Subasta de Arte Latinoamericano by Morton Subastas

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CONSEJO DE ADMINISTRACIÓN Don Luis López Morton Ing. Sergio Autrey Maza Lic. José Calderón Muñoz de Cote Lic. Flavio J. Díaz Tueme Mtro. Carlos Noriega Arias Ing. Dan Ostrosky Shejet

DIRECTORIO

Director General

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Luis C. López Morton

eorozco@mortonsubastas.com

Administración y Finanzas Horacio Rodríguez

hrodriguez@mortonsubastas.com

Planeación Estratégica Vivian Gorinstein

Operaciones

Rafael Perusquía

vgorinstein@mortonsubastas.com rperusquia@mortonsubastas.com

Autos y Camiones Aída Alanís Lara

aalanis@mortonsubastas.com

CONSIGNACIÓN Antigüedades

Fernanda Becerril

Arte Moderno y Contemporáneo Pilar Alfonso

Joyería y Relojes

Alejandra Rojas

Libros Antiguos y Contemporáneos Jesús Cruz

Vinos de Colección y Uso Diario Antonio Villa

Oportunidades Adrianna Navarro

Empeños

Giselle Beltrán

Monterrey

Samuel Campillo

DEPARTAMENTO DE ARTE MODERNO

Gerente de Departamento Pilar Alfonso

Especialistas Sandra Murra Sofía Duarte

Catalogadoras Odette Paz María Fernanda Serrano Ana Baños

Atención a Clientes Constanza Infante

INFORMES Tel. + 52 (55) 5283 3140 atencion.clientes@mortonsubastas.com

LA SUBASTA ES CONDUCIDA EN PESOS MEXICANOS. LOS ESTIMADOS EN ESTE CATÁLOGO SE PRESENTAN EN PESOS Y DÓLARES AMERICANOS. Los precios publicados en este catálogo fueron establecidos tomando en cuenta el tipo de cambio de $18.70 (dieciocho pesos 70/100 M.N.) por dólar americano. En caso de que el tipo de cambio mencionado se incremente en un porcentaje equivalente o mayor al 10% (diez por ciento), se hará un ajuste de manera tácita a los estimados de los precios de venta publicados en pesos (mexicanos), de acuerdo al tipo de cambio que publique el Banco de México, en el Diario Oficial de la Federación, el día de la subasta. Morton Subastas toma el tipo de cambio oficial, emitido por el Banco de México. De acuerdo a la ley monetaria de los Estados Unidos Mexicanos, no podemos recibir moneda extranjera en efectivo. Si usted desea pagar en moneda extranjera, el tipo de cambio será acordado previamente con Galerías Louis C. Morton, S.A. de C.V. Para mayor información, consulte con nuestro departamento de finanzas: Gerardo González: ggonzalez@mortonsubastas.com, o bien al teléfono 5283 3140, ext. 3395. La mercancía será entregada una vez que nuestro banco confirme la recepción de pago (puede tomar hasta 15 días).

Las descripciones proporcionadas en los catálogos impresos y en línea no en todos los casos incluyen un reporte de condición. La ausencia de una declaración de condición no implica que el lote se encuentre en perfecto estado o completamente libre de desgaste, daños, imperfecciones o los efectos del envejecimiento. Se recomienda encarecidamente a los compradores interesados, solicitar un informe sobre la situación precisa de los lotes por los que tenga intención de pujar, antes de hacer una oferta.

Por lo anterior, no existe cancelación de ventas.

Si desea un reporte de condición de alguna pieza incluida en esta subasta, por favor contacte al Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo: Pilar Alfonso | palfonso@mortonsubastas.com | Tel. 5283 3140 ext. 6881

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Subasta de Arte Latinoamericano Salón Candiles del Club Naval Norte

Fernando Alencastre 310, Col. Lomas de Virreyes, Ciudad de México

j u e v e s 17 d e n o v i e m b r e d e 2016, 7:00 p . m . Nos complace invitarle al cocktail, el martes 15 de noviembre a partir de las 7:00 p.m.

EXPOSICIÓN Domingo 13 de noviembre de 11:00 a.m. a 3:00 p.m. Del 14 al 16 de noviembre de 10:00 a.m. a 7:00 p.m. Salón Candiles del Club Naval Norte

INFORMES Constanza Infante Tel. (55) 5283 3140 ext. 3384 cinfante@mortonsubastas.com

VISITAS PRIVADAS Y ASESORÍA EN ARTE Citas: Pilar Alfonso Tel. (55) 5283 3140 ext. 6881 • palfonso@mortonsubastas.com

PORTADILLA: Lote 68 PORTADA: Lote 92 CONTRAPORTADA: Lote 69

Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, María Izquierdo, Saturnino Herrán, Frida Kahlo, José María Velasco y Dr. Atl, forman parte del grupo de pintores mexicanos cuyas obras son consideradas monumentos históricos. Si usted requiere mayor información, contacte a nuestro Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo.

Morton Subastas no proporciona servicios de envío de las piezas; sin embargo, puede consultarlo con Pakmail dentro de nuestras oficinas.

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¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA? ¡BIENVENIDO! Usted está entrando al mundo de las subastas, un mundo donde es emocionante adquirir antigüedades, arte, joyas, muebles y muchas cosas más. Algunas personas creen que la subasta es un proceso complicado... ¡sorpresa! entrar a comprar a una subasta es muy sencillo y no se requiere invitación, inscripción, ni nada de eso. Únicamente acuda, disfrute el momento y dese el placer de llevarse eso que tanto le gusta. Aquí le damos unos consejos para que lo disfrute desde la primera vez...

¿LA SUBASTA ESTÁ ABIERTA AL PÚBLICO? Sí, la subasta es un evento público y gratuito. Usted es bienvenido sin necesidad de invitación, incluso si no está seguro de que adquirirá un lote. (Lote: cualquiera de las piezas o conjunto de piezas que se subastarán, tiene un número y aparece en el catálogo correspondiente).

¿QUÉ DEBO HACER ANTES DE LA SUBASTA? Usted puede asistir antes de la subasta a la exposición, donde podrá ver las piezas que se van a subastar. Es muy recomendable comprar el catálogo, porque en él se encuentra la descripción detallada y fotos de cada lote. El día de la subasta, al registrarse en la recepción le entregarán un número de paleta para hacer posturas; es decir, una paleta de plástico con un número que será levantada cada vez que usted quiera ofrecer una cantidad para adquirir un lote. En el registro se le solicitará su nombre, dirección y un depósito en garantía para sus compras (en efectivo o tarjeta).

¿QUÉ SIGNIFICAN LOS PRECIOS ESTIMADOS QUE APARECEN EN EL CATÁLOGO? Generalmente el catálogo muestra dos precios: un estimado bajo y uno alto. El lote puede venderse por debajo del estimado bajo (si el consignante no ha fijado un precio mínimo) y puede venderse por arriba del estimado alto en el momento de la subasta.

¿CÓMO FUNCIONA LA SUBASTA? Cuando salga a remate el lote que usted desea adquirir, simplemente levante la paleta que le fue asignada cuando el subastador proponga el precio de venta en subasta y usted esté de acuerdo con dicha cantidad. El subastador continuará elevando el precio mientras haya personas que sigan ofreciendo por el mismo lote. El último precio indicado por el subastador al dejar caer el martillo es el precio de martillo, y esa es la cantidad más la comisión (20%), más el IVA de la comisión, lo que usted pagará por el lote adquirido.

¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA SIN ESTAR PRESENTE EN EL SALÓN? ¿SE PUEDEN HACER OFERTAS SIN ASISTIR AL SALÓN DE SUBASTAS?

El formato de ofertas en ausencia se encuentra en la última página de este catálogo

Sí, existen dos sencillas formas de hacer ofertas en ausencia: • Por escrito. Usted llena el formato de ofertas en ausencia, indica el número de lote o lotes que desea, así como la oferta máxima que quiere hacer por cada uno de ellos. Así, uno de nuestros representantes estará haciendo las ofertas en su nombre y representación. • Por teléfono. Previamente a la subasta, usted elige el lote o lotes por los que hará sus ofertas. Al momento que el lote salga a remate, uno de nuestros representantes se comunicará con usted y así estará pasando sus ofertas al subastador.

OFERTAS EN AUSENCIA El personal autorizado por Morton podrá hacer efectivas las pujas en representación de los licitadores, sin ningún cargo para el licitador y de acuerdo a las siguientes reglas: 1. El licitador podrá hacer llegar su postura a Morton hasta cuatro horas antes de celebrarse la subasta, mediante la entrega de la ficha de registro para ofertas en ausencia directamente en nuestras oficinas, con acuse de recibo, por medio de fax o bien por correo electrónico a la siguiente dirección: ofertasenausencia@mortonsubastas.com, el formato está a su disposición en nuestras oficinas así como en el catálogo de la subasta. 2. Será necesario que Morton haya recibido las posturas del licitador, señalando un monto máximo como límite de cada puja. 3. En el caso de que el límite máximo fijado por el licitador en ausencia se iguale con la última puja de la sala, se autoriza a Morton a subir a la siguiente puja por cuenta del licitador en ausencia; de lo contrario el licitador presente en la sala tendrá la prioridad sobre el lote. Esta información se considera confidencial. 4. Como garantía de pago, en el caso de que el licitador se presente en Morton para registrar ofertas en ausencia deberá firmar un comprobante de tarjeta de crédito bancario o American Express a la orden de Galerías Louis C. Morton, S.A. de C.V. 5. Los lotes se adjudicarán al precio más bajo que permitan las demás pujas o posturas aceptadas en la sala. 6. En caso de que hubiera dos o más licitadores en ausencia, con ofertas por el mismo lote y por la misma cantidad, se adjudicará el lote al licitador cuya oferta haya sido presentada primero en día y hora. En lo demás, son aplicables todas las reglas de la subasta. 7. Morton NO es responsable si alguna de las ofertas en ausencia no se logra realizar. 8. Morton NO acepta ofertas sin límite.

OFERTAS POR TELÉFONO 1. Pueden hacerse ofertas vía telefónica en el salón de subastas durante el desarrollo de la subasta, presentando una solicitud por escrito y entregada a Morton por lo menos con dos días hábiles de anticipación siempre y cuando la cifra sea mayor a $10,000.00 por cada lote de su interés. Las condiciones para hacer efectivas las pujas, son las mismas que para ofertas en ausencia. Puede hacernos llegar sus ofertas y demás documentos vía fax o bien a la dirección electrónica: ofertasenausencia@mortonsubastas.com 2. No se aceptarán ofertas por teléfono que no tengan postura, ni menores a $10,000.00

INFORMACIÓN IMPORTANTE • El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor. •

El subastador podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva, por medio de pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores.

• El transporte es por cuenta del comprador. •

Todas las piezas se venden en el estado en que se encuentran, favor de revisarlas bien antes de comprar; si tiene alguna duda no compre.

•

Todas las piezas incluidas en este catálogo, están revisadas y muchas de ellas autentificadas tanto por los propietarios o por algún experto. Por favor si tiene dudas o requiere más información estamos a sus órdenes y le asistiremos en lo más que podamos aclarar.

•

De acuerdo a lo establecido en el Artículo 16, de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos y el Artículo 37 de su Reglamento; es necesario realizar el trámite INAH-00-005 para obtener el PERMISO DE EXPORTACIÓN TEMPORAL O DEFINITIVA DE MONUMENTOS O BIENES MUEBLES HISTÓRICOS. Para realizar dicho trámite es necesario ingresar a www.tramites.inah.gob.mx en la opción de Exportación y Transporte.

•

Si por alguna razón nuestra descripción no es de su entera satisfacción, usted puede revisar las piezas previamente a la subasta y traer a su experto dentro del horario de exposición.

• Los precios estimados son en pesos mexicanos. • En los lotes que no llevan estimado, la salida está por abajo de $2,000.00 M.N. •

Si por alguna razón no puede pasar a liquidar en el tiempo ya mencionado, haremos efectivo el cargo a la tarjeta de crédito, más su porcentaje correspondiente.

•

Compras por debajo de $50,000.00 M.N., se cargarán el mismo día a la tarjeta de crédito más su porcentaje de comisión de la subasta.

• Morton Subastas le proporciona factura por el Premium y el IVA correspondiente. • Una vez hecha la factura no hay cambio de nombre. • Si se le asigna un lote en la subasta no hay devoluciones ni reclamaciones.

RETIRE SUS PIEZAS COMPRADAS EN SUBASTA A TIEMPO Las piezas de esta subasta se deberán recoger en los siguientes días y horarios, en Monte Athos 179, Lomas de Chapultepec:

Martes 22 de noviembre de 9:30 a.m. a 7:00 p.m.

Miércoles 23 de noviembre de 9:30 a.m. a 7:00 p.m. Jueves 24 de noviembre de 9:30 a.m. a 7:00 p.m.

Si no son recogidos en este plazo tendrán un cargo del 10% mensual sobre la reserva.

LA SUBASTA 1. Al iniciar la subasta, el martillero indicará el lote a ser subastado, ya sea por medio del número que corresponda de acuerdo al catálogo de la Subasta o dando lectura a la descripción, las características y el precio de salida. 2. La subasta de cada lote se iniciará cuando el martillero pregone el precio de salida del mismo y entonces los licitadores podrán hacer efectivas las pujas o aceptar la postura ofrecida por el martillero. El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor. El martillero podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva, por medio de pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores. 3. Para que el martillero adjudique un lote, será necesario que no haya pujas que mejoren la anterior; por lo tanto el precio mencionado por el martillero constituirá el precio de martillo o de venta que deberá pagar el licitador. 4. Las pujas, es decir, la cantidad que el licitador ofrece respecto a la postura anterior o al precio de salida, se regirán dentro de los siguientes parámetros: PRECIO DE SALIDA

INCREMENTO DE LA PUJA

DE:

$100

$1,000

$100

$1,000

$5,000

$200 $500 $800

$5,000

$10,000

$500

$10,000

$20,000

$1,000

$20,000

$50,000

$2,000

$50,000

$100,000

$5,000

$100,000

En adelante

$10,000

5. La persona a la que el martillero adjudique el lote, se convierte en el propietario del mismo, como consecuencia deberá pagar lo siguiente: a. El precio de venta o de martillo del lote subastado. b. La cantidad equivalente al 20% del precio mencionado en el punto (a) por concepto de comisión (Premium). c. El Impuesto al Valor Agregado sobre la comisión. d. En caso de que el pago se efectúe con tarjeta de crédito bancario o American Express, se agregará el 6.6% sobre el monto total, por concepto de comisión por el uso de tarjeta de crédito. 6. Como consecuencia de la adjudicación del bien, personal de Morton presentará al comprador una hoja de adjudicación y un estado de cuenta y realizará el cierre del comprobante de la tarjeta de Crédito Bancario o American Express, según sea el caso.

7. El transporte corre por cuenta del comprador. 8. Compras menores de $50,000.00 (cincuenta mil pesos 00/100 M.N.) se cargarán el mismo día a la tarjeta de crédito, más el porcentaje de comisión de la subasta, el I.V.A. correspondiente. 9. Si requiere factura a nombre de su Compañía, favor de solicitar al momento de liquidar, mostrando el Registro Federal de Causantes. NO habrá cambios en las facturas. 10. Una vez adjudicado un lote no se aceptan reclamaciones ni cancelaciones. 11. La mercancía se subasta, adjudica y entrega en las condiciones en que se encuentra, por lo que le recomendamos acudir a nuestras exhibiciones o verificar plenamente que el lote a subastar reúna las condiciones y características de su interés.

Lote 86

Lote 253 Lote 178

Subasta de Arte Latinoamericano No es casualidad que el mercado del arte latinoamericano moderno y contemporáneo haya experimentado un crecimiento del 11% en el 2015, de acuerdo a los reportes de Deloitte y ArtTactic 2016. Exposiciones recientes tales como “Wifredo Lam”, organizada en colaboración por el Centre Pompidou, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y la Tate Modern; o “Mexique (1900-1950)” en el Grand Palais de París, demuestran que el arte latinoamericano interesa y apasiona, no sólo en el ámbito del coleccionismo, sino en el académico e institucional alrededor del mundo. Morton, en la segunda Subasta de Arte Latinoamericano del año, se complace en reunir para usted 238 obras de muchos de los maestros modernos y contemporáneos más importantes de la región; artistas provenientes de Chile, Brasil, Colombia, Cuba, Argentina, Perú, Uruguay y, desde luego, México. Al recorrer las páginas de este catálogo encontrará una magnífica selección de bodegones, uno de los géneros pictóricos más ricos y versátiles de la modernidad. Destacan de forma especial los de Antonio Rodríguez Luna, Roberto Montenegro, Luis García Guerrero, Nahum B. Zenil, Chucho Reyes, Santos Balmori, Gustavo Montoya y, sin duda, el “Bodegón con guitarra”, fechado en 1958 de Fernando Botero, quien es una referencia indiscutible en el mercado del arte latinoamericano. Esta subasta es también una oportunidad única de acceder a una gran variedad de autorretratos: Germán Venegas, Segundo Planes, Juan Cárdenas, Guillermo Meza, Ramón Alva de la Canal, Sylvia Ordóñez, Alejandro Colunga, Gustavo Montoya, Juan Carlos del Valle, José Luis Cuevas, Miguel Covarrubias, Alfredo Castañeda, Francisco Toledo y Edouard Duval-Carrié; algunos desde la idealización, otros desde la representación, el disfraz o el memento mori, pero todos nos permiten intuir la psique de los artistas a través del género artístico más introspectivo y personal que existe. Otras obras destacadas incluyen un políptico de gran formato de Pedro Coronel que representa a Prometeo robando el fuego del Olimpo para regalarlo a los hombres; una piroxilina de David Alfaro Siqueiros que muestra el Juicio Final; una marina de Joaquín Clausell y una lámina perforada de la serie “Mensajes” de Mathias Goeritz. Lo invitamos a conocer estas, y todas las demás obras que se subastarán el 17 de noviembre, en la exposición previa. Los especialistas del Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo estarán encantados de asesorarlo personalmente para resolver cualquier duda que tenga respecto a las obras o al proceso de compra en subasta. Sin duda será una noche especial para los coleccionistas y amantes del arte, y será un privilegio contar con su presencia. Morton Subastas

Lote 16

MIGUEL COVARRUBIAS

(Ciudad de México, 1904 - Ciudad de México, 1957)

Harlem beauty, belleza de Harlem Firmada "Covarrubias" Tinta y carboncillo sobre papel 23.5 x 15.5 cm Con carta de autenticidad de Adriana Williams, agosto de 2016. Esta obra es un estudio preliminar para el conocido gouache "Harlem beauty" o "Belleza de Harlem" que realizó a finales de la década de 1920 en Nueva York. Miguel Covarrubias fue un importante pintor, dibujante e investigador mexicano de la segunda mitad del siglo XX. En 1924, decidió instalarse en Nueva York y pronto presentó su primera exposición de caricaturas, las cuales fueron publicadas en Vanity Fair, lo que lo hizo alcanzar fama mundial. Durante su estancia en esta ciudad, frecuentaba el barrio de Harlem, uno de los centros de mayor afluencia afroamericana. En los años 20, este lugar fue clave para el renacer del jazz y el blues. Para Covarrubias, Harlem era un hermano de la sección bohemia de la Ciudad de México, ambos lugares reunían intelectuales y artistas que compartían descubrimientos culturales y Covarrubias estuvo allí para atestiguar con humor, pasión y belleza el llamado "Renacimiento de Harlem". "Con un interés en el consumo popular y las tradiciones étnicas que lo condujeron a una carrera como antropólogo, Covarrubias buscó transmitir la vibrante cultura, distintiva de Harlem que tanto le fascinaba. Sus dibujos eran, por tanto, con énfasis racial. En lugar de retratos individuales, sus cifras eran más a menudo, las mujeres, el camarero, el baile, la música, el hombre de juego, etc. El énfasis en las características raciales hizo que sus dibujos fuesen además de cómicos, exageraciones estereotipadas de los afroamericanos". Wendy Wick Reaves. Fuentes consultadas: "Miguel Covarrubias, caricaturas de la época del jazz". Blog oficial del National Portrait Gallery, Londres, 8 de junio de 2012 y PONIATOWSKA, Elena. Miguel Covarrubias. Vida y mundos. México. Ediciones Era, 2004, pp. 13 - 15.

$94,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,800-$8,000 13

CARLOS OROZCO ROMERO

(Guadalajara, Jalisco, 1898 - Ciudad de México, 1984)

Los hilos Firmada y fechada 1939 Acuarela sobre papel 52 x 38 cm Esta obra es una variante del óleo del mismo título, también fechado en 1939 que forma parte de la colección del Instituto Nacional de Bellas Artes. Carlos Orozco Romero fue un sobresaliente pintor, dibujante y muralista jalisciense conocido por sus excelentes discursos estéticos. Inició su carrera como ilustrador y caricaturista de diversos periódicos del país bajo el seudónimo de "Karicato". Debido a sus dotes como dibujante consiguió una beca que le permitió viajar a España y a Francia. A finales de los años 20, hizo la transición de la caricatura a la pintura, la cual estuvo influenciada por el trabajo de los artistas relacionados al movimiento muralista; entre ellos conoció a Carlos Mérida, con quien fundó la escuela de Danza del Instituto Nacional de Bellas Artes en 1932. Los años 30 fueron para Orozco Romero un período de constante producción artística relacionada con el teatro. Bajo la influencia contemporánea de la época y las vanguardias europeas, diseñó desde vestuarios y escenografías hasta el maquillaje de los personajes. En 1938, colaboró en la revista "Letras de México", una de las publicaciones más importantes del medio literario. Tan sólo un año después, viajó a Nueva York, donde presentó algunas exposiciones exitosas. Para principios de los años 40, Orozco Romero ya se había convertido en una figura pública del medio artístico internacional, dedicando el resto de su vida a poner en alto el nombre de México a través de sus múltiples disciplinas artísticas. Fuentes consultadas: "Carlos Orozco Romero, un paradigma desconocido de la modernidad". México. Secretaría de Cultura, INBA, Boletín de prensa No. 1069, 14 de agosto de 2016 y TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 450.

$60,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,200-$5,350 14

CARLOS OROZCO ROMERO

(Guadalajara, Jalisco, 1898 - Ciudad de México, 1984)

Personaje con vasija o Mujer en rosa Firmada y fechada 1939 Acuarela sobre papel 52 x 38 cm Esta obra es una variante del óleo, fechado en 1940. A partir de estas se realizó la serigrafía, impresa en el taller de Ediciones Multiarte de Enrique Cattaneo en 1980 para Olivetti Mexicana S. A.

"Criptogramas y jeroglíficos reducidos a especies de marionetas, movidas por hilos artificiales, desde dimensiones inexistentes. La inexistencia del deber y lo devoto del que ama la pintura como forma de comunicación. […] El estilo de Orozco Romero es definitivo. Y el estilo es lo que diferencía al arte en todas sus épocas y viene a ser referencia de la historia. […] El profundo significado espiritual que conllevan las obras del maestro, la inexorable capacidad para hacer la inmersión en los laberintos de la fortuna, mediante sus hombrecillos que juegan el juego de la eternidad son sorpresas del espíritu joven que se renueva en cada obra y que es distinto por grandeza y por capacidad inventiva". Alfonso de Neuvillate. Fuente consultada: DE NEUVILLATE, Alfonso. "Carlos Orozco Romero: transmutación poética", 1980.

$60,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,200-$5,350 15

NEMESIO ANTÚNEZ

(Santiago de Chile, 1918 - Santiago de Chile, 1993)

Tango de la bicicleta Firmada al frente. Firmada y fechada Londres 1980 al reverso Acuarela y témpera sobre papel 48.5 x 63.5 cm Fue un pintor y grabador chileno que cultivó un estilo entre el expresionismo y el surrealismo. Con tan sólo 25 años realizó su primera exposición en el Instituto Chileno-Británico de Cultura, muestra que le abrió paso a la beca Fulbright para realizar estudios en la Universidad de Columbia en Nueva York. Durante su estancia en la capital del arte, Nemesio se familiarizó con la técnica del grabado en el taller de Stanley William Hayter, un artista británico considerado uno de los grabadores más importantes del siglo XX. En 1950 se trasladó a la sucursal del taller de Hayter en París y tres años más tarde regresó a Chile para intentar introducir las técnicas europeas, sin embargo no tuvo el éxito deseado y, ante esa situación, decidió abrir su propio taller en 1956 en el que adoptó los planteamientos del taller de Hayter. El taller, llamado "Taller 99", logró revolucionar la percepción del grabado en Chile, generando interés en nuevos artistas. Su obra es sumamente variada en técnicas y temas, realizó quince murales y sólo cinco fueron pintados en Santiago de Chile, son considerados monumentos nacionales. En 1961, Nemesio Antúnez fue nombrado director del Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Chile y en 1969 asumió el puesto de director del Museo Nacional de Bellas Artes de Chile. En vida, realizó casi 30 exposiciones individuales en diversos países de América y Europa, y de 1997 a 2013 se realizaron diez exhibiciones póstumas. Fuente consultada: sitio oficial del Taller 99 www.taller99.cl

$35,000.00-$55,000.00 M.N. USD $1,900-$2,950 16

BYRON GÁLVEZ

(Mixquiahuala, Hidalgo, 1941 - Ciudad de México, 2009)

Sin título, ca. 2000 Firmado Óleo sobre tela 60 x 80 cm Con certificado de autenticidad de Art Forum, firmado por Eva Beloglovsky, viuda del artista, marzo de 2011. Agradecemos a Óscar Gálvez y a Eva Beloglovsky, viuda del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2016. Esta obra forma parte de una serie que el artista realizó para el Festival del Caribe Internacional en Cancún en el año 2000. Byron Gálvez creció rodeado de un ambiente cultural, lo que lo llevó a estudiar en la Academia de San Carlos. En 1964, presentó su primera exposición individual, en la cual el famoso actor Vincent Price lo nombró el "Picasso mexicano" y adquirió la mayoría de las obras que conformaban la exhibición. En 1989 realizó su quinta exposición en Estados Unidos y en 1996 el Museo del Palacio de Bellas Artes realizó una muestra retrospectiva de su trabajo artístico. Fue mediante la intensidad de los sentimientos, sensaciones, formas y colores que caracterizaron los movimientos artísticos del expresionismo y figurativismo que Byron Galvéz alimentó la mayor parte de su obra pictórica. Además de sus maestros de la academia, Luis Nishizawa y Gustavo Montoya, tuvo también una fuerte influencia de artistas mexicanos como Rufino Tamayo, Carlos Mérida, e internacionales tales como Picasso y Kandinsky. "En sus óleos se vive una celebración de la vida: las figuras bailan y viven en una constante fiesta, a veces erótica, otras más inocente. […] Sus figuras, planos, colores, texturas y composiciones estimulan la imaginación, deleitan nuestra vista y elevan nuestro espíritu". Eva Beloglovksy. Fuente consultada: sitio oficial del artista: www.byrongalvez.com

$120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,400-$10,700 17

CARLOS MÉRIDA

(Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984)

La princesita de Ixtanquiqui Firmado y fechado 1917 Gouache sobre papel 23 x 19 cm Carlos Mérida fue un relevante artista guatemalteco, nacionalizado mexicano, de la segunda mitad del siglo XX. Desde sus inicios, fue un pintor sumamente apegado a la idea de siempre experimentar con los cambios, jugaba y gozaba su trabajo. En 1912, viajó a París para involucrarse más con las vanguardias, sus estudios lo llevaron a viajar por otros países de Europa y a diversos países de Latinoamérica, hasta que se trasladó a México, país donde radicó un poco más de treinta años, tras destacar dentro del limitado círculo de artistas muralistas y colaborar con los tres grandes: Rivera, Siqueiros y Orozco. Desde antes de llegar a nuestro país, sus obras ya abordaban múltiples temas relacionados a la cultura prehispánica, algunas se resumían a figuras y signos mayas, como lo podemos ver en este exquisito gouache con el jeroglífico de la voluta del habla saliendo de la boca de la mujer. Obras como esta sintetizan el finísimo colorista que era Mérida y su gusto por el juego geométrico y las estilizadas líneas que narran la íntima relación del artista con la historia y su sensibilidad por el lenguaje de las culturas populares. Fuentes consultadas: DE LA TORRE, Mario. Carlos Mérida en sus 90 años. México. Cartón y papel de México S.A de C.V, 1981, Pág. 30 y CARDOZA Y ARAGÓN, Luis. Carlos Mérida. Color y forma. México. CONACULTA, 1992, pp. 42-44.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,350-$8,000 18

CARLOS MÉRIDA

(Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984)

Popol Vuh Firmado y fechado 1943 Lápices de color sobre papel 31 x 26.5 cm Esta obra es un dibujo original preparatorio para una de las láminas del proyecto "Estampas del Popol Vuh", una de las más reconocidas carpetas de obra gráfica de Carlos Mérida, editada en México por Graphic Arts Publications Editores. "Estampas del Popol Vuh" constaba de 10 litografías y textos con fragmentos del Popol Vuh, se imprimió en 1943 en el Departamento de Litografía de los Talleres Gráficos de la Nación. $200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,700-$16,000 19

RODOLFO NIETO

(Oaxaca, 1936 - Ciudad de México, 1985)

Sin título Firmada al frente. Firmada y fechada 27 de octubre 1966 al reverso Mixta y collage sobre tela 58 x 45 cm Agradecemos a Martha Guillermoprieto por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2016. Procedencia: adquirida en Galería Alfonso Rubio, Monterrey en 1991. Adquirida en Galerie de France, París en 1989. Presenta detalles de conservación. Nacido en tierra oaxaqueña, Nieto tuvo sus raíces plásticas ligadas a la cultura de esa zona, pero con una visión mucho más contemporánea. Estudió en La Esmeralda, teniendo como mentor a Juan Soriano y a otros maestros que lo dirigieron a exponer colectivamente. Desde entonces, su obra ya comenzaba a entrelazar texturas, colores, formas abstractas, fusiones de animales con humanos y temas de la naturaleza que creaban situaciones y ambientes fantásticos. Nieto fue creando su propio lenguaje, sin embargo mientras realizaba estudios en el extranjero fue influenciado por Francisco Toledo, Octavio Paz y Julio Cortázar, a quienes conoció en París. En 1962, realizó su primera exposición individual con gran éxito en el Museo de Arte Moderno de Oslo, en Noruega, y a partir de ello, diversos museos y galerías le abrieron sus puertas, incluyendo el Museo de Arte Moderno de París. Su carrera artística siempre fue sólida, con excelentes críticas. Su maestría en el dibujo y la pintura lo llevaron a ser uno de los artistas más importantes de la segunda mitad del siglo XX.

Fuente consultada: MORENO VILLARREAL, Jaime. "Lo que era todo tiene que ser nada. Homenaje a Rodolfo Nieto". México. Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, 1995, en www.marco.org.mx

$150,000.00-$220,000.00 M.N. USD $8,000-$11,800 20

RODOLFO NIETO

(Oaxaca, 1936 - Ciudad de México, 1985)

Sin título Firmado Gouache sobre papel 50 x 65 cm Referenciado al reverso PG - 1964 - 41 Agradecemos a Martha Guillermoprieto por la verificación de autenticidad de esta obra, agosto de 2016.

"Trato de hacer una pintura antagónica, llena de tensiones. Hago materias abyectas junto a materias preciosas". Rodolfo Nieto. $150,000.00-$220,000.00 M.N. USD $8,000-$11,800 21

PAL KEPENYES

(Kondoros, Hungría, 1926 - )

Gallo, de la serie Vivos Firmada Escultura en bronce, pieza única 100.5 x 120 x 39 cm medidas variables Con certificado de autenticidad del artista. Si desea ver otras perspectivas de esta obra puede consultar www.mortonsubastas.com o solicitarlas a nuestros especialistas del departamento de Arte Moderno y Contemporáneo. Después de la Segunda Guerra Mundial se inscribió en la Escuela de Artes Decorativas en Budapest para posteriormente ingresar a la Academia Superior de Bellas Artes, donde fue alumno del insigne maestro Béni Ferenczy. Fue preso político durante la Revolución Húngara; la sensibilidad desarrollada durante ese periodo de su vida consolidó su vocación como artista. Cuando finalmente fue liberado, decidió irse a París a continuar con sus estudios, ahí comenzó su fama como escultor, artista de joyería fina y herrero sobresaliente. Posteriormente viajó a México, donde encontró en Acapulco el ambiente propicio para desarrollar su obra con plena libertad creativa, y es ahí donde reside desde hace más de 50 años. Siendo el bronce prioritario en su trabajo escultórico, Kepenyes comenzó a exhibir su arte en Budapest y posteriormente sus obras han sido expuestas en París, Londres, Tokio, Berlín, Canadá, Estados Unidos, Austria, Holanda y por supuesto en México. Es autor de diversas obras monumentales entre las que destaca "Pueblo del sol", que se ha convertido en símbolo del nuevo Acapulco. "Una luz brilló en mi mente y me di cuenta de que todo cambia, todo se mueve, todo se transforma. A partir de ese momento mi vida pasada parecía una película velada y yo podía ver la Tierra en su origen, rodeada de huracanes de gases transparentes. Fui testigo de la creación, ¡yo estaba ahí! Pero no tenía cuerpo. Morí por un instante y volví para tener el cuerpo que poseo hoy. Viajé por todo el mundo en el lomo del toro gigante de Zeus conquistando Europa. Disfrutar tantas vivencias me ha permitido cambiar y crecer, ser transportado y alterado; crear y destruir. Este fue el inicio de 'Vivos', las esculturas vivas. Los 'Vivos' pueden ser diferentes si uno lo desea, pueden tomar la forma que evoque el espectador. En los museos suelen prohibir a la gente que se acerque a las esculturas, yo insisto en que toquen mi trabajo y lo juzguen". Pal Kepenyes. Fuente consultada: ORÉ, Bob. Pal Kepenyes. Kaos. E.E. U.U. Pal Kepenyes, Preston Litho + Studio, 2010, pp. 4 y 6.

$180,000.00-$280,000.00 M.N. USD $9,600-$15,000 22

JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006)

Orfeo Firmado y fechado 68 Óleo sobre tela 83 x 69 cm Con etiqueta del Instituto Nacional de Bellas Artes, oficina de registro de obras. Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2016. Expresó Sergio Pitol sobre Juan Soriano: "Un artista tocado por la levedad y la gracia pero también por la intensidad de emoción. En su

obra cabe el mito y la realidad a secas, lo cotidiano y lo universal, lo lejano y lo que está a la mano. Lo único que no admite es lo pomposo, lo hueco, lo falso". Orfeo fue en la mitología griega, un cantor mítico, hijo de Apolo y de la musa Calíope. Era un hábil tañedor de la lira y cantor apasionado, con sus melodías amansaba a los animales feroces. El día de su boda con la ninfa Eurídice, la novia cayó sobre la hierba y murió de la mordedura de una serpiente. Orfeo, inconsolable y desesperado, se atrevió a descender al Hades y, para recuperar a su amada, intentó conmover a Perséfone con su canto. La diosa le concedió que retomase a Eurídice con la condición de que él no se girara para mirarla antes de abandonar los parajes infernales. Pero como no fue capaz de mantener su promesa, Orfeo perdió a Eurídice para siempre. Esta obra muestra el momento en que Orfeo llega al Hades y se enfrenta al temible Cerbero, guardián de la puerta del inframundo. Fuentes consultadas: MONSIVÁIS, Carlos et ál. Juan Soriano. Aves de paso. España. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2006, Pág. 52 y SECHI MESTICA, Giuseppina. Diccionario Akal de mitología universal. México. Ediciones Akal, 1998, Pág. 202.

$500,000.00-$700,000.00 M.N. USD $26,750-$37,400 23

PEDRO CORONEL

(Zacatecas, 1923 - Ciudad de México, 1985)

Sin título Firmado y fechado Roma 69 al reverso Pastel graso sobre papel 69 x 49.5 cm Agradecemos a Martín Coronel por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2016. Presenta ligeros detalles de conservación. En los años sesenta Pedro Coronel se desligó de las tendencias pictóricas del ámbito nacional para tomar un camino personal, a lo cual contribuyeron sin duda sus prolongadas estancias en el extranjero. A finales de esta década residió en París y Roma. A su regreso a México presentó la exhibición "Año Uno Luna" en el Museo de Arte Moderno. En la obra expuesta, se olvidaba de las texturas, los planos eran lisos, la vivencia del color fluía sin ataduras formales, ni intenciones anecdóticas, era una pintura espacial, sin recurrir a perspectivas y engaños superficiales; triunfaba lo medular de este artista mexicano: el color. Fuente consultada: CORONEL ORDIALES, Martín et ál. Pedro Coronel. Retrospectiva. México. Gobierno del estado de Zacatecas, Museo de Arte Moderno, CONACULTA, 2005, Pág. 49.

$70,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,750-$4,300 24

JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006)

Pájaro sobre la ola Firmada y fechada 02 Escultura en bronce a la cera perdida P A II 50 x 32 x 13 cm Con certificado de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., enero de 2012. Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2016. Procedencia: adquirida a la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C. Existe otra versión en formato similar de esta obra, pero cuya fundición data de 1990 y otra más grande de 1992. Si desea ver otras perspectivas de esta obra puede consultar www.mortonsubastas.com o solicitarlas a nuestros especialistas del departamento de Arte Moderno y Contemporáneo. "Si examinamos el desarrollo de la obra pintada, dibujada, grabada o esculpida de Juan Soriano a lo largo de varias décadas, observaremos que su mundo, aunque diverso y complejo, está compuesto en buena medida por animales. Sus esculturas confirman su capacidad de inventiva, constantemente renovada. Aquí se verá una zoología inaudita, la ornitología personal de Juan Soriano". Serge Fauchereau, "La galaxia aviar de Juan Soriano" (fragmento). "La sospecha de que no hay ola inmortal convenció a Juan Soriano de la necesidad de producir una que sí lo fuera, y fundió una ola en bronce. Temeroso de que su peso la perdiera la privó del mar, y para que no cayera al vacío –ni permaneciera sola en medio de él– le posó un ave marina en la cresta, un ave cuyas patas parecen afincarse en la espuma, ansiosas de catapultar a su dueña al cielo, pero cuya verdadera responsabilidad es suspender la ola, darle una leve sensación de ingravidez". Orlando González Esteva. Fuentes consultadas: SULLIVAN, Edward J. et ál. Juan Soriano. Los sueños moldeados. México. Grupo Azabache, 2005, pp. 23-25 y MONSIVÁIS, Carlos et ál. Juan Soriano. Aves de paso. España. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2006, Pág. 40.

$120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,400-$10,700 25

ANTONIO CHEMOR

(Ciudad de México, 1952 - )

Vaciamiento de cuboide (Estudio sobre trapezoides 4 y homenaje a Fritz Wotruba 2), 2010 - 2011 Sin firma Escultura, talla directa en roca volcánica extrusiva de Tepoztlán, pieza única 28 x 24 x 20 cm Con certificado de autenticidad del artista, octubre de 2016. Exhibida en: "La mirada de las piedras", exposición individual Presentada en el MACAY de julio a septiembre de 2014. Publicada en: ESPINOSA FERNÁNDEZ, Jorge. Antonio Chemor. México. Arte Hoy galería, 2013, Pág. 38, en ESPINOSA FERNÁNDEZ, Jorge. Geometrismo escultórico mexicano. México. Arte Hoy Galería, 2013, Pág. 31 y en LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, No. 130, septiembre de 2015. Si desea ver otras perspectivas de esta obra puede consultar www.mortonsubastas.com o solicitarlas a nuestros especialistas del departamento de Arte Moderno y Contemporáneo. Escultor por formación, experiencia y convicción autodidacta, en 2006 se inició en la talla directa en piedra. Algunas de sus influencias escultóricas más importantes han sido artistas como Eduardo Chillida, Henry Moore, Constantin Brancusi y Hans Arp y el arte prehispánico también ha sido un referente significativo en su enfoque artístico y exploración estética. Su búsqueda en la escultura se inclina hacia el balance de las formas, los contornos y los contenidos internos de cada una de las obras. En 2013 participó en la exposición colectiva "Geometrismo escultórico mexicano", al lado de artistas como Manuel Felguérez, Ángela Gurría, Vicente Rojo y Jesús Mayagoitia; y en 2014 presentó la muestra individual "La mirada de las piedras" en el Museo Fernando García Ponce (MACAY) en Mérida. La lectura de poesía, filosofía y su interés en la música contemporánea de vanguardia, han sido los maestros de Chemor, ya que nunca trabajó con algún escultor en un taller de piedra, todo el trabajo técnico lo ha aprendido por sí mismo y lo ha creado con sus propias manos, ningún cantero o ayudante le hace su trabajo. Antonio encuentra el placer, el gozo y lo que está buscando y no sabía que encontraría, en su taller. En su obra encontramos puentes y diálogos artísticos con obras artísticas y culturas que importa señalar. En este caso homenajea y parafrasea de una manera sutil, la obra del escultor austriaco Fritz Wotruba, cuya obra se caracterizaba por tender hacia la abstracción geométrica partiendo del cubo como forma primigenia. Fuente consultada: ESPINOSA FERNÁNDEZ, Jorge. Antonio Chemor. México. Arte Hoy galería, 2013, pp. 7, 8 y 19.

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,700-$3,750 26

MANUEL FELGUÉREZ

(Valparaíso, Zacatecas, 1928 - )

Sin título Firmado y fechado 90 Acrílico y arena sobre tela 115.5 x 135.5 cm Agradecemos al Maestro Manuel Felguérez y a su esposa Mercedes Oteyza por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2016. Manuel Felguérez es un artista implacable y analítico, un pintor libre y un escultor rígido que tras su fuerza reveladora ha creado su propio estilo. Estudió en la Academia de San Carlos, en La Esmeralda y en la Académie Colarossi en París. Formó parte de la Generación de la Ruptura, junto a otros importantes artistas como Vicente Rojo, Fernando García Ponce y Lilia Carrillo. Es un artista que siempre ha experimentado con las formas, la materia y el color. Cada obra suya es una aventura, siempre ordenadas, así como analíticas, abstractas y hasta poéticas. Si bien, la tecnología fue un compromiso artístico para Felguérez, con su uso, aumentó su producción plástica y realizó diversos proyectos que poco a poco fueron recibidos con elogios. En 1975 por las obras de "El espacio múltiple" obtuvo la beca Guggenheim, uno de los subsidios de arte más importantes a nivel internacional. Ese mismo año, fue galardonado con el Gran Premio de Honor en la XIII Bienal de São Paulo, Brasil, una de las exposiciones de arte moderno más importantes de Latinoamérica. Actualmente, Felguérez es considerado el pintor más intelectual de su generación, sus obras se pueden encontrar en museos e importantes colecciones mexicanas y extranjeras. Fuentes consultadas: GONZÁLEZ TORRES, Alberto. México abstracto. Manuel Felguérez. Islas Canarias. CONACULTA, INBA, 2008, pp. 30 y 31; y MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 259.

$400,000.00-$500,000.00 M.N. USD $21,400-$26,750 27

MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990)

Mensaje, ca. 1970 Sin firma Lámina perforada y dorada 70 x 70 cm Con certificado de autenticidad de la Dra. Lily Kassner, agosto de 2016. En 1958 un acontecimiento lamentable hundió a Mathias Goeritz en una desoladora depresión: la muerte de su esposa Marianne Gast. Aunque el matrimonio se había separado tiempo antes, al saber que ella, estando en Alemania, enfermó y fue operada de un tumor cerebral, Mathias pasó los últimos meses a su lado. Este hecho tan doloroso lo llevó a crear una serie de obras en las que enfatizaba la tristeza; afortunadamente ayudaron a desahogar sus sentimientos, una catarsis que cobró forma en la serie "Mensajes”. El retorno hacia el mundo interior lo hizo producir, en un continuo afán de salvarse como artista, unas creaciones compuestas con clavos y hojalata, cuyo significado basaba en textos bíblicos, generalmente del Viejo Testamento. El artista los definió como “clouages”. La mayoría eran constelaciones rítmicas logradas a través de clavos superpuestos o perforaciones en hojas de metal. Con el uso de esa técnica, el artista lograba una gran variedad de expresiones, pero debe entenderse que el diseño abstracto sólo es la palabra en el verso bíblico; si al principio designó estos trabajos como “Paños de sudor”, retiró esta denominación por parecerle demasiado efectista y los llamó simplemente “Mensajes”. La primera vez que exhibió esos trabajos dentro de una exposición retrospectiva en la Galería de Arte Mexicano en la Ciudad de México, en 1959, provocó extrañeza entre el público apenas acostumbrado a sus propuestas anteriores. La Carstairs Gallery, de Nueva York, repitió esa exposición en marzo de 1960, acontecimiento que fue ampliamente discutido dentro de los círculos artísticos de esa ciudad. En ese marco, Goeritz escribió e imprimió una protesta contra el MoMA, se instaló frente al museo y distribuyó ese material. Esta fue su primera rebeldía pública contra el relativismo destructivo del arte contemporáneo y el primer llamamiento en pro de un arte espiritual y metafísico. Proponía una postura religiosa como única salida a aquella revolución artística. Al tomar partido contra el nihilismo de Marcel Duchamp y contra el ateísmo de los artistas modernos, señaló cuál sería su camino en el futuro. Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 11, No. 80, marzo - abril de 2006, pp. 4-27, KASSNER, Lily. Mathias Goeritz. Una biografía 1915 - 1990. México. UNAM, CONACULTA, INBA, 2007, Pág. 137 y ZÚÑIGA, Olivia. Mathias Goeritz. México. Editorial Intercontinental, 1963, pp. 41-43.

$2,000,000.00-$3,000,000.00 M.N. USD $107,000-$160,400

FELICIANO BÉJAR

(Michoacán, 1920 - Ciudad de México, 2007)

Custodia (Magiscopio) Firmada y fechada 79 Escultura en acero y cristal tallado 77 cm diámetro del cristal, 142 cm de altura total Agradecemos a Martín Feliciano Béjar por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2016. Si desea ver otras perspectivas de esta obra puede consultar www.mortonsubastas.com o solicitarlas a nuestros especialistas. Su formación fue autodidacta; desde que tenía 15 años Béjar comenzó a experimentar con los materiales que hallaba a su paso. En un principio se dedicó a recorrer mundo. En 1948 presentó su primera exposición en Ward Eggleston Galleries en Nueva York. Continuó su formación en los museos de París y recorrió Europa en bicicleta. En 1956, mientras vivía en París, un nuevo elemento asomó con insistencia en su obra: las luces a manera de pequeños soles. Su biógrafo, Martin Foley, lo bautizó como "el recolector de soles". Fue en México donde se involucró en la construcción de instrumentos "poblados de luz". Los soles escaparon de sus lienzos y maderas para convertirse en los ojos de sus nuevas esculturas. Así nacieron las obras bautizadas por Jorge Hernández Campos como magiscopios: instrumentos de acero reciclado con lentes encapsulados. La llegada de estas creaciones al Palacio de Bellas Artes, en 1966, constituyó la apertura a toda una generación de escultores vanguardistas, y significó la ruptura de moldes tradicionales. Impuso una nueva forma de entender el arte como un juego, una actividad lúdica en esencia. Fuente consultada: MATEOS, Mónica. "Murió Feliciano Béjar, impulsor de un arte al servicio de la sociedad". México. Diario La Jornada, sección Cultura, 2 de febrero de 2007.

$110,000.00-$180,000.00 M.N. USD $5,900-$9,600 30

FELICIANO BÉJAR

(Michoacán, 1920 - Ciudad de México, 2007)

Magiscopio, de la serie Universos Firmada y fechada 71 Escultura en latón y resina en base de madera 124 x 57 x 57 cm Agradecemos a Martín Feliciano Béjar por la verificación de autenticidad de esta obra, agosto de 2016. Presenta ligeros detalles de conservación. Si desea ver otras perspectivas de esta obra puede consultar www.mortonsubastas.com o solicitarlas a nuestros especialistas del departamento de Arte Moderno y Contemporáneo.

"Tengo el propósito de crear estructuras de líneas fuertes para capturar y albergar un mundo de visiones y poesías. Mis Magiscopios tienen cualidades de instrumentos ópticos: al mismo tiempo fantástico como calidoscopios y científico como telescopios. Algunos distorsionan, otros afinan, pero siempre dan una nueva visión. Como su nombre genérico lo indica, ellos son instrumentos para ver mágicamente –para ver la magia y poesía que existe alrededor de nosotros todos los días pero que nuestros ojos indiferentes no quieren ver–". Feliciano Béjar.

Fuente consultada: FERNÁNDEZ VALLEJO, Rossana. "Entre la indignación y la indignidad en el tratamiento mental; en Memoria de Feliciano Béjar". México. Comisión de Ciudadanos por los Derechos Humanos, 2008, www.cchrlatam.org

$110,000.00-$180,000.00 M.N. USD $5,900-$9,600 31

JESÚS MAYAGOITIA

(Ciudad de México, 1948 - )

Columnas acrobáticas Firmada y fechada 2000 Escultura en acero pintado 1 / 5 76 x 34 x 22 cm Con certificado de autenticidad del artista, octubre de 2016. Exhibida en: "Lo terreno y lo etéreo", muestra colectiva de escultura presentada con el apoyo de CONACULTA y FONCA y que itineró de abril de 2002 a enero de 2004 por diversas ciudades: Tuxtla Gutiérrez, Chetumal, Mérida, Campeche, Villahermosa, Veracruz, Ciudad Victoria, Monterrey, Chihuahua, Saltillo, Durango, Culiacán, La Paz, Mexicali y Hermosillo. Una versión de gran formato (298 cm de altura) de esta escultura fue realizada en 1998 y se encuentra en Valle Escondido, Estado de México. Si desea ver otras perspectivas de esta obra puede consultar www.mortonsubastas.com o solicitarlas a nuestros especialistas del departamento de Arte Moderno y Contemporáneo. Estudió la Licenciatura y la Maestría en Artes Visuales en la ENAP y ha realizado labores como docente en la misma institución. Es integrante del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA desde 1997. Ha presentado su obra en más de 100 exposiciones colectivas y 30 individuales. Ha recibido importantes reconocimientos en México y en el extranjero, fue el primer mexicano en ganar The Henry Moore Grand Prize por su escultura "Espacio vertical" en 1987. Su obra forma parte de relevantes colecciones entre las que destacan las del Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez, Museo de Arte Moderno, Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, Museo de Arte Contemporáneo de Aguascalientes, Museo de Arte Contemporáneo Ateneo de Yucatán (MACAY) y el museo al aire libre Utsukushi-ga-Hara en Japón. La obra de Jesús Mayagoitia se encuentra indudablemente marcada por la geometría; un purista de la línea, sus trazos se escapan del plano para materializarse en el vacío, dando color a la ausencia, proporcionando forma y figura al espacio. Esta obra pertenece a la etapa de su obra conocida como "Escultura modular" que comprende su producción de 1977 a 2000. En estas piezas, el secreto de su técnica está en la soldadura, que permite la convivencia de diversos módulos, a veces de distintos tamaños, en un equilibrio geométrico de proporciones exactas. Fuente consultada: ESPINOSA FERNÁNDEZ, Jorge. Jesús Mayagoitia. México. Arte Hoy galería, 2014, pp. 6, 17 y 68.

$70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,0750-$5,350 32

PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - )

Multipoliedro dorado, 2014 Firmada Escultura en bronce a la cera perdida 4 / 9 35 x 35 cm Con certificado de autenticidad del artista. Si desea ver otras perspectivas de esta obra puede consultar www.mortonsubastas.com o solicitarlas a nuestros especialistas del departamento de Arte Moderno y Contemporáneo. Llegó a México a la edad de tres años. Estudió Arquitectura en la Universidad Iberoamericana donde fue alumno de Mathias Goeritz. Bajo su influencia, creó modelos arquitectónicos que fusionaban diversos elementos en una sola estructura, planteándolas como algo no sólo ficticio. Integrando Art Noveau y estructuras medievales, su trabajo anticipaba la postmodernidad. "Aunque la pertenencia de Friedeberg al surrealismo haya sido certificada por André Breton, lo más seguro es que su obra gravita en ese mencionado tercer plano que guarda imprudente distancia de cualquier tendencia en que se le encasille. Así como sus disociaciones deliberadas entre obra, título y significado, Friedeberg se disoció de la historia del arte del siglo XX, de la misma manera que un juego infantil prescinde de la lógica, porque él es un caso aparte, pese a que su obra sea legible a partir de muchos de los principios del surrealismo". Luis Carlos Emerich. Fuente consultada: HOLTZ, Déborah et ál. Pedro Friedeberg. México. Trilce Ediciones, 2009, pp. 31 y 42.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,350-$8,000 33

ANTONIO RODRÍGUEZ LUNA

(Córdoba, España, 1910 - Córdoba, España, 1985)

Negro, sepia y blanco Firmado y fechado 75 al frente y al reverso Óleo sobre tela 125 x 200.5 cm Con etiqueta de Galería de Arte Mexicano y DIMART. Presenta ligeros detalles de conservación. Antonio Rodríguez Luna llegó a México en 1939 mediante un contingente de exiliados intelectuales, artistas y científicos españoles, tras el desenlace de la Guerra Civil Española y el inicio de la Segunda Guerra Mundial. Como un refugiado entre muchos, Rodríguez Luna fue pionero del éxodo artístico europeo en nuestro país, pues siendo un pintor que poseía una clara y definida conciencia de su arte, fue fácil para él ingresar en el medio mexicano. En un principio se avocó a la temática mexicana de tipo indigenista para estar a tono con la Escuela Mexicana, sin embargo nunca quiso abandonar su lenguaje, el cual continuó trabajando con la mayor pureza que como todo exiliado, vio alguna vez coartada. A poco menos de dos años de su arribo a nuestro país tuvo su primera exposición en la Galería de Arte Mexicano. Su obra parte de una sólida formación clásica con un extenso conocimiento de la tradición figurativa, que le llevó a dominar, de manera magistral, el dibujo de líneas firmes y composiciones sólidas con colores negros y tonos sombríos. Durante su estancia en nuestro país, tuvo una extensa producción artística, de gran variedad temática, entre ellas sus ya conocidas series de éxodos, naturalezas muertas y saltimbanquis. Rodríguez Luna logró exponer en importantes museos mexicanos, entre ellos el Museo de Arte Moderno en 1980. Dos años después, entró en contacto nuevamente con su tierra natal, realizando donaciones de obras de su última etapa, inaugurándose con ellas el Museo Antonio Rodríguez Luna en una de las salas del Museo Municipal de Montoro, en España. Poco después fue nombrado "Hijo predilecto" de Montoro y se le concedió la Medalla de Oro de la ciudad. Fuentes consultadas: CABAÑAS BRAVO, Miguel. Pinceladas. Dos raíces, dos tierras, dos esperanzas. México. Grupo Financiero BX+, 2014, pp. 36-48, TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo III. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 200 y sitio del Museo Municipal de Montoro www.museodemontoro.es

$380,000.00-$500,000.00 M.N. USD $20,300-$26,750

FERNANDO GARCÍA PONCE

(Mérida, Yucatán, 1933 - Ciudad de México, 1987)

Relieve sobre fondo blanco Firmada y fechada 77 al reverso Mixta sobre tela 85 x 135 cm Procedencia: adquirida en Galería Ponce. Fernando García Ponce fue un pintor mexicano perteneciente a la generación de la Ruptura. Estudió Arquitectura en la UNAM y pintura en el taller del valenciano Enrique Climent. Bajo esta primera influencia, sus cuadros fueron retratos de familiares, sin embargo, no tardó mucho en que el geometrismo dominara sus obras y fuese la esencia de todo su trabajo. Realizó su primera exposición en la Galería de Arte Mexicano en 1956, posteriormente fue con una serie de collages que se hizo acreedor a una mención honorifica en el Salón de la Plástica Mexicana. Durante casi dos años, García Ponce se estableció con su esposa en París y Barcelona, etapa en la que además de estudiar las vanguardias europeas, realizó carpetas de obra gráfica. En 1977, el periódico Excélsior anunció el regreso del prominente artista a México. Enseguida, el Museo de Arte Moderno realizó una muestra de 40 obras realizadas entre 1977 y 1978. La pintura de esos años fue potente, llena de expresiones y juegos geométricos, con toques abstractos y neo figurativos. Desde entonces y sin parar, diversas galerías y museos de la ciudad exhibieron sus cuadros e importantes colecciones privadas adquirieron obras suyas.

“Lejos de toda actitud programática, de toda preocupación sobre el sitio de su posible pintura en el curso de toda tradición, para García Ponce un cuadro no representa más problemas que el cuadro mismo. El espectador puede encontrar referencias, sugerencias, discursos. El pintor sólo soluciona un espacio con colores y espacios, y todas sus reflexiones y sus ideas acerca de lo que es el arte, el sitio de la actividad espiritual que es pintar tiene en una escala de valores, de la estética y de la ética, están contenidas implícitamente en la realización del cuadro”. Jorge Alberto Manrique. Fuentes consultadas: BORRÀS, María Lluïsa. Fernando García Ponce. México. Fomento Cultural Banamex, 1992, pp. 136-138 y sitio oficial del artista www.fernandogarciaponce.com

$190,000.00-$250,000.00 M.N. USD $10,150-$13,400 36

MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990)

Otra versión de la Serpiente de El Eco, ca. 1987 Sin firma Escultura en metal pintado 55 x 128 x 43 cm Con certificado de autenticidad de la Dra. Lily Kassner, junio de 2016. Si desea ver otras perspectivas de esta obra puede consultar www.mortonsubastas.com o solicitarlas a nuestros especialistas del departamento de Arte Moderno y Contemporáneo. “Ataque” fue el nombre inicial de la formidable escultura que en un patio abierto sorprendía a los visitantes del nuevo Museo Experimental El Eco en 1953. El motivo de la serpiente, tan frecuente en el universo simbólico precolombino, vuelve continuamente al trabajo de Goeritz en forma de variantes del prototipo inicial “Ataque”. Asimismo, la síntesis gráfica del perfil serpentino se reconoce en sus maquetas de muros plegados y celosías. El trazo quebrado puede presentarse también como una sugerente forma plástica en bronce, como obra gráfica, como bajorrelieve, como joya o tapiz, o ser utilizada como logotipo del Museo Arte Moderno. Podría decirse que esa serpiente atávica que recorre toda la producción de Goeritz resume y concentra, en cierta medida, la ambigüedad del principio de arquitectura emocional, donde la sinuosidad del trazo constituye una firma, o si se prefiere, una marca de origen. Fuentes consultadas: “Mathias Goeritz. El retorno de la serpiente y la invención de la arquitectura emocional”, Fomento Cultural Banamex, 2016 en www.fomentoculturalbanamex.org y KASSNER, Lily. Mathias Goeritz: Una biografía. México. Universidad Nacional Autónoma de México, INBA, CONACULTA, 2007, Pág. 81.

$1,200,000.00-$2,000,000.00 M.N USD $64,200-$107,000 37

PEDRO CORONEL

(Zacatecas, 1923 - Ciudad de México, 1985)

Sin título Firmado y fechado México 1971 al reverso Óleo y arena sobre tela 70.5 x 50.5 cm Agradecemos a Martín Coronel por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2016. En 1940 ingresó a La Esmeralda. En 1946 viajó por primera vez a Europa y residió en París, donde conoció a Octavio Paz y frecuentó los talleres de Victor Brauner y de Constantin Brancusi, que influyeron en gran medida en su proceso artístico. Tras vivir un año en Roma, Pedro Coronel volvió a México en 1970. Ese año exhibió "Año uno Luna" en el Museo de Arte Moderno. En 1971 expuso en la Galería de Arte Mexicano y participó en la Décimo Primera Bienal de Middleheim de Escultura en Amberes, Bélgica.

"Toda la pintura de Coronel, de sus comienzos a ahora, es un proceso de reestructuración mágica, de constante transmutación de forma y color para trastocar las cosas en sustancias alegres, agresivas, rotas, dormidas, de acuerdo con los temas. Un instinto de indomable rebeldía parece haber llevado a Coronel de lo figurativo a lo geométrico –porque él nunca será abstracto– en constante búsqueda de lo cósmico y lo puro, de aquello que no está mancillado por la culpa, que ahora es la Luna. El círculo y sus variaciones simbolizan para Pedro Coronel el trazo perfecto como manera de salir de la forma encerrada en sí hacia una forma abierta a todas las corrientes, capaz de convertirse en estas mismas corrientes por su palpitante ductilidad plástica". Berta Taracena, 1970.

Fuentes consultadas: CORONEL ORDIALES, Martín et ál. Pedro Coronel. Retrospectiva. México. Gobierno del estado de Zacatecas, Museo de Arte Moderno, CONACULTA, 2005, pp. 47-49 y CORONEL ORDIALES, Martín et ál. Pedro Coronel. México. Grupo Financiero Bital, 1993, Pág. 113.

$500,000.00-$700,000.00 M.N. USD $26,750-$37,400 38

MANUEL FELGUÉREZ

(Valparaíso, Zacatecas, 1928 - )

Sin título Firmado y fechado 83 Óleo sobre tela 119 x 100.5 cm Agradecemos al Maestro Manuel Felguérez y a su esposa Mercedes Oteyza por la verificación de autenticidad de esta obra, agosto de 2016. Con etiqueta de casa de subastas Christie's.

"Vista desde la perspectiva que otorga el paso del tiempo, la pintura de Manuel Felguérez nos revela una sorprendente forma de crecimiento. Muy pocas obras dentro de nuestras artes plásticas se desarrollan de manera tan orgánica como la suya. Su continuidad no parece permitir ningún rompimiento. Siempre está buscando y encontrando lo mismo. No se trata sin embargo, de repeticiones. Pocas obras hay, al mismo tiempo, más ricas que la suya […] De un extremo a otro, busca que el color haga posible las formas y permita que éstas devoren a aquél para alcanzar un sosegado reposo, lleno de equilibrio exterior y de tensión interior. Felguérez creó un mundo, su mundo". Juan García Ponce. Fuente consultada: Juan García Ponce. "Manuel Felguérez". México. Texto de la exposición presentada en Casa del Lago, UNAM, 22 de octubre de 1984.

$400,000.00-$500,000.00 M.N. USD $21,400-$26,750 39

ARCANGELO IANELLI

(São Paulo, Brasil, 1922 - São Paulo, Brasil, 2009)

Síntesis 1 Firmada y fechada 77 Témpera y carboncillo sobre tela 80 x 99 cm Con etiqueta de Galería Juan Martín. Arcangelo Ianelli fue un pintor, escultor, ilustrador y dibujante abstracto. Con Alfredo Volpi y Aldir Mendes de Souza, formó el grupo "3 Coloristas". En la década de 1970, en su obra acentuó su abstraccionismo geométrico utilizando predominantemente rectángulos y cuadrados, que presentaba como planos superpuestos e interpenetrados; estas obras son conocidas como "Transparências e Superposições". A partir de la mitad de esa década comenzó también a desarrollar su obra escultórica, tanto en mármol como en madera, con soluciones formales similares a las que exploraba en su pintura. En 2002, se conmemoraron sus ochenta años con una exposición retrospectiva en la Pinacoteca del Estado de São Paulo. $350,000.00-$450,000.00 M.N. USD $18,700-$25,000 40

VICENTE ROJO

(Barcelona, España, 1932 - )

México bajo la lluvia 107 Firmado y fechado México 1982 al reverso Acrílico sobre tela 100.5 x 100 cm Con certificado de autenticidad de Galería Juan Martín, agosto de 1982. Con etiqueta de Galería Juan Martín. Agradecemos al Maestro Vicente Rojo por la verificación de autenticidad de esta obra, agosto de 2016. A partir de 1946 realizó estudios de cerámica y escultura en la Escuela Elemental del Trabajo. Su padre militaba con el Partido Comunista Catalán, al terminar la guerra y ante el riesgo que implicaba regresar a España, se vio obligado a viajar a México en busca de refugio y nuevas oportunidades. En 1949 Vicente Rojo llegó a México, al poco tiempo obtuvo la nacionalidad mexicana. En 1950 ingresó a La Esmeralda, y en1958 realizó la primera exposición de su obra en la Ciudad de México. Desde entonces su desempeño como pintor y diseñador gráfico, así como su infatigable labor intelectual, han sido una aportación esencial para la cultura en México.

"En 1981 comenzó su serie 'México bajo la lluvia', quizá como un homenaje a México, como una necesidad de decirle a México o de decir de México tantas cosas que a lo largo de treinta años había atesorado. Esta serie toma la línea diagonal como base estructural, como elemento expresivo. Líneas muy juntas abarcan todo el lienzo intentando recrear la caída de la lluvia. En estas creaciones Vicente tomaba la cerrada trama y pequeñas formas de las antiguas pirámides y las llevaba a la tela a la manera de los tejidos y bordados indígenas". Lupina Lara Elizondo Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 7, No. 56, marzo - abril de 2002, Pág. 9 y DEL CONDE, Teresa et ál. Variantes. Ocho pintores. México. Impronta Editores, 1999, Pág. 62.

$220,000.00-$280,000.00 M.N. USD $11,800-$15,000 41

PEDRO CORONEL

(Zacatecas, 1923 - Ciudad de México, 1985)

Prometeo, ca. 1952 Sin firma Gouache y pastel sobre papel montado sobre lienzo, políptico Dos bastidores de 125 x 164 cm cada uno y dos de 125 x 142 cm cada uno 250 x 306 cm medidas totales Piezas: 4 Con certificado de autenticidad de Martín Coronel, diciembre de 2015. Agradecemos a Martín Coronel por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2016. Por la naturaleza de la técnica empleada, presenta ligeros detalles de conservación. En 1950 Pedro Coronel viajó a Francia, Bélgica, España y África del Norte. En 1952 regresó a México y participó en una exhibición colectiva en la Galería de Arte Contemporáneo. En 1954 presentó su primera exposición individual en la Galería Proteo y en 1955 realizó un mural de mosaico para el Sindicato Nacional de Trabajadores del Seguro Social en la Ciudad de México. "Pasión: palabra clave en el universo de Coronel. En su pintura reina la pasión. Frente al arte de propaganda y al arte abstracto, Coronel nos muestra que la verdadera fuente de la poesía y la pintura está en el corazón. Pasión se llama la fuerza que lucha contra la pesadez mineral de las grandes figuras que invaden algunas de sus telas; pasión lo que arde en sus colores hasta no ser sino un resplandeciente trozo de materia desollada, en un cielo deshabitado; y el lento movimiento de sus azules y rojos es pasión magnífica y suntuosa. Todas las reservas y las dudas del espectador desaparecen ante este candor poderoso. ¿Es necesario añadir que muy pronto Pedro Coronel será uno de nuestros grandes pintores?". Octavio Paz para la muestra en la Galería Proteo, 1954. En esta obra podemos ver, en el lenguaje de Coronel, el momento en que Prometeo (titán de la mitología griega) sube al Olimpo a robar el fuego de la sabiduría y se los brinda a los hombres, pero simultáneamente también lo vemos yacer esperando a ser desmembrado por el águila que Zeus mandaría a devorar su hígado cada día como castigo. Fuente consultada: CORONEL ORDIALES, Martín et ál. Pedro Coronel. México. Grupo Financiero Bital, 1993, pp. 38 y 181.

$4,000,000.00-$5,000,000.00 M.N. USD $214,000-$268,000 42

ALFREDO CASTAÑEDA

(Ciudad de México, 1938 - Madrid, España, 2010)

El sexto sentido Firmado y fechado 71 Óleo sobre tela 70 x 100 cm Procedencia: adquirido en Galería de Arte Mexicano en enero de 1972. Incluye fotocopia del recibo de compra firmado por Inés Amor. Alfredo Castañeda estudió Arquitectura en la UNAM; no era una carrera que en principio quisiese estudiar, sin embargo impulsado por su padre llegó a pensar que ese podría ser su camino, no obstante, la pintura siempre estuvo latente. En la facultad, conoció a Mathias Goeritz, pintor y escultor alemán que lo encaminó a lo filosófico, mágico y poético del arte, conceptos que lo animaron a hacer frente a su pintura. Es así, que durante tres años, interrumpió sus estudios para realizar un viaje a Europa, estancia que hizo rendir al máximo. En 1962, regresó a México para terminar su carrera y pronto abrió un despacho junto con Joaquín Baranda, esposo de la hija de Inés Amor. Fue así, que por medio de Baranda, Castañeda se animó a llevar su obra a las galerías. Inés, al ver su trabajo, lo entusiasmó aún más y en mayo de 1969 la Galería de Arte Mexicano presentó su primera exposición. Se podría decir que a partir de esta muestra Alfredo se dedicó únicamente a la pintura. Durante 35 años la obra de Castañeda se presentó en la Galería de Arte Mexicano, siempre apoyado por Inés, a quien le tenía un gran aprecio. Después de varios años, Castañeda afinó su técnica y comenzó a caracterizarse por un estilo muy marcado, escenarios de colores neutros y personajes imaginarios con vestimentas conservadoras. Sus obras lograron grandes éxitos y se exhibieron en museos y galerías en ciudades como Nueva York y Miami, y en México en importantes espacios como el Museo de Arte Moderno, el Museo Nacional de Arte y el Museo del Palacio de Bellas Artes. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 9, No. 70, julio-agosto 2004, pp. 25-36.

$1,000,000.00-$1,500,000.00 M.N. USD $53,500-$80,200

LEONORA CARRINGTON

(Lancashire, Inglaterra, 1917 - Ciudad de México, 2011)

Sin título Firmada Tinta y lápiz de grafito sobre papel 24.5 x 34 cm Presenta ligeros detalles de conservación y oxidación en el papel. Leonora Carrington fue una de las pintoras surrealistas más importantes de la segunda mitad del siglo XX. Tuvo una relación con André Bretón, Marx Ernst y Renato Leduc, con quien se casó y le ayudó a emigrar a México. Aquí, fue amiga de otros exiliados, tales como Wolfgang Paalen, Alice Rahon y Remedios Varo. Desde su llegada a México en 1943, Leonora difundió su arte con gran aceptación. Realizó pinturas al óleo, escultura, escenografías, dibujos e ilustraciones para libros y diversas publicaciones. Su obra poseía un estilo surrealista con toques espirituales en composiciones costumbristas, pero también elementos llenos de ironía, humor y aspectos banales. La mayor parte de los personajes representados en sus ilustraciones plasman un gran significado psicológico con un lenguaje plástico peculiar proveniente de sus obsesiones personales convertidas en elementos habituales en su obra. Fuente consultada: CHADWICK, Whitney. Leonora Carrington. La realidad de la imaginación. México. Ediciones Era, 1994, pp. 30-35.

$80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,300-$6,400 46

LEONORA CARRINGTON

(Lancashire, Inglaterra, 1917 - Ciudad de México, 2011)

Asegen (Blood of dragon) Firmada Tinta sobre papel 35.5 x 25.5 cm Procedencia: adquirida en Galería de Arte Mexicano en enero de 1972. Incluye fotocopia del recibo de compra firmado por Inés Amor. Presenta oxidación en el papel.

"Carrigton siempre estuvo consciente del poder del espacio entre las cosas y de los espíritus que allí habitan; entre el aquí y el allá, la vigilia y el sueño, lo ordinario y lo extraordinario. Sus imágenes surgen a menudo en estados de sueño lúcidos, y captura aquellos que muestran señales de energía excepcional". Whitney Chadwick. Fuente consultada: CHADWICK, Whitney. Leonora Carrington. La realidad de la imaginación. México. Ediciones Era, 1994, Pág. 35.

$80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,300-$6,400 47

LEOPOLDO RICHTER

(Hesse, Alemania, 1896 - Bogotá, Colombia, 1984)

Sin título Firmado LR Óleo y arena sobre tela sobre madera 100 x 75 cm Leopoldo Richter fue un artista de corazón alemán y alma colombiana; viajero inalcanzable que amaba pasar largas temporadas en la selva del Amazonas y en la Sierra de la Macarena en Colombia. Después de luchar en la Segunda Guerra Mundial y de haber sido profesor en una escuela alemana, Ritcher decidió viajar a Brasil a mediados de los años 30, para después llegar a Colombia, lugar donde se enamoraría de la naturaleza y sus habitantes. Durante un tiempo trabajó como entomólogo en el Instituto de Ciencias Naturales de la Universidad Nacional de Colombia. Sin embargo, no fue sino hasta los años 50 que comenzó a dar a conocer su creatividad artística. Luego de algunas exposiciones individuales, decidió adentrarse en la selva, época que lo marcó emocional y artísticamente. Por esta influencia tropical y aborigen, nacieron los colores intensos en su obra, el estilo expresionista, los toques filosóficos y líneas figurativas. Posteriormente fue eliminando la perspectiva y comenzó a experimentar con diversas técnicas. Con el tiempo, sus obras con temas de la cultura indígena, fidedignas a la cultura colombiana, comenzaron a conocerse en el medio latinoamericano. Fuente consultada: "El entomólogo y sus crayolas". Bogotá. Boletín KIEN Y KE, sección Historias, 9 de abril de 2011, www.kienyke.com

$130,000.00-$200,000.00 M.N. USD $7,000-$10,700 48

ROBERTO MONTENEGRO

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Pátzcuaro, Michoacán, 1968)

Arlequín Firmado Óleo sobre tela 69.5 x 60.5 cm Presenta ligero desprendimiento de capa pictórica. Montenegro regresó a México en 1921 tras una larga temporada de aprendizaje en Europa. Pronto se relacionó con el muralismo, sin embargo no fue el camino que siempre siguió, ya que nunca abandonó la pintura de caballete. Dentro de la extensa lista de temas que presenta su obra, están los proyectos escenográficos y una de sus vertientes principales corresponde a los personajes teatrales. El Arlequín tiene sus orígenes en la Comedia del Arte, protagonista famoso por su personalidad astuta, sensual e insolente. Montenegro retomó el prototipo de vestimenta, gestos y movimientos de este personaje popular italiano y lo unió a su rico leguaje plástico. No es de sorprender, que tras la motivación de los conceptos vanguardistas, Montenegro haya ejecutado con tal fantasía, dramatismo y distinción a uno de los personajes más representativos en la historia universal del teatro. Fuentes consultadas: BALDERAS, Esperanza. Roberto Montenegro. La sensualidad renovada. México. CENIDIAP, Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 2001, Pág. 50 y MOYSSEN, Xavier. Roberto Montenegro. Exposición de homenaje MAM. México. INBA, 1970, pp. 18-20.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,700-$16,000 49

JOSÉ CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1953 - )

El eclipse, 1991 Firmada Tinta acrílica sobre papel 94 x 59 cm Agradecemos al Maestro José Castro Leñero por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2016. La obra de José Castro Leñero comparte por momentos muchos de los valores e inquietudes visibles en la obra de uno de los grandes creadores contemporáneos que se ha servido de la fotografía como su principal soporte: Robert Rauschenberg. Las referencias que su pintura hace a las obras maestras de la pintura europea religiosa, apuntan con insistente frecuencia a una cierta angustia existencial que se sostiene en una antinomia religiosa. Lo mismo podemos sentir ante estos cuadros, el escepticismo de un hombre del siglo XXI que sólo ve en las imágenes religiosas un pre-texto y logro estético vaciado de significado que podemos sentir ante ellas el temor y el temblor de la más sencilla oración. Es por eso que, por más desconcertantes que puedan aparecer en un principio algunas imágenes superpuestas de José Castro Leñero, no resultan incoherentes.

"Los medios de comunicación masiva, el desarrollo tecnológico de los procesos de impresión y reproducción gráfica crean una iconocidad latente a la que nos enfrentamos, particularmente en el medio urbano. Mi trabajo se desarrolla a partir de la transformación de esas imágenes cotidianas. Selecciono una imagen y trabajo en ella hasta que encuentro el significado oculto, el que no se nos da a la vista". José Castro Leñero. Fuente consultada: BLANCO, Alberto. José Castro Leñero. La imagen encontrada. México. Museo de Arte Moderno, 1992.

$60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,200-$4,300 50

FEDERICO URIBE

(Bogotá, Colombia, 1962 - )

Adiós, gracias Firmada y fechada 91 al reverso Mixta sobre tela 120 x 150 cm Procedencia: adquirida directamente al artista. Federico Uribe estudió arte en la Universidad de los Andes de Bogotá y obtuvo su Maestría en Nueva York. Inició pintando en tela, sin embargo, pronto lo dejó para abordar instrumentos y materiales inusuales, objetos simples que se combinan para crear obras lúdicas. Los títulos de sus obras revelan sus más profundos deseos y conexiones con la lengua y la literatura. Es un artista que gusta estudiar constantemente los cánones clásicos del arte abstracto y figurativo. Ha viajado a Cuba, México, Rusia, Inglaterra y Miami, lugar donde actualmente vive y trabaja. Cuando se observan desde cerca, sus obras revelan varios tipos de interpretaciones; nos invitan a tocarlas, para descubrir el detalle y la conexión entre un elemento y otro. Cuando se ven desde más lejos, ofrecen volúmenes, formas, texturas y colores. La distancia, la proximidad y la percepción son factores clave en la interconexión entre la obra de Uribe y sus espectadores. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.federicouribe.com

$70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,750-$5,350 51

BRUNO WIDMANN

(Montevideo, Uruguay, 1930 - )

Del silencio a la música, 2016 Firmado al frente y al reverso Acrílico sobre tela 129 x 159 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, septiembre de 2016. Widmann inició sus estudios con Sergio Curto, artista italiano radicado en Montevideo; posteriormente se puso en contacto con el Instituto de Arte Contemporáneo del Maestro Scroppo de Turín y la Academia de Bellas Artes de Perusa, Italia. Su obra se caracteriza por llenarse de formas, de sugerencias orgánicas y en ocasiones también geométricas inscritas en un espacio infinito que no pretende representar el mundo, sino desplegarlo hasta el límite. "La trayectoria de Widmann en América Latina es importante; ha venido construyendo desde los años 70 un lenguaje indiscutible. Hay que asociarlo más con una actitud poética-pictórica que con cualquier ruptura estética y con posturas objetivas ante la obra de arte. Pintura que somete el acto plástico a una serie de investigaciones entre la figura, las líneas y los espacios. Pintura que va más allá de los límites. Cada cuadro descubre un significado independiente". Miguel Ángel Muñoz. Fuente consultada: MUÑOZ, Miguel Ángel. Bruno Widmann: quimeras y realidades. Chile. Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago, 2007.

$210,000.00-$270,000.00 M.N. USD $11,200-$14,400 52

FRANCISCO ICAZA

(Embajada de México en el Salvador, 1930 - Ciudad de México, 2014)

Guerra de Troya sobre rojo y amarillo, de la serie Escritura Firmado y fechado 27-IV-2002 al reverso Óleo sobre tela 90 x 80 cm Con certificado de autenticidad del artista. Procedencia: adquirido directamente al artista, marzo de 2012. Al reverso tiene la leyenda: "la única salvación de los vencidos es no esperar salvación alguna". Icaza fue un artista mexicano, hijo de un reconocido diplomático. Su crecimiento se desarrolló entre Europa, Medio Oriente y América. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Bélgica y fue alumno de Rufino Tamayo durante su estancia en Nueva York. Fue miembro activo del Salón de la Plástica Mexicana, del Salón Independiente y Confrontación 66. Durante su juventud fue diagnosticado con un tipo de neurosis, después de su primera crisis depresiva abrazó a la pintura con fines terapéuticos y decidió establecerse en el sureste mexicano. Ahí, descubrió la luz del trópico y los colores de tierra caliente, acontecimiento que dejó una profunda huella en toda su producción al óleo. "Resolver un espacio en blanco, sin ideas preconcebidas para pintar con la mayor libertad posible. Se trata de ir a los orígenes de la pintura, a los tiempos donde el sueño es la realidad; donde sucede esa extraña simbiosis de la pintura con la escritura, con el gesto, con la danza, con la música; porque todas esas expresiones nacieron juntas". Francisco Icaza. Fuente consultada: TIBOL, Raquel. "Un códice marino de Francisco Icaza". México. Revista Proceso, sección Cultura, 23 de noviembre de 1985.

$160,000.00-$220,000.00 M.N. USD $8,550-$11,800 53

ÁNGELA GURRÍA

(Ciudad de México, 1929 - )

Pareja, 2014 Firmada Escultura en mármol blanco sobre base de hierro, pieza única 47.5 x 16 x 9 cm Con certificado de autenticidad de la artista, septiembre de 2014. Publicada en: ESPINOSA FERNÁNDEZ, Jorge. Ángela Gurría. La gran escultora de México. Producción reciente. México. Arte Hoy galería, 2014 y en: ESPINOSA FERNÁNDEZ, Jorge. Escultura de pequeño formato. México. Arte Hoy galería, 2014. Existe una versión en gran formato de "Pareja", que está realizada en cantera y fue exhibida en "Ángela Gurría. Naturaleza exaltada" en el Museo de Arte Moderno en 2003 y en la muestra colectiva "Desafío a la estabilidad" en el MUAC en 2014. Si desea ver otras perspectivas de esta obra puede consultar www.mortonsubastas.com o solicitarlas a nuestros especialistas del departamento de Arte Moderno y Contemporáneo. Fue alumna de Germán Cueto, introductor del abstraccionismo dentro de las formas escultóricas en México. Fue la primera mujer aceptada como miembro de la Academia Nacional de las Artes. Fue invitada por Mathias Goeritz a participar en la Ruta de la Amistad con su obra "Señal" en la Estación No. 1 de dicho proyecto. En 2013 recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes, otorgado por la Secretaría de Educación Pública y en 2015 fue merecedora de la Medalla Bellas Artes, otorgada por el INBA - CONACULTA, uno de los máximos reconocimientos a la cultura de nuestro país. En Tijuana tiene la obra monumental "Monumento a México"; otras obras suyas de importante carga visual y cultural son "Río Papaloapan" y "Nube", ubicadas de forma permanente en el Museo de Arte Moderno. $110,000.00-$160,000.00 M.N. USD $5,900-$8,550 54

GABRIEL MACOTELA

(Guadalajara, Jalisco, 1954 - )

Sin título Firmado y fechado 80 Óleo sobre tela 140 x 120 cm Procedencia: adquirido en Galería Pecanins. Es un pintor, grabador, escultor y escenógrafo mexicano que realizó sus estudios en La Esmeralda y en la escuela Nacional de Artes Plásticas. En 1977 fundó Cocina Ediciones y en 1985 la librería alternativa El Archivero. A lo largo de su carrera, ha desarrollado un discurso crítico referente a los fenómenos sociales, así como temas arquitectónicos y urbanos. El amor por el teatro y las amistades del medio hicieron que Macotela llenara los espacios de los escenarios con sus diseños escenográficos, como las obras que realizó para el Museo León Trotsky en torno a un poema de Mardonio Carballo. En 1993, se integró al Sistema Nacional de Creadores de Arte y tres años después participó en el mural de Gilberto Aceves Navarro en Santa María La Ribera. Desde 1976 ha realizado diversas exposiciones individuales y colectivas tanto en México como en el extranjero. "Es un pintor de temas urbanos, de su problemática cotidiana, de sus protagonistas y sus ambientes en una propuesta con nuevas visiones, plasma la ciudad en colores ocres, arena, verdes y naranjas, apoyados en líneas que se tornan representaciones, todo envuelto en un lenguaje simplificado que nos lleva a una indagación a través de las formas". Margarita Martínez Lámbarry. Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 398 y PACHECO, Cristina. "Entrevista a Gabriel Macotela, 60 años". México. Canal Once, 22 de agosto de 2014.

$100,000.00-$180,000.00 M.N. USD $5,350-$9,600 55

ÁNGELA GURRÍA

(Ciudad de México, 1929 - )

Estudio para escultura Firmada Mixta sobre papel 45 x 60 cm Procedencia: colección del historiador y crítico de arte Miguel Ángel Muñoz, adquirida directamente a la artista. Agradecemos a la Maestra Ángela Gurría por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2016.

"No es la luz la que permite ver las cosas, es la claridad misma habitándolas, atravesando la materia y anidando, como los cisnes, en ella. No es el espacio el lugar que hollamos, sino el lugar que hacemos espacio y que vivimos como tal, advirtiendo su activo protagonismo cuando recibe la luz, cuando la materia lo anima y lo define. El gesto del escultor, el esfuerzo de la talla directa o de la forja, el trabajo con el fuego permiten esa familiaridad que afirma y reafirma los sentidos. Sus huellas quedan sobre piezas, como un elemento más, incorporadas, como uno más a la materia transformada, el espacio sugerido a la luz dominada. […] La escultura de Ángela Gurría es magia creadora, donde claramente se puede cumplir la exigencia kantiana de hacer arte tan libre como libre es la naturaleza". Miguel Ángel Muñoz. Fuente consultada: MUÑOZ, Miguel Ángel. Cuestiones de arte y artistas del siglo XX. México. Seminario de Cultura Mexicana, 2016, pp. 88 y 89.

$30,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,600-$2,150 56

JAVIER ARÉVALO

(Guadalajara, Jalisco, 1937 - )

Ayako Firmado y fechado Méx. 74 Óleo y arena sobre tela 80 x 100 cm Con etiqueta de Colección Plástica de México. Arévalo estudió en la Escuela de Arte y Letras de Guadalajara, en la Academia de San Carlos y años después ingresó a la Escuela Nacional de Artes Plásticas, donde estudió con el pintor Antonio Rodríguez Luna. En 1956 presentó la exhibición individual "Yo el pintor" en el Museo de Arte Moderno y en 1990 "Yo el pintor, retrospectiva de Javier Arévalo" en el Museo del Palacio de Bellas Artes. Como parte del equipo de trabajo del muralista Jorge González Camarena, viajó a Concepción, Chile en 1964. En 1966 fue aceptado como miembro del Salón de la Plástica Mexicana y en 1970, fue ganador del primer premio en la Bienal de Tokio. Posteriormente, llevó su obra a Estados Unidos, Canadá, Chile, Francia, Argentina, España, Costa Rica y Colombia, entre otros. Fue acreedor al Récord Guinness por la acuarela más grande del mundo: "Un viaje al México profundo". Los críticos de arte durante la década de los setenta lo consideraron un importante dibujante junto con Toledo y Cuevas. Actualmente, obras suyas se encuentran en colecciones de museos, como el Metropolitan Museum of Art en Nueva York, Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México, Museo de Arte de Nagaoka en Japón, Museo de Arte Moderno en Lugano, Suiza y el Museo de Arte de Zaragoza, España. Fuente consultada: TOVAR Y DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 100.

$90,000.00-$130,000.00 M.N. USD $4,800-$7,000 57

JULIO CHICO

(Ciudad de México, 1947 - )

La cena Firmado al frente. Firmado y fechado 2016 al reverso Acrílico sobre tela 155 x 110 cm Con certificado de autenticidad del artista. Estudió en la Academia de San Carlos y desde antes de finalizar sus estudios ingresó al Centro Nacional de Conservación de Obras Artísticas del INBA donde participó en la restauración de murales y pinturas en diferentes recintos, como el Palacio de Minería. Fue fundador de talleres de impresión para grabado y galerías de arte. Es miembro del Salón de la Plástica Mexicana y ha participado como jurado en concursos de pintura. 58

A lo largo de su carrera ha obtenido reconocimientos y premios internacionales. Desde 1978, varias de sus obras forman parte de importantes colecciones de galerías y museos, como el Salón de la Gráfica del Museo de Sofía, en Bulgaria, el Museo de Arte de Querétaro y el Museo de Arte Moderno de Toluca. Reconocido como un artista propositivo y consistente en base a una emotividad y dramatismo únicos, donde su fuerza creativa se ha vertido en obras plásticas que sorprenden no sólo por su magistral habilidad técnica, sino por la profundidad de los temas que subliman el espíritu humano y refrescan la percepción del universo. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.juliochico.com

$80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,300-$6,400

JAVIER ARÉVALO

(Guadalajara, Jalisco, 1937 - )

Sin título Firmado y fechado Méx. 91 Óleo sobre tela 210 x 170 cm Presenta ligeros desprendimientos.

"Arévalo parece ir más allá, a las pinturas prehispánicas hermosamente bellas, en las que el misterio aún no se llama surrealismo". Texto de la exposición "Javier Arévalo, obra reciente", Galería López Quiroga, 1990. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág.100.

$180,000.00-$220,000.00 M.N. USD $9,600-$11,800 59

OMAR RAYO

(Roldanillo, Valle del Cauca, Colombia, 1928 - Palmira, Colombia, 2010)

Paisaje de Taxco Firmado y fechado 59 Óleo sobre tela 64.3 x 54.1 cm Agradecemos a Águeda Pizarro Rayo, presidenta de la Fundación Museo Rayo por la verificación de autenticidad de esta obra, enero de 2016. Procedencia: adquirido directamente al artista. Presenta detalles de conservación. Omar Rayo fue un pintor, caricaturista, ilustrador, escultor y grabador colombiano, considerado uno de los artistas plásticos más destacados de su patria. En la década de los 50, decidió emprender una serie de viajes por diversos países del continente americano. Fue así, que en 1959, llegó a México y durante un año se dedicó a estudiar nuestra cultura. Posteriormente viajó a Nueva York, ciudad en la que radicó por casi diez años. Su compromiso artístico le permitió también establecer uno de los primeros museos regionales de arte moderno en Colombia. Con ayuda del arquitecto mexicano Leopoldo Goout, diseñó el Museo Rayo de Dibujo y Grabado Latinoamericano en Roldanillo en 1981, recinto en el cual, hasta el día de hoy, se exponen casi dos mil cuadros y grabados de la producción de Rayo, además de quinientas obras más de diferentes artistas latinoamericanos. La idea inicial de Rayo fue crear un lugar dinámico y activo para el arte latino. Durante su carrera, obtuvo diversos premios y menciones honoríficas y logró realizar más de 200 exposiciones individuales en Europa, Asia y América. Fuentes consultadas: UREÑA RIB, Fernando. "Los laberintos geométricos de Omar Rayo". Latin Art Museum, Fundacion Ureña Rib, 4 de junio de 2013 y sitio del Museo Rayo www.museorayo.co

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,000-$10,700 60

OMAR RAYO

(Roldanillo, Valle del Cauca, Colombia, 1928 - Palmira, Colombia, 2010)

Indígena de Toluca Firmado Óleo sobre tela 60 x 45 cm Agradecemos a Águeda Pizarro Rayo, presidenta de la Fundación Museo Rayo por la verificación de autenticidad de esta obra, enero de 2016. Procedencia: adquirido directamente al artista Presenta detalles de conservación. El estilo artístico del maestro Rayo ha sido uno de los más relevantes dentro de la producción artística colombiana de la segunda mitad del siglo XX. Sus obras abrieron nuevas fronteras, habiendo introducido un lenguaje proveniente del pensamiento artístico geométrico relacionado con el primitivismo abstracto. Fue un artista que esculpía como dibujante y dibujaba como escultor, indicando volúmenes y dimensiones, pliegues y superposiciones. Trabajaba con colores puros y figuras con formas originales y claras, en especial jugaba con cuadros, rectángulos y las líneas en zigzag. Con gran dedicación, sus obras fueron resultado de una interpretación de laberintos visuales, una apariencia puramente óptica. Fuente consultada: "Omar Rayo" en Biblioteca virtual Luis Ángel Arango. Colombia. Banco de la República, sección Cultural, www.banrepcultural.org

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,000-$10,700 61

FRANCISCO ZÚÑIGA

(San José de Costa Rica, 1912 - Ciudad de México, 1998)

Descansando Firmada y fechada 1971 Acuarela y conté sobre papel 49 x 64 cm Agradecemos al Sr. Ariel Zúñiga por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2016. Esta obra será incluida en: Francisco Zúñiga: catálogo razonado. Volumen V. México. Fundación Zúñiga Laborde. Inició su formación artística en el taller de su padre, el escultor Manuel María Zúñiga, donde tallaba figuras religiosas en madera. En la primera década de los años treinta descubrió el arte prehispánico y se cuestionó sobre su importancia en el desarrollo del arte latinoamericano contemporáneo; también estudió el movimiento artístico mexicano. Deseoso de ampliar sus conocimientos, organizó su primera exposición individual para poder, con el producto de sus ventas, viajar a México en 1936; cincuenta años después se nacionalizaría mexicano. A su llegada a México, trabajó en el taller del maestro Manuel Rodríguez Lozano. Más tarde, formó parte del equipo del escultor Oliverio Martínez durante la elaboración de las esculturas del Monumento a la Revolución Mexicana. Zúñiga cumplió con una importante labor docente entre 1936 y 1971 en La Esmeralda. En 1992 fue acreedor al Premio Nacional de las Artes de parte del gobierno mexicano. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 442.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,400-$9,600 62

SATURNINO HERRÁN

(Aguascalientes, 1887 - Ciudad de México, 1918)

Tehuana: Rosario Arellano de Herrán Firmada y fechada Mex-1918 Tinta, acuarela y lápiz de grafito sobre papel 34 x 26.5 cm Con etiquetas de MUNAL e Instituto Nacional de Bellas Artes oficina de exposiciones itinerantes, 1978. En 1918, Saturnino Herrán ya daba la impresión de ser un hombre delicado, sin embargo, su nacionalismo y amor por la cultura indígena mexicana lo hizo mantenerse de pie frente a la pintura. Dentro de los trabajos de este año, se encuentra la pintura del friso "Nuestros dioses", un gran lienzo dedicado a la procesión indígena. También ejecutó algunos dibujos con lápices de colores y acuarela, que aunque su salud no iba por buen camino, nunca dejó de trabajar. Su esposa, Rosario Arellano estuvo con él hasta el final. Fue para Saturnino, además de su compañera, su modelo en varias composiciones. Se casaron en 1914, año en que la pintó por primera vez con traje de tehuana. De rostro afilado y provocativo, Rosario siempre se presentó seductora y elegante, portando con distinción el traje regional de las mujeres de Tehuantepec. La presencia del garrón, los holanes de encaje, el manto y los rasgos físicos, envolvieron el ideal del pintor sobre la identidad de la figura mestiza de la nación. Durante sus últimos días, Saturnino siguió luchando vigorosamente, incluso dibujaba en el hospital con ayuda de Rosario. Su destino fue ser uno de los más grandes artistas de México y sus obras son consideradas un símbolo de la dignidad de nuestras culturas. Fuentes consultadas: HERRÁN GUDIÑO, Saturnino et ál. Saturnino Herrán. El instante subjetivo. México. Fundación Cultural Saturnino Herrán, INBA-CONACULTA, 2010, pp. 62 y 63 y RAMÍREZ, Fausto. Saturnino Herrán. México. UNAM, 1976, pp. 50-53.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,350-$8,000 63

FRANCISCO ZÚÑIGA

(San José de Costa Rica, 1912 - Ciudad de México, 1998)

Sin título Firmado y fechado 1974 Conté y acuarela sobre papel 48 x 62.5 cm Agradecemos al Sr. Ariel Zúñiga por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2016. Esta obra será incluida en: Francisco Zúñiga: catálogo razonado. Volumen V. México. Fundación Zúñiga Laborde.

"El mérito de Zúñiga es restablecer y mantener el vínculo entre la tradición plástica de las figuras que representan a la fertilidad y las diosas antiguas aztecas, mayas y zapotecas, con aquellas mujeres que invaden los mercados y las calles, cuya presencia es tan obvia que casi de manera inmediata las mujeres se convierten en el pretexto formal de quien ya venía considerándolas así desde un principio". Ariel Zúñiga. Fuente consultada: ZÚÑIGA, Ariel. Francisco Zúñiga: Catálogo Razonado. Volumen III: Dibujos 1927 - 1970. México. Albedrío, Fundación Zúñiga Laborde, 2006.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,350-$8,000 64

FERNANDO CASTRO PACHECO

(Mérida, Yucatán, 1918 - Mérida, Yucatán, 2013)

Reposo Firmado y fechado 70 Óleo sobre tela 80 x 113 cm Con etiqueta de Galería de la Plástica Mexicana. Agradecemos a la Maestra María Luisa Novelo, alumna y especialista reconocida por el Maestro Castro Pacheco para la verificación de autenticidad de su obra, octubre de 2016. Fernando Castro Pacheco fue un artista multifacético que capturó rostros, colores, sentimientos e imágenes que enaltecieron el arte mexicano, en especial la cultura de su tierra natal, Yucatán. Preocupado siempre por la educación, ejerció la docencia durante muchos años en instituciones de gran importancia. En 1941, fundó la Escuela Libre de Artes Plásticas de Mérida, lo que le permitió experimentar al aire libre y bajo esta influencia realizó sus primeras litografías y grabados en madera. Radicó un tiempo en la Ciudad de México, estancia que le permitió explorar otras técnicas, entre ellas la escultura, las ilustraciones para libros y escenografías y vestuarios para el ballet. Sus pinturas al óleo fueron de sus trabajos más predominantes, al igual que los murales, en los que narró historias nacionales y relatos mayas. En 1971, pintó los murales en el Palacio de Gobierno de Mérida y poco tiempo después le fue encomendado hacer 19 murales más para el Palacio de Gobierno de Querétaro, los cuales lo consagraron como uno de los grandes muralistas de nuestro país. "Como pintor no me desespero por parecer innovador, quiero explotar mi particular veta con el mejor rendimiento, deseo a toda costa no engañarme con los ojos". Fernando Castro Pacheco. Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa. Castro Pacheco. Color e imágenes de Yucatán. México. Universidad Autónoma de Yucatán, 1994, pp. 30 - 35.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,350-$8,000 65

GUILLERMO MEZA

(Ciudad de México, 1917 - Ciudad de México, 1997)

Dama yacente Firmado, fechado 1963 y con monograma Lápices de color sobre papel 55 x 98 cm En 1936, mientras trabajaba como ayudante en la sastrería de su padre, buscó a Diego Rivera porque quería ser su discípulo. Rivera al ver su trabajo quedó gratamente sorprendido y lo recomendó a Inés Amor, directora de la Galería de Arte Mexicano, consiguiendo de este modo exhibir por primera vez su obra en la "Exposición Internacional del Surrealismo" de 1940. A partir de este momento su carrera como pintor se profesionalizó y fue en ascenso. "En la historia de la pintura mexicana, Guillermo Meza fue un creador aislado. Solamente sus obras y él permanecieron asidos a ese hábito artesanal, callado, implacable de la seriedad profesional y la buena factura. Aunque no hizo escuela, su obra tiene las características de la excepcionalidad, los rasgos del buen gusto y un amor por una fantasía que conjuga lo onírico con lo real". Rodolfo Rivera González. Fuente consultada: RIVERA GONZÁLEZ, Rodolfo et ál. El instante preciso. Guillermo Meza. México. Museo Universitario Contemporáneo de Arte, UNAM, 1996.

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,150-$3,200

FRANCISCO ZÚÑIGA

(San José de Costa Rica, 1912 - Ciudad de México, 1998)

Desnudo #2 Firmado y fechado 1979 Conté sobre papel 50 x 72 cm Con etiqueta de Galería de Arte Misrachi. Agradecemos al Sr. Ariel Zúñiga por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2016. Esta obra será incluida en: Francisco Zúñiga: catálogo razonado. Volumen V. México. Fundación Zúñiga Laborde.

"Para Zúñiga la forma del cuerpo y su aspecto orgánico, aquello que se relaciona con las formas de las piedras y los árboles, es lo que permite a la figura alcanzar su dimensión espiritual, es en su naturaleza que se encuentra su espíritu y no en su psicología o en su comportamiento social en el mundo. Por ello se interesa primero en los individuos que se encuentran cerca de la tierra y cuyas posturas son más animales, cercanas de la naturaleza, libres de toda interpretación y sofisticación; por lo mismo le conmueven las diosas prehispánicas de la fecundidad pues existen in illo tempore". Ariel Zúñiga. Fuente consultada: ZÚÑIGA, Ariel. Francisco Zúñiga: Catálogo Razonado. Volumen III: dibujos, 1927-1970. México. Albedrío, Fundación Zúñiga Laborde, 2006, Pág. 23.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,350-$8,000

ARMANDO AMAYA

(Ciudad de México, 1935 - )

Mujer con chongo Firmada y fechada 1980 Escultura en bronce IV / V 76 x 68 x 63 cm Con certificado de autenticidad de Ediciones Contemporáneas Viart firmado por el artista. Si desea ver otras perspectivas de esta obra puede consultar www.mortonsubastas.com o solicitarlas a nuestros especialistas del departamento de Arte Moderno y Contemporáneo. Por cinco años fue asistente de Francisco Zúñiga; también colaboró con Alfredo Zalce en la realización de esculturas para el Centro Médico en 1958. Desde 1963 se desempeñó como docente. "¿Cómo se podría describir la obra de Armando Amaya? Principalmente expresa la belleza del cuerpo femenino. La búsqueda de Amaya es la de expresar un estado de ánimo, una sexualidad sutil, buscando siempre mantener un fuerte sentido de dignidad". Cathy Randall. Fuente consultada: RANDALL, Cathy. "Armando Amaya". E.E. U.U. The News, 30 de octubre de 1982.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,600-$13,400 68

JOSÉ CHÁVEZ MORADO

(Silao, Guanajuato, 1909 - Guanajuato, Guanajuato, 2002)

Pareja Firmado y fechado 89. Fechado Gto 1989 al reverso Óleo y acrílico sobre tela 90 x 90 cm Desde el punto de vista formal, la obra de Chávez Morado puede ser considerada como prototípica del realismo que se desarrolló paralelamente a la pintura mural posrevolucionaria, con abundantes antecedentes del arte popular tanto en lo cromático como en la inclusión de productos artesanales. Sin embargo, no faltan en Chávez Morado las influencias internacionales, como la del surrealismo, el cubismo o el tachismo, en lo cual reconocemos una actitud de receptividad ecléctica que integra lo formal a sus intenciones críticas y poéticas. Sus contenidos, vertidos en una temática ya calificada como rica y diversificada, se sustentan en la cultura popular y en la reflexión histórica y crítica. Así nos enfrentamos a un pueblo mestizo rico en raíces culturales, pero inmerso en las contradicciones del sistema.

Fuente consultada: DE SANTIAGO SILVA, José. José Chávez Morado: vida, obra y circunstancias. México. Gobierno del Estado de Guanajuato, ediciones La Rana, 2001, Pág. 33.

$300,000.00-$400,000.00 M.N. USD $16,000-$21,400 69

RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 - Oaxaca, 2001)

Sin título Firmado Óleo y arena sobre madera con milagritos y aplicaciones de hojalata 100 cm diámetro Presenta detalles de conservación Conocido en el medio del arte como "El señor de los sueños", Rodolfo Morales fue uno de los más importantes pintores del arte mexicano de la segunda mitad del siglo XX. Siempre entregado al pueblo y a la cultura mexicana, Morales poseía una inigualable cualidad para la docencia. Cuando concluyó sus estudios de pintura, se dedicó a impartir clases de dibujo, actividad que ejerció durante más de 32 años. Durante mucho tiempo trabajó su obra en las sombras, hasta que conoció al maestro Rufino Tamayo, quien lo introdujo al medio artístico, ayudándolo a promover su obra con constancia y convicción haciendo frente al mercado de coleccionistas. Por casi 10 años expuso en las galerías más importantes de México. Las ganancias que obtenía por las ventas de sus obras fueron invertidas a favor de su pueblo, fundando en 1992 la Fundación Cultural Rodolfo Morales, la cual realizó la restauración de diversos inmuebles de Oaxaca, como el ex convento de Santo Domingo de Guzmán, casas del siglo XVIII en el Centro Histórico de Oaxaca y templos de San Jacinto Ocotlán, entre otros. Con el tiempo, desarrolló una amplia obra altruista social, cultural y ecológica. Actualmente, es considerado el alma de la Escuela de Oaxaca junto con Tamayo y Toledo. Fue un maestro de la pintura surrealista, que dedicó su vida a crear un lenguaje artístico basado en sus vivencias y estudios, plasmando en cada obra elementos mágicos provenientes de su pueblo natal. Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 378, "Rodolfo Morales. El señor de los sueños cumplidos". México. El Proceso, 16 de diciembre de 2000 y sitio de La Fundación Cultural Rodolfo Morales www.fcrom.org.mx

$1,400,000.00-$1,600,000.00 M.N. USD $74,900-$85,550

RICARDO MARTÍNEZ

(Ciudad de México, 1918 - Ciudad de México, 2009)

Los niños del coro Firmado y fechado 54 Óleo sobre tela 73 x 130.5 cm Esta obra será registrada para el Catálogo Razonado del Dr. Mark Ruben con núm. RM-54025. $1,000,000.00-$1,500,000.00 M.N. USD $53,500-$80,200 72

La formación artística de este pintor no fue producto de estudios académicos, ya que era renuente a cumplir con los sistemas institucionales, optó por ser autodidacta y abrevar en la obra de los grandes artistas ya consagrados. Inicialmente no pudo sustraerse a la influencia de la Escuela Mexicana de Pintura y realizó algunos cuadros con temas nacionales. Martínez fue un protagonista de su tiempo, una figura que destacó por la constancia en su quehacer y por seguir insistiendo en perfeccionar su oficio. Dentro de la modernidad de su pintura. Ricardo Martínez sigue siendo un clásico, un artista que comunica un lenguaje universal. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus artistas. Tomo I. México. Promoción de Arte Mexicano, 2000, pp. 254-255.

JOSÉ CHÁVEZ MORADO

(Silao, Guanajuato, 1909 - Guanajuato, Guanajuato, 2002)

Dos mujeres sentadas, 2000 Firmada Escultura en bronce IX / IX 43 x 84 x 44 cm Con certificado de autenticidad del artista, julio de 2000. Procedencia: adquirida directamente al artista. Si desea ver otras perspectivas de esta obra puede consultar www.mortonsubastas.com o solicitarlas a nuestros especialistas del departamento de Arte Moderno y Contemporáneo. En 1925 se fue a Estados Unidos a trabajar como bracero, ahí tomó clases nocturnas en la Chouinard School of Arts de Los Ángeles. A su regreso en 1931, y becado por el gobierno de Guanajuato, se dirigió por primera vez a la Ciudad de México para estudiar en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, ahí encontró a muchos artistas involucrados directamente en las luchas sociales. Desde entonces pensó que vocación y profesión deberían ser para él indivisibles. Años después tuvo una ruptura radical con la academia y los cánones artísticos de la época, cultivados por Rufino Tamayo y María Izquierdo. Su preferencia por una sincera y auténtica sencillez en lo intelectual y lo emotivo ya se había definido en él y perduraría como una de las características más acusadas de su personalidad. Fue parte del Partido Comunista Mexicano y del Taller de la Gráfica Popular. Su carrera se fortaleció en su labor como empleado del Estado, creando líneas de acción cultural muy fructíferas. El guanajuatense contribuyó así a la dirección de los discursos artísticos y educativos para mantener los ideales posrevolucionarios de una nación mestiza unificada, tanto como creador, educador y promotor cultural. Fuentes consultadas: PÉREZ GAVILÁN, Ana Isabel. "Chávez Morado, destructor de mitos". México. Revista Anales del Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM, Vol. XXVII, núm. 87, 2005 y TIBOL, Raquel. José Chávez Morado. Imágenes de identidad mexicana. México. Universidad Nacional Autónoma de México, Coordinación de Humanidades, 1980, Colección de arte No. 36, pp. 12 - 15.

$80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,300-$6,400 74

FERNANDO CASTRO PACHECO

(Mérida, Yucatán, 1918 - Mérida, Yucatán, 2013)

Mujer sentada Firmado y fechado 83 Óleo sobre tela 50 x 40 cm Con certificado de autenticidad de Galería de Arte Mexicano, diciembre de 1983. Agradecemos a la Maestra María Luisa Novelo, alumna y especialista reconocida por el Maestro Castro Pacheco para la verificación de autenticidad de su obra, septiembre de 2016. Con etiqueta de Galería de Arte Mexicano. A partir de los años 70 en adelante, el pintor, escultor y muralista mexicano Fernando Castro Pacheco decidió integrar con mayor dedicación la temática de la figura humana en su trabajo. Bajo el dominio del óleo y formatos pequeños, se inclinó hacia la figura femenina, haciendo gala de los rasgos y características propias de las mujeres del sureste de México, su tierra natal. Influenciado por las vanguardias europeas y el dibujo academicista, el maestro Castro Pacheco ostentaba en cada obra un entorno indefinido, brumoso, pero siempre mágico, con líneas sutiles pero magistrales que se terminaban de definir con un singular uso del color, los cuales enriquecían la obra con delicados esfumados. Fue un artista que siempre trató de dominar su lenguaje plástico con gran exquisitez y con el tiempo, hizo gala de esa virtud, la cual distinguió a artistas modernos de otras épocas. Fuentes consultadas: MARTÍNEZ JUÁREZ, Sagrario Iliana. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pp. 160-162 y FRANCO CALVO, Enrique et ál. Fernando Castro Pacheco. Color e imagen de Yucatán. México. Universidad Autónoma de Yucatán, 1994, pp. 139-143.

$50,000.00-$80,000.00 M.N. USD $2,700-$4,300 75

ALFONSO MICHEL

(Colima, 1897 - Ciudad de México, 1957)

Mujer, ca. 1950 Firmado Óleo, carboncillo y gouache sobre cartón 43.8 x 33.7 cm Con dedicatoria: "A Rangel con afecto". Procedencia: adquirido en Sotheby's Nueva York, subasta "Latin American Art", mayo 14 y 15 de 1996, lote 103. Con etiqueta de Sotheby's N.Y. Presenta ligeros detalles de conservación Alfonso Michel asumió algunos rasgos estilísticos modernos: la influencia de Cézanne, particularmente, y la de la época neoclásica de Picasso que importaran a México Agustín Lazo y Manuel Rodríguez Lozano, y puso estas aportaciones al servicio de un neocostumbrismo matizado de expresiones localistas. Sin embargo, dio un toque personal a estas escenas en las que el mexicanismo es lo de menos y son más bien representaciones relacionadas con su propio existir. Fuente consultada: DEBROISE, Olivier. Alfonso Michel. El desconocido. México. Editorial Era, CONACULTA, INBA, 1992, Pág. 25.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,600-$13,400 76

ALFONSO MICHEL

(Colima, 1897 - Ciudad de México, 1957)

Torso masculino recostado, 1953 Firmado Óleo sobre tela 36 x 55.5 cm Publicado en: DEBROISE, Olivier. Alfonso Michel. El desconocido. México. Editorial Era, CONACULTA, INBA, 1992, catalogado 39. En 1953 presentó su segunda exposición individual en la Galería de Arte Mexicano. Alfonso Michel parecía mucho más a sus anchas cuando trataba motivos sencillos, cabezas o desnudos deliberados de trasfondo anecdótico o simbolista: "Torso masculino recostado" es un ejemplo de ello. Por su misma sencillez, le permitían aspectos puramente geométricos o colorísticos. Jorge Juan Crespo de la Serna comentó acertadamente: "Lo geométrico en la organización de sus cuadros radica, primero en el análisis de los planos de figuras y objetos, pintados por yuxtaposición de tonos y por acentuación resuelta de los mismos, como si esculpiera; y luego, por la distribución de estos factores en el espacio dado". Hay efectivamente un aspecto escultórico en los cuadros de Michel en el periodo 1952-1955, notable sobre todo en las grandes figuras frontales que ocupan la mayor parte del cuadro. El goce y la sensualidad irrestricta marcan las cabezas escultóricas, los desnudos y las grandes figuras de este periodo. Fuente consultada: DEBROISE, Olivier. Alfonso Michel. El desconocido. México. Editorial Era, CONACULTA, INBA, 1992, pp. 30 y 31.

$480,000.00-$600,000.00 M.N. USD $25,700-$32,100 77

ARNOLD BELKIN

(Alberta, Canadá, 1930 - Ciudad de México, 1992)

La aurora no está lejos Firmado y fechado 1963 al frente. Firmado y fechado México junio 3 1963 al reverso Óleo sobre tela 105 x 145 cm Agradecemos a Ariela Belkin, hija del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, agosto de 2016. Con etiquetas de Subastadora Mexicana de Arte, Galerías Aura y del Museo del Palacio de Bellas Artes. Exhibido en: "Arnold Belkin. 33 años de producción artística", Museo del Palacio de Bellas Artes, julio a septiembre de 1989. Incluye cartas de solicitud de préstamo de la obra expedidas por el Museo del Palacio de Bellas Artes y por el maestro Arnold Belkin. Presenta ligeras craqueladuras que ya fueron consolidadas por un restaurador profesional. En 1989 el Instituto Nacional de Bellas Artes presentó la exposición retrospectiva "Arnold Belkin. 33 años de producción artística" como parte de un reconocimiento a su larga y valiosa carrera artística. Dicha muestra significó un importante evento cultural que en palabras del propio Belkin: "esta gran muestra es un examen, un balance de mis quehaceres como creador de obras de carácter público e íntimo a lo largo de 33 años". "La aurora no está lejos" fue una de las obras seleccionadas para representar una de las épocas más expresivas de su producción. $100,000.00-$180,000.00 M.N. USD $5,350-$9,600 78

ARNOLD BELKIN

(Alberta, Canadá, 1930 - Ciudad de México, 1992)

Día de muertos Firmado y fechado 51 Óleo sobre masonite 118.5 x 148.5 cm Agradecemos a Ariela Belkin, hija del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, agosto de 2016. Habiendo descubierto la pintura de Diego Rivera a través de la revista Time, llegó a México a los 18 años para estudiar en La Esmeralda. Después de trabajar como asistente de David Alfaro Siqueiros en los 50, empezó a trabajar como muralista y fue conocido como “el hijo canadiense del muralismo mexicano”. El hombre como centro de la creación, el hombre en armonía con el universo, o bien como protagonista de las grandes batallas que modelarían el curso de la historia son las constantes en la obra de Belkin, quien siempre se rebeló enérgicamente en contra de las injusticias políticas y sociales. Fuente consultada: GARCÍA DE KRINSKY, Emma Cecilia et ál. Homenaje a Arnold Belkin. México. Universidad Nacional Autónoma de México, 1998, pp. 14-17.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,700-$16,000 79

JUAN O'GORMAN

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 1982)

Boceto de empuñadura de Morelos para el mural "Retablo de la Independencia" Firmado Lápiz de grafito sobre papel albanene 23 x 20 cm Al tratarse de un boceto para mural, presenta ligeros detalles de conservación normales por el uso. Arquitecto destacado y pintor sobresaliente, O'Gorman impulsó importantes proyectos dentro del país durante casi todo el siglo XX. Siendo un progresista, revolucionario, con espíritu rebelde, también ejerció el muralismo, el cual comenzó a practicar en 1924 pintando paredes de tres pulquerías de la Ciudad de México. O'Gorman aprendió la técnica, las formas y los temas del movimiento. Madurado su estilo, realizó murales en los que pretendía alcanzar una comunicación con el pueblo mexicano, tal es el caso del mural que realizó entre 1960 y 1961 en el Museo Nacional de Historia, denominado "Retablo de la independencia". En este mural representó el nacimiento de la nacionalidad mexicana, plasmándola como una narración, integrada por cuatro secciones cuyas dimensiones corresponden a la importancia de los sucesos históricos, semejante al estilo de Rivera. Entre los muchos personajes, destacan Miguel Hidalgo, Ignacio Allende, Vicente Guerrero y José María Morelos. Este último, se encuentra en el tercer y cuarto conjunto, al centro y a la derecha de la composición, como protagonista de la lucha. O'Gorman representó dos veces a Morelos, una recreación como civil y la otra con la iconografía oficial, con el fin de aludir las diferentes facetas del héroe. Fuentes consultadas: ORTIZ GAITÁN, Julieta et ál. Juan O'Gorman. 100 años. Temples, dibujos y estudios preparatorios. México. Fomento Cultural Banamex, 2005, pp. 166 - 174 y "Mural de Juan O'Gorman". México. Boletín de la Secretaría de Cultura, INAH, 15 de marzo de 2011.

$25,000.00-$35,000.00 M.N. USD $1,350-$1,900 80

CECIL CRAWFORD O'GORMAN

(Warwickshire, Inglaterra, 1874 - Ciudad de México, 1943)

Sin título Firmado Temple sobre masonite 61 x 45.5 cm Cecil Crawford no fue tan sólo un ingeniero en minas educado en Warwickshire y Dublín, fue también un pintor que destacó a su llegada a México en 1895. Desde 1913 radicó en su casa de San Ángel, donde realizó buena parte de su obra, principalmente retratos, paisajes y escenas bucólicas o naturalezas muertas. En 1915, expuso por primera vez en su propia casa, muestra que repitió en varias ocasiones hasta 1934. En 1919, varias obras de su autoría se expusieron en una muestra itinerante en los Estados Unidos. Cecil siempre fue mucho más inglés que mexicano y riguroso en su profesión como en su pintura, sentir que le heredó su hijo, el famoso muralista y arquitecto Juan O'Gorman. Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 418 y VALLARINO, Roberto et ál. 100 años Juan O'Gorman. Temples, dibujos y estudios preparatorios. México. Fomento Cultural Banamex, 2005, Pág. 24.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,600-$13,400 81

DIEGO RIVERA

(Guanajuato, 1887 - Ciudad de México, 1957)

Casas de Weimar Firmado y fechado 1956 Lápiz graso sobre papel 20.5 x 28 cm Agradecemos a Juan Coronel por la verificación de autenticidad de esta obra, febrero de 2016. A mediados de los años 50, Rivera realizó un viaje de salud a la Unión Soviética, con el objetivo de contactar al Dr. Funkin, un oncólogo de un afamado hospital de Moscú, para que le aplicaran un tratamiento para combatir el cáncer. Durante este viaje, Rivera conoció algunos países que quedaron dentro de la zona de ocupación soviética, como sucedió con Weimar, Alemania. A su regreso a México en 1956, se estableció un tiempo en el tranquilo puerto de Acapulco, allí pintó una serie de bocetos, dibujos y pinturas sobre su anterior viaje. Se alojó en la casa de su amiga y coleccionista Dolores Olmedo, lugar en el que dejó pinturas sobre el tema de Quetzalcóatl y Tláloc. En este mismo año, Rivera nombró a Dolores presidenta vitalicia del Anahuacalli y ante un notario le concedió los derechos autorales de todas sus obras, textos y documentos. En diciembre, el artista cumplió 70 años y se le rindió un homenaje a nivel internacional con un sinnúmero de asambleas, ferias y fiestas. Fuente consultada: GAMBOA, Fernando et ál. Exposición nacional de homenaje a Diego Rivera. México. Palacio de Bellas Artes, INBA, diciembre de 1977 - febrero de 1978, Pág. 172.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,350-$8,000 82

DAVID ALFARO SIQUEIROS

(Ciudad de México, 1896 - Cuernavaca, Morelos, 1974)

Árbol IV, 1955 Firmada Mixta sobre papel 42.5 x 35.5 cm Con certificado de autenticidad de la Galería López Quiroga, mayo de 2016. La vida de Siqueiros estuvo marcada no sólo por lo artístico, sino también por sus actos políticos. Siempre fue un hombre atento a los acontecimientos del mundo que lo rodeaba. Participó en las batallas de la Guerra Civil Española al lado de los republicanos, donde se ganó el apodo de "El Coronelazo" por su aguerrida entrega en los combates. A su regreso a México en 1939, trabajó sin cesar en sus murales, los cuales se albergan en importantes museos, universidades y edificios. Fue un artista de alma viajera, recorrió Latinoamérica y Estados Unidos, en donde estableció un taller experimental y en el que tuvo como alumno a Jackson Pollock. Su rica personalidad artística hizo, que como ningún otro, ejecutara obras dignas de ser patrimonio nacional. Fuentes consultadas: sitios del Museo del Palacio de Bellas Artes www.museopalaciodebellasartes.gob.mx y de la Fundación UNAM www.fundacionunam.org.mx

$220,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,800-$16,000 83

“Y Orozco lo demuestra plenamente en la mayoría de estos dibujos. Quien quiera que sea el dueño particular va a poseer algo invaluable y singular: la creación directa, concreta de una idea estática. Ningún particular posee semejante acervo. Solamente las instituciones o los edificios donde dejó su obra mural. Por otra parte, estos dibujos que provienen del taller de Orozco y pasaron a ser propiedad de la familia, le sirvieron al pintor para realizar obras independientes de los murales y son la clave para entender el proceso creativo de estas y otras pinturas. Si tenemos en cuenta el número de coleccionistas, es claro que sería imposible que alguno de ellos poseyera si quiera alguno de estos dibujos. Se precisa de una gran sensibilidad y criterio estético para valorar lo excepcional de tener esta oportunidad”. Clemente Orozco V.

JOSÉ CLEMENTE OROZCO

(Zapotlán actual Ciudad Guzmán, Jalisco, 1883 - Ciudad de México, 1949)

a) Modelo aéreamente sedente, ca. 1944-1947 Tinta china sobre papel 27.5 x 20.5 cm b) Doble estudio de brazo derecho flexionado en "V", ca. 1940-1948 Tinta china sobre papel 30.2 x 22.9 cm Certificada al reverso de forma autógrafa por Margarita V. de Orozco y por Lucrecia Orozco. Esta obra presenta una mancha blanca al reverso que también es notoria en la cara frontal. c) Gorda desnuda sentada y escribiendo, ca. 1947 Lápiz de grafito sobre papel 27.9 x 22.7 cm Esta obra presenta una mancha blanca al reverso que también es notoria en la cara frontal. d) Cuatro cabezas teatrales, ca. 1947 Lápiz de grafito sobre papel 27.3 x 20.5 cm e) Cadete de carnaval Tinta china y sepia sobre papel 20.5 x 27.5 cm f) Jinete al frente de grupo de figuras, estudio para la serie de Los Teules, 1947 Lápiz de grafito sobre papel 20.5 x 27.5 cm g) Regalo de las indias a los conquistadores, 1947 Lápiz de grafito sobre papel 20.5 x 27.4 cm h) Diseño rectangular de figura humana y un esbozo, ca. 1940-1948 Tinta china sobre papel 22.9 x 30.2 cm Certificada al reverso de forma autógrafa por Margarita V. de Orozco, Lucrecia Orozco y Clemente Orozco. Esta obra presenta una mancha blanca al reverso que también es notoria en la cara frontal. i) Desnudo de mujer abierta de piernas, ca. 1940-1948 Lápiz de grafito sobre papel 20.1 x 27.6 cm j) Carga a lanza de caballero-caballo, con la cola al aire Tinta sepia sobre papel 20.5 x 27.5 cm Sin firma. Todos están certificados al reverso de forma autógrafa por Margarita Valladares de Orozco y todos con dictámenes de la Fundación José Clemente Orozco A.C., firmados por Clemente Orozco V., febrero de 2010 y/o 2015. Piezas: 10 Procedencia: colección particular. Adquiridos a la colección de la familia del artista. Provienen originalmente del taller de José Clemente Orozco. Presentan ligeros detalles de conservación. $380,000.00-$450,000.00 M.N. USD $20,300-$25,000

“¿Acaso no es posible crear una obra maestra con un lápiz cualquiera sobre cualquier papel?” José Clemente Orozco.

JOSÉ CLEMENTE OROZCO

(Zapotlán actual Ciudad Guzmán, Jalisco, 1883 - Ciudad de México, 1949)

a) Déspota anteproyecto, 1946 Lápiz de grafito sobre papel 27.2 x 21.1 cm b) Centauro, ca. 1938 Tinta china sobre papel 27.4 x 20.5 cm Probablemente sea un anteproyecto para los murales del Hospicio Cabañas en Guadalajara. Presenta ligeros detalles de conservación y faltantes en la parte superior del papel. c) Figura topológica, ca. 1947 Lápiz de grafito sobre papel 27.2 x 20.5 cm La leyenda de certificación de Margarita Valladares de Orozco se encuentra escrita al reverso, en sentido invertido al de la composición de la obra. Presenta ligeros detalles de conservación en el papel y una pequeña perforación. d) Variación sobre la cabeza de la Coatlicue, ca. 1938 Tinta china sobre papel 27.4 x 20.5 cm

"Orozco pintó a la Coatlicue tal vez como un símbolo de la memoria cultural y de reconocimiento al genio de sus creadores en la capilla del Hospicio Cabañas, y en 1947, en una pintura en el contexto de su serie 'Los Teúles'". Clemente Orozco. Presenta un pequeño faltante en la esquina superior derecha.

e) Centauro con gran cabeza de caballo, ca. 1938 Tinta china sobre papel 20.5 x 27.3 cm f) Abrazo de pareja y espectador, ca. 1940-1948 Tinta sepia sobre papel 20.5 x 27.4 cm g) General de utilería y comparsa, ca. 1946 Lápiz de grafito sobre papel 20.1 x 27.7 cm Certificado al reverso de forma autógrafa por Margarita V. de Orozco y Lucrecia Orozco. h) Haz de figuras atadas con cadena Tinta china sobre papel 20.3 x 24.8 cm Esta obra también está certificada al reverso por Margarita V. de Orozco, sin embargo por estar enmarcada no es visible. i) Coatlicue, ca. 1947 Tinta china y sepia sobre papel 20.8 x 13.1 cm Certificada al reverso de forma autógrafa por Margarita V. de Orozco y Lucrecia Orozco.

"Se trata de una versión humorística del monumento debido a la inclusión de un medio rostro de un hombre debajo de las serpientes, así como de dos cuerpos masculinos siameses y del que parte un brazo horizontal que abraza al otro cuerpo". Clemente Orozco.

j) Casas, ca. 1946 Lápiz de grafito sobre papel 28.8 x 24.2 cm, superficie visible por la marialuisa Esta obra también está certificada al reverso por Margarita V. de Orozco, sin embargo por estar enmarcada no es visible. Presenta una mancha en la parte inferior del papel. Sin firma. Todos están certificados al reverso de forma autógrafa por Margarita Valladares de Orozco y todos con dictámenes de la Fundación José Clemente Orozco A.C., firmados por Clemente Orozco V., febrero de 2010 y/o 2015. Piezas: 10, dos están enmarcados Procedencia: colección particular. Adquiridos de la colección de la familia del artista. Provienen originalmente del taller de José Clemente Orozco. Presentan ligeros detalles de conservación. $380,000.00-$450,000.00 M.N. USD $20,300-$25,000

JORGE GONZÁLEZ CAMARENA

(Guadalajara, Jalisco, 1908 - Ciudad de México, 1980)

Cuarto estudio de Huejotzingo, ca. 1978 Sin firma Óleo sobre tela 80 x 100 cm Con certificado de autenticidad de Alfredo González Camarena Saint - Leu, diciembre de 2014. Presenta mínimos detalles de conservación. González Camarena fue un escultor, pintor y muralista mexicano de indiscutible carácter nacionalista. Dibujante nato que mostró en cada obra un gentil y fino trato estético. En 1932, fue comisionado para restaurar los frescos del siglo XVI del convento de Huejotzingo en Puebla. Allí permaneció aproximadamente dos años, estancia que le permitió conocer los frescos de los pintores aztecas ya bautizados. Entre sus investigaciones, destacó la que abordó las pinturas franciscanas de Marcos Cipac de Aquino, conocido por ser el último pintor indígena náhuatl, a quien también se le atribuye la polémica sobre la veracidad del origen divino de la imagen guadalupana. Parte de estos estudios realizados en y sobre el convento fueron publicados en la Revista Futuro. La influencia de estos frescos se desarrolló en su obra con gran fuerza, ejecutando trabajos sobre el tema hasta 35 años después de su residencia en Puebla. Realizó obras con la misma técnica pictórica utilizada por tlacuilos del siglo XVI, mezclando pigmentos naturales con tal sabiduría que obtenía colores que producían verdaderas sinfonías visuales. La vida cotidiana de Huejotzingo lo inspiró tanto, que se integró a la orquesta del pueblo de música prehispánica tocando la chirimía, un instrumento parecido a la flauta. Conforme pasaron los años, se consagraba como el muralista líder de la segunda generación y aumentaba su conocimiento por las tradiciones del México antiguo, comenzó a abordar otros temas que rodeaban a la nueva nacionalidad mexicana, como eran la ciencia, la tecnología y la cultura. Fuentes consultadas: FAVELA FIERRO, Ma. Teresa. Jorge González Camarena. Universo plástico. México. Democracia ediciones, 1995, Pág. 86 y MATEOS, Mónica. "Jorge González Camarena, el pintor de la historia de México". México. La Jornada, sección Cultura, 24 de marzo de 2008.

$450,000.00-$600,000.00 M.N. USD $25,000-$32,100 92

DAVID ALFARO SIQUEIROS

(Ciudad de México, 1896 - Cuernavaca, Morelos, 1974)

Juicio Final Firmada y fechada 7 - 68 Piroxilina sobre madera 122 x 103 cm Desde muy joven Siqueiros conoció la destrucción que conllevaba la guerra. Siendo un adolescente se unió al Ejército Constitucionalista en Veracruz durante la Revolución Mexicana y en 1937 viajó a España para enlistarse en la milicia del Ejercito Republicano, donde alcanzó el grado de Coronel. La guerra de Vietnam, entre 1960 y 1975, sería un motivo más para que Siqueiros se manifestara. Estados Unidos con el apoyo de otras naciones quería impedir la unificación de Vietnam bajo un gobierno comunista. El Partido Comunista Mexicano y el Partido Popular Socialista de México organizaron grandes manifestaciones demandando que se creara un comité de solidaridad para que se promoviera, a nivel nacional y se coordinaran las acciones de apoyo a Vietnam. Siqueiros fue el fundador de dicho comité. No es de extrañar que, en 1967, en la Embajada de la Unión Soviética en México, le fuera otorgado el Premio Lenin de la Paz. Dicho reconocimiento era entregado anualmente por la Unión Soviética a los individuos que hubieran contribuido a generar armonía entre los pueblos. El premio constaba de una medalla, un diploma y mil rubros, que decidió obsequiar a la República Democrática de Vietnam. Estas experiencias que eligió voluntariamente lo acercaron al dolor humano en su máxima expresión, y a la vez lo ayudaron a desarrollar una gran sensibilidad artística. En este contexto fue realizada la pieza “Juicio Final”, una obra en la que Siqueiros refleja el fin de los tiempos; donde por fin se decidirá el destino final que cada individuo construyó para sí. Fuente consultada: MEJÍA GONZÁLEZ, Adolfo. México y la Unión Soviética en la defensa de la paz. México. Agencia de Prensa Nóvosti, 1986, pp.76-77

$3,200,000.00-$4,500,000.00 M.N. USD $171,000-$240,600 94

GABRIEL FERNÁNDEZ LEDESMA

(Aguascalientes, 1900 - Ciudad de México, 1983)

Sin título, ca. 1947 Sin firma Óleo y arena sobre madera 126.5 x 186 cm Presenta detalles de conservación. Fernández Ledesma estudió en la Academia de San Carlos, donde fue alumno destacado de Leandro Izaguirre y Saturnino Herrán. Fue ayudante de Roberto Montenegro durante el proyecto para decorar el Pabellón de México en Brasil. A su regreso de Río de Janeiro, el secretario de educación, José Vasconcelos, lo nombró director artístico del Pabellón de Cerámica de la Facultad de Ciencias Químicas. Junto con sus hermanos, Ledesma creó la Escuela de Escultura y Talla Directa, en la cual se buscó impulsar el arte popular e impartir la enseñanza a obreros y niños. Más adelante fundó un taller de grabado con el cual promovió el desarrollo de la gráfica en México. Además de inducir y ejercer la pintura, también editó y publicó varios libros sobre arte popular mexicano. Ledesma perteneció a diversos movimientos y organismos promotores del arte, tales como el movimiento "¡30-30!", junto con Fernando Leal y Ramón Alva de la Canal. Fue miembro del Salón de la Plástica Mexicana y cofundador de la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios. En 1940 colaboró con Miguel Covarrubias en la realización de la exposición "20 siglos de arte mexicano" que se presentó en Nueva York. Fue reconocido con dos becas Guggenheim y acreedor a la Medalla José Guadalupe Posada. Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1995, Pág. 396 y MARTÍNEZ LAMBARRY, Margarita et ál. La Colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 260.

$520,000.00-$600,000.00 M.N. USD $27,800-$32,100

RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - )

Sin título Firmado Acrílico sobre tela 70 x 80 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2016. Rafael Coronel es un artista mexicano, reconocido por sus pinturas de esencias melancólicas. Realizó sus estudios en la escuela Nacional de Arquitectura, en la academia High American School y finalizó en La Esmeralda, escuela de la cual fue expulsado por conflictos con los maestros. Un día, el pintor Carlos Mérida le presento a Inés Amor, dueña de la Galería de Arte Mexicano, lugar donde sin duda se dio a conocer como un verdadero artista. El arte siempre corrió por sus venas, su abuelo fue decorador de iglesias, su hermano fue el pintor Pedro Coronel y estuvo casado con Ruth Rivera, hija de Diego Rivera con quien trabajó en su taller durante veinte años. Al madurar su estilo, Coronel comenzó a romper con ciertas modalidades, se convirtió en un maestro del naturalismo y del realismo poético, fantástico y mágico. Su intención fue mostrar la particularidad del ser humano sin tanto revestimiento como lo hacían los muralistas, plasmando personajes cuya esencia se congela en el tiempo. Como dijera el crítico literario Salvador Elizondo: "Coronel forma una síntesis misteriosa entre la apariencia y la realidad".

Fuentes consultadas: CORONEL RIVERA, Juan Rafael. Retrofuture. Rafael Coronel. México. INBA, CONACULTA, Museo del Palacio de Bellas Artes, 2010, pp. 373 y 374 y sitio oficial del artista www.rafaelcoronel.com

$280,000.00-$400,000.00 M.N. USD $15,000-$21,400 98

FRANCISCO CORZAS

(Ciudad de México, 1936 - Ciudad de México, 1983)

Sin título Firmado y fechado 74 Óleo sobre tela 70.5 x 55.5 cm Presenta pequeñas manchas. Corzas fue un pintor con una presencia plástica indomable, certero en su visión sobre el fin que persigue la pintura misma: crear un mundo poblado de seres propios. Siempre consciente del valor de las grandes figuras en la historia del arte, lo mismo Rembrandt y Caravaggio, que Goya y José Clemente Orozco, Francisco Corzas fue un artífice que comprendió los profundos cambios estilísticos que introducía su generación a mediados del siglo XX, en México. Por todo ello, a pesar de su temprana desaparición y los caminos que emprendió como un ser humano –vulnerable ante el destino–, Corzas está siendo, cada vez más, reevaluado como artista, con aprecio y objetividad, por parte de la crítica y los historiadores de arte. Los arquetipos femeninos de Corzas están ligados a la concepción de fin de siglo, de la femme fatale, de la mujer devoradora de hombres que es capaz de poseer el alma del artista. Tiene su aval en la poesía del simbolismo. Fuente consultada: LOZANO, Luis-Martín et ál. Francisco Corzas. México. Editorial Océano, Grupo Financiero Bital, 2001, pp. 60 - 70.

$500,000.00-$600,000.00 M.N. USD $26,750-$32,100 99

ADOLFO BEST MAUGARD

(Ciudad de México, 1891 - Atenas, Grecia, 1964)

Sin título Firmado y fechado 955 Óleo sobre masonite, díptico 121 x 122 cm cada uno, 121 x 244 cm medidas totales Presenta ligeros detalles de conservación. $380,000.00-$500,000.00 M.N. USD $20,300-$26,750 100

Fue un artista plástico promotor de la cultura mexicana. Además de ejercer en la pintura, también fue coreógrafo, director de cine, camarógrafo, profesor de arte y escritor. Conoció a Diego Rivera en 1912 en el Salón de Otoño en París, a quien le pintó un retrato, conocido como "Joven en el balcón", obra que hoy resguarda el Museo Nacional de Arte. De regreso a México formó parte de las Escuelas al Aire Libre, promovidas por Alfredo Ramos Martínez. El arte de Best Maugard influyó en artistas de nuevas generaciones, así como su legado literario, el cual se enfoca en las artes con bases nacionalistas. Actualmente se puede visitar "Adolfo Best Maugard. La espiral del arte" en el Museo del Palacio de Bellas Artes, exposición retrospectiva que rescata la importancia y los aportes del pintor al arte moderno mexicano, a través de la exploración de varias de sus etapas creativas. "En el trabajo de Best Maugard podemos observar los patrones del arte popular e indígena para concebir la organicidad de una nación y la unión por vía de la identidad, todo esto mediante el arte y el enaltecimiento de raíces milenarias". Miguel Fernández. Fuentes consultadas: ESLAVA. Edgar. "Retrospectiva y evolución de Best Maugard llega a Bellas Artes". México. El Universal, sección Cultura, 8 de septiembre de 2016 y SÁNCHEZ MEDEI, Leticia. "Best Maugard, promotor de arte mexicano". México. Milenio, sección Cultura, 8 de septiembre de 2016.

101

RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - )

Mujer, 1976 Firmada Mixta sobre cartón 77 x 58 cm Con certificado de autenticidad del artista, septiembre de 2016. Durante los años 70 Rafael Coronel logró exhibir su obra en diversos países, compartiendo espacios con Fernando Botero, Francisco Rodon, Manuel Felguérez, Francisco de Santiago, entre otros. Su obra presentó una consistencia en sentimientos, impregnada de fuerza e inquietudes internas por entender los estados anímicos del hombre, como la soledad, el abandono y la desesperación.

"Autor de un mundo sombrío, marchito, envilecido por el sojuzgamiento, sólo lejano del mundo actual por sus exterioridades, expresa a través de su persona esta conciencia de que la crueldad y la belleza son un solo ser indisoluble […] sátira de las debilidades humanas, da nostalgia de la sanidad y lucidez". Luis Carlos Emerich. Fuentes consultadas: CORONEL RIVERA, Juan Rafael. Retrofuture. Rafael Coronel. México. INBA, CONACULTA, Museo del Palacio de Bellas Artes, 2010, pp. 323-325 y sitio oficial del artista www.rafaelcoronel.com

$180,000.00-$220,000.00 M.N. USD $9,600-$11,800 102

JAVIER ARÉVALO

(Guadalajara, Jalisco, 1937 - )

Figura nocturna Firmado y fechado 64 Óleo sobre tela 60 x 85.5 cm Con etiqueta del Salón de la Plástica Mexicana. Presenta ligeras craqueladuras. $60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,200-$4,300 103

ROBERTO MONTENEGRO

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Pátzcuaro, Michoacán, 1968)

Boxeador Firmado y fechado 1963 Óleo sobre tela 70 x 60 cm Con etiqueta de Andrés Siegel Arte. Roberto Montenegro fue hijo del coronel Ignacio Montenegro y doña María Nervo, tía de Amado Nervo. Estudió en la Academia de San Carlos, fue amigo de Diego Rivera y José Juan Tablada, quien lo introdujo en el arte japonés. Viajero inalcanzable hasta sus últimos días, Montenegro pasó la mayor parte de su juventud en Francia, donde consiguió la experiencia vanguardista, no obstante, mucho también le debe a su tierra natal, no sólo por nacionalidad y tradición sino porque en México desarrolló todo su arte. Fue así, que cuando se mostró su exquisito toque para las obras cargadas de imaginación, cuando el surrealismo empezó a desarrollarse en México, a él no le resultó un cambio abrumador o problema, al contrario, lo manejó con gran maestría destacándose sobre otros artistas. En la década de los 60, Montenegro siguió ejerciendo un poco de todo en lo que destacó, continuó como muralista, pintor de caballete, diseñador de vestuarios, escenografías teatrales y cinematográficas. Además de todo lo anterior, fue un gran difusor del arte y la cultura mexicana en el extranjero, ideales que lo llevaron a recibir el Premio Nacional de Artes y ser director del Museo de Artes Populares de Bellas Artes. Fuentes consultadas: BALDERAS, Esperanza. Roberto Montenegro. La sensualidad renovada. México. CENIDIAP, Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 2001, pp. 20-26.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,600-$13,400 104

ROBERTO MONTENEGRO

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Pátzcuaro, Michoacán, 1968)

Sin título Firmado Óleo sobre tela 50 x 60 cm Montenegro estaba acostumbrado a las variantes modernas aprendidas en Europa, por ello las naturalezas muertas que pintó están ejecutadas con formas geométricas, un tanto a la manera cubista. Gustaba de usar como modelos objetos de vidrio y metal para jugar con los reflejos y utilizaba una paleta de color limitada, lo que daba como resultado una gama armoniosa. Así mismo, la dedicación al estudio del arte popular y su amor por el teatro, fueron reflejados en cada uno de sus bodegones, como si fuesen escenografía de naturalezas y frutas. Sin duda, son piezas que presentan carácter y una excepcional calidad pictórica. Fuentes consultadas: BALDERAS, Esperanza. Roberto Montenegro. La sensualidad renovada. México. CENIDIAP, Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 2001, pp. 50 y 51 y FERNÁNDEZ, Justino. Roberto Montenegro. México. UNAM, 1962, Pág. 26.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,600-$13,400 105

PEDRO DIEGO ALVARADO (Ciudad de México, 1956 - )

Tres calabazas con milpa Firmado y fechado 87 Óleo sobre lino 65 x 50 cm Agradecemos al Maestro Pedro Diego Alvarado por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2016.

"En la obra de Pedro Diego Alvarado, se observa un control del trazo y del manejo de los colores. Su capacidad para conjuntar estos elementos va más allá del tema, que permanecen como un espacio autónomo a partir de la luz del cuadro. Esa dirección de la luz en su trabajo plástico la utilizaba como una meditación sobre el mundo que creaba, proveniente no de una influencia, sino de una afinidad (con temor al error) con la escuela impresionista, es decir, que el pintor no recreaba lo que observaba, más bien creaba con un mínimo de referencias a un mundo propio, siempre acertado en los detalles y sensibilidad puesta en cada tela". Miguel Ángel Muñoz. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.pedrodiegoalvarado.com

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,800-$8,000 106

GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003)

Bodegón con panes mexicanos Firmado Óleo sobre tela 76 x 70 cm Gustavo Montoya pensaba que la mejor manera de finalizar un cuadro era eliminando los elementos inútiles que frecuentemente eran impedimento para su libre expresión. Tanto la serie de Bodegones como la de Niños Mexicanos fueron representativas de estas ideas y a diferencia de los del siglo XIX, como los de Agustín Arrieta, Montoya optaba por la modernidad, ejecutando bodegones de composiciones limpias, escasas gamas de colores y falsas perspectivas con el fin de apreciar la totalidad de los elementos expuestos. En 1951, la Galería de la Plástica Mexicana exhibió una serie de casi quince bodegones de frutas, verduras, flores y panes de dulce. En estas obras, Montoya compartió la importancia de las costumbres mexicanas. Es así, que tras cuernitos, teleras, chilindrinas, cochas, donas y campechanas compone un cuadro de manjares mexicanos y sutilmente hace referencia a festividades tradicionales, por ejemplo, en el centro de la mesa se aprecia un pan de dulce representativo de la fiesta de los muertos, un pan decorado con pequeños huesos de azúcar que se prepara como ofrenda a los difuntos del 2 de noviembre de cada año. Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LAMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 442 y LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 4, No. 40, julio-agosto 1999, pp. 7-8.

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,000-$10,700 107

ANTONIO RODRÍGUEZ LUNA

(Córdoba, España, 1910 - Córdoba, España, 1985)

El pan Firmado y fechado 66 al frente. Firmado y fechado 1966 al reverso Óleo sobre tela 55 x 75 cm Publicado en: ALIX, Josefina et ál. Rodríguez Luna. Italia. Grupo Financiero Bital, 1995, catalogado 32, Pág. 71.

"Rodríguez Luna conocía todos los 'ismos', pero era muy auténtico y sus obras aparentemente eran más evolucionadas. Nunca se olvidó del elemento dramático de la luz que caracterizaba sobre todo a la pintura española. Sus colores eran el blanco y el negro, y los manejaba maravillosamente. Dentro de su último periodo tenía figuras un poco grotescas. Nunca pudo desprenderse de la influencia de Goya. Se podría decir que tuvo ese sentido trágico del que habló Unamuno". Gardel Ordiales. Fuente consultada: RODRÍGUEZ SERNA, Antonio. Rodríguez Luna. Italia. Grupo Financiero Bital, 1995, Pág. 70.

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,800-$8,000 108

ANTONIO RODRÍGUEZ LUNA

(Córdoba, España, 1910 - Córdoba, España, 1985)

Naturaleza muerta Firmado y fechado 1950 Óleo sobre tela 74.5 x 118 cm Con etiqueta del Instituto Nacional de Bellas Artes, Museo Nacional de Arte Moderno. Presenta restauración. Publicado en: ALIX, Josefina, et ál. Rodríguez Luna. Italia. Grupo Financiero BITAL, 1995, catalogado 53, Pág. 93. $150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,000-$10,700 109

ARTURO SOUTO

(Pontevedra, España, 1902 - Ciudad de México, 1964)

Sin título Firmado al frente. Firmado y fechado 1943 al reverso Óleo sobre tela 51 x 71 cm Agradecemos a Harry Jacobson, nieto del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2016. Souto llegó a México en 1942 en uno de los primeros contingentes de españoles que venía huyendo de la Segunda Guerra Mundial. Al igual que lo sucedido con otros artistas, Souto era ya un adulto al llegar a América, por lo que sus vivencias migratorias fueron más determinantes en su producción que la influencia mexicana. Durante su estancia en nuestro país, tuvo diversas fases pictóricas, parte de ellas fue neutralizar su paleta de color y aprender sobre el muralismo. No obstante, siempre fue un pintor de línea hierática, vanguardista, capaz de capturar todo tipo de ambientes, pintando tanto bodegones, desnudos y composiciones libres, como praderas y bosques. En 1962 regresó a España y tras permanecer dos años, viajó de nuevo a México para finalizar sus proyectos. "[…] Los mejores cuadros de Souto, las más logradas fases de su pintura, son aquellas en que, libres de reflexiones sobre la teoría de la pintura, expresa con autenticidad una fantasía, un estado de ánimo, una vivencia o un sueño, sea cual fuere su naturaleza". Arturo Souto Alabarce. Fuente consultada: CABAÑAS BRAVO, Miguel. Pinceladas. Dos raíces, dos tierras, dos esperanzas. México. Grupo Financiero BX+, 2014, pp. 44-46 y 149.

$120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,400-$10,700 110

ARTURO SOUTO

(Pontevedra, España, 1902 - Ciudad de México, 1964)

Cuenca España Firmado al frente y al reverso Óleo sobre tela 101.5 x 119 cm Agradecemos a Harry Jacobson, nieto del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2016.

"Si resultara obligatorio rotular de alguna manera la riqueza y variedad de la pintura de Souto lo más adecuado sería llamarla romántica. Es decir, una variedad moderna, muy española, de un romanticismo expresionista que nunca llegó a agotar su sed de imaginación creadora". Miguel Cabañas Bravo. Fuente consultada: CABAÑAS BRAVO, Miguel. Pinceladas. Dos raíces, dos tierras, dos esperanzas. México. Grupo Financiero BX+, 2014, Pág. 150.

$280,000.00-$400,000.00 M.N. USD $15,000-$21,400 111

GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA (Puebla, 1887 - 1962)

La Quebrada Firmado Óleo sobre tela 33.5 x 80 cm

"Gómez Mayorga deja la impresión de un artista plástico que tuvo una relación obsesiva con la naturaleza, entre el gusto de vivir en ella y sentirla, de arrancarle los secretos de sus espacios, sus ritmos y sus fenómenos lumínicos. La combinación agua-roca le permitió transcribir la bravura de las aguas al chocar con las rocas y provocar esas vistas de energía y de poder". Hugo Covantes. Fuente consultada: AMERLINCK, Rodrigo et ál. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, pp. 105 y 106.

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,000-$10,700 112

JOSÉ BARDASANO

(Madrid, España, 1910 - Madrid, España, 1979)

El Popocatépetl Firmado Óleo sobre tela 50 x 59.5 cm Presenta una pequeña restauración en la parte inferior. José Bardasano fue un pintor y dibujante madrileño que cultivó su arte en diversos países, convirtiéndose en uno de los artistas más relevantes de su época. Comenzó su formación como aprendiz del pintor Marceliano Santa María, posteriormente viajó a Londres, París, Bruselas y La Haya gracias a la beca Conde de Cartagena que le fue concedida en 1935. Durante la Guerra Civil en España colaboró como cartelista e ilustrador en diversas publicaciones. En 1939, llegó a México junto con otros refugiados de la guerra en Europa. Pronto se identificó con las ideas de los muralistas, pero optó por un camino propio. Su fuerte personalidad le permitió conservar su identidad española durante su estancia, sin embargo se sobrepuso a todas las influencias y ambientes para mantener su estilo. Realizó paisajes de volcanes y praderas, marinas, bodegones, así como temas de festivales latinos.

Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. México. Grupo Financiero Banamex, 2002. Tomo I, Pág. 106, CABAÑAS BRAVO, Miguel. Pinceladas. Dos raíces, dos tierras, dos esperanzas. México. Grupo Financiero BX+, 2014, Pág. 71 y sitio del Museo del Prado www.museodelprado.es

$120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,400-$10,700 113

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JOAQUÍN CLAUSELL

(San Francisco de Campeche, 1866 - Lagunas de Zempoala, Morelos, 1935)

Marina Sin firma Óleo sobre tela 68.5 x 100 cm Con ensayo con opinión de autenticidad de la Mtra. María Amparo Clausell. El paisaje siempre ha sido una fuente de inspiración para los artistas, un tema de gran importancia en el imaginario europeo y mexicano. El inicio del movimiento impresionista a mediados del siglo XIX ocasionó grandes cambios en la pintura, pronto se difundió en toda Europa, hasta que los artistas viajeros lo llevaron a América. En ese entonces, uno de los máximos exponentes del paisajismo académico mexicano era José María Velasco, no obstante tras él hacían presencia Dr. Atl y Joaquín Clausell, quien fue el representante del impresionismo en México. La vida de Clausell tuvo diversas etapas y fue su personalidad rebelde la que le causó muchos problemas. Estudió para ser abogado, carrera que ejerció un tiempo a favor de los derechos de aquellos quienes habían sido mal juzgados. También participó en el partido maderista luchando contra Díaz, actividad de militancia política que duró poco. Hasta entonces, el arte únicamente había estado latente en su vida hasta que conoció a Dr. Atl en 1904, amigo que lo impulsó a viajar y estudiar para poder pintar. Así fue como Clausell descubrió sus maravillosas facultades para la pintura. Alrededor del año 1896, conoció el trabajo de Monet, Renoir y los paisajes de Courbet durante su estancia en París. De ellos aprendió la técnica "plein air", que le permitía captar la luz y mezclar tonalidades en un mismo paisaje. De regreso a México, experimentó lo aprendido en Europa con los coloridos paisajes mexicanos, destacando los valles, montañas, volcanes, bosques, lagos, ríos, costas y acantilados. A pesar de que no fue un impresionista ortodoxo, retrató la naturaleza mexicana con gran dedicación. De los años 20 en adelante, recibió buenas críticas y grandes elogios por sus obras. Juan O'Gorman se refirió a él como un pintor de grandes dotes impresionistas con obras llenas de precisión y colorido. "Pintor sensual en el más puro y directo significado de la palabra, sus cuadros hablan sin elocuencia, poéticamente a los sentidos del espectador. Y si todos son un deleite para la vista, de algunos es justo decir que podemos respirarlos como una emanación, o bien tocarlos por la magnífica calidad de su materia y aún oír en ellos el silencio de sus lagos y canales, o el rumor de sus bosques, o la precipitada fuga del oleaje en sus marinas, o el hervor siempre rítmico de sus caídas de agua". Xavier Villaurrutia. Fuentes consultadas: TOVAR, Rafael et ál. Joaquín Clausell y los ecos del impresionismo en México. México. Museo Nacional de Arte, 1995, Pág. 65 y MOYSSÉN, Xavier. Joaquín Clausell. México. UNAM, 1992, pp. 12-15 y 31-35.

$1,400,000.00-$2,500,000.00 M.N. USD $75,900-$134,000

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José María Velasco A los 18 años se inscribió en la Academia de Bellas Artes de San Carlos. Fue discípulo de Santiago Rebull, Pelegrín Clavé, Manuel Carpio y Eugenio Landesio, de quien aprendió las técnicas del paisaje. Interesado en profundizar en el conocimiento de la naturaleza, estudió botánica, zoología, física y anatomía en la Facultad de Medicina. Se graduó de paisajista en 1861. En el año de 1868 se le nombró profesor de perspectiva y en 1872 de paisaje. En el último tercio del siglo XIX, México adoptó una de las filosofías científicas más sólidas y profundas, el positivismo. Tomaba como base la inducción y la experiencia, dejando a un lado la razón pura y lo absoluto. Con ello se generó una sistematización más amplia de los conocimientos científicos, se impulsó a la investigación y por lo mismo al número de publicaciones. José María Velasco no fue únicamente un pintor y dibujante, fue un artista científico. En la época se tenía la idea de que el oficio de los mismos era retratar la naturaleza, no modificarla o interpretarla. La perspectiva debía apegarse a las reglas matemáticas, el dibujo debía ser preciso y el colorido lo más cercano a la realidad. Sin embargo, el acervo científico y cultural que tenía le permitió librarse del exagerado idealismo que buscaban las instituciones y que muchas veces convertían al objeto en algo artificial. En 1890 el general Porfirio Díaz nombró a José María Velasco como el dibujante fotógrafo del Museo Nacional. Este había sido colaborador desde años atrás para ayudar a los investigadores que trabajaban en el museo y había asistido a numerosas expediciones. Ese mismo año se organizó una exploración a Cempoala, Veracruz, cuyos resultados iban a servir de base para una exposición histórica que se presentaría en Madrid con motivo del centenario del descubrimiento de América. Se realizaron excavaciones, fotografías, estudios y descripciones de cada construcción durante un periodo de ocho meses. En esa ocasión Velasco no formó parte de la expedición, pero realizó detallados dibujos basados en las fotografías. Catorce de estas piezas se mostraron en España junto con objetos arqueológicos e históricos mexicanos. Cuando las piezas volvieron al país fueron exhibidas en la Sala Dos del Museo Nacional dedicada a la historia de México. La investigación no fue publicada hasta 1912 con motivo del Decimoctavo Congreso Internacional de Americanistas celebrado en Londres. En el libro “Las Ruinas de Cempoala” se incluyen varios de los dibujos del artista. Velasco logró hacer de la iconografía científica un arte independiente y no un mero complemento de la descripción. Fuentes consultadas: ÁLVAREZ, José Rogelio et ál. Enciclopedia de México. Tomo XIV. México. Encyclopaedia Britannica de México, S.A. de C.V, 1993, Pág. 7983 y ALTAMIRANO PIOLLE, María Elena et ál. Homenaje Nacional. José María Velasco (1840-1912). Volumen II. México. Museo Nacional de Arte, CONACULTA, 1993, pp. 373-375.

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JOSÉ MARÍA VELASCO

(Temascalcingo, Estado de México, 1840 - Villa de Guadalupe Hidalgo, Ciudad de México, 1912)

Xochipilli Firmado y fechado 1888 Lápiz de grafito y gouache sobre papel 30 x 23 cm Con dictamen de María Elena Altamirano Piolle, octubre de 2016. Presenta ligeros detalles de conservación.

Xochipilli. Posclásico tardío (1250-1521 d.C.) Xochipilli "señor de las flores", era considerado dios de la nobleza, patrono de la música, las flores, los placeres, el castigo a los vicios y la encarnación del Sol del crepúsculo; estaba relacionado con la fertilidad agrícola. En esta escultura, el dios lleva una máscara, un pectoral y ajorcas. Su cuerpo, cubierto por un sencillo braguero o máxtlatl, está tapizado con flores con propiedades psicotrópicas, como la nicotina, el ololiuhqui o la datura. Reposa sobre un asiento decorado con flores, mariposas y el glifo del calor del sol. La escultura de Xochipilli representada por José María Velasco en este dibujo, forma parte de la colección permanente del Museo Nacional de Antropología.

Fuente consultada: OLMEDO VERA, Bertina. Colección del Museo Nacional de Antropología www.mna.inah.gob.mx

$100,000.00-$180,000.00 M.N. USD $5,350-$9,600 117

JOSÉ MARÍA VELASCO

(Temascalcingo, Estado de México, 1840 - Villa de Guadalupe Hidalgo, Ciudad de México, 1912)

Ruinas de Cempoala Firmada y fechada 1894 en plancha Litografía 29.4 x 40.8 cm Con dictamen de María Elena Altamirano Piolle, octubre de 2016. $50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,700-$3,750 118

JOSÉ MARÍA VELASCO

(Temascalcingo, Estado de México, 1840 - Villa de Guadalupe Hidalgo, Ciudad de México, 1912)

Escalera de una pirámide, Cempoala, Veracruz Firmado "JMV." Lápiz de grafito sobre cartoncillo 27.2 x 38.3 cm Con dictamen de María Elena Altamirano Piolle, octubre de 2016. Publicado en: ALTAMIRANO PIOLLE, Ma. Elena et ál. Homenaje Nacional, José María Velasco. Tomo II. México. Turner Libros S.A., Museo Nacional de Arte, 1993, catalogado 440, Pág. 378. $180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,600-$13,400 119

JOSÉ MARÍA VELASCO

(Temascalcingo, Estado de México, 1840 - Villa de Guadalupe Hidalgo, Ciudad de México, 1912)

Tlapanhuéhuetl de Malinalco (águila y jaguar) Firmados y fechados 1899 a tinta Lápiz de grafito sobre papel 32.5 x 20.4 cm y 34.5 x 20.1 cm Piezas: 2 Ambos con dictamen de María Elena Altamirano Piolle, octubre de 2016. Presentan ligeros detalles de conservación. El Tlapanhuéhuetl de Malinalco es un tambor ceremonial tallado en madera de tepehuaje; está considerado como una obra maestra por la perfección de sus diseños, que representan la danza ritual de los guerreros águila y jaguar al escoltar al símbolo calendárico Nahui Ollin. Es posible apreciar esta simbología guerrera y cosmogónica mexica gracias a que el maestro Velasco se encargó de representar con maestría los detalles de ambos personajes en cada uno de los dibujos que conforman este lote. La parte superior estaba cubierta con pieles de jaguar o de otros animales y se tocaba con las palmas y los dedos para producir tres sonidos afinados y múltiples efectos. Esta forma de golpear el huéhuetl sin usar ningún aditamento se advierte en las representaciones de los códices. La pieza original, a partir de la cual Velasco realizó estos dibujos, se encuentra actualmente en el Museo de Antropología e Historia, ubicado al fondo del Centro Cultural Mexiquense de Toluca. Fuentes consultadas: "Museo de Antropología e Historia" México. Secretaría de Cultura del Gobierno del Estado de México www. patrimonioyserviciosc.edomex.gob.mx y "La música de percusión en la época mexica". México. México desconocido.

$200,000.00-$250,000.00 M.N. USD $10,700-$13,400

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JOSÉ MARÍA VELASCO

(Temascalcingo, Estado de México, 1840 - Villa de Guadalupe Hidalgo, Ciudad de México, 1912)

Pirámide de los Nichos, Tajín, Veracruz Firmado y fechado 1891 Lápiz de grafito sobre cartoncillo 26.5 x 37.8 cm Con dictamen de María Elena Altamirano Piolle, octubre de 2016. Publicado en: ALTAMIRANO PIOLLE, Ma. Elena et ál. Homenaje Nacional, José María Velasco. Tomo II. México. Turner Libros S.A., Museo Nacional de Arte, 1993, catalogado 439, Pág. 378. Por error en la primera edición de este libro se publicó con el título "Pirámide de los Nichos (Cempoala, Veracruz)". $180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,600-$13,400

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FERNANDO BOTERO

(Medellín, Colombia, 1932 - )

Bodegón con guitarra, 1958 Firmado Óleo sobre tela 137 x 156 cm Con certificado de autenticidad del artista, julio de 2016. Procedencia: adquirido en galería Interart S.A. de C.V., enero de 2004. Presenta un rayón y una pequeña restauración. De identidad artística inconfundible, Botero es un pintor y escultor reconocido universalmente. Como pocos, su peculiar mundo visual ha sido durante décadas mostrado permanentemente en plazas y avenidas de las más grandes ciudades del mundo. Desde el comienzo de su carrera, se ha inspirado de las fuentes principales de la historia del arte. Cuando llegó a Madrid ingresó a la Academia de San Fernando, donde aprendió las técnicas clásicas de la pintura de Goya y Velázquez. Después de un año en España, se trasladó a Italia para estudiar en la Academia de San Marcos, allí tuvo un acercamiento con las obras renacentistas, en especial la técnica al fresco de Piero de la Francesca, Giotto y Masaccio. En 1955 regresó a Colombia y tan sólo un año después viajó a México junto con su primera esposa. En tierras mexicanas se interesó por el muralismo y contactó con el galerista Antonio Souza, quien comenzó a comercializar su obra; con esas ganancias logró mantenerse un tiempo en nuestro país. En esta época, Botero estaba en búsqueda de su propio estilo. Pintó "Naturaleza muerta con mandolina", un bodegón con una guitarra que tenía un orificio en el centro mucho más pequeño de lo normal, lo que provocó que el instrumento adquiriera una proporción enorme. En ese momento, algo mágico sucedió para Botero, pues había encontrado la clave para su estilo. Fue así, que comenzó a experimentar con objetos y personas, creciendo la materia, haciendo alarde del concepto de magnificencia. Durante los años siguientes, su pintura se construyó sobre estas nuevas convicciones plásticas, colores, formas, y tamaños. Dentro de su amplia producción, Botero ha trabajado diversos géneros, entre ellos, retratos, desnudos, tauromaquia, interpretaciones de obras de arte, temas religiosos y naturalezas muertas. Su éxito ha conquistado galerías y museos, su obra ha llegado a romper records de venta en las casas de subastas de Sotheby's y Christie's en Nueva York. Además, el camino que emprendió con exposiciones públicas y privadas aún continua en la mayoría de los países europeos, asiáticos y americanos. "Nunca me he preocupado con el problema del modernismo. Mi pintura y escultura recapitulan en gran medida la historia del arte. Pero inevitablemente pertenece a este siglo. Lo importante para mí es que cualquier persona que mire uno de mis trabajos lo reconozca como un Botero". Fernando Botero. Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 8, No. 61, enero-febrero 2003, pp. 5-21 y sitio del Museo de Antioquia www.museodeantioquia.co

$4,800,000.00-$6,000,000.00 M.N. USD $257,000-$321,000 124

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GABRIEL FERNÁNDEZ LEDESMA

(Aguascalientes, 1900 - Ciudad de México, 1983)

Sin título, ca. 1947 Sin firma Óleo y arena sobre madera 155 x 155 cm Presenta detalles de conservación.

"Gabriel Fernández Ledesma nunca vivió al margen de los acontecimientos que lo rodeaban; fue un hombre inmerso en su tiempo y de este registró todas sus ventajas y contradicciones". Judith Alanis Figueroa, 1985. $380,000.00-$500,000.00 M.N. USD $20,300-$26,750 126

JOSÉ ANTONIO FARRERA (Ciudad de México, 1964 - )

Viejo bouquet en florero de copa Firmado y fechado 16 al reverso Óleo sobre tela 140 x 140 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Su trayectoria ha sido distinguida en certámenes como la 2da. Bienal Alfredo Zalce, 1999; Premio de Adquisición 1era. Bienal de Pintura Pedro Coronel, 2008; Menciones Honoríficas en la 1era. Bienal de Pintura Gómez Palacio y en la Bienal de Pintura Julio Castillo, ambas en 2008 y la Bienal Nacional Alfredo Zalce, 2011. En 2010 ingresó al Sistema Nacional de Creadores de Arte-FONCA.

"El detalle en la cualidad física de los jarrones es un estudio en sí mismo; el bouquet es un conjunto compacto que forma parte de la composición, aunque a veces se interrumpe. Hay un espacio vacío entre el jarrón y el follaje, un silencio musical entre el acorde sólido de la base y el subibaja de escalas de la melodía. No importa. No queremos una representación realista, sino una impronta, un golpe de color, una revelación de presencias, de grados emocionales que entren en conflicto y armonicen a la vez". José Manuel Ruiz Regil. Fuente consultada: RUIZ REGIL, José Manuel. Carmen Parra / José Antonio Farrera. La flor de loto y el cardo. México. Aldama Fine Art, Pág. 11.

$120,000.00-$160,000.00 M.N. USD $6,400-$8,550 127

BENITO CERNA

(Trujillo, Perú, 1960 - )

Telas y cristal Firmado Óleo sobre tela 70 x 80 cm Con certificado de autenticidad del artista, noviembre de 2011. Benito Cerna es un pintor peruano que ha participado en diversas exposiciones, tanto individuales como colectivas, en su natal Perú y en países como Colombia, Panamá y Estados Unidos. Su obra forma parte de colecciones como la de Fundación Cultural del Banco de la Nación de Trujillo, Perú y la del Museo El Castillo en Medellín, Colombia.

"Su tema varía según su emoción: bodegones, desnudos, paisajes, muestran la versatilidad de un alma inquieta queriendo atrapar la fugacidad del tiempo, que detenido en la retina de su ojo toma la magia del instante para atraparla en el lienzo que es la continuidad de su propia emoción lograda con un efecto que hace recordar la pintura flamenca. La excelencia es la búsqueda cotidiana de este artista". Charles Nevott. $70,000.00-$120,000.00 M.N. USD $3,750-$6,400 128

ARTURO ESTRADA

(Panindícuaro, Michoacán, 1925 - )

Bodegón Firmado al frente y al reverso Óleo sobre tela 80 x 60 cm Con etiqueta del Salón de la Plástica Mexicana. Su legado recae en su dinamismo intelectual que conduce al público, a través de su gran uso del color, a una experiencia sensorial única; y su lenguaje artístico logra un equilibrio entre lo plástico y lo social, muy acorde con los principios del muralismo mexicano que marcaron toda su producción artística. En una reciente entrevista que dio al Museo Nacional de Arte en 2015, Estrada describió su trabajo como una mezcla de lo popular y lo oculto. Es conocido por el uso de una gran variedad de colores brillantes y su estilo mezcla elementos tradicionales del folklore mexicano, escenarios típicos del país, flores y frutas.

Fuente consultada: SALGADO MANZANARES, Gilda. "Arturo Frido Estrada. Maestro colorista". México. Museo Nacional de Antroplogía, INAH, serie Obra Moderna y Contemporánea, 2016, en www.mna.inah.gob.mx

$60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,200-$4,300 129

RAMÓN ALVA DE LA CANAL

(Ciudad de México, 1892 - Ciudad de México, 1985)

Sin título Firmado Óleo sobre tela 35 x 51 cm Procedencia: adquirido directamente al artista. De la Canal estudió en la Academia de San Carlos y en la Escuela de Pintura al Aire Libre, donde tuvo de maestro a Alfredo Ramos Martínez, quien junto con José Vasconcelos le extendieron el nombramiento de Ayudante de Dibujante en la Secretaría de Educación Pública. Más adelante, formó parte de la corriente Estridentista junto con Fermín Revueltas, con quien convivió también en el grupo "¡30-30!" En 1922, a la par del inicio del movimiento muralista, De la Canal rescató la técnica al fresco y pintó el famoso mural "El desembarco de los españoles y la cruz plantada en tierras nuevas" en la Escuela Nacional Preparatoria, hoy Antiguo Colegio de San Ildefonso. Por su trabajo y servicios, obtuvo diversas distinciones y homenajes, entre ellos los organizados por la Universidad Veracruzana, la Academia en la Secretaría de Educación Pública y el Taller de Gráfica Popular. Fuente consultada: sitio de la Academia de Artes www.academiadeartes.org.mx

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,600-$13,400 130

RAMÓN ALVA DE LA CANAL

(Ciudad de México, 1892 - Ciudad de México, 1985)

Espejo Firmado y fechado 1956 Óleo sobre tela 50 x 61 cm Procedencia: adquirido directamente al artista. Presenta una pequeña restauración y ligeros detalles de conservación.

"El pintor parte del efecto real, es decir, de la observación de las relaciones que existen entre masas de color y el ambiente luminoso que las inunda". Ramón Alva de la Canal. Fuente consultada: ALVA DE LA CANAL, Ramón. "Qué es lo que puede decir un pintor". México. Discurso de ingreso a la Academia de Artes, abril de 1981.

$250,000.00-$350,000.00 M.N. USD $13,400-$18,700 131

LUIS GARCÍA GUERRERO

(Guanajuato, Guanajuato, 1921 - Ciudad de México, 1996)

Sin título Firmado y fechado 1957 Gouache sobre papel 47.5 x 58 cm Procedencia: adquirido directamente al artista. Presenta ligeros detalles de conservación. Nacido en la ciudad de Guanajuato, descubrió y admiró la obra de su paisano Hermenegildo Bustos y los retablos populares. A principios de la década de los 50 se trasladó definitivamente a la Ciudad de México, donde creció su círculo de amigos, integrado por un grupo de pintores e intelectuales, entre ellos se encontraban los artistas Gunther Gerzso, Ricardo Martínez, Ángela Gurría, Manuel Felguérez y José Chávez Morado. Estos amigos interesaron a Inés Amor para que visitara el estudio de García Guerrero, admiró su potencial y no dudó en ofrecerle una exposición. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, 2004, No. 7, Pág. 21.

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,800-$6,400 132

100

CORDELIA URUETA

(Ciudad de México, 1908 - Ciudad de México, 1995)

Oro Firmado y fechado 80 Óleo sobre tela 140 x 165 cm Publicado en: GARCÍA BARRAGÁN, Elisa. Cordelia Urueta y el color. México. Universidad Nacional Autónoma de México, colección de arte 38, 1985, lámina XIII. Su padre fue el célebre literato y diplomático don Jesús Urueta y don Justo Sierra fue su tío abuelo. Dr. Atl, a quien ella llamaba "tío Murillo", al ver unos retratos realizados por ella, la alentó a seguir dibujando. En 1929 viajó a Nueva York, su tío político Juan José Tablada la llevó a "Delphic Studios" donde Alma Reed la invitó a participar en una exposición junto a Orozco y Tamayo. Su amigo el pintor Pastor Velázquez, le presentó al pintor Gustavo Montoya, como Cordelia no tuvo una formación académica, trataba de aprender de los artistas que la rodeaban, especialmente de Montoya, quien había estudiado en San Carlos. Gracias a su ingenio y a las relaciones que su padre había tenido, consiguió un nombramiento como Canciller de la Embajada de México en París. En 1938, mientras trabajaba en los preparativos para su viaje, Gustavo Montoya le propuso matrimonio. En Francia convivieron con Siqueiros, primo de ella por parte de su padre. La estancia en Europa enriqueció su modo de ver el arte. La tensión política previa a la Segunda Guerra Mundial provocó que fueran transferidos al Consulado de México en Nueva York. A su regreso a México en 1950, Cordelia presentó su primera exposición individual en el Salón de la Plástica Mexicana. "Colorista por naturaleza, por vocación, se lanzó al cambio de la pintura con una perseverancia admirable. Su creación múltiple, diversa y cambiante fue realizada bajo el signo de la curiosidad y del análisis, inclusive del juego serio y purificante, por ello sus cuadros se alejan de normas, de dogmas o patrones encasilladores. Su autonomía deriva y se extiende en una libertad, en una tenaz voluntad por ir más allá de lo perceptible, de lo tangible, para entrar a la búsqueda de un lenguaje del color, que en sensible poética se integra y descompone en formas, volúmenes, tierra y sol". Luis Mario Schneider, 1985. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus artistas. Tomo I. México. Promoción de Arte Mexicano, 2000, pp. 200-202.

$280,000.00-$320,000.00 M.N. USD $15,000-$17,100 133

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SYLVIA ORDÓÑEZ

(Monterrey, Nuevo León, 1956 - )

Jarra blanca con frutas Firmado y fechado 98 al frente. Firmado al reverso Óleo sobre tela 122 x 102 cm Con certificado de autenticidad de la Galería de Arte Mexicano, marzo de 1999. Con etiqueta de la GAM. Procedencia: adquirido en Galería de Arte Mexicano.

"Para Ordóñez la 'mirada' no será aquella que hoy interpretan los semiólogos, o sea, la del espectador que le da ser y sentido a la obra plástica. Su mirada es la del cuadro hacia el espectador,

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la de los ojos reales, humanos, que tal vez haya buscado en toda su obra y vino a encontrar en el autorretrato, esa crecida, sazonada fruta que equivale a la presencia de la autora y a la vida interna de sus 'materias' frutales, como una extrapolación de la carne humana viva. Ella se retrata como un fenómeno vegetal, pero con mirada. Sea frontal o de soslayo, la persona –ella misma– es un producto vegetal con vida, sembrado aún, que adopta –como una pera– también una actitud hierática, posante. Ordóñez autoobservada, autoparafraseada como objeto, es finalmente la vida despertada de sus frutas". Luis Carlos Emerich. Fuente consultada: EMERICH, Luis Carlos. "Sylvia Ordóñez, laconismo y suculencia".

$70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,750-$5,350

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SYLVIA ORDÓÑEZ

(Monterrey, Nuevo León, 1956 - )

Autorretrato Firmado Óleo y arena sobre tela 112 x 132 cm Autodidacta, en 1977 realizó su primera exposición en Monterrey. En 1978 obtuvo el quinto lugar en la Bienal de Pintores Jóvenes convocada por el INBA. Se trata de una artista libre, amante de la espontaneidad y la sencillez, con un imaginario sofisticado, dispuesta a experimentar los caminos que su pintura le va proponiendo. Sus temas, bajo la influencia narrativa de un surrealismo meditado e intelectual, abarcan el paisaje urbano, la naturaleza muerta y los autorretratos. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, 2009, No. 100, Pág. 172.

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,800-$8,000 135

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LUIS CRUZ AZACETA

(La Habana, Cuba, 1942 - )

El escape Firmado Óleo sobre tela 190 x 264 cm Agradecemos al Maestro Luis Cruz Azaceta por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2016. La violencia urbana, el aislamiento personal, los abusos y las presiones de los gobiernos han sido temas determinantes en la obra del cubano Luis Cruz Azaceta. Realizó sus estudios en Cuba y Nueva York, donde vivió algunos años estudiando el estilo figurativo y abstracto. En la década de los 80, sus composiciones de colores sombríos resaltaron estados de ánimo de las figuras distorsionadas. Poco a poco fue creando su personalidad artística, la cual resultó ser rebelde e hiperactiva, con la cual desarrolló su arte no sólo con fines de satisfacción estética, sino como una manera de enfrentar el mundo. Las obras de Azaceta han sido apreciadas en más de 100 exposiciones individuales en Estados Unidos y diversos países de Europa y América Latina. Actualmente el Museo de Arte Moderno, el Museo Metropolitano de Arte y el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York, el Museo Smithsonian American Art en Washington, el Museo de Bellas Artes de Boston y de Caracas, y el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey en México albergan obra de este reconocido artista. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.luiscruzazaceta.net

$400,000.00-$500,000.00 M.N. USD $21,400-$26,750

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FRANCISCO TOLEDO (Juchitán, Oaxaca, 1940 - )

Sin título Firmado Gouache y tinta sobre papel 36 x 29 cm Con etiqueta de Galerie Daniel Gervis, París.

"Cuando Francisco Toledo viaja, su tierra viaja con él y cuando Francisco Toledo pinta, Oaxaca pinta con él. Esta capacidad de ser hombre contemporáneo y memoria ancestral al mismo tiempo ha llevado a Francisco Toledo a asimilar, como ningún otro artista mexicano, las vanguardias europeas y norteamericanas de la posguerra y a proyectar en su obra una dimensión universal a partir de la imágenes, colores y técnicas localistas". Ignacio Toscano. $200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,700-$16,000 138

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FRANCISCO TOLEDO (Juchitán, Oaxaca, 1940 - )

Autorretrato XCIII, 2006 Firmado Óleo y hoja de oro sobre madera 48.5 x 59.2 cm Con certificado de autenticidad de Galería Juan Martín, mayo de 2016. Con etiqueta de Galería Juan Martín. Toledo es considerado uno de los mayores artistas mexicanos del siglo XXI. Experto en pintar, dibujar, esculpir y grabar, Toledo impone con frecuencia su interpretación no racional de la realidad. Tiene una manera específica y muy personal de representar las figuras en sus cuadros. La mayor parte de su producción se caracteriza por la constante aparición de figuras fantásticas, humanas y animales, generalmente poniendo la dignidad del hombre a prueba. Su obra actúa y plantea aspectos plásticos, propone texturas mediante sombreados con colores que generan una experimentación sensorial. La mayor parte de las veces, utiliza gamas de colores ocres, sepia, tierra y hasta rojo quemado, sin embargo pueden haber muchos otros colores como los verdes y los azules. Su trabajo es un reflejo de su plenitud vital.

"Toledo no describe ni ilustra los mitos y ritos tradicionales sino que crea los suyos propios y los comparte […] Toledo es un individuo culturalmente híbrido. En sus obras se barajan elementos campiranos y citadinos, antiguos y modernos, extraordinarios o cotidianos". Jorge Alberto Manrique. Fuentes consultadas: MANRIQUE, Jorge Alberto. Francisco Toledo. México. Smurfit, Cartón y Papel de México, 2002, pp.13-16 y PÉREZ y PÉREZ, Rafael Alfonso. Francisco Toledo. La muerte pies ligeros. México. Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, Antiguo Palacio del Arzobispado, 2007, Pág. 6.

$900,000.00-$1,200,000.00 M.N. USD $48,100-$64,200 139

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ROLANDO ROJAS

(Tehuantepec, Oaxaca, 1970 - )

Trinos azules, 2016 Firmado Óleo y tierras sobre lino 100 x 150 cm Con certificado de autenticidad del artista, octubre de 2016. Desde joven le interesaron las artes visuales, pero decidió estudiar una profesión que pudiera solventar sus gastos, por lo que eligió estudiar arquitectura. Ejerciéndola con tesón pudo continuar con el estudio de la pintura en la escuela de Bellas Artes de Oaxaca, donde tuvo como maestro a Shinzaburo Takeda. Para aumentar su conocimiento, el pintor, se inscribió en un curso de restauración. Tras años de trabajo con galerías nacionales e internacionales, las galerías oaxaqueñas se interesaron por el autor y su apoyo y difusión continúa hasta ahora. "Rolando Rojas, pinta lo que vio de niño, el entorno físico pero recreado, creado. Representación de los mitos de la cultura zapoteca que se van bordando, urdiendo, tejiendo, plasmando figuras propias a partir de lo conocido, palpado en la realidad. El conjunto plasmado de ayer y ahora se ha vuelto universal". Macario Matus. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.rolandorojaspintor.com

$160,000.00-$220,000.00 M.N. USD $8,550-$11,800 140

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VÍCTOR CHA'CA

(Juchitán, Oaxaca, 1948 - )

Figuras sobre fondo ocre Firmado Óleo y arena sobre tela 170 x 170 cm En dialecto zapoteca, "chacá" significa "pájaro carpintero". Cuando Víctor nació, su madre anunció que había nacido un chacá al ver que se trataba de un varón. Esa historia quedó grabada en el artista que decidió retomar la anécdota para conformar su nombre. La esencia de la tierra oaxaqueña surge en toda la obra de Cha'ca, así como los momentos cotidianos, las festividades, las tradiciones y cultura juchiteca. Su obra ha sido expuesta individualmente en diversas galerías mexicanas. En 1990, participó en la exposición itinerante "Almas y colores de Oaxaca" realizada en Estados Unidos.

"La idea de la poesía se anuncia en todas sus obras, expresada sobre todo a base de colores –cada hebra trazada es un color, dice–, los entrelaza y le dan pretexto para construir sueños amables que no se relacionan con las pesadillas.[…] Inventa sus ritmos y coreografías en una especie de barroquismo delirante al servicio de su sorprendente sentido plástico. Si copia, copia sus inquietudes personales. Reconstruye". Beatriz Espejo. Fuentes consultadas: ESPEJO, Beatriz. Víctor Cha'ca: Los sueños son el principio de muchos cuentos. México. San Ángel Ediciones, 2013, pp. 17-21 y "Víctor Cha'ca presenta: Los dominios del nahual". Oaxaca. El Imparcial, sección Cultura, 30 de diciembre de 2014.

$45,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,400-$3,750 141

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VÍCTOR CHA'CA

(Juchitán, Oaxaca, 1948 - )

Carnaval en Juchitán Firmado Óleo y arena sobre tela 150 x 200 cm

"Cha'ca se identificó, desde temprano, profundamente con las señales de la mexicanidad y eso le permite, paradójicamente, ser más libre, buscar con más avidez. Nada imita. Se mantiene fiel a sus visiones esotéricas. Inventa sus ritmos y coreografías en una especie de barroquismo delirante al servicio de su sorprendente sentido plástico. Si copia, copia sus inquietudes personales. Reconstruye". Beatriz Espejo. Fuente consultada: ESPEJO, Beatriz. Víctor Cha'ca: Los sueños son el principio de muchos cuentos. México. San Ángel Ediciones, 2013, Pág. 21.

$45,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,400-$3,750 142

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GERMÁN VENEGAS

(Magdalena Tlatlauquitepec, Puebla, 1959 - )

Sangre abierta 1 Firmado y fechado 2015 Óleo sobre tela 100 x 130 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. En 1982, con sólo 23 años de edad, fue distinguido con la Mención Honorífica en la I Bienal de Pintura Rufino Tamayo, el primero de una larga serie de premios y reconocimientos que culminarían con su ingreso como miembro al Sistema Nacional de Creadores de Arte en cuatro ocasiones. Su obra se ha expuesto en México y en el extranjero y se incluye en colecciones tan importantes como el Museo Universitario de Arte Contemporáneo, el Museo de Arte de Ponce en Puerto Rico, el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México, el Metropolitan Museum of Art en Nueva York, el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, entre otros. Fuente consultada: ALDAMA, José Ignacio et ál. Germán Venegas. Coatlicue. México. Aldama Fine Art, CONACULTA, FONCA, 2016, Pág. 18.

$320,000.00-$400,000.00 M.N. USD $17,100-$21,400 143

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FRANCISCO TOLEDO (Juchitán, Oaxaca, 1940 - )

La cigüeña, ca. 1963 Óleo y arena sobre tela sobre cartón 29 x 29 cm Procedencia: adquirido en Christie's New York, 20 de noviembre de 1991, lote 145. Bona Tibertelli de Pisis fue una artista y musa de artistas, quien despertó el interés de personalidades tales como Man Ray, André Bretón e incluso Octavio Paz; con este último se casó y vivió una complicada historia de amor. Bona, en 1961, conoció al joven pintor Francisco Toledo, de quien quedó perdidamente enamorada, tanto que se negó a mudarse a Nueva Delhi con Paz y prefirió quedarse en Oaxaca con Toledo, su amante. Este apasionado romance, intenso y tempestuoso, duró poco: pronto, Bona huyó buscando nuevamente a Paz. La obra “La cigüeña”, creada alrededor de la figura de Bona, recuerda la turbulenta pasión que el pintor compartió con ella, bajo la sombra de Octavio Paz, ambos elementos fundamentales de la escena cultural del México del siglo XX. Fuente consultada: SHERIDAN, Guillermo. “Un amor de Paz”. México. Letras Libres, diciembre de 2014, Pág. 102.

$320,000.00-$400,000.00 M.N. USD $17,100-$21,400 144

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SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - )

Tauromaquia, 2015 Firmado dos veces al reverso Óleo y arena sobre lino 180 x 180 cm Con certificado de autenticidad del artista, septiembre de 2016. Sergio Hernández tiene en su haber varias series de pinturas casi monocromas. En sentido estricto no lo son, pero se orquestan por medio de un arpegio de color dominante: sus predilectos han sido el rojo de cinabrio y el lapislázuli. El color es muy importante para el artista a pesar de que jamás se limita al regodeo cromático. Fuente consultada: DEL CONDE, TERESA. Sergio Hernández. México. Turner, Fomento Cultural Banamex, 2008, Pág. 33.

$900,000.00-$1,200,000.00 M.N. USD $48,100-$64,200 145

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FRANCISCO TOLEDO (Juchitán, Oaxaca, 1940 - )

Máscara Sin firma Óleo y arena sobre tela sobre masonite 83 x 56 cm Con fragmento de etiqueta de Galería Antonio Souza. Mundialmente reconocido por su trabajo y personalidad, Toledo es un artista multidisciplinario, promotor cultural y luchador social a favor de los indígenas y del medio ambiente. Desarrolló su carrera de manera autónoma y logró definir su estilo desde sus inicios. Por medio de Rufino Tamayo, logró realizar estudios en París y vender sus primeras obras. En 1983, publicó su primer libro y en 1988 fundó el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, un espacio para difundir y exhibir su colección particular de gráficas, así como obras de otros artistas latinos de gran importancia. Por lo general, la visión de Toledo es crear mundos con sentidos fantásticos, figuras antropomórficas que a veces son monstruosas y otras hasta divertidas y juguetonas. Entre los temas constantes en su obra están el sexo, los insectos, el estudio de la escatología y las tradiciones y cultura oaxaqueña. En 2005 le fue otorgado el Premio Nobel Alternativo de la fundación sueca Right Livelihood Award por su labor en defensa del patrimonio cultural. En 2007, el consejo de la Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca le otorgó un Doctorado Honoris Causa por su labor en el medio de las artes. Hasta la fecha, se siguen realizando exposiciones de Francisco Toledo en diversas ciudades de México y el extranjero. Además, los Museos de Arte Moderno de París, Nueva York y México cuentan con obras suyas en sus acervos. Fuentes consultadas: MANRIQUE, Jorge Alberto. Francisco Toledo. México. Smurfit, Cartón y Papel de México, 2002, pp. 11-17, sitio del Museo Reina Sofía www.museoreinasofia.es y sitio del Museo de Arte Moderno de México www.museoartemoderno.com

$1,500,000.00-$1,800,000.00 M.N. USD $80,200-$96,300 146

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RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 - Oaxaca, 2001)

Sin título Firmado Óleo sobre tela 60 x 90 cm Rodeado de llanuras y rica vegetación, Ocotlán es una de las ciudades más productivas artísticamente de Oaxaca, tierra natal del maestro Rodolfo Morales, artista de extenso bagaje cultural, considerado uno de los más importantes del arte mexicano. Tímido y modesto, Morales creó con el tiempo un estilo propio basado en un lenguaje que remite a la Escuela Mexicana de Pintura. Sus múltiples viajes por Europa y Latinoamérica crearon una narración casi poética en cada pintura.

"Lo que llamaríamos 'El Universo de Morales', está al doble servicio de la pintura y de la metamorfosis interminable de la nostalgia que acaba siendo premonición. Y eso es él precisamente: un memorioso del interminable porvenir del arte, tal y como se despliega en su obra". Carlos Monsiváis. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 378.

$1,200,000.00-$1,500,000.00 M.N. USD $64,200-$80,200

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ELOY TARCISIO

(Ciudad de México, 1955 - )

De la serie De un sentimiento Firmado y fechado 91 Pétalos de rosa y óleo sobre tela 130 x 90 cm Agradecemos al Maestro Eloy Tarcisio por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2016. Exhibido en: "Velo de muerte", muestra individual presentada en la Galería Sur de la Universidad Autónoma Metropolitana. Debido a las característcas de la técnica empleada, presenta faltantes en los pétalos y ligeros detalles de conservación. Realizó sus estudios de arte en la Esmeralda y fue co-fundador del CIEP (Centro de Investigación y Experimentación Plástica del INBA). A lo largo de cuarenta años ha desarrollado una trayectoria artística que abarca la producción y aportaciones en los planos de la curaduría, la docencia, la función pública y la promoción cultural. Ha sido fundador de proyectos como el colectivo multidisciplinario "Atte. La Dirección", X-Teresa Arte Alternativo y de COMPASSS: Coalición de Organizaciones Mexicanas de Promoción del Arte A.C. Las aportaciones creativas de Eloy Tarcisio lo han posicionado como un autor que, partiendo de la puesta en tela de juicio del modelo educativo en el que se formó, encontró su identidad en lo que se entendía por estética experimental y de investigación en los setenta. Sus trabajos cubren múltiples registros de representación, transitando de la imagen con soporte hasta los objetos, artefactos y eventos manifiestos en el espacio concreto. Lo de soporte es pintura con pigmentos académicos y no académicos sobre lienzo, madera, cartón, fibra, sintéticos o metal; tridimensión entre lo pictórico y lo escultural; neográfica, dibujo y algo de investigación fotográfica; pero también nuevos medios como ambientación, performance efímero y documentado, instalación e intervenciones. Sus obras pueden caracterizarse bajo el término de "arte de concepto ampliado". Siendo precisos, la definición conveniente para el cariz de la carrera de Eloy Tarcisio, sería "pintura de concepto ampliado". Entre 1980 y 1995, recibió numerosos premios y distinciones: Mención Honorífica en el Primer Encuentro Nacional de Arte Joven, beca del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes y posteriormente del Sistema Nacional de Creadores; así como su propuesta fue ganadora en el Concurso del Proyecto de Día de Muertos para el California Center of the Arts Museum. En este mismo periodo eligió una línea iconográfica sugerente y desarrolló las estrategias fundamentales de su labor artística basada en una iconografía y estrategias que consisten en: a) La aplicación de lo efímero. b) La conciencia del valor que pueden y deben tener los materiales en el arte, cualesquiera que éstos sean. c) El uso virtual y/o literal en las obras de elementos orgánicos que constituyen emblemas mexicanos de simbolización patriótica colectiva. En 2006, el Museo de Arte Moderno presentó "De la materia y la idea" exposición antológica del artista. Fuente consultada: CASTILLO, Erik. "Dos textualidades orbitales a la obra de Eloy Tarcisio". México. 2006.

$60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,200-$4,300

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SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - )

Murciélago, 2015 Firmado al reverso Óleo y arena sobre lino 60 x 100 cm Con certificado de autenticidad del artista, septiembre de 2016.

"En las pinturas, esculturas, grabados y dibujos de Sergio Hernández, efectuados todos en nuestra época, que es densa y quebrada, se observa una inquieta sensibilidad buscadora de contrastes plásticos en la que no hay fronteras; por eso es posible afirmar que no pretende en sus creaciones rizar más el rizo de sus propias propuestas". Teresa del Conde. Fuente consultada: DEL CONDE, TERESA. Sergio Hernández. México. Turner, Fomento Cultural Banamex, 2008, Pág. 38.

$400,000.00-$600,000.00 M.N. USD $21,400-$32,100 151

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JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006)

La paloma Firmada y fechada 2000 Escultura en bronce a la cera perdida P / A I 39 x 26 x 39 cm Con certificado de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., enero de 2012. Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2016. Procedencia: adquirida a la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C. Existen otras versiones en formato similar de esta obra, la primera fundición data de ca. 1955 y hay otra fechada en 1989. Si desea ver otras perspectivas de esta obra puede consultar www.mortonsubastas.com o solicitarlas a nuestros especialistas del departamento de Arte Moderno y Contemporáneo.

"Todos los pájaros del mundo se le posaron a Juan Soriano. Observó a las palomas durante años y sentado en una banca del parque o frente al atrio de una iglesia, las juzgó con severidad". Elena Poniatowska. Palomas, gorriones, cenzontles y todas las aves fueron para Juan Soriano una captura que va más allá de la simple representación de la ornitología. Desde siempre, las aves fueron un asombro para Soriano, siendo uno de los motivos principales en su obra. Durante años, dedicó una atención casi exclusiva a la realización de estas aves, encerrando en cada una, formas imaginables y combinaciones singulares que hicieron de estas, emblemas amigables con fines de contemplación. Todo lo que Soriano vio y estudió, también fue parte importante para la realización de las aves, como lo fue su admiración por el imaginario del arte prehispánico, y por otro lado, las delicadezas del arte tradicional japonés y chino. Ya sean pequeñas, medianas o monumentales, todas las aves de Soriano han desarrollado una presencia visual pública importante y tangible dentro del paisaje artístico-urbano mexicano, las cuales podemos apreciar tanto en la Ciudad de México como en diversos estados de la República. En especial es fácil reconocer La Paloma monumental de 6 metros que posa fuera del museo MARCO en Monterrey. Fuentes consultadas: PONIATOWSKA, Elena et ál. Juan Soriano. Aves de paso. España. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2006, pp. 43-49 y sitio oficial del artista www.juansoriano.net

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,600-$13,400 152

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JOSÉ GARCÍA NAREZO

(Madrid, España, 1922 - Ciudad de México, 1994)

Niña suspendida por pájaros Firmado y fechado 57 Óleo sobre madera 106 x 112 cm Con etiqueta del Instituto Nacional de Bellas Artes. Sordomudo de nacimiento, hijo de madre mexicana y del crítico de arte Gabriel García Maroto, García Narezo fue un destacado pintor español naturalizado mexicano. Llegó a México en 1928 como refugiado de la Guerra Civil española. Estudió en la Escuela de Pintura al Aire Libre de Tlalpan y cuatro años más tarde regresó a España para estudiar en la Escuela Hogar Imagen, la cual había fundado su padre en Madrid. Su obra se encaminó en una constante evolución hasta llegar al surrealismo. Con el tiempo se fue dando a conocer tanto en México como en diversos países de Latinoamérica y Estados Unidos.

"En su momento fue uno de los grandes artistas, ya que acerca de su obra escribieron, Xavier Villaurrutia, Luis Cardoza y Aragón, así como María Izquierdo. No hubo un crítico de la época que no realizara notas realmente alabando su obra". Juan Coronel Rivera. Fuentes consultadas: SÁNCHEZ, Leticia. "Redescubren a García Narezo en el museo Diego Rivera". México. Milenio, sección Cultura, 30 de noviembre de 2015 y "El Paraninfo acoge la exposición 'Después de la alambrada. El arte español en el exilio'". España. Universidad de Zaragoza, 27 de enero de 2013, www.unizar.es

$110,000.00-$160,000.00 M.N. USD $5,900-$8,550 153

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FELIPE CASTAÑEDA

(La Palma, Michoacán, 1933 - )

Los amantes Firmada y fechada 79 Escultura en bronce con base de madera V / VII 34 x 35 x 38 cm Agradecemos al Maestro Felipe Castañeda por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2016. Si desea ver otras perspectivas de esta obra puede consultar www.mortonsubastas.com o solicitarlas a nuestros especialistas del departamento de Arte Moderno y Contemporáneo. Los maestros que más influyeron en su carrera fueron Francisco Zúñiga, Benito Messeguer, Raúl Anguiano y Fidencio Castillo. Ha logrado con su trabajo y disciplina un lugar importantísimo entre los más destacados artistas de su generación, mostrando un interés particular y una exigencia patente en los resultados hasta ahora logrados en diferentes exposiciones en varias partes del país y el mundo. "Felipe Castañeda hace nacer de la quietud de sus figuras un latido vital inconfundible. Los rostros enigmáticos de esas mujeres, la línea armónica con que han sido estructuradas, el ritmo impuesto a la composición, mucho tiene que ver con la vida que nos rodea. Son el testimonio de un artista que cree en la existencia de un mundo real y que manifiesta en esas imágenes un hondo sentido de la belleza". Alí Chumacero. Fuente consultada: "Felipe Castañeda Jaramillo." Gobierno del Estado de Michoacán, 2005, www.cultura.michoacan.gob.mx

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,600-$13,400 154

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JESÚS GUERRERO GALVÁN

(Tonalá, Jalisco, 1910 - Cuernavaca, Morelos, 1973)

a) Sin título Firmado Óleo sobre tela 50 x 60 cm b) Sin título Firmado y fechado 1969 b Sanguina sobre papel 34 x 41.5 cm Piezas: 2 El dibujo en sanguina presenta detalles de conservación rasgaduras y un pequeño faltante en la esquina inferior derecha. Guerrero Galván fue hijo de Jalisco, un campesino purépecha aprendiz de ceramistas, militante y pintor considerado un artista clásico de la Escuela Mexicana de Pintura. Comenzó su carrera desde muy joven cuando viajó a Estados Unidos por cuestiones familiares, allí obtuvo una beca en la Escuela de Artes Plásticas de San Antonio, Texas, instituto donde refinó sus conocimientos artísticos. Cuando regresó a México, fue atraído por el muralismo, movimiento que lo hizo interesarse por los temas indígenas. Posteriormente, su obra de caballete se caraterizó por el nacionalismo reflejado en la excelente técnica aprendida de los modelos clásicos. También fue considerado un gran dibujante y colorista. Además, incursionó en el diseño teatral, haciendo escenografías, vestuarios y decoraciones para teatro. Fuentes consultadas: DE LA CALLE PARDO, María Teresa et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pp. 300-304 y TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 120.

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,000-$10,700 155

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GEORGINA QUINTANA (Ciudad de México, 1956 - )

Niña de espalda Firmado y fechado 95 Óleo sobre madera 122 x 80 cm Con etiqueta de galería OMR. Interesada en el orden del universo y en la manera como el ser humano lo inventa y construye, Quintana ha conformado un vocabulario en el que se relacionan la naturaleza vegetal y animal, el pensamiento filosófico, el conocimiento científico y referencias a su propia historia que pueden remitirse a imágenes virreinales o decimonónicas. Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.georginaquintana.com

$60,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,200- $4,800 156

121

GEORGINA QUINTANA (Ciudad de México, 1956 - )

Consonancia Firmado y fechado 93 Óleo sobre madera 122 x 80 cm Con etiqueta de California Center of the Arts. Con una formación interdisciplinaria realizada en distintos países que abarca la literatura, las artes visuales y las filosofías orientales, la artista ha sido objeto de constantes reconocimientos entre los que destacan su selección como Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte FONCA y la mención honorífica en la XII Bienal de Pintura Rufino Tamayo. Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.georginaquintana.com

$60,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,200- $4,800 157

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ANA MERCEDES HOYOS

(Bogotá, Colombia, 1942 - Bogotá, Colombia, 2014)

La procesión en la fiesta de San Basilio Firmado y fechado 01 Relieve en bronce patinado P.T. 1 / 2 40 x 106 x 6 cm Con certificado de autenticidad de la artista, junio de 2011. La edición de esta obra consta de 9 piezas numeradas, tres pruebas de artista y dos pruebas de taller. Publicado en: Ana Mercedes Hoyos. Visión global. Colombia. Galería El Museo, en interiores sin número de catalogación. Ana Mercedes Hoyos. Oro negro, ca. 1502. México. Secretraría de Hacienda y Crédito Público, 2012, portada y pp. 24 y 25 con el título "La Procesión". KALENBERG, Ángel. Ana Mercedes de Hoyos. Retrospectiva. Colombia. Villegas Editores, 2002, contraportada y pp. 366 y 367. Ana Mercedes Hoyos estudió Artes Plásticas en la Universidad de los Andes y en la Universidad Nacional de Bogotá. A partir de 1987 realizó una serie de obras figurativas que revelaban una actitud reflexiva hacia la importancia de la herencia africana en Colombia y Latinoamérica. Es considerada una de las artistas más destacadas de Colombia, en vida recibió gran cantidad de premios y galardones.

"Yo defino mi trabajo como una locura rigurosa. A nivel conceptual soy una estudiosa del espacio, la luz y el tiempo, apoyada siempre en mi interés por la historia del arte. Con esos elementos me doy el lujo de ser irreverente. […] Diría que soy una artista adoptada por México. Tuve la fortuna en un comienzo de comunicarme con el país a través de exposiciones, quedan las subastas internacionales en las que los mexicanos acogieron mi trabajo con gran entusiasmo. Este hecho me abrió las puertas con los coleccionistas, los museos y el medio artístico mexicano". Ana Mercedes Hoyos. Fuente consultada: "Soy una artista adoptada por México". Colombia. Revista Semana, sección Cultura, 28 de noviembre de 2004.

$180,000.00-$300,000.00 M.N. USD $9,600-$16,000

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JOSÉ CHÁVEZ MORADO

(Silao, Guanajuato, 1909 - Guanajuato, Guanajuato, 2002)

Músicos populares Firmado y fechado 62 Óleo sobre masonite 121 x 62 cm Publicado en: TIBOL, Raquel. José Chávez Morado. Imágenes de identidad mexicana. México. Universidad Nacional Autónoma de México, Coordinación de Humanidades, 1980, Colección de arte No. 36, catalogado 92.

"Los años finales de la década de 1950, en la producción de caballete, se revistieron con características del todo nuevas en Chávez Morado. En términos generales podemos afirmar que fue en esos años cuando la maestría en la ejecución (quizá derivada del ejercicio mural), la ponderada asimilación de influencias internacionales y la reconfirmación de su vocación obstinada de artista popular se conjugaron para formar un pintor que por lo complejo, lo ecléctico y lo desprejuiciado es singular, diferente en la panorámica del arte mexicano". José de Santiago Silva. Fuente consultada: DE SANTIAGO SILVA, José. José Chávez Morado: vida, obra y circunstancias. México. Gobierno del Estado de Guanajuato, ediciones La Rana, 2001, Pág. 33.

$320,000.00-$450,000.00 M.N. USD $17,100-$25,000

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MÓNICA CASTILLO

(Ciudad de México, 1961 - )

El descanso, 1992 Sin firma Óleo sobre tela 110 x 150 cm Con etiqueta de galería OMR. Presenta detalles de conservación. A temprana edad Mónica Castillo estudió pintura con Guillermo Meza; posteriormente continuó sus estudios en Roma y Alemania durante siete años. A su regreso a México, en la década de los ochenta, Castillo formó parte del grupo llamado La Quiñonera junto con otros artistas como Héctor y Néstor Quiñones, Diego Toledo, Claudia Hernández, Francisco Fernández y Rubén Ortiz. Su trabajo ha sido reconocido tanto nacional como internacionalmente, ha sido expuesto en museos, galerías y bienales. Algunas de las sedes donde ha exhibido su trabajo son: galería OMR, Museo Carrillo Gil, Ace Gallery en Los Ángeles, Robert Miller Gallery en Nueva York, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, el Museo de Bellas Artes de Santiago de Chile y el Museo de Arte Moderno de Bogotá, entre otros. Y ha sido adquirido por coleccionistas de Estados Unidos, Europa y Sudamérica principalmente.

"A lo largo de poco más de una década, Mónica Castillo se ha comprometido sistemáticamente a realizar una obra visual provocativa abarcando medios tan diversos como la escultura, la pintura, la fotografía y el video. La calidad cautivante, obsesiva y confrontadora del conjunto de sus obras plantea dilemas visuales acerca de la naturaleza del mimetismo, del autorretrato y de la naturaleza muerta, y logra hacer que la visión del mundo de Castillo se mantenga en el espectador mucho tiempo después de la primera observación de su obra". Dominique Nahas. Fuente consultada: NAHAS, Dominique et ál. Mónica Castillo (1993-2004). México. Museo de Arte Moderno, CONACULTA, INBA, 2004, Pág. 45.

$60,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,200-$4,800 160

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ARTURO ESTRADA

(Panindícuaro, Michoacán, 1925 - )

Niños bebiendo Firmado al frente y al reverso Óleo sobre madera 60 x 120 cm Con etiqueta del Salón de la Plástica Mexicana. Presenta ligeros detalles de conservación. Arturo Estrada es un muralista y grabador mexicano también conocido como "Frido", por haber pertenecido al grupo de alumnos de Frida Kahlo "Los Fridos". Estudió en La Esmeralda, institución en la cual se encaminó hacia el movimiento muralista. Cuando la salud de Frida comenzó a deteriorarse, Estrada se convirtió en su estudiante particular junto con su compañera Fanny Rabel. Con el paso de los años, fue adquiriendo madurez artística y comenzó con una búsqueda por su lenguaje propio, el cual desarrolló acorde con los principios del muralismo y la inspiración de la cultura popular.

"Él se considera a sí mismo como un pintor realista, con una ideología liberal afín al pueblo y cree que el arte pertenece a la gente. Sigue creyendo que los temas sociales son indispensables en el arte, tales como la miseria, la inseguridad y el desempleo". Gilda Salgado Manzanares. Fuentes consultadas: ESTRADA HERNÁNDEZ, Arturo. "Pasión por el arte: Principios". México. Revista UNAM, No. Especial, Pág. 253 y sitio del Museo Nacional de Antropología www.mna.inah.gob.mx

$80,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,300-$5,350 161

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GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003)

Sandías, de la colección Niños Mexicanos, 2000 Firmada Escultura en bronce 3 / 9 51.5 x 42.5 x 52 cm Con certificado de autenticidad del artista en el que valida que supervisó y aprobó la realización de la escultura, noviembre de 2000. Si desea ver otras perspectivas de esta obra puede consultar www.mortonsubastas.com o solicitarlas a nuestros especialistas del departamento de Arte Moderno y Contemporáneo. Las obras más conocidas de Montoya son las de niños, piezas de gran demanda tanto en México como en el extranjero por la excelente narrativa y espontaneidad plástica dedicada a las tradiciones populares mexicanas. La serie de "Niños Mexicanos" está vinculada con la identidad nacional, niños de tez morena y rasgos indígenas que equilibran la etapa de construcción cultural. Las frutas que acompañan a los niños son una alegoría mexicana, en este caso, las sandías son presentadas como un emblema nativo, un espejo de la pasión, frescura e inocencia de la niña sentada en una silla. Tanto pinturas como esculturas de la serie de "Niños Mexicanos" fueron presentadas en repetidas ocasiones en el Palacio de Bellas Artes, en la Exposición Retrato Mexicano en 1961 y en la Exposición Maestros de la Pintura Mexicana en 1976. Fuentes consultadas: RULFO, Juan et ál. Gustavo Montoya. México. Litógrafos unidos A. S., 1981, pp. 77-79 y LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 4, No. 40, julio - agosto 1999, pp. 10 - 12.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,750-$4,800 162

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JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006)

Niña con bebé en brazos Firmado y fechado 39 Óleo sobre masonite 70 x 61 cm Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2016. A finales de los años 30, Soriano impartió clases de desnudo en La Esmeralda y a la vez trabajaba en varias piezas de cerámica en el taller de Zúñiga. En esta época continuó realizando escenografías y vestuarios para el teatro, entre ellos estaban los diseños para la puesta en escena de "El tejedor de Segovia", de Juan Ruiz de Alarcón. También produjo una serie de pinturas de caballete de espléndida factura, con temas de naturalezas muertas y retratos de niños muertos. En estas obras ejecutaba los contornos de los personajes excesivamente hieráticos dentro de un fino toque escénico. Entre 1938 y 1947 ejecutó varios retratos de niños muertos, casi todos ellos envueltos en sábanas blancas y acompañados por algún juguete, flores y frutas. Sin duda alguna, son obras de un periodo importante para la maduración de la pintura de Soriano, de hecho algunas de ellas son consideradas de sus mejores piezas. Fuentes consultadas: PITOL, Sergio. Juan Soriano. La creación como libertad. México. MARCO, CONACULTA, INBA, 2000, pp. 28-29 y sitio oficial del artista www.juansoriano.net

$700,000.00-$1,000,000.00 M.N. USD $37,400-$53,500 163

128

MAXIMINO JAVIER

(Santa Fe la Mar, Valle Nacional, Oaxaca, 1948 - )

Sin título Firmado y fechado Acrílico y arena sobre papel 56 x 75 cm En su juventud ayudaba a su padre a limpiar tabaco, arroz y maíz. Gracias a que obtuvo una beca pudo independizarse y dedicarse de lleno a la pintura. Maximino Javier formó parte la primera generación del Taller de Artes Plásticas Rufino Tamayo. Posteriormente emigró a la Ciudad de México para trazar su propio camino, a pesar de las consignas de que allá sería todo más difícil. "En su obra no se advierten poses ni pretensiones ocultas, por el contrario, su voz es franca y auténtica; se expresa con una profunda sinceridad y sentimiento. La comunicación es directa, no hay en ella ningún truco o artificio expresivo. Así es él, con una visión amplia y aguda, y con un espíritu sencillo y abierto. Su narrativa se expresa mediante un dibujo que está acostumbrado a transcribir historias, fantasías y cuentos. Pero los suyos son cuentos reales, cuentos vividos por él mismo en los campos de tabaco". Lupina Lara.

Fuentes consultadas: PÉREZ GARCÍA, Carina. "La pintura es mi necesidad: Maximino Xavier". México. Grupo NVI noticias, sección Oaxaca Cultura, 28 de septiembre de 2014, www.noticiasnet.mx y LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, 2007, año 12, No. 87.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,750-$4,800 164

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MAXIMINO JAVIER

(Santa Fe la Mar, Valle Nacional, Oaxaca, 1948 - )

Testigo ocular, 1993 Firmado Gouache, lรกpiz de grafito y tinta sobre papel 56 x 38 cm $45,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,400- $3,200

165

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DESIDERIO HERNÁNDEZ XOCHITIOTZIN

(Tlacatecpac de San Bernardino Contla, Tlaxcala, 1922 - Tlaxcala de Xicohténcatl, 2007)

El rapto. Carnaval de Huejotzingo, Pue. Agustin Lorenzo rapta a la hija del corregidor de Huejotzingo Firmado y fechado Tlaxcala 74 Óleo sobre tela 100 x 70 cm De origen tlaxcalteca, Desiderio fue un pintor relevante dentro de la segunda generación del movimiento muralista del siglo XX. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Puebla y posteriormente tuvo la oportunidad de viajar a Europa un tiempo, lugar donde realizó varias obras y trabajos por encargo. Fue gran admirador de la obra de José Guadalupe Posada, Diego Rivera y Francisco Goitia. Su principal obra fue realizada en el Palacio de Gobierno de Tlaxcala, un mural que resguarda la rica historia de la tierra tlaxcalteca. También realizó murales al fresco en Tehuacán, Reynosa, Huamantla y Ocotlán. Además, su admiración por la arquitectura virreinal lo llevó a estudiarla con singular gusto, realizando remodelaciones para capillas y diseños de casas, incluyendo la suya. Fue arquitecto Honoris Causa, fundador de la escuela de arquitectura en la BUAP y restaurador de edificios históricos en Tlaxcala y Puebla. En 2006 se le otorgó el título honorífico de Embajador de la Cultura Tlaxcalteca. Además de México, sus obras han sido expuestas en Estados Unidos, Suecia, El Vaticano y Francia. Fuente consultada: CRUZ PÉREZ, Juan Luis. "Declaran diputados a Xochitiotzin embajador de la cultura local". México. La Jornada de Oriente (Tlaxcala), sección Cultura, 28 de abril de 2006.

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,700-$3,750 166

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DESIDERIO HERNÁNDEZ XOCHITIOTZIN

(Tlacatecpac de San Bernardino Contla, Tlaxcala, 1922 - Tlaxcala de Xicohténcatl, 2007)

Zacapoaxtla. Carnaval de Huejotzingo, Puebla Firmado y fechado 1973 Óleo sobre tela 100 x 70 cm Las investigaciones plásticas e históricas fueron una característica del trabajo de este gran pintor. Ejemplo de ello es el constante y disciplinado estudio de sus raíces, que lo hizo un docto conocedor de la historia y la cultura de su estado natal, lo cual lo llevó a ser un destacado catedrático y conferencista. Además de ejercer como muralista, Xochitiotzin practicó la arquitectura, la investigación, la restauración y la pintura de caballete. En casi todos ellos, destacó temas de la historia de México, así como las tradiciones y festividades de la cultura tlaxcalteca y pueblos aledaños. El Carnaval de Huejotzingo, por ejemplo, es un festival digno de representar. Es una festividad tradicional en Puebla que marca el inicio de la Cuaresma, donde los habitantes usan atuendos de vistosos colores bordados de lentejuelas, tocados de plumas y máscaras talladas o adornadas que representan a los conquistadores españoles, demonios o animales. Realizan obras de teatro que resumen, por episodios, la historia y cultura de la zona. Fuentes consultadas: DONIZ, Rafael. "Desiderio Hernández Xochitiotzin, pintor de la historia de Tlaxcala". México. México Desconocido, sección Cultura y RAMÍREZ ROLDÁN, Karla. "Carnaval de Huejotzingo". México, El Sol de Puebla, sección Sociedad, 11 de febrero de 2012.

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,700-$3,750 167

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BENITO CERNA

(Trujillo, Perú, 1960 - )

II Figuras Firmado y fechado 2011 al reverso Óleo sobre tela 166 x 120 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, enero de 2012. $220,000.00-$260,000.00 M.N. USD $11,800-$13,900 168

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SANTIAGO CARBONELL (Ecuador, Quito, 1960 - )

Arcadia y el tiempo Firmada Escultura en bronce P / A 56 x 42 x 40 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, julio de 2013. Si desea ver otras perspectivas de esta obra puede consultar www.mortonsubastas.com o solicitarlas a nuestros especialistas del departamento de Arte Moderno y Contemporáneo. Nacido en Ecuador, pero de nacionalidad española, emigró a México. Ha realizado exposiciones individuales en México, Perú, Argentina y Estados Unidos, entre otros. La figura femenina es el tema principal en su trabajo, en palabras del artista: "Si hay una anatomía es porque hay una realidad. No te puedes salir de los esquemas naturales; de lo que hay. Me gusta hablar de la mujer y de lo femenino en general".

Fuente consultada: DÍAZ, Anitzel. "Soy un pintor más evolucionario que revolucionario: Santiago Carbonell". México. Diario Milenio, sección Cultura, 28 de junio de 2014.

$200,000.00-$280,000.00 M.N. USD $10,700-$15,000 169

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YAMPIER SARDINA

(La Habana, Cuba, 1979 - )

Objets Firmado y fechado VI 07 Óleo sobre tela 100 x 120 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: ALDAMA, José Ignacio et ál. Yampier Sardina. El placer del engaño. México. Aldama Fine Art, 2009, pp. 7, 28 y 29, catalogado 6. Realizó estudios en la Escuela Elemental de Artes Plásticas 20 de Octubre y en la Academia Nacional de Artes Plásticas San Alejandro, ambas en La Habana. Fue discípulo de Arturo Montoto, con quien realizó varios proyectos murales. Vive y trabaja en Miami. "Su colección de óleos y acrílicos baña de luz su memoria para abrir los telones policromos de la emoción a manera de naturalezas muertas y retratos que retan a la realidad con la organicidad de sus trazos y la vibrancia real-maravillosa de su paleta. Los pliegues de los manteles en 'Objets' disponen una plataforma para mostrar una abundancia fabricada. Naturalezas muertas… de risa, que saben lo que esconden, hasta que no pueden más y se revelan desnudas; desnudas y abiertas, sarcásticas, confiadas en sus propios efectos cromáticos". José Manuel Ruiz Regil. Fuente consultada: ALDAMA, José Ignacio et ál. Yampier Sardina. El placer del engaño. México. Aldama Fine Art, 2009, Pág. 9.

$100,000.00-$120,000.00 M.N. USD $5,350-$6,400 170

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CÉSAR CÓRDOVA

(Ciudad de México, 1983 - )

Conejo gris Firmado y fechado 2015 al reverso Óleo sobre tela 180 x 150 cm Con certificado de autenticidad del artista, julio de 2016. Exhibido en: "Hotel Vermeer" muestra individual presentada en Pillbox Gallery, 2015. Publicado en: sitio oficial del artista www.cesarcordova.com Estudió la licenciatura en Artes Visuales en la ENAP. En 2013 fue reconocido con el XXXII Premio Nacional de Arte Joven y ha sido acreedor a la beca del programa Jóvenes Creadores del FONCA en dos ocasiones. Su obra ha sido seleccionada en la IV Bienal de Pintura Pedro Coronel, II Bienal de Arte Sacro Contemporáneo, Bienal Nacional de Pintura Gómez Palacio y recientemente obtuvo

la Mención Honorífica en la Bienal de Pintura José Atanasio Monroy. Ha participado en diversas exposiciones en México, Estados Unidos, Italia, Colombia y Alemania. "Un recurso que César Córdova utiliza para dialogar con los maestros del pasado es la técnica misma, ya sea valiéndose de unas cuantas pinceladas o de elaborados juegos de luces y sombras. Renacimiento, Barroco, Romanticismo están presentes no sólo por los espacios que se citan, también por la textura y la pincelada de los originales, lo que a su vez se consigue con una economía de medios propia de la ruptura contemporánea. Estos cuadros nos recuerdan que la pintura no admite la limitación de lo previsible y que no hay objeto pictórico consagrado ni disposición anímica determinada para su contemplación". Salvador Ortiz. Fuente consultada: ORTIZ, Salvador. "Hotel Vermeer. Nuevas visones sobre viejos maestros. Pintura de César Córdova". México. 2015.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,750-$4,800 171

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JAVIER PELÁEZ

(Ciudad de México, 1976 - )

No más palabras, 2003 Firmado Óleo sobre lino 40 x 70 cm Con certificado de autenticidad del artista. Estudió Arquitectura en la Universidad La Salle. Actualmente vive y trabaja en la Ciudad de México, donde dirige el espacio artístico independiente Diagrama. "Javier Peláez se dio a conocer en México como un precursor de la pintura realista. Ejecutados a partir de fotografías tomadas por él mismo, sus óleos de manos, pies y ojos, y retratos de tamaño casi natural, no son, a pesar de lo que pudiera parecer, ejercicios de fotorrealismo. Peláez está más interesado en interpretar sus fotos que en meramente reproducirlas, ampliarlas o plasmarlas en otros medios". Edward Gómez M., "Objetos y metáforas", 2008. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.javierpelaez.net

$50,000.00-$80,000.00 M.N. USD $2,700-$4,300 172

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MIGUEL CARRILLO

(Mérida, Yucatán, 1947 - )

Casma Firmado y fechado 94 Óleo sobre tela 115 x 140 cm Con certificado de Galería de Arte Misrachi, octubre de 1994. Procedencia: adquirido en Galería de Arte Misrachi. Miguel Carrillo es un artista autodidacta, que gusta de crear atmósferas mágicas, divinas, que remiten a lo antiguo y clásico pero con un estilo etéreo y vanguardista. Sus obras principalmente se caracterizan por colores cálidos, pinceladas sutiles, cuerpos casi arquitectónicos y fondos agrietados. Ha exhibido en el Museo Nacional de Historia, Museo Nacional de la Estampa y en el Museo del Palacio de Bellas Artes, así como en varios estados de la República Mexicana, Estados Unidos y Alemania. Fuente consultada: CASELLAS, Roberto. "Miguel Carrillo, pintor clásico y moderno". México. Revista Panorama Médico, Año XXII, abril de 1992, Pág. 11.

$220,000.00-$280,000.00 M.N. USD $11,800-$15,000 173

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ALDO CHAPARRO (Lima, Perú, 1965 - )

Sin título, 2008 Sin firma Esculturas en acrílico termoformado 265 x 87 x 36 cm y 247 x 110 x 50 cm Piezas: 2 Presentan detalles de conservación. La obra de Aldo Chaparro forma parte de importantes colecciones a nivel internacional como: Colección Jumex, Cisneros Fontanals Art Foundation en Miami, The Helga de Alvear Foundation en España, Simon de Pury en Londres, Douglas Baxter's Collection en Nueva York, Collection Guler Sabanci en Estambul, Turquía y Pierre Huber Collection en Suiza, entre otras. Sobre la relación de su trabajo con el diseño y la arquitectura, el artista expresa: "Siempre he pensado que debemos forzar

al arte a relacionarse con otras disciplinas porque mientras menos predecible sea la combinación, más singular es el objeto resultante. Si forzamos escultura y música, por ejemplo, sin duda el resultado será algo bastante original". Fuentes consultadas: entrevistas a Aldo Chaparro por Baby Solís Serrano y Héctor Falcón, en el sitio oficial del artista www.aldochaparro.com

$120,000.00-$250,000.00 M.N. USD $6,400- $13,400

174

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ROBERTO CORTÁZAR

(Tapachula, Chiapas, 1962 - )

Número cinco Firmada y fechada 1993 Escultura en bronce 3 / 6 125 x 110 x 107 cm Con certificado de autenticidad de Impronta Editores firmado por el artista. Publicada en: BENÍTEZ, Fernando y MASRI, Isaac. Roberto Cortázar. México. Impronta Editores, INBA, CONACULTA, 1995. Presenta ligeros detalles de conservación. Si desea ver otras perspectivas de esta obra puede consultar www.mortonsubastas.com o solicitarlas a nuestros especialistas del departamento de Arte Moderno y Contemporáneo. Cuando en 1985 Isaac Masri inició su labor como promotor de proyectos culturales, convocó (a petición de Fernando Gamboa y José Luis Cuevas) a un joven pintor y dibujante a participar, se trataba de Roberto Cortázar. La primera obra que realizó Cortázar fue el grabado "La historia de O", que le valió ser acreedor al premio en la Novena Trienal Internacional de Grabado en Noruega en 1989. En 1993 y ya como director del proyecto llamado "Impronta Ediciones", Masri, en conjunto con Raquel Chamlati, le planteó desarrollar un proyecto escultórico en el que le sería posible producir obras tridimensionales con la misma dosis de creatividad y profundidad alcanzada en su obra pictórica. "Entusiasmado con este nuevo reto que incorporó una nueva faceta a su carrera, Roberto dedicó doce meses a la escultura con lo que se convirtió en un convincente escultor, modelando fragmentos de cuerpos humanos con reminiscencias de fuentes clásicas y registros intensamente expresivos. Su obsesión por la perfección anatómica y su inspiración orgánica, devino en una manifestación tridimensional de la estética corporal". Isaac Masri. El proyecto se exhibió en el Palacio de Bellas Artes en 1995. Fuente consultada: BENÍTEZ, Fernando y MASRI, Isaac. Roberto Cortázar. México. Impronta Editores, INBA, CONACULTA, 1995.

$200,000.00-$280,000.00 M.N. USD $10,700-$15,000 176

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ROBERTO CORTÁZAR

(Tapachula, Chiapas, 1962 - )

Sin título Firmada al frente. Firmada y fechada 14 - 95 al reverso Mixta sobre tela 156 x 110 cm

"Hasta la década de los ochenta apareció en México el que sin duda es el mejor dibujante de los últimos tiempos y uno de los más conspicuos de toda Latinoamérica. Me refiero a Roberto Cortázar.

Lo descubrí en un concurso nacional de dibujo en el que yo fungía como jurado. Ahí fue el inicio de una carrera en constante ascenso. Cortázar es hoy en día uno de los artistas de mayor reputación. Pinta, dibuja y graba. Sus obras están ya colocadas en grandes colecciones de México y el extranjero". José Luis Cuevas. Fuente consultada: GAMBOA, Fernando. Roberto Cortazar. Anatomías intemporales. México. Museo de Arte Moderno, Museo de Monterrey, Museo Regional de Guadalajara, 1989.

$220,000.00-$280,000.00 M.N. USD $11,800-$15,000 177

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RICARDO MARTÍNEZ

(Ciudad de México, 1918 - Ciudad de México, 2009)

Dibujo Firmado Carboncillo sobre papel kraft 41 x 31.5 cm Esta obra será registrada para el Catálogo Razonado del Dr. Mark Ruben con núm. RM-SF252. Presenta ligeros detalles de conservación. En su juventud, Ricardo observaba de cerca el trabajo monumental de Francisco Zúñiga, que representaba figuras humanas de amplias dimensiones. Ese periodo parece haber influido de manera definitiva en la formación del estilo del artista, especialmente la robustez con que ha representado la figura humana. De cierta manera su obra nos remonta a las figuras precolombinas de las culturas Maya y Olmeca, por el carácter escultórico que encierra su pintura. Fuente consultada: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 406.

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,700-$3,750 178

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JORGE MARÍN

(Uruapan, Michoacán, 1963 - )

Plaza de resguardo Firmada Escultura en bronce 1 / 8 en base de hierro 39 x 53 cm escultura, 35 x 35 x 35 cm triángulo, 21 x 59.5 x 59.5 cm base 95 x 59.5 x 59.5 cm medidas totales aproximadas Con certificado de autenticidad del artista. Si desea ver otras perspectivas de esta obra puede consultar w w w. mortonsubastas.com o solicitarlas a nuestros especialistas del departamento de Arte Moderno y Contemporáneo. Es uno de los mayores exponentes del arte contemporáneo figurativo en México. Su carrera ha sido multifacética, lo que le ha permitido abarcar distintas disciplinas y trabajar con diversos materiales –como la cerámica y la resina–, sin embargo, tras una larga y minuciosa búsqueda, optó por usar el bronce como signo distintivo, lo que resultó ideal para que las manos y los pies de sus personajes, así como las texturas de plumas, venas y telas, adquirieran la perfección de la materia viva. Ha participado en más de 200 exposiciones colectivas e individualmente su obra ha sido exhibida en las más importantes galerías y museos de Francia, España, Portugal, Turquía, Alemania, Bélgica, Hungría, Rumania, Costa Rica, Panamá, El Salvador, Guatemala, Canadá, Estados Unidos, Inglaterra, Rusia, Bélgica, China, Dinamarca, Singapur e Indonesia. "La gran tarea del escultor consiste en enaltecer la naturaleza para insuflarle una belleza heroica, dicho en palabras sencillas, superar su modelo". Jorge Marín. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.jorgemarin.com.mx

$220,000.00-$280,000.00 M.N. USD $11,800-$15,000

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TOMÁS GÓMEZ ROBLEDO (Ciudad de México, 1952 - )

Llamadas perdidas Firmado y fechado 2011 Acrílico sobre tela 140 x 160 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: ALDAMA, José Ignacio et ál. Tomás Gómez Robledo. Travesías. México. Aldama Fine Art, 2016, pp. 10 y 11, catalogado 1.

"El color disociado de la imagen. De su lógica habitual. Tonalidad inmersa en otra realidad muy distinta. Al unísono de unos cuerpos que reavivan los espacios como si éstos fueran de artificio. Pero el artificio está en el exterior. En el lugar común de la existencia simulada. Esa en la que uno se gana la vida. Y si no lo hace, no es vida lo que obtiene. Acto que sucede en otra realidad que para nada es la auténtica, sino aquella de la máscara y el disimulo. La que no es más verídica que la realidad de la pintura: donde los colores cambian, se burlan unos de otros con total libertad, y la naturaleza o se adapta o ya no figura para el artista". Héctor Perea, "Tonalidades en travesía". Fuente consultada: ALDAMA, José Ignacio et ál. Tomás Gómez Robledo. Travesías. México. Aldama Fine Art, 2016, Pág. 3.

$60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,200-$4,300 180

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OFILL ECHEVARRÍA

(La Habana, Cuba, 1972 - )

Siluetas, 2014 Firmado al frente. Firmado y fechado NYC 2014 al reverso Óleo sobre tela 120 x 171 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, diciembre de 2016.

"La obra que Ofill Echevarría ha venido creando como un ensayo incesante sobre la gente a la deriva en las arquitecturas urbanas –apenas sugeridas por los cuerpos que las habitan–, en donde sólo es posible ver y ser visto 'de paso' y de prisa, funciona en conjunto como un artefacto que altera el hábito y emplaza nuestra distracción hacia otro modo de conexión con la ciudad y su hirviente gentío". Adriana Herrera, "Ofill Echevarría. El mundo de los vivos", 2014. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.ofillechevarria.com

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,800-$6,400 181

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RAY SMITH

(Brownsville, Texas, E.E. U.U., 1959 - )

Ferrari 250 GTO (Gran Turismo Omologato), 2003 Firmado Óleo sobre madera, políptico 203 x 91.5 cm cada uno, 203 x 733 cm medidas totales Piezas: 8 Agradecemos al Maestro Ray Smith por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2016. Exhibido en: "Ray Smith: Wheels & Longarms", Galería Ramis Barquet 57th Street, Nueva York, diciembre de 2003 a enero de 2004 y en "Ray Smith: una curaduría de culto por Daniel Lezama", Museo de Arte de Zapopan, marzo a junio de 2011.

"A lo largo de su carrera en la pintura, el talentoso Ray Smith ha explorado muchas direcciones. En el espacio de la Galería Ramis Barquet en 57th Street en Nueva York, hay una pintura gigante que es suficiente por sí misma. Es el grandiosamente ampliado detalle de una fotografía de un Ferrari abarcando un rectángulo de 8 por 24 pies. Pintado con generosidad grasienta en exuberantes azules vivos en ocho paneles de madera unidos, el coche envuelve simultáneamente al espectador y parece emerger de un espacio nocturno. Con sus vagamente siniestros faros iluminados de color amarillo verdoso, este auto es más que un bien de lujo: es un sueño aterradoramente seductor de glamour macho". Kenneth Johnson. Fuente consultada: JOHNSON, Kenneth. "Ray Smith-Wheels and Longarms". E.E. U.U. New York Times, Art In Review, 5 de diciembre de 2003.

$600,000.00-$1,000,000.00 M.N. USD $32,100- $53,500 182

Calificado por el curador español, Omar-Pascual Castillo, como "un artista inclasificable debido a su multitud de registros y variedad de estilos que van desde obras de clara influencia del arte contemporáneo mexicano, del pastiche neobarroco de las décadas de los ochenta y noventa, al hiperrealismo próximo a las tendencias del pop-art". A lo largo de su carrera su obra ha sido exhibida en varios países como México, Estados Unidos, Japón, España, Francia y Alemania y forma parte de importantes colecciones como las del Whitney Museum of American Art, the Brooklyn Museum of Art y el Metropolitan Museum en Nueva York. Así como también en el Würth Museum en Alemania; el Centro Cultural de Arte Contemporáneo en la Ciudad de México y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid, por mencionar algunas. En 1992 formó parte de una importante exposición colectiva llamada "Artistas Latinoamericanos del Siglo XX" que itineró desde la Estación Plaza de Armas de Sevilla al Musée National d'Art Moderne Centre Georges Pompidou en París, pasando por el Kunsthalle Köln en Colonia y el Museum of Modern Art en Nueva York. En un texto de la Galería Joan Prats de Barcelona escrito por David G. Torres, crítico de arte español, menciona que para Ray Smith "la pintura aparece como un medio con el cual especular sobre la imagen y que refiere a las diferentes capas de realidad que se esconden bajo lo real. La pintura le ofrece la posibilidad tanto de penetrar en profundidad en la apariencia de los objetos y las cosas, como el lugar desde el que realizar una crítica radical hacia la supuesta seguridad que ofrecen. Un desmembramiento de la realidad que reclama una vía distinta para observar el mundo". Fuentes consultadas: "Ray Smith como dios". España. Diario Ideal, 23 de diciembre de 2006 y www.artnet.com/artists/ray-smith/

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MIGUEL ÁNGEL RÍOS

(San José Norte, Catamarca, Argentina, 1943 - )

Premonition Firmada y fechada 1990 Mixta y collage sobre papel 97 x 127 cm Con etiqueta de Vrej Baghoomian Gallery, New York. Miguel Ángel Ríos nació en Catamarca, localizada al norte de Argentina, una comunidad alejada tanto geográfica como culturalmente de la eurocéntrica Buenos Aires, diferencia reflejada en su acercamiento al arte. Estudió en la Academia Nacional de Bellas Artes en Buenos Aires antes de mudarse a Nueva York, donde llegó en los años 70 huyendo de la dictadura militar argentina. Posteriormente se estableció en México y ahora divide su tiempo entre Estados Unidos y nuestro país. En su trabajo, Ríos integra un acercamiento conceptual riguroso junto con una estética manual meticulosamente construida. Desde los años 70 ha trabajado alrededor del concepto de lo "latinoamericano" utilizando dicha idea como estrategia artística y como problema político. Ha tenido exposiciones individuales en el Museo Carrillo Gil en la Ciudad de México, en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Maison Européenne de la Photographie MEP en París, The Art Museum de la Universidad de Houston, entre otros. También ha participado en exposiciones grupales como la Bienal de Liverpool en 2011 y en la de Sydney en 2010. Fuentes consultadas: SALUM, Rose Mary. "Miguel Ángel Ríos o la vibración de la materia". Literal magazine, Latin American Voices, sección Entre los espacios: www.literalmagazine.com y sitio de Noire Gallery www.noiregallery.com

$80,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,300-$8,000 184

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SEGUNDO PLANES

(Pinar del Río, Cuba, 1965 - )

Autorretrato, Llanto de Luna, 1993 Sin firma Acrílico, óleo y aplicaciones sobre tela 160 x 200 cm Creció en la primera sociedad socialista de América, Cuba, donde estudió en la Escuela Provincial de Arte en su ciudad natal y posteriormente en la Escuela Nacional de Arte de La Habana. Adoptó como segunda patria a México, específicamente Monterrey, donde ha realizado gran parte de su producción artística. Su trabajo ha sido expuesto desde 1983 en Cuba, Estados Unidos, España, Ecuador, República Dominicana, México, entre otros. "La pintura de Segundo Planes, ocupa hoy un lugar señalado dentro de las corrientes renovadoras del surrealismo latinoamericano. Incorporando como parte de su aporte 'toda una literatura a pincel' que relocaliza nuestras problemáticas del momento, en una región mágica entre el espíritu infantil y lo onírico". Aldo Meneses. Fuente consultada: MENESES, Aldo. "Segundo Planes. La fragilidad de lo magno". Miami. 2015.

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,000- $8,000 185

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JUAN CÁRDENAS

(Popayán, Colombia, 1939 - )

Autorretrato con calavera Firmado y fechado 1980 Óleo sobre tela 40 x 30 cm Estudió dibujo y pintura en la Rhode Island School of Design. Luego de vivir muchos años en Estados Unidos, regresó a Colombia en 1965. Primero figuró como caricaturista, colaborando con los diarios La República y El Tiempo, también fue profesor de pintura y dibujo en la Universidad de los Andes. Su primera exposición individual tuvo lugar en 1973, en el Museo de Arte Moderno de Bogotá. En 1974 obtuvo el Premio Nacional de Pintura, con un autorretrato. El gran tema de Cárdenas es la figura humana y, sobre todo, su propia figura. En torno a ella ha realizado una serie de variaciones en las que un personaje en traje convencional, muchas veces con sombrero, nos enfrenta pensativo y distante. La presentación oscila entre el retrato fiel (aunque en ocasiones el rostro se transforma y puede ser el de Rembrandt o el de Chardin) y el boceto incierto pero con la apariencia característica. En sus cuadros no pasa nada y la existencia que transcurre en el tiempo es su principal protagonista. Juego de apariencias, apariciones y reflejos, su trabajo alude a lo efímero, a lo fugaz y contingente, no son gratuitos sus "memento mori", calaveras que muestran al propio artista. Fuente consultada: CASTRO CARVAJAL, Beatriz et ál. Gran enciclopedia de Colombia. Colombia. Círculo de Lectores, tomo 9: biografías, 1991.

$250,000.00-$400,000.00 M.N. USD $13,400- $21,400 186

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RAMÓN ALVA DE LA CANAL

(Ciudad de México, 1892 - Ciudad de México, 1985)

Autorretrato, 1984 Firmado Pastel sobre papel 56 x 42 cm

"¿Qué es lo que puede decir un pintor? No lo sé bien, me he puesto a pensar sobre esto, llegando a la conclusión de que al encontrarme, sólo les podría platicar de mi profesión de pintor, únicamente podría hablar de pintura, ya que ha sido toda mi vida, desde los once años, ha sido mi vocación y he persistido tercamente en el ejercicio de ella a pesar de los contratiempos de la vida. Mi pintura, mi técnica, mi obra siempre está en búsqueda y hay una inquietud llena de angustia al comienzo de cada cuadro, cuando se trabaja sinceramente, sin tener recetas como los que saben pintar al gusto de la moda reinante". Ramón Alva de la Canal. Fuente consultada: ALVA DE LA CANAL, Ramón. "Qué es lo que puede decir un pintor". México. Discurso de ingreso a la Academia de Artes, abril de 1981.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,530- $8,000 187

150

EDOUARD DUVAL-CARRIÉ (Puerto Príncipe, Haití, 1954 - )

Autoportrait coulant Firmado y fechado 94 Óleo sobre tela con marco con aplicaciones 152.5 x 152.5 cm Actualmente vive y trabaja en Miami. Su formación profesional la llevó a cabo en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts en París y en la Loyola College en Montreal. Sus piezas se encuentran en numerosas colecciones privadas a nivel mundial y en importantes museos e instituciones como Davenport Museum of Art, Pérez Art Museum Miami, Musee des Art Africains et Oceaniens en París, Musée de Pantheon National Haitien en Puerto Príncipe y Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO), entre otros. El escritor cubano Alejo Carpentier comenta: "en las piezas de Duval-Carrié se puede ver reflejado el fantástico mundo de su país. Algunas imágenes pueden ser vistas como ilustraciones de mitos y leyendas. Sin embargo, muchas de ellas se convierten en claras críticas del orden social y político haitiano".

Fuente consultada: "Edouard Duval-Carrié" en www.panamericanart.com

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,800-$8,000 188

151

GERMÁN VENEGAS

(Magdalena Tlatlauquitepec, Puebla, 1959 - )

Autorretrato Firmada y fechada 91 Tallas en madera con detalles policromados y aplicaciones ensambladas en bastidor de madera 122 x 81 cm Exhibida en: "Compulsivamente YO, autorretrato", muestra presentada en la Biblioteca Central de la Universidad de Monterrey de septiembre a octubre de 1994. Con etiqueta del 25 aniversario de la Universidad de Monterrey. Desde sus inicios, su obra se caracterizó por la avidez hacia la vanguardia, pero también por una cierta mirada nostálgica hacia lo mexicano. A su trabajo, de corte expresionista, incorporó la talla en madera aprendida en sus años tempranos y junto con su constante exploración con el color, le imprimieron un carácter muy particular y personal a su propuesta plástica, que lo llevó a estar presente en centenares de exposiciones colectivas en los museos más importantes de la República Mexicana. Fuente consultada: ALDAMA, José Ignacio et ál. Germán Venegas. Coatlicue. México. Aldama Fine Art, CONACULTA, FONCA, 2016, Pág. 18.

$180,000.00-$280,000.00 M.N. USD $9,600- $15,000 189

152

GUILLERMO MEZA

(Ciudad de México, 1917 - Ciudad de México, 1997)

Yo, Xochipilli... Autorretrato Firmado, fechado julio 1973 y con monograma al reverso Óleo sobre tela 120 x 90 cm Con etiqueta de Andrés Siegel Arte.

"Hay obras de Meza que parecen un grito ahogado; hay deseo de infinito en su obra, entusiasmo por el oficio y drama auténtico, por eso frente a ellas se detiene uno con admiración, por lo mucho que ha logrado, siempre en ascenso, por lo que sin duda aún ha de lograr. Es un valor positivo". Justino Fernández, 1952. $250,000.00-$300,000.00 M.N. USD $13,400- $16,000 190

153

JUAN CARLOS DEL VALLE (Ciudad de México, 1975 - )

Yo Vicente (autorretrato) Firmado y fechado México 2010 al reverso Óleo sobre tela 40 x 30 cm Agradecemos al Maestro Juan Carlos del Valle por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2016. Exhibido en: "Yo mero", muestra individual presentada en la Galería de Arte de la Secretaría de Economía, Ciudad de México, marzo-abril de 2015.

"Interesado en el retrato desde sus años formativos, Juan Carlos del Valle asume el reto problematizando el concepto tradicional del autorretrato: la pintura como un medio para representar y el autorretrato como la interpretación del Yo artista. [...] Trabajadas en una primera etapa como la representación de su fisonomía, las imágenes transmutan el reflejo de su rostro en un ente ajeno que puede ser manipulado. Disfrazados, borrados, destruidos, convertidos en sombra o ficticiamente reales, los rostros evidencian no sólo la unidad que existe entre el yo y el somos sino, también, entre la acción creativa y la destrucción". Blanca González Rosas. Fuente consultada: GONZÁLEZ ROSAS, Blanca. "El autorretrato pictórico en la era de los Selfies". México. Texto de sala para la exposición "Yo mero", marzo de 2015.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,350-$8,000 191

154

GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003)

Autorretrato Firmado Óleo sobre tela 85.5 x 64 cm Con etiqueta del Museo Mural Diego Rivera, INBA. Publicado en: RULFO, Juan et ál. Gustavo Montoya. México. Litógrafos unidos A. S., 1981, catalogado 2, Pág. 12. Antes de cumplir los 16 años Gustavo Montoya ingresó a la Academia de San Carlos, teniendo como maestros a Germán Gedovius y Roberto Montenegro. Fue influenciado por el estilo de Diego Rivera y durante años mantuvo una amistad con Juan Rulfo. Sin embargo, habiendo aprendido solo la técnica en la academia, y no más, decidió emprender su camino como un artista autodidacta. Su segundo matrimonio, con la pintora mexicana Cordelia Urueta, lo llevó a mudarse a París; poco después, el gobierno mexicano le otorgó una concesión para estudiar arte en Suiza, Inglaterra e Italia. Es en Europa, donde descubrió la pintura moderna, uno de los más grandes retos que tuvo en su carrera, pero que lo hizo trascender en la plástica mexicana. A consecuencia de la 192

Segunda Guerra Mundial, Montoya y su esposa viajaron a Nueva York, donde tuvo varias exposiciones antes volver a México en 1942. El regreso a su patria lo inspiró a caminar por los barrios y calles, pintando iglesias, mercados, niños, haciendo retratos de diferentes niveles sociales y registrando las tradiciones de los pueblos, sin dejar a un lado la realización de murales. Fue bien aceptado por la crítica, mereciendo con justicia la atención de Jorge Juan Crespo de la Serna y Xavier Villaurrutia. Expuso en diversas galerías mexicanas de gran renombre entre ellas la Galería de Arte Mexicano de Inés Amor, así como en Estado Unidos, Perú, Bélgica y Japón. "Montoya fue sin duda el pensador más profundo que ha dado la pintura mexicana; el que ha llegado más lejos, a penetrar los misterios que rodean a la vida y a la muerte. No lo ha escrito en prosa ni en verso, no ha teorizado sobre una filosofía elevada, lo ha pintado y eso, le hace ser un pintor inconmensurable". Leonardo Martínez Lanz. Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 372 y RULFO, Juan et ál. Gustavo Montoya. México. Litógrafos unidos A. S., 1981, pp. 27-31.

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,000-$10,700

155

GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003)

Rosita Firmado Óleo sobre tela 35 x 27 cm Presenta ligeros detalles de conservación. Publicado en: RULFO, Juan et ál. Gustavo Montoya. México. Litógrafos unidos A. S., 1981, Pág. 48, catalogado 9. Gustavo Montoya fue un artista mexicano perteneciente a la Escuela Mexicana de Pintura. Se deleitó experimentando con nuevas técnicas y temas, así como colores y formas que obedecian a la inspiración del artista. Considerado como un poeta de la pintura, moderno, perfeccionista y emocional, Montoya nunca se acostumbró a fechar sus obras, lo que hace que sus temas sean la definición de sus épocas. Uno de ellos corresponde a su serie de retratos. Durante su primera etapa, la principal inspiración fue la figura femenina, la cual ejecutaba con gran belleza y líneas limpias. Elaboró diversos retratos, entre los que se encuentran algunos de su hija Rosa Elena Montoya de niña, fruto de su primer matrimonio con Luz Saavedra. También retrato a Cordelia Urueta, su segunda esposa y a Martha Villaseñor Urueta. Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 4, No. 40, julio-agosto 1999, pp. 10-12 y RULFO, Juan et ál. Gustavo Montoya. México. Litógrafos unidos A. S., 1981, pp. 45-62.

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,700-$3,750

156

GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003)

Rosita Firmado Óleo sobre tela 35.5 x 28 cm La firma de esta obra es poco perceptible. $50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,700-$3,750

193

157

ROBERTO MONTENEGRO

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Pátzcuaro, Michoacán, 1968)

Margarita Ponce Firmado y fechado 52 Óleo sobre tela 70 x 70 cm Publicado en: FERNÁNDEZ, Justino. Roberto Montenegro. México. Universidad Autónoma de México, 1962, Pág 89. Montenegro es considerado uno de los pintores más versátiles del arte mexicano del siglo XX. Fue uno de los pioneros del movimiento muralista mexicano, sin embargo, trató muchos otros temas, entre ellos el retrato, especialidad en la que se le reconoce como uno de los mejores. Pintaba retratos de los más distinguidos intelectuales de la época, pero también de sus amigos, familiares, así como caballeros y damas de la alta sociedad. La lista de retratos realizada durante la década de los 50 fue limitada, a diferencia de la gran producción de los 40. No obstante, fue un periodo de gran calidad artística, en que se muestra la afición del artista por lo decorativo, sin duda obras merecedoras de halagos. Entre las personalidades retratadas destacan Ignacio Cantú, Salvador Novo, Diego Rivera, Ruth Rivera, Rafael Ponce de León, Rufino Tamayo, Gabriel Fernández Ledesma, Frida Kahlo, Jean Cocteau y Xavier Villaurrutia. Los retratos femeninos son bellos ejemplos del perfecto estilo clásico, elegante y distinguido de Montenegro. En este tipo de obra se enaltece su maestría como colorista y la dedicación por la figura femenina, destacando las miradas tranquilas y sensuales de las modelos. También, se exaltan los fondos etéreos y simples mediante los cuales hace resaltar el cabello y el vestido de las mujeres, presentándolas de forma imponente, estilizadas, modernas e irresistibles ante quien las vea. Fuentes consultadas: BALDERAS, Esperanza. Roberto Montenegro. La sensualidad renovada. México. CENIDIAP, Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 2001, pp. 36-39 y 44-51 y FERNÁNDEZ, Justino. Roberto Montenegro. México. UNAM, 1962, pp. 27-32.

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,800-$6,400 194

158

RUFINO TAMAYO

(Oaxaca de Juárez, México, 1899 - Ciudad de México, 1991)

Retrato de una dama (Portrait of a lady) Firmado y fechado 0 - 57 Pastel sobre papel 60 x 45 cm Procedencia: adquirido en Sotheby's New York, subasta "Latin American Art", mayo de 1990, lote 97. Adquirido al artista, retrato de la esposa del primer propietario. En la década de los 50, Tamayo ya era todo un éxito internacional, consolidado así como uno de los mejores pintores contemporáneos mexicanos. De hecho, fue en 1957, cuando lo nombraron Caballero de la Legión de Honor, una de las distinciones francesas más importantes que se concede únicamente a hombres y mujeres que realizaron algún mérito dentro del ámbito civil en Francia. En esta época, la productividad pictórica de Tamayo se extendió, especialmente a los murales, pues además de pintar en México ejecutó murales en Houston, París, Puerto Rico, entre otros. También realizó dibujos y pinturas en los que abordaba el género

del retrato, los cuales trabajó en diversas épocas, varios de ellos considerados prodigiosos. En ocasiones retrató a su amada esposa Olga, en otras trabajó por encargos de amigos y familiares. En junio de 2011 el Museo de Arte Prehispánico de México Rufino Tamayo, en Oaxaca, realizó una exposición de retratos del pintor, homenaje a los 20 años de su fallecimiento. Sobre esta muestra, el curador Juan Carlos Pereda dijo: "Considero que el trabajo de Tamayo manifiesta a través de símbolos, metáforas e imágenes poéticas, un mundo contemporáneo, donde mostró sus reflexiones sobre lo absoluto, lo relativo y lo sublime, dejando plasmado en la dualidad de la naturaleza del género humano, con sus luces y sus sombras, pero siempre expresado con una belleza única". Fuentes consultadas: PAZ, Octavio y LASSAIGNE, Jaques. Rufino Tamayo. Barcelona. Ediciones Polígrafa, 1982, Pág. 44 y VÉLEZ, Octavio. "Exponen en Oaxaca 32 retratos en memoria de Rufino Tamayo". México. La Jornada, sección Cultura, 26 de junio de 2011.

$380,000.00-$450,000.00 M.N. USD $20,300-$25,000 195

159

JOSÉ CLEMENTE OROZCO

(Zapotlán actual Ciudad Guzmán, Jalisco, 1883 - Ciudad de México, 1949)

Torso para El hombre en llamas Sin firma Carboncillo sobre papel 58.5 x 44 cm Procedencia: perteneció a la colección de Ana Marcela Orozco, nieta del artista. La imagen más representativa de la obra del muralista jalisciense José Clemente Orozco es “El hombre de fuego” o “El hombre en llamas”, ubicada en la cúpula del Hospicio Cabañas en Guadalajara, patrimonio cultural de la humanidad, terminada en 1939. Representa al mundo prehispánico, sus rituales primitivos y, en ocasiones sangrientos, ante el sacrificio de otros humanos que conformaban una sociedad que aparentaba vivir bajo lineamientos inflexibles y que la alejaban de la compasión y los más humildes sentimientos humanos. La obra también es una crítica social que Orozco realizó a las injusticias, el desorden, la corrupción y la traición de una sociedad contemporánea que sigue recayendo en la barbarie. Fuentes consultadas: “El hombre en llamas de José Clemente Orozco”. México. El Siglo de Torreón, sección Arte, 4 de noviembre de 2012 y sitio del Instituto Hospicio Cabañas www.hospiciocabanas.jalisco.gob.mx

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,700-$3,750 196

160

ALEJANDRO COLUNGA (Guadalajara, Jalisco, 1948 - )

Autorretrato como Santo Cristo sangrante de cuaresma Firmado y fechado 89 90 al reverso Óleo sobre tela 70 x 70 cm Agradecemos al Maestro Alejandro Colunga por la verificación de autenticidad de esta obra, julio de 2016. La temática religiosa es recurrente en la obra del artista, pero siempre con un estilo muy personal.

"Recuerdo también los tesoros de la Catedral, como el Cristo agonizante dentro de un ataúd de cristal, con sus heridas pintadas con impactante realismo. Me fascinaba el color de las figuras de los santos y el olor de incienso. Imaginaba a las vírgenes y a los santos en sus nichos como parte de un vasto circo; en mi mente ellos volaban en trapecios, hablaban entre sí, reían y tocaban música". Alejandro Colunga. Fuente consultada: ALBERTO, Eliseo et ál. Colunga. México. GM Editores, Espejo de Obsidiana, 2008, Pág. 57.

$65,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,500-$4,800 197

161

MIGUEL COVARRUBIAS

(Ciudad de México, 1904 - Ciudad de México, 1957)

Autorretrato Firmado "Miguel" Lápiz de grafito sobre papel 26.5 x 19.5 cm Con carta de autenticidad de Adriana Williams, agosto de 2016. Con dedicatoria: "para Guillermo con el afecto de Miguel". Tiene otro dibujo (a la manera de Picasso) a tinta en la parte posterior, cuya autoría es de un artista no identificado. Miguel Covarrubias acostumbraba compartir a sus amigos cartas o dedicatorias en libros con su autorretrato caricaturizado.

"Covarrubias se involucró desde temprana edad en la caricatura y en este terreno hizo importantes aportaciones al estilo convencional como se había tratado este género durante los últimos cien años. Mediante una asombrosa síntesis de líneas, logró expresiones llenas de carácter y, sobre todo, extremadamente representativas de sus personajes. Sus trabajos involucraron rasgos físicos, del temperamento y actitudes de sus modelos, y por otro lado, el genio y la destreza para poder reproducirlo con fidelidad. Covarrubias logró un destacado lugar en este género". Lupina Lara de Elizondo. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 5, No. 46, julio-agosto 2000, Pág. 5.

$80,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,300-$8,000 198

162

JOSÉ LUIS CUEVAS

(Ciudad de México, 1934 - )

Autorretrato Firmada y fechada 27. sept. 1979 Acuarela y tinta sobre papel 66.5 x 101 cm En 1976 el Museo de Arte Moderno de México presentó la exposición "José Luis Cuevas. Su infierno terrenal". Meses después se autoexilió en Francia y el Museo de Arte Moderno de París le dedicó una gran retrospectiva. Después de tres años de estancia en Europa, Cuevas regresó a México en 1979 y el Museo de Arte Moderno realizó una nueva muestra "José Luis Cuevas. El regreso de otro hijo pródigo" en la cual se exhibieron obras que realizó durante su viaje. Además de exponer, José Luis Cuevas nunca dejó de hacer autorretratos y durante los años 70 gustaba de tomarse fotografías. Empezaba el día observándose y se dibujaba en diferentes etapas de su vida, de niño, de adolescente y envejecido. Fuente consultada: RIESTRA DE CUEVAS, Bertha. José Luis Cuevas. Obra gráfica. México. Fábrica Nacional de Moneda y Timbre, 1997, Pág. 147.

$60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,200-$4,300 199

163

MIGUEL COVARRUBIAS

(Ciudad de México, 1904 - Ciudad de México, 1957)

Vestuario del rey para el ballet Romance, ca. 1954 Sin firma Gouache, tinta dorada y lápiz de grafito sobre papel 34 x 24 cm Con carta de autenticidad de Adriana Williams, agosto de 2016. Con etiqueta del Centro Cultural Arte Contemporáneo. Publicado en: Miguel Covarrubias: Homenaje. México. Fundación Cultural Televisa y Centro Cultural Arte Contemporáneo, 1987, Pág. 222. Exhibido en: "Miguel Covarrubias: Homenaje", muestra presentada en el Centro Cultural de Arte Contemporáneo, febrero a mayo de 1987. Presenta ligeros detalles de conservación. En 1950, Covarrubias aceptó el nombramiento como jefe del Departamento de Danza del INBA. Con gran responsabilidad fungió en su puesto, dirigiendo por buen camino a la compañía. Durante estos años, diseñó vestuarios y escenografías para importantes ballets. En total montó 34 presentaciones para los cuales en algunos diseños pidió ayuda a colaboradores y amigos, como Carlos Mérida, Fernando Castro Pacheco, José Reyes Meza y Juan Soriano. También logró invitar a destacados maestros de distintas compañías extranjeras con el afán de instruir y sensibilizar a los bailarines. "Si Covarrubias no fue historiador profesional, sí podemos afirmar que fue uno de los mejores intérpretes de nuestra historia". Ernesto de la Torre Villar.

Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 5, No. 46, julio-agosto 2000, pp. 13 y 14.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,350-$8,000 200

164

ENRIQUE CLIMENT

(Valencia, España, 1897 - México, 1980)

Clavecinista Firmado Óleo sobre tela 117.5 x 99.5 cm Agradecemos a Pilar Climent, hija del artista por la verificación de autenticidad de esta obra, agosto de 2016. Con etiqueta de Galería de Arte Misrachi. Presenta un pequeño desprendimiento. En 1939 Climent llegó a México como refugiado de la Guerra Civil Española. Como sucedió con muchos otros de los artistas que desembarcaron en las misma circunstancias, México nutrió su trabajo y su obra. Apasionado de su oficio, en su pintura hacían frontera las naturalezas muertas con los lugares imaginarios y los derroteros de la pintura abstracta. Muy pronto se convirtió en una de las marcas decisivas del arte mexicano del siglo XX. Fuente consultada: CLIMENT, Enrique. Enrique Climent en el Museo de la Ciudad de México. México. Artes de México, 2015, Pág. 3.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,700-$16,000 201

165

GUILLERMO MEZA

(Ciudad de México, 1917 - Ciudad de México, 1997)

Arriero Firmado, fechado 1964 y con monograma al frente y al reverso Óleo sobre tela 60.5 x 50.5 cm "Arriero" es una obra en la que Meza retoma la estética que ya había abordado anteriormente en la obra "La cosecha", 1943 (colección de pintura del Banco Nacional de México). Meza propone a un personaje que representa a la Muerte vestida con un traje a la usanza campesina. El pintor trabaja el acento en los tonos oscuros de la calavera con gran habilidad, y la luz que emerge del ropaje y del entorno con una gran expresividad. Fuente consultada: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 418.

$70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,750-$5,350 202

166

RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - )

El reposo del moro Firmado Acrílico sobre tela 80 x 80 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, mayo de 2016.

"En la obra de Coronel encontramos, de manera regular, la intención de descubrir el interior de sus personajes […] la figura humana, su tema por excelencia, transcurre por procesos varios de deconstrucción, para llegar al alma, a la descontextualización absoluta, donde el espectador se enfrenta a la obra cual espejo". Agustín Arteaga. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.rafaelcoronel.com

$280,000.00-$400,000.00 M.N. USD $15,000-$21,400 203

167

ALFREDO CASTAÑEDA

(Ciudad de México, 1938 - Madrid, España, 2010)

¿Dónde está el portero? Firmado y fechado 86 Óleo sobre tela 80 x 60 cm Procedencia: adquirido en la Galería de Arte Mexicano. Castañeda exploró los senderos de una aventura espiritual, cercana a la tradición mística, donde siempre hay una búsqueda. Así, cada situación en sus cuadros habla de la necesidad de emprender un viaje lleno de obstáculos, de retos y encuentros inesperados. El autorretrato siempre fue un recurso que Castañeda utilizó para expresar sus mundos imaginarios y ejercer su propia conciencia de la dualidad en la que habitaba. Fuentes consultadas: RUY SÁNCHEZ, Alberto. "Alfredo Castañeda, obra reciente. Del abierto vacío". México. Galería de Arte Mexicano, 2005 y MACMASTERS, Merry. "Murió Alfredo Castañeda, pintor surrealista que plasmó en autorretratos sus mundos imaginarios". México. Diario La Jornada, 17 de diciembre de 2010.

$650,000.00-$900,000.00 M.N. USD $34,800-$48,100 204

205

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NAHUM B. ZENIL

(Chicontepec, Veracruz, 1947 - )

Tres y alguien Firmada y fechada 74 Tinta sobre papel 62 x 47 cm Con certificado de autenticidad de Cypango Galería de Arte firmado por el artista. Procedencia: adquirida directamente al artista.

"El autorretrato fársico-trágico de Nahum B. Zenil es como el reflejo inmoral sobre el espejo moral cristiano, trazado a punta de escalpelo que corta por lo insano la carne y el alma. Todos sus cuadros son reproducciones clónicas infieles o crónicas fieles de su efigie y su doble o de su multiplicación ad infinitum a propósito de la desobediencia a normas religiosas inseparables ya de la carnalidad normada.[…] El atractivo mayor de la obra de Zenil no está en su capacidad de sorprender con lo que se guarda en secreto, sino en su gran imaginación para diversificar infinitamente tan estrecho mundo, en la seducción fantástica del dibujante que aprendió en la academia a ser él mismo, no a copiar lo que todos pueden mirar mejor en la realidad. "Zenil es un exquisito dibujante realista, detallista, a quien le importa más lo que no se ve y más se siente, pero consciente de que sólo es una representación en su sentido teatral, que guarda distancia medida por su excelente humor, de la mera parodia que cabe al hacer cómico lo trágico si se actúa fuera de las fronteras genéricas, para hacer de la propia fisonomía la de cualquiera que no tema mirarse en ese espejo". Luis Carlos Emerich. Fuente consultada: EMERICH, Luis Carlos. Figuraciones y desfiguros de los 80s. Pintura mexicana joven. México. Editorial Diana, 1989, pp. 151, 153 y 154.

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,800-$6,400 206

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NAHUM B. ZENIL

(Chicontepec, Veracruz, 1947 - )

Muerte - Vida Firmado y fechado Sep. 92 Óleo sobre madera 70 x 50 cm Con etiqueta de la Galería de Arte Mexicano GAM.

"La presencia constante del pintor como autor y personaje central de un mundo prisión, un apando doméstico donde se alucina el juego entre la mayor soledad y la mayor compañía, serían la clave para referirlo forzosamente a la influencia directa de Frida Kahlo. Esta evidente afinidad de sensibilidades es sólo rasgo familiar artístico que Zenil explota con fuerzas, motivos y connotaciones diferentes". Luis Carlos Emerich. Fuente consultada: EMERICH, Luis Carlos. Figuraciones y desfiguros de los 80s. Pintura mexicana joven. México. Editorial Diana, 1989, Pág. 152.

$220,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,800-$16,000 207

170

PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - )

Mano de Akhenatón (silla mano) Firmada Escultura en madera tallada 93.5 x 56 x 55.5 cm Con certificado de autenticidad del artista, septiembre de 2016. Presenta ligeros detalles de conservación. Si desea ver otras perspectivas de esta obra puede consultar www.mortonsubastas.com o solicitarlas a nuestros especialistas del departamento de Arte Moderno y Contemporáneo. El interés de Friedeberg en diseñar muebles empezó en sus ratos de ocio en la escuela. Su primera silla-mano estaba labrada en caoba, a partir de una maqueta de plastilina. La idea emergió quizá, entre sueños, o mientras el artista mecía algo en su mano, aunque el refinado manierismo de los dedos no permite distinguir su género y resulta muy poco humana. Friedeberg pensaba inicialmente que estas manos serían esculturas únicas, y no piezas de mobiliario producidas masivamente, pero resultó que todo el mundo las quiso, personalidades como Jeanne Moreau, Roman Polanski y Arnold Scaasi pidieron las suyas. En 1963, Alice Rahon mandó una fotografía de la silla a André Bretón, lo que le valió a Friedeberg ser aceptado en el círculo surrealista. Las sillas-mano hechas a mano, ergonómicas y cómicas a la vez, así como todos los otros muebles diseñados por Friedeberg, atacan frontalmente el "buen gusto" del diseño moderno y funcionalista. Fuente consultada: HOLTZ, Déborah et ál. Pedro Friedeberg. México. Trilce Ediciones, 2009, pp. 139-156.

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,000-$10,700 208

Frente

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PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - )

Silla mariposa, ca. 1980 Vuelta Firmada Escultura en madera policromada y dorada Derechos Reservados © Pedro Friedeberg 90 x 49 x 50 cm Con certificado de autenticidad del artista, octubre de 2016. Presenta ligeros detalles de conservación. Si desea ver otras perspectivas de esta obra puede consultar www.mortonsubastas.com o solicitarlas a nuestros especialistas del departamento de Arte Moderno y Contemporáneo. Si el "camp" es la estética del simulacro y el anacronismo –en el que la superficie es más importante que el contenido– entonces no hay nada más "camp" en la obra de Friedeberg que sus sillas y mesas en forma de mariposas que empezó a elaborar en 1966. Radiantes pero venenosas, sus alas elaboradas con plumas, volutas y curvas francesas, impecablemente labradas, doradas y pintadas en deslavados tonos de morado, azul, rosa, vainilla y crema, con delicadas patas retozadas que terminan en pies humanos dorados, algunas con pequeños brazos humanos en vez de antenas, parecen demasiado frágiles para ser utilizadas, demasiado ridículas para existir. El simbolismo de la mariposa aparece tempranamente en la obra de Friedeberg, emblema de fragilidad, refinamiento y belleza. Forma parte de un vasto escenario de opulencia contemporánea cuya historia encontraremos mejor contada en las páginas de "Casas y Gente" y "¡Hola!", que en los libros de historia del arte. Fuente consultada: HOLTZ, Déborah et ál. Pedro Friedeberg. México. Trilce Ediciones, 2009, pp.159 - 176.

$120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,400-$10,700 209

172

PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - )

Doble cubo hipnerotomacico con base, 2014 Firmada en la parte inferior Escultura en madera pintada en rojo, pieza única 49 x 23 x 23 cm Con certificado de autenticidad del artista, mayo de 2014. Presenta ligeros detalles de conservación. Si desea ver otras perspectivas de esta obra puede consultar www.mortonsubastas.com o solicitarlas a nuestros especialistas del departamento de Arte Moderno y Contemporáneo. "Lo que sucede en la cabeza de Pedro Friedeberg es un misterio, un mecanismo que debe haberse desencadenado en la infancia y le llenó los ojos de formas sucesivas que el repitió una y otra vez, espacios y perspectivas con las que él jugó y a las que convirtió en un eterno rompecabezas". Elena Poniatowska. Fuente consultada: PONIATOWSKA, Elena. "Pedro Friedeberg". México. Diario La Jornada, sección Cultura, 11 de septiembre de 2011.

$80,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,300-$5,350 210

173

MARIO RANGEL FAZ

(Ciudad de México, 1956 - Ciudad de México, 2009)

Sin título, de la serie Horizontes y columnas, ca. 2005 Sin firma Acrílico sobre tela 126.5 x 161.5 cm Exhibido en: "Mario Rangel Faz: Coordenadas", muestra presentada en el MUAC de agosto a octubre de 2010. Con certificado de autenticidad de Fundación Rangel Faz A.C. Publicado en: ROJO, Vicente et ál. Mario Rangel Faz: Coordenadas. México. Museo Universitario Arte Contemporáneo, UNAM, 2010, Pág. 22, catalogado 67. Realizó estudios de arte en la ENAP. Fue integrante del grupo SUMA y co-fundador del colectivo "Atte. La Dirección". A partir de 1978 comenzó a exponerse con regularidad en innumerables muestras individuales y colectivas, tanto en México como en el extranjero. "Por temperamento, se le puede considerar un expresionista contenido, un apasionado a quien abrumaba su propia fuerza interior e intentaba, a la vez, hacer un arte muy racional, siempre oscilando entre dos vocaciones: la del Mario pensante y la del Mario que dominaba libre y expresivamente las técnicas e incluso hacía performance. "La retícula de su última serie de pinturas recuerda el arte racional de Klee. 'Horizonte y columnas', como la tituló, le impuso un esfuerzo físico, mental y emocional extraordinario al que se entregó como siempre lo hacía. En ese sentido, fue un místico del quehacer creativo pues prefirió, literalmente, quemarse antes que oxidarse". Magali Tercero. Fuente consultada: ROJO, Vicente et ál. Mario Rangel Faz: Coordenadas. México. Museo Universitario Arte Contemporáneo. 2010, pp. 9 y 61.

$70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,750-$5,350 211

174

ÁLVARO HERRÁN

(Cali, Colombia, 1937 - )

Whai Toa Sin firma Óleo y acrílico sobre tela 149 x 100 cm Con etiqueta de Biennale de Paris. Presenta craqueladuras. Álvaro Herrán es considerado uno de los representantes de la pintura moderna en Colombia. Además de incursionar en la pintura, también trabajó la escultura durante sus primeros años como artista. En 1964, comenzó a pintar un mural para la sede del Banco de la República, obra considerada pieza clave en su carrera. En general, sus obras pictóricas, contienen un estilo muy marcado, indagan en lo expresivo y lo abstracto con formas sencillas y contrastes cromáticos. Fuente consultada: sitio de la Biblioteca virtual Luis Ángel Arango. Colombia. Banco de la República, sección Cultural, www.banrepcultural.org

$60,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,200-$5,350 212

175

RICARDO MAZAL

(Ciudad de México, 1950 - )

España, de la serie Huellas del tiempo IV Firmado y fechado 1987 al reverso Óleo sobre tela 193 x 181.5 cm Procedencia: adquirido en Galería de Arte Mexicano en abril de 1988, incluye recibo de compra. Con etiqueta de Galería de Arte Mexicano. "En vez de trabajar a partir de la naturaleza, encuentro mi obra en la naturaleza". Ricardo Mazal. Actualmente vive y trabaja entre Santa Fe, Nuevo México, y Nueva York. Ha exhibido internacionalmente con galerías en Estados Unidos, Canadá, México, Hong Kong y Singapur. En la última década se han presentado retrospectivas de su obra en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey MARCO, Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México, Museo de Arte de Querétaro y Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez en Zacatecas. También exposiciones temáticas en Scottsdale Museum of Contemporary Art en Arizona, Museo Nacional de Antropología y Centro Cultural Estación Indianilla, entre otros. Realizó la serie "Huellas del tiempo" mientras vivía en Barcelona y fue exhibida tanto en España, como en la Galería de Arte Mexicano, en la Ciudad de México, y en la Galería Arte Actual Mexicano, en Monterrey. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.ricardomazal.com

$250,000.00-$300,000.00 M.N. USD $13,400-$16,000 213

176

GABRIEL MACOTELA

(Guadalajara, Jalisco, 1954 - )

Sin título Firmado y fechado 16 Óleo sobre tela 120 x 150 cm Procedencia: adquirido directamente al artista. En relación a su cumpleaños 60, Gustavo Monroy lo entrevistó, al comentarle "No has parado de trabajar", el Maestro Macotela respondió: "Como todos los pintores, yo creo que nunca paramos ¿no? No es una obligación, pero es como una disciplina mística, casi religiosa de creer en lo que hacemos e insistir". Fuente consultada: MONROY, Gustavo. "Los barcos son como la vida: Gabriel Macotela". México. Diario Milenio, 24 de agosto de 2014.

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,000-$10,700 214

177

ROBERTO PARODI

(Ciudad de México, 1957 - )

Nacimiento maquinal Firmada y fechada 86 al frente y 1985 al reverso Mixta sobre tela, díptico 172 x 115 cm medidas totales Agradecemos al Maestro Roberto Parodi por la verificación de autenticidad de esta obra, mayo de 2016. Publicada en: sitio oficial del artista www.robertoparodi.net con el título "Naturaleza". Presenta detalles de conservación. Estudió en La Esmeralda y en la ENAP, se marchó a España pues intuía que muchas de las repuestas a sus preguntas quedarían

resueltas en el estudio del gran arte europeo y así complementaría su aprendizaje; allí pudo admirar detenidamente la obra de Picasso, quien fue una gran influencia. Dos años después, regresó a México. A partir de los años 80, empezó a hacerse notoria su evolución plástica y, por consiguiente, comenzó a exponer y a participar en concursos de pintura. En 1984 obtuvo la Mención Honorífica, en el IV Encuentro Nacional de Arte Joven, INBA; en 1987 recibió otra Mención Honorífica, en el Salón Nacional de Artes Plásticas, INBA; y en 1988 obtuvo Tercer Lugar en la IV Bienal de Pintura Rufino Tamayo.

Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, No. 60, noviembre - diciembre, 2002, pp. 22-27.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,600-$13,400 215

178

PEDRO CORONEL

(Zacatecas, 1923 - Ciudad de México, 1985)

Sin título Firmado y fechado Mex. 83 al reverso Óleo y arena sobre tela 100.3 x 100 cm Agradecemos a Martín Coronel por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2016. Publicado en: RIVERA, Lily. "Pedro Coronel: Pinto porque no quiero ser un asesino". México. Semanario Cultural de Novedades, 27 de febrero de 1983 y en PAZ, Octavio. "Pedro Coronel: Pasión solar y trágica". México. Semanario Cultural de Novedades, 2 de junio de 1985. Lily Rivera: "Su pintura se caracteriza por los tonos vivos. ¿Cuál es la función del color en sus cuadros?" Pedro Coronel: "El importante papel del color es palpable en la gente del pueblo. El color les atrae porque

nuestra gente es tan maravillosa que ha vivido desde siempre dentro de ese mundo mágico del color, de la naturaleza, del clima. Y todas sus representaciones artesanales así lo demuestran. La forma misma está definida por el color, que la supera, la domina. Mi pintura es una poesía plástica, regida por el color, que no es sino la esencia de la pasión". Lily Rivera: "¿Es quizá por eso que Octavio Paz afirma que la pasión es la clave de la pintura de Coronel?" Pedro Coronel: "Yo pienso que cualquier artista auténtico está influido por la pasión. En mi caso, además impera el sentido de la muerte ligado al erotismo. Yo soy mexicano y desde las épocas más remotas, desde las bases del mundo prehispánico, nuestro pueblo basa sus tradiciones en el culto a la muerte. Parece como si mientras más profundamente se manifiesta la muerte, más se desarrolla la vida en sí. Es muy natural entonces que un pintor se sienta atraído por ese misterio". En 1983 el Presidente de la República inauguró la exhibición "El universo de Pedro Coronel" en el Colegio de San Luis Gonzaga en Zacatecas, actual Museo Pedro Coronel, donde hasta la fecha se encuentra su colección de arte universal, que incluye arte prehispánico y colonial, arte grecolatino, oriental, de África y Oceanía; grabados de Francisco de Goya, de Hogarth y gráfica moderna europea. Fuentes consultadas: CORONEL ORDIALES, Martín et ál. Pedro Coronel. México. Grupo Financiero Bital, 1993, Pág. 184 y RIVERA, Lily. "Pedro Coronel: Pinto porque no quiero ser un asesino". México. Semanario Cultural de Novedades, 27 de febrero de 1983.

$1,800,000.00-$2,500,000.00 M.N. USD $96,300-$134,000 216

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FERNANDA BRUNET

(Ciudad de México, 1964 - )

SKEERASSSH! Firmado y fechado 2003 al reverso Acrílico sobre lino 180 x 240 cm Con etiqueta de galería OMR. Agradecemos a la Maestra Fernanda Brunet por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2016. Estudió en La Esmeralda. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas tanto en México como en el extranjero. Su obra forma parte de colecciones importantes como Peter Stuyvesant Foundation, British American Tobacco, San Diego Museum of Art, Colección Jumex, The Weisman Foundation y Museo Jaureguia. Obtuvo el Premio de Adquisición en Pintura en la VI Bienal Monterrey FEMSA. El trabajo de Brunet ha pasado por distintas etapas en las que el color acapara nuestra atención. Su trazo y composición remiten inmediatamente al lenguaje visual utilizado en cómics o manga. Fuente consultada: Mexican Art Data Base (MexartDB), Patronato de Arte Contemporáneo A.C. (PAC) www.mexartdb.com

$160,000.00-$250,000.00 M.N. USD $8,550- $11,800

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FERNANDA BRUNET

(Ciudad de México, 1964 - )

Sin título Sin firma Mixta, papel, vinil y acrílico sobre tela 151 x 151 cm Agradecemos a la Maestra Fernanda Brunet por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2016. Presenta ligeros detalles de conservación. En un principio su exploración fue de corte erótico, posteriormente comenzó a aplicar los mismos trazos enérgicos a una serie de paisajes. En ellos aparecían voluminosas nubes cargadas de tormentas que podían llegar a tragarse a quien se interpusiera en su camino. Un ofrecimiento romántico, igualmente contundente en cuanto a intensidad y emoción. La contención de energía y el movimiento impetuoso, han estado siempre presentes en el trabajo de esta artista. Después fue una serie de volcanes que entraban en erupción, llenos de movimiento y luz, en los que había implícita una fuerza ulterior como en el instinto de vida. Fuente consultada: Mexican Art Data Base (MexartDB), Patronato de Arte Contemporáneo A.C. (PAC) www.mexartdb.com

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,400-$9,600 220

181

FRANCISCO HUNG

(Cantón, China, 1937 - Maracaibo, Venezuela, 2001)

Agosto Nro. IV, 1998 Firmado al frente. Firmado y fechado agosto 98 al reverso Acrílico sobre tela 80 x 100 cm Con certificado de autenticidad de la Fundación Francisco Hung firmado por Alexander Hung, hijo del artista. Su madre era venezolana y su padre chino. Su familia permaneció en Cantón hasta que estalló la Segunda Guerra Mundial y Japón invadió China. En 1949 se trasladaron a Maracaibo, Venezuela. En 1956 se inscribió en la Escuela de Artes Plásticas de Maracaibo y en 1958 en la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas en Caracas. Ese mismo año obtuvo el 1er premio del Salón Municipal de Pintura, lo que le permitió viajar a Francia con una beca para realizar estudios en La Escuela de Bellas Artes de París. A lo largo de su carrera, Francisco Hung fue galardonado en numerosas ocasiones en Venezuela y países como Francia, Italia, España y Brasil; en 1963 obtuvo la Mención Honorífica en la III Bienal de París y en 1965 fue acreedor al premio Felisa Lernier en la VII Bienal de São Paulo con un grupo de obras de la serie "Materias flotantes", ese mismo año también ganó el Premio Nacional de Pintura de Arte Venezolano. Viajó y residió en muchos países para continuar investigando y pintando, pero al volver a Venezuela en 1972 concluyó que la mejor luz para realizar sus obras era la de Maracaibo. Hung creó una materia visual calificada dentro de un orden estéticamente rico y fascinante. En este sentido podría ser comparado con Wassily Kandinsky, quien propuso no sólo nuevas fuentes de emoción estética, sino que también inventó formas dentro de un sistema de signos inteligibles para el espectador, a pesar de ser abstractos y simbólicos, Hung se ocupó de crear imágenes puramente mentales. Los signos caligráficos, técnicamente gestuales, fueron para el artista marabino la materia preciosa con la que ordenó y compuso una superficie pictórica plástica que llamará la atención de la sensibilidad del espectador. Fuentes consultadas: RODRÍGUEZ, Bélgica. Francisco Hung. Venezuela. J & Eme Editores S.A., 2011, Pág. 23 y sitio oficial del artista www.franciscohung.com/vida

$70,000.00-$120,000.00 M.N. USD $3,750-$6,400 221

182

ARNO AVILÉS

(Ciudad de México, 1971 - )

Quinto sol, 2015 Sin firma Escultura, talla directa en basalto, pieza única 60 x 60 x 18 cm Con certificado de autenticidad del artista, octubre de 2016. Exhibida en: "Arno Avilés. Tres rumbos", Museo de Arte Popular, agosto de 2015. Si desea ver otras perspectivas de esta obra puede consultar www.mortonsubastas.com o solicitarlas a nuestros especialistas del departamento de Arte Moderno y Contemporáneo. Estudió Artes Visuales en la ENAP, donde fue un alumno destacado del escultor Kiyoto Ota. Participó y pasó a la segunda ronda de selección en la Trienal de Escultura de Osaka, Japón en 1998. En 2006 tuvo lugar su primera muestra individual en el Museo Federico Silva de San Luis Potosí. A principios de 2012 presentó una muestra individual en el Museo Fernando García Ponce (MACAY). En junio del 2013 participó en la exposición colectiva "Geometrismo escultórico mexicano", al lado de artistas como Manuel Felguérez, Ángela Gurría, Vicente Rojo y Jesús Mayagoitia, así como en "Paradigmas. Una década de escultura" en el Museo Federico Silva. En marzo del 2016 participó en la exposición "E-8 escultura contemporánea, México" en el Museo Manuel Felguérez en Zacatecas, junto con: Yvonne Domenge, Pablo Kubli, Ernesto Álvarez, Ernesto Hume, Pedro Martínez, Luz Zaga y María José de la Macorra. Su escultura de gran formato titulada "Núcleo" se encuentra en exhibición permanente en el parque Ecológico Angelópolis de Puebla.

"El fundamento geométrico se encuentra subyacente en nuestra conciencia y en nuestra percepción. La noción de la forma surge en el elemental ejercicio de trazar sobre una superficie con la vista en el dibujo y la atención en la idea. De aquí podemos especular o no (es parte del juego de la geometría). Lo cierto es que se trata de una cualidad que nos ayuda a interpretar la estructura de las cosas: concretas, ocultas o inmateriales. Tiene un vínculo directo con la intuición, que nos permite relacionarlos con el mundo, exterior e interior". Arno Avilés. $70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,750-$4,800 222

183

FERNANDO CÁNOVAS

(Buenos Aires, Argentina, 1960 - )

Colisée, 1999 Firmado y fechado 99 al frente y al reverso Acrílico y arena sobre tela 158 x 199 cm Procedencia: adquirido en Sotheby's New York, subasta "Latin American Art", 25 de mayo de 2006, lote 171. Su formación artística la vivió en París, donde recibió la influencia de Pierre Alechinsky y de Roberto Matta. En la actualidad trabaja en Nueva York. Cánovas ha declarado que tiende a las obsesiones, mismas que lo llevaron a la pintura en lugar de a un psiquiátrico. Sus obras se deconstruyen hacia la abstracción transmitiendo una idea concreta sobre el lienzo. Una de sus principales preocupaciones es el espacio. Se inspira en las formas primarias que encuentra en los paisajes urbanos, una muestra de ello es "Colisée". Sin embargo, no reproduce los lugares, el tratamiento de sus cuadros busca que el espectador detone una sensación de tiempo. Cánovas busca espectadores que estén dispuestos a dejar de lado sus prejuicios para dejarse llevar por una experiencia sensorial. Fuente consultada: "Fernando Cánovas muestra su obsesión por expresar el tiempo". España. Diario El País, 20 de julio de 2007.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,600-$13,400 223

184

RAMÓN OVIEDO

(Barahona, República Dominicana, 1924 - Santo Domingo, República Dominicana, 2015)

Realidad tangible Firmada Mixta sobre papel 34.5 x 40.5 cm Procedencia: colección del historiador y crítico de arte Miguel Ángel Muñoz, adquirida directamente al artista.

"Dotado de una sensibilidad poética, que se alumbra en la contemplación de una abstracción luminosa, cada pequeña sensación de Oviedo, ya sea transformada en pintura o en poema, ha abierto un surco de luz donde resplandecen las vibraciones cromáticas más sutiles, diluyéndose en atmósferas que filtran el fugaz brillo hiriente hasta amasar su sustancia, hasta darle cuerpo como claridad coagulada, impregnante, muy sensual. Un eslabón seguro, además, para entender en su justa medida lo que fue y es el arte caribeño y de parte de América Latina del siglo XX. "[…] Ya desde los años setenta, Oviedo comenzó a dar luces de un manejo del color, que a finales de los noventa y hasta el día de hoy, lo han convertido en un soberbio colorista, aunque reafirmando su progresivo atrevimiento, que, desde hace algunos años, le ha hecho ampliar su gama caribeña de sienas, verdes y negros a tonalidades insólitas de verdes, naranjas, amarillos cuya acidez no ha trabajado, sin embargo, ese toque de cálida sensualidad visual y poética que siempre transmite su pintura". Miguel Ángel Muñoz. Fuente consultada: MUÑOZ, Miguel Ángel. Cuestiones de arte y artistas del siglo XX. México. Seminario de Cultura Mexicana, 2016, Pág. 124.

$25,000.00-$35,000.00 M.N. USD $1,350-$1,900 224

185

LILIA CARRILLO

(Ciudad de México, 1930 - Ciudad de México, 1974)

Vidente Firmado y fechado 64 Óleo sobre papel sobre masonite 50 x 65 cm Con etiquetas del Instituto Nacional de Bellas Artes y de Galería Juan Martín. Procedencia: adquirido en Galería Juan Martín.

"Lilia Carrillo es esencialmente una pintora lírica. Sus cuadros se colocan de una manera natural dentro de ese grupo de obras cuya esencia poética, siempre más cercana al terreno del canto que al del concepto, escapa a todo intento de interpretación. Frente a la realidad inmediata su pintura tiende en parte a crear una distancia antes que una identificación. Su calidad etérea, delicada, su excepcional sutileza, parecen contradecir antes que apoyar su tratamiento de los materiales, obligándolos a pasar desapercibidos, a perderse en la totalidad sin límites precisos del cuadro". Fernando García Ponce. Fuente consultada: GARCÍA PONCE, Juan. Nueve pintores mexicanos. México. UNAM, colección Pértiga, 2006, pp. 47-50.

$300,000.00-$350,000.00 M.N. USD $16,000-$18,700 225

186

EMILIANO GIRONELLA PARRA (Ciudad de México, 1972 - )

Atardecer, homenaje a Joseph Mallord William Turner Firmada y fechada 2012 Tinta, acrílico y hoja metálica sobre papel 112.5 x 126 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte firmada por el artista. Emiliano es hijo de los pintores Alberto Gironella y Carmen Parra. No se puede decir que la formación humanista y artística de Emiliano Gironella Parra haya sido "autodidacta" en el estricto significado del término, ya que siempre tuvo maestros cercanos y significativos: en primer lugar sus padres y desde luego todos los personajes y artistas que frecuentaban sus círculos familiares: Buñuel, Álvarez Bravo, los Ripstein, Leduc, entre muchos. No obstante, Emiliano tuvo su primera formación académica en artes visuales en la Interlochen Arts Academy, Michigan. Fuente consultada: RICO, Pablo. Los Parra - Gironella, un collage familiar. México. Gobierno del Estado de San Luis Potosí, Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario, El Aire Centro de Arte, 2012, Pág. 327.

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,700-$3,750 226

187

EMILIANO GIRONELLA PARRA (Ciudad de México, 1972 - )

Homenaje a Goya (El ahorcado), 2003 - 2012 Firmada y fechada 2011 Mixta y hoja de oro sobre madera tallada 244 x 122 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte firmada por el artista. Publicada en: RICO, Pablo. Los Parra Gironella, un collage familiar. México. Gobierno del Estado de San Luis Potosí, Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario, El Aire Centro de Arte, 2012, Pág. 138. "Sin duda, la obra de Goya y su peculiar evolución estética se vieron afectadas esencialmente por aquellos tiempos de profundas transformaciones, expresando –acaso como ningún otro creador contemporáneo– las contradicciones propias de una época en la que se 'vivió peligrosamente'. […] Goya representa la modernidad porque vive su tiempo con absoluta entrega y generosidad. A cada transformación y cambio radical de su época le corresponde una profunda conmoción en su vida personal, en su carácter, en su creación artística. No es extraño que muchos de los artistas y creadores más comprometidos con sus respectivos 'tiempos difíciles' hayan tenido como referencias fundamentales la experiencia personal y las imágenes de Goya. "Desgraciadamente nuestros tiempos actuales son tiempos de emergencia y crisis. Acaso la compleja y dramática realidad mexicana requiera respuestas más contundentes desde el mundo de la cultura y el arte mexicanos. Las series de Emiliano Gironella relacionadas a su proyecto 'México al filo' plantean esos valores y muy en concreto sus degollados, una serie tan ejemplar como estremecedora". Pablo Rico. Fuente consultada: RICO, Pablo. Los Parra Gironella, un collage familiar. México. Gobierno del Estado de San Luis Potosí, Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario, El Aire Centro de Arte, 2012, pp. 40 y 41.

$110,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,900-$8,000 227

188

FANNY RABEL

(Polonia, 1922 - Ciudad de México, 2008)

La mente Firmada y fechada 1966 Mixta sobre masonite 60 x 80 cm Con etiqueta del Salón de la Plástica Mexicana. Fue una destacada artista mexicana de origen polaco que se desempeñó en los campos de la pintura mural, de caballete, grabado y escenografía. Fue alumna de Frida Kahlo, asistente de Diego Rivera en los frescos del Palacio Nacional y parte del equipo muralista de David Alfaro Siqueiros. También fue miembro fundador del Salón de la Plástica Mexicana y trabajó en el Taller de Gráfica Popular. La obra de Rabel ha sido definida como poético surrealista, neoexpresionista; imbuida por el realismo mexicano, pero siempre enfocada al aspecto humano, con predominio del dibujo sobre el color.

"Un sedimento amargo, dejado por la tradición ancestral y el pasado reciente, más la emoción del presente que prevé la continuación del dolor de los días de ayer para los de mañana, son la tonalidad general de las pinturas de Fanny". Diego Rivera, 1945. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo III. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 102.

$80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,800-$6,400 228

189

JOSÉ GARCÍA OCEJO

(Córdoba, Veracruz, 1928 - )

Brindis Firmado y fechado 2014 Óleo sobre tela 80 x 60 cm Con certificado de autenticidad del artista, septiembre de 2016. José García Ocejo es egresado de la Licenciatura de Arquitectura por la UNAM. Obtuvo una beca para estudiar en Madrid y Austria. En 1968 fue distinguido por el Instituto Nacional de Bellas Artes y por el Comité di Terra Santa de Milán. Es un artista multidisciplinario en técnicas, conocedor del dadaísmo, amante de las apariencias y legendario por desbordar erotismo y deseos de seducción. Sus obras se han expuesto en museos, galerías y pertenecen a colecciones privadas en México y en el mundo. Fuente consultada: DE NEUVILLATE, Alfonso. José García Ocejo. México. Universidad Nacional Autónoma de México, 1969.

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,800-$6,400 229

190

CARMEN PARRA

(Ciudad de México, 1944 - )

Monarca de los aires Firmado y fechado 85 Acrílico sobre tela 100 x 100 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte firmada por la artista. Publicado en: LIMÓN ROJAS, Miguel et ál. Mariposa Monarca. Polvo de estrellas. Carmen Parra. México. Secretaría de Educación Púbica, el Aire Centro de Arte, 2000, Pág. 12 y en DE LA FUENTE, Juan Ramón et ál. Metamorfosis. México. Palacio de la Escuela de Medicina, Facultad de Medicina, UNAM, Pág. 15, con el título "Ollin III". Exhibido en: "Metamorfosis", muestra presentada en el Palacio de la Escuela de Medicina y en el Museo de Universum.

"Carmen Parra recoge en su pintura todo lo que las mariposas han representado para la cultura y por ende, lo que a ellas nos une. En sus cuadros, nos restituye esa figura, esa huella o dibujo con la que empiezan todas las mitologías y que hace que algo se vuelva atávico para el espíritu humano. […] El motivo de la monarca es una alegoría para leer el mundo y reflexionar sobre la relación entre el ser humano y la naturaleza. La metamorfosis de la mariposa significa la aspiración del ser humano a encontrar siempre la luz en todos los sentidos, así como la posibilidad de renacer con nuevas utopías o cosmovisiones". Alicia García Bergua. Fuente consultada: DE LA FUENTE, Juan Ramón et ál. Metamorfosis. México. Palacio de la Escuela de Medicina, Facultad de Medicina, UNAM, pp. 83 y 90.

$85,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,550-$8,000 230

191

EDOUARD DUVAL-CARRIÉ (Puerto Príncipe, Haití, 1954 - )

Danae Firmado y fechado 90 Óleo y mixta sobre lino 146 x 114 cm Presenta desprendimiento de capa pictórica $70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,750- $5,350 231

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BENITO QUINQUELA MARTÍN

(Buenos Aires, Argentina, 1890 - Buenos Aires, Argentina, 1977)

La vuelta de Rocha, La Boca, Buenos Aires, Argentina Firmado Carboncillo sobre papel 51.5 x 42 cm El 18 de noviembre de 1896 fue adoptado por la familia Chinchella quienes tenían una carbonería en el barrio de La Boca. Quien lo adentró a la pintura fue Alfredo Lazzari, el introductor en Argentina del impresionismo a la italiana de los Macchiaioli. Quinquela había tenido que dejar la escuela para trabajar en la carbonería debido a la situación económica familiar, sin embargo, siempre encontraba un momento para dibujar. En 1905 trabajó en el puerto de La Boca como peón de descarga junto a su padre adoptivo. Los trabajadores, barcos, casas humildes, el sol, las calles, los galpones y los aserraderos pronto pasaron a ser parte de su lenguaje. 232

En 1910 expuso por primera vez con veintiséis artistas en la Sociedad Ligure y empezó a enviar sus obras al Salón Nacional, sin éxito. En 1914 organizó junto a otros colegas la "Exposición de los Recusados", que se realizó en el Salón de la Cooperativa Artística. Con él, estuvieron presentes Santiago Stagnaro, Guillermo Facio Hebequer, Abraham Vigo y Agustín Riganelli. Eduardo Taladrid, secretario de la Academia, se convirtió en su amigo y mecenas. Con su ayuda organizó una exposición en la galería más prestigiosa del momento: Witcomb. Ese mismo año obtuvo el 3° premio en el Salón Nacional. Para la década de los treinta, había expuesto en las capitales más importantes del mundo y sus obras formaban parte de prestigiosas colecciones públicas y privadas. Hoy en día es uno de los artistas argentinos más conocidos y cotizados en el mercado internacional.

Fuente consultada: "Museo Benito Quinquela Martín" en el sitio de la ciudad de Buenos Aires www.buenosaires.gob.ar

$50,000.00-$80,000.00 M.N. USD $2,700-$4,300

193

BENITO QUINQUELA MARTÍN

(Buenos Aires, Argentina, 1890 - Buenos Aires, Argentina, 1977)

Momento gris Firmado al frente y al reverso Óleo sobre aglomerado de madera 46 x 55 cm Presenta ligeros desprendimientos de capa pictórica. Siempre enamorado de su tierra decidió retribuirla moldeando un polo cultural, educativo y sanitario: el Museo de Artistas Argentinos (hoy en día conocido como "Museo Benito Quinquela Martín") en La Boca, planteado por el artista como una escuela primaria y museo que sería construido en un terreno de su propiedad que donó al Estado en 1933. El 19 de julio de 1936, se inauguró la Escuela Pedro de Mendoza conjugando arte y pedagogía y dos años más tarde abrió sus puertas en el mismo edificio el museo de Artistas Argentinos. Su colección está conformada por obras de artistas argentinos figurativos desde fines del siglo XIX hasta nuestros días. Fuente consultada: "Museo Benito Quinquela Martín" en el sitio de la ciudad de Buenos Aires www.buenosaires.gob.ar

$550,000.00-$650,000.00 M.N. USD $29,400-$34,800 233

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JUAN EUGENIO MINGORANCE

(Jaén, España, 1906 - Ciudad de México, 1979)

Trilla, Castilla España Firmado y fechado 1975 Óleo sobre tela 50 x 60.5 cm Presenta ligeras craqueladuras. Mingorance formó parte del Grupo ALA (Asociación Libre de Artistas), que surgió en Málaga en 1931, compuesto por diversos intelectuales que pretendían modernizar y elevar el ambiente artístico de la región, y que fue disuelta en el marco del estallido de la Guerra Civil Española, momento en el cual se exiliaron muchos intelectuales, entre ellos Mingorance. Durante un tiempo vivió Nueva York, y en 1944 llegó a la Ciudad de México. Exhibió varias veces en Monterrey, colaboró en diversos proyectos artísticos y estableció un taller donde impartía clases de pintura a artistas de la zona. Expuso en varios países de América y Europa. El Museo del Patrimonio Municipal de Málaga resguarda uno de los acervos más amplios de la obra de Mingorance. Fuentes consultadas: sitio del Museo Municipal de Málaga museodelpatrimoniomunicipal.malaga.eu y sitio de la Galería Noyola en Monterrey www.noyolaanticuarios.com

$60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,200-$4,300 234

195

JUAN EUGENIO MINGORANCE

(Jaén, España, 1906 - Ciudad de México, 1979)

Sin título Firmado y fechado 1960 Óleo sobre tela 140.5 x 115.5 cm Presenta ligeros desprendimientos de capa pictórica.

"Mingorance, humano y español a ultranza en su realización plástica, oreando su espíritu por las brisas mediterráneas de su ciudad natal, es un peregrino de la luz […] Un malagueño universal, como su paisano Picasso. Eterno y fluyente en la humanizada entrega de su arte". José Moreno Villa. Fuente consultada: CABAÑAS BRAVO, Miguel. Pinceladas. Dos raíces, dos tierras, dos esperanzas. México. Grupo Financiero BX+, 2014, Pág. 42.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,600-$13,400 235

196

MARIO ALMELA

(Ciudad de México, 1940 - )

Temascalapa, 2007 Firmado Óleo sobre tela 70 x 90 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: ALDAMA, José Ignacio et ál. Mario Almela. El paisaje y los volcanes de México. México. Aldama Fine Art, 2008, Pág. 7, catalogado 5.

"La pincelada rápida y enérgica que se aprecia en sus lienzos, remite irremediablemente a la pintura impresionista, de la cual el artista ha elaborado su propia interpretación, en especial del tratamiento de la luz. En una suerte de magia, Almela atrapa ese fenómeno que desde tiempos remotos cautivó a la humanidad, y lo traslada magistralmente a las telas: la luz del amanecer, la del mediodía, el reflejo del sol cuando acaba de llover, la luz que ilumina los cuerpos y purifica el espíritu. A diferencia de otros autores, la obra de Mario Almela no impone una tendencia ideológica ni tiene un objetivo moralizante. Su intención es, sin más, brindar un placer estético. Sus paisajes son auténticos; evocan lugares y tiempos ya pasados, pero también nos acercan a una cotidianidad que sigue vigente, aun cuando los habitantes de las urbes no la percibamos". María Guadalupe Ruiz Martínez. Fuente consultada: ALDAMA, José Ignacio et ál. Mario Almela. El paisaje y los volcanes de México. México. Aldama Fine Art, 2008, Pág. 3.

$100,000.00-$120,000.00 M.N. USD $5,350-$6,400 236

197

GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA (Puebla, 1887 - 1962)

Iztaccíhuatl y Popocatépetl desde Xochimilco Firmado Óleo sobre tela 72 x 129 cm

"Gómez Mayorga acoge la expresión modernista –que combina el impresionismo y el simbolismo– y la hace suya, adaptándola a su visión. El manejo de la luz, color, movimiento y atmósfera muestran su interpretación personal y subjetiva de ritmos y volúmenes propios del espacio natural. Sus cuadros sobre volcanes señalan estas cuestiones, donde Gómez Mayorga pintaba los mismos parajes con diversas variaciones: captando amaneceres y atardeceres, creando así climas y sentimientos distintos; capturando el estado de ánimo de la naturaleza". Hugo Covantes. Fuente consultada: AMERLINCK, Rodrigo et ál. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, pp. 57 y 58.

$280,000.00-$350,000.00 M.N. USD $15,000-$18,700 237

198

NICOLÁS MORENO

(Ciudad de México, 1923 - Ciudad de México, 2012)

La Malinche Firmado y fechado 1998 Óleo sobre tela sobre madera 59 x 99 cm Con certificado de autenticidad de Alicia Moreno R., octubre de 2016. Presenta mínimos detalles de conservación. Aunque no nació en el campo, sino en la Ciudad de México, pronto estableció contacto con los valles, montañas, volcanes y lagos que sus ojos veían cuando su abuelo le hablaba de los caminos que su oficio de arriero lo obligaban a emprender. Los guardó en la mente para recuperarlos con el paso del tiempo. Ingresó a la Academia de San Carlos en 1941. Fue discípulo de José Chávez Morado, Alfredo Zalce, Julio Castellanos y Carlos Alvarado Lang. En 1964 el Dr. Atl le encomendó la tarea de realizar los paneles para las salas Teotihuacana, Otomí y Pame del Museo Nacional de Antropología e Historia. La obra de Nicolás Moreno se encuentra entre el patrimonio cultural de la UNAM y en numerosas colecciones privadas de países como Estados Unidos, Francia, España y, por supuesto, México.

"Un cuadro de Nicolás Moreno es suma y resumen de cuanto paisaje insinúa y dice: un poco de dolor alegre y otro poco la alegría dolorosa. Junto a esa roca descarnada, áspera, cacariza y dura, la flor, madre de la sonrisa. Sonrisas de la tierra árida, del desierto, de la soledad, de la muerte". Andrés Henestrosa. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 384.

$50,000.00-$80,000.00 M.N. USD $2,700-$4,300 238

199

CARLOS RÍOS

(La Habana, Cuba, 1958 - )

Donde nacen las aguas, 2011 Firmado Acrílico sobre tela 100 x 150 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, marzo de 2011. Carlos Ríos nació en la zona rural de la Provincia de La Habana. Durante sus años de infancia, tuvo poco contacto con el entorno urbano; siempre estuvo rodeado de una atmósfera campirana llena de espacio, de verdor, de palmeras espigadas, de veredas bordeadas de vegetación. Para el pintor, el paisaje tiene un cierto sabor a juego, a lluvia y a las caminatas que tenía que emprender para encontrarse con la infinita vista azulada del mar de La Habana. Desde sus primeros cuadros, se motivó por el género del paisaje, envuelto en una atmósfera tropical. Realizó cursos de artes plásticas en el sistema de casas de cultura de la enseñanza cubana. En 1975 comenzó a participar en exposiciones de plástica en Cuba, sobre todo en salones de paisaje. Graduado en arquitectura en La Habana, desarrolló el primer sistema de perspectiva esférica geométricamente fundamentada. Tomó cursos de diseño, cerámica, grabado y fotografía. A finales de 1994 llegó a México a residir definitivamente. Ha presentado su obra en diversas ferias internacionales de arte en Latinoamérica, Europa y Estados Unidos. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 13, No. 95, septiembre - octubre de 2008, pp. 28-31.

$110,000.00-$160,000.00 M.N. USD $5,000-$8,550 239

200

RODRIGO PIMENTEL

(Zináparo, Michoacán, 1945 - )

Popocatépetl Firmado al frente. Firmado y fechado 2015 al reverso Óleo sobre tela 120 x 120 cm Con certificado de autenticidad del artista. Rodrigo Pimentel es uno de los más talentosos artistas michoacanos. Realizó sus estudios en la Academia de San Carlos. Su larga trayectoria lo ha llevado a exponer en muchas ocasiones en México y en el extranjero, en países como Estados Unidos, Panamá, Argentina, España y Francia. Su trabajo forma parte de la Colección Permanente del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México y de otras colecciones importantes en México y el mundo.

"En la obra de Rodrigo Pimentel el estallido del color es la señal del alborozo. Aquí todo se organiza a favor de un hecho y una meta: la perpetua celebración de los sentidos". Carlos Monsiváis. Fuente consultada: MONSIVÁIS, Carlos. Testigos Ausentes. Rodrigo Pimentel. México. Palacio de Bellas Artes, CONACULTA, 1995.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,350-$8,000 240

201

JORGE OBREGÓN

(Ciudad de México, 1972 - )

Mogotes al atardecer Firmado y fechado 11 al frente. Firmado y fechado 2011 al reverso Óleo sobre lino 65 x 180 cm Con certificado de autenticidad del artista. En la obra de Jorge Obregón podemos recorrer geográficamente los valles, apreciar las montañas, los volcanes y los bosques. Bajo la influencia del Maestro Nishizawa, con quien colaboró durante un tiempo en diversos cursos de técnicas de los materiales, Obregón ejecuta sus paisajes con gran maestría. Ha llevado a cabo tres residencias artísticas, una en España y dos en Estados Unidos. También ha desarrollado proyectos de paisaje in situ con el apoyo de diversas instituciones y el gobierno de países como España, Finlandia, Ecuador, Estados Unidos, México y el más reciente en Japón invitado por la Embajada de México en Tokio.

"Jorge Obregón, joven pintor, camina por el mundo de la Pintura; alucinando por nuestro paisaje de horizontes amplios, infinitos… donde a menudo se pierde la vista y se inician los sueños…, más que pintar, canta con colores, las serranías, los valles, y sobre todo los volcanes, cuyo embrujo a todos nos cobija". Luis Nishizawa. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.jorgeobregon.com.mx

$130,000.00-$180,000.00 M.N. USD $7,000-$9,600 241

202

OLGA COSTA

(Leipzig, Alemania, 1913 - Guanajuato, Guanajuato, 1993)

Sin título Firmado O.C. y fechado 72 Lápices de color y de grafito sobre papel 49 x 34 cm De descendencia rusa, hija de un violinista, nacida en Alemania, Olga Costa desembarcó en el puerto de Veracruz en 1925. Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, donde tuvo de maestro al pintor Carlos Mérida. Su estancia en la escuela fue breve, pero siguió conociendo a un sin fin de artistas con quienes luchó a favor de la igualdad social y promovieron la cultura y las artes mexicanas. En 1935 se casó con el pintor José Chávez Morado, un amor que duró hasta su muerte. Juntos formaron una gran colección de arte y piezas prehispánicas, mismas que fueron donadas en 1975 al Museo de la Alhóndiga de Granaditas. A diferencia de algunos contemporáneos, a Olga nunca le interesaron los temas políticos, al contrario, su obra abarcó un amplio panorama del imaginario mexicano, entre naturalezas muertas, bodegones, paisajes y jardines.

"A lo largo de los años, la obra de Olga Costa registra una y otra vez la presencia del paraíso terrenal y una especie de júbilo por haberlo encontrado. Un sueño realizado y pródigo en frutas y flores sorprendentes. Sorprendentes por ser las de todos los días y por revestirse de una apariencia distinta". Sergio Pitol. Fuente consultada: PITOL, Sergio. Olga Costa. México. Ediciones La Rana, 1998, pp. 9-15.

$55,000.00-$90,000.00 M.N. USD $2,950-$4,800 242

203

ALFREDO RAMOS MARTÍNEZ

(Monterrey, Nuevo León, 1871 - California, E.E. U.U., 1946)

Vaso con hortensias (naturaleza muerta) Firmado y fechado 1915 Pastel sobre papel 56 x 41 cm Agradecemos al Sr. Louis Stern por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2016. Será incluida en el Catálogo Razonado de obra en papel, a ser publicado por Alfredo Ramos Martínez Research Project. Publicado en: GARCÍA DE GERMENOS, Pilar et ál. Alfredo Ramos Martínez. Una visión retrospectiva. México. Museo Nacional de Arte, CONACULTA, 1992, Pág. 155, catalogado 56, con el título "Hortensias". Con etiqueta de Museo Nacional de Arte Munal. Presenta pequeñas rasgaduras en la parte inferior. Ramos Martínez fue de los pocos artistas mexicanos que hicieron del pastel su técnica predilecta; con ésta realizó la mayor parte de sus obras, durante la segunda década del siglo XX. Influido por la popularidad que tuvo en Francia, el pintor mexicano logró un espléndido dominio técnico. Por el carácter decorativo que supone el tema de flores, seguramente la producción de innumerables cuadros de rosas y hortensias realizados en pastel, acuarela y óleo, estuvo supeditada al gusto del público. En ocasiones, la combinación de flores en botón, abiertas, deshojadas y otras caídas podría aludir a los cuadros de vanitas, es decir a la antigua metáfora del ciclo de vida. Fuente consultada: GARCÍA DE GERMENOS, Pilar et ál. Alfredo Ramos Martínez. Una visión retrospectiva. México. Museo Nacional de Arte, CONACULTA, 1992, pp. 55 y 56.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,350-$8,000 243

204

CARMEN PARRA

(Ciudad de México, 1944 - )

Flores Firmado y fechado 97 Óleo sobre tela 100 x 80 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte firmada por la artista. Publicado en: RUIZ REGIL, José Manuel. Carmen Parra / José Antonio Farrera. La flor de loto y el cardo. México. Aldama Fine Art, 2015, Pág. 27, catalogado 9 y en el sitio oficial de la artista www.carmenparra.com.mx Exhibido en: "La flor de loto y el cardo", muestra presentada en Aldama Fine Art, de octubre a diciembre de 2015. 244

José Manuel Ruiz Regil, detalla el cuadro "Flores" en sus propias palabras: "Flores es un festín de color, una completud de cálidos y fríos, de líneas y curvas, de sólidos y transparencias cuya predominancia del púrpura sugiere transformación. En esta composición la evocación del tiempo y su huella se evidencian en lo sólido de su paso, reforzado por el marco de la ventana".

Fuente consultada: RUIZ REGIL, José Manuel. Carmen Parra / José Antonio Farrera. La flor de loto y el cardo. México. Aldama Fine Art, 2015, Pág. 9.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,750-$4,800

205

XAVIER ESQUEDA

(Ciudad de México, 1943 - )

Flores arcaicas Firmado y fechado 87 Acrílico sobre tela 50 x 40.5 cm Agradecemos al Maestro Xavier Esqueda por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2016. Xavier Esqueda es un artista culterano. Detrás de las conjunciones que propone, extrañamente cercanas a las ensoñaciones infantiles, es posible encontrar múltiples lecturas, entre las que destaca la siguiente: la vida, la naturaleza y el arte corren peligro, debido a la ignorancia de la que con frecuencia hacemos gala los seres humanos. Tal y como dijo en 1970 Justino Fernández: "El trabajo de Esqueda merece respeto

por su sinceridad y por los valores estéticos que contiene".

Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa et ál. Xavier Esqueda. Un homenaje. México. UAM, CONACULTA, 2001, Pág. 124.

$35,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,900-$2,700 245

206

FANNY RABEL

(Polonia, 1922 - Ciudad de México, 2008)

Sin título Firmada y fechada 1979 Mixta sobre masonite 66 x 72 cm

"Nunca lo expresado llega a la altura de lo imaginado; el sueño será siempre para mí, más rico que la realidad; más apasionante la búsqueda que el hallazgo y más fértil el camino que la meta". Fanny Rabel. $90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,800-$6,400 246

207

SANTOS BALMORI

(Ciudad de México, 1889 - Ciudad de México, 1992)

Sin título Firmado Óleo sobre tela 77 x 61.5 cm Agradecemos al Sr. Gerardo Traeger, quien se encuentra realizando el catálogo razonado del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2016. Respecto a la muerte de su primera esposa Tété, Santos Balmori expresó: "Comprendí que era mentira que el sufrimiento propicia la

creación del intelecto. Pues el dolor vacía al hombre, no lo nutre, y lo destruye sin excepción. La creación es un estado de plenitud, no de confusión atormentada". En París realizó una exposición en la galería de Raymundo Duncan en el Boulevard de Saint Germain des Prés, donde un día, la hermana de Raymundo, Elizabeth, se presentó con un grupo de jóvenes alumnos de la escuela de danza. Entre ellas asistía Rachel. Ambos congeniaron y se mudaron a Suecia a orillas del lago Siljan, donde tenía su hogar. Al casarse con Rachel sintió que renacía. Permanecieron en Suecia año y medio mientras Balmori trabajaba y exponía en Estocolmo. Esta particular pieza fue realizada en este periodo de resurgimiento. Fuente consultada: JORDÁN DE BALMORI, Helena. Remembranzas, silencios y charlas con Santos Balmori. México. Universidad Nacional Autónoma de México, 2003, pp. 43-44.

$60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,200-$4,300 247

208

JOSÉ CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1953 - )

Árbol rojo, 2016 Firmado al frente y al reverso Óleo y acrílico sobre tela 87 x 100 cm Con certificado de autenticidad del artista, septiembre de 2016.

"Inmersos, como estamos, en la banalización extrema de la imagen, como la que se vehicula a través de los medios masivos de comunicación, el trabajo de este artista es un oasis –y no en sentido figurado: el estanque de agua con sus reflejos de vegetación es una metáfora de la imagen fija, para penetrar bajo de la superficie en un largo detenimiento en el camino. El detenimiento que propone José Castro Leñero guarda en su fondo una invitación crítica a reconsiderar nuestras maneras de ver y de comprender la imagen. Nunca estuvimos tan cerca de mirar". Jaime Moreno Villarreal, "José Castro Leñero. El detenimiento". Fuente consultada: MORENO VILLARREAL, Jaime. José Castro Leñero. Árboles en la ciudad. México. Galería de Arte UAM Iztapalapa, FONCA, CONACULTA, 2011.

$80,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,300-$5,350 248

209

HUGO LUGO

(Los Mochis, Sinaloa, 1974 - )

Acto para pensar de otro modo (Pág. 20) Firmada y fechada 2009 Tinta y gouache sobre papel de algodón 75 x 55 cm Con certificado de autenticidad de Ginocchio Galería firmado por el artista, noviembre de 2009. Licenciado en Artes Visuales, egresado la Universidad de Montemorelos, Nuevo León. Su obra se ha desarrollado en diferentes disciplinas donde destacan proyectos de pintura, fotografía, video e instalación. Desde 1996 su obra ha sido expuesta en ciudades como Caracas, Ámsterdam, París, Ciudad de México, Bogotá, Hong Kong, Río de Janeiro y Singapur, entre otras. Sus premios incluyen la Beca Jóvenes Creadores del FONCA, el Premio Nacional de Arte Joven y el premio de adquisición en la Bienal de Pintura Internacional Rufino Tamayo.

"Lugo enfatiza en sus trabajos distintas estrategias de reflexión en torno al lenguaje del boceto [y en este caso, del libro] que le facilita simultáneamente acercarse y alejarse del mundo que se encuentra a su alcance como referente inmediato. Al utilizar pequeños detalles reconocibles como pistas sensibles de comprensión, es común que como espectadores asumamos cierta familiaridad con los métodos de codificación a los que estamos habituados. Sin embargo, lo que Lugo propicia en sus representaciones, es nuestra indagación hacia la decodificación del mundo común para que lo volvamos a reconocer. El artista navega libremente en el mar abierto de posibilidades y como espectadores, se nos ubica en recorridos de elementos cotidianos pero que resultan establecer experiencias fantásticas, que toman lugar en entornos mentalmente desafiantes y que nos convierten inevitablemente, en partícipes de los mismos". Daniela Pérez. $70,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,750-$4,300 249

210

STEFAN BRÜGGEMANN (Ciudad de México, 1975 - )

Open your eyes outsiders to become insiders Firmada y fechada 2014 al reverso Mixta sobre tela 70 x 57 cm Procedencia: adquirida directamente al artista. Vive y trabaja entre la Ciudad de México y Londres. Su obra parte de la combinación entre conceptos filosóficos (post-estructuralismo y deconstrucción) y el imaginario popular inspirado en las ideologías que dieron origen al movimiento punk (anti-conformismo, provocación y cinismo). La gama de materiales, soportes y expresiones que utiliza son diversos, puede ir de la pintura al neón o una instalación, siempre con un común denominador, el texto. Sus obras combinan un lenguaje conceptual y crítico, en donde el artista no sólo refleja un contexto sociológico y lo cuestiona, sino que critica su propio trabajo. Recientemente ha exhibido su obra en Kunsthalle Bern en Suiza, FRAC Bourgogne en Dijon, Museum of Contemporary Art en Chicago, Bass Museum en Miami, Schrin Kunsthalle en Frankfurt, Museum of Contemporary Art en Cincinnati, Museu Serralves en Porto, Museo Tamayo Arte Contemporáneo en la Ciudad de México, Mies Van Der Rohe Foundation en Barcelona, De Appel Arts Centre en Ámsterdam y en el Museo Jumex, entre otros. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.stefanbruggemann.com

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,700-$16,000 250

211

BORIS VISKIN

(Ciudad de México, 1960 - )

Conrad Firmado y fechado México 2008 al reverso Óleo sobre tela 200 x 250 cm Con certificado de autenticidad del artista. Boris Viskin nació en la Ciudad de México donde vivió su niñez. Su juventud transcurrió en Israel (Jerusalén, Tel Aviv y Kibutz Galed), y posteriormente vivió tres años en Florencia, Italia, donde arrancó su trayectoria pictórica. En 1985 regresó a la Ciudad de México y formó parte por dos años de los talleres de grabado y litografía de la Academia de San Carlos. Estos cambios de culturas, paisajes e idiomas han quedado plasmados en su obra, donde ya sea a través de figuras pequeñas devoradas por grandes espacios, o a través de mezclas de elementos abstractos que se contraponen a otros figurativos, brota la presencia del ser desarraigado: por un lado frágil y vulnerable, por otro firme y fuerte ante el aparente sin sentido de su existencia. En entrevista del 2003, Viskin dijo: "la pintura es para mí un refugio de mis palabras que se enredan. Te lo diré de esta manera: hace años

se me ocurrió escribirle una carta (aún no había mails) a la Maestra Raquel Tibol comentando una crítica suya de mi obra. Su respuesta fue corta y contundente: 'siga pintando joven'". $160,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,550-$10,700

251

212

ALFONSO MENA

(Ciudad de México, 1961 - )

Sin título, 1992 Sin firma Óleo y caolín sobre lino 160 x 200 cm Publicado en: sitio oficial del artista www.alfonsomena.com Presenta detalles de conservación.

"El objeto en la obra de Alfonso Mena aparece como un residuo arqueológico. Sólo a través de estos restos de formas reconocibles excavadas bajo capas y capas de materia pictórica, podemos constar el proceso de destrucción que alimenta la obra". Osvaldo Sánchez. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.alfonsomena.com

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,000-$10,700 252

253

213

JESÚS RAFAEL SOTO

(Ciudad Bolívar, Venezuela, 1923 - París, Francia, 2005)

Sin título Firmado Grabado 18 / 110 48 x 48 cm área impresa, 73 x 64.5 cm medidas totales del papel Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, octubre de 2016. Estudió en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas de Caracas. Fue un importante artista venezolano, reconocido por desarrollar un lenguaje cinético en el que lograba efectos ópticos mediante la superposición de elementos compositivos capaces de dar la impresión de movimiento en el espacio bidimensional del plano pictórico. Jesús Rafael Soto dedicó su vida a estudiar los problemas relacionados con la abstracción y la pureza de la forma, explorados anteriormente en movimientos artísticos como el cubismo y el suprematismo. Así, a partir de la influencia de Moholy-Nagy comprendió la manera de dinamizar

254

superficies estáticas, el resultado fueron efectos vibratorios surgidos a partir de repetir elementos plásticos que sugieren una esquematización del movimiento. Posteriormente descubrió que para conseguir el movimiento debía incluir espacio real. "Desde mis comienzos, siempre he afrontado mi obra con el deseo de ver lo que puedo aprender de ella, lo que con ella puedo descubrir. De entre todos los valores universales que me hizo presentir se destaca la idea de las relaciones, que son para mí más importantes que los elementos en sí. Generalmente los artistas se han preocupado de elementos ya situados en un espacio determinado, cuando en realidad los elementos sólo deberían servir para demostrar la existencia infinita de relaciones, no sólo en el espacio sino también en el tiempo". Jesús Rafael Soto. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.jr-soto.com

$100,000.00-$130,000.00 M.N. USD $5,350-$7,000

214

ENRIQUE CARBAJAL "SEBASTIAN" (Camargo, Chihuahua, 1947 - )

Sin título Firmada y fechada 1980 Escultura en bronce 1 / 3 en base de hierro 84.5 x 29 x 41 cm Procedencia: adquirida directamente al artista. Si desea ver otras perspectivas de esta obra puede consultar www.mortonsubastas.com o solicitarlas a nuestros especialistas del departamento de Arte Moderno y Contemporáneo. "En un orden secreto de la geometría rebelde, reclamando para sí, al cabo, la multiplicidad del punto de vista y la capacidad de lenguaje del creador mismo, se encuentra para mí el aspecto más conmovedor del arte de Sebastian. Este era el movimiento que nos hacía falta, el de la materia misma en su posición relativa frente a espacios y tiempos relativos y diversos. Cuando la materia de Sebastian –plegada, cortada, abierta en bisagra– se mueve para acompañar nuestro propio movimiento rotatorio a la escultura, todo cobra vida: la obra, el autor, sus espectadores y los tiempos y espacios que compartimos". Carlos Fuentes. Fuente consultada: RODRÍGUEZ PRAMPOLINI, Ida y LANDUCCI, Sandro. Sebastian. Milán. Américo Arte Editores, 1996, Pág. 11.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,400-$9,600 255

256

215

MIGUEL ÁNGEL GARRIDO (Ciudad de México, 1982 - )

Habitación azul Firmado y fechado 14 Óleo sobre tela 60 x 330 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: VÉLEZ, Gonzalo et ál. Miguel Ángel Garrido. Lo que habitamos. México. Aldama Fine Art, 2014, Pág. 32, catalogado 23.

"En la obra de Garrido discurren dos discursos estéticos simultáneos, paralelos […] ambos con una especie de intención de ir en contra de presupuestos. Por un lado, el más inmediato, el discurso de la pintura en sí misma: aquí la inversión radica en partir de la imagen fotográfica para consumar el acto pictórico, esto es: pintar no a partir de la realidad, o en su defecto de la realidad de la imaginación, sino de una imagen dada, donde la realidad es ya una mediatización. Por la otra parte, establece un discurso de la cotidianidad con una notable carga performística, o más concretamente: de arte vivencial, el cual, en sentido opuesto al espíritu del arte efímero, Garrido plasma en el medio indeleble del óleo sobre tela". Gonzalo Vélez. Fuente consultada: VÉLEZ, Gonzalo et ál. Miguel Ángel Garrido. Lo que habitamos. México. Aldama Fine Art, 2014, pp. 2 y 3.

$120,000.00-$150,000.00 M.N. USD $6,400-$8,000

216

CARLOS CRUZ-DIEZ

(Caracas, Venezuela, 1923 - )

Inducción de Bogotá amarillo Firmada y fechada 10 Serigrafía 60 / 75 38 x 76 cm área impresa, 45.5 x 81 cm medidas totales del papel Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, octubre de 2016. Artista franco-venezolano, Carlos Cruz-Diez vive y trabaja en París desde 1960. Es uno de los protagonistas más relevantes del arte óptico y cinético, corriente artística que reivindica "la toma de conciencia de la inestabilidad de lo real". Sus investigaciones lo revelan como uno de los pensadores del color del siglo XX. Sus obras se encuentran en prestigiosas colecciones permanentes como las del MoMA en Nueva York, la Tate en Londres, Musée d'Art Moderne de la Ville de París y Centre Pompidou de París. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.cruz-diez.com

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,800-$6,400 257

217

ALBERTO CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1951 - )

Ojos, 1991 Sin firma Óleo y mixta sobre tela 80 x 60 cm Agradecemos al Maestro Alberto Castro Leñero por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2016. Presenta ligeros desprendimientos de capa pictórica. Estudió Comunicación Gráfica y Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, así como pintura en la Academia de Bellas Artes en Bolonia, Italia. Ha presentado diversas exposiciones individuales, entre las que se encuentra en 1987 "Figuras", en las salas Diego Rivera e Internacional del Palacio de Bellas Artes y en 1999 "Corpus" en el Palacio de Bellas Artes. En 1996, participó en el programa de intercambio con residencia en la ciudad de Nueva York, y expuso la muestra "Castillo Interior", en el instituto American Society de Nueva York y la galería municipal de Mont Calm en Otawa, Canadá. Ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.albertocastrolenero.com

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,750-$4,800 258

218

ROGER VON GUNTEN (Zúrich, Suiza, 1933 - )

En la fiesta Firmado y fechado 75 Óleo sobre tela 91 x 70 cm Agradecemos al Maestro Roger von Gunten por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2016. Con etiqueta de Casa de las Américas, La Habana, Cuba. Estudió Pintura y Diseño Gráfico en la Kunstgewerbeschule, en Zúrich. Llegó a México en 1957 y reside aquí desde entonces. Se nacionalizó mexicano en 1980. Ha expuesto en la Ciudad de México y el resto del país, también en Europa y Estados Unidos. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Es claro que a von Gunten no le gusta hablar sobre corrientes artísticas, ni siquiera del paso que experimentó del abstraccionismo a la figuración, en sus palabras: "La obra habla por sí misma, aunque ahí puedes encontrar una mitología personal que, en mi caso, está poblada de música,

literatura, paisajes y cosas que me suceden, que integro a los cuadros; es un proceso intuitivo que no puede justificarse con razones". Fuente consultada: TALAVERA, Juan Carlos. "Obra rescatada de Roger von Gunten". México. Excélsior, 5 de julio de 2015.

$100,000.00-$120,000.00 M.N. USD $5,350-$6,400 259

219

CAROL MILLER

(Los Ángeles, California, 1933 - )

Héctor, el héroe de Troya, 1980 Firmada Escultura en bronce a la cera perdida 69.5 x 107 x 36 cm Con certificado de autenticidad de la artista, diciembre de 1997. Esta obra es la número diez de una edición de diez ejemplares, realizada en la Ciudad de México en 1980. Si desea ver otras perspectivas de esta obra puede consultar www.mortonsubastas.com o solicitarlas a nuestros especialistas del departamento de Arte Moderno y Contemporáneo. "Para mí, ser escultora significa ser investigadora. He curioseado en todas las culturas del orbe. Y he tratado de compaginar la historia y la mitología con la realidad humana: el amor, la ternura, la convivencia, la dedicación de los padres hacia los hijos, la devoción de las parejas entre sí; todo eso se expresa en mi producción". Carol Miller. $60,000.00-$70,000.00 M.N. USD $3,200-$3,750 260

220

JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006)

Mujer Firmado Gouache y lápiz de grafito sobre papel 74 x 54 cm Con certificado de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., agosto de 2009. Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2016. El dibujo y trabajo pictórico de Soriano es extenso y diverso, destacando los temas mitológicos, animales, bodegones, autorretratos y retratos. El también llamado "Mozart de la pintura", tuvo algunas inspiraciones, entre ellas las mujeres de personalidades fuertes, inquietas, rebeldes y mexicanas que con gran dedicación honraba dibujándolas. Dibujar era para Soriano un hecho puramente intelectual que iba mucho más allá de solo un punto de partida, sin el dibujo, él no habría hecho nada. Con el tiempo, maduró la línea de su dibujo, salió de lo abstracto para retomar nuevamente la figuración. En ellos, se puede apreciar cómo el trazo riguroso había sido eliminado por líneas libres, sutiles y reflexivas. "Al soltar las líneas en la hoja en blanco y dejar que se expresen libremente, Soriano establece entre la mente, la mano y el papel un puente único de actividad creadora […] En el dibujo, Soriano subyace un ingrediente especial. Las formas se comunican entre sí. El niño es ave, árbol, ventana; la nube es rostro, tortuga, coche; la mano flor, agua, animal; la mujer es noche, estanque de ranas". Elena Poniatowska. Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 8, No. 61, enero- febrero 2003, Pág. 10 y PONIATOWSKA, Elena. "Los descuidos de Juan Soriano". México. La Jornada, sección Cultura, 17 de septiembre de 2000.

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,800-$8,000 261

221

MARCO ARCE

(Ciudad de México, 1968 - )

Variaciones sobre Picasso, 1995 Sin firma Óleo y encáustica sobre masonite, políptico 40 x 30 cm cada uno Piezas: 18 Agradecemos al Maestro Marco Arce por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2016. Exhibido en: "Marco Arce. Obra reciente", Galería Arte Contemporáneo, 1996. Algunos con etiqueta de Galería Arte Contemporáneo. Algunos presentan ligeros detalles de conservación. 262

Es una de las figuras más destacadas del arte contemporáneo mexicano, fue discípulo de Gilberto Aceves Navarro. Marco Arce trabaja a partir de series, en las que cuenta historias cargadas de ironía, humor negro y sarcasmo; al reconstruir el grupo de obras se pueden formar nuevas composiciones aleatorias. Su estilo de figuración gestual está dotado de una diversidad de recursos pictóricos, como la copia manual de imágenes de otros artistas. Su trabajo se ha presentado en el Museo de Arte Carrillo Gil, en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey MARCO, al igual que en galerías en Nueva York y Barcelona. Ha sido seleccionado en la Bienal Nacional Diego Rivera, Bienal de Yucatán, Bienal Rufino Tamayo, Salón de Arte Bancomer, Bienal de Cuenca, entre otros. Fuente consultada: SANTAMARINA, Guillermo. "El Pozo: pintura de Marco Arce 1991-2005". Texto de la exposición presentada en MARCO, de agosto a octubre en 2005.

$130,000.00-$200,000.00 M.N. USD $7,000- $10,700 263

222

MARTHA PACHECO

(Guadalajara, Jalisco, 1957 - )

Sin título Firmado y fechado 93 Lápiz y carboncillo sobre papel 117 x 77 cm Pacheco es una de las principales figuras de la plástica nacional en la actualidad. Perteneció al grupo artístico "SEMEFO" y su obra ha sido presentada en numerosas exposiciones colectivas e individuales en galerías y museos en la Ciudad de México, Aguascalientes, Guanajuato, Querétaro, Colima y Michoacán, y en importantes ciudades de Estados Unidos y Francia. Ha obtenido distintos reconocimientos como Primer lugar en el Salón de Octubre de Guadalajara en 1989; 1er premio en la Bienal José Clemente Orozco en 1989; Mención honorífica en el Concurso de adquisición internacional organizado por el MARCO en 1996. En el 2013 el Museo de Arte Moderno, presentó "Martha Pacheco. Excluidos y acallados", exposición retrospectiva curada por Alicia Lozano, en donde se puso de manifiesto que, a través de su exploración plástica: "Martha Pacheco ha dejado constancia de los dos grandes temas que le preocupan: la locura y la muerte, y a los cuales ha dedicado un extenso estudio desde los años ochenta hasta la fecha. Ambos temas son manifestaciones de un vacío que busca, ante los ojos de la razón, una respuesta y una justificación ante lo inexplicable o lo inabarcable. Más de dos décadas de su trabajo nos obligan a preguntarnos: ¿Dónde se está situado cuando nos enfrentamos a la muerte o a la locura? ¿Cómo es que reaccionamos ante ellas y por qué? ¿Cuáles son las fronteras que limitan nuestra experiencia? La respuesta que la artista propone nos dirige hacia la exclusión". Fuentes consultadas: sitio del Museo Claudio Jiménez Vizcarra www.museocjv. com y LOZANO, Alicia. "Martha Pacheco. Excluidos y acallados". México. Museo de Arte Moderno, CONACULTA, INBA, 2013.

$60,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,200- $4,800

264

223

VÍCTOR RODRÍGUEZ

(Ciudad de México, 1970 - )

Will Firmado y fechado 97 al frente. Fechado August 7, 97 NYC al reverso Acrílico sobre tela 147 x 198 cm Publicado en: sitio oficial del artista www.victorrodrigueznyc.com Con etiqueta del INBA, exposición "En los 90: Arte Mexicano Contemporáneo". El pintor mexicano radicado en Nueva York desde 1997, Víctor Rodríguez, comenzó a desarrollar su obra a principios de los noventa, un tiempo de caos estilístico que se dio en llamar Postmodernidad. Mientras muchos de sus contemporáneos se entregaban a las complejidades retóricas del conceptualismo y rehuían a la pintura, con la convicción de que su tiempo había pasado y estaba muerta, Rodríguez siguió pintando y experimentando disciplinadamente con las posibilidades de la representación pictórica. Para este artista, fundamentalmente autodidacta, la búsqueda estética tenía lugar en el lienzo y no en las teorías que se ponían de moda tan vertiginosamente como eran olvidadas. Cada pintura era para Rodríguez, entre otras cosas, un experimento con el que trataba de demostrar hipótesis formuladas en términos estéticos, en función de formas y colores. Fuente consultada: Víctor Rodríguez. Pintura 1997-2009. México. Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey MARCO, CONARTE Nuevo León, 2009, Pág. 14.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,600- $13,400

265

224

GUILLERMO CONTE

(Buenos Aires, Argentina, 1956 - )

Interior Firmado y fechado 2009 al reverso Óleo y acrílico sobre tela 96 x 141 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, julio de 2009. Su obra ha participado en importantes ferias internacionales de arte, tales como: Pinta New York, Nueva York, E.E. U.U.; ARTBO, Bogotá, Colombia; SCOPE Miami Beach, E.E. U.U.; Zona Maco, Ciudad de México, México; Art Chicago, E.E. U.U.; FIA, Caracas, Venezuela; Art Miami, E.E. U.U.; FIAC, París, Francia; ARCO, Madrid, España y arteBA, Buenos Aires, Argentina. $80,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,300-$5,350 266

225

CLAUDIO GALLINA

(Buenos Aires, Argentina, 1964 - )

Entre los árboles, 2009 Firmado Óleo, acrílico y collage de cuadernos rescatados sobre tela 150 x 100 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, enero de 2009. Es egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Trabajó como escenógrafo del Teatro Colón, así como en cine y televisión. Galería Alfredo Ginocchio lo ha presentado en

importantes ferias internacionales de arte en Latinoamérica, Europa y Estados Unidos. En 2009 expuso individualmente en el Museo de Arte Latinoamericano MOLAA en Long Beach y en el Museo de Arte de Puerto Rico MAPR. En algunas de sus obras utiliza libretas originales rescatadas de escuelas primarias de Argentina y otros países de Latinoamérica que el artista recoge en sus viajes. Sobre el uso de estos cuadernos, el artista menciona: "Para mí son piezas estéticas de por sí, además de que contienen la energía de la memoria". $150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,000-$10,700

267

226

OLGA COSTA

(Leipzig, Alemania, 1913 - Guanajuato, Guanajuato, 1993)

Guanajuato Firmado y fechado 76 Óleo y arena sobre tela 65.5 x 40.5 cm Olga Costa fue una pintora mexicana, promotora cultural y esposa del muralista José Chávez Morado. Su obra es un abanico de gamas cromáticas y elementos, en las que destacan las plantas, las flores y los frutos que emergen de los paisajes, retratos, y naturalezas muertas. Durante los años 40, radicó en Guanajuato con su marido, etapa que aprovechó para producir pequeños trabajos en óleo, lápices de color y gouache. Posteriormente, Guanajuato se volvió sólo un recuerdo, hasta que regresaron en 1966 para establecerse definitivamente. En 1979, junto con Chávez Morado, fundó el Museo del Pueblo de Guanajuato, al cual donaron parte de su colección de pinturas del siglo XVIII y XIX. En su obra, Olga representó la riqueza de colores de las casas y jardines de esta bella ciudad. Fuente consultada: PITOL, Sergio. Olga Costa. México. Ediciones La Rana, 1998, Pág. 15.

$130,000.00-$180,000.00 M.N. USD $7,000-$9,600 268

227

SATURNINO HERRÁN

(Aguascalientes, 1887 - Ciudad de México, 1918)

Iglesia de Santa Teresa la Antigua Firmado y fechado 12 Carboncillo sobre papel 56 x 40 cm Con etiquetas del MUNAL, Instituto Nacional de Bellas Artes oficina de exposiciones itinerantes y Galería de Arte Centro Libanés: "Exposición Nacional a Saturnino Herrán" junio a agosto de 1987. Publicado en: LÓPEZ VALVERDE, Ramón. Saturnino Herrán. México. Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 1988, catalogado 23, Pág. 47. En 1912, Herrán conoció a su esposa Rosario Arellano, y para ese entonces, ya era todo un maestro consumado, ejerciendo principalmente en la Ciudad de México. Durante esta etapa, Herrán cultivó la vertiente del arte indigenista con gran dedicación, y a menudo más allá de lo meramente decorativo. Básicamente se inspiró en las costumbres populares, la arquitectura y la gente del pueblo precolombino. Por ejemplo, en esta pieza, se representa la iglesia de Santa Teresa la Antigua, en la Ciudad de México, construida en el siglo XVII. La cual perteneció al conjunto conventual de la Orden de las Carmelitas Descalzas, una de las consagraciones religiosas femeninas más importantes durante el Virreinato. Una estructura digna de ser representada por su esencia histórica. Fuente consultada: LÓPEZ VALVERDE, Ramón. Saturnino Herrán. México. Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 1988, pp. 20-23.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,350-$8,000 269

228

YAMPIER SARDINA

(La Habana, Cuba, 1979 - )

Transición, de Rain series Firmado y fechado IV 015 Óleo sobre tela 91.5 x 122 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. "Rain Series" es un proyecto que Yampier Sardina comenzó en 2013. Para Yampier, la lluvia es sinónimo de intimidad y verla detrás de un cristal le da la posibilidad de jugar con las formas y de proponer una imagen inconclusa, realista y a la vez abstracta. Al mismo tiempo brinda al espectador muchas maneras de verla y de especular incluso sobre cuál es el lugar representado, porque, aunque parte de fotos, siempre les hace cambios y en palabras del autor: "pueden ser donde

sea. Me gusta mucho jugar con el concepto de la mentira, es una mentira que lleva a un conocimiento". $100,000.00-$120,000.00 M.N. USD $5,350-$6,400 270

229

MANUEL RAMOS

(Venado, San Luis Potosí, 1874 Ciudad de México, 1945)

Tráfico de carruajes y automóviles en una de las calles aledañas al Zócalo de la Ciudad de México, ca. 1917 Firmada en negativo Plata sobre gelatina, impresa a partir del negativo original por Vojin Mitrovic París, Francia en 2005 31 x 44 cm Con certificado de autenticidad del Archivo fotográfico Manuel Ramos firmado por Elia del Carmen Ramírez Bocardo, directora general, 2016. Publicada en: RAMÍREZ BOCARDO, Elia del Carmen. Manuel Ramos. F e r v o re s y e p i f a n í a s e n e l México moderno. México. Archivo Fotográfico Manuel Ramos, FONCA, 2011, Pág. 91. Incluye un ejemplar. Manuel Ramos perteneció a la primera generación de fotoperiodistas mexicanos. Fue hombre de múltiples facetas: fotógrafo, inspector de monumentos coloniales, fotomontajista, hagiógrafo, propagandista de la fe católica, cultor de las bellezas naturales, retratista de personas, animales y cosas. Colaboró en las principales revistas de la época: "Arte y Letras", "El Mundo Ilustrado" y "Cosmos", entre otras, que ofrecían la novedad de incluir la imagen fotográfica en sus páginas. Fue un valioso testigo de sucesos que marcaron el curso de la historia en la primera mitad del siglo XX. El Archivo fotográfico Manuel Ramos se fundó con el objetivo de conservar y difundir la obra de este testigo de la historia. $55,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,950-$3,750

230

MANUEL RAMOS

(Venado, San Luis Potosí, 1874 Ciudad de México, 1945)

Fords T, Buicks, Protos y Studebakers comparten con calesas y carretelas la calle 5 de Mayo. Ciudad de México, ca. 1917 Sin firma Plata sobre gelatina, impresa a partir del negativo original por Vojin Mitrovic París, Francia en 2005 31 x 44 cm Con certificado de autenticidad del Archivo fotográfico Manuel Ramos firmado por Elia del Carmen Ramírez Bo c a rd o, d i re c t ora general, 2016. Publicada en: RAMÍREZ BOCARDO, Elia del Carmen. Manuel Ramos. Fervores y epifanías en el México moderno. México. Archivo Fotográfico Manuel Ramos, FONCA, 2011, Pág. 92. Incluye un ejemplar. En 1906, alrededor de ochocientos automóviles circulaban en la Ciudad de México. En conjunto sus propietarios pagaron cuatro millones de pesos por gozar del "vértigo moderno de conducir a gran velocidad". En el resto del país, los autos también cautivaron a las nuevas generaciones de la élite social, cuyos padres y abuelos siguieron utilizando sus viejos y ruidosos carruajes hasta 1927, cuando fue suprimido el tránsito de transporte de tiro en el perímetro céntrico de la urbe capitalina. Fuente consultada: RAMÍREZ BOCARDO, Elia del Carmen. Manuel Ramos. Fervores y epifanías en el México moderno. México. Archivo Fotográfico Manuel Ramos, FONCA, 2011, Pág. 92.

$55,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,950-$3,750 271

231

JOY LAVILLE

(Wight, Inglaterra, 1923 - )

Desnudo Firmado y fechado 74 Pastel y gouache sobre papel 39 x 59 cm Con etiqueta de Galería Lourdes Chumacero.

"Cuando en los cuadros de Joy Laville aparecen figuras humanas su presencia tiene siempre un carácter fundamentalmente plástico. Sus formas son tan puras y sugestivas como las de cualquier otro elemento natural, tienen el mismo valor de una palmera, una flor, un mueble, todos los objetos de los que se sirve la imaginación para entregarnos la poderosa encarnación de su propio espacio y a través de ese espacio revelarnos la belleza del mundo". Juan García Ponce. Fuente consultada: GAMBOA, Fernando et ál. Joy Laville. Un mundo luminoso y transparente. México. Museo de Arte Moderno, INBA, 1977, Pág. 5.

$80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,300-$6,400 272

232

IGNACIO ITURRIA

(Montevideo, Uruguay, 1949 - )

Sin título Firmado Acrílico y lápiz de color sobre cartón corrugado 49 x 32 cm Procedencia: colección del historiador y crítico de arte Miguel Ángel Muñoz, adquirido directamente al artista. Exhibido en: "Ignacio Iturria. Obra en papel", exposición presentada en el Museo Regional de Guanajuato, Alhóndiga de Granaditas en el marco del 37 Festival Internacional Cervantino, octubre a noviembre de 2009. El escritor y poeta Miguel Ángel Muñoz considera a Ignacio Iturria como "uno de los pilares más sólidos del arte vanguardista de las últimas décadas y destaca de sus obras los tratamientos inusuales de la materia y el espacio". Durante la segunda mitad del siglo XX, su obra ha destacado pues el artista ha desarrollado su estilo maduro, con un fuerte y personal vocabulario de colores terrosos y unos personajes de ensueño y fantasía, cargados de historia y provocadores de recuerdos, que hoy conocemos como el cuño indeleble de su arte poético y humanístico. Iturria ha expuesto su trabajo en diversos lugares de América Central y del Sur, Estados Unidos, Canadá, Europa y Japón. Fuente consultada: MUÑOZ, Miguel Ángel. "Ignacio Iturria. Obra en papel". México. Museo Regional de Guanajuato, 2009.

$45,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,400-$3,750

233

BRIAN NISSEN

(Londres, Inglaterra, 1939 - )

Sin título Firmada y fechada New York 1981 al reverso Mixta sobre tela 148 x 122 cm Procedencia: adquirida en Galería Pecanins. Brian Nissen es un artista plástico anglomexicano sumamente influenciado por el arte de las culturas prehispánicas. Estudió en la Escuela de Artes Gráficas de Londres y en la Escuela de Bellas Artes de París. En 1963 llegó a la Ciudad de México y pocos años después logró exponer en el Museo de Arte Moderno y en otros recintos importantes del país. Ya relacionado con las vanguardias mexicanas, le fue concedida la beca Guggenheim y en 1979 se mudó a Nueva York, en donde reside habitualmente, manteniendo aún su estudio en la Ciudad de México. Hacia mediados de los años 80, estaba ya muy dedicado a la escultura en bronce, sin embargo siguió trabajando la pintura en relieve y el collage. Su obra es experimental y se manifiesta de 274

diferentes maneras, transitando entre la figuración y la abstracción. Tiende a ejecutar dibujos narrativos de gran colorido influenciados por los murales mayas y los cuentos del Popol Vuh y el Chilam Balam. Juega con luces y sombras y concibe texturas y formas orgánicas que invitan al espectador a jugar con los sentidos. En 1983, realizó la exposición "Mariposa de obsidiana" en el Museo Tamayo, en relación a un poema de Octavio Paz, el cual fue fundamental para obras posteriores. En 2006 inauguró la exposición "Cuatro cuartetos" también en el Museo Tamayo. Ese mismo año participó en "Diálogos de bancas" con la "Banca Baraja" que aún puede ser apreciada en Paseo de la Reforma. En 2009, Jaime Kuri realizó el documental "Brian Nissen: Evidence of a poetic art", el cual fue nominado como mejor documental por el premio Ariel en México y en 2012 por primera vez, tuvo una exposición en el Museo del Palacio de Bellas Artes. Fuentes consultadas: MAC MASTERS, Merry. "Por primera vez, Brian Nissen exhibe obra en Bellas Artes". México. La Jornada, sección Cultura, 3 de octubre de 2001 y sitio oficial del artista www.briannissen.com

$70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,750-$5,350

234

ALEJANDRO COLUNGA (Guadalajara, Jalisco, 1948 - )

Actor de teatro Firmado Óleo sobre tela 40 x 30 cm Agradecemos al Maestro Alejandro Colunga por la verificación de autenticidad de esta obra, julio de 2016. En casi todos los personajes y objetos de la obra de Colunga hay un carácter teatral muy importante. Hay una marcada predilección por personajes que son actores, acróbatas o payasos captados en pleno drama y disfraz. Se ostentan como invenciones ellos mismos, mostrando deliberadamente su pertenencia a lo fantástico. Fuente consultada: ALBERTO, Eliseo et ál. Colunga. México. GM Editores, Espejo de Obsidiana, 2008, Pág. 81.

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,150-$3,200 275

235

RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 - Oaxaca, 2001)

Cocoa, 1991 Firmado en una tira de papel Collage de textiles, papel, aplicaciones de hilo y papel metálico sobre papel con marco de hojalata repujado 36 x 50.5 cm medidas del collage, 44.5 x 59 cm medidas totales considerando el marco Con etiqueta de Galería Estela Shapiro. Cuando era niño, Rodolfo Morales era algo solitario y observaba todo lo que lo rodeaba. Pronto presentó dotes para las artes y sus padres lo apoyaron para inscribirse en la Academia de San Carlos. Siendo hijo de una maestra de escuela que montaba obras de teatro y de un carpintero, Morales fabricaba toda clase de objetos lúdicos, los cuales un buen día derivaron en collages. Con estas primeras obras, creó un nuevo leguaje, con el que se dio a conocer entre amigos. Esto, sumado al bagaje cultural del arte popular que tanto amó desde pequeño, el artista oaxaqueño maduro el estilo y realizó varias obras con diferentes elementos hasta crear casi una artesanía como testimonio de la sensibilidad creativa e imaginativa de nuestros pueblos. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 378.

$45,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,400-$3,200 276

236

RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 - Oaxaca, 2001)

Sin título Firmado en una tira de papel Collage de textiles, papel, aplicaciones de estambre, y papel metálico sobre papel con marco de hojalata repujado 50 x 35 cm medidas del collage, 59 x 43.5 cm medidas totales considerando el marco Presenta detalles de conservación en la parte inferior del marco. $45,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,400-$3,200 277

237

JESÚS REYES FERREIRA "CHUCHO REYES" (Guadalajara, Jalisco, 1882 - Ciudad de México, 1977)

Personaje, ca. 1952 Firmado Gouache sobre papel de china 75 x 49 cm Con certificado de autenticidad de Lily Kassner, abril de 2015. Chucho Reyes fue un anticuario y artista plástico tapatío representante del arte popular mexicano que, sin dejar de lado los movimientos vanguardistas, realizó obras con dramatismo de la vida cotidiana mexicana. Los componentes fauvistas de Rouault, los trazos gruesos de Matisse y los colores expresivos de Kandinsky, sumados al amor por las tradiciones nacionales, se hacen presentes en los "caballos fantásticos", "gallos humanísimos" y "payasos monstruosos" realizados por Chucho Reyes. A estos personajes les otorga espontaneidad y libertad hasta desbordar la personalidad de la imagen. Son recreados sobre papel de china, material típico utilizado por el pueblo mexicano, mismo que ayuda a las tonalidades y líneas realizadas por el también llamado "Chagall mexicano". Fuente consultada: REYES IRIGOYÉN, Margarita et ál. La mirada estética de Jesús Reyes Ferreira. México. Gobierno del Estado de Jalisco, CONACULTA, INBA, 2002, pp. 63 y 64.

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,700-$3,750 278

238

JESÚS REYES FERREIRA "CHUCHO REYES" (Guadalajara, Jalisco, 1882 - Ciudad de México, 1977)

Bodegón Firmado y fechado 45 Gouache sobre papel de china 47 x 71.5 cm Con certificado de autenticidad de Lily Kassner, abril de 2015. Presenta dos pequeñas perforaciones.

"Dándose cuenta que los papeles de china que pintaba para envolver los pequeños regalos que obsequiaba a sus amistades eran a veces más admirados que el propio regalo, empezó a pintarlos para que fueran el obsequio en sí mismo. Ramos de flores, gallos con cresta y cola doradas, ángeles y arcángeles, caballos y pescados fueron saliendo de su taller en números interminables y pronto se convirtieron para Chucho en una magnífica fuente de entradas". Inés Amor. Fuente consultada: MANRIQUE, Jorge Alberto y DEL CONDE, Teresa. Una mujer en el arte mexicano. Memorias de Inés Amor. México. Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM, 2005, Pág. 104.

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,700-$3,750 279

Lote 92

ÍNDICE

ALMELA, MARIO 196 ALVA DE LA CANAL, RAMÓN 97, 98, 149 ALVARADO, PEDRO DIEGO 78 AMAYA, ARMANDO 52 ANTÚNEZ, NEMESIO 4 ARCE, MARCO 221 ARÉVALO, JAVIER 41, 43, 75 AVILÉS, ARNO 182

BALMORI, SANTOS BARDASANO, JOSÉ BÉJAR, FELICIANO BELKIN, ARNOLD BEST MAUGARD, ADOLFO BOTERO, FERNANDO BRÜGGEMANN, STEFAN BRUNET, FERNANDA

207 85 17, 18 60, 61 73 92 210 179, 180

CÁNOVAS, FERNANDO 183 CARBONELL, SANTIAGO 133 CÁRDENAS, JUAN 148 CARRILLO, LILIA 185 CARRILLO, MIGUEL 137 CARRINGTON, LEONORA 30, 31 CASTAÑEDA, ALFREDO 29, 167 CASTAÑEDA, FELIPE 118 CASTILLO, MÓNICA 124 CASTRO LEÑERO, ALBERTO 217 CASTRO LEÑERO, JOSÉ 34, 208 CASTRO PACHECO, FERNANDO 49, 57 CERNA, BENITO 95, 132 CHA'CA, VÍCTOR 107, 108 CHAPARRO, ALDO 138 CHÁVEZ MORADO, JOSÉ 53, 56, 123 CHEMOR, ANTONIO 14 CHICO, JULIO 42 CLAUSELL, JOAQUÍN 86 CLIMENT, ENRIQUE 164 COLUNGA, ALEJANDRO 160, 234 CONTE, GUILLERMO 224 CÓRDOVA, CÉSAR 135 CORONEL, PEDRO 12, 24, 28, 178 CORONEL, RAFAEL 71, 74, 166 CORTÁZAR, ROBERTO 139, 140 CORZAS, FRANCISCO 72 COSTA, OLGA 202, 226 COVARRUBIAS, MIGUEL 1, 161, 163 CRAWFORD O'GORMAN, CECIL 63 CRUZ AZACETA, LUIS 103 CRUZ-DIEZ, CARLOS 216 CUEVAS, JOSÉ LUIS 162

DEL VALLE, JUAN CARLOS DUVAL-CARRIÉ, EDOUARD

153 150, 191

ECHEVARRÍA, OFILL 144 ELOY TARCISIO 114 ESQUEDA, XAVIER 205 ESTRADA, ARTURO 96, 125

FARRERA, JOSÉ ANTONIO FELGUÉREZ, MANUEL FERNÁNDEZ LEDESMA, GABRIEL FRIEDEBERG, PEDRO

94 15, 25 70, 93 20, 170, 171, 172

GALLINA, CLAUDIO 225 GÁLVEZ, BYRON 5 GARCÍA GUERRERO, LUIS 99 GARCÍA NAREZO, JOSÉ 117 GARCÍA OCEJO, JOSÉ 189 GARCÍA PONCE, FERNANDO 22 GARRIDO, MIGUEL ÁNGEL 215 GIRONELLA PARRA, EMILIANO 186, 187 GOERITZ, MATHIAS 16, 23 GÓMEZ MAYORGA, GUILLERMO 84, 197

GÓMEZ ROBLEDO, TOMÁS GONZÁLEZ CAMARENA, JORGE GUERRERO GALVÁN, JESÚS GURRÍA, ÁNGELA

143 68 119 38, 40

HERNÁNDEZ, SERGIO HERNÁNDEZ XOCHITIOTZIN, DESIDERIO HERRÁN, ÁLVARO HERRÁN, SATURNINO HOYOS, ANA MERCEDES HUNG, FRANCISCO

111, 115 130, 131 174 47, 227 122 181

IANELLI, ARCANGELO ICAZA, FRANCISCO ITURRIA, IGNACIO

26 37 232

JAVIER, MAXIMINO

128, 129

KEPENYES, PAL 10

LAVILLE, JOY 231 LUGO, HUGO 209

MACOTELA, GABRIEL 39, 176 MARÍN, JORGE 142 MARTÍNEZ, RICARDO 55, 141 MAYAGOITIA, JESÚS 19 MAZAL, RICARDO 175 MENA, ALFONSO 212 MÉRIDA, CARLOS 6, 7 MEZA, GUILLERMO 50, 152, 165 MICHEL, ALFONSO 58, 59 MILLER, CAROL 219 MINGORANCE, JUAN EUGENIO 194, 195 MONTENEGRO, ROBERTO 33, 76, 77, 157 MONTOYA, GUSTAVO 79, 126, 154, 155, 156 MORALES, RODOLFO 54, 113, 235, 236 MORENO, NICOLÁS 198

NIETO, RODOLFO 8,9 NISSEN, BRIAN 233

O'GORMAN, JUAN 62 OBREGÓN, JORGE 201 ORDÓÑEZ, SYLVIA 101, 102 OROZCO, JOSÉ CLEMENTE 66, 67, 159 OROZCO ROMERO, CARLOS 2, 3 OVIEDO, RAMÓN 184

PACHECO, MARTHA 222 PARODI, ROBERTO 177 PARRA, CARMEN 190, 204 PELÁEZ, JAVIER 136 PIMENTEL, RODRIGO 200 PLANES, SEGUNDO 147

QUINQUELA MARTÍN, BENITO QUINTANA, GEORGINA

192, 193 120, 121

RABEL, FANNY 188, 206 RAMOS, MANUEL 229, 230 RAMOS MARTÍNEZ, ALFREDO 203 RANGEL FAZ, MARIO 173 RAYO, OMAR 44, 45 REYES, CHUCHO 237, 238 RICHTER, LEOPOLDO 32 RÍOS, CARLOS 199 RÍOS, MIGUEL ÁNGEL 146 RIVERA, DIEGO 64 RODRÍGUEZ, VÍCTOR 223 RODRÍGUEZ LUNA, ANTONIO 21, 80, 81 ROJAS, ROLANDO 106 ROJO, VICENTE 27

SARDINA, YAMPIER 134, 228 SEBASTIAN 214 SIQUEIROS, DAVID ALFARO 65, 69 SMITH, RAY 145 SOTO, JESÚS RAFAEL 213 SORIANO, JUAN 11, 13, 116, 127, 220 SOUTO, ARTURO 82, 83

TAMAYO, RUFINO TOLEDO, FRANCISCO

158 104, 105, 110, 112

URIBE, FEDERICO URUETA, CORDELIA

35 100

U V

VELASCO, JOSÉ MARÍA 87, 88, 89, 90, 91 VENEGAS, GERMÁN 109, 151 VISKIN, BORIS 211 VON GUNTEN, ROGER 218

WIDMANN, BRUNO

ZENIL, NAHUM B. ZÚÑIGA, FRANCISCO

168,169 46, 48, 51

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Guía para compradores Si usted no ha comprado antes en nuestras Subastas, por favor lea las siguientes reglas de Subasta. En cada catálogo aparece el directorio de todo el personal, que lo atenderá con gusto, así como el personal de los mostradores de la recepción y de la Sala de Ventas. Usted puede consultarnos y responderemos a todas sus preguntas.

I. Generales 1. Galerías Louis C. Morton, S.A. de C.V., en adelante denominada Morton, actúa únicamente como comisionista en la venta de bienes muebles propiedad de terceros, en virtud de contratos previamente celebrados con estos, de quienes se presume tienen la propiedad de los mismos. 2. Los datos contenidos en el catálogo de la Subasta o cualquier otra declaración hecha acerca del autor de la obra, origen, edad, fecha, estado, autenticidad o precio de la misma, son responsabilidad única y exclusiva de sus propietarios. 3. La Subasta se llevará a cabo en moneda nacional y con la participación mínima de licitadores que previamente determine Morton.

la comisión de la Casa de Subastas. No se proporciona estimado de precio de los lotes cuya salida sea menor de dos mil pesos M.N. 6. Los lotes que se subasten se ofrecerán sujetos a un precio mínimo de venta previamente acordado entre el propietario y Morton, y sólo podrá ser modificado previo acuerdo por escrito entre los mismos. 7. Para efectos de la Subasta se le denomina licitador, posible comprador o postor, en adelante denominado “Licitador”, a aquella persona que tiene la facultad de hacer ofertas por lotes en el transcurso de la Subasta.

II. lotes

Para hacer una oferta en la Subasta usted deberá registrarse acudiendo a la mesa de registro en presencia, mediante una hoja de registro establecida para ese fin. 1. Como garantía a Morton, por el o los lotes que le fueren adjudicados durante la Subasta, la contraprestación (Premium) y el impuesto correspondiente, deberá dejar un comprobante de tarjeta de crédito bancario o American Express, firmado a la orden de Galerías Louis C. Morton, S.A. de C.V. 2. Comisión al comprador (Premium): Corresponde al 20% sobre el precio de venta, más el 16% de IVA sobre dicha comisión, que serán incrementados al importe de la compra de cada lote. Ejemplo: precio de martillo $5,000.00 más comisión $1,000.00 más IVA $160, total de la factura a pagar $6,160.00 3. Una vez registrado el licitador y otorgada la garantía correspondiente, se le hará entrega de una paleta numerada que lo identificará con su hoja de registro y de la cual hará uso únicamente el licitador, ya que es individual e intransferible. Por esta razón es importante que la conserve durante todo el desarrollo de la Subasta y la devuelva personalmente al abandonar la sala de Subastas. Si se diera el caso de que no se le adjudicara ningún lote, su depósito en garantía le será devuelto en ese momento.

1. Los bienes a subastar serán organizados en lotes integrados por uno o más bienes, en el orden y bajo la numeración que Morton indique. 2. Los lotes serán descritos y en algunos casos incluidas sus fotografías en el catálogo que para la Subasta elabore Morton. 3. Los lotes serán exhibidos para su inspección, en el lugar designado para ello por Morton, cuando menos con tres días naturales de anticipación al de la celebración de la Subasta, por lo que el personal de Morton, estará a su disposición para mostrar en detalle cualquier lote. 4. Los lotes serán subastados en el estado físico en que se encuentren en el momento de celebrarse la Subasta por lo que NO se aceptarán devoluciones ni reclamaciones sobre daños, desperfectos o restauraciones, aunque estos no se hayan hecho constar en el catálogo de la Subasta. Propóngase un precio máximo de compra para las piezas antes de que salgan a Subasta. Esto le ayudará a comprar mejor. Si tiene duda sobre alguna pieza, por favor NO ofrezca, ya que si se le asigna deberá pagarla. 5. Los precios estimados que aparecen impresos bajo las descripciones del catálogo son los precios aproximados que se espera sean obtenidos, sin incluir

III. ofertas en presencIa, reGIstro

4. Con la entrega de registro, el licitador queda obligado a pagar el precio del lote más el 20% por concepto de la contraprestación más el IVA correspondiente. Si el pago se efectúa con tarjeta de Crédito Bancario o American Express, se incrementará el 6.6% (seis punto seis por ciento) por concepto de comisión sobre el monto total del lote o los lotes que le hayan sido adjudicados. 5. Para que los licitadores puedan hacer efectivas las pujas o aceptar una postura hecha por el martillero, bastará con levantar la paleta numerada. Por favor, hágalo con rapidez para que la dinámica de la Subasta continúe. Las ofertas aumentan aproximadamente un 10% en cada puja. 6. Se considera que el licitador que hizo efectiva la última puja, es decir la más alta, ha adquirido el bien que integra el lote subastado, en el momento en que no exista puja mayor y el martillero así lo manifieste.

IV. ofertas en ausencIa Refiérase a las primeras páginas de este catálogo: “Cómo se compra en subasta”.

V. exportacIón El comprador siempre deberá revisar si se requiere de autorizaciones, permisos o licencias de exportación o importación. Al participar en la subasta, acepta que es su sola responsabilidad obtener cualquier licencia, autorización o permiso de exportación o importación y que la negativa a cualquier permiso, autorización o licencia o cualquier retraso en obtenerlos, no justificará la rescisión o devolución de ninguna venta ni cualquier retraso en hacer el pago total de la propiedad adquirida. EL COMPRADOR RENUNCIA A REQUERIR CUALQUIER REEMBOLSO en cualquiera de los casos anteriormente mencionados. Las leyes locales pueden prohibir importar o exportar cierta propiedad y/o pueden limitar la reventa de alguna propiedad. Para mayores informes, consulte: www.tramites.inah.gob.mx

OFERTAS EN AUSENCIA

CONDICIONES Y FICHA DE REGISTRO PARA REALIZAR OFERTAS EN AUSENCIA. AVISO DE PRIVACIDAD Los datos personales serán tratados de conformidad con lo dispuesto en la Ley Federal de Protección de Datos Personales en Posesión de los Particulares, la reglamentación respectiva y el aviso de privacidad están a su disposición en la siguiente liga http://www.mortonsubastas.com/formatos/Aviso_de_privacidad.pdf Por favor, consulte el aviso de privacidad antes de proporcionar sus datos. ESTOY DE ACUERDO SI NO

FICHA DE REGISTRO

AL FIRMAR LA FICHA DE REGISTRO DE OFERTAS EN AUSENCIA, USTED ACEPTA LO SIGUIENTE:

1. Las reglas y condiciones que aplican para las subastas en Galerías Louis C. Morton, S.A. de C.V. (“Morton”) y/o las del catálogo; las cuales se encuentran a su disposición en Morton. 2. Que el personal de Morton haga efectivas las pujas en su nombre y representación en la subasta en la que se registra, por las piezas que se describen en el presente documento, hasta por la cantidad que aparece en el apartado “Límite superior de la oferta”.

LÍMITE DE OFERTA

3. Que no están permitidas las ofertas en ausencia sin límite superior.

RESPONSABILIDAD

4. Que Morton en ningún caso y por ningún motivo, es responsable que usted logre se le adjudique(n) la(s) pieza(s) por las que ofertó en ausencia.

UNA PUJA MÁS

5. Que en caso de que el monto máximo fijado por usted como Límite Superior de la Oferta para una pieza se iguale con la última puja de la sala, podrá autorizar una puja más, según lo establezca el recuadro denominado: “Autoriza una puja más”. En caso de que este recuadro no se haya requisitado, se entenderá que no acepta subir a la siguiente puja.

ADJUDICACIÓN

NOMBRE DE SUBASTA

FECHA

NÚMERO DE PALETA

AUTORIZA UNA PUJA MÁS

OFERTA POR TELÉFONO

NOMBRE COMPLETO CALLE

No.

COLONIA

C.P.

DELEGACIÓN / MUNICIPIO

E-MAIL

TELÉFONO

CELULAR

IDENTIFICACIÓN NÚM DE TARJETA DE CRED. NÚM DE SEGURIDAD

6. Que en caso de que existan dos o más ofertas en ausencia por la misma pieza y por la misma cantidad señalada como Límite Superior de la Oferta y no haya una puja superior en la sala, la pieza se adjudicará a la Oferta en Ausencia que se haya recibido primero en Morton. 7. Que el fallo de adjudicación lo emitirá Morton y será inapelable, por lo que Usted renuncia desde este momento a cualquier acción y/o derecho alguno para ejercer en contra de Morton y/o a quien sus derechos represente, por cualquier conflicto o controversia que surgiera por esta causa.

FECHA DE VENCIMIENTO

NÚMERO SEGÚN CATÁLOGO

LÍMITE SUPERIOR DE OFERTA

DESCRIPCIÓN

REQUISITOS

8. Que Morton no hará efectiva la Oferta en Ausencia si no cumple con los siguientes requisitos: a) Llenar completamente el presente documento y firmarlo de conformidad, indicando claramente el número de lote por el que desee ofrecer y la cantidad establecida con Límite Superior de la Oferta. b) Entregar firmado el presente documento al personal autorizado de Morton a más tardar a la fecha de celebración de la subasta y hasta cuatro horas antes de la misma, en el domicilio de Morton. c) Efectuar un depósito en garantía del cumplimiento de las obligaciones que pudiera llegar a tener como adquiriente, de acuerdo a lo siguiente: Subastas en Monte Athos: $50,000.00 M.N. Subastas en Moliere: $5,000.00 M.N. El monto de la garantía podrá ser cambiado por Morton, con previo aviso al cliente. d) La garantía no podrá ser cubierta con tarjeta de débito, ya que en caso de no tener adjudicación alguna de los lotes, la devolución de la misma es demasiado complicada.

.00 M.N.

RECIBIÓ (REPRESENTANTE DE MORTON) NOMBRE Y FIRMA FECHA Y HORA DE RECEPCIÓN

CONDICIONES DE PAGO

Acepto se me haga el cargo en garantía establecido de acuerdo a lo señalado en los requisitos del punto no. 8 letra C. reembolsable en el caso que no se me adjudiquen los lotes. Acepto las condiciones del catálogo, las reglas de la subasta y del presente documento.

OFERTAS POR TELÉFONO

FIRMA

9. En caso de que se adjudique la pieza, pagar por el precio martillo, más el 20% por concepto de comisión, más el Impuesto al Valor Agregado sobre dicha comisión (16%). Si el pago se realiza a través de tarjeta de crédito o American Express, se cargará un 6.6% adicional al saldo que resulte de restar la garantía. Recuerde que usted tiene 3 días hábiles después de la subasta para liquidar el total de su compra y recoger los artículos adquiridos en el lugar de la subasta. 10. Las ofertas en ausencia también se recibirán por teléfono, previa entrega del presente documento firmado y enviado vía fax o vía correo electrónico a Morton con cuando menos dos días hábiles antes de la fecha de la celebración de la Subasta, siempre y cuando el precio estimado de la pieza por la que oferta sea de $10,000.00 M.N. o mayor.

México, D.F. a

del año

CONFIDENCIALIDAD

11. La información aquí contenida se considera Confidencial, por lo que su divulgación está prohibida y da derecho al pago de daños y perjuicios que causen por este hecho.

Informes: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

Nota: Las ofertas en ausencia se recibirán hasta cuatro horas antes de la subasta.

Tel. +52 (55) 5283 3140 Ext. 3148, 3149 y 3150

Fax. +52 (55) 5202 3932

ABSENTEE BIDS ABSENT BID TERMS, CONDITIONS AND BID FORM

BY SIGNING THIS ABSENTEE BID REGISTRATION FORM YOU AGREE TO THE FOLLOWING TERMS AND CONDITIONS:

1. You agree to the terms and conditions that apply to the auctions at the Galerias Louis C. Morton, S.A. de C.V. (Morton) premises and/or those described in the catalogues available at Morton.

ABSENTEE BID FORM AUCTION TITLE

DATE

PALETTE NUMBER

WHO MAKES THE BIDS

2. Allow the personnel of Morton to make effective the bids on your behalf during the auction to which you are registered, and for the pieces only described herein, up to the amount inserted in the top limit bid.

BIDS LIMIT

3. Unlimited bids are not permitted.

RESPONSIBILITY

4. In no case and by no means, Morton takes responsibility for the adjunction of the piece(s) for which you made absentee bids.

ONE MORE BID

5. In case the amount stated by you as the top limit bid for a piece is matched by the last bid made in the auction room, and if the option on the "One more bid authorized" section is chosen as "Yes", you will then be allowed to place a higher bid for the piece. In case this option was chosen as "No" or left blank, your bid will be stopped.

ASSIGNATION

6. In case that two or more absentee bidders appear for the same piece and for the same top limit bid stated, and in case there is not a higher bid in the auction room, the piece will be adjudicated to the absentee bid first received by Morton. 7. The decision for the adjudication will be decided by Morton, and thus, will be unappealable. By signing this form you agree to not taking any legal action against Morton or its representatives if any conflict or dispute arise due to disagreement.

ONE MORE BID AUTHORIZE

YES

TELEPHONE BIDS

YES

FULL NAME ADRESS

ZIP CODE

E-MAIL TELEPHONE

MOBILE

ID NUMBER CREDIT CARD SECURITY CODE

EXPIRING DATE

LOT NUMBER

TOP LIMIT BID

DESCRIPTION

(Mexican Pesos)

REQUIREMENTS

8. Morton will not make effective the Absentee Bid if the following requirements are not met: a) This document should be duly filled in and properly signed for in the agreement section, making sure that is clearly entered the lot number of the piece you are interested in, and well stated your top limit bid for it. b) This document should be delivered only to the authorized personnel at latest the day of the Auction at the address of Morton in which the auction will be held. c) Allow a deposit as a guarantee for the payment of the piece and amounts generated by the adjudication of the piece. The deposit will be in the following amounts, and will be taken under the name of Morton. Auctions at Monte Athos Gallery: $50,000.00 MXP Auctions at Moliere Gallery: $5,000.00 MXP The amount of the guaranty may be changed by Morton prior notice to the customer. d) Guaranty may not be paid with a debit card since, in case of there is no awarding of lots, reimbursement would be too difficult.

.00 MXP

RECEPTION (MORTON STAFF ONLY) NAME AND SIGNATURE DATE AND TIME OF RECEPTION

I DO HEREBY ACCEPT THE CONDITIONS DESCRIBED IN THIS DOCUMENT AND CATALOGUES FOR THE AUCTION

PAYMENT CONDITION

9. If the piece is adjudicated to you, the price of the piece plus twenty percent of commission fee shall be paid, plus the corresponding VAT (16%) calculated over the commission. Payment made with credit card or any American Express card will incur an extra charge of 6.6%, added as a commission fee to the total amount to be paid for.

BIDS OVER THE TELEPHONE

SIGNATURE (Date)

MEXICO CITY

10. Absentee bids by telephone are welcome, previous delivery of the present document duly filled and signed is required, sent by fax to Morton with at least two working days before the date of the auction if your bid is $10,000.00 MXP or more. Long distance calls to and for the auction should be made by yourself.

CONFIDENTIALITY

11. Information contained herein is deemed Confidential, and its disclosure is prohibited, entitling the payment of damages and looses caused by this fact.

Enquiries: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

Please note: On the day of the auction last absentee bids are received 4 hours before the auction.

Telephone. +52 (55) 5283 3140 Ext. 3148, 3149 & 3150

Fax. +52 (55) 5202 3932