RockZone 143 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Five Finger Death Punch (Barcelona) @ Eric Altimis

EDITORIAL Que tengas este nuevo número de RockZone en tu pantalla significa que, otro año más, ¡no nos ha tocado el Gordo! Qué le vamos a hacer, nos vais a tener que aguantar, por lo menos, doce meses más. Aunque en el fondo sabemos que nos echaríais de menos si no estuviéramos y por eso nos esforzamos cada mes en traeros lo mejorcito de la actualidad musical. Si bien este mes el grueso de la revista lo ocupa el repaso a lo mejor de 2017, queremos empezar fuertes el año con una portada dedicada a Watain, quienes a buen seguro, encontraréis en la lista de mejores trabajos del año que viene. Y no es que tengamos una bola de cristal, es que han hecho un discazo. Enjoy!

SUMARIO

Nยบ 143

7 / INTERFERENCIAS

22 / THIRTY SECONDS TO MARS

26 / TRIBULATION

32 / OF MICE & MEN

38 / WATAIN

46 / AVATAR

51 / TOP INTERNACIONAL

88 / RESUMEN DEL Aร O

92 / BRAND NEW

96 / TOP NACIONAL

118 / ESPECIAL FOTO

124 / LENDAKARIS MUERTOS

128 / EN DIRECTO

134 / DE GIRA + AGENDA

TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY O HÁZNOSLA LLEGAR A ROCKZONE@ROCKZONE.COM.ES

INTERFERENCIAS

TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

NEW DEL MES_ MACHINE HEAD EN APENAS UNAS SEMANAS, EL DÍA 26 DE ENERO, LA BANDA DE OAKLAND PUBLICARÁ SU NUEVA OBRA, CATHARSIS. LA POLÉMICA ESTÁ SERVIDA, PUES TODO APUNTA A QUE SERÁ SU DISCO MÁS MELÓDICO HASTA LA FECHA..

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 4648. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordian Fo, Luis Benavides, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez, Alba Rodrigo. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Israel Higuera (wirrak), Vicente Madrigal (hollow_life), Miguel Gómez (MLACABEX), César Aguilar (CesarAguilar), Jorge Azcona (roots). Foto de portada: DR

uando este pasado otoño Robb Flynn empezó a desvelar algunos de los detalles de Catharsis, el noveno álbum de Machine Head, no fueron pocos los fans a los que les saltaron las alarmas. Tras un trabajo tan decepcionante como Bloodstone & Diamonds, muchos de sus seguidores esperaban un cambio de rumbo más cañero para este nuevo disco, que saldrá publicado el próximo viernes 26 de enero vía Nuclear Blast. Sin embargo, en palabras del propio Flynn, todo parece apuntar hacia justo lo contrario… “Reduce tus expec tativas de pesadez, reduce tus expectativas de velocidad”, comentó hace unas semanas el cantante, guitarrista y líder de la formación. “Si The Blackening fue nuestro disco más thrashero y agresivo, éste es probable mente el más melódico y groovy que haya mos hecho. Tiene pequeñas partes thrashers aquí y allí y es heavy, pero es muy groovy, un disco melódico rockero”. Si bien es cierto que

esta dualidad siempre ha existido en las canciones de Machine Head, es muy probable que parte de sus aficionados más proclives a su vertiente más contundente no tarden en expresar su descontento hacia Catharsis. De hecho, su último single ‘Beyond The Pale’ ya ha despertado reacciones de todo tipo, incluso varios chascarrillos por su parecido con ‘Love?’ de Strapping Young Lad. Producido por el propio Robb Flynn, grabado, mezclado y coproducido por Zack Ohren (Fallujah, All Shall Perish) en los Sharkbite Studios de Oakland y masterizado por Ted Jensen (Hatebreed, Alice In Chains, Deftones) en los Sterling Sound de Nueva York, lo cierto es que ya no queda nada para que todos podamos dar nuestro veredicto sobre Catharsis, que por supuesto vendrá acompañado de un nuevo tour mundial que pasará por nuestro país los días 29 de marzo (Santiago), 2 de abril (Madrid), 3 en Sevilla, 4 en Málaga, 6 en Mislata y 7 en Barcelona.

PARA EL RESTO DE NOTICIAS VISITA NUESTRA WEB ZONA-ZERO.NET - ACTUALIZACIÓN DIARIA

TOI’S IN THE ATTIC MI PROBLEMA CON LAS ENTRADAS

ola amigos! Espero que os hayáis recuperado de la resaca navideña. Yo todavía no he superado la del buying spree de entradas de conciertos del mes de diciembre. Locura y ruina a niveles estratosféricos. Aún recuerdo el sufrimiento que padecí hace unos diez años para conseguir un par de entradas de pista para un concierto de AC/DC en el Palau Sant Jordi. Casi acabé a hostia limpia con un tío que se intentó colar en un cajero. Pensaba que con la venta por internet todo mejoraría, pero no, cada vez es peor. Ese nudo en el estómago mientras entras en la red de venta y empiezas a darle a F5 minutos previos a la hora oficial del lanzamiento de tickets es un auténtico dolor. Es tal mi experiencia que he descubierto que hay navegadores que te ponen en una cola virtual durante más tiempo que otras, y que

en el momento de confirmar la transacción se cuelgan, soy capaz de tener distintas sesiones abiertas a la vez hasta conseguir cumplir mi objetivo… no pretendo fardar, es que me han salido canas con esta mierda. Pero lo que sucedió con las entradas de Pearl Jam fue una auténtica vergüenza. A las 10:01 aparentemente no quedaban entradas de pista. La web sugería buscar otra fecha o reducir el número de entradas, dos en mi caso. Tras cientos de F5, un momento de mandar todo a la mierda, y otros tantos F5, media hora después conseguí una entrada. ¡Una! 15 minutos después las webs de reventa estaban plagadas de tickets. Si finalmente éste va a ser el método de arruinar a la gente y conseguir sold outs en los conciertos, yo me bajo del carro. (TOI BROWNSTONE)

PISANDO FUERTE_ SMOKERS DIE YOUNG

FORMACIÓN: Juan Carlos Ruiz (voz, guitarra), Fran García (bajo), Adrián Ramírez (batería)

PROCEDENCIA: Cádiz AFINES A: Biffy Clyro, Arcane Roots, Nothink PRESENTAN: Home Vs Home (Autoeditado)

esde hace ya unos cuantos meses que venimos advirtiendo de la creciente actividad en la escena andaluza. Ciudades como Sevilla, Málaga y Cádiz se están convirtiendo en los focos principales de los que no paran de surgir bandas y propuestas de lo más refrescantes. El enésimo ejemplo nos llega de la mano de Smokers Die Young, un jovencísimo power trio gaditano que echó andar en 2015. Sus componentes, Juan Carlos, Fran y Adrián nos cuentan cómo nació la idea unir fuerzas: “Cada uno venimos de bandas diferentes y nos conocíamos de vernos por los locales. Pero un día decidimos, no sabemos por qué, quedar para tocar y surgió este proyecto”. A pesar de la sencillez con la que explican su nacimiento, la música que podemos encontrar en Home Vs Home, su debut autoeditado de 2016, guarda canciones llenas de detalles de lo más interesantes dentro de una aparente inmediatez. “Nosotros vivimos prácticamente en el local de ensayo y ya antes de meternos a grabar el disco fueron dos años de conocernos y aprender a cómo enfocar nuestra música. Nos encanta pararnos y analizar cada segundo de

nuestros temas, crear contenido que, tanto escuchándolo como tocándolo, podamos llegar a disfrutar. Nos basamos en crear melodías sencillas y directas, intentamos no quedarnos en la estructura típica de estribillo y estrofa e ir más allá añadiendo cambios de compases e instrumentales, pero siempre tratando ser lo más popero posible”, reconocen. Una manera de entender la composición que claramente les emparenta con formaciones del circuito alternativo británico. No en vano se han ganado rápidamente el título de ser los ‘Biffy Clyro andaluces’ entre quienes les conocen. Incluso el título del álbum ya hace hincapié en esa fijación de poner la vista más allá, donde sus referentes musicales son capaces de desarrollar una carrera con más medios al alcance de los que hay aquí. Ellos explican esa confrontación entre desear lo que nos pilla tan lejos sin dejar de lado las raíces de la siguiente manera: “Nos damos cuenta que allí hay un hermanamiento entre bandas que aquí, desde nuestro punto de vista, no existe. Hoy en día en España no se apuesta por propuestas como la nuestra, al contrario que en el resto de Europa donde grupos españoles

organizan giras porque es allí donde está su público. Suponemos que la industria europea abarca más estilos y la gente los entiende mejor. Respecto al título del disco en concreto, nosotros llevamos por bandera nuestra tierra y nos encantaría tener esa escena aquí”. Sin embargo, y como comentábamos al principio, cada vez hay más grupos de su zona que están comenzando a hacerse notar tanto a nivel nacional como internacional. ¿Están empezando a cambiar las cosas? “Realmente no lo sabemos, pero sí apreciamos que hay bastantes bandas y todas de calidad, aunque de nuestro estilo escasean. Nos llevamos bien con todos, desde la escena funky hasta la hardcore, y eso hace que nos cueste formar parte de algún circuito en concreto. Aun así, no podemos quejarnos de la gran acogida que estamos teniendo, ya que autogestionándonos al completo hemos tenido cabida en bastantes escenarios”. Precisamente gracias a su presencia en festivales como Monkey Week, NoSinMúsica o el Deltirón Festival del pasado mes de septiembre, el nombre de Smokers Die Young ha empezado a asomar la cabeza. “Llevamos haciendo ruido un tiempo. Es cierto que el Deltirón fue un escaparate bastante bueno ya que compartimos cartel con amigos que están en proyectos alucinantes además de tener una buena aceptación. Nuestro disco de debut nos ha servido para llegar a más público y tener una carta de presentación, aunque nuestro directo es nuestra verdadera esencia”, concluye el grupo.

ZONA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, JORDIAN FO, JORDI MEYA FOTOS: DR

WENDY Y LA BAÑERA DE LOS AGUJEROS NEGROS Julio de la Rosa

(ARISTAS MARTÍNEZ)

ste libro de Julio de la Rosa te atrapa como un agujero negro: entras en él casi sin darte cuenta y ya no puedes escapar. Vas devorando las páginas y te adentras en las vidas de Jose y Wendy, las cuales no parecen tener una salida fácil y normal: el primero es un yonki romántico que sufre de alucinaciones que le llevan incluso a hablar con los perros; Wendy, por su lado, es una chica guapa que desayuna orfidales. Ambos se embarcan en un viaje precario a Lisboa para celebrar el 40 aniversario de Jose aprovechando las vacaciones, pero su vida en pareja dará un vuelco cuando ambos presencien una aparición de luces extraterrestres en el cielo sobre Asturias. A partir de aquí cobra fuerza el imaginario sobre OVNIs y Wendy Y La Bañera De Los Agujeros Negros acaba resultando un potente alegato ambientalista contra la destrucción de nuestro planeta, además de plantear diversas cuestiones existenciales: “Existía una teoría, en la antigua civilización nuestra, sobre la gestión del terror. Todo compor-

EL ARTE DE ROMPERLO TODO Mónica Vázquez (SUMA DE LETRAS)

sta novela es como un torrente de emociones y de sensaciones vitales. Y no sólo las de su protagonista, Miranda Nieves, sino de la mayoría de personajes que la rodean: su abuela Agatha, su nueva mejor amiga Lizzy, su pareja James… “La vida no es una ecuación, no hay una sola manera de conjugarla; es caótica y maravillosamente impredecible, como un viaje. Y yo soñaba con desviarme, perderme y descubrirme en una

tamiento humano está motivado por el miedo a la muerte, lo que nos genera un conflicto: queremos ser parte activa de la vida, parte significativa del mundo, pero al mismo tiempo ¿qué más da todo si, más tarde o más temprano, vamos a morir?”. Ojo también al final, en la misma línea marcada por Cormac McCarthy en su célebre novela La Carretera. JF

tierra desconocida, inventando mi propio camino”. Miranda es una chica que decide empezar de cero en Edimburgo huyendo de la industria musical de Madrid, según sus propias palabras, Miranda es cursi, da un poco de asco y posee el gusto culinario de una niña de primaria, es como una bolsita de mierda hacedora de canciones que pertenecían a otros. Es un desastre de mujer, pero de ésas de las que es fácil encariñarse. Con bastantes elementos autobiográficos, El Arte De Romperlo Todo es la primera novela de Mónica Vázquez, también conocida por su nombre artístico Electric Nana, y está francamente bien que alguien que ha probado las mieles del éxito masivo desvele las miserias de la industria de la música mainstream, sobre todo la que rodea al mundillo de Los 40 Criminales. Además, los lectores jóvenes de menos de 30 años se sentirán muy a gusto con las continuas alusiones al WhatsApp, Instagram, a Netflix y Spotify. JF

SEMICIRCULAR SPACE SQUAD Denis & Iván Roca

DORITA Cristian Timoneda

VOLTIO 3 (Y FINAL) VV. AA.

(RULETA RUSA/ROCKMEDIA)

(LA CÚPULA)

(ROCKMEDIA)

Los creadores de Los Señores Formas y muchos otros tebeos y fanzines dirigidos a público infantil y juvenil sorprenden ahora con una space opera autoconclusiva (que si funciona bien, promete nuevas entregas). Darkel, Denkis, Malo, Mano Derecha e Izquierda y el resto de personajes surgen de la mente del pequeño Denis y luego su padre los convierte en preciosos dibujos pensados para el disfrute de los más jóvenes (pero que cualquiera con ganas de pasar un gran rato sabrá disfrutar sin esfuerzo). Un tomo que desborda imaginación, ternura, aventuras... ¡No se le puede pedir más! SG

BUEN PERRO Graham Chaffee (LA CÚPULA)

Reedición de esta aventura perruna, cruda en muchos de sus segmentos, pero con espacio para la ternura y la reflexión. Su autor no es un ilustrador que suela prodigarse mucho con los lápices, pero en este trabajo ofrece una estupenda lección de cómo tocarle la fibra al respetable gracias a su fabuloso guión y apuesta por el grafismo clásico y efectivo. En Buen Perro asistimos a la historia de Iván, un perro vagabundo, que al toparse con una manada de perros salvajes compartirá reflexiones sobre la trascendencia y el lugar de cada ser en el mundo. SG

Dorita tiene lo peor de Doraemon y lo peor de Nobita. Ésta es la premisa de esta parodia del célebre manga a cargo de Cristian Timoneda que, a lo largo de 100 páginas (también hay una galería de autores extra), nos describe la complicada relación entre el gato robot venido del futuro y Pipío, su padre adoptivo forzado. Dorita se saca todo tipo de inventos de su ojete, pero lejos de ayudar a su compañero, le complican aún más la vida. Con un humor desbarrado, asistimos a disparatadas situaciones con un trasfondo de crítica social. JM

Fin de fiesta prematuro para la revista de antologías de cómics autoconclusivos que hace dos años inició su andadura. Por sus páginas han pasado jovencísimos autores y autoras patrios junto con colaboradores de lujo de otros lugares, ofreciendo multitud de historias que rebosan ingenio y estilo. La propuesta cierra con un número a la altura de las circunstancias con varias historias de muy diferentes estilos y géneros, si bien el denominador común de todas es sorprender al lector y servir de muestra a algunos de los mejores lápices del actual momento del tebeo en España. SG

LOS CABALLEROS DE

AÑO 1000:

LA ORDEN DE TOLEDO Javierre y Juanfran Cabrera

LA SANGRE Manolo Matji y Sergio Córdoba

(ARIAN/AUTOEDITADO)

(ALETA/ EVOLUTION COMICS)

Tres años después del lanzamiento del número uno llega a su final la saga que nos han presentado Javierre y Juanfran con Lorca, Buñuel, Unamuno, Dalí y Pepín Bello como protagonistas, inspirada en una de sus bufonadas de su etapa de estudiantes en Madrid y que les ha servido de base para narrar una historia de conspiraciones en la segunda década del siglo XX, previo al golpe de Rivera. El final de la aventura es espectacular, sirviendo de cierre perfecto con un apetecible ‘continuará’ que ojalá cristalice. SG

La Leyenda de los Siete Infantes de Lara, uno de los cantares más antiguos de la literatura castellana, sirve a estos dos autores para ofrecer uno de los relatos más crudos y apasionantes de los publicados estos últimos meses. Las disputas de dos familias y sus traiciones en época de la Reconquista son la base para esta épica historia. Una lectura apasionante, que atrapa desde sus primeras páginas y que nos lleva hasta lo más profundo de la mezquindad del ser humano. Salvaje. SG 13

DE CINE_ CON KIKO VEGA BRIGSBY BEAR

ASESINATO EN EL ORIENT EXPRESS

UNA HISTORIA DE AMOR

arece fácil, parece una tontería. Una película sobre un chaval un poco especial que tiene serios problemas para relacionarse con la gente. Otra comedia independiente sobre gente rarita con buen fondo y tal. Pero no, no lo es. Durante los 97 minutos de Brigsby Bear asistimos alucinados a cómo una historia y una narrativa no se desvían ni un milímetro del camino correc-

EL TREN DE LAS ALMAS PERDIDAS

to. Aquí no hay espacio para más sentimentalismos que los provocados por un guión que no está escrito con palabras: está escrito con amor. Sin edulcorar. Sin excesos. Todavía debe haber gente buena en el mundo si aún llegan películas así. Aquí todo merece tu atención: las interpretaciones, el tono, el protagonista, los secundarios, la banda sonora (extraordinaria, única) y una fórmula que parece haber absorbido el conocimiento de una serie de géneros y códigos que se traducen en un arco iris cinematográfico. En un primer beso hecho película. En el descubrimiento de la amistad producido por los putos The Lonely Island. Con el Blu Ray (próximo 18 de enero en España) deberían regalar un marcapasos. Sí, la película llegará en venta directa después de Reyes.

enneth Branagh es uno de los tipos más interesantes de cine moderno. Lo fue con su primera película, aquella primera adaptación de William Shakespeare que nos pilló a todos por sorpresa, Enrique V, y lo sigue siendo con la última, su primer Agatha Christie. Afortunadamente, Kenneth Branagh se lo pasa hoy como un niño con su nuevo juguete favorito, colocando la cámara donde más ayude a lograr un plano espectacular y estiloso, rodando a un ritmo mucho más ágil de lo que parece y con unsentido del espectáculo de los que ya no se llevan. Además, se preocupa por la composición más que nunca en su carrera, haciendo que la nueva versión de la obra que ya rodase Sidney Lumet hace casi medio siglo sea un placer para los sentidos. El reparto está por la labor, y desde Johnny Depp a Daisy Ridley, todos tienen su momento en la película. Obviamente,

el guión no tiene tiempo para presentar demasiado a los personajes, y el prólogo en El Cairo, sin la trama del secuestro de la familia millonaria que desencadenaba la versión de los 70, demuestra que aquí la luz y la fiesta serán los rasgos dominantes, algo muy de agradecer en una película que se presupone carente de uno y otro. El momento estrella de la película, un plano secuencia sobre la llegada al ferrocarril del detective belga Hercule Poirot, al que Branagh se entrega en cuerpo y alma, acompañando en un delicioso travelling lateral al protagonista mientras muestra al resto de la tripulación del tren de los misterios. Gracias a sus escenas exteriores, a los efectos especiales y a los grandes amaneceres y sus correspondientes puestas de sol, Asesinato En El Orient Express luce mucho más ambiciosa que lo que puedan permitir los cincuenta millones de su presupuesto, y con ese aire teatral que tan bien maneja el director de la excelsa Morir Todavía (también con Derek Jacobi, como casi todas), Asesinato En El Orient Express es casi un milagro en la frenética cartelera donde lo habitual no es ver a un montón de estrellas de cine ambientando otra época en una película que pertenece por derecho propio a un pasado que solo volverá con cuentagotas, pero lleno de glamour.

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame es Never Mind The Bollocks de Sex Pistols. Ha pasado mucho tiempo desde que estaba en el instituto, pero todavía puede acordarme de lo solitario que podía ser. En mi escuela tenías que ser el liante, el atleta, el raro o del club de los descerebrados. No había un lugar para los metalheads o punk rockers. Mi escuela estaba hecha para futuros ingenieros o informáticos y no podía ser más aburrida. Sin embargo, eso consiguió el efecto contrario e hizo que los que no encajábamos tuviésemos que juntarnos para socializar. Así que, que un fan del metal como yo acabase identificándose con un mod que iba a la misma clase, era inevitable. En otras circunstancias una pareja así nunca hubiese 16

hecho migas, pero a pesar de lo polarizados que estaban esos dos grupos, teniendo en cuenta de lo que estábamos rodeados, no había otra opción que unirse. Y así es como acabé descubriendo a los Sex Pistols y a su maravilloso álbum Never Mind The Bollocks. Un día, el chico mod vino a la clase de gimnasia y empezó a contarme los méritos de Never Mind The Bollocks porque sabía que me acabaría encantando. Captó mi conexión visceral por los acordes poderosos y tenía claro que lo iba a pillar. Steve Jones no estaba muy lejos de mis inclinaciones musicales. Tenía el presentimiento de que quería que me alejara del metal y me acercara a sus gustos musicales para tener un camarada, pero subestimó mi devoción por el mundo del metal. Aun así, seguí su consejo, deseoso de explorar nueva música, y enseguida caí rendido a Never Mind The Bollocks. Incluso a día de hoy, después de muchísimas escuchas, todavía lo puedo escuchar como si estuviese en el instituto y disfrutarlo con

el mismo entusiasmo con el que lo hice las primeras veces. Olvídate de todo el hype, la controversia, ya que temas como ‘Bodies’, ‘Pretty Vacant’, ‘Holidays In The Sun’ y ‘God Save The Queen’ son simplemente grandes canciones de rock, en el sentido literal de la expresión. Es una pieza compacta de punk rock con énfasis en la palabra ‘rock’. A pesar de todo lo que se ha dicho de él, no veo que este álbum sea alabado de la misma manera que London Calling, Rocket To Russia o Damned Damned

Damned. En cierta manera, los Sex Pistols se hicieron demasiado grandes y populares para lo que se supone que el punk debe ser, y con el paso de los años ha pasado a un segundo plano comparado con otros discos de su época. Yo incluso puedo ser culpable de ese descuido. Me ha llevado todo este tiempo, después de seis años escribiendo esta columna para RockZone, dar la bienvenida a este disco a mi Hall Of Fame. Hasta el mes que viene, DANKO JONES

LAS ARNETTE SESSIONS NOS MUESTRAN EL LADO MÁS CERCANO, ÍNTIMO Y CRUDO DE LOS MÚSICOS QUE SE ACERCAN A LA REDACCIÓN DE LA REVISTA ROCKZONE. A PELO, SIN SEGUNDAS OPORTUNIDADES NI EFECTOS ESPECIALES, ESTE FORMATO NO ES APTO PARA PRODUCTOS PREFABRICADOS, SÓLO PARA QUIENES DISFRUTAN Y RESPIRAN LA MÚSICA.

>> MEDUSA BOX INTERPRETAN ‘SEDUCE ME WITH RUBLES’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE

i el mes pasado Gyoza protagonizaban nuestras Arnette Sessions, éste lo hacen Medusa Box, una banda de La Bisbal d’Empordà (Girona) con la que además de amistad comparten admiración por Queens Of The Stone Age. Pero si los primeros lo hacen por su vertiente más stoner, los segundos tiran más hacia la elegancia oscura, y a ratos bailable, de su última época. En su segundo álbum Nothing Behind All These Masks (Entrebotones), publicado a finales de octubre, Enric Mont (voz, guitarra), Emili Bosch (guitarra), Jordi Bosch (bajo), Adrià Bravo (teclados) y Nil Bribian (batería) han logrado plasmar el buen entendimiento que tienen dentro y fuera del escenario. “Al ser todos amigos, musicalmente nos entendemos muy bien”, explica Emili. “Cada uno sabe cuál es su papel y dónde está el límite. La parte de producción la llevamos más mi hermano Jordi, Enric y yo. Pero Nil tiene total libertad para hacer lo que quiera con las baterías y Adrià igual con los teclados. Ahora apenas ensayamos, pero

es que subimos a un escenario y nos sentimos muy seguros”. También ayuda que, para todos, la música sea la disciplina a la que han dedicado sus estudios. Aunque, paradójicamente, es Enric, el único sin formación, el principal compositor. “El hecho que los temas los haga Enric, que es la única persona sin formación académica, hace que nos adaptemos a él”, cuenta Emili. “Pero, al fin y al cabo, en la banda no hacemos servir la teoría, sino la práctica. Yo estoy estudiando composición, pero cuando compongo para mí es como si no hubiera estudiado. La parte analítica y la parte creativa son dos mundos distintos”. Para encontrar la semilla de estas canciones tenemos que viajar hasta Estonia, donde hace un par de años, Enric estaba de Erasmus. “Las escribía cuando volvía de fiesta”, reconoce. “Por eso hablan mucho de la noche, de relaciones, de sexo y también algo de vodka”. Preguntado sobre el porqué de su destino, Enric cuenta que ante todo buscaba un lugar que le supusiera un shock cultural. “Pero tampoco me esperaba algo tan

bestia”, señala. “Pero sobre todo me soprendió que hay mucha libertad de expresión, sobre todo comparado con Rusia que está al lado. Hay muchas exposiciones de arte y la juventud está muy motivada”. También viajó a San Petesburgo y Moscú donde surgieron los temas ‘Seduce Me With Rubles’ y ‘Two Months To Moscow’. Inmersos en una gira que les está llevando por toda la península, Medusa Box también han encontrado tiempo para seguir creando. “Hemos grabado tres temas nuevos que sacaremos con el siguiente single ‘The Fall’ y que representan mejor lo que hacemos ahora”. Y Enric apunta, “la verdad es que nos salen temas como churros”. Y quizá por eso ya se han marcado el objetivo de grabar su tercer disco, si la economía lo permite, el próximo verano con la idea de publicarlo en invierno. Aunque antes, os recomendamos no perder la oportunidad de atraparlos en alguno de sus conciertos. “En directo somos más guarros. Tenemos mucha actitud. Todos nos volvemos un poco locos”, advierte Emili. Avisados estáis.

LA SELECCIÓN

NUCKIN’ FUTS Abyss

(BLOOD FIRE DEATH) THRASH METAL

ue Catalunya es una gran cantera de bandas thrash es un hecho incontestable (aunque nos apliquen el 155 por decirlo en voz alta). Desde las míticas ochenteras Legion y Fuck Off, pasando por las más recientes como Crisix, Aggression, Vivid Remorse, Exekution o Blaze Out, por citar sólo algunas. Por lo tanto, no es de extrañar que la tradición continúe a toda máquina ni que estos Nuckin’ Futs sean un ejemplo perfecto. Thrash metal y nada más que thrash inyectado directamente en tu vena y golpeándote en la boca del estómago desde la inicial ‘Cradle Of Hypocrisy’, toda una declaración de principios, o ‘Primal’, donde las guitarras de Joao y Óscar demuestran toda su potencia con sus riffs de alto voltaje. Tema tras tema manifiestan que el año y medio dedicado a grabar su segundo álbum ha estado bien empleado, ya que todos los detalles están cuidados al máximo, desde el sonido hasta la magnífica portada del

gran Par Olofsson. Y aunque la influencia de los grandes clásicos del género (desde Metallica a Megadeth, pasando por Overkill) está presente en todo el disco, también se aprecian pinceladas de propuestas más elaboradas de grupos más técnicos como Paradox o Xentrix. Así que todos los fanáticos del thrash podemos estar de enhorabuena, porque las nuevas hornadas vienen pisando fuerte y dispuestas a todo. Y si no, escuchad trallazos como ‘Chains Of Reprisal’ o ‘Call Of The Unknown’ para convenceros. Disfrutad a saco de sus ocho temas, no vaya a ser que también nos prohíban eso. KARLES SASTRE

THIRTY SECONDS TO MARS

CUESTION DE

TIEMPO

THIRTY SECONDS TO MARS ESTÁN DE REGRESO DESPUÉS DE UN PARÓN DE CUATRO AÑOS. HAN PUBLICADO NUEVO SINGLE, CONFIRMADO GIRA EUROPEA Y ANUNCIADO EL LANZAMIENTO DE UN DOCUMENTAL CON SU ÚLTIMO VIDEOCLIP. PERO, ¿Y EL DISCO? TEXTO: RO SÁNCHEZ FOTOS: DR

ARED LETO LO HACE TODO A LO GRANDE.

Ha creado para Thirty Seconds To Mars una simbología propia, un culto reconocido y un rock alternativo multitudinario que, por si no fuera ésa suficiente paradoja, empezó con un introvertido debut sobre el aislamiento emocional. Ahora suena fuerte en MTV o Los 40 Principales con una canción que pretende ser un himno inspirador. Precisamente son esas grandes magnitudes las que han demorado hasta un lustro la llegada de su quinto trabajo de estudio. ‘Walk On Water’, el único tema terminado y publicado por el momento, lleva más de un año escrito. La banda lo interpretó por primera vez en el campamentofestival que organizan ellos mismos en Malibú en agosto de 2016. Fue justo un año más tarde cuando a Leto se le ocurrió grabarla con un coro góspel. Y tres semanas después ya había salido a la luz. Su videoclip también responde a la ambición del artista. Las imágenes son tan sólo una parte del metraje que acompaña a las canciones del disco: un documental grabado tan sólo en las 24 horas que dura el 4 de julio, Día de la Independencia de los Estados Unidos. La idea de Jared Leto era mostrar la vida de los americanos siguiendo a algunos

seleccionados durante un día entero. 92 equipos de rodaje distribuidos por los 50 estados, Washington DC y Puerto Rico, y diez mil propuestas en vídeo. Por ahora, el clip parece el acto de apertura, pero incluso desde este inicio ya respira en sus imágenes y en la propia ‘Walk On Water’ ciertas aspiraciones de grandeza. Thirty Seconds To Mars estarán en el Wizink Center de Madrid, el Sant Jordi Club de Barcelona y en la Sala CUBEC! de Bilbao los días 12, 13 y 14 de abril del año que viene, respectivamente. Es una noticia que consuela y demuestra que el nuevo trabajo estará listo para esa fecha, aunque Jared Leto insista en que nada está terminado. Puede que de este próximo disco sepas casi tanto como él mismo.

cada día, de sol a sol, para acabar este álbum. Han pasado cinco años desde que lanzamos nueva música y estamos muy emocionados por sacarlo, por volver a la gira y por veros a todos vosotros”. Algunos fans pudieron escuchar la canción hace un año en Camp Mars. ¿Cuánto tiempo lleva el material listo?

“Algunas de las canciones llevan hechas seis meses, pero nada está acabado del todo. Todo tiene que ser terminado. La única canción que está al completo es ‘Walk On Water’. Seguimos trabajando en la música”. Estos cuatro años que han pasado desde la última vez que publicasteis un disco ha sido el tiempo más largo que habéis pasado

Hola Jared, encantada y enhora-

trabajando en uno. ¿Por qué

buena: el vídeo de ‘Walk On Wa-

crees que está durando tanto?

ter’ acaba de superar los cuatro

“Quiero que las cosas sean… (Se para, me da un largo silencio y vuelve a empezar -ndr.) Creo que lo que está llevando tanto tiempo es la vida. La vida nos mantiene ocupados. Hacer música no es simple, es complejo. Las respuestas no siempre están delante de ti, tienes que buscarlas o esperarlas. Lleva el tiempo que lleva”.

millones de reproducciones. JARED LETO “Gracias, te lo agra-

dezco mucho”. Esta canción es el primer single para el nuevo álbum, pero ¿está terminado? ¿Tiene fecha de salida?

“No tenemos fecha de lanzamiento, no tenemos un nombre. No está terminado, pero estamos trabajando

¿Qué crees que ha cambiado desde que lanzasteis LOVE LUST 23

“LA MÚSICA ME HA INSPIRADO, ME HA HABLADO MUCHO. HA SIDO UNA AMIGA, UNA COMPAÑERA Y UNA PROFESORA” JARED LETO

‘Walk On Water’ es una pieza del documental que acompaña

esté sobre el escenario y toquemos esta canción?’”.

a las canciones del disco. ¿De

FAITH + DREAMS?

“Madre mía, todo el mundo ha cambiado. Nosotros hemos cambiado, la música ha cambiado. ‘Walk On Water’ habla de cambio. Musicalmente, hemos explorado nuevos estilos en este trabajo. Creo que es un disco muy moderno, la gente se va a sorprender mucho”. ¿Cómo está siendo entonces ese proceso creativo para el álbum?

“Está siendo genial. Estamos realmente disfrutando con esta obra. Está siendo divertido, tenemos el espacio y el tiempo que necesitamos para crear. Lo hemos escrito y grabado por todo el mundo, incluso la pasada vez en la que estuvimos en España”.

qué trata el documental y cuál

¿Estáis preparando ya la gira?

es su relación con este álbum?

“Totalmente. Estas cosas llevan muchísimo tiempo, así que estamos trabajando también para el tour. Ya hemos empezado con las primeras ideas de producción”.

“El documental se llama A Day in The Life Of America. Y es exactamente eso. El álbum trata muchos temas. Exploramos los últimos cinco años de nuestras vidas y lo que está ocurriendo ahora en nuestro país. Siempre he querido hacer un documental en un solo día, como un retrato de Estados Unidos, y este increíble momento tan turbulento para su sociedad y su política. Algunos de los temas que se tocan en el disco parecen apropiados para esta experiencia, así que creo que era el momento de hacerlo”.

Madrid, Barcelona y Bilbao en abril. ¿Veremos algo de la tecnología que estrenasteis en la gala de los VMAs?

“Sí, usaremos nuevas tecnologías, también una producción nueva y emocionante y tendremos música nueva. Así que estamos muy felices de volver”.

álbum mientras estás trabajando

Hablando de ‘Walk On Water’,

en él?

comentabas que “una canción

“No lo sé. No creo que lo pueda saber hasta que no lo acabe, pero estamos muy emocionados, somos muy optimistas, estamos orgullosos de lo que hemos hecho hasta ahora y estamos deseando ver el siguiente capítulo”.

puede cambiar a una persona,

Con cada disco que lanzáis vuestro material suena más a lo gran-

¿Hay alguna razón por la que

recen más himnos para estadios.

viajes para escribir?

¿Por qué crees que es?

“Porque si no lo hiciera, jamás acabaría el álbum”.

“No lo sé. Hemos dado un montón de conciertos, siempre estamos de gira. Creo que ahora, cuando escribo música, pienso: ‘¿Cómo será cuando

tres fechas en España para

¿Y qué sensaciones te produce el

de, y las canciones cada vez pa-

Has explicado que el vídeo de

Thirty Seconds To Mars tiene

y una persona puede cambiar el mundo”. Dado que tu música sí que ha cambiado el mundo, ¿qué canción crees que te ha cambiado a ti?

“La música ha cambiado mi vida. Puede ser ‘Imagine’ de John Lennon o ‘Whole Lotta Love’ de Led Zeppelin. La música me ha inspirado, me ha hablado mucho. Ha sido una amiga, una compañera y una profesora”.

TRIBULATION

HIJOS DE CAÍN

¿TE FASCINÓ THE CHILDREN OF THE NIGHT, EL ANTERIOR TRABAJO DE TRIBULATION? PUES LOS SUECOS REGRESAN TAN BUENOS COMO LOS RECUERDAS EN DOWN BELOW, SU ATRACTIVO NUEVO ÁLBUM. ADEMÁS, ESTE MES LOS TENDREMOS POR AQUÍ ABRIENDO PARA ARCH ENEMY. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

LEGANTES, MELANCÓLICOS, ENIGMÁTICOS, sobrios,

maidenianos, poseedores de una trabajada imagen, apoyados por un contrato con Century Media… Son curiosas las películas que nos montamos acerca de los grupos que nos vienen de fuera y que logran seducirnos con sus canciones, porque si a priori podría parecer que Tribulation viven en una nube tras un asombroso álbum como The Children Of The Night y múltiples giras por todo el globo, charlando con el pausado guitarrista Adam Zaars uno comprende hasta qué punto las cosas están complicadas para todos. De hecho, casi parece que los escandinavos se encuentren en el mismo punto del que partieron a finales de abril de 2015, cuando publicaron tan aplaudido disco. Seguramente cuenten con unos cuantos fans más, y ya no digamos kilómetros a sus espaldas, pero escuchándole, desmoraliza un poco el comprobar cómo una banda capaz de entregar temas de tan bella factura y girar con grupos que nos encantan no haya logrado pelotazo alguno. Por su parte, Adam prefiere quedarse con las vivencias que ha atesorado en la carretera, y visto cómo está el patio, bien que hace. Lo que sí parece infalible es el olfato de unos Tribulation que, completados por Johannes Andersson (voz, bajo), Jonathan Hultén (guitarra) y Oscar Leander (batería), han vuelto

a encandilarnos con su nueva obra. Down Below vendría a ser una deconstrucción de The Children Of The Night, una reducción de su anterior disco para quedarse con su esqueleto, los elementos básicos, y a partir de ahí, añadir orquestaciones, coros y teclados entre unas guitarras que, no por ser más simples, dejan de emocionarnos. Si algo ha caracterizado a este combo desde sus inicios death metal es la constante evolución hacia nuevas sonoridades, y aunque seguramente ahora se encuentren explotando la fórmula en la que se hallan más cómodos, siendo éste su álbum menos aventurero teniendo en cuenta de dónde venían, tampoco se puede decir que el cuarteto nos presente un clon de la que seguirá siendo, de momento, la obra por la que se miden el resto de sus plásticos. Tres años después de The Chil-

dren Of The Night, ¿tu vida ha cambiado mucho o no? Ese disco significó un pequeño boom en la música underground, pero no sé si tu vida o vuestro estatus como banda han cambiado desde entonces… ADAM ZAARS “No, no, en reali-

dad no (risas). Ahora hemos estado haciendo lo mismo que durante mucho tiempo, no sólo en lo que a Tribulation se refiere actualmente. Mi vida es como la de todos en la banda, músicos para los que nada ha cambiado mucho. La única cosa que

ha cambiado es que hemos estado de gira un poco más, pero eso no es realmente nuevo para ninguno de nosotros, así que diría que nada ha cambiado demasiado”. Así, ¿no notasteis una mayor atención por parte de los medios y el público en general tras sacar ese disco? Porque, para mi gusto, The Children Of The

Night fue el mejor álbum de todo 2015… ¿Cuáles son entonces tus mejores recuerdos de estos tres años?

“Oh, bueno… en primer lugar, no notamos una atención diferente por parte de los medios, promotores, festivales y demás cuando sacamos The Children Of The Night. Particularmente, quiero decir que al final del ciclo de giras con ese álbum, cuando miramos atrás vimos que habíamos tenido buenos tours porque también nos habíamos centrado mucho en este álbum, así que definitivamente habíamos recibido más atención que antes. Pienso que por eso giramos más y tocamos mucho más, por eso ocurrió. Tengo muy buenos recuerdos de los últimos tres años, pero creo que el que mejor guardo es el de la gira con los americanos Deafheaven. Fue fantástico durante todo el tiempo, estuvo especialmente bien porque sólo fuimos dos bandas girando. Te puedes divertir en un gran pack, pero cuando sólo sois dos interactúas más los unos con los otros y en todo mo27

mento, ocurre muy de repente durante el tour entero. Tuvimos muy buenos momentos con esos chicos, así que ése es mi recuerdo más poderoso del pasado”. ¿Necesitasteis un tiempo de descompresión antes de poneros a escribir nuevo material tras tanta gira, algo así como unas vacaciones, o empezasteis a componer nada más terminar?

“No empezamos a escribir nada más llegar, pero parte del material del nuevo álbum es incluso de antes de empezar a tocar en directo, de empezar a girar. Tuvimos que hacer un break a la fuerza por la marcha de nuestro batería, nuestro anterior batería Jakob (Ljungberg), y estuvimos buscando uno durante mucho tiempo. En ese periodo pudimos poner mucha atención en la composición, en ese tiempo que no estuvimos girando pudimos pensar más en riffs, melodías y otras ideas, y Jonathan incluso tenía un par de canciones que no estaban terminadas del todo antes de que empezáramos a girar, pero en abril empecé a completarlas y a pasárnoslas con el material que yo tenía, empezamos a hacer nuevos temas juntos. De esta forma, yo diría que abril fue el punto de partida en el que empezamos a ensamblar las canciones, a probar cosas o a trabajar en el sonido”. ¿Qué me puedes contar de vuestro nuevo batería, Oscar, y qué ocurrió con Jakob?

“Jakob quería introducir algo más en su vida. Tuvimos grandes momentos de gira, momentos de estrés que también te vienen en la carretera, mo-

mentos de estar en quiebra… de ésos todo el tiempo, yo creo, y bueno, quiso tener una educación, y a eso se dedica ahora. Seguimos teniendo muy buenos momentos actualmente, él vino al estudio dos veces e incluso yo me he ido a algún sitio con él algunos sábados para darle a todo un toque más dramático. Básicamente él quería encontrar algo más. Creo que está bien, tiene otra banda, Second Son, donde canta y toca la guitarra, y están muy guays, son muy originales. Chequéalo cuando puedas. Y, yeah, encontramos a Oscar. Es el primer chico en la banda que no proviene de nuestro alrededor, simplemente, porque éramos adolescentes, o muy jóvenes, cuando creamos el grupo, y no hubo nadie más que nosotros en la banda durante mucho tiempo. A Jakob le conozco desde hace mucho, pues nacimos en el 87 y 88 y desde entonces ya juntos. Así que Oscar es un desconocido, supongo (risas), desde el principio, porque no le conocíamos de antes. Oscar viene de otro grupo, Deathstars, así que es un batería experimentado”.

forma, y por supuesto eso alguna vez puede llevarte muy lejos, con Tribulation evolucionando en cada disco, pues definitivamente es ilimitado hacia donde podemos ir. El espacio en el que creamos, el espacio donde notamos la pulsión como banda, opino que es bastante grande. Tenemos mucho terreno para experimentar, supongo, y ésa es la verdadera explicación, y también por la que creo que la línea entre The Children Of The Night y el nuevo álbum, Down Below, no es más grande de lo que había ido siendo en el pasado. Teniendo en cuenta a The Formulas Of Death, creo que Down Below suena mucho más a The Children Of The Night, y The Children Of The Night mucho más a Formulas”. Sí… Por primera vez vuestro nuevo álbum está muy cerca de lo que encontramos en el anterior, pero al mismo tiempo, se nota un esfuerzo en añadir más teclados, elementos orquestales y voces adicionales o coros en temas como ‘Subterranea’,

Desde The Horror, un álbum de

‘Lacrimosa’, ‘The World’ o ‘Pur-

puro death metal, vuestra evo-

gatorio’.

lución ha sido continua, indiscu-

“Sí, definitivamente sí. Estos elementos han estado presentes desde el primer disco, pero creo que los hemos acentuado más en este álbum. Puedes escucharlos de una forma más clara, les hemos dado más espacio, desde luego”.

tible. Habéis ido un paso más allá con cada trabajo. ¿Cómo explicas esa constante y enorme metamorfosis?

“Lo explico con que dejamos que la música nos guíe de muchas formas antes de ponernos a pensar qué vamos a hacer antes de hacerlo. No nos establecemos metas de ningún tipo, no decimos ‘vamos a hacer un disco así, o que suene a eso’. Evolucionamos en cada álbum, de alguna

¿Por qué elegisteis un título en castellano para ‘Purgatorio’ y qué me puedes contar de esta canción instrumental? Parece sacada de una película de Tim

“EVOLUCIONAMOS EN CADA ÁLBUM, DE ALGUNA FORMA, Y POR SUPUESTO ESO ALGUNA VEZ PUEDE LLEVARTE MUY LEJOS” ADAM ZAARS Burton, la verdad…

pero tocado con los mínimos

nuevo y gran álbum… ¿Cómo

“(Risas) Bueno, siento decepcionarte, y aunque yo no tengo ni idea de castellano, obviamente, Jonathan lo escogió del nombre italiano. La razón detrás de ello es que nosotros estamos muy influenciados por bandas italianas y compositores de allí, como Fabio Frizzi, Goblin, grupos de metal como Mortuary Drape, Death SS y algunos más. Enlazándolo con esa pregunta anterior sobre los teclados y el sonido de piano, eso está muy inspirado por la música de Italia y muy especialmente por Goblin. Y por eso creo que escogió ese nombre. En un primer momento la llamamos ‘Purgatorium’, en latín, pero no casaba del todo con nosotros y por eso decidimos pasarla a la versión italiana… y a la española, claro (risas)”.

recursos posibles. Lo cierto es

disteis con ella?

que me recuerda a los antiguos

“Yo diría que es una de las que tener en cuenta… Creo que es un tema que definitivamente debía ser el último porque realmente no la habíamos probado juntos, no habíamos encontrado el modo de terminarla. Al principio no estábamos del todo satisfechos con ella, pero cuando entramos en el estudio, todavía no habíamos terminado todas las canciones. Se la dejamos ver a nuestro productor, Martin Ehrencrona, y dijo ‘veamos qué podemos hacer con ella’, qué se podía añadir con su input. ‘Here Be Dragons’ es sin duda una de ésas que pasaron por ese proceso de finalización. Para serte honesto, al final de todo, casi saliendo del estudio, es cuando empezamos sus voces y a escribirle la letra. La canción trasmite como una especie de paz lenta, y es muy complicado encontrarle un sonido vocal adecuado. Fue la más

U2 de los 80 y los primeros 90… Como guitarrista, ¿estás influenciado por The Edge?

“No, nunca les he escuchado en absoluto. No puedo creer que suene igual, para serte honesto”. OK, perdona (risas).

“No, de ninguna forma, de ninguna forma (risas), quizá tendría que chequear algún disco”. Es una banda interesante… en los 80, por supuesto. Tras

Achtung Baby se convirtieron en mainstream total y puta basura, pero en los 80 U2 fueron una gran banda.

“(Risas) Está bien, está bien…”. Guay (risas). Opino que ‘The World’ es el tema más especial

‘Here Be Dragons’ es un tema

de Down Below. Es un himno,

final muy épico para cerrar un

feratu, por la atmósfera y sentimiento que transmiten. Así que no en todos los temas, pero sí en las primeras y antiguas canciones, por supuesto”. Vais a girar con Arch Enemy, Wintersun y Jinjer, pero la verdad, no creo que estés muy interesado en ese tipo de bandas… Se trata de una simple oportunidad de expandir vuestra base de fans, ¿no?

complicada de grabar en cuanto a voces, pero al final la actuación es excelente como siempre, pero creo que los arreglos y los coros son de los mejores que puedes encontrar en el disco. Incluso diría que se ha convertido en uno de mis temas favoritos de todo el álbum, aunque casi se desechase…”. En canciones como ‘Here Be Dragons’ o ‘Cries From The Underworld’ hay un toque adicional a lo John Carpenter, noto su influencia en los arreglos… ¿Es eso posible?

“Eso es posible, sí (risas). Absolutamente. John Carpenter es genial, creo yo. Nunca he escuchado su obra entera, entiendo mucho más de compositores italianos, pero como compositor lo he disfrutado siempre que lo he escuchado, siempre he disfrutado con lo que ha hecho. ‘Cries From The Underworld’ es una canción de Jonathan, el segundo guitarrista, y él seguro, seguro la escribió específicamente influenciado por John Carpenter. Así que sí, eso es

totalmente cierto”. Las películas de terror han sido vuestra principal fuente de ideas a la hora de crear las letras de los discos, ¿pero también ha sido ése el caso de

Down Below?

“Para serte totalmente honesto, desde el pasado que las pelis de terror no han inspirado realmente las letras. Al principio, especialmente en el primer disco, sí puedes encontrar cosas relacionadas. ‘Spawn Of The Jackal’ es claramente por La Profecía, ‘The Vampyre’ es obviamente por los vampiros, Nosferatu en particular, pero en el nuevo álbum la única canción inspirada por películas de miedo en su contenido lírico es ‘Here Be Dragons’. Cuando estamos muy influenciados por ese tipo de films, es más a través de la música que por las pelis de terror en sí, y no sólo por sus bandas sonoras, sino también por la atmósfera que buscamos. Y de todas maneras, eso ocurre con algunas de ellas, no con todas. Especialmente quiero recalcar las películas de Nos-

“Sí, es un buen tour, una gira grande, vamos a girar por Europa hasta marzo. Deseo girar más por Europa que con el anterior álbum, donde tocamos principalmente por Estados Unidos, pero ésta es una gran oportunidad para nosotros de cubrir el oeste y el sur de Europa. Después, nos sentimos afortunados de también tener la ocasión de tocar con Insomnium un mes después de que volvamos. Esta gira recorre el Este y baja hasta Grecia, y también España creo. Tenemos la oportunidad de recorrer toda Europa en tres meses, así que qué decir…”. Tribulation junto a Ghost sería una gira brutal, y también son suecos…

“Seguro. Giramos con ellos en Estados Unidos, en realidad (pues sí, fue en abril de 2016… -ndr.)”. Vaya, qué guapo.

“Sí, creo que en una gira europea sería genial también. Veremos, no me paro a pensar qué me deparará el futuro, prefiero sorprenderme”.

OF MICE & MEN

DESAFÍO TOTAL

SÓLO LOS MIEMBROS DE OF MICE & MEN SABEN EL CALVARIO POR EL QUE HAN PASADO DESDE QUE SU VOCALISTA AUSTIN CARLILE SE VIERA OBLIGADO A DEJAR EL GRUPO POR UNA ENFERMEDAD DEGENERATIVA. PERO SU NUEVO ÁLBUM, DEFY, DEJA CLARO QUE LA BANDA NO ESTÁ DISPUESTA A RENDIRSE. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

ACE JUSTO UN AÑO, el futuro de

Of Mice & Men parecía de lo más incierto. El 30 de diciembre de 2016, su cantante Austin Carlile hacía pública su decisión de abandonar el grupo para mudarse a Costa Rica y centrarse en su salud. Ya en 2010, el síndrome de Marfan que padece le había obligado a dejar temporalmente el grupo, pero esta vez la situación era mucho más crítica. Naturalmente, el bienestar de su ahora excompañero era la máxima prioridad, pero al mismo tiempo situaba a Aaron Pauley (voz, bajo), Phil Manansala (guitarra) Alan Ashby (guitarra) y Valentino Arteaga (batería) en una difícil encrucijada justo en el momento en el que, gracias a discos como Restoring Force o Cold World, se habían convertido en la banda más popular del metalcore americano. ¿Habían llegado Of Mice & Men a su fin? ¿Deberían buscar un nuevo cantante o sería mejor cambiar de nombre y empezar de cero? Finalmente, la banda de Orange County encontró la respuesta en su interior. Literalmente. Aaron, que ya ejercía de segunda voz, dio un paso al frente para tomar la máxima responsabilidad vocal. El pasado abril, sus seguidores ya pudieron comprobar que la decisión había sido la correcta gracias al lanzamiento del single ‘Unbreakable’, y algunos incluso tuvieron la oportunidad de verlos en directo

en verano. Aquí, hemos tenido que esperar un poco más, pero gracias a su incorporación a la gira de Five Finger Death Punch e In Flames, también hemos visto que la banda todavía tiene recorrido. Justo después de su concierto en Barcelona, Aaron y Valentino nos recibían en su camerino para charlar sobre su nuevo disco Defy (Rise), que verá la luz el 19 de enero. Si bien su discográfica había advertido que la banda quería hablar de su presente y no se permitirían preguntas sobre Carlile, al final, era inevitable que su nombre surgiese durante la conversación.

mos pasado queda reflejado en las letras, en la música, en la emoción. Creo que hay un gran contraste con Cold World porque ése era un capítulo diferente de nuestras vidas. El tiempo que transcurre entre un disco y otro queda reflejado en el siguiente, por eso cada uno sonará diferente. Queríamos reenfocar nuestro sonido hacia algo más metal y pesado. En verano tocamos en festivales europeos como el Hellfest, el Graspop, el Download, y vimos que el público necesita ese tipo de música, la reacción fue increíble y eso nos inspiró mucho”.

Creo que a mucha gente le va a

Una gira como ésta, con In

sorprender lo cañero que es el

Flames y Five Finger Death

nuevo disco.

Punch, es perfecta para presen-

VALENTINO ARTEAGA “¡Fantásti-

taros al público metalero.

co! De lo que va Defy es de desafiar las expectativas de la gente. Era muy importante hacer el mejor disco de Of Mice & Men que pudiéramos. Siempre hemos sido conocidos por hacer música cañera y agresiva, y queríamos mostrar ese lado de manera aún más evidente”.

AARON PAULEY “Desde luego.

Son dos bandas con un gran reconocimiento dentro de la comunidad metal y es un honor tocar para su público”. Es de locos pensar que ésta es la primera oportunidad que el público español ha tenido de

Cold World tenía muchas in-

veros.

fluencias nu metal, pero éste es

AARON “Sí, es una locura. Cuando

más metal, metal.

miraba el público esta noche, y ayer igual en Madrid, he visto un montón de camisetas de Of Mice & Men, y mucha gente que se sabía las letras. Aunque no sea quizá lo que la gente esperaba, poder venir los cuatro y

VALENTINO “Guay. Nunca hemos

querido hacer el mismo álbum dos veces. Queremos poder crear música que nos motive y que nos inspire en cada momento. Todo por lo que he-

“CREO QUE HAY UN GRAN CONTRASTE CON COLD WORLD PORQUE ÉSE ERA UN CAPÍTULO DIFERENTE DE NUESTRAS VIDAS. EL TIEMPO QUE TRANSCURRE ENTRE UN DISCO Y OTRO QUEDA REFLEJADO EN EL SIGUIENTE, POR ESO CADA UNO SONARÁ DIFERENTE” VALENTINO ARTEAGA

presentarnos como lo que somos ahora y que la gente nos acepte nos da mucho ánimo y nos hace estar seguros de que hemos hecho lo correcto”. VALENTINO “Es una pasada pensar hasta dónde te puede llevar la música. Cuando empezamos el grupo, nunca pensamos que llegaríamos a tocar en Europa. Ahora estamos tocando en países donde nunca habíamos estado y viendo a nuestros fans por primera vez. Creo que ahora pueden tener la experiencia completa de lo que es Of Mice & Men”. Me gustaría que me pudierais aclarar un poco toda la creación del disco... Lanzasteis el single ‘Unbreakable’ por sorpresa en abril, pero no sé si en ese momento ya estaba grabado el 34

álbum entero. AARON “Empezamos a componer

el disco a mediados del pasado diciembre. Necesitábamos descubrir cuál iba a ser el siguiente capítulo para la banda. El paso lógico era crear música y, además, era algo terapéutico para lidiar con todo lo que había pasado. Alquilamos un Airbnb en Los Ángeles y fuimos a un par de estudios en los que habíamos trabajado antes. Teníamos varios temas, pero ‘Unbreakable’ y ‘Back To Me’ eran los que mejor capturaban lo que estábamos haciendo a principios de año. Como teníamos varios conciertos en primavera y verano, les dijimos a Rise Records si podíamos grabar un par de temas para que los fans pudieran ver la dirección que estábamos tomando y

también para tener algo nuevo que tocar en esos festivales. El sello dijo que les parecía genial y nos pusieron a trabajar con Howard Benson, y él trajo a Chris Lord-Alge para las mezclas. Entre los dos han hecho un montón de discos que nos han inspirado. Quedamos tan contentos que hicimos un pacto secreto de que haríamos el álbum entero con ellos, pero que tenían que esperar a después del verano para que pudiéramos terminar nuestra gira. Estuvimos de abril a junio tocando por todo el mundo y eso nos ayudó a reconectar con nuestros fans. En 2016 habíamos tenido que cancelar varias giras, así que esto fue una oportunidad de poder ir o volver a muchos de esos lugares. En la mayoría de festivales tocábamos entre 50 y 60 minutos, así que

casi pudimos analizar qué es lo que a nuestros fans les gustaba de nuestras canciones y qué es lo que a nosotros nos motivaba más como músicos. Cuando volvimos a casa, estuvimos dos semanas componiendo y de ahí fuimos directos al estudio. Grabamos el disco en verano, luego paramos dos semanas para digerirlo todo, y el 21 de septiembre, antes de salir de gira por Estados Unidos, grabamos un videoclip. Y ahora estamos aquí. Esta gira termina el 21 de diciembre y luego volveremos a casa. Habrán sido 97 días de gira y por eso todos nos hemos tatuado ese número (me enseña un 97 en una pantorrilla -ndr.). Ha sido un año muy ocupado, pero nos ha servido para reconectar con nuestros fans y entre nosotros. Un autobús de gira es como un submarino, así que hemos convivido mucho y eso nos ha unido. Creo que este álbum tiene la energía del directo porque hemos dado un montón de conciertos”. VALENTINO “Los fans y los grupos con los que hemos tocado nos han inspirado muchísimo en tener esa energía. Tocamos con Ozzy Osbourne, Deep Purple, Gojira… estar inmerso en esa comunidad nos hizo reconectar también con toda esa música”. ¿Cómo fue trabajar con Howard Benson? ¿Estaba al corriente de vuestra situación? AARON “Nuestra experiencia fue

totalmente positiva. Para él todo iba sobre el sentimiento que sentíamos al tocar. Dedicamos muy poco tiempo a cuestiones de sonido, y mucho a cómo nos hacía sentir la música. No intentó influenciarnos o cambiarnos, sino entender quiénes somos. Fue un

proceso sin ninguna tensión, cosa que nunca nos había ocurrido antes”. VALENTINO “Fue muy divertido. Nos ayudó a ser creativos. Nos decía, ‘haced lo que queráis, grabad lo que queríais, y luego lo escucharemos y le encontraremos un sentido’. Grabamos en Los Ángeles, muy cerca de donde vivimos, aunque con el tráfico de allí nos costaba una hora en coche. Así que podíamos estar en casa, estar en nuestro ambiente y ¡poder ver el sol! Muchas veces, cuando estás en el estudio, no hay ventanas, estás en una caja y te ves obligado a crear. Pero esta vez fue como estar en una caja abierta. Había árboles, había sol, todo lo que nos rodeaba nos inspiraba y teníamos un equipo que no paraba de animarnos. Creo que todo eso se nota en la música”. ¿Cómo encaja la versión de ‘Money’ de Pink Floyd con lo que queríais contar en este nuevo trabajo? AARON “Para este disco teníamos

un montón de música preparada que habíamos trabajado en nuestro estudio, pero aun así, teníamos cinco semanas y media reservadas en el estudio de Howard Benson por lo que pudiera pasar. El caso es que en tres semanas y media ya teníamos toda la parte instrumental grabada y para las voces, contando coros, íbamos a utilizar diez días más, con lo cual nos sobraba como una semana entera. Así que Howard nos sugirió que escribiéramos una balada o un tema lento, que acabó siendo ‘If We Were Ghosts’, y también que grabáramos una versión, sólo por divertirnos. Lo peor que podía pasar es que, si no nos gustaba, no íbamos a me-

terla en el disco. En ese momento estábamos escuchando mucho The Dark Side Of The Moon de Pink Floyd y yo sugerí grabar ‘Money’ porque tenía su línea de bajo todo el día en la cabeza. A Howard le pareció muy buena idea y lo probamos”. VALENTINO “Nunca hubiéramos imaginado hacer una versión así de no ser por Howard. Esos momentos creativos en el estudio son impagables. Todo el mundo que entraba en el estudio alucinaba con cómo iba sonando. Se me ponen los pelos de punta sólo de pensarlo (me enseña el antebrazo -ndr.). Es una canción con la que crecimos y que hemos logrado llevar a nuestro territorio. Es uno de mis temas favoritos del álbum”. AARON “Cuando la terminamos a todo el mundo le encantó y decidimos ponerla en el disco. Casi todo el álbum va de cambios, cada canción trata sobre un punto de vista o una solución cuando hay cambios, y ‘Money’ en el fondo trata sobre cómo pensamos que todos nuestros problemas desaparecerían si tuviéramos más dinero, pero la realidad no es ésa. Al revés, el origen de muchos problemas está en el dinero. Así que incluso a nivel de letra encajaba con el resto del disco. Me gustaría atribuirme el mérito, pero fue por pura casualidad”. ¿Cómo afrontasteis las letras? ¿Os daba miedo que la gente pudiera pensar que según qué cosas iban dirigidas a Austin? AARON “Intenté no pensar en nada

de eso. Intenté pensar en lo que sentíamos nosotros cuatro. Por cada hora que dediqué a componer música, posiblemente dediqué tres o cuatro a charlar con la banda sobre 35

“NO PUEDES SUSTITUIR A UN MIEMBRO DE LA FAMILIA. OF MICE & MEN SIEMPRE HA SIDO UNA FAMILIA” AARON PULLEY

“CUANDO ESTABA EN GRUPOS DE HARDCORE, LAS BANDAS QUE SONABAN EN LA RADIO O ESTABAN EN MULTIS ERAN COSAS COMO BON JOVI, ERA IMPENSABLE LLEGAR A TENER UNA CARRERA EN AQUELLOS MOMENTOS” WALTER SCHREIFELS

cómo nos sentíamos. Quería que saliesen de nosotros, no sólo de mí. No pensé en el mundo externo. Intenté no edulcorar lo que sentíamos, pero al mismo tiempo, traté todo lo que estábamos pasando con mucho respeto. No hay ningún mal rollo con Austin, así que no había nada que ocultar”. VALENTINO “El nuevo disco no trata sobre una persona concreta, sino de cómo superar una etapa de cambios. Nos mostramos como humanos y queremos que la gente nos vea como humanos, y creo que Aaron escribió unas letras geniales que 36

reflejan eso”. La realidad es que la gente odia los cambios, pero una vez pasas por ellos, te das cuenta de que

Para que un árbol crezca bien, tienes que podarlo. Si quieres un tatuaje, primero te va a doler. Para crecer tienes que pasar por cambios y afrontar las adversidades”.

casi siempre son a mejor. AARON “¡Yo odio los cambios! ¡No

Mucha gente no quiere cambiar

me gustan! Pero haciendo este álbum me di cuenta de que lo que hemos pasado como banda no es nada inusual dentro de la experiencia humana. Si miras cualquier cosa que merezca la pena, hay algo de sufrimiento y esfuerzo detrás. Si quieres moldear una barra de metal, primero tienes que calentarla y golpearla.

por miedo o por pura pereza. VALENTINO “Sí, es un trabajo duro.

Pero hemos aprendido un montón haciendo este disco. Al final la única persona que te puede ayudar en un gran cambio eres tú mismo, tienes que buscar la fuerza en tu interior. Naturalmente es mucho mejor si estás rodeado de grandes personas, y

Mice & Men? AARON “Hablamos de todo, tam-

por suerte, nos teníamos los unos a los otros. Aaron, Phil y yo somos vecinos, necesitábamos estar cerca de los demás y tener una gran comunicación. Nadie es inquebrantable, todo el mundo pasa por momentos difíciles, y creo que este disco puede ayudar a mucha gente que esté pasando por algo parecido. Todas nuestras bandas favoritas hablaban de esas dificultades y eso crea una conexión con tus fans”. ¿Se os pasó por la cabeza cambiar del todo y empezar de cero con otro nombre distinto a Of

bién de eso. Incluso Austin propuso a un par de personas para que le sustituyeran, y durante muchas semanas no sabíamos qué íbamos a hacer con nuestro futuro. No lo sabíamos. Pero antes de que decidiéramos si seguir como Of Mice & Men, lo que hicimos fue juntarnos en el local de ensayo y simplemente tocar. Es un local más pequeño que esta habitación y estuvimos improvisando durante dos horas. Y al final dijimos ‘vamos a tocar ‘Bones Exposed’’. Fue la primera canción nuestra que tocamos. Y me puse a cantar y a gritar y sentí una emoción increíble. Todos nos miramos y sentimos que era algo demasiado poderoso como para dejarlo escapar. Pensamos que si éramos capaces de hacer algo que hiciera justicia a lo que habíamos hecho en el pasado, no tenía por qué terminar. Estas canciones significan mucho para nosotros y también para mucha otra gente. No sé si lo has visto, pero había un chaval con una pancarta que ponía “Llevo seis años esperando a OM&M”. Así que cuando decidimos seguir con el grupo lo hicimos tanto por nosotros como por esa gente. Haciendo el disco nos dimos cuenta de que habíamos hecho lo correcto. Hicimos un acto de fe. Cerramos los ojos y saltamos al vacío. Y nuestros fans son los que nos han recogido”. Creo que para los fans también es importante que no hayáis

Nosotros somos mejores amigos, siempre estamos juntos, nos queremos. No puedes reemplazar eso y no puedes sentar en la mesa a alguien en el sitio que otro ha dejado vacío”. VALENTINO “Cuando Austin nos dijo que no podía seguir, tuvimos que pensar muy profundamente qué era lo mejor para Of Mice & Men. Aaron asumió ese papel, y aunque sé que no ha sido fácil, sabíamos que era un gran cantante. Todo ha sido muy natural. Alan y Phil ahora hacen los coros y creo que el sonido de Of Mice & Men sigue ahí”. ¿Habéis sabido de Austin últimamente? ¿Seguís en contacto o habláis a menudo? VALENTINO “Sí, claro. Está ense-

ñando béisbol en Costa Rica y sigue con otros proyectos. Es muy abierto con lo que está haciendo y creo que es importante para él compartir su historia. Y nosotros también la compartimos. Pero cuando te haces mayor, tienes que tomar decisiones. Aunque no quieras, tienes que tomarlas, sobre todo en lo referente a la salud, por supuesto. Este estilo de vida es muy exigente”. Sí, incluso para las personas sanas... VALENTINO “Exacto

(risas). Como te decía, llevamos 90 días de gira y es duro. No es fácil, estamos cansados, pero una vez más, creo que es un testimonio de que, si crees en ti mismo, puedes tirar adelante”.

sustituido a Austin. Lo habéis hecho vosotros cuatro. AARON “No puedes sustituir a un

miembro de la familia. Of Mice & Men siempre ha sido una familia. 37

WATAIN

FUROR,

DIABOLICO TRAS EL GRAN ESTALLIDO NORUEGO, SÓLO UNA BANDA DE BLACK METAL HA SIDO CAPAZ DE IGUALAR LA GLORIA DE TODAS ESAS FORMACIONES LEGENDARIAS. CON SU NUEVO ÁLBUM TRIDENT WOLF ECLIPSE , WATAIN PROLONGAN SU REINADO INVOCANDO SUS MAYORES VIRTUDES: LA VIRULENCIA, LA MAGIA NEGRA Y EL FANATISMO. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

E PUBLIC ARÁ EN NADA, el viernes 5 de

enero, e inmediatamente se convertirá en uno de los mejores trabajos de 2018. Si las apariciones de voces limpias, semi baladas o incluso flirteos con el flamenco de su anterior y controvertido álbum The Wild Hunt descolocaron a muchos de sus seguidores, éstos ya pueden respirar tranquilos porque Trident Wolf Eclipse (Century Media) viene a ser su antítesis. Durante poco más de media hora, Watain nos someten a una de sus más hermosas y despiadadas sesiones de black metal que les recordemos, colocando rápidamente este sexto trabajo entre lo más granado de su discografía. Como no podía ser de otra forma, nos enfrentamos por enésima vez al alma de la entidad sueca que se completa con Håkan Jonsson a la batería y Pelle Forsberg a la guitarra, el cantante Erik Danielsson, a quien esta vez encontramos de un excelente humor y algo alejado de esa aura de hermetismo y estudiadísimo discurso que solía desplegar antaño. Por supuesto, nos desvela muchos de los misterios y significados ocultos de su nueva obra y no se calla una, pero es cierto que no todas sus respuestas proceden de libros olvidados o antiguos cultos y que pudimos gozar de bastante más cercanía. Ah, y sobra decir que esta conversación discurrió entre un ambiente mucho más distendido y calmado que durante nuestro último encuentro en Berlín… Será que tanto el vocalista como un servidor empezamos a hacernos mayores. Han ocurrido muchas cosas des-

de vuestro último álbum… Por

¿Crees que el hecho de haber

ejemplo, Håkan ha decido dar

tocado entero el álbum Casus

por terminada su vida en la ca-

Luciferi durante toda una gira

rretera, al menos de momento.

puede explicar que Trident Wolf

¿Podrías tratar de resumirme

Eclipse sea un disco tan crudo y

qué ha pasado en el corazón

salvaje?

de Watain en los cuatro, cinco

“No, no creo que una cosa tenga mucho que ver con la otra, porque, para mí, cada álbum significa una unidad entera y hacer otra cosa sería como hacer trampa, no somos ese tipo de banda (risas). Creo que Trident tiene su propia entidad, el nuevo disco vendría a ser como el ataque de un depredador, así que no, no creo que una cosa tenga que ver con la otra. Ya cuando hicimos ese tour estábamos con el nuevo álbum, aunque eso no quita que girar conjuntamente con Mayhem fuera genial”.

años que separan The Wild

Hunt de Trident Wolf Eclipse? ERIK DANIELSSON “Sí, exacto…

OK, son cinco años, cinco años bastante largos, pero no sé qué ha ocurrido en este tiempo, para serte honesto (risas), aunque algo ha ocurrido, desde luego, y ésa es la razón por la que el nuevo disco suena como suena. Hemos ido yendo de lugares muy introspectivos, de descubrimiento interior, de las vibraciones casi melancólicas en The Wild Hunt hacia este tipo de expresión muy violenta, poderosa y fuerte de este álbum. No creo que hayamos ido a ahondar más en ese cuento profundo, sino que el disco representa el camino recorrido por Watain en estos cinco años. Después de The Wild Hunt fue el momento de dejarse llevar por nuestro espíritu y crear algo con poder y fuerza. Desde luego estamos ante algo nuevo, pero sinceramente, la transición hacia el peligro que representamos ahora fue muy suave, no fue algo forzado para nadie porque es algo que siempre ha estado en Watain y no mentimos a nadie. Teníamos material para trasladar eso bien en el álbum. Emil (Svensson, de Degial y Repugnant –ndr.), el nuevo batería, es una batería increíble, está más que cualificado para tocar en Watain. Es una buena situación, creo que eso es importante para que todo vaya perfecto”.

Si no recuerdo mal, vosotros erais los cabezas de cartel en el tramo norteamericano de ese tour… ¿Cómo os hacía sentir tocar después de una leyenda como ellos cada noche?

“Mmm… No, fue una gira como cocabezas de cartel, íbamos cambiando la organización cada noche. Pero bueno, que girar con Mayhem fue grande, es una de las bandas más importantes para Watain y para mí personalmente. Es genial, ellos son gente fantástica, son realmente una banda muy especial, así que todo fue OK. Creo que conectábamos muy bien los unos con los otros”. Sin voces limpias, ningún tipo de concesión en 34 minutos… Sinceramente, ¿el caos y la violencia de Trident Wolf Eclipse podría ser una reacción hacia

“EL TRIDENTE ES LA TRINIDAD, EL LOBO ES LA FUERZA DEPREDADORA, EL ESPÍRITU ANIMAL DE WATAIN, Y EL ECLIPSE ES LA OSCURIDAD, LA OSCURIDAD DONDE RESIDE NUESTRA MAGIA”

ERIK DANIELSSON

vuestros haters, hacia toda esa gente que opina que Watain

mí mismo, no para que aprecien mi música o cosas por el estilo”.

quiso ir hacia el mainstream con una canción como ‘They

Si analizo la nueva portada,

Rode On’? ¿Es el nuevo disco

percibo un camino de ilumina-

un gran ‘fuck you’ para toda

ción para alcanzar la cima de

esa gente?

la sabiduría, esa montaña, a

“¡Yeah! Pero no lo sé, lo cierto es que no lo sé. Yo veo que a la gente le gusta hablar sobre Watain, decir cosas negativas sobre nosotros, pero no me importan ese tipo de opiniones acerca de las cosas que hago. No son nada interesantes para mí, estoy algo aburrido de todo eso ya. Prefiero centrarme en esa gente a la que sí le gusta Watain, ¿sabes? Esa gente que sí se preocupa, que sí se molesta en ello. Y sus opiniones son mayoritarias a las de esas personas, valoran ‘They Rode On’ por sí mismas. No sé por qué hay gente que me odia, no es interesante para mí. Creo que el sonido de Trident Wolf Eclipse tiene algo que decir respecto a The Wild Hunt, es definitivamente una reacción hacia The Wild Hunt, pero no por esas personas que lo odiaron, es una reacción potente hacia todo lo que el disco significó. The Wild Hunt fue algo muy profundo, una larga historia que contar, que reflexionaba sobre los diversos estados de nuestras vidas, pero esta vez intentamos decir lo que siempre hemos intentado decir pero con las palabras necesarias, sólo con los recursos necesarios, haciéndolo todo más sencillo en esta ocasión. Ésta es una forma muy inspiradora con la que trabajar, que crea una energía muy distinta sobre el escenario, por ejemplo, donde más puede volar esa energía. Pero no creo que ésa sea la razón, no… ‘Watain quieren joder a esa gente’… No. Hago las cosas por

través de la cruz tridente de

Watain. Es decir, vuestro black metal y mensaje.

“Sí, bueno, creo que es una buena descripción sobre ello, es más bien un camino hacia el poder, hacia el lugar donde queremos estar. Es una senda a través de un entorno muy hostil, entre un desierto salvaje, un camino muy animal donde es fácil salirse. Pero si continúas, si tienes mucha determinación, al final puedes alcanzar ese lugar. El concepto detrás de la portada vino porque muchas de las letras contienen ideas similares, muchas de las letras hablan de ese camino, los conflictos y las duras pruebas a las que te somete, porque la determinación es la esencia de la fuerza y el poder de esa senda. Eso es un poco lo que cuenta la portada y de cómo su fortaleza reside en el tridente que está en medio y no se mueve entre las montañas, y luego el eclipse entre las llamas. Entonces, la idea general del título resume mucho la naturaleza de Watain. El tridente es la trinidad, el lobo es la fuerza depredadora, el espíritu animal de Watain, y el eclipse es la oscuridad, la oscuridad donde reside nuestra magia. Para comprender eso hay que recurrir a la imagen que hemos estado utilizando desde hace muchos, muchos años. El tridente, el lobo y el eclipse. Por tanto, eso son elementos centrales en Watain, pero si te fijas en el tridente, y piensas en el título, verás que la

primera letra de cada una de las palabras, T, W y E, también existen en el símbolo del tridente, pues es una W por arriba, es también una E por arriba, y es una T en la cruz que sostiene el tridente, así que esas letras son muy importantes para el título en sí mismo. Y ésa es la explicación de la portada y el nombre del disco… Todo en Watain tiene un significado, hay muchos secretos numerológicos en los nombres, es complicado resumir todo eso cuando lo usamos de una forma tan natural”. Volviendo a la música, Trident

Wolf Eclipse no toma prisioneros, pero también puedo apreciar un toque emotivo en las guitarras de temas como ‘Towards The Sanctuary’ o ‘The Fire Of Power’. Creo que se trata de la belleza de la oscuridad.

“Sí, yo también puedo captar mucha de esa belleza en este álbum, porque, si observas la situación de cuando un lobo ataca a su víctima… cuando un lobo ataca a un conejo, por ejemplo, si miras esa situación desde la distancia, experimentarás un sentimiento de obscenidad, violencia, instintos depredadores, una situación muy peligrosa, pero al mismo tiempo, contemplarlo también es muy pero que muy hermoso. Es algo sublime a la vez, algo muy evocador. Ésa es una representación de por qué Watain puede ser bello, pienso que eso representa la idea completa de lo que es Watain”. ¿Y por qué os decidisteis por titular en alemán un tema como ‘Teufelsreich’?

“Creo que eso será entendido mejor con las letras. Se trata de, cómo lo

“EL BLACK METAL ES LA PARTE ANIMAL DE LA MÚSICA, ES LA MÚSICA OSCURA Y TERRIBLE BASADA EN EL CAOS DE LA HUMANIDAD”

ERIK DANIELSSON

diría… es complicado explicarlo, por eso creo que a través de su letra se entenderá mejor. El título significa ‘El Reino Del Diablo’, en general, y para mí significa el lugar a donde mi camino me lleva, es hacia donde se encamina esa senda, por así decirlo”. ‘Ultra (Pandemoniac)’ es como una tormenta, es un tema que hace total justicia a su nombre,

nos encanta, me gusta muchísimo. Creo que está muy influenciado por el death metal, los primeros discos de Dismember y todo eso, y sí, definitivamente fue tomado como un arma”.

superfluas de la sociedad entran ahí. Puedo estar interesado a título personal por algunas de esas cosas, pero no tienen lugar en Watain”. Por otro lado, ayer estuve leyen-

¿Quién fue el productor esta

do acerca de algunos problemas

vez?

que hayáis podido tener con

“Es el mismo que nos grabó todos los demás discos antiguos, Tore Stjerna de Necromorbus Studio”.

la policía alemana, o gente del

pero a través de ella compren-

Sweden Rock tratando de cancelar vuestros shows por vuestra actitud black metal, o estúpidas

des que la producción es el

¿Sigues sin sentir ningún tipo

acusaciones de nazismo… Tengo

arma secreta de este álbum. Es

de influencia a raíz de los

la impresión de que el mundo

realmente ruidosa y anárquica,

acontecimientos actuales que

es, a cada segundo que pasa,

pero al mismo tiempo, cada

ocurren en el mundo? No sé,

más conservador y reaccionario,

uno sonáis muy diferenciados y

la crisis económica, la guerra

y hay mucha gente tratando de

potentes, todos gozáis de vues-

contra el Daesh o el terrorismo

exportar una falsa moralidad al

tro propio espacio.

internacional…

metal extremo, cuando su esen-

“OK, sí, muy bien. Trabajamos un montón ese sonido, y a cada momento chillábamos a nuestro productor ‘¡Más jodido ruido! ¡Dale más caña, que te jodan!’, y él nos decía ‘¡Que os den, putos cabrones, esto va a matarme!’ (Risas). Pero sí, a todos

“Trato de mantener todo eso en un espacio fuera de Watain. Watain está siempre centrado en otro nivel de realidad de la humanidad, haciendo frente a la oscuridad, los secretos y los misterios del mundo. Nada de la política o las idioteces

cia ha estado fuera de la ley desde el principio.

“(Risas) Sí, siempre me ha gustado joder a ese tipo de gente o actitudes. Siempre he visto a gente metiéndose en lo que los demás piensan, es siempre peña hablando de moralida43

“THE WILD HUNT FUE ALGO MUY PROFUNDO, PERO ESTA VEZ INTENTAMOS DECIR LO QUE SIEMPRE HEMOS INTENTADO DECIR SÓLO CON LOS RECURSOS NECESARIOS, HACIÉNDOLO TODO MÁS SENCILLO”

ERIK DANIELSSON

des, intentando ganar algún tipo de influencia personal en lo que los otros opinan. Me pone enfermo, estoy cansado de todo eso. No tengo nada que explicar, nada que decirle a esa gente, estoy buscando mi moralidad y tratando de hacer la música correcta en mi propia dimensión. El black metal es la parte animal de la música, es la música oscura y terrible basada en el caos de la humanidad. No se inmiscuye en el sistema político, no opina sobre ideologías u otros aspectos que haya aceptado la raza humana. Para muchos es una representación de la llegada del Diablo, es la música del Diablo, y a la gente le asusta eso… Pues muy bien, por supuesto, deberían temerlo. Es totalmente correcto que tengan miedo, y por eso nos caen todas esas putas acusaciones, porque esa gente no tiene mucho más para hacerle frente. Hay personas que le tienen miedo a las artes marciales, pues yo no (aquí ya se empieza a calentar –ndr.). Watain disfrutamos de una buena pelea. Hay gente que rehúye de las peleas y todo eso… pues nosotros no. Nos viene una lucha, pues OK, vamos allá. Es siempre interesante ver qué va a ocurrir”. Fui a la primera edición del Stockholm Slaughter, en Suecia, y aluciné con la pasión y la lealtad de vuestros fans en Escandinavia. Todo el mundo iba uniformado para veros,

así como una religión allí… ¿Cómo te hace sentir eso?

“Es genial, por supuesto, es un signo de camaradería entre la gente, de que se mueven, se organizan juntos, se lo hacen entre ellos… Pienso que es magnífico, siempre me han gustado los símbolos de comunidad, y Watain siempre hemos tenido ese tipo de relaciones entre nosotros. Para nosotros es una responsabilidad, está claro. Por otro lado, no es una organización oficial de Watain, es una organización formada por fans de Watain, es lo que puedo decir sobre ello. No es una representación de Watain, es algo de fans para fans”. Vais a tocar en el Leyendas del Rock el próximo verano… Hace unos años, tocasteis en el Resurrection Fest y luego ya no volvisteis para presentar The

Wild Hunt en salas… Esta vez, ¿va a ser el show del Leyendas vuestro único show aquí o planeáis volver de gira unos meses después?

“Sí, creo que esta vez vamos a volver con una gira para hacer más conciertos en España porque hace ya algún tiempo que no lo hacemos. Hace ya mucho, sí, y actualmente lo encuentro extraño, porque sólo estáis a tres, cuatro horas y allí hemos dado algunos de nuestros mejores shows. Para mí es fantástico, voy a ir para Barcelona en unas semanas y no puedo esperar, es uno de mis lugares favoritos del mundo”.

parcheados como motards, organizados en facciones o capítulos de vuestra black

metal militia. Watain es algo

AVATAR

HAIL TO THE KING!

CON UNA VISIÓN MUY TEATRAL PARA PRESENTARSE EN ESCENA Y UNA MENTE ABIERTA A LA HORA DE INCORPORAR DIFERENTES SONORIDADES AL HEAVY METAL, LOS SUECOS AVATAR HAN CONSEGUIDO CAPTURAR LA IMAGINACIÓN DE MUCHOS AFICIONADOS ÁVIDOS DE NUEVAS EXPERIENCIAS. CON SU NUEVO ÁLBUM AVATAR COUNTRY ASPIRAN A AMPLIAR TODAVÍA MÁS SUS FRONTERAS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

AY GRUPOS

que sacan discos conceptuales, pero su historia queda limitada al propio álbum. Pero Avatar han ido un paso más allá y para su séptimo trabajo Avatar Country (Century Media), que se publicará el 12 de enero, se han currado un envoltorio hasta el mínimo detalle con el fin de transportarte a su mundo de fantasía. Todo el disco está dedicado a The King, el guitarrista de la banda Jonas Jarlsby, ahora públicamente coronado como Rey del país de Avatar. En lugar de la típica nota de prensa con una biografía del grupo, han enviado una detallada historia de ese país y cuando llamo al vocalista Johannes Eckerström para realizar esta entrevista, en el auricular primero escucho una fanfarria de trompetas y luego salta una voz femenina que me dice “Bienvenido al país de Avatar. Su llamada será transferida en unos instantes. ¡Viva el Rey!”. Después de cuatro tonos responde el cantante, quien también me saluda con un “¡Viva el Rey!”. Y aunque en un principio, no parece salirse del papel, al cabo de un rato empieza a responder cuestiones más mundanas sobre la naturaleza de su música o cómo afronta sus primeros conciertos en nuestro país como cabezas de cartel. Los días 23 de marzo en Bilbao, 24 en Madrid y 25 en Barcelona, Avatar, que completan Tim Öhrström (guitarra), Hen47

rik Sandelin (bajo) y John Alfredsson (batería), esperan encontrarse con muchos súbditos de su reino.

Así que se tratan distintos temas”. Parece que el Rey tiene sentido del humor. Al menos en ‘The

¿De dónde salió la idea de dedi-

King Speaks’, se cuenta que ha

car este disco al país de Avatar

recibido un enema.

y a su Rey?

“Al Rey le encanta el humor. Es una de las razones por las que le amo tanto. En caso de estreñimiento hay que tener en cuenta tratamientos como un enema. De hecho, eso es algo serio”.

JOHANNES ECKERSTRÖM “Den-

tro del país de Avatar hace mucho tiempo que sabemos que el Rey es, de hecho, el Rey. Sentíamos que era el momento perfecto para descubrirle a la gente la verdad sobre el Rey y abrir nuestras fronteras. Queríamos que 2018 fuera el primer año de su reinado a nivel global. Igual que en el calendario chino tienen el año del tigre, el año del dragón o el año del perro, en el país de Avatar, cada año es el año del Rey. Sé que es confuso, pero también es glorioso”. ¿Cómo se fue gestando todo esto?

“Como teníamos esta idea tan clara, el proceso fue muy claro. Comparado con discos anteriores, esta vez no había que buscar nada, sabíamos lo que queríamos hacer. Todos entendíamos lo que había que hacer para presentar el país de Avatar”.

¿Tiene el Rey algún privilegio cuando salís de gira?

“La palabra del Rey es ley. Tiene derecho a todo lo bueno que le venga. Por suerte, y el motivo por el que el Rey es Rey, es que, aunque el país de Avatar no sea una democracia, es una monarquía, siempre busca el bien de todos. Sería absurdo convertirlo en una democracia porque todos votaríamos al Rey igualmente. Es un Rey muy bueno y tiene derecho a todo. Tiene derecho a tener mi cabeza en una bandeja de plata si la quisiera. Pero el Rey me ama a mí, como te ama a ti, y nunca haría eso”.

escuchando últimamente que también me ha influenciado. Y además, el año pasado leí la biografía de Keith Richards y eso me volvió a despertar el interés por cómo cambiar la afinación te cambia el enfoque que tienes hacia la guitarra. Es una manera de tocar tu propio patrón. Yo no soy un gran guitarrista, puedo escribir riffs, pero no los toco en el disco (risas). Perdón, me estoy yendo por las ramas… En todo caso cambiar la afinación me hizo ser más intuitivo y escribir de una manera que no haría con una afinación estándar. Y también, como el título sugiere, quería transmitir esa sensación de bienvenida. Es una celebración. Hay muchas imágenes que puedes crear sobre el país de Avatar y una que queríamos mostrar era una imagen surrealista, salida de los sueños, algo psicodélica. Es un país donde te puedes sentir muy libre, así que ésta es una canción en la que podemos improvisar. Normalmente somos una banda muy preparada en la que sabes qué nota va a sonar en cada momento, pero en esta canción nos dejamos ir más”.

A nivel musical, aun teniendo una base metal, sois bastante abier-

Has citado a Devin Townsend y

tos. ‘The King Welcomes You To

creo que tenéis en común que,

¿Definirías las canciones como

Avatar Country’ suena bastante

aunque tengáis una vertiente

himnos dedicados al Rey? Todas

distinto a lo que se espera de

progresiva, también sabéis escri-

contienen la palabra ‘king’ en

vosotros, es más bluesy.

bir piezas muy pegadizas.

su título...

“Me gusta que me preguntes por ésa porque fue uno de los riffs que tuve el honor de presentar al Rey. Hay dos aspectos diferentes a destacar. Uno es que la afinación es distinta. Es una afinación abierta. Soy un gran fan de Devin Townsend y, por lo que sé, todo lo que publica es con esa afinación. Y luego hay gente como Seasick Steve o cosas de blues antiguo que he estado

“Aprecio mucho que digas eso. Yo tengo una relación difícil con el término ‘progresivo’ aplicado a la música. El progresivo viene de progresar, pero en el fondo es un estilo muy consolidado. Cuando algo es fácil de parodiar es que ya está muy establecido: te imaginas un ritmo raro, un cambio de clave, una melodía, un bajo que empieza a hacer notas locas y nadie sabe por

“La primera canción, ‘Glory To Our King’, es el himno nacional. El resto son distintas maneras de explicar la historia y las leyendas de nuestro país. Por ejemplo, ‘King After King’ cuenta la relación complicada que tiene el Rey con la mortalidad porque es un ser humano mortal y un semidiós inmortal al mismo tiempo.

“CUANDO LAS COSAS TE VAN BIEN ES IMPORTANTE QUE NO CEDAS Y NO TE DEJES INFLUIR POR LO QUE QUIEREN LOS FANS. TIENES QUE COGER LA CONFIANZA QUE TE DA EL ÉXITO PARA HACER LO QUE QUIERAS. ES MÁS FÁCIL DECIRLO QUE HACERLO” JOHANNES ECKERSTRÖM

qué… Puedes reírte de mucho del metal progresivo y eso significa que no progresa en nada. Cuando era adolescente descubrí a Porcupine Tree, cuando sacaron Deadwing, y sentía que era algo progresivo, algo que no había escuchado antes y que llevaba algunas ideas más allá de lo normal. Donde quiero llegar es que si nosotros somos progresivos es porque nos esforzamos en no escribir la misma canción dos veces. Como metalheads, antes de los conciertos nos reunimos alrededor del Rey y escuchamos ‘Hail And Kill’ de Manowar. Con eso te quiero decir que queremos hacer heavy metal que mole y creo que el país de Avatar es un lugar de heavy metal, pero también queremos hacer un metal que no ha-

yamos escuchado antes. Ése es uno de los objetivos que tenemos. Por eso es acertado decir que tenemos una mentalidad progresiva. La primera banda en la que pienso cuando pienso en heavy metal es Judas Priest. Pero el día que salió Defenders Of The Faith era el disco más nuevo en ese momento, con el sonido más fresco, lo mismo con Black Sabbath, y eso es lo que quiero hacer por el heavy metal. Hacer el disco más nuevo y fresco del día que salga porque eso es lo que hicieron mis héroes. No hace falta que tenga la etiqueta progresiva para que algo haga progresar la música. ¡Eso es lo que me interesa! Después del progresivo de los 70, vino el punk, luego la New Wave Of British Heavy

Metal, siempre hay algo que aparece que no se había escuchado antes. Iron Maiden, Judas Priest, Metallica, Anthrax, Testament, Slayer, Meshuggah… queremos ser parte de ese linaje, pero al mismo tiempo, queremos que te diviertas. Es interesante”. Las dos partes de ‘Silent Songs Of The King’ también son una progresión. No habíais hecho algo parecido antes.

“Sí, a veces la idea es tan sencilla como hacer algo que no habíamos hecho antes. Y en este caso, de nuevo, cada canción cuenta una historia sobre lo que es el país de Avatar. Y es interesante cuando haces algo así con un tema instrumental. La única pista es

el subtítulo ‘Winter Comes When King Dreams Of Snow’, pero si escuchas la canción, suena como un sueño de nieve (risas). En ese caso fue Tim quien tuvo el honor de presentar esa pieza al Rey. Salió de la misma mente que hizo ‘Hail The Apocalypse’, y eso quiere decir que como banda puedes hacer muchas cosas distintas y seguir sonando a ti mismo. El mismo corazón late en todas las canciones. Cuando los grupos usan compositores externos están metiendo otro corazón y con eso corres el riesgo de que se pierda la identidad. Los Beatles hicieron ‘Blackbird’, ‘She Loves You’ y ‘Come Together’; son completamente diferentes, pero todas suenan a los Beatles”. De todos modos, dentro del metal, incluso las bandas pioneras necesitan la aprobación de los fans más tradicionales para que lleguen a consolidarse y ser realmente grandes dentro de la comunidad. No sé si piensas que estáis en ese punto en el que habéis sido aceptados por el público joven, pero falta ser aceptados por la vieja escuela.

“Creo que en la carrera de cada grupo, primero llegas a la gente de tu generación y luego a la más joven. Es natural. Yo mismo suelo escuchar a grupos que ya conozco y sé que me gustan que a bandas más jóvenes. Ahora mismo estoy escuchando Aqualung de Jethro Tull y cosas así. O escucho cosas antiguas que no conocía, como artistas de blues. Me llama más la atención eso que escuchar a un chaval de 20 años. Pero nuestro público varía de país a país. Por ejemplo, en Reino Unido los ciudadanos del país de Avatar son

mucho más jóvenes que en Alemania. Hay una diferencia brutal. En ambos hay excepciones. Supongo que tiene que ver con la posición que ocupa el metal en cada sociedad”. También habéis tenido bastante éxito en Estados Unidos, algo que nunca es fácil para los grupos europeos. ¿Ha tenido alguna influencia a la hora de plantear el nuevo disco?

“Hemos tenido un ascenso mucho más rápido allí comparado con el que tuvimos en Europa. Aquí empezamos mucho antes, habíamos sacado cuatro discos cuando salió el primero en Estados Unidos. Si algo hemos aprendido es que ese nivel de éxito lo conseguimos con un disco en el que no nos comprometimos con nada a nivel artístico. No escuchamos a nadie, ninguna decisión fue tomada en base a lo que había dicho nadie de fuera del grupo. Vimos muy claro que, cuando Avatar somos simplemente Avatar, es cuando más avanzamos. Cuando no pensamos en términos comerciales, cuando no pensamos en la radio, es cuando más ganamos. Empezamos tocando juntos de adolescentes y naturalmente había un proceso de aprendizaje, pero cuanto más pasamos de las opiniones de los demás y más en lo que creemos, más éxito hemos tenido tanto en Estados Unidos como en Europa. Nuestro éxito allí ha tenido un efecto rebote y las giras que hemos hecho posteriormente en Europa han atraído a más público también. Por eso estamos tan contentos de poder ir a España por primera vez como cabezas de cartel. Hemos estado allí con Hardcore Superstar, con Avenged

Sevenfold, pero luego nos costó un montón poder volver hasta que tocamos el verano pasado en el Download. Siempre ha sido genial tocar en España. Tengo un recuerdo muy vivo de esos conciertos. Cuando tocamos en Madrid, la gente que llevaba la sala llegó tarde y todo se retrasó. Nosotros estábamos dando vueltas con nuestra caravana hasta que pudimos entrar en la sala. Teníamos resaca y estábamos cabreados, pero en diez minutos montamos todo el escenario, nos cambiamos y sacamos toda esa rabia durante el concierto. Fue un show fantástico”. Me da la sensación de que vuestros fans son muy, muy fans. Lo viven mucho. ¿Sientes cierta responsabilidad respecto a ellos?

“No sé si ésa es la palabra adecuada. Cuando alguien te admira por algo que haces y encima te ganas la vida con ello, es muy importante tener un respeto y sentir gratitud hacia esa gente. Pero al mismo tiempo, cuando las cosas te van bien, también es importante que no cedas y no te dejes influir por lo que quieren los fans. Tienes que coger la confianza que te da el éxito para hacer lo que quieras. Es más fácil decirlo que hacerlo. Es muy tentador pensar que has encontrado una fórmula y puedes volver a utilizarla. Pero prefiero fracasar haciendo un disco con el que me sienta feliz artísticamente que al revés. Ése es el mensaje que Avatar y nuestro Rey queremos transmitir: sé fiel a ti mismo”.

E NL AE RADE LST RE AMI NG,CADAVE ZSOMOSME NOSL OSQUESE GUI MOS V AL ORANDO L OSDI SCOSCOMO OBRASDEART E .PE RO COMO SE GURO QUE SIE ST ÁSL E YE NDO E ST ARE VI ST A,E RE SUNO DEL OSNUE ST ROS,UN AÑO MÁS T EOF RECEMOSUNA SEL ECCI ÓN DE50PI EZASQUENO DUDARÍ AMOSEN COL OCARE N UN MUSE O MUSI CAL .SUV ARI E DADY ,AP ARE NT E ,DE SCONE XI ÓN RE F L E J ANP E RF E CT AME NT EL OST URBUL E NT OST I E MP OSQUEE S T AMOSVI VI E NDO. SDEL OSMÁSE XT RE MOSAL OSMÁSDE L I CADOS,E ST OSSON L OSSONI DOS DE QUEMÁSPL ACE RNOSHAN DADO E NE ST E2017QUEAQUÍT E RMI NA.

TOP INTERNACIONAL

E FOREVER

(ROADRUNNER)

l metalcore se ha convertido en una palabra sucia. Como ocurre cada vez que un género se hace muy popular, la proliferación de bandas adscritas a una escena, y su consecuente saturación, ha llevado a la degradación del propio término y ahora vemos como cada vez más grupos incluso reniegan de haber formado parte de ella. Pero si algo sitúa a Code Orange por encima de la media, y hasta cierto punto justifica que desprendan cierto aire de superioridad, es el no limitarse a jugar dentro de las reglas no escritas de un estilo. Ya en el anterior I Am King (2014) introdujeron algún toque

industrial y aquí vuelven a hacerlo, incluso, con mejores resultados con una clara influencia de Nine Inch Nails. La incorporación de chirriantes efectos electrónicos no hace más que aumentar la sensación de incomodidad y agobio que transmiten sus canciones. Desde que arrancan con el tema que da título al álbum, un groove aplastante digno de Unsane, la banda deja claro que no está aquí para hacer amigos. Si tienes un mal día ponte Forever. Sus 34 minutos, abrasivos, oscuros, pero también con destellos de melodía, no te harán sentir mejor, sino más bien lo contrario. Naturalmente, lo decimos como un elogio.

1/ CODE ORANGE

2/ BRAND NEW

A Foto: Carles Rodríguez

SCIENCE FICTION

(PROCRASTINATE! MUSIC TRAITORS)

l final el susurro ha acabado ganando la partida, como deja claro Science Fiction, quinto y último disco de Brand New, publicado por sorpresa a mediados de agosto, ocho largos años después del anterior. No es que la dualidad haya desaparecido (el cuarteto de Long Island sigue arañando), sino que la languidez desafiante de canciones como ‘Limousine’, ‘Luca’ y ‘You Stole’ ha acabado definiendo el discurso de un disco que es, por encima de todo, homogéneo y profundo. Con una hora de duración, Science Fiction

se va revelando poco a poco con cada escucha, desde las mutaciones internas de canciones como ‘Same Logic / Teeth’ y ‘Out Of Mana’ hasta las constantes referencias al final del grupo (“I think I’m going to be relieved when it’s over”, dice ‘Lit Me Up’). ¿Será éste realmente el último disco de Brand New? Si lo es, puede que no sea recordado como su obra maestra (siempre recalará en The Devil And God...), pero sí como el álbum que Jesse, Vinnie, Brian y Garrett llevaban dentro todo este tiempo. El final perfecto.

3/ DYING FETUS

C WRONG ONE TO FUCK WITH (RELAPSE)

on una vuelta al logo antiguo, un título grandérrimo y una ofensiva portada digna de sus inicios, la excitación hacia este álbum se desbordó. Ante todo eso uno ya encara lo nuevo de Dying Fetus con un ánimo distinto, pero de igual forma, no está preparado para esta tremebunda lección. Porque Wrong One To Fuck With es sobre todo un autohomenaje, una celebración de lo que los indiscutibles reyes del brutal death, junto a Suffocation, han ido despachando en estas más de dos décadas. Una conmemoración, sí,

pero a la vez, un perfeccionamiento, una elevación hacia el Olimpo. Ante esta cátedra sólo puedes mostrarte eufórico. ‘Fixated On Devastation’ abre de forma abusiva, ya de inicio uno se imagina una sala cabeceando como si le fuera la vida en ello, pero es que ‘Panic Amongst The Herd’ es un atentado que le arrancará una lágrima de sádico placer a más de un fan. Hay intangibles que no se pueden aprender, adquirir, plagiar o comprar. El feeling, la maestría, lo que sólo atesoran algunos elegidos que ya peinan canas.

4/ THE MENZINGERS

D AFTER THE PARTY (EPITAPH)

ónde vamos a ir ahora que ya pasamos de los 20?”, se preguntan The Menzingers en ‘Tellin Lies’, el estupendo tema que abre su estupendísimo quinto disco. Son el paso del tiempo y las contradicciones que provoca la asunción de responsabilidades de ‘la vida adulta’ cuando te ganas la vida tocando en una banda de punk rock los ejes temáticos de un álbum que tiene la respuesta a la pregunta inicial en sí mismo. Y es que, cuando estás en una formación tan buena como

The Menzingers, no te preocupes, seguro que las cosas te irán bien. Lo mejor que puedo decir de un álbum es que no me sobra ni una de sus canciones, y eso es lo que pienso cada vez que escucho After The Party. Además, las 13 aquí incluidas fluyen armónicamente y se complementan y retroalimentan unas a otras. Ya sea con un riff tan efectivo como el de ‘Thick As Thieves’ o estribillos triunfales como los de ‘Lookers’ o ‘Boy Blue’, The Menzingers eligen siempre la opción correcta.

5/ QUEENS OF THE STONE AGE

S VILLAINS (MATADOR/ POPSTOCK!)

i el excelente …Like Clockwork recorría los pasillos más melancólicos de la psique de Josh Homme, Villains podría ser visto como un manifiesto a favor del carpe diem. La energía bailable con la que ‘Feet Don’t Fail Me’ abre el álbum es realmente contagiosa al igual que la que encontramos en la vacilona ‘The Way You Used To Do’, la frenética ‘Head Like A Hunted House’ o el arrebato guitarrero al final de ‘The Evil Has Landed’. No faltan sus

característicos ritmos sincopados en ‘Domesticated Animals’ o el glam destartalado de ‘Un-Reborn Again’, pero la musicalidad y sutileza que la banda consiguió en …Like Clockwork también tiene su continuación aquí en narcóticos y brillantes medio tiempos como ‘Fortress’ y ‘Villains Of Circumstance’, o la sensual ‘Hideaway’. Gracias a su visión única y la astucia de sus compañeros, Homme ha creado un hermoso monstruo de Frankenstein con el que seguir dominando el rock actual.

6/ PALLBEARER

E HEARTLESS (PROFOUND LORE/NUCLEAR BLAST)

ntre el trajín diario y el bombardeo constante de información, todos necesitamos desconectar en algún momento. Es ahí donde entra Heartless, el tercer álbum de Pallbearer. Estamos ante un disco que requiere toda tu atención, pero que a cambio te transporta a un mundo donde el tiempo no existe y te conduce por paisajes tan sugerentes como la montaña con forma humana que ilustra su portada. El cuarteto de Arkansas construye sus temas como si fueran piezas de orfebrería,

cada nota está colocada exactamente donde quieren formando una partitura melancólica y elegante. A pesar de la fuerte vena progresiva (dos de sus siete temas pasan de los diez minutos), y que su doom celestial conserva toda su esencia, Heartless suena menos impenetrable que obras anteriores. La voz aguda de Brett Campbell se aleja de los registros lúgubres habituales en el estilo y, aunque tiene algún arranque puntual de agresividad, por lo general sus melodías tienden a elevarte el espíritu.

12.01.18 AVATAR COUNTRY | The new album available as: Ltd. CD Digipak + Patch · CD Jewelcase · Black LP+CD · Digital Album GLORY TO AVATAR COUNTRY! GLORY TO OUR KING! AVATAR World Tour | Supports: OLD KERRY MCKEE, HELLZAPOPPIN 23.03.18 BILBAO Sala Santana 27 · 24.03.18 MADRID Sala Mon Live · 25.03.18 BARCELONA Sala Bikini

Exclusive vinyls, bundles and more can be found in our webstore:

www.CENTURYMEDIA .com

7/ FULL OF HELL

S TRUMPETING ECSTASY (PROFOUND LORE)

i andas metido en el mundillo del grindcore y el powerviolence más volátil y experimental, últimamente es casi imposible no haber leído o escuchado loas hacia Trumpeting Ecstasy, la nueva obra de Full Of Hell. Entre la tralla inhumana que se espera de una banda de su estilo, estos estadounidenses también intercalan industrial, noise ensordecedor y samples retorcidos para hacer de su arte una iracunda

sinfonía que desearías no haber descubierto nunca. La primera mitad de ‘Crawling Back To God’ te deja tomar aire, pero por una cosa o por otra, es de los pocos salvavidas que te encontrarás en este álbum. ‘Trumpeting Ecstasy’, una especie de Godflesh llevados al límite con voz femenina incluida, es el mejor ejemplo de hasta qué punto Full Of Hell pueden destruirte el cerebro sin recurrir a blast beats manidos ni demás recursos sobados.

8/ PROPAGANDHI

S VICTORY LAP (EPITAPH) (EPITAPH)

in llegar a los extremos de Tool, ser fan de Propagandhi es una putada. Si ya de por sí es complicado cazarles sobre un escenario, también hay que añadir las largas esperas a las que nos someten entre discos. Para nuestra suerte, el resultado siempre suele estar por encima de lo esperado y Victory Lap continúa esa tradición. Hace ya tiempo que los canadienses traspasaron los límites del hardcore melódico y el punk rock añadiendo elementos del metal más técnico para convertirse

en un grupo único que ha servido de inspiración a bandas como A Wilhelm Scream o Protest The Hero. Ya sea por los nuevos aires que haya podido traer la incorporación de la guitarrista Sulynn Hago o por cualquier otro factor, lo cierto es que nos encontramos ante uno de sus trabajos donde los riffs cobran más importancia que nunca. Hasta adentrándose en terrenos más progresivos como ‘Adventures In Zoochosis’ con sampler de Trump incluido, Propagandhi siguen siendo los putos amos.

9/ MASTODON

EMPEROR OF SAND (WARNER)

astodon se habían puesto el listón tan alto en sus cuatro primeros discos que, los dos últimos, The Hunter y Once More ‘Round The Sun, aun siendo muy buenos, no acabaron de colmar las expectativas. Por suerte, Emperor Of Sand nos los devuelve en su mejor versión: ésa en la que la suma de sus influencias sublima en un sonido que moldean a su antojo. Ya sea porque se han decidido a crear un álbum conceptual inspirado en dramas que les han tocado muy de cerca o porque

han vuelto a trabajar con Brendan O’Brien, como hicieran en Crack The Skye, el cuarteto de Atlanta se muestra de lo más iluminado. La naturalidad con la que Brent Hinds, Brann Dailor y Troy Sanders intercambian sus voces hace que Mastodon brillen tanto cuando disparan un torpedo melódico como ‘Show Yourself’ como cuando sacan su vena más progresiva, como en ‘Jaguar God’. Ah, y quien piense que se han ablandado que escuche ‘Andromeda’ o ‘Scorpion Breath’, y luego hablamos.

10/ CREEPER Q ETERNITY, IN YOUR ARMS

(ROADRUNNER)

uienes se hubieran interesado por el sexteto de Southampton por sus EPs previos y esa faceta más punk no se sentirán decepcionados para nada cuando escuchen los primeros cortes de su primer largo. Unas lúgubres notas de piano y una voz femenina recitada nos adentran en esa atmósfera oscura que domina el disco, y a continuación suenan ‘Black Rain’ y ‘Poison Pens’, dos piezas que podrían haber salido de Black Sails In The Sunset de AFI, la primera con el punto justo de épica y, la segunda, más rápida, con unos coros cercanos al hardcore. A continuación nos encontramos con la explosiva

‘Suzanne’, un pedazo de single, más rockera y con un punto a los Misfits que me pone mucho. ‘Hiding With Boys’ es incluso más pegadiza, con Creeper apropiándose del punk pop made in Alkaline Trio y una melodía que parece salida de la pluma de Matt Skiba; un truco que vuelven a utilizar más adelante en ‘Darling’, a su puente me remito. Eternity, In Your Arms es un disco de fácil digestión -te acordarás de todos los temas a la primera escucha-, pero presenta suficientes recursos para que no te canses de él cuando lleves más de diez. Una excelente carta de presentación para una banda con un potencial enorme.

11/ BELL WITCH U MIRROR REAPER

(PROFOUND LORE)

na hora, 23 minutos y 15 segundos de canción para sentar cátedra en el funeral doom. Para crear el álbum por el que, seguramente, a partir de ahora deban medirse el resto de obras del estilo y, por extensión, las próximas de Bell Witch. El catálogo de Profound Lore suele ser pura magia, como la misma portada de este trabajo, pero esta vez Bell Witch han ido demasiado lejos… y todo ello con un recurso que no es nuevo,

el del único corte que ocupe todo el metraje, pues desde Sleep pasando por Ea o nuestros propios PYLAR que lo hemos ido disfrutando, pero en términos funeral, nunca exhibiendo tamaño dominio del lenguaje, la pausa e incluso el silencio. En varios momentos te sorprenderás a ti mismo con los brazos abiertos en tu habitación, totalmente absorto, preso y dominado por la terrible emoción que los de Seattle han sabido plasmar en su tercer largo.

12/ POWER TRIP

G NIGHTMARE LOGIC (SOUTHERN LORD)

racias a su directo explosivo, hoy en día Power Trip son un valor al alza dentro del underground. Afortunadamente son una de esas bandas que están resucitando el thrash, sí, pero no sólo fijándose en el que se practicó en la Bay Area más rentable. Como Toxic Holocaust, Violator o Deathraiser, ellos amplían el horizonte subterráneo hacia la perversión canadiense, la sordidez germana, y con guitarras oxidadas consiguen que no puedas parar de menear la melena al son de temas

tan buenos como infinitamente simples, llámense ‘If Not Us Then Who’, ‘Executioner’s Tax’ o ‘Nightmare Logic’. De verdad, estas tres es que molan cacho… Luego cojan a los mejores Sodom, métanles solos a lo Slayer y tendrán el torpedo ‘Firing Squad’. ‘Waiting Around To Die’ es ya desde su misma intro un total homenaje a los 80, y ‘Ruination’ y ‘Crucifixation’ son directamente una marcada de paquete, una macarrada cuyo mayor valor es la chulería con la que Riley Gale manda ante el micro.

13/ ROYAL THUNDER

S WICK

(SPINEFARM)

in armar un gran revuelo, Royal Thunder vieron cómo hace un par de años su segundo largo, Crooked Doors, fue aupado por la prensa especializada como uno de los trabajos más destacados de 2015. Su particular manera de entender un sonido que ni era metal pesado, stoner o rock sureño, y sin embargo todo eso al mismo tiempo impregnando su propia personalidad, les hizo asomar la cabeza por encima de la media. Ahora tocaba demostrar que aquello no fue mera casualidad, sino de que estamos ante una formación única

en su escena, siendo capaces de distanciarse de la competencia sin renunciar a nada. Y eso mismo es lo que supone WICK. Sin ser un álbum precisamente sencillo, sí que se puede afirmar que estamos ante una obra más inmediata y de fácil asimilación respecto a anteriores entregas. Con ‘Plans’ nos tocan la fibra al igual que en la genial ‘Push’, cuyo cambio de rumbo hacia la mitad resulta matador. Los coros a lo góspel de ‘We Never Fall Asleep’ nos despiden dejando una sensación de paz interior inmejorable.

14/ THE WAR ON DRUGS

S A DEEPER UNDERSTANDING (ATLANTIC)

i bien hay que apuntar que A Deeper Understanding carece de esa aura de misticismo shoegaze que envolvía a su predecesor, en su lugar encontramos una producción mucho más definida y orientada al gran público. De hecho, el inicio de ‘Up All Night’ dejará a la mayoría en fuera de juego con esas bases programadas. Pero a la que le sigue esa majestuosidad llamada ‘Pain’ (una de esas canciones perfectas que sólo se escriben cada cierto tiempo), el resto del disco resulta ser apabullante hasta que acaba. En ‘Holding On’, ‘Nothing To Find’ e ‘In Chains’ nos

recuerdan que hubo una época en los 80 en la que Bruce Springsteen y Dire Straits dominaban las ondas sin que lo comercial estuviese reñido con la calidad. De hecho, la etapa más ochentera de Bob Dylan es otra de las principales influencias aquí. La bella tormenta eléctrica de ‘Strangest Thing’ o el viaje de ida y vuelta de ‘Thinking Of A Place’ (¿Hace cuánto que Wilco no graban un tema así?) dejan claro que aquí Granduciel está tocado por una barita mágica. Y si no, escuchen el cierre a lo Dylan que es ‘You Don’t Have To Go’, poniendo la guinda a uno de los álbumes de la temporada.

15/ CONVERGE

A THE DUSK IN US (EPITAPH/PIAS)

l contrario que muchas otras bandas, Converge no están constantemente reclamando tu atención. Saben que su tiempo, y el de sus fans, es demasiado precioso como para malgastarlo dando la tabarra en las redes sociales. Cuando llega el momento, y se sienten inspirados, se reúnen, graban un disco, lo sacan, giran un poco, y hasta luego. Como los buenos atletas, los de Boston saben dosificar sus energías y por eso cada álbum es tan necesario como el anterior. Con la edad, o al menos a eso deberíamos aspirar, uno aprende cómo gestionar

mejor la rabia y sus frustraciones, y por eso da la impresión de que en los cinco años transcurridos desde All We Love We Leave Behind, los miembros hayan ido embotellando su mala leche para destaparla de golpe en este The Dusk In Us. Pero la banda también ha aprendido a dominar registros más sutiles. Los 7 minutos de ‘The Dusk In Us’ con estética shoegaze o la oscura ‘Thousand Of Miles Between Us’ son una oportunidad para que tanto Jacob Bannon como el oyente cojan aire. Sinceramente, no vemos el momento en el que saquen un mal disco.

16/ THE FLATLINERS A INVITING LIGHT (RISE)

l igual que sus colegas de The Menzingers, los miembros de The Flatliners se enfrentan en este 2017 a esa fatídica barrera mental llamada ‘los 30’. Y del mismo modo que la banda de Pensilvania, los canadienses llegan a su quinto álbum con aires de renovación. Tras la incorporación a las filas de Rise, su primer trabajo de estudio en cuatro años se nos descubre como el comienzo de una nueva etapa que el combo parece afrontar con una sonrisa en la cara. Porque si algo irradia Inviting Light es positivismo

por los cuatro costados, algo que se intuye desde la misma producción, más pulida y brillante. Una prueba de esta transición es ‘Mammals’, que nos recibe con unos oscuros acordes que pronto se tornarán en una pieza que va creciendo poco a poco, aunque se aprecia que han puesto una marcha de menos. Esa madurez bien entendida se hace aún más evidente en ‘Indoors’ y ‘Burn Out Again’, medio tiempos en los que se acercan al rock con regustillo Foo Fighters que no les sienta nada mal, como dejaron entrever en capítulos anteriores.

17/ AT THE DRIVE-IN

C IN.TER A.LI.A (RISE)

uando un grupo lanza un disco nuevo después de 17 años de silencio tiene mucho más que perder que ganar. Y si no, que se lo pregunten a Refused… Quizá por ello At The Drive-In han ido a asegurar el resultado, arriesgando poco y ofreciendo un material que difícilmente pueda decepcionar a sus fans. Esperar que hubieran sido capaces de ofrecer algo que tuviera tanto impacto como tuvo Relationship Of Command en su momento era una utopía, pero quien

les hubiera seguido en su momento se reencontrará desde el primer minuto con la formación que recordaba, y quien se acerque a ellos por primera vez, descubrirá a un grupo todavía excitante y con una gran personalidad. Ya sea con un enfoque más directo en ‘Incurably Innocent’, o con descargas de adrenalina como ‘No Wolf Like The Present’ o ‘Continuum’, At The DriveIn consiguen situarnos, una vez más, entre la euforia revolucionaria y la claustrofobia apocalíptica.

18/ WHILE SHE SLEEPS C YOU ARE WE (ARISING EMPIRE/ NUCLEAR BLAST)

omo ya dejaron entrever en su anterior Brainwashed, la mayor presencia de elementos melódicos era evidente que supondría el siguiente paso en su evolución. Así que de entrada dejémoslo bien claro: sí, este disco tiene más estribillos melódicos y partes limpias que nunca, pero al mismo tiempo, While She Sleeps siguen resultando perfectamente reconocibles al 100%. Tras un dulce arpegio acústico, el corte que da nombre al trabajo nos recibe sin dejar lugar a las dudas con

un Lawrence ‘Loz’ Taylor escupiendo toda la bilis en ese “We got nothing to lose” que es toda una declaración de intenciones mientras que el resto de la banda entra a toda máquina clavando un estribillo épico. Quizás algún seguidor abandone el barco a las primeras de cambio acusándoles de vendidos, y es cierto que You Are We dista de ser un disco perfecto, pero destila la honestidad con la que While She Sleeps lo han encarado sin necesidad de hacer ningún tipo de concesión de cara a la galería.

19/ PARAMORE

E AFTER LAUGHTER

(FUELED BY RAMEN /WARNER)

ra un disco necesario, algo que tenía que ocurrir. Después de que guitarrista y batería dejen el grupo y años más tarde el bajista también presente la carta de dimisión (con pleito de por medio), es más que entendible que ese sentimiento pretty optimistic de Paramore haya cogido las maletas y se haya marchado. Así lo canta Hayley Williams en ‘RoseColored Boy’. Aunque Zac Farro ha vuelto a coger las baquetas en la banda, el disco lo compusieron Williams y el guitarrista Taylor York

cuando estaban a punto de romper con Paramore de manera definitiva. Por suerte no lo hicieron y nos han dejado este After Laughter de sonidos pastel y letras oscuras; un contraste bastante ingenioso. Probablemente sea el trabajo de la banda más cuidado, lleno de capas y texturas, que huye de la base instrumental del grupo (guitarra-bajo-batería) y experimenta en el sonido con nuevas referencias. Todo un examen de creatividad que aprueban por saber reinventarse sin perderse por el camino.

20/ AUTHORITY ZERO

A BROADCASTING TO THE NATIONS (BIRD ATTACK)

pesar de llevar cerca de un cuarto de siglo al frente de la banda, no ha sido hasta el inicio de la década actual cuando Jason DeVore ha visto cómo el nombre de Authority Zero comenzaba a despuntar poco a poco en el circuito punk. Puede que los constantes cambios de miembros no hayan favorecido su estabilidad, pero con Broadcasting To The Nations deberían dar el salto al siguiente nivel y empezar a codearse con los grandes. En su sexto lanzamiento, los de Arizona han

optado por adentrarse todavía más en la vertiente ska y reggae de su fórmula. De esta manera son capaces de volver a dar con piezas tan bien resueltas como ‘Creepers’ o ‘Revolution Riot’, en las que consiguen aunar las dos facetas. Incluso ‘Summer Sickness’ y ‘La Diabla’, en la que se convierten en algo así como una versión punk de The Police, podrían llegar a sonar en la radio sin muchos problemas captando a todo tipo de públicos gracias a la frescura que desprenden. Y todo ello sin perder ni mucho menos su credibilidad.

21/ SORORITY NOISE

A YOU’RE NOT AS _ AS YOU THINK (TRIPLE CROWN)

l igual que Stage Four de Touché Amoré, You’re Not As _ As You Think viene marcado por la tragedia, y de igual manera que hiciera Jeremy Bolm en aquél, Cam Boucher (también vocalista de la banda hardcore Old Gray) se desnuda emocionalmente para contarnos el impacto que tuvo en él la muerte de varios amigos, en especial de uno llamado Sean, al que menciona en varias ocasiones. “Cuando tu mejor amigo muere y

tu siguiente amigo muere y el mejor amigo de tu amigo se suicida, puedes pasarte seis meses solo porque no tienes nadie con quien hablar”, canta en ‘First Letter From St. Sean’. Pero si el rollo confesional te tira para atrás, tranquilo, porque a pesar de su contenido, éste no es para nada un disco deprimente. Al revés, está repleto de grandes melodías y destellos de guitarras luminosas. Como American Football colisionando con Manchester Orchestra. Rico, rico.

22/ AMENRA E MASS VI

(NEUROT RECORDINGS)

l tiempo les ha dado la razón y hoy en día Amenra son uno de los combos más venerados del sludge, post metal, doom, post hardcore y todo lo que ustedes quieran añadir. A su favor, ruidosísimos shows que dejan a sus audiencias atónitas, totalmente rendidas a su bombardeo de luces y decibelios, y, claro está, esa incesante marea de lanzamientos que no afloja desde que debutaran en 2003. Porque éste es su sexto álbum, pero la cantidad de splits,

EPs y directos que tienen en su currículum roza la incontinencia discográfica. Con lentitud va despegando ‘Children Of The Eye’ hasta que estalla en un magma de guitarras que simplemente te sepulta, y qué decir del lamento al micro de Colin H. van Eeckhout… Tremenda la angustia que consigue transmitir el vocalista, pero también son remarcables las distintas voces claras que pueblan el álbum, consiguiendo colorear también esta tormenta de sentimientos con sosiego y quietud.

23/ QUICKSAND

P INTERIORS (EPITAPH)

ese a su corta carrera, los dos discos que publicaron en los 90, Slip y Manic Compression, han tenido un largo recorrido más que evidente gracias a su influencia en bandas del mundo del post hardcore o el metal alternativo, empezando por Deftones, en los que acabaría tocando su bajista Sergio Vega. Si bien uno suele acercarse a estos discos de reunión con cierta prudencia, si algo daba confianza a la hora de escuchar por primera vez Interiors es que Walter Schreifels, lejos de haber estado inactivo todos estos años, ha

sido capaz de seguir vinculado a su pasado girando con Gorilla Biscuits o Youth Of Today, al mismo tiempo que seguía avanzando con proyectos tan satisfactorios como Rival Schools o Walking Concert. Y más o menos ese nexo entre pasado y presente es lo que encontramos aquí. Es una pena que la reunión se haya visto un poco deslucida por la salida del guitarrista Tom Cappone tras ser arrestado en Texas en septiembre por robar en una tienda, porque desde luego este retorno discográfico es digno de celebrarse.

24/ ELECTRIC WIZARD

C WIZARD BLOODY WIZARD (SPINEFARM)

onsciente de su erudición en las artes musicales más oscuras y pretéritas, Jus Oborn ha decidido conducir a Electric Wizard hacia ese rock que, hace casi tres décadas, le hizo empuñar una guitarra. De inicio, igual podrían surgir dos problemas básicos: el primero, que los ingleses son una de esas bandas definitivas y definitorias del doom metal. El segundo, que venían de entregar discazos como Black Masses o Time To Die. Eso podría significar un impedimento

para cualquier grupo preocupado por su estatus o el qué dirán, pero no para un fuera de la ley como nuestro líder. Con un título como Wizard Bloody Wizard uno ya puede imaginar un homenaje en toda regla a Black Sabbath, pero además de todo eso, Electric Wizard también han ahondado en las formaciones con menos suerte y mayor inclinación hacia el ruidismo de los 70, haciendo suyo un lenguaje que siempre había estado ahí pero que nunca se había mostrado con tanta claridad.

25/ FRANK CARTER

& THE RATTLESNAKES

L MODERN RUIN (POPSTOCK!)

ejos de ofrecer un más de lo mismo de lo mostrado en Blossom, el exGallows ha optado por ampliar recursos sobre todo haciendo hincapié en su faceta más melódica. En lugar de recibirnos con el cuchillo entre los dientes dispuesto a darlo todo desde el arranque, Modern Ruin da comienzo con las delicadas notas de ‘Bluebelle’ y un Carter susurrándonos al oído a modo de introducción, a la que le sigue un single tan certero como ‘Lullaby’ (ese estribillo tan

simple como adictivo es de los de quitarse el sombrero). Una buena muestra del camino que siguen otras piezas como ‘Wild Flowers’ o ‘Vampires’. Esto es, más presencia de melodías y un sonido más abierto, sí, pero sin olvidar la mala baba marca de la casa de sus Rattlesnakes. Más contenidos y sugerentes se nos descubren en ‘Acid Veins’, ‘Thunder’ o ‘Neon Rust’, jugando con la intensidad y los tempos, aunque de una manera u otra su agresividad acabe saliendo a la luz.

26/ VALLENFYRE

O FEAR THOSE WHO FEAR HIM (CENTURY MEDIA)

h, bendito Greg Mackintosh, el Piadoso, sigue guiándonos en tu infinita sabiduría, por estos tortuosos caminos que estás labrando junto a Vallenfyre. Por favor, no dejes que nos desviemos, mantennos firmes en esta noble cruzada. A tu mástil nos encomendamos, al pedal HM-2 Heavy Metal rendimos pleitesía, que tu voz de ultratumba nos ilumine la senda. Dichosos nosotros de ser testigos de tu creación, de poder regocijarnos ante tu gloria, una vez más, con este tercer largo, ante panteones eternos como

‘Cursed From The Womb’. Porque sólo juntos nos mantenemos fuertes, y contigo al frente no tememos a nada. Que el antiguo ruido nos libre de todo mal, que el death metal de ‘Messiah’ o ‘Nihilist’ nos reafirme en nuestros votos. Que la rama crust de tu hercúlea sinfonía se abra paso. Y así te rogamos, oh, gentil guía, que nos impidas caer en el desasosiego, la congoja, por el funesto death doom, porque por muy deshonestas que sean sus intenciones, sabemos que a prueba debes ponernos para ser dignos de tu gracia.

27/ NECK DEEP

Q THE PEACE AND THE PANIC (HOPELESS)

ue Neil Avron –productor de los discos más populares de New Found Glory- está detrás de las mezclas no debe tomarse como una simple casualidad. Basta escuchar el tema que abre el álbum, el contagioso ‘Motion Sickness’, o el estribillo de ‘Happy Judgment Day’, para entender que los galeses han cogido muy gustosamente la antorcha de los de Florida para llevar el pop punk a las nuevas generaciones. Poco sol tiene que hacer en Gales, pero Neck Deep han hecho un

disco luminoso y, pese al carácter reflexivo de algunas letras, que invita al optimismo. Definitivamente, en The Peace And The Panic queda de lado cualquier pequeño guiño a sonidos más duros –ni ‘Don’t Wait’, el tema junto a Sam de Architects, cambia el guión- y la faceta pop de la banda va ganando terreno. Pero es que Neck Deep tienen un elemento a su favor: han crecido enormemente como compositores. Poco se les puede echar en cara cuando han sido capaces de crear un álbum tan redondo y equilibrado como éste.

28/ METZ

U STRANGE PEACE

Foto: Eric Altimis

(SUB POP)

na vez más METZ recuperan y ponen al día el espíritu de los 90. Strange Peace está a la altura de los dos anteriores trabajos de la banda y ofrece otra buena ración de himnos ruidosos. A destacar, las salvajes ‘Cellophane’, ‘Drained Lake’, ‘Common Trash’, ‘Dig A Hole’ y ‘Raw Materials’, cinco cortes con el sello inconfundible del power trio canadiense, despachados con una velocidad endiablada y una energía contagiosa. Merece la pena destacar que Strange Peace es el primer largo de la banda con un

productor estrella como Steve Albini, pero también debemos decir que la personalidad de la banda pesa más y sus nuevos temas siguen la senda de los incluidos en los geniales I y II. Sólo en un par de ocasiones, concretamente en ‘Lost In The Blank City’ (una suerte de sludge industrial que recuerda a los Melvins) y la aburrida ‘Sink’, la banda se sale del camino esperado o marcado por sus trabajos previos. Strange Peace debería ser un disco imprescindible para los amantes del rock alternativo más abrasivo e intenso.

29/ RISE AGAINST

E WOLVES (VIRGIN/ UNIVERSAL)

s evidente que la excitación que durante la pasada década provocaban Rise Against cada vez que publicaban un nuevo disco se había ido perdiendo poco a poco. Era necesaria una sacudida y las circunstancias han querido que se juntaran dos factores, uno externo y otro interno, que la propiciaran. El más importante es el ascenso y victoria de Donald Trump; no hay mayor estímulo para una banda política que tener un enemigo claro al que dirigir sus dardos. El segundo es su decisión de fichar a Nick Raskulinecz como productor después

de una década trabajando con Bill Stevenson y Jason Livermore. Y no es que su mano se note en exceso en cuanto a sonido, pero al menos se nota algo más de tensión. Que no haya ni una sola balada ayuda a que la energía se mantenga a lo largo de sus 39 minutos (es su trabajo más conciso desde Revolutions Per Minute, de 2003) y en temas como ‘Welcome To The Breakdown’, ‘Parts Per Million’ o ‘Bullshit’ se aprecia un sabor más old school. Wolves consigue algo tan fácil, y tan difícil, como recuperar la chispa en esa larga relación entre la banda y sus fans.

30/ DAVE HAUSE

S BURY ME IN PHILLY (RISE)

i te gustó Painkillers, el debut de Brian Fallon, Bury Me In Philly debería tener un hueco reservado en tu estantería o, siendo realistas, en tu disco duro. Pero mientras el cantante de The Gaslight Anthem quiere ser Bruce Springsteen, Dave Hause quiere ser Bryan Adams. Al menos eso es lo que se deduce al escuchar ciertas canciones de su nuevo trabajo en solitario. El single ‘The Flinch’ te transporta directamente, no al verano del 69, sino del 89, cuando el Adams pre Robin Hood todavía era un músico respetado entre la parroquia rockera. Es una gozada disfrutar de un disco tan poco pretencioso y directo como éste, que arranca con una

canasta de tres puntos gracias a ‘With You’, la citada ‘The Flinch’ y ‘My Mistake’. Son temas construidos sobre riffs sencillos, buenas melodías y una historia que contar. El exlíder de The Loved Ones utiliza las herramientas del rock de toda la vida para construir también ‘Shaky Jesus’, la divertida ‘Dirty Fucker’ o la propia ‘Bury Me In Philly’. En algún momento también se sirve de la música de raíces, folk y blues, para darle variedad al álbum. Con este tercer trabajo, Hause reivindica indirectamente la figura del solista rock, un tipo de artista que ha desaparecido totalmente del mapa y ha sido canibalizado por el country moderno. Quizá ya va siendo hora de que vuelva.

LAS 10 MEJORES PELÍCULAS DE 2017

ADIÓS A LOS ICONOS

UNA SELECCIÓN DE KIKO VEGA

LA CURA DEL BIENESTAR Gore Verbinski Una obra maestra que sangra y nos trae de vuelta una serie de patrones y costumbres largo tiempo olvidadas. Entre nosotros, el House Of Usher del nuevo milenio. Otro fracaso de uno de los directivos con más huevos y personalidad del cine comercial americano.

A GHOST STORY David Lowery Entre los descartes que nunca se emiten de Gran Hermano y el remake de Ghost para fans de las cafeterías de diseño, consigue emocionar contando una historia más grande que la vida. Ahora en serio, una de las mejores películas pequeñas sobre lo cosas más grandes que la vida.

roduce verdadero vértigo pensar en todos los grandes músicos que nos han abandonado este año: pioneros como Chuck Berry o Fats Domino, gigantes como Tom Petty, Gregg Allman o Glen Campbell, personajes tan fundamentales como Malcolm Young o Grant Hart de Hüsker Dü; nombres

menos mediáticos, pero igualmente queridos, como Chuck Mosley, Warrel Dane de Nevermore, J. Geils, Charles Bradley, Pat DiNizio de The Smithereens, o secundarios como Daisy Berkowitz, primer guitarrista de Marilyn Manson. Por no hablar de los trágicos suicidios de Chris Cornell y Chester Bennington. Un año horrible.

NO EN NOMBRE DE LA MÚSICA

LA LA LAND La La Land No es el musical hipster de mierda que todos imaginábamos. De hecho, se parece más a un musical de la época dorada de Hollywood que a salir por Malasaña el jueves por la noche, así que todo perfecto.

ALGO MUY GORDO Carlo Padial Padial alcanza la cima de esa épica troll que maneja como nadie y convierte los dos años de espera para la comedia CGI por excelencia en una catarsis amarga (¡cómo no!) sobre el lado más chungo del cine. La primera comedia del posthumor, de hecho.

COLOSSAL Nacho Vigalondo Una pataleta en el patio de un colegio puede provocar un kaiju al otro lado del mundo. Un western monstruoso en el que el pueblo se

ste año también será recordado por la gran cantidad de denuncias de carácter sexual que han azotado al mundo del espectáculo. Aun respetando la presunción de inocencia de los acusados, es evidente que existe un grave problema. Esto es especialmente

preocupante en el caso de algunos artistas cuyo público es notablemente joven como Brand New, Pierce The Veil, Moose Blood o With Confidende. Por su parte los polacos Decapitaded fueron acusados directamente de violación en grupo. Una lacra que hay que exterminar lo antes posible.

queda pequeño para dos pistoleros tan grandes. Donde antes había banners, ahora hay ventanas a un patio interior en el que guardamos nuestras miserias.

NO SERÁ POR FESTIVALES

MANCHESTER BY THE SEA Kenneth Lonergan La película con el cartel más justificado de las últimas décadas de cine es una llamada a la terapia, un ejercicio de masoquismo hermoso e independiente donde cruzaremos un río salvaje de lágrimas y lamentos que desembocarán, suponemos, en ese mar mucho más tranquilo que promete el título. Eso sí, cuidado no te ahogues por el camino.

unque no compartimos esa tesis de que la crisis es cosa del pasado, lo cierto es que el número, y la asistencia, a festivales no deja de crecer. No nos vamos a quejar ante tanta oferta, pero tampoco hay que obviar los peligros de una nueva burbuja. En 2017 vimos como el Donwload Madrid y el Tsunami

Xixón debutaban con gran éxito, mientras propuestas como el Be Prog! My Friend, Mad Cool, Rock Fest Barcelona o Barna’N’Roll se consolidaban junto a los ya habituales Resurrection Fest; Leyendas Del Rock, o Bilbao BBK Live. Este año la competencia se presenta aún más dura, así que más vale ir ahorrando. MÁS CERCA, IMPOSIBLE

GET OUT Jordan Peele Un festival de cine de género condensado en cien minutos. Siempre me gusta decir que las mejores pelis de horror son aquellas que, en el fondo, son dramas tan jodidos que terminan siendo terrores. Bien, Get Out lo consigue justo de la forma opuesta: es imposible salir de una de las historias más locas, terroríficas y malignas del cine reciente sin una sonrisa en la cara. Bravo, get out, yo no quiero salir jamás de ahí.

STAR WARS - EPISODIO VIII: LOS ÚLTIMOS JEDI Rian Johnson Divertida, trepidante, emocionante y valiente. Respetuosa. Inteligente, aunque con un par de licencias que, bueno, se perdonan porque estamos ante la mejor película de la franquicia. Sencillamente espectacular.

MOTHER!

i bien el último disco de Fo Fighters, Concrete And Gold, nos dejó fríos, fríos, no podemos negar que lo que vivimos el pasado 16 de septiembre nos acompañará toda la vida. La oportunidad de ver a una banda de estadios en una sala, como la Barts de Barcelona, con

capacidad para 800 personas, ya era algo único, pero es que encima la banda de Dave Grohl lo dio todo. Casi tres horas de bolo en la que no faltaron sus grandes éxitos y una emoción por parte del público pocas veces vista, hacen de ese concierto el más excitante que hemos vivido en 2017.

Darren Aronofsky Darren Aronofsky se ha cagado en el convento, desde el púlpito, sobre todos nosotros. Su última película tiene unos cuantos valores que la hacen muy atractiva y que también, con toda seguridad, la convertirán en la película más odiada de los últimos años.

DÍA DE PATRIOTAS Peter Berg Otra muestra del extraordinario talento de Peter Berg como director, todo pulso, sentimiento y adrenalina. No hagas caso de esos tráilers lacrimógenos, esto es un thriller de primerísima categoría. ¿Recuerdas Zero Dark Thirty? Pues ésta es más divertida.

LOS 10 MEJORES CÓMICS DE 2017

NADA DURA PARA SIEMPRE...

UNA SELECCIÓN DE SAMU GONZÁLEZ

PERRINOWMICON Michael Perrinow y Sara Cepeda Aunque editado los últimos días del 2016, es justo decir que el recorrido de este álbum de humor escatológico ha estado en el presente curso. Imagina tus escenas favoritas de sexo y cine gore golpeando tus meninges a cada gag, sin fallar ninguno. La oda definitiva al mal gusto, al humor negro ofensivo, al chiste mostrenco.

YO, GORDA Meritxell Bosch Relato autobiográfico sobre transtornos alimentarios y maltratos psicológicos dentro del seno familiar. Los problemas de la autora con la bulimia, cómo enfoca la relación con las personas que la quieren y la forma en la que se enfrenta a ello centran este relato inspirador.

VALEROSAS Pénélope Bagieu Este año hemos podido disfrutar de los dos álbumes de Pénélope Bagieu dedicados a perfiles de mujeres que, por su historia, hitos, decisiones o anécdotas vitales, ocupan un lugar digno de reivindicar. El subtítulo “Mujeres que sólo hacen lo que a ellas quieren” le va como anillo al dedo a esta compilación que es tan reivindicativa como divertida.

a sabemos que cualquier banda tiene fecha de caducidad. Aun así siempre duele cuando una dice adiós definitivamente. En febrero, los legendarios Black Sabbath colgaban las botas tras haber paseado su gira The End por todo el mundo... menos España. Y justo estos días The Dillinger Escape Plan

se despiden con tres conciertos en Nueva York, en el que han contado con Mike Patton como invitado especial. También los finlandeses HIM anunciaron su punto y final, así como letlive., Trap Them, Yellowcard, We Are The Ocean, Textures, Vanna, Hail Of Bullets, o más cerca, Dawn Of The Maya. Fue bonito mientras duró.

...PERO TODO VUELVE

DEPORTADO 4443 Carlos Hernández de Miguel, Ioannes Ensis

Carlos Hernández de Miguel adaptó en Twitter su novela Los Últimos Españoles De Mauthausen, la historia silenciada por el franquismo de los 9000 españoles encerrados en el campo de concentración nazi. Ahora el dibujante Ioannes Ensis lleva ese crudo relato a la novela gráfica con espectaculares páginas que trasladan la dureza de aquellos hechos. Se trata de un brutal ejercicio que suma periodismo y cómic de forma magistral. MARTINA Y MARCIAL, PAREJA ESPACIAL

Dani García Nieto y Xcar Malavida Dos amiguetes marcianos vivirán aventuras y se enfrentarán a dilemas y cuestiones que afectan a todo tipo de niños. Con pequeñas historias formuladas sobre gags cortos el tebeo lleva a los lectores conceptos de respeto, igualdad, familias

l Riot Fest de Chicago volvió a ser el responsable de conseguir, el pasado septiembre, una de esas reuniones que parecían imposibles: Jawbreaker volvieron a la vida después de 21 años separados y no se descarta que hasta graben nuevo material. Pero

no fueron los únicos que volvieron a la vida, si bien este año no ha destacado por grandes reuniones. En cualquier caso, los fans que les quedasen a Exhorder, Chimaira, Eighteen Visions, Big Dumb Face, Madina Lake o Tripping Daisy pudieron rescatar sus viejas camisetas y lucirlas con orgullo.

homoparentales, etc. con total normalidad y humor.

OTRO AÑO SIN DISCO DE TOOL

GIANT DAYS VV. AA. Esta serie es fresquísima, ágil, original, punzante, cómica, etc.; y todo aplicado al concepto de sitcom de colegas en la universidad, con contenido en cada una de sus tramas, del que mete el dedo en el ojo cada dos por tres, repartiendo hilarantes collejas a diestro y siniestro, tan adorables y preparatorias, que cuando llegan los gag explotas de risa.

PÁJARO BURLÓN: INTEGRAL Chelsea Cain, Kate Niemczy, Rachelle Rosenberg

unca ser tan poco productivo fue tan rentable para una banda. Los seguidores de Tool se merecen un premio a la paciencia y es que ya son 11 los años transcurridos desde que publicaron 10,000 Days. Pero al menos parece que algo se está moviendo, y hace poco

Tom Morello aseguraba haber escuchado algunos temas nuevos y estar asombrado por el resultado. Ahora sólo falta que Maynard Keenan se decida a grabar las voces, aunque estando ocupado con A Perfect Circle - a quienes al menos podremos ver este veranotampoco es descartable que el año que viene nos den calabazas.

HOLOGRAMAS AL PODER

Estupendo tomo dedico a Pájaro Burlón, que por primera vez protagoniza una cabecera propia. Muy divertida y con un dibujo excelente, las virtudes de este trabajo radican en las reflexiones que la guionista lanza sobre ‘cómo debería ser’ una colección de espías protagonizada por una mujer (y todo el mundo de hombres que la rodea).

SHANGRI-LA Mathieu Bablet Un trabajo hijo del siglo XXI, de sus revueltas culturales y políticas, deudor de los grandes escritores de la literatura distópica del XX que es rotundo y espectacular. Su lectura rompe el corazón en mil pedazos pero inyecta fuerza en el alma combativa de los lectores.

ARDE CUBA Agustín Ferrer Casas Intenso thriller ambientado en los momentos previos a la victoria de la revolución cubana mezclando realidad y anécdotas ficticias. Aparte de ser espectacular y ofrecer unas páginas majestuosas, pone en valor la figura de Camilo Cienfuegos y añade su pequeño granito de arena a las teorías que rodean a su muerte meses después de la victoria revolucionaria.

ste mismo mes el holograma del fallecido Ronnie James Dio ha hecho su aparición en nuestros escenarios. Quienes asistieron a los conciertos -nosotros nos negamos por principioshablaban de una extraña sensación entre admiración y rechazo. Lo que parece seguro es que este

FREEZER tipo de experimentos van a ser habituales en un futuro inmediato y los próximos en caer podrían ser Frank Zappa y Roy Orbison. Incluso se plantea que bandas retiradas, aunque sus componentes sigan vivos, podrían sacarle partido a esta nueva tecnología. Con nosotros que no cuenten.

Veronica Carratello Comedia de corte intimista que sorprende por el estupendo uso del gag y humor negro. Usando de base el paso de la infancia a la pre-adolescencia de la protagonista de la obra, su autora propone una entretenida narración donde un road trip con giro desternillante hace derivar la obra hacia derroteros que recuerdan a las cafradas de Todd Solondz.

BRAND NEW

LO QUE NUNCA SUPO NADIE EL QUE DEBERÍA HABER SIDO UN AÑO TRIUNFAL PARA BRAND NEW -SU ÚLTIMO DISCO SCIENCE FICTION RECIBIÓ CRÍTICAS EXCELENTES Y FUE NÚMERO 1 EN LAS LISTAS AMERICANAS-, HA ACABADO EN PESADILLA. SI BIEN EL GRUPO YA HABÍA ANTICIPADO QUE IBAN A PONER PUNTO FINAL A SU CARRERA EN 2018, LAS ACUSACIONES HACIA SU LÍDER JESSE LACEY HAN EMPAÑADO SU DESPEDIDA, Y QUIEN SABE SI SU LEGADO ARTÍSTICO. TEXTO: ALEJANDRO LOZANO FOTOS: DR

I LA MENTE MÁS PERVERSA hubiera podido

imaginar un final tan escabroso para la banda de Jesse Lacey. Desde que pudiéramos hablar con él, en su última entrevista hasta la fecha, sabíamos casi seguro que el grupo llegaría a su final en 2018, un final tan idílico para ellos como rezaba una de sus primeras canciones, ‘Soco Amaretto Lime’, y con la que querían cumplir con su deseo de “mantenerse en los 18 para siempre”, sin saber que sería unos meses antes de lo estableci-

continuar con lo establecido hasta el último día de 2018, o que alguno de los demás miembros de la banda dé un paso al frente en cuanto a su futuro se refiere, no sabremos si seguirán escondidos en las sombras de su habitual silencio y no llegarán a cumplir los 18. Lo que está claro es que nada podrá volver a ser como antes si apuestan por continuar. Hasta entonces esto es lo que sabemos.

conjuntos en las que se mofaban de sus letras o de la manera de actuar sobre el escenario. Pasaron los años y cuando parecía todo arreglado, Adam Lazzara, cantante de Taking Back Sunday, declaró en 2014 que Jesse Lacey era una mala persona y un gilipollas. En la última entrevista que tuvimos con Nolan y Lazzara parecían haber olvidado todo, e incluso no se opondrían a tocar juntos de nuevo; difícilmente mantendrán su palabra ahora.

SETENTA VECES SIETE

do. En un principio este artículo iba a tratar de rememorar la carrera de uno de los conjuntos emo por excelencia del nuevo siglo, pero su reciente cancelación de los conciertos que darían en Dublín, Londres y Glasgow nos obligaría a enfocarlo de manera diferente, ya que la suspensión es debida a unas graves acusaciones de carácter sexual contra su líder y compositor principal que han manchado el legado para muchos de sus seguidores, entre los que me encuentro. A falta de un comunicado en el que decidan

Una de las primeras polémicas con las que creció este grupo fue la enemistad con Taking Back Sunday, incluso antes de que Brand New existieran como tal. Jesse Lacey fue miembro original de la banda, en la que desempeñó el papel de bajista hasta que su guitarrista (y mejor amigo entonces), John Nolan, le arrebatara a su novia del instituto. Lacey abandonó el grupo y decidió empezar su propia banda, The Rookie Lot, con los que al poco tiempo se convertirían en Brand New, y se adelantarían con su álbum debut Your Favorite Weapon (2001) al Tell All Your Friends (2002) de sus ya rivales. El primero en abrir fuego sería Lacey con el tema ‘Seventy Times Seven’, deseándole a Nolan la muerte entre líneas (“Espero que haya hielo en todas las carreteras y pienses en mí cuando tu cabeza atraviese la luna de tu coche”), y el otro expondría su parte de la historia en ‘There’s No “I” In Team’ con algo menos de odio pero sin mostrar arrepentimiento. La guerra entre los dos grupos alimentó su fama; poco tiempo después hicieron las paces y se les llegó a ver cantarlas juntos en algunos conciertos en los que compartieron cartel, pero poco tardarían en volver a tirarse los trastos cuando llegaron a sacar camisetas ambos

PERMANECERÉ DESPIERTO

Puede que uno de los momentos clave en cuanto a fama se refiere estuviera marcado por la salida de su segundo álbum, Deja Entendu. Gracias a su entrada en Universal y el revuelo mediático que les ofrecieron importantes medios internacionales, Brand New eran la nueva sensación del emo. La confianza con la que se empezaba a mostrar Lacey a la hora de escribir delata años más tarde su soberbia y egocentrismo al alardear de sus instintos sexuales. Un tema como ‘Me vs Maradona vs Elvis’ se hace difícil poder escucharlo ahora sin imaginarle perpetrando esos crímenes, relatando lo fácil que era emborrachar a alguna chica y llevársela a una habitación de hotel sin sentir remordimiento por sus actos. TODOS TENEMOS MADERA Y CLAVOS

Durante la etapa en la que se empezó a gestar su obra más coreada, The Devil And God Are Raging Inside Me, ocurrieron ciertas cosas que revolucionaron el entorno del grupo. Las demos destinadas para ese tercer trabajo se filtraron en internet antes de meterse al estudio, teniendo así que desecharlas casi todas para empezar de cero. 93

Lo compuesto para aquellas nuevas canciones tomaría un tono más oscuro del habitual, y las letras de Jesse se verían influenciadas en la culpa y el arrepentimiento que llevaba cargando ya por aquel tiempo. Inspirado por la trágica historia de una niña de 7 años que fue decapitada por culpa de un conductor borracho a la salida de una boda, le valió para crear unas de las mejores composiciones en la discografía de los de New Jersey con ‘Jesus Christ’, ‘You Won’t Know’ o ‘Limousine’. Como represalia a lo ocurrido con las demos, decidieron alejarse del ojo público y se aislaron de la prensa con entrevistas contadas y omitiendo su promoción sin lanzar videoclips ni singles. En ese momento decidieron incluir a Derrick Sherman en nómina como tercer guitarrista, pero más adelante en 2013, éste abandonaría el grupo supuestamente por haber pillado a su prometida acostándose con Lacey, engañando también éste a su ahora actual mujer. NECESITAMOS VICIOS

Bajo aquel grito, y tras un sample de 94

una canción de misa, abrían su cuarto LP, Daisy (2009). Fue aquella época en la que Vinnie Accardi cogió los mandos de la composición debido al malestar psicológico por el que atravesaba Jesse, por el que tuvo que cumplir el último requisito del contrato que les vinculaba a Universal y gracias a su camarada pudieron sacarlo adelante para después desaparecer por un tiempo de dos años. Tras enterarse los demás miembros de lo ocurrido con Derrick, tuvieron que cancelar su aparición en los festivales de Reading y Leeds por la recaída que había tenido su colega, esta vez con alguien con el que llevaban compartiendo años y que les costó una pequeña crisis para seguir adelante. EN EL AGUA LO ARREGLARON

En abril de 2015, durante un concierto en Los Ángeles, se repartió entre el público un papel que contenía la letra de una canción no incluida en su discografía, ‘Sealed To Me’. Antes de dar comienzo al tema, Jesse dio un discurso en relación al mal comportamiento que había tenido durante un

largo tiempo de su vida y en el que reconocía haber dañado a mucha gente por su forma de ser. Por alguna razón no acabó entrando en el listado del quinto y más reciente álbum, Science Fiction (2017), el cual se llevaba haciendo esperar ocho años y del que ahora entendemos algo más sobre aquellas palabras, ya que un porcentaje del disco va destinado a la asociación internacional de la mujer. Ante su inminente final, Jesse ha querido resarcirse de sus pecados con un último largo, que les ha costado sacar adelante y que expresa en la canción ‘Can’t Get It Out’ de forma magistral. El símil que establece entre el fuego y el agua en casi todos los cortes tiene mucho que ver con la persona que ha conseguido llegar a ser, esa calma del mar que ha apagado sus demonios con los que ha estado luchando durante tanto tiempo y que por fin llegaban a su final. Puede que muchos desprestigien el buen trabajo que han conseguido los de Long Island, pero hasta que no se conocieron los horribles hechos ocupaba un puesto en sus listas de lo mejor del año.

SU LUZ ERA MUY DÉBIL PARA AGUANTAR SU OSCURIDAD

El orquestado final se iba a ver truncado por la triste e impactante revelación de una mujer sobre su compositor principal por medio de un post en Facebook que había publicado un antiguo técnico del grupo, Brian Díaz. Éste, además, es amigo y comparte grupo con Derrick Sherman. En el post preguntaba entre sus contactos “si alguien no iba a hablar sobre el cerdo de Jesse Lacey”, en alusión a las recientes acusaciones de personajes famosos como Kevin Spacey, Harvey Weinstein o Louie CK, por los que se les acusaba de depredadores sexuales. La primera en denunciar públicamente su relación con el cantante fue Nicole Garey, y en el mismo post escribió detalles de su relación con el supuesto acusado empezando cuando ella tenía 15 años y él 24. Entre sus declaraciones aseguraba haber mantenido conversaciones por Skype en las que él se masturbaba y pedía que le mandara fotos de ella con ropa específica o en lugares concretos. Lacey admitía a través de un comunicado en Facebook haber sido adicto al sexo durante su juventud y haber hecho daño a muchas mujeres ejerciendo un abuso de poder como figura pública, pero no aportó nombres o hechos concretos sobre sus víctimas. Entre sus palabras se define como “narcisista, insensible y egoísta en el pasado”, estar bajo tratamiento desde 2013 e intentar enmendar sus errores siendo mejor persona ahora que es padre de una niña y trabajando en ello día a día junto a su mujer. A raíz de su declaración fueron apareciendo otras víctimas como Emily Driskill, que comenzó cuando ella

tenía 16 y mantenían una dinámica parecida a la ya contada por Garey. El portal Pitchfork hablaría con ellas días después para aportar más datos. Lea Cunningham escribió en la disculpa de Jesse su historia con él desde los 14 a los 24 años, y Lauren Warmly dedicó una entrada de su blog para hablar también de su relación desde los 17 a los 26. NO SOY TU AMIGO

Kevin Devine ha sido una de las pocas personas relacionadas en el círculo de la banda que se ha echado a un lado públicamente. Declarados mejores amigos desde que se conocieran en 2003, y que dejaron constancia de ello en sus entrevistas a esta revista, sorprende que Devine no fuera consciente de la adicción que presentaba Lacey desde aquellos tiempos en los que empezaron su amistad. Según Jesse, sus familiares y amigos cercanos sabían de su problema, pero Kevin en su comunicado aseguraba no saber nada hasta que saltó la noticia y la posterior disculpa pública de su amigo. La incursión del Brooklyn Boy, como vocalista y guitarra de acompañamiento para los últimos conciertos, era la fantasía que tantos seguidores de ambos soñaban, y que algunos pudieron disfrutar en su (posiblemente) última gira por Estados Unidos. Tras las acusaciones no dejó más de un día para recapacitar y adelantarse en suspender su viaje con ellos antes incluso de que se hubieran planteado ellos mismos posponer las fechas. Su desvinculación con el grupo se ha declarado más oficial si cabe al no incluir Science Fiction entre su selección de los mejores discos del año

para la web Brooklynvegan, donde no han faltado, eso sí, los álbumes del círculo de confianza de ambos como Manchester Orchestra o The Front Bottoms. PERDIENDO A MIS AMIGOS

Como seguidor declarado del trabajo de Jesse Lacey, Vinnie Accardi, Garrett Tierney y Brian Lane, tengo que decir que hay algo que, por mucho que me espante lo sucedido, no podrá apartarme de escuchar esas canciones mientras me apetezca. Ese algo es muy difícil de explicar, como quien perdona una infidelidad en el amor, o el que perdona a un familiar o un amigo después de haberle jugado una mala pasada; es una decisión personal que toma cada uno en base a sus experiencias, lo que en algún momento de tu vida ha significado alegría o te ha ayudado a atravesar malos momentos, no se va de tu cabeza sin más, siempre quedarán latentes aquellos sentimientos que significaron algo especial para ti. Al que le sigue gustando ir al cine a ver una película de Woody Allen, o el que canta cualquier tema de Michael Jackson en la ducha, no creo que esté pensando en si está bien o mal hacerlo, simplemente le hace feliz y no está hiriendo a nadie. Lo más importante es separar al artista de su obra; para unos será más fácil y para otros, más complicado, pero en los tiempos que vivimos, más nos vale tener claro que lo que perdura en el tiempo es el arte, y no las personas.

TOP NACIONAL

P FULL MOON IN SCORPIO (FIGHTER)

or mucho que se empeñen en colgarles la etiqueta de ‘occult rock’, lo de The Wizards es otro rollo. El bagaje previo en formaciones de punk rock de varios de sus componentes es algo que ha hecho mella en la actitud de los bilbaínos: ir a saco desde el primer minuto. Lo suyo no son los devaneos con la psicodelia y sí la caña sin compasión. Full Moon In Scorpio lo deja bien claro desde que nos da la bienvenida con ‘Avidya’ y las guitarras de Felipe y Jorge se estrellan en nuestros morros gracias a la poderosa producción de Dean Rispler. En ‘Calliope (Cosmic Revelations)’, Ian Mason se convierte

en absoluto protagonista gracias a un despliegue vocal soberbio con obvias reminiscencias a héroes como Danzig o Ian Astbury, algo que se convertirá en la tónica general del álbum. ‘Leave The Past Behind’ rinde tributo al mejor rock pesado de los 70 vía Black Sabbath y Deep Purple para que, a continuación, ‘Halftones To Eternity’ nos ponga a hacer headbanging como posesos. Al contrario que su debut, esto ya no es un primer aviso sino toda una realidad. Si eres de los de alzar los cuernos y cantar hasta quedarte afónico para después refrescar la garganta con cerveza fría, este disco está hecho para ti. Pura magia.

1/ THE WIZARDS

2/ FOSCOR

F LES IRREALS VISIONS (SEASON OF MIST)

oscor hacen bueno aquel dicho de ‘lo importante no es el destino, sino el viaje’. Con su anterior disco Those Horrors Wither (2014), el grupo catalán inició un periplo en el que cortaron las ataduras con su pasado black metal y se adentró en nuevas sonoridades, más épicas y etéreas, que les abrieran un futuro. Pero ni pasado ni futuro existen, sólo el presente, y el suyo se llama Les Irreals Visions. Su quinto álbum -con una producción excelente de Javi Félez de Graveyard- recoge todo lo bueno apuntado en el anterior, pero

presenta una mayor claridad de ideas. Cantando exclusivamente en catalán, Fiar se ha volcado totalmente en registros melódicos que le ayudan a proyectar el tono poético de sus letras. Por su parte, la base instrumental te envuelve en una melancolía acentuada por influencias del shoegaze y el post punk en las guitarras de Falke y A.M. y apariciones puntuales de piano. Si le añades que incluye sus dos canciones más redondas hasta la fecha, ‘Ciutat Tràgica’ y ‘Les Irreals Visions’, sólo cabe felicitarles por seguir caminando al paso que ellos mismos marcan.

3/ BERRI TXARRAK E INFRASOINUAK

(ONLY IN DREAMS)

stas canciones surgieron del instinto, las tripas y el corazón. Es algo que se percibe tanto a nivel musical como en su contenido desde que se inicia el primer tema ‘Dardararen Ba’. “9 am, el café recién hecho recorre mis venas / no hay nadie en la calle y no puedo saber el porqué / el silencio es absoluto y no, esto no es una distopía: hoy es lunes y mi nombre es Gorka”, canta en euskera sobre una guitarra rasgada antes de que se le unan sus compañeros en la segunda estrofa y que el aire más stoner del principio

se torne más melódico en la segunda parte de la canción. Bill Stevenson, el mítico batería de Black Flag, All y Descendents, y con una exitosa carrera como productor de Rise Against o A Day To Remember, ha vuelto a ponerse detrás de los mandos junto a su socio Jason Livermore, como hicieran en parte del disco anterior, para capturar con máxima transparencia la energía y urgencia con las que el trío interpreta estas diez nuevas composiciones grabadas en The Blasting Room de Fort Collins, Colorado. Un disco que fluye de principio a fin sin un solo bajón.

4/ ÓSSERP Q AL MEU PAS S’ALÇA LA MORT (VARIOS SELLOS)

ue el debut de Ósserp, Sang I Sutge, fuese nuestro Disco Nacional del Año en 2015 no fue ninguna frivolidad que nos marcamos los que hacemos esta revista. El gran mérito de Ósserp está en lo bien que se saben mover en las diferentes aguas dentro de los sonidos extremos. Bien es cierto que si oímos la inicial ‘Entre Regnes’ nos encontramos death sueco casi de manual, pero es cuando se ponen pícaros y juguetones

donde esto alcanza su esplendor. Ya sea en los bien metidos pasajes black en ‘Caça Furtiva’, los giros de ‘El Culte’, lo bien que se les da el crust a los señores en ‘Amb El Cap Ben Alt´ -dos cantantes como la copa de un pino siempre ayuda lo suyo-, y hasta salen victoriosos en las experimentaciones dignas de un Merzbow, como vemos en esa apabullante ‘El Buit’, que cierra una obra con la que ir con la cabeza bien alta por la vida.

5/ F.A.N.T.A. C ¡MÁS RÁPIDO!

(VARIOS SELLOS)

onscientes de que la juventud va quedando atrás, al menos la que marca el DNI, F.A.N.T.A. parece que han entrado en esa etapa de mejor tomarse las cosas con calma y tener a la banda como un mero –y seriopasatiempo, que dejarse la vida en el intento para conseguir alguna meta que, desde luego, debería de ser más alta que la que han conseguido. Es la historia una y mil veces vivida con nuestra excelente nómina de bandas pop punk rock. A pesar de lo que pueda sugerir el título

del álbum, ¡Más Rápido!, el trío de Santa Coloma no ha apretado el acelerador sin conocimiento, pese a que de temas speedicos tenemos algunos excelentes ejemplos como ‘Otra Vez’ o ‘Búscame En El Más Allá’. Pero aquí tenemos bastante más, tanto que después de unos cuantas escuchas aseguro que éste es el mejor disco que han hecho F.A.N.T.A. en toda su trayectoria. Con una producción perfecta para un álbum de estas características, la colección de canciones y melodías puede cortar la respiración.

6/ THE WAX E DON’T BELONG

Foto: Abel Roca

(VARIOS SELLOS)

stos descendientes catalanes de Refused se han tomado su tiempo para lanzar su primer álbum, pero han hecho bien en no precipitarse porque seguramente unos años atrás no hubieran sido capaces de hacer un disco tan maduro como el que aquí encontramos, y que aparece coincidiendo con el Record Store Day. Si hasta ahora la visceralidad era su característica principal, en los ocho temas de Don’t Belong The Wax se sacan de la manga nuevos trucos. Para empezar, su sonido ha ganado en robustez, con

el bajo y las guitarras rasgando fuerte y en algunas ocasiones acercándose, sorprendentemente, al nu metal. ¿O es que el principio de ‘Lost Highway’ no suena como los Korn más atmosféricos? Esta nueva influencia se aprecia ya en la inicial ‘Shadow Of Your Eyes’ con un delicioso sabor a Deftones, o también en el tercer corte ‘The Rambler’. Sigue habiendo explosiones controladas como ‘Dead City’ o ‘Don’t Belong’, con un subidón genial, pero el quinteto ha optado por expandir y explorar nuevas tesituras.

7/ IMPLORE

I SUBJUGATE (CENTURY MEDIA)

mplore han dado un salto cualitativo enorme entre Depopulation, su primer álbum, y Subjugate. ¿Qué ha ocurrido en estos dos años? Para ser claros, de banda con discretos resultados en el estudio pero con brutales directos, Implore han pasado a ser un grupo con lanzamientos tan remarcables como Subjugate y unos conciertos que sólo pueden ir a más al cerrar un lineup sólido. Creer en sus posibilidades les ha hecho romper con el ABC del

grindcore y ampliar miras, claro, y es por eso que en su nueva obra encontramos torpedos grind como ‘Loathe’ o ‘Totalitarian’, por supuesto, pero también hardcore del más extremo en ‘Paradox’ o ‘Disconnected From Ourselves’, una ‘Patterns To Follow’ con clara vocación de himno punk, aunque pasada por su filtro sangriento, o un lapso ambiental como ‘Ecocide’. Piensa en Nails, Rotten Sound, Nasum o Maruta, y añade algo de death sueco. Bravo chicos.

8/ JAMIE 4 PRESIDENT

F THE HEARTBREAK CAMPAIGN (BCORE/LA AGONÍA DE VIVIR)

ormados en 2011, Jamie 4 President atraviesan ahora su momento más dulce tras la publicación de su tercer trabajo, The Heartbreak Campaign. Su nombre suena más que nunca por el apoyo de un sello pequeño pero tan respetado como BCore y seguro que también ha ayudado el buen momento de Wild Animals, la otra banda de su cantante y guitarra Jamie Ruiz Green. Sea como sea, The Heartbreak Campaign es un muy recomendable ejercicio de power pop atemporal en la onda de Redd Kross, Gigolo Aunts y The Posies

(‘The Day I Fell For A Gypsy Girl’, ‘Everything Fades’ y ‘Power Ballad Prince’), en el que no falta una buena balada semiacústica (‘Secret World’) y alguna incursión en el emopop -el título del disco lo pedía a gritos- de bandas como Saves The Day y Jimmy Eat World (‘Candyfloss’, ’Far From Blue’). Este disco está a años luz de sus predecesores, Where Did Our Youth Go? y Dolphins, dos largos de indie pop sin apenas distorsión y con una producción plana. Nada que ver con el sonidazo, real y crujiente, conseguido aquí.

9/ ATAVISMO

P INERTE

(TEMPLE OF TORTUROUS)

odemos decir que si el disco de debut de Atavismo era como una progresión natural de lo comenzado en Mind!, de Viaje A 800, en esta nueva obra han ido un paso más allá. Siempre avanzando, siempre investigando, siempre buscando una identidad que entronque sus influencias del sur peninsular con su manera tan libre y personal de entender la música. Se ha comentado mucho los ecos del rock andaluz (y más concretamente del bellísimo catálogo de Triana) que se escuchan en este nuevo vinilo de

los gaditanos. Es cierto, es imposible no pensar en las composiciones de Jesús de la Rosa cuando escuchas una maravilla como ‘Pan Y Dolor’, pero como ya ocurría en Viaje A 800, ponerle una etiqueta a todo proyecto donde esté involucrado un tipo tan inteligente como Poti es poco menos que una temeridad. Puede que su guitarra suene menos poderosa, pero ahora se muestra mucho más elegante y evocadora en esos viajes oníricos en los que convierte pasajes tan bellos como ‘El Sueño’ o ‘Volarás’.

10/ CALA VENTO

C FRUTO PANORAMA (BCORE)

on ellos ocurrió lo que siempre se desea, pero no siempre ocurre, y es que una nueva apuesta funcione a la primera. Cala Vento conectó con un público joven que se identificó con las letras directas y ocurrentes del dúo afincado en Barcelona y le entraron ganas de bailar con su sencillo y pegadizo indie rock. Con toda seguridad, lo mismo volverá

a ocurrir con Fruto Panorama, un disco que conserva toda su frescura pero presenta algunos giros interesantes como el arreglo de cuerda de ‘Antes De Él’ o el punch post hardcore de ‘Fetén’. En sus once canciones encontramos pasión, euforia, carretera, amistad, conciertos, dudas e inseguridades. La búsqueda por integrar lo extraordinario dentro de la normalidad.

11/ LA M.O.D.A. S SALVAVIDA

(DE LAS BALAS PERDIDAS) (PRMVR)

alvavida (De Las Balas Perdidas) esconde varios trucos capaces de ponerte el vello de punta. Como vemos en la inicial ‘Mil Demonios’, el trote del acordeón de Joselito Maravillas y la voz rota de David Ruiz siguen siendo la base sobre la que se sostiene la banda, al igual que ‘La Inmensidad’, un corte con mucho feeling marca de la casa. Pero según van pasando las canciones iremos descubriendo que La M.O.D.A. se rebela contra el acomodamiento. Bien por ellos. Por ejemplo, aquí las segundas voces son un recurso bien presente y los arreglos de Diego Galaz, con instrumentos del folklore castellano,

cobran una importancia vital. Es algo que queda reflejado en ‘Océano’, una de las canciones más desgarradoras que hayan escrito, con una letra incendiaria y un David poniendo su voz al límite hasta que el tema se transforma en un pasaje tenebroso con theremin incluido. La crítica ‘Himno Nacional’ o la extravagante ‘Los Locos Son Ellos’ también incluyen sonoridades hasta hora inéditas. Pero tampoco se han olvidado de su parte más festiva como en ‘La Vieja Banda’, que nos recuerda a sus inicios más canallas cuando cantaban en inglés, o el nuevo himno que es ‘Héroes Del Sábado’. Y es que esta orquesta sigue siendo una maravilla.

12/ TEETHING

P WE WILL REGRET THIS SOMEDAY (VARIOS SELLOS)

arece mentira que, con el carrerón que llevan, We Will Regret This Someday sea el debut en largo de Teething. Pero así son las cosas en el mundo del core más extremo y, de esta forma, tras múltiples escapadas a Europa y todavía más shows, por fin los madrileños nos presentan algo más consistente y duradero que una larga ristra de EPs y splits, por muy disfrutables que éstos fueran. Para simplificar las cosas, decir que esta peña son lo más parecido a Nails o Full Of Hate que podemos encontrar

en nuestro Estado. Y quizá también haya algo del hardcore más volátil de Converge, o del powerviolence de Magrudergrind… Lo que nos lleva a pensar que, en realidad, Teething se mueven dentro de los parámetros comentados, pero saltando de un estilo a otro cuando quieren, aunque siempre con gran acierto y bombardeándonos la sesera que da gusto. Un tremendo temazo como ‘Subway Rat’, ‘Life Is Peachy’ y ‘An Open Letter To My Best Friend’ certifican que Teething conseguirán todo lo que se propongan.

13/ SCHIZOPHRENIC SPACERS

E IT BETTER BE GOOD

(AUTOEDITADO)

ditar un doble álbum en los tiempos que corren podría considerarse una acción casi suicida, pero aquí están Schizophrenic Spacers demostrando que la locura, cuando está corroborada por el talento y la ilusión, también puede ser un aliado para seguir avanzando. Los catalanes pusieron toda la carne en el asador y viajaron hasta Cantabria para que Hendrik Röver les grabara lo que es su obra más completa y ambiciosa. El resultado no ha podido ser más abrumador: 22 canciones que sin moverse de ese

exquisito y característico classic rock que han ido cultivando a lo largo de los años, nos presenta una riqueza apabullante, una versatibilidad que, sinceramente, no se había escuchado en este país en mucho tiempo. Tienes donde escoger: puedes meterte en la luminosidad de ‘From Here’, en la negritud de ‘Physiotherapist’ o en la urgencia de ‘Montpellier’, pero también puedes sorprenderte con la belleza de ‘A Parade’, perderte en los aromas blues de ‘Ode To A Fat Man’ o hacer explotar tu cabeza con la contundencia de ‘After The Grapes’.

14/ MUERT

L YE CANARIAE ABEZAN

(HAMMERHEART)

a primera vez que vi a los tinerfeños Muert en directo, me enamoraron. Qué cosa tan cazurra, menudo encanto… Por supuesto, les compré su Ahul Xaxo de 2015, una obra que, sin duda, el presente Ye Canariae Abezan se zampa de un bocado. Su fichaje por un sello de culto como Hammerheart Records ya nos puso sobre aviso, pero apenas se inicia la intro ‘Invocatio Ad Guanche Abezan’ uno ya cae en la cuenta de que algo muy gordo y sucio se le viene encima. La tremenda ‘Olor A

Muert’ invoca a todos los demonios reunidos en torno a Blasphemy o las demos de Beherit, y es que, sin llegar nunca al holocausto total de bandas como Revenge, con ‘Acentejo 1494’ o ‘Sacrifice In The Wild Reigns Of Aguere’ sí rememoras grupos básicos del war metal, también llamado bestial black metal, del palo Morbosidad, Bestial Warlust o Black Witchery, o incluso a grandes de la oscuridad más clásica como Demoncy en el caso de esta última. Salvajismo gratuito, dignificación absoluta del metal extremo.

15/ XAVIER CALVET P FIREBIRD

Foto: Coaner Codina

(BCORE)

or mucho que su música tienda hacia sonidos un poco más amables y melódicos, todos tenemos en cuenta que a los chicos de Bullitt les pirra el punk rock. Lo que quizás no todo el mundo sabía hasta ahora es que en el corazoncito de su líder y alma mater, Xavier Calvet, también había hueco para ese country folk alternativo tan deudor de los 90, también conocido propiamente como americana. Su debut en solitario es por tanto toda una grata sorpresa, donde Xavi declara su amor por bandas como The Jayhwaks, Wilco,

Cracker o Ryan Adams, por citar algunas referencias. Rodeado de un puñado de buenos amigos y bajo la batuta del maestro Santi Garcia a la producción, se ha tomado su tiempo para registrar un álbum al que se le nota el cariño dedicado en cada una de las composiciones. Ya desde la sobrecogedora ‘The Grey Lane’ (dedicada al tristemente fallecido Ferran Bonet, bajista de Bullitt) interpretada en solitario, intuimos que el común denominador siguen siendo las bonitas melodías vocales que, esta vez, brillan con más luz que nunca.

16/ APOSENTO

C BLEED TO DEATH

(XTREEM MUSIC)

orren buenos tiempos para el metal extremo, y si no, que se lo pregunten a Aposento. Quién les iba a decir que, casi tres décadas después de su fundación, con prolongada separación incluida, éstos iban a vivir su mejor época como banda en pleno 2017. Porque no hay más que ver cuántos shows han realizado desde su retorno, el buen ritmo de publicaciones que han tomado y, sobre todo, un discarral como el que nos ocupa, el presente Bleed To Death. Sí, sí, discarral, con todas la letras, uno de los mejores

que han aparecido este año en nuestro país. No me sorprende nada que el alemán Jörg Uken esté detrás de la mezcla y el master de este álbum, porque a Sinister es a lo que suena esta renacida apisonadora riojana. Y eso, queridos míos, viendo el espectacular momento que vive la formación holandesa, es muchísimo. Uno tras otro caen estos diez cortes, estas diez trepanaciones a lo Cannibal Corpse, estas diez mutilaciones que convierten este plástico en lo mejor que hayan lanzado nunca los de Logroño.

17/ ALTARAGE L ENDINGHENT (SEASON OF MIST)

a humanidad debe de estar realmente al borde del colapso para que una banda como Portal haya creado escuela. Desde su eclosión, no son pocas las formaciones que han seguido sus pasos en cuanto a terrorífica experimentación con el death metal, en lo que a torturarlo y ahogarlo para convertirlo en un negro bucle se refiere. Hasta ahora todas han operado desde la marginalidad, faltaría más viendo el incurable daño psíquico que pueden infligirte, pero con una carrera meteórica, Altarage se han colocado como los

alumnos más aventajados gracias a un segundo álbum ya publicado bajo Season Of Mist. No negaremos que, seguramente por el factor sorpresa, con NIHL nos impactaron mucho más, pero mientras vas avanzando por Endinghent no puedes evitar rendirte ante las artes nigrománticas de estos bilbaínos sin rostro. Esta entidad sólo quiere trasladarte su pavor, arrojarte a ese vacío que, cobardemente, tanto te niegas a reconocer mientras sigues buscándole algún sentido a todo esto… cuando sabes perfectamente que no lo hay.

18/ THE UNFINISHED SYMPATHY

H IT’S A CRUSH! (BCORE)

an tenido que pasar unos cuantos años para que Eric Fuentes decidiese aparcar su no menos brillante trayectoria en solitario y volver a reunir al combo que le dio a conocer. Tras un tiempo de rodaje sobre los escenarios en el que demostraron un estado de forma envidiable, tocaba el siempre peliagudo momento de sacar el disco de retorno. It’s A Crush!, lejos de marcar un nuevo rumbo en su carrera, más bien supone una síntesis. A lo largo de once canciones, los barceloneses visitan todos los palos de su catálogo. ‘Narcotic Fiancee’ y ‘Night Shift’ bien podrían haber

formado parte del controvertido We Push You Pull por su tendencia más bailable, mientras que las inmediatas ‘Christen Me’ y ‘The Welfare State’ nos recuerdan a sus comienzos más punk rock. Y, cómo no, tampoco faltan esos singles redondos que Fuentes nunca ha dejado de escribir. A buen seguro que ‘Goobye/Hello’, ‘Sentimental Shock’, ‘Sensual Tension’ o ‘Loveshake’ no desentonarán entre los clásicos. Y aunque hay que apuntar que el nivel queda un tanto lejos de sus mejores obras, la sensación de reencontrarnos durante media hora con una de nuestras bandas predilectas es todo un motivo de celebración.

19/ EXQUIRLA

E PARA QUIENES AÚN VIVEN (SUPERBALL MUSIC)

n el apartado musical, excepto algunos arpegios y recursos, que, por otra parte, Toundra ya habían utilizado en sus propios discos, la influencia del flamenco es bastante colateral. La banda hace alarde de toda su clase y versatilidad (‘Hijos De La Rabia’ muerde y seduce durante su recorrido), pero recae en Niño De Elche, con su poderosa y profunda voz y sus inflexiones melódicas, el papel de tirar estas composiciones hacia su universo. La carga política del álbum, banda sonora de una crisis sistémica por

resolver, se transmite más a través de los poros que del discurso, pero en piezas como la punzante ‘Europa Muda’ o ‘Destruidnos Juntos’ se les entiende todo. Cuando se habla de rock y flamenco es inevitable que nos venga a la cabeza aquel Omega de Enrique Morente y Lagartija Nick, pero más allá de la premisa inicial, pocos puntos de conexión encontraremos con el debut de Exquirla. En este caso, más que de fusión, hablaría de unión, y quizá ésa es la única pega que le pondría a un álbum único.

20/ HUMMANO

H GENOCIDE

(BLOOD FIRE DEATH)

ummano siempre han sido un monstruo de dos caras. Una cachonda y desenfadada que mostraban en sus vídeos y las fotos y portadas de sus discos, y otra mucho más cabrona que plasmaban en la brutalidad de su música. Pero incluso en sus temas había guiños que hacían pensar que no se tomaban a ellos mismos totalmente en serio. Pues bien, parece que llegados a su segundo álbum, el grupo de Tres Cantos ha decidido cambiar el chip y Genocide viene sin una sola concesión a provocarte una sonrisa. Hummano te atacan con todo lo que

tienen en un disco en el que vuelven a brillar a nivel técnico –sin caer en pajas- mientras te sumergen en la más profunda oscuridad con breakdowns salidos del averno (‘No Gods, No Masters’, ‘The Color Of Misery’). Cada canción es una explosión de violencia sonora, con la voz de Sito Shutter alternando poderosos guturales con mínimas líneas melódicas (‘Black Mirrors’, ‘S.N.A.F.U.’). Coproduciendo el disco junto a Alex Cappa, merece destacarse la labor de Fer Díez también a las guitarras a base de riffs enfermizos propulsados por una sección rítmica sin fisuras.

ESPECIAL FOTO

ROYAL BLOOD - HOUSE OF VANS UNAS SEMANAS DESPUÉS DE HABER PASADO POR NUESTRO PAÍS PARA PRESENTAR SU ÚLTIMO DISCO HOW DID WE GET SO DARK?, ROYAL BLOOD OFRECÍAN UN CONCIERTO MUY ESPECIAL EL PASADO 16 DE DICIEMBRE EN LA HOUSE OF VANS DE LONDRES. RUBÉN NAVARRO FUE UNO DE LOS 800 AFORTUNADOS QUE PUDO ASISTIR A TAN EXCLUSIVO EVENTO. TEXTO Y FOTOS: RUBÉN NAVARRO

ras el increíble hito de meter a nada más y nada menos que a Metallica en una sala de apenas 800 personas de aforo, la marca de las zapatillas de cuadros volvía a liarla otra vez en su espacio dedicado al skate, bmx y la cultura indie. Esta vez nos ofrecían a una de las propuestas más interesantes que han surgido en el último lustro en el amplio mundo del rock: el dúo de Brighton formado por Ben Thatcher y Mike Kerr, o también conocidos como Royal Blood. Estos dos jóvenes han cosechado un éxito que pocos hubiesen imaginado viniendo de un conjunto formado por un bajista y un batería. Su música es aclamada por amantes del género y por aquéllos que se han topado con single tras single en la radio. Prueba de ello fue la notable mezcla de público que se reunió en el que se ha convertido en mi rincón favorito de Londres. Bueno, eso… y

que el bolo era gratis. Sin preámbulos, y tras una breve actuación de la banda Black Honey, que les acompañó durante su último tour, Royal Blood saltaron al escenario llenos de energía. Ben inició los primeros compases de ‘Where Are You Now?’ para que Mike se le uniese con su bajo y juntos desataron la locura de los allí presentes. Concluido el primer tema, Mike se dirigió a aquéllos que estaban disfrutando del concierto por streaming desde la comodidad de su casa, cortesía de Vans, y les pidió disculpas de antemano por no tener pensado prestarles demasiada atención. Al fin y al cabo, como él mismo dijo, su intención era pasarlo bien y emborracharse con los que estábamos allí. Acto seguido, ‘Lights Out’ dio comienzo y el reconvertido túnel se tiñó de rojo. ‘Come On Over’ fue el primer guiño de la banda a su

laureado homónimo álbum que tantas alegrías les ha dado. Sin arreglos, sin pistas añadidas y con un sonido crudo y atronador, bajo y guitarra creaban una atmósfera que prácticamente obligaba a uno a frotarse los ojos para asegurarse de que en el escenario sólo había dos personas… y de que el bajo sólo tenía cuatro cuerdas. Temazo tras temazo la gente se iba animando cada vez más, y lejos de flaquear, la fuerza del respetable parecía multiplicarse en forma de avalanchas, circle pits y botes. No hubo muchos, pero tampoco faltaron los clásicos crowdsurfers. La noche llegaba a su fin, y los temas escogidos para poner el broche de oro fueron ‘How Did We Get So Dark?’, ‘Figure It Out’ y, por supuesto, ‘Out Of The Black’. Una excelente forma de despedir 2017 en lo que a conciertos se refiere.

LENDAKARIS MUERTOS

EYACULACIÓN PRECOZ LENDAKARIS MUERTOS TENÍAN UN PLAN PERFECTO: APROVECHAR LA GIRA QUE IBAN A EFECTUAR EL PASADO VERANO POR AMÉRICA PARA GRABAR SU NUEVO DISCO. PERO COMO NO PODÍA SER DE OTRA MANERA, LA HISTORIA TOMÓ UN GIRO INESPERADO… TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

124

O PRIMERO QUE LLAMA

la atención cuando escuchas por primera vez Podrán Cortar La Droga Pero No La Primavera (Qué Mala Patria), el octavo disco de Lendakaris Muertos, es lo corto que es. Apenas diez temas en 15 minutos, en los que Aitor Ibarretxe (voz), Joxemi Urkullu (guitarra), Jokin Garaikoetxea (bajo) y Potxeta Ardanza (batería) vuelven a presentar ese punk rápido e irreverente que desde hace más de una década viene provocando pogos y risas a partes iguales con te-

bar el nuevo álbum, pero se les olvido un pequeeeeeño detalle: tener las canciones preparadas. Aun así, los Lendakaris le pusieron un par y, junto a Pablo Giadac y Federico Pertusi (cantante de Attaque 77), sacaron adelante la grabación. Aitor y Jokin nos contaron los detalles durante una visita a nuestra redacción. Me imagino que os lo está diciendo todo el mundo, pero el disco pasa como un suspiro. AITOR “(Risas) Ya lo sabíamos.

El disco lo hicimos en América. En agosto estuvimos en California, México, Colombia, Chile y Argentina. La idea era ensayar las canciones unos meses antes, teníamos un par de estudios cogidos en Chile y Argentina, y en México y Colombia dos sitios para ensayar. Pero no lo preparamos antes de irnos (risas)”.

grabarla (risas). Tenía que haber un tema más al menos”. Pero alguna idea habría de antes, ¿no? AITOR “Sí, siempre tenemos algo

pensado. Yo llevo un cuaderno en el que voy apuntando cosas y luego cuando hay que hacer un disco lo saco de ahí”. JOKIN “Pero también hubo un tema que sacamos ahí, en el estudio, y lo grabamos. Como los buenos (risas). Siempre hemos trabajado con presión, la verdad”. AITOR “Pero está guay. Menos lo que dura poco, pero diez canciones de otro grupo es un disco entero”. JOKIN “De todos modos, es mucho mejor eso que meter relleno por meter relleno”. Además, un disco así seguro que te lo escuchas entero, e

mas como ‘Oso Panda’ o ‘ETA, Deja Alguna Discoteca’. Tanto su música como su espíritu llenan ese hueco que bandas como La Polla Records, Cicatriz o Kortatu habían representado en su momento y han supuesto un soplo de aire fresco para el punk más reivindicativo. El lendekarismo se ha ido propagando incluso fuera de nuestro país, y por eso, el pasado agosto, la banda de Pamplona se subía a un avión para ofrecer una gira por tierras americanas. Ya puestos, la idea era aprovechar el viaje para gra-

¿Por pasotismo?

igual si durara 40 minutos te

JOKIN “Sí, un poco de todo. Entre

escucharías la mitad.

los conciertos y tal y el ‘ya quedaremos’, pues no lo hicimos”. AITOR “No sabría decirte por qué. Llegó la hora de irnos y teníamos que decidir si no hacíamos el disco o lo hacíamos con lo que salga, y decidimos hacerlo así. Y lo que salió es lo que ha salido (risas). Dimos ocho conciertos seguidos. Habíamos tocado aquí y luego cogimos el avión a San Francisco y ahí empezamos a tocar, dimos siete conciertos hasta Ciudad de México. Al día siguiente teníamos que ensayar, pero estábamos muertos y dejamos un día de margen para descansar. Pero decidimos igualmente grabar lo que saliera y que, cuando volviéramos a casa, no grabaríamos más cosas. De hecho, una canción se nos olvidó

JOKIN “Pero hagas lo que hagas la

gente se queja. Si es corto porque es corto, y si es largo porque es largo. Si haces lo mismo porque es lo mismo, y si cambias algo, porque cambias”. AITOR “En general creo que los discos se están acortando”. Os quería preguntar más por la experiencia americana. ¿Qué tipo de público os iba a ver en Estados Unidos? AITOR “Ahí no tocamos solos, había

más grupos. Tocamos en San Francisco, Los Ángeles y San Diego. En San Francisco tocamos en una salita que estaba muy bien y yo creo que era gente que iba a ver a los otros grupos. Muchos yanquis. Luego en Los 125

“SIEMPRE HAY QUIEN NO PILLA LA IRONÍA O EL DOBLE SENTIDO”

JOKIN

Ángeles, la mayoría eran chicanos, latinos, y nos conocían. En San Diego, no recuerdo. Pero una vez cruzado Tijuana ya era gente que nos conocía. Lo de Estados Unidos era más porque estábamos ahí y hace como ilusión tocar en la meca del rock. Estuvo guay. Y extramusicalmente, también. Estás en Los Ángeles y parece que estés en un sitio conocido por todas las películas, videoclips… Fuimos a visitar a los Ramones al cementerio porque nos gustan mucho y nos hacía ilusión”. JOKIN “Tanto a nivel del grupo como personal, estuvo de puta madre. Y también sirve para ver realmente si te llevas bien o mal. En 28 días no ha habido broncas”. AITOR “Cero broncas. Y eso que hemos estado conviviendo en apar126

tamentos, cocinando, limpiando los calzoncillos (risas). Normalmente estamos igual cuatro días. De jueves a domingo”. Vaya, que era una prueba de fuego. AITOR “Sí. El primer día que llega-

mos a San Francisco estábamos en un hostel súper cutre, me metí en la litera, cerré los ojos, y pensé: ‘¿Qué coño hago aquí? Y me queda un mes’. Pero luego al día siguiente se me pasó. Pensaba que igual me iban a dar esas crisis cada pocos días, pero no. Luego no me quería volver”. JOKIN “Pero al final hemos hecho como siempre”.

JOKIN “Yo creo que sí”. AITOR “Igual si eres alguien que

nunca ha salido de su pueblo, pero en un grupo estás acostumbrado a ver sitios nuevos. Si te plantas de tu casa a Ciudad de México o Bogotá, pues también flipamos nosotros, pero…”. JOKIN “Igual se ha notado un poco a nivel de sonido. Pero tampoco lo veo muy diferente. Pero siempre habíamos grabado con el mismo técnico, así que algo se tiene que notar, digo yo”. AITOR “Yo creo que se nota más el punto de improvisación. Como había poco tiempo, o bien improvisábamos o bien lo hacíamos corriendo, sin pensar en cambiar lo que íbamos haciendo”.

¿Creéis que está mitificado lo de tocar o grabar fuera?

Igual a partir de ahora ya no

ensayáis nunca más. Total, ¿para qué? JOKIN “(Risas) Sí, pero también

crea estrés”. AITOR “Me imagino que los próximos los haremos como siempre, pero si las críticas no nos funden mucho por la duración, pues así serán. Pero además en este viene un DVD de regalo de un concierto que grabamos en primavera en Madrid que estuvo muy bien. Y en Spotify también está el audio del directo. Así que le hemos metido algo más de contenido”. ¿Sois de los probar los productos locales allá donde vais? Por ejemplo, en Colombia… AITOR “(Risas) Yo no tomo drogas”. JOKIN “Yo lo probé un día, pero si

te digo la verdad, no notaba nada. Era muy tranquilo, pero estuvo bien. Pero a mí lo que me pone es tocar y hablar con la gente”. AITOR “La comida también muy rica (risas)”. JOKIN “Yo lo de la comida lo llevé mal. A las dos semanas quería comer mi comida. Un día hice unas patatas a la riojana en México. Pero compré un chorizo de ahí y sabía como a salchicha (risas). 15 días de pizza y japonés cansa”.

que tampoco entendían. Pero la gente bailaba igual, y creo que entendían el rollo del grupo”.

mucha gente a la calle que no había salido nunca”. ¿Alguna vez os habéis autocen-

¿Y aquí creéis que se os entien-

surado de alguna forma?

de cada vez más o todavía hay

AITOR “Nunca. Para nada. Igual

quien no pilla el rollo?

alguna he cambiado alguna letra porque no me gustaba o quería decirlo de otra manera, pero nunca hemos hecho una letra y guardarla en un cajón porque era demasiado sobrada”.

JOKIN “Yo creo que cada vez más,

pero siempre hay quien no pilla la ironía o el doble sentido y te dice ‘¿Pero vosotros de qué vais?’. Pero por un lado está bien, que piensen un poco”. AITOR “Eso se traduce en que cada vez tenemos menos problemas con la gente. Las letras siguen siendo igual, pero se asimilan mejor y les hace gracia”. JOKIN “Ahora ya no pasa como cuando tocábamos ‘Gora España’ y sacabas la bandera. Te decían ‘¿Cómo puedes sacar eso?’. Y es en plan ‘¿Que no te enteras de qué va esto?’ (Risas)”. ¿Alguna vez os han intentado

Es que a veces parece que los grupos se cortaban menos en los 80 que ahora, que en teoría hay más libertad. JOKIN “Es que no la hay”. AITOR “Al final lo que marcan son

las leyes, y la Ley Mordaza que está ahora en vigor es mucho más dura que en los 80. Yo recuerdo el primer disco de Cicatriz que había una frase que decía “Hay que matar a la policía”. Eso ahora no puedes decirlo porque te denunciarán”.

pegar? AITOR “Sí... Y nos han pegado tam-

Por eso hablaba de autocensu-

bién”.

ra, igual ya no lo cantes aunque

JOKIN “Por suerte ya no es como

te apetezca por miedo a…

antes. Pero mucha gente no tiene sentido del humor, se lo toman todo a la tremenda”.

AITOR “En nuestro caso, cuando

En vuestras letras hay muchas

¿Creéis que hay una relación

referencias de aquí... ¿El públi-

entre que hayáis ganado públi-

co chileno o argentino pilla los

co y que la gente está más mo-

chistes también?

vilizada políticamente?

AITOR “Muchas cosas no porque

AITOR “Igual aquí en Catalunya,

tienes que vivir aquí para entenderlas. Pero la gente es muy culta allí, eso me gusta. Hasta un chaval vino con una lista de preguntas. Muchos no saben ni qué es Lendakaris o qué es una ikastola. Y luego, además de palabras en euskera, hay conceptos

la gente está más movilizada por vuestro tema particular, pero allí está todo igual. Igual fuera de aquí hay un pequeño porcentaje que está abriendo los ojos ante lo que está pasando porque es para despertar. Me imagino que aquí está saliendo

empezamos, sacamos una maqueta y cuando fichamos por Gor, un amigo me decía ‘pues ya no podréis gritar’ el nombre de un político que no voy a decir, ‘hijo de puta’. Pero es que, aunque supiéramos que no va a pasar nada, no lo haríamos. Lo haría de otra manera. Igual el estilo de otro grupo es insultar así, pero nosotros lo intentaríamos insultar de otra manera. De hecho, lo hacemos (risas)”.

127

FIVE FINGER DEATH PUNCH 12 DE DICIEMBRE DE 2017 SANT JORDI CLUB, BARCELONA TEXTO: DAVID GARCELL FOTO: ERIC ALTIMIS

120

OF MICE & MEN

l último gran concierto de metal de año, al menos en cuanto a aforo se refiere, nos traía, como en las bodas, algo nuevo, algo viejo y algo prestado con un cartel formado por Of Mice & Men, In Flames y Five Finger Death Punch. Todos hubiéramos querido disfrutar de la primera visita de Of Mice & Men a nuestro país en otras circunstancias. Su breve set nos permitió escuchar dos temas nuevos como ‘Unbreakable’ y la violenta ‘Warzone’ y apenas cuatro recuperados de discos anteriores como ‘Pain’ o ‘The Depths’. Los californianos tienen fuerza, pero la salida de Austin Carlile les ha obligado a reconvertirse y, aunque el bajista Aaron Pulley cumple bien como vocalista, es difícil no pensar que algo se ha perdido en esta forzada transición. Veremos qué les depara el futuro. Está claro que In Flames se han tomado esta gira como una oportunidad para reposicionarse. Tanto la espectacular escenografía, con dos altas torres para el teclista y el batería recubiertas, al igual que la pared de fondo, con

pantallas leds, como la duración de su repertorio, dejaban claro que su papel no era el de unos simples teloneros. Puede que sus últimos discos no entusiasmen, pero en directo los suecos parecen haberse revigorizado. Sobre el escenario, se les veía encantados con esta oportunidad de tocar para más público del que suele ir a sus propios conciertos, y la verdad es que sonaron con una gran contundencia. Si bien empezaron con ‘Drained’ y ‘Before I Fall’, dos temas de su último disco Battles, el resto, salvo ‘Save Me’, estaría dedicado a repasar su amplio catálogo. Soy el primero al que a veces se le olvida el poderío de piezas como ‘Take This Life’, ‘Trigger’, ‘Only For The Weak’ o ‘Moonshield’, y aunque la banda se ha decantado por el metal alternativo en detrimento del death, todavía se merecen un respeto. Esta gira de Five Finger Death Punch tenía como pretexto la presentación de su recopilatorio A Decade Of Destruction, pero el gran aliciente para los fans era la vuelta del

IN FLAMES

vocalista Ben Moody tras unos meses en rehabilitación. Sin embargo, personalmente, él es uno de los factores que me tiran para atrás de esta banda. No me encaja la pinta de malote que quiere proyectar, con verlo cantando los estribillos melódicos de ‘Lift Me Up’ o ‘Wash It All Away’, por no hablar del set acústico que se marcaron en medio y que rompió totalmente el ritmo del bolo. No lo negaré, su groove metal con rastros de nu metal poligonero puede resultar entretenido, pero no me acabo de explicar su continuo ascenso de popularidad. O quizá sí. Mirando al público, veías tanto a chavales como a treintañeros, como hasta algún metalero incluso mayor que todavía quiere estar al día. Los de Las Vegas ofrecen algo para cada uno de ellos, desde la cañera ‘Burn MF’ (en la que apareció Tommy Vext de Bad Wolves, quien sustituyó a Moody el pasado verano) a la festiva ‘Jekyll And Hyde’, suficiente como para que agrade a todos sin ofender a nadie. Pero como la ciudad de la que proceden, Five Finger tienen más fachada que alma. 129

DEPECHE MODE

7 DE DICIEMBRE DE 2017 PALAU SANT JORDI, BARCELONA TEXTO: DAVID SABATÉ FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

120

n Palau Sant Jordi a rebosar esperaba con expectación el inicio del show mientras los altavoces escupían ‘Revolution’ de los Beatles, un flashback irónico que aludía a ‘Where’s The Revolution’, single del último disco de Depeche Mode, Spirit, de tintes políticos y recuperada puntería para el hit. Pero ese tema sonaría más adelante. Los de Essex arrancaron con la también nueva ‘Going Backwards’ y con los saturados colores de una suerte de Pollock cyberpunk presidiendo la pantalla gigante del fondo. Sobre ella apareció, recortada, la silueta de un Dave Gahan con movimientos de reptil. Griterío ensordecedor. Los primeros temas de la noche sirvieron para constatar varias cosas: que el trío, ampliado a quinteto con Christian Eigner (batería) y Peter Gordeno (bajo y teclados), sigue dominando el escenario con aplomo y ademanes de stadium rock; que Gahan es un

frontman en consonancia, entre selecto y macarra, luciendo tatuajes brillantes de sudor, pelo engominado, lápiz de ojos y bigote a lo John Waters; y también nos confirmaron que estábamos ante uno de los mejores sonidos escuchados nunca en ese estadio. Una ecualización nítida pero contundente propia de los Depeche Mode más rock hasta la fecha. La mejor prueba, ‘It’s No Good’ –la segunda de la noche–, con un bajo musculado y sintetizadores corpóreos en primer plano, o una ‘Barrel Of A Gun’ de tempo denso y pesado. Hasta cinco temas recuperaron de Ultra, su icono de los 90 junto a Violator: una emotiva ‘Home’ de clímax preciosista y con Martin Gore al micrófono, quien también protagonizaría una versión acústica de ‘Insight’, y una ‘Useless’ de inicio casi irreconocible, el único momento en el que se les fue un poco la mano con la saturación

instrumental. Spirit quedó en segundo plano pero bien repartido a lo largo del set: en su ecuador sonó la introspectiva ‘Cover Me’ y su desenlace electrónico de arquitectura kraut, mientras que la citada ‘Where’s The Revolution’ desplegó banderas animadas con aspecto de hachas y botas danzando como en una una versión minimal de ‘The Wall’. Muy aplaudidos fueron los medio tiempos con profundidad de ‘World In My Eyes’ e ‘In Your Room’, aunque la verdadera ovación llegó en una recta final más ochentera, con ‘Everything Counts’, ‘Stripped’ y una poderosa ‘Never Let Me Down Again’ coronada por la habitual marea de brazos. Tampoco faltó ‘Enjoy The Silence’, tan gastada como fascinante, y, ya en los bises, una ‘Strangelove’ frágil y desnuda, ‘Walking In My Shoes’ y el remache con una veloz y oscura ‘A Question Of Time’ y la retorcida mística de ‘Personal Jesus’. Clásicos. 131

NAPALM DEATH

16 DE DICIEMBRE DE 2017 RAZZMATAZZ 2, BARCELONA TEXTO: RICHARD ROYUELA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

120

LOOKING FOR AN ANSWER

ese a que sean unos asiduos a nuestros escenarios y que quien más quien menos ha podido verles unas cuantas veces, daba gozo ver la excelente entrada que tuvo la sala Razzmatazz 2 para acoger una nueva visita de Napalm Death… Aunque bien es cierto que algo de truco había, ya que el cartel lo completaban Looking For An Answer, Deathride y Ósserp, lo que le daba a la velada un cierto aire de mini festival. Y como suele pasar en los festivales el que abre la sesión es quien se lleva la peor parte. Ósserp ya han demostrado más de una vez su valía en directo, pero tener que salir a tocar mientras la gente entra y se sitúa, no es lo más deseable. Aun así defendieron su nuevo álbum Al Meu Pas S’Alça La Mort, que ocupó casi todo su corto repertorio, con mucha dignidad y mostrando, al igual que en el disco, que pueden dar toda la cera del mundo, pero que su sonido está evolucionando hacia

terrenos más que interesantes. No muchos estaban familiarizados con los alemanes Deathride, pero seguro que después de su actuación se ganaron muchos fans. Como si de unos jóvenes Entombed se trataran, quizás con un poso más hardcore punk, el cuarteto no dio un solo segundo de respiro. Nos dejaron con ganas de repetir cuanto antes y la sensación de que aun tocando un estilo donde poco margen hay de innovación, todavía te puede sorprender una banda. Looking For An Answer son y serán el referente del grindcore estatal. Lo han demostrado durante sus muchos años, décadas ya, de carrera, y lo mejor es que no parecen desfallecer. En cada nota se dejan la vida y aunque su actuación tardó un poco en arrancar, a partir de ‘La Matanza’ aquello fue un no parar. No son un grupo fácil de contentar y, aunque haya gente que todavía recuerde la etapa de Iñaki como vocalista o que no acabe de convencerles esa postura tan radical,

es muy complicado encontrarles una fisura cuando los vemos tocar, y sobre eso hay que valorarlos. Y lo de Napalm Death fue de cum laude. Mostrando quien mandaba y por qué cada uno de los músicos que había subido al escenario antes que ellos, en mayor o menor medida, los tiene como una influencia. Parece que la banda ha encontrado la manera de encajar con John Cooke, el sustituto ‘temporal’ de Mitch Harris, y volver a los sonidos más hardcore punk de sus inicios les sienta de maravilla, como si ese fuera, que seguramente lo es, el verdadero ADN de los de Birmingham. Difícil explicarlo, pero es de admirar la frescura con que Barney afronta cada una de sus actuaciones y cómo Shane Embury parece seguir disfrutando como un principiante con cada nota que lanza desde su bajo. Después de un periodo de incertidumbre, Napalm Death siguen sin cansarse de sentar cátedra. Un gran noche, sí señor. 133

DE GIRA

STEEL PANTHER

11 DE FEBRERO RAZZMATAZZ (BARCELONA) 12 DE FEBRERO LA RIVIERA (MADRID) 13 DE FEBRERO SANTANA 27 (BILBAO)

e gusta la Navidad? ¿Qué planes tienes para las fiestas?

MICHAEL STARR (voz) “Sí, me

gusta mucho. Puedo pasar tiempo con mi familia y reconectar con todo el mundo. Viajamos mucho, así que es un buen momento para estar en casa. También muchas veces hemos dado conciertos en Fin de Año y son geniales, porque todo el mundo sale con ganas de emborracharse y, toques como toques, les suena genial (risas)”. Aquí no os veremos hasta febrero, pero seguro que la gente irá con ganas de fiesta.

“Cada vez que hemos ido a España lo hemos pasado de miedo y he hecho un montón de amigos allí. No sé si lo sabes, pero mi segundo apellido es Saenz, que es español, así que tengo un poco de vuestra sangre. Será la primera gira fuera de Estados Unidos

134

que hagamos para presentar nuestro nuevo disco Lower The Bar. Tocaremos cuatro o cinco canciones de él y luego dos o tres de cada uno de los anteriores. Será muy divertido”. Supongo que cada vez es más

hiciéramos, la gente se cabrearía. Otro problema es que, si queremos tocar ‘Girl From Oklahoma’, ‘Wasted Too Much Time’ y ‘Community Property’, son todo baladas y la energía del concierto bajaría, así que tenemos que quitar alguna”.

difícil decidir qué temas vais a dejar fuera.

Sois de los pocos grupos de este

“Lo es, lo es. Cuantos más discos sacamos, más difícil es contentar a todo el mundo. Cada uno tiene sus temas favoritos, pero normalmente si hemos hecho un vídeo de un tema intentamos tocarlo porque son los más conocidos. Podemos saber por los visionados de YouTube qué temas son los más populares y a veces también usamos el algoritmo de Spotify para saber en qué países se han escuchado más unos temas que otros. Al final estamos al servicio de la gente. Tocamos ‘Death To All But Metal’ en cada concierto, pero si no lo

estilo que habéis conseguido llamar la atención de un público joven que no vivió la era dorada del glam metal. ¿A qué crees que se debe?

“Creo que es gracias a Internet. Los chavales pueden escuchar música de cualquier época. Creo que eso es la prueba de lo cojonudo que era el glam y el heavy metal de los 80. Tiene grandes canciones, grandes solos de guitarra y es divertido. Los chavales escuchan a Whitesnake o Bon Jovi y luego escuchan a Steel Panther y piensan ‘esto es cojonudo, vamos a

su concierto a pasarlo bien’. A los chavales les encanta la fiesta”.

AGENDA ENERO

¿Pero crees que si dejarais de lado el aspecto más cómico, tendríais el mismo éxito, o crees que es el factor clave?

“Creo que si quitáramos el humor de nuestra música, la gente pensaría que somos un chiste igualmente. Pensarían ‘¿de qué van estos tíos? Están totalmente fuera de onda’. Pero creo que la clave es que todo ocurrió de manera orgánica. No podíamos conseguir un contrato haciendo esta música, así que dijimos ‘a la mierda’, y como somos tipos divertidos empezamos a meter todo nuestro sentido del humor en las letras y funcionó. Lo irónico de todo esto es que ahora nos piden que hagamos un disco serio”. ¿Cómo se toman los grupos de los 80 cuando tocáis con ellos? ¿Se sienten ofendidos o se lo toman bien?

“En la industria musical nadie se ofende en tu cara. Así que no estoy seguro. Pero me gustaría pensar que la mayoría de esos tíos se lo toman bien. Pueden mirar atrás y reírse de ello. Bandas como Whitesnake o Ratt vendieron millones de discos, no paraban de salir en MTV, y ahora siguen viviendo del éxito que tuvieron cuando eran jóvenes. Ahora no se venden discos, no hay MTV, no sonamos en la radio, así que nosotros tenemos que salir y tocar. Ése era mi sueño cuando era un crío y lo he conseguido con Steel Panther, así que estoy muy contento”. A lo largo de los años habéis tenido muchos invitados en vuestros conciertos. ¿Cuál ha sido el más especial para ti?

“David Lee Roth de Van Halen. Hace mucho tiempo tocamos en Pasadena y vino al backstage, y me dijo ‘cuando estaba en Van Halen yo solía vestir como tú, pero ya no. ¿Sabes por qué? Porque no quiero’. Me dijo que él y Van Halen fueron los que empezaron el heavy metal. Y puede que tenga razón porque cuando salieron todos los guitarristas querían ser Eddie Van Halen y todos los cantantes querían ser David Lee Roth, yo incluido. El caso es que le propuse tocar ‘Ice Cream Man’, así que la ensayamos conmigo tocando la guitarra y él cantando. Pero al final no quiso subir al escenario. Pero para mí fue uno de los momentos más especiales de mi vida”. (JORDI MEYA)

36 CRAZYFISTS 31 Barcelona, 1 de febrero Bilbao,

2 de febrero Madrid

ACCEPT 26 Barcelona, 27 Madrid, 28 Bilbao ALT-J 8 Barcelona, 9 Madrid ARCH ENEMY 19 Barcelona, 20 Madrid CATALONIA WINTER FEST (Dead Congregation, The Ruins Of Beverast...) 19-20 Barcelona COMEBACK KID 30 Barcelona, 31 Bilbao, 1 Madrid, 2 A Coruña GLORYHAMMER 13 Barcelona, 14 Madrid, 15 Bilbao HELLSINGLAND UNDERGROUND 17 Barcelona, 18 Valencia, 29 Madrid, 20 Sevilla, 21 Estepona, 22 Aldeamayor De San Miguel, 23 A Coruña, 24 Avilés, 25 Santander, 26 Bilbao, 27 Zaragoza LADY GA GA 14,16 Barcelona ORK 26 Barcelona, 27 Madrid PARAMORE 7 Barcelona RAGE 18 Murcia, 19 Madrid SEPTICFLESH

16 Madrid, 17 Barcelona

SNUFF 19 Llançà, 20 Castellón, 21 Madrid TRIGGERFINGER 26 Barcelona, 27 Madrid WHILE SHE SLEEPS 13 Bilbao, 17 Madrid, 18 Barcelona WOLF ALICE 4 Madrid, 5 Barcelona