RockZone 164 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzonemag.com rockzone@rockzonemag.com Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 4648. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordian Fo, Luis Benavides, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez, Alba Rodrigo, Berta Martínez, Sergio Pozo, Blanca Gemma Fuerte. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Blanca Gemma Fuerte, Alex Belza, Andrea Estebaranz, Unai Endemaño Foto de portada: Gaizka Peñafiel

En un mes que ha venido marcado por los anuncios de reunión de Rage Against The Machine, My Chemical Romance y The Black Crowes, nosotros cerramos el año con una banda que nos dice adiós. Quienes nos ha seguido desde hace tiempo sabrán la relación que siempre hemos mantenido con Berri Txarrak y, naturalmente, queríamos despedirles como se merecen dedicándoles, de nuevo, nuestra portada. En la web ya pudisteis leer una extensa crónica del último concierto que ofrecieron en Pamplona y aquí os ofrecemos una entrevista en profundidad con Gorka Urbizu que esperemos resuelva algunos interrogantes. Enjoy! SÍGUENOS EN WWW.ROCKZONEMAG.COM - ACTUALIZACIÓN DIARIA

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: gosT (Barcelona) © Eric Altimis

EDITORIAL

SUMARIO

Nº 164

06 / EN DIRECTO 16 / OZZYO 18 / DE CINE 20 / BECK 26 / HELLYEAH 32 / BARBARIAN SWORDS 40 / BAYSIDE 44 / BERRI TXARRAK 54 / DISCO DEL MES 56 / CRÍTICAS 70 / CORDURA 76 / ESPECIAL FOTO 80 / OPINIÓN 82 / DANKO’S HALL OF FAME TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY. ¡GRACIAS!

EL CONCIERTO DEL MES BY:

GRETA VAN FLEET

26/11/19 - SANT JORDI CLUB (BARCELONA)

TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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l fenómeno Greta Van Fleet cogió a todo el mundo por sorpresa el año pasado. ¿Cómo era posible que en un momento en el que se da al rock por muerto y enterrado, un grupo de chavalines lo petaran imitando a un dinosaurio como Led Zeppelin? Si su éxito en Estados Unidos ya resultaba inesperado, para mí todavía lo era más que también hubiese cuajado en nuestro país, agotando en su primera visita todas las entradas de un recinto que, por ejemplo, todavía no han llenado Biffy Clyro o Ghost. O quizá no sea tan extraño. Teniendo en cuenta el tirón que tienen los grupos tributo por estos lares, está claro que hay un mercado para los sonidos nostálgicos, y justo eso es lo que ofrecen el cuarteto de Michigan. Tanto su música como su puesta en escena crean la ilusión de estar viendo a un grupo de otra época. Casi parecen actores interpretando 8

a una banda tributo de una banda clásica de rock que nunca existió. Porque pese a las inevitables, y merecidas, comparaciones con Zeppelin, en disco e incluso más en directo, el joven cuarteto también bebe del folk americano (versionaron ‘The Music Is You’ de John Denver) y tienen un remalazo prog a lo Emerson, Lake & Palmer que choca de bruces con el déficit de atención que todos padecemos cada vez más. Las intros dramáticas, los interludios, los largos solos de guitarra -al límite del exceso- o el hecho que acabaran el concierto con uno de batería rompen con la idea de que son un producto de fácil consumo para ser vendido a las masas. No me sorprendería si en su segundo disco hasta sonara alguna flauta travesera… De lo que no hay duda es que, pese a quien le pese, Greta Van Fleet son algo más que un hype. Los hermanos

Kiszka tocan con una madurez y seguridad impropias, tienen presencia y en conjunto suenan impecables. Y encima tienen buenas canciones. Curiosamente, el eslabón más débil es Josh, y no porque no sea capaz de reproducir sin problemas las notas más agudas que escuchamos en sus grabaciones, sino porque le falta el carisma para ser un frontman a la altura de los gigantes. Aunque resulta gracioso verle contorsionarse y levantar los brazos como un niño hiperactivo. Con solo un EP y un álbum en su haber, no había demasiado misterio sobre lo que iba a sonar. Abrieron con su hit ‘Highway Tune’, seguida de ‘Edge Of Darkness’ y una muy bien recibida ‘Black Smoke Rising’. Pasado el primer cuarto de hora más eléctrico, entramos en un tramo más pausado, primero con la balada ‘You’re The One’, la épica ‘Age Of Man’, que sonó enorme, y una especie de jam en la que Jake sacó al Jimmy Page que lleva dentro empalmada con una larga ‘Watching Over’. Justo cuando podíamos entrar en terrenos pantanosos, volvieron a elevar el ritmo con ‘The Cold Wind’ y ‘When The Curtain Falls’ que provocó más de un air guitar. En el bis contaron con la inglesa Yola, que había actuado como telonera (ojo a esta mujer), para deleitarnos con una versión del clásico ‘The Weight’ de The Band, y remataron con la hippie ‘Flower Power’ y una ‘Safari Song’ con ese riff vacilón como puñetazo final. Evidentemente, Greta Van Fleet no llegarán a ser Led Zeppelin, pero si saben jugar bien sus cartas, quizá sí puedan ser los Black Crowes de su generación.

FRANK CARTER & THE RATTLESNAKES 13/11/2019 - RAZZMATAZZ 2 (BARCELONA) TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: NADIA NATARIO

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s realmente llamativo el estatus que ha cogido Frank Carter desde su última visita en sala. Pasar de llenar la 3 de Razz a la 2 en apenas 3 años tiene su mérito, más teniendo en cuenta que ninguno de los dos discos publicados desde entonces, Modern Ruin y el último End Of Suffering, han sido precisamente pelotazos comerciales. Pero Carter ha conseguido que su figura se haya convertido en una especie de icono, un portavoz de quienes, como él, padecen de depresión o ansiedad. Y curiosamente también en un sex symbol gracias a esa pinta de chico malote, pero sensible, ultratatuado. Elementos extramusicales a parte, también está claro que el boca oreja provocado por sus intensos directos ha tenido mucho que ver en su curva ascendente. Sea en un gran festival o en un sala, el pelirrojo y su banda siempre lo dan todo, y no hay mejor promoción que ésa. Pero no nos engañemos, también ha tenido algo que ver su acercamiento a un sonido más indie, menos agresivo, y que ha atraído a un nuevo público que ni

siquiera sabe quiénes eran Gallows y que, de hacerlo, igual ni le gustarían. A ese sector iba dirigido la elección de sus compatriotas Kid Kapichi como teloneros. Una banda que se mueve en las coordenadas de los primeros Arctic Monkeys y que supuso un buen pasatiempo hasta la salida del artista principal. Con la sala llena y el escenario a oscuras, Carter y sus serpientes salieron con ‘Why A Butterfly Can’t Love A Spider’ creando una tensión que explotaría con ‘Tyrant Lizard King’ con el frontman ya encaramado a la valla. Para el tercer tema, ‘Kitty Sucker’, ya se había lanzado al público. Y es que es esta relación física con el público la que engancha tanto y provoca una gran complicidad entre el grupo y sus fans. Cabe destacar que el sonido era simplemente perfecto, pocas veces he escuchado esta sala sonar tan bien con todos los instrumentos totalmente compensados y con la voz alta y nítida. La fantástica ‘Trouble’, recuperada de su debut Blossom,

con ese “I know, I know, I know I ain’t walking away” fue otro pepinazo. Para ‘Wild Flowers’, el cantante pidió que esa noche el pit fuera esa noche un espacio seguro para las mujeres, lo cual le valió ganarse una sonora ovación. Tras ella vino un tramo en el que bajaron las pulsaciones dedicado a temas de su último trabajo con ‘Anxiety’, ‘Acid Veins’, ‘Latex Dreams’, ‘Love Games’ y ‘Angel Wings’ sobre la que contó que había escrito en un momento al borde del suicidio. Es ahí, donde para mi gusto su música queda algo desdibujada y podría confundirse con la de cualquier grupo británico de los últimos años. La poderosa ‘Juggernaut’ volvió a levantar los ánimos, al igual que ‘Vampires’, durante la cual Frank y el guitarrista Dean Richardson se subieron cada uno en una de las barras laterales de la sala. En la recta final ‘Devil Inside Me’, la animada ‘Crowbar’ y el blues maldito de ‘I Hate You’, coreado a pulmón por todo el mundo, pusieron el cierre a un concierto impecable, pero que no me evitó añorar los tiempos en los que Carter era más salvaje.

PROFANATICA 12/11/2019 - ROCKSOUND (BARCELONA) TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: EDUARD TUSET

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DEMONOMANCY

on algo de vergüenza observé que la base de seguidores de Profanatica en Barcelona no había aumentado desde su primer crimen en la sala Upload, y evidentemente, que tampoco les sirvió de mucho acompañar a Watain en Razz 2. Si algún día ocurriera un milagro y otra leyenda del black estadounidense como Demoncy nos visitara, ¿pasaría lo mismo? Prefiero no saberlo, y seguro que Chroma Nation lo mismo. Ya desde el inicio éramos las suficientes decenas como para hacer bulto, y es que Demonomancy es otra formación a la que no perder de vista. Su descarga estuvo guapa, pero debo reconocer que me gustaron más en el Catalonia Extreme Winter. Cuando escuchas al trío en un álbum tienes delante a un combo de black death, war metal, con voces que tiran a guturales, pero en esta ocasión ni una cosa ni la otra. Igual el cansan-

cio propio de la carretera tuvo algo que ver, pero sonaron más bien a black thrash –muy cabrón, eso sí-, y voces gruesas, por mucho que el batería Herald Of The Outer Realm también las apoyara, más bien poquitas. De todas formas, no se puede negar que repartieran estopa y que lo pasáramos guay, por mucho que algunos esperáramos otra cosa… Que luego igualmente arrasé en su puesto de merch, para qué engañarnos. Lo de Profanatica fue escandalosamente glorioso. Habitualmente ya intentan empalmar todas sus canciones con sólo la mínima pausa para que Paul Ledney anuncie su título desde la agonía, sin interactuar apenas con los congregados, pero es que esta vez fue digno del Disgusting Blasphemies Against God. ¡Qué saña, es que ni respiraban! No hubo pausas, no tuvieron piedad, fueron 50 minutos únicamente

cortados por un bis brevísimo, con la caja del batería calvándosenos en los oídos, cual simpático ajusticiamiento de Jesús en la cruz, y esa hipnótica reiteración infecta tan absolutamente suya. Pero lo mejor fue que el bolo se celebrara en Rocksound, ese templo del underground en el que las distancias desaparecen. Tenerlos ahí al lado, verlos entrechocar los puños con la peña, olvidándose de la frialdad que suelen mostrar hacia el público, con la cerveza y el sudor apareciendo en torrente, fue el recuerdo que más gratamente conservaré del concierto. Tras terminar, no sé bien por qué, se me acercó Ledney y me preguntó que qué tal, que si habían estado mejores que con Watain. Pues vaya que sí, y que en el Netherlands Deathfest, y que en cualquier otra ocasión que les haya pillado en la capital catalana o Europa.De hecho, el de Profanatica fue mi show favorito de este año junto al de Possessed, y eso es mucho decir.

MAYHEM 9/11/2019 - SALAMANDRA (BARCELONA) TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ERIC ALTIMIS

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GAAHLS WYRD

uién sabe si porque el estreno de la película Lords Of Chaos ha suscitado un nuevo interés hacia la banda, porque su último disco Daemon es realmente bueno, o simplemente porque, joder, son los putos Mayhem, pero la expectación hacia esta nueva visita del grupo noruego a Barcelona levantó una gran expectación, con la sala presentando un aspecto inmejorable. De lo que tengo más dudas es que alguno de los asistentes entendiera la presencia de GosT en el cartel. Su synthwave oscuro cuajó mucho más cuando teloneó a Carpenter Brut hace un año, pero aquí básicamente provocó caras de desconcierto, pese a que en esta ocasión contara con un bajista en escena y que su último trabajo Valediction haya ganado en agresividad. En cambio, el nuevo proyecto de Gaahl recibió una acogida propia de un cabeza de cartel. El ex Gorgoroth se

lo ganó a pulso con la presentación del sobrio y atmosférico GastiR Ghost Invited. Su sola presencia impone y se nota que siente cada palabra que interpreta. También hubo espacio para temas de sus anteriores grupos como ‘Carving In A Giant’ de Gorgorth, ‘Hoyt Opp I Dyppet’ de Trelldom o ‘Alt Liv’ de God Seed. Si bien los tres músicos del grupo parecían relegados a un mero papel de ejecutores -algo también acentuado por el reducido espacio con el que contaban-, ayudaron a crear el fondo perfecto para que su líder brillara entre la oscuridad. Mayhem se hicieron de rogar un poco, pero a la que salieron no dejaron a nadie indiferente. Y eso que el arranque fue un poco titubeante porque el sonido no acaba de acompañar, con la voz de un Attila Csihar, luciendo máscara y una túnica andrajosa, perdida en el

barullo. En la primera parte cayeron la nueva ‘Falsified And Hated’, ‘To Daimonion’, ‘My Death’ o ‘Malum’. Bien, pero sin más. Pero tras unos 40 minutos, el grupo se retiró para volver con su miembros encapuchados y ahí la cosa subió a otro nivel con un repaso parcial a su mítico De Mysteriis Dom Sathanas. Temas como ‘Freezing Moon’, ‘Pagan Fears’, ‘Life Eternal’ y ‘Buried By Time And Dust’ pusieron a todo el mundo a mil con la crudeza satánica perforando nuestros oídos y la enorme batería de Hellhammer percutiendo a destajo. Pero lo mejor estaba todavía llegar en la parte final. La banda se despojaba de sus atuendos, con Necrobutcher sin camiseta y un Attila mostrando su cresta y un chaleco de cuero, y se arrojaba a su vertiente más punk. ‘Deathcrush’, ‘Chainsaw Gutsfuck’, ‘Ancient Skin’, ‘Carnage’ y ‘Pure Fucking Armaggedon’ brindaron un aplastante epílogo para una noche a la altura, esta vez sí, de la leyenda. 15

OZZYO CORDERO DE DIOS Raff Feijoo

(PERACTO EDITORIAL)

Lorenzo es el cura de un pequeño pueblo que un día se ve obligado huir hacia una gran ciudad buscando el anonimato tras un escándalo en su parroquia. En este viaje hacia los bajos fondos de los suburbios, tanto morales como físicos, abrirá sus carnes a los lectores y relatará cómo fue su relación con las personas que en algún momento fueron importantes para él. Sucio, descarnado y doloroso como un patada en la tripa, este cómic pone en una alerta (emocionante, sin duda) desde la primera a la última viñeta. SG DINASTÍA DE X/ POTENCIAS DE X

Hickman, Larranz y Silva (PANINI)

Tras varios intentos infructuosos (algunos con arranques prometedores) parece ser que por fin llega un buen momento para la franquicia de los XMen. Estas dos series son un revulsivo como hace 20 años que no se veía en el universo mutante gracias a una propuesta que, como todos los grandes inicios, pone todo patas arriba y devuelve a la Patrulla X al lugar que les corresponde: el primer tebeo que lees nada más comprar las novedades. Ideal para engancharse a la serie, o volver a ella tras muchos años de desconexión. SG

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, RICHARD ROYUELA

TARDES DE PERSIANAS BAJADAS Brett Anderson (CONTRA)

Sobre el papel, que Brett Anderson haya divido sus memorias en dos volúmenes podría parecer un mero movimiento comercial. Pero visto en perspectiva, que el primero estuviera centrado hasta la llegada del éxito de Suede -Mañanas Negras Como El Carbón- y que el otro –este Tardes De Persianas Bajadas- lo haga a partir de ese punto, le otorga a cada parte de la historia la independencia necesaria, ya que en muchos momentos parece que estemos tratando de dos personas diferentes. Gran parte del atractivo de estas memorias, está en cómo el vocalista sabe diseccionar sus propias vivencias. Es adictivo cómo explica esos primeros pasos de Suede, su posterior explosión comercial hasta su tercer disco y la ruptura con Bernard Butler, que explica aquí sin ninguna censura y sin buscar ni victimismo ni culpabilidades. Todo ello pasó factura a partir de Head Music, su cuarto álbum, cuando las cosas se tuercen y tanto la banda como él mismo inician un camino hacia los infiernos que nadie sabía como parar. Reflexiones duras en algunos momentos, pero que, en este caso, parecen haber tenido un final feliz viendo en la buena forma en la que se encuentra actualmente cuando sube a un escenario… Aunque de eso no habla aquí. Todo se queda en el agrio final de la primera etapa de Suede. ¿Estará pensando ya en una tercera parte? No pondría la mano en el fuego a que no. RR

ONE-SHOT JAM 2019 VV.AA. (ROCKMEDIA)

Inspirada por la mítica cabecera japonesa Shonen Jump, en la que han nacido decenas de mangas superventas, Rockmedia vuelve con la segunda entrega de esta antología de autores españoles en formato oriental. Con historias cortas y autoconclusivas, haciendo gala de múltiples registros, se han hecho con el galardón a Mejor Fanzine del Salón del Manga de este año. El nº 2 incluye, además, la historia completa de Pancho Colate, una pequeña joya de la década de los 50, remasterizada y rotulada para los nuevos lectores. SG SUPERNOVAS Elisa McCausland y Diego Salgado (ERRATA NATURAE)

Turno para una mirada densa a la ciencia ficción audiovisual desde un ángulo feminista (los muchos que esta perspectiva tiene). Esta necesaria reivindicación política con la que desde la última década se contempla con mayor intensidad la producción cinematográfica (y de la que las mayors recogen algunas de sus propuestas para sus ficciones) sirve de base para analizar tanto obras actuales como para echar la vista atrás y analizar desde este prisma un sin fin de obras sirviendo, de paso, como estudio de la historia de este género. SG

New album // Available Now!

raisedfist.com

epitaph.com

DE CINE_ CON MIGUEL BAIN VENTAJAS DE VIAJAR EN TREN

EL IRLANDÉS

VIAJE ALUCINANTE

IN THE STILL OF THE NIGHT

esde el momento en que un ejemplar del libro de no ficción de Charles Brandt I Heard You Paint Houses (editado en España como Jimmy Hoffa. Caso Cerrado: El Poder De La Mafia Norteamericana) cayó en las manos de Robert De Niro, los mecanismos del cine mafioso de toda la vida empezaron a funcionar a toda máquina. Son quince años soñando con un proyecto que interesó de inmediato a Martin Scorsese, que tuvo claro que debía estar protagonizada por el propio De Niro acompañado de Al Pacino y Joe Pesci. Como a veces los sueños se cumplen, desde hace unos días ya tenemos disponible este funeral en vida del cine de mafiosos con el que el director cierra su trilogía de la bajeza humana tras Uno De Los Nuestros y Casino. Sostenida sobre una de las mejores canciones de la historia de la música, la siempre impresionante ‘In The Still Of 18

The Night’ de The Five Satins, El Irlandés es la gran historia sobre la amistad y la traición en una tercera edad que no conmueve porque todos los ancianos que aparecen en pantalla fueron y serán unos hijos de la gran puta. Martín Scorsese cierra una etapa cinematográfica poniendo las cosas en su sitio. Empezando por el ADN de la gran historia de una nación y acabando en un trío de astros que estaban casi en paradero desconocido. Pero hay algo que rompe la armonía de la función. Tal vez sea su desmedida duración (nunca molesta), o puede que sea su empeño en subrayar ciclos vitales de sus protagonistas a cualquier precio: la digitalización juvenil nunca ha sido una buena idea. Desde luego que la fotografía de Rodrigo Prieto y la selección musical no rompen nada, pero algo hay de forzado, de pomposo, que la aproxima a un gran relato catódico. A esa gran miniserie de prestigio que llega como la más cara de todos los tiempos y en la que, para bien o para mal, se aprecia cada dólar invertido. Sea lo que sea, quiénes somos nosotros para cuestionar algo así. Quedémonos con que su director aún conserva el poder de sobrecoger y conmover narrando grandes desgracias históricas en una heladería o masacrando caras.

i hace unas semanas teníamos la suerte de recibir la simpática y atrevida El Hoyo, nuestro cine da un salto descomunal en cuanto al arrojo necesario para cautivar desde el género y presenta la extraordinaria Ventajas De Viajar En Tren, auténtica revelación de la temporada nacional. La endiablada muñeca rusa de locura y croquetas que brinda el debut de Aritz Moreno es marciana, arriesgada y tan divertida y aterradora como jamás habría imaginado ni el más fiel lector de la

novela de Antonio Orejudo. Moreno se apoya en un libreto de Javier Gullón que sabe coger lo mejor de cada casa y prepara una esquizofrénica aventura que nunca se toma un respiro. Y luego están las fantásticas interpretaciones de un reparto absolutamente entregado. Pilar Castro, eterna, no se corta a la hora de sufrir ni mucho menos al de imaginar un mundo mejor para su muy humana Helga Pato. Ernesto Alterio, siempre con gracia subida, nos recuerda que hay pocos actores con tanta comicidad en nuestro país, mientras Quim Gutiérrez y Luis Tosar dan el do de pecho con dos interpretaciones intensas y pasadísimas de rosca. Casi tanto como una película excesiva y grosera, un viaje de alta velocidad hacia el absurdo y los rincones más oscuros de la mente. Como para no reírse. Con permiso de la excelsa última película de Pedro Almodóvar, la gran película nacional del año.

BECK

AMANDO AL ALIEN

MINIMALISTA Y ELECTRÓNICO, EL NUEVO DISCO DE BECK, HYPERSPACE, COLABORANDO CON PHARRELL WILLIAMS EN SU CONCEPCIÓN, RECOGE LO MEJOR DE LA IDIOSINCRASIA DE ESTE ÚLTIMO, PERO SIN PERDER LA IDENTIDAD DEL TIPO QUE ARROLLÓ EL MUNDO CON SU GENIAL, INCONGRUENTE CANCIÓN ‘LOSER’. HAN PASADO LOS AÑOS Y BECK HA IDO ACUMULANDO OBRAS MAESTRAS CON OTRAS QUE HAN DESAFIADO LOS LÍMITES DE LOS GUSTOS DE SUS FANS. TEXTO: IGNACIO REYO FOTOS: DR

ELÓMANO. ÉSA ES LA MEJOR PALABRA PARA DESCRIBIR A UN TIPO COMO BECK.

Hablar con él es como tomarte algo relajadamente con un amigo en una terraza e ir soltando nombres de grupos y comentarlos. A la hora de entrevistarlo, sólo he escuchado dos canciones de adelanto, y me comenta que es una lástima que todavía no podamos escuchar el álbum completo. Un disco que de nuevo no gustará a los que les fascinó su vena más folk, pero sí a los que apreciamos álbumes como The Information, que quizá no estén en los primeros puestos de una lista de lo mejor de, pero que funcionan en su aceptación de la electrónica bajo una ligera pátina de rap. Justo mientras escribo estas líneas escucho el reciente lanzamiento del EP digital que ha realizado en los Paisley Studios de Prince, y hay un momento de inocencia que recuerda a un grupo primerizo que cumple sus sueños versioneando en un lugar mítico de otro artista una canción de aquél. Pasan de ‘Kiss’ a ‘1999’ y Beck suelta un grito entre la timidez y la ilusión. Ése es el hombre que me encuentro al otro lado del teléfono. Le suponía hermético, distante… alguien de otro planeta, pero tras los preámbulos, mi concepción cambia. Disfruta hablando de música. Los 15 minutos establecidos se alargan casi hasta el triple, no tiene prisa alguna

mientras de vez en cuando suelta alguna apocada risa, extensión de su ya citada timidez… pero en el instante de hablar de grandes nombres se pierde como cualquiera de nosotros, apasionado por su gusto hacia todo tipo de música, incluso sorprendiéndome en un par de preguntas donde defiende o mete artistas que no esperaría escuchar de su boca. Así es Beck, alguien inusual en el momento de su irrupción, y que tres décadas después continúa siendo igual de anómalo, en el mejor sentido de la palabra.

esta música era simplemente canciones que se fueron encontrando y que podrían funcionar. Fue una gran relación porque venimos de diferentes mundos de la música, pero compartimos el mismo lenguaje. Tuve mucha suerte de poder trabajar con él”.

Cuando entrevisté a David

He visto en la hoja de prensa

Lynch, me dijo que le gusta so-

que están Jason Falkner y Ro-

ñar despierto. Las dos canciones

ger Manning Jr., dos músicos

que he escuchado de tu disco

muy solventes y creativos.

son como una banda sonora

“Ambos tocaron en mi banda, usualmente los llevaba para cantar. Tocamos varios conciertos juntos, así que ya tenemos cierto sonido característico. Tengo una gran familia de músicos con los que trabajo, cada uno de ellos es muy especial y aporta algo diferente. Tengo mucha suerte de tener esta familia de colaboradores. Si necesito ayuda, ellos están. Es realmente una bendición”.

perfecta para soñar despierto, muy minimalista. BECK “El disco entero es como un

estado de ánimo. Creo que gran parte del álbum es una continuación de ese estado de ánimo de las canciones”. ¿Cómo fue el proceso de composición de Hyperspace?

“Pharrell y yo nos juntamos y ahí fue cuando la génesis del álbum comenzó. Hemos estado trabajando de vez en cuando por un tiempo, originalmente íbamos a hacer un single. Tal vez algunos más. Sentí que había algo que relacionaba las canciones, que las conectaba, y sentí que debería ser un álbum. De alguna manera

Además has contado con algunos invitados.

“Había canciones que pensamos que debíamos trabajar con otras personas. Que sean parte de esta familia de canciones, este hiperespacio de familia musical”.

Me gusta la portada del disco, va en concordancia con lo que suena.

“La idea original era hacer una portada moderna, digital y limpia. Aunque el futuro es todo sobre alta tecnología, pero también es algo 21

sucio. El cliché de pensar el futuro como algo limpio, metálico y puro no es verdad”. A pesar de haber triunfado, sigues siendo abierto de mente, probando nuevos terrenos,

“Los músicos no reconocemos fronteras. No es que tomamos toda la música y hacemos un mapa con ella, tú estás acá, el rap está allá, el jazz por ahí. Los músicos no tenemos un mapa, cruzamos fronteras. ¿Se entiende lo que quiero decir?”.

arriesgándote.

“Sí, para mí no importa el éxito que logras o el estatus que tengas, siempre eres un músico. Me ha asombrado conocer gente como Paul McCartney o Neil Young y sentirte que eres como ellos, un músico más, mientras pasamos el tiempo. Para mí, ellos están muy lejos y por encima de mí. Pero creo que tiene que ver con que somos seres humanos y simplemente queremos estar y relacionarnos con otros músicos. Cuando veo una banda nueva, que recién está comenzando, todavía me asombra lo que hacen. Todavía estoy aprendiendo. Todavía soy un estudiante. Y quiero permanecer humilde y conectado con lo nuevo. Quiero alentar a los nuevos artistas. Apoyarlos. Creo que es importante. Hay que abarcar el futuro y el pasado al mismo tiempo. Últimamente es todo una continuación y hay grandes ideas. La música es un impulso, es una manifestación humana que está desde los primeros tiempos. Cada generación la ha estado fomentando. Últimamente, quién escribió la canción, quién se hizo famoso o no, la imagen o los números de márketing son algo completamente irrelevante. Es como el ‘Himno De La Alegría’ de Beethoven (entona una parte –ndr.), muchos no saben de quién es pero reconocen la melodía (risas)”. Si te gustan diferentes tipos de música, no importan los estilos, simplemente te gusta la música.

Totalmente. Yo empecé escuchando glam rock, y ahora escucho también John Coltrane o

que fueron muy generosas conmigo cuando estaba empezando, y fueron Tom Petty, Johnny Cash y Neil Young. Todos ellos me invitaron a sus giras y quisieron grabar mis canciones o colaborar. Eso fue muy importante para mí. Toda mi vida intenté hacer buena música para esa gente que tenía fe en mí. Quieres cumplir con las expectativas de tu padre. Y ellos son como padres para mí”.

Public Enemy. Pienso que la música es algo universal. Te gusta

También has colaborado en di-

la música, y eso es todo.

recto con U2. ¿Fue una buena

“Sí, pienso que cada artista aporta algo nuevo y yo quiero aportar la idea de que los géneros ya no importan”.

experiencia?

Aun así empezaste como un artista que tiraba más al folk. Incluso Johnny Cash hizo un tema tuyo.

“Cuando tenía 23 años me pidieron escribir algunas canciones para él, lo cual fue muy intimidante. Escribí tres canciones para él, la verdad es que no me sentía muy confiado y terminaron en mi disco Mutations. Pero luego él grabó una de mis canciones y eso significó mucho para mí. Durante esa época tocamos juntos en varios lugares, en Texas, en Hollywood. Pude pasar algún tiempo con él. Toqué varias canciones country en mi estudio. Especialmente las tradicionales. Se casó con June Carter, que formaba parte de The Carter Family. Ellos fueron parte de los fundacionales de la música country americana. Ambos éramos de diferentes generaciones, de diferentes lugares, pero como músicos teníamos algo en común. Que hiciera una de mis canciones significó bastante porque fue una gran influencia para mí. Hubo tres personas

“Fue exactamente como lo había imaginado. Fue grandioso, realmente especial. Como banda, están en un lugar muy inusual. Como en la cima de una montaña, y estando con ellos es como estar en el suelo y contemplar esa gran cima. Sus canciones son muy diferentes a todas las demás canciones. Fue un gran regalo poder pasar tiempo con ellos. Y fueron muy generosos conmigo”. ¿Cómo crees que tu música será recordada?

“No lo sé, quién sabe si tu música será recordada. Artistas que fueron muy populares hace cien años atrás no son tan recordados ahora como aquellos que eran más marginales, no populares en esa época. Alguien que no es tan exitoso ahora puede llegar a ser un gran artista. La música popular es una colección de grandes canciones de diferentes personas. Quién sabe qué estaremos escuchando en un futuro. La música está cambiando. Se está volviendo mucho más digital”. En ese sentido, en cuanto a la

“QUIERO ALENTAR A LOS NUEVOS ARTISTAS. APOYARLOS. CREO QUE ES IMPORTANTE. HAY QUE ABARCAR EL FUTURO Y EL PASADO AL MISMO TIEMPO” BECK

música, ahora se dan muchas

suya?

se te pasó por la cabeza cuando

tendencias. Por ejemplo, por la

“Mmm… es una pregunta muy difícil (risas). Siempre me encantó ‘Under Pressure’, porque soy un fan de Bowie y la combinación de ambos es increíble. La canción pasa por muchos lugares diferentes que te impulsan y te contienen. Es una pieza musical que parece accesible y que a la vez es muy compleja y ambiciosa”.

falleció, qué sentiste?

película Bohemian Rhapsody se ha vuelto a recuperar más fuerte que nunca el legado de Freddie Mercury.

“Es una de las grandes voces de la música, escribió canciones increíbles. Uno de esos artistas atípicos que tienen la habilidad de hacer algo tan particular y único, con su propia personalidad, y lograr que todos se sientan identificados completamente. Ha creado un lenguaje musical que todo el mundo entiende. Es algo mágico. Un artista muy atípico. Muy de vez en cuando aparece alguien tan salvajemente talentoso, indiscutible. Como cantante, es como un superhéroe, como Prince, Elvis, Bob Dylan, Beyoncé. Fue extraordinario”. ¿Cuál es tu canción favorita

¿Y qué me dices de ‘Bohemian Rhapsody’?

“Es inusual, ambiciosa, compleja, tierna, ridícula, feliz. Una combinación de varias cosas. Algo que no funcionaría, pero lo hace. Para mí es como alguien que toma un gran riesgo y lo consigue. Admiro esa ambición. Es una de esas cosas que te preguntas, cómo lo hicieron (risas)”. Antes has citado a Bowie. ¿Qué

“¡No estaba preparado para su partida! Esperaba poder pasar más tiempo con él, de nuevo. Como fan esperaba más música suya. Me gustaba la idea de que él estuviera en este mundo. Fue como perder a alguien de tu familia, a un ser querido. No lo conocí muy bien, pero muchos de mis amigos se sintieron igual. Una de esas personas importantes que todos amamos”. Volvamos a cómo es la música hoy en día. Suena repetitiva, con el abuso del Auto-Tune…

“Creo que hay una tendencia en los nuevos artistas de hacer la misma música que escuchaban cuando eran más jóvenes. Y no hacen nada nuevo para su generación. De vez en cuando aparece un artista que lo hace,

pero es muy raro. Es indiscutible que la música cambió. El viejo paradigma del rock es aún válido. La música popular está en varios nuevos lugares. Mi nuevo álbum trata de abarcar todas esas nuevas cosas, pero sigo fiel a mi música y a lo que me gusta”. También están todos esos programas tipo American Idol, con gente que no compone su propio material.

“Frank Sinatra, Elvis, no componían sus canciones, así que hay personas que tienen ese don y tienen una gran voz. Si yo tuviera esa voz, también cantaría canciones de otros. Hay artistas de American Idol con una voz muy poderosa, creo que hay lugar para todos”.

Leí en algún sitio que el rap,

Buena elección. Cambiando de

bandas como Public Enemy, te

tema, has visto Joker, imagino…

marcaron.

“La verdad es que no”.

“De joven era una nueva forma de música, muy inusual. Y me fascinó. Tenía vitalidad y energía. Y también la idea del sampleado. Muy experimental. Para mí, era como un tipo extraño de música avant-garde. Fue muy inspirador. También crecí escuchando música folk, punk. La idea de juntar todo eso era muy excitante para mí”. Aparte de que ya hemos citado que eres ecléctico, lo subrayaste en el proyecto de Record Club; hacer versiones de discos de otros artistas. Me impactó que hicieras un álbum de INXS. No lo esperaba...

Con músicos actuales, tuviste un episodio desagradable con Kanye West cuando irrumpió en el escenario nada más recibir tú un premio Grammy.

“Me pidió disculpas. Tú las puedes aceptar y seguir con tu vida. Fue triste porque lo admiro como artista. Y esperaba que mi arte fuera algo que él también admirara. Creo que los riesgos y la parte artificial de lo que hacemos, no es ajeno a ninguno de los dos. Hacemos música diferente. Creo que fue más arriesgado para él. Creo que en parte tenemos cosas en común. Y, ¿sabes una cosa? Mi padre es director de orquesta y arreglista de cuerdas. Y cuando pasó lo de los Grammy, él estaba trabajando con Kanye. O sea, estamos todos juntos en esto. Yo no creo en eso de ‘tú no perteneces a esto, no eres parte de este club’. Tenemos que aceptar a todos”.

“No elegí esos álbumes personalmente. Junté a los músicos y dejé que ellos eligieran la música, ésa era la estructura. La idea verdadera fue reunir gente en una habitación y hacer música juntos. Porque lo que hacemos está armado y confinado dentro del negocio de la música. Y quise hacer algo fuera de la industria discográfica, los medios y las expectativas de los fans. Éramos como chicos haciendo música, algo muy espontáneo”.

¿En serio?

“De verdad, no la he visto”. Te creo… es sólo que todo el mundo está hablando de ella

(risas). Si pudieras hacer una banda sonora con canciones, cuál harías.

“Mis canciones favoritas no forman parte de bandas sonoras, sino de scores (risas). Me gustan Ingmar Bergman, Truffaut, Godard, todo el cine europeo, Fellini, Antonioni, Buñuel. Nino Rota, Morricone, fueron grandes compositores. Si tuviera que hacer una banda sonora... es una pregunta difícil porque amo el cine. Pero podría ser alguna película de algún director italiano. Estuve en la banda sonora de la primera película de Wes Anderson, ambos hablábamos el mismo lenguaje. Tenemos muchos amigos en común. Me encanta trabajar con él. No creo que me necesite, pero por razones egoístas me gustaría formar parte de su mundo”. Hay una conexión tuya entre The Dust Brothers, que han producido cosas tuyas, e hicieron el

Si retomaras ese proyecto, qué

score de El Club De La Lucha.

álbum elegirías.

“¿Sabes? Fue gracioso. Cuando estábamos grabando Midnite Vultures, ellos estaban trabajando en la película. Así que solía ver a Brad (Pitt) y David (Fincher). Fue interesante, solía estar detrás de escena mientras filmaban. Pude verlo en diferente perspectiva, porque los vi trabajar en el score, mirando partes de esto, piezas de lo otro. Así que pude asociarme a

“Dejé de hacer el Record Club porque era difícil encontrar gente dispuesta a exponerse. Hay cierto temor en tener que grabar en vivo, no puedes arreglar las notas malas, los errores. Mucha gente tenía miedo a eso y no los culpo. Para responder tu pregunta, elegiría Loveless de My Bloody Valentine”.

eso durante ese tiempo”. Qué tipo de pensamiento tienes a la hora de asimilar todo lo que te sucede.

“Estar abierto a la gente, estar abierto a experiencias”. ¿Crees que la cienciología influye en tu música, su mensaje?

“No creo que influya en mi música. Tiendo a pensar que la gente está más conectada que separada. Creo en la humanidad y en la conexión entre nosotros. Creo que es importante que seamos abiertos, que aceptemos. Por más que el mundo sea desalentador y desilusionante, y la gente trate tan mal a otros. He crecido entre gente pobre, que no tenía oportunidades. Luego he andado entre millonarios (risas). No hay diferencia. Todos vivimos como podemos. Honestamente, he conocido gente que no tenía nada y era más feliz que un millonario. Creo que mi filosofía es que tu imaginación, tu creatividad, es el mayor poder que puedes tener”. Para finalizar, alguna recomendación musical.

“Estuve de gira en el verano con Cage The Elephant. Admiro cómo construyen sus canciones, tienen una hermosa colección de temas. Cuando tocan, todos cantan sus temas. Sus presentaciones tienen mucha energía y verlos es extraordinario. Me sentí contento de poder pasar tiempo con ellos”.

“MI FILOSOFÍA ES QUE TU IMAGINACIÓN, TU CREATIVIDAD, ES EL MAYOR PODER QUE PUEDES TENER” BECK

HELLYEAH

LUTO INFINITO

CON LA MUERTE DE VINNIE PAUL, SU BATERÍA Y MIEMBRO FUNDADOR, HELLYEAH SE ENCONTRARON ANTE LA DISYUNTIVA DE PONER FIN A SU CARRERA O TIRAR ADELANTE. PARA SUERTE DE SUS FANS, LA BANDA DECIDIÓ TERMINAR EL DISCO EN EL QUE ESTABAN TRABAJANDO Y SALIR A LA CARRETERA PARA HONRAR A SU COMPAÑERO. ¿EL FUTURO? YA SE VERÁ… TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

ESE A HABER PROBADO LAS MIELES DEL ÉXITO y ser uno

de los músicos más queridos de su generación, la vida de Vinnie Paul Abbott estuvo marcada por la fatalidad. Primero con la implosión de Pantera en 2003, luego con el asesinato de su hermano Dimebag Darrell al año siguiente, y finalmente con su súbita muerte por un ataque al corazón en junio de 2018. Quienes le conocieron, hablaban de una persona muy afable, divertida y empática, aunque cuando se sentaba a la batería fuera una auténtica bestia. Quizá es por esa personalidad que sus compañeros de grupo Chad Gray (voz), Christian Brady (guitarra), Kyle Sanders (bajo) y Tom Maxwell (guitarra) decidieron, una vez pasado el shock, que su obligación era terminar el sexto disco en el que estaban trabajando en el momento de su muerte. Éste último nos contaba a mediados de noviembre, un día antes del segundo concierto de la gira en Cincinnati, que si finalmente Welcome Home (Eleven Seven) es el último álbum que publique el grupo, al menos tiene la tranquilidad de saber que es un trabajo del que Vinnie se sentía orgulloso. Tiene que ser muy raro sacar un disco nuevo envuelto por una tragedia. ¿Has aceptado todo lo que os ha ocurrido? TOM MAXWELL “Sí, es un arma de

doble filo. Conseguimos terminar el álbum después de que Vinnie nos dejara y estamos contentos de que esté gustando a la gente, pero todo es distinto sin él. Pero creo que Vinnie se hubiera cabreado si no hubiéramos salido de gira. En el fondo tanto 28

el disco como la gira son en honor a él. Éste es el segundo tramo del tour y es duro, pero lo estamos tirando adelante. A pesar de todo lo malo, intentamos hacer lo correcto”. En qué punto se encontraba el disco cuando Vinnie falleció?

“Justo habíamos terminado de escribir el disco. Escribimos la mitad del álbum en el estudio y la otra mitad en su casa en Dallas, Texas. Así que toda la música estaba terminada y todas las baterías estaban grabadas porque volamos a Las Vegas para hacerlo y grabar también las guitarras. Creo que terminamos con el tema ‘333’, luego nos tomamos un descanso y cada uno se fue a su casa. Fue unos días después cuando nos enteramos de que había sufrido un ataque al corazón. Así que pasó en pleno proceso. Nos faltaba grabar el resto de instrumentos y las voces de Chad”. ¿Crees que su muerte afectó las letras que estaba escribiendo Chad?

“Creo que la única canción que hace referencia a Vinnie es ‘Skyy In Water’. Ahí dijo todas las cosas que le quería decir. Para el resto ya estaban escritas. De hecho, la canción ‘Welcome Home’ ya estaba terminada, incluso con las voces, y a Vinnie le encantaba, pero claro, luego tomó un significado totalmente distinto. Mucha gente piensa que la escribimos para Vinnie, pero no es así. Pero en general, en cada disco es difícil para Chad porque tiene un montón de música sobre la que escribir las letras. Creo que en este caso hizo un gran trabajo con mucha emoción pese a las circunstancias”.

Aparte de terminar el disco, ¿decidisteis de inmediato que saldríais de gira y seguiríais con el grupo?

“La verdad es que no sabíamos qué hacer. Lo único que teníamos claro era que queríamos terminar el disco. Fue un golpe muy duro. Era nuestro hermano, nuestro compañero de grupo, mi colaborador musical, así que estábamos muy desorientados. No queríamos ni siquiera pensar en ello. Pero después de unos meses y de haber digerido nuestras emociones, volvimos un poco a la normalidad y… Mira, Vinnie fue capaz de superar la muerte de su hermano y volver a tocar la batería. Eso nos inspiró a levantarnos y salir a tocar para los fans para honrarle. Por suerte, Roy Mayorga, que es un batería fantástico, estaba disponible y pudimos montar la gira. Todavía no hemos pensado qué haremos en el futuro. Por ahora vamos concierto a concierto. Queremos presentar este álbum por respeto a su memoria y su pasión. Él amaba Hellyeah. Se lo debíamos”. Y supongo que muchos fans también quieren mostraros su respeto de alguna manera.

“Sí, y lo hacen. En cada concierto, en cada meet & greet, los fans nos muestran su apoyo. Creo que están felices de que sigamos”. Vi un vídeo en directo en el que teníais el kit de batería de Vinnie vacío al lado del escenario como homenaje. ¿Es algo que estáis haciendo en cada concierto o fue algo puntual?

“Eso sólo lo hicimos en Las Vegas en un concierto de tributo a Vinnie. En

“POR AHORA VAMOS CONCIERTO A CONCIERTO. QUEREMOS PRESENTAR ESTE ÁLBUM POR RESPETO A SU MEMORIA Y SU PASIÓN. ÉL AMABA HELLYEAH. SE LO DEBÍAMOS” TOM MAXWELL

ese momento, todavía no teníamos la gira programada. Invitamos a todos nuestros amigos y familiares. Tuvimos su batería en el escenario, y a un artista, Bob Pryor, pintando todo lo que sucedía. Pero fue sólo para ese concierto”. ¿Recuerdas la primera vez que conociste a Vinnie?

“Sí, claro. Pantera escogió a mi anterior grupo para salir de gira con ellos en 2001, creo. Era la gira de Reinventing The Steel. Fue su última gira oficial. Allí pude conocer a todo el grupo, a Vinnie, a Dimebag, y a toda su crew. Fue una gran gira con muchas aventuras”. ¿Cuál fue tu primera impresión?

“Te diría que casi pasé más tiempo

con Dime. Pero Vinnie era alguien muy hospitalario, le encantaba divertirse y hacer reír a la gente. Y también se reía de sí mismo. Era una persona feliz y generosa, aunque también tenía sus problemas. Pero le encantaba divertirse todos los días. No era alguien que se quedara sentado sin hacer nada. Iba a muchos conciertos, apoyaba a los grupos locales, no podía estarse quieto. Le gustaba salir”.

Va estar ahí al lado de John Bonham como uno de los baterías más admirados. Me siento muy afortunado de haberlo tenido a mi lado los últimos 13 años. Nos hicimos muy amigos. Esos recuerdos no me los podrá quitar nadie”. Cuando publicasteis vuestro primer trabajo tuvo una buena respuesta, pero también había la duda de si tendría continuidad, porque este tipo de

Que pudiera superar la disolu-

supergrupos casi nunca duran.

ción de Pantera y luego el final

¿Cuándo te diste cuenta de que

de Damageplan y seguir ade-

podía ser una banda de verdad

lante con Hellyeah dice mucho

y no sólo un proyecto puntual?

de su personalidad.

“La verdad es que fue bastante pronto. Nada más sacar el primer disco, la gente empezó a comprarlo y a venir a los conciertos. Había deman-

“Sí, le encantaba tocar. Era un gran, gran batería. Creo que es de los baterías más queridos de la historia.

“LOS CONCIERTOS LLEGAN Y SE VAN, PERO LA MÚSICA ES LO QUE PERDURA” TOM MAXWELL da para vernos. Creo que el álbum era muy bueno, tenía algo mágico. Y una vez se abrió esa puerta, seguimos adelante. No sabíamos que íbamos a hacer seis discos más, pero logramos mantener ese interés”. En Welcome Home se nota que

Home’. Entré en el estudio sin ningún tema terminado. Me senté con el productor y Vinnie y empecé a tocar la intro, que tenía guardada por ahí, y salió esa canción, que es muy épica. Tiene subidas y bajadas, tiene orquestación. Creo que ese tema nos abrió el camino para el resto”.

queríais probar cosas nuevas.

“Sí. Antes de empezar el disco, hablé con Vinnie y le dije que quería hacer algo distinto, algo en lo que no me sintiera cómodo del todo. Cuando haces un disco y dices ‘es lo mejor que he hecho’ es lo que dicen todos los grupos. Yo quería hacer algo de lo que no estuviera seguro, que fuera arriesgado. Como compositor quería un desafío, no quería seguir subiendo por la misma escalera. Es muy fácil repetir lo que ya has hecho. A nosotros nos encanta la música y queríamos transmitir nuevas emociones. La primera canción que hicimos, lo creas o no, fue ‘Welcome 30

Supongo que como músico siempre hay ese miedo de saber si serás capaz de escribir una canción más. Quizá llega un momento en el que no tienes nada más que ofrecer.

“Ya, ya. A mí lo que más me gusta es estar creando en el estudio. Pero necesitas tener hambre. No sé de dónde me viene. A veces estás tocando y no te sale nada, y otros días te sale todo de golpe. Es como que un riff te encuentra a ti, no al revés. Espero que eso nunca termine. Creo que mientras sienta pasión por la música, seguirá ocurriendo. Mucha gente

pensaba que no seríamos capaces de igualar Blood For Blood, y luego sacamos Unden!able y lo conseguimos. Hicimos algo nuevo. Y ahora lo hemos vuelto a hacer con Welcome Home. Creo que lo importante es empujarte a tirar adelante. Y también tener a un buen productor que te ayuda a sacar lo mejor de ti. Los músicos somos muy protectores con nuestras canciones, así que es muy importante que alguien de fuera te ayude a abrirte, a probar cosas nuevas. Es un trabajo en equipo. Todo el mundo aporta sus ideas y eso es lo que hace que el material crezca. Para mí es muy importante porque la música vivirá para siempre. Los conciertos llegan y se van, pero la música es lo que perdura”.

BARBARIAN SWORDS

GRAN DECLARACIÃ&#x201C;N DE GUERRA

LOS ANTI-TODO BARBARIAN SWORDS VUELVEN A LA CARGA CON SU TERCER ÁLBUM, UN TOTEMIC ANAL TURBOFUCKER QUE SE ABANDONA A SUS PULSIONES MÁS DEPRAVADAS E HIRIENTES, DEJANDO DE LADO EL DOOM PARA CAER EN EL BLACK METAL Y PUNK MÁS ULTRAJANTE. MAL QUE NOS PESE, TOCABA VOLVER A SER OBJETO DE LA IRA DE LOS CATALANES… TEXTO: ANDRÉS MARTÍNEZ FOTOS: SERGI VILA

ON PÄX, EL TIPO QUE SE DEJA L A GAR GANTA escupiendo

los blasfemos versos de Barbarian Swords, es un tipo brillante. Habla claro, sin tapujos, y sus opiniones son siempre interesantes de escuchar si tienes un mínimo de inquietudes culturales. Por eso no vamos a restarle espacio a todo lo que nos tenía que contar el estrambótico cantante para dárselos a estas líneas previas que sólo sirven como presentación a una conversación que resultó jugosa y, como siempre, muy enriquecedora. Habrá quien no tome demasiado en serio a un personaje con unas ideas tan diáfanas y extremas… Allá cada cual, pero solamente hay que leer con atención para darte cuenta que, entre todo ese amasijo de palabras, hay verdades irrefutables. Lo primero que me gustaría comentarte es la sorpresa que me ha causado escuchar Totemic

Anal Turbofucker. La calidad es incuestionable, pero ha habido un cambio de registro monumental. De ese funeral doom pasado por el tamiz black tan característico vuestro habéis pasado a

manera natural?

esos ritmos arrastrados apoca-

VON PÄX “Bueno, chico, igual hay

lípticos? Lo digo básicamente

que dejar las cosas claras nada más empezar, al menos desde mi punto de vista: el punk ha estado presente en esta banda desde el principio. ¿Desde qué prisma interpretar si no canciones como ‘Putrid Whore – The Holy Church’ o ‘For My Honor’ de nuestro debut, Hunting Rats? ¿Acaso en ocho putos años nadie se ha fijado en mi cresta, o en la camiseta de Dead Kennedys con la que Voice of Noise ha tocado en directo? No veo evolución ninguna, pues si a las canciones de Totemic Anal Turbofucker les intercalas dos o tres cortes bien funerarios, ahí, con sus 10 malditos minutazos de ominoso funeral doom, te queda un álbum típicamente Swords. Pero el caso es que estábamos tramando el álbum más exigente y ambicioso que hayamos perpetrado nunca, y un día en el local nos miramos las putas jetas y todos lo vimos claro: ‘Nenes, no nos engañemos, de lo que tenemos ganas es de desparramar de la forma más viciosa, pendenciera e infecta que sepamos’. Y dicho y hecho: abandonamos temporalmente ese disco algo más trabajoso, que sin duda se realizará, y en tres, cuatro meses ya lo tuvimos todo listo para eyacular en el jodido estudio”.

porque en vuestra aportación al

una especie de mezcla bastarda entre el punk, el thrash y el

Así, imagino que ese lento y os-

black metal más blasfemo ¿Ha

curo doom no habrá desapareci-

sido ésa una evolución pensada

do totalmente del universo de la

y concebida por alguna razón, o

banda… ¿Volverá en un futuro

simplemente se ha producido de

el grupo a vender su alma a

split Tetrarchia Ex Bestia sí nos encontramos con ese doom tan sarnoso y pesado…

“Sí, claro, por supuesto que volverá. Es parte indisoluble de esta formación, que afortunadamente en nada ha cambiado desde que se creó. Barbarían Swords no se venden, nuestro compromiso con el verdadero metal extremo, la provocación, la lefa sónica, la misantropía más exacerbada y el nihilismo más profundo jamás desaparecerá. De hacerlo, sería motivo de disolución. Ya nada tendría sentido, no somos putos estafadores. Lo que ocurre es que el seguidor de una banda suele quedarse sólo con el último capítulo que ésta le haya brindado, pero en el seno de un grupo, al menos de uno que tenga claro qué hace aquí y hacia dónde va, su visión va varios años por delante. Para serte sincero, tenemos pensados los dos o tres próximos movimientos discográficos de Barbarian Swords, portadas incluidas. Tanto en lo temático como en lo musical. Como mínimo, publicar esto nos tomará una década más, y por supuesto, todo ello sigue estando sujeto a nuevos volantazos, a nuestros caprichos más carniceros en materia compositiva. Es gracioso que comentes lo de Tetrarchia Ex Bestia, porque estas canciones se grabaron el pasado mes de abril, mientras que las de Totemic son de julio de 2018. Es decir, la versión más actual de esta 33

jodida banda es la del split de junio, y no la del jodido nuevo álbum que estamos presentando ahora (risas). Somos cabrones hasta para esto…”.

Imagino que vuestra inclinación nihilista y vuestro odio hacia toda la humanidad os hace que no os importe demasiado ver cómo se autodestruye esta socie-

Una vez me dijiste que no in-

dad que, parece, va directa hacía

cluíais los textos en el artwork

el desconcierto más absoluto…

del disco porque no querías

Pero me gustaría saber tu opi-

acabar en la cárcel. En Worms

nión ante este auge del fascismo

las letras ya iban incorporadas

de ultraderecha que estamos

en la carpeta, pero, teniendo

viviendo en toda Europa y espe-

en cuenta que el tono no se ha

cialmente en nuestro país.

rebajado en absoluto y el clima

“En efecto, para nosotros es un privilegio poder asistir en prime time al ocaso de la civilización cristiana occidental. Llevo esperando este momento toda la vida, y cuando veo las calles arder, las lluvias de piedras, el caos y la violencia desatadas, no tengo palabras para expresar mi regocijo. Me encuentro feliz y ciertamente cómodo ante el desmorone de toda esa basura que nos han estado intentando inocular desde el mismo momento en que accedimos al sistema educativo. Ahora bien, Barbarian Swords no entramos a valorar sucias ideologías, pues son eso, construcciones arbitrarias fruto del espacio sociocultural y temporal que el azar nos ha deparado. Asuntos pútridamente humanos, vaya. Odiamos a todas las personas por igual sin distinciones. Y por supuesto, no nos colocamos en un pedestal; nosotros también merecemos desaparecer de la faz de la Tierra, con nuestras debilidades y nuestras incongruencias, pues no estamos por encima de nadie. Igualmente, a título personal, me voy a permitir una observación, de la que imagino, más de uno se habrá percatado: en este país no ha crecido la ultraderecha, pues siempre ha estado ahí. No al menos desde el bando en el que creen… No hubo transición, sólo un cambio de

social y político que se respira en los últimos tiempos no inspira demasiada confianza en seguir disfrutando de la libertad de expresión, ¿no esperáis que nadie pique a vuestra puerta y acabéis en una oscura celda?

“(Risas) Ésa es una posibilidad muy real, pero llega un punto en el que te das cuenta de que en este país no hace falta razón alguna para acabar encerrado en el puto talego. Basta con que un fiscal te impute un delito de terrorismo por el mero hecho de ser catalán para que tu vida se vaya a la mierda para siempre. Montajes policiales todos los días, torturas y palizas, manipulación absoluta desde los grandes medios, periodismo pasto de las llamas, sólo dogmas de fe, histerismo y cazas de brujas. Autoritarismo y borregada, eligiendo cada cuatro años de qué color quiere sus cadenas. Supongo que llegó un momento en el que dijimos ‘ya que hemos venido a jugar, hagámoslo bien’, y aquí estamos, de momento sólo siendo odiados por una absoluta minoría de analfabetos y reaccionaros neoconservadores que acaban de llegar al metal extremo desde esa nueva falsa izquierda fundamentalista. Y que dure”.

chaquetas. No se devolvió ni un solo bien incautado durante la dictadura, así que los mismos apellidos que movían los hilos durante el franquismo lo siguen haciendo hoy desde el Ibex 35. Por favor, apartad la mirada de los medios corruptos y no os traguéis toda esa puta mierda sectaria… El PP es extrema derecha, Ciudadanos es extrema derecha, VOX es extrema derecha fascista… Si te fijas en la cantidad de votos y escaños que el PP lograba antes de que el bipartidismo saltara por los aires, verás que lo que ocurre hoy tan sólo es un reparto equitativo entre posiciones más o menos radicales de su electorado. Lo que sí ha cambiado es que gran parte del PSOE hoy en día habría tomado las armas a favor de los sublevados, así que quizá sí la ultraderecha gane terreno aquí… pero por ese lado menos esperable, como apuntaba antes. Porque, además, ¿no vas a ser capaz de venderme a Podemos como un partido de izquierdas desde esa raquítica, colaboracionista y palurda socialdemocracia de pacotilla, verdad? Igual a los hippies y los arreglamundos debería preocuparles más la nula existencia de izquierda en las cleptocracias, en las partidocracias occidentales. También que una abuela de la derechota convergente le cause más problemas al sistema que ellos con sus ácidos twits y revoluciones desde el sofá de casa. En el caso continental, responsabilizo totalmente a Angela Merkel y a la Unión Europea de este ascenso. Si tú te inventas una crisis económica para recortar salarios y derechos laborales, para humillar a las clases bajas, y luego sólo aplicas políticas asesinas a base de recortes psicópatas, despojando además a los más desfavorecidos del acceso a la

“PARA NOSOTROS ES UN PRIVILEGIO PODER ASISTIR EN PRIME TIME AL OCASO DE LA CIVILIZACIÓN CRISTIANA OCCIDENTAL” VON PÄX cultura, es obvio que estás creando el caldo de cultivo perfecto para que este tipo de discursos calen. Es un tópico, pero la historia siempre se repite”. Siguiendo con los textos, me ha gustado la lasciva obscenidad de ‘Fleshy Battering Ram’. Es viciosa, sucia y muy original… ¿De dónde salen las ideas para semejantes salvajadas?

“Pues de esta cabecita que me corona, es obvio… Para ésta en particular, un día estaba curioseando uno de estos panfletos que la peña se traga… El País, creo que era, y me topé con

algo que me llamó la atención: un pseudoartículo sobre el chemsex. Por supuesto, el tono era alarmista y despectivo, pero a mí me flipó ese fenómeno. ¡Pero mucho! Peña del universo gay que folla durante días y días metiéndose toda la droga habida y por haber. ¡Joder, pero qué jefada, cómo se lo montan! Supe que debía escribir sobre ello, pues era una temática totalmente Barbarian Swords. Ahí tienes al ariete cárnico, que se folla todo lo que se mueve entre rayas y rayas, ya sea hombre, mujer, negro, blanco o verde. Lo cierto es que nunca paran de llegarme ideas a la cabeza, ideas que

voy apuntando en papeles, y siempre parto desde el título de la canción. Para Totemic Anal Turbofucker fue un poco más raro que normalmente, porque durante una semana me desperté rollo epifanía a las seis de la mañana o así, cada puto día, con toda la letra creada en la cabeza de cada canción. Sólo tuve que escribirlo luego, fue algo extrañísimo…”. Más versos hirientes, ‘How To Destroy Christianism’… Vuestra cruzada contra toda religión organizada y el catolicismo en especial sigue en pie de guerra.

“Nuestra cruzada contra todo lo relacionado con la puta escoria humana, diría yo. Pero sí, sobre todo contra la religión organizada que más nos ha tocado padecer, y que se expande hacia casi todas las parcelas de la vida diaria aunque tantos ni siquiera quieran darse cuenta. En efecto, pasan los años y el cabreo sigue siendo mayúsculo, por no decir que ha ido a más. En estos tiempos que corren me corroe el odio más visceral y me cuesta mucho reprimirme, te lo digo muy en serio… Cuando has contemplado el error en Matrix ya no hay vuelta atrás. Todo lo observas desde la incredulidad, todo input que puedan intentar venderte desde esta sociedad lo concibes como una provocación, y al final sólo aspiras a la destrucción total de todo lo conocido. Si ésta es nuestra entrada a la vida adulta, bienvenida sea”.

grupo a la que le chiflan los primeros Manowar, pero también la única que no toca instrumento alguno, así que no creo que esa influencia pueda haber aflorado. En lo que a temáticas y letras se refiere, sí, por supuesto… Bañarte en la sangre de tus enemigos, perseguirlos hasta darles caza, ajusticiarlos como se merecen… Todo eso me interesa y es una motivación para seguir respirando, para seguir un día más entre los putos mortales”. Otra sorpresa, y muy agradable por cierto, es la inclusión de la versión ‘Cerebros Destruidos’ de Eskorbuto. En mi mente hay un claro nexo de unión entre una

pero un día recuperé ‘Cerebros Destruidos’ y me dije ‘coño, pero si esto es lo que querría haber escrito para la banda toda la puta vida’. Así que se lo comenté al grupo, y Steamroller enseguida vio que era una canción muy barbarizable. Si hacíamos una versión, debía ser algo insospechado, no lo que esperaría todo el mundo del palo Bathory, Sarcófago, Mayhem… Lo cierto es que dentro del black más raw, este grupo siempre ha observado una conexión clara con el punk. Craft, Impaled Nazarene, Darkthrone, la canción ‘Long Haired Punks’ de Venom, la versión de Turbonegro de Carpathian Forest… Para nosotros es una maldita obviedad eso”.

banda como Barbarian y aquellos vascos locos de remate, pero

Estáis tocando mucho fuera, su-

casi nadie dentro del metal ex-

pongo que fruto de las excelen-

tremo asociaría ese tipo de gru-

tes críticas que está cosechando

pos del punk radical a la escena

Totemic Anal Turbolover… ¿Cómo

‘Be The War’ es todo un himno

metálica. ¿Cómo surge la idea de

fueron esas fechas por Polonia

de furioso black metal, ‘How

ese homenaje?

y la Republica Checa? La gente

To Destroy Christianism’ posee

“Sí, lo vemos igual. Es absolutamente patético que haya metaleros por ahí que nunca hayan escuchado a Eskorbuto, pero qué le vamos a hacer… Es por eso que no salvamos a nadie, si es que al final vas a terminar dándome la razón… Pero seamos serios: Barbarian Swords no les llegamos ni a la suela de los zapatos a los de Santurce, pues fueron una de las pocas bandas plenamente consecuentes con su mensaje de autodestrucción, y fueron fieles a ello hasta las últimas consecuencias. Nosotros somos unos putos hijos de papá comparados con ellos. Unos caraduras muy pero que muy bocas. Yo siempre he sido el reacio a hacer versiones dentro del grupo, simplemente no me salía del pito perder el tiempo memorizando la obra de los demás,

del Este tiene reputación de estar

un olor a war metal que parece que estés dentro de una batalla. Dentro de vuestro extremismo siempre os las arregláis para componer temas que son auténticos himnos de pura enajenación metálica. En ese aspecto, podéis llamarme loco, pero en todos vuestros trabajos siempre he detectado un aire al sonido Manowar que tira de espaldas. ¿Estoy en lo cierto? ¿Es ésta una influencia palpable en vuestro sonido?

“Podemos llamarte loco y lo que nos salga de los cojones, tenlo muy clarito. No eres el primer primate que nos lo comenta, pero yo personalmente no lo veo. Soy la única persona del

realmente perturbada…

“Bueno, yo no diría que estemos tocando tanto en el extranjero… Estamos haciendo fechas específicas que nos motivan, tan simple como eso, y en todo caso, todo es fruto de un inmenso curro de mailing y miles de conversaciones con guiris durante horas y varios años, casi a diario. Por muy buena que sea una banda, por muy buena recepción que tenga en los medios, si no mueve el culo para hacer contactos no se va a comer una cochina mierda. Eso es lo que no han entendido gran parte de los lloricas que pululan por nuestras redes… En fin… La peña de Polonia era realmente fría. Más que en Barcelona, que ya es decir… Y la República Checa fue una puta fiesta. Sala llena

“NOSOTROS SOMOS UNOS PUTOS HIJOS DE PAPÁ COMPARADOS CON ESKORBUTO” VON PÄX y loca desde los primeros instantes, fue una puta gozada. Seguramente, tras nuestra primera vez en Euskadi, ése sea mi segundo bolo favorito de la historia del grupo. Lo que sí cambia sobremanera es el trato y el sumo respeto a las formaciones que las salas y los organizadores brindan. Es otro mundo en Europa, estamos realmente a años luz, te lo aseguro…”. Por otro lado, también me gustaría que me hablaras de ese histórico cartel en Roma donde tocaréis al lado de Necromorbid y Blasphemy. Supongo que compartir escenario con semejantes leyendas es una de las grandes compensaciones por tanto esfuerzo en el underground, ¿no?

“Joder, va a ser un puto lujazo y un tremendo honor, ya te lo aseguro. Blasphemy es una de mis bandas favoritas de todos los tiempos, y es flipante que estuviera buscando vuelos para ir a verlos en Roma y al final acabe yendo al bolo, sí, pero para tocar con ellos

(risas). Me cago en Dios, qué rara puede ser la puta vida a veces… (Risas) No sé si es un premio al esfuerzo y todas estas chuminadas que enumeras, pero sí los resultados de la política que esta banda practica: conciertos, los justos, escasos incluso, pero siempre buscando que sean de calidad, nunca tocar por tocar. Tampoco me colgaré el moco y venderé la moto a la peña, porque es obvio que coger el avión para una sola fecha sólo puede ser deficitario… Pero, ¿y? La segunda premisa de esta banda es el hedonismo, el pasarlo de puta madre mientras esperamos la feliz extinción de la raza humana, y eso pasa por pegarnos el gustazo de ir a tocar a Italia con los putos Blasphemy. Hay peña que se gasta 3.000 pavos en una maldita bici, incluso más, y nunca le preguntan ‘¿Pero cubres los gastos?’. Tanta gilipollez ya, me cago en todo…”. ¿Tenéis pensadas más salidas al extranjero? En ocasiones las bandas de aquí parece que tengan

más oportunidades fuera que en su propio país…

“Algo estamos tramando a un nivel más subterráneo, sí, pero no sé si saldrá adelante. Yo creo que en 2020 volveremos a pisar Europa, pero ya veremos cómo y con quién. Como decía, tienes más oportunidades fuera si mueves el jodido culo, pero si no lo haces, te comes el mismo puto mojón que en este maldito país de mierda. A ver, es que la ecuación en el Viejo Continente es sencilla: existe un público real fanático del metal extremo que acude a los bolos y compra merch a destajo. Entonces, como la escena responde, puede crearse un circuito de conciertos, promotores y salas donde es muy pero que muy complicado perder pasta. Es su paradigma sociocultural: se valora a las bandas y a la música en directo. Si esto no existe en el Estado español, no seas cabezota y no seas idiota, pues nunca lograrás cambiarlo. Deja de quejarte, de aburrir a la peña en las redes sociales, aprende inglés, y búscate la vida fuera de aquí. Lo

demás es perder el tiempo, y eso que a nosotros, con lo que hacemos, nos va bastante bien incluso dentro de nuestras fronteras…”.

simplones acuden en masa para escuchar pura bazofia enlatada”. Como decíamos, Barbarian Swords estáis cerca de cumplir la

Por cierto, ¿cómo ves la escena

primera década de vida. Cuando

underground del metal extremo

os conocí con vuestra primera

a nivel general? ¿No crees que

maqueta erais una banda que

sólo aquí se puede encontrar el

parecía desear pasar sólo un

verdadero espíritu anárquico,

buen rato haciendo música extre-

excesivo y caótico que años

ma sin querer realizar ninguna

atrás destacaba en el panorama

concesión de ningún tipo. Como

metálico?

hemos visto, ese odio visceral

“Por supuesto, hay propuestas rockeras y metálicas hoy en día que ya ni siquiera deberían tenerse en consideración por lo debiluchas, enclenques y buen rollistas que resultan. Yo soy de los que opinan que, cuando se cambió el jaco por la wifi en los backstage, todo se fue al traste. De todas formas, también en el metal extremo observo posiciones mamarrachas, cristianas y hippiosas que años atrás sólo habrían recibido una pedrada en la cabeza nada más subirse a un escenario. Son santurrones vomitivos recién llegados que se creen que esto sólo es música y que pueden pervertirnos con su cretinez podemita, pero qué le vamos a hacer… Pero sí, en líneas generales, sobre todo en los circuitos más sumamente subterráneos, percibo un nivel de bandas alucinante, que si bien no tienen ese valor del crear escuela y la maestría del pionero, sí revientan esquemas por la altísima calidad y la altísima cantidad que nos golpea a diario. De todas formas, fuera del metal extremo también hay expresiones infaustas y tremendamente ofensivas, como pudiera ser esa electrónica más noise… Por supuesto, para disfrutar de todo ello debes huir de los organismos habituales de consumo musical, donde la mayoría de heavies

hacia todo no sólo sigue ahí, sino

que además, ha parecido crecer hasta límites insospechados…

CD te repele y sólo deseas el jodido vinilo, y cuando lo tienes, piensas en qué promo te puede ofrecer esa nueva discográfica… El puto cerebro humano te pervierte, y ni te das cuenta. ¿Pero desafíos, logros? Eso no ha existido, y si alguna vez me planteé hacer unas pocas fechas por Europa para demostrar que, pese a todo, esta puta mierda de metal que hacemos podía lograrlo, ya ves que se ha conseguido. Ya no hay nada más a otear en el horizonte más allá de cuadrar algún que otro festival extranjero, ya ves tú qué ambición… Todo es más complicado ahora, por eso, tenlo clarísimo”.

Está claro que no os habéis apaciguado con el tiempo, pero ¿qué

¿Qué se autodestruirá antes, la

diferencia hay entre los Barba-

humanidad o Barbarian Swords?

rian Swords de aquella demo y

Charlando con algunos amigos

los actuales?

acerca de la infecta grandeza

“Debo decir que los parámetros por los que se juzga la puta carrera de un grupo no valen para Barbarian Swords. Normalmente cualquier formación te dirá ‘buah, queríamos llegar lo más lejos posible, compartir nuestra música con cuanta más peña mejor, yo siempre confié…’. Bah, me paso por el forro de los huevos toda esta puta porquería demagoga. En primer lugar, cuando mi hermano y yo nos juntamos en el salón de su casa para empezar esta aventura, mi única meta era ver si podía cantar black metal. Y eso se logró a las pocas semanas. A partir de ahí, al menos en mi caso, todo ha sido un puto bonus. No había nada a conseguir por parte del grupo, pero con el paso del tiempo las cosas se complican, y no sabes ni cómo. Cada vez te vienen ideas más locas, exiges artworks más hijoputas y sangrientos, empiezas a pensar en múltiples formatos, a hablar con sellos, de pronto el

de Totemic Anal Turbofucker, alguien lanzó un comentario muy acertado: “Putos Barbarian, si

hubiera una guerra nuclear que acabara con todo, sólo quedarían las cucarachas y estos tipos componiendo temas al holocausto vivido”.

“Puede que Barbarian Swords desaparezcan mañana si nos sale de la huevera hacerlo, o porque no salgan canciones lo suficientemente torpes, abusivas e infectas, pero el caso es que creo que la banda palmaría al mismo tiempo que la humanidad, pues somos puta escoria como tú, tu familia y cualquier malnacido que preste atención a esta jodida entrevista. Aquí nadie es mejor que nadie, sólo somos sacos de mierda a exterminar”.

BAYSIDE

UN MUNDO DE CONTRASTES

SIN HACER TANTO RUIDO, NI HABER TENIDO TANTA NOTORIEDAD COMO OTROS GRUPOS DE SU GENERACIÓN, BAYSIDE HAN CONSEGUIDO FORJARSE UNA CARRERA QUE EN 2020 LLEGARÁ A LAS DOS DÉCADAS. PARTE DE SU SECRETO, ADEMÁS DE SUS GRANDES CANCIONES, ES NO HABER QUERIDO ESTANCARSE. INTERROBANG, SU NUEVO ÁLBUM, ES OTRO EJEMPLO DE SU ESTIMULANTE CREATIVIDAD. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

UANDO SUENA EL RIFF DE ‘INTERROBANG’ , el tema

que abre y da título al octavo álbum de Bayside, publicado en octubre por Hopeless Records, es más fácil que pienses en Scorpions que en cualquiera de los grupos de emo o punk pop que surgieron en la Costa Este de Estados Unidos al mismo tiempo que ellos. No será hasta que entre la característica voz, a lo crooner, de Anthony Raneri, que te darás cuenta que, efectivamente, estás escuchando a su grupo. Ya te aviso que será una constante a lo largo de casi todo el álbum. Los de Queens han sacado su arsenal más metálico para facturar uno de los trabajos más sorprendentes de su carrera. Más si tenemos en cuenta que lo último que habíamos conocido de ellos era el desnudo Acoustic Volume 2 y su posterior gira desenchufada en 2018. Pero esta vez Raneri y sus compañeros Jack O’Shea (guitarra), Nick Ghanbarian (bajo) y Chris Guglielmo (batería) querían ofrecer a sus seguidores unas canciones que los mantuviera en tensión en todo momento. El resultado es su disco más heavy hasta la fecha, sin renunciar a las melodías, claro. “Sobre todo no queríamos hacer ‘otro disco más de Bayside’”, nos cuenta Raneri. “Queríamos triunfar a lo grande o fracasar a lo grande”. Por suerte, la inspiración estuvo de su lado también en esta ocasión.

Éste es un disco más heavy,

de cabecera?

hay más riffs, más solos… ¿Os

“Cuando tenía 11 ó 12 años me compré Far Beyond Driven de Pantera, el Black Album de Metallica, también … And Justice For All. Pero, de hecho, mi grupo favorito era Megadeth. Para mí eran impresionantes. Ellos y Iron Maiden me gustaban mucho porque tenían riffs y melodías. No eran sólo heavies todo el tiempo, sino que también tenían melodías”.

apetecía hacer algo más duro después del álbum y la gira acústica? ANTHONY RANERI “En realidad

fue un poco al revés. Ya sabíamos que queríamos hacer un disco más heavy desde antes, así que el álbum y la gira acústica fue algo totalmente independiente. Pero pensamos que sería una buena idea hacer algo muy distinto antes porque sería una manera de sorprender aún más a la gente con lo que estábamos preparando. De todos modos, tampoco te creas que en la gira acústica la gente estaba callada y en silencio… Todo el mundo cantaba y había una gran energía en la sala. Eso también nos inspiró cuando luego volvimos al estudio”. Vuestro trabajo anterior al acústico, Vacancy, para mí era más un disco de cantautor con banda que no el de una banda

Aunque luego te metiste en la escena punk rock, ¿en tu corazón te hubiera gustado ser un

guitar hero?

“La verdad es que siempre me han gustado ambos mundos. Creo que Jack lo lleva más en la sangre que yo. Cuando se unió al grupo ni conocía a Taking Back Sunday o muchos de los grupos con los que tocábamos. A él le gustaba más el metal, el jazz y el prog rock. Pero congeniamos muy bien porque teníamos cosas en común y además, nos complementábamos muy bien”.

en sí. En éste parece que todo el mundo ha estado mucho más

Creo que este álbum muestra

implicado.

también lo buenos músicos que

“Sí, sí. Ese disco era totalmente opuesto a lo que hemos hecho en éste. Las melodías y las letras eran lo principal, pero en éste hemos buscado más la intensidad y la musicalidad de todo el conjunto”.

sois. Normalmente se destaca

Háblame de tus influencias metálicas. ¿Cuáles son tus grupos

más vuestras canciones que vuestra técnica.

“Sí, yo también lo creo. Todos estamos muy orgullosos de nuestras capacidades técnicas, pero al final somos una banda de punk rock y supongo que no tenemos muchas oportunidades de chulear de eso (risas).

“EL DESAFÍO DE ESTE DISCO ERA HACER ALGO MÁS TÉCNICO Y METAL, PERO MANTENER NUESTRAS MELODÍAS” ANTHONY RANERI A veces hemos tocado con grupos más duros o grupos de metal, y nos hemos ido pensando que tocamos mejor que esos tíos, es sólo que no lo mostramos. El desafío de este disco era hacer algo más técnico y metal, pero mantener nuestras melodías”. Sí, y parece que encontraste la manera de hacerlo, sin caer en la tentación de ponerte a gritar.

“Sí. A principios de los 2000 encontré mi propia voz, porque, sinceramente, no soy capaz de gritar, no sé hacerlo (risas). Eso nunca iba a formar parte de nuestro estilo, aunque en ese momento se llevaba bastante. Mi estilo es más Michael Bublé o Frank Sinatra (risas). Creo que eso es lo que aporto al grupo y es una parte muy importante de nuestro sonido. Jack es más metal, Nick y Chris son más punk y hardcore, y yo canto como Sinatra por encima; eso

es lo que nos define. Creo que nos da algo distinto a que si yo estuviera gritando”. Quizá esa limitación de no saber gritar a jugado a vuestro favor.

“Totalmente. Cuando empezamos y sacamos nuestros primeros discos, nos resultó difícil ver cómo todos los grupos que gritaban se hacían más populares que nosotros, pero nunca tiramos por ese camino”.

Sunday o Glassjaw en una bolera o sitios así. Pero es difícil mantener esa actitud de escena local cuando todos nos convertimos en grupos que giraban a nivel nacional. Todos empezamos tocando en el mismo lugar, pero cuando la cosa empezó a crecer ninguno ya no estábamos nunca en Long Island”. Vosotros nunca llegasteis a tener el mismo éxito que algunos de vuestros coetáneos, pero aquí seguís.

Hablemos un poco más de eso. Cuando salisteis parecía que cualquier grupo de Long Island o New Jersey se hacía famoso. ¿Había un sentimiento de esce-

“Sí, vimos muchas modas ir y venir, pero nunca nos subimos al carro de lo que funcionaba. Supongo que si nunca estás de moda, nunca pasas de moda”.

na o cada uno iba a la suya?

“Al principio desde luego nos sentíamos una escena. Tocábamos los unos en las casas de los otros. Recuerdo ir a ver a Brand New, Taking Back

Volviendo al nuevo disco, en él habéis trabajado con Cameron Webb. Supongo que, como fan de Megadeth, para ti debía ser

emocionante contar con él. Y

Suele decirse que una gran

además también ha trabajado

canción es aquélla que puedes

con bandas de punk rock.

tocar simplemente con una gui-

“Sí, era el tío perfecto para este disco. Queríamos hacer un álbum de punk metal y él ha trabajado con grupos de ambos estilos. Al mismo tiempo que el nuestro, estaba grabando el último de Lagwagon en el mismo estudio. Ha trabajado con NoFx y Pennywise, grupos con los que crecimos, pero también con Megadeth y Motörhead. Muchas veces le decíamos ‘¿Qué harían Megadeth en este tema?’, y él tenía la respuesta”.

tarra acústica. ¿Qué opinas de

Sí.

esta afirmación?

“Es curioso, porque a veces hago meditación para relajarme y hay un momento en el que tienes que visualizar un lugar en el que te hayas sentido bien, y cada vez que lo hago me veo en la playa en Barcelona. Es uno de mis lugares favoritos”.

¿Cuál fue el primer tema que escribisteis para el álbum?

“La primera fue ‘Prayers’, que es probablemente la más heavy el disco. Escribí el riff que abre el tema y eso marcó el tono del disco. Queríamos que todos nos resultaran igual de excitantes que ese tema”.

“Por lo general suele ser cierto, aunque no creo que todos los temas de este disco funcionaran en ese formato. Pero en el álbum acústico desnudamos algunos temas y creo que si tienes una buena progresión de acordes y una buena melodía, siempre funciona. Es algo que hemos aprendido a hacer. Para la promoción de este disco hicimos algunos acústicos en radios y encontramos un arreglo de ‘Prayers’ en acústico que nos gustaba. Otro como ‘Heavens’ fue mucho más fácil adaptarlo. Realmente depende de la canción”.

“Sí, hace mucho. Estás en Barcelona, ¿verdad?”.

Bueno, pues ni que sea para meditar, vuelve por aquí.

“Me encantaría, pero no es tan fácil. Pasamos mucho tiempo en Reino Unido y Alemania, me imagino que no somos tan populares en España como para que salga rentable, pero si sale una oportunidad, ahí estaremos”.

Por último, hace muchísimo que no venís a tocar a España. ¿Se va a romper por fin esa racha?

BERRI TXARRAK

EL LARGO ADIÓS LA DESPEDIDA DE BERRI TXARRAK HA SIDO, SIN DUDA, UNA DE LAS NOTICIAS QUE HA MARCADO ESTE 2019 QUE AHORA TERMINA. CINCO DÍAS DESPUÉS DE HABERSE BAJADO POR ÚLTIMA VEZ DEL ESCENARIO CON LA BANDA, TENÍAMOS LA OPORTUNIDAD DE CHARLAR CON GORKA URBIZU SOBRE SU DECISIÓN DE PARAR, TODO LO VIVIDO EN ESTE INTENSO ÚLTIMO AÑO Y LO QUE ESTÁ POR VENIR. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: GAIZKA PEÑAFIEL (B/N), TONI VILLÉN (COLOR)

ACE JUSTO UN AÑO, BERRI TXARRAK ANUNCIABAN SU DECISIÓN DE PARAR INDEFINIDAMENTE. En un extenso

comunicado firmado por Gorka Urbizu, el cantante, guitarrista y fundador del grupo explicaba que necesitaba parar y tomar distancia porque cada día le costaba más hacer frente al desgaste emocional y físico después de 25 años de actividad frenética. “Así de simple y complicado”, escribía. La buena noticia, quizá la única, era que el grupo, que sustentan los otros dos pilares, David González (bajo) y Galder Izagirre (batería), iba a ofrecer una extensa gira de despedida para que todos sus fans pudieran verlos por última vez. Un par de días más tarde del anuncio, Gorka me llamó aprovechando que estaba en Barcelona para comer juntos y me planteé la posibilidad de entrevistarle. Al fin y al cabo, la banda había sido cuatro veces portada en la historia de la revista y en ese momento hubiera tenido mucho interés conocer más al detalle los motivos de este adiós. Pero tras meditarlo, pensé que quizá era mejor dejarlo para el final, cuando hubiera pasado todo…Y casi sin darnos cuenta, el final ha llegado. Entremedio, el grupo ha recorrido de arriba abajo la Península, ha cruzado océanos y ha ofrecido desde un multitudinario concierto en Kobetamendi hasta tocado en los mismos pequeños gaztetxes donde empezaron. La traca final fueron dos conciertos en el Nafarroa Arena de Pamplona en los que congregaron a más de 20.000 personas.

Aunque en todos estos años he visto a Berri más veces de las que pueda recordar, el concierto del sábado 23 de noviembre fue diferente a todos los demás. Ya no sólo por la impresión que causa ver a tanta gente cantando las letras en su idioma, o porque la formación original, con Aitor Oreja, Mikel ‘Rubio’ López o Aitor Goikoetxea, se reuniera para tocar dos temas, o porque se me pusiera la piel de gallina viendo el pabellón iluminado con los móviles durante ‘Maravillas’, sino por la cantidad de emociones cambiantes que iba sintiendo cada pocos segundos: orgullo, alegría, nostalgia, esperanza… y también tristeza. Porque aunque la puerta está abierta, y yo apuesto a que algún día volverán, el futuro no tiene garantías. Y quién sabe si un día vuelven, todos los que estuvimos ahí, estaremos aquí para verlo. Pese a que sé que en momentos así lo que le apetece a uno es desconectar de todo, cuando vi a Gorka en la fiesta posterior al bolo y le recordé que teníamos una entrevista pendiente, no escurrió el bulto y nos emplazamos a llamarnos al cabo de unos días. Y así fue. Más que hacer un repaso a su trayectoria, o entrar en valoraciones sobre lo que Berri han supuesto para la música cantada en euskera y la escena alternativa de este país, o charlar sobre el libro que acaban de publicar con fotografías sobre el Ikusi Arte Tour, o del documental que están preparando de cara al año que viene, lo que de verdad me apetecía era conocer cómo alguien vive el pasar página a algo que ha marcado tanto su vida como la de miles de personas. Una vez más, por última vez, Berri Txarrak vuelven a estas páginas.

¿Cómo te encuentras? ¿Has podido digerir todo lo vivido el sábado? GORKA URBIZU “Todavía estoy en

una nube por la repercusión que ha tenido. Ha salido en diarios, editoriales, revistas…. Se ha convertido en algo extramusical, casi en algo más social. Para mí fue la hostia. Durante el concierto sólo me salían sonrisas porque estaba muy a gusto, pero antes sí que lloré. Cuando abrieron las puertas, estuve sentado en el escenario viendo cómo se iba llenando. Veía gente con sus carteles, con sus tatuajes, y pensaba ‘si yo sólo quería cantar’, pero te das cuenta de lo importante que han sido esas canciones para esa gente. Y ahí me entró la llorera (risas). Pero luego me repuse. Y después del concierto sentí un alivio porque todo había salido guay. Sentía como un vacío enorme, pero ahora estoy en fase nube”. Estando en el público ya era una situación muy emocionante, así que ni me imagino cómo debía ser para vosotros desde el escenario. ¿Cómo gestionaste todo lo que te iba pasando por la cabeza mientras estabas tocando?

“Sí, te viene como una película de 25 años de todo lo que ha costado y todo lo que ha ocurrido. Para mí lo más jodido era ser capaz de disfrutarlo. A veces en las grandes citas es como que hay tanto factor y tanto preparativo previo que luego llega el concierto y no lo acabas de disfrutar. Ése era mi mayor miedo. Y el concierto del viernes fue un poco así, pero el sábado desde el primer acorde ya fui volando. Fue increíble. Al final, la fórmula es tomártelo como un bolo más. Porque

“ME QUEDO CON LA SATISFACCIÓN DE QUE ES LA DESPEDIDA SOÑADA. TODO LO QUE HA PASADO ES COMO UN PEQUEÑO MILAGRO” GORKA URBIZU

sea el último bolo no tienes que liarte a hacer más cosas, aunque después las hiciéramos, pero al final no dejó de ser un bolo de Berri más largo y haciendo un repaso de todo lo que hemos hecho”. Supongo que el último año ya te has ido acostumbrando a despedirte del público de cada ciudad en la que tocabais, y también hicisteis conciertos muy grandes como el del BEC, Kobetamendi o el WiZink que te ayudarían a prepararte para este momento.

“Sí, yo creo que hemos aprendido a disfrutar de este tipo de conciertos, a perder el miedo escénico y pillarle el truco. Ahora nos es mucho más fácil conseguir ese nivel de energía en un sitio grande. Como todo, es algo que aprendes con la práctica. Ha sido un año muy intenso a todos los niveles. Al estar concentrado todo en una gira

de un año, aunque hubiera huecos, ha hecho que no hayamos podido saborearlo del todo. Cuando das un buen concierto te queda un regustillo que te dura tres o cuatro días, lo repasas mentalmente, te vienen imágenes, pero aquí a veces al día siguiente ya estabas a otra cosa. Tocamos en el Victoria Eugenia porque nos dieron un premio y es un teatro súper guapo, un concierto súper especial, y al día siguiente tocábamos en un festival de verano en Girona. Fue un bolazo, pero no lo pude disfrutar porque ya estabas en la siguiente pantalla. Quizá eso fue lo más jodido”. También habrás tenido que aprender a aislarte, porque en estos conciertos seguro que había mucha gente que quería saludaros, estar con vosotros, charlar, y eso también va desgastando.

“Sí, ha sido todo súper intenso. Hemos tenido que hacer un ejercicio de no caer en nuestra propia trampa de ‘último bolo en Japón’, ‘ultimo bolo no sé dónde’, porque te volverías loco. En ese sentido ha estado guay hacer un montón de conciertos, porque dabas uno, pero todavía te quedaban 30 más. Era como que el final no era tan inminente. Sí que después de los festis de verano y a la vuelta de Japón era como que ‘ahora ya sí que se acerca’. Despedida de Madrid, despedida de Barna, el Apolo, sitios súper carismáticos para Berri que tenían mucha simbología. Empezamos la gira en un gaztetxe, el Astra, en Gernika, que es muy especial para Berri, el último bolo en sala fue en Apolo, que es como nuestra sala fetiche, o en Euskal Herria en sala pequeña fue en Larraga con todo el tema de ‘Maravillas’, acabar en Pamplona; todo tenía cierto sentido, no había nada aleatorio”.

“QUIZÁ KOBETAMENDI FUE DONDE MÁS HE FLIPADO EN DIRECTO EN MI VIDA” GORKA URBIZU

¿Te ha sorprendido de mucho la magnitud que ha tomado la despedida?

“La verdad es que tuvimos el debate interno de cómo plantearlo. Una vez la decisión estaba tomada era ver cómo lo hacíamos. Si hacíamos sólo un bolo, o hacíamos una gira para que todo el mundo que quisiera pudiera vernos. Tomamos esa decisión, no sin dudas, pero bueno… (Risas) No sé si éramos conscientes… Pero las cosas ya iban por ahí. El concierto del BEC era anterior a decir que lo íbamos a dejar, era la presentación de Infrasoinuak, y metimos a más de 10.000 personas, que nadie lo había hecho. Era como que el grupo ya había llegado a ese nivel. Los conciertos en Euskal Herria ya eran bastante masivos, pero obviamente el tema de la despedida lo 48

ha multiplicado por mil. Cuando tienes una trayectoria tan larga es normal que haya gente que se haya bajado del tren, y gente nueva que suba. Creo que hemos enganchado a nuevas generaciones, y eso está guay. Pero supongo que en la gira de despedida se han juntado todos, también aquéllos que igual han sido padres y ya no van a conciertos, y en esta ocasión han venido”. Quizá el salto más bestia ha sido en Madrid. Ha sido donde en los últimos años más ha crecido el grupo.

“Madrid ha sido heavy, sí. Ahora veo bandas que ya con un primer disco tocan en sitios muy grandes, quizá están cambiando cosas a ese nivel. Pero nosotros empezamos en la Jimmy

Jazz de Vallecas, luego en la Ritmo Y Compás, en Gruta 77…. Igual hemos dado veinte conciertos en Madrid, algunos censurados que no hemos podido ni tocar, y ha sido poco a poco. Ya tuve esa sensación cuando tocamos en Joy Eslava por primera vez y fue sold out, luego en La Riviera, que era algo impensable hace cinco años, y ahora meter 7.000 personas en el WiZink era como ‘¿Qué está pasando aquí?’. Madrid ha sido como poner una pica en Flandes (risas). Ha sido increíble. Lo decía en el micro: ‘Nunca fue fácil y nunca fue posible’. Es una victoria total”. Ahora que has podido saborearlo, imagina que, en un universo paralelo, Berri Txarrak hubiese sido una banda que

llena pabellones allá donde fuera. ¿Crees que hubieras podido acostumbrarte o es una escala que no te interesa?

“A mí me pone más el camino o conseguirlo que el intentar jugar a resistir. De hecho, detrás de esta decisión también está eso. Lo guapo es ver que vas avanzando. Cuando tocamos en el BEC, fue como ‘¿Y ahora qué? Sacaremos otro disco y ¿dónde vamos a presentarlo? Tendremos que ir al BEC otra vez’. Si haces algo más pequeño, será como una decepción. Y si vuelves allí, es algo que ya has hecho. Es como que te atrapas en un laberinto. Es como una rueda de hámster. Me apasiona menos eso que intentar hacer algo nuevo. Dentro de lo guay que es, podríamos habernos aburrido. Aunque este año he aprendido a disfrutar de lo macro. Lo fácil siempre es disfrutar de los bolos pequeños, pero este año no. Quizá Kobetamendi fue donde más he flipado en directo en mi vida”. A nivel interno, ¿cómo lo habéis vivido? ¿Cómo ha sido la relación entre los tres? El fin de una relación siempre es complicado.

“No ha sido fácil. Esta situación nos ha puesto un poco al límite a todos, y a veces estaba un poco… A la hora de ensayar y tocar no he notado ningún tipo de fisura porque es lo que nos gusta hacer y creo que hemos dado bolazos, y eso no se ha resentido. Pero ha habido un montón de curro extramusical para preparar este tipo de conciertos grandes, la promo de hacer repaso a toda la carrera… ha sido mucho, mucho curro, y a veces el ambiente estaba un poco enrarecido. Pero al final es normal porque pasas muchas horas juntos, y este año hemos estado más juntos que nunca. No

ha sido fácil de gestionar. Pero nada fuera de lo normal. No era fácil y creo que lo hemos llevado bastante bien. Hemos acabado guay”. Y supongo que también es rara esa sensación de estar currando más que nunca para algo que no va a tener futuro.

“Sí (risas). Yo me quedo con la satisfacción de que es la despedida soñada. Todo lo que ha pasado es como un pequeño milagro. Haber dejado ese recuerdo colectivo, incluido para nosotros, me parece increíble. Dentro de lo triste que pueda ser que una banda que te gusta mucho, que te lo ha dado todo, vaya a hacer un parón indefinido, hostia, ha sido como una explosión de la comunidad Berri, el universo Berri, o como quieras llamarlo. Toda esa gente que vive este grupo tan apasionadamente es increíble. Ha sido como una celebración de lo que ha sido esta banda, y esa sensación no nos la va a quitar nadie a ninguno de los tres. Y creo que dejarlo así, con tan buen recuerdo, deja siempre una puerta abierta. Si alguna vez queremos volver o nos pica el gusanillo, que seguramente nos picará, la situación es inmejorable, porque no es como que nos hayamos ido arrastrándonos o porque la gente pase de ti, sino todo lo contrario”. Todo el mundo, yo el primero, estamos convencidos de que algún día volveréis. Y más ahora que vuelve todo dios…

“(Risas) Yo no lo sé. Desde la rueda de prensa en la que anunciamos la decisión ya dejé la puerta abierta. Por eso lo hemos llamado un parón indefinido. No lo puedo garantizar. Desde luego no hay un plan cerrado que de

aquí a diez años volveremos. Vete a saber cómo estaremos cada uno. Para mí cerrar esta puerta, también es abrir otras, y por muy tópico que suene, lo que tengo ganas ahora es de hacer cosas nuevas. Y creo que de este parón surgirán nuevos proyectos, no sólo el mío, porque son gente con mucho talento. Pero la dimensión que había cogido este grupo a veces empezaba a pesar. No sé, se me hacía todo más cuesta arriba. No se me olvida el privilegio que es que haya gente pendiente de lo que estás haciendo, pero en los últimos años, igual por mi manera de ser, chocaba un poco con toda la dimensión que había cogido el grupo. Ahora tengo ganas de, no sé si reinventarme artísticamente, pero sí de intentar otras cosas sin la ‘marca’ de Berri. No es como empezar de cero, pero sí hacía tiempo que necesitaba ese aliciente artístico. Pese a que Berri ha sido una plataforma que me ha permitido tocar varios palos, creo que para crecer como creador de canciones tengo que aparcar esta mochila de Berri durante una temporada y ver lo que ocurre”. ¿Te ves más tirando en solitario o formando una banda nueva?

“Eso es algo que aparqué. No creo que haga un grupo de death metal (risas), pero aún no sé cómo vestiré las ideas que tengo. Tengo trozos de temas en mi móvil, pero decidí centrarme en la gira de despedida y dejar todo eso a un lado. Tiempo habrá. Yo me pondría ahora mismo, pero también si tomas esta decisión es para respirar, descansar, vivir, apartarte del foco… pero sobre todo vivir para tener luego cosas que contar. No descarto nada, ni ir en solitario ni formar otro grupo. Todavía no estoy en esa pantalla”. 49

Sería una putada que empezases a hacer cosas nuevas y todas sonaran a Berri (risas).

“Ya (risas). Hombre, al final puede pasar porque tampoco soy Tom Waits, no soy tan polifacético. Supongo que si canto yo es inevitable que se parezca, pero voy a hacer todo lo posible para que sea distinto. Obviamente no dejo Berri para hacer un Berri 2. Al menos hay que intentarlo. Aún no sé cuándo llegará, pero tengo mucha ilusión y creo que pueden salir cosas guapas”. Antes decías que uno de los motivos para parar era la dimensión que ha cogido el grupo. Me imagino que también entras en una rueda de discos y giras que hace que tu vida esté muy marcada por esos ciclos y al final te apetece romper con esa dinámica.

“Totalmente. Obviamente no ha sido una decisión fácil porque tienes lo que muchas bandas desean: una repercusión, un público fiel, una oportunidad de hacer lo que te apetece hacer, porque no éramos esclavos de ningún dogma o estilo. Podríamos haber hecho un disco de electrónica y a la gente le gustaría más o menos, pero podríamos haberlo hecho. Creo que en cierta manera también hemos ido ‘educando’ al público para aceptar lo que fuéramos haciendo, era como el ideal. Estábamos viviendo de esto. Dejarlo en la cúspide no es fácil, pero cada vez que me imaginaba el final de Berri era tal y como ha ocurrido. Dejar un recuerdo increíble y con esos conciertos que nos quedarán en la retina para siempre. Ahora toca enfrentarse al abismo del folio en blanco, del calendario en blanco, y va a ser jodi-

do. Pero a veces estar muy ocupado te aleja de tus propios demonios y ahora vas a tener que enfrentarte a ellos. No sé, igual me arrepiento y volvemos el año que viene (risas)”. Si te apetece, vete a dar la vuelta al mundo, porque si después de la que habéis liado volvéis ya, igual os cosen a gorrazos.

“No, es broma (risas). Creo que en Berri nos hemos esforzado para que no nos llevara la inercia. Hemos trabajado en cada disco con un productor diferente, íbamos cambiando cosas para que no se convirtiera en algo monótono, porque si no se acaba pudriendo la música. Pero pese a todos esos esfuerzos, acabas en un bucle de hacer un disco, promocionarlo, hacer la gira y ya pensar en el siguiente. Acabas atrapado en ese modus operandi. Cada oficio tiene su parte buena y su parte más mecánica. Tocar a todos nos gusta, pero la parte más extramusical es lo que cansa”. Me imagino que todo esto es algo que has ido teniendo en la cabeza desde hace tiempo. Quieres hacerlo, pero no te atreves, y también tienes que superar cierto sentimiento de culpabilidad de tomar una decisión que va a afectar a David, a Galder, a Pau, vuestro mánager, a mucha gente.

“Sí, eso es jodido. Lo malo es que no es una decisión unánime. Pero tampoco intento ponerme esa mochila. Creo que hemos hecho las cosas bien, con tiempo, no de un día para otro, sino con tiempo para que cada uno pueda rehacer su vida, con tacto, con margen a todos los niveles. Obviamente nadie

puede cambiar los sentimientos de cada uno, pero también afectan las decisiones cuando decides montar el grupo o grabar con no sé quién, a veces las decisiones también han sido para bien. Cada uno tiene que apechugar con su vida. Pero yo esta tentación la he tenido casi cada fin de gira (risas). Precisamente esas señales de que cada fin de gira te planteas parar, son las que te llevan a la decisión final. No es una decisión en caliente. Necesitas hacer algo nuevo para que las aguas no se estanquen. Creo que también es una cuestión de honestidad con el público. Con todo lo duro que pueda ser… Yo en Pamplona veía la gente llorar y pensaba lo que ha significado para esa gente… Ahí también aparecía ese sentimiento de culpabilidad de quitarles ese placer que has ido suministrando poco a poco, en cada concierto, pero no te puedes agobiar por eso. Para mí sería precisamente engañar o faltarles el respeto ir sacando discos por inercia. Para mí eso es crucial, es innegociable. Puede sonar como suene, pero al público no hay que tratarlo como si fueras más que él, sino de tú a tú. Hay que ser honesto con lo que uno siente. Podría haber sido antes, pero no me arrepiento de haberme echado para atrás. Infrasoinuak casi ha sido como una bola extra. Podría no haber salido y me alegro de haberlo hecho, porque me parece que quedó súper bien. Es un muy buen epílogo para todo este ciclo”. A mí me suena que antes de

Denbora Da Poligrafo Bakarra ya te habías planteado dejarlo.

“Sí, porque en esa tesitura de dejarlo en un buen momento, había muchos

buenos momentos. Con Poligrafo se cumplían veinte años, es un disco que salió muy bien, y era un buen lazo para dejar el paquete. Pero no es una decisión que debas tomar en caliente. Porque luego me ponía a hacer canciones y también me apasiona grabar, y volvías a entrar en el bucle, pero a gusto. Al final vivimos sólo una vez, y tengo muchas ganas de hacer mi disco. Creo que el disco de mi vida todavía está por llegar y hay que hacerlo cuando estás bien y con ganas. No quiero posponer esa idea para cuando tenga 70 años”. Eso de tener sólo una vida te hace entrar en contradicción, porque para ser muy bueno en algo, tienes que dedicarle mucho tiempo, y una vez lo consigues, lo disfrutas, pero es inevitable pensar que igual podrías hacer otras cosas.

“Claro. Además estamos en un oficio que no estamos haciendo tornillos. Trabajamos con material muy sensible y yo creo que renovar, abrir las ventanas, y airear, es vital. Es cierto que los conciertos y tocar es lo que te lleva a hacer mejores canciones, pero para crear es importante enfrentarse a condiciones que te lo pongan más difícil”. Volviendo al concierto del sábado, un momento muy emotivo fue cuando salió la formación original a tocar contigo. ¿Cuándo se te ocurrió y cuál fue la reacción de los dos Aitores y el Rubio cuando se lo propusiste?

“Joder, en mi concierto ideal, ellos

“CREO QUE EL DISCO DE MI VIDA TODAVÍA ESTÁ POR LLEGAR Y HAY QUE HACERLO CUANDO ESTÁS BIEN Y CON GANAS. NO QUIERO POSPONER ESA IDEA PARA CUANDO TENGA 70 AÑOS” GORKA URBIZU

“LO NUESTRO HA TRASCENDIDO A LO PURAMENTE MUSICAL, AUNQUE SIEMPRE, SIEMPRE, FUERA A TRAVÉS DE LA MÚSICA” GORKA URBIZU

tenían que estar. Cuando cerramos lo del Nafarroa Arena, mi idea era, al menos, darles el toque. Hacía como diez o doce años que no nos juntábamos en un escenario. Y fuera, tampoco habíamos hecho una comida juntos ni nada. Habíamos coincidido por separado, pero no teníamos una relación fluida, sino más bien de grupo de WhatsApp. Yo empecé a hablar con Aitor, el guitarra, le pareció genial, empezamos a revolver, y la verdad es que no tuvimos que insistir mucho (risas). Yo creo que fue, no sé si llamarlo justicia poética, pero desde que ellos abandonaron

Berri, el grupo había crecido mucho y también era una manera de que recibieran el calor del público, porque es evidente que sin ellos esto no hubiera sido posible. Fue muy guay, muy emotivo volver a ensayar. Fue una pena porque por motivos laborales no pudimos ensayar tanto como hubiéramos querido. Sólo podíamos los sábados por la tarde (risas). Pero al primer ensayo ya vimos que aquello funcionaba bien. Estuvimos en una nube, y ellos todavía están mandando mensajes y vídeos en plan ‘buah, ha sido la hostia’ (Risas). Volver a tocar siempre está guay”.

Igual les ha gustado tanto que ahora hacen una vuelta de Berri sin ti (risas).

“Podría ser (risas). Yo creo que el gusanillo les picó bastante, pero al final cada uno tiene su vida. Yo creo que la gente lo agradeció, porque la nueva generación no había visto nunca esta formación. Y para los que lo habían vivido fue un momentazo, la verdad. No sé si habría gente que esperara algo más especial en el último concierto, pero yo tenía claro que no iba a haber invitados y que los únicos iban a ser ellos. Todo muy a nivel interno de la historia de esta

que ahora es mucho menos metal. Por eso también es bastante increíble la historia de la banda cuando haces un repaso. A veces lo comparo con lanzar una botella al mar, ‘Message In A Bottle’, lo lanzas y a ver qué pasa. Y cuando ves que alguien recoge ese mensaje y para él es importante es la hostia. Creo que la gente ha valorado esa actitud de no quedarnos estancados y probar cosas. Creo que a la larga, aunque en el momento no gustaran algunas cosas que hemos hecho, esa actitud se valora”. Para terminar, y para que veas hasta dónde habéis llegado, te voy a contar una anécdota que no sé si te ha llegado. Hace unos días, cuando tocasteis en la acampada de la plaza Universitat de Barcelona en contra de la sentencia del Supremo, lo pusimos en nuestro Facebook y un tío dejó un comentario diciendo que iba a borrar vuestra discografía. Y entré en su perfil y era un paracaidista del Ejército español. Realmente habéis llega-

banda. Eso es lo que importaba”. Fue muy curioso, porque salieron y el sonido cambió por completo. Ya ni me acordaba porque hacía mucho tiempo, pero

después ya pensarás’ (Risas). Pero tampoco es sólo por los otros miembros. En este concierto quería que sonaran temas de todos los discos, incluso de la maqueta, y fue como buff… realmente hemos cambiado mucho”.

fue como… ‘Es otro grupo’.

“Sí, yo me di cuenta en el ensayo mismo. De repente, dos guitarras. Me acordaba mucho de cuando pasamos a trío, lo que me costó adaptar mi manera de tocar sobre todo las canciones de los discos anteriores. En el momento fue complicado. Pero al final, se hizo. Casi es mejor no pensar. Es un poco la filosofía de la banda, ‘hazlo y

Había momentos muy nu metal, a ratos parecía que estuvieran tocando Korn.

“(Risas) Total, total. Hemos pasado por muchas fases. Sí, nosotros venimos del metal. La maqueta no te diré que sonara a Crisix, pero era Su Ta Gar, Megadeth y Metallica. Luego fuimos buscando nuestro sonido y es cierto

do a gente que ideológicamente está en las antípodas, pero que la música les molaba.

“Hostia, no lo sabía (risas). Sí, es increíble. A veces hacíamos la coña de que éramos como Kofi Annan, porque hemos atravesado por encima de ideologías, lenguas y de todo. Por eso decía que lo nuestro ha trascendido a lo puramente musical, aunque siempre, siempre, fuera a través de la música”.

DISCO DEL MES

B Hidden History Of The Human Race (DARK DESCENT/CENTURY MEDIA) DEATH METAL

BLOOD INCANTATION

lood Incantation son una de las más brillantes revelaciones que el death metal haya tenido en esta década. Su primer álbum Starspawn fue celebrado entre los círculos más refinados, y su tour junto a Spectral Voice algunos lo recordamos con gran cariño. Tres años después de su aplaudida ópera prima, el cuarteto de Denver debía ratificar todo lo bueno expuesto ahí, y en mi opinión, lo ha logrado con creces en Hidden History Of The Human Race. Por los títulos y la portada interpreto que el álbum se centra conceptualmente en la teoría de los Antiguos Astronautas, una especie de creacionismo alienígena que siempre ha despertado mi

interés, aunque varias de sus formulaciones las considere ridículas, tan arbitrarias como las de cualquier otro credo. De todas maneras, si ha servido de inspiración extra para que estas cuatro canciones alcancen un nuevo nivel, le concederemos un plus de notoriedad. Tal como arranca ‘Slave Species Of The Gods’ uno no puede dejar de pensar en Morbid Angel, aunque luego salga a relucir esa vena progresiva que embarga muchos de sus temas. Prog bien planteado, claro… Inteligible, que fluye y sirve al tema, con ecos de Nocturnus o Gorguts. Tremendo el bajo fretless de Jeff Barrett en la intrincada, excelente y exótica ‘The Giza Power Plant’; sorprendente el

inicio jazzístico y cómo va desplegándose la instrumental ‘Inner Paths (To Outer Space)’ para alcanzar el clímax: los 18 minutazos finales de ‘Awakening From The Dream Of Existence To The Multidimensional Nature Of Our Reality (Mirror Of The Soul)’. En esta pieza, que casi podemos catalogar de épica, el espíritu de Trey Azagthoth vuelve a aparecer con fuerza, aunque evidentemente, en este largo recorrido hay mucho más. Sobra decir que es la mejor composición que hayan publicado hasta ahora, un corte espectacular al alcance de pocos. Una producción totalmente old school remata un álbum digno de los 90. PAU NAVARRA

MAD-ERA HAS DE SABER... FORMACIÓN: Robert

Navajas (voz, guitarra), Alejandro Jorge Álvarez (bajo), Luis Aguirre (batería) PRODUCIDO POR: Robert Navajas AFINES A: Pantera, Alice In Chains, Black Label Society PÁGINA WEB: www.facebook.com/MAD.ERAmetalband

N Electricmegablack (AUTOEDITADO) GROOVE METAL

o tengo a mano sus DNIs, por lo que desconozco la edad que tendrán los componentes de Mad-era. Sin embargo, apostaría a que durante los 90 aún debían de ser unos chavales. En cualquier caso, eso no ha supuesto impedimento alguno para que su sonido siente las bases sobre dos de las formaciones más icónicas dentro del rock duro de aquella década: Alice In Chains y Pantera. De los primeros, han tomado prestadas las melodías tortuosas tan características de los de Seattle, mientras que en el caso de los cowboys from hell tienen bien aprendido el libro de estilo de todo

un guitar god como era Dimebag Darrell. Basta con darle una vuelta a su nuevo Electricmegablack para comprobar que piezas como ‘Facebreaker’ y ‘Addiction’ afianzan todavía más ese matrimonio de influencias. El sonido que ha sacado el propio Robert Navajas en su estudio está repleto de detalles con los que arropar un arsenal de guitarrazos perfectamente escudados por la sólida base rítmica formada por Alejandro Jorge Álvarez y Luis Aguirre. Pero el groove metal de los madrileños esconde mucho más de lo que aparenta en una primera y apresurada impresión. A lo largo de su segundo plástico podemos encontrar ecos

nu metaleros en ‘Ambitious’ (cuya intro parece llevar la firma de Korn), toques industriales en la aplastante ‘Brain’ o hasta una balada con bases programadas por las que se acaba colando un solo blusero, caso de la final ‘The Power Of Healing’. ‘Running Low’ deja entrever igualmente su vena grunge con un estribillo cargado de melodías bien abiertas. El remate llega con ‘Melt’. Ocho minutos construidos en base a un riff entrecortado que es capaz de sustentar un tema entero dejando patente buena parte de su personalidad, además de cierto sentido del humor. Desde luego, imaginación no les falta. GONZALO PUEBLA

BONUS TRACK CON... ROBERT NAVAJAS Escuchando Electricmegablack se hace obvio que dos de vuestros grupos favoritos son Pantera y Alice In Chains. ¿Hasta qué punto los entendéis como una influencia directa o es que simplemente os sale así de natural?

“Tenemos un amplio abanico de influencias de muchos géneros distintos, pero entendemos que lo más visible es esa fusión que comentas, aunque hay algunas otras que, dependiendo de la persona, son más o menos perceptibles. La verdad es que no es algo que salga de manera intencionada, sobre todo el tema de la voz al estilo Layne Staley. De hecho, no fue hasta que grabamos la primera demo hace ya unos años que nos dimos cuenta que la voz tenía un tono bastante similar. Respecto a Pantera, eso sí que es intencionado, aparte

de que para mí Dimebag Darrell era un dios marciano”. Rebuscando también encontramos detalles que van desde el nu metal hasta el blues, pasando por el industrial...

“Como dice el gran Kerry King, en tu primer álbum plasmas tus influencias y a partir del segundo o el tercero vas haciendo tu propio sonido. Sobre el tema de influencias, eso es correcto. Yo crecí escuchando al gran Eric Clapton, Pink Floyd, BB King, Michael Jackson, etc.. con lo que todo eso es parte de mí e inconscientemente queda plasmado. Siempre he pensado que el heavy metal auténtico salió de esas influencias de blues que más tarde Black Sabbath perturbarían en el buen sentido para crear este género, y no el de El Señor De Los Anillos con tanta melodía sin sentimiento alguno. También es ver-

dad que hay muchos elementos de nu metal especialmente en Electricmegablack, ya que para mí Korn no es una banda, sino una religión. Sobre el tema industrial, eso sale también de manera inconsciente debido a la influencia que tomamos de Godflesh, pero desde mi punto de vista aportan esa frescura y efectividad quirúrgica que se puede escuchar también en muchos álbumes de Nine Inch Nails”. Te has hecho cargo de la producción en tu estudio de grabación. Supongo que tiene ventajas e incovenientes...

“Eso es; tienes el pro de que si sabes exactamente lo que quieres, si pones el esfuerzo necesario, eres perfectamente capaz de reflejarlo, pero en contra de que es muchísimo trabajo. Aún así siempre acaba mereciendo la pena”. (GONZALO PUEBLA)

AGNOSTIC FRONT Get Loud!

(NUCLEAR BLAST) HARDCORE, CROSSOVER THRASH

enuda alegría me han dado Agnostic Front con Get Loud!. Cuando una leyenda está a punto de alcanzar los 40 años de vida uno espera de cualquier nuevo álbum suyo que simplemente aguante el tipo, que no traicione su legado. Pero Vinnie Stigma y su cuadrilla están hechos de otra pasta, salta a la vista cuando asistes a cualquier show suyo, y esa inusitada vitalidad actual también se ha trasladado a la hora de grabar este disco. En el mismo momento en que la batería de Pokey Mo se dispara en ‘Spray Painted

Walls’, Roger Miret da rienda suelta a su inimitable jerga y las backing empiezan a engorilarse, sabes que éste va a ser un gran trabajo. La tralla ochentera de ‘Anti Social’ te lo acaba de confirmar ya en el segundo corte, y es que Get Loud! es un álbum clasicón, clasicón, que únicamente se dedica a rendir pleitesía a todo lo que adoras de Agnostic Front. Cuánto se va a emocionar la vieja guardia con ‘I Remember’, menudo bíceps gastan en ‘Dead Silence’… ‘Isolated’ es un ejercicio de honestidad musical de una formación pionera que sólo se dedica a hacer lo que sabe sin experimentos ni florituras innecesarias. Piel de gallina en el pedazo de homenaje al New York Hardcore que se marcan en ‘In My Blood’, una declaración de principios que debería estar presente en cualquier gira futura. Ya basta de tanta impostura y bandas de mentira. Get Loud! es un disco de hardcore de verdad para gente de verdad, con toda la carga de crítica sociopolítica que demandan los tiempos oscuros que padecemos. PAU NAVARRA

RAISED FIST Anthems (EPITAPH) HARDCORE

ue Raised Fist hayan decidido titular su séptimo trabajo de estudio como Anthems puede sonar, cuanto menos, pretencioso. Pero una vez escuchado, tiene cierto sentido. Parece que el conjunto sueco ha puesto sus esfuerzos en conseguir una serie de canciones con el mayor gancho posible. Para ello no han renunciado a su habitual fiereza, ya que llevan el hardcore en las venas y el timbre asesino tan característico de Alexander Hagman sigue siendo innegociable. Sin embargo, sí que han dado entrada a registros más melódicos y una producción algo

más pulida. Detalles que ya dejaron entrever en su anterior From The North de hace cinco años. El problema es que no todas las canciones terminan de funcionar al mismo nivel. Mientras que en ‘Venomous’, ‘Murder’ y ‘We Are Here’ cumplen de sobras con su cuota habitual de agresividad, otras como ‘Into This World’, ‘Oblivious’ o ‘Unsinkable II’ no acaban de convencer. En lugar de golpearte en toda la cara, las guitarras parecen estar situadas un par de pasos atrás, dando la sensación de quedarse a medio gas. Para tratarse de un álbum de apenas 10 cortes y media hora de duración, esto debería de ser un chute de adrenalina para una buena sesión en el gimnasio levantando pesas. En cambio, se queda en tierra de nadie. Tampoco ayuda que en el apartado lírico encontremos líneas tan insulsas como “We are Raised Fist / This is how it is” en la citada ‘Murder’ (no es que les pidamos un texto de Shakespeare, pero…). Aprecio el esfuerzo por mostrar otra cara de su sonido, pero en el caso de Raised Fist, cuanto más embrutecidos, mejor. GONZALO PUEBLA

NEIL YOUNG & CRAZY HORSE Colorado (REPRISE) ROCK

usurra Neil Young en la final ‘I Do’, “thanks for making all this happen again, we’re gonna do it just like we did back then”. Y no podría llevar más razón porque su nuevo álbum junto a Crazy Horse, siete años después del sobresaliente Psychedellic Pill, es justamente eso. Siempre es interesante seguir los pasos del canadiense, pero cuando se trata de reunir a sus viejos compinches (esta vez con Nils Lofgren ocupando el lugar de Frank “Poncho” Sampedro”), eso son palabras mayores. Aparcada la rejuvenecedora aventura con Promise Of The Real, Colorado, el álbum número 39 (ahí

queda eso) en su cuenta, recupera esa montura en la que Young, por muchos años que pasen, se sigue sintiendo igual de cómodo. Suenan ‘Help Me Lose My Mind’ o ‘Shut It Down’, crítica contra el cambio climático (el tono ecológico es constante en toda la obra), y reconocemos al instante el rugido de su Old Black. Descacharrado e imperfecto, pero igualmente glorioso. Aún mejores son ‘Milky Way’, con un timbre casi apagado y lúgubre, y ‘Rainbow Of Colours’, que gracias a unos coros marca de la casa se convierte en una de las favoritas. Tampoco falta a la cita la jam ‘She Showed Me Love’ avanzando a trompicones, cocinándose en vivo y en directo. No es de sus piezas más destacadas en este campo, pero siempre se agradecen ejercicios improvisados de este tipo. Cogiendo aire, también hay hueco para su faceta más tradicional como la simpática ‘Eternity’ y una ‘Green Is Blue’ que parece salida de After The Gold Rush. Puede que lleve más de medio siglo de oficio, pero Neil Young continua fiel a un método de trabajo honesto como pocos. GONZALO PUEBLA

WHITE REAPER

You Deserve Love (ELEKTRA) POWER POP

asta hace unos meses no sabía ni de la existencia de esta banda de Kentucky, pero fue escuchar su single ‘Might Be Right’ y empezar a ver su nombre aquí y allá: en una entrevista reciente, Billie Joe de Green Day les citó como uno de sus grupos actuales favoritos, hace nada Pearl Jam les confirmaba como teloneros de algunos de los conciertos de su próxima gira europea y, en general, las críticas de este You Deserve Love, su tercer álbum y con el que debutan con la multinacional Elektra, están siendo más que positivas. Sin que podamos hablar de hype, lo que está claro es que el grupo ha subido un

peldaño en su carrera. Y me alegro porque White Reaper son, por encima de todo, una banda de canciones a la vieja usanza. Con un sonido con influencias del power pop, la new wave, el classic rock, y hasta un puntito AOR, el nuevo repertorio del quinteto es perfecto para canturrear y pasar un buen rato. Como si una banda de garaje jugara a ser una que llena estadios, el grupo ofrece hits para dar y tomar. Se hace realmente complicado no sentirse arrastrado por el riff ochentero a lo Rick Springfield de ‘Headwind’, el irresistible estribillo de ‘Really Long Time’, la más danzarina ‘Saturday’, la citada ‘Might Be Right’, o la veloz ‘Raw’ a la sombra de The Strokes, entre otras. La dulzona pero vacilona voz de Tony Esposito, las armonías de guitarras dobladas en plan Thin Lizzy y unos teclados que les dan un toque 80 (‘1F’) son algunos de los elementos que les dan carácter. Y aunque no sean como decían jocosamente en el título de su anterior disco The World’s Best American Band, si siguen sacando discos así, se convertirán en una a, como mínimo, tener en cuenta. JORDI MEYA

CATTLE DECAPITATION Death Atlas (METAL BLADE) BRUTAL DEATH METAL GRIND

e pareció chocante que Cattle Decapitation anunciaran a bombo y plantillo que Death Atlas iba a publicarse durante el Black Friday. Metal Blade habrán movido ficha aquí, pero sorprende que ellos se sumaran de forma entusiasta a la gran orgía del consumismo absurdo. El viernes negro, en efecto, en el que se celebra la defunción del raciocinio y la rendición absoluta al ultraliberalismo. La infausta fecha en la que se nos llama a comprar frívola y desacomplejadamente, sin pensar en las consecuencias, porque resulta imposible frenar ese holocausto ecológico que, según parece,

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esta banda quiere evitar. Resbalones ideológicos aparte, con sus bien nutridos 14 temas, el nuevo álbum de los de San Diego significa la consagración total de un grupo en estado de gracia. Un tres de tres, vaya, desde que deslumbraran con un Monolith Of Inhumanity catalogado ya de obra maestra. De tintes terroríficos, ‘The Geocide’ nos aplasta como a la especie prescindible que somos, y sí, no tardan en aparecer esas voces Doraemon tan únicas y especiales, incluso dobladas y más blackers que nunca para aumentar el daño. Lo que me gustaría resaltar en Death Atlas son los estribillos, pues entre la mortandad y la incandescencia instrumental habitual, destacan sobremanera en ‘Be Still Our Bleeding Hearts’, ‘Bring Back The Plague’, ‘Time’s Cruel Curtain’ o ‘One Day Closer To The End Of The World’. En este último, te lo meten con una eficacia hasta ahora desconocida. ‘Vulturous’, una ‘Finish Them’ entre Whitechapel y Misery Index, ‘With All Disrespect’… canciones superiores de un combo superior. PAU NAVARRA

JASTA

The Lost Chapters Vol. 2 (STILLBORN) METAL

amey Jasta no es una persona que tenga muchas cosas que demostrar en el mundo de la música. Fundó su propio sello, tuvo un programa exitoso en MTV, y ahora un podcast de referencia, sin contar todo lo que ha cosechado al frente de Hatebreed, claro. El hardcore se lo ha dado todo y es ahí donde pertenece, por eso no entendemos que intente perseguir una carrera en solitario más allá de la banda que le encumbró en un primer momento. ¿Es que no tiene suficiente? En fin... Esta segunda parte de The Lost Chapters cae en el mismo saco que el

disco que publicó en 2017 por mucha colaboración que intente colar. No es que el resultado sea malo, es que viene a ser más de lo mismo de un artista que es muy bueno en lo suyo, pero que tampoco tiene tantas facetas distintas que mostrar. Al final parece que quiera vendernos lo mismo, pero con diferentes nombres. En cuanto a invitados no parece salir de su zona de confort: Max Cavalera, Jesse Leach de Killswitch Enage, Howard Jones, Zoli Teglás de Ignite, su compadre Kirk Windstein de Cowbar y Kingdom Of Sorrow, Matt Heaffy de Trivium... La única excepción es Corpsegrinder de Cannibal Corpse. Con todo ello deja claro que su carrera en solitario gustará exclusivamente a los ya fans de Hatebreed que están haciendo tiempo entre álbum y álbum. Dos o tres momentos memorables dentro de un déjà vu constante, con varios puñetazos que si van siempre al mismo lugar ya pierden el factor sorpresa. Puede que nadie alrededor de Jamey Jasta le esté diciendo que se repite más que el ajo. JORGE FRETES

SCHAMMASCH

Hearts Of No Light (PROSTHETIC) AVANT-GARDE BLACK METAL

e la grandeza de Triangle aquí no queda ni gota. ¿Cómo es posible que los suizos hayan retrocedido tanto? Más de 4 innecesarios minutos de intro dejan paso a ‘Ego Sum Omega’, un tema no exento de calidad pero sí esperable como apertura de cualquier banda occult. Schammasch han cuidado hasta el más mínimo detalle, no cabe duda, pero canciones como ‘A Bridge Ablaze’ son la nada, una pretenciosa cortina de humo que no lleva a ningún sitio. Aunque mejor ese lapso insípido que la horterada de ‘Qadmon’s Heir’, por supuesto… ‘Rays Like Razors’ es entretenida

y tiene un buen giro de guión hacia su ecuador, pero el eco de los Behemoth grandilocuentes de su último trabajo no ha parado de repiquetear en mis oídos. ‘I Burn Within You’ no sé si es una porquería o es buenísima, así que me la tomaré como uno de los pocos puntazos de este trabajo. En cambio, ninguna duda acerca de la naturaleza de ‘A Paradigm Of Beauty’: es valiente, vaya que sí… una valiente y execrable modernada que no aplaudirían ni en el Roadburn. Bueno, puede que ahí sí… Para terminar, después del único corte realmente remarcable, ‘Katabasis’, llega ‘Innermost, Lowermost Abyss’. O lo que es lo mismo: un cuarto de hora de timo absoluto para jubilados. Visto lo visto, yo me pregunto: ¿Os olvidasteis la clase en alguna sala durante la gira de presentación de vuestro anterior largo? Porque el EP The Maldoror Chants: Hermaphrodite ya fue una decepción, pero es que lo de Hearts Of No Light… Otra así y os mando a la basura de la historia, donde ya os esperan Artur Mas y Albert Rivera. PAU NAVARRA

OSO OSO

Basking In The Glow (TRIPLE CROWN) EMO POP

odo empezó hace cuatro años como un proyecto en solitario, grabando unas demos sin pretensiones, y Oso Oso acabó convirtiéndose en una de las bandas de moda en el circuito emo pop, recibiendo halagos de medios tan puntillosos como Pitchfork y podcasts especializados tan venerados como Washed Up Emo. Sin duda, la banda de Jade Lilitri, exmiembro de State Lines y guitarra eventual en Hotelier, atraviesa su mejor momento. La culpa de tanta repercusión la tiene su tercer largo, Basking In The Glow, el más sólido hasta la fecha. Hablar de obra maestra del género sería

exagerado, pero os aseguro que este disco está repleto de momentos memorables. En su segundo trabajo para el sello Triple Crown, el neoyorquino fusiona con gran acierto y aparente facilidad su melosa sensibilidad con guitarras luminosas de puro surf rock (‘The View’, ’Basking in the Glow’) y estribillos pletóricos (‘Morning Song’, ’Wake Up Next To God’). Más de la mitad del disco tiene un efecto inmediato en el oyente, con un sonido cuidadísimo que lleva el sello del productor Mike Sapone -referente del sonido Long Island, responsable del sonido de los primeros trabajos de Brand New y Taking Back Sunday-, pero es igualmente de agradecer la inclusión de un puñado de temas que se salen del hipotético guión (el descaro lo-fi de ‘One sick Plan’, la semiacústica ‘Priority Change’ y sobre todo la oscura ‘Charlie’). Basking In The Glow, si bien tiene su propio sello, es de recomendación obligada para los seguidores más exigentes de Saves the Day, Tigers Jaw, Joyce Manor y Jimmy Eat World. LUIS BENAVIDES

P BLIND GUARDIAN TWILIGHT ORCHESTRA Legacy Of The Dark Lands (NUCLEAR BLAST) MÚSICA CLÁSICA

ara su desgracia, Legacy Of The Dark Lands me ha recordado a la película Silencio. Un director entre la realeza del séptimo arte, que todo lo que toca se convierte en oro, y que irremediablemente se hace viejo, y entrega un guión, y nadie se atreve a rebatirle, y filma un ladrillo lento e infumable, y nadie en todo el jodido negocio tiene huevos a decirle lo que opina. Se podría llamar Martin Scorsese… o André Olbrich, o Hansi Kürsch. Blind Guardian, que quemaron toda la magia que les quedaba en ese monumental Nightfall In Middle-Earth de 1998, abandonan la electricidad, desertan, y junto a la FILMharmonic de Praga nos tiran a la cara 24 cortes en 75 minutos… ¡Y se piran corriendo! Este delirio de los alemanes que un día reinaron el power metal

C SKYLINES

Open Wounds, Open Arms (AUTOEDITADO) PUNK ROCK, ROCK ALTERNATIVO

uando los chicos de Skylines se cruzaron en mi camino hace un par de años, lo primero que pensé fue que todavía les quedaba mucho por mejorar. Su segundo EP, Inertia Of The Anchors, estaba cargado de buenas intenciones, pero también de ideas que necesitaban una mayor maduración. Desde entonces les he visto curtirse por los escenarios de la capital, mejorando día a día y aprendiendo de los errores. Un crecimiento que ahora se traslada a una puesta de largo titulada Open Wounds, Open Arms, en la que, esta vez sí, han llegado sobradamente preparados. La grabación, de nuevo a cargo

europeo podría ser al menos una banda sonora apañadita a lo Harry Potter, pero no, no… No llega ni a Las Crónicas De Spiderwick. ¡Es es que hasta Narnia le viene grande! Esto es ‘música clásica’ para iletrados, para los que Shostakóvich sólo sea una marca de cereales graciosa, algo sólo destinado a la legión de sordos que les han seguido en estas dos últimas décadas de grosería artística. Me encantaría conocer al maestro Jordi

Savall sólo para pedirle qué opina de esta broma megalómana, y eso que aún salvo las melodías de ‘Point Of No Return’, ‘Dark Cloud’s Rising’ o ‘Harvester Of Souls’. Cuando un alemán se pone en plan caspas, ni todo el champú H&S del mundo puede hacerle frente. Para terminar, un chiste de abuelos… ‘Doctor, doctor, hago caca cada día a las ocho’. ‘¿Y cuál es el problema?’. ‘Me levanto a las nueve’.

de Juan Blas, ha durado casi un año. Pero en lugar de estar ante un álbum que parezca milimetradamente calculado, lo que nos encontramos son once cortes que rezuman inmediatez por todos su poros. Di adiós a las estructuras enrevesadas del pasado y dale la bienvenida a la zapatilla, los guitarrazos in your face y una legión de coros para quedarte afónico en sus conciertos. Es algo que salta a la vista nada más arrancar con ‘Open Wounds’, que muestra unas líneas claramente punk rockeras. En ese grupo podríamos encuadrar también las abrasivas ‘Fake Your Own Death’, ‘Nothing To Prove, Nothing To Hide’ y la pesada

‘The Foreigner’ con un señor riffaco duro y a la encía. En cambio, con ‘Fading Lights’ (¡qué pedazo de single!), ‘The Fight, The Fire’ y ‘Open Arms’ también saben administrar la intensidad de otra manera para dar con canciones más redondas. Incluso la jovial ‘Head Trauma’ se acaba transformando con un final post rockero, evidenciando que no todo aquí va a ir por la vía rápida. Los cameos de colegas como Edu de Ella La Rabia (‘Holis Lespere’) y Germán de The Blackjaw (‘Adrift With Me’), entre otros, ponen la guinda una ópera prima directa y diversa. Al final los niños se han hecho mayores.

PAU NAVARRA

GONZALO PUEBLA

PROFANATICA

Rotting Incarnation Of God (SEASON OF MIST) BLACK METAL

res años después de su último largo, Paul Ledney y sus trempados querubines vuelven a la carga con Rotting Incarnation Of God, su quinto álbum de estudio. El primero que editan con el sello Season Of Mist y también sin John Gelso a las guitarras, dos factores a tener en cuenta a la hora de producir el álbum pero que no ha mermado la crudeza y primitivismo de la leyenda blacker estadounidense. Profanatica siguen siendo 100% Profanatica, o lo que es lo mismo, aquí encontramos temas sencillos, sin florituras, blasfemos y con mucha mala leche; lo que el

black metal demanda. He de decir que la saturación del bajo respecto a su antecesor The Curling Flame Of Blasphemy es menos densa y opresiva, restando atmósfera a los temas pero dando como resultado unas guitarras más afiladas y dañinas. La garganta de Paul sigue en plena forma a la hora de ultrajar al Altísimo, la virgen y al belén entero, como bien queda reflejado en la portada del genial Paolo Girardi (Bell Witch, Blasphemophager, Inquisition). Sus certeros golpes de parche cual latigazos en la piel del nazareno hacen llorar a la mismísima virgen en ‘Sacramental Cum’, el único momento donde nos dan tregua, los malditos. La canción que da nombre al disco, ‘Rotting Incarnation Of God’, sería la más diferenciable ya que es menos monótona y repetitiva que el resto… ¡Pero qué leches! Eso es lo que nos gusta de Profanatica, su reiteración cafre y primigenia, inalterable casi 30 años desde su primera demo y un sinfín de cambios de formación. SANTA

no arrancar un buen show. Jaime Gomez Arellano en la mezcla y masterización también ha puesto de su parte para que si te gustan Grave Pleasures este lanzamiento sea algo a tener en tu colección. La banda no ha tenido una historia fácil en esto de la GRAVE PLEASURES música, quienes los hayan Doomsday Roadburn seguido desde Beatmilk 2018 apreciarán especialmente (CENTURY MEDIA) este Doomsday Roadburn POST PUNK donde unen el pasado con el presente al presentar canciones de las bestias 7 primigenias, unidas a su etapa más exitosa hasta la uele ser muy fecha con Mothersblood y complicado que redondearlo todo con dos un disco en directo canciones inéditas de las capte la verdadera esencia sesiones de grabación de su de una banda encima de último trabajo. Sirve tanto un escenario, al menos no para confirmar lo crudo sin pequeños ‘trucos’, pero y visceral de su directo si si tuvieses que grabar un alguna te los has cruzado de directo en algún festival gira, como para introducirte del mundo ese sería el en su mundo si llegas de Roadburn Festival de primeras, porque los matices Holanda. Quien haya no se pierden y en algunos asistido a dicha ceremonia puntos hasta parecen conoce el mimo con el acrecentarse para bien. cual la organización trata Hazte un favor y pilla la el sonido, y todo unido a edición en vinilo ya que vas una sala ya mítica en el a flipar con el arte que ha circuito europeo hace que creado Daniel Martín Díaz muy mal se te tengan que para la ocasión. dar las cosas como para JORGE FRETES

MICHAEL KIWANUKA Kiwanuka

(POLYDOR/INTERSCOPE) SOUL, ROCK

on Love & Hate Michael Kiwanuka vino a demostrar que escondía mucho más de lo que dejó insinuar en su debut. Si en Home Again se refugiaba bajo el disfraz de cantautor tradicional, aquella idea saltó por los aires con uno de los trabajos que mejores críticas ha recibido en los últimos tiempos. La variedad de recursos que recogía su segunda obra hacía intuir que podíamos estar ante uno de los mayores talentos de su generación. Y eso mismo es lo que viene a confirmar Kiwanuka, comenzando obviamente por el propio título. Una autoafirmación que ya de por sí nos trae de vuelta a un

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Kiwanuka más convencido de sus posibilidades. El secreto reside en que el artista británico sabe coger referencias de diversos palos y ser capaz de traducirlas a un lenguaje propio. Esto que es tan fácil de decir y tan complicado de llevar a cabo es lo que iremos comprobando a lo largo del álbum. ‘You Ain’t The Problem’ y ‘Rolling’ arrancan con la fuerza de las percusiones sobre una base funky que no aparenta como tal. ‘I’ve Been Dazed’ suena a gospel del mismo modo que ‘Piano Joint (This Kind Of Love)’ recoge la sabiduría de los mejores crooners de jazz. La sombra del Bob Dylan más rockero y reivindicativo hace acto de presencia en la brillante ‘Hero’, también apadrinada por el espíritu de Jimi Hendrix. Hasta ‘Final Days’ parece una suerte de ejercicio trip-hop del que sale bien parado. Pero lo mejor es cuando en ‘Hard To Say Goodbye’ es capaz de juntarlo todo casi sin que te des cuenta. A pesar de semejante despliegue, me quedo con la sensación de que lo mejor de Michael Kiwanuka aún está por llegar. GONZALO PUEBLA

NILE

Vile Nilotic Rites (NUCLEAR BLAST) BRUTAL DEATH METAL TÉCNICO

ada como un álbum del palo Vile Nilotic Rites para darte cuenta de hasta qué punto una banda podía estar algo apalancada. Y es que, a veces, los cambios, incluso los que son percibidos como el fin del mundo en el seno de un grupo o por los propios fans, a la larga son el revulsivo necesario para que un combo veterano se sacuda la pereza de encima. ¿Quién no se cagó en los calzones cuando Dallas Toler-Wade anunció que dejaba Nile tras veinte años de servicio? Pues justo van los faraones y, girando sin él por primera desde que debutaran, se cascan

los mejores shows que les recordamos en eones. Y lo mismo puede aplicarse a este disco, ya que es el más variado, sorprendente y fresco que Karl Sanders y compañía han entregado en mucho tiempo. A ver, tampoco nos engañemos, porque Vile Nilotic Rites presenta absolutamente todos los ingredientes que han hecho grandes a estos tipos, todo aquello que pasa por el brutal death técnico irresistiblemente ambientado en el Egipto antiguo, pero es que sólo de tremenda puede calificarse una tormenta de arena como ‘Oxford Handbook Of Savage Genocidal Warfare’… Y ‘Seven Horns Of War’ es una portentosa marcha imperial que recupera la primigenia y más celebrada versión de la banda, y ‘Snake Pit Mating Frenzy’ es una virguería, y la tribal ‘Where Is The Wrathful Sky’ tiene un aire al Roots de Sepultura… ¡Y mola a saco! Nile siempre publican discazos, pero cuando están aún más inspirados, se ve a la legua. Un álbum detallista, donde se nota el trabajo en grupo y que aprovecha y de qué manera la savia nueva inoculada por Brad Parris y Brian Kingsland. PAU NAVARRA

WILLIS DRUMMOND Zugzwang

(TABULA RASA/GRAN SOL) ROCK ALTERNATIVO

iempre me ha resultado gracioso que siendo de Baiona, la misma localidad de la que proceden Gojira, Willis Drummond estén considerados más como una banda nacional que foránea. Imagino que el cantar en euskera y girar por salas pequeñas de nuestra geografía, en lugar de hacerlo en inglés y estar presentes en todos los grandes festivales, ayuda a que sean percibidos de esa manera. Sea de un modo u otro, el combo vascofrancés, ahora reconvertido a trío, se planta ante su sexto álbum dispuesto a renovarse de nuevo manteniendo su

esencia. Zugzwang es una expresión del ajedrez que se usa para indicar la situación en la que un jugador está obligado a mover ficha a pesar de que, tome la decisión que tome, éste se verá perjudicado por ella. Es un título que viene como anillo al dedo para explicar el contenido lírico de un disco que aborda con mirada crítica el estado político, económico, social y hasta ecológico tanto del planeta como del País Vasco. Por supuesto, eso también se traslada a unas canciones en las que Willis Drummond han apostado por la cara más básica y cruda del rock, tal y como siempre ha sido norma en ellos. Eso no quita que estemos ante una de sus obras más detallistas y variadas. ‘Bigarren Aukera’ y ‘Galdera (K)’ son de esas piezas que se cuecen a fuego lento, arrancándose con alegres silbidos que terminan estallando en una batalla entre guitarras y sección de vientos. Para compensar la balanza, ahí están la inmediatez punk de ‘Sugar Baby, Sugar Daddy, Sugar Herri’, ‘Lurrunaren Atzean’ con cierto regustillo a Weezer y esa ‘Lehentasuna’ como single ganador. GONZALO PUEBLA

KAMCHATKA

Hoodoo Lightning (BORDER MUSIC) BLUES, STONER

o mas probable es que en algún momento de tu vida te hayas cruzado con Per Wiberg sin ni siquiera saberlo, ya sea como miembro de Opeth, Spiritual Beggars o de rebote con Arch Enemy. Kamchatka ya existían y tenían cuatro discos publicados cuando Wiberg entró a formar parte en 2013 como miembro oficial, pero sin duda hay un antes y un después de la banda tras su ingreso. Ya no sólo hablamos de popularidad y notoriedad, que también, sino un impacto en el sonido que parece reflejarse al 100% en este nuevo Hoodoo Lightning. Wiberg, que se encarga

del bajo y la voz en Kamchatka, parecía haber entrado sin querer hacer demasiado ruido o querer revolucionar demasiado el ambiente creado por el resto del grupo, pero ahora es cuando parece haberse soltado la melena y dejar bien fijado su sello personal. ¿Cómo lo sabemos? Pues porque estamos ante el disco más duro y agresivo en cuanto a sonido, como si quisiera llevarlo más a un terreno metal, pero sin apartarse tanto de la psicodelia y del blues que siempre ha caracterizado al combo sueco. Tranquilos que el sonido 60´s y 70´s sigue estando muy presente, especialmente en las guitarras, pero la sensación general que da escuchar estas canciones es que la banda, aun haciendo un poco lo mismo de siempre, pero con un toque quizás menos progresivo, ha encontrado vida nueva y un pequeño punch que puede que los acerque a públicos que los consideraban demasiado suaves. Lo riqueza instrumental siempre ha sido su baza mas fuerte, y ahí siguen mostrándose invencibles. JORGE FRETES

LIONHEART

Valley Of Death (ARISING EMPIRE) HARDCORE

l hecho de que Valley Of Death aparezca bajo la bandera de Arising Empire, filial de Nuclear Blast para las sonoridades core, ha multiplicado exponencialmente la presencia de Lionheart en los medios. Eso ha propiciado que nos encontremos ante el álbum más largamente publicitado de la veterana formación estadounidense, aunque las concesiones terminen aquí. La misma ‘Valley Of Death’ empieza a golpear duro con una ambientación metal – sólo ambientación- que para nada debería sorprender al viejo seguidor de los de Oakland, y los molinillos

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y las tortas afloran con fuerza ya en ‘Burn’ y una ‘For The Record’ cuyas líneas vocales son dinamita. Tenemos dos colaboraciones, y menudas ellas… En ‘Rock Bottom’, quizá mi favorita del pack, Jesse Barnett de Stick To Your Guns acaba de apuntalar el tema con un extra de punch que no veas, y el MC Mr. Jet Black le otorga un aire Body Count a ‘Before I Wake’ que tira de espaldas. Lo mismo podemos percibir en ‘In My Skin’, aunque aquí no precisen de rapero alguno para sacar a pasear las recortadas… 24 minutos tan recomendables para metalcoreros de la primera escuela Hatebreed como por aquellos fans del hardcore más musculado y cachas. Estoy seguro de que la poderosa ‘When I Get Out’, sirenas de bofia incluidas, ‘Born Feet First’ o ‘Stories From The Gutter’, una invitación total al violent dancing, las disfrutará cualquiera que ya anduviera metido en este rollo en los 90, principios de los 2000. Heavy hardcore, sí, de acuerdo, pero tampoco tanto. PAU NAVARRA

VIBROWAVES Black Blood (AUTOEDITADO) ROCK ALTERNATIVO

uando un grupo consigue dar la campanada a nivel mundial, lo lógico es que de repente empiecen a surgir clones por todas partes. Royal Blood lo hicieron en 2014 con su debut homónimo y, a pesar de que su propio sonido bebía de otras referencias, fueron muchos los que decidieron seguir su estela al pie de la letra. Con esto no quiero decir que en el caso de los valencianos Vibrowaves hayan copiado al dúo británico. Pero basta con echar un primer vistazo superficial para saber de dónde han tomado la inspiración: dupla de guitarra-batería, estética en blanco y negro, sonido

cercano al rock de Muse, Queens Of The Stone Age y The Black Keys... Todo excesivamente familiar. Entonces, teniendo todo eso en cuenta, ¿qué es lo que pueden ofrecer de novedoso la pareja formada por José Montagut y Marcos Escobar? Pues tras escuchar Black Blood, diría que al menos buenas canciones, que es lo mínimo que se les debería exigir. Los primeros compases de ‘Black Blood’ y ‘Connection’ recuerdan claramente a los de Brighton (riffs potentes, coros con regustillo glam, idéntica producción...), pero también poseen gancho. En la más pesada ‘Fade To Black’ apreciamos que su abanico estilístico se empieza a abrir un poco, del mismo modo que en ‘Time After Time’ se desmarcan con un ritmo de lo más desenfadado y las cadencias sexys de ‘My Love’ muestran sus credenciales a posible single. Sin embargo, y al contrario que en los pasatiempos de los periódicos, esta vez cuesta más trabajo encontrar las siete diferencias respecto a la fuente original. Un detalle de peso que corregir en el futuro próximo. Cualidades tienen para ello. GONZALO PUEBLA

SURYA

Overthrown (VARIOS SELLOS) ROCK

estas alturas ya no nos sorprende lo más mínimo ver que la cantera andaluza continué funcionando a pleno rendimiento. Un mes sí y al otro también, siempre nos acaba llegando alguna nueva referencia de lo más interesante. La penúltima de ellas pertenece a los jerezanos Surya, quienes parecen cumplir con todos los ingredientes para formar parte de esa corriente llamada New Wave Of Andalusian Stoner Rock. Un poco de rock noventero, algo de stoner (valga la redundancia), unas gotitas de progresivo y altas dosis de psicodelia son la receta

ganadora. Pero al igual que muchos de sus compañeros de generación, ellos también saben darle su propio toque. Overthrown supone la puesta de largo para la formación andaluza, exponiendo buena parte de sus influencias. ‘Tales Of The Great Fharats’ y ‘Sundazed’ abren fuego a base de riffs de alto octanaje y una voz, la de Antonio Hierro, que parece poseída por un joven Eddie Vedder cargado de esteroides. Pero a poco que te despistes cambian de tercio con la progresiva ‘Crystal Gate’. Aquí el timbre de las guitarras me recuerda inevitablemente al de unas bestias como Elder, sobre todo en ese final tan épico que es de lo mejorcito del álbum. ‘Thousand Year Bridge’ pone el punto etéreo en forma de paisajes acústicos que retrotraen a los Opeth de Damnation. Y aunque retoman el pulso con ‘Golden Tower’ y ‘Begone’, es ‘Turtle Shaman’ la que vuelve a abrir el tarro de las esencias en una pieza trabajadísima de principio a fin. Tal vez aún les queda un pasito para llegar a la excelencia de los mejores en su terreno, pero con discos como este andan cerca de conseguirlo. GONZALO PUEBLA

THE DRY MOUTHS

Lo-Fi Sounds For Hi-Fi People (VARIOS SELLOS) ROCK ALTERNATIVO, STONER

umpliendo con lo prometido, The Dry Mouths entregan el segundo de sus trabajos para este año. Al igual que Memories From Pines Bridge, Lo-Fi Sounds For Hi-Fi People fue registrado en directo en las mismas sesiones de grabación y, aunque ambos estaban pensados para ser publicados como un álbum doble, cada uno ha encontrado finalmente su propia razón de ser por separado. Mientras que el primero era una introducción a su vertiente más experimental e instrumental, esta nueva obra resume toda la esencia de los almerienses. Porque es cierto que hay piezas que bien

podrían haber encontrado su espacio en Memories..., caso de ‘L.P. Lie Too’ o su habitual ‘Psychomental V Code: Rosaura’. Pero la personalidad de The Dry Mouths da para mucho más. Así pues encontramos enérgicos ejercicios donde el rock de los 90 se funde con el stoner en ‘Limoncello’, ‘Los Pollos Hermanos’ y ‘La Mascotta’, recuperando la inmediatez de obras anteriores. Por su parte, ‘Ellis Lahm’ y ‘Toe Motion’ nos remiten directamente a la melancolía introspectiva que se respiraba en When The Water Smells Of Sweat, su referencia de la temporada pasada. Todo ello hace de Lo-Fi Sounds For Hi-Fi People uno de los discos más completos The Dry Mouths y seguramente el que mejor compila toda su amplía paleta de sonidos. Y es que, a pesar de la triste noticia que supuso el repentino fallecimiento de su bajista Andy Reyes el pasado mes de febrero, la realidad es que el combo andaluz atraviesa uno de los momentos creativos de mayor efervescencia de su larga trayectoría. Confiemos que en el futuro continúe la buena racha compositiva. GONZALO PUEBLA

CORDURA

LA AUTOEXIGENCIA COMO MOTIVACIÓN I

HASTA AHORA CORDURA HABÍAN LLEVADO UN RITMO DE UN ÁLBUM CADA TRES AÑOS. PARA RUTA SUICIDA HAN TARDADO ALGO MÁS, PERO A CAMBIO NOS HAN ENTREGADO UNO DE LOS MEJORES TRABAJOS DE SU LARGA TRAYECTORIA. ES LO QUE HACE NO TENER PRESIONES MÁS ALLÁ DE LAS QUE UNO MISMO ESTÉ DISPUESTO A IMPONERSE. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: J.A. MALLAVÍA

UIENES CONOZCAN DE CERCA A LOS COMPONENTES DE CORDURA sabrán de sobras que

no hay críticos más duros de la banda que ellos mismos. A lo largo de sus veinte años de existencia han ido mutando desde el post hardcore descarnado de sus inicios hasta la psicodelia de sus obras más recientes. Siempre inquietos, obedeciendo únicamente a su instinto y sus ganas de estar dispuestos a darle el enésimo giro a una propuesta nada sencilla

cendio Más Largo Del Mundo. Para averiguar cómo lo han conseguido, pedimos al cantante Anero y al guitarra Michi (Beko y Unai completan la formación al bajo y la batería, respectivamente) que nos explicasen en detalle todo el proceso. Si son capaces de currarse tanto sus respuestas, imaginen lo que hacen con su música… En El Mal Ya Está Hecho disteis entrada a nuevos sonidos más cercanos al progresivo y la psicodelia. Con Ruta Suicida habéis avanzado muchísimo más en esa dirección. ¿Pensáis que con el anterior os quedasteis a medias en algunas cosas que os hubiera gustado llevar más lejos y que esta vez sí habéis conseguido? MICHI “En cierto modo es así. Con

para el oyente, pero altamente satisfactoria para quien se pasa horas dándole vueltas a las canciones tanto en el local como en su día a día. De esa motivación de la que tantas bandas hacen bandera pero muy pocas son capaces de expresar con semejante honestidad nace Ruta Suicida (Monos Sobre Ruedas/Three Witches), el sexto largo de los bilbaínos, en el que se adentran todavía más en la senda progresiva, logrando (en mi opinión personal) su álbum más completo y redondo desde El In-

el anterior disco nos quedamos a medio camino de una serie de influencias que estaban llegando de golpe, pero que no estaban aún maduradas ni asimiladas. Es algo que puede ocurrir en cualquier momento, porque un disco no es más que una captura de un tiempo concreto. Pero en este caso, nada más grabar, a pesar de quedar muy contentos con el resultado, queríamos comenzar a componer de nuevo. Sólo que una cosa es querer y otra poder. Entre la salida del álbum, la búsqueda previa de sellos, la organización de las presentaciones… fueron pasando los meses, diría que un año, hasta que decidimos empezar a crear algo nuevo”. Hasta ahora solíais tardar tres años entre un trabajo y otro… Esta vez han sido cuatro. ¿Hubo

algún tipo de crisis creativa? MICHI “No, no hubo bloqueo crea-

tivo. Lo que ocurrió es que había mil ideas danzando a la vez, distintos enfoques por parte de cada uno de nosotros, muchas pruebas, descartes que prometían pero que no conseguían ser una canción... De hecho, hay material desechado que, creo, merece una segunda oportunidad una vez queramos comenzar otra vez. Pero el disco ha sido una realidad a fuerza de ser autocríticos e intuitivos, de integrar bien las influencias acorde a nuestra personalidad y también gracias a acortar un minutaje que se nos iba de las manos y centrarnos únicamente en ocho temas. Eso ha supuesto un álbum que creemos es más compacto, que fluye mejor y al que no le sobra nada. De todos modos, el método de trabajo ha sido el de siempre: ensayar, enviarnos bocetos de canciones, canturrear ideas a escondidas al móvil en cualquier momento del día, pasarnos discos, ir a conciertos, tirarlo todo, desesperarnos, reírnos de la situación y volver a empezar”. Un aspecto que considero clave en Ruta Suicida son los teclados. En El Mal Ya Está Hecho estaban más al fondo, arreglando, pero aquí reclaman más protagonismo como en ‘Salto De Fe’. ¿Era un elemento que queríais explotar más? MICHI “Sí, es algo que ha ido cre-

ciendo de importancia disco a disco. Obedece a querer explayarnos más de modo instrumental, pero con la guitarra cediendo protagonismo en lugar de ocupar siempre el primer plano. Algo que también hemos aplicado al bajo y a la batería, ya que 71

“HEMOS CONSEGUIDO POCO O MUCHO, SEGÚN SE MIRE. SON YA SEIS DISCOS. A MÍ ME PARECE UN TRIUNFO ABSOLUTO” MICHI

creemos que son mucho más expresivos y no sólo construyen la columna vertebral rítmica de las canciones, sino que las dibujan y les dan forma. Darles esa importancia ha implicado necesariamente cambios en el equipo para obtener una paleta de sonidos más amplia”. ANERO “Efectivamente. Antes me arreglaba con un Microkorg, ya que tampoco aspiraba a meter mucho más que algunos arreglos simples. Pero con el álbum anterior nos dimos cuenta de que había sonidos a los que no podíamos llegar. De modo

que me hice con un nuevo sintetizador para buscar otras sonoridades. Queríamos una mayor presencia de teclados y lo hemos conseguido”. Siempre habéis reconocido ser una banda muy permeable en cuanto a influencias. Además de las habituales de Soundgarden, Monster Magnet, Black Mountain... ¿Cuáles diríais que han sido fundamentales a la hora de inspiraros en este álbum? MICHI “No sé si ‘permeable’ es la

palabra, pero siempre hemos inten-

tado ir hacia aquello que realmente nos gusta como oyentes. Además, yo particularmente necesito que algo me haga click en la cabeza para darme motivación a la hora de componer. Es como si necesitaras una pista, una primera frase que te haga escribir todo un párrafo. En definitiva, ilusionarte para componer, ya que es una tarea muchas veces ingrata que tiene que ser impulsada por la ambición de crear algo. Y eso a mí particularmente me lo genera la escucha de ciertos discos, el hecho de decir ‘ojalá lo hubiera hecho yo’.

En ese momento se convierte en una especie de reto que es en sí un arma de doble filo, ya que te estás poniendo un listón muy alto, al que creo sin embargo que hay que aspirar. Por ejemplo, la segunda parte de ‘Salto De Fe’, cuando ya dábamos el disco por cerrado, cambió en el momento en el que volvía del local conduciendo, escuchando una de mis canciones favoritas de Motorpsycho, y me dije a mí mismo que no era suficiente, que estábamos perdiendo una oportunidad de oro de conseguir algo mucho mejor. Y funcionó con

la banda trabajando a pleno rendimiento, ya que todos aportamos algo único y decisivo. Influencias propias de este trabajo ha habido muchas: desde los propios Motorpsycho a King Crimson, Camel, King Gizzard & The Lizard Wizard, Black Angels, Witchcraft, Ty Segall, Hot Snakes, Screaming Trees, Voivod… Y luego discos que, sin ser determinantes a la hora de enfocar una canción, sí que han orientado la búsqueda de una paleta de sonidos concreta, el uso de los efectos… Entre otros, Claypool Lennon Delirium, Holy Wave o Black

Market Karma”. De todas maneras, vuestra música ha ido mutando continuamente desde que empezasteis el grupo. Desde unos inicios casi post hardcore, pasando por el rock 90’s y ahora la psicodelia. ¿Estos cambios obedecen a vuestras inquietudes de cada momento, lo que estáis escuchando en cada época, experiencias vitales... o una mezcla de todo ello? MICHI “Supongo que se deben a

muchos factores. De primeras se

“¡QUÉ ABURRIDO NOS RESULTARÍA LLEVAR VEINTE AÑOS HACIENDO LO MISMO!” ANERO

trató de una mezcla de influencias personales, descubrimientos nuevos y el hecho de ensamblar los gustos de todos. Sólo que de un tiempo a esta parte, al menos en mi caso, componer de ese modo dejó de salirme de forma natural y tenía que buscarlo expresamente. En cierto modo ponerme en el papel, lo cual no dejaba de ser un ejercicio interesante. Las viejas influencias de Black Sabbath, Jane’s Addiction, Soundgarden, Led

Zeppelin, Monster Magnet… estaban ahí y pedían paso, saliendo a la luz deformadas y modificadas con el bagaje de todo lo aprendido y con la firme intención de no militar haciendo género. Por ejemplo, quería sonar a Black Sabbath mucho antes de formar el grupo, cuando Beko y yo tocábamos en su garaje con 17 años. Pero, aunque compuse cientos de riffs que fueron directamente a la papelera, no fue hasta Metrópolis

cuando di con uno que realmente me pareció que tenía vida propia, que fue ‘La Tormenta De Hielo’. Y estamos hablando del cuarto disco. Hay cosas que no puedes forzarlas, y está bien que sea así. En los últimos años hemos tenido, en distintos grados dependiendo de con quién hables de nosotros, acercamientos a la psicodelia, al rock de raíces, al progresivo, al folk, space rock, beat, garaje, proto-heavy… O en mi caso,

también al heavy metal, hard rock y thrash, que es de donde vengo y lo que me hizo querer tocar en un grupo, pero intentando aprender de cómo se componían esas canciones, yendo a su raíz”. ANERO “Como bien decís, siempre ha habido una serie de influencias base, pero está claro que con el paso del tiempo hay nuevas inquietudes y gustos en los que te apetece sumergirte. ¡Qué aburrido nos resultaría llevar veinte años haciendo lo mismo! Con respecto a nuestra evolución, yo no creo que fueran disfraces ni nada. Todo fue fruto del momento, de la toma de contacto con un mundo totalmente nuevo y de nuestra inmersión en él. Era una época casi pre internet. Todas las semanas íbamos a ver grupos que no conocíamos de nada, de todos los puntos del planeta. Cada concierto era alucinante y te empapabas prácticamente de todo. Ahora en parte también hacemos un poco eso, pero con un nexo común”. A pesar de que lleváis mucho tiempo en activo, da la sensación de que la gente nunca ha sabido muy bien dónde ubicaros, quizás por esos cambios estilísticos que comentaba antes. Considerando que ahora hay una escena importante a nivel underground en España para lo que estáis practicando en este

Pero lo cierto es que muchas veces hemos estado totalmente fuera de lugar en según qué carteles, jugando tanto a nuestro favor, evitando ser encasillados, como en nuestra contra, ya que no pertenecemos a ninguna escena ni pisamos terreno de nadie. Hay ciertas bandas que en la actualidad están firmando grandes discos, y que forman aparentemente un movimiento, con las que podemos en mayor o menor grado identificarnos. De hecho, con algunas compartimos amistad y escenario, pero dejamos que la música hable sola sin colgarnos ninguna clase de etiqueta. Si llegamos a más público siendo quienes somos, será muy buena señal”. ANERO “Siempre hemos sido muy punks para los rockeros y muy rockeros para los punks. Y la verdad es que me gusta. No hacer algo de manual, trillado hasta la extenuación… Estar en tierra de nadie tiene muchas desventajas a nivel de conciertos o aparecer en ciertos carteles, pero no es algo que me preocupe. Por lo que comentas, parece que hemos estado dando bandazos musicales sin sentido, pero yo sólo veo dos bloques a lo largo de la vida de Cordura: uno más post hardcore de los tres primeros discos, y otro más rockero de los tres siguientes. Llegar a más público es algo que nunca nos ha importado. Si fuese así, habríamos tirado la toalla hace muchos años. Lo único que nos importa es hacer las cosas a nuestra manera. El resto vendrá solo”.

momento, ¿veis que esta vez tenéis una oportunidad real de

Por otra parte, también estáis

poder llegar a cierto público?

en una edad en la que muchas

MICHI “La verdad es que siempre

bandas empiezan a dejarlo por-

nos hemos movido por afinidades personales y de modos de entender cómo debe de funcionar una banda.

que ven que no dan más de sí

trabajo... Vosotros también tenéis que lidiar con eso y aun así seguís adelante. ¿Diríais que la autoexigencia que os imponéis a vosotros mismos es el motor que hace que funcione la máquina de verdad? MICHI “La exigencia es doble: hacer

música de la que te sientas orgulloso y disfrutarlo tanto a nivel musical como personal. El hecho de ser una piña y conocernos tan bien es la mitad del trabajo. La otra mitad es el amor por la música, simple y llanamente, y que ésta sea la que en realidad importe. Sin plazos, sin condicionantes ni exigencias que no hacen más que jugar en tu contra. Tuvimos que atrasar un año la grabación porque no acabábamos de estar contentos con el material. No precipitarnos fue una gran decisión, señal además de que la que manda es la música y la creatividad, no una agenda autoimpuesta que en realidad no va a ninguna parte. Si intentáramos funcionar de un modo más profesional descuidando otras parcelas de la vida, esto no funcionaría. Hemos conseguido poco o mucho, según se mire. Son ya seis discos. A mí me parece un triunfo absoluto”. ANERO “A veces hay que hacer malabarismos e incluso algún que otro sacrificio para conseguir cuadrar fechas. Y si a todo esto encima le sumamos nuestra nula capacidad de retención… (Risas) Aun así, siendo medianamente organizados conseguimos que la máquina funcione”.

y comienzan a tener otras responsabilidades: familia, hijos,

ESPECIAL FOTO

THRICE + PETROL GIRLS ESTAMOS CASI SEGUROS QUE NUESTRO FOTÓGRAFO RUBÉN NAVARRO ES LA PERSONA DE ESTE PAÍS QUE MÁS VECES A VISTO A THRICE EN DIRECTO. POR ESO CUANDO SE ANUNCIARON SUS CONCIERTOS EN BARCELONA Y MADRID, NO NOS SORPRENDIÓ QUE QUISIERA FOTOGRAFIAR AMBOS CONCIERTOS, AUNQUE TUVIERA QUE VOLAR DESDE LONDRES PARA HACERLO. FOTOS: RUBÉN NAVARRO

OPINIÓN

TOI’S IN THE ATTIC - LA COLUMNA DE TOI BROWNSTONE

LAS NO DESPEDIDAS

ola amigos! El tema de hacernos mayores empieza a afectarme un poco. Quizá porque empiezo a ver un reflejo de luz a final de túnel, tras el cual sospecho que nos iremos a la mierda. Sí, coño, hasta ahora ni pensaba en la menopausia ni en la jubilación, y aunque todavía quedan lejos, ya soy consciente de ello. No es la primera vez que hablo de la ‘necesidad’ de que algunas bandas cuelguen los bártulos y de que se dediquen a jugar al golf, a cuidar de sus nietos, o a tomar el sol en su casoplones en Malibú. Parecía que con las recientes pérdidas de artistas, bien por yayos o como consecuencia del abuso de sustancias, más de uno se lo había planteado realmente, como Black Sabbath, Slayer o Aerosmith. Peeero como decía Quevedo “poderoso caballero es don dinero”, en cuanto

han revisado los números de estas últimas giras, que están siendo muy positivos, cobrando un dineral ‘por última vez’, estas giras están anunciando legs interminables, mientras otros como los pintamonas de Mötley Crüe, vuelven a juntarse a los cuatro días, porque han visto un filón tras su biopic y consideran que hay muchos fans que merecen volver a recuperarlos en directo. En definitiva, que tenemos a una panda de carcamales en activo ofreciendo espectáculos mediocres y sangrando al personal ¿De verdad tienen necesidad de seguir destrozando canciones Jon Bon Jovi o Paul Stanley? Sus cuerdas vocales no pueden más, tienen dinero en el banco para vivir cuatro vidas ¿por qué coño siguen? Los jóvenes necesitáis referencias más actuales, y no alimentaros de la nostalgia de vuestros padres. A ver si unos cuantos se enteran de una vez.

DANKO’S HALL OF FAME

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame es Faster Pussycat de Faster Pussycat. El mes pasado proclamé que 1986 había sido un gran año para la música heavy, pero, no nos equivoquemos, 1987 fue un año también tremendo. Guns N’ Roses editaron Appetite For Destruction y vendieron 30 millones de copias. Aerosmith consolidaron su retorno con Permanent Vacation. Def Leppard regresaron también, después del accidente de coche de su batería Rick Allen, con Hysteria, y vendieron 25 millones de copias. The Cult con Electric asentaron su carrera. Anthrax se ganaron ser los cuartos dentro del Big 4 con Among The Living. Mientras tanto, en Los Ángeles, Faster Pussycat editaban su álbum homónimo y, aunque no llegaron a los números de todas estas bandas, nos recordaron cómo debe tocarse el rock de verdad. Nunca he sido un fan acérrimo de la escena del Sunset Strip, pero hay algunas bandas por las que tengo debilidad, y Faster Pussycar son definitivamente una de ellas. Su debut fue un soplo de un aire fresco en un estilo que poco a poco empezaba a quedarse anticuado. Tenían los mejores elementos de New York Dolls, The Rolling Stones, T. Rex, Aerosmith y los primeros Mötley Crüe sin sonar retros o anticuados, debido a esos dulces y pegadizos riffs 82

de Brent Muscat y Greg Steele y, por supuesto, la voz distintiva de Mr. Taime Downe. De acuerdo que la voz de Downe mezclaba elementos de David Johansen, Steven Tyler, Michael Monroe y Johnny Rotten, pero el cantante sabía darle una personalidad respetuosa a todo aquello, más que ser un mero imitador. ‘Bathroom Wall’ era todo lo sleazy que se puede llegar a ser y nadie podía acusarlos de no ser más que unos astutos estudiantes de los maestros. Downe fue el cofundador junto a Riki Rachtman de The Cathouse, el club por excelencia del Sunset Strip, y para un chico exiliado en Toronto, Canadá, aquello era la zona cero del sexo, drogas y rock’n’roll. Cuando Taime y Riki fueron inmortalizados de por vida en la película de Penelope Spheeris, The Decline Of Western Civilization Part 2: The Metal Years, donde The Cathouse salía constantemente, la canción que hicieron sobre el club en el álbum se acabó convirtiendo en un himno para la escena. Lo que hizo el álbum especial para mí fue la canción ‘Babylon’, y esa unión al License To Ill de Beastie Boys con los samples, el scratching y ese riff de guitarra sobre el que Downe se pone a rapear. Viendo cómo Beastie Boys habían llegado al mainstream el año anterior, rapear sobre un riff de rock no era algo ya muy rompedor. Después

de todo, los Toxic Twins de Aerosmith ya habían dado el primer paso justo un año antes, pero fue un movimiento muy audaz mezclar una canción sleazy nueva junto a un rap, cuando los dos estilos todavía no convivían juntos de manera oficial. Otras bandas intentaron tener también su canción rock/rap, pero pocos llegaron a conseguir alguna notoriedad al hacerla. La única banda que me viene ahora a la cabeza es Shotgun Messiah y su ‘Shout It Out’, que salió dos años después. Me encanta ese sonido, y es una pena que todo ese tipo de canciones no sirviera para crear un estilo en sí mismo. Curiosamente, a pesar de la cantidad de hits que el álbum contenía (‘Don’t Change That Song’, ‘Bathroom Wall’, ‘Cathouse’), nunca llegó a disco de oro, pero sí que ha conseguido estar en esas listas de ‘discos que has de oír antes de morir’ en estos últimos años. Me encanta que este álbum haya tenido, finalmente, el reconocimiento que merece. ¡Hasta el mes que viene!