RockZone 135 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Trivium (Barcelona) © Eric Altimis

EDITORIAL Por si cerrar la edición de cada número de la revista no fuera suficientemente estresante, este mes hemos tenido la inestimable colaboración de los operarios que están arreglando la fachada del edificio donde se encuentra nuestra redacción. Martillazos incesantes, gritos de “¡¡¡Paco!!! ¡¡¡Tira la polea!!!”, polvo y rajas de culo peludas han formado el bonito panorama que hemos tenido en las últimas semanas… Y parece que podremos disfrutar de su compañía durante unos cuantos meses. Así que, si detectáis algún fallo más de lo habitual, os rogamos que seáis benevolentes. Aun así, creemos que este número de abril ha quedado más que completo con el retorno de Mastodon como plato principal. Enjoy!

SUMARIO

Nยบ 135

11 / INTERFERENCIAS

28 / WE RIDE

32 / GREG GRAFFIN

36 / ORANSSI PAZUZU

42 / DEEZ NUTS

46 / CODE ORANGE

52 / ESPECIAL FOTO

60 / MASTODON

68 / DISCO DEL MES

70 / CRÍTICAS

96 / ROYAL THUNDER

100 / STATE CHAMPS

106 / RECORD STORE DAY

108 /

112 / DIARIO DE GIRA: STAINED BLOOD

116 / ODEÓN

PULLED APART BY HORSES

SUMARIO

Nº 135

122 / EN DIRECTO

136 / DE GIRA + AGENDA

TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY O HÁZNOSLA LLEGAR A ROCKZONE@ROCKZONE.COM.ES

MADRID SÁBADO 24 JUNIO

VIERNES 23 JUNIO

JUEVES 22 JUNIO

SYSTEM PROPHETS LINKIN PARK OF A DOWN OF RAGE FIVE FINGER DEATH PUNCH GOJIRA A DAY TO REMEMBER

MASTODON THE CULT OPETH EVERY TIME I DIE HAMLET

MONSTER MAGNET HOUSE OF PAIN MOTIONLESS IN WHITE TOUCHÉ AMORÉ HACKTIVIST BLACK PEAKS JARDÍN DE LA CROIX PORCO BRAVO · LIZZIES RAVENEYE · INMUNE THE CHARM THE FURY KAOTHIC · VIRGEN

BAT SABBATH CODE ORANGE WE RIDE TRIGGERFINGER DAWN OF THE MAYA MYRATH SOMAS CURE AGAINST THE WAVES LATE TO SCREAM

(FEAT. MEMBERS OF RAGE AGAINST THE MACHINE, CYPRESS HILL, PUBLIC ENEMY)

NOFX IN FLAMES APOCALYPTICA MINISTRY

SUICIDAL TENDENCIES

Y MÁS GRUPOS POR ANUNCIAR

AVATAR DEAFHEAVEN SÓLSTAFIR PHIL CAMPBELL & THE BASTARD SONS ARCANE ROOTS WORMED · COBRA GOD DAMN · BLAZE OUT TRONO DE SANGRE SYBERIA · CHILDRAIN

PUNTOS DE VENTA : WWW.DOWNLOADFESTIVAL.ES,

www.downloadfestival.es DOWNLOADFESTESP

MEDIOS OFICIALES:

MEDIOS COLABORADORES:

PATROCINADOR:

INTERFERENCIAS TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

NEW DEL MES_ THE BIPOLAR SESSIONS POR CUARTO AÑO CONSECUTIVO, ROCKZONE SE SUMA A LA CELEBRACIÓN DEL RECORD STORE DAY CON LA PUBLICACIÓN DE UN NUEVO VOLUMEN DE THE BIPOLAR SESSIONS EN VINILO.

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordi Forés, Luis Benavides, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Rubén Cougil (Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57), Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Mariño (Smartita), Israel Higuera (wirrak). Foto de portada: DR

omo ya sabréis, el próximo sábado 22 de abril se celebra una nueva edición del Record Store Day y, como buenos amantes de la música que somos, desde hace cuatro años venimos publicando un vinilo exclusivo bajo el título The Bipolar Sessions que podrás adquirir en las tiendas adscritas a Record Store Day Spain (puedes consultarlas en su página web). Nuestros seguidores habituales ya conocen su concepto: grupos de aquí, afines a la revista, haciendo versiones de grupos que han aparecido en la portada a lo largo de nuestra historia. En este caso son 13 los grupos que han participado y de los que podréis disfrutar repartidos en un vinilo y un 7”. Como siempre, tanto las bandas que hemos

invitado como las versiones que han elegido son de lo más variadas. Así tenemos a Alien Roots versionando ‘Try Honesty’ de Billy Talent, a Ànteros haciendo ‘Wires’ de Red Fang o a Captains Of Sea And War sorprendiendo con ‘Winter Bane’ de Abbath. También encontrarás a Close To The Sky haciendo ‘Numb’ de Linkin Park, a Owl Captain con ‘Jesus Christ’ de Brand New, a Against The Waves con ‘Summer Romance (Anti-Gravity Song)’ de Incubus, a Silhouet con ‘Animal Style’ de Biffy Clyro, a Tao Te Kin con ‘Whipping’ de Pearl Jam, a Virgen con ‘Los Lobos’ de La M.O.D.A., a The Wax con ‘It’s On’ de Korn, a Los Vinagres con ‘Love Buzz’ de Nirvana y a Violent Eve con ‘Imperium’ de Machine Head. Hemos dejado para el final a Narco, quienes se salieron del guión y nos entregaron una versión de ‘Autosuficiencia’ de Parálisis Permanente. Es lo que tiene cerrar los tratos en Sevilla a altas horas de la madrugada... Aunque los Parálisis nunca han aparecido en nuestra portada -más que nada, porque se separaron en 1983-, nos gustó tanto la versión que decidimos incluirla igualmente. Además de esta edición exclusiva en vinilo, el The Bipolar Sessions Vol. 4 también estará disponible para descargar gratuitamente desde la app de RockZone y tendremos una versión promocional en CD que regalaremos en fiestas y festivales. Y a partir del 29 de abril, también estará disponible en streaming en Spotify. Un año más queremos dar las gracias a Arnette, Jägermeister y Vans, los sponsors cuyo apoyo hace posible este proyecto. ¡Feliz día del disco!

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LO PEOR DE MÍ_ BUENOS Y MALOS

n ocasiones se nos plantea el típico dilema de si podemos admirar a alguien simplemente por su obra con independencia de que como persona deje mucho que desear. El amigo Phil Anselmo sería un buen ejemplo de alguien que nos pone en esa disyuntiva cada dos por tres, y, sin ir más lejos, la reciente muerte de Chuck Berry, un auténtico granuja malcarado, me ha hecho pensar en ello de nuevo. Personalmente creo que a los artistas hay que juzgarlos principalmente por su obra. No estoy dispuesto a dejar de escuchar los discos de Pantera o de Berry, de la misma manera que no dejaré de ver una peli de Walt Disney porque fuera racista. O al contrario, no me pondré a escuchar Ed Sheeran por muy bien que me caiga. En cada entrevista que da el músico británico, me parece un tipo con el que me podría ir de fiesta y me lo pasaría genial, pero es escuchar ‘Shape Of You’ y que me entren ganas de quemarle su mata pelirroja. Así que prefiero estar en un mundo con hijos de puta con mucho talento, que difícilmente tendrán una influencia directa en mi vida, que de personas bienintencionadas cuya música me tortura aunque no quiera. (JORDI MEYA)

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INSTANTGRAMO

@stopxthink Me acaban de tocar unos Skullcandy cremísimos gracias a los majetes de la @RockZone. @gruñiverso @Rockzone Por favor, con Gigatron en portada como destacado. <3 <3 <3 @MarggotJ No puedo estar más de acuerdo con vuestra crítica del debut de @Creepercultuk. @Reionosiano Maravilloso: Some Kind Of Monster de @Metallica está en Netflix. ¡Lo veo de nuevo y me encuentro con mi amigo Jordi de @RockZone! @EsquirlasDMetal Anal duro del duro, estos hools del Masnou @analhard son la hostia. Letras ácidas y divertidas y demoledor sonido hardcore punk oi!. Grata sorpresa. @phenares @linkinpark ¿No queríais mierda? Pues toma dos mojones.

Foto con Devin Townsend. Acabando su concierto en Razz, pasó saludando a todos los que estábamos en primera fila, en ese momento le pedí una foto y me dijo que me esperara fuera del recinto. Éste es el resultado, una foto con él y la camiseta firmada por todo el grupo. (MARIBEL MARTÍNEZ)

*¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección.

DESDE EL TÍBER

Hoy no quiero desaprovechar este espacio que me brinda RockZone para autopromocionarme. Por suerte para mí, y por desgracia para el mundo en general, voy a tener la oportunidad de sacar un libro a la luz, que estará disponible en los principales puntos de venta del país y las mejores plataformas online, con un prólogo escrito con todo el corazón por mi amigo del alma de seis millones de suscriptores: Jordi Wild. En este libro cuento un poco mi historia como puto amo, mis inicios en otros mundillos paralelos a la música como pueden ser el de la comunicación y videojuegos, y cómo por error caí dentro de la industria musical hasta llegar a trabajar en la agencia más prestigiosa de nuestro país. Si quieres conocer la historia de un grande, si quieres superarte y buscas la inspiración necesaria, este libro te gustará, ya que te hará crecer personal y profesionalmente. Leeros cada noche un capítulo y reflexionad con la almohada. No os dejará indiferentes y os será muy útil. Seguramente se convierta en vuestra nueva biblia... La biblia de ser un triunfador, como yo. (MARIUS TIBERIAN)

(Fantasma, no das para escribir una columna, vas a escribir un libro -ndr.).

ARNETTE.COM

STEVE MULL I CUT BACK

ZONA DE OZZYO

TEXTOS: JORDIAN FO, SAMU GONZÁLEZ, RICHARD ROYUELA FOTOS: DR

¡BACALAO! Luis Costa (CONTRA)

ndependientemente de la edad que se tenga, a buen seguro que cualquiera que oiga el nombre de

Chimo Bayo y ese himno –que cada uno aplique aquí su interpretación de

decidido meterse a fondo en ese fenómeno y situarlo en el lugar

la palabra ‘himno’- como ‘Así Me Gusta A Mí (X-Ta Sí, X-Ta No)’,

que se merece. A ritmo de historia oral, Costa, que por edad nun-

no podrá dejar de esbozar una sonrisa de ironía o complicidad.

ca llegó a disfrutarla en primera persona, tiene esa visión objetiva

Esa canción fue la punta del iceberg de un fenómeno que explotó

que acaba por darle un valor mayor del que muchos podíamos

a principios de los 90 en Valencia, y que se bautizó como la Ruta

pensar que tenía. Pese a que las drogas, el desfase y un negocio

del Bakalao. Los informativos no paraban de hablar de una movi-

que llegó a ser muy lucrativo en su punto álgido estuvieron ahí, en

da en la que gente venida de toda España, e incluso Europa, se

¡Bacalao! se quiere, y consigue, reivindicar toda la parte musical

pasaban más de 48 horas seguidas de fiesta a ritmo de música

que puso a Valencia en la vanguardia electrónica de Europa, y

electrónica. Ésa fue la parte sensacionalista, pero detrás de todo

sitúa muy bien por qué todo aquello pasó allí y no en otro lugar.

eso hubo un movimiento con más consistencia del que el popula-

Un ensayo sobresaliente, adictivo hasta decir basta y que muestra

cho conoció. Ahora, más de dos décadas después, Luis Costa ha

lo diferentes que eran las cosas en la época pre internet.

EL OBJETIVO DEL CRIMEN X.R. Trigo

(EDICIONES B)

l Objetivo Del Cri-

Y es en esas páginas escritas en primera persona donde se

men es una nove-

encuentran los pasajes más duros de leer: “Cada sesión vivida

la negra que tiene

entre los monstruos que me rodean me ha hecho evolucionar

dos protagonistas: por un

en un oficio que amo con toda mi alma. Las fotografías me han

lado, los asesinatos de

permitido seguir viviendo. A veces incluso me han animado a

unas jóvenes alemanas en

soñar con una libertad imposible. Pero al mismo tiempo, sé que

la Barcelona de postguerra

eran imágenes contra natura, que servían como testimonio de

y, por otro, la fotografía. Se

un horror al que estaré eternamente unida”. Por lo demás, la

nota que el autor es fotógra-

lectura de este libro es adictiva desde la primera página: es de

fo además de escritor y que la historia está basada en las viven-

esas novelas que, casi sin darte cuenta, ya te has leído la mitad

cias personales de Erika Ernemann, también fotógrafa y policía.

y ha pasado más tiempo del que creías. Eso sí, al acabarla me

De hecho, intercalado en la narración podemos leer el diario

he quedado con la sensación de que el autor X.R. Trigo deja

de Erika (nombre ficticio), una joven alemana secuestrada por

demasiados cabos sueltos, tal vez con el propósito de continuar

el ejército soviético tras el fin de la Segunda Guerra Mundial.

la historia en el futuro.

BITCH PLANET Deconnik y De Landro (ASTIBERRI)

¿Demasiado fuera de la norma o combativa? Tal vez tu lugar sea entonces la cárcel interplanetaria conocida como El Planeta de las Zorras. Kelly Sue Deconnik presenta en este primer arco argumental su universo fantástico feminista que, sin sorprender tal vez por el trazo grueso -demasiado evidente todo-, satisfará a todos los lectores de ciencia ficción distópica. Bitch Planet juega con los géneros de drama carcelario, deportes extremos y crítica social para presentar una lectura potente, bella en la forma gracias a los lápices de De Landro, y dura en el contenido. Una suerte verla editada en castellano. SG

DRAGON BALL SUPER

METRÓPOLIS

Akira Toriyama y Toyotarô

Randy y JeanMarck Lofficier & McKeever

(PLANETA CÓMIC)

(ECC)

Dragon Ball regresa con esta adaptación de su más reciente anime. Olvida el desastre de GT; este manga está supervisado y guionizado por el propio Toriyama y dibujado con maestría por el joven discípulo Toyotarô, quien recupera la magia del trazo original. Situado tras la última saga publicada en papel, Dragon Ball Super llega en el mismo formato en el que en los años 90 Son Goku y cía asaltaron nuestros kioskos y corazones: en formato comic book estilo ‘Serie Roja’ y continuando la numeración. El tomo completo lo veremos en otoño, demasiado tiempo como para esperar. SG

PAGANDO POR ELLO Chester Brown

¿QUIÉN ES EL 11º PASAJERO? Moto Hagio

(LA CÚPULA)

(TOMODOMO)

Uno de los Otros Mundos de DC más interesantes gracias al primer arco que lo integra, que bebe directamente del cine alemán de los años 30 y se basa en la novela/cinta homónimas para presentar una lucha de clases atípica en el género de súpers. El tomo se completa con las entregas dedicadas a Batman y a Wonder Woman, que evolucionan tanto en lo gráfico como en el mensaje, formando un tríptico denso y excitante. Los personajes de DC funcionan muy bien fuera de su continuidad habitual colocados en posiciones extremas y este tomo es una buena muestra de ello. SG

TERRA DE MEIGAS: BELLADONA Lewis y Álvaro Ming (BABYLON)

Una novela gráfica dura y polémica. Chester Brown desnuda en esta obra su afición/necesidad por el sexo de pago y elabora todo un discurso a favor de su legalización y normalización. Complicado. Consciente de ello, Brown relata en primera persona con pelos, señales y miserias su experiencia con prostitutas y les da voz a lo largo de todo el trabajo. Imposible no entrar en el debate que busca generar, arrastrado por sus divagaciones como consumidor y los argumentos que esgrimen los diferentes personajes del tomo. Lo dicho, una lectura complicada. SG

Moto Hagio es una prestigiosa mangaka cuya obra permanecía inédita aquí (si exceptuamos el videojuego Illusion Of Time, para el que desarrolló los diseños). Ediciones Tomodomo trata de solventar este vacío publicando uno de sus trabajos más célebres, una historia de ciencia ficción que bebe de los clásicos del género de mediados del siglo pasado. La primera parte del tomo es magistral, siendo su segundo tramo un correcto shojo de intrigas palaciegas. La lectura de esta obra es tan satisfactoria que apetece disfrutar de todo su trabajo. Ojalá tengamos la oportunidad. SG

Lewis y Álvaro Ming son una de las parejas creativas más explosivas que he conocido estos últimos años. Este primer tomo presenta a los lectores su universo Terra de Meigas y lo expande en una aventura fantástica ambientada en Galicia y basada en viejas leyendas e historia local. El arte de cada página es espectacular y el guión de Lewis lleva con maestría al lector por esta caza de brujas llena de emoción y momentos impecables. Un debut a lo grande en nuestro mercado meritorio. SG 17

DE CINE_ CON KIKO VEGA YA NO ME SIENTO A GUSTO EN ESTE MUNDO NETFLIX ACERTANDO

espacito, Macon Blair ha ido eligiendo pequeños o grandes papeles en producciones tan interesantes como Blue Ruin o Green Room, ambas de Jeremy Saulnier. A su lado ha tomado buena nota de los ingredientes necesarios para elevar el cine independiente a categoría de primera división, y los ha utilizado de maravilla en su primera película, ganadora del premio del jurado en el último Sundance y flamante estreno de Netflix hace unas semanas. Ya No Me Siento A Gusto En Este Mundo (I Don’t Feel At Home

In This World Anymore) es una divertida comedia negra donde el peso de la trama recae en la estupenda Melanie Lynskey, que robó la pantalla en la lejana Criaturas Celestiales de Peter Jackson, y que se encuentra en su salsa al lado del mejor Elijah Wood que recordamos. Este golazo de Netflix es el prototipo de película festivalera, sí, sólo que dentro del marco de festivales que nos gustan a ti y a mí. La película no sólo bebe del cine de Saulnier y obviamente recuerda a los Coen menos ricos, los de Sangre Fácil o incluso Ola De Crímenes, Ola De Risas. Porque esto es una comedia sobre lo hartos que estamos de que todos los que nos rodean sean unos gilipollas y nosotros ahí sin poder hacer nada. Si a eso le añades una física y una gravedad compleja, unos puntos de humor tronchantes e inesperados y la dosis necesaria de corazón, tienes el pasatiempo ideal del fin de semana.

LA CURA DEL BIENESTAR HOSPITAL USHER

l bueno de Gore Verbinski no tiene suerte, qué se le va a hacer. A pesar de haber construido una filmografía ejemplar, donde la mitad de su obra es francamente extraordinaria, el director de la repudiada (pero fabulosa) El Llanero Solitario ha vuelto a lo que parece ser el género donde más cómodo se encuentra: el horror. Después de haber trasladado la maldición de The Ring a tierras americanas con un remake muy superior a la media habitual que le abrió las puertas grandes de la industria (después llegaría Piratas Del Caribe), Verbinski no había vuelto a tontear con el género más allá de algún detalle sórdido de la espectacular Rango, un western tétrico y animado que también está en el saco de sus jugadas maestras. Decididamente, La Cura Del Bienestar es la película de horror más puro que podrás ver en una sala de cine en mucho tiempo. Sin medianías, con un tono desagradablemente aris-

co, sin rastro de humor y con un formato de pesadilla en espiral consciente de serlo, de estar ahí para molestar, para helarte los huesos, la película nos mete de lleno en un centro de salud que ya está en el top de ‘centros de lo que sea chungos’ del cine. Con un protagonista (extraordinario Dane DeHaan, algo así como el hijo secreto de Matt Damon y Leonardo DiCaprio) dispuesto a sufrir todos los horrores que el director ha imaginado junto a Justin Haythe, que ya ayudó en su último western de fantasía, La Cura Del Bienestar es una patata caliente desde su primera secuencia. Lo que presenta Verbinski en un flamante 1:66:1 increíblemente iluminado es una historia de terror extremadamente incómoda y adulta que arranca como Drácula hasta hacer una parada en un Corredor Sin Retorno. Y justo cuando crees que Gore Verbinski ha decidido hacer una película pequeña, clásica y sin aspavientos, llega la segunda de las dos horas y media de duración. Una obra maestra sangrante que devuelve una serie de patrones y costumbres largo tiempo olvidadas. Esta moderna House Of Usher bebe de todas las fuentes de la sabiduría: clásicos italianos, gótico literario, Lovecraft, Poe, Cronenberg… Venga, ¿cuándo fue la última vez que viste algo así en una sala comercial? El acontecimiento cinematográfico del año.

TOI’S IN THE ATTIC BARRO DE ESTRELLAS

ola amigos! Debo ser la única persona en la Tierra que aún no había visto el documental Some Kind Of Monster de Metallica. Por fin me desquité y lo disfruté sobre todo porque hay váter a paladas, y la aproximación a los integrantes confirma muchas ideas que ya tenía preconcebidas además de sorprenderme con otras. Cierto es que los documentales y las biografías de artistas y grandes personalidades siempre han estado presentes, pero antaño la manera de abordarlas consistía en buscar la empatía del público ofreciendo una visión muy favorable del personaje, o al menos excitante. Coincidiendo con el principio del fin de las discográficas esto cambió, generándose una cantidad de material abrumadora y mostrando otro tipo de enfoque. Si la gente en los 70 se rasgaba las vestiduras con la biografía no autorizada de Elvis, What Happened?, en la que se hablaba de los excesos del Rey, hoy no dejaría de ser una historia más. Documentales de Kurt Cobain o Lemmy, y autobiografías

como las de Ozzy o Slash relatan anécdotas épicas, y a la vez, muestran miserias, aparentemente muy suculentas para el gusto del consumidor. ¿Cuál es la intención real del personaje con esa arriesgada sobreexposición? ¿Dar pena? ¿Vender más? Al fin y al cabo no deja de ser una manera de promocionarse. ¿Mostrar su lado humano y terrenal? Cuentas bancarias aparte, moviéndose en su entorno particular acompañados de 15 yesmen a todas horas, no lo creo. Otra vez vuelvo a tener opiniones encontradas, puesto que por una parte me atraen las vivencias ajenas, pero por otro lado no me aporta nada saber que Nikki Sixx se picaba en el nabo en su época más yonqui. La carroña es como un imán, aunque como cualquier fórmula explotada, está perdiendo atractivo. Hoy cualquier mindundi publica su biografía. Junto con la desaparición de las estrellas y las divas se acaban las buenas historias, así que Axl, ponte las pilas de una vez y cuéntanos tu verdad. Queremos saber. (TOI BROWNSTONE)

PISANDO FUERTE_ SHVPES “EL NOMBRE ‘SHVPES’ ES UNA ESPECIE DE DECLARACIÓN DE PRINCIPIOS: QUEREMOS EXPLORAR CUALQUIER FORMA MUSICAL” GRIFFIN DICKINSON

FORMACIÓN: Griffin Dickinson (voz), Ryan Hamilton (guitarra),

Youssef Ashraf (guitarra), Grant Leo Knight (bajo), Harry Jennings (batería)

PROCEDENCIA: Birmingham (Inglaterra) AFINES A: The Raven Age, As Lions, Wovenwar PRESENTAN: Pain. Joy. Ecstasy. Despair. (Spinefarm)

SHVPES

uando nos encontramos con Griffin Dickinson en la terraza de la sala Apolo de Barcelona unas horas antes de que abran el concierto de Trivium, el joven vocalista de Shvpes está siendo sometido a una llave de judo. No es que le hayan pillado robando o haciendo algo que no debía, sino que se está preparando para un combate que quieren celebrar contra los miembros de Trivium cuando terminen su gira europea y que, posiblemente, retransmitan en directo por Facebook. Una vez liberado y tras secarse el sudor, Dickinson (para quien no lo sepa, hijo de Bruce Dickinson de Iron Maiden) nos empieza contando cómo se produjo su entrada en la banda Cytota y por qué ésta acabó transformándose en Shvpes. “Conocí a los chicos del grupo hace unos cinco años, cuando estaban haciendo de teloneros de Rise To Remain, el grupo de mi hermano. Yo estaba llevando el merchandising en esa gira y pensaba que eran un buen grupo y eran buenos músicos, pero que necesitaban cambiar de cantante, de nombre y de sonido. Cuando me invitaron a unirme al grupo no les comenté nada, pero después de dar el primer concierto les dije que teníamos que cambiarnos el nombre.

Todos éstos estuvieron de acuerdo y en unos dos meses había llevado al grupo a mi terreno (risas)”. Aunque Griffin cuenta cómo Shvpes es su primer intento profesional en el mundo de la música, y sólo había estado en grupos en la escuela y escrito canciones por su cuenta, no dudó en tomar las riendas. “No es que quiera ser el líder, pero quiero que las cosas se hagan bien. Cuando me uní tenían la canción ‘Shvpes’ compuesta, pero no tenía letra ni melodía vocal. No quiero parecer un gilipollas, pero la canción sonaba a metal inmaduro, así que cambié algunas partes para que sonase más compacta. Yo puedo tocar todos los instrumentos, aunque ninguno a un gran nivel, así que mi papel es un poco más el de productor e intento guiar un poco para que cada uno dé lo mejor de sí. Cuando llegó el momento de escribir el álbum, Ryan (Hamilton, guitarra) y yo tomamos la iniciativa de la composición, pero igualmente todo el mundo aportó cosas. No importa quién compone un tema, lo importante es que sea bueno”. El debut de Shvpes, aparecido hace unos meses, tiene por título Pain. Joy. Ecstasy. Despair., una combinación de palabras que reflejan la personalidad de su vocalista. “Soy una persona muy extrema, sin llegar

a ser bipolar. O estoy muy feliz o estoy muy jodido. Hoy estamos en Barcelona pasándolo genial y vamos a tocar esta noche, y mañana puedo estar en casa sin un concierto a la vista y sintiéndome fatal. La vida es eso, un ying y yang de emociones”. Contrastes fuertes que también se reflejan en las canciones del álbum, con influencias del metalcore al hip hop. “El nombre ‘Shvpes’ es una especie de declaración de principios: queremos explorar cualquier forma musical”, explica Griffin. “No queremos apegarnos a un estilo concreto. Escuchamos de todo. Podemos escuchar a Despised Icon y pasar a Elton John y luego a Miley Cyrus y después a Annihilator. Queremos hacer cosas que molen”. Para Griffin esta oportunidad de girar con Trivium es todo un sueño, pues él mismo dice que fue la primera banda de metal de la que de verdad fue fan. “Me llevó un par de semanas romper la barrera de ver a Matt Heafy encima del escenario a verlo como un amigo. Pero Trivium son los tíos más amables que puedas encontrarte. Todo el mundo en esta gira se lleva de maravilla. Y además puedo ver a mi banda favorita cada noche. ¿Qué más puedo pedir?”. Se hace extraño escucharle hablar con tanta emoción de su amistad con Matt Heafy teniendo en cuenta que desde pequeño está acostumbrado a estar rodeado de músicos legendarios. Pero para Griffin ambas situaciones son distintas. “Puedes criarte rodeado de músicos, pero cuando se trata de tu banda favorita es diferente. Los tienes en un pedestal... Lo otro es simplemente familia”.

ste mes el escogido para mi Hall OF Fame particular es The Rise Of Brutality de Hatebreed. La música que suena en un club de rock justo antes de un concierto se pone para calentar a la gente y ponerla a tono para el show que van a ver. Lo que pasa es que, a veces, si la música es muy buena, existe el riesgo de que la gente se quede muy pillada con lo que oye y deje un poco de lado lo que ha venido a ver, o incluso se sienta algo decepcionada una vez empiece el concierto. Muchas veces, esa banda encargada de robar el show se llama Hatebreed. Hatebreed son una formación de hardcore de New Haven, Connecticut. Llevan en activo desde el 94 y no han dejado de sacar un disco rompehuesos tras otro. En total han 24

editado siete álbumes. Los descubrí por primera vez a través de Perseverance, su álbum de 2002. Fue un tremendo aviso de lo que iba a venir con las partes mosh convirtiéndose en toda una canción. Eso combinado con la garganta de su vocalista Jamey Jasta, unas letras positivas y motivacionales, hace que uno no le quede otra opción que subirse al carro tras una sola escucha. Me pongo Hatebreed cuando hago ejercicio o para ponerme a tono antes de los conciertos, o mientras conduzco mi coche adentrándome en la autopista. De alguna manera han sabido dar a su música un sentimien-

to particular, algo que va más allá de géneros o escenas. No hay respiro desde el corto inicio, ‘Tear It Down’, y eso sigue por todo el álbum. Juro que tengo problemas en discernir las diferentes canciones del disco porque lo veo como un aplastante tema épico. Sólo puedo reconocer estribillos como “Live for this… I live for this…” o “Straight to your face with the truth….” y, por supuesto, el increible “Facing what consumes you is the only way to be free… Doubt me, hate me/you are the inspiration I need”. En sus concisos 32 minutos, The Rise Of Brutality es el

legítimo heredero del igualmente aplastante Reign In Blood de Slayer. Sé que afirmar una cosa así puede ser muy arriesgado, pero escucha ‘Beholder Of Justice’, ‘Doomsayer’ o ‘This Is Now’ y dime que no experimentas la misma bola de energía que sale desde tu intestino que cuando escuchas ‘Angel Of Death’. ‘Post Mortem’ o ‘Altar Of Sacrifice’. Cuando el álbum acaba con ‘Confide In No One’ no queda nadie en la pista de baile. Fucking yeah… Hatebreed rules, motherfuckers!!! Hasta el mes que viene, DANKO JONES

LAS ARNETTE SESSIONS NOS MUESTRAN EL LADO MÁS CERCANO, ÍNTIMO Y CRUDO DE LOS MÚSICOS QUE SE ACERCAN A LA REDACCIÓN DE LA REVISTA ROCKZONE. A PELO, SIN SEGUNDAS OPORTUNIDADES NI EFECTOS ESPECIALES, ESTE FORMATO NO ES APTO PARA PRODUCTOS PREFABRICADOS, SÓLO PARA QUIENES DISFRUTAN Y RESPIRAN LA MÚSICA .

>> GHOST TRIP INTERPRETAN ‘FISHERMAN’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE

l pasado 20 de enero aparecía en el mercado Reincarnation, el primer álbum de Ghost Trip, un quinteto de Barcelona formado por Nadia Elgabu (voz), Víctor Altimiras (guitarra), Adrià Vives (guitarra y coros), Nacho Fisac (bajo) y Pere Moll (batería). Su debut es la continuación natural de su EP de 2015 Carnation y, de hecho, incluye los cuatro temas que ya formaban parte de aquél. “Las canciones se grabaron en dos tandas separadas en el tiempo, así que juntarlas todas era una manera de mostrar cómo hemos evolucionado”, explica Víctor. Efectivamente, desde la inicial ‘Soldiers Of Life’ hasta la final ‘Fisherman’ el oyente es testigo de la madurez que han ido adquiriendo tanto musicalmente como a nivel lírico. “Transcurrieron como dos años desde las primeras canciones hasta las últimas y se nota mucho también en las letras”, cuenta Nadia. “A medida que vas creciendo los temas que tratas van cambiando. Además, mi nivel de

inglés a los 16 años también era muy diferente al que tengo ahora. Igual en castellano o catalán podría escribir algo profundo, pero para plasmarlo en inglés tenía que limitarme a algo que rimara y fuera correcto”. A pesar de su juventud, Ghost Trip llevan ya seis años tocando juntos y empezaron como tantos grupos haciendo versiones de clásicos como Guns N’Roses, AC/DC o Metallica. Son referentes que sorprenden un poco teniendo en cuenta su edad, aunque ellos mismos admiten que en su clase eran los únicos “raritos” que escuchaban rock. “A lo mejor era el espíritu rebelde de querer diferenciarte de los demás”, señala Nadia. “Pero no hay que renegar de ninguna música. Yo me arrepiento que de pequeña sólo quería rock y pensaba que el resto era una mierda. Pero cuando creces, te das cuenta que en todos los estilos hay cosas buenas”. Quizá por eso al cabo de un tiempo sintieron la necesidad de avanzar musicalmente. “Nos queda-

mos un poco estancados”, prosigue Nadia. “No éramos Ghost Trip como tal, éramos sólo un grupo de versiones y a nosotros nos apetecía que la gente escuchara lo que teníamos ofrecer”. Y lo que quiere aportar es un toque moderno al hard rock tradicional como hayan hecho fuera Halestorm, Alter Bridge o The Pretty Reckless. “Nosotros nos definimos como rock moderno”, dice Adrià. “Lo que nos gustaría es poder llegar al máximo de gente posible y eso pasa por traerlo a una sonoridad actual. Si no siempre acabarás siendo un grupo para minorías”. Y para ello se sirven de todo tipo de influencias y reconocen sin rubor que artistas mainstream como Lady Gaga o Bruno Mars les ayudan a tener un abanico más amplio a la hora de componer. “Nuestras melodías de voz no son demasiado rockeras,así que a alguien a quien le guste el pop también podría gustarle” señala Nadia. “Al final, lo importante es la intención que le pongas al cantar”.

WE RIDE

RECUPERAR

EL PODER

PUEDE QUE SU NOMBRE APENAS OS SUENE, PERO WE RIDE LLEVAN AÑOS DESCARGANDO SU HARDCORE VITALISTA FUERA DE NUESTRAS FRONTERAS Y HAN LLEGADO A TOCAR EN MÁS DE 30 PAÍSES. GRACIAS A ESTA VISIÓN GLOBAL, LA BANDA DE VIGO HA CONSEGUIDO QUE VICTORY RECORDS LES HAYA FICHADO PARA PUBLICAR SU NUEVO ÁLBUM EMPOWERING LIFE. TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR

ARECE QUE POCO A POCO POR FIN NUESTRA ESCENA alternativa empieza a recibir la atención que merece por parte de sellos internacionales. A los ya conocidos casos de Angelus Apatrida, Toundra, ‘77, Obsidian Kingdom o Crisix, en el último mes se ha anunciado también que Foscor y Syberia editarán sus próximos trabajos con Season Of Mist y Metal Blade respectivamente. Una tendencia positiva de la que también son partícipes los vigueses We Ride. Era el pasado 7 de febrero cuando se hacía oficial que su tercer álbum Empowering Life vería la luz de la mano de Victory Records, uno de los sellos con más solera dentro del hardcore por haber lanzado las carreras de bandas tan emblemáticas como Snapcase, Hatebreed, Thursday o A Day To Remember. Grabado en los The Metal Factory de Madrid con Alex Cappa, Empowering Life nos muestra a unos We Ride preparados para el reto que tienen delante, con canciones que encandilarán a fans de H2O, Madball o Walls Of Jericho. Si todo va bien, Mimi Telmo (voz), Borja Trigo (guitarra), Nuno Alves (guitarra), Bastian Rodríguez (bajo) y Brais Lomba (batería) van a estar poco en casa en los próximos meses. Ya tienen fechas cerradas en Polonia, Alemania, República Checa, Suiza o Francia, aunque a ellos les gustaría también poder hacer una gira en condiciones por España. Su actuación en el Download Madrid puede ser el escaparte perfecto para que, de una vez, empiecen a ser profetas en su tierra. A pocas semanas para que se publique Empowering Life,

¿qué sentimiento os domina? BORJA TRIGO “La verdad es que estamos ansiosos. Terminamos de grabar el disco en febrero de 2016 y a pesar de que la espera haya merecido la pena, han sido 14 meses mordiéndonos las uñas con las canciones en nuestros ordenadores”. ¿En el momento de componer y grabar sabíais que lo iba a sacar Victory? ¿Os condicionó eso de alguna manera, por ejemplo, en los plazos? Porque me imagino que desde que sacasteis On The Edge teníais muchas ganas de sacar algo nuevo... “Cuando entramos a grabar no habíamos hablado con ninguna discográfica. Este disco, musicalmente, es muy distinto al anterior, así que decidimos esperar a tener todo grabado para hablar con discográficas y presentarles los nuevos temas. Realmente cuando llevas sin sacar un disco cuatro años, aunque no sea fácil, da igual esperar unos meses más”. Habiendo estado tanto tiempo sin publicar disco, ¿teníais mucho material donde elegir? ¿Pensáis que este largo periodo ha sido clave en la evolución de vuestro sonido? “La verdad es que no. En lugar de escribir muchas canciones rápido y después escoger entre todas, nos tomamos todo el tiempo que necesitamos para componer canción a canción. Si algo no nos gusta, lo eliminamos y buscamos algo mejor, pero en general nunca empezamos una canción sin haber terminado la anterior. No fue hasta que tuvimos ocho canciones

completas y estábamos 100% seguros de ellas que decidimos fijar las fechas en el estudio de grabación. Aunque al final, por cosas de la vida, una semana antes de entrar en estudio descartamos una canción y compusimos ‘Self Made’, el primer single del nuevo álbum. Sin duda, ese largo periodo tuvo mucho que ver. Si hubiésemos grabado un disco en 2013, sonaría prácticamente igual a On The Edge, pero tras tantos años y horas de furgoneta escuchando todo tipo de música juntos, llegamos a la conclusion de que queríamos evolucionar nuestro sonido y añadir toques de otros géneros que nos gustan como el punk rock o el metalcore”. Obviamente, el hecho de que lo lance Victory ha generado mucho revuelo. ¿Cómo acabasteis en el sello? ¿Se venía esto cociendo desde hace mucho tiempo? “Nuestro amigo Andrew Neufeld, cantante de Comeback Kid, fue de los primeros en escuchar los temas, le gustaron mucho y él mismo le envió los temas a Victory y les puso en contacto con nosotros”. ¿Creéis que por parte de los sellos internacionales cada vez se nos empieza a tomar más en serio? “Está más que demostrado que en España hay talento y grupos que se lo están currando mucho. Por suerte, en la era digital es más fácil que los sellos y sus A&R escuchen bandas de cualquier parte del mundo”. No es ningún secreto que Victory han tenido varios litigios

WE RIDE

“FUERA DE ESPAÑA LA CANTIDAD DE PÚBLICO QUE ASISTE A NUESTROS CONCIERTOS ES MUCHO MAYOR QUE LA QUE TENEMOS AQUÍ” BORJA TRIGO

a lo largo de los años con formaciones como Thursday o A Day To Remember. ¿Tenías alguna reserva por ese motivo? “Somos la referencia 743 de Victory Records y el porcentaje de bandas con las que han tenido problemas es muy inferior. A pesar de que es un sueño, nos tomamos nuestro tiempo en leer y consultar con expertos todos los puntos y condiciones del contrato, así que estamos seguros de que nuestra unión con Victory Records sólo traerá cosas buenas”. Me da la sensación de que We Ride, fuera de la escena hardcore, sois unos grandes desconocidos todavía en España. ¿Dirías que habéis sembrado más fuera que aquí? “Uno de los dichos que mejor nos viene es ‘uno no es profeta en su tierra’. Presentando el anterior disco hemos tocado en cientos de ciudades en Europa, Suramérica, Centro América, América del Norte y Asia, pero en España no hemos dado ni diez conciertos. ¡Esperamos que con este nuevo disco eso cambie!”. Puede sorprender que una banda underground haya tocado en tantos países como

vosotros... ¿Cuál ha sido el secreto? Porque económicamente a muchos grupos ya les cuesta pensar en tocar por España, como para plantearse hacerlo fuera... “Hemos tenido mucha suerte. Desde la salida de On The Edge todas las giras que hemos realizado han sido a través de propuestas que nos han hecho agencias en los distintos países y continentes donde hemos tocado. Pero sobre todo han sido posibles porque fuera de España la cantidad de público que asiste a nuestros conciertos es mucho mayor que la que tenemos aquí”. La palabra ‘empoderamiento’ se ha puesto muy de moda en los últimos años. ¿Qué significa para vosotros el título Empowering Life y cómo está relacionado con las letras del álbum? “Entramos en The Metal Factory sin haber pensado el título del disco, así que cuando estábamos acabando la grabación, buscábamos un título que representase todo el álbum y también nuestras vidas. Una vida empoderada es aquélla en la que uno esta capacitado y plenamente consciente de los desafíos a los que

se tiene que enfrentar y, sobre todo, manteniendo siempre presente una actitud mental positiva”. ¿Cómo surge la colaboración de JJ Peters de Deez Nuts en ‘What You Are’? “JJ es un buen amigo nuestro desde hace años. Tocamos con Deez Nuts por primera vez en varios conciertos de su primera gira europea en 2010, y desde entonces mantenemos una buena amistad. Se lo comentamos y accedió al momento”. En junio vais a estar en el Download Madrid. ¿Qué bandas tenéis más ganas de ver o conocer allí? “Entre los cinco tenemos ganas de ver a todos los grupos. Tocamos el viernes 23 y estamos seguros de que el show de System Of A Down va a ser brutal. Tenemos muchas ganas de volver a ver a Every Time I Die, a Code Orange, a Mastodon, y sobre todo disfrutar de esta primera edición con bandas colegas como Dawn Of The Maya, Against The Waves y el resto de formaciones españolas”.

GREG GRAFFIN

DE VEZ EN CUANDO GREG GRAFFIN NECESITA ALEJARSE DE LOS DECIBELIOS DE BAD RELIGION PARA SUMERGIRSE EN LA MÚSICA DE RAÍCES AMERICANA. Y EN MILLPORT, SU TERCER ÁLBUM EN SOLITARIO, LO HACE EN UNA COMPAÑÍA INMEJORABLE. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ANTHONY ST. JAMES

SÍSI ES PAÍS PARA VIEJOS

UNQUE TODO EL MUNDO

identifica a Greg Graffin como vocalista de Bad Religion, grupo en el que lleva militando desde hace casi 40 años, el también reputado profesor de paleontología tiene un lugar reservado en su corazón para la música con la que creció. Antes de mudarse con 11 años al sur de California, Graffin se había criado en el ambiente rural de Indiana, donde el folk y el góspel pusieron la banda sonora a su infancia. Más tarde llegaría el country rock de la escena de Laurel Canyon con The Eagles, Crosby, Still, Nash & Young y Linda Ronstadt que, a mediados de los 70, dominaban las ondas, y finalmente el punk rock. Graffin es el primero en atribuir el fuerte elemento melódico de Bad Religion a esas influencias primerizas, aunque no fue hasta que en 1997 publicó su primer disco en solitario, American Lesion, que el público descubrió su amor por los sonidos más acústicos. Para el recién publicado Millport (Epitaph), Graffin contó con unos músicos de excepción: el guitarrista Jonny ‘2 Bags’ Wickersham, el bajista Brent Harding y el batería David Hidalgo Jr., o lo que es lo mismo, los músicos que junto a Mike Ness forman Social Distortion en la actualidad. Además, también tuvo a su lado a su compañero en Bad Religion, Brett Gurewitz, asistiéndole como productor. A principios de marzo hablamos con él sobre este nuevo trabajo y si es inevitable volverse más conservador a medida que se cumplen años. ¿Dirías que Millport es un homenaje a la música de tu infancia o adolescencia?

GREG GRAFFIN “Bueno, éste es mi tercer disco en solitario y creo que quien haya escuchado los anteriores puede entender de dónde viene. Espero que no sea sólo vista como música de mi infancia, sino que resulte música relevante e interesante para el oyente. Ése es mi objetivo al menos”. He escuchado los discos anteriores, pero diría que en éste has tenido un enfoque más purista al acercarte al country o el folk. En tu primer álbum sobre todo había temas que, de haber sido electrizados, podrían ser de Bad Religion. “Respeto tu opinión, pero yo creo que cualquier buena canción puede ser adaptada a cualquier estilo. Cuando me siento a componer siempre lo hago al piano o con una guitarra acústica. Si es para Bad Religion le pongo 300 bpm’s, y si es para mí, la ralentizo un poco (risas). La producción es muy importante a la hora de crear el sonido de una canción, pero si ésta es realmente buena siempre podrá interpretarse en su forma más básica. Canciones como ‘Sorrow’ o ‘Skyscraper’ de Bad Religion suenan geniales tocadas en acústico”. En este caso te has hecho acompañar por los músicos de Social Distortion, y su trabajo es excelente. ¿Pensaste en ellos de primeras para hacer este disco? “Probablemente lo sabes, pero el de la música es un mundo muy pequeño. Me crié con ellos en el sur de California y nuestro primer concierto fue con Social Distortion, así que conozco a estos tíos desde hace mucho tiempo y

somos amigos. Ellos tienen sus propios proyectos paralelos y resulta que lo que hacen fuera de la banda es lo mismo que yo hago en solitario. Les gusta la música de raíces y llevan tanto tiempo tocando también en este estilo que, cuando nos juntamos, todo fluyó de manera muy natural. Todo el mundo nos asocia con el punk rock, pero la realidad es que hay similitudes entre Bad Religion y Social Distortion en el sentido en que tenemos esas otras influencias y se nota en los arreglos vocales y las guitarras”. ¿Cómo descubriste toda la escena de Laurel Canyon? “Cuando nos mudamos al sur de California yo sólo tenía 11 años, pero estábamos a sólo 5 millas de Laurel Canyon (risas). Así que toda esa escena estaba ahí mismo y mi madre era muy consciente de ella. Nosotros éramos demasiado pequeños para darnos cuenta, pero la música, la cultura, el estilo de vida del sur de California formaba parte de nuestras vidas”. Así que salías a la calle y te cruzabas con Joni Mitchell o Jackson Browne. “Bueno, posiblemente ni me hubiese dado cuenta entonces. A los 15 años empecé con Bad Religion, así que sólo habían pasado cuatro años desde que me había mudado allí. Me metí en otro movimiento cultural, el punk. Para un chaval de 15 años era mucho más atractivo y no quería saber nada de los hippies de pelo largo de Laurel Canyon. Pero lo cierto es que la increíble música que salió de esa escena se impregnó en mí”. Brett Gurewitz ha producido

“AHORA MISMO ESTAMOS EN UN TIEMPO EN EL QUE SE NECESITA AYUDA, PERO NO CREO QUE NINGUNA RELIGIÓN TE LA VAYA A DAR. TENEMOS QUE PENSAR EN UNA SOLUCIÓN HUMANISTA, A PARTIR DE NUESTRAS PROPIAS CAPACIDADES”

GREG GRAFFIN el disco. ¿Cómo compararías cómo habéis trabajado en Millport a cuando lo hacéis en un disco de Bad Religion? Porque aquí me imagino que tú eras el jefe. “(Risas) En Millport yo sólo era el compositor y cantante, dejé que Brett se ocupara de toda la producción. Estuve contento de no tener que tomar todas las decisiones. Brett y yo nos entendemos muy bien y entre los dos tomamos las mejores decisiones. Cuando hacemos un disco de Bad Religion yo soy el coproductor con Brett; normalmente él produce sus canciones y yo las mías, pero todos opinamos sobre todo, así que hay bastantes más discusiones”. Una de las canciones más llamativas es ‘Time Of Need’, que parece una canción de iglesia. ¿Cómo de importante fue la religión en tu infancia teniendo en cuenta que acabaste en un grupo llamado Bad Religion? “La respuesta corta es que tuvo poca importancia. Mi padre y mi madre me mantuvieron alejado de la igle34

sia, pero lo hicieron precisamente porque, especialmente mi madre, tuvo una educación muy religiosa. Pero una de las cosas que le quedó de eso fue la música. Su familia era muy musical y también me transmitieron a mí todo ese aspecto de la historia musical de Estados Unidos. En cierta manera, yo aprendí a partir de la música de iglesia. Mucha gente me dice ‘Cantas en Bad Religion, pero ¿cuál es para ti la buena religión?’ (Risas). Y para mí lo único bueno que ha dado la religión es la música, y está bien preservarla. Así que quise una canción secular que sonase como un himno religioso. Pone el poder en la humanidad, no en un dios sobrenatural. Ahora mismo estamos en un tiempo en el que se necesita ayuda, pero no creo que ninguna religión te la vaya a dar. Tenemos que pensar en una solución humanista, a partir de nuestras propias capacidades”. El año pasado publicaste el libro Population Wars. Asumo que lo estuviste escribiendo al mismo tiempo que este disco... ¿Tuvo alguna influencia el uno en el otro? “Es una buena observación. Los dos provienen del mismo principio. A medida que me hago mayor intento aceptar y entender cómo las cosas viejas pueden seguir siendo relevantes. No puedes intentar actuar como las nuevas generaciones, tienes que ser tú mismo. En el caso de Population Wars intenté enfocarlo desde el punto de vista de la evolución. Se habla de la evolución como el cambio de una especie hacia otra, pero en muchos casos la especie anterior

no desaparece, sino que persiste. Quizá no es igual de dominante, pero sus genes siguen ahí y son relevantes. En el caso de Millport hablo de imágenes atemporales, no sólo americanas, sino a nivel internacional. Puedes ir a cualquier pueblecito de España y ver vestigios del pasado. Y no están ahí como ruinas, sino que hay edificios, puentes o carreteras que se siguen usando, siguen siendo relevantes. Para mí eso es muy interesante. Así que en ambos casos trato sobre la permanencia en un momento de cambio. En el libro lo hice de manera más académica y en el disco de manera musical”. Mirándolo desde otra perspectiva, la gente joven suele ser más progresista y, las personas mayores, más conservadoras. Lo cual tiene sentido, porque la gente joven no suele tener nada y quiere cambiar las cosas para obtener algo, y la gente mayor no quiere que nada cambie para conservar lo que ha conseguido. ¿En tu caso has tenido esa evolución también? “Yo lo veo de manera diferente. Cuando eres joven no tienes suficiente experiencia y básicamente haces lo que hacen tus padres. A medida que vas creciendo y ganas experiencia, empiezas a cuestionar a tus padres y tiendes a cambiar. Conozco mucha gente que se volvió mucho más progresista cuando se hizo mayor porque había sido educada de manera muy conservadora. Mis pa-

“SI TE HAS PASADO LA VIDA HACIENDO PUNK ROCK, INEVITABLEMENTE, CUANDO TE HAGAS MAYOR, ACABARÁS HACIENDO ALGO MÁS SUAVE”

GREG GRAFFIN dres son un ejemplo de eso, como te he mencionado antes. Yo me crié en un ambiente muy liberal, pero mi misión en la vida ha sido cuestionar eso y mirar si había algo bueno en un pensamiento más conservador. Y en general, no he encontrado nada (risas). Así que mi teoría es que el pensamiento conservador es más limitado. Yo, que me he dedicado a la educación, siempre he intentado expandir mi mente. Quizá lo que tú interpretes como que la gente mayor es más conservadora es simplemente que se vuelve más tranquila (risas). Si te has pasado la vida haciendo punk rock, inevitablemente, cuando te hagas mayor, acabarás haciendo algo más suave”.

Puede ser... Pero también me refería a que, por poner un caso, personas de pensamiento progresista tienen hijos y empiezan a tener reacciones muy conservadoras, por ejemplo en todo lo referente a las nuevas tecnologías y cosas así. “Pero creo que eso va más allá de ser progresista o conservador, se trata más bien de un tema educativo, en todo caso. Para mí no hay nada educativo en aprender de un móvil o una tablet. Ahora diré algo que puede parecer conservador, pero en realidad no lo es. Las instituciones educativas son importantes. Son muy formales, pero están ahí para expan-

dir las mentes”. Nos hemos ido un poco por las ramas, así que la última pregunta es más fácil: ¿Estáis trabajando ya en un nuevo disco de Bad Religion o de momento no hay planes? “Por ahora estoy concentrado en mi disco y en dar algunos conciertos con mi banda, pero siempre estamos pensando en el próximo álbum de Bad Religion. Seguramente nos pondremos a trabajar en él en un futuro próximo”.

ORANSSI PAZUZU

L BLACK METAL

QUE ORANSSI PAZUZU NOS VISITEN A PRINCIPIOS DEL PRÓXIMO MES DE MAYO ES VISTO POR ALGUNOS COMO UN ACONTECIMIENTO. UN HITO DEL TODO UNDERGROUND, PERO UN HITO AL FIN Y AL CABO. SU PERSONAL APUESTA POR UN BLACK PSICODÉLICO Y EXPERIMENTAL SE HA GANADO EL APLAUSO UNÁNIME ENTRE LAS MENTES MÁS ABIERTAS, ASÍ QUE YA ERA HORA DE TRAER A LOS FINLANDESES A NUESTRAS PÁGINAS. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

de Finlandia me tiene obsesionado desde hace mucho, mucho tiempo. Sin miedo a exagerar, actualmente me parece la mejor y más bulliciosa escuela en todo el planeta. Entre los muchos nombres que adoro de esas gélidas tierras igual no figuraría el de Oranssi Pazuzu, pero claro, es que Oranssi Pazuzu no son una banda apta para talibanes… Y bueno, es que escuchando sus respuestas parece que quieran distanciarse del todo de ese movimiento. Lo que distingue a un crítico musical de un simple aficionado es, entre otras cosas, la capacidad de discernir entre qué le deleita a uno y lo que es auténticamente bueno más allá de sus gustos, y es ahí donde servidor, sobre todo después de escuchar Värähtelijä (Svart Records), debe sacarse el sombrero ante Jun-His (voz, guitarra), Ikon (guitarra), Moit (guitarra), Ontto (bajo), Evill (teclados, sintetizador) y Korjak (batería). Con la vista puesta en esas fechas previstas para el 1 de mayo en Madrid y el 2 en Barcelona, nos acercamos a esta intrigante formación para conocer qué opinan ellos mismos de todo el interés que han despertado, así como explicar su especial y tan personal propuesta. Valonielu tuvo excelentes críticas en todo el globo, pero creo que vuestro último álbum os puso definitivamente en el mapa. ¿Estás de acuerdo? ¿Cómo lo aprecias tú en términos de aceptación?

ONTTO “Bueno, en primer lugar, no empezamos a hacer música para sentirnos ampliamente aceptados. Pero, dicho esto, también estoy contento con el hecho de que muchas personas hayan conectado con este álbum, ya que vertimos tantas energías y sentimientos en él… Creo que cada vez que alguien escucha las canciones y realmente siente algo, hace que la música cobre vida, y eso es importante para mí. Así que no se trata de que nosotros tengamos éxito, sino de que los sonidos tengan un sentido”. Por la naturaleza de vuestra música, quizá Oranssi Pazuzu sea una mejor experiencia en directo que en casa, ¿no? Ahí, desarrollando vuestro mantra, con todo el mundo cerrando los ojos para sentirse como una hoja de árbol balanceada por vuestro black y psicodélico viento… “Sí, ése es el principal enfoque en vivo: hacer que la sala se convierta en una especie de oscura y masiva meditación colectiva. Para experimentar plenamente en cualquier cosa necesitas lanzarte a ti mismo hacia ello, y ése es también el caso de nuestras performances en directo. En los shows, espero que la gente sea de mente abierta y que estén listos para viajar. De la misma forma, opino que también puedes ir hacia algo muy profundo escuchando la música en casa… Es una experiencia diferente, mucho más íntima”. En tu opinión, ¿cuál es esa particularidad que os hace diferentes del resto de escena?

¿Cómo le explicarías vuestro sonido a alguien? “No nos consideraría exactamente parte de la escena black metal. Claro que nuestra música tiene influencias del black metal, pero nuestro sonido en general es más una fusión de cosas distintas. Probablemente estamos más orientados hacia los paisajes sonoros y las composiciones psicodélicas progresivas. Pero por supuesto también hay escenas en las

que encajamos, como la finlandesa de heavy psych, que tiene muchas bandas buenas como Dark Buddha Rising o PH. O grupos que están involucrados en la ‘escena Roadburn’, como Aluk Todolo o Cobalt, con quienes giraremos el próximo mes. Comparados con algunos de estos tíos, somos bastante sencillos en realidad (risas)”. Finlandia cuenta con bandas

“NO NOS CONSIDERARÍA EXACTAMENTE PARTE DE LA ESCENA BLACK METAL. PROBABLEMENTE ESTAMOS MÁS ORIENTADOS HACIA LOS PAISAJES SONOROS Y LAS COMPOSICIONES PSICODÉLICAS PROGRESIVAS” ONTTO

de black metal fantásticas y realmente subterráneas, grupos veteranos como Horna, Sargeist, Impaled Nazarene, Archgoat, Behexen, Azaghal… ¿En serio no estáis en contacto con ellos? Lo que sí puede observarse es que vuestra propuesta se dirige hacia un lugar muy diferente del suyo… “Es cierto que hay muchas bandas

clásicas de black metal en Finlandia, mi favorita posiblemente sea Beherit. Siempre fueron muy osados con su música… incluso grabaron esos álbumes experimentales y electrónicos que están muy alejados del típico sonido black metal. Pero como ya he dicho, no nos consideramos exactamente una banda de black, y tampoco estamos muy en contacto con esa escena aquí, en nuestro país. Eso puede ser porque venimos de un

lugar un poco diferente, ya que originalmente no somos músicos de metal y nuestros objetivos también van hacia una dirección distinta. Aunque en mi pensamiento eso también se relaciona con algunos de los ideales satánicos… seguir tu propio camino, y no cambiar tus propias ideas sólo para satisfacer algunas expectativas de otra persona”. Creo que estamos viviendo

ORANSSI PAZUZU los mejores tiempos para una banda como Oranssi Pazuzu… Hoy en día existe una nueva legión de metalheads más abiertos de miras y ya no es necesario pertenecer a una escena true y cerrada para trascender con tu grupo. La gente es más receptiva y festivales como el Roadburn tienen mucho éxito. ¿Opinas lo mismo? “Creo que es una cuestión de evolución musical. Ciertas cosas están más cerca las unas con las otras y se empiezan a mezclar, y luego algo nuevo nace de eso. Es un proceso sin fin. Claro que puedes crear sonidos muy interesantes en un ambiente aislado también, pero para mí, y creo que para el resto de chicos de la banda, es mucho más gratificante hacer música que no esté restringida a un ideal o género petrificado. Parece que hay muchas personas que piensan de la misma manera, y me parece natural”. Vuestras letras están en suomi, y claro, obviamente no entiendo nada de lo que cantáis… ¿Puedes contarme de qué va Värähtelijä? “Es una especie de viaje psicológico 40

“Bueno, en realidad no hemos conocido todavía a los chicos de Cobalt, así que es difícil hablar sobre ellos en profundidad, pero he estado escuchando su nuevo álbum y creo que es un material muy bueno. Me gusta ese tipo de minimalismo que tienen. Opino que formaremos una buena pareja en los conciertos con ellos, será interesante ver cómo lo interpretan”. por el que tú pasas. Cada canción representa una visión o un espejismo que te da algunas ideas para contemplar en tu viaje. Pero no es una cosa racional, es más como flotar en un sueño… y al final mueres”. Vaya… ¿Cómo está yendo el tour por Europa? Será vuestra primera vez en España, ¿verdad? “Sí, nunca hemos tocado en España antes, así que es genial hacerlo. La gira pinta muy bien, tenemos 25 conciertos seguidos y luego volvemos para Finlandia”. ¿Qué esperas de vuestras fechas en mi país? Creo que aquí también vais camino de convertiros en una banda de culto… “¡Espero algo grato, buenos tiempos se avecinan! No tengo ni idea de qué tipo de recepción vamos a tener, pero estaremos brindando la música más hipnótica, fuerte y profunda que nos sea posible”. Cobalt están recibiendo un montón de atención, y escuchando su nuevo disco es del todo normal… ¿Qué me puedes contar de ellos?

Ya para terminar, te quería preguntar sobre algo que es más de interés personal mío… Últimamente se está alertando mucho acerca del auge de los partidos de extrema derecha y los movimientos neonazis en Finlandia. Incluso se habla de patrullas civiles que, armadas con garrotes, salen a buscar inmigrantes cada noche… ¿Qué me puedes contar sobre ello? ¿Hay algo de cierto en esas informaciones o estamos ante una exageración de la prensa sensacionalista? “Creo que es una exageración. Sí, hay gente de extrema derecha en las calles, pero por lo que yo sé, son un grupo muy pequeño con muy poco poder. Lo que yo entiendo es que la mayoría de gente aquí lo encuentra desagradable, ofensivo. La popularidad de los partidos de extrema derecha en Finlandia se está hundiendo ahora mismo. Por supuesto, las patrullas nazis dan buenos titulares, pero la verdad es bastante más complicada que eso”.

DEEZ NUTS

NO HAGAS COMO YO

TODA ACCIÓN TIENE SUS CONSECUENCIAS. EN SU QUINTO TRABAJO JJ PETERS Y SUS DEEZ NUTS REFLEXIONAN SOBRE CÓMO ENFRENTARSE A LA RESACA UNA VEZ LA FIESTA HA TERMINADO. AUNQUE NO TE EQUIVOQUES, BINGE & PURGATORY SIGUE SIENDO EL TIPO DE DISCO PARA EL QUE SE INVENTARON LOS CIRCLE PITS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

ON SU FONDO COLOR ROSA y una calavera con dientes de oro llena de colillas, la portada de Binge & Purgatory (Century Media) refleja perfectamente la dualidad de su título, borrachera y purgatorio, así como de la vida que el vocalista JJ Peters ha llevado en los últimos años. Desde que formara Deez Nuts, tras dejar su puesto como batería de I Killed The Prom Queen en 2007, lo que empezó siendo casi una broma en la que él se ocupaba de todos los instrumentos, se ha convertido en una banda en toda regla que no deja de girar por todo el mundo. Con sus letras frívolas y su desinhibido acercamiento al hardcore, Peters y sus compañeros Matt Rogers (guitarra), Sean Kennedy (bajo) y Alex Salinger (batería) han tocado en todo tipo de salas y festivales (este verano volverán a hacerlo en el Resurrection Fest) y sólo ellos saben la cantidad de litros de alcohol que han ingerido en el camino. Pero con el tiempo Deez Nuts comprobaron que los excesos se pagan y que tarde o temprano lo que parece un estilo de vida glamouroso puede acabar convirtiéndose en decadente si uno descuida las cosas que verdaderamente importan. ¿Es el título una especie de aviso a la gente que vive al límite? JJ PETERS “No creo que sea tanto un aviso, aunque quizá el último tema

‘Do Not As I Do’ lo sea. Para mí es más introspectivo, en plan ‘esto es lo que me pasó por llevar ese estilo de vida. Si quieres seguir ese camino es tu opción’. Supongo que habrá gente que escuchará mis historias y le hará reflexionar, pero otras personas a las que no”. ¿Fue ser padre el punto de inflexión para ti? “Desde luego. Creo que a todo el mundo le pasa lo mismo. Es un cliché, pero es la verdad. Tener un hijo te cambia totalmente las prioridades. Es imposible que no te afecte. A mí me ha cambiado la perspectiva desde la que escribo. Me es muy fácil distinguir todo lo que escribí antes de que naciera (risas)”. ¿Te preocupa lo que pensará cuando sea suficientemente mayor y escuche los primeros discos de Deez Nuts? “Creo que no porque le habré explicado la diferencia entre cuando dices algo en serio o cuando lo dices como una broma. Si me sintiera avergonzado de esas canciones no querría que las escuchase nadie, no sólo mi hija. Cuando escribía mis letras más sexuales sobre follarme todo lo que veía, nada de eso era real, la realidad es que tenía una novia de muchos años. Eran sólo canciones. Mi hija será suficientemente lista como para distinguirlo también. Pero la banda ha progresado y ya no tengo nada por lo que preocu43

parme sobre lo que escribo ahora”.

y nos resulta muy inspirador”.

¿Y te ha hecho replantear si quieres pasar tanto tiempo en la carretera? “Creo que nadie, ni los fans, ni siquiera mis amigos, se dan cuenta de lo duro que es estar de gira. Nosotros tenemos la suerte de ser un grupo que podemos tocar en salas bastante grandes en casi toda Europa, pero aun así es un trabajo duro en el que no ganas mucho dinero. No hay nada de glamour en estar en un autobús con 22 tíos (risas). Luego llegas a una sala sin duchas y te ponen enfermo porque después de tocar, no te puedes ni quitar el sudor. Aun así, para mí es el mejor trabajo del mundo, pero no deja de ser un trabajo. Así que así es como me lo tomo, y si quiero que mi hija se críe con el nivel de confort que deseo para ella, tengo que seguir trabajando”.

Aun así, concentrar toda la composición en un solo mes parece un poco arriesgado. “Es arriesgado, pero siempre lo hemos hecho así. Incluso antes, cuando la banda era sólo yo, reservaba el estudio y un mes antes me ponía a componerlo todo desde cero. Me va trabajar con esa presión. Cuando tenemos una fecha de entrega, la cumplimos. Somos así”.

¿Cuándo hicisteis el disco? “Los dos temas que forman el título, ‘Binge’ y ‘Purgatory’, los compusimos hace un año, pero no fue hasta noviembre que nos pusimos a componer el resto del disco y luego en diciembre lo grabamos. La mitad de la banda vive en Nueva York y la otra en Australia, así que lo que hacemos es reunirnos durante un mes en un local y componerlo todo del tirón. No nos gusta todo este rollo de ir componiendo por partes y mandándonos emails, nos gusta hacerlo a la vieja usanza. Ya compusimos Word Is Bond en Nueva York. Como te decía, dos de los miembros son de allí, así que es cómodo para ellos. Esa ciudad tiene una energía especial, muy creativa, no hay otro lugar igual 44

¿En su momento te costó dejar el control absoluto y empezar a colaborar con los otros miembros? “No, de hecho, fue un alivio. Me pude concentrar más en las voces y en las letras. Soy más un compositor que un guitarrista, así que estar rodeado de músicos increíbles es una opción mucho mejor que tener que hacerlo todo yo solo. Para mí no fue tanto una cuestión de tener el control sino de poder contar con más gente y que aportaran nuevas influencias”. De hecho, el nuevo disco parece un poco más metal que los anteriores... “Eso mismo. Desde luego hay más riffs que parecen de Pantera o bandas así. Quizá hemos dejado entrar más influencias esta vez y no sólo del hardcore”. También refleja muy bien la energía de vuestros directos. Podríais tocar el álbum entero y sería un buen set. “Desde luego siempre componemos con los festivales y los conciertos en mente porque al final del día, ése es

el hábitat donde vivirán las canciones. Obviamente queremos que los fans escuchen los discos, pero es una vez las escuchen en directo cuando de verdad se enamorarán de ellas y luego las disfrutarán aún más en casa. Siempre metemos coros y partes que te trasladan a ese ambiente de concierto”. También ha habido una evolución en la temática de las letras. ¿Es un reflejo de tu madurez como persona? “Creo que sí. Al principio la idea de la banda es que fuera una fiesta, que fuera pasarlo bien, no quería que la gente tuviera que mirar un diccionario para entenderme. Pero en este punto de mi vida ya he hecho suficientes discos festivos, ahora quiero escribir algo de lo que pueda sentirme orgulloso, quiero hacer letras que puedas leer sin la música y tengan sentido, no sólo frases pegadizas que suenan bien. Pero necesitaba ganar la autoconfianza para poder hacerlo. Siempre había sabido que podía hacerlo, pero tenía que llegar a creérmelo. También creo que nuestros fans han crecido con nosotros y puede atraerles más que si siguiéramos hablando sólo de fiesta. Quien quiera eso, tendrá que buscarse otra banda (risas)”. ¿Sentiste en algún momento que la banda corría el peligro de convertirse en un chiste? “Bueno, es que la banda empezó como un chiste. La idea era juntar mis dos estilos favoritos, el hardcore y el hip hop, y reírme con ello. Nunca esperé que la banda tuviera repercusión, pero me he pasado diez años intentando demostrar que Deez Nuts es una banda auténtica”.

“NUNCA ESPERÉ QUE LA BANDA TUVIERA REPERCUSIÓN, PERO ME HE PASADO DIEZ AÑOS INTENTANDO DEMOSTRAR QUE DEEZ NUTS ES UNA BANDA AUTÉNTICA” JJ PETERS

Háblame de tu relación con Andrew de Comeback Kid. Al igual que Word Is Bond, él ha producido el nuevo disco y siendo él también cantante, supongo que tenéis una sintonía especial. “Trabajar con ingenieros y trabajar con productores son dos cosas distintas. Uno puede dominar el estudio y sacar los mejores sonidos y otro puede sacar lo mejor de ti como compositor, y eso es lo que hace

Andrew. Es músico y un compositor increíble, además de un gran amigo. Nos conocimos estando de gira y nos llevamos muy bien desde entonces. Nos sentimos muy cómodos con él y nos anima a hacer cosas que quizá no nos atreveríamos nosotros solos. Formamos un buen equipo”.

“Para mí es increíble haber llegado al nivel en el que puedo llamar a estos tíos y que quieran cantar en mi disco. Para mí son de las bandas más influyentes del hardcore y a las que he seguido desde el principio. Llegar a ser amigo de dos personas a las que admiro tanto y que canten en tu disco es la hostia”.

¿Y qué significa a nivel personal tener a Scott Vogel de Terror y Jamey Jasta de Hatebreed en un disco tuyo? 45

CODE ORANGE GRACIAS A SU ACTITUD BELIGERANTE Y UN MONTÓN DE BUENAS IDEAS, CODE ORANGE SE HAN POSTULADO COMO UNA ALTERNATIVA A LAS BANDAS DE METALCORE QUE BUSCAN EL ÉXITO FÁCIL. ¿PERO PUEDE UN GRUPO QUE LLEVA LA INTEGRIDAD POR BANDERA HACER CARRERA EN LA ESCENA ACTUAL? TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

LA NUEVA RESISTENCIA

A PASADO BASTANTE TIEMPO DESDE que he escuchado un disco de una banda cañera joven, que inmediatamente quisiera escuchar una y otra vez. Pero Forever de Code Orange es ese disco. Que alguien llame a la policía porque este disco es peligroso. Es jodidamente feo y han metido un montón de influencias distintas, hardcore, metal, industrial, noise, y han creado su propio sonido. La producción es grande sin sonar súper pulida y la batería suena como una batería real golpeada por un ser humano, gracias a Dios. Además, han ido subiendo de la manera correcta, currándoselo de la misma manera que mi banda y la mayoría de las bandas de mis amigos, tocando en los sitios autogestionados. Los chavales no parecen

querer hacer esto hoy en día y para mí la culpa es de American Idol. Estos tíos se lo han currado y lo respeto”. Lo que acabáis de leer no son palabras mías, sino de Randy Blythe de Lamb Of God. Hace unos días colgó este post en su cuenta de Instagram y expresan, en buena parte, cómo me siento respecto a Code Orange. La banda de Pittsburgh, Pennsylvania, empezó en 2008 como Code Orange Kids, nombre bajo el cual publicaron su debut Love Is Love/Return To Dust. Con el paraguas del sello Deathwish giraron con bandas como Bane, Terror o Every Time I Die y vivieron en sus propias carnes las miserias que a veces conlleva la vida en la carretera cuando, estando en Nueva Orleáns, les robaron pertenencias por valor de 10.000 dólares. Quizá por experiencias

como ésta, en su segundo disco I Am King (2014), ya como Code Orange, su música se volvió aún más furiosa y angustiosa. Una progresión que ha seguido en su tercer álbum Forever, en el que gracias a los medios que les ha permitido su fichaje por Roadrunner, Eric Balderose (voz, guitarra), Reba Meyers (voz, guitarra), Joe Goldman (bajo) y Jami Morgan (batería) han podido dar otra vuelta de tuerca a su sonido incorporando toques bastante 90’s. Con la vista puesta en su actuación en la primera edición del Download Festival en Madrid, contactamos con ellos. ¿Cuál era vuestra intención cuando os pusisteis a trabajar en Forever? JAMI MORGAN “Creo que tomamos el anterior disco como base, pero queríamos usar nuevas herramientas, nuevos colores, sonidos… que fuera más intenso. Queríamos que sonase diferente a lo que hay ahí fuera o a lo que habíamos hechos antes, y también hacer canciones más concisas”. Precisamente te iba a comentar que, aun siendo un disco en parte experimental, las canciones van al grano y no se alargan innecesariamente. ¿Crees que es una influencia directa por venir de la escena hardcore? “¡Sin duda! Has dado en el clavo. Literalmente nuestra idea era hacer un disco experimental e interesante, pero como si estuviésemos haciendo un disco de hardcore. Con eso quiero decir que no queríamos que las canciones

“HAY MUCHAS BANDAS QUE EXPERIMENTAN QUE ME GUSTAN MUCHO, PERO ALGUNAS TIENDEN A IRSE POR LAS RAMAS” BILLY RYMER

se alargasen demasiado, que fueran muy al grano. Hay muchas bandas que experimentan que me gustan mucho, pero algunas tienden a irse por las ramas. Nosotros queríamos mantenernos donde estamos, pero abrir el espectro. No somos los primeros en hacerlo, pero creo que hemos conse-

guido lo que buscábamos”. Aunque en I Am King había algún detalle electrónico, en éste me ha sorprendido la fuerte influencia industrial. “Desde luego está ahí. Es simplemente música que nos gusta y desde ha-

y aterrador en muchos aspectos”. Al mismo tiempo también hay algunos temas mucho más melódicos. “Sí porque lo que queríamos era crear como una película en la que hubiera muchas subidas y bajadas. Eso es lo que en mi opinión hace que un disco sea interesante. Siempre lo hemos hecho, pero esta vez quizá lo hicimos mejor. Nos gusta hacer algo muy abrasivo y luego llevarte en una dirección totalmente opuesta. Seguramente por eso nos lleva bastante tiempo hacer los discos, tenemos que encontrar la secuencia que mejor funcione. Pero sí, me gustan los temas melódicos. Creo que cada canción representa nuestra propia versión de un estilo”. Por suerte habéis evitado la típica fórmula del metalcore comercial con versos gritados y estribillos cantados... “Sí, odio esa mierda. Todo eso no nos ha influenciado para nada, nuestra influencia melódica viene más del rock alternativo o experimental. Cuando escribimos ‘Bleeding In The Blur’ pensábamos más en Alice In Chains o algo así. Es nuestra propia fórmula”.

cía tiempo pensábamos que era una nueva técnica que podíamos utilizar. En los dos últimos años, nuestro guitarrista se ha metido mucho en el tema y ha intentado aprender cómo hacerlo. Intentamos escribir temas a partir de loops o de un efecto de guitarra, y la cosa fue creciendo y creciendo.

El reto era intentar integrar cosas que ya hacíamos, como los interludios entre canciones, dentro de las propias canciones. Sin duda estamos influenciados por la música industrial y el noise, incluso por las bandas sonoras. Para serte sincero, creo que nos ayudó a hacer algo más oscuro

El álbum está producido entre Kurt Ballou y Will Yip. ¿Trabajaron realmente juntos o a cada uno se ocupó de canciones distintas? “Estuvimos dos semanas con Kurt, luego nos tomamos dos de descanso, y luego estuvimos dos semanas con Will. La parte final fue un poco jodida porque Kurt trabaja en ana-

lógico y fue complicado mezclarlo todo en poco tiempo. Fue más difícil de lo que me hubiera gustado, pero creo que el resultado final es genial. Hace poco volví a escuchar el disco porque lo había dejado descansar un tiempo y me encantó. Kurt es el responsable de que la música suene tan bien y Will de las voces y la electrónica. Y al final lo mezclamos todo. Fue un proceso duro, pero trabajamos muy bien con ambos. Para mí son los dos mejores productores que hay hoy en día y queríamos ver qué pasaba si los combinábamos los dos. Nadie lo había hecho antes. De hecho, ni siquiera se conocen”. Da la sensación de que volcasteis muchas energías en hacer esta obra. “Sí, trabajamos muy duro. Creo que muchos grupos se pierden en el proceso y dan cosas por buenas simplemente para poder terminar el álbum aunque sepan que no es exactamente lo que querían. Pero nosotros intentamos mantener la concentración y dedicación de principio a fin”. ¿Será un desafío tocar los nuevos temas en directo? “En parte sí. Pero nuestra intención es tocar al menos siete de los temas en la gira. Para ayudarnos tendremos a un quinto miembro, Dominic Landolina, que nos apoyará con la guitarra y los sintetizadores. Creo que con él podremos reproducir muy bien todos los sonidos del disco”. Me sorprendió bastante la noticia de que hubieseis fichado por Roadrunner, especialmente porque en los últi-

mos años se han distanciado bastante del metal. ¿Teníais alguna reserva cuando se interesaron por vosotros? “La única duda que teníamos era si nos iban a garantizar el control creativo. De no haberlo hecho, no hubiéramos firmado con ellos. Estuvimos un año dándole vueltas. No creo que otro sello hubiera apostado tan fuerte sin pedir tan poco a cambio. Pero si lo piensas, han tenido un catálogo increíble. Pienso en Type O Negative. Era una banda que mezclaba muchas cosas y personalmente me hizo pensar en la música de otra manera. Hacían la música más dura que hubieras escuchado sin necesidad de sonar duros. Tenían bandas increíbles de death metal, y luego a Sepultura, Fear Factory, Machine Head, Slipknot… Para mí son el sello con el historial más importante dentro del metal. También es cierto que tienen bandas que nunca he escuchado y nunca lo haré, y la gente de ahí lo sabe, pero lo importante es que nos ofrecían el apoyo necesario. Básicamente queríamos la promoción que te da un sello grande, no nos importaba tanto su opinión. Por ahora todo va bien”. ¿Podrías haber hecho este mismo álbum sin el presupuesto de Roadrunner? “Bueno, el disco lo compusimos nosotros sin ninguna influencia por su parte y podríamos haberlo grabado con Kurt y Will igualmente. Lo único que podría haber sido distinto es el mastering. El tío que lo hizo ha trabajado con Kayne West y System Of A Down y seguramente no hubiéramos tenido el dinero para pagarle.

Y probablemente sin Roadrunner hoy no estaría dando cinco entrevistas para hablar del disco. Y eso es lo que necesitamos. Nosotros estamos de gira todo el tiempo y si no tienes una buena promoción, el efecto es mucho menor. Así que lo único que necesitábamos era ese empuje”. Os habéis metido bastante con grupos como Asking Alexandria porque opináis que están sólo en esto por la pasta. Haciendo de abogado del diablo, ¿no crees que un fan de Asking Alexandria pueda acabar siendo fan vuestro de aquí a unos años? “¡Por supuesto! Pero en primer lugar quiero decir que todo esto vino por un par de entrevistas que hice en las que me preguntaron directamente por ellos. Ahora todo el mundo me pregunta por ello y lo entiendo porque así funcionan las cosas, pero yo no tengo ningún problema con que a un chaval le guste esa mierda. O que llegue a nosotros a través de esa mierda. Mi problema con esa banda es que dijeron unas cosas horribles para el tipo de público que tienen. Pero no me interesa su música, como no me interesa la de muchos grupos, por eso quiero ofrecer una alternativa, como la que ofrecen otros grupos como Powertrip, Turnstile, Nails… Me gustaría que esos chavales nos pudieran descubrir ahora y no dentro de cinco años. Sólo hace falta que nos vean. Creo que los chavales a los que les gusta la música cañera deberían tener una alternativa como ocurría antes; ahora no pueden elegir. Pero la culpa no es de los chavales. De todos modos,

“CREO QUE LOS CHAVALES A LOS QUE LES GUSTA LA MÚSICA CAÑERA DEBERÍAN TENER UNA ALTERNATIVA COMO OCURRÍA ANTES; AHORA NO PUEDEN ELEGIR” JAMI MORGAN creo que los tiempos están cambiando como demuestra el que Roadrunner nos fichara o que Nuclear Blast fichara a Nails”. También hay cierta actitud elitista o de superioridad en parte del público. Ven un chaval con una camiseta de Bring Me The Horizon y lo miran mal. “Es cierto. Pero cada vez veo más

de esos chavales en nuestros conciertos. De todos modos, creo que es más una percepción que algo real. Cada escena en cada ciudad es distinta. Yo era uno de esos chavales raros yendo a conciertos de hardcore. En cierto modo, nuestra banda representa a los chavales que no eran guays (risas). Si preguntas, mucha gente se reía de nosotros cuando empezamos. Creo que los grupos de hardcore a los que les va bien

es porque llegan a ese otro público. Igual antes podíamos meter a 500 personas y ahora metemos a 800, y eso es gracias a todo ese nuevo público. Así que siento el máximo respeto por los chavales, aunque no necesariamente por algunas de las bandas que les gustan”.

ESPECIAL FOTO

FERRISH FEST EL PASADO VIERNES 3 DE MARZO UN AUTOBÚS CARGADO CON MÚSICOS Y, SOBRE TODO, BUENOS AMIGOS, SALÍA DE SANT FELIU DE GUÍXOLS RUMBO A MADRID PARA RENDIR HOMENAJE A FERRAN BONET, EL FALLECIDO BAJISTA DE BULLITT, EN LA PRIMERA EDICIÓN DEL FERRISH FEST. UN FIN DE SEMANA LLENO DE EMOCIONES, AMOR Y MUCHA MÚSICA QUE HEMOS RESUMIDO EN ESTA SELECCIÓN DE IMÁGENES.

TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: SITUS/ELISA SANJUAN

ue un buen puñado de los mejores grupos que ha habido en este país dentro del punk y el rock alternativo en las dos últimas décadas decidan juntarse para montar un festival ya de por sí resulta algo digno de celebrar por todo lo alto, pero que además lo hagan por un buen motivo lo hace todo aún más especial si cabe. Con la idea de recordar a Ferran Bonet, bajista de Bullitt tristemente fallecido hace dos años a causa de un cáncer, surgió la primera edición del Ferrish Fest. Contando con un elenco de bandas nacionales de auténtico lujo y la colaboración de la asociación Hardcore Hits Cancer, no pudo tener una mejora acogida gracias a una programación que arrancaba bien temprano al mediodía en el Teatro Luchana con una vermut session acústica a cargo de Xavier Calvet, Juan Blas y Dani Llamas. Una previa ideal para aprovechar y comenzar

a reecontrarse con todos los amigos y conocidos llegados a la capital desde varios puntos de la Península, especialmente de Catalunya. Una vez llenado el estómago, la música se trasladaba justo al lado en la sala Changó, donde a primera hora de la tarde Bad Mongos abrían fuego a discreción. Y desde luego que lo suyo fue hacernos entrar verdaderamente en calor, ya que su canalla punk rock 100% Costa Brava que debe muchísimo tanto a Turbonegro como a los Ramones consiguió ponernos en situación mediante los trallazos de su reciente Shoot The Bullet. Si ya la cosa empezaba fuerte, que la segunda formación en pisar el escenario fuese toda una institución como No More Lies decía mucho del nivel que gastaba el cartel. Ante una sala ya con gran parte del público dentro (y eso que aún eran las seis de la tarde), el trío de Sant Feliu de Guíxols volvió

a demostrar nuevamente el porqué de su importancia dentro de la música underground en España. No en vano podríamos considerarles algo así como los padres de todas las formaciones que tocarían a continuación. Ya fuese con canciones de su obra más reciente In The Shade Of Expectaction (‘Spiral Disidia’, ‘The Urgency Has Gone’, ‘Wrong Stage, Bad Scenario’) o clásicos como ‘Bad Catholic Education’, ‘Stone, Noises, Broken Glasses’, ‘Pisa’s Tower’ o ‘My Sinking TV’, los de Santi Garcia demostraron que, a pesar de la edad, todavía saben cómo se juega a esto. Desde que publicaran We Got The Light hemos visto una infinidad de veces a G.A.S. Drummers en concierto, pero a pesar de ello siempre es un placer comprobar el buen estado de forma que siguen manteniendo. Tuvieron el detallazo de empezar su set versionando el ‘No Control’ de Bad Religion, uno de los grupos

favoritos de Ferran, para continuar con ‘We Got The Light’ y, a partir de ahí, repasar tanto sus comienzos más cercanos al hardcore melódico (‘Back To Innocence’, ‘Miamized’) como su etapa más cercana al indie rock con joyitas como ‘Back To Decadence’ o una ‘Teenage Wasteland’ en la que Xavier Calvet se animó a subir al escenario para cantar. Turno para unos Minor Empires que ejercían como locales y que fueron los que mejor sonaron de toda la noche. De ello se vieron beneficiadas las canciones de Unite State Of Emergency, Vol. 1, que brillaron más que nunca (‘The Regrets Of The Dying’, ‘The Distance’, ‘Mirrors’, ‘If I’m Gone’). Se nota que poco a poco van encontrando su mejor versión y ya son más que capaces de dar actuaciones completísimas, cerrando con una nueva colaboración de Xavi en ‘Drones’ y una contundente ‘The Story Of Timothy Treadwell’. Hay

ganas de escuchar más material nuevo por su parte. La verdad es que cada banda que salía a escena parecía hacerlo mejor que la anterior. Pero fue entonces cuando The Unfinished Sympathy se presentaron dispuestos a colocar el listón en la estratosfera. Y es que el arsenal de temazos superlativos que poseen Eric Fuentes y compañía en su cancionero está al alcance de muy pocas bandas, ya no sólo de aquí, sino de cualquier lugar del extranjero. ‘Homedrunk’, ‘Give Up, Dig Down’, ‘Ths Living Kills’, ‘Rock For Food’, ‘Spin In The Rye’, ‘The Loveless Curse’, ‘You’ve Got A Long Run’... Un repertorio simplemente imbatible que nos contagió a todos para cantar y bailar sin parar durante 45 minutos. Que encima para finalizar borden una cover del ‘Teenage Kicks’ de The Undertones para enmarcar, deja claro lo sobrados que van. Matrícula de honor. Tras semejante exhibición

cualquier valiente se hubiera atrevido a continuar, pero Bullitt supieron estar a la altura ofreciendo sin duda la actuación más emotiva de todo el festival. No podía ser menos tratándose del grupo de Ferran y le dieron el mejor de los homenajes con un ramillete de canciones brillantes. ‘Game Over’, ‘Oceans In Motion’, ‘Standing In The Circle’, ‘Compromising’, ‘Don’t Ever Fail’ (con Ioli, la pareja de Ferran, subiendo a cantar los coros junto a No More Lies), ‘Lucky’ y la musculosa ‘Have It All’ redondearon una noche en la que Xavier aprovechó para agradecer a todas y cada una de las personas que hicieron posible el festival. Tras la foto de equipo, la fiesta continuo en el Trashcan con RockZone DJ’s y la gente de Ayuken encargándose del musicote hasta bien entrada la madrugada. Por su parte, el Ferrish Fest arranca su andadura de manera inmejorable. Y que sea así por muchos años.

MASTODON

EL IMPERIO DEL SOL

LOS MIEMBROS DE MASTODON HAN VUELTO A INSPIRARSE EN LOS ASPECTOS MÁS DOLOROSOS DE SUS VIDAS PARA SACAR DE DENTRO TODO SU TALENTO Y FIRMAR EMPEROR OF SAND, SU NUEVA Y BRILLANTE OBRA CONCEPTUAL. ESTE VERANO TENDREMOS LA OPORTUNIDAD DE COMPROBAR CÓMO SUENA EN DIRECTO EN SUS VISITAS AL DOWNLOAD MADRID Y EL RESURRECTION FEST. AHÍ LES ESPERAMOS CON GANAS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

GRANDES RASGOS, Emperor Of Sand (Reprise/Warner), el séptimo álbum de Mastodon, explica la historia de un hombre sentenciado a muerte por El Emperador de la Arena. El protagonista logra escapar al desierto, donde se va enfrentando a diferentes peligros. Durante su travesía busca desesperadamente ayuda y refugio del sol abrasador, pero, al no conseguirlo, muere, aunque acaba reencarnándose en un jaguar. Puede que su argumento e imaginería parezcan sacadas de películas fantasiosas como El Ladrón De Bagdad o El Rey Escorpión, pero en realidad están basadas en experiencias que los cuatro miembros de Mastodon han vivido muy de cerca. La sentencia de muerte que se descubre en el primer tema, ‘Sultan’s Curse’, es una metáfora sobre el cáncer, el calvario en el desierto lo es para la quimioterapia y El Emperador no es otra cosa que una representación del tiempo limitado, e inexorable, que todos tenemos en este planeta. Aunque en un primer momento no lo hicieron público, Mastodon cancelaron su gira europea en verano de 2015 porque a la mujer del bajista Troy Sanders le habían detectado un cáncer de mama. Afortunadamente, el rápido diagnóstico y el tratamiento inmediato hizo que todo saliera bien, pero cualquiera que haya pasado por una experiencia similar puede entender el impacto que tiene. No corrió la misma suerte la madre del guitarrista Bill Kelliher, quien durante la creación del disco acabó falleciendo por un tumor cerebral. Por su parte, también la madre del batería Brann Dailor recayó de una larga enfermedad cró-

nica que arrastra desde su juventud, mientras que el guitarrista Brent Hinds se rompió la pierna derecha mientras intentaba arrancar su motocicleta. Con semejante cúmulo de fatalidades, hubiera sido hasta comprensible que el nuevo disco de Mastodon sonase poco inspirado o lo hubiesen grabado como un puro trámite. Sin embargo, es justo lo contrario y su amalgama de metal, stoner, rock progresivo y pop suena como nunca, haciendo que Emperor Of Sand merezca un lugar destacado en su discografía. Aunque quizá no debería sorprendernos, ya que no es la primera vez que uno de sus discos viene marcado por la tragedia: su cuarto álbum Crack The Skye (2009) estaba dedicado a Skye, la hermana de Dailor, quien se había suicidado con sólo 14 años y, el siguiente, The Hunter (2011), al hermano de Hinds, quien falleció durante su grabación, precisamente mientras estaba de caza. Pese a este contexto tan negativo, Emperor Of Sand está lleno de mensajes que invitan a vivir cada momento con intensidad (“No pierdas tu tiempo, ni que sea la última cosa que hagas”, reza el estribillo de ‘Precious Stones’) y contiene algunas de las melodías más directas y pegadizas que nunca hayan creado las voces de Sanders, Hinds y Dailor. Fue este último el encargado de atender a RockZone para darnos las claves sobre su último trabajo. Uno de los ejes de Emperor Of Sand es el paso del tiempo, algo que te va preocupando más a medida que te haces mayor. ¿Empezáis a notar los efectos de la edad? ¿Te levantas a mear por las

noches, por ejemplo? BRANN DAILOR “(Risas) A cierta edad ya ves al médico ponerse los guantes de látex cuando te visita. Pero por el momento no, no tengo que levantarme a mitad de la noche para mear, quizá falte poco… De todos modos, intento vigilar mi ingesta de agua antes de ir a dormir, pero por ahora puedo aguantar hasta las ocho y media (risas)”. Ya más en serio, otro de los ejes del disco es el cáncer. Hace poco escuché una conferencia en la que se decía que, en las células cancerígenas, por su capacidad de mutar, está el secreto de la inmortalidad y que de aquí a 30 años posiblemente se haya logrado que seamos inmortales. ¿Crees que es una buena idea que lo seamos? “Tajantemente no (risas). La gente aspira a la inmortalidad porque nadie quiere morir, y supongo que eso es bueno. El instinto de supervivencia es una de las cosas que hace que todas las especies quieran seguir viviendo, pero la muerte también es lo que nos hace ser creativos y evolucionar. Siempre tienes la muerte en la cabeza, y te da miedo, pero creo que es lo que provoca que podamos sentir amor y afecto hacia las personas que nos rodean. El saber que un día morirás y que todo habrá terminado es lo que hace que quieras disfrutar de la compañía de los demás. La muerte forma parte de la vida. Saber lo que pasa después es la gran pregunta que se hacen todos los humanos y a pesar de lo inteligentes que somos, aún no hemos logrado encontrar la respuesta”.

“EL SABER QUE UN DÍA MORIRÁS Y QUE TODO HABRÁ TERMINADO ES LO QUE HACE QUE QUIERAS DISFRUTAR DE LA COMPAÑÍA DE LOS DEMÁS” BRANN DAILOR ¿Cuál sería la tuya? “Personalmente pienso que no ocurre nada. Es lo mismo que antes de haber nacido: nada. O al menos, eso espero, porque si hay vida después de la muerte y existe eso que llamamos cielo, no creo que vaya a ser bueno porque todos nuestros abuelos van a estar ahí (risas). Habrán estado vigilando todo lo que hemos hecho, sabrán todos nuestros trapos sucios y cuando lleguemos al cielo nos van a reñir a base de bien (risas)”. De todos modos, la mayoría de la gente tiene más miedo al sufrimiento que a la propia muerte. “Puede ser. No lo sé. La gente tiene

miedo del dolor y la gente tiene miedo del cáncer porque conlleva mucho dolor. Sobre todo por los tratamientos. La quimioterapia es un infierno. Básicamente estás envenenando todas las células de tu cuerpo. Ver a alguien pasar por eso es horrible. Mi abuelo solía decir “Hay cosas peores que la muerte”, y entiendo por qué lo decía”.

MASTODON EMPEZARON A

grabar su nuevo disco en octubre del año pasado. Si bien en un principio se habían planteado grabarlo en Nueva York con Tony Visconti, el productor de los discos clásicos de David Bowie, finalmente decidieron hacerlo en un entorno más cercano y con una cara que les resultara fami-

liar. Brendan O’Brien, con quien ya habían trabajado en el magistral Crack The Skye, fue el elegido y el estudio Quarry Recording Studio, en Kennesaw, les permitía volver a dormir a casa con sus familias, ya que sólo se encuentra a una hora de Atlanta. O’Brien es el directo responsable de la calidez con la que suena el álbum -algo que quizá se echaba en falta en su anterior disco Once More ‘Round The Sound- gracias al arsenal de instrumentos y material vintage con el que cuenta. Escuchando a Brann hablar sobre él, queda claro que sus caminos volverán a cruzarse. ¿Qué os da Brendan O’Brien que no hayáis encontrado en

otros productores? “Brendan fue el primer productor de verdad con el que trabajamos. Cogió nuestras canciones y se tomó su tiempo para analizarlas y sugerir nuevos arreglos para hacerlas mejores. Es un gran músico y aprendimos un montón con él. Este disco tenía un concepto y unos temas tan épicos que sentimos que necesitaban el toque mágico de Brendan. Cuando está con nosotros se involucra a fondo, como si fuera un miembro más. Se puede poner a tocar los teclados sin ni siquiera preguntar y lo que hace siempre nos asombra. Es como si pudiera leernos la mente y consigue que sonemos como realmente queremos. Además, esta vez ya nos conocíamos, así que la confianza era máxima”. ¿Ves una conexión entre Emperor Of Sand y Crack The Skye tanto a nivel temático como por la presencia de Brendan? “Sí la veo. Veo una conexión entre todos nuestros discos, pero quizá en éste es más profunda. Al mismo tiempo, hemos mantenido algo de los dos últimos discos, hay un poco de luminosidad que hemos traído a lo que hicimos en Crack The Skye. Cada vez que creamos algo nuevo, cogemos partes y piezas que hemos usado en el pasado y las combinamos con la esperanza de que suene como algo distinto. ‘Steambreather’ me suena diferente, ‘Roots Remain’ también, hay secciones de ‘Clandestiny’ que son distintas… Pero sí, veo una mayor relación entre Emperor Of Sand y Crack The Skye que entre los dos discos anteriores. Casi siento que en The Hunter y Once More ‘Round The Sun nos salimos un poco de nosotros mis64

mos y en éste hemos vuelto. No sé si tiene sentido lo que digo…”. Sí, claro. El álbum está lleno de grandes momentos como el solo de ‘Roots Remain’, la parte instrumental de ‘Ancient Kingdom’, el estribillo de ‘Steambreather’ o el final épico de ‘Jaguar God’. Realmente habéis tratado el disco como si fuera una obra de arte y no como un producto de fácil consumo o algo que simplemente os permita salir de gira como ocurre con tantas bandas. ¿De dónde sale ese nivel de exigencia? “Creo que hay dos motivos. Uno, es que estamos acostumbrados a hacerlo así. Y dos, que somos unos perfeccionistas. Realmente estamos obsesionados con hacer las cosas bien y en obtener ciertos sentimientos de la música. Y no hacemos nada que ponga en riesgo eso. Quizá es porque el resto de los tíos y yo somos demasiado viejos, pasamos de los 40, como para preocuparnos por hacer singles y esas cosas. Llevamos haciendo las cosas de esta manera toda nuestra vida. Estamos acostumbrados a escuchar álbumes enteros, no singles. Para poder decir que un disco es genial tiene que serlo de principio a fin. Tiene que ser una experiencia que dure una hora o lo que sea. La genialidad tiene que durar una hora, no puede limitarse sólo a dos canciones y que el resto sea relleno. Supongo que hay gente que no estará de acuerdo, pero cuando sacamos un álbum, lo hacemos porque le damos mil vueltas a cada riff y a cada arreglo hasta que sea lo mejor que podemos dar en ese momento. Estuvimos ocho meses compo-

niendo hasta que entramos en el estudio. Trabajamos duro. Y lo hacemos porque es nuestro trabajo. Nos encanta tocar en Mastodon, pero también es lo que paga las facturas, así que nos debemos a nosotros mismos y a los fans esforzarnos al máximo y no dar por buenas cosas que no lo son. Nos preocupa la calidad. Nunca decimos ‘bah, ya está bien así, no importa’. Todos nos concentramos para que nos parezca genial a los cuatro. Nos encanta ver qué somos capaces de crear juntos. Relacionándolo con lo que hablábamos antes, en el fondo el arte es otra manera de ser inmortal. Es lo que dejarás cuando ya no estés y, con suerte, durará para siempre. La música grabada no existe desde hace tanto tiempo, así que todavía falta por ver qué es lo que realmente perdurará, pero puedes intuir lo que pasará gracias a bandas como Led Zeppelin, cuyos discos se siguen escuchando 40 años después. Yo sigo escuchando la música de Mozart y el hombre lleva muerto 250 años, así que ésa es la inmortalidad que tenemos en nuestras manos. No sé si lo hemos conseguido, pero es a lo que aspiramos”. Aun así, los mejores grupos y artistas tienen al menos un mal disco. ¿Crees que serías capaz de darte cuenta si lo estuvierais haciendo? “Posiblemente no. Tendría que ser el resto de la gente quien me lo dijera (risas). Pero hay un pequeño grupo de personas en las que confío para que me den su opinión. Mi mujer, mi padre, Scott Kelly de Neurosis… son personas a las que les dejo escuchar el disco antes de terminarlo para que

“YO SIGO ESCUCHANDO LA MÚSICA DE MOZART Y EL HOMBRE LLEVA MUERTO 250 AÑOS, ASÍ QUE ÉSA ES LA INMORTALIDAD QUE TENEMOS EN NUESTRAS MANOS. NO SÉ SI LO HEMOS CONSEGUIDO, PERO ES A LO QUE ASPIRAMOS” BRANN DAILOR

me digan qué les parece. Quizá si todos me dijeran que es malo, me lo tendría que pensar… Pero al mismo tiempo creo que el instinto que tenemos los cuatro del grupo suele ser bueno, y si a nosotros nos gustase, entonces lo sacaríamos igualmente. Nunca publicaríamos algo que no amásemos, así que, aunque todo el mundo lo odiara, seguramente seguiría pensando ‘pues a mí me gusta’ (Risas)”.

LA EXHIBICIÓN DE RECURSOS

de la que Mastodon hacen gala en sus discos, parece inagotable. Algo que sorprende teniendo en cuenta que sus componentes no están precisamente inactivos entre un trabajo y otro, y han colaborado con un elenco de nombres conocidos. En los últimos

años Troy Sanders ha publicado discos con Killer Be Killed (con Greg Puciato y Max Cavalera) y Gone Is Gone (con Troy Van Leeuwen y Tony Hajar), Brent Hinds con Giraffe Tongue Orchestra (con William DuVall y Ben Weinman) y tiene dos discos en solitario para lanzar próximamente; y Brann Dailor anda ultimando el debut de Arcadea junto a los músicos Core Atoms y Raheem Amlani. El único que parece habérselo tomado con más calma es Bill Kelliher, y quizá por eso su peso compositivo haya crecido en Emperor Of Sand. Aunque también puede que tenga que ver con que ha logrado dejar atrás su adicción al alcohol. Recuerdo que en su momento Jason Newsted alegó que uno de los motivos por los que James Hetfield

quiso echarlo de Metallica es porque sentía que sus proyectos paralelos le quitaban energía a la banda madre, pero en el caso de Mastodon parece lo contrario. ¿Cómo evitáis que vuestros proyectos fuera del grupo sean una fuente de conflictos? “No quiero ser sobreprotector respecto a Mastodon. Creo que todos somos libres para tener otros proyectos. Si tienes otros deseos musicales, ves a por ellos. Lo que sea que te haga feliz es bueno. No quiero sentirme celoso de los otros proyectos, así que evito esos sentimientos. No quiero tener celos de lo que haga Troy, al revés, me gusta que haga otras cosas porque creo que es saludable. Cuanto más creativo seas 65

“LAS BANDAS QUE MÁS ME GUSTAN, COMO THE MELVINS O NEUROSIS, SUENAN A ELLAS MISMAS, Y PUEDEN TOCAR CON CUALQUIERA. SIEMPRE QUISE ESO PARA MASTODON” BRANN DAILOR mejor será para la banda. Si quieres hacer un disco con otra gente, hazlo. De nuevo, al final todos morimos (risas), así que para qué vas a evitar hacer lo que quieres en cada momento. Yo también tengo un proyecto que se llama Arcadea con unos amigos de Nueva York que saldrá dentro de poco. Emocionalmente me siento 100% comprometido con Mastodon, pero biológicamente me gusta hacer otras cosas. Si los proyectos paralelos perjudicaran a Mastodon, quizá significaría que algo pasa, pero no creo que sea el caso. Al revés, hace que todo el mundo se sienta feliz y emocionado por volver a casa, a Mastodon. Los cuatro sabemos que Mastodon es el resultado de lo que llevamos haciendo toda nuestra vida y lo que más fans nos ha proporcionado, pero no tiene por qué ser una relación monógama. No tienes que sentir que te están ponien66

do los cuernos cuando alguien toca con otros músicos. Es divertido tocar con otra gente y creo que al final eso te hace ser mejor músico”. ¿Alguna vez te has preguntado qué hubiera sido de Mastodon si vuestro primer cantante, Eric Saner, siguiese en el grupo? “No, nunca pienso en ello. Amo a Eric Saner, pero él dejo el grupo dos semanas antes de empezar una gira porque tenía algunos asuntos, y supongo que es lo que tenía que pasar (risas). Nosotros aquí estamos, así que todo ha sido para bien”. Todos tenéis un background en el metal extremo y Mastodon empezó en el underground. ¿En qué momento sentiste que formabais parte de otra cosa?

“Mmm… No lo sé. Supongo que cuando sacamos Leviathan la cosa empezó a crecer y empezamos a ir en otras direcciones. Tocamos con Queens Of The Stone Age, con The Mars Volta y bandas así, pero también seguimos tocando con bandas underground. Desde que tenía 16 años con mi grupo Lethargy hacíamos música muy loca, como unos Mr. Bungle death metal, así que nunca quise estar en una banda estrictamente de metal. Quería estar en una zona gris que pudiera sonar a muchas cosas distintas, sin pertenecer a un solo estilo. Las bandas que más me gustan, como The Melvins o Neurosis, suenan a ellas mismas, y pueden tocar con cualquiera. Siempre quise eso para Mastodon”.

DISCO DEL MES

M You Are We (ARISING EMPIRE/NUCLEAR BLAST) METALCORE

ucho se suele hablar de aquello del ‘siempredifícil-segundo-disco’, cuando si nos paramos a pensarlo seguramente sea en el tercero donde la gran mayoría de bandas se la juegan de verdad. La continuación de un gran debut suele significar la confirmación, pero con el tercero es cuando uno puede llegar a apreciar con cierta fiabilidad el recorrido que tendrá el grupo en el futuro. En ésas andan While She Sleeps con You Are We, un disco que más bien parece prácticamente una apuesta a todo o nada

WHILE SHE SLEEPS

para su carrera. Empezando por ellos mismos, ya que en septiembre del pasado año decidieron abrazar por completo la independencia, desprendiéndose de su contrato con Sony y lanzando una campaña de mecenazgo con la que financiar su siguiente lanzamiento, el cual sería registrado en su propio estudio. No solamente es un paso arriesgado en la parte logística, sino que por supuesto también lo es en lo musical. Como ya dejaron entrever en su anterior Brainwashed, la mayor presencia de elementos melódicos era evidente que supondría el siguiente

paso en su evolución. Algo que también hemos podido testar de primera mano con los adelantos que los de Sheffield han ido presentando en estos meses previos y que ya habrán provocado alguna discusión de barra de bar (o más bien de redes sociales) entre sus fans. Así que de entrada dejémoslo bien claro: sí, este disco tiene más estribillos melódicos y partes limpias que nunca, pero al mismo tiempo, While She Sleeps siguen resultando perfectamente reconocibles al 100%. Tras un dulce arpegio acústico, el corte que da nombre al trabajo nos recibe

sin dejar lugar a las dudas con un Lawrence ‘Loz’ Taylor escupiendo toda la bilis en ese “We got nothing to lose” que es toda una declaración de intenciones mientras que el resto de la banda entra a toda máquina clavando un estribillo épico. Le sigue ‘Steal The Sun’, con una dinámica de riffs contundentes pero al mismo tiempo, con cierto toque alternativo, especialmente en las estrofas, donde llegan a recordar a letlive. incluso. ‘Feel’ es otro tiro seguro, pura intensidad, coros para cantar a pleno pulmón y algún que otro guitarreo con regustillo hard rock. Con ‘Empire Of Silence’ el guitarrista Matt Welsh comienza a

en lo que a caña se refiere. Hasta Oli Sykes de Bring Me The Horizon hace una aparición aportando algo más de brío al tema. ‘Settle Down Society’ juega con subidas y bajadas aunque acaba resultando confusa y no termina de convencer del todo. Nada que ver con los singles ‘Hurricane’ y ‘Civil Isolation’, que insisten de manera acertada en esa dualidad entre brutalidad y partes más accesibles tan bien llevada. Por si alguien echa en falta algo más al grano, ahí está ‘Revolt’, la más directa del álbum y sin apenas florituras de ningún tipo antes de que ‘In Another Now’ ponga el punto final destacando unas guitarras

“HAY MÁS ESTRIBILLOS MELÓDICOS Y PARTES LIMPIAS, PERO SIGUEN RESULTANDO PERFECTAMENTE RECONOCIBLES”

ganar claramente más protagonismo en tares vocales en un medio tiempo que les hace disminuir el ritmo por primera vez, aunque acaben soltando algún breakdown durísimo de por medio. El comienzo acústico de ‘Wide Awake’ contrasta con un vendaval hardcore combinado con uno de los estribillos más pegadizos que hayan firmado hasta la fecha. ‘Silence Speaks’ sería una carta de presentación excelente para su nuevo sonido: melodías y coros por un tubo y un buen juego de voces entre Welsh y Taylor sin que el asunto decaiga

loquísimas por parte de Sean Long. Quizás algún seguidor abandone el barco a las primeras de cambio acusándoles de vendidos, y es cierto que You Are We dista de ser un disco perfecto, pero destila la honestidad con la que While She Sleeps lo han encarado sin necesidad de hacer ningún tipo de concesión de cara a la galería salvo las que ellos mismos han estado dispuestos a asumir. Más de un grupo de su estilo debería tomar buena nota sobre cómo se puede evolucionar sin perder sus señas de identidad. GONZALO PUEBLA

NEW DAY HAS DE SABER... FORMACIÓN: Amparo Llanos (voz, guitarra),

Samuel Titos (bajo), Jota Armijos (batería) PRODUCIDO POR: Brian Hunt AFINES A: Dover, The Sounds, Ida Maria PÁGINA WEB: www.facebook.com/newdayhey

L Sunrise (AUTOEDITADO) ROCK

a tristeza que pudieran sentir los miles de fans que Dover acumularon a lo largo de 25 años habrá durado poco, pues apenas cuatro meses después de anunciar su separación ya tienen de vuelta al 50% del grupo. Amparo Llanos, quien aquí toma el rol de vocalista además de guitarrista, y el bajista Samuel Titos reaparecen como New Day con el batería Jota Armijos completando la formación. Tanto el nombre del grupo como el título de su debut apuntan a esta idea de nuevo comienzo y sus canciones transmiten la ilusión y jovialidad de quien descubre algo por primera vez. “Soy libre para hacer lo

que quiera”, repite una y otra vez Amparo en el estribillo de ‘Jupiter And The Farmer’, y esa libertad es la que domina a lo largo del disco. Las comparaciones con Dover serán inevitables, pero cabe advertir que las similitudes están a la par que las diferencias. A groso modo podríamos decir que han conservado el cantar en inglés, las guitarras y el gusto por las melodías, pero por lo demás, New Day suena a otra cosa. La citada ‘Jupiter And The Farmer’ y ‘Say Yeah’ tienen una fuerte influencia góspel y se sustentan sobre un piano, mientras que ‘Painting In The Sky’ tiene una base blues con el bombo y una pandereta marcando el ritmo,

y en ‘Sunrise’ se acercan al folk pastoral. Pero quien quiera más decibelios también los tendrá en ‘Free’ o la bailable ‘One Day’, donde se acercan al pop rock guitarrero de The Sounds. La influencia new wave de bandas como The Cars se palpa en las estupendas ‘In My Room’ y ‘Rolling Down’, con líneas de sintetizador apoyando las guitarras o en su manera de aproximarse al rock’n’roll más básico en ‘Ten Times Twelve’. Amparo quizá no sea una vocalista tan completa como su hermana Cristina, pero su voz tiene suficiente carácter para sacar las canciones adelante. Un bonito despertar. MARC LÓPEZ

HABLAMOS CON... AMPARO LLANOS Todo en New Day parece haber ido muy rápido. Presentasteis la banda en enero y en marzo ya ha salido vuestro debut. ¿Cuánto tiempo llevabais trabajando en el grupo? “Empecé a componer en verano de 2015 y en octubre ya tenía la mitad de las canciones. Para el público parece que haya ido muy rápido y había gente que me decía que esperara más después de la disolución de Dover, pero a mí ya me apetecía grabar algo nuevo. Ya sabes cómo somos los músicos...”. ¿En algún momento te planteaste que estos temas pudieran ser para Dover o tenías claro que eran para otra cosa? “No, porque cuando empecé ya sabíamos que nos íbamos a separar. Sabíamos que el último concierto iba a ser en septiembre de 2015. Y yo

pensaba ‘¿Qué voy a hacer ahora?’. Pero en lugar de caer en la desesperación, empecé a ir al local y hacer canciones. Pensé que era una locura, pero decidí que las iba a cantar yo y empezaría un nuevo grupo”. ¿Tenías claro que Samuel te iba a acompañar? “No, no. Cuando nos separamos cada uno estaba por su lado, aunque yo seguía hablando con Cris un montón. Pero en un momento del invierno pasado llamé a Samu y le dije que por qué no buscábamos un batería y empezábamos un grupo. Y a él la apetecía también. Nos entendemos muy bien”. ¿Cómo te sientes cantando y estando al frente del grupo? “Es una sensación distinta. Al principio me costó hacerme a la idea. Pero para cantar en público tienes que sentirte cantante. También es distinto no estar

con mi hermana Cris. Pero las sensaciones son igual de buenas que cuando estaba en Dover”. La separación de Dover pareció muy civilizada, pero no sé si de puertas adentro fue un poco más turbulenta. “Turbulenta no fue, pero las cosas cuando las estás viviendo son distintas. No éramos una banda de radiar lo que nos pasaba en las redes sociales, pero fue un proceso triste. Los últimos tres años de Dover fueron tristes porque las cosas ya no estaban funcionando. Sabíamos que Cris quería dejar el grupo y tuvo la valentía de tomar la decisión que, en el fondo, yo no quería reconocer. Creo que ya habíamos hecho todo lo que teníamos que hacer juntos tanto creativa como personalmente”. (JORDI MEYA)

INCUBUS 8

(ISLAND)

MODERN ROCK

ué poco hay que fiarse de las declaraciones de los bandas. La previa del octavo largo de Incubus, el primero en seis años si no contamos el cuasi anecdótico EP Trust Fall (A Side) de hace un par de temporadas, ha venido marcada por el tan cacareado regreso a sus inicios más guitarreros. Supongo que ni el más optimista de sus seguidores pensaría que serían capaces de hacer un nuevo S.C.I.E.N.C.E., pero sí al menos algo similar a Morning View. Bueno, pues ya se pueden ir olvidando porque este 8 ni tan siquiera se

acerca al sonido de aquéllos, sino que reincide en lo mostrado en estos últimos años, aunque con algo más de acierto, eso sí. Vale que las iniciales ‘No Fun’ y ‘Nimble Bastard’ hacen que el panorama pinte bastante bien de primeras, pero los californianos no tardan en ir soltando un desfile de medio tiempos. ‘State Of The Art’ o ‘Undefeated’ no habrían desentonado en el somnífero If Not Now, When? y en ‘Loneliest’ se acercan sin tapujos al R&B más comercial, aunque no salen tan mal parados. Aun así, sigue habiendo momentos interesantes, como el riff pseudo funk que Mike Einziger se saca en ‘Glitterbomb’, la pegadiza ‘Familiar Faces’ o la ambiental ‘Make No Sound In The Digital Forest’ que sirve de introducción a ‘Throw Out The Map’, tema con el que finalizan y donde precisamente encontramos a esos Incubus que un día nos llegaron a enamorar tanto. A pesar de su irregularidad, 8 resulta agradable de escuchar, pero a unos musicazos como ellos se les debe exigir más. GONZALO PUEBLA

PALLBEARER Heartless

(PROFOUND LORE/NUCLEAR BLAST)

DOOM PROGRESIVO

ntre el trajín diario y el bombardeo constante de información, todos necesitamos desconectar en algún momento. Es ahí donde entra Heartless, el tercer álbum de Pallbearer. Estamos ante un disco que requiere toda tu atención, pero que a cambio te transporta a un mundo donde el tiempo no existe y te conduce por paisajes tan sugerentes como la montaña con forma humana que ilustra su portada. El cuarteto de Arkansas construye sus temas como si fueran piezas de orfebrería, cada nota está colocada exactamente donde quieren formando

una partitura melancólica y elegante. A pesar de la fuerte vena progresiva (dos de sus siete temas pasan de los diez minutos), y que su doom celestial conserva toda su esencia, Heartless suena menos impenetrable que obras anteriores. Con eso no quiero decir que Pallbearer tengan posibilidades de dar el salto al nivel de unos Ghost, pero sí es posible que el culto hacia la banda gane un buen puñado de nuevos fieles. La voz aguda de Brett Campbell se aleja de los registros lúgubres habituales en el estilo y, aunque tiene algún arranque puntual de agresividad, por lo general sus melodías tienden a elevarte el espíritu. El certero trabajo que realizan Campbell y su compañero Devin Holt con las guitarras combinando riffs pesados con solos exquisitos es brillante a lo largo de todo el álbum. Si Black Sabbath representaban la oscuridad, Pallbearer prueban con temas como ‘I Saw The End’, ‘Cruel Road’ o ‘A Plea For Understanding’ que en el doom también cabe la luz. JORDI MEYA

LA SELECCIÓN

THE WAX Don’t Belong

(BRUNZIT/FAIR WARNING/LONG LIVE/RECORD STORE DAY SPAIN)

POST HARDCORE

he Wax ya habían avisado con sus dos EPs End Know Sense (2013) y We Are Failing (2014) y sus incendiarios conciertos que eran una banda a tener en cuenta. Estos descendientes catalanes de Refused se han tomado su tiempo para lanzar su primer álbum, pero han hecho bien en no precipitarse porque seguramente unos años atrás no hubieran sido capaces de hacer un disco tan maduro como el que aquí encontramos, y que aparece coincidiendo con el Record Store Day. Si hasta ahora la visceralidad era su característica principal, en los ocho temas de Don’t Belong The Wax se sacan de la manga nuevos trucos. Para empezar su sonido ha ganado en robustez, con el bajo y las guitarras rasgando fuerte y en algunas ocasiones acercándose, sorprendentemente, al nu metal. ¿O es que el principio de ‘Lost Highway’ no suena como los Korn más atmosféricos? Esta nueva

influencia se aprecia ya en la inicial ‘Shadow Of Your Eyes’ con un delicioso sabor a Deftones, o también en el tercer corte ‘The Rambler’. Sigue habiendo explosiones controladas como ‘Dead City’ o ‘Don’t Belong’, con un subidón genial, pero el quinteto ha optado por expandir y explorar nuevas tesituras. La hipnótica ‘End Of Dance’, con la voz femenina de Nina Montesó como protagonista, es el mejor ejemplo de este nuevo escenario. Y hablando de voces, cabe destacar la labor de Aitor, quien ofrece una variedad de interpretaciones a gran nivel. JORDI MEYA

S SORORITY NOISE You’re Not As ____ As You Think (TRIPLE CROWN)

EMO

i eres de los que sigue esperando que algún día Brand New publiquen de una puñetera vez un nuevo disco, es posible que el tercero de Sorority Noise te alivie la ansiedad. La banda de Connecticut ha pegado definitivamente el estirón confeccionando un trabajo muy meritorio. Al igual que Stage Four de Touché Amoré, You’re Not As ____ As You Think viene marcado por la tragedia y de igual manera que hiciera Jeremy Bolm en aquél, Cam Boucher (también vocalista de la banda hardcore Old Gray) se desnuda emocionalmente para contarnos el impacto que tuvo en él la muerte de varios amigos, en especial de uno llamado Sean, al que menciona en varias ocasiones. “Cuando tu mejor amigo muere y tu siguiente

Q SOZIEDAD ALKOHOLIKA Sistema Antisocial (MALDITO)

CROSSOVER

ue sí, que Sistema Antisocial ni es tan duro ni es tan metálico como su anterior Cadenas De Odio, ¿pero por ello debemos cargárnoslo? Venga hombre, no seamos pueriles, no califiquemos los álbumes sólo por la velocidad de las baterías… Como acostumbra a ocurrir, este nuevo trabajo de Soziedad Alkoholika tiene sus propias características dentro de su intransferible personalidad, aunque sí es posible que esta vez descubrirlas precise de más atención. Para empezar, a mí la producción me ha flipado. Entre el propio Jimmy y un

amigo muere y el mejor amigo de tu amigo se suicida, puedes pasarte seis meses solo porque no tienes nadie con quien hablar”, canta en ‘First Letter From St. Sean’. Es con esta honestidad con la que también admite en ‘No Halo’ que pasó de ir al funeral de Sean y en su lugar aparcó delante de su casa o, en ‘Better Sun’, que probó la cocaína para impresionar a un colega. Pero si el rollo confesional te tira para atrás, tranquilo, porque a pesar de

su contenido, éste no es para nada un disco deprimente. Al revés, está repleto de grandes melodías y destellos de guitarras luminosas. En temas como ‘Second Letter From St. Julien’ o ‘Leave The Fan On’ suenan como American Football colisionando con Manchester Orchestra, y en otros como ‘No Halo’, ‘Where Are You’ o ‘A Portrait Of’, como los propios Brand New o Modern Baseball. Rico, rico.

habitual como Tue Madsen han logrado que canciones mucho más punk y hardcore suenen pesadísimas, con unas guitarras tope contundentes pero que, al mismo tiempo, se distinguen con total claridad. ¿¡Pero habéis oído cómo entran ‘Alienado’ o ‘Desconocido Habitual’!? Debuta Alfred tras los parches y, siendo un tipo tan dotado, mi única pregunta es si sudó grabando estos temas, porque desde el ritmo puramente hardcore de ‘Fugitivos’ pasando por la caña con Barney de Napalm Death de ‘Policías En Acción’, se nos antoja como un animal que, pese a todo,

deba reprimirse a la hora de tocar con los vitorianos. Y bueno, luego está Juan… Para antifascistas es ‘No Olvidamos, 3 De Marzo’ y a los antifascistas llegará al corazón. ¿Y qué me dicen de ‘Resurgir’? Ganazas ya de escucharla en directo, un himno instantáneo. Para empezar a ir bien en este país, ‘Siervo De Derechas’ debería ir entre Góngora y Quevedo en las clases de literatura. Señala a tu enemigo, ten mucho cuidado con las taimadas insidias de esta falsa democracia, pero por favor, nunca reniegues de Soziedad Alkoholika.

JORDI MEYA

PAU NAVARRA

MINUS THE BEAR Voids

(SUICIDE SQUEEZE)

INDIE ROCK

l sexto trabajo de estudio de Minus The Bear, Voids, llega tres años después de esa recopilación de descartes titulada Lost Loves y cinco después del genial Infinity Overhead, un disco producido por su exteclista Matt Bayles (Isis, Mastodon) donde las guitarras matemáticas recuperaban el protagonismo y nos hacían bailar como nunca. En líneas generales, el presente Voids, sobre todo su segunda parte, se ajusta a la misma descripción. Y es que partir del sexto corte, ‘Silver’, que incluye un solo de guitarra más grande que la vida, el

quinteto liderado por Jake Snider se entrega a las seis cuerdas con su clase y frescura habitual. A destacar, el entusiasmo instrumental y vocal contagioso de ‘Tame Beasts’, la precisión rítmica de ’Robotic Heart’, la calidez de ‘Erase’ y la fantástica progresión de ‘Lighthouse’, con un final tremendo. En la primera mitad del disco, Minus The Bear cumplen, pero se abandonan al pop rock más convencional. Pienso en la inicial ‘Last Kiss’ y la melancólica ‘Call The Cops’, dos ejercicios impecables pero un poco asépticos. Se salva ‘Give & Take’, cuya estrofa sincopada nos devuelve a los primeros y más chispeantes Minus The Bear. Los de Seattle, con nuevo batería en sus filas, Kiefer Matthias, me perdonarán que no les haya puntuado más alto en esta ocasión, pero de los responsables de ‘hits’ contemporáneos del calibre de ‘Knights’, ’Pachuca’s Sunrise’ y ‘Throwin’ Shapes’ siempre debemos esperar mucho más. Veremos qué tal la próxima vez. LUIS BENAVIDES

BLOOD YOUTH Beyond Repair (RUDE)

HARDCORE

on dos EPs en su haber y después de haberse fogueado en la carretera junto a bandas como While She Sleeps o Every Time I Die, a los británicos Blood Youth les tocaba afrontar el reto de publicar su primer álbum. La experiencia ganada en los dos últimos años se aprecia en la seguridad con la que el trío suena. Blood Youth no se andan con hostias y desde la inicial ‘Making Waves’ van a destajo con su hardcore de corte moderno. “Estas canciones tratan sobre cómo lidiamos con la rabia en el mundo moderno”, ha explicado el

vocalista Kaya Tarsus, y desde luego, escucharlo a todo volumen puede ser una buena manera de liberarse del estrés. La banda combina con acierto grooves poderosos (‘Pulling Teeth’), ritmos veloces (‘What I’m Running From’) y algunas melodías con posibilidades de enganchar incluso al público del punk melódico (‘Buying Time’). Los arranques de los temas son sensacionales, pura testosterona, con un Kaya que se deja los cojones en cada verso, y la base musical sonando atronadora. Pero para compensarlo, el vocalista adopta un registro limpio en muchos estribillos, algo que a veces parece un poco forzado. Sólo que hubieran logrado recortar un pelín el minutaje de sus temas y que hubieran incluido algún tema más como ‘Parasite’, que es una apisonadora de principio a fin, creo que el impacto hubiera sido mucho mayor. Aun así, como primer intento no está nada mal y huele a que, con un repertorio como éste, su directo puede ser la bomba. DAVID GARCELL

ALL THAT REMAINS Madness

(ELEVEN SEVEN MUSIC)

METAL ALTERNATIVO

n el interior de All That Remains parecen haber dos almas. Una quiere ser una banda de metal, disfruta con riffs machacones y voces guturales y le gustaría salir de gira con Lamb Of God o Hatebreed. La otra quiere ser una banda de rock mainstream que flipa con las melodías y las baladas y le gustaría codearse con Nickelback o Three Days Grace. Para ser justos, es una dualidad que afecta a muchos grupos, sobre todo norteamericanos, pero pocas veces el contraste es tan exagerado como en su caso. Desde que lo petaran en 2015 con

74 78

The Order Of Things, que vendió más de un millón de copias, All That Remains han encontrado un filón y no parece que quieran renunciar a él. En la primera parte del álbum, los de Massachusetts decantan la balanza hacia el lado más cañero, eso sí, sin olvidarse de meter estribillos pegadizos, con temas como ‘Open Grave’, la muy Disturbed ‘Madness’ y ‘Safe House’, en los que Phil Labonte canta con agresividad. Luego, en ‘Nothing I Can Do’ y ‘Halo’ ya aparecen voces limpias en las estrofas y algún que otro efecto electrónico. Es como si quisieran preparar el terreno para ‘If I’m Honest’, ‘Far From Home’, ‘River City’ y la acústica ‘Back To You’, cuatro piezas pensadas descaradamente para la radio. Terminan con ‘Drive By’ y ‘Never Sorry’, donde vuelven a ponerse duros, pero no sé cuántos fans sobrevivirán a ese ecuador tan empalagoso. Yo he logrado resistir, pero el disco ganaría enteros si no se les hubiese ido la mano con tanta vaselina. DAVID GARCELL

PISSED JEANS Why Love Now (SUB POP)

PUNK, NOISE ROCK

o te confundas con el título y el rosa pastel que tiñe la portada del quinto trabajo de Pissed Jeans, porque te la meterán doblada. Aunque parezca mentira, los cuatro simpáticos mozos de la cubierta son los mismos degenerados responsables de Why Love Now, un excitante engendro musical con unas letras inspiradas en el lado más sórdido de la vida moderna y, más concretamente, en las relaciones de género actuales. Así, por ejemplo, en ‘Ignorecam’ caricaturizan a mirones que pagan para recrearse la vista aunque son ignorados por el objeto

sexual de turno, mi favorita ‘Love Without Emotion’ versa sobre el distanciamiento físico y sentimental en las relaciones por las redes sociales y en ‘I’m A Man’ cambian de tercio con un hilarante spoken word a cargo de la feminista Lindsay Hunter muy metida en el papel de un tipo salido y fetichista tirando los trastos a una oficinista. Producido a medias por la leyenda del post punk Lydia Lunch (Teenage Jesus And The Jerks) y el metalero Arthur Rizk (Eternal Champion, Goat Semen), Why Love Now es puro chapapote, una mezcla de punk, grunge, sludge, ruido y grandes dosis de costumbrismo. No puede sorprendernos que Sub Pop venga a respaldar Why Love Now, un disco feísta que les viene como anillo al dedo. Y es que recogen la demencia instrumental y los alaridos de Butthole Surfers y The Melvins e incluso podríamos encontrar parecidos razonables con el Bleach de Nirvana en cortes como ‘Activia’ y el final de ‘Not Even Married’. Como habrán imaginado, así es imposible no amarlos. LUIS BENAVIDES

WARBRINGER

Woe To The Vanquished (NAPALM)

THRASH METAL

uando empezó el revival thrash metal parecía que algunas bandas iban a alcanzar el estrellato en poco tiempo. Actualmente ya hemos visto que ese primer empuje se ha ido diluyendo, que las más exitosas formaciones de este movimiento con suerte llenan salas de aforo medio, pero en serio, cuando veías a Evile reventar una Razz con ‘Thrasher’ abriendo para Megadeth o lo incontestables que resultaban obras como War Without End o Waking Into Nightmares de Warbringer, todo parecía presagiar una nueva era dorada para este estilo. A decir verdad, y más en el

caso que nos ocupa, puede que hasta su seguimiento haya ido a menos con cada nuevo trabajo, por muy gran nivel que hayan mantenido. Si bien Woe To The Vanquished no está a la altura del espectacular IV: Empires Collapse, el tenaz John Kevill y sus compañeros, en permanente renovación, aportan muy buenos momentos para todos aquellos aficionados al thrash algo alejado del simple cliché, ése que cumple con el cupo de agresión y ortodoxia mientras también aporta ideas propias. Al impecable pistoletazo de salida ‘Silhouettes’ hay que sumar ‘Remain Violent’, la sombría ‘Spectral Asylum’ o ‘Divinity Of Flesh’, que casi se suma a ese death melódico de onda thrash de los últimos Kreator, para comprobar que, por muy malos tiempos que corran, algo ha tenido que fallar para que Warbringer no disfruten de un estatus mucho mayor. Poquitas bandas de su generación son capaces de cerrar un disco con la clarividencia de ‘When The Guns Fell Silent’. PAU NAVARRA

ROYAL THUNDER WICK

(SPINEFARM)

ROCK

in armar un gran revuelo, Royal Thunder vieron cómo hace un par de años su segundo largo, Crooked Doors, fue aupado por la prensa especializada como uno de los trabajos más destacados de 2015. Su particular manera de entender un sonido que ni era metal pesado, stoner o rock sureño y sin embargo todo eso al mismo tiempo impregnando su propia personalidad les hizo asomar la cabeza por encima de la media. Ahora tocaba demostrar que aquello no fue mera casualidad, sino de que estamos ante una formación única en su escena, siendo

capaces de distanciarse de la competencia sin renunciar a nada. Y eso mismo es lo que supone WICK. Sin ser un álbum precisamente sencillo, sí que se que puede afirmar que estamos ante una obra más inmediata y de fácil asimilación respecto a anteriores entregas. Puede que la bienvenida de ‘Burning Tree’ no resulte tan estremecedora como la de ‘Time Machine’, ni que el single ‘April Showers’ sea la mejor carta de presentación para enganchar a nuevos seguidores, pero a medida que el disco va avanzando veremos cómo el estribillo certero de ‘We Slipped’ nos convence a la primera, así como ‘The Sinking Chair’, con una Mlny Parsonz brillando a las voces bien secundada por la guitarra de Josh Weaver, quien ha dado un paso al frente ganando mayor presencia si cabe. Con ‘Plans’ nos tocan la fibra al igual que en la genial ‘Push’, cuyo cambio de rumbo hacia la mitad resulta matador. Los coros a lo góspel de ‘We Never Fall Asleep’ nos despiden dejando una sensación de paz interior inmejorable. GONZALO PUEBLA

F.A.N.T.A. HAS DE SABER... FORMACIÓN: Oscar (guitarra, voz),

Gabi (bajo, coros), Beto (batería, coros) PRODUCIDO POR: Oscar F.A.N.T.A. AFINES A: Ramones, Sugus, The Queers PÁGINA WEB: www.fanta.bandcamp.com

C ¡Más Rápido!

(RUFUS/MONSTER ZERO/RUMBLE) PUNK ROCK

onscientes de que la juventud va quedando atrás, al menos la que marca el DNI, F.A.N.T.A. parece que han entrado en esa etapa de mejor tomarse las cosas con calma y tener a la banda como un mero –y serio- pasatiempo, que dejarse la vida en el intento para conseguir alguna meta que, desde luego, debería de ser más alta que la que han conseguido. Es la historia una y mil veces vivida con nuestra excelente nómina de bandas pop punk rock. A pesar de lo que pueda sugerir el título del álbum, ¡Más Rápido!, el trío de Santa Coloma no ha

apretado el acelerador sin conocimiento, pese a que de temas speedicos tenemos algunos excelentes ejemplos como ‘Otra Vez’ o ‘Búscame En El Más Allá’. Pero aquí tenemos bastante más, tanto que después de unos cuantas escuchas aseguro que éste es el mejor disco que han hecho F.A.N.T.A. en toda su trayectoria. Con una producción perfecta para un álbum de estas características, la colección de canciones y melodías puede cortar la respiración. La inicial ‘Fatal’ es una pequeña obra de orfebrería que marca la pauta del álbum. Poco más de 2 minutos con una melodía

imposible y una letra que deja claro que para hablar del amor, o mejor dicho, el desamor, no es necesario caer en las metáforas pretenciosas. Y a partir de ahí el festín. Que alguien me diga si canciones como ‘La Línea Maginot’ -¿Cómo puede ser que una canción así sólo sea disfrutada por una minoría?-, ‘Una Vida Normal’ o ‘Amor En Descomposición’ no son de lo mejor que oiremos este año. Si necesitábamos un álbum que nos hiciera recordar al adolescente que llevamos dentro, cuando éste ha quedado ya muy atrás, ¡Más Rápido! lo hace posible. RICHARD ROYUELA

HABLAMOS CON... BETO Ésta es la vez que más habéis tardado en editar un álbum. Supongo que cada vez debe de ser más complicado encontrar tiempo para la banda... “Obviamente cada vez cuesta más componer, grabar... El día a día lo complica todo a pesar de que tenemos la misma ilusión que siempre. Por lo que se refiere a la frescura de las melodías, es una mezcla de inspiración y sobre todo mucho trabajo detrás; siempre miramos de hacer canciones muy cortas con patrones similares y melodías pegadizas. Si no es así, la canción se va fuera, y si la letra es buena pero la melodía no, pues se rehace las veces que haga falta y al revés también, porque las letras tienen mucha importancia aunque hables de cosas descabelladas”. Después de haber grabado y compuesto más de 100 canciones de punk rock, ¿es complicado hacer una nueva que no

suene a copia? “Sí y no. La clave es buscar y combinar los acordes de siempre de manera distinta, y sobre esos acordes, construir una buena melodía pegadiza, ¡pero ojo! Eso no significa ir a lo fácil para acabar rápido la canción, hay que currárselo, probar, repetir, rehacer... pero también hay miles de melodías que surgen como por arte de magia de repente y, cuando descubres una de ellas, es extremadamente gratificante. Pero claro, la cosa no acaba aquí; ya tienes la melodía, pues ahora a pensar un tema si no lo tienes ya y a currarte la letra. Es agotador, pero es como una necesidad”. ¿¡Más Rápido! es una declaración de principios o un homenaje a ésos que os gritan ‘más rápido’ en los shows? Al fin y al cabo hay rapidez, pero no es vuestro disco más rápido... “¡Más Rápido! es la esencia de nues-

tros directos y un guiño al público de nuestros conciertos, que nos lo grita continuamente. Creo que es lo que la mayoría quiere: velocidad, diversión y nada de pegar rollos de cinco minutos entre canción y canción”. Las letras siguen abarcando vuestra temática juvenil, y fantástica. ¿Os es complicado seguir haciendo este tipo de letras? Las cosas no se ven igual que cuando tienes 20 años, y las obligaciones son mucho más complejas... “Personalmente creo que es inevitable repetirse, casi todo gira en torno al desamor, y la ironía, incluso a los sentimientos y experiencias de uno mismo, a partir de ahí construyes una historia donde a veces tienen cabida elementos con los que te identificas como el cine de terror, o los trastornos mentales y emocionales, por ejemplo”. (RICHARD ROYUELA) 83

H WESTERN ADDICTION Tremulous (FAT WRECK)

PUNK ROCK

ace doce años los protagonistas de esta crítica debutaron con el largo Cognicide, y servidor se encargó de reseñar el disco en estas mismas páginas. ¡Qué tiempos! Entonces Western Addiction eran muy jóvenes, pero ya apuntaban buenas maneras: punk rápido y encabronado con letras costumbristas y retorcidas. Con ese buen recuerdo, me faltó tiempo para llevarme Tremulous a casa en cuanto apareció por la redacción. Y no me han defraudado. Al contrario. La banda de San Francisco, con miembros y exmiembros de otras bandas muy recomendables como Dead To Me y Enemy You, firma uno de los discos de punk y hardcore melódico del año. En esencia, Tremulous es la perfecta continuación de aquel prometedor debut. Mismas coordenadas, mismos

D DE LA CUNA A LA TUMBA

[Algo Sin Nombre *] (THE BRAVES/BANDERA)

POST HARDCORE

e banda paralela a una firme realidad, el proyecto De La Cuna A La Tumba se ha consolidado a una velocidad vertiginosa. De ello dan prueba una primera tirada agotada de su debut y algún que otro lleno en plazas como Madrid. No hay duda de que la suma de la voz de Tenpel junto a la base musical de los sevillanos Catorce funciona, tal y como atestigua este segundo artefacto. [Algo Sin Nombre *] vuelve a transitar por los mismos caminos que en su ópera prima. Esto es, post hardcore de muchos quilates donde la guitarra de Jaime

referentes –estos tíos están felizmente anclados en los ochentas de Descendents y Black Flag– y mejores resultados. Y es que Western Addiction dan en el clavo con cortes directos y agresivos como la inicial ‘Clatter And Hiss’, ‘Masscult, Vulgarians And Entitlement’ y ‘Red Emeralds’, capturados a la perfección en los Motor Studios de Fat Mike por Joey Cape (Lagwagon, Me First

And The Gimme Gimmes). Por su parte, Matt Bayles (Mastodon, Minus The Bear) borda la mezcla de Tremulous, un disco rico en matices y texturas, expansivo en las partes más melódicas como ‘Taedium’, donde canta Cape, y ‘Your Life Is Precious’, una pieza progresiva dedicada al cantante de los citados Enemy You, fallecido en 2015.

es la que va marcando el ritmo a base de estruendosas descargas que contrastan con partes limpias. En medio está una de las mejores voces de todo el Estado, la de un Kantz para el que cualquier tipo de registro está a su alcance. Solo hay que escuchar ‘#roratecaeli’ para darse cuenta de lo que es capaz de hacer este tío: melódicos, rasgados, fraseos rapeados... Una exhibición. ‘#desdibujados’ apuesta por la épica con Jaime aportando también a las voces, sin bajar la intensidad. Apenas la atmosférica y bella ‘#losnuevosincendios’ da una tregua antes de

que vuelvan a envestirnos con ‘#somosloquesomos’, la más contundente con la colaboración de Juan Blas de Minor Empires, aunque cuesta reconocerle de primeras cantando en castellano. ‘#estrellasmuertas’ cuenta con todos los ingredientes para convertirse en una de las favoritas de sus directos. Estribillo melódico y coros para gritar con el puño en alto. Como punto negativo, decir que su brevedad deja con ganas de más. Aunque bien mirado, lo mismo es hasta bueno. Otra pequeña joyita que añadir a la estantería.

LUIS BENAVIDES

GONZALO PUEBLA

MORBID FLESH

Rites Of The Mangled (UNHOLY PROPHECIES)

DEATH METAL

on miembros y exmiembros de Graveyard, Ósserp, Insulters, Tort, Sheidim o Cuerno, Morbid Flesh no deberían tener demasiados problemas para colocarse en la vanguardia de nuestro death metal, pero sin embargo, quizá el estar enrolados en tantas otras formaciones ha hecho que, durante diez años, los de Sabadell hayan sido una especie de tapados dentro de la escena extrema catalana. Desde luego, por razones musicales no será, porque como bien muestra Rites Of The Mangled, su segundo álbum, tienen mucho por ofrecer. Grabado, mezclado

y masterizado por un especialista como Javi Félez, lo que aquí encontrarás desde el primer instante no da lugar a equívocos: maldito death metal carcomido, herrumbroso y arcaico, con un Vali comodísimo al micro que te horrorizará vociferando desde vete a saber tú qué submundo. Contando con uno de los baterías más elegantes del país, Míchel, su poso doom también se deja notar en los revolcones por el Hades de ‘Burn The Entrails’ o ‘Feeding Mallows’. De la misma forma, lo que aquí predomina es el death en plan marcha militar sueca, aunque son varias las escuelas que también se hacen notar en este trabajo. He podido verles dos veces en los últimos meses y la verdad es que Rites Of The Mangled ha confirmado la buena impresión que me causaron en vivo. Su dominio del lenguaje death es total, así que, en cuanto se lo propongan, asomarán la cabeza con autoridad. La negrura de ‘Heretics Hammer’, ‘Incantation’ o ‘Evil Behind You’ te pondrá firme en un santiamén. PAU NAVARRA

SILLY SALLY

No Tales To Be Told (AUTOEDITADO)

PUNK ROCK

speraba con impaciencia el nuevo lanzamiento de Silly Sally después de la sorpresa que me causó escuchar su disco de debut, Minor Fights & Major Fears. Y puedo decir con toda la tranquilidad del mundo que la espera ha merecido la pena, aunque se trate de un EP de tan sólo cinco temas que deja con ganas de escuchar más material nuevo de los madrileños. Tras una intro a cargo de Tom Cruise extraída de la película Magnolia, Silly Sally ofrecen un cuarto de hora de música en la que demuestran una madurez y una pericia fuera de toda duda, aunque el estilo que

practican no deje mucho espacio a la imaginación. Sea como fuere, el punk rock melódico facturado en España pocas veces había sonado mejor que en ‘No Novelty’, ‘Vital Revelations’ o ‘Marked Cards Break The Bank’. Grabado en los estudios Anhell de Madrid y masterizado en los Audiosiege (Portland, Estados Unidos), No Tales To Be Told goza de un sonido de primera división que permite distinguir todos y cada uno de los instrumentos que van sonando con fuerza y claridad. Si a eso le sumamos unos coros muy inspiradores (las voces más desgarradas arropan con acierto a las melodías vocales de Sam), estamos ante un segundo trabajo de bandera por parte del quinteto de Madrid. Estoy seguro de que, de haber surgido en los States, sellos como Fat Wreck o Epitaph competirían por poder fichalos, pero, como no es así, se tienen que conformar con la autoedición y con tocar en un garito medio vacío cuando, por ejemplo, vienen a Barcelona. Ojalá que su suerte cambie. JORDIAN FO

ME AND THAT MAN Songs Of Love And Death (COOKING VINYL/POPSTOCK!)

ALT COUNTRY, AMERICANA

uando Adam ‘Nergal’ Darski, líder, cantante y guitarra de la ya legendaria banda Behemoth, anunció un nuevo proyecto en solitario basado en material acústico hace un par de años, era complicado imaginar por dónde irían los tiros, aunque ya daba a entender que nada tendría que ver con The Satanist. Salir de su zona de confort y fracasar en el intento no suponía ningún obstáculo, puesto que siempre se ha caracterizado por su determinación y por seguir sus propios instintos sin medias tintas. En colaboración con el músico británico-polaco John Porter, Nergal se adentra

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en el terreno acústico, en el que confluyen blues, country y folk, e impregna estas 13 historias de amor, pesimismo y muerte de una esencia oscura y siniestra, y muy evocadora. Quizás uno de los aspectos más destacables es el tratamiento de su voz en sintonía con cada tema. En algunos momentos, como en ‘My Church Is Black’ y ‘Nightride’, resulta inevitable pensar en Johnny Cash y su etapa de American Recordings, y en otros a Nick Cave, como en ‘Cross My Heart And Hope To Die’, e incluso a Mark Lanegan. Si bien las influencias son muy evidentes, el tándem Nergal-Porter las adapta para dar forma a su propio estilo. Tal vez haya voces críticas que se alcen ante la presencia de un intruso, fans que se lleven las manos a la cabeza, pero lo cierto es que el experimento de Nergal en este territorio es más que satisfactorio, pues se desenvuelve con firmeza, como si hubiera hecho esto toda la vida, ofreciendo un disco muy sólido y personal. TOI BROWNSTONE

DINERO Cero

(WARNER)

ROCK ALTERNATIVO

uede que, por cierta mentalidad futbolera, el público estatal no suela ser demasiado receptivo a los grupos que no se posicionan claramente en un estilo. Ése parece haber sido el mayor hándicap que Dinero se han encontrado a lo largo de sus diez años de trayectoria. Demasiado blandos para el público rockero y demasiado duros para el público pop, no han acabado de encontrar su sitio. Es un problema con el que temo que volverán a encontrarse con su cuarto trabajo y que resulta especialmente penoso tratándose de su

mejor disco. En Cero, Sean Marholm (voz, guitarra) y Ekain Horza (guitarra), con la ayuda del productor Charlie Bautista y su ahora exbajista Alejandro Ovejero, firman diez canciones donde combinan la inmediatez de las melodías, un sonido renovado, en el que además de guitarras con todo tipo de efectos también caben sintetizadores, y letras con las que es fácil identificarse (“Vale más un gesto real que un ‘me gusta’ en la pantalla”). Me cuesta pensar en canciones más redondas que ‘Bajo Cero’, ‘Una Noche Más’, ‘Armas Sin Filo’ o ‘El Día Del Cambio’, a cuyos estribillos desearás acudir una y otra vez. No se quedan muy atrás ‘Monstruos Y Alimañas’, la expansiva ‘Omega’ o ‘Tan Real’, con una acertada aportación vocal de Elisa Martínez. Sólo la bailable ‘Mata Hari’, donde Sean canta en un falsete algo forzado y una letra un poco casposa, desentona un poco, pero creo que mucha gente podría disfrutar de Cero si se acerca a él sin prejuicios. Anímate. MARC LÓPEZ

PILLORIAN

Obsidian Arc (EISENWALD TONSCHMIEDE)

BLACK METAL

asta con que una banda lo deje para que se la empiece a ensalzar o reivindicar. Por desgracia ocurre en demasiadas ocasiones, y Agalloch serían el penúltimo caso. La ejemplar formación de Portland implosionó el pasado año, pero mientras algunos todavía lo están digiriendo, y muchos otros descubriéndolos, su cantante y guitarra JH ya vuelve a la carga con Obsidian Arc, el primer trabajo de su nuevo grupo Pillorian, que por cierto, tendremos de gira por aquí este mismo mes de abril. Las coordenadas vendrían a ser más o

menos las mismas, black metal con reminiscencias folk y ambientales, aunque guiándonos por los dos temas que abren, ‘By The Light Of A Black Sun’ y ‘Archaen Divinity’, podría parecer que este reciente retoño tira más hacia el black clásico. La rabia con la que JH vocaliza en este segundo corte me ha encantado. Por el contrario, es en ‘The Vestige Of Thorns’ donde Pillorian se acercan más a lo que Agalloch fueron moldeando durante su trayectoria, pues casi imaginarás que han vuelto a la vida. Esa pausa, ese sentimiento melancólico, tan bucólico… Con bastante acierto se desarrollan los demás temas del disco, pero con el que he tenido más problemas es con ‘Dark Is The River Of Man’, el que cierra. Podría parecer un intento de adhesión a las últimas modas post, algo que rompe con la tónica general de este debut, pero poco a poco lo van llevando a su terreno para que no descarrile del todo. Una ópera prima en la que se nota, y mucho, que detrás hay auténticos veteranos. PAU NAVARRA

THE SHINS Heartworms (COLUMBIA)

INDIE POP

arece que haya pasado una eternidad desde que Natalie Portman diera un gran empuje a la carrera de The Shins gracias a aquella mítica escena de la película Garden State en la que invitaba al coprotagonista Zach Braff a escuchar ‘New Slang’ de su primer disco. “Te cambiarán la vida”, le decía mientras le ponía sus cascos. En estos 13 años, The Shins han pasado de ser una banda al vehículo exclusivo de James Mercer, éste ha tenido tres hijas, y ha conseguido todavía más éxito con Broken Bells, su proyecto con Danger Mouse.

Todo esto ha hecho que su dedicación hacia el grupo haya pasado a un segundo plano: son cinco años los transcurridos desde su anterior Port Of Morrow, los mismos que ya hubieron entre ése y el anterior. Aun así, escuchando su quinto álbum, se nota que The Shins sigue ocupando un lugar especial en su corazón y vuelve a recordarnos por qué lo ocupa en el nuestro. Producido por él mismo y con colaboraciones puntuales de músicos como Chris Funk, Jon Sortland o Mark Watrous, Heartworms es un auténtico despliegue de sus habilidades como compositor y arreglista. A veces tanta exuberancia incluso juega en su contra y hace que le reste coherencia al conjunto -la psicodélica ‘Painting A Hole’ y la electrónica ‘Cherry Hearts’ descolocan un poco-, pero cuando toma un enfoque más minimalista y folkie, como en ‘Fantasy Island’, ‘Midenhall’, ‘Rubber Balz’ o ‘Heartworms’, con sus deliciosos coros sesenteros, Mercer da de pleno en la diana. JORDI MEYA

Foto: Jose Aragunde

THE SOUL JACKET

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Toño López (voz), Mauro Comesaña (batería), Jorge Mizer (guitarra),

Guillermo Gagliardi (guitarra), Xabier Vieitez (teclados), Jann Zerega (bajo) PRODUCIDO POR: Hendrik Röver AFINES A: The Black Crowes, Creedence Clearwater Revival, Neil Young PÁGINA WEB: www.facebook.com/thesouljacket

A Volume III (AUTOEDITADO) ROCK

estas alturas podríamos hablar de The Soul Jacket como una formación con sonido clásico. Y no sólo porque sus influencias vengan de los grandes nombres del rock americano de toda la vida, sino porque llegados a su tercer largo han conseguido asimilarlas de tal manera que, aunque sean fácilmente reconocibles, suenan a algo propio. Tras el acercamiento a los ritmos afroamericanos en su todavía reciente EP Soul BBQ, los gallegos han vuelto a depositar su confianza en Hendrik Röver de Los Deltonos y sus Guitartown Studios para que les arrope con ese sonido tan orgánico y cálido.

En los primeros compases de Volume III se aprecia que han tirado por un sonido aún más de raíces. Las iniciales ‘Green Cookies’ y la fronteriza ‘Behind The Hill’ nos remiten a los The Black Crowes de la última etapa en su vertiente semiacústica. Otro ejemplo es ‘Today Is A Cloudy Day’, que parece sacada de un viejo jukebox de un bar-saloon. Justo cuando empiezas a pensar que han rebajado demasiado las pulsaciones llegan las dos mitades de ‘Mare In The Night’. La primera te pilla por sorpresa con una descarga de riffs incisivos, mientras que la segunda es algo así como una revisión del ‘Planet Caravan’ de Black Sabbath llevada a

su terreno con la voz de Toño López pasada por un filtro casi espectral. Mantienen el ritmo con ‘GBTW’, un trepidante boogie de ritmo incendiario que dará paso a una ‘Arrows’ en la que el espíritu de la mejor época de Neil Young asoma la cabeza culminando con un larga jam por todo lo alto. ‘Big Chief (On The Mountain Of Death)’ echa el cierre con otro ejercicio de puro explayamiento instrumental. Quizás echaría en falta algo más de cohesión entre todas las canciones, pero no hay duda de que nuevamente The Soul Jacket dejan una prueba de su maestría en el manejo de un lenguaje ancestral. GONZALO PUEBLA

HABLAMOS CON... MAURO COMESAÑA ¿Es éste un disco de extremos? “Más bien es una obra sin ataduras de ningún tipo. Si la canción, la temática o el momento en que la estamos componiendo nos pide agresividad, nos lanzamos a ello sin miedo ni prejuicios. Echamos de menos esa valentía en la música actual. Bandas como Buffalo Springfield sabían colocar en sus discos una canción campestre llena de armonías vocales e inmediatamente después otra de rock ácido que te hacía dar un salto. Esa inquietud sonora y esos contrastes es algo con lo que también jugamos en directo y es parte de nuestra identidad desde hace ya tiempo, por eso queríamos que aquí tuviese protagonismo”. Nuevamente habéis acudido a Hendrik Röver para grabar... “En él encontramos refugio para trabajar cómodos, concentrados y sin las distracciones que puedes tener en casa. En

cuanto a sonido mejora año tras año y siempre es emocionante volver pasado un tiempo para ver hasta dónde puedes llegar y con qué puedes experimentar. Él parece recibir cada vez mejor nuestros intentos de salirnos de lo habitual y se suma a ello encantado. Un buen ejemplo es el final de ‘Madeleine Kane’, donde Jorge tuvo la idea de conseguir un sonido de batería lejano y low-fi y Hendrik decidió grabar esos redobles colocando los micros en las escaleras que suben a la sala de grabación, sin más. Creo que esto no hubiese sido posible hace tres años y eso te da una idea de que ambas partes seguimos buscando maneras originales de hacer las cosas”. Ya habéis hecho algún concierto fuera de España. Sabiendo lo complicado que resulta, ¿hay intención de intentar salir a tocar más por el extranjero?

“Por supuesto vamos a intentarlo. Sabemos que es complicado, pero el panorama nacional está corrompido hasta la médula y nosotros necesitamos seguir creciendo. No se trata de mudarnos a Londres o a Austin ni nada de eso, ésta es nuestra casa y sabemos que en ningún sitio nos van a querer y a tratar mejor que aquí, pero a veces sentimos que nuestra música, como la de tantos otro artistas españoles que valoramos, no tiene cabida en la parrilla radiofónica y festivalera de este país, y tampoco hay interés de que esto cambie. De momento toca concentrarse en la gira española y en defender este disco allá donde nos lleve. Nunca tuvimos tantas ganas de presentar un trabajo y sé que nuestro público sabrá valorarlo como lo que es: un trozo de nosotros mismos, algo salvaje, misterioso y cambiante”. (GONZALO PUEBLA) 91

STEEL PANTHER Lower The Bar (OPEN E/POPSTOCK!)

HAIR METAL

ada vez que Steel Panther publican un nuevo álbum de estudio, éste es ya el cuarto, la pregunta vuelve a ser la misma: ¿Seguirá teniendo gracia el chiste? Pues resulta que sí. Cuesta pensar en otra banda cómica que haya podido estirar tanto el chicle, pero, como hemos comentado otras veces, la diferencia es que los miembros de Steel Panther, además de unos cachondos, son grandes músicos (no cualquiera puede formar parte de la mejor banda tributo a Van Halen) y sus canciones obtendrían la aprobación de cualquier aficionado al hard rock

de los 80. Dicho esto, irónicamente la premisa del título Lower The Bar se cumple y este nuevo trabajo baja ligeramente el listón respecto a discos anteriores. Se echan en falta algunos hits definitivos a la altura de ‘Party Like Tomorrow It’s The End Of The World’ o ‘Death To All But Metal’, siendo la muy Warrant ‘Poontang Boomerang’ y el baladón ‘That’s When You Came In’, rescatado de su unplugged Live At Lexxi’s Mom’s Garage, los que más se les acercan. Tampoco su intento de salirse del guión en la pseudo psicodélica ‘Now The Fun Starts’ acaba de funcionar y la versión de ‘She’s Tight’ de Cheap Trick, con el propio Robin Zander como invitado, aporta nada relevante. Por suerte, ‘Goin’ In The Backdoor’, ‘Walk Of Shame’ o ‘I Got What You Want’, cargadas de letras guarrindongas, estribillos de estadio y solos endiablados aportan munición suficiente para que te enfundes unas mallas y pases una buena tarde haciendo air guitar. JORDI MEYA

REUBEN RG Ghost Tapes (AUTOEDITADO)

AMBIENT ROCK

uando me enteré que el cantante y guitarrista de la banda de post hardcore Cohen, Ruben Ramos, iniciaba una aventura en solitario, me imaginé un proyecto de voz y guitarra acústica. Como cuando Rocky Votolato aparcó Waxwing o, mejor aún, como Dustin Kensrue de Thrice o Dallas Green de Alexisonfire lejos de sus bandas madre. Nada que ver. Su viaje en solitario, bajo el nombre de Reuben RG, comienza con una elocuente despedida, ‘A Departure’. Un delicado punteo de guitarra y unos

ritmos electrónicos anticipan un camino interesante, rico en matices, un disco que tiene mucho de exorcismo interior. Basta con escuchar las letras de las seis piezas que conforman Ghost Tapes. “Solíamos estar cerca pero eso queda lejos”, canta en inglés, con una suavidad en las antípodas de los gritos a los que nos tenía acostumbrados. Una voz distorsionada y unos sintetizadores juguetones conducen la estrofa de ‘Over And Out’ hasta un estribillo ensoñador digno de Team Sleep y le sigue el guiño a Lynch que es ‘Eraserhead’, con unos primeros compases dolorosos y una explosión de esperanza cuando canta a todo pulmón que ya ha tenido suficiente. Mis favoritas son ‘Hopeless Ghost’, por esos fogonazos eléctricos en el momento justo, y la abismal ‘Lost Tape’, cuya letra sintetiza el disco entero, tan sincera que duele. Sin duda, Ghost Tapes hará las delicias de los seguidores de los citados Team Sleep, Radiohead y The Postal Service, entre otros. LUIS BENAVIDES

BOOZE & GLORY Chapter IV (BURNING HEART)

PUNK ROCK, OI!

o hay que ser un lince para adivinar por qué Burning Heart ha apostado por publicar el cuarto álbum de Booze & Glory. Los londinenses se han hecho un buen currículum en los últimos ocho años, y aunque la inestabilidad ha hecho que sólo Mark y Liam, los dos vocalistas y guitarristas, sean los únicos miembros fijos, la banda tiene potencial para conquistar a un público más amplio; especialmente con Chapter IV, donde han buscado una producción más limpia. Personalmente no tengo nada en contra de que un grupo intente sonar lo mejor

posible, pero la verdad es que creo que un poquito más de suciedad y agresividad no les hubiera ido nada mal a estos temas. Booze & Glory se inspiran en clásicos como Sham 69 o The Clash para confeccionar himnos de barra y campo de fútbol; imposible no imaginarse a miles de hooligans coreando ‘Back On The Track’ o ‘No Rules’. También hay algo de celtic punk en ‘Days, Months, Years’ y de pub rock en ‘The Time Is Now’ o ‘For The Better Times’, con un piano que queda de muerte. Las letras reflejan la frustración, malestar, pero también la fraternidad y espíritu de superación de la clase obrera con proclamas como “Vivimos para el fin de semana, pero morimos de 9 a 5” en ‘Blood From A Stone’ o “La vida es una apuesta hijo, pero no pierdas la fe, tú eres único y estás aquí para quedarte” en ‘Life’s A Gamble’ que, salidas de las voces cerveceras de Mark y Liam, suenan de lo más auténticas. La típica banda que quedaría de miedo en el cartel del próximo Gasteiz Calling. JORDI MEYA

NEKROMANTIX

A Symphony Of Wolf Tones & Ghost Notes (HELLCAT)

ROCKABILLY

o ha empezado nada mal el año 2017 para Nekromantix: una gira por Australia y un sold out en Melbourne. Es sólo una muestra de la movilidad de esta banda y la prueba de que se han pateado medio mundo y parte del otro; parece algo que está en el código genético de esta formación germinada entre Dinamarca y California. Kim Nekroman y su celebérrimo coffin bass (un contrabajo con forma de ataúd tuneado especialmente para la ocasión) siguen al frente de este trío después de 28

años de trayectoria. Así es, Nekromantix debutaron en 1989 con Hellbound y A Symphony Of Wolf Tones & Ghost Notes supone el noveno LP de su ya dilatada carrera. El título de su nuevo disco esconde diferentes significados según el carismático frontman, pero la referencia a la mítica película Nosferatu del director alemán Friedrich Murnau parece evidente. Aunque el trío de psychobilly dé en el clavo con temas como ‘Mind Mausoleum’, ‘Cabin Fever’ o ‘Were Coyotes Of Rose Hill’, a nivel global me sigue faltando épica, velocidad y oscuridad en el sonido de Nekromantix, por eso sigo prefiriendo a Tiger Army. Resumiendo, vibro más con el punkabilly que con el rockabilly. Además, han perdido a Lux, la chica que se encargaba de aporrear la batería en el anterior álbum What Happens In Hell Stays In Hell y única componente femenina de su historia, con lo que la formación actual se compone de tres maromos vestidos de negro, con tatus y con cortes de pelo estilo ‘cepillo-de-escoba’. JORDIAN FO

14 DE ABRIL - A CORUÑA (LE CLUB DIRECTO) 15 DE ABRIL - SANTANDER (ESCENARIO SANTANDER) 16 DE ABRIL- MADRID (EL SOL) 17 DE ABRIL - BARCELONA (SALA BÓVEDA)

ROYAL THUNDER

ESPECIE PROTEGIDA

MIENTRAS OTROS GRUPOS PARECEN PREOCUPADOS POR CUMPLIR CADA UNO DE LOS CLICHÉS DE UN GÉNERO EN CONCRETO, A ROYAL THUNDER NO LES IMPORTA LO MÁS MÍNIMO ENCAJAR EN NINGUNA ESCENA. ES MÁS, POR LO QUE SE PUEDE ESCUCHAR EN SU FANTÁSTICO TERCER DISCO, SE SIENTEN LA MAR DE CÓMODOS ASÍ. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: JIMMY HUBBARD

ABLO UN POQUITO DE ESPAÑOL, pero no lo suelo practicar mucho”, me reconoce Mlny Parsonz en un más que aceptable castellano cuando le pregunto en qué idioma prefiere hacer la entrevista. A pesar de haber nacido y crecido en New Jersey, sus raíces maternas se encuentran en Galicia, donde reside parte de su familia, aunque admite que hace bastante que no tiene la oportunidad de ir a visitarla. No es para menos si tenemos en cuenta el crecimiento que la banda en la que canta y toca el bajo, Royal Thunder, la cual completan Josh Weaver (guitarra), Will Fiore (guitarra) y Evan Diprima (batería), lleva experimentando en los últimos años, sobre todo a raíz de su anterior trabajo, Crooked Doors, uno de los más brillantes que se editaron en todo 2015. Misma suerte parece que correrá WICK (Spinefarm), donde el grupo de Atlanta muestra una vez más su marcada personalidad. Porque cualquier oído atento será capaz de distinguir influencias del rock más pesado, stoner, 70’s, progresivo, gótico, grunge, sureño... pero en ningún momento Royal Thunder acaban por sonar como tal, sino que son capaces de aunar todos esos elementos para dar con un propuesta que les distingue del resto de contemporáneos. Una formación a la que merece la pena prestar atención a cada pequeño paso que dé en el futuro inmediato. Mucha gente se empezó a interesar por vosotros con vuestro segundo disco, Crooked Doors. ¿Te sorprendió la buena acogida que tuvo? MLNY PARSONZ “Sí. Creo que

cada vez que haces un álbum siempre tienes esa pregunta dándote vueltas a la cabeza: ‘¿Seré capaz de hacer un buen disco o será un fracaso?’. Supongo que todo el mundo que hace música se pregunta lo mismo. Resulta un tanto intimidante. Así que fue sorprendente que a la gente le gustase y, sobre todo, que no nos metiesen dentro del saco del metal, o como sea que quieran llamarnos, lo cual me parece bien. No tenemos ningún problema con ello, no es algo que nos preocupe. Pero sí, siempre estás expectante por ver cómo reacciona la gente, especialmente durante la primera semana. Aunque no lo hicimos para probar nada a nadie, sino para nosotros mismos. Significa mucho para nosotros, pero cuando haces música y estás en un grupo, es algo que forma parte de todo eso”. A pesar de que el disco funcionó muy bien, os habéis cambiado de Relapse a Spinefarm... ¿Qué es lo que ha provocado este movimiento? “Bueno, en realidad no hubo ninguna razón salvo que nuestro contrato con Relapse terminó. Firmamos por un determinado número de discos y Crooked Doors fue el último que sacamos con ellos. Lo bueno es que cuando eso pasó no tuvimos que estar buscando a nadie porque Spinefarm ya nos estaba esperando. Fue una transición muy sencilla de hacer y una muy buena elección el irnos con ellos porque muestran mucho más apoyo y entusiasmo. Tenemos a un equipo entero detrás de nosotros. Ahora mismo estamos en Nueva York sólo para hacer cosas de promoción y llevamos unos cuantos días juntos. Ha sido una conexión automática con ellos, sentimos que son

como una familia. Necesitábamos a Relapse el tiempo que estuvimos con ellos y nos fue muy bien en ese momento de nuestra carrera, pero ahora queremos crecer y Spinefarm es un sitio genial para hacerlo”. Has dicho que WICK ha sido el álbum más complicado de hacer de vuestra trayectoria. ¿Qué dificultades encontrasteis en el camino? “En realidad cada disco que haces es siempre el más difícil. Tienes todas esas piezas que tienes que intentar encajar. Me cuestiono mucho todo sobre lo que escribo. Si sonará a mí, si conseguiré transmitir quien soy… Personalmente es lo que más complicado me resulta, porque siento que tengo muchas cosas que decir pero al mismo tiempo, dudo de que tenga la creatividad y la inspiración para hacerlo. Ése es mi mayor desafío, encontrar las palabras que expresen lo que siento dentro de mí y lo que he pasado. Mirándolo con retrospectiva, es algo que siempre me ha costado mucho en todos los álbumes que hemos grabado, pero éste ha sido el más complicado de todos. Estuve trabajando constantemente en ello. Probaba diferentes letras y melodías, las revisaba, las grababa, las escuchaba… y al final todas me parecían una mierda. Cuando acababa el día, lo arrojaba todo a la basura y volvía a empezar de nuevo. Por eso fue muy difícil de hacer para mí”. Parece que cada disco que hacéis supone un calvario para ti a nivel emocional... ¿De alguna manera, lo ves como una especie de terapia? “Sin duda, es muy catártico y terapéuti-

co. A la hora de escribir, he conseguido muchas cosas que han salido desde el dolor, la lucha o el pasar por malos momentos, pero también de pasarlo bien y disfrutar de la vida. Me sirve para sacar muchas cosas que llevo dentro. Es algo en lo que tienes que poner mucha energía, y si al final se trata de algo que amas y lo haces del modo correcto, no te sientes agotado por ello. Pero si por el contrario estás empleando esa misma energía en algo que te está exprimiendo, eso probablemente no te llevará a nada bueno. El estar en este grupo y tocar en sitios donde nunca he estado es algo en lo que pongo mi tiempo y mi energía, y no quiero que esto sirva para que me vaya a la cama y cuando me levante al día siguiente piense: ‘No quiero seguir haciendo esto’. Cuando estaba en el estudio, sentía que tenía que pasar por lo mismo una y otra vez todos los días. Era agotador. Pero al final me doy cuenta de que esto es lo que realmente quiero hacer y para lo que he nacido, así que es algo por lo que tengo que pasar”. Tal vez en tus letras reflejes tus inseguridades, pero como cantante cada vez pareces más segura de tu voz. En WICK hay registros nuevos que no habías probado antes. ¿Crees que aún estás buscando tus límites como vocalista? “La verdad es que cada vez me siento más cómoda en ese terreno. A veces sigue siendo una batalla, porque me preocupo mucho de que suene bien. Pero cada vez entiendo mejor mi voz y me siento más a gusto. Y también me gusta mostrar esas inseguridades, porque es algo que todos tenemos. Debemos ser abiertos y honestos. No quiero

cantar sobre cosas que no siento. Como cantante, y también diría que como persona, he crecido y soy más consciente de mí misma. Supongo que eso también se ve reflejado en la música. Quizás no diría que estoy buscando, sino encontrando que hay más cosas que soy capaz de hacer. En este disco hay colores, metafóricamente hablando, que no había usado antes y me he animado a hacerlo. Me siento feliz de poder seguir aprendiendo”. Tras haberlo escuchado un par de veces, tengo la sensación de que éste es vuestro trabajo más directo y accesible sin perder muchísimo menos vuestra personalidad. ¿Crees que finalmente habéis encontrado un sonido con el que os sentís identificados? “Yo no diría eso. Nunca hemos sido una banda que se haya sentado y dicho ‘vamos a sonar así o asá’. No es algo que nos hayamos planteado en ningún momento y creo que nunca lo haremos. Sí estoy de acuerdo en que este disco es seguramente el más accesible que hemos hecho y probablemente el más diverso en el sentido de que podemos ir a hacia cualquier lugar. Pero no creo que hayamos encontrado un sonido. Pienso que, hagamos lo que hagamos, siempre sonaremos a Royal Thunder, porque es lo que somos y siempre existirá ese núcleo cuando nos escuches. Pero no es que vayamos en busca de un sonido concreto. No tenemos planes de ningún tipo, simplemente seguimos nuestro camino de un modo natural según como nos sentimos y con cómo hacemos las cosas. ¿Pero quién sabe? Siempre acabamos sorprendiéndonos porque acabamos consiguiendo sonar

de una manera que nunca esperábamos. Así que ya veremos hacia dónde nos dirigimos en el futuro”. Precisamente por eso mismo sois una banda muy difícil de etiquetar. Se podría decir que tenéis elementos del metal, del rock progresivo, grunge, stoner... pero no termináis de sonar a nada de eso en concreto. Quizás algunas personas piensen que sonáis como Mastodon o Kylesa, cuando yo os veo más cercanos a Alice In Chains, por ejemplo. “Supongo que es difícil para la gente ubicarnos en algún sitio, pero ése no es nuestro propósito. No nos preocupa cómo nos clasifique la gente. No estamos compitiendo contra nadie, sólo queremos tocar nuestra música. Supongo que lo más fácil es decir que hacemos rock alternativo. Creo que esa diversidad que tenemos viene porque dentro del grupo tenemos unas edades y una base musical distinta, pero también intereses en común en cuanto hacia dónde debe ir la música. Al juntar las influencias con las que Will, Josh, Evan y yo hemos crecido, hace que suene a lo que somos”. De hecho sois capaces de girar con bandas tan distintas como Baroness y Wilco... ¿Cómo reaccionó el público de Wilco cuando tocasteis con ellos? “Sorprendentemente, fue muy bien. Fueron muy amables con nosotros. La verdad es que al principio pensábamos que no conseguiríamos gran cosa con esa gira. No es que su público nos conociese ni que tuviésemos un pequeño grupo de fans cada noche, pero sí que eran grandes amantes de

“PIENSO QUE, HAGAMOS LO QUE HAGAMOS, SIEMPRE SONAREMOS A ROYAL THUNDER, PORQUE ES LO QUE SOMOS Y SIEMPRE EXISTIRÁ ESE NÚCLEO CUANDO NOS ESCUCHES” MLNY PARSONZ la música. Y su respuesta fue muy buena. Hicimos muchos seguidores en ese tour que nunca antes nos habían escuchado. Fue una gran oportunidad. Eso es lo bonito de poder ir de gira con cualquier banda aunque no termines de encajar. Es un placer y una bendición poder hacer algo así. Y Wilco son de las personas más humildes y generosas que hemos conocido, nos trataron muy bien. Fue una oportunidad increíble. Además, es realmente inspirador verles tocar todas las noches. Son unos músicos brutales”. Tienes raíces españolas por parte de tu madre, que es gallega. ¿Sigues visitando España con frecuencia?

“No, solía ir cuando era una niña cada verano. Mis padres estaban construyendo una casa en New Jersey, así que nos enviaban a mí y a mis hermanos allí un par de meses. Es una pena que no les pueda ver tanto ahora porque estoy muy ocupada, pero tuve la suerte de ver a mi tío en Vitoria cuando tocamos en el Azkena Rock Festival hace unos años. Vino en coche desde Galicia conduciendo durante seis o siete horas. Al día siguiente tenía la comunión de uno de mis primos pequeños, así que aprovechamos para salir un par de horas. Estuvieron viéndonos desde un lado del escenario. Fue alucinante. Me encantaría poder pasar más tiempo con ellos. Quiero mucho a mi familia de allí, siempre nos

han apoyado muchísimo con el grupo. Me siento muy orgullosa de mis raíces españolas y de mi gente”. ¿Os volveremos a ver por aquí con WICK? “Eso espero. Ahora mismo estamos trabajando para intentar ir a Europa este mismo año. Es algo en lo que siempre insisto: ‘¡Tenemos que ir a España!’ (Risas). Hay muchas bandas que pasan de largo y no sé muy bien por qué, puede que por la economía o algo así. Pero me encantaría ir y hacer una gira entera por toda España. Sería increíble”.

STATE CHAMPS

EN TRANSICIÓN CON SU SEGUNDO DISCO AROUND THE WORLD AND BACK, LOS PUNK POPEROS STATE CHAMPS HAN HECHO REALIDAD SU TÍTULO Y HAN GIRADO POR TODO EL MUNDO PRESENTÁNDOLO. APROVECHANDO SU PASO POR NUESTRO PAÍS, CHARLAMOS CON SU VOCALISTA DERECK DISCANIO SOBRE TODO LO VIVIDO Y LO QUE ESTÁ POR VENIR. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

O PUEDEN QUEJARSE STATE CHAMPS por cómo les han ido las cosas desde que se formaran ahora hace siete años. Desde entonces el grupo de Albany formado por Derek DiScanio (voz), Tyler Szalkowski (guitarra), Tony Diaz (guitarra), Ryan Scott Graham (bajo) y Evan Ambrosio (batería) se ha erigido entre los favoritos de esa nueva escena del punk pop que incluye a Neck Deep, Real Friends, Knuckle Puck, The Story So Far o Man Overboard. Sus dos álbumes The Finer Things (2013) y Around The World And Back

(2016), así como sus EPs donde liberan su vena acústica, han calado entre el mismo tipo de público que hace 15 años flipaba con New Found Glory o, hace diez, con A Day To Remember, si bien, como nos confiesa su cantante, sus aspiraciones pasan por intentar asaltar el mundo del pop con su siguiente trabajo. Sentado en los camerinos de Razzmatazz 2, Derek habla al mismo tiempo como un chaval al que le ha tocado la lotería sin saber muy bien cómo y un calculador hombre de negocios. Se le abren los ojos como pla-

tos cuando habla de sus aventuras por Australia y Japón, pero al mismo tiempo, parece estar ya con la mente puesta en el siguiente capítulo de la banda. Veremos cuál de las dos facetas gana la partida. Os habéis tomado el título de vuestro último disco Around The World And Back al pie de la letra... Ha sido una gira bastante extensa, ¿no? DERECK DiSCANIO “(Risas) Sí, pero ésta es ya la última parte. Bueno, digamos que ahora estamos al principio del final. Después de esta gira europea vamos al Reino Unido y luego a Estados Unidos, y allí terminaremos. Pero si lo hemos alargado tanto es porque, todavía no sé si se ha hecho público o si te estoy dando una exclusiva, pero esta primavera vamos a publicar una edición deluxe del disco que incluirá algunos temas nuevos y también versiones en acústico de algunas de sus canciones. Además, vendrá con un DVD en directo de hora y media”. ¿El DVD es un concierto o un documental sobre la gira? “Las dos cosas. Hay imágenes en directo y también de lo que ocurre fuera del escenario. Mola mucho. Tiene varios capítulos en los que nos siguen por todo el mundo. Empieza a principios de 2016 en Australia, que es mi país favorito en el que girar. Tuvimos bastantes días libres y fuimos a nadar con Neck Deep en el océano, lo pasamos genial con ellos. También hubo días en los que dimos dos conciertos, así que ese tramo de la gira fue una mezcla entre trabajo duro y mucho relax. Luego fuimos a Japón, que es

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algo totalmente distinto. Hemos estado dos veces allí y nos encanta hacer el turista. Los conciertos allí molaron mucho, eran en clubes pequeños, pero estaban petados. Luego el documental nos sigue por el Reino Unido, Estados Unidos y el Warped Tour. Es un año entero de nosotros en la carretera”. Parece que tenéis muy buen rollo con los chicos de Neck Deep... ¿Son como vuestros hermanos ingleses? “Algo así (risas). Creo que les conocimos durante su primera gira americana y nos caímos bien desde el principio. Tenemos la misma edad y ambos grupos estábamos en una curva as-

cendente, así que de inmediato pensamos que teníamos que girar juntos, y como los dos teníamos nuevos discos, decidimos hacer una gira mundial juntos y fue la hostia. En 2016 lo hicimos todo juntos. A mucha gente le gusta bromear diciendo que somos la misma banda pero de dos continentes distintos, aunque yo no lo veo así. Ellos son más punk y nosotros más pop, creo que por eso nos complementamos. Estoy seguro de que volveremos a girar juntos en el futuro. Tengo muchas ganas de escuchar el nuevo disco que están grabando. ¿Que si hay algo de espíritu competitivo? Claro que sí, pero eso sólo hace que nos motivemos más”.

que salió nos dicen que todavía siguen disfrutándolo y quieren volver a vernos en directo para escuchar los temas que todavía no habíamos tocado. Estamos súper contentos por lo que hemos conseguido, pero a la vez, estamos emocionados con lo que está por venir. Creo que es el momento de reinventarnos y estamos listos para hacerlo”.

“LO MÁS IMPORTANTE ES DECIR LAS COSAS A LA CARA Y QUE NADIE HABLE MAL A LAS ESPALDAS DE OTRO. ESO ES LO QUE HACE QUE LOS GRUPOS SE SEPAREN” DERECK DISCANIO

¿Ha cambiado tu opinión sobre vuestro álbum después de haber estado tantos meses tocando sus canciones? “Un poco. Creo que hemos ido ajustando cómo tocar los temas. Algunos los hemos estado tocando desde el principio, incluso de antes que saliese el disco, otros no los habíamos tocado hasta este tour. Pero los fans nos pedían que lo hiciéramos, así que ya que la gira se ha alargado, hemos podido introducir nuevas canciones en el repertorio. En Twitter nos machacan porque no tocamos ciertas canciones, así que esta vez hemos intentado contentar a todo el mundo (risas). La verdad es que nos seguimos sintiendo

muy orgullosos del álbum y no estamos cansados de tocar sus temas, pero a la vez, ahora estamos muy motivados para escribir algo nuevo. Ya estamos componiendo y haciendo maquetas porque queremos superarnos”. El hecho de que hayáis alargado la gira demuestra que creíais de verdad en el disco. Demasiados grupos sacan una obra y, si no ven un resultado inmediato, pasan al siguiente. “Tienes razón. Llevamos 18 meses promocionándolo y todavía hay gente que lo está descubriendo ahora, y eso está muy bien. Y los fans que ya teníamos y que escucharon el disco desde

Muchas bandas de vuestra escena están tendiendo a un sonido más pop o electrónico. Parece que el éxito de Twenty One Pilots haga que todo el mundo busque ese tipo de producción. ¿Es de lo que hablas cuando dices que vais a reinventaros? “La verdad es que le damos muchas vueltas a cuál va ser el futuro de State Champs, pero al mismo tiempo no queremos olvidar de dónde venimos y cuáles son nuestras influencias. Las bandas de punk pop de principios de los 2000 como New Found Glory, The Starting Line o Fall Out Boy son las que nos inspiraron a formar la banda. Pero si te fijas en Fall Out Boy, se sumergieron del todo en la cultura del pop y ahora son vistos como una gran banda de pop. No quiero decir que eso es lo que hagamos nosotros, pero respetamos mucho cómo lograron reinventarse sin abandonar a sus viejos fans, ganar nuevos fans y colocarse en la cima. Lo mismo con Paramore, una de mis bandas favoritas, eran una banda del Warped Tour súper joven que amaba Jimmy Eat World y New Found Glory y lograron llegar a la cima del pop. Pero aun así, todo el mundo que va al Warped Tour sabe quiénes son Paramore. A mí me encan-

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taría ser eso. Siempre seremos una banda de rock con guitarras, pero nos gustaría poder llevar eso al máximo nivel. No tenemos miedo a ser la mayor banda del mundo”. Me parece muy bien, pero hace diez o veinte años, los grupos alternativos podían triunfar sin tener que adaptarse al sonido pop, el mainstream estaba más abierto. Ahora parece que toda banda que quiera triunfar tiene que cambiar su sonido. “Sí, ahora es mucho más difícil. Antes tenías una banda como Yellowcard que podía llegar al número 1 de las listas pop con una canción como ‘Ocean Avenue’. A mí me encantaría encontrar la manera de poder seguir siendo una banda de rock o de punk pop, pero al mismo tiempo, tener una producción que pueda resultar atractiva para los fans de Katy Perry o The Chainsmokers. Creo que en cierta manera tenemos que adaptarnos para lograr que State Champs, Neck Deep o Real Friends suenen de nuevo en la radio y atraigamos a los fans del pop de nuevo hacia el rock. Si logramos eso, seré el tío más feliz del mundo. Ése es nuestro objetivo”. Y al final supongo que en los conciertos seguiréis siendo la banda que sois ahora. “Sí, seguro. Para mí los conciertos son lo principal. Siempre he creído que lo mejor que puedes hacer para descubrirnos es venir a un concierto nuestro y pasarlo genial. Aunque quizá de entrada no conozcas nuestra música, sólo por el ambiente y la energía seguro que te acaba gustando. Cuando

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estoy en el escenario y veo las primeras diez o veinte filas cantando o volviéndose locas me da energía para seguir adelante varios años más”. Muchas de vuestras letras hablaban sobre chicas. ¿Ha cambiado tu manera de escribir sobre el tema? “Cuando empezamos nuestras letras eran muy vagas, cualquier chaval de ahora podía identificarse con ellas. Cuando empezamos estaba en el instituto y hablaba sobre mis horribles exnovias y sobre cómo las chicas me estaban jodiendo la vida y, bueno, todavía sigo escribiendo sobre eso (risas). Pero ahora que estoy en otra situación, quiero escribir sobre otras cosas como los conflictos que tengo por estar en la carretera, con mis relaciones, sobre sentirme añorado…”. Ahora tú eres el novio horrible, ¿no? “(Risas) Sí, ahora yo soy el gilipollas que siempre está ausente y provoca los problemas. Soy el hijo único de una madre soltera, así que le doy mucha importancia a la familia. No poder estar en casa durante las fiestas importantes es algo que me fastidia y son cosas así las que ahora me motivan a escribir. Pero de todos modos, quiero seguir haciéndolo de una manera que cualquier persona pueda identificarse. A veces se me acercan fans y me hablan sobre cómo se sienten respecto a una canción y no tiene nada que ver con lo que yo había pensado, pero eso aún lo hace más especial. Me gusta que cualquiera pueda adaptarlo a su situación. La mayoría de las canciones de State Champs hablan sobre

vivir un conflicto y ser capaz de ver la luz al final del túnel. Hay positivismo en todas ellas”. No sé si tenías éxito en el instituto, pero ahora que la banda es más popular, ligar no debe serte un problema. Pero supongo que tiene que ser difícil encontrar el equilibrio entre aprovechar esta situación y buscar una relación que te llene de verdad. “¡Es duro! (Risas) La situación es distinta para cada uno del grupo. En el instituto algunos éramos unos losers, otros éramos populares, otros estábamos en medio… y creo que por eso el grupo funciona, todos hemos tenido distintas experiencias. Pero ahora viajamos tanto, unos nueve meses al año, que es muy difícil mantener una relación duradera. Hay gente con novia, otros que no la tienen, otros las han perdido recientemente… Es duro, pero llevamos siete años con la banda y ahora mismo es nuestra prioridad. La relación más importante es la que tenemos entre nosotros y también con nuestra crew, que son ocho personas más. Todo lo que va más allá de eso es complicado. A todos nos gustaría encontrar el amor verdadero, pero todavía somos jóvenes. Llegará el día en el que queramos casarnos y todo eso, pero ahora me acojona sólo de pensarlo (risas). Cuando tenga que llegar, llegará. De momento intentamos divertirnos, pero tampoco es que estemos cada noche con chicas distintas, no somos así”. No sé si creérmelo (risas). Supongo que también te vuelves más desconfiado

“SI NUNCA LLEGAMOS A SER UNOS GREEN DAY O BLINK-182, NO PASA NADA” DERECK DISCANIO porque no sabes si alguien está interesado en ti por cómo eres o porque eres el cantante de un grupo. “Exacto. Haces muchos amigos, pero tienes que ser un poco escéptico. No es que seamos Green Day o Blink-182, pero incluso en este nivel, ves a gente que sólo se mueve por el interés. Además tienes que tener mucho cuidado porque muchos grupos han tenido serios problemas con menores porque han malinterpretado algún mensaje o te han mandado una foto que no debían… Nunca sabes quién es realmente esa persona al otro lado de la pantalla. Tienes que tener mucho cuidado. Tienes que estar en alerta todo el tiempo”. En cualquier grupo siempre hay ciertas disputas por el liderazgo. ¿Habéis superado ya esa etapa? “Creo que sí. Hemos tenido nuestros

altibajos por ese motivo. Pero somos cinco mejores amigos, y nos apoyamos en todo. Al final somos como hermanos, podemos pelearnos, pero al cabo de una hora vamos a cenar o a tomar algo y todo se olvida. Podemos discutir por todo, por un riff, por un productor, por con quién vamos a girar, por quién va a comprar la cena o por qué vamos a ver en la tele (risas). Cada detalle, grande o pequeño, provoca una discusión, pero la final lo superamos y todo el mundo acaba feliz. Lo más importante es decir las cosas a la cara y que nadie hable mal a las espaldas de otro. Eso es lo que hace que los grupos se separen. Somos conscientes que los problemas hay que solucionarlos al momento. Y sólo por eso creo que todo irá bien”.

pulares pero que ahora ya ni existen. ¿Crees que es imposible que una banda dure para siempre a menos que llegue al nivel de unos Green Day? “Bueno, si lo piensas, Yellowcard duraron 15 años... ¡Es una locura! Aunque, bueno, nosotros ya llevamos siete. ¡Estamos a medio camino! Yellowcard lo petaron con su segundo álbum, vendieron millones y ganaron Grammys. Nosotros todavía no hemos llegado a ese nivel, seguimos luchando, pero si podemos durar siete años más al nivel que estamos, seré muy feliz. Poder seguir viajando, haciendo discos y ganando fans, eso es lo que quiero. Si nunca llegamos a ser unos Green Day o Blink-182, no pasa nada”.

Antes mencionabas a Yellowcard o The Starting Line, y son bandas que fueron muy po105

VV. AA.

The Bipolar Sessions Vol. 4 Intentando darle una vuelta a las Bipolar Sessions, este año nos hemos inventado un nuevo formato editando un LP con carpeta doble, el cual llevará un 7” de regalo. Suficiente para dar cabida a las 13 bandas que participan y que, una vez más, versionean a grupos que han sido portada de RockZone.

RECORD STORE DAY NUESTRA SELECCIÓN 2017

A PESAR DE QUE YA EMPIEZAN A SALIR CRÍTICAS, LO CUAL SÓLO HACE QUE RATIFICAR LA MAGNITUD QUE HA ALCANZADO, EL RECORD STORE DAY ES UN GRAN DÍA DE CELEBRACIÓN, DONDE DA GUSTO PASARSE EL DÍA VISITANDO TIENDAS DE DISCOS CON LOS AMIGOS. COMO UNO DE LOS MEDIOS OFICIALES, OS OFRECEMOS UNA PEQUEÑA SELECCIÓN DE ÁLBUMES QUE SE PODRÁN ADQUIRIR ENTRE LAS MÁS DE 200 REFERENCIAS QUE LLEGARÁN A LAS TIENDAS.

ALICE IN CHAINS B Sides

Esta absoluta maravilla es la clase de lanzamientos que justifican el Record Store Day. Con una portada a la altura de la banda, B Sides es un bonito doble 7” que incluye cuatro temas poco conocidos del grupo, que nunca formaron parte de sus discos de estudio. Entre ellos el fantástico ‘What The Hell Have I’, que apareció en la banda sonora de The Last Action Hero. 106

BERRI TXARRAK

DAVID BOWIE

Después de alguna que otra intentona, Berri Txarrak se estrenan en el Record Store Day con un precioso 10” de color

A medio camino entre el homenaje y el mercantilismo, David Bowie es uno de los protagonistas de este año con Cracked Actor, un triple LP grabado en directo en Los

rosa que sólo estará disponible en tiendas durante ese día. Incluye un tema nuevo, ‘Bakarrik Egoteko’, y la versión de The Wipers ‘Belaunaldi Bat’. Seguro que será uno de los objetos más buscados del día.

Ángeles en 1974, Bowpromo, un increíble álbum con réplicas y fotos de sus primeros promos, y un 12” en vinilo transparente del EP No Plan, con temas inéditos de la grabación de Blackstar.

Bakarrik Egoteko Modu Berri Bat

Varios títulos

BCORE

Reediciones Como no podía ser de otra manera, BCore participa este año con algunas reediciones altamente esperadas. A saber, Secret Chamber de Madee, We Push You Pull de Unfinshed Sympathy con un tema extra inédito, Fent D’Aquí de Skatalà y, para redondear, una edición a color de Blau Sang, Vermell Cel de Crim, que tan buena respuesta está teniendo.

COHEED AND CAMBRIA

PRINCE Varios títulos

Alguno de nuestros redactores ya debe estar haciendo cola para agenciarse una de la pocas copias que se van a

Prince es el otro gran protagonista, junto a Bowie y por los mismos motivos, de 2017. Nada menos que seis lanzamientos llegan del genio de Minneápolis, todo un récord en la historia del Record Store Day. Pero que, por desgracia, ninguno de ellos ofrece material nuevo o inédito. Se trata de reediciones de algunos de sus maxis más clásicos como ‘Batdance’ o ‘Litle Red Corvette’. Sabiendo las cientos de grabaciones nunca publicadas que tenía el artista en su caja fuerte, se lo podrían haber currado un poco más.

God Apollo I’m Burning Star IV. Vol 1 Anniversary

editar del ya clásico álbum de Coheed And Cambria. Un doble álbum, que se edita por primera vez en vinilo, y que en unos pocos meses se venderá por un pastón en Discogs.

RAMONES

Ramones Singles Box Nada menos que una caja de diez singles es lo que tenemos en este lanzamiento de Ramones, otros de los habituales en cada edición. Empaquetados a todo lujo, lo que contiene son las réplicas de los singles que la banda editó en los años 70. Vamos, que el año que viene tenemos la de los 80. Valdrá un dineral, pero para algunos será difícil resistirse una vez lo tengan en sus manos.

DEF LEPPARD

MILLENCOLIN

Una agradable sorpresa para los amantes del hard rock. Si estás harto de ver copias piratas cutres por internet o pagar los 250 euros que suelen pedir por

Sin llegar al estatus de Pennybridge Pioneers, For Monkeys se puede considerar el otro gran clásico del cuarteto sueco, ya que fue el álbum que

el original, por fin podrás tener una copia oficial en condiciones de lo primero que editó Def Leppard. No nos acaba de convencer que el 7” original se reedite ahora en formato de 12”, pero es la única pega que le hemos encontrado.

realmente les puso en el mapa a nivel internacional. Aprovechando el 20 aniversario del lanzamiento -seguro que a alguno le ha recorrido un escalofrío al darse cuenta-, Epitaph lo reedita en vinilo de 180 gramos y con un bonus track.

The Def Leppard E.P.

For Monkeys

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PULLED APART BY HORSES

POTROS SALVAJES

A VECES ES NECESARIO DAR UN PASO ATRÁS PARA PODER HACER DOS HACIA ADELANTE. PARA CREAR SU CUARTO DISCO, THE HAZE, LOS BRITÁNICOS PULLED APART BY HORSES DECIDIERON DAR PORTAZO A TODOS LOS ELEMENTOS EXTERNOS Y RETIRARSE A UNA GRANJA EN GALES CARGADOS DE SUS INSTRUMENTOS, ALCOHOL Y BUENAS INTENCIONES. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

N 2014 PULLED APART BY HORSES apostaron

fuerte con su tercer álbum, Blood, después haber invertido casi año y medio en componerlo y lanzarlo a través de una subsidiaria de la multinacional Sony. El resultado, aunque satisfactorio, no acabó por dejar feliz a nadie. Sus fans sintieron que la banda había perdido algo de esa energía primaria de sus dos primeros discos y a pesar del giro más comercial, o de girar con bandas como Kasabian, tampoco se convirtieron en los nuevos Biffy Clyro como esperaba la discográfica. El grupo siguió a lo suyo, tocando en directo, pero en el camino perdieron a su batería Lee Vincent, quien prefirió centrarse en su familia, y quizá algo de ilusión. Por eso de cara a su siguiente disco, Tom Hudson (voz, guitarra), James Brown (guitarra), Robert John Lee (bajo) y su nuevo compañero Tommy Davidson (batería) decidieron volver a los orígenes y crear música sin pensar en nada más que su propio disfrute. Con eso en mente se retiraron a una granja de Gales donde, alejados de sus novias, mánagers y familias, y con un buen cargamento de alcohol, recuperaron la chispa de sus inicios. Allí se forjaron los cimientos de The Haze (Caroline/Music As Usual), al que acabarían de dar forma con el productor Ross Orton (Arctic Monkeys, M.I.A.) en su estudio de Shef-

field. Su estrategia ha funcionado y todo el mundo está destacando que el stoner punk del cuarteto de Leeds vuelve a sonar con la fuerza de antaño. Pocos días antes de que se publicara oficialmente, charlamos con su guitarrista para que nos explicara, entre otras cosas, cómo llevaron lo de vivir durante dos semanas sin acceso a internet. Han pasado tres años y medio desde vuestro último disco. ¿Se os han hecho largos? JAMES BROWN “¡Sí! El principal motivo por el que hayamos tardado tanto es que tocamos muchísimo. El disco salió en 2014 y a finales de ese año nos ofrecieron tocar en más festivales y seguir girando, y la verdad es que nos cuesta mucho decir que no (risas). Además, cambiamos de batería y tuvo que aprenderse los temas antiguos y adaptarse a nosotros, así que eso también llevó un tiempo. Cuando eres un grupo de rock tienes que tocar en directo tanto como puedas”. Supongo que la diferencia con los artistas de pop o electrónica es que pueden ir sacando singles sin necesidad de girar... De todos modos, ¿no había presión de vuestro sello o mánagers para que lanzarais nuevo material? “Hoy en día existe la presión por

estar activo todo el tiempo, pero realmente no puedes preparar un disco nuevo si no has tenido un poco de tiempo libre para componerlo. Para ser sincero, la presión externa existió más con el disco anterior. Teníamos a todo el mundo encima para que escribiéramos material más pop, pero esta vez desconectamos de todos ellos e hicimos el álbum sin supervisión de nadie. Por eso The Haze es The Haze. Es literalmente el producto de estar nosotros cuatro en una habitación durante un año. Tiene corazón y alma”. Aunque me gustó, en Blood se notaba que había una mentalidad más comercial detrás. “Sí. Con los grupos de rock pasa algo curioso. Empiezas a tocar en sitios más grandes e inconscientemente empiezas a componer temas que suenen mejor en esos espacios, con estribillos más fáciles de cantar y más delay, así que la influencia no sólo viene de tu sello, sino del propio entorno en el que te encuentras tocando. Si tocas en arenas, los temas punk gritados de dos minutos no acaban de sonar bien (risas). Así que no es tanto que te sientes a escribir himnos, sino que te salen de manera natural”. El título The Haze, la neblina, es muy sugerente. La primera

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“CUANDO PONES A CUATRO HOMBRES EN UNA GRANJA EN MEDIO DE LA NADA, AL CABO DE UNA SEMANA LAS COSAS SE PONEN UN POCO RARAS…” JAMES BROWN

imagen que me vino a la cabeza es la de vosotros cuatro fumando porros en una habitación llena de humo. ¿Va por ahí la cosa? “(Risas) Cuando se nos ocurrió el título ya pensamos que habría quien pensaría que somos unos fumetas, pero no es el caso. El título vino porque compusimos el disco en una granja en 110’

Gales. Estábamos totalmente aislados, sin internet, ni cobertura… Durante dos semanas sólo tocábamos, grabábamos, comíamos, bebíamos, íbamos a la cama y al día siguiente hacíamos lo mismo. Así que fue como sumergirnos en una especie de niebla mágica. Nunca nos habíamos divertido tanto. Cuando volvimos a Leeds, fue como toparse con el mundo real, con las

mujeres, novias, amigos. Así que el título no tiene que ver directamente con los porros, aunque alguno nos fumamos (risas). Mentiría si dijera lo contrario (risas)”. ¿Tuvisteis síndrome de abstinencia por no tener internet? “(Risas) Fue raro. Los dos o tres primeros días nos íbamos con el móvil

hasta lo alto de una colina para tener cobertura y 3G. Teníamos mono, sí. Queríamos ver nuestro Facebook o emails y no podíamos, así que al final dijimos ‘a la mierda’ y nos desconectamos del todo. Sin duda nos ayudó a concentrarnos mucho más en la música. No teníamos ni televisión, ni radio. No había nada más que hacer que componer música. Somos buenos amigos y teníamos suficiente alcohol para emborracharnos cada noche, aunque no es nada bueno tener resaca cuando intentas componer... (Risas)”. ¿Y cómo llevasteis la tensión sexual? Porque cuatro tíos encerrados durante dos semanas, ya me dirás… “(Risas) ¡Dios mío! Había muchísima tensión sexual (risas). Cada noche las ventanas estaban empañadas por el calor que hacía dentro (risas). Cuando pones a cuatro hombres en una granja en medio de la nada, al cabo de una semana las cosas se ponen un poco raras…”. Especialmente sin porno online, claro. “(Risas) Sí, lo único que podíamos hacer eran dibujos de mujeres desnudadas y mirarlos. Pero para que conste, no pasó nada entre nosotros (risas)”. ¿Escribisteis todo el disco en esas dos semanas o luego seguisteis trabajando en él? “En Gales hicimos como la mitad del disco, los cimientos. Luego, cuando volvimos a casa, ya teníamos clara la dirección en la que queríamos ir y durante dos meses escribimos el resto en el local de ensayo. Estuvo bien no hacerlo todo de golpe porque así

también tuvimos algo de perspectiva sobre los seis temas que habíamos hecho y pudimos moldear el resto acorde a eso”. Creo que fue Picasso quien dijo que la inspiración estaba sobrevalorada y que el buen arte siempre es producto de trabajar duro. ¿Estás de acuerdo? “Creo que para cualquier artista o banda es muy importante tener una ética de trabajo. Si tienes eso y lo combinas con tu propio disfrute, salen cosas buenas. Hay compositores que pueden levantarse a las nueve, tomarse un café, sentarse al piano y trabajar en una canción hasta las cinco, pero no creo que eso sea muy divertido. Estar en un grupo es un trabajo, pero también es un vehículo creativo, así que no puedes tomártelo como un trabajo de oficina. Creo que siempre saldrá algo mejor si te lo pasas bien que si lo haces por obligación. Para mí es importante que cuando hacemos un disco signifique algo para nosotros, así que tiene que ser algo que salga por amor a lo que haces y no porque sientas la obligación de hacerlo”. Aunque Tommy había girado con vosotros, éste era vuestro primer intento de componer juntos. Escuchando el disco, parece que tuvo bastante peso en la construcción de los temas... “Sí, tuvo mucha importancia. Tommy ya era amigo nuestro de antes, pero lo bueno de esta banda es que no hay compositor principal, lo hacemos todos a la vez y todo el mundo aporta sus partes. Ya era así con Lee, el anterior batería, y queríamos que

fuera igual con Tommy. No le dimos ninguna dirección, simplemente le dijimos ‘toca’. Creo que en una banda de rock es muy importante ese sentimiento de libertad”. También tengo curiosidad por cómo fue la grabación con Ross Orton, porque es un nombre que asocio más al indie que al rock. “Tienes razón, pero es un tío de Sheffield como los Artcic Monkeys y les produjo un tema, ‘R U Mine’, de su último disco A.M., y esa canción suena como Queens Of The Stone Age. Suena increíble y como una gran canción de rock. Un día oímos que estaba interesado en trabajar con nosotros y decidimos que haríamos el cuarto disco con él. Para nosotros tenía mucho sentido porque si podía hacer que Arctic Monkeys sonasen de esa manera, con nosotros, que somos mucho más rock, podía ser la hostia. Y lo fue”. Ahora que os toca volver a girar, ¿no da un poco de pereza pensar que vas a estar dos años fuera de casa? “No, no, es todo lo opuesto. Lo que da pereza es cuando termina el ciclo de un álbum y sabes que no volverás a tocar durante un año. Es entonces cuando te vuelves loco. A veces te levantas y matarías por poder dar un concierto. O vas a ver a un grupo y te mueres de envidia al verles en el escenario. Nunca he pensado que preferiría estar en casa mirando la tele que de gira”.

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RASTRO DE SANGRE AUNQUE YA HABÍAN TRASPASADO NUESTRAS FRONTERAS CON ALGUNAS INCURSIONES EN FRANCIA O PORTUGAL, EL PASADO MARZO STAINED BLOOD REALIZARON POR FIN SU PRIMERA GIRA EUROPEA GRACIAS A LA HERMANDAD ENTRE BANDAS Y EL COMPAÑERISMO DEATH METALERO. PARECE SER QUE EL PERPETUAL TOUR NO PODRÍA HABER IDO MEJOR, ¡PERO DEJEMOS QUE LO CUENTEN ELLOS MISMOS! TEXTO Y FOTOS: STAINED BLOOD

DÍA 1: BARCELONA Ir a buscar la furgoneta a la empresa de alquiler y que te digan que no la tienen no era un buen comienzo para el Perpetual Tour, también conocido como ‘Sueños Tour’… Pero como nadie puede con nosotros y los sueños se hacen realidad, la furgoneta llegó con retraso y sin parachoques trasero. Aun así pudimos llevarnos el vehículo para poder ir a cargar todos los cacharros y poder empezar con la gran aventura. Todo concierto para nosotros es motivo de satisfacción, pero éste aún más. Era el primero de los nueve shows que haríamos por Europa y jugar en casa puede ser arma de doble filo. Estábamos nerviosos, queríamos que todo saliese bien y poder irnos a tope de power para Francia al día siguiente. Y realmente así fue. Después de tanto tiempo sin tocar en nuestra ciudad se llenó la Rocksound. Amigos, familiares y seguidores vinieron a darnos todo su apoyo y la velada fue una planchada en toda regla. Expel The Grace y Red Raw calentaron el ambiente y nosotros lo dimos todo para corresponder a todo el personal allí presente. Con parte del merch fundido y unos chupitos de whisky para hacer una breve celebración, nos íbamos a la cama con una sonrisa de oreja a oreja. DÍA 2: AVIÑÓN (FRANCIA) ¿Hell Angels? ¿Sons Of Anarchy? Aficionados comparados con la gente de Bandidos MC, el club motero donde actuábamos esa noche. Un bar con taller mecánico incluido… Cuero, tatuajes, camperas y testosterona a tope. Con un ambiente más americano/mejicano que francés (cenamos unos burritos de kilo), empezó la velada metalera que finalizó con un homicidio sin resolver. Alguien

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rompió el parche de bombo de Salva (suerte que, como buen huraño ratero, llevaba parches de recambio). Y de la América motera pasamos a dormir en la casa de la madre de Charles, cantante y guitarrista de Laniakea. Una casa antigua estrictamente vigilada por once lindos gatitos que cabalgaban a sus anchas (unos cuantos durmieron con nosotros en las mismas camas). Por motivos de salud, Borja y Raúl tuvieron que ir a otra casa. Se ve que no les sienta bien respirar vello gatuno… DÍA 3: MARSELLA (FRANCIA) Madre del amor hermoso, la sorpresa que nos encontramos en Marsella… Justo llegar a la sala vimos que estaban celebrando el carnaval; mejor dicho, un ‘hard-gore-carnaval’. Cientos de personas disfrazadas con bizarrismo y algo de mal rollo cortaban las calles (sin policía ni seguridad) y eran los propios ciudadanos los que tenían que hacer esfuerzos para que los coches no se llevaran por delante a ningún niño escurridizo. Ver a una mujer vestida de pseudo bruja/bolsa de basura dirigir el tráfico con un flow y un respect digno del ‘Thriller’ de Michael Jackson no tiene precio. Y lo más bueno de todo es que, dentro del caos circulatorio, la gente se

dedicaba a tirarse harina por encima. Harina en toda la cara que le enchufaron al batería de Epilepsy mientras se comía un falafel, que casi llega a las manos con una lechuda barbuda. A todo eso, en el bar de al lado unos clientes contestaban a los ataques de harina con lanzamientos de vasos de cristal. Realmente pudimos comprobar que Marsella no es ciudad para viejos... A pesar de todo esto, no acabamos en la cárcel o en el hospital. Pudimos celebrar el concierto en paz y armonía. DÍA 4: VERONA (ITALIA) Teníamos ganas de llegar a Italia para poder probar en primera persona sus manjares típicos, así que decidimos salirnos de la ruta para parar en un pueblecito y llenar nuestros estómagos hambrientos. Y señores, en Italia también hay bares chinos y allí es donde comimos. ¿Un restaurante sin cocina? ¡Pues sí! ¿Quién quiere una cocina cuando puedes apañarte con dos microondas? A Chicote le hubiera entrado un ictus si hubiera venido con nosotros. Después de digerir con grandes esfuerzos y perfumar la furgoneta con gases mostaza, llegamos al Il Blocco Music Hall, un salón comedor gigan-

te para bodas y bautizos con un escenario al final. Estábamos un poco acojonados porque no sabíamos cómo iba a responder la gente. Era lunes y todos sabemos que no es un buen día para hacer un concierto en tierras lejanas, que puedes palmar algo de pasta... Pues contra todo pronóstico, la velada fue todo un éxito. Se acercaron a vernos unas 70 personas y disfrutaron de lo lindo. Cervezas, macarrones y metal. DÍA 5: ZÚRICH (SUIZA) A medida que nos íbamos acercando a la frontera con Suiza, los nervios iban a más. Nos habían contado mil historias de registro completo de furgoneta, listado de material obligatorio, pagar un pastizal porque sí, palizas gratuitas e interrogatorios intensos pudiendo llegar a acabar en tortura... Las escrituras sagradas predecían que sólo los escogidos podían entrar en tan hermosas tierras sin ser víctima de algún tipo de maleficio. Pues con todo esto dando vueltas por nuestras cabecitas nos plantamos en la frontera, donde no nos hicieron ni puto caso. Nos pidieron 40 euros por la pegata que te dan para que puedas circular por todo el país y, ale, a correr. Pero no es oro todo lo que reluce,

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así que cuando nos clavaron a cada uno 24 euros por un plato de pasta, una botellita de agua y un café, descubrimos que poder disfrutar de esas vistas increíbles (todo el paisaje es majestuoso) tenía un precio. Llegamos al Ebrietas, situado en el medio de Zúrich. Un bar metalero lleno de encanto. Como en todas las salas del tour, nos trataron de lujo. Nos daban unas cervezas de medio litro que servían de cena y todo. Con la chispa necesaria dimos el concierto y nos dirigimos a las afueras para pasar la noche en el local de ensayo de los Soldiers Bloodcraft. Un local típico español. Revistas porno, sujetadores colgando, sofás con olores particulares y el termostato roto para poder dormir a la increíble temperatura de 40º C. Pocos pueden decir que han dormido casi en pelotas en Zúrich en invierno… DÍA 6: GIESSEN (ALEMANIA) Lo primero que hicimos al llegar a Giessen fue ir a comer. Joder, qué comilona… Bufff… Una carne rebozada con ricas pataticas y salsichacas con chucrut y ensalada de patata. Todo eso con un par de cervecitas y poder estar un rato tranquilitos en un terracita era pura gloria. Cuando vas de gira es muy difícil encontrar tiempo para poder hacer una 114

entrada en boxes. Llegamos al AK44, una casa okupa de las de toda la vida. Un sitio muy currado y políticamente activo. El trato recibido por la gente de la vivienda fue genial: comida a tope, pasteles artesanales y mucha, mucha, mucha cerveza. Y para seguir con la dinámica, el día siguiente nos despertaron con café y un surtido de pastas que te mueres. Da gusto cuando vas a los sitios y ves que la gente que te acoge quiere que estés cómodo y no te falte de nada. Y podemos afirmar que hemos tenido la gran suerte de que en todas partes se esforzaron para que no nos faltase de nada.

que seguir las tradiciones de cada lugar… y en Tournai es beber. Tocar en L’Embuscade para nosotros fue volver al pasado. Un bar muy, muy pequeño, sin escenario, tocando con la gente a un palmo de ti. Para algunos grupos eso sería una mierda como un piano, pero nosotros, que hemos estado tanto tiempo actuando en espacios reducidos, nos sentimos súper cómodos cuando el ambiente es tan íntimo. Tan íntimo que los cristales se empañaron todos. Sudamos la gota gorda, pero quedamos muy satisfechos. ¿Qué mejor para celebrarlo que otra cerveza? Unas birritas y a dormir.

DÍA 7: TOURNAI (BÉLGICA) Arthur, el maestro cervecero, nos estaba esperando para enseñarnos que en Bélgica el tema de la cerveza no es ninguna broma. Y justo llegar nos llevó a un tienda especializada para que pudiésemos hacer un buen saqueo (entre todos nos llevamos unas 40 cervezas de distintos sabores y colores), y encima nos invitaron a bebernos dos litros de una cervezaca que te lleva al Edén en cero coma. Y con el gustito en el cuerpo nos fuimos a otro pub a seguir con la cata de birras. No os penséis que somos unos borrachos, pero cuando vamos a los sitios no se puede ser descortés y hay

DÍA 8: BURDEOS (FRANCIA) Como si de un vómito nos tratásemos, salimos por donde habíamos entrado. Era el día que teníamos que hacer más kilómetros de la gira, unas ocho horas de furgo, pero estábamos contentos. La cosa seguía yendo bien y aunque nos clavasen unos 120 euros de peajes, la moral seguía alta. Teníamos ganas de reencontrarnos con la gente de Heboïdophrenie. Les montamos un concierto en Barcelona anteriormente y son muy buena gente, con un humor muy parecido al nuestro. Llegamos a Les Runes, punto de encuentro de la escena metalera de Burdeos, y la gente no falló. La sala

se petó y se lió un buen cristo. Otra noche de éxito total y post fiesta con Claude, una leyenda en el circuito heavy de allí. Imaginaos a vuestros padres (o abuelos) con melena, vestido con cuero, cadenas, tachuelas y botas militares. Claude era la versión death metal de los Twisted Sister. Vive por el metal, acogiendo bandas en su casa, asistiendo a todos los conciertos y festivales posibles… Un metalero de verdad, y punto. DÍA 9: TOULOUSE (FRANCIA) Por la mañana, y aún en Burdeos, Claude nos llevó por el centro de la ciudad para poder disfrutar un poco de sus monumentos y hacer el guiri para después encontrarnos con nuestros amigos de Heboïdophrenie e ir a comer todos juntos. Nos llevaron al restaurante y, cuando apenas llevábamos cinco minutos sentados, nos llamó la gente de Kobaye Corp para decirnos que la sala donde teníamos que actuar esa noche la habían cerrado por problemas con el ayuntamiento, y que no tenían sitio donde poder hacer el show. Nuestra respuesta fue clara: nos daba igual tocar en un garaje, en un patio, en un local de ensayo o donde fuese. Queríamos tocar y la cosa quedó en el aire. Eso

fue un golpe inesperado, y aunque la comida era de puta madre, no llegamos a disfrutarla del todo. Nos despedimos de los Heboïdophrenie, que nos pagaron la comida, y nos dirigimos a Les Runes para cargar la furgoneta con la incertidumbre de si podríamos realizar el último bolo de la gira. Esperando a que nos abriera el propietario de Les Runes recibimos el mensaje de que finalmente haríamos el concierto en el local de ensayo de Kobaye Corp. Al saberlo, nos abrazamos y empezamos a saltar gritando “¡Sueños Tour, Sueños Tour!”, y es que no hay que perder la esperanza. Habíamos currado mucho y habíamos superado muchos baches como para acabar el tour con una cancelación. Con los ánimos a tope nos dirigimos a Toulouse. Llegamos a un polígono industrial a las afueras y ya nos estaban esperando. Habían convocado a la gente vía mensajes de móvil y la gente respondió. Se llenó el local y al acabar nos pegamos la fiesta para ir a dormir contentos. Era el último show y todo el tour había sido un éxito. DÍA 10: VUELTA A CASA La sensación de felicidad y tristeza en algunas ocasiones van cogidas de la

mano. Por un lado estábamos satisfechos, habíamos hecho realidad un sueño. Eso que deseas hacer cuando formas tu primera banda con 13 años. Poder ir por el mundo a mostrar tu música y que la gente la disfrute. Aunque duermas poco, el cansancio no acabe de abandonar tu cuerpo y las horas de furgoneta te aplaquen, la sensación de plenitud siempre está ahí, recordándote que pase lo que pase, has conseguido llegar a la meta y salir victorioso. Pero a la vez, cuando la carrera termina, la experiencia se convierte en recuerdo, y el recuerdo, en nostalgia. Volvíamos a nuestros hogares con el deseo de que esta gira no se acabase, de poder hacer esto toda nuestra vida. Pero es aquí donde la constancia tiene que poner las cosas en su sitio. Hemos completado una etapa de un tour, que aún no se ha acabado. Hemos saboreado la dulzura de conseguir tan apreciado reto. Ahora sólo hay que seguir trabajando para que nuestra música esté a la altura de nuestras expectativas. Que no quepa ninguna duda de que volveremos a girar, porque como decía Segismundo en la obra teatral de Pedro Calderón de la Barca, “La vida es sueño, y los sueños, sueños son”.

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ODEÃ&#x201C;N

RECONSTRUYENDO EL FUTURO

CON EL NACIMIENTO DE ODEÓN, SUS TRES COMPONENTES PRETENDÍAN CORREGIR LOS ERRORES COMETIDOS EN ANTERIORES PROYECTOS. ESCUCHANDO SU SEGUNDO DISCO, NO HAY DUDA DE QUE ESTA VEZ SÍ ESTÁN EN LA BUENA DIRECCIÓN. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: ESTHER GALVÁN

AL VEZ LOS AFICIONADOS al punk rock

más veteranos de la capital recuerden el nombre de Kick Out, aquella banda que entre 2003 y 2010 estaba presente en casi todos los bolos del estilo. No en vano, en su currículum figura haber abierto para formaciones como The Bouncing Souls, Far From Finished, Street Dogs o The Unseen, además de publicar dos discos de estudio. En realidad, difícilmente exista una sala pequeña en todo Madrid donde no llegaran a tocar. Sin embargo, su actividad cesó repentinamente a comienzos de esta década ocasionando que su cantante y guitarrista Álvaro Escribano (‘Escri’ para los colegas) iniciase una nueva aventura bajo el nombre de The Hardtops junto a miembros de Trono De Sangre y Emerge. Pero a pesar del potencial que se les intuía gracias a su imagen de trajes dorados y temas cargados de guitarrazos y melodías, la cosa no acabó de cuajar debido a la incompatibilidad de agendas. Es entonces cuando Escri decide volver a contactar con Sergio García Triviño ‘Colme’ (voz y bajo) y Joan Blanco Lo Coco (batería), dos de las cuartas partes de Kick Out, para recuperar la sensación de tocar juntos de nuevo. No tardan en salir las primeras canciones y en apenas un año después de haberse formado y con un puñado de conciertos a sus espaldas como Odeón, el trío saca a la calle su debut, Rehacer. Desde entonces han

continuado tocando todo lo que han podido y preparando El Sol Desnudo (Discos De Sangre), un segundo trabajo que les coloca varios pasos por delante respecto a su primera obra y con el que también aspiran a subir un peldaño en repercusión, aunque sin montarse castillos en el aire. Justo un mes antes de que viese la luz, nos sentamos con sus protagonistas para que nos contasen cómo les está yendo hasta ahora este particular reinicio de su carrera. Para quienes aún no os conozcan, contadnos en vuestras propias palabras de dónde venís y por qué decidisteis reuniros de nuevo para crear Odeón. SERGIO GARCÍA TRIVIÑO ‘COLME’ “Nosotros venimos de toda la historia que hicimos con Kick Out, que empezamos bastante jovencillos y nos tiramos con ello unos siete años. Con el primer disco, Not The Same Kids, fue empezar a movernos a lo bestia, algo que nunca habíamos hecho. Época MySpace, conocer a muchos grupos de toda España y organizar nosotros los bolos. Ahí coincidimos con la gente de HFMN, que cada vez que traían a bandas tochas nos metían a tocar con ellos. Tocamos con The Bouncing Souls, Far From Finished... y viajamos muchísimo por toda la Península. Hicimos un segundo trabajo, Here We Go Again, y con ése pensábamos que íbamos a dar el pelotazo

porque la grabación fue la hostia en cuanto a sonido, composición... Yo creo que estuvo muy bien. Tuvimos alguna baza de firmar con algún sello como Subterfuge, incluso”. ÁLVARO ESCRIBANO ‘ESCRI’ “Pero no llegó a salir nada. Fue un poco desilusionante porque habíamos dado todo lo que éramos capaces de dar en aquella época y creíamos que teníamos algo bueno. Coincidió que cuando mejor tocábamos y más pulido teníamos el directo, menos gente venía a los conciertos. Cada vez se nos hacía más difícil montar una gira y seguir adelante. Eso nos desanimó mucho. De hecho, sacamos el segundo disco en febrero de 2010 y el 22 de octubre de ese mismo año dimos nuestro último concierto en Ritmo & Compás con Emerge. También coincidió que Colme se fue un año a Brighton a darle caña al inglés y ahí ya vimos claro que se había acabado. Y luego lo de formar Odeón fue realmente curioso, porque yo estando paralelamente con The Hardtops empecé a sentir la necesidad de cantar en castellano y ellos en la época de Kick Out me insistían mucho en ello. Yo era muy cabezón por aquel entonces y me negaba. Pero empecé a escribir canciones en castellano y un día quedamos en un bar y les propuse volver a tocar juntos. Claro, la primera reacción de estos dos fue descojonarse (risas). Yo estaba preocupado por si me iban a mandar a la mierda, pero al final aceptaron. En un principio la movida era ir al lo117

“VINIENDO DEL ABSOLUTO HOBBY NOS LO HEMOS TOMADO MUY EN SERIO” ESCRI

cal a pasar el rato tranquilamente, pero de la noche a la mañana nos vimos que habíamos cogido un subidón de ritmo muy serio y parecía que la cosa iba para adelante. Coincidió que nuestros colegas de F-Side querían venir a Madrid a tocar junto a Bridges To Nowhere y decidimos apuntarnos, Y desde ahí para adelante. El 26 de noviembre de 2014 dimos nuestro primer ensayo y en julio ya estábamos grabando Rehacer”. COLME “A raíz de sacar el disco, aprovechamos todos los contactos que habíamos hecho con Kick Out de dar 118

cerca de cien conciertos por toda España. Fue ensayar, grabar el disco y ya teníamos una gira de tres meses para estar tocando todos los findes”. En Rehacer ya hablabais de querer enfocar la banda de otra manera, no sólo en lo musical sino también en cuanto a cómo debía de funcionar. ¿Qué cosas pensáis que antes no hacíais bien con Kick Out que ahora sí estéis haciendo con Odeón? COLME “Hacerlo por amor al arte

de verdad”. ESCRI “En relación a eso, el primer punto es que cuando sacamos el debut de Kick Out teníamos 20 años y con Odeón, cuando hicimos el primero, teníamos 30. Quiero decir, sabemos lo que hay, sabemos lo que va a haber y todo lo que venga por el camino es de puta madre. Las piedras que nos encontremos, como ya nos las conocemos, nos la pelan (risas)”. COLME “Lo vemos más como una reunión de amigos, de viajar, juntarnos y disfrutar de lo que hacemos, cuando en Kick Out era que lo hacíamos por-

que pensábamos que éramos los mejores y nos lo íbamos a comer todo”. ESCRI “Luego con los años te das cuenta de que lo mismo no éramos tan buenos. Ahora creo que ha funcionado al revés. Viniendo del absoluto hobby nos lo hemos tomado muy en serio, pero en el sentido que de verdad importa: el tener una disciplina de ensayos, una ética de cómo quieres sonar en un concierto, planearlo todo bien... y paralelamente, disfrutarlo un huevo. A nivel personal, cada grupo nuevo con el que he estado me lo he pasado mejor tocando que con el anterior. Con The Hardtops me lo pasé mejor que con Kick Out, y sin duda con Odeón es cuando más lo estoy disfrutando. Y yo creo que además se nota”. Centrándonos ya en el nuevo álbum, hay que decir que es todo un paso al frente a casi todos los niveles. En cuanto a producción se nota que habéis tenido más tiempo para trabajar las ideas a fondo. Supongo que el tener vuestro propio estudio de grabación fue toda una ventaja. ESCRI “Sin duda. Normalmente cuando cualquier grupo se plantea ir a un estudio es para ir, grabar y fuera. Porque está el problema del tiempo y la pasta... Cuando vas a un estudio de grabación, por muy bajas que sean las tarifas, desde el lado del propietario son precios para casi sobrevivir. Eso para alguien que curra de esto, es poca pasta, pero para el grupo es muchísima. Para nosotros ha sido muy importante tener la disposición del estudio y poder estar durante un mes grabando, mezclando y masterizando. Y si un día no me daba la cabeza para más, porque las sesiones fueron

exigentes, teníamos la ventaja de cerrar el garito, irnos a casa, tumbarnos en el sofá y al día siguiente retomarlo. El poder revisar todo, teniendo claro por dónde quieres ir, es una gran ventaja porque te permite hacer el disco que tenías pensado y no estar limitado porque en un día tienes que dejar el estudio y si no acabas, no hay disco”. Musicalmente es muchísimo más variado y rico que vuestra primera referencia. ¿Era una premisa que teníais clara esta vez? Querer expandir más vuestro sonido y no hacer sólo canciones de tres acordes. ESCRI “Según lo veo yo, en Rehacer lo que imperaba era la nostalgia en la parte de las letras. Pero en lo musical, viéndolo desde la distancia, era la inmediatez, el volver a encontrarnos, demostrarnos a nosotros mismos que no estábamos oxidados. Y salió no muy rápido, pero casi sin pensarlo. Mi filosofía con aquel disco fue hacer las canciones lo más cortas posibles. Meter la mayor información en el menor tiempo. Y me da la sensación de que lo que Colme buscaba era encontrarse como compositor. En Kick Out ya había escrito la música de un par de temas, pero era sólo una aportación por disco. Era como nuestro George Harrison (risas). Y ahora, una vez eliminada la barrera del idioma, me dio la sensación de que sí estaba dispuesto a traer sus cosas al local, trabajarlas entre todos y ver qué salía. Eso eran nuestras dos visiones. Con El Sol Desnudo lo que ha pasado es que una vez terminada la gira y teniendo ideas más o menos claras en la cabeza, pensamos en sentarnos a componer una serie de temas que sean eclécticos pero que guarden relación entre ellos y

que sean lo más redondos posibles. Sinceramente, yo veo un salto muy grande a nivel de composición”. COLME “Yo tenía muchas canciones medio escritas desde hacía tiempo y siempre las componía con la guitarra acústica. En el momento que se las presento al grupo, ahí es donde empiezan a coger la forma y acaba saliendo una cosa que nos une a los tres. Aunque componemos los dos, creo que sus canciones no difieren mucho de las mías”. ESCRI “Probablemente en las letras, si te paras a escucharlas, sí acabas viendo de quién es cada canción. Pero a nivel musical no es tan diferente, porque a pesar de que cada uno traiga sus ideas, a diferencia de lo que pasaba en Kick Out, al final todo se basa en la composición del grupo. Es decir, las canciones son de Odeón y punto. Por ejemplo, con ‘Uno Más’ yo veía algo como los temas más pesados de The Hellacopters o el White Light, White Heat, White Trash de Social Distortion. El bajo de Social suele ser muy carrilero, de darle peso a la canción. Y claro, no puedes pedirle aquí al Matt Freeman del Alto de Extremadura que haga algo así (risas). En el estribillo mete una línea de bajo muy bonita que lo levanta mucho. Y con Joan igual, le dije que necesitaba un ritmo pesado y lo hizo, pero le metió un rollo que lo hacía también más vivo. De cómo entra una canción a cómo sale es una película completamente distinta, y creo que ahí es donde se nota que somos tres personas pensando a la vez, aportando y discutiendo en el mejor sentido”. También supongo que, a pesar de estar cinco años sin haber tocado juntos, la química entre 119

“NUESTROS DEFECTOS NOS LOS CUBRIMOS Y NUESTRAS VIRTUDES LAS EXPLOTAMOS” ESCRI los tres se nota. ¿Os sorprende que las canciones surjan con esa fluidez? COLME “Lo que pasa es que, a pesar de que a nivel técnico los tres somos súper básicos, aprendimos a tocar juntos desde que teníamos 17 años hasta los 25. Joan aprendió a tocar la batería a la vez que yo he estado tocando el bajo con él, por lo cual sus ritmos son los míos también. Yo cuando he tocado con otros grupos me cuesta mogollón de trabajo clavarlo con el batería. En cambio con Joan no 120

me hace falta ni mirarle para saber lo siguiente que va a hacer. Sale de manera inconsciente, casi instintiva”. ESCRI “A mí al principio sí me sorprendía. Al mes y medio de ensayar, ves que todo empieza a rodar y piensas: ‘¿Pero cómo es posible si hemos estado casi cinco años sin tocar?’. Y es lo que dice Colme: hemos pasado muchísimo tiempo tocando juntos y sobre todo, que aprendimos juntos. Nuestros defectos nos los cubrimos y nuestras virtudes las explotamos. La verdad es que eso sí que ha sido

toda una sorpresa”. Habéis fundado junto a Fernando y David de Trono De Sangre vuestro propio sello, Discos De Sangre. En vuestro caso, ¿la autoedición es más por necesidad u obligación que por decisión propia? ESCRI “Fue un poco dado a que Trono De Sangre van a sacar un nuevo EP de manera inminente dentro de nada, casi pegado al nuestro. El caso es que escuché las canciones que tenían y

En cuanto a las letras, Rehacer era muy nostálgico; sin embargo El Sol Desnudo parece ir por otro terreno muy diferente. ¿Cómo resumiríais la temática general del disco? ESCRI “La idea de El Sol Desnudo sale de un libro de Asimov del mismo título que trata sobre un futuro medio lejano en el que, básicamente, está la Tierra y unos 50 mundos que se han colonizado. Cada uno de esos planetas tiene su propias taras a nivel social. Lo que vimos es que había un nexo común entre las letras, aunque cada una hable de una cosa, y es el que probablemente estemos pasando por una situación en la que a nivel social, las relaciones humanas están muy enrarecidas. Venimos de una crisis muy gorda y se han hecho canciones y discos muy buenos hablando de por qué se ha generado, quiénes son los responsables, etc. Pero no se habla de las consecuencias a nivel social en el sentido de cómo están afectando las redes a nuestra vida, por qué las relaciones se están enrareciendo, por qué hay cosas que hace veinte años parecían todo un camino recto y ahora son todo obstáculos. Queríamos hablar un poco del punto en el que estamos como ciudadanos, pero no desde el punto de vista de ‘los de arriba contra los de abajo’, que eso está muy claro,

ODEÓN

me parecieron increíbles. Les pregunté cómo tenían pensado sacarlo y me dijeron que lo iban a editar con varios sellos aunque también una parte autoeditada. Y les comenté que yo quería estar dentro de esa movida. Cuando les pasé el disco de Odeón, dijeron: “Vale, nosotros también queremos sacar esto” (Risas). Y de ahí nace la historia de Discos De Sangre”.

sino de cómo nos estamos autoengañando. Como la vida paralela en Facebook, donde tienes que ser una persona súper feliz todo el día y de puertas para fuera tener una fachada perfecta, pero a nivel personal la gente se está desmoronando. Va por ahí”. COLME “Por mi parte mis letras tiran más de experiencias propias. Yo me he tirado mucho tiempo con la misma chica, unos once años. Y siguiendo un poco lo que decía Escri sobre las rarezas de las relaciones, antes tus padres se casaban y era para toda una vida, y yo llegué un momento en que me planteé que eso también iba a ser así para mí. De eso trata ‘Y Ahora (Nada Más)’. Mi vida iba a ser perfecta, iba a tener una relación feliz con mi pareja... Y de repente un buen día tenemos que ir por caminos diferentes”. ESCRI “Creo que no se ha explorado lo suficiente que esta crisis que hemos sufrido no ha sido sólo a nivel financiero y de gente que lo ha pasado mal, sino también a nivel emocional. Está cambiando mucho el concepto de cómo se establecen las relaciones”. Desde el principio habéis dicho que Odeón es una banda sin pretensiones de ningún tipo, pero tengo la impresión de que al menos con este disco sí

que aspiráis a dar un pasito más en cuanto a repercusión y dar visibilidad al grupo. COLME “Ahora vamos a empezar a trabajar con División Sonora. Es un indicativo de que, a pesar de que siempre nos lo hemos guisado y comido todo nosotros, llega un momento en el que necesitas una ayuda extra de gente profesional. Nosotros llegamos a un público, pero ahora con esta gente que nos va a ayudar queremos dar ese salto más, que es algo que nunca hemos hecho y que nos pueda dar movilidad y abrir muchas puertas y canales de comunicación”. ESCRI “Como te decíamos al principio, sabemos cómo va el asunto y no vamos a hacernos ilusiones vacías, pero la premisa con Odeón era no perder dinero y de momento nos estamos manteniendo. Partiendo de ahí, creemos que éste es un disco que le puede gustar a cualquier persona que le guste el rock. Sinceramente, para nosotros una meta sería ir a cualquier punto de España y que haya gente que vaya a vernos y se sepa nuestras canciones. Eso es una recompensa de la hostia”.

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KORN 18 DE MARZO DE 2017 SANT JORDI CLUB, BARCELONA TEXTO: ABEL VALDELVIRA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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HELLYEAH

legamos al Sant Jordi Club justo en el momento en que Hellyeah salían a escena. No hubo tiempo para situarse, la batalla empezaba. Y empezaba mal. Bueno, mal no, empezaba sin interés. Los americanos son conocidos por tener en sus filas a Chad Gray (Mudvayne) y a Vinnie Paul (Pantera), y ya está. Están allí por sus nombres, por sus éxitos pasados, y tras cinco álbumes, no han pasado de ser eso. Y no es de extrañar: canciones prefabricadas bajo la misma fórmula una y otra vez y la sensación de estar viviendo en un bucle infinito y sin vida. Así que asistimos a un concierto aburrido, sin feeling, que parecía estar a kilómetros de distancia y del que perdimos muy rápido la atención. Otro cantar fue Heaven Shall Burn que, a pesar de no ser ni de lejos una de las mejores actuaciones que les he visto en los últimos tiempos, están en muy buena forma. Presentando su notable último álbum, The Wanderer, quizá no son la banda que esperas teloneando a un peso pesado del nu metal, pero

cumplieron y calentaron al público del Sant Jordi Club hasta el punto de tener que parar su actuación porque alguien se había hecho daño en uno de los múltiples pits que generaron. Un setlist recortado, con algunas ausencias entre sus temas más reconocibles, y con algún que otro baile con el sonido que desmerecieron a una banda que lleva unos años trabajando mucho y muy bien, y que siempre cumple. A alguien se le debió resbalar el fader que le daba volumen al bombo desde la mesa de mezclas porque aquello era inhumano, insufrible, por un momento pensé que se nos iría al traste todo el concierto cuando empezaban los primeros acordes de ‘Right Now’ acompañados de una bola de graves infernal. Por suerte, se solventó la atrocidad y, aunque el sonido no fue impecable, el concierto pasó a ser audible y empezó el disfrute. Korn se convirtieron en mi grupo de cabecera hará más de 15 años y nunca había podido disfrutarlos en directo, se me escurrían de las manos a cada

HEAVEN SHALL BURN

oportunidad. Tras tantas idas y venidas en los últimos años, y a pesar de su nuevo álbum The Serenity Of Suffering más que correcto, tenía las expectativas bajo mínimos, esperaba encontrarme poco más que una banda tributo. Pero nada más lejos de la realidad, un Jonathan Davis activo, en buena forma vocal y con una muy buena banda cubriéndole las espaldas realizaron un directo lleno de greatest hits (‘Here To Stay’, ‘Y’all Want A Single’, ‘Blind’, ‘Falling Away From Me’…), guiños a épocas y versiones pasadas (la de ‘Word Up!’ de Cameo, un cachito de ‘We Will Rock You’ de Queen en ‘Coming Undone’ y otro de ‘One’ de Metallica en ‘Shoots And Ladders’), una escenografía cuidada repleta de plafones móviles de luces y, en definitiva, un viaje en el tiempo que se quedará en la retina de cualquier fan que, como yo, era un adolescente cuando le impactaron. Eso fue exactamente: un concierto para los fans de toda la vida que culminó con una poderosa ‘Freak On A Leash’. 123

ASKING ALEXANDRIA 6 DE MARZO DE 2017 SALA BUT, MADRID TEXTO: REBECA CASTELLANOS FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ (BARCELONA)

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THE WORD ALIVE

enía las expectativas muy altas con este nuevo Route organizado por los chicos de Resurrection Fest, especialmente porque nunca había asistido a ningún concierto de Silent Screams o The Word Alive. Y más ganas tenía de ver a Asking Alexandria de nuevo, porque la última vez que actuaron en la Península dieron un show muy cuidado y muy bueno. Pero por suerte o por desgracia, la formación de los de North Yorkshire ha vuelto a cambiar, con polémica incluida. El pasado mes de octubre, Dennis Stoff abandonó su puesto y Danny Worsnop recuperó su trono de frontman de una de las bandas más aclamadas de la actualidad. Y a mi parecer, este cambio de última hora no ha sido positivo. Han perdido solidez y calidad, y Danny no está ni vocal, ni físicamente en su mejor momento. El espectáculo fue atropellado, con largos parones entre canción y

canción para vacilarse entre Worsnop y el guitarra Ben Bruce. Por momentos, era un auténtico circo de los horrores en el que reinaba el ego. Me sentí muy triste, muy decepcionada y, en más de una ocasión, me llevé las manos a la cabeza. Soñaba con escuchar un tema de su último trabajo, The Black, que una servidora reseñó hace un año para esta revista. Obviamente no sucedió y recorrieron las canciones de sus anteriores largos. Por suerte, los espectadores lo estaban pasando realmente bien. Al final, a quien le tiene que gustar lo que está viendo es a esa persona que ha hecho cola durante horas y compra camisetas o discos del grupo. Espero que en el futuro vuelvan a ganarme sobre las tablas. Pese a que la cena se me atragantó un poquito, el aperitivo supo mejor. Los teloneros esa tarde tuvieron un sobresaliente. El sonido no acompañó a Silent Screams en los primeros minutos de su

SILENT SCREAMS

actuación. Cuando los inconvenientes desaparecieron, el concierto fue muy divertido, ellos no podían ponerle más ganas y los chavales allí congregados no pararon quietos en el mosh pit que se formó. En cuanto a The Word Alive, es una banda que sigo desde su primer álbum y me siento afortunada de verles en este momento de su carrera. Creo que no tienen el reconocimiento que se merecen y suelen pasar desapercibidos para la nueva generación de fans del metalcore. Y es una lástima, porque los de Phoenix son buenos y tienen mucho que ofrecer. A pesar de que su guitarra Zack Hansen tenía el brazo roto, salieron a presentarse ante el público español, ya que era la primera vez que tocaban en nuestro país. Estoy segura de que se ganaron a pulso más de un seguidor, porque fue lo mejor del día. Además, estrenaron su nuevo single, ‘Misery’. No se podía pedir más. 125

THE ATARIS 17 DE MARZO DE 2017 TRASHCAN, MADRID TEXTO: ALEJANDRO LOZANO FOTOS: TONI VILLÃ&#x2030;N (BARCELONA)

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esde que nos visitaran hace 17 años en la gira del sello Kung Fu Records con The Vandals y Useless ID, pocos podíamos imaginar que la banda de Indiana volvería a incluir España en su cruce del charco. Después de cancelar hace un par de años su paso por estos lares, era difícil que alguien dejara escapar la oportunidad de traer de vuelta a estas leyendas vivas del emo punk de los 2000. Tanto fue así que además de su fecha en la capital, también recorrerían gran parte de la costa con paradas en Alicante, Castellón y Barcelona, algo que cualquier seguidor de por aquí no hubiera imaginado ni en sus más húmedos sueños de adolescente. En efecto, aunque The Ataris ya no ocupen casi el más mínimo hueco en la escena desde hace por lo menos diez años, y su cantante, Kris Roe, haya tenido a casi veinte miembros diferentes a lo largo de todo este tiempo, esa noche, la ocasión para escuchar de cerca aquellos himnos que calaron

en la generación de los flequillos, se prometía irrepetible. Puede que muchos de los que se dieron cita en la íntima sala del barrio de Chamberí desconocieran el cambio de aspecto del líder de los americanos, que con varios kilos de más, poco tiene que ver con la imagen de melena rubia que recordábamos de su época dorada con So Long, Astoria. De hecho, ya no queda ni rastro. Ya puestos sobre el escenario, y ultimando afinaciones, arrancaron con el primer himno de la noche, ‘In This Diary’, sin presentación alguna. Después de otro momento incómodo de afinación siguieron dos más de su disco de referencia, ‘Unopenned Letter To The World’ y ‘The Hero Dies In This One’, un álbum al que se dedicaron en gran parte durante casi toda la actuación. Sin mucho movimiento de pogos y más lugar para los sing alongs, el público se mostraba entregado a cantar cada letra. ‘Your Boyfriend Sucks’ subió más si cabe el tono nostálgico a la velada

junto a ‘San Dimas High School Football Rules’, que serían los únicos dos temas que tocarían respecto a obras anteriores. Entre la cover de Jawbreaker ‘BoxCar’ y un par de temas de los años últimos y oscuros del grupo que olvidamos rápido, se siguieron más canciones conocidas como ‘Summer 79’, y no faltaron las esperadas ‘The Saddest Song’ y ‘The Boys Of Summer’, su célebre versión de Don Henley, que pocos hubieran pensado llegar a cantarlas con Roe tan cerca. Tras un par de intentos poco acertados para hacer el típico bis, nos dejaron con ‘Eight Of Nine’ y la que da nombre a esa obra que les dio gloria, ‘So Long, Astoria’, con la que incluso nos cedió el micro a unos cuantos para que termináramos destrozando el tema en lo más alto. Sin llegar a la hora de concierto y con tan sólo 13 temas tocados, se podría decir que las ganas de unos por verles de nuevo y las ganas de otros por tacharles de su lista hicieron que la espera mereciera la pena. 127

CONAN 19 DE MARZO DE 2017 SALA BÃ&#x201C;VEDA, BARCELONA TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: ERIC ALTIMIS

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DOWNFALL OF GAIA

ra mi quinto concierto en cuatro días y las energías empezaban a escasear, pero aun así era obligado personarse en la sala Bóveda para ser sometidos a la fuerza de la gravedad del doom más ruidoso. Conan empiezan a ser unos habituales de nuestros escenarios, quizá por eso la asistencia no estuvo a la altura del cartel, pero por una razón u otra, me había perdido todas sus anteriores visitas. Por fin pude saldar mi cuenta con ellos, y la experiencia no pudo ser más gratificante. High Fighter fueron los encargados de inaugurar las tablas con su sludge metal. La verdad es que los vi algo verdes y a ratos desconecté, pero la sorpresa me la llevé en casa, escribiendo esta crónica… Mona Miluski es su cantante, responsable de prensa de Napalm Records, entre otros sellos. Será que no hemos hablado veces por mail… ¡Eso se avisa, Mona!

Hark me gustaron mucho más. Su dominio del riff estaba fuera de toda duda y su vocalista y guitarra Jimbob Isaac le puso mucho empeño en no resultar el típico frontman apalancado que tantas veces nos encontramos en estos estilos. Le pusieron ganas para obligar a los dos platos fuertes a poner toda la carne en el asador. Si tuviera que escoger entre los Downfall Of Gaia con su propia luminaria de otras ocasiones y los de ese domingo, lo cierto es que no hay color. Esta vez la atmósfera sólo vino dada por su música, ese post black malrollero con sludge y hasta crust, pero igualmente los alemanes siguen siendo mucha banda. Faltó volumen a las voces, sobre todo a las más desgarradas, pero en demasiados momentos esta gente es sinónimo de dolor. No andaba con el cronómetro en la mano, pero aseguraría que su descarga fue más bien corta.

Cuando vimos la verde muralla de amplis y cabezales de Conan temimos por nuestros tímpanos, pero afortunadamente, pese a su endiablada lluvia de decibelios, aquello no llegó a lo de la batería de Korn la noche anterior… El trío inglés se regaló con sus riffacos como catedrales a través de un sonido que debería ser catalogado de carga peligrosa, que seguro precisa de un remolque para ser trasladado de un bolo a otro. Qué cosa tan corpórea y sólida, en serio… Fueron desgranando un cancionero que se ha visto más que reforzado con su último Revengeance entre un headbanging generalizado. Simplemente, ante su poder caías sometido ipso facto, no podías dominar tus cervicales, que les pertenecieron a ellos hasta el final del show. El secreto del acero no sé si lo conocen, pero el del metal se lo saben al dedillo.

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YOU ME AT SIX 1O DE MARZO DE 2017 SALA APOLO, BARCELONA TEXTO: SANDRA ASTOR FOTOS: NADIA NATARIO

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MEGARA

e de confesar que, pese a entusiasmarme sus dos primeros discos, con la llegada de su tercer trabajo, Sinners Never Sleep, tuve cierto distanciamiento de la misma banda de Surrey que algunos años atrás me había hecho coger un avión para ver en directo. Quizás debido a ese alejamiento, la evolución de sonido que han vivido You Me At Six desde su debut en 2008 con Take Off Your Colours, un estreno por el que algunos medios les coronaron como ‘los nuevos Fall Out Boy británicos’, me resulta más difícil de digerir. Es posible que por esa razón tuviera sentimientos encontrados cuando el pasado 10 de marzo les vi de nuevo sobre un escenario, cuatro años después de su último paso por España, y me sorprendió encontrar a una banda que en ocasiones me recordaba más a The Killers que a All Time Low. Pero al fin y al cabo, igual que la

banda de Flowers, Josh Franceschi y los suyos ya llevan tiempo agotando entradas en giras por grandes recintos ingleses, y aquel pop punk que se resiste a abandonar su esencia cuando interpretan temas como ‘Underdog’ ha dejado paso a un rock suavecito más oscuro, más pesado y sí, más maduro. Y así se lo hicieron saber a una sala Apolo de Barcelona que registró una modesta media entrada no sin antes disculparse por su larga ausencia en nuestros escenarios. El motivo del reencuentro era la presentación de su quinto álbum de estudio, Night People, que acaparó el 80% del protagonismo de su repertorio, relegando el guiño a sus dos primeros discos a tan sólo un tema, la desgarradora ‘Stay With Me’. No sonó ‘Kiss And Tell’, pero sí se acordaron de favoritas de los fans como ‘Loverboy’ o ‘Bite My Tongue’ mientras se sucedían casi sin interrupciones cortes que conforman

su nuevo disco como ‘Heavy Soul’, la coldplayesca ‘Take On The World’, ‘Swear’, ‘Spell It Out’, ‘Brand New’ o ‘Give’, temas de un largo grabado en directo y producido por Jacquire King (responsable de los trabajos de Kings Of Leon). Pese a mostrarse más concentrados en la ejecución que nunca, Josh no pudo esconder su fanatismo futbolero y buscó la complicidad del público en varias ocasiones, haciendo referencia a la recién y sonada remontada del Barça contra el Paris Saint Germain mientras el guitarra Max se enfundaba una camiseta de Messi que lució hasta el cierre. Un final descafeinado con ‘Room To Breath’ que concluía una noche en la que también Megara cumplió con su agresiva mezcla fucsia rock descargando los temas de su debut, Siete, pese a no encontrar su público entre la mayoría adolescente allí reunida. 131

TRIVIUM 17 DE MARZO DE 2017 SALA APOLO, BARCELONA TEXTO: ABEL VALDELVIRA FOTOS: ERIC ALTIMIS

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SIKTH

erca de las siete de la tarde salían Shvpes al escenario, y a pesar de ser una banda con poco recorrido, venían con los deberes más que hechos. Compositivamente no aportan demasiado, pero desprendieron energía a raudales, y aunque Griffin Dickinson debería aprender algunos trucos vocales de su bendito padre, pues en ocasiones le faltaba el aliento y algunos melódicos chirriaban más de la cuenta, ha heredado la genética de frontman. El quinteto mostró las carencias de una banda que aún tiene que crecer, pero las suplieron con sudor y músculo. Grata sorpresa a pesar de lo genérico de la propuesta. Y de repente pasas de una banda que no sorprende musicalmente a un batiburrillo de ideas que te deja desconcertado, pero para mal. Sikth quieren jugar en la liga de los mayores y rompedores, pero cuando no sabes

si eres Disturbed, Meshuggah o Gorod, es muy difícil no parecer un corta y pega de conceptos. Hay que ser muy bueno, tener un sentido y una madurez musical muy por encima de la media, y los británicos no están en ese punto. Debo mencionar esas voces limpias fuera de tono en la mayoría de ocasiones que me torturaron durante toda su actuación. Si tienes dos cantantes, se espera que sean especialistas. Perdí muy pronto el hilo de su directo... yo y toda la sala, ya que se abrió un circle pit pero nadie participó. Cuentan con una técnica instrumental exquisita, una ejecución muy precisa que aporta contundencia a su sonido, pero todo transcurre sin un orden lógico aparente. Tras preparar el escenario para Matt Heafy y los suyos, empezó a sonar el hit de Iron Maiden ‘Run To The Hills’ a todo trapo para calentar al respetable. Y vaya si lo consiguió... el público

empezó a corear, ya los tenían en el bolsillo... Daba inicio un sorprendente setlist basado en el álbum que les dio la fama, Ascendancy. Todo un acierto en cuanto a selección de cortes, pero que dejó en evidencia la potencia gutural de Matt, al que actualmente se le ve más cómodo en los registros más limpios. Trivium gozaron del buen sonido al que nos tiene acostumbrados la sala Apolo e instrumentalmente son un grupo muy compacto, saben a lo que juegan, pero es una banda insípida sobre el escenario y, aunque Matt se ganó al público con sus palabras en catalán, no consiguieron transmitir lo que se les presupone a una banda de nivel, y eso que con la elección del repertorio tenían ganado a un fan de sus primeros álbumes como es mi caso. Un concierto correcto para una banda a la que se le presupone, y a la que le hemos visto, muchísimo más.

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SONATA ARCTICA 5 DE MARZO DE 2017 LA RIVIERA, MADRID TEXTO Y FOTOS: SAMU GONZÁLEZ

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STRIKER

os Sonata Arctica surgidos al calor del power metal en estado de gracia quedan ya muy lejos del primer concierto que ofrecieron como teloneros en esta misma sala hace ya la friolera de 17 años. Con la mayoría de edad cumplida desde su primer álbum, ahora encabezan carteles y defienden, gira tras gira, que su propuesta musical sigue bien vigente. Acudieron acompañados en el primer tramo del show por los canadienses Striker, quienes practican un acelerado heavy rock y pudieron quedarse bien a gusto logrando descargar una buena tanda de cortes que entretuvieron a la media sala completa que podía apreciarse. Los noruegos Triosphere cambiaron de tercio, presentando una propuesta más cercana a la de los finlandeses, con un metal progresivo muy potente y un directo aplastante. Si bien

este cuarteto no supera la etapa de ser eternos teloneros, tuvieron la oportunidad de hacerse valer antes de la salida de los maestros de ceremonia, a quienes las primeras filas ya esperaban desde que amanecía en la capital. El concierto que ofrecieron Sonata Arctica no va a estar entre los más destacados que les he podido disfrutar y me aventuraría a decir que con los años van perdiendo la poca gracia que nunca tuvieron sobre el escenario como combo poweroso, salvo por la hiperactividad de su frontman. El setlist que ofrecieron dejó con ganas de muchas de sus obligadas, pero descargó algunas perlas junto con la valía de unos nuevos temas que en directo demuestran que la orientación hacia el metal melódico de su última década fue una decisión acertada. A las nuevas ‘Closer To An Animal’, ‘Life’ o ‘The Wolves Die Young’ les

TRIOSPHERE

siguieron clásicos como ‘In Black And White’ o la obligada ‘FullMoon’. Fue de agradecer la inclusión de la política ‘Fairytale’ junto a sorpresas inesperadas como la pocas veces vista ‘Abandoned, Pleased, Brainwashed, Exploited’ que, sumada a la progresiva ‘The Power Of One’, con una excelente ejecución de todas sus partes, fueron de lo más satisfactorio de toda la noche. Trataron con rigor profesional todas sus etapas ejecutando un concierto de piñón fijo, con apenas dos altibajos provocados por sus nuevos (y aburridos) medios tiempos ‘Among The Shooting Stars’ y ‘We Are What We Are’ y que quedan en el olvido gracias a poder disfrutar de su excelsa ‘Tallulah’. Confieso que me es muy agradable verles en cada una de sus giras, si bien el show que ofrecieron esta vez queda en el recuerdo como un mero trámite tanto para ellos como para quien escribe estas líneas. 135

DE GIRA

PARKWAY DRIVE

25 DE ABRIL SALA RAZZMATAZZ (BARCELONA) 27 DE ABRIL LA RIVIERA (MADRID)

an pasado casi dos años desde que publicasteis Ire y todavía seguís de gira. ¿Era el plan original estar tanto tiempo en la carretera? WINSTON McCALL (voz) “Nunca sabes lo que ocurrirá (risas). No había un plan. Era la primera vez que hacíamos un disco sin saber si gustaría o no porque era muy distinto a lo que habíamos hecho antes. Para serte sincero, ha ido muchísimo mejor de lo que esperábamos. Casi te diría que es el álbum que mejor aceptación ha tenido. Así que simplemente fuimos añadiendo fechas (risas). También nos hemos tomado unos meses de tiempo libre antes de empezar este nuevo tramo de la gira y hemos empezado a trabajar en material nuevo, pero no teníamos ni idea de que fuera a alargarse tanto”. Como decías, Ire era bastante distinto y de hecho, cuando

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salió, los fans os metieron bastantes palos en las redes sociales. ¿Crees que el tocarlo en directo ha ayudado a darle la vuelta a la situación? “Sí, desde luego. La reacción que hubo al principio era totalmente esperable porque después de cuatro discos que sonaban de la misma manera, hicimos uno muy diferente y lo normal es que a los fans les provocara rechazo. Pero no es que buscásemos un nuevo sonido porque odiáramos lo que habíamos hecho antes, y por eso seguimos tocando los viejos temas. Nos sentimos orgullosos de la historia de esta banda y eso se refleja en los conciertos. Opino que los nuevos temas funcionan muy bien en ese contexto y creo que los fans se han dado cuenta. ¡Gracias a Dios! (Risas)”.

o tres años pueden casi acabar con un grupo. ¿Habéis tenido algún tipo de tensión interna? “Para ser sincero sí, y por eso nos hemos tomado cinco meses de descanso. El año pasado dimos 155 conciertos. Como te decía antes, no era algo que hubiéramos planeado, pero como todo estaba funcionando tan bien fuimos añadiendo fechas y más fechas. Lo que pasa es durante este tiempo han ocurrido algunas cosas bastante horribles en casa que nadie conoce y probablemente no se sepan, así que ha sido duro. Hemos necesitado estos meses para poner las cosas en orden. Somos muy felices tocando en el grupo, pero lo ocurrido el año pasado nos ha ayudado a ponerlo todo en perspectiva”.

A lo largo de la historia, desde Metallica a Green Day, hemos tenido ejemplos de cómo estas giras mundiales de dos

En vuestra anterior visita os acompañaban Architects y desgraciadamente su guitarrista Tom Searle ya no está

AGENDA ABRIL entre nosotros. Supongo que cosas así también te afectan... “Sí, fue la última vez que vimos a Tom. Es muy triste. Cualquier desgracia como ésa te hace apreciar tu vida mucho más. Cada día me levanto y me recuerdo de un montón de gente que ya no está aquí, así que me siento muy afortunado por poder subirme a un escenario y hacer lo que amo”. Es curioso, porque nunca sabes cuándo será la última vez que puedas ver a un músico en directo. Pero para los grupos también tiene que ser raro pensar que habrá un cierto número de fans que, inevitablemente por enfermedad o por accidente, también habrán muerto de una gira a otra. Es un poco morboso, pero es así. “Sí, totalmente. Todo el mundo da por sentado que volverá a dar un concierto, en el caso de un músico, o irá a uno, en el caso de los fans. Realmente no piensas en que cada día puede ser el último hasta que te toca de cerca. Creo que ahora todos valoramos mucho más la amistad que tenemos entre nosotros y la suerte que tenemos”. Para no deprimirnos, ¿qué verá la gente en esta gira que no viera en la anterior? “El setlist no es completamente diferente, pero hemos cambiado varias canciones. A nivel de producción también será diferente. Todavía no estoy muy seguro de lo que llevaremos a España porque dependiendo de la salas de cada sitio adaptamos el espectáculo. Pero llevaremos todo lo que podamos, eso te lo aseguro (risas)”. Venís de la escena del hardcore, donde los grupos no suelen llevar un gran escenario ni artilugios. ¿Habéis tenido que aprender a cómo integrar la pirotecnia y cosas así en vuestros conciertos? “Sí, tío. Es una locura. Empezamos a usar pirotecnia porque es divertido quemar cosas en el escenario (risas). Pero tanto el grupo como nuestra crew hemos tenido que aprender. Nuestro técnico de guitarras se puso las pilas y ahora es el responsable de todos los efectos. Para nosotros cada vez que salen llamaradas en el escenario es como si hubiera fuegos artificiales (risas). Se nos queda cara de tontos (risas)”. (JORDI MEYA)

AMON AMARTH 10 MÁLAGA, 11 BURGOS, 12 ZARAGOZA BIG BUSINESS 24 DONOSTIA, 26 MADRID, 27 BARCELONA BELVEDERE 24 BARCELONA BRUNO MARS 3 MADRID, 7 BARCELONA DARK TRANQUILLITY 9 BARCELONA DREAM THEATER 28 BARCELONA, 29 BARAKALDO THE EXPLOITED + THE CASUALTIES 14 MADRID, 15 VITORIA GHOST 13 BARCELONA, 14 MADRID HAVOK 26 MADRID, 27 BARCELONA INQUISITION 27 ZARAGOZA, 29 SEVILLA, 30 MURCIA ISOTOPES 6 BARCELONA, 7 CASTELLÓN, 8 MADRID, 9 A CORUÑA, 10 OVIEDO, 11 DONOSTIA JESUS AND MARY CHAIN 29 BARCELONA, 30 MADRID MONSTER TRUCK 7 BARCELONA, 8 MADRID, 9 BILBAO PAIN OF SALVATION 8 BARCELONA, 9 MADRID PERSEFONE 7 BARCELONA, 8 MADRID, 9 MURCIA PLACEBO 27 BARCELONA, 29 MADRID THE REAL KIDS 1 BARCELONA TWELVE FOOT NINJA 28 BARCELONA, 29 MADRID, 30 BILBAO ULI JON ROTH 14 A CORUÑA, 15 SANTANDER, 16 MADRID, 17 BARCELONA

CHUCK BERRY (1926-2017)

HAIL, HAIL, ROCK’N’ROLL!