino que conforman simplemente una apertura al espacio de la sugerencia o la sugesti贸n. My work does not work as a metaphor for something, but rather it simply forms an opening to the space of suggestion.

DIBUJO / DRAWING

JOSÉ

CORI

Sin seguir una disciplina en particular y sosteniendo una línea de producción aparentemente atemporal, el artista se dedica a explorar objetos cotidianos. Jugando con sus apreciaciones y cruces referenciales, busca producir nuevas coherencias estéticas que arquetípicamente cuentan con un sentido simbólico y universal. A través de la gráfica e instalaciones, José Cori se deja llevar intuitiva y visualmente para reformular desde el humor y lo analógico, símbolos que siempre estuvieron presentes. Imágenes que trascienden de lo personal a la sugestión de lo general, para constituir nuevas asociaciones creadas a partir de las diferentes interacciones individuales frente a las mil posibilidades que ofrecen sus obras. Without following any particular discipline and by maintaining an apparently timeless production line, the artist is devoted to exploring daily objects. By playing with his assessments and cross references, he seeks to create new aesthetic relations that also archetypally have a symbolic and universal meaning. Through graphics and installations, José Cori loses himself intuitively and visually to redevelop symbols that have always been around through humor and analogy. They are images that emerge from deep within to suggest something general in order to form new associations that are created from the different individual interactions against the thousands of possibilities that his work offers.

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Fotosíntesis, 2014, lápiz pasta negro sobre papel, 21 x 14 cm. | Posteriores indagaciones en la quietud, 2014, lápiz pasta negro sobre papel, 28 x 21 cm. | Interrupción, 2015, lápiz pasta negro sobre papel, 28 x 21 cm. | Aparición apática, 2015, lápiz pasta negro sobre papel, 28 x 21 cm. | Entomólogo, 2014, lápiz pasta negro sobre papel, 28 x 21 cm. | Ángel oficinista, 2014, lápiz pasta negro sobre papel, 28 x 21 cm. / Fotosíntesis, 2014, black ballpoint pen on paper, 21 x 14 cm. | Posteriores indagaciones en la quietud, 2014, black ballpoint pen on paper, 28 x 21 cm. | Interrupción, 2015, black ballpoint pen on paper, 28 x 21 cm. | Aparición apática, 2015, black ballpoint pen on paper, 28 x 21 cm. | Entomólogo, 2014, black ballpoint pen on paper, 28 x 21 cm. | Ángel oficinista, 2014, black ballpoint pen on paper, 28 x 21 cm.

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Me interesa representar un modelo de belleza inalcanzable y mitificado, cuestionando el estereotipo que proviene de los mass media. My interests lie in representing an unattainable and mythicized model of beauty by questioning the stereotype that comes from mass media imagery.

PINTURA / PAINTING

CONSTANZA

raGAL

Día a día nos enfrentamos a imágenes que nos muestran cómo es o debiera ser la figura femenina. Sin darnos cuenta, este retrato proyectado por los medios de comunicación termina calando tan hondo en nuestra mente que terminamos creyendo reales a aquellas mujeres de piel tersa, cabello perfecto y extrema delgadez. A través de la pintura, Constanza Ragal evidencia la imagen distorsionada que como espectadores de publicidad y moda consumimos a diario, poniendo en el centro una figura femenina bella pero inquietantemente inexpresiva. Sus trabajos se basan en situaciones cotidianas como una compra en el supermercado o un paseo por el barrio, momentos comunes que contrastan con el aura de belleza inalcanzable proyectada por cada una de sus hermosas y distantes mujeres. Every day we come across images that show us how the female figure is or should be. Without realizing it, this portrait shown by the media ends up leaving a deep impression on our minds and we end up believing that that woman we see is real, with her smooth skin, her perfect hair, and her extremely thin figure. Through painting, Constanza Ragal shows a distorted image that we as the viewers of advertisements and fashion consume on a daily basis by placing a beautiful but eerily expressionless female figure at the center. Her work is based on everyday situations like shopping in the supermarket or a stroll around the block, common moments that contrast with the aura of unattainable beauty shown by each one of her beautiful and distant women.

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El tatuaje de Elena, 2012, 贸leo sobre tela, 70 x 140 cm. | Estela en el supermercado, 2010, 贸leo sobre tela, 136 x 160 cm. | Pareja en el supermercado, 2012, 贸leo sobre tela 83 x 120 cm. | La doble vida, 2014, 贸leo sobre tela, 50 x 90 cm. / El tatuaje de Elena, 2012, oil on canvas, 70 x 140 cm. | Estela en el supermercado, 2010, oil on canvas, 136 x 160 cm. | Pareja en el supermercado, 2012, oil on canvas, 83 x 120 cm. | La doble vida, 2014, oil on canvas, 50 x 90 cm.

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Trabajo investigando un patrรณn que se repite tanto en lo orgรกnico como en lo inorgรกnico. Hay algo que se esconde en esa forma ubicua, algo que conecta lo vivo con lo muerto. I work investigating a repeating pattern both organic and inorganic. There is something hidden in that ubiquitous form, something that connects the living with the dead.

ARTISTA MULTIDISCIPLINAR / MULTIDISCIPLINARY ARTIST

JUANA

GóMEZ

Sendas de energía meridiana sobre el cuerpo humano, afluentes de ríos, vasos sanguíneos, hasta rutas cibernautas; todas se comportan de modo semejante y fractal, replicando formas y tramas interconectadas como si se tratara de un lenguaje mater, ramificado y dominante de un todo. Los rumbos son improvisados, subyacentes a lo cotidiano. Como el curso de lava que repetidamente sigue una misma vía pasada, la artista observa y trabaja a través del bordado sobre fotografías impresas en género. Punto por punto hasta encadenar un relato en torno al patrón transversal de fluidez de rutas, elaborando circuitos que se encuentran en el cuerpo humano, la naturaleza y la espiritualidad. Paths of very bright energy on the human body, river tributaries, blood vessels, and even paths on the internet; all the works behave in a similar and fractal way, replicating forms and interconnected patterns as if they were a mother language, branching out and dominating everything. The paths are improvised and underlying everyday things. Like the course of lava that repeatedly follows down the same old path, the artist observes and works by embroidering printed photographs on fabric. Stitch by stitch until connecting a story around the transversal pattern of the fluidity of routes, creating circuits found on the human body, in nature and in spirituality.

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Constructual 4 (díptico), 2015, bordado a mano sobre fotografía impresa en tela, 58 x 45 cm. | Trigémino, 2015, bordado a mano, 30 x 34,5 cm. | Constructual 3 (pulmones), 2015, bordado a mano sobre fotografía impresa en tela, 77,5 x 47 cm. | Constructal 5, 2015, fotografía impresa en tela, dibujo y bordado a mano, 50 x 25 cm. | Constructal A, 2015, fotografía impresa en tela, dibujo y bordado a mano, 60 x 42 cms. / Constructual 4 (diptych), 2015, hand-embroidery on photography printed on canvas, 58 x 45 cm. | Trigémino, 2015, hand-embroidery, 30 x 34,5 cm. | Constructual 3 (lungs), 2015, hand-embroidery on photography printed on canvas, 77,5 x 47 cm. | Constructual 5, 2015, hand-embroidery on photography printed on canvas, 50 x 25 cm. | Constructual A, 2015, hand-embroidery on photography printed on canvas, 60 x 42 cm.

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Mi trabajo es una proyección obvia de mis ideas y reflexiones diarias, materializadas a través de la técnica más conveniente. My work is an obvious result of my ideas and daily thoughts brought to life through the most suitable technique.

collage / collage

YISA Desde un planteamiento crítico e irreverente, el artista articula sus obras a partir de argumentos relacionados con el poder y el vulnerable padecimiento del sujeto contemporáneo. A estas temáticas les ha incorporado técnicas y tendencias propias del arte callejero, como lo demuestran sus trabajos de amplios formatos, con los que ha alcanzado una identidad sólida que, a través de un discurso simbólicamente subversivo, logra retratar las problemáticas que azotan a la sociedad actual. Yisa las luce directa y explícitamente, sin darlas por sentado, confundiendo al receptor y proyectando una visión enérgica y valerosa de una lucha en contra del actual devenir. Through a critical and irreverent proposal the artist constructs his pieces through arguments related to the power and vulnerable affliction of the contemporary subject. He has incorporated techniques and trends typical to street art of these subjects, as is shown in his work that comes in an array of formats. With his work, he has attained a solid identity that, through a symbolically subversive discourse, manages to depict the problems that currently devastate society. Yisa directly and explicitly flaunts them, without taking them for granted, thus confusing the viewer and projecting an energetic and valiant view of a fight against our current progression.

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Serie Operaci贸n Siglo XX, 2015, collage acr铆lico y calado sobre grabado en papel fabriano, 110 x 90 cm. c/u / Operaci贸n Siglo XX series, 2015, acrylic collage and fretwork over engraved on Fabriano paper, 110 x 90 cm. each piece.

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Me gusta reinterpretar la realidad y traducir los elementos a un lenguaje propio, para sugerir algo gracias a su carga simb贸lica. I like to reinterpret reality and translate the elements into my own language, so that it suggests something thanks to its symbolic significance that it might have.

PINTURA / PAINTING

JOSÉ

BENMAYOR

Sus pinturas parecieran ser directas y literales. Pero en realidad, lo que José Benmayor -alias Grio-, plasma en sus telas, son escenas de doble lectura compuestas por figuras pop, objetos poco sofisticados y sujetos robustos, provocando escenarios sugerentes de la vida misma como fenómeno, con una gracia particularmente discursiva y lúdica. Sus referentes los rescata de sus continuos e ineludibles apuntes mentales que surgen de situaciones cotidianas, para luego inmortalizarlos en sus pinturas a través de un lenguaje gráfico, simple y cercano a la animación, como ilustraciones infantiles ligadas a lo caricaturesco. De esta forma, ha logrado crear su sello propio y original, alejado de la inocencia que podrían suponer sus coloridas obras, creando un guiño fresco e irónico. His paintings seem to be direct and literal, but in reality, what José Benmayor –aka Grio-, shows on his canvases are dual-sensed scenes made up of pop figures, unsophisticated objects and robust subjects that provoke suggestive scenes of life itself as a phenomenon, with a particularly discursive and playful grace. His references come from his continuous and inescapable mental notes that arise from everyday situations to be immortalized later in his paintings through a graphic, simple language that is close to animation, like illustrations for children related to caricature. Through this, he has managed to create his own original style far from the innocence that his colorful pieces could entail, creating a fresh and ironic gesture.

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Campeón de box, 2012, acrílico sobre tela, 60 x 50 cm. | Kniks, 2014, acrílico sobre tela, 75 x 75 cm.| Basquetbolista kniks, 2015, acrílico sobre tela, 60 x 80 cm. | El levantador de pesas, 2012, acrílico sobre tela, 60 x 50 cm. | Heavy weight world champion, 2014, acrílico sobre tela, 120 x 70 cm. | Sonics, 2014, acrílico sobre tela, 75 x 75 cm. / Campeón de box, 2012, acrylic on canvas, 60 x 50 cm. | Kniks, 2014, acrylic on canvas, 75 x 75 cm. | Basquetbolista kniks, 2015, acrylic on canvas, 60 x 80 cm. | El levantador de pesas, 2012, acrylic on canvas, 60 x 50 cm. | Heavy weight world champion, 2014, acrylic on canvas, 120 x 70 cm. | Sonics, 2014, acrylic on canvas, 75 x 75 cm.

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Intento entender la decepci贸n que sucede al crecer y al desechar la magia; el tener que vernos obligados a incorporar la racionalidad y crudeza del mundo adulto. I try to understand the deception that happens when growing up and getting rid of the magic; having to see ourselves forced to incorporate rationality and the harshness of the adult world.

escultura / sculpture

FRANCISCA

VALDIVIESO En el reino de los niños nace la magia y la ilusión del jugar. Pero en los que muestra la artista, se sumerge al espectador en una experiencia extraña al proponer una ingenua pero macabra línea fronteriza que transforma el plano en un absurdo entre la infancia y adultez. Este intermedio, originado por la curiosidad que une ambos mundos así como la porcelana de colección atrae las manos de un niño, esconde la perversa rapidez del crecer. De quitarle la magia a un juguete para hacerlo objeto, perfecto, en control y con nulo instinto animal, por una fina pieza decorativa. Un limbo que dos reinos observan con ojos distintos y que desde la perspectiva de Francisca Valdivieso, espera evocar ciertos recuerdos o, al menos, ganas de jugar. In the realm of children comes the magic and illusion of playing. However, within that which the artist shows, the viewer is immersed in a strange experience upon proposing an ingenuous but macabre boundary line that transforms the drawing into an absurdity between childhood and adulthood. This in-between, which is caused by the curiosity that unites both worlds like a porcelain collection attracts the hands of a child, hides the perverse speed of growing up. She removes the magic of a toy to make it into an object and something perfect, in control and with no animal instinct, through a fine decorative piece. It is a limbo that the two realms see through different eyes and that from Francisca Valdivieso’s point of view, hopes to evoke certain memories or, at least, a desire to play.

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El Banquete, 2012, escultura en porcelana (vaciado), esmalte transparente, colores bajo y sobrecubierta, lustres metĂĄlicos, 19 x 50 x 19 cm. | Bolitas, 2013, escultura en pasta de porcelana, esmaltes y colores sobrecubierta, 50 x 50 x 7 cm. | Casas de Barro, 2013, escultura en pasta de porcelana y torneado en terracota, esmaltes y pintura sobrecubierta, 64 x 64 x 9 cm. | MuĂąecas, 2013, escultura en pasta de porcelana y arcilla blanca, esmalte transparente y colores bajo y sobrecubierta, 54 x 78 x 10 cm. / El Banquete, 2012, porcelain sculpture (empty), transparent enamel, low range colors and wrapper, metallic glossy paper, 19 x 50 x 19 cm. | Bolitas, 2013, sculpture in porcelain modelling clay, enamels and wrappers colors, 50 x 50 x 7 cm. | Casas de Barro, 2013, sculpture in porcelain modelling clay and terracotta toned, enamels and wrapper colors, 64 x 64 x 9 cm. | MuĂąecas, 2013, sculpture in porcelain modelling clay and white clay, transparent enamel and lower grade colors and wrapper, 54 x 78 x 10 cm.

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La carencia del sentido del humor lleva con frecuencia a tomarse la vida muy en serio, lo cual le resta considerable atractivo. The lack of a sense of humor frequently involves taking life very seriously, which takes away a significant amount of charm.

PINTURA / PAINTING

MARTÍN

AVENDAÑO

Personajes expresivos y llenos de color son los que propone Martín Avendaño. Sus rostros son la consecuencia de un ejercicio libre y dinámico que toma elementos de la sicodelia, la naturaleza, la música y la vida misma para plasmarlos intuitivamente en la tela. Son siluetas de distintos seres, cada uno único en su especie y perteneciente a su propia raza, época y planeta; figuras que transitan en una dirección paralela para invitarnos a descifrar la historia detrás de cada uno. De la mano de una técnica en contrastante experimentación y sin ataduras, surge un mundo que nos desafía y al mismo tiempo nos sorprende con la extraña sinceridad que transmiten los seres que lo habitan. Expressive characters full of color are what Martín Avendaño proposes. His faces are the consequence of a free and dynamic exercise that takes elements from psychedelia, nature, music and life itself in order to intuitively display them on canvas. They consist of silhouettes of different beings, each one being a unique species belonging to its own race, time and planet; they are figures that travel in a parallel direction to encourage us to decipher the history behind each one. Through a technique that is constantly experimenting and that has no ties to anything, emerges a world that challenges us and simultaneously surprises us with the strange sincerity that the beings that inhabit it convey.

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De la serie “La fraternidad oculta”, 2015, técnica mixta sobre papel, 40 x 30 cm. / From the series “La fraternidad oculta”, 2015, midex media on paper, 40 x 30 cm.

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Trabajo en un laboratorio, un claustro ciego e infinito, donde el ojo y la mano son uno. I work in a laboratory, an infinite and blind space where the eye and hand are one.

TÉCNICA MIXTA / MIXED MEDIA

FELIPE

CUSICANQUI La sencillez de los materiales que conforman la obra de Felipe Cusicanqui está profundamente unida a la esencia de lo que el artista retrata y transmite en cada una. Naturaleza, lugares recorridos, el mundo rural; todo aquello que captura su atención en el exterior vuelve a encontrarse, esta vez puertas adentro, para convertirse en una nueva pieza que reúne la fascinación por aquellos espacios, reducidos ahora a lo primario. Pedazos de madera, retazos encontrados conjugados con las pinceladas precisas, capturan la esencia de aquel momento e invitan a reflexionar a partir de la simpleza con que han sido construidos. Cusicanqui va más allá de la pintura y explora soportes y materiales que representan, por su origen natural, perecedero y precario, cómo el hombre es parte de esta enorme naturaleza que lo envuelve. The simplicity of the materials that make up Felipe Cusicanqui’s work is deeply related to the essence of that which the artist depicts and conveys in each piece. Nature, places traveled, the rural world; everything that grabs his attention outside is found again, but this time indoors, in order to become a new piece that ties together the fascination brought on by those spaces that are now reduced to the essentials. Pieces of wood, found fragments mixed with precise brushstrokes, capture the essence of that moment and invite us to reflect based on the simplicity of their construction. Cusicanqui goes beyond painting and explores mediums and materials that represent how man is part of the vast nature that surrounds him because of their natural, perishable and precarious origin.

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Niño y llamas, 2015, técnica mixta sobre tablas, 20 x 42 cm. | Hijo y madre, 2015, técnica mixta sobre tablas, 45 x 42 cm. | Cholas con niños, 2015, técnica mixta sobre tablas, 22 x 42 cm. | Tres cholas, 2015, técnica mixta sobre tablas, 23 x 40 cm. | Chola sentada, 2015, técnica mixta sobre tablas, 26 x 44 cm. | Charazani, 2015, técnica mixta sobre tablas, 20 x 42 cm. / Niño y llamas, 2015, mixed technique on planks, 20 x 42 cm. | Hijo y madre, 2015, mixed technique on planks, 45 x 42 cm. | Cholas con niños, 2015, mixed technique on planks, 22 x 42 cm. | Tres cholas, 2015, mixed technique on planks, 23 x 40 cm. | Chola sentada, 2015, mixed technique on planks, 26 x 44 cm. | Charazani, 2015, mixed technique on planks, 20 x 42 cm.

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Me identifico mรกs con un pintor de brocha gorda que con un artista. I identify myself more as a painter than an artist.

ARTE URBANO / URBAN ART

Más allá de las paredes de museos e instituciones culturales se encuentra la obra de Inti. Edificios y muros antes olvidados agradecen el gesto colorido de su mano, al igual que los transeúntes que se enfrentan a sus enormes pinturas en algún rincón del planeta. El espacio público es el terreno que permite a miles de espectadores a lo largo del mundo reflexionar ante un trabajo que toma elementos propios de la cultura andina para dotarlos de una estética contemporánea. El mundo precolombino, sus carnavales y fiestas, los pueblos originarios, todo se une en una amalgama de vibrantes colores que envuelven un entorno antes vacío, en un gesto generoso que los devuelve a la vida. Beyond the walls of museums and cultural institutions we find the work of Inti. Buildings and walls once forgotten about are thankful for the colorful gesture of his hand, just like the passers-by that come face to face with his enormous paintings in some corner of the planet. Public space is the terrain that allows thousands of viewers throughout the world to reflect before a work that takes elements from the Andean culture to give them a contemporary aesthetic quality. The pre-Columbian world, its carnivals and parties, its indigenous peoples, all come together in a cultural melting pot of vibrant colors that cover a once empty space in a generous gesture that brings them back to life.

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Sin Titulo, 2013, pintura acrílica, Estanbul, Turquia | Creed, 2014, pintura acrílica, Haarlem, Holanda | Balance, 2015, pintura acrílica, Nueva Delhi, India | Sanctus Realitatem, 2014, pintura acrílica, Ibiza, España. Bloop Festival | Ofrenda, 2015, pintura acrílica, Lagny, Francia | Exodus I, 2015, pintura acrílica, Rabat, Marruecos. / Sin Título, 2013, acrylic painting, Istanbul, Turkey | Creed, 2014, acrylic painting, Haarlem, Netherland | Balance, 2015, acrylic painting, New Delhi, India | Sanctus Realitatem, 2014, acrylic painting, Ibiza, Spain. Bloop Festival | Ofrenda, 2015, acrylic painting, Lagny, France | Exodus I, 2015, acrylic painting, Rabat, Morocco.

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Mi trabajo est谩 basado en la reflexi贸n sobre sistemas de traducci贸n representacional, a partir de la abstracci贸n de las formas cotidianas. My work is mainly based on my thoughts about representational translation systems through the abstraction of everyday forms.

PINTURA / PAINTING

MONO

LIRA

Parte por parte, la obra va tomando cuerpo cuando las piezas de colores sólidos se sitúan unas junto a las otras. Triángulos, cuadrados y contrastes encajados entre sí, definen los trabajos de Mono Lira, quien desde la observación de la ciudad y sobre sus escenarios cotidianos, se concentra y reflexiona acerca de la forma en que ésta se habita. Busca –desde la abstracción-, operaciones de representación creadas ante las posibilidades geométricas que permiten determinadas escenas, preocupándose de los ajustes de perspectivas y de la construcción arquitectónica, trabajadas en forma de módulos planos, otorgando al concepto del espacio un definido sentido artístico. Piece by piece, the work takes shape when the solid colored pieces are placed next to each other. Triangles, squares and contrasting colors all placed together define the work of Mono Lira, who, through the observation of the city and its everyday scenarios, focuses on and reflects the way in which it is inhabited. He seeks –through abstraction- operations of representation created before the geometric possibilities that allow certain scenes, thus taking up a concern with the adjustments of perspective and the architectural construction that are used as flat modules, therefore giving the concept of space a defined artistic meaning.

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Documento Territorial, 2014, acrílico sobre tela, 150 x 150 cm. | Sin Título, 2015, acrílico sobre tela, 40 x 40 cm. | Documento Territorial II, 2015, acrílico sobre tela, 161 x 100 cm. | Sin Título, 2015, acrílico sobre tela, 40 x 40 cm. | Sin Título, 2015, acrílico sobre tela, 40 x 40 cm. / Documento Territorial, 2014, acrylic on canvas, 150 x 150 cm. | Sin Título, 2015, acrylic on canvas, 40 x 40 cm. | Documento Territorial II, 2015, acrylic on canvas, 161 x 100 cm. | Sin Título, 2015, acrylic on canvas, 40 x 40 cm. | Sin Título, 2015, acrylic on canvas, 40 x 40 cm.

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Me interesa volcar, en una imagen, la vulnerabilidad y subjetividad del ser humano ante su entorno y ante sĂ mismo. I am interested in revealing, in an image, the vulnerability and subjectivity of the human being within his environment and himself.

ARTE DIGITAL / DIGITAL ART

jon

jacobsen

Para Jon Jacobsen la cotidianidad se sitúa entre lo real y lo fantástico, aquel punto intermedio que permanece imperceptible ante el ojo humano hasta que sucede un quiebre que lo revele. Este es el momento que busca y que trabaja a través de una metáfora visual que une la captura fotográfica como fiel método para registrar personajes, con una fase experimental que busca descubrir la subjetividad frente su entorno y ante sí mismo. Utilizando distintos softwares digitales, da forma y personaliza los cuerpos en estudio para develar el tejido invisible que contienen dentro las personas. Aquello que explota internamente, exponiendo sentimientos y miedos: eso que inconscientemente se mantiene resguardado bajo la piel. For Jon Jacobsen, everyday events are placed between what is real and what is fantasy, that middle ground that remains unseen by the human eye until there is a break that reveals it. This is the moment that he searches for and works with through a visual metaphor that unites photography, as a faithful method to record people, with an experimental phase that seeks to discover the subjectivity within his surroundings and himself. By using different digital software, he gives life and personifies bodies under study to reveal the invisible tissue found within people. That which he exploits internally by exposing feelings and fears: that which unconsciously remains safe under the skin.

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Empatía - Preludio, 2015, impresión por proyección de tinta, 100 x 60 cm. | Healing, 2014, impresión por proyección de tinta, 150 x 100 cm. | “Sin Título I” Serie El Presente, 2014, impresión por proyección de tinta, 120 x 80 cm. | “Fig. 3” Serie Ínsula, 2015, impresión por proyección de tinta, 120 x 80 cm. | Empatía, 2015, impresión por proyección de tinta, 150 x 100 cm. / Empatía - Preludio, 2015, archival inkjet print, 100 x 60 cm. | Healing, 2014, archival inkjet print, 150 x 100 cm. | “Sin Título I” Serie El Presente, 2014, archival inkjet print, 120 x 80 cm. | “Fig. 3” Serie Ínsula, 2015, archival inkjet print, 120 x 80 cm. | Empatía, 2015, archival inkjet print, 150 x 100 cm.

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En mi obra la tecnolog铆a y naturaleza conviven en equilibrio. Creo que el desarrollo humano y la conservaci贸n del medio ambiente pueden conversar sin restarse uno a otro. In my work, technology and nature coexist harmoniously. I think that human development and the conservation of the environment can converse without undermining one another.

escultura / sculpture

IGNACIO

BAHNA

Erupciones volcánicas y terremotos generan ondas expansivas, palabras claves para comprender la delicada y rigurosa obra de Ignacio Bahna. Pero esta expansión también puede darse con el hombre como punto de partida: mineras, hidroeléctricas, forestales, incendios y antenas evidencian el acto de propagación propio del hombre en la naturaleza. Esta expansión y sus consecuencias, independiente de su origen, produce peligrosos desequilibrios en la estructura medioambiental que habitamos. La obra de Bahna refleja estos fenómenos a través de la forma y del contrapunto material que compone cada intrincada pieza. Es la madera el noble material que el escultor elige para dar vida a estructuras que critican y reflexionan desde la perfección de sus formas. Volcanic eruptions and earthquakes generate expansive waves, key words to understand the delicate and rigorous work of Ignacio Bahna. However that expansion can also occur with man as the starting point: mines, hydroelectric dams, forestry, fires and antennas show the act of man’s self-propagation in nature. That expansion and its consequences, regardless of their origin, produce dangerous unbalances in the environmental structure that we live in. Bahna’s work reflects these phenomena through form and material harmony that make up each intricate piece. Wood is the fine material that the sculptor chooses to give life to structures that criticize and reflect through the perfection of their forms.

Bombeo expansivo, 2013, madera de roble, raulí, coihue, castaño, palo de María, acacia, laurel y ciprés de las Guaitecas, 240 x 110 x 110 cm. | Combustión fósil, 2013, madera quemada, madera de roble y terciada, 130 x 130 x 15 cm. | Acción reacción, 2014, madera de roble, raulí, coihue, castaño, palo de María, melia, laurel y ciprés de las Guaitecas, 115 x 44 x 42 cm. | Puyehue, desintegración cartográfica, 2011, luces LED, madera de araucaria (picoyo), roble, raulí, coihue, laurel, coco y castaño, 300 x 60 x 5 cm. / Bombeo expansivo, 2013, oak, raulí, coihue, chesnut tree, rosewood, acacia, laurel and cypress of the Guaitecas‘ wood, 240 x 110 x 110 cm. | Combustión fósil, 2013, burnt wood, oak wood and plywood, 130 x 130 x 15 cm. | Acción reacción, 2014, oak, raulí, coihue, chesnut tree, rosewood, melia, laurel and cypress of the Guaitecas‘ wood, 115 x 44 x 42 cm. | Puyehue, desintegración cartográfica, 2011, LED lighst, araucaria (picoyo), oak, raulí, coihue, laurel, coconut and chestnut wood, 200 x 60 x 5 cm.

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Lo que busco con mi arte, m谩s que nada, es brindar una emoci贸n sincera y profunda. What I seek with my art, more than anything, is to provide a profound and sincere emotion.

PINTURA / PAINTING

ÁlVARO

IZQUIERDO

Hiperactividad en su límite máximo y creativa irreverencia describen las obras de Álvaro Izquierdo, constituidas a partir de imágenes icónicas, dibujos animados, logos comerciales y un sinfín de colores electrizantes, que saturan sus cuadros desde un estallido fluorescente, mas sin pretender nada, ni intentar agradar. Trabaja un diálogo improvisado y sincero, que fluye atropelladamente por sus venas a través de un viaje por el sinsentido, que muta de una idea a otra, sin quietud. Es creación en su momento pic, corriente de consciencia del artista, lo que provoca un desafío visual, instigador, atrevido y con un toque de humor negro, frente a una sociedad urbana que rebosa de estímulos populares. Hyperactivity in its maximum capacity and creative irreverence describe the work of Álvaro Izquierdo, which is created based on iconic images, animated cartoons, commercial logos and a myriad of electrifying colors which flood his canvases through a fluorescent explosion without expectations or trying to please. He uses an improvised and sincere dialogue that hastily flows through his veins in a journey through what is senseless, that mutates from one idea to another motionlessly. It is creation in its climax, the artist’s stream of consciousness which provokes a visual challenge that is provocative, daring and that has a hint of dark humor, in face of an urban society that is filled to the brim with popular stimuli.

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Sed de Amor, 2013, acrílico sobre tela, 100 x 100 cm. | Gengis Kan, 2014, acrílico sobre tela, 100 x 100 cm. | Dark Reverberation, 2013, acrílico sobre tela, 100 x 100 cm. | Slave to love, 2013, acrílico sobre tela, 100 x 100 cm. | Wisdom Goddess, 2013, acrílico sobre tela, 100 x 100 cm. | Paraíso Distopico, 2013, acrílico sobre tela, 100 x 100 cm. / Sed de Amor, 2013, acrylic on canvas, 100 x 100 cm. | Gengis Kan, 2014, acrylic on canvas, 100 x 100 cm. | Dark Reverberation, 2013, acrylic on canvas, 100 x 100 cm. | Slave to love, 2013, acrylic on canvas, 100 x 100 cm. | Wisdon Goddess, 2013, acrylic on canvas, 100 x 100 cm. | Paraíso Distópico, 2013, acrylic on canvas, 100 x 100 cm.

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Me gustaría provocar cierta extrañeza y seducción estética, seguido de un impulso por plantearse algunas preguntas, como resolviendo un acertijo. I would like to cause a certain aesthetic seduction and strangeness, followed by a drive to pose some questions, like solving a riddle.

NUEVOS MEDIOS / NEW MEDIA

SEBASTIÁN

MAQUIEIRA

Los objetos cotidianos contienen micro relatos que nos hablan de la evolución de las formas, la tecnología y el uso de los materiales a través del tiempo. También develan contextos políticos y transformaciones culturales, pudiendo ser traducidos en clave, como piezas capaces de crear un acertijo en pos de un concepto mayor. Sebastián Maquieira se adentra en esta lectura: a través de planteamientos gráficos, instalaciones e intervenciones, sugiere diálogos e interrogantes que surgen del cruce de las imágenes, creando desajustes visuales y reactivándolas como ejercicio reflexivo. Los resultados contienen un prisma en el que se mezcla la historia y semiótica de los objetos, junto a su potencial poético para producir nuevos signos en torno a la identidad del ser humano. Everyday objects contain mini-stories that tell us about the evolution of forms, technology and the use of materials throughout time. They also reveal political contexts as well as cultural transformations and could be turned into a code, like pieces that are able to create a riddle in search of a bigger concept. Sebastián Maquieira delves into this interpretation: through graphic proposals, installations and interventions, he suggests dialogues and questions that emerge from bringing together images by creating visual imbalances and reviving them as a thoughtful exercise. The results contain a point of view where the history and semiotics of the objects are combined, along with their poetic potential to produce new signs regarding the identity of mankind.

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Cama en llamas 1, 2014, cadenas y fragmentos de monedas sobre terciopelo y panel, 42 x 52 cm. | La fogata (Quemar las cadenas con bisagras), 2015, bisagras y cadenas sobre terciopelo y madera, 128 x 102 cm. | Antorcha, 2014, cadenas y fragmentos de monedas sobre terciopelo y panel, 48 x 65 cm. | El Circo del gran pez, 2014, cadenas y fragmentos de monedas sobre terciopelo y panel, 106 x 142 cm. | Antena, 2014, cadenas sobre terciopelo y panel, 42 x 52 cm. | Bandera, 2014, cadenas y fragmentos de monedas sobre terciopelo y panel, 42 x 52 cm. FotografĂas: Martin Garcia de la Huerta / Cama en llamas 1, 2014, chains and fragments of coins on velvet and panel, 42 x 52 cm. | La fogata (Quemar las cadenas con bisagras), 2014, hinges and chains on velvet and wood, 128 x 102 cm. | Antorcha, 2014, chains and fragments of coins on velvet and panel, 48 x 65 cm. | El Circo del gran pez, 2014, chains and fragments of coins on velvet and panel, 106 x 142 cm. | Antena, 2014, chains on velvet and panel, 42 x 52 cm. | Bandera, 2014, chains and fragments of coins on velvet and panel, 42 x 52 cm. Fotography: MartĂn GarcĂa de la Huerta.

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Pretendo que se pregunten lo mismo que yo: el porqu茅 de la fascinaci贸n por la violencia y el motivo de la naturalizaci贸n de las desigualdades de g茅nero. I hope that people ask the same questions I ask: Why is there a fascination with violence and the motive for the naturalization of gender inequality.

ARTISTA MULTIDISCIPLINAR / MULTIDISCIPLINARY ARTIST

DANIELA

LARA ESPINOZA De familia de mujeres costureras, Daniela Lara ha desarrollado, entre otras disciplinas, la técnica del bordado. A través del uso de mostacillas que juegan el papel de coloridos pixeles ordenadamente dispuestos, la artista se preocupa por plantear cuestionamientos profundos acerca de la fascinación de la cultura postmoderna por la violencia. Específicamente, su obra aborda la violencia simbólica en contra de las mujeres, bombardeada día a día por los medios de comunicación y la publicidad, de manera sigilosa pero totalmente aceptada por la sociedad actual. Sus trabajos lo demuestran a través de crudas expectativas de roles, como por ejemplo la relación de la mujer doméstica y la irónica necesidad de tener productos nuevos de limpieza que las liberen de este trágico y satírico desdén. Coming from a family of seamstresses, Daniela Lara has worked in, among other disciplines, the technique of embroidery. Through the use of beads that play the role of neatly displayed colorful pixels, the artist is concerned about posing profound questions regarding post-modern culture’s fascination with violence. Specifically, her work tackles symbolic violence against women, who are bombarded on a daily basis by the media and advertising in a way that is stealthy but completely accepted by today’s society. Her work shows this through the harsh expectations of roles, such as the relationship of domestic women and the ironic need to have new cleaning products, which free them from this tragic and satirical disdain.

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“Morada”, de Serie Blanca, 2010, bordado con mostacillas sobre tela, 28,5 cm. de diámetro | “Negra”, de Serie Blanca, 2010, bordado con mostacillas sobre tela, 28,5 cm. de diámetro | “Dorada”, de Serie Blanca, 2010, bordado con mostacillas sobre tela, 28,5 cm. de diámetro | Detalle de “Naranja”, de Serie Blanca, 2010, bordado con mostacillas sobre tela, 28,5 cm de diámetro | “Rosada”, de Serie Blanca, 2010, bordado con mostacillas sobre tela, 28,5 cm. de diámetro | “Naranja”, de Serie Blanca, 2010, bordado con mostacillas sobre tela, 28,5 cm. de diámetro / “Morada”, from Serie Blanca, 2010, embroidery with beads on canvas, 28,5 cm. in diameter | “Negra”, from Serie Blanca, 2010, embroidery with beads on canvas, 28,5 cm. in diameter | “Dorada”, from Serie Blanca, 2010, embroidery with beads on canvas, 28,5 cm. in diameter | Detail of “Naranja”, from Serie Blanca, 2010, embroidery with beads on canvas, 28,5 cm. in diameter | “Rosada”, from Serie Blanca, 2010, embroidery with beads on canvas, 28,5 cm. in diameter | “Naranja” from Serie Blanca, 2010, embroidery with beads on canvas, 28,5 cm. in diameter.

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Persiste el interés por el ridículo como signo redundante del ejercicio carente de mensaje, y la técnica depurada como señuelo para el espectador. I am still interested in that which is ridiculous like a redundant indication of practice lacking a message, and refined techniques as a way to lure the viewer to approach the work.

grabado / Printmaking

JOSÉ

PEDREROS PRADO El grabador opera la técnica de la xilografía para retratar mediante la poética y la crítica, conceptos como el ridículo, desde una perspectiva existencialista y cruda que entona con ironía sobre la exageración que plasman los rostros de sus obras. Expresivas muecas son utilizadas por José Pedreros como íconos representativos del fracaso comunicacional, rendidas al uso del gesto. Sus obras despliegan ideas relacionadas al innegable desenlace de las cosas, tan laberíntico y fatídico como la muerte o la extinción. Todas, finalmente, escenas en las que el observador advierte una conclusión, pero aún así permanece en estado de admiración por el placer estético tendido y la experiencia artística que los envuelve. This printmaker uses xylography in order to depict concepts like ridiculousness through poetics and critique from a raw and existentialist point of view that is in tune with irony regarding the exaggeration displayed on the faces in his work. Expressive faces are used by José Pedreros as icons that represent communicational failure, rendered through the use of gesture. His pieces display ideas related to the undeniable outcome of things, as labyrinthine and fateful as death or extinction. In the end they are all scenes in which the viewer comes to a conclusion, but, likewise, must remain in a state of admiration due to the aesthetic pleasure and the artistic experience that they involve.

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“Heroica”, de la serie Mensaje. Señal y ceño, 2013, xilografía monocroma, impresa en papel y enmarcada con vidrio, 110 x 77 cm. | “Fi”, de la serie Mensaje. Señal y ceño, 2013, xilografía monocroma, impresa en papel y enmarcada con vidrio, 110 x 77 cm. | “Ernesto”, de la serie Mensaje. Señal y ceño, 2013, xilografía monocroma, impresa en papel y enmarcada con vidrio, 110 x 77 cm. | “Sin título”, de la serie Mensaje. Señal y ceño, 2013, xilografía monocroma, impresa en papel y enmarcada con vidrio, 77 x 55 cm. | “Sin título”, de la serie Mensaje. Señal y ceño, 2013, xilografía monocroma, impresa en papel y enmarcada con vidrio, 77 x 55 cm. | “Candi”, de la serie Mensaje. Señal y ceño, 2013, xilografía monocroma, impresa en papel y enmarcada con vidrio, 110 x 77 cm. / “Heroica”, from the Mensaje series. Señal y ceño, 2013, monochrome woodcut, printed in paper and framed in glass, 110 x 77 cm. | “Fi”, from the Mensaje series. Señal y ceño, 2013, monochrome woodcut, printed in paper and framed in glass, 110 x 77 cm. | “Ernesto”, from the Mensaje series. Señal y ceño, 2013, monochrome woodcut, printed in paper and framed in glass, 110 x 77 cm. | “Sin título”, from the Mensaje series. Señal y ceño, 2013, monochrome woodcut, printed in paper and framed in glass, 77 x 55 cm. | “Sin título”, from the Mensaje series. Señal y ceño, 2013, monochrome woodcut, printed in paper and framed in glass, 77 x 55 cm. | “Candi”, from the Mensaje series. Señal y ceño, 2013, monochrome woodcut, printed in paper and framed in glass, 110 x 77 cm.

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Me interesa la manera que tenemos de habitar un lugar y los resultados visibles de nuestras ciudades, que se reconstruyen, se corrigen y se acumulan a sĂ mismas. I am interested in how we inhabit a place and the visible results of our cities that are rebuilt, corrected and piled up.

COLLAGE / COLLAGE

FRANCISCA

ELUCHANS

El mundo tridimensional es captado a través del lente con que Francisca Eluchans recorre distintos paisajes explorando sus límites a través de la fotografía. La bidimensionalidad de la imagen obtenida se conjuga en el espacio con calles, edificios, personas y objetos que dan paso al desplazamiento de la fotografía tradicional a través de la construcción de maquetas volumétricas. Las tres dimensiones vuelven a hacerse presentes en un cúmulo de situaciones dispuestas una al lado de la otra, en un verdadero collage de momentos rescatados. De la mano de un mundo inagotable en imágenes e información, la fotógrafa ha creado su propio universo imaginario, único e irrepetible. The three-dimensional world is captured through Francisca Eluchans’ lens as she travels to different landscapes exploring their limits through photography. The two-dimensionality of the captured image is combined in the space with streets, buildings, people and objects that give way to the shift of traditional photography through the construction of volumetric mock-ups. The three dimensions are once again presented in a series of situations displayed one beside the other, in a true collage of revived moments. Through a world with endless images and information, photography has created its own imaginary, unique and a one-of-a-kind universe.

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Detalle de Espacio en Construcción, 2011, collage tridimensional de fotografías de México. 300 x 60 x 60 cm. | Detalle de Nocturno, 2011, collage tridimensional de fotografías, caja de luz, 100 x 60 cm x 25 cm. | En Algún Lugar, 2012, collage tridimensional de fotografías, 300 x 100 x 60 cm. aprox./ Detail of Espacio en Construcción, 2011, three-dimensional collage of Mexico photographs. 200 x 60 x 60 cm. | Detail of Nocturno, 2011, three-dimensional photographs’ collage, light box, 100 x 60 cm x 25 cm. | En Algún Lugar, 2012, three-dimensional photographs’ collage, 300 x 100 x 60 cm. aprox.

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Mi trabajo busca generar tensiones entre una realidad consensuada y la ficci贸n, entre lo personal y lo an贸nimo, entre lo singular y lo colectivo. My work seeks to create tension between an agreed upon reality and fiction, between what is personal and what is anonymous, between singularity and collectivism.

PINTURA / PAINTING

FRANCISCO

PERÓ

Un sinnúmero de imágenes llega a diario nuestra retina, en una incesante competencia por captar la atención. Colores, formas, símbolos, lugares y personas nos hablan directamente e incitan a la acción, entregándonos estímulos que, por su cantidad, se funden peligrosamente entre la realidad y la ficción. En sus pinturas, Francisco Peró toma la información que nos rodea y la encapsula en siluetas solitarias que deambulan por neutros planos de color, en un equilibrado contrapunto entre el mundo de lo real y lo imaginario. Así, pone en evidencia la desvinculación del hombre actual con su entorno y nos alerta del peligro de olvidar nuestro pasado. Su obra es una prueba de que más información no significa más certeza y que, de forma peligrosa, quizás sea totalmente lo contrario. Endless images get in our retina every day, in an incessant competition to capture our attention. Colors, shapes, symbols, places and people directly speak to us and stimulate action, thus giving us stimuli that, due to their quantity, merge dangerously between reality and fiction. In his paintings, Francisco Peró takes the information that surround us and encapsulates it in solitary silhouettes that wander through neutral planes of color in a balanced harmony between the world of what is real and what is imaginary. Thus, he reveals the disassociation of modern day man with his environment and warns us of the dangers of forgetting our past. His work is a test that more information does not mean more certainty and that, dangerously, perhaps it is the complete opposite.

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Survivor of the fittest, 2014, óleo sobre tela 130 x 180 cm. | Sin título, 2015, óleo sobre tela 90 x 110 cm. | Sin título, 2015, óleo sobre tela 90 x 110 cm. | Sin título, 2015, óleo sobre tela 130 x 180 cm. | Survivor of the fittest 3, 2014, óleo sobre tela 100 x 120 cm. | Survivor of the fittest 2. 2014, óleo sobre tela 130 x 180 cm. / Survivor of the fittest, 2014, oil on canvas, 130 x 180 cm. | Sin título, 2015, oil on canvas, 90 x 110 cm. | Sin título, 2015, oil on canvas, 90 x 110 cm. | Sin título, 2015, oil on canvas, 130 x 180 cm. | Survivor of the fittest 3, 2014, oil on canvas, 100 x 120 cm. | Survivor of the fittest 2. 2014, oil on canvas, 130 x 180 cm.

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Todo lo que nos rodea nos representa, de manera que cada creaci贸n del ser humano es fr谩gil, perecedera y limitada. Everything that surrounds us represents us, so each creation from mankind is fragile, perishable and limited.

INSTALACIÓN / INSTALLATION

PILAR

QUINTEROS

A través de múltiples análisis in situ, la artista comparte sus ideas y pone a prueba el argumento de que el imaginario colectivo es una construcción capaz de crear -y creer-, en ficciones detalladamente elaboradas, pero que a la vez resultan frágiles. Para Pilar Quinteros, son una percepción sesgada y personal de cada individuo, por lo que lleva a cabo intervenciones en espacios públicos sobre las que luego reflexiona y registra en video, en un trabajo que representa los cambios y la evolución del contexto urbano desde diferentes miradas. Utilizando técnicas y materiales que ella misma fabrica como utilería-obra, compone acciones que develan un proceso investigativo a partir de lo cotidiano y lo logra conectar el arte con la ciudad y su contexto social. Through several in situ analyses, the artist shares her ideas and tests the argument that collective imagination is a construction that is able to create –and believe- in elaborately created fictional scenes that simultaneously seem fragile. For Pilar Quinteros, they are a biased and personal perception of each individual, which is why she carries out interventions in public spaces which she later reflects on and records with video in work that represents the changes and evolution of the urban context from different viewpoints. By using techniques and material that she creates herself such as work-props, she creates actions that reveal an investigative process through everyday things and she manages to connect art with the city and its social context.

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Restauración I, 2010, video e instalación, 14:42 min. (video) | Pág. 246 Restauración III, 2010, video e instalación, 12:57 min. (video) | Pág.248 Reconstrucción Estación Pirque, 2010, video e instalación, 20:04 min. (video) / Restauración I, 2010, video and installation, 14:42 min. (video) | Page 246 Restauración III, 2010, video and installation, 12:57 min. (video) | Page 248 Reconstrucción Estación Pirque, 2010, video and installation, 20:04 min. (video)

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No me siento identificado con los pintores realistas. Lo que yo tengo es un interĂŠs muy claro en el lenguaje de la pintura. I do not identify with realist painters. What I have is a very clear interest in the language of painting.

PINTURA / PAINTING

GUILLERMO

LORCA

Hay algo que atrae, algo que asusta y algo que seduce en el trabajo de Guillermo Lorca. Un fantasioso y onírico mundo invade las grandes telas que el pintor trabaja incansablemente. Obras enigmáticas, llenas de detalles, son el resultado de un oficio innegable donde forma y concepto se funden indisolublemente y nos hacen parte de la escena que se enfrenta a nuestros ojos, una ficción casi realmente palpable. Su depurada técnica de raíces barrocas encuentra el perfecto matiz contemporáneo en narraciones al óleo que permiten entrever un mundo repleto de sugestiones. Animales, niñas, carne, telas, sangre y comida son parte del imaginario del pintor, quien a través del óleo logra dar vida a escenas que sorprenden por su potente contenido y lenguaje pictórico. There is something appealing, frightening and seductive about Guillermo Lorca’s work. An imaginative and oneiric world invades the huge canvas that the artist tirelessly paints. Enigmatic work, full of detail, is the result of an undeniable profession where form and concept inseparably merge and make us part of the scene in front of our eyes which is an almost palpable fiction. His baroque-based refined technique finds the perfect nuance of contemporaneity in narrations in oil that allow us to catch a glimpse of a world full of suggestions. Animals, girls, flesh, fabrics, blood and food are part of the imagery of the painter, who is able to give life to scenes, through oil painting, that amaze us by their powerful content and pictorial language.

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El Banquete, 2014, óleo sobre tela, 250 x 210 cm. | La alfombra, 2013, óleo, 50 x 60 cm. | Fiesta de disfraces, 2013, óleo, 150 x 300 cm. | La cacería, 2013, óleo, 200 x 150 cm. | Laura de cabeza, 2011, 47 x 60 cm. / El Banquete, 2014, oil on canvas, 250 x 210 cm. | La alfombra, 2013, oil, 50 x 60 cm. | Fiesta de disfraces, 2013, oil, 150 x 300 cm. | La cacería, 2013, oil, 200 x 150 cm. | Laura de cabeza, 2011, 47 x 60 cm.

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No muestro obras inconclusas. En el hiperrealismo, s贸lo se logra ese momento cuando todos los elementos est谩n correctamente acabados. I do not exhibit unfinished work. In hyperrealism, you only accomplish that visual moment when all of the elements are finished right.

PINTURA / PAINTING

NICOLÁS

radic

Bajo el pincel de Radic, bolsas, plásticos y aluminios adquieren existencia propia. Materiales cotidianos, muchas veces obviados e ignorados, se transforman en obras de arte mediante un juego de luces, pliegues y ritmo. Los objetos pintados al óleo, atrapan y reflejan luz. La fotografía es la herramienta capaz de congelar momentos para hacerlos únicos. Luego de ésta, es la pintura al óleo el paso siguiente en el camino de la representación que elige el artista, quien reinterpreta la maqueta fotográfica y la utiliza para entender de mejor manera la forma en que el material responde a la luz. Lo fundamental en las composiciones de Nicolás Radic es la forma en que descontextualiza los materiales y les resta toda carga anecdótica, transformando cada obra en una unidad autónoma con significancia propia. Through Radic’s brushes, plastic and aluminum take on a life of their own. Everyday materials, which are often overlooked and ignored, are transformed into works of art through a game of lights, folds and rhythm. The oil painted objects catch and reflect light. Photography is the tool that is able to freeze moments to make them unique. After this, painting is the next step in the path of representing what the artist chooses, who reinterprets the photographic model and uses it to better understand the way in which the material responds to light. What is fundamental in Nicolás Radic’s compositions is the way in which he decontextualized the materials and diminishes their anecdotal burden charge, thus transforming each piece into a unit that is autonomous with its own meaning.

Aluminio, 2015, óleo sobre tela, 180 x 120 cm. | Plástico Negro, 2015, óleo sobre tela, 180 x 120 cm. | Chatarra, 2013, óleo sobre tela, 120 x 80 cm. | Plástico Burbujas, 2014, óleo sobre tela, 180 x 120 cm. | Aluminio, 2014, óleo sobre tela, 180 x 120 cm. | Plástico Transparente sobre azul, 2013, óleo sobre tela, 180 x 120 cm. / Aluminio, 2015, oil on canvas, 180 x 120 cm. | Plástico Negro, 2015, oil on canvas, 180 x 120 cm. | Chatarra, 2013, oil on canvas, 120 x 80 cm. | Plástico Burbujas, 2014, oil on canvas, 180 x 120 cm. | Aluminio, 2014, oil on canvas, 180 x 120 cm. | Plástico Transparente sobre azul, 2013, oil on canvas, 180 x 120 cm.

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Trabajo con la libertad, el cambio, la transformaci贸n y la reinvenci贸n. I work with freedom, change, transformation and reinvention

ILUSTRACIÓN / ILLUSTRATION

FABIÁN

CIRAOLO

Desde pequeño, Fabián Ciraolo descubrió que su mejor forma de expresión era a través del lápiz. Siempre girando en torno al dibujo, la pintura y la ilustración, desarrolló una estética propia con toques vintage que hoy se ha convertido en su sello. Figuras ícono del siglo XX, superhéroes y personajes que surgen de su imaginación se enfrentan al espectador, en una explosión de color imposible de pasar por alto. Todo parte de una idea, una conversación, una imagen. Luego, decenas de bocetos a mano arman una nueva composición que se termina de editar digitalmente. Su libertad creativa se materializa en obras que transmiten energía y constante renovación, buscando siempre capturar nuestra atención y descubrir las historias que hay detrás de cada enigmático protagonista. At a young age, Fabián Ciraolo discovered that his best form of expression was through pencil. Always revolving around drawing, painting and illustration, he developed his own aesthetic quality with vintage overtones that today have become his calling card. Iconic 20th century figures, superheroes and characters that arise from his imagination confront the viewer in an explosion of color that is impossible to overlook. Everything starts with an idea, a conversation, an image. Later, dozens of hand drawn sketches construct a new composition that is edited digitally. His creative freedom is embodied in pieces that convey energy and constant renovation while always seeking to capture our attention and discover the stories that lie behind each enigmatic protagonist.

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Dorothy, 2012, ilustración digital | Chaplin, 2013, ilustración digital | Welcome to heaven II, 2015, ilustración digital | Sid, 2014, ilustración digital | The end is near, 2011, ilustración digital | Welcome to heaven, 2011, ilustración digital / Dorothy, 2012, digital illustration | Chaplin, 2013, digital illustration | Welcome to heaven II, 2015, digital illustration | Sid, 2014, digital illustration | The end is near, 2011, digital illustration | Welcome to heaven, 2011, digital illustration.

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Mi trabajo se sumerge en un mundo aleg贸rico y personal, priorizando siempre el poder de la imaginaci贸n, la irrealidad y las emociones. My work exhibits a proposal submerged in an allegorical and personal world while always giving priority to the power of imagination, fantasy and emotions.

ILUSTRACIÓN / ILLUSTRATION

NORKA

LEPILEO

Las ilustraciones de Norka Lepileo son el resultado de experiencias recolectadas de múltiples orígenes. Ideas, sueños y vivencias se unen en un solo trazo, al igual que un rompecabezas que sólo se completa cuando la última pieza ha sido puesta. El resultado son obras cargadas de fantasía e imaginación, donde llamativas figuras se fusionan con imágenes del reino animal en un juego incesante de color. Cada personaje carga su historia a cuestas, una historia en la que el espectador se proyecta según sus propias vivencias; un puente que conecta el mundo real con el mágico universo que estos seres habitan. Las ilustraciones de la artista recolectan momentos que existen en nuestras mentes y, por qué no, también en algún recóndito lugar de este planeta. Nokra Lepileo’s illustrations are the result of experiences gathered from several sources. Ideas, dreams and experiences are brought together in a single drawing, just like a puzzle that can only be put together when the last piece has been placed. The results are pieces that are loaded with fantasy and imagination, where striking figures are combined with images from the animal kingdom in an incessant game of color. Each character carries his story on his back. It is a story where the viewer is projected according to their own experiences; a bridge that connects the real world with the magical universe that these beings inhabit. The artist’s illustrations bring together moments that exist in our minds and also in some distant place on this planet.

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Amaro, 2014, ilustración, policromos, acrílico sobre papel, 21 x 29,7 cm. | Dorkas, 2014, ilustración, policromos, acrÍlico sobre papel, 21 x 29,7 cm. | Sin título, 2015, ilustración, policromos y acuarela sobre papel, 21 x 29,7 cm. | Visil, 2014, ilustración, policromos sobre papel, 21 x 29,7 cm. | Yui, 2014, ilustración, policromos sobre papel, 21 x 29,7 cm. | Wilbur, 2014, ilustración, policromos sobre papel, 21 x 29,7 cm. / Amaro, 2014, illustration, polychromes, acrylic on paper, 21 x 29,7 cm. | Dorkas, 2014, illustration, polychromes, acrylic on paper, 21 x 29,7 cm. | Sin título, 2015, illustration, polychromes and watercolor on paper, 21 x 29,7 cm. | Visil, 2014, illustration, polychromes on paper, 21 x 29,7 cm. | Yui, 2014, illustration, polychromes on paper, 21 x 29,7 cm. | Wilbur, 2014, illustration, polychromes on paper, 21 x 29,7 cm.

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Mis obras se suscitan a partir del coleccionismo dom茅stico con lo patrimonial, rescatando lo que yo llamo la relicarizaci贸n secular. My works arise starting from domestic collections, mixed with heritage, thus rescuing what I call secular relicarization.

diorama / diorama

PÍA

ALDANA

Desde una peculiar técnica plástica, la artista reflexiona en torno al habitar como un proceso intrínseco, automático y bello, que luego admira y exhibe en pequeñas vitrinas, hasta hacerlo arte. Se trata de espacios domésticos elaborados por medio de dioramas miniatura que reconstruyen habitaciones en escala, aduciendo a la idea de ellas como relicarios. A través de sus diminutas manillas, camas y libros, Pía Aldana relata el poder de resignificación que se le otorga a ciertos objetos albergados en estos sitios personales, como una especie de coleccionismo cotidiano o arqueología casera, que transfigura los valores originales y anida un inventario del imaginario propio e íntimo. From a peculiar plastic technique, the artist reflects upon the dwelling like an intrinsic process, automatic and beautiful. Afterwards she admires and displays them in small showcases, until she creates art. It’s about domestic spaces made by miniature dioramas that reconstruct rooms to scale, expressing her ideas as relics. Through her tiny handles, beds and books, Pia Aldana relates the powerful new meaning that is given to certain objects housed in personal sites, like a kind of everyday collection or household archeology, which transfigures the original values and creates an intimate and personal imagery.

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Relato de habitación 10: La casa trasera Réplica de una de las habitaciones de mi infancia, diorama miniatura, luz interna y atingente al espacio. vitrina contenedora, escala de construcción 1:125, 18.5 x 26 x 31.5 cm. | Detalle de la obra Relato de habitación 11: De vuelta a los Castaños, diorama miniatura, luz interna y atingente al espacio, vitrina contenedora, escala de construcción 1:125, 18.5 x 26 x 31.5 cm. | Relato de habitación 1: La habitación de la infanciaRéplica de una de las habitaciones de mi infancia, diorama miniatura, luz interna y atingente al espacio. vitrina contenedora, escala de construcción 1:125, 18.5 x 26 x 31.5 cm. | Relato de habitación 31: La casa de Hansel y Gretel Réplica de una de las habitaciones de mi infancia, diorama miniatura, luz interna y atingente al espacio. vitrina contenedora, escala de construcción 1:125, 18.5 x 26 x 31.5 cm. | Jardín de interior III: La vertiente que inunda y los nietos, Jardín de Judy Alburquerque, diorama miniatura, luz interna y atingente al espacio, vitrina contenedora, escala de construcción 1:125, 31 x 29 x 18 cm. | Jardín de interior VI: La quietud protectora, Jardín de Ivonne Vasquez, diorama miniatura, luz interna y atingente al espacio, vitrina contenedora, escala de construcción 1:125, 31 x 29 x 18 cm. / Relato de habitación 10: La casa trasera, Replica of one of the rooms of my childhood, miniature diorama, internal light according to the space, container cabinet. Scale construction 1:125, 18.5 x 26 x 31.5 cm. | Detail of Relato de habitación 11: De vuelta a los Castaños, miniature diorama, internal light according to the space, container cabinet. Scale construction 1:125, 18.5 x 26 x 31.5 cm. | Relato de habitación 1: La habitación de la infancia, Replica of one of the rooms of my childhood, miniature diorama, internal light according to the space, container cabinet. Scale construction 1:125, 18.5 x 26 x 31.5 cm. | Relato de habitación 31: La casa de Hansel y Gretel, Replica of one of the rooms of my childhood, miniature diorama, internal light according to the space, container cabinet. Scale construction 1:125, 18.5 x 26 x 31.5 cm. | Jardín de interior III: La vertiente que inunda y los nietos, Judy Alburquerque’s garden, miniature diorama, internal light according to the space, container cabinet. Scale construction 1:125, 31 x 29 x 18 cm. | Jardín de interior VI: La quietud protectora, Ivonne Vasquez garden, miniature diorama, internal light according to the space, container cabinet. Scale construction 1:125, 31 x 29 x 18 cm.

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álvaro izquierdo . andrea rodríguez vial . cecilia avendaño . celine reymond . constanza ragal . fabián ciraolo . felipe achondo . felipe cusicanqui . francisca eluchans . francisca valdivieso . francisco peró . inti . guillermo lorca . inti . jon jacobsen . JOSÉ PEDREROS PRADO . josé benmayor . josé cori . josé pedro godoy . joséromussi.juanagómez.martínkaulen.monolira nicolas radic . norKa lepileo . pilar quinteros .YISA sebastián maquIeira . tan vargas . yisa . JOSÉ CORI margarita dittborn . martin avendaño . maria luisa murillo . álvaro izquierdo . andrea rodríguez vial . cecilia avendaño . celine reymond . constanza ragal fabián ciraolo . felipe achondo . felipe cusicanqui . francisca eluchans . francisca valdivieso . guillermo lorca . inti . ignacio bahna . jon jacobsen . yisa . josé benmayor . josé cori . josé pedro godoy . daniela lara joséromussi.INTI.juanagómez.martínkaulen.monolira nicolas radic . norKa lepileo . pilar quinteros . inti . sebastián maquIeira . tan vargas . yisa . FRANCISCO PERÓ margarita dittborn . martin avendaño . maria luisa murillo.fabiánciraolo.píaaldana.catalinapérezwagner josépedrerosprado.juanagómez.martínkaulen.yisa

álvaro izquierdo . andrea rodríguez vial . cecilia avendaño . celine reymond . constanza ragal . fabián ciraolo . felipe achondo . felipe cusicanqui . francisca eluchans . francisca valdivieso . francisco peró . inti guillermo lorca . inti . jon jacobsen . JOSÉ PEDREROS PRADO . josé benmayor . josé cori . josé pedro godoy joséromussi.juanagómez.martínkaulen.monolira nicolas radic . norKa lepileo . pilar quinteros .YISA sebastián maquIeira . tan vargas . yisa . JOSÉ COR margarita dittborn . martin avendaño . maria luisa murillo . álvaro izquierdo . andrea rodríguez vial cecilia avendaño . celine reymond . constanza raga . fabián ciraolo . felipe achondo . felipe cusicanqui francisca eluchans . francisca valdivieso . guillermo lorca . inti . ignacio bahna . jon jacobsen . yisa . josé benmayor . josé cori . josé pedro godoy . daniela lara joséromussi.INTI.juanagómez.martínkaulen.monolira nicolas radic . norKa lepileo . pilar quinteros . inti sebastián maquIeira . tan vargas . yisa . FRANCISCO PERÓ . margarita dittborn . martin avendaño . maria luisa murillo.fabiánciraolo.píaaldana.catalinapérezwagner josépedrerosprado.juanagómez.martínkaulen.yisa

Biografías Biographies

ÁLVARO IZQUIERDO, 1982

pág. 194

Licenciado en artes plásticas con mención en pintura de la Universidad Finis Terrae. Realizó un intercambio en la Escuela de Artes de la Universidad de Guadalajara en Jalisco, México, y un Summer School en The Prince of Wales Royal Drawing School en Londres, Inglaterra. Ha expuesto individualmente en Santiago en Galería The Art Walk, Casa taller Atahualpa, Galería Cecilia Palma y Galería Moto, y en Londres en The Foundry. Ha participado en una serie de muestras colectivas, entre las que destacan “Ciclo arte joven” en Galería Trece, “La familia Manson” en Espacio Opening y “Exposición colectivo de arte Gang Bang” en Galería de arte cu4tro, todas en Santiago, y en México en la muestra “Encuentro cercano de tres tipos” llevada a cabo en L.A.R.V.A, Guadalajara. izquierdo.v@gmail.com / Izquierdo graduated in Plastic Arts with a mention in Painting from the Universidad Finis Terrae. He made an exchange at the Art School of the Universidad de Guadalajara in Jalisco, Mexico, and Summer School at The Prince of Wales Royal l Drawing School in London, England. He has individually exposed in Santiago at The Art Walk Gallery, the Casa Taller Atahualpa, the Cecilia Palma Gallery, the Moto Gallery, and at The Foundry in London. Izquierdo has participated in a series of collective displays, where he was highlighted in “Ciclo arte joven” at the Trece Gallery, “La familia Manson” at the Espacio Opening and “Exposición colectivo de arte Gang Bang” at the Cu4tro art gallery, all in Santiago. In Mexico he was highlighted in the exhibition called “Encuentro cercano de tres tipos” and performed at the L.A.R.V.A, Guadalajara. izquierdo.v@gmail.com

ANDREA RODRÍGUEZ VIAL, 1983

pág. 82

Artista visual egresada de la Universidad Católica de Chile, con curso avanzado en escultura y modelado de figura humana en la Universidad de Granada, España. En 2015 realizó un Tutorial Bloc en Santiago. Ha exhibido su trabajo en Chile en Galería Madhaus y FAXII, además de concursos como Cabeza de Ratón y Arte Balmaceda Joven. A éstos se suma el concurso Bank Boston, mediante el cual participó con una exposición colectiva en Galería Isabel Aninat. Internacionalmente su obra ha sido expuesta en la Bienal de Venecia y en la feria ARDI en Buenos Aires. www.andrearodriguezvial.com / Visual artist graduated from the Universidad Católica de Chile and with an advanced course of sculpture and human figure modeling from the Universidad Católica de Granada, Spain. In 2015 she performed a Bloc Tutorial in Santiago. She has exhibited her work in Chile at Madhaus Gallery and FAXII, and also in contests like Cabeza de Ratón and Arte Balmaceda Joven. The Bank Boston Contest was also added to them throughout which a collective exhibition at Isabel Aninat Gallery. Her work has been exposed internationally in the Venice Biennial and at the ARDI fair in Buenos Aires. www.andrearodriguezvial.com

CATALINA PÉREZ WAGNER, 1990

pág. 18

Licenciada en arte con minor en diseño integral de la Pontificia Universidad Católica de Chile. En 2013 estudió en el Central Saint Martins School of Art and Design y en The Art Academy, Londres. Ha exhibido su obra en numerosas exposiciones en Chile en espacios como Casas de Lo Matta, Estación Mapocho, Casona Cultural de Panguipulli y Galería oOps. www.catalinaperezw.com / Wagner received a Bachelor in Arts with a Minor in Integral Design from the Pontificia Universidad Católica de Chile. In 2013, she studied at the Central Saint Martin’s School of Art and Design and at the Art Academy in London. She has exhibited her work in various expositions in Chile in spaces such as, Casas de Lo Matta, the Estación Mapocho, the Casona Cultural de Panguipulli and the oOps Gallery. www.catalinaperezw.com

CECILIA AVENDAÑO, 1980

Foto: Cristobal Marambio

pág. 90

Licenciada en artes visuales con mención en fotografía de la Universidad de Chile. Su trabajo ha sido exhibido en numerosas exposiciones colectivas en Chile y el extranjero. Destacan sus muestras individuales en Sala Cero de Galería Animal, Museo Nacional de Bellas Artes, sus participaciones en BAC! Festival en MACBA Barcelona, el Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Chile y el Centro Cultural Borges en Buenos Aires, Argentina, Bienal internacional de Arte Santa Cruz, Bolivia, así como diversas participaciones en ferias nacionales e internacionales de arte contemporáneo. Ha sido seleccionada en tres ocasiones por el Fondo Nacional del Desarrollo Cultural y las Artes, fue seleccionada para representar a Chile en Foto Week DC. en Washington EE.UU. www.ceciliavendano.cl / Avendano got a Bachelor in Visual Arts with a mention in Photography from the Universidad de Chile. Her work has been exhibited in numerous collective expositions in Chile and abroad. Her most highlighted individual works are the ones in the Sala Cero at the Animal Gallery, the National Museum of Fine Arts, her attendance to the BAC!, the MACBA’s Festival in Barcelona, the Modern Art Museum from the Universidad de Chile, the Borges Cultural Center in Buenos Aires, Argentina, and in the international Art Biennial from Santa Cruz. In three opportunities, she has been chosen by the National Fund for the Development of Culture and the Arts FONDART; she was also chosen to represent Chile in Foto Week DC, Washington, USA. www.ceciliavendano.cl

CELINE REYMOND, 1982

pág. 58

Actriz, artista visual y música. Egresada de teatro de la Escuela Internacional del Gesto y la Imagen de la Mancha. Música innata y autodidacta, se desarrolla en este ámbito bajo el nombre artístico de Kali Mutsa. Tomó cursos de edición digital con la profesora Paulina Giustinianovich. Además, cursó un taller de acuarela con Maria Eugenia Terrazas. Ha expuesto su obra en la muestra “Crayola”, en enero de 2014 y “Otro mundo”, en abril de 2015. kalimutsa@gmail.com / Actress, visual artist and musician. Reymond graduated in Drama from the Escuela Internacional del Gesto y la Imagen de la Mancha. As a natural musician, she has self-taught herself in this area under her artistic name of Kali Mutsa. She attended Digital edition classes with the teacher Paulina Giustinianovich. She also attended an Aquarelle workshop with Maria Eugenia Terrazas. She has exposed her work at the “Crayola” (Crayon) display in January, 2014, and at the “Otro mundo” (other world) in April, 2015. kalimutsa@gmail.com

CONSTANZA RAGAL, 1982

pág. 106

Artista visual, directora de la Galería Madhaus y profesora ayudante del artista Gonzalo Cienfuegos en la cátedra de pintura de la Universidad Católica de Chile. Cursó también un diplomado en cine y en arte con mención en pintura y un curso de guión con el escritor mexicano Guillermo Arriaga. Ha expuesto en Chile en el Museo Nacional de Bellas Artes, en las ferias de artistas FAXXI y Ch.ACO, en la Galería Madhaus y en la Galería Centex CNCA de Valparaíso. En el extranjero, su obra ha sido expuesta en Argentina, Brasil, México, Italia y Corea. Ha obtenido múltiples premios y reconocimientos como Fondart, Silver Award Show Artist y el premio a BP Portrait Award de la National Portrait Gallery en Londres, entre otros. www.contyragal.cl / A Visual Artist, the Director of the Madhaus Gallery and an Assistant Professor for the artist Gonzalo Cienfuegos in the Painting Chair at the Universidad Católica de Chile. Ragal also has a Diploma in Cinema and Art with a mention in Painting, and a script course with the Mexican writer Guillermo Arriaga. She has exhibited in Chile at the National Museum of Fine Arts, at the art fairs FAXXI and Ch.ACO, in the Madhaus Gallery and the Centex CNCA Gallery of Valparaíso. Her work has been exhibited abroad in Argentina, Brazil, Mexico, Italy and Korea. She has obtained various prizes and awards such as, Fondart, the Silver Award Show Artist and the BP Portrait Award from the National Portrait Gallery in London, among others. www.contyragal.cl

DANIELA LARA ESPINOZA, 1983

Foto: Cici Rivarola

pág. 210

Licenciada en arte de la Pontificia Universidad Católica de Chile, Magíster en artes y Diplomado en Gestión Cultural de la misma casa de estudios, Magíster en Estudios de Género y Cultura en América Latina de la Universidad de Chile. Su obra ha sido expuesta en espacios como el Centro Cultural Recoleta, Museo de Artes Visuales de Santiago, Galería Temporal, Centro Cultural Agustín Ross, entre otros. Fue reconocida con una Mención Honrosa del Premio Arte Joven Contemporáneo, MAVI/Minera Escondida. www.danielalaraespinoza.wordpress.com / Espinoza graduated in Arts from the Pontificia Universidad Católica de Chile with a Masters degree in Arts and a also holds a Diploma in Cultural Management from the same university. She also has a Masters degree in Gender and Culture in Latin America Studies from the Universidad de Chile. Her work has been exposed in spaces such as the Recoleta Cultural Center, the Museum of Visual Arts of Santiago, the Temporal Gallery, the Agustín Ross Cultural Center, among others. She was awarded with an Honors Mention from the Arte Joven Contemporáneo Award, MAVI/ Escondida Mine. www.danielalaraespinoza.wordpress.com

FABIÁN CIRAOLO, 1980

pág. 266

Estudió ilustración en la Universidad del Pacífico. Su trabajo ha sido exhibido en Chile, Argentina, México y Estados Unidos, destacando dos solo shows en Gauntlet Gallery, San Francisco, y muestras individuales en Buenos Aires y Córdoba. En Santiago ha exhibido colectivamente en diversas oportunidades. Su obra forma parte de la colección de Gauntlet Gallery, San Francisco. Ha participado en conferencias de ilustración y realizó una series de diseños para una colección especial de la marca Foster. www.fabciraolo.com / Ciraolo studied Illustration at the Universidad del Pacífico. His work has been exhibited in Chile, Argentina, Mexico, and in the United States, He was highlighted in two solo shows in the Gauntlet Gallery, San Francisco, and individual displays in Buenos Aires and Córdoba. He has collectively exhibited in many opportunities in Santiago. His work is part of the collection in the Gauntlet Gallery, San Francisco. He has participated in illustration meetings and made a series of designs for a special collection for the brand Foster. www.fabciraolo.com

FELIPE ACHONDO,1982

pág. 66

Artista autodidacta con estudios en diferentes talleres de artistas nacionales y extranjeros. Se perfeccionó con cursos de anatomía y modelado en barro de figura humana en Buenos Aires, Argentina. Ha expuesto individualmente en Galería TRECE y colectivamente en distintas oportunidades, entre las que destaca la exposición “ELBOSQUE”, en colaboración con el fotógrafo nacional Ignacio Rojas en la Galería Mundo Sur, Santiago de Chile. Su trabajo ha sido publicado en “Catapult art magazine” y el libro “Studio Visit Art Book”, curado por Trevor Richardson, ambos en Estados Unidos. www.felipeachondo.com / Achondo is a self-taught artist with studies in different studios from national and international artistsas well as cursos of anatomy and clay modeling of human figures in Buenos Aires, Argentina. He has individually exhibited in the TRECE Gallery and collectively in many opportunities. One of the most important being the exposition “ELBOSQUE” in collaboration with the Chilean photographer Ignacio Rojas at the Mundo Sur Gallery, Santiago de Chile. His work has been published in the “Catapult Art magazine” and in the book “Studio Visit Art Book”, curated by Trevor Richardson, both in the United States. www.felipeachondo.com

FELIPE CUSICANQUI, 1977

pág. 154

Licenciado en arte con mención en pintura de la U. Finis Terrae. Ha participado en más de veinte muestras colectivas en Chile y el extranjero, y en una decena de exposiciones individuales, entre las que destacan “Perro Negro” en Galería Florencia Loewenthal, que le valió una nominación a los premios Altazor; “Lo Que Presentía Mientras Holgazaneaba Sobre La Hierba” en la Sala SAM, ganadora de un Fondart; “Encomienda” y “La Siembra”(2011), ambas en Galería Patricia Ready. Ha sido reconocido con el Premio Bicentenario, III Concurso de Arte Joven del MAVI y el premio Premio AICA (Asociación Internacional de Críticos de Arte), entre otros. Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas en Chile, Suecia, EE.UU., Brasil, España, Francia, Inglaterra y Suiza. www.galeriapready.cl / He got Bachelor in Art with a mentionin painting from the Universidad Finis Terrae. He has participated in more than twenty collectives displays in Chile and abroad, and in individual exhibitions, where he displayed “Perro Negro” (Black Dog) in the Florencia Loewenthal Gallery, which earned him a nomination for the Altazor awards; “Lo Que Presentía Mientras Holgazaneaba Sobre La Hierba” (What I sensed while I was lazing on grass) at the Sala SAM, winner of a Fondart; “Encomienda” (Duty) and “La Siembra”(The sowing) in 2011, both at the Patricia Ready Gallery. He has been recognized with the Bicentenario Award, the Arte Joven 3rd Contest at the MAVI and with the AICA Award (Association Internationale des Critiques d’Art), among others. www.galeriapready.cl

FRANCISCA ELUCHANS, 1984

pág. 226

Licenciada en arte de la Universidad Católica de Chile, con cursos y talleres de especialización en Argentina. Ha expuesto colectivamente en Chile, Perú, México, Argentina e Italia y en ferias de arte como Ch.ACO, ArteBA y Lima Photo. Individualmente ha expuesto en Chile en Galería Isabel Aninat, Galería Cellar, Galería Bech, Sala Gasco y Centro Cultural Recoleta. Ha sido reconocida con una mención honrosa en el IV Concurso de Arte Joven MAVI Bicentenario y fue ganadora de una beca de residencia artística para creadores de Iberoamérica de Haití en México. Seleccionada para la muestra “12x12, voces nuevas” de AICA, en conjunto con la Escuela de Arte de la Universidad Finis Terrae. Su obra permanece como colección permanente en el Centro de las Artes, San Luis de Potosí, México. www.franciscaeluchans.com / Eluchans received a Bachelor in Arts from the U. Católica de Chile, with specialization courses and workshops in Argentina. She has collectively exposed in Chile, Peru, Mexico, Argentina and Italy, and in art fairs like Ch.ACO, ArteBa and Lima Photo. She has exposed individually in Chile at the Isabel Aninat Gallery, the Cellar Gallery, the Bech Gallery, the Sala Gasco, and the Recoleta Cultural Center. Eluchans has been recognized with an Honorable Mention at the 4th Arte Joven MAVI Bicentenario contest and won an artistic residence grant from the Ibero-American creators from Haiti in Mexico. She was chosen for the “12x12, voces nuevas” exhibition from the AICA, in partnership with the Art School of the Universidad Finis Terrae. Her work remains as a permanent collection at the Centro de las Artes, San Luis de Potosí, Mexico. www.franciscaeluchans.com

FRANCISCA VALDIVIESO

pág. 138

Licenciada en artes visuales de la Universidad Católica de Chile. Su trabajo ha sido expuesto en diversas oportunidades en Chile y también en Inglaterra y Alemania. Ha participado en ferias de arte contemporáneo como Ch.ACO, Summa, Pinta y ArteBA. Su obra es parte de la colección del Keramikmuseum Westerwald, Höhr-Grenzhausen, Alemania, y de una serie de colecciones privadas en Chile. www.franciscavaldivieso.com / Valdivieso earned a Bachelor in Visual Arts from the Universidad Católica de Chile. Her work has been exposed in many opportunities in Chile and also in England and Germany. She has participated in modern art fairs like Ch.ACO, Summa, Pinta and ArteBA. Her work is part of the Keramikmuseum Westerwald, Höhr-Grenzhausen, Germany, and is part of a series of private collections in Chile. www.franciscavaldivieso.com

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FRANCISCO PERÓ, 1981

pág. 234

Egresado de artes visuales de la Universidad Finnis Terrae con mención en pintura. Realizó cursos de pintura con Carlos Salazar y cursos de pintura de figura humana en la Universidad Católica de Chile, además de haber pasado años en clases particulares. Su obra ha sido expuesta individualmente en Galería Isabel Aninat, Galería Matthei y en la sala de exhibiciones Amigos del Arte. Ha participados en diferentes ferias como Art Lima, Ch.ACO, SUMA, ArteBA, JUSTMAD, entre otras, además de diferentes exposiciones colectivas tanto en Chile como en el extranjero. Su obra ha formado parte de múltiples publicaciones y pertenece a la colección Sayago & Pardon y colección del Deutsche Bank, entre otras. www.franciscopero.com / Peró graduated in Visual Arts from the Universidad Finnis Terrae with a mention in painting. He attended painting classes with Carlos Salazar and human figure painting courses at the Universidad Católica de Chile, besides the fact that he has spent years in private classes. His work has been individually exposed in the Isabel Aninat Gallery, the Matthei Gallery, and in the exhibition room at Amigos del Arte. Peró has participated in various art fairs such as, Art Lima, Ch.ACO, SUMA, ArteBA, and JUSTMAD, among others. He has also exhibited in different collective expositions in Chile and abroad. His work has been a part of multiple publications and belongs to the Sayago & Pardon collection as well as to the Deutsche Bank collection, among others. www.franciscopero.com

GUILLERMO LORCA, 1984

pág. 250

A los 16 años inicia su formación artística con el pintor Sergio Montero y en 2002 participó en exposiciones colectivas del Salón Nacional de Bellas Artes. Luego estudió Licenciatura en Artes en la Pontificia Universidad Católica de Chile, carrera que abandonó para buscar su propia formación. Después de su primera exposición individual en Galería Matthei, pasó una temporada como aprendiz y asistente en el taller del artista noruego Odd Nerdrum. Ha realizado muestras individuales en Sala de Arte CCU, Hilario Galguera en México D.F. y el Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago. Realizó cuatro obras de gran formato para la Estación Baquedano del Metro de Santiago. Su trabajo ha sido premiado por la Sociedad Nacional de Bellas Artes en dos oportunidades, entre otros reconocimientos. www.guillermolorca.com / When Lorca was 16 years old, he started his artistic studies with the painter Sergio Montero and in 2002 he participated in collective exhibitions at the Salón Nacional de Bellas Artes. After that, he studied a Bachelor in Art from the Pontificia Universidad Católica de Chile, a career that he quit to find and develp his own education. After his first individual exhibition at the Matthei Gallery, he spent a season as a trainee and assistant at the atelier of the Norwegian artist Odd Nerdrum. He has performed individual exhibitions at the Sala de Art CCU, Hilario Galguera in Mexico D.F. and at the National Museum of Fine Arts in Santiago de Chile. He made four big format works for the Baquedano Metro Station in Santiago. His work has been awarded by the National Society of Fine Arts in two opportunities, among other recognitions. www.guillermolorca.com

IGNACIO BAHNA, 1980

pág. 186

Cursó estudios de bellas artes en Barcelona, España, recibiendo dos veces consecutivas la Beca de Matrícula de Honor a la distinción académica de la Universidad de Barcelona. Desde el 2001 ha expuesto su trabajo en numerosas muestras colectivas e individuales tanto en Chile como en el extranjero y ha participado en festivales y ferias de arte contemporáneo como Volta 9 Basel, Pinta Nueva York, Jugada a 3 bandas Madrid, Artlima, Ch.ACO, entre otras. Sus obras se pueden ver en países como Chile, Suiza, Estados Unidos, Perú y España. www.ignaciobahna.cl / Bahna studied Fine Arts in Barcelona, Spain, getting the Honor’s Award to the academic distinction grant two times in a row at the Universidad de Barcelona. Since 2001, he has exposed his work in numerous collective and individual displays in Chile and abroad, and he has participated in modern art festivals and fairs like Volta 9 Basel, Pinta Nueva York, Jugada a 3 bandas, Madrid, Artlima, and Ch.ACO, among others. His works can be appreciated in countries such as Chile, Switzerland, U.S.A, Peru, and Spain. www.ignaciobahna.cl

INTI, 1982

pág. 162

Comenzó a los catorce años pintando murallas en las calles de La Serena. Hoy, ha pintado más de 70 murales en lugares como el Líbano, Noruega, Bolivia, Polonia, Puerto Rico, Francia, Chile y Canadá, entre otros. Una de sus principales obras es un mural de 47 metros de alto, pintado en una torre de 16 departamentos en el centro de París. Su extensa obra fue recopilada en el libro titulado “Inti”, lanzado a principios de 2015. castro.inti@gmail.com / When Inti was 14, he started painting walls on the streets in La Serena. Today, he has painted more than 70 walls in places such as, El Libano, Norway, Bolivia, Poland, Puerto Rico, France, Chile and Canada, among others. One of his main works is a 47-meter high wall, painted on a 16 story building in the center of Paris. His extensive work is gathered in “Inti”, a book released in early 2015. castro.inti@gmail.com

JON JACOBSEN, 1989

pág. 178

Diseñador gráfico con mención en comunicación multimedia y artista autodidacta. Ha expuesto su trabajo en países como Chile, Suiza, Francia y España. Ha obtenido múltiples premios y reconocimientos a lo largo de su carrera artística, entre los que se encuentran el haber sido destacado por Vogue.it en su “Fotografía del día” durante el año 2011. Ese mismo año Dazed&Confused Magazine lo nombró como artista revelación del año en “Satellite Voices”. Además, The Creators Project lo premió en “Lo mejor del 2014”, destacando la serie “El Presente”, y posteriormente Wired Magazine publicó un artículo sobre su trabajo. Su obra permanece en la colección personal de Juan Yarur, entre otras. www.jon-jacobsen.com / Jacobsen is a graphic designer with a mention in Multimedia communication and is a self-taught artist. He has exposed his work in countries such as, Chile, Switzerland, France, and Spain. He has earned multiple awards and recognitions along his artistic career; he was also highlighted in Vogue in their “Picture of the Day” in 2011. In the same year, Dazed&Confused Magazine named him revelation artist of the year in “Satellite Voices”. In addition, The Creators Project awarded him “The Besto of 2014” and highlighted him in the “El Presente” (The present) series. His work can be found in the personal collection of Juan Yarur, among others. www.jon-jacobsen.com

JOSÉ BENMAYOR, 1985

pág. 130

Egresado de artes visuales de la Universidad Finis Terrae con mención en pintura. Ha expuesto en Chile en numerosas oportunidades, donde destaca sus muestras en el Museo de Arte Contemporáneo, Galería TRECE, Galería XS y en Londres con su exposición “Creatives CTYS” en el Olimpic fine arts (OFA). Ha participado en diferentes ferias de arte contemporáneo en Colombia, Argentina y Chile en múltiples ocasiones. Fue seleccionado en el primer Concurso de Arte Joven del Museo de Artes Visuales y obtuvo el primer lugar en el concurso Hollyweed, categoría animación, en 2007. elgriodelafe@gmail.com / Benmayor graduated in Visual arts at the Universidad Finis Terrae with a mention in Painting. He has exposed his works in Chile in many opportunities, where his displays were at the Modern Art Museum, the TRECE Gallery, the XS Gallery, and in London with his exhibition named “Creatives CTYS” at the Olympic Fine Arts (OFA). Benmayor has participated in many modern art fairs in Colombia, Argentina and Chile in multiple events. He was chosen as the first Arte Joven Contest of the Museum of Visual Arts and earned First Prize at the Hollyweed contest, animation category, in 2007. elgriodelafe@gmail.com

JOSÉ CORI, 1989

pág. 98

Licenciado en artes visuales de la Pontificia Universidad Católica de Chile y licenciado en estética de la misma casa de estudios, donde se desempeñó como ayudante de cursos de figura humana y de taller de producción de obra. Cursó parte de sus estudios en Estados Unidos. Su trabajo ha sido expuesto en Chile y en Alemania, su país natal. Entre sus reconocimientos se encuentra el haber obtenido una residencia de Agora Affect – Module II, Residencia de Arte, Berlín el 2014, y ayudante de investigación en proyecto financiado por el Fondo Nacional de Desarrollo Científico y Tecnológico de Chile, FONDECYT. El 2015 fue becario de la Fundación Pablo Neruda. jocori@uc.cl / He received a Bachelor in Visual Arts from the Pontificia Universidad Católica de Chile and a Bachelor in Aesthetics in the same university, where he served as a human figure course assistant and art work production workshop assistant. He attended part of his studies in the United States. His work has been exposed in Chile and in Germany, his home country. One of his recognitions is the moment when he earned the residence of Agora Affect - Module II, Art Residence, Berlin in the year 2014, and the time when he was a research assistant on a project sponsored by the National Fund for the Scientific and Technologic Development of Chile FONDECYT. In 2015 he was a scholar at the Pablo Neruda Foundation. jocori@uc.cl

JOSÉ PEDREROS PRADO, 1984

pág. 218

Licenciado en artes plásticas, mención grabado, de la U. de Concepción. Posteriormente realizó seminarios de grabado en la misma institución. Entre sus principales exposiciones individuales destacan “Instrucciones de Uso. Buenas personas, tratado misántropo”, en el Centro Cultural Metropolitano de Quito, Ecuador, y “Mensaje. Señal y Ceño”, en Del Aire Artería, Concepción. Entre sus reconocimientos se encuentra el haberse adjudicado un Fondart junto al artista Anton Gacitúa con la muestra “Taxon Lazarus” y haber sido ganador en dos oportunidades consecutivas del Premio a las Artes Región del Bio Bio, Ceres. También fue ganador del Primer Concurso Universitario de Arte Joven en la categoría egresado y obtuvo una Mención Honrosa en el concurso de grabado “22° Jornada Plástica Pintando Tomé”. www.tallerpelantaro.cl / Prado obtained a Bachelor in Plastic Arts with a mention in Engraving from the Universidad de Concepción. Afterwards, he attended Engraving seminaries at the same institution. Among his main individual exhibitions the most highlighted are “Instrucciones de Uso Buenas personas, tratado misántropo”, at the Metropolitan Cultural Center of Quito, Ecuador, and “Menaje Señal y Seño”, at the Del Aire Artery, Concepción. Among his most important awards earned are a Fondart with the artist Anton Gacitúa with the display called “Taxon Lazarus”, and also an award from the Arts Bio Bio Region, Ceres, in two opportunities. Prado, was also the winner of the First Arte Joven University Contest at the graduated category and obtained the Honorius Mention at the “22° Jornada Plástica Pintando Tomé” engraving contest. www.tallerpelantaro.cl

JOSÉ PEDRO GODOY, 1985

pág. 74

Licenciado en artes visuales de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Su obra ha sido expuesta en Chile, España y Estados Unidos, destacando sus exposiciones individuales en el MAVI, Sala Gasco y WhiteBox NY. Su obra forma parte de colecciones chilenas como Sauma Carvajal, Minera Escondida, Arte Contemporáneo del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, y en el extranjero en la colección de Ximena Caminos en Miami, Estados Unidos. Ha tenido múltiples reconocimientos, como ser nombrado finalista del premio IIy Sustainart, ARCO Madrid, y la adjudicación de dos Fondart. www.josepedrogodoy.cl / He earned a Bachelor in Visual Arts from the Pontificia Universidad Católica de Chile. Godoy’s work has been exposed in Chile, Spain and in the United States, featuring his individual expositions in MAVI, Sala Gasco and WhiteBox NY. His work is part of the Chilean collection at the Sauma Carvajal, Escondida Mining, Modern Art of the National Council of Culture and the Arts, and abroad in the collection of Ximena Caminos in Miami, U.S.A. He has had multiple recognitions being named as a finalist in the IIy Sustainart award, ARCO Madrid, and the securing of two Fondart. www.josepedrogodoy.cl

JOSÉ ROMUSSI, 1979

pág. 34

Artista autodidacta, creció viendo a su madre pintar y años más tarde decidió inspeccionar en el arte. En el 2011 se trasladó a Berlín, Alemania, donde tuvo sus primeras exposiciones. Luego viajó por distintas ciudades realizando exposiciones en Beijing, China, y en Nueva York, Estados Unidos. Entre sus reconocimientos se encuentra el haber sido ganador de la competición internacional “Nach der Arbeit”, Kunst um Underground, de la Galería NBGK, Berlín. Entre sus muestras individuales destacan “Life is Beautiful”, en ArtConnect, Berlín, y “Dance”, en Santiago de Chile. Ha participado en una decena de exposiciones colectivas en diferentes países y ha estado presente en ferias como Pinta, Scope y The London Contemporary, entre otras. www.joseromussi.com / Romussi is a self-taught artist. He grew up watching his mother painting and years later decided to take a look into art. In 2013 he moved to Berlin, Germany, where he had his first expositions. Later, he traveled through different cities performing exhibitions in Beijing, China, and in New York, U.S.A. Among his recognitions are being the winner of the “Nach der Arbeit” international competition and Kunst um Underground, of the NBGK Gallery, Berlin. A few of his individual exhibition highlights is “Life is Beautiful” in ArtConnect, Berlín, and “Dance” in Santiago de Chile. He has participated in dozens of collective expositions in many different countries and he has been present in fairs such as, Pinta, Scope and The London Contemporary, among others. www.joseromussi.com

JUANA GÓMEZ, 1980

pág. 114

Licenciada en arte de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Sus primeras investigaciones fueron en grabado, fotografía, animación y video. Realizó presentacionesinstalaciones de animación y video en circuitos alternativos de Chile, Argentina y España, incluyendo el festival multimedial City Pulse en el Centro de Extensión de la Universidad Católica. Realizó su primera exposición “Hábito” en 2009 en el centro de extensión Perrera Arte. En 2012 hizo un diplomado en programación, seguido de la serie de montaje digital “Ren” en 2013. Del formato digital retoma el trabajo manual en 2014 con los bordados de la serie “Constructual” exhibidos en las galerías Madhaus e Isabel Croxatto y la feria de arte FAXXI. www.juanagomez.com / Gómez got a Bachelor in Arts from the Pontificia Universidad Católica de Chile. Her first works were in engraving, photography, animation and video. She performed presentations-installations of animation and video in alternative circuits in Chile, Argentina and Spain, including the multimedia festival City Pulse and on the Extension Center of the Universidad Católica. She performed her first exposition “Hábito” (Habit) in 2009 in the Perrera Arte Extension Center. In 2012, she studied for a degree in programming, followed by the digital mount “Ren” series in 2013. She returned from digital work to manual work in 2014 with the embroideries from the “Constructual” series exhibited in the Madhaus Gallery, the Isabel Croxatto Gallery and also at the art the FAXXI fair. www.juanagomez.com

MARGARITA DITTBORN, 1981

pág. 10

Estudió Fotografía en el Instituto Profesional Arcos, en Santiago. Su carrera en el terreno del arte contemporáneo ha sido de carácter autodidacta. Desde el 2002 ha sido destacada en numerosos concursos y también participado en varias exposiciones individuales y colectivas en Barcelona, Basel, Bogotá, Bolivia, Buenos Aires, Dubai, Florida, Guanajuato, Hong Kong, Corea del Sur, Lima, Monterrey, Panamá, París y Sao Paulo y en diversas galerías, centros culturales y museos de Chile. Es actualmente representada por galerías de arte contemporáneo en Hong Kong, Brisbane, Vancouver, Lima y Santiago. www.margaritadittborn.com / Dittborn studied Photography from the Instituto Profesional Arcos, in Santiago. Her career in the modern art arena has been of the self-taught nature. Since 2002, she has been highlighted in numerous contests and has also participated in various individual and collective expositions in Barcelona, Basel, Bogota, Bolivia, Buenos Aires, Dubai, Florida, Guanajuato, Hong Kong, South Korea, Lima, Monterrey, Panama, Paris, Sao Paulo, various galleries, cultural centers and Chilean museums. Nowadays she is represented by the contemporary art galleries in Hong Kong, Brisbane, Vancouver, Lima, and Santiago. www.margaritadittborn.com

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MARÍA LUISA MURILLO, 1979

pág. 42

Artista y gestora cultural, Directora de Arte y Proyectos de Casa-Museo Alberto Baeriswyl de Tierra del Fuego. Licenciada en Bellas Artes de la Pontificia Universidad Católica de Chile, con cursos de especialización en fotografía publicitaria en IDEP, Barcelona. Ha exhibido en múltiples ocasiones tanto en Chile como en el extranjero, en lugares como Galeria XS, Centro Cultural Palacio de la Moneda, Matucana 100, Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, entre otros, y participado en diferentes ferias de arte como Ch.ACO y ArteBA. Ha sido autora de una serie de publicaciones y merecedora de importantes reconocimientos, donde destaca el Premio Arte Joven “Cabeza de Ratón” Bicentenario, del Museo de Artes Visuales y el Premio Nacional de Arte y Poesía Joven, de la Universidad de Valparaíso, Chile. www.marialuisamurillo.com / Murillo is an artist and a cultural manager, Art and Project Director at the Alberto Baeriswyl Museum-House in Tierra del Fuego. She got a Bachelor in Fine Arts from the Pontificia U. Católica de Chile, with specialization courses in Advertising photography at IDEP, Barcelona. She has exhibited in multiple opportunities in Chile and abroad in places likethe XS Gallery, La Moneda Palace Cultura Center, Matucana 100, and the Modern Culture Center of Barcelona, among other. She has also participated in different art fairs such as, Ch.ACO and ArteBA. She has been the author of a series of publications and the winner of important awards, such as, the Arte Joven Award “Cabeza de Ratón” Bicentenario, from the Visual Arts Museum and the Young Art and Poetry National Prize in the U. de Valparaíso, Chile. www.marialuisamurillo.com

MARTÍN AVENDAÑO, 1984

pág. 146

Diseñador gráfico de DuocUC. Su trabajo ha sido expuesto en Santiago en distintos lugares, entre los que se encuentran Galería Madhaus, Galería Trafic, Galería Normal, Universidad Andrés Bello y Universidad Uniacc, y en Valparaíso en Galería Punto Ancla. En el extranjero su obra ha sido exhibida en Buenos Aires en la feria Periférica en dos oportunidades y en Barcelona bajo el proyecto independiente Lord Steven Minimus. Ha participado en ferias de arte como FAXXI, Bazart UC y Bazar ED. Ha desarrollado proyectos en Puma Lab en el Centro Cultural Gabriela Mistral y una intervención del frontis del Museo de Arte Contemporáneo de Santiago. cuchosk8779@hotmail.com / Avendaño is a graphic designer from the DuocUC. His work has been exposed in Santiago in different places such as, the Madhaus Gallery, the Trafic Gallery, the Normal Gallery, the Andrés Bello University and UNIACC, and in Valparaíso in the Punto Ancla Gallery. His works has been exposed abroad in Buenos Aires at the Periférica fair in two opportunities and in Barcelona in Lord Steven Minimus’ independent project. Avendaño has participated in art fairs such as, FAXXI, Bazart UC and Bazar ED. He has developed projects in the Puma Lab in the Gabriela Mistral Cultural Center and in the front of the Modern Art Museum of Santiago. cuchosk8779@hotmail.com

MARTÍN KAULEN, 1988

pág. 50

Licenciado en arte de la U. Católica de Chile. Su obra ha sido expuesta en numerosas oportunidades, entre las que destacan sus exposiciones individuales en Galería Patricia Ready, Colección Finlandia -expuesta en feria Ch.ACO-, Galería Local y Galería Stuart. Sumado a esto, ha participado en una serie de exposiciones colectivas y ferias de arte en Chile, España y Estados Unidos. Entre otros reconocimientos, fue ganador del Concurso Entre Ch.ACO y Finlandia 2013, lo que le permitió realizar una residencia artística en el Centro de Arte y Nuevos Medios (ZKM) de Karlsruhe, Alemania, en colaboración con el Instituto de Tecnologías (KIT) de la misma ciudad. La obra ganadora forma parte de la Colección Finlandia, lo que se suma a más de una decena de obras que forman parte de colecciones particulares en Chile y el extranjero. www.martinkaulen.com / Kaulen earned a Bachelor in Art at the U. Católica de Chile. His work has been exposed in numerous opportunities the most prominent are her individual exhibition in the Patricia Ready Gallery, Finland Collection -exposed in the Ch.ACO fair-, the Local Gallery and the Stuart Gallery. In addition to this, he has participated in a series of collective exhibitions and art fairs in Chile, Spain, and the United States. Among his awards are being the winner of the entre Ch.ACO and Finlandia 2013 Contest, which helped him carry out an artistic residence in the Art and New Media Center (ZKM) of Karlsruhe, Germany, in collaboration with the Institute of Technology (KIT) in the same ad. This winning work is part of the Finland Collection, which adds up to more than a dozen works in private collections in Chile and abroad. www.martinkaulen.com

MONO LIRA, 1980

pág. 170

Artista visual egresado de la Universidad Diego Portales. Ha participado en una serie de exposiciones colectivas, entre las que destacan las realizadas en el Museos de Artes Visuales de Santiago, Galería Metropolitana, Sala Cero, Galería Animal, Sala de arte CCU, Galería AFA y Museo Nacional de Bellas Artes, Chile. Ha participado en distintas versiones de la feria ArteBA en Buenos Aires y el año 2013 participó en la feria Ch.ACO con un solo show en espacio MuTT. Entre sus reconocimientos se encuentra el haber sido seleccionado final del concurso Juan Downey, 8ª Bienal de Video y Nuevos Medios de Santiago, MAC Quinta Normal. También obtuvo Mención honrosa en el concurso PAC, Galería Metropolitana, y el segundo Premio Concurso Arte en vivo feria Ch.ACO. www.monolira.com / Visual artist graduated from Universidad Diego Portales. Lira has participated in a series of collective exhibitions, where the most important ones were carried out at the Visual Art Museum of Santiago, the Metropolitan Gallery, the Sala Cero, the Animal Gallery, the Art Room CCU, the AFA Gallery, and at the National Museum of Fine Arts, Chile. He has participated in various versions of the ArteBA fair in Buenos Aires and in 2013 he participated in the Ch.ACO art fair with just one show at the MuTT space. Some of his awards have been the finalist selected at the Juan Downey contest, the 8th Video, the New Medios of Santiago Biennial, and the MAC Quinta Normal. He also earned an Honorary Mention at the PAC contest, the Metropolitan Gallery, and Second Prize at the Arte en Vivo contest in the Ch.ACO fair. www.monolira.com

NICOLÁS RADIC, 1984

pág. 258

Estudió arte en la Universidad de Chile y posteriormente en la Universidad Católica de Chile. Su obra ha sido expuesta en diversos espacios públicos de Santiago, tales como Galería XS, el Museo Nacional de Bellas Artes y Matucana 100, entre otros. Ha participado en múltiples ferias de arte internacionales como ArtLima, Pinta New York, Pinta Miami, Ch.ACO y ArteBA. Parte de su obra pertenece a importantes colecciones privadas, entre las que destaca Sayago & Pardon, Los Ángeles, Estados Unidos. www.nicolasradic.com / Radic studied Art from the Universidad de Chile and afterward studied at the Universidad Católica de Chile. His work has been exposed in many public spaces in Santiago such as, the XS Gallery, the National Museum of Fine Arts and the Matucana 100, among others. He has participated in multiple international art fairs like ArtLima, Pinta New York, Pinta Miami, Ch.ACO, and ArteBA. Part of his work belongs to important private collections where the most prominent are in Sayago & Pardon, Los Ángeles, United States. www.nicolasradic.com

NORKA LEPILEO, 1990

pág. 274

Licenciada en artes visuales de la Universidad Católica de Temuco, donde se desempeñó como ayudante en cursos de fotografía y grabado. Su obra ha sido expuesta colectivamente en el Museo Nacional Ferroviario Pablo Neruda, Temuco, y en la muestra “Contramuro”, en la Galería de Arte Universidad Católica de Temuco. Entre sus muestras individuales destacan “Irrealidad”, llevada a cabo en el Centro de formación técnica Teodoro Wickel, Temuco, y “En un mundo imaginario”, exposición itinerante exhibida en Centro Cultural de Padre las Casas, Centro Cultural Lautaro, Museo Antropológico Cunco y Municipalidad de Chol-Chol. www.ohnorka.wordpress.com / Lepileo earned a Bachelor in Visual Arts from the Universidad Católica de Temuco, where she served as an assistant in photography and engraving courses. Her work has been collectively exposed at the Pablo Neruda National Railroad Museum in Temuco, and in the Art Gallery of the Universidad Católica de Temuco. Some of her most prominent displays are the “Irrealidad” (Unreality) carried out in the Teodoro Wickel Technical Training Center, in Temuco, and in “En un mundo imaginario” (in an imaginary world), at the roaming exposition performed in the Cultural Center of Padre las Casas, the Lautaro Cultural Center, the Anthropological Museum Cunco, and the Chol-Chol Municipality. www.ohnorka.wordpress.com

PÍA ALDANA, 1980

pág. 282

Licenciada en arte con mención en grabado y magíster en literatura hispanoamericana de la Universidad de Concepción. Entre sus reconocimientos se encuentra el haber recibido el Premio Universidad de Concepción y el haber sido ganadora de de Fondart en años consecutivos con sus proyectos “Herbolarias” y “La etnografía de los Balcones”. Su trabajo ha sido expuesto en la Pinacoteca Casa del Arte de la Universidad de Concepción, Galería No Lugar del centro histórico de Quito, Museo de Arte Contemporáneo de Santiago, el Centro Cultural Alfonso Lagos, Chillán, Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago, Sala Plaza del Trébol, Concepción, y Sala Juan Saavedra, Valparaíso, entre otros. pialdana@hotmail.com / Aldana received a Bachelor in Art with a mention in engraving and a Master in Hispanic American Literature from the Universidad de Concepción. Among her awards are being the winner of the Universidad de Concepción Award and being the winner of the Fondart in consecutive years with the projects “Herbolarias” (Herbalists) and “La etnografía de los Balcones” (The ethnography of the balconies). Her work has been exposed at the Casa Del Arte Pinacoteca of the Universidad de Concepción, the Nueveochenta Art Gallery, the Historic Neighborhood in Bogotá, the National Museum of Fine Arts of Santiago, the Sala Plaza del trébol in Concepción, and the Sala Juan Saavedra, Valparaíso, among others. pialdana@hotmail.com

PILAR QUINTEROS, 1988

pág. 242

Licenciada en arte de la Pontificia Universidad Católica de Chile, en donde se ha desempeñado en como ayudante de cursos como Color, Dibujo y Taller y Memoria de Grado. Es co-fundadora y miembro activo del colectivo de arte MICH (Museo Internacional de Chile). Ganadora de la beca Jean-Claude Reynal 2012 ofrecida por la Fundación de Francia en conjunto con la Escuela de Bellas Artes de Bordeaux, tercer lugar de Beca de Arte CCU 2013, finalista de Future Generation Art Prize 2014, PinchukArtCentre, Ucrania. Ha exhibido su trabajo en lugares como el Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago, Museo de Arte Contemporáneo de Santiago, la feria ArteBA en Buenos Aires, Casa de las Américas en La Habana y Carlos/Ishikawa Gallery, Londres. pilarquinterosv@gmail.com / Quinteros got a Bachelor in Arts from the Pontificia U. Católica de Chile, where she served as an assistant in Color, Drawing, Workshop, and Grade Memory courses. She is a co-founder and active member of the MICH art collective (from the Spanish acronym Museo Internacional de Chile). She was the winner of the Jean-Claude Reynal grant in 2012 offered by the France Foundation ogether with the Fine Art School of Bordeaux. She also won Third Prize from the CCU Art Grand 2013. Her works have been exhibited in places such as, the National Museum of Fine Arts of Santiago, the Modern Art Museum of Santiago, the ArteBA Fair in Buenos Aires, the Casa de las Américas in Havana and the Carlos/Ishikawa Gallery, London. pilarquinterosv@gmail.com

SEBASTIÁN MAQUIEIRA, 1978

pág. 202

Egresado de la Escuela de Artes Visuales de la Universidad Finis Terrae con mención en pintura, donde obtuvo Beca de Honor. Trabajó luego en el taller de Eugenio Téllez en Nueva York. Ha participado en 7 exposiciones individuales y numerosas colectivas en Chile y en el extranjero en ciudades como Londres, Vancouver, Buenos Aires, Lima y Asunción. Sus obras están en colecciones de instituciones como CCU y Universidad Finis Terrae. Ha participado en la destacada feria ArteBA, con la Galería XS y la Galería Artespacio. www.sebastianmaquieira.cl / Maquieira graduated from the Visual Art School of the Universidad Finis Terrae with a mention in Painting, where he got an Honors Scholarship. After that, he worked at the Eugenio Téllez’ atelier in New York. He has participated in 7 individual exhibitions and in numerous collective exhibitions in Chile and abroad in cities like London, Vancouver, Buenos Aires, Lima and Asunción. His works are displayed in institutional collections such as, CCU and the Universidad Finis Terrae. Maquieira has participated in the renowned ArteBA Fair, the XS Gallery and the Artespacio Gallery. www.sebastianmaquieira.cl

TAN VARGAS, 1980

pág. 26

Egresado de la Universidad Finis Terrae el año 2002. Ha realizado múltiples exposiciones tanto en Chile como en el extranjero. Ha participado en residencias artísticas y workshops en Chile, Nueva Zelanda, Tailandia y Estados Unidos. Ha sido acreedor de diversos reconocimientos y sus obras pertenecen a una serie de colecciones privadas. Su trabajo, ha sido publicado en importantes medios especializados y libros tales como Pintores Contemporáneos de Chile, Pintura Contemporánea Latinoamericana y Latinoamérica Al Límite, entre otros. www.tanvargas.com / Vargas is a graduate from the Universidad Finis Terrae, generation 2002. He has carried out multiple expositions in Chile and abroad; Vargas has participated in artistic residences and workshops in Chile, New Zealand, and the United States. He has earned various awards and his works are currently part of a series of private collections. His work has been published in several specialized media and books such as, Pintores Contemporáneos de Chile, Pintura Contemporánea Latinoamericana, and Latinoamérica Al Límite, among others. www.tanvargas.com

YISA, 1984

pág. 122

Licenciado en artes visuales de la U. Finis Terrae. En Chile, su trabajo ha sido expuesto individual y colectivamente en el Museo de Arte Contemporáneo, Galería MUTT, Galeria Tajamar, Salón Tudor, Galería Die Ecke, Galería Animal, Centro Cultural de España, Matucana 100, Museo Nacional Benjamín Vicuña Mackenna y Factoría Santa Rosa, entre otros. En extranjero ha expuesto en Galería Braga Menéndez, Argentina, Galería Santa Fe, Colombia, Galería Corretger5, España, Festival B.A.C España y Wschodnia, Polonia, entre otras. Obtuvo el tercer lugar del Premio “Chandon”, Barrio Joven, en ArteBA 2009. Su obra ha sido publicada en libros como “Nuevo mundo: Latin American Street Art” (Alemania, 2011), “Revisión Técnica” (Chile, 2010), “Arte callejero en Chile” (Chile, 2011), “Street Art Chile” (Inglaterra, 2008), “Ojo latino” (Italia, 2008), “Libro de graffiti” (Chile, 2005), entre otros. www.joseyisa.com / Yisa got a Bachelor in Visual Arts from the Universidad Finis Terrae. In Chile, his work has been exposed individually and collectively at the Modern Art Museum, the MUTT Gallery, the Tajamar Gallery, the Salón Tudor, the Die Ecke Gallery, the Animal Gallery, the Cultural Center of Spain, the Matucana 100, the Bejamin Vicuña Mackenna National Museum and Factoría Santa Rosa, among others. Yisa has exposed abroad in the Braga Menédez Gallery, Argentina; the Santa Fe Gallery, Colombia; the Corretger5 Gallery, Spain; the B.A.C Festival Spain and Wschodnia, Poland, among others. He earned Third Prize of the “Chandon” Award, Barrio joven in ArteBA 2009. His work has been published in books such as, “Nuevo Mundo: Latin American Street Art” (Germany, 2011), “Revisión Técnica” (Chile, 2010), “Arte callejero en Chile” (Chile, 2011), “Street Art” (England, 2008), “Ojo latino” (Italy, 2008), and “Libro graffiti” (Chile, 2005), among others www.joseyisa.com

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