RockZone 136 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Ghost (Barcelona) © Eric Altimis

EDITORIAL Si bien el pelazo de Cedric Bixler-Zavala ya había aparecido varias veces en la portada de RockZone, siempre lo había hecho como miembro de The Mars Volta. Por eso es un gustazo tenerlo de vuelta, finalmente, como portavoz de At The DriveIn. Después de 17 años, la banda de El Paso publica nuevo disco y como no podía ser de otra manera, contactamos con ellos para que nos lo contaran todo sobre su regreso. Por si eso fuera poco, también charlamos con Incubus, While She Sleeps, The Flatliners o con Danko Jones quien, cuando no está ocupado escribiendo su sección para esta revista, también hace música. Enjoy!

SUMARIO

Nยบ 136

7 / INTERFERENCIAS

22 / INCUBUS

28 / NORTHLANE

34 / WHILE SHE SLEEPS

40 / DANKO JONES

46 / THURSTON MOORE

50 / AT THE DRIVE-IN

60 / DIARIO DE GIRA: SYBERIA

64 / CRÍTICAS

92 / THE PICTUREBOOKS

98 / THE FLATLINERS

104 / BUSH

110 /

116 / EN DIRECTO

DE LA CUNA A LA TUMBA

122 / DE GIRA + AGENDA

124 / FIGURAS COLATERALES

ARNETTE.COM

STEVE MULL I CUT BACK

INTERFERENCIAS TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

NEW DEL MES_ PARAMORE LA BANDA LIDERADA POR HAYLEY WILLIAMS PUBLICARÁ SU NUEVO DISCO AFTER LAUGHTER EL 12 DE MAYO. EL ÁLBUM MARCA EL RETORNO DEL BATERÍA ORIGINAL ZAC FARRO DESPUÉS DE SIETE AÑOS DE AUSENCIA.

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordian Fo, Luis Benavides, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Rubén Cougil (Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57), Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Mariño (Smartita), Israel Higuera (wirrak). Foto de portada: DR

l pasado 9 de abril, Paramore volvían a la primera línea de la actualidad musical con la edición del single ‘Hard Times’. A pesar de su ritmo animado, su sonido ochentero y una melodía pegadiza que apuntan sus intenciones de asaltar definitivamente el mundo del pop, la letra deja intuir que no todo es de color de rosa en el mundo de Paramore. Y es que, cada vez que publican un nuevo disco, salen a la luz los malos rollos internos que vienen acompañándoles desde sus inicios y que han propiciado cambios constantes en la formación. La última baja ha sido la del bajista Jeremy Davis, quien además ha demandado a sus excompañeros por impago de royalties. Su salida, que dejó a Hayley Williams y el guitarrista Taylor York como únicos miembros del grupo, hizo que la vocalista incluso se planteara si merecía la pena seguir adelante. “Hace dos años, le pregunté a Taylor si quería empezar un nuevo grupo. Estaba harta de esta mierda. Le dije que deberíamos probar algo nuevo, darle un nombre nuevo”, revelaba en una entrevista a The Guardian. En el mismo artí-

culo, York también admitía que había estado a punto de tirar la toalla varias veces. Pero no lo hicieron y, poco a poco, empezaron a componer nuevas canciones con una nueva sonoridad que les pareció inspiradora. La pieza final que hizo posible que se sintieran con fuerzas para grabar un nuevo álbum fue su reconciliación con el batería Zac Farro. En 2010, él y su hermano Josh, guitarrista, se habían ido porque sentían que Paramore se había convertido en un producto y que eran tratados como empleados a sueldo, como si la banda fuera el proyecto personal de Williams. Tras aclarar sus malentendidos, Williams, Taylor y Farro empezaron a grabar en Nashville, su ciudad, After Laughter, usando al talentoso Justin Meldal-Johnsen (M83, Beck) como productor. La buena química con él ya se había plasmado en su anterior disco homónimo de 2013, donde Paramore se habían distanciado del sonido pop punk y emo de sus inicios, y todo indica que en su quinto trabajo todavía han ido más lejos en esa dirección. En unos días, saldremos de dudas.

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LO PEOR DE MÍ_ LA AVARICIA ROMPE EL SACO

host han vivido su particular vía crucis de Semana Santa. La que hasta ahora parecía una carrera ejemplar se ha visto manchada por una serie de sucesos con un factor común: la avaricia. A mediados de febrero, saltaba la noticia de que Papa Emeritus, alias del ahora ya conocido Tobias Forge, renovaría por completo la formación de Nameless Ghouls para su nueva gira europea. Unas semanas más tarde, trascendía que cuatro exmiembros del grupo interponían una demanda contra Forge por no haber repartido los beneficios generados por sus discos y giras. Para rematar, sus conciertos en Barcelona y Bilbao tuvieron que trasladarse a recintos más pequeños por la pobre venta de entradas. De nuevo, la avaricia de Forge y su agente les hizo calcular mal la verdadera dimensión del grupo. Querer pasar de locales de mil personas a otros de 6.000, en apenas un año, no tiene lógica. Como tampoco la tiene que un promotor haga una oferta, para quitárselo a otro, que obligue a subir el precio de 24 a 41 euros. Estoy casi seguro de que Ghost seguirán publicando grandes discos y ofreciendo buenos conciertos en el futuro, pero me temo que la mística que tenían hasta ahora se ha ido para siempre. Y eso es un intangible que no se puede comprar con dinero. (JORDI MEYA)

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INSTANTGRAMO

@CtrlRockmag La gente de @RockZone no falta a la cita del #RecordStoreDaySpain. Otro año más, y ya van cuatro, sacan sus The Bipolar Sessions. @sarachitects Ojalá Linkin Park sean portada en la @RockZone de mayo. @TuiteroxlMundo Para eso tendrían que hacer rock, igual salen en la Bravo. @workah0lic Buenísmo el nuevo single de @werideband. #hardcorelives @sergi_prod La buena música siempre apetece escuchar y Pearl Jam, décadas después, la sigue haciendo muy buena... @antipodasson Entrada en mano de Touché Amoré para verles en directo. ¡¡Mi llamamiento en el top 2016 sirvió!!!

Con Tommy Manboy, muy majete el batería de Turbonegro en la firma de discos del Resu 2014. Vino sólo porque llovía a mares y el resto del grupo prefirió quedarse en el backstage, pero un auténtico crack. (OSCAR OLIVEIRA)

*¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección.

DESDE EL TÍBER El otro día, al llegar a la oficina, me encontré con una banda que iba a pasar el día ahí recargando el minibús de gira. Al rato ya me comentaron que ese grupo eran Sonic Syndicate, esos flequilleros que acumulan millones y millones de reproducciones en YouTube, y que su tour lo llevaba el archiconocido Javi Freak, un tipo que, por si no lo conocéis, es famoso por haber estafado en España, escapar del país, y luego repetir la jugada en Australia y Latinoamérica. Ahora está de vuelta. En Barcelona, no sólo no tenía reservada la sala, sino que cambió el concierto de lugar (de Razzmatazz a la sala Upload) sin haber avisado a ninguno de los dos recintos y sin haber informado al grupo. Lógicamente, Javi no apareció por allí. Imaginaros la cara de la banda habiendo venido desde Suecia para tocar y encontrarse con que tus conciertos no existen, las salas no están informadas de las actuaciones y que hay alguien cobrando entradas a costa de tu música y de conciertos ficticios. El último nombre bajo el que trabaja es Aurum Management o Aurum Bookings, así que si veis cualquier concierto organizado por esta promotora, simplemente, no caigáis en la trampa y no compréis las entradas. Es más, si podéis, avisad a los grupos. Otras de las giras fantasma que ha organizado desde que ha vuelto son Ill Niño (que canceló en un par de ocasiones, y que finalmente realizó Frontline) y I Killed The Prom Queen. Ojalá el karma actúe pronto. (MARIUS TIBERIAN)

ZONA DE OZZYO

TEXTOS: JORDIAN FO, SAMU GONZÁLEZ, RICHARD ROYUELA FOTOS: DR

ILUSTRES RAPEROS - EL RAP EXPLICADO A LOS BLANCOS

David Foster Wallace, Mark Costello (MALPASO)

mpezaremos por lo malo: la adaptación del título del libro al castellano es floja. Valoro que sea un ho-

menaje encubierto a Ilustres Ignorantes, pero pienso que era innecesario. De lo que hay

fascinados ante una cultura negra que marcaría el devenir de

dentro de estas 230 páginas poco de malo se puede decir. Igual

la música a partir de ese momento. De hecho, el propio Foster

que pasa con las grandes estrellas de la música, la muerte del

Wallace es consciente de estar viviendo a tiempo real un mo-

que ha sido el escritor más brillante de las dos últimas décadas

mento histórico, pero reconoce que en el mismo momento de que

ha supuesto la reedición de gran parte de su obra, así como ma-

alguien leyera lo que estaba escribiendo, su discurso estaría ya

terial que nunca tuvo como objetivo editarse comercialmente, ya

anticuado. No necesariamente. Es más, el valor está ahí, en ver

sean tesis universitarias, ensayos sobre su gran pasión deportiva,

cómo un chico blanco con un dominio de la palabra superlativo y

el tenis, o éste que nos ocupa sobre el rap. David Foster Wallace

una capacidad de análisis fuera de lo común –obviamente toma

encaró este ensayo junto a su compañero Mark Costello cuando

el rap como punto de partida para analizar cuestiones sociales,

ambos coincidieron en Harvard. Hablamos del 89, con el rap

estéticas, literarias...- era capaz de ver la eclosión de algo que,

explotando en todos los rincones de Estados Unidos y los blancos

con el paso de los años, ha tomado derroteros inimaginables.

SEXO, EXILIO Y ROCK AND ROLL Ali Eskandarian (MALPASO)

ara los estándares

serlo”. Ali quería serlo con todas sus fuerzas, por eso su vida

convencionales,

estuvo marcada por el exilio de Irán, por el rock’n’roll, por el

Ali

Eskandarian

sexo sin ataduras y por las drogas, aunque éstas no aparezcan

sería una especie de loco

nombradas en el título de su debut literario. Las escenas de

que, en vez de buscar la

sexo están narradas con precisión pero sin resultar obscenas

luz al final del túnel, la vería

ni soeces, y eso se agradece. La existencia de Eskandarian en

en todas partes. Para los

Brooklyn fue una fiesta continua, hasta que un bajista cabreado

que lean este libro, el escri-

entró en el loft que compartía con otros músicos iranís exiliados

tor y músico iraní-americano

y se lió a tiros, matando al propio Ali y a otros dos miembros

sería un personaje auténtico con un alma libre y capaz de escri-

de la banda de rock The Yellow Dogs. Una tragedia que truncó

bir con una prosa fresca, sin censuras. “Tenemos que ponernos

una carrera literaria que prometía mucho tras Sexo, Exilio Y Rock

en marcha, seguir adelante. No debemos permitir que el espí-

And Roll, una obra póstuma que ha sido comparada, justamen-

ritu desfallezca. Somos libres de hablar, libres de pensar, libres

te en mi opinión, con algunos de los hitos más importantes de

de preguntar, libres de expresarnos. Somos libres si queremos

la generación beat.

CISCO

YO, GORDA

(EVOLUTION COMICS/PANINI)

(LA CÚPULA)

Josep Salvia

Meritxell Bosch

MARTINA Y MARCIAL, PAREJA ESPACIAL VV. AA.

(EDITORIAL CORNOQUE)

Inmenso trabajo, el que realiza Josep Salvia sobre la vida de un centenario militante del POUM. Sobre los recuerdos mezclados con ficción, este trabajo relata la vida de Cisco en los años previos a la Guerra Civil, la cruenta división de las dos Españas y la carnicería de la guerra, teniendo en la batalla de Belchite uno de los pasajes más angustiosos de todo el trabajo. Este cómic no sólo ayuda a recuperar la memoria viva de quienes aún pueden contarnos cómo fueron aquellos años, sino que por huir del maniqueismo del ‘buenos y malos’ se hace una lectura obligada para entender ‘a aquellas personas’. SG

Relato autobiográfico sobre trastornos alimentarios y maltratos psicológicos dentro del seno familiar. La autora desnuda en unas preciosas páginas sus primeros años de infancia y adolescencia hasta llegar a la madurez, en los que se enfrenta al rechazo por su peso, sus problemas en casa, a una madre que fiscaliza y machaca cada acto que hace y a un padre ausente y agresivo. Sus problemas con la bulimia, cómo enfoca la relación con las personas que la quieren y la forma en la que se enfrenta a ello centran este relato que sin duda puede ser inspirador para muchas personas. SG

NIMIO - FANTASÍA FINAL VV. AA.

SPIROU: LA LUZ DE BORNEO Frank Pé y Zidrou

(LA CÚPULA)

(DIBBUKS)

El fanzine Nimio vivió una fulgurante carrera efímera, como la de casi todos estos proyectos que brillan hechos por chavales que tratan de saltar al mundo editorial. Después de un buen puñado de números, recibir el premio como mejor fanzine en Barcelona y que varias de sus autoras hayan dado el salto a la edición profesional, deciden cerrar etapa por todo lo alto de la mano de La Cúpula, que edita en formato tomo la última entrega manteniendo el estilo gráfico e idiosincrasia del fanzine a fotocopias, pero con un empaque de lujo. Una despedida de las de traca. SG

La séptima entrega de Una Aventura De Spirou presenta una historia adulta y emotiva. Los autores de esta línea pueden jugar con los personajes desde su punto de vista y actualizando conceptos; de esta manera, aquí Spirou abandona el periodismo para dedicarse a la pintura, lo que no le evitará verse sumergido en una aventura que homenajea en varios momentos la etapa clásica de Franquin. La Luz De Borneo es como reencontrarte con unos viejos amigos que, aunque haya pasado el tiempo, se mantienen firmes en todo lo que hizo que vuestra amistad surgiese. Imprescindible para los fans. SG

Dos amiguetes marcianos vivirán aventuras en la escuela, en sus casas, con sus otros amigos y se enfrentarán a dilemas y cuestiones que afectan a todo tipo de niños. Con esta sencilla premisa (que en su ejecución es perfecta) se presenta este primer trabajo de la editorial dirigido a los más pequeños donde la forma en la que introducen contenidos transversales se me antoja excelente. Con pequeñas historias formuladas sobre gags cortos el tebeo lleva a los lectores conceptos de respeto, igualdad o presenta familias homoparentales con total normalidad y humor. Una gozada. SG

VALEROSAS, 1 Pénélope Bagieu (DIBBUKS)

Edición de lujo y bien ajustada al bolsillo de la primera recopilación de biografías que Pénélope Bagieu publica en Le Monde dedicadas a perfiles de mujeres que, por su historia, hitos o anécdotas vitales, ocupan un lugar digno de reivindicar. La selección de protagonistas es muy variada y muchos lectores descubriremos gracias a este trabajo las historias y vidas de muchas de ellas. El subtítulo Mujeres Que Sólo Hacen Lo Que Ellas Quieren le va como anillo al dedo a esta compilación que es tan reivindicativa como divertida. SG 11

DE CINE_ CON KIKO VEGA Z - LA CIUDAD PERDIDA EN BUSCA DEL ORO PERDIDO

o diré que la última película de James Gray es una gran epopeya fallida. Tampoco diré que es la mejor peli del año, ni el regreso al cine clásico. Hoy son muchos los directores que priorizan la estética por encima de la narrativa: Dominik o Iñárritu no pierden la oportunidad de un planazo tan hermoso que te saca de la peli. Z se recrea en la vida familiar de Percy Fawcett, llena de amaneceres y atardeceres apoyados en la extraordinaria fotografía de Darius Khondji, con imágenes fantasmagóricas salidas de

otra época. Gray es un misterio. Es un buen narrador (de hecho aquí se consagra como tal), pero le falta fuerza, garra, mala hostia. Lo bueno de Z es que sus 140 minutos pasan en un suspiro. Lo malo, que la aventura es demasiado soft. Tampoco es la monumental gran película de aventuras que estábamos esperando, porque, aunque desconozco el presupuesto, no es tan grande. El reparto es excelente, donde Charlie Hunnam lleva con agrado el peso de la historia. Robert Pattinson está irreconocible en el mejor papel de su carrera y el nuevo Spider-Man tiene planta. Escasa crueldad en una historia que presume de ella, llena de selva virgen dispuesta a terminar con la vida del más experto, tribus peligrosas y bestias al acecho. Con todo, una peli plenamente disfrutable y extraordinariamente clásica. Una apuesta ganadora para meterte en el bolsillo a tu suegro con suma facilidad.

BIFFF 2017

GÉNERO GRANDE, ANDE O NO ANDE

ientras muchos festivales especializados presumen de amplitud de miras, premiando títulos que poco o nada tienen que ver con el género fantástico, el BIFFF sigue erre que erre en su 35 edición. Como viene siendo habitual, su doble inauguración apostó por dos títulos de género que apuntan a dos diferentes públicos aficionados: The Girl With All The Gifts (para la gran mayoría) y Beyond The Gates (para los más frikis). En ese sentido, uno no puede evitar sentir más simpatía por la película de Jackson Stewart, mucho más divertida de lo que aparenta y con Barbara Crampton dejándose querer desde el vídeo. Y sin verlo venir aparecieron unas cuantas sorpresas agradables: We Go On, de Jesse Holland y Andy Mitton, responsables de YellowBrickRoad, dan una vuelta de tuerca a la vertiente Shyamalan meets Cuarto Milenio, saliendo por la puerta grande. La otra pequeña gran

sorpresa fue Another Evil, de Carson D. Mell, una comedia negra dentro de una película de fantasmas de siempre protagonizada por dos idiotas a los que la vida les pasa por encima y donde lo paranormal será el menor de sus problemas. Free Fire, la nueva película del indispensable Ben Wheatley, es una comedia disparatada llena de clase, diálogos como ráfagas de M-16 y su propuesta más amable. Su único trabajo para ver en familia sin que tus padres se levanten a vomitar o te peguen con el mando en la cabeza. Contratiempo, la nueva película de Oriol Paulo, ya estrenada en salas españolas, es como El Cuerpo: un disparate 100% disfrutable al ser plenamente consciente de la barrabasada que está cometiendo. Pocas decepciones este año, siendo Replace, de Norbert Keil, la primera. Su ópera prima viene coescrita por la leyenda Richard Stanley, pero se queda en un The Neon Demon de saldo. La peor película del festival se la queda The White King. Las otras dos joyas son la estupenda The Void, la madre del nuevo horror cósmico (si es que hubiera) y Safe Neighborhood, sencillamente la mejor película de género que ha llegado en los últimos años. Desde aquí sólo podemos recomendarla y rogarte que no busques ningún tipo de información sobre ella.

MADRID JUEVES 22 JUNIO

VIERNES 23 JUNIO

SÁBADO 24 JUNIO

MAIN STAGE 1

(FEAT. MEMBERS OF RAGE AGAINST THE MACHINE, CYPRESS HILL, PUBLIC ENEMY)

HAMLET

CODE ORANGE

· COBRA

MYRATH · BAT SABBATH

MAIN STAGE 2

HOUSE OF PAIN HACKTIVIST

ZEBRAHEAD · SKINDRED

SÓLSTAFIR

STAGE 3

MOTIONLESS IN WHITE TOUCHÉ AMORÉ THE CHARM THE FURY RAVENEYE · KAOTHIC

EVERY TIME I DIE ZEKE

AVATAR · DEAFHEAVEN PHIL CAMPBELL AND THE BASTARD SONS GOD DAMN

TRIGGERFINGER WE RIDE

STAGE 4 JARDÍN DE LA CROIX BLACK PEAKS PORCO BRAVO LIZZIES INMUNE · VIRGEN

WORMED ARCANE ROOTS BLAZE OUT TRONO DE SANGRE SYBERIA · CHILDRAIN

DAWN OF THE MAYA SOMAS CURE AGAINST THE WAVES LATE TO SCREAM

22, 23 Y 24 DE JUNIO - LA CAJA MÁGICA, MADRID PUNTOS DE VENTA : WWW.DOWNLOADFESTIVAL.ES, WWW.LIVENATION.ES Y WWW.TICKETMASTER.ES (+RED TICKETMASTER)

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TOI’S IN THE ATTIC LOS PREMIOS

ola amigos! Hace unos días se celebró la entrada de Pearl Jam en el Rock & Roll Hall Of Fame. Mítico principalmente por el reconocimiento que se otorga a las bandas elegidas a través de una votación un tanto discutible, por la celebración anual del ingreso de estos nuevos miembros, y porque está directamente vinculado con el universo rockero, que no parece estar todavía contaminado por las nuevas corrientes musicales mainstream. Desde Buddy Holly a Metallica, pasando por Alice Cooper o Tom Waits, la lista de bandas y solistas es extensa, aunque ya se encargó Jeff Ament, gracias a su camiseta, un largo listado de bandas que deberían ser incluidas pero de momento parecer totalmente ignoradas, como es el caso de Bon Jovi o The Black Crowes, a las que ya

consideramos como clásicas. Cuestión de criterios que posiblemente nunca lleguemos a entender. En este caso, en cuanto a la recepción del premio por parte de los grupos parece que hay orgullo y solemnidad, pero en otras ocasiones, como en los Grammy o los premios MTV, muchos artistas se lo toman a cachondeo, con apariciones en condiciones deplorables y declaraciones ridículas. No es que me preocupe mucho que un músico diga públicamente que tal premio le parezca una mierda, pero ¿es necesario dar tanto el cante? Y luego está Dylan, por encima del bien y del mal. Sin cuestionar si merecía el galardón, el circo que se montó pasará a los anales de la historia. Parece que a algunos se les olvida por qué y por quién están donde están. Un poco de humildad, por favor. (TOI BROWNSTONE)

PISANDO FUERTE_ BLOOD YOUTH

“VIVIR EN BARCELONA ME SALVÓ LA VIDA. CONOCÍ A UN MONTÓN DE GENTE MARAVILLOSA, SALÍ MUCHO DE FIESTA Y ME OLVIDÉ DE TODOS MIS PROBLEMAS. FUE ALLÍ DONDE EMPECÉ A ESCRIBIR LAS CANCIONES QUE USAMOS EN BLOOD YOUTH” KAYA TARSUS

FORMACIÓN: Kaya Tarsus (voz), Chris Pritchard (guitarra), Sam Hallett (batería)

PROCEDENCIA: Harrogate (Inglaterra) AFINES A: Stick To Your Guns, Bury Tomorrow, While She Sleeps PRESENTAN: Beyond Repair (Rude)

BLOOD YOUTH

unque Blood Youth sean una banda británica, su historia está directamente ligada a la ciudad de Barcelona. Hace tres años, Kaya Tarsus, su vocalista, estuvo viviendo seis meses en la capital catalana y fue allí donde empezó a componer algunas de las canciones que acabarían formando parte del repertorio del grupo. “Nosotros somos de una ciudad muy pequeña, aquí, en Inglaterra. Nunca había salido del país, ni apenas viajado”, nos dice Kaya acerca de los motivos que le llevaron a mudarse a Barcelona. “Pero hace unos años pasé por un momento muy malo. Me dejó mi novia, dejé el trabajo que tenía… necesitaba salir de mi ambiente. Así que decidí irme a Barcelona por mi cuenta. Al cabo de unos seis meses, estaba trabajando en un call center, sin ningún tipo de perspectiva. Fue en ese momento cuando me llamó Chris, el guitarrista, y me dijo si quería volver a Inglaterra y empezar un grupo”. Es posible que, si en 2014 asististe a los conciertos de Bury Tomorrow o Basement en Barcelona, te cruzaras con Kaya sin saberlo, ¡incluso que te sirviera un café! “El primer día que llegué a Barcelona fui a pedir trabajo a una cafetería por un contacto que tenía. Me preguntaron qué sabía hacer, así que les preparé unos

cafés y me dijeron que volviera al día siguiente para estar en pruebas. Así que fui, pero nunca me preguntaron si sabía hablar español, y el jefe salió a hacer unos recados y me dejó solo. El caso es que cuando volvió se encontró con una larga fila de clientes cabreados conmigo porque no entendía ni una sola palabra (risas). Y me echó, claro (risas). Pero vivir en Barcelona me salvó la vida. Conocí a un montón de gente maravillosa, salí mucho de fiesta y me olvidé de todos mis problemas. Fue allí donde empecé a escribir las canciones que usamos en Blood Youth”. Ya de vuelta en casa, le esperaba Chris Pritchard, quien junto a otros músicos de su anterior banda Climates andaban buscando un nuevo vocalista. Aunque Kaya confiesa que había otros candidatos, a pesar de su inexperiencia, se hizo con el puesto y la bola empezó a rodar. “Antes había estado en una banda de heavy metal, rollo Mastodon, pero sólo tocábamos para nuestros amigos. Nunca dimos un concierto de verdad. Pero sólo tres meses después de empezar Blood Youth ya estábamos tocando en el festival Download. Y tres meses después nos fuimos de gira con Architects. Todo fue muy rápido. Fue una locura”. Después de

publicar dos EPs en 2015 y 2016, y haber seguido curtiéndose en la carretera con While She Sleeps y Every Time I Die, Blood Youth lanzaban su primer álbum Beyond Repair el pasado 7 de abril. Un disco que destaca por la fiereza de su sonido. “Queríamos componer y grabar un disco muy agresivo”, cuenta Kaya. “Nuestros dos primeros EPs son una mezcla de temas muy duros y temas muy melódicos. Todo el mundo esperaba que nuestro primer álbum fuera a ser muy melódico y limpio, para la radio y bla, bla, bla. Pero nos inspiramos mucho en Slipknot, quienes después del éxito de su debut en lugar de un disco más comercial sacaron Iowa, uno de los discos más heavies que haya escuchado. Así que dijimos ‘A la mierda, vamos a hacer algo realmente potente’. Chris estaba pasando por un momento muy duro durante la grabación y creo que eso se nota en su manera de tocar. Es como un puñetazo. Pero no me da miedo decir que también me gusta el pop. Hace unas semanas incluso hicimos conciertos acústicos en tiendas de discos en Inglaterra. No nos queremos encasillar, pero realmente nuestras principales influencias son de grupos cañeros”. Aunque Kaya es consciente de lo dura que está la competencia en el mundo de la música, más allá de sus propias habilidades, se siente confiado en que las cosas les irán bien después de haber comprobado el impacto que su música tiene en sus seguidores. “Nuestros fans son muy apasionados. No tienen miedo a decirnos cómo se sienten. El otro día me vino un tipo de 40 años a darme un abrazo diciendo que su mujer había muerto hacía cuatro meses y que nuestra música le había ayudado. Es una pasada”.

ste mes el escogido para mi Hall OF Fame particular es Point Blank de Nailbomb. Tuvieron que pasar 19 años para que se editase un disco más heavy que el álbum de Nailbomb de 1994, Point Blank. En 2013 Ginger Wilheart lanzó su disco Mutation 2 (Error 500), seguido de Killer Be Killed, el proyecto de Greg Puciato y Max Calavera, en 2014. Esos dos discos igualaron, en términos de dureza, el de Nailbomb. Pero para todas las bandas que presumen de ser cañeras, prefiero decirles que Point Blank de Nailbomb todavía es, a mis ojos, el álbum más brutal que ha visto la luz en las últimas dos décadas.

Pantera, Slipknot, Lamb Of God... Todos son cañeros, pero me apuesto 20 dólares a que nadie que cita esas bandas estaba allí cuando Point Blank llegó a las tiendas. Era una mezcla de thrash, industrial, harcdore, sludge, mezclado con la conciencia política del punk. Canciones como ’24 Hours Bullshit’, ‘World Of Shit’, ‘Religious Cancer’ y ‘Vai Toma No Cu’ eran salmos de auténtica ira explosiva. En cierta manera, Nailbomb significan un momento melancólico dentro de la música heavy, ya que después de este álbum ya no se podía ir más lejos, al menos no durante mucho tiempo. No había otra manera, teniendo en cuenta la tecnología que había en 1994, de que una banda pudiese ser más heavy. Podían gritar todo lo que quisieran y poner una capa de guitarra distorsionada encima de otra guitarra distorsionada, pero seguía sin ser tan heavy. Después de este álbum, el ataque de guitarras

Cuando la gente habla sobre qué discos o bandas son los más heavies, los sospechosos habituales suelen ser Slayer,

de Hanneman y King sonaba aguado. Araya sonaba adiestrado y Metallica, bien, estaban haciendo canciones

como ‘Mama Said’... Lo que es interesante es que el elemento común entre Nailbomb y Killer Be Killed es el único e incomparable Max Cavalera de Sepultura/Soulfly/Cavalera Conspiracy. Ambos grupos eran proyectos paralelos de Max. Nailbomb era un proyecto de Max y Alex Newport de Fudge Tunnel. El grupo lanzó sólo este álbum y estoy bastante seguro de que nunca giraron. Eso sólo hace que darle al disco más peso e im-

portancia. Sabiendo que Nailbomb no están activos, existe el peligro de que este disco se acabe perdiendo entre la multitud de obras cañeras que han sido inspiración y que ponen los estándares a seguir. La gente puede exaltar bandas nuevas por su monstruosa dureza sin prestar ninguna atención a Nailbomb. Pues bueno, que sirva mi pequeña contribución a poner las cosas en su sitio. Hasta el mes que viene, DANKO JONES

LAS ARNETTE SESSIONS NOS MUESTRAN EL LADO MÁS CERCANO, ÍNTIMO Y CRUDO DE LOS MÚSICOS QUE SE ACERCAN A LA REDACCIÓN DE LA REVISTA ROCKZONE. A PELO, SIN SEGUNDAS OPORTUNIDADES NI EFECTOS ESPECIALES, ESTE FORMATO NO ES APTO PARA PRODUCTOS PREFABRICADOS, SÓLO PARA QUIENES DISFRUTAN Y RESPIRAN LA MÚSICA . POR SI TE LA PERDISTE EN SU MOMENTO, ESTE MES RECUPERAMOS UNA GRAN ACTUACIÓN APARECIDA ORIGINALMENTE EN RZ Nº 107.

>> KEVIN DEVINE INTERPRETA ‘PRIVATE FIRST CLASS’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE

aciendo gala del gran momento creativo por el que pasaba, el cantautor de Brooklyn Kevin Devine nos obsequió el año pasado con una doble ración discográfica en la que mostraba que, ya sea con guitarras distorsionadas o con acústicas, el resultado siempre es el mismo: buenas canciones. El pasado octubre sacó Bubblegum y Bulldozer, financiados mediante la plataforma de crowdfunding Kickstarter. El primero, con un sonido parecido a los Nirvana más pop, algo que no resulta nada de extrañar después de que Kevin se diera el gustazo de grabar él mismo el Nevermind de cabo a rabo; y el segundo siendo algo más parecido a lo que nos tenía acostumbrados desde ese delicioso Put Your Ghost To Rest (2006), con temas bastante pegadizos que hacen pensar en que algo grande puede estar pasando dentro de no mucho para este pelirrojo. Ambos fueron producidos por Rob Schnapf (The Vines, Saves The Day). “Hicimos varios

singles anteriormente, pero ésta fue la primera vez que hicimos un disco de esta manera”, dice acerca de la experiencia. “Yo quería hacer un disco totalmente acústico, así es como lo escribí; Rob quería que tuviera más fuerza y pegada en algunos temas y para eso tenía que meter instrumentación, y bueno, tampoco era traicionar mucho a mi idea que tenía del disco mientras tuviera la esencia de lo que deseaba. Creo que es un disco que va a sonar muy diferente a los anteriores. Yo no conocía ni al bajista ni al batería que había escogido Rob, y el día que llegaron al estudio les toqué ‘Little Bulldozer’ y captaron enseguida cómo íbamos a desarrollar los temas. Se sentía como esos discos antiguos, cuando gente como Bob Dylan, Leonard Cohen o Neil Young mostraban sus ideas a los músicos que llevaban con ellos, y ellos hacían de esa idea algo espectacular. Porque con Bubblegum era más fácil poder compenetrarnos entre nosotros, ya que con Jesse hubo mucha prepro-

ducción, y los chicos de la Goddamn Band llevan girando conmigo desde hace muchos años. Hacíamos dos o tres tomas y ya estaba hecho, pero esto era totalmente distinto y ha salido mejor de lo esperado”. Aunque el simpático pelirrojo está más que acostumbrado a tocar solo, es posible que en el futuro le veamos más acompañado de su banda. “Pienso que ahora, si todo va bien, estaremos dando más conciertos con la Goddamn Band aunque no hayamos podido traerles para esta gira en Europa, ya que desde un principio todo estaba pensado para hacer todas las fechas con la banda para poder presentar lo nuevo. Pero de momento no hemos tenido la demanda suficiente aquí en Europa como para poder costearnos un tour. Tocar para 200 personas o así, que es lo que suelo hacer en Europa, y tener que alquilar hotel para cuatro personas, transporte, y pagar salarios... Tenemos que ser más listos con eso y por eso somos más flexibles”.

INCUBUS

REHACERSE A UNO MISMO

TRAS SEIS AÑOS DE ESPERA, INCUBUS REGRESAN CON UN NUEVO ÁLBUM EN EL QUE PRETENDEN RECUPERAR EL SONIDO ELECTRIZANTE DE SUS COMIENZOS SIN DEJAR DE LADO SU FACETA MÁS POP. HABLAMOS CON MIKE EINZIGER PARA DESCUBRIR SI LO HAN CONSEGUIDO. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR

UE EN 2011 INCUBUS VOLVIESEN A ESCENA TRAS CINCO AÑOS DE SILENCIO CON UN TRABAJO COMO If Not Now, When?, en el que rebajaban de manera excesiva las pulsaciones, fue algo que descolocó por completo a la inmensa mayoría de sus fans. Si bien es cierto que la inteligente evolución que les hizo desmarcarse rápidamente de toda la oleada del nu metal a comienzos del nuevo milenio jugó a su favor sofisticando su sonido en discos tan exitosos como Morning View y A Crow Left Of The Murder, en aquella ocasión se les fue bastante de las manos con un puñado de canciones orientadas al pop más acomodado y complaciente. Con el fin de reconducir la situación, la siguiente jugada por parte del combo californiano fue un Trust Fall (A Side) en forma de EP que, en parte, recuperaba las buenas sensaciones pero que se hacía insuficiente.

Quizás por ello, en lugar de completar la otra cara de aquel artefacto, Brandon Boyd (voz), Mike Einziger (guitarra), José Pasillas (batería), Chris Kilmore (platos, teclados) y Ben Kenney (bajo) se hayan decidido por regresar con un álbum de la manera tradicional. 8 (Universal) retoma en parte el pulso rockero al que nos tenían tan bien acostumbrados, al mismo tiempo que insiste en el sonido más relajado de su anterior referencia. A ello hay que sumarle la inesperada colaboración en el estudio del afamado DJ Skrillex en las tareas de producción, así como algunas nuevas composiciones en las que han abrazado aún más el pop sin ningún tipo de tapujos. Son datos desconcertantes que probablemente vuelvan a dejar a sus seguidores con cara de circunstancias. Pero antes de que ellos tomen la palabra, nosotros decidimos dársela a Mike Einziger para que nos explicase mejor todo el proceso de elaboración de este octavo trabajo de estudio. Aunque sabiendo lo bien que le va a este aficionado al surf y exestudiante de Harvard escribiendo canciones para otros artistas cercanos al mainstream, quizás tampoco sorprenda tanto el nuevo camino que Incubus están tomando. Entre If Not Now, When? y este nuevo disco han pasado seis años, pero en medio publicasteis un EP titulado Trust Fall (Side A). ¿Qué pasó con la cara B? MIKE EINZIGER “(Risas) Lo que ocurrió es que lo que iba a ser esa cara B acabó por convertirse en el nuevo álbum. Empezamos a escribir un montón de canciones para

“TRABAJAR CON SKRILLEX ERA ALGO EN LO QUE NO HABÍAMOS PENSADO EN ABSOLUTO. FUE ALGO QUE OCURRIÓ DE MANERA MUY NATURAL. ES MUY BUEN AMIGO MÍO Y UN PRODUCTOR MUY TALENTOSO” MIKE EINZIGER

la segunda parte de Trust Fall y al final nos encontramos con material suficiente como para sacar un disco entero en lugar de un EP. No lo teníamos planeado de ninguna manera, pero surgió así”. ¿Crees que Trust Fall pasó algo desapercibido para mucha gente? No sé si piensas que tal vez al publicar un EP el público no presta tanta atención como si se tratase de un disco. “Creo que tienes razón. Nuestro

público siempre ha esperado que hagamos discos. Es a lo que están acostumbrados. Siento que con Trust Fall muchos se quedaron a medias, no terminaron de estar satisfechos, y ésa es una de las razones por las que decidimos no sacar otro EP, sino un álbum completo”. Me resulta curioso porque se habla mucho de que vivimos en la época de la inmediatez y de que lo queremos todo ahora y rápido, pero sin embargo, en la música, cuando

que este álbum tiene canciones más rockeras. Es más enérgico y un poco más agresivo. También hay temas que no son así, pero tampoco son canciones melosas. Este álbum es mucho más animado y rítmico que If Not Now, When?. Tal vez aquél fue un disco más somnoliento y éste no lo es en absoluto”. Yo diría que habéis intentado buscar un equilibrio entre ambas facetas. ¿Puede ser? “Bueno, cuando nos ponemos a escribir canciones no es que intentemos hacer algo en concreto. No tenemos ningún tipo de plan antes de ponernos con ello o que decidamos cuántas canciones duras y suaves tiene que haber. No podemos planear eso. Todo lo que hacemos es escribir canciones, y lo que sale es lo que hay”.

le ofreces algo así a la gente, se olvidan muy pronto de ello. “Como decía, creo que nuestros fans funcionan de otra manera. Puede que eso tenga sentido con otro tipo de público, pero la gente que viene del rock prefiere escuchar un álbum entero. Siempre ha sido así y lo entiendo. Es algo con lo que la gente aún hoy en día se siente especial”. Se ha hablado mucho de que en este nuevo disco queríais volver a vuestros inicios y

aunque hay canciones más rockeras, también mantenéis el sonido de vuestros últimos trabajos. ¿Cómo definirías 8? “Me resulta muy complicado describirlo, pero me gustaría decir que todo lo que la gente está hablando sobre que si este disco es una vuelta a las raíces o lo que sea… Esos comentarios fueron realizados por gente que escuchó las nuevas canciones y ésas son sus propias palabras. Eso fue lo que dijeron. Para mí es difícil de decir. Mi apreciación es que, en general, aunque no todo, sí es cierto

Me ha sorprendido la elección de Skrillex como productor. ¿Buscabais a alguien que os diese un enfoque diferente al de una persona más especializada en el rock como pueda ser Brendan O’Brien? “Es lo que te comentaba antes sobre planear las cosas. Trabajar con Skrillex era algo en lo que no habíamos pensado en absoluto. Fue algo que ocurrió de manera muy natural. Es muy buen amigo mío y un productor muy talentoso. Él estaba en el estudio con nosotros y de repente empezamos a probar cosas. Ni siquiera estábamos trabajando, simplemente pasando el rato. Hizo un par de cambios en una de nuestras canciones y sonaba realmente bien. Todos estuvimos impresionados por el resultado,

así que seguimos trabajando juntos sin parar durante dos semanas”. Uno de los temas que más me han llamado la atención es ‘Loneliest’. Es lo más cercano al R&B que habéis hecho nunca... ¿Os sentís más inspirados a día de hoy por artistas de otros estilos que del rock? “Nosotros escuchamos todo tipo de música. No nos limitamos por lo que nos pueda inspirar. Creo que toda la música que hemos ido escuchando a lo largo de los diferentes periodos de nuestra carrera siempre ha acabado por tener una influencia en lo que hacemos. Pero como te decía antes, no planeamos las cosas. Cuando escribimos una canción, dejamos que ésta nos lleve a donde quiera ir. En el pasado también hicimos canciones que tenían alguna influencia del R&B o cosas por el estilo. Incubus siempre han tenido muchas canciones diferentes de distintos géneros. Es una de las cosas que me encantan de estar en esta banda. No nos sentimos restringidos por nada. Podemos ir hacia donde queramos musicalmente”. Quizás vuestro caso no sea tan extremo como el de ellos, pero Linkin Park también se están acercando a un sonido más pop con su próximo disco y están recibiendo unas críticas brutales por parte de los fans. ¿Qué opinión te merece algo así? ¿Te molesta que a veces la gente no entienda lo que los artistas queréis hacer? “Cuando se trata de música, una vez un grupo comienza a hacer cancio-

nes sólo porque creen que es lo que le gustará a su público, es cuando se empieza a convertir en algo menos interesante. Quizás otros artistas no se sientan así y comiencen a comprometer su música en relación a lo que quieren sus seguidores, pero en cualquier caso, el grupo debe sentirse a gusto y satisfecho con ello. Creo que en general cada vez que un artista pública nueva música siempre hay mucha gente que se siente decepcionada porque tienen una idea de cómo se supone que debería sonar, y eso siempre será diferente. Y como es distinto, no les gusta porque no es lo que querían. Es algo difícil de explicar. Cuando compones música, creo que lo mejor que puedes hacer es intentar conseguir algún tipo de conexión personal con la gente. Y si lo haces, es algo tan genial que no necesitas buscar nada más. Supongo que eso tiene sentido”. Hace no mucho se filtró una foto en la que también aparecía Chino Moreno de Deftones con vosotros grabando en el estudio, pero no he sido capaz de identificarlo en ninguna de las canciones. “Sí, empezamos a grabar una canción y sonaba estupendamente. Pero en ese instante estábamos intentando acabar el nuevo disco y no tuvimos tiempo suficiente para terminarla. Pero la completaremos en algún momento cuando podamos. La verdad es que no tenemos nada pensado para lo que vayamos a usar de esa canción... La grabamos al mismo tiempo que este disco, así que técnicamente es un tema de Incubus, pero aún no sabemos cómo saldrá”.

Parece que últimamente está surgiendo un revival del nu metal. Korn y Deftones están tocando en sitios muy grandes de nuevo y hay nuevas bandas que están recuperando el sonido de aquella época. Sin embargo, vosotros os distanciasteis muy rápido de toda esa ola. “Creo que una de las cosas que más nos frustró al inicio de nuestra carrera fue que se nos quisiera meter dentro del movimiento nu metal, porque no nos sentíamos del todo conectados a eso. Era como si tuvieras que aparentar ser un tipo duro enfadado con la gente (risas). Nosotros no nos veíamos identificados con ello. Pero concretamente con grupos como Deftones siempre nos hemos llevado muy bien y sentimos mucho respeto por ellos. Nunca hemos pretendido alejarnos de nuestros amigos. Con Deftones hemos hecho muchas giras y conciertos juntos. Y también con los chicos de Korn. Son grandes personas e hicieron música muy importante. Han ejercido una influencia muy grande en la música rock y pienso que no se les ha reconocido lo suficiente por su contribución”. Como bien dices, vosotros teníais una apariencia muy diferente a la de los grupos de aquel entonces. Parecíais más preocupados por ir a la playa a hacer surf. De hecho, tú mismo volviste a la Universidad de Harvard hace unos años... ¿Conseguiste terminar ya tus estudios? “Sí, ser un estudiante fue una gran etapa de mi vida. Fue un momento

para aprender y escuchar más que hablar. Aprendí un montón. Me abrió verdaderamente los ojos a muchas cosas e ideas del mundo que me interesaban. Mereció mucho la pena, la verdad”. Quizás muchos fans de Incubus no lo sepan, pero hace poco descubrí que habías coescrito junto con otra gente el ‘Wake Me Up’ de Avicii. ¿Cómo fue aquello? “Ése fue un hecho totalmente aleatorio. Nunca hubiera planeado escribir una canción que fuese un hit mundial dentro de la música electrónica (risas). Pero eso es lo genial de la mú-

sica, que es totalmente impredecible. Y la manera en la que surgió todo ocurrió de una manera muy orgánica. Avicii es un chico muy majo. Quería que escribiésemos música juntos y lo primero que hicimos fue precisamente ‘Wake Me Up’. No teníamos ni idea de que se convertiría en algo tan exitoso y popular, y cuando lo hizo fue una sorpresa para todos nosotros”. Supongo que los royalties que recibiste por ese single te habrán ayudado a pagar unas cuantas facturas. “Bueno, sólo te puedo decir que no me ha ido mal con ello (risas). Pero

sí, estuvo bien”. ¿Os veremos por España presentando 8? Hace mucho que no venís a tocar en salas, sólo a grandes festivales. “Sin duda queremos volver a España. Estamos planeando muchas cosas ahora mismo. Esperamos que sea a finales de año o posiblemente a comienzos del siguiente. No lo hemos decidido todavía, pero tenemos intención de regresar a España para dar nuestros propios conciertos”.

NORTHLANE

HIPNOSIS COLECTIVA

LOS AUSTRALIANOS NORTHLANE SE HAN APUNTADO A LA ESTRATEGIA DE LOS LANZAMIENTOS SORPRESA PUBLICANDO SU NUEVO ÁLBUM, MESMER, DE UN DÍA PARA OTRO. PERO ESCUCHÁNDOLO SE NOTA QUE ESTO ES DE TODO MENOS UN TRABAJO FRUTO DE LA IMPROVISACIÓN. TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR

L PASADO 28 DE NOVIEMBRE RECIBÍAMOS UN EMAIL CON EL

asunto “Northlane Confidential” por parte de su discográfica UNFD Records. En él se nos informaba que la banda de Sydney, y una de las punteras dentro de la escena metalcore australiana, iba a publicar su cuarto álbum en marzo del año siguiente pero que no habría ningún tipo de anuncio previo, vídeo o single. También se nos decía que recibiríamos el contenido del disco en diciembre para que pudiésemos escucharlo antes que nadie, pero se nos prohibía hacer ningún tipo de comentario ni en la revista, ni en la web ni en redes sociales, hasta que el álbum se publicase. La situación nos recordaba a la misma que vivimos el año pasado con Avenged Sevenfold y su The Stage, aunque cabe preguntarse si en una banda todavía emergente es una estrategia realmente efectiva. Más allá de la fórmula empleada, la mejor noticia es que en Mesmer la progresión de Northlane sigue adelante. La composición empezó a finales de 2015 siguiendo la misma metodología de siempre, con el guitarrista Jon Deiley volcando riffs en su portátil y el otro guitarrista Josh Smith escribiendo letras que seguían la vena filosófica explorada en su anterior Node. Pero poco a poco el proceso fue mutando y en lugar de crear letra y música por separado para luego juntarlas en el estudio, ahora las palabras y los soni-

dos fluían espontáneamente entre el tándem creativo y el vocalista Marcus Bridge. Las canciones siguieron naciendo durante 2016 y aprovechando una parada entre dos tramos de su gira europea, se fueron a los bucólicos estudios Ghost City Recordings en Baviera, Alemania, donde surgió la verdadera chispa que daría lugar a Mesmer. En septiembre, Northlane volverían a innovar volando a New Jersey para dejar que el reputado David Bendeth (Bring Me The Horizon, Paramore) metiera su mano como ningún otro productor lo había hecho antes. Lo que salió de ahí fue un trabajo que puede considerarse definitivo para el grupo que completan el bajista Alex Milovic y el batería Nic Pettersen y que vendrán a presentar en la próxima edición del Resurrection Fest. ¿De quién fue la idea de sacar el nuevo disco por sorpresa? JOSH SMITH “Cada vez que sacamos un álbum intentamos hacer algo distinto. Nos guardamos algún as en la manga para que no sea lo habitual. Nunca habíamos sacado un disco de esta manera y aunque sabíamos que era arriesgado, queríamos que fuera como un regalo para nuestros fans. Queríamos que pudieran escucharlo de golpe, sin tener que esperar desde el momento en que se anunciara hasta que finalmente saliera. Así que lo hablamos con nuestra discográfica y les pareció bien. Tenemos muchas ideas

que nunca se llegan a realizar, pero ésta estaba en nuestras manos. Tenemos un gran sello y fueron capaces de tirarlo adelante”. ¿Cuánta gente lo sabía? ¿Fue difícil mantenerlo en secreto? “Fue muy difícil. Desde que escribes un disco hasta que sale, interviene mucha gente. Desde los becarios en el estudio donde compusimos los primeros temas en Alemania al personal del estudio donde lo grabamos, a las propias tiendas de discos que tenían que hacer los pedidos, ciertos periodistas, las distribuidoras, el management, la agencia de contratación… Cuando mandamos los discos a las tiendas, los recibieron con un nombre falso para que los empleados no supieran que se trataba del nuestro. Alguna gente tuvo que firmar cláusulas de confidencialidad. Toda esta gente podría haber fastidiado la sorpresa (risas). Pero todo el mundo cumplió su palabra. Bueno, hubo un error. Ocho horas antes de que saliese, una tienda del Reino Unido lo colgó en su página web. Unos cuantos fans lo vieron, pero por lo general salió perfecto. El álbum no se filtró, lo cual es casi un milagro porque todos los discos se filtran hoy en día. Supongo que como no se había anunciado, nadie lo estaba buscando. La verdad es que ha sido algo distinto y excitante”. El título está inspirado por el 29

“MI NOVIA DURANTE SIETE AÑOS ME PUSO LOS CUERNOS EL DÍA ANTES DE QUE ME FUERA A GRABAR EL DISCO. NOS ÍBAMOS A CASAR, ASÍ QUE NO FUE NADA FÁCIL. PERO ESO NO FUE LO PEOR. HUBO GENTE CERCANA A NOSOTROS QUE FALLECIÓ” JOSH SMITH

médico alemán Franz Mesmer del siglo XVIII. ¿Qué os atrajo de su figura? “Hay muchas cosas en el mundo que son inexplicables. Muchas de sus teorías se demostraron falsas, pero su teoría del magnetismo animal creo que es muy interesante. Hay una conexión entre las canciones, el sentimiento de pérdida… Pensamos mucho entre la conexión que tenemos entre nosotros. Leí sobre ello mientras estaba componiendo. Fue uno de los pioneros del hipnotismo y eso cambió la psicología. Un día estábamos tomando cervezas y pensando títulos para el disco. Durante mucho tiempo no tenía título y luego lo íbamos a llamar Through The Eyes Of The Sun, que está sacado de la letra de ‘Savage’. Pero queríamos algo más corto y cuando sugerí llamarlo Mesmer a todo el mundo le gustó. Tiene un halo de misterio”. Musicalmente creo que madurasteis en Node, pero en éste incluso habéis ido más lejos. “Cada vez que sacamos un álbum intentamos no repetirnos, queremos incorporar algo nuevo a la composición y progresar como músicos. Creo que antes de Node ya lo hicimos. De nuestro primer EP a Discoveries ya hubo un cambio importante en nuestro estilo, y de Discoveries a Singularity probamos afinaciones distintas y nuevas técnicas de composición, y en Node entró un nuevo cantante y probamos otros estilos, como el progresivo, y compusimos en base al bajo y la batería en lugar de en las guitarras. Esta vez el principal objetivo fueron las melodías vocales e incorporar instrumentos electrónicos. Es una progresión constante. No es complicado a veces

saber hacia dónde ir. Algunos de nuestros fans quieren canciones como ‘Paragon’ o ‘Render’, que son muy duras, y otros prefieren algo más suave como ‘Solar’ o ‘Fade’. Así que experimentamos para sorprendernos a nosotros mismos y a nuestros fans”.

hablar sobre lo que nos importa a nosotros!’. Uno de los temas recurrentes del disco es el sentimiento de pérdida. Es un disco que permite al oyente conectar nuestras historias con las suyas, pero también pensar sobre conceptos más amplios”.

Supongo que lo más difícil es que la propia música transmita el mensaje y la emoción que queréis. “Sí. Cuando escribes la letra, la emoción de la voz tiene que estar acompañada por la misma emoción en la música, y viceversa. Van unidas. Siempre intentamos que sea lo más natural posible y en este disco prestamos más atención que nunca a que la dinámica de las melodías de voz encajara con la dinámica de la música. Fue la primera vez que cambiamos partes de la música para que encajaran mejor con la voz y la letra”.

Sin querer entrar en detalles, pero ¿crees que la ruptura con vuestras parejas es una consecuencia de que estéis siempre de gira? “No, no. Hubo más que eso. En mi caso fue bastante chungo. Mi novia durante siete años me puso los cuernos el día antes de que me fuera a grabar el disco. Nos íbamos a casar, así que no fue nada fácil. Pero eso no fue lo peor. Hubo gente cercana a nosotros que falleció”.

En el disco hay una mezcla entre temas personales y otros más filosóficos o sociales. ¿Buscabais esa dualidad? “En realidad no. Cuando empezamos a componer el álbum, todo era filosófico. Pero durante el proceso nos pasaron muchas cosas malas. Perdimos a varias personas cercanas y Marcus y yo pasamos por rupturas sentimentales. Todo eso hizo que quisiéramos escribir cosas más personales porque eran experiencias reales que nos estaban ocurriendo. Teníamos que hablar de ello. Creo que fue la primera vez en que no teníamos miedo de hacerlo. En el pasado, no hablábamos de ciertas cosas porque no creíamos que la gente quisiera escuchar eso. Pero esta vez nos dijimos ‘¡A la mierda! Vamos a

Sí, ‘Paragon’ está dedicada a Tom Searle de Architects. Háblame de vuestra relación con ellos. “Architects son amigos nuestros desde hace tiempo. De hecho, fueron la primera banda que nos llevaron a España. Incluso antes de conocerles, les admirábamos mucho. Nos llamamos Northlane por una de sus canciones (risas). Eran ídolos que se convirtieron en amigos. Jon, nuestro otro guitarra, se hizo muy amigo de Tom porque tenían personalidades muy parecidas. Nunca había visto a Jon conectar tanto con alguien. Querían hacer música juntos pero, por desgracia, nunca pudieron hacerlo. Su muerte le afectó muchísimo. Una semana después de su fallecimiento me mandó la música de ‘Paragon’ y me dijo si podía escribir la letra pensando en Tom. Naturalmente le dije que sí y me puse a ello. Creo

NORTHLANE

que el disco saliera tan bien. No creo que fuera tan bueno si no lo hubiera producido él”.

que a Jon le ayudó mucho poder sacar sus emociones en la música”.

siento afortunado por tener la oportunidad de marcar una diferencia”.

Y por otro lado está ‘Citizen’, dedicada a Edward Snowden. “Creo que lo que hizo fue muy positivo. Que alguien lo arriesgue todo por hacer lo que es correcto es muy inspirador. A pesar de toda la adversidad no se arrugó y denunció la corrupción de los gobiernos. Creo que la transparencia es muy importante hoy en día. Creo que estamos en un punto crítico en el que todo el control que existe sobre los ciudadanos puede usarse muy nocivamente. Nos están limitando nuestras libertades y parece que no podamos hacer nada al respecto. Para mí es un héroe de nuestro tiempo. Queríamos darle ese reconocimiento”.

Para hacer música interesante te tiene que inspirar algo interesante. “Sí. A veces puede ser algo personal, pero otras puede ser algo que sucede en el mundo”.

No demasiados músicos están tan bien concienciados… “Es posible, pero todos los músicos que me han inspirado son los que han tratado estos temas, siempre tenían algo que decir. Pink Floyd y Tool siempre han hablado sobre el control y este tipo de cuestiones profundas. Como artista tienes la oportunidad de llegar a tu público de una manera que otros no pueden, así que me siento obligado a hablar sobre ello. Me 32

El disco lo ha producido David Bendeth y recuerdo que Of Mice & Men nos dijeron que era un tipo muy estricto, como un sargento. ¿Cómo fue con vosotros? “Tienen toda la razón (risas). No quiero faltarle el respeto y decir que es un abuelo, porque me mataría (risas), pero digamos que es una figura paternal. Lo que hace es destruirte para volverte a construir. Te señala todos tus puntos débiles y te hace trabajar en ellos. No te deja pasar ni una. Busca la perfección, o al menos el máximo de tu potencial. Es muy bueno en eso. Nos enseñó mucho sobre nosotros mismos. Creo que estudió psicología porque entiende muy bien la dinámica entre personas, quién es más autoritario, quién es más tímido… Nos enseñó maneras para apoyarnos más entre nosotros. Fue una experiencia dura, pero su sinceridad brutal hizo

¿Cuáles fueron algunos de esos puntos débiles que os destacó más? “Por ejemplo, el primer día que estuvimos en el estudio, pues Marcus es un tío bastante introvertido y a veces no dice las cosas por miedo a lo que pensarán los demás. David le animó a abrirse y al final en la canción ‘Fade’ acabó hablando sobre la opresión a la que le sometían sus padres y lo que significó la muerte de su padre cuando era un adolescente. Le empujó a cantar como nunca. También señaló cosas de nuestra manera de tocar. Pero en general, fueron cosas más personales. Creo que todos salimos del estudio habiendo crecido como músicos”. Hemos hablado otras veces sobre la nueva ola de bandas australianas. Cada vez es más frecuente veros girar por Europa y me preguntaba si recibís algún tipo de ayuda pública para costear los gastos. “De hecho es lo opuesto (risas). El gobierno ha recortado mucho los presupuestos en cultura. Pero creo que hay tantos músicos con talento y las oportunidades en Australia son tan limitadas, que por fuerza tienes que buscar el mercado internacional. Creo que también te obliga a ser más creativo, y lo que estamos viendo ahora es una explosión de todo eso”.

WHILE SHE SLEEPS

WHILE SHE SLEEPS CELEBRARON SU DÉCIMO ANIVERSARIO DANDO PORTAZO A SU RELACIÓN CON SU ANTIGUA DISCOGRÁFICA Y OPTANDO POR LA AUTOGESTIÓN. GRACIAS A UNA EXITOSA CAMPAÑA DE CROWDFUNDING DESCUBRIERON QUE, CON EL APOYO DE SUS FANS, NADA PODÍA PARARLES. DE AHÍ QUE SU TERCER ÁLBUM SE TITULE YOU ARE WE. TEXTO: JORGE FRETES FOTOS: DR

que ellos para dirigir su carrera, cuando hace unos años su management les ofreció publicar sus discos con un subsello de la multinacional Sony, quisieron probar fortuna. Tal como está el patio, es comprensible que un grupo de jóvenes se sintieran tentados por la oferta. Al fin y al cabo, a sus vecinos y rivales de Sheffield, Bring Me The Horizon, no les había ido nada mal. Pero dos discos después, This Is The Six en 2012 y Brainwashed en 2015, muy bien recibidos por el público y la crítica, pero con pobres resultados comerciales, la relación con el sello se enfrió y la banda formada por Lawrence ‘Loz’ Taylor (voz), Sean Long (guitarra), Mat Welsh (guitarra), Aaran Mc-

Kenzie (bajo) y Adam Savage (batería) optó por seguir su propio camino. Retomando la misma idea que ya utilizaron para su primer EP de 2010, The North Stands For Nothing, grabado en su local de ensayo, decidieron reconvertir un almacén vacío en el centro de su ciudad en su base de operaciones, y construir su propio estudio. Pero las cuentas de una banda de metalcore, por muy buena que sea, dan para lo que dan, y While She Sleeps necesitaron comprobar la fidelidad de sus fans para tirar adelante la grabación de su tercer álbum a través de una campaña de crowdfunding. La respuesta fue masiva y You Are We (que aperece distribuido por Arising Empire, subsello de Nuclear Blast) supone, ni que fuera sólo por eso, todo un triunfo. O al menos, es lo que nos transmite su guitarrista Sean Long. 25

La fecha de lanzamiento de You Are We era el 21 de abril, pero el disco se filtró en internet bastante antes. ¿Cómo te sentó cuando te enteraste de ello? SEAN LONG “Cuando lanzas un disco por primera vez con tu banda, especialmente en una multinacional, nunca sabes si a la gente que trabaja para ti le importa una mierda tu música. Por eso este álbum es tan especial para nosotros, porque lo hicimos por nuestra cuenta y trabajando con gente a la que realmente le importa. Nos sigue sorprendiendo que a la gente le importe algo While She Sleeps, y aunque se filtrara, sabemos que los fans lo esperaban con muchas ganas. Apreciamos cada uno de los donativos que nos hicieron. Es una gran sensación saber que las canciones que has compuesto le interesan a alguien; la gente podría pasar de nosotros”. Este disco fue grabado en vuestra Sheffield natal, en un estudio que montasteis para la ocasión. “Sí, básicamente decidimos hacer este disco nosotros mismos. Lo pensamos después de que nos robaran todo nuestro equipo en Barcelona, cuando tocamos allí. Nos jodió bastante, y nos tomó unas cinco semanas volver a reunirlo todo de nuevo, pero el proceso de grabación fue genial. Trabajamos con el productor Carl Bown, con quien hicimos nuestro primer álbum. Ha trabajado con bandas como As I Lay Dying, Killswitch Engage, In Flames o Machine Head, pero sobre todo entiende el sonido que queremos conseguir. Es muy difícil conseguir a al36

guien que entienda exactamente lo que quieres hacer en un disco. Tenemos una relación especial con él, es un gran tipo, y esa unión ha hecho a You Are We el álbum que es”. Después de dos discos dejasteis Sony para pasar a la autogestión y lanzasteis una campaña de crowdfunding para recaudar dinero. ¿Estabais hartos de cómo funciona el negocio de la música? “Sí, algo así. Hacer un crowdfunding no es fácil. Es más cómodo tener a un sello detrás que paga por la grabación del disco, que se preocupa por ti y se hace cargo de varios aspectos relacionados con un álbum y su promoción, pero no buscábamos eso esta vez. Somos mucho más punk y DIY. Decidimos coger el camino independiente porque sabemos cómo llegar a la gente que queremos llegar, no nos vemos con la necesidad de contar con un sello discográfico detrás que nos respalde, menos uno que no comprenda nuestra visión”. Llegados a un tercer disco, ¿crees que ya habéis encontrado ese punto en vuestro sonido en el que piensas que no hace falta nada más? ¿O por el contrario sigues sin estar al 100% satisfecho, aunque el álbum te mole? “En lo que respecta a nuestro sonido creo que con este disco hemos cerrado un círculo, desde lo que empezamos a hacer en el primer EP hasta lo que hacemos ahora mismo. Es como abrazar todos los estilos que hemos hecho en cada lanzamiento y unirlos todos a la vez. También tengo que decir que en ningún momento nos vimos en la

situación de decir ‘tenemos que sonar de esta manera’. Creo que una de las cosas más positivas de While She Sleeps es que no queremos encasillarnos en un solo género, no queremos que la gente piense que hacemos una sola cosa y ya está. Lo que intentamos conseguir es algo especial, algo que no se pueda definir. Con cada disco queremos hacer algo distinto, y creemos que lo hemos conseguido. No es que hayamos inventado un nuevo estilo ni nada parecido, se trata más bien de cómo lo desarrollas”. Puede que sea eso lo que la gente vea de atractivo en While She Sleeps. Es metal y es hardcore, pero encasillarlo solamente como metalcore es complicado. “No quiero sonar como un engreído, pero creo que más que géneros es la manera en la que tocamos y la manera en la que nuestra música termina saliendo. Yo mismo tengo muchos problemas para definir cómo suena tal o cual grupo, y sé que en nuestro caso puede ser un dolor de muelas intentar definirnos. No quiero sonar pretencioso, pero creo que no hay otra banda en el mundo que suene como nosotros. Eso es lo que hace de ciertas bandas algo especial, algo grande. Es difícil que encuentres una banda que suene como nosotros sonamos, creo que tenemos algo único”. Si hablamos de invitados especiales en You Are We, tenemos que mencionar a Oli Sykes de Bring Me The Horizon. Colabora en la canción ‘Silence Speaks’ y sabemos que, aunque ahora es un

“NO QUIERO SONAR PRETENCIOSO, PERO CREO QUE NO HAY OTRA BANDA EN EL MUNDO QUE SUENE COMO NOSOTROS”

gran amigo de la banda, en su momento tuvisteis vuestras diferencias. ¿Pensasteis en incluir alguna otra colaboración o sólo a Oli? “Es muy popular dentro del metal invitar a músicos de bandas parecidas, pero nunca hemos pensado en eso de ‘tenemos que meter a muchos invitados en el disco’ y sin duda tampoco fue el caso en You Are We. No pensamos en eso en absoluto, pero salió la idea de tener a Oli Sykes en esa canción y fuimos a por ello. Tenerlo con nosotros es un gran honor, Oli es bastante grande y no sólo en términos de popularidad, sino también por la música que crea. Mucha gente lo conoce, está claro, pero a nosotros nos importaba más tener a un amigo. Le mostramos la campaña y todo lo

que teníamos planeado para este álbum y le encantó. También nos aportó algunas ideas, y sobre todo nos hizo sentir bien poder ‘enterrar el hacha de guerra’, si quieres llamarlo así. A él realmente le gusta While She Sleeps, así que ya era hora de hacer algo juntos”. En el título de este nuevo disco dejáis claro que los fans no son sólo fans, sino parte de la banda misma. Cuando sales de gira, ¿qué importancia le das al público, a conocerlo personalmente? “Puede sonar bastante simple lo que voy a decir, pero al final, sin los fans no existiría While She Sleeps, es así de fácil. Con la campaña de crowdfunding nos dimos cuenta de

que a la gente le importamos de verdad. Aun sin saber cómo iba a ser el nuevo disco, nos apoyaron. Cuando haces una campaña así, siempre está el miedo de saber si a alguien le va a importar una mierda el proyecto que estás llevando a cabo. Para nosotros fue una prueba de fuego. La superamos, y ahora sabemos que podemos contar con muchísima gente, aunque no contemos con medios o la industria musical. Es de las mejores sensaciones que hemos tenido como grupo. Ahora, gracias a cada persona que nos ha donado dinero, ya no le debemos un montón de dinero a una gran corporación, sino que sólo le debemos el disco a nuestros fans, y eso lo hace más especial”. ¿Llevaréis la autogestión a 37

otros aspectos de la banda y no sólo a la grabación de un álbum? Me refiero a la gestión de tickets, de merchandising, el club de fans… “Imagina que conseguimos lanzar un disco titulado Brainwashed (Lavado De Cerebro -ndr.) en un sello multinacional, y luego decidimos ir de manera independiente. Si conseguimos eso, podemos conseguir lo que sea. Ahora sabemos que no todo se mueve sólo con dinero y poder, sino a través de los fans que nos siguen. Si podemos encontrar más maneras honestas de gestionarnos, lo haremos”. Tocasteis en el Resurrection Fest en Galicia y luego la misma organización os trajo de gira por salas, con un gran éxito. ¿Crees que el grupo puede llegar en España al mismo nivel de éxito que en vuestro país? “Lo más impresionante de tocar para el mercado español y para los fans 38

españoles es que hay un gran, gran sentimiento de unidad. Es como un movimiento. En estos últimos conciertos me he dado cuenta de que los fans españoles realmente entienden lo que queremos decir con nuestra música. Podría decir que es de las primeras veces fuera del Reino Unido que siento esa conexión con un público. No hemos tocado tanto en España y queremos hacerlo más, porque los conciertos fueron algo impresionante. El público se volvió loco y realmente se volcó con While She Sleeps. Es muy bonito viajar por el mundo y ver que gente de otros sitios canta tus canciones, siente lo que sientes, te comprende. De verdad que nos abrió los ojos y queremos volver muy pronto. Pero al final, lo importante es poder hacer música con mis amigos. Mientras podamos tocar para cinco personas a las que les importe el grupo, el resto me la suda”. La banda parece muy sólida, y si quitamos la entrada de

Lawrence como vocalista en 2009, se podría decir que lleváis juntos casi desde el principio. Si alguien tuviese que salir de la banda, por el motivo que sea, ¿crees que esa unidad se rompería? ¿Todo el mundo es indispensable en este grupo? “Creo que cuando pasas toda tu vida con un grupo de gente, esas personas pasan a ser tu familia, da igual lo pequeña o grande que sea la banda. Una de las cosas que hacen tan especiales a While She Sleeps es que llevamos tanto tiempo siendo amigos que esto no se va a romper nunca. Hemos pasado por situaciones muy difíciles, pero lo hemos superado como una familia, y nuestra amistad está a prueba de balas. Estos tíos son mis amigos, y los amo tanto como los odio, lo cual es bastante gracioso. Siento que cuanto más tiempo llevemos haciendo esto más fuerte se va a hacer esa unión. Conozco a bandas que lo han de-

jado por tonterías, pero me temo que os queda While She Sleeps para rato”. ¿Hay algo en este disco que quizás no te guste mucho pero que tuviste que ceder y decir que sí porque al resto de la banda le gustaba? Una línea de guitarra, una melodía… “¡Claro! Al fin y al cabo somos cinco personas diferentes a quienes les gustan diferentes tipos de música. Cada uno tiene sus grupos favoritos. Si fuésemos un grupo donde sólo hay una persona que compone o toma todas las decisiones, quizá sería más fácil, pero no es nuestro caso. Todos tenemos voz en las decisiones, todos aportamos algo a la composición, y es lo que nos hace más fuertes, porque tomamos las decisiones como si fuésemos una familia de verdad. Mientras no comprometas tus principios y puedas dar tu punto de vista, creo que está bien hacerlo así, y también por eso creo que este disco es el mejor hasta el momento. Ninguno nos hemos callado nada”. Y por curiosidad, ¿cuáles son tus grupos favoritos? “Norma Jean, Norma Jean, Norma Jean (risas). Wrongdoers es mi disco favorito. Tengo un póster suyo en mi habitación (risas). Sé que es un disco relativamente nuevo, pero creo que es increíble. Espero que me den entradas gratis en su próximo concierto (risas)”. Antes has dicho que While She Sleeps hacéis algo que

“AUNQUE NO TENGAMOS SIMILITUDES, HAY BANDAS CON LAS QUE NOS SENTIMOS HERMANAS, COMO ARCHITECTS O NORTHLANE”

ninguna otra formación hace. Dicho esto, ¿te sientes parte de alguna escena? Bandas que no son iguales, pero con las que compartís algo. “Sí, creo que hay muchas bandas que tienen un mensaje similar al nuestro, pero que suenen a nosotros, no. La gente disfruta de lo nuestro y sabe que es único, nos gusta que sea así. De todas maneras y aunque no tengamos similitudes, hay bandas con las que nos sentimos hermanas, como Architects o Northlane. Tenemos cosas en común, no sé si les gusta lo que hacemos, pero a nosotros sí nos gusta lo que hacen”.

Ya para terminar: monta ahora mentalmente una gira mundial con While She Sleeps a la cabeza y cualquier otra banda, esté en activo o no. ¿A quién te llevarías? “Me llevaría a Norma Jean y a Thrice. No hay discusión, serían Norma Jean, While She Sleeps y Thrice. Sería la mejor gira del mundo… Bueno, también metería a Architects. Sería un tour muy enfermizo, tío”.

DANKO JONES

AL 100%

EL GATO SALVAJE QUE ENCIERRA EL ÚLTIMO TRABAJO DE DANKO JONES NO LLEGA PARA DAR CONTINUIDAD A SU PREDECESOR, PERO SÍ PARA SUPERARLO. LA BANDA HA SACADO LAS UÑAS CON WILD CAT, Y SE NOTA. TEXTO: RO SÁNCHEZ FOTOS: DR

EINTIÚN AÑOS DE CARRERA, OCHO DISCOS DE ESTUDIO, cuatro EPs y otros cuatro recopilatorios tienen, como es obvio, sus buenos y sus malos momentos. Pero Danko Jones se encuentra ahora mismo en el mejor de su carrera. El que fuera su último álbum hasta hace unas semanas, Fire Music (2015), había sido su mayor éxito, pero apenas dos meses desde el lanzamiento de Wild Cat (Bad Taste Records/AFM Records) han bastado para pulverizar esta afirmación. Decir que no existe una ecuación para ese éxito sería lo más romántico, pero lo cierto es que la banda parece saber muy bien cuál es. Cuenta Danko Jones (cantante, guitarrista y frontman que además da nombre al power trio) que no siempre conseguía exactamente lo que buscaba hasta que en 2014 encontró a Eric Ratz gracias a que su amigo Scott Middleton de Cancer Bats le enseñara el disco que les había producido. Así que, si antes se quedaban a un 95% de lo que Jones tenía en mente (dicho en sus propias palabras), como si fuera la barra de carga de un videojuego, ahora no solamente ha comenzado la partida, sino que también van ganando. El otro factor ha sido Rich Knox. Tras un historial de baterías que casi alcanza la cifra de sus discos de estudio, Knox ha llegado para quedarse, formar un equipo sólido con Jones y el bajista John

Calabrese y devolverle el buen rollo a una banda que precisamente tiene esa actitud como lema. ¿Y el resultado? Arrasar en su primera gira de presentación del nuevo disco, cosechar buenas críticas y romper la maldición intermitente que parecía pesar sobre el grupo con un disco hecho a golpe de singles. La actividad y la energía de Danko Jones banda se retroalimenta con las de Danko Jones artista, a quien tampoco le gusta quedarse quieto. Charlamos con él antes de que comenzara un nuevo segmento de la gira por Canadá y de que vuelva a festivales europeos este verano. Habéis estado girando por Europa este mes de marzo. ¿Cómo has visto la respuesta del público hacia el nuevo material en la primera parte del tour? DANKO JONES “Probablemente haya sido una respuesta mejor que la que hemos visto en trabajos anteriores que nos habían funcionado bien de por sí. La gira empezó sólo dos semanas después del lanzamiento del disco, así que no esperábamos que estuvieran familiarizados con las canciones nuevas. Pero en este caso fue muy bien, todo el mundo cantaba los temas”. Habéis visitado varios países, pero España se ha quedado

fuera de la lista. “Sí, no podemos girar por todo el mundo en sólo dos semanas y media. Pero habrá más giras. La gente piensa que si no incluimos su ciudad o su país ya no vamos a ir. Lo cierto es que nunca giramos durante muchas semanas seguidas, sino que pasamos dos semanas en un lugar, tres en otro, y llegamos a todos los sitios así. La segunda parte de la gira europea será en otoño”. Siempre has dejado claro que Danko Jones es más una banda de directos que de trabajo en estudio. ¿Por qué? “Una vez que tenemos las canciones ensayadas, todo lo que pasa es muy espontáneo y muy emocionante, y esa emoción es muy divertida para mí. Aunque, por otro lado, ser testigo en el estudio de ver cómo una canción o una idea que has tenido cobra vida y se convierte en una canción que podrá escuchar todo el mundo, también es conmovedor”. Hablando de vuestro nuevo álbum, hace ya más de un mes desde que Wild Cat salió a la luz. ¿La reacción de los fans y la crítica ha sido la esperada? “No tengo expectativas con los discos que sacamos. En el pasado algunas canciones o discos han funcionado mejor o peor de lo que yo esperaba, así que ya no las tengo. Sólo me ase41

guro de que lo que lanzo sea algo que realmente me guste. No puedo sacar algo que no me guste. Ya lo he hecho alguna que otra vez en la que no estaba seguro de que fuese lo correcto: lo lanzamos y, obviamente, no salió bien. Pero incluso cuando creo que el material es muy bueno, a veces no es tan bien recibido”. ¿Entonces crees que hay una relación entre el éxito del disco y cuando éste no te convence demasiado? “Cuando digo eso realmente me refiero a un disco en concreto, Never Too Loud, en 2008. Yo no estaba del todo convencido de que ésa fuera la mejor versión de las demos para ese álbum, y al final, efectivamente, perdimos bastante terreno con ese trabajo. Y otro disco con el que no nos fue muy bien, pero que a mí me gustaba bastante, fue Rock And Roll Is Black And Blue”. Has comentado alguna vez que habéis repetido con Eric Ratz como productor porque con él sí que consigues encontrar el 100% de lo que buscabas. ¿Tiene Wild Cat ese 100%? “Sí, y por eso lo hemos lanzado. No hemos cambiado apenas nada del anterior disco Fire Music para hacer Wild Cat, y es algo que nunca habíamos hecho antes. Siempre hemos cambiado de un disco a otro, y quizás por eso hemos tenido esa inconsistencia entre un trabajo y otro: conseguíamos muy buenas críticas en uno, y de repente en el siguiente no tantas, y así sucesivamente. Ésta es la primera vez que mantenemos al productor, al mismo line-up e incluso grabamos en el mismo estudio y utili42

zamos los mismos procesos, así que hemos tenido prácticamente los mismos resultados. Wild Cat está teniendo mejores críticas que Fire Music, así que no me puedo quejar”. Manteniendo todos esos elementos, ¿estabais buscando una secuela de Fire Music? “Sí, bastante. Creo que las guitarras suenan un poco mejor en este disco, y eso que las guitarras de Fire Music sonaron mejor que cualquier cosa que habíamos lanzado antes. Si hubiéramos seguido con ese sonido estaría muy contento, pero incluso me parece mejor”. ¿Habéis querido repetir la fórmula del éxito de ese álbum o las canciones surgieron así de parecidas? “No queríamos repetir el éxito de Fire Music pero, inevitablemente y sin importar cuánto intentes repetir lo que hiciste, no puedes. Es imposible. Así que sólo escribimos algunas canciones que nos parecieron buenas, y escribimos muchas. Pero cuando estuvo todo hecho, para nosotros fue muy evidente cuáles debíamos elegir para que formaran parte del disco. No hubo discusión. En Fire Music sí que tuvimos algún debate entre los cuatro (la banda y Eric, el productor -ndr.). Hicimos una votación, porque algunas las teníamos muy claras, pero había dos o tres con las que hubo debate sobre si pasarían el corte. ‘Piranha’ fue una de ellas. Aunque en realidad luego todas fueron lanzadas más tarde como caras B o singles”. Aunque hay muchas similitudes, en este álbum sonáis más desenfadados... ¿Qué ha

cambiado? “En Fire Music veníamos de un cambio en los miembros de la banda. Por este motivo en Danko Jones siempre ha habido mucha inestabilidad y fricciones. Una vez que quedó resuelto este cambio, yo tenía bastante que sacar de dentro. Canciones como ‘Watch You Slide’ o ‘Body Bags’ son canciones en las que se ven todos esos roces anteriores a que Rich Knox entrara en el grupo. Pero ahora ya hay mucha armonía en la banda, como nunca la

“NO HEMOS GANADO PREMIOS EN LA MÚSICA, NO HEMOS TOCADO CON ALGUNA DE MIS BANDAS FAVORITAS… Y EL TECHO ESTÁ EN SALAS DE MIL PERSONAS DE AFORO PARA LAS GIRAS. NOS GUSTARÍA TOCAR NUESTRA MÚSICA EN ESTADIOS” DANKO JONES

ha habido. Así que esto te guía hacia unas canciones con cierta vibración, y eso es Wild Cat”. Respecto a eso que me decías de que habíais escrito muchas canciones para este álbum, leí en una entrevista que en realidad sólo hicisteis once canciones. “Tuvimos muchísimas ideas en la cabeza, toneladas de ellas. Pero hay muchas que no fueron terminadas.

Cuando no las acabas, la razón es porque no son tan buenas. Las mejores canciones se escriben en 15 minutos, de principio a fin e incluyendo melodías, letra, etcétera. Y ésas han sido las que han conseguido estar en Wild Cat. ‘Going Out Tonight’ y ‘My Little RnR’ se hicieron en 15 ó 20 minutos”. Tenéis un amplio repertorio, giras por todo el mundo y más de veinte años de carre-

ra. ¿Es difícil encontrar nuevos retos? “¡No! Nunca hemos tenido tanto éxito con la banda así que siempre hay objetivos dispuestos a ser alcanzados. Nunca hemos vendido medio millón o un millón de discos, no hemos ganado premios en la música, no hemos tocado con alguna de mis bandas favoritas… y el techo está en salas de mil personas de aforo para las giras. Nos gustaría tocar nuestra música en estadios”. 43

DANKO JONES ¿Y alguna vez habéis sentido la presión de ese techo reteniéndoos en el mismo nivel? “Sí, existe esa frustración de que, no importa lo que hagas, todo se queda igual. Pero, aunque te diga eso, este último tour ha sido el más exitoso que hayamos hecho hasta la fecha, con todo agotado o a punto de agotarse cada noche”.

mensuales ya sólo mantengo dos porque me llevaban demasiado tiempo. Lo hago de forma racional, no me sobrecargo con estas cosas. Desde fuera sé que parece que estoy muy ocupado, y lo estoy, pero no me saturo”.

¿Crees que es el mejor momento para Danko Jones como banda? “Sí, si tenemos en cuenta todos los aspectos que influyen en un grupo, así es. Hay armonía en la banda, los tres nos llevamos bien y también con el resto del equipo, y hay gente que viene a nuestros conciertos”.

un intérprete, me refiero a la música y a la interpretación con el público, incluso con nuestro vestuario, pero no me pongo ningún personaje, ese soy yo. Has señalado una frase en la que todo el mundo se fija en el documental. La gente cree que tomármelo como un trabajo es algo negativo, pero si no lo llamo trabajo y no llamo a los últimos 21 años una carrera, significa que esto sólo es una afición y que yo estoy desempleado y soy un holgazán. Y esto es un estereotipo de cómo la gente ve a los músicos, especialmente a los que están en bandas de rock. Yo hago lo contrario, recuerdo que esto es un trabajo y no un hobby a tiempo completo. Ellos sólo ven la diversión, pero no el trabajo duro que hay”.

En el documental Bring On The Mountain resaltas que no sólo disfrutas como miembro de la banda, sino que también es un trabajo. En los directos eres bastante explosivo y energético. ¿Es tu reacción natural o lo haces como un intérprete, como parte del trabajo? “No creo que se pueda fingir cada noche durante 21 años sin que sea una parte de ti. Cuando digo que soy

En tu caso parece que siempre tienes algo entre las manos: eres músico, pero también tienes un podcast y colaboras escribiendo en alguna revista, como ésta. ¿Es difícil para ti encontrar el equilibrio con todo lo que haces? “No, porque no me saturo a mí mismo. El podcast lo tengo desde hace casi seis años, pero lo hago una vez cada dos semanas, así que no me quita mucho tiempo. De las columnas

Conoces los medios muy bien y siempre estás transmitiendo un mensaje. ¿Utilizas la música con el mismo objetivo o sólo escribes lo que se te pasa por la cabeza en ese momento? “Es interesante que cuando hago entrevistas me preguntan sobre los significados de las canciones o la falta de significado en ellas. Veo que mucha gente escucha música buscando un significado, y yo nunca escucho música de esa manera, lo hago de una manera mucho más básica. Nunca ha sido algo intelectual para mí. Todas las canciones están basadas o vienen de algo que me ha ocurrido, un sentimiento propio o una experiencia que haya tenido. Pero no llevan una advertencia política o conciencia social, sólo pretenden satisfacer algo que yo conozco personalmente, y no tengo que explicárselo a nadie, cada uno puede tener su propia interpretación de esa canción. No creo que seamos una banda para transmitir asuntos sociales o de política. Algunos nos penalizan por eso, pero creo que no entienden el punto de Danko Jones. No hay un mensaje, y si lo hubiera sería simplemente ‘pásalo bien y olvídate de tus problemas’”.

THURSTON MOORE

ARTE CON CONCIENCIA

EL SIEMPRE INQUIETO THURSTON MOORE ACABA DE PUBLICAR ROCK N ROLL CONSCIOUSNESS, UN ÁLBUM EN EL QUE, JUNTO A SU NUEVA BANDA, RECUPERA SONORIDADES PARECIDAS A SONIC YOUTH. A SU PASO POR MADRID, CONVERSAMOS CON UNO DE LOS GUITARRISTAS MÁS INFLUYENTES DEL ÚLTIMO CUARTO DE SIGLO. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

ODOS LOS DIVORCIOS SON DOLOROSOS Y AFECTAN, NO SÓLO A

los implicados directamente, sino a todo su entorno. El de Thurston Moore y Kim Gordon en 2013, después de 27 años de relación, tuvo como efecto colateral la disolución, nunca oficializada, pero hasta hoy efectiva, de Sonic Youth, la exitosa banda de noise rock que abrió las puertas a Nirvana o Pavement en la revolución alternativa de los 90. Desde entonces, Moore, el ‘malo’ de la película por una infidelidad, ha intentado rehacer su vida: se mudó a Londres para vivir con su nueva pareja, la editora Eva Frinz, y reactivó una carrera en solitario que se concretó en 2014 con The Best Day y que ahora prosigue con Rock N Roll Consciousness (Caroline/ Music As Usual). En ambos le acompañan su viejo amigo y compañero en Sonic Youth, Steve Shelley, a la batería, James Sedwards a la guitarra y Debbie Googe de My Bloody Valentine al bajo, una formación con la que se acerca más que nunca al sonido de su antigua banda. A sus 58 años, Moore conserva algo de ese aspecto de niño grande desaliñado que ha tenido siempre, pero su discurso es de todo menos el de un recién llegado. Hace unos años te mudaste a Londres. ¿Sigues viviendo allí?

THURSTON MOORE “Vivo en todas partes (risas). Soy un ciudadano americano. Paso mucho tiempo en Londres porque es donde vive mi banda y donde llevo trabajando los últimos años. Me encanta vivir allí, pero podría vivir en Alemania, Portugal, España, Italia, Dinamarca, Japón… Creo que estamos en un nuevo tiempo en el que debemos compartir la energía positiva. Hay que deshacerse del odio del hombre blanco. Se acabó, estoy harto (risas). Merecemos poder vivir en la utopía”. ¿Cuando te mudaste a Inglaterra, te cambió la perspectiva sobre algunos aspectos de tu país? “Está bien tomar distancia. Ahora cuando vuelvo a América siento que mucha gente se siente estafada. Pero también hay gente que está como ciega y se siente empoderada por esta administración basada en las mentiras y el odio. Hay que luchar contra eso. Por eso me gustó la Marcha de las Mujeres. Está más allá de la política. Estamos en manos de un psicópata. Amo mi país, así que es nuestra obligación recuperarlo”. Hace unos días publicaste la canción ‘Cease Fire’ y unos meses atrás habías publicado ‘Chelsea’s Kiss’, dos canciones con fuerte carga política que no aparecen en el nuevo

álbum. ¿Es importante para ti explicitar ese elemento en tu música de alguna manera? “Sí. Es muy importante ahora mismo que el arte muestre su oposición al dominio de la extrema derecha y el fascismo en la cultura. Se le está diciendo a la gente que tiene que tener miedo de otras culturas y que hay que construir muros. ¡Y yo no estoy de acuerdo! Es un desastre para la humanidad tener a políticos que promueven el odio. Yo estoy por la paz y el amor (risas). Vengo de Estados Unidos, donde venden metralletas como si fueran caramelos. ¡Estoy harto! Soy padre, mi hija de 23 años tiene que crecer en este ambiente y me siento muy protector. Se está distorsionando la realidad. La gente quiere trabajar junta, compartir cosas, vivir juntos, y se nos está dividiendo por cuestiones de raza y de religión. Creo que la mayoría quieren un mundo más positivo, lleno de alegría, y quiero ser parte de eso. Esta canción habla sobre quienes usan la religión para justificar la violencia. Son una minoría, pero ostentan el poder, así que necesitamos mejores líderes. Todo lo que puedo hacer es cantar sobre lo que pienso. Pero también canto sobre otras cosas, no soy un cantante protesta”. Grabaste el nuevo disco con James, Debbie y Steve. Supongo que ahora estáis mu47

“VENGO DE ESTADOS UNIDOS, DONDE VENDEN METRALLETAS COMO SI FUERAN CARAMELOS. ¡ESTOY HARTO!” THURSTON MOORE

cho más compenetrados que cuando hicisteis The Best Day. “Sí. Lo hicimos los cuatro con Paul Epworth como ingeniero en apenas una semana. Lo hicimos en su estudio The Church en Crouch End, es una iglesia muy hermosa. Es un sitio majestuoso, un lugar sagrado, y creo que se transmite en el tono del disco. Llevo tocando con ellos tres años y hemos llegado a ese punto en el que nos sentimos listos para conquistar el mundo (risas). Cuando grabamos The Best Day nos acabábamos de juntar. La primera vez que tocamos juntos fue cuando grabamos esas canciones. Ese disco era un poco un pastiche de temas que había grabado yo solo y canciones con el grupo. Pero ésta fue 48

la primera vez en la que lo hacíamos realmente como un grupo. Lo escribí pensando en lo que cada uno podía aportar, sabiendo cómo toca la guitarra James y cómo Debbie y Steve funcionan como base rítmica. Este álbum muestra la dinámica que tenemos como banda”. ¿Sientes que has vuelto a tu elemento natural? “Sí, me gusta estar en un grupo. Me gusta tener ese sentimiento de pandilla. Me gusta tocar de maneras muy distintas. Me gusta tocar solo y hacer conciertos acústicos, me gusta tocar con músicos de noise y hacer improvisación, pero tener una banda que pueda tocar mis canciones es lo que

más me llena. Me aporta mucha energía. Grabamos el disco y cuando se lo enseñé a la discográfica mostraron mucho entusiasmo. Sintieron que era un disco importante y que querían apoyarlo. Me alegró mucho. Para mí es un privilegio poder crear un nuevo legado con esta banda bajo mi liderazgo. ¡Mola mucho! Tengo suerte de estar en esta situación. Muchas letras la coescribí con mi novia Eva. Aportó una energía feminista que quería en el álbum. Creo que es importante en un momento en el que el presidente de los Estados Unidos denigra a las mujeres”. Con Sonic Youth estuviste conectado a todo el movimiento

¿Qué relación tienes con la guitarra hoy en día? ¿La ves ahora más como una herramienta para hacer canciones que para crear sonidos? “La veo como ambas cosas. No toco la guitarra cada día, pero pienso en ella cada día. Cuando saco la guitarra de la funda, todas las ideas que he ido madurando se canalizan a través de ella. Hay quien piensa que un artista tiene que trabajar cada día, pintar cada día, escribir cada día, tocar cada día. Pero yo vengo de una escuela de pensamiento distinto. Yo creo que lo más importante es contemplar y, así, el día que coges tu herramienta canalizas todo lo que has observado. Es importante tener libertad fuera del instrumento. Para mí es una herramienta para componer, desde luego, pero también me encanta improvisar. Lo he hecho toda la vida y creo que, en cierto modo, es más cercano a la condición humana. Cada día nos levantamos e improvisamos nuestra vida, no hay una partitura escrita. Me gusta tocar con gente que dedi-

THURSTON MOORE

de las riot grrrls. Es un poco triste que se tenga que volver a reivindicar el papel de la mujer a estas alturas. “Sí, pero aprendimos mucho en todos esos años. Ahora estamos listos. Por eso todas estas protestas y manifestaciones son tan importantes. Sabemos cómo hacerlo y tenemos el poder para hacerlo. Si pensaban que los liberales íbamos a desaparecer, se equivocan. Vamos a seguir creciendo, cada vez más fuertes. Yo quiero formar parte de esa voz y creo que este disco forma parte de esa voz”.

ca su vida a la improvisación. En esa situación, la guitarra es una herramienta sonora”. ¿Crees entonces que cuando improvisas sale el Thurston Moore más real? “No necesariamente. Es un equilibrio. La improvisación es importante porque estás componiendo en el momento, tiene algo de espiritual y también de respeto hacia quienes tocan contigo. Creas una relación especial con los otros músicos y con el público. Pero también me gusta la idea de componer canciones porque puedo focalizar un mensaje. Aunque el grupo aporte sus partes, la canción sigue siendo mía, lleva mi nombre. Con Sonic Youth era distinto. Era más un formato. Cualquier cosa que aportara un miembro entraba en ese formato. Ésa era la idea detrás de Sonic Youth”. Una vez dijiste que Sonic Youth usaban una formación de rock tradicional para hacer cualquier cosa que no fuera tradicional. ¿Sigue siendo tu motivación con tu grupo actual? “Soy un aventurero. Me gusta experimentar con la idea de una banda

tradicional. No tengo demasiado interés en estar en una banda totalmente tradicional o en una totalmente experimental. Siento respeto por la historia del rock’n’roll, no quiero despreciarla. Tanto en mi banda actual como en Sonic Youth creo que había un amor por algunos aspectos tradicionales del rock’n’roll de artistas como Muddy Waters, Little Richard, Billie Holiday, John Coltrane, The Doors, Love, Beatles, Stones, Cream, Credence Clearwater Revival, Jimi Hendrix, Sex Pistols, Television, Ramones, Buzzcocks, Pop Group, Raincoats, Nirvana, Mudhoney, Birthday Party, Minutemen, Black Flag… y sigue y sigue. Queríamos estar en ese linaje de bandas de la historia del rock. Así es como me sigo sintiendo. Pero quiero ser un completo iconoclasta y poder tocar noise improvisado, que es otra cosa distinta, es un desafío. Pienso en cómo unificar todo eso en una sola expresión y creo que lo consigo. Sonic Youth investigó mucho en ese aspecto y creo que sigo haciéndolo por mi cuenta. Intento hacer arte”.

AT THE DRIVE-IN

TRANSMISIÃ&#x201C;N EN ABIERTO

HAY REUNIONES Y REUNIONES. CASI TODAS ESTÁN MOTIVADAS POR CUESTIONES ECONÓMICAS, PERO MIENTRAS ALGUNAS SE LIMITAN A SACARLE NUEVA RENTABILIDAD A UN VIEJO REPERTORIO, OTRAS DAN PIE A NUEVAS OPORTUNIDADES CREATIVAS. DESPUÉS DE CINCO AÑOS DE RODARSE EN DIRECTO, DUDAS Y TIRAS Y AFLOJAS, AT THE DRIVE-IN POR FIN PRESENTAN IN·TER A·LI·A, UN TRABAJO QUE HACE HONOR A SU LEYENDA. HABLAMOS EN EXCLUSIVA CON SU VOCALISTA CEDRIC BIXLER-ZAVALA SOBRE SU ESPERADO RETORNO. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

A DE AT THE DRIVE-IN FUE UNA DE LAS CARRERAS MÁS EXCITANTES QUE RECUERDO.

En apenas cinco años, los que transcurrieron desde la publicación de su primer disco en 1996 hasta su disolución en 2001, el quinteto de El Paso, Texas, pasó de 0 a 100 y luego implosionó. En ese periodo dejaron un buen disco, Acrobatic Tenement (1996), otro muy notable, In/Casino/ Out (1998) y un auténtico clásico, Relationship Of Command (2000), así como varios EPs, a destacar Vaya de 1999. Pero sobre todo, si por algo se les recuerda, es por sus incendiarios conciertos. Pocas bandas he visto capaces de transmitir tanta intensidad sobre un escenario. Publicado por Grand Royal, el sello de los Beastie Boys, Relationship Of Command fue un auténtico soplo de aire fresco con su mezcla de afilado post hardcore, letras oníricas, melodías inspiradoras, líneas de guitarra surrealistas, influencias latinas y un toque femenino que plantaba cara en una época dominada por la testosterona del nu metal. Irónicamente, el disco lo grabaron con Ross Robinson, el mismo productor que había lanzado las carreras de Korn, Limp Bizkit y Slipknot. At The Drive-In parecían destinados a convertirse en una de las mayores bandas del planeta. Lo tenían todo: talento, imagen, credibilidad... y ¿he dicho ya que su directo era la puta bomba? Pero apenas siete meses después de haber publicado su obra cumbre, la presión excesiva, las drogas, el desgaste de la carretera y las tensiones creativas acabaron por destruirles. Éstas se hicieron de lo más palpa-

bles en sus próximos proyectos: el vocalista Cedric Bixler-Zavala y el guitarrista Omar Rodríguez-López reaparecieron con los psicotrópicos y fascinantes The Mars Volta, mientras que el guitarrista Jim Ward, el bajista Paul Hinojos y el batería Tony Hajjar lo hacían con los más conservadores y cercanos al rock alternativo Sparta. La rivalidad entre ambas facciones se jugó a base de hirientes declaraciones en la prensa e, indirectamente, obligando a sus fans a tomar partido por unos u otros. Pero mientras The Mars Volta se iban consolidando, llegando incluso a ser más populares que At The Drive-In y hasta ganando un Grammy, Sparta se fueron disolviendo como un azucarillo y lo dejaron después de tres álbumes en 2008. Tres años antes, en un curioso giro de acontecimientos, Hinojos había abandonado Sparta para sustituir al primo de Ward en The Mars Volta, quien había fallecido, presuntamente, por una sobredosis de heroína. Pero como pasa en muchas familias, puede que sus miembros se lleven a matar, pero siguen siendo familia. Son esos lazos profundos los que facilitaron, para sorpresa de todo el mundo, la reunión en 2012 de At The Drive-In. Con la excepción de la de Refused, o la recién anunciada de Jawbreaker, pocas parecían más improbables. De todos modos, su vuelta no fue tan sonada como se esperaba y quienes les vieron en directo (aquí lo hicieron en el FIB) hablaban de una banda algo falta de energía y con un Omar especialmente apático tocando de espaldas al público; luego trascendió que su madre había fallecido pocos días antes de empezar la gira, aun-

que por otra parte, él mismo llegó a declarar que ya no se sentía conectado a esa música. Las esperanzas de que la banda se reactivase de manera permanentemente se evaporaban de nuevo, más cuando para añadirle confusión al asunto, Cedric y Omar formaron un nuevo grupo en 2014, Antemasque, con una orientación más rockera. Y entonces, el 21 de enero de 2016 se produjo el segundo milagro. Un mensaje a través de las redes sociales de At The Drive-In anunciaba una nueva gira mundial, y de manera inesperada, la grabación de un nuevo disco. Pero el destino nos tenía preparado un nuevo giro y pocos días antes de salir a la carretera se hacía oficial que Jim Ward, cofundador de la banda junto a Bixler-Zavala, no formaría parte de esta segunda reunión. Siguiendo su relación endogámica, su sustituto sería el guitarrista Keeley Davis, exEngine Down y exmiembro de Sparta. Se cerraba así el círculo. A su paso por Barcelona, un inolvidable 10 de abril de 2016, fuimos testigos de una auténtica resurrección. De acuerdo, no era exactamente lo que habíamos visto en su primera etapa, pero se le acercaba lo suficiente como para darles un voto de confianza. Aun así, reconozco que cuando hace unas cuantas semanas me llegó el link para escuchar in·ter a·li·a, que verá la luz el 5 de mayo a través de Rise Records, sentí un poco de miedo. Ya se sabe que estos discos de retorno hay que tomárselos con cautela, y tanto pueden salir bien, como en el caso de Soundgarden, como mal, como en el caso de Pixies. Pero desde la primera escucha in·ter a·li·a me con-

“OMAR FUE EL QUE SE DECIDIÓ A HABLAR Y DIJO ‘BUENO, ESTAS IDEAS Y ESTAS CANCIONES QUE ESTAMOS HACIENDO ESTÁN MUY BIEN, PERO NO SON AT THE DRIVE-IN. TENEMOS QUE VOLVER A LO QUE NOS HIZO UNA LEYENDA Y TODA ESA MIERDA’” CEDRIC BIXLER-ZAVALA

venció plenamente. Tiene muy buenas canciones, conserva su personal sonido y, sobre todo, tiene fuego. El 19 de abril manteníamos una larga conservación con Cedric, quien nos contó la intrahistoria de su regreso, sus sensaciones hacia el nuevo disco y por qué Ward ya no está en la formación. Pero antes quiso pedirnos disculpas por realizar la entrevista en inglés a pesar de tener sangre española y cubana en sus venas: “Primero te quiero decir forgive me porque no puedo hablar tan bueno español porque no lo practico. Y cuando no lo practico, me vuelvo como gringo, así que gracias por tu paciencia”. Tranquilo, después de 17 años de espera, vamos sobrados. ¿Qué es lo más bonito y lo que más te dolería que te dije-

sen sobre in·ter a·li·a? CEDRIC BIXLER-ZAVALA “No sé qué es lo más me dolería… Y a decir verdad, tampoco sé qué sería lo más bonito (risas). Ya no está en mis manos. Forma parte del juego. Si me preocupara por eso, no estaría haciendo música. Si quieres darnos una oportunidad, hazlo. Y si no te gusta, pasa a otra cosa. No malgastes el ser creativo en decir lo mucho que te disgusta algo, aprovecha esa energía para hacer algo positivo”. Te lo pregunto porque el mundo ha cambiado mucho desde que publicasteis vuestro último disco y ahora te será imposible no saber lo que la gente piense sobre él debido a las redes sociales. Recuerdo que fuiste muy contundente

respondiendo a alguna gente que se metió con vosotros en Twitter cuando os reunisteis. ¿Cómo vives esa relación entre tú y los fans a través de las redes? “Para mí la clave es la educación. Tus padres te educaron para que fueras respetuoso, no deberías olvidarlo. Las redes sociales son una hermosa manera de interactuar con los demás, así que debes ser respetuoso. Pero si vas a olvidar el esfuerzo que hicieron tus padres cuando eras un pequeño ser humano, entonces me vas a encontrar. Hay gente que piensa que las redes son su oportunidad para soltarte toda su mierda, y se creen con derecho porque han gastado su dinero en ti; pues bien, yo no pienso dejarlo pasar. Sólo tienes que ser educado. No puedes tratarme como a un jodido jugador de

fútbol, esto es arte. Todo es subjetivo. No existe un ‘esto es genial’ o ‘esto es una mierda’. A ti puede gustarte limpiarte el culo con la mano izquierda, pero no hay una manera correcta de limpiarse el culo, cada uno lo hace como quiere. Eso es el arte. A algunos les gusta tratarte como si no fueras humano. Así que, si no me tratas como a un ser humano, yo voy a tratarte como a una mierda. Tiene que ir en las dos direcciones. Creo que la gente tiene que recordar que si At The DriveIn, o cualquiera de las bandas en las que he estado, les parecen interesantes, es porque soy humano. Hay gente que paga para vernos caer, pero ¿sabes por qué nos pagas? Porque al menos intentamos hacer lo que tú no tienes cojones de hacer y nosotros sí. Y esto no es mi ego hablando, es un hecho. Cada día me levanto y me voy de gira y hago cosas que mucha gente no tiene el coraje de hacer. O quizá lo hagan, y entonces diré ‘Joder, tienes mi apoyo’. Necesitamos apoyarnos. Pero hay gente que abusa de las redes sociales. De todos modos, a veces es importante y muchas otras veces ni siquiera me importa. No quiero verte cepillándote los dientes. No me importa tu visión política. Algunas veces sólo quiero ver unas cuantas fotos (risas)”. En estos 17 años entre los discos, ¿en qué aspecto dirías que has crecido más como persona y como músico? ¿Y cómo ha quedado plasmado en el nuevo álbum? “Los dos aspectos que más me han ayudado a mantener el grupo unido son el conocimiento entre nosotros y el nacimiento de mis hijos. Ambas cosas han tenido un efecto profundo y positivo. Y por desgracia, la muerte de la 54

madre de Omar trajo, más allá de la tristeza, un montón de cosas bonitas. Todas estas cosas son la razón por la que estamos donde estamos. Así que tengo que dar las gracias a mis hijos y a la madre de Omar, allá donde esté. Y también quiero dar las gracias a Paul y Tony porque pasaron un auténtico drama para reunir este grupo. Tuvieron un montón de paciencia porque amaban nuestra amistad y gracias a esa amistad surgió esta música”. A veces nos olvidamos, no sólo en una banda, de lo frágiles que son las relaciones de amistad y lo fácil que el amor puede volverse en odio. Tienes que trabajártelo. “Es mucho trabajo. Tienes que aprender a comprender y a perdonar. Pero también es importante saber cuándo tienes que cortar con ciertas personas. Si vives lo suficiente, esperando que las cosas cambien, y no cambian, puedes volverte loco. Así que además de aprender a perdonar, tienes que saber cuándo cortar con esas personas (risas)”. Ahora que ya ha terminado, ¿cómo describirías la gestación del nuevo disco? “A la que empezamos a trabajar en el estudio y surgió la química, fue fácil y fluida. Pero nos llevó un tiempo llegar hasta ese punto. Fue un proceso largo”. ¿Teníais miedo de que la magia no estuviera ahí o que ya no estuvierais motivados por hacer este tipo de música? “Bueno, si hubiéramos sentido eso no creo que nos hubiésemos planteado hacerlo. Era cuestión de conven-

cernos de que una vez dejas que la música hable por ti, todo es mucho más fácil. El deseo por hacer música siempre está ahí, es como funcionamos todos, la cuestión es si quieres ir a por ello o no”. ¿En tu cabeza queríais retomar donde lo habíais dejado con Relationship Of Command, querías hacer algo completamente nuevo, o no tenías ninguna expectativa? “La verdad es que no teníamos un plan. No tiene sentido tenerlo cuando empiezas a presentar las canciones a la banda. Pero en un momento dado, Omar fue el que se decidió a hablar y dijo ‘Bueno, estas ideas y estas canciones que estamos haciendo están muy bien, pero no son At The Drive-In. Tenemos que volver a lo que nos hizo una leyenda y toda esa mierda. Tenemos que honorar lo que a los fans les gusta del grupo’. Así que tuvimos esas conversaciones y eso marcó el camino. La clave para que esto funcionara fue tener una muy buena comunicación entre nosotros”. ¿Cómo de conscientes sois de vuestro legado? Relationship Of Command se ha convertido en un clásico. ¿Qué sientes respecto a ese disco ahora? “La verdad es que nunca escucho los álbumes que he grabado. La única vez que lo hice fue cuando estábamos ensayando para recordar algunas cosas. Pero no me gusta escuchar mi propia voz. Una vez he grabado un disco y he escuchado las mezclas y el mastering, ya no vuelvo a hacerlo. Ni si quiera sé si Relationship Of Command es un clásico. Eso tienen que decirlo los demás. Tú pue-

“CREO QUE EL MAYOR CAMBIO ES QUE AHORA SABEMOS COMUNICARNOS MUCHÍSIMO MEJOR” CEDRIC BIXLER-ZAVALA des pensar que es un clásico y otro puede que no”. Para mí lo es. Y precisamente por eso me daba miedo escuchar el nuevo disco. Pero creo que habéis conseguido hacer una obra fresca y vital. No suena como el típico álbum de reunión. “Muchas gracias. Precisamente trabajamos mucho ese aspecto”. ¿Cambió la manera de componer respecto a como lo habíais hecho en el pasado? “Bueno, creo que el mayor cambio es que ahora sabemos comunicarnos muchísimo mejor. Fuimos capaces de hablar mucho y tener muchas charlas musicales. Hablar a través de la música es más fácil, pero hubo momentos en los que también fue duro. La comu-

nicación verbal es más difícil, tienes que apartar tu ego y entender que estás trabajando en algo que supera tu propia capacidad como compositor. La verdad es que también nos divertimos mucho intercambiando ideas. En ese sentido no fue demasiado distinto al pasado. Con alguien como Omar y yo mismo tienes que ser capaz de seguir nuestro ritmo y dejarte llevar. Tienes que confiar en nuestro instinto y nuestra intuición personal, y aunque no lo entiendas del todo en el momento en el que está ocurriendo, tienes que confiar en que lo entenderás cuando esté terminado. Esa confianza es lo más importante”. ¿Escribisteis el disco durante un mismo periodo de tiempo o se fue cociendo a lo largo de estos años? “Todo empezó en 2012. Hay una

canción en el disco que es de ese periodo. Luego vino un periodo en el que teníamos que ver si la banda iba a volver de verdad o no. Y no sabíamos si averiguarlo nos iba a llevar una semana, un mes, hacer una gira de ocho conciertos… Al final nos llevó dos años. Durante 2014 seguimos componiendo y algunas canciones sobrevivieron y otras fueron a parar al disco de Antemasque. Y luego en 2015 empezamos a enviarnos música y a finales de año, grabamos todas las ideas que teníamos. Entrados ya en 2016, durante la gira americana, nos llevamos un equipo de grabación y antes de los conciertos y en los días libres seguíamos componiendo. Luego tuvimos un hueco antes de un concierto en un festival en Corea del Sur, así que decidimos reservar un estudio y seguir trabajando. Y así es como lo fuimos haciendo a partir 55

“JIM NO CONFIABA EN QUE ÉSTA IBA A SER UNA RELACIÓN DE VERDAD. NOSOTROS APOSTAMOS PARA QUE ÉL FORMARA PARTE DEL DISCO, PERO NO SE PRESENTÓ” CEDRIC BIXLER-ZAVALA

de ese momento”. ¿Crees que el tocar primero en directo fue decisivo a la hora de decidir hacer un nuevo álbum? “Supongo, pero creo que podría haber ocurrido igualmente. En cualquier caso, fue una buena manera de ejercitarnos y que el músculo recuperase la memoria. Fue una manera de recordarnos lo que éramos capaces de hacer”. ¿Estuvo Jim Ward involucrado en la composición o grabación? “En realidad no”. ¿Puedes explicar por qué no está en la banda? “La mejor manera en que puedo expresarlo es… porque no quiso. No confiaba en que ésta iba a ser una relación de verdad. Nosotros apostamos para que él formara parte del disco, pero no se presentó (risas). Nosotros aparcamos todas nuestras vidas y nuestras familias para poder hacerlo, pero Jim no lo hizo. Tiene varios negocios, lleva varios clubes, y creo que mentalmente no estaba en el mismo plano que nosotros. Tenía varios asuntos que le frenaban a comprometerse con nosotros. Todo estaba listo para tirar adelante. Adaptamos varias veces nuestras agendas para poder coincidir todos y luego no se presentaba. Desde 2014 le dijimos que si no quería hacerlo, nos lo dijese. Pero no se decidía. Y al final, en 2016, le dijimos ‘si quieres formar parte de esto, por favor, ven’. Pero vino y tenía la cabeza en otra parte, se

saltó varios ensayos, ya no se sabía las viejas canciones… era obvio que espiritualmente no estaba ahí. Después de seis años, nosotros ya estábamos cansados de esperar, porque, no nos engañemos, no nos estamos haciendo más jóvenes y la demanda estaba ahí. Nuestros fans también querían escuchar nueva música y nuestras familias podían beneficiarse de todo esto, así que por qué no hacerlo ya. Así que decidimos seguir adelante sin él. Dos semanas antes de anunciar la gira de 2016, no nos quedó más remedio que buscar un sustituto”. Curiosamente el elegido, Keeley Davis, había tocado con Jim en Sparta. ¿Lo propuso él? “No, fue cosa de Tony. Ellos dos se conocían de Sparta también. Nos dijo que era un tío genial y creo que ya le debía haber comentado algo durante estos años, porque estaba preparado y se sabía las canciones. Encajó muy bien”. ¿Lo consideras ya un miembro del grupo o todavía no se lo ha ganado? “Creo que se lo ha ganado. Es un gran ser humano y lo más importante es que quiere hacerlo, quiere ser parte de esto. Ése es el ingrediente principal. Si quieres estar aquí, entonces, puedes superar todos los altibajos que vengan. Keeley fue perfecto. Tiene familia, así que está en la misma situación que nosotros. Es cuestión de ‘¿Quieres estar sirviendo hamburguesas o quieres estar en un grupo de rock y currártelo para tirarlo adelante?’. Y estar en un grupo como éste es muy agradecido porque tenemos una química increíble y nos

“EL DISCO TRATA SOBRE EL HECHO DE QUE A UNA GRAN MAYORÍA YA LE PARECE BIEN FORMAR PARTE DE ESTE SISTEMA Y QUE NADA CAMBIE. CREO QUE ESTAMOS A UN PASO DE LA DISTOPÍA, DE UN MUNDO APOCALÍPTICO” CEDRIC BIXLER-ZAVALA divertimos mucho. Si nos viste en Barcelona pudiste comprobar que no es algo fingido, es real”.

y podemos comunicarnos de una manera que quizá no podíamos cuando teníamos 20”.

Cuando os separasteis y Omar y tú estuvisteis en De Facto y The Mars Volta, y el resto formaron Sparta, fue muy evidente que musicalmente queríais ir en direcciones opuestas. ¿Qué hizo posible que ahora os pudierais entender y crear de nuevo juntos? “Crecimos juntos. Crecimos fuera de los focos. Crecimos en The Mars Volta, que se parece mucho más a lo que artísticamente queríamos hacer. Para aclararlo, De Facto ya existía en paralelo a At The Drive-In. Era nuestro vehículo para liberar esas ideas que acabaron en The Mars Volta. Pero, en resumen, ahora tenemos 40 años

Para Omar y tú, ¿fue el disco de Antemasque una especie de ejercicio sobre cómo volver a escribir canciones más directas después de estar en The Mars Volta? “Bueno, como te comentaba antes, muchas de esas canciones iban a ser canciones de At The Drive-In. Fue en ese periodo en el que Jim no se decidía, pero todos ya estábamos componiendo para el grupo. Decidimos darle más espacio y tiempo para que se decidiese. Yo pensaba que era ridículo presentarnos como una nueva versión de At The Drive-In sin él, así que Omar sugirió coger esas canciones y formar Antemasque. Pero creo que

ejecutamos estructuras más tradicionales de la manera que lo hubiera hecho The Mars Volta, por eso Antemasque suena como suena”. ¿Y qué pasó con el segundo disco de Antemasque? Porque está grabado, ¿no? “Sí, lo grabamos con Travis Barker (Blink-182) a la batería. Estamos esperando el momento oportuno para publicarlo porque no queremos que interfiera con el de At The Drive-In. Pero saldrá”. Volviendo a At The Drive-In, el nuevo disco está producido entre Omar y Rich Costey. ¿Considerasteis en algún momento volver a trabajar con Ross Robinson como en Relationship Of Command?

“No. Tuvimos una mala experiencia con él y trató muy mal a nuestro batería. No es que le odie o no me guste, pero cuando lo pasas mal, por mucho que la gente valore el arte que ha salido de ahí, no merece la pena volver a pasar por eso. La otra vez casi nos quedamos sin disco por su culpa. Aprendimos con quién queremos trabajar y con quién no. Dividir el trabajo entre Omar y Rich fue absolutamente perfecto. Omar sabe muy bien cómo prestar atención a su instinto. No todo el mundo sabe hacer eso. Creo que es uno de los mayores activos que tenemos. Omar ha producido muchas cosas que la gente ni siquiera conoce y ha aprendido mucho. Tiene una visión muy clara sobre la historia del grupo, pero también sobre lo que yo quería aportar a las nuevas canciones. Por su parte, Rich es un fan del grupo, así que aportó esa perspectiva de fan al sonido. Es como un cirujano. Podía decirnos qué partes debían cortarse o cuáles podíamos amplificar. Trabajar con los dos juntos fue el escenario con el que siempre había soñado para At The Drive-In”. Siempre has escrito unas letras muy originales. ¿Te salió de manera natural volver a escribir en el contexto de At The Drive-In? “Creo que me salió de manera natural. Es cuestión de recordarte que, a la hora de escribir, no hay reglas. Pero también creo que como artista no puedes evitar hablar sobre lo que está ocurriendo a tu alrededor a nivel social y político. En mi caso no creo que puedas leer una letra y pensar ‘Oh, está hablando sobre esto’. Pero está ahí oculto, como un acertijo. Es mi manera

de expresarme. Pero también hablo sobre cosas de mi propia vida. Mi mujer está aceptando el hecho de que la violaron. Escribí ‘Incurable Innocent’ sobre ella. En el disco hay muchas cosas reales que podrías clasificar con el término ‘cartas desde la distopía’”. ¿Y crees que ya estamos viviendo en una distopía? “Desde el momento en el que hay empresas que controlan un país como Estados Unidos, creo que sí. Hay gente que dice que estamos viviendo en una realidad alternativa y eso es parte del problema. Nadie quiere rebelarse en un momento en el que hay que rebelarse. El disco trata sobre el hecho de que a una gran mayoría ya le parece bien formar parte de este sistema y que nada cambie. Creo que estamos a un paso de la distopía, de un mundo apocalíptico”. Pensando así, ¿cómo ves el futuro de tus hijos? Tuviste a los gemelos hace cuatro años... ¿Temes por ellos? “Temo por su futuro porque nadie está leyendo la letra pequeña. La gente tiene miedo de decir lo que piensa. Temo que un día toda la información a la que tenemos acceso sea ilegal. Temo que, si no hacemos nada, el lenguaje o conversaciones como la que estamos teniendo ahora, sean ilegales. Me da miedo que la gente se conforme a asistir a desfiles funerarios disfrazados de manifestaciones de protesta. Espero que el disco sirva de espejo y la gente se mire y piense ‘Yo tengo que pararlo, yo tengo que hacerlo. No cuando se organice una manifestación’. Todo el mundo tiene la información delante de sus narices.

Hay seis o siete familias que dominan el mundo. La gente debería acampar delante de sus casas, de sus empresas, para darle la vuelta. No quiero una revolución sangrienta, porque odio que nadie salga herido, pero esta gente que manda no se lo piensa dos veces cuando tiene que herir a los demás. Espero que el álbum ayude a recordar que el proceso está corrupto, que la gente está corrupta y que deberíamos crear un sistema donde todo el mundo pueda ser lo que quiera, sin estar atado a la religión, a la raza o al dinero. Somos una nación rota, un mundo roto, así que deberíamos hacer algo”. Supongo que durante todos los años que estuviste en The Mars Volta, todo el mundo te preguntaba continuamente por una posible reunión de At The Drive-In. ¿Temes que ahora te pregunten por una posible vuelta de The Mars Volta? “¡Ya lo hacen! ¡Es continuo! Puedo estar con una pierna rota y la gente me pregunta ‘¿Cuándo volverán The Mars Volta?’. ‘Eres un gilipollas, ¿cuándo reunirás a The Mars Volta?’. Es de lo que hablábamos hace un rato. Una de las cosas que siempre quería decir cuando la gente me preguntaba por At The Drive-In era que, si hubiera muerto en 2001, no hubiera querido que en mi tumba sólo pusiese At The Drive-In. Quiero tener una obra diversa y que la gente diga ‘Oh, era un artista’. No quiero tener sólo un color. Para mí es una locura que aceptes limitarte”.

DIARIO DE GIRA

¡POR FIN LLEGÓ EL GRAN DÍA! DESPUÉS DE MUCHOS MESES DE GRAN ESFUERZO Y DE UN ALUVIÓN DE EMAILS, FINALMENTE PUDIMOS EMBARCARNOS EN LA SEGUNDA GIRA EUROPEA DE SYBERIA EL PASADO MES DE ABRIL. VIVIMOS PARA CONTARLO, Y CON ESTE DIARIO DE GIRA PODRÉIS CONOCER NUESTRAS AVENTURAS Y DESVENTURAS DESDE DENTRO DE LA FURGONETA. TEXTO: SYBERIA FOTOS: LAR GRAVACIÓNS

a presentación de nuestro segundo disco Resiliency (Debemur Morti Productions) nos llevó a Andorra, Francia, Alemania, Bélgica, Eslovaquia y Holanda. Contamos en todo momento con la impagable compañía de Anxo (Lar Gravacións), nuestro querido ‘galego colgao’, y todo estuvo regado con el combustible necesario para aguantar las largas noches y trayectos interminables: el licor café. DÍA 1. Sala Hardbreak (ANDORRA) Con la furgoneta cargada hasta los topes nos pusimos rumbo a Andorra. Las preocupaciones por pasar por la aduana iban en aumento a medida que nos acercábamos a la frontera, ya que eran muchas las anécdotas que nos habían

contado en relación a otras bandas. Por suerte, no tuvimos ningún problema y llegamos al Hardbreak sin fallo. El inicio de la gira prometía. Un bar precioso en el que Santi, Xavi y Christof (promotor, barman y dueño respectivamente) nos ganaron desde el principio con su simpatía y amabilidad. ¡Chapeau por los tres! El concierto estuvo genial y nos alegró ver a tanta gente allí. El que mejor se lo pasó sin duda fue el Ripi, todo un personaje local con más alcohol que sangre en las venas. Él fue el motivo por el que nos fuimos a dormir demasiado tarde... a pesar de tener doce horas de ruta hasta Nancy. Genio y figura. DÍA 2. Sala La Machine, Nancy (FRANCIA) Después de dormir tan sólo tres horas, salimos de casa de Christof con su despertador sonando de fondo a modo de música de despedida. Llegamos a Nancy ya de noche y con el tiempo justo para descargar y empezar el bolo. La Machine era un barco amarrado en un pequeño muelle del río Meurthe. Allí nos reencontramos con el amigo Jerome, promotor con el que ya trabajamos en la primera gira de hace tres años. Todo amor.

Nos recibió un público entregadísimo y un promotor ultramotivado, que no paró de tirársele a la espalda a nuestro Anxo, que sonreía pero a la vez ponía cara de ‘qué pollas pasa aquí’. Cuando acabamos el setlist, en un acto de engorile máximo, él mismo nos pidió un par o tres de bises para justo después querer cortarnos a mitad de ‘Colossus Collapse’. ¡Qué tío! Después de la cena, por suerte nos esperaba un hotel donde poder descansar de todo el tute acumulado. Era sólo el segundo concierto y ya íbamos faltos de sueño. DÍA 3. Sala Kulturkneipe Sabot, Wiesbaden (ALEMANIA) Daniel, el promotor, nos recibió preparando una barbacoa vegana que acabó convirtiéndose en el mejor menú de la gira. Por desgracia nuestra, no todo serían buenas noticias aquel día. Contábamos con una sala demasiado pequeña en la que nuestro directo no acabó de lucir. Después de tocar y beber mucha cerveza alemana, de camino a la casa de Daniel, el GPS nos indicó un complejo universitario en el que no había manera alguna de entrar. Al final acabamos llamándole para que nos viniese a buscar en su bicicleta. Viendo los enormes edificios

que nos rodeaban, nuestros comentarios eran: ‘Sí, sí, muy punkis, pero aquí hay pasta, colega’. Tan rápido como acabamos de decir eso, llegamos al final de una calle donde había un descampado lleno de desechos. Se trataba de un campamento okupa. Tras ver nuestros aposentos y el frío que hacía allí, decidimos salir por patas entre risas. Después de un primer intento fallido, decidimos salir de uno en uno en plan Goonies escapando de los malos. Finalmente, salió la furgo con Kandro haciendo de M.A. Barracus y el resto del Equipo A corriendo detrás y metiéndonos dentro de ella en marcha y de un salto. Tiramos de Booking. com de madrugada consiguiendo una buena ganga en Frankfurt donde poder dormir como un gatete. ¡Viva la tecnología! DÍA 4. Sala Cosa Nostra, Aalst (BÉLGICA) Una vez en Aalst nos encontramos con los majetes de KOKOMO con los que ya habíamos coincidido en la pasada edición del Vivid Festival de Noruega. También volvimos a juntarnos con Wout y Joris, organizadores del magnífico Dunk! Festival en el que tuvimos

el placer de tocar en 2014. Se notó que el público sabía lo que iba a ver. Desde el primer momento se mostró atento y respetuoso con la música, e incluso temeroso de aplaudir por si algún tema aún no había acabado. Para nada se mostraron igual cuando nos sorprendieron regalándonos unos pogos improvisados en ‘The Day After’ y ‘Herboren’. Brindamos con cerveza belga para rematar una noche memorable. DÍA 5. Sala 4 Rooms, Leipzig (ALEMANIA) Niebe, el promotor del concierto, se curró una organización del evento ejemplar, con un cátering espectacular y en una sala muy acogedora. Hubo muy buen ambiente durante el bolo y tuvimos la oportunidad de conocer a fans que nos seguían desde los inicios de la banda. Por mencionar a alguno, Erik, uno de nuestros mecenas en Verkami que estuvo muy emocionado de poder conocernos en persona al fin, y nosotros a él. La noche acabó entre risas con el promotor chupito 62

tras chupito. Guardaremos muy buen recuerdo de este sitio. DÍA 6. Sala British Rock Stars, Bratislava (ESLOVAQUIA) Cruzando Praga, al poco rato de sufrir la cuarta retención en apenas 20 kilómetros, decidimos coger una ruta alternativa. Nos vimos inmersos en medio de prados desolados y pueblos de cuatro casas en los que temíamos que en cualquier esquina apareciera un miliciano apuntándonos con su AK-47. ¡Esa peña de Prokopov! El viaje de casi seis horas acabó convirtiéndose en uno de nueve. La sala era muy acogedora y nos sentimos muy cómodos a la hora de tocar. El público estuvo sentado los tres primeros temas pero conseguimos ponerlos en pie con ‘Taunus’. Al acabar, Michal, el promotor, nos llevó de fiesta por el centro de Bratislava y saboreamos un licor fuertísimo local que nos dejó tocadetes. Acabamos la noche en el piso de la fotógrafa del evento que, muy ama-

blemente, accedió a hospedarnos. DÍA 7. Sala Tiefgrund, Berlín (ALEMANIA) Llegó un día muy esperado. Nos dirigíamos a Berlín, ciudad a la que tenemos mucho cariño y un vínculo muy especial. Nos esperaban viejos amigos, contactos de Instagram e incluso familiares. Teníamos por delante unas siete horas de viaje que deseábamos que fueran más llevaderas que las del día anterior. Llegamos al Tiefgrund muy puntuales y nos recibieron muy amablemente Calle y Phil, los encargados del evento. Detrás de su aspecto bohemio y propio de la Alemania del Este de los 80, se escondía una profesionalidad admirable. El sitio era pequeñito pero con un encanto muy particular y un muy buen sonido. Al acabar el repertorio, la gente se animó a comprar bastante merch y lo celebramos con toda la gente conocida que aprovechó la ocasión de vernos. Fue un día muy emotivo del que guardaremos un gran recuerdo.

DÍA 8. Sala Musicon, La Haya (HOLANDA) Los preciosos canales holandeses nos llevaron hacia la sala Musicon. Un pub musical con encanto y un escenario muy amplio. Tuvimos la suerte de coincidir con los jovencísimos Majestic Sun, banda belga de gran nivel y prometedor futuro. El público nos acogió muy bien, disfrutamos de lo lindo junto a nuestros nuevos colegas y nos hicimos una foto en familia como recuerdo. DÍA 9. Sala OJC Jonosh, AstenHeusden (HOLANDA) El día comenzó con muy buen pie. Llegamos pronto a la ciudad y nos abrieron la sala para que pudiéramos relajarnos y reposar un poco. La sala daba muy buena impresión y las

pruebas de sonido dejaron claro que Niek, el organizador, sabía lo que se hacía. Nos hizo sonar la batería y el bajo como un trueno capaz de reventar los cimientos del edificio. Podemos decir con seguridad que fue de los mejores sitios donde hemos tocado esta gira. Ya no sólo por la calidad del sonido o el riquísimo curri que nos prepararon, sino por la calidez y el buenrollismo de las personas que conocimos aquel día y que nunca olvidaremos. DÍA 10. Sala Le Cirque Electrique, París (FRANCIA) La aventura estaba llegando a su fin y nuestras fuerzas andaban ya muy justitas, pero decidimos a última hora hacer un repertorio de lo más contundente y a la altura de tralla de las

otras dos bandas que nos precedieron: los italianos Sunpocrisy y Selve. Tanguy, el joven promotor, nos contó que debido a un gran evento que se producía ese mismo día en la ciudad la entrada no había sido demasiado numerosa. Por nuestra parte lo pasamos en grande ya que nos sentimos muy cómodos con el buen sonido que había en el escenario y con la compañía del resto de formaciones. ¡Esperamos repetir con ellos muy pronto! Al acabar el décimo repertorio cargamos la furgoneta rápidamente y emprendimos la marcha durante toda la noche para poder llegar a Barcelona lo antes posible. Se nos iluminaba la cara al recordar todas las experiencias vividas que guardaremos con gran cariño para siempre.

DISCO DEL MES

A One More Light (WARNER) POP

Linkin Park les va la marcha. Sólo así me explico que hayan tenido el valor de publicar un disco como One More Light, pura carnaza para los haters. Cuando a mediados de febrero lanzaron ‘Heavy’ como primer single, las reacciones negativas no se hicieron esperar. En un primer momento pensé que su elección era una manera de llamar la atención o una provocación, más teniendo en cuenta su título, y que el resto del disco sonaría más parecido a lo que solemos esperar de Linkin Park. Pero con los siguientes adelantos, ‘Battle Symphony’ y ‘Good Goodbye’, quedó claro que, más que eso, era la confirmación de que el grupo había abandonado el rock para pasarse al pop.

LINKIN PARK

“¿Dónde están las guitarras?” se preguntará todo el mundo cuando escuche One More Light por primera vez. Y la verdad es que cuesta encontrarlas. Spoiler: la única identificable está en ‘Sharp Edges’ que cierra el álbum. Y es acústica. Para muchos, esta transformación será vista como una traición, algo que no deja de parecerme curioso. Quienes ahora se rasgan las vestiduras, que imagino son fans que crecieron con Hybryd Theory y Meteora, deberían repasar lo que se decía de ellos en aquellos tiempos: eran poco más que una boy band con guitarras. Acusar a Linkin Park de comerciales es como acusar a Cannibal Corpse de brutos. Hablamos de una banda que a lo largo de su carrera ha

vendido más de 70 millones de discos y, desde luego, eso no se consigue sin tener una mentalidad comercial. Sospecho que antes de empezar a grabar su séptimo álbum, Chester Bennington y Mike Shinoda, los dos cerebros del grupo, miraron a su alrededor y se preguntaron qué tenían que hacer para seguir siendo relevantes. Observando lo que triunfa en las listas y lo que suena en la radio, está claro que llegaron a la conclusión que hacer otro disco como el anterior The Hunting Party no iba a llevarles a ninguna parte. Nos guste o no, y os aseguro que a mí no me gusta, vivimos en una época en la que las guitarras han desaparecido del mainstream. Así que Linkin Park optaron por dejarlas en su funda y

potenciar otros elementos que, al fin y al cabo, ya formaban parte de su sonido como el hip hop, la electrónica y las melodías. Una evolución en el sentido más darwiniano del término: las especies que no se adaptan al medio desaparecen. Esta decisión queda meridianamente clara cuando comparamos los invitados que aparecieron en The Hunting Party con los que encontramos en One More Light. Si en aquél estuvieron Tom Morello, Daron Malakian (System Of A Down) y Page Hamilton (Helmet), en éste tenemos a los raperos Pusha T y Stormzy y la cantante pop Kiiara. Independientemente de si uno cree que este

para ser un disco de pop del siglo XXI le falta chispa y una producción más rompedora. No es nada divertido y tiene más posibilidades de sonar como música de fondo en una sala de espera que en un club. Hay temas como ‘Nobody Can Save Me’, ‘Battle Symphony’, ‘Talking To Myself’, con ese toque a lo Michael Jackson, o incluso la polémica ‘Heavy’ que no están mal. Las escucho y no me ofenden. Pero cuando se ponen a fusilar sin reparos a The Chainsmokers en ‘Invisible’ o ‘Sorry For Now’, u ofrecen baladas tan insustanciales como ‘Halfway Right’ o ‘One More Light’ me dejan frío, frío. Entre la oferta actual, puestos a escuchar

“¿NO PODRÍA SER QUE ONE MORE LIGHT FUERA AL MISMO TIEMPO UN BUEN DISCO, PERO ‘UN MAL DISCO DE LINKIN PARK’?”

cambio de rumbo se debe a motivaciones económicas o artísticas, creo que al final lo que hay que valorar es el resultado. ¿Debemos juzgar un disco por lo que es en sí o por quién es su autor? Personalmente me inclino a pensar que es mejor que los artistas sean libres para hacer lo que les dé la gana, para luego alabarlos o criticarlos con la misma libertad. ¿No podría ser que One More Light fuera al mismo tiempo un buen disco, pero ‘un mal disco de Linkin Park’? Podría... Pero el mayor problema de One More Light no es que no sea un disco de metal o de rock, sino que

pop me quedo con Twenty One Pilots, Taylor Swift o Paramore. Puestos a escuchar hip hop, con Kendrick Lamar, Futures o Chance The Rapper. En cambio me cuesta pensar cuándo me apetecerá escuchar a estos Linkin Park. De haber salido hace cinco años su sucesión de loops, beats y melodías pop podría haber resultado atrevida; a estas alturas suena hasta conservadora. Pero no merece la pena cabrearse porque si de algo estoy seguro es que, si el disco no funciona como esperan, volverán a lo de antes. Tiempo al tiempo. JORDI MEYA

Foto: Sergio Albert Avilés

TRONO DE SANGRE

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Fer (voz, guitarra), Carlos (guitarra),

David (bajo), Hans (batería) PRODUCIDO POR: Trono De Sangre, Iván Ferro AFINES A: Converge, The Dillinger Escape Plan,

Birds In Row PÁGINA WEB: www.facebook.com/Tronodesangre

E El Perro Bajo La Piel (LAR GRAVACIÓNS/LA CHOZA DE DOE/ PICK YOUR TWELVE/LA RUBIA PRODUCCIONES/DISCOS DE SANGRE) POST HARDCORE, MATH ROCK

s una pena que más bandas de aquí no puedan dedicarse plenamente a la música y tengan que seguir viéndolo como un hobby a tiempo parcial. ¿Os imagináis de lo que sería capaz un grupo como Trono De Sangre si pudiera estar girando y componiendo constantemente y desarrollar así todo su potencial? Pero la realidad es la que es, y los madrileños han tardado tres años en dar continuidad a su primer, y excelente álbum, La Mitad De Lo Que Somos, La Mitad De Lo Que Creemos y, además, en el camino han perdido, por segunda vez, a Héctor, uno de sus guitarristas fundadores. En cualquier

caso, disfrutemos de lo que tenemos, en este caso un EP de cuatro temas que aparece en una edición limitada de 330 copias en vinilo de 7” y que, como es habitual en ellos, llega con un precioso envoltorio. El Perro Bajo La Piel es al mismo tiempo un buen recordatorio de todas las virtudes y un apunte de hacia dónde pueden ir en el futuro. ‘Los Restos Del Naufragio’ arranca con la banda en su faceta hardcore punk y algunas disonancias características, pero también cuenta con unos coros más melódicos que aparecen puntualmente. La tralla sigue con ‘El Bosque’, de nuevo con una parte vocal más melódica. ‘Accidente’

cuenta con unas guitarras más retorcidas y un subidón explosivo al grito de “Una ficha tira otra ficha, ¡¡tira otra ficha!!”. Finalmente ‘El Resplandor’ es quizá el corte más elaborado, con una primera parte más trallera y una segunda donde te balancean, con una bonita melodía y un gran solo de guitarra en su epicentro. Grabado por Iván Ferro en Kollapse Studio y masterizado por Brad Boatright en Audiosiege, El Perro Bajo La Piel peta que da gusto, capturando toda la fuerza que la banda tiene en directo. En el próximo Download tendremos la oportunidad de comprobarlo una vez más. DAVID GARCELL

HABLAMOS CON... FER ¿No crees que después de tres años sólo cuatro temas pueden saber a poco? ¿No pudisteis grabar más o esto es lo que había? “Entiendo a qué te refieres. Un EP no provoca el mismo impacto, o no suele ser así, que un LP... Estos cuatro temas tenían coherencia entre ellos, habían nacido más o menos en el mismo momento, habían tenido una vida similar, y encajaban. Plantearnos hacer más canciones en aquel momento era raro, porque sentíamos que iba a salir otra cosa, aparte de que suponía retrasar todo mínimo seis meses, y ya habíamos

abortado misión, y había cierta urgencia de canciones nuevas de, como decía Enric, ‘un poco de aire’. Y está el tema económico, siendo tres también nos resultaba más sencillo afrontar un EP, trabajarlo bien, grabarlo rápido,

duro y a la encía. Si la peor crítica es que se queda corto, genial (risas). Con todo, estamos ya componiendo con la nueva formación, somos otra vez cuatro, con la llegada de Hans y Carlos, y el objetivo es grabar disco largo, si es posible, hacia finales de año”. ¿Qué metáfora esconde el títu� lo del EP? “El título es un robo a Oliver Sacks; siempre hay que robar a los mejores. El artículo está incluido en El Hombre Que Confundió A Su Mujer Con Un Sombrero, lectura recomendada. Personalmente, aunque disfruto también con obras que son puro divertimento, o directamente banales, y está bien ese equilibrio y seguramente es hasta necesario, el arte que verdaderamente me apasiona es aquél que conecta directamente con lo visceral, lo irracional, con cosas que a veces ni siquiera el autor

comprende del todo, convirtiéndose casi en un grifo que conecta con lo profundo, lo primitivo, lo atávico, con ese perro bajo la piel presente en todos nosotros. Conectar con nuestras raíces más profundas”. En junio estaréis en el �� Down� load Festival. ¿Os lo tomáis como una oportunidad especial o es un concierto más? “Sin duda es algo especial, porque hay gente que va a darle al play por salir en ese listado de bandas, lo cual es genial, y agradecemos a la organización que hayan contado con nosotros, habiendo tantas buenas bandas que merecen estar ahí. Aun así, es también buen momento para agradecer a toda la gente que lucha para llevarte a su ciudad y que montan festis tan especiales como el Actitud, Basticore, Infest…”. (JORDI MEYA)

MASTODON

Emperor Of Sand (WARNER)

HARD ROCK, PROGRESIVO, METAL

astodon se habían puesto el listón tan alto en sus cuatro primeros discos que, los dos últimos, The Hunter y Once More ‘Round The Sun, aun siendo muy buenos, no acabaron de colmar las expectativas. Por suerte, Emperor Of Sand nos los devuelve en su mejor versión: ésa en la que la suma de sus influencias sublima en un sonido que moldean a su antojo. Ya sea porque se han decidido a crear un álbum conceptual inspirado en dramas que les han tocado muy de cerca o porque han vuelto a trabajar con Brendan O’Brien, como hicieran en Crack The Skye,

el cuarteto de Atlanta se muestra de lo más iluminado. Una de las cosas que más me gusta de ellos es que se nota que, a la hora de crear, dejan el ego fuera del local de ensayo. Escuchando sus canciones se aprecia que cualquier idea es bienvenida venga de quien venga siempre que aporte algo. ¿Que alguien sugiere meter unos toques de triángulo en ‘Steambreather’? ¡Pues adelante! ¿Que uno quiere añadir unos teclados que parecen salidos de un disco de Genesis en ‘Clandestiny’? ¡Claro que sí! ¿Que otro desea filtrar su voz como si fuera un monstruo de una peli de serie B en ‘Roots Remain’? ¡Faltaría más! Semejante tormenta de ideas unida a la naturalidad con la que Brent Hinds, Brann Dailor y Troy Sanders intercambian sus voces hace que Mastodon brillen tanto cuando disparan un torpedo melódico como ‘Show Yourself’ como cuando sacan su vena más progresiva, como en ‘Jaguar God’. Ah, y quien piense que se han ablandado que escuche ‘Andromeda’ o ‘Scorpion Breath’ y luego hablamos. JORDI MEYA

THE FLATLINERS Inviting Light (RISE)

PUNK ROCK

l igual que sus colegas de The Menzingers, los miembros de The Flatliners se enfrentan en este 2017 a esa fatídica barrera mental llamada ‘los 30’. Y del mismo modo que la banda de Pensilvania, los canadienses llegan a su quinto álbum con aires de renovación. Tras la incorporación a las filas de Rise, su primer trabajo de estudio en cuatro años se nos descubre como el comienzo de una nueva etapa que el combo parece afrontar con una sonrisa en la cara. Porque si algo irradia Inviting Light es positivismo por los cuatro costados, algo que se intuye

desde la misma producción, más pulida y brillante. Una prueba de esta transición es ‘Mammals’, que nos recibe con unos oscuros acordes que pronto se tornarán en una pieza que va creciendo poco a poco, aunque se aprecia que han puesto una marcha de menos. Esa madurez bien entendida se hace aún más evidente en ‘Indoors’ y ‘Burn Out Again’, medio tiempos en los que se acercan al rock con regustillo Foo Fighters que nos les sienta nada mal, como dejaron entrever en capítulos anteriores. También sorprende la acústica y épica ‘Chameleon Skin’, que se asemeja más al trabajo de Chris Cresswell en solitario. Y por si alguien está empezando a preocuparse porque The Flatliners se hayan amansado en exceso, ahí están pildorazos de poco más de dos minutos como ‘Human Party Trick’, ‘Infinite Wisdom’ o ‘Nicotine Lips’, en los que muestran que la base de su ADN no ha sido completamente alterada. Súmale la dupla ‘Sympathy Vote’ y ‘Wedding Speach’ y nos encontramos ante un disco ideal para el verano. GONZALO PUEBLA

LA SELECCIÓN

UNIVERS Límit Constant (FAMÈLIC)

INDIE ROCK

os años después de L’Estat Natural, el largo debut de Univers, llega Límit Constant, un paso de gigante en la carrera de la banda liderada por Yago Alcover y Eduard Bujalance, también conocidos por su trabajo en Mujeres y Aliment respectivamente. A diferencia de su despreocupado debut, que también fue grabado en los estudios Maik Maier de Barcelona, el presente Límit Constant destaca por un sonido mucho más cuidado, impoluto, decididamente redondo. El cuarteto sale disparado, sin peligro de descarrilamiento, con autoridad, desde el primer tema, la pegadiza ‘Bons Nois’, cuya letra se puede entender como una presentación y una declaración de intenciones en toda regla. Mantienen la misma urgencia en ‘Europa’ y ‘Divisió De La Victòria’, con un solo de guitarra muy marciano digno del Trompe Le Monde de los Pixies, y pisan el freno en la oscura ‘Aliança

2000’, donde los sintetizadores post punk ganan terreno y se imponen los espasmos en la pista de baile. La banda alcanza cotas sublimes pasado el ecuador del disco con las inspiradas e inspiradoras ’Rocaprevera’ y ‘Supera El Col·lapse’, dos piezas con guitarras inquietas y unas líneas de bajo densas que me hacen pensar en unos rejuvenecidos The Cure y Echo And The Bunnymen. El disco se despide con la enérgica ‘L’Umbracle’, de donde sale el título del disco, y cruza la meta con la nostálgica ‘Barcelona JJOO’, el himno olímpico que nunca tuvimos y nunca será. LUIS BENAVIDES

PAPA ROACH Crooked Teeth (ELEVEN SEVEN MUSIC)

MODERN ROCK, RAP METAL

ué ha pasado con Papa Roach? Desde sus discos insignia Infest, Lovehatetragedy y Gettin Away With Murder han intentado alejarse lo mayor posible de esa onda rap/ rock/metal alternativo incluso tonteando con la electrónica y con las nuevas tendencias según iban pasando los años. Estaba claro que querían desmarcarse de cualquier encasillamiento, pero mutaron tanto que perdieron casi toda identidad. ¿Sabes cuando vas a un concierto y llevas una hora esperando que toquen esa canción que te gusta? Ésos son Papa Roach en sus últimos

cuatro discos. Entonces, ¿por qué intentar regresar a todo aquello de lo que querían escapar? Durante la grabación de Crooked Teeth anunciaron a bombo y platillo que querían volver al sonido de los dos discos anteriormente mencionados, incluso contrataron como productores a dos fans de la banda, Nick Furlong y Colin Brittain, que crecieron escuchando al grupo. ¡Hasta que Jacoby Shaddix rapearía en más de la mitad del álbum! ¿Cómo ha salido el experimento? Pues no termina de convencernos. Ya no sabemos si es por esas más que débiles colaboraciones con la artista pop Skylar Grey en ‘Periscope’ (al más puro estilo Linkin Park en su sencillo ‘Heavy’) y el rapero Machine Gun Kelly en ‘Sunset Trailer Park’, o si simplemente por su manera algo rastrera de apelar a la nostalgia de tiempos mejores (‘American Dreams’), aunque sólo a ratos. Diez canciones que, con ‘Help’ a la cabeza, contienen melodías que enganchan unos minutos para luego desvanecerse en el aire. Rock inofensivo. JORGE FRETES

NEW FOUND GLORY Makes Me Sick (HOPELESS)

POP PUNK

asada la tempestad de la salida de su guitarrista Steve Klein (tras ser acusado de conductas poco apropiadas con una menor y posesión de pornografía infantil) y exorcizar el mal rollo en el disco Resurrection, los cielos vuelven a lucir azules en el mundo de New Found Glory. El grupo sigue siendo citado como una gran influencia por la nueva generación de bandas pop punk como State Champs o The Story So Far, y este año celebrará su 20 aniversario con una serie de conciertos especiales donde interpretarán su discografía

al completo. Pero para que no se diga que quieren vivir de la nostalgia, los de Florida publican también nuevo material. A pesar de su título y algunas letras un tanto sarcásticas (‘Party On Apocalypse’ es una crítica a las redes sociales), Makes Me Sick es uno de los discos más ligeros y luminosos que haya hecho el grupo, hasta el punto de que ‘The Sound Of Two Voices’ con su ritmo caribeño o la dulzona ‘Short And Sweet’ podrían formar parte de una película de Disney. La presencia de algunos teclados en ‘Your Jokes Aren’t Funny’ o ‘Blurred Vision’ recuerdan a aquel infravalorado Coming Home, y aunque no hay ni rastro del toque hardcore que a veces imprimía el guitarrista Chad Gilbert, mentiría si no dijese que he disfrutado de lo lindo con las melodías poperas de ‘Call Me Anti-Social’, ‘Happy Being Miserable’ o ‘Barbed Wire’. En su noveno álbum nos encontramos a unos New Found Glory que se gustan y con ganas de gustar. Y a mí me han gustado. JORDI MEYA

R FALLING IN REVERSE

Coming Home (EPITAPH)

MODERN ROCK

onnie Radke parece tener un imán para los problemas. El último es la salida, aún no confirmada de manera oficial, del batería Ryan Seaman justo cuando Falling In Reverse acaban de publicar su cuarto álbum. En teoría, Coming Home tenía que ser el álbum de la madurez para una banda asociada al caos. Y aunque musicalmente lo es, da la sensación que la inestable y ególatra personalidad de Radke volverá a ser el mayor obstáculo para que se conviertan en un grupo de masas. Ése y ningún otro parece ser el objetivo de un disco como Coming Home, en el que abandonan sus raíces metalcore, así como otras influencias procedentes del pop punk o el hip hop, para pasarse a un rock comercial. Si sus

P MARK LANEGAN BAND Gargoyle (HEAVENLY/PIAS)

ROCK

hantom Radio significó el primer tropiezo serio en la carrera de Mark Lanegan. Bien es cierto que su hoja de servicios en más de tres décadas de trayectoria tanto al frente de Screaming Trees como en solitario no sólo era impecable, sino que había dejado unas cuantas grandes obras por el camino. Todos tenemos derecho a errar alguna vez, pero las sensaciones que dejó aquel trabajo eran cuanto menos preocupantes respecto a cómo podía encarar su futuro. Afortunadamente, en Gargoyle el viejo crooner del grunge da señales de

anteriores discos pecaban de incoherencia pasando de un estilo sin ton ni son -aunque eso también los hacía divertidos-, éste adolece su falta de dinamismo. Curiosamente, quien quiera encontrarse con los Falling In Reverse del pasado tendrá que recurrir a ‘Right Now’ y ‘Paparazzi’, dos hits desenfadados que sólo aparecen en la versión deluxe del disco. El astronauta de la portada sugiere ese aire espacial que se concreta con

la presencia de sintetizadores, arreglos electrónicos y coros épicos, a medio camino entre My Chemical Romance y Thirty Seconds To Mars. Los temas, en su mayoría medio tiempos, pretenden ser tomados en serio (‘I Hate Everyone’ incluso recuerda a ‘Where Is My Mind?’ de los Pixies), pero las letras siguen resultando bastante pueriles. Es valorable su voluntad de evolucionar, pero no han acabado de acertar.

que aún es muy pronto para enterrarle creativamente. No es que recupere su mejor nivel, pero Lanegan entrega un disco que, como suele ser habitual en él, esconde varias joyitas. Es verdad que sigue insistiendo en esa vertiente más moderna y con detalles electrónicos de los últimos años, aunque esta vez composiciones como ‘Death’s Head Tattoo’, ‘Nocturne’ y ‘Beehive’ sí cuentan con ese punch sugerente del que adolecían la mayoría de cortes de Phantom Radio y que le acerca más al sonido de Blues Funeral. ‘Emperor’ tiene un claro aroma a Queens Of The Stone Age

que le viene como anillo al dedo y me hace pensar en lo acertada que sería una colaboración junto a su colega Josh Homme como ya hiciera éste con Iggy Pop. En ‘Sister’ nos reencontramos con la voz tenebrosa de ambientes humeantes, mientras que ‘Goodbye To Beauty’ es una de las piezas más sentidas que le recuerdo en mucho tiempo. ‘Old Swan’ recupera el pulso inquieto de su última etapa, demostrando que es capaz de desenvolverse igual de bien en espacios propios y ajenos. Una leve pero más que bienvenida mejoría.

DAVID GARCELL

GONZALO PUEBLA

SÓLSTAFIR Berdreyminn (SEASON OF MIST)

ROCK

hí va el típico álbum que te pone en jaque por las muchas contradicciones que te provoca. ¿Aplaudirían a Messi si marcara cinco goles ante unos juveniles? Si un director de cine experimental de pronto se estableciera más o menos en una zona de confort, ¿verdad que perdería el encanto, el interés? Es evidente que Berdreyminn es un buen trabajo y que la propuesta etérea de Sólstafir sigue siendo única, pero por otra parte, escuchándolo, servidor no ha podido evitar pensar lo fácil que debe de haber sido para ellos

articularlo, el replicar a Ótta de la forma más continuista y poco arriesgada. Para una banda de black metal llegar a Svartir Sandar no tuvo que ser sencillo, y seguramente, el refinarlo hasta dar con su anterior obra tampoco fue un camino de rosas. Es por eso que, en efecto, me he emocionado con ‘Hula’ o ‘Dýrafjörður’, que mi cerebro sigue sin poder procesar cómo tantísima emoción puede ser gestionada por un puñado de recursos tan limitado, pero al mismo tiempo, parece que el cuarteto ya se sienta plenamente satisfecho con lo logrado, como si el abrir de par en par las puertas internacionales con Ótta ya fuera suficiente y no quisieran dar otro paso musical hacia lo desconocido. Lo que varios de sus fans podrían esperar, vaya. Berdreyminn es más de lo mismo, ¡pero un ‘más de lo mismo’ de Sólstafir! Imposible encontrar una sola canción defectuosa en este nuevo álbum, por lo que quizá la decepción te llegue si esperabas algo más valiente y alejado de terrenos ya explorados. PAU NAVARRA

WE RIDE

Empowering Life (VICTORY)

HARDCORE

adie es profeta en su tierra. En el caso de We Ride también podría atribuírseles cierta responsabilidad, pues durante su trayectoria se han enfocado más a abrirse mercado fuera de nuestras fronteras que dentro. Sea como sea, esta visión internacional les ha llevado a ganarse la confianza de Victory Records para lanzar su tercer álbum, una plataforma ideal para llegar a un mayor público. Y aunque como nos explicaban en la entrevista que publicamos el mes pasado, que lo grabaron antes de saber del interés del sello norteamericano, está

claro que el quinteto de Vigo tenía en mente ofrecer algo que se saliese del guión escrito hasta ahora. En Empowering Life, We Ride consiguen que su sonido, arraigado en el hardcore old school, suene fresco. Las influencias de Sick Of It All o Madball siguen presentes, y sus canciones podrían liarla parda en cualquier escenario gracias a breakdowns como los de ‘Do It All Again’ o ‘SelfMade’, pero puliendo un poco más sus melodías e introduciendo algún toque metalcore (‘Summer’ sería un bueno ejemplo), la banda cuenta con todos los elementos para captar la atención de una nueva generación. La aparición en los créditos de JJ Peters de Deez Nuts en la rotunda ‘What You Are’ o de Cameron Webb en las mezclas son la guinda del pastel, pero el mérito es todo suyo. Mimi Telmo comanda los temas con autoridad y ojalá sirva para que otras mujeres se animen a romper barreras en una escena tan dominada por hombres. Ya toca. DAVID GARCELL

THE OBSESSED Sacred (RELAPSE)

HARD ROCK, DOOM METAL

o debería hacer falta, pero si necesitas razones para escuchar Sacred, ahí van tres: Scott, ‘Wino’, y luego Weinrich. Luego podríamos alegar que dentro de la carrera de idas y venidas que siempre ha tenido su seminal criatura The Obsessed, éste es su primer álbum en 23 años, así que sigue apuntando… Para este nuevo trabajo el corazón de Saint Vitus, entre otras muchas formaciones, se ha centrado mucho más en su faceta hard rock 70’s y stoner metal que en la doom, aunque la recuperación de un temazo como ‘Sodden Jackal’ se encarga de reivindicar al

cantante y guitarra como uno de los padres de este estilo de metal extremo. Por su parte, canciones como ‘It’s Only Money’, ‘Be The Night’ o la directa y algo Saxon ‘Stranger Things’ nos acercan la cara más vacilona y callejera de este grande del underground, todo ello sin dejar de mostrarnos su pericia a las seis cuerdas con solos de mérito y unos riffs de lo más acertados. Sacred no es un revival ni el reciente trabajo de la joven banda número 785 que este mes quiere recuperar las raíces setenteras de sus padres. No. Este trío, que se completa con Reid Raley al bajo y Brian Costantino a la batería, no acude al material vintage porque se vuelve a llevar este rollo; simplemente es su backline de toda la vida. Nuestro hombre vivió esa época, ya andaba metido en ello como Warhorse al principio de este grupo, así que déjate de fusiladas o sucedáneos y céntrate mejor en la causa directa. Tío, que estamos hablando de Wino… ¿O qué te pensabas? PAU NAVARRA

CATORCE

Agua. Naufragio. Equilibrio. (THE BRAVES)

EMO, POST HARDCORE

asta hace no demasiado pensaba que lo verdaderamente interesante que se hacía a nivel musical en este país ocurría de la capital hacia arriba. Alguno dirá (y con toda la absoluta razón) que soy un cretino ignorante, pero viendo la fuerza con la que han surgido formaciones como Viva Belgrado, Bourbon, Atavismo o Catorce en los últimos tiempos, me doy cuenta de que algo bueno también se mueve por tierras andaluzas. En el caso de los sevillanos, si habéis seguido estas mismas páginas ya sabréis que suman tres de las cuartas partes de De La Cuna

A La Tumba, pero su historia comenzó mucho antes. Concretamente hace un par de cursos, cuando debutaron con un recomendable Atlas en el que sorprendían por su manejo de la fragilidad emo y la fuerza post hardcoreta. Tan sólo les ha llevado otros dos años para entregar su disco de confirmación, un Agua. Naufragio. Equilibrio. que como ellos mismos reconocen, viene marcado por el cambio, no sólo interior a nivel personal, sino también musical. Y es que si Atlas se caracterizaba por presentar unas estructuras más complejas, aquí lo que prima es la concreción, dando con una obra en la que todas las canciones entran con una facilidad pasmosa y donde no sobra ni una coma. Sin perder ni un ápice de contundencia, son capaces de acertar más de una vez en el centro de la diana como son los casos de ‘Océana’, ‘Nuevacosta’ y ‘La Ingravidez’, cuyos estribillos te conquistarán a la primera y ya no te dejarán escapar. Han sido capaces de concentrar todas sus cualidades y aumentarlas aún más. Y crea adicción. GONZALO PUEBLA

THE BOMBPOPS Fear Of Missing Out (FAT WRECK)

PUNK ROCK

ólo Jez Razavi y Poli Van Dam saben lo mucho que les ha costado sacar su primer elepé. Llevan cantando y tocando juntas, al frente de The Bombpops, desde 2007, y hasta la fecha sólo habían conseguido publicar un par de EPs con la ayuda de Red Scare Industries. Imagino que no debe ser fácil publicar un primer largo cuando por la banda han desfilado tres baterías y hasta siete bajistas diferentes. Eso sí, me juego el bigote que más de uno se está tirando de los pelos ahora que estas chicas han fichado por la escudería Fat Wreck. Y es

que formar parte del sello del cantante y bajista de NoFx es el sueño de varias generaciones de punk rockers. Sin ir más lejos, Razavi y Van Dam no pueden negar que han crecido escuchando bandas melódicas como Lagwagon, Face To Face y sobre todo No Use For A Name, por citar las más evidentes en este disco. En Fear Of Missing Out hacen honor a su nombre al combinar momentos explosivos en piezas como ‘I Can’t’, ‘Brake Lights’, la casi-grunge ‘Jerk’ y ‘Marry. Fuck.Kill’ -esos coros no existirían sin Bad Religiony estribillos de puro pop, ultrapegadizos. Imposible que no te vengan ganas de salir de fiesta cuando los escuches. Mención especial merecen la equilibrada y brillante producción de Chris Fogal, también cantante y guitarra de The Gamits, y la bonita historia que hay detrás de ‘Be Sweet’, un tema escrito por su amigo Brandon Carlisle, el malogrado batería de Teenage Bottlerock, al que dedican el disco entero. LUIS BENAVIDES

NECROWRETCH Satanic Slavery (SEASON OF MIST)

DEATH METAL, BLACK METAL

an presos de la histeria como en sus dos anteriores trabajos, Necrowretch vuelven con un nuevo homenaje al metal extremo primigenio, ése que no se sabía muy si era death metal, black o la concha de su madre. A ratos Enthroned, otros muchos como unos Dissection o Necrophobic hasta las trancas de farlopa y en pleno ritual, los galos nos ponen mirando a Cuenca con otros ocho temas sangrientos, virulentos y de pútrido aroma suramericano. La batería de Ilmar es un puto percutor, y aunque se esmeren en recrear alguna que otra melodía a las seis cuerdas,

no lo pueden evitar: el que es puerco, es puerco, y con una voz desgarrada y viciosa como la de Vlad poco puedes arreglar… En cuanto se queda sola esa guitarra en ‘Tredeciman Blackfire’ o ‘Satanic Slavery’ sabes que te van a perforar con otra salvajada bastarda y pasada de rosca, y precisamente eso, esa previsibilidad, es lo que hace del trío algo tan irresistible. Esto es como darle las llaves del Banco de España a la Infanta Cristina… ¡Necio, como si no supieras lo que va a ocurrir! Aunque oh, vaya, parece que en ‘Evil Names’ dan algo de tregua… Y un jamón: en cuanto pueden Necrowretch vuelven a pisarte los huevos, y así hasta el final, porque suficientes hippies hay ya metidos a metalhead como para andarse ellos con subterfugios. ‘Hellspawn Pyre’, ‘Bestial Rites’, ‘Curse Of Blasphemy’ o ‘Verses From The Depths’ es de lo poco que le pido a esta miserable vida. Os amo, hijos de perra. Que ninguna porquería snob os contagie jamás. PAU NAVARRA

SEETHER

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Shaun Morgan (voz, guitarra),

Dale Stewart (bajo), John Humphrey (batería) PRODUCIDO POR: Shaun Morgan AFINES A: Staind, Breaking Benjamin,

Puddle Of Mud PÁGINA WEB: www.seether.com

A Poison The Parish (SPINEFARM)

ROCK ALTERNATIVO

pesar de no ser una banda demasiado reconocida en Europa, Seether cuentan con una más que notable popularidad en Estados Unidos. Desde que se mudaran allí desde su Sudáfrica natal a principios de los 2000, el trío ha conseguido ir colando singles de éxito en las emisoras y situarse en la tabla alta de esa división en la que juegan grupos como Three Days Grace, Breaking Benjamin o Finger Eleven. Incluso organizan su propio festival, Rise Above Fest, que este año celebra su quinta edición con Korn y Shinedown como cabezas de cartel. Después de haber grabado

sus dos últimos discos con Brendan O’Brien, quien intentó refinar un poco su sonido, en Poison The Parish Shaun Morgan ha tomado el mando para devolverles a sus orígenes. Eso se concreta en unas guitarras más duras y un tono más oscuro, aunque sin renunciar a ese toque comercial que les caracteriza. ‘Stoke The Fire’ se abre con un riff nirvanero para asaltarte luego con un estribillo a lo Stone Temple Pilots. ‘Betray And Degrade’ juega con la dinámica suave/ fuerte de manera tan efectiva como manida. ‘Something Else’ y ‘I’ll Survive’ son dos medio tiempos con vocación de hit, aunque seguramente sea

la balada ‘Against The Wall’ la que de nuevo les lleve a lo alto de las listas. Shaun Morgan ha tenido sus propios problemas (en 2006 tuvo que ingresar en una clínica de rehabilitación por su adicción a varias sustancias y, al año siguiente, su hermano se suicidó), sin embargo, su dolor y sus demonios siempre parecen plasmarse en sus canciones de una manera que sea aceptable para el gran público. Y es que, mientras a las bandas de los 90 les llegó el éxito sin buscarlo, sus herederos se han apropiado de la estética sonora, pero les falta algo de fondo. DAVID GARCELL

HABLAMOS CON... DALE STEWART Poison The Parish suena bastante más duro que vuestros últimos discos. “Sí. Es un poco un retorno al sonido original de Seether. Hicimos el disco por nuestra cuenta en lugar de usar un productor. Aunque intenten respetar tu sonido, los productores siempre lo alteran un poco. Los dos últimos discos los hicimos con el gran Brendan O’Brien y creo que salieron más pulidos y menos oscuros de lo que en realidad somos. En cambio, Poison The Parish es el álbum que más suena a Seether en bastante tiempo”. De todos modos, supongo que trabajando con O’Brien o Howard Benson aprendes un montón. “Desde luego, son gente con mucho talento. Brendan no sólo es un gran productor, sino que es un gran músico y toca varios instrumentos. Seguramente por eso es tan bueno, entiende per-

fectamente el lenguaje de los músicos. Creo que su influencia sigue con nosotros, aunque éste sea más oscuro. Hubo momentos en la grabación del nuevo disco en los que pensábamos ‘¿Qué haría Brendan en este caso?’ (Risas). Todo forma parte del aprendizaje”. ¿Qué provocó ese tono más oscuro? “Todo lo que te ocurre en tu vida se acaba colando en tu música. Todas las letras de Shaun están directamente inspiradas en experiencias personales. Para él es como un diario, una manera de sacarse las cosas de dentro. Cuando estás feliz quieres disfrutar de ese sentimiento; en cambio, si es un sentimiento malo, necesitas sacarlo. Por eso la música es oscura”. Éste es vuestro séptimo álbum. Parece que ya no dependéis de lo que está de moda o lo que suena en la radio para seguir adelante.

“Sí, básicamente dependemos de nuestros fans. Algunos nos siguen desde el principio. Es muy agradable ver caras conocidas cuando vamos a tocar. Incluso en Europa, donde no vamos demasiado, cuando lo hacemos vemos caras conocidas. Llevamos en esto mucho tiempo y hemos visto muchas bandas desaparecer. Creo que nunca hemos cambiado para intentar encajar con lo que es popular en cada momento. Hemos ido a la nuestra”. ¿Cómo recuerdas el momento en el que os mudasteis a Estados Unidos? “Fue una locura. Shaun y yo nos mudamos en 2002. Teníamos miedo porque no conocíamos a nadie. Teníamos 21 años, pero estábamos muy motivados. Estábamos dispuestos a lo que fuera para tirar la banda adelante. Perseguimos un sueño y funcionó. Tuvimos suerte”. (DAVID GARCELL) 79

C MEMORIAM For The Fallen (NUCLEAR BLAST)

DEATH METAL

on una portada y un título que ya son toda una declaración de intenciones, sin duda For The Fallen es el álbum de death metal más esperado de la temporada. Como ya sabrán, Memoriam es la banda fundada el pasado año por miembros de Bolt Thrower, Benediction o Cerebral Fix para rendir tributo al fallecido batería Martin ‘Kiddie’ Kearns, y con semejantes credenciales lo cierto es que, afortunadamente, sólo podían tirar hacia una dirección: la de su death inglés, hacia esa maravilla que empezaron a forjar todos juntos a finales de los 80. Así, el siempre honesto Karl Willetts y el resto de sus compañeros suenan a lo más parecido que encontrarás de los extintos Bolt Thrower en 2017, y es que cualquiera de sus fanáticos sentirá un escalofrío al escuchar una intro como

S REBEL MACHINE Nothing Happens Overnight (AUTOEDITADO)

HARD ROCK

i escuchásemos Nothing Happens Overnight con una venda en los ojos, nuestro primer pensamiento sería que el grupo que suena proviene de alguna ciudad californiana o de tierras escandinavas por su tendencia al hard rock contundente a la par que melódico de toda la vida. La sorpresa viene cuando observamos que en el carné de identidad de Rebel Machine figura la nacionalidad brasileña y que concretamente residen en Porto Alegre. Un ejemplo más de que esto de la música tampoco escapa a la globalización.

‘Memoriam’ o temas como ‘Reduced To Zero’ o ‘Last Words’. Recuerda, donde un grupo del tres al cuarto ponía el enésimo blast beat, ellos tiraban hacia ese medio tiempo que los hizo míticos. La voz está ahí, como la de Willetts sólo hay una y resta inmutable, aunque también es bien cierto que en algunos momentos podrían haber estado más inspirados. For The Fallen parece un álbum creado para sus fieles, para

no dejarlos en la estacada, casi concebido como un acto de misericordia. Gracias a Memoriam podremos seguir disfrutando de esta gente sobre un escenario, y si encima le suman a su repertorio cortes caóticos como ‘Surrounded By Death’, nos podemos dar por más que satisfechos. Una forma de ver las cosas, una manera de entender la música. La leyenda continúa.

A pesar de que declaran ser seguidores de bandas como The Hellacopters o Danko Jones, lo cierto es que escuchando sus canciones es más fácil detectar elementos que les emparenten con las formaciones que pululaban por Sunset Strip hace tres décadas como Guns N’ Roses y Mötley Crüe. Por suerte su mentalidad independiente y DIY les hace resultar más cercanos, y aunque no inventan nada nuevo, demuestran un buen manejo del estilo. Prestando atención a cortes como ‘Down The Road’, ‘Goodbye Honey’ o la tremendamente pegadiza ‘It Doesn’t Matter

To Me’, uno puedo apreciar lo trabajados que están, especialmente a nivel vocal. En ‘Run Away’ se metalizan un poco gracias a un riff durísimo y un estribillo arrastrado que me recuerda a los primeros Alice In Chains. Incluso cuando se adentran en terrenos más complejos como los 6 minutos de ‘Life Is Fuckin’ Good’ son capaces de salir bien parados. Quizás la media hora de este primer esfuerzo peque de resultar un pelín lineal, pero es un buen punto de inicio para que estos rockers brasileiros vayan desarrollando su propuesta en futuras entregas.

PAU NAVARRA

GONZALO PUEBLA

CUNEO Cuneo

(LONG LIVE/EL TRUENO)

ROCK ALTERNATIVO

os alicantinos Zombies And Diamonds se retiraron en 2013, cuando atravesaban su mejor momento. Tres cuartas partes siguieron componiendo, y cuando llegó el momento de ponerle voz y letras a las primeras ideas se acordaron de su amigo Aitor de Haro, el cantante de los catalanes The Wax, con el que habían compartido muchos bolos y muy buenos momentos en el pasado. El proyecto pedía guitarras (y muchos pedales) y ampliaron la formación. Juan Ballester se pasó a las segundas guitarras e incorporaron como bajista a Manuel Cases de Virgen. El resultado es sencillamente

espectacular. Aunque el tercer corte es ‘Phoenix’ no podemos decir que Zombies And Diamonds han resurgido de las cenizas, cual ave fénix. Cuneo tienen entidad propia y, sobre todo, la frescura del que comienza algo con ilusiones renovadas. En su primer trabajo hay cortes shoegazers como ‘Supreme’, donde colabora el excantante de Zombies And Diamonds con un sorprendente registro melódico y recuerdan a los mejores Nothing de Tired Of Tomorrow, y mucho rock alternativo con estribillos crujientes como ‘No Flags’ y ‘Eating Sand’ que te transportan a los 90, cuando Smashing Pumpkins eran más grandes que la vida. También hay interludios instrumentales como ‘Lengua Dura’, en la onda del dúo Galgo, el proyecto paralelo de los Cuneos Gus Rodríguez y Miguel Hernández, y ejercicios embrutecidos como la elocuente ‘Con Ánimo Punk’. Para el final dejan la apabullante ‘Among Stars’, con Aitor en estado de gracia, y ponen el broche con ‘Will’. ¿Alguien dijo banda revelación de 2017? Pues eso. Gran debut. LUIS BENAVIDES

I PREVAIL Lifelines (FEARLESS)

POPCORE

sta banda de Michigan ha cosechado cierto éxito viral gracias a su versión de ‘Blank Space’ de Taylor Swift que aparecía en el sexto volumen de las conocidas series Punk Goes Pop. Si ésa fuera su única carta de presentación, oyentes como yo tendríamos muchos reparos para darles una oportunidad a I Prevail; por suerte, su álbum de debut nos muestra a una joven formación con ganas de comerse el mundo y que, por encima de todo, ha compuesto un puñado de buenas canciones. El cuarteto norteamericano mezcla con soltura y acierto

la brutalidad del metalcore, las melodías del indie pop y la versatilidad de la música electrónica. Ni qué decir tiene que si te consideras un purista de alguno de estos tres estilos te aconsejo que no escuches Lifelines, porque te puede causar urticaria. Yo he notado ciertos sarpullidos en mis tímpanos cuando interpretan ‘Alone’ y ‘My Heart I Surrender’, las típicas canciones moñas que este tipo de grupos intercalan en su repertorio para mojar bragas y sonar en las radiofórmulas. Pero si no fuera por estos dos temas estaríamos hablando de un muy buen disco de principio a fin, donde los mejores momentos coinciden cuando las voces de los dos cantantes, la limpia de Brian Burkheiser y la rota de Eric Vanlerberghe, se doblan. Su fórmula es parecida a la de A Day To Remember o lo que intentaron The Ghost Inside en su último trabajo, mezcla de pop punk y metalcore. Y aunque se les ve el plumero en cuanto a sus intenciones, seguro que pueden convertirse en un guilty pleasure de más de uno. JORDIAN FO

E THE AFGHAN WHIGS In Spades

(SUB POP/POPSTOCK!)

ROCK

n los tiempos en los que nos encontramos, las reuniones de grupos han pasado de ser sorprendentes y emocionantes a convertirse en algo cotidiano. Con mayor o menor éxito, los grupos intentan recuperar su sitio, y en el caso de The Afghan Whigs, además de afianzarse, han conseguido una posición destacable. Después de su aclamado álbum Do To The Beast, el tándem formado por Greg Dulli y John Curley ha recuperado la fuerza del directo gracias a la química creada con su nueva banda, y han decidido aprovechar el momentum. In Spades es un álbum típicamente Whigs, elegante y único, con temas que reflejan todas sus influencias, desde hard rock hasta soul y R&B, y un cóctel de sentimientos ya sea felicidad, ya tristeza,

esde que la vimos abandonar su característico look pin-up hace unos cuantos meses, ya se intuía que el siguiente paso de Imelda May supondría un punto de inflexión. Sea por el divorcio del que también era guitarrista de su banda, IMELDA MAY Live. Love. Flesh. Blood. Darrell Higham, o por (DECCA) experiencias propias, Live. ROCK, SOUL Love. Flesh. Blood. es el trabajo más personal que 80 la irlandesa ha facturado hasta la fecha y que marca un antes y un después en su carrera. No es que haya abandonado del todo sus raíces rockabilly, ya que ahí están ‘Sixth Sense’, ‘Bad 82

como la devastadora ‘Toy Automatic’ acompañada por sus metales, ya nostalgia de la infancia, como en la asincopada ‘Birdland’, elegida para comenzar este viaje. A través de Sub Pop la primera toma de contacto llegó con la pegadiza ‘Devil In Profile’, que ya nos hizo frotarnos las manos. A continuación vio la luz la intensa y sensual ‘Arabian Heights’, aderezada de falsetes, solos de guitarra impecables y una intensidad

que nos recordaría a su otro grupo, The Twilights Singers. Una canción dotada de esa carga sexual a la que Dulli nos tiene acostumbrados. Como siempre, las letras son primordiales en las composiciones, y esta vez el cantante toma como inspiración un periodo convulso a todos los niveles. In Spades deja claro que a The Afghan Whigs les quedaba todavía mucho por dar, y también por recibir.

Habit’, ‘How Bad Can A Good Girl Be’ o ‘Game Changer’, que aunque no resulten tan evidentes, podrían haber entrado sin problemas en cualquier de sus anteriores álbumes. Pero se nota que Imelda ha querido expandirse y tocar varios palos, sea con delicadas baladas acústicas (‘Call Me’, ‘The Girl I Used To Be’), acompañarse de una big band junto a las colaboraciones estelares de buenos amigos como Jeff Beck (‘Black Tears’) y Jools Holland (‘When It’s My Time’), soul setentero (‘Love And Fear’) o firmar piezas de delicioso pop clásico en ‘Leave My Lonely’

o el excelente single que es ‘Should I’ve Been You’. Si antes sus referencias eran las de Wanda Jackson o Brian Setzer, ahora se podría decir que las ha cambiado por Roy Orbison y Chris Isaak. Vamos, que en la base el cambio no ha sido tan exagerado como se pensaba. En cualquier caso, May sale bien parada de semejante prueba, demostrando que puede con cualquier tipo de registro y evitando el estancamiento de una carrera que ahora se presenta más abierta de posibilidades que nunca. Una artista de los pies a la cabeza.

TOI BROWNSTONE

GONZALO PUEBLA

BODY COUNT Bloodlust (CENTURY MEDIA)

RAP METAL

or todos es sabido que Ice T en sus años mozos fue uno de los raperos menos políticamente correctos que hubo durante la época dorada del estilo, lo cual no es poco. Que Ice T creara una banda de heavy metal arrastrado por el éxito de la propia canción ‘Body Count’ en aquel escalofriante OG Original Gangster, fue todo un detalle por su parte y los que lo pudimos vivir en tiempo real aún recordamos el shock que nos produjo el debut del grupo. Quizás lo más curioso es que, a pesar de las letras tan crudas, la aproximación que tenía una banda de negros haciendo

metal a principios de los 90 era fresca e incluso tenía un toque inocente y pueril, si se me permite. La carrera de Body Count, igual que la de Ice T, ha sido irregular desde entonces –la muerte de algunos de sus componentes no ha ayudado-, pero parece que estos últimos años vuelven a tomarse en serio la banda, y todo ello se acaba notando en este Bloodlust, quizás lo mejor que han hecho desde su debut. Lo mejor es que Body Count siguen yendo a la suya –este disco podría haber salido un mes después de su debut y seguro que de aquí a veinte años sonarán igual-, invitando a sus colegas fans como pueden ser Max Cavalera, Dave Mustaine o Randy Blythe o haciendo versiones sin mucha lógica como ‘Raining Blood’ y ‘Postmortem’ de Slayer. Pero todo en Body Count cobra un extraño sentido y es inevitable que si las canciones –como es el caso- tienen cierto gancho, te acabe dando un chute de adrenalina, algo que, aunque no lo parezca, no es tan fácil de encontrar en el mundo del metal actual. RICHARD ROYUELA

igualmente te dará duro y a las costillas con su death sueco cabronísimo, de ése que no pierde el tiempo con asquerosas melodías de Göteborg, y una entrada en tromba formada por ‘From Ear To Ear’, ‘Necrophagic Madness’ y ‘Behead The Dead’ te lo dejará clarito de CUT UP Wherever They May Rot inicio. Después otras perlas (METAL BLADE) como ‘By Hatred Bound’, DEATH METAL ‘Master Dissector’ o sutilezas como ‘Cranium Crusher’ 77 y ‘Raped By The Blade’ se encargarán de seguir metiéndote el puño por el culo… ¿¡O la expresión era a cosa iba así: ‘el dedo en la yaga’!? Como Vomitory querían matar, hacían Vomitory, cuando aplastar y destruir, y tú Cut Up se ponen en plan querías morir, ser aplastado machaca y tanque, canciones y que te destruyeran. Así como ‘Psychosurgery’ o pues, lo nuestro con esos ‘Wherever They May Rot’ se terroristas era un matrimonio vuelven una masacre en plan perfecto. Por desgracia, tras polvo salvaje entre Gamera 24 años de caricias nos y King Kong en plena dejaron, pero pronto volvió a Manhattan. ¿¡Os imagináis surgir el amor con su ‘media’ el pollón que debe gastar encarnación, los presentes King Kong!? Su equivalente Cut Up. ¿Que qué quieren es el death de estos papitos. éstos? Pues obviamente ¡Muerte al metal eclético! matar, aplastar y destruir, ¿y ¡¡Putas modernadas de nosotros? Bah, dejémonos mierda!! Erik Rundqvist y de gilipolleces y vayamos a sus colegas son de lo más por los mamporros… Quizá simpático y feliciano que Wherever They May Rot no oirás en meses. es tan brillante como su debut PAU NAVARRA Forensic Nightmares, pero

JADE JACKSON Gilded (ANTI/PIAS)

AMERICANA

uestos a tener un padrino, ¿quién no querría que fuese Mike Ness? Esta joven cantautora californiana ha tenido la suerte de contar con el líder de Social Distortion, a quien considera su mentor, como productor de su primer álbum. Fue viendo a Ness y su banda sobre las tablas que Jade Jackson sintió la necesidad de subirse a un escenario, y con 13 años empezó a tocar la guitarra y componer sus propias canciones. Desde entonces, formó una pequeña banda y compartió escenario con artistas como Merle Haggard, Dwight Yoakam y

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Rosie Flories, consiguiendo un pequeño seguimiento. Su progresión llegó a los oídos de Ness, cuya esposa es amiga de la madre de Jade, y tras verla actuar se ofreció a trabajar con ella en el estudio. A pesar de esta conexión, la música que encontramos en Gilded nada tiene que ver con el punk rock y sí con los trabajos en solitario del propio Ness: música americana de raíces con una instrumentación propia del country y buenas historias que contar. Quizá el referente más claro sea Lucinda Williams, especialmente por las entonaciones y melodías en los temas más sosegados, como ‘Bridges’, ‘Finnish Line’ o ‘No Guarantees’, aunque, debido a su juventud, su voz suena más inocente. Sus canciones también funcionan cuando se decanta hacia el pop como en la inicial ‘Aden’ o ‘Better Off’, aunque quizá cuando más me gusta es cuando le pone un poco más de actitud, casos de ‘Good Time Gone’ y ‘Motorcycle’. Apunta maneras. JORDI MEYA

SOUNDGARDEN

Ultramega OK (Expanded Reissue) (SUB POP/POPSTOCK!)

HARD ROCK

oco podían imaginar los Soundgarden que editaron Ultramega OK en 1988 que, unas décadas después, estarían en puertas de alcanzar el estatus de leyenda, si es que no lo son ya. Acercándonos a su 30 aniversario, la banda por fin ha podido ver cumplido su deseo de reeditar el álbum con una nueva mezcla, ya que nunca estuvieron satisfechos con el resultado publicado en su momento. Tema delicado, éste de las remezclas. Los fans de Soundgarden nunca han parecido tener problemas por cómo sonaba el disco original y, al fin y al

cabo, la diferencia no es tan abismal como para descubrir elementos importantes que pasaran inadvertidos en su momento. Además, intentar ‘limpiar’ un álbum del que se valora lo áspero y crudo de su sonido –especialmente si tenemos en cuenta cómo acabaría sonando la banda en los 90- tampoco parece un gran punto de partida. Del álbum en sí, poco que decir. Aquellos eran unos Soundgraden desbocados, entregados a la magia de Zeppelin y Black Sabbath en temas como ‘Flower’, ‘Mood For Trouble’ o ‘Beyond The Wheel’ y con un Chris Cornell que, sin tener esa inigualable elegancia que conseguiría con los años, ya despuntaba como un vocalista de otro planeta. Mucho más interesantes son las demos de algunas de las canciones que acabarían en el álbum. Seis temas bautizados como Ultramega EP que nos enseñan a los Soundgarden más primarios que nunca hemos escuchado. Solamente por ellos ya se justifica el hacernos con esta nueva versión de Ultramega OK. RICHARD ROYUELA

BONES OF MINERVA Blue Mountains (ROCK CD/AUTOEDITADO)

METAL ALTERNATIVO

ue curiosear el cuidado digipak de Blue Mountains y ver la cara de estas tres chicas y chico y pensar: ‘Ojo, aquí hay algo’. Y efectivamente, aunque no estemos ante un debut perfecto, ni falta que hace, sí nos encontramos ante un primer disco de lo más revelador. De acuerdo, Bones Of Minerva no logran despegarse de sus influencias más básicas en este disco, pero coño, es que hasta los gigantes del metal ‘pecaron’ de ello en sus respectivas óperas primas… Así que vayamos al grano, pues aquí hay madera, y de la buena. Adorador del rock

y el metal de hace un par de décadas, este cuarteto madrileño se mueve entre Deftones, The Smashing Pumpkins y, vista ‘Defenders’, hasta System Of A Down, pues la cadencia a lo Serj Tankian de Blue te recordará a ellos irremediablemente. Y ya que hablamos de la cantante, menuda bestia… Su ejercicio vocal en este trabajo va al límite, alcanza unas notas de alucine, tira de growls y rasgados en los siguientes instantes sin pestañear, y en otros cortes como ‘Eery Octopus’ demuestra una personalidad fuera de lo común. Por cierto, Alex Cappa, ésta es la producción más orgánica que te recuerdo, y sobra decir que lo bordas en un álbum así. Igual en términos compositivos ‘Aces’ no está a la altura del resto de cortes, pero claro, es que la versátil Blue se nos vuelve a zampar vivos en cuanto le damos un palmo de espacio… Cuidaros mucho de los buitres que os asaltarán en breve y seguid firmes con vuestras convicciones, porque sólo así tendremos bandaza para rato. Todo lo que te gusta de los 90 está aquí. PAU NAVARRA

SCIENTISTS

A Place Called Bad (NUMERO GROUP)

GARAJE ROCK

mediados de los 90 pude asistir a uno de los números más estrambóticos que un servidor ha vivido en un concierto. Tocaba Kim Salmon en una sala de Barcelona medio vacía cuando en un momento dado entraron al concierto unos recién casados con sus invitados. Cuando Salmon se dio cuenta del nuevo y extraño público, subió el volumen de su amplificador, provocó a sus músicos a que tocaran de manera más violenta y el tipo mutó en una especie de Iggy Pop totalmente fuera de sí. Al finalizar me confesó que la visión de aquellos

despistados recién casados le sacó su lado más agresivo, igual que cuando a finales de los 70 formó a Scientists en su Perth natal y no podían encontrar lugares donde tocar porque aducían que eran demasiado raros y ruidosos. Es curioso que mientras grupos como Stooges, MC5 o The Cramps son reivindicados continuamente, ellos siempre se mantuvieron en las sombras del underground a pesar de sus múltiples logros. A Place Called Bad es la enésima recopilación que viene a recordarnos que estos tipos también fueron muy grandes en un tiempo ya muy lejano. Aquí está una larga lista de temas tan oscuros como necesarios para entender el garaje, el high energy o el post punk australiano que Scientists dignificaron de manera ejemplar. La inmediatez sudorosa de ‘Pissed On Another Planet’, la oscuridad punk de ‘Atom Bomb Baby’, la contagiosa melodía garajera de ‘Last Night’, la belleza pop de ‘Frantic Romantic’… Un perfecto manual para descubrirlos. ANDRÉS MARTÍNEZ

TRAVOLTAS

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Perry Leenhouts (voz), Michel ‘Micky’ Meeuwissen (guitarra), Daan van Hooff (guitarra),

Erik van Vugt (bajo), Jochem ‘Skokie’ Weemaes (teclados), Wouter ‘Woody’ Verhulst (batería) PRODUCIDO POR: Perry Leenhouts AFINES A: The Beach Boys, Weezer, Ramones PÁGINA WEB: www.facebook.com/therealtravoltas

C Until We Hit The Shore (WHITE RUSSIAN)

POP PUNK, POWER POP

on el verano a la vuelta de la esquina, ya empieza a ser el momento de recopilar esos discos que nos harán compañía en nuestras excursiones a la playa. Si el año pasado el White Album de Weezer se postuló como el candidato perfecto, este año todo apunta a que será Until We Hit The Shores de Travoltas. Este veterano sexteto holandés reapareció en 2014 después de un hiato de ocho años con el EP The Longest Wait, y aunque han tenido que pasar tres años más para que se decidieran a grabar un álbum completo, la verdad es que es como si no hubiera pasado ni un día desde que lo dejaran.

El sonido más experimental de discos como The Highschool Reunion, con mayor protagonismo de los teclados, ha quedado atrás y Travoltas vuelven a sonar como la versión punk rockera de los Beach Boys que siempre soñaron ser. Su influencia planea en cada uno de sus temas, sobre todo en el tratamiento armónico de las voces (‘Dying To Do That With You’, ‘Great Expectations’) y por supuesto, la temática veraniega que ya se palpa desde la portada. No hay nada revolucionario, pero da gusto encontrarse con un álbum que consigue a la perfección el objetivo que persigue. Sus diez canciones sirven de perfecto estimulante para levantar-

te el ánimo con sus melodías soleadas y sus guitarras distorsionadas, pero nada hirientes, y si además incluyen una versión de ‘My Back Pages’, una de mis canciones favoritas de Bob Dylan, o una ‘Until We Hit The Shore’ donde recuerdan a Teenage Fanclub, poco más puedo pedir. A pesar de que alguno de sus componentes ya luzca canas, o calva, el espíritu juvenil domina temas como ‘Tokyo’, ‘Sugar Thing’, ‘Better Days’ o ‘In This Room’ y te animan a canturrear sin reparo. A ver si tenemos la suerte de que se acerquen por aquí este año. Ni que sea en diciembre, seguro que nos dan calorcito. JORDI MEYA

HABLAMOS CON... PERRY LEENHOUTS En 2014 volvisteis con un EP después de ocho años separados. ¿Qué os ha llevado a grabar un nuevo álbum? “Después de ese EP y los tres conciertos de reunión, empezamos a hablar de hacer un nuevo disco porque teníamos ideas y no sentíamos ningún tipo de presión. Se trataba de simplemente hacer un disco con canciones que nos gustara y poniendo nosotros el calendario que más se adaptara a nuestras vidas actuales. Simplemente nos apetecía, somos viejos amigos que hemos pasado por muchas juntos y queríamos disfrutar de volver a hacer música juntos”. ¿Podrías explicar qué os hizo separaros en 2006 y qué hizo posible que el grupo volviera? “Cuando nos separamos, todo el mundo estaba quemado. Ya no había motivación y empezamos a cambiar nuestras

prioridades hacia otras cosas. En ese momento ya llevábamos 16 años juntos y sentíamos que no podíamos llegar más lejos. Pero seguíamos siendo grandes amigos, no era nada personal. Así que fue fácil juntarnos porque la amistad seguía ahí. La reunión de 2014 se basó en eso, con la diferencia de que ahora no sentíamos ninguna presión. Así que, ¿por qué no hacerlo?”. Escuchando Until We Hit The Shore parece que no haya pasado el tiempo. ¿Salió de manera automática sonar como lo hacéis? “A estas alturas, sí. La manera en la que acabaron las canciones es la manera como las oía en mi cabeza mientras estaba trabajando y produciendo las canciones que Dan y Woody habían escrito. No hay duda: así es como sonamos y como queremos sonar. Aparte de algu-

nos experimentos en discos como Club Nouveau y The Highschool Reunion, el sonido Travoltas es el de este disco o de otros como Modern World, Teenbeat y especialmente Endless Summer”. Obviamente éste es un álbum perfecto para el verano. ¿Siempre tenéis esta estación y las playas en la cabeza cuando componéis? “Siempre hemos enfocado nuestras letras y melodías con una actitud positiva y la cultura de la playa es el escenario perfecto para eso. Es algo con lo que todo el mundo se puede identificar. Ese deseo de que llegue el verano y sentirte libre y sin preocupaciones. Es el deseo de tiempos mejores. Creo que, en este disco, nos hemos aproximado a ese concepto de manera un poco distinta, pero el fondo es el mismo”. (MARC LÓPEZ) 87

HUMMANO Genocide

(BLOOD FIRE DEATH)

METAL, DEATHCORE

ummano siempre han sido un monstruo de dos caras. Una cachonda y desenfadada que mostraban en sus vídeos y las fotos y portadas de sus discos, y otra mucho más cabrona que plasmaban en la brutalidad de su música. Pero incluso en sus temas había guiños que hacían pensar que no se tomaban a ellos mismos totalmente en serio. Pues bien, parece que llegados a su segundo álbum, el grupo de Tres Cantos ha decidido cambiar el chip y Genocide viene sin una sola concesión a provocarte una sonrisa. Hummano te atacan con todo lo que tienen en un

disco en el que vuelven a brillar a nivel técnico –sin caer en pajas innecesariasmientras te sumergen en la más profunda oscuridad con breakdowns salidos del averno (‘No Gods, No Masters’, ‘The Color Of Misery’). Sin explicitarlo, el álbum aparece dividido en tres partes separadas por los interludios ‘Def Con Three’, ‘Def Con Two’ y ‘Def Con One’; una advertencia, aprovéchalos porque son los únicos momentos que te permitirán coger aire. Cada canción es una explosión de violencia sonora, con la voz de Sito Shutter alternando poderosos guturales con mínimas líneas melódicas (‘Black Mirrors’, ‘S.N.A.F.U.’). Coproduciendo el disco junto a Alex Cappa (toda una garantía), merece destacarse la labor de Fer Díez también a las guitarras a base de riffs enfermizos propulsados por una sección rítmica sin fisuras. Que hayan reservado ‘Solitary Confinement’ para cerrar el álbum, uno de los mejores y más elaborados cortes, es una muestra de la confianza que tienen en sí mismos. JORDI MEYA

HELL OR HIGHWATER Vista

(SPINEFARM)

MODERN ROCK

uando en 2011 Atreyu decidieron tomarse un descanso indefinido, su batería y vocalista Brendon Saller optó por emplearse a fondo en un nuevo proyecto en solitario. Bautizado originalmente como The Black Cloud Collective, acabó derivando en una banda bajo el nombre de Hell Or Highwater, y con ella publicó su primer álbum Begin Again ese mismo año y, posteriormente, el EP The Other Side en 2013. Tras haberse reactivado Atreyu con el disco Long Live y haber girado por todo el mundo, Saller ha encontrado

ahora el hueco para publicar el segundo trabajo del grupo, donde actúa como frontman. Conociendo sus tendencias más melódicas, no sorprende demasiado lo que aquí ofrece musicalmente. Salvando todas las distancias, Hell Or Highwater viene a ser a Atreyu lo que Stone Sour es a Slipknot, y como pasa entre estos dos grupos, las líneas a veces son más difusas de lo que parecen. Orientado totalmente a ese hard rock alternativo que tanto gusta en Estados Unidos, Vista contiene doce canciones perfectamente ejecutadas con buenas guitarras y buenas interpretaciones de Saller, pero con escaso impacto emocional, como esas modelos objetivamente guapas, pero que no te despiertan ningún morbo. No digo yo que canciones como ‘Colors’, ‘Don’t Hate Me’, ‘Don’t Stop. Get Up’ o la más popera ‘Washed Away’ no entren bien y tengan estribillos resultones, pero a la que intentan marcarse una balada a lo U2 en ‘Blister’ o ponerse trascendentes en ‘Revolution’ patinan bastante. DAVID GARCELL

SUFFOCATION

…Of The Dark Light (NUCLEAR BLAST)

BRUTAL DEATH METAL

ay algo en …Of The Dark Light que no acaba de funcionar. Es una sensación que te acompaña durante todo su recorrido, por mucho que mejore en su parte final. Veníamos de Pinnacle Of Bedlam, para un servidor el mejor álbum de 2013, así que pese a los buenos momentos, que los tiene, para mí la nueva obra de Suffocation ha significado un ligero chasco. ‘Clarity Through Deprivation’ contiene todos los ingredientes que te alucinan de ellos, pero si para el resto de los mortales un tema así estaría fuera de nuestro alcance, para

los estadounidenses se trata de un mero ejercicio de sencilla ejecución. La siguiente ‘The Warmth Within The Dark’ titubea, aunque luego espabila y se acaba reivindicando con un cambio de tercio de lo más inesperado. Nada que reprochar en ‘Your Last Breaths’, una vigorosa sobrada técnica que te arrancará la cabeza, pero en cambio ‘Return To The Abyss’ es bastante previsible y facilona. ‘The Violation’ no aporta mucho, aunque luego el tonelaje de ‘Of The Dark Light’ inicia esa mejoría que apuntábamos antes una vez traspasado el ecuador del disco. Si este corte no te deja más plano que un papel, vivirás para que la virulenta ‘Some Things Should Be Left Alone’, la camaleónica ‘Caught Between Two Worlds’ y ‘Epitaph Of The Credulous’ te hagan aflorar una sonrisa en la cara, ni que sea rajándola con un cuchillo. Y todo eso sin tampoco ser maravillosas… Su identidad está aquí, eso está fuera de toda duda, pero ni de lejos estamos ante los Suffocation más inspirados. PAU NAVARRA

SONIC WEAPON Showtime (AUTOEDITADO)

HARD ROCK

l título del primer trabajo de los barceloneses Sonic Weapon es una declaración de intenciones en toda regla: Showtime. Su hard rock de alto voltaje y grandes melodías transmite fuerza y, sobre todo, diversión. La canción que da nombre al disco, la inicial ‘Hollywood’ y otros cortes están dedicados al mundo del espectáculo y, en concreto, a las bailarinas de clubes nocturnos. “Sabes que tienes que pagar antes de obtener tu dosis, pero te has gastado todo tu dinero bebiendo y algo más”, cantan en inglés en ‘Every

Time She Do It’, uno de los mejores momentos de un disco con luces de neón y unos coros fantásticos a cargo de las chicas de Molly Varlet. Como en las vidas de sus (imagino) admirados Guns N’ Roses y Mötley Crüe, aquí abundan las referencias más o menos explícitas al sexo, las drogas y el rock’n’roll. A destacar, la potentísima ‘Blind’, mi favorita, un auténtico chute hecho tema, con un riff omnipresente heredero de los mejores Stone Temple Pilots. Entre los nueve temas erótico-festivos de su primer largo, grabado en EstudiU de L’Hospitalet de Llobregat, también hay un medio tiempo introspectivo como ‘Still Believing’, una balada que esconde un solo de guitarra tremendo. En las filas de esta banda encontramos veteranos con mucho oficio, exmiembros de Witness, y jóvenes promesas con ganas de comerse el mundo, como el cantante Alex Sendoya. Buena combinación, y prometedor debut. Les seguiremos la pista. LUIS BENAVIDES

THE MAINE

Lovely Little Lonely (8123)

POP ROCK

asi por accidente The Maine se han acabado convirtiendo en una auténtica anomalía dentro del panorama. Una banda que hace canciones pop con una instrumentación rock y que a pesar de que su música podría sonar en cualquier emisora comercial, ha cortado sus vínculos con la industria y ahora se autoedita sus discos con su propio sello 8123 y organiza sus giras. A ese nivel, The Maine son más indies que muchas bandas que se cuelgan esa etiqueta. En su sexto álbum, la banda de Arizona ofrece doce nuevas canciones que estilísticamente cogen el testigo donde lo dejó su

anterior American Candy en 2015. La influencia de bandas de los 90 como Third Eye Blind, Gin Blossoms o Counting Crows sigue presente, pero creo que The Maine ya se han ganado que hablemos de ellos como un grupo con un sonido propio. Puede que sus canciones parezcan sencillas a primera vista, pero si uno se fija en las elegantes melodías de las guitarras, el enfoque imaginativo de la batería o la atención que prestan los arreglos se dará cuenta de que ‘Bad Behavior’, ‘Black Butterflies And Déjà Vu’, ‘Do You Remember? (The Other Half Of 23)’, ‘How Do You Feel?’ son bastante más que simples canciones pegadizas. Aunque probablemente lo que más engancha sea la labor de John O’Callaghan, un cantante que, sin tener una voz espectacular, consigue que cada palabra suene con la emoción adecuada. No creo que Lovely Little Lonely vaya a suponer un punto de inflexión en su carrera, pero con que les permita seguir grabando discos así de buenos, me basta. JORDI MEYA

DEEZ NUTS

Binge & Purgatory (CENTURY MEDIA)

HARDCORE

levar una vida disipada tiene sus consecuencias. Ése parece ser el mensaje que encierra Binge & Purgatory, el quinto álbum de Deez Nuts. Puede resultar extraño que lo que empezó como un proyecto de puro cachondeo por parte de JJ Peters (para los despistados antiguo batería de I Killed The Prom Queen) haya acabado derivando en algo más serio. Pero supongo que miles de resacas y, sobre todo, convertirse en padre hacen replantearse las cosas. La buena noticia es que aunque ahora las letras sean más profundas y personales, eso no significa que la música

se haya ablandado. Casi es lo contrario y posiblemente éste sea su disco más duro y con más influencias del metal, sobre todo en lo que se refiere a los riffs de Matthew ‘Realbad’ Rogers. Como los buenos discos de hardcore, los temas se suceden con prisa y sin pausa. En apenas 32 minutos veremos una docena de ellos (sin contar la intro) desfilar por nuestros oídos. Dice Peters que el entorno siempre le influye a la hora de grabar, y el hecho que éste lo hayan realizado en Nueva York me da que pensar que mientras lo hacía tenía a bandas como Madball o Cro-Mags en la cabeza. La arrastrada ‘Antidote’ se beneficia de la presencia de Scott Vogel de Terror en una parte central de infarto. Lo mismo ocurre en ‘Lessons Learned’, un tema con una estrofa casi thrash, con Jamey Jasta de Hatebreed escupiendo bilis. Me encantan cuando cogen velocidad como en ‘Carried By Six’ o ‘Remedy’ o cuando cuelan alguna parte más punk como en ‘Discord’, pero la verdad es que Deez Nuts lo hacen casi todo bien. DAVID GARCELL

THE PICTUREBOOKS

EL DÚO ALEMÁN THE PICTUREBOOKS SE HA PASADO LOS ÚLTIMOS TRES AÑOS DE GIRA. SU SEGUNDO ÁLBUM HOME IS A HEARTACHE REFLEJA TODO LO BUENO Y LO MALO QUE HAN VIVIDO EN LA CARRETERA A RITMO DE BLUES CAVERNÍCOLA. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

YNN CLAUS GRABKE, CANTANTE Y GUITARRISTA DE THE PICTUREBOOKS, lleva la música en sus genes. Su padre militó en los 90 en Thumb, una banda que publicó varios discos en Victory Records y que giró junto a Foo Fighters, Bad Religion e incluso llegó a participar en un Warped Tour. Junto a su amigo de la adolescencia, el batería Philipp Mirtschink, forman una pareja bien avenida. Amigos desde la adolescencia, comparten tanto su amor por las motos y el skate como su odio hacia el blues moderno. Paradójicamente, aunque cuando empezaron hace más de diez años a tocar juntos usaban cajas de ritmo y tenían influencias new wave, se hicieron populares cuando su música se transformó en ese blues tosco, sucio, duro y garajero que encontramos en su debut Imaginary Horse en 2014. En su caso el adjetivo ‘garajero’ va como anillo al dedo, pues literalmente lo grabaron en el taller de motos donde también se ganan la vida customizando choppers antiguas. Y es precisamente desde allí donde nos atienden para hablar de su reciente Home Is A Heartache (Another Century), disco que hace poco los trajo a nuestro país para abrir los conciertos de Monster Truck. ¿Usasteis el mismo espacio y equipo para grabar el nuevo disco que el primero? FYNN CLAUS “Básicamente sí. No queríamos cambiar demasiadas cosas de nuestro sonido o estilo. Philipp y yo construimos pequeños instrumentos de percusión y, además, a menudo cuando tocamos en Estados Unidos, los nativos americanos nos regalan instrumentos tradicionales de sus tribus. Nos encanta utilizarlos tanto en directo como en disco. En éste hemos usado una cadena que tiene casquillos de bala. La enredamos en nuestros brazos o piernas y hacen unos sonidos muy curiosos mientras tocamos”.

Creo que es la primera vez que un grupo me dice que tiene nativos entre sus fans. Dime, ¿cómo han llegado a conoceros? FYNN KLAUS “No sabría decirte. Tampoco es que sea un movimiento, pero a menudo los vemos en nuestros conciertos. Supongo que les ha llegado que estamos influenciados por su música y su cultura y les despierta curiosidad”. Para ellos, la música, unido a las drogas, era algo muy relacionado con la espiritualidad, una manera de trascender. ¿Habéis probado el peyote u otras sustancias para crear? FYNN CLAUS “No. Vamos a tiendas orgánicas a comprar ensalada. Eso es lo más verde que consumimos. No nos van las drogas, la verdad. Me interesa más la parte espiritual de su música. Cuando improvisas tienes que estar en cierto estado mental. Pero no necesitamos drogas para llegar a ese estado. De hecho, cuanto más sano estoy, más fácil me es abrir esas puertas”. Por vuestra manera de grabar, casi parece que no haya diferencia entre un disco y un directo. FYNN CLAUS “En realidad lo vemos como dos cosas distintas. Creo que en directo somos distintos. El sonido es casi exactamente el mismo, pero la gente dice que cuando está en un concierto se siente parte de una ceremonia. La canción ‘War Dance’ va sobre eso. Es algo muy intenso. A mucha gente le cuesta creer que seamos sólo dos porque suena como una

orquesta, pero la realidad es que lo tocamos todo nosotros. No hay trampas. A veces menos es más”. ¿Qué es el blues para The Picturebooks? FYNN CLAUS “(Risas) Odiamos el blues. Las bandas de blues son muy aburridas, son muy predecibles. Hablo del blues moderno. Joe Bonamassa y todo eso. Para mí es como blues hecho por niños ricos. Lo que nos gusta es el blues primitivo, del que no hay grabaciones. Más góspel, supongo. Tiene un sentimiento muy triste y honesto. Creo que somos demasiado jóve-

nes e inexpertos como para poder hacer blues de verdad. No quiero ser irrespetuoso con el blues. Es una influencia que nos vino sin ni siquiera buscarla. Pero no sé tocar un solo blues. De hecho, no sé tocar ni un solo acorde. Toco en base a una afinación que me inventé. Es mi manera de tocar. A veces vamos a fiestas y me dicen ‘pon algo de blues’. Pero no tengo nada de blues en mi iPod. Es más fácil que encuentres una canción de Katy Perry (risas)”. ¿Cuál diríais que ha sido la principal influencia en Home Is

“MUCHAS VECES VAMOS DE UNA CIUDAD A OTRA EN MOTO. ES LO MEJOR. ES AGOTADOR, PERO MOLA MUCHO. ES COMO UNA AVENTURA” FYNN CLAUS GRABKE

A Heartache? FYNN CLAUS “Estar tres años de gira. En la carretera pasan muchas locuras. En Alburquerque estuvimos en medio de un tiroteo. Te llegas a perder un poco. Conoces a mucha gente, haces amigos, haces enemigos, pasan muchas cosas y todo eso ha quedado reflejado en el disco”. ¿Son entonces las letras una especie de diario? FYNN CLAUS “El 80% de las letras son improvisadas. Es mucho más rápido (risas). Creo que es la manera más honesta de hacerlo porque

no puedes esconder tus sentimientos o tus miedos. Lo que sale, sale. El resto son pensamientos que te vienen a la cabeza cuando estás conduciendo por esas rectas infinitas que hay en Estados Unidos. Quizá este disco es un poco más maduro porque hemos aprendido mucho en estos años. Nos conocemos mejor a nosotros y a nuestra música. Como te decía, básicamente es un reflejo de lo que te pasa por la cabeza cuando estás de gira. Una canción como ‘Inner Demons’ es sobre los ataques de pánico que empecé a sufrir estando de gira”.

Vaya… FYNN CLAUS “No sabía de dónde venían. Me podía venir mientras estaba tocado o mientras estaba comiendo. Me llevó un tiempo superarlos. Cuando volvimos a casa, empecé a coger buenas rutinas, a comer sano, a hacer deporte, y eso me ayudó mucho. Cuando entramos en el estudio, le dije a Philipp ‘vamos a hacer un tema que suene como un ataque de pánico’. Está totalmente improvisado y grabado en una sola toma. Le expliqué que un ataque te viene muy lentamente, va creciendo y, finalmente, explota. Y luego se desvanece poco a poco. La canción es justamente así. Lo curioso es que es algo que sólo notas tú. Cuando me ha ocurrido tocando, le he preguntado a Philipp si había notado algo diferente y me dice que no. Y en cambio yo sentía que me estaba muriendo (risas)”. Obviamente estáis muy influenciados por la cultura norteamericana y poder girar por ahí fue muy importante, pero ¿es la América real tal como la habíais imaginado? FYNN CLAUS “La primera vez que fui allí tenía 10 años. La idea que tenía de América era Manhattan y hillbillies montados en camiones (risas). Pero he visitado el país durante 17 años, y me ha influido mucho. Nos encanta el desierto, te afecta la cabeza (risas). Pero no sólo nos gusta Estados Unidos, Europa también. En España tenéis desierto y cada vez que vamos nos encanta. Vamos mucho a España, incluso de manera privada. Conozco muchos restaurantes en Barcelona”.

Está claro que os gusta viajar... ¡Eso es perfecto para un vuestro oficio! FYNN CLAUS “Mi padre siempre ha estado en bandas y tuvo bastante éxito. Era skater profesional en los 80, así que me crié en un autobús de gira. Para mí ha sido algo muy natural. Lo cierto es que no sabría vivir de otra manera”. PHILPP “Lo que más me gusta de estar en la banda es poder viajar”. FYNN CLAUS “Somos mejores amigos. Vivimos en la misma casa, así que estar en la carretera no es nada distinto. Gracias al grupo hemos estados juntos en lugares que nunca hubiéramos imaginado. Y seguimos haciendo lo de las motos cuando tenemos tiempo”. PHILIPP “Nos complementamos muy bien. Nunca discutimos”. FYNN CLAUS “Sí, a veces parece que la gente quiera que haya mal rollo entre nosotros. Quieren vernos pelear, pero nunca ocurre. Somos muy sinceros. Si algo no nos gusta, lo decimos y ya está. Nunca nos 96

guardamos cosas dentro. No es nada bueno acumular rabia”. El skate y las motos son aficiones bastante peligrosas para un músico. ¿Os lo tomáis con más calma ahora? FYNN CLAUS “Intentamos no patinar cuando estamos de gira. Alguna vez pasamos de todo y lo hacemos. Pero en el pasado nos habíamos hecho daño y casi tuvimos que cancelar algunos conciertos o no tocamos del todo bien por el dolor, así que decidimos dejarlo porque no es justo para la gente que ha pagado una entrada para verte, ni para el promotor, ni para la sala. Seguir patinando sería un gesto muy egoísta. Pero seguimos yendo en moto. Muchas veces vamos de una ciudad a otra en moto. Es lo mejor. Es agotador, pero mola mucho. Es como una aventura”. ¿Y tenéis a alguien que os lleva el equipo en una furgo? FYNN CLAUS “Exacto. El equipo y las herramientas (risas)”.

Neil Peart de Rush hace lo mismo. FYNN CLAUS “¿De verdad? Me encantan Rush”. Por cierto, ¿conocéis a Zeal & Ardor? Creo que haríais un buen tándem para una gira. FYNN CLAUS “Justo esta tarde nuestro management nos ha dado su disco. Es interesante. De hecho, están hablando de hacer una gira juntos. Pero no sé si ocurrirá porque ya tenemos muchas giras programadas. La verdad es que apenas escuchamos música. Antes de grabar nos obligamos a no escuchar nada de música durante meses para que no nos influencie. Queremos tener nuestro propio sonido. El problema de muchas bandas alemanas es que parecen copias de bandas americanas. Por eso tan pocas tienen éxito fuera del país”.

THE FLATLINERS

MAKE PUNK ROCK GREAT AGAIN

MIENTRAS UN SECTOR DE SU AFICIÓN SIGUE DEMANDANDO UNA VUELTA A LOS ORÍGENES QUE CADA VEZ QUEDA MÁS LEJANA, THE FLATLINERS SIGUEN SU CAMINO EMPEÑADOS EN CONTINUAR CRECIENDO COMO LO QUE SON: UNA DE LAS MEJORES BANDAS DE PUNK DE LOS ÚLTIMOS TIEMPOS.

TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: VANESSA HEINS

I EN CINCO AÑOS LA VIDA DE UNA PERSONA PUEDE DAR UN

giro completo de 180 grados, imagínense el cambio que ésta pueda experimentar en 15. Añadan el estar en una banda de rock que ha dado varias vueltas alrededor del mundo en todo ese tiempo y será justamente lo que The Flatliners han hecho desde que empezasen su trayectoria siendo unos adolescentes. El combo de Ontario, Canadá, debutó en 2005 con un Destroy To Create a ritmo de trepidante ska-core que no tardó en llamar la atención de Fat Mike, quien no dudó en ficharles para su sello. Bajo el paraguas de la disquera del líder de NoFx, Fat Wreck Chords, consiguieron editar una de las mejores trilogías en cuanto a punk rock que, al menos, un servidor recuerda en mucho tiempo, la que forman The Great Awake, Cavalcade y Dead Language. Un recorrido que les ha valido para consolidarse como una de las mejores bandas jóvenes de su estilo. Ni las giras mundiales ni el poder codearse con algunos de sus héroes como Lagwagon o Hot Water Music han conseguido cambiar la forma de ser de Chris Cresswell (voz y guitarra), Scott Brigham (guitarra), Jon Darbey (bajo) y Paul Ramirez (batería), quienes siguen viviendo esta aventura con la misma ilusión que cuando empezaron, manteniendo la humildad y los pies en el suelo. Ahora que publi-

can su quinto trabajo, Inviting Light, tras haber firmado por Rise Records, era el momento para volver a descolgar el teléfono y ponernos en contacto con el siempre dicharachero Chris Cresswell justo un par de días después de que hubiesen finalizado una gira teloneando a Weezer. La semana pasada estuvisteis abriendo para Weezer. ¿Qué tal os fue? CHRIS CRESSWELL “Oh tío, fue increíble. Todos crecimos escuchando a Weezer, así que cuando nos dijeron que íbamos a hacer una gira con ellos nos pareció una locura (risas). Ya había tenido la oportunidad de verles hace muchos años y la cantidad de hits que tienen es increíble. Cada canción que tocaban nos quedábamos mirándonos los unos a los otros y nos emocionábamos (risas). Dimos seis conciertos con ellos y estuvieron alucinantes. Es una banda que siempre me ha gustado desde que era un niño. Una de las primeras cintas que tuve fue The Blue Album. Tocar con ellos es de ese tipo de cosas que no te puedes creer hasta que estás allí”.

tro que desde fuera, especialmente tomando la perspectiva de un disco a otro. 2013 y 2014 fueron años en los que estuvimos muy ocupados girando con Dead Language, que es lo que siempre pasa cuando sacas un disco y quieres presentarlo a la gente. Pasamos buena parte de 2015 tocando con Lagwagon y también fue súper divertido. Al igual que Weezer, es una banda con la que crecimos y se han convertido en muy buenos amigos. Joey Cape es como un hermano mayor para mí, es mi mentor. Incluso tuvimos la oportunidad de hacer junto a Jon Snodgrass y Brian Walhstrom el nuevo disco de Scorpios. Fue toda una sorpresa que me pidiese unirme a ellos. Ése es el tipo de cosas que siempre nos han pasado con The Flatliners. Todo lo bueno que nos ha ocurrido a lo largo del camino y que no podíamos creer ha sido en plan: ‘Oh, ¿en serio? ¿Sí? OK, guay. Hagámoslo’ (Risas). Pero al mismo tiempo que empezábamos a tocar menos con Dead Language comenzamos a componer el nuevo álbum. A pesar de que seguíamos estando de gira, era mucho menos de lo normal”.

En los cuatro años que ha habido entre Dead Language e Inviting Light no habéis parado de girar por todo el planeta. ¿Cómo has visto el crecimiento del grupo en todo este tiempo? “Siempre es diferente verlo desde den-

Para hacer algo más llevadera la espera entre un disco y otro, aprovechasteis para lanzar Division Of Spoils, un álbum que recopilaba todas vuestras canciones que habían aparecido en diferentes singles, EPs, compartidos... 99

“Sí, como dices, muchas de esas canciones ya habían salido en otras cosas, así que las juntamos. Había alguna demo de The Great Awake y muchas canciones de Dead Language que nunca habíamos publicado. Fue divertido compilar todo ese material y ver cómo habíamos crecido a lo largo de los años. Creo que es un buen trabajo porque muchas de esas canciones, en nuestras cabezas, no eran lo suficientemente buenas para estar en nuestros discos, pero al ponerlas todas juntas nos parecían mucho mejores (risas). Casi nos habíamos olvidado de ellas porque, para ser honestos, nunca las tocamos cuando salimos a tocar con un nuevo disco. Moló mucho poder reconectar de esa manera con todo lo que habíamos hecho”.

sigan conectados a ti de alguna manera. Ahora mismo hay muchísima música y es complicado. Aunque no se trata tanto de seguir siendo relevante, sino de sacar música de una manera interesante. Creo que con Spotify, Apple Music y todas estas plataformas digitales vamos a ver muchas bandas de rock y punk abrazando la cultura del single, al igual que el hip hop y el pop han estado haciendo durante tanto tiempo. Piensa en un tío al que nadie conocía de nada como Drake y ahora es uno de los raperos más grandes que existen en el mundo. Sacó sólo una canción, ‘Hotline Bling’, y un año después publicó un disco. El hip hop siempre ha sobrevivido de esa manera. Quizás en el futuro haya más bandas de rock que empiecen a trabajar así”.

La verdad es que cada vez hay menos bandas que se preocupan por lanzar este tipo de artefactos que van destinados sobre todo a los más fanáticos. “Es cierto. Siempre nos han gustado los grupos que se preocupan por el aspecto de coleccionar los vinilos y demás, eso nos encanta. Hemos tenido la suerte de poder trabajar con un puñado de sellos que lo entendían así también. Creo que el mundo en el que vivimos cada vez se centra más en las cosas que ocurren en el momento y cada vez es más difícil captar la atención de la gente, así que si tienes la oportunidad de sacar una tirada de 7” cada pocos meses, ¿por qué no hacerlo? Pienso que al igual que un álbum es importante tanto para la banda como para los fans, también lo es seguir editando nuevo material para que

También sacaste tu primer álbum en solitario con One Week Records, el sello de Joey Cape. ¿Tienes planes de seguir explorando esa faceta acústica por tu cuenta o se quedará en un trabajo meramente anecdótico? “Creo que siempre voy a sentir el deseo de querer explorar más caminos. Cuando Joey me propuso grabar aquel disco me quedé alucinado, es una de esas cosas que te comentaba antes que siempre nos han pasado. Y fue realmente bien, trabajar con él en One Week Records fue increíble. Siempre he escrito canciones con la guitarra acústica durante toda mi vida y supongo que es uno de los motivos por los que nos sentimos tan cercanos. Creo que hemos aprendido a trabajar juntos. De alguna manera me abrió la mente en cuanto a cómo pue-

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do escribir música y algo de eso se ha trasladado al nuevo disco de The Flatliners, ya que es un nuevo territorio. Llegas a un punto en el que no puedes estar pensando en lo que hiciste, sino en lo que quieres hacer ahora. Como músico, siempre quieres probar cosas nuevas. Así que me alegro de haber colaborado con Joey y también con el álbum de Scorpios que sacamos este año. Me encantó el disco que hicieron antes de que Tony Sly nos dejara y el poder formar parte de todo eso es una locura para mí. Es triste porque desearía que Tony aún siguiese aquí, obviamente, pero creo que acabaremos haciendo algún concierto de Scorpios en algún momento a pesar de que todos estamos ocupados con nuestras agendas. En cualquier caso, creo que siempre estaré creando música sea con un grupo de punk, rock o en acústico. No me veo capaz de escapar de ello, ni siquiera de elegir un solo estilo (risas)”. Hablemos del nuevo disco. Parecíais una banda ya establecida dentro de Fat Wreck y sin embargo acabáis de fichar por Rise. ¿Qué es lo que provocó esta transición? “Es una buena pregunta. Fue una decisión muy difícil el dejar Fat y trabajar con un nuevo sello en este disco. Lo pensamos durante mucho tiempo antes de estar seguros. Empezamos a hablar de ello con Fat Wreck como un año antes de que todo se anunciase. Les queremos un montón, han hecho muchísimo por nuestro grupo, tienen un equipo fantástico y todos ellos se han convertido en grandes amigos. Llegamos a un punto en el que nos dimos cuenta de que llevába-

“SÉ QUE PARA ALGUNO DE LOS SEGUIDORES PURETAS DEL PUNK ROCK ESTE DISCO SERÁ MUY DIFERENTE, PERO PARA NOSOTROS SE TRATA DE LA MÚSICA Y DE LAS CANCIONES” CHRIS CRESSWELL

mos con ellos diez años y habíamos hecho muchas cosas geniales juntos. Nos inspiró y pensamos, teniendo eso en cuenta, qué más podíamos probar. Ellos estaban dispuestos a sacar este álbum, pero nosotros sentíamos esa curiosidad de saber cómo alguien más podría trabajar con la banda. Y es eso mismo, no hay una gran explicación detrás. Pensamos que el trabajar con otro equipo de gente podría ayudarnos... o eso creemos. Ya se verá (risas). También conocemos a la gente de Rise Records ya que sacamos un split con Make Do And Mend antes de Dead Language y somos colegas de Hot Water Music, The Bouncing Souls y Dave Hause. Es una buena oportunidad y esperamos que funcione. Pero aún nos sentimos parte de la familia de Fat Wreck y siempre les estaremos agradecidos por todo lo que han hecho por nosotros. Fue muy importante que nos diesen su bendi-

ción para llevar esto a cabo”. El sonido de Inviting Light es algo más limpio y luminoso de lo que nos teníais acostumbrados hasta ahora. ¿Era algo intencionado? “Supongo que sí. Cuando empezamos a escribir estas canciones nos dimos cuenta de que tenían algo nuevo y decidimos abrazar eso por completo. No puedes restringirte a ti mismo cuando estás intentando hacer algo distinto. Creo que es mejor que volver a hacer el mismo disco una y otra vez. Nunca hemos hecho el mismo álbum dos veces, todos nuestros discos son diferentes, al menos así lo vemos nosotros, y creo que nuestros fans también. Éste tiene muchas cosas que la gente nunca ha escuchado de nosotros antes. Tienes que considerar que llevamos en este grupo desde hace 15 años y es nuestro quinto tra-

bajo. Llegas a un punto en el que te dices a ti mismo: ‘Hagamos lo que nos dé la puta gana’ (Risas). Tenemos la suerte de tener muchos seguidores alrededor de todo el mundo y siempre es increíble sentir una conexión con ellos cuando estamos de gira. Pero ellos también han crecido con nosotros y es algo muy bonito de ver a lo largo de los años. Sé que para alguno de los seguidores puretas del punk rock este disco será muy diferente, pero para nosotros se trata de la música y de las canciones. Es mucho más limpio y luminoso, tienes razón, hay más canciones escritas en una escala mayor. Desde un punto de vista personal, te diría que Dead Language lo escribí durante un época terrible de mi vida, muy difícil. Había muchas cosas horribles ocurriendo en mi vida personal y no sabía qué es lo que iba a pasar con mi vida en general. Las letras de aquel disco fueron muy agre101

“DEBO DECIR QUE CUANDO TRUMP SALIÓ ELEGIDO, MUCHA GENTE DIJO: ‘BUENO, AL MENOS EL PUNK VOLVERÁ A SER GRANDE OTRA VEZ’. Y TÍO, ESO ES UNA ESTUPIDEZ. HAY MUCHAS COSAS MÁS IMPORTANTES QUE PREOCUPARSE

QUE DE UN ESTILO MUSICAL VAYA A SER MÁS RELEVANTE AHORA QUE HAY UN HOMBRE MALVADO EN EL CARGO” CHRIS CRESSWELL

sivas y oscuras. Escribimos esas canciones un año antes de que saliese el disco, entre 2011 y 2012. Así que si avanzamos cinco o seis años hasta que ha salido Inviting Light, muchas cosas han cambiado y ahora tengo una vida genial (risas). Ya no me siento como si el mundo estuviera intentando joderme. He crecido mucho y mi vida ha cambiado. No es de lo que trata este álbum, porque las letras siguen siendo oscuras... lo cual me hace pensar que quizás sí me siga sintiendo como entonces (risas). Pero supongo que esa vibración positiva es justo lo que queríamos hacer”. Al mismo tiempo, he observado que el disco es algo más lento, quizás menos cabreado que los anteriores. Como di102

ces, lo veo mucho más alegre. “Creo que es complicado cumplir las expectativas de la gente cuando estás pensando en cómo era tu último disco. Por eso cada vez que nos reunimos para componer, no lo hacemos como si fuese nuestro siguiente álbum, sino como si fuese el primero que hacemos otra vez. Eso lo hace más excitante aún. Si hay alguien que no se sienta del todo convencido con Inviting Light, le diría que le diese algo de tiempo, lo escuche un par de veces y quizás le acabe gustando. Si no es así, bueno... tienes los otros discos también (risas). No se van a ir a ninguna parte, puedes seguir escuchándolos siempre que quieras”. Supongo que algunos de vuestros viejos fans seguirán que-

jándose porque no volvéis a hacer ska otra vez. ¿Cómo te tomaste la campaña #maketheflatlinerskaagain que hubo en internet hace unos meses? “¡Lo cierto es que esa campaña la hicimos nosotros mismos! (Risas) Obviamente era un chiste sobre la elección de Donald Trump como presidente. Estuvimos en Estados Unidos el pasado mes de octubre y no podíamos creer que el día de la votación estuviese cada vez más cerca y que Donald Trump todavía siguiese siendo candidato. El hecho de que fuese elegido después de todo esto era una absoluta locura. Es ridículo que alguien como él sea el primer líder mundial. El caso es que pensamos que el hecho de que todavía siguiese en la carrera presidencial era tal broma que nos dijimos:

‘Joder, tío. Cualquier cosa es posible’ (Risas). Hicimos un beer-koozie, un aislante que sirve para mantener tu cerveza fría sin helarte las manos, con la frase ‘Make The Flatliners ska again’ y la subimos a internet. Sólo íbamos a venderlo durante los dos conciertos que hicimos en The Fest el año pasado, en Florida. ¡Y la gente se volvió loca con eso! (Risas) Pero en el buen sentido. Cada vez nos resulta más complicado incluir más canciones de Destroy To Create en los sets, pero aún las seguimos haciendo porque nos gusta tocar temas de todas nuestras épocas, especialmente para la gente que nos lleva siguiendo desde el principio. No puedo asegurar que nunca volveremos a hacer ska o si el siguiente álbum será todo de ese estilo, no tengo ni idea. Pero creo que el hecho de que la gente lo viese como un chiste da una idea de cómo conectan con el grupo. Aunque hay personas que lo entendieron de otra manera: ‘OK, el próximo disco será todo ska otra vez’ (Risas). Tal vez cuando escuchen el nuevo se sientan decepcionados, no lo sé. Creo que se nos fue un poco de las manos, pero no te lo puedes tomar todo tan en serio”. Bueno, de todas maneras, de aquí a un par de años podréis hacer la gira del 20 aniversario para que se queden contentos. “(Risas) Es algo embarazoso de admitir. Hay muchas bandas haciendo este tipo de giras y creo que están bien. Es una buena manera de celebrar de dónde vienes y lo que has hecho. Pero nosotros no nos dimos cuenta de eso con el primer disco hasta un año después. Fue en plan: ‘El año pasado

fue el décimo aniversario de Destroy To Create... Oh, pues vale’ (Risas). Supongo que lo haremos cuando cumpla 15 ó 20 años, lo tendremos en cuenta (risas)”. ¿Y cómo crees que la comunidad punk rock reaccionará respecto a Donald Trump? Tal vez sería una buena idea hacer un nuevo Rock Against Trump. “Creo que es algo inevitable. La música es algo muy poderoso con lo que poder lanzar un mensaje que llegue a mucha gente, especialmente a aquellos que no prestan atención a la política. Pero debo decir que cuando Trump salió elegido, mucha gente dijo: ‘Bueno, al menos el punk volverá a ser grande otra vez’. Y tío, eso es una estupidez. Hay muchas cosas más importantes que preocuparse que de un estilo musical vaya a ser más relevante ahora que hay un hombre malvado en el cargo. Para mí eso significa dos cosas: A, que has perdido la fe en el punk o lo que sea, y B, que en realidad el mundo no te importa. La política y el punk siempre han sido importantes, y sí, creo que podremos crear un impacto ahora que está en el puesto y nadie lo está respaldando. Pero no debe servir para obviar que el poder de la música siempre ha estado ahí. Yo mismo tengo la suerte de poder usarla como vehículo si me siento enfadado y así poder inspirar a alguien que nunca se hubiera detenido a pensar así. Pero incluso si no cantase en una banda de punk, hay un millón de cosas que puedes hacer para luchar contra el poder fuera de la música. Lo estamos viendo ahora con las marchas por los derechos humanos y de las mujeres o en contra de cual-

quier tipo de fobia social. Todos esos asuntos son importantes. En el caso de que saliese una compilación como Rock Against Trump, lo bueno es que nos permitiría recaudar dinero para combatir contra muchas de las acciones que Trump está intentando llevar a cabo. Es muy triste que la humanidad haya llegado a esto. Y lo peor de todo es que él tan sólo es una marioneta. Creo que más allá de lo malvado que sea, hay un grupo de gente igual que están intentando conducir el país hacia sus propios intereses. Tal vez las bandas podamos intentar cambiar algo o al menos hacernos oír, pero es como una mala película repitiéndose. Es terrorífico”. Tienes toda la razón. Cambiemos de tema para terminar la entrevista. ¿Vendréis por España con vuestra propia gira? “Eso sería fantástico. Vamos a estar mucho tiempo en la carretera este año con Inviting Light. Espero que para finales de 2017 podamos estar en España y, si no es así, tal vez pasemos el invierno allí. Escaparemos del terrible frío canadiense y nos quedaremos en vuestro hermoso país (risas). La última vez que estuvimos allí con Lagwagon lo pasamos genial. Sería estupendo volver y hacer un par de conciertos más largos”. Ahora compartís discográfica con Hot Water Music. Un tour conjunto no sería una mala idea... “Ésa es una idea excelente. Veremos qué podemos hacer (risas)”.

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BUSH

NUEVA AUDIENCIA GAVIN ROSSDALE SE ENCUENTRA EN UN MOMENTO PLETÓRICO. NO SÓLO ACABA DE PUBLICAR EL SÉPTIMO ÁLBUM DE SU BANDA BUSH, BLACK AND WHITE RAINBOWS, SINO QUE CUENTA CON UNA NUEVA LEGIÓN DE SEGUIDORES GRACIAS A SU PARTICIPACIÓN EN LA VERSIÓN BRITÁNICA DE LA VOZ. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS : DR

N LOS DOS ÚLTIMOS AÑOS, GAVIN ROSSDALE

había tenido más protagonismo en las páginas del corazón que en las musicales. Su divorcio de Gwen Stefani, con quien llevaba casado desde 2002 y tiene tres hijos, y con quien formaba algo así como el equivalente a ‘los Beckham del rock’, generó muchos más titulares de los que hubiera obtenido por su faceta artística. Rossdale no es alguien ajeno a los medios amarillistas y, en cierta manera, sabe cómo utilizarlos a su favor, alimentando esa imagen de seductor y bestia sexual que tanto vende. Ya en 1995, la autobiografía de

Boy George desvelaba una supuesta relación homosexual entre Rossdale y Peter Robinson, el artista conocido como Marilyn, y en 2004 salió a la luz que era el padre de su ahijada Daisy, hija de la diseñadora Pearl Lowe, con quien había mantenido una breve relación. Su divorcio se atribuyó a un romance de tres años con su niñera; incluso se dijo que, el mismo día que Stefani dio a luz a su tercer hijo, se fue del hospital para acostarse con su amante. Quienes le conocieron en su juventud decían que era alguien con una ambición sin límites y que haría cualquier cosa por triunfar. Ha llovido mucho desde que Bush, un grupo que

pareció salir de la nada, lo petaron en 1994 con su primer disco Sixteen Stones (vendió más de seis millones de discos sólo en Estados Unidos) ofreciendo una versión comercial del grunge de Nirvana. Y dado que su carrera ha ido transcurriendo en un discreto segundo plano desde que el grupo se reactivara en 2010, no puede sorprender que Rossdale aceptara ser uno de los nuevos coach en la vigente temporada de la edición británica del popular concurso The Voice. Gracias a ello, su nombre, y su cara, vuelven a estar de actualidad y Rossdale se siente de nuevo con fuerzas para comerse el mundo. En los 90, que alguien del mundo del rock accediera a semejante trabajo podría haber supuesto el fin de su credibilidad, pero en el siglo XXI casi ningún músico, llámese Steven Tyler o Michael Monroe, está dispuesto a dejar pasar la exposición que supone salir en televisión. Por eso, cuando hablamos con él a finales de marzo, el cantante y guitarrista casi parece estar promocionando por igual el programa que su nuevo disco Black And White Rainbows (Zuma Rock/Music As Usual). Hola Gavin. GAVIN ROSSDALE “¡Hola! (En español -ndr.). ¿Desde dónde llamas?”. Desde Barcelona. “Oh, mi sobrina vive en Barcelona, es medio española. Mi hermana vivió allí y la tuvo a ella. Por favor, habla bien de mí para que podamos tocar en Barcelona. En una gira el cátering es tan importante como los conciertos, así que si voy a España sé que comeré muy bien y además podré ver a mi familia (risas)”. 106

Lo intentaré (risas). Me imagino que en el momento de publicar un nuevo disco siempre hay un punto de incertidumbre. Puedes estar muy convencido de lo que has hecho, pero nunca sabes cuál será la reacción del público. “Por supuesto. Éste es un oficio muy curioso. Por un lado, tienes mucha seguridad y compromiso con tu música, pero, por otro, siempre dudas si realmente es bueno. Es como correr una carrera tú solo los 100 metros y piensas que vas súper rápido, pero cuando llegas a la meta te dicen que has tardado 14 segundos y el récord del mundo está en 9 segundos. Esta vez tenía mucha fe cuando entré en el estudio y había escrito muchas canciones, y aun así, cuando tocamos en Londres el otro día, no tenía ni idea de lo que me encontraría. Por suerte, fue genial. Lo único que puedes hacer es esforzarte al máximo en todo lo que hagas, ya sea en un concierto o presentando La Voz”. Luego hablaremos del programa, pero escuchando el álbum me ha parecido como si lo hubieras escrito de manera muy natural, sin darle demasiadas vueltas. ¿Fue realmente así? “Como te decía, escribí muchas canciones, y lo hice para no sentir la presión de que una canción tuviera que salvarme la vida. No pensé en cuál tenía que ser el tercer single o el primero, simplemente escribí. Y cuando tenía unas 35, tuve más o menos claro cuáles podían formar un buen álbum. Y seguramente las que he incluido son las que salieron de manera más natural, así que gracias

por notarlo. Las que quedaron fuera son las que eran más como el monstruo Frankenstein, con trozos y partes de aquí y allá. Me encanta la idea de escribir cinco canciones en una semana y luego tener la libertad para tirarlas a la basura. Es un proceso interesante porque, en cierta manera, el álbum se va creando a sí mismo”. Lo cierto es que Black And White Rainbows parece un disco de amor escrito desde la perspectiva de alguien que ha vivido mucho. “(Risas) Es una buena observación. Para mí es un gran cumplido porque quería escribir algo que fuera apropiado para mí. Lo opuesto de eso sería escribirlo desde la perspectiva de alguien que ha tenido una vida corta… sería desconcertante”. Inicialmente pensaba que Bob Rock había producido el disco, pero sólo aparece en un tema. ¿Qué pasó? “Lo produje yo mismo. Lo que pasó es que tengo un nuevo mánager y me pidió escuchar cosas que tenía en mis archivos. Le llamó la atención una canción que había hecho con Bob Rock y que tenía pensado incluir en alguna banda sonora en la que pudiera encajar. La que aparece en el álbum es una versión de ese tema, pero por respeto incluí a Bob en los créditos ya que la había empezado con él. Mi antiguo mánager pensaba que mis canciones eran demasiado tristes, pero yo le decía que como artista tenía que reflejar el dolor que estaba sintiendo. Incluso ‘Toma Mi Corazón’, la canción en español, yo pensaba que podía tener mucho éxito en España o México, pero mi antiguo

“PUEDE QUE NUNCA TUVIÉRAMOS EL ÉXITO DE COLDPLAY, PERO CREO QUE HEMOS TENIDO UNA BUENA CARRERA. PODÍAMOS METER 5.000 PERSONAS SI NI SIQUIERA TENER UN DISCO NUEVO. PERO LA VOZ LO HA CAMBIADO TODO. ES COMO SURFEAR SOBRE UNA OLA GIGANTE” GAVIN ROSSDALE

mánager no lo veía nada claro. No me transmitía ninguna energía. Así que llamé a Bob y le dije ‘mi mánager cree que he perdido la cabeza. ¿Puedes venir al estudio?’. Así que vino, escuchó 17 canciones y me dijo que eran fantásticas. Y le dije ‘gracias’ (risas) y decidí hacerlo por mi cuenta. Todo esto era antes de La Voz, así que tampoco sabía si podía permitirme contratar a Bob porque cuesta mucho dinero. Prefería usar ese dinero para salir de gira. Pero luego cogí al nuevo mánager, que era quien originalmente me había descubierto y había fichado a Bush, y me dijo que el material era increíble y que quería

ayudarme. Soy muy fiel, pero decidí cambiar de mánager y firmé con una nueva agencia, y ahora tengo un programa de cocina, tengo una marca de ropa, escribí música para bandas sonoras, el grupo y La Voz… Así que estoy muy ocupado, pero muy equilibrado. Dedico todo mi tiempo a mis hijos y a mi trabajo. Para mí es una nueva vida. Sé que en España hay gente que no sabe quién soy, pero todo esto es una nueva oportunidad para reconstruir mi carrera. Es muy extraño, pero increíble”. Sin embargo, la formación actual de Bush, con Chris y

Corey, ya lleva bastantes años contigo… “Sí. Corey (Britz, bajo) estuvo conmigo en el disco en solitario de 2005, así que ya son doce años. Chris (Traynor, guitarra) lleva 15 años conmigo. Es mi mejor amigo. Su hija nació cuando le conocí y se vino con nosotros a la carretera. Ahora es una de las chicas más guapas que conozco y muy inteligente, así que nuestra relación se refleja en el crecimiento de su hija. Es una bonita simetría”. Lo que quería preguntarte es que muchos fans todavía ven esta formación como ‘los 107

nuevos Bush’. ¿Qué crees que tenéis que hacer para que los acepten totalmente? “Mi madre dice lo mismo: ‘Robin (Goodridge, batería) es el único miembro original, tiene que ser emocionante para los chicos nuevos tocar con vosotros’ (Risas). Y yo le digo ‘¿Los chicos nuevos? ¡Pero si llevan tocando 15 años en la banda!’. Puede que nunca tuviéramos el éxito de Coldplay, pero creo que hemos tenido una buena carrera. Podíamos meter 5.000 personas si ni siquiera tener un disco nuevo. Pero La Voz lo ha cambiado todo. Es como surfear sobre una ola gigante. He pasado muchos altibajos, pero tampoco es como si hubiéramos estado perdidos en el desierto. También hemos tenido hits con Chris en la banda”. De todos modos, actualmente es muy difícil que una banda de rock tenga un impacto en el mainstream... “Sí, lo sé (risas)”. ¿Es frustrante tener una canción como ‘Mad Love’, un tema muy comercial que en otro tiempo podría haber sido un hit, y saber que muy probablemente no tenga repercusión hoy en día? “Para mí la respuesta a esta pregunta sería totalmente distinta antes de estar en La Voz y después de estar en La Voz. Para mí son dos etapas distintas. En la etapa pre Voz, todas las bandas que me gustaban eran contraculturales y más oscuras. No me importaban las boy bands o las solistas de pop, me interesaba Patti Smith. Mi modelo a seguir eran los Pixies, así que cuando tocábamos 108

cinco noches en el Brixton Academy y la gente me decía que por qué no éramos más famosos en Inglaterra, no lo entendía. ¡Para mí ya era mucho! En esta etapa me consideraba un trabajador de la música. Y casi sentía que no tenía derecho a seguir siéndolo porque la mayoría de mis contemporáneos han desaparecido. Es muy difícil mantener una carrera tan sostenida en el tiempo. Pero siento que seguimos mejorando. Yo soy mejor guitarrista ahora de lo que he sido nunca. Cada semana tomo lecciones de guitarra, estudio música, me siento muy feliz simplemente haciendo música. Pero luego llegó lo de La Voz… Al principio pensaba que era una broma, creía que alguien quería tomarme el pelo. Pero al cabo de cuatro días tenía ese trabajo y lo cambió todo (risas). Estar en La Voz ha hecho que mucha gente ahora se interese por mi música. Pasé de tener 171.000 seguidores en las redes a casi un millón. Es algo hermoso y muy impactante. Lo valoro mucho, pero soy totalmente honesto con que tiene que ver con salir en la tele. Es una de cosas que te lleva a tocar en locales más grandes o que me puede llevar a tocar a España. Mi sobrina siempre me decía que por qué no iba a Barcelona, pero es que realmente nadie me pedía que lo hiciera. Ahora quizá lo hagan”. Pero de la misma forma, si me permites hacer de abogado del diablo, ¿no crees que muchos de estos nuevos seguidores sólo están interesados en tu faceta como celebrity y no en la musical?

“Seguramente en parte sea así, pero no todos. Creo que es una combinación. Pero estadísticamente te puedo demostrar que mucha más gente está escuchando ahora la música de Bush que antes. Quien busque en mis redes fotos con mis hijos, no las encontrará. A veces uso Periscope para hablar con los fans, pero no expongo mi vida privada. Puedes ser cínico con estas cosas, pero el otro día cuando tocamos en Londres tuve

“LA VOZ ES UNA OPORTUNIDAD INCREÍBLE. DA IGUAL SI ES EN AMÉRICA, INGLATERRA O ESPAÑA, ES UN EMPUJE FABULOSO PARA TU CARRERA. TODO EL MUNDO QUE DIGA LO CONTRARIO ES UN MENTIROSO” GAVIN ROSSDALE claro que el público no eran fans de La Voz, eran mis fans ingleses reivindicándonos como su banda. Hacía cinco años que no tocábamos en Londres y se agotaron las entradas en minutos. Y eran todos fans de Bush. Fue increíble. Seguramente en el futuro también vengan fans de La Voz a vernos, y eso es genial. Cada fin de semana me ven 20 millones de personas. Todo el mundo lo ve. Me siento muy agradecido. Por eso

en ese concierto en Londres les dije a mis fans que no me siento como un vendido, para mí es una gran experiencia. Me siento feliz haciendo ese trabajo. Siempre llego 15 minutos antes de la hora porque soy muy profesional. Me preocupo mucho por mi equipo. Tengo dos cantantes todavía vivas en la competición. Voy a ayudarles tanto como pueda porque creo que tienen un futuro increíble. La Voz es una oportunidad increíble.

Tom Jones es la única persona que ha ido a La Voz sin necesitarlo. Pero para el resto, da igual si es en América, Inglaterra o España, es un empuje fabuloso para tu carrera. Todo el mundo que diga lo contrario es un mentiroso”.

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DE LA CUNA A LA TUMBA

EN MANADA AUNQUE SU TRAYECTORIA APENAS ACABA DE EMPEZAR, DE LA CUNA A LA TUMBA COMIENZAN A CERRAR UNA PRIMERA ETAPA QUE LES HA COLOCADO COMO UNO DE LOS NOMBRES MÁS EXCITANTES SALIDOS DEL UNDERGROUND PATRIO EN LOS ÚLTIMOS MESES. ESCUCHANDO SU NUEVO LANZAMIENTO, NO CUESTA DEMASIADO ENTENDER POR QUÉ. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: VÍCTOR HERNÁNDEZ

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ENTRO DE NOSOTROS EXISTE ALGO QUE NO TIENE nombre y eso es lo que realmente somos”. Con estas líneas del escritor portugués José Saramago, De La Cuna A La Tumba pretenden definir el sentido de su segunda obra, [Algo Sin Nombre *] (The Braves). Un trabajo que por su brevedad dista de ser un álbum al uso, pero al que un término como EP se le queda corto debido a su ambición artística. Y es que así es como funciona el proyecto que hace apenas

Quizás ahí esté la clave de la buena acogida que han tenido en estos pocos meses de vida. Ya con su debut homónimo lograron agotar una primera tirada que les obligó a reeditarlo en otro formato, amén de colgar algún que otro sold out en salas como la madrileña Siroco, que según cuentan las buenas lenguas, fue una noche para el recuerdo. Incluso en RockZone les destacamos como uno de nuestros discos favoritos del pasado curso. Con el fin de poder vivir semejante experiencia en nuestras propias carnes, aprovechamos también para sentarnos a charlar un rato con Kantz y Jaime a su paso por Madrid, donde el pasado mes de marzo comenzaban su nueva gira junto a Aphonnic y Avida Dollars, para así conocer mejor la historia del grupo antes de que volviesen a dar una auténtica exhibición de poderío sobre el escenario. Si tenéis la oportunidad de cazarles en vuestra ciudad, os recomiendo que no dudéis en uniros a la manada.

dos años pusieron en marcha los sevillanos Jaime Ladrón (voz y guitarra), Jose Miguel Ocón (bajo) y Luis Manuel Terán (batería) de Catorce junto a J.A. Soler, más conocido como Kantz, cantante de Tenpel. Desde la primera toma de contacto que uno pueda tener con su propuesta, ya se palpa que estamos ante algo especial y diferente. Música sacada desde las mismísimas tripas, trasmitida con la crudeza del que necesita vomitar lo que lleva dentro pero cubierta por un manto de misticismo post hardcore casi poético.

Empecemos desde el principio. ¿Cómo os conocisteis? J.A. SOLER ‘KANTZ’ “Allá por 2012 Tenpel y Catorce tocamos juntos en Sevilla, en la sala Fanatic. La verdad que no les conocía y cuando llegamos allí y les vi tocando me quedé loquísimo. Desde que les descubrí, dije: ‘Este grupo es la polla, tío’. Luego a nivel personal nos caímos bien, empezamos a hablar por Facebook y demás. Y llegó un momento en que yo me empeñé en montar un grupo con ellos. A tal nivel me flipaban, imagínate”. JAIME LADRÓN “Me voy a poner a llorar (risas)”. KANTZ “Empezamos haciendo otro

proyecto mucho más cañero, con gente de Madrid incluso. De hecho, aquella movida tenía hasta nombre, se llamaba Sex And The Citizen, tenía un concepto y todo. Pero después de estar dando tumbos dijimos: ‘Vamos a hacer lo que sabemos hacer’. Intentábamos hacer algo que en realidad estábamos forzando y al final decidimos que teníamos que ir a por algo más espontáneo y visceral sin estar pensando en cómo teníamos que sonar, que fuese lo que nos saliese de dentro. Incluso el propio nombre del grupo vino a raíz de eso”. JAIME “A veces salían cosas en plan ‘esto está guay pero pegaría más para otra movida’. Al final me llamó él un día y hablamos de que estábamos descartando ideas por el simple hecho de que queríamos hacer algo que no nos salía”. KANTZ “Como te digo, en esa conversación surgió el nombre. Realmente fue el resumen de todo esto. Le dije: “Nosotros somos esto de la cuna a la tumba”. Es lo que vamos a ser por mucho que queramos aparentar, es lo más real que podemos enseñar a la gente”. En el poco tiempo que lleváis activos os habéis movido bastante, sobre todo por Andalucía. En Madrid llegasteis a hacer sold out en Siroco hace unos meses. ¿Cómo explicáis la velocidad de crucero que ha cogido el proyecto en tan poco tiempo? KANTZ “Si te pudiera responder a esa pregunta diciéndote ‘¿Cómo lo explico?’ seguramente quedaría mejor todavía (risas). A lo mejor suena un poco pretencioso, pero el estar precisamente mostrando una cosa que es 111

sincera, real y que no tiene ninguna intención más allá de enseñar una fase creativa, creo que es lo que le ha llegado a la peña. Al final desarrollas una empatía que es algo real. No estamos aparentando nada ni somos un grupo que va de pro por la vida”. JAIME “Nosotros tratamos de mostrarnos como somos. En las redes sociales, si te metes por ejemplo en nuestro Facebook, verás que siempre estamos poniendo cosas de coña. Quizás en lo extramusical supongo que también caemos en gracia”. Al mismo tiempo que componíais [Algo Sin Nombre *], Catorce también estabais preparando Agua. Naufragio. Equilibrio., y Kantz hizo lo mismo con lo nuevo de Delobos y Tenpel. ¿Fue complicado organizarse a nivel logístico? JAIME “Creo que ése es un ejemplo del hasta qué punto tenemos claro lo que queremos hacer con cada banda. También hay que tener en cuenta que los músicos con los que trabajas hace que siempre sea diferente. En el caso de Catorce, Luis ha entrado a tocar con nosotros después de componer y grabar el último disco. Entonces las canciones de Catorce tienen el sello de otro batería al igual que las de De La Cuna A La Tumba”. KANTZ “Más que un tema de logística, yo pienso que se trata de un tema vital. Hay momentos en los que no estás productivo y otros en los que tienes creatividad a dolor, un montón de cosas que expresar, y por suerte tienes la ayuda de mucha gente que te ayuda a expresarlo tal y como te sale. Catorce estuvieron un año entero trabajando en su disco, que además es algo que he vivido casi desde den112

“AL FINAL DESARROLLAS UNA EMPATÍA QUE ES ALGO REAL. NO ESTAMOS APARENTANDO NADA NI SOMOS UN GRUPO QUE VA DE PRO POR LA VIDA” KANTZ

tro. Y con Tenpel llevamos como tres años haciendo el siguiente álbum, pero ha sido una cuestión de momentos vitales, como te decía. Gente dentro del grupo que fue padre, otro de repente se fue a vivir a Seattle y nos quedamos sin un guitarra... Son las cosas que conllevan hacerte una persona mayor y ha hecho que el proceso sea más lento. Pero este año que me he ausentado estando en Málaga y ha sido bastante productivo ,y realmente en el que más hemos avanzado. Y con Delobos, aunque ha sido siempre una cosa que ha estado más en la sombra con la que Raúl (Mingorance, guitarra de Tenpel -ndr.) y yo llevamos cuatro años, nos lo hemos tomado con calma y ahora ha ido cogiendo forma. Entraron dos miembros más y al final hemos terminado siendo un grupo. Y como ha ido todo tan rodado nos hemos propuesto entre todos este año sacar como ocho discos de golpe (risas)”. Al igual que con el debut,

grabasteis con Koke Díez en Manufacturas Sonoras durante las pasadas Navidades. Además tuvisteis las colaboraciones de Alex Cappa y Álvaro Escribano en la producción. ¿No fue un poco pesadilla tener a tres productores a la vez? JAIME “(Risas) No, en realidad lo que pusimos fue la coña de ingenieros invitados, al igual que los artistas”. KANTZ “Eso fue una cosa que solucionamos de manera exprés, digamos. Subimos en plena Navidad y Koke estaba a la vez montando el nuevo estudio que se ha asociado con Alex Cappa. Como se tenía que ausentar llamó a los colegas, que en el fondo también son los nuestros. En el disco anterior Escri ya nos prestó sus amplis y guitarras y en éste también. Se vino y estuvo echando el rato que Koke no podía y en el caso de Alex, pues lo mismo. Nosotros encantados de estar con ellos, porque son unos putos cracks los dos”.

¿Cómo surgieron las colaboraciones de Juan Blas y Angie Sánchez a las voces? JAIME “Pues como todo lo que pasa en este grupo: fortuito total (risas). Con Angie ni siquiera llegamos a estar en el estudio, fue después cuando ya habíamos vuelto a casa. Simplemente tuve la idea de meter algo diferente. Además, luego lo pensé: ‘Hay cuatro personas cantando en este disco’”. KANTZ “En el caso de Angie quizás fue la manera más profesional de trabajar que hemos hecho en nuestra vida. Teníamos un sonido en la cabeza y estábamos buscando una voz que sonase de una manera muy concreta. Y Koke llegó y nos dijo que él conocía esa voz y era esta persona. La escuchamos y efectivamente era lo que queríamos. Nos mandó una prueba y quedó perfecta”. JAIME “Lo de Juan en cambio fue la mayor expresión de colegueo que puede haber. Estábamos dándole vueltas al tema ‘#somosloquesomos’ y había una parte que no tenía voz”.

KANTZ “Sabíamos que queríamos voz, pero no sabíamos el qué. No acabábamos de encontrar el punto. Y vino Juan a prestar una guitarra para la grabación”. JAIME “Él se estaba yendo ya. De repente se nos ocurrió la idea y dijimos todos: ‘Hostias, ¿se lo decimos a Juan?’. Y salimos lanzados a buscarle (risas). También nos mandó una prueba, quedó guapísimo y lo metimos dentro”. A primera vista, respecto al anterior disco no parece que haya un gran cambio estilístico, sino que es más bien una continuación de aquél. JAIME “La verdad es que es prácticamente eso. La mayor parte de las canciones de [Algo Sin Nombre *] las compusimos después de grabar el primero porque teníamos que salir a tocar y sólo teníamos ocho temas. Entonces sí, la mayoría son continuación de aquello porque acabábamos de grabarlo”.

KANTZ “En verdad todavía le estábamos dando forma al propio grupo porque esos mismos temas los habíamos hecho y directamente entramos a grabarlos. Sólo nos habíamos visto todos juntos una vez en un ensayo. Todo lo habíamos hecho a través de internet, ellos mandándome las canciones y yo metiendo la voz encima. No había mucho tiempo para pensar demasiado la cosas, pero en parte eso mismo era la esencia del propio proyecto en un principio. Ahora sí que es verdad que se plantea de otra manera. Con este trabajo lo que queremos es cerrar esta etapa”. JAIME “Tenemos la intención de que lo siguiente que hagamos, o por lo menos lo vamos a intentar, sea algo que le echemos más de materia gris. Porque siempre hacemos las cosas en plan de capturar el momento”. KANTZ “También te digo que sí que he notado una diferencia, ya que no tenía conciencia del disco que estábamos sacando hasta ahora que lo he podido escuchar del tirón. Veo el disco más luminoso y positivo. El primero era más oscuro, de escupir y vomitar lo que tienes dentro, más visceral”. En los agradecimientos dais las gracias a los libros, poemas y pelis que de alguna manera os han inspirado. ¿Qué referencias habéis utilizado? JAIME “Esos agradecimientos lo que vienen a decir es lo mismo que queríamos expresar con el título del trabajo, que tiene muchas vertientes. Por un lado está el rollo de que sacamos un disco que no es un disco, pero tampoco es un EP, no sabemos lo que es... pues es algo sin nombre. Kantz nos pasó un extracto de Saramago que hemos incluido en el libreto que venía 113

“VEO EL NUEVO DISCO MÁS LUMINOSO Y POSITIVO. EL PRIMERO ERA MÁS OSCURO, DE ESCUPIR Y VOMITAR LO QUE TIENES DENTRO, MÁS VISCERAL” KANTZ

a decir que dentro de nosotros hay algo que no tiene nombre y eso es lo que verdaderamente somos, algo que no se puede explicar. Y el arte es un poco eso. Estoy exponiendo algo mío a personas ajenas a mí y hay quien lo entiende. En cuanto a la idea de que si las letras salen de libros y películas, pues te diría que sí. Más que compartir música entre nosotros, nos estamos pasando todo el día autores y cintas. Nos gusta el ejercicio de poner en lo que mejor se nos da todo lo que nos motiva. De hecho, en el DVD que hemos incluido, entre tema y tema, hay extractos narrados de poemas que nos gustan”. Hablando de ese DVD, ¿qué es lo que nos vamos a encontrar? KANTZ “El tema del DVD, nuevamente, como la mayoría de las cosas que nos pasan, fue algo fortuito. Justo donde yo vivo en Málaga, en la calle contigua hay un sitio que se llama La Caverna de Amores que por fuera es como un garaje y abres la puerta y es un lugar brutalmente grande. Tiene un

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estudio de grabación donde está metida la gente de Kraken Sound. Descubrí que también hacían material audiovisual. Empezamos a hablar de qué podríamos hacer y salió esto. Al final tú te das cuenta de que una persona es afín a ti cuando le propones una locura y a él se le ocurre una mayor (risas). Cuando lo veas entenderás por qué te digo esto. Y dijimos que adelante, vamos a darle al play. Queríamos tener material audiovisual de esta etapa que estamos viviendo que está siendo muy bonita para todos, porque al final las bandas de hoy en día son como son y no sabes muy bien si hay un futuro en el que puedas ir a más. Si podemos tener algo que puedan recordar nuestros nietos, pues mejor. Pero sí, hemos metido alguna locura en la que corrieron peligro nuestras vidas (risas). No es un directo al uso”. Aparte de sacarlo con vuestro propio sello, The Braves Records, también ha colaborado Ramiroquai de Bandera Negra estrenando su disco-

gráfica, Bandera Records. KANTZ “La cosa es que a Ramiro le pasó lo mismo que a mí: descubrió a Catorce, se enamoró de ellos y, por extensión, de De La Cuna A La Tumba (risas)”. JAIME “Ramiro es una de las personas a las que más debemos en cuanto a apoyo. Con Catorce hicimos un crowdfunding para poder editar el vinilo de Atlas y él participó, pero además nos escribió porque quería que fuésemos a hacer una entrevista para Bandera Negra. Nosotros flipamos porque somos súper fans del programa. A raíz de ello mantuvimos el contacto y él sabía que íbamos a sacar este trabajo. Tenía esa inquietud por publicar y meterse en el rollo de las discográficas y nos dijo que le encantaría que la primera referencia que sacase fuera el nuestro. Por nuestra parte, encantadísimos. Es un honor que este sello esté en nuestro disco”.

GHOST

13 DE ABRIL DE 2017 SALA RAZZMATAZZ, BARCELONA TEXTO: TOI BROWNSTONE FOTOS: ERIC ALTIMIS

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uchas cosas han acontecido en el universo de Ghost desde el lanzamiento de Meliora y su exitosa gira por España en 2015: un Grammy, el lanzamiento del EP Popestar, el despido ‘improcedente’ de los antiguos Nameless Ghouls por parte de Papa Emeritus, aka Tobias Forge, el contraataque de estos materializado en una demanda, nueva formación… en definitiva, una locura más propia de un grupo como Mötley Crüe o Kiss. Todo esto ha mantenido a Ghost en el candelero -¿O era candelabro?-, y por ello la noticia de una nueva visita suscitaba bastante interés. Hay que mencionar que el cambio de sala y el elevado precio de las entradas, unido a una fecha bastante arriesgada, hacían presagiar lo peor, hasta que llegó el Jueves Santo y una vez en Razzmatazz la cosa no pintaba tan mal, aunque supongo que el promotor

no opinará lo mismo. Mucho ambiente desde primera hora, con el público motivado y con ganas de comprobar si Ghost todavía mantienen ese ‘algo especial’ tan complicado de encontrar últimamente. El dúo Zombi tenía la misión de iniciar la velada, pero no era ni el momento ni el lugar para evocar a Goblin y sus atmósferas terroríficas, o a John Carpenter, así que su propuesta resultó bastante fallida. Para caldear el ambiente bastaron los cánticos del Miserere de Allegri, minutos antes del concierto, y la habitual intro ‘Masked Ball’, tan insana e inquietante como la película de la que formó parte, Eyes Wide Shut. Como no podía ser de otra manera, el Papa y sus secuaces comenzaron su liturgia entre incienso y vidrieras satánicas como telón de fondo, con su último single, ‘Square Hammer’, potente y perfecto en directo, para continuar con ‘From The Pinnacle To The Pit’ y ‘Secular Haze’. Con

semejante arranque nada podía fallar. Los nuevos Nameless Ghouls tienen una presencia poderosa y rebosan una energía exacerbada, convirtiendo el escenario en un caos controlado, un tanto excesivo e histriónico, pero lo más importante, con solidez y contundencia. El momento cumbre vino de la mano de ‘Cirice’, ‘Year Zero’, ‘He Is’, ‘Absolution’ y ‘Mummy Dust’, con el público completamente extasiado hasta el final de la misa. Ghost cumplieron a la perfección, aunque muchos tuvimos una constante sensación de déjà vu, sobre todo con los speeches de Emeritus o la aparición de las Sisters Of Sin. Sacrificar el factor sorpresa en favor de un concierto milimetrado es arriesgado. Ghost se encuentran en un excelente momento, funcionan en directo a la perfección, tienen la imagen y un buen puñado de temas. Ahora toca esperar a su próximo paso. 117

PARKWAY DRIVE 25 DE ABRIL DE 2017 SALA RAZZMATAZZ, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ALEX BELZA

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STICK TO YOUR GUNS

puesta arriesgada, la de Parkway Drive. En los 14 meses que han pasado desde su última visita, dudo que hayan ganado ni un fan más de los que tenían entonces, y teniendo en cuenta lo ajustados que van los bolsillos de su público, eminentemente joven, es lógico que una parte prefiera quedarse en casa e invertir el dinero en otra cosa que en ver el mismo concierto dos veces. Eso, y que ahora no les acompañaba una banda del calibre de Architects, explicarían que la sala Razzmatazz presentara la mitad del aforo respecto al primer tramo de la gira de presentación de su último disco Ire. Dicho esto, los que sí se acercaron se lo pasaron en grande. Como entrante teníamos a los veteranos Darkest Hour. Con sus greñas y camisetas de Metallica y Black Sabbath, aportaron un entrañable toque old school al cartel, pero su corto set, de apenas siete temas, no causó demasiado impacto por un sonido embarullado en el que hasta costaba distinguir los solos de guitarra.

Por desgracia, la indefinición que han ido mostrando en sus últimos discos parece condenarlos a un papel de eternos teloneros de ahora en adelante. Una sensación totalmente opuesta transmitieron Stick To Your Guns. Los californianos la liaron a base de bien desde que arrancaron con ‘Against Them All’, con todo el público cantando los coros. Su hardcore sonó de lo más compacto con breakdowns poderosos y temas como ‘What Choice Did You Give Us?’ o ‘Universal Language’ provocando sendos circle pits. Da gusto ver una banda que derrocha tanta energía y pega tantos, o más botes, que los fans en la pista. Pero no todo es una cuestión física y Jesse Barnett aprovechó una pausa para lanzar un mensaje a favor de los refugiados. Lo que en otros suena impostado, en su boca sonó sincero. Definitivamente, un grupo en alza. Parkway Drive salieron a por todas iniciando su show con uno de sus temas más populares, ‘Wild Eyes’, con toda la sala coreando esos ‘uooo, uoooos’ a pleno pulmón que provocaron una

enorme sonrisa en Winston McCall. Sin especular siguieron con ‘Carrion’, ‘Dedicated’, ‘Vice Grip’… Bang, bang, bang. Los pegadizos fraseos de guitarra de ‘Darks Days’ o ‘Destroyer’, unidos a la brutalidad de ‘Boneyards’ o a esa mezcla entre Queen y Rammstein que es ‘Writings On The Wall’, ofrecen un dinamismo que a veces cuesta encontrar en otras bandas de metalcore. Ya en su final, y después de ‘Crushed’, un corto solo de batería y ‘Swing’, la formación accedió a la petición unánime de que interpretaran ‘Romance Is Dead’ de su debut Killing With A Smile. Y aunque dijeron que no estaban seguros de recordar cómo tocarla, la clavaron. Sorprendió encontrarse con una puesta en escena totalmente minimalista: sin telón de fondo, ni pirotecnia, ni siquiera amplificadores; vestidos completamente de negro, parecían más Deafheaven que una panda de surferos. Pero si de algo sirvió tanta sobriedad fue para constatar que los australianos ya cuentan con un repertorio a prueba de bombas... Aunque eso sí, para tocar sólo 75 minutos. 119

KAMPFAR 6 DE ABRIL DE 2017 SALA BÃ&#x201C;VEDA, BARCELONA TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: EDUARD TUSET

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LUX DIVINA

hroma Nation siguen empecinados en traer grandes nombres del black metal internacional a nuestro país, y servidor no puede más que aplaudirles, no sólo por hacerle feliz, sino por el abultado riesgo económico que significa traer estas giras a un territorio tan poco proclive a este tipo de sonidos. En esta ocasión los jefazos eran Kampfar, banda por la que siempre he sentido especial predilección, quienes además estuvieron muy bien acompañados por grupos catalanes. Los típicos atascos y el horror absoluto que representa buscar aparcamiento en Barcelona hizo que nos perdiésemos algunos temas de Immorgon, pero igualmente llegamos lo suficientemente a tiempo como para presenciar bastante de su viking metal de manual. Con cotas de malla incluidas, la verdad es que los vi algo

tímidos para ser ya unos habituales de nuestros escenarios. Pese a todo, contentaron a los varios fieles que tenían entre el público. Siento decirlo tan abiertamente, pero lo de Lux Divina fue otra cosa muy distinta. La voz de Norax brilló más que nunca, y aunque parte de la escena extrema nunca se acostumbrará a sus partes limpias, no se puede negar que este señor canta como los ángeles. Encima, los nuevos temas de su reciente Walk Within The Riddle parecen especialmente creados para potenciar sus labores al micro, así que se erigió como absoluto protagonista de la descarga. La elegancia y la sobriedad reinan entre el resto de componentes del grupo, así que dieron un show de lo más profesional y solvente, contando con un sonido inmejorable. Si la experiencia es un grado, Lux Divina ya los tienen todos. ‘Gloria Ablaze’ puso la sala Bóveda

en plena ebullición. Kampfar venían a presentar su último Profan y a ello se dedicaron durante gran parte de su repertorio. Hubo tiempo para alguna grata y satisfactoria incursión a sus lejanos 90, pero en términos generales, los noruegos se centraron en sus obras más actuales. Nada que reprochar, pues su presente es espléndido. Esas partes tan básicas y rockeras que los han hecho grandes son toda una invitación al headbanging desatado, y si a ello le sumas un Dolk que es todo actitud, entrega y carisma, el resultado es un bolazo de mucho cuidado. Que sean un cuarteto también ayuda a frenar el efecto ‘pelota de ruido’ del que pecan tantísimas bandas black en directo, así que lo gozamos enormemente con ‘Inferno’, la sensacional ‘Daimon’ o la imbatible épica de ‘Tornekratt’. Su hora sobre las tablas se nos hizo cortísima, pero lo cierto es que fue magnífica.

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DE GIRA

THE TOASTERS

7 DE MAYO L’ALTERNATIVA (LA BISBAL D’EMPORDÀ), 8 DE MAYO GARAGE BEAT CLUB (MURCIA), 9 DE MAYO GRUTA 77 (MADRID), 10 DE MAYO APOLO (BARCELONA), 11 DE MAYO PORTA CAELI (VALLADOLID), 12 DE MAYO MALATESTA (SANTIAGO DE COMPOSTELA), 13 DE MAYO ESPETO FESTIVAL (TORREMOLINOS), 14 DE MAYO WAH WAH (VALENCIA)

uestra gira por España es muy extensa. Conoces bien el país porque viviste en Valencia, ¿verdad? ROBERT ‘BUCKET’ HINGLEY (voz, guitarra) “Sí, de 2004 a 2015. Ahora vivo en San Antonio, en Texas. Se parece en el clima y también tiene naranjas, así que me siento en casa. Volví a Estados Unidos porque mi hija pequeña va a la Universidad en Texas y todavía necesita algo de supervisión, ya me entiendes. Pero una parte de mi corazón sigue en Valencia, fui muy feliz allí”. ¿Qué te llevó a Valencia originalmente? “Fue una combinación de cosas. Llevaba desde los 80 en Nueva York,

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pero después del 11-S queríamos salir de ahí y acabamos viviendo en Valencia porque mi hermana estaba viviendo allí. Lo conseguí también gracias a mi amigo Jordi Ramírez de Buen Ritmo. Le debo varias barbacoas”. ¿Es verdad que estás trabajando en un nuevo disco de The Toasters? Desde 2007 no habéis publicado uno. “Podría ser (risas). A nivel económico tiene poco sentido hacerlo por culpa de las plataformas de streaming. Los peores son Google y YouTube, roban mi música sin pagar nada a cambio. Hemos sacado un 7” en vinilo que vendemos en los conciertos y creo que seguiremos haciéndolo así. No quiero apoyar a esos ladrones. Para mí no tiene sentido invertir miles de

euros en grabar un álbum”. ¿Pero tienes la necesidad de crear nueva música? “Sí, claro. Tengo varias canciones nuevas y he encontrado un buen sitio donde grabarlas en San Antonio. Pero el año pasado dimos 227 conciertos, así que andamos bastante ocupados. Mi plan es grabar algunas y lanzar un nuevo 7” en verano”. A pesar de lo quemado que pareces con la industria, sigues muy activo en cuanto a conciertos. “Me gusta tocar en directo. Creo que muchos músicos que empiezan se dan cuenta de que invierten mucho dinero en hacer un disco y luego no ven ningún resultado. Eso hace que

AGENDA MAYO muchos tiren la toalla. Mi consejo para los jóvenes es que no esperen resultados a corto plazo. El negocio es vender merchandising en los conciertos. Nosotros empezamos a hacer una salsa picante como broma y resulta que es lo que más se vende. Así que tendremos que encontrar la manera de que podamos hacer conciertos con barbacoa para vender más salsa (risas)”.

THE 69 EYES 5 MADRID, 6 BARCELONA THE BLIND SHAKE 18 TARRAGONA, 19 SAN SEBASTIÁN, 20 VALENCIA, 21 PAMPLONA CROWBAR 4 BARCELONA, 5 OVIEDO, 7 MADRID

Aunque goza de buena salud en el underground, ¿crees que el ska puede volver a ponerse de moda? “¿Por qué no? El ska va mutando, nunca desaparece, sólo se trata de si la prensa le presta atención. Cada vez que se pone de moda tiene una cara distinta. La última fue el ska punk, que era su versión americana, y antes fue el two-tone, y antes el rock steady, y antes el R&B. Creo que algún día volverá, aunque no sé si es necesariamente algo bueno porque un montón de bandas se ponen a hacer ska de mierda. Así que es casi mejor que siga en el underground, hecho por gente que de verdad lo ama”.

FROTH 26 BARCELONA, 27 MADRID, 28 SEVILLA, 29 VALENCIA

En 40 años de carrera han pasado un montón de músicos por The Toasters. ¿Siempre viste el grupo como una banda abierta o fue cosas de las circunstancias? “La gente viene a escuchar las canciones, no a ver a los músicos. No importa demasiado quién toque, sino cómo suena. Tengo un colectivo internacional de músicos que van entrando y saliendo según su disponibilidad y dónde tocamos. Es más práctico y prefiero pagar bien a los músicos que gastarme el dinero en billetes de avión”.

IGGY POP 6 PUERTO DE SANTA MARÍA

Te criaste en distintos países. ¿Crees que tu educación tuvo que ver con tus ganas de estar en una banda y girar? “Desde luego me expuso a un montón de música distinta. Viví en África hasta los 9 años. A mi padre le gustaba mucho la música. En Kenia fuimos a ver a la primera banda africana que tuvo guitarras eléctricas. Luego en Inglaterra me sumergí en la música pop. Me gustaban los Beatles y los Stones, pero tendía a escuchar más ska y discos de Motown porque se parecían más a las bandas africanas. Pero sí, llevo toda mi vida viajando, así que no voy a parar ahora”.

NOAH GUNDERSEN 18 BARCELONA, 19 MADRID

(JORDI MEYA)

GAVON DEGRAW 22 BARCELONA, 23 MADRID GREENLEAF 3 SANTIAGO, 4 DONOSTIA, 5 BARCELONA, 6 MADRID GUNS N’ ROSES 30 BILBAO HONEYMOON DISEASE 4 BARCELONA, 6 VITORIA, 7 CASTALLA, 8 GIJÓN, 9 A CORUÑA, 10 OURENSE, 11 MADRID

INTER ARMA 2 L’HOSPITALET DE LLOBREGAT JAKE MILLER 9 BARCELONA, 10 MADRID KRISTONFEST (JOHN GARCIA, WOVENHAND, BONGZILLA...) 6 MADRID MADBALL + IGNITE + H2O 3 VALENCIA, 4 MADRID, 6 OVIEDO, 7 BARCELONA

ORANSSI PAZUZU 1 MADRID, 2 BARCELONA OTERO BRUTAL FEST (ONSLAUGHT, MADBALL, DR. LIVING DEAD!...) 5-6 OVIEDO PLACEBO 6 LOGROÑO RACHAEL YAMAGATA 5 BARCELONA, 6 MADRID RIVERSIDE 13 L’HOSPITALET DE LLOBREGAT, 14 MADRID RECKLESS LOVE 11 BARCELONA

FIGURAS COLATERALES

NO ES NINGUNA NOVEDAD AFIRMAR QUE EL VINILO HA VUELTO, Y QUE LLEVA CAMINO DE CONVERTIRSE EN EL FORMATO PREFERIDO POR EL PÚBLICO PARA ESCUCHAR MÚSICA EN UN SOPORTE FÍSICO. PERO DETRÁS DE ESTA MODA O REIVINDICACIÓN DEL VINILO, EL COLECCIONISMO DE DISCOS TIENE MUCHOS OTROS EFECTOS COLATERALES. HABLAMOS CON ERIC SPITZNAGEL, AUTOR DE EN BUSCA DE LOS DISCOS PERDIDOS. TEXTO: RICHARD ROYUELA FOTOS: DR

l coleccionismo, ya no sólo de discos, sino de cualquier cosa, suele llevar a situaciones límite sin ningún tipo de lógica y razón fuera de ese propio círculo. El ansia de conseguir esa pieza codiciada y pagar más dinero del que deberías por algo que muchas veces no sonará ni en tu equipo de música, es una situación que más o menos todos conocemos. Pero lo 124

que Eric Spitznagel pone encima de la mesa en su libro En Busca De Los Discos Perdidos (Editorial Contra) es otro tema importante: el vínculo emocional que sientes con ese objeto que lleva años y años a tu lado. Aunque pueda salir a la calle y comprar una copia de Highway To Hell de AC/ DC en cualquier tienda de discos, o simplemente escucharlo en cualquier servicio de streaming dónde y

cuando me apetezca, si perdiese la copia que compré siendo niño, y a la que tengo todo el cariño del mundo, me daría algo. Apenas se puede escuchar y ha sido reemplazada, pero ésa es la que importa. En definitiva, es tan importante el disco en sí como la música que contiene. Eso es lo que plantea Spitznagel en su obra. Por motivos que explica en el libro, y en esta misma entrevista, al autor un buen día se vendió todos sus vinilos, para darse cuenta, años después, del gran error que había cometido y lo importante que era para él volver a tener la copia de Bon Jovi con el número de su novia escrito en la portada, la de Alive de Kiss con una nota de su hermano que ponía ‘¡No tocar!’ o ésa de The Replacements donde daba cobijo a la marihuana que se fumaba con sus colegas de instituto. Y ahí tenemos al autor iniciando una búsqueda absurda tratando de encontrar sus copias originales después de haberlas vendido hace más de veinte años. Con semejante punto de partida, sobra decir que En Busca De Los Discos Perdidos es uno de los ensayos más divertidos, locos pero también emotivos –hay tanto en lo que identificarseque se han escrito relacionados con la música en mucho tiempo. La razón de ser de tu libro se origina porque hace años decidiste vender tu colección de vinilos. A no ser que un día

necesite el dinero para cosas realmente serias, es algo que nunca haría. ¿Cuál fue el motivo real que te hizo vender algo tan importante? Siempre que veo en una tienda una colección que alguien se acaba de vender, pienso que hay una historia triste detrás de esa venta. “No hay una buena razón para hacerlo. El dinero que obtienes por vender discos tampoco es mucho. Al menos para mí, la única razón por la cual creía que tenía sentido es porque estaba engullido por la tecnología. Pensaba que el futuro estaba en condensar tu colección de música al tamaño de un microchip. En los 90, cuando vendí mis discos, simplemente asumí que el vinilo se había quedado anticuado, y que el futuro sería digital con las canciones implantadas en nuestro cerebro. Guardar mis viejos álbumes tenía tanto sentido como almacenar diskettes de ordenador, máquinas de escribir o tubos catódicos de televisión. No pensaba que los discos, el objeto en sí, pudiera ser más importante que la propia música. A veces tienes que aprender las lecciones de la manera más dura”. Al menos, gracias a vender tus discos tienes ahora una buena historia que contar, pero si tuvieras el poder de volver al pasado, ¿venderías tu colección de nuevo? “¡Dios mío! ¡Desde luego que no! Bueno, quizás alguno de ellos. Había algunos singles en mi colección que merecen haber sido perdidos para siempre. No sé muy bien cómo acabé teniendo el 7’’ de ‘We Built This City’ de Starship, pero no le desearía esa memoria musical ni a

mi peor enemigo”. ¿Cuál es ahora mismo el estado de tu colección de discos? ¿Ha cambiado el libro tu relación con el vinilo y la música en general? “La ha cambiado de una manera hasta ridícula, para desagrado de mi esposa. Mi colección de discos ha crecido desde, bueno, cero, hasta alrededor de cien discos. Algunas son viejas y polvorientas reliquias que puede que sí, o puede que no, hubiesen sido mías, y muchos de ellos son nuevos discos, porque la música suena mejor en vinilo. ¿Has escuchado el último álbum de Conor Oberst, Salutations? Es sencillamente sublime, no puedo dejar de recomendarlo. Pero no está en mi iPod. Compré el disco y ni siquiera he considerado tener una copia digital todavía. Prefiero escucharlo una y otra vez en vinilo. Esto cada vez me está sucediendo más. Por primera vez en tres décadas estoy comprando música en vinilo, y es el único formato que necesito”. Uno de los personajes más interesantes del libro es Bob, el dueño de Record Swap, el lugar donde compraste tus discos de joven. ¿Has tenido algún contacto con él después de la publicación del libro? Es más, ¿es un personaje real? Al fin y al cabo, hay muchos Bobs en las tiendas de discos de segunda mano... “Es totalmente real y no sé lo que piensa del libro. Le envié una copia cuando se editó en Estados Unidos, pero no he sabido nada de él. No sé si eso significa que lo odia o si ni siquiera lo ha leído. Cualquiera de las dos opciones puede ser posible.

“HASTA EL DÍA QUE MUERA, SEGUIRÉ ESTANDO ALUCINADO DE QUE PUDIESE, INEXPLICABLEMENTE, ENCONTRAR EL DISCO DE BON JOVI EN EL QUE ESTABA ESCRITO EN LA PORTADA EL NÚMERO DE TELÉFONO DE MI PRIMERA NOVIA ADOLESCENTE, EXACTAMENTE 30 AÑOS DESPUÉS DE HABERLO PERDIDO”

ERIC SPITZNAGEL Es un hombre que vive para el vinilo, así que no le veo sacando mucho de su tiempo para leerse un libro como el mío, aunque él sea uno de los personajes. Probablemente la única manera que tendré para saberlo seguro será cogiendo mi coche y conducir hasta el sur de Illinois para hablar con él en persona. Él es todo lo vieja escuela que se puede llegar a ser. Si quieres saber su opinión sobre algo, nunca le escribas por mail o le hagas una llamada. Tienes que ir a su tienda y hablar con él cara a cara. Ésa es la manera, después de todo, como suceden las conversaciones interesantes: estando en una tienda de discos”. Después del ‘final feliz’ que tiene el libro, ¿qué opinan todos tus familiares que salen en él? Tu esposa, tu hijo, tu madre, tu hermano… ¿Están de acuerdo en cómo salen retratados? “Todos me apoyaron y ayudaron mucho. Excepto mi hijo. Pero sólo tiene 6 años y no sabe leer todavía, así que aún tiene unos años hasta poder saber qué he escrito sobre él. Ahora mismo estoy escribiendo otro libro, que habla 125

como nosotros. Pero estoy de acuerdo en que cuando una persona es un loco del vinilo, es muy complicado que su pareja comparta esa obsesión. Es algo que me resulta muy extraño. ¿Por qué los locos de vinilo no pueden encontrar a alguien similar del que enamorarse? ¿Por qué acabamos con parejas que dicen ‘quizás tienes ya demasiados discos’? Mientras escribía este libro, conocí a una persona cuya esposa estaba furiosa con su hábito de coleccionar álbumes, así que encontró la solución perfecta: se compró la casa de al lado, y la usó exclusivamente para guardar todos sus discos y escucharlos en privado. Ella nunca tiene que verlos. Es una idea brillante, si te la puedes permitir”. casi exclusivamente de la paternidad, así que ahí tendrá mucho más de lo que quejarse cuando llegue el momento de que pueda leer lo que ha escrito su padre”. En el libro hablas de los problemas que tenías con tu esposa cuando veía el dinero que te gastabas en vinilos. Pero eso es un problema que le pasa a mucha gente, y muchas veces el motivo por el cual la gente se vende colecciones de discos es por la presión en casa. ¿Qué opinas sobre esto? Y también, ¿por qué crees que el coleccionismo de discos se da más en hombres que en mujeres? “No sé si estoy de acuerdo del todo de que éste es un hobby de hombres. Conozco a muchas mujeres que se toman este tema tan en serio 126

Jeff Tweedy de Wilco ha escrito el prólogo de tu libro. ¿Cómo surgió la conexión? ¿Eres fan de Wilco? “Soy un gran fan de Wilco. Y antes de eso, era fan de Uncle Tupelo. He estado conectado indirectamente con él durante años. Conocía a Susan, su mujer, antes de que lo fuera, cuando ella llevaba el Lounge Ax en Chicago, el mejor, y ahora tristemente desaparecido, club de rock de la ciudad. Había escrito sobre las hazañas musicales de su hijo Spencer para revistas como The Believer o MTV Hive. No conocía tan bien a Jeff antes de escribir este libro, pero cuando estaba buscando a alguien para hacerme la introducción, él parecía la elección adecuada. Ambos somos de Chicago y los dos somos nerds del vinilo. No tuve que explicarle de qué iba la cosa, la entendió perfectamente. Simplemente le dije

‘Es sobre echar de menos tus viejos vinilos’, y dijo ‘OK, lo he pillado’”. Considero un milagro que pudieses encontrar alguno de tus discos originales. Estoy seguro de que debe de ser una sensación inigualable encontrar TU copia después de veinte años... ¿Esperabas al principio poder encontrar ni que fuera sólo uno? “No esperaba encontrar nada. ¡Es absurdo! No me parecía ni remotamente posible, lo que hizo que la cosa fuese atractiva para mí. Hasta el día que muera, seguiré estando alucinado de que pudiese, inexplicablemente, encontrar el disco de Bon Jovi en el que estaba escrito en la portada el número de teléfono de mi primera novia adolescente, exactamente 30 años después de haberlo perdido. ¿Cuáles son las posibilidades de que eso suceda? Es como ganar la lotería mientras te parte un rayo”. El capítulo en el que explicas tu experiencia en el concierto de reunión de The Replacements en el Riot Fest es delirante. ¿Puedes explicarnos más cosas? Gracias al libro, ¿has tenido la posibilidad de conocer a Paul Westenberg o Tommy Stinson? “Ojalá. Intenté conseguir una entrevista con Paul Westenberg. Contacté con su publicista, preguntándole si estaría interesado en hacer una entrevista para un libro que estaba escribiendo sobre discos y coleccionar discos. Su publicista me contestó casi de manera inmediata ‘¿Cuál es tu fecha límite para esto? ¿Puedes volver a preguntarlo en unos pocos meses?’. Esperé el tiempo que me

“TODAVÍA ESTOY SORPRENDIDO POR LA REACCIÓN. RECIBO EMAILS Y CARTAS CADA DÍA DE LECTORES A LOS CUALES LES HA CONMOVIDO EL LIBRO Y QUIEREN HABLARME DE SUS COLECCIONES DE DISCOS”

ERIC SPITZNAGEL pidieron y volví a escribir, y quizás di más información de la que debería haber dado. Le expliqué que ‘estaba intentando rescatar todos los discos de mi juventud que desesperadamente había dado o vendido’. Admití que la obra maestra de Westenberg, Let It Be, era mi más preciada búsqueda, y que quizás sería divertido que fuera a Minneapolis y Paul y yo visitáramos todas las tiendas de segunda mano que pudiésemos encontrar, y buscar allí mi álbum repleto de maría. Un extraño y maravilloso viaje de un post héroe modernista, ¿verdad? Estaría revisando cajas y cajas de discos buscando uno en particular con el tío que escribió todas las canciones que hay en él. Básicamente estaría buscando su cara en alguna portada polvorienta mientras hablábamos de cómo le escuchaba cuando tenía 17 años y él tenía, quizás, 28, y yo estaba colocado, o al menos borracho hasta decir basta, y cómo una sincronización realmente extraña nos había hecho llegar hasta aquí, décadas más tarde, ídolo y fan, en una mierdosa tienda de discos vacía, porque a nadie le importa comprar discos ya, mucho menos los de pop punk de los 80, y

estábamos buscando ese artefacto perdido que él ayudó a crear, y el diría algo así como ‘¡Que cojones, tío! Es sólo un disco. Para ya de desperdiciar tu vida buscando basura’. Lo cual es cierto, por supuesto, pero también podría traerlo y explicarle por qué su música importa. Y encontraríamos cada copia en vinilo que hubiese de The Replacements en las Twin Cities, y devolverlas a su lugar y luego escucharlas mientras bebíamos latas de Milwaukee Best –que nosotros llamamos ‘Milwaukee Beast’ porque estamos en modo jerga enrollada- y nos iríamos alternando oliendo los discos e intentando discernir si olían a hierba, especialmente hierba comprada por una adolescente en Illinois que no tenía ni puta idea sobre marihuana, así que probablemente eran semillas y tallos. Ese email no tuvo respuesta. Fue la última vez que tuve contacto con el publicista de Westenberg”. ¿Estás sorprendido por el éxito del libro? Tú eres un escritor famoso de cultura pop en Estadios Unidos pero, por ejemplo, éste es tu primer libro traducido al español. ¿Crees que

el libro puede ser un punto de inflexión en tu carrera? “Espero que sea un punto de inflexión. Todavía estoy sorprendido por la reacción. Recibo emails y cartas cada día de lectores a los cuales les ha conmovido el libro y quieren hablarme de sus colecciones de discos. Parece haber tocado la fibra de la gente. Supongo que el tiempo dirá si el libro será trascendente. Ahora mismo estoy trabajando en dos libros. El de los padres que he mencionado antes que tiene el título provisional de Farts Are Hilarious And Robots Are Awesome (Los Pedos Son Divertidísimos Y Los Robots son Increíbles -ndr.). También estoy colaborando con Jeff Tweedy en sus memorias, que deberían de editarse el año que viene. Es otro libro de música y me ha dado la oportunidad de apalancarme en el sótano de Jeff oyéndole explicar cómo creó esas grandes canciones de Wilco que se han quedado en mi memoria. Y luego nos vamos a conducir por Chicago escuchando su música, vieja y nueva, y hablamos sobre cómo escribir de su vida. Cada día me siento como el escritor vivo más afortunado”. 127