Revista Arte Al Límite | Edición n°99 by Arte al Límite

10.000$

JANUARY 19-23 | 2022 THE MOST COMPREHENSIVE SHOW IN AMERICA

2022 | LA CONVENTION CENTER | SOUTH HALL L A A R T S H OW.C O M

LENNIN VÁSQUEZ ARTISTA PLÁSTICO / PERÚ

Árbol de Octubre, 2021, óleo sobre lienzo, 90 × 72 cm.

Fb: Lennin Vásquez @lennin_vasquez_lev lenninvasquez@yahoo.es

galeriaforum.net Av. Larco 1150 – sótano Miraflores, Lima, Perú

December 2 – 4, 2021

CRISTIAN VELASCO ARTISTA VISUAL / CHILE / LIBRO DE ARTISTA www.cristianvelasco.cl Distribución: www.buscalibre.cl / www.tienda.hueders.cl Sensible al vínculo arte-vida, Cristián Velasco se instala en el cruce entre el individuo y el espacio que habita, investigando problemas conceptuales y estéticos asociados al cuerpo, la memoria, los conceptos de habitabilidad, territorio y tiempo. Interesado en los procesos de obra y en las posibilidades combinatorias del trabajo industrial y el artesanal, su personal propuesta transita libremente por la pintura, el textil, el video, la fotografía, el performance y la instalación. Edición: Catalina Mena. / Diseño: Vicente Vargas Estudio.

EDITORIAL

/ EDITORIAL Pareciera que estamos empezando a vivir el término de la pandemia. Los viajes se reanudan, logramos encontrarnos con aquella familia que por distancia dejamos frecuentar y, sobre todo, tenemos certeza de que se viene un nuevo ciclo en nuestra historia, el mundo no será igual que antes. De este nuevo ciclo, volveremos a juntarnos a hablar, observar y contemplar arte en la feria Art Basel Miami, que luego de un año sin activar a la ciudad que se llena de artistas y gestores, abre sus puertas nuevamente... ¿Cuántos llegarán? ¿Cuáles serán las medidas? ¿Qué pasará con la "distancia"? ¿Cómo los artistas se las ingeniarán para contar su historia? ¿Cuántas obras serán virtuales? Queda poco para que encontremos las respuestas que llevamos más de un año formulando. Hubo algunos que apostaron a que las ferias cerrarían para siempre; otros que pensaron en un formato híbrido, entre lo presencial y la virtualidad... Aún falta mucho camino para saber en qué terminaremos. Lo importante es que este mes de diciembre se abre una nueva esperanza para la reactivación del arte contemporáneo, para que las ferias alimenten al mercado del arte y retomen los intercambios y el conocimiento entre diversos países. Un nuevo mundo se abre entre nosotros, lleno de incertidumbres, pero estaremos ahí, para apoyar, difundir y colaborar como hemos hecho durante 21 años, y esperamos que el próximo año, el arte contemporáneo también inunde las calles en Europa para que volvamos con más fuerza. Esta es la edición N°99 de la revista impresa. Un número de cierre, de cambios, de un renacer que veremos el próximo año en la edición N° 100. Porque el 2022, Arte Al Límite, seguirá Sin Límites, como bien celebramos hace un par de años atrás con el lanzamiento de nuestra colección y como hemos demostrado hasta el día de hoy, junto a grandes artistas, galeristas y a nuestros colaboradores, que no conocemos barrera alguna cuando de difusión de arte se trata.

It seems that the pandemic is coming to an end. Travel is restarting, we managed to reunite with family we stopped visiting due to distance and, above all, we are certain a new cycle of our history is starting. The world will not be the same as it used to. In this new cycle, we once again get together to talk, observe and appreciate art in Art Basel Miami, which after a year of not filling the city with artists and organizers, open up its doors again... How many people will show up? What will the security measures be? What about social distancing? How will artists manage to tell their stories? How many pieces will be virtual? It won’t be long before we find out the answers to these questions we’ve been asking ourselves for a year. Some people bet that art fairs would close forever. Others though a hybrid format would be implemented, combining in-person and virtual elements... There is still a ways to go to learn where we will end up. The important thing is that December will bring new hope in the revival of contemporary art, so that fairs can nurture the art market and resume international exchanges of culture and knowledge. It’s the dawn of a new world, full of uncertainties, but we will be there to support, spread and collaborate, as we have done for the last 21 years. We hope that next year contemporary art also overflows the streets in Europe so we can come back even stronger. This is the 99th issue of our print magazine, a number that represents closure, changes, a rebirth with the 100th issue next year. In 2022, Arte Al Límite will resume its work without any limits, just like we did when we launched our Sin Límites collection a couple years back, and with our same determination, along with great artists, gallery owners and our collaborators, to show we know no limits when it comes to the dissemination of art.

ANA MARÍA MATTHEI

RICARDO DUCH

ÁLVARO MONTAÑÉS ARTISTA PLÁSTICO / URUGUAY

@montanesarte amontanes58@gmail.com

Babel, 2021, foamboard, 1.50 × 80 cm.

2021 NOVEMBER 30 - DECEMBER 05

PATRICIA ASTORGA ARTISTA VISUAL / CHILE

www.patriciaastorga.cl pastorgm@uc.cl

Origen, 2021, capas de telas semitranslúcidas, 210 × 35 × 110 cm. Este proyecto, se inserta en una temática de crisis e incertidumbre frente a la amenaza de la vida en la biosfera. “Busco respuestas volviendo la mirada hacia nuestros orígenes, pues la problemática de la tierra no se puede separar de la problemática del hombre”. Próximas exhibiciones: CHACO y en Bienal de la Habana.

SUMARIO

/ SUMMARY DIRECTORES Ana María Matthei Ricardo Duch DIRECTOR COMERCIAL Cristóbal Duch DIRECTORA DE ARTE Y EDITORIAL LIBROS Catalina Papic PROYECTOS CULTURALES Camila Duch EDITORA Elisa Massardo ASISTENTE DE EDICIÓN Javiera Fernández DISEÑADORA GRÁFICA Antonia Zarzar CORRECCIÓN DE TEXTOS Javiera Fernández Paula Riquelme ASESORES Benjamín Duch Jorge Azócar REPRESENTANTES INTERNACIONALES Julio Sapollnik (Argentina)

Mahara Martínez (EE.UU.-Miami) mahara@arteallimite.com Angello Melo (Colombia) colombia@arteallimite.com Andrés Isaac Santana (España) artnexus73@yahoo.es REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón TRADUCCIÓN Adriana Cruz SUSCRIPCIONES +56 2 2955 3261 suscripciones@arteallimite.com IMPRESIÓN A Impresores DIRECCIONES Chile / Francisco de Noguera 217. Providencia, Santiago de Chile. www.arteallimite.com VENTA PUBLICIDAD +56 2 2955 3261 info@arteallimite.com marketing@arteallimite.com Derechos reservados Publicaciones Arte Al Límite Ltda.

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10 Jane Szabo Constelaciones fotográficas para una re-interpretación del (f)hogar Photographic constellations to reinterpret the home

Rocío Hormazábal

Mabel Poblet

Reclamo de muñeca

Límites de mi mundo, límites de mi lenguaje

A doll’s complaint

Limits of my world, limits of my language

Juvenal Barría

Felipe Santander

Vestir y revestir las injusticias

Hilvanando realidades contrapuestas

Dressing and cross-dressing injustice

Sewing opposed realities together

Antonio Puri

Walter Hubert

En lo indefinido está la universalidad de lo humano

El arte abstracto en el viaje de una era y realidad espiritual

The universality of the human lies in the undefined

Abstract art: the journey of an era and spiritual reality

Ángel Delgado

Columna

Contingencias Polemizadas

Arte en peste VII

Controversial events

Art in an eidemic VII

Miguel Ángel Giovanetti 2021: Pentada, pandemia y oportunidad

Cristián Castro De simples metales a personajes de engranajes

2021: Quintet, Pandemic and oportunity

From mere metals to fully assembled characters

106 Cindy Ramírez

Raider El arte de la autoexploración The art of self-exploration

Lenguajes híbridos: el des(encuentro) entre códigos textiles Hybrid languages: the (mis)understandings of textiles codes

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EE.UU / USA

JANE SZABO CONSTELACIONES FOTOGRÁFICAS PARA UNA RE-INTERPRETACIÓN DEL (F)HOGAR PHOTOGRAPHIC CONSTELLATIONS TO REINTERPRET THE HOME Por Lucía Rey. Investigadora, crítica de arte y docente. (Chile) Imágenes cortesía de la artista. Artículo en colaboración con Building Bridges Art Exchange.

De la serie Family Matters, “Don’t Forget”. 2017. Impresión de pigmento de archivo. 30 x 46 cm, edición de 15 +2AP.

I Wish it Weren’t So. 2017. Impresión de pigmento de archivo. 40 x 60 cm.

Fortitude. 2017. Impresión de pigmento de archivo. 40 x 40 cm.

stas obras de Jane Szabo se caracterizan por narrar momentos (in)determinados de su experiencia, una forma sutil de articular el recuerdo y los objetos materiales en el ejercicio de una partera de su realidad, permitiendo que la memoria de los objetos se presenten autónomamente en la imagen, en la construcción y comprensión de un presente simbólico polisémicamente digerido. Estas cuatro fotografías se construyen con la unión dialéctica de pares de objetos concretos abandonados en la narrativa familiar, como cuando alguien cierra la puerta olvidando la propia identidad.

Son objetos que en el olvido de una casa vacía, se vacían también de significado, de manera que la artista los suspende en este vacío enigmático de lo identitario para hacerlos florecer en su mundo individual como apertura hacia el futuro impredecible y mutable, atravesando el umbral de la imagen-documento para construir un espacio narrativo personal. Una mirada casi animista del recuerdo material. Un arte intimista, de intramuros, construido en el silencio y la soledad. Estas imágenes son fotografías de objetos puestos en diálogo de manera directa, vale decir, el valor principal no está en una elaboración estética digital, posterior al click fotográfico, sino en la misma manipulación de estas simbólicas mnémicas, casi como si el espacio para fotografiar se transformara en un espacio ritual de psicomagia.

In an abandoned empty house, objects are also devoid of meaning. The artist suspends them in this mysterious emptiness of identity to watch them bloom in her own world, opening the door for a new unpredictable and mutable future, with an image turned document that constructs a personal narrative space. Her perspective on material memories is almost animistic. Her art is intimate; it’s built within the confines of silence and solitude. These images are photographs of objects engaging in a direct conversation. As such, the main value of the pieces is not in their aesthetic digital rendering —which happens after shooting the photograph, it lays in the manipulation of her dream-like symbolism, as if the place where the photographs were taken, became the site for a psychomagic ritual.

En este sentido su arte va estar rozando al Brut Art, pues no solo es un arte intimista, por desprenderse del mundo social exterior, sino que además elabora su creación desde su necesidad de reconstrucción vital identitaria, como el arrojo a volver a escribir la memoria con el remanente olvidado de la misma. Digo “rozando”, por una parte porque Jane es una artista reconocida por instituciones artísticas; sin embargo, su inquietud creativa está en diálogo con la construcción y reconstrucción de su mundo interior, desde esta cuestión del habitar un lenguaje síquico muy cerca del margen, en una indagación experi-

In this sense, her work is on the verge of being outsider art. Not only does it cast aside the outer world and is intimate, it also is created from a need to rebuild identity, to rewrite memories from forgotten remnants. It is “on the verge” and not fully outsider art because Jane is a renowned artist. However, her creative research is linked to the construction and reconstruction of her inner world. With a borderline intellectual language, she embarks on an experimental quest surrounding the mysteries of existence and the human mind. Likewise,

hese pieces by Jane Szabo narrate (un)determined moments of her experience. They are subtle ways of reconstructing memories and material objects, ways of birthing her own reality. Memories of objects present themselves on their own in the images, building a symbolic present with multiple interpretations. These four photographs merge the narratives of pairs of physical objects that have been abandoned in family dynamics, as if someone shut a door and forgot their identity.

Don’t Sugar and Spice and Everything Nice. 2017. Impresión de pigmento de archivo. 30 x 20 cm, edición de 15 +2AP. Obra de la colección permanente de Los Angeles County Museum of Art (LACMA).

You Are Here. 2017. Impresión de pigmento de archivo.40 x 60 cm.

Loss. 2016. Impresión de pigmento de archivo. 40 x 60 cm.

mental en torno a los misterios de la existencia y de la mente humana, teniendo además intereses estéticos de narrativas biográficas que están por fuera del mundo institucional y cerca de devenires anónimos (Ranciere). Exhibiendo, así, en rojo, el hilo tenso que hay entre la autonomía de una cierta intimidad del contenido artístico y la espectacularidad en la divulgación de su autoría.

some of her interests revolve around biographic narratives that are outside the margins of the institutional world and closer to the promotion of the anonymous (Rancière). This way, she manages to showcase, in full force, the tension between the autonomy and intimacy of artistic content and the grandeur of revealing authorship.

Como dijera Lipovetsky, en este mundo de la hipermodernidad que hoy habitamos, todo campo vital puede ser absorbido, succionado por la dictadura de la visualidad. Cualquier experiencia, por más sutil y espiritual que ésta sea, es susceptible de ser absorbida por la razón instrumental a través de su hiper-estetización psico-emocional junto a su exhibición digital masiva, transformando así esta “gran” experiencia mística en una imagen superficial de consumo estético. De manera que es importante señalar que aunque el arte sea visual, no está dirigido a los ojos, recordando a Jean Dubuffet: “El arte se dirige a la mente, y no a los ojos. Siempre ha sido considerado de esta manera por pueblos primitivos, y ellos tienen razón. El arte es un idioma, el instrumento del conocimiento, el instrumento de la comunicación” ¿Con qué nos comunicamos cuando hacemos arte? O, ¿el fin del arte es su misma objetualidad producida? ¿Seguiremos en el fetichismo antropocéntrico de la razón occidental?

As Lipovetsky might say, in our current world of hypermodernity, everything that is vital can be consumed, swallowed by the tyranny of visuals. Any experience, no matter how subtle or spiritual, is subject to being consumed by instrumental reason, through emotional and mental hyper stylization and mass digital distribution, thus transforming this “great” mystic experience in a mass-consumable aesthetic image. However, while art is visual, it is not meant for eyes alone, as Jean Dubuffet once said: “Art addresses itself to the mind, and not to the eyes. It has always been considered in this way by primitive peoples, and they are right. Art is a language, an instrument of knowledge, an instrument of communication.”. Who do we address when we create art? Or, is the purpose of art the very objects it produces? Will the man-centered fetishism of Western world continue?

Hoy más que nunca es evidente que la humanidad se habita a sí misma contradictoriamente. De manera que el arte de habitar la contradicción será digerido en un gesto intimista de autorreconstrucción ritual, mediante la consciencia, en procesos de muerte y renacimiento, en la caída de todo lo que se supone que uno es como individuo, sicológica, espiritual y simbólicamente. Por esta “razón”, es que apunta precisamente al infinito mundo irracional, es que ciertas singularidades artísticas se levantan perforando al mundo de la normalidad, abriendo-creando un espacio temporal de libertad y fantasía donde realmente se puede habitar el cambio y el peligro sin miedo.

Now more than ever, it is clear that humanity is made up of contradictions. Therefore, contradictions will find their way into art in an intimate gesture of ritualistic self-reconstruction, through awareness of the processes of death and rebirth, when everything that makes us individuals is psychologically, spiritually and symbolically shattered. For this “reason” art is all about the infinite world of irrationality and artistic uniqueness arises to challenge the normal world, creating a temporary space for freedom and fantasy, where change and danger can be experiences without any fear.

De la serie Family Matters, “Secrets”. 2017. Impresión de pigmento de archivo. 30 x 45 cm, edición de 15 +2AP

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CHILE / CHILE

ROCÍO HORMAZÁBAL RECLAMO DE MUÑECA A DOLL’S COMPLAINT Por Verónica Jiménez Arguedas. Periodista (Costa Rica). Imágenes cortesía de la artista.

De la serie Casa de Muñeca, S/T. 2019. Fotografía y montaje digital. 20 x 25 cm.

er gorda es vivir probándole al mundo que estás intentando dejar de serlo. Ser gorda es recibir recomendaciones médicas y nutricionales que nunca pediste. Ser gorda es aprender a hacer compras internacionales para poder decidir sobre tu ropa. Ser gorda es recordar la primera vez que te dijeron gorda. Pero a veces, ser gorda es también poner el cuerpo como herramienta de batalla. Como sujeto artístico. Como lienzo. Como protagonista. Como pancarta. Como personaje. Como fuente de rabia. Como objeto de deseo. Como una muñeca.

Eso es lo que hace Rocío Hormazábal, una artista visual chilena que desafía lo impuesto a través de la fotografía y el performance.

Rocío Hormazábal’s work is all about this. She’s a Chilean visual artist that challenges the status quo through photography and performance.

¿Cuándo te diste cuenta que eras gorda? Siempre cuento que tenía 6 años cuando usé mi primer bikini y ahí me di cuenta que era gorda porque ahí salía la realidad, salí de mi zona de confort, de mi hogar, digamos. Si me decían antes que estaba gorda, que tenía que adelgazar, pero la primera vez que me hicieron bullying fue a los 6 años cuando me puse ese bikini.

When did you realize you were fat? I always tell the story of when I was 6 years old and wore my first bikini. That’s when I realized I was fat, because went out into the world, stepping out of my comfort zone and my home. I was told that I was fat and needed to lose weight before that, but the first time I was bullied was at 6 years old, when I put on that bikini.

Retomando una frase que te he escuchado mencionar antes... ¿Cuándo saliste del “closet” gordo? Esa frase la construí hablando de cuándo tú te asumiste como tal, apelando a la idea de salir del closet homosexual que se decía antes. Me apropio de esta frase para decir el momento en que tú te asumes, cuando te das cuenta de que ya eres gorda y que ya está y que mientras quieras adelgazar o quieras hacer un cambio o, lo que sea, tienes que asumirlo como tal. Porque hay muchos gordos que son gordofóbicos. Asumirse como tal es el primer paso, decir ‘sí en realidad mi cuerpo es distinto’ y entonces ya no te va a parecer extraño, ya no te va a parecer un insulto que te digan gorda. Hay mucha gente que te lo usa como un insulto ‘GORDA’-, sin embargo yo siento que es un calificativo como rubia, crespa; algo que no debería provocarte tanto.

To quote something I’ve heard you say before... When did you come out of the fat “closet”? I came up with that phrase to talk about accepting yourself as you are, drawing a parallel to the idea of coming out of the gay closet as we used to say. I took the phrase and made it my own to refer to the moment when you come to accept yourself and realize it is what it is. If you want to lose weight or make a change, you first have to accept it. In fact, there are many fatphobic people. Accepting yourself is the first step, saying “yes, my body is different” and then it won’t feel strange anymore, it’s no longer an insult when they call you fat. There are a lot of people that use it as an insult —”FAT”. However, I feel it’s just a label like blond, curly-haired; it’s something that shouldn’t bother you so much.

Por eso yo a través del autorretrato lo que hago es reconocerme. Reconocer el cuerpo que tengo, que tiene ciertas características; que no es un cuerpo gordo típico, de estos de pintura renacentista, sino que mi cuerpo está partido, tiene la guata partida, mis tetas caen, mi guata no es redonda, cae como delantal. A través del autorretrato yo lo que puedo llegar a hacer es reconocerme.

That’s why I discover myself through self-portraits. It’s about recognizing the body I have, with its qualities. It’s not a fat body as typically portrayed in Renaissance paintings, mine is a broken body, with a divided stomach, saggy breasts; my stomach is not round, it falls like an apron. Through self-portraits I can truly recognize myself.

¿Cómo fueron las exploraciones hasta llegar a convertirte vos en el sujeto artístico de tu obra, tanto en la performance como en la fotografía? La persona que tenía más a mano para trabajar era yo misma. Empecé desde la escuela a trabajar con la imagen, conmigo, de alguna forma para encontrarme conmigo misma y reconocerme (...). Ahora siento que mi cuerpo se ha convertido en una herramienta contestataria y subversiva para comunicar todos los temas que quiero abordar.

How was the exploration processes that led you to become the subject of your art, both performance and photography-wise? The person I had on hand to readily work was myself. I started working with images since school, with myself and it was a way of finding and understanding myself (...). Now, I feel my body has become a confrontational and subversive tool to communicate the topics I want to cover.

¿Cómo ha sido la recepción a ese trabajo contestatario en donde pones tu cuerpo sin disculpas? Cuando salí con Verano sin Piñera era en alusión a la frase verano sin polera. Aquí después de septiembre empiezan todas las propagandas a hablar sobre

How has this confrontational work that unapologetically uses your body been received? When I came up with Verano sin Pîñera, it was alluding to the Chilean phrase “verano sin polera”. In Chile, after September ends and temperatures start rising,

eing fat is living while proving to the world you're trying to change that. Being fat is receiving medical and nutritional advice you never asked for. Being fat is learning that you must shop internationally in order to have a say on what you're going to wear. Being fat is remembering the first time you were called fat. However, sometimes, being fat is also about using your body as a battle tool. As an art subject. As a canvas. As the protagonist. As a banner. As a character. As a source of anger. As an object of desire. As a doll.

De la serie Casa de Muñeca, “Mujer acicalándose”. 2019. Fotografía y montaje digital. 20 x 25 cm.

De la serie Casa de Muñeca, S/T. 2019. Fotografía y montaje digital. 20 x 25 cm.

tener un cuerpo escultural para el verano; un verano sin polera, que tú puedas sacarte la polera y no te de vergüenza. Yo salí a la calle vistiendo mi bikini con un quitasol y una piscina y el cartel decía ‘Por un Verano sin Piñera (...)’. Porque era yo, una persona gorda en bikini, reclamando un verano sin Piñera y no sin polera, porque sacarme la polera me da igual. La gente con esa performance tuvo muy buena llegada en la calle, sonreían, se sacaban fotos conmigo, aplaudían, sacaban muchos videos. Sin embargo, cuando subí esto a redes sociales empezaron los comentarios de ‘qué bueno que se muestre, pero está gorda e igual se va a morir luego’, empiezan los profesionales de la salud a opinar. Está bien que se quiera, pero tiene el corazón tapado en grasa.

there’s a lot of propaganda talking about having a sculptural body for the summer, a “shirtless summer”, i.e. keeping your body fit so you can go shirtless without any shame in the summer. I went out to the streets wearing a bikini, an umbrella and an inflatable pool “Here’s to a Piñera-less summer”. I was a fat person on a bikini demanding a summer without Piñera and not without a shirt, because I have no issue going shirtless. People responded really well to the performance on the street. They smiled, took pictures with me, clapped and recorded a lot of videos. However, when I took it to social media, comments came in saying “It’s nice she’s showing her body, but she’s fat and she’ll die soon” and health care professionals started jumping in with their opinions. “It’s okay she loves herself, but her heart is covered in fat.”

Por otro lado, en los trabajos de Piñera me empelota, que es la que yo aparezco sin ropa y con el puño en alto fue justo al día siguiente del Estallido Social. Hice el acto, me sacaron las fotos y me devolví y eso fue todo; ahí sí que hubo mucho bullying de parte de gente en redes sociales. Había gente que se aliaba con el mensaje, pero hubo mucha burla, todavía le hacen memes a esa foto. Responde bien la gente que comparte la dolencia y el sentir, aplauden la performance, la aceptan, la publicitan también; pero hay otra gente que no y que la comparte sólo por el hecho de burlarse de la gorda.

On the other hand, I have other pieces like Piñera me empelota, where I appear without any clothing and a raised fist, which I did a day after the social outburst. I did the performance, people took my picture, I went back home and that was that. That piece truly led to a lot of bullying on social media. There were people who felt relieved with the message I conveyed, but there was also a lot of mockery; people are still making memes out of that picture. People who share that pain respond well and applaud the performance, they embrace it and share it, but there are other people who don’t and they just share it to mock the fat girl.

Hablemos sobre Casa de Muñeca… veo mucho el juego entre lo dulce, lúdico y rosado muñeca yuxtapuesto con imágenes de un cuerpo gordo que se supone deberían ser chocantes en nuestro imaginario ¿Cuál era tu propósito? Casa de Muñeca viene a plantear una pregunta: ¿a qué soñábamos cuándo jugábamos con los juguetes? Porque los juguetes muchas veces son objetos de proyección. Luego nos damos cuenta que la vida no es así como te la presentan los muebles de la muñeca ¿no? Yo me posiciono como una muñeca que es un cuerpo ideal que se nos metió de niñas que teníamos que llegar a ser, con una cintura pequeña, unas tetas perfectas y paradas, depiladas además. Yo en este trabajo me posiciono así, soy yo la que está interactuando en estas imágenes porque es un espacio que no me corresponde, eso no le corresponde a la gorda. Son estas imágenes con fondo blanco, muy de revista de catálogo de juguetes; donde se luce el juguete, se lucen los muebles y mis poses y me parece que yo presento esta casa siendo muy real. Entra por los ojos y después te van llegando los mensajes que coloco.

Let’s talk about Casa de Muñeca. I see an interplay of sweetness, playfulness and doll pink juxtaposed with images of a fat body that is supposed to be shocking in our imaginary. What was your goal? Casa de Muñeca is about asking a question: What did we dream when we played with toys? Because a lot of the time toys are projecting something. Later in life we realize that life is not like a doll house, is it? I act as the doll because a doll’s body is what we were told we needed to be: a small waist, perfect perky tits, waxed all over. I put myself in that position because, if it’s me who interacts with these sort of image, it looks like I don’t belong, that’s not a fat girl’s place. These images with a white background that look like a toy catalog from a magazine, are made to highlight the toys, furniture and my poses: I feel I represent this house as being very real. The images arrive through the eye first, and then the messages within them start coming in.

Hablemos sobre una palabra que imagino que aparece con tu trabajo. Valentía. ¿Cuál es tu relación con esa palabra y tu trabajo? Entiendo cuando la gente me dice que soy valiente. A mí me dicen mucho ‘qué valiente eres, yo no lo haría, no podría’. Entiendo cuando la gente me habla y me dice eso, pero es desde su propia represión corporal. Lo acepto, pero desde el dolor ajeno, desde la molestia ajena, pero para mí no construye mucho un halago. Porque yo siempre digo que porque me saque la ropa o use bikini, mi cuerpo no va a explotar. No estoy atentando contra nadie, no estoy haciendo nada malo, entonces ‘qué valiente eres al mostrarte así tal cual eres’ es como si yo fuera un atentado a lo visual o a la moral. Me dicen valentía, pero es porque la gente no está acostumbrada a mostrarse así. Más valiente soy por exponer esto en redes sociales. El bullying que llega a través de redes sociales y los haters es bastante. Ahí sí yo te creo que soy valiente.

Let’s talk about a word that I imagine is often used to describe your work. Brave. What is your relationship with the word and your work? I understand what people mean when they say I’m brave. I’m often told “you’re so brave, I wouldn’t do that, I couldn’t.” I understand what people mean when they say that, but it’s coming from the repression of their own bodies. I accept it, but from the perspective of other people’s pain, other people’s discomfort. But for me it’s not really a compliment. I always say that, just because I take off my clothes or wear a bikini, my body is not going to explode. I’m not trying attack anyone, I’m not doing anything wrong, so saying “you’re so brave for showing yourself as you are” is like saying I’m infringing on visuals or morals. They say I’m brave because people are not used to exposing themselves like that. I’m even braver because I share it on social media. I get a lot of bullying and haters through social media. In that sense, I do believe I’m brave.

De la serie Casa de Muñeca, S/T. 2019. Fotografía y montaje digital. 20 x 25 cm.

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CHILE / CHILE

JUVENAL BARRÍA VESTIR Y REVESTIR LAS INJUSTICIAS DRESSING AND CROSS-DRESSING INJUSTICE PorJaviera Fernández. Periodista (Chile). Imágenes cortesía del artista. Representado por Isabel Croxatto Galería.

Antropologı́a del Servicio. 2018. Fotografı́a digital, impresió n digital sobre papel de algodó n Cold Press de 300grs. 23 x 33 cm.

l acto de travestirse ha sido una de los sellos centrales en la carrera del artista chileno Juvenal Barría. La primera vez fue en 2004, cuando personificó a Frida Kahlo para una propuesta artística que ponía en cuestionamiento la mirada estereotipada y exótica de lo latinoamericano. Después, en 2007, el artista dio vida a la mujer férrea que acompaña sus creaciones hasta el día de hoy, llamada Martuca. Vestido con un traje de nana, como suele decirse en Chile para referirse a las mujeres que realizan trabajo doméstico, y ornamentado con una peluca de cabellos largos y un poco de maquillaje sobre el rostro, Juvenal Barría se transforma una y otra vez en Martuca, la mujer resiliente y vengativa que emerge de la historia personal del artista y a quien sitúa en medio de sus fotografías y ejercicios de performance.

“Tengo una memoria femenina muy cargada”, cuenta Juvenal, para quien el personaje de Martuca nace de sus memorias de infancia y de la herida de las mujeres que se encargaron de criarlo. Su historia es el recuerdo de su abuela huilliche, a quién se le privó de mostrar su origen indígena. También es la historia de su madre, quien vivió la experiencia de trabajar como empleada doméstica, y es el relato de un Juvenal que desde niño se sintió más conectado con su lado femenino. Mismo niño que en las tardes veía una teleserie que marcó su trabajo, Marta a las ocho, “era la historia de una nana que cruzaba toda la ciudad y llegaba al barrio alto a trabajar. Me acuerdo que tenía ese traje de sirvienta colgado en su pieza. Esa imagen la tuve siempre en mi cabeza”, afirma el artista.

“I have very strong memories of women,” Juvenal says. For him, the Martuca character originates from his childhood memories and the wounds of the women who raised him. In fact, it’s inspired in memories of her Huililiche grandmother, who was deprived of showing her indigenous roots. It was also influenced by his mother’s story, who went through the experience of working as a domestic worker. This was the story that made Juvenal feel connected to his female side since he was a child. Also in his childhood, he watched a soap opera in the afternoons that shaped his work, Marta a las ocho, the story of “a maid who traveled across the city to work in an upper class neighborhood. I remember she had her working uniform hanging in her room. That image stayed with me forever,” the artist says.

Ese pasado racializado, patriarcal y precarizado que vivió de cerca se volvió el puntapié inicial de su trabajo, en el que sitúa a Martuca dentro de diversas imágenes e instalaciones ambientadas en zonas domésticas y urbanas, vestida de sirvienta, vedette, e incluso de novia adornada con traperos de limpieza. Para el artista, las vestimentas de Martuca pueden variar según la obra, pero el propósito central es siempre el mismo, buscando reivindicar y visibilizar la lucha de clases propia del contexto latinoamericano. Su trabajo InfiltradX, se ha vuelto para el artista una de las obras más representativas de esa lucha, en ella crea una serie de imágenes en las que Martuca, vestida de sirvienta, se inserta en diferentes espacios. En una parte de su obra, por medio de diversas técnicas fotográficas, Juvenal sitúa a la mujer vestida de nana dentro de una serie de diapositivas antiguas que registran a una señora que recorrió el mundo entre los años 60 y 70.

This racially-driven, patriarchal and precarious past he witnessed firsthand became the starting point of his work, which focuses in putting Martuca in various images and installations set in domestic and urban areas, dressed as a maid, a showgirl, and even as a bride adorned with cleaning rags. For the artist, Martuca’s clothing can change depending on the piece, but the main purpose remains the same: try to reclaim and bring attention to the struggle of classes typical of the Latin American context. His piece InfiltradX became one of the most representative pieces the artist has done in regards to this struggle. In it, he creates a series of images where Martuca, in maid garb, is portrayed in different scenes. In one part of his work, through various photographic techniques, Juvenal places the woman dressed as a maid within a series of old slides from a lady who traveled the world between the 1960s and 1970s.

ross-dressing has been one of the main distinguishing features of the career of Juvenal Barría, a Chilean artist. The first time he did it was in 2004, when he embodied Frida Kahlo for an art proposal challenging the stereotypical and exoticizing regard towards Latin Americans. Later, in 2007, the artist brought Martuca to life, the strong woman that still appears in his creations to this day. Dressed as a nana, the term with which Chileans commonly refer to women who do domestic work, and wearing a long-haired wig and some makeup, Juvenal Barría has become Martuca time and time again. She’s a resilient and vindictive woman who stems from the artist’s personal life and who he portrays in his photographs and performances.

Salón Azul con Carlos Mesa. 2014. Fotomontaje, impresión digital sobre papel Luster Premium 280 grs. 55 x 45 cm.

Salón Presidencial. 2014. Fotomontaje, impresión digital sobre papel Luster Premium 280 grs. 30 x 60 cm.

Pero, ¿quién es la Martuca que surgió en 2007? A los ojos de Barría, además de ser quien pone de manifiesto su memoria genética, la mujer es la respuesta catártica de esas ganas de expresar, como artista, su propia identidad, en medio de un contexto sociocultural que por esos años no lo permitía. “Soy un artista homosexual y eso también marca mi historia, marca una historia de negación, porque estamos hablando de principios de los años 2000, cuando eras totalmente oculto, entonces vestirse de mujer era una forma de escape, era como una catarsis”, sostiene, y recuerda que para ese entonces, tanto el arte disidente como el ejercicio de travestirse, a diferencia de la gran presencia que goza hoy en día, se circuncribía en las expresiones más underground de los círculos del arte, donde estaban, por ejemplo, los artistas Pedro Lemebel y Francisco Casas.

But, who is the Martuca who emerged in 2007? In Barría’s mind, she embodies his genetic memory, as well as being a cathartic response to his need to express his own identity as an artist and his socio-cultural background, one he wasn’t allowed to share before her inception. “I’m a homosexual artist, and that’s also part of my story, a part of my own denial. In the early 2000s, when the character was created, a lot of us were still hiding, dressing a woman was a way of escapism, a sort of catharsis,” he says. He recalls that, back then, both dissident art and cross-dressing were reserved for more underground circles of art with artists such as Pedro Lemebel and Francisco Casas, which is certainly not the case now, due to all the great exposure drag has had in our time.

Es, entonces, en medio de aquel paisaje subterráneo donde nace la Martuca que hoy vemos en las obras de Juvenal Barría, un personaje que, de acuerdo a sus palabras, ha sido definido como una “travesti tosca”, pues para crear la propuesta sartorial el autor no esconde su vello corporal ni crea un maquillaje elaborado, como bien vemos en la escena común del drag, sino más bien un maquillaje simple, una “contra estética”, como bien la llama, donde los cuestionamientos en torno al género y la clase social sobrepasan lo demás. En 2018, en su videoperformance titulada Martuca is Alive, Barría personifica a la mujer y, esta vez, mientras mira a la cámara vestido con peluca y un sostén negro, se maquilla los labios y comienza a rellenar las copas del sujetador con unas esponjas de lavado, haciendo referencia a la feminización del trabajo doméstico. En ese ejercicio, las problemáticas de género y la lucha de clases signan el acto performático, donde fulgura en totalidad la Martuca descrita y personificada por Barría: “Una mujer que busca vengarse de todo lo que han hecho”.

Thus, in that underground scene is where Martuca was created, the one we now see in Juvenal Barría’s pieces, a character that, in the artist’s own words, has been defined as “rough transvestite”. This is because, for the sartorial proposal, the artist doesn't hide his body hair nor does he create the elaborate makeup looks common in the drag world. Instead, he wears simple makeup, something he coins as “counter-aesthetic,” where questions of gender and class override all other issues. In 2018, his video performance entitled Martuca is Alive, Barría embodies the woman while looking at the camera wearing a wig and black bra, as he puts on lipstick and stuffs his bra with washing sponges, referencing the feminization of domestic work. Within that exercise, gender issues and class struggles mark the performative act, where the Martuca described and personified by Barría shines to the fullest: “She’s a woman seeking revenge for everything that’s been done to her.”

La presencia de Martuca, voluble y versátil, ha permitido condensar el linaje de mujeres que hacen parte del trabajo del artista, donde ella siempre lo acompaña. “Martuca es un personaje que voy a tener toda la vida, es parte mía. Lo que sí, tal como todos los humanos que vamos evolucionando y cambiando, ella también lo hará, quizás ya no va a estar con el traje de sirvienta, sino que va a estar con otras indumentarias. Ella se va moviendo y va mutando según lo que la vida le presenta”.

The presence of Martuca, volatile and versatile, has allowed him to condense the lineage of women who are part of the artist's work, where she always accompanies him. “Martuca is a character that will stay with me for life, she’s a part of me. However, much like every human evolves and changes, she will also. Maybe she won’t be dressed as a maid, she’ll wear other things. She moves and mutates depending on what life throws at her”.

Cocktail de Pollo. 2014. Fotomontaje digital, impresión digital sobre papel Luster Premium 280 grs. 40 x 64 cm.

ALFREDO GILDEMEISTER FOTÓGRAFO / CHILE

www.alfredogildemeister.com contacto@alfredogildemeister.com

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EE.UU / USA

ANTONIO PURI EN LO INDEFINIDO ESTÁ LA UNIVERSALIDAD DE LO HUMANO THE UNIVERSALITY OF THE HUMAN LIES IN THE UNDEFINED Por Emilio Senn. Escritor (Chile). Imágenes cortesía del artista.

Lengua Negra en Tantra. 2020. Acrílico y chaquiras sobre lienzo. 286 x 432 x 86 cm.

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ómo encontrarnos en medio de lo abstracto? En indeterminaciones, inexactitudes, dualidades que parecen exóticas. La obra de Antonio Puri, es una invitación a atrevernos a hacer ese viaje a través de lo indefinido para llegar a identificarnos e incluso reconocernos en dimensiones misteriosamente íntimas. “Los temas que me intrigan son la autoexploración e introspección en un nivel muy profundo. Cuando este tipo de honestidad existe en mi trabajo, se vuelve universal porque estos asuntos que reposan ocultos dentro de mi subconsciente son también muy humanos”, comparte el artista originario de India.

Nacido en Chandigarh y criado en el Himalaya, Antonio Puri dio sus primeros pasos profesionales dentro de la Academia de Arte de San Francisco. Precisamente, el contraste entre las culturas de sus raíces y su formación artística habitan en su obra adaptándose a diferentes formas y fondos como una virtuosa duplicidad.

Born in Chandigarh and raised in the Himalayas, Antonio Puri took his first professional steps at the Academy of Art in San Francisco. The contrast between the cultures of both his roots and artistic training inhabit his work, taking on different shapes and backdrops in a masterful duplicity.

Con una vasta trayectoria en el arte visual y plástico, Puri se compromete con un trabajo delicado y sensible tanto en la técnica como en su concepto: “Me gusta la idea de que la pintura puede estar libre de nuestros juicios y contradicciones”, manifiesta. En esa línea, las posibilidades se vuelven infinitas para un talento creativo cuya pasión está en explorar aquello que parece inhóspito, pero que en la dirección correcta puede tornarse cercano y personal.

With a vast trajectory in visual and plastic arts, Puri is devoted to a delicate and sensitive work, both technically and conceptually: “I like the idea that painting can break free from our judgments and contradiction,” he states. Following that line, the possibilities become endless for a creative talent whose passion lies in exploring the seemingly inhospitable, but if steered in the right direction, it might become close and personal.

Multicapas, barnices, retratos, capturas de humanidad; quizás la clave del éxito para Antonio Puri está en su lectura de la naturaleza social. Dudas existenciales, traiciones, miedos, búsquedas por lo divino, sexualidad; sentimientos que remecen, pero son difíciles de expresar para gran parte de quienes los perciben. El arte está en la capacidad de hablar sin palabras y ser entendido en cualquier idioma, como lo logra Puri en sus pinturas; una capacidad particularmente distinguible cuando el mensaje no es otro más que la complejidad en la que habitamos, muchas veces incómoda de tratar.

Multiple layers, varnishes, portraits, snapshots of humanity; perhaps Antonio Puri’s guide to success is in his interpretation of social nature. Existential questions, betrayal, fears, seeking the divine, sexuality and feelings that move you but are difficult to explain by most people who perceive them. Art lies in the ability to speak without words and be understood in any language. Puri accomplishes this beautifully in his paintings, with his particularly discernible abilities to bright light to nothing other than the complexities we face and that are often uncomfortable to address.

Desaprender para poder aprender, la metamorfosis como crisis y desprenderse para explorarse; las inquietudes fundamentales del arte de Antonio Puri coinciden en Un Religare, exhibición cuyo título hace referencia a la negación del vínculo entre lo divino y lo humano (“religare” corresponde al término en latín que sirve como base para la palabra “religión”). La conjugación de dos ideas contradictorias que conviven unidas en la indefinición es un territorio siempre atractivo de tantear para el artista: “Si hay alguna manera de describir esta ambigüedad, viene del

Unlearning to be able to learn, metamorphosis as a crisis and letting go to explore oneself are the fundamental concerns of Antonio Puri’s work that converge in Un Religare, an exhibition whose title refers to a denial of the link between the divine and human (“religare” is the Latin term which serves as the root of the word “religion”). The combination of these two contradictory ideas that coexist united in their vagueness is always an attractive territory for the artist to explore: “If there is a way to describe this ambiguity, it would be the act of creating

ow can we find ourselves through abstraction? In the undefined, inaccuracy and seemingly exotic dualities. Antonio Puri’s work invited us to dare to embark into a journey through the unknown so we can manage to relate and find ourselves in mysteriously intimate dimensions. “The topics that intrigue me are self-exploration and introspection in a deep level. By having this type of honesty in my work, it becomes universal because these issues that lie hidden within my subconscious are also very human,” the Indian artist shares.

Prayer Redefined. 2017. Acrílico sobre lienzo. 91 x 243 x 152 cm.

acto de crear trabajos que parecen contradictorios pero en verdad son humanos. Yo llamo a este proceso dualidad no dual”, explica el artista. Dimorfismo que Puri captura en su indefinición y abstraccionismo; son colores, trazos, texturas, imágenes y formas cuyas lecturas son tantas como se permita descubrir cada espectador. Se hace, entonces, imposible quedar indiferente ante la diversidad que habita en el catálogo de Antonio Puri, ¿pero qué pueden guardar en común series u obras como Lengua Negra y el retrato Attaching Detaching? Desde la teoría hasta la práctica, para el artista cosmopolita siempre se trata del inherente sentido humano arraigado en su arte. No obstante, la introspección no es el único fundamento en la obra de Antonio Puri. Por otra parte, el vínculo del artista con sus raíces y la relación con su carácter nómade enriquecen un relato cargado de referencias y alegorías de diferentes culturas y creencias. “Mi vida existe dentro de una coacción social y política, por ende si mi arte se trata de mis experiencias se vuelve difícil evadir connotaciones de ese tipo”, confiesa, ante las posibles lecturas “militantes” que podrían darse a sus creaciones; lecturas naturales a un arte que adhiere a tramas y conflictos humanos. “Sin embargo, mi trabajo es sobre liberarme a mí mismo y a mi arte de las limitaciones que han regido a la humanidad por generaciones”.

works that seem contradictory, but are actually very human. I call this process a non-dual duality,” the artist explains. Puri captures this dimorphism in its ambiguity and abstraction; they’re colors, strokes, textures, images and shapes with so many interpretations as the viewers can gather. It is thus impossible to remain indifferent to the diversity of Antonio Puri’s body of work, but what do series or pieces like Lengua Negra and the portrait Attaching Detaching have in common? From theory to practice, this cosmopolitan artist is always about the inherently human meaning to his art. However, introspection is not the only principle of Antonio Puri’s work. On the other hand, the artist’s link to his roots and his relationship with his nomadic nature enrich his discourse loaded with references and allegories of different cultures an beliefs. “My life exists within a social and political constraint, so if my art is about my experiences, it becomes difficult to avoid connotations of that sort," he confesses, in view of the possible "militant" readings that could be given to his creations; which are natural to an art that adheres to human stories and conflicts. “However, my work is about liberating myself and my art from the constraints that have governed society for generations”.

Lengua Negra in Red. 2018. Acrílico sobre lienzo. 284 x 431 x 96 cm.

Etiquetas: romperlas, negarlas, pero imposible desconocerlas; Puri logra cuestionar al espectador sobre qué tan lejos es capaz de llegar, libre de ellas. ¿Puede el ser humano reconocerse en ese abstraccionismo? ¿Podemos despojarnos de lo aprendido y entendernos en la indefinición? ¿O es que necesitamos saber sobre qué tierra están nuestros pies? La respuesta es un viaje personal de destino desconocido, Antonio Puri lo que hace es materializar la invitación a través de texturas, colores y formas en diferentes técnicas.

Labels, whether you break or reject them, it’s impossible not to acknowledge them. Puri manages to challenge the viewers to think about how far they might get if they were free of labels. Can human beings relate to this abstraction? Can we shed have we have learned and understand ourselves in this ambiguity? Or do we need to know where we stand? The answer is a personal journey without a specific destination, what Antonio Puri does is materialize an invitation through textures, colors and shapes using different techniques.

Una propuesta como Tantric Explosion, reúne los elementos más esenciales de la obra de Puri en un trabajo cuya estética evidentemente atractiva coincide con un concepto igualmente magnético. Allí, Puri explora la cultura india a través de una interpretación personal en torno al concepto hindú tantra. Una serie enriquecida por el atrevimiento de su autor, quien incansablemente se propone abrir las puertas a aquello que se le presenta como cerrado. ¿El canal? Tonos rojos, chaquiras, acrílico, láminas, simbolismos, ¿el mensaje? quizás hacer universal lo que se supone es individual, humanizar la religión, un tributo abstracto a sus orígenes; las interpretaciones son ilimitadas.

A proposal like Tantric Explosion gathers all the essential elements of Puri’s work in a series with a clearly appealing aesthetic with an equally magnetic concept. In it, Puri explores Indian culture through a personal interpretation of the Hindi concept of tantra. The series is enriched by the artist’s boldness, who constantly opens the doors that were initially presented as being closed. How? Red hues, beads, acrylics, thin layers and symbolism. The message? Perhaps it’s about making an individual phenomenon universal, humanizing religion in an abstract tribute to his roots. Interpretations are endless.

“Encuentro que las posibilidades son infinitas y que el quiebre de paradigmas de la pintura o el arte es algo muy intrigante”, afirma Antonio. La singular audacia del artista le ha otorgado un camino de creciente éxito y reconocimiento, aun cuando él prefiere tomarlo con sigilo y no transar por ningún motivo la naturaleza de su obra, ni siquiera por exhibiciones más grandes ni por el reconocimiento de curadores u otros pares. “Yo siento que cuando los artistas tratan de encajar con la visión de curadores y mentes que están activamente analizando el mundo del arte, también caen en la trampa de complacer a otros más que encontrarse a sí mismos”, explica. Precisamente, en las creaciones de Antonio Puri la satisfacción y el goce son propiedades que ennoblecen sus resultados; a través de un proceso igualmente placentero para el artista y que terminan por entregar una experiencia también de deleite para sus espectadores.

“I think the possibilities are infinite and breaking paradigms in painting or art is very intriguing,” Antonio says. The unique audacity of the artist has led him to growing success and recognition, though he prefers to be prudent and not compromise the nature of his work for any reason, not even for larger exhibitions or the recognition of curators or his peers. “I feel that when artists need to fit a curator’s vision or the minds that actively analyze the art world, they fall into the trap of pleasing others more than they’re being true to themselves,” he explains. In fact, in Antonio Puri’s creations, satisfaction and enjoyment dignify the results. With his equally satisfying process, the artist ends up offering a delightful experience for viewers.

Alguna vez, Gabriel García Márquez planteó que las emociones de un autor al momento de crear una obra son directamente proporcionales a lo que sentirá quien acoja dicho trabajo. Principalmente, comentó que cuando un escritor escribe aburrido, quien lo lea de igual forma se aburrirá. El arte de Antonio Puri puede entenderse dentro del mismo concepto, como una experiencia visual y sensorial que da una probada de aquello que disfrutó y reflexionó su autor al concebirla. Es un viaje personal, es un llamado a desaprender y desprenderse, a sumergirse en un universo de indefiniciones y abstraccionismo tan humano e íntimo como la generosidad creativa del propio artista.

Once, Gabriel García Márquez said that the emotions of an author while creating any work are proportional to the emotions the audience will receive it with. He focused mainly in stressing that when a writer is bored while working, the readers will be bored as well. Antonio Puri’s work can be analyzed through this same lens, as a visual and sensory experience that gives people a taste of what the artist enjoyed and reflected when he was creating it. It’s a personal journey, a call to unlearn and let go, to submerge in the universe of the undetermined and abstraction that is so human an intimate as the creative wealth of the artist himself.

Confession. 2017. Barbacoa con antiguas biblias católicas romanas que han sido quemadas. 121 x 61 x 91 cm.

CUBA / CUBA

ÁNGEL DELGADO CONTINGENCIAS POLEMIZADAS CONTROVERSIAL EVENTS Por Javiera Fernández. Periodista (Chile). Imágenes cortesía del artista. Artículo en colaboración con Building Bridges Art Exchange.

Discurso Ausente (XVIII). 2017. Acrílico sobre tela. 140 x 114 cm.

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a información que circula en los medios de prensa llega de manera contínua a las manos del artista visual cubano Ángel Delgado, quien la transforma en obras de arte con significados lingüísticos y simbólicos completamente diferentes. “La noticia es reducida a la mínima presencia, eliminando entornos, lugares, culturas, despojándola de significados (y) o añadiendo otros. Lo que hago es tratar de crear un espacio de reflexión frente a la abrumadora avalancha de noticias sensacionalistas y, en muchas ocasiones, manipuladas, que los medios de comunicación nos ofrecen constantemente”, sostiene el artista.

Comenzó su trabajo plástico en Cuba, y la experimentación con el fenómeno de la noticia partió durante los 80 en sus tiempos de estudiante en el Instituto Superior de Arte, ubicado en La Habana. Cuenta Delgado que mientras vivió allí, su noción crítica de la noticia se reducía a lo que consumía por la televisión, la radio y la prensa, con verdades irrefutables e imposibles de confrontar, en un país en el cual, para ese entonces, circulaban publicaciones muy limitadas. “Cuando empecé a viajar fuera de Cuba, comencé a entender que hay otras noticias y otros puntos de vista. Después, cuando regresaba a la Isla nada era igual, ya sabía que existían otras verdades o al menos otras opciones más allá de las noticias que nos imponían a diario”.

He starting working on his art in Cuba and his exploration of the news phenomenon began in the 80s, while he was an art student in the Superior Art Institute in Havana. Delgado narrates that during his stay there, his critical notion of news was limited to what he consumed on TV, radio and the press, representing irrefutable truths in a country where, back then, publications were very limited. “When I traveled outside Cube, I started to understand that there are other news and points of view. Later on, when I went back to the island, nothing was the same. I already knew that there were other realities, or at least other options beyond the news presented to us every day.”

Frente a este nexo crítico con lo noticioso, es difícil no mencionar su inmemorial performance La esperanza es lo último que se pierde (1990), en la que defecó encima de un ejemplar del periódico Granma, prensa oficial del Partido Comunista de Cuba. Luego de la acción, llegó lo que el artista llama su “último semestre de la escuela de arte”, tras pasar 6 meses en la cárcel cubana. Desde aquel entonces, marcado por una censura vivida en carne propia, parte sustancial de la obra de Delgado ha transitado por

Within this newfound critical conception of news, his performance La esperanza es lo último que se pierde (1990) is worth a mention. In it, he defecated onto an issue of the Granma daily, the official newspaper of the Cuban Communist Party. After the performance, the artist spent 6 months in a Cuban prison, a period he refers to as his “last semester of art school.” Since then, shaped by the censorship he experienced in the flesh, a substantial part of Delgado’s work has focused on providing several new

he information circling the media constantly reaches the hands of Cuban artist Ángel Delgado, who transforms it in work of art with linguistic and symbolic meanings completely different from the original. “News are reduced to their essence, without the their surrounding environment, places and cultures, stripping them of their meaning and adding new ones. I try to create a space to reflect on the overwhelming avalanche of sensationalist news articles, often manipulated, that media outlets constantly offer us,” the artist states.

Discurso Ausente (XXII). 2017. Acrílico sobre tela. 142 x 191 cm.

múltiples resignificaciones de la libertad personal y creativa, donde el uso plástico de la información mediática tiene un papel central.

meanings to personal and creative freedom, where the use of visuals to address media information has a leading role.

El ejercicio antes mencionado surge en su serie titulada Discurso Ausente, en la cual trabaja desde 2016 con pintura en acrílico. En ella, unas figuras humanas, de apariencia masculina, están ubicadas entre diferentes noticias internacionales de primera plana, tanto de periódicos impresos como de Internet, esclarece el artista. “Técnicamente, hago desaparecer el contenido de la noticia, incluso cualquier referente de la imagen original”, afirma, y en ese entendido, el efecto buscado se consuma; la información que circula, heterogénea y suscitada a cuestionamientos, es resignificada por Delgado a medida que banaliza el discurso de la prensa, creando “nuevos personajes incógnitos, sin identidad alguna”, explica.

The aforementioned series is part of his series entitled Discurso Ausente, which he was continued to grow, particularly with acrylic paintings since 2016. According to the artist, in the series, masculine-looking human figures appear among international headline news from print and online newspapers. “Technically, I make the contents of the news disappear, even all references to the original image,” he states. In that sense, he accomplishes the desired effect; the flowing information, heterogeneous and open to questioning, is redefined by Delgado as he trivializes the discourse of the press, creating "new unknown characters, without any identity,” he explains.

Además de la primicia o contingencia, el concepto de libertad se suma como otra de las piezas movilizadoras del trabajo de Ángel Delgado, una obsesión, tal como expresa, que vuelve a su obra una y otra vez. “La libertad es ese espacio físico o mental por el cual uno debe transitar libremente, sin restricciones, sin controles absurdos. Es poder actuar según tus propios criterios, sin más limitaciones que el respeto por el otro”, sostiene.

Beyond the scoop, the concept of freedom is another of the driving elements in Ángel Delgado’s work. It’s a self-proclaimed obsession for him, one that appears in his pieces time and time again. “Freedom is a physical or mental space we should navigate at one’s discretion, without any limitations or absurd control. It’s being able to act on your own volition, without any further limitation other than the respect for others,” he states.

A través de la pintura, el dibujo, la fotografía, las instalaciones y la performance, el artista esboza y transmite esa noción arraigada de libertad que emergió durante sus meses de encarcelamiento. En su obra, Delgado cuestiona las múltiples pérdidas de libertad vivenciadas por el ser humano contemporáneo, y tanto las suyas propias como las de sus compañeros artistas, quienes, al día de hoy, han sido llevados a la cárcel luego de hacer una obra que cuestiona los esquemas preestablecidos y confronta la represión dictatorial.

Through painting, drawing, photography, installations and performances, the artist conveys the deeply entrenched notion of freedom that emerged for him while in prison. In his work, Delgado questions the deprivation of freedom experienced by contemporary human beings, both his own and from his fellow artists, who, till this day, continue to be incarcerated for creating art that challenges pre-established schemes, thus confronting dictatorial repression.

Discurso Ausente (XXV). 2019. Acrílico sobre tela. 130 x 183 cm.

Los objetos tallados en jabón y dibujos sobre pañuelos hechos con lápices de colores y cremas, que hacen parte de la creación inédita de Delgado hace 30 años a raíz de la precarización padecida en la cárcel y la falta de soportes disponibles, reaparecen en su obra actual. En 2021, usa una vez más los jabones y los une a sargentos de metal para crear una serie de figuras en las que visibiliza y se manifiesta por los artistas cubanos presos en la actualidad. Los nombres de éstos, tallados en el jabón, reclaman libertad: FREEMAYKEL, FREEHAMLET, FREELUISMA.

Soap sculptures and colored pencil and col cream drawings on handkerchiefs have been a part of Delgado’s unprecedented creations for 30 years, due to the precariousness of prison conditions and the lack of available supports, which he has kept using until now. In 2021, he used soap once more, combining them with metal clamps to create a series of figures militating for Cuban artists who are currently in prison. The names of the pieces are carved in soap and demand freedom: FREEMAYKEL, FREEHAMLET, FREELUISMA.

“Haber estado en prisión hace más de 30 años por ejercer el derecho a expresarme libremente y haber cumplido una condena injustamente por un gobierno dictatorial, me hace movilizar y solidarizar con los artistas que hoy día sufren encarcelamiento. Estos colegas no han cometido ningún delito, el arte no es delito, incluso aunque a través de éste se hagan duras denuncias o críticas a un gobierno”, cuenta el artista. Según su visión, la censura artística se arrastra en Cuba casi desde el inicio de la revolución en 1959, sólo que hoy, debido a la proliferación de Internet y las redes sociales, la represión hacia los artistas se ha hecho más visible que nunca.

“Having been in prison 30 years ago for exercising my right to express myself freely and having been convicted unfairly by a dictatorial government makes me sympathize with artists who are currently incarcerated. These colleagues of mine have committed no crime, art is not a crime, even if they make harsh criticism or denunciations of a government,” he comments. In his opinion, censorship of art is still happening today, ever since the start of the revolution in 1959. The thing is that today, due to the mass use of the Internet and social media, repression of artists has become more visible than ever before.

La lucha por la libertad creativa se adhiere a otros temas actuales “obligados” para Delgado, entre ellos la identidad, el exilio, la soledad, la patria, la migración, el poder, el éxodo y las fronteras, cada uno merecedor de un espacio autónomo en el ejercicio creativo. Sobre esto concluye: “Se ha demostrado a través de la historia del arte que éste no tiene límites, se han realizado obras o performances desde muy inmorales hasta muy violentas, incluso artistas que se han agredido a sí mismos públicamente y, estemos de acuerdo o no, terminan siendo aceptadas como arte. Desde mi experiencia, el arte y la creación no deben tener límites”.

The battle for creative freedom comes along several other “mandatory” topics for Delgado, including identity, exile, loneliness, patriotism, migration, power, exodus and borders, all of which are worthy of having an autonomous space in art. Regarding this themes, he concludes: “Throughout art history, it has been shown that art has no limits. Works or performances have ranged from immoral to violent, with artists even attacking each other in public. Whether we agree or not, these expressions are accepted as art. In my experience, art and creation mustn’t have any limits.”

Discurso Ausente (XX). 2017. Acrílico sobre tela. 142 x 170 cm.

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ARGENTINA / ARGENTINA

MIGUEL ÁNGEL GIOVANETTI 2021: PENTADA, PANDEMIA Y OPORTUNIDAD 2021: QUINTET, PANDEMIC AND OPPORTUNITY UNA LÍNEA DE FE A DIEZ AÑOS DE PROYECTO PENTÁGONO A BEACON OF FAITH TEN YEARS AFTER PROYECTO PENTÁGONO Por Alicia Elizabeth Dalterio. Periodista (Argentina). Imágenes cortesía del artista.

Fragmentos de pentágonos 81. Bolígrafo con gel sobre papel. Medidas variables.

Hay grandes semejanzas que cruzan la cara del mundo y la dejan marcada aquí y allá con su luz. Aproximan y ajustan lo que es pequeño y lo que es inmenso. Sólo de ellas puede nacer toda nostalgia, todo espíritu, toda emoción” Hippolyte Jean Giraudoux.

Great similarities scar the world and leave mark here and there with their light. They bring together, they match what is small and what is immense. From them alone can all nostalgia, all spirit, all emotion be born.” Hippolyte Jean Giraudoux.

iguel Ángel Giovanetti corre los límites del encierro en pandemia con una gran producción. Celebra diez años de Proyecto Pentágono y persevera en la búsqueda como si fuera por anhelos ante un mundo incierto y desunido. Con una línea de fe, sale al encuentro de unidad visual en sus dibujos y la expande inconmensurablemente en la acción de multiplicar la idea central del “Timeo” de Platón, la del hombre microcosmos inscripto en el pentágono, el alma del universo en el polígono estrellado que en sociedades secretas se asociaba a la armonía, la salud y la vida.

Uno de los objetivos del arte es el de ser susceptible a las emociones y al afán de superación de una época. Períodos de enfermedad y crisis se parecen en que hay un corte que desencadena transformaciones y oportunidades. Nada es igual post azote pandémico pero hay un sostén en lo conocido, en la selectividad de fragmentos y en la resiliencia.

One of the main goals of art is being susceptible to emotions and the desire to improve upon an era. Throughout the years, times of sickness or crises are similar because there’s a rupture that leads to transformations and opportunities. Nothing has been the same after the pandemic hit, but there is a resemblance to things we know, to the selectiveness of fragments and resilience.

Los Fragmentos de pentágonos de Giovanetti, como premonición ontológica desde hace una década con Proyecto Pentágono, ra-

Much like an ontological premonition from a decade ago with Proyecto Pentágono, Giovanettis’ Fragmentos de pentágonos ratify

iguel Ángel Giovanetti shifts the limits of the confinement during the pandemic with a great creation. It’s the ten year anniversary of Proyecto Pentágono, and he longingly perseveres in his quest in this uncertain and divided world. With his faith, he goes out to find visual unity in his drawings and he expands it immeasurably by multiplying the main idea of Plato’s “Timaeus”, the one of the microcosmic man inserted in a pentagon, the soul of the universe contained within a starry polygon where secret societies conveyed harmony, health and life.

Fragmentos de pentágonos Líneas cruzadas 12. 2020. Bolígrafo con gel sobre papel. Medidas variables.

tifican la Filosofía perenne en la planimetría y una estética áurea a partir de los sólidos platónicos y el Timeo.

the Perennial philosophy, planimetrics and golden ratio aesthetics through Platonic solids and Timaeus.

Algo épico tiene la tarde en que tras el decreto que permite circular, atravesamos las pocas cuadras que ahora separan la casa del nuevo atelier de Miguel Ángel en pandemia. Nada restringe una vocación como la del artista comprometido que, sin solución de continuidad entre el mundo y su obra, comenta: “Desde la cuarentena, con esa incertidumbre de no saber nada de lo que iba a suceder, traspaso la incerteza con fe. Cruzo una línea de fe a la realización de mi trabajo”.

There was something epic about the afternoon in which, after the decree that allows tocirculate,wecrossesthefewblocksseparatesMiguelÁngel‘snewstudioduringthe pandemic.Nothinglimitsthecallingofatrulycommittedartistwhowithoutasolution for the lack of continuity in the world and his work comments: “Since quarantine started I had that feeling of uncertainty of not knowing what was going to happen, so I exchanged uncertainty with faith. I commit my faith to the creation of my work.”

Su meticulosa labor comienza temprano. La pulsión creativa con la que produce obras desde la acción de multiplicar fragmentos con líneas de bolígrafo con gel de colores, recrea tensiones en la dinámica visual y compositiva de sus dibujos en papel que corta minuciosamente en formas irregulares.

His meticulous work starts early. The creative drive with which he creates pieces by multiplying fragments with gel colored pen lines creates tension in the visual composition of his drawings in a sheet of paper he carefully cuts into irregular shapes.

Lo que no ha sido irregular en Giovanetti es la presencia de armonía visual, ya desde la moldería de exquisitos trajes que diseñaba su madre para alta costura y sastrería teatral, que profundiza con sus estudios y en el trabajo como diseñador textil y gráfico, aflorando luego en la trama orgánica de sus primeras obras artísticas.

What hasn’t been irregular in Giovanetti’s work is the presence of visual harmony, present even in the pattern making of the exquisite suits her mother made for high couture and theater tailoring, knowledge he then deepened with his studies and work as a fashion and graphic designer, then blooming in the organic matrix of his first art pieces.

En los diez años en que vive en Estados Unidos hasta el año 2009, inicia el siglo tomando la estética de los empapelados de pared con la serie Inside, abundante en barras, planos y líneas.

In the ten years he had been living in the US, until 2009, he began taking the style of wallpapers with the series Inside, with bars, planes and lines aplenty.

Fragmentos de pentágonos Líneas cruzadas 13. 2020. Bolígrafo con gel sobre papel. Medidas variables.

Al regresar a Argentina continúa esa serie e inicia Óvalos, donde elimina referencias figurativas e inserta profusión de formas ovoides que se superponen e integran. Es breve esta serie frente a la potencia de Proyecto Pentágono, que llega para quedarse, luego de verse plasmado en las muestras Universos paralelos y Fragmentar el universo sobre bastidores en forma pentagonal, soportes en madera y en tela.

When he went back to Argentina, he continued working on the series and started creating Óvalos, in which he eliminates figurative references and fully delves into overlapping ovoid shapes. The series is short compared to the strength of Proyecto Pentágono, a series that came to stay after being exhibited in the samples Universos paralelos and Fragmentar el universo on pentagon-shaped canvases, wooden supports and fabrics.

En el verano de 2012, el Mulvane Art Museum de la Ciudad de Topeka, Kansas, expone Open Shapes, interpretación geométrica formal en referencia a los osados chalecos futuristas diseñados por Fortunato Depero en la década de 1920, de imponentes colores en contraste con el gris tradicional de los trajes de la época.

In the summer of 2012, he exhibited Open Shapes in the Mulvane art Museum in Topeka, Kansas. This formal geometric interpretation was a tribute to the bold futuristic jackets designed by Fortunato Depero in the 1920s, with bright colors to contrast with the traditional gray of that period's clothing.

Como en la Bauhaus, escuela que integra la vida y el entorno en el diseño, Giovanetti es permeable al ambiente. Así como la geografía tropical del caribe desde la indumentaria y la cultura local influyen en la obra que produce mientras reside en Miami, la vivencia de cautividad en pandemia lo perfunde con bruma rioplatense.

Similarly to Bahaus, a school that incorporates living and design elements, Giovanetti’s work is permeable the environment. Much like he was influenced by the tropics, from its clothing to the local culture while he was living in Miami, while on lock down during the pandemic he was inspired by the mist of Río de la Plata.

La humedad porteña le abre la superficie del papel como a un Houdini del tablero, por donde escapa libre hacia otros destinos en sucesiones de color y valores que repite, a veces de a cinco líneas en el dibujo, para reaparecer en una distorsión cubista que investiga en la producción de videos.

The humidity in the coastal city opened up the surface of the paper like a chess Houdini, from where he escapes freely into other destinations in repeating sequences and value of colors, sometimes even five lines at the time in a drawing, to reappear in a Cubist distortion that he explore in video art.

Fragmentos de pentágonos 55. 2021. Bolígrafo con gel sobre papel. Medidas variables.

Sin embargo, no hay trucos. Lo multimedia enmarca la obra real en papel. La línea de indagación actual insufla espacio a lo digital y amplía la factibilidad de proyección de imágenes físicas en sala como la que tuvo lugar en el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MACBA), al filo de iniciar la pandemia en 2020, a un arte para todos en el espacio público.

However, there is no trickery. Multimedia frames the real piece in paper. The current line of inquiry makes room for the digital and expands the feasibility of projecting physical images in a room, such as the one that took place at Buenos Aires’ Museum of Contemporary Art (MACBA), right before the pandemic started in 2020, an art piece that was made for everyone in the public space.

En la cosmogonía filosófica los números son sagrados. Como la péntada, el cinco encriptado en 2021 es sexto en la Secuencia Fibonacci, potencia armónica vinculada a “Phi”, divina proporción imbuida en el pentágono regular, la arquitectura, la música, la naturaleza y la multiplicación de seres vivos.

In philosophical cosmogony, numbers are sacred. Like a quintet, the hidden five in 2021 is the sixth number in Fibonacci sequence, the harmonic power linked to Phi, a divine proportion embedded in a regular pentagon, in architecture, music, nature and the multiplication of human beings.

La ley hermética aflora en el silencio del hombre microcosmo puertas adentro. El Alma de la humanidad y del Universo emite su nota de alerta. Cruce decisivo, paralelas e intersecciones explotan en movimientos como de danza Butoh ante el dolor y la desesperanza. Líneas de contención reverencian la vida que sigue, traen colores del sol tras cada ocaso por espacios posibles donde lo físico y lo virtual coexisten con el dinamismo cohesivo característico en Giovanetti.

Hermetic principles emerge within the silence of the microcosmic man. The Soul of humanity and the Universe issue a warning. The crossroads is definite, parallels and intersections explode in movement like a Butoh dance before grief and despair. Containing lines revere the afterlife, they bring colors from the sun after every sunset from the possible spaces where the physical and virtual coexist with the cohesive dynamism common in Giovanetti’s work.

Cuando el impedimento parece ser factor común, la oportunidad.

When obstacle is the common element, opportunity arises.

En un mundo donde nada es exactamente igual: Proyecto Pentágono.

In a world where nothing is exactly the same, there’s Proyecto Pentágono.

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HOLANDA / NETHERLAND

RAIDER EL ARTE DE LA AUTOEXPLORACIÓN THE ART OF SELF-EXPLORATION Por Paula Riquelme (Periodista), y Elisa Massardo (Lic. en Historia y Estética). Imágenes cortesía del artista Representado por Wanrooij Gallery.

Scoop. 2021. Resina sólida pintada a mano. 28 x 15 x 13 cm. Edición n° 12

coop, una pequeña figura de 25 centímetros de alto, con cuerpo similar a una nube muy compacta y unos ojos muy carismáticos, ha traído para el artista holandés, Raider, muchos cuestionamientos sobre la vida y lo que somos. “¿Vale la pena una travesía en la que llegar a destino nos cuesta el origen?”

coop, a small 25 cm-high figure with a shape similar to a compact cloud

El ser humano, probablemente desde antes de la época griega y el surgimiento de la filosofía occidental, ya se preguntaba de forma consciente o inconsciente por el hecho de nuestra existencia. Algo similar podríamos pensar sobre otros seres en el universo, ¿desde cuándo?, o, ¿por qué podemos creer que hay más vida o que hay otras formas? Es más, ¿a qué le llamamos vida? Raider, ha llegado a concluir que pueden existir criaturas que vivan, sí, vivan, pero no de la misma forma que nosotros. La respiración o el movimiento, por ejemplo, son acciones que no considera esenciales y el alma, es un elemento que uno puede encontrar en los objetos si los mira desde cierta perspectiva.

Perhaps since Greek times and the emergence of Western philosophy, humankind started consciously or unconsciously wondering about our existence. We might wonder the same about other beings in the universe: when did they start existing? Why should we believe that there are other life forms? Or even, what do we call life? Artist Raider concluded that other living creatures may exist, even if they don’t live the same way we do. For instance, breathing and movement are not actions he considers essential. The soul is present even in objects if we’re willing to look at them a certain way.

Según el diccionario de la Real Academia Española, la palabra “inspiración” puede significar: “Estímulo que anima la labor creadora en el arte o la ciencia”, o “Ilustración o movimiento sobrenatural que Dios comunica a la criatura”, entre otras cosas. La segunda descripción calza con lo que Raider transmite con Scoop. En una ola de inspiración, la figura llegó a su mente, viajando a través de muchos años luz de distancia para manifestarse en la mano del artista.

According to the Merriam Webster dictionary, “inspiration” could mean: “something that makes someone want to do something or that gives someone an idea about what to do or create” or “a divine influence or action on a person believed to qualify him or her to receive and communicate sacred revelation”, among other definitions. The second one perfectly fits what Raider conveys with Scoop. In a wave of exploration, the figure came to his mind, traveling many light years to manifest in the artist's hand.

Tal vez Raider no creó Scoop; Scoop vino hacia él. La idea se manifestó a sí misma, envuelta en burbujas y esferas, tomando forma lentamente por sus manos y herramientas. Las esculturas se multiplican cada vez que los humanos ven vida en ellas, las adoptan con cariño, las aceptan en su corazón. Esta pequeña criatura a las que Raider describe como “adorable”, se ha vuelto tan popular que tanto coleccionistas como personas comunes desean tenerla en sus hogares. Así es como, tras hacer un pedido personalizado al artista, adoptan a su propio Scoop en una cajita de madera que lo acompaña hasta su destino.

Maybe Raider did not create Scoop; Scoop came to Raider. The idea manifested itself, wrapped in bubbles and spheres, slowly taking shape made by the artist's hands and tools. The sculptures multiply every time humans see life in them, embrace them or welcome them into their hearts. The little creature that Raider describes as “adorable” has become very popular among collectors and regular people longing to have them in their homes. After making a personalized request to the artist, they adopt Scoop shipped in a wooden box that carries Scoop to their final destination.

Raider ve el arte como la posibilidad de que los elementos existan por sí mismos, definiéndose más como un medio para que este tome su forma final y pueda ser apreciado por el resto de personas. El arte está vivo, al igual que Scoop, y halla esa vida en los ojos y corazones que se sienten inspirados por su existir. “Los primeros bocetos de Scoop los hice tres años atrás. Instantáneamente tuve la sensación de que era algo nuevo y único, de alguna forma, estaba vivo. Algo que yo creé, pero que parecía tener alma. Muchos de mis coleccionistas dicen que Scoop se convirtió en una especie de

Raider sees art as a possibility for objects that didn't exist by themselves. He regards himself as a medium for these objects to take on their final shape and be appreciated by all other people. Art is alive, just as Scoop is. It finds life in the eye and the hearts of those who are inspired by their existence. “The first Scoop Sketches I did back three years ago. I instantly had the feeling it was something new and unique, in some way, alive. Something that I created, but it seems to have a soul. Many of my collectors tell me that Scoop became a kind of family mem-

and charming eyes, has made the Dutch artist Raider question many

things about life and who we are. "Is the journey worth it when arriving at the destination costs us the origin?"

Scoop The Curious. . 2021. Resina sólida pintada a mano. 24 x 20 x 15 cm. Edición n° 12.

Baby Scoop. 2021. Resina sólida pintada a mano, 10 x 8 x 6 cm.

miembro de la familia. Eso es una gran motivación para mí como artista. No hay nada mejor que la gente adopte tu creación y la ame”.

ber. That is a big motivation for me as an artist. There is nothing better if people start to adopt your creation and love it.”

El amor y la pasión por el arte no suelen surgir de la nada. Los padres de Raider, quienes son coleccionistas de arte, los llevaron muchas veces a él y a su hermana a diferentes exposiciones, museos y galerías cuando eran niños, lo que, comenta, despertó en él un genuino interés y curiosidad. “Crecí en una familia donde el arte estaba siempre rodeándonos. Me encantaba y motivaba. A veces extrañaba la historia detrás de las piezas de arte, lo que me hizo pensar en hacerlo distinto con el mío. Empecé a hacer bocetos de mis criaturas y pensé en darles actitudes y características únicas”.

Love and passion for art do not appear out of thin air. Raider’s parents, who are collecting art themselves, took him and his sister many times to different exhibits, museums and galleries when they were children. He says it sparked a genuine interest and curiosity in him. “I grew up in a family where art was always around us. I loved it and got inspired. Sometimes I missed the story behind artworks, which made me think of doing it differently with my art. I started doing sketches for my creatures and thought about giving them attitudes and unique characteristics.”

Aun cuando el pequeño personaje que encontró vida en las manos de Raider estuvo listo para explorar el mundo por su cuenta, a fines del 2019, todavía mantiene ocultas una serie de características nuevas por descubrir y desarrollar. Para el galerista Martijn Wanrooij, Raider representa una nueva generación de artistas contemporáneos. Raider, uno de los artistas más jóvenes de Europa con tan sólo 19 años, usa diferentes herramientas para dar vida a sus figuras: “No me estoy limitando en técnicas específicas, estoy experimentando con todo tipo de métodos y tecnología posibles. Estoy tratando de aprender tanto como pueda, y cada día trabajo en mis habilidades”.

Although the small character brought to life by the young artist Raider was ready to explore the world on its own by the end of 2019, it still has a lot of hidden new features to explore and develop. For gallerist Martijn Wanrooij, Raider represents a new generation of contemporary artists. Raider, one of the youngest artists in Europe at just 19 years old, uses different tools to to breathe life into his figures: “I am not limiting myself to specific techniques; I am experimenting with all kinds of possible methods and technology. I try to learn as much as possible, and every day I work on my skills.”

Para Raider, sus pequeños amigos burbujeantes son un viaje de autodescubrimiento mutuo que decidió emprender materializando el mundo que existe en su interior, aunque reconoce que no podría definirlos, y halla en ello su gracia: “La figura intenta descubrir quiénes somos, mientras nosotros tratamos de descubrir quién es Scoop”.

For Raider, his little bubbly friends represent a journey of mutual selfexploration that he decided to embark upon by creating a world that exists within him. However, he admits he couldn't define them, which is ultimately fun: “The figure tries to find out who we are - as we try to find out who Scoop is.”

Influenciado por disciplinas como el cine, la animación, la performance, la música y la ciencia, el joven artista nutre su creatividad con más ideas y estilos variados que puedan fomentar su imaginación. Todas estas fuentes inagotables de palabras, formas, conceptos e imágenes mezclados, se combinan para formar el proceso creativo que impulsa el arte de Raider. “Amo a la gente creativa y las ideas. Hay muchísimos buenos artistas alrededor que están inspirándome”. Scoop tal vez decidió llegar a Raider para materializar su existencia en la Tierra; tal vez, Scoop es el reflejo y la personificación del amor que Raider tiene por el arte y las posibilidades que se abren a través de éste:

Influenced by disciplines like cinema, animation, performance, music and science, the young artist nurtures his creativity with more ideas and diverse styles that can excite his imagination. All these I nexhaustible sources of words, shapes, concepts and images combined to form the creative process that drives Raider. “I love creative people and ideas. There are so many good artists around that are inspiring me.” Scoop might have decided to come to Raider to materialize its existence on earth. Perhaps Scoop is the reflection and personification of the Raider’s love for art and the possibilities it opens.

“El arte es una pasión; para mí, poder ser un artista, es un sueño”.

“Art is a passion for me. To be able to be an artist is a dream.”

Baby Scoop. 2021. Resina sólida pintada a mano, 10 x 8 x 6 cm.

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CUBA / CUBA

MABEL POBLET LÍMITES DE MI MUNDO, LÍMITES DE MI LENGUAJE LIMITS OF MY WORLD, LIMITS OF MY LANGUAGE Por Daniel G. Alfonso. Teórico del Arte (Cuba). Imágenes cortesía de la artista.

De la serie Patria, “Escala de valores”. 2015-2021. Instalación / Imágenes de medios de prensa cubanos laminados, hilos. Dimensiones variables. Fotografía de Mabel Poblet.

ace unos años escribiendo un texto crítico sobre la trayectoria de la artista Mabel Poblet, culminé planteando que su obra forma parte de la historia y que ella como creadora desempeña un papel fundamental dentro de la cultura contemporánea cubana; ahora, solo añadiría que su trabajo es parte indisoluble de la postmodernidad internacional. Asimismo, en este escrito pude detectar cómo la obra de Poblet va transitando desde la autorreferencialidad y la otredad hasta un viaje imaginario que a todos, en algún momento de nuestras vidas, nos ha tocado construir. Mabel Poblet, entonces, logra tejer un alquímico laberinto en el que se observa a sí misma inconforme con una mirada crítica que va apuntando hacia expresiones y/o acciones plásticas que involucran a su cuerpo y que pretende recurrir a nuevas estrategias como el site specific, el video, la instalación, el performance y la fotografía con el objetivo de proyectar poderosas imágenes de gran resonancia poética. En estos momentos, la creadora ha dado un giro lingüístico en sus intereses acerca de lo artístico y las teorías postmodernas que le permiten acercarse a mecanismos de construcción neutrales en el que se lograr evidenciar tensiones y luchas internas con y hacia la sociedad. Mabel, ahora, subvierte estrategias y métodos que logran inducir a participar en la mente de los espectadores y jugar con sus emociones. Sus obras más recientes, como planteó Anna María Guash en su texto Arte último del Siglo XX, se deben analizar a partir de relaciones con la filosofía, el lenguaje empleado, la imagen y los nuevos medios. Mabel, en cada una de sus series, las realizadas desde el 2015 hasta hoy en día, emplea todo tipo de dispositivos -entiéndase, materiales- tomados de la cotidianidad y que logran comunicar en todo momento su proceso creativo hasta llegar a un resultado final que se torna reflexivo y que permite examinar el propio funcionamiento

ome years ago, I wrote a critique about Mabel Poblet’s career path, in which I concluded that her work is part of history and that, as a creator, she has a fundamental role in Cuban contemporary culture. Now, I would also add that her work is an inherent part of post-modernity worldwide. While writing this text, I have also noticed that Poblet’s work is moving from self-references and otherness towards an imaginary that everyone has had to build in our lives at some point. Mabel Poblet manages to weave an alchemical labyrinth where she sees herself as unsatisfied and aims to crate expressions and/or plastic gestures that involve her body. Her goal is to turn to new strategies like site specific art, video art, installations, performance and photography to convey powerful images with a great poetic echoes. Nowadays, the artist has taken a linguistic tone in her interests surrounding art and post-modern theories that allow her to approach neutral construction mechanisms to evince inner tensions and struggles with society. Mabel is subverting strategies and methods, managing to entice viewers to participate and play with their emotions. As Anna María Guash stated in her text “Arte último del Siglo XX”, her most recent works should be analyzed through its link with philosophy, used language, the image itself and new media. In every series she has created since 2015, Mabel uses all sorts of devices, i.e. materials. Along with the daily nature of her work, these manage to communicate across her creative process until the end result is reached, which becomes thoughtful and allows to examine the inner workings of art. Mabel has

Imago. 2016. Performance, 1 hora durante tres días. Museo de Arte de Las Américas, Washington, Estados Unidos. Fotografía de Nance Frank.

del arte. Un concepto de arte muy personal el que nos presenta Poblet en estos seis años de producción, en el que propone establecer un diálogo con el espectador para poder analizar semióticamente la materialidad contemplativa y sensorial. Asimismo, pienso en el texto Lecciones de Estética de Hegel cuando plantea que: “antes [el arte] afirmaba su necesidad en la realidad y ocupaba el lugar supremo de la misma, ahora se ha desplazado más bien hacia su representación. Lo que ahora despierta en nosotros la obra de arte es el disfrute inmediato y a la vez nuestro juicio, por cuanto corremos a estudiar el contenido, los medios de representación de la obra de arte y la adecuación e inadecuación entre estos dos polos. El arte nos invita a la contemplación reflexiva, pero no con el fin de producir nuevamente arte, sino para conocer científicamente qué es el arte. Poblet, constantemente, hace que reflexionemos en torno a este concepto del arte mediante las categorías artísticas que maneja desde la contemporaneidad y la dualidad de contenido-forma, objeto-obra, idea-expresión. Este camino toma en cuenta disímiles enunciados y construye hechos artísticos que se presentan como eventos de una circunstancia muy contextual, evidenciado en las instalaciones performáticas “Imago” y “Escala de Valores”. El primero, “Imago” de la serie Madeja, Mabel Poblet dialoga con el hilo que se convierte en el protagonista y alegoría de esta pieza; una obra que desde lo poético se establecen relaciones directas con la condición del ser humano, su tránsito por el universo y las experiencias personales de cada uno. “Imago” es una forma que induce formas, diría Lacan. Mabel nos presenta una imagen que psicológicamente nos traslada hacia fenómenos tan cotidianos como la comunicación, el hacer y deshacer y de elaborar una cartografía de la migración como un comportamiento colectivo del

gifted us with a very intimate art concept over the last six years, where she proposes to engage in a conversation with viewers to semiotically analyze the contemplative and sensory materiality. Moreover, I’m reminded of Hegel’s Lectures on Aesthetics, where he postulates: “[Art] has rather been transferred into our ideas instead of maintaining its earlier necessity in reality and occupying its higher place. What is now aroused in us by works of art is not just immediate enjoyment but our judgment also, since we subject to our intellectual consideration of the content of art, means of presentation, and the appropriateness or inappropriateness of both to one another. [...] Art invites us to intellectual consideration, and that not for the purpose of creating art again, but for knowing philosophically what art is.” Poblet constantly makes us reflect on this concept of art through the artistic features of her work, which she presents from a contemporary standpoint and the duality of content-form, object-piece, idea-expression. This path considers dissimilar discourse and builds art events presented as a highly contextual experience, which is perfectly exemplified in her performance installations “Imago” and “Escala de Valores”. In the former, “Imago”, from the series entitled Madeja, Mabel Poblet speaks to thread, which becomes the protagonist and allegory of the piece. Through its poetic quality, the piece establishes a direct link to the human condition, its journey through the universe and everyone’s personal experiences. “Imago” is a shape-inducing form, as Lacan would say. Mabel presents an image that psychologically transports us to day-to-day phenomena such as communication, doing and undoing, and creating a map of migration as a collective behavior of the subject. Like-

Around my own. 2019. Espiral de pirámides de concreto y espejo. Obra instalada en la localidad de Redwood City, California. Dimensiones variables. Fotografía de Mabel Poblet

sujeto. Del mismo modo, el propio Lacan en su definición de imago escribe que es un signo regulador que está al servicio de la experiencia del individuo; una experiencia que se repite, desde otro punto de vista, en “Escala de Valores”. La propia Mabel Poblet, en entrevista para Art Crónica, plantea que esta instalación fue concebida para el 6to Salón de Arte Cubano Contemporáneo y que fue una pieza que fue creciendo para exhibirse en otros espacios como la edición 57 de la Bienal de Venecia. “Decidí pedir a varias familias de diferentes barrios que recortaran las noticias de la prensa nacional que le resultaran importantes, o atractivas de alguna manera, y a partir de ahí construir historias específicas para cada una de ellas. Al final resultaban muy redundantes o reiterativas, porque la perspectiva editorial de todos nuestros periódicos es muy semejante y las noticias e imágenes son análogas. Las narrativas hilvanadas de esta manera, similares y paralelas, conformaban un retrato particular de quienes somos, como nación, como grupos, y como individuos”, comenta Poblet. Asimismo, con una carrera artística muy amplia, Mabel Poblet ha logrado construir un discurso estético que habla de consistencia y arduo trabajo; un método de producción que le ha valido disímiles exposiciones colectivas y personales. Poblet tiene en su mente un gran repertorio de ideas que poco a poco las comparte con el público en galerías, museos y fuera de las paredes de las instituciones culturales. Su trabajo está transmutando y sigue el pensamiento del artista Michael Heizer cuando afirmó que “la obra de arte no se expone en un lugar: el lugar mismo es la obra de arte”. Estas premisas marcan en el quehacer de Mabel Poblet una nueva identidad en el que comienza a apreciarse una mixtura entre obra y el contexto donde esta se encuentre. En este punto podríamos reflexionar en torno a la obra “Around my own”, (Alrededor de Mí), la que

wise, Lacan himself describes in his definition of imago as a regulating symbol at the service of an individual’s experience, an experience that is repeated from another perspective in “Escala de Valores”. In an interview with Art Crónica, Mabel Poblet states that the installation was originally conceived for the 6th Contemporary Cuban Art Salon and it continued growing to be exhibited in other spaces such as the 57th edition of the Venice Biennial. “I decided to ask several families from different neighborhoods to clip news articles from the national press that they deemed to be important or attractive somehow. From those, I started to build specific storied for each of them. In the end, they were very redundant or repetitive because the editorial perspective of all newspapers is very similar, with news and images being analogous. Linking all these similar and parallel narratives together created a specific portrait of who we are as a nation, as groups and as individuals,” Poblet comments. Furthermore, with a very broad art career, Mabel Poblet has managed to build an aesthetic discourse that speaks about consistency and hard work, a creation methods that has earned her several collective and personal exhibitions. In her mind, Poblet has a large repertoire of ideas that she slowly shares with viewers in galleries, museums, as well as outside the walls of cultural institutions. Her work transforms and follows the same line as the philosophy of artist Michael Heizer, namely when he stated that “a work of art is not exposed in one place, the place itself is the work of art.” These ideas have shaped Mabel Poblet’s artistic endeavors into a new identity where we can appreciate a combination of the piece and the context it’s inserted in. A noteworthy example of this is “Around my own” (Alrededor de Mi), which was conceived to interact

Surround Space. 2019. Técnica mixta, fotografías, espejos, hilos. Dimensiones variables. Fotografía de Mabel Poblet

fue concebida para dialogar con el territorio y el paisaje, para buscar la reflexión sensitiva del espectador y lograr explorar la relación con la topografía de los alrededores. La artista, además, ha concebido la intervención como una acción temporal que asume el valor de lo transitorio y lo efímero. “Around my own”, deviene un ejercicio práctico que busca una relación directa entre público y el objeto que, en esta ocasión, cuestiona la entidad del concepto de arte y de mercado ya que el resultado final solo quedara documentado en fotografías, videos y textos críticos. Del mismo modo, la noción de jugar con el espacio y convertirlo en un elemento imprescindible para la obra, encontramos la performance. Aunque en este punto debo destacar que ver a la artista en su taller, de por sí es un acto performático único. Mabel Poblet con estas acciones comienza un proceso donde reta la cotidianidad y hace que los receptores interactúen más de cerca con cada una de sus ejecuciones. Ella, como el resto de creadores, ha concebido su propio concepto de performance en el que se mixturan disciplinas como la sociología y la antropología que intentan, de cierta manera, encontrar explicaciones a determinados actos realizados por el ser humano. “Estado de Sauna” y “Renuencia” son dos hechos visuales sensoriales que desde la simbología adquieren significados estructurales que funcionan como actos que permiten transmitir saberes sociales en el que el creador reitera acciones durante un tiempo determinado. Tiempo que se termina y queda en el recuerdo cotidiano; hecho efímero que desaparece y solo nos queda el registro. Bien lo plantea Joseph Roach cuando dijo que el performarnce es copartícipe de la memoria y la historia. Poblet, desde hace unos años nos presenta los límites de un mundo y un lenguaje que no se detiene. Son actos epistemológicos que abren puertas a nuevas formas de desarrollar y entender la estética del arte. Queda mucho por escribir sobre su quehacer. Eso sí, ella debe ser recordada como alguien sincera ante todo hecho artístico y por lo efímero de su existencia.

with the terrain and landscape to invite viewers to reflect and explore the relationship with the topography of the surroundings. The artist has also conceived the intervention as a temporary action that comes to terms with its transitory and fleeting nature. “Around my own” becomes a practical exercise that seeks to create a direct relationship between the audience and the object, which for this particular occasion, questions the concepts of art and the market, as the final result is only documented through photographs, videos and critiques. Likewise, performance allows to explore the notion of playing with the space and transforming it into an indispensable element of the piece. However, I must note that seeing the artist in her studio is a unique performance act in itself. With these actions, Mabel Poblet starts a process that questions daily life and makes the viewers interact with all her pieces more closely. Much like all other creators, she has created her own concept of performance by combining different disciplines such as sociology and anthropology, which in some ways tries to explain certain human actions. “Estado de Sauna” and “Renuencia” are two visual sensory acts that acquire new structural meanings that serve as a space to convey social knowledge, where creators can repeat actions for a specific amount of time. However, this time will eventually end and remain in memories as the fleeting act disappears and just leaves us with the record of it. Joseph Roach explained this clearly when he said performance participates in both memory and history. For some years now, Poblet has presented the limits of a world and language that never stops. These epistemological open up the door to new ways of developing and understanding the aesthetics of art. There is still a lot that remains to be said about her work. And, of course, we should remember her as an honest person towards her art and the fleeting nature of her existence.

Renuencia. 2019. Performance, 2 horas. Galería Habana, La Habana, Cuba. Fotografía de Danay Nápoles.

PAULINE CRISTI ARTISTA VISUAL / CHILE

Díptico, 2021, Acrílico y bordado con deshilado de lino en papel de algodón, 96 × 70 cm. cristipauline@gmail.com / @paulinecristi

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CHILE / CHILE

FELIPE SANTANDER HILVANANDO REALIDADES CONTRAPUESTAS SEWING OPPOSED REALITIES TOGETHER Por Ricardo Rojas Behm. Escritor y crítico (Chile). Imágenes cortesía del artista.

l entender la existencia como una extensión de cuanto nos rodea, mucha de la trayectoria de Felipe Santander, artista visual (1980), como dice el dicho “nacido y criado” en la comuna de Independencia, está inmersa en una iconicidad suburbial en la cual superpone una multiplicidad de realidades empleando capas de color y texturas que se traslapan simultáneamente como un hecho sustancial a su obra y su herencia.

¿De qué manera una abuela y madre costureras, un padre y hermanos ligados a la imprenta, impulsaron tu decisión de dedicarte a las artes visuales? Sin duda ambos oficios influyeron enormemente mi quehacer. Desde niño sentí inclinación a todo tipo de creaciones, siempre me interesó la composición y representación como algo que en la infancia surge de manera natural y espontánea al dibujar, pintar e incluso al utilizar nuestro cuerpo. En todos mis procesos trabajo con la curiosidad y la emoción de ese niño que nunca dejó de jugar en la imprenta o en casa con la costura, las telas, las texturas y el vestuario. Cuando comencé a tomar en serio la posibilidad de dedicarme al arte desde un punto de vista más formal, ya traía conmigo esa forma de componer y comunicar visualmente.

How did having seamstresses for your grandmother and mother, and a father and brother linked to printing, drive your decision to pursue visual arts? Without any doubt, both crafts had an enormous influence in my work. Since I was a child, I was attracted to all sorts of creations and was interested in composition and representation, something that happens naturally in childhood with drawing, painting and even using our bodies. In all my creative processes, I work with the same curiosity and excitement of that child that never ceased to play he was at a printing press or a fashion house among the fabrics, textures and clothing. When I started to take the possibility of pursing art seriously, with more formal training, I already had that method of composing and communicating with visuals.

¿De ahí surge la idea de reunificación estética, de esa conexión entre gráfica y costura? Nunca planeé hacer un cruce entre gráfica y costura, ni fue desde lo teórico que me aproximé a la materialización de estos ejercicios, simplemente fueron el resultado de un proceso de experimentación espontánea. Mi primer interés fue la pintura, quería entenderla como lenguaje, entender la mancha y pintar todo el día, pero el mismo ejercicio hizo que me alejara de lo pictórico y reconociera en la superposición serigráfica de capas de colores un tránsito hacia la costura, y superpuse capas de distintos

Is that were the idea of aesthetic reunification, of that connection between graphics and sewing? I never intended to cross-link graphics and sewing. My approach to this wasn’t theoretical, these exercises were just the result of process of spontaneous experimentation. My first interest was painting. I wanted to understand it as a language, to understand splotches and pain all day, but this actually led me to move away from pictorial exercises and start moving towards the juxtaposition of screen printing in colored layers and sewing. I overlapped layers

ur existence should be understood as an extension of everything that surrounds us. Much of Felipe Santander’s career path, a visual artist (1977) born and raised in Independencia, Chile, is immersed in suburban iconography juxtaposed with a multitude or realities by using overlapping color and textures in layers, as a substantial feature of his work and heritage.

ELLA. 2021. Textil - Costura de materiales sinté ticos. 100 x 80 cm.

materiales textiles unidos con la máquina de coser, que para ese entonces era una herramienta muy presente en mi vida. Mi trabajo en su totalidad es una especie de patchwork extendido, un rompecabezas textil y el acto de reunificar, está de alguna manera implícito en mis composiciones. En ocasiones ha sido la reunificación de un cuerpo o una parte del cuerpo, en otras la reunificación de una historia a través de un hilo conductor. Pero, por sobre aquello, mi intención siempre es hacer conexiones, hilvanar conceptos y que juntos den cuenta de una idea general donde reverberan los ecos de la cultura popular, la moda con su glamour, pero además el rechinar de realidades encubiertas.

of different textile materials with a sewing machine, which at the time was a very present tool in my life. Overall, my work is a kind of extended patchwork, a textile puzzle using the common act of reunification common and somewhat implicit in my compositions. On occasion, it has been about the reunification of a body or body part, whereas in other, it’s been a reunification of a story through a common thread. However, above all this, my goal is to establish connections, to stitch concepts together so they convey a general idea of where pop culture echoes, whether that be fashion and its glamour or uncovering hidden realities.

Si bien el colorido y ciertas texturas (vinilo, charol o cuero sintético) dan a tu trabajo una pátina de aparente superficialidad ¿Cómo bajo ese superfluo halo, subyacen la oscuridad, la desilusión y la muerte? Al poner una capa sobre otra siempre tengo la sensación de que algo se está ocultando, de que no todo está a la vista y por otro lado me gusta la dicotomía de la oscuridad y lo multicolor, no porque algo sea colorido no existe oscuridad. Lo mismo con la estética de lo tierno, ahí hay mucho melodrama, porque devela algo indefenso, de un no-poder. Por lo mismo, en la medida en que he ido superponiendo capas de material, he ido sintiendo la necesidad de revelar qué existe en el interior de cada composición o en el interior de cada capa; y hablo también desde lo alegórico cuando utilizo la anatomía del mundo natural como un referente que, desde lo orgánico, puede hacer “incisiones quirúrgicas” en mis obras y de alguna forma estos ejercicios dan cuenta de una búsqueda a nivel interior.

Although the colors and certain textures (vinyl, patent leather or synthetic leather) give your work a semblance of superficiality, how do darkness, disillusionment and death underlie this superfluous halo? By overlapping layers, I always have the feeling that something is being hidden, that nothing is shown at plain sight. In a sense, I like the dichotomy of darkness and multicolor. Not just because something is colorful, does it mean that there is no darkness. The same happens with ‘cute’ aesthetics. There’s a lot of melodrama there, revealing something defenseless, a lack of power. For that reason, while I have overlapped layers of different materials, I have felt the need to uncover what lies inside each composition or layer. I also speak from an allegorical standpoint when I use the anatomy of the natural world as a reference that can organically make "surgical incisions" in my pieces, and somehow these exercises account for a search on an inner level.

Capas de una piel se nutren de una cultura hedonista, deliberadamente se quitan el maquillaje para mostrar su contracara con propuestas basadas en mediáticos hechos de sangre, avalados por una sociedad exitista que los eleva a la categoría de íconos, como en Hilvanado (2007) surgido en sus últimos años de pintura en la escuela de arte, donde ya utilizaba la costura como técnica, e incluso resignificar el bullado caso policial de Hans Pozo y lo escabroso de su muerte. Hecho que jamás aborda de forma directa, más bien se sumerge en el rito de coser capas de cuero que hablan sutilmente de lo sucedido, y de cómo al reconstruirlo en un “otro”, reunifica un cuerpo transformándolo en el personaje que nace en los diarios y noticiarios. Un prefabricado ícono al que hay que agregar Mystic Force (2009) que siendo parte de la serie Retrovisor, muestra la reunificación de una historia, la de Cho Seung Hui, quien también aparece como un “otro”, evocando al personaje instaurado por los medios de comunicación, quienes -desde su sesgada óptica- construyen una realidad recompuesta, congruente en cierta medida con el trabajo de Felipe Santander, cuando superpone subrogadas realidades que se mezclan con el sensacionalismo amarillista y la tragicomedia que debemos interpretar, a lo que se suman un conjunto de elementos que no están del todo

Layers of skin feed off an hedonistic culture, deliberately removing their makeup to show their other side, with proposals based on mediatized bloody events, endorsed by a society that elevates them to the category of icons. Hilvanado (2007) is a perfect example of this, which emerged in his last years of painting at art school, where he already used sewing as a technique, and even gave new meaning to the controversial police case of Hans Pozo and the awful nature of his death. However, he never addresses this fact directly, he rather plunges into the act of sewing leather layers to subtly talk about what happened. By reconstructing the “other”, he reunites the body and transforms it into the character that was portrayed by newspapers and newscasts. Along with this pre-fabricated icon, Mystic Force (2009) is also worth a mention. Part of the series Retrovisor, it shows a reunification of Cho Seung Hui’s story, who is also portrayed as the “other”, as a reference to how he was painted by biased media outlets. What they built was a recomposed reality, which converges to a certain extent to Felipe Santander’s work when he overlaps surrogate realities that merge with tabloid sensationalism and the tragicomedy we must interpret, along with an ensemble of elements that do not

ZARCILLO DE LA REINA. 2018. Caja de luz textil - Costura de materiales sinté ticos 130 x 100 cm.

AGUA. 2020. Textil - Costura de materiales sintéticos. 80 x 60 cm.

FUEGO. 2020. Textil - Costura de materiales sintéticos. 80 x 60 cm.

alejados del virtuosismo de la moda. Algo que queda de manifiesto cuando acepta la invitación hecha por el diseñador Paulo Méndez a colaborar en su colección, como un ejercicio experiencial, que más temprano que tarde terminaría impulsándolo hacia el vestuario, en una dinámica ambivalente donde se vuelven a entrelazar la frivolidad y el drama como un hecho clave mediante el cual se percata que debe darle cierta tridimensionalidad a su trabajo, sacándolo del “cuadro”.

stray too far away from the mastery of fashion. This became evident when he accepted an invitation from designer Paulo Méndez to collaborate in his collection as an experimental exercise, which would ultimately end up pushing him towards fashion, in an ambivalent dynamic linking frivolity and drama again. This was the key element that made him realize his work needed a more 3D quality to bring it out of the “canvas”.

¿Desde ese eje constructivo, qué ha significado para ti, salirse del objeto cuadro? Ha sido un descubrimiento que me lleva a experimentar con instalaciones textiles de gran formato, elementos plegables y diversas materialidades, las que en Ella (2021), se ven expresadas mediante una aproximación que calza con mi dimensión femenina, pero con una proyección hecha desde la construcción de personaje, creado por una figura ficcionada o una forma de hacer drag, con diosas que rinden tributo a mujeres que merecen atención, y que son parte de un contexto que hace las veces de lienzo, en cuyo ”registro abecedario” asoman además de la mujer, el cuerpo y la costura, una visualidad que permanece en estado de latencia, pero que está ahí, siempre presente.

From that constructive axis, what has it meant to you to step out of the canvas? It has been a discovering that leads me to experiment with large-scale textile installations, foldable elements and different materials. In Ella, for instance, these are expressed through the approach that shows my more feminine side, but from the perspective of building character, a fictional figure or a way of doing drag. In it, goddesses pay tribute to women who deserve attention and that are part of a context that serves as the canvas whose “alphabetical code” is not all about women, but also the body and sewing, visuals that remain latent, but are always there, always present.

En esa búsqueda o llamamiento interior, ¿qué lugar ocupan el barrio, los juguetes, los superhéroes, la televisión, los cuentos infantiles en este rompecabezas colmado de epifanías y coloquiales guiños? Desde un punto de vista vivencial, yo crecí en un barrio y mis primeras experiencias visuales fueron en sus calles, los rayados, los grafitis, los carteles, la gráfica de los almacenes y talleres mecánicos, las fachadas de las casas y la paleta de colores del vecindario. Lo mismo, los juguetes, superhéroes y cuentos infantiles o el animé con el cual me formé a través de una pantalla de TV. Todos estos elementos junto con otros intereses son piezas en este rompecabezas, y el conocimiento de sí mismo no es algo que cumpla necesariamente un rol, más bien lo identifico con un camino por el que aún construyo. En ese sentido, el autoconocimiento es el rompecabezas mismo, al cual siempre le faltan piezas.

In that search or inner call what is the role of the slum, toys, superheroes, television, and children's stories of that puzzle filled with epiphanies and hints to the colloquial? From my life experience, I grew up in a slum and my first visual experiences were on its street: the graffiti, the posters, the graphics of small grocery and mechanic shops, the facades of the homes and the color palette of the neighborhood. The same thing goes for the toys, superheroes and children’s stories, or even anime, which I grew up with through the TV. All these elements, along with other interests, are the pieces of this puzzle and this knowledge does not necessarily have a role. I prefer to refer to it as the path I’m still building. In that sense, self-awareness is the puzzle itself, and it’s always missing some pieces.

Piezas más piezas menos, por sobre el inescrupuloso pragmatismo de encasillar un artista, Felipe Santander ha sabido demostrar que por las múltiples relecturas que imprime a su obra, es imposible encerrarlo en un marco, dado a que nos introduce en un territorio donde claramente somos la otra capa de un amasijo que cobra sentido a partir de un molde que va calzando, no sólo con las detonantes internas que operan como un contrafuerte ante los estereotipados convencionalismos estéticos, sino además como un reconocerse en esas realidades contrapuestas, que esta sociedad nos obliga a prescindir.

Whether it has more or less pieces, beyond the unscrupulous pragmatism of trying to label an artist such as Felipe Santander, he has been able to demonstrate that by the multiple reinterpretations of his work, it is impossible to reduce it to a single box. He introduces us into a territory where we are clearly just another layer of a whole ensemble that makes sense through a mold that he fits, not only with the internal concepts that operate as a counterforce to the stereotyped conventional aesthetics, but also as a recognition of ourselves in those opposing realities that this society forces us upon us.

GÉNESIS. 2020. Textil - Costura de materiales sintéticos. 60 x 40 cm.

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FRANCISCA LOHMANN ARTISTA PLÁSTICA / CHILE

Otoño, 2021, óleo sobre tela, 45 × 90 cm.

flohmannc@gmail.com

Primavera, 2021, óleo sobre tela, 45 × 90 cm.

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ESTADOS UNIDOS / USA

WALTER HUBERT EL ARTE ABSTRACTO EN EL VIAJE DE UNA ERA Y REALIDAD ESPIRITUAL ABSTRACT ART: THE JOURNEY OF AN ERA AND SPIRITUAL REALITY Por Camila Labra. Periodista (Chile). Imágenes cortesía del artista. Artículo en colaboración con Building Bridges Art Exchange.

De la serie Era of Solitude, “Light Portal”. 2021. Acrílico sobre lienzo. 203 x 122 cm.

a magia de la naturaleza, la trascendencia, el viaje o un ritual espiritual, son la base de las obras de Walter Hubert, artista, pintor estadounidense y director creativo de Silver Birches. A través de diferentes texturas, pinceladas de colores y figuras abstractas, transporta al espectador a otras dimensiones y realidades. Cuando era joven, Walter encontró diversas fuentes de conocimiento y renovación: “Empecé a estudiar las costumbres y los rituales de las tribus indígenas de las llanuras americanas. Su honor y respeto por la simbiosis entre el hombre y la naturaleza, me abrió un enorme portal de inspiración y que hasta el día de hoy observo y espero que mis obras lo reflejen”, comenta. Desde niño ha sido un apasionado del arte y la pintura, en sus palabras una forma de “autoexpresión”. Cuando era muy pequeño coleccionaba botellas transparentes, las llenaba de agua junto con pétalos de flores, esto producía un agua coloreada por el pigmento de los pétalos, reflejando los colores del arcoíris en la pared de su dormitorio. “Mi corazón bailaba de alegría. No recuerdo un período de mi vida en el que no me haya dedicado al arte ".

he magic of nature, transcendence, spiritual journeys and rituals are the core of Walter Hubert’s work, an American artist and painter as well as creative director for Silver Birches. Using texture, color and abstraction, he transports viewers to other dimensions and realities. When he was young, Walter found inspiration from a variety of sources: “I started studying the oral traditions, customs and rituals of indigenous American plains tribes, their honor and respect for the symbiosis between man and nature, practiced in their daily routines opened a huge portal to me. To this day I gaze into that portal for inspiration. It is my hope that my work reflects that symbiosis.” he says. Since he was a child, he has been passionate about art and painting in which in his own words, provides an outlet for “self-expression”. He collected transparent bottles from a young age, filling them with water and flower petals, thus coloring the water with the pigment of the petals and reflecting the colors of the rainbow on his bedroom wall. “My heart was dancing with joy. I can’t remember a period of my life where I wasn’t devoted to art.”

De la serie Breathing in the Void, “Windows”. 2019. Acrílico sobre lienzo. 152 x 213 cm.

"Todo arte es una manera de abstracción, cualquiera que sea su forma. Es simplemente una interpretación abstracta de una idea"

Esta pasión conmovedora se desarrolló aún más cuando tomó clases con un ex alumno de la Bauhaus, que le enseñó la disciplina y la dedicación necesarias para realizar su visión creativa. Para el artista estadounidense, “todo arte es una manera de abstracción, cualquiera que sea su forma. Es simplemente una interpretación abstracta de una idea, una especie de representación, pero no la realidad en sí misma ”, explica Walter al ser consultado sobre su inclinación artística. Sus trabajos más recientes incluyen Era of Solitude y Promising Skies. Estas dos series abordan diferentes temáticas que representan el fin de una era y el sentido de renovación tanto para la sociedad como para Walter. Era of Solitude alude a un periodo de su vida que se vio marcado por la sensación de aislamiento e introspección experimentada antes y durante la pandemia. “Yo me refiero a este periodo como la era de la soledad desde 2017 a 2021. Ahora el mundo se dirige hacia nuevas realidades, nuevas dimensiones y hacia una nueva esperanza descubierta, una etapa que llamo Promising Skies”, explica el artista.

This soul-stirring passion further developed when he studied with a former Bauhaus student who taught him the discipline and dedication required to fulfill his creative vision. For the American artist, “All art is a form of abstraction whatever form the art may assume. It is merely an abstract rendition of an idea, a representation of sorts, but not the reality in itself,” Walter explains when asked about his artistic inclination. His most recent bodies of work include Era of Solitude and Promising Skies. These two series address different themes, representing the end of an era and the sense of renewal for both society and Walter. Era of Solitude alludes to a period in his life where he felt isolated and introspective before and during the pandemic “I refer to this period as the era of solitude from 2017 to 2021. Now, the world is moving towards a new reality, new dimensions and new-found hope, an era I call Promising Skies,” he comments.

De la serie Within/Without, “Hidden Lake”. 2013. Acrílico y grafito sobre lienzo. 213 x 152 cm.

“All art is a form of abstraction whatever form the art may assume. It is merely an abstract rendition of an idea”

Con su vasta formación y conocimiento artístico, crea pinturas a través de la fusión de una mezcla de herramientas en el lienzo, conectadas directamente con el lenguaje creativo que usa en su land art y en sus instalaciones multimedia. Junto a sus pinceles, utiliza distintas espátulas, herramientas para tallar madera y cerámica, trapos, secadores de pelo, bloques de yoga y plástico, entre otros materiales. Según Walter, “cualquier material puede sorprender y ayudar a interpretar una emoción, un pensamiento o un instinto”. La expresión de lo trascendente y lo que está más allá de lo perceptible es lo que Walter Hubert retrata en su obra. Creada con un alto nivel de innovación y espiritualidad, su narrativa está llena de simbolismo y referencias a principios clásicos. “Estoy en constante exploración de las tensiones que percibimos entre los reinos de la materia y el espíritu. Espero que el espectador perciba ese lenguaje y se sienta atraído por la relevancia del viaje”, concluye.

With his vast training and artistic knowledge, he creates paintings by merging a multitude of tools on the canvas which also directly connects to the creative language he uses in his land art and multimedia installations. Along with his brushes, he uses several spatulas, ceramic and wood carving tools, rags, hair dryer, yoga blocks and plastic, among other materials. According to Walter, “any material may surprise and help interpret an emotion, a thought or an instinct.” The expression of transcendence and what lies beyond the perceivable is what Walter Hubert portrays in his work. Created with a high level of innovation and spirituality, his narrative is full of symbolism and references to traditional principles. “I am in constant exploration of the tension we perceive between the realms of matter and spirit. I hope the viewer senses that language and is drawn into the relevance of the journey,” he concludes.

De la serie Breathing in the Void, “Saffron Odyssey”. 2019. Acrílico sobre lienzo. 183 x 122 cm.

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COLUMNA / COLUMN

ARTE EN PESTE VII ART IN AN EPIDEMIC VII Por Julio Sapollnik. Crítico de arte.

a vida no es fácil. La pandemia nos hizo sentir una “insoportable levedad del ser”. Fue una toma de conciencia, de manera acelerada acerca de la finitud de la vida. Ser mortales es algo que nos marca, arremete sobre la esencia de nuestra humanidad desde que nacemos.

Ahora tenemos que luchar contra la “zona de confort” en la que nos colocó el confinamiento sin entrar en zona de pánico. Comprender que volver a ganar la calle es la oportunidad de vivir la magia de lo inesperado. Salir de cierta comodidad paralizante para tener la posibilidad de vivenciar nuevos desafíos y sentir la euforia por reencontrarnos con lo que amamos. “Euforia”, palabra griega que significa “tener fuerza para soportar”. Eso fue lo que hicimos para sobrellevar el encierro.

Now, we have to fight against the comfort zone that confinement pushed us into to avoid panicking. We need to understand that taking back the streets is an opportunity to experience the magic of the unexpected; stepping out of the paralyzing contentment so we can experience new challenges and feel the euphoria of re-encountering the things we love. “Euphoria” comes from the Greek “having the strength to bear”. That’s what we did to overcome the confinement.

Convivir con el arte es una emoción ancestral como quedó comprobado en la necesidad mágica de nuestros antepasados de pintar al fondo de las cavernas. Más acá en el tiempo, en Buenos Aires, los museos y galerías de arte ya abrieron sus puertas al cien por ciento de su capacidad. Hoy volvemos a contemplar el arte con las ansias de recuperar aquello que enriquece la vida cotidiana, alejarnos de un tiempo oscuro y aletargado, para ir al encuentro de nuestro placer.

Coexisting with art is an ancient emotion, as it proven by the magical need our ancestors had to paint depths of caves. Recently, in Buenos Aires, art museums and galleries have already opened up its doors to full capacity. Today, we eagerly turn back to art to recover something that enriches our daily lives, moving away from a dark and sluggish time and go meet pleasure again.

Esto no sólo es exclusivo del arte, por el contrario, surgen una gran cantidad de actividades sucedáneas en el sentido que imitan algo sin alcanzar las cualidades, como lo define el Diccionario de la Lengua Española. Podemos encontrar un ejemplo a partir de la autorización para que el público vuelva a los estadios de fútbol. Está noticia deportiva se difundió en los medios masivos con mayor intensidad que la apertura de las actividades culturales.

This is not exclusive to art. On the contrary, many other activities that resemble it, striving to achieve a similar effect, as the word resemble implies. An example of this came with the clearance for audiences to return to soccer stadiums. This sporting news was spread on massive media outlets so much more than the reopening of cultural activities.

Muchas veces un equipo gana y sin embargo hasta los más fanáticos pueden quedar insatisfechos. ¿Qué ocurrió? ¿Qué faltó para que esas personas quedaran satisfechas? ¡Si ganaron el partido! A mi entender les faltó el encuentro con un mundo atemporal al que se accede a través de la perfección de las formas. Los aficionados no comulgaron de manera colectiva con el hecho ritual que se da en el juego de equipo. Tal vez se podría decir que hubo ausencia de goce comunitario frente al hecho estético del juego en la cancha.

Many times, a team might win, but fans are still left unsatisfied. What happens? What is missing for this people to be satisfied? They won the game! In my view, the lacked the encounter with a timeless world that is accessed through the perfection of shapes. Fans didn't are not truly part of the ritual of a team sport. One might say that there was perhaps an absence of enjoyment for the esoteric occurrence of the game on the field.

Como en el arte, esta complicidad subyace y tal vez sea una voz inaudible que se presenta. Así lo expresó André Malraux (1901-1976): “Amar a una pintura es sentir que su presencia es… no un objeto, sino una voz”.

However, this engagement is always underlying and it’s perhaps an inaudible voice that makes it possible. André Malraux said it best (1901-1976): “To love a painting is to feel that this presence is… not an object but a voice.”

ife is not easy. The pandemic has made us feel the “unbearable lightness of being”. It was all about the growing awareness, the speedy way we understood the fragility of life. Being mortal shapes us, it lunges at the very essence of our humanity from the minute we are born.

PATRICIA LAGOS ARTISTA PLÁSTICA / CHILE

www.patricialagos.cl / artelagos7@gmail.com / @patricia_lagos_artista

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ARGENTINA - EE.UU / ARGENTINA - USA

CRISTIÁN CASTRO DE SIMPLES METALES A PERSONAJES DE ENGRANAJE FROM MERE METALS TO FULLY ASSEMBLED CHARACTERS Por Elisa Massardo. Lic. en Historia y Estética (Chile). Imágenes cortesía del artista. Artículo en colaboración con Building Bridges Art Exchange.

Magnus P81. 2008. Reutilización de artículos metálicos existentes, lijado de las partes y pintura transparente horneada. 91 cm de alto.

¿c

uántas veces nos hemos cuestionado sobre los materiales que se desechan de los aviones, de los autos o del metal en general?, ¿existe un ciclo al respecto?, ¿se recicla? La humanidad lentamente ha ido asumiendo la importancia de la reutilización de elementos que tardan décadas o siglos en ser procesados por la naturaleza, tanto así que actualmente el reciclaje es cada vez más relevante, las formas de reducir escombros o basura son fundamentales para las ciudades altamente pobladas, y así también se ha descubierto que los desechos pueden ser también nuevas formas de ingreso si sabemos trabajarlos adecuadamente.

Cristian Castro, pareciera haber nacido con esa habilidad que algunos artistas tienen, para adelantarse a los procesos sociales, pues desde los 13 años de edad ya sentía curiosidad por la manera en que ciertos metales o materiales podían emplearse para crear. Estas ansias por nuevas experimentaciones a veces son inevitables y superan cualquier obstáculo e incitan a la imaginación a ir más allá de lo posible. Algo similar fue lo que ocurrió con Cristian Castro: “A esa edad dejé los estudios secundarios porque no podía estudiar, no lo conseguía. Era tan grande mi necesidad de poder crear algo, utilizando los materiales que tenía a mi alcance como maderas, globos o, en ese entonces, plasticina, que me senté con mis padres y les dije que ya no iba a estudiar porque necesitaba crear”. Y sus padres, como una forma de apoyarlo le explicaron que entonces tendría que trabajar.

Cristian Castro seems to have been born with that ability that many artists have to be ahead of their time and social processes. Since we was 13 years old, we has been curious about the way that certain metals and materials could be used to create. This eagerness to experiment are sometimes inevitable, they can overcome any obstacle or stimulate imagination beyond what it’s possible. Something similar happened to Cristian Castro: “I left my high school education at that age because I couldn’t study. I couldn’t bring myself to do it. My need to create with materials I had at hand such as wood, balloons, or even play dough at the time, was so great, that I sat down with my parents and told them I was quitting school because I needed to create.” As their way of showing him their support, his parents told him he would have to work.

Lo que para muchos niños del mundo podría ser un calvario, e incluso una forma de explotación, para Castro fue una recompensa. Aprovechó esta libertad intensamente, se acercó a empresas de creación o producción de metales como acero o aluminio, e incluso de fibra de vidrio o carbono. “Todo eso me permitió comenzar con mi arte y volcar esa experiencia a mis personajes o esculturas”, explica.

So what for many children would be seen as a whole ordeal or even a way of exploitation, for Castro it was a reward. He took full advantage of that freedom and he went to several production or creative companies that worked with metals such as steel, aluminum and even fiber glass or coal. “All of that allowed me to start creating art and transfer that experience to my characters or sculptures,” he explains.

De esta forma, su trabajo no consiste solamente en dibujar los bocetos, diseñar con metal o hacer cuadrar las piezas diversas, sino también dar una especie de “vida” y características individuales a materiales que ya no sirven a la industria, crear -como si habláramos de economía circular, en base a lo que otros desechan.

Therefore, his work is not only about sketching, designing with metal or making different pieces fit, it is also about the sort of “life” and individual features of materials that are no longer useful in the industry, and to create —as if it were a circular economy— from the things other people discarded.

Sus obras, algunas con forma animal y otras un tanto más abstractas, “representan la metamorfosis o la reutilización de partes que ya fueron diseñadas, que tenían otro propósito y que, al ponerlas en mis obras,

His pieces, whether they be shaped like animals or take on more abstract shapes, “represent the metamorphosis or re-use of parts that were designed for a different purpose, and that take on a new meaning in my

ow many times have we wondered about waste materials of planes, cars or metal parts in general? Are they part of a cycle? Are they recycled? Humanity has slowly realized the importance of re-using materials that can otherwise take decades or centuries to be degraded by nature. In fact, recycling has gained a lot of traction and ways of reducing waste are fundamental in densely populated cities. We have also come to discover that re-used articles can become sources of income, if we work with the adequately.

27 Fish. 2018. Restauración y modificación de partes mecánicas existentes, pulido de metal, diseño digital y corte láser, estampado de metal, moldeado en fibra de vidrio, pintura automotriz. 50 x 25 x 27 cm.

Egg 771. 2011. Restauración y modificación de partes existentes, lijado de metal, pintura transparente horneada, diseño digital y corte láser,diseño y moldeado en fibra de vidrio, pintura automotriz. 20 x 27 x 7 cm.

cobran sentido. Por ejemplo, electrodomésticos antiguos como licuadoras o motores, partes de aviones o helicópteros, que al unirlas comienzan a relacionarse para generar un equilibrio de diseño entre cada una de ellas, a pesar de que su historia no tiene relación alguna. Lo interesante es que cada pieza tuvo su propia historia, de manera independiente”. Esta nueva armonía ayuda a que cada pieza, ya terminada, tenga una historia propia, características y detalles que no solamente las hacen únicas, sino que además cuentan una historia diferente, como si la vida les diera la oportunidad de reinventarse y resignificar su procedencia en las manos de Castro. Es una manera diferente de abordar el metal y de emplearlo, para que pase a ser de una simple cubierta, a una pieza elemental como coraza de un cangrejo o de sus tenazas.

work. For example, old appliances like blender or engines, plane or helicopter scrapped parts, start to relate to one another and create a new design balance when I bring them together in my work,, even if their history has no apparent connection. The interesting thing is that each part had its own story independently.” This new harmony helps each finished piece to have a story of its own, with features and details that don't just make them unique, but they also tell a different story, as if life were giving them an opportunity to re-invent themselves and give their origin a new meaning in Castro’s hands. What he does is a completely different way of tackling and using metal, transforming a simple cover to an important part of an art piece like the shell or pincers of a crab.

Una de las próximas creaciones que tiene en mente, con esta diversidad de materiales, es un escorpión. Para ello, tiene contemplado utilizar partes de aviones y helicópteros con un terminado de alta calidad, como un cromado o pulido sobre metal. Las demás piezas, para el exoesqueleto, por ejemplo, pretende fabricarlas de fibra de carbono negra o de otras tecnologías que suelen utilizarse para el espacio.

One of the next creations that he has in mind, using this array of materials, is a scorpion. To build it, he is considering the use of plane and helicopter scrapped parts with a high-quality finish, such as a chrome or polished metal finish. For the rest of the pieces needed to the exoskeleton we intents to build black carbon fiber parts or use other technologies that are often employed in space.

Ahora bien, trabajar con tecnología y metales no solamente representa desafíos técnicos y conocimientos específicos, pues ciertas perspectivas teóricas establecen que el uso de tecnología ha traído diversos problemas para la humanidad, como disminución de la vida en comunidad o despidos masivos por el reemplazo de la mano de obra por maquinaria industrial. Sin embargo, no todo lo negativo es necesariamente destructivo. Podemos reconocer que la humanidad necesita de la tecnología, como lo ha comprobado de la pandemia; que el internet y la conectividad han facilitado procesos y reducido traslados de manera radical; podemos ver, cada día, cómo el mundo busca reducir los efectos adversos de las industrias para tener un mundo sustentable y sostenible. Al respecto, Castro explica que: “Desde hace siglos el hombre fue perfeccionando todos los sistemas de producción y fabricación de cosas, de esta manera, se fue aliviando el esfuerzo de la gente que trabajaba, por ejemplo, en los campos, al crearse nuevas máquinas de siembra o cosecha. Esto logró reducir tiempos y costos de producción; también realizar trabajos complejos de manera más sencilla, como levantar barcos o grandes piedras con grúas y fuerza hidráulica, sino seguiríamos como los egipcios, con métodos muy rudimentarios”.

Meanwhile, working with technology and metals doesn’t merely involve technical challenges and specific knowledge, as certain ideological perspectives have deemed the use of technology problematic for humanity, namely due to the decline of community life and mass layoffs when labor is replaced with industrial machinery. However, not everything that’s negative is necessarily destructive. We can acknowledge that humanity needs technology, as it has been evinced during the pandemic, that the Internet and connectivity have enabled processes and reduced transportation radically. Every day, we can see how the world is seeking to mitigate the negative impact industry has had to build a more sustainable world. In this regard, Castro explains: “For centuries, humans have perfected all production and manufacturing systems and, with this, the effort required by working people have been reduced. In the fields, for instance, this has happened thanks to the invention of sowing or harvesting machines. This also reduced production times and costs, and enabled more complex works to be done in a simpler way, like lifting ships or large rocks with cranes and hydraulic force. Without them, we’d still be doing the same as the Egyptians, with very rudimentary methods.”

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PERÚ / PERU

CINDY RAMÍREZ LENGUAJES HÍBRIDOS: EL DES(ENCUENTRO) ENTRE CÓDIGOS TEXTILES HYBRID LANGUAGES: THE (MIS)UNDERSTANDINGS OF TEXTILE CODES Por Marife Medrano. Escritora (México). Imágenes cortesía de la artista. Representada por BLOC Art.

indy Ramírez es una artista peruana que conjuga la lingüística y el arte textil para hablar sobre los desencuentros sociales, tomando como punto de partida la contraposición que hay entre el castellano y el quechua para mostrar esta disociación que se vive en el país.

En Perú, comenta Cindy, existen 47 lenguas originarias que son habladas por 4 millones de peruanos, donde el quechua es la lengua más hablada. Este lenguaje proviene de la región andina; sin embargo, en donde hay más hablantes es en la capital del país. Este fenómeno socio-lingüístico se debe a la migración de los hablantes a esta región, quienes se han visto desplazados por la discriminación y falta de oportunidades en sus ciudades natales. Esto está ligado a la segregación y maltrato que viven los hablantes de esta lengua en Lima, donde se les aparta por su condición lingüística y su castellano “mal hablado”. Para ella, la discriminación que se vive, la intolerancia y la nula comprensión sobre los lenguajes originarios de Perú “son realidades que no podemos pasar por alto”, y a través de sus obras busca construir discursos que propicien la comprensión de estas situaciones lingüísticas.

According to Cindy, there are 47 native languages in Peru, spoken by 4 million Peruvian people, Quechua being the most spoken. The latter language stems from the Andes, but there are actually more speakers in the capital city. This socio-linguistic phenomenon is due to the influx of Quechua speakers to the capital, as they had fallen victim to discrimination and a lack of opportunities in their native cities. However, segregation and poor treatment of Quechua speakers is rampant in Lima, where they are isolated due to their native tongue, regarded as “poorly spoken” Spanish. For Cindy Ramírez, discrimination, the lack of tolerance and understanding about Peruvian native languages are “realities we cannot ignore”. Through her pieces, she seeks to build a discourse to raise awareness about these linguistic situations.

Su producción también tiene una raigambre familiar, ya que madre es hablante de quechua y creció escuchando su idioma desde la condición de migrante y el esfuerzo de adecuar el quechua al castellano y viceversa, “mi madre no quería olvidar su lengua materna pero tampoco podía negar que el castellano era su nuevo medio de comunicación”, nos comenta la artista. Cindy intentó aprender este idioma, pero le fue difícil por la imposición del castellano en la sociedad, “el vaivén de lenguajes entre el castellano y el quechua era lo que había aprendido y que en ‘claves lingüísticas’ era como podía entender a mi mamá”, señala.

Her work is also rooted in family traditions, since her mother is a Quechua speaker and she heard the languages during her upbringing. From her mother’s migrant experience and the efforts she put into adapting Quechua to Spanish and vice versa, she comments: “My mother didn't want to forget her mother tongue, but she couldn’t deny that Spanish was her new means of communication.” Cindy tried to learn the language, but she found it difficult as Spanish was imposed by society: “The back and forth between Spanish and Quechua was what I learned, and these ‘linguistic codes’ were how I managed to understand my mother,” she points out.

indy Ramírez is a Peruvian artist that merges linguistics and textile art as a way of addressing social misunderstandings by using the contrast between Spanish and Quechua to showcase the division in the country.

Ofrenda Ⅰ. 2021. Fotografía digital. 38 x 24 cm.

Su proceso creativo se define en tres momentos que parten de lo emocional y las vivencias, la investigación teórica-práctica y el “mirar el presente”, pues para ella, “su proyecto artístico se va influenciando del «hoy» pero este puede llegar a hacer predicciones de algún futuro”. Asimismo, el trabajo poético de José María Arguedas le ha permitido a Cindy “entender la modernidad desde su posición como andino sin caer en el desprecio occidental”, donde se busca a través de la poesía un lugar de encuentros y mediaciones entre el quechua y el castellano combinado con la intimidad que vive en cada una de sus obras. Pues, sus piezas siempre las ha construido junto a su madre —quien es costurera— y con quien diseña los trajes inspirados en prendas masculinas del Imperio Inca.

Her creative process is defined in three key moments that start from emotions and experiences, theoretical and practical research and “looking at the present,” because, as she says: “my art project is influenced by the ‘now’, but it can make predictions about the future.” Likewise, José María Arguedas’s poetry work has allowed Cindy to “understand modern times as an Andean person, without falling into Western contempt,” and led her to create a space for understanding and reconciling the differences between Quechua and Spanish. Her pieces are very intimate in nature, as she has always worked alongside her mother, a seamstress, to create and design male garments inspired in the Inca Empire.

Lenguaje expandido, el tejido como vehículo de comunicación

Expanded language: weaving as a vehicle for communication

Estos desencuentros lingüísticos presentes en la obra de Cindy se materializan en lo textil, uniendo así dos lenguajes que han sido polarizados en la sociedad peruana. Esto se debe a cómo Cindy piensa el tejido como “una forma de lenguaje expandido”, pues los textiles nos hablan de unidad, colectividad y entrecruzamiento. Asimismo, de una tradición ancestral cuyos patrones se inscriben en la materialidad como signos de comunicación que se transforman con el devenir del tiempo. El usar una materialidad textil nos muestra la manera en la que la artista entiende y quiere compartir la comunicación a partir de un multi o interlenguaje más allá de la escucha que recae en lo visual.

The linguistic misunderstandings addressed by Cindy’s work are materialized through textiles, thus merging two languages that have been polarized in Peruvian society. Cindy regards weaving as a form of “expanded language,” as textiles speak on unity, collectivity and crosslinking. Moreover, her pieces take an ancestral tradition whose patterns are used as vehicles for communication, transforming with the passing of time. Using textiles as her material showcases the artist’s understanding and desire to communicate via a multiple or interlanguage that goes beyond the linguistic realm into visuals.

Su obra Telar y constelaciones (2018) tuvo un proceso de creación que inició con videos y stopmotion de palabras quechuas que iban encontrando su símil en castellano; es así que, “el movimiento del video siempre terminaba con un encuentro de palabras y miraba mis piezas pensando siempre en la forma en la que mi madre ha trabajado sus textiles”, nos comparte la artista. Es así que, los encuentros textiles se transforman en aquel “lenguaje expandido” donde se (entre)tejen el quechua y el castellano sin disparidades a través de los nudos, colores y texturas de la

The creative process for her piece Telar y constelaciones (2018) started with stop motion videos of Quechua words and their Spanish equivalents so “the motion in the videos always culminated in an encounter of words and I approached my pieces thinking about the way my mother worked with her textiles,” she shares. Therefore, her merger of textiles became that “expanded language,” where Quechua and Spanish are (inter)woven without disparities through the knots, colors and textures of textiles. This

Mallqui Ⅰ. 2021. Fotografía digital. 38 x 24 cm.

materialidad textil. Esto es posible gracias a que Cindy piensa el tejido como una herramienta que posee sus propios códigos y sistemas lingüísticos que pueden ser utilizados, adaptados y reinterpretados por los artistas de manera libre, “es darle un valor práctico a estos objetos que no son piezas inertes de museo, son piezas que contienen información y con las cuales nosotros podemos crear ficciones y activarlas”, comenta Cindy.

became possible because of the way Cindy conceives textiles as tools with their own linguistic codes and systems, which can be used, adapted and reinterpreted freely by artists. “It’s a way of giving these pieces, that aren't stationary museum pieces, a practical value. They’re full of information through which we can create stories and activate them,” Cindy comments.

Bajo esta línea, otro de sus trabajos más conocidos es Text.ill bytes (2018) que consistió en crear nuevos “códigos textiles” que conjugaban la informática/virtualidad y la producción textil prehispánica para ser parte del proceso de comunicación. Con esta propuesta, Cindy dotaba de un “nuevo sentido” al significado de los símbolos prehispánicos para redefinirlos y “llevarlos hacia el futuro condicionante para la confección de la pieza”, comparte la artista. De esta manera, el QR es una especie de “iconografía contemporánea”, un contenedor de información con el que todos sabemos comunicarnos. La pieza “Tocapu QR” —parte de este proyecto— consiste en un poncho que posee 18 bordados digitales, estos tienen el objetivo de romper el universo tangible e invitar al espectador a experimentar la obra en un lenguaje no tangible: el digital. Es así que, es direccionado a diferentes páginas web donde se encuentran múltiples poemas visuales que hacen uso de la iconografía original que se observan en este tipo de indumentaria Inca, haciendo un paralelismo y puente directo con el lenguaje, estas páginas siempre están en constante transformación como el idioma y sus hablantes.

Following this same line, another one of her most well-known works is Text.ill bytes (2018), which consisted of creating “textile codes” merging computing/the virtual world and pre-Hispanic textile production as a means of communication. With this proposal, Cindy gave new meaning to pre-Hispanic symbols and reinterpreted them to “take them into the future of garment-making,” the artist says. QR codes thus became a sort of “contemporary iconography,” a vessel of information with which we all know how to communicate now. Her piece Tocapu QR —part of this project— consisted of a poncho with 18 digital embroideries, aiming to breach the tangible universe and invite viewers to experience the piece in an intangible language: digital language. To do so, viewers were redirected, through the QR codes, to several web pages of visual poems that make use of the original iconography of this type of traditional Inca clothing, drawing a parallel and a direct bridge with the language. The websites are constantly changing, as is language and its speakers.

Así, la producción artística de Cindy Ramírez responde de manera simbólica y material a la ruptura lingüística que ha acontecido en el Perú. El textil se muestra como un espacio donde dialogan metáforas, símbolos, lenguas, códigos y multisensorialidades donde la trama y la urdimbre se establecen como una agrupación que visibiliza y acopla la polaridad que se le ha trasladado al quechua y al castellano, volviéndose elementos constitutivos entre sí.

Cindy Ramírez’s artistic production comes as a symbolic and material response to the linguistic rupture that has happened in Peru. Textiles are showcased as a space where metaphors, symbols, languages, codes and multiple senses converge, where warp and weft are established as a pairing that makes visible and couples the polarity assigned to Quechua and Spanish, thus becoming constituent elements of each other.

Vestigio. 2021. Fotografía digital. 38 x 24 cm.

Madrid

Feria Internacional de Arte Contemporáneo

23-27 Feb

2022 Recinto Ferial

ifema.es

COLECCIÓN. Karim Hamid / USA.

Vincent George / USA.

COLECCIONANDO

ARTE Lluis Barba / España.

Cristóbal Anwandter / Chile.

CONTEMPORÁNEO www.arteallimite.com