publiek verwacht een traditionele liedavond mee te Mais ensuite, quelque chose commence à mal tourmaken. Kerstin Avemo staat inderdaad op scène, en ner… Son interprétation cale littéralement, elle ze zingt. Maar dan begint er iets mis te lopen… Haar commence à dérailler. La chanteuse ne peut plus vertolking loopt als het ware vast, begint te ontspo- se défendre de la mélancolie des lieder. Dans cette ren. De zangeres heeft geen verweer meer tegen de production, je présuppose en effet que chaque mot melancholie van de liederen. In deze voorstelling stel des lieder est authentique et doit être cru. Schubert a ik namelijk voorop dat elk woord van deze liederen mis en musique des textes, souvent en collaboration avec des amis poètes. Et echt is en geloofd moet worden. De teksten De Italiaanse regisseur Romeo grâce à sa dramaturgie Castellucci stichtte in 1981 musicale, il parvient heeft Schubert vaak samen met zijn zus Claudia à accentuer davanin samenwerking met Castellucci en Chiara Guidi tage encore le sens des bevriende dichters op muziek gezet. En dankde Socìetas Raffaello Sanzio mots. En s’abandonzij zijn muziekdramawaarvan de voorstellingen te na nt complètement turgie slaagt hij erin de gast waren in de belangrijkste aux mots, la chanteuse theaters en festivals wereld- prend conscience qu’il betekenis van de woorden nog uit te vergroten. wijd. In zijn theaterwerk maken n’est plus possible pour Omdat de zangeres zich we kennis met unieke visuele elle de rester sur scène. helemaal heeft overgewerelden die hij als plastisch Mais la scène ne peut leverd aan de woorkunstenaar van de ruimte ont- rester vide ; Valérie den, ervaart ze dat het wikkelt. Zijn werk wordt geken- Dréville y prend alors niet langer mogelijk is merkt door dramatische lijnen die niet meer onder- place. Elle se met à om op scène te blijven. worpen zijn aan de primauteit van de literaire tekst réciter le texte du derMaar het podium mag maar veeleer beeldende universums vormen, rijk aan nier lied, Abschied – car niet leeg blijven en dus uiteenlopende visies. Zo ontwikkelde hij een eigen taal c’est de cela que parle neemt Valérie Dréville die even bevattelijk kan zijn als die van de muziek, de le récital : de l’adieu, haar plaats in. Zij begint beeldhouwkunst, de schilderkunst of de architectuur. du chant du cygne, de de tekst te reciteren van In de Munt regisseerde hij door pers en publiek beju- « comment je quitte het laatste lied, Abschied belde producties van Parsifal (Wagner) en Orphée et la scène, comment on – want daar gaat dit reci- Eurydice (Gluck / Berlioz). me quitte ». Mais à un tal over: over afscheid, Le metteur en scène italien Romeo Castellucci a moment donné, l’acover de zwanenzang, fondé, en 1981, avec Claudia Castellucci, sa sœur, trice relève la tête pour over “hoe verlaat ik de et Chiara Guidi, la Socìetas Raffaello Sanzio dont regarder le public – le scène, hoe word ikzelf les productions ont été représentées dans les plus péché mortel au théâtre. verlaten”. Maar op een importants théâtres et festivals internationaux. Elle confronte le public gegeven moment heft Dans chacune de ses créations théâtrales se à son statut de spectade actrice het hoofd op sont affirmés des univers visuels uniques qu’ il teur : « Qui êtes-vous ? om het publiek aan te développe comme un plasticien de l’espace. Que voulez-vous ? Que kijken – de doodzonde Le travail de Romeo Castellucci se caractérise par des regardez-vous ? » Sa bij uitstek in het thea- axes dramatiques qui ne sont plus sujets à une primauté tirade est de plus en plus ter. Ze confronteert het du texte littéraire mais qui tiennent davantage d’univers agressive, jusqu’à ce publiek met zijn status plastiques, riches en visions. Il a ainsi développé un que survienne ici aussi als toeschouwer: “Wie langage compréhensible comme peuvent l’être ceux de un nouveau revirement, zijn jullie? Wat willen la musique, la sculpture, la peinture ou l’architecture. la dernière rupture de jullie? Waar kijken jul- À la Monnaie, il a mis en scène Parsifal (Wagner) et ce récital. lie naar?” Haar aanval Orphée et Eurydice (Gluck / Berlioz), deux productions wordt steeds agressie- très remarquées par la presse et le public. Schwanengesang, le ver, tot ook hier weer titre de ce récital, fait een omslag plaatsvindt, de laatste breakdown van référence à un lieder particulier de Schubert et non deze recitalavond. au recueil entier du même nom. Comment la sélection des lieder chantés s’est elle faite ? De titel van dit recital is afgeleid van één enkel lied Les lieder les plus mélancoliques semblaient touvan Schubert, en niet van de gelijknamige cyclus jours s’imposer, des lieder qui décrivent la solitude. van de componist. Hoe is de selectie van de gezongen C’est bien sûr le cas de nombreux lieder de Schubert,
liederen er gekomen? Telkens bleken de meest melancholische liederen bovendrijven, liederen die de eenzaamheid beschrijven. Dat geldt natuurlijk voor veel van Schuberts liederen, maar beter dan welke componist dan ook weet hij die eenzaamheid op te roepen. Ik voel me hierdoor nog sterker met hem verbonden. Het publiek moet de tekst ook dicht op de huid zitten, dat is een belangrijk aspect van ons project en daarom zullen er ook boventitels zijn. De verlatenheid waarover Schubert het heeft, gaat niet zozeer over de strijd met het leven of de conflicten met de ander, maar wel over de diepe eenzaamheid die het meest eigen is aan de mens en hem in zijn grootste intimiteit toont: een moeder zingt een wiegenlied voor haar kindje, maar gaandeweg vernemen we dat het kind gestorven is. En zo gaat het in elk van de liederen: een verlaten vrouw, de eenzaamheid te midden van de natuur… telkens presenteert Schubert een iets van een haast kosmische eenzaamheid die uitdijt in een dimensie die de persoonlijke ervaring overstijgt.
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LA MONNAIE
DE MUNT
De tekst is belangrijk, maar je gaf ook reeds aan dat het in de eerste plaats de muziek is die jou in staat stelt om bepaalde dingen te percipiëren? Het project is inderdaad enkel mogelijk met deze muziek. Het oorspronkelijke idee om met Valérie te werken kreeg een concrete invulling met Schuberts liederen. Ik voel me erg verwant met Valérie – we hebben veel gemeenschappelijk, zelfs op een paradoxale manier. Voor deze productie hebben we echter weinig en zeer ingehouden gerepeteerd. Valérie wilde zich weliswaar goed voorbereiden, maar de energie, de ontlading, de ontploffing hield zij voor op de scène, wanneer er het moment voor was. In het programmaboek van Avignon staat een citaat van Schubert dat men het leed van de ander nooit kan doorgronden. Ook in jouw Orphée et Eurydice kwam dit naar voor: we kunnen niets zinnigs zeggen over het leed van de ander, maar we kunnen het evenmin ontlopen. Zindert dit thema mee in al jouw werk? Het thema houdt me de afgelopen jaren wel bezig. Er is een zeker verband tussen beide projecten. In dit recital valt de actrice uit naar het publiek omdat het naar haar zit te kijken. En het kijken – of het verbod tot kijken – staat niet alleen centraal in het verhaal van Orpheus, maar ook in mijn productie van Orphée et Eurydice, waarin we binnenkijken in een ziekenhuiskamer. Hoewel het beide muzikale projecten zijn, gedacht vanuit de muziek, wordt ‘de blik’, de manier waarop men kijkt, geleidelijk aan een protagonist. Beide voorstellingen kijken de toeschouwer in het gezicht en benadrukken dat we ons
mais il sait mieux que n’importe quel compositeur convoquer la solitude. Je me sens ainsi encore plus étroitement lié à lui. Le texte doit aussi marquer et envahir le public, c’est un aspect important de notre projet, d’où la nécessité des surtitres. La désolation dont parle Schubert ne concerne pas tant la lutte pour la vie ou les conflits avec l’autre que la profonde solitude qui est inhérente à l’homme et le dévoile dans toute son intimité : une mère chante une berceuse pour son enfant, mais on comprend peu à peu que l’enfant est mort. Et il en va ainsi dans chaque lied : une femme abandonnée, la solitude au cœur de la nature… Schubert présente constamment des bribes d’une solitude presque cosmique qui se dilate dans une dimension qui dépasse l’expérience personnelle. Le texte est important, mais vous avez aussi indiqué que c’est d’abord la musique qui vous permet de percevoir certaines choses ? Le projet n’est en effet possible qu’avec cette musique. L’idée initiale d’une collaboration avec Valérie Dréville s’est concrétisée avec les lieder de Schubert. Je me sens très proche de Valérie – nous avons beaucoup en commun, même de façon paradoxale. Pour cette production, nous avons cependant peu répété, et tout en retenue. Valérie voulait évidemment se préparer correctement, mais elle a réservé son énergie, la décharge, l’explosion pour la scène, quand le moment était venu de les exprimer. Dans le programme de salle d’Avignon, on trouve une citation de Schubert disant que l’on ne peut jamais percer la souffrance de l’autre – ce qui s’imposait aussi dans votre Orphée et Eurydice : on ne peut rien dire de sensé sur la souffrance de l’autre, mais on ne peut pas non plus l’esquiver. Ce thème est-il présent dans toute votre œuvre ? Ce thème me préoccupe ces dernières années. Il y a sûrement un lien entre les deux projets. Dans ce récital, l’actrice s’en prend au public parce qu’il la regarde. Et le regard – ou l’interdiction de regarder – est au cœur du mythe d’Orphée comme de ma production d’Orphée et Eurydice, où l’on regarde dans une chambre d’hôpital. Bien qu’il s’agisse de deux projets musicaux, imaginés à partir de la musique, « le regard », la façon de regarder, devient progressivement un protagoniste. Ces deux spectacles « regardent » le spectateur et soulignent qu’un spectateur doit être conscient de son regard, que regarder est un acte, un geste dont il faut payer le prix : la prise de conscience que l’on ne regarde pas quelque chose d’anodin, mais que l’on se regarde soi-même. La seule façon dont Orphée peut être éthiquement acceptable, c’est en faisant sienne la SCHWANENGESANG D744 65