La directora Céline Sciamma, que pertany al col·lectiu LGTBI francès, prèviament havia dirigit la trilogia de l’autodescobriment formada pels títols Lirios de agua,
Tomboy i Girlhood. Retrat d’una dona en flames relata el sorgiment del desig entre dues dones. El personatge d'Adèle Haenel, Héloïse, és obligat a casar -se amb un noble en un matrimoni de conveniència. Ell demana un retrat de la futura esposa i envien a una
jove pintora a fer-lo; davant el rebuig de la promesa a posar pel quadre la pintora es veurà obligada a espiarla per dibuixar-la. Tal com comenta el dinamitzador, darrera aquest argument s’amaga un rerefons amb multiplicitat temàtica; en primer lloc, la impossibilitat de les dones per decidir sobre el seu futur, ni sobre la seva sexualitat, la vida els hi era imposada; La pel·lícula de la sessió, Retrat de dona en flames dirigida per Céline Sciamma, serveix per reflexionar sobre el pes de les dones directores en la història del cinema. Esteve Plantada comença fent un repàs de les dones que han guanyat algun premi important en la
l’heterosexualitat i el matrimoni com a institució
econòmica que esdevenen impossibles de defugir en la societat patriarcal. També s’hi afegeix el tema del dolor provocat per la pèrdua del primer amor romàntic.
categoria de direcció. Katherine Bigelow va ser la primera dona en guanyar l’Òscar a la Millor pel·lícula,
Esteve Plantada comenta que l'obra d’art ha d’estar
l’any 2017, amb En tierra hostil; però, durant els
present en la societat per generar debat i provocar
vuitanta anys d’història dels Òscars, només trobem cinc dones nominades en aquesta categoria. A les més
el diàleg
de setanta edicions del Festival Internacional de Cinema de Cannes, tan sols dues directores han obtingut el Gran Premi del Jurat i, només una, Jane Campion amb El Piano, va obtenir la gran Palma d'Or.
Tot el disseny estètic de la pel·lícula és de gran qualitat. La fotografia es recrea en el subtil joc de mirades – observar i ser observat – que hi ha entre les dues protagonistes, un joc vinculat al mite grec
d'Orfeu i Eurídice. Aquí el procés d'autodescobriment
través de la mirada, retratada i retratista
passarà a ser el descobriment de l'altre.
s’intercanvien els papers en diversos moments de la pel·lícula, com a l’escena del joc del mirall, quan les
A la pel·lícula, la mirada és l'únic refugi de llibertat
amant es reconeixen a través del cos de l’altra. La
abans que la protagonista assumeixi el seu tràgic
mirada pròpia que està reflectida en el cos de l’altra.
destí Un altre tema és el de la companyia femenina, en el També és molt expressiu l’ús dels colors, d’una
sentit de suport, que veiem quan les tres es queden
banda, Héloïse duu, durant la primera part de la
soles a la casa en sororitat. Precisament, és la reunió
pel·lícula, colors freds per passar progressivament a
de dones que ritualment canten al voltant del foc
tons més càlids o caldera mentre que, Marianne, farà el procés invers. En un principi, Marianne representa
enmig del bosc l’escena que dona nom a la pel·lícula. El tram final torna a revisitar el mite d’Orfeu quan surt
la vitalitat, la passió - físicament, sempre està a prop
dels inferns, que té prohibit girar-se per veure si la
d’un foc, d’una espelma o de flames... Quan els seus
seva estimada Eurídice el segueix. Així, a la darrera
vestits perden els tons vermellosos és perquè també ha perdut l'amor pel camí; mentre que l'Héloïse
escena juntes Marianne s’acomiada i baixa les escales ràpidament, mig en penombra i sense girar-se, fins
passarà del blau al verd - és una obertura a la vida, a
que Héloïse li diu que es doni la volta i allà està ella
les emocions. El color blau, present a la majoria de
mirant-la, de blanc fantasmal, per segons
composicions, i que porten Héloïse i/o la seva mare, la directora l’utilitza per marcar que la situació de la filla
desaparèixer enmig de la foscor quan es tanca la porta.
és un reflex de la situació de la mare. Cap al final, farà aparició el blanc amb el vestit de núvia, gairebé fantasmal, que serà el punt d’inflexió per accentuar la transformació del personatge.
Amanda Briones Marrero. La construcción de la niña y la
adolescente en el cine de Céline Sciamma [en línia]. Disponible a: https://rua.ua.es/dspace/
L’Esteve afirma que es veu la influència de la pintura romàntica, en concret, del pintor Caspar David Friedrich i la seva obra Home davant de la natura, durant tota la pel·lícula. Aquesta pintura serveix de base per a la representació de la immensitat, la bravesa del mar. El joc de mirades, tal com s’ha comentat abans, és molt important a la pel·lícula i esdevé evident des de la primera frase, quan Marianne diu a les seves alumnes “Tómense su tiempo para mirarme”. La mirada està centrada en ella. Un altre exemple, quan Marianne arriba a la casa i entra Héloïse en escena, només li veu/veiem l’esquena, ella i l’espectador comparteixen punt de vista, la segueix però no arriba a veure-li la cara. Hi ha una dialèctica entre les dues a
bitstream/10045/61252/1/Feminismos_27_03.pdf