100 Miradas al Arte Contemporáneo

Proyecto realizado en conjunto con Opticas Rotter y Krauss.

Directora Ana María Matthei

Director Ricardo Duch

Edición Kristell Pfeifer

Producción y Dirección de arte Catalina Papic

Diseño Johanna Rivas

Corrector de texto xxxx

Traducción xxxx

Fotografía Camila Duch

Imagen portada libro © Chuck Close Self-Portrait, 1997, óleo sobre lienzo, 259.1 x 213.4 cm, fotografía por Ellen Page Wilson, cortesía Pace Gallery Self-Portrait, 1997, oil on canvas, 102 x 84 in, photograph by Ellen Page Wilson, courtesy Pace Gallery Este libro fue financiado por Rotter y Krauss y se terminó de imprimir en Septiembre de 2014.

Todos los derechos reservados. © Arte Al Límite www.arteallimite.com Impreso en Santiago de Chile, Imprenta Maval. Primera Edición. 2014.

Todos los derechos reservados ©Arte Al Límite, 2014.

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Akira Chinen

Alex Ten Napel

Andy Denzler

Antonio Alza

Chuck Close

Craig Wylie

Cristina Fresca

Danny van der Elst

Graciela Sacco

Harding Meyer

Ian Ingram

Jill Greenberg

130.

Jose Luis Carranza

Leslie Searles

Lluis Barba

Luciana Rondolini

Micha Klein

Oleg Dou

Richard Phillips

Rodrigo Petrella

Salustiano

Sonia Falcone

Will Cotton

Zhang Huan

Ruud van Empel

Carta Editorial

Rostro y entorno

Face and surroundings

Cumplir 100 años es un privilegio. Un orgullo que, en la industria óptica, sólo Rotter & Krauss puede celebrar. El paso del tiempo es una invitación inevitable a revivir los mejores momentos, a descubrir el valor de la historia y a plasmarla a través de la mirada.

To turn 100 years old is a privilege, a privilege that in the optical industry in Chile, only Rotter & Krauss has achieved. This special birthday is a wonderful opportunity to relive the best moments, discovering the value of this history and sharing our vision.

Rotter & Krauss, 100 años junto a los chilenos, nos muestra a través de esta edición especial, el rostro y entorno del hombre. Sus distintas miradas del mundo y frente al mundo, a través del entorno que lo rodea, la naturaleza y la vida.

Through this special edition we commemorate our 100 years by celebrating with Chilean people and the different views of the world they hold. It is a unique insight at their attitudes, environment, nature and life.

Es una invitación a observar lo simple y profundo que una mirada puede transmitir. Un regalo a admirar los sentimientos que un paisaje puede provocar. A ver la vida a través de tus propios ojos. Esto es lo que inspira a Rotter & Krauss en este centenario aniversario. Celebramos cada rostro que nos hace únicos y originales en nuestras ideas y en nuestra visión de la vida.

So much can be transmitted through a look. This is an invitation to observe the simple and profound, a gift to admire the feelings that a landscape can generate. We invite you to see life through your own eyes. This is what inspires Rotter & Krauss every day.

We celebrate each face that makes us original, with a unique view of life.

Rotter & Krauss asume como un desafío permanente mantener el liderazgo y la confianza depositada por miles de generaciones en Chile, brindando siempre las mejores soluciones ópticas con la más alta calidad, la mejor tecnología y el mejor servicio. Ello, para que cada mirada transmita siempre lo mejor de cada persona y su visión del entorno sea contemplado con profundidad y pasión.

Rotter & Krauss pledges to maintain the leadership and confidence that has been established for thousands of generations in Chile as an ongoing challenge. We will always provide the best optical solutions with the best service, best technology and the highest quality. We promise this so that every look always allows us see to the depth and passion of everyone.

Esta selección de Arte Al Límite es una muestra de quiénes somos y de lo que tenemos a nuestro alcance para admirar.

This selection of Arte Al Límite shows who we are, and what we have become in our reach to admire.

Agradecemos a todos y cada uno por eso. Esperamos lo disfruten.

We appreciate each and every one of you. We hope you enjoy it.

Cordialmente,

Best regards,

Juan Cristóbal de Marchena

Gerente General Ópticas GrandVision Ltda.

Carta Editorial

Con la experiencia de ser un medio especializado en arte contemporáneo y conociendo de cerca a cientos de artistas y su obra, no dejamos de asombrarnos de la diversidad de miradas que conviven en el mundo de la plástica. Por esa misma razón, en Arte Al Límite nos pareció interesante trabajar en un volumen que estuviera centrado en la inmensa variedad con la que los artistas se comprenden a sí mismos y el mundo que habitan.

As a magazine specialized in contemporary art and having come to know hundreds of artists and their work over the years, we never cease to be amazed by the diversity of views that coexist in the world of fine art. For this very reason, Arte Al Límite thought it would be interesting to work on a volume centered on this great variety with which artists understand themselves and the world they live in.

100 miradas al arte contemporáneo evidencia la singular percepción que tiene cada artista frente al hombre y su entorno y nos demuestra que en el mundo del arte no hay verdades únicas, sino infinitas. 100 formas de entender el rostro se despliegan por un lado, 100 formas de aproximarse a nuestro entorno ocupan el lado opuesto. Estas miradas nos muestran que mundo y el hombre pueden ser abarcados bajo una variedad de prismas influenciados por condiciones culturales, sociales, geográficas y de género. Al mismo tiempo, las particulares formas en que los artistas seleccionados para este libro miran a otros y a su alrededor son capaces de transportarnos a los más diversos paisajes y a diferentes estilos de vida con tan sólo contemplar su obra.

100 Views on Contemporary Art demonstrates the unique perception that each artist has of man and their environment and shows us that in the world of art there is not one truth, but infinite truths. A hundred ways of understanding the face are unfolded on one hand and a hundred ways of getting closer to our environment on the other. These views show us that man and the world can be embraced in a variety of prisms influenced by cultural, social, geographic and gender conditions. At the same time, the particular ways the artists chosen for this book view others and their surroundings are able to transport us to different lifestyles and the most diverse landscapes just by contemplating their work.

Todo lo que vivimos influye en la forma en que comprendemos lo que nos rodea y en la forma en que nos conocemos a nosotros mismos.

Cada vivencia, cada experiencia, forja un camino que distingue nuestra percepción de la de cualquier otro ser humano, haciendo que cada mirada sea única e irrepetible. Los artistas seleccionados para este libro destacan por su innovadora forma de demostrar esta diversidad y por el alto nivel de su trabajo y obra, lo que los hace convertirse en destacados exponentes a nivel mundial.

Everything we go through influences how we understand our environment and how we know ourselves. Every experience, every life lesson, forges a path that distinguishes our perception from that of any other human being, making it so that every view is unique and unrepeatable. The artists selected for this book stand out for their innovative ways of showing that diversity and the high level of their work, which makes them prime examples on a global scale.

Este libro es un intento por demostrar la multiplicidad de formas de aproximarnos al mundo y evidencia, a través de distintas técnicas y temáticas, la unicidad del hombre en todo su esplendor.

This book is an attempt to demonstrate the large variety of ways of getting to know the world better and shows the uniqueness of man in all his glory through different techniques and themes.

Ana María Matthei

Directora Arte Al Límite

• Instalación del primer laboratorio • Instalación del primer laboratorio

• Se incorpora Mario Krauss como socio • Se incorpora Mario Krauss como socio

• Adolfo Rotter abre el primer local “Opticas Rotter” en pasaje McClure • Se trasladan a calle Ahumada • Adolfo Rotter abre el primer local “Opticas Rotter” en pasaje McClure • Se trasladan a calle Ahumada

• Se levanta “Optica Visión" y se crea una sección para adaptar lentes de contacto • Puntapié inicial para expansión nacional bajo el nombre de “Opticas Rotter & Krauss”

• Se levanta “Optica Visión" y se crea una sección para adaptar lentes de contacto • Puntapié inicial para expansión nacional bajo el nombre de “Opticas Rotter & Krauss”

• 3 locales 1° tienda con taller en Ahumada 324 2° tienda Estado (Laboratorio lente contacto y línea de Audífonos) 3° tienda Pedro de Valdivia 065 • 100 empleados • 3 locales 1° tienda con taller en Ahumada 324 2° tienda Estado (Laboratorio lente contacto y línea de Audífonos) 3° tienda Pedro de Valdivia 065 • 100 empleados

• Tecnología en gestión • Participación en Teletón • Tecnología en gestión • Participación en Teletón

• 109 locales de Iquique a Pta. Arenas • 700 empleados • Apertura +Visión (4 locales) • Implementación corners Solaris • 109 locales de Iquique a Pta. Arenas • 700 empleados • Apertura +Visión (4 locales) • Implementación corners Solaris

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• Eliminación corners Ripley • Aumento 10 corners Falabella • Llegada a Punta Arenas • Adquisición de RyK por HAL Holding • Eliminación corners Ripley • Aumento 10 corners Falabella • Llegada a Punta Arenas • Adquisición de RyK por HAL Holding

• 1° Centro Lentes de Contacto • 4° tienda Huérfanos 669

• Cambio Casa Matriz a 11 septiembre 1480 • Ingreso a los malls • Llegada a Parque Arauco 7° tienda

• 1° Centro Lentes de Contacto • 4° tienda Huérfanos 669

• Cambio Casa Matriz a 11 septiembre 1480 • Ingreso a los malls • Llegada a Parque Arauco 7° tienda

• Mall Panorámico 8° tienda • Tecnología en ventas (POS) • 200 empleados

• Mall Panorámico 8° tienda • Tecnología en ventas (POS) • 200 empleados

• 5° tienda Omnium • 6° tienda Cobres de Vitacura

• 5° tienda Omnium • 6° tienda Cobres de Vitacura

• Apertura a franquicias (20) • Expansión a provincia 1° Valparaíso 2° Antofagasta 3° Concepción 4° Iquique 5° La Serena

• Compra de franquicias • Nuevo laboratorio World Class • Compra de franquicias • Nuevo laboratorio World Class

• Apertura a franquicias (20) • Expansión a provincia 1° Valparaíso 2° Antofagasta 3° Concepción 4° Iquique 5° La Serena

• Casa Matriz Ciudad Empresarial • Casa Matriz Ciudad Empresarial

• Proceso de expansión / Modelo venta multitienda •Corners Falabella (25) y Ripley (15) • Proceso de expansión / Modelo venta multitienda •Corners Falabella (25) y Ripley (15)

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EE.UU · USA | Pintura · Painting

Chuck Close Memorias cuadriculadas Squared Memories

Al igual que los pixeles que componen una imagen digital o el sistema de tres colores RGB que forma la imagen en la pantalla del televisor, Chuck Close pinta metódicamente cuadro por cuadro para obtener imponentes retratos a gran escala que nos enfrentan de forma directa, desafiándonos a devolverles la mirada. Los distintos personajes que han pasado por su vida, de alguna u otra manera, son ahora los protagonistas de una obra donde la constancia y la exactitud son la clave. La fotografía es el punto de partida de un trabajo que no descansa hasta que sus “cabezas”, como él mismo llama, reciben su pincelada final.

La obra de Chuck Close nos enfrenta a los mecanismos de construcción de la imagen y cuestiona nuestra percepción. Los miles de cuadros delicadamente pintados se unen en la mirada del espectador, metros más atrás, para formar completos, detallados y expresivos rostros.

Like the pixels that make up a digital image or the RGB model of three colors that produces the image on TV screens, Chuck Close methodically paints frame-by-frame to obtain stunning large-scale portraits that directly face us, challenging us to return the look. The different characters that have passed through his life, one way or another, are now the protagonists of a work in which precision and perseverance are key. Photography is the starting point of a work that does not rest until its “heads” as he calls them receive their finishing touch.

The work of Chuck Close presents the mechanisms of constructing a picture to us and it questions our perception. From afar, the thousands of delicately painted pictures come together in the eye of the viewer to form complete, detailed and expressive faces.

Imágenes cortesía de Galería Pace. © Chuck Close. Images courtesy of Pace Gallery. © Chuck Close (14 izq. · left) President Bill Clinton, 2006, óleo sobre tela, 275.6 x 213.4 cm. Fotografía: Kerry Ryan McFate. President Bill Clinton, 2006, oil on canvas, 108-1/2 x 84 in. Photography: Kerry Ryan McFate. (15 der · right) Arne, 1999–2000, óleo sobre tela, 259.1 x 213.4 cm. Fotografía: Ellen Page Wilson. Arne, 1999–2000, oil on canvas, 102 x 84 in. Photography: Ellen Page Wilson. (16 izq. · left) Zhang Huan II, 2008–2009, óleo sobre tela, 257.8 x 213.4 cm. Fotografía: Kerry Ryan McFate. Zhang Huan II, 2008–2009, oil on canvas, 101-1/2 x 84 in. Photography: Kerry Ryan McFate.(17 der · right) Self-Portrait, 1997, óleo sobre tela, 259.1 x 213.4 cm. Fotografía: Ellen Page Wilson. Self-Portrait, 1997, oil on canvas, 102 x 84 in. Photography: Ellen Page Wilson.

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Argentina · Argentina | Fotografía · Photography

Cristina Fresca Miradas de luz Gazes of light

El tiempo parece detenerse a observar las imágenes de Cristina Fresca. Jugando con la opacidad y usando la claridad como telón de fondo, la fotógrafa argentina crea retratos sugerentes con tintes metafóricos, demostrando que el exceso de luz puede incluso llegar a dificultarnos la visión. De esta forma, se alzan ante nuestros ojos una serie de dualidades con tintes psicológicos que enfrentan la luminosidad con la oscuridad, lo visible con lo que se desvanece, la seguridad con lo incierto. El trabajo de Fresca nos enfrenta e interpela directamente a través de ojos que nos miran seguros e insinuantes.

Time seems to stop when observing Cristina Fresca’s images. Playing with opaqueness and using clarity as a backdrop, the Argentinean photographer creates thought-provoking portraits with metaphorical overtones, showing how the excess of light can hinder our vision. A series of dualities arise before our eyes with psychological characteristics that confront light with darkness, what is visible with what is faded, certainty with uncertainty. Fresca’s work face us directly, imploring us through eyes that look at us in a sure and insinuating manner.

Imágenes cortesía de la artista. Images courtesy of the artist. (20 izq. · left) De la serie Lo que miran tus ojos..., Celeste mirada, 2010, fotografía digital/ toma directa, 80 x 80 cm. From the series Lo que miran tus ojos..., Celeste mirada, 2010, digital photography / direct shot, 31.49 x 31.49 in.(21 der · right) De la serie Lo que miran tus ojos..., Lo que miran tus ojos..., 2010, fotografía digital/ toma directa, 80 x 120 cm. From the series Lo que miran tus ojos..., Lo que miran tus ojos..., 2010, digital photography/ direct shot, 31.49 x 47.2 in. (22 izq. · left) De la serie Lo que miran tus ojos..., Juego en mis manos, 2010, fotografía digital/ toma directa, 120 x 80 cm. From the series Lo que miran tus ojos..., Juego en mis manos, 2010, digital photography/ direct shot, 47.2 x 31.49 in (23 der. · right) De la serie Lo que miran tus ojos..., En el blanco lo encuentro, 2010, fotografía digital/ toma directa, 120 x 80 cm. From the series Lo que miran tus ojos..., En el blanco lo encuentro, 2010, digital photography / direct shot, 47.2 x 31.49 in.

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Bélgica · Belgium | Fotografía · Photography

Danny Van der Elst Retratos al desnudo Portraits in the Nude

Mujeres comunes y corrientes se enfrentan al lente del fotógrafo belga y se desnudan física y emocionalmente. Sin hablar, se comunican con nosotros. Nos cuentan sus deseos, frustraciones, anhelos, penas y alegrías. Nos miran intensamente y esa mirada nos entrega más que cien palabras.

“Yo sólo escucho”, explica Van der Elst sobre el modo en que se relaciona con las modelos que posan frente a sus ojos. Así, surge un ambiente de confianza y distensión que permite a las mujeres relajarse y mostrarse tal cual son. No hay máscaras ni estereotipos, son ellas quienes espontáneamente desahogan su interior y muestran la riqueza y sutileza del mundo femenino en un trabajo simple y profundo a la vez.

Ordinary women face the lens of the Belgian photographer, undressing physically and emotionally. They communicate with us without speaking. They tell us of their desires, frustrations, yearnings, joys and sorrows. They look at us intensely and that look shares more with us than a hundred words.

“I only listen,” Van der Elst explains about the way he relates to the models that pose before his eyes. This establishes an environment of trust and ease, allowing the women to relax and show themselves just as they are. There are no masks or stereotypes; it is they who spontaneously liberate themselves and show the richness and subtlety of the feminine world in a simple and at the same time profound work.

Imágenes cortesía del artista y de Galería Sicart, España. Images courtesy of the artist and Sicart Gallery, Spain. (26 izq. · left) Detalle de Elroy, impresión con pigmento perdurable, 100 x 100 cm. Detail of Elroy, digital chromogenic color print, 39,37 x 39,37 in. (27 der. · right) Detalle de Diura, impresión con pigmento perdurable, 60 x 60 cm. Detail of Diura, digital chromogenic color print, 23,6 x 23,6 in. (28 izq. · left) Detalle de Jamie, impresión con pigmento perdurable, 60 x 60 cm. Detail of Jamie, digital chromogenic color print, 23,6 x 23,6 in. (29 der. · right) Detalle de Gerbert, impresión con pigmento perdurable, 100 x 100 cm. Detail of Gerbert, digital chromogenic color print, 39,37 x 39,37 in.

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España · Spain | Collage · Collage

Lluís Barba Pasado y presente Past and present

El artista español realiza una imagen renovada de autorretratos de grandes maestros en la historia del arte. Warhol, Magritte, Dalí, Frida, Van Gogh y Miró son algunos de los íconos recogidos por Barba para la serie Self-Portrait (Autorretrato), donde interviene sus reconocibles rostros con elementos propios de la civilización actual.

A través de una visión subjetiva e irónica, los autorretratos se refieren a problemáticas sociales y conductas humanas como el consumismo, la cultura desechable, la exposición mediática y la vanidad en contraste con la pobreza, el aislamiento, la incomunicación y la pérdida de identidad. Mezclando presente y pasado, Barba nos invita a perdernos en los detalles de sus híper pobladas composiciones.

The Spaniard artist delivers a renewed vision of self-portraits of the great masters in the history of art. Warhol, Magritte, Dalí, Frida, Van Gogh and Miró are a few of the icons gathered by Barba for the Self-Portrait series, in which he modifies their recognizable faces with elements from contemporary civilization.

Through a subjective and ironic vision, the self-portraits touch on social problems and human behaviors like consumerism, disposable culture, media culture and vanity in contrast to the poverty, isolation, confinement and loss of identity.

Mixing present and past, Barba invites us to lose ourselves in the details of his overpopulated compositions.

Imágenes cortesía del artista. Images courtesy of the artist. (32 izq. · left) Autorretrato Van Gogh, 2011, diasec, 100 x 120 cm. Self-portrait Van Gogh, 2011, diasec, 39,97 x 47,2 in. (33 der · right) Autorretrato Frida Kahlo, 2011, Diasec,100 x 120 cm. Self-portrait Frida Kahlo, 2011, diasec, 39,97 x 47,2 in. (34 izq. · left) Autorretrato Paul Gauguin, 2013, diasec, 100 x 120 cm. Self-portrait Paul Gauguin, 2013, diasec, 39,97 x 47,2 in. (35 der · right) Autorretrato Rene Magritte, 2012, diasec, 100 x 120 cm. Self-portrait Rene Magritte, 2012, diasec, 39,97 x 47,2 in.

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Perú · Peru | Pintura · Painting

Akira Chinen Hibridez cultural Cultural Hybridity

Las raíces latinas y orientales del pintor peruano se enfrentan en su obra de manera directa. La atracción del color y la simpleza de las formas son el principio que marca un trabajo donde Pop Art, Hard Edge y el grabado japonés se superponen y traslapan sutilmente.

A los ocho años tuvo su primer acercamiento a la pintura: una exposición de arte abstracto de un artista que llevaba su mismo nombre fue el punto de partida de una afinidad que años después se convertiría en el motor de su vida. Peruano de nacimiento y de rasgos orientales heredados, Akira Chinen expresa la necesidad de mezclar las raíces que conviven en su interior. Superficies planas y colores puros crean imágenes atrayentes donde el cómic y el manga -las conocidas historietas japonesas- son el ingrediente principal.

The Latin and oriental roots of the Peruvian painter directly meet in his work.

The attractiveness of the color and simplicity of the shapes are the elements that mark a work in which Pop Art, Hard Edge and Japanese prints are superimposed and subtly overlapped.

He first came into contact with painting at eight years old: an exhibition of abstract art by an artist with the same name as him was the starting point of an affinity that years later would become the driving force of his life. Peruvian by birth and with inherited oriental features, Akira Chinen expresses the need to mix the roots that coexist within him. Flat surfaces and solid colors create attractive pictures where comics and mangas –well-known Japanese comic strips- are the main ingredient.

Imágenes cortesía del artista. Images courtesy of the artist. (38 izq. · left) Detalle de Andrómeda, 2012, técnica mixta,160 x 80 cm.Detail of Andrómeda, 2012, mixed media, 62.9 x 31.49 in.(39 der · right) Los tres monos sabios - ciego, 2012, técnica mixta, 90 x 90 cm. Los tres monos sabios- ciego, 2012, mixed media, 35.43 x 35.43 in (40 izq. · left) El campeón tiene miedo, 2011, técnica mixta, 170 x 100 cm. El campeón tiene miedo, 2011, mixed media, 66.9 x 39.37 in. (41 der · right) Emisario, 2012, técnica mixta, 85 x 60 cm. Emisario, 2012, mixed media, 33.46 x 23.62 in.

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China · China | Performance · Performance

Zhang Huan El cuerpo al límite Body to the limit

Zhang Huan es uno de los nombres ícono cuando hablamos de performance.

Desde la década de los 90, el artista chino ha usado su propio cuerpo como herramienta de trabajo, sometiéndose a experiencias extremas entre las que se encuentran encerrarse en una caja por días, sacarse sangre colgado del techo o posar desnudo mientras cientos de personas la arrojan pedazos de pan.

El artista centra su trabajo en el cuerpo y el desnudo para hablar de la vulnerabilidad humana y la identidad del individuo. A través de sus osadas propuestas, el performista chino ha encontrado el medio para lograr comunicarse con su entorno y captar lo que el entorno puede entregarle a él. Debido a la esencia efímera del acto perfomático, nos hacemos partícipes de sus obras a través del registro en fotografía o video que acompaña cada una de sus extremas intervenciones.

Zhang Huan is one of the iconic names when we talk about performance.

Since the 90s, the Chinese artist has used his own body as a work tool, subjecting himself to extreme experiences among which he has been closed in a box for days, hung from a ceiling while blood was being drawn from him and posed nude while hundreds of people threw pieces of bread at him.

The artist centers his work on the body and nudity to speak of human vulnerability and individual identity. Through his bold proposals, the Chinese performance artist has found a means for communicating with his surroundings and capturing what it can give him. Due to the momentary essence of the performance, we are made participants of his works through the registration in photography or video that accompanies each of his extreme interventions.

Imágenes cortesía de Zhang Huan Studio. Images Courtesy of Zhang Huan Studio. (44 izq. · left) Skin, 1997, Beijing, China, medidas variables. Skin, 1997, Beijing, China, variables measure. (45 der · right) Skin, 1997, Beijing, China, medidas variables. Skin, 1997, Beijing, China, variables measure (46 izq. · left) Skin, 1997, Beijing, China, medidas variables. Skin, 1997, Beijing, China, variables measure. (47 izq. · left) Skin, 1997, Beijing, China, medidas variables.

Skin, 1997, Beijing, China, variables measure.

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Argentina · Argentina | Artista multidisciplinar · Multidisciplinary artist

Graciela Sacco La vida aquí y ahora Life here and now

Video, fotografía e instalación son las formas que la artista argentina elige para generar experiencias personales. Estar, interactuar y observar sus intervenciones nos lleva finalmente a sentir, logrando adentrarnos en nuestros pensamientos más profundos.

La obra de Sacco necesita y busca al espectador como el oxígeno que le dará aire para seguir respirando.

Su obra es la reflexión de los tiempos que hoy en día nos rodean y los eventos que deambulan por nuestra mente. Recortes de diarios, imágenes de actualidad y de medios masivos evidencian el indisoluble vínculo entre el mundo en que vivimos y nuestra propia realidad, construyendo un cuerpo de obra crítico, analítico, variado y congruente.

Video, photography and installation are the ways the Argentinean artist chooses to create personal experiences. Being around, interacting and observing her interventions ultimately leads us to feel, enabling us to delve into our deepest thoughts. Sacco’s work needs the viewer who is the oxygen that gives it air to keep breathing.

Her work is the reflection of the times we are living in today and the events that go through our mind. Newspaper clippings, images from the news and mass media show the binding link between the world we live in and our own reality, building a critical, analytical, varied and coherent body of work.

Imágenes cortesía de la artista. Images courtesy of the artist. (50 izq. · left) Entre nosotros, 2001, interferencia urbana realizada durante la 49ºBiennale di Venezia como representante argentina,10.000 pares de ojos instalados en las calles de Venecia, fotografía blanco y negro,100 x 100 cm. Entre nosotros, 2001, urban intervention at the 49ºBiennale di Venezia representing Argentine, 10,000 pairs of eyes installed on the streets of Venice, black and white photography, 39,37 x 39,37 in. (51 der · right) Entre nosotros, 2001, interferencia urbana realizada durante la 49ºBiennale di Venezia como representante argentina,10.000 pares de ojos instalados en las calles de Venecia, cybacrom sobre papel. Entre nosotros, 2001, urban intervention at the 49ºBiennale di Venezia representing Argentine, 10,000 pairs of eyes installed on the streets of Venice, cybacrom on paper. (52 izq. · left) Detalle de Esperando a los bárbaros, 1996, instalación, collage de maderas y heliografía sobre papel en pared, medidas variables, 800 x 100 cm aprox. Detail of Esperando a los bárbaros, 1996, instalation, wood collage and blueprint paper, variables measures 314,9 x 39,37in. (53 der · right) Esperando a los Bárbaros, 1996/2009, video-objeto, video y collage de madera sobre pantalla digital, 30 x 25 cm. Esperando a los Bárbaros, 1996/2009, video and wood collage on digital screen 11,8 x 9,8 in.

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EE.UU. · USA | Dibujo · Drawing

Ian Ingram Mi reflejo My reflection

Realizar los enormes autorretratos de Ian Ingram es una tarea que puede tomar meses. Cada línea está ahí por algo, cada detalle debe calzar a la perfección y encontrar su lugar exacto en los más de dos metros de papel a los que se enfrenta el artista. Para Ingram, la exactitud es el resultado de una mirada honesta; la capacidad de ver algo como realmente es y poder así traspasarlo a través del dibujo.

Ian Ingram comenzó a dibujar y nunca más lo dejó. Al carboncillo y pastel, herramientas clave y extendidas en el dibujo, el estadounidense decidió incorporar nuevos materiales para crear sus imponentes rostros. Cera de abejas, alambre o mariposas son parte de sus “dibujos hiperrealistas en carbón”, como el mismo artista los define.

Carrying out the enormous self-portraits of Ian Ingram is a task that can take months. Every line is there for a reason, every detail must fit to perfection and find its exact place in the over two meters of paper facing the artist. To Ingram, precision is the result of looking at something honestly; it is the ability to see something as it really is and then translate it through drawing.

Ian Ingram began drawing and never stopped. With charcoal and pastels, key and common tools in drawing, the American decided to incorporate new materials to create his stunning faces. Beeswax, wire and butterflies are part of his “hyper realistic drawings in charcoal,” as the artist himself defines them.

Imágenes cortesía del artista y de 101/exhibit. Images courtesy of the artist and 101/exhibit. (56 izq. · left) Monk, 2011, carboncillo y pastel sobre papel, 209,5 x 129,54 cm. Monk, 2011, charcoal and pastel on paper, 82 1/2 x 51 in. (57 der · right) Baptism, 2010, carboncillo y pastel sobre papel, 209,5 x 129,54 cm. Baptism, 2010, charcoal and pastel on paper, 82.5 x 51 in. (58 izq. · left) Of Salt and Faith, 2013, carboncillo, pastel, hilo sobre papel, 172,72 x 106,68 cm. Of Salt and Faith, 2013, charcoal pastel thread on paper, 68 x 42 in. (59 der · right) Forgotten Offerings, 2010, carboncillo, pastel, perlas, cadena, cera de abeja, pan de oro sobre papel, 209,5 x 129,54 cm. Forgotten Offerings, 2010, charcoal, pastel, beads, string, beeswax, gold leaf, on paper, 82.5 x 51 in.

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Holanda · Holland | Arte digital · Digital art

Micha Klein Belleza pop pop beauty

Vibrantes y seductores son los retratos que el artista holandés Micha Klein trabaja de manera digital. Acompañado de su computador y diversas técnicas de montaje, Klein confecciona enormes foto paneles donde combina elementos de la historia del arte con referencias de la cultura pop contemporánea. Todo a través del uso de colores brillantes y atrevidos que generan una estética que ya se ha convertido en su marca registrada. Moda, belleza y medios de comunicación son los temas recurrentes de su destellante trabajo.

Vibrant and seductive are the portraits the Dutch artist Micha Klein digitally works on. Accompanied by his computer and various assembly techniques, Klein produces gigantic photo panels where he combines elements from art history with references to contemporary pop culture. All of this is done with the use of bright and bold colors that create an aesthetic that has already become his trademark. Fashion, beauty and the media are recurring themes in his dazzling work.

Imágenes cortesía del artista. Images courtesy of the artis. Micha Klein, serie Artificial Beauty, 1998-2005. Micha Klein, Artificial Beauty Series, 1998-2005.

(62 izq. · left) Isabelle, 2001, c-print, plexiglás diasec, dibond, madera, 150 x 150 x 5,5 cm. Isabelle, 2001, c-print, diasec plexiglass, dibond, wood, 59.05 x 59.05 x 2.16 in. (63 der · right) Maxime, 2002, c-print, plexiglás diasec, dibond, madera, 150 x 150 x 5,5 cm. Maxime, 2002 , c-print, diasec, plexiglass, dibond, wood, 59.05 x 59.05 x 2.16 in. (64 izq. · left) Harmony, 2001, c-print, plexiglás, diasec, dibond, madera, 150 x 150 x 5,5 cm. Harmony, 2001, c-print, diasec plexiglass, dibond,wood, 59.05 x 59.05 x 2.16 in. (65 der · right) Delphine, 2001, c-print, plexiglás, diasec, dibond, madera, 150 x 150 x 5,5 cm. Delphine, 2001, c-print, diasec plexiglass, dibond,wood, 59.05 x 59.05 x 2.16 in.

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Suiza · Switzerland | Pintura · Painting

Andy Denzler Distorsión calculada Calculated Distortion

Rostros distorsionados nos hablan de la influencia que ejercen hoy los medios de comunicación en nuestra sociedad. Mediante retratos con toques surrealistas, el pintor suizo apela a la búsqueda de identidad y critica la belleza irreal de las imágenes que a diario consumimos.

Sin poder distinguir la realidad de la ficción o el sueño de la vigilia, nos adentramos en un mundo de formas atrapantes e intrigantes al mismo tiempo. Las escenas transcurren en lugares viejos, abandonados y desiertos, envolviéndonos y haciéndonos formar parte de la tela que tenemos frente a nuestros ojos. La pintura de Andy Denzler es una invitación a dejarnos llevar por la fuerza de las imágenes sin saber cuál será el destino.

Distorted faces speak to us about the influence of media on our society today.

Through portraits with touches about surrealism, the Swiss painter appeals to the search of identity and at the same time criticizes the unreal beauty of the pictures we see on a daily basis.

Unable to distinguish reality from fiction or sleeping from being awake, we enter a world of forms that are both engaging and intriguing at the same time. The scenes take place in old, abandoned and deserted places, enveloping and causing us to become part of the canvas before our eyes. Andy Denzler’s painting is an invitation to allow ourselves to be taken away by the force of the pictures without knowing where we will end up.

Imágenes cortesía del artista. Images courtesy of the artist. (68 izq. · left) Distorted Face I, 2009, óleo sobre lienzo, 80 x 70 cm. Distorted Face I, 2009, oil on canvas, 31 x 27.5 in. (69 der · right) Ellin after Vermeer, 2009, óleo sobre lienzo, 81 x 65 cm. Ellin after Vermeer, 2009, oil on canvas, 31.8 x 25.5 in. (70 izq. · left) In Her Abscence I Created Her Image, 2009, óleo sobre lienzo, 200 x 150 cm. In Her Abscence I Created Her Image, 2009, oil on canvas, 78.7 x 59 in. (71 der · right) Courtney in the Library, 2009, óleo sobre lienzo, 140 x 120 cm. Courtney in the Library, 2009, oil on canvas, 55 x 47.2 in

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EE.UU. · USA | Pintura · Painting

Will Cotton Dulce deseo Sweet desire

Rosadas, dulces y empalagosas son las llamativas pinturas de Will Cotton.

Con una estética intencionada y una paleta de colores suave y cálida, Cotton recrea escenas fantasiosas en donde el deseo es la pieza fundamental. Imágenes de la cultura pop actual y citas a la historia del arte son los modelos elegidos para habitar la vaporosa tierra que imagina el artista.

Mediante una técnica depurada y detallista, el pintor sitúa a sensuales mujeres envueltas en caramelos, pasteles y algodón, consiguiendo crear atmósferas en donde lo dulce puede casi saborearse con los ojos.

The eye-catching paintings of Will Cotton are pink, sweet and cloying.

With a deliberate aesthetic and a soft, warm color palette, Cotton recreates whimsical scenes in which desire is the fundamental piece. Pictures from current pop culture and events in art history are the models chosen to occupy the misty land the artist imagines.

With a refined and detail-oriented technique, the painter places sensual women surrounded by candies, pastries and cotton, managing to create atmospheres in which the sweetness can almost be tasted with the eyes.

Imágenes cortesía del artista y Galería Mary Boone New York. Images courtesy of the artist & Mary Boone Gallery New York. (xxx izq. · xxx left) The Deferred Promise of Complete Satisfaction, 2014, óleo sobre lienzo, 94 x 71.12 cm. The Deferred Promise of Complete Satisfaction, 2014, oil on linen, 37 x 28 in. (xxx der · xxx right) Frosting Flowers, 2013, óleo sobre lienzo, 86,36 x 60,96 cm. Frosting Flowers, 2013, oil on linen, 34 x 24 in. (xxx izq. · xxx left) Cotton Candy Hannah, 2009, óleo sobre lienzo,119,38 x 81,28 cm. Cotton Candy Hannah, 2009, oil on linen, 47 x 32 in. (xxx izq. · xxx left) Candy Curls II, 2006, óleo sobre lienzo, 86.36x 60.9 cm. Candy Curls II, 2006, oil on linen, 34 x 24 in.

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Uruguay · Uruguay | Dibujo · Drawing

Antonio Alza Detalles de sastre Tailor Details

Observador, detallista y meticuloso. Así es el trabajo de este dibujante uruguayo que, influenciado por la historia del diseño y la moda, ha construido su propio mundo imaginario. A través de un ojo fino y una técnica que no admite errores, Alza da vida a personajes que pueblan los escenarios que él mismo construye con una mezcla de imaginación, carácter y originalidad.

La rigurosidad marca la elaboración de cada uno de sus dibujos y es la consecuencia de la constante acumulación de conocimientos e información a la que se somete el artista. El resultado es un trabajo con un perfecto equilibrio entre forma y concepto, tarea que desvela a Alza en cada una de sus piezas hasta conseguirlo.

La obra de Antonio Alza nos invita a viajar en el tiempo y el espacio, trascendiendo las fronteras de lo común para adentrarnos en la comprensión de nuestras propias experiencias.

Observant, detailed and meticulous: these characteristics describe the work of this Uruguayan drawer who, influenced by the history of design and fashion, has built his own imaginary world. With a keen eye and a technique that does not allow errors, Alza gives life to characters that occupy scenes he himself constructs with a mix of imagination, character and originality.

Preciseness marks the creation of each of his drawings and is the consequence of the steady accumulation of knowledge and information the artist underlies with. The result is a work with perfect equilibrium between form and concept, a task that keeps Alza awake, working on each of his pieces until it is obtained.

The work of Antonio Alza invites us to travel in time and space transcending the boundaries of the ordinary in order to understand our own experiences more thoroughly.

Imágenes cortesía del artista. Images courtesy of the artist. (80 izq. · left) El blanco impuro de tus ojos, 2010, grafito sobre creta (tabla), 60 X 80 cm.

El blanco impuro de tus ojos, 2010, graphite on chalk (table), 23.6 X 31.4 in. (81 der · right) Madona Frutalis, 2011, grafito sobre media creta (tabla), 55 X 73 cm. Madona Frutalis, 2011, graphite on chalk, 21.6 X 28.7 in. (82 izq. · left) La Filosofía, 2011, grafito y pastel seco sobre media creta (tabla), 55 X 73 cm. La Filosofía, 2011, graphite on chalk, 21.6 X 28.7 in. (83 der · right) Blanchefleur, 2012, Grafito sobre creta (tabla), 60 X 80 cm. Blanchefleur, 2012, graphite on chalk, 23.6 X 31.4 in

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Brasil · Brazil | Fotografía · Photography

Rodrigo Petrella El puente entre realidades The bridge between realities

En 1999, Rodrigo Petrella comenzó a recorrer el Amazonas como parte de un trabajo por encargo. Lo que comenzó de manera casual, terminaría por hacerlo descubrir un mundo desconocido para él y para muchos. Un mundo de infinita riqueza y matices que se ha transformado en su obsesión.

La fotografía de Petrella es sincera. Pura. En los más de diez años que lleva recorriendo la selva amazónica, ha conocido más de veinte etnias y visitado incontables aldeas y asentamientos. Un lugar que, en palabras suyas, lo deja con más preguntas que respuestas cada vez que lo visita.

In 1999, Rodrigo Petrella began to travel through the Amazons as part of a work assignment. What began casually ended with him discovering a world unknown to him and to many: a world of infinite richness and aspects that have turned into his obsession.

Petrella’s photography is sincere. Pure. In the more than ten years that he has travelled through the Amazon Rainforest, he has come to know over twenty ethnic groups and visited countless villages and settlements. It is a place that, in his own words, leaves him with more questions than answers each time that he visits.

Imágenes cortesía del artista. Images courtesy of the artist. (xxx izq. · xxx left) Cara a Cara, 2009, fotografia analóga (Blanco y Negro),1.1x 1.1m. Cara a Cara, 2009, analog photography (Black and White), 43.3 x 43.3 in. (xxx der · xxx right) Cara a Cara, 2009, fotografia analógica (Blanco y Negro), 1.1x 1.1m. Cara a Cara, 2009, analog photography (Black and White), 43.3 x 43.3 in.(xxx izq. · xxx left) Cara a Cara, 2009, fotografia analógica (Blanco y Negro), 1.1x 1.1m. Cara a Cara, 2009, analog photography (Black and White), 43.3 x 43.3 in. (xxx izq. · xxx left) Cara a Cara, 2009, fotografia analógica (Blanco y Negro), 1.1x 1.1m. Cara a Cara, 2009, analog photography (Black and White), 43.3 x 43.3 in.

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Holanda · Holland | Fotografía · Photography

Alex ten Napel Rodeados de agua Surrounded by Water

Para Alex ten Napel el agua es más que la principal materia que compone nuestro organismo o la tierra que habitamos. Marcado por la geografía de su Holanda natal, el fotógrafo reconoce la influencia que ha ejercido sobre su trabajo el hecho de vivir en un lugar por debajo del nivel del mar. Así, este elemento indispensable para la vida se ha convertido en el punto central de dos de sus series como retratista.

Con su cámara Hasselblad en mano y una piscina llena de agua, Ten Napel fotografió niños y adultos que, al estar mojados, muestran sin tapujos su más profunda esencia. La mirada, expresión y pose se exacerban e intensifican a través del brillo de las gotas que recorren el cuerpo de modelos que nos miran a los ojos. Un trabajo limpio y directo en toda su expresión.

To Alex ten Napel water is more than the principal matter of which our bodies or the land we inhabit are composed. Marked by the geography of his native Holland, the photographer acknowledges the influence that living in a place below sea level has had on his work. Therefore this element that is indispensable in life has become the main focus of two of two of the series he has created as a portrait photographer.

With his Hasselblad camera in hand and a pool full of water,Ten Napel photographed children and adults who, when wet, openly show their essence in the deepest way. Their looks, expressions and poses are exacerbated and intensified through the shine of water drops that run across the bodies of the models who are directly gazing to our eyes. It is a clean and straightforward work in all its expression.

Imágenes cortesía del artista y de Galería Eduard Planting, Amsterdam. Images courtesy of the artist and Eduard Planting Gallery, Amsterdam. (92 izq. · left) Elroy, 2006, impresión digital en colores cromogénicos. 100 x 100 cm. Elroy, 2006, digital chromogenic color print, 39.37 x 39.37 in. (93 der · right) Diura, 2010, impresión digital en colores cromogénicos, 100 x 100 cm. Diura, 2010, digital chromogenic color print, 39.37 x 39.37 in. (94 izq. · left) Gerbert, 2006, impresión digital en colores cromogénicos, 100 x 100 cm. Gerbert, 2006, digital chromogenic color print, 39,37 x 39,37 in. (95 der · right) Jamie #1, 2006, impresión digital en colores cromogénicos, 100 x 100 cm. Jamie #1, 2006, digital chromogenic color print, 39,37 x 39,37 in.

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Perú · Peru | Fotografía · Photography

Leslie Searles Fronteras difusas Vague borders

Leslie Searles ha elegido la luz y la transparencia para generar retratos misteriosos y enigmáticos. Sobreponiendo radiografías en el rostro de niños pacientes del pabellón de traumatología del Instituto Nacional del Niño en Lima, la fotógrafa da paso a una serie de connotaciones que nos llevan a preguntarnos sobre la existencia de lo que no vemos a simple vista, al tiempo que nos plantean interrogantes en torno a una realidad compleja y misteriosa. ¿Qué hay detrás de lo que vemos a diario? ¿Qué intentan comunicarnos estos niños? ¿Cómo sus historias se evidencian a través de las radiografías que nos muestra su interior? Las miradas nos hablan e interpelan sin palabras.

Leslie Searles has chosen light and transparency to create mysterious and enigmatic portraits. Superimposing radiographs in the faces of children patients of the National Children's Institute in Lima, the photographer gives way to a series of connotations that lead us to wonder about the existence of what we do not see with the naked eye, while we raise questions about a complex and mysterious reality. What is behind what we see everyday? What are these children trying to communicate? How their stories are evidenced by radiographs showing us their inside? Their eyes speak and challenge us without words.

Imágenes cortesía de la artista. Images courtesy of the artist. (98 izq. · left) Radiografía 1, 2013, fotografía digital impresa en papel barita, 150 x 99 cm.

Radiografía 1, 2013, digital photograph printed on barite paper, 59 x 38,9 in. (99 der · right) Radiografía 2, 2013, fotografía digital impresa en papel barita, 150 x 99 cm. Radiografía 2, 2013, digital photograph printed on barite paper, 59 x 38,9 in. (100 izq. · left) Radiografía 3, 2013, fotografía digital impresa en papel barita, 150 x 99 cm. Radiografía 3, 2013, digital photograph printed on barite paper, 59 x 38,9 in. (101 izq. · left) Radiografía 4, 2013, fotografía digital impresa en papel barita, 150 x 99 cm. Radiografía 4, 2013, digital photograph printed on barite paper, 59 x 38,9 in.

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Perú · Peru | Dibujo · Drawing

José Luis Carranza Dibujos medicinales Medicinal drawings

Con una estética y estilo característicos, José Luis Carranza traza los músculos y tendones de sus extraños personajes. Ojos grandes y mandíbulas marcadas son el sello de un artista que observa hasta el cansancio qué necesita la tela frente a sus ojos, cual doctor que diagnostica a su enfermo previo a la intervención. Es la fórmula de trabajo de un hombre obsesionado con el arte y la pintura, que no encuentra forma de escapar a los pensamientos que lo mantienen día a día en su taller.

A través de sus estrafalarios personajes, Carranza realizada acabados estudios de anatomía. Guiado por su interés en el cuerpo humano, el artista peruano ha descubierto una gran e inagotable fuente de belleza y perfección.

With a distinctive style and aesthetic, José Luis Carranza traces the muscles and tendons of his strange characters. Large marked eyes and jaws are the stamp of an artist that endlessly observes what the canvas before his eyes needs, like a doctor who diagnoses his patient before operating. This is the work formula of a man obsessed with art and painting who has not found a way to escape the thoughts that occupy him every day in his workshop.

Through his quirky characters, Carranza has carried out complete studies of anatomy. Guided by his interest in the human body, the Peruvian artist has discovered a large and inexhaustible source of beauty and perfection.

Imágenes cortesía del artista. Images courtesy of the artist. (xxx izq. · xxx left) Cabeza IV, 2010, carboncillo sobre papel, 70 x 50 cm, año. Cabeza IV, 2010, charcoal on paper, 2.2 x 1.6 in. (xxx der · xxx right) Cabeza I, 2010, carboncillo sobre papel, 70 x 50 cm. Cabeza I, 2010, charcoal on paper, 2.2 x 1.6 in. (xxx izq. · xxx left) Cabeza III, 2010, carboncillo sobre papel, 70 x 50 cm. Cabeza III, 2010, charcoal on paper, 2.2 x 1.6 in. (xxx izq. · xxx left) Cabeza II, 2010, carboncillo sobre papel, 70 x 50 cm. Cabeza II, 2010, charcoal on paper, 2.2 x 1.6 in

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Inglaterra · England | Pintura · Painting

Craig Wylie La vida en detalles Life in details

Cerca de tres meses mantiene ocupado cada lienzo a Craig Wylie, tiempo bastante corto si tomamos en cuenta las amplias dimensiones de cada uno de sus trabajos y el detalle con que retrata a los personajes. Arrugas, vellos, cicatrices y pliegues cubren centímetro a centímetro sus enormes telas, generando un efecto impactante y sobrecogedor.

Vistas desde lejos, sus pinturas parecen perfectas y acabadas hasta en el más mínimo fragmento. Sin embargo, al acercarnos descubrimos una pincelada potente y vigorosa que evidencia la naturaleza pictórica de su trabajo y nos sorprende con una técnica audaz, directa y sincera.

Craig Wylie dedicates about three months on each canvas, a very short amount of time if we take into account the broad dimensions of each of his pieces and the details with which he makes portraits of individuals. Wrinkles, hairs, scars and creases cover every inch of his huge canvases, creating a powerful and enthralling effect.

From a distance, his paintings look perfect and finished to the smallest fragment. However, when we get closer we discover a powerful and vigorous brushwork that shows the pictorial nature of his work and surprises us with a bold, direct and sincere art.

Imágenes cortesía del artista, Galería Dukan París y Galería Plus One Londres. Images courtesy of the artist, Galerie Dukan Paris & Plus One Gallery London. (110 izq. · left) D(prism), 2009, óleo sobre lienzo, 230 x 210 cm. D(prism), 2009, oil on canvas, 90.5 x 82.6 in. (111 der · right) L(saturated), 2009, óleo sobre lienzo, 230 x 180 cm. L(saturated), 2009, oil on canvas, 90.5 x 70.8 in. (112 izq. · left) MD(ripple), 2013, óleo sobre lienzo, 40 x 50 cm. MD(ripple), 2013, oil on linen, 15.7 x 19.6 in. (113 der · right) EW(cave), 2014,óleo sobre lienzo, 210 x 134.5 cm. EW(cave), 2014, oil on canvas, 82.6 x 52.9 in.

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EE.UU. · USA | Pintura · Painting

Richard Phillips Retrato pop contemporáneo Contemporary pop portrait

Modelos, actrices, estrellas porno y políticos conforman el imaginario del pintor estadounidense. En pleno Manhattan, Phillips trabaja sus rostros a gran escala, consiguiendo una obra potente y no exenta de controversia.

Atraído por el mundo de la moda y los medios, el pintor escoge íconos híper reproducidos e imágenes altamente difundidas que luego traslada a sus enormes lienzos. Phillips busca la extrañeza de parte del espectador y desplaza imágenes usualmente consumidas en medios de comunicación a galerías de arte, cuestionando la naturaleza de ambas plataformas en este proceso. Sus reconocibles rostros juegan con la noción de retrato contemporáneo y traslapan la imagen que se ve en la pantalla con lo que se percibe en la tela, y viceversa.

Models, actresses, porn stars and politicians make up the imagination of this American painter. In the middle of Manhattan, Phillips works his large-scale faces, achieving a powerful work not free of controversy.

Attracted by the world of fashion and the media, the painter chooses extensively reproduced icons and widespread images that he later transfers to huge canvases. Phillips tries to surprise the viewer and transfers pictures that are usually eaten up by the media to art galleries, questioning the nature of both platforms in the process. His recognizable faces play with the notion of contemporary portraits and overlap the picture seen on the screen with what is seen on the fabric and vice versa.

Imágenes cortesía de Gagosian Gallery. Images are courtesy of Gagosian Gallery. (xxx izq. · xxx left) Most Wanted (Robert Pattinson), 2010, óleo sobre lienzo, 241.3 x 198.1 cm. Most Wanted (Robert Pattinson), 2010, oil on linen, 95 x 78 in. (xxx der · xxx right) Lindsay, 2012, óleo sobre lienzo, 122.6 x 101.6 cm. Lindsay, 2012, oil on linen, 48.25 x 40 in. (xxx izq. · xxx left) The Night, 2012, óleo sobre lienzo, 259.1 x 196.9 cm. The Night, 2012, oil on linen, 102 x 77.5 in. (xxx der. · xxx right) Most Wanted (Dakota Fanning), 2011, óleo sobre lienzo, 241.3 x 198.1 cm. Most Wanted (Dakota Fanning), 2011, oil on linen, 95 x 78 in.

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Argentina · Argentina | Dibujo · Drawing

Luciana Rondolini Vanidad y consumo Vanity and consumption

La obra de Luciana Rondolini se encuentra ligada al análisis del valor que se le otorga a los objetos y las personas. Su producción se centra en los hábitos que determinan el consumo y posterior desecho de lo que nos rodea, como evidencia de lo efímero de las relaciones en nuestra sociedad. Sus obras son ejes sociológicos en los que es posible ver una crítica a la sociedad y el modo en el que nos regimos por modas.

Sus dibujos en grafito de Justin Bieber, Lady Gaga o Miley Cyrus presentan rostros anónimos, cubiertos de joyas. Rondolini los transforma en figuras inalterables como los diamantes que los consagran. Estos dibujos son metáfora de la propia moda fugaz que los colocó y enalteció alguna vez como ícono de la cultura popular. Una obra que reflexiona sobre la ambigüedad que supone aquello que uno desea en la inmediatez del momento o por su calidad de novedad, frente a su valor real y su condición de perecedero.

The work of Luciana Rondolini is an analysis of the value that is given to the objects and people and their relations. Her production is centered on the habits that determine the use and subsequent disposal of what surrounds us, as evidence of the ephemeral nature of relationships in our society. Her work is the result of a sutdy of the sociological cores of human behaviour where it is possible to see a critique of society and the way in which we follow trends.

Her graphite drawings of Justin Bieber, Lady Gaga or Miley Cyrus have their faces covered with jewels as if anonymous. Rondolini transforms them in unalterable figures just like the diamonds they present. These drawings are reflection of the ambiguity of which one wants in the immediacy of the moment by its quality of novelty, compared to its real value and condition of being perishable.

Imágenes cortesía de la artista y Galeria Miau Miau. Images courtesy of the artist and Miau Miau Gallery (xxx izq. · xxx left) Miley premio, 2014, grafito sobre papel, 200 x 150 cm. Miley award, 2014, graphite on paper, 78,7 x 59 in. (xxx der · xxx right) Justin, 2013, grafito sobre papel,, 35 x 25 cm. Justin, 2013,graphite on paper, 13,7 x 9,8 in. (xxx izq. · xxx left) Cowgirl, 2014, grafito sobre papel, 2 x 1.5 m. Cowgirl, 2014, graphite on paper, 78.7 x 59 in. (xxx izq. · xxx left) Justin, 2013, grafito sobre papel, 35 x 25 cm. Justin, 2013, graphite on paper, 13.7 x 9.8 in.

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España · Spain | Pintura · Painting

Salustiano Poder enigmático Enigmatic power

Fuerza, color, expresión. La obra del español Salustiano transmite emoción en cada pincelada. Sus pinturas nos miran queriendo obtener respuestas que no podemos dar. ¿Qué piensan aquellas niñas? ¿Qué esconden esos jóvenes?

Los enigmáticos rostros están cargados de vida: sentimientos, deseos y frustraciones brotan de los ojos de quienes nos ven directamente, buscando trascender más allá del momento de la contemplación. La obra de Salustiano no pasa desapercibida. Sus intensos tonos y su singular aura de misterio son una fuente interminable de sensaciones y experiencias para el espectador.

Strength, color and expression: the work of the Spaniard, Salustiano transmits emotion in every brushstroke. His paintings look to us for responses that we cannot give. What are those little girls thinking? What are those young people hiding?

The enigmatic faces are filled with life: feelings, desires and frustrations flow from the eyes of those who look at us directly, hoping to transcend beyond the moment of contemplation. The work of Salustiano does not go unnoticed. Their intense tones and peculiar aura of mystery are endless sources of feelings and experiences for the viewer.

Imágenes cortesía del artista. Images courtesy of the artist. (xxx izq. · xxx left) Under the rain (Maria), pigmentos naturales, resina de acrílico y óleo sobre lienzo, 220 x 152 cm. Under the rain (Maria), natural pigments, acrylic resin and oil on canvas, 86.6 x 59.8 in. (xxx der · xxx right) Steps to the Dawn, pigmentos naturales, resina de acrílico y óleo sobre lienzo,193 x 152 cm. Steps to the Dawn, Natural pigments, acrylic resin and oil on canvas,75.9 x 59.8 in. (xxx izq. · xxx left) También hacia la luz no 4, año, óleo sobre lienzo, 260 x 152 cm. También hacia la luz no 4, oil on canvas, 102,3 x 59,8 in. (xxx izq. · xxx left) Bus stop in the rain (Maria con Coca-cola), pigmentos naturales, resina de acrílico y óleo sobre lienzo, 202 x 154 cm. Bus stop in the rain (Maria con Coca-cola), natural pigments, acrylic resin and oil on canvas, 79,5 x 60,6 in.

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E.E.U.U. · USA | Fotografía · Photography

Jill Greenberg El fin de los tiempos End times

Retratos de niños que lloran preocupados por el lugar en que crecerán. Sus lágrimas nos conmueven en lo más profundo y nos llaman a calmar su angustia. End Times (El fin de los tiempos), la serie más controvertida de la fotógrafa canadiense, impacta a simple vista. Se trata de un conjunto de imágenes de niños con distintas emociones que refleja la opinión de la artista sobre el gobierno de George W. Bush, presidente de Estados Unidos durante la época en que la serie fue realizada. El dramatismo y la intensidad de las imágenes nos lleva a compartir el sufrimiento y la desesperación de los infantes, aun cuando no sepamos bien por qué surgen esas dramáticas lágrimas.

Portraits of children crying, worried about the place in which they are to grow up. Their tears deeply move us and call us to calm their anguish. End Times, the most controversial series of the Canadian photographer, definitely impact at the first sight. It deals with a collection of pictures of children with different emotions that reflect the artist’s opinion of the administration of George W. Bush, president of the United States at the time the series was done. The drama and intensity of the pictures leads us to share in the suffering and desperation of the young people, even when we don’t know exactly what has caused these dramatic tears.

Imágenes cortesía de la artista. Images courtesy of the artist. (134 izq. · left) Revelations, 2005, impresión con pigmento perdurable, 106,6 x 127 cm. Revelations, 2005, archival pigment print, 42 x 50 in. (135 der · right) Unless, 2006, impresión con pigmento perdurable, 106,6 x 127 cm. Unless, 2006, archival pigment print, 42 x 50 in. (136 izq. · left) Bigbrother, 2006, impresión con pigmento perdurable,, 106,6 x 127 cm. Bigbrother, 2006, archival pigment print, 42 x 50 in. (135 der · right) Faith, 2006, impresión con pigmento perdurable, 106,6 x 127 cm. Faith, 2006, archival pigment print, 42 x 50 in.

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Rusia · Russia | Fotografía · Photography

Oleg Dou Belleza irreal Unreal beauty

Los altos estándares de belleza impuestos por la sociedad actual y la lucha por alcanzarlos son la base del trabajo del fotógrafo ruso Oleg Dou. A través de retratos intervenidos digitalmente, el artista cuestiona los cánones de la moda que nos rigen e intenta descubrir la identidad del hombre de hoy.

Pieles perfectas, suaves y tersas tras las cuales se evidencia una mirada triste y solitaria. Es el ser humano clamando desde lo más íntimo en un grito silencioso. Nos miran directamente y nos interpelan, generando una tensión y una complicidad entre el retratado y quien se enfrenta a la obra. El trabajo de Oleg Dou intenta encontrar la pureza del hombre en rostros aparentemente inexpresivos, pero que traen consigo una fuerte carga emocional.

The high standards of beauty imposed by society today and the struggle to meet them are the basis of the work of the Russian photographer, Oleg Dou. Through digitally altered portraits, the artist questions the fashion ideals that govern us and tries to discover the identity of people today.

Perfect, soft and smooth skin behind a sad, lonely look can be seen. The individual is crying out from the depths in a silent scream. They look directly at us and implore us, creating tension and complicity between the one portrayed and he who observes the piece. The work of Oleg Dou tries to find the purity of man in seemingly expressionless faces, but that bring with them a strong emotional burden.

Imágenes cortesía del artista. Images courtesy of the artist. (xxx izq. · xxx left) Masha2, 2010, c-print sobre diasec,120 x 120 cm. Masha2, 2010, c-print under diasec, 47.24 x 47.24 in. (xxx der · xxx right) Fawn, 2009,c-print sobre diasec, 130 x 89 cm, 180 x 123 cm, 260 x 178 cm. Fawn, 2009, c-print under diasec, 51.18 x 35.03 in, 70.86 x 48.42 in, 102.36 x 70.078 in. (xxx izq. · xxx left) Pig, 2010, c-print sobre diasec,130 x 89 cm,180 x 123 cm, 260 x 178 cm. Pig, 2010, c-print under diasec, 18 x 35.03 in, 70.86 x 48.42 in,102.36 x 70.078 in. (xxx izq. · xxx left) Monkey, 2009, c-print sobre diasec, 130 x 89 cm,180 x 123 cm , 260 x 178 cm. Monkey, 2009, c-print under diasec, 51.18 x 35.03 in, 70.86 x 48.42in, 102.36 x 70.078 in.

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Brasil · Brazil| Pintura · Painting

Harding Meyer Identidades anónimas Anonymous Identities

Miradas intensas y bordes difusos pueblan las grandes telas que Harding Meyer pinta en Alemania, país donde actualmente reside el artista de origen brasilero. Las caras han llamado su atención hasta el punto de convertirse en el motivo que distingue y enmarca todo su trabajo actual.

El trabajo comienza en los diferentes medios de comunicación, donde Meyer selecciona los rostros que pronto representará con óleo en esa forma tan particularmente suya que tiene de hacerlo. Catálogos, revistas, películas y televisión son la constante e inacabable fuente de modelos de la que se provee el pintor, personas anónimas que aisladas bajo su pincel adquieren fuerza y potencia, entregándoles de esta forma una nueva identidad.

Intense looks and diffused edges fill the large canvases that Harding Meyer paints in Germany, the country the artist of Brazilian origin currently resides in. Faces have caught his attention up to the point of making them the motif that frames and distinguishes all of his current work.

The starting point of Meyer's work are the media, from which he selects the faces that he will soon portray with oil in that particular way of his. Catalogues, magazines, movies and television are the constant and endless source of models that provide the painter with anonymous individuals who isolated under his brush acquire strength and power, thus giving them a new identity.

Imágenes cortesía del artista. Images courtesy of the artist. (146 izq. · left) .OT, óleo sobre tela, 2009, 120 x 150 cm. o.T, oil on canvas, 2009, 47 x 59 in. (147 der · right) "o.T", óleo sobre tela, 2009, 195 x 250 cm. "o.T", oil on canvas, 2009, 76.7 x 98.4 in. (148 izq. · left) "o.T", óleo sobre tela 2009, 195 x 250 cm. "o.T", oil on canvas, 2009, 76.7 x 98.4 in. (149 der · right) "o.T", óleo sobre tela, 2007, 150 x 190 cm. "o.T", oil on canvas, 2007, 59 x 74.8 in

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Holanda · Holland |Arte digital · Digital art

Ruud van Empel Más allá de la realidad Beyond reality

La obra de Ruud Van Empel nos atrapa y desconcierta al mismo tiempo. El aura de perfección que rodea a cada imagen es el resultado de un cuidado trabajo de montaje digital, donde cada elemento es la pieza de un complejo puzle que el holandés arma minuciosamente hasta obtener el resultado final. Pieles tersas y miradas intensas pueblan sus exóticos paisajes y nos llevan a preguntarnos por la veracidad de lo que se enfrenta a nuestros ojos. El fantástico mundo que crea Van Empel es un lugar colorido y enigmático, donde la perfección crea piezas bellas pero al mismo tiempo irreales, lo que nos hace preguntarnos: ¿Dónde está el límite entre lo real y lo ficticio en estas imágenes?

The work of Ruud Van Empel captures our attention and bewilders us at the same time. The aura of perfection surrounding each image is the result of careful digital editing, where every element is a piece of a complex puzzle that the Dutch artist meticulously puts together until obtaining the final result. Smooth skins and intense looks populate their exotic landscapes and lead us to wonder about the veracity of what is before our eyes. The fantasy world that Van Empel creates is a colorful and enigmatic place where perfection creates beautiful, but at the same time fictitious pieces, which makes us wonder: where is the line between fiction and reality in these pictures?

Imágenes cortesía de Flatland Gallery. Images courtesy of Flatland Gallery. (xxx izq. · xxx left) World #16, 2006, impresión sobre cibrachrome, 59.4 x 84.1 cm . World #16, 2006, cibrachrome, 23.5 x 33 in. (xxx der · xxx right) World #2, 2005, impresión sobre cibrachrome, 84.1 x 118.9 cm. World #2, 2005, cibrachrome, 33.11 x 46.81 in. (xxx izq. · xxx left) World #19, 2006, impresión sobre cibrachrome, 60 x 84 cm. World #19, 2006, cibrachrome, 23.5 x 33 in. (xxx izq. · xxx left) Moon #3, 2005, impresión sobre cibrachrome. Moon #3, 2005, cibrachrome,

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Bolivia · Bolivia | Instalación · Installation

Sonia Falcone A todo color Full color

Coloridas piezas e instalaciones componen el trabajo de la artista boliviana Sonia Falcone. Arcoíris, montañas, llamas, mar y peces son algunos de los elementos que evidencian la fuerte raíz y vínculo espiritual que tiene su trabajo y, a fin de cuentas, toda su vida. Para Falcone, es esta espiritualidad la que nos entrega el poder divino de pensar, percibir y crear, y que la ha llevado a construir su propio imaginario de colores vibrantes. A través de la exploración de las formas y la geometría, la artista entrega una experiencia visual única al espectador.

Colorful pieces and installations form the work of Bolivian artist, Sonia Falcone. Rainbows, mountains, flames, the sea and fish are some of the elements that demonstrate the strong roots and spiritual bond that the work and ultimately his whole life have. To Falcone, it is this spirituality that gives us the divine power to think, perceive and believe, and that has led him to form his own imagination of vibrant colors. Through the exploration of shapes and geometry, the artist gives the viewer a unique visual experience.

Imágenes cortesía de la artista. Images courtesy of the artist. (158 izq. · left) Camaleón I, 2011, c-print, 77 x 122 cm . Camaleón I, 2011, c-print, 30.31 x 48 in. (159 der · right) Camaleón II, 2011, c-print, 77 x 122 cm. Camaleón II, 2011, c-print, 30.31 x 48 in. (160 izq. · left) See no evil, hear no evil, speak no evil I, 2011, 77 x 122 cm. See no evil, hear no evil, speak no evil I, 2011, 30.31 x 48 in.(161 der. · right) See no evil, hear no evil, speak no evil II, 2011, 77 x 122 cm. See no evil, hear no evil, speak no evil II, 2011, 30.31 x 48 in.

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Perú · Peru | Arte digital · Digital art

Patrick Tschudi Mecánicas de la vida en sociedad Mechanics of life in society

En las últimas obras del peruano Patrick Tschudi vemos a un cúmulo de personas diferentes transitar por ciudades o entornos naturales, sin que entendamos bien si vienen o van. Todas en distintas poses y actitudes y cada una vestida de manera singular. Al observarlas en masa y quitarles los rasgos corporales, terminan siendo muy parecidas. Sin embargo, al detenerse y observar centímetro a centímetro, una infinidad de micro historias, personalidades y situaciones salen a la luz y configuran la intimidad de esta confusa masividad.

En cada una de sus obras, Tschudi erradica los rasgos personales de sus personajes, dejando que soló su vestimenta y actitud física develen su carácter. La intención detrás de esta carencia de identidad es que cualquier espectador pueda proyectarse en los personajes.

In the last pieces of Peruvian, Patrick Tschudi we see a cluster of different people passing through cities and natural environments without really knowing if they are coming or going. They all have different poses and attitudes and everyone is dressed their own way. When observing them all together and taking away their body features, they end up being very similar. However, when you stop and observe them inch-by-inch, an infinite number of micro stories, personalities and situations come to light and create intimacy in this confusing mass.

In each of her pieces, Tschudi eradicates the personal traits of her characters, leaving only their clothing and physical attitude to reveal their character.

The intention behind this lack of identity is that any viewer can see himself in the characters.

Imágenes cortesía del artista. Images courtesy of the artist. (xxx izq. · xxx left) The wait, 2011, impresión Lambda bajo acrílico, 115 x 100 cm. The wait, 2011, Lambda print on acrylic, 45.2 x 39.3 in (xxx izq · xxx left) Arrival, 2011, impresión Lambda bajo acrílico, 100 x 100 cm. Arrival, 2011, Lambda print on acrylic, 39.3 x 39.3 in. (xxx der · xxx right) Indian faith, 2013, impresión Lambda bajo acrílico, 160 x 110 cm. Indian faith, 2013, Lambda print on acrylic,,62.9 x 43.3 in. (xxx) Searching, 2014,impresión Lambda bajo acrílico, 90 x 120 cm. Searching, 2014, Lambda print on acrylic,, 35.4 x 47.2 in.

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Austria · Austria | Fotografía · Photography

Josef Hoflehner Paisajes sinceros Sincere landscapes

Pura, bella, elegante, armónica. La obra del fotógrafo austriaco cautiva por sí sola.

Convencido de que el paisaje no ha recibido la suficiente atención de parte del mundo del arte y ha pasado desapercibido en comparación al retrato o la fotografía documental, Hoflehner ha recorrido el mundo para capturar con su singular mirada los horizontes que nos rodean.

La perfección de los paisajes y el uso del blanco y negro generan una mezcla que atrapa e hipnotiza. Toques minimalistas, un cuidado uso del contraste y un encuadre perfecto son los elementos que dan vida a fotografías auténticas y puras, donde es el espacio por sí solo quien nos habla, sin adornos ni distracciones. Imágenes sinceras que revelan la mirada interior del artista.

Pure, beautiful, elegant, harmonious. The work of the Austrian photographer captivates by itself alone. Convinced that landscapes have not received enough attention from the art world and have gone unnoticed compared to portraits or documentary photography, Hoflehner has traveled the world to capture the horizons that surround us with his unique point of view.

The perfection of landscapes and the use of black and white creates a mix that seizes and hypnotizes. Minimalist touches, careful use of contrast and perfect framing are the elements that give life to the pure authentic photographs, where the place alone speaks to us, without embellishments or distractions. They are sincere images that reveal the inner perspective of the artist.

Imágenes cortesía del artista. Images courtesy of the artist. (152 izq. · left) Walkway to Heaven, China 2008, impresión con pigmento perdurable, 5 ediciones, 100 x 100 cm. Walkway to Heaven, China 2008, archival pigment ink print, edition of 5, 39.37 x 3 9.37 in. (153 der · right) Bus Stop, Santa Barbara, California, 2009, impresión con pigmento perdurable, 5 ediciones, 100 x 100 cm. Bus Stop, Santa Barbara, California, 2009, archival pigment ink print, edition of 5, 39.37 x 39.37 in (154 izq. · left) Mosque and Birds India, India 2007, impresión con pigmento perdurable, 5 ediciones, 100 x 100 cm. Mosque and Birds India, India 2007, archival pigment ink print, edition of 5, 39.37 x 39.37 in (155 der. · left) Study 8, St. Petersburg, Russia, 2010, impresión con pigmento perdurable, 5 ediciones, 100 x 100 cm. Study 8, St. Petersburg, Russia, 2010, archival pigment ink print, edition of 5, 39.37 x 39.37 in

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China · China | Pintura · Painting

They La crueldad es real, la belleza es ficticia Cruelty is real, beauty is fictitious

Islas bellas pero solitarias. Paisajes atractivos que representan a una generación frágil y atrapada en su propio presente. Una visión del ser humano como un ente aislado que busca desesperadamente y en silencio la solución a su vacío existencial.

They es una dupla artística compuesta Lai Shengyu (1978) y Yang Xiaogang (1979). Ambos pintores han unido sus visiones de la sociedad actual y la soledad en que ven inmerso al hombre para crear una obra bella que refleja la profunda crueldad en que vive el ser humano.

Beautiful but solitary islands. Attractive landscapes that represent a fragile generation trapped in its own present. A view of humans as isolated beings searching desperately and in silence for the solution to their existential emptiness.

They is an artist duo composed of Lai Shengyu (1978) and Yang Xiaogang (1979). Both painters have united their views on today’s society and solidarity in which they see man immersed in order to create a beautiful work that reflects the profound cruelty in which humans live.

Imágenes cortesía de los artistas. images courtesy of the artists. (146 izq. · left) The sound of sea, 2012, óleo sobre tela, 130 x 200 cm. The sound of sea, 2012, oil on canvas, 51 x 78.7 in. (147 der · right) The depth of the swamp, 2012, óleo sobre tela, 140 x 270 cm. The depth of the swamp, 2012, oil on canvas, 55 x 106 in (148 izq. · left) Snow, 2011, óleo sobre tela, 135 x 210 cm. Snow, 2011, oil on canvas, 53 x 82.6 in. (149 der. · right) The night, 2012, óleo sobre tela, 100 x 250 cm. The night, 2012, oil on canvas, 39.3 x 98.4 in

EE.UU. · USA | Instalación · Installation

Vito Acconci Pasa, por favor Please come in

Acompañado de un equipo de diseñadores, artistas y arquitectos, Vito Aconcci da rienda suelta a su imaginación para crear espacios vanguardistas y experimentales, donde el transeúnte es el invitado principal.

Es difícil catalogar a un hombre tan polifacético como Vito Acconci. Arquitecto, poeta, fotógrafo e incluso perfomer, funda en 1988 Acconci Studio, desde donde surgen proyectos a gran escala que impactan por su agudeza visual y sus intrincadas formas. Mezclando arte y arquitectura, el estadounidense es el responsable de una serie de enormes y atractivas estructuras que visten diferentes espacios alrededor del globo.

Accompanied by a team of designers, artists and architects, Vito Aconcci gives free reign to his imagination to create avant-garde and experimental spaces, in which the passerby is the main guest.

It is hard to classify such a multifaceted man as Vito Acconci. Architect, poet, photographer and even performer, in 1988 he founded Acconci Studio, from which large-scale projects arise that make an impact due to their visual acuteness and intricate forms. Mixing art and architecture, the American is responsible for a series of huge, attractive structures that clothe different places around the globe.

Imágenes cortesía de Acconci Studio. Images courtesy Acconci Studio. (der. · right) Courtyard in the wind, Buildings Department Administration Building Munich, 2000, pavimento, hierba, árboles, acero, motores, 6100 x 9500 x 10500 cm. Courtyard in the wind, Buildings Department Administration Building Munich, 2000, pavement, grass, trees, steel, motors, 2401 x 3740 x 4133 in. (140 izq. · left) Roof like a liquid flung over the plaza, Cannon Center For The Performing Arts Memphis, 2004, acero inoxidable con espejo, luz fluorescente, 4444 cm2. Fotografía: Chip Pankey. Roof like a liquid flung over the plaza, Cannon Center For The Performing Arts Memphis, 2004, mirrored stainless-steel, fluorescent light, 4784 sq. ft. Photography: Chip Pankey. (141 der. · right) Fence-On-The-Loose, WaterParkCity Toronto, 2012, acero pintado de negro brillante, circunferencia 26670 cm. altura y profundidad variable. Fotografía: Craig White. Fence-On-The-Loose, WaterParkCity,Toronto 2012, Gloss-black painted steel; 875’ circumference, height & depth vary. Photography: Craig White. (142) Open-Book Store, D.A.P., Armory Show NY, 2007/08, acrílico transparente, cable de acero, 386476 cm2. Open-Book Store, D.A.P., Armory Show NY 2007/08, Transparent acrylic, steel cable; 416 sq. ft.

Courtyard in the wind, Apoyada en el agua hay una rueda de viento, una turbina de viento: abajo, en el interior del patio, un anillo recorta el paisaje. Bajo el anillo hay un plato giratorio accionado por la electricidad que la turbina de viento genera. El anillo del paisaje está siempre moviéndose, lentamente.

Courtyard in the wind, Propped up in the water is a wind-wheel, a wind turbine: down below, inside the courtyard, a ring is cut out of the landscape. Under the ring is a turntable powered by the electricitythat te wind turbine generates. The ring of landscape is always moving, slowly.

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Roof like a liquid flung over the plaza. El techo que se extend铆a hacia afuera del edificio se derrib贸 para levantar columnas hasta hacer un embudo: la luz del sol cae al otro lado de la plaza, al igual que los proyectores en el interior. En la parte inferior de las columnas, la estructura se pliega para hacer asientos en el exterior e interior: el techo se refleja, por arriba y por abajo. Dentro de la columna, te sientas dentro de una habitaci贸n de cielo.

Roof like a liquid flung over the plaza. The roof that sweeps out from the building is pulled down to make columns and up to make a funnel: sunlight shoots down across the plaza, like spotlights on-stage inside. At the bottom of the columns, the structure folds to make seats, outside and inside: the roof is mirrored, above and below. Inside the column, you sit inside a room of sky.

Fence-On-The-Loose. La cerca alrededor de un complejo de apartamentos privados se volvió pública. La base de hormigón en forma de caja se ha convertido en asientos; se transforman en un anfiteatro en la calle. Los cinco listones de la cerca están trenzados/deformados/torcidos: se convierten en respaldos –separando los vidrios que dan al exterior de los patios privados. El pabellón de entrada tiene asientos individuales agrupados al revés para hacer una plaza pública.

Fence-On-The-Loose. The fence around a private apartment-complex is turned public. The box-like concrete base of the fence is bulged into seating; it quadruples into an amphitheater down a street. The five slats of the fence are twisted/warped/braided: they turn into seatbacks –dividers between private-yards- wind-screens climbing the walls –a canopy entrance- single-seats grouped topsy-turvy to make a public square.

Open-Book Store. Una librería armada por sólo cinco días, durante la duración de una feria de arte. Se compone de dos planos horizontales suspendidos por un cable que se cruzan entre sí, desde el suelo hacia arriba en direcciones opuestas. Los planos son transparentes, es como si los libros estuvieran flotando.

Open-Book Store. A bookstore for five days only, for the duration of an art fair. It is made up to two horizontal planes, suspended by cable, intersecting each other as they slope from floor to overhead in opposite directions. The planes are transparent, it is as if the books are floating.

Chile · Chile | Pintura · Painting

Víctor Mahana Paisajes psíquicos Psychic landscapes

Coloridos e intrincados lugares surgen de la mente de Víctor Mahana, quien con destreza y dedicación plasma imágenes que nos transportan a mundos nuevos sin descubrir. Sus pinturas son una invitación a dejarse llevar a paisajes exóticos y vivir la experiencia de este viaje de la mano de la forma y el color.

Ciudades y bosques misteriosos se despliegan ante nosotros con soltura y orden a la vez. Mahana construye un universo caóticamente ordenado donde la infinidad de detalles crea conexiones entre una tela y otra pero al mismo tiempo las vuelve drásticamente distintas entre sí. La suya es una pintura que nos lleva a viajar a través de su propio imaginario y experiencias.

Colorful and intricate places come from the mind of Víctor Mahana, who with skill and dedication captures images that take us to new undiscovered worlds. His paintings are an invitation to let ourselves be taken away to exotic landscapes and live the experience of this journey from the hand of shape and color.

Cities and mysterious forests are unfolded before us with both order and ease. Mahana constructs a chaotically ordered universe where the myriad of details creates connections between one canvas and another but at the same time makes them drastically different from one another. His is a painting that takes us on a journey through his imagination and experiences.

Imágenes cortesía del artista. Images courtesy of the artist. (der. · right) Meiosis, 2014, óleo sobre tela, 80 x 100 cm. Meiosis, 2014, oil on canvas, 31.4 x 39.3 in. (xx izq · left) La fuente, 2014, óleo sobre tela, 120 x 130 cm. La fuente, 2014, oil on canvas, 47.2 x 51.1 in. (xx der. · right) Río, 2014, óleo sobre tela, 100 x 200 cm. Río, 2014, oil on canvas, 39.3 x 78.7 in. (xx) Santiago, 2012, óleo sobre tela, 100 x 300 cm. Santiago, 2012, oil on canvas, 39.3 x 118 in

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Perú · Peru | Fotografía · Photography

Katherinne Fiedler Naturaleza ficticia Fictitious nature

Miles de dioramas pueblan los distintos museos de historia natural alrededor del mundo, dando vida a paisajes y animales fuera de su hábitat natural y permitiendo a los visitantes ver de cerca ecosistemas que se encuentran a miles de kilómetros de distancia. Fue en éstos donde Katherinne encontró los fondos y escenas perfectos para superponer a sus pequeñas modelos en un juego donde se evidencian los anhelos propios del ser humano, como desear, poseer y querer.

El diorama es el ansia de control del hombre respecto a su entorno y las niñas evidencian lo infantil que es esta situación para la fotógrafa.

El trabajo de Katherinne se basa en enfrentar polos aparentemente opuestos para dotarlos de nuevos significados. Lo real y lo ficticio, el hombre y la naturaleza, se mezclan en una obra que entrecruza la historia con la concepción actual de la realidad.

Thousands of dioramas fill the different museums of natural history around the world, giving life to animals and landscapes outside of their natural habitat and allowing visitors to see eco-systems thousands of kilometers away up close. It was in these where Katherinne found the perfect scenes and backdrops to overlay her small models in a game where human longings and the desire to possess things are visible. The diorama is man’s craving for control regarding their surroundings and the little girls show how childish this situation is to the photographer.

Katherinne’s work is based on confronting seemingly opposite poles to give them new meaning. What is real and what is fictitious, man and nature, are mixed together in a work that intertwines history with the current perception of reality.

Imágenes cortesía de la artista. Images courtesy of the artist. (xxx izq. · xxx left) Sin título, 2014, fotografía digital sobre papel Rag Baryta de Hahnemulle, 160 x 110 cm, Edicion 1/3. Untitled, 2014, digital photography over Rag Baryta paper from Hahnemulle, 62,9 x 43,3 in. Edicion 1/3. (xxx der · xxx right) Sin título, 2013, fotografía digital sobre papel Rag Baryta de Hahnemulle, 160 x 110 cm. Edicion 1/3.Untitled, 2013, digital photography over Rag Baryta paper from Hahnemulle, 62,9 x 43,3 in. Edicion 1/3. (xxx izq. · xxx left) Sin título, 2014, fotografía digital sobre papel Rag Baryta de Hahnemulle, 160 x 110 cm. Edicion 1/3.Untitled, 2014, digital photography over Rag Baryta paper from Hahnemulle, 62,9 x 43,3 in. Edicion 1/3.(xxx izq. · xxx left) Sin título, 2014, fotografía digital sobre papel Rag Baryta de Hahnemulle, 160 x 110 cm, Edicion 1/3.Untitled, 2014, digital photography over Rag Baryta paper from Hahnemulle, 62,9 x 43,3 in. Edicion 1/3.

Chile · Chile | Artista multidisciplinar · Multidisciplinary artist

Elisa García de la Huerta Recuperando recuerdos Recovering Memories

Fotografía, collage, textil y performance son parte de los canales bajo los cuales se desarrolla el trabajo de esta chilena residente en Nueva York. Memoria e historia conviven en su obra y se alternan en los diversos soportes que articulan su trabajo, creando así escenarios donde el centro de interés se reparte en las distintas superficies. El público observa, recorre, cuestiona.

(A)Dressing Decay, una de sus más recientes muestras, revive los recuerdos de la ciudad de Baltimore, lugar donde la artista realizó una residencia. Parte de la exhibición estaba compuesta por una serie de fotografías de casas abandonadas intervenidas con géneros que funcionaban a modo de grafiti, en un ejercicio que reúne experiencias de barrio con la apropiación del lugar.

Photography, collage, textile and performance are some of the channels through which the work of this Chilean, resident of New York is developed.

Memory and history coexist in her work and are alternated on the various foundations that articulate her work, creating scenes where the center of interest is distributed on different surfaces. The public observes, looks over and questions.

(A)Dressing Decay, one of her most recent showings, relives memories of the city of Baltimore, where the artist carried out a residency. Part of the exhibition was composed of a series of photographs of abandoned houses with fabrics placed on them that functioned as graffiti in a practice that brings together neighborhood experiences and the appropriation of the place.

Imágenes cortesía de la artista. Images courtesy of the artist. (der. · right) Home de la the serie (A) Dressing decay, 2013, fotografía, dimensión variable. Home from the series (A) Dressing decay, 2013, photography, variable dimentions (122 der · right) Lafayette de la serie (A) Dressing Decay, fotografía, 2013. Lafayette from the series (A) Dressing Decay, photography, 2013 (123 izq. · left) Homes de la serie (A) Dressing Decay, 2013, dimensión variable. Homes from the series (A) Dressing Decay, 2013, variable dimentions.(124-125) De la serie (A) Dresssing Decay, fotografía, 2013. From the series (A) Dresssing Decay serie, photography, 2013

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Argentina · Argentina| Pintura · Painting

Eugenio Cuttica Vestigios de una belleza eterna Traces of an Eternal Beauty

Atravesar las capas de lo cotidiano y accesorio para llegar a lo verdaderamente esencial es parte del trabajo que el pintor argentino desarrolla día a día en su taller en Buenos Aires. Pequeños, grandes y enormes formatos forman parte de una obra que entrecruza belleza y verdad en la misma dosis.

Metafísico y simbólico, su trabajo se presenta puro ante los ojos de quien observa, atrapando nuestra mirada para insertarnos en un tobogán de pensamientos donde la sugestión es el ingrediente principal.

De esta forma, Cuttica nos enfrenta a un trabajo que fusiona lo material con lo espiritual en telas donde abunda la energía, la sorpresa y la intriga.

Ante nuestros ojos permanece la belleza, eterna e inmutable.

Passing through the layers of everyday and secondary things to get to what is truly essential is part of the work the Argentinean painter develops every day in his workshop in Buenos Aires. Small, large and gigantic formats form part of a work that intertwines beauty and truth in the same dose.

Metaphysical and symbolic, his work is pure before the eyes of those who observe it, catching our eye to immerse us in a stream of thoughts of which suggestion is the main ingredient. This way Cuttica places us before a work that fuses the material with the spiritual on canvases where energy, surprise and intrigue abounds. Beauty remains before our eyes, eternal and unchangeable.

Imágenes cortesía del artista. Images courtesy of the artist. (der. · right) Luna y el campo de trigo, 2014, técnica mixta sobre tela, 185 x 230 cm. Luna y el campo de trigo, 2014, mixed media on canvas, 72.83 x 90.55 in. (116 der · right) Luna y Glicina, 2014, técnica mixta sobre tela, 185 x 185 cm. Luna y Glicina, 2014, mixed media on canvas, 72.83 x 72.83in. (117 izq. · left) Luna y campo de Lavanda, 2014, técnica mixta sobre tela, 185 x 185 cm. Luna y campo de Lavanda, 2014, mixed media on canvas, 72.83 x 72.83in. (118-119) Luna y el Árbol de la Vida, 2012, técnica mixta sobre tela, 240 x 200 cm (x 2). Luna y el Árbol de la Vida, 2012, mixed media on canvas, 94.48 x 78.74in (x 2).

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España · Spain | Escultura · Sculpture

Alicia Martín Acumulación letrada Educated build-up

En los años 90 Alicia Martín tomó el libro y nunca más lo dejó. Desde entonces los acumula, apila, desordena y reúne en imponentes esculturas e instalaciones site specific en distintos rincones del mundo. La carga simbólica de esta pieza le ha servido para hablar de conceptos como el registro del paso del tiempo y la transmisión de conocimientos, todo en manos de un objeto universal reconocible para cualquiera.

Diferentes títulos, colores, grosores, ediciones y temas conforman cada una de las imponentes obras de la española, dando lugar a un sinfín de lecturas y formas de aproximarse a sus creaciones. Los trabajos de Alicia Martín sorprenden al transeúnte en plena calle para invitarlo a descubrir cientos de significados.

In the 90s Alicia Martín picked up a book and never put it down.

Since then she accumulates, stacks, scatters and puts them together in stunning site specific sculptures and installations in different corners of the world. The symbolism of this piece has served her for speaking of concepts like capturing the passing of time and the transfer of knowledge, all in the hands of a universal object that is recognizable to anyone.

Different titles, colors, dimensions, editions and subjects make up each of the stunning works of the Spaniard, giving rise to endless interpretations and ways of getting closer to her creations. The works of Alicia Martín surprise those passing by in the street to invite them to discover hundreds of meanings.

Imágenes cortesía de la artista. Images courtesy of the artist. (der. · right) Singularidad, 2012, Colección Fundación Ciudad de la Cultura, Santiago de Compostela, España. Singularidad, 2012, Collection Foundation City of Culture, Santiago de Compostela, Spain. (110 izq. · left) Parásitos, 2012, Holland Paper Bienal. Museo Meermanno, House of book. Den Haag, Holanda. Parásitos, 2012, Holland Paper Bienal. Meermanno Museum, House of book. Den Haag, Holland. (111 der. · right) Singularidad (Detalle), 2012, Colección Fundación Ciudad de la Cultura, Santiago de Compostela, España. Singularidad (Detail), 2012, Collection Foundation City of Culture, Santiago de Compostela, Spain.(112-113) Biografías, 2009, Molino de San Antonio, Córdoba, España. Biografias, 2009, Molino de San Antonio, Córdoba, Spain

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Bélgica · Belgium | Fotografía · Photography

Wim De Schamphelaere Exploración intercultural Intercultural exploration

Hace diez años Wim De Schamphelaere decidió dejar el negocio de impresión digital para dedicarse a su nueva pasión: viajar y conocer personas en pequeños y, a menudo, remotos lugares. Desde entonces, el fotógrafo belga pasa la mayoría del tiempo recorriendo África visitando a la misma gente en reiteradas ocasiones, generando relaciones de respecto y confianza mutua que le permiten crear notables retratos colectivos a gran escala.

Cientos de imágenes se utilizan para reconstruir la realidad perfecta en cada una de sus fotografías. En su obra no sólo la composición, sino también cada detalle, cada expresión, es esencial. La sinceridad y pureza de la imagen final sorprende y emociona.

Ten years ago Wim De Schamphelaere decided to leave his digital printing business behind to devote himself to his new passion: traveling and getting to know people in small, often remote places. Since then, the Belgian photographer passes the majority of his time traveling through Africa visiting the same people in many occasions, building up mutual trust and respect. This is why he is able to create these remarkable large scale group portraits.

For a finished work, hundreds single shots are used to reconstruct the perfect reality. In his work not only composition but also every detail, every expression, is essential. The sincerity and purity of the final image surprise and thrill.

Imágenes cortesía del artista y de Galería Crown Bruselas Bélgica, Galería Zwarte Panter Antwerp Bélgica, Galería McLemoi Sydney Australia. Images courtesy of the artist & Crown gallery Brussels Belgium, Zwarte Panter Gallery Antwerp Belgium, McLemoi Gallery Sydney Australia. (xxx arriba. · xxx up) White House, 2009, 240 x 80 cm. White House, 2009, 240 x 80 cm. (xxx abajo · xxx down) Dassanech, 2011, 310 x 80cm. Dassanech, 2011, 310 x 80cm. (xxx arriba. · xxx up) Five Children, 2012, 240 x 80 cm. Five Children, 2012, 240 x 80cm. (xxx abajo · xxx down) Nomads, 2010, 310 x 80cm. Nomads, 2010, 310 x 80cm.

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China · China | Fotografía · Photography

Liu Bolin Hombre invisible Invisible man

Cual camaleón, Liu Bolin se mimetiza con diferentes escenas urbanas hasta pasar casi desapercibido. Tras esta acción se encuentra un acto rebelde que pretende luchar contra un sistema que considera opresor y limitante.

Su obra es una protesta contra la libertad de expresión en China, país que ha suprimido y castigado en reiteradas ocasiones las manifestaciones artísticas que considera ofensivas o transgresoras con sus principios culturales. Sin importar cuánto tiempo le tome o qué tan intrincado sea el paisaje a sus espaldas, Liu Bolin reproduce en sus ropas hasta el más mínimo detalle para camuflarse casi por completo, demostrando cómo entorno y ciudad se funden peligrosamente con las personas que los habitan.

Quite the chameleon, Liu Bolin blends in with different urban scenes to the point of going almost unnoticed. Behind this action is a rebellious act that aims to fight against a system that he considers oppressive and restricting.

His work is a protest against freedom of expression in China, a country that has suppressed and punished artistic manifestations considered offensive or against their cultural principles on numerous occasions. No matter how long it takes or how intricate the landscape behind him, Liu Bolin imitates everything down to the smallest detail in his clothing to almost completely camouflaging himself. Thus, he demonstrates how cities and the environment are dangerously molded to the people that inhabit them.

Imágenes cortesía del artista. Images courtesy of the artist. (98 izq. · left) Hiding in the City - No.87 Demolition Site, 2009, epson ultra giclee, 118 x 150 cm, 95 x 120 cm, 63 x 80 cm. Hiding in the City - No.87 Demolition Site, 2009, epson ultra giclee, 46.4 x 59 in, 37.4 x 47.2 in, 24.8 x 31.4 in. (99 der · right) Hiding in the City - Graffiti in Beijing 2012 No.1, 2012, epson ultra giclee, 135 x 180 cm, 112.5 x 150 cm, 90 x 120 cm. Hiding in the City - Graffiti in Beijing 2012 No.1, 2012, epson ultra giclee, 53 x 70.8 in, 44.2 x 59 in, 35.4 x 47.2 in. (100 izq. · left) Hiding in Italy 2012 - No.3 Tempio di Apollo, Pompei, 2012, epson ultra giclee, 90 x 120 cm, 68 x 90 cm. Hiding in Italy 2012 - No.3 Tempio di Apollo, Pompei, 2012, epson ultra giclee, 35.4 x 47.2 in, 26.7 x 35.4 in.

(101 izq. · left) Hiding in Italy 2012 - No.2 Ponte Sant’Angelo, Roma, 2012, epson ultra giclee, 90 x 120 cm, 68 x 90 cm. Hiding in Italy 2012 - No.2 Ponte Sant’Angelo, Roma, 2012, epson ultra giclee, 35.4 x 47.2 in, 26.7 x 35.4 in..

Chile · Chile | Fotografía · Photography

Denise Lira-Ratinoff A PRIMERA VISTA AT FIRST SIGHT

A primera vista es un encuentro de los sentidos producido por el enfoque al impredecible; decubriendo emociones de una primera mirada.

El agua es la fuerza primordial en las propuestas de Denise, sin agua no hay vida; esta es una realidad que no necesita traducción.

Lo inesperado y lo que no se puede repetir es lo que produce la intriga, la interrogación y el diálogo. Una forma estremecedora de mostrar la realidad.

At first sight, it is a meeting of the senses produced by facing the unpredictable; discovering emotions at a first glance.

Water is the main force within Denise's proposals, without water there is no life; this is a reality that needs no translation. The unexpected and the unrepeatable is what produce the intrigue, the questioning and the dialogue. A scary path to portrait reality.

Imágenes cortesía de la artista. Images courtesy of the artist. (der. · right) Ice 23, de la serie Glaciers © Denise Lira-Ratinoff. Ice 23, from the series Glaciers © Denise Lira-Ratinoff. (92 izq. · left) Water 02, de la serie Glaciers © Denise Lira-Ratinoff. Water 02, from the series Glaciers © Denise Lira-Ratinoff. (93 der. · right) Water 12, de la serie Water © Denise Lira-Ratinoff. Water 12, from the series Water © Denise Lira-Ratinoff. (94-95) Ice 11, from the series Glaciers © Denise Lira-Ratinoff. Ice 11, from the series Glaciers © Denise Lira-Ratinoff.

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México · Mexico | Fotografía · Photography

Daniela Edburg Mujeres al poder Women in power

El universo femenino configura el centro de la obra de Daniela Edburg. A través de imágenes coloridas, surrealistas e intrigantes, la fotógrafa recrea situaciones fantasiosas que se escapan de lo ordinario para decirnos que lo dulce y lo perverso pueden ir de la mano.

Tomando referencias del mundo publicitario y la cultura pop, Edburg presenta escenas cuidadosamente construidas en donde el color y la composición no son dejados al azar. Luego, una cuidada post producción digital mantiene a Daniela días ocupada “pintando” cada detalle hasta dar con la imagen que ya hace tiempo se encontraba fijada en su cabeza.

The feminine universe forms the center of the work of Daniela Edburg. Through colorful, surreal and intriguing images, the photographer recreates fanciful situations that escape from the ordinary in order to tell us that sweet and wicked can go hand in hand.

Taking references from the advertising world and pop culture, Edburg presents carefully constructed scenes in which color and composition are not left to chance. Then, a carefully done digital post production keeps Daniela busy for days “painting” every detail until achieving the image that had long been fixed in her head.

Imágenes cortesía de la artista. Images courtesy of the artist. (der. · Right) La tormenta, 2010, impresión con tinta permanente sobre papel, 100 x 150 cm. The storm, 2010, printing with archival inks on paper, 39.37 x 59 in. (86 izq. · left) Cerebro, 2009, impresión con tinta permanente sobre papel, 100 x 150 cm. Brain, 2009, printing with archival inks on paper, 9.37 x 59 in.(87 der.· right) La Interrupción, 2010, impresión con tinta permanente sobre papel, 100 x 150 cm. The Interruption,2009, printing with archival inks on paper, 9.37 x 59 in. (88-89) Los Pájaros, 2012, impresión con tinta permanente sobre papel, 100 x 150 cm. The mourning birds, 2012, printing with archival inks on paper, 9.37 x 59 in

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Dinamarca · Denmark | Instalación · Installation

Jeppe Hein Laberintos reflectantes Reflective mazes

Introducirnos en las laberínticas instalaciones del artista danés Jeppe Hein es vivir una experiencia que entremezcla arte y arquitectura en la justa medida. Los espejos, uno de los materiales fundamentales de su trabajo -usados en diversas formas y lugares- crean momentos de reflexión y aprendizaje sin dejar nunca de lado el humor. Enfrentarnos a la obra de Hein es enfrentarnos con nosotros mismos a través de lo sensorial y la simplicidad; un autoconocimiento directo y sin tapujos. Interactuar con sus obras es evidenciar al arte público como un signo social capaz de inducir a la reflexión y la comunicación. El juego y la participación es lo que hace palpable la magia de sus instalaciones.

Entering into the mazelike installations of the Danish artist Jeppe Hein is an experience that blends art and architecture to just the right extent. Mirrors, one of the fundamental materials of his work -used in various ways and places- create moments of reflection and learning without ever neglecting the mood. To come into contact with Hein’s work is to come into contact with ourselves through the senses and simplicity: a direct, open and honest self-awareness. To interact with his works is to experience public art as a social sign capable of inducing reflection and communication. The game and participation is what makes the magic of his installations undeniable.

Imágenes cortesía de Studio Jeppe Hein, Johann König Berlin y Galería 303 Nueva York,. Images courtesy of Studio Jeppe Hein, Johann König Berlin and 303 Gallery New York. (der. · right) Follow Me, 2009, marco de acero, alucobond, acero altamente pulido (super-espejo), 2.20 x 6.05 x 6.05 mt. Instalación permanente en Universidad Bristol, Inglaterra. Fotografía: Jamie Woodley.

Follow Me, 2009, steel frame, alucobond, high-polished steel (super-mirror), 86.6 x 238 x 238 in. Permanent installation at Bristol University, UK. Photography: Jamie Woodley (80 izq. · left) Spaces Between Trees & People, 2013, agua, jets, bombas, reja de hierro, material granulado, control programado, polvo- banco de aluminio revestido. Pabellón del agua: 230 x 220 x 230 cm.

Banco: 44 x 200 x 190 cm. Instalación permanente en Munich-Pasing, Alemania. Fotografía: Studio Jeppe Hein. Spaces Between Trees & People, 2013, water, jets, pumps, iron grating, granulate material, programmed control; powder- coated aluminium bench. Water pavilion: 90.5 x 86,6 x 90.5 in. Bench: 17.32 x 78.7 x 74.8 in. Permanent installation at Munich-Pasing, Germany.

Photography: Studio Jeppe Hein. (81 der. · right) Long Modified Bench San Francisco, 2013, aluminio recubierto, 6 bancos, dimensión variable. Instalación temporal en Exploratorium, San Francisco, E.E.U.U. Fotografía: Amy Snyder © Exploratorium.

Long Modified Bench San Francisco, 2013, powder-coated aluminium, 6 benches, dimensions variable. Temporary installation at The Exploratorium, San Francisco, USA, Photography: Amy Snyder © Exploratorium. (82-83) Mirror Labyrinth Kraus Residence, 2006-2008, estructura de metal, acero inoxidable pulido (super espejo), aluminio, metal galvanizado, 2.40 x 15.50 x 13.70 m.

Instalación permanete en Recidencia Kraus, Nueva York, E.E.U.U. Fotografía: Studio Jeppe Hein. Mirror Labyrinth Kraus Residence, 2006-2008, metal frame, high polished stainless steel (super mirror), aluminium, zinced metal, 94.4 x 61 x 53,9 in. Permanent installation at Kraus Residence, New York, USA. Photography: Studio Jeppe Hein

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Japón · Japan | Instalación · Installation

Chiharu Shiota La vida en hilos Life in threads

Al igual que una araña que arma pacientemente su tela, la artista japonesa construye hilo por hilo envolventes instalaciones para crear ambientes de fuertes connotaciones emocionales. Sillas, camas, muebles y objetos son atrapados por las oscuras líneas que Chiharu Shiota tiende en los diferentes espacios que reciben su obra.

Estos objetos cotidianos nos invitan a reflexionar sobre las dualidades a las que nos enfrentamos como seres humanos: vida y muerte, pasado y presente son parte de la propuesta visual y conceptual de la artista.

Like a spider that patiently weaves its web, the Japanese artist constructs enveloping installations thread-by-thread to create atmospheres with strong emotional connotations. The dark threads that Chiharu Shiota stretches across the different spaces that hold her work traps chairs, beds, furniture and objects. These everyday objects invite us to reflect on the dualities we are confronted with as human beings: life and death, past and present. These are part of the artist’s visual and conceptual proposal.

Imágenes cortesía de la artista. Images courtesy of the artist. (74 izq. · left) Stairway, 2012, Schleswig-Holsteinischer Kunstverein, Kunsthalle zu Kiel, Kiel, espuma de poliestireno, lana negra. Fotografía: Sun-Hi Mang. Stairway, 2012, Schleswig-Holsteinischer Kunstverein, Kunsthalle zu Kiel, Kiel, Styrofoam, black wool. Photography: Sun-Hi Mang. (75 der · right) During Sleep, 2001, Maison des Arts Créteil París, 10 camas, lana negra. Fotografía: Sun-Hi Mang. During Sleep, 2001, Maison des Arts Créteil Paris, 10 beds, black wool. Photography: Sun-Hi Mang. (76 izq. · left) In Silence, 2008, Centre PasquArt Biel/Bienne, lana negra, piano de cola y sillas quemadas. Fotografía: Sun-Hi Mang. In Silence, 2008, Centre PasquArt Biel/Bienne, black wool, burnt grand piano, burnt chairs. Photography: Sun-Hi Mang. (77 der · right) Unconsciuos Anxiety, 2009,Shiseido Gallery Tokio, escritorio y sillas viejas, lana negra. Fotografía: Sun-Hi Mang. Unconsciuos Anxiety, 2009, Shiseido Gallery Tokio, old desk, old chair, black wool. Photography: Sun-Hi Mang,

Bulgaria-Marruecos · Bulgaria-Morocco | Arte ambiental · Environmental art

Christo & Jeanne-Claude Fragilidad a gran escala Large-Scale fragility

Las enormes intervenciones de Christo & Jeanne-Claude (1935; 1935-2009) son la evidencia fugaz de un recuerdo que perdura; nuestra mente y una imagen grabada en la retina son los responsables de archivar lo que está pronto a desaparecer. Parques, edificios, islas y cerros han recibido sus kilométricas telas momentáneamente para luego continuar su existencia con el recuerdo de lo que alguna vez hubo.

Los monumentales proyectos de este matrimonio se relacionan a la impermanencia y la fragilidad, creando obras de una gran potencia visual pero de una limitada duración en el tiempo. Así, lo efímero se convierte en uno de los conceptos fundamentales a la hora de definir un trabajo que sabemos que alguna vez estuvo ahí, pero que ya no podemos observar directamente.

The gigantic interventions of Christo & Jeanne-Claude (1935; 1935-2009) are a fleeting evidence of a lasting memory; our mind and an image recorded in the retina are responsible for registering that which will soon disappear. Parks, buildings, islands and hills have momentarily received his kilometric fabrics to later continue their existence with the memory of that once was.

The monumental projects of this marriage relate to impermanence and fragility, creating works of great visual power but with limited amount of time. Thus, that which is momentary becomes a fundamental concept at the moment of defining a work that we know once existed, but that we can no longer directly observe.

Imágenes cortesía del artista. Images courtesy of the artist. (der. · right) Surrounded Islands, bahía de Biscayne, Gran Miami, Florida, 1980-83. Fotografía: Wolfgang Volz. Surrounded Islands, Biscayne Bay, Greater Miami, Florida, 1980-83. Photography: Wolfgang Volz. (68 izq. · left) The Umbrellas, Japan-USA, 1984-91. Fotografía: Wolfgang Volz. The Umbrellas, Japan-USA, 198491. Photography: Wolfgang Volz. (69 der. · right) The Umbrellas, Japan-USA, 1984-91. Fotografía: Wolfgang Volz. The Umbrellas, Japan-USA, 1984-91. Photography: Wolfgang Volz.(70-71) The Gates, Central Park, Nueva York, 1979-2005. Fotografía: Wolfgang Volz. The Gates, Central Park, New York, 1979-2005. Photography: Wolfgang Volz.

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Colombia · Colombia | Fotografía · Photography

Roberto Lombana La ciudad y sus mandalas The city and its mandalas

La rutina hace perder los detalles. Pasar todos los días por el mismo lugar, detenerse en la misma esquina, en el mismo semáforo, cruzar la misma calle. En la atiborrada y ajetreada cotidianeidad dejamos de percibir la riqueza que tienen los lugares que día a día habitamos.

A través de sus mandalas, Roberto Lombana rescata la magia de los lugares que cientos de personas transitan diariamente. Con un ojo de pez captura espacios comúnmente híper poblados a horas inusuales donde gozan del vacío, obteniendo así una imagen que repite hasta lograr un círculo perfecto donde inicio y fin se funden. Es la belleza del mandala.

Routine causes the loss of details. Passing by the same place every day, stopping at the same corner, at the same stoplight, or crossing the same street.

In our crowded and hectic daily life we stop perceiving the richness of the day-today places we visit.

Roberto Lombana rescues the magic of the places that hundreds of people pass daily with mandalas. With a fisheye camera he captures commonly overpopulated places at unusual hours when they enjoy emptiness, obtaining a picture that is repeated until achieving a perfect circle where the start and end are merged. This is the beauty of the mandala.

Imágenes cortesía del artista. Images courtesy of the artist. (xxx izq. · xxx left) Mandala Londres "Panóptico", 2014, foto impresa sobre lienzo, 140 cm. diámetro. Mandala Londres "Panóptico", 2014, photo printed on canvas, 55 in. diameter. (xxx der · xxx right) Mandala Bogotá "Contravía", 2014, foto impresa sobre lienzo, 140 cm. diámetro. Mandala Bogotá "Contravía", 2014, photo printed on canvas, 55 in diameter. (xxx izq. · xxx left) Mandala New York 2, 2013, Foto impresa sobre lienzo, 140 cm. diámetro. Mandala New York 2, 2013, photo printed on canvas, 55 in. diameter (xxx izq. · xxx left) Mandala Paris "Hexagrama", 2014, foto impresa sobre lienzo, 140 cm. diámetro. Mandala Paris "Hexagrama" - 2014 - photo printed on canvas, 55 in. diameter

Canadá-Suiza · Canada-Switzerland | Fotografía · Photography

Nici Jost Mirada a ras de suelo The view at ground level

Nici Jost tomó la cámara y la hizo bajar tanto como pudo.

Tanto hasta que chocó con el suelo. Y desde ahí descubrió cómo la vida adquiría un nuevo matiz y las formas nuevos significados. Las imágenes parecen llevarnos a un mundo mágico e irreal, pero lo que la fotógrafa canadiense hace no es más que mostrarnos el mundo que habitamos desde un ángulo diferente al que acostumbramos.

Así, nos hacemos conscientes de las sutilezas que conforman nuestro entorno y de que el punto de vista es subjetivo.

Sus imágenes entregan pistas sobre espacios en apariencia comunes, pero que a través de su singular mirada revelan cientos de detalles que los hacen únicos. El trabajo de Nici Jost es una invitación a resignificar, a través de lo simple, la forma en que vemos y nos relacionamos con el mundo.

Nici Jost took the camera and placed it as far down as she could. So much so that it hit the ground. And from that moment she discovered how life acquired a new aspect and forms, new meaning.

The pictures seem to take us to a magical and surreal world, but what the Canadian photographer does is no more than show us the world we live in from a different angle than we are accustomed to.

Therefore we are made conscious of the subtleties that make up our surroundings and of which the point of view is subjective.

Her pictures deliver clues about places that are ordinary in appearance, but that through her singular view reveal hundreds of details that make them unique. The work of Nici Jost is an invitation to give new meaning to the way we see and relate to the world through the simple things.

Imagenes cortesía de la artista y Balzer Art Projects. Images courtesy of the artist and Balzer Art Projects. (der. · right) Looking up to the flowers, 2009, fotografía en vidrio acrílico (10 mm / negro 3mm), 67 x 100 cm. Looking up to the flowers, 2009, photography between acrylic glass (10mm / 3mm black), 26.3 x 39.3 in. (xx izq · xx left) Dandelion II, 2010, fotografía en vidrio acrílico (10 mm / negro 3mm),90 x 120 cm. Dandelion II, 2010, photography between acrylic glass (10mm / 3mm black),35.4 x 47.2 in. (xx der · xx right) Dandelion I, 2009, fotografía en vidrio acrílico (10 mm / negro 3mm), 90 x 120 cm. Dandelion I, 2009, photography between acrylic glass (10mm / 3mm black), 35.4 x 47.2 in (xx) Sidewalk poem III, 2011, fotografía en vidrio acrílico (10 mm / negro 3mm), 67 x 100 cm.

Sidewalk poem III, 2011, photography between acrylic glass (10mm / 3mm black), 26.3 x 39.3 in.

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Italia · Italy | Instalación · Installation

Esther Stoker Geometría aumentada Enlarged Geometry

En la obra de Esther Stocker lo bidimensional se transforma en tridimensional. Líneas rectas y figuras geométricas simples se despliegan en el espacio para ofrecernos ser parte de un juego sensorial que engaña y sorprende nuestros sentidos. El espectador es pieza fundamental de la composición y su presencia detona la noción de ficción que Stocker busca transmitir en cada una de sus lúdicas instalaciones.

Desafiando la percepción y poniendo a prueba la comprensión del espacio del que formamos parte, la obra de Esther Stocker nos inserta en un canal de movimiento continuo, cual remolino que arrastra y revuelve a su manera. La artista italiana interviene los espacios y deja el resto a la experiencia del espectador: es él quien finalmente da sentido al laberinto de líneas que lo rodea.

In the work of Esther Stocker the bi-dimensional is transformed into tri-dimensional. Straight lines and simple geometric figures are displayed in the space to allow us to be part of a sensorial game that deceives and surprises our senses. The viewer is a fundamental piece of the composition and his presence sparks the notion of fiction that Stocker tries to transmit in each of her playful installations.

Defying perception and putting the understanding of the space we form part of to the test, Esther Stocker’s work places us in a channel of continuous movement, a whirlwind that tosses and turns in its own way. The Italian artist takes over the spaces and leaves the rest to the viewer’s experience: it is he who ultimately gives meaning to the labyrinth of lines that surrounds him.

Imágenes cortesía de la artista, Galeria Krobath Wien I Berlín y Galeria Alberta Pane París. Images courtesy of the artist, Krobath Wien I Gallery Berlín & Alberta Pane Gallery París. (der. · right) Unlimited Space, 2013, Galería de arte moderno, Roudnice nad Labem, cinta adhesiva y cartón sobre pared, 15 x 9,5 x 6,35 mt. Fotografía: Zdenek Porcal. Unlimited Space,2013, Gallery of modern Art, Roudnice nad Labem, masking tape and cardboard on wall, 590.5 x 374 x 250 in.

Photography: Zdenek Porcal (50 der · right) Portrait of Disorder, 2012, Museo Ritter, Waldenbuch, carton en piso y pared, 15 x 2 x 10,43 m, Fotografía: Gerhard Sauer. Portrait of Disorder, Museum Ritter, Waldenbuch, 2012, cardboard on wall and floor, 590.5 x 78.7 x 410.4 in. Photography Gerhard Sauer (51 izq. · left) Pro Františka Pavlíka, 2013, Brno Art Open, esculturas en las calles, Brno, 6,2 x 3 x 3 mt. Pro Františka Pavlíka, 2013, Brno Art Open, sculpture in the streets, Brno, 244 x 118 x 118 in (52-53) Untitled, 2012, vista de la exposición en Kunstmuseum Stuttgart, Rasterfahndung. Das Raster in der Kunst nach 1945, cinta adhesiva en pared y piso, 6,79 x 7,1 x 4,7 mt. Fotografía: Frank Kleinbach. Untitled, 2012, Kunstmuseum Stuttgart exhibition view, Rasterfahndung. Das Raster in der Kunst nach 1945, tape on the wall and floor, 267.3 x 279.5x 185 in. Photography: Frank Kleinbach

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Chile · Chile | Pintura · Painting

Patricia Claro Reflejos temporales Temporary reflections

El río corre sin detenerse y en ese incesante movimiento el agua registra una y otra vez el paisaje que la rodea. Imágenes similares pero jamás iguales son el resultado de una materia que tiene la capacidad de espejar su entorno y fundirse de esta forma con lo que hay a su alrededor. Es este reflejo el que Patricia Claro fotografía cientos y miles de veces hasta encontrar la imagen que con óleo traspasará al lienzo, dando vida a imágenes puras que nos llevan a cuestionarnos sobre el paso del tiempo, su representación y la forma en que lo percibimos. La obra de la artista chilena es una metáfora que relaciona el fluir del agua con un momento irrepetible que no volverá.

Rivers flow without stopping and in this incessant movement the water registers the surrounding scenery over and over again. Images that are similar but never the same result from a substance with the ability to mirror its surroundings and thus unite with what is around it. It is this reflection that Patricia Claro photographed hundreds and thousands of times until finding the picture that she would transfer to canvas with oil paint, giving life to pure images that lead us to question the passing of time, its representation and how we perceive it. The work of the Chilean artist is a metaphor that relates the flow of water to a once in a lifetime moment that will never happen again.

Imágenes cortesía de la artista. Images courtesy of the artist. (44 izq. · left) Reflejo Involuntario, 2013, óleo sobre lino, 100 x 170 cm. Involuntary Reflection, 2013, oil on linen, 39.37 x 67 in. (45 der · right) Reflejo Voluntario, 2013, óleo sobre lino, 100 x 170 cm. Voluntary Reflection, 2013, oil on linen, 39.37 x 67 in. (46 izq. · left) Feb16th 08, instant at 18hr50m16s, 2012, óleo sobre lino, 130 x 210 cm. Feb16th 08, instant at 18hr50m16s, 2012, oil on linen, 51 x 82.6 in. (47 der · right) Reflejo Involuntario III, 2012, óleo sobre lino, 130 x 210 cm. Involuntary Reflection III, 2012, oil on linen, 51 x 82.6 in.

Bolivia · Bolivia| Artista multidisciplinar · Multidisciplinary artist

Gastón Ugalde Misticismo andino Andean Mysticism

Gastón Ugalde tiene un profundo vínculo e interés en las raíces sudamericanas y son las mismas locaciones de las culturas andinas las que le han servido de escenario a sus registros. Fotografía, instalación y performance son los caminos que el destacado artista ha elegido para hablar de un hombre en constante búsqueda de su esencia.

Amparado bajo el misticismo y la filosofía andina, Ugalde crea potentes escenas que contrastan los paisajes de su Bolivia natal con el simbolismo de los hombres u objetos que sobre éstos se despliegan.

Pasado y presente se unen en una obra que conecta raíces a 4 mil metros de altura.

Gastón Ugalde has a close bond and interest in South America and it is the same locations of the Andean cultures that have served as the backdrop for his creations. Photography, installation and performance are the paths that the distinguished artist has chosen to speak of a man in constant search for his essence.

With the help of Andean philosophy and mysticism, Ugalde creates powerful scenes that contrast the landscapes of his native Bolivia with the symbolism of the men or objects displayed in these. The past and present unite in a work that connects man to his roots at a height of 4 thousand meters.

Imágenes cortesía del artista y de Galeria Salar, PSH projects. Images courtesy of the artist and Salar Gallery, PSH projects. (der. · right) Man with colors, 2011, c-print, 80 x 120 cm. Man with colors, 2011, c-print, 31.4 x 47 in. (38 izq. · left) Sin título, 2011, c-print, 80 x 120 cm. Untitled, 2011, c-print, 31.4 x 47 in. (39 der · right) Sin título, 2011, c-print, 80 x 120 cm. Untitled, 2011, C-print, 31.4 x 47 in (40-41) Homage to Warhol, Smothson, Matta Clak & Beuys, 2010, c-print , 80 x 120 cm. Homage to Warhol, Smothson, Matta Clak & Beuys, 2010, c-print, 31.4 x 47 in.

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Chile · Chile | Pintura · Painting

José Basso La simplificación de las formas The simplification of shapes

Paisajes desiertos, desolados y enigmáticos son los que plasma José Basso en sus telas. Con una composición cercana al minimalismo, el pintor porteño nos traslada a un lugar en que el tiempo se detiene y nos entrega herramientas para conectarnos con lo más puro de nuestro ser.

Usando elementos simples y con una estructura sencilla, Basso configura escenas cargadas de una fuerza tan invisible como el viento, donde cada objeto es reducido a una simplificación de raíces geométricas. Círculos, cuadrados y rectángulos son las escuetas formas que dan vida a sus paisajes y los llenan de significados.

Deserted, desolate and enigmatic are the landscapes that José Basso captures in his canvases. With a composition close to minimalism, the painter from Viña del Mar takes us to a place where time is stopped and gives us the tools to connect with the purest of our being. Using simple elements and a clear structure, Basso forms scenes filled with a force as invisible as the wind, where each object is a simplification of geometric origins. Circles, squares and rectangles are the basic shapes that give life to his landscapes and fill them with meaning.

Imágenes cortesía del artista. Images courtesy of the artist. (der. · right) Las últimas Luces de la Tarde, 2014, óleo sobre tela, 90 x 125 cm. Las últimas Luces de la Tarde, 2014, oil on canvas,3 x 4 in. (32 izq · left) Estrellas sobre el Desierto, 2013, óleo sobre tela, 80 x 60 cm. Estrellas sobre el Desierto, 2013, oil on canvas, 2.6 x 2 in (33 der · right) Luna llena en la Niebla, 2014, óleo sobre tela, 60 x 50 cm. Luna llena en la Niebla, 2014, oil on canvas, 2 x 1.6 in. (34-35) Paisaje con Cielo Amarillo, 2014, óleo sobre tela, 120 x 170 cm. Paisaje con Cielo Amarillo, 2014, oil on canvas, 3.9 x 5.5 in.

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Alemania · Germany | Instalación · Installation

Heike Weber Trazos, cortes y líneas Strokes, cuts and lines

Marcadores permanentes, cintas, papeles y silicona son algunos de los materiales que Heike Weber elige para sus envolventes instalaciones. Trazo a trazo y corte a corte, la artista alemana consigue transformar los espacios en experiencias sensoriales para el espectador, donde la obra está, muchas veces, bajo sus propios pies.

A través de recursos simples como líneas o recortes, Weber sorprende con complejos e intrincados escenarios que confrontan la sencillez de una técnica y su materialidad con un complejo resultado final.

Una obra pura, directa y enormemente atractiva.

Permanent markers, strings, papers and silicone are some of the materials Heike Weber chooses for her enveloping installations. Trace by trace and cut by cut, the German artist is able to transform spaces into sensorial experiences for the viewer where many times the work is under their own feet.

Through simple resources like lines or cutouts, Weber surprises with intricate and complex scenes that approach the simplicity of a technique and its material nature with a complex end result: a pure, direct and extremely attractive work.

Imágenes cortesía de la artista. Images courtesy of the artist. (der. · right) Park, 2014, silicona, 8 kilims, 2080 x 2569 cm, Kunstverein Ludwigshafen, GER. Fotografía: Frank Pichler, Frankfurt. Park, 2014, silicone, 8 kilims 81.8 x 101 in.

Kunstverein Ludwigshafen, GER. Photography: Frank Pichler, Frankfurt. (26 izq · left) Kilim, 2009/2014, silicona, 745 x 523 cm. Die Aktualität des Ornaments, Mönchehausmuseum Goslar, GER. Fotografía: Heike Weber. Kilim, 2009/2014, silicone, 293 x 205.9 in. Die Aktualität des Ornaments, Mönchehausmuseum Goslar, GER. Photography: Heike Weber. (27 der · right) Interferrenz, 2014, alfombra recortada, 3000 x 265 cm. Die Aktualität des Ornaments, Mönchehausmuseum Goslar, GER. Fotografía: Heike Weber. Interferrenz, 2014, carpet-cutout, 1,181 x 104 in. Die Aktualität des Ornaments, Mönchehausmuseum Goslar, GER. Photography: Heike Weber. (28-29) Boden Los, 2006, marcadores en piso de vinilo, 600 m2. Kunsthalle Vienna, AT. Fotografía: Raimo Rudi Rumpler, Vienna. Boden Los, 2006, marker on vinyl floor, 600 m2.

Kunsthalle Vienna, AT. Photography: Raimo Rudi Rumpler, Vienna.

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España · Spain | Fotografía · Photography

Dionisio González Enfrentando mundos The complete spectrum of reality

Valiéndose de la tecnología digital, Dionisio González reinventa escenarios suburbanos para hablarnos sobre la forma en que entendemos la construcción y el habitar en el mundo actual. Su fotografía arquitectónica ha trabajado en torno a distintos lugares para obtener series que enfrentan el mundo real con la ficción de su imaginación. Venecia, Río de Janeiro y Dauphin Island han sido algunos de los espacios elegidos para sus trabajadas intervenciones digitales, donde pieza por pieza consigue insertar construcciones que contrastan con la arquitectura característica de cada sitio. El resultado son imágenes atrapantes y enigmáticas; la superposición y atiborración de elementos nos muestra un mundo repleto de construcciones pero inquietantemente deshabitado.

Using digital technology, Dionisio González reinvents suburban scenes to speak to us about the way we understand construction and life in the world today. His architectural photography has focused on different places to obtain series that unite the real world with his imagination. Venice, Rio de Janeiro and Dauphin Island have been some of the places chosen for his digital interventions, in which piece by piece he is able to insert structures that contrast with the characteristic architecture of each site. The result is compelling and enigmatic pictures; the overlapping and filling of elements shows us a world full of structures but eerily deserted.

Imágenes cortesía del artista. Images courtesy of the artist. (der. · right) Dauphín 8, 2012, c-print montado en diasec, 180 x 430 cm. Dauphín 8, 2012, c-print over diasec, 70.8 x 169 in. (20- 21 arriba · up) Palazzo Dei Congressi. Venice. L. Khan (1968-1974), 2011, c-print montado en diasec. 125 x 350 cm. Palazzo Dei Congressi. Venice. L. Khan (1968-1974), 2011. c-print over diasec,, 49.2 x 137.7 in. (20-21 abajo · down) Giudecca: The Viewpoint of Palladio, 2011, c-print montado en diasec; 100 x 450 cm. Giudecca: The Viewpoint of Palladio, 2011, c-print over diasec, 39.7 x 177 in. (22-23) Dauphin 7, 2012, c-print montado en diasec, 180 x 430 cm, 100 x 300 cm. Dauphin 7, 2012, c-print over diasec, 70.8 x 169 in. 39.3 x 118 in.

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Holanda · Holland | Fotografía · Photography

Ellen Kooi Naturaleza salvaje Wild Nature

Pureza y energía transmiten los paisajes que Ellen Kooi registra con su cámara, creando escenas llenas de vida, tensión y movimiento. La sensibilidad de la fotógrafa holandesa se encuentra influenciada por el entorno y trabaja la noción de cómo lo que nos rodea influye en quiénes somos y cómo vivimos.

Cuidando cada detalle de montaje, iluminación y posproducción, Kooi crea verdaderos escenarios teatrales donde realidad y ficción se mezclan amablemente, en un juego que nos hace creer que sus coloridas -y en ocasiones, inverosímiles- escenas, tuvieron lugar en algún recóndito rincón del planeta. Niños y adolescentes se enfrentan libremente frente al lente para mostrarnos, con desplante y espontaneidad, una naturaleza libre y salvaje, al igual que ellos mismos.

Purity and energy transmit the landscapes that Ellen Kooi registers with her camera, creating scenes full of life, tension and movement. The feeling of the Dutch photographer is influenced by the environment and works with the notion that what surrounds us, influences who we are and how we live.

Taking care of every detail of the montage, lighting and postproduction, Kooi creates true theatrical scenes where reality and fiction are pleasantly mixed in a game that makes us believe that their colorful –and at times improbable- scenes took place in some remote corner of the planet. Children and adolescents come freely before the lens to show us a free and wild nature with self-assurance and spontaneity, just as they are.

Imagenes cortesía de la artista. Images courtesy of the artist. (der. · right) Borssele RodeJurk, 2007, fotografía,100 x 152 cm, 80 x 122 cm. Borssele RodeJurk, 2007, photography, 39.37 x 59.8 in, 31.4 x 48 in. (14 izq. · left) Kooi Berenklauw Lowres, 2008, fotografía,100 x 172 cm, 80 x 138 cm. Kooi Berenklauw Lowres, 2008, photography, 39.37 x 67,7 in, 31.4 x 54.3 in. (15 der · right) Velserbroek Brug, 2000, fotografía, 85 x 192 cm, 66 x 150 cm. Velserbroek Brug, 2000, photography, 34.4 x 75.5 in, 25.9 x 59 in.(16-17) Ballonnen, 1997, fotografía, 125 x 177 cm, 107 x 150 cm. Ballonnen, 1997, photography, 49 x 69.6 in, 42 x 59 in

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• Instalación del primer laboratorio • Instalación del primer laboratorio

• Se incorpora Mario Krauss como socio • Se incorpora Mario Krauss como socio

• Adolfo Rotter abre el primer local “Opticas Rotter” en pasaje McClure • Se trasladan a calle Ahumada • Adolfo Rotter abre el primer local “Opticas Rotter” en pasaje McClure • Se trasladan a calle Ahumada

• Se levanta “Optica Visión" y se crea una sección para adaptar lentes de contacto • Puntapié inicial para expansión nacional bajo el nombre de “Opticas Rotter & Krauss”

• Se levanta “Optica Visión" y se crea una sección para adaptar lentes de contacto • Puntapié inicial para expansión nacional bajo el nombre de “Opticas Rotter & Krauss”

• 3 locales 1° tienda con taller en Ahumada 324 2° tienda Estado (Laboratorio lente contacto y línea de Audífonos) 3° tienda Pedro de Valdivia 065 • 100 empleados • 3 locales 1° tienda con taller en Ahumada 324 2° tienda Estado (Laboratorio lente contacto y línea de Audífonos) 3° tienda Pedro de Valdivia 065 • 100 empleados

• Tecnología en gestión • Participación en Teletón • Tecnología en gestión • Participación en Teletón

• 109 locales de Iquique a Pta. Arenas • 700 empleados • Apertura +Visión (4 locales) • Implementación corners Solaris • 109 locales de Iquique a Pta. Arenas • 700 empleados • Apertura +Visión (4 locales) • Implementación corners Solaris

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• Eliminación corners Ripley • Aumento 10 corners Falabella • Llegada a Punta Arenas • Adquisición de RyK por HAL Holding • Eliminación corners Ripley • Aumento 10 corners Falabella • Llegada a Punta Arenas • Adquisición de RyK por HAL Holding

• 1° Centro Lentes de Contacto • 4° tienda Huérfanos 669

• Cambio Casa Matriz a 11 septiembre 1480 • Ingreso a los malls • Llegada a Parque Arauco 7° tienda

• 1° Centro Lentes de Contacto • 4° tienda Huérfanos 669

• Cambio Casa Matriz a 11 septiembre 1480 • Ingreso a los malls • Llegada a Parque Arauco 7° tienda

• Mall Panorámico 8° tienda • Tecnología en ventas (POS) • 200 empleados

• Mall Panorámico 8° tienda • Tecnología en ventas (POS) • 200 empleados

• 5° tienda Omnium • 6° tienda Cobres de Vitacura

• 5° tienda Omnium • 6° tienda Cobres de Vitacura

• Apertura a franquicias (20) • Expansión a provincia 1° Valparaíso 2° Antofagasta 3° Concepción 4° Iquique 5° La Serena

• Compra de franquicias • Nuevo laboratorio World Class • Compra de franquicias • Nuevo laboratorio World Class

• Apertura a franquicias (20) • Expansión a provincia 1° Valparaíso 2° Antofagasta 3° Concepción 4° Iquique 5° La Serena

• Casa Matriz Ciudad Empresarial • Casa Matriz Ciudad Empresarial

• Proceso de expansión / Modelo venta multitienda •Corners Falabella (25) y Ripley (15) • Proceso de expansión / Modelo venta multitienda •Corners Falabella (25) y Ripley (15)

Carta Editorial

Con la experiencia de ser un medio especializado en arte contemporáneo y conociendo de cerca a cientos de artistas y su obra, no dejamos de asombrarnos de la diversidad de miradas que conviven en el mundo de la plástica. Por esa misma razón, en Arte Al Límite nos pareció interesante trabajar en un volumen que estuviera centrado en la inmensa variedad con la que los artistas se comprenden a sí mismos y el mundo que habitan.

As a magazine specialized in contemporary art and having come to know hundreds of artists and their work over the years, we never cease to be amazed by the diversity of views that coexist in the world of fine art. For this very reason, Arte Al Límite thought it would be interesting to work on a volume centered on this great variety with which artists understand themselves and the world they live in.

100 miradas al arte contemporáneo evidencia la singular percepción que tiene cada artista frente al hombre y su entorno y nos demuestra que en el mundo del arte no hay verdades únicas, sino infinitas. 100 formas de entender el rostro se despliegan por un lado, 100 formas de aproximarse a nuestro entorno ocupan el lado opuesto. Estas miradas nos muestran que mundo y el hombre pueden ser abarcados bajo una variedad de prismas influenciados por condiciones culturales, sociales, geográficas y de género. Al mismo tiempo, las particulares formas en que los artistas seleccionados para este libro miran a otros y a su alrededor son capaces de transportarnos a los más diversos paisajes y a diferentes estilos de vida con tan sólo contemplar su obra.

100 Views on Contemporary Art demonstrates the unique perception that each artist has of man and their environment and shows us that in the world of art there is not one truth, but infinite truths. A hundred ways of understanding the face are unfolded on one hand and a hundred ways of getting closer to our environment on the other. These views show us that man and the world can be embraced in a variety of prisms influenced by cultural, social, geographic and gender conditions. At the same time, the particular ways the artists chosen for this book view others and their surroundings are able to transport us to different lifestyles and the most diverse landscapes just by contemplating their work.

Todo lo que vivimos influye en la forma en que comprendemos lo que nos rodea y en la forma en que nos conocemos a nosotros mismos.

Cada vivencia, cada experiencia, forja un camino que distingue nuestra percepción de la de cualquier otro ser humano, haciendo que cada mirada sea única e irrepetible. Los artistas seleccionados para este libro destacan por su innovadora forma de demostrar esta diversidad y por el alto nivel de su trabajo y obra, lo que los hace convertirse en destacados exponentes a nivel mundial.

Everything we go through influences how we understand our environment and how we know ourselves. Every experience, every life lesson, forges a path that distinguishes our perception from that of any other human being, making it so that every view is unique and unrepeatable. The artists selected for this book stand out for their innovative ways of showing that diversity and the high level of their work, which makes them prime examples on a global scale.

Este libro es un intento por demostrar la multiplicidad de formas de aproximarnos al mundo y evidencia, a través de distintas técnicas y temáticas, la unicidad del hombre en todo su esplendor.

This book is an attempt to demonstrate the large variety of ways of getting to know the world better and shows the uniqueness of man in all his glory through different techniques and themes.

Ana María Matthei

Directora Arte Al Límite

Carta Editorial

Rostro y entorno

Face and surroundings

Cumplir 100 años es un privilegio. Un orgullo que, en la industria óptica, sólo Rotter & Krauss puede celebrar. El paso del tiempo es una invitación inevitable a revivir los mejores momentos, a descubrir el valor de la historia y a plasmarla a través de la mirada.

To turn 100 years old is a privilege, a privilege that in the optical industry in Chile, only Rotter & Krauss has achieved. This special birthday is a wonderful opportunity to relive the best moments, discovering the value of this history and sharing our vision.

Rotter & Krauss, 100 años junto a los chilenos, nos muestra a través de esta edición especial, el rostro y entorno del hombre. Sus distintas miradas del mundo y frente al mundo, a través del entorno que lo rodea, la naturaleza y la vida.

Through this special edition we commemorate our 100 years by celebrating with Chilean people and the different views of the world they hold. It is a unique insight at their attitudes, environment, nature and life.

Es una invitación a observar lo simple y profundo que una mirada puede transmitir. Un regalo a admirar los sentimientos que un paisaje puede provocar. A ver la vida a través de tus propios ojos. Esto es lo que inspira a Rotter & Krauss en este centenario aniversario. Celebramos cada rostro que nos hace únicos y originales en nuestras ideas y en nuestra visión de la vida.

So much can be transmitted through a look. This is an invitation to observe the simple and profound, a gift to admire the feelings that a landscape can generate. We invite you to see life through your own eyes. This is what inspires Rotter & Krauss every day.

We celebrate each face that makes us original, with a unique view of life.

Rotter & Krauss asume como un desafío permanente mantener el liderazgo y la confianza depositada por miles de generaciones en Chile, brindando siempre las mejores soluciones ópticas con la más alta calidad, la mejor tecnología y el mejor servicio. Ello, para que cada mirada transmita siempre lo mejor de cada persona y su visión del entorno sea contemplado con profundidad y pasión.

Rotter & Krauss pledges to maintain the leadership and confidence that has been established for thousands of generations in Chile as an ongoing challenge. We will always provide the best optical solutions with the best service, best technology and the highest quality. We promise this so that every look always allows us see to the depth and passion of everyone.

Esta selección de Arte Al Límite es una muestra de quiénes somos y de lo que tenemos a nuestro alcance para admirar.

This selection of Arte Al Límite shows who we are, and what we have become in our reach to admire.

Agradecemos a todos y cada uno por eso. Esperamos lo disfruten.

We appreciate each and every one of you. We hope you enjoy it.

Cordialmente,

Best regards,

Juan Cristóbal de Marchena

Gerente General Ópticas GrandVision Ltda.

Directora Ana María Matthei

Director Ricardo Duch

Edición Kristell Pfeifer

Producción y Dirección de arte Catalina Papic

Diseño Johanna Rivas

Corrector de texto xxxx

Traducción xxxx

Fotografía Camila Duch

Imagen portada libro © Chuck Close Self-Portrait, 1997, óleo sobre lienzo, 259.1 x 213.4 cm, fotografía por Ellen Page Wilson, cortesía Pace Gallery Self-Portrait, 1997, oil on canvas, 102 x 84 in, photograph by Ellen Page Wilson, courtesy Pace Gallery Este libro fue financiado por Rotter y Krauss y se terminó de imprimir en Septiembre de 2014.

Todos los derechos reservados. © Arte Al Límite www.arteallimite.com Impreso en Santiago de Chile, Imprenta Maval. Primera Edición. 2014.

Todos los derechos reservados ©Arte Al Límite, 2014.

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Alicia Martín

Chiharu Shiota

Christo & Jeanne-Claude

Daniela Edburg

Denise Lira-Ratinoff

Dionisio Gonzalez

Elisa Garcia de la Huerta

Ellen Kooi

Esther Stocker

Eugenio Cuttica

Gastón Ugalde

Heike Weber

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Jeppe Hein

José Basso

Joseph Hoflehner

Katherinne Fiedler

Liu Bolin

Nici Jost

Patrick Tschudi

Roberto Lombana

They

Victor Mahana

Vito Acconci

Wim De Schamphelaere

Patricia Claro

Proyecto realizado en conjunto con Opticas Rotter y Krauss.