RockZone 144 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Deströyer 666 (Eindhoven) @ Eduard Tuset

EDITORIAL Siempre nos hace especial ilusión decidar a una banda su primera portada de RockZone. Desde que escuchamos el debut de Marmozets hace cuatro años, supimos que era un grupo a tener muy en cuenta, y aunque su segundo trabajo Knowing What You Know Now se ha hecho esperar, estamos convencidos de que con él darán un paso de gigante. Esperemos darles un pequeño empujoncito para que ganen unos cuantos seguidores más en nuestro país. Junto a ellos encontrarás entrevistas con Black Label Society, Don Broco o Fu Manchu, además de un buen repaso a joyas underground del metal extremo aparecidas el año pasado. Enjoy!

SUMARIO

7 / INTERFERENCIAS

26 / PIANOS BECOME THE TEETH

Nยบ 144

22 / BLACK LABEL SOCIETY

32 /

BLACK REBEL MOTORCYCLE CLUB

36 / DON BROCO

40 / FIVE FINGER DEATH PUNCH

46 / THE REBELS

52 / MARMOZETS

58 / DISCO DEL MES

60 / CRÍTICAS

86 / THE BABOON SHOW

90 / REVANCHA EXTREMA

100 / FU MANCHU

104 / TALCO

108 / EN DIRECTO

130 / DE GIRA + AGENDA

INTERFERENCIAS

TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

NEW DEL MES_ SLAYER LA VETERANA BANDA DE THRASH METAL ANUNCIA SU RETIRADA CON UNA GIRA MUNDIAL. PERO, ¿ESTAMOS REALMENTE ANTE EL FINAL DE SLAYER O SE TRATA DE OTRO TRUCO PUBLICITARIO?

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 4648. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordian Fo, Luis Benavides, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez, Alba Rodrigo. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Israel Higuera (wirrak), Vicente Madrigal (hollow_life), Miguel Gómez (MLACABEX), César Aguilar (CesarAguilar), Jorge Azcona (roots). Foto de portada: DR

espués de 40 años de carrera y habiendo dejado para la historia discos tan imprescindibles como Reign In Blood, South Of Heaven o Seasons In The Abyss, Slayer anunciaron el pasado 22 de enero una gira mundial de despedida. Hace un par de años el propio Tom Araya había advertido que el desgaste físico que supone tocar una música tan intensa como la suya pasaba factura y que veía el final más cerca que lejos. Aun así, la noticia ha cogido por sorpresa a toda la comunidad metálica y, dado que por el momento no ha habido declaraciones ni de Araya ni de Kerry King sobre este asunto, más de uno cuestiona si lo suyo no será una operación de márketing como en el pasado han realizado grupos como Judas Priest o Scorpions, quienes tras anunciar su jubilación han acabado volviendo a los escenarios a los pocos años. Por otra parte, la posibilidad de que graben un álbum final de estudio también está totalmente en el

aire. Si bien King comentó el año pasado que tenían seis temas nuevos, alguno de ellos sobrante de las sesiones del anterior Repentless, el guitarrista Gary Holt aseguraba que no había un nuevo disco en el horizonte. “Ha sido un viaje, ha sido memorable y ahora vamos a acabarlo de una manera violenta gloriosa”, aseguraba a The Metal Voice. Por el momento, lo único que está confirmado es que, entre el 10 de mayo y el 20 de junio, Slayer estarán girando por Estados Unidos con Lamb Of God, Anthrax, Behemoth y Testament. Un cartel de nivel como se merece la ocasión. Es de suponer que el año que viene el grupo asaltará Europa ya sea con su propia gira, recorriendo el circuito de festivales o, quién sabe, recuperando el formato del Big Four junto a Metallica, Anthrax y Megadeth. Al menos, así lo desea Dave Mustaine... “Espero que se haga al menos un último Big Four antes de que finalice la gira de despedida de Slayer. Sería extraño no hacerlo”. Estaremos atentos.

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LO PEOR DE MÍ_ DECAPITADOS

n el número anterior, acompañábamos una cápsula dentro de nuestro resumen del año sobre el problema del acoso sexual bajo el titular ‘No en nombre de la música’ con una foto de la banda polaca Decapitated. Como nos hacía llegar Álvaro Pita, un seguidor de nuestra cuenta de Twitter, el 5 de enero los cuatro componentes del grupo fueron absueltos de los cargos de secuestro y violación por los que habían sido arrestados en septiembre, pero naturalmente la edición de la revista se había cerrado días antes de que se hubiese dado a conocer esta noticia. Pese a que en la pieza, decíamos respetar la presunción de inocencia, cierto es que publicar la foto de la banda, cuando todavía no se había producido un juicio, podía dar a entender todo lo contrario. Aunque no tendría ningún problema en hacerlo,

no serviría de mucho pedirles disculpas a Decapitaded ya que dudo que nos lean, pero al menos sí puede ayudarnos a reflexionar sobre cómo tratamos un asunto tan delicado. En los últimos meses, estoy seguro de que somos muchos los hombres que nos hemos sorprendido ante la cantidad de amigas, conocidas o parientes que han sufrido algún tipo de abuso y que, por fin, se ven con fuerzas para contarlo. La sensibilidad y la conciencia están aumentando y eso sólo puede ser positivo, pero con la misma determinación tampoco podemos sentenciar o crucificar a cualquier figura pública, o no, ante la primera acusación que reciba. Porque tan injusto es que una víctima no reciba la justicia que merece como que un inocente sea acusado de un acto que no ha cometido. (JORDI MEYA)

EL BUENO

EL FEO

EL MALO

Ante noticias tristes como la reciente muerte de Dolores O’Riordan de The Cranberries, no queríamos dejar de felicitar a Mike Patton por su 50 cumpleaños. Lejos de haberse acomodado, Patton sigue siendo un artista tan inquieto como en su juventud. Recientemente salió a actuar junto a The Dillinger Escape Plan en su concierto de despedida en Nueva York y en el Primavera Sound podremos verle junto a Dead Cross, su penúltimo proyecto.

Vinnie Vincent hizo su primera aparición pública en 22 años durante una Kiss Convention celebrada en Atlanta a finales de enero. El ex guitarrista de Kiss aseguró haber vivido un infierno tras dos décadas de litigios con sus antiguos compañeros y también aprovechó para pegar una buena rajada de Mark Slaughter, ex vocalista de Vinnie Vincent Invasion. Lo que no aclaró, a pesar de los rumores, y de su aspecto, es si se ha sometido a una operación de cambio de sexo.

Dave Holland, batería de Judas Priest entre 1979 y 1989, falleció a los 69 años en un hospital de Lugo. Desde hacía años, el músico británico residía en el municipio de A Fonsagrada de la misma provincia gallega. Holland se trasladó a España tras haber pasado por prisión tras una condena de ocho años por intento violación y cinco cargos de asalto indecente, incluidos a menores. Que descanse en paz… si puede.

MADRID JUEVES 28 JUNIO

VIERNES 29 JUNIO

Sร BADO 30 JUNIO

PUNTOS DE VENTA : WWW.DOWNLOADFESTIVAL.ES, WWW.LIVENATION.ES Y WWW.TICKETMASTER.ES

www.downloadfestival.es

Madrid - Caja Mรกgica MEDIO OFICIAL:

MEDIO COLABORADOR:

PATROCINADORES:

ZONA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, JORDIAN FO, RICHARD ROYUELA FOTOS: DR

¿QUÉ ES EL PUNK? Eric Morse, ilustraciones de Anny Yi (FLOW PRESS MEDIA)

ómo explicar a un niño qué es el punk y todo lo que representa esta subcultura? Me he hecho esta pregunta varias veces durante los últimos años, sobre todo desde que soy padre de dos criaturas, y la mejor respuesta la he encontrado en este libro. Gracias a sus versos rimados y a las ilustraciones a base de figuras de plastilina, los más pequeños (y los no tanto) de la casa descubrirán las razones por las cuales sus padres se vieron atraídos por el movimiento punk. Muy entrañables resultan las figuritas de los Ramones, los Sex Pistols y The Clash en plena acción, la mítica pose de Henry Rollins (con sus tatuajes y todo) o el skank kid que danza en el reconocible logo de Circle Jerks. En cuan-

SALVAJE Iván Castelló (CONTRA EDICIONES)

aspa? Puede que en la oronda figura de Jesús Gil hubiese un poco de eso y también que el paso del tiempo no haya jugado, en ningún aspecto, a favor de su legado, pero los que pudimos vivir a tiempo real tal personaje, lo tenemos más como una figura pop y uno de esos personajes, de eso que se llama en la época preinternet, imposibles de repetir. Iván Castelló, periodista, musiquero y colchonero de pro, disecciona al personaje y sus acciones

to a los elementos visuales más característicos del hardcore punk, cabría destacar lo bien ejecutados que están la marquesina del CBGB’s (ante la que esperan Lou Reed, Debbie Harry y David Johansen, entre otros), el trueno tricolor que cae sobre el Capitolio de Washington DC bajo la música de Bad Brains y las portadas de algunos discos legendarios. ¿Qué Es El Punk? es una auténtica delicia visual para toda la familia que se engrandece con los certeros pareados de Eric Morse: “El punk es música, es arte, es cultura y es lucha. Si de verdad quieres saber, simplemente escucha”. JF

con conocimiento de causa. Manejó el Atlético de Madrid como su propio cortijo, uno no puede más que reírse ante el vaivén de jugadores y entrenadores que tuvo bajo su mandato, dueño de declaraciones explosivas en caliente, déspota hasta decir basta, pero con un punto entrañable visto ahora. Además, ese mítico doblete le guardó una página de oro en la historia atlética. De su carrera política mejor no hablaremos ahora… RR

DESDE ABAJO Don Rogelio J. (AUTSAIDER CÓMICS)

Estupendo tomo que recopila los cinco números de la serie autoeditada Desde Abajo, thriller de denuncia y ciencia ficción distópica con innumerables referencias a la actualidad más nauseabunda. En un mundo en el que toda cultura que no sea la aprobada por el Estado no puede ser accesible, un programa de radio clandestino pone en jaque a las autoridades y calienta los motores de una revolución. Gamberro y excesivo, saciará a quienes anden con hambre de relatos crudos, sucios y viscerales. SG

PEZMOCAMU Pepa Pardo y Luis Orús (EDITORIAL CORNOQUE)

EL CLUB DEL DIVORCIO Kazuo Kamimura

JÓVENES OCULTOS Tim Seeley y Scott Godlewski

(ECC)

ECC publica en dos tomos la obra de Kazuo Kamimura dedicada a narrar los dramas diarios de una mujer que regenta un negocio al que acuden mujeres divorciadas que lidian a diario con el estigma de su estado civil y estatus social. Se trata de un trabajo muy intenso, de narración pausada, con gran poso de reflexión y de sentimientos cruzados entre los diferentes personajes que pululan por el bar que da nombre al relato. En pocas palabras, estamos ante un magnífico culebrón en toda regla. SG

COMPROBANDO LA REALIDAD Mauro Entrialgo y Javi Rodríguez

Secuela directa de la cinta de culto de los años 80 donde una banda de vampiros guaperas hacían de las suyas en las costas de California. Este cómic propone volver a las semanas posteriores a los sucesos narrados en la película para reencontrarnos con Michael, Estrella, Sam, los hermanos Frog y, por supuesto, David. Respetuoso con el universo creado por Joel ‘Hortera’ Schumacher, expande las posibilidades de éste, plantea excitantes puntos de giro y ofrece al fan todo un placer culpable. SG

EL ÚLTIMO ZAP COMIX VV. AA. (LA CÚPULA)

(LA CÚPULA)

Tres historias enfocadas a los más jóvenes dentro de la línea Papafrita de la gente de Malavida. Pepa Pardo compone tres historias sobre hadas, espíritus de la naturaleza y amigos mágicos en las que Luis Orús acompaña dibujando dos de ellas. Primavera En La Ciudad, el segmento más amplio del libro, junto con Yo También Soy Bruja, son las historias dibujadas de forma deliciosa por Luis, repletas de imaginación, mientras que el cuento que da nombre al libro abre el trabajo y sirve de potente aperitivo. Precioso. SG

Hay que celebrar que La Cúpula siga recuperando materiales serializados en las páginas de El Víbora. En este trabajo, colaboración entre el prolífico Entrialgo y el actual autor marvelita Rodríguez, nos encontramos ante un relato de ciencia ficción situado en un futuro próximo en el que mezclan temas como el espionaje industrial, los sueños lúcidos o las tribus urbanas. Todo aderezado con mucho humor, narrado con gran espectacularidad y un mimo envidable en el diseño de personajes. SG

La cabecera ZAP Comix sirvió para que Robert Crumb despegase en el circuito underground usamericano y como plataforma para muchos de sus compañeros a finales de los 60. Famosa por ser una de las publicaciones más influyentes de su género, La Cúpula ofrece el que es (hasta la fecha) su última entrega, la 17, y donde encontramos materiales de Spain Rodriguez, Gilbert Shelton y Robert Williams (entre muchos otros) junto a páginas del mismo Crumb. Cómic alternativo de nivelón en estado puro. SG 11

DE CINE_ CON KIKO VEGA EL PASAJERO

SUSPENSE DE ALTA VELOCIDAD

o que está haciendo Jaume Collet-Serra en el primer mundo del cine debería ser más alabado. Y es que no es nada fácil lograr ser un infalible valor en la taquilla con cada nueva propuesta, siempre modesta y siempre más cerca del espíritu pulp y la serie B que la mayoría de competidoras que tiene en el box office. En su nuevo encargo, el director de Infierno Azul se desata con un thriller de alto voltaje, ambicioso y todo lo espectacular que puede ser un desarrollo dramático de suspense

a bordo de un tren. Y puedes creerme, el resultado es fantástico. Para su cuarta colaboración con Liam Neeson tras Sin Identidad, Non-Stop y Una Noche Para Sobrevivir, el director catalán depura al máximo su ambiciosa puesta en escena desde la primera secuencia de la película. A modo de presentación del personaje, Serra se marca una secuencia vibrante y espasmódica cargada… de rutina. De la vida. De ser padre y trabajar. De pillar el cercanías. Los títulos de crédito, al igual que toda la cartelería de la peli, son ejemplares. A partir de ahí, una sucesión de tópicos estupendamente llevados (y es que, si se filma bien, el tópico no es obstáculo), falsos culpables, muchos sospechosos, acción y un par de secuencias de acción adrenalínicas tan inesperadas como bien resueltas. Otro gran triunfo de un director a punto de despegar a las grandes ligas por derecho propio.

THE DISASTER ARTIST

REHACIENDO LA MIERDA

sto que afirmo a continuación puede ser tachado de pose, de cuñadismo o de pasarse de listo, pero es 100% real: me gusta The Room. Me apasiona The Room. Me vuelve loco. No es que me ría de ella: la disfruto. Podría verla cada fin de semana y seguiría sorprendiéndome con la cantidad de decisiones equivocadas que se tomaron en ese rodaje por parte de Tommy Wiseau y todos los que le rodeaban. A ellos los entiendo, porque Tommy tenía pasta y los cheques tenían fondos. Michael H. Weber y Scott Neustadter aparcan su habitual desidia comercial para adaptar de manera brillante el tierno relato en primera persona que el propio Greg Sestero narraba, dejándose querer y maquillando el resultado, en el libro de mismo título. Si no te gusta lo que ves, no culpes a su director. A ver si para rodar el making of de The Room van a tener que usar una planifica-

ción a la altura de un Iñárritu. El reparto, estupendo, consigue que nos olvidemos de los actores que los interpretan para encariñarnos con unos personajes que reinventan y llenan de vida. The Disaster Artist es el ‘cómo se hizo’ de una amistad a prueba de reviews, no sólo la gestación de una de las películas de culto más indescriptibles de todos los tiempos. James Franco pone las cámaras donde tienen que estar, todas, y sabe dotar de ritmo a su narración, que a pesar de responder a los patrones del indie y del mumblecore, luce casi como un lujoso biopic sobre el glamour de Hollywood. Además, por si fuera poco, nos regala una conmovedora interpretación de un personaje demencial, magnético y real, donde brilla en los pequeños detalles, en los gestos inapreciables, en las miradas rotas, como en la secuencia de la discoteca o en el momento en que irrumpe en la mesa de un productor de Hollywood. Merecida recompensa en la última ceremonia de los Globos de Oro y gran favorito para el premio gordo… si la prensa sensacionalista deja de retuitear rumores sin contrastar. The Disaster Artist consigue acercarnos aún más a la visión de la vida y el espectáculo de Tommy Wiseau a pesar de la capa de dulzura e impostura que provoca la magia del cine.

TOI’S IN THE ATTIC UNA NOCHE CON LADY GAGA

ola amigos! Hace unos días asistí a un concierto de éstos para grandes masas, fuera del ámbito rockero. Estuve viendo a Lady Gaga. Fue muy curiosa la reacción de la gente ante tal evento: risas, sorpresa, desprecio y burla en algunos casos. Parece que por ver a una figura mainstream del pop sea una chaquetera o una traidora a mis gustos musicales. Cuando eres joven tienes más prejuicios y la vehemencia con la que defiendes tus gustos al final es una cuestión de blanco o negro, pero con la edad descubres una enorme escala de grises, así que ahora mismo puedo disfrutar de Slayer y Haim con la misma facilidad. Debo admitir también que, pese a apreciar los hits de esta señora, y que curiosamente fueron acortados en su mayoría, y quedarme abrumada con toda la

puesta en escena, desde iluminación y proyecciones, a puentes voladores que unían el escenario principal a otros menores rodeados por público, y un piano que disparaba un rayo láser y echaba humo, no conseguí meterme en el show. A lo mejor me hago mayor, pero los conciertos con largos interludios y llenos de discursos sobre superación personal terminan aburriéndome, así que me fui en la última canción. Actualmente hay dos factores que justifican el precio, generalmente elevado, de una entrada: calidad del espectáculo y duración del mismo. Este segundo es válido siempre y cuando no haya relleno. A lo mejor mis expectativas eran demasiado elevadas, aunque dudo que repita algo así en un tiempo. Dadme una hora y media de The Wildhearts a tope y seré la mujer más feliz del mundo. (TOI BROWNSTONE)

PIANOS BECOME THE TEETH THE NEW ALBUM WAIT FOR LOVE AVAILABLE FEBRUARY 16, 2018

PISANDO FUERTE_ MELANGE FORMACIÓN: Miguel Roscón (guitarra, voz), Daniel Fernández (bajo, voz), Sergio Ceballos (guitarra), Adrián Ceballos (batería), Mario Zamora (teclados, sintetizadores)

PROCEDENCIA: Madrid AFINES A: Exquirla, Nudozurdo, Mogwai PRESENTAN: Viento Bravo (Discos Tere)

elange es, en realidad, como un supergrupo. Miguel estaba en Bucles, Daniel y Mario tocaban en Lüger, y Sergio y Adrián militaban en RIP KC. Un buen día, el primero juntó a los otros cuatro para tocar algunos de sus temas propios. Si aquello salía bien, las canciones serían grabadas y lanzadas. Ahora ya van por el segundo disco, Viento Bravo (Discos Tere). Ser emergente no significa ser nuevo. De hecho, Melange cuentan con la experiencia de sus proyectos anteriores y más de veinte años en la música, que le han aportado al grupo “tablas y cierta madurez musical. Tener un cierto recorrido y haber estado en diferentes bandas te da la posibilidad de moverte en terrenos diversos”. El primer disco, homónimo, fue bien recibido por la crítica y también muy apoyado por una exitosa gira de presentación. No es que les pillara por sorpresa, es que ni siquiera se hicieron la pregunta: “Éramos conscientes de que la banda sonaba, pero no sabíamos cómo iba a funcionar a nivel público. Eso era toda una incógnita que tampoco nos planteamos mucho”. Con ese primer buen impulso, continuaron preparando temas para lo que sería su segundo largo. “Aprovechamos la inercia de trabajo, continuamos empujando y

sacamos Viento Bravo. A nivel de directo queríamos ampliar el repertorio, y sacar otro puñado de temas nos venía bien para aprovechar el tirón del primer LP”, y continúan, con humildad: “Ahora es cuando estamos empezando a asimilar un poco más la acogida de los dos discos y que eso puede ayudarnos a mejorar nuestro nivel de comunicación con el público”. Al igual que su primer álbum, el segundo llega también autoeditado a través de su propio sello, Discos Tere. “La autoedición en el debut fue una consecuencia natural del proceso de formación del grupo y grabación del disco. Simplemente nos pusimos a funcionar. Carlos Díaz, nuestro productor, se acercó a la banda cuando estábamos empezando y nos propuso grabar en vacaciones. Terminamos el álbum gracias al trabajo desinteresado de Carlos, Enrique Borrajeros y más amigos y familiares que aportaron su granito de arena al proyecto. Autoeditarnos es una manera de ser consecuentes con esta forma de trabajar y de dar las gracias a esas personas”. Díaz repite a los mandos, con el que se sienten en deuda por su trabajo: “Volvimos a trabajar con Carlos porque nos sentimos muy a gusto haciéndolo con él. Es un miembro más del grupo”. Sin embargo, sí que

decidieron cambiar de estudio para poder grabar en analógico y en directo en un 24 pistas. Viento Bravo se compuso durante la gira de Melange, así que puede decirse que el uno es coetáneo a los directos del otro. Eso sí, entre ambos se experimenta y hay evolución. “Buscábamos un sonido más crudete. Esto tiene que ver con el proceso de grabación en 24 pistas, que hace necesario acotar todo más e ir al grano”. El resultado es una obra en la que se vuelcan con cariño detalles de la producción y la mezcla que a Carlos Díaz se le quedaron en el tintero la última vez que coincidieron en un estudio; influencias que van desde el rock contemporáneo hasta el folklore multicultural y que, según ellos, ponen en jaque al público cuando no lo espera, y la psicodelia experimental que es ya marca de la casa. Para Melange, el vínculo entre sonidos tan dispares “surge de manera bastante natural. Las influencias calan, van al tuétano. Luego, cuando intentas hacer algo propio sin reproducir clichés y tratando de huir de lo manido, esas influencias afloran espontáneamente”. Los madrileños han conseguido que este trabajo también se edite fuera de la mano de Beyond Beyond Is Beyond Records, pero no parecen tener expectativas internacionales por ahora: “Ciertamente, no tenemos ninguna. En el grupo pensamos que es una muy buena forma de hacer las cosas a nivel creativo. Hacer discos es ya un regalo de por sí, todo lo que venga después es un extra que sabrá a miel”. (RO SÁNCHEZ)

ste mes los escogidos para mi Hall Of Fame son la trilogía de Melvins: King Buzzo, Dale Crover y Joe Preston. En 1992 Kiss se estaban desmoronando. El batería Eric Carr había muerto recientemente. Habían estado juntos durante 19 años, se habían quitado el maquillaje y se habían abierto camino entre un montón de nuevas bandas. Se estaban intentando adaptar a los tiempos con un sonido más duro y una imagen más agresiva, pero era evidente que estaban uno o dos pasos por detrás de sus competidores. Casi al mismo tiempo, y para añadir más leña al fuego, llegaron los irreverentes Melvins con el lanzamiento de tres EPs en Boner Records, parodiando los discos en solitario de Kiss y todo el diseño que les acompañaba, incluido el póster. Hay que tener en cuenta que en aquel momento los solitarios de Kiss tenían tan sólo 14 años de antigüedad (cuando piensas en ello, 14 años son los que han pasado desde que Melvins editaron sus colaboraciones con Jello Biafra, Never Breathe What You Can’t See y Sieg 18

Howdy). Todo el mundo que los conocía no pudo más que reírse ante la parodia que habían hecho del cuarteto de Queens. Igual que los discos de Kiss, cada uno de los miembros de Melvins (King Buzzo, Dale Crover y Joe Preston) escribieron y tocaron sus propias canciones y dedicaron el lanzamiento a los otros. Toda la gente escogió su favorito, pero los tres EPs hacían justicia al sonido Melvins. A diferencia de los álbumes de Kiss, de los que el de Ace Frehley sorprendentemente se convirtió en el más popular, era bastante predecible y obvio que el de King Buzzo acabaría siendo el mejor de los tres, con canciones tan increíbles como ‘Isabella’ y ‘Annum’. Incluso siguió el

ejemplo de Gene Simmons empleando colaboradores externos como Dave Grohl a la batería. Aun así, Dale y Joe supieron también entregar temas destacados en sus lanzamientos. En el de Dale siempre me gusto ‘Hex Me’ y su estilo de cantar me parecía muy interesante, con una voz similar a la de King Buzzo. Los 23 minutos de Joe en ‘Hands First Flower’ son increíbles y es probablemente lo que le quedó de la influencia tras su paso por Earth y el disco Earth 2: Special Low Frequency Version. Lo único que no me acaba de convencer de estos lanzamientos, si nos ponemos puntillosos, es el diseño. Si querían ser fieles de verdad, King Buzzo, como cantante solista/guitarrista del grupo,

tendría que haber estado envuelto en púrpura como Paul Stanley. Joe Preston al bajo, debería de haber estado envuelto en rojo como Gene Simmons. Dale es el único que mantiene la tradición del color al estar rodeado de verde como lo estaba Peter Criss. Nunca una banda ha sido tan atrevida a la hora de ridiculizar a otra y, a la vez, rendirle tributo como The Melvins hicieron con Kiss. Han pasado 25 años desde entonces y esos EPs han pasado el test del tiempo. Por desgracia, uno no puede decir lo mismo de todos los discos en solitario de Kiss, especialmente los de Peter y Gene. Hasta el mes que viene, DANKO JONES

LAS ARNETTE SESSIONS NOS MUESTRAN EL LADO MÁS CERCANO, ÍNTIMO Y CRUDO DE LOS MÚSICOS QUE SE ACERCAN A LA REDACCIÓN DE LA REVISTA ROCKZONE. A PELO, SIN SEGUNDAS OPORTUNIDADES NI EFECTOS ESPECIALES, ESTE FORMATO NO ES APTO PARA PRODUCTOS PREFABRICADOS, SÓLO PARA QUIENES DISFRUTAN Y RESPIRAN LA MÚSICA.

>> JAMIE 4 PRESIDENT INTERPRETAN ‘POWER BALLAD PRINCE’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE

a carrera presidencial de Jamie Ruiz Green, más conocido como el cantante y guitarra de Wild Animals, empezó en 2012. Desde entonces, Jamie 4 President prepara su asalto a la Casa Blanca del power pop con la inestimable ayuda de su inseparable Pablo González, con el que ya había coincidido en Notes To Myself. Ahora están más cerca de su objetivo gracias a The Heartbreak Campaign, su inspirado tercer disco. Muchos han descubierto el proyecto de Jamie con el presente álbum. En otras palabras, sus dos primeros trabajos, Where Did Our Youth Go? y Dolphins, nunca tuvieron la misma repercusión. ¿Tendrá algo que ver el buen momento de Wild Animals? “Que hayamos tocado mucho en los últimos dos años ha ayudado a que más gente se haya interesado ahora por J4P. Cuanto más tocas, a más gente llegarás”, explica Jamie, quien

entiende este disco como una especie de renacimiento: “Hemos vuelto con mucha fuerza y con las cosas muy claras en todos los sentidos”. Este tercer trabajo con regusto a flamante debut combina con mucha gracia el emocore noventero con los Jimmy Eat World del Clarity a la cabeza (‘Candyfloss’, ‘Far From Blue’) y el power pop de bandas como Fountains Of Wayne, The Posies y Redd Kross (‘Everything Fades’, ‘Mexico 86’). “Con los anteriores discos nos apetecía hacer algo más sutil e incluso evitaba meter distorsiones. Al final, supongo que la cabra tira al monte y este álbum ha salido bastante más guitarrero. El sonido es más orgánico, menos producido, y la ejecución es más directa”. Esta mayor pegada, con permiso de la banda, tiene nombre y apellido: Santi Garcia. “Grabar con él en Ultramarinos Costa Brava el último de Wild Animals fue una experiencia

brutal y tenía claro que repetiría, que con J4P podríamos hacer algo interesante. A Pablo también le apetecía mucho grabar con él y nos seducía la idea de pasar una semana en Sant Feliu de Guíxols. De Ultramarinos a la playa y viceversa”. Las líneas de bajo de todos los temas y el solo de guitarra de ‘Mexico 86’ también llevan el sello de Santi. No es la única colaboración del álbum, pues Xavier Calvet de Bullitt metió coros en dos temas, ‘Everything Fades’ y ‘Power Ballad Prince’. “Fueron seis días de vacaciones haciendo lo que más te gusta en un ambiente creativo con gente que te entiende a la perfección. Ahí coincidimos con Xavi y Borja (Please Wait), que ya conocíamos, y se sembró la idea de incorporarles al proyecto”. Así, casi sin quererlo, Jamie 4 President entraron en Ultramarinos siendo un dúo y salieron siendo un supergrupo del underground nacional.

BLACK LABEL SOCIETY

ORGULLO Y GLORIA

A PESAR DE QUE SU TÍTULO PUEDE LLEVAR A LA CONFUSIÓN, GRIMMEST HITS NO ES OTRO ÁLBUM RECOPILATORIO DE BLACK LABEL SOCIETY, SINO QUE CONTIENE DOCE NUEVAS CANCIONES DE LA BANDA DE ZAKK WYLDE. EN MARZO ESTARÁN PRESENTÁNDOLO POR AQUÍ, PERO ANTES HABLAMOS CON EL VIKINGO DE NEW JERSEY. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

AC K WYLDE NO NECESITA PRESENTACIÓN .

Con 20 años se hizo con el codiciado y prestigioso puesto de guitarrista en la banda de Ozzy Osbourne, pero en aquel momento, casi nadie podía imaginar que ese niñato imberbe consiguiera convertirse en uno de los guitar heroes de su generación. Sin embargo, tres décadas después, y habiendo volado también por libre y colaborado con todo tipo de artistas (en 1995 incluso fue candidato para sustituir a Slash en Guns N’ Roses), tanto él como su guitarra, The Grail, son auténticos iconos del heavy metal. Tras haber dedicado el pasado año principalmente a girar con Zakk Sabbath, su tributo a Black Sabbath, éste lo dedicará a, una vez más, hacer de escudero de Ozzy en su gira de despedida que aquí pasará por los festivales Download Madrid y Rock Fest Barcelona, y a promocionar Grimmest Hits (eOne Music), el decimocuarto disco de Black Label Society con quienes visitará Vitoria el 10 de marzo, Santiago de Compostela el día 11, Madrid el 13 y Barcelona el 14. Si bien algunos discos de su banda son algo irregulares, la verdad es que éste destaca dentro de su extenso catálogo. Este año has cumplido los 50, ¿te

ha afectado de alguna manera? ZAKK WYLDE “La verdad es que

no. Recuerdo que cuando mi padre cumplió 80 años me dijo ‘es como cumplir 40 dos veces’ (Risas). No sentía que tuviera 80 años. Me decía que recordaba a amigos que habían muerto en la Segunda Guerra Mundial o de cáncer y que él seguía vivo, pero se preguntaba dónde había ido a parar todo ese tiempo. Es como Ozzy o Robert Plant, seguro que para ellos 1973 no parece algo tan lejano a pesar de todas las cosas que han hecho. O los Stones. Estoy seguro de que cuando Mick Jagger o Keith Richards están en el escenario, se preguntan dónde han ido a parar los últimos 50 años y piensan que fue ayer cuando grabaron ‘Gimme Shelter’. Pero fue en 1969 (risas). Supongo que cuando estás ocupado y trabajando, los días pasan volando. Cuando salgo a la carretera y me dicen que tengo seis semanas por delante, parecen muchas, pero luego llega el último concierto y pienso ‘¿Y eso es todo?’. Ya no me sorprende lo rápido que pasan los años”. ¿Crees que es la música lo que te mantiene joven?

“Me imagino que sí. Creo que, si haces algo que amas, ya sea deporte o lo que sea que te mantiene ocupado, eso hace que estés activo y te man-

tengas joven. Siempre que tengas un próximo proyecto en el horizonte, te vas a sentir joven”. Proyectos a ti nunca te faltan. ¿Cuándo sentiste la necesidad de reactivar a Black Label Society?

“Me vinieron ganas de hacerlo mientras estaba girando con Zakk Sabbath, así que sólo se trataba de encontrar el momento para volver a casa y componerlo. Iba a estar del 2 al 20 de enero, así que tenía tres semanas para hacerlo. Me propuse componer cada día. Mi manera de verlo es como que tengo un radio de 2 millas y tengo que encontrar huesos de dinosaurio, así que salgo y, si encuentro algo, bien, y si no, me espero al día siguiente y lo intento otra vez. Ésa es mi filosofía. Nunca me entra miedo ni nada parecido. Lo disfruto mucho. Con Black Label siempre lo hemos hecho así. Vamos al estudio sin nada y vemos lo que pasa. Es bonito”. ¿Pero no temes no sentirte inspirado justo cuando lo necesitas?

“La inspiración siempre viene de la música que escuchas y lo que vas digiriendo, al menos en cuanto estilo. Y en cuanto a las letras, siempre son autobiográficas o cosas que le ocurren a otras personas, e intento verlas a través de sus ojos. Y luego siempre 23

“CADA VEZ QUE ME JUNTO CON OZZY VOLVEMOS AL PUNTO EXACTO DONDE LO DEJAMOS. ESE HOMBRE ME HACE LLORAR DE RISA” ZAKK WYLDE

está la guerra, la religión, el conflicto... Todo eso me interesa. Cada disco que hago para mí es como si fuera el primero. Me emociono tanto haciendo Grimmest Hits como cuando hice ‘Miracle Man’ o ‘Crazy Babies’ con Ozzy”. El álbum refleja muy bien tu personalidad musical.

“Lo más importante es que su música te emociona. Eso es lo que debería hacer siempre la música. Si tengo algún consejo para alguien joven es que hagas algo que te emociona. Para mí Black Label es como una sopa donde pongo todas mis influencias. En los temas duros es Sabbath

y Zeppelin, en los más suaves es The Allman Brothers y Van Morrison, Percy Sledge, Neil Young, Bad Company... esos son los ingredientes de mi sopa. En mis solos encontrarás cosas de Hendrix, Frank Marino, Al Di Meola, John McLaughlin, Iommi, Page... Así es como aprendes a cocinar: combinando ingredientes y encontrando tu sabor. Justin Bieber hace lo que hace por Michael Jackson, si hubiera crecido escuchando la misma música que yo, no haría eso. Pero cada uno tiene que encontrar su sabor”. Siempre me ha sorprendido el

Alice In Chains. En los 90, el grunge casi aniquila el heavy metal que tú representabas. ¿Cómo lo viviste en su momento?

“Si te digo la verdad, a mí el grunge me sonaba a Black Sabbath y Led Zeppelin, así que no tenía nada en contra. Mis bases musicales son Tony Iommi, Jimmy Page y Richie Blackmore, son los reyes del riff, y el grunge era música de guitarras y riffs, así que no lo veía como un peligro para el metal. Quizá sí para el hair metal, pero el grunge seguía siendo metal, sólo que con otra ropa y sin laca de pelo”.

toque grunge de algunos de los temas de Black Label, en plan

Pero incluso bandas como Iron

su hogar. Sigo en contacto con ellos. Pero si alguien tiene la oportunidad de ganar más dinero tocando para Celine Dion o quien sea, no me voy a oponer. Siempre tienen la puerta abierta para volver. Nunca discutimos. Las cosas son sencillas. ‘Tenemos una gira, vamos a ganar algo de dinero, el jueves a las doce tienes que estar en tal sitio’. Si te presentas y haces tu trabajo, no hay nada por lo que discutir”.

¿Habéis escrito algo para su nuevo disco?

“No, no hemos escrito nada. Por ahora todo se reduce a tocar en directo y reírnos”. Realmente te encanta estar de gira, porque cuando no estás con Black Label, estás con Zakk Sabbath, la gira Experience Hendrix, ahora con Ozzy de nuevo... ¿Te consideras un adicto a la carretera?

Aunque tienes una imagen amenazante y dudo que nadie quisiera estar a malas contigo, nunca has tenido miedo de mostrar tu lado sensible en los discos acústicos Book Of Shadows. ¿Nunca tuviste miedo de decepcionar a tus fans más duros?

“Ponlo así: siempre que cojo una guitarra sé que voy a decepcionar a la gente (risas)”.

“Simplemente lo amo. Por eso tenía pósters de Sabbath, Hendrix y Zeppelin en mi habitación... Quería ser como ellos. Me encanta tocar y quiero tocar cada día. El otro día le decía a Jeff (Fabb), mi batería, que tenemos el mejor trabajo del mundo porque podemos tocar cada noche. Cada día siento esa emoción por subirme a un escenario”. Desde un punto de vista técnico,

Ya sabes que no (risas). Pero lo

¿todavía tienes margen de me-

cierto es que cuando te uniste a

jora, o ahora te centras más en

Maiden o Judas Priest lo pasaron

la banda de Ozzy, mucha gente

otros aspectos como componer

mal en los 90...

te odiaba. ¿Cómo lo llevaste?

mejor y el sentimiento?

“Supongo... Pero como te digo, para mí el grunge era metal. Si escuchas ‘Jesus Christ Pose’ de Soundgarden, ¿me vas a decir que eso es country? Eso es igual de heavy que cualquier grupo de metal. ¿Cómo no iban a gustarme?”.

“Lo llevaba bien porque toda mi vida ha sido así. Llevo 30 años con la misma mujer, así que ahora ha tomado el relevo de la gente que me odia junto a mis hijos y mi perro (risas). ¡Todo el mundo me odia! (Risas)”.

“Es una combinación de todo desde el principio. Cuando empiezas necesitas la técnica porque quieres ser capaz de tocar rápido. Necesitas práctica y ser capaz de hacerlo físicamente. Pero una vez llegas a eso, la cosa cambia. Salvador Dalí tenía técnica, pero lo importante es que te sorprendía en cada cuadro nuevo que hacía. Eso es a lo que aspiro”.

¿Y cómo te sientes tocando con ¿Qué importancia les das a tus

Ozzy ocho años después?

compañeros en Black Label? Por-

“¡Es genial! Cada vez que me junto con él volvemos al punto exacto donde lo dejamos. Ese hombre me hace llorar de risa. Siempre digo que es un milagro que consigamos hacer algo porque nos pasamos todo el tiempo riendo”.

que has cambiado bastante de miembros, pero pareces mantener el sentimiento de banda.

“Black Label es como una fraternidad. Todos los músicos que han tocado en Black Label saben que es

PIANOS BECOME THE TEETH

GRITANDO

SUSURROS

WAIT FOR LOVE , EL NUEVO TRABAJO DE PIANOS BECOME THE TEETH, DESPLIEGA LA MISMA ELEGANCIA Y SENSIBILIDAD DE SU ANTERIOR TRABAJO, PERO RECUPERA PARTE DE LA FUERZA DE SUS INICIOS. UNA COMBINACIÃ&#x201C;N GANADORA. TEXTO: ALEJANDRO LOZANO FOTOS: DR

AY VECES QUE, CUANDO UNA

tamos con el propio Durfey al otro lado del teléfono.

BANDA CAMBIA SU SONIDO, CORRE EL

¿Qué tal estás, Kyle? ¿Cómo has

RIESGO DE PERDER SEGUIDORES,

empezado el año?

pero en el caso de Pianos Become The Teeth, se puede decir que el plan les ha salido más bien de lo que se podría esperar. Etiquetados desde sus inicios en 2008 bajo un estilo más cercano al screamo que al post rock con el que ya se les podría catalogar desde 2014, los de Baltimore sorprendieron con su tercera obra, Keep You. La primera novedad de ese trabajo estaría en la ausencia de gritos por parte de su vocalista Kyle Durfey, quien cambió por completo su registro vocal y pudo demostrar que hay una bonita voz tras toda esa rabia desprendida en sus dos primeros discos. La segunda novedad la tendría el sonido de sus otros cuatro integrantes, al que dotarían de melodías que podrían acercarse a una mezcla de American Football y Explosions In The Sky. Aquel largo supuso incluso una referencia para sus buenos amigos de Touché Amoré en Stage Four, pues ambos cantantes cuentan abiertamente la pérdida de sus padres por enfermedades mortales, cambiando también a un tono más melódico del que acostumbraban. Este 2018 vuelven a la palestra con Wait For Love (Epitaph), su siguiente álbum después del tan mencionado cambio, y es que tras los adelantos de ‘Charisma’ y ‘Bitter Red’, ya se podía intuir la línea que querían continuar, esta vez con algo más de chispa en sus melodías, pero manteniendo el mismo camino marcado. Para poder hablar un poco mejor de todo esto y más, contac-

KYLE DURFEY “Muy bien. Llevo desde navidades en casa, y ya he empezado mi propósito de este año para ponerme en forma (risas)”.

Por cómo lo dices, parece que no es la primera vez que te lo has propuesto.

“En efecto, lo he dicho otros años, pero esta vez ya se va notando un poco la edad y he dicho que de éste no pasa (risas)”.

este cambio para llegar a más público?

“Sí, yo creo que ha surtido ese efecto de que nos escuche otra gente que no nos había escuchado anteriormente, pero no ha sido nuestro propósito en un principio. Es cierto que el cambio en Keep You fue una sorpresa para los que nos habían escuchado antes, pero yo creo que han sabido apreciarlo, y este disco, si nos han acompañado durante todo este viaje, les va a gustar igual o más que lo anterior”. Es verdad que en éste sonáis algo más accesibles que en

Keep You, con melodías más Ánimo con ello. Imagino también

pegadizas.

que estaréis impacientes por la

“Sí, exacto. Desde que nos metimos en el estudio para grabar, todos estábamos de acuerdo en hacer melodías algo más fáciles y pegadizas, pero con nuestra esencia de Pianos. Sobre todo, porque pienso que Keep You fue un álbum muy difícil de digerir de primeras. Me encanta el disco, por supuesto, pero pienso que la línea es monótona y es duro de pasar. Ahora queríamos un sonido más dinámico y compacto, que los cambios de lento a fuerte tuvieran más presencia”.

salida de vuestro cuarto disco,

Wait For Love, el 16 de febrero. ¿Cómo lo llevas?

“Sí, por supuesto. Han pasado ya unos años desde que publicamos Keep You y tenemos muchas ganas de que la gente lo pueda escuchar. Hasta ahora la reacción de la gente ha sido bastante positiva con los dos temas de adelanto que hemos sacado, pero la verdad es que yo prefiero mantenerme apartado de los comentarios que puedan hacer hasta que no hayan pasado unos meses y lo hayan podido digerir con tranquilidad. Estoy bastante orgulloso del trabajo que hemos hecho y confío que nuestros fans lo van a saber apreciar también”. En vuestro anterior trabajo pegasteis un cambio considerable en el estilo de la banda, y ahora con éste os reafirmáis en continuarlo. ¿Os ha beneficiado

¿Cómo fue la fase de grabación? Tengo entendido que volvisteis a Filadelfia para repetir con vuestro anterior productor.

“Pues la verdad es que fue un proceso algo complicado. Volvimos con nuestro amigo Will Yip, que le apreciamos y le tenemos mucho respeto, pero nuestro batería David tuvo algunos problemas de espalda. Como que pasaron muchas cosas aleatorias que hicieron que

“CREO QUE ES BUENO QUE LA GENTE SE ANIME A CONTAR LA VERDAD SOBRE LO QUE LE HAYA PASADO PARA ASÍ PODER AYUDAR A LA GENTE QUE CALLA POR MIEDO” KYLE DURFEY

todo el proceso durara más de lo que habíamos planeado. Estuvimos mes y medio más o menos y algunos de nosotros íbamos y volvíamos en el mismo día porque vivimos a casi tres horas de allí, así que fue algo cansado e intenso a la vez. Pero bueno, supongo que tenía que pasar así... Estamos contentos por haber combatido todos esos momentos complicados para sacarlo adelante”. En esta nueva etapa, ¿cuáles podrías decir que son vuestras influencias?

“Bueno, yo creo que todos en el grupo siempre hemos tenido más afinidad con la música heavy, o por lo menos, con sonidos fuertes. Pero ahora, en este momento de nuestras vidas, estamos evolucionando un poco hacia otros tipos de sonidos. Escuchamos cosas muy variadas de diferentes estilos. Pienso que, como te digo, está muy relacionado con la edad y los intereses van cambiando conforme a la vida que llevas, es un proceso de madurez que nos enriquece y nos hace seguir queriendo hacer música de la manera

que nos sintamos en ese momento”. Se está haciendo difícil catalogaros en un estilo concreto, a diferencia que cuando empezasteis.

invitación, estaríamos encantados. Siempre tratamos de girar más y estar en sitios nuevos, pero no hemos tenido mucha oportunidad de viajar tanto como nos gustaría”.

¿Cómo os describirías?

“(Risas) Buena pregunta. Yo diría que somos algo así como una banda de post rock. Se puede decir que tenemos una parte emocional en nuestra música, pero creo que cuando a una banda se la etiqueta de ‘emo’, hay gente que le echa para atrás y las meten en el mismo saco de bandas depresivas. El otro día me decía un colega que a su padre le encanta nuestra música, y eso dice que podemos tener otro rango de edad superior al que se supone que tiene el emo, así que nos describiría simplemente como un grupo post rock que hace canciones un poco tristes (risas)”. Imagino que ahora también podréis estar en otro tipo de festivales más reconocidos...

“Eso espero. De momento no tenemos ninguno a la vista, pero si llega la

¿Planeáis venir por Europa este año?

“Pues de momento sólo tenemos cuatro fechas confirmadas aquí en Estados Unidos, estamos esperando para poder anunciar más, pero Europa es una de las cosas que todavía no hemos tenido tiempo de planificar. Hemos hablado algo sobre verano, pero todavía no hemos decidido nada concreto. Nos encantaría ir, por supuesto, es lo que más deseo como destino en nuestras giras”. Si mal no recuerdo, estuvisteis sólo una vez en España. ¿Qué recuerdas de aquel concierto?

“Sí, exacto. Por desgracia sólo hemos podido estar una vez. Fue en el Resurrection Fest, la gente nos recibió muy bien y la organización nos trató genial, pero recuerdo que estuvimos solamente unas horas porque tenía-

mos otro festival al día siguiente en otro país, así que no hemos podido disfrutar la experiencia de estar en España más que por lo que vimos allí. Nos encantaría poder volver y disfrutarlo más tiempo”. Estaría bien teneros otra vez por aquí. Algo que se comenta mucho de vuestros directos es la intensidad con la que vives cada palabra que dices, ¿te cuesta tener que contar esos momentos tan personales y luego animarte después del concierto?

“Creo que si hiciera muchos conciertos seguidos probablemente no lo haría de la misma manera, podría soltar todo eso cada noche de forma robótica como hacen otros, pero por lo menos para mí consiste más en algo así como hacer un check-in y un check-out cuando estoy sobre el escenario. Con algunas canciones depende de la noche me pueden tocar más que otras, por eso creo que sigo sintiéndolo al no hacerlo tan seguido. Es importante dejar todos esos malos momentos ahí, en el escenario, y así no llevarlos contigo después cuando llegas a casa. Por lo menos a mí es lo que me funciona, no sé si me he explicado bien…”.

que hemos hecho, pero puede que al no estar en un momento tan oscuro ahora en mi vida las letras no son tan textuales como las anteriores”. ¿Alguna canción que destacarías por encima del resto?

“Hay una canción que se llama ‘Bay Of Dreams’ a mitad del disco que me encanta. Es una canción que suena a nosotros, pero en una versión un poco más desnuda, por así decir. La hicimos con esa intención y creo que es de la que más orgulloso me siento. Puede que sea la que mejor define la idea de lo que queríamos hacer en este disco”.

New. Oír unas cosas tan desagradables como las que han dicho sobre Jesse Lacey ha sido muy difícil de asimilar. Por supuesto, para mí estas cosas hacen que no quiera interesarme por su música nunca más. Sobre todo, porque también conozco víctimas de este tipo de abusos y es horrible saber que alguien al que le tienes respeto y aprecio no es la persona que creías que era. Creo que es bueno que la gente se anime a contar la verdad sobre lo que le haya pasado para así poder ayudar a la gente que calla por miedo”. Estoy totalmente de acuerdo contigo. También pienso que

Para terminar, me gustaría

es necesario que esa gente sea

preguntarte por el tema que

consecuente con sus malos ac-

Entiendo. Para este nuevo disco,

lamentablemente está ocupan-

tos y, estando a tiempo, den

¿has trabajado las letras de la

do noticias en todo el mundo y

también un paso al frente para

misma manera?

que ha dado pie al movimiento

arrepentirse y pedir perdón.

“Siempre suelo tener un tema en particular del que escribir, y siempre lo trato de principio a fin en cada álbum. En éste evidentemente trato el tema del amor y sus diferentes fases en la vida. La verdad que no he tenido ningún momento más fácil o complicado que en cualquiera de los otros discos

Time’s Up contra el acoso se-

“Sí, así debería de ser, pero si se te ha pasado el tiempo adecuado, las disculpas no tienen el mismo significado”.

xual. ¿Has sentido alguna mala experiencia de cerca por alguien que hayan acusado y no te esperaras?

“Pues lo que más me ha sorprendido de lo que he oído, sinceramente, ha sido lo que se ha dicho sobre Brand

BLACK REBEL MOTORCYCLE CLUB

EL NUEVO AÑO NOS HA TRAÍDO UN NUEVO DISCO DE BLACK REBEL MOTORCYCLE CLUB. SI EN EL HIT QUE LES LANZÓ A LA FAMA SE PREGUNTABAN QUÉ LE HABÍA PASADO A SU ROCK’N’ROLL, EN WRONG CREATURES TODAVÍA SIGUEN BUSCANDO LA RESPUESTA. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

O RECUERDO EXACTAMENTE CON QUÉ DISCO FUE, PERO UNA VEZ QUE ENTREVISTÉ A

Peter Hayes, vocalista y guitarra de Black Rebel Motorcycle Club, el tipo iba tan pasado que no pudimos ni publicarla. Balbuceaba las palabras, decía frases sin sentido y parecía que en cualquier momento fuera a quedarse catatónico. Por suerte, la salida de su octavo álbum Wrong Creatures (PIAS) me ha permitido volver a hablar con él con un resultado totalmente distinto. Si bien Hayes conserva ese deje arrastrado de hombre que ha cometido todos los excesos posibles -piensa en Keith Richards-, esta vez sus repuestas tenían coherencia e hizo alguna reflexión destacable. Es evidente que todavía tiene una lucha interna por resolver, pero probablemente es gracias a ella que Black Rebel Motorcycle Club, que completan su inseparable Robert Levon (voz, bajo) y Leah Shapiro (batería), siguen haciendo música interesante 17 años después del hype creado con su debut, con su rock punzante, oscuro y paisajes de americana. El 14 de julio volverán a nuestro país para actuar en el festival Mad Cool de Madrid.

nuevo disco a estas alturas? PETER HAYES “Me sigo poniendo

igual de nervioso que siempre. No sé por qué… Supongo que porque nunca he hecho un álbum con el que me sintiera absolutamente satisfecho, y eso siempre te hace tener dudas. Pero la verdad es que en cada momento tampoco sabría cómo hacerlo mejor, así que presentamos lo que tenemos (risas). Estoy abierto a todo tipo de críticas, amor u odio, todo está bien. Sólo espero que sobrevivamos y podamos hacer el siguiente. Siempre hay algo en la cabeza que me dice que en el siguiente podré hacerlo mejor”. ¿Pero lo dices más por las canciones, por el sonido…?

“Las dos cosas. Es una batalla constante. Para empezar con las canciones, porque intentar transmitir un sentimiento o una emoción a través de música no es nada fácil. Hay momentos en los que creo que lo conseguimos, pero es algo tan personal que cada uno puede que conecte o no. Tocas en directo y hay canciones que piensas que conectarán con el público y no lo hacen, y viceversa. Supongo que es lo mágico de la música”. Han pasado cinco años desde

¿Cómo vives la salida de un

vuestro último disco. En 2015, 33

a Leah le practicaron una ciru-

cerebro (risas)”.

ése el motivo de un silencio tan

¿Y encontraste la respuesta?

prolongado?

“(Risas) Sí, la encontré. Uno de los problemas era la automedicación, pero había muchas razones por las que lo hacía (risas). Necesitaba estar en paz con el mundo. La salud

“Al principio fue por una cuestión médica. Leah no podía tocar, no podía trabajar. Pero lo superó y se estuvo recuperando durante seis meses.

estás de gira, pero luego en casa es todo lo contrario.

gía cerebral. ¿Fue básicamente

“Sí, es una vida interesante. Necesitas tener algo de sangre circense o nómada para hacer esto. La carretera se convierte en tu hogar”. En el disco encontramos dos

“NECESITABA ESTAR EN PAZ CON EL MUNDO. LA SALUD MENTAL SIGUE SIENDO UN MISTERIO EN MUCHOS ASPECTOS” PETER HAYES

Luego salimos de gira y después yo me tomé algo de tiempo libre para aclararme la cabeza. Estaba bastante liado con distintos problemas. Estaba atrapado en varios clichés. Necesitaba saber si tenía esquizofrenia o qué es lo que le pasaba a mi

mental sigue siendo un misterio en muchos aspectos”.

tipos de canciones, unas más rockeras y directas y otras más largas y maduras, en cierto

Supongo que ser músico te

modo. ¿Las escribiste durante

lleva a un estilo de vida muy

el mismo periodo de tiempo?

peculiar. Por un lado, lo tienes

“Este disco no fue tan drástico como Specter At The Feast. En ése hubo

todo muy programado cuando

algunos cambios drásticos. En éste los cambios salieron de manera más modulada. Supongo que porque las escribí durante un periodo más largo de tiempo. Y también porque quería que las canciones fueran un poco más interesantes, sin usar los mismos recursos”.

gundo disco son sobre estar deprimido. E incluso ‘Whatever Happened To My Rock’N’Roll?’ es una pregunta dirigida a nosotros mismos. En plan, ‘¿Qué nos estamos haciendo?’. Pero ambas parecían dirigidas al exterior, como si estuviéramos señalando con el dedo, pero en realidad eran conversaciones interiores, con la intención de hacer callar el mundo exterior (risas). No me importa lo que digan los demás, es una conversación conmigo mismo. Pero una vez llega al oyente, todo eso cambia. La verdad es que siempre he escrito desde la introspección. Incluso cuando parecía que pudiera estar acusando a alguien, en realidad me estaba acusando a mí mismo”. Eso es lo más duro de hacer, acusarse a uno mismo.

“No es divertido, pero es la verdad (risas). Quejarte y acusar a los demás es lo fácil, pero ¿qué más puedes hacer aparte de eso? Eso es lo que te debes preguntar. Incluso cuando hablas con tus amigos, y estás de acuerdo en que odias algo determinado, tienes que entender de dónde viene ese odio”. En canciones como ‘Haunt’, ‘Echo’ o ‘Calling Them All Away’ parece que busques la belleza en la oscuridad... Pero que la hayas encontrado también manda una señal de espe¿Crees que con la edad te salen

ranza, ¿no?

de manera más natural los te-

“Es muy bonito que digas eso. Así es como intento vivir mi vida. Lo bonito es que depende del receptor lo profundo que quiera llegar. Sea un poema o una canción, depende del receptor que lo encuentre. Eres tú

mas más introspectivos que los rockeros?

“Eso es interesante. Algunos temas que parecen los más directos como ‘Six Barrel Shotgun’ de nuestro se-

el que ha encontrado la belleza en esas canciones. El que me lo digas, me hace feliz porque en el fondo es lo que buscaba. Me haces recordar por qué las escribí. Sin quererme poner hippie, pero la música puede ser medicinal cuando estás deprimido. Sin duda es una medicina. Ayuda”. Descríbeme tu relación con Robert. ¿Con los años os entendéis mejor, sois más tolerantes?

“(Risas) ¿Tolerancia? Ésa es una buena palabra (risas). La verdad es que somos más como una pareja de viejos cascarrabias (risas). Es en plan ‘aparte de mi cara’ (Risas). Sabemos cómo irritarnos, pero tienes que tener cuidado. Es la gente que tienes más cerca a la que es más fácil herir. Es interesante. Todavía estamos descubriendo los defectos del otro. Nos queremos, hemos crecido juntos, y nos hemos peleado, pero al final, la nuestra es tan buena o tan mala como cualquier relación que puedas imaginar. Cuando estás harto del otro, quieres apartarte de él, pero luego te das cuenta de que necesitas a esa persona y quieres volver. ¿Y en qué lugar te deja eso? Te das cuenta de que sin esa persona no eres nada. Pero creo que eso ocurre en cualquier relación saludable. Al final, lo importante es el deseo de estar juntos. Pero no es cada vez más fácil, sino todo lo contrario (risas). Espero no haberte deprimido (risas). Sólo somos humanos intentando hacerlo lo mejor posible”.

DON BROCO

LUCES Y S OMBRAS

QUE TIEMBLE CHARLIE BROOKER: EL NUEVO DISCO DE DON BROCO ES UNA SÁTIRA DE LAS NUEVAS TECNOLOGÍAS ESCRITA POR EL CANTANTE ROB DAMIANI EN UNO DE SUS PEORES MOMENTOS Y COMO REACCIÓN AL ÁLBUM QUE LES HA TRAÍDO ALGUNOS DE LOS MEJORES. TEXTO: RO SÁNCHEZ FOTOS: DR

O ME EXTRAÑÓ EN ABSOLUTO QUE ROB DAMIANI

me dijera que estaba aliviado porque saliera su disco “por fin”. Siempre esperas que te digan que están emocionados por un lanzamiento, pero un sentimiento tan amargo no lo ves venir. Podía haberlo dicho por el proceso de trabajo que la banda ha tenido desde que compusieron la primera canción hasta la publicación de Technology (Sharptone) este 2 de febrero. Un proceso largo de creación –“Lo tenemos listo desde octubre del año pasado, pero llevamos trabajando en él desde el año anterior”–, y también muy duro: “El principal hándicap que tuvimos fue estar aún de gira. No paramos de girar. Grabábamos, pero entonces teníamos que marchar para una gira de seis semanas en América. Y después volvíamos, pero de nuevo teníamos una gira genial de festivales europeos que nunca habíamos hecho. Cada vez que estábamos en el estudio armando el disco, teníamos que dejarlo”. Pero esto no parece agobiar del todo al cantante, que ha sabido verle el lado positivo a la primera vez que grababan un álbum mientras continuaban con el tour del trabajo anterior. “Fue una bendición y una maldición a la vez porque, aunque el proceso de grabación se volvió muy intermitente, también ha sido una

de las cosas que nos ha mantenido frescos. A veces, si pasas mucho tiempo encerrado en el estudio, puedes cansarte de la rutina”. Para Damiani, el espíritu de esa manera de grabar también se ha capturado en el disco. A raíz de compaginar estudio y escenarios, la banda se ha visto más intrigada por el sonido de las canciones cuando llegaran a tocarlas en directo. “Nos preguntábamos todo el tiempo cómo iba a sonar en directo. Qué queríamos sentir mientras tocábamos esas canciones y cómo queríamos reaccionar a ellas en vivo. Y eso nos hizo remodelar las ideas previas que teníamos para el álbum. Antes cambiábamos las canciones para los directos, para hacerlas más divertidas, más rápidas y emocionantes. Pero esta vez esos cambios han venido mientras trabajábamos en las canciones en sí”. No es la única cosa por la que este Technology se siente diferente al resto de álbumes de Don Broco. La banda llega al tercer disco desde un Automatic mucho más sosegado que los riffs de guitarras y la batería frenética que estrenan este año. Tal como este trabajo no se entiende sin saber cómo se hizo, tampoco puede descontextualizarse del anterior. Technology es una reacción a Automatic. “Fue parcialmente intencionado, pero también salió así a la hora de escribirlo. En cada disco hemos querido sonar diferentes, como un progreso desde el álbum anterior. Con

Automatic hicimos un disco de pop rock, el más melódico y con más brillo de Don Broco. Y con ello sentimos que ya lo habíamos hecho, que eso ya estaba conseguido. La siguiente pregunta era qué queríamos hacer en el siguiente. Nos apetecía hacer algo más rock en el sonido, lo más agresivo y duro posible”. Estoy segura de que el alivio reside en el camino que han recorrido hasta llegar a preguntarse qué querían hacer y en saber hacerlo después. Technology está impregnado de una atmósfera sombría, y esto no es por casualidad. Hace dos años la banda se encontraba conduciendo hacia uno de los conciertos de la gira en un festival y tuvieron un accidente de tráfico. Éste no era un suceso aislado, era el punto crítico de los últimos meses de Don Broco. “Fue la primera vez que, como banda, nos estábamos desmoronando, y también con nosotros mismos. Muchos grupos te dirán esto: cuanto más tiempo llevas, más tiempo hay para que las cosas vayan mal. Te preguntas qué es lo que estás haciendo y si realmente lo estás disfrutando. Somos cuatro, somos muy cercanos, nos ayudamos muchísimo. Como hermanos, familia. Te apoyas, tienes que hacer sentir al resto que todo va bien y que podemos hacerlo juntos. Y era la primera vez que todo estaba yendo mal. En realidad, ahora parece que no era tan grave y que se podía gestionar, pero en ese momento parecía que 37

“NUNCA HE SIDO UN COMPOSITOR POLÍTICO, PERO SÍ QUE SIENTO

QUE ESTOY CRECIENDO COMO PERSONA O QUE EL MUNDO ESTÁ CAMBIANDO A MI ALREDEDOR

DE MANERA VERTIGINOSA”

ROB DAMIANI

el mundo entero se iba a romper. No había nadie que pudiera sentirse bien, apoyar al resto y sacarnos de eso. No había esperanza para nosotros. Estábamos de gira, estábamos haciendo un disco y hacíamos todas esas cosas que solíamos amar y que debíamos amar, pero no lo estábamos disfrutando”. En este ambiente de desesperación, tuvieron el accidente con la furgoneta de la banda. “Hacía unos meses que todo iba bien, pero entonces las cosas eran te-

rribles. Un día estábamos conduciendo de camino a un festival e íbamos hablando. Estábamos cabreados, no estábamos en un momento en el que debíamos estar conduciendo. Por suerte, estamos todos bien, pero eso fue una llamada de emergencia. Cuando estás en esa posición mentalmente, nunca crees que vas a poder recomponerte y recoger los pedazos. Estábamos muy ocupados con todo y no nos dábamos cuenta de que nos estábamos arrojando hacia el límite”.

Pero vuelve a encontrar el lado bueno de las cosas: “Hemos aprendido de esto y ahora intento que cada lucha que atravieso, individualmente o con la banda, se transforme en algo positivo como hacer buena música con ello”. Rob Damiani es ahora fiel a un dogma optimista con el que consigue pasar con luz por algunos de los episodios más oscuros y complicados para la banda. A partir del accidente, Don Broco empezaron a pre-

DON BROCO

“NOS APETECÍA HACER ALGO MÁS ROCK EN EL MÁS

SONIDO, LO

AGRESIVO

Y DURO POSIBLE” ROB DAMIANI

guntarse qué era lo que realmente querían hacer y con qué iban a estar a gusto. Ésta es la verdadera razón de ser de Technology, cuya única norma es sentirse bien con el resultado, y también de los lanzamientos de adelanto que se remontan a 2016. El primero de ellos fue ‘Everybody’, que precisamente habla del suceso. “Esta vez hemos lanzado las canciones en cuanto las teníamos listas. El pensamiento detrás de esto fue que, en cuanto tuviéramos algo con lo que estuviésemos contentos, teníamos que sacarlo. No había necesidad de esperar a que el disco estuviera terminado”. Después llegaron cuatro más a lo largo de 2017 y una quinta a principios del pasado mes de enero, dilatando las publicaciones por más de un año. En el álbum completo encontramos una especie de Black Mirror con críticas a la obsesión en redes sociales (‘Technology’), la vigilancia a través de los smartphones (‘Good Listener’), las noticias falsas y su rápida difusión en internet (‘Porkies’), por supuesto el Brexit (‘Something To Drink’) y hasta la industria musical hoy en día (‘Come Out To LA’), contado desde el lado más personal de Damiani con el que intenta ofrecer una alternativa a la esclavitud emocional, las relaciones

por conveniencia y la mediocridad con las que el mundo se siente en su zona de confort. “Nunca he sido un compositor político, pero sí que siento que estoy creciendo como persona o que el mundo está cambiando a mi alrededor de manera vertiginosa. Últimamente leo las noticias todos los días para saber qué está pasando en el mundo. Los temas de Technology hablan de la malicia de la tecnología, las redes sociales y algunos aspectos más oscuros como en qué piensa el mundo con la subida de la ideología de la derecha, y las decisiones que la gente está tomando, que no necesariamente tienen que saber lo que están haciendo cuando votan. El Brexit ha afectado a mucha gente, sobre todo emocionalmente. Definitivamente, todo esto me estaba afectando y quería hablar de ello”. Éste es, sin duda, el álbum más maduro para Don Broco, que este 2018 cumplen diez años desde su formación. Aunque actualmente la banda ya ha superado su peor etapa, los mejores recuerdos que Damiani guarda para sí siguen estando lejos del momento presente: “Los primeros años fueron increíbles. Recuerdo dar conciertos terribles en los que nadie levantaba la cabeza, y recuerdo hacer festivales como

Reading & Leeds, un festival con el que hemos crecido desde niños. La primera vez que tocamos allí, tuvimos mucho público y fue bastante inesperado. También los primeros conciertos grandes que das son alucinantes, como en Roundhouse. Ese concierto en Camden fue uno de los shows en los que cada uno de nosotros estuvo genial. Nadie olvidó una nota, yo no olvidé la letra, estábamos muy sueltos, y teníamos un sentimiento de verdadera felicidad”. Para el futuro de la banda, el deseo del cantante y de sus compañeros Simon Delaney (guitarra), Matt Donnelly (batería) y Tom Doyle (bajo) es bastante sencillo: “Queremos que mucha más gente nos escuche con Technology y nos conozca, y también dar más conciertos. Ya tenemos varias fechas en Europa y nos estamos extendiendo a nuevos países, pero también queremos estar en casa y tocar en sitios más grandes y para más gente. Sueñas con ser la banda más grande del mundo, pero nosotros nos conformamos con tocar delante de alguien”.

FIVE FINGER DEATH PUNCH

CUESTE LO QUE CUESTE

APROVECHANDO SUS CONCIERTOS POR AQUÍ Y LA EDICIÓN DEL RECOPILATORIO A DECADE OF DESTRUCTION , DECIDIMOS VOLVER A SENTARNOS CON FIVE FINGER DEATH PUNCH PARA HABLAR DE SU DIFÍCIL PASADO RECIENTE Y LO QUE PODEMOS ESPERAR EN EL FUTURO INMEDIATO. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR/ERIC ALTIMIS (DIRECTO)

O ES NADA HABITUAL TENER LA OPORTUNIDAD DE ESTAR CASI UNA HORA Y MEDIA

charlando con un músico de una banda del nivel de Five Finger Death Punch. Pero eso es lo que ocurrió el pasado 12 de diciembre en los camerinos del Sant Jordi Club de Barcelona. El guitarrista Zoltan Bathory tenía ganas de hablar. Muchas. Y pasada la media hora pactada de entrevista, y ya con la grabadora apagada, siguió contando anécdotas sobre su vida personal que, la verdad, tampoco tendrían mucho interés de ser publicadas. Lo que me quedó claro es que Zoltan es el verdadero cerebro del grupo. A ratos tenía la sensación de estar escuchando más al CEO de una empresa o un coach motivacional que a un músico. Se considera un adicto al trabajo y sus campos de actuación parecen no tener límite. Contó que había estado diseñando interfaces para una empresa de tecnología espacial o que todo el concepto del merchandising del grupo (“Tenía que ser entre el de una banda y un equipo deportivo”) era suyo. El tipo tiene las ideas muy claras y explica en gran parte el gran éxito que la banda ha conseguido en los últimos años y que queda reflejado en la compilación A Decade Of Destruction (Prospect Park). Incluso insistió en que Tommy Vext, vocalista de Bad Wolves y de los cuales ejerce ahora de mána-

ger, estuviera presente en la entrevista para que hiciera contactos con la prensa. Su presencia facilitó poder hablar un poco más sobre la situación con Ivan Moody, ya que fue su sustituto en los conciertos que dejó colgados para poder entrar en rehabilitación. Si la inestabilidad del cantante podía ser el único obstáculo en la imparable carrera del grupo, hasta eso parecen haberlo superado. Habéis publicado un disco recopilatorio, el nuevo todavía tardará un poco en salir, Ivan ha vuelto al grupo… ¿Veis esta gira como un periodo de transición? ZOLTAN BATHORY “No sé si llamar-

lo así. Siempre habíamos prometido a los fans europeos que cuando llegáramos a cierto nivel, haríamos una gira con un escenario grande, muchas luces, lásers, y finalmente lo hemos hecho. Bueno, en realidad el recinto de hoy no es suficientemente grande para colocar una calavera gigante con unos bates de béisbol que llevamos de fondo. Es así de grande (risas). La banda tuvo éxito primero en Estados Unidos y los fans europeos veían vídeos de nuestras giras allí y querían poder ver lo mismo. Ahora hemos podido cumplir nuestra promesa”. Siendo húngaro, ¿es más especial para ti haber conseguido finalmente triunfar también en 41

Europa? ZOLTAN “Sí, claro. Yo crecí en los 80

en un país comunista, pero creo que puedo decir que para los europeos el metal no era sólo música, era un estilo de vida. Me imagino que en España era lo mismo. Si llevabas el pelo largo en la escuela, te miraban como a un delincuente (risas). Siendo un país comunista, el rock no existía, ni siquiera sonaba AC/DC. Al gobierno no le gustaba. Las bandas locales de rock y metal tenían que presentar sus letras al gobierno para que fueran aprobadas. Para nosotros el metal era un ‘jódete’ al comunismo y al gobierno. Así que para mí poder volver con esta música es como una validación de que, a pesar de que mis sueños parecían imposibles o una locura, esto tenía que pasar. Si no tienes sueños locos, el loco eres tú. Todo el mundo te dice que escojas un trabajo normal, que esto es imposible, pero si te mantienes firme y te quitas la negatividad de encima, y educas tu mente y trabajas duro, puedes conseguir cualquier cosa. Y cuanto más consigues, cualquier cosa te parece más alcanzable. Pero si no eres capaz de visualizar lo que quieres, nunca conseguirás nada. Es como tener el mapa de una ciudad: si no sabes dónde quieres ir, no te sirve de nada”.

so. Así que no tenía tiempo que perder. El sueño americano es que puedes saltar de clase social. Puedes ser un chaval en cualquier parte del mundo y si tienes talento y trabajas duro, puedes llegar a tener éxito. No necesitas que tus padres sean ricos y te lo den todo hecho. Todo depende de ti. Ése es el sueño del rock’n’roll. Que un tío melenudo, que parece un delincuente, si sabe tocar la guitarra, puede conseguir todo esto. Ése era mi sueño”. Supongo que sacar un grandes éxitos es también una validación. De hecho, sois de las pocas bandas de metal actual que de verdad ha tenido hits. ZOLTAN “(Risas) Sí. Trabajamos en la

selección del recopilatorio y teníamos datos reales de las canciones que habían sido hits. Teníamos 18 temas que habían entrado en el top 10 y escogimos las más populares. No son las canciones favoritas de Zoltan, son nuestros grandes éxitos. En los dos últimos años hemos crecido mucho, así que hay muchos fans que quizá no han escuchado los tres primeros discos, así que es una manera de recuperar esos temas. Y además, pudimos meter un par de temas nuevos”. ¿Cómo de importante es para

¿Sientes que eres un ejemplo del

vosotros tener un hit en cada

sueño americano?

disco? ¿Es algo a lo que prestáis

ZOLTAN “Podría decir que sí. Yo

especial atención?

llegué a Nueva York con una guitarra y una bolsa con ropa. No hablaba inglés. La gente que nació allí juega con ventaja, porque viven en una sociedad libre, y hablan el idioma. Pero yo iba con veinte años de retra-

ZOLTAN “Una canción no se con-

vierte en un hit porque tú quieras. No es como entrar en la cocina y cocinar un hit”. Pero hay una ciencia detrás de

eso. Hay fórmulas para saber cuánto tiene que durar el estribillo, cuantas veces hay que repetir el título… ZOLTAN “Sí, hay una fórmula. Un hit

normalmente dura entre 3 y 4 minutos. Si tienes un tema de 9 minutos, la radio no lo va a poner. Si usas la palabra ‘fuck ’ o usas un lenguaje muy brutal, tampoco te va a poner. Hay ciertos parámetros en los que tienes que encajar. Pero lo que tienes que hacer es escribir algo auténtico con lo que la gente se pueda identificar. No tiene que ver con tus habilidades musicales o con tu técnica. Tocar ocho horas al día te hará ser bueno desde un punto de vista mecánico, pero no tiene nada que ver con componer. Componer es un arte. Una canción transmite sentimientos, ni siquiera necesita letra. Coge Las Cuatro Estaciones de Vivaldi. Cualquiera puede adivinar a qué estación corresponde cada pasaje, si es invierno o es verano. ¿Y por qué ocurre eso? Porque de alguna manera, hay algo dentro de nosotros que nos hace comunicarnos con la música. Puedo escribir una canción que te haga sentir triste, o contento, sin necesidad de palabras. Un compositor tiene que comprender esas cosas. Luego hay una parte fisiológica. Si tengo un riff y le pones la batería justo en el centro, te hará sentir con fuerza. Si la retrasas un poco, será algo más relajado. Y si la pones detrás, te provocará ansiedad. Así que son cosas que le ocurren a tu cuerpo, aunque no seas consciente o puedas controlarlo. Un compositor de verdad va a utilizar todos esos elementos para transmitirte un sentimiento. Muchos músicos ni siquiera saben

que todo esto existe”. ¿Hubo alguna canción que se convirtiera en un hit sin que lo esperarais? ZOLTAN “Cuando haces un disco

intentas crear como una película. Me encantan Slayer, pero no puedo escuchar dos discos suyos seguidos porque son demasiado densos. A mí me gusta más la variedad. Tiene que haber temas duros, para matarse en el mosh pit, algunos medio tiempos y otros más sentimentales tirando a baladas. Incluso es importante el orden, porque quiero que sea como un viaje y que escuches el disco entero. Así que cuando compongo tengo eso en cuenta, y escribo para llenar ese hueco en particular, pero no escribo pensando en hacer hits. Es cuando tienes el disco entero que ves claro qué temas pueden ser hits. Las canciones destacan por sí solas”. Habéis incluido una versión de The Offspring, ‘Gone Away’. ¿Qué os llamó la atención de esa canción? ZOLTAN “No tiene mucho misterio,

Ivan adora a The Offspring. Y también a los Misfits, así que quería rendirles su tributo y escogió ese tema. Hubiera sido demasiado obvio hacer una versión cañera. Para Ivan no era una canción punk, para él era una canción oscura y sentimental porque se fija en la letra. Yo me fijo más en las guitarras (risas), pero en cualquier caso, quisimos darle ese enfoque más triste”. ¿Cómo crees que todo lo que habéis pasado con Ivan influirá en el próximo álbum?

“NO NECESITAS QUE TUS PADRES SEAN RICOS Y TE LO DEN TODO HECHO. TODO DEPENDE DE TI. ÉSE ES EL SUEÑO DEL ROCK’N’ROLL”

ZOLTAN BATHORY

ZOLTAN “Las letras de Ivan siempre

tienen una relación directa con lo que vive. Y creo que eso es parte de nuestro éxito. Puedes escribir sobre vikingos o el medievo, pero ¿a cuánta gente realmente le importa? Para nosotros es más importante lo que pasa en el mundo o lo que nos ocurre en nosotros. Un disco tiene que reflejar el momento. Ha pasado por un periodo turbulento, así que eso se va a reflejar en las letras. Siempre bromeo que cuando hacemos un álbum intento joderle para que le salga la rabia en las letras (risas). Pero también ha conseguido dejar de beber, así que también hay ese sentimiento de victoria. Desde luego tiene cosas sobre las que escribir”. Aprovechando que estás aquí, Tommy, quería preguntarte

Yo me considero simplemente una pieza que les ayudó a reparar lo que estaba estropeado”. ZOLTAN “Ivan no toma drogas, sólo bebe vodka. ¡Se llama Ivan, joder! (Risas) ¿Quién que se llama Ivan no le gusta el vodka? (Risas) El problema es que fue desarrollando una mayor tolerancia y cada vez bebía más. Podía funcionar perfectamente, no te dabas cuenta de que estaba borracho hasta que soltaba alguna. Pero al final le empezó a afectar. Cada vez bebía más y al final tuvimos que hacer una intervención. No queríamos verle morir y le dijimos que escogiera la banda o la botella. No podía tener las dos cosas. Y obviamente escogió lo correcto. Tommy era amigo suyo, así que la elección era fácil. Acabamos la gira y ahora todo está bien”.

cómo te sentiste ocupando el puesto de Ivan.

Además, los fans entendieron

TOMMY VEXT “Al principio me daba miedo. Tienes que tener en cuenta que por un lado es un honor que te pidan cantar para una de las mayores bandas del mundo, pero por otro sabes que estás ahí porque alguien que te importa está pasando por un mal momento. Así que intenté dar a los fans lo que a mí me hubiera gustado ver, que es lo que me pidió Ivan. La adicción y el alcohol es una enfermedad jodida. Si tienes cáncer, nadie se cabrea contigo, pero mucha gente no entiende lo que es una adicción. Lo que estos tíos hicieron fue algo especial y ahora la vuelta de Ivan es un éxito. Hemos visto mucha gente con talento y creativa que han muerto. En este caso la banda le apoyó en buscar ayuda, porque no querían verle morir, pero por otro lado, el espectáculo debe continuar.

muy bien la situación.

TOMMY “Porque la gente com-

prende las cosas. El éxito de esta banda tiene que ver mucho con su conexión con los fans. Es una banda de la gente. Cuando existe una conexión real de más de una década, los fans ven que la banda son seres humanos y que pueden tener problemas. Es así”. ZOLTAN “Si lo piensas, fue un momento increíble. Tommy salía al escenario y decía que Ivan no estaba porque necesitaba ayuda, y en cada concierto le aceptaron porque forma parte de la familia. Es un hermano y la gente le conocía porque había cantado antes con nosotros. Ahora va a volver con Bad Wolves, que es una banda increíble. Veo mucho de nosotros en ellos. No me habría involucrado si no estuviera conven-

cido de que tienen muchas ganas de trabajar. Eso es lo que se necesita. El esfuerzo es incluso más importante que el talento. En Five Finger todos somos muy buenos músicos, pero fue nuestras ganas de trabajar lo que nos llevó lejos”. TOMMY “Lo gracioso es que hace diez años, Five FInger abrían los conciertos para mi antigua banda Divine Heresy. Ver lo lejos que han llegado me ha inspirado mucho”. ¿Teníais miedo de que Ivan pudiera acabar como algunas de las estrellas que fallecieron el año pasado? ZOLTAN “Vimos a Linkin Park en

Madrid cuando tocamos en Download. Su avión estaba al lado del nuestro, en el mismo hangar. Es la última vez que les vimos. Nos abrazamos con ellos y nos dijimos ‘hasta la próxima’. Chester era súper majo. Nunca hubiera imaginado ni siquiera que estaba deprimido”. TOMMY “Es una alteración de la realidad. Yo llevo nueve años sobrio y antes lo veía todo de manera distinta. Lo más duro es el primer año. Cuando llevas años siendo un adicto entras en una rutina muy peligrosa. Es difícil encontrar la esperanza cuando estás en ese estado. Cuando pienso en Scott Weiland veo mi peor pesadilla. Que te obliguen cada noche a salir a bailar como si fuera un mono para que haya gente que gana dinero a tu costa. Se murió de gira y no debería haber estado de gira. Debería haber estado recibiendo ayuda”. ZOLTAN “Las cosas han cambiado. Creo que todos los grupos pasan por diferentes fases y al principio te

“NO QUERÍAMOS VER MORIR A IVAN Y LE DIJIMOS QUE ESCOGIERA LA BANDA O LA BOTELLA. NO PODÍA TENER LAS DOS COSAS”

ZOLTAN BATHORY

diviertes estando de fiesta. Pero la industria ha cambiado. En los días de Mötley Crüe todo el mundo ganaba un montón de pasta. Todos los chavales consumían música y alguien se preocupaba para que el negocio siguiese en marcha, aunque desfasaras mucho. Ahora hay muchas más formas de entretenimiento, así que tienes que

trabajar mucho más duro. Recuerdo que giramos con Sixx AM cuando estábamos en nuestro periodo más loco y Nikki Sixx nos dijo que teníamos que bajar el ritmo o acabaríamos mal. Cuando Nikki Sixx te dice algo así, lo tienes en cuenta (risas). Sharon Osbourne también nos lo dijo. Esta banda era como un puto circo, estába-

mos fuera de control. Yo era el único que no bebía, así que lo recuerdo todo (risas). Pero por suerte supimos frenar a tiempo y ahora lo tenemos todo al alcance de nuestra mano”.

THE REBELS

U NA N UEVA ES PERANZ A

CON SU SEGUNDO TRABAJO, THE REBELS SABOREARON EN PARTE LAS MIELES DEL ÉXITO AL MISMO TIEMPO QUE SU LÍDER ALEX GALLARDO PASABA LA ETAPA MÁS OSCURA DE SU VIDA. POR SUERTE, FUE CAPAZ DE ESCAPAR DE ELLA CON UN DISCO COMO MAFIA BAJO EL BRAZO, SU PARTICULAR VENDETTA CONTRA AQUÉLLOS QUE MUEVEN LOS HILOS EN LA SOMBRA. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: CRISTINA OTERO

ARA CUALQUIER GRUPO UNDERGROUND DE ESTE PAÍS, TENER SUS

canciones sonando en películas que ven millones de personas en todo el mundo o abrir para bandas legendarias en estadios abarrotados serían sin duda indicativos de que las cosas están yendo bien. Eso es lo que les pasó a los madrileños The Rebels con la publicación de su segundo plástico, Always Now!, con el que les surgieron oportunidades como incluir su tema ‘Only Loves Is Revolutionary’ en la exitosa cinta de animación Atrapa La Bandera o incluso que el mismísimo Bon Jovi les eligiese personalmente para abrir sus conciertos por estadios como el Vicente Calderón. Pero a pesar de exhibir esa imagen exitosa, desde dentro las cosas no iban tan bien. Su cantante, guitarrista y principal alma de la formación, Alex Gallardo, cayó en una profunda depresión que les obligó a parar por completo durante más de dos años. Ese periodo de inactividad ha terminado resultando en su obra más honesta y sincera de todas las que han publicado hasta la fecha. Además de presentar su cara más contundente, Mafia supone también el debut de su propio sello, Red Fox Music, con el que tanto Alex como sus compañeros Gonzalo Ramos (batería), Jorge Cristoveanu (bajo) y Rubén Cores (guitarra) inician una

nueva etapa con aires renovados, dispuestos a reivindicar el papel del rock dentro del panorama actual como algo más que mero entretenimiento de consumo inmediato. Desde que acabó la gira de

Always Now! hasta ahora habéis sufrido un parón de actividad

de puta madre, que los conciertos iban bien, petábamos la sala El Sol, reventando las guitarras… Pero todo eso son las redes sociales. Luego uno tiene su vida interior y yo estaba fatal. He tardado en recuperarme y hacer que todo el proceso de creatividad acabase en el disco, porque cuando estás jodido, cuesta”.

bastante largo. ¿En qué andabais metidos aparte de escribir

Como acabas de decir, desde fue-

nuevas canciones y preparar el

ra parecía que os iba muy bien.

siguiente disco?

Colabais vuestros temas en pelí-

ALEX GALLARDO “Desde que terminamos con Always Now! hasta que ha salido Mafia han pasado dos años y medio. Durante ese tiempo tuve una depresión bastante gorda. A un familiar mío le ocurrió un asunto bastante heavy y, bueno… La verdad es que entré en barrena y hubo que parar de tocar porque yo empecé a tontear con sucias mierdas. Estaba tan desquiciado que me quería morir. La última vez que estuvimos de gira en Benidorm casi me tiro por una ventana. Había tenido movidas con suicidarme, pero nunca en mi vida me había visto tan predispuesto a hacerlo. Ahí ya paré. Tenía que dejar de tocar y de seguir con la vida que estaba llevando en ese momento por la depresión. Y me dije: ‘Tío, ponte a componer que eso te va a sacar de ahí’. Me puse a recuperar la autoestima que tanto había perdido. Es curioso porque muchos amigos me decían que durante la época de Always Now! se nos veía

culas como Atrapa La Bandera, Bon Jovi os llamaba para ser sus teloneros... ¿Fue un poco ver el reverso tenebroso del éxito?

“Es que el éxito en la vida no tiene por qué ser el éxito social. Puede que lo tuviésemos, pero yo en ese momento estaba hundido. No salía de mi cuarto. Los jueves me iba de gira todo el fin de semana, no comía, desfasaba… Llegaba el domingo a casa, me metía en la habitación con las persianas bajadas y de ahí no salía. Nadie veía eso. Fue cuando me di cuenta de que tenía que dejar de vivir la noche, salir y tocar. Parar en definitiva, porque también con todo lo que pasó con Always Now! se juntaron tres años en los que no me había ido de vacaciones ni un día”. Una vez paraste, ¿cuánto tiempo pasaste escribiendo temas?

“Puede ser que estuviéramos casi un año componiendo, maquetando y preproduciendo. Yo para preprodu47

cir un tema, me puedo tirar diez días mirando cada nota del bajo, porque eso es como una catedral. Luego estuvimos casi siete meses en Estudio Uno grabando, compaginándolo con nuestros trabajos también, cuidando cada detalle… Hemos ido cogiendo los momentos en los que hemos podido hacerlo”. De hecho, tú mismo te has hecho cargo de la producción. Siendo tu primera experiencia en este campo, ¿cómo te ha ido? ¿Te resultó más complicado de lo que esperabas?

“Para nada. Ha sido todo un placer. Me he rodeado de un equipo de puta madre como es Alfredo Jiménez, que es quien ha mezclado el disco y un poco mi mano derecha en la producción. Es gente que ama cuidar la música. Por ejemplo, para cada guitarra que hemos grabado teníamos siete amplificadores y siete guitarras, y yo me he preocupado porque se probasen todas las opciones para cada canción. Hemos mirado mucho la sonoridad del conjunto. Muchas veces nos ofuscamos en que sea todo muy fuerte, comprimido, apretado y con mucho volumen, y desde hace tiempo se nos ha olvidado cuidar esa sonoridad. Lo que más importa de un disco es la interpretación y el cómo digas las cosas. El sonido es importante en cuanto a tecnicismos, pero lo que de verdad importa es si una canción es buena”. Aunque seguís manteniendo ese sonido basado en guitarras y melodías, se aprecia que Mafia es un trabajo mucho más duro. ¿De dónde sale esa rabia?

“Evidentemente viene del momento por el que pasé que te contaba antes, pero viene también de darle una vuelta de tuerca a The Rebels. Te soy sincero: cada vez que hemos hecho un álbum, más o menos he compuesto cien canciones, y de ahí elegimos. En los dos primeros discos la elección de los diez o doce temas que acababan dentro estaba premeditada de una manera para que fuesen las que más fácil conectasen con la gente, bajo nuestro prisma. Pero llegados a este punto, dado que me daba igual todo, dije: ‘Joder, si ya hemos hecho eso, ¿por qué no sacamos ahora un disco con las canciones que más nos gusten a nosotros sin que nos importe qué es lo que piensen los demás?’. Al final parece que hay que escribir para el público y no es así. Por ejemplo, en este disco hay un tema que habla de una chica que se llama Beth. De pequeña había sido abusada por su padre, que la violaba y hasta que sangraba no la dejaba, y se terminó convirtiendo en una niña psicópata. Hay un documental muy interesante sobre ello que se puede ver en YouTube. Cuando se fue con sus padres adoptivos, no sabían de dónde venía y quería cortarle los huevos a su padre, le clavaba alfileres a su hermano pequeño de 2 años, mataba al hámster… Hacía verdaderas barbaridades. Le hicieron un estudio a base de medicación, psicólogos, psiquiatras y demás… y a día de hoy es una mujer que ha conseguido tener hijos y formar una familia. Cuando yo escribo, necesito hablar de eso porque veo esa historia y me conmueve. Una de las cosas que más me impactó fue que la chica no

amaba, porque un psicópata no tiene la capacidad de amar. Y no puede hacer eso porque un hijo de puta se lo ha quitado desde que ha nacido. Yo en ese momento con la depresión que estaba pasando, aparte de sentirme muy mal conmigo mismo, sentía que tampoco tenía esa capacidad de querer a alguien. Me sentí identificado y tenía la necesidad de escribir sobre ello bajo mi punto de vista para poder liberarme. No puedo hacerlo de otra manera. Yo puedo mostrar las visiones que más me han impactado a mí o bien las que creo yo que más le pueden llegar a la gente. Pues Mafia son las que más nos importan a nosotros”. Además, intuyo que todo esto tiene mucho que ver tanto con el título como la portada que os ha hecho Markel Urrutia de Smoke Signals.

“Yo le escribí un texto de dos folios en el cual expresaba todas las sensaciones que tenía y por todo lo que había pasado, más o menos, durante el proceso de creación y grabación del disco. Lo leyó y vio que hacía mucho hincapié en que vale ya del lado oscuro, de vender todo el rato a Darth Vader… el bien tiene que ganar. Vale ya de que molen los malos. Yo vengo de una época en la que los que molaban eran los Goonies, Indiana Jones y los rebeldes de La Guerra De Las Galaxias. Vale ya de corrupción de mierda, que todo vaya por amiguismo… Nosotros como público demandamos que la gente con talento y que se deja la piel en lo que cree pueda llegar a hacer las cosas bien. Da lo mismo a lo que te dediques: los más poderosos ganan mucho y el resto

gana una mierda. Y eso pasa porque hay un montón de siervos del Lado Oscuro y todos tendemos a ir hacia esa corriente. Entonces, vale ya. Los buenos tienen que volver a molar. Y eso es lo que Markel vio que había que potenciar en la portada. Nos dijo que, iconográficamente, en la historia el Bien siempre había estado representado a lo largo de las culturas por un caballero con una lanza a lomos de un caballo blanco, y el Mal por una serpiente. Pero poner algo así era demasiado obvio. Mola más que sea el caballo el que traiga la luz que acaba con todas las víboras y corruptos. Porque el rock’n’roll tiene que tener también esa función de rebeldía contra lo establecido”. Para Mafia habéis decidido tomar las riendas de todas las

“EL ÉXITO EN LA VIDA NO TIENE POR QUÉ SER EL ÉXITO SOCIAL. PUEDE QUE LO TUVIÉSEMOS, PERO YO EN ESE MOMENTO ESTABA HUNDIDO. NO SALÍA DE MI CUARTO”

decisiones, empezando por crear

ALEX GALLARDO

vuestro propio sello: Red Fox Music. ¿Qué es lo que os hizo ver que era necesario dar este paso hacia la independencia total y

realmente en esa dirección, The Rebels se apunta”.

absoluta?

“Bueno, yo es que tengo la sensación de que para cambiar las cosas hay que hacerlo desde la raíz. Red Fox en realidad tiene que ver más con mi colega Alex Ferrero de Nothink y conmigo que con The Rebels. A lo largo de los años nos hemos ido encontrando con situaciones e intereses que nada tenían que ver con el rock. Queremos ayudar dentro de la medida de nuestras posibilidades a que esto funcione de otra manera mucho más profesional. ¿Y cómo podíamos hacer eso? Pues con The Rebels, porque es una locura de banda que en vez de querer ir por donde va la corriente, le gusta ir a contracorriente. Y ante la idea de ir

Siempre habéis sido una banda que le ha dado muchísima importancia a los videoclips y esta vez habéis lanzado nada menos que cuatro antes de la salida del disco. ¿Por qué optasteis por hacer este tipo de campaña?

“Pues mira, como llevábamos dos años y medio sin hacer nada, había dado tiempo a ahorrar (risas). Una de las cosas que queremos reivindicar desde nuestro sello es que estamos hartos de artistas de un solo single. A mí lo que me mola de los discos es escucharlos enteros. Tenemos la sensación de que a día de hoy lo que importa en la industria discográfica, como en todas las

demás, es en lugar de fast food, fast music. Un grupo edita un disco, saca un single y ya está. Al gran público no le llegan el resto de las canciones. Entonces pensamos que si sacábamos cuatro, a la gente lo que le quedaba por escuchar era el resto del álbum. Si ya has escuchado cuatro temas, cuando tienes el disco, ¿qué vas a escuchar? ¿Lo mismo? No, quieres escuchar más canciones. Y de esa manera reivindicábamos un poco el concepto de álbum. No era tanto la idea de dar importancia a esos singles, sino dársela al resto de los temas y que la gente tenga más interés debido a lo que ya hemos mostrado”. Pero últimamente los grupos adelantan prácticamente medio

THE REBELS

“NO ES NORMAL QUE EN LAS ÚLTIMAS TRES DÉCADAS NO HAYA NADIE QUE PUEDA ASPIRAR A VIVIR DE LA POESÍA, DE ESCRIBIR LIBROS, DE HACER OBRAS DE TEATRO, DE ESCULPIR ESCULTURAS… SE LO ESTÁN CARGANDO TODO” ALEX GALLARDO

álbum antes de que salga. ¿No

todo del hip hop. ¿Qué motivos

creéis que se pierde un poco la

veis para pensar que no todo

magia de escucharlo por primera

está perdido?

vez y que todos los temas no te

“Que nosotros seguimos haciéndolo. Mira, en los últimos 30 años de historia, los gobiernos de todo el mundo se han encargado de que la cultura se vaya a la mierda para que la gente sea más dominada y esclava del sistema. No es normal que en las últimas tres décadas no haya nadie que pueda aspirar a vivir de la poesía, de escribir libros, de hacer obras de teatro, de esculpir esculturas… se lo están cargando todo. Y la música se está convirtiendo en cosas como el reguetón o el trap, que se resumen en teta, culo, pedo, pis. Nunca antes la sociedad había estado tan carente de cultura. Ni los esclavos que recogían algodón. Ellos al menos tenían el blues y el soul para expresarse, no por puro entretenimiento. Ya no hay pie para que surja gente como Edith Piaf o Leonard Cohen que te transmitan nostalgia o tristeza. Eso no mola. Lo único que mola es el reguetón. Ante una sociedad que no demanda más que eso porque hay unos interesados que controlan a todo el mundo, pues nos encontramos ante una situación extremadamente jodida tanto para artistas como para gente sensible que todavía necesita de ese arte para abordar la puta mierda del

resulten familiares?

“Claro, pero es que tú eres alguien que se escucha los discos enteros. Nuestra reivindicación no es hacia gente como tú, sino al consumidor medio. No todo el público que consume rock es tan especializado ni dedica a escuchar música tantas horas como nosotros. Hay mucha gente que sólo consume rock en los bares y lo único que le llega son los éxitos que suenan en la radio. En un espectro social en el que siempre estamos hablando de giras deficitarias, pues bienvenidos sean ésos que al menos les gusta el rock aunque sea por las canciones que son hits. Si a esa gente le interesas más por los singles, pues a ver si somos capaces de hacer que empiecen a escuchar discos”. Vosotros siempre habéis dicho que el grunge y el rock alternativo no están muertos, pero sin embargo a nivel de popularidad están viviendo su época más baja. Ahora las grandes estrellas vienen del pop más comercial, como siempre ha sido, y sobre

capitalismo en el que estamos inmersos. O tienes una canción, un libro o una película que te pueda dar eso, o no tienes nada. Porque si nos están quitando artistas de todo tipo que puedan satisfacer tu necesidad de escuchar una canción con la que te sientas triste porque te ha ocurrido algo y quieras sentir empatía con otro ser humano, ¿qué te vas a poner? ¿Reguetón? No te da. Te vas a volver una persona que esconde esos sentimientos y se enfrenta a la vida con superficialidad mirando hacia otro lado. Y de esa manera eres mucho más fácil de dominar para los poderosos. Sí, es cierto que sigue habiendo artistas que son capaces de expresar esos sentimientos, pero la gente no tiene interés por descubrirlos. ¿Y por qué pasa eso? La educación que se da en los colegios es absolutamente tecnológica y tú sólo vales para lo que es importante. ¡Si se ha eliminado hasta la filosofía! No sé si ya sólo de Humanidades queda Literatura. La humanidad desde la infancia se está perdiendo en post de la tecnología, y eso no satisface todas las necesidades de un ser humano. Y es lo que nos estamos encontrando en la música actual”.

MARMOZETS

TODO PASA

Y TODO QUEDA

HACE CUATRO AÑOS MARMOZETS IRRUMPÍAN EN NUESTRAS VIDAS CON UN DEBUT DE LO MÁS EXCITANTE Y SE CONVERTÍAN EN UNA DE LAS REVELACIONES DE LA ESCENA ROCK BRITÁNICA. LEJOS DE SUBÍRSELES EL ÉXITO A LA CABEZA Y PRECIPITARSE POR APROVECHAR ESE TIRÓN INICIAL, LA BANDA LIDERADA POR BECCA MACINTYRE SE HA TOMADO SU TIEMPO PARA FACTURAR UN SEGUNDO ÁLBUM QUE ESTUVIERA A LA ALTURA DE LAS EXPECTATIVAS. GRACIAS A ENCONTRAR EL EQUILIBRIO ENTRE DETERMINACIÓN Y PACIENCIA, KNOWING WHAT YOU KNOW NOW CUMPLE DE SOBRAS CON SU COMETIDO. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

UELE DECIRSE QUE LOS GRUPOS TIENEN TODA LA VIDA

para escribir su primer álbum, pero sólo unos meses para escribir el segundo. A lo largo de la historia encontraríamos un montón de ejemplos a los que el exceso de presión ha tirado por tierra todo lo conseguido por un gran debut. Los británicos Marmozets podrían haber sido unas víctimas más de esta circunstancia. Formados en 2007, cuando todavía iban al instituto, esta banda formada por dos parejas de hermanos, los MacIntyre -Becca (voz), Sam (guitarra) y Josh (batería)- y los Bottomley -Jack (guitarra) y Will (bajo)-, publicó su primer EP un par de años más tarde y fue rodándose compartiendo escenario con grupos como Young Guns, Four Year Strong o Gallows. Fue precisamente el guitarrista de éstos, Laurent Bernard, quien decidió apostar por ellos y publicarles el single ‘Good Days’ a través de su sello Venn Records. Pero sería la multinacional Roadrunner quien, viendo su potencial, los ficharía para lanzar su primer álbum. En 2014, The Weird And Wonderful Marmozets puso definitivamente en el mapa su efectiva mezcla de sensibilidad pop, agresividad punk y complejidad math rock. Algunos los llamaron “un cruce entre Paramore y The Dillinger Escape Plan”, una descripción que daba una idea bastante clara de por dónde iban los tiros. Gracias a esa original propuesta musical y, sobre todo, a la fuerza primaria de su directo -aquí sólo tuvimos la oportunidad de verlos en el Bilbao BBK Live en 2015, aunque este julio estarán presentes en el MadCool-, Marmozets se fueron ganando la etiqueta de banda reve-

lación, consiguiendo cada vez más repercusión y mayores oportunidades como la de ser escogidos por Muse como teloneros de su Psycho Tour. Pero tras dos triunfales apariciones en los festivales Reading y Leeds en el verano de 2015, la banda desapareció del ojo público y empezó la expectación por poder escuchar nueva música suya. La mayoría de sus seguidores, y probablemente también su discográfica, esperaban que el grupo quisiera aprovechar el impulso cogido para entrar rápidamente en el estudio y lanzar su segundo disco lo antes posible, pero las cosas no son tan sencillas… Como nos contó la propia Becca en vísperas de la publicación de su nuevo trabajo, una serie de factores internos y externos provocaron que su carrera tuviera que ponerse en pausa. El título Knowing What You Know Now ya da entender que, durante este tiempo, Marmozets han crecido y han aprendido. Pese a los malos momentos, la vocalista transmite un entusiasmo y positivismo admirables. Y no es para menos. Su nuevo trabajo, armado de temas más directos y accesibles, una mayor diversidad y una frescura contagiosa, apunta a que su popularidad va a crecer exponencialmente.

con mucha energía. ¿Fue un álbum complicado de llevar a donde deseabais? ¿Crees que refleja lo que queríais?

“La verdad es que hacerlo en sí fue fácil, pero tuvimos que pasar por un proceso de aprendizaje. Desde luego hemos aprendido a tener paciencia (risas). Me alegra que te guste. Siempre cuesta hacer un disco que nos guste a todos por igual, pero creo que lo hemos conseguido. Desde el principio de este grupo hemos tenido las cosas muy claras, pero no te puedes relajar, en la industria musical tienes que luchar constantemente. Teníamos sueños de pequeños y seguimos luchando por ellos. No nos podemos quejar”. Háblame de la paciencia. No es una virtud que habitual en un mundo donde todo va a una velocidad increíble.

“(Risas) ¿Qué esperabas? Sólo soy una chica normal (risas)”.

“Sí, fue muy importante aprender a tenerla en varios aspectos. Estábamos ansiosos por hacer el nuevo álbum y nos pusimos a componer, pero algo fallaba. Hicimos un montón de temas, pero ninguno nos acababa de convencer del todo y nos empezamos a frustrar. Toda la confianza que habíamos ganado con el éxito del primer disco, había desaparecido. Pero luego, todo cambió completamente sin saber cómo, y durante dos semanas estuvimos realmente inspirados y empezamos a escribir casi los temas que han acabado en el disco uno detrás de otro. Fue una pasada”.

Habéis tardado bastante tiempo

También vuestros fans han teni-

en publicar vuestro segundo dis-

do que aprender a tener cierta

co, pero la verdad es que suena

paciencia…

Hola Becca, ¿cómo estás? BECCA MACINTYRE “Muy bien.

Estoy en casa relajándome. Acabo de volver a pasear a perro”. Muy rock’n’roll todo.

“HICIMOS UN MONTÓN DE TEMAS, PERO NINGUNO NOS ACABABA DE CONVENCER DEL TODO Y NOS EMPEZAMOS A FRUSTRAR. TODA LA CONFIANZA QUE HABÍAMOS GANADO CON EL ÉXITO DEL PRIMER DISCO, HABÍA DESAPARECIDO” BECCA MACINTYRE

“Sí, me sabe mal por ellos, pero necesitábamos hacer algo distinto y que estuviera a la altura de lo que queríamos. No queríamos ser la típica banda de la que se dice ‘están bien, pero el primer disco era mejor’. Y tampoco es como si hubiéramos estado haciendo el holgazán. Simplemente necesitamos un poco más de tiempo para encontrar la inspiración”.

desencaja el hueso. Tuve que pasar por dos operaciones para solucionarlo. Fue una locura, pero son cosas que pasan”. ¿Tenías miedo de que los médicos te dijeran que no podrías girar más?

“Sí, claro. Pero me esforcé mucho en recuperarme y ahora todo está bien”.

dejarlo todo. Fue terrible. Llegué a pensar que quizá lo mejor era dejar el grupo y trabajar en cualquier tienda. Tener una vida más sencilla, ¿sabes? Pero hubiera sido una estupidez. Por suerte encontré la fuerza en mi interior para seguir adelante. Y ahora no podría ser más feliz de haber dejado todo eso atrás”. Es aquello de que lo que no te

Supongo que durante la recupe-

mata, te hace más fuerte.

Además, durante este periodo

ración también aprenderías a ser

tuvieron que operarte de las

paciente.

rodillas. ¿Fue consecuencia de

“Claro, es un proceso largo. Hay días que ves que avanzas mucho y otros que no tanto. Pero si tienes claro el objetivo final, es más fácil. Tuve que volver a aprender a caminar. Había días en que me sobrepasaba el miedo pensando que quizá tendría que

“Supongo que sí. Siempre puedes centrarte en lo negativo y pensar en que las cosas no son exactamente cómo te gustarían, pero eso no conduce a nada. Intento ser lo más feliz posible y tener la mejor vida posible. Por eso seguimos adelante”.

estar de gira o no tuvo nada que ver con eso?

“Cuando era joven hacía danza y creo que mis rodillas se resienten desde entonces. Siempre he tenido problemas. Básicamente se me

Hablando ya de Knowing What

“NO INTENTAMOS ENTRAR EN LA MENTALIDAD DE LA INDUSTRIA. HAY TANTOS MÚSICOS Y ARTISTAS, QUE ESTAMOS FELICES SIMPLEMENTE POR TENER UNA OPORTUNIDAD” BECCA MACINTYRE You Know Now, diría que las nuevas canciones parecen algo más directas, como si hubierais simplificado las partes.

“Si lo comparas con nuestras primeras canciones, puede ser. Aunque no creo que sea exactamente que lo hayamos simplificado, sino que hemos dado más importancia a las melodías y a otros aspectos”.

“No lo sé. Creo que tenemos suerte. Somos nosotros mismos y el mundo decidirá si merecemos tener éxito. No intentamos entrar en la mentalidad de la industria. Hay tantos músicos y artistas, que estamos felices simplemente por tener una oportunidad, ¿sabes? Tener gente a la que le gusta tu música es genial. Deseo que el álbum funcione muy bien, pero no me obsesiona”.

Como el ritmo…

“Sí. Nos encanta tener groove (risas). No sé, nos gusta hacer cosas distintas y divertirnos. Dese fuera estas canciones no deberían funcionar unas con otras, pero lo hacen. Supongo que lo que las une es la pasión que hay detrás”. ¿Dónde crees que encaja Marmozets en la escena actual? No hay demasiadas bandas de guitarras que triunfen… 56

fue surrealista. Estuvimos un par de meses con él. No parábamos de hacerle preguntas. Creo que es alguien perfecto porque tiene muy buen oído para el rock y para el indie. Sabe pensar fuera de lo establecido y nos ayudó a ir en la dirección que queríamos. Se lo recomendaría a cualquier banda”. ¿Tiene algún truco secreto que nos puedas contar?

¿Cómo fue la experiencia de trabajar con Gil Norton?

“Fue una gran experiencia. Es una leyenda. Todo cuadró a la perfección. Es de locos pensar todos los discos que ha grabado, como los de Foo Fighters o Pixies. Tuve la oportunidad de irles a ver en su última gira, porque no los había visto antes, y fue una de las experiencias más disfrutables de mi vida. Me alucinaron. Así que trabajar con Gil

“Mmm… no sé. Lo que te puedo contar es que su manera de grabar es totalmente distinta a lo que se hace normalmente. Grabamos cada uno sus partes por separado. De esa manera cada uno se podía concentrar en su instrumento y ser lo más creativo posible sin estar condicionado por los demás. Hay pistas de voz que grabamos antes que las guitarras. E incluso, la batería se grabó por partes. Josh grabó los bombos,

luego los platos… Queríamos hacer algo distinto y creo que conseguimos un sonido especial”. Vosotros tenéis un pasado más ligado al post hardcore y la música más agresiva, pero cada vez os estáis abriendo a otros sonidos. Por ejemplo, ‘Insomnia’ tiene un rollo más atmosférico.

“Esa canción salió de un momento muy concreto. Necesitaba sacarme algo del pecho. Estábamos pasando por un momento bajo de ánimo y empecé a tener problemas para dormir. Así que un día decidí volcar todo eso en una canción y me sentí liberada. A partir de ahí todo fue mejor”.

dónde vengas, te mereces una oportunidad. Cuando vivíamos en Escocia, lo hacíamos cerca de una zona bastante pobre, pero a pesar de lo difícil que era todo, la gente intentaba ser feliz. Ahora necesitas mucho dinero para ir a la universidad, pero yo creo que cualquier persona, aunque haya tenido problemas antes, puede ser el próximo genio o una figura importante. Tiene un rollo un poco punk inglés, queríamos darle ese toque (risas)”. Naciste en Escocia, ¿verdad?

“Sí, pero hemos vivido en muchos sitios distintos. Nos gusta viajar (risas). Supongo que eso me ha hecho apta para este trabajo”.

Otra distinta es la balada ‘Me & You’. ¿Fue un desafío cantar

¿Crees que tus orígenes humildes

un tema tan íntimo donde la voz

te han ayudado a tener expecta-

lleva todo el peso?

tivas más realistas?

“No. Creo que la grabé a la segunda toma. O fue una combinación de la primera y la segunda. De hecho, me hicieron repetirla más veces, pero yo sabía que la había clavado en las dos primeras. Fue otra canción que surgió muy espontáneamente. Está dedicada a nuestra abuela que falleció. Volqué toda mi pena en ese tema y también me ayudó mucho. Fue terapéutico. Y cada vez que la cante me acordaré de ella. Es una canción muy bonita”.

“Yo no veo el mundo a través del dinero. Simplemente somos felices llegando tan lejos como podamos. Queremos ser honestos. Hay gente que me pregunta qué coche tengo, pero ni siquiera tengo dinero para pagarme el carné de conducir. Sigo viviendo con mi madre. Hay gente que tiene una visión muy distorsionada de lo que es estar en un grupo”. ¿En qué momento viste claro que ésta iba a ser tu vida?

otros temas vuestros.

“No creo que sea política, simplemente es decir que no importa de

En directo lo dais todo. ¿Cómo te

A Battery’…

“¡Sí! Es una de mis favoritas. Estoy deseando tocarla en directo”. Tiene un tono más político que

“Sobre todo sudada (risas). Me gusta sentarme y beber mucha agua. Y luego quizá salir fuera y dar un paseo para que me baje la adrenalina. Tienes que relajarte. Nos gusta hablar de cómo ha ido todo, lo que hemos sentido, nos gusta absorberlo todo. Es excitante ver caras nuevas y conocer gente nueva. Es maravilloso”. ¿Sientes responsabilidad respecto a los fans que os admiran?

“Intento no hacer ninguna locura, pero tampoco me veo como un modelo para nadie. Si alguien me admira y les inspira la misma felicidad que me produce a mí la música, me parece genial. Intentamos que nuestros fans se sientan parte de una familia. Siempre quieres lo mejor para tu familia, así que no hay ningún problema en hablar con ellos. Creo que muchos fans ven en nosotros alguien en quien confiar. Estando de gira nos han contado cosas muy personales. No es que seamos hippies, pero me gusta la paz y el amor. Creo que todo el mundo merece ser feliz y prefiero que vean eso en mí que no que se fijen en qué pantalones o en qué peinado llevo”. Sorprende tanta positividad…

“No lo sé. Nunca lo he pensado. Es maravilloso que hayamos llegado tan lejos. Éramos unos adolescentes hablando de nuestros sueños en la escuela, y las cosas fueron rodando. Creo que estamos en un punto en que la vida sólo puede ir a mejor si tomas las decisiones adecuadas”.

Otra canción destacable es ‘Like

sientes cuando acaba el show?

“Hazme una entrevista de aquí a veinte años y ya veremos (risas)”. Bueno, sería una buena señal si ambos seguimos haciendo esto de aquí a veinte años.

“Sí, claro. Por eso seguramente seguiría igual de feliz (risas)”.

DISCO DEL MES

SLEEPWALKERS (ISLAND) ROCK

n una época en la que las campañas promocionales de cada álbum parecen tener todos los pasos medidos al milímetro (singles de adelanto por un lado, lyric videos por otro, actuaciones en la tele por allí, entrevistas por allá...), a veces me fascina cómo pequeños hechos pueden cambiar por completo la perspectiva de lo que se ha llegado a planificar con tanta antelación. Digo esto porque mucho me temo que el nuevo y segundo trabajo en solitario de Brian Fallon se va a ver ensombrecido por el anuncio que se produjo a los pocos

BRIAN FALLON

días de inaugurar el nuevo año: The Gaslight Anthem volverán a los escenarios este verano para celebrar el décimo aniversario de The 59’ Sound, el disco más laureado de su carrera. Una noticia celebrada por todos los seguidores del combo de New Jersey, pero que podría dejar en un segundo plano a Sleepwalkers. Y no es que por sí solo no reúna méritos suficientes para prestarle atención, ya que una vez más se trata de una estupenda colección de temas por parte de Fallon. Pero la sombra de su banda madre continúa siendo alargada tanto para lo bueno como para lo malo. En esta ocasión, el espíritu

de folk americano a lo Tom Petty y John Mellencamp que impregnaba Painkillers, su debut en solitario de hace dos años, se ha diversificado, mostrando así una mejor perspectiva de todas las diferentes facetas que ha abordado a lo largo de su carrera. Lo cierto es que podríamos delimitar las doce canciones que lo componen en dos grupos bien distintos. Por un lado estarían piezas tan urgentes como el acertado single de presentación ‘Forget Me Not’, con unas pulsaciones más vivas, o ‘Come Wander With Me’, un medio tiempo bien construido con esa sensibilidad que Brian sabe

manejar a la perfección. Ahí podríamos incluir también el pop punk de ‘Little Nightmares’ con una batería cabalgando al trote, ‘My Name Is The Night (Color Me Back)’ y su riff con sabor clásico, y la redonda ‘Neptune’, que desprende cierto aroma romántico irresistible. Todas las mencionadas anteriormente podrían haber formado parte de una hipotética continuación de Get Hurt, el canto del cisne de The Gaslight Anthem, de contar con algunos ligeros cambios en los arreglos y una mayor dosis de distorsión. En el otro lado de la balanza encontramos otro tipo de composiciones en las que el cantautor de

la obra, transformándose en una rejuvenecida E Street Band gracias a una sección de metales que le viene como anillo al dedo. ‘Etta James’ es una sentida balada de buena factura que también ayuda a sumar. Pero por desgracia, no todas las composiciones están a la misma altura y otras como ‘Her Majesty’s Service’, ‘Proof Of Life’ y ‘Watson’ (estas dos últimas retomando el tono americana de Painkillers), sin ser malas, resultan demasiado estándar o directamente carecen de ese algo especial que hace que termines queriendo volver a escucharlas. Cerrando tenemos a ‘See You On The Other Side’, una balada

“SU ESPÍRITU DE FOLK AMERICANO MUESTRA UNA MEJOR PERSPECTIVA DE TODAS LAS DIFERENTES FACETAS QUE HA ABORDADO A LO LARGO DE SU CARRERA”

New Brunswick se atreve a arriesgar un poquito más pero sin terminar de salirse de su zona de confort. Es el caso de la inicial ‘If Your Prayers Don’t Get To Heaven’, que con su ritmo coqueto y desarrollo a medio gas a buen seguro que habría encontrado un hueco en Elsie, aquel proyecto paralelo que registró junto a su compinche Ian Perkins bajo el nombre de The Horrible Crowes. Precisamente su nuevo grupo de acompañamiento, The Howling Weather, desempolva los dos primeros discos de Bruce Springsteen en el corte que da título a

acústica que recuerda a otras ya conocidas como ‘The Navesink Banks’ y ‘Red At Night’. Si una conclusión puedo sacar tras varias escuchas a Sleepwalkers es que Brian Fallon sigue teniendo una muy buena mano a la hora de escribir canciones con gancho, pero por mucho que fuese el líder y el alma creativa de The Gaslight Anthem, seguramente siga necesitando de sus compañeros para volver a brillar como en sus días de gloria. Quién sabe si en los próximos meses saldremos de dudas. GONZALO PUEBLA

LONG DISTANCE CALLING HAS DE SABER... David Jordan (guitarra), Florian Füntmann (guitarra), Janosch Rathmen (batería), Jan Hoffman (bajo) PRODUCIDO POR: Vincent Sorg AFINES A: Toundra, And So I Watch You From Afar, Isis PÁGINA WEB: www.longdistancecalling.de FORMACIÓN:

S Boundless (INSIDE OUT MUSIC) POST ROCK

in invitados especiales, sin registros de voces... simplemente el fluir de una inspiración liberadora. Así es como nos sorprenden Long Distance Calling con Boundless, un disco con el que han querido echar el freno de lo que venía siendo su previsible futuro musical. Y es que, hasta ahora, su evolución ha sido puramente orgánica. Después del triunvirato magistral del post rock que suponen sus primeros álbumes (en especial aquel Avoid The Light), el cuartero alemán abandonó el género cuando volvió a resurgir en pro de experimentar con su registro más cercano al rock progresivo. A ello le sumaron la figura del cantante entre sus

filas –primero Martin ‘Marsen’ Fischer y posteriormente Petter Carlsen-, y con ello consiguieron abrirse muchas más puertas entre un público más amplio. Dos discos después, y con el viento soplando a su favor, parece que han optado por dinamitarlo todo para ser fieles a sus orígenes, emprendiendo un nuevo viaje con billetes de ida sólo para cuatro. Boundless es un trabajo hecho a fuego lento, con paciencia, en el que nadie sobresale por encima de nadie. Derramando su personalidad característica y combinando con delicadeza el rock progresivo a la vieja usanza, el metal moderno y derivaciones del krautrock. No es un disco muy cohe-

sionado y, sin embargo, la riqueza de texturas tan variadas es lo que le hace brillar. De ahí que resulte hipnótico pasar del oscuro y potente loop de ‘Out Of There’ a la intrigante ‘In The Clouds’, con sus detalles electrónicos y riffs clásicos. Del mismo modo que el rock progresivo ejecutado en ‘The Far Side’ no choca con el principio de western de ‘Like A River’. Aunque personalmente me quedo con ‘Weightless’ y ‘Skydivers’, canciones sombrías que me dan que pensar que, quizás, el riesgo que han tomado los germanos con Boundless les acerque todavía más a ese futuro prometedor del que todos hablaban. ALBA RODRIGO

HABLAMOS CON... DAVID JORDAN ¿Qué propició que hayáis vuelto a los orígenes y hayáis hecho un disco instrumental?

“Siempre habíamos tenido algún invitado en nuestros discos y ésta era la primera oportunidad de hacer un álbum completamente por nosotros mismos. Es un disco muy íntimo y muy intuitivo. Si el trabajo anterior no se hubiera llamado ya Long Distance Calling, lo habríamos usado de título para éste”. ¿No quedasteis contentos con los resultados de incorporar a un vocalista o vuestros fans no lo aceptaron?

“Sabemos que no a todos nuestros fans les gustó que hubiera un cantante. Lo que pasó es que sentimos como que la música había pasado a un segundo plano. Eso nos decepcionó un poco. Para nosotros lo importante es si la música

es buena o mala, no el estilo. Y parecía que la gente nos juzgó más por el estilo que por la música”. El año pasado hicisteis la gira de décimo aniversario de vuestro debut Satellite Bay. ¿Crees que eso os ayudó a reconectar con vuestras raíces?

“No lo creo. Pero sí es verdad que disfrutamos mucho tocando los cuatro solos de nuevo. En los últimos diez años hemos aprendido mucho sobre nosotros mismos y como músicos. Queríamos incorporar todo eso en un nuevo disco. Nosotros vemos todo esto como una evolución, no como una involución o un regreso al pasado”. El álbum suena un poco más duro, como si hubierais sacado más influencias metal.

“Si es así fue un accidente (risas). Cuan-

do creamos una canción, alguien trae una parte, tocamos, y simplemente dejamos que fluya. No hay ningún plan. No queríamos hacer un disco más metal, pero es posible que lo sea”. En cualquier caso, parece que será más divertido de tocar en directo.

“Sí. Tengo muchas ganas de empezar la gira. El año pasado ya tocamos uno de los temas y funcionó muy bien. El disco tendrá mucha energía, así que creo que funcionará muy bien”. Habéis podido mantener la misma formación todo este tiempo. ¿Cuál es el secreto?

“Discutimos mucho (risas). Hemos tenido momentos altos y bajos, pero cuando las cosas no van bien tienes que tirar adelante y solucionarlas. No hay más”. (JORDI MEYA)

FALL OUT BOY MANIA

(UNIVERSAL) POP

upongo que a estas alturas nadie puede esperar que los Fall Out Boy de antes de su separación vuelvan, y tampoco tiene mucho sentido comparar sus nuevos trabajos con los antiguos, porque más allá de la voz de Patrick Stump, pocos paralelismos hay. Su orientación descarada hacia el mainstream, pero el mainstream de verdad, el que suena en la radio ahora mismo, no sólo les ha valido un éxito rotundo, sino que toda una ristra de bandas de pop punk –de las más grandes a las más pequeñas- han intentado

seguir ese mismo camino con menos suerte y talento. Como muestra este MANIA, el tercer álbum de su nueva etapa, donde tienen claro el camino a seguir con un manual de trucos, en teoría infalibles, para que un álbum tenga éxito: colección de singles previos antes de la edición del propio álbum, pequeñas ayudas de escritores externos, listado indecente de productores -nada menos que seis- y en definitiva, la sensación de hacer un disco de laboratorio. ¡Y los acusaban de flojos en su buenos tiempos! Definitivamente, en MANIA se les ha ido todo de las manos con momentos cerca de la rave (‘Stay Frosty Royal Milk Tea’), EDM de manual (‘The Last Of The Real Ones’) o la balada de turno en ‘Heaven’s Gate’. Pero, ¿sabéis qué? Las canciones funcionan por sí mismas y aunque me bañaría en nostalgia y me encantaría que hiciesen un nuevo Infinity On High, si la música comercial tiene que ir por algún camino, mejor que sea éste… aunque un poco más de alma sería de agradecer. RICHARD ROYUELA

TRIBULATION Down Below (CENTURY MEDIA) ROCK, HEAVY METAL

lé Tribulation. Si bien era complicadísimo superar algo tan grande como su anterior álbum The Children Of The Night, basta con escuchar los dos primeros cortes de Down Below, su nuevo retoño, para darse cuenta de que es un digno sucesor. Y es que ‘The Lament’ y ‘Nightbound’ son un inicio impecable se mire por donde se mire, dos canciones que transmiten con fuerza toda la clase y delicadeza que los suecos atesoran. Johannes Andersson y compañía saben que tienen entre manos una fórmula muy especial, y en

vez de reinventarse una vez más, en este disco han explorado lo conseguido hace tres años para dar con una versión más etérea y rockera, no tan heavy metalera, pese a conservar su alma. La impronta que han dejado en su poso musical las bandas sonoras del cine clásico de terror italiano, Goblin o el John Carpenter compositor se hace más evidente que nunca en ‘Subterranea’, la instrumental ‘Purgatorio’, y ya no digamos en ‘Cries From The Underworld’ o ‘Lacrimosa’, y es que las orquestaciones, los teclados y los coros han sido los pilares que más han reforzado para crear este plástico. Cual obra circular, los dos últimos cortes también nos reservan varios de los minutos más vibrantes. ‘The World’ es sin duda el tema más singular de Down Below, una vaporosa composición digna de unos U2 malditos componiendo en un mundo en llamas, y ‘Here Be Dragons’ cierra con una desdichada épica de lo más apetecible. Otra vez a su aire, plasmando algo único. Tribulation son la elegancia hecha banda. PAU NAVARRA

LA SELECCIÓN

MINOR EMPIRES

United States Of Emergency, Vol. 2 (RADIX) ROCK ALTERNATIVO

as cosas funcionan despacio en el palacio de Minor Empires. Lo que en un principio tendrían que haber sido sólo unos meses de distancia entre United States Of Emergency, Vol. 1 y su continuación, se terminaron convirtiendo en dos años en los que el grupo ha estado funcionando de manera un tanto intermitente debido a los múltiples proyectos que manejan sus componentes. Pero no hay mal que por bien no venga, y Juan, Javi, Fernando y Retoño han sido capaces de aprovechar ese tiempo para entregar un nuevo puñado de temas que confirman su crecimiento al mismo tiempo que añaden nuevos recursos. La primera novedad nos la llevamos con ‘Big Parade’, donde nos encontramos a Fer llevando el peso de las voces bajo un riff cortante que desemboca en un estribillo cantado por Juan que es puro Minor Empires. Y es que su sello se va haciendo cada vez más reconocible también en ‘Not Dead Just Sleeping’, otro buena pieza de rock

alternativo, y ‘Deviant’, en la que Fer y Juan vuelven a compartir protagonismo vocal. ‘High And Lows’ continua la tradición de incluir pequeños cortes instrumentales, esta vez con Reto acaparando la atención a las baquetas. Pero es hacía al final donde se esconden posiblemente las tres mejores composiciones de este trabajo: ‘Trust’ tien sensibilidad épica tan bien entendida, ‘Suicidal Committee’ pone el punto de inmediatez punk, mientras que ‘No Expectactions’, podría ser la hermana pequeña de ‘The Season’. Lo bueno siempre se hace esperar. GONZALO PUEBLA

Á BLACK VEIL BRIDES Vale

(SPINEFARM) ROCK, METAL

lbumes conceptuales, obras musicalmente más densas, discos en solitario de Andy Biersack…da la impresión de que Black Veil Brides han saciado gran parte de sus inquietudes musicales, y que es el momento de una vuelta a los orígenes –si ese término puede servir en una banda que está ante su quinto álbumy complicarse la vida lo justo. Llamemos a John Fieldman de nuevo, hagamos unos cuantos de esos himnos que hemos demostrado ser capaces de hacer en el pasado y a ver si tenemos la suerte de tener algún hit inesperado. Eso es básicamente lo que podemos encontrar en Vale, una palabra en latín que viene a significar ser fuerte y encontrarse bien y que da pistas sobre la intención del álbum. Por lo tanto los singles radiables, ‘My Wow’, ‘The Last One’, así como los

JEFF ROSENSTOCK POST-

(QUOTE UNQUOTE / SIDEONEDUMMY) PUNK ROCK

evantarte purgando la resaca de Nochevieja y recibir un nuevo disco completamente gratuito para empezar el año. Eso mismo fue lo que se encontraron por sorpresa los seguidores de Jeff Rosenstock el pasado 1 de enero. Para quienes no estén familiarizados con él, Rosenstock es un cantautor procedente de Long Island que con anterioridad formó parte de combos como Bomb The Music Industry! y The Arrogant Sons Of Bitches. Fue con su tercer largo WORRY (una especie de oda existencialista sobre la crisis de los treinta en el mundo actual en clave punk rock) cuando empezó

inevitables medio tiempos de tintes épicos caso de ‘Ballad Of The Lonely Hearts’ son la tónica general de un álbum que se deja oír a la perfección, pero al que se le hecha un poco más de profundidad e incluso mimo. Es un buen ejercicio de estilo de una banda quizás destinada a cotas más grandes, pero que como tantas otros se ha quedado un poco a medio camino.

Quizás es el momento de que salgan a la carretera de verdad, defienden como se merecen los buenos hits que han sabido crear a lo largo de su carrera y no se quede todo en conciertos cortos y con esa falta de actitud y entusiasmo que probablemente no ha hecho de ellos esos nuevos Avenged Sevenfold que estaba destinados a ser.

a llamar la atención de medios especializados como Pitchfork, que no dudó en incluirlo como uno de sus favoritos de 2016. A pesar del relativo éxito, poco o nada ha cambiado con POST-, donde el bueno de Jeff sigue abordando temas como la presidencia de Donald Trump de manera mordaz. Es lo primero que nos encontramos en ‘USA’, el corte que nos da la bienvenida con un ritmo nervioso que avanza hasta transformarse en un somnoliento dream pop para volver a cambiar culminando con ese contagioso y festivo “We are tired and bored” del estribillo. Siete minutos

en los que Rosenstock sencillamente lo clava. Como también lo hace en las más directas ‘Yr Throat’, ‘Powerlesness’ o ‘Melba’, pequeñas joyas de punk-pop rabioso que llegan a recordar por instantes la magia nostálgica del Pinkerton de Weezer. Con ‘TV Stars’ baja la puslaciones en una pseudo balada con aroma glam, antes de despedirse con el tour de force de ‘Let Them Win’, al que le sobran un par de minutos gratuitos sin que llegue a desmerecer un disco realmente inspirado. Rosentock es uno de esos talentos que viven en el sótano, esperando a que alguien lo saque.

RICHARD ROYUELA

GONZALO PUEBLA

ORPHANED LAND

Unsung Prophets & Dead Messiahs (CENTURY MEDIA) ORIENTAL METAL

inco años después de su All Is One, los padres del oriental metal y mensajeros por la paz vuelven a alzar el puño con Unsung Prophets & Dead Messiahs. Un disco en el que Kobi Farhi y los suyos continúan trazando la misma línea que en sus más de 25 años de carrera: unir a los diferentes pueblos y religiones a través de su música, con un crítico mensaje hacia la sociedad pero desde un enfoque esperanzador. En esta ocasión se han apoyado en las ideas de profetas - como Platón o George Orwell – y mesías – como Martin Luther King o Mahatma

Gandhi – para dar un golpe en la mesa y despertar a la humanidad de la pantomima que nos rodea, orquestada por gobiernos, medios de comunicación y nosotros mismos. Un trasfondo que resulta muy interesante y que se materializa de forma brillante en sus letras. En cuanto a lo musical se refiere, el nuevo trabajo de los israelís no es un disco que entre a la primera. El abuso de orquestaciones y bases repetitivas hace que muchos de los temas pierdan su fuerza y resulten excesivamente largos. Es el caso de ‘Yedidi’, ‘Chains Fall To Gravity’ (en el que colabora Steve Hackett) o ‘All Knowing Eye’. Afortunadamente, después de varias escuchas, la agresividad de canciones como ‘Only The Dead Have Seen The End Of War’ (con Tomas Lindberg de At The Gates) o ‘Like Orpheus’ (con Hansi Kürsch de Blind Guardian) hacen las delicias de sus fans de siempre. Un álbum en el que destacan sus sonidos folk y sus riffs progresivos, pese a quedarse sin Yossi Sassi a los mandos. Buenas intenciones no les faltan. ALBA RODRIGO

TONIGHT ALIVE Underworld (HOPELESS) ROCK, POP

omo tantas otras formaciones, Tonight Alive salieron tras la estela del éxito de Paramore. Sin llegar ni de lejos a lo de la banda de Tennessee, sí se puede decir de los australianos que eran una resultona banda de punk pop y que su vocalista Jenna McDougall, sin poseer el talento Hayley Williams, podía ponerse la banda a sus espaldas, como comprobamos en su únicas actuaciones por aquí hace un par de años. Es cierto que la personalidad no era su fuerte, pero tampoco es lo exigible en una banda de estas características. Ahora lo que ya es más discutible es ir

por donde sopla el viento, y esto es lo que ha pasado con este Underworld, cuarto álbum del grupo. Parece que a alguien de Tonight Alive se ha quedado prendado con Pvris en estos últimos tiempos y de golpe y porrazo tenemos una especie de sucedáneo de la banda de Lynn Gunn, que para darle más empaque al asunto colabora en el tema, ‘Dissapear’ que bien podía ser parte de cualquiera de los dos álbumes del trío norteamericano. La primera parte del álbum, la influenciada sin ningún disimulo por Pvris, tiene momentos agradables como la inicial ‘Book Of Love’ o la más de orientación popera ’The Other’ que sin ser nada del otro mundo, cumplen su función. Otro cantar es la segunda parte del álbum, repleta de baladas insulsas que no servirían ni para caras B de Ariana Grande, a pesar de la presencia de Corey Taylor en ‘My Underworld’ que cierra el disco. Tonight Alive han intentado irse por el lado comercial, pero dudo que un álbum tan indefinido como éste les lleve a ningún sitio destacable. RICHARD ROYUELA

KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD Gumboot Soup (FLIGHTLESS) ROCK PSICODÉLICO

o que hace poco más de 365 días parecía un triple lanzado desde el sofá de su casa terminó por convertirse en realidad y King Gizzard & The Lizard Wizard cumplieron su reto de lanzar cinco álbumes en un año. Y no sólo eso, sino que el numeroso combo de rock psicodélico aussie se ha doctorado con matrícula de honor haciendo historia dentro del género siguiendo sus propias reglas, rompiéndolas y reinventándose varias veces a pasos agigantados. Eso sí, apuraron sobre la bocina hasta el 31 de diciembre para que el quinto y final Gumboot Soup viese la luz. Siendo sus cuatro anteriores referencias completamente diferentes entre sí, hay que apuntar que el que supone su (¡Ojo al dato!) decimotercer disco en cinco años viene a ser como un conglomerado

D KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD

Polygondwanaland (FLIGHTLESS) ROCK PSICODÉLICO

e los cinco álbumes que sacaron King Gizzard & The Lizard Wizard el pasado 2017, sin duda Polygondwanaland fue el más destacado por asuntos puramente extramusicales. A finales de noviembre los australianos no sólo permitían la descarga gratuita del disco, sino que además adjuntaban los másteres del mismo para, quien así lo desease, pudiese fabricar sus propios vinilos, comercializarlos y distribuirlos libremente. Esto provocó que varios sellos independientes de todo el mundo empezasen a planificar diferentes tiradas del mismo, con distintos

de todos ellos. Y es que se compone de distintas piezas descartadas que no encontraron su lugar en ninguna de sus recientes aventuras. Lejos de parecer un obra menor, sirve como muestra perfecta de todas las vertientes que los King Gizzard son capaces de manejar con soltura. ‘Beginners Luck’ o ‘The Last Oasis’ podrían haber formado parte de Sketches Of Brunswick East debido a sus cadencias jazzísticas.

‘Down The Sink’ parece un tema bailable dentro de sus posibilidades. Por contra, en ‘Muddy Water’ y ‘All Is Known’ vemos a la bestia de siete cabezas desperezarse para funcionar a pleno rendimiento, incluso llegando a transformarse en una maquinaria de stoner doom en ‘The Great Chain Of Being’. No es su trabajo más brillante, pero sí una buena puerta de entrada para los recién llegados.

diseños y organizándose de forma comunitaria. Toda una pequeña revolución que muestra las posibilidades que sigue ofreciendo la tecnología global y que la ambición y originalidad de estos chicos no sólo se reduce a lo musical. Hasta en eso King Gizzard & The Lizard Wizard son originales. Por si todo eso fuera poco, Polygondwanaland es, junto a Flying Microtonal Banana, el trabajo más conciso de todos los lanzados el pasado año. La tremebunda ‘Crumbling Castle’, encargada de abrir la obra, es todo un chute de ácido de 10 minutos en los que el grupo pone sobre la mesa

todos su muestrario de recursos, llevándonos de un lado a otro de una manera magistral. Tras semejante comienzo, los King Gizzard vuelven demostrar que se encuentran en estado de gracia hilando los siguientes nueve cortes, sacando a relucir su vertiente más mística y psicodélica. Alcanzando picos de genialidad como los de ‘Deserted Dunes Welcome Weary Feet’ o ‘Loyalty’, no necesitan poner las revoluciones a mil por hora para mantener la intensidad hasta la final ‘The Fourth Color’, rematando uno de los mejores trabajos de su extensa discografía.

GONZALO PUEBLA

MACHINE HEAD Catharsis

(NUCLEAR BLAST) GROOVE METAL

i llega a ser Pau Navarra el encargado de hacer esta reseña, la retahíla de improperios ocuparía de la primera a la última línea. Y como él, parece que son muchos los que tenían ganas de cargarse el noveno álbum de Machine Head desde que Robb Flynn anunciase que éste iba a ser más melódico, y más aún cuando se lanzó como adelanto ‘Bastards’, una suerte de balada con aire punk folk. Pero una vez escuchado el álbum, tampoco hay para tanto. Dista de ser un disco redondo, empezando por su excesiva duración con 15 nuevas canciones, pero tampoco

es el desastre absoluto que algunos presagiaban. Tampoco es un disco de nu metal (si bien ‘Triple Beam’ tiene algo de Korn) o tan comercial como en su día fue The Burning Red. Lo que sí recupera son bastantes influencias de los 90 en los temas más groove y en la manera sincopada de cantar de Flynn en algunos temas, rozando por los pelos el rapeado. Desde luego es un cambio de rumbo respecto a la línea más compleja, épica y brutal de discos como Through The Ashes Of Empires y The Blackening, con las canciones yendo más al grano. Pero aquí hay buenos riffs (‘Beyond The Pale’), trabajados solos de guitarra (‘Heavy Lies The Crown’) y más de un momento que te imaginas vibrando en directo como ‘Volatile’, ‘California Bleeding’ o ‘Kaleidoscope’. Menos convincentes es el toque alternativo de ‘Catharsis’ o ‘Hope Begets Hope’ o la acústica ‘Behind A Mask’, pero paradójicamente, Machine Head han hecho un disco de temas que podrían funcionar muy bien en festivales justo cuando han decidido no tocar más en ellos. Cosas de Flynn. DAVID GARCELL

OF MICE & MEN Defy (RISE) METAL ALTERNATIVO

ún es pronto para saber qué va a pasar con los Of Mice & Men post Austin Carlile, pero el futuro de la formación no parecía muy halagüeño tras perder a su cantante. La salida de Carlile tampoco ha quedado muy clara. Si bien es cierto que su lucha con el síndrome de Marfan tuvo que ver, por lo visto había algo más, y con escuchar tan solamente una vez Defy, puede que tengamos algunas pistas. Los nuevos Of Mice & Men quieren ser un grupo grande. Grande de éxito, pero también de sonido, y eso parece que

era incompatible con su exvocalista en la banda. Durante el pasado 2017 ya fueron dando pistas de por dónde podían ir los tiros... La voz de Aaron Pauley, que sigue desempeñando su papel de bajista, tiene matices mucho más melódicos que la de Carlile y encaja a la perfección en unos temas –muchos de ellos en deuda con el nu metal- directos, simples, pero al mismo tiempo, con pegada y mucho más gancho del que podíamos esperar. Da la impresión de que no han querido dejar nada al azar, como si fueran conscientes de que un paso en falso podía suponer el final de la banda. Howard Benson da con su producción el toque cristalino necesario, temas como ‘Back To Me’ o ‘Unbreakable’ no necesitan más de un par de escuchas para pillarles el punto, e incluso han querido jugar la baza de versionear un clásico a lo Disturbed por si suena la flauta, como sucede con un ‘Money’ de Pink Floyd voluntarioso pero intrascendente. RICHARD ROYUELA

MORBID ANGEL

Kingdoms Disdained (SILVER LINING MUSIC) DEATH METAL

ras insultar a su legado y a todos sus fans, Morbid Angel lo tenían muy fácil para superar los infectos resultados de Illud Divinum Insanus. Igualmente, necesitaron seis años para replicar el que, seguramente, sea el peor disco que haya publicado jamás cualquier banda legendaria de death metal. Vaya por delante que en Kingdoms Disdained encontrarás música, y del combo de Florida, encima. Lo nuevo de los estadounidenses nos retrotrae a la época de Formulas Fatal To The Flesh y Gateways To Annihilation, a esos Morbid Angel ya algo alejados de la insuperable nigromancia de sus

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primeros trabajos, aunque igualmente reverenciados por la profundidad de sus riffs y lo retorcida de su propuesta. Además, y aunque no es David Vincent, Steven Tucker vuelve a darle la suficiente violencia a sus cuerdas vocales para que Morbid Angel sigan siendo del todo reconocibles. En Kingdoms Disdained hay riffacos, cañita agradable como la de ‘The Righteous Voice’, ‘For No Master’ y ‘From The Hand Of Kings’ o ritmos de batería sugerentes como los de ‘Piles Of Little Arms’, pero en resumidas cuentas, ya desde ‘D.E.A.D.’ el álbum va entrando en un estado de monotonía sólo roto por ‘Declaring New Law (Secret Hell)’, que viene a ser el noveno corte del disco. No sé, digo yo que viendo de dónde venían y tras tanto culebrón y disputa, con Vincent haciendo la guerra por su lado (I Am Morbid) y Pete Sandoval deambulando por el mundo con ese intento de Terrorizer, que Trey Azagthoth y sus reclutas publicasen algo superior a esta obra era como esperar que nos golpease un nuevo hit de Jon Secada en pleno 2017. PAU NAVARRA

GHOST

Ceremony And Devotion (LOMA VISTA) ROCK

nadie le cabe ya la menor duda de que con Meliora, Ghost se han colocado finalmente en esa posición que en sus inicios sólo eran capaces de imaginar. La evolución de su sonido culminó de manera magistral en un tercer álbum que les ha hecho subir de nivel en todos los aspectos, tanto compositivo como de repercusión (se llevaron un Grammy en 2016, ahí es nada), aupándose entre las bandas más punteras del rock duro contemporáneo. Con la intención de allanar aún más el camino de cara a su esperadísima continuación y concluir esta gloriosa etapa, nos llega ahora Ceremony And

Devotion. Siguiendo la mejor tradición de aquellos dobles directos de los 70 y 80, podríamos afirmar que estamos ante el equivalente a Life After Death en su discografía. Es decir: un recopilatorio de sus mejores temas hasta la fecha en vivo y con la banda en un estado de forma pletórico. Recogido a su paso por San Francisco durante su gira americana, resulta increíble comprobar cómo los suecos ya son poseedores de un cancionero realmente al alcance de muy pocos con tan sólo tres trabajos de estudio en su haber. ‘Square Hammer’, ‘Year Zero’, ‘He Is’, ‘Absolution’, ‘Ritual’ o el cierre obligado con ‘Monstrance Clock’, son ejecutadas con perfección milimétrica e incluso superando por momentos a sus versiones originales. No se han obviado tampoco los discursos de Papa Emeritus entre canción y canción, ayudando a que rememoremos con total fidelidad sus recientes visitas por nuestro país. Tan solamente lamentar que no se haya incluido un DVD que recogiese toda la magia y teatralidad de su puesta en escena para redondear el pack. GONZALO PUEBLA

GLASSJAW

Material Control (CENTURY MEDIA) POST HARDCORE

os bichos raros de Long Island, una de las cunas del hardcore en los 90, han vuelto con un disco imponente. Me refiero a los inclasificables Glassjaw. Mientras algunas bandas de su quinta evolucionaron su propuesta, los Glassjaw actuales no están tan alejados de los Glassjaw que debutaban con el desafiante e influyente Everything You Ever Wanted To Know About Silence en el 2000 (sin ese disco nunca habrían existido bandas como Finch, Dance Gavin Dance o Letlive.). Así, el presente Material Control, su primer largo en 15 años, conecta sin problemas

con su segundo trabajo, Worship And Tribute, uno de los discos más geniales de principios del siglo XXI. Proyectos paralelos como los poperos Head Automatica no interfieren en este sensacional disco. Material Control contiene las esperadas atmósferas deftonianas (el inicio de ‘Shira’), líneas de bajo con mucho groove (‘New White Extremity’, ‘Closer’), ecos a unos Faith No More pasados de vueltas (‘Citizen’), explosiones math (‘Pompeii’) y varios devaneos experimentales (‘Strange Hours’, ‘Bastille Day’, ‘Material Control’). Puede que el cantante Daryl Palumbo y el multiinstrumentista Justin Beck, los fundadores y únicos supervivientes de esta formación, ya no sorprendan como antaño, y mucho me temo que faltan estribillos dignos de memoria. Eso sí, Material Control contentará a los seguidores de la vieja guardia -si bien hay dos o tres temas de relleno– y volará la cabeza de los curiosos que los descubran por primera vez. Veremos si este reencuentro tiene continuidad en el futuro. LUIS BENAVIDES

CORROSION OF CONFORMITY

No Cross No Crown (NUCLEAR BLAST) HARD ROCK SUREÑO

or mucho que hayan continuado girando y publicando álbumes en los últimos años, todos los seguidores de Corrosion Of Conformity saben que se trata de un grupo con dos caras. Puede que suene injusto, pero no es lo mismo escuchar a los de Carolina del Norte cuando Pepper Keenan está delante del micro que sin él. Por esa misma razón y la distancia que separan los 13 años desde aquel In The Arms Of God, han hecho que su décimo trabajo sea de los más esperados del arranque de la temporada. Con la alineación clásica de nuevo al completo, No Cross No Crown nos trae de regreso

el stoner rock sureño con el que alcanzaron sus mayores éxitos durante los 90. Suena ‘The Luddite’ y al instante nuestro cerebro reconoce esa influencia de Black Sabbath en las guitarras al mismo tiempo que activamos el modo heabanging. Le siguen otros dos machetazos en toda la frente, ‘Cast The First Stone’ y ‘Wolf Named Crow’, con la química intacta entre Pepper y Woody Weatherman a la hora de tejer esos riffs y solos pantanosos. Y entonces lo sabes: ‘Han vuelto’. ‘Forgive Me’ y ‘E.L.M.’ continúan manteniendo el nivel homenajeando a Thin Lizzy, otra de sus bandas de cabecera, al mismo tiempo que ‘Old Disaster’ nos arrastra con ese ritmo lento y pesado. El medio tiempo ‘Nothing Left To Say’ y el pasaje de ‘No Cross No Crown’ traen un poco de oscuridad a un disco al que sólo se le puede achacar su larga duración. Todo lo demás es un ejercicio de estilo para una banda que nunca ha acaparado portadas, pero que muchos empezábamos a echar de menos. A buen seguro que les disfrutaremos este verano en algún festival. GONZALO PUEBLA

BLACK ISLANDS FOTO: DANIEL POHL

HAS DE SABER... Javier Adrover (voz, guitarra), Manu (guitarra), Pedro Martínez (bajo), Dani Rosa (batería) PRODUCIDO POR: Santi Garcia AFINES A: Las Ruinas, Perro, Futuro Terror PÁGINA WEB: www.blackislands1.bandcamp.com FORMACIÓN:

Disco Nuevo (MAMA VYNILA) INDIE ROCK

uatro años después de su debut, Black Islands regresan con un disco nuevo bautizado tal cual, Disco Nuevo. La poca originalidad del título contrasta con su sorprendente y refrescante contenido. Si en su primera referencia el cuarteto mostraba a las claras su devoción por el indie rock noventero de bandas como Sonic Youth y Dinosaur Jr. con himnos generacionales tan explícitos como ‘Benicàssim 97’, con su nuevo trabajo se desmelenan y abrazan sin miedo nuevos referentes e incluso otras décadas como los 80. ‘Juventud Perdida’, por ejem-

plo, despega con una genial guitarra digna del maestro J. Mascis y una estrofa en castellano que parece cantada por el mismísimo Robert Smith. Precisamente las líneas de bajo de The Cure aparecen y desaparecen en incontables ocasiones durante los diez cortes de este trabajo primitivo y rebelde, aunque también resuenan los Pixies del oscuro Surfer Rosa en la nerviosa ‘Reino Animal’ y el punk musculoso de Iggy Pop en ‘Chaqueta De Entretiempo’, una versión desenfadada del ‘Lust For Life’ con la colaboración de sus admirados Las Ruinas. El apartado lírico de este disco

punk con alma pop es una de las principales novedades y hará las delicias de los seguidores de Perro y Futuro Terror. Disco Nuevo, su primera obra grabada íntegramente en su lengua materna, contiene sus letras más afiladas y comprometidas hasta la fecha. Y es que las islas negras denuncian el maltrato implícito en los festejos taurinos en la citada ‘Reino Animal’ y la defensa de los derechos de la comunidad transexual en ‘Transfobia’. Por todo esto, Black Islands dan aquí un importante paso adelante. Sin duda, el primer gran álbum indie del año. LUIS BENAVIDES

HABLAMOS CON... JAVIER ADROVER ¿Todavía ensayáis en aquella masía alejada del mundanal ruido?

“Por supuesto, esa casa a los pies de la montaña sigue siendo la casa del grupo, nuestra isla de interior. Ahí es donde se cuece todo. Aquí nació el grupo y aquí morirá. En Disco Nuevo encontraréis una canción que habla de todo esto: ‘Montaña Mágica’”. Vuestro indie rock noventero ha evolucionado y escucho detalles más garaje aquí, más punk allá…

“Hay evolución, sí. En vez de dedicar canciones a divas americanas decadentes como hacíamos antes en Icon’s Lover, ahora cantamos sobre toros y travestis españolas, entre otros muchos temas. Además, ahora Pedro hace coros. No sé si es por su sangre manchega o qué, pero creo que su voz le da el toque punk ochentero que le faltaba al grupo”. Éste es vuestro primer largo

totalmente en castellano. ¿Influyó en algún momento la buena acogida de vuestro himno ‘Benicàssim 97’? Esa letra hizo conectar a mucha gente.

“Sobre todo intentamos no repetir fórmulas. Ni aunque quisiésemos ser un grupo de género lo conseguiríamos. Nos gusta demasiado salirnos del guión. En la primera etapa me sentía un poco inseguro cantando sólo en castellano, por eso sólo había esa canción en castellano en el primer disco. Ahora que tocamos más rápido, me divierto mucho cantando en mi lengua”. Hablemos de letras, porque también os destapáis como una banda con mensaje, con ritmos acelerados y ganas de fiesta, pero también con letras críticas.

“No hay intención de politizar ni de decir a nadie lo que tiene que pensar. No damos lecciones de moral. Sólo son

retratos de cómo se siente uno ante determinadas cosas que ocurren, como el maltrato animal o la transfobia. ‘Transfobia’ retrata la demonización que a veces se hace de la transformación de género, del cambio, de lo diferente, de lo ajeno. ¡Viva el mundo trans!”. ¿Qué me podéis contar de las colaboraciones en este disco?

“Conxita Herrero tiene una voz preciosa y consiguió crear un pasaje pop dentro de ‘Playa Interior’ y de ‘Juventud Perdida’ que nos encantó. Pero aquí los que dominan de verdad la combinación de lo heavy y de lo pop son Las Ruinas. Y es por eso que les pedimos si querían colaborar”. ¿Las Ruinas son de alguna manera vuestro nuevo referente?

“Las Ruinas son inspiración tanto en lo musical como en su actitud como grupo. En la Escuela de Rock debería haber siempre una asignatura de Heavy Pop”. (LUIS BENAVIDES) 73

S LENDAKARIS MUERTOS

Podrán Cortar La Droga Pero No La Primavera (QUÉ MALA PATRIA) PUNK, HARDCORE

on Lendakaris Muertos y pueden hacer lo que les salga del pijo. Y molará, sabes que siempre molará. Mucha peña se ha quejado de lo poco que dura su nuevo trabajo, sólo 16 minutos, pero para mí está de coña, nada que reprochar. Es el tiempo justo para preparar y ejecutar una buena manola, así que si es con ellos marcando el tempo, la cosa sólo puede salir a pedir de boca. Grabado durante su aventura americana, decir que el sonido conseguido allí les sienta de muerte, mostrándonos unos Lendakaris que petan mucho más crudos, auténticos y punks de la vieja escuela. De esta forma, los de Iruña nos traen diez nuevos cortes con las cachondísimas ‘Speederman’, ‘Lamentablet’ o ‘El 4K Se Llevó A Mi Chica’ como puntas de lanza, clásicas patilladas suyas

JEREMY ENIGK Ghosts

(LEWIS HOLLOW RECORDINGS) ROCK

l tercer trabajo en solitario de Jeremy Enigk, Ok Bear, publicado en 2009, acababa con una preciosa canción titulada ‘Sant Feliu De Guíxols’. En esa población gerundense había grabado el disco, con la ayuda de sus amigos catalanes, y allí ha vuelto para grabar Ghosts unos cuantos años después. En esta ocasión, al exlíder de Sunny Day Real Estate también le acompañan los ilustres Ramon Rodríguez (Madee, The New Raemon), Ricky Falkner (Standstill, Egon Soda), Victor Garcia (The Unfinished Sympathy, Crossword) y Santi Garcia (No More Lies), que además ejerce de productor. Un

como ‘No Ez No’ y con ‘Gore E.T.A.’ opositando con fuerza para ser finalmente la que les lleve al talego. Sí, quizá la cosa no da para el precio al que van los CDs, pero estos granujas han estado pillos y por eso también nos traen un DVD en directo grabado en la But de Madrid el pasado marzo con 24 de sus grandes logros. Ahí están casi todas: ‘Cómeme La Franja De Gaza’, ‘Gora España’, ‘Oso Panda’… Con

la Audiencia Nacional currando a full para meter entre rejas a niños raperos y demócratas catalanes, los Lendakaris han pensado que, si ponían el turbo en este álbum y no les daban ni tiempo a reaccionar, seguramente volverían a salirse de rositas. Y parece que así será, porque esta gente nació con la flor en el culo. Hazte una cresta, Lamela.

auténtico all-star de la escena alternativa que, con la incorporación del multiinstrumentista Marc Clos (Nueva Vulcano), dan vida a diez del centenar de ideas que el genio de Seattle había acumulado durante los últimos ocho años. En un mundo perfecto, el regreso del carismático, pero tímido, músico americano habría tenido muchas novias. No fue el caso y finalmente Ghosts ve la luz a través del propio sello del artista, Lewis Hollow, y el apoyo de sus seguidores a través de una plataforma de micromecenazgo. Sea como sea, Ghosts es majestuoso, cálido y espiritual con

momentos alucinantes como el piano abismal de ‘Victory’ y el crescendo de ‘Days Design’, por citar solamente algunos. Y es que Enigk, sin el barroquismo orquestal de su debut en solitario, Return Of The Frog Queen, editado en 1996 por Sub Pop, se vacía en estas composiciones de emofolk tan hechizantes como ‘The Long Wait Is Over’, ’Sacred Fire’, ‘Empty Row’ y ‘Onaroll’. Pasan los años, pero escuchar su personalísima voz sigue poniendo los pelos de punta como el primer día, y sobra decir que la base instrumental de la mano de estos cracks está a la altura.

PAU NAVARRA

LUIS BENAVIDES

VISIGOTH

Conqueror’s Oath (METAL BLADE) HEAVY METAL, US POWER

os portadones no suelen mentir, y si Visigoth apuntaban maneras con su primer trabajo de hace tres años, lo de Conqueror’s Oath ya es gordo. En la misma liga que unos Night Demon o Grand Magus, es decir, la de estas bandas de nuevo cuño que reivindican el heavy metal más tradicional alejado del power europeo más chillón e híper acelerado, los de Utah nos ponen rápido en situación con una ‘Steel And Silver’ que es toda una declaración de principios. Más puro no se puede, lo suyo no puede ser más devoto. El segundo corte, ‘Warrior Queen’, incluso

supera en calidad esta apertura. Con un parón y un coro de aquéllos que te hinchan el pecho, apelan directamente al corazón guerrero de todos los que realmente llevamos esto dentro. Y hay más, vaya si hay más… El quinteto tiene para todo el mundo, porque un trallazo de speed metal como ‘Outlive Them All’ aguanta el tipo pero bien. Qué solos, madre mía, qué escándalo… Muy llamativa es también la variedad que presentan sus canciones, porque ‘Traitor’s Gate’ poco tiene que ver con la callejera ‘Salt City’, por ejemplo, y ya no digamos con ‘Blades In The Night’, una especie de híbrido entre Manowar y los Pretty Maids de ‘Back To Back’. Un temarraco, vamos. Un cierre tan espléndido como ‘The Conqueror’s Oath’ certifica que estamos ante un discazo de principio a fin. Si te da repelús cuando alguien te suelta aquello de ‘yo de joven también era heavy’, este álbum es para ti. Visigoth no son una banda para renegados. Con todos ustedes, el verdadero metal. PAU NAVARRA

EPONA

Rewind For A Face (UNLABEL) EMOCORE

espués de dos EPs publicados en los dos últimos años, los británicos Epona sacan ahora otra media docena de temas de emocore sosegado bajo el título Rewind For A Face, su estreno con el sello independiente Unlabel Records. Desde los 2 minutos de la inicial ‘Intro (The Fall)’, esta banda de Margaret, al sureste de Inglaterra, evoca al catálogo de Deep Elm o, para ser más exactos, a las compilaciones Emo Diaries. A grandes rasgos, por ahí van los tiros en este breve pero entretenido Rewind For A

Face. La metafórica ‘Muted’, una pieza con un arranque indie rock de baja intensidad y un final pletórico, tiene mucho de Rainer Maria y algo de Mineral. “Oh, inercia, contra la corriente, no siempre puedo volver para atraparte”, lamenta su cantante y guitarra Seb Leslie en este tema, uno de los mejores de la banda con permiso del corte que da nombre al disco. Y es que en la melancólica ‘Rewind For A Face’, muy en la onda de los siempre reinvidicables Idlewild de 100 Broken Windows, bordan la fórmula calma-tempestad. Aunque en el corto repertorio de esta banda predominan las letras introspectivas y las melodías agridulces, hay excepciones como la vitalista ‘Retail Theraphy’, la única nota discordante del presente disco por su ritmo acelerado y un musculoso solo de guitarra de la escuela de J. Mascis. La casi instrumental ‘An Ending’, como su nombre indica, pone el punto y final a un EP que te deja con buen sabor de boca. Puede que la originalidad brille por su ausencia, pero Epona firman un trabajo muy digno. LUIS BENAVIDES

PESTILENCE Hadeon

(HAMMERHEART) TECHNICAL DEATH METAL

ada como un buen álbum que justifique un regreso, y Hadeon lo es, vaya si lo es. Hammerheart Records han hecho un trabajo encomiable volviendo a Pestilence al primer plano de la actualidad musical, primero reeditando sus clásicos –en eso son maestros-, y luego, cuando tan reverenciado combo volvía a estar en boca de todos, cuando la parroquia andaba sedienta, arrojándole a la cara este nuevo trabajo. Súmenle un nuevo tour centrado en su material más pretérito y vean cómo las viejas acciones de los holandeses se revalorizan hasta subir como la espuma. Pero volviendo a su octavo disco, virgen santa… Pasada la intro ‘Unholy Transcript’, el primer riff de ‘Non Physical Existent’ te dejará loco. ¡Es totalmente Pestilence, es como teletransportarse al

C SHINING

X - Varg Utan Flock (SEASON OF MIST) MELODIC BLACK METAL

on esta ‘décima’ entrega Shining han dado un paso atrás en la transformación estilística que decidieron darle a su música a principios de esta década. Un retroceso que vuelve, en cierta medida, a la crudeza de los Shining que todos tenemos en la cabeza, pero que se pierde en un mar de medias tintas. Este proceso incompleto desemboca en un disco algo bipolar que nos deja momentos con riffs fantásticos y atmósferas marca de la casa, pero también momentos de incertidumbre en los que el espíritu de Santana invade la sala, momentos en los

93! Y es que en resumidas cuentas, Hadeon respeta escrupulosamente el legado de esta banda de death técnico y progresivo tan querida por tantos, visionaria en muchos aspectos, aunque presentando una revisión de sonido acorde con el siglo XXI que no afecta en lo más mínimo al espíritu del grupo de Patrick Mameli. Cualquier tema que pinches refrenda lo explicado,

‘Materialization’, ‘Timeless’ o el que prefieras. Fraseos rocambolescos, esos solos tan rarunos como brutales, la voz… Y si quieres rememorar esos momentos más jazzísticos y futuristas, ahí están ‘Astral Projection’, ‘Ultra Demons’ o el lapso ‘Subvisions’ para saciarte. Es que son ellos, son simplemente ellos, y demostrando que crear música de altura sigue siendo una prioridad.

que crees que los solos a lo Van Halen y la pomposidad no volverán, pero vuelven. El trabajo se compone de cortes que mantienen un nivel de calidad más que aceptable con ráfagas al más puro estilo de los suecos con ritmos aplastantes y melodías evocadoras. Hay momentos de total lucidez que demuestran la capacidad instrumental espectacular que tiene el conjunto y gracias a un Niklas Kvarforth que brilla vocalmente hasta en la desorientación. La producción vuelve a ser un ejemplo claro, y me hace plantear si esta deriva es parte de un plan que, en mi

opinión, no ha salido del todo bien, de esta regresión a medias a su pasado. El trato de las guitarras está más cerca de Halmstad que de Everyone, Everything, Everywhere, Ends, pero el álbum tiene un sonido más nítido, menos mugriento y, con ello, las atmósferas sufren, volviéndose menos agobiantes y, en resumen, dando esa sensación de algo sin un rumbo claro, de una metamorfosis incompleta. Si el objetivo era desorientarnos, lo han conseguido, pero si querían volvernos a angustiar durante 50 minutos, prueba no superada.

PAU NAVARRA

ABEL VALDELVIRA

BADCOP BADCOP Warriors

(FAT WRECK CHORDS) PUNK ROCK

o lo había planificado, pero me dispongo a escribir estas palabras el Día Internacional contra la Violencia de Género. Ignoro si Stacey Dee, Jennie Cotterill, Linh Le y Myra Gallarza, las cuatro componentes de Badcop Badcop, han sufrido alguna vez en sus propias carnes un episodio de este tipo (espero que no), aunque alguna de las letras de Warriors va sobre eso. Estamos ante el segundo disco de esta banda de Los Ángeles tras Not Sorry y queda claro que Fat Mike ha ejercido de mentor:

publica el álbum en su sello, colabora en la producción e incluso echa un cable en la intro de ‘I’m Done’, uno de los mejores temas junto a ‘Broken’. En cuanto al sonido que despliegan estas cuatro guerreras podríamos decir que han recogido a la perfección el testigo dejado por Tilt y que no hacen ascos a los punteos de guitarra que tan buenos resultados han dado a grupos como Anti-Flag. Sí, no hay duda que valga: esto es punk rock melódico sin aditivos ni conservantes, pero con el factor diferencial que representa el tocarlo con un buen par de ovarios y no de huevos. Y, tal y como está el panorama musical actual, siempre es grato saber que una banda de punk rock está integrada exclusivamente por mujeres. Además, comparto al 100% la idea que subyace bajo el nombre de Badcop Badcop, porque también pienso que esa historia del poli bueno, poli malo es una invención de las películas. Desgraciadamente, en la realidad no hay polis buenos. JORDIAN FO

SLADE

Slade Alive! (SALVO/MUSIC AS USUAL) ROCK

or fortuna, el tiempo ha ido poniendo a Slade en su sitio. Abanderados del glam más festivo que surgió en la Inglaterra de los 70, durante muchos años, pese a haber sido los grandes vendedores de singles en las islas durante esa década, muy poco en consideración se les tuvo –más allá de los circuitos del hair metal en los 80-, pese a que era poner un tema suyo en un pub y aquello convertirse en un karaoke inmediato. El que un segmento del britpop los considerara parte integral del sonido de su juventud y una creciente reivindicación

entre la comunidad punk ha hecho de ellos una banda, actualmente y muy merecidamente, con el estatus de legendaria. Pese a que en este Slade Alive! no encontremos ninguno de sus grandes éxitos, éste fue el disco que lo empezó todo allá en 1972. Gracias a la fuerza de este álbum grabado en directo -sí, hubo una época en que los discos en vivo encumbraban a las bandas y no eran meros elementos contractuales-, Slade pasaron de ser un pequeño grupo de bares cansado de dar tumbos a una banda importante en Inglaterra. Reeditado ahora con todos los honores, el álbum no ha perdido un solo ápice de la intensidad que lo hizo famoso. Slade, a parte de escribir inmortales hit singles, eran un torbellino en directo, y aquí queda más que demostrado con un repertorio hecho casi a base de versiones –irónico teniendo en cuenta la escuela que crearon Holder y Lea como escritores-, pero que deja claro que la banda tuvo cimientos desde sus inicios. RICHARD ROYUELA

HARDCORE HITS CANCER Vol. III

(AUTOEDITADO) PUNK, HARDCORE, METAL

sta vez sí que se han pasado. Fieles a su recopilatorio anual, Hardcore Hits Cancer lanzan su tercer asalto benéfico, pero ahora en formato de doble CD con ni más ni menos que 18 cortes cada uno. Un festín de versiones, vamos, porque ya saben de qué va el juego: a saco de grupos y artistas de nuestro país regalan su visión de un temazo generacional, o no tanto, del universo punk, hardcore y metal. Pero quizá la cosa sorprenda algo más esta vez, porque Eric Fuentes inaugura el trabajo con tonadas ligeras en su ‘Lejos’ de Accidente, The Blackjaw van con

80 82

‘Hurt’ de Johnny Cash o The Roots Of Tanuki se atreven con ‘Get Up Stand Up’ de Bob Marley. Y es que el primer CD es más punk y hardcore, con G.A.S. Drummers haciendo de RKL, Crim de Cock Sparrer, Hyde Abbey yendo con AFI, Stained Blood asalvajando a Misfits o Broken Lingerie saliéndose con L7, para después dejar más la tralla metálica para el segundo. Ahí hay hasta cinco TMF Sessions muy curradas y bandas como Violent Eve (Gojira), Bloodhunter (Arch Enemy), Blaze Out (While She Sleeps) o Goddamn (Rage Against The Machine). También le sacarán la cera a tus orejas Diego de Teksuo uniendo fuerzas con Igor de Dawn Of The Maya para bordar ‘Reinventing Your Exit’ de Underoath o Udol con ‘Forever My Queen’ de Pentagram. ¿Qué será lo próximo, un doble vinilo con póster desplegable de Gorka de Berri Txarrak en tanga? Para ayudar a recaudar fondos para La Casa dels Xuklis y la asociación AFANOC, Hardcore Hits Cancer son capaces de todo. PAU NAVARRA

LEMURIA

Recreational Hate (TURBO WORLDWIDE) INDIE ROCK

lgo me dice que ha llegado el momento de Lemuria, una banda de indie rock con melodías irresistibles. La guitarrista Sheena Ozzella y el batería Alex Kerns, ambos cantantes, lideran esta banda neoyorquina desde 2004 y han publicado otros tres discos, varios compartidos con otras bandas y numerosos sencillos y EPs. El trío, que completa ahora el bajista Max Gregor, tiene motivos para creer en este trabajo, Recreational Hate, el primero que publican ellos mismos bajo el nombre

de Turbo Worldwide Records. Me parecería muy injusto que no explotaran con este delicioso disco, claramente deudor de clásicos contemporáneos como Superchunk (‘Sliver Of Change’), Jawbreaker y los Weezer del Blue Album (el parecido en ‘More Tunnel’ es más que evidente) pero en una onda muy actual como los populares The Mezingers y, sobre todo, Tigers Jaw. Eso sí, Recreational Hate tiene muchos más matices. La banda expande su indie rock de guitarras con nervio (‘Sliver Of Change’) y estribillos pegadizos, sobre todo en la segunda mitad del disco, con la incorporación de acústicas y pianos (‘Lake Below’), slideguitars (en ‘Kicking In’ y ‘Trembling’ asoma su Wilco) y trompetas de puro texmex (‘Wanted To Be Yours’). En otras palabras, ésta es su obra más variada, completa y ambiciosa. Grabado con Chris Shaw (Modest Mouse, Ween, Lou Reed, Bob Dylan), ingeniero y productor ganador de varios premios Grammy, este cuarto largo debería marcar un antes y un después en una prolífica e injustamente desconocida trayectoria. LUIS BENAVIDES

PRAWN Run

(TOP SHELF) PUNK POP

i te gustan Dowsing, Real Friends o Tiny Moving Parts, seguramente ya tendrás controlado el tercer largo de Prawn, Run. Y es que Prawn son una de las bandas más queridas y respetadas entre los amantes del nuevo emo. Este quinteto de Ridgewood, New Jersey, tiene ya otros dos largos, varios EPs y splits con bandas afines como los citados Moving Mountains y Joie De Vivre. Tenían el listón muy alto con Kingfisher, publicado en 2014, y se tomaron su tiempo. Para girar -estuvieron por Europa teloneando a The Flatliners– y para componer. Tres años

después regresan con este maravilloso Run, cargado de grandes melodías y detalles de mucha clase. Su propuesta podría catalogarse como punk pop, porque predominan las melodías redondas y urgentes, pero estos Prawn destacan en las partes más intrincadas y dominan como pocos los cambios de intensidad. Así, las iniciales ‘Hunter’ y ‘Snake Oil Salesman’ están en la onda emopop pegadiza de los primeros Into It. Over It, con riffs energéticos y adictivos. Por el contrario, en piezas como ‘North Lynx’ juguetean con las armas del post rock y pueden recordar a los mejores The Appleseed Cast por esas subidas y bajadas de tensión y, sobre todo, con esos exquisitos punteos de guitarra y patrones de batería. Este disco depara muchos momentos memorables como los coros hinchados de ‘Hawk In My Head’, la confesional ‘Short Stam’ (con una estrofa que parece sacada del último trabajo de Brand New) y las guitarras cruzadas de ‘Greyhound’. Una pequeña joya oculta que esperamos ayudar a descubrir. LUIS BENAVIDES

que se repita, Summoning saben bien que en su misma esencia ya reside la suficiente calidad como para que el culto hacia ellos siga intacto, y bueno… lo cierto es que escuchando la recta final de este trabajo, tampoco es que anden muy lejos de sus obras maestras. ‘TarSUMMONING With Doom We Come Calion’ y ‘Silvertine’ abren con autoridad este nuevo (NAPALM) viaje, y lo primero que nos EPIC BLACK METAL encanta es la producción, completamente anclada en 85 el under noventero, con la guitarra de Protector bajo mínimos, inconcebible para cualquiera que no haya n este nuevo milenio, crecido con ellos. ‘Herumor’ tan acostumbrado presenta un trabajo está el fan de vocal impresionante, Summoning a las largas manifestándose como algo esperas entre obra y novedoso dentro de su obra, que casi podríamos particularísimo universo decir que los cinco años sinfónico. ‘Barrow-downs’ y transcurridos entre Old ‘Night Fell Behind’ son tan Mornings Dawn y With Summoning que aguantan Doom We Come han bien el peso pese a ser un pasado como un suspiro. pelín inferiores, pero con Único en su especie, el dúo los más de 22 minutazos vuelve a trasladarnos a ese que se reparten los dos mundo de fantasía que últimos cortes todo queda sólo él puede recrear, y a perdonado. ‘Mirklands’ es mi entender, con mucho imponente, y con ‘With mejores resultados que en Doom I Come’ volverás su anterior disco. Si bien a llorar. Simplemente la enormidad de un Dol perfecta. Los austríacos son Guldur, Stronghold o Let una leyenda sin parangón. Mortal Heroes Sing Your PAU NAVARRA Fame parece poco probable

DELOBOS HAS DE SABER... FORMACIÓN: Juan

A. Soler ‘Kantz’ (voz), Raúl Fernández (guitarra), Luis Fuentes (bajo), Nacho Romero (batería, percusión) PRODUCIDO POR: Diego Gila AFINES A: Tenpel, Woven Hand, Mad Season PÁGINA WEB: www.thebravesrecords.bandcamp.com

FOTO: KACHO CANO

Salt (THE BRAVES) ROCK

i un año ha pasado desde que debutasen con Moon Moan y Delobos ya están de vuelta con nuevo material. Si el pasado curso les sirvió para presentarse en sociedad, 2018 parece que será cuando sus aullidos suenen con más fuerza. Salt es tan sólo el primer capítulo de una nueva aventura que llevará por nombre Salt, Flesh, Smoke And The Last Mystical Beings, al que le seguirán otros dos más antes del cierre de temporada y que formarán un álbum. Por tanto, las cuatro nuevas composiciones que esconde este EP

apenas son un aperitivo de lo que está por venir, aunque por sí solas guardan varias sorpresas. Unos suaves acordes dan comienzo a ‘Selkie’, corte de apertura que reconforta y ayuda a sumergirnos dentro de su ambiente acogedor e íntimo, pero con sugerentes pasajes psicodélicos donde la banda se deja llevar sin ataduras. Enlazando con la temática dedicada al mar, los cantos de sirena nos llevan hasta ‘March’, una canción donde apreciamos el cuidado sonido que nuevamente les ha aportado Diego Gila, dotándoles de esa delicadeza y sensibilidad

tan característica. ‘Son Of Healing’ continúa adentrándonos por terrenos algo más oscuros, en los que la slide de Raúl Fernández hace una sutil aparición. El viento sopla con fuerza y conduce nuestra nave hasta las orillas de la costa africana con parada en ‘Exiled’, donde cobran protagonismo arreglos de lo más exóticos. Un episodio breve pero con contenido lo suficientemente interesante como para mantener nuestra curiosidad por saber qué es lo que estos lobos de mar nos tienen preparado estos meses. GONZALO PUEBLA

HABLAMOS CON... KANTZ Salt es el primero de tres EPs que vais a sacar este año. Juntos formarán un álbum, pero ¿cuál es su historia?

“Con este trabajo teníamos un montón de canciones que parecían casar perfectamente en ciertos grupos, por eso pensamos que ir sacando EPs sería la mejor manera de mostrar el trabajo que hacemos en Delobos. Cuando realizamos este ejercicio, cada grupo nos sugería algo muy concreto que definimos con esas palabras: Salt es la sal del mar, el vaivén del agua y los pasajes hipnóticos, el canto de la sal en el desierto como decía Neruda en su Oda A La Sal. Después está Flesh, que llevará la cara más cruda y orgánica del trabajo, y por último Smoke, lo quemado, donde todo tendrá un punto más oscuro. Salt, Flesh, Smoke And The Last Mystical Beings habla de un mundo humano, de la realidad aplastando duramente la magia y arrasando con ella todo rastro de inocencia. También por este motivo,

para realizar la parte plástica del trabajo, hemos querido contar con Alejandra Fernández, una ilustradora de cuentos infantiles a la que personalmente siempre he admirado”. No habéis tardado mucho en dar continuación a vuestro debut... ¿Salió el material muy rápidamente?

“En realidad Delobos es como una especie de pequeña fábrica de canciones. Nuestro proceso creativo no es el habitual a la hora de preparar nuevos trabajos. Tenemos canciones compuestas e ideas surgidas antes de Salt, Flesh, Smoke And The Last Mystical Beings que sabemos que haremos más adelante. Raúl tiene una carpeta compartida con nosotros que parece una librería para bandas sonoras”. Con Moon Moan disteis con un sonido con bastante personalidad pero muy abierto. Aquí seguís incorporando sonidos nuevos... Intuyo que, al

igual que con Tenpel, sentís la necesidad de mutar...

“De eso se trata. Los caminos del arte son inescrutables y sólo tenemos un dios. Somos gente muy proactiva y en mi caso, desde que comencé a hacer música, nunca he puesto ninguna limitación estética a lo que hago. Tengo la suerte de que en la mayoría de los proyectos de los que formo parte la gente tiene esta misma predisposición y podemos hacer cosas distintas, ya no de los demás, sino a lo que se supone que nosotros mismos hacemos, y para mí esto siempre será algo positivo porque siempre estás descubriéndote y reinventándote, como Madonna pero de verdad. Como suelo decir, los que estamos haciendo esto, los que nos movemos en ciertas escenas, somos las ratas de la música, el submundo de ese negocio sucio. No tenemos por qué perdernos en laberintos para conseguir el queso. Nosotros ya tenemos el queso”. (GONZALO PUEBLA)

ortodoxo. ¿Soprendido? Pues en este álbum también hay espacio para algún riff death metalero e incluso algún momento en el que el post hardcore toma las riendas. Todo esto se suma a la amalgama de influencias que siempre han formado parte del FORGOTTEN TOMB modus operandi de We Owe You Nothing Forgotten Tomb y acaba (AGONIA) rompiendo la barrera BLACK METAL, DOOM METAL del prejuicio con el que encaraba este albúm, lo cual celebré muchísimo 77 en mi primera escucha. El gran problema de este trabajo es que es un acía tiempo que les camino muy desigual. Así había perdido la como su primera mitad me pista a los italianos, parece sublime, pasado el y la verdad es que los ecuador acaba cayendo recordaba más crudos de en la gran trampa de la lo que este nuevo plástico mezcla de influencias y muestra. Un trabajo que va pierde algo el rumbo y, de más a menos, en el que con éste, mi capacidad de acabas perdiendo el interés atención hasta el minuto con el paso de los minutos, final del álbum. Lejos pero que en sus tres de la excelencia, pero primeros cortes sorprende igualmente un muy buen y muestra una cara más disco, con una buena refinada de su música. We producción y, sobre todo, Owe You Nothing es un una buena muestra de buen ejercicio de evolución la evolución en el sonido sobre una premisa de que puede llevar a cabo oscuridad, sufrimiento una banda sin perder su y melodías fúnebres personalidad. A ver si en el conducida por un toque de corte punk setentero próximo la clavan más. con guiños al doom más ABEL VALDELVIRA

74 84

LOS VALIENTES Los Valientes (LONG LIVE) GARAJE ROCK

o trato que de mí queden una memoria de sol y un sonido de valiente”. El nombre de los protagonistas de esta reseña proviene de Viento Del Pueblo, un poema de Miguel Hernández dedicado a un joven y comprometido soldado. Los Valientes, estos jóvenes e ilustrados punks, hacen honor a su nombre en la misma portada de su debut, un EP homónimo con seis temas. Y es que podrían haber buscado algo más vendible, más artístico o, en definitiva, más formal. Sin embargo, estos cuatro amigos de Manresa prefieren acompañar su

música con un primer plano de un tipo que parece sufrir los efectos de una resaca monumental en una tienda de campaña. Esto es valentía; esto es punk, saltarse las reglas, no hacer aquello que esperan que hagas. El sonido de la banda evoca tanta o más nostalgia que su nombre, en la onda de combos de los 60 como Los Bravos y Los Salvajes. Los Valientes practican una suerte de garaje o punk nostálgico rápido y melódico. Cantan en inglés como los desaparecidos The Saurs y, sobre todo, los primeros Aliment (los aullidos y los coros gamberros de ‘Dirty Laugh’ y ‘Propiedades’ me recuerdan muy mucho a ellos). Los seis temas fueron grabados en directo en los estudios Red Factory de Barcelona por Gerard Cabot (Lipzia, The Wax) y, atención, en una sola tarde. Como buenos punks, eso de grabar un disco lo consideran más un trámite que otra cosa. Su hábitat natural está en los escenarios, en garitos pequeños y rodeados de amigos. Allí esperamos verles pronto. LUIS BENAVIDES

CANNABIS CORPSE

Left Hand Pass (SEASON OF MIST) DEATH METAL

o se dejen engañar por el cachondeo, la hierba y las bromas; este disco es una cosa muy seria. Si eres fan del death a la americana, carente de ese gusto por la melodía europeo que cede todo el protagonismo musical a las bases rítmicas y a los recursos guitarreros a toda velocidad, ¡estás de enhorabuena! Cannabis Corpse se han sacado un muy buen producto de la manga para ti. Si no eres de ese tipo de oyente y buscas algo fresco e innovador, lo siento, este álbum no es para ti. Entre parodias fumetas sobre bandas tan míticas como Entombed o Nile, el trío estadounidense nos deja una obra de

death metal demoledor, producido al placer de las bases rítmicas (con una batería que apabulla y una línea de bajo totalmente presente) otorgando ese efecto de martillo hidráulico que tanto gusta al otro lado del charco. Este Left Hand Pass no ofrece absolutamente nada nuevo, nada que no hayas escuchado antes, ni lo pretende. Es un ejercicio de brutalidad y diversión a partes iguales destinado única y exclusivamente al fan del género que no se mueve ni un ápice de la guía de estilo marcada por una escena musical bastante estricta en cuanto a sonido y composición. Dicho esto, y partiendo de la premisa del oído para el que está dirigido este trabajo, lo que hace ‘especial’ a este álbum es la extrema precisión de ejecución, sin pasar por una sobreproducción en los instrumentos. Un catálogo de recursos técnicos a toda velocidad ejecutados con mucha maestría y distribuida en temas muy cortos y concisos que se convierten en una delicia para los oídos del fan de estos sonidos. ABEL VALDELVIRA

ELDER

Reflections Of A Floating World (STICKMAN) STONER ROCK PROGRESIVO

pesar de que cada vez más aprecio los discos breves y concisos, en ocasiones a uno le apetece adentrarse por terrenos más expansivos y complejos. En casos como ése, encontrarse con una banda como Elder es poco menos que hallar un tesoro. El combo de Boston consiguió deshacerse de cualquier etiqueta relacionada con el stoner o el doom gracias a una obra maestra inconmensurable como lo fue su anterior Lore, en la que finalmente encontraron un sonido único por el que podían navegar con total libertad. Su continuación, Reflections Of A Floating World, no

supondrá un punto de inflexión tan significativo en su carrera, pero no cabe duda de que les afianza como uno de los nombres más excitantes dentro su estilo. Con la incorporación de Mike Risberg como segundo guitarrista, el ahora cuarteto sigue explorando sus límites en unas piezas que tienen validez propia por sí solas, pero que juntas conforman un viaje fascinante. Adentrarse en el océano de riffs, cada uno más alucinante que el anterior, que comanda el guitarrista Nick DiSalvo gracias a los efectos de su pedalera, es toda una aventura para quienes estén dispuestos a dejarse llevar, perderse y encontrarse varias veces dentro de una misma canción. Siguiendo la senda aperturista de Lore, Elder apuestan por terrenos más luminosos pero no por ello más accesibles. La voz sólo aparece forma puntual, siendo los desarrollos instrumentales los que nos guían a través de un disco en el que podríamos destacar temas como ‘Sanctuary’ o ‘Blind’, pero que son sólo piezas enormes de un todo tan inabarcable como glorioso. GONZALO PUEBLA

THE BABOON SHOW

HACIENDO AMIGOS

EL MES QUE VIENE, LOS SUECOS THE BABOON SHOW RECORRERÁN NUESTRO PAÍS DE PUNTA A PUNTA PARA PRESENTAR SU FLAMANTE RADIO REBELDE . TE ADVERTIMOS QUE, SI TE ACERCAS A VERLOS, ES POSIBLE QUE YA NO PUEDAS VIVIR SIN ELLOS. TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR

CTUAR EN UN FESTIVAL SUELE SER UNA GRAN OPORTUNIDAD

para cualquier grupo. Sin embargo, a la hora de la verdad no son tantos los que aprovechan ese escaparate para presentarse ante un público que nunca ha oído de ti. Sin bien ya habían actuado antes en nuestro país, The Baboon Show le sacaron máximo partido a su paso por el Barna ‘N’ Roll y el Gasteiz Calling el año pasado para ponerse en boca de un montón de aficionados al punk rock. No es para menos. La energía que desprenden Cecilia Boström (voz), Håkan Sörle (guitarra), Frida Ståhl (bajo) y Niclas Svensson (batería) sobre un escenario es difícil que deje indiferente. Con 15 años a sus espaldas, siete discos y un puñado de EPs, cuentan con toda la experiencia de un grupo veterano, pero conservan ese efecto novedoso que hace que te llamen la atención. Y por supuesto ayuda a que su música, que simplificando bascula entre el punk de The Distillers y el rock The Hellacopters, entre tan bien como una birra fría en un día caluroso. Para descubrir un poco más sobre ellos y charlar sobre su nuevo álbum Radio Rebelde (Kidnap), hablamos con su vocalista, quien puso especial hincapié en el lado político del grupo. Mucha gente por aquí os está descubriendo en los últimos meses, pero tenéis una trayectoria

bastante larga. ¿Podrías explicar la evolución del grupo?

gístico, resulta un poco estresante combinarlo todo”.

CECILIA BOSTRÖM “Nos formamos

a finales de 2003, así que llevamos un tiempo. Nuestro primer concierto fue en 2004 y empezamos a tocar mucho en directo porque es lo que queríamos hacer: divertirnos con la música, conocer gente, ofrecer el show más enérgico posible… Queríamos ser una gran banda en directo, y ¿cómo vas a conseguir eso si no tocas mucho? Así que eso es lo que hicimos. Al principio giramos por Suecia, luego Escandinavia, luego Alemania, República Checa, y ahora hemos llegado a España. Hemos hecho un par de giras cortas en vuestro país, pero ahora queremos dedicarle más tiempo. Hemos ido creciendo lentamente”. Me sorprende que hayas dicho que tenéis otros trabajos. Por la cantidad de discos que tenéis, pensaba que era vuestra ocupación principal.

“Bueno, nos ocupa mucho tiempo, pero seguimos siendo una banda pequeña. Y todos tenemos familia, así que no podemos girar tantísimo como antes. Para poder vivir sólo del grupo tendríamos que girar el doble que ahora y eso es incompatible con nuestra situación familiar. Pero nos encantaría poder poner toda nuestra energía en The Baboon Show. La verdad es que, a nivel lo-

Tendréis que esperar a que vuestros hijos sean mayores…

“Sí, eso, o si Radio Rebelde es un gran éxito, igual podemos dejar nuestros trabajos durante un tiempo. Ya veremos… No hay un plan específico, pero nos gustaría. Si sale la oportunidad, la aprovecharemos, porque después de diez años esto no es un hobby, es nuestra vida”. ¿Cuál es la historia detrás de este disco?

“Grabamos el disco en octubre. Nunca pasamos demasiado tiempo en el estudio, vamos y grabamos. Nos llevó unas dos semanas. Aunque en junio habíamos grabado dos temas que también están en el disco. Fue un proceso fácil. Habíamos empezado a componer una vez salió el disco anterior. Solemos componer en la carretera, porque es cuando tenemos más tiempo. Todos tenemos familia y otros trabajos, así que no tenemos demasiado tiempo cuando estamos en casa. En la carretera es donde encontramos la energía y la inspiración para escribir. Así que en julio ya teníamos todo el material y lo grabamos en octubre”. ¿Disfrutas del estudio? Porque parecéis sobre todo una banda de directo… 87

THE BABOON SHOW

También es triste porque ahora puedes ir por ahí diciendo que eres racista y nadie se altera o te mira mal. Hace unos años eso no se hubiera permitido. Se ha perdido el sentido común”. Lo jodido es pensar que la gente vota a esos partidos, aunque vayan en su contra.

“Lo que más nos gusta es el directo, la carretera y conocer nueva gente. Ésa es la esencia del grupo. También es divertido estar en el estudio, pero se parece más a un trabajo. Entiendo que haya gente que disfruta del estudio porque es donde das forma a tu música, y puedes añadir y cambiar sonidos, es creativo. Pero lo que más amamos es la energía y la adrenalina que te invade en el escenario gracias al público”.

el amor, por ejemplo. Ya lo ha hecho mucha gente y no tenemos nada que decir al respecto. Queremos escribir sobre la vida real. En Radio Rebelde escribimos sobre lo de siempre: las injusticias, el aburrimiento, cómo luchar contra la gente mala y cosas así. La última canción del disco, ‘Again’, es más autobiográfica. Trata sobre la vida de joven de nuestro guitarrista, la hizo él. Creo que es el primer tema sobre nuestra vida, pero preferimos hablar sobre la sociedad”.

En vuestra música hay una mezcla de punk rock, garaje, rock

Pero la sociedad sueca sigue

más clásico… ¿Os costó definir el

siendo de las más avanzadas del

sonido del grupo al principio?

mundo...

“Diría que al principio hacíamos más punk ’77. Pero siempre tuvimos temas más lentos y nos gusta experimentar con el rock clásico y los clichés. Siempre tuvimos eso en nuestra música. Una de nuestras bandas favoritas es AC/DC, así que siempre ha sido una fuente de inspiración. Pero a todos nos gustan también las melodías. Intentamos hacer canciones pegadizas. Y también son importantes las letras, que son más duras. Somos una banda política. Alguna gente cree que la música y la política no deberían ir juntas, pero ¿sobre qué deberíamos escribir, sino sobre las cosas que joden nuestra sociedad? No nos interesa escribir sobre

“Creo que la manera en la que Suecia es percibida como un modelo de justicia social es más una marca que una realidad. Solía ser así, pero desde 2006 tenemos un gobierno de derechas y en los últimos diez años han cambiado muchas cosas. Se ha privatizado casi todo el sistema sanitario y educativo. Suecia ya no es el país que la gente cree. Por eso me parece interesante que esa marca se mantenga cuando ya no es una realidad”.

Por lo que dices, os parecéis cada vez más a España, y eso no es bueno.

“Lo sé. Estamos en contra de todo eso.

“No tiene ningún sentido. Pero al final todo se reduce a cuánto dinero tienes en tu cartera. Si privatizas los servicios, puedes bajar los impuestos y eso significa más dinero en el bolsillo. Pero a la larga ese dinero lo acabas pagando igual. Se nos lleva educando desde hace mucho tiempo que sólo debes preocuparte por ti, en el individualismo. Pero es una mierda porque vivimos en una sociedad, y el bienestar colectivo es más importante para que haya un equilibrio. Ese equilibrio se ha roto. No es que me considere más lista que los demás, pero creo que es mucho mejor tener un buen estado del bienestar y que la gente tenga menos dinero”. Habéis tocado en China y cuatro veces en Cuba. ¿Te han influido esas experiencias?

“Viajar y ver otras maneras de vivir siempre te influye. Ves que hay otras sociedades donde no es tan importante si tienes unos pantalones nuevos o viejos. Cuba es totalmente distinto a Suecia, y no todo allí es bueno, y es un país pobre, pero lo que más me llama la atención es que veo espíritus libres. No te están bombardeando constantemente con anuncios que te dicen cómo tienes que vestir o llevar tu pelo. Eso es muy liberador. En Suecia no puedes desconectar de todo eso y por eso en el capitalismo occidental parece

que, hagas lo que hagas, nunca es suficiente. Siempre tienes que mejorar. En Cuba todo el mundo tiene la misma educación y el nivel de vida es más alto que en México, que está gobernado por los cárteles de la droga. La mayoría de la gente que hemos conocido están contentos con el sistema, aunque sean críticos con algunas cosas. Sobre China no te puedo decir mucho porque estuvimos poco tiempo. Sólo que es muy distinto (risas). La verdad es que la idea que tenía de China no cambió”.

“NO QUIERO SER ALGUIEN INALCANZABLE QUE SÓLO ESTÁ EN EL ESCENARIO. NO QUIERO QUE HAYA BARRERAS. ME GUSTA LA GENTE Y QUIERO TENER UN CONTACTO DIRECTO. ¡Y ADEMÁS ES DIVERTIDO!” CECILIA BOSTRÖM

¿Cómo de influyente fue en vosotros la explosión del rock escandinavo de los 90? Porque os tocaría de pleno...

“En realidad no diría que nos inspirara especialmente. Pero Suecia siempre ha tenido buenas bandas. Por supuesto, escuchamos a The Hellacopters, pero no es una banda que me influyera personalmente. Te diría que me inspiró más el tener muchos amigos interesados por la música, que tocaban en grupos y con los que iba a conciertos. A finales de los 90 y principios de 2000, quizá había una escena mejor que ahora, pero bueno, quizá también mi perspectiva ha cambiado por la edad (risas). Entonces era una adolescente, así que fue cuando descubrí un montón de cosas. Pero creo que ahora los DJ’s y la música programada son más populares que las bandas de rock. Parece que es lo que interesa a los jóvenes”. ¿Y a qué lo atribuyes?

“Quizá es porque, en cierta manera, la electrónica es una música más democrática. Lo único que necesitas es un ordenador, y todo el mundo tiene un ordenador. Te puedes descargar

herramientas gratis de internet y ser muy creativo desde tu habitación. Si quieres tocar rock, tienes que aprender a tocar un instrumento, juntarte con otra gente y tener un sitio donde ensayar. Eso es un poco más complicado. Al menos, es lo que pienso, pero no lo sé. No salgo demasiado con gente de 16 años (risas)”.

aprovecharse por ser mujer. Pero supongo que he tenido suerte. Los únicos incidentes han sido en conciertos, cuando alguien del público me toca el culo, pero eso no es culpa de la industria musical, porque el que lo hace puede ser un abogado o un maestro, quién sabe”. Aun así, no renuncias a saltar

En los últimos meses hemos visto

y a mezclarte con el público en

una gran cantidad de denuncias

cada concierto. No tienes mie-

de acoso sexual dentro del mun-

do.

do del espectáculo. ¿Alguna vez

“No, no tengo miedo. Es mi manera de expresarme. No quiero ser alguien inalcanzable que sólo está en el escenario. No quiero que haya barreras. Me gusta la gente y quiero tener un contacto directo. ¡Y además es divertido!”.

te has encontrado en alguna situación así?

“Es un gran problema y no sólo en este negocio, sino en toda la sociedad. Vivimos en un patriarcado desde hace miles de años. Lo interesante es que ahora haya gente que se sorprenda de que se abuse de las mujeres. Personalmente nunca me he encontrado en una situación en la que quisieran abusar o

YA SE HA CONVERTIDO EN UNA NEGRA TRADICIÓN. TRAS LA LLUVIA DE TOPS DE CADA AÑO OS TRAEMOS 30 PERLAS DEL MÁS FUNESTO METAL EXTREMO QUE NOS QUEDARON EN EL TINTERO EL PASADO CURSO, 30 ODAS A LA MÁS CRUDA Y VIOLENTA EXPRESIÓN MUSICAL QUE, POR UNA RAZÓN U OTRA, NO TUVIMOS TIEMPO DE RESEÑAR EN LOS DOCE MESES ANTERIORES. AQUÍ ENCONTRARÉIS AUTÉNTICAS JOYAS DEL UNDERGROUND MÁS REBUSCADO, MUCHOS TRABAJOS QUE PODRÍAN HABER ENTRADO EN CUALQUIER LISTA SI TODOS NOS ARMÁRAMOS DE VALOR, UN PICO, UNA PALA… Y PACIENCIA, MUCHA PACIENCIA. CORRE A POR TU DELANTAL, QUE ESTA VEZ LA REVANCHA EXTREMA LLEGA ESPECIALMENTE SANGRIENTA. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

AKERBELTZ

no cree que escucha o toca música extrema hasta que Tetragrammacide se le cruzan en el camino. En su debut en largo, esta trinidad procedente de la India nos somete a un castigo ejemplar en el que todo es desquiciante, incluidas las intros o los lapsos. Sinceramente, imposible encontrar una batería más veloz que la aquí grabada. Black death con noise junto a paranoicas relecturas de su cultura. Implacables.

n su 20 aniversario como grupo, Minas Morgul entregaron un álbum trabajadísimo, muy expresivo, a la par que melancólico y repleto de épica. De hecho, ya desde su misma producción, Kult es un viaje en el tiempo que te traslada a ese pagan black de finales de los 90, principios de los 2000. Hay orquestaciones y acústicas, sí, pero no se cae en cutres flautitas ni demás elementos molestos. Escucha ‘Abschied’ y entenderás de qué hablo.

nfame war metal directamente perpetrado desde el más hediondo agujero del averno. Estos Crurifragium, que no hay que confundir con los daneses (te dejo más tranquilo, ¿eh?), son como unos Revenge sepultados en toneladas de lodo, ungidos en viruela y rematados con un lefazo en toda la cara. Sonido apestoso, solos sin ton ni son, estúpidamente malvados. Con peña de Demoncy o Warpvomit en sus filas. Toda una proeza.

s realmente curioso lo que Barathrum nos presentan en Fanatiko. Si al pensar en black’n’roll inmediatamente nos vienen a la cabeza Satyricon, aquí los de Finlandia le añaden una crepitante pátina de distorsión y punk que le da a todo un aire mucho más viciado y malsano. Como en ‘On The Dark River Bank’, saben cuándo acelerar para no caer en el tedio, pero la verdad es que su arrastrado rockeo te mantiene expectante todo el rato.

a formación gallega de death metal nos golpeó con un EP tras ese debut de 2014 que tan buen sabor de boca nos dejó. Clasicotes, primitivos, amantes del riff a tope de grumo y los ritmos brutotes, Come Back From The Dead nos volvieron a demostrar que su veneración hacia Entombed puede dejar tras de sí una larga ristra de temazos. Aquí sólo hay cuatro, pero cualquiera podría ser mi preferido del trabajo.

ersonal y oscura nueva propuesta que nos llegó de la mano de miembros vinculados a Graveyard, Körgull The Exterminator, Lux Divina, Ered, Foscor o Cruciamentum. Este trío de Barcelona practica black metal, pero en una variante introspectiva y telúrica donde la voz, cavernosa y profunda, juega un papel esencial. Su marcada inclinación hacia Master’s Hammer, los primeros Emperor y sobre todo Celtic Frost hace el resto.

kerbeltz es una de las expresiones más puras del black metal en nuestro Estado. En activo desde el 96, esta one man band catalana con ramificaciones en Körgull The Exterminator siempre publica obras de lo más devotas, y Satànic no es ninguna excepción. Aquí hay temazos como ‘The Crypt’ o la bastante Manowar ‘Ludum Mortis’, pero yo me quedo con ‘Opus Satanic’, sin duda una de mis canciones favoritas del pasado curso.

eis temas en estudio y tres en vivo conformaron el nuevo EP de los vascos Mutilated Judge. Con Guillaume Béry de Pulmonary Fibrosis y Embryopathia a la batería y un master de Joel Grind de Toxic Holocaust, este goregrind atolondrado te roerá las pelotas mientras te carcajeas, aunque no logras captar su nivel real de enfermedad hasta que los ves en directo. ¿En serio te vas a perder tonadas como ‘What The Fuck Is Netflix’ o ‘Metalhead = Virgin’?

rchgoat, los tiranos de Finlandia, una de las pocas bandas que realmente importan, sólo publicaron dos temas el pasado año, pero qué canciones… Nada más empezar con ‘Black Mass Mysticism’, piel de gallina, sólo pueden ser ellos. Este 2018 cae nuevo álbum, pero mola poder calmar la sed con este EP que, en formato físico, únicamente pudo adquirirse durante su último tour. Fidelidad eterna hacia estos señores.

no de los grupos más despiadados que haya podido dar Estados Unidos volvió a atacarnos con otro largo. Corona De Epidemia nos muestra a unos Morbosidad que, tantísimos años después y pese a los numerosos cambios de miembros, siguen en plena forma a la hora de despachar war metal clasicote. Y como siempre, lo peor es que se les entiende en más ocasiones de las deseables. Una nueva ofensa hacia Dios.

phis, uno de los grupos de death doom más grandes de los últimos años, publicó The Dismal Circle para demostrar que casi todos sus competidores siguen a varios kilómetros de distancia. Trágico, emotivo y terriblemente descorazonador, lo nuevo de los germanos te lleva con maestría por su particular vía crucis sin que sobre ni un minuto de sus extensos cortes. Con una discografía ejemplar, lo de esta gente sí es poderío.

padrinados por un ilustre como Fenriz de Darkthrone, vecino y concejal suyo en Kolbotn, Condor estaban destinados a servir al metal extremo más puerco y old school desde su misma génesis. Black thrash y nada más que black thrash encontrarás en su segundo disco, un dignísimo y acelerado elogio hacia Aura Noir, los Sodom del ‘Blasphemer’, Desaster y compañía. Deja que tu espíritu de metal maniac beodo tome el mando. ¡¡Aaarghh!!

on estas siete canciones, esta veterana banda de Belo Horizonte se encargó de demostrar que su legado y el de Sarcófago sigue bien vivo, aunque ellos nunca alcanzaran el culto de tan mítica formación brasileña. Ya saben, técnica, la justa, pero caos, todo el que quieran. Yo por si acaso no se lo comentaría… Llámenme loco, pero a un vocalista que se hace llamar Rodrigo Führer no le tocaría demasiado los cojones.

sta minúscula banda de Australia me dejó el culo torcido con su primer disco, Final Man. A decir verdad, este debut contiene todo lo que me gusta del death: velocidad desatada, una voz auténticamente atroz y partes lentotas tan viles que casi resultan bofetones. La producción es perfecta, fuera el puto chicle del metal extremo. Sin complicaciones ni trucos, sin chorradas que no vienen a cuento. Te vas a llevar un sorpresón.

inco largos años separaron su segundo álbum de este Sol Nox. Ofermod volvieron con lo mejor que saben hacer, black metal sueco veloz y de cuidados riffs afilados, dejando un buen sabor de boca a todos sus seguidores. Eso sí, dos décadas después, está bastante claro que nunca volverán a grabar algo tan jodidamente bueno como Mystérion Tés Anomias, aunque por supuesto eso no signifique que Sol Nox no contenga temazos.

eath Yell nunca habían publicado un álbum, así que las hordas suramericanas iban ya como locas por escuchar este Descent Into Hell. El legendario combo chileno, que desapareció durante 21 años e incluso publicó un split con Beherit en 1991, da aquí una verdadera lección de ese inconfundible estilo ochentero tan de su zona, ése que se mueve por esa difusa (y deliciosa) línea entre el death y el black. Que peta fiero y cabrón, vaya.

n Shadows Of Cleansing Iron serás arrojado a una celda de negrura impenetrable, y por mucho que solloces, nadie acudirá en tu auxilio. Vesicant, quienes debutan con esta tropelía, te anulan desde el inicio con una tormenta black death muy pero que muy inquietante, funesta y desalmada. Este dúo de Nueva Zelanda ha creado algo horripilante, 40 minutos de incesante pesadilla que hasta a Heidi le harían pensar en el suicidio.

i sobrevives al blast beat inicial, Ornias tiene preparado un crudo álbum para ti. Black metal sin aditivos ni edulcorantes creado por uno de los referentes más subterráneos del género maldito en Suecia, honesto y misantrópico a más no poder. Más de un cuarto de siglo de carrera da para mucho, y Svartsyn son de los que no titubean. Si te van combos como Watain, Ascension o Arckanum, ni te lo pienses.

kM de Antaeus se deja acompañar por colegas de The Order Of Apollyon, VI o Temple Of Baal para entregar otra obra sombría, disonante, virulenta y, como siempre, más death que lo que acostumbra a brindar con su banda madre. V: The Inside Scriptures es uno de esos álbumes que cuesta describir en pocas líneas, que te envuelve en su malicia y ya te atrapa hasta el final. Místico a su manera, nocivo en su totalidad.

esde su demo inicial, una década hemos tenido que esperar para degustar el primer álbum de Marthyrium, pero ha valido la pena. Black robusto y a piñón con Balc de Balmog al bajo, una mezcla de Javi Félez en Moontower Studios y, ojo, un master a cargo de Tore Stjerna en sus Necromorbus de Suecia. Temas como ‘Leviathan’ o ‘Abominations’ se salen. El black gallego nunca dejará de producir grandes piezas. Una obra para lucir músculo.

o contentos con publicar uno de los mejores trabajos del pasado año, Full Of Hell se aliaron con The Body para editar otra obra que, de nuevo, podría reinar en cualquier top de 2017. Esto no es un split, estamos ante la fusión de dos formaciones que tarde o temprano debían colisionar, la colaboración de dos grupos condenados a entenderse. Experimentación, noise, industrial, electrónica, grind… todo al servicio de un fin superior. Muy tocho.

talia no para de exportar grupazos de brutal death, y como Devangelic o Putridity, Antropofagus son otro escándalo de banda. Este Methods Of Resurrection Through Evisceration es otra demostración de la enorme calidad que atesora esa escena, un tercer álbum que, con su extrema potencia, puede vulnerar las leyes de la física. Ya que les citamos, tampoco os perdáis ese Phlegethon que sacaron Devangelic el pasado octubre.

ontando con una curiosa producción, muy de su Finlandia por otra parte, Tommi Grönqvist, ahora único miembro de Desecresy, nos tiró de bruces a un infecto lodazal con esta obra. Igual con la batería anda un poco más flojo, pero eso le da un toque aún más freak y tétrico al disco. Death putrefacto y seguidor de los 90 más mohosos, digno discípulo de Abhorrence o Funebre. Escucha ‘Excavation’ y aprende a hacer guturales de una vez.

s con Portals Into Futility que Usnea han logrado asomar la cabeza del todo en el mundillo del funeral doom, aplicándole además esa capa de blackened que tan bien les sienta. Entre lentitud absoluta y ambientaciones frágiles y de fatalidad, la riqueza de voces que presentan los estadounidenses es lo que realmente atrae en este luctuoso trabajo. Todavía no son Bell Witch, Mournful Congregation o Ahab, pero atentos a ellos.

mprescindible documento. Bunkur, la banda que hace música con lavadoras, se alía con Mordor para soltar dos temas para el recuerdo. Cabe decir que en ‘The Subhuman’ hallamos la vertiente más ‘humana’ del drone y doom de los holandeses, mientras que, en ‘In League With Wotan’, Mordor suenan como unos Summoning entre circenses y apocalípticos. Lo más divertido es que son versiones de Carnivore y Venom, no se lo pierdan… Vaya huevazos.

xquisitos Ván Records, exquisito Alexander von Meilenwald. The Ruins Of Beverast, su alucinante proyecto personal de doom y black atmosférico, por llamarlo de alguna forma, dio en el centro de la diana con Exuvia, una obra grandiosa la mires por donde la mires. Con este álbum, el culto hacia este exmiembro de Nagelfar se ha vuelto religión. Esotérico, hechizante y chamanístico. De verdad, necesitas este discazo.

e dejaron con la boca abierta en su gira con Blood Incantation, donde tocan parte de sus miembros, y aún más en casa cuando me puse la cinta de Eroded Corridors Of Unbeing que les pillé. Funesto death doom de alto nivel y una argucia secreta: una fantasmagórica guitarrita que se va prodigando por sus diversos cortes, produciéndote los consiguientes escalofríos. Este primer trabajo se merece todos los elogios que ha recibido.

i Endinghent de Altarage te voló la cabeza, prueba con Appaling Ascension de nuestros vecinos The Ominous Circle, pues les siguen de cerca. También orientados hacia ese death ultra rocambolesco y oscurísimo a lo Incantation o Portal, aunque bastante más blackers, aquí los lusos te someten a una intensa lluvia de maldiciones y desasosiego. Lo de los enmascarados empieza a ser una moda, pero musicalmente, ellos también son intachables.

s complicado resistirse a una banda como Under The Church, pues ellos juegan a la satisfacción inmediata. Formados por dos piezas clave de Nirvana 2002, lo suyo debía pasar a la fuerza por el puro y duro death metal sueco, pero el extra de diversión que le imprimen a sus temas es lo que realmente engancha del combo. Así, este segundo álbum resulta una cita obligada para cualquier fan de Master, Nihilist o Autopsy.

on semejante título y portada, lo mío con Weregoat fue amor a primera vista. Y el contenido musical no decepciona, claro, por no decir que es totalmente fiel a lo prometido. Guarrísimo y atropellado war metal desde Portland, Oregón, para que el macho cabrío nos la enchufe por la oreja a placer. En este debut en largo hay riffazos, en serio, y las voces rozan lo sublime. Despídete de tus cervicales, colega. Orgásmico.

FU MANCHU

PODER INFINITO

LOS VETERANOS DEL ROCK DESÉRTICO, A QUIENES DEFINIERON BRILLANTEMENTE COMO UN CRUCE ENTRE BLACK SABBATH Y BLACK FLAG, VUELVEN CON UN NUEVO DISCO, CLONE OF THE UNIVERSE , EN EL QUE CUENTAN CON UN INVITADO MUY ESPECIAL… TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

UAN DO UNO ESC UC HA UN NUE VO DISCO DE FU M ANC HU

tiene bastante claro lo que se va a encontrar: riffs rocosos, energía, algún arrebato punk y una base rítmica que avanza como una apisonadora. El cuarteto californiano liderado por Scott Hill desde finales de los 80, y que completan Brad Davis al bajo, Bob Balch a la guitarra y Scott Reeder a la batería, es toda una garantía tanto en disco como en directo, y quizá por una simple cuestión de tiempo cuentan ahora con un aura de banda añeja que compensa el que nunca disfrutaran de un gran éxito comercial. Pero a pesar de ser una banda totalmente asentada, su decimosegundo disco de estudio, Clone Of The Universe (At The Dojo), que se publicará el 9 de febrero, presenta un planteamiento novedoso. En formato vinilo, su primera cara está formada por seis temas con su estilo inconfundible, mientras que la segunda la ocupa un largo corte instrumental de 18 minutos que, además, cuenta con la colaboración de Alex Lifeson de Rush. Una propuesta distinta para una formación sin nada que demostrar. A principios de enero teníamos el placer de charlar con Scott Hill, quien nos prometió que a finales de verano probablemente nos peguen una visita. Le tomamos la palabra. ¿Es muy distinto cómo preparáis un disco ahora a como lo hacíais antes? SCOTT HILL “Nunca nos ha costado

encontrar nuevos riffs. Siempre hemos trabajado desde el principio de la misma manera. Vamos al local,

cada uno presenta lo que tiene, trabajamos en ello, lo guardamos… y vamos avanzando. Pero siempre he tenido riffs cuando vamos al local”.

mos todos juntos y lo último que hacemos son las voces”. El álbum se divide en dos partes bien diferenciadas. La primera

¿Nunca has pasado por una

son temas cortos y directos, y al

sequía creativa?

final llega la instrumental ‘Il

“La verdad es que no. Si tuviéramos que sacar un álbum cada mes es posible que llegara, pero no es el caso (risas). Sacar uno cada dos años no es problema. Toco la guitarra casi todos los días, así que si me sale un riff que me gusta, lo grabo y lo guardo para cuando lo necesitemos. Incluso ahora que el nuevo disco saldrá en unas semanas, ya me van saliendo nuevos riffs. Nunca he sufrido una sequía, pero quién sabe, siempre hay una primera vez (risas)”.

Mostro Atomico’ de 18 minutos,

¿Alguna vez te ha salido un riff y luego te has dado cuenta de que ya lo habías escrito antes?

“Es el pan nuestro de cada día, amigo (risas). Tocas algo y dices ‘mola mucho’. Lo llevas al local, lo tocas, y alguien siempre dice ‘pero si es igual que el tema tal’. Así que va directo a la basura (risas). Creo que éste es nuestro decimosegundo álbum, así que es normal que puedas repetirte inconscientemente”. ¿Y siempre grabáis de la misma manera o habéis ido cambiando

que es otra historia distinta. ¿Fue un desafío hacer un tema tan largo?

“Normalmente a nosotros nos gusta entrar y salir de la canción lo antes posible. No soy fan del rollo jam, la verdad. Teníamos como nueve o diez canciones que nos gustaban, pero nos seguían saliendo riffs que nos gustaban. Tenía el riff inicial de ‘Il Mostro Atomico’, que era así más lento, y pensé que teníamos que hacer algo. Así que propuse coger los mejores riffs que teníamos y juntarlos todos en una canción. Nunca lo habíamos hecho antes, y pensamos que molaría hacer que toda la segunda cara del vinilo fuera una canción larga. Así que juntamos como unos 15 riffs y fuimos ensamblándolos, cambiando de dirección en cada uno, metiendo algún break de batería. En realidad, fue más fácil de lo que pensaba. Sólo necesitamos un poco de tiempo para ver qué riffs encajaban mejor unos con otros. Al final llegamos a algo que nos dejó satisfechos”.

de técnica de disco a disco?

“Siempre, siempre somos los cuatro tocando juntos en la sala de grabación. Tocamos en directo y luego hacemos añadidos y las voces. Lo más importante es tener una buena toma de batería. Si hay alguna cagada mía con la guitarra, se puede arreglar, pero la batería tiene que estar perfecta. Pero siempre graba-

Y encima lograsteis que Alex Lifeson de Rush hiciera un solo en la canción... Dime, ¿cómo lo conseguisteis?

“Eso fue una locura. Nuestro mánager conoce a su mánager y le preguntó qué estábamos haciendo y le contó que estábamos grabando y no sé exactamente cómo fue, pero nues101

“AMO QUE LAS BANDAS ENTREN EN LA CANCIÓN Y SALGAN. NUNCA ME GUSTÓ EL ROLLO CON MÁS DESARROLLOS. ASÍ QUE ESA ACTITUD PUNK ROCK SE TRASLADÓ A FU MANCHU” SCOTT HILL

tro mánager le dijo que teníamos un tema de 18 minutos y si a Alex le apetecería tocar en él. El caso es que se lo comentó y dijo que le mandáramos la versión en bruto que tuviéramos para que la escuchase. 102

Nuestro mánager flipó y nosotros pensábamos que era una broma (risas). Así que grabamos el tema en un cuatro pistas y nos dijo que qué queríamos que hiciese. Y claro, le dijimos ‘tío, haz lo que te dé la

gana’. Así que grabamos el tema definitivo en el estudio y se lo mandamos. Escogimos una sección determinada para que pusiera su guitarra, la mandó y lo mezclamos. Estuvimos alucinando durante todo el proceso”.

¿No os conocéis en persona, entonces?

“No, no. Nunca le he conocido. Simplemente somos fans de Rush. No nos lo podíamos creer cuando aceptó colaborar”.

que sigo escuchando todo el día. Como te decía, amo que las bandas entren en la canción y salgan. Nunca me gustó el rollo con más desarrollos. Así que esa actitud punk rock se trasladó a Fu Manchu”.

tocando esos temas en la segunda que en la primera.

“Quizá, puede ser (risas). Quizá nos cogiste en una mala noche la primera vez, no sé”. La verdad es que en general te

¿Del resto de temas tienes al-

¿Pero cómo acabaste haciendo

veo disfrutando más estando en

gún favorito? A mí me gusta

música más pesada, con más

Fu Manchu ahora. No sé si es

mucho ‘Intelligent Worship’.

groove?

porque os habéis quitado la

“La verdad es que teníamos como once canciones que nos gustaban mucho, pero queríamos escoger unas cinco o seis para la primera cara del disco. Al final escogimos las que nos veíamos tocando en directo cada noche. En todos los trabajos siempre hay algún tema que metes y que luego nunca tocas, pero en este caso queríamos poder tocarlas todas. Así que me gustaban muchísimo todas. Son temas muy divertidos. Por ahora sólo hemos tocado ‘Clone Of The Universe’, pero estamos ensayando el resto. La idea es tocarlas todas en la gira”.

“Simplemente escuchando los viejos discos de Blue Cheer y Deep Purple. A finales de los 80 escuchaba a Melvins, Soundgarden, Laughing Hyenas... Para mí somos una banda de hardcore punk lenta”.

presión o lo que sea.

¿Y vais a tocar ‘Il Mostro Atomico’ o no?

“Ya veremos... Igual la gente se aburre si la tocamos. Espero que guste porque tiene distintas partes, pero ya veremos. En algún momento la tocaremos y veremos”. Antes decías que no eres fan de las jams, pero mucha gente asocia el stoner rock a eso. ¿Crees que es debido a tus raíces punk?

“Desde luego. Yo crecí a mediados de los 80 escuchando sólo punk rock. Mi banda favorita es Black Flag. Amo a Minor Threat, Circle Jerks, Negative Approach… es lo

En los últimos años habéis estado haciendo giras de aniversario de algunos de vuestros discos. ¿Te divierte tocar álbumes

“Simplemente disfrutamos mucho tocando en directo. Eso es lo que más nos gusta. Cuando empezamos el grupo en 1990 lo único que queríamos era ensayar. Ensayábamos muchas horas. Muchas más de lo que tocábamos en directo, pero lo pasábamos genial. Ahora encima nos pagan por ello, ¿cómo no vamos a estar motivados? (Risas)”.

enteros?

“Sí, es divertido. No lo habíamos hecho nunca hasta que hicimos la gira de aniversario de In Search Of…. Nunca había pensado en hacerlo, pero nuestro viejo sello nos dio permiso para reeditar nuestros viejos discos y nuestro mánager tuvo la idea de que cada vez que saliera una reedición, hiciéramos una gira tocándolo entero. Algunas canciones nunca las habíamos tocado en directo, así que es como si fueran nuevas. También es verdad que al cabo de un mes te apetecería poder cambiar un poco el repertorio, pero normalmente tocamos el álbum entero y luego variamos el resto. Me gusta hacerlo”.

Tanto el disco anterior, Gigan-

toid, como éste, los publicáis con vuestro propio sello At The Dojo. ¿Disfrutas también de estar involucrado en esa parte del negocio?

“Sí, me gusta. Antes habíamos hecho dos discos para Century Media y la verdad es que se portaron muy bien. Pero terminado el contrato pensamos que igual merecía la pena intentarlo por nuestra cuenta. Y la verdad es que es divertido hacerlo nosotros, cerrar la distribución, supervisar la fabricación… Es muy gratificante sacar el disco, ir los cuatro a correos… no me importaría haberlo hecho antes”.

Os vi en la gira original de King

Of The Road y luego en la de aniversario, y lo cierto es que casi parecíais más motivados 103

TALCO

HUMILDES

GANADORES

SIEMPRE CRÍTICOS CON EL MUNDO QUE LES RODEA, LOS ITALIANOS TALCO HAN CAMBIADO UN POCO LA DIANA EN SU NUEVO DISCO AND THE WINNER ISN’T. AHORA, ADEMÁS DE ATACAR A LOS POLÍTICOS, TAMBIÉN QUIEREN QUE TÚ TE RESPONSABILICES DE TUS ACCIONES. TEXTO: MARC LÓPEZ FOTOS: DR

AY UNA GUERRA DE CL ASES Y L A ESTAMOS GANANDO LOS RICOS” . Esta frase del

magnate norteamericano Warren Buffett podría resumir el espíritu que encontramos en And The Winner Isn’t (Punkchanka), el nuevo álbum de Talco que verá la luz el 23 de febrero. Puede que haya fuerzas económicas que nos superan y hagan muy difícil revertir la situación, pero al mismo tiempo, hay otras actitudes individuales que sólo dependen de uno mismo y que también contribuyen a este clima. Todos somos culpables de ellos. Todos hemos caído en algún momento en la vanidad que promueven las redes sociales, en pintar nuestra vida mejor de lo que seguramente es. La banda de Marghera, en la periferia de Venecia, ha querido poner la lupa en estos aspectos en estas 13 nuevas canciones en las que también han querido recuperar un poco sonoridades más punk. En uno de los pocos momentos de calma antes de iniciar otra nueva gira, pillamos a Dema, su vocalista y guitarra, para charlar sobre su nueva obra.

que es el concepto que tenemos del hombre. En este momento tenemos un pensamiento muy pesimista a causa de la tecnología y cómo la utilizan las personas. And The Winner Isn’t viene porque estamos en un periodo en que la gente intenta siempre ganar popularidad, es muy individualista, muy egoísta, y los medios de información y las redes sociales están siempre apretando. La gente se cree ganadora, pero no se da cuenta de lo que pasa en el mundo”. Te iba a decir que en otros discos parecía que la crítica iba dirigida más a la política, y en éste va más dirigida a las personas.

“Es verdad, es verdad. Pero también hay algo de político en eso. Es la gente la que hace la política. Y ahora, la política también es la búsqueda de la popularidad, del individualismo y la falta de cultura y participación. Es una forma de política no política. Es verdad que el disco habla más de las personas y lo social, pero también veo mucho de política. Ahora la política se hace también en las redes sociales”. Vosotros habíais sido muy críti-

¿Cómo se te ocurrió la frase

cos con Berlusconi. ¿Ves parale-

para el título? ¿Sientes que es-

lismos con Donald Trump?

tamos perdiendo?

“Sí, son muy parecidos. Ese sentido de ignorancia y falta de cultura ha salido también en América. Creo que es una mentalidad muy parecida. Yo no me lo esperaba de los americanos. Nunca

DEMA “Es una consecuencia de

los dos años que han pasado desde Silent Town. Hay una diferencia muy marcada con los discos viejos

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hubiera imaginado ver un Berlusconi de presidente en Estados Unidos. Las dos son personas ricas, un poco oscuras, con un gran poder mediático y económico que les permite comprar a las personas. La situación en Estados Unidos es muy peligrosa”. Sin embargo, musicalmente el álbum conserva el espíritu festi-

punk, tu manera de cantar se

va música o te resulta sencillo?

acerca más al folk italiano y la

“Con la gira de Silent Town fue un poco más difícil porque el primer año dimos 110 conciertos, y esto significaba no estar en casa dos de cada tres días. No tenía mucho tiempo libre. Aunque saquemos un álbum cada dos o tres años, siempre hay un montón de ideas. Llevo el ordenador conmigo y voy grabando, y luego cuando estoy en casa más tranquilo, lo voy desarrollando. Esta vez quizá hemos tenido menos tiempo, pero creo que no nos afecta a la hora de hacer canciones. Al final nuestra vida es Talco. El tiempo libre también es Talco (risas)”.

canción protesta.

“Sí, me gusta mucho unir esas dos cosas. En And The Winner Isn’t queda muy claro. Las melodías son siempre las del folk y la base es más punk. Creo que la combinación es lo que es Talco. En este disco se nota mucho más aún”.

vo de Talco.

“Sí. En cada obra hay una continuidad a la vez que intentamos ofrecer algo más. En éste quería evidenciar más la base punk del grupo. Muchas veces nos preguntan qué género es Talco y mucha gente ve la sección de vientos y dice ‘joder, éstos son trompeteros, son viñarockeros’ (Risas). Pero nosotros somos un poco de todo. Podemos tocar igual en un festival como el Viña Rock como en uno de punk rock. La influencia del punk californiano se escucha mucho en este álbum”.

También se nota que hacéis música pensando en el directo.

“Sí, eso seguro. Nosotros siempre nos hemos visto como una banda de directo. Haciendo un estilo de músico tan festivo, nuestra base es tocar en vivo. Ahora que hemos hecho este disco me doy cuenta de que hemos llegado al nivel para poder grabar en directo. Estoy muy orgulloso de eso”. Sois una banda que gira mucho. ¿Te cuesta cada vez más encontrar momentos de paz o tranqui-

A pesar de la influencia del

106

lidad para poder componer nue-

¿Y a nivel personal no te estresa este ritmo tan alto?

“La mayoría de las veces sí (risas). A veces caigo en el estrés y echo de menos una vida más normal, y poder salir un sábado noche con mis amigos. Pero esto es lo que siempre había soñado hacer. Ahora que lo tengo, es un estrés que se puede soportar (risas).

“NUNCA HUBIERA IMAGINADO VER UN BERLUSCONI DE PRESIDENTE EN ESTADOS UNIDOS. LAS DOS SON PERSONAS RICAS, UN POCO OSCURAS, CON UN GRAN PODER MEDIÁTICO Y ECONÓMICO QUE LES PERMITE COMPRAR A LAS PERSONAS”

DEMA

Hay otros problemas en la vida de los que lamentarse”.

cionar las cosas entre todos. Vivimos muy bien”.

Seguro. ¿Y para el resto de

En España os habéis consolidado

miembros es fácil llevarlo?

y ya podéis tocar en salas gran-

“Yo creo que sí. Desde el momento en el que decidimos centrarnos en Talco todos hemos colaborado para que fuera lo menos pesado posible. Somos seis cabezas y cada una puede pensar cosas distintas, pero intentamos solu-

des y llenarlas. ¿Te ha sorprendido lo que habéis conseguido en

vida. Antes ya habíamos tocado en Viña Rock y salas bastante grandes, pero a raíz de ir con él hemos trabajado mucho más. Siempre con humildad, pero con más ambición. De todos modos, yo no esperaba subir de esta manera en la Península”.

unos pocos años?

“Muchísimo, la verdad. Una gran decisión fue coger a David de HFMN como mánager. Nos ha cambiado la

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EL CONCIERTO DEL MES BY:

PARAMORE 7 DE ENERO DE 2018 SANT JORDI CLUB, BARCELONA TEXTO: BERTA SÁNCHEZ FOTOS: NADIA NATARIO

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MEWITHOUTYOU

ue Paramore son los reyes de los estribillos potentes y pegadizos ya lo sabíamos, pero lo del pasado domingo 7 de enero en el Sant Jordi Club tiene otro nombre. Han vuelto, y a lo grande, con la gira de su quinto álbum After Laughter después de cuatro años parados. Los de Tennessee no nos visitaban desde 2011, cuando sólo pisaron Madrid, y esta vez lo hacían sólo en Barcelona, ciudad donde actuaban por primera vez. La larga espera tenía un punto de compensación con la presencia de MeWithoutYou, uno de los grupos preferidos de Hayley Williams. Comenzaron con su emo rock cristiano y los hermanos Weiss a la cabeza. Melodías muy potentes que les sitúan donde pocas bandas pueden estar: entre el post hardcore y el folk. Recordando a ratos a Glassjaw y otros a Interpol o Fleet Foxes. Tocaron unos 40 minutos repasando su último álbum Pale Horses y algunos temas antiguos. Como pasa con todas las bandas de post rock, la originalidad y complejidad de los discos se

pierden en el directo y a veces parecías estar escuchando una sola canción muy larga. No es que Paramore se hayan vuelto poperos de un día para otro, es que siempre lo han sido. Tonos pastel y melodías coloristas para explicar la depresión y ansiedad de Hayley que, en directo y con hasta ocho músicos de acompañamiento, compensan el gris de sus letras. Crecer no ha sido fácil para ellos ni para sus fans, que han visto pasar a incontables músicos, sufriendo parones y problemas internos. Nada que ver con lo que vimos sobre el escenario. Vimos a una banda cohesionada, unos fans (que ya son legión) entregados y un despliegue sorprendente. Si el After Laughter era ‘fuera rock y dentro sintetizadores’, dejaron claro que éste aún existe en sus directos y que sus raíces son las que son. Empezaron muy fuerte con su último hit ‘Hard Times’ que enloqueció a la sala, dando paso de inmediato a ‘Ignorance’, uno de sus himnos. En total 17 temas, lo mejor de cada casa. Energía y baile acompañado

de guitarras rockeras. Melodías nada simples y sonidos que recuerdan vagamente a Blondie o a Cindy Lauper en algunos momentos. Vimos a una Hayley entregadísima con el público y con la banda, que no paró de bailar y saltar dejándose la voz en el escenario, especialmente para presentar la vuelta de Zack Farro como batería. Alternando temas nuevos con clásicos, los fans respondieron a las canciones y bailaron las más pegadizas. Sonaron genial y el Sant Jordi Club se llenó de felicidad. Así se fueron sucediendo los temas de sus dos últimos trabajos: ‘Pool’, ‘Hate To See Your Heart Break’ (una de las favoritas del público), ‘Caught In The Middle’, ‘Fake Happy’… sin olvidar el décimo cumpleaños del Riot! y dejando ‘Misery Business’ para el final, donde les acompañó una fan en el escenario llegando así al momento más emocionante del concierto. Podría decirse que Paramore nos han enseñado en esta visita que también se puede contar algo oscuro con un sonido luminoso que nos haga bailar sin parar. 109

WHILE SHE SLEEPS 18 DE ENERO DE 2018 RAZZMATAZZ 2, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ERIC ALTIMIS

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ROLO TOMASSI

n apenas año y medio, While She Sleeps han conseguido pasar de actuar en la antigua La [2] de Apolo a la sala Razzmatazz 2, con más del doble de capacidad. Y si bien no consiguieron llenarla, es un buen indicativo de la ascendente progresión del grupo de Sheffield. Puede que el metalcore esté estancado, pero esta banda demuestra que, más allá de estilos, lo más importante es la actitud. Abriendo la velada estaban los madrileños Against The Waves, una banda que sigue creciendo, con una ejecución impecable de breakdowns y solos de guitarra, pero que quizá debería atreverse a abrir su fórmula y sacarle aún más partido a los recursos electrónicos o buscar otros de nuevos. Temas como ‘I’ve Seen Brighter Days’ o ‘Lost In The Fire’ hicieron mover la pista, con lo que cumplieron la misión que se les había encomendado. Debe resultar un poco frustrante para Rolo Tomassi no haber conseguido llegar a cultivar un público mayor y tener que seguir actuando como teloneros a las puertas de la

publicación de su quinto disco Time Will Die And Love Will Bury It. Cierto es que su música no es la más fácil del mundo y al menos durante los primeros compases, pocos parecían familiarizados con su mathcore experimental, pero poco a poco el carisma y la expresividad corporal de Eva Spence fue generando una mejor respuesta. Si bien en directo apuestan por la faceta más agresiva de temas como ‘Rituals’ o ‘Funereal’, es en los momentos de calma (la trip hopera ‘Stage Knives’) donde se aprecia la calidad vocal de la cantante, capaz de pasar del grito a dibujar melodías ensoñadoras con total naturalidad y de unos músicos que, además de metal o hardcore, pueden incorporar hasta arreglos de jazz. Seguro que más de uno se los apuntó en la lista de deberes para cuando llegara a casa. En el caso de While She Sleeps, la gente venía con la lección aprendida. Abrieron con ‘You Are We’ y ‘Civil Isolation’, ambas de su último trabajo, provocando que el pit entrara en plena ebullición. Desde el primer momento se apreció que la voz de

‘Loz’ Taylor estaba algo castigada, pero la verdad es que la aguantó como un campeón hasta el final sin que llegara a ser un problema. Con el tercer tema ‘Seven Hills’, uno de sus más populares, ya se desató la locura, y a continuación, en ‘Brainwashed’, se formó un enorme circle pit. Es evidente que aparte del gancho que tienen sus himnos, uno de sus secretos es su naturalidad para conectar con la gente. Y por eso, cuando subieron a dos chicos del público para tocar las guitarras en ‘This Is The Six’ casi entera, apenas se apreciaba quién era fan y quién era músico. Fue la manera perfecta de demostrar que su discurso sobre la pasión y el amor por la música y la unidad entre la gente no eran simples palabras para quedar bien. Después de una feroz y muy coreada ‘Four Walls’ cayó ‘Silence Speaks’ (pedir que apareciera Oli de Bring Me The Horizon como en el disco hubiera sido demasiado), y finalmente ‘Hurricane’, con el vocalista y un guitarra tirándose sobre el público. Sin humo, petardos, ni parafernalia también se puede ofrecer un gran show. 111

ARCH ENEMY 19 DE ENERO DE 2018 RAZZMATAZZ, BARCELONA

TEXTO: ALBA RODRIGO FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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TRIBULATION

WINTERSUN

no de los primeros conciertos del año traía consigo un cartel variopinto, encabezado por el death metal melódico de Arch Enemy junto a los rasgos folk de Wintersun, el black metal de Tribulation y el metalcore de Jinjer. La sala Razzmatazz a reventar fue una clara muestra de que la banda de Michael Amott ha afianzado su posición con su ‘death metal de masas’ tras más de veinte años de carrera, en la línea de sus paisanos Amon Amarth. El Route Resurrection empezó temprano con Jinjer. Pese a su corta intervención, los ucranianos fueron a tiro fijo para lucirse entre quienes apenas los conocíamos. Personalmente no comulgo mucho con su estilo, pero consiguieron sorprenderme con sus pasajes más djent y progresivos. Su expresiva líder Tatiana Shmailyuk exhibió un dominio deslumbrante de su registro vocal, especialmente en gutural. El relevo lo tomó Tribulation, la propuesta que menos encajaba pero,

sin duda, uno de los grandes reclamos del cartel. Con su recién estrenado Down Below, el cuarteto nos presentó algunas nuevas composiciones como ‘Lady Death’, ‘The Lament’ y ‘The World’. Temas que sonaron mucho más rockanroleros y con los que el público pareció conectar. Su actuación fue de notable, especialmente en los momentos en que se lucían las guitarras de Adam Zaars y el excéntrico Jonathan Hultén. Sin embargo, no me pareció el mejor setlist escogido, ya que se quedaron cortos a la hora de dar rienda suelta a sus sonidos más oscuros. Cambio de tercio para recibir a toda una eminencia del folk metal como es el carismático Jari Mäenpää. Desafortunadamente, minutos antes nos comunicaron que el bajista Jukka Koskinen se encontraba enfermo y no podría tocar. Es difícil valorar hasta qué punto influyó este contratiempo, ya que Wintersun sufrió el peor sonido de toda la noche y en ocasiones ni siquiera se escuchaban todos los instrumentos.

Pero eso no impidió volver a la adolescencia con canciones épicas como ‘Winter Madness’. De piedra nos dejó Jari sin verlo tocar ni una vez la guitarra y cuando, tras la extensa ‘Time’, dio por finiquitada su actuación. ¿Se irán sin tocar ‘Beyond The Dark Sun’? Así fue. Finalmente Arch Enemy ocuparon el escenario para presentar su último disco, Will To Power, el cual de momento ha pasado sin pena ni gloria. Es por ello que su setlist, basado principalmente en sus dos últimos trabajos, resultó algo monótono y aburrido. ¿Dieron un mal concierto? En absoluto. Sonaron bien, demostraron mucha profesionalidad y se desenvolvieron cómodamente por el escenario. Alissa White-Gluz resulta un buen engranaje, dando un chute de energía de principio a fin. ¿Aportaron algo especial? Lo cierto es que me dejaron bastante fría, exceptuando los clásicos como ‘Nemesis’ o ‘We Will Rise’. Quizás ése sea el precio a pagar para poder prosperar. 113

WOLF ALICE

4 DE ENERO DE 2018 LA RIVIERA, MADRID TEXTO: RO SÁNCHEZ FOTOS: ERIC ALTIMIS (BARCELONA)

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e tales discos, aquellos conciertos. Y con Wolf Alice ocurre exactamente lo mismo. Si Visions Of A Life es un viaje que recorre influencias de los 80, el directo es su proyección continuista. Los temas de My Love Is Cool pasaron por el filtro oscuro de este segundo álbum para acortar distancias entre las luces de uno y las sombras del otro. Y Ellie Rowsell ha pasado de niña perdida de los 90 con su debut a una mujer que parece haberse tragado el carácter de Kim Gordon de los Sonic Youth y el encanto de Debbie Harry mientras veía actuaciones de The Runaways con Cherie Currie. O eso es lo que pretendía ser. Rowsell se quedó retraída frente al micrófono y rodeada por la oscuridad de La Riviera, dejando a unos Wolf Alice desprovistos del nervio y coraje que les caracteriza al principio del concierto. ‘Heavenward’ sonó tan delicada como debía y creó esa atmósfera etérea que aspiraba a ser reventada por la punzante ‘Yuk

Foo’, pero esto nunca llegó a ocurrir del todo. Una tercera ‘You’re A Germ’ pasó con una interpretación mecánica, con la misma mirada lunática y risa maléfica de cada una de las veces. Y tuvimos que llegar a ‘Your Loves Whore’ para recuperar a una Ellie conectada con lo que canta y toca. No suele ser así, pero aquella noche pareció encontrarse más en el post rock volátil que en las canciones más potentes y ruidosas de la banda. Algunas como ‘Don’t Delete The Kisses’, ‘Bros’ y ‘Beautifully Unconventional’ estuvieron a la altura, pero los bises de ‘Blush’ y ‘Giant Peach’ no consiguieron elevar el cierre a la culminación que tenía que ser. La belleza y razón de ser de Wolf Alice reside en las múltiples personalidades de la cantante, en los cambios de registro y en la facilidad con la que entra en el personaje de cada tema, que lo mismo puede dolerse de amor que de tristeza, rabia o venganza. Si los sentimientos dejan de ser evidentes y el contraste entre los

momentos más sosegados y agresivos no está presente, la banda pasa de lo extraordinario a la mediocridad. Algo que nunca han sido y que sus dos trabajos no se pueden permitir en vivo. Pero el grupo no sólo es Ellie Rowsell. Al quite estuvieron Theo Ellis, que se creció y siguió tocando después de que la correa de su bajo se desprendiera a mitad de tema, y Joff Oddie, quien se aventuró a hacer malabares con la guitarra. Aun así, no vimos lo que la banda acostumbra a ser en potencia y solidez. Sin querer señalar una razón en concreto, me parece un apunte importante que éste fuera el primer concierto tras el parón del mes de diciembre. Después de esto, quizás esperas que te recomiende evitarles en sus próximas paradas en festivales de este verano, pero todo lo contrario. Ahora ya sabemos todo lo que el directo puede llegar a ser. Una vez vistas las orejas al lobo, intentaremos ser mordidos. 115

DEAD CONGREGATION

CATALONIA EXTREME WINTER 19 Y 20 DE ENERO DE 2018 SALA UPLOAD, BARCELONA TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: EDUARD TUSET

ALTARAGE

l Catalonia Extreme Winter de 2018 superó en todo al del año pasado. Creciendo a la par que su promotora, Chroma Nation, el evento se ha profesionalizado hasta dar con la fórmula perfecta de organización, dos cómodos días con sólo cuatro bandas cada uno, horarios muy razonables y un cartel tan selecto como los tours que últimamente nos traen. Contra todo pronóstico, Barcelona se ha convertido en un bastión del metal extremo, y si las formaciones ofrecen ese ‘algo más’, la gente responde con entusiasmo tanto si la oferta es nacional como internacional. Sobra decir que disfrutamos de una doble jornada de total camaradería, porque en la sala Upload estábamos todos. VIERNES 19 El pistoletazo de salida del festival significó también el debut en directo de Necroracle. Con sólo un muy

reciente EP en su haber, desplegaron una propuesta de trabajada imagen ocultista que se mueve entre el black y el death. A poco que se curtan algo más, esta banda nos dará alegrías. Lo de Sheidim ya fueron palabras mayores. Moviéndose entre una impenetrable muralla de humo, el grupo derrochó actitud y nos hizo vibrar con un sonido perfecto para su black metal. A.K. dio el callo como frontman y un guitarrista como C.S. es toda una garantía de pelotas sobre el escenario. Si los barceloneses son una pedazo de banda en estudio, ahora están demostrando que también lo son en vivo. Lo más parecido a Watain que tenemos por aquí. Es fuerte dado su calibre, pero Graveyard son un poquito mejores cada vez que les veo. En esta edición del Catalonia tuvieron algún desbarajuste puntual, pero coño, ¿acaso no habíamos venido a desparramar, acaso eso no forma

parte de su idiosincrasia? Petando con el grumo y la hostia necesaria, volvieron a pasear ese empaque que los ha situado un paso por delante de casi toda la escena. Encima, poco tiene que ver ya el Fiar cantante de Foscor con el Fiar cantante de los death metaleros, porque ahora sí, al menos sobre las tablas, se le ve tan macarra y borrachuzo como el resto de sus compañeros. Gran concierto sin altibajos. Algo me he perdido con Dead Congregation. Yo los recordaba como unos fieles acólitos de Incantation, oscuros y de chorro casi Funebrarum, y sí, por muy disparado que vaya Promulgation Of The Fall, en términos de sonido, ese álbum me sigue recordando a eso. Lo que nos encontramos en la sala Upload fue muy diferente, pero joder, no seré yo el que le ponga pegas a tamaño bolazo. Nítidos, quizá excesivamente pulcros, los griegos nos aplastaron con una 117

THE RUINS OF BEVERAST

tormenta que casi parecía obra de Nile. Y qué cuellos gastan, la virgen… Esta peña tiene que tener las cervicales de titanio, porque se dejaron la vida en el show. Una masacre. SÁBADO 20 A priori, el menú deparado para el segundo día también prometía, pero luego la cosa no fue tan lucida como en la jornada inaugural. Con una puesta en escena gélida, Atrexial gozaron de un buen número de público, pero las resacas hacen mella y durante su bolo la sala aún no estaba llena del todo. Souverain ha dado que hablar y los catalanes le dieron perfecta réplica en la Upload. Igual estaban un pelín demasiado fuertes, pero eso ayudó a que su blackened death nos pasara por encima. Por fin con un álbum bajo el brazo, Marthyrium desplegaron en 118

Barcelona un black mucho más crudo y clásico que el que hallamos en él. Balc lo dio todo al bajo para dejarnos con un buen sabor de boca, y es que los gallegos demostraron ser una banda muy a tener en cuenta. A cada nuevo bolo, los chinos de al lado de Montjuïc se frotaban las manos… ¡Menudo dispendio en velas! Me duele en el alma decirlo, pero para mí Altarage fueron una decepción. Sonorizarlos con las prisas en un festival tiene que ser un infierno, pero las cosas son como son y durante gran parte de su show el sonido fue deficiente. Primero el bajo se lo comía todo, luego la batería… Además, no consiguieron plasmarnos el holocausto musical que significan sus discos, y para cuando se equilibraron y empezaron a petar de lujo… Pum, se fueron. Coitus interruptus.

Trasladar al directo un álbum como Exuvia no debe ser tarea fácil, pero The Ruins Of Beverast dejaron claro que iban a salirse con la suya empezando directamente con los más de 15 minutazos del tema que le da nombre. Igual no eran la banda más indicada para cerrar, pero quien estuviera familiarizado con su mantra lo gozó de lo lindo. Un acierto tener en el line-up un músico encargado de teclados y sintes, porque algunos empezamos a estar hasta el gorro de tanto grupo vago tirando líneas por mesa. Estaban muy fuera de tiempo y una vez terminado su excelente ritual no les dejaron ni despedirse, pero ese gesto un poco feo no empañó un festival que empieza a exhibir una salud de hierro, viviendo por fin esa edición que lo consolidará para los próximos años.

SEPTICFLESH 17 DE ENERO DE 2018 RAZZMATAZZ 2, BARCELONA

TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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ODIOUS

ra una semana complicada. En el caso de Septicflesh, estaba claro que el pulso del metal extremo de la factoría Disney lo iban a ganar Arch Enemy, y en el de Inquisition, que los verdaderos creyentes se iban a reservar para el suculento Catalonia Extreme Winter. De esta forma, cuando los egipcios Odious empezaron su show, la sala presentaba un aspecto de lo más desangelado. De inicio me parecieron exageradamente amateurs, pero claro, siendo una banda en activo desde el 98, algo de tablas deberían de haber ganado ya… Así que simplemente eran malos y punto. Además, lanzar tanta pista desde la mesa tampoco les ayudó a ganar credibilidad. Está muy bien pagarse un slot, pero al menos asegúrate de cumplir con un mínimo exigible. Con los primeros compases de Inquisition ya percibí una gran noticia: Dagon ha recuperado su registro ranil, esa voz que lleva obsesionándome desde hace años,

INQUISITION

y es que tras su apuesta por los graves de su último álbum y en su anterior visita a La [2] de Apolo, servidor ya andaba con la mosca tras la oreja. La intro de su trabajo más reciente dio paso a ‘From Chaos They Came’, y de ahí a otra lección del dúo americano. Es increíble el sonidazo que consiguen y cómo logran llenar el escenario con su terror cósmico. Asimismo, con esa velocidad adquirida con los años, no se puede negar que ahora son toda una apisonadora. ‘Hymn For A Dead Star’, ‘Command Of The Dark Crown’, la superlativa ‘Desolate Funeral Chant’… Así hasta la tremenda ‘A Magnificent Crypt Of Stars’, y es que hay que ver cuánto les gustan Immortal. Sin ser la mejor descarga que les he visto, otro bolo intachable de una de las mejores bandas de black metal de la historia. Cada vez que veo a Septicflesh tengo la sensación de que vamos en direcciones opuestas. Desde su obra cumbre de 2008, su fallido

intento de emularla ha entregado diversos episodios hasta llegar a Codex Omega, una anodina y previsible reiteración de todos sus trucos y clichés. Y en directo la cosa no mejora demasiado. Claro, si tienes un técnico en modo Dios que te enchufa a cada momento la jodida Orquestra Filarmónica de Viena junto al puto Coro del Ejército Rojo, cualquiera puede petar como los ángeles. Pero fíjense en esos riffs… De tan básicos casi parecen de Rammstein, y cuando Spiros Antoniou aparca el bajo para cantar, sospechosamente, su sonido no se resiente ni un ápice. Y por supuesto que ‘The Vampire From Nazareth’, ‘Martyr’, ‘Pyramid God’, ‘Communion’ o ‘Anubis’ son disfrutables, pero sinceramente, tanta demanda hacia el público me hizo ver que este combo ya no va conmigo y que tampoco estoy dispuesto a tragar con tanto cartón piedra. Sólo han pasado diez años, pero ay… qué lejos queda Communion. 121

VENOM

EINDHOVEN METAL MEETING 15 Y 16 DE DICIEMBRE DE 2017 EFFENAAR, EINDHOVEN (HOLANDA) TEXTO Y FOTOS: EDUARD TUSET

BLASPHEMY

arece mentira, pero ya ha pasado otra edición de uno de los mejores festivales indoor de Europa de invierno. Esta vez hubo una baja importante en el cartel ya que los legendarios amos del death doom británico My Dying Bride tuvieron que cancelar toda su gira europea fecha a fecha debido a una importante enfermedad en la familia de Aaron Stainthorpe. Desde aquí les deseamos lo mejor y la pronta recuperación. Los chicos del Metal Meeting optaron entonces por buscar un candidato acorde y lo encontraron en Dark Tranquillity, que acompañarían a Venom como cabezas de cartel del festival. VIERNES 15 El viernes empezó algo tarde con eso de los reencuentros, comidas y búsqueda de acreditación, pero directamente fui al Large Stage a conocer a los black metaleros finlandeses Baptism, que la noche

anterior habían hecho una set más old school en la sala Dynamo a modo de pre-show. Al entrar ya vimos que la tónica del rojo infernal sería algo latente en todo el festival debido a la cantidad de bandas extremas y cercanas al black que había. Baptism sonaban atronadores, y los que iban llegando a la sala se quedaban para ver cómo tocaban temas de su último disco como ‘Devil’s Fire’, y como siempre, siendo los de las primeras filas los más apasionados. Y es que algunos habituales de cada año ya estaban ahí dándolo todo con el grupo. El día empezaba bien, pero se ponía mejor, ya que Pentacle subían al escenario. Ellos son una de las bandas holandesas más míticas del death metal. Ni recuerdo la última vez que tuve la suerte de verlos en directo, ya que por aquí ni me acuerdo de si han venido en estos últimos veinte años. El cantante Wannes Gubbels es la definición de lo que ha de ser un frontman en una banda de death metal, y Pentacle y

los chicos son el ejemplo de lo que toda banda debería ser. Chaleco tejano, tachuelas, sudor y buenos temas sonando uno tras otro, ya fuera ese inicio trepidante del disco Under The Black Cross llamado ‘Into The Fiery Jaws’ o bien con clásicos para el público como ‘Schytes’ o ‘...Rides The Moonstorm’. En la sala pequeña tocaban Endezzma, unos desconocidos para un servidor, pero una vez vistos en directo reconoces al guitarra Mattis Malphas, el cual es también guitarra en Carpathian Forest, quienes tocaban más tarde... o eso intentaron. Endezzma lo hicieron bien el rato que los vi, con el vocalista Morten Sax entregado bajo su túnica a los fan blackers de la barrera. Poco más a decir de ellos, ya que subí para ver por primera vez a Disharmonic Orchestra en directo. ¡Y qué primera vez! El trío austríaco práctica un death metal con tintes progresivos, pero de la vieja escuela, que no se va ni se pierde, sino que tiene 123

CARPATHIAN FOREST

constancia en los temas y se recrudece en el directo con el batería Martin Messner situado en el lateral derecho del escenario y enfrentado a Patrick Klopf y Hoimar Wotawa, los otros dos miembros de la banda. Empezaron con ‘Life Disintegrating’ de su primer disco de ya 1990, Expositionsprophylaxe, y sólo con eso ya sabíamos que sería uno de los conciertos sorpresa del festival, pues la actitud de todos ellos, en especial la de Patrick, puño en alto y haciendo mover la cabeza a todo el público, se contagió durante todo el concierto con clásicos o incluso temas de su último Fear Of Angst. Pausa de pocos segundos y repetimos otra vez con los de Ross Bay Cult. Blapshemy son una de las bandas que más llevo escuchando estos últimos cinco años, y no tengo ni idea de por qué. Fallen Angel Of Doom.... suena en modo bucle en el reproductor y cuando los vuelvo a ver en directo aún se acentúa más el macarrismo y mi necesidad de escucharlo. Su hieratismo en el 124

escenario, las cadenas y las granadas de su atuendo, junto a escuchar de inicio la maldad de ‘War Comand’, te hace entrar en un completo trance durante todo el concierto. Hasta quienes no comprenden su raw war metal en directo se quedan cayados y perplejos. No entienden la inmensidad de lo que han visto y experimentado. Si sonasen las trompetas del fin del mundo, ésta sería su banda sonora ideal con un inicio como el de ‘Darkness Prevails’ agonizante, que parece que se cante al revés y se te vaya a tragar entero. Si te gusta el metal extremo has de vivirlo una vez, para mí no hay sensación equiparable, y por eso nos perdimos a Diabolical, una lástima. Y de una maravilla a la decepción del patetismo de Carpathian Forest, una de las bandas veneradas del black metal anticristiano y con toques de humor negro que su cantante Nattefrost se dedica a no sé qué hacer en directo. Un inicio correcto con ‘Through Self

Mutilation’ con Nattefrost con una maza de pinchos, megacrucifijos colgados y artilugios varios sobre el cuerpo empezaba a amenazar a los fotógrafos y primeras filas, posando y rasgando los primeros temas... para pasar a momentos delirantes típicos suyos con toques BDSM hacia su guitarra, para verlo completamente alcoholizado (o realizando ese papel…) tirándose al suelo, y pasando del tema completamente. Estoy seguro que sus fans se lo pasaron bien, pero a mí me aburrieron, y definitivamente acerté en largarme a la sala pequeña para ver a Dool, herederos de los malogrados The Devil’s Blood. Una sala a reventar para ver a Ryanne van Dorst interpretar los temas de Dool junto a miembros de Gold y The Devil’s Blood. Ella es especial tal como refleja su vida personal, y por eso su música también lo es. Dool son la banda sonora perfecta para esos fans del folk oscuro, del post punk y del metal que les gusta variar de sonidos e

CULT OF FIRE

intensidades. En directo lo consiguen, y con su single ‘Oweynagat’ conectaron con el público con ese sonido que dista del metal extremo que estaríamos escuchando todos los asistentes del Eindhoven esa semana. Su disco Here Now, There Then es un pequeña maravilla, y gracias a ese concierto, pudo degustarse completamente. Además, mi memoria me falla y no me acuerdo si la versión del ‘Love Like Blood’ de Killing Joke la hicieron también esta vez en directo, como en el resto de la gira, o bien la escuché en la sala de al lado, donde hay el bar y te puedes comer cualquier cosa, y casi siempre a ritmo de temas de los 80. Esa pausa era necesaria para pensar si subirme a la sala de arriba a hacer fotos y ver un rato a Dark Tranquillity o bien coger sitio en la pequeña para ver a Deströyer 666. La decisión era fácil, tocaba volver a perderse a los suecos por segunda vez este año. Una lástima, ya que es mi banda favorita de death melódico de esa segunda hornada,

pero Deströyer 666 han conseguido que su disco Wildfire sea de lo mejor en el metal extremo de estos últimos años, y que la incorporación de Felipe (Procession, Nifelheim) haya dado un nuevo empujón al grupo haciéndonos olvidar todas las tonterías que a veces su cantante K.K. Warslut dicen que hace. Su inicio con ‘Satan’s Hammer’, ‘Wildfire’ y ‘Traitor’ volvió loco a todos los asistentes de un repleto y pequeño District 19 Stage. Apoteosis máxima para salir del foso y ver el concierto: cervezas y cubatas por el aire, puños en alto, y cogiendo sitio para estar con los amigos haciendo headbanging. Nos situamos cerca de la mesa de sonido, el único sitio que había, y nos dimos cuenta de que el técnico de sonido era Dieter, buena gente y conocido por llevar también muchas giras de Teenage Head Music por nuestro país. La banda no paraba de tocar y K.K. de vacilar a todos, pero es que ahora lo puede hacer. Final épico con esa versión de ‘Iron Fist’ que hacen

desde que Lemmy nos dejó y, cómo no, la divertida y alocada ‘Satanic Speed Metal’. Uno de esos bolos que no se olvidan fácilmente. Ya eran casi las doce de la noche y era la hora del ritual de Cult Of Fire, que después de verlos hace un año en la barcelonesa sala Upload, tenía ganas de volverlos a disfrutar. Su show es muy visual, llenando el escenario de pequeños altares y los miembros situándose tras ellos con los instrumentos y largas túnicas con capucha para hacer un ambiente perfecto. Con sólo dos discos, los checos han conseguido un sonido propio perfecto que poco a poco, y con bandas como Batushka, quienes también tocaron en el festi el año pasado, va ganando fans. Y esta vez Cult Of Fire lograron eso, porque sus temas transmitían lo mismo que los discos, sin esa frialdad que me habían trasladado en su anterior actuación luciendo capirotes ingobernables para un show en directo. Mientras, 125

DESTRÖYER 666 Spasm cerraban el viernes con su

particular goregrind, aunque nosotros nos marchábamos para descansar, obviando el concierto tributo a Gorefest que sucedía en el Dynamo esa noche junto a Carnation. ¡Otra vez será! SÁBADO 16 Segundo día, que empezó gris en Eindhoven, pero por suerte la lluvia que nos pilló fue dentro de los locales. Ese día fuimos antes al festival y directamente para ver a los death melódicos Darkane. Desgraciadamente, las ganas de verlos se fueron apagando poco a poco. Un death metal que ya no me llega y sobre todo unos problemas técnicos que les obligaron a parar el show un buen rato me hicieron desistir de seguir viéndolos, y le di una oportunidad a una banda desconocida llamada Heretic. Ellos son veteranos en sus tierras holandesas pero desconocidos para los demás, y gracias a una agradable charla con 126

Tony Hellfire, su bajista, el día anterior mientras sonaban Deströyer 666, pues eran una buena opción para volver a empezar ese día. Heretic hacen un black‘n’roll divertido sin halos de maldad y para que el público autóctono se lo pase bien. Prueba superada para ellos y una banda a seguir cuando vea su nombre en los carteles de allí. Ahora era el turno del black metal de Gaahl con su banda Gaahl’s Wyrd, cuyo concierto había visto la semana anterior en la sala Bóveda de Barcelona. Y sí, lo vimos un buen rato porque el concierto de Distillator no me llamaba mucho. Gaahl repitió el mismo esquema y ejecución que en la anterior fecha. Buen sonido, buena actitud y buen black metal ya fuera con temas de su banda God Seed, de Trelldom o, cómo no, de Gorgoroth, los cuales, sinceramente, suenan mejor con él que con el line-up actual de Gorgoroth. Pose de Jesucristo delante de la masa de público que llenaba la sala grande,

y escuchar ‘Wound Upon Wound’ y ‘Prosperity And Beauty’ hicieron que volverlo a ver valiese la pena. Empalmando casi el show, tiempo para el thrash de esos veteranos bebedores de cerveza llamados Tankard, que venían a presentar su nuevo disco One Foot In The Grave. Y con ese mismo tema empezarían el concierto con un Gerre como loco arriba y abajo del escenario, enseñando su panza cervecera al público, y la gente enseñándole su cerveza brazo en alto, con tanta suerte que una cayó casi entera en mi cabeza, almenos no en la cámara... pero eso no es todo, amigos: durante el tercer tema, ‘Zombie Attack’, Gerre me pide amablemente la cámara, no sabe cómo va, le enciendo el visor y hace ver que graba y fotografía al público. Lógicamente todos los compañeros fotógrafos tienen la instantánea de ese momento, pero yo sólo los nervios de que no se le cayera de las manos. Por suerte nada de eso pasó y sonó ‘Rest In Beer’ para

EXTREME NOISE TERROR

compensar el susto. Buen concierto de los alemanes y conexión completa con los más jóvenes del recinto, que junto a los veteranos, disfrutaron hasta que hicieron los últimos temas, que si no me equivoco fueron ‘A Girl Called Cerveza’ y ‘(Empty) Tankard’. Pausa, respiro y al fin volver a ver a Merciless en el que posiblemente sea su último concierto en Europa. Algo de miedo tenía después de haberlos visto en Suecia durante el aniversario de la revista Close-Up. Esa vez, en el crucero Close-Up Båten, Merciless tocaron y no sé si porque eran la última banda de la noche o por la actitud, poca gente conectó con ellos. Esta vez, desde la primera nota todo fue diferente. Con sólo cuatro discos lograron definir un estilo y The Awakening se ha convertido en uno de los pilares del death metal sueco. La esencia del death de ese país (con permiso de mis amados Entombed) estaba encima de un escenario, y su actitud punk y su sonido era

perfecto. Su inicio con ‘Denied Birth’ ya puso los pelos de punta con esas calbagatas en los riffs de Erik Wallnin y Peter Stjärnvind. Una de esas veces que en el foso el pulso te tiembla al escuchar ‘The Awakening’ en directo y que sujetas fuertemente la cámara y alzas los puños al aire en señal de victoria. Abrumador concierto y posiblemente el mejor de todo el festival. Con la velocidad que llevaban con los temas hasta les sobró tiempo y pudieron tocar todo su setlist sin problemas, con un ‘Pure Hate’ final con un servidor y mis compañeros de viaje en primera fila dándolo todo. Sin duda, si éste es el último concierto que vea de ellos, nada mejor puedo esperar ya. Después del subidón de adrenalina venían los amos suizos llamados Coroner, que lo tenían difícil después de lo visto en ese escenario. Igualmente, consiguieron mover a todo el mundo haciendo un repertorio de temas clásicos como ‘Grin’, ‘Reborn Through The Hate’

o ‘Die By My Hand’ mientras en la sala pequeña tocaban Extreme Noise Terror, quienes hicieron un buen concierto pero a la vez extraño, ya que el único miembro original y cantante, Dean Jones, por ahora no puede hacer giras por motivos de salud y lo tiene que suplir Ben McCrow, que desde hace ya tres años actúa como segundo vocalista. A pesar de todo, buen show, con dosis de rabia y buen punk para los que sobrevivían en la sala de abajo de Effenaar. Llegaba el turno de Venom... de los auténticos, según Cronos. Parece mentira que de ser una banda difícil de ver en los escenarios, en estos últimos años casi cada uno de ellos haya un festival donde voy y están. Eso es bueno, nunca hay suficiente dosis de Venom. Éste también fue uno de los grandes momentos del festival, por los temas y la historia del grupo en relación a la vida de cualquier metalhead. Ese inicio con ‘Bloodlust’ 127

DOOL

o ‘The Death Of Rock‘N’Roll’ fue genial, e incluso la presentación de un nuevo tema que saldrá en su próximo álbum 100 Miles To Hell y que por primera vez tocaban en directo, pero aquí empezaron los problemas con el exceso de cháchara con el público. Cronos dijo “No os creáis lo que dicen de nosotros por las redes, al final de los conciertos siempre salimos a saludar y firmar a la gente”, o la inaguantable frase sobre las “Venom legions” que se repetiría tema tras tema, haciendo que el concierto fuese más corto de lo previsto y que tuvieran que suprimir dos temas del setlist... pero dos temas básicos para un servidor en cualquier show suyo como son ‘In League With Satan’ y ‘Witching Hour’, con el que debían finalizar. En vez de ésos sonó una excesivamente larga versión de ‘Warhead’, que me encanta, y una adecuada ‘Black Xmas’ perfecta para una semana antes de Navidad. Por

128

suerte no se dejaron ‘Welcome To Hell’, ‘Countess Bathory’ y el colofón final con ‘Black Metal’, la marca de la casa. Eso sí, estar en el concierto de Venom me hizo olvidar por completo que debajo estaban tocando Jess And The Ancient Ones, posiblemente la pérdida más grande de ese día. Pero bueno, ésa no fue la única banda que no pude ver ni cinco minutos... conscientemente me perdí a The Great Old Ones y Auðn porque los había visto hacía cinco días junto a Gaahl’s Wyrd, siendo Auðn la banda más destacada de las dos. El último grupo que debía tocar era una completa incógnita, ya que decían que Master’s Hammer no valían la pena en vivo. Pues no recuerdo quién me lo dijo, pero ahora mismo le diría que no tiene ni idea de metal. Los checos son brutales tanto en disco como en directo. Eso sí, nunca sabremos qué hubiese sucedido si Euronymous de Mayhem los hubiese podido contratar

para su sello Deathlike Silence tal como quería hacerlo a principios de los 90, antes de su asesinato en el año 93. Ritual, su primer disco, quizás sea el más descado de todos ellos, y en directo sonó perfecto. Su vocalista y guitarrista Franta Štorm, enfundado con camisa roja y su sombrero, salía entre el humo para tocar y cantar perfectamente temas como ‘Pád Modly’, ‘Géniové’ o ‘Kazdý Z Nás’ junto a su peculiar percusionista, haciendo sonar en directo ese primitivo black metal que tanto influenció a las bandas nórdicas en los 90. A destacar, que la huida masiva que cada sábado había cuando la última banda tocaba por culpa de los horarios de tren, esta vez fue casi nula. Y con ellos acababa otro maravilloso Eindhoven Metal Meeting, y casi, casi, el último concierto de 2017. Este año será el décimo aniversario, y si todo va bien, allí estaré.

DE GIRA

THE HAUNTED

14 FEBRERO MASTER (VIGO), 15 FEBRERO STAGE LIVE (BILBAO) 16 FEBRERO C.C. DELICIAS (ZARAGOZA), 17 FEBRERO NAZCA (MADRID) 20 FEBRERO FANATIC (SEVILLA), 21 FEBRERO EL TREN (GRANADA) 22 FEBRERO GARAGE BEAT CLUB (MURCIA), 23 FEBRERO ROCK CITY (VALENCIA) 24 FEBRERO BÓVEDA (BARCELONA)

l próximo mes estaréis haciendo una larga gira por España. Es bastante

inusual para una banda de vuestro nivel hacer diez fechas por aquí. ¿Cómo ha sido?

MARCO ARO (voz) “Bien, cuando

la gira se cerró, se suponía que iban a ser cinco fechas en España y Portugal, pero el promotor nos preguntó si queríamos añadir cinco

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fechas más debido al interés que había en el mercado… ¡Así que lo hicimos!”.

Ahora que ya tenéis una

¿Qué recuerdas de vuestra

“Esto es algo que discutimos mucho en 2013, cuando se ensambló esta formación. Con nueve discos tienes mucho material para meterlo en 75 minutos. Intentamos meter un poco para todo el mundo en el repertorio. Prácticamente todos los discos están

larga discografía, ¿cómo equilibraréis el setlist para este tour?

primera vez en España?

“Para ser honesto, no mucho. Éramos un poco salvajes en aquella época, pero debería de ser alrededor del año 2000. Quizás cuando giramos con Nile”.

AGENDA FEBRERO representados con al menos una canción. Espero que nadie se sienta decepcionado”. Parece que las críticas de Strenght In Numbers han sido muy positivas. ¿Estás contento con la respuesta que está teniendo?

“Sí, muy contento y sorprendido. Pensaba que nos habían olvidado (risas)”. Ahora que las ventas de los discos ya no son importantes, ¿cómo mides el éxito?

“Es complicado… supongo que por la asistencia a los conciertos. Y por los clicks online de nuestros vídeos”. ¿Cuál es tu canción favorita para tocar en directo y por qué?

“Bien, de las viejas canciones diría que ‘In Vein’, es la canción que me hizo enamorarme de la banda. De las nuevas canciones me gusta mucho ‘Spark’. Es diferente a nuestro estilo, pero al mismo tiempo se puede reconocer que somos nosotros”. ¿Cómo ha cambiado el girar a lo largo de los años? Quizás ahora va más del concierto y menos sobre la fiesta, ¿o siempre ha sido así?

“(Risas) Desde luego. Como he dicho antes, éramos mucho más salvajes en los viejos tiempos. Ahora somos mayores, al menos cuatro de nosotros, así que la fiesta ha quedado en un segundo plano. Todavía nos gusta beber algunas cervezas con nuestros amigos en la carretera, pero no es tan loco como antes”. ¿Qué es lo que siempre te llevas cuando vas de gira?

“He de decir que no tenemos cosas que vayan más allá de lo normal. Material para tocar, ropa y un montón de dispositivos para los momentos tranquilos”. ¿Qué tenéis preparado para el resto del año? ¿Habrá más tours?

“Tenemos algunas cosas ya cerradas para primavera y verano. Todavía estamos esperando cerrar algunas cosas más, pero de momento el calendario no es muy frenético a día de hoy”. (DAVID GARCELL)

36 CRAZYFISTS 1 Bilbao, 2 Madrid

COMEBACK KID 1 Madrid, 2 A Coruña CRADLE OF FILTH 15 Barcelona, 16 Madrid DEATH FROM ABOVE 19 Madrid, 20 Barcelona THE FACELESS 12 Madrid, 13 Barcelona IRON SAVIOUR 22 Barcelona, 23 Valencia, 24 Valladolid, 25 Oviedo KVELERTAK 2 Sevilla, 3 Madrid, 4 Bilbao, 5 Madrid, 6 Valencia, 7 Barcelona LIAM GALLAGHER 23 Madrid, 24 Barcelona METALLICA 3 y 5 Madrid, 7 Barcelona NILE 14 Bilbao, 17 Madrid, 18 Barcelona PESTILENCE 27 Barcelona, 28 Zaragoza, 1 Madrid PINK TURNS BLUE 1 Barcelona, 2 Madrid, 3 Valencia RAVENEYE 19 Madrid, 20 Barcelona, 22 San Sebastián RHINO BUCKET 6 Barcelona, 7 Valencia, 8 Murcia, 9 Valles ROTTING CHRIST 7 Barcelona, 8 Oviedo, 11 Madrid SATANIC SURFERS 22 Madrid, 25 Badalona STEEL PANTHER 11 Barcelona, 12 Madrid STEREOPHONICS 1-2 Barcelona, 3 Madrid STEVEN WILSON 1 Madrid, 3 Barcelona THERION 20 Bilbao, 23 Sevilla, 24 Madrid, 25 Barcelona VENENUM 17 Zaragoza, 19 Madrid, 20 Granada, 21 Barcelona