Especial de fotografía

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ESPECIAL FOTOGRAFÍA / UNO

V

Y

EDITORIAL

Portada: Julio Juárez

La era del Red, Green y Blue Maldita nostalgia. Todo es su culpa. En algún concierto ¿quien no ha grabado con su celular algún concierto o al menos una canción? En lo personal, prefiero ir a disfrutar los momentos, aunque debo confesar que es inevitable accesar a Youtube o alguna galería de face y revivir el momento, recordar. Es culpa de la nostalgia, ¿o no? Tenemos esa necesidad de dejar registro en algún lugar, ya que en nuestra memoria, ante tantos mensajes diarios, es difícil que perduren los recuerdos si no se es lo suficientemente fuerte.

Son los tiempos en los que valoramos las fotos de antaño porque no era tan sencillo obtenerlas y no dejamos pasar ningún momento de esta época debido, a su vez, por la accesibilidad que hay para hacer registros.

Es así como te decimos “bienvenido a la era del RGB”. Recorramos juntos el viaje por las artes visuales y no tan visuales en San Luis Potosí y fuera de él. Te invito a que conozcas el trabajo de artistas con trayectoria y emergentes. Te invito a que desdobles, deshojes, cortes, pegues y manipules a tu antojo esto, que no es una revista, pero así la definimos.

Néstor Rocha

Revista RGB artes visuales es una publicación bimestral. Número de reserva al Titulo de Derechos de Autor: 04-2012-021609495300-01.

Los trabajos aquí publicados son responsabilidad de los autores.

Esta revista se diseña con la fuente tipográfica SANCOALE NARROW y SANCOALE SLAB (My Fonts)

STAFF RGB Director editorial Néstor Rocha Editor Cristina Cuéllar Diseño Laura Rojas Corrección y estilo Gerardo Cruz Jonatan Gamboa Leticia Zwitag Coord. redes y web Dulce Mireles Web Master Josué Reyes Distribución Ana Teresa Torres Anahí Franco Ventas Nadia Blanco

Colaboradores: Viridiana Rocha, Rubén Pescina Consejo editorial Ramón Portales Aarón Cadena Jonatan Gamboa Gerardo Cruz Juan Pablo Meneses Agradecemos a: Arturo Moya, Viridiana Rocha, Pepe Luis Juárez Rdz Ricardo Zamora, Sandra Mena, Allan Lemus, Pablo Melgoza, Alejandro López, Kareline García, Joaquín Lostaunau, Arturo Contreras, Gustavo Alonso, Guillermo Padilla, Juan Pablo Isordia, Martha Elena Mtz

CONTENIDO Red Ligth Juan Pablo Meneses Ramón Portales Aarón Cadena

Green Ligth Julio Juárez Pablo Melgoza Igor Nieto Abraham González

Selección web Ifigenia Muluk Isac Gómez Hector Barba Juan Carlos Prieto

Blue Ligth Gerardo Cruz-Grunerth Isis Pérez David Villalobos

RED LIGHT Artistas con trayectoria

Juan Pablo Meneses Ram贸n Portales Aar贸n Cadena

J. Pablo Meneses Con los colores del mundo

¿En qué momento definiste que te querías dedicar a la fotografía?

Al estar en contacto con la pintura, pero al darme cuenta de que no tenía la capacidad técnica para dibujar y que sí me gustaba el arte, aumentando a lo visto en la carrera, potenció mi inclinacion hacia la fotografia y fue ahí en la carrera, como a los dos años de empezar, que vi como un medio de vida la fotografia de autor, con la inquietud de generar cosas. ¿Cuáles son la cualidades de un buen fotógrafo?

Considero que, a grandes rasgos, en capacidades técnicas, saber manejar la cámara, el Photoshop, la iluminación, pero

Arriba: Bosquecolores/ Serie: Deconstrucción atmosférica

algo más importante es conceptualizar bien los proyectos, o sea, a partir de algo, justificarlos, que sean innovadores, que sean creativos, yo creo que la parte conceptual es igual de importante que la técnica, pero aún más si te dedicas a la foto de autor, porque la técnica finalmente la puedes aprender, o sea, no es tan difícil, pero en lo conceptual es en donde está lo difícil, saber qué tomar, o para qué. Yo creo que ahí está lo importante de la fotografía, y creo que hay otro campo que también es importante, y la mayoria de los artistas lo dejan fuera, que es la investigación; no creo que se necesite hacer una tesis doctoral, pero sí investigar y estar al pendiente de lo que está ocurriendo en el arte, en la foto, así como leer e ir a muestras de cine y todo eso,

creo que es importante para tener una capacidad creativa interesante, en pocas palabras: la investigación, lo técnico y lo conceptual.

«Conceptualizar bien los proyectos, o sea, a partir de algo, justificarlos, que sean innovadores, que sean creativos» Una buena foto, ¿se busca o se encuentra?

Yo creo que las dos, depende de la estrategia de producción que sigas porque los dos grandes géneros de la fotografía actualmente, sobre todo de autor, como la documental y la escenificada, la construida y todo eso. Si eres documental, creo que se encuentran las cosas, en cambio, si estás en alguna manifestación o en algún proyecto personal, puedes encontrarte cosas, pero a lo mejor la foto construida tiende a actuar, pero no quiere decir que una sea mejor que la otra, pues la foto documental tiene unas cosas y la construida tiene otras, a ambas las puedes encontrar, pero creo que mucho es de planeación y preconcepción de la imagen.

En tu obra se aprecia una sátira sobre el calentamiento global, ¿qué es lo que más te preocupa?

Aparte de una inquietud, es un tema que está muy en boga, del que todo mundo habla y lo trato con un poco de sátira, obviamente me preocupan las cuestiones sobre el agua y como es un tema del que todo mundo habla, entonces es interesante abordarlo a partir de la fotografía, es un punto de reflexión de lo que está ocurriendo a través de lo que uso yo, que es el paisaje intervenido, que es alterar un paisaje con elementos que no pertenecen a él y hacer una analogía con el calentamiento global, pero es una inquietud en general de la gente, el chiste es que es una inquietud que yo tengo, pero también por el lado de la sátira, es un tema del que se habla, que mi inquietud de la sátira sirve para estar más preocupados por eso.

Para finalizar¿qué prefiere Juan Pablo Meneses, una paleta de limón o de fresa? ¡Ámonos!… Pues yo creo que de fresa, porque está más rica… Aparte, yo creo que por el color, no. Está más padre el rojo que el verde, el rojo es más vivo, más llamativo, pero a lo mejor estaría bien una mezcla, pero si es una, pues fresa.

Chorrocubo / Serie: Deconstrucci贸n atmosf茅rica

Polos / Serie: Deconstrucci贸n atmosf茅rica

Albufera / Serie: Deconstrucci贸n atmosf茅rica

Ramón Portales Recreando la historia

¿Sabes ordeñar una vaca?

(Risas) Sí, lo supe hacer, pero cuando murió mi abuelo y se vendió todo, hasta hiciste que me acordara, porque las ubres están calientes y la leche sale calientísima entonces, hasta te la puedes tomar y no te hace daño y es muy rica. Ahorita ya no lo he hecho, pero volviendo a agarrar si le hallaría. ¿Por qué animales disecados?

Este proyecto es un apartado de un libro que se está haciendo y se articula con otras series fotográficas y una de ellas se trabaja con animales vivos con la estética de las fotografías antiguas, incluso se recurrirá a viejos procesos

VIII / Asir el pasado /2011

de impresión fotográfica, es como un repunte, animales vivos con procesos fotográficos antiguos y animales muertos con fotografía contemporánea, es, hasta cierto punto, un juego. En sí, es parte de lo que te constituye a ti como persona y como artista. Esos son los recursos de los cuales uno se vale para hacer algo, pero otra cosa importante es cómo piensas tú en este momento. Algo más que me hace ruido de hacer paisaje, son las acciones sobre la tierra, una preocupación ecológica, en ese sentido van los animales disecados, ¿por qué? La cuestión es que si nos ponemos a ver todos los animales, en su mayoría si no son con la categoría de “orgánicos”, son modificados genéticamente,

VII / Asir el pasado /2011

«Animales vivos con procesos fotográficos antiguos y animales muertos con fotografía contemporánea» alterados con clenbuterol y todo eso para una mejor producción de carne, para que se desarrollen más y, por lo general, la mayoría de las personas que se dedican a la cacería y a las cuestiones de taxidermia se enfocan más en animales silvestres, exóticos, que salen fuera de lo cotidiano y pienso hasta dónde vamos a llegar, el hecho de decir que son animales de granja, ¿quién diseca un burro? Alguien preferiría mejor tener un tigre disecado y es mucho eso, la preocupación por los animales, de hacia dónde va la alteración genética y a su vez de los animales en vías de extinción, o sea, hay muchos animales disecados que nunca más vas a volver a ver en vida, si acaso puede que haya algunos en refugios, pero por lo regular ya no los vas a poder ver y entonces piensas, es como una manera de preservar las especies, los disecas al menos para que conozcas cómo fueron en vida, simplemente es esa preocupación de todo lo que está debajo.

¿Vives de la fotografía?, ¿es difícil?

Te puedo decir que sí se puede vivir de la fotografía, siendo sinceros, sí se puede, de cierta manera hay que ver cuáles son las posibilidades y hay que ver en qué periodo de tu desarrollo artístico estás. Mucho está ligado a becas estatales o nacionales y tienes la libertad de irte todo el tiempo que quieras a trabajar y sí se puede vivir de esto, no es tan sencillo al principio, pero poco a poco en lo que te vas insertando, en cuanto vas trabajando, tu mismo trabajo va siendo tu carta de presentación y tus avales para que puedas obtener otros estímulos para producción y postproducción para tu obra. También hay que tocar puertas y colocar tus imágenes en un mercado del arte, a través de galerías, coleccionistas, y eso te da posibilidades de desarrollo.

¿Qué proyectos siguen?

Terminar de Concluir el proyecto “Asír el pasado”, que tiene varias aristas y es volver a la fotografía de paisaje más directo, para articular con lo que llevo hecho y empezar a engranar todo. También otra parte del proyecto es trabajar

III / Asir el pasado /2011

con fotografías históricas de mi familia y documentos, así como buscar más en archivos históricos y fototecas, buscar imágenes que hablen de la ganadería y que aunque no sean parte de mi historia, bien lo pudieran ser. Así hay otras series que vengo procesando, esas series las trabajo mucho tiempo, inclusive puedo tardar tres o cinco años apostándole a una idea, quitando elementos, poniendo otros, haciendo pruebas para ver si funciona y circular imágenes para conocer qué eco hacen, primero en amigos, luego con amigos familiarizados con la fotografía y después con fotógrafos que tienen más trayectoria, con críticos y curadores, haciendo ese sondeo te das una idea de qué posibilidades tiene, pues de entrada ya pasaste muchos filtros, sobre todo pensando en entrar en un mercado del arte. ¿Qué es para ti la fotografía?

Es un juego en el cual voy gozando de la vida misma, tienes todos los pretextos para hacer lo que quieras hacer, sin prejuicios, sin temores, sin miedos y a la vez es una manera de verte reflejado. En ese juego te das todas la licencias de hacer o todas la prohibiciones.

X / Asir el pasado /2011

Derecha: XI / Travesia /2011

Aarón Cadena Diálogo con la fotografía

¿Qué fue lo que te atrajo del fotoperiodismo?

En una primera instancia yo queria ser periodista, pero cuando estuve investigado todo lo que envuelve al gremio de los comunicadores, en especifico el periodismo, dejó de llamarme la atención, pero ya estaba insertado, ya habia entrado a estudiar foto, prescisamente como para complementar mi labor como periodista. Pero ya estudiando foto, me di cuenta de que gustaba mucho y entonces en ese inter, en el segundo año que estudiaba foto, llevé un taller de fotoperiodismo con Ulises Castellanos, quien era entonces el editor de foto de Proceso y ese taller fue el que terminó de definir mi rumbo dentro de la fotografia, porque sabía que quería hacer foto el resto de mi vida, pero no sabía cómo, o desde dónde, ni por qué. Justamente después de ese taller que fue como en diciembre, entré a trabajar al periodico La Jornada

Los otros peregrinos 1 / Serie: Los Otros peregrinos

San Luis y apartir de ahí, todo ese año, se difinió totalmente por lo menos el rumbo de lo que quería hacer en la foto, aunque también se ha ido modificando con el paso del tiempo, pero me siento muy a gusto con esa modificación, porque fue de ser fotoperiodista para La Jornada, colaborador de la agencia Cuartoscuro y luego ser colaborador para Proceso, de la revista Buzos, fue todo este inter y como me fui cargando más al reportaje de investigacion de foto, que di el paso o el brinco hacia la foto documental en 2007. ¿Cómo diste el brinco a la fotografia documental?

En 2007, después de que me salí de La Jornada, me fui junto con un amigo mío a hacer un proyecto acerca del bosque mesófilo en Xilitla, por el que, precisamente, me dieron el premio 20 de noviembre en 2008, y fue con este

Semana Negra / Serie: FotoPeriodismo

primer proyecto, que hice de manera independiente, que decidí clavarme el resto de mi vida en la parte documental, sin dejar de freelancear con el fotoperiodismo, pero en la parte más autoral, más ensayística, porque encuentras un lenguaje más personal, pienso yo, sin estar supeditado a una línea editorial, sin cumplir los caprichos de un editor o de un director, lo que a veces también tiene sus ventajas, pero ahora ya no quería eso, me siento más libre y es en lo que me sigo moviendo, el proyecto que sigo desarrollando desde hace dos años, lo hago también en parte de manera independiente, pero desde octubre del año pasado lo hago con ayuda del Fonca y me he permitido desarrollar un lenguaje más personal, más íntimo, sin preocuparme de si esta foto es posada o si ya no es fotoperiodismo, si quitaste una ramita es que ya no eres objetivo, y también he dejado de lado cosas como conceptos que suelen ser un tanto dificiles como la objetividad y la imparcialidad, siempre trabajando con respeto y ética, sí creo en esas cosas, pero dejando de lado esos otros conceptos que a lo mejor a veces a uno como fotoperiodista, o como documentalista,

te frenan y, sin embargo, si los dejas de lado, no es que faltes el respeto, ni que hagas a un lado tu ética, más a gusto y en conexión con los otros, lo que para mí también es muy importante y más libre. Por eso decidí ser fotoperiodista y luego dar el brinco al fotodocumentalismo que es lo que me agrada. ¿El trabajo de quién te ha sorprendido últimamente?

El trabajo de un irlandés que se llama Andrew McConnell, que ganó el primer lugar de retrato en serie del Word Press Photo, con unos retratos de la república independiente de Saharaui, los hizo en el atardecer y en la noche pintó a los sujetos con luz, con flashes, y se ve toda la atmósfera del desierto con luz ambiental, curiosamente es algo parecido a lo que estoy haciendo, no de manera magistral como él lo hace, pero sí parecido a lo que intento hacer ahora en el desierto, fue algo loquísimo, además de que él lo solucionó de una manera bastante plástica y aborda algo que me llama mucho la atención, que es la implicación social del periodista, o del fotoperiodista, o del fotógrafo documental,

y hay una gran rama que se enfoca a ligar cuestiones de impacto social que tiene que ver con la sociedad en general y es una cuestion política y geopolítica, y como Andrew McConnell lo planteó en las fotos, porque además de que son bellísimas, las imágenes tienen esta implicación social y cumplen con estas dos cosas que en lo particular me gustan mucho y es una de las razones por la cual decidí ser fotógrafo.

En tu obra muestras un gran respeto hacia la naturaleza, ¿qué acciones como fotógrafo haces para continuar con ese respeto?

Primero que nada intento guiar mi vida con respeto en general, con gran respeto hacia la naturaleza como persona y como fotógrafo tener un diálogo constante, no tan riguroso, pero sí que se note un diálogo con el paisaje y con los ecosistemas a donde voy y fotografío, que sea en un diálogo de respeto y de admiración que tengo por la naturaleza, como una reflexión contemplativa con la naturaleza. En el proyecto del bosque fue el motor el contar algo acerca del bosque que un número de personas cuidaban, es decir,

Los otros peregrinos 6 / Serie: Los Otros peregrinos

evidenciar un ejemplo de diálogo entre las personas y la naturaleza, alias el bosque, ese sí era el motor principal del proyecto, ahora el motor principal es analizar un fenómeno cultural, partiendo más bien desde conceptos plásticos, filosóficos, del respeto hacia el otro y a los demás, a sus diferencias, etcétera, y que también entablan un diálogo con la naturaleza, que a lo mejor no es evidente en las fotos. Del mismo proyecto que estoy haciendo actualmente, hace poco desprendí una serie de fotos de paisaje para hacer una denuncia acerca de lo que pasa en la sierra de Real de Catorce, porque acaban de concesionar las tierras a una empresa minera canadiense para que explote toda la parte de la sierra, entonces trato como de no claudicar en ese intento de hacer denuncias con mis fotos, pero trato, como persona, de hacerlo constantemente, trato de regir mi vida con eso, como fotógrafo no es todo lo que muestro en mis fotos, pero trato de poner siempre algo en ese respecto. ¿Hasta dónde va a llegar tu trabajo?

No lo sé, creo que es una de las cosas que alimentan mi

Derecha: Los otros peregrinos 3 / Serie: Los Otros peregrinos

espíritu para seguir haciendo foto, si supiera hacia dónde voy a llegar, carecería de sentido y lo dejaría de hacer. Me gusta la sorpresa, ir bifurcando los caminos en la vida y no sé específicamente a dónde llegará, sin embargo, estoy trabajando y voy encarrilando mi vida hacia cierta cosas; por ejemplo, a finales del año me quiero ir a fotografiar a Oaxaca algo que tiene relación con mi proyecto actual , después ir a Sudamérica, al Perú, Ecuador y Brasil, a seguir fotografiando algo que tiene que ver con lo que hago ahorita en otros contextos y en otros territorios, y que, además, tiene esta riqueza multicultural, que es lo que le quiero dar a mis trabajos y después, no lo sé, me llegó la invitación de una agencia pequeña pero que ya es internacional y tiene sede en Estados Unidos, para representar mi trabajo y es uno de los primeros pasos, ya sea crecer con esta misma agencia o ubicarme en otra agencia que igual tenga mayor impacto en diferentes partes del mundo, pero lo que sí quiero seguir haciendo es seguir viajando y seguir contando historias del otro, haciendo reflexiones acerca de sus vivencias y sus perspectivas de vida, de cómo conciben la vida, las cosas, y el acercamiento con los demás y con la naturaleza y demás seres vivos, no sé, ese tipo de reflexiones. ¿Tu trabajo te ha llevado a comer algo que no pensaste jamas?

Puede ser… ¿Te refieres a alimento en general?... La verdad no me acuerdo, pero cuando vas a las comunidades te dan de comer lo que ellos tienen, he comido cosas que son muy exóticas, pero muy agradables, yo siempre he dicho que tengo estómago de vagabundo, entonces me como todo. ¿Algo que recuerdes muy específico?

Eh, la piel de la cascabel en el desierto, la carne de liebre que igual no es tan exótica, pero yo nunca la había probado, cuando la probé por primera vez fue como un sabor fuerte, la melcocha y ahora en el desierto algo que es alimento, que no muchos pueden ver como alimento, es el peyote, sí llegó un punto de mi vida en que yo nunca pensé que iba a ingerirlo, pues crecí con un tabú en torno a las drogas, así que me daban miedo, ahora es como crear un diálogo entre la naturaleza y los otros y el punto equidistante es el peyote, no lo consumo por consumirlo es una conexión con el otro, si me lo invitan lo como, y si no, precisamente porque lo utilizo como puente, para dialogar con las personas que estoy fotografiando y además ha sido

muy agradable el diálogo con el mismo peyote. ¿A qué sabe la piel de la cascabel?

Como a chicharrón, te la puedes comer frita, en caldo, o cruda, yo me la comí cruda con sal y limón, dicen que es terapéutica, que sirve para la diabetes y para el cáncer en esas cuestiones curativas. ¿Qué te gustaría hacer por tu estado?

Es como una pregunta que le harías a un político en campaña, ¿verdad?… (risas). Espero que no sea tan rebuscada la respuesta, pero que no hubiera una desigualdad tan marcada, que los ricos enajenados que se bañan en dinero y son felices, pues es su pedo, pero lo que sí no es justo es que le gente se siga muriendo de hambre, que no tenga las mismas oportunidades de estudiar o de conseguir

Arriba: Semana Negra / Serie: FotoPeriodismo

un buen trabajo, una casa que al menos cuente con los servicios básicos, que hubiese las mismas posibilidades de acceder a todas estas cosas, igual no regalar todo, pero al menos que tengan las mínimas posibilidades de acceder a lo que quieran; de que si te lo planteas y si no me quiero quedar en el campo y aquí soy feliz, pues adelante, pero si me quiero salir del campo, pero quiero tener una educación, ya sea escolarizada o no, quiero tener un buen trabajo o quiero hacer artes, no sé, lo que quieras, que tuvieras la misma oportunidad que alguien que vive en la cima del altar, aquí arriba en Lomas, tener las mismas posibilidades, si ellos se quieren seguir bañando en dinero, adelante, pero que los de abajo tengan las mismas posibilidades.

Derecha: Los otros peregrinos 5 / Serie: Los Otros peregrinos

GREEN LIGHT Artistas Emergentes

Julio Juรกrez Igor Nieto Pablo Melgoza Abraham Gonzรกlez

Julio Juárez Fantásticas histerias, malévolas historias

¿Cómo se inició Julio en la fotografía?

Empezó no de manera formal, obviamente, recuerdo que tenía por ahí una cámara de dos megapixeles hace cinco años tal vez y la empecé a agarrar, andaba de rol, comencé con unas fotitos, las clásicas y ya después empecé a ver cómo que se veían chidas, la gente me comenzó a decir “tienes ojo” y así, “eres buenillo” y ahí mismo me la empecé a creer y después en la uni empecé a llevar la materia de fotografía y ahí era completamente analógico, comencé a hacer

Pinocho / Serie: Érase una vez...

algunas imágenes, muy clásicas, la verdad, igual muy choteadas, pero así es como empezamos todos. Fui perfeccionándome, según el profe que tenía, y las clases estaban más o menos. Después de un rato me clavé en el revelado y esa onda, sólo me dedicaba a revelar lo que había hecho, que era sólo paisaje. De ahí en adelante empecé a agarrar la onda y de verdad me empezó a interesar tanto, que pensé en dejar la carrera, pensé: “adiós Comunicaciones, busco otra escuela con especialización en la foto”.

Derecha: Cenicienta / Serie: Érase una vez...

Arriba. Blanca Nieves / Serie: Érase una vez...

No me pude ir a otra escuela, porque, ya sabes, los papás siempre son de “acaba lo que empezaste, luego te buscamos otra escuela”. Entonces seguí ahí, más o menos echándole ganas, pero seguí haciendo foto y todas mis tareas o proyectos siempre iban de la mano con la foto. Pasaron mis materias de fotografía y empecé a clavarme en el estudio, comencé en forma haciendo fotografía de moda, que era lo que más me llamaba la atención, aunque en ese momento no tenía idea del porqué, sólo ponía las monas ahí y sopas, muy básico. Después se me presentó la oportunidad de conectar con el Centro de las Artes, antes de que abriera, pues hicieron un curso y tenías que mandar tu portafolio, y lo mandé, no pensaba que me aceptarían, porque mi trabajo estaba medio pinche. Lo mandé y quedó seleccionado y ahí fue donde empecé a conocer a toda la banda que estaba medita en el rollo de la foto, al momento de ver mis fotos me dijeron que eran de principiante y que estaban basadas en la

Derecha: Jazmín / Serie: Érase una vez...

«En ese momento no tenía idea del por qué, sólo ponía las monas ahí y sopas, muy básico» moda y así. Para empezar tuve varias críticas, aunque a otros sí les fue de la fregada. De ahí tuve oportunidad de tomar varios cursos y con más facilidad pues tenía a más que conocían mi trabajo; tomé talleres, talleres, talleres, y después empece a crear por mi cuenta, ya no iba a los talleres largos, si había uno interesante que durara poco sí iba, pero si era uno que duraba seis meses y muy rígido, que implicaba hacer tareas, no lo tomaba. Y así empece, ya no estudio tanto la foto, pues más bien ya me clavé en mi onda, cualquier cosa que se me ocurra, que puede parecer una tontería, pero de ahí puede salir algo chido y es así como entré a esta onda de la foto.

¿Qué inspiró “Cuentos clásicos de hadas y princesas”?

En un taller me pusieron un reto, que dejara de hacer moda o que hiciera moda, pero de forma conceptual.

Me quemé el cerebro y pude aplicar la moda con una forma no tan notoria, en algo más concepual que es, verga, representar lo que es mi entorno de otra forma, como es el desmadre, las chicas, la fiesta, todo lo que implica eso en las imágenes y lo que representan no de forma tan directa o plana, intenté darle otro giro al mundo de las princesas, pues hoy en día, en general, las chicas se sienten princesitas, pero realmente andan en otro pedo. ¿Qué proyectos tiene en puerta Julio?

Pues tengo pensado exponer en Fotoseptiembre con los de Bellas Artes. No tengo todavía un trabajo hecho, pero tengo algunas ideas que quiero llevar a cabo en estos días, quizá la siguiente semana, tal vez la próxima. En sí, el proyecto que traigo más en mente es como de esas veces que estas con tu pareja y te avientas un faje o algo así. Entonces, ¿cuál ha sido el lugar más extremo donde te han cachado? Cosas así, igual con una forma un tanto satírica, que sea algo gracioso y a la vez que te diga la neta.

Si estuvieras en un cuento, ¿qué preferirías?, ¿matar al dragón o quedarte con la princesa?

Me quedo con la princesa, definitivamente.

La Bella Durmiente / Serie: Érase una vez...

Caperucita Roja / Serie: Érase una vez...

Pablo Melgoza De niño también quería ser astronauta

¿Por qué se dio tu cambio desde el cine y el video hacia la foto?

Se da porque mucha de la fotografía de cine y fotografía de documental está planteada a partir de un equipo que trabaja sobre una idea, y muchas veces trabajar con ellos está mediado a trabajar con ideas compartidas, no te da totalmente la oportunidad de hacer un trabajo autoral, entonces decidí hacer fotografía fija, para tener ese lado de expresión más propio, más mío. ¿Qué imagen te ha marcado?, ¿el trabajo de quién te gustó para clavarte en la foto?

Mucho de lo que es la foto de cine, de la vieja escuela, no tanto de lo que está ahorita, siento que antes hacían una exploración más visual de lo que son las cosas y ahorita es muy rápido, tienes que estar muy atento y antes mas bien

Arriba: Viajeros /2010

eran cuadros muy bonitos y te daban chace de mirar la imagen, como el cine de Tarkovsky y de todos lo que eran muy reflexivos, que te invitaban a mirar el paisaje, a mirar la escena. Había una imagen en movimiento y había imagen fija que te evocaba el paisaje y la reflexión, y creo que ahora la fotografía fija debe ayudarte a evocar a imaginar más y que en lugar de ser estatica, sea móvil. ¿Qué opinión tienes de la fotografía actual de la escena local en San Luis Potosí?

Yo pienso que ha subido mucho el nivel, las nuevas teconoglogías ayudan a los fotógrafos que ya tenían un trabajo hecho a optimizar su obra y a los nuevos fotógrafos a acercarse. Es beno, porque hay más producción y a bajo costo, en impresiones y cámaras. Creo que en San Luis hay mucha fuerza, gente que conocí hace como cinco años, que

Derecha: Viajeros /2010

les gutaba la foto, ahorita están concretando sus ideas, hay fotógrafos ya muy conocidos y creo que hay un movimiento más de difusión, más que en el cine, gracias al trabajo de la gente que lo hizo en el pasado y a los que lo siguen haciendo con proyectos fuertes, hay buena diffusión, aunque a mi parecer faltan mujeres fotógrafas. ¿Qué viene en un futuro para Pablo?

En foto, sigue un proyecto que se llama la “Evocación de las sombras”, de gran formato, es fotografía construída a partir de relatos orales en la region de Wadley y comunidades aledañas, ya que hay muchas historias de fantasmas, de brujas y tienen una carga literaria, tienen imágenes que pueden ser representadas con mucha fuerza, muy oníricas,

Arriba: Alquimia /2010

muy poderosas, la gente evoca todos sus sentimientos y miedos, están plagados de imágenes. ¿Qué querías ser de niño?, ¿fotógrafo?

De niño quería ser pintor, tenía un tío que ya murió y que lo era, mi familia no viajaba mucho, vivía con mis abuelos y me llevaban con mi tío, él era francés, lo recuerdo comiendo todo el día queso y mezcal, siempre andaba manchado de pintura y comida, siempre con su ropa de pintura, sus cuadros, murales… Yo quería ser pintor y también quería ser astronauta… Como todos... ¡Jajajaja!, algo así.

La pintura esta ligada a la foto, ambas son representaciones en la línea de la imagen.

Derecha: Waldey /2010

Miradas /2011

Igor Nieto Miradas gobales, sentimientos locales

¿Cuál es el lugar más impresionante que has pisado, donde ni la lente captó lo maravilloso de ese lugar?

Digamos que soy muy consciente de que la cámara es un filtro, que por definición dejará cosas afuera, y cuando estoy en el mood de abrir mis sentidos a lo más posible, sea donde sea, lo más seguro es que la deje de lado. Cada lugar es fascinante, al igual que cada persona, sólo hay que entender la historia, el contexto, y lo que parecía plano se vuelve un relieve interminable de realidades. Últimamente he trabajado en la zona del Caribe Mexicano, y mientras más lo estudio más me interesa, pero también Belice me gustó mucho, es una zona de nadie, sin mucha estructura o historia, en donde flotan comunidades de todo el mundo, desde mayas, negros, hasta chinos, indios, hippies europeos, criollos de las islas o menonitas alemanes.

Arriba: Rishikesh Sadhana / Portafolio General

¿Cuál es tu proceso en el trabajo fotográfico?

En realidad el proceso sucede en mi cabeza, dependiendo de los temas que me interesan en el momento, y con base en eso, observo una cosa u otra. Después reviso mi material, con otro filtro diferente y creo carpetas sobre temas que se repiten. Las ideas que dan resultados visualmente interesantes las exploro más a fondo, las demás las dejo en el camino.

El o los fotógrafos que más han influido en ti.

Siempre he sido muy malo para aprenderme nombres de personas que no conozco, así que los fotógrafos que más me han influenciado son, lógicamente, los que he conocido. Uno de ellos es mi papá, que está más enamorado de la técnica fotográfica que de la fotografía en sí, pero que siempre tuvo cámaras y lentes en casa.

Arriba: MPA / Portafolio General

Otro es un buen amigo gringo llamado Skip Hunt, de él me gusta la predisposición que tiene a la aventura fácil; sin hacerse demasiadas preguntas toma su motocicleta y parte a la aventura (http://www.skiphuntphotography.com/).

Me enseñó mucho Mauricio Palos, que aparte de ser paisano potosino, fue el que me explicó cómo se arma un proyecto, y me enseñó algo muy importante en el medio: las relaciones públicas.

Mis referencias más cercanas son dos fotógrafos de Playa del Carmen: uno de se llama Vincent Ribon, es francés, y tiene una personalidad de bufón que utiliza para romper el hielo y lograr fotos muy naturales, ya sea con un político o un conductor de autobuses.

El otro es Matt Adoc, que junto con su esposa, también fotógrafa, Sol Tamargo, tienen una de las agencias de fotografía de bodas más votada en toda la web. El servicio que dan es de un nivel técnicamente muy elevado, y ésa es la mejor escuela (http://www.delsolphotography.com/ blog/index.php).

Además de la exaltación por la tierra y su diversidad, ¿qué otros temas te inquietan?

Las cosas no me inquietan, ya sea porque soy muy fatalista o muy positivo, no lo sé todavía, el caso es que seguido siento el mundo muy aburrido, y me deprime lo insípido, pero rápidamente recuerdo que es sólo una novela, de eso no se trata la vida. Intento estar concentrado en mi respiración lo más posible, y dormir bien, y hacer ejercicio, y ya con eso todo lo demás es más armónico, más interesante, y todo en la vida vale la pena. La vida misma, bien vivida, es lo que me exalta. me gusta escalar paredes rocosas, me gusta nadar, me gusta estar con animales salvajes, me gusta preguntar cosas a personas que no conozco, me gusta vagar por Youtube, me gusta poner la cabeza en el suelo y agradecer por la vida, me gusta el mezcal, el queso que hacen los menonitas, caminar por el campo y viajar por autopista. ¿Qué papel toma en tu estilo, la presencia de la especie humana como parte de tu composición?

Creo que sólo puedes hablar de lo que conoces… Yo soy humano, ahí empieza todo… La humanidad es el verbo, y desde ahí entendemos todo o, más bien, desde ahí no entendemos nada.

Nepal / Portafolio General

En un paĂ­s lejano / Portafolio General

Abraham González La reinterpretación de la naturaleza muerta

¿Cómo y por qué llega a la fotografía Abraham González?

Pues empecé haciendo fotografía con fines escolares en la Universidad del Centro de México UCEM con 2 profesores muy buenos, Maru Martínez y Juan Pablo Meneses, gracias a ellos aprendí lo que sé sobre la fotografía, me inculcaron de una forma muy agradable e interesante esto de la imagen, agarré el gusto por fotografiar aquellas cosas que me intrigan y que me llaman la atención, con la fotografía expresas, te das a entender y comunicas muchísimas cosas, es por eso que ahora la considero parte de mí. ¿Cuáles son tus inspiraciones a la hora de fotografiar?

No tengo una inspiración tal cual, simplemente me dejo llevar por el momento y el lugar a la hora de empezar a tomar imágenes.

En tu serie “Naturaleza muerta” imaginamos que hay una historia o algún tabú o relato detrás, ¿cuál es?, ¿cuál fue el motor principal de esta serie?

No necesariamente se le puede considerar un tabú o relato,

Arriba: Velando al animal / Serie: Naturaleza Muerta

sólo quise representar de cierta manera la naturaleza en un estado y contexto diferente en el que se puede apreciar todos los días. La naturaleza en esencia es bella y en esta serie fotográfica lo que se muestra es que hasta cierto punto la naturaleza sigue siendo bella o sigue teniendo un atractivo visual, a pesar de su descomposición se representan contextos distintos de lo natural con cierto humor negro. ¿En qué proyectos estás trabajando?

Actualmente estoy preparando una exposición y seleccionando imágenes para la exposición colectiva ‘’Proyecciones’’ que estará dentro de marco de Fotovisión, el evento anual de fotografía organizado por el colectivo Desierta Luz y el Instituto Potosino de Bellas Artes. ¿Cargas con tu cámara todos los días?

Sólo cuando es necesario. Por cierto, me gustaría agregar saludos a ciertas personas que me ayudaron con esta serie fotográfica, a Palencia y a Ángeles, sin ellos no hubiera podido realizar esto.

Derecha: Bella naturaleza / Serie: Naturaleza Muerta

Naturaleza Muerta

GREEN LIGHT Seleccionados web

Ifigenia Muluk Isac Goméz Héctor Barba Juan Carlos Prieto

Iifigenia Muluk

Quietud Pensativa

Isac G贸mez Paty Cant煤

HĂŠctor Barba Aqua Fiori

Juan Carlos Prieto Austin TV

BLUE LIGHT Textos libres

Gerardo Cruz Grunerth Isis PĂŠrez Javier Contreras

Gerardo Cruz Grunerth La fotografía rulfiana y el no tiempo

Hablar de Juan Rulfo suele reducirse al campo de lo literario, sin embargo, el autor jalisciense fue más que el gran escritor que suele conocerse. En sus manos, la cámara fue disparada infinidad de veces para captar las imágenes de un México que comparte la estética de la narrativa de ficción que portan los libros El llano en llamas (1953) y Pedro Páramo (1955). Pero, ¿de verdad es sólo una cuestión estética compartida entre la obra visual y la literaria del jalisciense? Las similitudes son evidentes a la vista, pero a mi parecer no es sólo la estética la que se comparte, es un signo más profundo. A pesar de esto, los estudios críticos y los repasos biográficos sobre el autor de Luvina suelen olvidar esa parte de su arte, la fotografía, e incluso llegan a abordarle más como guionista de cine. Ante esta falta de atención al Rulfo fotógrafo, la obra misma salta reclamando atención; no son piezas de un aficionado al arte de la lente, el mismo Manuel Álvarez Bravo destacó la calidad de sus disparos, la composición, el manejo de la luz, encontró en las imágenes del jalisciense el dramatismo mexicano mostrado sin prejuicios y alteraciones estéticas de los fotógrafos de la época. Lo anterior puede entenderse si se toma a las artes como entes aislados, pero si consideramos la relación fotografía-literatura, veremos que las piezas visuales de Rulfo sí poseen ciertas alteraciones estéticas que Álvarez Bravo pensó como ausentes. Las alteraciones estéticas están presentes en las fotografías, pero no son las de la época, porque si bien la obra literaria de Juan Rulfo posee características que la distancian respecto a la narrativa de la primera mitad del siglo XX en México, lo mismo habría de suceder con la fotografía. Lo que hay en sus registros es el empleo de una narrativa que tiende a la fragmentariedad. Si bien en los dos libros del nacido en Sayula la fragmentariedad es un rasgo distintivo, su colección de fotografías parece ir por esta misma vertiente; imágenes que conforman un discurso completo pero fragmentario. El autor de las fotografías y las narraciones asegura que en Pedro Páramo hay una estructura, “pero es una estructura construida de silencios, de hilos colgantes,

de escenas cortadas, donde todo ocurre en un tiempo simultáneo, que es un no tiempo” (Benítez, 1980; 6). Es esta estructura, la que Rulfo sabe que ha dispuesto en su libro, la misma que encontramos en el conjunto de sus imágenes. El constructo discursivo de las fotografías que ha dejado como legado porta esta fragmentariedad, cada imagen es una ficción con múltiples entradas de interpretación y que logra eslabonarse con las demás piezas. Una ficción que se eslabona en su sentido para extender la ficción.Los personajes, hombres, mujeres y niños del campo transitan dentro de un mundo posible que comparten, que habitan y llenan con sus personalidades, con sus miserias e imposibilidades, no es el México real de la primera mitad del siglo XX, es un México construido por los fragmentos de su autoría implícita en el discurso fotográfico en el conjunto de su obra. La ficción

de Rulfo salta desde el cuento “Nos han dado la tierra” hasta una composición visual donde podemos encontrar a un viejo que dirige una yunta de bueyes viejos por un camino arenoso, o en otro cuadro donde tres mujeres solas tratan de hacer lo imposible con una tierra ingrata, inútil, para pedirle con sus azadones que tenga piedad y se deje cultivar, que fructifique. La gran mayoría de su producción fotográfica comparte, además, el rasgo de la luz cenital del sol, iluminando todo, dejando algunos claroscuros que acentúan el dramatismo de la composición, de los rostros, de las expresiones de los mexicanos.

En el mundo posible que constituyen las fotografías en conjunto, volvemos a un elemento que ya ha mencionado el mismo autor, a un “no tiempo” compuesto por la aparente simultaneidad de las imágenes, que también están o pueden entenderse, leerse, yuxtapuestas, interpuestas.

Son visiones de todos los momentos captados, de todos los instantes en un mismo instante, un momento que se satura del tiempo de cada imagen para quedar despojado del tiempo, para formar un no tiempo. Este no tiempo es el tiempo de los muertos, que, aunque no son tan evidentes como en su Pedro Páramo, son los habitantes del campo mexicano posrevolucionario. Este campo de Rulfo tiene las reminiscencias del “sueño prehispánico que no pudo ser

concluido” por la interrupción de los violentos conquistadores, como asegura Le Clézio (2008, 215), pero también es el despojo que dejó la revolución en lugares donde nunca hizo justicia. Vemos cascos de haciendas abandonadas, paredones agujerados por las balas que le quitaron la vida a los fusilados, la pobreza, la infancia actora de un pueblo sin rumbo junto a las ruinas. Es un país arenoso, con rostros y ojos arenosos que a veces miran a la lente con desconfianza y a veces con rencor.

En el mundo posible de las fotografías de Rulfo encontramos un México con un tiempo suspendido, un no tiempo, el mismo tiempo de los muertos de Pedro Páramo, el conjunto de fotografías muestran un estado “estático”, no por su carácter de fotografía, ya que en sí mismas portan un mundo posible donde habitan ficciones visuales, pero estas visiones por separado y en conjunto, en el discurso de la obra fotográfica rulfiana, no tienen un movimiento progresivo, están, como se dijo líneas atrás, superpuestas, interpuestas, yuxtapuestas las imágenes de un mundo que también parece habitado por personajes muertos por encontrarse varados en el no tiempo, en el tiempo suspendido del inframundo mexicano: el resto del país que no goza de la burguesía y la discrecionalidad de “pertenecer” a los órganos del Estado.

Rulfo, Juan (2000) Pedro Páramo y El llano en llamas. Planeta, México.

(1953 y 1955) Le Clezio, J. M. G. (2008) El sueño mexicano o el pensamiento interrumpido. FCE, México (1988) Benítez Fernando (1980)

Isis Pérez El arte de disparar

He encontrado personas que son ciegas de nacimiento.

Que no han visto nunca.

Les he preguntado qué es para ellos la imagen de la belleza.

Sophie Calle La fotografía ha sido objeto de la pregunta sobre qué es lo que hace arte al arte. La obra de los artistas visuales es juzgada por el común de la gente de dos formas, ya sea por la cantidad de tiempo invertido en la creación de determinada pieza así como si el esfuerzo puesto en su realización es el suficiente, y por otra parte también es criticada con base en su apariencia. Tal parece que la labor de un artista se valúa dependiendo del tiempo que le tomó dominar alguna técnica o la cantidad de horas trabajadas para obtener un resultado, es decir, entre más horas trabajadas mejor obra será y que, forzosamente, el resultado de este trabajo debe ser agradable a la vista y por tanto posea la cualidad de objeto decorativo.

La fotografía se enfrenta a estos dos juicios y no sale bien librada porque en principio cualquiera puede presionar el disparador de una cámara, así que el asunto del trabajo físico que implica tomar una foto es prácticamente nulo, lo segundo es algo a lo que la fotografía pudiera ajustarse bajo riesgo, ya que si se justifica sólo por sujetarse a estos criterios terminará siendo cualquier cosa menos arte.

La fotografía como arte no es simple documentación.

Lo que hace es encontrar y apoderarse de las cosas o mejor dicho, de las ideas materializadas en las cosas, no es registro, sino gestos espontáneos que tienen que ver con el arte mismo, y es sin necesidad de verificación externa.

La fotografía desvía la mirada para evidenciar lo que no se ve en las cosas que siempre hemos visto, que en el desvío encuentra el desasosiego, la pasión, la pérdida, en una palabra: la sombra. Sophie Calle, una excelente artista francesa, encuentra en varios pares de zapatos materia para evidenciar aquello que no es los zapatos mismos sino lo que la esencia de su idea nos remite.

«La fotografía desvía la mirada para evidenciar lo que no se ve en las cosas que siempre hemos visto» ¿Qué son unos zapatos para Sophie? Seguramente fetiches de los cuerpos que los ocuparon, el espacio vacío que deja el andar de un cuerpo extraño sobre la alfombra vieja de un cuarto de hotel. Un encuentro del ojo con lo real, lo único real… Gracias Sophie.

www.oh-nena.com/blog/2012/09/women-artist-sophia-calle/

Javier Contreras De la más clara luz, a la más oscura sombra

Hace poco más de diez años no tenía cámara fotográfica.

El fin de semana compré una, y la diferencia es mucha: pasé de una réflex manual a una digital que se maneja en modo manual o automático a placer y con funciones tan sorprendentes en aquellos días como que al detectar una sonrisa tome la foto o que en segundo y medio tome 20 fotografías. En lo básico no hay grandes cambios, pero hay otra parte en que sí: la inmediatez y presencia de la imagen en una pantalla que permite evaluar la foto y entonces decidir si tomas otra y otra y otra más porque, al fin y al cabo, ya no tienes 24 o 36 exposiciones, sino miles dependiendo de la capacidad de la memoria. El revelado y los negativos ya no existen, el cuarto oscuro, los líquidos, los trucos del revelado, el proceso de la impresión, son recuerdos, hoy todo se hace sin mucho ritual, desde el software en la computadora. Ya no avancemos a lo que ha cambiado desde Niepce y Daguerre con las placas de plata iodada en la cámara oscura. Pero, ¿la fotografía sigue siendo la misma?

Quizá se ha perdido un toque de magia, pero se ha ganado en inmediatez, en facilidad, en la disponibilidad de la imagen para su revisión, modificación, impresión o circulación.

Por lo demás, la fotografía sigue siendo tan realista y fictiva como siempre, guarda para el recuerdo, denuncia, prueba, detalla, comparte la belleza, moviliza sentimientos y conciencias, comunica sueños y, con la edición, miente –como siempre lo ha podido hacer el ser humano- y da lugar a la fantasía. La fotografía, creación compartida del fotógrafo, el texto icónico (iconográfico e iconológico) y el observador.

Imago: la imagen como sombra y alma, mímesis y fantasía, imitación y simulacro, símbolo o laberinto, arte y verdad… y ahí, la fascinación por la fotografía: la presentación o repre-

«El revelado y los negativos ya no existen, el cuarto oscuro, los líquidos, los trucos del revelado, el proceso de la impresión, son recuerdos»

sentación de una ausencia. El retrato y el paisaje, la acción humana, la vida cotidiana, el mundo natural, las estrellas, las formaciones atómicas…

Todo es susceptible de ser fotografiado, pero no toda fotografía es para ser valorada y reconocida como arte.

No sólo por la relevancia de lo fotografiado, el azar del momento o la técnica, sino por la sensibilidad del fotógrafo para observar algo y hacer que la cámara lo capte para comunicar, para hacer circular sentido y emociones, y obligarnos a no volver a ser los mismos que fuimos en aquel instante en que nos sumergimos desde la más clara luz hasta la más oscura sombra de la imagen.

Pero si hay algo maravilloso de la fotografía en nuestros días es que todos podemos ambicionar tal valoración y, aun cuando no la alcancemos, poseer para mostrar extraordinarios recuerdos, momentos, lugares, experiencias…

Asombrosos intentos por alcanzar el aura. Después de todo, como se ha sabido desde sus principios: ninguna obra de arte es tan admirada como la propia fotografía, la de los parientes y amigos más próximos, la del hombre o la mujer amada, porque la imagen también es sombra y alma.

www.revistargb.mx

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