Revista MuBE – Museu Brasileiro da Escultura by camila janaina

1 Janeiro

2011

2 destaque

Highlights

texto / write Fulano

de Tal FOTOS

/ PHOTOS

Fulano de Tal

MuBE Museu Brasileiro da Escultura

3 Janeiro

2011

Secretaria, Luciane Castiglioni mube@mube.art.br Assistente de Produção, Karen Alcantarilla karen@mube.art.br STAFF

PRESIDENTE DE HONRA

Marilisa Rathsam

expediente

expedient

DIRETOR PRESIDENTE

Jorge Frederico Magnus Landmann DIRETOR ADMINISTRATIVO E SECRETÁRIO

Roberto Janny Teixeira DIRETOR CULTURAL

Olívio Guedes de Almeida Filho

Alex dos Santos Dorgival Joaquim de Santana Edmilton dos Santos Edson Nascimento dos Santos Ewerton da Silva Linhares Francisco Antonio dos Santos José Geraldo Gomes Luis Carlos Moreira Teodoro Raimundo Alves dos Santos Tiago Erivelton de Oliveira Wilton Silva Rodrigues

DIRETOR FINANCEIRO

Nelson Antonio Rodrigues Samarão Guimarães DIRETOR JURÍDICO

Márcia Regina Bull DIRETOR DE RELAÇÕES INTERNACIONAIS

Renata de Azevedo Silva

DIRETOR DE RELAÇÕES COMUNITÁRIAS

Emiliana Elias

CONSELHO FISCAL

Guiomar Milan Sartori Leonora Ricci Wanderley Bonventi SUPLENTES

Dino Samaja Dulce Arantes Leão de Lima Costa Maria Aparecida Silva Brecheret CONSELHO DE ADMINISTRAÇÃO: PRESIDENTE

Jorge Frederico Magnus Landmann VICE - PRESIDENTE

Olívio Guedes de Almeida Filho CONSELHEIROS

Dino Samaja Dora Pascowitch Dulce Arantes Leão de Lima Costa Dulce Cupolo Emiliana Elias Francisco Zorzete Guiomar Milan Sartori June Locke Arruda Márcia Regina Bull Maria Aparecida Silva Brecheret Maria Terezinha Aflalo Marius Oswald Arantes Rathsam Nelson Antonio Rodrigues Samarão Guimarães Newton Nogueira Renata de Azevedo Silva Roberto Janny Teixeira Sabina de Libman Suzanna do Amaral Cruz Sampaio Wanderley Bonventi Administração, Roberto Solera roberto@mube.art.br Arte Educação, Eneida Fausto cursos@mube.art.br Assessoria da Presidência, Maria Lúcia Junqueira lujunqueira@mube.art.br Exposições e Projetos, Fernando Lopes fernando.lopes76@hotmail.com Feira de Antiguidades, MarlenÍ Dianni mmdianni@hotmail.com Financeiro, Mauro Mendes mauro@mube.art.br

PRESIDENTE DE HONRA

Marilisa Rathsam

DIRETOR PRESIDENTE

Jorge Frederico Magnus Landmann DIRETOR ADMINISTRATIVO E SECRETÁRIO

Roberto Janny Teixeira DIRETOR CULTURAL

Olívio Guedes de Almeida Filho DIRETOR FINANCEIRO

Nelson Antonio Rodrigues Samarão Guimarães DIRETOR JURÍDICO

Márcia Regina Bull DIRETOR DE RELAÇÕES INTERNACIONAIS

Renata de Azevedo Silva

DIRETOR DE RELAÇÕES COMUNITÁRIAS

Emiliana Elias

CONSELHO FISCAL

Guiomar Milan Sartori Leonora Ricci Wanderley Bonventi SUPLENTES

Dino Samaja Dulce Arantes Leão de Lima Costa Maria Aparecida Silva Brecheret CONSELHO DE ADMINISTRAÇÃO: PRESIDENTE

Jorge Frederico Magnus Landmann VICE - PRESIDENTE

Olívio Guedes de Almeida Filho CONSELHEIROS

parceiros e apoios

MuBE Museu Brasileiro da Escultura

página 20

ublicação de REVIEW é uma idéia que tem sido uma cerveja em minha mente por muitos anos. Intrigado com as barreiras artificiais que muitas vezes separam as indústrias de design e arte, que introduziu a arte eo artesanato no conteúdo editorial de nossas publicações estável de design em 2008. No entanto, senti que não era bom o suficiente porque ainda não colocou a arte eo design em pé de igualdade. E assim a idéia de REVIEW mantidos na fabricação de cerveja ... lentamente. Como a maioria das coisas, eu precisava de um motivo excepcional ou profunda experiência de fazer REVIEW uma realidade. Minha experiência profunda veio na segunda-feira nos últiGaleria de Arte de Joanesburgo (JAG), quando Antoinette Murdoch, o diretor e curador-chefe, levou-me através da incrível coleção de arte em tempo frio. Fui demitido, por sua paixão para puxar maravilhas de prioridades cashwrapped da cidade para reparar o edifício enfermo, restaurar a coleção de valor inestimável e implementar novos projetos que dão alegria e estímulo intelectual para a nova demográfica de amantes da arte que que vivem em torno JAG . Naquele dia fatídico foi um ponto de viragem. REVIEW nasceu com um rugido em sua garganta, parecendo aqueles que temem o run-down Joubert delegacia Park, onde está localizado JAG, que para alguns é o paraíso e em casa. REVIEW se tornou um parceiro de mídia digna de JAG e temos desenvolvidos colaborativamente uma estratégia sólida e inclusiva, que promove actividades de JAG e programas de rejuvenescimento através de nossos recursos on-line em que celebra o seu centenário de colecionar obras de arte em 2010 e do centenário do edifício histórico desenhado pelo Edwin Lutyens, em 2011. E assim JAG já não tem quaisquer fronteiras e todas as pessoas, pobres, pomposo e os apaixonados são bem vindas. Em que outro lugar em Joanesburgo poderíamos caminhar por entre uma coleção de arte que é tão velho, vale a pena Rand bilhões, alojados em um lugar tão hua Tate. Mmm. Mas, de REVIEW, não se trata apenas de JAG. Trata-se de promover a arte e sua estreita relação com a concepção de toda a África do Sul, o continente Africano e no mundo. Esta edição de lançamento, distribuídos por 21 artigos e mais de 231 páginas, é apenas um vislumbre do que estamos planejando para o futuro. Agradeço a todos que contribuíram e apoiaram os nossos esforços no lançamento desta edição de lançamento perspicaz e eloqüente projetado. Arte assim

Cameron Bramley Editora-chefe

Essence Brasilis

Publishing REVIEW is an idea that has been a brewing in my mind for many years. Puzzled by the artificial barriers that often separate the design and art industries, we introduced art and craft into the editorial content of our stable of design publications in 2008. Yet, I felt that this was not good enough because it still did not put art and design on an equal footing. And so the REVIEW idea kept on brewing … slowly. As with most things, I needed an exceptional reason or profound experience to make REVIEW a reality. My profound experience came on a Monday in the latter months of 2009 at the Johannesburg Art Gallery (JAG) when Antoinette Murdoch, the director and chief curator, walked me through the amazing collection of time-chilled art. I was fired-up by her passion to pull wonders out of the City’s cashwrapped priorities to fix the ailing building, restore the invaluable collection and implement new projects that would give joy and intellectual stimulation to the new demographic of art lovers that that live around JAG. That fateful day was a turning point. REVIEW was born with a roar in its throat, sounding out those who fear the run-down Joubert Park precinct where JAG is located, which for some is heaven and home. REVIEW has since become a befitting media partner of JAG and we have collaboratively developed a solid and inclusive strategy that promotes JAG’s activities and rejuvenation programmes through our online resources as it celebrates its centenary of collecting art in 2010 and the centenary of the landmark building designed by Edwin Lutyens in 2011. And so JAG no longer has any borders and all people, paupers, pompous and the passionate are welcome. Where else in Joburg could we walk amongst an art collection that is that old, worth a billion Rand, housed in such a humble, humming and vibrant place? Perhaps the Tate. Mmm. But, REVIEW is not just about JAG. It’s about promoting art and its close relationship to design from all over South Africa, the African continent and the world. This launch edition, spanning 21 articles and more than 231 pages, is merely a glimpse of what we are planning for the future. I thank all who have contributed and supported our efforts in launching this insightful and eloquently designed launch edition. Art this way

crição da obra descrição da obra descrição da obra descrição da obra

editorial

descrição da obra descrição da obra des-

editorial

OBRA DA CAPA NOME DA OBR, ARTISTA

Essência Brasilis

Cameron Bramley Publisher

Janeiro

2011

MuBE Museu Brasileiro da Escultura

capa

música

biograFia

por aí

arte e estilo

26 entrevista

cinema

sumÁrio

summary

opini達o

42 agenda

acervo

guia

cobertura

baZar

Janeiro

2011

8 por aí

around

texto / write Fulano

de tal FotoS

/ PHotoS

Fulano de tal

Brumadinho

a capital brasileira da arte contemporânea

BrUMaDinHO - THE BraZilian caPiTal OF cOnTEMPOrary arT

m Brumadinho, Minas Gerais, um museu privado reúne obras de alguns dos principais artistas da atualidade, como Doris Salcedo, Matthew Barney, Cildo Meireles e Pipilotti Rist. Em sua especialidade, o acervo supera os das instituições públicas brasileiras Em Brumadinho, Minas Gerais, um museu privado reúne obras de alguns dos principais artistas da atualidade, como Doris Salcedo, Matthew Barney, Cildo Meireles e Pipilotti Rist. Em sua especialidade, o acervo supera os das instituições públicas brasileiras E quanto aos vídeos do norte-americano Matthew Barney realizados nos anos 2000, como julgá-los, já que hoje eles podem ser tudo, mas décadas depois, nada? De início, dando a ele uma chance de entrar na história da arte. No Caci há Barney, como há Tunga e Cildo Meireles, ou Doug Aitken e Pipilotti Rist, constantes nas publicações ou debates críticos sobre a arte contemporânea o espaço é voltado para a arte feita a partir de 1960, com acervo amplo (grande parte dele ainda não apresentada em público), com obras de MuBE Museu Brasileiro da Escultura

autores históricos, pioneiros de certas pesquisas que são, hoje, o cotidiano das artes. E a isso se soma mais um fator: a instituição apresenta mostras que criam contexto, rico de sugestões, o que é essencial para que se vá além da aparente excentricidade do exibido e se observem melhor o significado e o sentido dos trabalhos. Bernardo Paz tem 59 anos e trabalha com mineração e siderurgia. O projeto de expor sua coleção privada surgiu com a compra de uma fazenda, em Brumadinho, a 60 quilômetros de Belo Horizonte. Nos anos 90, quando o empresário conheceu o artista Tunga, a coleção tomou o perfil atual. E o acervo inicial, voltado para o moderno, deu lugar à arte contemporânea. inhOtim CentRO De ARte COntemPORÂneA, BRumADinhO (mg), acesso pelo km 640 da Br-381. aberto ao público às quintas e sextas-feiras, das 9h30 às 16h30, e, aos sábados, domingos e feriados, das 9h30 às 17h30. informações: 55 31 3227 0001 ou www.inhotim.org. br, info@inhotim.org.br. ingressos: r$ 15 (inteira) e r$ 7 (meia).

Brumadinho, Minas Gerais, a private museum includes works of some major contemporary artists such as Doris Salcedo, Matthew Barney, Pipilotti Rist and Meireles. In his specialty, the collection exceeds the Brazilian public institutions Brumadinho, Minas Gerais, a private museum includes works of some major contemporary artists such as Doris Salcedo, Matthew Barney, Pipilotti Rist and Meireles. In his specialty, the collection exceeds the Brazilian public institutions What about the videos of American Matthew Barney made in the 2000s, as judging them, because today they are anything but decades later, nothing? At first, giving him a chance to enter the history of art. Caci Barney in there, as there Meireles and Tunga, or Doug Aitken and Pipilotti Rist, contained in the publications and critical debates on contemporary art space is focused on art made since 1960, with extensive collection (much of it yet not shown in public), with works by historical, pioneering research that is certain today, the

daily arts. And this adds another factor: the institution presents exhibitions that create context rich with suggestions, which is essential to go beyond the apparent eccentricity of the display and observe better the significance and meaning of work. Bernardo Paz has 59 years, working with mining and steel. The project to expose their private collection began with the purchase of a farm in Brumadinho, 60 km from Belo horizonte. In the ‘90s, when the manager met the artist Tunga, the collection has taken the current profile. And the initial collection, dedicated to the modern has given way to contemporary art. CACI Contemporary Art Center, Brumadinho (MG), accessing the 640 km of highway BR-381. open to the public on Thursdays and fridays, from 9:30 to 16:30 and on Saturdays, Sundays and holidays, from 9:30 to 17:30. Info: 55 31 3227 0001 or www.inhotim.org.br, info@inhotim.org.br. Tickets: $ 15 (full) and $ 7 (half).

Os Últimos Verdes Até dia 11/09 Galeria Luisa Strina, Rua Oscar Freire, 502, São

Paulo, SP Tel: 11 3088-2471 Segunda a sexta feira das 10 às 19 horas. Sábado das 10 às 17 horas.Grátis

Verdes de Marepe

A exposição Os Últimos Verdes do artista baiano Marcos Reis Peixoto, o Marepe, que acontece na Galeria Luisa Strina, em São Paulo, continua o diálogo entre elementos da vida cotidiana e os materiais nordestinos. Desta vez, o artista faz uso de objetos do comércio popular em muitas obras inéditas. Um exemplo é a obra Camas de Vento, em que o artista acopla, usando duas dobradiças de porta, asas de penas artificiais em camas de armar. Nascido em Santo Antônio de Jesus em 1970, cidade onde vive e trabalha, Marepe estudou Artes Plásticas na

The exhibition of The Last Green Bahian artist Marcos Reis Peixoto, the Marepe, held at Galeria Luisa Strina in Sao Paulo, continues the dialogue between elements of everyday life and materials from the Northeast. This time, the artist uses objects of popular trade in many previously unpublished works. An example is the work of Camas Wind, in which the artist engages, using two hinges, door wings of feathers on beds of artificial arm. Born in Santo Antonio de Jesus in 1970, the city where he lives and works Marepe studied Fine Arts at the School of Fine Arts at the Federal University of Bahia. In the mid-1990s has been recognized nationally and internationally for his work. There his works in major museums of the world as Tate Modern in London and the Centre Georges Pompidou in Paris. The Last Landscape By day 11.9 Galeria Luisa Strina, Rua Oscar Freire 502, São Paulo, SP Tel: 11 3088-2471 Monday to Friday from 10 to 19 hours. Saturday from 10 to 17 horas.Grátis

Teatro do Ator

The Leap of Time

André Abujamra encerra a série Noel Rosa com trabalho de remixagem e acréscimo de versos em música do sambista A série Noel Rosa para o 6º Prêmio BRAVO! Bradesco Prime de Cultura chega ao fim com a homenagem do músico, ator, produtor e autor de trilhas sonoras André Abujamra. A música O Pulo da Hora, composta por Noel Rosa, foi remixada por Abujamra, que aproveitou também para contribuir com versos próprios. Abujamra começou sua carreira musical nos anos 80, na dupla Os Mulheres Negras, e em 2004, lançou seu primeiro CD solo, Infinito de Pé. Ao longo da carreira compôs a trilha sonora de mais de 40 filmes, entre eles Carlota Joaquina - A Princesa do Brazil (1995), de Carla Camurati, Carandiru (2003), de Hector Babenco, e Um Copo de Cólera (1999), de Aluisio Abranches.

Andre Abujamra Noel closes the series with remix work and additional verses in the samba music

Theatre Actor

O que acontece quando um ator se apaixona por um assunto e decide levá-lo ao palco?

The series Noel Award for the 6th BRAVO! Bradesco Prime Culture comes to an end with the honor of the musician, actor, producer and author of soundtracks Andre Abujamra. The song The Leap of Time, composed by Noel Rosa, was remixed by Abujamra, who also used to contribute with their own verses. Abujamra began his musical career in the ‘80s, The Black Women in duo and in 2004 released his first solo CD, Infinity Foot. Throughout his career he composed the soundtrack for more than 40 films including Carlota Jo-

Simplesmente Eu, Clarice Lispector. Para o espetáculo, a atriz Beth Goulart, que além de intérprete, assina o texto e a direção, releu toda a obra e biografia da autora. O trabalho de Beth lhe rendeu o Prêmio Shell 2009 de melhor atriz. Entre os temas marcantes da vida da escritora abordados no monólogo, estão: o amor - próprio, por filhos ou marido, pelo ser humano ou pela natureza -, inquietações existenciais, processo criativo e desejo de transcendência. Simplesmente Eu, Clarice Lispector Direção, adaptação e interpretação: Beth Goulart Local: CCBB-

-SP, Rua Álvares Penteado, 112, Centro, São Paulo-SP Tel: 11 3113-3651 De sexta a domingo. Até o dia 20/6. Ingresso: R$ 15

What happens when an actor falls for a subject and decides to take him to the stage? Simply Me, Clarice Lispector. For the show, actress Beth Goulart, who in addition to the interpreter, and direction signs the text, reread all the work and biography of the author. Beth’s work earned him the 2009 Shell Award for best actress. Among the salient themes of the writer’s life in a monologue addressed include: self - love, for children or husband, by humans or by nature - existential concerns, creative process and the desire for transcendence.

O Pulo da Hora

Escola de Belas Artes da Universidade Federal da Bahia. Em meados da década de 1990 foi reconhecido nacional e internacionalmente por seu trabalho. Há obras suas em museus importantes do mundo como Tate Modern de Londres e no Centre Georges Pompidou, em Paris.

Simply Me, Clarice Lispector Direction, adaptation and interpretation: Beth Goulart Location: CCBB, São Paulo, Rua Alvares Penteado 112, Centro, Sao Paulo-SP Tel: 11 3113-3651 From Friday to Sunday. Until the day 20 / 6. Admission: $ 15

aquina - Princess of Brazil (1995), by Carla Camurati, Carandiru (2003), Hector Babenco, and A Cup of Wrath (1999), Aluisio Abranches.

Janeiro

2011

10 arte e estilo

art and style

texto / write Fulano

de Tal FOTOS

/ PHOTOS

Fulano de Tal

Arte moderna Modern Art

Sob essa denominação podem ser considerados, generalizadamente, os diversos movimentos artísticos que se originaram no decurso do século XX.

Under this designation can be considered, generally, the various art movements that arose during the twentieth century.

MuBE Museu Brasileiro da Escultura

ciou, com seu colorido, os fauves e, com a carga emotiva de sua arte, os expressionistas. Fauvismo. O Fauvismo (fauve=fera, em francês) foi a primeira revolução artística do século XX, e se manifestou de 1905 a 1907. A rigor, não chega a constituir uma escola, sendo antes um grupo de pintores com idéias afins. Tal grupo expôs, pela primeira vez, em 1906, no Salão dos Indenpendentes. Liderava-o Matisse, sem dúvida o representante mais notável da tendência. Foi o crítico Vauxcelles quem deu nome ao movimento, ao dizer de uma escultura neoclásssica de Marque, rodeada de telas de cores violentas, dos companheiros de Matisse, que parecia “Donatello entre feras”. A nova denominação substituiu as anteriores: pintura incoerente e pintura invertebrada. Os pintores fauves pertenceram a três sub-grupos: o do atelier de Gustave Moreau e da Academia Carrière (Marquet, Manguin, Camoin), o Chatou (Dérain, Vlaminck) e o do Havre (Friesz, Dufy, Braque). Kees van Dongen, que aderiu ao Fauvismo, manteve-se independente. Tecnicamente, caracteriza-se pela equivalência da luz e pela construção do espaço com o auxilio exclusivo da cor; pela abolição do modelado e do jogo de luzes e sombras; pela simplificação dos meios expressivos até ao mínimo necessário; enfim, pela correspondência entre o elemento expressivo e o decorativo, com o apoio da composição. Cubismo. Coube ainda a Louis Vauxcelles batizar o Cubismo, ao dizer da pintura de Braque – ao que parece retomando um dito de Matisse - que não passava de “bizarrices cúbicas” (1908). O Cubismo durou de 1908 a 1914, e não tinham seus adeptos grandes preocupações teóricas (Picasso: “Quando fizemos o Cubismo, não tínhamos qualquer intenção de fazê-lo, mas sim de exprimir o que estava em nós”). Historicamente é possível distinguir entre Cubismo cézanniano (19071909), analítico (até 1912) e sin-

The first exhibition of modern art in Brazil was made in 1913 by Lasar Segall in Sao Paulo. The term “Modern Art”. Although internationally accepted, and therefore adopted here, the term “modern art” deserves repairs: (1) there is a modern art as opposed to an ancient art and distinctly separate from it: rather, all art is modern in the sense accompanying (and often exceeds) the zeitgeist in which it appears. Thus, Giotto is modern compared to Cimabue and Giotto Masaccio over, (2) modern art can be the appropriate term for the art corresponding to the Modern Era, which began, as is known, in 1453, Renaissance, Mannerism, Baroque, Rococo, Neoclassicism, Romanticism, Impressionism and the various artistic movements that followed Impressionism would not therefore subdivisions of modern art, this art would understand that five centuries: the sixteenth today. Precursors of Modern Art. Cézanne, Gauguin and Van Gogh are considered the three great pioneers of modern painting, clinging to the first original contribution to space, the composition of the second and third color. Paul Cézanne can be considered jointly as a precursor of Expressionism (“Temptation of St. Anthony, 1867) of Cubism, Fauvism and especially the (“ Card Players “). In a survey carried out in 1953, Braque, Jacques Villon, Leger and many other painters acknowledged his debt to the painter from Aix-en-Provence, stating flatly: “All we started the work of Cezanne.” Paul Gauguin also influenced the Fauves, and was the first to draw attention in the West, to primitive art and the archaic. Its biggest contribution to the art of the twentieth century lies in the fact that he was the precursor of non-figurative painters, the deliberate rejection of the modeled values, linear perspective, etc.. Vincent van Gogh, after all, influenced, with its colorful, the Fauves, and with the emotional charge of his art, the Expres-

sionists. Fauvism. The Fauvism (fauve = wild beast in French) was the first artistic revolution of the twentieth century, and manifested itself from 1905 to 1907. Strictly speaking, not enough to constitute a school, but rather a group of like-minded painters. This group showed for the first time in 1906, the Hall of Indenpendentes. Led him Matisse, arguably the most notable representative of the trend. It was the critical Vauxcelles who named the movement, saying in a neoclassical sculpture of Mark, surrounded by violent color screens, the companions of Matisse, who seemed “Donatello among wild beasts.” The new name replaced the earlier, inconsistent paint and painting invertebrate. The Fauves painters belonged to three sub-groups: the atelier of Gustave Moreau and the Academy Carrière (Marquet, Manguin, Camoin), the Chatou (Derain, Vlaminck) and Le Havre (Friesz, Dufy, Braque). Kees van Dongen, who joined Fauvism, remained independent. Technically, it is characterized by the equivalence of light and space construction with the help of the unique color, and modeled by the abolition of the play of light and shadows, by simplifying the means of expression to the minimum necessary, and finally, the correspondence between the element expressive and decorative, with the support of the composition. Cubism. Louis fell to baptize Vauxcelles Cubism, to say the painting by Braque - apparently said of returning to a Matisse - which was nothing more than oddities cubic “(1908). Cubism lasted from 1908 to 1914, and his followers had no major theoretical concerns (Picasso: “When we Cubism, we had no intention of doing it, but to express what was in us”). Historically it is possible to distinguish between Cezannesque Cubism (1907-

denominação “Arte Moderna”. Muito embora internacionalmente aceita, e por isso aqui adotada, a expressão “arte moderna” merece reparos: (1) não existe uma arte moderna em oposição a uma arte antiga e nitidamente separada dela: pelo contrário, toda arte é moderna, no sentido de que acompanha (e não raro ultrapassa) o espírito da época em que surge. Assim, Giotto é moderno em relação a Cimabue, e Masaccio em relação a Giotto; (2) arte moderna pode ser a denominação adequada para a arte correspondente à Era Moderna, iniciada, como é sabido, em 1453: Renascença, Maneirismo, Barroco, Rococó, Neoclassicismo, Romantismo, Impressionismo e os diversos movimentos artísticos que se seguiram ao Impressionismo não passariam, assim, de subdivisões da arte moderna, que desta arte compreenderia cinco séculos: XVI ao atual. Precursores da Arte Moderna. Cézanne, Gauguin e Van Gogh são considerados os três grandes precursores da Pintura moderna, prendendo-se a contribuição original do primeiro ao espaço, do segundo à composição e do terceiro à cor. Paul Cézanne pode ser considerado como precursor conjuntamente do Expressionismo (“Tentação de Santo Antonio”, de 1867), do Fauvismo e sobretudo do Cubismo (“Jogadores de Cartas”). Num inquérito levado a efeito em 1953, Braque, Jacques Villon, Léger e diversos outros pintores reconheceram sua dívida para com o pintor de Aix-em-Provence, afirmando peremptoriamente: “Todos partimos da obra de Cézanne.” Paul Gauguin influenciou também os fauves, e foi o primeiro a chamar a atenção, no Ocidente, para a arte primitiva e para a arcaica. Sua contribuição maior à arte do século XX reside no fato de ter sido ele o precursor dos pintores não figurativos, pela rejeição deliberada do modelado, dos valores, da perspectiva linear, etc. Vincent van Gogh, afinal, influen-

A primeira exposição de arte moderna no Brasil foi a efetuada em 1913 por Lasar Segall em São Paulo.

Janeiro

2011

12 arte e estilo

art and style

tético (até 1914). A primeira etapa começa com grandes retrospectivas de Seurat e sobretudo Cézanne em Paris, ao mesmo tempo em que a Escultura africana aparece em cena. De 1907 é “As Donzelas de Avignon”, de Picasso, considerada a primeira obra cubista. Em 1908 forma-se o grupo do Bateau-Lavoir, ao qual pertencem Apollinaire – autor de Pintores Cubistas e teórico máximo do movimento – Salmon, os Stein, etc. Os principais nomes a realçar nessa fase são os de Picasso e Braque. A fase analítica – denominação devida a Juan Gris – caracteriza-se pela decomposição crescente da forma: passa-se a dar, de um mesmo objeto, uma série de aspectos diferentes, retratando-se esse objeto não como é visto, mas como se sabe que é. O Cubismo analítico é, sob certos ângulos, a última conseqüência da Pintura representativa. Quanto ao Cubismo sintético, teve em Gris e em Léger seus principais adeptos. Signos plásticos tomam o lugar do processo imitativo, do qual começa a emancipar-se rapidamente a Pintura. “De um cilindro faço uma garrafa”, afirmou certa vez Juan Gris, numa frase que bem traduz a essência do Cubismo sintético, e que se opõe àquela outrora pronunciada por Cézanne: “Tratar a natureza por meio do cilindro, da esfera, do cone...” A guerra de 1914 pôs fim ao período criador do Cubismo, ao mesmo tempo em que, simbolicamente, sacrificava Guillaume Apollinaire, o grande exegeta do movimento. Futurismo. Surgiu em 1909, com o Manifesto Futurista publicado no Le Figaro, e de autoria do poeta italiano Marinetti. Os principais componentes do grupo foram Carrà, Boccioni, Russolo, Balla e Severini. Estende-se a fase áurea do movimento até 1918 e se prolonga até bem mais tarde, se bem que já sem a vitalidade inicial, na obra dos pintores como Rosai, Sironi, Prampolini. Tecnicamente o Futurismo pode ser definido como uma tentativa de adicio-

MuBE Museu Brasileiro da Escultura

nar o elemento dinâmico ao Cubismo, essencialmente estático. Sua grande contribuição à arte moderna consiste em ter despertado, com sua irreverência e rebeldia, aquilo a que se denominou de espírito moderno, e que iria fecundar de então por diante toda a arte do século XX. Expressionismo. O Expressionismo não é um movimento, mas uma constante da arte, manifestando-se de preferência em épocas de crises. O ódio racial e o genocídio, duas conflagrações mundiais e toda espécie de desajustamentos sociais, culminando com o estabelecimento das grandes ditaduras européias, explicam decerto a extraordinária vitalidade do Expressionismo, no século atual. Entre os precursores do moderno Expressionismo estão Van Gogh, Lautrec, Ensor, Munch e Hodler. A tendência surgiu por volta de 1910, conjuntamente em Munique e em Berlim, quando o grupo Cavaleiro Azul recebeu em seu seio quase todos os ex-componentes do grupo A Ponte, o qual foi, a seu turno, uma espécie de réplica germânica do Fauvismo. Dentro do Expressionismo formaram-se inúmeros subgrupos, como os já citados A Ponte (diretamente inspirado de Van Gogh, da Arte Negra e do Fauvismo) e do Cavaleiro Azul (de tendência abstrata), e como a Nova Objetividade, que quase pode ser definida como um figurativismo beirando a caricatura, e eivado de sátira feroz. O Expressionismo – que o crítico Langui acertadamente definiu como uma mistura da melancolia nórdica com o misticismo eslavo, a rusticidade flamenga, a angustia judaica e todasorte de obsessão germânica – espraiou-se da Alemanha para toda a Europa, e para a América, contando entre seus adeptos Rohlfs, Modersohn-Beker, Barlach, Hofer, Kokoschka, Kandinski, Feininger, Klee, Jawlensky, Dix, Kollwitz, Grosz, etc., nos países germânicos; Rouault e Grommaire, em França; De Smet, Van den Berghe e Permeke, na Bélgica; Sluyters, na Holanda; Solana, na Espanha; Soutine na Lituânia;

1909), analytical (until 1912) and synthetic (until 1914). The first step begins with major retrospective of Seurat and Cezanne mostly in Paris, while the African sculpture appears on the scene. From 1907’s “The Maids of Avignon”, Picasso, considered the first Cubist work. In 1908 he formed the group the Bateau-Lavoir, they belong to Apollinaire - author of Painters and Cubists theoretical maximum of the motion - Salmon, the Stein, etc.. The main names to highlight at this stage are those of Picasso and Braque. The analytical phase - the name due to Juan Gris - characterized by increasing decomposition of the form is to give the same object, a number of different aspects, portraying them not as if this object is seen, but as you know it is. Analytical Cubism is, under certain angles, the ultimate consequence of representative painting. As to Synthetic Cubism, Gris and took Léger its main supporters. Plastic signs take the place of the imitative process, which begins to rapidly emancipate the painting. “From a cylinder make a bottle,” he once told Juan Gris, a phrase that well reflects the essence of Synthetic Cubism, which is opposed to that once uttered by Cezanne: “Treat nature by the cylinder, sphere, cone ... “ The war of 1914 ended the period creator of Cubism, while it symbolically sacrificed Guillaume Apollinaire, the great exegete of the movement. Futurism. Emerged in 1909 with the Futurist Manifesto in Le Figaro published and authored by the Italian poet Marinetti. The main components of the group were Carrà, Boccioni, Russolo, Balla and Severini. It extends the heyday of the movement until 1918 and has continued until much later, though no longer the original vitality in the work of painters such as Rosai, Sironi, Prampolini. Technically Futurism can be defined

as an attempt to add the dynamic element to Cubism, essentially static. His great contribution to modern art is to have awakened with his irreverence and rebellion, what is called the modern spirit, and would then fertilize on the whole art of the twentieth century. Expressionism. Expressionism is a movement, but one constant art, manifesting preferably in times of crises. Racial hatred and genocide, two world conflagrations, and all manner of social maladjustments, culminating in the establishment of the great European dictatorships, certainly explain the extraordinary vitality of Expressionism, in the present century. Among the forerunners of modern Expressionism are Van Gogh, Lautrec, Ensor, Munch and Hodler. The trend appeared around 1910, together in Munich and Berlin, when the Blue Rider group received in her bosom almost all former members of the group The Bridge, which was, in turn, a sort of replica of the German Fauvism . Inside Expressionism formed several subgroups, such as the aforementioned The Bridge (directly inspired by Van Gogh, of African Art and the Fauvism) and the Blue Rider (tending to the abstract), and as the New Objectivity, which can almost be defined as a figurative verging on caricature, and riddled with fierce satire. Expressionism - that the critic Langui aptly described as a mixture of Nordic melancholy Slavic mysticism with the hardiness Flemish, the anguish of Jewish and todasorte Germanic obsession spilled over from Germany to all over Europe and America, counting among its adherents Rohlfs, Modersohn-Beker, Barlach, Hofer, Kokoschka, Kandinsky, Feininger, Klee, Jawlensky, Dix, Kollwitz, Grosz, etc.., in the Germanic countries, and Grommaire Rouault in France, De Smet, Van den Berghe and Permeke , Belgium; Sluyters, The Netherlands; So-

13 Janeiro

2011

14 arte e estilo

art and style

Bem Shahn e De Kooning, nos E.U.A.; Rivera, Orozco, Tamayo e Siqueiros, no México; Portinari e Segall, no Brasil. O Expressionismo reagiu contra o impressionismo e o Naturalismo, opondo-se à afirmativa de Zola, segundo a qual a arte seria “a natureza vista através de um temperamento”. Para os expressionistas, o temperamento deve sobrepujar a natureza. A linha no desenho de índole expressionista, adquire valor fundamental, ao mesmo tempo em que as cores simples, elementares, passam a substituir os tons e nuances impressionistas. A própria cor adquire valor de símbolo, como queria Van Gogh – o Van Gogh que escreveu ter procurado, com emprego do vermelho e do verde, “exprimir as terríveis paixões humanas”... Construtivismo. Surgiu na Rússia por volta de 1913, com Tatlin, Gabo, Pevsner, El Lissitzky. Reagia contra os excessos do Cubismo e do Expressionismo. Os construtivistas retornaram ao cilindro, à esfera e ao cone cézannianos, restringindo-se ao uso das cores primárias. Foram os primeiros a trazer para a arte moderna a paixão pela máquina e pelo produto oriundo da técnica. Movimento afim ao construtivista surgiu na Holanda, em 1917: o encabeçado pela equipe da revista O Estilo (Van Doesburg, Vantongerloo, sobretudo, Piet Mondrian). De O Estilo surgiria o Neoplasticismo de Mondrian (1920), cuja influência seria muito grande, gerando inclusive, no Brasil, os movimentos concreto e neoconcreto, ambos de fins da década de 1950. Suprematismo. Nascido do Construtivismo, é dele diferenciável por uma

ainda maior austeridade. Malevitch foi o seu criador, em 1913. O Suprematismo é o limite extremo a que chegou a Pintura de índole não-representativa. Arte Metafísica. Desenvolveu-se entre 1910 e 1917, graças a De Chirico, Carrà, Morandi e Severini. Trata-se de um estilo fantástico, no qual vistas de cidades, paisagens desoladas, estranhas naturezas mortas e figuras compósitas são tratadas como se não pertencessem ao mundo físico. Desde Bosh e Arcimboldo, não atingia a arte ocidental a tão elevado grau de abstração e fantasia. Dadá. O movimento dadaísta irrompeu ao mesmo tempo na França, com André Breton, Eluard, Soupault; na Suíça, com Tristan Tzara e Arp; nos E.U.A., com Marcel Duchamp; na Alemanha, com Schwitters. Inspiravam-no os escritos de Lautréamont e as colagens de Picasso, bem como a arte metafísica de De Chirico. Estilo de após-guerra, afirmava como essência e finalidade de tudo, da arte inclusive, o absurdo. Até 1922 caracterizou-o um feroz niilismo; de então por diante (e esse seu título maior) preparou o caminho para o Surrealismo, com o qual terminaria por se confundir. Surrealismo. A arte metafísica, o Dadaísmo e os escritos de Freud originaram o Surrealismo, já anunciado por artistas como Bosh, Baldung Grien, Arcimboldo, Goya, Füssli, etc. O Surrealismo não busca a destruição da cultura, como o Dadaísmo: pelo contrário, coloca-se numa posição construtivista. As bases do movimento estão no Manifesto de 1924, redigido pelo poeta André Breton, para quem o Surrealismo se resume “no automatismo psíquico puro, pelo qual se procura exprimir, seja de que maneira for, o funciona-

lana, Spain; Soutine in Lithuania; Well Shahn and de Kooning, USA; Rivera, Orozco, Siqueiros and Tamayo, Mexico; Portinari and Segall, Brazil. Expressionism reacted against Impressionism and Naturalism, opposing the affirmative Zola, according to which art is “nature seen through a temperament.” To the Expressionists, temperament must overcome nature. The line drawing of the expressionist nature, acquires a fundamental value, while the colors simple, basic, start to replace the shades and nuances Impressionists. The color itself becomes more valuable symbol, as I wanted to Van Gogh - Van Gogh who wrote to have sought, with the use of red and green, “to express the terrible passions of men” ... Constructivism. Appeared in Russia around 1913, with Tatlin, Gabo, Pevsner, El Lissitzky. Reacted against the excesses of Cubism and Expressionism. Constructivists returned to the cylinder, the sphere and the cone Cezannesque, restricting the use of primary colors. Were the first to bring modern art machine and a passion for the product from the technique. Akin to the constructivist movement arose in Holland in 1917: the team led by the magazine Style (Van Doesburg, Vantongerloo especially Piet Mondrian). Style arise from the Neoplasticism Mondrian (1920), whose influence would be very large, even generating, in Brazil, the concrete movements and neo, both from the late 1950s. Suprematism. Born of Constructivism,

it is distinguishable by an even greater austerity. Malevich was the creator, in 1913. The Suprematism is the extreme limit reached by the nature of painting non-representational. Metaphysical Art. Developed between 1910 and 1917, thanks to De Chirico, Carrà, Severini and Morandi. This is a fantastic style, in which views of cities, desolate landscapes, still lifes and weird composite figures are treated as if they were in the physical world. Since Bosh and Arcimboldo, did not reach Western art to such a high degree of abstraction and fantasy. Dada. The Dadaist movement erupted at the same time in France with André Breton, Eluard, Soupault, in Switzerland, with Tristan Tzara and Arp, USA, Marcel Duchamp, in Germany, with Schwitters. It inspired the writings of Lautréamont and collages of Picasso and the metaphysical art of De Chirico. Style postwar claimed as the essence and purpose of everything, including art, the absurd. Until 1922 it featured a ferocious nihilism; from then on (and that his greatest title) paved the way for surrealism, with which end up getting confused. Surrealism. The metaphysical art, Dadaism and the writings of Freud led to Surrealism, which was announced by artists such as Bosch, Grien Baldung, Arcimboldo, Goya, Füssli, etc.. Surrealism is not seeking the destruction of culture, such as Dada: on the contrary, there is a constructivist position. The foundations of the movement are in the Manifesto 1924, written by the poet André Breton,

A primeira exposição de arte moderna no Brasil foi a efetuada em 1913 por Lasar Segall em São Paulo. The first exhibition of modern art in Brazil was made in 1913 by Lasar Segall in Sao Paulo.

MuBE Museu Brasileiro da Escultura

A. nOME DA OBRA, ARTISTA. A presença desais dinâmico centro urbano de nosso país, a cidade de São Paulo, constitui um belo momento no qual a criação estética The presence of this body of work in the most dynamic urban center of our country, the city of Sao Paulo, is a beautiful moment in which to create aesthetic and architectural landscape make up B. nOME DA OBRA, ARTISTA. A presença desais dinâmico centro urbano de nosso país, a cidade de São Paulo, constitui um belo momento no qual a criação estética The presence of this body of work in the most dynamic urban center of our country, the city of Sao Paulo, is a beautiful moment in which to create aesthetic and architectural landscape make up C. nOME DA OBRA, ARTISTA. A presença desais dinâmico centro urbano de nosso país, a cidade de São Paulo, constitui um belo momento no qual a criação estética The presence of this body of work in the most dynamic urban center of our country, the city of Sao Paulo, is a beautiful moment in which to create aesthetic and architectural landscape

Janeiro

2011

16 arte e estilo

art and style

MuBE Museu Brasileiro da Escultura

tos estilos quantos são os pintores que o praticam. A influência dos ideogramas orientais fez-se sentir mais recentemente sobre os tachistas (do francês tache, mancha), liderados por Wols e Fautrier, e sobre os adeptos da Action Painting, ou pintura do gesto, capitaneados por Pollock, Kline, Tobey, etc. Os Independentes. À margem de tendências e de movimentos, a arte moderna presenciou o aparecimento de pintores independentes,que sofreram, é certo, a influência dessa ou daquela estética, mas sem se apegarem nunca a nenhuma em caráter definitivo. Os principais entre tais artistas são Utrillo e Modigliani, Soutine e Kokoschka, Chagall e Rouault – em verdade, alguns dos mais notáveis artistas do século. A Arte Moderna no Brasil. A primeira exposição de arte moderna no Brasil foi a efetuada em 1913 por Lasar Segall em São Paulo. Despertou maiores reações a de Anita Malfatti, realizada ainda em São Paulo, em 1916. Sempre em São Paulo, realizou-se em 1922 a Semana da Arte Moderna, de que participaram Di Cavalcanti, Brecheret e Goeldi. A Semana teve a vantagem de tornar nacional um movimento até então puramente local. No Brasil repercutiram fracamente movimentos como Cubismo (que influiu, porém, sobre o Pau-Brasil, de 1926, e o antropofagista, de 1928, de Tarsila do Amaral), o Futurismo, a Arte Metafísica, o Surrealismo. Um construtivismo retardado originou-se no Rio de Janeiro e em São Paulo sob a denominação de Concretismo, logo seguido pelo Neoconcretismo, na década de 1950. Quanto ao Expressionismo, tem em Segall e em Portinari seus principais seguidores, e no setor da gravura gerou um mestre como Goeldi, falecido em 1961. Os principais “ingênuos” nacionais são, no Rio de Janeiro, Heitor dos Prazeres, em São Paulo, José Antônio da Silva. Logo após a II Guerra Mundial, o Realismo Social fez seu aparecimento, com artistas como Scliar e Glauco Rodrigues, que depois iriam conduzir suas pesquisas.

The first exhibition of modern art in Brazil was made in 1913 by Lasar Segall in Sao Paulo. who comes down Surrealism “in pure psychic automatism, by which it seeks to express, in whatever way it is, the actual workings of the human mind.” Are the main surrealist Dali, Ernst, Arp, Klee, Miro, Tanguy, Magritte, and more recently Dubuffet, Matta and Lam Painting “Jackass.” The cubist painting discovered in 1905 by Henri Rousseau. Thus began the recovery of the painting “naive”, sometimes called (erroneously) “primitive.” The painter was not naive academic learning, producing an absolute necessity for speech. It is believed that a realistic closely, and aims only to copy with the greatest fidelity to nature - adding, however, to print, some poetic element, it is innate. The colorful, more often than not, is free, design, economic. In addition to Rousseau, it became especially the “naive” Séraphine (18641934), Vivin (1861-1936), Bombois (b. 1883), Bauchant (1873-1958). Social Realism. For theorists of socialist realism, the art is for the proletariat and must be rejected as false the exceeding your understanding. The end of art would then “help the proletariat to attain its targets.” This artistic theory, officially adopted by the USSR, won adherents in many countries, after the last war and, despite counting among its faithful with artists from the category of Rivera, Orozco, Tamayo, Siqueiros, almost slid for a cold academicism. Abstract trends. The movement against naturalism in the present century reached its peak. Dating from the first non-figurative works, as was said, from before 1914. But after 1945 is that abstract art came to be introduced in almost all countries. With the difference that before 1914, abstract art was intellectually disciplined, clinging to the geometric shape, order, harmony, now, after 1945, what happened was a victory for an abstraction based not on reason but on intuition. Abstraction to what was

called Abstract Expressionism, which is divided into nearly as many styles as there are painters who practice it. The influence of oriental ideograms was felt most recently on tachiste (from the French tache, stains), headed by Wols and Fautrier, and on supporters of Action Painting, or painting of gesture, captained by Pollock, Kline, Tobey, etc. . The Independent. On the sidelines of trends and movements in modern art has witnessed the emergence of independent artists, who have, admittedly, the influence of this or that aesthetic, but never without clinging to any permanently. Chief among these artists are Utrillo and Modigliani, Soutine and Kokoschka, Chagall and Rouault - in fact, the most notable artists of the century. The Modern Art in Brazil. The first exhibition of modern art in Brazil was made in 1913 by Lasar Segall in Sao Paulo. Aroused the greatest comebacks of Anita Malfatti, still held in Sao Paulo in 1916. Where in St. Paul, took place in 1922, the Modern Art Week, attended by Di Cavalcanti, and Brecheret Goeldi. The week had the advantage of becoming a national movement hitherto purely local. In Brazil echoed faintly movements like Cubism (which influenced, however, about the Pau-Brazil, 1926, and cannibalism, 1928, Tarsila ‘s), Futurism, Metaphysical Art, Surrealism. A delayed constructivism originated in Rio de Janeiro and Sao Paulo under the name Concrete, followed by Neoconcretismo, in the 1950s. How to Expressionism takes Segall Portinari and his chief followers, and the sector generated a master of printmaking as Goeldi, who died in 1961. The main “naive” citizens are in Rio de Janeiro, Heitor dos Prazeres, Sao Paulo, Jose Antonio da Silva. Shortly after World War II, the Social Realism has made its appearance, with artists like Scliar and Glauco Rodrigues, who would then conduct research.

mento real da mente humana”. Os principais surrealistas são Dalí, Ernst, Arp, Klee, Miro, Tanguy, Magritte, e mais recentemente Dubuffet, Matta e Lam. Pintura “Ingênua”. Os cubistas descobriram em 1905 a pintura de Henri Rousseau. Assim começou a valorização da pintura “ingênua”, às vezes chamada (erroneamente) “primitiva”. O pintor ingênuo não teve aprendizagem acadêmica, produzindo por absoluta necessidade de expressão. Julga-se intimamente um realista, e tem em mira copiar com a maior fidelidade a natureza – adicionando, porém, à cópia, certo elemento poético, que lhe é inato. O colorido, o mais das vezes, é livre; o desenho, econômico. Além de Rousseau, celebrizaram-se especialmente os “ingênuos” Séraphine (1864-1934), Vivin (1861-1936), Bombois (n. 1883), Bauchant (1873-1958). Realismo Social. Para os teóricos do realismo social, a arte se destina ao proletariado, devendo ser rejeitada como falsa a que ultrapasse o seu entendimento. O fim da arte seria então “ajudar o proletariado a atingir os seus destinos”. Essa teoria artística, adotada oficialmente pela U.R.S.S., conquistou adeptos em vários países, logo após a última guerra e, a despeito de contar entre os seus fiéis com artistas da categoria de Rivera, Orozco, Tamayo, Siqueiros, quase descambou para um frio academicismo. Tendências Abstratas. O movimento contra o Naturalismo atingiu no século atual seu ponto máximo. Datam as primeiras obras não-figurativas, como ficou dito, de antes de 1914. Mas após 1945 é que o Abstracionismo veio a ser introduzido em quase todos os países. Com a diferença de que, antes de 1914, a arte abstrata era intelectualmente disciplinada, apegando-se à forma geométrica, à ordem, à harmonia; ora, após 1945, o que se viu foi a vitória de um abstracionismo não mais baseado na razão, mas na intuição. Abstracionismo a que se chamou de Expressionismo Abstrato, e que se divide em quase tan-

A primeira exposição de arte moderna no Brasil foi a efetuada em 1913 por Lasar Segall em São Paulo.

Janeiro

2011

Edvard Munch

biograFia

biograpHy

texto / write Fulano

de tal FotoS

/ PHotoS

EDVarD MUncH

Fulano de tal

MuBE Museu Brasileiro da Escultura

OS tRABAlhOS ASSuStADORAmente intROSPeCtiVOS DO ARtiStA nORueguêS eDVARD munCh mARCARAm um DOS mAiS imPORtAnteS mOVimentOS ARtíStiCOS DO SéCulO 20, O eXPReSSiOniSmO. ThE hAUnTInGLY InTRoSPECTIVE WoRK of noRWEGIAn ARTIST EDVARD MUnCh hAVE MARKED onE of ThE MoST IMPoRTAnT ARTISTIC MoVEMEnTS of 20Th CEnTURY ExPRESSIonISM. The hauntingly introspective work of norwegian artist Edvard Munch have marked one of the most important artistic movements of 20th century expressionism. Munch was born in the town where he is today oslo and, after his mother died of tuberculosis in 1868, was educated by his father. The father’s mental illness profoundly affected Munch and intensely personal statements of his paintings were an echo of her troubled life: “Sickness, insanity and death were the angels that surrounded my cradle and followed me throughout my life.” Munch began his studies in 1881 at the Royal School of Design of Kristiania (later oslo). In 1885 the artist traveled to Paris where he first encountered the work Impressionist and Post-Impressionists Manet and Cezanne. Stylistically influenced by post-impressionists, the center of the work of Munch’s symbolist in content, depicting a state of mind rather than an external reality. During his career, Munch traveled from norway, Paris and Berlin and became a prominent member of the circles “avant-garde” in each locality. At the turn of the century, in Berlin, Munch began to experience a variety of new media, including photography, color lithography and carvings in wood, in many cases working their old pictures again. During the nazi period, his works were classified as “degenerate art” and excluded from German museums. Being a tremendously prolific artist and one of the most influential of the period, pictures of Munch’s psychological issue continues to captivate modern audiences.

s trabalhos assustadoramente introspectivos do artista norueguês Edvard Munch marcaram um dos mais importantes movimentos artísticos do século 20, o expressionismo. Munch nasceu na localidade onde hoje se encontra Oslo e, após a morte de sua mãe, de tuberculose, em 1868, foi educado por seu pai. A doença mental do pai afetou profundamente Munch e as afirmações intensamente pessoais de suas pinturas foram um eco de sua vida problemática: “Doença, insanidade e morte foram os anjos que cercaram o meu berço e me perseguiram por toda a minha vida.” Munch começou seus estudos em 1881, na Royal School of Design de Kristiania (mais tarde Oslo). Em 1885 o artista viajou para Paris, onde primeiro encontrou os trabalhos impressionistas e pós-impressionistas de Manet e Cézanne. Estilisticamente influenciado pelos pós-impressionistas, o centro dos trabalhos de Munch é simbolista em seu conteúdo, retratando um estado de espírito mais do que uma realidade externa. Durante sua carreira, Munch viajou entre Noruega, Paris e Berlim e se tornou membro proeminente dos círculos “avant-garde” em cada localidade. Na virada do século, em Berlim, Munch começou a experimentar uma variedade de novas mídias, inclusive a fotografia, litografia colorida e entalhes na madeira, em muitas situações trabalhando novamente suas velhas imagens. Durante o período nazista, suas obras foram classificadas como “arte degenerada” e excluídas dos museus alemães. Sendo um artista tremendamente prolífero e um dos mais influentes do período, as imagens psicológicas controvertidas de Munch continuam a cativar o público moderno.

Janeiro

2011

20 exposição de capa

Display cover

texto / write Fulano

de Tal FOTOS

/ PHOTOS

Fulano de Tal

nOME DA OBRA, ARTISTA. A presença desais dinâmico centro urbano de nosso país, a cidade de São Paulo, constitui um belo momento no qual a criação estética The presence of this body of work in the most dynamic urban center of our country, the city of Sao Paulo, is a beautiful moment in which to create aesthetic and architectural landscape

MuBE Museu Brasileiro da Escultura

Brecheret

mulheres de corpo e alma

Brecheret - women, body and soul

O tema da mulher na arte de Victor Brecheret (1894-1955) ocupa uma posição importante e privilegiada. Com efeito, a figura feminina está presente na maior parte da sua extensa produção, que percorre quase quatro décadas. The theme of women in art Brecheret Victor (1894-1955) occupies an important and privileged. Indeed, the female figure is present in most of his vast production, which runs nearly four decades. Janeiro

2011

22 exposição de capa

Display cover

Women in art comes from Brecheret manifestation of archetypes, the condition defined by C. G. Jung (1875-1961) as models of innate female, which serve as headquarters for various sensitive developments and formal, as sources of past emotional patterns of our thoughts, feelings, instincts and behaviors. It is a recurring theme that comes and goes in the path of the artist dressed in different ways, material and emotional atmospheres. Exposure Brecheret - Women's Body and Soul wants to present the eternal female artist, his art is related to the anima, the feminine that dwells in every man and therefore the artist sculptor, emerging in his psyche, his moods, feelings, intuitions , receptivity to non-rational, the capacity to love, sensitivity to nature. It was no accident that Jung, in 1920, defines art as "the purest expression there for demonstration of the unconscious of each one. Is freedom of expression, is sensitivity, creativity is life. " It is important to emphasize the sculptural lineage Brecheret, unlike sculptors who hew the stone in the process of stone carving to perform his work, Michelangelo (1475-1564), who advocated and defined as being the real sculpture. Brecheret was, above all, a sculptor that added weight for modeling, a modeler's tireless loam, moist clay that artfully formed his sculptures. There is a sense heavily female, working with clay, the earth, direct symbol of the Great Mother who gives birth to creatures. At the same time, Brecheret called his sculptures as "daughters", feeling a magician, a creator of his father works. Preferring the direct creation with clay, Brecheret was concerned about giving a warm tone and unique to your loved ones and terracotta "daughters." With care, bathing with buttermilk - whey. This whitish

liquid gave a special glow to the terracotta, lighter shades, while the small white clots were inserted in the recesses of the piece, adding more lighting. It is a mark of their differential terracotta. Both small and large pieces are prevalent in the female nudes, which are generated by modeling the earth, wet clay, essential material in the work of Brecheret. The relationship is direct with the feminine symbolism of Earth as the Great Mother, Gaia, Ge or Ge, and key element of a latent potential generating unlimited. To better understand the art of sculpture Brecheret master, one must reflect on the true nature of sculpture. Very different from the two-dimensionality of the painting, the sculpture is already three-dimensional, its role becomes effective in terms of sense of fashion, moving outward, open and closed spaces. The book penetrates the surrounding areas and shares of the observer himself. Every carving down a dialogue between bodies extremely strong; between it and the observer. The sculptural work offers an opportunity for contemplation as well as sensory pleasure by his physical presence, in the same space as the physical body of the public. By its nature, therefore, is an art that calls for sensitivity and sensuality, because it develops immediate visual stimuli in relation to the form, body, texture, movement in space. Usually, walking around the work creates new visual sensations, emotional and sensitive fashion, light-colored and contemplation of the meaning. This turn around the work generates significant experiences, new perspectives that appear or lighting that runs on the volume changes, and some of the ways is echoed in our personal imagery. Finally, the sculpture ends up with this fascinating game of sensory aesthetic and psychological nuances.

Brecheret foi, acima de tudo, um escultor que agregava massa para modelar formas Brecheret was, above all, a sculptor that added weight for modeling MuBE Museu Brasileiro da Escultura

mulher na arte de Brecheret provém da manifestação de arquétipos, na condição definida por C. G. Jung (1875-1961) como modelos do feminino inatos, que servem de matrizes para diferentes desenvolvimentos sensíveis e formais; como fontes últimas dos padrões emocionais de nossos pensamentos, sentimentos, instintos e comportamentos. É um tema recorrente, que vai e volta na trajetória do artista travestido de diferentes formas, materiais e atmosferas emocionais. A exposição Brecheret – Mulheres de Corpo e Alma quer apresentar o eterno feminino do artista, a sua arte relacionada à anima, o feminino que habita em todo homem e, portanto, no artista escultor, emergindo na sua psique, seus humores, sentimentos, intuições, receptividade ao não racional, à capacidade de amar, à sensibilidade à natureza. Não foi por acaso que Jung, em 1920, definiu a arte como “a expressão mais pura que há para a demonstração do inconsciente de cada um. É a liberdade de expressão, é sensibilidade, criatividade, é vida”. É importante ressaltar a linhagem escultórica de Brecheret, diferentemente dos escultores que desbastam a pedra no processo de talha direta para a realização de sua obra, como Michelangelo (1475-1564), que preconizava e definia como sendo a verdadeira escultura. Brecheret foi, acima de tudo, um escultor que agregava massa para modelar formas, um incansável modelador da greda, o barro úmido que, habilidosamente, constituía suas esculturas. Há um sentido fortemente feminino, o trabalhar com o barro, com a terra, símbolo direto da grande Mãe, que dá origem às criaturas. Ao mesmo tempo, Brecheret chamava suas esculturas como “suas filhas”, sentindo-se um taumaturgo, um pai criador de suas obras. Preferindo essa criação direta com o barro, Brecheret preocupava-se em dar uma tonalidade quente e singular a suas amadas terracotas e “filhas”. Com cuidado, as banhava com

leitelho – soro de leite. Esse líquido esbranquiçado dava um brilho especial às terracotas, clareando as tonalidades, ao mesmo tempo em que os pequenos coágulos brancos se inseriam nas reentrâncias da peça, agregando maior luminosidade. É uma marca diferencial de suas terracotas. Tanto nas pequenas como nas grandes peças são predominantes os nus femininos, que são gerados pela modelagem da terra, argila úmida, material essencial na obra de Brecheret. A relação é direta com o simbolismo feminino da Terra, como grande Mãe, a deusa Gaia, Geia ou Gê, elemento primordial e latente de uma potencialidade geradora ilimitada. Para melhor compreender a arte da escultura do mestre Brecheret, deve-se refletir sobre a verdadeira natureza da escultura. Bem diferente da bidimensionalidade da pintura, a escultura é já tridimensional, a sua função torna-se efetiva em termos de sensação de forma, de movimento para fora, de espaços abertos e fechados. A obra penetra espaços circundantes e compartilha os do próprio observador. Toda escultura estabelece um diálogo entre corpos extremamente forte; entre ela e quem a observa. A obra escultórica oferece uma oportunidade de contemplação, bem como de prazer sensível por sua presença física, no mesmo espaço do corpo físico do público. Por sua natureza, portanto, é uma arte que apela à sensibilidade e à sensualidade, porque desenvolve imediatos estímulos visuais em relação à forma, ao corpo, à textura, ao movimento no espaço. Usualmente, o caminhar em torno da obra cria novas sensações visuais, emocionais e sensíveis da forma, luz-cor e contemplação do significado. Essa volta em torno da obra gera experiências significativas, em que novas perspectivas aparecem ou a iluminação que escorre sobre os volumes se modifica, e alguma das formas encontra eco em nosso imaginário pessoal. Enfim, a escultura acaba por fascinar com esse jogo sensório de nuances estéticas e psicológicas.

C. nOME DA OBRA, ARTISTA. A presença desais dinâmico centro urbano de nosso país, a cidade de São Paulo, constitui um belo momento no qual a criação estética The presence of this body of work in the most dynamic urban center of our country, the city of Sao Paulo, is a beautiful moment in which to create aesthetic and architectural landscape

Janeiro

2011

24 cinema

movie

texto / write Fulano

de Tal FOTOS

/ PHOTOS

Fulano de Tal

Trata-se de um filme para quem gosta de teatro. Baseado numa peรงa, tem longos diรกlogos, densos e intrincados This is a movie for people who like theater. Based on a play, has lengthy dialogues, dense and intricate

MuBE Museu Brasileiro da Escultura

O Libertino The Libertine

um ótimo elenco, com Johnny Depp, Samantha Morton e John Malkovich, um bom texto e excelentes técnicos

e algo o Brasil aprendeu nessa Copa do Mundo, foi que um conjunto de craques não forma um bom time. O mesmo pode ser dito do filme O Libertino, estréia da direção de Laurence Dunmore. Tinha um ótimo elenco, com Johnny Depp, Samantha Morton e John Malkovich, um bom texto e excelentes técnicos, no caso, o músico inglês Michael Nyman, o designer Ben van Os na direção de arte e a figurinista Dien van Straalen (os dois últimos são holandeses), todos egressos dos filmes de Peter Greenaway. Todos juntos não conseguiram fazer um bom filme, apenas os talentos individuais brilham. Conta a história do conde de Rochester, autor lascivo e lúbrico responsável por algumas peças escandalosas da segunda metade do século 17 – Sodoma, uma das peças apresentadas no filme, foi escrita em 1647. É um autor citado pelo crítico Samuel Johnson e por escritores célebres, como Voltaire e Graham Greene. Charlotte Brönte nomeou um de seus personagens do romance Jane Eyre numa referência a ele. Sua obra está esquecida, não logrou o êxito do francês Marquês de Sade. Trata-se de um filme para quem gosta de teatro. Baseado numa peça, tem longos diálogos, densos e intrincados, que necessita atenção e concentração

para acompanhar – ou seja, 90% do público do cinema hoje não vai dar conta. Há frases filosóficas, embates verbais e tensas discussões sobre fazer teatro e sua função social. Afinal, Shakespeare já havia morrido, sua herança colossal pesava nos novos autores e a Inglaterra, falida e prestes a uma guerra com a França, tentava recuperar o prestígio político e cultural com o retorno de Carlos II ao trono, a chamada Restauração Inglesa. John Malkovich interpreta o rei (interpretou o libertino no teatro numa versão montada em Chicago), com o mesmo distanciamento cínico de todos os seus papéis recentes. Johnny Depp vai no mesmo diapasão. Nenhum dos dois dá o melhor de si, repetem maneirismos, exageram nos tiques e sobram no pernosticismo. Sobra para Samantha Morton, a atriz sem talento e prostituta egoísta (no filme, claro), os melhores momentos. Enquanto declama os versos de Ofélia, Michael Nyman a acompanha no piano. Seu sotaque inglês, perfeita dicção e furiosa concatenação de frases deixam claro que ela é uma atriz, uma excelente e grande atriz, independente do papel que faça, como quer sua personagem. Mas o diretor se perde em bobagens, excessos de luz e sombra (recria uma Londres cheia de ratos e enlameada), imagem granulada, pois filmou tudo em luz natural.

If Brazil learned something in this World Cup, which was a set of aces is not a good team. The same can be said of the film The Libertine, premiere directed by Laurence Dunmore. He had a great cast, with Johnny Depp, Samantha Morton and John Malkovich, a good text and excellent technicians, in the case, the English musician Michael Nyman, the designer Ben van Os in art direction and costume designer Dien van Straalen (the latter two are Dutch), all graduates of the films of Peter Greenaway. All together they failed to make a good movie, only the individual talents shine. It tells the story of the Earl of Rochester, lewd and lascivious author responsible for some scandalous parts of the second half of the 17th century - Sodom, one of the pieces presented in the film, was written in 1647. He is an author quoted by the critic Samuel Johnson and famous writers such as Voltaire and Graham Greene. Charlotte Bronte named one of his characters in the novel Jane Eyre in a reference to it. His work is forgotten, failed the success of the French Marquis de Sade. This is a movie for people who like theater. Based on a play, has lengthy dialogues, dense and intricate, requiring attention and concentration to follow - ie

90% of moviegoers today will not give account. There are philosophical phrases, verbal confrontations and tense discussions about doing theater and its social function. After all, Shakespeare was dead, its colossal legacy and new authors weighed in England, broke and about to a war with France, attempted to regain the prestige and political culture with the return of Charles II to the throne, called the English Restoration. John Malkovich plays the king (played the libertine at the theater in a version assembled in Chicago), with the same cynical detachment from all his recent roles. Johnny Depp goes in the same vein. Neither gives the best, repeat mannerisms, tics and overdid the left in the pernosticismo. Left for Samantha Morton, the actress and prostitute selfish untalented (in the movie, of course), the best moments. While Ophelia recites the verses, Michael Nyman accompanies on piano. His English accent, perfect diction and furious concatenation of phrases make it clear that she is an actress, a great-great actress, regardless of role you do, how you want her character. But the head is lost in foolishness, excessive light and shadow (recreates a London full of rats and muddy), grainy as all filmed in natural light.

a great cast, with Johnny Depp, Samantha Morton and John Malkovich, a good text and excellent technical

Janeiro

2011

26 entrevista

interview

texto / write Fulano

de Tal FOTOS

/ PHOTOS

Fulano de Tal

MuBE Museu Brasileiro da Escultura

Nina Pandolfo As pinturas de Nina têm um estilo bem definido, tudo pintado detalhadamente com personagens delicadas de olhos grandes e em situações quase sempre bucólicas. Nina’s paintings have a well-defined style, all painted in detail with characters with big eyes and delicate situations in almost bucolic.

ma das mais conhecidas artistas da cena “Street Art” que também tem seus trabalhos em Galerias. Junto com o seu grupo que incluem os gêmeos e o artista Nunca, eles têm pintado grandes murais tanto em São Paulo quanto no exterior. As pinturas de Nina têm um estilo bem definido, tudo pintado detalhadamente com personagens delicadas de olhos grandes e em situações quase sempre bucólicas. Após conhecermos melhor a artistas sentimos que as personagens e o mundo de Nina se fundem em uma visão otimista e alegre do mundo.

One of the most famous artists of the “Street Art” also has his works in galleries. Along with his group which includes the Twins and the artist never, they have large murals painted in Sao Paulo and abroad. Nina’s paintings have a well-defined style, all painted in detail with characters with big eyes and delicate situations in almost bucolic. After the artists feel better knowing that the characters and world of Nina merge into a cheerful and optimistic vision of the world.

Janeiro

2011

28 entrevista

interview

REViEW. ninA, fAle um POuCO SOBRe VOCê. NiNA pANDOLFO. 33 anos bem

vividos, segundo grau completo, moro em SP e amo bichos, doces, curto demais crianças. Gosto de pintar... R. COmO é O Seu DiA-DiA? Np. Tenho uma pequena rotina pela

manhã, cuido de meus bichinhos, coloco comida para os passaros da rua e vou trabalhar em meu atelie onde só saiu de noite, e dependendo tarde da noite. fico o tempo todo lá, criando, pintando... R. O gRAfite é umA ARte que muitAS PeSSOAS AinDA tORCem O nARiz, CReiO eu que POR PuRA fAltA De COnheCimentO, mAS COmO VOCê Se Sente em leVAR umA ARte CARACteRizADA COmO "De RuA" PARA gAleRiAS e eXPOSiçõeS POR tODO O munDO? Np. Bom, antes de me tornar uma

artista que trabalha nas ruas, eu era uma artista de atelie. Pintava telas, folhas.... até conhecer o mundo das ruas onde me encantei por poder mostrar aquilo que fazia dentro de um local para muitas pessoas, como acabei sendo conhecida pelo meu trabalho na rua, muitas pessoas pensam que estou levando algo da rua para a galeria, mas na verdade é um retorno, comecei em telas, fui pra rua e voltei para telas.... um vai e vem, Mas nunca pensei que chegaria onde cheguei, nunca imaginei ir para outra parte do mundo com meu trabalho, isto é algo que realmente me surpreende e me deixa muito feliz. R. PelO que VeJO, SuAS OBRAS eStãO SemPRe RelACiOnADAS A nAtuRezA e A RelAçãO entRe AS CRiAnçAS e OS ADultOS. COmO é teR O PODeR De PintAR ASSuntOS tãO DeliCADOS De umA fORmA leVe, DiVeRtiDA e COlORiDA? Np. Na verdade é algo bem natural,

pinto aquilo que amo, coloco todo meu sentimento em coloco todo meu sentimento em meus trabalhos. R. VOCê eStá COm umA nOVA eXPOSiçãO ( DeSAfiAnDO SOnhOS ). COnte-nOS um POuCO SOBRe elA. Np. Meus personagens nesta nova

exposição estao bem mais maduradas, uma série mais romantica, mais serena, mais madura. TIve um resultado maravilhoso trabalhando basicamente com acrilico e pouco spray. R. DePOiS DeSSA eXPOSiçAO, quAiS SãO SeuS PROJetOS PARA O futuRO? Np. Por enquanto tenho alguns

convites para projetos, mas ainda nada definido, Apenas um projeto de arte para Sevilla - Espanha, mas que ainda nao defini o que farei. R. ninA, eSSA é umA PeRguntA ineVitáVel De tODAS AS entReViStAS DO BlOg. PRA VOCê, hOJe O que é óBViO e AtuAl? Np. É obvio que todos tem amor e é

atual que todos precisam de mais amor, MuBE Museu Brasileiro da Escultura

REVIEW. nInA, TALK A LITTLE ABoUT YoURSELf. NINA pANDOLFO. 33 years well lived, high school graduates, live in Brazil and I love animals, candy, too short children. I like to paint ... R. hoW IS YoUR DAY To DAY? Np. I have a little routine in the morning, care for my pets, I put food for the birds of the street and go to work in my studio where they just came out at night, and depending on the night. I’m there all the time, creating, painting ... R. GRAffITI IS An ART ThAT MAnY PEoPLE STILL TURn UP ThEIR noSES, I ThInK ThAT foR ShEER LACK of KnoWLEDGE, BUT hoW YoU fEEL In TAKInG An ART ChARACTERIZED AS “STREET” foR GALLERIES AnD ExhIBITIonS ARoUnD ThE WoRLD? Np. Well, before I became an artist working in the streets, I was an artist atelier. he painted canvases, sheets .... to see the world from the streets where I was charmed to be able to show what was inside of a site for most people as just being known for my work on the street, many people think I’m taking something from the street to the gallery, but it is actually a return, got in screens, got the streets and returned to screens .... one comes and goes, but never thought it would come to where I am, I never imagined going to another part of the world with my job, this is something that really surprises me and makes me very happy. R. I SEE ThAT hIS WoRKS ARE ALWAYS RELATED To nATURE AnD ThE RELATIonShIP BETWEEn ChILDREn AnD ADULTS. hoW hAVE ThE PoWER To PAInT DELICATE SUBJECTS AS A MILD foRM of fUn AnD CoLoRfUL? Np. Actually this is quite natural, paint what I love, I put all my feeling I put all my feeling in my work.

R. YoU’RE WITh A nEW ExhIBITIon (fACInG DREAMS). TELL US A LITTLE ABoUT IT. Np. My characters in this new exhibit are much more matured, a lot more romantic, more serene, more mature. I had a wonderful result working primarily with acrylic and a little spray. R. AfTER ThIS ExhIBITIon, WhAT ARE YoUR PLAnS foR ThE fUTURE? Np. for now I have some invitations for projects, but still nothing definite, just an art project for Sevilla - Spain, but has not defined what to do. R. nInA, ThAT’S An InEVITABLE qUESTIon of ALL InTERVIEWS foR ThE BLoG. foR YoU, ToDAY AnD WhAT IS oBVIoUS ToDAY? Np. obviously, everyone has love and is now all need more love, more love without fear of what might happen, without fear of injury. R. WhAT ADVICE WoULD YoU GIVE To ThoSE Who ARE SEEKInG A fUTURE In GRAffITI? Np. Try to do what you love doing, find a style that is different from other people and engaged in studies of the most colors, features ... everything. R. hoW WoULD YoU DESCRIBE YoUR ART? Np. A very delicate, feminine, which describes the universe of women, mixed with a world where anything is possible. Characters that makes you want to get on his lap, world’s will come and stay. R. hoW IS YoUR DAY To DAY? Np. I have a little routine in the morning, care for my pets, I put food for the birds of the street and go to work in my studio where they just came out at night, and depending on the night. I’m there all the time, creating, painting ...

R. Que conselho você daria para aquelas pessoas que estam buscando um futuro no grafite? Np. Procure fazer o que ama fazer,

procure um estilo que seja diferente das outras pessoas e se dedique ao máximo em estudos de cores, traços... tudo. R. Como você descreveria sua arte? Np. Um trabalho delicado, feminino,

que descreve este universo da mulher, misturado com um mundo onde tudo é possivel. Personagens que dá vontade de pegar no colo, mundo que da vontade de entrar e ficar. R. Como é o seu dia-dia? Np. Tenho uma pequena rotina pela

manhã, cuido de meus bichinhos, coloco comida para os passaros da rua e vou trabalhar em meu atelie onde só saiu de noite, e dependendo tarde da noite. fico o tempo todo lá, criando, pintando... R. Pelo que vejo, suas obras estão sempre relacionadas a natureza e a relação entre as crianças e os adultos. Como é ter o poder de pintar assuntos tão delicados de uma forma leve, divertida e colorida? Np. Na verdade é algo bem natural,

pinto aquilo que amo, coloco todo meu sentimento em meus trabalhos. R. Você está com uma nova exposição ( Desafiando Sonhos ). Conte-nos um pouco sobre ela. Np. Meus personagens nesta nova

exposição estao bem mais maduradas, uma série mais romantica, mais serena, mais madura. TIve um resultado maravilhoso trabalhando basicamente com acrilico e pouco spray. R. Depois dessa exposiçao, quais são seus projetos para o futuro? Np. Por enquanto tenho alguns

convites para projetos, mas ainda nada definido, Apenas um projeto de arte para Sevilla - Espanha, mas que ainda nao defini o que farei. R. Nina, essa é uma pergunta inevitável de todas as entrevistas do blog. Pra você, hoje o que é óbvio e atual? Np. É obvio que todos tem amor e é

atual que todos precisam de mais amor, de amar mais sem medo do que pode acontecer, sem medo de se ferir. R. Que conselho você daria para aquelas pessoas que estam buscando um futuro no grafite? Np. Procure fazer o que ama fazer,

procure um estilo que seja diferente das outras pessoas e se dedique ao máximo em estudos de cores, traços... tudo. R. Como você descreveria sua arte? Np. Um trabalho delicado, feminino,

manhã, cuido de meus bichinhos, coloco comida para os passaros da rua e vou trabalhar em meu atelie onde só saiu de noite, e dependendo tarde da noite. fico o tempo todo lá, criando, pintando... R. O grafite é uma arte que muitas pessoas ainda torcem o nariz, creio eu que por pura falta de conhecimento, mas como você se sente em levar uma arte caracterizada como “de rua” para galerias e exposições por todo o mundo? Np. Bom, antes de me tornar uma

artista que trabalha nas ruas, eu era uma artista de atelie. Pintava telas, folhas.... até conhecer o mundo das ruas onde me encantei por poder mostrar aquilo que fazia dentro de um local.

“Well, back then everything was new, was discovering this world. Today you have a color grid spray absurd. There have stores specializing in graffiti. Before the information passed from mouth to mouth. It was a delight! “ R. I see that his works are always related to nature and the relationship between children and adults. How have the power to paint delicate subjects as a mild form of fun and colorful? Np. Actually this is quite natural, paint what I love, I put all my feeling in my work. R. You’re with a new exhibition (Facing Dreams). Tell us a little about it. Np. My characters in this new exhibit are much more matured, a lot more romantic, more serene, more mature. I had a wonderful result working primarily with acrylic and a little spray. R. After this exhibition, what are your plans for the future? Np. For now I have some invitations for projects, but still nothing definite, just an art project for Sevilla - Spain, but has not defined what to do. R. Nina, that’s an inevitable question of all interviews for the blog. For you, today and what is obvious today? Np. Obviously, everyone has love and is now all need more love, more love without fear of what might happen, without fear of injury. R. What advice would you give to those who are seeking a future in

graffiti? Np. Try to do what you love doing, find a style that is different from other people and engaged in studies of the most colors, features ... everything. R. How would you describe your art? Np. A very delicate, feminine, which describes the universe of women, mixed with a world where anything is possible. Characters that makes you want to get on his lap, world’s will come and stay.

de amar mais sem medo do que pode acontecer, sem medo de se ferir.

“Bom, naquela época era tudo novo, estava descobrindo este mundo. Hoje você tem uma grade de cores de spray absurda. Temos até lojas especializadas em graffiti. Antes as informações passavam de boca a boca. Era uma delicia!”

R. How is your day to day? Np. I have a little routine in the morning, care for my pets, I put food for the birds of the street and go to work in my studio where they just came out at night, and depending on the night. I’m there all the time, creating, painting ... R. Graffiti is an art that many people still turn up their noses, I think that for sheer lack of knowledge, but how you feel in taking an art characterized as “street” for galleries and exhibitions around the world? Np. Well, before I became an artist working in the streets, I was an artist atelier. He painted canvases, sheets .... to see the world from the streets where I was charmed to be able to show what was inside of a site for most people as just being known.

Janeiro

2011

30 música

music

texto / write Fulano

de Tal FOTOS

/ PHOTOS

Fulano de Tal

Trata-se de um filme para quem gosta de teatro. Baseado numa peça, tem longos diálogos, densos e intrincados This is a movie for people who like theater. Based on a play, has lengthy dialogues, dense and intricate

MuBE Museu Brasileiro da Escultura

Gogol Bordello gogol bordello

O disco sai oficialmente amanhã, 27 de abril, mas pode ser conferido na íntegra no Myspace da banda.

uase três anos após o lançamento de Super Taranta!, o Gogol Bordello volta com novo trabalho autoral, Trans-continental Hustle. O disco sai oficialmente amanhã, 27 de abril, mas pode ser conferido na íntegra no Myspace da banda.Pois bem, lá se vão mais de 10 anos desde o lançamento de Voi-La Intruder, vulgo álbum de estreia. Mais conhecidos por suas referências musicais do leste europeu, responsáveis pela rotulação de Gypsy Punk, o Gogol Bordello ainda permanece como uma incógnita estética. Escutá-los é, ao mesmo tempo, identificar elementos provenientes de registros instrumentais diversos. Há violões tipicamente folk, bateria com andamento urgente e aquela harmonia vocal típica de manifestações culturais do leste europeu. Transcontinental Hustle reforça isto. Pala Tute abre o álbum com sanfonas (?) e harmonias densas, conjugadas com uma cozinha inteiramente simples. Violões demarcam território e os vocais de Eugene Hütz estão como sempre em primeiro plano. Outrora, em faixas como Sun is On My Side, temos uma vertente mais regionalista. Aqui, há basicamente vocais e violão.

Agradável surpresa são duas faixas. A primeira, Uma Menina, tem trechos em português. Há inclusive alguns poucos elementos instrumentais da cultura brasileira, como o já familiar Triângulo. A segunda, In The Meantime In Pernambuco, também evoca a ligação com o país, narrando uma passagem no Estado, com direito a cachaça, frevo e hospitalidade. A propósito, o próprio vocalista viveu por aqui em 2008. Para encerrar, a faixa título Trans-Continental Hustle talvez seja a música que melhor resgate o estilo peculiar do Gogol Bordello. Aqui sim temos guitarras sujas em contrapartida a timbres regionalistas. Talvez tenha faltado um pouco mais deste feeling faltado um pouco mais deste feeling ao longo da obra para torná-la tão boa quando sua antecessora. Sempre quis escrever que algo é borocochô. Chegou a hora. Ouvi pela terceira ou quarta vez o disco novo do genial Gogol Bordello e não tem outra palavra. O som dos caras está meio borocochô. Tirando duas ou três músicas com mais pegada, o negócio está muito cigano e pouco rock’n’roll. E aí perde a metade de graça. Nem as músicas com referêcias ao Brasil se salvam.

Almost three years after the release of Super Taranta!, Gogol Bordello returns with the new copyright work, Trans-continental Hustle. The album officially comes out tomorrow, April 27, but may be given in full on Myspace banda.Pois well, there goes more than 10 years since the release of Voi-La Intruder, vulgar debut album. Best known for its musical references from Eastern Europe, responsible for the labeling of Gypsy Punk, Gogol Bordello still remains a mystery aesthetics. Listen to them is at the same time, identifying elements from various instrumental records. There are typically folk guitars, drums and that urgent progress with vocal harmonies typical of cultural events in Eastern Europe. Transcontinental Hustle reinforces isto. Pala Tute opens the album with accordions (?) And dense harmonies, combined with a simple kitchen entirely. Demarcate territory guitars and vocals of Eugene Hütz are as always in the foreground. Once, on tracks such as Sun Is On My Side, we have a more regional dimension. Here, there are basically vocals and guitar. Pleasant surprise are two tracks. The first, A Girl, has portions in Portuguese.

There are even a few instrumental elements of Brazilian culture such as the now familiar triangle. The second, In the Meantime In Pernambuco, also evokes a connection with the country, telling a passage in the state, complete with rum, Frevo and hospitality. Incidentally, the singer himself has lived here in 2008. In closing, the title track Trans-Continental Hustle is perhaps the best song that rescue the peculiar style of Gogol Bordello. Here we have dirty guitars but in return the regionalist timbres. Maybe you missed a bit more of a feeling throughout the book to make it as good as its predecessor. I always wanted to write something that is borocochô. It’s time. I heard the third or fourth time the brilliant new album and Gogol Bordello have no other word. The sound is kind of expensive borocochô. Taking two or three songs with more grip, the business is very little gypsy and rock’n’roll. And you lose half free. Neither REFERENCES music Brazil to save.Emoluptur? Idelicimi, int, quiae. Et voluptate ex eate nonsequi blaut earuptaturi occusci atusam, sanis alitiur si volupta ssecum voluptate nit, si ipis sed quia porita voluptat.

The album officially comes out tomorrow, April 27, but may be given in full on the band’s Myspace.

Janeiro

2011

rÁDio 1952 / RADIo 1952

210$

baZar

baZaar

esta é uma réplica fiel ao modelo watt, AM e FM, de 1952 / This is an exact

replica of the model Watt, fM and AM, 1952

FotoS / PHotoS

Fulano de tal

Velh� temp�

rÁDio 1952 / RADIo 1952

210$

esta é uma réplica fiel ao modelo watt, AM e FM, de 1952 / This is an exact

replica of the model Watt, fM and AM, 1952

OlD TiMEs

rÁDio 1952 / RADIo 1952

210$

esta é uma réplica fiel ao modelo watt, AM e FM, de 1952 / This is an exact

replica of the model Watt, fM and AM, 1952

MuBE Museu Brasileiro da Escultura

rÁDio 1952 / RADIo 1952 rÁDio 1952 / RADIo 1952

210$

esta é uma réplica fiel ao modelo watt, AM e FM, de 1952 / This is an exact

210$

esta é uma réplica fiel ao modelo watt, AM e FM, de 1952 / This is an exact

replica of the model Watt, fM and AM, 1952

rÁDio 1952 / RADIo 1952

210$

esta é uma réplica fiel ao modelo watt, AM e FM, de 1952 / This is an exact

replica of the model Watt, fM and AM, 1952

rÁDio 1952 / RADIo 1952

210$

esta é uma réplica fiel ao modelo watt, AM e FM, de 1952 / This is an exact

replica of the model Watt, fM and AM, 1952

Janeiro

2011

34 acervo

acquis

texto / write Fulano

de Tal FOTOS

/ PHOTOS

Fulano de Tal

A. C.

A. nOME DA OBRA, ARTISTA. A presença

desais dinâmico centro urbano de nosso país, a cidade de São Paulo, constitui um belo momento no qual a criação estética e a paisagem arquitetônica compõem um eficiente discurso sobre a função da arte e sua inserção no mundo dos dias atuais. A presença desse conjano de nosso país, a cidade de São Paulo, constitui um belo momento no qual a criação estética e a paisagem arquitetônica compõem um eficiente discurso sobre a função da arte e sua inserção no mundo dos dias atuais. The presence of this body of work in the most dynamic urban center of our country, the city of Sao Paulo, is a beautiful moment in which to create aesthetic and architectural landscape make up an efficient discourse on the role of art and its place in the world of today. The presence of this body

MuBE Museu Brasileiro da Escultura

of work in the most dynamic urban center of our cou in which to create aesthetic and architectural landscape make up an efficient discourse on the role of art and its place in the world of today.

B. nOME DA OBRA, ARTISTA. A presença

desse conjunto de obras no mais dinâmico centro urbano de nosso país, a cidade de São Paulo, constitui um belo momento no qual a criação estética e a paisagem arquitetônica compõem um eficiente discurso sobre a função da arte e sua inserção no mundo dos dias atuais. A presença desse conjunto de obras no mais dinâmico centro urbano de nosso país, a cidade de São Paulo, constitui um belo momento no qual a criação estética e a paisagem arquitetônica compõem um eficiente discurso sobre a função da arte e sua inserção no mundo dos dias atuais.

The presence of this body of work in the most dynamic urban center of our country, the city of Sao Paulo, is a beautiful moment in which to create aesthetic and architectural landscape make up an efficient discourse on the role of art and its place in the world of today. The presence of this body of work in the most dynamic urban center of our country, the city of Sao Paulo, is a beautiful moment in which to create aesthetic and architectural landscape make up an efficient discourse on the role of art and its place in the world of today.

C. nOME DA OBRA, ARTISTA. A

presença desse conjunto de obras no mais dinâmico centro urbano de nosso país, a cidade de São Paulo, constitui um belo momento no qual a criação estética e a paisagem

arquitetônica compõem um eficiente discurso sobre a função da arte e sua inserção no mundo dos dias atuais. A presença desse conjunto de obras no mais dinâmico cennto no qual a criação estética e a paisagem arquitetôn um eficiente discurso sobre a função da arte e sua inserção no mundo dos dias atuais. The presence of this body of work in the most dynamic urban center of our country, the city of Sao Paulo, is a beautiful moment in which to create aesthetic and architectural landscape make up an efficient discourse on the role of art and its place in the world of today. The preful moment in which to create aesthetic and architectural landscape make up an efficient discourse on

the role of art and its place in the world of today.

discourse on the role of art and its place in the world of today.

F. nOME DA OBRA, ARTISTA. A

desse conjunto de obras no mais dinâmico centro urbano de nosso país, a cidade de São Paulo, constitui um belo momento no qual a criação estética e a paisagem arquitetônica compõem um eficiente discurso sobre a função da arte e sua inserçãoo Paul compõem um eficiente discurso sobre a função da arte e sua inserção no mundo dos dias atuais.

E. nOME DA OBRA, ARTISTA. A presença

desse conjunto de obras no mais dinâmico centro urbano de nosso país, a cidade de São Paulo, constitui um belo momentntro urbano de nosso país, a cidade de São Paulção estética e a paisagem arquitetônica compõem um eficiente discurso sobre a função da arte e sua inserção no mundo dos dias atuais.

presença desais dinâmico centro urbano de nosso país, a cidade de São Paulo, constitui um belo momento no qual a criação estética e a paisagem arquitetônica compõem um eficiente discurso sobre a função da arte e sua inserção no mundo dos dias atuais. A presença desse conjano de nosso país, a Paulo, constitui umobre a funçãoção noundo dos dias atuais.

The presence of this body of work in the most dynamic urban centural landscape make up an efficient discourse on the role of art and its place irk in the most dynamic urban center of our country, the city of Sao Paulo, is a beautiful moment in which to create aesthetic and architectural landscape make up an efficient

The presence of this body of work in the most dynamic urbbeautiful moment in which to create aesthetic and arch on the ro presence of this body of work in the most dynamic urban center of our country, the city of Sao Paulo, is a beautiful moment in which to create aesthetic Ma ilit quo volupta quossimin et autem eatur maximi, nem

D. nOME DA OBRA, ARTISTA. A presença

A presença desse conjunto de obras no mais dinâmico centro urbano de nosso país, a cidade de São Paulo, constitui um belo momento no qual a

The presence of this body of work in the most dynamic urban center of our country, the city of Sao Paulo, is a beautiful moment in which to

Museu Brasileiro da Escultura

Av. Europa, 218 - São Paulo - Brasil De terça a domingo das 10h as 19h 11 2594-2601 mube@mube.art.br

Janeiro

2011

36 cobertura

coverage

Sete Express천es Seven Expressions

a. Fulano de Tal, Fulano de Tal, Fulano de Tal, Fulano de Tal b. Fulano de Tal c. Fulano de Tal, Fulano de Tal, Fulano de Tal, Fulano de Tal d. Fulano de Tal, Fulano de Tal, Fulano de Tal.

texto / write Fulano de Tal FOTOS / PHOTOS

Fulano de Tal

c. d.

a. Fulano de Tal, Fulano de Tal,

Fulano de Tal, Fulano de Tal b. Fulano de Tal c. Fulano de Tal, Fulano de Tal, Fulano de Tal, Fulano de Tal d. Fulano de Tal, Fulano de Tal, Fulano de Tal.

MuBE Museu Brasileiro da Escultura

h. i.

a. Fulano de Tal, Fulano de Tal, Fulano de Tal, Fulano de Tal b. Fulano de Tal c. Fulano de Tal, Fulano de Tal, Fulano de Tal, Fulano de Tal d. Fulano de Tal, Fulano de Tal, Fulano de Tal.

k. l.

a. Fulano de Tal, Fulano de

Tal, Fulano de Tal, Fulano de Tal b. Fulano de Tal c. Fulano de Tal, Fulano de Tal, Fulano de Tal, Fulano de Tal d. Fulano de Tal, Fulano de Tal, Fulano de Tal.

a. Fulano de Tal, Fulano de Tal,

Fulano de Tal, Fulano de Tal b. Fulano de Tal c. Fulano de Tal, Fulano de Tal, Fulano de Tal, Fulano de Tal d. Fulano de Tal, Fulano de Tal, Fulano de Tal.

s. t.

u. Janeiro

2011

38 opinião

opinion

iLUStrAÇÃo

/ iLLUStrAtioN

Fulano de tal

bravo é um artista-curador com experiência em arteeducação, desempenhando papel fundamental na formação de centenas de artistas brasileiros. Bravo is an artist-curator with a background in art education, playing a key role in the formation of hundreds of Brazilian artists.

Pintura encáustica EncaUsTic PainTinG

recente Bienal Internacional de Arte de São Paulo foi marcada por uma numerosa e forte presença da pintura de modo geral, reafirmando a sua importância no cenário da arte contemporânea. Dentro dessa rica diversidade de pintura que foi mostrada nessa Bienal, tecnicamente tinha de todo: Óleo, Acrílico, Têmpera, Técnicas mistas, etc... Entretanto, um artista em particular se destacou do resto com as suas belíssimas pinturas na técnica de Encáustica - estou falando do artista do Japão, Shin Miyazaki. Suas pinturas pareciam “imantadas”, atraindo o olhar apaixonado de todas as pessoas que entravam na sala ... uma verdadeira paixão à primeira vista. Durante todos esses anos em que eu tenho me dedicado à pesquisa da pintura Encáustica já vi muitos trabalhos feitos nessa técnica, porém, as pinturas de Miyazaki surpreenderam-me com a sua leveza, simplicidade e poesia visual. A cada novo contato, uma nova e surpreendente descoberta. Por outro lado, cada vez que falamos de Encáustica, é obrigatório lembrarmos de um dos maiores artistas da Pop Art, o grande Jasper Jonhns. Um artista que utilizou a Encáustica como poucos, revelando para o mundo a grande versatilidade e riqueza dessa fascinante técnica. Podemos afirmar que, em importantes exposições de arte contemporânea, tecnicamente a pintura Encáustica costuma... “roubar a cena”, fazendo o seu show à parte. Mas afinal, o que é Encáustica? A Encáustica é uma técnica que utiliza raros procedimentos de pintura usados nas suas origens por artistas na Grécia e no Egito antes de Cristo. São tintas preparadas com Pigmentos Naturais aglutinados com alguns tipos especiais de ceras naturais. Tudo isso seguindo fórmulas, controle de temperatura e uma enorme gama de procedimentos de aplicação nos seus diferentes suportes. Ela não tem limites, permitindo múltiplas transparências, texturas, densidades, ricas veladuras, sobreposições, relevos, etc. etc. Tudo isso sem falar nas muitas possibilidades quando ela é misturada com outras técnicas, multiplicando ainda mais as suas possibilidades.

MuBE Museu Brasileiro da Escultura

A primeira exposição de arte moderna no Brasil. The first exhibition of modern art in Brazil.

The recent International Art Biennial of Sao Paulo was marked by a large and strong presence of painting in general, reaffirming its importance in the contemporary art scene. Within this rich diversity of painting that was shown in this Biennial, was technically at all: oil, Acrylic, Tempera, Mixed techniques, etc ... however, one artist in particular stood out from the rest with its beautiful paintings in the Encaustic technique - I’m talking about the artist from Japan, Shin Miyazaki. his paintings looked “magnetised” by attracting the eyes of love all people entering the room ... a true love at first sight. During all the years I have devoted myself to research the painting Encaustic’ve seen a lot of work done in this technique, however, the paintings of Miyazaki surprised me with its lightness, simplicity and visual poetry. With each new contact, a new and surprising discovery. on the other hand, every time we speak of Encaustic, it is mandatory to remember one of the greatest Pop artists, the great Jasper Jonhns. An artist who used the Encaustic like few others, revealing to the world the great versatility and richness of this fascinating technique. We can say that in important exhibitions of contemporary art, painting Encaustic often technically ... “Steal the scene, making his sideshow. But ultimately, what is Encaustic? The Encaustic is a technique that uses rare painting processes used by artists in their origins in Greece and Egypt before Christ. Pigment inks are prepared with natural bonded with some special types of natural waxes. All this following formulas, temperature control and a huge range of procedures for implementation in their various media. She has no limits, allowing multiple transparencies, textures, densities, rich veiling, rollovers, reliefs, etc.. etc.. not to mention the many possibilities when it is mixed with other techniques, further multiplying the possibilities.

39 Janeiro

2011

40 MuBE Museu Brasileiro da Escultura

texto / write Fulano

de tal FotoS / PHotoS

Fulano de tal

guide

Amelia Toledo attended the workshop Anita Malfatti at the end of the 30s, he studied drawing, painting and modeling with Yoshiya Takaoka and Waldemar da Costa in 40 years and worked on design projects in the office of Vilanova Artigas. In 1958, in London, attended the London County Council Central School of Arts and Crafts. he taught at several universities in arts and architecture in the country since the 1960s, when he participated in the training process at the University of Brasilia. In the 90 carried out the project color and finish of the season Arcoverde subway in Rio de Janeiro. In 1999, he performed the work ‘Kaleidoscope’ in the subway station Brás São Paulo. In 2000, SESI Art Gallery presented a major retrospective of his work, which in subsequent years was held at the Art Museum of Santa Catarina, florianópolis (2006), Museum.

guia

AS nAtuRezAS DO ARtifiCiO / ThE nATURE of ARTIfICIo Arnaldo farias e Amelia toledo, editora francis

Amélia Toledo freqüentou o ateliê de Anita Malfatti no fim da década de 30; estudou desenho, pintura e modelagem com Yoshiya Takaoka e Waldemar da Costa nos anos 40 e trabalhou com desenho de projetos no escritório de Vilanova Artigas. Em 1958, em Londres, cursou a London County Council Central School of Arts and Crafts. Lecionou em várias universidades de artes e arquitetura do país desde os anos 1960, quando participou do processo de formação da Universidade de Brasília. Nos anos 90 realizou o projeto cromático e de acabamento da estação Arcoverde do metrô do Rio de Janeiro. Em 1999, executou a obra ‘Caleidoscópio’ na estação Brás do metrô de São Paulo. No ano 2000 a Galeria de Arte do SESI apresentou uma grande retrospectiva de sua obra, que nos anos seguintes foi realizada no Museu de Arte de Santa Catarina, Florianópolis (2006), Museu.

quANDO EM ROMA / When in Rome. comédia/Comedy, 2010 ROTEIRO/ Writer David Diamond, David weissman DIREÇÃO/

FAçA ARtE / Make Art. Páginas/Pages

Director Mark steven Johnson ELENCO/Cast

312 Preço/Price 44,90 reais Editora/Publisher

Kristen Bell, Josh Duhamel e anjelica Huston.

novo século

Jovem curadora de artes em Nova York não consegue arrumar um namorado. Quando sua irmã mais nova, que vive em Roma, comunica que irá se casar, ela parte em viagem para a Itália. Lá, fazendo seus passeios turísticos, vai até uma famosa “fonte do amor” e, ao invés de apenas atirar uma moedas, ela decide pegar algumas. A surpresa acontece quando ela volta para Nova York: a garota passa a ser perseguida freneticamente por um bando pretendentes, mas estranhamente eles são artistas sósias de celebridades.

Young art curator in new York can not get a boyfriend. When her younger sister, who lives in Rome, announced that he will marry, she departs on a trip to Italy. There, doing their tours, go to a famous “fountain of love” and, instead of just throwing a coin, she decides to get some. The surprise happens when she returns to new York: the girl is being chased by a gang frantically suitors, but strangely they are artists, celebrity impersonators.

Sempre que ouvimos falar em arte é inevitável a associação com o conceito de talento exclusivo. Francesc Petit acredita que esse conceito é imposto por uma elite pretensiosamente intelectual, instaurando o racismo cultural e impedindo que o grande público adquira um conhecimento mais abrangente sobre a expressão artística. Qualquer pessoa é capaz de se expressar artisticamente, pois os múltiplos códigos da arte estão em tudo que nos rodeia. Faça Arte é um livro único por sua ousadia.

Whenever we hear about art’s inevitable association with the unique concept of talent. francesc Petit believes that this concept is imposed by a pretentious intellectual elite, establishing the cultural racism and preventing the general public get a more comprehensive knowledge about artistic expression. Anyone is able to express themselves artistically, because multiple codes of art are all around us. Make Art is a unique book for its daring.

piNtuRA BRAsiLEiRA / Brazilian Painting. www.pinturabrasileira.com

Janeiro

2011

42 agenda mube

programming mube

Janeiro

texto / write Fulano

de Tal FOTOS

/ PHOTOS

Fulano de Tal

2 Quarta / Wednesday

MODA BRASILEIRA DA CABEÇA AOS PÉS Flávio de Carvalho

Cerca de duzentas imagens são utilizadas no total, todas extraídas de uma extensa pesquisa nos acervos de diversos fotógrafos brasileiros. São fotos das décadas de 80, 90 e 2000 que retratam de forma ampla as transformações sociais sofridas na moda: das ombreiras oitentistas que refletiam o poder recém adquirido das mulheres, passando pelo look masculinizado de terninhos em cores neutras e pouca maquiagem dos anos noventa até os anos 2000, onde a ausência de tendência e o consumo instantâneo refletem o espírito do tempo. Tudo retratado de forma atemporal pelas lentes de grandes fotógrafos de moda como Bob Wolfenson, Gui Paganini, Jacques Dequeker, Daniel Klajmic, Klaus Mitteldorf, Thelma Vilas Boas e Vânia Toledo, entre outros. A realização é da Livre conteúdo e Cultura. MuBE Museu Brasileiro da Escultura

Nearly two hundred images are used in total, all taken from an extensive research in the collections of several photographers. These are photos from the 80, 90 and 2000 that depict broadly social transformations experienced in fashion: the shoulder pads eighties that reflected the newly acquired power of women, through the look of masculine pantsuits in neutral colors and little makeup nineties until the year 2000, where no trend and instant consumption reflect the spirit of the time. Everything pictured in a timeless way through the lens of major fashion photographers like Bob Wolfenson, Gui Paganini, Jacques Dequeker, Daniel Klajmic Klaus Mitteldorf, Thelma Vilas Boas and Vânia Toledo, among others. The event is free of content and culture.

7 Segunda / Monday

Aquém do Concreto

Jan Siebert

O discurso realista das ruas de São Paulo é a forma como o artista Jan Siebert apresenta sua obra: como numa expedição noturna captando a memória

adormecida de uma metrópole consumista e acelerada pelo trabalho coletivo diário - esta série de trabalhos será apresentada de maneira a buscar a essência mais íntima de seus personagens urbanos. A proximidade com a cidade urbanizada propõe inúmeras reflexões. O reduto inconsciente dos moradores de rua, que muitos desconhecem ou fingem desconhecer - a realidade nua, mas também a beleza do silêncio da noite, no barulho do vento sobre as janelas da arquitetura antiga, que guarda inúmeras histórias de outras épocas. Na exposição serão apresentadas obras de cunho realista que denotam a individualidade do artista nas cenas escolhidas em sua jornada pela cidade.

The realist discourse the streets of Sao Paulo is the way the artist Jan Siebert presents his work: as a nocturnal expedition catching the dormant memory of a metropolis and accelerated by the consumerist collective work

January

every day - this series of papers will be presented in order to seek innermost essence of her urban characters. The proximity to the urbanized city is proposing several ideas. The stronghold of the unconscious homeless, many ignore or pretend to ignore - the bare fact, but also the beauty of silence of the night, the wind noise on the windows of the old architecture, which saves countless stories of other times. The expo will exhibit realist works that show the individuality of the artist in the scenes chosen from his journey through the city.

10 Quinta /

Thursday GRAFFITI FINE ART VI

Brown, Izolag, Jerry Batista, Hyper, Mignore, Pato, Jey e Vitorone

Todos os artistas desta exposição estão habituados a pintar e interagir no meio ambiente

All artists in this exhibition are accustomed to paint and interact with the environment in major Brazilian cities like Sao Paulo, Rio and Belo Horizonte, with styles, techniques and concepts very different and daring, trying to get out of the wall are by

eles têm a oportunidade de interagir com o público brasileiro na exposição “Tempo em Percepção. A mostra vai apresentar 30 quadros, com pinturas abstratas de Sulcanese e figurativas de Falconi. Esta é a primeira vez que eles vão expor juntos.

The painters gigin Falconi and Mariantonietta Sulcanese undergone a remarkable experience in April 2009 when a powerful earthquake of 5.8 magnitude struck the region of Abruzzo, Italy. Now a year later, they have the opportunity to interact with the Brazilian public in the exhibition “Time in Perception. The exhibition will present 30 paintings, with abstract paintings and figurative Sulcanese Falconi. This is the first time they will exhibit together.

http://www.umlivrosobreamorte. blogspot.com/

“A book about death” is a collaborative project conceived by U.S. artist Matthew Rose at the Emily Harvey Foundation Gallery, New York. The original exposure occurred during the period of 10 to 22 September 2009. About 500 artists participated, each contributed a series of 500 works of art in the form of postcards, artworks of various sizes created especially for composing pages an unbound book about death. For more information, visit: http://www.umlivrosobreamorte. blogspot.com/.

22 Terça / Tuesday

EXPO RHINO ECKO TOY ART

Artur ‘Kjá, Luciano Cian e Max Porto

20 toys em forma de rinoceronte compõe a exposição do que ocorre entre os dias 14 e 29 de janeiro. Os rhinos, customizados por diversos artistas plásticos, aparecem em várias versões, trazendo ao público o olhar de seus criadores. Feitos em vinyl vermelho, os Rhinos sofreram todo o tipo de transformação, ganhando novas cores, detalhes e histórias. lighting effects and shadows. The culture of graffiti art is manifested in many ways this show in particular the 3-D graffiti, realism, portrait, installations and sculptures with the face of this new moment in contemporary art. Therefore, a show for all tastes and pockets too, after all, is free.

12 Sábado / Saturday

TEMPO EM PERCEPÇÃO Gigino Falconi e Mariantonietta Sulcanese

Os pintores Gigino Falconi e Mariantonietta Sulcanese passaram por uma experiência marcante em abril de 2009, quando um forte terremoto de 5,8 graus atingiu a região de Abruzzo, na Itália. Agora, um ano depois,

que juntos criaram uma versão especial para o evento. Zupi, Colletivo, Animatório, Fuso Coletivo e Base-V são os grupos criativos que também marcam presença com suas criações mirabolantes, além dos artistas Nelson Sadek, Zero, Ronah, Gordo, Ton Lo Bianco, Marcelo Calazans, Binho, Dea Lelis, Arthur D’araujo, Biaia, Dimas Forchetti, Glauco Diógenes, Bruno Fujii, Priscila Gurski e Marcelo Teixeira.

20 toys in the shape of the rhinoceros is composed of exposure that occurs between 14 and 29 January. The rhinos, customized by various artists, appearing in several versions, bringing the public gaze of their creators. Made of red vinyl, the Rhinos have suffered all kinds of transformation, gaining new colors, details and stories. Among the invited artists are important names of Brazilian cultural scene, as Arthur ‘KJA, Luciano Cian and winner of Big Brother Brazil 9, Max Port, which together have created a special version for the event. Zupi, Colletivo, Animatorio, Zone V-Base Collective and creative groups that are also present with his outlandish creations, in addition to artists Nelson Sadek, Zero, Ronah, Gordo, Ton Lo Bianco, Marcelo Calado, Binho, Dea Lelis, Arthur D’araujo, Biaia, Dimas Forchetta, Glauco Diogenes Bruno Fujii, Priscila Gurski and Marcelo Teixeira.

de grandes cidades brasileiras como São Paulo, Rio e Belo Horizonte, com estilos, técnicas e conceitos muito diferenciados e ousados, buscando sair da parede sejam por efeitos de luz e sombras. A cultura do graffiti art se manifesta de varias maneiras nesta mostra em especial o graffiti 3-D, realismo, retrato, instalações e esculturas com a cara deste novo momento da arte contemporânea. Portanto, uma mostra para todos os gostos e bolsos também, afinal, será gratuita.

19 Sábado / Saturday UM LIVRO SOBRE A MORTE

Matthew Rose

“Um livro sobre a morte” é um projeto colaborativo concebido pelo artista norte-americano Matthew Rose na Emily Harvey Foundation Gallery, em Nova York. A exposição original ocorreu durante o período de 10 a 22 de setembro de 2009. Cerca de 500 artistas participaram, cada um deles contribuiu com uma série de 500 obras de arte sob a forma de cartão postal, obras de tamanhos variados criadas especialmente para compor páginas desacopladas de um possível livro sobre a morte. Para mais informações, acesse:

* Datas sujeitas a alterações

Entre os artistas convidados, estão importantes nomes do cenário cultural brasileiro, como Artur ‘Kjá, Luciano Cian e vencedor do Big Brother Brasil 9, Max Porto,

Museu Brasileiro da Escultura

Av. Europa, 218 - São Paulo - Brasil De terça a domingo das 10h as 19h 11 2594-2601 mube@mube.art.br

Janeiro

2011

44 MuBE Museu Brasileiro da Escultura