RGB Especial Cine by RGB revista

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Nยบ 9 ESPECIAL DE CINE

Editorial David vs Goliat, fight! Tocar el tema de las imágenes en movimiento es hablar de la guerra que se lleva a cabo en esas tierras. Y es que nuestros vecinos del norte se dieron cuenta, al perder territorio en áreas como la economía, que si controlan los contenidos y los medios en que se emiten los mensajes, seguirán siendo dominadores de este mundo, o al menos ese es el plan. No es de extrañarse que nuevamente una nación como EUA retome su poderío en gran medida gracias al cine, del cual son líderes indiscutibles. La mayoría de los blockbusters son de origen “gringo”, no importando el género, todos pasan por sus manos. Son buenos generando entretenimiento y esa es su nueva forma de dominación. Las guerras se libran ahora por el control del cine y sus contenidos, según Fredreric Martell (2010), atrás quedo la carrera armamentista y ahora Bollywood se prepara para contraatacar, junto con países como Brasil y Japón. Países como el nuestro no se pueden poner al tu por tu con Goliat, mucho menos sabiendo que solo el 16% de los mexicanos vemos cine hecho en casa, hay pocas oportunidades para la naciente generación de talentos que tienen como único escaparate los festivales internacionales, – El cine mexicano crece, pero lentamente y desnutrido, con el talento de los jóvenes realizadores como único alimento- Mara Landa (2013). Bajo este panorama es que el colectivo RGB con este especial de cine y videoarte tiene la intención de promover a los artistas que están dando de que hablar por su talento y valentía, mostrando una pequeña selección de la escena mexicana. Disfruta de la función con unas palomitas y bienvenido a la época RGB.

Portada original: Eduardo Castillo

Staff RGB Director editorial Néstor Rocha Editor Cristina Cuéllar Diseño Laura Rojas Corrección y estilo Alfredo Padilla Coord. redes y web Cecilia Orozco Web Master Josué Reyes Distribución Ana Teresa Torres Anahí Franco Ventas Gabriela Sandate

Consejo editorial Olivia Portillo Víctor Dávila Omar Bernal Israel Trejo Alejandro Valencia Colaboradores: Viridiana Rocha, Arturo Moya, Pepe Luis Juárez Rdz Ricardo Zamora, Sandra Mena, Alan Zamora, Pablo Melgoza, Alejandro López, Kareline García, Joaquín Lostaunau, Arturo Contreras, Gustavo Alonso, Guillermo Padilla, Juan Pablo Isordia, Martha Elena Mtz

Néstor Rocha Revista RGB artes visuales es una publicación bimestral. Número de reserva al Titulo de Derechos de Autor: 04-2012-021609495300-01. Los trabajos aquí publicados son responsabilidad de los autores.

Contenido Red Light Bisonte Rojo Eliseo Ortíz ITTAC Films

6 12 16

Green Light Gustavo Alonso Marcelo Quiñones Joaquín Lostaunau Luis Javier Rdz

22 26 32 36

Selección web Julio César Peña León Soria Juan Pablo Isordia Mauricio Padilla

42 43 44 45

Blue Light Amanda Cárdenas 48 Alfredo Padilla 50 Yellow light Arteria Izquierda

Red light Artistas con trayectoria

Bisonte Rojo Eliseo OrtĂz ITTAC Films 5

Red light (artistas con trayectoria)

Checa el trailer:

Bisonte Rojo Una patada de realidad Potosí, un uppercut de largo desaliento Bisonte Rojo films es el nombre de la aventurada e irreverente productora que trae a nuestras pantallas ese balde de agua fría, esa patada de realidad que es “Potosí”, un denodado y crudo proyecto fílmico dirigido por Alfredo Castruita y producido por Lomas Hervert. Potosí, muestra con crudeza la violencia que acecha a nuestro país a través de miradas por demás verosímiles, vistazos casi documentales de axiomáticas efigies urbanas del día a día, las imágenes de “colgados” en los puentes de la ciudad y las balaceras no son ajenas, como tampoco lo es la violencia intrafamiliar, ni esa holeada de impasible existencia, de caseríos relegados, de sexo rancio, de eyaculaciones frustradas, de llanto acre, de polvo y olvido; no son cuadros improvisados, son fotogramas captados por una lente avisada, una lente que se convierte en la mirada de quienes se rehúsan a comprender la realidad, que se han colocado un manto en los ojos para no advertir los rescoldos del fuego. Potosí no es una contemplación privativa, es un largometraje esbozado para las vidas de algunas esferas sociales que se apartan de los tablados y cooperan interminablemente con su partícula de terror, pero no conceptuar, Potosí no es una película moral, es un uppercut de largo desaliento, aún así cuando la película ha finalizado ya, no podrás levantarte nunca de la lona. Bisonte Rojo, a través de este largometraje, muestra tres historias escritas por José Lomas Hervert que se enlazan en el desarrollo de la cinta. La trama no se ubica en un país específico o una ciudad; habla de un trío de personajes cuyas vidas son afectadas de alguna forma por la situación de su lugar de origen, y aborda el tema de la violencia con otro matiz. Percibiremos como ejemplo, la escena de una balacera, que en vez de mostrar las imágenes típicas, se concentra en la perspectiva de los que están en medio del fuego cruzado, con tomas al ras del suelo y otras técnicas.

«Mostrando con crudeza la violencia que asecha nuestro país » Sinopsis Un accidente en una carretera desértica es el punto de enlace de tres historias. Un pastor que no se ha atrevido a descargar su arma en 40 años; una esposa y madre de familia que sufre violencia intrafamiliar, y la vida humilde de un campesino que día a día intenta proteger a su familia de la violencia que azota a su país. Potosí es el fuego cruzado del estrago que ha arrasado el norte del país. El linchamiento en un pueblo, un homicidio en el desierto y un secuestro, expondrán tres trágicas vidas en un país colmado de violencia. “Potosí” - Dirigida por Alfredo Castruita - Escrita y producida por José Lomas-Hervert - Producción de Bisonte Rojo Film - La película se rodó en San Luis Potosí del 28 de abril al 2 de junio de este año, y el plan del director y el productor es llevarla a recorrer festivales antes de que se exhiba en salas de cine a mediados o fin del 2013. Por Alfredo Padilla.

Red light (artistas con trayectoria)

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Eliseo Ortíz Entusiasta del movimiento Eliseo Ortíz Menchaca es originario de Monterrey, Licenciado en Ciencias de la Comunicación por parte del ITESM y maestro de cine, fotografía y video. Es cineasta experimental, videoasta y fotógrafo. Explora las funciones básicas del cine, fotografía estructural y animación digital, con documentales que exploran la forma de vida e idiosincrasia del mexicano.

Cualquiera podría pensar que un creador de cine es un geek en muchos aspectos, ¿tienes alguna manía que te pueda definir como tal? Nunca había pensado que un cineasta fuera considerado como geek, pero posiblemente sólo soy un entusiasta de la imagen en movimiento y eso podría considerarse una manía, fuera de eso, creo que mis rutinas son bastante normales.

Su trabajo es meticuloso y experimental en los aspectos formales: juega con distintos tipos de cámaras o formatos, se mueve y altera películas desde los 8 a los 16mm, va del cine al video, hasta gifs y viceversa, experimenta con las velocidades en las que los fotogramas se ponen en movimiento y altera de forma tanto analógica como digital, el fotograma y su llegada al espectador.

¿Recuerdas las primer película que viste en tu vida, Te marcó en algo? No recuerdo, y aun así no creo que haya tenido mucho impacto en mi trabajo actual, quizás fueron libros y películas que descubrí mas adelante cuando estudiaba en Monterrey, y muchas otras cosas las que me marcaron.

Sus audiovisuales son mayormente no-narrativos e intimistas, “viajes” personales en los que aborda distintos tipos de temáticas que cuestionan la industria del cine y dejan en misterio gran parte del tema tratado, provocando en el espectador reflexiones e incógnitas.

«Solo soy un ntusiasta de la imagen en movimiento y eso podría considerarse una manía»

Su trabajo pareciera moverse en un espacio y tiempo diferentes, nos recuerda a los filmes silentes: Avant-garde a Man Ray, Stan Brakhage, Andy Warhol entre otros. Maneja el espacio fílmico como si fuera un lienzo y sus temáticas son reflexiones críticas muy sutiles.

¿Qué debe pasar en tu día a día para que realices un video y además, inspire tu música? En realidad no tiene que pasar nada especial, creo que ahora mismo mis rutinas son mucho más establecidas, el clima en Bufalo Nueva York no es muy amigable para producir y eso hace que el invierno sea un periodo de mucha introspección, regularmente me gusta hablar con algunas personas sobre los proyectos que estoy planeando realizar y luego voy buscando retroalimentación, normalmente no necesito colaboración en la fase de la producción, pero sí necesito mucho dialogo previo en el desarrollo conceptual. Algunas de mis películas o videos toman algo de tiempo, de 3 a 6 meses regularmente, entonces en realidad no importa si un día es bueno o malo, hace tiempo que estoy haciendo

Por Omar Bernal

películas y creo que ahora lo hago como un ejercicio intelectual. La música no la considero como una practica directa, pero sí indirecta en la mayoría de mis proyectos, algunas de mis películas son rítmicas a pesar de ser mudas, sin embargo he colaborado con proyectos musicales y además recientemente hice la composición de un soundtrack para uno de mis videos. ¿Cómo conjugar cada una de las disciplinas artísticas en las que te desempeñas? En este momento creo que la interdisciplina es muy importante en mi trabajo, y sin embargo, estoy desplazándome hacia practicas artísticas que no había explorado antes, y en realidad aun no se como conjugar estas experiencias para articular algo lo suficientemente coherente, desde hace tiempo tengo claro que las observaciones que hago sobre la representación cinemática tiene que ver con una re-definición de las líneas que dividen la subjetividad y la objetividad representacional, y en la medida en que ese desplazamiento de las ficciones hacia la realidad sea mas palpable entonces la realidad se revelara mas clara a través de la lente. ¿Qué te ha dejado como experiencia la docencia? La docencia me ha permitido desarrollarme profesionalmente, he obtenido experiencias invaluables que me han ayudado a desarrollar mi propia producción artística, y además la docencia es un proceso constructivo que me

permite reevaluar mis discursos artísticos, además de eso también me ha permitido desplazarme hacia otras disciplinas y estar expuesto a otras practicas artísticas que definitivamente me han cambiado como cineasta, como artista y como persona. CEDIM ha sido una institución que me ha dado mucho profesionalmente como maestro, y ahora en SUNY UB, mis compañeros y maestros del ITESM campus Monterrey y FAV de la Universidad Autónoma de Nuevo León. Hablando específicamente de cine mexicano, ¿tienes alguna película favorita de la época de oro? No. ¿Que viene para Eliseo en este 2013? 2013 es un año de retos, por primera vez en mi vida estoy impartiendo clases de cine en una universidad norte americana (SUNY UB) y cursando clases que me llevan a formularme nuevas preguntas, además estoy trabajando en algunos proyectos mas ambiciosos relacionados con las nociones de identidad, cultura y exilio, tengo muchísimas ganas de trabajar en formatos de documental, hace poco fui a México a filmar el Casino Royale en Monterrey donde murieron 52 personas y espero poder poner en orden algunas de esas imágenes para terminar un retrato cinematográfico sobre lo sucedido.

Red light (artistas con trayectoria)

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ITTAC Films Ya lo viste

Ittac Films, visión de la identidad Ittac Films toma su nombre del vocablo náhuatl que significa “ya lo viste”. De manera coincidente con esta denominación, su búsqueda es la visión, la imagen. Bajo este nombre se encuentra la sociedad de Olivia Portillo Rangel y Rubén Pescina quienes desde inicios de este siglo han desarrollado proyectos de cine, video, animación y otras formas de expresión que conllevan la incorporación de nuevas tecnologías. La afirmación “ya lo viste” implica una acción de hacer evidente, de mostrar lo real, lo que hay. Ciertamente, esta es la filosofía que llena el espíritu de cada uno de los filmes de este grupo, evidenciar es la textura subcutánea que encontramos en sus piezas, el entramado social y las relaciones que esto implica; en su expresión más accesible, la más inmediata, aparecen las formulaciones genéricas, que van del cine de ficción al documental. Portillo y Pescina no dudan en recordarnos que el cine es más que rodar en rollos de celuloide de 35 ó 16 milímetros, y exponen que más bien la cinematografía y su ejercicio implican una forma de narrar, una narrativa y abordaje de la misma desde una mecánica que subsiste a pesar de más de cien años de esta que es, ante todo, una disciplina artística. Es por esto, por esta fidelidad a la narrativa cinematográfica, que las producciones realizadas en asociación con el grupo Ittac Films se inscriben en lo cinematográfico; en este recorrido a través de más de un decenio han tomando como soportes las películas de 16 y 35 milímetros, las cintas de video digital hasta formatos como el HD y 3D. Así, los simples planes cinematográficos, han sabido llevarlos a la realidad mediante colaboraciones con múltiples instituciones como El Colegio de San Luis y el Canal 6 de Julio. Sin duda, la formación académica como cineasta de Portillo, quien tiene estudios de cine del CUEC y de maestría en cine documental, ambos por la UNAM; así como la formación

de Pescina como diseñador gráfico y experto de la retórica de la imagen, y su oficio al frente de la mesa de edición y postproducción, tanto para cine como para televisoras de alcance internacional, son los engranajes que hacen posible que algunas de sus obras logren el reconocimiento experto.

«La afirmación “ya lo viste” implica una acción de hacer evidente, de mostrar lo real, lo que hay»

Para muestra, el cortometraje documental “La mutilación de San Pedro, según San Xavier”, nominada al premio Ariel como una de las mejores piezas cinematográficas en su categoría. El camino filmado de 2001 al 2013 por este grupo parece privilegiar, cuando menos en cantidad, al cine documental. Entre ellos: “Imágenes de La Escondida” (2001), “Corazón del Altiplano” (2003), “El silencio de las mujeres” (2004), “Titiriteando de frío”, (2005), “La mutilación…” (2007), “Como Marilyn sí hay dos” (2009), “La ofrenda de Frida” (2012), “Animal de fantasía” (2013, indédito). Mientras que en ficción han realizado: “Camino viejo” (2007), “Hilos de la ciudad” (2009) y “Café Internet” (2010). Sin embargo, esta distinción genérica se diluye cuando el espectador ve más allá, cuando es convocado a mirar y ser consciente de lo que se ve. El receptor de la obra accede a un mundo de identidades en un entramado de grupos sociales. Todas las narrativas, de la ficción o los documentales, transitan hacia este punto, donde la esencia de los

personajes es el eje rector del discurso: el travesti en su ritual de mutación, el titiritero en su oficio de animación de personajes, la anciana que es un espectro desde antes de serlo, el trabajador de la calle y su hijo comparsa en una cotidianidad que censura su ser. Todos estos seres subalternos, marginados, adquieren voz y nos comparten sus miradas enmarcadas por la disposición estética en el filme. Es este compromiso, mostrar a los últimos habitantes de un pueblo que se ha quedado solo porque emigrar a Estados Unidos es la única opción de vida; evidenciar la incomunicación de una pareja que ha decidido unir sus vidas por un instante, y al mismo tiempo permiten distanciarse a través del juego de las tecnologías. Lo que vemos en las piezas de Ittac Films, es el encuadre puesto en el individuo, a través de una poética de la identidad. Por Gerardo Cruz-Grunerth

Green light Artistas Emergentes

Gustavo Alonso Marcelo Quiñones Joaquin Loustaunau Luis Javier Rodríguez 19

Green light (artistas emergentes)

Gustavo Alonso Arte más sentimiento Gustavo Alonso... Este espíritu creativo, busca explorar y mantenerse al día con las nuevas tendencias de producción, conjugando disciplinas artísticas que lo ayuden a materializar las imágenes que se gestan dentro de sí mismo y que hablan de cómo percibe su entorno. La música a sido un engrane básico en su proceso creativo, ya que trata de verla y hacerla antes de escucharla, generando una atmosfera en su obra. Sus viajes por Latinoamérica lo han llevado a aprehender conocimiento sobre reglas y manejo de la cámara que él decide romper en el momento en que lo necesita, sin apegos y con una enorme apertura a apostar por lo que quiere. Actualmente se encuentra emprendiendo un nuevo proyecto que lleva por nombre “Nomadarte” en donde se prepara a emprender un viaje a lo largo de Latinoamérica por un año y medio, en donde documentara otras realidades que se asemejan con la nuestra. Gustavo ha logrado generar una simbiosis entre la cámara como herramienta y sus ideas, dando como resultado obra que rompe la realidad, para convertirse en una nueva interpretación de la imagen, así que esperemos más de este artista en construcción que seguirá en la búsqueda de nuevas formas de ver un buen encuadre. Por Anahí Franco

¿Cómo vives la escena del video en San Luis? Existe de todo un poco, en estos últimos años he conocido a grandes artistas audiovisuales y a unos que de plano no traen nada... pero la verdad es que la mayoría con muchísimo talento, y eso lo podemos ver con algunas producciones de gran calidad que han estado generando. Esto apenas está empezando para mí y espero que en unos años salga un director de cine de San Luis Potosí, ojalá sea yo (Risas). Parece que hay una moda por intelectualizar el arte. ¿Detrás de tus vídeos hay algún discurso? Tema delicado.... parece que algunos de los artistas actuales de SLP se les olvida que el arte, el surgimiento de esto, nace obviamente como manera de expresión, pero también como entretenimiento para conmover, apasionar, para transmitir algo a la audiencia. Ahora me acerco a los museos, a las galerías de San Luis y veo que la justificación tiene más peso que la misma obra, sin ella la obra carece de arte y la pieza pasa a segundo plano. bullshit eso para mí es basura! No sirve, bye punto imprimir...por ese tipo de materiales no quiero ser artista. Respecto a si mis obras tienen discurso… todas lo tienen, no sé si quede implícito o no pero lo que si te aseguro es que te entretiene o hasta una lagrima te saca y ahí ya cumple algo muy fundamental en el arte, trasmitir un sentimiento. ¿A qué afamado director te gustaría chalanearle? ¡Aaaaa! Muchos, pero principalmente a Christopher Nolan, me gustan los viajes de Chris Cunningham y las animaciones de Sylvian Chomet y si viajara en el tiempo con Stanley Kubrick... y muchos más.

Ya que estas tan empapado de la TV de calidad ¿Qué opinas de Chabelo? Ok, podemos hacer un ejercicio ya que estamos con el tema espacio-tiempo. Si viajáramos 3 veces en el tiempo con está pregunta, la primera cuando tenía 6 años te diría que Chabelo es lo máximo y que me levanto todos los domingos a verlo, porque siempre he soñado con estar en su programa para ganarme una avalancha apache..... Si el segundo viaje en el tiempo me lo preguntas a mis 27 años respondería que sólo en México se vive este folklore lleno de cosas kitsch en donde un anciano de 77 años “pretende ser un niño” “engañando” a los niños ¡no! (Risas) y si el tercer viaje me lo preguntas a mis 82 años te contestaría que Chabelo está siendo utilizado para la ciencia ya que él tiene el secreto de la juventud eterna por que sigue vivo.

¿Crees que estudiar sirve de algo? Claro que si te da los cimientos para crecer profesionalmente, pero también el ser autodidacta te abre puertas, como la experimentación y la curiosidad, eso es algo en lo que trabajo mucho, te pone retos y limitantes y de esa forma vas desarrollándote. ¿Te gustaría incursionar en la industria porno? (Risas) ¿Claro a quíen no?, ¡director, de lo que sea! ¿Qué te gustaría hacer antes de que se te apague la tele? Un largometraje, poder participar en algún festival afamado, ganar algunos premios, hacer muchas producciones.

Green light (artistas emergentes)

Marcelo Quiñones Reviviendo el pasado

¿Te consideras un nostálgico de otras épocas, en cual te hubiera gustado vivir? Efectivamente tengo un gusto general por las épocas pasadas pero también por las cosas desgastadas, oxidadas, rotas, o vintage. Encuentro una gran ventana llena de estética deslavada y no muy nítida que me evoca sentimientos asociados con la nostalgia pero también funcionan para darle fuerza y drama a lo que está a mi alrededor. Cuando veo un objeto descuidado o antiguo me caso con la idea de la vida y uso que tuvo ese objeto. La música es el eje central de tu trabajo, ¿qué banda o cantante ha influido en tu trabajo? La música es un eje de mi trabajo. Los Beatles por supuesto han sido parte fundamental de mi influencia para trabajar con los videoclips pero yo diría que la música británica de los 90’s es el principal detonador para que yo entrara en el medio. Bandas como Blur, The Verve, Radiohead, Pearl Jam, Oasis, Pulp, Nirvana y Smashing, me inspiraron durante toda mi infancia y actualidad. Hablando de música, haz grabado videos para algunas bandas, ¿cómo vez la escena musical actualmente, de qué bandas se hablarán en los próximos años según tu apreciación? Hoy en día las bandas tienen la oportunidad y la libertad de dirigir su música por donde quieran. Yo en lo personal, trabajo con bandas independientes y ha sido muy gratificante aprender como funciona el medio independiente y es duro, muchas bandas fracasan en el intento. El exceso de medios en la actualidad genera más competencia y es ahí donde hacer la diferencia es lo complicado. No veo bandas tan sólidas desde hace tiempo, la música de hoy pareciera que se recicla constantemente y hay pocas bandas que dejan huella pero esto no significa que no sean buenas.

«El cine experimental te enseña a trabajar con los materiales que tienes a la mano y es por eso que los uso como un recurso que sirva de apoyo y contexto para una idea» Identifico un icono o mensaje en tu trabajo, ¿por qué las mascaras de gases, qué significan, es una advertencia o un fetiche únicamente? Las máscaras de gases siempre me han impactado, el día que me puse una de la Segunda Guerra Mundial me dio una especie de shock y tristeza, por un momento sentí que me asfixiaba en la vida de otras personas. Las máscaras de gas me recuerdan a Darth vadder, me recuerda lo asqueroso y cruel que podemos ser los humanos, pero sobre todo, me indican que la naturaleza o medio ambiente está en segundo plano en esta vida. Somos un químico apunto de estallar. ¿Cuál es el origen de los clips de video Retro, eres tu y tu familia, son las grabaciones de las vacaciones, cumpleaños o de dónde sale todo ese archivo? Me gusta trabajar con clips antiguos, claro, son de mi familia y otros son de colecciones de dominio público. El cine experimental te enseña a trabajar con los materiales que tienes a la mano y es por eso que los uso como un recurso que sirva de apoyo y contexto para una idea.

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Joaquín Lostaunau Amante carnal El cocinero, el cine y su amante: una perspectiva al trabajo de Joaquín Loustaunau Joaquín es un gran cocinero, un amante carnal de sus obsesiones, un sujeto con el ingenio de un excelente cocinero y un hábil cineasta. Sus platos de producción son literalmente los invitados a un gran banquete, degustadores de una cena con tiempos medidos. Invitados que tienen el gusto de consumir grandes sabores y olfatear olores exquisitos. Para Joaquín el cine es una cena que se tiene que compartir. Los invitados son seleccionados especialmente por sus habilidades, el menú es previamente revisado por Joaquín y llevado a discusión por los mismos invitados, el guión es la mesa y la cámara los cubiertos; para Joaquín el cine no es el producto final, lo es todo. Un cineasta entusiasta que desde sus primero trabajos llevó sus primeras obsesiones sobre la sociedad y el amor. Un cineasta que se mueve en la producción con agilidad y con gran ingenio, como un cocinero en una cocina gourmet. Siempre cuidando la entrada, el plato fuerte y el postre. Lleno de vida y de fragancias. Joaquín desayuna, come y cena cine. Es un gran degustador y un hábil creador. Siempre con guiones bajo el brazo e historias a medio parir, Joaquín siempre trata de reinventar la técnica. Un mil usos con el único objetivo en la vida que es realizar cine. Desde “Ipse”(2005), su cortometraje debut, demostró el trabajo colaborativo y de un cine independiente en ascenso. Joaquín no escatima gastos ni reparos para preparar el banquete, siempre en cámaras y detrás de la producción. Sin lugar a dudas Joaquín representa para San Luis Potosí una parte importante de su trabajo audiovisual, como creador y docente, entusiasta y un sujeto que siempre está dispuesto a trabajar con los demás. Es por que le importa el cine, no como un artista sino como espectador. Su trabajo ha sido arduo y no ha descansado ni un minuto, desde sus experimentos hasta cortometrajes que le han otorgado posicionamiento

en la producción audiovisual. La tortuga de arena en 2007 le valió una selección en el ya transformado Expresión en Corto, hasta su ultimo trabajo “Me verás volver” (2012) en el cual la técnica y la elegancia de una dirección astuta y con miras hacia el perfeccionamiento se dejan ver en este trabajo. Con elegancia Joaquín deja ver en su trabajo ese gusto por el cine y la comida, por el cine y el amor. Un tipo apasionado sin estudios formales que ha sabido dar lo mismo o mucho más. Un excelente catador de vinos y un artista en proceso. Sensible de sus pasiones y de las obsesiones que lo rodean, Joaquín siempre tendrá algo bajo el brazo, una receta de cine para servirse fría o caliente, un guión propenso a la crítica pero delicioso al paladar. Sin lugar a dudas Joaquín representa una escena que se ha ido desarrollando en el tiempo multiplicando el trabajo y las buenas ideas. Por Ronnie Medellin

Green light (artistas emergentes)

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Luis Javier Rodríguez Del amor al cine, un modo de vida Actualmente, la difusión de información se convierte cada vez más rápida y accesible, situación que todo profesional de cualquier área debe tomar en cuenta. El terreno del arte no queda excluido y cada vez ocupa mayor terreno en esta búsqueda infalible de darse a conocer ante a los ojos de quién sabe quién. Sin embargo, no está de más consultar previamente qué sitios sí y qué sitios no ponen sello de sus derechos, apropiándose de nuestras creaciones a cambio de unos cuantos “likes”. Sin extender más esta introducción, y eludiendo un tema bastante amplio, doy mención a un usuario más, inmerso en la comunidad de las redes sociales, que se destaca por usar esta imprescindible herramienta para compartir segmentos de su trabajo realizado como artista audio visual. Su nombre es Luis Javier Rodríguez, y RGB pretende dar difusión a su talento, el cual se ve reflejado en sus elaboraciones presentes en la web. Espacio en donde se da a notar su desempeño artístico de manera cronológica, a través de su intromisión desde de diversos medios relacionados estrechamente con distintas áreas del arte. En base a lo que Luis Javier nos comparte, se es posible apreciar un fragmento de su propia visión a través de la cámara, la cual conspira con diversos elementos auditivos, dando al espectador una sincronía entre ambos estímulos que logran conformar una singular concordia. La labor que realiza Luis Javier, destaca profesionalismo e ímpetu al crear piezas que deleitan el umbral de nuestros sentidos, siendo una muestra de ello, el trabajo de la edición en sí. La cual pasa a formar un elemento destacable en cada una de sus creaciones. Ya que se acompaña a la percepción visual, que a su vez se encuentra configurada por medio de un buen ojo, de una musicalización exaltada que toma un rol fundamental, ésta, facilmente se traspapela con la imagen, de tal modo que comparten un ritmo sobre el que mantienen una simultaneidad en conjunto, logrando así un producto con su respectiva calidad a raíz del buen manejo de los elementos con los que se dispone. El hecho de crear una obra

que cumpla con su propósito a partir de recursos que puedan parecer ser muy cortos, debe de ser una facultad esencial del artista, en otros términos, la capacidad de hacer mucho con poco. Partiendo de la utilidad que tiene el tomar en cuenta las múltiples limitaciones presentes sobre las que no podemos manipular en base a nuestros “caprichos”. Si bien, Luis Javier Rodríguez pasa a ser un elemento dentro del círculo de artistas en San Luis Potosí, que promete un trabajo digno de atención, dando a notar su capacidad para tomar el rol de creador interdisciplinario, configurando los elementos precisos para dar forma a un producto atrayente y digerible, despertando al interés en sí con su propia capacidad para asombrarnos. Por Ricardo Zamora

¿De dónde surge el interés por realizar trabajos audiovisuales? Desde niño, cuando tenía nueve o diez años me gustaba hacer mash ups de peliculas de accion con canciones de Los Doors usando el VHS y la BETA de la casa, luego en la universidad, a pesar de estudiar mercadotecnia, era asiduo al videoclub de la autónoma, cuando Carla Díaz hacía milagros en la casa de la cultura, eso debió ser como en el ‘99 o 2000 e inclusive me dejó presentar un par de películas. ¿Quiénes podrían formar la lista de maestros o personas que te hayan influido y cuál sería su aportación para tu potencial creativo? Primero que nada todos los videoastas potosinos, el cine es un esfuerzo de equipo y si no hubiese con quien hacerlo resultaría imposible, los que hacen comparsa y los que van y ven la producción local y critican para luego luego ir y hacer, manteniendo el diálogo necesario para el avance. Toda la gente que hace del amor al cine un modo de vida. En la practica de cómo vivir el hacer cine, Toni Kuhn, un cinefotógrafo suizo que es ya más mexicano que otra cosa,

quien enseña con su mera presencia, siempre calmado y sincero, ajeno al glamur que resguardan celosos muchos cineastas. Toni siempre esta abierto a compartir todos los secretos que le han dejado décadas de trabajo los cuales lleva con gran humildad. Ciertamente, el estar detrás de cámaras es otra realidad ajena al público. ¿Podrías compartir una anécdota en especial que tengas presente dentro de tu experiencia en el medio durante algún rodaje? La primera que siempre me viene a la mente es una ocasión en que filmabamos un corto mío de noche y la luz de un poste se introducía desagradablemente en el cuadro, así que la solución fue conseguir una escalera y taparla con una manta. Al cabo de un par de tomas llegaron cuatro patrullas de los dos accesos a la calle cerrando el paso y agentes de policía corrieron a encañonarnos con armas largas, pues en el poste había una cámara de seguridad escondida, el productor tuvo que salir valientemente con las dos manos en alto y el permiso del ayuntamiento en una de ellas para que no escalara a mayores, realmente nos puso a sudar a todos.

«Me encantaría explorar la textura de la vida cotidiana, cargar una cámara y filmar con luces naturales, seguir a un personaje a través de varios años, verlo envejecer a través de lluvia auténtica y días soleados y la niebla» ¿Qué consejo darías a quienes quisieran adentrarse al entorno audiovisual? Que sean perfeccionistas, no dejen ningún detalle suelto o relegado a la postproducción, de cualquier manera habrá cosas de las que no se dieron cuenta pero no hay nada peor que un error previsto. La mejor manera de evitar situaciones bajo presión que forzan a aceptar lo que no es excelente es planear al detalle, pero con holgura y tener un equipo humano en quien confiar.

¿Si tuvieras la oportunidad de llevar a cabo un proyecto, sin sus respectivas limitantes, en donde pudieras plasmar lo que tú quisieras ¿Qué elementos involucrarías en tal producción? Me encantaría explorar la textura de la vida cotidiana, cargar una cámara y filmar con luces naturales, seguir a un personaje a través de varios años, verlo envejecer a través de lluvia auténtica y días soleados y la niebla, ver como cambian sus reacciones y desaparece la persona que existía al comienzo, para luego jugar con la edición y encontrar maneras de narrar la historia. Expresar la magia del dia con dia que sin espectacularidad es la base de todo lo hermoso que existe a cualquier nivel.

Green light Seleccionados web

Julio César Peña León Soria Juan Pablo Isordia Mauricio Padilla 35

Julio César Peña

Cortometraje: Penélope

Le贸n Soria

Juan Pablo Isordia

Mauricio Padilla

Cortometraje: Deja la luz encendida

Blue light Textos libres

Amanda Cรกrdenas Alfredo Padilla 41

Blue light (textos libres)

Amanda Cárdenas

El último tren despúes de la batalla

El 6 de Junio, un día antes de mi cumpleaños pero en 1944, se le conoció como el Día D, cuando comenzaron una serie de invasiones europeas con el desembarco en Normandía. Las movilizaciones avanzaron rápido, se liberaron París y Roma, y en ese capítulo tan negro y vergonzoso para la humanidad que fue la bomba atómica, los japoneses fueron destrozados. Alemania tuvo que ir retrocediendo y las ciudades ocupadas por ella fueron bombardeadas. El 2 de mayo de 1945 cayó Berlín. Se dice muy fácil. A pesar de que Europa estaba muy ocupada con la guerra y pese a la dificultad para obtener materia prima para la producción de las películas, en el momento en que Alemania es vencida y las tres grandes potencias hacen resoluciones para repartirse el pastel, David Lean ya tenía en mente otra película. Lean es uno de los cineastas británicos más reconocidos de esa generación de la posguerra. Conocido y reconocido por adaptar al cine obras literarias como Oliver Twist y Grandes esperanzas de Dickens,

«Nada dura en realidad, ni la felicidad ni la desesperación. Ni siquiera la vida dura tanto» Los amigos apasionados de H.G. Wells, sin duda es recordado por filmar la obra que hizo merecedor a Boris Pasternak de un Premio Nobel y que pone a Omar Sharif en la mira del cine occidental: Doctor Zhivago. Pero antes de esa película, la adaptación de la novela Brief Encounter de Noël Coward fue su primera gran obra. Con Breve encuentro (1945) incursionó en el cine de la posguerra de forma auténtica y con una propuesta nueva en cuanto a la forma de la narración, el montaje cinematográfico, los movimientos de cámaras y guión.

Fue nominada a tres Oscares (Mejor director, Mejor actriz y Mejor guión) y no se ganó ninguno (la verdad es que a quién le importa), pero se llevó el premio como mejor película en el Festival de Cannes en su reapertura en 1946, después de la Segunda Guerra Mundial. Las grandes historias siempre las desencadenan pequeños detalles, encuentros, casualidades o alguna tontería; ya sean batallas amorosas, políticas o bélicas. En esta película imprescindible para el cine británico, todo comienza a causa de una arenita que se le metió en el ojo a Laura. Entonces aparece Alec (el sexy Trevor Howard) que en plan “a un lado soy doctor” le ayuda a sacarse la basurita del ojo, no sin permanecer a una distancia lo suficientemente cercana para que se encienda la chispa que deja correr la historia entre los andenes y la cafetería de la estación del tren. El montaje tipo flashback y la narración voz en off de la protagonista, la hacen una película íntima y auténtica. Laura vuelve a casa como todos los jueves, pero ese día precisamente su cabeza no la deja tranquila. Mira a su marido mientras él resuelve el crucigrama de todos los días, y en su mente decide confesarle que se ha enamorado de otro hombre, entonces comienza a contarle sin que él lo sepa, todo lo que en realidad sucedió: “Me he enamorado. Soy una mujer ordinaria, no creía posible que esas cosas tan intensas le sucedieran a la gente ordinaria”. Siempre he encontrado en el cine el mejor oráculo para mis preguntas y el terapeuta más objetivo y de mejor precio. Es el cuento para antes de dormir, lo que calma nuestras peores pesadillas en la noche y en el día, lo que nos llena de todo lo que deseamos formar parte pero vemos muy lejano. En las vidas de los protagonistas ponemos a prueba la vida antes de vivirla, ensayamos discursos, coreografías, profesiones, pensamientos y decisiones. El cine nos encanta sobre todo cuando estamos en una encrucijada y nadie puede aconsejarnos, en él encontramos las señales que nos faltan. Esta película de Lean, está llena de señales y de metáforas de trenes. Es una historia sencilla y simple, bastante común tal

vez, pero desarrollada de una forma sutil e íntima. Los ambientes desolados junto a la atmósfera fría del tiempo, le dan mucha fuerza narrativa a la historia, que está muy bien construida gracias a una temporalidad muy interesante en su desarrollo. Compuesta por muchos elementos simbólicos que sumados al dramatismo del blanco y negro, las llaves, los relojes de la estación, los trenes, el silbido de la cafetera y el de la partida del tren, la hacen una película repleta de significado. La música no podría ser mejor: el Concierto para piano No.2 de Rachmaninov. Si la historia por sí sola no resultaba ser lo suficientemente dramática (pero sin caer nunca en el melodrama), esta pieza del músico ruso le da la suficiente fuerza emotiva para lograr la primera gran obra de David Lean. Dos personas se mueven tranquilamente entre el paso de sus días, en un país que intenta volver a su rutina pero sin dejar de mirar desconfiado sobre su hombro. Esforzándose por ver su matrimonio como la vida perfecta que siempre anhelaron, no previeron el encuentro que golpeó su cotidianeidad, “…bajé en la estación de Ketchworth y entregué mi boleto, caminé a casa como siempre, con los pies en la tierra”. Laura y Alec se encuentran los jueves en la estación de Milford; el médico después de hacer su guardia en el hospital y antes de tomar el tren de las 5:40 para volver a casa; después de hacer las compras de la semana, cambiar su libro en la biblioteca e ir al cine, Laura toma el tren que sale unos minutos después de Alec para volver con su marido y sus dos hijos. Entre un tren y otro, pasa el Expresso que no se detiene. El tiempo que pasan juntos es salir de la rutina de dos matrimonios estables pero mediocremente felices. Se descubrieron el uno al otro durante conversaciones que les mostraron que las personas todavía era capaces de construir, de imaginar y realizar proyectos, que el desear te hace joven. En un momento en la historia de la humanidad donde lo que las personas necesitaban era recuperarse, dejar de huir y volver a reconstruir las vidas que la guerra había puesto en pausa, se abre camino la encrucijada que los hace cuestionarse sobre la posibilidad de cambio, de remover de nuevo completamente su mundo, tal vez dejándolos en las ruinas, otra vez. De niña nunca viajé en tren. Cuando al fin pude hacerlo hace algunos años, entendí por qué son la analogía más poética y exacta sobre la vida; entendí en carne propia la importancia de su simbolismo del que tanto se ha hablado en la literatura y en el cine. Vengo de una familia que siempre ha estado cerca de los trenes, de un bisabuelo fer-

rocarrilero que decía que una vez que viajas en tren, se te quedan dentro de las venas. Será por eso que algunas personas reaccionan más que otras al sonido y las vibraciones de los trenes, incluso al paso del tiempo. Cerca de los treinta años comienzan a rondar por la cabeza una serie de preguntas sobre nuestra vida. Los que están en los treinta o que casi llegamos a ellos, podemos comenzar a hacer cierto balance de las decisiones que hemos tomado. Uno puede preguntarse si eligió bien la profesión, si está trabajando en algo útil, si su pareja es la que debería ser, si se equivocó al no unirse al circo aquella vez y convertirse en malabarista como soñaba de niño, si debimos haber hecho ese viaje, cambiar a tiempo de carrera, no haberse casado, o no haberse divorciado. Decidimos tantas cosas pensando que si no era ésa nuestra oportunidad, vendría pronto otra. Entonces el día menos esperado, aparece burlona la escalofriante expresión de “ya se te fue el tren”. Laura y Alec se encuentran minutos antes de la salida de sus trenes, Alec se irá a trabajar a un hospital en África y Laura sigue pensando en voz en off que debe volver a casa. Como un homenaje a Ana Karenina, Laura sale al encuentro del tren Expresso. Apoyado por los sonidos que habitan en las estaciones de trenes, Lean construye una imagen bellísima del trainspotting en el rostro pálido de Laura: “No durará, esta tristeza no durará. Debo recordarlo e intentar controlarme. Nada dura en realidad, ni la felicidad ni la desesperación. Ni siquiera la vida dura tanto”. Breve encuentro es esa la analogía perfecta que todos pensamos alguna vez, que si se nos va este tren, habrá otro que podamos tomar más adelante. De pronto uno se queda de pie junto al andén y somos Laura o Alec arrugando el boleto con la mano, el estómago revuelto porque nos carcome la idea que acaba de ocurrírsenos, justo treinta segundos después de que ha dejado de escucharse la marcha de la máquina y la estación se ha quedado en silencio: ¿y si ese tren que se fue era el último?

Blue light (textos libres)

Alfredo Padilla Metaficción del cine Cine América, Metaficción o del cine a la religión Hace poco, al caminar por la Avenida Venustiano Carranza, con rumbo a la Facultad del Hábitat para dar una charla sobre Manuel José Othón y el Paisaje, decidí detenerme un poco para sentar las ideas acerca de lo que iba a exponer esa tarde; me detuve frente a la Plaza de las Américas, un fantasmal olor a maíz confitado me hizo ingresar casi de manera sonámbula al inmueble, recorrí nuevamente esos pasillos relegados y sombríos por los que alguna vez crucé de la mano de mi padre. Era el cine América lo que recordaba, el que me había dado tantas satisfacciones aquellos veranos de 2x1 o de matinés sin cargo los fines de semana. Entré sigiloso al espacioso local 301, casi vislumbro la dulcería, los carteles de la época y el aroma de sus interiores aunado al tacto de mis pies contra la alfombra, pero nada de eso se entreveía, sólo luz blanca sobre arquitecturas en ruina. Ver a un cine con la luz encendida “Es como mirar a una puta de día”, escribiría Mario Benedetti, en aquel poema recitado por Ana (Sandra Ballesteros) dentro de la película El Lado Oscuro del Corazón de Eliseo Subiela, “Como el cabaret a las diez de la mañana, con los rayos de sol atravesando el polvo que se levanta cuando barres, como descubrir que ese poema que te hizo llorar a la noche, al día siguiente apenas te interesa, es como sería este puto mundo si hubiera que soportar las cosas tal y como son.” Enérgicos aullidos en un portugués mal enunciado me despertaron de mi entelequia, era viernes, y lo que se estaba ejecutando dentro del edificio no era más que una sesión de descarga espiritual, un oficiante se acercó a mí y me dirigió cuesta abajo por la escalinata, “Has pasado la Puerta de la Victoria”, me indicó, debes hacer una oración fuerte al Espíritu Santo. Regresé a la parte superior, molesto y ofuscado por las palabras e indicaciones del sujeto, otras personas se acercaron para cuestionarme algunas interrogaciones impertinentes, como inquirirme acerca mis ingresos mensuales. Me sentí melancólico, aquella sala de cine se había convertido en un Santuario de La iglesia Universal

del Templo de Dios, o lo que es lo mismo, en un “Pare de sufrir” una secta que vive del dolor de los despojados. Hice caso omiso a mis sentimientos y resolví enfocar mi visión a lo que hace más de una década fuese la pantalla, traté de recordar las maravillosas secuencias que vi proyectadas en el lienzo, películas como “Dick Tracy” de Warren Beatty, “Las Tortugas Ninja Mutantes” de Steve Barron o “Volver al Futuro III” de Robert Zemeckis, escenas inolvidables cruzaron por mi mente, recuerdos fantásticos del cine de los 90’s que marcaron mi época, cine de criaturas magníficas, de cuando comenzamos a soñar, cuando tuvimos nuestra primera idea de lo que queríamos ser de grandes (unos lo cumplimos, otros no).

«Recuerdos fantásticos del cine de los 90’s que marcaron mi época, cine de criaturas magníficas, de cuando comenzamos a soñar, cuando tuvimos nuestra primera idea de lo que queríamos ser de grandes » Salí del inmueble, no sé si decepcionado o maravillado por los recuerdos, reflexioné acerca de lo que sesiona en la actualidad en el Cine América, no es nada más que una película, una religión que hace catapultar al Diablo del organismo de las personas protervas al unísono de “Sal Demonio del cuerpo de este ciervo”. Caminé rumbo a mi objetivo, con la sensación de haber estado en una esfera de ficción, ficción después de la ficción. El metacine o el atavismo a la intertextualidad, cuando el cine atraviesa el espejo, porque las ficciones, desde Aristóteles, tradicionalmente se han entendido como espejos de la realidad que reflejan “lo que podría acaecer, las cosas posibles según lo verosímil o necesario.”

Yellow light Colectivos

Arteria Izquierda 45

Yellow light (textos libres)

Arteria Izquierda Arte para todos Arteria Casa Cultural A.C. Rompiendo esquemas Arte para todos Surgida en abril del 2011 como una propuesta autónoma, Arteria es un espacio que abre sus puertas a creadores e intérpretes, emergentes o consagrados. Ha sabido crecer sin ataduras institucionales, alejada del protocolo formal y conservador, funcionando como punto de encuentro para artistas entusiastas por compartir sus conocimientos y gente con ganas de aprender, sin descuidar por ello el profesionalismo de sus colaboradores. Es una organización atípica: participa lo mismo con organismos culturales consolidados que con nuevos proyectos, colectivos etc. Se une a las causas de su entorno, (ambientales, de diversidad y tolerancia, etc). Apoya iniciativas diferentes, abarcando todo tipo de público entre diversos rangos de edad, grupos sociales, intereses etc. Participa en publicaciones locales y atiende a la demanda de un arte incluyente y libre. Intenta llevar el arte a lugares nada tradicionales y empapar con él la vida cotidiana e interactúa con naturalidad con la tecnología por medio de su página web, blog, redes sociales, radio, televisión , entre otras herramientas. Lo más interesante de Arteria es la generación de una competencia sana y fraternal por medio de concursos; la promoción de obra de los artistas regionales con exposiciones, conciertos, exhibiciones y publicaciones, así como la introducción de talleres sui-generis, con temáticas innovadoras y completa libertad creativa de los participantes, que al finalizar verán la culminación de su esfuerzo en la producción y exhibición de su trabajo, todo con costos muy accesibles, impulsando así la escena cultural y dando a conocer nuevos talentos. La oferta cultural de Arteria abarca todas las ramas del arte, hay para todos los gustos, tanto para primerizos como experimentados.

Actualmente, dentro de la música se tienen los talleres de violín, canto y guitarra. En las artes visuales dibujo y pintura para avanzados y principiantes, y fotografía. Dentro de las letras: Creatividad Literaria. Además de talleres especializados como: “Disfrutar del crimen, Novela negra”, “Experimentación Literaria”, “Introducción a la ilustración digital” y “Fotografía cinematográfica”. Mientras que la sección Arteria Infantil se ocupa de los más pequeños: pintura , modelado y teatro para niños. La labor de Arteria es un claro reflejo de su lema: “Arte para todos”, así que date una vuelta por las instalaciones, checa sus páginas, conoce sus proyectos, y forma parte de Casa Cultural Arteria. Por: Violeta García

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