Rz_149 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: público Primavera Sound @ Carles Rodríguez

EDITORIAL Hay quien se prepara para correr maratones, pero debería existir un método para prepararse para sobrevivir a la temporada de festivales. Con la maleta sin deshacer después de un fantástico fin de semana en el Azkena Rock Festival, ya casi tenemos que volver a pillar el tren para irnos al Download Madrid. No nos vamos a quejar, claro, pero mirar la agenda estas semanas produce un poco de vértigo. Un año más, pondremos a prueba la resistencia de nuestras piernas, tímpanos e hígados ante todo lo que nos espera. Que tengáis un buen verano y nos vemos en septiembre. Enjoy!

SUMARIO

Nยบ 149

7 / INTERFERENCIAS

22 / BAD WOLVES

28 / DANCE GAVIN DANCE

32 / DEAFHEAVEN

38 / OBSCURA

46 / HOT SNAKES

50 / BULLET FOR MY VALENTINE

58 / DISCO DEL MES

60 / CRÍTICAS

82 / ZEAL & ARDOR

86 / DEAD BRONCO

90 / JOAN QUERALT

TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY O HÁZNOSLA LLEGAR A ROCKZONE@ROCKZONE.COM.ES RECUERDA QUE EN AGOSTO HACEMOS VACACIONES ;)

94 / EN DIRECTO

INTERFERENCIAS

TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

NEW DEL MES_ RESURRECTION FEST VIVEIRO SE PREPARA PARA TEMBLAR UN AÑO MÁS CON LO MEJOR DEL METAL, EL PUNK Y EL HARDCORE. PARA LOS SUPERSTICIOSOS EL NÚMERO 13 ES SINÓNIMO DE MALA SUERTE, PERO ESTAMOS SEGUROS DE QUE LA DECIMOTERCERA EDICIÓN DEL RESURRECTION FEST SERÁ TODO UN ÉXITO.

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 4648. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordian Fo, Luis Benavides, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez, Alba Rodrigo, Berta Martínez. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Israel Higuera (wirrak), Vicente Madrigal (hollow_life), Miguel Gómez (MLACABEX), César Aguilar (CesarAguilar), Jorge Azcona (roots). Foto de portada: DR

a no queda nada para que emprendamos nuestra peregrinación anual a Viveiro (Lugo) donde nos espera vivir cuatro jornadas en las que podremos disfrutar de la flor y nata de la escena nacional e internacional. Para empezar, el 11 de julio habrá la Warm-Up Party con Ministry, Jello Biafra And The Guantanamo School Of Medicine, Powerflo y Riot Propaganda entre otros. Una buena manera de calentar motores antes de que el festival saque toda su artillería entre el 12 y el 15 de julio. En el escenario principal nos esperan los legendarios Kiss con clásicos inmortales como ‘Deuce’, ‘Rock And Roll All Nite’ o ‘Detroit Rock City’ y pirotecnia a mansalva. Además, claro está, de Scorpions, Megadeth, Prophets Of Rage, los Stone Sour de Corey Taylor o Ghost. Ahí también podremos ver Anti-Flag, Frank Carter & The Rattlesnakes, Overkill, Tremonti o Rise Of The Northstar. En el Ritual Stage, dedicado a propuestas más duras, están programados los conciertos de At The Gates y su banda her-

mana The Lurking Fear, Suffocation, Paradise Lost, Exodus, Alestorm o Thy Art Is Murder. El Chaos Stage, dedicado al punk y al hardcore, siempre ha sido escenario de grandes actuaciones y este año no será una excepción con la presencia de Cancer Bats, Sick Of It All, The Bronx, Stick To Your Guns, Zebrahead, The Baboon Show, Evergreen Terrace o Turnstile, uno de los grupos que más ganas tenemos de ver. Finalmente el Desert Stage, orientado al stoner, sludge y propuestas más experimentales, acogerá a Crowbar, Eyehategod, Wolves In The Throne Room o God Is An Astronaut. Naturalmente también habrá oportunidad de disfrutar de una nutrida representación nacional con Angelus Apatrida, unos habituales del festival, la despedida de Dawn Of The Maya, The Wizards, Somas Cure, Virgen, Against The Waves, Trono De Sangre, Adrenalized, Bellako, Imperial Jade, Malämmar o Púrpura. Desde luego, el Resu nunca falla. Para más información y compra de entradas visita www. resurrectionfest.es. ¡Y ojo que quedan pocas!

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VINNIE PAUL (1964-2018)

VINNIE PAUL NOS HA DEJADO. EL QUE FUERA BATERÍA DE PANTERA, DAMAGEPLAN Y HELLYEAH FALLECIÓ EL PASADO 22 DE JUNIO MIENTRAS DORMÍA EN SU CASA DE LAS VEGAS. SU LEGADO MUSICAL ES INCALCULABLE.

l pasado sábado 23 de junio nos despertábamos con una noticia devastadora e inesperada: Vinnie Paul Abbott, el legendario batería de Pantera, había fallecido esa misma noche. Tras el desconcierto inicial, más tarde se revelaría que el músico habría sufrido un infarto mientras dormía en su casa de Las Vegas, Nevada. Como su hermano Dimebag, ahora también Vinnie nos abandonaba demasiado temprano, con tan sólo 54 años. Ante un artista de tamaña envergadura, pronto toda la comunidad metálica, e incluso rockera, se mostró consternada ante su repentina muerte, y las muestras de cariño y respeto se sucedieron por todo el globo. Dimebag Darrell y Vinnie Paul fundaron Pantera en 1981. Ficharían a Rex Brown como bajista en 1982, pero no sería hasta la inclusión de Phil Anselmo en 1986 que la banda empezaría a tomar el rumbo que los llevó hasta lo más alto. Partiendo del glam metal inicial, los tejanos irían endureciendo su propuesta hasta dar con Cowboys From Hell en 1990, una nueva forma de entender el género, un nuevo sonido que más tarde sería bautizado como groove metal. Con el capital Vulgar Display Of Power (1992) y el perfeccionamiento que significó Far Beyond Driven (1994), los tejanos se asentaron en el trono del metal planetario, llegando incluso al número 1 en las listas. Fue a partir de The Great Southern Trendkill (1996) que

las tensiones empezaron a aflorar en el seno del grupo, y finalmente, tres años después de haber publicado Reiventing The Steel en 2000, Pantera darían por terminada su andadura. Los hermanos Abbott formarían entonces Damageplan, pero el fatídico 8 de diciembre de 2004 ocurriría el suceso más triste y trascendental en la vida de Vinnie Paul: en medio de un show de su nueva banda, Nathan Gale, un fan trastornado de Pantera, irrumpiría a disparos en medio del escenario, asesinando a Dimebag. Siempre con su hermano en el corazón, Vinnie Paul rehizo su vida con Hellyeah, con quienes actualmente estaba viviendo una segunda juventud, pero tras aquello, y por mucho que la prensa alimentara el morbo, una posible reunión de Pantera quedaba enterrada para siempre. Su relación con Anselmo nunca se retomó. Vinnie Paul fue sin duda el batería más influyente, imaginativo y rompedor de los años 90, y seguramente, de las últimas tres décadas. Su personal estilo, absolutamente único, lo nunca visto en su tiempo, abrió camino a toda una nueva generación de baterías. Su dominio del doble pedal, la clase con la que exhibía esa pegada descomunal, su estilo jazz inconfundible, lo sitúan entre los baterías más grandes de la historia del rock. Allá donde esté, ojalá se haya reencontrado con Dimebag y estén de nuevo rockeando como cowboys del infierno.

+ FESTIVALES LEYENDAS DEL ROCK

BARNA ‘N’ ROLL

MÁXIMO PODERÍO

ORGASMO PUNK

or tercer año consecutivo el Poble Espanyol de Barcelona acogerá el sueño húmedo de cualquier aficionado al punk y el hardcore. El Barna ‘N’ Roll, que se celebrará el sábado 14 de julio, presenta un cartel de auténtico lujo con los veteranos Cock Sparrer como plato principal. Sus himnos cerrarán una jornada que también incluye a los no menos míticos Descendents, padrinos de la escena del hardcore melódico, y al inimitable Jello Biafra y su incendiaria banda

The Guantanamo School Of Medicine, para repasar su extensa discografía y algún que otro clásico de Dead Kennedys. También estarán ahí los reyes del NYHC, Sick Of It All, dispuestos una vez más generar circle pits gigantes y A Wilhelm Scream, con su mezcla de potencia, técnica y melodía. La cuota nacional vendrá representada por Gatillazo, una oportunidad para que reivindiquemos como se merece la figura de Evaristo, los tarraconenses Crim, con nuevo EP bajo el brazo, y los barceloneses La Inquisición. El día 13 habrá una fiesta de presentación bautizada como “Fem D’Aquí” en la sala Upload del mismo recinto, con una representación de la escena catalana punk rockera.con Penny Cocks, Panellet, Batec, Krang, Violets, Disaster Jacks, Llacuna y Paüra. Una magnífica oportunidad para descubrir talentos más cercanos.

ue España es un país donde siempre ha gustado mucho el heavy metal lo demuestra la buena salud de un festival como el Leyendas Del Rock, que este año llega a su decimotercera edición. Los días 8, 9 y 10 de agosto el Polideportivo Municipal de Villena (Alicante) acogerá una representación de algunos de los nombres más importantes del género en todas sus variantes. Como grandes reclamos presentan las únicas

actuaciones en nuestro país durante este año, tanto de los finlandeses Nightwish, como de los Warlock de Doro Pesch, quienes vendrán a celebrar el aniversario de Triumph And Agony, su cuarto y último disco que publicaron en 1987. Otras formaciones que dominaron los 80 como Saxon y WASP también ocupan posiciones altas en el cartel. Suicidal Tendencies y Sepultura son otros dos nombres con mucha historia que estarán presentes en el Leyendas. Quienes prefieran sonidos más extremos venidos del Norte tendrán en Children Of Bodom, Watain y Abbath un triplete soñado. Pero también habrá oportunidad de disfrutar del metal ultratécnico de DragonForce o de la fuerza bruta de DevilDriver. También será una oportunidad de disfrutar del rock urbano de Rosendo, quien ya ha anunciado su retirada de los escenarios, o de los siempre infalibles S.A..

MAD COOL FESTIVAL

TSUNAMI XIXÓN

A POR TODAS

EPISODIO II

espués del éxito del año pasado, en el que se agotaron todas las entradas, el Tsunami Xixón vuelve en su segunda edición para consolidarse. Los días 3 y 4 de agosto podremos disfrutar

de grupos como The Prodigy, Bad Religion (con un show dedicado a Suffer), The Hives, Gogol Bodello, Lagwagon, Millencolin, Royal Republic o Marky Ramone. Pero si algo destaca su programación es por el buen gusto a la hora de escoger grupos de la escena estatal. Si eres un lector habitual de RockZone seguro que estás familiarizado con nombres como Minor Empires, Viva Belgrado, Crim, Los Coronas, Futuro Terror, Dead Bronco o Bala. Y si no, el Tsunami será una oportunidad perfecta para descrubrilos. Además, también habrá conciertos gratuitos en otros escenarios de Xixón.

ROCK FEST BARCELONA VALOR SEGURO

lo largo de sus cuatro ediciones anteriores, el Rock Fest Barcelona ha conseguido que la capital catalana no sea sólo sinónimo de

hipsterismo. Que falta hacía. El Parc de Can Zam, situado en la vecina localidad de Santa Coloma de Gramenet, será un año más el escenario porque el que desfilarán leyendas vivas del metal como Ozzy Osbourne, Judas Priest, Kiss, Scorpions, los reunificados Helloween o Accept. Entre el 5 y el 7 de julio también podremos ver las actuaciones de Dimmu Borgir, Megadeth, Stratovarius, Stryper y un fiel Dee Snider, aunque esta vez regresa sin Twisted Sister. El headbanging estará asegurado con muchas bandas más.

i hay un festival que este año ha roto con todas las previsiones es el Mad Cool. Una apuesta muy fuerte por parte de la organización que pretende llenar con 80.000 personas su nueva ubicación en el recinto de

Ifema en Valdebebas entre el 12 y el 14 de julio. Para conseguirlo cuenta con artistas tan potentes como Pearl Jam, Arctic Monkeys, Jack White, Depeche Mode y Queens Of The Stone Age, un repóker soñado por cualquier festival. Pero por si eso no fuera suficiente, repartidos en siete escenarios estarán Nine Inch Nails, Alice In Chains, Franz Ferdinand, Tame Impala, Massive Attack, Justice, At The Drive-In, Marmozets, Toundra, Japandroids, La M.O.D.A., Black Rebel Motorcycle Club o Deaf Havana, hasta un total de 121 grupos. Más vale que vayas cargando las pilas…

IRON MAIDEN

SCREAM FOR MR MADRID!

unque no sea un festival propiamente dicho, la cita del próximo 14 de julio en el Wanda Metropolitano de

Madrid merece una mención especial en nuestro repaso a las grandes citas de este verano. Será el primer concierto de Iron Maiden en un estadio en España y también el único que ofrecerán dentro de su actual Legacy Of The Beast Tour en nuestro territorio. El repertorio supondrá un extenso repaso a toda su carrera y la oportunidad de escuchar temas como ‘Flight Of Icarus’, que no interpretaban desde 1986 e incluso algunos de su etapa con Blaze Bayley. Por si faltan alicientes, Gojira y Sabaton estarán abriendo la velada .

ZONA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, JORDIAN FO FOTOS: DR

RÉQUIEM POR EL SUEÑO AMERICANO Noam Chomsky

P (SEXTO PISO)

or el título de este libro se deduce que, para Noam Chomsky, el sueño americano está muerto y enterrado. Se acabó eso de que “un negro encontrase un trabajo decente en una fábrica de automóviles y pudiera comprarse una casa, un coche y pagar los estudios de sus hijos”. Si no os lo creéis, daros una vuelta por Detroit. En este nuevo ensayo, el filósofo y activista nacido en Filadelfia explica de una manera sencilla los diez principios de la concentración de la riqueza y el poder; conceptos complejos como ‘Rediseñar la economía’, ‘Desplazar la carga fiscal’, ‘Someter a la plebe’ o ‘Atacar la solidaridad’ son analizados con palabras que cualquiera puede entender. Eso sí, Chomsky se muestra bastante pesimista-realista a lo largo del texto (denunciando varias veces la máxima vil de Adam Smith, “Todo para nosotros, nada para los demás”), pero al final del libro revela la clave esperanzadora para forzar el cambio: “Lo que realmente importa es el esfuerzo conti-

LOS PODERES DE LA OSCURIDAD Bram Stoker y Valdimar Ásmundsson

raducciones de Drácula hay centenares, pero pocas habrá como Makt Myrkranna, título en islandés que significa Los Poderes De La Oscuridad. En 1900 el editor y escritor Valdimar Ásmundsson podría haberse limitado a hacer una traducción más o menos literal de la obra de Bram Stoker, pero, posiblemente con la colaboración del autor irlandés, decidió

nuado por desarrollar y organizar movimientos populares activos para seguir luchando. No se construye una auténtica democracia votando una vez cada cuatro años”. Algunas de las teorías que se explican en Réquiem Por El Sueño Americano ya las conocíamos, pero otras no, con lo cual se agradece la lucidez de un ensayista íntegro y comprometido que está a punto de cumplir los 90 años. JF

presentar a los lectores islandeses una historia algo diferente. El principal contraste lo encontramos en que la estancia de Harker en Transilvania ocupa muchas más páginas que la parte del relato que se desarrolla en Londres. Además de que algunos nombres aparecen ligeramente modificados, en Los Poderes De La Oscuridad el conde cuenta con los servicios de una vieja ama de llaves sordomuda y practica ritos satánicos multitudinarios en la cripta subterránea de su castillo de los Cárpatos. La mayoría de diferencias entre ambas obras son señaladas en notas al margen del texto (hay más de 400). Como en Drácula, esta historia se basa en las entradas del diario de Harker: “El Infierno no es un simple invento de los teólogos, pues existe aquí en la Tierra. Yo he estado en el umbral y ya no albergo la menor duda de que este castillo es hogar de espantosos demonios y no de seres humanos”. Estamos pues ante un descubrimiento que deleitará a los seguidores del vampiro más famoso de la historia. JF

HUMOR NEGRO PARA GENTE MALA Molg H. (AUTOEDITADO)

Las viñetas de Molg te las debes de haber encontrado mil veces en las redes sociales; algunas movidas desde sus propias cuentas, muchas otras, fusiladas sin miramiento. Y tal vez (casi) siempre te has roto de risa al verlas. Ahora, una cuidada selección de sus trabajos subidos a la red entre 2013 y 2017 da forma a este recopilatorio donde brillan, sin duda por salvaje efecto de acumulación, las entregas de su famosa Psicóloga Honesta junto a sus páginas de pornogore psicológico/visceral. SG

ONE TWO THREE FOUR RAMONES Cadène, Bétaucourt y Cartier (DIBBUKS)

Biografía no oficial que, desde la perspectiva de Dee Dee Ramone, repasa los principales hitos personales de los diferentes integrantes del combo desde su formación hasta sus decesos. Cargada de muchísimos datos, el trabajo se siente amargo, digno de los mejores dramas cuyo final ya conoces, tratando de meternos en la cabeza de ‘esa familia’ de patanes disfuncionales sin necesidad de caer en el relato fácil de cómo llegaron a ser leyendas de la música y de las tiendas de ropa. SG

EL BORBAH Charles Burns

EL MÉTODO GEMINI Magius

(LA CÚPULA(

(AUTSIDERS COMICS)

Estupenda oportunidad de hacernos con una de las obras más conocidas de Charles Burns en un recopilatorio formato álbum que ahora se reedita a un precio más accesible. El Borbah es un detective que vive en un mundo de delirio y oscuridad, viste como un luchador mexicano y resuelve todas las situaciones a hostia limpia. Una auténtica gozada, de esas macarradas por las que no pasa el tiempo, que cuenta ya con más de 35 añitos de vida y que se sigue descubriendo como nueva y genial. SG

RÖHNER Max Baitinger (FULGENCIO PIMENTEL)

Desde Alemania nos llega la nueva apuesta de Fulgencio Pimentel en su apoyo al cómic experimental, ahora con uno de los primeros trabajos de Max Baitinger, autor que en esta obra puede provocar en el lector sentimientos homicidas: con humor y mala leche, Max nos narra cómo la vida de un tipo maniático se ve trastocada por la visita de un colega impresentable. Este tomo es de los de empezar y no parar, por su estilo sintético y las ganas que genera de ver cuál será la siguiente situación imposible. SG

Magius regresa al formato largo ofreciéndonos un relato de mafiosos al estilo hollywoodiense donde un chaval, aprovechando la coincidencia de su apellido con el de un pez gordo, se hará su propio hueco en la mafia ítalo-americana de la década de los 70. Narrado de manera soberbia, usando esta vez solamente tres colores y permitiéndose el lujo de realizar algunos homenajes, este cómic se goza, además, gracias al uso de su estilo cartoon en estos temas broncos y sucios. SG

UNREAL CITY D.J. Bryant (LA CÚPULA)

Unreal City es uno de esos bombazos que te encuentras sin esperarlo y que te dejan noqueado. Cinco historias cortas (al estilo David Lynch) que nos introducen en el particular mundo retorcido de D.J. Bryant donde habitan de forma recurrente pesadillas de dobles y triples sentidos. Todo el tomo realizado con un gusto y técnicas exquisitos, aportando en sus dramas la pornografía justa para que cada ensoñación sea casi recordada con una gran carga de morbo insano: deseas volver a cada historia, y no sabes bien por qué. SG 13

DE CINE_ CON KIKO VEGA JURASSIC WORLD: EL REINO CAÍDO LOS DINOS TAMBIÉN LLORAN

artiendo por la mitad el número de guionistas respecto a la anterior entrega, Jurassic World: El Reino Caído ofrece más novedades de las que cabrían en una nueva isla paradisíaca dejada de la mano de Dios, llena de accidentados seres humanos esquivando la muerte entre palmeras sobre sus dos extremidades inferiores y gritando. Y eso que, al menos hasta la mitad de su metraje, es exactamente eso: repetición. La historia que Juan Antonio Bayona agarra

por los cuernos es un episodio doble de la franquicia partido en dos, una primera hora donde asistimos a lugares comunes donde los suelos tienen todo tipo de huellas y una segunda parte, por primera vez en 25 años, que parece una ‘película de terror’. Durante la segunda parte de este especial, la secuela de la quinta película más taquillera de todos los tiempos se convierte en la primera entrega realmente aterradora de la familiar franquicia ideada por el director de E.T.. No es poco teniendo en cuenta que veníamos de hacer carreras en moto por la selva rodeados de dinosaurios. Con unos personajes de encefalograma plano orgullosos de serlo, un sentido del espectáculo de la vieja escuela y cierto regusto por el horror gótico, la nueva película de Parque Jurásico no es, por primera vez, una de parque jurásico. Al menos durante un buen rato. Poca broma.

GRINGO: SE BUSCA VIVO O MUERTO TIED TO THE 90’S

ace seis años desde que Oliver Stone intentó sin éxito adaptar a uno de esos novelistas de hoy que tantos millones de ejemplares de bolsillo mueve entre los vagones de metro y demás transportes públicos del mundo, Don Winslow. Salvajes era un aturullado refrito de autoreferencias llena de algo peor que personajes cargantes: actores histéricos completamente descontrolados. No sería complicado imaginar a Nash Edgerton esquivando los errores del veterano director de JFK a la hora de llevar a la pantalla el guión de Anthony Tambakis y Matthew Stone, veteranos que han trabajado al servicio de los hermanos Coen o Stephen Herek. Gringo es una historia coral de ésas que tanto nos gustan a los aficionados a dejarse caer por una sala de cine un domingo por la tarde: reparto sorprendente, trama retorcida, un poco de

sal gruesa y caricatura cruel concentrados en un thriller divertido y mucho más sutil de lo que su, a veces alicaído ritmo, nos da a entender. David Oyelowo, Joel Edgerton, Charlize Theron, Amanda Seyfried, Thandie Newton y Sharlto Copley se encargan de sacar adelante una historia que amenaza con estancarse entre la incredulidad y la incomprensión, pero que acabará por llegar a buen puerto en una resolución ligera y alejada de toda capacidad de sorpresa. Por supuesto, Gringo no es una película perfecta. De hecho, está lejos de ser una revelación, y juega en una liga que creíamos perdida: la del thriller pseudo cómico post Quentin Tarantino que tanto daño hizo a mediados de los 90, pero del que supo aprovecharse gente como Guy Ritchie o, en menor medida, Bryan Singer. Eso sí, cuando al principio hablábamos de los errores y los autohomenajes que Stone cometía en Salvajes, no pasó inadvertida para Nash Edgerton, que con mucha mala baba introduce un frame de su corto con Taika Waititi, The Captain. David Oyelowo se apodera de la función con facilidad y resulta ser la sorpresa más agradable de la película, un actor de carácter que hemos visto en obras tan ‘divertidas’ como Selma o El Mayordomo..

TOI’S IN THE ATTIC ¿QUÉ PASÓ CON LAS PELIS DE ACCIÓN?

ola amigos! Llevamos unos años experimentando un boom de películas de acción, con recreaciones de historias de superhéroes a la cabeza, que resultan un auténtico filón, en principio ilimitado. Sagas de hombres invencibles como Bourne, o Misión Imposible, y otras que se amparan en la ciencia ficción, como el universo Star Wars o el último blockbuster de Spielberg, Ready Player One. La mayor parte de estas producciones se caracterizan por contar con unos presupuestos de escándalo, efectos especiales por ordenador que evolucionan a gran velocidad y escenas absolutamente abrumadoras, y yo diría que agotadoras. Esto está muy bien, tampoco es necesario ir siempre al cine con un monóculo, buscando lecturas existenciales. Pero me da la sensación de que esta necesidad de dejar

boquiabierto al espectador afecta directamente a las historias, y especialmente a los personajes. No es que empatice con John Matrix de Commando de manera literal, pero ¡coño! Cuando veía el nombre de Schwarzenegger en la carátula de una peli en el videoclub, sabía que iba a tener una buena dosis de hostias, tiros y frases para la posteridad. Sí amigos, echo de menos películas como Rambo, Terminator o La Jungla De Cristal. Sin duda, los años 80 fueron la cima del cine de acción de la mano de Schwarzenegger, Stallone o Bruce Willis. ¿Recordáis a Kurt Russell con su parche como Snake Plissken en 1997: Rescate En Nueva York? ¿O a Steven Seagal antes de llenarse de botox en Alerta Máxima? De verdad, haceos un favor, dejad de perder el tiempo con la mierda de Amazing Spiderman y dadle caña a la saga de Rocky. Me lo agradeceréis. (TOI BROWNSTONE)

PISANDO FUERTE_ JOHNNY B. ZERO “DEJAMOS QUE TODO TENGA UN CAUDAL DE LOCURA”

JUANMA PASTOR

FORMACIÓN: Juanma Pastor (voz, guitarra), Julio Fuertes (sintetizador), Luis Cirulli (batería), Pablo P. Soriano (saxo)

PROCEDENCIA: Valencia AFINES A: MGMT, Prince, Arctic Monkeys PRESENTAN: Suicide Watermelon Stories (Hidden Tracks)

ohnny B. Zero son una banda atípica desde su propia composición. No es habitual, al menos dentro de los cánones del rock, que un grupo esté integrado por guitarra, batería, teclista y saxofonista. Pero es que si de algo puede presumir este cuarteto valenciano es de no ceñirse a las reglas de lo establecido. “Yo soy una persona bastante loca y extravagante. Aunque parezca aparentemente convencional cuando hablas conmigo, tiendo mucho al caos”, explica Juanma Pastor, cantante, guitarrista y principal compositor. “La banda partió de ese presupuesto y los agentes que fueron entrando en ella hicieron que cada vez todo fuera más caótico. Todos entendemos lo que tenemos que hacer, a veces sale y otras no. El aspecto caótico no es que esté premeditado, sino que entendemos que tenemos que plasmar nuestros carácteres y no ceñirnos a un estilo concreto, o a un patrón o a una moda. Dejamos que todo tenga un caudal de locura”. De todos modos, su marcada cualidad experimental no impide que sus canciones sean, a menudo, altamente pegadizas con influencias del pop británico, el funk, el hip hop o la electrónica. Si el año pasado recorrieron buena

parte de la Península presentando Birds, en éste han reaparecido con Suicide Watermelon Stories, una cuarta referencia en la que ofrecen 16 nuevos temas. “Somos una banda que nos gusta mucho hacer música”, dice Juanma sobre su prolificidad. “Siempre hay una cosecha de canciones generosa lista para ser grabada”. Cómplice en esta historia es Carlos Ortigosa, quien les acoge regularmente en su estudio Music Rooms. “Hemos crecido juntos, nosotros como músicos y él como técnico, y hemos aprendido a trabajar de una manera eficiente. El sonido está guay y los costes también”, asegura Juanma. “Por un lado tenemos el ámbito de la canción y de la relación con el rock clásico y el pop, pero a la par también somos bastante experimentales. A veces, meterse en el estudio con una propuesta así es una locura, pero Carlos es un tipo como nosotros. Es una persona muy abierta y a nosotros nos da la vida”. Para Julio Fuertes, encargado de los sintes, e incluso de rapear en el tema ‘Emperor’, el sonido que consiguen allí es de altísimo nivel, pese a que quizá no cuente con tanto equipo como otros estudios. “Lo que nos interesa de él es que tiene mucha fe en este proyecto

y nos permite movernos en otros presupuestos”, señala. “Es un tipo muy aguerrido y no tiene ningún tipo de prejuicio. Se atreve con cualquier idea que le digamos”. Si bien la semilla de Johnny B. Zero se plantó mientras Juanma residía en Austria, no fue hasta que volvió a Valencia que la formación se consolidó con un cambio de batería y la entrada de Pablo. “Lo descubrimos en un concierto de soul y nos pareció un tipo tan loco que nos molaba la idea de tocar con él. Desprendía libertad”, cuenta Juanma. “El saxo, en las producciones de rock o pop, siempre ha tirado hacia lo kitsch. Pero una de las influencias de la banda es la música afroamericana. Tiramos más por una vertiente más del funk que del rock épico. El toque de Pablo es absolutamente groove”. Para el cantante, la ausencia de un bajista les ayuda a salir de lo convencional, pero como en el caso de Pablo, más que los instrumentos en sí lo que le interesa es la personalidad de quién lo toca. “Julio es un músico muy interesante y está en una posición de no total comodidad, pero es una persona que resuelve problemas muy rápido. Él es muy buen guitarrista, pero para mí lo interesante no es tener sintetizador, sino que lo toque Julio”. El cuarteto tiene la sensación de que con Suicide Watermelon Stories se les están presentando más oportunidades que nunca, aunque son conscientes de que para una banda underground tiene sus limitaciones. “Se trata de seguir currando, girando y perder la salud en el camino”, concluye Julio entre risas.

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame es Abbey Road de los Beatles. ¿Cuánto hace que llevo escribiendo en RockZone? ¿Ocho años? ¿Ocho putos años y nunca he puesto a The Beatles en mi Hall Of Fame? Y ahora, ha pasado demasiado tiempo como para tomar una decisión tan complicada sobre qué disco es mejor. Escoger uno sólo no es tarea fácil, ya que The Beatles han estado allí, de una manera u otra, a lo largo de mi vida. ¿Debería escoger Let It Be porque fue el primer álbum suyo que escuché cuando era niño? ¿Debería escoger Yesterday & Today o Revolver porque eran los que más escuchaba en el instituto? ¿O debería escoger Sgt. Pepper’s y The White Album porque eran los que escuchaba 20

en la universidad? Todos serían buenas opciones, pero escojo Abbey Road, no porque sea mejor que los otros, sino porque fue el primer álbum que escuché, después de haber oído de todo, desde John Coltrane a Judas Priest y de Ween a John Lee Hooker, para llegar a la conclusión de que los Beatles son una de la mejores, si no la mejor, banda de rock que nunca ha existido (la otra sería The Rolling Stones). El disco empieza, para mí, de una manera pausada con ‘Come Together’. No es que no me parezca una gran canción, pero después de haberla escuchado hasta la saciedad en la radio me he cansado un poco, por no hablar del éxito de la versión de Aerosmith, que también la escuché miles de veces. Así que para mí el álbum empieza de verdad con ‘Something’, una preciosa balada que ninguna banda podría lograr, no digamos ya ponerla tan al inicio de un álbum. La siguiente, ‘Maxwell’s Silver Hammer’, es, de nuevo, el tipo de canción que sólo ellos

podrían hacer con su irreverente estilo británico. Es un tema que podría servir como fondo musical de un sketch de Monty Python. ‘Oh Darling!’ es mi corte favorito del disco y el que demostraba a todos su detractores que podían hacer buen rock’n’roll añejo. ‘Octopus’s Garden’ es el intento de Ringo de crear otro ‘Yellow Submarine’ y, aunque es buena, no tiene las mismas cualidades melódicas que su predecesora. Finalmente, ‘I Want You (She’s So Heavy)’ finaliza no sólo la cara A, sino que para mí es el tema más emblemático de todo el álbum. ‘Here Comes The Sun’ abre la cara B, e indiscutiblemente es

el momento álgido de George Harrison aquí. Es, a día de hoy, una de las grandes canciones del grupo. De nuevo, ‘Because’ y ‘You Never Give Me Your Money’ son dos de los estupendos temas que le dan a Abbey Road su carácter único y espíritu. Después de esto, las siguientes ocho canciones que nos llevan hasta el final bajan todas de los 3 minutos, y cada una es mejor que la anterior. ‘Polythene Pam’ dura 1:13 y ‘Her Majesty’, unos simples 26 segundos. Bllleeeeaaauuurrrrgghhh... los recopilatorios del sello Slap-a–Ham, dedicados al punk y el thrash, no tienen nada de The Beatles. ¡Que tengáis un buen verano! DANKO JONES

BAD WOLVES

HERMANDAD DE LOBOS HACE APENAS UNOS MESES, NADIE HUBIERA APOSTADO A QUE UNA BANDA FORMADA POR EXCOMPONENTES DE DEVILDRIVER, GOD FORBID Y DIVINE HERESY TUVIERA ALGUNA POSIBILIDAD DE TENER UN HIT PLANETARIO. PERO GRACIAS A SU VERSIÓN DE ‘ZOMBIE’ DE THE CRANBERRIES, BAD WOLVES SE HAN CONVERTIDO EN UNA DE LAS REVELACIONES DE LA TEMPORADA. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

L PASADO 12 DE DICIEMBRE TENÍAMOS LA OPORTUNIDAD DE CONOCER EN PERSONA A TOMMY VEXT MIENTRAS

entrevistábamos a Zoltan Bathory, guitarrista de Five Finger Death Punch, antes de su concierto en el Sant Jordi Club de Barcelona. Ya entonces nos anunció que tenía un grupo llamado Bad Wolves y que en mayo publicarían su primer álbum. Aunque el nombre de Tommy nos pudiera sonar por haber sido temporalmente vocalista de Snot y de Divine Heressy (la banda paralela de Dino Cazares de Fear Factory, con quien se dice que acabó peleado), realmente no nos habíamos fijado en él hasta que sustituyó a Ivan Moody como frontman de Five Finger durante su estancia en rehabilitación.

fueran a tener un gran recorrido pese a contar en sus filas con John Boecklin (exbatería de DevilDriver), Doc Coyle (exguitarra de God Forbid), Chris Caine (exguitarra de Bury Your Dead) y Kyle Konkiel (exbajista de In This Moment). Pero el éxito es algo caprichoso. Puedes tirarte años y años partiéndote la espalda sin que veas los resultados, y, de repente, todas las piezas encajan como por arte de magia y llegas más lejos de lo que nunca hubieras imaginado. El 18 de enero, mientras el mundo todavía lloraba la muerte de Dolores O’Riordan, vocalista de The Cranberries, acontecida tres días antes, Bad Wolves publicaban una versión de ‘Zombie’, la canción más famosa de la banda irlandesa. Las posibles críticas ante lo que podía parecer un gesto oportunista se anularon en un comunicado en el que la banda explicaba que todos los beneficios generados por el tema irían a parar a los hijos de O’Riordan. Y no sólo eso, sino que revelaban que el mismo día de su muerte la cantante tenía una sesión en un estudio de Londres para grabar su colaboración en el tema. Desde entonces, la versión se ha convertido en un hit en toda regla llegando en mayo al número 1 de las listas americanas de Mainstream Rock y acumulando más de 79 millones de visionados en YouTube. Con su primer disco Disobey (Eleven Seven Music) ya en la calle, era el momento de volver a charlar con Tommy para que valorase su repentino ascenso.

“EN MI OPINIÓN, NUESTRAS BANDAS ANTERIORES ERAN DE LAS MEJORES DE LA ESCENA METAL O METALCORE, ASÍ QUE NO TENÍA MUCHO SENTIDO INTENTAR SUPERARLAS HACIENDO LO MISMO. LO MEJOR ERA HACER ALGO DIFERENTE” TOMMY VEXT

pero de una manera positiva. Está muy bien comprobar que todo el trabajo que hemos estado haciendo ha servido para algo”. Mucha gente os ha descubierto por la cover de ‘Zombie’ de The Cranberries. La muerte de Dolores O’Riordan fue un shock, pero para mí todavía lo fue más cuan-

¿Estás un poco abrumado por la

do me enteré de que ese mismo

repercusión que está teniendo la

día iba a grabar unas voces

banda?

para vuestra versión. ¿Cuál era

TOMMY VEXT “La verdad es que sí,

vuestra relación con ella?

“La historia de esta versión es que cuando estaba componiendo las letras para el disco, un día iba en coche y pusieron ‘Zombie’ en la radio. Me transportó a mi juventud. Cuando era joven me gustaban The Cranberries, pero no conocía exactamente la historia de la canción, por lo que investigué un poco sobre la letra y vi que encajaba mucho con los asuntos actuales de los que quería hablar en nuestro disco. Así que la grabamos, pero no estábamos seguros de que fuera a entrar

que es un medio tiempo melódico, que pueden gustarles. Somos una banda de metal, pero estamos influenciados por el rock y otros estilos. A la gente le gusta lo que le gusta, así que acabará escuchando las canciones que más se acerquen a sus gustos. Quizá haya gente que no escucha metal normalmente que le acabe gustando el disco. Si podemos abrir el metal a un público nuevo, sería genial”. Como en el caso de ‘Zombie’, algunas de vuestras canciones también tienen un contenido político. Siempre me pregunto si en esos casos se llega a una especie de consenso dentro de la banda para fijar una posición, o las ideas del letrista no tienen por qué ser compartidas con el resto.

en el disco porque había sido un gran hit en su momento y dudábamos de que fuera lo apropiado. Pero se la enviamos a nuestro sello y dio la casualidad de que uno de los directivos había trabajado en el management de The Cranberries y era amigo de Dolores. El caso es que se la mandó y le encantó nuestra versión, y unos días después le llamó y le dijo que quería cantar en ella. Por desgracia, cuando ya estaba el estudio preparado y todo, se produjo ese desgraciado final. Fue una

gran pena. Teníamos dudas de si lanzar la versión o no, pero tener la aprobación de la familia de Dolores O’Riordan fue definitivo para que lo hiciéramos”. ¿Cómo crees que reaccionará la gente, sobre todo el público más mainstream, que le guste

“Cada uno tiene sus propias ideas políticas, no pensamos todos igual, pero somos muy abiertos con eso. Pero al final, como banda tomamos la decisión de hablar sobre cosas que la gente tiene miedo de hablar. Cosas que te hagan pensar. Grandes como System Of A Down o Rage Against The Machine hablaban sobre cosas importantes en sus temas y sus discos. Nosotros no intentamos vender ideas, pero nuestro país ahora está muy divido y creo que es importante crear un espacio, donde si bien no ofezcamos una solución, como mínimo sirva para abrir un diálogo sobre esos temas”.

‘Zombie’, cuando escuche el

Retrocedamos un poco en el

resto del álbum?

tiempo. El grupo lo empezó John

“No lo sé. Tenemos algunas canciones como ‘Hear Me Now’, que es una balada rock, o ‘Remember When’,

Boecklin, el batería. ¿Cuál era tu conexión con él y el resto de miembros?

Vuestros grupos anteriores eran bastante más duros que Bad Wolves. ¿Teníais ganas de cambiar de registro?

“Personalmente, como cantante, quería hacer algo distinto. Y a John le gustan bandas como Faith No More y quería hacer algo más creativo. En mi opinión, nuestras bandas anteriores eran de las mejores de la escena metal o metalcore, así que no tenía mucho sentido intentar superarlas haciendo lo mismo. Lo mejor era hacer algo diferente. Pillamos esos riffs e intentamos experimentar. Hubiera sido imposible hacer este disco en Divine Heresy, o para John, hacerlo

BAD WOLVES

“Todos somos amigos de hace tiempo. John y yo, por lo menos somos amigos desde hace diez años. Él tocaba en DevilDriver y yo giré con ellos con mi antiguo grupo, y DevilDriver también giró con God Forbid, así que existía esa relación. A Kyle también le conozco desde Divine Heresy, quiso entrar en la banda pero Dino (Cazares) no lo quiso porque era menor de edad. Y Chris y John son amigos desde hace veinte años. Todos llevamos en el negocio desde hace mucho tiempo y aunque no lo parezca, éste es un mundo pequeño. John era el mánager de un proyecto que yo estaba preparando. Me pidieron que compusiera una canción metal para un anuncio y trabajamos en eso, y me dijo que tenía otras diez canciones y que no sabía qué hacer con ellas. Así que fui al estudio y las grabamos, y luego se fueron sumando el resto y seguimos componiendo más temas. Y de repente, ¡teníamos un grupo! Todo fue muy rápido”.

con DevilDriver. Bad Wolves fue un accidente feliz. Pero creo que a los fans de nuestros grupos anteriores les puede gustar este disco, y a los que no les gustaran, también. Nuestro debut ha tenido una salida mucho más grande que la de cualquiera de nuestros discos anteriores. Sea lo que sea que estamos haciendo, creo que lo estamos haciendo bien (risas)”.

Zoltan (Bathory, guitarrista de FFDP -ndr.) es nuestro mánager... nos han ayudado mucho y nos han enseñado el camino para ser una banda grande. Han tenido una influencia muy positiva y nos inspiran. ¿Llegaremos a ser tan grandes como ellos? No lo sé”. Por último, sé que das charlas motivacionales para personas con problemas de adicciones.

Supongo que toda la experien-

¿Cómo te involucraste en eso?

cia que acumuláis os permitirá

“Bueno, yo mismo tuve mis problemas con el alcohol. Hace nueve años que dejé de beber y básicamente empecé a ayudar como voluntario en un centro de rehabilitación en Santa Mónica. Tengo varios amigos en este negocio con ese problema, y empecé de manera casual, intentando ayudarles. Pero al cabo de un tiempo, una persona de un centro me ofreció un trabajo, me formó y empecé a hacerlo de manera profesional. Hago charlas en institutos intentando prevenir a los jóvenes de los problemas de las adicciones. Es una parte importante de mi vida y me siento muy orgulloso de poder ayudar a los demás”.

evitar algunos de los errores que podáis haber cometido en el pasado.

“Claro. No somos unos novatos y no estamos para tonterías. Para todos, Bad Wolves es una nueva oportunidad y no pensamos desaprovecharla. Sabemos que hay que trabajar muy duro, pero estamos dispuestos a ello. No hemos venido a perder el tiempo”. Tuviste la oportunidad de cantar en Five Finger Death Punch mientras Ivan Moody estaba en rehabilitación. ¿Te imaginas a Bad Wolves llegando a ser tan grandes como ellos?

“No tengo ni idea. Nuestra ambición es conseguir las cosas por nosotros mismos. Ivan es un buen amigo y

DANCE GAVIN DANCE

INTELIGENCIA ARTIFICIAL

DESDE SU FORMACIÓN EN 2005, DANCE GAVIN DANCE HAN HECHO DE SU LIBERTAD CREATIVA SU PRINCIPAL OBJETIVO. NI SU DESEO DE JUGAR Y MEZCLAR DIFERENTES ESTILOS, DESDE EL PUNK POP AL METAL PROGRESIVO, NI TAMPOCO LAS POLÉMICAS SUSCITADAS POR SU ANTIGUO VOCALISTA, HAN SIDO IMPEDIMENTO PARA QUE LA BANDA HAYA CONSEGUIDO EL FERVOR DE UNOS FANS CADA VEZ MÁS NUMEROSOS. TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR

UANDO CON 7 AÑOS WILL SWAN ASISTIÓ A SU PRIMER CONCIERTO,

y tocaban Green Day, de inmediato supo que eso era lo que quería hacer con su vida. Todavía tendrían que pasar diez años hasta que formara su primera banda, Farewell Unknown, con quienes llegaría a publicar un disco en 2004, pero al siguiente se separarían y junto al bajista de ese grupo, Eric Lodge, y tras reclutar a los vocalistas Jon Mess y Jonny Craig, empezaría una nueva aventura llamada Dance Gavin Dance. Desde entonces han publicado ocho discos, el último de ellos Artificial Selection (Rise) en junio, y han tenido innumerables cambios en su formación. El más sonado fue la expulsión, por segunda vez, de Craig, a quien le esperaría un largo camino de problemas con las drogas y la ley (en 2011 fue acusado de estafar a varias personas a través de una venta online). Pese a ello, Swan y Mess han conseguido en los últimos años traer la estabilidad al grupo con la compañía de Tilian Pearson (voz), Tim Feerick (bajo) y Matt Mingus (batería) y han visto cómo sus discos alcanzaban altas posiciones en las listas de ventas. En vísperas de la salida de su último trabajo, teníamos la oportunidad de charlar con uno de los guitarristas más originales de su escena.

¿Definirías Artificial Selection como una continuación natural

(risas). Todo era R&B. Tengo unos gustos raros”.

de Mothership en cuanto a la manera en la que fue concebido?

En ‘Gospel Burnout’ se nota.

WILL SWAN “Muchos de los te-

“(Risas) En esa canción queríamos hacer algo totalmente sorprendente. Queríamos que la gente flipara cuando sonase ese tema. La hicimos súper rara a propósito”.

mas de este disco los escribimos durante la sesión que hicimos para ‘Summertime Gladness’, el single que hicimos para el Warped Tour el año pasado. Escribimos un montón de temas y escogimos la que más nos gustaba para ese proyecto. Pero cuando nos pusimos a trabajar en el nuevo disco, decidimos aprovechar esos temas porque nos gustaban mucho, la verdad. Así que les dimos una vuelta y se convirtieron en la base del nuevo disco”.

¿Te costó encontrar gente con la que tocar al principio?

“Sí, desde luego. Me costó mucho encontrar los músicos para Dance Gavin Dance. Quería a los mejores músicos de la ciudad, una especie de all-star. Siempre hemos buscado tener a los músicos más increíbles que pudieran aportar algo único”.

Como siempre el álbum es muy variado, con canciones más ex-

¿Crees que por eso habéis tenido

perimentales y otras más melódi-

tantos cambios en la formación?

cas y pegadizas. ¿Crees que esa

“Los cambios siempre han sido por cuestiones personales o porque no sabían comportarse de manera profesional. Pero nunca hemos echado a nadie porque no fuera un buen músico”.

dualidad es la base de vuestra personalidad musical?

“Sí, es una gran parte de lo que hacemos. No queremos ser predecibles. No queremos ser una banda que puedas encasillar por hacer una cosa u otra. Queremos ser un grupo que rebase los límites de un género. Yo crecí escuchando a Frank Zappa y George Clinton, así que tengo muy interiorizada la idea de experimentar y probar cosas nuevas. Mis padres escuchaban mucho funk y jazz. Mis padres tienen orígenes étnicos, así que no sabía nada de classic rock

De todos modos, cuando salisteis formabais más parte de la escena emo o post hardcore, pero diría que ahora se os relaciona más con bandas progresivas. ¿Habéis notado un cambio en vuestro público?

“En parte sí. Hemos visto fans de muchos grupos distintos acercarse

a nosotros. Hay gente que nos dice que sólo escuchaba punk y que nosotros le abrimos la puerta a música más cañera. Hay gente que nos dice que sólo escuchaba metal y gracias a nosotros le interesó música más melódica. Así que me siento muy orgulloso de haber sacado a esas personas de su zona de confort. Para mí es un gran cumplido cuando nos dicen esas cosas”.

“HAY GENTE QUE NOS DICE QUE SÓLO ESCUCHABA PUNK Y QUE NOSOTROS LE ABRIMOS LA PUERTA A MÚSICA MÁS CAÑERA. HAY GENTE QUE NOS DICE QUE SÓLO ESCUCHABA METAL Y GRACIAS A NOSOTROS LE INTERESÓ MÚSICA MÁS MELÓDICA” WILL SWAN

En este disco habéis dividido la grabación entre varios productores. ¿Cómo funcionó?

“Sí, grabamos el bajo y las guitarras con Chris, con quien hicimos Mothership, el bajo con Dryw Owens y las voces con Erik Ron. Creo que fue genial porque cada uno pudo centrarse en conseguir el tono que quería para su instrumento y cuando lo juntamos todo, sonaba genial. Ha sido la mejor manera para que todos nos sintiéramos representados con nuestro trabajo”. Ahora es muy común que los grupos graben los discos sin ni siquiera estar en el mismo estudio. Supongo que es muy práctico, ¿pero no crees que se pierde algo también?

“En nuestro caso no creo que se pierda nada. Yo me desplacé a todas las sesiones de grabación, y supervisé las cosas. Reconozco que compartía tu preocupación, pero al final salió muy bien (risas)”. En ‘Son Of Robot’ reaparece ese personaje.

“El Robot forma parte de nuestra historia desde nuestro primer EP. En el álbum anterior lo matamos y 30

la gente pensaba que no volvería a aparecer, pero decidimos continuar la historia con su hijo. Así que en ‘Son Of Robot’ empezamos una nueva historia con nuevos personajes”. ¿Pero es la historia lo que determina la música, o al revés?

“En este caso, la historia vino antes. Estaba pensando en escribir una canción en plan revival para los fans del Robot. ‘Son Of Robot’ me llevó muchísimo tiempo. Me tiré un mes entero pensando la estructura. Quería la mejor canción posible para reintroducir ese personaje, hacer algo que le hiciera justicia”.

En ‘Shelf Life’ tenéis a vuestro antiguo cantante Kurt Travis como invitado. ¿Fue una consecuencia de su participación en la gira de décimo aniversario en 2015?

“De hecho, fue idea de Tillian. Le enviamos una versión instrumental, y aunque le gustó, dijo que quizá encajaría mejor con Kurt. Y a Kurt le gustó y la grabó. Fue todo muy natural”. ¿Qué recuerdo guardas de esa gira?

“Esa gira fue increíble. Todos nos llevamos muy bien. Pero no creo que vuelva a ocurrir, fue algo único”.

No hay una fórmula para llegar al éxito. Muchos grupos se dedican a copiar a otros, pero eso no garantiza nada. Si vendes tu integridad para tener éxito, pero no lo consigues, te quedas sin nada. Nosotros tenemos la filosofía que es mejor ser original y hacer cosas que nunca has hecho antes”. Tú has estado en el grupo desde el principio. ¿Alguna vez pensaste en irte tú también?

“Es algo que se me pasó por la cabeza, claro. Pero me alegro mucho de haber continuado”. En breve empezaréis una gira con Underoath, que es una banda que también ha tenido sus problemas. ¿Te sientes cercano a ellos? ¿Te gusta su nuevo disco?

¿Cómo fue compartir de nuevo escenario y convivir con los antiguos miembros, en especial con Jonny Craig después de todo lo ocurrido con él?

“Todo fue muy tranquilo. La gente estaba ahí para trabajar y sacar la gira adelante, así que todo el mundo se comportó muy bien”.

Acceptance Speech y presentamos la nueva formación, todo eso desapareció rápidamente. Y luego Jonny empezó su proyecto y se metió en más problemas, pero eso ya era cosa suya. Creo que ahora se nos ve como dos cosas completamente distintas”. En realidad, parece que el grupo sea más popular ahora que con

¿Crees que durante un tiempo

Jonny.

todo el asunto con Jonny eclipsó

“Así es. Me siento muy orgulloso de haber sobrevivido porque muchos grupos sólo duran un disco o dos. Nosotros seguimos haciendo música y tenemos la intención de seguir adelante tanto como podamos.

la música que hicisteis con él?

“Cuando le echamos la segunda vez, hubo muchas especulaciones y discusiones, y mucha gente se centró sólo en eso. Pero una vez sacamos

“Es una banda que he escuchado toda mi vida, así que tengo muchas ganas. Para mí son una leyenda y han influenciado mucho mi trabajo. Y sí, me gusta su nuevo trabajo. Es una mezcla de los viejos Underoath con cosas nuevas. Tiene algunas de las canciones más pegadizas que han hecho nunca”. Quizá la asignatura que todavía tenéis pendiente es conseguir en Europa lo que ya tenéis en Estados Unidos.

“Al principio no le prestamos demasiada atención a ese mercado. Las escenas en Europa y Estados Unidos son bastante distintas. Creo que en Europa gusta más el metal y nosotros no hacemos el típico metal”.

DEAFHEAVEN

AQUÍ EN EL CIELO ORDINARY CORRUPT HUMAN LOVE , EL TÍTULO DEL NUEVO DISCO DE DEAFHEAVEN, DESCRIBE A LA PERFECCIÓN LA FRICCIÓN ENTRE CONCEPTOS CONTRAPUESTOS QUE RADICA EN EL CORAZÓN DE SU MÚSICA. EN SUS LARGAS COMPOSICIONES TRANSITAMOS DE LA LUZ A LA OSCURIDAD CON EL MISMO DESCONCIERTO QUE LO HACEMOS POR LA VIDA. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR/CARLES RODRÍGUEZ (DIRECTO)

IEMPRE ES CURIOSO COMPROBAR LO DISTINTAS QUE SE VEN LAS COSAS DESDE DENTRO O DESDE FUERA.

A la mayoría que escuchamos el anterior disco de Deafheaven, New Bermuda nos pareció la obra cumbre de un grupo que en apenas cinco años y dos álbumes había conseguido crear una fascinante amalgama entre sonoridades black metal y otras propias del post rock o el shoegaze. Pero tres años después, los mismos responsables del que fue nuestro Disco del Año en 2015 han hablado de él con cierto desencanto, y de su posterior gira como un periodo un poco oscuro, en el que los excesos se les fueron de las manos, hasta el punto que el bajista Stephen Clark decidió bajarse del barco. Felizmente, todo eso parece haber quedado atrás y cuando charlamos con el vocalista George Clarke, describe la creación de su cuarto álbum Ordinary Corrupt Human Love (ANTI-) como la más placentera de su carrera. Esa harmonía en el sí de la formación que completan Kerry McCoy (guitarra), Shiv Mehra (guitarra), Chris Johnson (bajo) y Daniel Tracy (batería) se aprecia en la mayor luminosidad de sus nuevas composiciones, donde el piano y las líneas melódicas han ganado protagonismo, aunque cuando te confías, no tienen reparos en cortarte el cuello con sus guitarras diabólicas. Por eso son Deafheaven.

Todos los discos que habéis publicado hasta ahora han sido muy bien valorados. ¿Es intimidante la idea de tener que hacer cada vez uno nuevo que supere al anterior? GEORGE CLARKE “Para nosotros

es importante no repetirnos. Tenemos un sonido, que es la base de todo, pero a partir de ahí intentamos no pensar en superarnos, sino más bien en no repetirnos. Da un poco de miedo, pero tampoco es que nos pongamos más presión de la necesaria”. Cualquier grupo sueña con encontrar un sonido propio, reconocible, y vosotros lo tenéis, pero una vez lo consigues, ¿cómo lo haces para mantenerlo sin repetirte?

“Ése es el gran desafío, amigo: mantenerte fiel a ti mismo y, a la vez, hacer algo nuevo cada vez”.

“CREO QUE LAS VOCES

GRITADAS SON LAS MEJORES QUE NUNCA HE GRABADO” GEORGE CLARKE

En este disco, quizá es en la parte vocal donde más puedan apreciarse nuevos registros.

“Creo que en mi caso es una cuestión de ir cumpliendo años y de haber mejorado técnicamente. Creo que las voces gritadas son las mejores que nunca he grabado, simplemente porque tengo más experiencia. En cuanto a las voces limpias, queríamos añadir nuevas texturas, pero no queríamos que quedara hortera. Intentamos hacerlo con gusto, que no estropeara las canciones”. Sí, no habéis caído en el topicazo de hacer estrofas gritadas y estribillos limpios.

“Sí, ése no es nuestro estilo para nada”.

¿Dejas que primero escriban ellos la música y luego te incorporas tú, o estás ahí desde el

¿Cuándo os pusisteis a trabajar

principio?

en el nuevo disco?

“Siempre estoy ahí (risas). Me ayuda mucho ver cómo evolucionan las canciones. Hablamos mucho sobre cada paso que damos y la dirección que toma el disco. Creo que es importante que todos estemos implicados. En nuestro caso, la mayoría de la música sale a partir de improvisaciones. Puede que uno diga ‘eh, ¿os apetece escuchar este riff que me salió anoche?’. Y a partir de ahí empiezan a tocar durante diez minutos y paramos cuando algo nos

“Muchos de los riffs salieron mientras estábamos en la gira de New Bermuda, pero realmente empezamos a trabajar el pasado octubre. Tuvimos unas sesiones de composición muy prolíficas hasta enero. Y luego ya fuimos al estudio. Siempre tenemos riffs y todo el mundo tiene ideas aquí y allá, pero realmente, hasta que no nos juntamos todos, la cosa no empezó a tomar forma”.

que fuera divertido de tocar y de escuchar. Creo que Kerry ha subido de nivel, y ha compuesto algunas partes melódicas muy guays. Siempre habíamos aspirado a eso, pero creo que en este álbum por fin lo hemos escogido”. ¿En qué punto empiezas a pensar en las letras?

“Las letras las voy escribiendo por separado. Tenía algunas de octubre de 2016. Siempre voy escribiendo y luego miro lo que tengo y decido lo que quiero usar y en qué partes”. Siempre has prestado mucha atención a las letras, pero sinceramente, resulta difícil entenderte en las partes gritadas. ¿De qué querías hablar en este disco?

gusta o nos llama la atención, y lo guardamos”.

iban suavizando, pero en éste es casi al revés. ¿Fue intencionado variar las estructuras?

Es curioso, porque más que improvisada, vuestra música suena casi como si estuviera escrita en una partitura.

“Bueno, diría que es mitad y mitad. Hay algunas partes más definidas y otras totalmente espontáneas. Lo que mola mucho es que, en este punto, Kerry, Shiv y Dan se entienden muy bien y es más fácil completar los temas”.

“No lo creo. Pienso que fue más una consecuencia de que fuera un trabajo en común de toda la banda. Para mí el álbum suena a músicos haciendo una jam. Normalmente empezarás más suave, con un sonido limpio, y poco a poco irá subiendo y subiendo la intensidad”. También es más pegadizo, si es que es un adjetivo que pueda aplicarse a vosotros.

Antes muchos de vuestros temas empezaban cañeros y luego se

“(Risas) ¡Pero tienes razón! Queríamos escribir un disco de guitarras

“Diré que te envíen las letras porque, efectivamente, son importantes. Este disco trata sobre la empatía. Son observaciones sobre distintas personas en su vida diaria, pero intentando ver la belleza en su rutina, en pequeñas cosas mundanas, dentro del caos que es el mundo. Intenté salirme de mí mismo y fijarme más en los demás, para ver que, al final, todos nos parecemos más de lo que creemos”. ¿Crees que la empatía es la cualidad más importante en un ser humano?

“Es una de las más importantes, claro. Creo que el mundo sería mejor si hubiera más empatía. Ahora que todo es tan caótico, creo que es bueno recordar que entenderse y ser amables los unos con los

otros podría ayudar mucho”. ¿Es el contenido de las letras el que determina tu manera de cantar?

“No, la música es lo que marca mi registro. Las voces las decido una vez ya estoy grabando, muchas salen en ese momento, así que me dejo llevar por la música. A veces pruebo dos o tres cosas y elegimos la que más nos gusta. En la cabina, tengo las letras y un lápiz por si quiero cambiar alguna palabra, pero intento crear de la manera más espontánea posible”. En ‘Night People’ habéis contado con Chelsea Wolfe, otra voz interesante.

“Siempre habíamos querido colaborar con ella. Conozco a Chelsea de hace muchos años, pero hasta ahora no había surgido la oportunidad. Kerry escribió esa parte de piano y se la mandamos. La estuvieron trabajando juntos, y luego Chelsea y yo pensamos las voces”. Para este disco os habéis tomado más tiempo del habitual en vosotros. ¿Os pasó mucha factura la gira de New Bermuda?

“La verdad es que acabamos bastante agotados. Necesitábamos un descanso tanto físico como mental para poder volver a sentirnos creativos. Cuando has creado algo, pero luego te tiras años promocionándolo, es muy difícil que te sientas inspirado al momento. Diría que es casi imposible. Es lo que hicimos con New Bermuda y creo que eso fue en contra del disco y de la banda. Así que esta vez que-

ríamos asegurarnos de hacer las cosas bien y no apresurarnos. Y la consecuencia fue que tanto la composición como la grabación fueron mucho más relajadas. Lo que antes nos estresaba y nos separaba, ahora nos unió”. ¿Te llegaste a agobiar en la carretera?

“Sí, a veces puedes sentirte estancado. Cuando estás de gira también puedes ser creativo, pero necesitas encontrar el tiempo y es complicado que tu mente esté pensando en eso. Es emocionante tocar en directo, pero cuando llevas dos o tres años presentando un álbum, tienes ganas de volver a casa”. La cuestión también es que, hoy en día, los grupos os ganáis la vida girando. Si te quedas en casa, no tienes ingresos.

“Sí, ésa es la triste realidad. Pero nunca he sentido que alargáramos una gira para ganar dinero, sino porque era una buena oportunidad. Los últimos conciertos que hicimos con New Bermuda fueron con Danzig, y dijimos que sí porque era Danzig, no por la pasta. Nos gusta girar y tocar en festivales, nos gusta que haya interés en nosotros. En ese sentido, nos sentimos muy agradecidos”.

distintos de los otros grupos. El público de Danzig fue un poco más receptivo y también vino bastante de nuestro público”. Conozco a gente a la que le en-

También abristeis algunos con-

cantan vuestras partes más post

ciertos para Lamb Of God y

rock y odia las partes metal, y

Anthrax. ¿Cómo reaccionó su

viceversa…

público ante vuestra música?

“Ésa es la naturaleza de la bestia (risas). O lo tomas o lo dejas (risas). Por eso hemos tenido que construir nuestro propio público.

“Depende de cada caso. Aprendimos mucho en esa gira, aunque no fue fácil. Quizá éramos demasiado

“ESTA VEZ QUERÍAMOS ASEGURARNOS DE HACER LAS COSAS BIEN Y NO APRESURARNOS. Y LA CONSECUENCIA FUE QUE TANTO LA COMPOSICIÓN COMO LA GRABACIÓN FUERON MUCHO MÁS RELAJADAS. LO QUE ANTES NOS ESTRESABA Y NOS SEPARABA, AHORA NOS UNIÓ” GEORGE CLARKE

Puede ser una putada, pero casi considero que es una bendición que podamos atraer a gente de distintas escenas”.

juegan en vuestra contra?

público tienen que ser conscientes de que no van a tener el mejor show posible. Pero entiendo que así es como funcionan las cosas. También cuando estás haciendo de telonero puede ser complicado, sobre todo si el público no está ahí para verte a ti. Pero al final, lo importante es que toques lo mejor posible y rezar para que tengas un sonido decente”.

“Por supuesto. En los festivales, creo que tanto los artistas como el

Hace unos días anunciasteis una

Vuestra música casi merecería ser escuchada en un auditorio, más que en una sala o en un festival. ¿Os jode mucho cuando sabéis que las circunstancias

gira europea, pero no había fechas en España. ¿Vendréis más adelante?

“¡Por supuesto! Cuando lo anunciamos, sólo vi que comentarios de por qué no íbamos a España. Nos encanta tocar en España y desde luego que iremos. Todo se desvelará a su tiempo (risas)”.

OBSCURA

EL FIN DEL TIEMPO

DESDE SUS INICIOS, LOS GERMANOS OBSCURA DEMOSTRARON UNA INAUDITA HABILIDAD PARA MEZCLAR DIFERENTES FORMAS DE METAL TÉCNICO EN UNA SÍNTESIS COHERENTE DE THRASH, DEATH Y BLACK METAL CON ANSIAS PROGRESIVAS. SU ÚLTIMO TRABAJO DILUVIUM ES LA PIEZA FINAL DE ESTE FASCINANTE PUZLE. TEXTO: ALBA RODRIGO FOTOS: DR

ECUERDO CUANDO ESCUCHÉ THE ANTICOSMIC OVERLOAD POR PRIMERA VEZ. DESDE SUS

en una entrevista. Empezando porque descolgó con un “buenos días” en castellano.

primeros riffs un nuevo universo se abrió ante mí y, automáticamente, me quedé totalmente enganchada a las melodías técnicas de Obscura. Casi diez años han pasado desde que los alemanes publicasen Cosmogenesis, la primera entrega de su tetralogía basada en temas tan complejos como la astrofísica, la religión o la filosofía de pensadores germanos como Johann Wolfgang von Goethe o Friedrich Schelling. De este modo consiguieron que los lanzamientos de Omnivium y Akróasis los esperásemos como piezas necesarias para seguir completando el rompecabezas. Finalmente, este año nos despedimos de este proyecto tan interesante con Diluvium (Relapse), el último fragmento que completa el círculo. Un trabajo en el que Obscura han conseguido orbitar alrededor de ellos mismos, dejando atrás cualquier tipo de influencia con la que se les relacionaba en primera instancia. Y gran parte de ello se debe a la creatividad y perseverancia de su líder Steffen Kummerer. Pese a quien pueda pensar en Steffen como un músico arrogante por su posición de erudito y guitarra shred, os aseguro que es de las personas más cercanas, agradables, educadas y simpáticas que me he encontrado

STEFFEN KUMMERER “Fenome-

Hola, ¿qué tal, Steffen?

nal, justo acabo de llegar a casa, tenía que recoger el backline para nuestro concierto de mañana en Ámsterdam... Así que genial”. ¿Impaciente por vuestra actuación de mañana, entonces?

“Absolutamente, me encantan los Países Bajos y lo de mañana será el último concierto del Akróasis World Tour, lo que supone la última vez de la gira en la que usaremos el mismo telón de fondo y tocaremos las mismas canciones una y otra vez después de dos años... Así que estoy esperando con muchas ganas el concierto de mañana para celebrarlo junto a nuestros amigos y Fleshgod Apocalypse”. Después de tanto tiempo imagino que estarás muriéndote de ganas por empezar a tocar los nuevos temas de Diluvium, ¿no?

“Sí, por supuesto, pero sobre todo de cambiar todo el setlist. Hemos estado tocando cada noche prácticamente las mismas canciones, algunas veces un par más, otras un par menos... depende del tiempo. Pero ahora hemos preparado un nuevo set para la gira de Diluvium, compuesto mayoritariamente por

canciones del propio disco, pero también un par de temas que hace muchos años que no tocamos. Así que definitivamente es una gira que espero con muchas ganas, especialmente porque siempre es más interesante cuando trabajas contigo mismo e intentas crear nuevas canciones, en vez de repetirte. Para las actuaciones es lo mismo que para las grabaciones de un álbum, ¡y además, no puedo esperar para tocar las nuevas canciones de Diluvium en directo!”. ¿Cómo describirías ese momento justo en el que abandonas la etapa de un disco para empezar la del siguiente?

“Bueno... Creo que en realidad todavía no estoy pensando en la siguiente. En estos momentos me siento aliviado y agradecido al mismo tiempo por acabar Diluvium con un buen resultado. La grabación acabó a finales de diciembre con Relapse Records, pero hasta esta semana no hemos empezado con la promoción. Estos días estoy haciendo un montón de entrevistas y es cuando estoy empezando a recibir las primeras impresiones de gente que no ha estado involucrada o que sólo les habíamos enseñado alguna canción. Así que esto es lo más emocionante en estos momentos”. Tiene que serlo teniendo en cuenta que Diluvium es el último 39

disco de vuestro gran trabajo conceptual. ¿Tenías ganas de que llegase este día desde que iniciaste el proyecto?

“En parte sí, en parte no. Quiero decir... sí, desde el punto de vista que hemos acabado lo que empezamos. Al final nos ha llevado diez años lograr lo que hemos hecho, lo que, en mi opinión, es bastante tiempo para una banda de metal. Pero al mismo tiempo, es bueno haber acabado para poder hacer algo completamente nuevo. No sé lo que es, o lo que será, o cómo será. Pero estoy muy, muy contento y agradecido de que hayamos acabado esto por completo. Todos nosotros hemos compartido buenos momentos, malos momentos... En estos tiempos resulta un camino muy difícil y lleno de baches para una banda de metal, pero lo hemos conseguido. Lo creamos teniendo 15-16 años y ahora hemos acabado este concepto que ha durado diez años... y sinceramente, estoy muy orgulloso de ello”. El hecho de componer un trabajo conceptual formado por cuatro discos fue algo que planteaste desde que firmasteis en 2008 con Relapse. ¿Ha ido todo como habías planeado en aquel entonces o ha habido cambios durante todo el proceso?

“Creo que sí y no al mismo tiempo. El objetivo estaba muy claro para todo el mundo, el de crear cuatro discos con ideas muy potentes. Por supuesto el final de cada uno tenía que estar relacionado con el principio del siguiente. Pero el cómo cada uno de estos discos se formaban en ellos mismos era algo totalmente abierto. 40

La meta estaba clara, pero el camino y especialmente en qué dirección irían las curvas, si a izquierda o derecha, o qué poner en el álbum, estaba abierto hasta cierto punto. Por supuesto había que encontrar conexiones musicalmente, visualmente y con las letras entre todos los discos. Pero, de alguna manera, estaba bastante claro hasta dónde llegar y a la vez tenías suficiente libertad artística como para crear algo nuevo y que, al mismo tiempo, representase tus influencias en ese momento”.

‘Genial, esto es fantástico, esto es de esta banda’. Ni siquiera necesitas leer el nombre del grupo, ves los colores, un poco del artwork, y enseguida sabes que eso es Cannibal Corpse. ¡Y yo quería hacer algo similar! Y esto, junto con la idea de los cuatros discos, el contrato y todo... de alguna manera nos llevó a la idea global del álbum. Desde entonces hemos llevado esta idea un poco más allá, hemos añadido más y más ideas y todo ello ha evolucionado a lo que es ahora mismo. Tienes que empezar por algo (risas)”.

Bueno, creo que desde el principio fue un planteamiento

¡Ya me imagino! (Risas) Además

bastante ambicioso para ser un

de todo esto, vuestra serie de

segundo disco...

cuatro discos se basa en temas

“Teníamos un par de razones para escoger hacer estos cuatro discos. Podrían haber sido tres, cinco o seis, no sé. Pero una de las razones por las que firmamos un contrato de cuatro discos fue, precisamente, para crear un concepto de cuatro discos. Y en aquel entonces, cuando firmamos el contrato discográfico en 2008, yo estaba muy enamorado de Led Zeppelin y de su serie de discos I, II, III y IV. De alguna manera, eso se mezcló con la idea global y después esa idea fue tomando forma. Pero la raíz de todo vino de algún lugar entre nuestra firma por cuatro discos, Led Zeppelin y también por Cannibal Corpse. Creo que fue en 2008 cuando salió la oportunidad de girar con Cannibal Corpse, y vi todos los discos que tenían y pensé: ‘Vale, ellos son muy interesantes’. No sólo por la música, sino porque siempre trabajan con el mismo artista, Vincent Locke. Cada vez que ves un disco de Cannibal Corpse inmediatamente piensas:

como la filosofía, la religión y la astrofísica vinculados con el ciclo de la vida dividido en fases: creación, evolución, desarrollo de la conciencia y, finalmente, termina con el apocalipsis en

Diluvium. ¿Crees que el apocalipsis que planteas es el único final posible?

“Bueno... no, de hecho hay un par de ideas diferentes entre cómo acaba, cómo se ve y cómo podría ser representado. Por ejemplo, he leído un artículo muy, muy interesante de un profesor estadounidense que explica cómo los multiversos crecen dentro de otros, y cómo al final se disuelven en una gran nada dejando una última pieza restante, la cual es otro universo, y únicamente queda girando la Tierra. Existen muchas ideas diferentes sobre cómo podría ser el final, sobre cómo puede llegar a ser el encogimiento o el crecimiento del universo. Hay muchísimas ideas, conceptos, argumentos... a veces tienen

“TODOS NOSOTROS HEMOS COMPARTIDO BUENOS MOMENTOS, MALOS MOMENTOS... EN ESTOS TIEMPOS RESULTA UN CAMINO MUY DIFÍCIL Y LLENO DE BACHES PARA UNA BANDA DE METAL, PERO LO HEMOS CONSEGUIDO”

STEFFEN KUMMERER sentido, a veces crees que podrían tenerlo. Es algo completamente abierto y que intento explicar de la forma más romántica o desde un punto de vista absolutista. Por ejemplo ‘Clandestine Stars’, el tema que abre el disco, personalmente creo que es un fuerte momento compositivo. Es básicamente la visión de un testigo, o de estas ‘estrellas clandestinas’ como testigos de un final una y otra vez, de la creación, de la evolución, del final por siempre jamás. Ellas tienen la consciencia de qué son, dónde están o qué va a pasar una y otra vez, y de alguna manera están atrapadas en este círculo. Pero en algún lugar, al final de todo, ellas sabían que éste era el final definitivo y simplemente consiguen sentirse aliviadas o simplemente esperan este final, esta última des-

pedida, este último adiós. Y, desde mi perspectiva, ésta es la visión más universal sobre cómo podría acabar. No estoy describiendo una idea cierta de la física o la astrofísica, tan sólo intento explorar diferentes versiones sobre cómo podría pasar”. Uau... resulta bastante complejo e interesante. De hecho, cuando he leído algunas de las letras de este disco me he fijado que mencionáis varias veces el “final del

tiempo”. Da miedo si nos ponemos a pensar qué significaría

todo se disuelve en una gran nada, en un mar donde todos los elementos de toda la materia se disuelve en la nada. Creo que la nada final es básicamente el final del tiempo. Y puede ser blanco o negro, es algo completamente abierto. Hay una película underground fantástica titulada Nothing, en la que dos amigos dejan todo atrás, su casa, sus pasos, absolutamente todo. Hasta que todo se va y llegan al final del tiempo y todo desaparece (risas). De hecho es una película muy divertida, si la quieres ver te la recomiendo (risas)”.

realmente...

“El final del tiempo es básicamente el final de todo. Cuando no hay tiempo no hay nada. Si no hay nada, nada evoluciona, nada involuciona... sólo queda la gran nada. Existe la idea de un escenario apocalíptico en el que

Por supuesto, ¡la buscaré! (Risas) Cambiando de tercio hacia la parte musical, la verdad es que, tratándose del apocalipsis, me esperaba que las canciones de

Diluvium fuesen mucho más os41

curas en general y algo menos

ha influido este cambio en el

rápidas, pese a que tenéis algu-

proceso compositivo?

nos temas más pausados...

“Primero de todo, teníamos que conseguir involucrarlos de alguna manera en la composición. Ambos tienen unas influencias muy diferentes. Sebastian viene de una formación clásica como batería y percusionista, por lo que no tiene esa técnica del death metal técnico o progresivo. Y Rafael es más un guitarrista de jazz con fusión de roots y algo de rock. Pero a veces también escucha algo de metal extremo. Así que involucrar a dos músicos así en la composición, especialmente con nuestra manera de componer, hizo que uno de los grandes objetivos fuese conseguir a alguien para encargarse de la producción. Sobre todo porque ellos también tienen alguna aportación que a veces no acaba de encajar con la banda y necesitábamos a alguien que pudiese explicar cómo y por qué. Cómo podíamos cambiarlo hasta obtener ese sonido de Obscura. Si escuchas el disco creo que definitivamente suena a la banda, pero a la vez puedes notar claramente otras influencias de ellos dos. Por ejemplo el tema que da nombre a la obra, ‘Diluvium’, quería que fuese el primer single a modo de declaración de intenciones. Ellos son los nuevos miembros de la banda, también contribuyen en el álbum y cuentan con voz propia. Ésta es una de las razones por la que escogimos ‘Diluvium’ como primer single. Ésta es la banda al completo y todo el mundo tiene sus aportaciones. Creo que es algo que puede ser muy interesante para todo el mundo. En general, el proceso compositivo de nuestro grupo funciona algo diferente que en

“¿Sí? Me sorprende que te hayan parecido rápidas. Quizás las tres primeras canciones sí que son algo rápidas... bien, me parece perfecto recoger esta impresión. La verdad que no había pensado mucho en ello, para ser honesto. En estos momentos ando escuchando mucha música ‘pesada’ en términos de ser un poco lenta, como Mastodon o Ghost. Ellos son bastante oscuros, y me gustaría que fuese algo que también se pueda traducir en el sonido que estamos haciendo actualmente en Obscura. Como tú has mencionado, tenemos un par de momentos pausados, un par de canciones más pesadas... Lo que veo un poco que da esta sensación apocalíptica son claramente nuestras influencias del black metal. En canciones como ‘The Conjuration’, ‘The Seventh Aeon’ o ‘An Epilogue To Infinity’ hay algo que, para mí, es lo que nos diferencia de los primeros discos. Akróasis es más bien un disco relajado con muchas ideas, no felices, pero sí más bien luminosas. Diluvium es completamente en tu cara, con un montón de producción y arreglos detrás. Esto es lo que realmente hace a este álbum un poco más oscuro, más directo, con tempos más semejantes al black metal...”. Coincido contigo en que es un álbum mucho más directo. En cuanto a la composición, aunque todas las letras son tuyas, esta vez todos os habéis encargado de componer la música, incluidos Rafael y Sebastian. ¿Cómo

otros. Somos cuatro miembros que trabajamos muy diferente. Por ejemplo, Linus trabaja sobre un par de acordes, y cuando cree que pueden ser interesantes, empieza a escribir. Diría que escribe para la deconstrucción, ya que divide todos los acordes en varias partes y luego forma la canción. Yo, en cambio, trabajo totalmente diferente. Primero escribo todo con la guitarra en mano, cosa que Linus no hace, y escribo todo el estribillo y la estructura principal. Más tarde hago los arreglos y trabajo todos los detalles antes de presentárselo a la banda. Por su parte, Sebastian y Rafael también componen completamente diferente. Sebastian trabaja en sus patrones de ritmo y luego empieza a pensar qué tipo de riffs, notas o melodías pueden encajar sobre eso. Así que eso ya es una perspectiva totalmente diferente. Y Rafael sería algo intermedio. Al final hay una contribución bastante equitativa por parte de todos en la composición, y si te fijas en los créditos, todo el mundo ha escrito algo. Hay canciones en las que toda la letra la he escrito yo, pero todo el mundo ha aportado ideas para ello, todos hemos aportado arreglos. Y también hay otras en las que dos o tres personas han escrito algo juntos. Es completamente diferente. Cada canción tiene una historia diferente y es difícil decir si el proceso compositivo ha sido de esta manera o de esta otra. Quién sabe lo que haremos en nuestro próximo álbum, todavía no lo sé”. Además, también habéis contado con colaboraciones muy especiales, como la del padre de

“CREO QUE CADA DISCO ESTÁ FORMADO POR LA MEJOR PARTE DE ESE MOMENTO”

STEFFEN KUMMERER

Linus. Pero sobre todo destacaría la de Jonas Baumgartl, quien fue el primer batería de Obscura, aunque en esta ocasión participe tocando el chelo.

“Sí, exacto. Jonas y yo fundamos la banda en 2002 y en aquel entonces él grabó la batería y el chelo en la primera demo, así como también en nuestro primer disco Retribution. Pero lo que la gente no sabe es que también trabajó conmigo en canciones que pasaron a formar parte de Cosmogenesis. Eso fue antes de que dejase la banda. De modo que estuvo muy involucrado en cómo se formó Cosmogenesis, al menos durante la mitad del proceso mientras estuvo en la banda. Así que al tener este concepto de cuatro discos, y ahora que cerramos el círculo de un modo que cuando una cosa acaba realmente está empezando otra, pensé que de algún modo debía estar involucrado. Por lo que cuando

tuvimos hecha esa canción y vi que necesitábamos una pequeña línea de cuerdas, él fue la primera opción. Le llamé y en un par de días estaba en el estudio. Ha sido algo estupendo, algo muy bonito, el tener de nuevo su participación en un disco”. De alguna manera es algo que encaja con el concepto, ¿no? El hecho que estuviese al principio y al final.

“Sí, ¡eso es! (Risas)”. Si tuvieses que escoger uno de los cuatro discos de este círculo, ¿con cuál te quedarías?

“Creo que es muy difícil comparar estos discos entre sí, básicamente porque ha pasado mucho tiempo entre ellos. Es complicado comparar un disco de 2009 con otro de 2018. Más que nada, porque en aquel entonces no había la producción que hay aho-

ra, e instrumentalmente todos hemos evolucionado y mejorado... y además, la formación ha cambiado. Es difícil para mí ver las grandes diferencias. Creo que cada disco está formado por la mejor parte de ese momento. Hay muchas canciones por las que sentirse orgulloso, pero por diferentes razones, no porque sean las más técnicas... es muy difícil. Por supuesto ahora vamos a lanzar Diluvium y es, de lejos, el disco con la mejor producción. ¿Si éstas son las mejores canciones? No lo sé... es algo que quizás los próximos conciertos me demuestren para poder responder, si funcionan, si suenan bien los arreglos en directo... creo que es algo importante”. Este año habéis estado celebrando el 15 aniversario de la formación. ¿Cómo valoras tu evolución como músico después de todos estos años?

“Ésa es una muy buena pregunta... cuando empecé como guitarrista era tan sólo un principiante, y ahora soy un poco mejor. Pero creo que... buah, es una buena pregunta, ¿eh? (Risas) Tendría que pensarlo bien... no lo sé muy bien. Como te decía, en mis inicios, hasta el segundo o el tercer disco podías reconocer de dónde venían mis influencias. Por ejemplo, en el primer y segundo disco tenía una clara influencia de Death, Cynic, Atheist... todas estas grandes bandas. Pero a partir de ahí empezamos a evolucionar un poco como banda, consiguiendo nuestra propia identidad, y eso es algo que andaba buscando por encima de tocar de forma más técnica o los mejores riffs. Buscaba tener una identidad propia, y una huella como banda y como músico. Por ejemplo, estaría muy orgulloso de que alguien escuchase un disco y enseguida reconociese: ‘Eh, ¡es este tío!’. Es algo que te expresa como músico, y es algo que estoy intentando que sea así. Como grupo en sí, creo que sí que tenemos nuestra propia identidad. De alguna manera se ha manifestado desde hace un par de años, y de algún modo anhelábamos tener nuestra propia voz. Creo que hay varias bandas que intentan buscar su propio sonido como nosotros, ¡y eso es genial! Cada músico debería intentar conseguir su propia identidad. Durante estos últimos 15 años hemos pasado de la demo de una banda en la que sus miembros pusieron todas las influencias que tenían, desde thrash metal, black metal, death metal... y en la que claramente notabas qué influencias teníamos cada uno. Ahora en Diluvium es mucho más

difícil, suena más compacto. Aunque es mi punto de vista”. Y a todo esto se suma que también has celebrado el 15 aniversario de tu otra banda,

“CON THULCANDRA NO PODEMOS HACER GRANDES COSAS COMO CON OBSCURA, PERO AMO SU MÚSICA DEL MISMO MODO QUE AMO LA DE OBSCURA”

STEFFEN KUMMERER

Thulcandra. ¿Podemos esperar un nuevo disco en breve?

“Claro, de hecho es en lo que estoy trabajando ahora mismo, escribiendo el nuevo disco junto a los chicos. Espero que lo podamos grabar este año, pero no te puedo decir una fecha de lanzamiento. Obscura va a girar un montón a partir de septiembre u octubre, pero espero tener algunos huecos para poder grabar un nuevo álbum. De hecho, es una banda que sigue el mismo camino que Obscura, pero debido a varias circunstancias no ha podido salir mucho de gira. Con Thulcandra no podemos hacer grandes cosas como con Obscura, pero amo su música del mismo modo que amo la de Obscura”.

tia. Pero si no recuerdo mal, desde 2011 no hemos pasado con una gira propia, así que definitivamente ha llegado el momento (risas). Básicamente esto es lo que vamos a hacer ahora, planear toda la gira y eso... y lo que vaya a pasar más adelante... no estoy seguro. Algo que espero que podamos hacer, y de lo que estamos intentando convencer a algunas personas, es la idea de tocar los cuatro discos enteros en diferentes lugares. Por ejemplo, tocar Cosmogenesis en algún lugar de Estados Unidos, Omnivium en Sudamérica, Akróasis en... no sé... Tokio, y Diluvium en otro sitio, y grabarlo todo con cámaras para poder lanzarlo. ¡Sería increíble!”.

Y finalmente, ¿cuál será el próximo gran paso de Obscu-

¿Y la idea de tocar los cuatro

ra? ¿Firmaréis otro contrato,

discos en una sola actuación?

tenéis algo pensado...?

“Uy... No creo que sea posible (risas)”.

“Buena pregunta... de momento lanzaremos Diluvium este julio y planearemos toda la gira. Tenemos todo programado hasta mitad de 2019, y simplemente habrá que ver cómo funcionan estos nuevos temas en directo. Creo que la gira europea se anunciará pronto, y esperamos incluir muchas fechas en España y Portugal esta vez. Imagino que eso te gustará, porque tú vives en España (risas). Hemos estado por allí varias veces, de hecho el año pasado tocamos en Barcelona, Madrid y Donos-

Sería increíble, ¿eh?

“Sí, para ti (risas)”. Bueno... tú dale una vuelta. ¡Muchísimas gracias por todo, Steffen, de verdad!

“Muchas gracias a ti por la entrevista, ¡que tengas muy buena tarde y nos vemos en Barcelona!”.

HOT SNAKES

LLENANDO EL HUECO CASI 14 AÑOS DESPUÉS DE SU ÚLTIMO DISCO, Y TRAS HABER IDO TOCANDO AQUÍ Y ALLÁ DE MANERA OCASIONAL, POR FIN HOT SNAKES SE HAN ATREVIDO A GRABAR NUEVAS CANCIONES. DESPUÉS DE ESCUCHAR EL ELECTRIZANTE JERICHO SIRENS, LO ÚNICO QUE CABE PREGUNTARSE ES POR QUÉ HAN TARDADO TANTO. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

S IMPOSIBLE IMAGINAR A HOT SNAKES SIN LA RELACIÓN DE

casi 30 años entre Rick Froberg y John Reiss. Los dos empezaron a tocar juntos a finales de los 80 en Pitchfork, pero sería su posterior grupo Drive Like Jehu, en activo entre 1990 y 1995, el que les convertiría en unas figuras de culto dentro del underground estadounidense gracias a su visceral forma de acercarse al post hardcore. Si bien Reiss alcanzaría un mayor éxito con su otra banda, Rocket From The Crypt, la

un cuarto disco. También en 2014, se animarían a resucitar a Drive Like Jehu para sorpresa de todo el mundo. Finalmente, no fue hasta el pasado marzo que la banda respondiera a las plegarias de sus fans con Jericho Sirens (Sub Pop), pero como suele decirse, la espera ha merecido la pena. En el álbum, además del dúo y el bajista Gar Wood, participan tanto el batería original Jason Kourkounis como su sustituto Mario Rubalcaba (OFF!, Earthless). Unos días antes de que se anunciase que tendremos la oportunidad de escuchar los nuevos temas en vivo los próximos 16 y 17 de noviembre en Madrid y Barcelona con motivo del décimo aniversario del sello La Castanya, charlábamos con Rick Froberg sobre su esperado retorno.

a esperar a que Lars nos presente’. Así que tuvimos que esperar media hora a que llegara. Llega Lars, y toda la banda se pone alrededor suyo, y lo primero que todos le preguntamos fue exactamente lo que me has preguntado a mí: ‘¿Por qué querías que Hot Snakes tocásemos aquí?’. Y nos dijo que éramos el grupo favorito de su novia. Así que el gran secreto es que le gustamos a la novia de Lars. Pero la verdad es que todos se portaron súper bien”. Quizá deberíais poner una pegatina en el disco, ‘La banda favorita de la novia de Lars Ulrich’.

“(Risas) Sí, o usarlo de título”. Entrando ya en materia, aunque lleváis varios años tocando, hacer un disco nuevo siempre supone un paso importante. ¿Qué

Antes que nada, quería que me

os llevó finalmente a tirarlo

aclarases una curiosidad que

adelante?

tengo. En 2012 tocasteis en el

“Bueno, queríamos hacer algo nuevo y se nos presentó la oportunidad de hacerlo. Llevábamos un tiempo dándole vueltas, pero nos llevó tiempo poder reunirnos todos para hacer las canciones y grabarlas. Vivimos en distintas partes de Estados Unidos, unos en la Costa Este, otros en la Oeste, así que tuvimos que planear varias sesiones para poder completarlo. Era un problema logístico que logramos solucionar, pero nos llevó un año”.

Orion Music Festival que organizó Metallica. ¿De quién os vino la invitación? Me cuesta imaginar que Metallica os tuviesen en su radar. RICK FROBERG “(Risas) Es divertido

pareja volvería a reunirse para formar Hot Snakes, con quienes publicarían tres discos, Automatic Midnight, Suicide Invoice y Audit In Progress, entre 2000 y 2005, año en el que se separaron. Posteriormente Froberg se mudaría de San Diego a Brooklyn, donde formaría Obits junto a algunos amigos de Nueva York. Una oferta en 2011 por parte de Les Savy Fav para que tocaran con ellos en el festival All Tomorrow Parties fue la chispa necesaria para reactivar Hot Snakes, con la consiguiente incógnita de si algún día llegarían a publicar

que me lo preguntes. Te voy a contar la historia. Nos lo pidieron Metallica directamente; bueno, a nuestro agente, y nosotros flipamos. No teníamos ni idea de cómo habían llegado a nosotros. El caso es que nos presentamos allí, en New Jersey, en un campo lleno de barro. Tocábamos en una carpa y Rocky Erickson tocaba antes que nosotros. Estábamos esperando en el backstage y el stage manager nos preguntó si queríamos tocar ya o esperar a que Lars (Ulrich) nos presentara en el escenario. Y yo dije ‘vamos a tocar’, pero todos los demás dijeron ‘Nooo, vamos

¿Cómo valoras la experiencia?

“Grabar un disco es siempre una combinación de emoción y aburrimiento (risas). Estuvo bien. No sé si has estado alguna vez en un estudio, pero no es lo más excitante del mundo. Lo divertido es hacer las canciones, grabarlas… bueno, es algo que 47

hay que hacer. Pero lo importante es que nos gusta el disco”.

como te decía, todos teníamos el deseo de hacer un nuevo disco, simplemente necesitábamos tiempo”.

¿Os preocupaba el tener que hacer un álbum que compitiera con

El álbum es muy reconocible

vuestro propio legado?

como un disco de Hot Snakes.

“No, para nada. No nos importa nada de eso. Tampoco somos una banda tan popular, así que no sentimos ningún tipo de presión en ese aspecto”.

¿Crees que hay ciertos patrones

¿Qué importancia le das al haberos rodado bien antes de entrar en el estudio?

“Bueno, todo surgió a raíz de tocar en directo. Nos reunimos para un concierto y luego seguimos tocando un poco más hasta que volvimos a nuestras respectivas bandas. Pero 48

o elementos que debían estar en él para conseguir ese efecto?

“La banda es lo que es. No digo que la gente recurra a ciertos patrones para que sonemos a Hot Snakes, sino que simplemente nos sale de manera natural cuando tocamos juntos. Cada uno tiene su papel y cuando nos juntamos sonamos así. La verdad es que no hubo muchas charlas o razonamientos previos. Nos juntamos y salió así”. ¿Tan fácil como eso? En vuestros

temas hay riffs bastante raros, pero a la vez son pegadizos.

“Bueno, hay una intención en hacer eso, pero al mismo tiempo, es natural. Simplemente intentamos tocar rock’n’roll, pero no hacer algo nostálgico, sino contemporáneo. Todos somos bastante nostálgicos, nos encanta el rock garagero, pero no vivimos en 1966, vivimos en el presente y queremos sonar así. Eso es intencional”. ¿Habíais ido componiendo durante estos últimos años o todo el material surgió en un periodo más reciente?

“Todo salió muy rápidamente. Fue todo muy rápido. Hot Snakes trabajamos así. Siempre ha sido así desde

“TODOS SOMOS BASTANTE NOSTÁLGICOS, NOS ENCANTA EL ROCK GARAGERO, PERO NO VIVIMOS EN 1966, VIVIMOS EN EL PRESENTE Y QUEREMOS SONAR ASÍ. ESO ES INTENCIONAL” RICK FROBERG

el principio. Además, no tocamos estos temas en directo antes de grabarlos. Primero los grabamos y luego pensamos en cómo los tocaríamos. Pero funciona”.

cisiones que toman los demás porque es su parcela, su pequeño país sobre el que manda (risas)”.

con Drive Like Jehu. Tener esas experiencias contribuyeron a poder hacer este disco de Hot Snakes”.

Tanto Jason como Mario están

¿Qué crees que es lo que hace

en el disco. ¿Cómo dividisteis

que, por muchos años que pa-

sus funciones?

sen, John y tú siempre acabéis

“Bueno, simplemente cuando Jason estaba disponible, John y yo y quien pudiera quedábamos con él. Y cuando Mario estaba disponible, pues lo mismo. Cada uno grabó canciones distintas, no tocaron juntos. Al final, Jason grabó siete temas y Mario, tres. Los dos participaron en la reunión y los dos querían estar en el álbum, así que lo hablamos y nos pareció que estuvieran ambos. Lo mismo pasa con las giras, depende de su disponibilidad. Mario es el que está más liado con otras bandas, pero si puede, también le gustar tocar en Hot Snakes. A nosotros nos gustan los dos, ambos son fantásticos”. ¿Crees que el tiempo que estu-

volviendo a juntaros?

“Simplemente somos amigos y nos gusta tocar juntos. Supongo que tampoco vemos que nadie haga la música que nos gusta, así que intentamos llenar el hueco nosotros mismos. Nunca lo hemos dejado porque nos hubiéramos peleado. En su momento fue Gar el que comentó que se sentía quemado, y no hay nada malo en ello. Todos los grupos deberían parar de vez en cuando”. ¿Tienes planeado volver a Obits o algo con Drive Like Jehu?

“No tengo nada planeado. Ahora hay tantas bandas que vuelven, que en cualquier momento puedes reactivar un grupo. Lo único que nos puede frenar es la edad (risas) o el ser pobres”.

Tú estás habituado a llevar las

visteis separados fue necesario

riendas en Obits y John en Night

para poder estar juntos ahora, o

¿Empiezas a notar que la edad

Marchers y Rocket From The

crees que fue un tiempo perdido?

es un problema en directo?

Crypt. ¿Cómo es vuestra dinámi-

“No creo que fuera necesario. Nada es necesario en el mundo de la música. Es como todo: a veces, cuando llevas mucho tiempo haciendo algo, necesitas distanciarte para que, cuando vuelvas, parezca algo fresco. No creo que pudiéramos haber grabado este disco justo después del anterior. Fue bueno poder centrarse en The Night Marchers, Obits, y John y yo también hicimos cosas

“Lo noto desde que me levanto de la cama (risas). Pero la verdad es que creo que tocamos mejor que nunca. Creo que no hemos perdido nada de energía, pero como te decía, creo que la edad es lo único que nos puede parar”.

ca en Hot Snakes?

“Lo bueno de Hot Snakes es que no hay un líder. Cada uno tiene su función. Hay una división del trabajo y nadie interfiere en el trabajo del otro. No es una democracia en el sentido de que no votamos para decidir qué tiene que hacer cada uno, sino que cada uno hace lo que quiere. Es más un colectivo. Cada uno acepta las de-

BULLET FOR MY VALENTINE

REINVENTANDO EL FUTURO DESPUÉS DE CINCO DISCOS, CON LOS QUE SE CONVIRTIERON EN UNA DE LAS BANDAS PUNTERAS DEL METAL SALIDO DEL REINO UNIDO, BULLET FOR MY VALENTINE SINTIERON QUE ERA EL MOMENTO DE DARLE UN VUELCO A SU SONIDO. INSPIRÁNDOSE EN LAS TÉCNICAS DE PRODUCCIÓN DE LA ELECTRÓNICA, LOS GALESES DESPLIEGAN SUS ALAS PARA VOLAR HACIA EL FUTURO EN GRAVITY. SU INMINENTE CONCIERTO EN EL FESTIVAL DOWNLOAD MADRID SERÁ SU PISTA DE LANZAMIENTO. TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR

RAS HABER DADO SUS PRIMEROS PASOS EN 1998 BAJO EL NOMBRE

Jeff Killed John, el cuarteto de Gales irrumpiría con fuerza dentro de la escena en 2005 con su debut The Poison, ya como Bullet For My Valentine, combinando el sonido metalcore del momento con influencias más clásicas. Su continuación Scream Aim Fire, de 2008, les abriría a postulados más melódicos, y con los siguientes discos, Fever, Temper Temper y Venom, se asentarían como uno de los grupos británicos del nuevo milenio. Pero a pesar de haber vendido millones de discos, o que gigantes como Iron Maiden o Metallica les solicitaran para abrir para ellos, los tres últimos años no han sido nada fáciles para el vocalista, guitarrista y principal compositor de Bullet. El final de su matrimonio y la salida de dos de los miembros del grupo, el bajista Jason James y el batería Michael ‘Moose’ Thomas, le situaron en un estado, primero de confusión, y luego de depresión, que le hizo replantearse su relación con los dos aspectos más importantes de su vida: su familia y su banda. Gravity, su sexto trabajo y primero para Spinefarm Records, refleja el proceso con el que Tuck intentó resolverlo. Por un lado, estamos ante el disco más personal que jamás haya escrito, hablando en primera persona del carrusel de emociones en el que estuvo montado. Mientras en temas como ‘Not Dead Yet’ expresa la necesidad de vivir el presente de la manera más positiva posible, en otros como ‘Under Again’ se sumerge en la oscuridad de su depresión.

A nivel musical, Tuck también quería agitar la fórmula que, en sus propias palabras, “les había llevado a ganar la lotería”. Con la incorporación de Jamie Mathias como bajista y de Jason Bowld como batería, con quien ya había tocado en el proyecto paralelo Axewound, y la inestimable presencia del guitarrista y fundador Michael ‘Padge’ Paget, Bullet For My Valentine se sentían como una banda renacida y con la confianza suficiente para incorporar nuevos elementos a sus canciones. Quizá porque cuando contactamos con él, el pasado 17 de junio, Tuck estaba especialmente sensible por no poder celebrar el Día del Padre en compañía de su hijo, el líder de Bullet se abrió como nunca lo había hecho en anteriores entrevistas.

Pero no tiene que ser fácil encontrar el equilibrio entre lo que tú quieres hacer y lo que los fans esperan de Bullet For My Valentine precisamente por esa historia.

“Sí, pero lo que esperan los demás no me importa. No intento encontrar un equilibrio. Yo escribo lo que quiero escribir, lo que pienso que es mejor para nosotros. Si te preocupas por lo que esperan los demás, no vas a escribir desde el corazón, no vas a ser honesto. Supongo que es el camino fácil, pero no es un camino que me interese. Si soy yo feliz con lo que hago, lo que piensen los demás pasa a un segundo plano”. Mientras en álbumes anteriores podías imaginarte al grupo componiendo a base de jams en el local, en éste me he ima-

En este disco habéis experimen-

ginado a ti delante de un orde-

tado bastante con vuestro so-

nador. ¿Fue así como lo creaste

nido. Sigue habiendo guitarras

principalmente?

metal, pero habéis dado mucha

“En realidad no. En ese sentido fue parecido a discos anteriores, pero intentamos evitar hacer cualquier cosa que fuera predecible. Usamos una producción más electrónica para divertirnos y ser más creativos buscando nuevos sonidos, pero eso no fue en detrimento de la participación del grupo. Todos seguimos tocando juntos, pero jugando con la tecnología de programas como Exhale para que todo fuera más divertido”.

más importancia a las melodías y las texturas electrónicas. ¿Sentíais que era el momento de dar un giro? MATT TUCK “Sí, desde luego. Lleva-

mos mucho tiempo, Gravity es nuestro sexto disco, y creía que era el momento de hacer algo nuevo y escribir canciones de una manera distinta. Hemos tenido mucho éxito estos años, pero necesitábamos un nuevo desafío. Corríamos el peligro de aburrirnos o de, peor aún, hacer música por inercia si seguíamos con nuestro método tradicional de componer. Necesitábamos hacer algo que nos ilusionara de nuevo y sin apoyarnos en la historia de la banda”.

¿Crees que para un músico es tan importante hoy en día dominar esa tecnología como tocar bien su instrumento?

“Todo depende de lo que quieras hacer. En nuestro caso lo es porque

“CUANDO TERMINÓ LA ÚLTIMA GIRA, ME DI CUENTA DE QUE ESTABA SOLO. ESTABA EN UN LUGAR EN EL QUE SE SUPONÍA NO DEBÍA ESTAR Y ACABÉ CAYENDO EN UNA DEPRESIÓN” MATT TUCK

queríamos introducir capas y texturas que nunca habíamos usado. En cierta manera, es un reto tan grande como aprender a tocar la guitarra, pero todo depende de la visión que tengas para tu música. En nuestro caso nos llevó unos meses encontrar la manera de integrarlo todo bien en nuestro sonido”.

“NUNCA HE SIDO EL TIPO DE PERSONA QUE SE DUERMA EN LOS LAURELES Y SE CONFORME CON LO QUE TIENE. NO SOY ASÍ”

MATT TUCK

¿Qué papel jugó el incorporar a Carl Brown como productor después de haber trabajado en tres álbumes con Collin Richardson?

“Carl no tuvo demasiado que ver en marcar la dirección que queríamos, sino que más bien confiamos en él por sus habilidades técnicas. Es un tío más joven y se maneja muy bien con los ordenadores y el software. Mientras nosotros tocábamos, él iba buscando diferentes modulaciones y maneras de presentar el sonido. Pero no quiero quitarle ningún mérito, porque sin duda tuvo mucha participación en el resultado final”. Probablemente vuestros fans ya saben cuáles son tus grupos favoritos dentro del metal, pero ¿qué artistas te interesan del mundo electrónico?

“Bueno, tampoco te creas que soy un gran fan de la electrónica (risas). Sólo conozco las cosas más populares que suenan en la radio como David Guetta y cosas así. Tampoco es que quisiéramos hacer un disco de EDM, pero sí nos interesan ciertos aspectos de ese tipo de producciones. Es interesante ver cómo esta gente construye sus canciones. Como te decía, para nosotros ha sido un aprendizaje. Estuve trabajando en algunas 54

sesiones con un DJ y productor que se llama Matty Schwartz y que ha trabajado con Massive Attack. Fue una manera de encontrar una nueva identidad como compositor”. A pesar de que has comentado que queríais divertiros haciendo este disco, tengo entendido que las letras surgieron de un momento personal nada bueno.

“Así es. A principios de 2016 me divorcié de mi mujer. Siempre es duro romper una familia. Yo intentaba mantener al grupo en la carretera porque el disco anterior estaba funcionando muy bien, pero las cosas en casa no estaban bien. Había mucha negatividad en mi

vida, pero seguía adelante por el bien del grupo. Pero cuando terminó la última gira, me di cuenta de que estaba solo. Estaba en un lugar en el que se suponía no debía estar y acabé cayendo en una depresión. Este álbum es muy personal. Todos los temas hablan de mí, de cómo me sentía y cómo intenté superarlo. No fue un disco fácil de escribir en ese aspecto, pero mirando atrás, logré crear algo como Gravity y llegar a una situación positiva gracias a pasar por todo eso”. Mucha gente habla de un divorcio como un fracaso. ¿Lo viviste así también?

“Supongo que puede considerarse un

las cosas muchísimo. Es muy difícil encontrar una estabilidad cuando estás un mes fuera de casa. Es muy difícil de aceptar para la otra persona que tienes un trabajo tan exigente. A veces todo está muy bien, pero llega un punto en que las tensiones son demasiado fuertes como para aguantar. Creo que es algo muy común en los músicos. Pero no fue sólo eso, hubo muchos factores. Nosotros logramos que funcionara durante más de diez años, pero al final no pudo ser”. Perdona si ha sonado como que quería detalles sobre tu relación... Lo decía más bien porque me imagino que tu familia y el grupo son las dos cosas más importantes en tu vida, y me preguntaba si pensabas que una había ido en contra de la otra. Como que habías

el grupo con su incorporación?

“La verdad es que no ha cambiado demasiado. El otro Jason (James, bajo) y Moose (batería) nunca escribieron una canción. Siempre hemos sido Padge y yo quienes hemos hecho los temas. Pero por otra parte, no fue fácil romper. Éramos amigos, habíamos ido juntos a la escuela, nos conocíamos de antes del grupo, crecimos juntos, pero las cosas cambian. Tuvimos que tomar una decisión y la tomamos. Ahora tenemos dos tíos que sienten mucha pasión por el grupo y son muy creativos. Han traído sangre fresca y supongo que eso también nos ha animado a probar cosas nuevas. La vida sigue. Intentamos centrarnos en el futuro y no en el pasado, y eso es lo que es Gravity. Hemos tenido mucho éxito en el pasado, pero eso no cuenta para nada, lo importante es lo que tiene que venir”.

tenido que elegir entre una y la otra.

fracaso, pero la vida te pone en situaciones difíciles a veces. Nadie sabe lo que va a ocurrir. Tienes que aprender a resolverlas de la mejor manera posible y, como te decía, estoy contento de haber sacado algo en positivo de una situación de mierda. Ahora todo está bien. Me alegro de que hayamos podido solucionarlo de una manera madura y privada. El disco habla más sobre mis sentimientos que de lo que sucedió”.

“Bueno, como te decía, funcionó durante muchos años y hace un par llegó a su final. Nos juntamos cuando la banda ya estaba funcionando, así que durante un tiempo la relación no fue ningún obstáculo para que alcanzáramos el éxito. Es lo que es. Quizá la relación tampoco habría durado más, aunque no fuera músico. Tampoco es el fin del mundo, es algo que le sucede a un montón de personas, pero en el momento fue un golpe duro”.

¿Crees que la banda y tu estilo

En los últimos tres años, tam-

de vida fueron el principal motivo de la ruptura?

“Bueno, no voy a sacar mis trapos sucios aquí. Pero obviamente estar en un grupo y estar de gira complica

bién has tenido que ‘romper’ con dos de los miembros del grupo. Ahora tenéis a James y Jason como sección rítmica. ¿Cómo crees que ha cambiado

Dado que el rock ahora mismo no es la escena dominante dentro del panorama musical, ¿crees que es posible para una banda como Bullet ir más allá o sentís que habéis tocado techo y más bien se trata de manteneros donde estáis?

“Me gustaría pensar que todavía podemos crecer más. Todavía hay muchas cosas que nos quedan por hacer y en algunos territorios no somos tan grandes como se pueda pensar. Hemos tenido 15 años de mucho éxito y hemos conseguido cosas increíbles, pero no me conformo con eso. Mi idea es poder tocar en grandes recintos en todas partes, no sólo en nuestro país. Tener esa motivación y ambiciones ha sido en gran parte lo que nos ha llevado hasta aquí. 55

“CUANDO ESTOY EN CASA DESCONECTO EL TELÉFONO Y ESTOY SÓLO POR MI HIJO. PUEDO OLVIDARME DE QUE SOY MATT DE BULLET FOR MY VALENTINE PORQUE PARA ÉL SIMPLEMENTE SOY PAPÁ. LE IMPORTA UNA MIERDA EL GRUPO”

MATT TUCK

Siempre he querido que este grupo sea tan grande como le sea posible, y hasta que no lo consigamos, nunca vamos a parar. La mayoría de músicos que tienen éxito es porque tienen esa mentalidad y no dejan pasar ninguna oportunidad. Y de todos modos, el rock y el metal nunca han sido dominantes en el mainstream, pero eso no depende de nosotros. Tenemos la suerte de tener unos fans maravillosos y de contar con el apoyo de la comunidad metalera, con eso es suficiente para que podamos seguir con nuestra misión. Pero está claro que hay que seguir trabajando muy duro”.

con todo lo que hemos conseguido, y si no consigo todo lo que quiero, tampoco pasa nada. Pero creo que al menos intentarlo es lo que te mantiene motivado. Tener objetivos, a nivel mental, te ayuda a conseguirlos. Nunca he sido el tipo de persona que se duerma en los laureles y se conforme con lo que tiene. No soy así”. M. Shadows de Avenged Sevenfold os mencionó a vosotros y a Bring Me The Horizon como candidatos a encabezar un festival como Download en el futuro. ¿Crees que cuando Maiden o Judas Priest se retiren podréis

¿Alguna vez has sentido que

ocupar ese lugar?

esa ambición jugaba en tu con-

“Bueno, ya hemos sido cabezas de cartel en algunos festivales. Ya hemos probado lo que es encabezar un gran festival y por supuesto nos sentimos preparados para ello. Siempre que nos inviten, allí estaremos. Creo que es sólo cuestión de tiempo que seamos cabezas de cartel de mane-

tra? ¿No es fácil que se transforme en frustración si no se cumple lo que esperas?

“No realmente. Desde que era un niño y quería ser una estrella del rock me he encontrado con obstáculos, pero no me han frenado. Estoy feliz

ra regular, pero no está en nuestras manos únicamente. Me encantaría llegar a donde Maiden o Avenged Sevenfold han llegado, claro. Lo he probado y me gusta mucho (risas)”. ¿Qué te pasa por la cabeza cuando tienes a 60.000 personas delante de ti?

“Es una sensación increíble. Te conviertes en una persona distinta. Siempre hay muchos nervios antes de una actuación así. Pero pasadas un par de canciones se convierte en una experiencia muy gratificante. Te sientes como Superman. Sientes la energía, el poder, la unidad de toda esa gente. Es una experiencia única que poca gente llega a experimentar. Por eso me siento tan agradecido. Ojalá más gente pudiera sentirlo”. ¿Tienes algún amigo en otro grupo o algún mentor a quien pidas consejo cuando tienes que tomar alguna decisión im-

portante respecto al grupo?

“La verdad es que no. Siempre he tomado las decisiones yo mismo y pienso en lo que es lo mejor para el grupo. No me da miedo tomarlas, aunque sepas que no vayan a gustar a alguna gente. Por desgracia, me ha tocado ese papel desde el primer día, pero no me importa. Hay muchas decisiones que tomar desde el punto de vista del negocio, fuera del escenario. Tenemos mucha gente trabajando para nosotros y eso son muchas facturas por pagar. En el fondo es un gran, gran negocio, aunque lo que se ve más sea la parte más divertida”. Sí, a menudo se olvida que los grupos son empresas. ¿Te resulta difícil combinar tu sensibilidad artística con esa parte más empresarial?

“Tienes que aceptar las cosas por lo que son. Cuando se trata de una cuestión de negocios tienes que tomarla como tal, no como algo personal. Tener que dejar que se vayan personas de tu equipo, o un contable, o incluso un miembro del grupo, tiene que ser visto como algo que beneficia al grupo. La prioridad es la banda. Los músicos tienen que ser conscientes de que no sólo son miembros de una formación, también son hombres de negocios y socios. Hay gente que no lo entiende, y sólo quiere ser músico. Pero cuando llegas a cierto nivel, se mueven millones de dólares a tu alrededor y tienes una gran plantilla de técnicos, abogados, contables… es una gran empresa y tienes que hacer que económicamente sea viable. Cuando tenía 15 años no pensaba en nada de eso, sólo quería tocar versiones de Metallica, pero nosotros

tuvimos un crecimiento muy rápido con The Poison y tuvimos la suerte de vender miles y miles de copias de ese disco, pero a la que empezó a entrar el dinero, la gente se empieza a comportar de manera extraña. Hay mucha gente que no se preocupa por ti, sino que sólo quiere tu dinero. Tuvimos que aprender rápidamente a que no nos jodieran”. Seguro que has visto la película

Some Kind Of Monster de Metallica. Desde el punto de vista

quiere tener hijos (risas), pero a mí me ha hecho una mejor persona. Me ha dado una nueva perspectiva de la vida. Cuando estoy en casa desconecto el teléfono y estoy sólo por mi hijo. Puedo olvidarme de que soy Matt de Bullet For My Valentine porque para él simplemente soy papá. Le importa una mierda el grupo. Hoy es el día del padre en el Reino Unido, y no puedo estar con él, eso es lo peor de mi trabajo, pero por eso cuando estoy con él intento disfrutarlo al máximo”.

de un músico, no como fan, ¿qué pensaste cuando la viste?

¿Alguna vez te lo llevas de gira?

“Cuando la vi me abrió mucho los ojos. Creo que es una visión muy honesta sobre una banda que se está derrumbando. Son la banda de metal más grande y verla caer de esa manera es triste e incluso perturbador, pero fue una manera también de ver la parte humana de esos músicos. Te hace dar cuenta de que, fuera del escenario, ocurren muchas cosas. Creo que fue un movimiento muy valiente por su parte dejar que todo el mundo viera eso. No importa si eres una banda de punk que toca en clubes pequeños o una banda que toca en estadios: al final todo el mundo pasa por la misma mierda. Es revelador”.

“Sí, sí, tanto como puedo. Pero tiene 8 años y lo más importante es la escuela. Tiene que cumplir con sus obligaciones (risas). Pero hace un par de semanas estuvo conmigo en el Download, en Inglaterra, y se lo pasó muy bien. Creo que le gusta este estilo de vida”.

¿Cómo desconectas de todo esto? ¿O siempre estás constantemente con el grupo en la cabeza?

“Puedo desconectar gracias a que soy padre. La parte más satisfactoria de mi vida es ser padre y estar con mi hijo. Adoro mi trabajo, pero para mí el mayor logro de mi vida es mi hijo. Cuando estoy en casa con él es lo mejor. Conozco a gente que no

Me imagino que cuando eras un crío y soñabas con ser músico, mucha gente a tu alrededor te diría que te olvidases y que nunca lo conseguirías. ¿Alguna vez te has encontrado cara a cara con alguno y le has dicho ‘te equivocaste conmigo’?

“(Risas) Tienes razón, cuando empiezas mucha gente se burla de ti o no cree en ti, pero nunca he hecho lo que comentas. Creo que sería rebajarme a un nivel que no quiero. Creo que el éxito de la banda habla por sí mismo. No me hace falta recordarles que se equivocaron, ya lo saben”.

DISCO DEL MES

A Joy As An Act Of Resistance (PARTISAN/PIAS) PUNK, POST PUNK

todos nos gusta usar la música como una vía de escape, tenerla como ese refugio al que acudir cuando la realidad es demasiado desagradable como para afrontarla sin algo que nos produzca un poco de placer. Pero, de vez en cuando, también es necesario que haya un disco, que refleje exactamente los tiempos en los que vivimos. Que nos coja por el pescuezo y nos obligue a mirar la vida a la cara tal como es, sin maquillaje ni Photoshop, y nos recuerde que los finales felices sólo existen en las películas de

IDLES

Hollywood. Joy As An Act Of Resistance, el segundo trabajo de los ingleses Idles, es ese disco. Cuando en el futuro alguien se pregunte a qué sonaba 2018, bastará con que lo escuche. ¿Por qué a conclusión podría llegar si escuchase uno de Camila Cabello o de Shawn Mendes? Producido por Space y mezclado por Adam Greenspan & Nick Launay (Arcade Fire, Yeah Yeah Yeahs), su sonido es abrasivo, crudo, oxidado, incluso feo, pero ésa era la intención. En palabras de su vocalista Joe Talbot: “Hemos desnudado nuestras

canciones y letras hasta los huesos para dejar que cada uno respire y así celebrar nuestras diferencias, como una oda a las comunidades y los individuos que las forman. Porque sin nuestra comunidad, no somos nada”. Amén. Si el punk nació para documentar los años oscuros de la Gran Bretaña que llevaron a Margaret Thatcher al poder, Idles recuperan ese espíritu en plena crisis del Brexit y de los valores humanos que, sobre el papel, todavía rigen en Europa. Aunque el álbum no estará disponible hasta finales de agosto, por

desgracia, no creo que su contenido caduque. Parece totalmente apropiado que en un momento en el que los gobiernos, y parte de la sociedad que les vota, claro, esté optando por negarles un mínimo de humanidad a quienes se juegan el pellejo por venir a (mal) vivir a Europa, haya una banda que lance como single una canción a favor de los inmigrantes. Y no que lo haga con estrofas vacías o llenas de buenas intenciones, sino por unas escritas desde la experiencia personal. ‘Danny Nedelko’, además de ser el título del tema es también el nombre del vocalista ucraniano de Heavy Lungs. “Mi mejor amigo es un inmigrante,

un tema divido en dos partes diferenciadas. La primera es un medio tiempo amenazante con la percusión en primer plano y donde Talbot empieza sonando como Mark Lanegan para ir transformándose en Nick Cave a medida que el tema va subiendo y subiendo en intensidad. En la segunda, la banda pone la directa y nos arrolla con una garrulada punkarra con una melodía parecida al ‘Lust For Life’ de Iggy Pop. Y más o menos entre esa dualidad, transitan por el resto del álbum. Por un lado, patrones repetitivos y atmósferas más cercanas a The Fall o The Bad Seeds y por otro, temas más directos como ‘I’m Scum’ o ‘Rotweiller’ donde

“SU SONIDO ES ABRASIVO, CRUDO, OXIDADO, INCLUSO FEO, PERO ÉSA ERA LA INTENCIÓN”

mi mejor amigo es un ciudadano, es fuerte, es formal, es inocente” canta Talbot con su voz rota desde la más absoluta sinceridad. “Está hecho de ti, está hecho de mí. ¡Unidad!” grita antes de que nos sacudan con un estribillo de lo más hooligan. Pero que nadie se crea que Idles siguen los pasos de Cock Sparrer o su música sea un revival del punk 77. Idles son mucho más oscuros, más post punk que punk, con el bajo siendo más protagonista que las guitarras, aunque cuando se ponen, también la lían a base de bien. El disco empieza con ‘Colossus’,

suenan como un cruce entre Sleaford Mods y los Fucked Up más caóticos. Consiguen así un álbum que apela tanto al cerebro como a las tripas. También al corazón. Uno de los momentos más punzantes del álbum es ‘June’, un réquiem por la muerte hace un año del hijo recién nacido de Talbot. Teniendo en cuenta que su debut Brutalism (2017) estuvo marcado por el fallecimiento de su madre, el impacto es aún mayor. Pero subliminalmente te envía el mensaje que, si él ha podido tirar adelante, también tú podrás. JORDI MEYA

PIÑATA PROTEST HAS DE SABER... Álvaro del Norte (voz, acordeón), Regino López (guitarra), Richie Brown (bajo), Chris-Ruptive (batería) PRODUCIDO POR: Dave Irish AFINES A: Voodoo Glow Skulls, Gogol Bordello, Molotov PÁGINA WEB: www.pinataprotestband.com FORMACIÓN:

L Necio Nights (ROCK THE KASBA) PUNK ROCK, TEX MEX

a música de Piñata Protest es un buen ejemplo de que, por mucho que se obsesionen los políticos en hacer fronteras cada vez más inexpugnables, los intercambios culturales y el mestizaje siempre encuentran una grieta por la que colarse. En su tercer álbum Necio Nights, el cuarteto de San Antonio, Texas, perfecciona su fórmula de mezclar ritmos y sonidos típicamente mexicanos con la distorsión de guitarras punk rock. Casi podríamos hablar de ellos como unos Mariachi El Bronx en sentido inverso. Durante 26 minutos, la fiesta está asegurada con unos temas llenos de energía en los que el acordeón de Álvaro del

Norte subraya su espíritu desenfadado. ‘D.U.I.’ o ‘Cantina’ son excelentes muestras de cómo puede acabar una buena noche regada con chorros de tequila. En algunas canciones más melódicas como ‘Apogee’, ‘California Girl’ o ‘Snap Skate Shop’ pueden recordar a cómo sonarían unos jóvenes Green Day si hubieran nacido en Tijuana, y quizá sean las que mejor les pueda ayudar a conseguir fans gringos, mientras que otras como ‘Crusty Cumbia’ apelan a bailar al ritmo de polka. Pero no todas sus letras, en las que intercalan español e inglés, son exaltaciones de la juerga. En la más melancólica ‘Al Rato Cruzamos’ o en ‘Ruins’,

posiblemente su composición más elaborada, habla de los sueños de los inmigrantes por conseguir una vida mejor y lo que están dispuestos a hacer para conseguirla. Siguiendo su tradición de hacer versiones de temas tradicionales mexicanos -anteriormente lo hicieron con ‘Volver, Volver’ y ‘La Cucaracha-, en esta ocasión han escogido ‘Tragos Amargos’ de Ramón Ayala, que cierra el álbum por todo lo alto. A poco que tengan algo de suerte, no me extrañaría que se convirtieran en unos habituales de nuestros escenarios, pues son una banda que tanto podría tocar en el Viña Rock como en el Resurrection o un Cruïlla. MARC LÓPEZ

HABLAMOS CON... ÁLVARO DEL NORTE ¿Cómo se te ocurrió formar Piñata Protest?

“El grupo empezó hace algo más de diez años. La idea era combinar la música norteña mexicana con punk y ska. Quería hacer algo diferente. Yo estaba un poco aburrido con la música porque todos los grupos se parecían mucho. Empecé a buscar miembros de la banda en conciertos locales de San Antonio y después de varios cambios a lo largo de los años, creo que ahora tenemos la mejor formación. Todos crecimos con las raíces mexicanas, pero luego cada uno tiene sus gustos. Para nosotros es como meter diferentes ingredientes en una salsa”. ¿Tenías algún referente?

“No había ningún grupo al que pudiera agarrar su sonido. Pero, por ejemplo, Flogging Molly hacen lo mismo, pero mezclando música de Irlanda,

o The Pogues. Yo no conocía ningún grupo que lo hubiera hecho con música mexicana. Pero luego he visto que aquí en España había alguno ya en los 80. Es muy interesante”. ¿Qué reacción encontrasteis en los inicios?

“Desde el principio nos ha ido muy bien. Nunca monté el grupo para que fuera grande o para venir acá a Europa, simplemente me gustaba mucho tocar. Pero nos empezaron a llamar para tocar fuera de la ciudad y hacer giras. Poco a poco ha ido creciendo”. ¿Cómo reaccionó el público de Brujeria y Cattle Decapitation en la gira que hicisteis juntos?

“Al principio cuando nos veían salir con el acordeón se quedaban parados pensando ‘¿Qué es esto?’. Pero a la cuarta canción ya estaban bailando (risas) y al final estaban todos agarra-

dos en círculo pasándolo bien”. ¿Os ha afectado en vuestro día a día la tensión provocada por Trump?

“Sí, ahora se nota mucha más tensión. Hay mucho más racismo porque Trump como presidente les ha dado más confianza. Nosotros somos ciudadanos estadounidenses, pero tenemos amigos sin papeles, y a algunos los deportan. Ahora es mucho más difícil cruzar la frontera. Cuando yo era chiquito podías ir andando de un lado al otro de la frontera sin problema. Están separando las familias, aunque los niños hayan nacido en Estados Unidos. Eso está muy feo. Pero ahora no hay tanta inmigración porque no hay trabajo. Ahora hay muchos americanos que se retiran a México sin papeles. Es extraño, pero es así”. (JORDI MEYA)

MIKE SHINODA Post Traumatic (WARNER) POP ELECTRÓNICO

unque Post Traumatic venga firmado por Mike Shinoda, cualquiera que lo escuche acabará, inevitablemente, pensando en otro nombre, el de Chester Bennington. Como el propio Shinoda admite en ‘About You’, “incluso cuando no es sobre ti, todo de repente es sobre ti”. La inesperada muerte de su compañero de Linkin Park pilló por sorpresa incluso a aquellos que más le conocían y este debut en solitario de Shinoda viene a ser la banda sonora de su luto. Como explicaba en la entrevista del mes pasado, las 16 canciones que aquí encontramos están prácticamente en el mismo orden en el que

fueran compuestas. Así, ‘Place To Start nos sitúa en el shock inicial con el músico preguntándose si será capaz de dejar el pasado atrás. El tema termina con una serie de mensajes de voz preguntándole como está y dándole ánimos. En ‘Over Again’ nos situamos en la víspera del concierto tributo que le ofrecieron en Los Ángeles y un Shinoda dudando si será capaz de subirse al escenario. Más adelante en ‘Hold It Together’, nos lo encontramos sintiéndose incómodo cuando en una fiesta de cumpleaños infantil alguien le saca el tema. Musicalmente gustará más a quienes disfrutaron de One More Light que de Hybrid Theory, con sus melodías pop, sobre bases electrónicas y toques de hip hop, pero por encima de todo hay que apreciar su valor documental gracias a la valentía que su autor ha tenido al volcar sus sentimientos sin filtros. Quien sintiera tristeza tras la muerte de Bennington es posible que encuentre en este disco algo de consuelo cuando en el último tema, ‘Can’t Hear You Now’ escuche a Shinoda cantando “I am fucking fantastic”. MARC LÓPEZ

YOB

Our Raw Heart (RELAPSE) DOOM METAL

ras una grave dolencia y ciertas complicaciones en el quirófano que casi le cuestan la vida, Mike Scheidt, guitarra, cantante y alma de YOB, ha encontrado la fuerza para firmar, junto a sus dos compañeros de grupo, el que seguramente sea su álbum más especial y expuesto hasta la fecha. Y es que después de semejante calvario, dos espíritus bien distintos conviven con naturalidad en Our Raw Heart: por un lado, la esperanza, la alegría de seguir entre nosotros, algo que ya denota ‘Ablaze’ e incluso su primera canción de amor, ‘Beauty In Falling

Leaves’. Pero por el otro, uno no puede negar lo que es, y la lúgubre aspereza del doom más ortodoxo sigue presente en el disco, por mucho que la voz exprese sentimientos más amables. Es por eso que pronto ‘The Screen’ te golpe con su dura reiteración, ‘In Reverie’ te arrincona contra un muro y ‘Lungs Reach’ te abraza con un manto de oscuridad difícil de sortear. Cuando aparece ‘Beauty In Falling Leaves’, tampoco caigamos en el equívoco: sincerarse con lo que uno siente no quiere decir caer en la cursilería, en la sensiblería comercial, y así, en este extenso oasis seguimos contando con toda la clase de unos YOB que han logrado un gran tema. A la poco corriente voz de Scheidt le han dado mucho mayor espacio y protagonismo, se acerca al señorío de Saint Vitus, Pentagram o Goatsnake, por lo que lo único criticable aquí es ‘Original Face’, que no es tan inspirada, y una ‘Our Raw Heart’ que, con sus más de 14 minutos, igual se te atraganta un poco al principio, pero que luego demuestra con su crescendo instrumental por qué debía bajar el telón. PAU NAVARRA

LA SELECCIÓN

TH’ BOOTY HUNTERS Speaking Of The Devil (STASH) COUNTRY, ROCK

ntre el purismo y la irreverencia, la actitud de los barceloneses Th’ Booty Hunters hacia la música de raíces americana les ha llevado a producir discos cada vez mejores. En Speaking Of The Devil lo confirman con un trabajo en el que, más que nunca, han apostado por la variedad de registros. Si en directo el punk sigue mandando en su aproximación al country, en el estudio se nota que los músicos son capaces de trabajar con distintas intensidades con total naturalidad. En piezas como ‘Last Drink For A Dead Man’ o ‘Black And Decker’ domina el aire bluegrass con el banjo y los violines marcando el ritmo y los aromas de taberna irlandesa, pero en la oscura ‘In A Holler’ o ‘The Ship That Never Sails’ parece que sea un Nick Cave criado en Nashville quien hay compuesto esta suerte de murder ballads. Por otra parte, ’20 Dollar Job’ es un exquisito dueto con Myram Swanson en el que siguen al pie de

la letra los cánones del country y ‘Rotten Swamp’ o ‘Sickness Of Pain’ nos llevan a circular por el american gothic en versión David Lynch, mientras que en la final ‘Agonic Blues’ sacan su lado más gamberro de antaño. Merece la pena destacar los distintos registros vocales y la capacidad interpretativa de Xavi Ollé, haciendo que los torturados personajes que habitan en las canciones adquieran vida, así como el trabajo con el lap steel de Dani Bañón. Aunque, sinceramente, toda la banda está fantástica. Que sigan cazando con tanto acierto. MARC LÓPEZ

A ZEAL & ARDOR Stranger Fruit (MVKA) GOSPEL METAL

finales de 2016, Zeal & Ardor, o lo que es lo mismo, el proyecto de Manuel Gagneux, nos enamoraba con Devil Is Fine, uno de los debuts más sorprendentes de los últimos años. Su mezcla de cánticos de esclavos con black metal resultaba totalmente novedosa, y tenía la virtud añadida de, lejos de ser un experimento inaccesible, entrar a la primera. Si bien Stranger Fruit cuenta con el hándicap de no producir ese impacto inicial del primer beso (negro), a cambio, ofrece una mayor profundidad en su planteamiento. Desde la susurrada ‘Intro’ nos adentramos en su universo particular y la variedad de inputs sonoros que recibes te hace sentir como si estuvieras dentro de una película. De verdad, alguien debería tomar estas

A THE GASLIGHT ANTHEM The ‘59 Sound Sessions (SIDE ONE DUMMY) ROCK

un a riesgo de quedar como un viejo cascarrabias, comienzo a temer que la reunión de The Gaslight Anthem se haya producido de una forma tan apresurada como innecesaria. Basta con leer las declaraciones de Brian Fallon sobre que no tiene intención alguna de continuar con la banda una vez finiquiten las fechas que ya tienen anunciadas o el piloto automático con el que parecen haber encarado los primeros conciertos para darse cuenta de que su prioridad sigue siendo su carrera en solitario. Y es que a pesar de las innegables ganas

canciones sobre esclavos satanistas y hacer una peli, porque daría mucho juego. La fórmula de las voces sincopadas a coro sobre guitarras pesadas, algunas notas ocasionales de piano y base de blues sigue funcionando de maravilla en ‘Gravedigger’s Chant’, ‘Row Row’, ‘We Can’t Be Found’ o ‘Ship On Fire’. Pero Gagneux tiene nuevos trucos en la manga: en ‘Fire Of Motion’ y ‘Stranger Fruit’ le mete un poco de caña industrial, en

‘Waste’ tira de blast beat para arrastrarnos al averno, ‘Coagula’ parece salida de un templo maldito y en ‘Built On Ashes’ consigue que te imagines a Ben Harper con corpse paint. Por el contrario, la ensoñadora instrumental ‘The Hermit’ y ‘The Fool’ y ‘Solve’ con sus sintetizadores retro rompen un poco la atmósfera asfixiante. Será una fruta extraña, pero apetece morderla una y otra vez.

que hay de volver a ver a los de New Jersey sobre un escenario, la realidad es que aún no ha pasado tanto tiempo (su último show antes de separarse fue hace apenas tres años) para jugar la carta de la nostalgia. Ésa misma es a la que parece apelar Side One Dummy, su antigua discográfica, con la publicación de estas The ‘59 Sound Sessions a fin de conmemorar el décimo de aniversario del álbum que les puso en el mapa. Más allá de un acercamiento más crudo a unas primerizas tomas de canciones que luego se convertirían en clásicos como ‘Great

Expectactions’, ‘The ‘59 Sound’ o ‘Miles Davis & The Cool’, poco interés guarda esta colección de demos rescatadas del baúl. Únicamente ‘Placeholder’ aparece como inédita y tampoco es que mejore a cualquiera de las titulares que terminaron en la versión definitiva. Puestos a hacernos pasar de nuevo por caja, un documental sobre la grabación y posterior repercusión que tuvo junto a un par de directos hubiera resultado mucho más atractivo. Quién sabe si se lo estarán reservando para cuando decidan volver en otro par de años.

JORDI MEYA

GONZALO PUEBLA

SLEEP

The Sciences (THIRD MAN) STONER, DOOM METAL

su rollo, sin previo aviso y tras 15 años eludiéndolo, el pasado 20 de abril Sleep publicaron su cuarto álbum, The Sciences. Sí, recuerden que Jerusalem apareció como un bootleg oficial y que ellos consideran al capital Dopesmoker su versión definitiva, el trabajo que sí debe figurar en su discografía real. El trío experimentó uno de esos curiosos casos, más comunes de lo deseable, en que su nombre fue creciendo y creciendo en popularidad una vez disuelto, hasta el punto de convertirse en una enorme banda de culto gracias al apoyo de fans de los sonidos setenteros,

metaleros extremos y, para qué negarlo, modernos subidos al carro a última hora. No tenían ninguna necesidad, pero como en su carrera no ha habido nada normal, el bajista y voz Al Cisneros (Om, Shrinebuilder) y el guitarra Matt Pike (High On Fire), acompañados a la batería por Jason Roeder de Neurosis tras su reunión en 2009, han querido grabar seis ‘nuevas’ canciones tanto tiempo después. Y lo ponemos entre comillas porque han recuperado ‘Sonic Titan’, la que fuera bonus track de Dopesmoker… Aunque no nos quejaremos, porque su segunda parte es tan buena, y tan Black Sabbath, que uno no puede más que darles las gracias por hacerlo. Como si fuera poco ese homenaje musical, un par de cortes después no dudan en mostrar todo su amor hacia los de Birmingham con ‘Giza Butler’, e incluso hablan de Tony Iommi en las letras. El tono hipnótico de Cisneros y toda su densa gravedad logran crear el mantra deseado, alcanzado su punto álgido en ‘Antarcticans Thawed’ y siendo rematado con una ‘The Botanist’ que suena a gloria. PAU NAVARRA

GRAVEYARD Peace

(NUCLEAR BLAST) ROCK

mpezaba a temer que el breve (a la par que ridículo) hiato que sufrieron Graveyard meses atrás hubiera podido pasarles factura. Si bien hemos podido comprobar que en directo su solvencia es la de siempre, quedaba por ver si la magia que tan bien han sabido recrear en el estudio continuaba intacta tras los nuevos cambios en la formación. No han tardado demasiado en despejar dudas con Peace, un trabajo que nos trae de vuelta a los suecos en su versión más contundente y arrolladora. En la bofetada inicial de ‘It Ain’t Over Yet’ ya meten la directa, al igual

que en ‘Please Don’t’, ‘Cold Love’ y ‘A Sign Of Peace’, donde exhiben músculo a base de guitarras rocosas. La diversidad y experimentación de Innocence & Decadence ha cedido paso al sonido más duro de los de Joakim Nilsson, aunque su versatilidad aparece en momentos clave como la central ‘Walk On’, con un desarrollo magistral digno de sus mejores composiciones, la breve y melódica ‘The Fox’ y su toque nirvanero, o ese blues diabólico en espiral de ‘Low (I Wouldn’t Mind)’ que te acaba sometiendo. Curiosamente, el punto flaco del álbum recae en las baladas, una parcela en la que Graveyard siempre nos han regalado verdaderas joyitas. ‘See The Light’ se queda en un bonito esbozo de lo que podría haber sido uno de los temas más destacados del álbum, y ‘Del Manic’, sin ser mala, está lejos de tocarnos la fibra sensible como lo hicieran antaño. Y a pesar de ello, su quinto álbum reúne motivos más que suficientes para celebrar su vuelta. GONZALO PUEBLA

NINE INCH NAILS Bad Witch

(THE NULL CORPORATION) ROCK INDUSTRIAL, EXPERIMENTAL

legada la tercera y última entrega de la saga de EPs anunciada por Trent Reznor, toca hacer valoración del experimento. Y la verdad es que, a pesar de que la idea que planteaba el líder de Nine Inch Nails sobre este proyecto parecía más que planificada, el resultado global da una sensación de que se ha ido realizando sobre la marcha. Tanto en Not The Actual Events como en Add Violence hemos podido atisbar destellos de casi todas las fases que la banda ha atravesado a lo largo de sus tres décadas de trayectoria, pero con una falta de coherencia interna que hacía restar muchos

74 66

puntos. Curiosamente, Bad Witch es el trabajo de esta trilogía que mejor funciona en ese aspecto, pero también podríamos señalarlo como el más prescindible. Para esta ocasión, Reznor ha querido adentrarse en la vertiente más retorcida de su criatura. Nuevamente las contrariedades aparecen nada más comenzar, ya que son dos temas de corte punk lo-fi (‘Shit Mirror’ y ‘Ahead Of Ourselves’) los que dan el pistoletazo de salida sin transmitir la sensación de tensión necesaria. Inmediatamente el asunto da un vuelco y los nombres de dos ilustres Davids se nos vienen a la cabeza: Lynch y Bowie. Tanto en la instrumental ‘I’m Not From This World’ y ‘God Break Down The Door’, la sombra de las bandas sonoras del cineasta responsable de Lost Highway o Twin Peaks se hace más que evidente, así como el deje en las melodías del Duque Blanco. Soy el primero que se alegra de recibir material fresco de Nine Inch Nails con relativa regularidad, pero agradecería que Reznor se tomase algo más de tiempo en ofrecer un producto mejor acabado. GONZALO PUEBLA

BLEEDING THROUGH

Love Will Kill All (SHARPTONE) METALCORE

l retorno de Bleeding Through es de las pocas noticias positivas que nos ha dejado el metalcore de naturaleza más comercial en esta década. Además, tras cuatro años de separación, no lo esperábamos tan pronto. Los de Orange County no eran Converge, pero su pasión por el death melódico sueco y, decisivamente, por el black sinfónico, desde luego les hacía diferentes a casi todos sus compañeros de generación. Y precisamente porque eran tan buenos, porque su música no obedecía al sota, caballo, rey de los demás, Bleeding Through nunca gozaron del reconocimiento ni el éxito de

los también recientemente renacidos As I Lay Dying, Killswitch Engage y tantos otros. Dudo mucho que vayan a conseguirlo ahora, pero como mínimo, con Love Will Kill All nos devuelven a la crudeza de principios de este siglo, a lo que era el estilo en sus inicios. Y por supuesto, entre la rabia de Brandan Schieppati y sus coros melódicos, Marta Peterson se encarga de enchufarnos todos esos teclados oscuramente marcados por Dimmu Borgir, mientras las guitarras de Brian Leppke nos torpedean con contundencia, velocidad e influencia At The Gates. Toda su esencia parece resumida en la intro ‘Darkness, A Feeling I Know’ y ‘Fade Into The Ash’, y de nuevo replicada en canciones remarcables como ‘Cold War’, ‘Dead Eyes’ o sobre todo ‘Buried’. Y es que, pasada ‘End Us’, su octavo trabajo parece instalarse en la brillantez con la chulesca ‘No Friends’ seguida de ‘Set Me Free’, el mazazo ‘No One From Nowhere’ o los puñetazos finales de ‘Slave’ y ‘Life’. Love Will Kill All exuda confianza y todo el talento de Bleeding Through. Un retorno de altura. PAU NAVARRA

MADBALL

For The Cause (NUCLEAR BLAST) HARDCORE

odo sigue igual para Madball, y nosotros que lo disfrutamos. Para su noveno álbum nadie esperaba grandes cambios, y ésa es justa la razón por la que siempre acudimos raudos a sus nuevos lanzamientos: para saciar la sed de ortodoxo New York Hardcore. Lo que sí han renovado Hoya Roc y compañía es su equipo tras los mandos, recurriendo esta vez a Tim Armstrong de Rancid para la coproducción, quien también ha prestado su voz en ‘The Fog’, y siendo Tue Madsen el encargado de mezclas y master. El resultado es contundencia,

robustez para sus clásicas vendettas personales, hincharse el pecho de orgullo y reafirmarse una vez más en su camino, pero también aparece un Freddy Cricien especialmente combativo en ‘Rev Up’ o ‘For The Cause’, que cierra con sorpresita final, y es que la palabra ‘revolution’ suena bastantes veces en este trabajo. A lo largo de estos doce cortes encontramos buenas melodías vocales en ‘Freight Train’ o ‘For You’, tortazos a tope de flow en ‘Old Fashioned’, vieja escuela imperecedera en ‘Damaged Goods’ y, cómo no, reivindicación latina en la chulísima y dura ‘Es Tu Vida’. Pero sin duda alguna, el punto álgido de For The Cause llega con ‘Evil Ways’, donde han contado con un jefazo del calibre de Ice-T. Como ya habrás imaginado, este tema es dinamita, ayuda a subir bastante la nota final del disco, y es que estamos ante una de las colaboraciones más letales y destructivas que hayamos escuchado en su ya de por sí amplio historial. Madball, ese fiel seguro de vida. PAU NAVARRA

TOOTH

Amaierarik Ez (AUTOEDITADO) POST HARDCORE

os que descubrimos a Tooth con su segundo trabajo, el explosivo Bi, sabíamos que aquello no podía ser flor de un día. La propuesta del power trio formado por Edorta, Arza y Mirri era muy sólida y las influencias -de Shellac a Refused pasando por Helmet- aparecían perfectamente asimiladas. Su nueva referencia, Amaierarik Ez, quizá se hizo esperar más de lo deseado -unos tres años- y es breve -apenas media hora-, pero confirma nuestras sospechas y, lo mejor, no defrauda en ningún momento. Los seis nuevos temas de Tooth, la excusa que necesitaban para seguir pisando

escenarios, su verdadero hábitat natural, derrochan intensidad y autenticidad desde la inicial ‘Zu’, con un riff fibroso y machacón que acaba con una maraña distorsionada muy nirvanesca. Sin tiempo para recuperarte de esta placentera paliza, estos tres amigos de Gernika ponen la directa y escupen en euskera una oda al poder de la música más alternativa como es ‘Pulpo’, 2 minutos sin tregua que incluyen mi estribillo favorito, seguido por un torbellino titulado ‘Ezgauzak’, una animalada arrolladora. Tooth bajan las revoluciones, que no la vehemencia, en ’GuduZelaiak’ y rematan ‘Ni Al Naiz?’ con unos gritos estremecedores. Justo cuando crees haberle tomado la medida a Amaierarik Ez, cuando piensas que ya no te pueden sorprender más, empieza a sonar el corte descarnado que da nombre al disco y descubres que se guardaban un as en la manga para el final: los últimos compases te dejan planchado. Y con ganas de más. Esperemos que su próxima entrega no se haga tanto de rogar. LUIS BENAVIDES

PANIC! AT THE DISCO

Pray For The Wicked (FUELED BY RAMEN/WARNER) POP

uando Panic! At The Disco eran todavía una banda, y no el proyecto en solitario de Brendon Urie, siempre se habían caracterizado por no hacer dos discos iguales. El emo pop de su exitoso debut A Fever You Can’t Sweat Out nada tenía que ver con los sonidos retros inspirados en los Beatles de Pretty. Odd., ni estos con el rock bailable de Vice & Virtues. Pero después de haber logrado su primer número 1 con Death Of Bachelor en 2016, con el que se lanzó al pop más mainstream, era de esperar que Urie no arriesgara tanto en su siguiente trabajo. Y así ha sido, Pray For The

74 68

Wicked es una secuela en toda regla de su millonario predecesor, con una serie de temas que pueden sonar perfectamente al lado de los hits de Bruno Mars, Justin Timberlake… o Fall Out Boy, sin que a nadie le chirríe. Naturalmente, quien todavía tenga la esperanza de recuperar a los Panic! de antaño, lo lleva crudo, pero es evidente que puestos a escuchar música comercial, esto no está mal del todo. En primer lugar, porque Urie canta mejor que nunca después de su paso por Broadway con el musical Kinky Boots y también porque sigue conservando ese gusto por trazar buenas melodías con letras algo rebuscadas, en este caso sobre el difícil ascenso a la cima. Y aunque la producción tiende claramente a las bases electrónicas, todavía incorpora algún elemento orgánico, como los vientos de ‘The Overpass’ o el ritmo jazz de ‘Roaring 20s’ que le dan un toque humano. La lástima es que no sea suficiente para que el álbum no desprenda esa sensación de haber sido creado en un laboratorio. MARC LÓPEZ

DEAFHEAVEN

Ordinary Corrupt Human Love (ANTI-) POST METAL

os cabrones lo han vuelto a hacer. Mira que tenían el listón alto, pero Deafheaven han creado otro disco en el que la belleza y la brutalidad se dan de la mano para hacernos volar muy alto. Cualquier etiqueta se queda pequeña al intentar categorizar unas composiciones capaces de mantenerte en vilo, a menudo, durante más de diez minutos con esa amalgama de influencias black metal, post rock, shoegaze y, ojo, classic rock. Y es que sus canciones me recuerdan cada vez más a las piezas más épicas de Guns N’ Roses tipo

‘Estranged’ o ‘Civil War’ -de hecho, el tono y los fraseos de la guitarra de Kerry McCoy se parecen a los de Slash cuando se pone a solear-, dando más protagonismo al aspecto melódico, incluso cuando más burros se ponen (como en el giro que pegan a los cuatro minutos de ‘Honeycomb’), y al piano. La voz desgarrada de George Clarke sigue en un segundo plano, casi indescifrable, pero aporta esa capa de agresividad que junto a la sobrehumana labor del batería Daniel Tracy, hace de Deafheaven una banda todavía no apta para quien no tenga en su dieta algo de metal extremo. Pese a ello, Ordinary Corrupt Human Love es su disco más ‘accesible’, e incluso en la lánguida ‘Near’ o en la lírica ‘Night People’, en la que colabora Chelsea Wolfe, prescinden totalmente de cualquier acercamiento al metal. Pero más vale no confiarse porque cuando la maquinaria se pone a tope como en ‘Glint’ o ‘Worthless Animal’, los efectos son devastadores. Como una bomba atómica cayendo en la puesta de sol más hermosa que hayas visto jamás. JORDI MEYA

SKINLESS Savagery (RELAPSE) BRUTAL DEATH METAL

ue Skinless no habían vuelto a la actividad para pasar el rato debía quedar claro con su anterior Only The Ruthless Remain, pero a mí no me convencieron hasta que no me reventaron en el pasado Netherlands Deathfest en un bolo de lo más destructor, y no exento de humor. Para refrendarlo, además, ahora tenemos a Savagery. Por fin esta bestia hace honor a la imbatible escuela de Nueva York y nos pulveriza con su nueva obra, donde la producción es medio álbum. Grabado por Tom Case en el Doomsday Bunker Studio y Dave Otero (Primitive Man, Cattle

Decapitation, Cephalic Carnage…) en el Flatline Audio de Colorado, la profundidad, el tonelaje y el groove conseguidos son apabullantes y muy noventeros, y lo mejor de ello: Savagery suena muy lejos de la sobreproducción. La voz de Sherwood Webber es una aberración que, sin eclipsar al resto, te engulle sin compasión. Con la confianza que debe mostrar una banda que crea tendencia en vez de seguirla, los estadounidenses no dudan en adornar con un gran solo una monstruosidad como ‘Exacting Revenge’ o incluir una sorprendente guitarra acústica en un tema puente como ‘Reversal Of Fortune’. Y es que, ¿a quién leches deben rendirle cuentas ellos? Prepárate para ser aplastado por ‘Medieval’, ‘Siege Engine’, la ultrajante ‘Skull Session’ o ‘Line Of Dissent’, que más que canciones, son megalodones. Podrido brutal death con veterano slam de ultratumba, de ése que ni olerán los niños rata que creen que todo trata de dar patadas voladoras con sus cañitas. PAU NAVARRA

CULTURE ABUSE Bay Dream (EPITAPH) ROCK, POWER POP

o creo que demasiados de nuestros lectores tengan presentes en su memoria a bandas como Rooney o Phantom Planet, que durante unos pocos años crearon muy buenas canciones de power pop californiano. Pero si eres uno de ellos, ya puedes correr a escuchar el segundo álbum de Culture Abuse, con el cual debutan en el sello Epitaph. Si bien no tienen como aquellos, conexiones con el mundo de Hollywood, sus canciones poseen el mismo gancho, eso sí, con un sonido más crudo acorde a su background de los garitos de punk de la zona de San

Francisco. Es ese toque un poco garajero unido a las melodías soleadas del vocalista David Kelling lo que produce un efecto tan irresistible. En ese sentido la producción de Carlos de la Garza (Paramore, Jimmy Eat World) y las mezclas del mismísimo Brett Gurewitz (Bad Religion) han dado con el equilibrio perfecto entre pegada y sensibilidad pop. Durante media hora Culture Abuse, te suben el estado de ánimo con el positivismo de ‘Bee Kind To The Bugs’ o ‘S’Why’ en la que Kelling canta “te quiero cerca, porque me haces sentir bien” con una candidez entrañable y estribillos tan redondos como los de ‘Rats In The Walls’ o ‘Dip’. Los teclados del gran Roger Manning Jr. (Jellyfish, Imperial Drag) les dan un toque especial a piezas como la ramoniana ‘Dave’s Not Here (I Got The Stuff Man)’ o la más relajada ‘Bluebird On My Shoulder’. La banda ya ha anunciado cuatro fechas en noviembre en España, así que hay tiempo de sobras para empollarse este disco de arriba abajo. Poco te va a costar, porque esto entra como la horchata. JORDI MEYA

THE BACKSEATS

HAS DE SABER... Rodrigo Paredes (voz, guitarra), Quico Duret (guitarra), Diego Fernández (batería), Birko (bajo) PRODUCIDO POR: Markus Pari y Arzur Milleer AFINES A: The Blackjaw, Hot Water Music, The Flatliners PÁGINA WEB: www.thebackseatsrock.bandcamp.com FORMACIÓN:

E ...Into Oblivion (AUTOEDITADO) PUNK ROCK

s una alegría ver cómo cada vez hay más bandas que están recibiendo el reconocimiento que por talento y esfuerzo sin duda merecen, pero a veces puede ser que nos olvidemos de aquéllas que se encuentran en el otro reverso de la moneda. Los madrileños The Backseats saben sin duda muy bien a lo que me refiero, ya que desde que comenzasen su andadura a comienzos de esta década no han hecho más que encontrar obstáculos a cada paso que han dado. Cerca de diez años de subidas (sus dos primeros álbumes fueron producidos por Juan Blas en Westline Studios y llegaron a tocar con The

Flatliners y Get Dead entre otros) y bajadas (su historial de bajistas es digno de Spinal Tap) en las que estuvieron varias veces a punto de tirar la toalla, pero siempre fueron capaces de sacar fuerzas para seguir adelante. Al menos hasta ahora, ya que con ...Into Oblivion (que complementa al EP de 2016 Going Further) echan el cierre de manera definitiva a una carrera que por la calidad demostrada hubiera merecido muchísimo más. Prueba de ello son estas seis nuevas composiciones que vienen a reafirmar la evolución de su etapa final hacia un punk rock excesivamente recrudecido. Nada de lo que suena aquí está premedita-

damente pulido, sino todo lo contrario. Los dos primeros puñetazos, ‘Shelter’ y ‘The Average Right Wing Voter’, van directos al mentón por la vía rápida y sin anestesia. La grabación, que se ha vuelto a registrar en su propio local de ensayo, nuevamente tira de lo mínimo y sin buscar efectismos, a pesar de que un mayor cuidado de las voces hubiera mejorado el resultado final de piezas como ‘Historical Memory’ u ‘One Way Ticket’. Pero es justo así como han querido hacerlo, ya que como bien se encargan en recordarnos en ‘Unspoken’, las personas pueden desvanecerse, pero las ideas prevalecen. GONZALO PUEBLA

HABLAMOS CON... RODRIGO PAREDES Tras casi diez años con el grupo, habéis decidido dejarlo. ¿Qué es lo que os ha hecho decir ‘hasta aquí’?

“Básicamente, la vida. Al acabar la grabación de este último EP Diego nos dijo que por cuestiones laborales iba a tener menos tiempo para dedicarse al grupo, ya que iba a estar viajando de aquí para allá, y poco después anunció que iba a ser padre. Quico se fue a Ecuador con su pareja a trabajar, y yo me quedé sin trabajo aquí en Madrid, me salió una oportunidad para currar en Estados Unidos, y me fui. Curiosamente, por primera vez en la historia de The Backseats, era el bajista, Birko, el que se quedaba solo. Son estas cosas que de repente pasan y congelan la vida del grupo. Tras unos meses yo regresé y hace poco en el local con Birko comentamos el tema de publi-

car lo que teníamos grabado a título póstumo ya que se daba por hecho que no íbamos a volver. Ha sido un alivio por no dejarlo en la sombra, pero también ha sido triste al cerrar una etapa muy bonita de nuestras vidas”. Al contrario que otros grupos del estilo, vosotros habéis ido un poco a la inversa, tirando cada vez más hacia el punk rock. ¿Cómo lo explicas?

“No sé, siempre nos movimos por el mismo ambiente y aunque al principio nos gustaba hacer algo más accesible, el entorno acabó influyendo en el sonido, algo que me parece bastante peculiar dado que suele ser un sonido determinado el que te acaba inclinando a la hora de escribir temas. En nuestro caso también fue así, pero me gusta creer que generaron más influencia las personas con las que nos

movíamos. Al fin y al cabo, el punk rock siempre estaba presente de una u otra forma y acabó por manifestarse cada vez más”. ¿Qué es de lo que más orgulloso te sientes de haber conseguido con The Backseats?

“Todos los amigos que hemos hecho, como nuestros hermanos de La MODA o de The Blackjaw. Pero quizás una de las cosas más bonitas fue un día tras un concierto de Minor Empires en la Moby Dick, que se me acercaron unos chavales a pedirme permiso para versionar un tema nuestro. Al final resultaron ser Skylines, que a día de hoy son uno de los grupos más destacables de la escena madrileña. Sólo podemos dar las gracias a toda la gente que en algún momento formó parte de todo esto de alguna manera”. (GONZALO PUEBLA)

L MARDUK Viktoria

(CENTURY MEDIA) BLACK METAL

os últimos dos discos de Marduk, Serpent Sermon y Frontschwein, se pueden resumir en dos palabras: acero incandescente. Es por eso que, durante tu primer enfrentamiento con Viktoria, te sorprende lo básico que resulta lo nuevo de los suecos, aunque igualmente temible. Es en sucesivas escuchas que éste va calando con otro tipo de agresión, más punk e histérica. Las sirenas te avisan del inminente bombardeo que se iniciará con ‘Werwolf’, pero ésta no es un infierno, se trata de una violencia distinta. ‘June 44’ sí afila la bayoneta del seis cuerdas Morgan, ¿pero qué diablos hace Mortuus a las voces? ¿Qué son esos ‘uooohs’? Ni idea, pero mola mucho que Marduk ‘se relajen’ y por unos instantes manden al garete las leyes no escritas del black metal. ‘June 44’ es ya una tralla

P HABITAR LA MAR La Deriva (THE BRAVES) NOISE ROCK

restando atención a sus respectivas hojas de servicio, no deberíamos sorprendernos al ver quiénes se encuentran detrás de Habitar La Mar. Si hay algo que tienen en común Juan A. Soler ‘Kantz’, Kike Gutiérrez, Frego, Paco Reig y José Miguel Ocón (todos ellos procedentes de formaciones como El Gran Oso Blanco, Xkrude, Oddhums o De La Cuna A La Tumba) son las ganas constantes de probar cosas nuevas y enrolarse en cualquier proyecto con tal de abrir nuevos caminos. De esa inquietud nacen los cinco temas que conforman

de aúpa, y ‘Equestrian Bloodlust’ tampoco se queda corta. Empieza a ser habitual en sus trabajos más contemporáneos encontrar cortes lentos, arrastrados a medio gas, como ‘Tiger I’, pero esta vez nos sirve para comprobar el currazo que se ha pegado el vocalista para brindarnos lo más desgarrado y putrefacto de su repertorio. Sólo le ha faltado echar un gargajo verde a cada final de estrofa. En ‘Narva’ silban

los obuses soviéticos antes de que surja la épica bélica, la misma que prosigue ‘The Last Fallen’, y la masacre de civiles se eterniza con ‘Viktoria’, con ración doble del bajo de Devo, y una ‘The Devil’s Song’ de mínimos que te arrancará la piel a tiras. La lluvia de fuego y metralla ha sido intensa, así que nada como una ‘Silent Night’ para reponer fuerzas con un ojo bien abierto. Pero qué grandes son.

La Deriva, una carta de presentación que viene en un envoltorio muy cuidado a cargo de The Braves Records, que por sí solo ya merece su adquisición (además de ser una tirada limitada de un centenar de copias). Por supuesto, nada de eso serviría si el contenido no estuviese a la altura, y pueden dar por descontado que lo está. Como podemos comprobar en ‘La Bruja’ y ‘La Ira’, el combo se adentra en un noise rock muy en la línea de gente como Metz, aunque en todos los cortes encontraremos alguna línea melódica que les da un toque distintivo de lo

más interesante. Pero no melodías amables y fáciles, sino que se adhieren a una base sólida y estridente de guitarras llenas de distorsión y efectos para conseguir transmitir ese ambiente opresivo y asfixiante tan bien logrado en ‘El Colgado’ o la caótica y final ‘El Pacto’. Breve y conciso es como funciona este EP de debut al que resulta complicado responder si encontrará continuidad en un futuro sabiendo de lo ajetreado de las agendas de sus componentes, por lo que haremos bien en guardarlo como oro en paño para su posterior revalorización.

PAU NAVARRA

GONZALO PUEBLA

STATE CHAMPS Living Proof (PURE NOISE) POP PUNK

no de los principales problemas de muchas bandas de pop punk actuales es lo difícil que resulta distinguirlas unas de otras. Una crítica extensiva también a muchas bandas de metal suecas o de metal alternativo americanas, no se crean. Gran culpa de ello la tiene la obsesión de los sellos, y también de las propias bandas, de trabajar con los mismos productores y compositores externos, lo que acaba homogenizando el sonido de todas ellas. A menos que le prestes atención de verdad, algo

que en la era del streaming es cada vez más complicado, cuesta encontrar la personalidad de los músicos, pues queda camuflada por los recursos habituales de, por ejemplo, un John Feldmann obstinado en poner esos ‘uooh uoohs’ en cada tema que produce. Pese a esta enmienda a la totalidad, State Champs sobresalen por el nivel de sus canciones y por tener un directo por encima de la media. Llegados a su tercer álbum, los de Nueva York han hecho alguna concesión a esa mayor comercialidad que parece obligatoria si uno quiere salirse del circuito de siempre, pero por suerte, no hasta al punto de venderse totalmente al pop. Quitando las tres baladas -sí, tres-, donde casi resultan irreconocibles (sobre todo en ‘Time Machine’, con cameo de Mark Hoppus incluido), el resto del disco ofrece una buena dosis de ese pop punk con chispa al que nos tenían acostumbrados con un buen trabajo vocal y de guitarras en las pegadizas ‘Criminal’, ‘Frozen’, ‘Lightning’, ‘Safe Haven’ o ‘Sidelines’. DAVID GARCELL

OSO

Limbo (BCORE) INDIE FOLK

eis largos años después de su primer trabajo, los barceloneses OSO regresan con Limbo, el disco más autobiográfico de Rafa Rodríguez, su cantante y guitarra. El mismo título del disco hace referencia al lugar en el que se encontraron su difunto padre y su entonces futuro hijo. Los dos danzan en la oscuridad en la canción que abre el disco, ‘Two Empty Rooms’, las habitaciones vacías del progenitor que se ha marchado y la del bebé que está en camino. Vida y muerte, nostalgia y esperanza, recuerdos y

proyecciones de futuro, coexisten en un álbum repleto de vivencias personales compartidas públicamente con inteligentes metáforas. Otro ejemplo es la preciosista con final apabullante ‘The Young Man And The Sea’, una inmensa declaración de amor donde él es un marinero y ella, la estrella polar que le guía por el buen camino. Limbo es un trabajo sentido, exquisito y rico en matices y dinámicas gracias a la participación de muchos músicos con clase y tablas, empezando por sus inseparables Ignasi Carrer al saxo y Víctor Jiménez, bajista y productor de este trabajo de pop rock en mayúsculas. Unas veces más acústico (‘Ayutthaya’), otras veces cercano al indie rock (la guitarra principal de ‘The Taylor’ enamoraría a St. Vincent) y con incursiones en el post e incluso el math (‘While We Build The Universe’ y ‘I Drew A Desert Behind Your Eyes’), Limbo es un disco agradable en la primera escucha y totalmente adictivo en las siguientes. La espera mereció muchísimo la pena. LUIS BENAVIDES

S MAD CADDIES

Punk Rocksteady (FAT WRECK) REGGAE

eguro que alguna vez te has encontrado en esta situación, especialmente ahora en verano. Invitas a varios amigos a tu casa a tomar unas cervezas, quizá hasta para hacer una barbacoa o, si eres afortunado, bañarse en tu piscina. Todo va bien, hasta que en un momento dado empieza una absurda discusión sobre qué disco poner, olvidando que es tu puta casa y tienes todo el derecho a poner la música que te dé la puta gana. Pero por no quedar como un gilipollas, acabas enfrascado durante media hora en un intercambio de opiniones sin que nadie se decida… ¿Te suena? Pues bien, aquí estamos la buena gente de RockZone para ofrecerte la solución. La próxima vez, no digas nada y simplemente pon a todo volumen el nuevo trabajo de Mad Caddies, y verás cómo el buen

P HOWLIN RAIN

The Alligator Bride (SILVER CURRENT) ROCK

or mucho que Mansion Songs significase una tremenda decepción, en el fondo todos sabíamos que el genio de Ethan Miller no podía haberse esfumado así como así. Es cierto que el ambiente de bajón y melancolía que impregnaba aquel álbum casaba a la perfección con el momento personal que el líder de Howlin Rain había pasado tras la desbandada al completo de sus antiguos compañeros, y que al mismo tiempo contrastaba con su puesta en escena en directo, donde esas mismas composiciones eran pasados por el filtro

rollo vuelve de inmediato. Formado por una docena de versiones de bandas de punk rock seleccionadas entre los Caddies y Fat Mike, y adaptadas a ritmos reggae, Punk Rocksteady es la alternativa perfecta a los recopilatorios de pachanga. Es una delicia escuchar ‘Sorrow’ de Bad Religion, ‘She’ de Green Day, ‘Alien 8’ de Lagwagon o ‘AM’ de Tony Sly como nunca lo habías hecho antes. Puede parecer una fórmula

fácil, pero es destacable la naturalidad con la que, por ejemplo, han transformado ‘Sink, Florida, Sink’ de Against Me! en una pieza caribeña o que ‘Jean Is Dead’ de Descendents parezca que sea un tema de Sublime. Incluso se las apañan para que una canción como ‘…And We Thought That NationStates Were A Bad Idea’ de Propagandhi suene de maravilla con trompetas.

electrizante característico de la banda. Pues bien, para su quinto álbum Miller ha optado por recuperar las señas de identidad por las que se ha dado a conocer y en The Alligator Bride nos reencontramos felizmente con esas jams infinitas llenas de coloridas guitarras. ‘Rainbow Trout’ es el primer aviso gracias a un ritmo trotón que va ganando en intensidad. Más certero es el single ‘Missouri’, una vitalista pieza con ese sabor tan californiano de los 70 y que culmina en una orgía de guitarras poniendo las pedaleras a funcionar a pleno rendimiento. En la parte central encontramos

las que probablemente sean las dos mejores canciones del álbum. ‘The Wild Boys’, con un arranque sosegado y un posterior desarrollo y finalización con la banda desbarrando sin miramientos, mientras que, por su parte, ‘Alligator Bride’ invoca el espíritu del mejor Neil Young y su caballo loco. ‘In The Evening’ nos retrotrae al tono intimista y confesional de Mansion Songs, siendo de los pocos instantes de descanso que hallaremos antes de que ‘Coming Down’ nos confirme que Howlin Rain están de vuelta por todo lo alto.

JORDI MEYA

GONZALO PUEBLA

GALACTIC EMPIRE Episode II (RISE) METAL INSTRUMENTAL

ueno, bueno… esto es ya para verdaderos freaks de Star Wars. Si el debut de Galactic Empire podía llamar la atención de cualquier fan casual de la saga -o sea, prácticamente todo el mundo- con las reinterpretaciones de algunas de las partituras más conocidas de John Williams en clave de metal progresivo, aquí ya nos adentramos en materia para ultra fanáticos. Porque casi cualquiera es capaz de reconocer y tararear el tema principal de Star Wars o ‘La Marcha Imperial’, ¿pero quién podría hacerlo con los pasajes de ‘Kylo Ren Arrives At The Battle’ o

‘The Droid Invasion And The Apperance Of Darth Maul’? Pero claro, Galactic Empire, donde encontramos a Chris Kelly como guitarrista y Carson Slovak y Grant McFarland de Century como sección rítmica, quemaron todos los cartuchos en su primer álbum y aquí han tenido que recurrir a piezas menos conocidas dentro de la filmografía galáctica. Pese a eso, este divertimento sigue teniendo su gracia, aunque me sorprendería que la banda tenga mucho más recorrido en un tercer álbum. Desde luego, si te van los discos instrumentales de guitar heroes o flipas con los grupos de djent, aquí podrás asombrarte con las digitaciones vertiginosas que estos músicos son capaces de trazar sobre estas melodías espaciales, pues aunque pareciera imposible, todavía han ido un paso más lejos en cuanto perfección técnica. Basta escuchar los más de 8 minutos de ‘The Battle Of Yavin (Launch From The Fourth Moon)’ o la carrera que se pegan en ‘Hyperspace’ para sentirte volando hacia una galaxia muy, muy lejana. DAVID GARCELL

Mesures’ también dan buena muestra del activismo político de esta banda formada en 2010 por músicos curtidos en bandas como Crazy Arm, Random Hand y Sounds Of Swami. En general, las letras del cuarteto pretenden despertar conciencias para THE HUMAN PROJECT que algo pueda cambiar. Clarion Call Así, el disco respira (WALL OF SOUND) hartazgo, mucha rabia, HARDCORE MELÓDICO pero sobre todo transmite las ganas de darle una 79 vuelta a la situación en cortes como ‘What We Always Do’ y ‘Pride Before A Fall’. Producido por l segundo largo de los Andy Hawkins (Hawk Eyes, británicos The Human Random Hand), Clarion Project es una señal Call es un disco de skate de alarma, una llamada de punk y hardcore melódico atención, como bien indica muy técnico que puede el título, Clarion Call. El recordar a This Is Standoff, primer adelanto, ‘That One los primeros Thrice y los Percent’, es una apasionada maestros Propaghandi. crítica contra las políticas Lo mejor de esta banda de austeridad impuestas de Leeds es que su por los conservadores incuestionable habilidad con en su país. Los intereses sus respectivos instrumentos de los más poderosos, está siempre al servicio de con la ayuda de ciertos unas canciones rotundas, medios de comunicación, sin fisuras, con vocación de denuncian en este furioso himno, conducidas por unos pero melódico corte, juegos vocales fantásticos. siempre van en detrimento Sin duda, uno de los de los que menos tienen. La secretos mejor guardados dupla inicial formada por la de las Islas Británicas. solemne ‘Desperate Times’ LUIS BENAVIDES y la enérgica ‘Desperate

RIOT V

Armor Of Light (NUCLEAR BLAST) HEAVY METAL, POWER METAL

iot V no serán exactamente la banda del tristemente fallecido Mark Reale, y seguramente algunos también echarán en falta a Tony Moore al mico, pero no se puede negar que veteranos como Don Van Stavern al bajo y el guitarrista Mike Flyntz saben muy bien cómo seguir dirigiendo al guerrero con cabeza de foca. Sin ir más lejos, el álbum que nos ocupa, Armor Of Light, es una gran prueba de ello. A sus 48 años, sorprende la extraordinaria juventud que aún conserva el chorro del cantante Todd Michael Hall, y si es el que más brilla

82 78

en las iniciales ‘Victory’ y ‘End Of The World’, ya en ‘Messiah’ toda la formación se luce que da gusto al más puro estilo Thundersteel. Lo mismo rememora al final un cañonazo como ‘Raining Fire’. ‘Angel’s Thunder, Devil’s Reign’ baja algo de velocidad, pero es otro temazo de aúpa, contando además con el mejor estribillo del disco. Llegados a este punto, choca que unos históricos como los neoyorquinos cada vez se fijen más en el power europeo en lugar del suyo propio, el US de toda la vida. Por ejemplo, ‘Burn The Daylight’ les empareja directamente con los Helloween más hard rockeros y festivos. ‘Heart Of A Lion’ tampoco da cuartel y nos deja otro coro para enmarcar, y es que el heavy metal cristalino, los solazos y las notas vocales altísimas no dejan de sucederse en ‘Armor Of Light’, ‘San Antonio’ o una ‘Caught In The Witches Eye’ que es toda cuero y tachuelas. Dentro de las coordenadas estilísticas mencionadas, seguramente estemos ante el trabajo del curso. PAU NAVARRA

SCUMWORM s/t

(AUTOEDITADO) GRINDCORE

ontando con varios indeseables de algunas de nuestras formaciones favoritas de Andalucía, casos de Lapidated, Lead Coffin, Monkeypriest o Purulent Necropsys, teníamos que reseñar esta mugre sí o sí. Tras su infame demo Funesto Cepo, Scumworm, que no se han dignado ni a titular su nuevo EP, vomitan ahora una obra continuista en cuanto a sonido porculante, truculento caos y absoluta falta de vergüenza. Su reciente carroña sensorial nos sitúa de primeras en el desierto de Almería con ‘Acción Violenta’, porque

abriendo a lo spaghetti western te prepara para que su tromba grind te reviente luego los oídos. ‘Dios Oculto’ aporta aires 70’s, pero están muy viciados, su acercamiento al sludge es vil y pendenciero, y como casi todo en ellos, acaba en rabieta infantil, a tortazos, pataletas e improperios varios. En ‘Gentrificación Masiva’ ya se ríen en tu cara… eres un imbécil que está perdiendo el tiempo escuchando esto, así que no mereces otra cosa. ¡Pero hay un error! ¿Dónde vais con ese punteado? Nada que no se pueda remediar con ‘Aún Viven’: otro puñetero horror a base del grind más ponzoñoso y rastrero que puedas imaginar. ‘Mentes Deformes’ pone en evidencia el ‘trabajo’ que hay tras las ‘voces’ de este EP, y si ‘Escupiendo Carne’ vuelve a terrenos áridos, tranquilo, que fieles a su eyaculación precoz, pronto retoman su tralla psicopática. Grabado en su local y mezclado y masterizado en Aromestudio, no imagino una mejor producción para estos seis coprolitos. Menuda cuadrilla... 10 minutos intolerables. PAU NAVARRA

THE CAPACES Rawness (EL BEASTO) PUNK ROCK

n casi veinte años de carrera da tiempo de sobra tanto a cambiar muchas cosas como que otras sigan inalterables desde el primer día. Que se lo pregunten si no a The Capaces, que no han cesado de ametrallar nuestros tímpanos desde que comenzasen allá por 1999. Con un pequeño parón de por medio en el que algunos de sus componentes han aprovechado para traer descendencia a este mundo, ahora regresan con la continuación de For Good. Si en aquel trabajo los barceloneses se atrevieron a jugar introduciendo nuevos elementos aunque sin corromper del todo su inquebrantable

personalidad, en Rawness apuestan por una regreso a lo básico. Porque por mucho que hayan vuelto a trabajar con Santi Garcia, lo cual garantiza que el disco suena como un cañonazo, aquí pocas sutilezas encontraremos más allá de las dos piezas que abren (‘Dead End’) y cierran (‘Uncertain Sky’) la obra. Todo lo demás que nos encontraremos en las diez balas restantes es lo que The Capaces nos han tenido tan bien acostumbrados desde sus inicios. Es posible que esta vez la balanza se haya decantado hacia una vertiente más rockera como así atestiguan ‘Light The Fuse’, ‘Shinning Soul’, ‘Ready To Lose’ o la chulísima versión que se cascan de ‘Poison’ de MC5, donde se permiten bajar un poquitín el ritmo. Por supuesto, el que quiera esos escupitajos de velocidad supersónica los seguirá teniendo en ‘Sparkles’, ‘Black Dhalias’ y ‘Right Now!’. Sea en un caso u otro, los inflamables punteos que dispara Cleve desde su Gibson o la expresividad desbocada de Martillo siguen a la orden del día en estos poco más de 20 minutos frenéticos. Fiabilidad absoluta. GONZALO PUEBLA

ISSUNA

Ez Dugu Aske Izateko Zuen Baimenik Behar (VARIOS SELLOS) CRUST PUNK

ras debutar en 2015 y seguramente habitar durante un tiempo indefinido en todo gaztetxe y sala autogestionada que se les haya puesto a tiro, el trío vasco Issuna lanza su segundo álbum siguiendo la filosofía DIY para la grabación, aunque esta vez recurriendo a Iván Ferro de Kollapse Stvdios para la mezcla y masterización. El resultado son 19 minutos que no se andan con leches, que van al grano, pero donde podemos observar numerosos matices, como por ejemplo el deje post punk en algunas voces de ‘Saminaren Gidariak’

o ‘Entsalada Egunak’, una canción que también presenta un sample y un riff bastante melódico y emotivo. De la misma forma, entre caña desatada encontramos breakdowns en la veloz ‘Dena Egiteke’ o ‘Pudorea’, e incluso alguna mirada atrás, quién sabe si hacia su juventud perdida, en la saltarina y casi nu metalera ‘Amaieraren Hasiera’. Es decir, que entre la zapatilla sin complejos de la redonda ‘Pasioa’, ‘Nahiz Eta Heriotza’ o la salvaje ‘Ez Duzulako Irtenbiderik Izango’ aparecen alternativas que consiguen que su crust punk sea de todo menos monótono, tedioso o previsible. Sin grandes medios ni pretensiones, aunque sonando potente y sincero, Issuna han conseguido plasmar un nuevo trabajo que cumple al 100% con su cometido y que pude hacer mucha pupita en directo. ¿Qué os apostáis a que tardáis más en leer el título de esta obra que en escuchar de seguido ‘Sofistak I’, ‘Julio Kageta’ y ‘HC Bizirik’? Iker, hijo mío, cuídate ese cuello un pelín, que me has hecho sufrir un montón. PAU NAVARRA

BLANKET

How To Let Go (MUSIC FOR NATIONS) POST ROCK

l post rock instrumental nunca dejará de sorprendernos y emocionarnos. Algunos pensarán que este género musical tocó techo con las mejores obras de Mogwai, Caspian, Tortoise o This Will Destroy You, pero la vida continúa y trabajos como el largo debut de los británicos Blanket bien merecen una atenta escucha. Abrir el presente How To Let Go con un piano delicado puede parecer un truco muy manido, pero funciona y resulta imposible no dejarse embaucar por su melodía, que te atrapa y prepara

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para la gran explosión. La efectividad de esta banda de Blackpool, capaz de moverse por lugares comunes con mucha elegancia sin caer en burdas repeticiones, está fuera de toda duda. Otro buen ejemplo son mis favoritas ’The Devil Holds Fast Your Eyelids’ y ‘Beacons’, con unas subidas y bajadas de tensión brillantes y unas sacudidas bárbaras tan familiares como irresistibles. Los guitarristas Bobby Pook y Simon Morgan cantan menos que en su EP de presentación, donde las comparaciones con Circa Survive eran obligadas. Y algo queda de eso en ‘Turn Ourselves To Stone’ y ‘This Moment Right Here’, dos cortes con voces celestiales y guitarras abrasivas. Ahora las voces son ‘guadianescas’, aparecen y desaparecen, son una capa más. Como en ‘Worlds Collide’, donde repiten una única frase con un auto-tune al más puro estilo Bon Iver. Querían hacernos viajar durante 55 minutos de absoluta desconexión y les felicito: misión cumplida. Su entrada en la élite del post rock ambiental está muy cerca. LUIS BENAVIDES

CHRCH

Light Will Consume Us All (NEUROT RECORDINGS) BLACKENED DOOM METAL

n materia de voces, el doom metal actual está atravesando una progresiva feminización que le sienta de maravilla. Si normalmente el estilo demanda guturales cavernarios, la aparición de formaciones como Windhand, Witch Mountain o sin ir más lejos, nuestras Grajo o Hela, han demostrado que los llantos espectrales que pueden lanzar ciertas cantantes es un importante y valioso añadido a sus propuestas. Con Eva Rose al frente, Chrch también se enmarcan en esta tendencia, pero además, si sumamos las

labores de esta aterradora médium a los riffazos de sus compañeros, obtenemos un discazo como el que nos ocupa. Con sólo tres largos temas, este grupo se basta y se sobra para entregar una segunda obra de altísima calidad. Para empezar, más de 21 minutazos de ‘Infinite’, un crescendo bastante Black Sabbath que estalla en un aquelarre muy blackerizado, donde Rose se arranca pelo, ojos y uñas buscando el favor de vete tú a saber qué entidad. Su segunda mitad es más etérea y pausada, pero cuando despiertan las guitarras caminan directas hacia la perdición. ‘Portals’, la siguiente en caer, es una pasada. Siniestra y demoledora, su cuarto de hora no tiene ni un instante de desperdicio. ‘Aether’, la que cierra, nos sume en la depresión a través de un selecto control de lo que debería ser el doom, pero cuando parece que el abatimiento ya no puede ir a más, los de Sacramento se arrancan con un blast beat black metal en el que su frontwoman vuelve a dejarse la garganta. Este álbum eriza el vello, y de qué manera.. PAU NAVARRA

THE DRY MOUTHS When The Water Smells Of Sweat (VARIOS SELLOS) ROCK ALTERNATIVO

n funcionamiento desde mediados de la pasada década, a The Dry Mouths ya se les puede considerar como auténticos veteranos de nuestra escena. El trío almeriense siempre se ha mostrado activo a lo largo de estos años editando un buen puñado de referencias entre las que encontramos tres álbumes en su haber. Pero parece que desde la publicación de And Show Us los chicos han comenzado a pillarle el gusto por los formatos más reducidos. Así pues, tras el EP 2 Months y un single compartido con The Dust Bowl en 2016, ahora nos vuelven a entregar seis

nuevas composiciones que son sólo un mero atisbo de su buen hacer. When The Water Smells Of Sweat supone una inmersión en la parte más stoner que la propuesta de The Dry Mouths siempre ha atesorado. Pero al contrario de lo que pudiera parecer, no estamos ante el trabajo más duro de la banda, sino que han sabido utilizar esa base rocosa y sugerente para arropar unas canciones más oscuras y melancólicas. Esto queda más claro cuando ‘Low Clouds’ nos da la bienvenida en una breve pieza de apenas 2 minutos que da pistas de lo que estará por llegar en los siguientes 20. ‘Catalonian Cream’ y ‘This Could Be The Beginning Of A Beautiful Friendship’ se destapan con los mejores momentos del EP. Guitarras contenidas y atmosféricas acompañando bonitas melodías con cierto tono tristón. No podía faltar la habitual instrumental con la que suelen cerrar todos sus discos y en ‘Doomental VI: Law Far Low Par’ se marcan una jam que desemboca en un exótico solo de saxo. Pinceladas que dejan con ganas de muchísimo más al tiempo que certifican su calidad. GONZALO PUEBLA

SWINGIN’ UTTERS Drowning In The Sea, Rising With The Sun (FAT WRECK) PUNK ROCK

ucho han tardado los californianos Swingin’ Utters en lanzar su primer recopilatorio. Han esperado tres décadas para hacer balance de su dilatadísima trayectoria. Formados a finales de los 80 en Santa Cruz como una banda de versiones de clásicos del punk, los originalmente conocidos como Johnny Peebucks And The Swingin’ Utters importaron y defendieron con uñas y dientes el sonido y la actitud de la primera ola del street punk británico introduciendo a lo largo

de su carrera diferentes matices e interesantes variaciones. Los cortes de punk melódico de aire más clásico, deudores de Buzzcocks y The Clash, predominan en este extenso recopilatorio, pero lejos de resultar monocorde y excesivo también encontramos estribillos punk pop en la onda de sus paisanos Jawbreaker (‘No Eager Man’, ‘Windspitting Punk’), baladas alegres influenciadas por el irish folk (‘A Promise To Distinction’) e incluso algo de bluegrass tabernero con espíritu punk (‘End Of The Week’). En total, 33 canciones de una docena de referencias publicadas entre 1992 y 2014. Aunque no estén ordenados de manera cronológica, algo que resta puntos a la retrospectiva, los temas escogidos reflejan muy bien sus múltiples influencias y, sobre todo, sus diferentes registros. El libreto incluye un desplegable con todos sus discos e incluso proyectos paralelos. ¿Despedida o punto y aparte? Seguiremos informando. LUIS BENAVIDES

ZEAL & ARDOR

EL DIABLO VINO A MÍ

DESDE QUE CREÓ LAS PRIMERAS CANCIONES DE ZEAL & ARDOR EN SU ESTUDIO CASERO HASTA QUE SALIÓ DE GIRA CON PROPHETS OF RAGE O MARILYN MANSON, LA VIDA DE MANUEL GAGNEUX HA SUFRIDO UN CAMBIÓ RADICAL EN LOS ÚLTIMOS DOS AÑOS. Y AHORA QUE LA HA PROBADO, EL MÚSICO SUIZO-AMERICANO NO ESTÁ DISPUESTO A DEJARLA ESCAPAR. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

A MÚSICA DE ZEAL & ARDOR SE CONCIBIÓ BAJO DOS PREMISAS A PARTIR DE

una visión alternativa de la historia: el cristianismo fue impuesto a los esclavos americanos de la misma manera que fue impuesto en Noruega, y el black mental en los 90 creció como una forma de rebelarse contra el monoteísmo. ¿Qué hubiera pasado si los esclavos afroamericanos se hubieran rebelado de la misma manera? ¿Cómo sonarían las canciones espirituales satánicas? El primer indicio lo tuvimos en Devil Is Fine, su álbum de debut lanzado a nivel internacional en febrero de 2017 y que encandiló a público y crítica con su góspel metal. El segundo, lo tenemos en el recién publicado Stranger Fruit (MVKA), en el que desarrollan con más plenitud esas ideas. Pero por muy oscura e inquietante que sea la imagen que Zeal & Ardor intentan proyectar a través de su música y su puesta en escena, el hombre detrás de este proyecto resulta ser todo lo contrario. Cuando nos encontramos con Manuel Gagneux en la planta 14 de un hotel al lado del Fòrum de Barcelona unas horas antes de actuar en el Primavera Sound, el tipo es todo sonrisas y amabilidad. Por ahí también rondan sus mánagers y los músicos que, a raíz de la demanda generada por su primer álbum, lo acompañan en directo, los coristas Denix Wagner y Marc Obrist, el guitarrista Tiziano Volante, la bajista Mia Rafaela y el

batería Marco Von Allmen. Pero más que la sensación de ser una banda dirigida por un gran líder, parecen simplemente una panda de amigos. El contraste con la seriedad que transmiten encima del escenario es total, pero refleja la felicidad que sienten por haber conseguido que una música tan personal y original les haya permitido convertirse en profesionales. Muestra de ello es la extensa gira que efectuarán después del verano y que recalará el 18 de diciembre en la sala Copérnico de Madrid y el 19 de diciembre en La [2] de Apolo, en Barcelona. El diablo sigue estando muy bien…

Zeal & Ardor era uno de los muchos proyectos que tenías en marcha. ¿Tenías la corazonada de que precisamente sería éste el que te llevaría a otro nivel?

“No tenía ni idea. Para mí fue una sorpresa, pero me alegro de que haya sido Zeal & Ardor porque me gusta muchísimo la música que hago ahora. Lo que más sorprende es cuando la gente ve en mi música intenciones que nunca tuve, pero es real porque alguien lo ha percibido así. De todos modos, intento no prestar demasiada atención a lo que dicen sobre mí, me parece como masturbarse (risas)”. Aunque el primer álbum me gus-

¿Cómo ha cambiado tu vida des-

tó mucho, quizá parecía más una

de que publicaste Devil Is Fine?

introducción al concepto de la

MANUEL GAGNEUX “Bufff… Tío,

banda que un disco en sí. ¿Crees

ha sido una locura (risas). Podemos tocar en festivales, viajar… la música se ha convertido en mi vida, que era lo que había soñado desde que era un adolescente. Es genial (risas)”.

que con Stranger Fruit has podi-

¿Sigues viviendo en Suiza?

“Sí, toda la banda y yo vivimos en Basilea”.

do ir un paso más allá?

“Quería hacer un disco que tuviese sentido de principio a fin, pero también quería tener canciones que pudieses disfrutar individualmente. Esta vez tuve tiempo para pensar lo que quería hacer. El primer álbum fue más una recopilación de los temas que tenía terminados en ese momento”.

¿Sientes que encajas más ahí que cuando vivías en Nueva

El primer disco lo grabaste tú

York?

solo. ¿En éste has contado más

“La verdad es que no sé dónde encajo. No puedo compararlo. No creo que encajara en Nueva York, ni tampoco lo hago en Suiza, aunque por distintos motivos. Me siento felizmente incómodo allá donde esté (risas)”.

con la banda?

“Marco, que toca la batería en directo, ha grabado el disco, pero el resto lo he hecho yo”. ¿Te gusta más trabajar solo? 83

“Simplemente es más fácil. Es una cuestión de tiempo y dinero. No tenemos mucha pasta, así que es mucho más sencillo grabarlo yo. Si viene Tiziano, el guitarrista, y le digo ‘toca esto’ y lo toca, pues para eso, ya lo grabo yo directamente (risas). Mi manera de componer es como jugar con piezas de Lego. Tengo un trozo de guitarra o de piano y voy intentando encajar con otras piezas, para ver con qué funciona mejor”. ¿Cuánto tiempo sueles tardar en terminar una canción?

“Demasiado (risas). Si tengo café puedo tirarme una semana encerrado en el estudio (risas). Pero diría que la media son unos tres días por canción. Si le dedico más tiempo, creo que al final todo queda diluido. Al final tienes que saber reconocer cuándo algo no funciona y dejarlo estar”. ¿Tenías alguna canción sobrante

descifrado el código, por decirlo de alguna manera (risas)”. ¿Cómo crees que te ha afectado el que haya pasado de ser un proyecto de estudio a una banda que toca en directo?

“Cuando tocas en directo ves una respuesta inmediata. Cuando estás en tu sótano o estudio, nadie te dice si lo que estás haciendo funciona o no. Poder ver con qué partes de las canciones reacciona la gente, me ha ayudado mucho. La verdad es que al principio no me gustaba demasiado tocar en directo, pero ahora, con la banda y todo, lo disfruto mucho. Hay una especie de energía agresiva en el escenario que me divierte mucho”.

en la radio…

“(Risas) No, no. Eso vino mucho después. Mis padres escuchaban mucha música antigua, pero mis amigos me empezaron a meter en música más experimental de Mr. Bungle o Frank Zappa. Descubrí la música de esclavos a través de las grabaciones de Alan Lomax. Su padre recibió el encargo del gobierno de documentar la música popular del momento”. ¿Es ‘música de esclavos’ el término adecuado o hay otra etiqueta?

“Puedes llamarlas ‘canciones de trabajo’, pero creo que no es exacto y, en cierta manera, blanquea lo que son. Porque eran esclavos, no eran trabajadores”.

¿Te consideras un buen frontman en vivo?

Aunque tu música está siendo

“No lo sé, nunca me he visto (risas). Ni siquiera me gusta verme en vídeo, porque quiero ser lo más natural posible”.

reconocida por medios de todo tipo y hoy tocarás en un festival como el Primavera Sound, este verano tocarás en un montón de festivales de metal. ¿Crees que

de Devil Is Fine que hayas aprovechado?

¿Quiénes consideras buenos

es vuestro sitio natural?

“Algunas surgieron en el mismo periodo. Cuando nos pidieron salir de gira la primera vez, en ese momento sólo tenía 20 minutos de música, así que escribí mucho material. La mitad fue a Devil Is Fine y la otra quedó para este disco, aunque pude elaborarla más”.

frontmen?

“Creo que a los metalheads les gusta un poco de variedad también. Soy consciente que no hacemos puro metal, pero hemos recibido una respuesta muy cálida en esa escena. Quizá es por el rollo diabólico (risas)”.

“Mike Patton es muy bueno. Todo lo que hace, lo hace bien. El tío de The Dillinger Escape Plan es muy bueno también. Y Bruce Dickinson, claro. Es una leyenda. No sé cómo puede correr y cantar. Yo me ahogaría (risas)”.

Quizá por eso en este disco sue-

¿Fue Iron Maiden tu primera

na más a lo que podría ser el so-

banda de metal?

nido Zeal & Ardor y no tanto un

“Fue una de las primeras. Me compré Piece Of Mind cuando tenía 13 ó 14 años y me pareció lo mejor. Fue muy importante”.

mejunje de estilos diferenciados.

“Si es así, me alegro. Me gustaría que mi mezcla fuera más como un risotto (risas). Tienes que ir dando vueltas y vueltas suavemente (risas). Pero creo que todavía no he 84

¿Qué idea querías transmitir en este álbum?

“El disco trata sobre marcharte y no poder volver. Lo escribí en base a dos ideas. Una es qué pasaría si los esclavos fueran satánicos. Y la otra es una crítica a los Estados Unidos actuales. Eso está ahí, pero si simplemente quieres disfrutar haciendo headbanging, me parece bien”.

¿Y cómo llegaste a la música de esclavos? No es algo que suene

En cierta manera, tu música ha

aparecido en un momento en que la cuestión racial vuelve a estar muy presente, y por otro lado, ahora somos conscientes de que la globalización también implica que haya esclavos modernos. ¿Creaste Zeal & Ardor con la intención de denunciar estos aspectos?

“Desde luego. Quería que mi música estuviera conectada al presente. Quería darle un contexto. Si haces música de esclavos en la actualidad más vale que tengas un propósito. Por desgracia, la esclavitud moderna no creo que desaparezca. Tengo esperanza, pero no soy demasiado optimista”. ¿Cómo te defines a nivel político o ideológico?

“De izquierdas”. ¿Sientes alguna culpabilidad por haber logrado hacer tu sueño realidad dentro de un sistema que criticas?

“No me siento culpable, pero me doy cuenta de lo ridículo que es. Y también soy muy consciente de que todo este hype podría terminarse de aquí a un mes. O quizá la gente encuentra algo sobre mí que es terrible y deje de gustarles”. ¿Has hecho algo terrible?

“Sin comentarios (risas). Tengo la sensación de haber recibido una buena mano de cartas. Me siento orgulloso de la música que hago, pero no del éxito, porque eso no depende de mí”.

“SI HACES MÚSICA DE ESCLAVOS EN LA ACTUALIDAD MÁS VALE QUE TENGAS UN PROPÓSITO. POR DESGRACIA, LA ESCLAVITUD MODERNA NO CREO QUE DESAPAREZCA. TENGO ESPERANZA, PERO NO SOY DEMASIADO OPTIMISTA” MANUEL GAGNEUX

DEAD BRONCO

GIRO AL INFIERNO EN APENAS DOS MESES, MATT HORAN PASÓ DE ESTAR A PUNTO DE FIRMAR LA DEFUNCIÓN DE DEAD BRONCO A RENOVAR POR COMPLETO SU BANDA, GRABAR UN NUEVO DISCO Y PREPARAR UNA GIRA DE PRESENTACIÓN POR TODA EUROPA. LA BESTIA DEL OUTLAW COUNTRY CABALGA CON UN NUEVO CORAZÓN, PERO CON EL MISMO OBJETIVO DE SIEMPRE: PATEAR CULOS. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: GÓMEZ SELVA

ENIENDO EN CUENTA SU RECIENTE INCURSIÓN EN EL MUNDO DEL CINE,

no sería sorprendente que el día de mañana Matt Horan protagonizase su propio biopic. Porque sin duda la vida de este norteamericano afincado en Euskadi da para una buena película. Recién aterrizado en Getxo y con la idea de dejar atrás la vida que llevaba en su Florida natal, en 2012 puso en marcha Dead Bronco, y desde entonces no ha parado. Gracias a tres trabajos de estudio

mentalmente agotado y sin la inspiración necesaria para dar continuidad al proyecto, llegando al punto de plantearse su disolución. Pero de ese mismo pozo acabó saliendo tras hacer borrón y cuenta nueva reformando de arriba a abajo el grupo y reclutando a miembros de Moonshine Wagon, La Maravillosa Orquesta Del Alcohol, Mud Candies y Mamagigi’s. Con ellos acabó por dar forma a un nuevo sonido en el que el outlaw country se funde con el metal y el punk. Si son ustedes capaces de imaginarse a Pantera y Black Flag saliendo de borrachera mientras Hank Williams suena de fondo, entonces estarán muy cerca de averiguar lo que se traen entre manos. Un original estilo al que Horan no dudó en bautizar como ‘americana sludge’ y del cual Driven By Frustration (Roots Union) es su primera obra, y sin duda uno de los álbumes que más estamos quemando en las últimas semanas. Recién llegado de vuelta al hogar tras patearse media Europa con el fin de promocionar su salida, establecimos contacto para que nos hablase largo y tendido de su pasado y su esperanzador presente. publicados a ritmo anual y con una insistencia enfermiza por el directo, no tardaron demasiado en hacerse un nombre dentro de la escena country europea y llamar a la puerta de los eventos más importantes del género como la del prestigioso Muddy Roots. Pero no todo podía ser tan fácil y bonito en la vida de este forajido también amante del surf. Para finales de 2017 y tras la gira de presentación de su tercer largo, Bedridden & Hellbound, Matt se encontraba

Me gustaría comenzar por el principio de todo. ¿De dónde

me conocían. También quería seguir aprendiendo castellano, y las olas del norte siempre han sido un sueño para mí”. ¿En Estados Unidos ya tocabas en algún grupo o Dead Bronco es la primera aventura que tienes en el mundillo musical?

“Llevo desde los 13 años tocando en grupos. Mi primera banda de verdad se llamaba Just For Today, un grupo de punk que tenía en 1998. Nos firmó un sello de Los Ángeles, pero en 2001 nos disolvimos. Luego formé Last Years Heroes, donde hacíamos un rollo post hardcore. También nos fichó una discográfica, pero ese grupo duró muy poco y, dado el conjunto de problemas que tenía en casa, me llevó a decidir irme de mi país y buscarme la vida”. Cuando decidiste montar Dead Bronco, ¿te resultó complicado encontrar a gente que tuviese el grado de conocimiento necesario para tocar este estilo?

“Es difícil montar un grupo en sí, da igual el estilo. Con Dead Bronco todo fue muy fluido en realidad, porque la gente que ha tocado conmigo ya eran fans de la música country y sabían cómo tocar ese tipo de música. Encajábamos perfectamente”.

eres originariamente y cuándo y cómo llegas a España?

Desde que debutaseis en 2013

MATT HORAN “Yo soy de Davie,

con In Hell, vuestra trayectoria

Florida. Hace diez años me fui de Estados Unidos viajando por Latinoamérica y Europa y terminé en España por varias razones. Yo tenía un proyecto de folk que se llamaba Answer To Suicide y la mayoría de mis fans eran de España, así que me pareció una buena idea ir donde ya

ha sido de lo más trepidante. Casi un disco por año, muchas giras, especialmente por el extranjero, también muchos cambios en la formación... ¿Cómo describirías la carrera del grupo desde que empezasteis hasta el final de

Bedridden & Hellbound? 87

“DE EMPEZAR TOCANDO EN LAS ESQUINAS DE LA CALLE A CAMBIO DE BIRRA A LLEGAR A QUE TE MENCIONEN EN LA BBC, ENCABEZAR FESTIVALES IMPORTANTES, HASTA COMPONER LA BANDA SONORA DE UNA PELÍCULA. ES COMO UN SUEÑO” MATT HORAN

“Como un tren. Todo ha sido muy rápido desde que empezamos, como un disparo. Hemos trabajado muy duro para llegar a donde estamos, y creo que se ven los frutos. De empezar tocando en las esquinas de la calle a cambio de birra a llegar a que te mencionen en la BBC, encabezar festivales importantes, hasta componer la banda sonora de una película. Es como un sueño”. Con el cierre de gira de Bedrid-

den & Hellbound se produce un punto de inflexión. ¿En aquel momento tenías dudas acerca del futuro del grupo? ¿Cómo te sentías?

“Estaba estancado y me sentía presionado de seguir haciendo un estilo en concreto, y ya se me hacía como un trabajo. Perdí la ilusión de componer y girar. Quería un cambio y ex88

perimentar. Crear un nuevo sonido original con un directo intenso. Las giras se me hacen duras, la verdad, pero aposté por este nuevo sonido y ahora lo estoy pasando genial en el escenario, y creo que eso se nota”.

eso es lo que me motiva”. En dos meses cambiaste por completo el grupo, grabasteis

Drive By Frustration, rodasteis dos videoclips y montasteis una larga gira para presentarlo por

¿Y qué es lo que te hizo volver a

Europa. ¿Te sorprendió la fluidez

motivarte a seguir adelante escri-

con la que se desarrolló todo?

biendo nuevas canciones?

“Sí, fue muy estresante, pero estos chicos son unas máquinas. Son muy buenos músicos y trabajamos bien juntos. Estamos todos en la misma página de dónde queremos llevar la música, así que fue muy fluido. También hay que decir que tenemos un equipazo trabajando con nosotros detrás del escenario. Los sabios consejos de nuestro productor Alex Pis durante la grabación eran imprescindibles para el éxito de este disco, así como el trabajo en los videoclips de Gómez Selva y nuestro mánager Jokin Totorika”.

“Yo siempre estoy componiendo. Tengo muchas canciones de diferentes estilos y me frustraba porque nunca podía hacer nada con ellas porque no eran country. Por eso quise hacer este cambio tan radical, quería componer lo que me salía sin pensarlo y poder desarrollar estos temas. Los ensayos son muy divertidos ahora porque es curioso sacar un riff metalero que funcione con un banjo o el contrabajo. Te hace pensar fuera del cuadrado y

Preséntame a los nuevos miem-

¿Crees que esta formación du-

bros y por qué los elegiste.

rará unos cuantos años o tienes

“Joel Bruña toca el banjo. Pienso que tiene un estilo muy personal y es uno de los mejores banjistas que he visto, aporta mucho a las canciones. En la batería ha entrado Guille Peña. Ya le conocía de hace tiempo y teníamos varios proyectos que nunca llegaron a ver la luz. Es una bestia en el escenario y siempre da el 100%. Al contrabajo tenemos a Adrián López. Es muy buen músico, pilla todo a la primera y eso hizo las grabaciones muy fluidas. También da un buen show en el escenario. Y luego Adán Gómez en la guitarra y la mandolina es nuestro señor acople. Él nos crea el ambiente oscuro y da un toque de humor al directo. Me muero de risa con este tío”.

claro que la identidad de Dead Bronco siempre está sujeta a ir mutando con el paso del tiempo?

“Espero que sí, la verdad. Pero la vida me ha enseñado que nada es para siempre, así que ya veremos con el tiempo”.

han seguido siempre o hay algu-

gran fan de Hank Williams,

nos que os han dado la espalda

como así lo demuestra el EP que

con el cambio de sonido?

grabasteis como homenaje a su

“La gira va muy bien. Obviamente hemos perdido gente, pero también hemos ganado nuevos seguidores. En general hay buena aceptación y seguimos creciendo cada año. Este último tour europeo ha abierto puertas a cosas muy interesantes para el año que viene y veo que nos están aceptando en otras escenas. Entre el público hay mucha mezcla, desde punks y skins hasta góticos y heavies. Está guay”.

figura, pero escuchando Dead Bronco no me cuesta demasiado imaginar que también debes de serlo de su nieto, Hank III. Encuentro muchas similitudes entre tú y él, y más aún con este nuevo inspiración para ti?

dado con un nuevo estilo que

“Soy muy fan de Hank III, pero yo le tenía más presente en los primeros discos. Mi inspiración para Driven By Frustration era puro Misfits, King Dude y Superjoint Ritual. No creo que este disco sea parecido a lo que está haciendo Hank III en sus últimos trabajos y en DevilDriver. Lo nuestro es mucho más punk”.

metal, pero tocado por una banda de country. Era algo de lo que ya había pinceladas en vuestros anteriores trabajos, pero aquí os habéis lanzado de lleno a por ello, además con un sonido en

tos hasta ahora? ¿Seguís contando con los mismos fans que os

álbum. ¿Lo ves igual? ¿Es una

viene a ser algo así como punk y

¿Cómo están yendo los concier-

Evidentemente, sé que eres un

Con la nueva formación habéis llamáis ‘americana sludge’, que

“Yo creo que sí. Pero yo lo hago más por mí que nada. Tocar tres acordes en el mismo ritmo durante seis años puede llegar a cansar. Me flipa el country, pero como te digo, necesitaba un cambio”.

la producción más oscuro que le

Como bien apuntas, acabáis de regresar de un tour europeo de un mes con más de una veintena de fechas. ¿Cómo os ha ido esta vez? Me sorprende que siendo una música tan marcadamente americana, en Europa pueda

sienta de maravilla. ¿Era lo que

Siempre me ha llamado mucho la

existir un circuito alrededor del

te pedía el cuerpo ahora? ¿Tirar

atención que un personaje como

country.

para el outlaw asalvajado?

Hank Williams sea considerado

“Llevaba tiempo queriendo hacer algo más duro y oscuro, pero no era posible. Yo tenía varias canciones hechas, pero el sonido no salió hasta que me junté con todos los nuevos. Surgió algo muy curioso y original y de ahí fuimos siguiendo esa onda, y salió el americana sludge. Yo no sé si lo llamaría ‘outlaw’, aunque siguen habiendo toques de country ahí. Es punk rock con banjos”.

un referente del country, ya que

“Nos ha ido muy bien. Hay mucha escena de country por Europa, pero en esta gira nos hemos alejado de los honky tonks y tocamos más en salas metaleras y punks o en festivales de música más variada. Así que esta vez hubo muchos más pogos entre el público (risas)”.

es un género que se basa en unas reglas muy fijas que se deben respetar, y si no las cumples es como si te considerasen un hereje del estilo. Supongo que de ahí nace el outlaw country, de saltarse esas normas e ir más allá. ¿Dirías que Dead Bronco sois en cierta manera herederos de esa idea?

JOAN QUERALT

EL HOMBRE TRANQUILO

PESE A QUE LA MÚSICA NO ES SU PRINCIPAL OCUPACIÓN, AL MENOS EN CUANTO A LO QUE INGRESOS SE REFIERE, EL BARCELONÉS JOAN QUERALT SE LAS HA APAÑADO PARA PUBLICAR CUATRO REFERENCIAS EN CINCO AÑOS. LA ÚLTIMA, PURPLE CANNON, LLEGA EN COMPAÑÍA DE SUS COLEGAS THE SEASICKS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

I HASTA AHORA JOAN QUERALT SE HABÍA GANA DO COMPARA CIONES CON ARTISTAS

como Ben Harper o Jack Johnson por sus canciones cercanas al blues y el folk y su peculiar técnica tocando la guitarra, como si fuera un instrumento de percusión, en su último trabajo Purple Cannon (La Cúpula), mucho más pop y eléctrico, esa percepción salta por los aires. Buena culpa de ello la tiene que su gestación fuera un esfuerzo colectivo mano a mano con The Seasicks, la banda formada por Miranda (guitarra), Ian (bajo) y Sel Lee (batería) que le acompaña en directo cuando las circunstancias lo permiten. En abril del año pasado Joan y sus compañeros se instalaban unos días en la casa de su anterior batería en una urbanización en Tordera, una población cercana a Barcelona, para realizar una especie de “colonias musicales”. Si bien pensaba que al final pasarían la mayor parte del tiempo bebiendo y jugando a la consola, al final la experiencia fue de lo más fructífera. “Nos llevamos todo el equipo para ir tocando en plan jam session, hasta que se quejaran los vecinos”, nos cuenta Joan en nuestra redacción. “Empezaron a salir temas y lo íbamos grabando todo con el Pro Tools en el ordenador de Miranda. Dejamos unos días de reposo, lo volvimos a escuchar y, al final, seis ideas las

aprovechamos para el disco. Hasta ahora yo componía y luego lo poníamos en común, pero por suerte ahora hemos cambiado la dinámica”. De ese cambio de metodología ha surgido un álbum mucho más pop y contemporáneo, sin esas influencias más cercanas a las raíces americanas de trabajos anteriores. Pero como cuenta Joan, Purple Cannon podría haber ido fácilmente en otra dirección. “Cuando nos pusimos a tocar había dos tendencias: unos temas que eran más Black Sabbath, Jack White… y otros que eran más new wave con sonidos más limpios. Descartamos las canciones de más riff y fuzz porque, aunque es la música que más me gusta, no me siento tan cómodo tocándola porque es como si acabaras intentando imitar a tus referentes. En cambio, en lo otro, como no tengo unas influencias directas, lo coges más como un experimento. Miranda sí que ha sido más fan de The Cure, pero no es lo mío. Entonces es más fácil darle mi rollo. Las melodías de las voces que grabé allí medio tajado han quedado bastante similares. De los 90 había grupos como Pavement que siempre me habían llamado la atención o Weezer, por las melodías. O de ahora, Tame Impala o Mac DeMarco”. Para Joan, este cambio de rumbo, más que una evolución, es una búsqueda por encontrar su propia voz y estilo. “Yo antes tocaba en grupos como instrumentista, pero no me planteaba nada

más. Esto lo empecé como una coña grabando un EP de blues. Luego salieron más temas y la oportunidad de tocar en solitario, pero echaba de menos tocar en banda. Ni que sea para ir con alguien de viaje (risas). Welcome Home, el segundo álbum, seguía la línea más blues y folk americano. Seguí buscando y me volvieron a llamar la atención los pedales y las guitarras eléctricas. Y el EP anterior (Time Made Of Sand -ndr.) fue como un experimento. Había dos temas que podrían haber encajado en el otro disco y dos que no tenían nada que ver. Y en éste hemos tirado más por esa línea más rupturista”. Aun así, quien añore al Joan Queralt más cantautor e íntimo también lo encontrará en ‘Ona’, una preciosa canción dedicada a su hija. “Cuando escribí el tema no había ni nacido”, dice riendo. “Pensé en escribir algo que cuando de aquí a unos años lo leyera, pudiera gustarle. Básicamente habla de cómo me gustaría que afrontase la vida. Las generaciones anteriores veníamos muy marcadas porque tenías que estudiar y hacer másters para conseguir grandes cosas y algunas profesiones eran consideradas una mierda, pero al final, son los que se dedicaron a ésas los que viven mejor, en cambio los que tienen másters de verdad, no como la Cifuentes, son mileuristas o menos. A mí lo que me gustaría es que se dedicase a lo que le guste, si es pintar, pintar, y si es ser 91

“SI NO PUEDO TOCAR, NO HAY QUIEN ME AGUANTE” JOAN QUERALT

abogada, pues abogada. Que tenga un espíritu libre y experimente”. Joan asegura que la paternidad no le ha cambiado su relación con la música. “En casa ya saben que es lo que me gusta. Si no puedo tocar, no hay quien me aguante. La putada es que los fines de semana que estoy fuera, mi mujer se queda sola con la niña y eso desgasta”. En el álbum, también encontramos temas más sarcásticos como ‘Indie Runner’, donde se mete con esa gente a la que le puede el postureo –“Yo no soy un especialista en moda, pero ves gente por la calle que tiene que ir muy incómoda sólo por formar parte de la tendencia”, apunta-, pero, aunque se muestra indignado por la situación política, es una parcela que todavía no ha abordado en sus canciones. Por ahora, su

objetivo principal es poder presentar su música en tantos escenarios como le sea posible, pese a que, a veces, toque hacerlo ante poco público. “En Madrid hemos tocado muchas veces, pero igual una vez metes mucha gente y al cabo de dos meses, van diez. Al no ser muy conocidos y no tener una maquinaria detrás, esas cosas pasan. He superado que me afecte el que haya poca gente, pero cuando vuelves a casa en la furgoneta habiendo perdido 400 pavos piensas que es una mierda, claro”. Para ilustrar la poca previsibilidad de lo que puede ocurrir en la carretera, cuenta la anécdota de un concierto que dieron en Bilbao al que acudieron siete personas, pero acabaron vendiendo catorce CDs. Es la cruda realidad de los músicos no profesionales que muchas veces se

intenta maquillar en las redes sociales. “La culpa no la tienen el 3% de grupos que viven de la música, sino el 97% que no vivimos de esto. Es muy emocionante ir a tocar a Málaga, pero si has tocado para cinco personas, no tiene sentido esconderlo. Creo que puedes decirlo de una manera inteligente y agradable. Yo a partir de ahora quiero sólo mostrar la realidad. Si haces un sold out, cojonudo, pero si van cuatro, también hay que decirlo. Es importante explicar la realidad para que la gente también sepa que si pones una entrada a 7 euros es porque hay un montón de tiempo y material invertido detrás”.

EL CONCIERTO DEL MES BY:

VOLBEAT HOUSE OF VANS

LONDRES, 30 DE MAYO, 2018

EL EQUIPO DE VANS NO NECESITA NINGUNA EXCUSA PARA MONTARSE UNA FIESTA, Y CUALQUIER MOTIVO ES BUENO PARA DARNOS UNA DE SUS AGRADABLES SORPRESAS EN FORMA DE CONCIERTO GRATUITO. ESTA VEZ NO FUE EL LANZAMIENTO DE UN DISCO, O UNA COLABORACIÓN ESPECIAL DE LA MARCA CON UNA BANDA… SIMPLEMENTE LES DEBIÓ APETECER DARNOS LA OPORTUNIDAD DE VER A VOLBEAT EN UN MARCO ÍNTIMO APROVECHANDO QUE INICIABAN SU GIRA DE FESTIVALES.

TEXTO Y FOTOS: RUBÉN NAVARRO

on motivo de la ocasión, los diferentes túneles de los que se compone el skatepark se engalanaron con proyecciones de los logos de la banda y algunas de las portadas de sus discos. Además, los asistentes que quisieran podían hacerse con una camiseta de Volbeat personalizada con la fecha del concierto. Como siempre, el ambiente estuvo cargado de buen rollo y de fans de muchas nacionalidades distintas, como se podía ver en sus chalecos personalizados. Pero vamos al lío… Para empezar, he de decir que no estoy demasiado familiarizado con la discografía de los daneses y que ésta era mi segunda vez viéndoles en directo tras su actuación en el

Resurrection Fest de 2016. Así que podría decirse que fui un poco a ciegas, pero con garantías de que no iba a salir defraudado. Sin repertorio nuevo desde la salida de Seal The Deal & Let’s Boogie, el cuarteto tiene temas de sobra para hacer vibrar a su público desde el primer minuto. No importa si es un gran hit como ‘Lola Montez’ o un medley entre Elvis Presley, Johnny Cash y ‘Sad Man’s Tongue’, la respuesta siempre era la misma: cuernos en alto y todo el mundo coreando. Aunque para medley, el que se marcaron con ‘Raining Blood’ de Slayer, ‘Ace Of Spades’ de Motörhead y ‘I Am The Law’ de Anthrax. Sobre el escenario, el porte distinguido de Michael Poulsen a la voz y

guitarra, y la carismática presencia de Rob Caggiano, se llevaban toda la atención. O al menos hasta que llegamos a ‘Evelyn’, para la que contaron ni más ni menos que con Barney Greenway de Napalm Death a la voz. A pesar de que muchos de los fans allí presentes, si no todos, hubiesen firmado por otra hora más de concierto, Volbeat cerraron la noche, tras la friolera de veinte temas, con un bis que contó con ‘Black Rose’, ‘Pool Of Booze, Booze, Booza’ y ‘Still Counting’. Desde luego podremos disfrutar de la banda en plena forma en sus citas en el festival Download de Madrid el 30 de junio, abriendo para Guns N’ Roses en Barcelona el 1 de julio y con su propio show en Bilbao el día 2.

SLEEPING WITH SIRENS 30 DE MAYO DE 2018 RAZZMATAZZ 2, BARCELONA TEXTO: MARC LÓPEZ FOTOS: TONI VILLÉN

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CHAPEL

acía mucho tiempo que se esperaba la visita de Sleeping With Sirens por nuestras tierras, tanto como desde que el flequillo y la aguda voz del deseado Kellyn Quinn empezó a asomarse por la escena emo a principios de esta década. Desde entonces, la banda ha alcanzado una gran popularidad, sobre todo en Estados Unidos, donde este tipo de música todavía cuenta con una gran audiencia. En nuestro país, pese a no ser mayoritaria, logró congregar una excelente entrada en la sala 2 de Razzmatazz y agotar al día siguiente en la But de Madrid. Para muchos menores, no era sólo la primera oportunidad de ver a su grupo favorito, sino simple y llanamente su primera experiencia en un concierto. De ahí que las lágrimas, los sofocos y las pancartas con corazones estuvieran a la orden del día. Pero antes de poder ver a sus ídolos tocaba ver a los dos grupos invitados en esta gira. En primer lugar, los australianos Chase Atlantic,

una banda de pop rock electrónico al estilo de Awolnation o Imagine Dragons, con un frontman con rastas muy activo y un saxofonista que les daba un toque bastante hortera. ¿Sonaban bien? Sí. ¿Me acordaré de ellos? Lo dudo. Más destacables fueron Chapel, un dúo formado por Carter Hardin (exNightmares) a la voz y guitarra y Kortney Grinwis (exFavorite Weapon) a la batería y un montón de pistas pregrabadas. Su techno pop fue entretenido sobre todo por el buen rollo que desprendían, aunque musicalmente no fuera nada del otro jueves, y ofrecieron una versión de ‘Creep’ de Radiohead, que siempre da puntos. Si el contar con dos grupos más light era una estrategia para que cuando Sleeping With Sirens saltaran a escena provocar un mayor impacto, funcionó. Sin que sean Slayer precisamente, casi fue una bendición poder escuchar guitarras eléctricas con distorsión. Y es que si en disco cada vez suenan más sobreproducidos, en directo el grupo

se presenta con un sonido mucho más crudo. Incluso a nivel visual, no llevaban ni luces adicionales, ni siquiera un telón de fondo un poco llamativo. Aunque la banda venía a presentar su quinto álbum, Gossip, los tres primeros temas que interpretaron procedían del anterior Madness. Así, sonaron ‘We Like It Loud’, ‘Go Go Go’ y ‘Better Off Dead’. Fueron suficientes para comprobar que Quinn juega el papel de tío tímido pero descarado, y es el guitarrista Jack Fowler quien más cercano y entusiasta se muestra. A continuación, ahora sí, hicieron presencia tres temas nuevos, una coreada ‘Empire To Ashes’ con ese bajo trotón, la popera ‘One Man Army’ y la balada ‘Hole In My Heart’, que no acabó de funcionar. También hubo el momento semiacústico con ‘The Strays’, aunque fueron temas como ‘Legends’ o ‘Kick Me’ las que se acabaron llevando el gato al agua. Sin ser un mal concierto, queda claro que muchas veces poner demasiadas expectativas en algo puede jugar en contra. 101

NICK CAVE AND THE BAD SEEDS

PRIMAVERA SOUND

31 DE MAYO, 1 Y 2 DE JUNIO DE 2018 PARC DEL FÒRUM, BARCELONA TEXTO: LLUÍS S. CEPRIÁN, TOI BROWNSTONE, JORDI MEYA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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THE WAR ON DRUGS

a 18ª edición del festival Primavera Sound puede que no pase a la historia por ser una de las que ofreció una mayor cantidad de conciertos para el recuerdo. De hecho, no tenemos muy claro si pasará a la historia. Y es que el cartel de este año para muchos ha sido considerado como errático e inconsistente. ¿Y cuál ha podido ser la razón principal de este cambio de rumbo? Por un lado está el cumplimiento de una misión por parte de la organización del evento: la regeneración del público asistente. Bien es cierto que la media de edad de las últimas ediciones se encontraba cerca de la treintena larga. Este hecho tiene un aspecto positivo, y es que supone asegurarse a un público con mayor potencial económico. Pero es un incentivo de corto recorrido, pues la curva de edad asistente a los festivales

empieza a bajar justamente ahí: a partir de los 40 años. Por otro lado, está el tema de las marcas, que buscan un público más joven, mucho más efervescente y receptivo a asimilar nuevos productos. Esto ha llevado a que la de este año, queriéndolo -o no-, se haya convertido en una edición de transición, en la que las líneas maestras que definían una filosofía centrada en propuestas con un alto componente de riesgo, ahora estén mucho más difuminadas. De hecho, ahora conviven propuestas alternativas junto a otras con mucho más tirón masivo, incluso hay algún que otro guiño a la liga comercial. Y esto no es malo, simplemente es un cambio de modelo. Seguramente, el más perjudicado de esta situación, o de este giro repentino, haya sido el rock de guitarras, en todas sus disciplinas. Hemos echado de

menos propuestas de garaje rock, hardcore, emocore, metal, post metal, incluso thrash metal. Pero no creemos que eso le quite el sueño a la organización. Lo importante para ellos son las cifras, y es lógico, pues esto, al fin y al cabo, es un negocio y, visto lo visto, sigue funcionando de maravilla. Este año, según ellos, se ha superado su techo de 210.000 asistentes, sumando, eso sí, todos los escenarios repartidos por la ciudad. Pero pasemos a lo que dieron de sí los conciertos, que en realidad es lo más importante. JUEVES 31

Los mallorquines F/E/A se encontraron con el papelón de abrir el escenario Adidas, reservado a las bandas emergentes o con un ratio más reducido de cobertura mediática. Los pobres empezaron con el contratiempo 103

de hacer una prueba de sonido más bien breve. Aun así, al segundo tema parecieron tenerlo todo bajo control. No escatimaron a la hora de propiciar bocanadas sónicas a los congregados más madrugadores. El combo/colectivo está eufórico estos días tras su recién fichaje por El Segell y rápidamente contagiaron su estado al público. Como viene siendo habitual, desplegaron su ave fénix en forma de post rock con ínfulas sónicas. Presentaron material nuevo, Obviously, y consiguieron que el público se marchase con sensación de satisfacción. Este año el Hidden Stage de Heineken cambiaba de ubicación, con acceso limitado, pero al aire libre, y lo inauguramos acompañados de un sol de justicia con Lee Fields And The Expressions. El pequeño JB tiene una larga trayectoria en el soul, y la banda 104

The Expressions, sólida e inmaculada, es perfecta para este espectáculo. Si bien es cierto que su repertorio funcionaría mejor en un entorno nocturno, al menos pudimos bailar e interactuar con la banda, que ofreció un impecable set. Tras este amable concierto, pasamos a quedarnos completamente boquiabiertos con la apuesta de los hermanos Ron y Russell Mael con su banda Sparks. Uniformes compuestos por chaquetas rosa chicle, histrionismo y grandilocuencia a raudales, pasajes guitarreros combinados por escenas sacadas de alguna opereta… no es fácil definir el estilo de este grupo: o los amas o los aborreces, pero es imposible que dejen a alguien indiferente. The War On Drugs protagonizaron el primer concierto multitudinario de la edición. ¿Quién le diría hace unos años a la

banda que ahora lidera en solitario Adam Granduciel que llegaría tan lejos? Y es que hace pocas temporadas, el combo también estuvo en el Primavera Sound, pero en aquella ocasión tocaron en uno de los escenarios modestos del festival. A nivel de concierto cumplieron con lo esperado. Sonaron como en disco -esta banda es una de las mejor engrasadas de todo el panorama internacional actual-, pero eso sí, sólo se percibió bien en determinadas localizaciones. Abrieron con ‘In Chains’ y con ésta encadenaron una serie de medio tiempos. El set lo basaron en sus dos últimos discos, Lost In The Dream y A Deeper Understanding, y empezaron por el más reciente para luego pasar a los temas más antiguos. Lo cierto es que ni el horario, ni tampoco la ubicación, ayudaron a que se crease comunión

HAIM

con el público. Fue en gran medida un show frío, aunque, por suerte, no fue siempre así, ya que ‘Nothing To Find’, ‘Strangest Thing’ y ‘Under The Pressure’ mostraron el porqué de su solvencia interpretativa. Uno de los platos fuertes de la edición de este año fue la inclusión de Björk en el programa. Ciertamente suponía una deuda que tenía la artista extraterrestre con el evento después de la anulación de su actuación hace seis años debido a la inflamación que sufrió en un nódulo de las cuerdas vocales. La verdad es que se había creado gran expectación, más sabiendo que el de Barcelona iba a ser uno de los diez únicos conciertos que ofrecerá este año la artista. Pero fue más el ruido que las nueces. De nuevo la ubicación no jugó a su favor, ni tampoco las horas, y seguramente el público no era el más afín a su música.

ZEAL & ARDOR

El caso es que la propuesta no acabó de calar. Y es que la selección de temas se basó sobre todo en su difícil último disco, Utopia, con un total de nueve temas por tan sólo cinco del resto de su discografía. Destacó sobre todo la parte visual, con una puesta en escena muy onírica en la que todo se desarrollaba sobre una plataforma circular que giraba lentamente y estaba enmarcada en un bosque en el que las plantas combinaban las formas vegetales con las del sexo femenino. La feminidad estaba más que presente, ya que la mayor parte de intérpretes y bailarines eran chicas. Los vientos fueron los grandes protagonistas, pero los temas no engancharon. De hecho, las mayores ovaciones llegaron con clásicos como ‘Human Behaviour’. Algunos no estábamos de humor para ver a la islandesa, así que hicimos

tiempo viendo a Anna Von Hausswolff. Una actuación muy experimental, que por momentos casi dejó al público sordo con sus gritos, pero que a medida que sus temas progresaban, envueltos en un aura oscura y siniestra, nos iba enganchando más y más. De camino a Mordor perdimos minutos de nuestras vidas presenciando al nuevo fenómeno musical en alza: C. Tangana, que no fuimos capaces de comprender ni de apreciar. Proyecciones con culos y tetas, poledancers, letras despectivas y vulgares y una actitud muy cutre. Comentaban que el trap es el nuevo punk... No podemos comprar eso. Pero si hubo un plato fuerte de la jornada, ése, sin duda, fue el concierto de Nick Cave And The Bad Seeds, al menos en lo que se refiere a expectativas. Y no es para menos... las 105

TY SEGALL SUM 41

THUNDERCAT

últimas visitas de Nick Cave, tanto en gira como formando parte del cartel de un festival, tenían una media de sobresaliente. Sin ir más lejos, el concierto que ofrecieron hace cinco años fue el más incendiario y de mayor intensidad de todo el programa. Y esta vez volvieron a ser intensos, pero de otra manera. Para empezar, prescindieron de tirar del cancionero premium para ofrecer un repertorio con la vista puesta en el fan. Por eso recuperaron temas que hacía años que no tocaban en directo, como ‘Loverman’ y ‘Come Into My Sleep’. Cave, secundado por sus secuaces, vino con una propuesta que hizo de contrapunto de la de la islandesa Björk, que había dormido a las moscas tan sólo unos instantes antes. El australiano acortó las distancias con el público, tanto, que en más de una ocasión se 106

dio un baño -literal- de multitudes. Abrieron con ‘Jesus Alone’ del último disco, pero a partir de ahí el efecto sorpresa fue la tónica, con algunos agradecidos saltos atrás: ‘Do You Love Me’ o ‘From Her To Eternity’ del primer disco. Pero fueron, por línea general, medio tiempos y cortes a bajas rpm, incluso el colofón fue cocinado a fuego lento: ‘Stagger Lee’ enlazado con ‘Push The Skay Away’. Eso sí, Cave hizo subir a unos pocos privilegiados del público en la recta final del concierto. Dado que todavía quedaban dos días más por delante, en esta primera jornada decidimos terminar a una hora prudente con el concierto de Zeal & Ardor. Si bien se echó de menos más potencia en el sonido del escenario Adidas, Manuel Gagneux y su banda ofrecieron suficientes argumentos para justificar la atención que están

recibiendo. Apoyada por dos coristas masculinos, la magnífica voz del suizoamericano recreó esos cánticos de esclavos sobre guitarrazos black metaleros. Es una pena que opten por recurrir a sonidos pregrabados en lugar de usar cadenas y percusiones para las partes más ‘tribales’, pero, en general, causó una buena impresión. VIERNES 1

La jornada del viernes la comenzamos bastante temprano, pues teníamos ganas de una dosis de indie de la mano de Waxahatchee. Las muchachas de Alabama nos hicieron retroceder a los 90 con su aire afligido y letras de adolescentes afectadas. Decidimos probar con los austriacos Cari Cari, un dúo cuyo objetivo es componer música que llegue a ser incluida en alguna peli de Quentin Tarantino. Está claro que

VENOM THE NATIONAL

nunca sucederá mientras Ennio Morricone viva y acepte los proyectos del director, pero esa esencia de spaghetti western era prominente, provocándonos unas cuantas sonrisas. La gran sorpresa vino con Father John Misty... ¡Qué maravilla! Elegancia, carisma y presencia escénica, temas sobrios, relajados y profundos que nos dejaron encantados, superando notablemente las expectativas que podíamos tener de sus discos. Pop clásico de primera clase, como si John Lennon hubiera sido el líder de los Beach Boys. Probablemente el gran reclamo del viernes fueron los ingleses The National, los cuales se encontraban aún presentando su último álbum Sleep Well Beast, un trabajo que les ha encumbrado hasta las primeras posiciones en las listas de su país.

Como no podía ser de otra manera, el set lo basaron en ese poliedro de emociones agridulces. Abrieron fuego con ‘Nobody Else Will Be There’ y a partir de ahí fueron cogiendo el pulso poco a poco, mientras se congregaba una cantidad de público cada vez mayor. Por el camino fueron desplegando lo mejor de su cancionero: ‘I Need My Girl’, ‘Boodbuzz Ohio’. Fue todo un detalle acabar con ‘About Today’ de su primer elepé. Cuando acabaron decidimos darle una oportunidad a La Banda Trapera Del Río, pero de camino echamos un vistazo para ver qué se cocía en el escenario donde tocaban los coreanos The Solutions. Nos gustó su carrusel colorista cargado de líneas melódicas. De la Trapera casi mejor no hablar. Lo suyo fue una mera anécdota, nada más. El virtuosismo jazzístico de

Thundercat nos tuvo embelesados durante un buen rato en el escenario Ray-Ban. Tuvo gracia ver a Stephen Lee Bruner, un exSuicidal Tendencies, en un registro tan distinto, aunque a ratos pueda ser un tanto indigesto, pero desde luego verle hacer lo que le da la gana con su bajo de seis cuerdas es todo un espectáculo. Con el recuerdo de la actuación ‘sorpresa’ de Haim de la anterior edición, tal vez su actuación fue un tanto decepcionante. Nos encantan ellas y sus temas de revista Superpop, pero la sensación de ver algo repetido, e incluso monótono, supuso una decepción generalizada para todos los asistentes. Tal vez su presencia durante tres años seguidos tiene algo que ver. No percibimos la frescura de las anteriores ocasiones, así que a paso de montañero decidimos movernos hasta el escenario Adidas para ver a Idles, y tener un chute de punk rock de esta banda británica que parece estar en su mejor momento gracias a su último lanzamiento, Brutalism. Podréis comprobar su energía a finales de noviembre, pues actuarán en sala. Muy recomendables. Mucho mejor fue lo que ofrecieron Ty Segall And The Freedom Band. Después de su espectacular concierto de hace un par de años, volvieron con una propuesta totalmente diferente. Segall ha dado un paso adelante y en su particular misión revisionista se ha plantado en los años 70. Su último disco ya dio buena cuenta de ello, con guiños a T. Rex, Mott The Hopple, Lou Reed o Big Star. Ha pasado del garage rock al rock setentas de progresiones largas y solos por doquier. Y para acabar la jornada, una buena sorpresa: OMNI. El nuevo proyecto de Frankie 107

SUM 41

WATAIN

Broyles, exguitarrista de Deerhunter que ahora apuesta por el post punk lo-fi rebosante de ritmo. SÁBADO 2

El cansancio ya hacía mella el sábado. Nos permitimos el lujo de ver el concierto de Peter Perret sentados en las gradas del escenario Ray-Ban, con una cerveza y a la sombra. El sol era tan insoportable que parecía que el señor Perret se iba a derretir en cualquier momento. Sin ser un show memorable, y teniendo en cuenta que no era el escenario más apropiado, la banda nos trasladó a ese Londres drogadicto y peligroso que la globalización extinguió. Su voz y sus 108

canciones nos hacían pensar en un Lou Reed de segunda o en Johnny Thunders. Ya sabéis, en artistas de malvivir. En cambio, Car Seat Headrest cogieron las riendas de uno de los estilos que han configurado el ADN del festival: el indie rock 90’s. Su concierto fue breve (apenas siete temas) pero intenso. Lo basaron en su último disco Teens Of Denial, y lo bordaron. Y eso que el público asistente fue más bien reducido. Lift To Experience volvieron para tocar su único disco de estudio, The Texas Jerusalem Crossroads, un trabajo que en su momento pasó casi desapercibido pero que con los años fue cogiendo cuerpo hasta convertirse

en un incunable del género, una auténtica oda al post rock, con subidas y bajadas en forma de cataratas sónicas. El trío de Texas lo defendió con una solvencia eficaz desde el minuto 1. Su viaje desgarrador de tintes melodramáticos bebe de la misma fuente que Mogwai y Jeff Bucley. Lo de Ariel Pink fue más bien anecdótico. Desde que publicó Before Today en el 2010 se ha quedado enganchado a la misma fórmula. Eso sí, como detalle a destacar, cabe decir que a la batería llevaba nada menos que a Don Bolles de los míticos Germs. En el escenario Adidas, Watain eran los únicos representantes del black metal en el festival y, quizá por ello, excepto

VENOM

DEAD CROSS

algunos incondicionales, el resto más bien estaba formado por meros curiosos. Los suecos descargaron temas como ‘Devil’s Blood’, ‘Nuclear Alchemy’ u ‘On Horns Impaled’ con su habitual suciedad, pero la ausencia de fuego y más sangre (Erik Danielsson apenas salpicó a las primeras filas) hizo que la experiencia se quedara un poco a medias. En paralelo, Slowdive nos transportaban al pasado en el bolo que ofrecieron en el escenario Apple Music. La selección de temas estuvo más centrada en sus grandes éxitos, a diferencia de su reciente comparecencia en clubes de hace unos meses, en la que basaron su set en el

último disco homínimo. En cambio, Arctic Monkeys organizaron su repertorio pensando en la presentación de su recién estrenado Tranquility Base Hotel & Casino, un disco que rompe con el pasado de la banda que lidera el carismático Alex Turner y que se adentra en las aguas del crooner maldito. El resultado fue un tanto desigual. Tratar de casar los temas anfetamínicos del pasado con los más sosegados del presente fue del todo una quimera. Además, la masificación del escenario grande -¿Consiguieron récord de asistencia a un bolo en toda la historia del festival?- y los problemas con el sonido -insuficiente para poder disfrutar del show- tampoco jugó a su favor. Aun así, lograron regalar a los fans un buen puñado de hits en forma de ‘I Bet You Look Good On The Dancefloor’, ‘Do I Wanna Know?’ o ‘Why’d You Only Call Me When You’re High?’, o ‘The View From the Afternoon’ y ‘R U Mine’, con las que acabaron el concierto. Los problemas de sonido, sin embargo, eran inexistentes en el escenario Primavera con el batería Dave Lombardo y el cantante de Faith No More, Mike Patton, defendiendo su proyecto Dead Cross. No podemos comentar demasiado del resto de la banda, cuyos instrumentos eran impercetibles debido al volumen de la batería y a los sonidos guturales de Patton. ¿Fue un buen concierto? Gran pregunta. Lo que sí podemos decir es que fue una masterclass de batería que llegó a provocar temblores en el suelo. Quizá porque mucha gente no está todavía familiarizada con su música, su versión de ‘Bela Lugosi’s Dead’ de Bauhaus fue el tema más celebrado. El bis, con los timbales haciendo el riff de ‘Raining Blood’ de Slayer y unas frases de ‘Epic’ de Faith No More, que duró

apenas unos segundos, fue un troleo en toda regla por su parte. Tan apabullantes como cabrones. Para terminar, antes de la habitual despedida con DJ Coco, nos instalamos de nuevo en el Adidas Stage para el último bolo que veríamos despeinándonos con Sumac, el atronador trío liderado por Aaron Turner, exIsis. Fue como si de repente el limitador a la PA hubiera saltado por los aires con sus riffs pesados cercanos al sludge y estructuras hipnóticas. Un equilibrio perfecto entre el feedback y el headbanging. Una vulgar exhibición de poder, que dirían Pantera. En resumen, ¿qué nos hemos encontrado este año? Por un lado, han desaparecido los conciertos en el Auditori del Fòrum el viernes y el sábado. Estamos seguros de que algunas de las propuestas hubieran encajado allí mucho mejor que en los escenarios gigantes de la zona más alejada de la entrada, más conocida como Mordor. Por otro, han consolidado un escenario más centrado en música electrónica llamado Warehouse, y la zona de baile, al otro lado de la pasarela que hay justo al lado del escenario Apple Music (antiguo Primavera) se ha consolidado, siendo una especie de festival dentro del propio Primavera Sound. A nivel de música, como hemos dicho antes, ha habido un giro que ha llevado a que se programen propuestas más enfocadas a un público más juvenil. De ahí las propuestas de trap que han personalizado Tyler The Creator, Vince Staples, C. Tangana o Bad Gyal. O las apuestas cercanas al público mainstream en forma de Lorde, Haim y Amaia de Operación Triunfo. Veremos por dónde sigue la batalla en 2019. 109