RockZone 134 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: The Pretty Reckless © Carles Rodríguez

EDITORIAL Si no nos falla la memoria, que todo podría ser, hacía más de diez años que Korn no aparecían en una portada de RockZone. No es que les hubiésemos cogido manía ni nada parecido -aunque tampoco se puede negar que durante este tiempo no han pasado por su mejor momento-, pero tanto por la recuperación mostrada en su último disco The Serenity Of Suffering, como por su inminente gira por aquí, como, sobre todo, por la oportunidad de poder charlar en exclusiva con su vocalista Jonathan Davis, bien se merecían volver a ella. Además, es indudable que su influencia vuelve a estar de lo más vigente en grupos actuales como Of Mice & Men, Gojira, Suicide Silence o Motionless In White. Así que, mientras os preparáis para volver a gritar “Are you reaaaady?”, os invitamos a leer la entrevista con ellos. Enjoy!

SUMARIO

Nยบ 134

7 / INTERFERENCIAS

24 / THE PRETTY RECKLESS

30 / BEACH SLANG

34 / GHOST

40 / SKUNK D.F.

44 / KORN

52 / ESPECIAL FOTO

58 / PALLBEARER

64 / CRÍTICAS

92 / SOZIEDAD ALKOHÓLIKA

100 / ZEAL & ARDOR

104 / GIGATRÓN

108 / OBITUARY

112 / HAVOK

116 / EN DIRECTO

142 / DE GIRA + AGENDA

ARNETTE.COM

STEVE MULL I CUT BACK

INTERFERENCIAS TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordi Forés, Luis Benavides, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Rubén Cougil (Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57), Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Mariño (Smartita), Israel Higuera (wirrak). Foto de portada: DR

NEW DEL MES_ STONE SOUR EL OTRO GRUPO DE COREY TAYLOR ULTIMA LA GRABACIÓN DE SU NUEVO DISCO, HYDROGRAD, CUYA SALIDA ESTÁ PREVISTA PARA EL VERANO. EL CANTANTE ASEGURA QUE ES SU MEJOR ÁLBUM DESDE EL PRIMERO DE SLIPKNOT.

orey Taylor, vocalista de Slipknot y Stone Sour, ha confirmado que la grabación del nuevo disco de estos últimos está llegando a su fin. Titulado Hydrograd, está previsto que vea la luz este verano a través del sello Roadrunner y está siendo coproducido entre la banda y Jay Ruston (Steel Panther, Anthrax), quien ya mezcló las dos partes del último trabajo conceptual del grupo, House Of Gold And Bones, así como los EPs de versiones Meanwhile In Burbank… y Straight Out Of Burbank. Las sesiones se han llevado a cabo en los Sphere Studios de Hollywood y según ha contado el propio Taylor, han sido de lo más productivas. “Empezamos el 7 de enero, y en poco tiempo ya teníamos 16 canciones. Básicamente acabamos una canción cada día, como al 97% terminada”. También ha comentado que ha seguido el método a la vieja usanza, grabando toda la banda en directo y añadiendo luego los overdubs. Sobre la dirección musical del álbum, el cantante ha anunciado que tendrá un poco de todo. “Tiene la energía heavy de los 80,

pero es mucho más rock’n’roll y hard rock que heavy. Hay momentos punk, hay momentos hard rock, y toda una amalgama de música que nos gusta. Incluso hay elementos de jazz y hip hop. Es muy, muy guay. Es probablemente el disco más guay que he hecho desde el primer álbum de Slipknot, pongámoslo así. Me siento muy tranquilo diciendo esto porque es así de bueno. Tiene una energía que va a arrasar con todo”. Aunque todavía no hay una fecha oficial de salida del álbum ni del primer single, Taylor promete que no habrá que esperar mucho para poder escuchar algún avance. “Tenemos un tema que probablemente vayamos a filtrar. Será un himno bastante duro, pero no de la manera habitual. Es lo que mola de todo el disco. Las partes duras lo son, pero no de la manera mediocre habitual. Tiene un rollo distinto que es muy pegadizo. A la gente que lo ha escuchado le gusta mucho”. Stone Sour iniciarán en junio una gira junto a Korn por Estados Unidos y Canadá. Esperemos que en otoño hagan el salto a Europa.

PARA EL RESTO DE NOTICIAS VISITA NUESTRA WEB ZONA-ZERO.NET - ACTUALIZACIÓN DIARIA

Graves hápticos en estéreo

Conectividad inalámbrica Bluetooth®

Control de llamadas, canciones y volumen

40 horas de autonomía

Ajuste aislante frente al ruido exterior

Micrófono integrado

skullcandy.eu

DESDE EL TÍBER

LO PEOR DE MÍ_ CLÁSICOS

ada mes, cuando cerramos la sección de críticas de discos, me hago la misma pregunta: ‘¿Habrá alguno que, entre las decenas que reseñamos, llegará a ser considerado un clásico?’. Y, ¿es posible detectarlo, así, de primeras? Si lo miramos objetivamente, para que un álbum merezca tal calificativo suele necesitarse una mirada más prolongada en el tiempo y ver el impacto y la influencia que ha ejercido más allá de su calidad intrínseca. Sin ir más lejos, Led Zeppelin IV o Nevermind de Nirvana, considerados hoy clásicos incontestables, ni siquiera recibieron unas críticas fabulosas unánimes cuando aparecieron. Otros sí, como Ok Computer de Radiohead. Tradicionalmente, los críticos han tendido a ser bastante comedidos y a tener una visión, ejem, crítica de los trabajos que reseñaban. Reservar los elogios era también una manera de distinguirse de los simples fans. Pero hoy en día ocurre casi lo contrario, y en muchos casos se sueltan superlativos simplemente para aumentar el tráfico en sus blogs o webs. También es cierto que el factor edad influye, y cuantos más años llevas escuchando música, más cuesta que algo te impresione. Por eso siento verdadera curiosidad por ver de aquí a 20 años qué discos a los que no hicimos ni caso se han ganado un sitio en la historia. ¿Vosotros no? (JORDI MEYA)

TWITEANOS...

INSTANTGRAMO

@loserjorge Menzingers en portada, o por qué no nos merecemos una revista tan molona. Y encima gratuita. @Valle_kanito @Architectsuk Éstos de pequeños desayunaban escuchando a Fear Factory. @DeftonesFan1982 @suicidesilence ¡Ya les gustaría parecerse a Deftones! Menuda mierdaca. @spartareach111 @suicidesilence No les llegan a Deftones ni a los tobillos los chapuzas éstos. @suicidesilcence Temazo. @ireneiehaus Necesitamos a PVRIS en España. @evermario @linkinpark La gente es subnormal y no escucha la música. Es un temazo que flipas. Si llevara guitarras a saco todos babeando. Pffff...

Con Alan y Dan de Four Year Strong antes de su concierto en Madrid. Unos tíos geniales, con los que pudimos hablar de todo como si fuéramos sus colegas en vez de sus fans. Menudo bolazo se marcaron. (SERGIO RODRÍGUEZ)

*¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección.

No soy una de esas personas a las que le guste apuntarse ni al hate ni a las alabanzas colectivas que van apareciendo en casi todas las escenas musicales. Cuando una banda lanza un disco que no acaba de convencer a sus fans, todos, como abuelas de pueblo, corren a atacar al grupo en masa. Esto es un poco lo que le ha pasado a Suicide Silence, que, pese a tener una buena relación con ellos, he de reconocer que han sacado un disco de mierda. Y como estaba diciendo, no lo digo por unirme a la ‘moda’ de meterse con ellos. Valoro positivamente el esfuerzo que han hecho en experimentar e intentar crear algo nuevo, y sobre todo algo más personal y más suyo. Hay que tener en cuenta que, dentro de su estilo, es una banda de culto, y habiendo sacado un álbum ‘génerico’ se habrían llevado las palmaditas de sus fans, pero en esta ocasión se cumple la regla de ‘si algo funciona, ¿para qué cambiarlo?’. Parkway Drive lo hizo y les salió muy bien la jugada, Bring Me The Horizon perdieron a la gran mayoría de los fans de su primera época, pero han pasado a llenar estadios, Como punto y final, he de destacar las horribles respuestas a los fans y las entrevistas que han estado dando hasta ahora. Cuando te conviertes en una figura pública has de saber lidiar con las críticas, y más si llevas años escuchando sólo buenas palabras sobre tu trabajo. A veces, y no digo que éste sea el caso, va bien que te peguen un toque de atención y te bajes del pedestal. (MARIUS TIBERIAN)

ZONA DE OZZYO

TEXTOS: JORDIAN FO, SAMU GONZÁLEZ FOTOS: DR

CHE, UNA VIDA REVOLUCIONARIA: EL DOCTOR GUEVARA Jon Lee Anderson y José Hernández (SEXTO PISO)

cierta distancia, la imagen de portada de este libro parece una de las

icónicas fotografías que tomó Raúl Corrales del mítico guerrillero; tal

rador y los preparativos para liderar la revolución en la isla

es el grado de realismo que consigue José Hernández con

caribeña. Opino que ciertos sucesos clave de la formación

sus dibujos de Che, Una Vida Revolucionaria, novela gráfica

revolucionaria del Che no son tratados con la profundidad que

que se basa en la biografía escrita por el periodista Jon Lee

se merecen, pero no debemos olvidar que esto es un cómic

Anderson. En el segundo volumen de la trilogía que publica

de 121 páginas y que ya sirve de mucho si enseña un poco

la editorial Sexto Piso se narran los años que van desde la

de historia a los que tienen alergia a los libros. Así aprenderán

graduación de Ernesto Guevara como médico hasta que se

que el Che no es sólo una imagen en una camiseta, sino que

embarca en el Granma rumbo a Cuba: su viaje iniciático a

fue un hombre de fuertes convicciones: ”En una revolución, si

Guatemala, los primeros contactos con exiliados cubanos, su

es verdadera, se triunfa o se muere. Ahora viene lo bravo, pero

primer matrimonio, el momento en que conoce a los hermanos

los signos son buenos y auguran victoria”. Hasta la victoria

Castro en México, su paso por la cárcel acusado de conspi-

siempre.

MALERBA - VIDA A MUERTE EN SICILIA Carmelo Sardo y Giuseppe Grassonelli (MALPASO)

sta es la historia

sexo explícito, traiciones entre amigos de la infancia, amoríos

de una venganza,

desesperados, sentimientos… El pequeño gamberro se convier-

pero también de

te casi sin querer en un delincuente juvenil, éste en un estafador

la búsqueda de redención

profesional para poder sobrevivir, luego en un asesino justiciero

a través de la literatura.

y, por último, en un preso modélico: es una secuencia vital bas-

Grassonelli escupe pala-

tante lógica, aunque triste. Al menos el condenado aprovecha

bras para expulsar los de-

los largos años de cárcel para culturizarse: “Encontré un libro

monios que habitan dentro

grande en mi celda: Guerra Y Paz. Leí mientras hubo luz en la

de su cabeza después de

celda, hasta el momento en que dos lágrimas me rodaron por el

haber vivido a muerte entre Sicilia y el barrio de Sant Pauli, en

rostro. Fue una liberación”. Es en ese momento cuando decide

Hamburgo. Esta historia es la leyenda de quien sobrevive a su

asistir a clases de filosofía y ponerse a escribir sus memorias

muerte dando muerte a otros, a quienes asesinaron a parte de

enriqueciéndolas con las lúcidas reflexiones de un luchador ya

su familia. El protagonista narra en primera persona episodios

maduro. Gracias a este libro Malerba encontró un poco de luz

verídicos cargados de trapicheos, huídas, ajustes de cuentas,

al final del túnel.

CENA CON LA REINA

DESIERTO DE METAL

(FULGENCIO PIMENTEL)

(GRAFITO)

Rutu Modan

Agrimbau y Baldó

MAKOKI: FUGA EN LA MODELO Gallardo y Mediavilla (LA CÚPULA)

El primer cómic infantil de la creadora de la novela gráfica Metralla surgió tras una conversación con su hija, quien no paraba de comportase mal en la mesa. La pregunta de ‘¿Qué harías si te invitase a cenar la Reina?’ sirvió a Rutu Modan para articular este pequeño cuento que ayuda tanto a acercar la lectura de cómics a los chavalines como para jugar con esa fantástica idea y explorar todas sus posibilidades. Los libros de Fulgencio Pimentel vienen acompañados, además, de una pequeña guía para padres y educadores que complementa la experiencia didáctica y lúdica de su lectura. Un trabajo delicioso. SG

NORMAL LIFE VV. AA.

(EVOLUTION COMICS/ PANINI)

Este cómic ha vivido un largo camino hasta que ha visto su edición en castellano, el mercado para el que fue ideado. Desierto De Metal presenta una aventura bélica ucrónica con gran poso reflexivo, elegantes páginas en blanco y negro y estupendos diseños de personajes. Dos soldados nazis desertores llegan a la misteriosa ciudad andante de Axedra, donde coincidirán con autómatas que conviven en armonía junto a hombres y mujeres de ciencia. El misterio de ese lugar, el papel de estos dos personajes y una cruenta guerra en el mundo exterior articulan este drama. SG

TODOS SOMOS COCINICAS Xcar, Azagra y Revuelta

Uno de los cómix más recordados de los años 80 y al que viene muy bien volver de vez en cuando o descubrir, cosa que recomendamos con urgencia si es el caso. Fuga En La Modelo tiene lo que fue el underground de los primeros años post franquistas con tremendas dosis de salvajadas y humor que han aguantado a la perfección el paso del tiempo. Su relato ya es leyenda: se publicó seriado en El Víbora y, más tarde, recopilado en un álbum que llegó a vender 20.000 ejemplares y que, a día de hoy, ve reediciones tan majas como la que nos ocupa. Historia bien viva. SG

PRESIDENTE TRUMP Pablo Ríos (SAPRISTI)

(EDITORIAL CORNOQUE)

De nuevo tenemos entre manos otro buen álbum patrio. Estas “Memorias de un español en Irlanda del Norte” podrían haber sucedido, o ser todo mera ficción; el caso es que recogen la vida de Manolo, de un doble agente encargado de desarticular desde dentro los grupos paramilitares que sembraron el terror. El relato trata la vida de este personaje durante un periodo concreto, con sus escaramuzas y tensiones locales, buscando trasladar así el ambiente de aquellos momentos. La semilla de esta historia surge, además, tras varias entrevistas y conversaciones con la persona que la inspira. SG

Tercera entrega y punto final de estos cocinicas zaragozanos que durante tres años han ofrecido a los lectores divertidas y sencillas recetas presentadas en formato cómic, rompiendo de esta manera el discurso elitista que desde los medios se está dando a la cocina en los últimos tiempos y acercando a todo el mundo el arte de saber preparar un buen plato mientras degustas una cerveza bien fresquita. Carnes, pescados, pastas, verduras, recetas con horno, platos fríos, postres... no hay plato con el que no se atrevan. Un recetario estupendo si disfrutas trasteando en la cocina o para regalar a tus cocinicas más queridos. SG

Coincidiendo con la (¡Oh, inesperada!) elección de Donald Trump como presidente de los usamericanos, Pablo Ríos junto a Sapristi se han animado a lanzar la primera obra inspirada por este ‘personaje’. A los pocos días de mandato el autor ya tendría para llenar varios volúmenes completos que, en el caso de este Dios Perdone A América, se centra en todas las dudas que podíamos albergar hacia el sujeto como candidato y que Pablo nos resuelve introduciéndose en la mente del susodicho. Usando la fórmula del gag acumulado con páginas de cuatro viñetas, su lectura es tan hilarante como aterradora. SG 13

DE CINE_ CON KIKO VEGA BATMAN: LA LEGO PELÍCULA LAS PIEZAS EN SU SITIO

odo sigue siendo asombroso, aunque es imposible no arquear la ceja ante la epopeya ninja que está por venir, más que nada porque lo que ofrece el Universo DC es un infinito arsenal de mecanos combinables que poder retorcer hasta la carcajada. Da lo mismo que el mensaje de unidad familiar se empeñe muy fuerte en hacerse notar cada vez que hay un punto de giro, pero oye, que ese mensaje está envuelto en una esquizofrenia tan extrema que, al final, Batman: La Lego Película no es más que una nueva aventura

del detective de DC de los años 60 rodeado de la psicosis de sus últimas versiones. Y con esos referentes principales el único resultado posible es el humor total, aunque muchos quieran dejar claro que aquí ese humor está permitido porque se trata de una cinta de animación. Efectivamente, no somos gilipollas, y la película es una secuela derivada de una película independiente, pero el retrato que ofrece de Bruce Wayne/Batman y su relación con la ciudad, la mansión y la familia que le rodean, es dolorosamente certero: Batman es un psicópata con serios problemas para socializar. Un clímax constante lleno de ideas mágicas y el mejor plan que nunca haya tenido el Joker. ¿Acaso no es el máximo enemigo del Caballero Oscuro? Bueno, como aquí se respeta la continuidad más que en ningún otro universo, el hombre murciélago tiene una respuesta que te sorprenderá. O no.

JOHN WICK 2 REFLEJOS DEL ALMA

ohn Wick significó mucho, eso ya lo sabéis todos, aunque en Hollywood se empeñen en no darse cuenta de que volvía a dar sentido al cine de acción. Una venganza personal forjada a balazos que no se andaba con rodeos: la gente sangraba, las frases pesaban como lápidas y llegaba muy lejos con muy poco. Para la segunda parte se han dejado todos los ahorros para hacer más grande lo único que podían hacer más grande: los tiroteos y el número de enemigos. Y la promesa de que, si hay que volver a hacer lo mismo, se hará. Hay una cosa que también se amplifica aquí, y es su capacidad para dejar de tomarse en serio desde el primer minuto, con un plano extrañísimo, completamente fuera de lugar, pero que tiene tanto sentido que automáticamente uno comprende lo que está a punto de ver: un desfile de situaciones imposibles basadas en la capacidad física de cada uno de los especialistas,

actores y numerosos asesinos que se dejan ver con cara de malas pulgas. No queremos hacer ningún spoiler, pero también deja claro que lo que nos espera por delante es más de lo mismo, pero mejor. Además, eso ha forjado la voluntad humorística de todos los que han hecho posible la película; esto no es más de lo mismo, es un segundo intento con muchos más conocimientos y una enorme fuerza de voluntad por seguir adelante. Y eso no quiere decir que sus personajes parezcan retrasados mentales, algo que hace (y muy bien, de eso se trata) la saga Fast & Furious, seguramente porque así sus excentricidades dejan de resultar chocantes. Hay mucho humor en John Wick 2, principalmente un humor voluntario que quita hierro a todo lo que sucede en pantalla, porque seamos claros, esto no tiene ni pies ni cabeza. ¿Cómo puede alguien en su sano juicio tocarle los cojones a semejante máquina de matar? Partiendo de esa base, y de lo que ojalá esté por venir, la amplificación de todo lo bueno y el permitirse una secuencia introductoria que cierre del todo un pequeño fleco pendiente de la primera entrega que, además de ser cierto, ninguno de nosotros llegó a reparar en el detalle. Y el amigo Wick es un tío que, si tiene fijación por algo, es por los detalles. Otro clásico inmediato del género.

MADRID SÁBADO 24 JUNIO

VIERNES 23 JUNIO

JUEVES 22 JUNIO

SYSTEM PROPHETS LINKIN PARK OF A DOWN OF RAGE FIVE FINGER DEATH PUNCH A DAY TO REMEMBER

MASTODON THE CULT OPETH

EVERY TIME I DIE HAMLET

MONSTER MAGNET HOUSE OF PAIN MOTIONLESS IN WHITE TOUCHÉ AMORÉ HACKTIVIST BLACK PEAKS JARDÍN DE LA CROIX PORCO BRAVO LIZZIES RAVENEYE INMUNE THE CHARM THE FURY KAOTHIC VIRGEN

BAT SABBATH CODE ORANGE WE RIDE TRIGGERFINGER DAWN OF THE MAYA MYRATH SOMAS CURE AGAINST THE WAVES LATE TO SCREAM

NOFX IN FLAMES APOCALYPTICA MINISTRY

SUICIDAL TENDENCIES AVATAR DEAFHEAVEN SÓLSTAFIR PHIL CAMPBELL & THE BASTARD SONS ARCANE ROOTS WORMED COBRA GOD DAMN BLAZE OUT TRONO DE SANGRE SYBERIA CHILDRAIN

Y MÁS GRUPOS POR ANUNCIAR

PUNTOS DE VENTA : WWW.DOWNLOADFESTIVAL.ES,

www.downloadfestival.es DOWNLOADFESTESP

MEDIOS OFICIALES:

MEDIOS COLABORADORES:

PATROCINADOR:

TOI’S IN THE ATTIC Y SE ARMÓ EL FOLLÓN

ola amigos! Estoy bastante cabreada estos días porque mi festival favorito está siendo objeto de polémica, y llega un momento en el que hay cosas por las que no paso. Todo comenzó tras el cierre de cartel para la edición de este año, cuando entre la muchedumbre de Facebook, espacio idóneo para la corrección política, eternas reivindicaciones, hoaxes que pocos se molestan en verificar y lloros constantes, se alzaron unas cuantas voces criticando la ausencia de presencia femenina en el evento. Lo que fue un murmullo en una red social trascendió al aspecto político, metiéndose el consistorio de Vitoria, ciudad que acoge el festival, que reclamó a la organización una mayor presencia femenina en futuras ediciones. Llegado este punto no pude más, ¡me parece todo tan absurdo! Será que cuando empecé en esto del rock lo hice en un grupo de chicos y chicas en el que no había distinciones de género, flipábamos igual con Soundgarden que con L7, y éramos

felices. Es una tontería negar que la presencia de mujeres en el rock es menor que la de hombres, por muchas circunstancias, pero la solución no creo que sea presionar a una promotora, que bastante hace con intentar elaborar un cartel sugerente año tras año y traer artistas relevantes, con sus cachés, sus condiciones y la logística de giras, etc. ¿Por qué este supuesto problema no es tan destacable en un estilo como el pop? Pues sencillamente porque a aquellas que deciden colgarse una guitarra o aporrear una batería les encaja más el estilo. ¿Qué hay que hacer? ¿Obligar a las chicas a tocar rock porque el cupo de bandas con mujeres es inferior? Pues a mí no me haría gracia. Me encantaría ver a Heart o a Joan Jett en directo, pero no por su género. En cuanto a alterar la calidad y orientación de un festival por cumplir con un cupo me parece un error colosal. Pero, ¿qué importa mi opinión? Si al final por ahí me llaman machirula por no ir con el puño en alto... (TOI BROWNSTONE)

PISANDO FUERTE_ JOAN QUERALT & THE SEASICKS

“SI DISFRUTAS, EL TIEMPO PASA VOLANDO. PERO SI SUFRES, VA LENTÍSIMO” JOAN QUERALT

FORMACIÓN: Joan Queralt (voz, guitarra), Ignasi Miranda (bajo), Iván Morales (batería)

PROCEDENCIA: Barcelona Fotos: Marc Jansà

AFINES A: Jeff Buckley, Ben Howard, Ben Harper PRESENTAN: Time Made Of Sand (La Cúpula Music)

oan Queralt vuelve con su tercer lanzamiento, en esta ocasión un EP que, por primera vez, aparece firmado por él y The Seasicks, Ignasi Miranda (bajo) e Iván Morales (batería). Su relación venía ya de la grabación de los discos anteriores, pero se hizo aún más estrecha gracias a la gira de presentación del álbum Welcome Home (2015). “De ese disco estoy muy contento porque pensaba que me saldrían muchos conciertos en formato en solitario, pero yo había grabado el disco con banda para darle esa sonoridad y fue una sorpresa muy agradable que pudiéramos presentarlo de esa manera”. En Time Made Of Sand encontramos cuatro temas donde el cantautor barcelonés indaga en ese folk americano que podría tener a Ben Harper, Jeff Buckley o Elliott Smith como referentes. “Tenemos influencias comunes, pero otras no tienen nada que ver y eso le da más riqueza a los temas”, cuenta Joan a propósito de la aportación de sus compañeros. “Además son muy buenos con sus instrumentos. Yo vengo de tocar la batería, pero no podría ser tan creativo como lo es Iván. Ignasi además es el productor y ayuda mucho con los efectos y el sonido de las guitarras. Sabe cómo

darle un toque más personal y alejarnos de lo que sería más evidente. Para mí son muy importantes”. Pese a que hasta ahora se había presentado principalmente como solista, Joan se siente muy a gusto en el contexto de una banda. “También me mola tocar solo en acústico, pero tienen que darse las circunstancias adecuadas”, explica. “No descartamos ninguna opción. Las canciones las empiezo yo, pero luego hay una puesta en común en el local. Cada uno aporta su parte y a veces cambiamos cosas de la estructura. Con Iván e Ignasi hemos tocado mucho juntos y nos respetamos. Si alguien dice algo es por el bien de la canción, no porque quiera lucirse. Es bastante democrático”. La buena química es evidente en este nuevo EP, cuya única pega es precisamente que no contenga más temas. “Había más, pero estos cuatro los teníamos súper claros”, señala Joan. “Nosotros no veíamos como un paso atrás sacar un EP después de haber sacado un álbum. Más hoy en día, que la mayoría de la gente escucha singles a nivel digital y va todo muy rápido. Tenemos otros temas en la recámara y ya veremos qué hacemos. La idea es seguir tocando y seguir aprendiendo. Quizá de aquí a un tiempo sacamos un álbum y otro

EP, no lo sabemos todavía”. El reloj de arena azul que ilustra la portada está muy relacionado con el contenido de este trabajo: la percepción del paso del tiempo y cómo lo interpretamos. “Como era un EP me gustaba la idea de hablar de un mismo tema desde diferentes perspectivas. La idea surgió durante el verano, porque pasamos bastante tiempo juntos tocando. Y a veces recordábamos bolos que habíamos hecho y parecía que hubiera pasado mucho tiempo, pero en realidad sólo habían sido tres semanas. Si disfrutas, el tiempo pasa volando. Pero si sufres, va lentísimo. De eso hablo en ‘Round Trip’, inspirada en unos amigos que tienen una relación a distancia. Él me decía que un día se le hacía eterno”. Con fechas a la vista, el 25 de marzo en Madrid (Sala Costello), el 1 de abril en Barcelona (Sidecar) y allá donde haya peticiones a través de la web de Cooncert, Joan tendrá la oportunidad de demostrar otro de sus puntos fuertes: su carisma en directo. ¿Pero es eso algo que se pueda aprender? “Yo creo que sí”, responde. “Yo siempre había sido instrumentista y cuando tocas la batería estás en segundo plano, estás protegido. Cuando di el paso adelante para tocar solo, te juro que pensaba que iba a vomitar, y eso que era delante de 15 colegas. Di muchos conciertos solo y en sitios muy chungos, donde si no gustas te tiran la cerveza por la cabeza. Pero empecé a pensar que los nervios no me ayudaban nada. No puedes estar al 100% si no estás disfrutando porque tienes los dedos poco ágiles, te tiembla la voz… Tienes que intentar ser tú mismo y hacer sentir al público que es parte de algo”. Con Joan & The Seasicks lo sentirás.

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame es Kings Of Metal de Manowar. Todos y cada uno de los clichés que están asociados con el heavy metal han sido adoptados por Manowar. El pelo estúpido, temática de dragones y mazmorras, vestidos de cuero, túnicas de piel y letras misóginas son parte del mundo Manowar. En un momento donde toda esta estética pasada de moda se ha vuelto vergonzosa debido a los cambios sociales, ellos parecen estar orgullosos de seguir fieles a lo suyo, y no hay signos de que eso vaya a cambiar. Esta postura ha causado discusiones en la comunidad metá-

tan con los brazos abiertos y disfrutan de esa exhibición homo-erótica. Hay incluso una tercera parte que están al lado de esa bufonería, pero son capaces de apartar toda esa imagen y disfrutar la música por lo que es: una auténtica alegoría al metal. Ponedme en ese tercer grupo. Admito sin excusas que Manowar son ridículos. No apoyo su actitud de hombres de las cavernas. Pero he de decir que su música es una aleación de metal que me hace sacar el chico de 14 años que llevo dentro y que nunca quiero que desaparezca. Para mantener ese fuego interno vivo necesito un chute de Manowar al menos una vez al año. Cuando empieza a llegar el mono, escucho Kings Of Metal, esa joya de su discografía editada en 1988. El álbum no es sólo una batería de riffs destructivos, sino que es el último trabajo que hizo Ross The Boss con la banda. ¡Vaya manera de des-

lica, con opiniones divididas. Unos rechazan esa imagen llevada al límite y la ven como un gran chiste. Otros la acep-

pedirse! Ross, por supuesto, es conocido por haber creado Manowar y las leyendas del proto punk The Dictators.

¡¿Cuánta gente puede tener algo asi en su currículum?! El álbum se inicia con la estruendosa ‘Wheels Of Fire’ antes de bajar el pistón con el tema título con su estribillo cursi “…other bands play, Manowar kills”, para pasar seguidamente a un sentimentaloide desfile de baladas con ‘Heart Of Steel’, ‘The Crown And The Ring (Lament Of The Kings)’ y ‘Kingdom Come’. He de decir que ‘Pleasure Slave’ y su inolvidable letra misógina “Mujer, se mi esclava” es completamente ofensiva, paródica y 100% hortera. Es mierda pueril que ha marcado a Manowar de tal manera que ha hecho que les cueste ser tomados en serio en según qué

círculos metálicos. De todas formas, lo que hace brillar al disco son canciones como los 3 minutos masturbatorios de Joey DeMaio en ‘Sting Of The Bumblebee’ y las joyas de la corona, ‘The Warriors Prayer’ y ‘Blood Of The Kings’. Resumiendo, este álbum está en mi Hall of Fame SÓLO por algunas canciones (‘The Warriors Prayer’, ‘Blood Of The Kings’, ‘Sting Of The Bumblebee’, ‘Wheels Of Fire’). Pero Manowar son como ese tío que siempre se emborracha y dice cosas estúpidas en las reuniones familiares, pero que todo el mundo tolera porque es parte de la familia. Hasta el mes que viene, DANKO JONES

LAS ARNETTE SESSIONS NOS MUESTRAN EL LADO MÁS CERCANO, ÍNTIMO Y CRUDO DE LOS MÚSICOS QUE SE ACERCAN A LA REDACCIÓN DE LA REVISTA ROCKZONE. A PELO, SIN SEGUNDAS OPORTUNIDADES NI EFECTOS ESPECIALES, ESTE FORMATO NO ES APTO PARA PRODUCTOS PREFABRICADOS, SÓLO PARA QUIENES DISFRUTAN Y RESPIRAN LA MÚSICA .

>> SEAN DE DINERO INTERPRETA ‘BAJO CERO’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE

inero se encuentran en plena promoción de su cuarto álbum Cero (Warner), aparecido en febrero. Aprovechando su visita a Barcelona, recibimos en la redacción a sus dos miembros fundadores Sean Marlholm (voz, guitarra) y Ekain Elorza (batería), y a su actual bajista, Alain Martínez. Si hasta ahora eso hubiese significado tener la formación al completo, en las fotos promocionales del nuevo disco hemos observado que el trío es ahora un cuarteto, con la incorporación de Juan Sánchez como segundo guitarrista. Una transformación que tiene origen en sus ansias creativas para este nuevo trabajo. “A la hora de componer, decidimos no cerrarnos a nada por el hecho de ser un trío”, explica Sean. “El disco lo hicimos entre Ekain y yo, pero grabándolo nos dimos cuenta de que íbamos a necesitar ser uno más en directo. Entonces los fichamos a ellos y empezamos a ensayar también los temas antiguos porque teníamos conciertos.

Los temas de los primeros discos crecieron bastante más de lo que esperábamos. En nuestros álbumes siempre había muchas más guitarras. Tenía muchas ganas de no tener esa limitación y también de poder añadir algún sintetizador, algunas capas de cuerdas, algunas bases electrónicas que le dan una dimensión que los otros no tenían. El anterior era muy crudo y en éste pasamos al otro extremo”. Con estos cambios y un título como Cero es fácil deducir que había una voluntad en el grupo de hacer una especie de reset en la carrera del grupo. “Los tres primeros discos, aun siendo distintos entre sí, pertenecen a una primera etapa”, señala Sean. “Ha habido muchos cambios, no sólo de formación, sino otros que no se ven como la agencia de contratación, y también a nivel personal. En lugar de disimularlo, quisimos abrazarlo y abrir una nueva etapa. Quizá hay algunos temas de síntesis de lo que ya habíamos hecho, pero hay otros que representan algo

que no habíamos hecho antes”. Pese a esto, si algo no ha cambiado es su puntería a la hora de hacer buenas canciones de rock alternativo y Cero tiene más que nunca, un hit detrás de otro. “Hice el orden de las canciones muy tranquilo porque teníamos canciones de sobra para que funcionase de cualquier manera”, señala Ekain. La carrera de Dinero ha rebasado ya los diez años, pero sin embargo sigue dando la impresión de que todavía no han acabado de definir su público por la apertura de su música. Una circunstancia que Sean califica como un arma de doble filo. “Te puede venir muy bien o muy mal. Depende de cómo vayan las cosas o cómo juegues tus cartas. Puede que para unos seas demasiado light y para otros demasiado brutos y te quedes en tierra de nadie. O puede que seas la alternativa de cada uno dentro de su nicho y estés en tierra de todos. Pero si llevamos diez años, será porque algo hemos hecho bien”.

THE PRETTY RECKLESS

ANGEL Y DEMONIO DESDE EL PRINCIPIO TAYLOR MOMSEN HA QUERIDO DEMOSTRAR QUE SU COMPROMISO CON SU BANDA, THE PRETTY RECKLESS, Y SU MÚSICA ERA MÁS QUE EL CAPRICHO DE UNA ACTRIZ DE MODA. DESPUÉS DE TRES DISCOS Y CIENTOS DE CONCIERTOS PARECE QUE LO ESTÁ CONSIGUIENDO. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

I HAY UN ADJETIVO QUE PUEDA definir a Taylor Momsen es ‘precoz’. Empezó siendo modelo con sólo 2 años. A los 7 rodó su primera película, El Grinch, junto a Jim Carrey, y a los 14 se convertía en un referente para miles de adolescentes gracias a su papel en la serie Gossip Girl, en la que interpretó a la rebelde, pero buena, Jenny Humphrey, durante cuatro temporadas. Lo que no sabe mucha gente es que, en 2009, dos años antes de abandonar la serie, Momsen ya había debutado en directo con su banda The Pretty Reckless

y que fue su determinación por labrarse una carrera musical la que le llevó a renunciar a su papel. Desde entonces, la banda, que tras una renovación integral en 2010 forman Ben Phillips (guitarra), Mark Damon (bajo) y Jamie Perkins (batería), ha publicado tres álbumes y ha girado por todo el mundo compartiendo giras con Marilyn Manson o Evanescence. Su último trabajo, Who You Selling For (Razor & Tie/Universal), aparecido en octubre, muestra más que nunca su gusto por un rock clásico poco frecuente en una chica de 23 años. 25

Taylor nos recibe en una habitación minúscula de la sala Apolo de Barcelona, pocos minutos antes de que abran las puertas. Luce una camiseta vintage de Soundgarden, época Louder Than Love, cubierta por una camiseta ancha de franela. También los tejanos que lleva son muy anchos. Aunque sospecho que, con lo delgadísima que está, cualquier cosa le quedaría holgada. Unas gafas de sol enormes cubren la mitad de su cara. Está claro que, el glamour, lo deja para el escenario. Aunque se muestra muy amable, su voz trémula denota que es extremadamente tímida en las distancias cortas. Pero a pesar de eso, se nota que agradece que nuestra conversación se centre más en la música que en su faceta de celebrity. El último álbum suena mucho más orgánico y natural. TAYLOR MOMSEN “¡Gracias! Es lo que buscábamos. Para esta banda era una progresión muy natural hacer un disco así y creo que será la línea de los que lleguen en el futuro. Queríamos capturar el elemento humano porque es algo que se echa en falta en mucha de la música actual. Todo se puede arreglar con un ordenador y hacer que suene perfecto, pero en realidad las imperfecciones son las que hacen que un álbum sea genial. Quieres sentir que esa persona quizá no llegue a la nota, o que algo esté un poco desafinado… Es lo que hace que la gente conecte con la música. Un buen ejemplo es el primer single ‘Take Me Down’, la guitarra y la voz son de la primera vez que la tocamos. Intenté mejorarlo cantándola un millón de veces, pero no tenía el mismo feeling. Es casi imposible replicar la magia de un momento”. 26

La química de un grupo también necesita tiempo. “Por supuesto. Llevamos siendo un grupo diez años. Obviamente hemos crecido individualmente y como grupo, y eso es lo que refleja este disco. Y por otra parte también invitamos a otros músicos. Todos tocamos varios instrumentos, todos podemos tocar teclados o un poco la batería, pero al final si Ben tiene que grabar tres guitarras distintas vas a perder ese momento. Así que invitamos a un teclista, a Warren Haynes, unas coristas, para mí fue muy divertido cantar con ellas, y podíamos tocar todos a la vez y conseguir ese toque clásico, old school, que queríamos”. ¿También ha cambiado la manera de componer? “No, la composición fue igual que siempre. Ben y yo escribimos las canciones. No hay una fórmula, es un proceso continuo. Siempre intentamos mantener la mente tan abierta y creativa como sea posible. Intentamos sumergirnos en el mundo del arte, con pinturas, libros, cine, televisión, discos, nos empapamos de todo eso y esperamos a que venga la inspiración (risas). No puedes forzarlo”. Empezaste el grupo con 14 años. Me imagino que las cosas de las que querías escribir entonces no son las mismas de las que quieres ahora... “Bueno, soy mayor. Mi perspectiva ha cambiado. He girado por todo el mundo dos veces y lo he visto con mis propios ojos. He crecido como persona. Así que de manera natural vas madurando y eso se traslada a las letras, claro”.

¿Tu experiencia como actriz te ayuda cuando te subes a un escenario? “No. Son dos cosas completamente distintas (risas). No tienen nada que ver. Cuando actúas eres un personaje, usas las palabras de otro, no tienes control creativo de nada. La música, en cambio, es una pura expresión de ti mismo. Cuando estoy en el escenario también estoy actuando, pero no hay un personaje. Soy yo cantando las canciones que yo he escrito”. Cuando te vas a dormir y sueñas cómo será la carrera del grupo, ¿qué te imaginas? “Más que imaginar, pienso en cómo puedo llevar el grupo más lejos. Cómo podemos mejorar y evolucionar. El objetivo principal en el rock’n’roll es la longevidad, poder hacer esto el máximo de tiempo posible. Pero hacerlo sin repetirte, evolucionando. Así que longevidad, constancia y evolución es en lo que pienso”. ¿Si duras tanto como Steven Tyler estarás contenta? “Sí (risas). Incluso quiero superarlo (risas)”. ¿Tenías algún modelo a seguir cuando empezaste con la música? “Para mí todo empezó con los Beatles. Son la primera banda que escuché y la que me hizo querer escribir canciones. Así que John Lennon era mi referente. Y resumiendo todo lo que me gusta te citaré también a Soundgarden y Chris Cornell”. Mucha gente podría pensar que ibas a citar a otras mujeres, pero no tiene por qué ser

“TODAVÍA ME SIGUE SORPRENDIENDO QUE VENGA A VERME UNA SOLA PERSONA, Y MUCHO MENOS MIL” TAYLOR MOMSEN

así, ¿verdad? “No, claro. Casi todos mis ídolos eran hombres. Los Beatles, Led Zeppelin, The Who, Pink Floyd, The Doors, Bob Dylan, Neil Young, Soundgarden, Nirvana, Pearl Jam, Oasis…”. Suena más a la música de tus padres que a la tuya. “Bueno, pero es que son artistas clásicos por algo. Mi padre es un gran, gran fan del rock’n’roll y me descubrió toda esa música de muy pequeña. Me hacía cintas recopilatorias con sus canciones favoritas. No podría escapar del rock’n’roll aunque quisiera (risas)”. Dime, ¿cuál fue el primer concierto al que fuiste por tu propia voluntad? “Creo que el primero que vi fue en el

bar de Chuck Berry en St. Louis donde yo vivía, el Blueberry Hill, pero no recuerdo qué grupo era. Mi padre me coló allí con 4 años (risas). Pero el primer concierto que recuerdo fue The White Stripes con 8 años. Para mí fue alucinante ver cómo dos personas podían hacer tanto ruido. ¡Fue fantástico!”. En Estados Unidos habéis roto el récord de The Pretenders con más singles número 1 de una banda con una mujer al frente. Está muy bien, pero no deja de ser triste que se separe la música por género, ¿no? “Sí, no sé por qué se hace. Para ser honesta, no hay demasiadas bandas lideradas por mujeres, así que tampoco es tan raro que lo hayamos

conseguido. Supongo que por naturaleza las mujeres tienen una voz más suave y es difícil gritar por encima de los amplificadores (risas). Tienes que conseguir eso sin cambiar tu voz para intentar sonar como un hombre. Tienes que cantar como hablas. Yo no caliento mi voz, simplemente salgo y canto porque es mi propia voz, no la fuerzo. Pero, por suerte, creo que cada vez hay más mujeres haciendo rock y retomando el poder (risas)”. Alguien con quien se podrían establecer paralelismos con tu carrera es Juliette Lewis. ¿Alguna vez has hablado con ella sobre la transición de actriz a músico? “No, la verdad es que no la conozco y tampoco estoy muy familiarizada 27

con su música. Pero sé que se lo trabaja mucho”. Empezaste siendo modelo con 2 años. ¿Cuál fue la última vez que sentiste que no estabas en el ojo público? “Cuando estoy en casa y sola (risas). Sé que puede sonar extraño, pero soy muy introvertida. Cuando no estoy de gira, me escondo en mi casa, soy una ermitaña. Vivo mucho dentro de mi cabeza, lo cual no siempre es sano (risas). Me he pasado tanto tiempo en el ojo público y rodeada de gente que cuando estoy en casa quiero quedarme y estar sola. Lo necesito (risas)”. Bueno, no es tan extraño... Muchos músicos o actores son tímidos. “Es una dinámica rara. Intento no pensar en ello porque me volvería loca... Pero publicar música es extraño porque las canciones son tuyas, tus hijas, las crías y luego las compartes con todo el mundo y dejan de ser tuyas. Ya no importa lo que sentiste cuando la escri-

biste o la grabaste, sino lo que significa para la gente. Algo muy personal pasa a ser público”. ¿Y cómo te sientes cuando esa gente canta tus canciones en los conciertos? “Es difícil describirlo con palabras. Pero es alucinante. Cada noche es una sorpresa. Cada noche es un regalo. Todavía me sigue sorprendiendo que venga a verme una sola persona, y mucho menos mil (risas). Que algo que escribí en mi habitación haya conectado tanto como para que la gente lo cante es una locura. Es un honor y un privilegio. Es un trabajo duro, pero no lo cambiaría por nada”. Y quizá signifique más para ti ahora. Quizá al principio la gente venía a verte a ti por morbo o curiosidad, pero si vuelven es por la música. “Bueno, seguro que había fans míos de la tele que venían por eso, pero desde el principio la música importó. Recuerdo que nuestro primer concierto

en Londres fue en un club muy pequeño y la gente se sabía todas las letras, no sólo del single, sino de todo el disco. Fue una experiencia increíble”. Además de tu música, también tu imagen ha madurado. Al principio tanto en las fotos como en directo eras mucho más escandalosa. “(Risas) Bueno, es que he crecido. Mi estilo y mi cerebro han evolucionado. Cuando empecé con el grupo no estaba pasando por mi etapa de mejor gusto (risas), pero creo que es la evolución normal de cualquier persona que crezca”. ¿Pero salía de ti o había alguna presión por proyectar esa imagen? “No, salía todo de mí. Era como vestía cada día (risas), pero luego crecí y decidí ponerme pantalones (risas)”.

BEACH SLANG

AUTORES DE UNO DE NUESTROS DISCOS FAVORITOS DEL AÑO PASADO, BEACH SLANG LLEGARON A NUESTRO PAÍS A PRINCIPIOS DE FEBRERO TRAS HABERSE VISTO FORZADOS A CANCELAR SU VISITA UNOS MESES ANTES. HABLAMOS CON SU CABECILLA, JAMES ALEX, SOBRE EL TURBULENTO PERIODO QUE HAN VIVIDO. TEXTO: TOI BROWNSTONE FOTOS: ERIC ALTIMIS

SERES ELÉCTRICOS

AMES ALEX, el cantante y guitarrista de Beach Slang, es todo un personaje, y no lo digo como algo despectivo. Tiene un brillo especial en los ojos, un aspecto peculiar con su americana de terciopelo y su gorrito de lana en plan Wally, y una actitud, que confirman la impresión de que se trata de un niño grande. Es intenso y entusiasta cuando habla, pero a la vez busca la calma, su tono de voz es bajo y le inquietan los sonidos estridentes. Desde el momento en que nos saludamos mostró una cercanía y una calidez parecidas a las que sientes cuando estás con un amigo. Nuestra charla, que tuvo lugar dos horas antes del intenso show que Beach Slang ofrecieron en la sala Sidecar de Barcelona, fue extrañamente deliciosa. Y eso que empezamos hablando sobre lo raro que fue 2016 para ellos. En abril, Alex anunciaba su separación desde el escenario durante un concierto en Salt Lake City. Aunque la sangre no llegó al río y pareció cosa de un calentón, al mes siguiente el batería JP Flexner dejaba el grupo. En septiembre publicaban su segundo álbum A Loud Bash Of Teenage Feelings (Big Scary Monsters), un tratado de cómo hacer rock’n’roll con actitud punk, muy bien recibido por la crítica y sus fans. Pero cuando todo parecía encauzarse, el guitarrista Ruben Gallego era expulsado del grupo al salir a la luz unas acusaciones por agresiones sexuales que habría cometido años atrás. Ante semejante panorama, Alex decidió afrontar la gira por Estados Unidos en solitario, pero canceló las fechas europeas. Llegados a diciembre, la banda se recompuso con la entrada de Aurore Ounjian (exMean Creek) a la guitarra

y de Cully Symington (exAfghan Whigs) a la batería; Ed McNulty siguió como bajista. Hubiese sido una pena que tanta inestabilidad hubiese provocado que tiraran la toalla, porque grupos como Beach Slang no salen todos los días. ¿Cómo habéis afrontado el torbellino emocional que habéis vivido en el último año? JAMES ALEX “A ver cómo puedo explicar esto... Me da la sensación de que se ve todo mucho más raro desde fuera. Cuando estás metido, al fin y al cabo, vives todo día a día, así que tratas de buscar la manera de no hundirte, que es lo que quería evitar a toda costa. Así que básicamente lo que hemos hecho cuando ha surgido un problema o un imprevisto ha sido tirar hacia adelante y encontrar una solución para superarlo. No nos hemos estancado en el drama y hemos mantenido una determinación. Más que caer, nos hemos tambaleado”. Después de expulsar a Ruben, en lugar de cancelar vuestra gira por Estados Unidos decidiste afrontar esas actuaciones tú solo. ¿Cómo te sentíste en el escenario? “Pues la verdad es que fue bastante estresante. Cuando tocas en un grupo tienes ese muro de sonido que te protege, y estando solo me sentí como vulnerable, pero a la vez fue una experiencia muy catártica y bonita, no sólo para mí, sino también, creo, que para la gente que conecta con Beach Slang. En ese momento no queríamos estar juntos. Necesitábamos plantearnos cómo seguir como grupo, y de alguna manera yo personalmente nece-

sitaba esos conciertos. De verdad, fue algo muy emocionante, y al final estoy convencido de que ha sido de las mejores experiencias de mi vida. Y te diría que más que el tiempo en el escenario, lo que realmente disfruté fueron los momentos fuera de él, tras lo conciertos. Hablando con la gente, abrazándonos de esa manera que sientes que todo va a salir bien. Fue genial”. Aunque tienes 42 años, tus canciones y composiciones tienen un espíritu muy juvenil. ¿Cómo eras de adolescente? ¿Te sientes todavía muy vinculado a esa parte de ti? “Creo que me siento muy conectado a ese momento lleno de ambiciones y aspiraciones, porque en realidad era como una flor a punto de abrirse, escondido en mis libros. Era muy callado y poco participativo. Me dedicaba a observar todo lo que sucedía a mi alrededor. Pero creo que ya entonces la persona que soy y que estaba latente dentro de mí gritaba y luchaba por salir y liberarse. Por eso necesitaba montar una banda de rock, conocer mundo y viajar, y hacerme más grande. Creo que mi yo adolescente no tenía el coraje suficiente para ello. Así que mis canciones son como una celebración de esa persona liberándose y consiguiendo todas esas cosas con las que había estado soñando en silencio. Era muy, muy tímido, de verdad”. Estuviste prácticamente toda la década de los 90 y principios de los 2000 tocando en Weston. ¿Cómo compararías esa etapa con Beach Slang? “Para empezar éramos unos críos y no teníamos ni idea de lo que estábamos

haciendo. Desconocíamos las reglas del juego, no cuestionábamos si hacíamos las cosas bien o mal, ni sabíamos qué estábamos rompiendo. Simplemente lo hacíamos. Éramos criaturas salvajes, lo suficientemente jóvenes como para echarle huevos. En Beach Slang gran parte de ese espíritu se mantiene, pero diría que la gran diferencia es que somos más sensatos. Al fin y al cabo, todos nuestros errores y aciertos nos han conducido a Beach Slang”. ¿Podría decirse que The Replacements, Hüsker Dü y Jawbreaker son tu santísima trinidad en cuanto a influencias? “Sí, es totalmente cierto (risas)”. Resulta curioso que estos tres grupos fueran bastante disfuncionales... ¿Incluirías a Beach Slang en esa categoría? “Pues no, no lo haría. Entiendo que la gente lo viera así aquella noche en Salt Lake City. Yo tuve mucha culpa. Fue una mala noche. Todo acabó con la salida del batería. El grupo nació con una pata rota, la cosa se fue calentando durante demasiado tiempo y, finalmente, como era previsible, terminó estallando. Cuando cambiamos de batería esta disfunción se calmó. Es como en cualquier relación en la que hay alguna fisura y poniéndole remedio, rápidamente se deja atrás y desaparece. Quiero pensar que no pertenecemos a esa categoría, porque al fin y al cabo la influencia que tenemos de estas bandas es musical, muy por encima del aspecto personal. De hecho, hace un par de noches, cuando estábamos en Ámsterdam, alguien me dijo ‘eres como Paul Westerberg, pero optimista’, y le respondí que para mí 32

era un gran cumplido y que significaba mucho. Musicalmente estas bandas me han marcado e influido más que cualquier otra, pero en cuanto a la parte más personal, y esto ya lo aprendí con Weston, me interesa más discernir lo que está bien de lo que está mal”. The Menzingers acaban de ser portada de la revista. Ya que son vecinos vuestros en Filadelfia, ¿qué te parecen? “Me encantan. Son gente encantadora. Los conozco de la manera que conozco a la mayor parte de mis amigos en Filadelfia, de paso. De paso porque todo el mundo está continuamente de gira. Lo que han hecho por la ciudad ha sido increíble, reactivando la escena. Han conseguido poner a Filadelfia en el mapa de nuevo y captar la atención del público. No puedo decir más que cosas positivas”. Habéis editado un nuevo EP de versiones titulado Here I Made This For You. ¿Preferís ser fieles a las originales o intentáis aportar algo distinto? “Para estas mixtapes para mí prima ser fiel a los temas originales. Lo que intento recuperar es el espíritu de cuando grababa cintas especiales para gente querida, por lo tanto, quiero mantener la integridad de aquello que me enamoró de esas canciones, y con suerte provocar el mismo efecto en la gente y que les gusten de la misma manera que a mí. Estas mixtapes van más allá de Beach Slang. Al final el grupo es lo de menos. Es un mero vehículo para captar la atención de la gente, quizás atraer a chavales de 16 años que de otra forma no escucharían a The Jesus And Mary Chain. De verdad, me veo

más como una especie de conducto entre nuevas audiencias y esa música que me ha marcado”. Creo que Beach Slang representa el espíritu de una banda de la vieja escuela, como si de una pandilla se tratase, aunque con los cambios de los miembros, cada vez parece más tu propio proyecto ¿Qué imagen del grupo tenías en tu cabeza cuando comenzasteis? “La describiría como una banda que comenzó como algo casual. En esa época había vuelto a casa, y a la escuela de arte, porque estando en Weston me planteé qué iba a hacer con mi vida. Siempre me había identificado como un músico, pero volví a la escuela. Compuse un par de canciones y unos amigos las escucharon y me dijeron que creían que merecían ver la luz de alguna manera y no quedarse en un cajón, así que nos juntamos y fuimos a un estudio y las grabamos, pensando en que esto quedaría en un proyecto para las canciones que estaba escribiendo en ese momento y que la cosa no iría a más. Ya sabes, juntarnos una o dos veces al año, pasar un buen rato y grabar unos cuantos temas. De esas canciones mi amigo Mike editó un EP y la cosa cuajó y conectó con la gente, y esta respuesta nos hizo preguntarnos si éramos un proyecto o un grupo. Así que decidimos seguir adelante. Nuestro planteamiento de grupo no era nada ambicioso. Me resultaba extraño componer y que a mis amigos les gustara tanto como para ir a un estudio y ayudarme a grabar mis canciones. Ellos fueron los que realmente pusieron en marcha esto, y me siento muy afortunado. To-

“DESDE PEQUEÑO, CUANDO ME MIRABA AL ESPEJO Y HACÍA TONTERÍAS, SIEMPRE PENSABA EN FORMAR PARTE DE UNA BANDA, NO EN SER UNA ESTRELLA DEL ROCK” JAMES ALEX

davía tengo esa sensación de que somos una cuadrilla. A pesar de los cambios, para mí son un apoyo muy fuerte, y personalmente adoro la camaradería en un grupo. Aunque escribo los temas solo, no soy una persona afín a un proyecto en solitario. Disfruto girando con un grupo y estando con mis amigos. Siempre he querido esto”. ¿Te sientes más cómodo así? “Sí. Desde pequeño, cuando me miraba al espejo y hacía tonterías, siempre pensaba en formar parte de una banda, no en ser una estrella del rock”. Actualmente parece que las bandas funcionan más como un negocio. Un montón de músicos están más preocupados en conseguir una conexión wifi que en tomarse una cerveza.

¿Crees que el rock’n’roll se ha vuelto aburrido? “Creo que se ha convertido en algo sin riesgo. Tengo la maravillosa ventaja de venir de otra época en la que nos movíamos por el país con un mapa y un rotulador, y podíamos disfrutar bebiendo y conociendo gente. No creo demasiado en la corrección política, pero creo en la bondad y amabilidad como filosofía de vida. Para mí es suficiente. Cuando voy a lugares, como hoy en Barcelona, lo que quiero es empaparme de la cultura local. Quiero conocer gente, beber y divertirme, abrazarme con el personal. Si te sientas en un sofá buscando una conexión de wi-fi, dejándote cegar por el brillo de la pantalla, ¿qué coño vas a contar en tus memorias cuando tengas 70 años? ¿Que la conexión de wi-fi en aquel café de Dublín se cortaba continua-

mente? Antes en un bar hemos estado hablando con un tío y me explicaba cómo hacía sus dibujos con tiza. Esa es la clase de cosas que me interesan. Hemos dado una vuelta por Las Ramblas y en lo que más me he fijado ha sido en los artistas callejeros. También he descubierto una tienda de temática circense que me ha encantado. Cosas que no veríamos si estuviéramos en una cafetería mirando internet. La verdad es que no puedo estar más de acuerdo contigo. Lo que Beach Slang intenta es mostrar un mensaje al mundo y decir que estamos vivos y que hay que vivir el presente. Espero que la gente lo capte y me encanta recibir comentarios acerca de ello”.

GHOST

EL CULTO HACIA GHOST SIGUE CRECIENDO Y CRECIENDO. SU ÚLTIMO SINGLE ‘SQUARE HAMMER’ SE HA CONVERTIDO EN UN HIT EN ESTADOS UNIDOS Y EL GRUPO HA SIDO CONFIRMADO COMO TELONERO DE LA NUEVA GIRA DE IRON MAIDEN ESTE VERANO. ANTES, EN ABRIL, LES TENDREMOS POR AQUÍ OFRECIENDO TRES DE SUS GLORIOSAS CEREMONIAS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR/ERIC ALTIMIS (DIRECTO)

su voluntad de ser un grupo lo más grande posible y cada día que pasa están más cerca de conseguirlo. En su tradición de publicar un EP de versiones entre álbum y álbum para hacer la espera más corta, los suecos publicaban en septiembre Popestar (Loma Vista), donde se llevaban a su terreno canciones de Echo & The Bunnymen, Eurythmics o Simian Mobile Disco, pero fue la única composición propia que incluía, la pegadiza ‘Square Hammer’, la que empezó a tener una amplia difusión en las emisoras norteamericanas hasta hacerla llegar al número 1 de las listas de rock. Una auténtica anomalía en un mercado dominado por bandas autóctonas. No habíamos tenido ocasión de entrevistarles a la salida del EP, pero sus próximos conciertos el 13 de abril en Barcelona (Sant Jordi Club), el 14 en Madrid (Wizink Center) y el 16 en Bilbao (Bizkaia Arena BEC), nos brindaron la oportunidad de hablar de nuevo con uno de nuestros grupos favoritos. Aunque oficialmente la entrevista telefónica era con un Nameless Ghoul, por el tono y después de haber charlado varias veces con él, identificamos que se trataba de Papa Emeritus. Aunque para no cortarle el rollo le seguimos la corriente... El show debe continuar. Hace justo un año estabais en Los Ángeles recogiendo un Grammy por ‘Cirice’. ¿Cómo recuerdas esa experiencia? NAMELESS GHOUL “Fue muy estresante, pero también muy divertido. En ese momento estábamos de gira en Europa y volamos de Austria a L.A., y del aeropuerto directo a la ceremonia de entrega, y al día siguiente volamos de vuelta a Alemania para seguir con la gira. Estuvimos con jet lag todo el tiempo (risas)”.

Tengo curiosidad por saber cómo fue vuestra entrada en la gala a nivel práctico. Porque ibais con las máscaras, pero supongo que de algún modo tenían que verificar que erais vosotros de verdad y no unos impostores. “La verdad es que se produjo una situación bastante cómica. Como puedes imaginar, la seguridad en los Grammys es muy rigurosa, especialmente ahora, ya no porque se pueda colar un loco, sino por la amenaza terrorista. Es como entrar en zona de guerra. Así que cuando llegamos con la máscaras causamos un poco de sorpresa, porque los de seguridad, como era lógico, no tenían ni idea de quiénes éramos. Es distinto a si llega una superestrella; seguramente ni les piden que se identifiquen porque les reconocen. Pero en nuestro caso tuvieron que venir gente del management y la discográfica para verificar quiénes éramos y ocuparse del papeleo”. Desde que editasteis Popestar las cosas os han ido muy bien y ‘Square Hammer’ se ha convertido en un hit. Parece extraño que un EP, que podría ser visto como algo menor, haya tenido tanta repercusión. “La verdad es que no esperábamos demasiado. Lo normal es que cuando sacas un EP no tenga el mismo impacto que un álbum. Ha sido una sorpresa agradable, claro que sí. De todos modos, cuando grabamos ‘Square Hammer’ tanto nosotros, como el sello, como el productor, sentimos que era una canción con mucho potencial. No sabíamos exactamente cuál (risas), pero pensamos que era un muy

buen tema para abrir los conciertos. Se la pusimos a uno de los responsables del sello que trata con las emisoras en Estados Unidos, todavía no era ni la mezcla final, pero cuando terminó nos dijo que podía funcionar muy bien en las radios americanas (risas). ¡Y lo hizo! Llegamos al número 1 en las listas Billboard de Mainstream Rock Songs, así que el tío tenía razón (risas). Sacar el EP con la gente convencida de que podía funcionar bien ayudó mucho”. ¿Ves como un reconocimiento que vuestras canciones suenen en la radio? “Mmm… No sé si ésa sería la pala-

bra. En general, creo que sonar en la radio es muy importante. Que te den premios puede ser muy importante. En cierto modo, legitima tu existencia. Pero para mí el reconocimiento viene de otra manera. Por ejemplo, la primera vez que James Hetfield dijo que le gustábamos, para mí eso es reconocimiento porque significa algo. Cuando te encuentras a gente que te expresa de manera auténtica cómo les hace sentir tu música, eso es reconocimiento. Sólo porque ganes un Grammy no significa que vayas a vender muchos más discos. Es sólo una herramienta que te dan para ayudarte a ser más grande. Sonar en la radio te da satisfacción

“NUESTRA IDEA DE ÉXITO ES CONVERTIRNOS EN UN GRUPO QUE EN DIRECTO TENGA UN ESPECTÁCULO GRANDIOSO, Y PARA ESO NECESITAMOS UN CIERTO NÚMERO DE GENTE QUE VENGA A VERNOS CADA NOCHE” NAMELESS GHOUL

porque sabes que llegarás a más gente, pero tampoco significa que vayas a tener éxito. Por eso me sentí feliz cuando ‘Cirice’ llegó al número 4 y ‘Square Hammer’ al número 1, porque significa que hay más gente expuesta a nuestra música y eso nos da la oportunidad de que más gente venga a los conciertos. Creo que es ahí donde podemos convencer de verdad a la gente”. Bueno, me refería más a un reconocimiento en la industria, más que a nivel artístico. “Ah, si es así, tienes toda la razón. Sonar en la radio es muy importante dentro de la industria”.

Remarcaba este aspecto porque siempre habéis dicho que queréis ser tan grandes como podáis. “Sí, claro. Creo que cualquier banda que diga lo contrario está, o bien mintiendo, o no se ven capaces de conseguirlo. Todos los grupos quieren llegar al máximo de su potencial. Hay muchas maneras de conseguir el éxito. El éxito no es sólo un valor comercial. Nuestra idea de éxito es convertirnos en un grupo que en directo tenga un espectáculo grandioso, y para eso necesitamos un cierto número de gente que venga a vernos cada noche. Desde hace tiempo hemos pensado, por ejemplo, ‘¿Qué

necesitamos para ser tan grandes en América como Disturbed?’. No es que busquemos influencias en Disturbed, pero ellos o Volbeat son las bandas contemporáneas que ofrecen un espectáculo al nivel que a nosotros nos gustaría. ¿Y cuál era la diferencia entre ellos y nosotros hace unos años? Que ellos sonaban en la radio. Así que necesitábamos sonar en la radio para empezar a crecer”. Supongo que conoces la teoría comunicativa de Marshall McLuhan de ‘el medio es el mensaje’. Trasladándola a la música, ¿en vuestro caso el tocar en sitios cada vez más grandes afecta el tipo de canciones que escribís? “Sí. Nos ha ocurrido desde Infestissumam. Creo que es algo muy común en las bandas más duras. Mis ejemplos favoritos son Metallica y Iron Maiden. Puedes escuchar una gran diferencia entre …And Justice For All y el Black Album. Y con Iron Maiden cuando pasaron de Paul Di’Anno a Dickinson. Y eso tiene que ver con que ambos grupos empezaron a tocar en sitios más grandes. Cuando tocas en un pabellón tienes que llegar a más gente, y para que eso funcione, tienes que tocar de cierta manera. No puedo decirte lo que es, pero tienes que tener en cuenta la reacción del público. Si eres una banda de death metal y tocas para 200 personas vas a aplastarlas sólo por el ruido que generas. Es casi imposible perder en esa situación porque el volumen y la fuerza juegan a tu favor. Pero si esa misma banda se encuentra tocando para 20.000 personas en un festival, por ejemplo, va a notar la diferencia.

Cuando Metallica y Iron Maiden empezaron a notar eso, tuvieron que adaptarse. Observaron qué temas funcionaban y cuáles no. Así que empezaron a escribir más en esa dirección. Y por eso Metallica escribieron el Black Album, porque necesitaban canciones que sonasen bien en un pabellón. Eso no quiere decir que mis discos favoritos suyos no sean los tres primeros, pero necesitaban hacer ese disco. Y creo que eso es lo que empezó a pasarnos en Infestissumam, porque empezamos a tocar con bandas más grandes que nosotros y los temas de nuestro primer álbum, sin ser thrash como Metallica, no acababan de funcionar en recintos más grandes. Y como ellos tuvimos que empezar a enfatizar las cosas que van a gustar a la otra parte, que es el público. Es casi como una relación sexual. Tienes que hacer las cosas que le gusten a tu pareja… un dedo, dos dedos, ¿tres dedos? ¿Quizá cuatro? No, es demasiado. OK, pues utilizaré tres (risas). Es algo totalmente natural. Tienes que interactuar con la otra parte”. Antes los grupos tenían la posibilidad de probar las canciones en la carretera antes de grabarlas, pero ahora casi ninguno lo hace porque se colgarían al cabo de un minuto en YouTube. “Sí, desde luego a veces he lamentado no tener esa posibilidad. Habría sido genial poder probar algunas canciones en directo antes de grabarlas porque, cuando lo haces, te das cuenta que quizá las has grabado demasiado lentas. Por ejemplo, ‘Depth Of Satan’s Eyes’ de Infestissumam era una canción que pensaba

que iba a funcionar muy bien en directo y no lo hizo… para nada. La intentamos tocar durante un año y no funcionó. Quizá lo haga en el futuro si podemos hacer algo con la producción escénica que haga que funcione. Pero era el típico tema durante el cual todo el mundo iba al lavabo, y eso es fatal. Yo no quiero que ningún tema sea una excusa para ir al baño. Quiero que se mantenga la intensidad durante todo el concierto”. ¿Habéis empezado a trabajar en el siguiente disco? “Ahora mismo estamos componiendo, aunque en nuestro caso la composición y la grabación van bastante unidas. Pero no vamos a empezar a trabajar a fondo en él hasta después del verano, cuando terminemos la gira americana con Iron Maiden”. ¿Tienes más o menos una idea de en qué dirección iréis? “Sí. Creo que será un álbum más oscuro que Meliora, más apocalíptico. Mi idea es situarlo en la época medieval, más que en la época moderna como Meliora. Será un disco sobre la supervivencia. Y musicalmente tendrá canciones metaleras, pero también grandes baladas. Será un disco de Ghost”. En vuestra actual gira, que en abril veremos por aquí, venís con una producción mucho mayor que la última vez. Lógicamente eso implica también que el precio de las entradas se incremente. ¿Es algo que tenéis en mente a la hora de planificar el espectáculo? “Recuerdo muy bien los últimos conciertos en Madrid y Barcelona. En

parte tuvimos que reducirlo todo por el tamaño de las salas. En Barcelona especialmente fue la más pequeña de toda la gira”. Pero fue un concierto increíble. “Sí, sí. Lo recuerdo muy bien y fue muy divertido, pero el escenario era pequeño para lo que necesitábamos. Ahora en el Sant Jordi Club vamos a tenerlo todo, con un gran escenario y la pirotecnia. En cuanto al precio de las entradas es algo de lo que no suelo enterarme hasta que llego a un sitio y alguien me lo comenta. Pero el precio no lo ponemos nosotros, sino que es un acuerdo entre el promotor y nuestro agente. Pero espero que estemos al nivel de lo que cuestan. Va a ser un show mucho más grande de los que hemos hecho en Catalunya o España. Tenemos muchísimas ganas de volver”. Volviendo al EP, supongo que las versiones son de grupos que os gustan, pero viendo las canciones que escogisteis, en ‘Missionary Man’ de Eurythmics, por ejemplo, se ve una conexión con vuestras propias letras. ¿Fue ése el criterio principal? “Sí. Bueno, es una combinación de dos cosas. Tiene que haber una chispa en la propia música que te haga pensar que puedes hacer algo distinto con la canción. Pero la letra también tiene que tener una inclinación filosófica o religiosa que encaje con nosotros. Por eso quizá no haríamos ‘Turbo Lover’ de Judas Priest (risas). O quizá sí (risas). Pero normalmente no hacemos versiones de grupos de metal. Es más divertido tomar canciones de otros estilos”.

Gracias a la versión de ‘Bible’ descubrí a Imperiet. No los conocía. “Oh, me alegro. Fueron una banda muy grande en Suecia, pero no tuvieron éxito fuera. Creo que se separaron en 1998 y tampoco han llegado a las nuevas generaciones, así que me alegro si la gente los descubre. De hecho, tienen muchas canciones mejores que ‘Bible’”. Black Sabbath dieron hace poco su último show, y supongo que cada vez más iremos viendo a bandas legendarias desaparecer. Todo el mundo se pregunta qué bandas llenarán el vacío que dejan. ¿Crees que Ghost puede ser una de ellas? “Si llenar el vacío es ser una banda que sea cabeza de cartel de un festival o que pueda tocar en grandes recintos, creo que tenemos tantas posibilidades como otros. Estamos en el buen camino para poder conseguirlo, pero es muy difícil predecir cuál será nuestro impacto con una perspectiva histórica. Siempre hablamos del pasado y del presente, y el pasado siempre es mejor que el presente, pero se pone poco énfasis en el futuro porque pensamos que será imposible que sea mejor. Y en cierta manera, yo me siento igual. Sentí mucha pena cuando Lemmy y Bowie murieron. Incluso cuando Prince murió, porque pone de relieve que todo con lo que crecimos, está muriendo. Es triste. Creo que este año vamos a ver otros 15 nombres importantes de nuestra infancia que desaparecerán. Pero cuando le preguntes a alguien que ahora tiene

20 años cuando tenga 40, quizá piense en Volbeat como una banda clásica. Estoy seguro que si le preguntas a Jack Nicholson, sentirá la misma nostalgia respecto a Humphrey Bogart o Burt Lancaster. O si le preguntas a

Keith Richards, te dirá lo mismo respecto a Muddy Waters o B.B. King”.

SKUNK D.F.

SI SE DIERA UN PREMIO A LA CONSTANCIA, SKUNK D.F. BIEN MERECERÍAN OPTAR A ÉL. TRAS HABER CELEBRADO SU 20 ANIVERSARIO CON UN RECOPILATORIO Y UNA GIRA, LA BANDA MADRILEÑA HA VUELTO A LA CARGA CON NUEVO MATERIAL. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

L PASADO OCTUBRE Skunk D.F. publicaban Pigmalión (Maldito), su noveno álbum en una carrera que ya se ha prolongado durante más de dos décadas. Se trata de un trabajo algo más duro de lo que Germán González (voz), Pepe Arriols (bajo), Xavi Igual (guitarra), David Ramos (guitarra) y Eduardo Brenes (batería) habían mostrado en el anterior Perseidas y que en temas como ‘Salvaje’ recupera su lado más agresivo. Si bien, como ellos mismos explican, han acostumbrado a sus fans a tener la mente abierta con sus variaciones musicales, a buen seguro que muchos de ellos se sentirán encantados con que hayan puesto el acento en su vertiente metalera. Con la tranquilidad que da el trabajo bien hecho y la sabiduría que otorga el paso del tiempo, los madrileños se encuentran en un momento especialmente dulce. Así nos lo transmitió su bajista durante nuestra charla. A estas alturas, ¿cómo os sentís con la publicación de un nuevo disco? PEPE ARRIOLS “Después de un parón de varios años, ahora estamos como un niño con zapatos nuevos. Es como si fuera nuestro primer disco. Más con la producción de Alex Cappa, que a mí me ha encantado. También estamos muy contentos con la variedad del álbum. Estamos con la ilusión de un principiante”.

Hace casi tres años sacasteis el recopilatorio de 20 aniversario. ¿Qué supuso para vosotros llegar a ese hito? “Nos lo tuvieron que decir porque no llevábamos la cuenta (risas). Nos ha pasado volando. Pero tal como está la industria musical, llevar tanto tiempo con un grupo tiene mucho mérito. Para nosotros fue un subidón poder hacer un setlist elegido por los fans del grupo en una gira muy bonita. En ese momento estábamos componiendo los primeros temas de Pigmalión y sacamos un primer adelanto en el disco de aniversario. Luego sacamos un segundo y, justamente hoy, estoy esperando que me manden el videoclip que hemos hecho para el tercer single. Estamos con una nueva oficina de contratación y con muchísimas ganas de tocar”. ¿Por qué ese parón de cuatro años desde que publicasteis Perseidas? “Principalmente por trabajos de unos y de otros. La gira se alargó bastante, luego nos dijeron lo del 20 aniversario y nos relajamos bastante. Lo que hicimos fue componer mucho material para poder elegir las mejores para el nuevo disco. Hemos desechado más material que nunca. Queríamos volver a una producción más cañera, pero sin perder un ápice de las melodías y recuperar también a Edu, además de como batería, como teclista y compositor. Queríamos que el disco fuera lo 41

más ecléctico posible, aunque nosotros siempre hemos sido así. Nos gusta ser variados”. También a medida que te haces mayor, la percepción del tiempo cambia. Y antes cuatro años podían parecer una eternidad y llegados a cierta edad, te parecen cuatro días. “Sí, son cosas de la edad (risas). Estás más relajado y no te agobias tanto. De todas maneras, antes las cosas eran diferentes porque tenías un contrato discográfico y grababas de tres discos en tres y había unos plazos que cumplir. Ahora, como somos los dueños de nuestra carrera y nosotros nos imponemos el ritmo, nos hemos relajado más. Con Perseidas hicimos un crowdfunding y lo editamos nosotros, pero ahora hemos vuelto a una discográfica, con Maldito Records, pero tampoco es que nos hayan metido ninguna prisa, en absoluto. También porque antes había una inversión del sello y ahora es más que se encargan de coger tu master, fabricar y ponerlo a la venta digitalmente y en formato físico. Ésa es la labor que hacen los pocos sellos que quedan”. Como decías, Pigmalión es un poco más cañero. “Sí, pero es más de cara a la producción. El álbum anterior lo produjo Xavi y era más rock y menos metal. Precisamente quisimos trabajar con Alex Cappa para recuperar la parte más metalera e incisiva, pero a la vez, cosa que no suele hacer él, mantener las melodías. Él suele trabajar con grupos más extremos, pocos suelen tener teclados o acústicas, así que para él también era interesante. Nosotros he42

mos quedado encantados y dispuestos a volver a trabajar con él”. ¿Con qué canción has disfrutado más componiendo o tocando? “Hay temas que los veo más para escuchar en casa y otros que son más para tocar. A mí para tocar me gusta lo más cañero. De hecho, cuando el grupo hace algún acústico, yo ni voy (risas). ‘Terrorismo Emocional’ lo veo un tema completísimo. ‘Impermeable’ tiene su parte melódica, pero tiene pasajes cañeros. ‘Salvaje’ me encanta porque es una patada en el culo. No puedo decirte uno ni dos, tendría que decirte unos cuantos”. Después de cambios en la formación, ahora lleváis unos años de más estabilidad. ¿Crees que tiene que ver con lo que contabas antes de estar más relajados? “Sí, hubo cambios de guitarras. Uno acabó en Savia, otro acabó en Hamlet, y luego Edu se quedó como miembro fijo, y cuando entraron David y Xavi ya se quedó una formación estable. Todos somos mayores, tenemos nuestras parejas, algunos ya son padres y es lo que tiene, mentalmente estás más tranquilo. También hay que entender que, si te ofrecen una oportunidad de ir a un grupo más grande, se coja. La puerta siempre está abierta para entrar o salir. Antes que entorpecer la marcha de la banda, lo más honesto es irse”. ¿Os sentís un poco cantera de músicos? “(Risas) Sí, siempre han venido otros grupos a pescar en nuestras aguas,

pero es un honor. En cada cambio que hemos hecho, hemos intentado coger un músico mejor. Si se iba un músico bueno, el que entrara tenía que ser mejor o más completo. La verdad es que estamos muy contentos con la formación actual”. Germán y tú sois los pilares del grupo, los que siempre habéis tenido la convicción de tirar la banda adelante. ¿Cómo definirías vuestra relación? “Con Germán es una especie de matrimonio sin sexo (risas). Son 22 años y compartimos esa convicción de seguir adelante pase lo que pase y esté quien esté. Hemos tirado del carro cuando ha habido momentos en los que lo más fácil era mandar el grupo a la mierda. En la primera crisis que hubo, ya cogimos y registramos el nombre los dos junto a Raúl Guerra. Luego Raúl dejó la música y se dedicó a hacer de técnico de sonido. Yo tuve un par de proyectos paralelos con mi hermano, también Germán, pero Skunk D.F. siempre ha sido nuestra banda principal. Es un matrimonio musical”. ¿Crees que una de las claves para haber durado tanto con el grupo es haber ido evolucionando musicalmente? El primer álbum es distinto a lo que hacéis ahora. “Sí, ha habido una evolución constante. Si nos hubiéramos quedado con la fórmula del primer disco, igual nos hubiéramos aburrido mucho antes. Hay grupos que no se lo pueden permitir porque a la que se salen un poco del guión, los fans enseguida los ponen a parir. Nosotros, como siempre hemos ido cambiando, hemos acostumbrado

“EN LAS REDES TE LLEGAN MENSAJES DE PAÍSES QUE NUNCA HUBIERAS IMAGINADO. LA MÚSICA YA NO TIENE FRONTERAS” PEPE ARRIOLS

a la gente. Igual si nos hubiésemos ceñido a hacer voces guturales tendríamos más público, quién sabe. Pero a lo hecho, pecho. Hemos hecho lo que musicalmente nos pedía el cuerpo”. Nunca habéis tenido un pelotazo tipo Sôber. ¿Es porque no lo habéis buscado o porque no ha salido? “Para poder pegar un pelotazo serio tienes que tener una multinacional detrás, que es la que hace que suenes hasta en las gasolineras. Si no, salir del circuito independiente es casi imposible. El público que teníamos al principio ya son todos mayores, con hijos, y van a pocos conciertos. Hay que ir renovando el público poco a poco, pero para poder llenar un estadio está claro

que necesitas una promoción brutal, pasar por televisión, por Los 40 Principales, algo que nosotros ni nos hemos planteado. No somos una banda con un cantante guapito. Somos una banda honesta y humilde que ha hecho lo que ha podido. Pero hemos hecho cositas, como publicar fuera, tocar en Estados Unidos y México, tocar con Guns N’ Roses, con Metallica, con Deftones, con lo que podemos estar tranquilos y satisfechos. Si el tiempo nos ha puesto en este sitio, pues ahí es donde teníamos que estar. No tenemos la desesperación de tener que hacer lo que sea para vivir de la música porque todos tenemos otros trabajos”.

cambiarías por nada de lo que hay ahora? “Se echa de menos tener el apoyo económico de un sello y la tranquilidad que te daba que hubiera un plan de marketing, el adelanto que te daban por las ventas, los canales para el merchandising… Se manejaba mucho más dinero, pero también te apretaban mucho más. De ahora me quedo con la libertad y con que tu música llega a todas partes. Ahora digitalmente te pueden escuchar en todo el mundo. En las redes te llegan mensajes de países que nunca hubieras imaginado. La música ya no tiene fronteras”.

¿Qué añoras de cómo eran las cosas hace 15 años y qué no 43

SUFRIENDO Y GOZANDO KORN

HACÍA AÑOS QUE UN DISCO NUEVO DE KORN NO DEJABA TAN SATISFECHO A SUS SEGUIDORES. THE SERENITY OF SUFFERING, UNO DE LOS TRABAJOS MÁS DUROS DE SU CATÁLOGO, CONFIRMABA QUE LA BUENA FORMA EXHIBIDA ENCIMA DE LOS ESCENARIOS SE HABÍA TRASLADADO TAMBIÉN AL ESTUDIO. EN LAS PUERTAS DE SUS CONCIERTOS MÁS AMBICIOSOS EN NUESTRO PAÍS, HABLAMOS CON EL NO SIEMPRE ACCESIBLE JONATHAN DAVIS. TEXTO: JORGE FRETES FOTOS: DR

RAS UN TIEMPO A LA DERIVA, el regreso en 2013 del guitarrista Brian ‘Head’ Welch a las filas de Korn después de una ausencia de ocho años revigorizó el grupo de Bakersfield. Su vuelta devolvió la pesadez y agresividad que habían ido perdiendo, y el disco The Paradigm Shift fue recibido por los fans como una vuelta a su sonido clásico. Un par de años después, la gira de 20 aniversario de su álbum de debut, que aquí pudimos disfrutar en el Resurrection Fest, acabó por reconciliarles con esos seguidores que no habían encajado nada bien su acercamiento al pop en See You On The Other Side o al dubstep en The Path Of Totality. Pero tampoco olvidemos que de un posible Big 4 del nu metal, del que formarían parte junto a Slipknot, Limp Bizkit y Deftones, Korn han sido, de lejos, los más prolíficos, y tiene sentido que también hayan sido los que más hayan experimentado, jugueteado o manoseado -dependiendo de a quien preguntes- con su exitosa fórmula. Que no siempre acertaron es una evidencia, pero quizá fue su capacidad de tomar riesgos la que a mediados de los 90 hizo de ellos una banda única. Vestidos con chándals Adidas, luciendo rastas y medallones dorados, su imagen no tenía nada que ver con la de ninguna otra banda de metal. Ni tampoco su música, un potaje imposible donde cabían influencias de Helmet, Primus, Rage Against The Machine, Sepultura, Mr. Bungle, N.W.A., Cyrpress Hill, Fear Factory, Ministry o Duran Duran, dominada por una afinación rebajada varios tonos más de lo habitual. Más de

dos décadas después de haber generado la última escena del metal que conquistó el mainstream, Korn siguen estando en la posición de actuar en recintos como el Wizink Center de Madrid o el Sant Jordi Club de Barcelona, donde recalarán los días 17 y 18 de marzo respectivamente; todo un testimonio de su durabilidad. Allí presentarán su último álbum The Serenity Of Suffering (Roadrunner), publicado el pasado mes de octubre, y sobre él empezamos hablando en nuestra primera entrevista en años con el vocalista Jonathan Davis. Muchos fans se han entusiasmado bastante con vuestro último trabajo The Serenity Of Suffering porque lo han visto como una vuelta a los Korn de discos como Issues o Untouchables. ¿Era lo que teníais en la cabeza cuando os pusisteis a trabajar en él? JONATHAN DAVIS “Creo que tiene ese sonido porque tiene a Munky y Head tocando juntos y, bueno, somos nosotros. Creo que cogimos lo que hicimos en esos discos y lo situamos en un nuevo contexto. No es que quisiésemos hacer un disco ‘de regreso’, pero lo que hicimos fue meter en la misma sala a Munky, Head y Nick (Raskulinecz, productor del álbum –ndr.). Él es un gran fan de esos discos que mencionas y nos decía ‘me encantan vuestros grooves pesados’ y quería buscar un sonido crujiente como el de aquellos discos. Cuando escuché las canciones por primera vez no lo entendí, para mí era como dar pasos hacia atrás en lugar de hacia ade-

lante, pero una vez que los chicos las tocaron juntos para mí en el estudio desapareció ese bloqueo mental que tenía. Una vez me liberé de eso, fue una gran experiencia cantar estas canciones y ver cómo cobraban vida”. También se trata del segundo álbum de Korn tras el regreso de Brian ‘Head’. ¿Tiene algo que ver con intentar emular el sonido más exitoso de la banda? “Definitivamente. En la primera etapa de Korn los compositores eran Munky y Head, y cuando Head se marchó fuimos Munky y yo quienes escribíamos todas las canciones. Ahora que Head ha vuelto a la banda hemos recuperado esa química a la hora de hacer canciones, y por supuesto que tiene un efecto en cómo suena este disco. No podemos negarlo, Head ha tenido mucha influencia en cómo ha terminado sonando The Serenity Of Suffering”. Y ya no es sólo el sonido, porque los dos primeros singles ‘Rotting In Vain’ e ‘Insane’ tienen videoclips bastante atractivos, la gente los ve una y otra vez. Como sé que te gusta también el apartado audiovisual de las cosas, me preguntaba si te involucraste personalmente en la creación de los vídeos. “No, en este caso no. Nos encargamos de la música, que es lo que nos toca, y ya está (risas). Le dejamos el trabajo a estos grandes artistas, grandes directores que han hecho las piezas visuales para los singles.

“NOS SENTIMOS ORGULLOSOS DE FORMAR PARTE DE ESTO, DE HABER AYUDADO A QUE NACIERA EL NU METAL O COMO QUIERAS LLAMARLO, DE HABER CREADO TODO UN GÉNERO... ES INCREÍBLE” JONATHAN DAVIS

Hemos visto que ha funcionado bastante bien en YouTube y estamos contentos. Lo único que hicimos cuando nos presentaron lo que habían grabado es hacer pequeños comentarios y arreglos, y también elegir qué elementos representaban mejor a las canciones que habíamos elegido como singles. Pero todo el mérito es suyo”. Recientemente habéis confirmado una gran gira por Estados Unidos en la que estaréis acompañados de Stone Sour. Corey Taylor también aparece en ‘A Different World’,

uno de los temas de este nuevo álbum. Parece que la relación con el vocalista de Slipknot es fenomenal... ¿Lo consideras tu hermano musical, por llamarlo de alguna manera? Tanto Korn como Slipknot pegaron el pelotazo al mismo tiempo... “Nuestra relación es genial, es un gran tipo. Respeto y amo las dos bandas de las que forma parte, además ya hemos hecho alguna que otra gira juntos. También tengo que decir que salvó mi trasero más de una vez. Cuando estaba enfermo, se subió y cantó con mi banda, y otras veces ha

cantado conmigo, y siempre lo hizo genial. Si tengo un problema o necesito ayuda, no dudo nunca: lo llamo a él. Es un tipo fantástico”. Hace cosa de semanas también hicisteis unas fechas en el Reino Unido junto a Limp Bizkit. Luego se publicó un vídeo de la banda tocando ‘Alone I Break’ en acústico para las personas que habían comprado la entrada VIP y que pudieron acceder a la prueba de sonido. Muchos músicos se oponen a este tipo de cosas, los meet &

greet, las entradas VIP… ¿Es algo que te sientas obligado a hacer? “No es algo que nos sintamos obligados a hacer, es algo que nos gusta hacer. Los chicos pagan bastante por las entradas VIP y de esa manera pueden entrar antes que nadie, pueden escucharnos tocar una canción que los demás asistentes no escucharán, y pueden conocernos en persona. También entiendo a las bandas que no quieran hacerlo, porque te roba tiempo de tu día a día en la gira y te saca de tu rutina. Para nosotros es algo que disfrutamos, y que los fans disfrutan. Hay fans que les piden matrimonio a sus novias cuando se hacen las fotos en los meet & greets, nos encanta conocer a los fans y pasar tiempo con ellos. Ya lo hacíamos antes, cuando acabábamos de firmar nuestro primer contrato discográfico y empezamos a salir de gira. Siempre íbamos a las fiestas que se montaban después de los conciertos. Nos encanta estar en contacto con la gente, es nuestra manera de ser”. Se le ha dado mucha cobertura a la campaña anti bullying en la que colaboras con una camiseta con el lema ‘Freaks do it better’. ¿Fueron ellos los que te contactaron para participar o fue iniciativa tuya? “Fue cosa mía. Siempre he querido colaborar con entidades benéficas que luchan contra el bullying. Yo sufrí bastante bullying de pequeño, no es un secreto, todo el mundo lo sabe, así que quería aportar como fuese algo en favor de esta gente que lucha día a día contra el problema. 48

Estoy bastante concienciado, también he hecho otras campañas ya que mi hijo tiene diabetes. Además de las camisetas ‘Freaks do it better’ vamos a hacer otras para otras causas y espero que de verdad puedan ayudar tanto financieramente a las entidades, como creando conciencia sobre estos asuntos. Conozco a la gente que está detrás de este proyecto y creo que la idea es genial. Ya veremos cómo va”. La última vez que tocasteis en España fue en el Resurrection Fest, dentro de la gira de aniversario de vuestro álbum debut. Fue una gran idea ya que mucha gente empezó a escuchar a Korn gracias al single ‘Blind’, pero no sé si fue tan especial para ti. ¿Cómo lo pasaste en la gira de aniversario? ¿Fue algo más nostálgico que otra cosa? “Simplemente queríamos celebrar ese disco del que habían pasado ya veinte años y que nos había abierto las puertas para llegar a donde estamos. Por algún motivo es el disco que más gusta a los fans, los fans más hardcore, y queríamos darle ese regalo. Pero déjame decirte que no fue fácil tocar la última canción de ese álbum, ni tocarlo al completo. Fue muy duro revivir todos esos sentimientos. No creo que jamás vuelva a hacerlo, pero la gira gustó a bastante gente. Somos Korn, no hacemos conciertos donde tocamos un trabajo entero, pero lo hicimos. Fue divertido en parte, pero me recordó lo oscuro que es ese jodido disco. Hicimos como 40 ó 50 shows ese año; después de tocar tantas veces

esas canciones ya no quiero saber nada de ellas (risas). Nuestras nuevas canciones son oscuras, pero no como esa mierda. A los fans les encantó la gira, a mí no tanto, pero ya ha pasado y ahora estamos con lo nuevo. Lo hicimos por los fans”. Este mes volvéis en una gira donde tocáis con bandas muy diferentes, Heaven Shall Burn y Hellyeah. Imagino que estas cosas no son decisión tuya, pero ¿eres seguidor de alguno de estos grupos? ¿Te gusta su música? “Es todo cosa del promotor, a nosotros nos ofrecieron encabezar esa gira y dijimos que sí, pero si te soy sincero, tengo tantas cosas de las que ocuparme que ni siquiera veo a los grupos cuando estamos de gira (risas). Amo todo tipo de música y seguro que son buenas formaciones, pero si te soy sincero, no las he buscado. Estoy seguro de que será un buen pack”. A lo largo de doce álbumes habéis tenido tiempo para experimentar todo lo que queríais, y uno de los más arriesgados fue The Path Of Totality. ¿Crees que ya habéis llegado al límite o aún podéis empujar más los límites del sonido de Korn? “La cosa es que odiamos repetirnos, queremos seguir haciendo discos experimentales como The Path Of Totality y es un sentimiento que todos en la banda compartimos. Podríamos hacer el mismo disco una y otra vez con los ojos cerrados, es muy fácil, pero preferimos desafiarnos y hacer algo diferente, porque es más

divertido. Creo que el próximo álbum será así, y volveremos a experimentar, pero quizás no con algo tan extremo como hicimos en The Path Of Totality. Veremos qué pasa, no lo sabremos hasta que entremos al estudio, pero ya hablé con Head y le dije que quería un disco más experimental. Queremos hacer cosas que no hemos hecho hasta ahora, pero eso no quiere decir que no vaya a ser un disco pesado de metal”. En esta ocasión trabajasteis con Nick Raskulinecz, pero ya has pasado por muchas sesiones de grabación con Korn... ¿Crees que en un futuro te animarás a producir los discos tú mismo? “Ya lo hicimos en Take A Look In The Mirror, pero creo que esa función pertenece más a un productor como tal. Los productores sacan lo mejor de uno, por supuesto que yo les ayudo en el proceso, pero no queremos producir nuestros propios discos. Los componemos, pero llevamos tanto tiempo en esto que necesitamos a alguien objetivo en la sala. Necesitamos esa persona que escuche la canción y nos diga qué riffs funcionan, qué forma una estructura sobre la cual seguir. Alguien tiene que tener la voz cantante, alguien que nos guie. Como te decía, ya nos encargamos de la producción en Take A Look In The Mirror y salió bien, pero definitivamente nos sentimos más cómodos trabajando con productores externos”. Antes hablábamos de la vuelta de Head al grupo, y aunque haya habido cambios de componentes a lo largo

“SOMOS KORN, NO HACEMOS CONCIERTOS DONDE TOCAMOS UN TRABAJO ENTERO, PERO LO HICIMOS. FUE DIVERTIDO EN PARTE, PERO ME RECORDÓ LO OSCURO QUE ES ESE JODIDO DISCO” JONATHAN DAVIS de vuestra carrera, la formación actual parece muy estable. ¿Crees que si alguien de la formación actual se fuera sería una catástrofe? ¿Es todo el mundo indispensable de la misma manera? “En una banda los integrantes van y vienen todo el tiempo, pero lidias con el tema cuando ocurre. La formación actual es mi favorita de lejos, pero nunca se sabe… Pero no todo el mundo es reemplazable. No podríamos reemplazar a Munky, por ejemplo. Aprendemos a lidiar con ello cuando pasa, como cuando se fue Brian. En ese momento sacamos un par de discos de los que estamos muy orgullosos, empezamos a experimentar más, pero con su vuelta también volvió la química compositiva y estamos en este punto donde

Korn vuelve a ser una fuerza arrolladora. Dicho esto, nunca se sabe”. Ray Luzier lleva tocando la batería en Korn desde 2008... son ya bastantes años. ¿Sigues en contacto con David Silveria o se han roto relaciones del todo? “No, desde que pasó lo que pasó no hemos vuelto a hablar. Yo al menos no he vuelto a hablar con él”. Hace poco saliste en los medios por unas palabras sobre Roots de Sepultura, de cómo pensabas que los brasileños os habían robado el sonido en ese disco. ¿Se malinterpretó todo o realmente piensas eso? “Fue un enorme malentendido. Amo ese álbum de Sepultura y los respeto 49

“NO PODEMOS NEGARLO, HEAD HA TENIDO MUCHA INFLUENCIA EN CÓMO HA TERMINADO SONANDO THE SERENITY OF SUFFERING” JONATHAN DAVIS

muchísimo. Creo que al final fue más que el productor Ross Robinson estaba cabreado con Sepultura y las cosas se sacaron de contexto. Pero yo no diría nada así de Max, ya que fueron una de las bandas que más nos inspiraron cuando estábamos empezando. Arise y Chaos A.D. son obras fundamentales para mí. Lo que quise decir es que Sepultura habían hecho una réplica de nuestro sonido en Roots, pero no quería dar a entender que nos habían robado ni nada por el estilo. Fueron los periodistas y Ross Robinson quienes luego nos atacaron e hicieron de todo esto una bola muy grande. Nunca quise faltarle al respeto ni a Max ni a Sepultura. Amo Roots, todavía hoy es un disco increíble”. Son ya 22 años de Korn, y vuestra influencia se aprecia en muchas bandas nuevas. ¿Te sientes ya como ese tipo de grupos que sirven de inspiración para otros? “No quiero sonar pretencioso, pero creo que es así. Es algo que les ha pasado a muchas bandas en el pasado. Sepultura han influenciado a mu-

cha gente, al igual que Metallica y cualquier otra banda que lleve en esto tanto tiempo para ver a otra generación de músicos nacer. Nos sentimos orgullosos de formar parte de esto, de haber ayudado a que naciera el nu metal o como quieras llamarlo, de haber creado todo un género... es increíble. Somos parte de la jodida historia de la música (risas), y es genial ver a nuevos grupos que salen hoy en día y que te citan como influencia. Me emociona ver la pasión y el fuego en los chicos que forman bandas desde cero, como lo hicimos nosotros. Nos da fuerza para seguir adelante, para recordar dónde empezamos”. Jonathan, nos avisan de que sólo tenemos tiempo para una más. Recientemente bandas ya consagradas en el metal están haciendo locuras, por decirlo de alguna manera... Hoy Linkin Park han lanzado una canción que no tiene nada de metal, a pesar de titularse ‘Heavy’, y el otro día Metallica actuaron con Lady Gaga en los Gram-

my. ¿Deberían las bandas ponerse algún límite o está todo permitido? “Nada debería estar limitado en la música. No debería haber reglas ni nada por el estilo. Esa mentalidad es para mentes cerradas. Quizá los puristas del metal lo vean mal y hasta puedo entenderlo. A mí me pasaba lo mismo cuando era un chaval. Si las formaciones que escuchaba hacían algo así, inmediatamente dejaba de escucharlas. Pero uno crece y ve que hay más posibilidades. Si los artistas se quedan en su zona de confort, las cosas nunca van a cambiar, ni ellos van a evolucionar. Cada músico debe hacer lo que cree correcto, la creatividad es divertida y te lleva a nuevas experiencias. Nosotros mismos hemos hecho locuras con Korn y eso nos ha salvado. Nosotros formamos parte de esos artistas que hacen locuras, y me siento orgulloso de ello porque si no la música dejaría de molar”.

ESPECIAL FOTO

EL PASADO 28 DE ENERO, ANGELUS APATRIDA SUBÍAN UN ESCALÓN MÁS EN SU CARRERA AL PLANTARSE EN LA SALA GRANDE DE RAZZMATAZZ, EN BARCELONA. EL OBJETIVO ERA GRABAR EL CONCIERTO, COMO HABÍAN HECHO EL DÍA ANTES EN MADRID, PARA LA FUTURA EDICIÓN DE UN DISCO Y DVD EN DIRECTO. NUESTRA CÁMARA SE METIÓ HASTA LA COCINA PARA NO PERDER DETALLE EN UN DÍA TAN IMPORTANTE.

TEXTO: KARLES SASTRE FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

ecuerdo perfectamente que la primera vez que vi en directo a los de Albacete en la entrañable sala Mephisto de Barcelona, comentamos entusiasmados un servidor y Richard Royuela que nos parecía increíble que la banda que hacía un rato nos había dejado el culo torcido viniese de un sitio de cuyo nombre no quiero acordarme (y perdón por el chiste fácil). Y es que hacía poco que había caído en mis manos su fantástico Give ‘Em War, disco que ese año fue uno de mis favoritos y, ya para siempre, uno de mis más queridos del metal estatal. Pero ése fue sólo el principio de algo grande que muchos ya supimos ver (no era tan difícil, creedme, porque estos tipos son brutales) esa fría noche de febrero de 2008. Y, casualidades de la vida, casi nueve años después,

los cuatro jinetes de La Mancha llegaban a una sala tres veces más grande que aquélla, con una carrera ya más que consolidada a nivel internacional y dispuestos a regalarnos la grabación de un futuro álbum en vivo acompañado de un DVD para el recuerdo. Y la expectación y los nervios se palpaban en un ambiente que se fue caldeando paulatinamente ante la posibilidad de estar a las puertas de una noche histórica e inolvidable. La velada arrancó puntualmente con los transalpinos Ultra Violence dispuestos a demostrar que eran algo más que los simples teloneros de las estrellas de la noche. Y eso no es precisamente fácil cuando hay tanta expectación y tú no eres el protagonista de la fiesta de cumpleaños. Y he de confesar (y creo

que no soy el único) que a pesar de haberlos escuchado más bien poco, me sorprendieron gratamente con su thrash clásico y poderoso de toda la vida y por su buen hacer encima de las tablas a pesar de su juventud. Repasaron sus dos discos hasta la fecha, destacando ‘Lost In Decay’ y ‘Burning Through The Scars’ de su más reciente Deflect The Flow, y dejaron al público contento y caliente para afrontar lo que venía a continuación. Habrá que estar atentos a lo que nos muestran en el futuro porque prometen muchas alegrías. Tras la habitual pausa para cambiar escenario y equipo, se apagaron las luces y con los acordes de ‘You Can’t Bring Me Down’ de los míticos Suicidal Tendencies aparecieron en escena los manchegos más

internacionales (con permiso del gran Andrés Iniesta). Acompañados únicamente por una gran tela blanca con la portada de su último bombazo, Hidden Evolution, y con la audiencia totalmente entregada, empezaron a volar cabezas al ritmo de ese temazo que es ‘Immortal’ (el mismo que abre su última entrega). Un Guillermo especialmente locuaz y con cara de felicidad agradeció a los responsables el buen hacer en el cambio de recinto, de la sala Apolo a Razzmatazz. Un excelente sonido dio paso a más trallazos marca de la casa como ‘Violent Dawn’, el propio ‘Hidden Evolution’ o clásicos de la banda como ‘Vomitive’. No bajaron el nivel en toda la velada, regalándonos momentazos acojonantes y una entrega sin desfallecer que el público supo valorar

y agradecer sin descanso. Moshpits demenciales, vuelos sin motor desde el escenario y hasta el sorteo de una magnífica guitarra justo antes de arrancarnos la cabeza con la enérgica ‘Blast Off’, donde el amigo David se marcó un solo absolutamente demencial. Rajadas épicas a nuestros ‘amigos’ políticos (¡No podía faltar ‘Corruption’!) y un colofón apoteósico con ‘Thrash Attack’ y ‘You Are Next’ que nos dejó satisfechos y seguros de haber asistido a una noche para el recuerdo que, por suerte, quedará inmortalizada para siempre. Posiblemente porque ya tengo una edad recuerdo aquellas salidas fuera de nuestras fronteras de grupos como Barón Rojo o Obús como algo exótico y que no parecía tener mucho futuro. Obvio que los tiempos han cambiado y ahora la tecnología

y la globalización permiten que cualquier grupo de cualquier rincón llegue a todas partes, pero hay que ponerse de pie y aplaudir hasta que te sangren las manos a estos Angelus que desde el primer día se empeñaron en ser algo más que una banda con posibilidades de ser reconocidos mundialmente y quisieron llegar donde pocos han llegado en un mundo (a veces) tan ingrato como es el de la música. Guillermo empezó la noche diciendo: “Somos Angelus Apatrida, somos de Albacete y queremos hacer historia”. No macho, no te ofendas, pero historia ya la habéis hecho. Ahora lo que hacéis es dar clases magistrales por todo el mundo y dejando a la peña flipando exactamente como hace nueve años, preguntándose: ‘¿Seguro que son de Albacete?’.

PALLBEARER

SE ESPERABA CON GANAS LA LLEGADA DEL NUEVO DISCO DE PALLBEARER Y NO HA DECEPCIONADO. EN HEARTLESS, LA BANDA DE ARKANSAS VUELVE A SERVIR SU DOOM PROGRESIVO CON UNA ELEGANCIA EXQUISITA. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

PALLBEARER , Brett Campell, vocalista y guitarra de Pallbearer, recibe nuestra llamada mientras prepara un playlist para Spotify que le ha pedido su sello. “No sé si alguien lo escuchará, pero me estoy entreteniendo”, bromea. Pero no le hemos llamado para hablar de las canciones que ha incluido en esa lista, sino de las siete que forman Heartless (Profound Lore/ Nuclear Blast), el tercer trabajo del grupo que se publicará el 24 marzo. Puede que suenen algo más accesibles y directas que las de trabajos anteriores, pero que nadie se lleve a engaño. Brett y sus compañeros Devin Holt (guitarra), Joe D. Rowland (bajo) y Mark Lierly (batería) no se han sentido tentados por los cantos de sirena del mainstream y han grabado un disco para agradar a las masas. Los tempos lentos característicos del doom siguen ahí, al igual que sus trabajados arreglos de guitarra que interactúan con las líneas del bajo y unas melodías vocales celestiales. Todo apunta a que pueden salir del underground -de hecho, ya asomaron la cabeza con su anterior Foundations Of Burden-, pero si lo consiguen, será con sus propias condiciones. Prueba de ello es que el cuarteto de Little Rock decidiera pro60

mente nos lleva un par de años”.

ducirse el disco ellos mismos –si bien acudieron al reputado Joe Barresi para que hiciera las mezclas- o que lo cierre una composición, ‘Dancing In Madness’, de casi 12 minutos. O ni que pueda parecer anecdótico, Brett nos pide que les mandemos un saludo a Adrift. “Tocamos con ellos en Austria y luego coincidimos en Madrid. Son geniales”. Dense por saludados. ¿En qué circunstancias se produjo la creación del nuevo disco? BRETT CAMPBELL “Estuvimos casi dos años de gira con Foundations Of Burden y personalmente estaba totalmente seco en cuanto a nuevo material. Me gusta mucho componer, pero es muy difícil hacerlo en la carretera porque hay demasiadas distracciones. Cuando volví a casa tenía muchas ganas de ponerme a ello. Nos tomamos unas tres semanas de descanso y luego empezamos a ensayar. Sorprendentemente, la mayoría de los temas surgieron de improvisar en los ensayos, porque normalmente solemos hacerlo por separado, cada uno por su cuenta. Pero en este disco, más que nunca lo hicimos colectivamente. Estuvimos unos ocho o nueve meses componiendo, lo cual es muy rápido para nosotros. Normal-

¿Tiene que ver esa lentitud con que sois muy detallistas? Para mí, vuestros arreglos parecen casi compuestos para una orquesta, aunque sean tocados por una banda. “Sí, tío, es justo eso. Son como pequeñas sinfonías tocadas por una banda de metal. De todos modos, en este disco hay más patrones de estrofa, estribillo, estrofa; o más bien diría que hay canciones pop integradas dentro de piezas más largas. Por ejemplo, el último tema ‘A Plea For Understanding’ tiene en medio una canción pop y el resto son 7 minutos de otras cosas. Somos muy meticulosos porque intentamos meter muchos elementos. Tienes que tener cuidado para que no parezca un barullo”. ¿Alguno de vosotros tenéis algún tipo de formación clásica? ¿Sabéis leer partituras, por ejemplo? “No. En la escuela tocaba en una banda y sabía leer partituras para saxofón, que era el instrumento que tocaba entonces, pero nada más. Devin, el otro guitarrista, ha estudiado mucho en los últimos meses; probablemente sabe más que yo. Pero básicamente escribimos por instinto, sin saber muy bien lo que hacemos (risas)”. De todos modos, sorprende que pudierais ser más eficientes componiendo juntos, porque hacerlo así lleva más a tener discusiones, ¿no? “En teoría debería ser así, pero la realidad es que nos llevamos muy bien. Conozco muchos grupos que no se hablan, pero siguen juntos para ganar-

se la vida. En nuestro caso, tenemos muy buena relación, hacemos juntos muchas cosas fuera del grupo. Podemos discutir si a alguien le gusta mucho una parte, y otro dice que no le gusta, pero no llegamos a pelearnos. Somos bastante democráticos en ese aspecto. Fue un proceso muy natural, si Devin u otro sacaba un riff, yo me lo aprendía y a partir de ahí me venía otra idea. Igual parábamos diez minutos para fumar y luego alguien proponía otra idea, y así continuamente. Fue muy divertido. Por otra parte, Joe, que solía ser el compositor principal junto a mí, vive ahora en Nueva York y no estuvo en todos los ensayos. Así que eso dejó un poco más de espacio para que participaran los demás. Devin escribió mucho más en este disco que en los anteriores”. ¿Habíais hablado de antemano qué dirección queríais tomar más o menos? “Sinceramente, no teníamos ni idea de lo que íbamos a hacer antes de empezar. Personalmente pensaba que íbamos a hacer algo más atmosférico y lento, pero no acabó siendo así. Al revés, es más rápido de lo que solemos ser y hay un par de momentos casi death metal o algo así. Supongo que escribirlo en un periodo más corto hizo que hubiera un mismo sentimiento en todo el álbum. Es un poco más agresivo y enérgico que los discos anteriores”. Supongo que el haber estado girando y sentir la reacción del público también os influyó en eso. “Totalmente. Hubo partes que eran más extrañas que quitamos porque sabíamos que no funcionarían en direc-

“EN ESTE DISCO LAS LETRAS SON MÁS UNA REACCIÓN A LO QUE VEMOS A NUESTRO ALREDEDOR QUE LO QUE NOS HA OCURRIDO A NIVEL INDIVIDUAL”

to. En los conciertos, las partes con más energía son las que mejor funcionan. Intentamos ser un poco más Pink Floyd, pero no acababa de funcionar al lado del otro material que estábamos escribiendo. Quizá el cuarto disco sea más expansivo, ¿quién sabe?”. Aunque siempre se os asocia con el doom, también tenéis un poso progresivo. En este disco no he podido evitar pensar en Rush en muchos momentos. “¡Tío, Rush es mi grupo favorito! Para mí son mi ideal de banda. Obviamente tenemos un lado mucho más oscuro que ellos, pero dejando de lado su primero disco, desde que Neil Peart se unió al grupo han sido siempre los mismos tres miembros. Son como hermanos, son una unidad. Creo que eso es muy importante en un grupo. Técnicamente se han separado, pero espero que hagan como todos los grupos y acaben haciendo un nuevo disco y se reactiven. Cada uno de sus discos suena distinto, pero sigue sonando a Rush. Si cogieras Permanent Waves y te saltaras cinco álbumes, verías que suenan muy distintos, pero seguirías sabiendo que es Rush. Y aunque tienen discos mejores y peores, no tienen uno malo. En mi opinión, nunca dieron un paso en falso. Admiro mucho su capacidad de riesgo”. ¿Te ves algún día haciendo

como ellos un trabajo como Grace Under Pressure o un tema pop como ‘Limelight’? “Espero que sí (risas). Me encantaría. Por cierto, ¿sabes la historia del solo de guitarra de ‘Limelight’?”. La verdad es que no. “Por lo visto estaban grabando en un estudio en las montañas, en Canadá. Alex (Lifeson) sacó su equipo y lo dirigió a las montañas, con los micrófonos apuntando a las montañas. Así que toda la reverb que se escucha es el eco de la montaña. ¡Por eso suena tan épico! Por desgracia, aquí todas las montañas que tenemos son pequeñas (risas)”. Gracias por la historia (risas). Decidisteis producir el disco vosotros mismos. ¿No pudisteis pensar en nadie que os pudiera aportar algo? “Billy Anderson hizo el álbum anterior y fue genial. Nos enseñó bastantes cosas. Lo que pasa es que, como decíamos antes, nosotros ya trabajamos mucho en los arreglos, con lo cual realmente no necesitamos un productor que nos diga qué hacer. Para mí fue un poco agotador porque estuve allí todo el tiempo para asegurarme de que no había ninguna nota fuera de sitio o desafinada. Fueron seis semanas en total. Grabamos en un estudio a menos de una milla de nuestras casas, excepto por Joe, claro. Es un estu61

dio pequeño pero muy chulo. Además, teníamos que comprarnos nuevo equipo porque el otro estaba hecho polvo después de tantos años. Así que cogimos el dinero del avance de Profound Lore y lo invertimos en eso en lugar de ir a un estudio con más nombre en otro sitio o coger un productor. Tuvimos a dos chicos de ingenieros y lo hicieron muy bien. Pero queríamos escoger la opción más barata para grabar”. Y pudisteis ahorrar dinero para contratar a Joe Barresi para las mezclas. “Exacto. Joe hizo un trabajo espectacular. Nos gustaría haber estado con él, pero lo hicimos mandándonos ficheros. Creo que consiguió un sonido muy orgánico, old school, casi como Thin Lizzy, pero también suena más duro. Un equilibrio entre vintage y moderno. Me gustó mucho lo que hizo sólo con algunas observaciones que le mandamos”. ¿Hubo alguna pista o parte que muteara, que esperabas encontrar en la mezcla final? “Mmm… no. Todo lo que grabamos estaba ahí. Grabamos como seis pistas por persona, incluso más. Por ejemplo, de cada guitarra rítmica hay tres pistas de cada uno en todo el disco. Creo que debió haber leído alguna entrevista con Billy Anderson en la mencionaba la cantidad de pistas que grabábamos y la pesadilla que había sido mezclar Foundations Of Burden, porque Joe nos dijo que si le mandábamos más de 40 pistas nos cobraría horas extras (risas). Así que le mandamos exactamente 40 pistas (risas)”. Ni una más ni una menos (ri-

sas). En cuanto al contenido del disco, diría que es un poco menos introspectivo y más social. ¿Estás de acuerdo? “En parte sí. Hay algunas canciones que miran mucho al interior y en las que hablo de cosas personales, pero hay otras en las que hablo más de los cerdos militaristas, por ejemplo. Para mí la canción ‘Foundations’ del disco anterior puede ser tomada desde una visión interior o exterior, pero tienes razón en que quizá en este álbum las letras son más una reacción a lo que vemos a nuestro alrededor que lo que nos ha ocurrido a nivel individual. ‘I Saw The End’ habla de los defectos de la raza humana y de cómo nos empeñamos en jodernos la vida los unos a los otros. En general diría que hay más variedad en las letras”. Al contrario que otras bandas doom, tu voz tiene mucho protagonismo y suena con mucha claridad. ¿Te estresas mucho antes de grabarlas? “No, aunque debería (risas). Es después de grabarlas cuando me estreso (risas). La verdad es que no me pongo limitaciones cuando compongo, si la melodía tiene que ser de esa manera, la hago. El problema es después, cuando pienso que tendré que cantarlo cada noche (risas). En el estudio es fácil porque te escuchas perfectamente y puedes repetir alguna toma, pero en directo es otra historia. De todos modos, intento no hacer algo tan extremo que sepa que seré incapaz de cantar en los conciertos. Hay algunas armonías vocales que no hacemos, pero en general tengo un registro de voz bastante amplio, aunque mi voz normal sea bastante grave”.

Sí, me la esperaba bastante más aguda. “(Risas) Sí, ya me lo han dicho. Pero la verdad es que cuanto más hemos tocado, más he desarrollado mis tonos agudos. Siempre he podido llegar a notas altas, pero ahora lo puedo hacer de manera más controlada y que suene bien. Cuando empezamos, yo ni era cantante. Había cantado por diversión, o en un karaoke, pero nunca en serio. Pasé de un grupo noise experimental a un grupo de heavy doom con unas voces que podrían hacer Bruce Dickinson o Dio, pero no tenía ninguna experiencia. Todavía me cuesta pensar en mí mismo en esos términos, pero la

“AUNQUE NO LO CREAS, DEJÉ DE ESCUCHAR A MASTODON DESPUÉS DE REMISSION. ME ENCANTABA ESE DISCO, PERO LUEGO ME DECEPCIONARON PORQUE SE SUAVIZARON”

realidad es que si canto en el grupo es sólo porque soy el que canta mejor de los cuatro (risas). De todos modos, Devin y Joe han grabado más voces en este disco, aunque cueste distinguirlas. Pero para mí el objetivo sería ser como Yes, donde todos los miembros cantaban y conseguían unas texturas muy densas, como un coro. Me pregunto por qué no hay más bandas de metal que hagan eso, como una versión heavy de los Beach Boys”. Bueno, Mastodon se acercan bastante a eso. “Sí, tienes razón. Aunque no lo creas, dejé de escucharles después de Remis-

sion. Me encantaba ese disco, pero luego me decepcionaron porque se suavizaron. Sé que está fatal, y es lo que yo critico de otra gente, pero a veces soy así de cerrado (risas)”. Pues te has perdido grandes discos. “Lo sé. He escuchado su última canción y me gusta. Seguro que me gustan porque también tienen un punto progresivo… Pero no sé, me gustaba tanto lo duros que sonaron en Remission que luego me cabreé (risas)”.

poco te mueves... ¿Alguna vez sientes celos cuando ves a otro grupo que corre y salta? “(Risas) Sí, totalmente. La verdad es que no puedo moverme demasiado. Hasta que lleguemos a tener un escenario como Metallica con micros y pedaleras por todos sitios, no creo que pueda. Pero eso sólo pasará en un universo paralelo (risas). Además, en la próxima gira voy a tocar teclados también, así que aún estaré más parado (risas)”.

Vuestra música no es precisamente animada y, en directo,

DISCO DEL MES

H Eternity, In Your Arms (ROADRUNNER) PUNK ROCK

ay bandas que no sabes muy bien por qué, te caen en gracia desde el primer día que llegan a tu vida. Creeper es una de ellas. Cuando hace unos meses entrevistaba a Will Gould e Ian Miles, vocalista y guitarrista respectivamente, aprovechando su paso por nuestro país como teloneros de Pierce The Veil, me sorprendieron diciendo que Bat Out Of Hell, el clásico de 1977 de Meat Loaf, y las maneras de su compositor Jim Steinman, habían sido una gran influencia en su álbum de debut, en ese momento, todavía por

CREEPER

publicar. Me extrañó que los citaran porque no me cuadraba para nada con la idea, tanto musical como estética, que tenía hecha del grupo hasta ese momento, más cercana al punk gótico de AFI, y pensé que quizá se trataría de una influencia más bien secundaria. Pero resulta que no, y el entusiasmo que mostraban al hablar de ese disco se palpa a fondo en varios de los cortes de Eternity, In Your Arms, que verá la luz el 24 de marzo. Es refrescante ver cómo un grupo actual no se obsesiona por los sonidos contemporáneos, sino que es capaz de inspirarse en obras

publicadas cuando ni habían nacido. Esta amplitud de influencias es la que acaba haciendo que la puesta de largo de Creeper sea un álbum atractivo a la par que entretenido. Quienes se hubieran interesado por el sexteto de Southampton por sus EPs previos y esa faceta más punk no se sentirán decepcionados para nada cuando escuchen los primeros cortes del disco. Unas lúgubres notas de piano y una voz femenina recitada nos adentran en esa atmósfera oscura que domina el disco, y a continuación suenan ‘Black Rain’ y ‘Poison

Pens’, dos piezas que podrían haber salido de Black Sails In The Sunset de los propios AFI, la primera con el punto justo de épica y la segunda, más rápida, con unos coros cercanos al hardcore. A continuación nos encontramos con la explosiva ‘Suzanne’, un pedazo de single, más rockero y con un punto a los Misfits que me pone mucho. ‘Hiding With Boys’ es incluso más pegadiza, con Creeper apropiándose del punk pop made in Alkaline Trio y una melodía que parece salida de la pluma de Matt Skiba; un truco que vuelven a utilizar más adelante en ‘Darling’, a su puente me remito. Luego llega la primera

unos grillos empalman con el inicio de ‘Crickets’, una balada acústica cercana al country donde Hanna toma la voz cantante y en la que hasta suena un violín. Es una pieza preciosa y emotiva que nadie esperaría en un disco así. “Eras mi sueño, ahora mi pesadilla”, canta la teclista rompiéndosele la voz. Después de la citada ‘Darling’ llega ‘Winona Forever’ y aquí, Gould y sus compañeros se quitan la careta y mientras las estrofas son más punk, en el estribillo ofrecen un rock’n’roll muy Meat Loaf con unos coros de película a lo Grease. Para terminar, otra muy buena balada, ‘I Choose Forever’, si cabe aún más Meat

“UNA EXCELENTE CARTA DE PRESENTACIÓN PARA UNA BANDA CON UN POTENCIAL ENORME.”

balada del disco, ‘Misery’, con Will Gould cantando acompañado por una sola guitarra y un estribillo a lo My Chemical Romance (“La miseria nunca pasa de moda”), pero que para nada resulta empalagoso. ‘Down Below’ recupera las pulsaciones en otro tema de punk rock clásico, pero que en sus últimos compases cambia de registro y un piano consigue que te la imagines en un musical de Broadway. ‘Room 309’ trota a ritmo de tupa-tupa hasta que llega otro escalofriante final con Gould cantando a dúo con Hanna Greenwood, la teclista. El sonido de

Loaf, sostenida sobre un piano y tan melodramática que podría formar parte del libreto de El Fantasma De La Ópera. Tiene un punto cheesy, pero es tal la convicción que le ponen que sabes que es más un homenaje que una parodia. Eternity, In Your Arms es un disco de fácil digestión -te acordarás de todos los temas a la primera escucha-, pero presenta suficientes recursos para que no te canses de él cuando lleves más de diez. Una excelente carta de presentación para una banda con un potencial enorme. JORDI MEYA

LOS TIKI PHANTOMS HAS DE SABER... FORMACIÓN: El Caníbal (guitarra), El Dorado (guitarra), El

Jíbaro (bajo), El Bravo (batería) PRODUCIDO POR: Mario Patiño y Edgar Beltri AFINES A: Los Straitjackets, Man Or Astroman?, Link Wray PÁGINA WEB: www.facebook.com/lostikifans

P Aventuras En Celuloide (DISCMEDI) SURF ROCK

or mucho que ya se haya cumplido más de una década desde que el Gran Dios Tiki les devolviese a la vida, Los Tiki Phantoms no muestran intención alguna de quitar el pie del acelerador. De hecho, apenas han pasado dos años desde El Misterio Del Talismán y ya están de vuelta con su quinta aventura. Para esta ocasión, esta panda de esqueletos gamberros ha optado por homenajear a su manera algunas de sus películas favoritas. Porque aparte de vivir en su volcán, ir a la playa a hacer surf y convertir a nuevos adeptos a su religión, a los Tiki les encanta ir a pasar las tardes del fin de

semana al cine y atiborrarse de palomitas y refrescos de cola. En Aventuras En Celuloide, además de su habitual maestría en esto del surf rock (‘El Barón Rojo’, ‘Rock Mandala’, ‘Marcha Atrás’), nos invitan a trepidantes carreras de ‘Locos Sobre Ruedas’, huir en una persecución a lomos de ‘El Caballo Del Malo’, meternos en un guateque sesentero con ‘La Bruja Ye-Ye’, realizar un ‘Viaje Estelar’ hacía galaxias muy lejanas, peregrinar junto a ‘El Renacido’ con su sintonía a lo spaghetti western, repartir mamporros a ritmo de ‘Kung Fu Tiki’ y a hasta echar un ‘Kiki En La Playa’ inspirado por, según cuentan ellos

mismos, la versión para adultos de Los Vigilantes De La Playa. Y aunque en realidad todo esto ya se lo hemos visto hacer en anteriores entregas, lo cierto es que cualquiera de las 15 canciones que aquí presentan servirán de excusa para los próximos sacrificios que lleven a cabo en sus conciertos o para poner patas arriba las salas con su siempre espectacular tikiconga. Así que ya sabéis, malditos: pasaros al lado tiki o preparaos para bailar hasta la extenuación. Por su parte, seguro que Tarantino anda buscando su número de móvil para su próxima película. GONZALO PUEBLA

HABLAMOS CON... EL CANÍBAL Cada uno de vuestros discos parece tener un tema central o concepto... En este caso es el cine. ¿Pero viene primero el concepto y luego sale la música, o simplemente es un envoltorio para vendernos, nunca mejor dicho, la película? “Nos has pillado, tío. Todo es improvisación en el mundo Tiki. Nunca sabemos lo que vamos a componer. Tenemos que tocar lo que nos sale. Somos una banda instrumental y nuestras canciones no hablan ni de amor, ni de sexo, ni de drogas, así que tenemos que buscarle un concepto”. ¿Pero sois muy fans del cine? “Hace 50 años hicimos nuestros cameos. Si ves algunas películas de Bud Spencer y Terence Hill, hay fotogramas clave en los que aparecemos en el fondo. Pero lo que pasó es que hace dos

años descubrimos el Talismán, pero el poder que nos dio para hacer una gira durante un año, luego se esfumó. Estábamos con las baterías fundidas. Entonces descubrimos el password del servicio de pelis online del vecino del volcán de al lado y nos tiramos un año entero viendo películas, documentales, series… pero nada de cine finlandés, sueco o iraní; nosotros somos más básicos. El caso es que un día sonó el teléfono y era el Gran Dios Tiki, y nos dijo que los likes de nuestro Facebook estaban bajando y que nos teníamos que poner en marcha para seguir consiguiendo adeptos. Esto nos acojonó y en un mes tuvimos que componer el disco”. Me ha parecido más alegre... “¿Sí? Eso es porque hay menos La Menor. Yo soy un adicto al La Menor y eso hace que salgan canciones más tristes como ‘El Renacido’ o ‘Kiki En La Playa’.

Pero El Dorado está en el La Mayor y le da más positividad y alegría. En este disco ha ganado El Dorado”. Salir del volcán para tocar tiene que ser una putada. “Sí, sobre todo en invierno, porque se está muy calentito. Pero al final somos gente elegante, nos gusta vestir bien, pero el calor de las fans nos arropa mucho. Sobre todo lo que queremos es que la gente se lo pase bien. Ése es el principal objetivo desde el principio”. Precisamente por esa faceta divertida os llaman mucho para tocar en fiestas o eventos. ¿Alguna vez decís que no? “Sólo cuando nos llaman de bautizos, porque para nosotros tiene que ser bautizo/sacrifico, y entonces nos dicen que para qué lo van a bautizar si luego lo tienen que sacrificar”. (JORDI MEYA)

THE MENZINGERS After The Party (EPITAPH)

PUNK ROCK

ónde vamos a ir ahora que ya pasamos de los 20?”, se preguntan The Menzingers en ‘Tellin Lies’, el estupendo tema que abre su estupendísimo quinto disco. Son el paso del tiempo y las contradicciones que provoca la asunción de responsabilidades de ‘la vida adulta’ cuando te ganas la vida tocando en una banda de punk rock, los ejes temáticos de un álbum que tiene la respuesta a la pregunta inicial en sí mismo. Y es que cuando estás en una formación tan buena como The Menzingers, no te preocupes, seguro que

las cosas te irán bien. Lo mejor que puedo decir de un álbum es que no me sobra ni una de sus canciones, y eso es lo que pienso cada vez que escucho After The Party. Además, las 13 aquí incluidas fluyen armónicamente y se complementan y retroalimentan unas a otras. El que la banda cuente con dos vocalistas, Greg Barnett y Tom May, ayuda también a que el dinamismo se mantenga de principio a fin. Es como si cada vez que uno pudiera bajar el nivel de energía, el otro recogiera el testigo para volverlo a subir. Ya sea con un riff tan efectivo como el de ‘Thick As Thieves’, estribillos triunfales como los de ‘Lookers’ o ‘Boy Blue’, melodías mágicas como las de ‘Charlie’s Army’ o ‘House On Fire’, el crescendo de ‘The Bars’ o la elegancia resignada de las guitarras en ‘Livin’ Ain’t Easy’, The Menzingers eligen siempre la opción correcta. Si On The Impossible Past fue nuestro Disco del Año en 2012, no sé qué haremos con After The Party, porque es incluso mejor. JORDI MEYA

DANKO JONES Wild Cat (AFM)

ROCK

iel a su cita cada dos años, Danko Jones está de vuelta con un nuevo disco, el octavo ya del trío de Toronto. A estas alturas me imagino que nadie espera de él grandes novedades a nivel musical. A Danko se la suda si se lleva el metalcore, el EDM o el country; él sigue aferrado a su musculoso rock como si no existieran modas ni tendencias. A cambio, sabemos que podemos confiar en él para ofrecernos otra ración de himnos cargados de riffs, buenas vibraciones y letras de alto voltaje sexual. La misma fiabilidad que demuestra cuando se sube a

un escenario la tiene ahora cuando entra en el estudio, y Wild Cat, que, de nuevo, ha producido Eric Ratz, verifica que sabe muy bien cómo trasladar esa misma energía a sus grabaciones. Al grito de ‘I Gotta Rock’, el Mango Kid y sus escuderos, John Calabrese al bajo y Rich Knox a la batería, empiezan a pegarnos arañazos e insisten con ‘My Little RnR’ y ‘Going Out Tonight’. A continuación se ponen un poco más melódicos con ‘You Are My Woman’, un tema súper pegadizo con un aire muy Thin Lizzy y ‘Do This Every Night’, que funcionaría de maravilla en un concurso de Miss Camiseta Mojada. Luego en ‘Let’s Start Dancing’ y ‘Wild Cat’ se aceleran poniéndose el traje de los primeros Van Halen y Danko nos ofrece su mejor imitación de David Lee Roth. ¡Finísimo! En la recta final la vacilona ‘Success In Bed’, ‘Diamond Lady’, con un galope a lo Deep Purple, y ‘Revolution (But Then We Make Love)’ certifican que, a la hora de hacer rock, Danko sigue siendo un empotrador de primera. DAVID GARCELL

LA SELECCIÓN

ERIC FUENTES Cemetery Of Virtue (FAIR WARNING)

ROCK ACÚSTICO

or si Eric Fuentes no estuviera suficientemente ocupado con su carrera en solitario, como guitarrista de It’s Not Not, produciendo a bandas como Cala Vento, con su sello Hang The DJ! o resucitando a The Unfinished Sympathy, encima va y aprovecha sus vacaciones para meterse en un estudio y grabar unas cuantas versiones. Eso fue lo que hizo en abril del año pasado en Los Ángeles donde, dice “inspirado en las bondades y miserias” de la ciudad, decidió rescatar cinco canciones de algunos de sus grupos favoritos, incluidos los propios Unfinished. ¿Y por qué no? Después de tenerlas guardadas en un cajón todos estos meses, por fin ven ahora la luz en un vinilo de 12” donde el barcelonés nos muestra su versión más desnuda. Armado sólo con su voz y una guitarra acústica, sin ningún tipo de floritura ni añadido, Eric nos ofrece urgentes y sentidas versiones de

‘Clean’ de Samiam, ‘Outlive The Man’ de Sense Field, ‘Red House T-Shirt’ de Shudder To Think y ‘My Curse’ de The Afghan Whigs, grupos todos ellos procedentes de una década, los 90, en la que el emo, el post hardcore y el rock alternativo escribieron algunas de sus mejores páginas y que, no hay duda, marcaron al joven Eric. Como propina, ‘You’ve Got A Long Run’ de Unfinished pone de relieve su propio talento como compositor y nos sirve para abrir boca de cara al nuevo álbum de la banda, que, parece, se está cociendo en estos momentos. JORDI MEYA

N IRON REAGAN Crossover Ministry (RELAPSE)

CROSSOVER

o sabemos muy bien lo que debe pasar por la cabeza de Tony Foresta y Landphil Hall –vocalista uno y bajista y líder oficioso el otro- respecto a si quieren más a papá (Municipal Waste) o mamá (Iron Reagan), porque ninguna de las dos bandas es precisamente un ejemplo de celeridad y productividad a la hora de editar discos, pero uno tiene la impresión de que Iron Reagan en estos momentos está ganando la partida. Realmente la línea que separa estilísticamente a las dos bandas no siempre es fácil de ver, ya que ambas parten de ese crossover thrash tan propio de finales de los 80, aunque hilando fino, Iron Reagan se decantan más hacia el hardcore punk y la temática política de lo que lo hace

S EXQUIRLA

Para Quienes Aún Viven (SUPERBALL MUSIC)

ROCK EXPERIMENTAL

eguro que no soy el único que algún día se había preguntado cómo sonarían Toundra con un cantante. Las posibilidades a la hora de imaginarlo eran infinitas, desde una voz agresiva a lo Neurosis, una más gritona en plan screamo o incluso una femenina, como hicieron con Maika Makowski en su versión de The Mars Volta para nuestra Bipolar Sessions. Lo que no se me había ni ocurrido es que, puestos a probarlo, se decidieran por un cantante de flamenco. Pero claro, tampoco han optado por un cantaor convencional, sino por Niño De Elche, un artista

su banda hermana. Sea como sea, si hay algo claro es que Iron Reagan tienen un mojo especial para el estilo que hacen. Viendo su discografía no han hecho más que ir para arriba, y aunque no hayan inventado absolutamente nada, han sabido revivir un sonido que parecía ya propio de otras épocas. 18 temas en 29 minutos de pura locura sónica, donde el pedal de freno quedó averiado hace tiempo y con unos

textos donde la corrección política se la pasan por el forro. Que nadie le busque los tres pies al gato: esto es lo que es, pero ahora que todo el mundo busca en la old school algo así como el Santo Grial, casi nadie ha sabido llevarse a su terreno ese espíritu como Iron Reagan. Solamente cabe esperar que sean más activos con sus directos. Es lo único que les falta para petar bien fuerte.

polifacético cuya propia carrera es tan insólita como esta colaboración. En el apartado musical, excepto algunos arpegios y recursos, que, por otra parte, Toundra ya habían utilizado en sus propios discos, la influencia del flamenco es bastante colateral. La banda hace alarde de toda su clase y versatilidad (‘Hijos De La Rabia’ muerde y seduce durante su recorrido), pero recae en Niño De Elche, con su poderosa y profunda voz y sus inflexiones melódicas, el papel de tirar estas composiciones hacia su universo. La carga política del álbum, banda sonora

de una crisis sistémica por resolver, se transmite más a través de los poros que del discurso, pero en piezas como la punzante ‘Europa Muda’ o ‘Destruidnos Juntos’ se les entiende todo. Cuando se habla de rock y flamenco es inevitable que nos venga a la cabeza aquel Omega de Enrique Morente y Lagartija Nick, pero más allá de la premisa inicial, pocos puntos de conexión encontraremos con el debut de Exquirla. En este caso, más que de fusión, hablaría de unión, y quizá ésa es la única pega que le pondría a un álbum único.

RICHARD ROYUELA

JORDI MEYA

GREG GRAFFIN Millport (ANTI-/PIAS)

AMERICANA

ace 36 años, Greg Graffin ofrecía su primer concierto como vocalista de Bad Religion en un viejo almacén en Santa Ana, California, compartiendo cartel con Social Distortion. El destino ha querido que sus caminos hayan vuelto a cruzarse, aunque en un contexto totalmente distinto. Para su tercer disco en solitario, Graffin ha reclutado a los músicos que acompañan habitualmente a Mike Ness –el guitarrista Jonny ‘Two Bags’ Wickersham, el bajista Brent Harding y el batería David Hidalgo

Jr.- y, junto a su amigo de infancia David Bragger, que se hace cargo del banjo y el violín, se ha dedicado a recrear la música que le emocionó antes de descubrir el punk rock cuando en los 70 se mudó de Wisconsin a California. Artistas como Crosby, Stills And Nash, Emmylou Harris, Linda Ronstadt o The Eagles dominaban las ondas, y su influencia, junto al góspel y el folk, es la que domina este Millport. Si sus trabajos anteriores podían sonar, en ocasiones, como versiones acústicas de Bad Religion, aquí su enfoque ha sido mucho más purista. Más allá de su timbre de voz, no hay nada que recuerde a su principal banda: ‘Backroads Of My Mind’ y ‘Making Time’ son country rock con unos deliciosos coros a lo Eagles, ‘Echo On The Hill’ y ‘Sawmill’ son puro bluegrass, y ‘Time Of Need’ es un himno de iglesia. Los temas están bien y todo suena excelentemente, pero el único problema es que, queriendo ser tan fiel a sus raíces, se ha olvidado de impregnarle su personalidad. JORDI MEYA

DEAF HAVANA

All These Countless Nights (SO RECORDINGS)

ROCK

omo diría aquél, a Deaf Havana no los reconocería ni la madre que los parió. Cuando publicaron su primer álbum Meet Me Halfway, At Least en 2009, el grupo británico se movía dentro del post hardcore, incluso su vocalista, en aquel momento Ryan Mellor, soltaba algún grito. Con su marcha y la toma de ese rol por parte del guitarrista James VeckGilodi, las cosas cambiaron y empezaron a orientarse hacia el rock alternativo. Su popularidad empezó a subir y, cuatro años más tarde, su tercer álbum Old Souls entró

en el top 10 en su país. Desde entonces han vivido turbulencias internas, en parte motivadas porque a su nuevo líder le dio por darle a la botella para superar el estrés y, por otro lado, por su obsesión por triunfar en Estados Unidos, pero tras una breve separación, las aguas han vuelto a su cauce. Pero si su anterior trabajo venía marcado por la influencia americana, en especial de Springsteen, en All These Countless Nights parecen haber tenido como referentes a bandas de su país como Stereophonics o Feeder que han sabido ir modulando su discurso para llegar a un público más adulto. Así, su cuarto álbum nos muestra a una banda madura que sigue rockeando cuando se lo pide el cuerpo, como en ‘Fever’ o ‘Sing’, con su riff inicial a lo Smashing Pumpkins, pero a la que sobre todo se nota cómoda en los medio tiempos y temas lentos (‘Happiness’, ‘Seattle’, ‘St. Paul’), en los que Veck-Gilodi se luce como autor e intérprete. MARC LÓPEZ

C CLOUD NOTHINGS Life Without Sound (WICHITA/PIAS)

INDIE ROCK

omo la lluvia fina, pero persistente, la música de Cloud Nothings ha ido calando entre los seguidores del rock independiente americano. Nunca han tenido un hit ni han generado grandes titulares, pero a lo largo de los últimos ocho años, lo que empezó como el proyecto unipersonal de un estudiante de 18 años, Dylan Baldi, se ha convertido en una banda conocida y reconocida dentro de la escena. Su cuarto álbum, Life Without Sound, debería cementar todavía más esta posición dentro de la misma cadena evolutiva de la que forman parte Superchunk, Pavement, Weezer o Death Cab For Cutie. Decía Dylan que este disco es su “versión de la música new age”, pero si bien se trata de un disco más contemplativo y menos

P SUICIDE SILENCE Suicide Silence (NUCLEAR BLAST)

METAL ALTERNATIVO

or muy chocante que pueda parecer la metamorfosis que Suicide Silence han experimentado en este nuevo disco, no es algo que no se intuyera desde que publicaron The Black Crown. Lo de ser los reyes del deathcore les ha ido bien hasta que han comprobado que esta escena no da más de sí, y como son yanquis y llevan el business en la sangre, no les ha temblado el pulso a la hora de renegar de todo lo que eran para intentar dar el paso hacia las grandes ligas, por muchos fans que les cueste la jugada. Porque a

jovial que los anteriores, sus guitarras siguen sonando igual de vibrantes y, como en el caso de ‘Things Are Right With You’ o ‘Internal World’, conteniendo piezas que te atrapan desde el primer momento. Con la ayuda del productor John Goodmanson (Sleater Kinney, The Blood Brothers), la banda de Cleveland le ha añadido empaque a su habitual sonido lo-fi y transita plácidamente entre el rock disonante de

‘Darkened Rings’, la faceta más pop de ‘Modern Act’ o ‘Enter Entirely’ (¡Cómo hubiera triunfado este tema en los 90!), y un tramo final más oscuro y áspero con ‘Stranger Year’ y ‘Realize My Fate’ en el que, aferrándose al noise de Sonic Youth, Dylan sube la intensidad de su interpretación vocal y saca la rabia que parece haber ir ido acumulando en los temas anteriores. Merece la pena acompañarles.

operación mercantil huele cada centímetro de este álbum, a drástico lavado de cara para chiflar a ese chaval de 18 años que no tiene ni idea de qué es The Cleansing. Y ojo, que no suspendo este homónimo por ello, ni tan siquiera porque la invertebrada ‘Doris’ o ‘Dying In A Red Room’ suenen a unos Deftones de baratillo, o porque ‘Conformity’ sea Marilyn Manson, ‘Listen’ puede que Korn, o ‘Don’t Be Careful You Might Hurt Yourself’, un calco del típico tema burrote de Slipknot. No, por muy temazo que me parezca ‘Silence’, me cargo esta obra por aburrida,

por ser un infalible antídoto contra el insomnio. Siento decírtelo, Alex Lopez, pero Suicide Silence es imposible que me cambie la vida porque lo he escuchado una y mil veces en los últimos veinte años. En todo caso, lo único increíble aquí es Eddie Hermida a las múltiples voces. Vas a detestar este álbum si les sigues desde el principio, pero estoy seguro de que será todo un pelotazo. Fijaros bien en quién acompaña a Disturbed o Five Finger en sus próximos súper tours por Estados Unidos, porque para eso ha sido diseñado este trabajo.

MARC LÓPEZ

PAU NAVARRA

JAPANDROIDS Near To The Wild Heart Of Life (ANTI-/PIAS)

ROCK

ue me parta un rayo si ‘Near To The Wild Heart Of Life’, tema que abre el tercer álbum de Japandroids de mismo título, no es una de las canciones más excitantes que he escuchado en los últimos meses. Desde que empieza hasta que suena el último estribillo -con otros coros que arrasarán en cada festival que pisen-, es difícil no sentir cómo el nivel de adrenalina te va subiendo varios enteros. No se queda atrás el segundo corte, ‘North East South West’, un recorrido geográfico por Estados Unidos a lomos de una guitarra acústica que suena de lo más electrizante.

Bastan estas dos canciones para observar también que este tercer disco del dúo canadiense es distinto a los anteriores. La producción es mucho más limpia, con la voz de Brian King sonando más nítida e incorporando efectos, pistas múltiples y sintetizadores sin miedo a cómo vayan a reproducirlos después en directo. Pese a ello, la mezcla sigue conservando una tensión sónica que les aleja de cualquier sospecha de venderse a la comercialidad. También se nota que junto a sus influencias del punk e indie rock, King y su compañero, el batería David Prowse, han liberado otras procedentes del rock clásico (‘No Known Drink Or Drug’, ‘In A Body Like A Grave’) o incluso del pop de los 80 (‘I’m Sorry (For Not Finding You Sooner)’, ‘Arc Of Bar’ o ‘Midnight To Morning’). Puede que, en conjunto, el álbum no llegue al nivel del aclamado Celebration Rock, pero puestos a madurar, Japandroids difícilmente podrían haberlo hecho mejor. JORDI MEYA

KREATOR

Gods Of Violence (NUCLEAR BLAST)

POWER METAL

uando veáis esta nota tan baja igual os empieza a salir espuma por la boca, pero tiene un motivo, no saltéis al cuello. En mi opinión Kreator hicieron un grandísimo disco con Phantom Antichrist, eran ese combo alemán con muchísima mala baba de siempre pero que había sabido dar un paso más en la composición de melodías elaboradas, era como si hubiesen pasado un tiempo en algún paraje sueco y se hubieran dejado impregnar de ese gusto por las armonizaciones. Este Gods Of Violence es un avance más en esa idea de tratar muchísimo mejor

los pasajes melódicos, pero han caído en lo facilón, en composiciones demasiado empalagosas y, lo más imperdonable, han perdido mucha de la fiereza que ha hecho a los de Mille Petrozza siempre especiales, hicieran lo que hicieran. El ejemplo perfecto lo tenéis en el corte ‘Totalitarian Terror’. El inicio de ese tema es vertiginoso, como muchos otros de los germanos, pero, de repente, caemos en una melodía melosa y propia de un grupo de power metal para quinceañeros. Viniendo de donde venimos, y siendo quienes son, es un álbum compositivamente demasiado justo, con un exceso de clichés (¿Batallas de guitarras? ¿En serio?) y falto de mala leche. Y a pesar de todas las carencias compositivas, aprueba porque la producción del álbum es demasiado buena. Es un gustazo auditivo apreciar todos los instrumentos de una manera tan clara sin renunciar a lo orgánico. No critico el cambio de estilo, critico el poco esfuerzo por parte de Kreator en no sacar un producto tan genérico. ABEL VALDELVIRA

DAVE HAUSE

Bury Me In Philly (RISE)

ROCK

i te gustó Painkillers, el debut de Brian Fallon, Bury Me In Philly debería tener un hueco reservado en tu estantería o, siendo realistas, en tu disco duro. Pero mientras el cantante de The Gaslight Anthem quiere ser Bruce Springsteen, Dave Hause quiere ser Bryan Adams. Al menos eso es lo que se deduce al escuchar ciertas canciones de su nuevo trabajo en solitario. El single ‘The Flinch’ te transporta directamente, no al verano del 69, sino del 89, cuando el Adams pre Robin Hood todavía era un músico respetado entre la parroquia rockera. Es una

gozada disfrutar de un disco tan poco pretencioso y directo como éste, que arranca con una canasta de tres puntos gracias a ‘With You’, la citada ‘The Flinch’ y ‘My Mistake’. Son temas construidos sobre riffs sencillos, buenas melodías y una historia que contar. El exlíder de The Loved Ones utiliza las herramientas del rock de toda la vida para construir también ‘Shaky Jesus’, la divertida ‘Dirty Fucker’ o la propia ‘Bury Me In Philly’. En algún momento también se sirve de la música de raíces, folk y blues, para darle variedad al álbum con piezas como ‘The Mermaid’, ‘The Ride’, la balada ‘Wild Love’; o juega, junto al productor Eric Bazilian, a ser Tom Petty y Jeff Lyne en la canción ‘Divine Lorraine’. Con este tercer trabajo, Hause reivindica indirectamente la figura del solista rock, un tipo de artista que ha desaparecido totalmente del mapa y ha sido canibalizado por el country moderno. Quizá ya va siendo hora de que vuelva. JORDI MEYA

SIX FEET UNDER Torment (METAL BLADE)

DEATH METAL

rypt Of The Devil, así como el cuarto volumen de sus Graveyard Classics, cortaron la racha triunfal de la que venían Six Feet Under con Undead y Unborn. Con este Torment tampoco podemos hablar de plena recuperación de su mejor nivel, pues si los primeros cortes pueden presagiar una vuelta al buen camino, luego la cosa se torna aburrida y plana. En su decimosegundo álbum con material propio, Chris Barnes sigue renovando periódicamente la formación para entregar lo mismo de siempre, lo cual no es negativo, ya que la valía de sus obras suele depender

del grado de excitación e inspiración con el que el mayor fumeta del metal extremo haya encarado el material. ‘Sacrificial Kill’ es una apertura muy suya, ‘Exploratory Homicide’ y ‘The Separation Of Flesh From Bone’ molan mucho y la conseguida ‘Skeleton’ también ayuda a subirle la temperatura a este plástico, pero uno no puede evitar ir desconectando a medida que pasan las canciones, por redundantes y poco lucidas. Además, se echa en falta ese auténtico temazo de death’n’roll marca de la casa como solamente el exCannibal Corpse puede firmar, ese golpe encima de la mesa con el que siempre nos obsequia. Torment se deja escuchar, sobre todo en sus primeros compases llegas a gozarlo bastante, pero luego hay varias composiciones que no deberían haber pasado el corte. Tras ocho trabajos en diez años, quizá pedirle un poco más de cabeza a este señor sea un imposible, pero seguramente su discografía ganaría enteros si se lo tomara con más calma. PAU NAVARRA

AS IT IS HAS DE SABER... FORMACIÓN: Patty Walters (voz), Andy Westhead (guitarra), Benjamin

Langford-Biss (guitarra), Alistair Testo (bajo), Patrick Foley (batería) PRODUCIDO POR: Mike Green AFINES A: State Champs, Good Charlotte, With Confidence PÁGINA WEB: www.asitisofficial.com

C Okay. (FEARLESS)

POP PUNK

uando hace un par de años As It Is empezaron a aparecer en los medios como la nueva sensación del pop punk británico, escuché su debut Never Happy, Ever After con la esperanza de encontrarme algo que realmente me llamase la atención. Pero la realidad es que no conecté para nada con el disco. Me pareció blando, plano y sin temas pegadizos, cuando se supone que, al menos, eso es lo que te tiene que ofrecer una banda de este estilo. Así que podéis imaginar que mis expectativas eran nulas cuando me puse a escuchar su nuevo álbum. Y quizá porque no esperaba nada, me he lleva-

do una agradable sorpresa. El tiempo que han pasado en la carretera puede darse por bien empleado y por fin los de Brighton suenan como una banda y no como un producto de laboratorio o, mejor dicho, de YouTube. Naturalmente su sonido sigue siendo de lo más accesible, pero al menos tiene algo más de pegada. Supongo que la mano del productor Mike Green también ha tenido que ver con ponerle un poco más de distorsión a las guitarras y que suenen con más empaque. El álbum lo abre la que quizá sea su mejor canción hasta la fecha, ‘Pretty Little Distance’, pegadiza hasta decir basta, mérito que comparte también

el tercer corte ‘Hey Rachel’, con bastante protagonismo de la segunda voz del guitarrista Andy Westhead. Dos buenos temas más poperos, ‘Patchwork Love’ y ‘Curtains Close’, bajan un poco el ritmo, pero la primera cuenta con un piano que queda muy bien con los juegos vocales. En ‘No Way Out’ y ‘Until I Return’ recuperan la velocidad y esa nueva encontrada agresividad con el intercambio vocal entre Patty y Andy en las estrofas. ‘Soap’, un poco ska, y la balada acústica que cierra el álbum, ‘Still Remember’, aportan un poco de variedad a un disco que, sin duda, marca la dirección a seguir en el futuro. MARC LÓPEZ

HABLAMOS CON... PATTY WALTERS Diría que Okay. es más rock y menos pop que Never Happy, Ever After. ¿Estás de acuerdo? “La gira que hicimos con el debut sin duda tuvo mucha influencia en este disco. Nos hizo dar cuenta de quiénes somos y quiénes queremos ser como banda. Tocar las mismas canciones cada noche hace que identifiques cuáles son los puntos fuertes y los débiles de tus composiciones. Gracias a eso tuvimos una idea mucho más clara y unánime de la dirección que queríamos tomar. Y en parte, eso consistía en escribir canciones más crudas y agresivas, pero sin renunciar a tener otras más pulidas y pop. No nos asustó diversificarnos un poco más”. ¿Os pasó algo curioso o divertido durante la grabación? “Cuando estábamos en el estudio salió Pokémon GO, cada mañana y cada noche caminábamos kilómetros alrede-

dor de Hollywood buscando Pokémons. Básicamente nos consumió todo el tiempo libre que teníamos, pero fue muy divertido”. ¿Cómo te han influido todas las experiencias que has vivido a la hora de escribir las letras? “Durante todo 2015 me sentí muy inestable. Viajamos a países increíbles y dimos conciertos alucinantes, pero constantemente me costaba encontrar la felicidad o la estabilidad. Todo eso me llevó a una crisis personal mientras estaba componiendo el disco y finalmente a inspirarme para el título del álbum y la propia canción ‘Okay.’”. Pero Okay. es un título muy abierto... ¿Cómo debemos interpretarlo? “Queríamos enviar el mensaje de que está bien no sentirse bien. El título refleja la temática y los sentimientos del

disco. Además, funcionó muy bien con la imagen del álbum. Tenía mucho sentido y, además, nos gustaba mucho cómo sonaba”. ¿En qué aspectos crees que ha mejorado más el grupo? “Creo que todos hemos mejorado como músicos, intérpretes y compositores. Cuando empezamos no teníamos mucha idea de lo que estábamos haciendo, ni tampoco teníamos expectativas, pero hemos tenido que aprender y ahora creo que todos entendemos que la única manera para seguir hacia arriba es no dejar de mejorar”. ¿De qué tienes más ganas en esta próxima gira? “Estamos muy ilusionados. Tenemos muchos conciertos programados y la verdad es que tengo muchas ganas de subirme cada noche al escenario”. (MARC LÓPEZ) 79

V BETRAYING THE MARTYRS The Resilient (SUMERIAN)

METALCORE, DEATHCORE

oy a ser sincera: la primera escucha del nuevo trabajo de Betraying The Martyrs me dejó muy fría. Se hizo monótono. Sentía que los temas estaban compuestos bajo la misma fórmula. Pero no hay que dejarse llevar por las primeras impresiones. Dar segundas oportunidades en este oficio es casi una norma de manual, especialmente si no quieres ofrecer una reseña de corte negativo sin su matiz constructivo. Y al final resulta que The Resilient es un paso adelante para ellos y que continúan subiendo el listón que dejaron con su anterior álbum, Phantom. Se nota que hay mimo detrás de cada canción, pudiendo acertar más o menos con los gustos del oyente. Los estribillos se pegan con una facilidad tremenda, sobre todo el de ‘Take Me Back’. La producción es muy acertada,

F THE AFGHAN WHIGS Black Love - 20th Anniversary Edition (SUB POP/RHINO)

ROCK

ueron sin duda una de las bandas más especiales de los 90. Más allá del innegable tono soul de la voz de Greg Dulli, era imposible etiquetarlos. No eran grunge, aunque compartían parte de su sonido y su idiosincrasia con algunas de las bandas de Seattle. Eran elegantes, extremadamente refinados, y les gustaba reconocer su deuda con la música negra, pero a la vez sonaban tremendamente enérgicos, con guitarras que, llamadme loco, en ocasiones casi sonaban al punk más fino y estiloso. Los cabrones también amaban a The

ya que todos los elementos orquestales se integran cómodamente con la banda. Las voces de Aaron Matts y Victor Guillet siguen en forma y combinándose magníficamente. El disco es oscuro, tiene una gran solidez y en ocasiones, te deja la sensación de escuchar a los Whitechapel de los últimos años, con su deathcore moderno, algo menos visceral y más

ambiental. Y para esto sirve dar un par de vueltas más a un largo como éste y observar los pequeños detalles que posee. Si eres un purista de la música extrema no lo escuches, vas a pensar que son otros niñatos de flequillito más. Si tienes la mente abierta y te gustan los géneros acabados en el sufijo ‘-core’, éste es tu disco.

Clash y Ramones. No está nada claro que Black Love fuera su mejor álbum, para eso otros como Gentlemen o incluso 1965 podrían competir sin problemas, pero lo que sí es absolutamente cierto es que se trataba de su trabajo más especial. Concebido al principio como la banda sonora de un film de cine negro en el que trabajaba Dulli entonces, fue reconvertido en el nuevo disco de la banda cuando aquel proyecto se fue al traste. De ahí ese tono conceptual de unos temas que nos contaban el guión de la película bajo unos parámetros sónicos más oscuros de lo habitual. Ahí

están tan maravillosas como siempre ‘My Enemy’, ‘Going To Town’ o esa esplendorosa ‘Double Day’, auténticos clásicos de nuestro tiempo. Esta edición que celebra sus dos décadas de vida nos presenta unas cuantas golosinas bien escogidas. Desde una sorprendente versión del ‘Regret’ de New Order hasta una bellísima versión acústica de ‘Going To Town’, pasando por curiosidades inéditas como esa ‘Mick Taylor Jam’ donde disfrutamos de la banda improvisando relajadamente en el estudio. Una de las reediciones del año.

REBECA CASTELLANOS

ANDRÉS MARTÍNEZ

OWL CAPTAIN

The Insides Of Being The Owl Captain (AUTOEDITADO)

INDIE ROCK

espués del tentador EP con el que se presentaba dos años atrás, Owl Captain debuta ahora con su primer álbum, The Insides Of Being The Owl Captain. Los diez temas que lo componen (sin contar la repescada ‘Wolves And Saints’) demuestran un paso al frente en el sonido de los de Gonzalo Ruiz y compañía. En esta ocasión el proyecto ha tomado un camino más ambicioso y, ya desde que suenan las primeras notas, podemos apreciar cómo el tiempo ha corrido a favor de la banda para abarcar otros estilos, y que hacen destacar influencias de Foals o

Frightened Rabbit, que se suman a sus ya nombrados gustos entre Brand New y Bon Iver. Los estribillos conseguidos en canciones como ‘Warriors’, ‘The Cult’ o ‘Hold On’ consiguen atraer al oyente, que además, viendo su despliegue en directo, y gracias a una tripulación formada por teclado, bajo, dos baterías, guitarras y algún que otro arreglo de viento (el saxo final en ‘Monument’ es una pasada), ofrecen una apuesta ambiciosa y diferente dentro de la escena nacional actual. Esos rasgueos de guitarra en ‘Sidewalks’, ‘UFO’ o ‘Monument’ le dan incluso un sonido más pop ochentero que probablemente venga de su paso por Being Berber. Una característica fundamental a destacar son los cánticos en grupo, que establecidos ya como un recurso habitual de la formación, cargan los temas de épica y animan a cantarlos a pleno pulmón en muchos de sus cortes, como ‘Aye Aye’ o ‘Top Of Our Lungs’, donde incluso el malagueño deja su homenaje a ‘Never Meant’ de American Football en una canción propia que corona su obra. ALEJANDRO LOZANO

TOYGUITAR

Move Like A Ghost (FAT WRECK)

GARAJE

ack Dalrymple es un músico inquieto, de ésos que necesitan estar involucrados en mil movidas. Después de formar One Man Army y Dead To Me, y de tocar en otras bandas como Swingin’ Utters o U.S. Bombs, el californiano montó un grupo para sacar a relucir su vena más garajera y proto punk. En ToyGuitar le acompañan Miles Peck a la otra guitarra, Paul Oxborrow al bajo y Rosie Gonce a la batería (sí, una chica), y ya por el nombre os podréis imaginar que este proyecto está consagrado al protagonismo de las guitarras, concretamente al sonido fuzz que tan bien explotaron combos como

New Bomb Turks. No es casualidad, pues, que la primera canción que suena en este EP se llame ‘Peach Fuzz’ y que en el tema que da título al disco metan un punteo de guitarra que casi se convierte en la famosa tonadilla de Sensación De Vivir, la serie juvenil de televisión que tanta fortuna hizo en los años 90. Move Like A Ghost es la continuación de In This Mess, el LP de debut de ToyGuitar, y está concebido para ser un 10” que se reproduzca a 45 rpm. Su versión en CD incluye seis composiciones y dura poco más de 13 minutos, teniendo en cuenta que al bueno de Jack Dalrymple le encantan los discos cortos y dulces. Esto no parece ser más que un pasatiempo para que estos músicos se entretengan, pero si el cuarteto de San Francisco hubiera editado un single en lugar de un EP, yo hubiera puesto la canción ‘Swan’ en la cara A por ese coro facilón tan certero. El resto de temas están bien, pero para escuchar garaje prefiero a otras bandas que me quedan más cerca de casa. JORDIAN FO

A AVERSIONS CROWN Xenocide (NUCLEAR BLAST)

TECHNICAL DEATHCORE

bel Valdelvira y yo tenemos una teoría: el deathcore está muerto. Esta afirmación no tiene nada que ver con cuántas bandas del palo salen cada semana o cuál es su valía. No, esto va del interés que el estilo despierta entre el gran público metalero y, obviamente, de cuántos tickets son capaces de vender sus tótems. Echando un vistazo a las asistencias en las últimas visitas de Whitechapel o Suicide Silence o qué lugar ocupan este tipo de formaciones en los grandes festivales europeos, está claro que el deathcore ha entrado en coma profundo. Es lo que tiene pensar que una escena se puede sustentar a base de rajar en la red y dar likes en vez de comprar discos o ir a conciertos, por no hablar del nulo interés que éste despierta en la vieja guardia. Pese

H ULI JON ROTH

Tokyo Tapes Revisited - Live In Japan (UDR)

HARD ROCK

oy en día, un tanto por ciento muy alto del público que va a ver Scorpions en concierto los conoce tan sólo por sus universales baladas o por sus trabajos más comerciales, pero hubo un tiempo en que no fue así. Era mediados de los 70 y los teutones acababan de perder a su guitarrista Michael Schenker, que los abandonó para unirse a UFO. Fue entonces cuando Ulrich Roth (rebautizado años más tarde como Uli Jon Roth) entra en escena y comienza la primera época dorada de Scorpions, aquélla en la que eran unas putas máquinas a la hora de componer

a que todo parece ir en su contra, en Australia se resisten a tirar la toalla y combos como Thy Art Is Murder o los mismos Aversions Crown aspiran a capitanear este menguado último reducto. Escuchado Xenocide, Aversions van muy bien encaminados. Si su anterior Tyrant fue una grata aunque muy tópica concatenación de breakdowns atronadores, en este nuevo trabajo los de Brisbane sacan a pasear al

músico que llevan dentro. Su mejor aliado es esa guitarra épico-flipada que sobrevuela todo el plástico, brillando especialmente en temas como ‘Erebus’ o ‘Cynical Entity’. De igual forma, en cuanto la elaborada ‘Cycles Of Haruspex’ te arranca la cabeza ya no hay vuelta atrás en este álbum. Seguramente, el mejor disco de deathcore de la temporada.

potente y abrasivo hard rock. Si dejamos aparte los desvaríos psicodélicos de Fly To The Rainbow, lo que vino después era puro fuego. Títulos como In Trance, Virgin Killer o Taken By Force cimentaron la carrera de la banda y los convirtieron en un referente ineludible de aquellos 70 donde no eras nadie si no editabas un doble en directo. Y ese directo fue Tokyo Tapes, el resumen perfecto de aquellos años de locura. Cuatro décadas después, un Uli Jon Roth en envidiable estado de forma rememora aquellos años con un tremendo directo donde revisa el material grabado

con Scorpions y unas cuantas versiones especialmente escogidas para la ocasión. No, no es Tokyo Tapes, pero alegra comprobar que la fogosa técnica hendrixiana de nuestro hombre sigue sonando como un cañón cuando la pone al servicio de temas tan redondos como ‘Top Of The Bill’, ‘Dark Lady’, ‘In Trance’ o ‘We’ll Burn The Sky’. Aquella etapa a menudo ninguneada tras los bombazos de Blackout o Love At First Sting fue básica para entender lo que fue la evolución del hard rock y el heavy metal de los 80, y nadie mejor que Roth para poner las cosas en su sitio.

PAU NAVARRA

ANDRÉS MARTÍNEZ

ZEA MAYS Harro (GARDEN)

ROCK, INDIE POP

ste 2017 es especial para Zea Mays, ya que se cumplen veinte años desde la formación del grupo en Bilbao. Podría parecer que, después de dos décadas componiendo música, las ideas empezaran a escasear o no fueran tan buenas como antes; nada más lejos de la realidad, porque en Harro el cuarteto nos entrega 15 temas y casi una hora de buena música. Ya pueden sentirse orgullosos del octavo disco de su larga carrera, para el cual han vuelto a llamar a la puerta de Dave M. Allen (Depeche Mode, The Cure), un productor de

prestigio que ha sabido dotar de redondez y de cierta unión al conjunto de canciones que Zea Mays había entregado para su mezcla. De principio a fin Harro suena coherente y va fluyendo como si siguiera una línea argumental bien marcada, destacando formidables composiciones como ‘Ez Dut Sinestu Nahi’, ‘Itzala Utzi’ o ‘Ezin Pentsatu’. Mezclado y masterizado en Londres, este álbum demuestra una vez más que la música no entiende de barreras lingüísticas y que se puede cantar en euskera y conectar con gente de todo el mundo. Para redondear este trabajo, el grupo vasco ha contado también con la colaboración de Santi Balmes de Love Of Lesbian en ‘Orain’ y de Raúl Lomas de Dr. Deseo en varios temas. Además, el artwork es espectacular, dando la impresión de que el cuarteto se desgarra a través de la música para mostrar su corazón y sus entrañas a todos aquellos dispuestos a escuchar un rock sutilmente impregnado de chispas de indie pop. JORDIAN FO

GUTTERMOUTH New Car Smell (RUDE)

PUNK ROCK

uando el Warped Tour era un festival de punk rock, los californianos Guttermouth ya daban mucha guerra con su estilo gamberro a toda pastilla y sus letras controvertidas. Se ganaron a pulso la etiqueta de enfants terribles a principios de los 90 y siguen igual, groseros e impertinentes. Su cantante, Mark Adkins, el único miembro original, se ha propuesto mantener caiga quien caiga el espíritu de la banda, reformada totalmente en los últimos cinco años. Después de publicar numerosos trabajos sobre todo con Nitro y Epitaph,

Guttermouth iniciaron una nueva etapa en 2016 con la colaboración de Bird Attack Records y Rude Records. Y parece que le cogieron el gusto a publicar referencias cortas. Primero fue el EP de seis temas Got It Made, lanzado en verano del pasado año, y meses después llegó el presente New Car Smell, con otros seis cortes de apenas dos minutos de duración. Adkins pronto será un cincuentón, pero sigue hablando de cosas banales, sin meterse en jardines políticos o sociales. Para que os hagáis una idea, el corte que da nombre al disco, ‘New Car Smell’, va de soplar mangueras y romper la caja de cambios en el interior de un coche. Las ‘chicas’, siempre ellas, están muy presentes también en ‘Spud Like Torso’ y ‘Mail Order Bride’, que van de aumentos de pecho, matrimonios de conveniencia y otras barbaridades. Son los Guttermouth de siempre. Brutos e incorregibles, y si no han madurado a estas alturas, dudo que lo hagan. Y ya está bien así. LUIS BENAVIDES

THE LEMON TWIGS Do Hollywood (4 AD/POPSTOCK!)

ROCK, POP

rian y Michael D’Addario son dos hermanos casi adolescentes. Aun así, demuestran tener las ideas muy claras, sobre todo cuando te enteras de que han controlado hasta el último detalle de éste, su estreno, un debut donde glorifican el concepto de pop de calidad. Que su marciana imagen no os engañe, no son dos niñatos jugando a ser los más guais del lugar. Estos tipos rinden pleitesía a esa manera de componer donde las melodías lo eran todo y seguro que todas y cada una de las canciones aquí incluidas te recuerdan

82 84

a alguien, pero ¿hay algo malo en eso? ‘I Wanna Prove To You’ tiene una retirada a Elton John que tira de espaldas, ‘Those Days Is Comin’ Soon’ te puede evocar a los Queen más vacilones, ‘As Long As We’re Together’ es puro Beatles, ‘These Words’ la podría haber grabado cualquier banda de soft rock que tengas en mente, y que me maten si ‘How Lucky Am I’ no es un homenaje encubierto a Beach Boys. Ha sido terminar la audición y comenzarla de nuevo porque éste es un disco realmente adictivo, y no me voy a volver loco comparándolos (como han hecho en algunos medios extranjeros) con Redd Kross, porque no es eso. Más allá de que ambas bandas compartan filosofía, concepto y estén formadas por dos hermanos, Lemon Twigs no tienen ni por asomo el ataque nuclear de las guitarras del grupo de los McDonald, pero eso sí, una gira conjunta formaría un cartel realmente interesante. Magnífico comienzo, el de estos imberbes. ANDRÉS MARTÍNEZ

ODEÓN

El Sol Desnudo (DISCOS DE SANGRE)

PUNK ROCK

unque puedan pasar muchos años separados, hay gente que suele tener una conexión especial a la hora de entenderse, musicalmente hablando. Es lo que suelen llamar ‘química’. Y los miembros de Odeón demostraron que todavía seguían conservando la misma que poseían cuando se hacían llamar Kick Out. Tanto es así que no han tardado mucho en registrar su nuevo plástico, esta vez completamente grabado en su cuartel general, La Chulona. Con una base bien asentada, El Sol Desnudo supone un paso muy grande

en la evolución de su sonido, abarcando más variedad de registros y consiguiendo que su media hora de duración resulte de lo más entretenida. Porque es cierto que el punk rock directo del que hacían gala en su primer disco sigue ahí con piezas como ‘Quémalo’, con ese aire a lo Bad Religion, o la mala baba de ‘Guiñol’, con un cierre furioso casi hardcore. Pero aquí además hay varias sorpresas, como la inicial ‘Uno Más’, que me recuerda mucho a Social Distortion y que cuenta con unos teclados que le dan un aire muy especial. Es el caso del siniestro ska que se marcan en ‘El Reino De Lo Exiguo’ y la vacilona ‘Y Ahora (Nada Más)’, con un sorprendente cambio de ritmo final que demuestra lo mucho que han crecido a nivel de ideas, arreglos y composición. Aunque si tuviera que quedarme con alguna, ésa sería ‘Qué Será De Mí’, una canción verdaderamente redonda, carne de single, que junto al alegre rock’n’roll de ‘La Balada Del Vacío’ completan una obra a la que cuesta encontrarle fisuras. GONZALO PUEBLA

OBITUARY Obituary (RELAPSE)

DEATH METAL

bituary es una banda por la que siempre he sentido especial predilección, que actualmente se sale en directo, pero que sin embargo no me ha acabado de convencer con sus últimos lanzamientos. Su anterior Inked In Blood me pareció flojo, sobre todo por esa producción limpia que sigo sin entender, y aunque este nuevo álbum homónimo para mí es ampliamente superior, también en él encontramos ciertos cortes que no llevan a ningún lado. Desde luego no es el caso de la furia con la que abre ‘Brave’, o ‘Sentence Day’ y la mohosa ‘End It

Now’, pero sí de la rockera ‘Lesson In Vengeance’ o la vulgar ‘Betrayed’. Son temas que, de verdad, no aportan nada. Quien sí lo hace, y de qué manera, es Kenny Andrews a la guitarra solista, un crack que si en vivo te pulveriza las neuronas con sus punteados, en este disco se regala de veras. ‘Kneel Before Me’ y sobre todo ‘It Lives’ son justo lo que esperas de ellos, con un John Tardy comodísimo entre sus frecuencias vocales del inframundo, y así se reivindican entre lo mejorcito de este pack. Y ojo con ‘Straight To Hell’, porque si de inicio podría parecer otro tema ramplón, su giro death doom te pilla por sorpresa y resulta, realmente, un maldito descenso a los infiernos. Un trabajo correcto, lejos de la inmensa calidad de sus clásicos, evidentemente, pero con ciertos fogonazos de esa supremacía que todos añoramos. Como mínimo, aquí el sonido crepita, no hay experimentos con los aéreos de la batería ni ninguna salida de tono en especial. Con Obituary vuelven a la piel desprendida, verduzca, a la muerte en vida. PAU NAVARRA

IMMOLATION Atonement (NUCLEAR BLAST)

DEATH METAL

o sé si serán conscientes de ello, pero el presente de Immolation es brillante gracias a su gestión del tiempo. No sacan un disco muy a menudo para poder estar de gira eternamente como Cannibal Corpse, ni se queman con demasiadas visitas seguidas como Obituary, pero en cambio cada tres, cuatro años publican un álbum que, precisamente por esa hambre generada, es esperado con ganas. Encima, aún interesan en el sector más under del death, y si a eso le sumas una vuelta al logo clásico, como es el caso de la portada de Atonement,

las especulaciones se disparan. Palpé la excitación que genera la banda en el pasado Brutal Assault, donde a primera hora de la tarde ya había un verdadero gentío sólo para verles a ellos, y que el gigante Nuclear Blast edite sus obras tampoco es ninguna casualidad. Dicho esto, sólo falta comprobar si siguen en forma, y vaya si lo están. Las disonancias de ‘The Distorting Light’ dan paso al primer atropello del disco, y es que escuchándola casi que se te aparece Robert Vigna blandiendo su guitarra como una hacha, haciendo esos movimientos tan suyos. ‘Fostering The Divide’ es rebuscada y laberíntica, lo de Steve Shalaty a la batería es digno de estudio, pero es que realmente varios temas tienen su ‘algo’, ya sea por oscuridad, putrefacción o riffs cortantes, o incluso por reunir las tres cualidades, como ‘Thrown To The Fire’, ‘Destructive Currents’, ‘Atonement’, ‘Epiphany’ o ‘Lower’. ‘Above All’ es tan suya que te pondrá la piel de gallina. De nuevo, intachables. PAU NAVARRA

LOCK UP

Demonization (LISTENABLE)

GRINDCORE

n mi opinión, entre los diversos proyectos en los que anda enrolado Shane Embury además de Napalm Death, Lock Up parten la pana. Sus discos son de acero inoxidable y en directo se le nota mucho más suelto, disfrutando como ya no se le ve en su banda de siempre. Eso por no hablar de los jefes que le acompañan aquí, empezando por el batería Nicholas Barker, el guitarrista Anton Reisenegger (Brujeria, Criminal) y desde 2014, el mítico voceras Kevin Sharp (Venomous Concept, Brutal Truth). Por sus filas han pasado Jesse Pintado o Peter Tägtgren, y Tomas

Lindberg fue su cantante durante doce años. Por si fuera poco, para ocupar el puesto de bajista en sus giras normalmente les acompaña Dan Lilker de Nuclear Assault, entre otras bandas. Esto evidencia que Lock Up son un combo de colegas, pero sobre todo una tremenda conjunción de talento que da unos resultados guapísimos. Demonization te saluda con un “God is dead” para preparar el terreno y a partir de ahí ya no sabes de dónde te llegan los bofetones. Hay algún tema más pausado y ambiental, como el mismo corte que titula el plástico, pero son ‘The Decay Within The Abyss’, ‘Locust’, el riffazo de ‘Demons Raging’, la caña de ‘Sunk’ y ‘Mind Fight’ o la clase desplegada en ‘Instruments Of Armageddon’ o ‘The Plague That Stalks The Darkness’ los que te chiflarán. Qué garrula es ‘Foul From The Pure’ y qué dura la final ‘We Challenge Death’… Grindcore muy deather, de producción metalizada y practicado por unos maestros sin pretensiones. PAU NAVARRA

DECADE

Pleasantries (RUDE)

ROCK ALTERNATIVO

i bien con sus dos EPs y su debut Good Luck de 2014 a los británicos Decade se les había metido en el saco de punk pop y llegaron a girar con bandas como The Used o A Day To Remember, en su segundo largo el quinteto liderado por Alex Sears se reinventa en un grupo de rock alternativo con claros aires 90’s. Y la jugada les ha salido genial. Es una delicia escuchar esa combinación de riffs grungeros con melodías power pop que practicaban bandas como Sloan, Superdeluxe o Gigolo Aunts y que, por lo general, había

quedado en el olvido. Incluso cuando se ponen más melancólicos como en ‘Wasted’ o ‘Sunbean’ te podrán recordar a los primeros discos de Brendan Benson. Las once canciones de Pleasentries suponen un festín de guitarrazos, armonías vocales y buenas vibraciones, todo dirigido por la expresiva voz de Sears; en ‘Peach Milk’ pasa de un delicado falsete a un estribillo lleno de fuerza. Una producción mucho más pulida que la de su debut también ayuda a que el apartado vocal destaque mucho más. La primera mitad del álbum, con esa secuencia formada por ‘Human Being’, ‘Daisy May’, ‘Turn Of Your TV’, ‘Anaemia’ y ‘Wasted’, resulta superior a la segunda, pero también en ella podemos encontrar buenas canciones como ‘Can’t Figure You Out’ o la balada ‘Capsules’, que cierra el disco con mucha clase. No sé qué tal les va a ir a nivel comercial, pero, al menos, artísticamente han ganado, y han evitado convertirse en otra banda de punk pop como hay tantas. MARC LÓPEZ

HUMAN ASHTRAY Exile

(BLOOD FIRE DEATH/NO HUMANO)

DEATH METAL

inco años han tenido que pasar para que el cuarteto gerundense retomara su actividad discográfica. Exile es una continuación de Pripyat tanto en concepto, como en artwork y, sobre todo, en evolución compositiva. Con este tercer trabajo la madurez asoma en todos los cortes, manteniendo la esencia personal que les otorgan esos riffs veloces y afilados acompañados por una batería verdaderamente extrema, pero añadiendo algunos pasajes llenos de matices y dinámicas que era precisamente lo que les faltaba a sus trabajos

anteriores. Esos pasajes actúan como campamentos base para tomar un respiro antes de recibir la siguiente acometida de tralla, lo que los hace especiales es que son pocos y tienen la duración adecuada para que no pierdas esa sensación de velocidad extrema. Todo pasa muy rápido, el álbum dura unos escasos 30 minutos, y estos oasis son la clave para que, cuando lo acabes, quieras repetir. En Exile también podemos notar un gran paso adelante en la producción respecto al anterior trabajo, pues todo suena más integrado y compacto. ‘Post Mortem Nihil Est’ es de esos temas que se te quedan en la memoria y que quieres ver en vivo, mientras que ‘Death Is Certain, Life No’, la canción que cierra el álbum, es posiblemente la menos redonda pero, al mismo tiempo, puede definir lo que es y ha sido Human Ashtray, ya que contiene todos los elementos distintivos de la banda. Si eres de los que disfruta con una buena dosis de metal extremo directo y sin rodeos, éste es tu álbum. ABEL VALDELVIRA

PANTERA

The Great Southern Trendkill 20th Anniversary Edition (ATLANTIC/RHINO)

GROOVE METAL

antera consiguieron llegar al corazón de los metalheads de los 90 con Cowboys From Hell. ¿Cómo reaccionaron ante el éxito? Grabando algo más extremo y, de paso, reinventando lo que hasta entonces se conocía como metal con una barbaridad inigualable titulada Vulgar Display Of Power. Los halagos y las ventas se multiplicaron y, ¿cuál fue su respuesta? Volver con un disco todavía más pasado de vueltas que encima se codeó en los charts con Michael Jackson y demás superventas. El artefacto, salvaje a más no

poder, se llamó Far Beyond Driven. Habían conseguido el estrellato haciendo precisamente lo contrario de lo que se supone que se debe hacer, o sea, extremar su propuesta sin hacer una sola concesión comercial a la industria. La locura en la que se sumergió la banda tejana en aquella época dio como resultado giras interminables y una presión que acabó pasándoles factura, sobre todo a la bestia Anselmo, que se metió en una espiral de drogas y alcohol. The Great Southern Trendkill nació entre las convulsiones de una unidad que se resquebrajaba y, quizás por eso, no obtuvo el mismo éxito que sus predecesores... aunque el tiempo también lo ha puesto en su sitio. Cumplidos veinte años desde su edición, esta nueva versión nos ofrece muchos extras que incluyen temas en vivo nunca escuchados, viejas demos de las sesiones de grabación y alguna interesante versión instrumental también inédita. Un pedazo de historia del metal contemporáneo que siempre conviene recordar. ANDRÉS MARTÍNEZ

PULLED APART BY HORSES The Haze (VARIOS SELLOS)

ROCK ALTERNATIVO

n una época en la que para no desaparecer del mapa los grupos publican trabajos con una frecuencia en ocasiones casi frenética, Pulled Apart By Horses han tardado casi tres años en volver a la actualidad con The Haze, su cuarto álbum. Tras pasar una temporada haciendo piña y componiendo a destajo en una granja de Gales, aislados de cualquier distracción externa, se pusieron en manos de Ross Orton (Arctic Monkeys, MIA, Drenge), toda una inspiración y referente para el grupo, con el que consiguieron crear una química muy especial durante el mes que estuvieron

74 88

grabando en su estudio, en Sheffield. Los de Leeds admiten que en su anterior Blood se obsesionaron hasta en los mínimos detalles, y ahora necesitaban recuperar la espontaneidad y la visceralidad tan características de sus comienzos. En ello también parece haber contribuido de manera importante la incorporación de su amigo Tommy Davidson a la batería, con un estilo mucho más contundente, que parece haber influido notablemente en la dinámica del grupo. No es raro por ello pensar en grupos como QOTSA, Fugazi o The Stooges escuchando The Haze. ‘The Big What If’, ‘Hotel Motivation’ o ‘Flash Lads’ parecen construidos a partir de una base rítmica de batería, a la que el resto de instrumentos se ensamblan como piezas de un Tente. Suena todo más crudo y más real, y desde luego más inmediato que Blood, un disco bastante pretencioso y que no llegó a entusiasmar. The Haze ha sido todo un acierto y convence. Ahora queda cruzar los dedos para poder verlos en directo. TOI BROWNSTONE

LA INQUISICIÓN La Inquisición

(CONTRA/COMMON PEOPLE)

STREET PUNK

i Secret Army, cantando en inglés, eran capaces de convertir en himnos prácticamente todas las canciones que componían, imaginad lo que pueden lograr cantando en castellano. El idioma no es lo único que han cambiado, también han rebautizado a la banda por eso de empezar de cero y de renovar las ilusiones de todos. En su EP de presentación, La Inquisición nos ofrece cinco temas con estribillos infalibles para corear entre colegas y cervezas en el foso: “Hemos caído pero nos volveremos a levantar”, “Siempre es

febrero”, “Somos el dolor”, “Nuestra memoria, fe y gloria” o “Perdido otra vez”. Estuve en la sala Rocksound la noche en que presentaban su segundo EP, titulado Verdadera Fe, y fui testigo de la comunión que se crea entre el cuarteto de Barcelona y sus seguidores; también fue curioso que terminaran la descarga versionando el ‘Enemigo Público Número 1’ de Cicatriz, una canción que no está incluida en ninguna de las dos grabaciones publicadas hasta la fecha por La Inquisición. Aunque el sonido del vinilo no recoja fielmente toda la energía que el grupo desprende en directos como el de la Rocksound, este debut homónimo sirve de útil carta de presentación y augura que pueden pasar cosas muy grandes si los cuatro miembros de la última formación de Secret Army siguen el camino aquí trazado. Otra muestra importante de lo que son capaces esta banda es el videoclip de ‘El Dolor’, el primer himno de la cara B y que ya está petando fuerte en la red. JORDIAN FO

SHVPES

Pain, Joy, Ecstasy, Despair (SPINEFARM)

METALCORE

i el mes pasado reseñábamos el debut de As Lions, éste es el turno del grupo de Griffin Dickinson, el otro hijo del cantante de Iron Maiden. Y lo cierto es que le ha ganado la partida. Su metalcore extremadamente melódico puede tener una gran salida, su estilo corre parejo al de exitosas bandas como While She Sleeps o Bullet For My Valentine, añadiendo ciertos toques deudores de Rage Against The Machine más el poderío comercial de Linkin Park. Como puedes comprobar, la mezcla no está nada mal. No se andan por las ramas, van directos a la yugular

con una buena colección de temas que no exceden ninguno los cuatro minutos de duración y donde la garganta de Dickinson es la gran protagonista. Posee registros amplios, modula su voz de manera sorprendente y sabe exactamente cuándo gritar y cuándo incorporar esos giros melódicos que son apoyados a la perfección por Ryan Hamilton, un guitarrista que además de destripar su guitarra de manera maníaca, es el otro gran responsable de esas voces tan efectivas. ‘Skin And Bones’, al igual que ‘False Teeth’, seguro que hubieran sido hits en potencia años atrás, cuando Linkin Park o incluso Slipknot vendían discos como churros. Hoy en día les tocará picar mucha piedra, pero el primer paso ya está dado, y además no lo han dado en falso precisamente. Una banda hecha a medida para el lector habitual de RockZone. ¿No me creéis? Escuchad tan sólo ‘Bone Theory’, el tema de apertura, y seguro que os convencéis. ANDRÉS MARTÍNEZ

ME AND THE BEES Menos Mal (LA CASTANYA)

INDIE ROCK

rimero fue Fuerza Bien, el debut optimista de Me And The Bees. Luego, el espectacular y tremendista Mundo Fatal. Y ahora llega Menos Mal, un título que suena a satisfacción por un resultado mejor de lo esperado. Ciertamente, ellos mismos se pusieron el listón muy alto con su anterior trabajo, redondo en todos los sentidos. Pero sí, Vero, Carlos y Esther lo han vuelto a hacer. En este trabajo, producido por Joan Colomo y Mau Boada en Cal Pau Recordings, encontramos todo lo que cabía esperar del entrañable power trio, reforzado de maravilla por

el solicitadísimo teclista Guillem Caballero (Els Surfing Sirles, Matagalls). Aquí hay canciones felices con palmas y uh uh uhs (‘Feel Good’), melodías atemporales para mover la cabeza (‘On Fire’), guitarras parlanchinas y divertidas (‘Pink’), distorsiones muy noventas con ecos a las Breeders del The Last Splash (‘True Bypass’) y líneas de bajo y aullidos heredados de los Pixies (‘Desire’). En cuanto a las letras, el presente Menos Mal es uno de sus trabajos más transparentes y sinceros. No te dejes engañar por la marciana portada del disco, porque es un álbum mundano en el mejor de los sentidos, que habla de rupturas, de reproches y de libertad en temas como ‘Spinnin’, ‘I Do What I Wanna Do’ y ‘If You’. Con Menos Mal vamos bien servidos, tanto que podría llevar por título Mucho Mejor o incluso Mejor Imposible. Y es que los 15 nuevos cortes de la banda pasan volando, en 32 minutos. Y querrás volverlos a escuchar. Una y otra vez. LUIS BENAVIDES

M SOUVENIRS

Posture Of Apology (OTHER PEOPLE)

INDIE ROCK, EMO

ientras escribo estas líneas, los protagonistas de la reseña están inmersos en una larguísima gira por Estados Unidos. Souvenirs están abriendo para los también californianos AFI en la presentación de su último trabajo, The Bloom Album. Y algo me dice que los seguidores de Dave Havok y compañía disfrutarán mucho con el directo de este joven cuarteto. Su segundo largo, Posture Of Apology, es un buen ejercicio de punk pop oscuro y melancólico con teclados, detalles electrónicos y programaciones. Si hasta Havok colabora cantando en ‘Float’, el medio tiempo bailable del disco. Si los descubriste con su primer largo, el guitarrero y visceral You, Fear And Me, olvídate. Entonces, en el año 2014,

V MARIO COBO AND HIS GUITAR POSSE Burnin’ Daylight (SLEAZY)

ROCK’N’ROLL

iendo su currículum, uno piensa que muchos matarían por una hoja de servicios así. Guitarrista con Nu Niles, Loquillo, Mambo Jambo o Lazy Jumpers, ha tenido la oportunidad de formar parte de las bandas de Kim Lenz, Dale Hawkins o el mismísimo D.J. Fontana (sí, el batería original de Elvis), y toda esa experiencia acumulada le ha servido para presentarse con una delicia en solitario donde su guitarra, esa maravillosa guitarra, es la total y absoluta protagonista. Quizás haya hecho algo de trampa, porque aquí se encuentran recopilados al

se les podía emparentar con bandas de emocore como Mineral, Texas Is The Reason y Braid. De esa etapa mantienen la introspección y el sentimiento patentes en la portada, el título del disco y las letras. Instrumentalmente, dejando de lado mi favorita ‘Let You Down’ y el final desmelenado de ‘4th And Holly’, Posture Of Apology es un disco pulido y contenido, de guitarras limpias y precisas, con ritmos marcados y partes

vocales amables, algo lineales en ocasiones. Sus seguidores, los de la facción más hardcoreta, echarán pestes de su nuevo álbum de estudio por ligero y por sus flirteos con el pop puro y duro. A mí me ganaron con sus melodías y, sobre todo, con la citada ‘Proof’, ‘Ocean Blood’ y ‘Net Worth’, en la órbita de los últimos Gates y Minus The Bear. Dale una oportunidad sin prejuicios y verás qué bien.

lado de otras composiciones los ocho temas que ya tenía editados en singles anteriores, pero es igual... todo junto al lado de esa elegante portada compone un paquete de irresistible atractivo. El mismo Cobo se ha encargado de aclarar que estas canciones sólo son un homenaje a sus guitarristas favoritos de los 50 y 60, ésos que hacían hablar a su instrumento y que marcaron las bases de lo que sería la guitarra en el rock’n’roll. Los espíritus de Chet Atkins, Link Wray, Scotty Moore, Les Paul, Dick Dale o George Barnes campan aquí a sus anchas y nuestro hombre lo borda con su refinada

técnica y su amor por una música que sigue sonando tan bella y radiante como hace 50 años. Doce cortes como doce soles que viajan desde el surf desbocado de ‘Driving My Magnatone’ hasta los aromas fronterizos de ‘Burnin’ Daylight’. Del swing de ‘String Theory’ al asilvestrado rockabilly de ‘Gradiation’. Todo tocado con exquisita distinción y bajo unos parámetros sónicos respetuosos con aquella era, pero sin sonar desfasado, todo lo contrario. ¿Y cómo se consigue eso? Le llaman talento, y Mario Cobo lo tiene a paladas. Portentoso.

LUIS BENAVIDES

ANDRÉS MARTÍNEZ

EX DEO

The Immortal Wars (NAPALM)

DEATH METAL

inalmente tenemos nueva entrega de Ex Deo, que juguetearon con la separación pero no quisieron quedarse con las ganas de contarnos otra epopeya acerca del Imperio Romano. Las raíces italianas de Maurizio Iacono le empujaron a sacar este proyecto junto a sus compañeros en Kataklysm, en el que se permiten incluir arreglos orquestales. Los canadienses siempre habían mantenido bastantes similitudes compositivamente entre las dos bandas, pero ahora prácticamente se han fusionado estilísticamente. Tanto en producción como en

composición, las similitudes son múltiples, y hace que este nuevo álbum pierda frescura, pues tengo la sensación de haberlo escuchado antes. Si bien aquí las melodías épicas predominan sobre los ritmos machacones, cumpliendo el cometido de meternos en una historia del pasado con todas las referencias necesarias a las legiones romanas, la base en el death metal melódico es la misma. Las orquestaciones son tímidas y nada recargadas, con un claro toque cinematográfico, lo cual deja intacta la dosis de metal y no cae en lo meloso de otras formaciones. Algo que es mucho de agradecer si te están hablando de guerras púnicas. Es un buen álbum para los fans del género, aunque no dejará ninguna huella imborrable en la música. Es un disco fácil de escuchar en su totalidad, que deja una historia y unas sensaciones muy logradas durante los 40 minutos que dura. Jean-François Dagenais va creciendo como productor en cada álbum que edita, y se nota la mejora respecto a anteriores trabajos con su firma. ABEL VALDELVIRA

ZLATAN

Pyongyang/Caracas (AUTOEDITADO)

HARDCORE, PUNK

esde los bajos fondos de la ciudad de Barcelona llega Zlatan, una nueva formación a tener muy en cuenta, con los huevos pelados de tocar en Cinder, Still Water To Rain y HZero, entre muchas otras. El cuarteto, cuyo nombre rinde homenaje a Zlatan Ibrahimovic, el polémico exdelantero del Fútbol Club Barcelona, se estrena con un EP de presentación doble, grabado y mezclado en Wave Factory por Victor Teller (Rebuig, Zimt). Su estreno transmite mucho peligro, como los peores callejones

de Pyongyang y Caracas al caer la noche. En la primera parte, la de la capital norcoreana, con un lagarto en la portada, predomina el punk’n’roll de cerveza fría y riffs robustos. A destacar, el empuje de ‘Three Irises’, el solo de guitarra de la escuela sueca que destapa la imparable ‘Living With A Reptile’ y la pendenciera ‘All My Dreams Are Dead’, que recuerda agradablemente a los desaparecidos Zombies And Diamonds. Tampoco está nada mal ‘Open Wounds’, despachada en 2 minutos y medio, que aporta una buena descarga de hardcore ochentero. La segunda mitad del EP, Caracas, es si cabe más burra y bastante más arriesgada. Zlatan salen en tromba con ‘I Hate This City’ y se complican algo la vida con la agónica y algo caótica ‘Swamp’. Nada que ver con la certera y tremendamente adictiva ‘The Ire Of God’, un historia de calaveras, barcos y piratas inmortales. Pégales una escucha, acompáñales por las capitales del Eje del Mal. Diversión asegurada. LUIS BENAVIDES

SOZIEDAD ALKOHOLIKA

PUTA HUMANIDAD LA ACTUALIDAD MÁS RANCIA Y PESTILENTE HA ARMADO A SOZIEDAD ALKOHOLIKA DE UN NUEVO ARSENAL DE CANCIONES CONTRA POLÍTICOS, DESALMADOS Y DEMÁS ESCORIA CUATRERA. TRAS SEIS AÑOS SIN PUBLICAR UN ÁLBUM, LOS DE VITORIA-GASTEIZ CLAMAN VENGANZA CON SU NUEVO SISTEMA ANTISOCIAL. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

ON TODA LA MIERDA que nos ha caído encima desde que Soziedad Alkoholika publicaran Cadenas De Odio en 2011, era de esperar que la cabeza de Juan, vocalista de la banda desde su fundación, entrara en ebullición. Si hay un grupo en este país que ejemplifique qué es cantar la caña y apechugar con las consecuencias que eso tiene en este post franquismo al que llaman ‘democracia’, ése es el combo vasco. Lejos de amilanarse tras ser absueltos de todas esas injurias y calumnias por las que fueron llevados ante los tribunales, los últimos trabajos de la banda nos han traído grandes momentos de tralla contra la injusticia planetaria. Aunque más punk y hardcore que su metalísima obra anterior, Sistema Antisocial (Maldito Records) destaca por sus letras corrosivas, llenas de ira

e impotencia ante un mundo que se va al garete, aunque también hay tiempo para la juerga. Con el debut a la batería de Alfred Berengena, en sus filas desde la lesión de Roberto en 2014, la banda completada por Jimmy (guitarra), Iñigo (guitarra) y Pirulo (bajo) no puede permanecer callada ante el triste espectáculo humano. Es su razón de ser, y eso queda bien patente en su nuevo álbum. Con la tranquilidad que da el hogar llamamos a Juan, quien se muestra de muy buen humor durante toda nuestra conversación. Visto su nuevo retoño discográfico, tiene motivos para estarlo, aunque pronto le empieza a escocer toda esa bilis que lleva dentro y al final, entre risas, incluso le damos una idea de efeméride que podría ser la leche. ¡Aúpa ahí!

Esto ha costado, ¿eh? Seis añitos desde Cadenas De Odio son unos cuantos… JUAN “Sí, sí, joder, es que se nos va el tiempo… (Risas) Se nos va el tiempo sin darnos ni puta cuenta, la hostia… (Risas)”. Claro, es que cuando te pones a tocar… “Es que eso es lo que nos pasa, que no paramos de hacer conciertos y no llega el momento de decir ‘venga, vamos a centrarnos un poco’. Y bueno, hubo también todo el tema de Roberto, que nos descolocó un poquico, y eso, que vas haciendo conciertos y hasta que se juntan los planetas y nos ponemos todos al lío, pues es que no te das ni puta cuenta… Sí que teníamos ya hace tiempo canciones, letras y así, pero ya te digo: ha habido que esperar una conjunción planetaria para que la maquinaria empezara a trabajar, y eso es porque no nos damos ni cuenta de cómo pasa el puto tiempo tan deprisa”. Lo que sí ha habido son follones para hacer letras, eso desde luego… “Ah, bueno, sí, sí, sí… Material no falta, por desgracia, y más en nuestro caso, que nos ha inspirado más eso, las injusticias, la mala hostia y lo asqueroso del ser humano. Así que la verdad es que sí, ha estado habiendo materia”. A mí Sistema Antisocial me ha parecido un poco más punk, más hardcore… No hay doble bombos a piñón, y aunque la distorsión sí es dura, quizá no hay tanta tralla metal.

“Hombre, pues sí, comparado con el anterior igual sí tienes razón, aunque tampoco sé decirte por lo que siempre comentamos… Que al final ha quedado la selección de temas que hemos hecho un poquito más así, porque siempre hacemos un poquito de… nos gusta hacerlo variado, nos gusta con temas más punk, más metal, no pensamos demasiado en de qué bando va a ser. Bueno, a la hora de hacer la selección de las canciones que van para el disco, pues en esta ocasión sí que igual ha podido sonar más hardcore, un poco menos metal que el anterior, aunque también hay temas de esos pesados… también hay bastantes así. Puede que sí, que haya ido un poco más por ahí”. Cadenas De Odio igual fue violento, agresivo con la música, y éste quizá lo es más por las letras, porque la verdad es que vaya tela (risas). “(Risas) No sé, no sé qué decirte, ya te digo… Son cosas que no tenemos en cuenta, yo creo que siempre estamos más o menos en el mismo punto. Tampoco es que estemos más cabreados que hace cinco años (risas), son perspectivas de las que nosotros no nos damos cuenta. Yo creo que, tanto musicalmente como en todo lo otro, la mala hostia es siempre lo que nos caracteriza, más que el buen rollito (risas). Eso no cambia”. El disco me ha llevado más a la época de Polvo En Los Ojos o Tiempos Oscuros, y seguramente vosotros tampoco os habéis dado cuenta, pero a mí el estilo de álbum me ha recordado a esos dos.

“Sí, pero no lo sé, no lo sé (risas), puede ser. Igual lo que pasa es que el anterior sí que fue mucho más metal que lo que veníamos haciendo, ¿no? Entonces, quizá ahora estamos un poco más en el punto de lo que nuestro sonido suele ser, que es un poco más variado y así dentro de, ya te digo, de la mala hostia”. Una canción como ‘Resurgir’ será un nuevo himno en los directos. Lo sabéis, ¿no? “A ver si es así… (Risas) No lo sé, no lo sé, porque tampoco es que acertemos en eso de la hostia… (Risas) Porque siempre esa canción que tú te crees que puede funcionar más es luego la que… Que no suele ser así, vaya, no solemos acertar ni para ade-

“TANTO MUSICALMENTE COMO EN TODO LO OTRO, LA MALA HOSTIA ES SIEMPRE LO QUE NOS CARACTERIZA” JUAN

lante. A mí la verdad es que es una de las que más me gustan, eso sí que es cierto, y es también una canción en la que la temática precisamente es un poco más personal, por así decirlo, un tema más propio, y entonces, yo le tengo especial cariño. Pero bueno, que luego no sé qué le parecerá a la gente, ya te digo… Es que esto es todo tan diferente, lo que uno percibe de lo que llega a la gente… Iremos viendo, iremos viendo (risas)”. Creo que hay un corte que alguna gente no va entender, y es ‘Alkohol’. Algunos se lo tomarán como un himno etílico, cuando es precisamente lo contrario… Es ‘deja la botella y piensa un poquito, chico’.

“Bueno, no te creas, ‘Alkohol’ es un poco eso, ¿eh? (Ahora viene el mayor gambón que haya cometido en todos estos años… Vamos, disfrutad, cabrones –ndr.) Yo el rollo que he tenido con esa letra es al revés: nosotros le damos demasiado a la cabeza, y entonces al final es como que un día dices ‘a la mierda todo, aquí no ha pasado nada y me voy a correr un cristo con los amigos’. Tampoco tiene mucho más, y hacía tiempo que teníamos ganas de que, joder, somos Soziedad Alkoholika y tampoco tenemos muchos himnos al alcohol y a beber, y no sé, hay días que tienes ese espíritu (risas) y era un poco desahogarse por ese lado”. Pero la canción va un poco por el otro lado… Viene a de-

cir que mucha peña sólo pilla el pedo y luego preocuparse por las cosas, o de por qué está cobrando 600 euros, nada de nada. ¿O no? “Pues no, no (risas), la canción va por el otro lado”. Ah, vaya, pues la he cagado yo (risas). “Pero bueno, que yo hablo desde mi punto de vista, y es eso, que un día, pues a la mierda, vamos a no pensar durante un día. Habrá gente que lo necesita… En mi caso, pues le doy bastante al coco (risas), y hay veces que tienes también que… Bah, parar un poco y decir ‘a la mierda’. Es una canción de desahogo, esa letra es un poco eso, de fiesta, porque siempre

estamos un poco serios y había que hacer también alguna un poco desenfadada que la gente la cante, la disfrute de fiesta, sin más. Es que la fiesta está bien también (risas)”. Pues entonces me he colado yo, joder… Os he dado más intelectualidad de la que hay (risas). “Sí, sí, ya te digo (risas), ésta va por ahí. Es el rollo de desparramar y no pensar, de disfrutar con la gente que tienes cerca sin filosofar demasiado. Es así… Un día se lo puede permitir uno, ¿no? (Risas)”. Sí, sí, desde luego… La canción de ‘Más Ruinas’ parecía obligada, ¿no? Con toda esta movida de la crisis de los refugiados, el Daesh, la guerra siria… “Bueno, es un poco eso, que se lo están cargando absolutamente todo y es un puto desastre. Tampoco va concretamente de ese tema, es lo que está pasando con el planeta más que en ese caso. Es una cosa mucho más global. Están convirtiendo el mundo en ruinas, y no sólo ahí, sino a todos los niveles a base de contaminar, de destrucción de la puta humanidad a costa del puto egoísmo y lo descerebrados que son los dirigentes”. En ‘Siervo De Derechas’ te has dejado ir, ¿eh? (Risas). “Sí, bueno, es que son gente que da mucho asco y había que hacer alguna también (risas). Hay tantas cosas que dan asco que, joder… pero éstos se merecen el primer puesto. Un obrero que vota a la derecha es lo más patético que puede existir, o sea, es que un

desgraciado así… Es que eso… Buff, ésos son los que nos joden a todos los demás, ésa es la mayor ignorancia de todas. En fin, despotricar un poco, eso desahoga mucho”. Luego hay otra que quizá los más jóvenes no la capten del todo, el single ‘No Olvidamos, 3 De Marzo’. Cuéntanos un poco qué ocurrió ese día… “Cuando estaba ya dando los últimos coletazos la dictadura de Franco y todavía los trabajadores no tenían ni derecho a huelga, ni a reunirse ni a nada, es un poco cuando empezó a despertar toda la clase trabajadora. La clase obrera empezó a organizar-

se, a tratar de reivindicar sus derechos y, bueno, aquí había muchas fábricas y decidieron que ese día habría una asamblea en la iglesia porque muchas veces colaboraban, porque con las iglesias había un tratado por el que no podían entrar las fuerzas de seguridad. En aquella ocasión lo que pasó es que se sabía que se estaban reuniendo allí para hacer asambleas, dejaron que fueran llegando los trabajadores y cuando estuvo todo lleno, la policía empezó a lanzar gases lacrimógenos y, claro, cuando la gente intentaba salir a respirar, pues dispararon con las metralletas. Y eso es lo que pasó, que se cargaron a cinco personas y hubo casi cien heridos de bala.

de aquellos hechos, que incluye una reparación”. Yendo hacia otros temas, en el disco habéis contado con Barney de Napalm Death… ¿Cómo surgió? “A través de amigos comunes se nos ocurrió que para la canción ‘Policías En Acción’ le podría ir guay a este hombre meter otro toque. Y claro, es uno de nuestros grupos favoritos y, joder, pues se nos ocurrió la idea de que molaría. Nada, a través de esos amigos comunes lo montamos y el tío súper guay, encantado, y de puta madre. O sea, para nosotros, un puto lujo que pueda aparecer en un tema nuestro. Ha sido una gozada”.

“UN OBRERO QUE VOTA A LA DERECHA ES LO MÁS PATÉTICO QUE PUEDE EXISTIR” JUAN

Un crimen más, una atrocidad más de las que se practicaron durante la dictadura, y lo más sangrante de ello es que, a día de hoy, aunque se sabe quiénes fueron los causantes tanto políticos como materiales de aquellos asesinatos, pues ni se les ha juzgado, ni se ha pedido perdón por aquello, ni se ha compensado a las víctimas. Y eso, que es un poco sangrante que tanto este crimen como muchos otros que se realizaron durante la dictadura sigan impunes y que los políticos hoy en día ni siquiera tengan el valor de reparar un poco aquel daño y aquellas salvajadas. Esto pasó en nuestra ciudad y después de ver que tras 40 años seguimos igual, teníamos un

poco la responsabilidad de hacer este tema, de hablar sobre ello y denunciarlo”. Está claro que de terrorismo hay de muchos tipos, no sólo del que sale por la tele. “Está claro, eso es terrorismo con todas las letras. Éstas son tan víctimas como otras, pero sin embargo a las personas que sufrieron ese terrorismo y esa violencia no se les trata igual que a los de otras violencias. Yo creo que la justicia tiene que ser igual para todo el mundo, y es muy triste que todavía les anden negando incluso cuando se manifiestan, que se les apalee cuando se reivindica un poco de conocimiento

Además Barney es un tío que sigue muy metido en toda la movida del grind, el punk y el hardcore underground… Yo supongo que ya os conocía, ¿no? “A la banda sí, sí, hemos tocado con ellos también, y desde hace muchos años. Buff… desde casi los primeros años. Hemos coincidido en bastantes conciertos y, nada, que al tío todo le pareció bien, no puso ni una puta pega, todo muy fácil, muy guay, y sí, es un tío muy activo, muy cañero, ya te digo: de puta madre. Nosotros encantados”. Más cosas... La verdad es que el estribillo de ‘Sistema Antisocial’ recuerda, claro, al ‘Antisocial’ de Trust?, universalizado por Anthrax. ¿Os fijasteis en ello, es como un homenaje? (Risas). “(Risas) Sí, sí, ya me di cuenta, pero

bueno, también te da por decir ‘sí, que vale, que lo han hecho, que puede tener un aire por la palabra ‘antisocial’’, pero joder, que no tiene nada que ver, ¿no? Sí que nos dimos cuenta de que, bueno, era un tema muy mítico y tal, pero qué pasa, ¿que ya no se puede hacer canciones con esa palabra, que se tiene que limitar la palabra ‘antisocial’ sólo para esa canción? Pues bueno, a la que lo repitas dos veces ya te pareces (risas). Pues así, sin más, no le dimos demasiada importancia, es otro tipo de canción y para adelante (risas)”. Al principio de la entrevista comentabas que os frenó un poco la lesión de Roberto. Para sustituirle entró Alfred Berengena, pero es que luego Roberto no volvió… No sé qué pasó, si sigue lesionado, si vosotros visteis que igual mejor con Alfred… “Sí, ya explicamos que esa lesión no tiene solución, es un tendón que se ha jodido y Roberto ya nunca va a poder tocar al nivel, pues eso, que hay en SA. Eso exige un rollo físico que con el tendón jodido se le puede partir. Es algo grave de tocar con muy malas posturas, que empezamos todos un poco a lo loco (risas), y de tanto tiempo haciendo un movimiento igual, pues es un poco postural. El tendón sufrió mucho y no tiene solución. Lo típico, lo podría intentar, pero no tiene ninguna garantía y seguramente te quedes peor de movilidad. Es decir, que es una avería gorda y, desgraciadamente, no puede dar la cera que le daba antes. Entonces, ahí se ha quedado la cosa y estamos con Alfred”.

“QUIEREN ACABAR CON LA CRÍTICA A GOLPE DE TRIBUNALES, Y ESO ES ALGO PROPIO DE UNA DICTADURA” JUAN Encima habéis buscado a un catalán, ya para molestar incluso más (risas). “(Risas) Sí, sí, se juntan todos los malos, si es que eso es así (risas). Dios los cría y ellos se juntan”. Lleváis desde 1988 gritándole a todo, pero hostia, el mundo no es que no mejore, es que va a mucho peor. “Pues sí, es como un embudo que desemboca en un callejón sin salida, y a las pocas personas que intentan mejorarlo, se las cargan. Es que es increíble… Están ganando los malos y nos están llevando al colapso total. Es que es muy difícil cambiar esa inercia, porque las fuerzas de los tarados y los egoístas son las que mandan, y da mucho miedito la cosa (risas). Pues bueno, intentar cada uno poner nues-

tro granito de arena, pero ya te digo, son unas fuerzas que están totalmente organizadas en una economía que es depredadora, que sólo quiere crecer, crecer y crecer, y que le da igual lo que le ocurra a la gente, y hostia puta… Es una puta mierda”. Lo que parece aún vigente es la censura hacia Soziedad Alkoholika. Hubo esa prohibición del bolo de Madrid, así que parece que os siguen tocando los cojones todavía… “Sí, considero que eso va a ser complicado de que termine. Eso creo que ya para toda la vida vamos a tener ese comodín, el comodín de la llamada, y si quieren echar un poco de mierda sobre el adversario político de turno, pues nos pueden usar siempre para decir gilipolleces. Últimamente

parece que tal vez esté un poquito más calmado, ya no es como antes… También, ya te digo, se les va haciendo menos caso porque, como para ellos todos somos malísimos, pues al final son tantos que pierden un poco la cuenta, se les ve el plumero (risas). Pero bueno, que a nosotros nos ha tocado la lotería ésta y habrá que lidiar como se pueda. A ver si poquito a poco va volviendo la cordura, porque cada vez esto es una puta dictadura más ridícula… O sea, que ya por hacer chistes te quieran meter en el talego y no puedas criticar, que se intente mezclar siempre churras con merinas, pues es un poco demencial. Lo triste es que les va saliendo bien… pero bueno, pues a pelear toca, a cambiar la corriente”. Yo es lo que veo, que clara-

mente hay una involución en este país. A ver, hay cosas que son de muy mal gusto decirlas, pero es que se ha llegado al punto en el que ni el artista puede decir lo que piensa, ni se pueden hacer chistes, ni nada. Está todo legislado, y siempre miran hacia la misma dirección, además. “Claro, es que si se midiese a todo el mundo por el mismo rasero, pues bueno, vale, pero es que encima sólo van a por los que piensan un poco a la izquierda. A los que dicen barbaridades y te amenazan con matarte, con dispararte, pues si son de extrema derecha nunca pasa nada, o si son picoletos (risas). Si da la casualidad de que son gente que ideológicamente está en la izquierda, ponen ahí todo su empeño en desprestigiarlos y, bueno, en intentar meterte en el talego por hacer un puto chiste o una puta crítica, que se ha hecho toda la puta vida, ¿y ahora resulta que lo pones en la red social para tus amigos y es un puto delito? ¿No vas a poder decir barbaridades? El mal gusto no se puede condenar, puedes tener y hacer unas letras que a mucha gente le sienten mal, pero ellos tienen la libertad de no escucharlas igual que yo no escucho cosas o no veo películas que me dan puto asco. Pues es normal, para eso está, eliges lo que quieras, siempre que no atente directamente contra una persona con una barbaridad… Pero sí, que es un puto esperpento la que están montando. Les ha fastidiado mucho esto de las modernidades, de las redes sociales (risas), y quieren acabar con la crítica a golpe de tribunales, y eso es algo propio de una dictadura. Es gente que no admi-

te las críticas y que tergiversan y manipulan para colgarte delitos que no has cometido. Es muy preocupante, la libertad de expresión es uno de los pilares básicos”. Yendo hacia algo más positivo, en 2018 vais a cumplir 30 años, que se dice pronto. No sé si tenéis pensado hacer algo especial o si simplemente os centrareis en la gira del nuevo álbum. “No sé (risas). Somos un poco desgraciados para estas cosas. Hemos ido cumpliendo años y nunca hemos hecho ninguna cosa especial, la verdad. Nosotros estamos en nuestro mundillo de rock y se te pasa. Te van viniendo efemérides y ‘hostia, si ha sido esto y no hemos hecho nada’ (Risas). Es así, es así, por lo que no sé… estaría bien igual como hicimos alguna vez, pues eso, cuando nos ha coincidido con alguna efeméride, pues igual volver a tocar los primeros discos, hacer algún concierto sólo con los dos primeros… Cositas así, pero eso, que en principio no tenemos nada en mente, no nos suele dar por ahí. Estaría guay hacer alguna cosilla, pero como te digo, no solemos tenerlo ni en cuenta”. Yo te digo una cosa: una gira tocando Ratas entero creo que sería lo más grande que haya visto este puto país (risas). “(Risas) Pues estaría guay también porque, por ejemplo, esto no lo hemos hecho, mira. Estaría de puta madre y sí que podría ser una buena idea”.

ZEAL & ARDOR

MÚSICA NEGRA

ZEAL & ARDOR HA PUBLICADO UNO DE LOS DISCOS MÁS SORPRENDENTES DE LOS ÚLTIMOS MESES. EN DEVIL IS FINE ENCONTRAMOS MÚSICA DE ESCLAVOS MEZCLADA CON BLACK METAL AMBIENTAL, BLUES, HIP HOP Y GÓSPEL. DESCUBRIMOS QUIÉN SE ESCONDE DETRÁS DE TAN INTERESANTE PROYECTO.

TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

NA DE LAS FRASES

más recurrentes en el mundo de la música es decir que ya está todo inventado. En gran parte así es, pero siempre queda alguien capaz de combinar elementos conocidos y ofrecer algo nuevo. Al menos yo, nunca había escuchado un disco igual que Devil Is Fine (MVKA), el debut de Zeal & Ardor. “Imagina si los esclavos de América hubieran rechazado el cristianismo y hubieran abrazado el satanismo. Si en lugar de aceptar el ‘poder de Dios’ hubieran escogido el desafío, la rebelión y el poder de Satán. Ése es el mundo en el que se basa este disco”, así define la obra el autor en sus propias palabras. Pero resulta que detrás de un disco así no se encuentra ni un nativo de Alabama ni de Noruega, sino un suizo que responde al nombre de Manuel Gagneux. Aunque en 2012 se mudó a Nueva York para desarrollar su carrera musical, en el momento de atender nuestra llamada se encuentra en su país de origen, concretamente en Basilea, donde anda ensayando con el grupo que le acompañará en directo en los próximos meses y que tiene en su participación en el prestigioso Roadburn Festival una de sus fechas clave. Si bien Gagneux no renuncia a seguir haciendo música bajo otros alias, como Birdmask, con el que hace música electrónica, está claro que quiere aprovechar la atención, más que merecida, que ha recibido con Zeal & Ardor.

En pocos meses Zeal & Ardor ha generado mucha expectación y el disco, que ahora se lanza oficialmente a nivel global, ha tenido muy buenas críticas. ¿Te ha sorprendido? MANUEL GAGNEUX “Sí, muchísimo. Colgué el disco en Bandcamp pensando que quizá mi madre lo compraría... ¡Y ni siquiera lo hizo! (Risas) Pero ocurrieron otras cosas”. Te llamas Manuel. ¿Tienes parientes españoles o hispanos? “No, es sólo que mi padre es raro (risas). Creo que simplemente le gustaba el nombre. Pero no hablo nada de español”. Hablemos un poco de tus antecedentes musicales. ¿Vienes de familia de músicos o tú eres el primero? “No. Mi madre es cantante de jazz y mi padre toca en un grupo de salsa. Supongo que de ahí viene mi nombre (risas)”. Así, ¿aprendiste a tocar de pequeño? “Sí, siempre había un piano en casa y podía jugar con él. Tuve mucha suerte”. ¿Cuál fue la primera música que te enganchó? “Cuando era un chaval lo que más me gustaba era el metal. Empecé con Iron Maiden, Slayer y todo eso.

Pero cuando tenía 15 años, un amigo mío me descubrió a Darkthrone y Burzum, y aluciné”. En esa época vivías en Suiza. ¿Ibas a muchos conciertos? “La verdad es que no, aunque me hubiera encantado. Pero no sé si hubiera sido muy bien recibido en ese ambiente porque… bueno, ya sabes… políticamente tienen ideas extrañas”. ¿Hablas de problemas de racismo y xenofobia? “Sí, de vez en cuando los he tenido. La policía te para y te dice que tienes pinta de ser un traficante. Eso me ha pasado bastante”. Hace cinco años te mudaste a Nueva York. ¿Fue para desarrollar tu carrera musical o por otros motivos? “Sí. Pensaba que si iba a un sitio donde todo el mundo es muy bueno haciendo su trabajo, me obligaría a ser más original. Por ejemplo, si quieres ser un músico de jazz, ya hay alguien que es mil veces mejor que tú. Así que estar ahí te obliga a buscar algo en lo que puedas destacar”. ¿Te costó adaptarte? “Un poco, porque es distinto. Suiza es básicamente una isla. Es un país con mucha autoestima. No quiere la ayuda de nadie, pero tampoco quiere ayudar a nadie. En Estados 101

“COLGUÉ EL DISCO EN BANDCAMP PENSANDO QUE QUIZÁ MI MADRE LO COMPRARÍA... ¡Y NI SIQUIERA LO HIZO! (RISAS) PERO OCURRIERON OTRAS COSAS” MANUEL GAGNEUX Unidos creo que la gente está más abierta a ayudar a los demás, hay más calidez humana”. Pero irte a otro país y empezar de cero no es fácil. ¿Tuviste que trabajar en otras cosas o tenías suficiente dinero para centrarte sólo en la música? “De nuevo, tuve mucha suerte. Un músico de blues me dejó vivir en su casa sin pagar alquiler a cambio de que le mezclara sus grabaciones. No era muy bueno en el aspecto técnico y necesitaba a alguien que le ayudara con eso”. ¿Habías estudiado sonido o algo parecido? 102

“No, no. Desde siempre lo había hecho por mi cuenta. Estaba obsesionado con eso. Era un hobby que llegó demasiado lejos (risas)”. ¿De dónde surgió la idea de mezclar voces de esclavos con metal ambiental? ¿Fue una casualidad? “Estaba trabajando en otro proyecto, pero me sentía un poco frustrado. El caso es que empecé a entrar en la web 4Chan, no sé si la conoces, pero es bastante extraña, y le pedía a la gente que me dijera estilos musicales y entonces escogía dos y en 30 minutos hacía una canción mezclándolos. Un día un tipo dijo black metal y otro dijo música de negratas (nigger music. El término

‘nigger’ se considera muy ofensivo –ndr.). Al principio me cabreó, pero me pareció una idea interesante y lo probé. Así que, para ser justos, no fue una idea mía, sino de dos tíos en internet”. Así que tenemos que dar las gracias a un racista por la existencia de Zeal & Ardor. “Puede que sí (risas)”. Una vez hiciste esta primera canción, ¿cuánto tardaste en desarrollarlo en un álbum entero? “Pues bastante, porque las primeras sonaban como una mierda (risas). Me llevó unas siete canciones hasta conseguir algo que me gustara. En

Me imagino que también tuviste que investigar un poco porque no debías conocer demasiado sobre la música de los esclavos o el góspel, ¿no? “Correcto. Conocía la obra de Alan Lomax, que era un musicólogo que hizo grabaciones de los cánticos de los esclavos, los trabajadores, los prisioneros… Así que escuché muchas de esas grabaciones y fueron una gran influencia en este proyecto”. Por lo que he visto, has trabajado en distintos proyectos. ¿Te vas a centrar ahora sólo en Zeal & Ardor o para ti es un proyecto más? “Para mí es muy importante hacer varias cosas. No quiero que Zeal & Ardor se convierta en una rutina. Necesito más de un proyecto para no aburrirme. Ahora estoy muy centrado en esto, pero sigo escribiendo música para otras cosas. Me ayuda a tener la mente abierta. De todos modos, mi idea es volver a grabar en octubre porque el disco sólo dura 20 minutos y necesito más material para tocar en directo. Ya tenemos algunas canciones que tocaremos, pero queremos grabarlas”. ¿Grabaste tú solo el disco entero, sin nadie más? “Sí. Las baterías son falsas, programadas. Pero el resto lo toco todo yo. ¡Es más barato! (Risas)”. ¿Cuál es para ti la conexión entre esa música y el metal? ¿Es el dolor y la oscuridad? “En parte sí. Lo interesante es que

ZEAL & ARDOR

total fue algo más de un año hacer todo el disco”.

mientras en una ese dolor se expresa a través del grito, en la otra se canaliza de una manera hermosa, es un dolor comunal, que se comparte”.

ola del black metal noruego fueran satánicos. El primer impulso era volver a las raíces, al paganismo”.

Lo curioso es que algunas bandas de black metal tienen connotaciones racistas. ¿Es Zeal & Ardor un vehículo de protesta contra eso? “Puede que sí, pero mi objetivo principal era musical, más que político. Pero la música es libertad y si puedo derribar algunos muros, mejor que mejor”.

Ahora estás ensayando con una formación completa. ¿Qué idea tienes de cara a presentarte en directo? “Voy a tener una banda de cinco músicos. Marco, el batería, que es muy técnico, Tizziano, el guitarrista, Raffaela, la bajista, y Marc y Dennis como coristas. Tuve mucha suerte porque todos son amigos míos. No tuve que hacer pruebas ni nada de eso (risas)”.

¿Sientes afinidad por alguna banda o escena? ¿Deafheaven, por ejemplo? “No lo sé. Deafheaven no tiene mucho que ver con la filosofía del black metal. El black metal usa el satanismo, no sólo para adular a Satán, sino como un instrumento contra el cristianismo. También me gustan Oathbreaker y The Dillinger Escape Plan, me encantaría girar con ellos. O con Bjork (risas). Pero para mí el black metal tiene dos aspectos, el musical y el filosófico”.

¿Tu modelo a seguir es un poco el de Trent Reznor con Nine Inch Nails, donde tú seguirás trabajando básicamente solo en el estudio y usando distintos músicos en directo? “¡Sí! Ésa es la idea. Pero Nine Inch Nails son jodidamente buenos, y por lo que sabemos, lo nuestro puede ser un desastre (risas). Todavía me queda mucho para llegar a ese nivel”.

¿Y tú eres satanista? “No, no. No soy nada religioso, pero tampoco creo que la segunda 103

GIGATRON

¡DIOS SALVE AL JEBI! LOS DIOSES ESTÁN DE VUELTA (OTRA VEZ). SI BIEN ES CIERTO QUE DESDE EL LANZAMIENTO DE ATOPEOSIS 666 EN 2014 NO HAN PARADO, CON LA FUERZA QUE SÓLO UN KAIJU MUESTRA TRAS DESPERTAR DE SU LETARGO, LLEGA EL MOMENTO DE DEMOSTRAR QUE TIENEN CUERDA PARA RATO O, AL MENOS, MIENTRAS DUREN LAS RISAS. TEXTO: SAMU GONZÁLEZ FOTOS: DR

STA SERÁ LA TERCERA VEZ EN mi carrera como juntaletras que me entrebestio con estas leyendas del rock paródico, citado en la Prisión para Dioses Peligrosos de CarabanchR’lyeh para un vis a vis lisérgico con su vocalista Charly Glamour. Desde el reservado para parejas, Charly se sincera llegado un momento del interrogatorio, tal vez por mis excelsos mimos y carantoñas, y se atreve incluso a contarnos detalles exclusivos de su nuevo trabajo The Aluminium Paper Album, que verá la luz en breve tras una exitosa campaña de hordafunding en Verkami. Ámales u ódiales, pero seguro que Gigatron no te dejan indiferente. Han pasado tres años desde que salió Atopeosis 666. ¿Qué ha hecho la banda en todo este tiempo? CHARLY GLAMOUR “De la gloria a la escoria, tío... como siempre. La gira global fue atopeósica, yo me lié con el caballo de Lady Gaga y todo, lo verías en el Sálvame… Farla, peces a mogollón... Lo de Metalocracia ha sido más duro... Los jebis ansiamos el poder, pero luego es muy cansao... Ya ves dónde estamos ahora, tío, encerrados sin motivos, ¡como los amigos del Robe!”. Parece que esta vez ha-

béis preparado un disco conceptual. Coméntanos sobre qué versarán sus temas y la idea del álbum. “Todos estos temas surgen de partituras prohibidas, de estilos metaleros tan peligrosos que pueden descuajaringar el espacio-tiempo, como el mambo death, el visigothic rock, el epic quinqui o el viking bugui... También podría decirte que hemos hecho el típico disco experimental de mierda que tienen que hacer todas las bandas. Mi disco favorito de los Kiss es The Elder porque me cabrea, me descojono y me flipa a la vez, you know?”. ¿Veremos de nuevo letras combativas con vuestro tono humorístico como ya pasó en Atopeosis 666? “A mí es que me poseen demonios cuando canto. A veces se me mete por el ojete el espectro de un revolucionario checoslovaco tuerto que es muy comprometido...”. Me refiero a letras como ‘Metalocracia’, ‘Sangre Fiambre’ u otras como ‘Ministro Del Pisto’, de vuestro Mar De Cuernos; rollo muy político. “Nosotros somos dioses, por eso siempre estamos de cachondeo y cabreados, las dos cosas a la vez. Es a lo que nos dedicamos los dioses, a vegetar y a liara. Los mortales tenéis otras preocupaciones, pero nosotros combatimos por aburrimiento. Destruir gobiernos, iglesias, sistemas, civilizaciones... es guay. Romper cosas es díver. La política es otro rollo... viene de la antigua Grecia, porque los mandamases de la polis estaban apolillados”. 105

¿En qué estado de producción se encuentra el álbum? ¿Nos puedes contar cómo ha sido el trabajo de la formación a la hora de realizarlo? Composición, grabación, estudio, mezclas... Todas esas cosas técnicas que en verdad nos encanta saber... “Si supieras cómo se graban los discos de Gigatron acabarías loco. Hay fuerzas cósmicas de un horror innombrable que entran en disputa, y de esa bulla caótica surgen las canciones. Lo más normal es que todo venga de una idea loca que nos sale del cerebro reptiliano o del rabo y sin procesarla mucho le damos caña en el local. Luego habría que grabarla, pero nosotros tenemos una tostadora que pillamos en la Atlántida que hace los discos solos. Pero creo que me estoy sincerando demasiado 106

y voy a tener que matarte luego”. De nuevo habéis acudido a realizar un hordafunding para el lanzamiento. Tras la experiencia anterior y ésta, ¿qué valoración haces de esta vía de gestión para las bandas? “Es lo mejor. Nosotros nos apañamos con nuestros fans, que son para quienes hacemos las canciones. Es una simbiosis estupenda. Como la anémona y el cangrejo ermitaño, nuestros fans consiguen molar más que el resto de la humanidad, y nosotros pasta para seguir siendo libres. Nosotros somos el cangrejo, supongo... aunque la anémona mola... no sé, tío. ¡Somos cangrémonas! ¡Con greñas!”. Se nota que habéis cuidado mucho la campaña online

para la promoción y lanzamiento. Es importante para que estos proyectos lleguen a buen puerto, ¿correcto? “El metal es la primera multiplataforma, tron, más antigua que las placas tectónicas”. Quienes no se hayan apuntado al mismo, ¿cómo podrán hacerse con el disco? Aparte, ¿qué es lo que va a encontrar el fan de la banda entre todos los regalos y materiales exclusivos? “El álbum va a estar a la venta después de que lo tenga la peeeeñaaaa, pero ellos serán siempre los primeros. Los mecenas van a recibir ediciones legendarias únicas e irrepetibles del vinilo y el CD que les van a hacer crecer las melenas. Además, con la cami exclusiva, el

papiro místico de conjuros, el llavero masón molón, las insignias y toda la chatarra Alluminati podrán dominar el mundo en gallumbos. Y no nos olvidemos de las fiambreras metaleras. Mucho botellón, pero... ¿Qué pasa con el colchón? Los jebis tenemos que comer para poder seguir bebiendo y hemos cubierto esa necesidad también”. Y respecto a los conciertos, ¿tenéis pensados o planificados ya nuevos movimientos? “La primera parte del Aluminatour ya la hemos anunciado y estaremos en muchas de las plazas fuertes troners. En otoño intentaremos colarnos en rincones más inhóspitos y en otros que se nos han quedado fuera por fechas como Galicia, Murcia o Raticulín”. Más que nada, porque en verdad habéis tenido mucha actividad en salas y festivales tras el lanzamiento de Atopeosis 666... “Sí tío, todos los festis nos quieren, pero tienen que hacer cola. El que se nos resiste es el puto Sónar ése... ¿Aún existe? Molaría ir sólo por joder”. Cuéntanos un poco cómo funcionan vuestros putos acústicos y cuándo los ofrecéis. “Somos Dave Demonio y yo recorriendo los tugurios del mundo solos con una Harley y un borriquillo, desnudando nuestro corazón y nuestro paquetón con versiones cálidas de hits y temazos que no caben en el reper eléctrico. La peña se descojona, aunque no entiendo por qué”. Y la idea de los conciertos para peques, ¿de dónde sur-

“NOSOTROS SOMOS DIOSES, POR ESO SIEMPRE ESTAMOS DE CACHONDEO Y CABREADOS, LAS DOS COSAS A LA VEZ. ES A LO QUE NOS DEDICAMOS LOS DIOSES, A VEGETAR Y A LIARLA”

CHARLY GLAMOUR

ge? ¿Tenéis pensado continuar con esos shows? “Gigatrín es nuestra Escuela de Dioses del Metal. Sólo lo hacemos en ocasiones muy especiales, cuando se da la conjunción perfecta entre la posición de los astros y el cóctel de medicación y maldiciones que afectan a nuestro cerebro para que podamos acercarnos a los niños sin comérnoslos. El metal no tiene futuro sin cantera y hay que instruir a las pequeñas hordas, que por cierto, son más jebis que sus papis y mamis”. ¿Os imaginábais cuando a finales de los 90 lanzasteis Los Dioses Han Llegado que el grupo tendría tanta fuerza en la segunda década de los 2000 y con tanta gente que os muestra su cariño? “Qué va tío, en los 90 el popper nos frió el seso y no imaginábamos ni cómo llegar al váter”. Entre todas las estrellas del rock que nos han dejado estos años, ¿os habéis encontrado con alguna en vuestros paseos por el Valhalla? ¿Nos puedes contar algo de vuestra relación con ellas? ¿Lemmy qué tal? “Eso tío daría para escribir un libro, pero hay un pacto de silencio que si lo rompes QueridOdín nos hacha: ‘Lo que pasa en el Valhalla se queda

en el Valhalla’. Bueno, va, que eres colega... Scott Columbus sabes que tiene un bareto allí, ¿no? Pues le ha puesto a Lemmy su tragaperras favorita. Y allí están los dos fardando de mostacho y haciendo pulsos. El Valhalla es un sitio cojonudo, tío... No como este pozo infecto de CarabanchR’lyeh”. Para acabar, ¿de nuevo pisaréis algún festival de Mundo Idiota? ¿Y un asalto al escenario con otras bandas de vuestro mismo estilo, como El Reno Renardo, lo veis factible? A los fans les encantaría, sin duda. “Fue la leche aquel Mundo Idiota de 2012 con Nanowar, Ladilla, el Reno, Gandules... Qué jóvenes e inconscientes éramos y qué risas... Se ve todo tan lejano cuando dentro de un rato tienes que volver a compartir duchas con Cthulhu...”. Ah, la cuenta de todo esto va a cargo de los maestros Alluminati, ¿no? “Tranqui, el chin-tonic de chinches lo pago yo que tengo cuenta en el economato. Deja a los Alluminati tranquilos, que son unos tíos inmortales megamolones pero con un sentido del humor de perros...”.

107

OBITUARY

HERMANOS DE SANGRE

A ESTAS ALTURAS, OBITUARY NO TIENEN NADA QUE DEMOSTRAR A NADIE EXCEPTO A ELLOS MISMOS. SU DÉCIMO ÁLBUM DE ESTUDIO, BAUTIZADO CON EL NOMBRE DEL GRUPO, ES OTRO PRODUCTO SALIDO DE LA FACTORÍA DE LOS HERMANOS TARDY. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

UANDO EN 1989 Obituary publicaron su debut Slowly We Rot, poco podían imaginar que casi 30 años después todavía seguirían en activo. Si bien el álbum, con sus arrastrados y putrefactos riffs y una voz de ultratumba, creó escuela y convirtió los estudios Morrisound en la meca de la escena death metal de los 90, una banda como Obituary parecía demasiado extrema como para tener una carrera tan longeva, seguramente, porque simplemente no había precedentes. Pero los hermanos John (voz) y Donald Tardy (batería), junto al otro miembro fundador Trevor Peres (guitarra), lograron evolucionar y adaptarse, sin renunciar a la esencia de la banda y, consiguieron entrar en el siglo XXI con fuerza después de un tiempo separados. Es verdad que a los de Florida –que en la actualidad completan Kenny Andrews a la guitarra y Terry Butler al bajo- se les sigue valorando más por lo que fueron que por lo que son, y que sus nuevas obras difícilmente levantarán pasiones –aunque su nuevo trabajo Obituary (Relapse) está más que bien-, pero sigue siendo un auténtico lujo poder seguir disfrutando de ellos cada vez que se suben a un escenario. En julio tendremos una nueva oportunidad de hacerlo cuando regresen al Resurrection Fest. ¿Hay algún motivo por haber titulado el disco simplemente como Obituary? JOHN TARDY “Probablemente no (risas). Me gustaría poder decirte que tiene algún significado, pero simplemente nos gustaba mucho la portada y nos parecía que hablaba por sí misma. Todos los grupos en algún momento

publican un disco homónimo y decidimos sacarnos eso de encima en este momento (risas)”. Antes los grupos solían salir de gira para presentar un disco nuevo. Ahora lo estáis todo el tiempo, antes, después e incluso durante la grabación de un trabajo. ¿Cuesta mantener ese ritmo? “La industria musical ha cambiado mucho desde que empezamos. Los grupos podían vender millones de copias y vivir de eso. Ahora, excepto Taylor Swift, nadie vende casi nada. Nosotros apenas ganamos nada con las ventas de discos, así que tienes que girar todo el tiempo. Para mí estar lejos de casa doce meses al año es un horror, así que intentamos espaciar las giras, aunque eso signifique que, cada pocos meses, vayas a tener que salir a la carretera de nuevo. Y tampoco tiene sentido estar tocando siempre en los mismos sitios. A Kenny le gustaría que diésemos más conciertos, pero yo no quiero. Es mejor esperar las ofertas adecuadas”. Muchos grupos tienen un disco clásico avanzada su carrera, pero en vuestro caso fue vuestro debut Slowly We Rot. ¿Alguna vez lo has visto como una losa de cara a hacer un disco nuevo? “No lo sé. Éramos tan jóvenes... y no había ningún plan detrás. Todavía recuerdo cuando llegaron las copias del disco a casa y abrí la caja y me sentí muy feliz. Pero no es como si hubiésemos sufrido toda nuestra vida para llegar a ese punto. Simplemente teníamos unas canciones, las grabamos, salimos

en un recopilatorio y nos ofrecieron hacer un disco. Todo fue muy rápido. De hecho, apenas giramos con Slowy, no fue hasta Cause Of Death que empezamos a hacerlo. Y luego salió The End Complete y fue una obra que vendió muchísimo. Creo que todos nuestros álbumes tienen algo que los hace valiosos, no sólo el primero. Yo intento no compararlos porque cada uno surge de un momento especial”. El disco anterior, Inked In Blood, lo hicisteis todo vosotros. ¿Fue el mismo caso con el nuevo? “Sí. Con cada disco hemos ido tomando más responsabilidad. Nos ocupamos de grabarlo, de producirlo… lo hacemos casi todo. Relapse se encarga de la promoción y la distribución. Hace años aprendimos que no puedes hacer un álbum y decidir distribuirlo tú mismo. Los sellos tienen todo eso mucho más por la mano porque cuentan con un catálogo que les permite tener un mejor trato. Pero estamos felices con Relapse. Tenemos un control absoluto de nuestra música, es propiedad nuestra y ellos están encantados de ayudarnos con lo que puedan”. ¿De dónde salió este deseo de tener un mayor control? “La principal razón es que tengo un estudio en mi casa. Podemos trabajar cuando nos dé la gana. Si quiero puedo grabar una estrofa por la mañana y parar el resto del día. O pasarme todas las horas que quiera hasta la noche. Mi hermano vive muy cerca y también puede trabajar cuando quiera. Pasamos muchas horas colocando micros y buscando buenos sonidos. Hemos ido aprendiendo a trabajar con

109

“CUANDO NOS PONEMOS A TOCAR JUNTOS, LA CHISPA VUELVE A SURGIR”

JOHN TARDY

Pro Tools y nos permite ser más autónomos. También nos ocupamos del merchandising, de la página web, del management… Hacemos tanto como podemos”. Trabajar con tanta libertad también requiere disciplina. “Sí, a veces puede ser un desafío trabajar desde casa (risas). Es fácil ponerte a ver la tele en lugar de trabajar (risas). Pero la verdad es que todos nos hemos sentido motivados. Nunca hemos hecho un plan para repartirnos las tareas, sino que todos sabemos lo que hay que hacer y quién es mejor haciendo según qué cosa. Somos bastante resolutivos”. Después de diez discos, ¿alguna vez te preguntas ‘¿Tengo algo nuevo que decir?’? “Cuando tienes una carrera larga, da igual el número de álbumes que hayas sacado, las circunstancias cambian mucho. Cuando hicimos el primer disco, todavía estaba estudiando (risas). Las circunstancias cambiantes y las nuevas experiencias son las que 110

te inspiran a hacer un álbum nuevo. Si ahora me dijeras que me pusiese a escribir otro, probablemente te diría que no porque acabo de hacer uno. Pero de aquí a un tiempo seguramente me volveré a sentir inspirado. Cuando nos ponemos a tocar juntos, la chispa vuelve a surgir. Personalmente creo que el nuevo álbum tiene algunas canciones muy buenas y es distinto a los anteriores. Creo que seguimos teniendo algo que decir”. Ya en Inked In Blood y también en el nuevo hay algunas canciones más simples y directas. ¿Hacer canciones así es una manera de mantener la atención de los fans en los conciertos? Porque normalmente con las bandas veteranas, la gente está ahí para escuchar los clásicos y pasa bastante del resto. “Bueno, me gustaría decirte que somos tan listos como para componer pensando en eso, pero no es el caso (risas). La realidad es que todo es mucho más espontáneo. Uno empieza a tocar

algo, los demás le siguen y, a menudo, a mí me viene algo en la cabeza, ya sea una melodía, un estribillo… Es como si de inmediato supiera lo que voy a cantar y me imagino a la gente volviéndose loca en el concierto. Cuando ocurre eso, lo mejor es no darle demasiadas vueltas a la canción y dejarla en su estado más puro. Pero bueno, sabemos que hay ciertas canciones antiguas que tenemos que seguir tocando pase lo que pase”. Cada vez vemos más grupos haciendo giras temáticas de aniversario de un disco determinado. ¿Os lo habéis planteado alguna vez? “Nos lo han pedido alguna vez. Hace unos cinco años nos pidieron hacer una gira de Slowly We Rot, pero lo pensamos y no nos motivaba. Algunas canciones no las hemos tocado nunca. Lo que hicimos fue una gira con sólo temas de los tres primeros discos porque no teníamos un álbum nuevo en ese momento. Para mí hacer un disco entero sería un poco aburrido”. Cuando sales a tocar ahora y ves las primeras filas, ¿qué es lo que piensas? “‘¡Este tío no había nacido cuando sacamos el primer disco!’ (Risas). Pero mola mucho ver a gente de distintas generaciones. Creo que lo que nos ha hecho mantener un buen nivel es que viene gente que nos había visto en 1990 y gente que no nos ha visto nunca. Es necesario tener nuevos fans para mantenerte. Y ahora vienen muchas más chicas también”.

14 DE ABRIL - A CORUÑA (LE CLUB DIRECTO) 15 DE ABRIL - SANTANDER (ESCENARIO SANTANDER) 16 DE ABRIL- MADRID (EL SOL) 17 DE ABRIL - BARCELONA (SALA BÓVEDA)

HAVOK

EL PLAN MAESTRO

LOS THRASHERS DE COLORADO VUELVEN A LA CARGA CON CONFORMICIDE, UN DISCO CON EL QUE SU LÍDER DAVID SANCHEZ ASPIRA A QUE SUS FANS UTILICEN LA CABEZA PARA ALGO MÁS QUE HACER HEADBANGING. TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR

A NOTA DE PRENSA

del nuevo disco de Havok podría calificarse de excesivamente optimista, cuando no de osada. En ella se dice que Conformicide, su cuarto trabajo y primero para Century Media, es el Master Of Puppets o el Rust In Peace del grupo estadounidense. Ya se da por sentado que la tarea de un sello es hypear el ambiente, pero también tanto entusiasmo puede generar anticuerpos. Dicho esto, Conformicide, que se publica el 10 de marzo, no es un clásico, pero sí un muy buen disco de thrash metal. Curiosamente en su calidad tiene que ver el tiempo que, involuntariamente, le dedicaron. Su anterior disco Unnatural Selection apareció en 2013, hace casi cuatro años, que en estos tiempos es toda una eternidad para una banda todavía por asentarse. Sobre esta dilatada ausencia, los efectos de la legalización de la marihuana y, cómo no, Donald Trump, hablamos con el cantante y guitarrista David Sanchez desde su casa en Denver. Los días 26 y 27 de abril lo tendremos en Madrid y Barcelona para presentar su nueva obra en compañía de Warbringer, Gorod y Exmortus. Tengo entendido que tu intención era haber publicado Conformicide hace un año. ¿A quién hay que echarle la culpa de que no fuera así? DAVID SANCHEZ “(Risas) Sólo a mí. Lo que ocurrió fue que tuve un

accidente haciendo montañismo. Me rompí el brazo y la muñeca y no pude tocar la guitarra durante nueve meses. Eso retrasó el disco un año, pero en el fondo estoy feliz porque me permitió trabajar mucho más en las nuevas canciones. Aunque no podía tocar, hice arreglos con un ordenador y un teclado y también le dediqué más tiempo a escribir las letras. Es por todo esto que el disco salió más tarde de lo necesario, pero también salió mejor”. Ah, OK... Pensaba que era porque, como vives en Colorado, te pasabas el día fumado. “(Risas) No, no”. Ya que vives en el primer estado que legalizó la marihuana, ¿crees que fue una buena decisión? “Desde luego he visto que vienen muchos más turistas (risas). Es como la nueva Ámsterdam. Mucha gente tenía miedo de que todo el mundo estuviera colocado todo el día, pero para mí es una estupidez. Si mañana legalizaran la heroína, yo no empezaría a tomarla. Y creo que la mayoría de gente es igual. Está demostrado que la guerra contra las drogas es un fracaso, así que está bien probar otra cosa y dejar que la gente tenga la libertad para meterse en el cuerpo lo que quiera sin acabar entre rejas”. De hecho, el problema que tenéis ahora en Estados Unidos

es con las drogas con receta. “Desde luego. Es como si te dijeran ‘no puedes meterte estas drogas, pero sí estas otras que te venderá un médico. Te pueden matar igual y puedes volverte un adicto, pero están bien’. Es absurdo”. ¿Tuviste algún temor de engancharte cuando te lesionaste la muñeca, si es que tomaste analgésicos? “Tomé algunos, sí. Lo usé para el dolor, pero una vez me dejó de doler la muñeca paré. Odiaba cómo me hacían sentir. No tuve ningún problema en dejarlo tan rápido como pude”. En el disco debuta como bajista Nick Schendzielos de Job For A Cowboy o Cephalic Carnage, y me ha sorprendido el protagonismo que tiene. Hay algunos toques incluso funk. “Sí, Nick es un gran bajista, y muy versátil. Creo que le ha aportado una perspectiva distinta a nuestra música. Estamos encantados con él. Además, Steve Evetts, el productor, es bajista y tenía más que decir sobre el bajo que sobre las guitarras o la batería (risas). Pero también me empujó para grabar las mejores voces posibles. Para eso está un productor, para que todo el mundo dé el máximo de su potencial”. Con Nick ya son 13 los músicos que han pasado por el grupo... ¿Es difícil ser el líder 113

“CUANDO FIRMÉ MI PRIMER CONTRATO, OJALÁ HUBIERA SABIDO LO QUE SÉ AHORA. NUNCA PARAS DE APRENDER Y DE CRECER. EL DÍA QUE DEJAS DE HACERLO SIGNIFICA QUE TU FIN ESTÁ CERCA”

DAVID SANCHEZ de una banda de metal? “A veces sí (risas). En el pasado he tenido ganas de dejarlo porque las cosas se habían puesto demasiado complicadas. Cuando las cosas no van bien, cuesta avanzar. Pero lo hicimos y aquí estamos 13 años después, y las cosas nos van mejor que nunca. Es duro, pero puedo decir que la persistencia tiene premio. Este disco lo va a sacar Century Media, un sello que siempre he respetado”. Es que el ser un buen líder, o buen jefe o un buen negociador no puede aprenderse tocando muchas horas la guitarra... tienes que vivirlo. 114

¿Crees que has mejorado en eso? “Desde luego. Ahora entiendo mucho mejor el negocio. Cuando firmé mi primer contrato, ojalá hubiera sabido lo que sé ahora. Nunca paras de aprender y de crecer. El día que dejas de hacerlo significa que tu fin está cerca”. Para alguna gente el thrash metal es un estilo limitado, pero si miras su historia hay un montón de bandas distintas entre ellas. ¿Crees que el thrash te sirve para incluir todas las ideas que tienes? “Sí, claro, podemos meter todo lo que

queramos. Podemos tocar rápido, podemos tocar lentos, hacer armonías con las guitarras, podemos hacer partes raras, ritmos raros. Creo que es un estilo que nos permite ser muy creativos”. ¿Te sorprende que formaciones como Slayer, Anthrax, Exodus o Metallica sigan en activo? “No me sorprende que lo estén ahora, pero me sorprendería que todavía lo estuviesen de aquí a diez años. Creo que muchos de ellos están acercándose al final de su carrera. No lo digo como algo negativo, pero el paso del tiempo nos afecta a todos.

Pero lo cierto es que hay un gran salto generacional. Cuando vas a un show de Havok o de Municipal Waste, el público es mucho más joven que en un show de Slayer, por ejemplo. “Tienes razón. Pero también creo que es porque algunas bandas jóvenes no son demasiado buenas (risas). Y además, hay muchísimos grupos. Es difícil para los fans saber cuáles son los grupos buenos y cuáles los malos. Cuesta más descubrir los que realmente merecen la pena. Pero, de todos modos, a veces vemos a gente de 50 ó 60 en nuestro concierto. Cuando giramos con Megadeth mucha gente de más de 40, 45 se nos acercaba para decirnos que se alegraban mucho de ver a una banda más joven tocando este estilo. Muchas veces pienso que los aficionados más mayores no van a conciertos de bandas jóvenes por simple desconocimiento”.

No estoy seguro de que los grupos clásicos del thrash o el heavy puedan seguir mucho más. Si lo hacen, me alegraré, pero no lo espero. No veo que a cierta edad puedan seguir tocando tan rápido y haciendo headbanging. Quizá me equivoque, pero es lo que me dice mi instinto”. ¿Y crees que cuando esos grupos lo dejen puede jugar en favor vuestro y sus fans se interesen más por vosotros? “Sí. Mi idea era que todos esos grupos de thrash que amo iban a desaparecer algún día, y alguien debía seguir tocando ese thrash old school. Por eso empecé Havok”.

No tengo nada en contra de Megadeth, pero es evidente que no tienen la misma energía que antes. “Sí, se necesita estar muy en forma para hacer esto. Por eso admiro mucho a Bruce Dickinson, que aunque sea mayor sigue corriendo por el escenario y cantando cada nota a la perfección. Creo que es el mejor frontman del metal”. Mientras estabais componiendo el disco, se produjo el ascenso de Trump. ¿Te afectó de alguna manera? “En este disco tenemos letras políticas, pero habrían sido las mismas con Donald Trump o sin él. Habrá

gente que interprete las letras como un ataque a Trump, pero en realidad están dirigidas a todo el sistema político porque está corrupto, no a una sola persona”. ¿Votaste? “Sí porque es la manera en la que puedes hacer oír tu voz y cambiar las cosas. Pero también puedo entender a la gente que no vota porque, al menos en la carrera presidencial, no sirve de casi nada. Es triste, pero es así. Los medios han lavado el cerebro de la gente para que crea que sólo pueden elegir entre dos partidos y por eso siempre gana uno de los dos. Por desgracia, los dos partidos principales se parecen mucho; los dos están corruptos y los dos son responsables de haber arruinado el país”. ¿Crees que a través de tu música puedes marcar alguna diferencia? “Creo que la música es un buen vehículo para hacer que la gente piense. Mi principal objetivo con las letras de este disco es que la gente despierte y cuestione las cosas. Creo que puedes decir las cosas más claras en una canción de cinco minutos que en un debate de cinco horas. A lo largo de los años me ha venido gente para felicitarme por las letras y me ha dicho que les había abierto la mente, así que tengo la prueba de que funciona. Seguramente no con todo el mundo, pero sí con algunas personas. Y con eso me basta”.

115

GREEN DAY

8 DE FEBRERO DE 2017 THE O2, LONDRES TEXTO Y FOTOS: RUBÃ&#x2030;N NAVARRO

120

res décadas. Se dice pronto, pero me pongo a pensar y de repente me explota en la cara una realidad que no me deja indiferente. Green Day llevan tocando juntos el mismo tiempo que yo llevo vivo en este planeta. Casi nada. Por ese mismo motivo, aquella noche entre el público del gigantesco O2, era difícil distinguir entre padres de jóvenes seguidores de la banda y adolescentes que empezaron escuchando el Kerplunk y hoy en día rozan los 50. En general, el abanico de edades era un claro reflejo de la accesibilidad de su música que, si bien no es lo que fuera antaño, sigue manteniendo una esencia punk rock que hace que sus canciones se conviertan en un puente ideal para muchos hacia un género que tiene mucho más que ofrecer que hits en la radio. Y qué mejor que los propios Green Day para poner la primera piedra de ese puente llevando de gira a una gran promesa del género como lo son The Interrupters. La banda, apenas formada en 2011 por Aimee Allen y los tres hermanos Bivona, Kevin, Justin y Jesse, tuvo brindada en bandeja la gran oportunidad de presentar sus cartas ante un público con ganas de fiesta y pasarlo bien. Algo me dice que más de uno salió de allí amando su música, como me ocurrió a mí en 2015 en el Groezrock. Sus canciones sonaron frescas y pegadizas como todo ska punk que se precie. Ya se sabe de las limitaciones que sufren las bandas que abren en grandes estadios en lo que a sonido se refiere, pero la verdad es que los californianos supieron arreglárselas para aprovechar hasta el último vatio disponible y dejar clara su candidatura a las grandes ligas. Tras la necesaria pausa para poner

todo a punto sobre el escenario, el trío formado por Billie Joe Armstrong, Tré Cool y Mike Dirnt puso en marcha su loco concierto desde el comienzo invitando a una fan en su primer tema para cantar y posteriormente saltar al público. La verdad es que la pobre chica no se lució en ninguna de las dos tareas. En realidad, siento que debo hacer un par de apuntes llegados a este punto. La banda hace tiempo que ha dejado de ser un trío, al menos sobre el escenario. Y realmente, no vimos un concierto, que también, sino más bien un show. El espectáculo tuvo momentos para todos. Canciones clásicas como ‘Longview’, para la que invitaron de nuevo a un chico del público a cantar, ‘Hitchin’ A Ride’, ‘When I Come Around’, ‘Are We The Waiting’, ‘Basket Case’ o ‘She’. También hubo tiempo para las que todo el mundo esperaba escuchar en directo, es decir, ‘Boulevard Of Broken Dreams’, ‘Minority’, ‘King For A Day’, ‘American Idiot’, ‘Jesus Of Suburbia’ o ‘Good Riddance (Time Of Your Life)’, con la que cerraron la noche. Y entre todos esos momentazos, también tuvieron tiempo para presentar algunos de los nuevos temas de su último trabajo, Revolution Radio, y de marcarse un medley con ‘Shout’, ‘Always Look On The Bright Side Of Life’, de Eric Idle/Monty Python, ‘Teenage Kicks’

de The Undertones, ‘[I Can’t Get No] Satisfaction’ (The Rolling Stones) y ‘Hey Jude’ (The Beatles). Como es de esperar en una banda del nivel de Green Day, tanto la ejecución como el sonido fueron sobresalientes, por no decir que rozó la perfección. Y por si fuera poco, tuvimos CO2, fuegos artificiales, cambios de backdrop, un diseño brutal de luces, cañones de fuego y, como no podía ser de otra manera, confeti en cantidades industriales. También hubo tiempo para una versión de Operation Ivy (‘Knowledge’), para la que invitaron a una seguidora del grupo con parálisis parcial que ayudó a Billie Joe a tocar unos acordes con una guitarra que más tarde se llevaría a casa con ella. Su madre, que la acompañó sobre el escenario, dio un fuerte abrazo al cantante para agradecer este bonito gesto. Los que hayáis ido antes a un concierto de Green Day probablemente os estáis preguntando si hubo o no ‘eeeeooos’ del señor Armstrong. Por supuesto que los hubo. Cientos de miles, para ser exactos. Probablemente el único bache de una noche que a pesar de hacerse un poco larga, mereció la pena. Así que, si sois de los que no habéis estado en un concierto suyo antes, espero que no dejéis escapar la oportunidad de verles en el MAD Cool. 117

KREATOR 23 DE FEBRERO DE 2017 SALA RAZZMATAZZ, BARCELONA TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

120

SOILWORK

las seis y diez de la tarde salió a escena la única banda del cartel con un presente musical relevante. Ante una sala mucho más concurrida de lo que imaginaba, Aborted dieron el peor show que les recuerdo, pero visto lo visto, sus bolos para salir del paso siguen siendo una bestialidad. Svencho, que ya es perro viejo, confeccionó un set a base de singles y breaks demoledores para que la jebilada no se fuera corriendo de Razz a las primeras de cambio. Son una trepanadora. En un pack de lo más disfuncional, los siguientes en tocar fueron Soilwork. Saltar del brutal death a su Sonido Göteborg pervertido con nu metal y un intento de Killswitch Engage no es algo que apeteciera demasiado, pero tocaba apechugar. Que esta banda haya logrado firmar contratos discográficos o salir de gira es una calamidad. En un mundo ideal Sepultura sólo serían

teloneros de Metallica, Iron Maiden o Judas Priest, pero si no sabes ni quién eres, como demuestra Machine Messiah, es normal que dos hermanos trasnochados vendan más tickets que tú a la que mueven un poco el trasero. Tiene que ser duro comprobar que tu repertorio de las últimas dos décadas no despierta el más mínimo interés entre el público, y que éste en cambio sólo reacciona a base de clásicos. Pero hay muchas formas de tocar, por supuesto, y lo cierto es que dichos clásicos sonaron sin alma ni garra alguna. La peña saltó y lo vivió con ‘Desperate Cry’, ‘Refuse/Resist’ o ‘Roots Bloody Roots’, pero la verdad es que fueron ejecutadas con una falta de pegada escandalosa. Banda tributo. Lo que empecé a pronosticar sobre Kreator en el pasado Rock Fest se ha acabado confirmando del todo en un disco como Gods Of Violence y shows como el presenciado en Razz. Tanto confeti, tanta fanfarria, esa lenta translación del thrash asesino hasta

SEPULTURA

el power metal sólo obedece a un objetivo: la chavalada. Cabe decir que su descarga empezó con vigor, con unas ‘Hordes Of Chaos’ y ‘Phobia’ que nos pusieron firmes en menos que canta un gallo, pero tema a tema la cosa fue decayendo absolutamente. Un repertorio demasiado centrado en su nueva cara melódica nos aburrió, y sólo ‘Phantom Antichrist’ o una ‘Enemy Of God’ que no reconocimos hasta que estalló su estribillo nos mantuvieron más o menos interesados. Que una gran parte del respetable se mantuviera impasible cuando los germanos enfilaron la recta final con ‘Flag Of Hate’, ‘Under The Guillotine’ y ‘Pleasure To Kill’ debería estar penado con cárcel, pero es lo que tiene haber confiado tu salario a ese metalero ocasional que sólo sale de casa para ir a tres shows al año. Si eres de la vieja guardia y no fuiste a este concierto, acertaste de pleno: tus Kreator han muerto. Una tarde-noche de lo más gris. 119

THE WONDER YEARS 18 DE FEBRERO DE 2017 SALA MOBY DICK, MADRID TEXTO: ALEJANDRO LOZANO FOTOS: ERIC ALTIMIS (BARCELONA)

120

TRASH BOAT

omo ocurriera en su primera visita en 2013, The Wonder Years volvían a poner fin a una gira europea en territorio nacional. Esta vez los de Pennsylvania, acompañados de unos teloneros de lujo como Tiny Moving Parts y los ingleses Trash Boat, agotaron tickets en la recién renovada Moby Dick antes de volver a casa. La noche prometía desde un principio, y pocos fueron los que se querían perder a un grupo también difícil de ver por estos lares como Tiny Moving Parts. El trío de math rock formado por Dylan Mattheisen (guitarra, voz) y los hermanos William y Matthew Chevalier, salió con ganas de hacer ruido y presentarse al público español desde que pusieron los pies en el escenario. Con un sonido más sucio y crudo del que se puede escuchar en sus obras Celebrate o Pleasant Living, los de Minnesotta tuvieron una actuación enérgica en la que, sin ser ni mucho menos redonda, seguro ganó nuevos fieles del gusto

de Thursday o Modern Baseball con temas como ‘Happy Birthday’, ‘Clouds Above My Head’, ‘Headache’ o ‘Common Cold’. Terminado su turno dieron paso a los británicos Trash Boat. La banda de cinco supo mover un poco más a los asistentes a base de un hardcore melódico, más al gusto de Knuckle Puck o The Story So Far, y que abrió la veda de pogos en canciones como ‘Strangers’ (que contó con la colaboración de Soupy), ‘Eleven’ o ‘How Selfish I Seem’. Todo parecía ya preparado para recibir al sexteto mientras ya no quedaba nadie por entrar en la sala. A golpe de ‘Local Man Ruins Everything’, ‘I Don’t Like Who I Was Then’ y ‘Washington Square Park’ ponían a todo el mundo patas arriba en un sinfín de crowdsurfers, circle pits y saltos desde el escenario. Si bien es cierto que desde que sacaran su madura y ultima obra, No Closer To Heaven, pudimos ver a unos The Wonder Years más instrumentales, dejando mucho

protagonismo al mencionado disco, con una cara algo más oscura y seria que de costumbre en momentos del show en los que parecían fluir entre su música, que poco a poco parece que va abriendo otros caminos. El pack compuesto por ‘Cigarrettes & Saints’, ‘Brothers &’ y ‘Cardinals’ hizo corear al público casi al unísono las ya famosas estrofas en las que Soupy, más que encantado, cedía su micro a toda la gente que se agolpaba a pie de pista. Fueron muchas las expresiones de agradecimiento por parte de la banda, en el que además destacaron como el único sold out de todo el tour continental, y dejaron la traca final para que, con ‘There, There’, ‘The Devil In My Bloodstream’, ‘Dismantling Summer’ o ‘Passing Through A Screen Door’, terminaran de tirar a los pocos que quedaban ya de pie en las primeras filas. Sin paripés de despedirse y volver a salir, invitaron a todo el mundo a subir para cerrar la fiesta con ‘Came Out Swinging’. 121

CAGE THE ELEPHANT 5 DE FEBRERO DE 2017 LA RIVIERA, MADRID

TEXTO: ROCÍO SÁNCHEZ FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ (BARCELONA)

120

TWIN PEAKS

o importan las expectativas que tuvieras antes de este concierto, lo que te hayan contado, lo que hayas leído o visto en vídeos de YouTube. Cuando Matt Shultz aparece bajo los focos, todo lo que podías esperar queda pulverizado. Hablo de Shultz porque, aunque bajo el nombre de Cage The Elephant hay toda una banda, resulta casi imposible apartar la mirada del vocalista. Es cierto que su hermano Brad y Nick Bockrath a las guitarras, Daniel Tichenor al bajo y Jared Champion a la batería hacen un trabajo excelente, pero hasta la propia disposición sobre las tablas les deja en un segundo plano, de manera que Shultz tenga suficiente espacio para moverse en su puesta en escena. Así se confirma como frontman, pero la palabra que realmente le define es la de showman: salta, gatea, baila, y hasta escupe hacia el techo con la suficiente puntería para volver a tragar

el salivazo en cuestión de segundos. Cuando le observas en movimiento, comprendes que no podría haber tenido otra posición estática detrás de un instrumento, es como si hubiera nacido para ello. Conecta con el público de una manera casi mística. El público lo daba todo, pero en varias ocasiones Matt Shultz parecía no tener suficiente, guardándose su micrófono de purpurina en el paquete para dejar las manos libres y provocar a los asistentes. La banda venía a presentar su álbum Tell Me I’m Pretty, pero hicieron un buen resumen de sus cuatro discos. Comenzaron frenéticos con ‘Cry Baby’ y se mantuvieron a ese nivel. El sudor que rodaba por el rostro del cantante desde el primer minuto y Brad Shultz lanzándose a tocar entre el público más tarde en ‘Ain’t No Rest For The Wicked’ eran símbolos de lo incombustible que es la banda en vivo

y una pista de cómo iba a terminar la noche. Ni siquiera en las lentas baja la intensidad. Matt Shultz canta y también compone, por eso no te extraña la emoción en su cara en los temas más personales, verle rozar la lágrima en ‘Too Late To Say Goodbye’ o dejarse la voz aullando en ‘Trouble’. Los teloneros Twin Peaks subieron al escenario para entonar los coros de ‘Mess Around’ con cachondeo junto al teclista Matthan Minster, y en el bis, aún más gamberros, invitaron a Cage The Elephant a fumar porros durante una versión de ‘Mary Jane’s Last Dance’ de Tom Petty And The Heartbreakers. Tras asegurar que su paso por España había sido lo mejor de la gira, terminaron derrochando energía en ‘Teeth’ y con los hermanos del grupo sumergiéndose entre el público en éxtasis con un stage diving bastante bestia. Un concierto Fórmula 1: si parpadean se lo van a perder. 123

FOUR YEAR STRONG 30 DE ENERO DE 2017 RAZZMATAZZ 3, BARCELONA TEXTO: LUIS BENAVIDES FOTOS: TONI VILLÃ&#x2030;N

120

ocas horas después de anunciar las primeras fechas de su gira por Europa y Norteamérica para celebrar el décimo aniversario de su segundo trabajo, Rise Or Die Trying, Four Year Strong hicieron sold out en un puñado de ciudades. No era el caso de Barcelona, la primera de todas las fechas. En la capital catalana el cuarteto de Worcester se llevó la primera –y espero que última– pequeña decepción. Apenas se vendieron anticipadas para su concierto en la sala mediana de Razzmatazz y se decidió trasladar su concierto a la sala pequeña. Eso sí, a partir de aquí, todo salió de maravilla. Para sus dos fechas en España la organización del concierto no pudo escoger mejores anfitriones: Tirana y Avida Dollars. Los primeros, con tres cuartas partes de los desaparecidos Hateache, salieron en tromba para presentar su primera referencia, un EP homónimo formado por cuatro

salvajes pero melódicos temas con ecos a los primeros Berri Txarrak. Avida Dollars, que meses antes habían abierto para los norteamericanos Coheed And Cambria en Barcelona y Madrid, son siempre una garantía. Su sonidazo, sus canciones y su actitud encima del escenario se llevaron una gran ovación del público. Los chicos de Catarsis abandonan el escenario y poco después suenan unas campanas y unas alarmas. ¡Es la intro de ‘The Take Over’! Así empieza Rise Or Die Trying, y así arrancaron su concierto Four Year Strong. De hecho, el cuarteto liderado por los barbudos Dan O’Connor y Alan Day repasó uno por uno los temas del disco homenajeado. ¡Ah! Sin los sintetizadores de Josh Lyford y con una base rítmica diferente. Jake Massuco y Joe Weiss se quedaron en casa y fueron remplazados en esta gira por dos jovencísimos músicos que cumplieron con nota. Supongo que debe ser bastante más fácil cuando

juegas con dos gigantes como O’Connor y Day en la primera línea del escenario. Melodías a montones, agresividad en su punto justo, saltos y más saltos. Four Year Strong habían cruzado el charco para celebrar los diez años de su segundo disco, el álbum con el que la mayoría los descubrimos. Invitaron al público a saltar al escenario para cantar con ellos el himno ‘Wasting Time’, incluido en Enemy Of The World, después de tocar otros cuatro temas de propina como ‘Stuck In The Middle’, ‘It Must Really Suck To Be Four Year Strong Right Now’ y el más reciente ‘We All Float Down Here’. Y se lió. Llegó la locura colectiva en forma de invasión de escenario, con medio centenar de chavales arropando a la banda, bajo los focos, levantando las manos, dando palmas y cantando a pleno pulmón. Tenía que ser una fiesta y vaya si lo fue. Sin duda, una noche que difícilmente olvidaremos. 125

NECROPHOBIC 16 DE FEBRERO DE 2017 SALA UPLOAD, BARCELONA TEXTO Y FOTOS: EDUARD TUSET

120

HYBAN DRACO

ómo se echa en falta en Barcelona conciertos de black death de calidad como el que ofrecieron Necrophobic en la sala Upload! Pero vayamos a lo primero. Fue un placer volver a ver a Cruz, esta vez sin Xavi a las voces, con su nuevo cantante Michele, quien cumple perfectamente con el estilo del grupo. Empezaron su particular d-beat metal punk con ‘Declive’ de su demo de hace un par de años, para después centrarse en su gran disco llamado Culto Abismal. El sonido, como a veces pasa en esta sala, podía ser mejorable. Una lástima, ya que en temas como ‘A Cops De Destral’ esas guitarras de Benja e Imanol suenan desgarradoras y a precioso swedish death metal, y no se pudieron apreciar tanto como nos gustaría. Acabaron con su último tema ‘Tumbas Ciclópeas’ y nos dejaron con ganas de mucho más. Luego era el turno de los chicos de Tarragona Hyban Draco, a los cuales hacía tiempo que no veía en directo y que para un

servidor han mejorado bastante en su puesta en escena. Tienen su nuevo disco Storms Of Desolation a punto de salir y ésta era una ocasión perfecta para darnos un pequeño avance de los temas que sonarán en él. Ésa fue la razón de empezar su concierto con ‘Dark Sides Of Heaven’ y ‘A Long Path’, mostrándonos lo bien que suena su black metal más limpio con las guitarras de Cristhobal e Hyban Sparda. Tocaron unas cuantas más de su nuevo disco, rescataron ‘Gods Of Darkness’ y acabaron su concierto, si no me equivoco, con ‘Victoris Betrayal’ de su segundo álbum Dead Are Not Silent, dejando un buen nivel sobre las tablas. La hora de los suecos de verdad llegaba. Los vi hace un par de meses en el Close-Up Båten en Estocolmo, donde a pesar de que tocaron muchos temas de The Nocturnal Silence no fueron los que más convencieron ese día, pero aun así había hambre. He de decir que con la vuelta de Anders a la voz, y que con Sebastian y Johan a la

guitarra, Necrophobic ganan muchos enteros para un servidor. Esta vez por suerte ya de entrada salieron con ganas y buen sonido con ‘Splendour Nigri Solis’ de ese último disco llamado Womb Of Lilithu que ya tiene cuatro años. La gente tenía ganas de un concierto así, donde el cuero, las tachas y las poses son bien recibidas, y las primeras filas hacían headbanging continuamente en un recinto bien lleno. A mitad del show, volvieron los problemas de sonido, primero con el bajo de Alex Friberg y luego con la pérdida del sonido de guitarra de Johan Bergebäck, que con las pintas que llevaba me recordaba constantemente a un joven Jeff Hanneman de Slayer en la gira de 1985. El final del concierto llegaba con ‘Nailing The Holy One’ de Darkside y, cómo no, ese emblema dentro del género que es ‘The Nocturnal Silence’, que fueron los temas que más nucas destrozaron esa noche. Ojalá los promotores se animen con más conciertos así. 127

ME FIRST AND THE GIMME GIMMES 9 DE FEBRERO DE 2017 SALA BUT, MADRID TEXTO: ALEJANDRO LOZANO FOTOS: ERIC ALTIMIS (BARCELONA)

120

MASKED INTRUDER

na de las cosas que se deben presuponer antes de ir a un concierto con estas dos bandas sobre un escenario es lo jodidamente bien que lo vas a pasar y, probablemente, la resaca que tendrás al día siguiente. La broma que un día comenzaran Fat Mike (NoFx), Chris Shiflett (Foo Fighters, No Use For A Name), Spike Slawson (Swingin’ Utters), Joey Cape y Dave Raun (Lagwagon) y que les llevó a ser la coverband más deseada en cualquier boda o bar mitzvah, arrancaba ese jueves en Madrid su gira europea, sumándose también la vuelta de otros guasones del punk rock a nuestras tierras como son Masked Intruder. La entrada en un principio se suponía floja, ya que les esperaban otras dos fechas en Barcelona y Bilbao, y no habían colgado el cartel de sold out en ninguna de las tres, pero al contrario de lo esperado, la sala se fue llenando pacientemente hasta que no quedó hueco en la pista. Los Intruder salieron con mucha puntualidad a divertir la velada. Con su característica puesta en escena, en la que cubren sus rostros

con pasamontañas de colores y les acompaña un tío disfrazado de policía con la única función de descojonar al personal, los delincuentes ofrecieron sus facilonas y pegadizas melodías punk rockeras como ‘I Fought The Law’, ‘I Don’t Wanna Say Goodbye To You Tonight’ o ‘Heart Shaped Guitar’. Aunque no les acompañó el sonido durante parte de la actuación, los de Wisconsin, que sufrían la baja del ‘arrestado’ Intruder Green (sustituido por una chica), mostraron buenas maneras y dejaron el ambiente caldeado para recibir a los de San Francisco. Engalanados en sus uniformes habituales de camisa hawaiana y pantalón blanco, y al grito mejicano de “¡¿Qué pedo Madrid?!”, los Me First And The Gimme Gimmes comenzaron la jarana. Al igual que en su anterior paso por aquí en 2014, Scott Shiflett (Face To Face) suplía a su hermano, y Jay Bentley (Bad Religion) al fundador de la Fat Wreck Chords, que parecía haberse tomado demasiado en serio ejercer de su excéntrico colega al ir más colocado que ninguno. Era un espectáculo verle hacer cosas sin sentido con el bajo

o abrazar uno por uno a los demás encamisados que miraban al público con ojos de complicidad por cómo iba el amigo. Entre versión, versión y versión, destacaron ‘Country Roads’, ‘Who Put The Bomp?’ o ‘Rocket Man’; mientras que Joey Cape necesitaba de sus gafas de ver a ratos y andaba más callado que de costumbre, se le puede seguir viendo disfrutar de una segunda juventud. Así siguieron ‘Sloop John B’, ‘Over The Rainbow’, ‘All My Loving’ y más clásicos americanos del country, pop o R&B, donde no pudo faltar el momento especial del ukelele en ‘I Believe I Can Fly’ para el que ya fue abierta la veda de pogos. Spike se mantuvo espléndido a los mandos del show con su espléndida voz, gracioso con su acento mejicano entre tema y tema, incluido cuando se arrancó con la ranchera ‘Miénteme’ después del bis también al ukelele. El final con ‘I Will Survive’ y la gamberra cover de los Boyz II Men, ‘End Of The Road’, daban por terminada la fiesta pero no la broma, que con más de dos décadas continúa teniendo la misma gracia...”This next song is a cover”. 129

STATE CHAMPS 22 DE FEBRERO DE 2017 SALA RAZZMATAZZ 2, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: TONI VILLEN

120

AS IT IS

abes que estás en un concierto de punk pop cuando los conciertos empiezan antes de las 8 y los primeros grupos apenas tocan 20 minutos, motivo por el cual no me dio tiempo de cazar la actuación de Treehouse Kids. Sí pude disfrutar, en cambio, del set concentrado de Northbound, grupo de Florida al que no conocía pero que dejaron un buen sabor de boca con un punk pop entre Saves The Day y The Ataris y puntito emo a lo Jimmy Eat World. Presentaban su único disco Death Of A Slug, con buenos temas como ‘Actor’ o ‘Kiss’, con un riff al estilo de cuando Millencolin se ponen más rockeros, y también alguno de un nuevo EP que lanzarán en abril como ‘Fade To Black’. Al terminar su bajista dijo que había sido el mejor concierto de su carrera. Espero que lo dijera por quedar bien, porque de ser cierto sería un poco triste. La presencia de As It Is, en esa

posición que los guiris califican como direct support, sospecho que tuvo mucho que ver con que el concierto se hubiera trasladado de Razzmatazz 3 a la más grande sala 2. Si bien ésta se quedó a media capacidad, por el recibimiento que recibieron los ingleses pareció que estaban en un pabellón a petar. El rubiales Patty Walters, que no dejó de sonreír ni un momento, centraba todas las miradas y suspiros. Y, vale, da un poco de rabia, pero para ser justos hay que decir que el chaval canta más que bien y suda la camiseta. En directo la banda gana muchos puntos respecto a sus discos y sus canciones adquieren más potencia. La verdad es que temas como ‘Patchwork Love’, ‘Pretty Little Distance’ o ‘Dial Tones’ sonaron muy bien y explican por qué la popularidad de la banda sigue creciendo. Finalmente, State Champs salieron con toda la artillería. El año y medio que llevan presentando su segundo

NORTHBOUND

álbum Around The World And Back les han convertido en una máquina de punk pop perfectamente engrasada, pero seguramente, por su juventud, no hubo ningún signo de agotamiento o apatía. Derek DisScanio no paró de saltar y moverse por el escenario como anfitrión de una fiesta en la que ‘Losing Myself’, ‘Hard To Please’, ‘Shape Up’ o ‘Eyes Closed’ sirvieron de perfecta banda sonora. Con el nivel de energía al máximo en todo momento, la banda de Albany sólo se tomó un respiro con la interpretación en acústico de ‘Stick Around’ y una ‘If I’m Lucky’ que acabó con electrificándose en su parte final para que el público corease. La más hardcoreta ‘Breaking Ground’ dio paso a una ‘Elevated’ con la que se lió parda. Para el bis dejaron ‘Nothing’s Wrong’ y ‘Secrets’ dejando la sensación de que el día que New Found Glory se retiren, State Champs pueden ser unos buenos sucesores. Ojalá que no se estropeen. 131

A DAY TO REMEMBER 27 DE ENERO DE 2017 WEMBLEY ARENA, LONDRES TEXTO Y FOTOS: RUBÃ&#x2030;N NAVARRO

120

NEW FOUND GLORY

unque la cosa ha mejorado bastante, todavía hay algunas giras que siguen sin llegar a España, como la que traía a A Day To Remember a Europa para presentar su último trabajo Bad Vibrations. Muy a mi pesar, únicamente pude disfrutar de tres temas de Moose Blood y Neck Deep respectivamente, ya que el acceso al resto del recinto para poder seguir viendo el concierto estaba vetado a cámaras reflex. Aun así, lo que pude ver de ambas bandas estuvo muy bien en lo técnico, aunque dejó mucho que desear en lo que a energía se refiere. Lamentablemente, un escenario de esas proporciones y con un público tan alejado no tiende a favorecer a este tipo de bandas por mucha pegada que tengan. New Found Glory, una de las bandas pioneras del género, ha pasado de llevar a A Day To Remember de gira, a ser llevados por ellos. Cosas de la popularidad. Lo cierto es que no guardaba un buen recuerdo de mi

último encuentro con ellos, pero esta vez no decepcionaron y todos sus miembros supieron estar a la altura. Sonaron clasicazos como ‘Hit Or Miss’, ‘Dressed To Kill’ o ‘My Friends Over You’, que a día de hoy se puede considerar el himno de los de Coral Springs. Además, los que nos seguís en Instagram también habréis podido escuchar un pedacito en directo de un nuevo tema bajo el nombre ‘Happy Being Miserable’. Inmejorable manera de preparar los ánimos para lo que estaba por venir. En un escenario menos ostentoso en comparación a lo que nos tienen acostumbrados, los integrantes de A Day To Remember salían con los brazos en alto como si de una pelea de UFC se tratase. Si bien lo que vino después no fue un combate, la descarga de energía y actividad física no faltó en ningún momento, en especial por parte de Jeremy McKinnon, que corrió, micro en mano, de un lado al otro del escenario sin

descanso. Entre los veinte temas que nos regalaron hubo tiempo para todo, desde un repaso a su último trabajo hasta un viaje al 2007 de la mano del que quizá fuese su primer gran éxito, ‘The Plot To Bomb The Panhandle’. Viéndoles actualmente en directo, uno puede pensar que a estos chicos se lo han dado todo masticado, pero el esfuerzo y trabajo que hay detrás de A Day To Remember es directamente proporcional a lo que hoy tienen, incluyendo unos fans que muchos ya querrían. La comunión que existe entre ellos sobre las tablas hace que todos sus temas suenen con una fuerza brutal y sin margen de fallo. Como no podía ser de otra forma, tras el regreso para el bis, el cantante se colgó la acústica y comenzó a tocar ‘If It Means A Lot To You’. La reacción inmediata: parejas abrazándose y móvil en alto con el flash encendido. Sin tiempo para mucho más, pusieron punto y final a una noche memorable con ‘The Downfall Of Us All’. 133

AGAINST THE CURRENT 19 DE FEBRERO DE 2017 SALA BÓVEDA, BARCELONA TEXTO: MARC LÓPEZ FOTOS: TONI VILLÉN

120

SILHOUET

asi un año exacto después de su primera visita, Against The Current volvían a pisar nuestro país. ¿Qué ha cambiado desde entonces? Pues mucho y poco. Pero antes de analizarlo, cabe destacar a las dos bandas que actuaron antes que ellos. En primer lugar Silhouet, quienes a pesar de que apenas se estrenaban como banda de directo, se mostraron sorprendentemente seguros. Drew canta como los ángeles y sus compañeros saben moverse bien entre el pop y los sonidos más duros. Sus versiones de ‘Drown’ de Bring Me The Horizon o ‘Pity Party’ de Melanie Martinez hicieron que se ganaran la atención de los presentes junto a temas propios como ‘Alone’. Después, los austríacos Hunger, unos auténticos desconocidos para mí, que sonaron de lujo con un estilo entre el indie y el rock de estadio, y un batería que era una auténtica bestia. No me extrañaría que los veamos pronto en

muchos festivales. En cuanto a Against The Current, la novedad principal fue que en esta ocasión venían con su primer álbum ya publicado, ese In Your Bones que les ha permitido no tener que recurrir a las versiones que les hicieron famosos en YouTube para llenar su repertorio. También pudimos disfrutar de una Chrissy Costanza mucho más suelta, con más energía que la vez anterior y sobradísima de voz. Puede que fuera porque no arrastraba las secuelas de una gripe o simplemente por el rodaje que han ido adquiriendo, pero lo cierto es que se la vio desatada. Lo que no ha cambiado fue una cuidadísima puesta en escena, con dos músicos de refuerzo (el bajista era el de We Are The In Crowd) apoyando al trío, un sonido cristalino y unas luces propias de recintos mucho más grandes, así como el entusiasmo de un público ligeramente más numeroso que en la anterior visita. Empezaron

HUNGER

con ‘Blood Like Gasoline’, un tema de base electrónica y un estribillo que te imaginas cantando tanto a Adele como a Rihanna, para empalmar con una parte bastante animada con ‘Running With The Wild Things’, la pop punkera ‘Talk’ y ‘Young & Relentless’, a cada cual más pegadiza. Luego se relajaron un poco con la balada ‘Chasing Ghosts’, para volver a animarse con ‘Runaway’, ‘Roses’, con unas guitarras muy U2, y ‘One More Weekend’. Antes de una deliciosa y delicada ‘In Our Bones’, Chrissy hizo un largo parlamento en el que habló de lo mucho que significa la música para ellos. Viendo el empeño que le ponen y lo bien que sonaron temas como ‘Paralyzed’, ‘Wasteland’ o ‘Gravity’, su primer hit con el que terminaron su show, no me cabe duda de que decía la verdad. Con un directo tan completo y tanto hit potencial, raro será que no acaben triunfando. 135

CATALONIA EXTREME WINTER 28 DE ENERO DE 2017 SALA UPLOAD, BARCELONA TEXTO: ABEL VALDELVIRA FOTOS: EDUARD TUSET

TEMPLE OF BAAL

MORBID FLESH

hroma Nation nos proponía otra noche de metal extremo en el interior del mágico Poble Espanyol, en la no tan mágica Upload. Su escenario ha ganado enteros con la inclusión de nuevas luces para los shows, pero la sala tiene problemas acústicos que hacen que nunca acabes de encontrarte a gusto escuchando música en directo en el recinto. La velada se iniciaba cerca de las ocho y media de la noche, cuando salían a escena Into The Nethermost. Los de Barcelona dieron uno de los conciertos más consistentes y compactos que les recuerdo. Practican un blackened death metal muy bien ornamentado con melodías épicas y evocadoras que les dotan de dinamismo y mucha potencia en vivo. El sonido les acompañó y pudieron desplegar su calidad compositiva ante un público escaso y bastante estático, pues se nos venían encima cerca de ocho horas de festival y la gente ahorraba

fuerzas. Aun así, convencieron, y mucho. La fiesta del metal extremo nacional seguía con la aparición de Barbarian Swords al escenario. Los catalanes nos vinieron a dar una cátedra de lo que es el black doom pesado, agónico y bien tratado. Con la precisión que requiere este estilo para que suene compacto y violento, la banda se mostró seria y estática sobre el escenario, una estética sobria sólo rota por la actitud de su vocalista, que tenía ganas de dar que hablar con su teatro provocador. Éste nos mostró un abanico de improperios y gestos soeces queriendo demostrarnos que su disco Worms no es postureo. Nos escupió y nos maldijo, pero su música es hipnótica y, al final, no prestas atención a su actuación, sólo quieres más de esa droga pesada y agobiante que son sus composiciones. Su música no es para todos los públicos, pero si la consigues apreciar te das cuenta que estos tíos no son unos mamarrachos

con ganas de bronca. Llegó el turno de los madrileños Frozen Dawn. Su propuesta se afinca en el black metal de corte más melódico, épico y guitarrero. Veníamos de dos buenas actuaciones en lo que a ejecución se refiere y en este apartado el cuarteto bajó mucho el nivel. Muchas de las melodías no disfrutaban de nitidez y hubo errores de bulto en entradas y armonizaciones. Muchos fallos para una banda a la que se le presupone un buen nivel por sus diez años de vida. No fue su noche. Era el turno de la primera actuación internacional, y sin duda la que más expectación generó. Con la sala en su punto álgido de público salían a las tablas Temple Of Baal. Su música es arrolladora y en ello basaron su actuación: vinieron, desplegaron toda su artillería y se fueron. A los franceses se le requería muchísimo más. Hicieron un concierto más que correcto musicalmente, pero salieron al escenario a cumplir y punto. Tras la 137

FROZEN DAWN caída del cartel forzosa de Forgotten Tomb, la organización decidió afianzar la presencia local en el evento y le cedió el espacio de actuación a Morbid Flesh. Con su cantante visiblemente perjudicado por el alcohol, salieron a demostrar que el death metal de vieja escuela rudo y machacón siempre es una buena elección. Pasaba de la medianoche y el público ya no estaba para procesar una propuesta más exhaustiva... Un muro de guitarras pesadas y distorsionadas engulló la sala y consiguió el headbanging de un público que se mostró frío y distante durante toda la noche. Los matices en su propuesta no son importantes y el sonido tosco del recinto jugó a su favor, cosa que no pasaría con la 138

actuación siguiente. Y es que a Saille les crecieron los enanos. El público ya iba abandonado la sala, el sonido fue nefasto para una banda que sí necesita de esos detalles para brillar y el ímpetu con el que salieron en las primeras canciones fue menguando, como si se contagiaran del ambiente que iba cogiendo la Upload. Aun así, Saille son una banda que está captando bastantes adeptos en nuestras tierras y eso ayudó a que el barco no naufragara del todo. Se merecían un mejor sonido y una sala más llena y animada, pero el retraso se iba acumulando y las horas empezaban a ser intempestivas para la gran mayoría. Cerraban el cartel Spartan con un despropósito de actuación que hizo que

BARBARIAN SWORDS me fuera con peor sabor de boca del que la noche merecía. Simplemente no pegaban en el cartel, no tenían nada que ver con el resto de actuaciones y, además, su propuesta era curiosa pero ridícula en la ejecución. Sus composiciones se encaminan hacia el metalcore más clásico, ése que juguetea con ser death metal melódico pero al que le falta ese toque de mala baba para serlo. Además, éstos añaden elementos del power metal y aquí es donde la propuesta roza el esperpento: melodías simplonas y composiciones sin más trabajo que el de juntar clichés de los géneros citados. No fue un buen concierto, aunque su castigo fue la escasa gente que quedaba en pie ahí delante.

MORGAN 24 DE FEBRERO DE 2017 JOY ESLAVA, MADRID TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTO: ANDREA SILVÁN

uesta creerlo, pero hace tan sólo un año Morgan presentaban North, su primer disco, en una sala El Sol completamente llena. En todo este tiempo, sin el apoyo de ningún sello detrás y funcionando de manera verdaderamente independiente (habría que pensar en cómo se ha devaluado el verdadero significado de la palabra ‘indie’, pero ésa es otra historia...), este quinteto de Madrid ha ido creciendo día a día gracias al boca-oreja, conquistando con unas canciones cuidadísimas a todo aquel que les diese una oportunidad. Ya fuese en disco o presenciándoles en directo en algún festival, han conseguido convencer a un público muy amplio tanto de edad como de gustos. Por eso no es de extrañar que 365 días después volviesen a colgar el cartel de sold-out, esta vez en Joy Eslava, para cerrar el ciclo de su debut. Con un despliegue de medios

que incluye una sección de metales y un coro, Morgan entran en escena para arrancarse con la delicadeza abrumadora de ‘Cold’ y el punch rockero de ‘Attempting’. Carolina de Juan, la persona responsable al frente de todo el asunto, descalza y con un destacable vestido blanco, se dirige al público entre nerviosa y tímida, desprendiendo una sencillez con la que se hace imposible no cogerla cariño. Esa misma sencillez con la que más tarde, a mitad de ‘Volver’, se frena para colocar bien el micrófono ante un silencio absoluto por parte del público. Ni los nervios ahí consiguen traicionarla. “Vamos a tocar unos temitas”, nos dice. Y vaya temitas. Los coros de las Golden Girls (como ellos las llaman) en ‘Sometimes’ parecen salidos de alguna iglesia de Alabama. La colaboración de Nuria Elósegui en ‘Weather’ eleva aún más la canción. Y la aparición estelar de Quique González para interpretar

una nueva composición, ‘Sargento’, en castellano que suena de fábula, hace estallar la sala entre aplausos. Al ritmo de la funky ‘Thank You’ se marchan tras una hora larga mientras todos se lucen, especialmente la clase de Paco López a la guitarra y el toque de Ekain Elorza a la batería, que incluso viniendo de estilos más contundentes, aquí sabe adaptar su pegada a las mil maravillas. Regresan para clavar ‘The Night They Drove Old Dixie Town’ de The Band con un inicio a capela acompañado por un respetuoso silencio por parte de toda la sala que pone el vello de punta. Dicen adiós agradecidos recuperando una primeriza ‘Librero’ y ‘Marry You’ con esa simplicidad de la que hacen gala, como si no fuesen conscientes de lo que acaban de hacer. Que en España tengamos una banda como Morgan es un verdadero regalo para los oídos. Prepárense porque esto sólo acaba de empezar. 139

THE PRETTY RECKLESS 9 DE FEBRERO DE 2017 SALA APOLO, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

120

CRUEL KNIVES

ería injusto atribuir la gran capacidad de convocatoria de The Pretty Reckless, quienes agotaron tanto las entradas en Madrid como en Barcelona, únicamente al factor Taylor Momsen. Es obvio que, en un primer momento de su carrera, la presencia de la actriz como vocalista de la banda podía generar mucha curiosidad e incluso morbo, pero después de diez años y tres álbumes, el grupo no hubiera podido seguir adelante y su base de fans no seguiría aumentando si no hubiera algo más. La industria musical es una auténtica trituradora cuando no acompañan los resultados, y si no, que se lo pregunten a los británicos Heaven’s Basement, quienes tras haberlo intentado durante años, tuvieron que tirar la toalla y varios de sus miembros se han reconvertido en Cruel Knives, los encargados de abrir la noche. Si bien se mostraron de lo más sueltos y compactos, su rock alternativo de corte moderno

sonó demasiado genérico como para augurarles que en este nuevo intento vayan a correr mejor suerte. Bastó intuir la estilizada figura de Taylor para que la sala Apolo se llenara de gritos de histeria. ‘Follow Me Down’ y ‘Since You’re Gone’ prepararon el terreno para que con ‘Oh My God’ se desatara la locura aún más. Tres temas son suficientes para apreciar que el guitarrista Ben Phillips, el bajista Mark Damon y el batería Jamie Parkins son músicos muy profesionales, pero bastante grises, y que su misión es quedarse en un segundo plano para que la ‘jefa’ tenga todo el protagonismo. Por su parte, Taylor se muestra como una vocalista competente, sin ser espectacular, pero en comparación con la anterior gira se muestra mucho más comedida en su puesta escénica. Si antes quería seducir al público con su energía y exhibicionismo, ahora opta por la elegancia y un cierto misterio.

La bluesera ‘Hangman’, ‘Make Me Wanna Die’ y una muy celebrada ‘My Medicine’ o, más adelante, ‘Light Me Up’ de su primer disco, también ponen sobre la mesa una cierta disonancia entre la imagen y la percepción que se tiene de la banda y la raíz de classic rock de su propia música. En muchos aspectos sus canciones tienen más que ver con Aerosmith o Heart que con bandas con las que se les asocia, como In This Moment o New Years Day. En cualquier caso, su público disfrutó enormemente de temas como ‘Living In The Storm’, ‘Just Tonight’, ‘Heaven Knows’, la potente ‘Going To Hell’ y ‘Take Me Down’, que puso el punto final al set principal. Un único bis con ‘Fucked Up World’, que incluyó un innecesario solo de batería, sirvió para que la banda recibiera una gran ovación como despedida. Visto lo visto, les esperan muchas más, aunque ojalá la próxima vez transmitan algo más de química. 141

DE GIRA

TRIVIUM

17 DE MARZO SALA APOLO (BARCELONA) 18 DE MARZO SALA BUT (MADRID) 19 DE MARZO SALA CAPITOL (SANTIAGO DE COMPOSTELA)

enéis un nuevo batería, Alex Bent de Battlecross, y se estrena en esta gira europea. ¿Cómo han ido las cosas con él hasta ahora? PAOLO GREGOLETTO (BAJO) “Ha sido increíble. Es un gran batería, es justamente lo que necesitamos ahora, al menos en el lado técnico de las cosas. Es bastante rápido, tiene mucho groove, y creemos que esta gira europea es un gran escaparate para que nuestros fans puedan ver lo bien que se defiende con estas canciones”. Hubo algo de controversia con ciertas palabras que Matt Heafy dijo sobre los anteriores baterías de Trivium. Los llamó “músicos de sesión”... ¿Estás un poco molesto con cómo la prensa ha tratado el asunto? “No, porque en realidad Paul (Wandtke) sí que fue un músico de sesión, le pagamos para que tocase en los discos y saliese de gira con noso-

142

tros. Desde el principio le dijimos ‘oye, vamos a hacer estos conciertos hasta el final del año y luego discutiremos cuál será el siguiente paso’, lo que pasa es que cambiamos de opinión. Matt, Corey y yo llevamos juntos en esto unos doce años. Sabemos cómo funciona y sabemos que tenemos que tomar las decisiones que son para el bien de la banda, para seguir preservándola. Sabemos hacia dónde va nuestra música y qué habilidades técnicas debe tener un batería para ir con nosotros por ese camino. Estar en una banda como Trivium exige mucho, hay que formar una red junto con los mánagers, la agencia de contratación, nuestros propios fans y entre nosotros, los miembros de la banda, para que todo encaje. Siempre damos oportunidades, pero si alguien no las aprovecha no podemos estancarnos. Tampoco es fácil para nosotros, de momento los tres shows que hemos hecho con Alex han sido maravillosos y parece que nos entendemos bien. Al final tenemos que llegar todos a la mis-

ma conclusión, y también hay que ver si Alex está contento con cómo somos no sólo como músicos, sino como personas. Es él quien también tiene que estar cómodo tocando en Trivium”. A estas alturas, Trivium ya lleva tiempo en la escena. ¿Crees que uno de los secretos para seguir siendo relevantes fue apartarse de la etiqueta del metalcore e intentar cosas nuevas? “Siempre comparé la situación a cuando otros estilos de metal con algo diferente aparecieron en escena y sirvieron de trampolín para que alguien los descubriera. Esto es lo que fue el metalcore para nosotros. Creo que el secreto de nuestra larga carrera está en que decidimos explorar nuestro sonido y encontrar algo en lo que Trivium podría identificarse. Nunca vi el metalcore como algo negativo, creo que ayudó bastante a varias bandas y fue el punto de partida para muchas otras que

AGENDA MARZO decidieron luego ir en caminos diferentes. Nosotros siempre estamos escuchando cosas nuevas y viendo hacia dónde podemos tirar para explorar nuevos territorios. Ya hemos grabado siete discos; las posibilidades de cómo puede sonar el siguiente son simplemente infinitas”. Exacto, Silence In The Snow fue el séptimo álbum de Trivium. ¿Habrá más experimentos o simplemente otra vuelta de tuerca al sonido ya habitual? “Para mí experimentar con Trivium es simplemente darle una vuelta a los elementos que conforman nuestro sonido. No vamos a meter un montón de electrónica de repente ni nada por el estilo, porque no es lo que somos ni creo que seamos buenos en ello, se vería como un experimento forzado. El próximo disco será una mezcla de todo lo que hemos hecho hasta ahora, y quizás hayan nuevos elementos pero nada que cambie radicalmente nuestro sonido. Tenemos la gran voz de Matt, que puede gritar o simplemente cantar, y eso unido a los cientos de elementos de nuestro sonido que podemos combinar, nos quita presión a la hora de encarar un nuevo álbum. Para mí ése es el experimento, no intentar hacer un disco de country o algo igual de ridículo. Somos una banda de metal, tenemos nuestros elementos fijos, y simplemente dependerá de cómo los unimos, de cómo grabamos el disco, y con qué gente. Son cosas que marcan la diferencia, pero que no nos apartan de nuestro sonido habitual”. Una de las cosas que se dijo recientemente es que Trivium os sentís más ingleses que norteamericanos, en el sentido de que os sentís más queridos aquí, en Europa. ¿Crees que se os entiende mejor en el Viejo Continente? “Definitivamente es porque la escena de rock y metal es mucho más sólida en Europa. Si vienes a Europa, tocas en los festivales, tienes un repertorio bueno y eres constante, la gente finalmente te sigue. Es más fácil en Europa para bandas como nosotros, no es un éxito garantizado, pero al menos la gente entiende de dónde vienes, tu background. En Estados Unidos la gente no mira a las bandas de igual manera, aunque lleves en esto 20, 30 ó 40 años, en Europa miran a esas bandas de manera diferente, con respeto. Aquí en Europa respetáis ese legado, ese esfuerzo”. (JORGE FRETES)

ASKING ALEXANDRIA 3 BILBAO, 6 MADRID, 7 BARCELONA THE ATARIS 14 BARCELONA, 16 CASTELLÓN, 17 MADRID, 18 ALICANTE BATTLE BEAST 10 BARCELONA, 11 MADRID, 14 VILLAVA BEAR’S DEN 15 BARCELONA, 16 MADRID BLACKBERRY SMOKE 7 MADRID, 8 BARCELONA BLUES PILLS 22 BILBAO, 26 ZARAGOZA BOOZE & GLORY 14 ZARAGOZA, 16 MADRID, 17 PAMPLONA, 18 BADALONA CONAN 18 MADRID, 19 BARCELONA DAN OWEN 22 BARCELONA, 23 MADRID DERANGED 30 MADRID, 31 SALAMANCA HEAVEN SHALL BURN 14 VITORIA, 16 MÁLAGA KORN 17 MADRID, 18 BARCELONA LACRIMAS PROFUNDERE 24 MADRID, 25 BARCELONA ROYAL REPUBLIC 4 BARCELONA, 5 MADRID SATELLITE STORIES 30 MADRID, 31 BARCELONA SLAUGHTER & THE DOGS 22 VALENCIA, 23 MADRID, 24 ZARAGOZA, 25 BADALONA SONATA ARCTICA 4 BARCELONA, 5 MADRID, 6 SEVILLA, 7 VILLAVA TANKARD 2 SEVILLA, 3 MADRID, 4 VILLAVA, 5 BARCELONA WOLFHEART 23 MADRID, 24 MURCIA, 25 BARCELONA YOU ME AT SIX 9 MADRID, 10 BARCELONA