Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Sick Of It All (Barcelona) © Eric Altimis
EDITORIAL Cómo se nota que el verano está a la vuelta de la esquina. Además de subir los grados del termómetro, también sube la temperatura en el mundo del rock. Los grandes lanzamientos se multiplican y los festivales ultiman los preparativos para abrir sus puertas. En consecuencia, este número de junio viene de lo más completito con artistas para todos los gustos. Los fans del metalcore, el punk, el black metal y hasta el pop encontrarán algo a lo que hincarle el diente. Empezando por el artículo de portada dedicado a los británicos Architects, quienes regresan con uno de los mejores discos de la temporada. Os dejamos no sin antes decir bien alto ¡All Cats Are Beautiful!. Enjoy!
SUMARIO
Nยบ 126
7 / INTERFERENCIAS
24 / ANDY BLACK
28 / LETLIVE.
34 / HENRY ROLLINS
38 /
BETWEEN THE BURIED AND ME
50 / DARK FUNERAL
42 / ARCHITECTS
56 / BLAZE OUT
60 / SAOSIN
66 / THE 1975
70 / DISCO DEL MES
72 / CRÍTICAS
102 / MUCH THE SAME
110 / ANNEKE
114 / EN DIRECTO
130 / DE GIRA + AGENDA
INTERFERENCIAS TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS
Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordi Forés, Javier Yela, Luis Benavides, David Sabaté, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Andrea Genovart, Juan Andrés, Eneko Celestino, Jorge Fretes. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Rubén Cougil (Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57), Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Mariño (Smartita), Israel Higuera (wirrak). Foto de portada: DR
NEW DEL MES_ HELLFEST 2016 LOS PRÓXIMOS 17, 18 Y 19 DE JUNIO, EL HELLFEST VOLVERÁ A REUNIR A MÁS DE UN CENTENAR DE BANDAS PARA PONER A PRUEBA LA RESISTENCIA DE SUS ASISTENTES. BLACK SABBATH Y RAMMSTEIN SON DOS DE SUS PLATOS FUERTES.
N
os consta que se ha intentado, pero finalmente la gira de despedida de Black Sabbath, bautizada como The End, no pasará por España. Así que quien quiera decirle adiós a Ozzy Osbourne, Tony Iommi y Geezer Butler puede viajar hasta la localidad francesa de Clisson y adentrarse en esa catedral sónica que es el Hellfest. Aunque a decir verdad, si te decides ahora es posible que te resulte complicado porque como ha ocurrido en los últimos años las entradas para el festival volaron nada más ponerse a la venta. No nos sorprende porque una año más su cartel es de los que quita el hipo. Además de Sabbath, los teutones Rammstein desplegarán toda su pirotecnia, en un espectáculo que, por desgracia, tampoco pasará por nuestro país. Echando un vistazo rápido a la programación de sus seis escenarios encontramos pesos pesados del thrash como Slayer, Megadeth, Anthrax o Testament; grupos actuales con una gran proyección como
Ghost, Gojira, Volbeat, Architects, Kvelertak o Bring Me The Horizon, representantes del punk y el hardcore como Bad Religion, Sick Of It All, Refused, Converge o Dropckick Murphys; figuras del metal moderno como Killswitch Engage, Disturbed o Bullet For My Valentine y por supuesto una buena ración del metal extremo en todas sus variantes con Dark Funeral, Deicide, Abbath o Napalm Death. Tampoco faltarán nombres míticos como los de King Diamond, Twisted Sister o Jane’s Addiction junto a propuestas más experimentales como las de Sunn O))), Earth o Jambinai. En resumen, el Hellfest vuelve a ser un escaparate impresionante de todas las tendencias pasadas y presentes de la música dura en todas sus variantes. Y por si fuera poco el recinto cuenta con puestos de bebida que echan llamas, un gran mercado, un pequeño bosque donde descansar y una noria gigantesca. Realmente espectacular. Para más información sobre horarios o accesos visita www.hellfest.fr
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LO PEOR DE MÍ_ LA CRÍTICA EN CRISIS
E
scuchaba el otro día el recomendable podcast Celebration Rock, conducido por el periodista Steven Hyden, donde se debatía sobre el sentido de las críticas de discos en la actualidad. La tesis era la siguiente: en un momento en el que todo el mundo tiene acceso prácticamente a cualquier disco a través de los servicios de streaming, y donde cualquiera puede encontrar opiniones en las redes sociales, ¿tiene todavía relevancia la opinión de los críticos? Si a esto le añadimos que cada vez es menos frecuente que los medios podamos tener acceso a muchas novedades con semanas de antelación a su lanzamiento por miedo a las filtraciones, y que cuando lo tenemos muchas veces se ‘embarga’ (un eufemismo para decir que se prohíbe) cualquier comentario que podamos hacer sobre ellos, desde luego es una pregunta pertinente. Pero quizá la crisis de este género periodístico no venga tanto por ahí, sino por esa absurda competencia por ver quién es el primero que publica una crítica sin apenas tiempo de haber digerido el contenido. Sé que la batalla por los clicks está aquí para quedarse, pero cuando se confunde la velocidad con el tocino, cada click puede convertirse en una palada para cavar nuestra propia tumba. (JORDI MEYA)
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INSTANTGRAMO
@GARA_mjauregi Magnífica entrevista al gran Bob Mould en la @RockZone de mayo: “Cada día me levanto e intento escribir música”. @CiroPL ¡A tope con Axl y su trono de hierro! @acdc @spartanreach111 @acdc es más chapuza de la que me esperaba. @ULTRAIERO @RockZone Nunca había escuchado hablar de vosotros. @ULTRAIERO @RockZone Necesito vuestras revistas. @JUJETEITOR Molaría una revista de @TheOfficialA7X. @DevouringStars Haced lo que sea para traer a Brian Fallon a España, por el amor de Dios. @Unaitxop Frank Carter es un puto genio. Todo lo que hace es oro puro.
8
8 de mayo de 2014 en la sala Sonora de Erandio, Bilbao. Nunca he sido muy de hacer estas cosas, y ni siquiera nunca he sido muy seguidor de la etapa clásica de Michael Monroe (Hanoi Rocks y demás), más bien de sus dos últimos pepinazos. Pero el caso es que me crucé con él fuera de la sala y aproveché. Y estuvo guay porque el aura de rock’n’roll star que desprende es increíble. ¡Menudo personajazo! (CARLOS) *¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección.
DESDE EL TÍBER Ésta es la columna de vuestra vida. Si no sabéis a lo que me refiero es que, por suerte, más que por desgracia, estáis algo alejados del mundillo de las promotoras y de las redes sociales. Paso de dar más publicidad a aquellos que utilizan el hype de una forma abusiva, pero no quería dejar de aprovechar un espacio con tantos lectores para cachondearme del supuesto concierto de mi vida. Sin más dilación, empujemos: hace un par de números, quizás tres, hablé de un grupo de rap llamado Ummo que habían creado su propio estilo galáctico mezclando una voz rasgada y dura con bases caóticas y desenfrenadas. Pues Wolf424, su nuevo EP, ya ha aterrizado. Y lo han vuelto a hacer… Cinco temas inspirados en sus bandas sonoras favoritas (tirando de cine, videojuegos...) y renovándose dentro del propio estilo que ellos mismos ya habían creado, eso sí, mucho más oscuros y pesados. Escuchar Wolf424 es ver a través de tu mente y, gracias a los sonidos que captan tus oídos, a la raza humana siendo devastada por vidas extraterrestres. Adjetivos que utilicé en la anterior columna como ‘innovadores’ o ‘contemporáneos’ se han quedado cortos en esta nueva entrega. Ummo no es sólo una obra de arte en un siglo en el que la originalidad brilla por su ausencia; haciendo honor a su supuesta historia, Ummo son directamente unos músicos de otro planeta, y empiezo a planteármelo muy seriamente. (MARIUS TIBERIAN)
DEMO-LEDORES_ POR PAU NAVARRA AITORPENAK
FEARTH
PETER LARA
LA SOMBRA DE CLIFF
THE PURGE
MIND GARDEN
(AUTOEDITADO)
(AUTOEDITADO)
(AUTOEDITADO)
En un formato totalmente acústico, sin electricidad ni ningún tipo de percusión. Así nos presenta Aitor Echebarria Manresa, cantante y guitarrista de Aitorpenak, los cinco temas que componen La Sombra De Cliff. Grabado durante el pasado año en el Wheel Sound Studio, el productor Txosse Ruiz también aporta guitarras y oozins a este proyecto, que con un sonido impoluto muestra absolutamente desnudo al artista que nos canta, despojado de cualquier tipo de artificio y con las emociones a flor de piel. Aitor expone sus miedos, sus dudas, sus pensamientos, se rinde ante Cliff Burton en el tema que titula este EP e incluso nos dibuja una sonrisa con la final ‘Mi Fiel Amiga’, canción que también guarda una sorpresa que no desvelaremos. Sus 18 minutos de duración se nos aparecen como una virtud, pues un excesivo recorrido dentro de un plano tan íntimo podrían cansar hasta al más aficionado a este tipo de sonidos.
Fearth practican ese divertido beatdown hardcore que, de tan lentote y cabrón, casi abraza el slam. Con eso quiero decir que me la han puesto burrota, por supuesto… Si quieres grandes alardes de virtuosismo o un ápice de positivismo, desde luego más vale que dejes de leer. A la cuerda gorda y a machacar hasta el límite, hacia ahí van los de Urnieta, que hasta el tercer corte de este EP no se acuerdan de darle un poco de velocidad a sus composiciones. ‘The Purge II (ALIENATION)’ se lleva la palma, y como decíamos, es la que más se acerca al slam con esas voces porcinas y guturales tormentosos. Con colaboraciones al micro de peña de Thirteenth, Steel Puppets, Fear My Intentions y Brothers Till We Die, Fearth firman un trabajo enfermizo de veras, donde ayudan y mucho los samples, y al que sólo puedo achacarle una batería algo artificial y que en ciertos momentos la voz principal necesite ganar algo más de cuerpo. Un tortazo de lo más opresivo.
Peter Lara nos manda un CD dedicado a mano por, según él, la muchísima música que le hemos descubierto durante todos estos años, y nosotros que se lo agradecemos. Viendo por dónde anda este Mind Garden, seguramente no ha sido un servidor su mayor gurú, pero igualmente haremos el esfuerzo, por supuesto. Como en la reseña de Aitorpenak de este mes, podemos decir que Peter también se mueve entre la pureza acústica más absoluta, aunque a este valenciano le gusta dotarla de muchísimos arreglos, aportando un regusto americano a su rica, emo y vitalista música. El tipo está feliz de la vida y en estos seis cortes nos canta desde el corazón, seguramente dentro de esta nueva tradición del vocalista punk metido a trovador, sin guardarse nada para sí y, pondría la mano en el fuego, con gran éxito entre sus amiguitas. Mientras Peter se divierte con ellas, vosotros podéis haceros con este folk entusiasta y bienintencionado.
https://aitorpenak.bandcamp.com
http://fearthband.bandcamp.com/releases
somWaterMusic
www.facebook.com/OrangeBlos-
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ZONA DE OZZYO
TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, JORDI FORÉS FOTOS: DR
¡ALUCINA! MI VIDA CON FRANK ZAPPA PAULINE BUTCHER (MALPASO)
A
pesar del sugerente título, no es que haya alucinado mucho con los cuatro años
que pasó Pauline Butcher junto al músico Frank Zappa. De la famosa rela-
ción ‘sexo, drogas y rock’n’roll’, en las 400 páginas de este libro hay poco sexo, las drogas justas y, eso sí, algo de rock’n’roll. Por-
embargo, sí que relata en sus diarios y amenas memorias las jam
que la autora se comportó como una secretaria obediente, apli-
sessions que se montaban en el sótano con músicos como Mick
cada y recatada, mientras que Zappa muestra una fuerte ética de
Jagger, Marianne Faithfull, un joven Alice Cooper, Pink Floyd, Rod
trabajo y una gran seguridad en sí mismo. Afectuoso con Pauline,
Stewart o Jeff Beck. El día a día en esa cabaña mágica también
a menudo aparece distante con la gente hasta el punto de comer
comportaba malos rollos, tensión sexual y cotilleos, como si fuera
siempre sólo a pesar de estar viviendo en una comuna de hippies
la casa de Gran Hermano. Pero, sin duda, una de las historias
en la que no dejan de desfilar músicos, artistas, groupies, busca-
más curiosas es la protagonizada por Cynthia Plaster Caster, una
vidas, colgados, mánagers... “Me sentía como un pulpo en un
escultora amateur que se especializó en hacer moldes con yeso
garaje y no me veía relatando mis desventuras en la cabaña”. Sin
de penes de estrellas del rock.
JF
LA JUVENTUD DE MARTIN BIRCK HJALMAR SÖDERBERG (ALFABIA)
S
i en la multipremia-
por probar, a la luz del día recorrería las calles con bufones y
da película Boy-
rameras, y con el juego y la bebida dejaría que pasara la noche.
visionamos
Hasta que en una lúgubre tarde de octubre se cansara de su vida
el crecimiento de un niño a
demente y vacía, prendiera la estufa y quemara sus papeles, se
lo largo de 12 años de su
vaciara un vaso de vino tinto y se durmiera para no despertar ya
vida, en el libro La Juven-
nunca más”. En efecto, el escritor sueco Hjalmar Söderberg nos
tud De Martin Birck somos
habla del amor y sus consecuencias, de la incomprensión de los
testigos a lo largo de 190
padres, del sexo con prostitutas, de la pérdida de la fe cristiana y
páginas del proceso de
del deseo constante de encontrar respuesta a una de las preguntas
madurez y de la búsqueda
básicas del ser humano: ¿Cómo ser feliz con lo que hacemos
del sentido de la vida por
cada día? Este relato, que data de 1901, presenta por tanto un
parte de un joven sueco de familia burguesa que quiere llegar
halo de frustración, conformismo y desesperanza, además de ofre-
a ser un poeta bohemio. “Ahogaría su desesperación en una
cer unas descripciones de Estocolmo con las que imaginamos un
vida especialmente atormentada. No le quedaría ningún vicio
escenario frío, más bien gélido, e incluso sórdido.
hood
12
JF
LONGSHOT
Ann Nocenti y Arthur Adams
PARANOIDLAND
EL ROCK Y YO
(AUTOEDITADO)
(LA CÚPULA)
VV. AA.
Joe Sacco
(PANINI)
La miniserie debut de Longshot es un pedacito de la historia de Marvel que recuerda que hubo un tiempo, antes de los mustios 90, donde sus tebeos podían ser loquísimos y no era necesario que los personajes siempre estuviesen enfadados y dando hostias allá donde fueran. Art Adams deslumbró a todos con la parte artística y Nocenti parió a uno de los personajes más carismáticos de los 80, ahora ‘cuasi-olvidado’. Han transcurrido ya tres décadas desde la publicación de estas páginas, pero su originalidad, frescura y propuesta se mantienen intactas. Ideal para cualquier amante de los superhéroes. SG
SENSACIÓN DE VIVIR
Mirena Ossorno
El equipo de Paranoidland cumple el objetivo marcado hace justo un año de publicar seis números cerrando todas las historias que comprenden este volumen; lo hace además acompañado con una nominación a mejor fanzine en el Salón de Barcelona 2016, lo que es sin duda una recompensa al esfuerzo y cariño puesto en el proyecto. Paranoidland (1 a 6) se compone de cinco historias seriadas de ‘continuará’ y varios autores invitados con material autoconclusivo que recuperan la tradición de las revistas de cómics mensuales, tan apreciadas hoy como ausentes en nuestras librerías. SG
SERIE B Deamo Bros (DIÁBOLO)
(FULGENCIO PIMENTEL)
El debut de Mirena Ossorno tiene tela por donde cortar. Por un lado presenta un thriller interesante que late en torno a un grupo de mujeres que nos relatan su vida a ritmo de cómic de situación. Por el otro, nos encontramos con unos personajes inanes, frívolos, exponentes claros de la generación Instagram y del postureo social. Y aquí los trenes chocan, dejando muchos cadáveres tras el siniestro del vacío vital de quienes que han crecido arropados por internet, likes y followers cuando son golpeados por situaciones extremas.
SG
Indispensable lectura que no podía faltar aquí. El autor de Palestina o Gorazde: Zona Restringida ya ensayó el formato de cómic documental con las historias que recopila este volumen y que recogen su etapa de los años 90, en los que vivió en Alemania entre músicos de rock, garitos y encargos de todo tipo. Sus guiones punzantes arrancan más de una sonrisa cínica y los textos introductorios que acompañan a cada uno de los materiales ponen en situación al lector, así como añaden un toque humorístico extra cómplice. Mucho mejor que un disco de Mike Jagger en solitario. SG
SOPA BOBA COMICS
Pedro Villarejo (FOSTER)
Danide y Raúl Deámo forman el dúo que firma esta colección de historias de humor y ciencia ficción con aroma a seriote B de los 50. Curtidos en las páginas de El Jueves, la francesa Spirou o Dibus!, entre muchas otras publicaciones, lanzaron en 2010 este tomo (en catalán) que ahora recupera Diábolo en castellano y que viene a ser su obra más larga hasta la fecha. El humor inunda cada una de sus historietas acompañado en todo momento por unas páginas espectaculares y atractivas. Demenciales historias. SG
Recopilación de historias cortas que navegan entre el absurdo y el gag mostrenco. En esta ‘sopa boba’ de sobras exquisitas encontramos desde homenajes a Astérix, Batman, Alien, Bob Esponja (desternillantes estas dos páginas) o la brillante serie de gags serializados protagonizados por Andrés Agallas (un trasunto genial de Roberto Alcázar). El conjunto funciona a las mil maravillas por el efecto acumulación, pero en verdad cada una de sus historietas luce y arranca sonrisas sin problemas. SG 13
DE CINE_CON KIKO VEGA CAPITÁN AMÉRICA: CIVIL WAR ENTRENAMIENTO CIVIL
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arvel, a veces eres muy perezosa. Los estudios de la casa de las ideas son capaces de lo mejor (Iron Man 3, Guardianes De La Galaxia), pero también saben embaucar para ofrecer un producto para fans con el piloto automático. Capitán América: Civil War (sí, en espanglish) es la decimotercera película del estudio en ocho años, y aprovecha el conflicto (más o menos) que Mark Millar llevase a las viñetas hace unos años. El problema de querer abarcar cuanto más mejor se hace patente
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DOS BUENOS TIPOS BUENOS TIPOS, MEJORES PELIS
más que nunca en la segunda película que dirigen los hermanos Russo: no sabemos aún de qué va. Lo que debería ser la madre de todos los conflictos no es más que la enésima presentación de nuevos personajes (esa Pantera Negra al acecho) encadenados con una serie de secuencias más o menos funcionales: la venganza del de Wakanda, el complejo de Stark respecto a sus padres y una maniobra marca de la casa. Si en Los Vengadores nos quedamos perplejos ante el plano secuencia más imposible de la historia, en su secuela era lo primero que veíamos. Tras desestimar el prólogo original de Ant-Man, Marvel decidió que el lifting digital era suficientemente rompedor… para volver a usarlo aquí a las primeras de cambio. No hay nada nuevo ni arriesgado, ni siquiera esa pachanga seis contra seis que debería ser la guerra del título (o la war, como prefieras), donde los niños juegan hasta hacerse pupa.
mina es el asunto del hijo del héroe. En este caso la prodigiosa Angourie Rice se encarga de robar todas las escenas en que aparece. The Nice Guys es la
E
l 16 de diciembre de 1961 nacía Shane Black, uno de los responsables de nuestros mayores gozos y regocijos cinematográficos. Y cada vez más gente lo sabe. Tras el enorme éxito de Iron Man 3, uno de esos raros ejemplos de blockbuster de autor, el guionista y director no dudó en volver al terreno que mejor se le da. Para algo inventó las pelis de colegas... Dos Buenos Tipos es, ante todo, una de esas pelis de colegas. Divertidas, ingeniosas y con un amor tan grande por el noir que no le cabe en el pecho. Para hacer el más difícil todavía, regala los papeles protagonistas a dos tipos tan intensos como el prota de Gladiator y el calladito y letal personaje principal de Drive. No se equivocaba en la elección y tanto Russell Crowe como Ryan Gosling disfrutan de cada segundo, de cada línea, dejando atrás tantos años frunciendo el ceño. Otra cosa que Black do-
reafirmación de Shane Black como uno de los mejores guionistas de la industria de las tres últimas décadas. La puesta en escena de Black ha ganado enteros en elegancia, eficacia y espectacularidad. Más cine negro divertido a prueba de bombas desde la primera secuencia del guión, un eficaz ejercicio de estilo y una declaración de intenciones: señores, esto es otro parque temático de género (negro) donde sólo hay montañas rusas y no hay que esperar pesadas colas para acceder a ellas. Al igual que en su debut, el autor tira con bala al mundo del cine y el poder, transformando una historia ambientada en el mundo del cine porno en un thriller político que nunca ejerce como tal. Siempre con la oscura amenaza de la fatalidad asomando en cada esquina y en cada giro, lo importante aquí es no preocuparse por lo que pueda pasar y dejarse llevar en ese mundo de mujerones, coches, corrupción y Kim Bassinger. Una de las citas ineludibles de la temporada y un no poder pegar ojo ante la expectativa de esa secuela de Predator (recuerden: aparecía como actor en la original) que acaba de firmar mientras prepara la adaptación de Doc Savage.
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TOI’S IN THE ATTIC STADIUM ROCK
H
ola amigos! Ya estamos en junio. Temporada de exámenes, de alergias, de invasión de pies y chanclas por la calle, de festivales y de eventos al aire libre. No está mal, ya es hora de quitar el edredón e ir en pelotas por casa. Ahora mismo me encuentro tomando fuerzas para la temporada de festivales que se avecina, y a la vez, recuperándome de un fin de semana muy intenso de conciertos de estadio. A estas alturas todavía no sé si me gustan o los detesto, porque implican muchas cosas que no me molan: hordas masivas de gente, grupos mainstream, la tensión de tener que estar pendiente de un ‘mochilamán’ para poder conseguir cerveza, y lo peor de todo, estar rodeada de cuñaos, también llamados ‘felipes’, que se creen que por pagar 90 euros por un concierto con nombre cada dos años ya automáticamente obtienen el carné de rockero, con sus atuendos e insoportable actitud ad hoc para el evento. Cuando me enfrento a uno de estos conciertos, la perspectiva de todo esto me
da una pereza infinita, pero debo admitir que al final el ambiente es sencillamente colosal. Ver un estadio con 60.000 personas lleno de cuernecitos parpadeantes y gente berreando ‘If You Want Blood’, mostrando veneración ante AC/DC, con Axl en su tronito, o a miles de personas coreando y saltando con ‘Out In The Street’ de Springsteen, me emociona. Los que están acostumbrados a ver muchos conciertos en distintos tipos de salas pueden empatizar con estas sensaciones. Sí, ir a un estadio a ver un concierto es un coñazo, pero hay bandas que se encuentran en un nivel que no les permite otro tipo de emplazamiento. En realidad no son tantas, y hay que tener en cuenta que hacer sonar bien un lugar así, y tener la capacidad de conectar con el público y hacerlo vibrar, no es fácil. Es indudable que el final de estos conciertos está muy cercano, así que si de vez en cuando hay que pasar por el aro, tranquilos, que no os saldrá ningún sarpullido. (TOI BROWNSTONE)
E
ste mes el escogido para mi Hall of Fame es el álbum de Probot. Cuando has sido lo suficientemente afortunado como para haber estado no en una, ni en dos, sino en tres bandas legendarias, ¿qué es lo que te queda por hacer? Es el dilema al que se tiene que enfrentar constantemente Dave Grohl, el que fuera el laureado batería de Scream y Nirvana y, ahora, el aclamado cantante y guitarra de Foo Fighters. Demostrando que vale todo lo que parece valer, se sacó de la manga un proyecto paralelo que se acabó convirtiendo en la madre de todos los proyectos paralelos. Cuando tienes la energía y credibilidad para poner en marcha cualquier propuesta, el resultado puede ser totalmente fantástico. A pesar de todo lo 18
que Foo Fighters han acabado representando, Dave Grohl no deja de ser un viejo punk rocker y heavy metal kid. Cuando se trata de metal old school, su gusto es impecable, así que cuando le entró el gusanillo de tocar metal, tan sólo tuvo que llamar a la flor y nata de los cantantes para saber si estaban interesados en tocar con él. Con la excepción de Tom Araya por motivos de calendario y Phil Anselmo, el resto de los cantantes a los que preguntó accedieron a hacerlo. Y ya que las canciones eran tan buenas y encajaban perfectamente con la voz de cada uno de ellos, Probot se acabó convirtiendo en el proyecto paralelo más grande que nunca nadie haya hecho. La lista de vocalistas es un auténtico sueño húmedo personal: Cronos (Venom), Snake (Voivod), Max Cavalera (Sepultura/Soulfly), Lee Dorrian (Cathedral/Napalm Death), Tom G. Warrior (Celtic Frost, Triptykon) y Lemmy Kilmister (Motörhead), por nombrar a unos pocos. Lo que todavía es más impresionante es el hecho de que Grohl toca prácticamente todos los instru-
mentos en el álbum. Desde luego, aunque el proyecto tenga el sello personal de Grohl, eso no era suficiente para que las multinacionales se volvieran locas con un proyecto de metal. Tomando el consejo de su antiguo compañero de banda en Scream, Pete Stahl, llevó el álbum a Southern Lord y éstos lo editaron, lo que hizo que el proyecto todavía fuese más guay. Stahl, como algunos sabéis, es el cantante de Goatsnake, banda en la que también está Greg Anderson, el propietario del sello. Pude ver desde el banquillo cómo este proyecto fue editado en 2004. Cuando grabamos con Nick Raskulinecz en el Studio 606 de Grohl en 2007, no era la producción que hizo
Raskulinecz para Foo Figherts lo que de verdad me interesaba, sino lo que hizo en Probot tocando el bajo. Sentía curiosidad por eso realmente. Cuando Nick nos llevó al almacén que tenía el estudio, no fueron las cosas de Nirvana o Foo Fighters lo que me impresionaron, sino que fue una pequeña pila de merch de Probot lo que me hizo feliz de verdad. Diría que esas canciones de Probot son mejores que las que nunca escribieron en sus bandas los respectivos cantantes. Escuchad ese álbum, no por el hecho de que sea del tío de los Foo Figherts, sino porque las canciones son tan increíbles como su portada. Hasta el mes que viene, DANKO JONES
LAS ARNETTE SESSIONS NOS MUESTRAN EL LADO MÁS CERCANO, ÍNTIMO Y CRUDO DE LOS MÚSICOS QUE SE ACERCAN A LA REDACCIÓN DE LA REVISTA ROCKZONE. A PELO, SIN SEGUNDAS OPORTUNIDADES NI EFECTOS ESPECIALES, ESTE FORMATO NO ES APTO PARA PRODUCTOS PREFABRICADOS, SÓLO PARA QUIENES DISFRUTAN Y RESPIRAN LA MÚSICA .
>> LOS MAMBO JAMBO INTERPRETAN ‘GALLO DE PELEA’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE.
C
ada vez que tenemos la visita de un grupo para participar en las Arnette Sessions es un regalo, pero en el caso de Los Mambo Jambo, todavía más. El cuarteto barcelonés integrado por Dani Nel·lo (saxo), Dani Baraldes (guitarra), Ivan Kovacevic (contrabajo) y Anton Jarl (batería) se presentó con toda su artillería y durante unos minutos transformó la redacción en un club de rock’n’roll. Su último trabajo, titulado Jambology (Buenritmo Records) y producido por Jairo Zavala (Depedro, Calexico), ofrece doce temas nuevos en los que la banda ha reflejado más que nunca la personalidad de cada uno de los músicos, sin renunciar a esa energía desbordante de sus directos. Hace ya siete años que Los Mambo Jambo se dieron a conocer como banda residente del espectáculo de burlesque Taboo, de la sala Apolo de Barcelona. Un trabajo que les permitió desarrollarse rápidamente. “Nos dio una dirección”, asegura Ivan. “Cuando em-
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pezamos a quedar para simplemente tocar, apareció lo de Taboo y fue una plataforma para presentarnos al público. Era un espectáculo de variedades donde nosotros tocábamos 5 minutos y luego bajábamos del escenario, y así varias veces. Nuestro repertorio lo formamos a partir de esos 5 minutos que tenían que ser muy potentes, por eso nuestro directo tiene tanto punch”. A lo largo de estos años, el grupo no ha parado de tocar tanto dentro como fuera de nuestras fronteras, pero llegados al punto de grabar su tercer álbum, Los Mambo decidieron parar durante tres meses y dedicarse exclusivamente a la composición y los arreglos. “En los dos discos anteriores había mucha voluntad de recoger el espíritu del directo”, explica Dani. “Nos poníamos en el estudio a tocar como muy rabiosos. En éste nos lo hemos tomado con más calma. No lo hemos grabado en un día, sino en cuatro (risas). Queríamos un disco que pudieras escuchar tranquilamente en
casa. Ha sido un álbum más ambicioso en cuanto a sonido y composición. Tenemos ambición artística, que es la buena”. Con una experiencia acumulada de 30 años en distintas formaciones, da la impresión de que los cuatro músicos disfrutan más que nunca con la música que hacen. Sin dramas, ni tensiones. “Desde el principio esto ha sido una banda. No hay un líder”, dice Ivan. “A la hora de componer y tocar todos estamos al 25%, y eso, quieras que no, al músico le crea una satisfacción artística. Nosotros hemos hecho de líderes en otras bandas, pero a veces también sientes un peso excesivo. Aquí está todo equilibrado”. Por su parte, Dani comenta que en esta banda han encontrado un sitio donde puedes apretar el acelerador a tope. “Es una sensación difícil de explicar, pero con Los Mambo Jambo no tienes ningún tipo de restricción de nada. Nos cubrimos las espaldas tanto en el escenario como a nivel personal”. Se nota.
IMAGINEXTREME BARCELONA 18 Y 19 DE JUNIO, PARC DEL FÒRUM
E
ste año se celebra la 7ª edición del imaginExtreme Barcelona presented by Mountain Dew, una fiesta de los deportes de acción como el skate, inline, longboard, BMX o scooter. En anteriores ediciones asistimos como espectadores y lo pasamos genial, pero la de este año promete todavía más. Se ha modificado el recinto para aprovechar al máximo los espacios del Parc del Fòrum, en los que podremos disfrutar viendo en acción a los mejores especialistas del mundo en las diferentes modalidades, utilizar los Parcs destinados a la práctica abierta a los asistentes o ver y probar las últimas
novedades en el sector del Market. Algunas de las novedades de este año serán un skatepark exclusivamente para skate o la reactivación de la categoría Open de skate, que permitirá que riders locales, nacionales e internacionales tengan la oportunidad de competir. Los cuatro mejores tendrán acceso a la sesión clasificatoria de la categoría Pro. Los precios de las entradas vuelven a ser populares: desde los 10 euros podrás pasar un día espectacular en el que además estaremos como RockZone Dj’s poniendo una banda sonora rockera acorde a la adrenalina que se vaya desprendiendo en el
Pro Skate. Además, si te acercas a nuestro stand con la app de RockZone instalada en tu móvil, podrás llevarte algún regalito sorpresa… También tendremos la oportunidad de comprobar cómo se las gastan los artistas de graffiti de la mano de Montana Colors, de degustar diferentes opciones gastronómicas en la zona de Food Trucks o presenciar espectáculos de street dance. En resumen, un fin de semana que va a ser de lo más movido y que te recomendamos pasarlo con nosotros. Información y venta de entradas: www.imaginextremebarcelona.com
ANDY BLACK
EL CABALLERO OSCURO
ANDY BIERSACK, LÍDER DE BLACK VEIL BRIDES, ACABA DE DEBUTAR EN SOLITARIO CON THE SHADOW SIDE. EN SU PRIMER ÁLBUM BAJO EL NOMBRE DE ANDY BLACK LE ACOMPAÑAN UN ELENCO DE MÚSICOS PROCEDENTES DE GRUPOS COMO FALL OUT BOY, BLINK-182 O MY CHEMICAL ROMANCE. TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR
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IENDO LOS CRÉDITOS de The Shadow Side (Spinefarm), el debut de Andy Black, cualquiera podría pensar que el vocalista de Black Veil Brides ha dejado el hard rock moderno que caracteriza a su banda para pasarse al punk pop más efervescente. Además del productor bandera del género, John Feldmann, ahí encontramos echándole una mano a Patrick Stump (Fall Out Boy), los hermanos Gerard y Mikey Way (My Chemical Romace), Matt Skiba (Blink-182), Rian Dawson (All Time Low), Quinn Alman (The Used) o Ashton Irwin (5 Seconds Of Summer). Pero nada más lejos de la realidad. Si bien el disco es mucho más melódico de lo que ya nos tiene habituados, sus canciones se mueven entre la balada épica (‘Homecoming King’, The Void’) y el rock de radiofórmula (‘Stay Alive’, ‘We Don’t Have To Dance’). Está claro que éste no es un proyecto para matar el tiempo simplemente o culminar sus inquietudes artísticas, sino que aspira a llegar a un público, incluso aún más amplio, que el de Black Veil Brides. Pocos días después de su primer concierto sin su banda, Andy nos presentó a su alter ego.
Vayamos por el principio: ¿Cuándo empezaste a pensar en grabar un disco en solitario? ¿Es algo a lo que llevabas mucho tiempo dando vueltas? ANDY BIERSACK “Sí, llevaba
mucho tiempo pensando en hacer otro tipo de música. Mi prioridad siempre había sido Black Veil Brides, pero cuando tuve un poco de tiempo libre pensé que sería una buena oportunidad para hacerlo. Por suerte, mi calendario coincidía con el de John Feldmann, así que pudimos hacerlo todo en siete, ocho meses”. Siendo tu primer álbum podrías haberte decantado por cualquier estilo... ¿Tenías más o menos claro lo que querías hacer o te dejaste llevar? “No, sabía exactamente lo que quería para este proyecto, pero cuando empecé a trabajar con John a diario salieron muchas ideas nuevas. Eso es lo que tiene que hacer un buen productor, empujarte y sacarte ideas que no habrías tenido por tu cuenta. Pero aun así, la visión principal fue mía”. Aunque has comentado que para ti esto es un proyecto paralelo, estás haciendo una promoción muy fuerte. ¿Es esto el principio de una carrera paralela a la banda? ¿Crees que puede llegar a convertirse en tu prioridad? “Bueno, siempre me gusta tener éxito con lo que hago. Creo que si me esfuerzo lo suficiente podré seguir haciendo ambas cosas. Sería genial poder grabar y girar con la banda y por mi cuenta de forma regular”. La lista de colaboradores es
muy extensa. ¿Tenías una especie de lista soñada de gente con la que querías trabajar? ¿Hubo alguien que quisieras y por un motivo u otro no pudiera participar? “La verdad es que fue John quien trajo a mucha de esa gente. Algunos eran fans de Black Veil Brides y otros simplemente estaban interesados en trabajar conmigo. Otros eran amigos. Tuvimos la suerte de que todo el mundo estuviera muy abierto a participar”. ¿Qué crees que aportaron cada uno de ellos? ¿Quién fue el que más te impresionó? “Cada uno aportó algo distinto. Si hablas de Patrick Stump o de Gerard Way, son gente muy creativa y muy divertida también. El ambiente era muy propicio para crear. No puedo destacarte a nadie por encima de otro, para mí lo más destacable fue el ambiente en sí que creó John Feldmann entre los ‘Feldievers’, como nos gusta llamarnos (risas). Trabajamos con mucha libertad”. Es curioso porque la mayoría de los artistas invitados vienen del mundo del punk pop, pero el disco no va por ahí. ¿Crees que en cierta manera les ofreciste la posibilidad de expandirse de la misma manera que tú mismo estabas haciendo? ”Cuando haces un disco en solitario es difícil establecer una dinámica como 25
“ALGUNAS COSAS QUE ME DIVERTÍAN O ME HACÍAN FELIZ ANTES AHORA YA NO SON TAN IMPORTANTES” ANDY BIERSACK
la tienes con un grupo. Yo llevo tanto tiempo trabajando con mi banda que conozco perfectamente cuáles son las habilidades y el ritmo de cada uno, y eso facilita las cosas a la hora de escribir. Si hubiera hecho el disco totalmente solo podría haber caído fácilmente en la indulgencia, pero el traer a toda esa gente me obligó a estar más centrado y escuchar otras ideas”. El tono del álbum es más adulto e introspectivo que el de Black Veil Brides. ¿Sientes que con este trabajo, y quizá también por el hecho de haberte casado, has entrado en tu etapa adulta? “En el último año he madurado, desde luego. Algunas cosas que me divertían 26
o me hacían feliz antes ahora ya no son tan importantes. He descubierto otras cosas que me hacen feliz. Puede que el disco refleje eso”. Vocalmente pareces haber encontrado un nuevo registro también. “Siempre que he trabajado con John ha entendido muy bien mi registro. Cada disco que he hecho con él me ha convertido en un mejor cantante. Sin duda se merece mucho crédito por eso”. Hace poco diste tu primer concierto en Los Ángeles. ¿Se te hizo raro estar en el escenario con otros músicos? “¡Muy raro! Fue fantástico, pero antes
del bolo vi a Jake (Pitts), el guitarrista de Black Veil Brides, y se me hizo súper extraño saber que iba a tocar sin él. Llevo diez años tocando con ellos... Pero por suerte los músicos que tengo también son fantásticos, así que me sentí muy cómodo”. ¿Y para cuándo podemos esperar el próximo álbum de Black Veil Brides? “Bueno, ya tenemos algunas canciones, así que cuando termine el ciclo de Andy Black nos pondremos a tope con el disco. Creo que saldrá a principios del año que viene”.
LETLIVE.
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CON SUS DOS PRIMEROS TRABAJOS PARA EPITAPH, LETLIVE. CONSIGUIERON IRRUMPIR CON FUERZA EN LA ESCENA POST HARDCORE... PERO ES AHORA CON SU NUEVA OBRA, IF I’M THE DEVIL..., CUANDO LOS CALIFORNIANOS PARECEN PREPARADOS PARA SUBIRSE DEFINITIVAMENTE A LA CRESTA DE LA OLA. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR
S CURIOSO como un terreno tan aparentemente dominado por lo racional como es la política puede acabar afectando a nuestra parte más emocional. Las decisiones que toman los que manejan los hilos desde arriba nos repercuten de manera más o menos directa, pudiendo llevarnos a situaciones extremas que requieren de respuestas igual o más extremas por parte del pueblo. Al fin y al cabo, somos animales, y nuestro instinto de supervivencia nos hace reaccionar, en ocasiones, como tales. Eso mismo es una parte de lo que pretende explicar Jason Butler en el cuarto álbum de letlive.. Fundados a comienzos del nuevo milenio, el conjunto de Los Ángeles liderado por Butler (voz) y formado a día de hoy por Jeff Sahyoun (guitarra), Ryan Jay Johnson (bajo), Loniel Robinson (batería) y Mishka Bier, que les acompaña como segundo guitarra en directo, no consiguió hacerse un nombre destacado en sus primeros años de vida a pesar de contar ya con un álbum de debut prácticamente desconocido para la mayoría como Speak Like You Talk, editado en 2005. Tuvieron que pasar varios años y un buen puñado de miembros por la banda hasta que en 2011 Oli Sykes de Bring Me The Horizon quedase prendado de su segundo largo, Fake History, de tal manera que le insistió a Brett Gurewitz que debía ficharlos para su disquera, Epitaph.
Dicho y hecho. El guitarrista de Bad Religion rápidamente consiguió atarles y reeditar el disco con éxito, mientras el grupo no paraba de ganar presencia en los medios especializados gracias a su potentísima puesta en escena. Dos años más tarde llegaría The Blackest Beautiful, un trabajo menos agresivo que incorporaba sonoridades de la música afroamericana en distintas variantes, dejando claro que estábamos ante una formación con una fuerte personalidad y sin miedo al riesgo. Es ahora, tras un breve periodo de silencio, que letlive. están dispuestos a volver al ruedo para dar el golpe definitivo que les convierta en una de las bandas del momento. Su cuarto disco, If I’m The Devil..., estará en las tiendas en pocos días, pero nosotros tuvimos la oportunidad de encontrarnos mes y medio antes de su publicación con Jason Butler en la zona de prensa del Groezrock. Aparte de comprobar que en las distancias cortas es una persona de lo más tierna y amable, contrastando con la ferocidad que muestra una vez se sube a las tablas, pudimos hablar durante varios minutos acerca de la carrera presidencial en Estados Unidos, la influencia que han tenido figuras como Michael Jackson o Prince en su música y, cómo no, de sus salvajes conciertos. Un directo que, como el propio Jason nos reconoció, es más que probable que podamos presenciar dentro de muy poco en nuestro país.
En junio vais a publicar un nuevo disco llamado If I’m The Devil... y de momento sólo hemos podido escuchar el adelanto del mismo, ‘Good Mourning, America’. ¿Podemos esperar que el resto de canciones vayan en ese mismo camino? JASON BUTLER “Diría que éste es un álbum muy diverso. El motivo por el que hemos decidido lanzar ‘Good Mourning, America’ como primer adelanto es porque es una buena muestra de la dirección, del espectro que hemos alcanzado en nuestra evolución. Cuando estamos tocando, sentimos la necesidad de que la gente que nos escucha crezca con nosotros al mismo tiempo que está disfrutando. El tema principal de esa canción es algo que se da varias veces a lo largo del disco. Creo que no es tan abrasivo sónicamente, pero los temas que abordamos sí que suponen una confrontación”. ¿Te refieres a que nos encontramos ante una obra menos directa que, por ejemplo, Fake History? ¿Quizás algo más suave, o por decirlo de otra manera, sofisticado? “Sí, iba a decir justo eso. Es más sofisticado y maduro. Todavía sigue siendo un sonido duro, pero estamos intentando encontrar una nueva manera de presentarlo. Eso es lo que hemos hecho en esta ocasión”. 29
En el vídeo que habéis lanzado para acompañar la canción vemos varias imágenes de revueltas sociales contra la autoridad. A nivel de letras, ¿estamos ante un disco más político o social que vuestros anteriores trabajos? “Creo que las letras esta vez son más deliberadas, intencionadas y obvias de lo que intentaba expresar en los últimos discos. Antes usaba muchas metáforas y analogías, pero con este álbum espero encontrar una manera poética para hablar de una forma más deliberada, de expresarme más claramente. Uno de los temas centrales es la política, aunque ya en The Blackest Beautiful también hablaba de ello, pero eran ideas más generales. Esta vez estoy hablando de cosas más actuales y hechos muy concretos que están ocurriendo en América y en muchas partes del mundo occidental, así como el modo en que nuestra sociedad y entorno afectan a nuestras emociones como personas cuando intentamos encontrar camaradería o romanticismo en las relaciones, la sexualidad... Todas esas cosas que se ven afectadas por la situación que estamos viviendo ahora mismo”. En el último año he tenido la oportunidad de hablar con algunos miembros de AntiFlag o Ignite sobre la situación política que se está viviendo en Estados Unidos ahora mismo respecto a la carrera presidencial. Especialmente la figura de un personaje como Donald Trump ha causado un gran revuelo y 30
personalmente me resulta tan fascinante como terrorífica. Me gustaría saber cómo lo ves tú. “Bueno, pienso que los medios en Estados Unidos son otra arma para que el gobierno controle el poder, y por ello necesita que la gente le preste atención. Que lean, escuchen, cliqueen o vean lo que a ellos les conviene. Lo que están haciendo los medios de comunicación es que el resto del mundo se fije en todo esto como una posibilidad real, ya que eso supone un espectáculo para la gente. Pero de todas maneras, en el caso de que él llegue a ser proclamado como candidato por parte del Partido Republicano, no ganará. El hecho de que esté recibiendo una atención tan exhaustiva por parte de los medios acabará jugando en su contra, aunque se le esté dando 30 veces más cobertura que a Bernie Sanders, por ejemplo. Ahora mismo Bernie Sanders está destrozando todas las predicciones que se habían hecho, y ahora que tenemos a alguien como él en consideración para la carrera presidencial creo que está más claro, incluso para los medios, que la idea de tener a alguien como Donald Trump no es la única manera de conseguir espectadores o que la gente compre los periódicos. También pueden centrarse en alguien más serio y razonable como lo pueda ser Bernie Sanders, e incluso Hillary Clinton. ¿Pero Donald Trump como presidente? No veo que vaya a ocurrir”. ¿Y cómo puedes estar tan convencido de ello? “Simplemente basándonos en las
estadísticas y en los registros de la gente que ha votado en las cuatro últimas elecciones. Si miras el registro de votantes demócratas en los últimos 16 años comparado con el de los republicanos, verás que la participación de los demócratas, así como el grado en el que se han involucrado, siempre ha sido mayor. Incluso muchos de los máximos representantes del Partido Republicano han declarado que no votarán si el candidato es Donald Trump”. OK, dejemos de lado la política y volvamos a centrarnos en la música. Vuestro anterior álbum, The Blackest Beautiful, tenía algunas influencias muy claras del R&B, soul, funk, hip hop... lo cual me pareció algo muy original y fresco dentro del estilo por el que os movéis. ¿Encontraremos algo de eso en If I’m The Devil...? “Es una versión más grande de todo eso. Hemos integrado mucha de esa cultura musical del soul en nuestro sonido. Al menos por mi parte, porque de ahí es de donde vengo. Tengo más confianza en ese terreno y he sido capaz de ser más efusivo con este disco y explorar muchísimo más los sonidos y los espacios que intentábamos llenar. Hemos podido utilizar más elementos ambientales y distintos recursos. Como decía antes, es un álbum duro, pero no porque pongamos los amplificadores al máximo de volumen, sino porque las texturas son más palpables y fuertes. O al menos yo lo veo así, aunque haya sido yo el que ha escrito las canciones (risas)”.
“LA MÚSICA ES ALGO ENORME Y HERMOSO CAPAZ DE TOCAR MUCHÍSIMAS EMOCIONES DISTINTAS”
Es curioso, ya que algunas bandas aseguran escuchar muchos estilos de música diferente, pero luego no lo aplican a lo que hacen. Obviamente, creo no se puede decir eso de letlive.. ¿Dirías que de alguna manera estaís intentado abrir un poco la mentalidad dentro de la música hardcore a la hora de experimentar con otros sonidos? “Sí, totalmente. Lo único que espero es que letlive. puedan ofrecer una vía para abrir la mente a otros estilos de música, porque de igual manera que amo el punk rock y el hardcore, hay otros muchos géneros que me han influenciado. Y no sólo eso, sino que han cambiado mi vida y me han ani-
mado a convertirme en el artista que soy hoy en día y el que quiero llegar a ser en el futuro. Eso se debe a la música, no sólo al hardcore o el punk. La música es algo enorme y hermoso capaz de tocar muchísimas emociones distintas, así que intentamos honrar de alguna manera todo eso de cuanto hemos recibido”. En algunas canciones de The Blackest Beautiful llegué a pensar que estaba escuchando a una especie de Michael Jackson cantando en un grupo de hardcore. Y por otro lado, sé que eres un gran fan de Prince, quien por desgracia nos ha dejado hace escasos días... ¿Qué han significa-
do estos artistas en tu evolución como músico? “Ellos formaron parte de todo ese grupo de artistas que me enseñaron que estaba bien salirse de lo establecido, sentirse incómodo respecto a tus contemporáneos y ser diferente a aquellos que están a tu alrededor. Pero incluso aunque tomes influencias de la gente a la que admiras, tienes que crear tu propia firma. Para mí siempre ha sido una cuestión de intentar progresar. Quiero ser un artista diferente del que lo era ayer. Quiero ser un artista diferente al del año pasado. Quiero intentar evolucionar continuamente de la manera más auténtica, no sólo para poder decir que he cambiado o ser un tipo raro, adelantado o lo que sea... Siempre 31
he procurado que mis intenciones fuesen claras. Así que para mí todos esos artistas como Prince, Michael Jackson, James Brown, Marvin Gaye... lo que me enseñaron fue que debía crear mi propio sonido, sentirme cómodo con ello y entonces, evolucionar. Y no sólo coger lo que alguien ha hecho y crear algo con eso, sino darle mi propio espacio creativo”. OK, y ahora una pregunta peliaguda... ¿Prince o Michael Jackson? Dinos, ¿a quién prefieres? “Oh, tío (risas). Lo cierto es que he estado pensando sobre esto recientemente. Creo que debo decir Michael Jackson porque mi conexión con él es muy fuerte desde mi infancia. Para mí, Prince llegó justo después, pero él fue primero. Pienso que los dos fueron genios, pero de una manera muy diferente. Por un lado, Prince desprendía muchísima sexualidad en su música, era muy directo con su masculinidad, mientras que Michael Jackson resultaba más cuestionable (risas). Pero supongo que soy más de Michael debido a mi nostalgia con él, que es muy fuerte. Y también los movimientos de baile, por supuesto (risas). Él creó todo un estilo en ese campo. Prince también creó su propio lenguaje que todo el mundo intentaba imitar... Pero la influencia de Michael Jackson va más allá. El modo en el que se movía, hablaba, cantaba... Tengo que decir que me quedo con Michael, pero ambos están muy cerca el uno del otro”. Para terminar, me gustaría hablar sobre vuestros directos, en los que la energía del estudio se multiplica por mil. Especialmente tú, que no paras ni un segundo. Recuerdo que os vi en un festival en Alemania hace unos años... Yo estaba en primera fila y en un momento dado, cuando debíais ir por la mitad del concierto, me di la vuelta y vi que el público había retrocedido como unos 10 metros del escenario. Parecía que estaban como asustados ante lo que estaban viendo. ¿Qué es lo que pasa por tu cabeza cuando estás cantando para hacer todas las locuras que llevas a cabo en el escenario? “Sí, recuerdo ese concierto. En la primera canción 32
“DISFRUTO DE LAS COSAS QUE SUPONEN UN DESAFÍO, UNA CONFRONTACIÓN O QUE RESULTAN PELIGROSAS. Y ESO ES LO QUE INTENTO MOSTRAR EN DIRECTO”
rompí un reloj de pared que había en el escenario con el micrófono (risas). No lo sé. Creo que de alguna manera mi mente se separa de mi cuerpo y las cosas que hago físicamente no se registran en mi cerebro en ese momento. Puede que suene como que estoy perdiendo la cabeza, pero lo cierto es que es algo muy visceral. Si intentase explicarlo seguramente parecería estúpido, pero creo que en nuestras vidas hay normas sociales y unos parámetros determinados por los cuales debemos actuar, sentir y aparentar. Para mí, cuando estoy en el escenario, toda esa represión de las cosas que debería hacer o decir o lo que se supone que puedo o no puedo hacer... sencillamente las hago y las digo. Las saco. Porque de otra manera, no podría hacerlo. Y creo que mi disposición como persona es menos inhibida. Disfruto de las cosas que suponen un desafío, una confrontación o que resultan peligrosas. Y eso es lo que intento mostrar en directo. Durante una hora de mi vida puedo hacer eso y tal vez la gente
no piense que estoy completamente loco. O puede que en parte sí lo piensen, porque si lo hiciese fuera de un escenario seguramente me encerrarían (risas). Solamente me aprovecho de una situación en la que puedo actuar libremente”. ¿Pero no hay momentos en los que has pensado ‘vale, quizás esta vez haya ido demasiado lejos’? ¿No has sentido alguna vez que necesitabas relajarte un poco en ese sentido? “Intento decirme a mí mismo eso. De hecho, he estado enfermo durante las últimas ocho semanas que hemos estado de gira. Pienso que debería calmarme un poco algunas noches. Pero en algún momento, la lógica que debería seguir... No lo sé, tío. Ojalá pudiera explicarlo. Es simplemente la persona que soy sobre el escenario e incluso cuando estoy enfermo o cansado para mí es muy complicado evitar hacerlo”. ¿Y habrá alguna posibilidad de que te veamos hacer esas locuras en España dentro de poco? “Sí, hay muchísimas posibilidades. Esperamos ir este año. Este verano estaremos girando, así que seguramente estemos por allí en otoño”.
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HENRY ROLLINS
I CONOS UNIDOS CON EL AZKENA ROCK FESTIVAL A LA VUELTA DE LA ESQUINA, HABLAMOS CON EL MÍTICO HENRY ROLLINS SOBRE UNA DE LAS PROPUESTAS MÁS INSÓLITAS DE ESTA EDICIÓN: EL ESPECTÁCULO GUTTERDÄMMERUNG, DONDE SE MEZCLA CINE Y MÚSICA EN VIVO. TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR
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E
L PASADO OCTUBRE, las redes sociales se revolucionaban con el tráiler de Gutterdämmerung, anunciada como “la película muda más ruidosa del mundo”. Dirigida por el sueco Björn Tagemose y con una estética en blanco y negro parecida a la de Sin City, el avance abrumaba por la cantidad de figuras destacadas del mundo de la música que aparecían en él. Lemmy, Iggy Pop, Slash, Josh Homme, Tom Araya, Mark Lanegan, Jesse Hugues, Grace Jones, Nina Hagen, Volbeat o Justice
en la que contará con una banda interpretando la banda sonora en directo. Mr. Rollins nos cuenta un poco más sobre esta historia y a qué dedica el tiempo libre estos días.
son algunos de los participantes en este curioso proyecto, pero ha sido Henry Rollins, quien desde 2002 ha abandonado totalmente la música para centrarse en su trabajo en distintos formatos audiovisuales, así como en sus espectáculos de spoken word, el que más se ha involucrado y ejerce de portavoz de cara a los medios. El exvocalista de Black Flag estará presente en Vitoria-Gasteiz, en la que será la única proyección de Gutterdämmerung en nuestro país –sólo habrá ocho en toda Europa-, y
A lo largo de los años has estado involucrado en muchas disciplinas artísticas distintas, pero me imagino que algo como Gutterdämmerung es nuevo para ti. ¿Podrías explicar cómo te uniste al proyecto y cuál ha sido tu papel en él? HENRY ROLLINS “Me involucré cuando Björn Tagemose quiso conocerme. Vino a la sala donde iba a actuar y me enseñó el storyboard y algunos clips que había hecho para que me hiciera una idea de lo que quería realizar. Parecía interesante y Björn me pareció una persona que conseguiría su objetivo. Recibo muchas ofertas de gente distinta y aunque sus intenciones son buenas, la mayoría de veces ves que no llegarán a ninguna parte. Estoy acostumbrado a eso. Björn me preguntó si estaría interesado en trabajar con él tanto en el guión como en la película. Le dije que intentaría escribir algunos diálogos y que si no eran buenos, me lo dijera. Al final acabé escribiendo buena parte del guión e interpreté a varios personajes”. Aunque tienes una larga experiencia en el cine, ¿qué diferenció a Gutterdämmerung de otras películas en las que has trabajado? “Gutterdämmerung fue diferente porque estaba en escenas que yo mismo había escrito. Fue extraño decir algo que yo había escrito y también ver a
otros decir algo que yo había creado. En ese sentido, fue una experiencia única”. ¿De quién fue la idea de convertir la película en un espectáculo en directo? ¿Estaba previsto desde el principio? “Por lo que sé, fue idea de Björn. Todo esto es su espectáculo. Creo que la idea inicial era que fuera una película muda con la banda tocando, pero al ver lo buenas que eran las interpretaciones, decidió añadirle las voces. Creo que fue una gran idea. Olivia, la protagonista, es fantástica, y no haberla escuchado hubiera sido una pena. Fue una buena decisión. En cuanto a tener a los actores interactuando con la película delante de la pantalla, creo que se decidió mientras la película se estaba montando”. Supongo que con la muerte de Lemmy, el film ha adquirido un impacto emocional mayor. ¿Qué relación tenías con él? “Conocí a Lemmy a finales de los 80. A lo largo de los años lo fui viendo aquí y allá, en festivales. Siempre teníamos buenas charlas y siempre fue muy amable conmigo. La última vez que le vi fue en septiembre del año pasado. Tuve la inmensa suerte de estar en el mismo hotel que Motörhead durante un par de días. Le echo mucho de menos”. Por desgracia estamos viendo a una generación de iconos desaparecer. ¿Crees que este tipo de figuras son importantes para el rock’n’roll o viniendo del punk crees que 35
HENRY ROLLINS
“LA ÚLTIMA VEZ QUE VI A LEMMY FUE EN SEPTIEMBRE DEL AÑO PASADO. TUVE LA INMENSA SUERTE DE ESTAR EN EL MISMO HOTEL QUE MOTÖRHEAD DURANTE UN
LE ECHO MUCHO DE MENOS” PAR DE DÍAS.
este culto a la personalidad no es algo bueno en el fondo? “Creo que las figuras icónicas forman parte de la leyenda del rock y no me molesta en absoluto. Creo que es genial que haya personas que puedan ponerte la piel de gallina sólo con verlas, sea en un escenario o en una pantalla. Cuando echas de menos a alguien a quien nunca has conocido, como le ocurre a la mayoría de gente con Lemmy o Bowie, te humaniza. Poner en valor la vida de otra persona no es algo malo y no creo que puedas simplemente decir ‘todo el mundo muere’ y ya está”. No has publicado un nuevo disco en siglos. ¿Ya pasas totalmente de la música? Y si es así, ¿es debido a que estás harto de la industria musical o que crees que ya no es un buen medio para expresarte? “Hace años se me acabaron las ideas para letras y paré de golpe. Mi elección era simplemente parar o seguir actuando tocando sólo material viejo como si fuera un jukebox humano. Y no hay ningún riesgo artístico en hacer eso. Para mí eso no tiene demasiado interés, así que paré. Eso es todo”. Me gustó mucho el programa
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de entrevistas que hacías, The Henry Rollins Show. ¿Quién fue tu invitado favorito? ¿Tienes ahora más simpatía por la gente que te entrevista, ya que has estado en el otro lado? “Mi favorito fue Gore Vidal. Fue un honor conocerle y hablar con él. ¿Más simpatía por los entrevistadores? Desde luego que no. He entrevistado a más gente de la que crees. He entrevistado a gente desde Los Ángeles hasta Sudáfrica. Doctores, políticos, exmiembros del IRA, científicos, estrellas del rock, y siempre intento estar lo más preparado posible. Siempre dedico mucho tiempo a prepararme. ¿Quieres entrevistarme sin haberte preparado? Te aseguro que no te va a gustar. Alguna vez he preguntado a una revista para la que me entrevistaban si podían darme el trabajo porque podía hacerlo mejor que la persona que habían mandado, y más de una vez, me lo han dado. Mostraré mi simpatía cuando me la muestren a mí”. Has expresado tu apoyo por Bernie Sanders. Cada vez que le escucho me parece el candidato más razonable en las próximas elecciones norte-
HENRY ROLLINS
americanas. ¿Crees que tiene alguna posibilidad? “No. Nunca he pensado que la tuviera, pero simplemente me gustaban los asuntos que atacaba. Los Estados Unidos viven en una cultura consumista, violenta y regresiva. Sanders no puede exponer sus ideas y tener más del 50% de los votos. Creo que la señora Clinton acabará siendo la candidata demócrata. ¿Será la próxima presidenta? No tengo ni idea, pero apostaría a que alguien en Estados Unidos va a morir de un balazo hoy mismo. Eso es lo único que puedo predecir del futuro”. ¿Qué te espera después de estos shows? “Voy a seguir con mis propias actuaciones hasta febrero de 2017. Y también seguiré escribiendo para nuevos proyectos, promocionando una nueva película, alguna cosa de televisión y editando mis dos próximos libros. Aburrirme, no me aburro”.
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BETWEEN THE BURIED AND ME
MUNDOS PARALELOS PARALELOS
PUEDE QUE SU NOMBRE NO SEA TAN MEDIÁTICO COMO EL DE OPETH O STEVEN WILSON, PERO A BUEN SEGURO QUE BETWEEN THE BURIED AND ME SON PARA MUCHOS UNO DE LOS PLATOS FUERTES DE LA NUEVA EDICIÓN DEL BE PROG! MY FRIEND. HABLAMOS CON SU VOCALISTA TOMMY GILES SOBRE LA TREMENDA EVOLUCIÓN DEL GRUPO DE CAROLINA DEL NORTE. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR
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ETWEEN THE BURIED AND ME entraron en mi radar con la edición en 2003 de su segundo álbum The Silent Circus. Su capacidad para combinar el deathcore más brutote con ramalazos más progresivos les hacía destacar por encima de sus compañeros del sello Victory, que en aquellos años estaba sacando rendimiento a la explosión del emo. En los dos siguientes años, la formación del grupo sufriría una verdadera revolución de la que sólo sobrevivirían Tommy Rogers (voz, teclados) y Paul Waggoner (guitarra),
pero desde entonces el grupo prácticamente se ha mantenido estable junto a Dustie Waring (guitarra), Dan Briggs (bajo) y Blake Richardson (batería). Pero si bien los miembros son los mismos, disco a disco su música no ha parado de mutar, dejando cada vez más de lado su faceta más agresiva para ofrecer temas que enamorarían a cualquier fan del prog más clásico. Todo esto culminó el año pasado con la publicación de su octavo álbum Coma Ecliptic (Metal Blade), un álbum conceptual en el que su protagonista en estado de coma viaja por distintos mundos. ¿Le acompañamos?
“UNO DE LOS MAYORES CUMPLIDOS QUE NOS PUEDA HACER UN FAN ES QUE DESCUBRIÓ UN NUEVO GÉNERO MUSICAL GRACIAS A NOSOTROS. ¡Y NOS LO DICEN MUCHO!”
TOMMY GILES
¿Qué podemos esperar de vuestro show en el festival Be Prog! My Friend? TOMMY GILES “La verdad es que no tenemos ni idea de lo que haremos. Cuando nos digan cuánto tiempo tenemos, decidiremos lo que tocaremos. Tenemos canciones muy largas, así que tendremos que seleccionar cuáles podemos encajar y que puedan gustar a nuestros fans. Y si es posible también intentaremos ganarnos a gente que ni nos conoce”. El concierto coincidirá prácticamente con el aniversario de la salida de Coma Ecliptic. ¿Ha sido un buen año para vosotros? “Sí, estamos muy contentos. Cuando empezamos a sumergirnos en ese disco sabíamos que iba a ser distinto. Quizá teníamos un poco de miedo de que no fuera a ser bien recibido, pero ha ido genial. Y la gira también. Tenemos muchas ganas de ir a España por fin”. El disco anterior, The Paralax II, ya era muy ambicioso. Me imagino que intentar superarlo era un gran reto… “Todo músico cuando hace nueva 40
música quiere superarse. Pero afrontamos este disco como siempre lo hacemos, con una mentalidad abierta. Todos escribimos mucho y poco a poco vamos viendo dónde está todo el mundo musicalmente hablando. Desde el primer día sentimos que este álbum iba a ser más melódico y con estructuras más clásicas. Tampoco es que quisiéramos simplificarlo todo, pero queríamos crear un mundo especial para este disco porque sabíamos que iba a ser conceptual. Queríamos construir una historia con la música y creo que salió como lo habíamos imaginado”. Para un grupo como el vuestro tiene todo el sentido hacer un disco conceptual. ¿De quién surgió la idea de hacerlo sobre un personaje que está en coma? “Fue idea mía. Tenía muchas en la cabeza, distintas historias, pero ésta es la que nos pareció más interesante y la que encajaba con la música que estábamos creando. Sabía que si podía crear distintos mundos dentro de ese coma, me resultaría más fácil adaptarlos a los giros musicales que habría en los temas. Sabía que si una canción se volvía muy rara, podría crear un nuevo mundo sin perder el hilo de la historia. En el pasado he aprendido que necesito ser flexible con las letras porque la música puede cambiar mucho de un tema a otro”. ¿Pero tenías más o menos toda la historia planificada o realmente la fuiste adaptando para cada tema? “Bueno, casi toda la música estaba ya escrita cuando me puse a escribir.
Normalmente tengo una idea general de lo que quiero contar porque facilita bastante las cosas. Si tuviera que empezar desde cero una vez estuviera toda la música hecha se me haría una montaña”. Creo que es justo decir que ésta es vuestra obra más orientada al rock progresivo clásico. ¿Crees que empezasteis siendo una banda de metal con influencias progresivas y ahora es justo al revés? “No lo sé. Es difícil analizar tu propio sonido. Creo que seguimos siendo una banda de metal... Pero siempre hemos querido crecer. Desde el primer día hemos intentado hacer cosas distintas, pero siempre de manera natural. Cada disco representa al grupo en ese momento. Después de 15 años, este disco es el que nos representa ahora. Somos más mayores y esta manera de componer es la que ahora nos apetece. Tenemos que hacer música que despierte nuestro interés y con este álbum incluso estoy más emocionado que nunca por lo que tenga que venir en el futuro”. Te lo preguntaba porque quizá en los primeros discos la banda podía ser una puerta para que los fans del metal o el hardcore descubrieran a Pink Floyd o King Crimson. Y quizá con este trabajo un fan de King Crimson lo escuche y sea una puerta para descubrir a Periphery o Circa Survive. “Uno de los mayores cumplidos que nos pueda hacer un fan es que descubrió un nuevo género musical gracias a nosotros. ¡Y nos lo dicen mucho! Todos somos grandes fans
BETWEEN THE BURIED AND ME de la música y nos encanta descubrir cosas nuevas, así que si podemos ser un catalizador para que otra gente lo haga es genial. Hacer que la gente amplíe sus horizontes musicales es muy positivo”. ¿Cómo crees que tu mejora como cantante ha facilitado la evolución de la banda? “Desde luego ha tenido mucho que ver. Cuando empecé apenas cantaba (risas). Crecí escuchando metal y hardcore y aprendí a gritar y a tocar la guitarra en bandas. Pero con Between The Buried And Me, a medida que el grupo crecía, tuve que aprender a hacer más cosas. También me ha ayudado trabajar en otros proyectos. Creo que al final he ido definiendo mi personalidad y ahora la banda compone con eso en mente. Con este disco, como te decía antes, quería darle un enfoque más melódico, así que todos fueron en esa dirección”. En las formaciones de metal los teclados siempre suelen ser un elemento secundario... ¿Te ha costado conseguir que se convirtiera en un instrumento principal? “No me ha costado porque ha sido muy natural. Cuando empecé con
este tiempo”.
los teclados era para añadir un elemento más. Quizá era porque me aburría cuando no cantaba (risas). Pero la verdad es que me facilitaron poder crear un montón de atmósferas que encajaban muy bien con lo que quería expresar. En los últimos discos es cierto que muchos temas se compusieron con el teclado y luego se añadió la guitarra, así que ése es el motivo porque el que ahora tiene más protagonismo”. Sois un ejemplo de banda que sin seguir ninguna de las reglas de la industria es capaz de forjarse una carrera. ¿Crees que demasiados grupos creen que hay unas reglas para triunfar cuando en realidad no existen? “Desde luego. Lo hemos visto muchas veces. Hemos girado con cientos de bandas y hemos visto cómo algunas simplemente intentaban seguir la moda de ese momento. También hay casos en los que eso funciona y la banda tiene éxito, pero no suele durar. Si quieres tener una carrera longeva lo mejor es seguir tu propio instinto. Aunque hayamos cambiado, siempre ha sido porque seguíamos nuestro instinto. Por eso nos sentimos muy afortunados de haber tenido fans que nos hayan seguido todo
¿Cómo te sientes cuando escuchas vuestro primer álbum? ¿Hay algo en él que no soportes o te irrite? “(Risas) Es diferente, pero me siento muy orgulloso de él. Hay grupos que se dedican a echar pestes sobre lo que han hecho antes, pero yo creo que para ese momento está muy bien. Quizá haya alguna canción que ya no me enamora o hubiera hecho de manera distinta, pero el mundo funciona así, no puedes cambiar el pasado. La verdad es que no me siento a escuchar los discos antiguos, pero me alegro de haber hecho este viaje. El primer disco lo grabamos en cinco días, casi todo en directo. Grabábamos hasta las cuatro de la mañana y luego conducíamos a casa para poder ir a trabajar. No éramos profesionales todavía, sólo intentábamos darnos a conocer. Pero me gusta recordar eso y ver hasta dónde hemos llegado”. ¿Y si tuvierais que grabar el próximo disco en cinco días, te verías capaz? “(Risas) Sería posible, pero tendríamos que hacer otro tipo de música. O quizá sí, pero no sonaría tan bien (risas). Ahora dedicamos mucho tiempo a buscar los sonidos más adecuados. Pero bueno, si somos capaces de tocar este material en directo, supongo que podríamos hacerlo grabando así... Aunque espero no tener que hacerlo (risas)”.
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ARCHITECTS
HACE APENAS UNOS DÍAS EPITAPH RECORDS EDITABA EL SÉPTIMO ÁLBUM DE LOS INGLESES ARCHITECTS, UN DISCO QUE DESDE SU PRIMER ANUNCIO PROMETÍA SER MÁS DURO Y MÁS OSCURO. ALL OUR GODS HAVE ABANDONED US NOS SUMERGE EN LA RABIA QUE DESTILAN ESTAS ONCE NUEVAS CANCIONES QUE VUELVEN A COLOCAR A LOS DE BRIGHTON A LA CABEZA DE UN GÉNERO DONDE OTRAS BANDAS PREFIEREN CAMBIAR LA AGRESIVIDAD POR LAS MELODÍAS. PERO SU VOCALISTA SAM CARTER NO ESTÁ POR LA LABOR DE LLEVAR A SU GRUPO POR EL TERRENO COMERCIAL, Y ASÍ LO DEJA CLARO EN ESTA ENTREVISTA. PUEDE QUE QUIERAN CAMBIAR EL MUNDO, PERO TEXTO: JORGE FRETES FOTOS: DR/ CARLES RODRIGUEZ (DIRECTO) SU MÚSICA NO SE TOCA.
S
I EXISTIERA un botón que
pudiera terminar con toda vida humana en el planeta, ¿lo apretarías? No habría hambre, no habría sufrimiento, simplemente ocurriría. Y el mundo podría restaurar su equilibrio natural y todo viviría en harmonía”. Son este tipo de planteamientos existenciales los que hacen de Architects una banda diferente. Los de Brighton llevan más de diez años desafiando a sus seguidores, no sólo con un metalcore que intenta exprimir al máximo las posibilidades de un género con síntomas de agotamiento, sino también ofreciendo canciones con un contenido político y social poco frecuente. En el camino, Architects han visto cómo su popularidad no paraba de crecer –su tercer álbum Hollow Crown fue un punto de inflexión-, pero han aprendido que su fama sólo tenía sentido si la utilizaban para una causa mayor. El pasado mes de octubre Sam Carter (voz), Ali Dean (bajo), Adam Christianson (guitarra), Tom Searle (guitarra) y su hermano gemelo Dan (batería) tomaban un avión hasta Suecia para volver a trabajar en el Studio Fredman, donde habían grabado su anterior y excelente trabajo Lost Forever // Lost Together. Ahí les esperaba el equipo de producción formado por Fredrik Nordstrom y Henrik Udd. A lo largo de siete semanas, las canciones que Tom Searle había compuesto durante el verano anterior empezaron a tomar forma hasta configurar un bombazo como All Our Gods Have Abandoned Us. El furioso disco de nuevo plantea cuestiones que hierven en el interior 44
de sus autores, y posiblemente en el de sus fans. ¿Por qué vivimos en la ficción de que siempre necesitamos más? ¿Por qué nos sentimos infelices y no sabemos qué hacer con nuestra vida? ¿Por qué, aunque veamos que el mundo va directo al desastre, no hacemos nada para evitarlo? Si el título del álbum evoca cierta desesperanza es porque ésta fue el motor creativo durante su gestación. Pero si Architects se resisten a que ésta les paralice es porque desde sus inicios son un grupo que no sólo aboga por cambiar las cosas, sino que actúa para hacerlo. Sus cinco componentes siguen un estilo de vida vegano e intentan girar minimizando al máximo el impacto ambiental. Además, también han participado en la limpieza de varias playas. En 2014, Sam fue anunciado como embajador de la conservación marina por parte de la organización benéfica Sea Shepherd, cuyos representantes acompañan a veces al grupo en sus conciertos para promover su acción entre sus fans. Pocos días antes de la salida del disco, el propio Sam nos atendía para hablar de todo esto. ¡Vaya manera de empezar el álbum! ‘Nihilist’ arranca directamente con un ‘¡boom!’ y sin tregua. Ya habías dicho que éste sería un disco más oscuro y duro, pero no imaginaba que tuvieras tanta rabia... ¿Fue planeado de esta manera o han sido los recientes eventos en el mundo o en tu mundo los que han causado este giro? SAM CARTER “Bueno, cuando
terminamos de grabar Lost Forever // Lost Together sabíamos que queríamos seguir en esa línea más pesada, más agresiva, porque es lo que disfrutamos y es lo que mejor sabemos hacer. Sabíamos que queríamos empezar sin piedad, con un gran ‘¡Bang!’. Muchas bandas hoy en día se están volviendo comerciales, y nosotros queríamos darle una bofetada a todo el mundo con esta canción. Me encanta cómo arranca ‘Nihilist’, ha salido justo como queríamos. Sí, somos una banda cabreada con el mundo y somos una banda que quiere cambios”. ¿Crees que hablar sobre los problemas que tenemos ahora mismo en el mundo puede ayudar a enviar un mensaje a los fans y ayudar a concienciarlos? Sé que todos en la banda sois veganos y sois bastante activos en temas ecologistas. ¿Queréis volcar todo eso en las letras? “Sí, creo que es importante hablar sobre ello. El planeta tiene muchos problemas ambientales y muchos de nuestros fans están al tanto de ello, otros quizás no tanto, y por ello queremos usar esta plataforma para discutir estos temas. Somos apasionados, estamos hambrientos de cambio y creo que escribir letras sobre ello es lo que se nos da bien. No hablamos mucho del tema de ser veganos porque no todos nuestros seguidores se pueden sentir identificados, pero es un hecho que el comer carne y todos sus efectos son una de las causas que más contribuyen a la polución en el planeta. Preferimos discutir cosas con las que todos nos
“QUIERO SER EL MEJOR VOCALISTA DE METAL QUE PUEDA SER, Y DE MOMENTO GRITAR ES LO QUE ME DIVIERTE, ASÍ QUE SEGUIREMOS GRITANDO EN LOS DISCOS (RISAS)”
SAM CARTER
podemos sentir identificados: asuntos sociales, el cambio climático, los gobiernos... Es esa pasión la que queremos mostrar en nuestras letras, es lo que vivimos”. Antes hablábamos de la primera canción del álbum, ahora hablemos de la última. ‘Memento Mori’ son 8 minutos para cerrar el disco... ¿Ya teníais esta idea de componer una pieza tan larga o surgió así en el estudio mientras ibais trabajando en ella? “En realidad es la canción más larga de Architects hasta la fecha. Tom me envío la canción un par de
meses antes de entrar al estudio y le puse letra, pero me dejé llevar y no me di cuenta de que era tan larga. Originalmente duraba unos 10 minutos, pero la dejamos en 8. Tom me preguntó que por qué la había alargado tanto y lo cierto es que no me di cuenta hasta que la escuché entera. La dejamos así porque la sentíamos bien, no nos preocupaba hacer una canción tan larga, y para mí es como si durase sólo 3 minutos. Architects siempre hemos sido una banda que hemos querido presionarnos para mejorar, para progresar en nuestro sonido, y en canciones así es donde se nota esa evolución. Siempre hemos querido darnos
libertad creativa. Por supuesto que queremos darle a la gente lo que quiere escuchar, pero además de ser Architects, también queremos probar cosas nuevas. Siempre al final de los álbumes queremos probar cosas distintas, como en ‘Distant Blue’ del disco anterior, en Hollow Crown la canción que le dio título al álbum, en Daybreaker tuvimos ‘Unbeliever’... Siempre tenemos claro que queremos cerrar los discos con la canción más interesante, no con algo genérico. Creo que esta vez hemos hecho un gran trabajo”. Es genial cuando la canción parece acabar a los 5 minu45
tos y luego vienen otros 3 minutos frenéticos. También es genial acabarla con la voz en off que dice “Memento mori, reminder of death”. ¿De dónde habéis sacado ese pasaje? “Sí, es de un gran filósofo llamado Alan Watts que desgraciadamente ya ha fallecido. Muchas de las cosas que dijo han tenido un impacto dramático en este disco y en nuestras vidas. Tom fue quien encontró la frase en un libro y durante mucho tiempo no pudimos conseguir la licencia para poder usarla sin problemas. Al final nos vimos en la situación de que le dijimos al sello que si no podíamos incluir la frase al final de la canción, ‘Memento Mori’ se quedaría fuera del disco. Finalmente pudieron contactar con el hijo de Alan Watss y éste accedió gustosamente a que usásemos la frase en la canción. Quería que el legado de su padre continuase, y para nosotros fue una gran sorpresa porque él también conectaba con el mensaje que nosotros queríamos transmitir”. Luego tienes el riff inicial de ‘Phantom Fear’, que lo hace todo en la canción. Me sorprende que muchas canciones de este álbum estén guiadas más por riffs que por las líneas vocales. ¿Es el disco más guitarrero de Architects? “Me sorprende que lo digas, porque el riff de esa canción es mi riff favorito de Architects. Creo que es en el primer disco de Architects donde tenemos esos riffs enormes y consistentes, esos que marcan. Canciones como ‘Phantom Fear’ o ‘A Match Made In Heaven’, donde Tom se lo 46
ha currado bastante. Yo no soy guitarrista, no soy técnico, y sé que son grandes riffs. Tom me ha hecho la vida más difícil en este álbum, porque he tenido que componer letras realmente interesantes para equipararlas a lo que hace él en los riffs (risas). No puedes decir cualquier chorrada con un riff así. Cada vez que la ensayamos me vuela los sesos. Por fin puedo decir que algo nuestro me encanta, porque yo no escribí ese riff... si dijese que me gusta uno de nuestros coros o las voces quedaría pedante, pero de ese riff sí puedo decir que me encanta (risas)”. Ya que hablamos de las voces... Hay bandas que durante años han utilizado los growls y los gritos como su marca personal, pero que con el tiempo han ido cambiando en este apartado. Ahí tienes a Trivium, o quizás un ejemplo más cercano sean Bring Me The Horizon. De momento no ha pasado con Architects, ¿pero ves un futuro donde por un motivo u otro dejes de gritar para meter más voces limpias? “Nosotros siempre hemos tenido alguna que otra línea melódica en los discos, algunas partes donde realmente he cantado y no gritado, pero no sería Architects si toda la canción fuese con voces limpias. Me gusta que seamos una banda pesada, me encanta gritar, pero entiendo lo que dices. Muchas veces gritar todo el tiempo puede resultar aburrido, por eso me desafío a mí mismo a ver cómo puedo hacer que mi voz suene diferente, en qué puedo cambiar sin dejar de gritar. Me encanta esto de
ser vocalista. Voy cambiando tonos pero sigo gritando, y eso se nota en All Our Gods Have Abandoned Us. Quiero ser el mejor vocalista de metal que pueda ser, y de momento gritar es lo que me divierte, así que seguiremos gritando en los discos (risas)”. En el disco aparece una canción realmente lenta pero conmovedora, ‘All Love Is Lost’, y me preguntaba si las letras del álbum están basadas en vuestras experiencias personales o son pura ficción en la mayoría de los casos. “Esa canción en particular trata sobre estar atrapado en una rutina y tirar la toalla, rendirte, pero muchas letras de este disco están basadas en cosas que de verdad han pasado. Por ejemplo, ‘A Match Made In Heaven’ habla sobre Tony Blair y George Bush... Cada canción en este disco tiene su significado personal. Pero entiendo lo que dices. ‘All Love Is Lost’ es técnicamente la canción más lenta del disco, pero es bastante pesada en lo que dice, es lenta en cuanto a sonido pero las letras son muy hirientes. Ya con un título así te lo puedes imaginar”. El disco fue grabado en Göteborg. Esa zona es más conocida por exportar death metal, aunque ahora casi todo el mundo graba allí. Mucha gente se preguntaba por qué no habíais creado este nuevo álbum en Inglaterra... ¿Qué os motivó a volver a Suecia? “En el pasado habíamos perdido mucho tiempo intentando que el álbum sonara bien, me refiero a cuando
“LA DROGA ES ALGO QUE SIEMPRE ESTÁ ALLÍ Y CREO QUE SIEMPRE ESTARÁ, PERO MUCHOS DE NOSOTROS PREFERIMOS CENTRARNOS EN LA MÚSICA: ÉSA ES NUESTRA DROGA. NO QUEREMOS PERDER EL TIEMPO CAYENDO POR ESE AGUJERO”
SAM CARTER
“SOMOS UNA BANDA CABREADA CON EL MUNDO Y SOMOS UNA BANDA QUE QUIERE CAMBIOS”
SAM CARTER
hemos grabado en otros estudios. El trabajo anterior, Lost Forever // Lost Together, ya lo grabamos en Suecia, y como sabían todo nuestro background y cómo queríamos sonar, decidimos volver. También sabíamos que ningún estudio en el Reino Unido iba a hacernos sonar como lo hacen en Suecia. Como dices, mucho del metal europeo ha salido de allí. Yo personalmente amo los discos de At The Gates, In Flames o Behemoth que se han grabado allí. Queríamos esa producción grandiosa que tienen las bandas de metal suecas. Ellos se esfuerzan tanto en la producción como nosotros en la composición,
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así que somos un gran equipo”. Los fans del grupo aman el merch de la banda, es normal con esos diseños, pero ha llegado a un punto en el que en este género parece que se venden más camisetas que discos. Hay grupos cuyos principales ingresos en las giras ya provienen del merchandising. ¿Vosotros cómo lo veis? ¿Se nota en una banda como Architects? “Sí que lo vemos, pero principalmente pasa con las bandas jóvenes. Cuando estás empezando en este
género lo más normal es que vendas una camiseta antes que un disco, pero por ejemplo para nosotros ahora el tema está en los vinilos. El regreso de este formato nos ha beneficiado hasta el punto en que lo que más vendemos hoy en día son vinilos. Aun así, es cierto que en general lo que más se vende es merchandising, pero es la manera de seguir adelante en una gira. Depende de cuántas camisetas vendas la noche anterior para poder llegar a tocar en la siguiente sala”. ¿Eres coleccionista de vinilos? ¿Cuáles son tus piezas más
preciadas? “Sí, realmente me estoy gastando mucho dinero en vinilos últimamente. Justamente ahora he recibido un vinilo de Tool que me encanta, y he pedido el nuevo de Blink-182. Soy nuevo en esto, llevo un año coleccionando vinilos, pero es algo que engancha. Mis piezas más preciadas son Lateralus de Tool, To Pimp A Butterfly de Kendrick Lamar y The Earth Is Not A Cold Dead Place de Explosions In The Sky. Todas ellas vienen con carpeta doble, que es como me gustan”. También quería que me die-
ses una visión más íntima y desde dentro de cierto aspecto del negocio... Es bien sabido que muchas bandas, para aguantar tanto ritmo frenético de giras y grabaciones, recurren a las drogas. Ahí tienes a Oli Sykes de Bring Me The Horizon, que no hace mucho se confesó adicto a la ketamina y estuvo en rehabilitación... ¿En vuestro mundillo, es algo que veas mucho? “No lo veo mucho, porque normalmente no salimos de gira con bandas que hacen ese tipo de cosas. Es algo que siempre está allí y creo que siempre estará, pero muchos de nosotros preferimos centrarnos en la música: ésa es nuestra droga. No queremos perder el tiempo cayendo por ese agujero. Es algo que siempre está allí, lo sabemos, pero lo ignoramos. Nos importa más llegar al siguiente show de buena manera, no queremos ser esa banda que la caga con ese tipo de cosas que acaban llegando hasta los fans”. Y sinceramente, ¿ha habido algún momento de tu vida en el que no quisieras ser músico, un momento en el cual quisieras tener un trabajo normal o en el que dudaste si querías seguir formando parte de Architects? “No, nunca he dudado. Siempre he querido ser músico, y en ese aspecto nunca he tenido ningún momento de debilidad en el cual haya pensado en dejarlo, nunca me he rendido hasta alcanzar lo que tenemos aho-
ra. Creo que justamente por eso seguimos en la banda. Ahora que hemos conseguido establecernos con un nombre es cuando nos damos cuenta de lo afortunados que somos. Sabemos lo difícil que es llegar hasta aquí, nada nos ha venido regalado, y lo estamos disfrutando de manera consciente. Aprecio cada momento, cada concierto y cada fan... No lo cambiaría por nada del mundo. Espero que podamos hacer esto hasta que no tengamos fuerzas”. El tour empieza en menos de una semana, y aunque en Europa de momento sólo vais a tocar en festivales, ya hay una extensa gira planeada por Estados Unidos. ¿Os podremos ver por el sur de Europa? “Sí, sí que ya lo tenemos todo planeado, pero no es algo que podamos revelar, al menos no hasta que terminemos de tocar en los festivales de verano. No os preocupéis que volveremos a España. Te puedo asegurar que dos de nuestros shows favoritos de la última gira fueron Madrid y Barcelona, especialmente Barcelona porque allí tenemos muchísimos fans. Nos impresiona lo alto que cantan los fans en nuestros shows españoles. De todas maneras, en esta gira queremos hacer como un mini tour español y tocar en más sitios donde las otras bandas normalmente no van. No sé si Bilbao y alguna otra ciudad... estaría bien. También nos encanta el Resurrection Fest, no nos importaría volver”.
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DARK FUNERAL
LOS SECRETOS DE LA MAGIA NEGRA
NO SE PUEDE NEGAR QUE, PARA LA PARROQUIA EXTREMA, EL NUEVO TRABAJO DE DARK FUNERAL ES UNO DE LOS MÁS ESPERADOS DEL AÑO. TRAS DEGUSTARLO PODEMOS ASEGURAR QUE ES COMPLICADO QUE WHERE SHADOWS FOREVER REIGN DECEPCIONE A SUS ACÓLITOS, Y ES QUE LORD AHRIMAN PARECE QUE POR FIN HA SABIDO RECONDUCIR SUS DEMONIOS HACIA SU ÚNICA RAZÓN DE SER: EL BLACK METAL. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR O SE PODÍA permitir que Dark Funeral fueran dando tumbos por la escena, relegados a un segundo plano que a muchos nos escocía reconocer, muchas veces ninguneados en los festivales por debajo de cualquier otra banda clásica, o incluso de más tardía eclosión, como Watain. A los que les seguíamos desde los 90 nos dolía en el alma, mancillada por obras fundamentales como The Secrets Of The Black Arts (1996) o Vobiscum Satanas (1998), y algo de eso también debía remover la conciencia de su indiscutible cabecilla Lord Ahriman, guitarrista, compositor y único miembro fundador que queda en el grupo… y sobre la faz de la tierra, dado que Blackmoon falleció hace tres años. Con el anuncio del lanzamiento de Where Shadows Forever Reign (Century Media) para el próximo 3 de junio, volvió la esperanza. No sé explicarlo, pero sabía que sería un gran álbum, se mascaba en el ambiente, podía leerse en las estrellas. Empezando por otra obra de arte en forma de portada como sólo Necrolord podía crear, todo parecía indicar que la irregularidad sobre las tablas dejaría de ir ligada a Dark Funeral, que volvíamos a estar ante los tiranos que reinaron sobre el black melódico, que su logo volvería a abanderar los mayores eventos, y lo más importante, que la banda se sacudiría de encima el fantasma de sus álbumes más célebres para
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entregar lo mejor que pueda ofrecer en 2016. Como suele ocurrir, finalizar con el baile de miembros es el mejor bálsamo, y así, con Chaq Mol a la otra guitarra, el letal Dominator a la batería y el nuevo vocalista Heljarmadr intentando hacer olvidar al gran Emperor Magus Caligula, Lord Ahriman ha conseguido asentar de nuevo al grupo y componer una serie de riffs que hielan la sangre como antaño, todos ellos cabalgando al son del despiadado ritmo que siempre le han imprimido a sus canciones. Y es que, sí: en su sexto disco, Dark Funeral suenan inspirados y conservadores al mismo tiempo. Si todavía albergas dudas hacia su retorno tras tan largo silencio, enchúfate el single ‘Where Shadows Forever Reign’ y el secreto te será revelado: The Ineffable Kings Of Swedish Black Metal han vuelto por fin. Siete años sin publicar un álbum es un montón, pero con Where Shadows Forever Reign habéis obtenido la mayor atención por parte de medios y público en mucho tiempo… ¿Cómo estás viviendo la vuelta de la banda tras un silencio tan prolongado? LORD AHRIMAN “Bueno, no creo que podamos hablar de un silencio como tal, pero sí el mayor tiempo que nos hayamos tomado. Estuvimos girando con shows importantes en clubes, giramos tanto como pudimos desde
que sacamos el último álbum. Tuvimos un tour por Estados Unidos, fuimos a Asia, y eso nos mantuvo ocupados hasta 2012. Entonces nos pusimos a buscar un vocalista, y este tiempo hemos estado grabando el nuevo disco. Hemos tenido que ensayar, hemos tenido algunas apariciones en festivales para reencontrarnos nosotros mismos con el nuevo cantante, necesitábamos crear la química con él de cara a la grabación… Así que estuvimos buscando al tío indicado, pero mientras tanto estuvimos haciendo cosas durante todo el tiempo. La intención nunca fue que se tratara de un parón muy largo”. Un cambio de miembro siempre es un problema, pero que encima se trate de una pieza importante como el cantante es peor… Si además ese vocalista se llama Emperor Magus Caligula, la cosa se convierte en una auténtica prueba de fuego, ¿no? “Sí, claro, todo el mundo debe mentalizarse de que hemos perdido a Caligula para siempre, por desgracia tuvo que dejar la banda, y por supuesto que le echo de menos, pero bueno… está fuera del grupo y para mí es honesto que se marchara, no habría tenido sentido que se quedara. Uno debe resignarse. Por supuesto entendí sus razones por encima de las críticas que pueden surgir cuando un vocalista lo deja, y sigo echando de menos a 51
Caligula, pero debemos pensar en nosotros, en hacer lo que uno sienta por sí mismo, en tratar de hacer el mejor trabajo que puedas realizar. Creo que con el nuevo vocalista somos más fuertes hoy en día. Hemos encontrado a un cantante absolutamente fantástico, creo que ha realizado un trabajo impresionante en el nuevo disco. No estoy preocupado por lo que pueda decir la gente sobre su entrada en el grupo. Cómo de bueno es que la gente eche de menos a Caligula… Él debería ser añorado, pero al mismo tiempo opino que el público va a aceptar al nuevo vocalista y que le va a dar una buena oportunidad. Les gustará lo que ha hecho en esta nueva obra, no estoy muy preocupado por eso”. ¿Cómo descubriste a Heljarmadr? ¿Por qué decidiste ficharlo como nuevo frontman de Dark Funeral? “Le conocí por primera vez cuando tocó con su banda Grá en nuestro show de 20 aniversario de hace un par de años. Después de ese concierto me contactó porque sabía que estábamos buscando a un nuevo vocalista, y me dijo ‘soy un buen cantante y sé que podría hacerlo, ¿qué te parece?’. En ese momento estábamos abiertos a propuestas y me pareció interesante, así que decidimos probarle trabajando un par de temas. Se vino y por su rango sonaba extremadamente bien. Con sólo un par de ocasiones, en honor a la verdad debo decir que vi a un gran tipo, a un músico muy profesional que podía hacerlo muy bien. Por supuesto podía perfeccionarse, no tenía dudas acerca de eso, pero fue viniendo a cantar el repertorio que le fuimos dando hasta que hubo que decirle si sí o si no, y fue que sí. Entró en la banda y 52
puso todo de su parte, y eso es todo. Algo se torna natural cuando ves que fluye la química entre el grupo, así que ya es uno de nosotros y ahora somos más fuertes de lo que nunca fuimos”. Nachtgarm cantó durante un par de años y luego dejó el grupo… ¿Qué pasó exactamente con él? “Oh, bueno, supongo que vivíamos en mundos distintos… No hay mucho más que decir”. Ah, OK… Mucha gente está interpretando la portada de Necrolord para Where Shadows Forever Reign como un homenaje a vuestro primer álbum, The Secrets Of The Black Arts. ¿Existe una voluntad real? ¿Interpretas el disco como un nuevo inicio, pero volviendo a las raíces? “No, no, no teníamos ni idea del trabajo que estaba realizando Necrolord. Verás… Decidimos volver a trabajar juntos, y entonces él nos preguntó acerca de escuchar las nuevas canciones que estábamos preparando para mentalizarse. Quería sentir la influencia de nuestra nueva música para compartir una misma visión sobre ello. Entonces le fuimos proviniendo de demos, música, letras y algunos textos adicionales que giraban en torno a eso, y él pensó en la oscuridad de todo aquello. Se movió influenciado por la música, como ya hizo con nosotros la primera vez. Capturó la atmósfera del disco como esa vez, y de hecho Necrolord tampoco tenía ni idea de nuestro trabajo final, de las canciones principales y cosas así. Supongo que nos completamos extremadamente bien. Entiendo que la gente pueda
pensar en esa primera vez, pero todo ha sido creado escuchando las nuevas canciones”. Yendo ya hacia la música en sí, para mí el nuevo disco es probablemente vuestra mejor obra desde Diabolis Interium. Cada riff suena realmente inspirado, cada canción parece conectada a vuestra tradición pero, al mismo tiempo, no parecen una reiteración de vuestros antiguos trabajos… ¿Opinas lo mismo? “Sí, pienso que hemos completado un nuevo enfoque con este disco. Me he centrado en la música, son más importantes los flujos que han establecido nuevas texturas. (Suspira –ndr.) Traté de convencerme a mí mismo de que no fuera un puñado de canciones yendo hacia lo mismo, en dejarlas ser lo que tuvieran que ser, y por eso es quizás el álbum más diferente que hagamos hecho antes. Visto eso, pusimos en marcha otra forma de practicarlas, pues una cosa importante de este álbum es que pudimos trabajarlo mucho juntos, los dos guitarras y la batería, y por eso se nota más elaborado”. ¿Cuándo empezaste a crear el disco? “Es como si un nuevo álbum te hablara… Empecé a componer hace tres años. Tras atravesar un periodo oscuro, mi mente fluía y me sentía muy inspirado. Tuve más posibilidades de centrarme en componer el disco, todo ocurría por un motivo aparente para mí. Gracias a eso busqué centrarme en escribir de la forma en que lo hice. Compuse sin pausa, agoté la inspiración dejándola fluir, totalmente centrado en ello. Era necesario que no
“CREO QUE CON EL NUEVO VOCALISTA SOMOS MÁS FUERTES HOY EN DÍA. HEMOS ENCONTRADO A UN CANTANTE ABSOLUTAMENTE FANTÁSTICO”
LORD AHRIMAN
“HE CRECIDO ENTERAMENTE CON DARK FUNERAL, ES MI VIDA, DONDE HE PASADO MI MAYOR TIEMPO” LORD AHRIMAN malgastara ese tiempo, y el hecho de que no tuviéramos fecha de entrega creo que fue muy importante para que me olvidara de cualquier cosa que sucediera a mi alrededor, para que me focalizara enteramente en escribir”. ¿Pueden los demás miembros crear canciones o arreglos o ésa es una parcela que sólo te compete a ti? “No lo sé, pero en este nuevo disco todo está escrito por mí. Dominator puede buscar intros para las canciones o los arreglos para ellas, es bueno en esas cosas, pero todas las guitarras las he compuesto yo. Además trabajo todas las canciones con baterías programadas y, ya sabes… Los arreglos generales, las facetas de Dominator vienen dadas por demos de mi programa”. En la nota de prensa Century Media expone una cita tuya
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que dice así: “Éste es de largo nuestro álbum más profesional, técnico, dinámico y épico”. Escuchando ‘Unchain My Soul’, ‘As One We Shall Conquer’ o ‘Where Shadows Forever Reign’ puedo entender que hables de dinámica y épica, ¿pero por qué lo demás? ¿Fue muy diferente grabar este álbum en comparación con los demás? “Pues sí. Una cosa que hicimos algo diferente para este disco fue preparar el álbum entero como no habíamos hecho antes. Entonces, la mayor parte de las canciones o los arreglos de guitarra o voz fueron realizados con preproducción, en demos que hicimos antes de ir al estudio para ensayar todos esos elementos. Eso nos fue realmente bien. Luego por supuesto en el estudio aprovechamos para mejorar cosas que surgían, consumiendo el 100% de lo que nos ofrecía. Dentro del estudio también
hicimos nuestra mejor actuación, y eso se refleja muy bien”. ‘As I Ascend’ bien podría ser la nueva ‘My Funeral’ de este trabajo… Un tema ambiental, un medio tiempo que sirve para nivelar el resto de canciones, y ‘Temple Of Ahriman’ sigue esa línea también. Con el paso de los años, temas así también se han vuelto una de vuestras señas de identidad, ¿verdad? “Sí, he tratado de componer nuevas cosas a la hora de aportar otros gustos para las canciones, sumar ese tipo de elementos. He encontrado una forma de darle la vuelta a los riffs de las canciones, e ir hacia abajo, hacia el sentimiento del medio tiempo. Pienso que aunque estés haciendo black metal, la composición de canciones debe servir para mejorar uno mismo, y que es más inspirador cuando buscas cosas distin-
tas, canciones rápidas, más lentas, ir hacia lo que necesite el tema. Creo que he hallado un buen equilibrio con este tipo de canciones”. ¿Qué me puedes contar de las nuevas letras? ¿Las has escrito con el nuevo cantante, lo ha hecho él…? “Sí… Bueno, cuando escribo la música a veces también realizo el concepto lírico de la canción o los arreglos de voz. Entonces, cuando escribí el disco creí que la música y la letra debían ser muy singulares para este álbum. Volví a trabajar muy duro y después Heljarmadr hizo lo propio con un trabajo estupendo”. Últimamente estáis tocando entero vuestro primer EP del 94 en directo. ¿Se trata de un caso aislado o estáis pensando en extender esta práctica al resto de vuestra discografía clásica? “Hemos recuperado esas canciones sólo para shows especiales, donde el ambiente sea el idóneo y acompañe. Muchas de esas canciones siguen una filosofía, hay un concepto detrás de ‘Diabolis Interium’ y temas así… Entonces, eso sólo va a ser cuando encontremos el momento adecuado, la mejor forma. A mí personalmente me gusta tocar eso más allá del setlist normal, ahondar un poco más en nuestro catálogo… Pero como decía, se ha tratado de ocasiones muy especiales, cuando lo hemos hecho”. Supongo que tras los mejores festivales veraniegos en Europa vendrá la gira mundial… ¿Puedes avanzarnos algo ya? “Todo eso se está planeando y no puedo decir nada al respecto, por el momento no puedo comentar nada”. El grupo se fundó hace 23 años, y tú tienes unos 43 ó 44… Llegados a este punto, ¿es Dark Funeral más que una banda para ti? “Sí, he crecido enteramente con ella, es mi vida, donde he pasado mi mayor tiempo, es mucho más que una banda… Supongo que es más que música, es mi razón de vivir”.
BLAZE OUT
PROMESAS CUMPLIDAS
SEA CUAL SEA TU ESTILO FAVORITO DENTRO DEL METAL, ES MÁS QUE PROBABLE QUE ENCUENTRES ALGO QUE TE ATRAPE DE LA MÚSICA DE BLAZE OUT. EN SU SEGUNDO DISCO, BACKLASH, LOS CATALANES VUELVEN A UNIR PASADO Y FUTURO EN UN PRESENTE BRILLANTE. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR
UANDO HACE TRES años los barceloneses Blaze Out publicaron su primer álbum Headshot, sorprendieron por su capacidad para conjuntar influencias clásicas y modernas con total naturalidad. Sus canciones tanto podían convencer al metalero que acude sólo a ver a los grupos de toda la vida por sus guitarras melódicas y estribillos hard rockeros, como a los nuevos fans que están a la caza de las últimas novedades por su base groove y breakdowns. Después de girar por todo el país y estrenarse en el Resurrection Fest, donde ofrecieron un show con repertorio propio y otro de versiones de Maiden y Metallica, Gerard Rigau (voz, guitarra), Carles Comas (bajo), David Lleonart (guitarra) y Rafa Weber (batería) se enfrentaban al reto de confirmar todas las buenas sensaciones que habían conseguido. Y lo han hecho, vaya si lo han hecho... Backlash (Blood Fire Death) presenta una versión mejorada del anterior con canciones más memorables, mayor técnica y un sonido más potente. El propio Gerard nos cuenta cómo han llegado hasta aquí.
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Backlash me ha parecido un gran paso adelante respecto a Headshot. ¿Ha sido una simple consecuencia de llevar más tiempo y tener más experiencia o ha habido un esfuerzo extra por vuestra parte para hacer un mejor disco? GERARD RIGAU “La principal dife-
rencia respecto a Headshot es el hecho de haber podido componer los cuatro miembros desde cero cada una de las canciones. En el primer álbum Rafa se encontró con un disco que estaba ya grabado donde sólo faltaban las baterías, y si le sumamos el factor de que en tres años hemos aprendido todos tanto a nivel técnico como musical, pues supongo que todo suma para crear mejores temas”. Supongo que cuando uno empieza un álbum nuevo tiene en la cabeza algunos referentes o estándares de calidad a los que aspiraría llegar... ¿Cuáles eran esos discos en el caso de Backlash? “Carles y yo teníamos muy claro qué color de disco queríamos. Tengo gustos musicales muy parecidos con él y ponerlo en común con los chicos fue fácil. Los discos referentes en cuanto a sonido son un equilibrio entre la claridad y la definición del último disco de Darkest Hour, con la potencia y el bajo presente de Awakened de As I Lay Dying, y el tono y color crudo que tienen los discos de Tremonti o Alter Bridge”. Suele destacarse de vosotros la gracia que tenéis para combinar aspectos del metal más tradicional con el más moderno. ¿Crees que ésa es vuestra principal seña de identidad? “Sinceramente sí. Es uno de nuestros rasgos más claros al escuchar cualquie-
ra de nuestros temas. Nos gusta hacer canciones dinámicas donde cada parte de la canción sea la protagonista, no somos muy fans de crear ritmos repetitivos y casi siempre habrá cambios en cada vuelta que hagamos de un mismo riff”. Sois una banda nacida en pleno siglo XXI, por lo tanto no podéis lamentaros, como hacen grupos más veteranos, de cómo eran las cosas antes de internet porque no lo habéis vivido. ¿Cuál crees que es la mayor ventaja del paradigma actual? “La facilidad con la que puedes llegar a cada rincón. Puedes descubrir bandazas de pueblos perdidos de España tanto como puedes escucharte el último disco de Lamb Of God. Ahora mismo todo el mundo puede tener diseños gráficos acojonantes, webs curradísimas, merchandising de calidad con estampados alucinantes, pero creo que hoy en día lo que realmente te hace destacar es la capacidad de transmitir en directo, sudar la tinta de las letras en el escenario y conseguir ser ese estímulo que ponga la puta piel de gallina o te haga meterte en ese pogo del cual sabes que no saldrás vivo”. Supongo que es justo decir que Megadeth es una de vuestras principales influencias... Tengo curiosidad por saber qué piensas del grupo en la actualidad y si prefieres el mo-
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delo de una banda como Metallica, que apenas ha cambiado de componentes, o crees que creativamente es mejor el modelo Megadeth, que va cambiando de formación y da entrada a nuevas influencias. “La verdad es que Megadeth nunca han sido una influencia clara para nosotros, aunque cueste de creer. Nos gustan muchos de sus temas, pero es pura coincidencia el parecido que se le encuentra a nuestros discos. Siempre seremos partidarios de tener un modelo más como Metallica, con cuatro cabezas juntas trabajando. Consideramos que cuanto más conoces a alguien más vínculo musical se crea y ese lazo se hace más estrecho, con lo cual puedes llegar a hacer cosas más interesantes. El modelo de Megadeth nos parece perfecto para su música, ya que al no tener ese vínculo, al menos tiene la dinámica que le aporta cambiar de instrumentistas en cada disco”. A pesar de vuestra juventud, tenéis un nivel técnico envidiable. ¿Podéis calcular las horas que habéis pasado practicando con vuestro instrumento? ¿Afectó a vuestro rendimiento escolar? Me imagino a vuestros padres diciendo ‘niño deja de tocar y estudia’... “Aquí sólo puedo hablar por mí, aunque sé del cierto que todos son unos yonquis de la música y se han pasado mil horas tocando. Sobre todo lo sé de Carles, a quien conozco de siempre ya que somos como Zipi y Zape desde los 3 años. Yo tuve muchos problemas de rendimiento escolar gracias a, que no por culpa de, la guitarra. Personalmente tengo un problema con el cálculo del paso de los minutos cuando 58
tengo una guitarra en las manos, y la frase ‘una vez más y a la cama’ era el monólogo de cada noche. Noches enteras tocando y componiendo desde los 17 supongo que acaban dando sus frutos, aunque considero que realmente soy un guitarrista del montón con la de bestias pardas que hay en cada esquina hoy en día”. También es destacable que Carles y tú os hayáis ocupado de la producción del disco. ¿Cuándo os empezasteis a interesar en este aspecto y cómo aprendisteis? “Carles y yo empezamos estudiando ingeniería y a los dos años entramos a grabar nuestro primer EP, y nos enamoramos literalmente de lo que era ser productor musical. Así que lo dejamos
todo y nos pusimos manos a la obra, estudiamos dos ingenierías relacionadas con el sonido y la grabación en estudio y junto a un año y medio de prácticas en La Atlántida Estudio, donde hemos mezclado nuestros dos álbumes, decidimos abrir nuestro propio estudio hace ya dos años”. ‘Men Of Mayhem’ está inspirada en la serie Sons Of Anarchy. ¿Sois muy serieadictos? ¿Qué os llamó la atención de Sons Of Anarchy por encima de otras series? “Bastante, la verdad, los cuatro somos unos viciados de muchas series, pero Sons Of Anarchy sin duda alguna nos marcó mucho a todos. La capacidad de liderazgo que tiene Jax Teller y los giros que da la serie
Lucha, ‘Age Of The Waste’, aunque no esté basada directamente en una serie o película, recuerda un poco al panorama de The Walking Dead, que también es una serie que seguimos mucho. ‘The Wolf And The Serpent’ trata de una batalla vikinga con contenido mitológico, pero la idea de hacer esa canción salió de la serie Vikings, así que, como puedes ver, nos metemos algunas series directamente en vena”.
durante toda la trama es lo que realmente nos enganchó. Si a eso le sumas que la temática, la banda sonora, los personajes y las Harley Davidson nos flipan… Tenía que caer un tema por narices”. ¿Hay algún otro corte que haya estado inspirado directamente, no por una serie, pero quizá por un libro, una película...? ¿De dónde os suele venir la inspiración para escribir las letras? “De hecho, es una de nuestras grandes fuentes de inspiración. Sólo en este disco hay muchas canciones inspiradas directamente en películas y series. ‘Wrath Afire’ está muy inspirada por The Punisher, ‘Fist Goes First’ en películas como El Club De La
Habéis dado algún concierto haciendo versiones de Metallica y Iron Maiden. Mucha gente no soporta a los grupos tributo o les da rabia que éstos metan más gente que bandas con material propio... ¿Cuál es tu opinión al respecto? “Pues la verdad es que nosotros vemos que el problema no es de las bandas que hacen este tipo de conciertos, sino de los promotores que pagan mejor a unas bandas que otras por tocar versiones en vez de temas propios. Nosotros sólo hacemos este tipo de conciertos cuando es algo que realmente nos merezca la pena. Hemos hecho ese concierto en dos ocasiones solamente, una en el Resurrection Fest y otra en Madrid para poder cubrir el concierto del día anterior en la misma capital. Así que si tenemos ese recurso para poder aprovecharlo, es otra carta disponible, y tener más opciones nunca es mala idea, aunque no nos sintamos igual de cómodos en este tipo de eventos, ya que no transmitimos lo mismo que con nuestro repertorio propio”.
“YO TUVE MUCHOS PROBLEMAS DE RENDIMIENTO ESCOLAR GRACIAS A, QUE NO POR CULPA DE, LA GUITARRA”
GERARD RIGAU demasiado los tributos, pero creo que son un síntoma de que quizá a los grupos de aquí les falta escribir mejores canciones, entendiendo por eso, A, canciones con las que la gente pueda conectar emocionalmente y, B, canciones que sean pegadizas y sean divertidas de cantar y escuchar en un concierto. ¿Estarías de acuerdo? “Pues sí y no. La mayoría de gente que he visto que son totalmente contrarios a las bandas tributo son gente a la que no les va todo lo bien que les gustaría, pero creo que lo de hacer canciones pegadizas sí que lo tiene este país. Tenemos una escena increíble que se vale por sí sola, sólo que en según qué ciudades no acompaña del todo el que el público no asista a los eventos de dichas bandas y que no tengan tanta popularidad. Yo mismo me declaro un fan absoluto de muchas bandas nacionales y voy a todos los conciertos que puedo. Poder disfrutar de esos temas en primera, segunda fila, sin agobios, es otra filosofía que tiene un rollo mucho más cercano”.
Personalmente no me gustan 59
SAOSIN
LUCES LUCES SOMBRAS YY SOMBRAS 13 AÑOS DESPUÉS DE TENER UN GRAN IMPACTO EN LA ESCENA POST HARDCORE CON EL EP TRANSLATING THE NAME, ANTHONY GREEN HA VUELTO A SAOSIN PARA GRABAR SU PRIMER ÁLBUM CON LA BANDA. EL HIJO PRÓDIGO VUELVE A CASA CON ALONG THE SHADOW. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR
PESAR DE QUE ANTHONY GREEN ya había realizado algunos conciertos de reunión con sus excompañeros de Saosin hace un par de años, la confirmación de que iba a grabar un álbum con ellos supuso una gran noticia para los miles de seguidores que habían estado esperando este momento desde que en 2003 publicaran su alabado Translating The Name. Si con ese EP la banda de Newport Beach se situó en la primera línea de la escena post hardcore norteamericana, la súbita marcha del vocalista, quien se vio desbordado
A
por la meteórica popularidad del grupo, supuso un frenazo a su carrera. A pesar de que los discos que grabarían con Cove Reber como cantante, Saosin (2006) e In Search Of Solid Ground (2009), fueron bien recibidos, prácticamente no hubo fan que no añorara la magia que les aportaba Green. Por su lado, éste encontró el reconocimiento al frente de los progresivos Circa Survive, si bien su adicción a la heroína y el alcohol también impidieron que pudiera desarrollar todo su potencial a pesar de la multitud de proyectos en los que ha estado involucrado. 61
Fue en 2014, una vez totalmente limpio, que Green retomó el contacto con el bajista Chris Sorenson y a partir de ahí se precipitó que volviera a actuar junto a él, el guitarrista Beau Burchell y el batería Alex Rodriguez. El recién publicado Along The Shadow (Epitaph) retoma el testigo allá donde lo dejaron, mezclando metalcore agresivo con experimentos más melódicos, aunque cuesta imaginar que puedan tener el mismo impacto en las nuevas generaciones. Con el ruido de sus hijos de fondo -tiene ya tres-, charlamos extensamente sobre su retorno a la banda que le puso en el mapa, su oscuro pasado y su filosofía de vida. Después de tantos años, ¿cómo te sientes habiendo grabado por fin un disco entero con Saosin? ANTHONY GREEN “Para mí es como si hubiera cerrado un círculo. Siempre había tenido un sentimiento desagradable respecto al grupo, había algo que me molestaba, y posiblemente podríamos haber hablado de ello y solucionarlo, pero para mí haber hecho música juntos ha sido la mejor manera de procesar esos sentimientos y arreglarlo todo. Así que me siento liberado”. Cuando dejaste la banda originalmente se especuló mucho con los motivos, que si no estabas de acuerdo con que hubieran fichado por una multinacional, que si te llevabas mal con ellos… Pasado el tiempo, ¿crees que se debió básicamente a un problema de inmadurez por tu parte? “Sí, en gran parte fue así. Cuando 62
eres joven no sabes cómo comunicarte con la gente. No sabía ser responsable ni expresar mis sentimientos, así que lo que hice fue huir. Eso fue la base de todo el drama que hubo a raíz de mi marcha”. ¿Te sorprende el culto que generó Saosin en su momento con sólo un EP? “Muchísimo. Sé que hay grupos que buscan eso, pero para mí sólo se trataba de hacer la música que me gustaba. Nunca esperé que pudiésemos compartirla con tanta gente”. Siendo sincero, ¿crees que Translating The Name era tan bueno como para armar tanto revuelo? “¡No! Me encantan esas canciones y me siento genial cantándolas, pero no creo que haya nada excepcional o nuevo en ellas. Simplemente cogí lo que más me gustaba del post hardcore e intenté llevarlo a un terreno en el que pudiera cantarlo. Eso era todo, pero nunca pensé que fuera el mejor disco del mundo. Cuando hay gente que me dice que les cambió la vida, no lo entiendo. Sé que la música tiene ese poder, pero me cuesta creer que lo tuviera ese EP”. Personalmente a mí tampoco me pareció tan increíble. Puestos a elegir, de esa época me quedaría con cualquier disco de Thrice, Thursday o Glassjaw, pero tengo amigos que estaban obsesionados con ese EP. ¿Crees que el hecho de que te fueras creó una mayor mística alrededor del grupo? “No lo sé. Nunca pierdo el tiempo
pensando en por qué ocurren las cosas, simplemente agradezco el poder hacer música. Intento desprenderme de todo lo demás. Yo también prefiero escuchar a Thrice, Thursday o Coheed And Cambria. Me encantaban Cave In, me obsesionaban Engine Down... Así que me dediqué a copiar a esos grupos (risas). Como te decía antes, no había nada nuevo en el EP, pero lo pasamos muy bien haciéndolo”. La chispa que os llevó a grabar Along The Shadow fue que empezaras a colaborar con Chris para otro proyecto. ¿Cómo evolucionó eso hasta convertirse en un disco nuevo de Saosin? “Realmente no tengo ningún amigo con el que no haga música. Toda la gente que conozco son músicos y son gente con la que me gusta tocar. Con Chris hablamos de música, hacemos música, escuchamos música y he tenido un par de proyectos con su hermano que me gustan mucho. Siempre, a cualquier hora, intento hacer música, es lo que me ayuda a sentirme inspirado. Chris es uno de esos tíos con los que quieres compartir tu tiempo y crear cosas con él. Es un tío divertido. Cuando echaron a Cove o cuando él se fue, no sé muy bien lo que pasó, Chris me dijo que estaban buscando a alguien nuevo y me preguntó si podía ayudarles a encontrarlo o con la composición. Y yo le dije ‘déjame cantar a mí y veremos qué pasa’, y a partir de ahí empezó a rodar todo”. Por cierto, ¿te gustaron los dos álbumes que grabaron con Cove?
“A VECES PUEDES TOCAR CON ALGUIEN Y ES DIVERTIDO, PERO HACER UN DISCO ES OTRA COSA, ES MÁS ÍNTIMO. PERO EN ESTE CASO PUEDO DECIRTE QUE, CUANDO LLEVABA DIEZ MINUTOS DEL PRIMER CONCIERTO, SUPE QUE QUERÍA HACER MÁS COSAS CON EL GRUPO"
ANTHONY GREEN “Me encantaron. Era un gran fan. Hay algunas canciones que me gustaban más que otras, pero creo que todas eran muy buenas. Sigo siendo un gran fan de Cove y me gusta lo que ha estado haciendo en los dos últimos años. Si le sigues en Instagram podrás escuchar algo de lo que está haciendo. Es muy bueno. Creo que el grupo se llama Patriot”. Al igual que hicieron Faith No More con Mike Patton, primero empezasteis a tocar en directo de nuevo en 2014 y luego pensasteis en el disco. ¿Fue importante para vosotros a la hora de comprobar si seguía habiendo química? “Sí. Era importante ver cómo nos sentíamos y cuál era la dinámica entre nosotros, porque a veces puedes tocar con alguien y es divertido,
pero hacer un disco es otra cosa, es más íntimo. Pero en este caso puedo decirte que, cuando llevaba diez minutos del primer concierto, supe que quería hacer más cosas con el grupo. Así fue”. ¿Os intimidó la gran expectación levantada por el hecho de que fueras a grabar de nuevo con la banda? “Creo que en general nos sentíamos bastante confiados. Cuando eres joven tiendes a ser más inseguro porque no sabes muy bien lo que haces, pero como te decía al principio, nunca pensamos en convertir a Saosin en la banda más grande del mundo, simplemente queríamos hacer música que nos gustara. Y esta vez no fue muy distinto. Quizá había más presión, pero no dejamos que nos afectara. La única presión venía de den-
tro, porque quería hacer algo con la banda de lo que pudiera sentirme realmente orgulloso. Sobre todo quería que fuera auténtico. No me preocupé por si era pegadizo o por si era lo que la gente esperaba, simplemente me basé en si sentía que la melodía o la letra me emocionaba. Desde luego no pensé en ningún momento en hacer algo que pudiera sonar en la radio o ser popular. Sólo quería expresarme. A la gente que le gusta Saosin o cualquiera de mis otros proyectos creo que busca esa autenticidad. No tiene que ser música pop, puede ser más oscura o excéntrica. En ese sentido, es un privilegio contar con fans así y eso le quita la presión de tener que hacer un disco comercial. Así que no fue muy distinto a cuando he grabado cualquier otro disco”. Tanto la música como tu voz es 63
“CONOZCO A GENTE QUE ES CAPAZ DE TOMAR DROGAS Y SEGUIR FUNCIONANDO, PERO EN MI CASO LO HACÍA DE UNA MANERA MUY DESTRUCTIVA "
ANTHONY GREEN más agresiva que en Circa Survive o tus discos en solitario. ¿Tuviste que volver a aprender a cantar así o te salió de manera natural? “Todo lo que está en el álbum salió de manera natural. La música de Beau y Chris es más agresiva o más dura que la de Circa, pero también puede ser hermosa o femenina, así que me permite tener mucha libertad para cantar”. Aunque Chris produjo el disco, tus voces las ha producido Will Yip, con quien tienes una larga relación. ¿Te sentías más cómodo con Will? “Will es mi productor. Es mi George Martin. La primera vez que trabajé con él fue con mi tercer disco, Young Legs, y me encanta trabajar con él. Me resulta muy fácil escribir con él porque nos gusta la misma música y venimos de la misma escena. Es un tío muy divertido y creativo. Lo pasamos genial”.
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¿Has escuchado el disco de Nothing que ha producido? “¿El nuevo de Nothing? ¡Me encanta! No paro de escucharlo”. Algunas de las letras hablan sobre tu relación con la banda, pero supongo que no querías escribir sólo sobre eso... “Siempre escribo las letras a partir de lo que me provoca la música, pero todo el disco habla de relaciones con la gente de Saosin, con Circa, con mi familia, conmigo mismo... básicamente, siempre escribo sobre eso”. ¿Cómo logras conciliar todos estos proyectos, tu familia...? No tiene que ser fácil. “Bueno, lo más importante es que todo el mundo tiene mucha paciencia conmigo, tanta como pueden... (Risas) Y lo segundo es organizarse el tiempo. Tengo un calendario y allí
escribo los meses que voy a dedicar a cada cosa. Y si cumplo con eso, no es tan difícil. En realidad hay mucho tiempo. Hacer música es divertido, nunca hay un día en el que no quiera hacerla. Quizá algún día no me apetece subirme a un escenario, pero la parte creativa me encanta. Siempre encuentro el tiempo”. Pero si bien crear es divertido, quizá todo lo que rodea a estar en un grupo no siempre lo es, ¿verdad? “Ya, pero es que la vida no es siempre divertida. Creo que el mayor error de las personas es pensar que las cosas siempre tienen que ser de una determinada manera. Y no es así. Tienes que fluir con la vida. Tienes que aprender a estar triste o decepcionado porque las cosas no siempre saldrán como te gustaría. Creo que cuando sientes dolor es cuando puedes dar lo mejor de ti. Es lo que te hace evolucionar. En la vida tienes que cabrearte con gente,
cagarla, pasar vergüenza... y aprender de todo eso. Yo tengo a gente muy buena en mi vida que comparte esa actitud. No me gusta la gente que va de víctima porque no puede ser feliz todo el tiempo”. ¿Crees que tu periodo de adicción a las drogas fue porque no aceptabas precisamente eso? “Desde luego. Simplemente escapaba de lo que me resultaba doloroso o incómodo. Era una manera de borrarlo todo. No es buena manera de vivir. Conozco a gente que es capaz de tomar drogas y seguir funcionando, pero en mi caso lo hacía de una manera muy destructiva. Pero cada persona lidia con el dolor a su manera. Es mucho más fácil tomarte una pastilla o un medicamento para sentirte bien que aprender del dolor. Es mucho mejor sentirte bien sin la ayuda de ningún producto químico”. Por desgracia, parece que la sociedad va en la dirección contraria. La venta de antidepresivos no para de crecer, e incluso podrías decir que el consumismo incontrolado es otra forma que tiene la gente para superar el dolor. “Exacto, ya ni siquiera se trata de drogas, es internet, el consumo, las redes sociales... es de locos. Pero creo que estar cerca de la naturaleza y de ti mismo, y reconocer las cosas que no te gustan de ti mismo, en lugar de culpar siempre a los demás, es la manera de superar todo eso. Creo que hay mucha gente que empieza a darse cuenta de eso. No necesitas el alcohol o la aprobación de los demás
para ser feliz. Hay un mundo ahí fuera con el que puedes conectar de manera sincera. Si haces música, no la banalices, porque seguro que hay un público para ti. Aunque a nadie le guste, el hecho de hacerla ya marca la diferencia. Al menos es lo que me digo a mí mismo (risas)”. Siendo padre, no tiene que ser fácil proteger a tus hijos de todo esto sin convertirlos en los freaks de la clase que no tienen acceso a internet o a las redes sociales. “(Risas) En mi caso intento prestarles toda la atención que puedo. No creo que internet o un iPad sean cosas malas, pero demasiados padres lo utilizan para que los niños estén distraídos y tengan más tiempo para ellos. Muchas veces juego con mis niños, salimos fuera, nos ensuciamos, hacemos muñecos con palos... También les dejo el iPad, pero intento estar con ellos de verdad. Es lo mismo que te decía antes respecto a la música: tiene que ser algo auténtico. Tienes que hablar con ellos de verdad. Un par de días vemos películas juntos, pero las vemos juntos, no los aparco delante de la tele y me dedico a otras cosas. Es un mundo duro en el que criar niños, pero no puedes esperar que tus hijos sean felices todo el tiempo, no es realista. No pueden tener siempre lo que quieren y van a llorar y sentirse mal, pero es la única manera de prepararlos. Lo único que tienes que ser es paciente y generoso. No puedes enseñarles nada, sólo tienes que ser. Y si eres auténtico, ellos aprenderán de ti”.
gún interés por tu música? “Sí, pero no sé si lo acaban de entender. Hacemos música juntos y bailamos. Vienen siempre a mis conciertos, pero no creo que lo vean como mi trabajo (risas). Creen que es algo que hago de vez en cuando. Un día querían comprar cosas de Scooby Doo y mi mujer les dijo que no teníamos dinero. Y mi hijo mayor dijo ‘pues que papá escriba algunas canciones y así tendremos dinero’ (Risas)”. Como si fuera tan fácil... “Sí, como mucho me sacaría un par de dólares (risas)”. ¿Y cuál es la situación ahora con Circa Survive? “Los otros están componiendo y yo también, así que no me sorprendería si antes de que acabe el año grabamos un disco nuevo. Creo que lo que están haciendo es algo nuevo, lo mejor que nunca hayamos hecho”. Por desgracia nunca he podido veros en directo, pero he visto muchos vídeos y me encanta tu manera de actuar. Más que un frontman pareces un chamán, se te ve totalmente inmerso en la música... “¡Oh! Eso es lo más bonito que me han dicho nunca. Realmente es así como lo siento y me encanta que eso sea lo que transmito. Definitivamente tenemos que ir a España. Espero que, ya sea con Saosin o Circa, podamos ir allí y hablemos de nuevo”.
¿Han mostrado tus hijos al-
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THE 1975
ÉSE ES SU AÑO
A MENOS QUE VIVAS EN UNA CUEVA, ES PRÁCTICAMENTE IMPOSIBLE QUE NO HAYAS ESCUCHADO ALGÚN TEMA DE THE 1975, INCLUSO SIN SER CONSCIENTE DE ELLO. EL GRUPO DE MANCHESTER LO HA VUELTO A PETAR DESDE QUE EN FEBRERO PUBLICARAN SU SEGUNDO ÁLBUM, CONVIRTIÉNDOSE EN LOS NUEVOS REYES DEL INDIE PARA EL PÚBLICO MAINSTREAM. TEXTO: MARC LÓPEZ FOTOS: DR ESULTA DE LO MÁS contradictorio que un grupo con un nombre como The 1975 suene, en realidad, al pop rock de los 80. De hecho, también por la edad de sus componentes, Matt Healy (voz, guitarra), Adam Hann (guitarra, teclados), Ross MacDonald (bajo) y George Daniel (batería), todos ellos en la mitad de sus 20, sus influencias deberían proceder de décadas posteriores. También resulta curioso descubrir que, en sus encarnaciones previas, su estilo predilecto era el emo. Sin embargo, fue a partir de 2012 cuando practicando un indie desacomplejado con influencias funk (que a ratos les acerca a Talking Heads y otras veces a Maroon 5) y post punk (algo de lo que apenas queda rastro en su nuevo álbum) empezaron a obtener notoriedad. El grupo publicó cuatro EPs y empezó a tener fans tan célebres como Taylor Swift, con quien se especuló que Healy podría haber mantenido una relación. Chismorreos aparte, los casi 200 conciertos que el grupo realizó durante el año siguiente y el empuje de singles como ‘Sex’ y ‘Girls’ sirvieron para que su debut The 1975 fuera directo al número 1 a su salida de las listas británicas en septiembre de 2013. Con el siguiente I Like It When You Sleep, For You Are So Beautiful Yet So Unaware Of It (Universal) la historia ha vuelto a repetirse, pero ya a nivel mundial, y en estos momentos el grupo se encuentra inmerso en una gira que les llevará
R
a tocar en festivales como Glastonbury, Reading & Leeds o nuestro FIB. “Lo siento, no hablo español”, nos dice Healy en castellano cuando le cazamos al otro lado del teléfono en Viena. Por suerte, nuestro inglés es un poco mejor. Hace poco me enteré de que antes de estableceros como The 1975 erais una banda de emo y post hardcore. ¿Cuáles son tus discos emo favoritos? MATT HEALY “Mmm… Déjame pensar… El homónimo de American Football, EndSerenanding de Mineral, Something To Write Home About de The Get Up Kids y también Ideas Above Our Station de Hundred Reasons. Pero también me gustaban Explosions In The Sky y Sigur Rós, y luego Boards Of Canada y Burial, había música ambient que me gustaba mucho. ‘Losstmyhead’ era una canción que tenía para un proyecto en paralelo que era totalmente post rock... Pero luego la adaptamos para The 1975”. Supongo que habrá quien crea que hacer un tema de 7 minutos es mucho más difícil que un tema pop de 3, pero puede ser justo lo contrario. ¿Es algo de lo que te diste cuenta cuando empezaste con The 1975? “De lo que me di cuenta es que cuando menos indulgente era con la música, más disfrutaba de ella. Creo que
pasa lo mismo con la comedia. El sentido del humor es muy importante. Si eres un cómico y tienes una idea, cuantas menos palabras uses para explicarla más fuerza tendrá. Así que ir al grano, ser más minimalista, es básico. Tienes que expresar la idea o un sentimiento de la manera más directa porque así es como será más pura. Podría escribir un tema de 17 minutos sobre la muerte de mi mascota, pero es mucho más auténtico si lo expreso de manera más simple”. El nuevo disco ha sido número 1 tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos. De hecho, lo fue en 37 países distintos. ¿Significa algo para ti o pasas de estas cosas? “¡Es muy emocionante! Sobre todo porque en este caso se trata de este álbum. Cuando lo hicimos nos olvidamos de todo el éxito que habíamos tenido con el primero y nos centramos en hacer lo que sentíamos. Por eso estoy muy feliz de ver cómo ha crecido y que ha conectado con tanta gente”. Supongo que el éxito con un primer disco puede ser un arma de doble filo... Por un lado te puede dar mucha autoconfianza, pero por otro te puede entrar el pánico por tener que repetirlo. “Es posible, pero por suerte tengo un grupo de gente muy cercana a mí que me apoya. Los otros del grupo
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son mis mejores amigos y la gente que trabaja con nosotros, desde mi asistente a la persona que nos hace las luces, son amigos de hace diez, 15 años, así que todos ellos me mantienen con los pies en el suelo. No me está permitido comportarme como una estrella del rock o una diva... Así que a medida que hemos ido creciendo, siempre nos hemos sentido seguros y protegidos”. Aunque musicalmente el disco es más diverso que el primero, las letras parecen estar conectadas a las canciones del primero. ¿Fue algo intencionado? 68
“Sí, totalmente. Quería que el álbum fuera una evolución, pero también que consolidara nuestra identidad. Soy muy consciente en ese sentido. Todas las canciones saben que son canciones, por así decirlo. Me gusta que en el álbum haya referencias a quién soy. Hablo desde la perspectiva de ‘Matt Healy, la estrella del rock’. Así que quien habla en el segundo disco es la misma persona que en el primero, y eso me gusta porque la banda suena distinta”.
igual que en el debut? “Sí, exacto. Es cuestión de crear esa identidad. Es una manera de conectar con los fans que han estado ahí desde el principio. ¿Sabes cuando te metes mucho en una serie de televisión? Conoces todos los personajes y hasta los detalles más pequeños tienen un significado. Me pasó con Breaking Bad, por ejemplo. Así que quiero que nuestros fans puedan encontrar todas esas referencias que sólo entiendan ellos”.
¿Es ése el motivo por el que el trabajo se abre con un tema titulado ‘The 1975’ al
Siempre habéis tenido influencias de los 80, pero quizá en éste os habéis centrado
hacemos y que hace que se nos vea como algo fresco”. De hecho, cuando escuché ‘Love Me’ pensé en ‘Sledgehammer’ de Peter Gabriel. “Sí, fue una gran influencia en esa canción”.
en la faceta más divertida de esa década. “Sí. Cuando la gente habla de los 80 lo hace con cierta condescendencia. El revival de los 80 duró más que los propios 80 (risas). No creo que tengamos influencias de una banda determinada, sino que más bien nos inspira el que fuera una época donde el pop se regía por una libertad absoluta. Había grandes melodías, grandes sentimientos, producciones épicas... En las listas podías tener un tema como ‘I Wanna Dance With Somebody’ de Whitney Houston y uno de Peter Gabriel. El pop no tenía miedo. Y eso creo que es lo que
¿Y por qué crees que el pop ha perdido ese sentido más artístico? “Creo que el pop siempre ha sido más superficial. El grunge mató al pop durante mucho tiempo. El pop se volvió mucho más conservador con las boy bands. Todo sonaba igual. Pero para mí el pop es un concepto muy interesante. Yo he estado en grupos desde los 13 años y he hecho música alternativa, poco convencional. Sé lo que es que nadie venga a verte. Sé lo que es hacer canciones noise de 7 minutos. Pero cuando dejé todos mis miedos atrás y dejé de preocuparme por ser cool es cuando mi música empezó a conectar. Cuando haces música que te hace sentir bien y es sincera es cuando la gente responde”. ¿Crees que toda esta experiencia previa os ha ayudado a poder tocar en arenas con tranquilidad? “Sí. Sólo en los últimos tres años hemos ganado un montón de experiencia, pero no hay que olvidar los diez que llevábamos antes. Sabemos lo que hacemos. Obviamente la primera vez que toqué en una arena estaba nervioso y no sabía qué hacer. Me resultó difícil, pero es algo que tienes que hacer y aprender”.
“NO CREO QUE TENGAMOS INFLUENCIAS DE UNA BANDA DETERMINADA, SINO QUE MÁS BIEN NOS INSPIRA EL QUE LOS 80 FUERAN UNA ÉPOCA DONDE EL POP SE REGÍA POR UNA LIBERTAD ABSOLUTA”
MATT HEALY
drogas. ¿Eres realmente tan desfasado o se ha exagerado con el tema? “A la gente le gusta escribir sobre ello. Si das una entrevista de 25 minutos y hablas durante tres sobre drogas, pero luego eso ocupa el 80% de un artículo, es algo que no puedes controlar. Pero lo que no voy a hacer es mentir. Tienes que pensar que en ningún momento lo he querido vender como algo excepcional. Cuando hicimos el primer disco, los fines de semana salía con mis amigos y estaba en una pequeña ciudad y nos aburríamos. No tenía nada más sobre lo que escribir. Tienes que escribir sobre lo que conoces. Luego nos hicimos populares y la gente quería saber más sobre eso, pero yo sólo estaba siendo honesto. Y luego eso se convirtió en una historia. He tenido problemas de adicción, pero como mucha gente. Estoy bien. Creo que mi relación con las drogas es la misma que la de mucha gente del mundo occidental”. Seguramente, muchos periodistas que escriben sobre ti se drogan más que tú. “Posiblemente (risas)”.
Siempre has sido muy abierto respecto a tu consumo de 69
DISCO DEL MES
C
Magma (ROADRUNNER/WARNER) METAL
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uando el 17 de junio vea la luz Magma, el sexto álbum de Gojira, habrán transcurrido casi cuatro años exactos desde la publicación del anterior L’Enfant Sauvage. Para sus fans puede haber sido una eternidad, pero si tenemos en cuenta todo lo que han vivido los hermanos Duplantier entre medio, puede parecer hasta poco. Durante este tiempo, además de múltiples giras alrededor del planeta, Joe y Mario han sido padres, se han mudado a Nueva York, han construido un estudio de grabación con sus propias manos y, lamentablemente, también han visto como su madre fallecía. Semejante cúmulo de
GOJIRA
experiencias y sentimientos contradictorios (ilusión, alegría, tristeza, decepción...) ha quedado plasmado en un álbum con el que los franceses entran en un nuevo territorio. No debería sorprendernos. El cuarteto de Bayona siempre ha hecho gala de un espíritu aventurero que les ha llevado a beber sin miedo de influencias como el death metal técnico, el groove metal, el progresivo o el industrial. Y ha sido este atrevimiento, acompañado además por unas letras en las que plasmaban su conciencia ecológica y una sensibilidad artística poco común, lo que les ha convertido en una de las bandas más interesantes del panorama metálico del siglo XXI. Lo que sí sorprende
de Magma es cómo han conseguido concentrar todo eso y más en temas más cortos de lo habitual y encontrarnos con un Joe que en su mayor parte canta más que grita. Si en otras bandas esto podría interpretarse como una concesión a la comercialidad, no nos olvidemos de que estamos hablando de Gojira. Magma no es un disco fácil, más bien lo contrario, y no me sorprendería que algunos de sus seguidores desconectaran a partir del cuarto tema, cuando el grupo se adentra en pasajes mucho más atmosféricos de los que nos tienen acostumbrados. Pero no nos adelantemos... El disco se abre con ‘The Shooting Star’ y su riff
amenazante que anda con una marcha lenta pero imparable. Llegada la estrofa nos encontramos con lo que avanzaba antes: un Joe cantando con una voz sincopada revestida de reverb y varios efectos que le dan un aire tenebroso y místico a la vez. Por su cadencia y ambientación recuerda a Killing Joke, un grupo cuya influencia se advierte en varios puntos. Desde luego es un inicio singular para un disco de Gojira, pero no por ello menos increíble. En ‘Silvera’ el nivel de agresividad sube bastantes enteros y encontramos varios elementos más familiares, la voz gritada, el riff y esos tappings tan característicos en
ser una bomba. Llegados a este punto las cosas empiezan a volverse un poco más raras con el interludio instrumental doomero ‘Yellow Stone’ ejerciendo de frontera imaginaria. ‘Magma’ presenta una estructura circular dándole un aire de cántico religioso. La voz monótona y serena de Joe se rompe por una línea de guitarra que se va repitiendo con pequeñas variaciones a lo largo de 7 minutos. Ni siquiera un riff a lo Metallica en su epicentro logra romper su efecto hipnótico. ‘Pray’ sigue una línea parecida aunque se abre con los sonidos de una flauta y una fuerte percusión tribal. Más misticismo en las estrofas y un estribillo cañero marca de
“SI EN SUS PRIMERAS ESCUCHAS TE DESCONCIERTA, PERSISTE, PORQUE POCOS DISCOS MÁS INTENSOS Y ÉPICOS ENCONTRARÁS ESTE AÑO” la parte central. Un temazo en el que Joe sentencia “cuando te cambias a ti mismo, cambias el mundo”. ‘The Cell’ es aún más bruta con las guitarras rasgando con velocidad y Mario atizando la batería impecablemente, antes de que entreguen uno de sus riffs elásticos y nos machaquen con un groove a lo Sepultura. La ya conocida ‘Stranded’ cuenta con un riff entrecortado y un efecto chirriante que no puedo evitar que me recuerde a Korn. Sin duda se trata del tema más pegadizo del álbum a pesar de que la letra nos invite a pasar “otro día en la oscuridad”. En directo puede
la casa. ‘Only Pain’ recurre a otro efecto de guitarra parecido al de ‘Stranded’, pero en las estrofas es el bajo de Jean-Michael Labadie el que lleva el peso y su tono es mucho más oscuro. Otro tema devastador. Con ‘Low Lands’ volvemos a una atmósfera densa, con la voz sustentada por un sintetizador, antes de una sección demoledora y un final acústico que enlaza con ‘Liberation’, una outro con unos bongos que le dan un aire latino. Si en sus primeras escuchas te desconcierta, persiste, porque pocos discos más intensos y épicos encontrarás este año. JORDI MEYA
REAL FRIENDS
HAS DE SABER... FORMACIÓN: Dan Lambton (voz), Eric Haines (guitarra),
Dave Knox (guitarra), Kyle Fasel (bajo), Brian Blake (batería) PRODUCIDO POR: Mike Green y Steve Evetts AFINES A: The Wonder Years, The Story So Far,
Mayday Parade PÁGINA WEB: www.realfriendsband.com
P
The Home Inside My Head (FEARLESS) POP PUNK
77
ese a ser un grupo al que le seguía la pista, nunca había profundizado en un disco suyo. Lo que había oído me parecía a veces bueno, a veces no tanto, pero lo que tenía claro es que, lo que hacen, lo hacen con el corazón en la mano; cada nota que suena, es real, como su nombre. Quizás pecan de no alejarse del sonido estándar de la nueva hornada pop punk, y que la voz de Dan Lambton suene exactamente igual que a la de Dan ‘Soupy’ Campbell de The Wonder Years no ayuda. Son una banda con una trayectoria relativamente corta –se formaron en 2011-, pero escuchando su segundo
largo, nadie lo diría... al contrario, transmite veteranía. En cuanto a The Home Inside My Head, tengo que decir que me ha sorprendido para bien su saber hacer, y el no querer alardear y el sentimiento me pueden, es lo que tiene. No va a ser un disco que vaya a marcar su escena, pero se escucha realmente a gusto, y así como en el anterior parecía que estabas escuchando todo el rato el mismo tema, en éste sí se pueden diferenciar más. Ese mayor dinamismo se concreta en algunos temazos como ‘Empty Picture Frames’, con sus pegadizos coros, o la que cierra el álbum, ‘Colder Quicker’, que tiene un sabor a The Get Up Kids, y se
contrarrestan con baladas de aires emo como ‘Mokena’. Las letras lidian sobre cómo con los años te das cuenta de que la vida que soñabas quizá no sea tan fácil de conseguir. Pero madurar consiste precisamente en eso. Para ir resumiendo, estamos antes un disco muy bueno, con el que disfrutarás una temporadita y del que sacarás alguna canción suelta para próximos remixes que te hagas para el coche. Van por buen camino. Estoy convencido, aunque no sé si eso es bueno o malo, de que Real Friends serán uno de los grupos que volverán a llevar al pop punk al mainstream en unos añitos. Al tiempo. ENEKO CELESTINO
HABLAMOS CON... KYLE FASEL Vuestro debut fue muy bien recibido. ¿Os cogió por sopresa? “No sabíamos muy bien qué esperar. Antes de Maybe This Place… sólo habíamos publicado EPs, así que siendo nuestro primer largo simplemente esperábamos que la gente disfrutara de una colección más extensa de canciones nuestras. Fue muy bien, pero nosotros no quedamos del todo satisfechos como compositores. Nos hizo esforzarnos mucho más de cara al segundo”. ¿Cómo os afectó el saber que había un público esperándolo? “Hizo aumentar mucho la presión, pero creo que es algo que nunca desaparecerá. Todas las bandas que captan la atención tienen que lidiar con eso”. El álbum trata sobre hacerte mayor y darte cuenta de cómo funciona la vida. ¿Dirías que es más realista que el primero?
“Creo que cada uno de los discos es una buena definición de dónde está el grupo en ese momento. Pero desde luego, este nuevo trabajo nos define más que cualquiera de los anteriores”. Habéis trabajado con Mike Green y Steve Evetts en distintos temas... ¿En qué se diferenciaba su manera de trabajar? “Ambos son fantásticos. Los tres primeros temas los compusimos junto a Mike Green. Steve Evetts grabó y produjo las otras nueve canciones. Mike tuvo algunas ideas fantásticas y aprendimos un montón de él. Tiene muy buen oído para las canciones pegadizas. Era muy tranquilo y nos llevamos muy bien. Steve es mucho más intenso, pero en el buen sentido. Nos presionó mucho como músicos, pero hizo que al final acabáramos siendo una mejor banda”. ‘Mokena’ o ‘Eastwick’ me
han recordado a The Wonder Years... ¿Los consideráis una influencia directa? “No diría tanto como eso. Creo que The Wonder Years y nosotros tenemos las mismas influencias. Tenemos una edad parecida y crecimos escuchando la misma música. Es natural que hagamos cosas parecidas, pero al mismo tiempo, creo que somos dos grupos completamente distintos”. Mola que ‘Colder Quicker’ sea el último tema del álbum. ¿Fue intencionado colocar el single al final en lugar de al principio como hacen tantas bandas? “Desde luego fue algo en lo que pensamos cuando estábamos haciendo el track-listing... Pero simplemente sabíamos que era una canción con mucha fuerza para acabar el disco. Es un gran final”. (DAVID GARCELL)
73
RADIOHEAD A Moon Shaped Pool (XL RECORDINGS)
ROCK EXPERIMENTAL
75
C
on su secretismo extremo Radiohead han conseguido que se hable más de sus discos antes de que salgan que una vez ya han visto la luz. Basta ver la diferencia entre la cantidad de comentarios que provocaron en las redes sociales durante el fin de semana en el que, casi sin aviso, decidieron lanzar su noveno disco de estudio, y la presencia que tienen ahora. Para ser honestos, esto es algo que ocurre con muchos artistas, pero el grupo británico ejemplifica como nadie esta nueva realidad. Lo cual, en su caso, tiene más delito si cabe, pues un disco como A Moon
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Shaped Pool bien merece ser comentado, pero claro, para eso hay que escucharlo primero y... ¿Cuánta gente hay realmente dispuesta a dedicar su tiempo a un álbum de fondo experimental como éste? La buena noticia es que quien lo haga se encontrará con un mejor disco que The King Of Limbs. Tampoco era muy difícil, pero al menos se aprecia una voluntad de darle al álbum su propia identidad a base de folk ensoñador, a ratos perturbador, y trabajados arreglos orquestales salidos de la mente del guitarrista Johnny Greenwood y pianos minimalistas. Esta coherencia interna, sazonada por aires arábicos en ‘The Numbers’, de bossa nova en ‘Present Tense’ o de krautrock en ‘Ful Stop’, resulta más curiosa si tenemos en cuenta que la mayor parte de sus canciones llevaban tiempo siendo interpretadas en sus conciertos, la más célebre siendo ‘True Love Waits’, ya aparecida en el directo I Might Be Wrong, y que data de 1995. Un insólito guiño al pasado por parte de un grupo acostumbrado a mirar siempre al futuro. JORDI MEYA
PIERCE THE VEIL Misadventures (FEARLESS)
METALCORE, PUNK POP
75
S
i nos ponemos en su lugar, es fácil comprender por qué a Pierce The Veil les entró cierto pánico escénico a la hora de afrontar la grabación de su cuarto álbum. El éxito del anterior Collide With The Sky les pilló por sorpresa y descubrir que de golpe su público se había multiplicado exponencialmente les hizo entrar en un mar de dudas, especialmente al ya de por sí perfeccionista Vic Fuentes. Pero después de escuchar Misadventures queda claro que, aunque hayan tardado cuatro años, han sabido cómo canalizar positivamente todo su agobio y ansiedad.
El álbum tiene todo aquello que podía esperarse de ellos, pero explicita su voluntad de llegar a un público todavía mayor con un acercamiento más descarado al pop. Con My Chemical Romance fuera de juego, Pierce The Veil bien podrían llenar ese hueco. Son varios los temas que recuerdan a aquéllos como la inicial ‘Dive In’, con un estribillo épico a lo ‘Helena’, o el medio tiempo ‘Floral & Fading’, que parece salido de Danger Days y es todo un hit en potencia. Todo esto no significa que los de San Diego se hayan transformado por completo y en temas como ‘Texas Is Forever’, ‘The Divine Zero’ o ‘Sambuka’ nos regalan ese metalcore apto para todos los públicos por el que se les conoce, además de no renunciar a que Tony Perry se luzca a las seis cuerdas. Si a eso le añadimos canciones estupendas como ‘Circles’ o ‘Bedless’ (menudo estribillo se han sacado), resulta evidente que Pierce The Veil han hecho un disco que gustará tanto a los fans de siempre como a los miles que están por llegar. DAVID GARCELL
LA SELECCIÓN
WILD ANIMALS Basements: Music To Fight Hypocrisy (BCORE)
INDIE ROCK, PUNK POP
80
L
os conciertos en sótanos forman parte del imaginario de la escena underground americana. Todos hemos visto fotos o vídeos de grupos tocando en el suelo entre cuatro paredes con los cuerpos sudados chocando unos contra otros mientras los músicos lo dan todo. En España, y más con los precios en los que está el mercado inmobiliario, lo de los sótanos lo tenemos un poco complicado y nos va más lo de las casas okupas, pero el espíritu es el mismo. Precisamente ese sentimiento de hermandad y honestidad, el de hacer música y disfrutarla porque sí, sin esperar nada a cambio, es el que transmite el primer largo de los madrileños Wild Animals. Apenas un año después de su primer EP, First Songs, el trío vuelve a demostrar el gran momento de inspiración que está viviendo. Sus temas se dividen entre muy buenos y geniales, y todos son ejecutados con una
pasión contagiosa. Al escucharlo te entran ganas de ir a verles en directo, cuando no de llamar a tus colegas y formar un grupo. Los hermanos Santi y Víctor Garcia han sabido captar toda la crudeza de los instrumentos de Jaime (voz, guitarra), Fon (bajo) y Paula (batería), y al mismo tiempo, hacer brillar sus melodías (subidón cada vez que Paula dobla las voces), a cada cual más infecciosa. Prepárate para que temas como ‘Heavy Metal Saved My Life’ (¿Seguro que no es J Mascis el que hace el solo?), ‘Elevator Boy’, ‘Avocado’ o ‘The Worst Mistake’ habiten durante una buena temporada en tu cabeza. Una vez los escuches, no habrá marcha atrás. JORDI MEYA
D
BEARTOOTH Aggressive (RED BULL)
METALCORE, ROCK ALTERNATIVO
75
os años después de debutar con Disgusting, Beartooth están de vuelta con un disco que debería consolidarles como una de las bandas punteras del metalcore de nueva hornada. Lo que empezó siendo un proyecto paralelo del vocalista Caleb Shomo mientras todavía estaba en Attack! Attack! ha ido cogiendo una solidez que nadie podía imaginar entonces. Aggressive se abre con el tema que le da título y desde el primer momento se percibe que Shomo no se anda con tonterías y suelta uno de los muchos estribillos hímnicos que encontraremos a lo largo del disco; los de ‘Loser’, ‘Fair Weather Friend’, ‘Burnout’ o ‘Sick Of It Me’ se te clavarán en la cabeza aunque no quieras y anticipan que en sus conciertos habrá desfase asegurado. En
H
HATEBREED
The Concrete Confessional (NUCLEAR BLAST)
HARDCORE, METALCORE
65
76
ace tres años, a The Divinity Of Purpose le otorgué un 86/100. Madre mía, debía estar más borracho de lo habitual… Por aquel entonces aún albergaba el mayor y más común defecto que pueda tener un crítico, el ser fan, pero por suerte, me he ido refinando y, ahora, visto con perspectiva, le daría un 70 y poco. The Concrete Confessional, lo nuevo de Hatebreed, no mejora lo ofrecido en su anterior entrega, más bien al contrario… ‘A.D.’ es un buen inicio que te capta enseguida, aunque crossover thrash tampoco es algo que les
comparación con su debut, se nota una producción más pulida, menos punk por así decirlo, algo que en mi opinión les otorgaba personalidad, pero que sin duda les ayudará a sonar en la radio. Escuchando el álbum no he podido evitar pensar que a ratos se asemejan a unos Stone Sour con más energía, pero con el aliciente de que sorprenden con un trallazo de hardcore como ‘Always Dead’, se acercan
al hard rock en la melódica ‘However You Want It Said’, al metal sureño en ‘Censored’, con un buen breakdown para liarla en el pit, o con la pseudo balada grunge ‘King Of Nothing’, con una letra escupida con rabia por parte de un Shomo que va sobrado de voz. Resulta irónico que titulen un tema ‘Rock Is Dead’ cuando, con un disco así, Beartooth demuestran justo lo contrario.
pida a gritos. Su sonido sigue ahí, inmutable, pero ‘Seven Enemies’ es normalucha, ‘In The Walls’ no te cambiará la vida, lo mismo que ‘From Grace We’ve Fallen’, que encima aporta una heavylada de estribillo bastante hortera. Y así podríamos seguir, sin sobresaltos si obviamos el horripilante coro a lo Dead Kennedys que empaña una correcta ‘The Apex Within’ o una elaborada ‘Something’s Off’ que por momentos parece de Rise Of The Northstar. Destacaría ‘Looking Down The Barrel Of Today’, ‘Remember When’ y ‘Walking The Knife’, pero estoy seguro de que ni uno
de estos cortes perdurará en el tiempo. Entiendo hacia dónde han querido ir, que se hacen mayores y quieren aportar un ‘algo más’, pero Hatebreed no venden copias por hacer el punki, meter solos o innovar: se espera algo muy concreto de los de Connecticut, y eso es machacar, aplastar y destruir, algo que aquí hallarás en cuentagotas por mucha mano que Zeuss le eche a la atronadora producción. Para mí siguen siendo de cabecera, pero contentarme con tener una erección cada vez que Jasta abre la boca ya no me basta.
DAVID GARCELL
PAU NAVARRA
LETLIVE.
If I’m The Devil… (EPITAPH)
ROCK ALTERNATIVO
75
P
arece que la banda del punto y aparte ha querido presentarnos con este cuarto disco otra cara y ‘mejores modales’ de lo que habíamos podido escuchar desde que empezaran allá por 2002. Por lo menos, ya desde que arrancan con ‘I’ve Learned To Love Myself’ nos muestran un ritmo más pausado y delicado en cuanto al sonido del grupo y la voz del que sigue ejerciendo como motor de los angelinos, Jason Aalon Butler, el cual suaviza más el tono que de costumbre durante el largo. El single que esparcieron por la red, ’Good Mourning
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America’, era buen aperitivo para promocionar la salida de este If I’m The Devil..., ya que fácilmente entra de cabeza en su lista de grandes temas y continúa el mensaje políticosocial del mestizo letrista. Podría decirse que se han desligado de sus anteriores Fake History (2010) y The Blackest Beautiful (2013) hacia algo más bailable (‘A Week Ago’, ‘Nü Romantics’, ‘Elephant’), y con bajadas de tono (‘Foreign Cab Rides’, ‘Reluctantly Dead’, ‘Who You Are Not’) en las que resalta el uso de elementos electrónicos y, cómo no, alguna pieza con la que poguear en cualquiera de sus enérgicos directos. Miedo da imaginarse en mitad de la pista durante ‘Another Ofensive Song’. Poniendo fin a la obra con ‘If I’m The Devil...’, que también podría contarse entre los mejores temas de su carrera, y la poco favorecida ‘Cooper Colored Quiet’, los californianos dan muestras de haber hecho un disco notable, pero quizá sin la suficiente fuerza como para tirarnos de la silla. ALEJANDRO LOZANO
POWER BURKAS Llarga Vida Al Tarannà (BCORE/FAMÈLIC)
PUNK ROCK
80
P
ower Burkas tienen todos los números para empezar a hacer mucho ruido en la escena estatal: un nombre provocador, potente y fácil de recordar, un sonido que bascula entre el punk rock y el power pop, dos sellos apoyándolos (uno de los referentes de la independencia de aquí, BCore, y el otro, Famèlic, es de los más emergentes), y unas letras sin desperdicio alguno. Además, al punk rock guitarrero de este cuarteto de Vic hay que añadirle un puntito indie que los hace irresistibles y una grabación ligeramente
maquetera y cruda que resulta encantadora. Llarga Vida Al Tarannà, su primer LP, es un álbum generoso en minutaje y en temas: 14 nada menos, y el mérito de Power Burkas es que no me atrevería a decir que sobre alguno. Eso sí, algunas canciones están más inspiradas que otras: a mí particularmente me han molado ‘Ferralla’, ‘Miracles Del Passat’ y ‘Pares, Fills I Néts’ (la última, casi 6 minutos en los que la banda barcelonesa muestra ya un alto grado de madurez musical a pesar de su juventud). También son dignas de mención las composiciones dedicadas a ‘Gerard Quintana’, a ‘El Pop I La Gallega’ y ‘20’, un título muy lógico teniendo en cuenta que la punkarrada dura menos de 20 segundos y acaba con un eructo de Homer Simpson. Si necesitáis más datos sobre este cuarteto para localizarlo os puedo pasar sus coordenadas aproximadas en Catalunya: entre el sonido de FP, la irreverencia de Autodestrucció y la sofisticación de Nisei. JORDI FORÉS
THE USED
Live & Acoustic At The Palace (HOPELESS)
POST HARDCORE, ROCK
75
T
he Used tuvieron su momento a principios del nuevo milenio. Encabezaban una nueva y excitante hornada de bandas de post hardcore. Con su debut, un homónimo inspiradísimo publicado en 2002, repleto de hits instantáneos como ‘Taste Of Ink’ y ‘Blue And Yellow’, llegaron a lo más alto. El éxito les acompañaría dos años después con In Love And Death, pero poco después el fenómeno comenzó a deshincharse. Sacaron otros cuatro largos, no tan sólidos como esa genial dupla, y el interés por este cuarteto de Utah se diluyó. Siguieron erre
8074
que erre, probando cosas nuevas –en Vulnerable introdujeron algunos ritmos más propios del hip hoppero sin salirse demasiado de su rollo. Ahora celebran su 15 aniversario como banda y nos obsequian con un delicioso directo en acústico con doce de sus mejores temas. Este directo incluye el concierto íntegro, sin cortes, con los comentarios entre tema y tema de un agradecido y comedido Bert, nada que ver con el histriónico personaje de hace una década. Así, por ejemplo, dedica ‘Overdose’ a su hija, Cleopatra Rose, y antes de atacar ‘All That I’ve Got’ confiesa que nunca ha sufrido la pérdida de un ser querido, aunque pudiera parecer lo contrario por el contenido de algunas letras. ¿Lo mejor de este lanzamiento? Que en un puñado de temas The Used dieron en el clavo, y desnudos de electricidad tienen incluso más fuerza que en su versión original. ¿Lo peor? Se cuelan los sing-alongs desafinados y los gritos histéricos del público. LUIS BENAVIDES
JUDAS PRIEST Battle Cry
(COLUMBIA/SONY MUSIC)
HEAVY METAL
78
E
ste es un tema recurrente en la ofi: cómo la inyección de savia nueva a una banda legendaria puede regenerarla hasta tal punto que, contra todo pronóstico, ésta alcance su mejor momento en muchos años. Richard Royuela lo aplica a sus AC/DC, yo a mis Judas Priest. Me sentí estafado cuando los de Birmingham anunciaron una reválida de su Epitaph Tour, y por supuesto no entendí nada cuando K.K. Downing les dejó y le reemplazaron con un joven y desconocido Richie Faulkner. ¿Por qué no lo dejaban con dignidad? ¿¡Qué estaba ocurriendo!? La respuesta fue Redeemer
Of Souls, un álbum que sonaba a lo más clásico y puro que Judas Priest hubieran grabado desde 1990, y si en mi primer contacto en directo con el nuevo guitarrista tampoco me dejó extasiado, camaradas, al verle mucho más rodado en el Rock Fest Barcelona todo encajó. Junto al de reunión con Halford, tengo ese concierto como el más brillante y emotivo que haya presenciado de ellos, y desde luego el DVD de Battle Cry captura al 100% este fantástico presente que viven. Richie es apuesto, tiene carisma, es un hacha, y lo más importante, domina perfectamente el juego de caderas. Con él al lado todos han rejuvenecido, y así, asistimos a una filmación fabulosa ante la inmensa marea de metalheads que les vieron en el pasado Wacken. Sus himnos y temas nuevos te transportan al estado de euforia que se vivió en ese show, haciéndote botar en tu sofá ante semejante vendaval del mejor heavy metal. Al CD no le perdono que haya dejado fuera el fiestón de ‘Turbo Lover’ y ‘Living After Midnight’, pero el set sigue siendo de escándalo. PAU NAVARRA
LA MARAVILLOSA ORQUESTA DEL ALCOHOL Ojalá
(PRMVR/GRAN SOL)
FOLK ROCK
77
E
n los últimos cinco años, cuesta encontrar en todo el panorama nacional una banda que haya experimentado una progresión tan bestial a todos los niveles como la que han protagonizado La Maravillosa Orquesta Del Alcohol. Desde que se juntasen en 2011, estos seis chicos de Burgos siempre han tenido claro su objetivo: tocar lo máximo posible allá donde fuese y escribir canciones desde el corazón y las entrañas con toda la honestidad del mundo. Y así, en muy poco tiempo se han ganado el favor de todo tipo de público en cada escenario que han pisado, al igual
que el respeto de sus compañeros de andanzas. Sólo el tiempo podrá indicar dónde queda su límite, que aún parecen muy lejos de alcanzar. Por el momento, y aunque este 2016 parece que será menos movido, La M.O.D.A. continúan ofreciendo conciertos que se cuentan por llenos (como el recientemente celebrado en Madrid, donde colgaron el cartel de sold out en La Riviera con varios meses de antelación) y celebrando su primer lustro de existencia con un nuevo EP a modo de regalo para todos su seguidores. Para ello cuentan con una versión del cantautor Silvio Rodríguez del mismo título, la cual son capaces de trasladar a su sonido actual manteniendo la crudeza y belleza de la original. Completan la referencia tres revisiones de cortes incluidos en La Primavera Del Invierno (‘Disolutos’, ‘Los Lobos’, ‘Flores Del Mal’) que mantienen su esqueleto aunque incorporando distintos arreglos que aportan una nueva lectura de las mismas, dejando claro el grado de madurez alcanzado y con el que afrontan el futuro. GONZALO PUEBLA
PLAGUE VENDOR Bloodsweat (EPITAPH)
POST PUNK, GARAJE
75
T
iene toda la lógica que un grupo de punk rock acabe evolucionando hacia el post punk, ¿no? Así ocurrió en los 80, y sin ir más lejos, el último disco de Ceremony, The L-Shaped Man, también iba en esa dirección. Lo curioso es que los californianos Plague Vendor hayan tirado por ese camino ya en su segundo trabajo. Si su debut Free To Eat, aparecido en 2014, era un crudo ejercicio de punk garajero con alguna influencia surf, en Bloodsweat han apostado por un sonido más oscuro y europeo, donde encontramos rastros de Bauhaus, Joy Division, Killing Joke, The Damned,
Suicide o The Cramps. Lo bueno es que para nada suena forzado o artificial, al contrario, casi parece que ésta sea su verdadera naturaleza y que no hubieran sabido cómo focalizarla hasta ahora. El sonido sigue siendo rudo y sin florituras, pero la sección rítmica formada por Michael Perez y Luke Perine ha madurado y ahora es capaz de sostener ritmos más bailables sin perder nada de fuerza (‘Jezebel’, ‘Fire To Emotion’). También Jay Rogers le saca mucho más partido al enfoque minimalista de su guitarra (‘Ox Blood’, ‘No Bounty’). Pero quien le otorga a esta banda ese elemento de peligro y violencia sexual que los hace singulares dentro de su escena es el vocalista Brandon Blaine. Ya sea adoptando un tono más grave (‘Anchor To Ankles’) o chillando a lo Jack White (‘Chopper’), Blaine canta con una convicción maliciosa de alguien que no dudaría en romperte una botella en la cabeza si le tocaras los cojones. Como prometen en el título, sudarás sangre. JORDI MEYA
81
HAS DE SABER... FORMACIÓN: Eric Hernandez (voz, guitarra), Ryan Haft (guitarra),
Andres Ascanio (bajo), Brian Hernandez (batería) PRODUCIDO POR: Ryan Haft AFINES A: Torche, Helmet, Unsane PÁGINA WEB: wrongriff.bandcamp.com/releases
WRONG
THE DRONES
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Wrong (RELAPSE)
CROSSOVER HARDCORE
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scuchar el debut de Wrong, banda formada por músicos que han pasado por Capsule, Torche o Kylessa, es como introducirte en una máquina del tiempo y viajar hasta principios de los 90. Quien pudiera pensar viendo su currículum que estaríamos ante otro grupo de sludge se llevará una buena sorpresa nada más le propinen una patada en la boca con ‘More Like’. La violenta voz de Eric Hernandez y el musculoso groove conseguido por la sección rítmica formada por Andres Asciano y Brian Hernandez te recuerdan de inmediato a los mejores Helmet. Si bien en la base de su música se nota el poso del
New York Hardcore, a pesar de ser de Miami, el cuarteto introduce suficientes matices como para no encasillarlos en un género concreto. Porque puede que en ‘Read... Erase’ aceleren la batidora con el bajo haciendo retumbar las paredes, pero por el contrario, la voz melódica, aunque igual de intensa, y las guitarras angulares de ‘Entourage’ les emparentan más con Quicksand que con Madball, mientras que el riff pesado de ‘Stasis’ nos trae a la mente los primeros Soundgarden. Pero si de verdad hay un elemento que hace que Wrong tengan un punto especial es el tratamiento más noise y experimental que Eric y Ryan Haft dan a las
guitarras. A base de escalas disonantes y jugando con estridencias y acoples consiguen que temas como ‘Hundrum’ o ‘Fake Brain’ ofrezcan mucho más de lo que harían en manos menos inquietas. En el último tema, ‘High Chair’, incluso se permiten jugar con una cadencia y atmósfera más cercana al shoegaze de sus amigos Nothing antes de volver a sacudirnos con un riff rocoso. Aunque quizá lo más recomendable es acudir directamente al tema ‘Wrong’, donde concentran todo lo expuesto como diciendo ‘esto es lo que somos’. Pocas veces la nostalgia suena con tanta fuerza como aquí. JORDI MEYA
HABLAMOS CON... ERIC HERNANDEZ El disco llevaba grabado bastante tiempo, ¿verdad? “Sí, lo empezamos a grabar en diciembre de 2014, pero luego estuvimos girando mucho tiempo y no lo acabamos hasta agosto de 2015. Pero desde luego es mucho tiempo. Estamos muy contentos de que por fin haya salido. Personalmente ya estoy pensando en el siguiente, pero me sigue gustando mucho cómo quedó. Y en directo disfrutamos mucho tocando estos temas. De hecho, ahora los tocamos mejor (risas). Incluso hemos cambiado algunas partes para que nos siga pareciendo fresco”. Aunque en 2014 habíais sacado un EP, este disco será lo primero que mucha gente escuche de Wrong. ¿Crees que representa fielmente lo que sois?
“Desde luego. El EP fue más bien como una maqueta, pero creo que el disco transmite toda la energía que tenemos. Eso era lo más importante”. En el álbum hay muchas influencias del crossover de finales de los 80, principios de los 90. ¿Queréis llenar ese hueco? Porque ahora apenas hay bandas de ese estilo... “Supongo que sí. Ahora hay muchas bandas recuperando el doom y la música de los 70, y muchas me gustan, pero nosotros queríamos hacer algo más tipo Helmet o Quicksand. Parece que no haya nada entre medio del doom o el death metal rápido, así que creo que nosotros podemos llenar ese hueco”. En vuestra música el groove pesado es muy importante. Sé que también tocas la batería...
¿Crees que eso te influye a la hora de componer? “Sí. Siempre que toco la guitarra o el bajo tiendo a hacerlo muy rítmicamente. Y cuando tocaba la batería, lo hacía como si fuera la guitarra solista (risas). Cuando escribo música pienso en todos los instrumentos. Intento que todos suenen como uno solo”. Durante un tiempo estuviste como batería de Corrosion Of Conformity. ¿Cómo fue sustituir a Reed Mullin? “Fue muy surrealista. Son una de mis bandas favoritas. Sólo estuve dos semanas con ellos de gira, pero nunca lo olvidaré. Sentía mucha responsabilidad, pero al mismo tiempo, me resultó muy fácil, muy natural. Son tíos súper humildes y me trataron como si siempre hubiera estado en la banda”. (JORDI MEYA) 83
C
FALLUJAH Dreamless (NUCLEAR BLAST)
METAL PROGRESIVO, DEATH METAL TÉCNICO
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on determinación y sin miedo a asomarse al abismo, Fallujah están construyéndose una carrera que no para de sumar fieles. Atrayendo tanto a deathcoretas como a snobs del progresivo o amantes del death más vanguardista, lo cierto es que los estadounidenses han llegado a 2016 sin agobios y con Dreamless bajo el brazo, un tercer álbum que también ha resultado ser uno de los más esperados del curso. Si The Flesh Prevails ya dio a entender que The Harvest Wombs sólo había sido un arrebato de ira juvenil, ahondando muchísimo más en su vertiente virtuosa, este nuevo álbum viene a certificar la metamorfosis completa de Fallujah en forma de banda de progresivo con todas las de la ley. En términos estilísticos, ningún problema,
S
REBUIG
Mort I Futur (VARIOS SELLOS)
SLUDGE, DOOM METAL
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us miembros ya han desparramado su talento y mala leche en bandas como Cuzo, Lords Of Bukkake, 12Twelve, OSO o Room Of Mirrors, y en esta ocasión se han embarcado en un infernal viaje al puro centro del sludge más ácido y cavernoso que se ha escuchado en mucho tiempo. Han sido valientes, se han atrevido a escribir los textos en catalán, su lengua materna, y no sé si finalmente incluirán las letras en el artwork del álbum, pero si lo hacen, todavía tendrán más cojones, porque esos versos
cada uno tiene derecho a reconducir a su combo por donde le plazca, pero en cuanto a la producción… Lo siento, pero hasta aquí hemos llegado. Ya me costó tragar con el anterior, pero ahora directamente me bajo del tren. Si con 15 años ya me carcajeaba del sonido de bandas para octogenarios como Yes o Genesis, o del de la inofensiva guitarra de Joe Satriani, imaginad ahora… De verdad, cada vez que
esas cuerdas puntean, realizan una pirueta, arreglan un tema, para mí es un auténtico suplicio, incluso en trallazos como ‘Scar Queen’. Aborrezco la sobreproducción, la desmedida depuración, y aquí tenemos de todo menos naturalidad. Los tecladitos y la voz femenina de ‘The Void Alone’, ‘Abandon’, ‘Dreamless’, ‘Fidelio’… Buah, demasiado pal body. Tan jóvenes, y tan irreales.
os aseguro que rezuman bilis y desesperación por toneladas. Escucha esa densa base rítmica y esos acordes disonantes de ‘Andorra, Putes I Bosses De Brossa’. Demencia hecha música. ‘Penjat I Empalmat’ también se las trae. Lenta y farragosa, su riffaco infernal te engulle a las primeras de cambio y para cuando Albert, su vocalista, incorpora sus encolerizados guturales, ya has quedado atrapado dentro de un tema que ya quisieran para sí mismos algunos de los popes del género. ‘Zulos I Democràcia’ también hace daño. Con un riff muy sueco,
musicalmente quizás sea de lo más interesante de la colección con ese interludio a medio camino entre el doom más arcaico y la psicodelia más pasada de vueltas. Si ya lo sé, Kylessa, Down, Mastodon o Baroness molan mucho, pero esto es otra cosa, esto es poco más de media hora de desesperación underground, una suerte de angustia metálica que seguramente no llegarás a ver en los grandes escenarios, pero que te dejan más satisfecho que cualquier estrella tatuada. Y por último, no os perdáis la portada. Grandes.
PAU NAVARRA
ANDRÉS MARTÍNEZ
JOHN CARPENTER Lost Themes II (SACRED BONES)
ELECTRÓNICA, ROCK
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C
ómo son las cosas! Hace poco más de un año compartía mi entusiasmo aquí ante el primer lanzamiento discográfico firmado por este gran director. Si bien su Lost Themes pasó bastante desapercibido, salvando las típicas preguntas como ‘¿Pero ha sacado película nueva?’ o ‘¿Realmente este tío sabe tocar?’, lo cierto es que la recepción a nivel mundial ha sido muy positiva. Tanto, que no sólo ha animado a John Carpenter a publicar un segundo volumen, sino que además le ha motivado a participar en un generoso tour por Europa y Estados
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Unidos durante el verano, y para mayor regocijo (mío), una de esas actuaciones formará parte del Primavera Sound. ¿Amor de fan o calidad musical? Tal vez una mezcla de ambos, aunque es indudable que su talento musical siempre ha dejado huella. ¿Hay una diferencia clara entre la primera entrega y este segundo volumen? Pues sí. Principalmente gracias a su inmediatez, puesto que se gestó en apenas unos meses en L.A, haciendo que los procesos de composición y grabación fueran más fluidos y rápidos. No por ello los temas son menos complejos... El sonido es oscuro y potente, más contundente incluso, con espectaculares pasajes futuristas y apocalípticos, como la segunda parte de ‘White Pulse’, ‘Virtual Survivor’ o ‘Real Xeno’. El punto en común, así como lo fascinante de estas composiciones, es la capacidad que tiene el cineasta a la hora de crear atmósferas tan evocadoras y cinemáticas, que provocan que la imaginación del que las escucha se desate. En definitiva, escuchar Lost Themes II sería como entrar en otra dimensión. TOI BROWNSTONE
PEARS
Green Star (FAT WRECK)
PUNK ROCK
79
A
finales de 2015 reseñamos en estas páginas Go To Prison, el primer trabajo de Pears para Fat Wreck, y sabíamos que no tardarían mucho en reaparecer por aquí, pues entonces ya habían publicado Letters To Memaw, un 7” con dos adelantos de su próximo trabajo. Ese disco inminente es el presente Green Start, otra entrega de punk rápido y escurridizo, difícil de clasificar. El cuarteto de Nueva Orleáns siempre ha tenido un lado punk pop que en este trabajo definen mucho mejor, sin complejos. En esta línea
encontramos las exquisitas melodías, deudoras de los Descendents, de cortes como ‘Hinged By Spine’, ‘Snowflake’, ‘Anhedonia’, ‘Doorbell’ y ‘Green Star’, con unos coros realmente memorables. Los Pears, formados en 2014, con exmiembros de Lollies, también disfrutan escupiendo temas rudos y violentos, punk de la vieja escuela como ‘Cumshots’, ’Bug Aware’ o ‘The Title Of St Stewart’. En estos cortes más ochenteros, por sonido y por retórica, van a la yugular. En este segundo álbum, con temas de minuto y medio, sobresale mi favorita ’The Flu’, con un inicio amenazante que me recuerda al ‘Ace Of Spades’ de Motörhead. Green Star, producido por Mike Supina, guitarra de A Wilhelm Scream, incluye dos solemnes interludios de piano, ‘Dizzy Is Drunk’ y ‘Jump The Fucking Ship’, compuestos y tocados por su magnífico cantante Zack Quinn. Únicamente en estos dos cortes te dejan recuperar el aliento. Ahora sólo queda que se acerquen por aquí y nos rematen. LUIS BENAVIDES
SPANISH TO UR 2016
31 DE OCTUBR E - MADRID 1 DE NOVIEMBR E - VALENCIA 2 DE NOVIEMBR E - BARCELONA A LA VENTA EN www.ENTRADIUM.COM
NUEVO ÁLBUM ‘MISADVENTURES’ A L A VENTA EL 13 DE MAYO EN FEA RLESS RECORDS
A
SLEEPING WITH SIRENS
Live And Unplugged (EPITAPH)
POP ROCK
68
menudo se acusa a bandas como Sleeping With Sirens, y no sin cierta razón, de abusar demasiado de los trucos de estudio para lograr que sus discos suenen perfectos, llegando incluso a dudar de sus verdaderas aptitudes como músicos... Así que nada mejor que un disco acústico grabado en directo para ver realmente lo que son capaces de ofrecer sin ninguna red de seguridad. El grupo de Florida no es ajeno al formato acústico -en 2012 ofrecieron el EP If You Were A Movie, This Would Be Your Soundtrack- y eso se nota en su facilidad para llevar sus canciones a este terreno e introducir nuevos arreglos. Ante un público que corea entusiastamente cada una de las letras, el grupo repasa algunos de los temas más significativos
S
i en su día no nos hicimos eco de Villa Modesta, el anterior largo de estos aragoneses, fue sencillamente porque nos llegó tarde. Merecedores de haber estado en cualquier lista de lo mejor del año, parecía mentira que pudiesen superarse con su nueva THE KLEEJOSS obra, pero así ha sido, y BAND River Sound Unleashed nosotros estamos orgullosos (ROCKWOOL) de gritarlo bien alto. Esa ROCK preciosa carátula ya da buen rollo. Como aquellas bandas clásicas que te hacían devorar 85 el interior de sus discos cuando contemplábamos una portada que no te engañaba, estos modestos músicos te dicen directamente con ese 88
de su aún corta, pero exitosa, carrera como ‘If I’m James Dean, You’re Audrey Hepburn’, ‘Free Now’, ‘Who Are You Now?’, junto a otros de su último álbum, Madness, como ‘The Strays’, ‘Gold’ o ‘Save Me A Spark’ y un par de versiones, ‘Santeria’ de Sublime y ‘Iris’ de The Goo Goo Dolls, una balada que podrían haber firmado ellos mismos. Pese a ser una banda con cierta tendencia a la ñoñería, la energía que
impregnan a temas como ‘Go Go Go’ o ‘If You Can´t Hang’ resulta contagiosa. Naturalmente, quienes encuentren irritante la voz pitufina de Kelly Quinn más vale que se mantengan alejados, pero no hay duda de que, incluso sin autotune, el tipo es capaz de llegar a las notas más altas sin aparente esfuerzo. Un buen complemento para quien ya tenga sus discos algo quemados.
diseño tan cuidado que la audición va a valer mucho la pena. The Kleejoss Band beben de las fuentes del rock con mayúsculas, ése que va a sonar igual de bien ahora y 30 años más tarde, ése que está al margen de cualquier movimiento, moda o cualquier estúpido hype que te vende orín a precio de whisky de barril. Podría dejarme vencer por la tentación y mencionar a los Stones, a los Black Crowes, a Petty, a Pearl Jam, a Lynyrd Skynyrd, a Replacements, a Screaming Trees, pero eso sería injusto para ellos, pues además de excelentes composiciones, han conseguido trabajarse un
estilo propio a lo largo de los tres discazos que llevan en su haber. Los nombres antes mencionados son sólo una pequeña guia de por dónde van los tiros. Nada más que eso. En casos como éste es cuando más me gustaría convenceros de que os deis un homenaje, os arriesguéis y os atreváis a escuchar temas tan redondos como ‘The Wire Walkers’, ‘Ode To The Naiads’, ‘Plasticland’, ‘Bang Bang’ o esa exquisitez al alcance de bien pocos titulada ‘I Didn’t See The Waterfall’. Si os corre sangre por las venas os aseguro que os emocionaréis. Tremendos.
DAVID GARCELL
ANDRÉS MARTÍNEZ
ASTORIA Más
(AUTOEDITADO)
ROCK
76
N
o sé si el nombre ‘Astoria’ es por la película generacional Goonies, el fantástico disco de The Ataris, o por ambas cosas. En cualquier caso, los mallorquines Astoria son una banda a tener muy en cuenta. En sus filas encontramos auténticos jugones de la isla, exmiembros de bandas como One Foot y Thrash Out, de lo mejorcito de la escena punk rock del país. En 2013, sin ninguna presión, deciden juntarse para tocar y graban unas demos caseras, por puro entretenimiento, en los estudios Diorama con Dani Paz y Toni Salvà.
Después de lanzar el tema ‘Shine The Light’ –más adelante se pasarán al castellano-, dar unos 40 conciertos e incluso ganar algún concurso de bandas emergentes, se encierran de nuevo en el local con la vista puesta en su primer disco. De esas sesiones sale Más, un breve pero intenso EP de cinco temas entre el pop de guitarras y el punk rock en castellano. Más contiene varios riffs musculosos como el que abre ‘Cambiar El Rumbo’, un corte potente pero elegante, sin desperdicio, también medio tiempos como ‘Caída Al Vacío’, donde bajan las revoluciones sin perder ni una pizca de garra, y se cierra con una pieza semi acústica infalible como es ‘Lo Que No Hay En Mí’. Lo mejor de todo, si se me permite el juego de palabras, es que el ahora trío Astoria te deja con ganas de más Más. Y me consta que están trabajando en ello, con voluntad de sorprendernos más si cabe. El nuevo trabajo de los mallorquines, tras escuchar el nuevo single ‘Mientes Más Que Hablas’, promete. LUIS BENAVIDES
ABORTED Retrogore (CENTURY MEDIA)
BRUTAL DEATH METAL
80
S
vencho, que no tiene pinta de ser un tipo fácil, ‘sólo’ ha sufrido una deserción para este nuevo álbum: Ian Jelekis se encarga ahora de una de las guitarras. Como apuntaba su último EP, el resto sigue donde lo dejamos hace dos años, con un trabajo continuista respecto a lo muchísimo que Aborted nos ofrecieron en sus dos anteriores largos. Bueno, quizá no tanto… Para empezar he necesitado unos cuantos repasos a este nuevo disco para percatarme de la gran riqueza de detalles que presenta, y también para comprobar que, si bien
no es tan portentoso como The Necrotic Manifesto, Retrogore sí aporta un descomunal muestrario de técnica e imparable fuerza. Para homenajear al cine de terror de los 80, los belgas decidieron grabar esta vez en los Kohlekeller Studios con Kristian Kohlmannslehner (Benighted, Crematory, Powerwolf), y el resultado es impactante. Ni Son Goku en cuarta podría parar la bestialidad que Aborted despliegan aquí, con una producción donde todo está al mil pero sin sonar artificial, y sobre todo un apartado rítmico de bajo y batería homicida, pasadísimo de vueltas para el regocijo de sus fieles. ‘Retrogore’ es lo que esperas de ellos, pero con el virtuosismo demostrado en ‘Cadaverous Banquet’ empiezas a flipar. En ‘Termination Redux’, ‘Bit By Bit’ o ‘Divine Impediment’ el aplastamiento es total, y si encima se van pasando por el micro Jason Keyser de Origin, Travis Ryan de Cattle Decapitation o Julien Truchan de Benighted, la liada es máxima. Menuda racha, colegas. PAU NAVARRA
89
AGAINST THE CURRENT In Our Bones
(FUELED BY RAMEN/WARNER)
POP ROCK
75
A
unque nunca lo reconocerían en público, conozco a más de uno y de cinco que después de escuchar discos de Converge o Every Time I Die disfrutan en la intimidad poniéndose a Taylor Swift o Katy Perry. Porque admitámoslo: el pop, cuando está bien hecho, le entra bien a cualquiera, incluso al que lleve una barba de palmo y el cuello tatuado. Y justo eso es lo que hacen Against The Current, el joven trío de Nueva York cuyo debut aparece después de haber cosechado un gran éxito con sus primeros EPs y sus versiones virales en YouTube. In Our Bones ofrece doce
82 90
canciones, de las cuales más de la mitad podrían ser singles claros. Empezando con la energética ‘Running With The Wild Things’ y siguiendo con ‘Forget Me Now’, cuyo estribillo parece ‘inspirado’ en el ‘Roar’ de Katy Perry, el álbum es un festín de melodías exuberantes y euforia juvenil. ‘Young & Relentless’, ‘One More Weekend’, ‘Runaway’ o ‘Roses’ son temas perfectos para canturrear mientras conduces y no quieres pensar en nada. Como era de esperar, también encontramos algunas baladas y medio tiempos que permiten que Chrissy Costanza se luzca con su voz. Algunas no están mal, como ‘Chasing Ghosts’, la semi acústica ‘In Our Bones’ o ‘Wasteland’, en la que predominan los efectos electrónicos, pero cuando no les invade un exceso de solemnidad como en ‘Brighter’, parece que estén participando en Eurovisión. Más vale que Paramore, o mejor dicho, Hayley Williams, espabilen, porque Against The Current vienen dispuestos a comerles terreno con un primer disco la mar de completo. DAVID GARCELL
DISCHARGE End Of Days (NUCLEAR BLAST)
PUNK, HARDCORE
75
P
arece que te estén contando una broma cuando te dicen que End Of Days es sólo el séptimo trabajo de Discharge (sin contar los EPs). Para una banda que se forjó un nombre en la escena punk de los 70, semejante registro los hace ver como a una formación poco activa. Pero nada más lejos de la realidad, aunque es cierto que el caos ha reinado en su carrera, tanto que esta nueva entrega llega después de ocho años y más cambios de formación. Ahora cuentan con el vocalista de Broken Bones, Jeff Janiak, quien no lo hace nada mal en
esta aventura de hardcore punk que hará las delicias tanto a los seguidores del D-beat como del grindcore. La sombra del mítico Hear Nothing See Nothing Say Nothing todavía es muy larga, y estas canciones están insufladas de rabia al igual que en 1982. No hay mucho más que destacar en un disco de Discharge: guitarras veloces, baterías como ametralladoras, gritos desenfrenados de odio y unas letras que no dejan títere con cabeza. Es lo que les ha caracterizado siempre, y aunque ahora cuentan con un punch extra en la voz de JJ, la sensación es la misma. Eso sí, Nuclear Blast les ha hecho el gran favor de otorgarles una producción decente que hace audibles a todos los integrantes en ciertos momentos de lucidez como en ‘Raped And Pillaged’. El resto, nada nuevo en el horizonte, pero es que nadie esperaba otra cosa. Hacer algo diferente hubiese sido un suicidio ético, así que Discharge siguen por la misma senda del macarrismo sonoro. Para siempre. JORGE FRETES
BAND OF HORSES Why Are You OK (INTERSCOPE/MUSIC AS USUAL)
INDIE ROCK, AMERICANA
78
L
a precaución es hija de la prudencia, y la cautela lo es de la astucia”. Leyendo esta cita no puedo evitar pensar que Ebn Bridwell debió interiorizar en algún punto de este último lustro las enseñanzas del sabio escritor De Mora. Lejos queda aquel ligero paso en falso realizado al grabar Mirage Rock en vivo junto a Glyn Johns. Con la lección bien aprendida, Band Of Horses regresan con Why Are You OK, LP de denso y consistente indie rock de raíces noventeras en el que se evidencia la mano de Jason Lytle (Grandaddy). Estilísticamente su regresión
es de lo más obvia, con piezas cercanas al armónico registro de Infinite Arms (‘Hag’) y algunas otras que bien podrían haber encajado en su vidrioso Cease To Begin (‘Whatever, Wherever’, ‘Barrel House’). Han madurado, pero continúan tomándose sus propias licencias. Por ello descubrimos en ‘Dull Times/ The Moon’, un tema de apertura de 7 minutos de duración forjado a dos caras, que falla la primera de ellas, con una monótona cadencia que incita a rebobinar hasta el minuto 5 del corte. Con ‘Country Teen’, sin embargo, nos brindan un two step excesivamente edulcorado. Ambos experimentos incitan al oyente a centrarse en el núcleo duro del disco, con la acelerada ‘Casual Party’ e ‘In A Drawer’ como buenas puntas de lanza. Coros adictivos y frenesí pop que bellamente ejercen como corazón de un refrescante y veraniego compacto. “Home is where the heart is”, exclama Ben en los primeros segundos del álbum... Toda la razón. PABLO PORCAR
NOTHING
Tired Of Tomorrow (RELAPSE)
SHOEGAZE, ROCK ALTERNATIVO
80
E
s chocante que alguien con una vida tan caótica y agitada como Domenic Palermo (a la entrevista que publicamos el mes pasado os remitimos) sea capaz de ofrecer música tan hermosa como la que aquí encontramos. Su segundo álbum mejora lo ofrecido en el debut Guilty Of Everything sin cambiar su estilo (en resumen, una puesta al día del shoegaze de los 90), pero ofreciendo canciones más redondas como ‘The Dead Are Dumb’ o ‘Vertigo Flowers’. Las melodías están mejor perfiladas, los riffs, más definidos, y el sonido,
cortesía del productor Will Yip, resulta más claro. Las guitarras crean ese efecto envolvente propio del estilo, pero a la vez no se diluye en atmósferas abstractas, haciendo que distingas perfectamente cada instrumento (notarás por ahí algunos arreglos de cuerda y piano) y que no tape la sosegada voz de Palermo. Usando el repertorio de efectos avanzados por My Bloody Valentine hace dos décadas, pero también recuperando el punch de los mejores Smashing Pumpkins (‘Curse Of The Sun’), Palermo y su mano derecha Brandon Setta prueban que todavía se puede hacer que un disco suene fresco con viejos recursos. Si bien la música te acaricia delicadamente, es en las letras donde Palermo vuelca su visión nada romántica de la vida, y ya sea en la nirvanera ‘Eaten By Worms’ o en la emotiva ‘ACD (Abcessive Compulsive Disorder)’, queda claro que la procesión va por dentro. Delicioso e inquietante a partes iguales. JORDI MEYA 91
EL ALTAR DEL HOLOCAUSTO
HAS DE SABER... FORMACIÓN: Reaper Model (batería), Sky Bite (bajo),
Weasel Joe (guitarra) PRODUCIDO POR: Justin Weis AFINES A: Russian Circles, God Is An Astronaut, Toundra PÁGINA WEB: elaltardelholocausto.bandcamp.com
E
n RockZone tenemos debilidad por la peña freak, honesta, humilde o currante de veras, y da la casualidad de que los integrantes de El Altar Del Holocausto atesoran estas cuatro cualidades. Lejos de consagrar su vida artística al El Altar Del Holocausto Ku Klux Klan, que también (AUTOEDITADO) habría sido gracioso, en una POST ROCK, POST METAL decisión muy nuestra, estas tres almas tomaron la determinación de dedicarle cada uno de sus movimientos al Altísimo, y así, tras patearse varias veces nuestro Estado, aquí están, con su tercer lanzamiento, un EP de apenas
70
13 minutos que nos llega tras dos largos. Lo que normalmente se le suele achacar a una publicación de estas características es su corta duración, pero en el caso de El Altar, lo que realmente debemos valorar es qué son capaces de demostrar en tan poco tiempo. Cristalinamente grabado en los Arcane Planet de su Salamanca natal y masterizado por Justin Weis en su Trakworx Studio de California, este trabajo homónimo evidencia que van a más y mejor con cada nueva epístola para sus fieles, circulando estos dos temas
no demasiado extensos por texturas y sensaciones tan distintas como la enigmática serenidad de los primeros compases de ‘Act I – CRVCIS’, una segunda parte de turbador y marcial post doom o, ya en ‘Act II – RESVRRECTIONEM’, reflejar el éxtasis que sentiría un fanático ante la perspectiva de una Semana Santa eterna. El cielo seguro que ya se lo han ganado, pero también estaría bien que no tuvieran que esperar a la otra vida para empezar a recoger lo sembrado aquí. Se lo merecen. PAU NAVARRA
HABLAMOS CON... REAPER MODEL ¿Qué ha pasado con los nombres de canciones súper largos y en castellano, además de las citas bíblicas? “Siguen estando ahí, pero en este EP hemos querido hacer referencia a la creación de El Altar Del Holocausto, su significado en la historia bíblica y la influencia lógica sobre la banda. En ‘Act I – CRVCIS’ y ‘Act II – RESVRRECTIONEM’ queríamos que fueran parte de un todo que se pueda escuchar de seguido, sin pausas, y como influencia en los títulos tomamos la muerte y resurrección de Jesucristo Nuestro Señor”. ¿Por qué una obra homónima esta vez? ¿Habéis culminado algo que al resto de la cristiandad se nos haya escapado? “Queríamos que fuera un interludio, un EP nos pareció el formato más adecuado antes de componer nuestro tercer disco. Nos veíamos necesitados de rendir esa pequeña ofrenda al Señor en forma de música. Creíamos que era el momen-
to oportuno para entrar en el estudio”. Que pasarais del dúo al formato trío creo que fue un punto de inflexión. Todo tomó mucho mayor sentido, os dio el espaldarazo definitivo para llegar hasta aquí. ¿Estás de acuerdo? “Sí, sin duda el incluir a un bajista en la banda era algo que tuvimos en mente desde el primer momento, solamente tuvimos que encontrar a la persona adecuada, y el hermano Sky Bite tenía las cualidades perfectas para dicho puesto. A partir de ese momento todo fue mucho más fluido y nos sentimos mucho más a gusto a la hora de componer los temas, abrimos un poco más nuestras mentes”. Al final de ‘CRVCIS’ hay un recitado femenino. ¿Creéis que el incluir voces será una tendencia al alza en vuestra música, que irá a más? En el segundo tema también hay ciertos coros… “Se trata de una cita del Éxodo 38:1, donde se explica cómo crear El Altar
del Holocausto y sus medidas. Ya en nuestro segundo disco –ShE- contamos con la colaboración de una soprano que nos prestó su preciosa voz en la intro ‘†††’. En esta ocasión quisimos contar con ella para que incluyera unos coros en ‘RESVRRECTIONEM’. Visto el resultado no descartamos seguir contando con ella en futuras ocasiones”. El enigma que envuelve al grupo al tocar enmascarados es parte de vuestro encanto… “Se trata de un sacrificio que hacemos, una ofrenda al Altísimo, no creemos que se trate de mirar más allá… Para nosotros es bastante complicado interpretar las canciones en directo, ya que tocar un instrumento sin apenas visión no es tarea sencilla”. ¿Qué bandas han sido esenciales para que naciera El Altar? “El Coro de la Basílica de San Pedro del Vaticano, Johann Sebastian Bach y Hubert Dopf S.J.”. (PAU NAVARRA)
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MEAN JEANS
Tight New Dimension (FAT WRECK)
PUNK ROCK
78
A
lgún fan añorado de los Ramones en la sala? Pues prestad mucha atención a Mean Jeans, el último fichaje de Fat Wreck. Y es que su tercer largo, el primero para el sello de Fat Mike,Tight New Dimension, no puede ser más ramoniano. No solamente despachan temas sencillos y ultramelódicos en menos de dos minutos como la banda de Queens, también el timbre de voz de su cantante recuerda al entrañable Joey. El parecido entre ambas bandas es tan razonable como buscado. ¡Si hasta se cambiaron sus nombres reales! Ahora son Billy Jeans, Junior
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Jeans y Jeans Wilder, una auténtica familia desestructurada como los Ramones. Las letras son estúpidamente juveniles, sin dobles lecturas, como era de esperar. Así, en sus temas confiesan estar muy chalados (‘Nite Vision’), recomiendan su dieta rica en cerveza (‘4 Coors Meal’) y comparten sin reparos su mal de amores (‘Trash Can’). Abundan las banalidades, como el torpe homenaje al Rey del Pop (‘Michael Jackson Was Tight’), incluso cuando intentan ponerse trascendentales (‘Are There Beers In Heaven?’). Aunque hacen ascos a la fama (‘Allergic To Succes’), algo que me dice que Mean Jeans persiguen sus propios himnos generacionales, como fueron aquellos ‘Blitzkrieg Bop’, ‘Beat On The Brat’, ‘Sheena Is A Punk Rocker’ o ‘I Wanna Be Sedated’. Y quizás sus doce nuevos temas no llegan a semejante calibre, pero conectarán seguro con muchos chavales. Sus melodías, frescas y desenfadadas, son infalibles. LUIS BENAVIDES
ONE LIFE ONE SENTENCE / EIGHT OVNCES Split 7” (CRUZADE)
HARDCORE, METAL
65
E
P en vinilo compartido por estos dos pesos pesados de la escena catalana: un grupo por cara, un tema por grupo. Me pregunto si no cabían dos canciones por banda, pero supongo que los surcos del 7” no daban para más. La cara A la ocupa ‘What If?’ de Eight Ovnces, Ocho Onzas, 8 Oz., o como los queráis llamar. De la forma que sea, el quinteto de Barcelona nos da una cálida bienvenida con un riff casi sureño. A continuación el resto del tema es capaz de derribar todo lo que se ponga por delante gracias
a un sonido apabullante. Se nota que Toti grababa sus guitarras y las de Orko en un estudio que se conoce muy bien (Bloq). La banda la completan Jordi a las voces, Marc a la batería y Raúl al bajo. Sus miembros no son precisamente unos chavales recién llegados y, antes de editar el EP The Contender, ya habían teloneado a varios grupos importantes de la escena hardcore internacional. Por su lado, One Life One Sentence (OLOS o 1L1S para los amigos) son los responsables de ‘Neverending Circles’: sólo os diré que cuando suene este tema en sus bolos yo no me metería en el pit por la que se pueda armar. Si su demo de presentación ya era heavy, esta composición sube un peldaño en el ránking de música pesada, violenta, infernal y llena de odio. A pesar de los cambios de formación (sólo queda un miembro original de Seeds Of Hate, la banda de Olesa de Montserrat que sirvió de germen de OLOS en el año 2011), el cuarteto suena como un buldózer. JORDI FORÉS
THE JAYHAWKS Paging Mr. Proust (THIRTY TIGERS/POPSTOCK!)
ROCK AMERICANO
60
S
i la salida de su miembro fundador y covocalista Mark Olson en 1995, justo después de haber publicado su obra maestra Tomorrow The Green Grass, planteó algunas dudas sobre el futuro de The Jayhawks, durante la siguiente década quedó claro que su otra cabeza visible, Gary Louris, era perfectamente capaz de tirar del carro. De hecho, a Mockingbird Time, el disco que grabaron en 2011 con Olson de nuevo en el grupo, lo situaría por debajo de los tres, Sound Of Lies, Smile y Rainy Day Music, que hicieron sin él. Así que su nueva salida en 2012
-según han contado los implicados en términos nada amistosos- no me supuso una noticia tan traumática más allá del factor sentimental de ver cómo dos tipos con tanto talento son incapaces de convivir. Como ocurrió la primera vez, Louris ha aprovechado la oportunidad para experimentar un poco más con el sonido del grupo, pero para su desgracia el efecto sorpresa ha desaparecido. En 2016 escuchar un tema folk sobre un loop (‘Pretty Roses In Your Hair’) o coger una base krautrock y añadirle una guitarra noise (‘Ace’) difícilmente resultará rompedor para cualquiera que haya escuchado a Wilco. Y los temas más tradicionales como ‘Quiet Corners & Empty Spaces’, ‘Isabel’s Daughter’ o ‘Devil In Her Eyes’, con sus armonías vocales, solos a lo Neil Young y mezcla de country y pop, seguramente nos gustan más porque nos recuerdan a los Jayhawks de siempre que por su verdadero valor. Escuchar Paging Mr. Proust resulta sumamente agradable, pero ya no emociona. JORDI MEYA
ABNORMALITY Mechanisms Of Omniscience (METAL BLADE)
BRUTAL DEATH METAL
70
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ras armar cierto revuelo con su debut, los estadounidenses Abnormality vuelven a la actualidad con su segundo álbum, un Mechanisms Of Omniscience que ya les sitúa fuera del underground más profundo al fichar por Metal Blade. No se puede negar que la principal atracción de esta banda reside en el hecho de que el chorro brutal death proviene de una chica, Mallika Sundaramurthy, pero lo cierto es que, si no te lo dijeran, nunca lo imaginarías escuchando su gutural ahogado. Sus labores tampoco es que sean un prodigio, pero mola mucho
que de vez en cuando algunas se animen a poner los ovarios encima de la mesa. Abnormality están fuertemente influenciados por la escuela de Nueva York, sobre todo por Suffocation en temas como ‘Vigilant Ignorance’ o ‘Hopeless Masses’, pero como comprobarás tras el primer y esperanzador blast de ‘Swarm’, ni son Suffo, ni Pyrexia, ni Deeds Of Flesh, ni Putridity, ni Wormed, ni nada que se le parezca. Aunque son divertidos de escuchar y desde luego entretienen, la sensación de que esto ya lo has vivido en una mejor versión se extiende a todo el recorrido de esta obra. De todas formas, ‘Cymatic Hallucinations’, la lograda ‘Synthetic Pathogenesis’ o ‘Consuming Infinity’ te van a dejar despeinado si no estás demasiado familiarizado con este tipo de sonidos. La personalidad que demuestran apostando por una fémina al micro debería también trasladarse a las composiciones, algo que de momento está por ver. Aquí falta imaginación, riesgo y un poco más de mala uva. PAU NAVARRA 95
THE POSIES Solid States (LOJINX)
POP ROCK
65
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as últimas noticias relacionadas con The Posies habían sido más bien tristes. El año pasado nos llegaba la del fallecimiento de su batería Darius Minwalla y éste la de su exbajista Joe Skyward. Pero por fin sus seguidores tienen algo que celebrar con la publicación de su octavo álbum, Solid States. Es justo decir que hoy en día The Posies es sólo un proyecto más dentro de las carreras de Jon Auer y Ken Stringfellow, y que su manera de trabajar, componiendo y grabando por separado, no es la que normalmente asociamos al concepto de banda. Pese
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a ello, la coherencia de este nuevo trabajo hace pensar que el dúo de Washington -curiosamente ambos músicos residen en Francia desde hace años- ha encontrado una fórmula que les funciona. Como sus autores habían advertido, éste es un disco distinto, con más presencia de sintetizadores y electrónica (la balada ‘The Sound Of Clouds’ parece salida del último disco de Radiohead), pero lo cierto es que su estilo sigue siendo reconocible. De hecho, el abandono del sonido más guitarrero de sus días de gloria en los 90 por uno más sofisticado y experimental provoca que, paradójicamente, Solid States me haya recordado a sus dos primeros discos, Failure y Dear 23, por su vocación claramente pop. Personalmente echo en falta algo más de tensión y nervio, pero no hay duda de que Auer y Stringfellow todavía son capaces de ofrecer temas brillantes (‘We R Power’, ‘Scattered’ y ‘Squirrel Vs Snake’) e hilvanar melodías y palabras con astucia. JORDI MEYA
CORIZONAS
Nueva Dimensión Vital (SUBTERFUGE)
POP ROCK
55
L
a unión entre Arizona Baby y Los Coronas comenzó con un par de giras conjuntas, se consumó en matrimonio por todo lo alto con una obra redondísima como lo fue The News Today y se ha ido prolongando con una sempiterna presencia en prácticamente todos los festivales. Pero con casi ya un lustro de convivencia, se exigía renovar el repertorio con un nuevo trabajo, y para ello ha llegado Nueva Dimensión Vital, en el que madrileños y vallisoletanos apuestan por un cambio de rumbo, empezando por el idioma. Siempre valoro a aquéllos que se atreven a ir
en busca de nuevos caminos para expandir su música, pero me temo que en esta ocasión Corizonas han acabado un tanto perdidos. Resulta extraño que habiéndose desprendido en parte de sus influencias externas más evidentes (el spaghetti western, la psicodelia, las guitarras surferas...) ahora suenen con menos personalidad y más estandarizados. Las letras de marcada tendencia hacia la crítica social de manera un tanto irónica (‘La Cuerda Que Nos Dan’, ‘Todo Va Bien’, ‘Vivir Y No Pensar’) resultan excesivamente manidas y muy poco sorprendentes, así como las líneas vocales de Javier Vielba, que no terminan de enganchar como antaño. Tampoco las guitarras de Javier Pardo y David Krahe o la trompeta de Yevhen Riechkalov tienen la misma incidencia que en su debut. Y aunque es posible rescatar algunos cortes de la quema, como ‘Místicos En Éxtasis’ o ‘Las Paredes Bailan’, me temo que tendremos que esperar a verles de nuevo en acción sobre los escenarios para saber si no han perdido definitivamente todo su mojo. GONZALO PUEBLA
BE’LAKOR Vessels (NAPALM)
DEATH METAL MELÓDICO
80
Q
ue el death metal melódico está absolutamente desprestigiado por culpa de la ignominia infantil de muchas de sus bandas es una verdad como un templo. Que actualmente en este estilo no todo es la insufrible caspa de In Flames o Arch Enemy, también lo es. Be’lakor podrían ser un buen ejemplo, y es que si echas de menos el genuino Sonido Göteborg, ya tardas en salir corriendo hacia tu tienda de discos. Eso sí, tras doce años de trayectoria y siendo éste su cuarto largo, los australianos demuestran de nuevo en Vessels que son lo comentado y mucho más. Me explico: es obligatorio
emparentarles con el death sueco más ornamentado y asequible, pero no se les puede negar tampoco una personalidad a prueba de bombas. El regusto progresivo de los 2 minutos que abren este plástico en forma de ‘Luma’ se ve multiplicado exponencialmente en la siguiente ‘An Ember’s Arc’, un corte lleno de alternativas, recovecos y belleza que casi alcanza los 9, y ya no digamos en ‘Withering Strands’, un recorrido aún más generoso por todo lo que pueden ofrecer como músicos. Lo que personalmente más les valoro es que George Kosmas apueste por un gutural profundo y viril, demostrando así que son una banda de melodeath, de acuerdo, pero que reniega de la inmunda comercialidad que pasta a sus anchas por dicha escena. Pisando lo justo el acelerador, componiendo desde el corazón, es imposible que un fan de Dark Tranquillity y compañía no caiga rendido antes estos caballeros tras escuchar una canción como ‘Whelm’. Desde el culto que ya muchos les profesan, intuyo que Vessels será el trampolín definitivo para Be’lakor. PAU NAVARRA
MIKE & THE MELVINS Three Men And A Baby (SUB POP/POPSTOCK!)
ROCK ALTERNATIVO
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icen que más vale tarde que nunca, y este enorme disco de grunge pesado no es una excepción. Y es que el presente trabajo, Three Men And A Baby, fue grabado prácticamente en su totalidad en 1999 en los estudios Louder de San Francisco. El año pasado remataron el disco en el Sound Of Sirens de Los Ángeles y ahora se publica vía Sub Pop. Lo que pasó durante todo este tiempo es una absoluta incógnita, pero damos las gracias a todas las partes implicadas, comenzando por el sello de Seattle y acabando por el imprevisible King Buzzo, por no dejar estas cintas
cogiendo polvo. Mike es Mike Kunka, cantante y bajista de los GodheadSilo, y los Melvins no necesitan presentación, ¿verdad? Con este expediente X en forma de disco los cuatro músicos saldan una cuenta pendiente con ellos mismos y, de rebote, nos regalan un discazo noventas inédito bien entrado el 2016. Magia para mis oídos. En Three Men And A Baby encontramos la distorsión primitiva de los primeros Melvins que marcó a fuego la adolescencia de Kurt Cobain (‘Chicken ’N’ Dump’ y ’Limited Teeth’), un blues decadente y psicotrópico (‘A Dead Of Worthless Junk’ es un colocón), algo de heavy pop cavernoso (las abismales ‘Dead Canaries’ y ‘Gravel’), canciones a cuatro voces para no dormir (‘Pound The Giants’) y salpicones de humor absurdo (‘A Friend In Need Is A Friend You Don’t Need’ es una broma y la final ‘Art School Fight Song’ es una mierda grindcore tan absurda que mola). Sonará a topicazo, pero la espera mereció la pena y firmo ya aguardar otros 15 años si aseguran otro disco así. LUIS BENAVIDES 97
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ZOAX Zoax
(CENTURY MEDIA)
ROCK, ROCK PROGRESIVO
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e hace gracia cuando Adam Carroll dice que ya no escriben singles tan caóticos como ‘Bitter Angry Fake’... más que nada porque es cierto. Tras un par de EPs, con los cuales se han labrado un nombre en esto del prog rock de corte moderno (pensemos en unos Protest The Hero con menos revoluciones), ahora llegan con su lanzamiento más equilibrado hasta la fecha. El homónimo de los ingleses nos descubre a una banda aún caótica pero manejando el descontrol con precisión para que las cosas no se les vayan de las manos. Que no te engañe el single ‘The Bad Blood’ porque es lo más seguro que han hecho en toda su carrera, apostando y apelando a sus otras dos referencias. El resto del álbum es un cuadro de diferentes
E MONSTER MAGNET
Superjudge (Deluxe) (SPINEFARM/MUSIC AS USUAL)
HARD ROCK, STONER ROCK
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n ocasiones, cuando escucho algunos de los discos de Monster Magnet, especialmente los publicados en los años 90, me pregunto por qué no me encuentro ante una banda exitosa y consagrada. Tal vez la razón sea que saltaron al ruedo en un momento en el que el grunge estaba en su máximo apogeo, y la gente no quería ni oí hablar de heavy metal o hard rock, en los que tampoco encajaría su estilo inigualable. En cualquier caso, aunque Monster Magnet nunca hayan destacado a nivel comercial, lo cierto es que
matices. La melodía y los coros memorables siguen siendo su fuerte, eso y la increíble labor que el batería Jonathan Rogers realiza en estas doce canciones que transcurren en poco más de 40 minutos. Cinco músicos talentosos y desplegando sus influencias más suaves en el estudio, seguramente descartando miles de piezas anteriores para poder darle un sentido coherente a este nuevo lanzamiento. Su gran poder reside en apelar a
diferentes públicos, porque pueden ser blueseros por momentos, progs en otros, jazzeros a ratos, pero todo con mucha alma y carisma. Zoax tienen sex appeal en su nueva entrega, la más accesible y larga hasta la fecha, en la que nada se hace por el mero hecho de rellenar un espacio. Todo tiene un motivo, y aunque la locura haya cedido terreno al sentido, son cortes creados para perdurar en el tiempo.
han sido una gran influencia para muchas bandas. Superjudge es su segundo disco, y el primero en el que participó el guitarrista Ed Mundell. El sonido original antes de ser remasterizado para esta reedición era mucho más crudo y sucio, quizá porque la discográfica decidió que Dave Wyndorf se encargara de producirlo. El propio cantante reconoce que se le fue de las manos dada su inexperiencia ante una mesa de mezclas, pero gracias a la labor de Andy Pearce, esta edición mejora mucho estas grabaciones, aportando mayor calidad a temas como ‘Dinosaur
Vacume’, el lisérgico ‘Superjudge’ o la versión de ‘Evil’ de Willie Dixon, que hizo famosa en 1954 Howlin’ Wolf. Además el lanzamiento cuenta con un CD con extras, que incluye caras B como ‘Unsolid’ o ‘Medicine’, temas de una sesión para la BBC y otros en directo que confirman que Monster Magnet, encima de un escenario, son imbatibles. Superjudge quedará siempre en un puesto discreto en la discografía de la banda de New Jersey, pero es sin duda un magnífico prólogo a las dos obras maestras que le siguieron.
JORGE FRETES
TOI BROWNSTONE
principal artífice de este proyecto sea Nano Ruiz, el responsable del sello, exguitarrista de Habeas Corpus (de hecho MARS y Mr. Chifly colaboran con unos gritos) y actualmente en Deniro. Supongo que Nano tenía ganas de volver a sus raíces punk después MIERDA Mierda Para Ti, Para Mí de tantos años componiendo (LENGUA ARMADA) música más sofisticada y PUNK rockera. Porque, al fin y al cabo, esta Mierda es una 70 punkarrada: básica, cruda y visceral. El primer largo de este trío madrileño que engua Armada es completan Mario González un sello discográfico y Kevin Kajetzke recuerda que lleva desde el a Cicatriz, Eskorbuto o Sex 2000 en activo y su lema es Pistols (Nano emula muy bien “Lenguaje constructivo”. Una la forma de cantar de Johnny de sus últimas referencias es Rotten en ‘Yo Mismo’) y sus el primer disco de Mierda y esputos dan en el blanco, con títulos como ‘Cabrón’, especialmente ‘Manos ‘No Creo En Nada’ o Atadas’, ‘Esclavos’, ‘El Ogro’ ‘Dios Ha Muerto’ ya os y ‘Sectas’. Además, entre los podéis imaginar que, por temas se intercalan algunas el contrario, aquí todo es de las mejores pifias de lenguaje destructivo. A lo Mariano Rajoy delante de largo del CD pilla todo el un micro y en el artwork se mundo: el gobierno, los incluyen unos dibujos punkis políticos, la monarquía, la muy guapos del cómic Punk religión, el capitalismo, los Rock Jesus de Sean Murphy, empresarios, los sindicatos, quien parece que ha querido la policía, la sociedad modernizar el estilo de Peter actual en general… Me Pank. ha sorprendido que el JORDI FORÉS
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CABEZA DE CABALLO Dölmenn
(DISCOS MACARRAS)
HEAVY ROCK, DOOM METAL
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gnoro si los homínidos detrás de Cabeza De Caballo quisieron hacer un guiño a El Padrino con su nombre de banda, pero lo que sí tengo claro es que don Corleone no habría tenido huevos a dejarles algo así en sus camastros. Más brutos que un arado, tan rudos que parecen recién salidos de una cueva de Atapuerca, como segundo álbum los andaluces levantan ahora un Dölmenn pesado y rocoso como él solo, donde más que canciones hay cachiporras. Es posible que con ‘Last Words Of Walter Kovacs’ o ‘Watheley’s Baby’ te acuerdes de los primeros Mastodon o
sobre todo High On Fire, pero donde Cabeza sacan pecho, y peludo de veras, es con un temazo como ‘The Dölmenn’, donde lo dan todo. Qué manera de maltratar su batería, Antonio Caparrós, qué tipo tan primitivo… La semi acústica ‘Cahrahb I – Arise To Earth’ sirve para descansar algo los oídos y, así, te prepara para el largo tripazo que su segunda parte va a significar para tus maltrechas neuronas, con un blast beat incluido a modo de estampida de paquidermos. Con todos los miembros cumpliendo perfectamente con su cometido, aportando también algunos estupendos solos de guitarra, donde me gustaría hacer un alto es en las labores del cantante Javyer López, quien definitivamente aporta esa clase necesaria para desmarcarles por encima de la media. Lejos de sonar modernos, tampoco son sólo otra copia de copia vintage. Cualquier paleontólogo que siga buscando el eslabón perdido de la humanidad haría bien en dirigir sus pasos hacia Granada. PAU NAVARRA
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AVATAR
Feathers & Flesh (EONE MUSIC)
ROCK, METAL
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eathers & Flesh es como si el circo del metal viniese a la ciudad, y en el buen sentido de la palabra, porque si algo tiene este álbum conceptual de los suecos es una canción para cada fan. Varían entre el metal alternativo, el surf rock, toques de funk y hasta con destellos de doom en ciertos momentos, donde todo parece estar preparado exclusivamente para el directo. Lo que podría parecer un caos al intentar tocar tantos palos ha resultado una experiencia enriquecedora si lo comparamos los dos últimos discos de la banda, porque canciones como ‘Black Waters’ son cosas que no habíamos escuchado antes y que sin duda podrían atraer a nuevos seguidores a este teatro rock. Y es que la novedad viene de la mano
O
SATURNA Saturna (PRC MUSIC)
ROCK
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100
s hemos dado la brasa más de una vez con este grupo, y estamos orgullosos de que una apuesta tan personal siga creciendo y alcance el nivelazo que ahora mismo poseen los catalanes. La llegada de Jimmy, su nuevo cantante, no sólo los hizo avanzar a nivel vocal, sino que además les empujó a una nueva dimensión donde el grupo ha encontrado, finalmente, su estilo único y personal. No os preocupéis, tampoco han cambiado tanto... cuando se ponen burros siguen sonando tan pesados y abrasivos como siempre (escucha ‘Five Fools’),
de canciones mucho más trabajadas en el campo compositivo, donde no les importa extenderse más de 5 minutos si es necesario. Las letras atrapan más que nunca y son como hilos que van tejiendo una experiencia única. Tenemos ritmos rockeros de verbena en ‘The Eagle Has Landed’, píldoras de prog rock en ‘New Land’ o metal abrasivo en ‘Raven Wine’, que por momentos hasta puede recordar a
Gojira y en otros a unos Faith No More pasados de tuerca. Las baterías y las líneas de bajo se ponen por delante en una producción sobresaliente. Entretenido, fresco y, por encima de todo, diferente. Avatar finalmente han logrado ese disco tan ecléctico que venían buscando. No te pierdas los art videos que han colgado en YouTube para acompañar al álbum.
pero el tono noventero de la voz de Jimmy y el arriesgado desarrollo de las nuevas canciones han enriquecido tremendamente su propuesta. ‘Birds In Cages’ por ejemplo continúa poseyendo todo ese poderío sabbáthico que siempre han exhibido, pero no se trata sólo de tumbarnos con un potente riff... ¿Te imaginas que Tony Iommy hubiese invitado a Perry Farrell a cantar en alguna canción? Pues eso. ‘A Place For Our Soul’ es otro de esos temas que los colocan un peldaño arriba. Menuda joya. Aires de psicodelia floydiana te van envolviendo entre deliciosas slides y arpegios esotéricos
mientras las voces parecen grabadas por Jeff Buckley. Una sugerente línea de bajo da comienzo a ‘All Has Been Great’, otra avalancha de rock cavernoso marca de la casa que te podría recordar a los Soundgarden de Badmotorfinger si no fuera porque Saturna, sencillamente, poseen su propio sonido. Desde la grabación muchas más cosas han pasado, pero dejaremos que ellos mismos nos lo cuenten más adelante. De momento disfrutemos de este tercer largo de una banda, no ya prometedora, sino absolutamente imprescindible.
JORGE FRETES
ANDRÉS MARTÍNEZ
THE AMPHETAMINE EATERS
Living A Double Life (PICNIC/EATING SHIT)
PUNK ROCK
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ace ocho años los míticos The Amphetamine Eaters echaron el freno de mano a su carrera cuando su batería abandonó la banda para dedicarse a su familia. El resto puso en marcha otros proyectos como Zen Cohetes y Los Re-sonators. Pero aquí están los de Olesa de Montserrat otra vez, con el motor rugiendo y muchas ganas de hacer kilómetros. ‘On The Road Again’, toda una declaración de intenciones, apareció como adelanto a finales de 2014. Y hemos tenido que esperar más de un año
para escuchar el presente Living A Double Life, un título que precisamente hace referencia a los malabarismos que tienen que realizar bien entrados en los 30 para seguir en la brecha del punk rock. Los cuatro nuevos temas de este EP, parido por dos de los tres miembros originales y Aleix de Bye Bye Pedro al bajo, balancean entre el punk rock y el punk pop. En otras palabras, están más cerca del hardcore melódico de su debut, Domestic Violence, homenajeado también con el peluche gigante de la portada, que del punk’n’roll escandinavo de Soft Porn Engine. Etiquetas al margen, este trabajo es una celebración y derrocha entusiasmo, energía y buen rollo. Cortes como ‘Wasting My Life’ y ‘These Little Problems’, con esas melodías rasposas marca de la casa, no defraudarán a sus viejos seguidores y, lo que es mejor, deberían conectar con las nuevas generaciones que ahora disfrutan al máximo con Iron Chic, Red City Radio y compañía. LUIS BENAVIDES
WOLVES IN THE THRONE ROOM
Diadem Of 12 Stars (Reissue) (ARTEMISIA)
BLACK METAL
90
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as reediciones ‘porque sí’ (esto es, sin material inédito de bonus ni remezclas o nuevas masterizaciones) no tienen mucho sentido, a no ser que hablemos del disco debut de Wolves In The Throne Room. Se trata de una de las bandas fundamentales de la nueva oleada de black metal norteamericano, y ya en 2005, cuando realizaron la primera tirada, fue bastante difícil hacerse con una copia. Lo que no fue complicado fue ganarse el corazón de una escena siempre hambrienta de nuevos experimentos, porque si tomas lo mejor
de la escuela noruega del black y vas mezclándolo con toques de Neurosis o Swans, además de pizcas de doom, obtienes lo que Wolves In The Throne Room lograron al practicar un rito donde también había cabida para el folk. Cuatro canciones para cambiar no sólo el rumbo de la banda y sus integrantes, sino crear un gran impacto en la entonces cerrada hermandad del black metal. En realidad los instrumentos que se ejecutan en este álbum no son los que denotan la belleza de piezas como ‘Face In A Night Time Mirror’ (parte 1 y 2), sino la atmósfera que crean esos gritos desesperados y los sintetizadores que emulan a trabajos realizados por artistas ‘más relevantes’ en otros campos, como Ulver. Un choque frontal entre post rock y black metal en guitarras. No hay corpse paint, no hay sobrenombres, sólo música y mucho bosque. Si Deafheaven te han motivado alguna vez, Wolves In The Throne Room serán tu banda favorita empezando por aquí. JORGE FRETES
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MUCH THE SAME
CUANDO MUCH THE SAME ANUNCIARON SU SEPARACIÓN EN ABRIL DE 2007, POCO CABÍA IMAGINAR QUE EL PASO DEL TIEMPO ACABARÍA CONVIRTIÉNDOLES EN UNA BANDA DE CULTO DENTRO DEL HARDCORE MELÓDICO. CASI UNA DÉCADA DESPUÉS, APROVECHAMOS SU ÚNICA FECHA EN EUROPA EN EL GROEZROCK PARA QUE NOS CONTASEN TODOS LOS DETALLES DE SU RETORNO. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: GRESLE PHOTOGRAPHY
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ÚN LO RECUERDO: fue hacia finales de 2006 cuando un buen amigo me insistió en que debía darle una escucha al segundo disco de Much The Same, una pequeña formación de Chicago que unos años antes había publicado también un primer largo titulado Quitters Never Win. Si bien Survive no suponía nada nuevo para cualquiera que estuviese familiarizado con el hardcore melódico, lo cierto es que canciones como ‘The Greatest Betrayal’, ‘Gut Shot’ o ‘Take What’s Yours’ desprendían la fuerza suficiente como para no considerarles como unos más entre todo el rebaño. Curiosamente, pocos meses después acabarían dando un par de fechas en España en el que fue el primer y único tour europeo de su trayectoria, ya que al acabar
éste anunciarían su disolución.Y ahí pareció acabar la historia. Un caso más como tantos otros grupos de una carrera corta y apenas un par de discos que quedarían en la memoria de los fans más nostálgicos. Lo que nadie podía pensar es que esa nostalgia fuese aumentando entre el público a lo largo de los años que la banda estuvo desaparecida, formando una especie de culto a su alrededor cuando ni siquiera durante el tiempo que estuvieron en activo habían conseguido un impacto notable dentro de su escena. Incluso llegó a editarse un álbum de tributo en el que participaron varias bandas internacionales, entre ellas nuestros Adrenalized acelerando aún más si cabe ‘The Greatest Betrayal’, seguramente su tema más celebrado.
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Tal vez fue ver ese feedback lo que hizo que finalmente en marzo de 2015 Chris ‘Gunner’ McGrath (voz, guitarra), Frank Tsoukalas (bajo) y Dan O’Gorman (guitarra) se animasen a regresar reclutando a su colega Mike Ford de Break The Silence para situarse tras la batería. Eso sí, sólo para actuar en su ciudad de manera esporádica, declinando toda posibilidad de acercarse a otras ciudades u organizar una gira en condiciones. Europa quedaba lejos, pero entonces ocurrió lo que parecía imposible y el Groezrock se apuntó un tanto consiguiendo que el pasado mes de abril cruzasen el charco para una única fecha exclusiva en todo el Viejo Continente. Coincidiendo con nuestra visita al festival belga, nos citamos con ellos para sentarnos unos minutos y hablar largo y tendido sobre su momento actual, los tiempos pasados y lo que pueda estar por llegar en un futuro no muy lejano. ¿Cuándo y cómo decidisteis que era un buen momento para reuniros? CHRIS ‘GUNNER’ McGRATH “Bueno, los chicos y yo llevábamos ya un tiempo pensando en intentarlo, pero nunca se daban las circunstancias para que funcionase. Yo tengo dos niños, al igual que Dan. Tenemos muchas otras cosas en nuestras vidas de las que ocuparnos. Personalmente, no me gustaría que acabásemos priorizando el grupo por encima de todo lo demás. Durante mucho tiempo, para mí estar en la banda era como una manera de darle un valor a mi propia vida, sentir que valía para algo. En el curso de los años que pasaron después de que lo 104
dejásemos, me di cuenta de que no era saludable centrarme en lo que estaba haciendo como hobby para sentir que tenía mi propia identidad. Pase una temporada en la que no quería volver a los escenarios porque entonces todo sería una cuestión de ‘¡Oh! Espero gustarle a la gente’. Así que tenía que llegar a un punto en mi vida en el que pudiese subirme a un escenario y no tener que
preocuparme por eso. Estuve en un grupo de punk cantando sobre que no me debería importar lo que piense la gente, y en retrospectiva me di cuenta de que sí que me preocupaba acerca de lo que pudieran pensar los demás. Ahora finalmente soy lo suficientemente adulto para decir ‘OK, voy a subir ahí arriba y pasarlo bien. Si a la gente le gusta, genial. Si no es así, eso no cambia quién soy’.
“CREO QUE LA ESCENA PUNK ROCK ES MÁS FUERTE AHORA QUE CUANDO ÉRAMOS UN GRUPO A TIEMPO COMPLETO. HACE DIEZ AÑOS ESTE TIPO DE MÚSICA NO ERA TAN GRANDE"
DAN O’GORMAN
ciado a hacer giras para sólo centraros en vuestra ciudad? CHRIS “Realmente eso es un asunto familiar. Amo a mi mujer y a mis hijos. Recuerdo que cuando estábamos de gira, aunque era algo por lo que todos pasamos y en gran parte fue por mi culpa, había días en los que pensaba ‘¿Por qué me estoy marchando de casa durante un mes dejando aquí a la gente que quiero para meterme en una furgoneta con una panda de tíos que no me gustan?’. Era duro pensar en eso. Ahora hemos venido hasta aquí para cuatro días y hay mucha gente preguntándose por qué no giramos o hacemos más conciertos, cosa que nos encantaría. Pero incluso aunque sean sólo cuatro días lejos de casa, es algo que detesto. Ojalá fuese tan simple como venir, estar un par de días y volver, pero no es posible”. Puedo ir a casa y tengo a mi mujer, mis hijos y mi familia, que son los que me importan de verdad, al igual que mis amigos. Por otra parte, también nos dimos cuenta de que había mucha gente que nos preguntaba si íbamos a regresar y tocar, por ejemplo, en el Groezrock. Entonces pensamos: ‘¿De verdad es posible? ¿Podemos hacerlo?’. Así que cuando nos invitaron para tocar en el festival
fue como una buena patada en el culo (risas). Decidimos ir a por todas y hacerlo. Que nos hayan ofrecido venir tan sólo un año después de que nos reuniésemos ha sido toda una sorpresa”. Por el momento, sólo estáis realizando conciertos de manera muy esporádica en Chicago. ¿Por qué habéis renun-
Pero por ejemplo en Estados Unidos tal vez sí que podríais salir a tocar por ahí los fines de semana al menos… CHRIS “Pero Estados Unidos no es como Europa. Recientemente, Bigwig nos propusieron hacer un par de fin de semanas con ellos, uno en Chicago y otro en ciudades vecinas. Y les dijimos que nadie vendría a vernos si esto empezaba a ser algo constante 105
o si al final acabamos tocando en diferentes estados. Podríamos ir a donde fuese y quizás sólo habría una o dos personas interesadas. Lo que vimos la primera vez que tocamos en Chicago cuando nos reunimos fue que vino mucha gente en coche. El último concierto que dimos vinieron unos chicos conduciendo desde Kentucky, que está a unas diez o doce horas en coche. No quiero decir con esto que la gente tenga que venir hasta nuestra ciudad para vernos, pero por nuestro estilo de vida, ahora mismo sólo podemos tocar donde nos resulte sencillo hacerlo y que la gente venga a vernos si quiere. Para nosotros tener que salir fuera supone mucho esfuerzo, ni siquiera tenemos una furgoneta o un tráiler donde llevar todas las cosas. Es demasiado trabajo para acabar tocando para cinco personas”. 106
Bueno, pero quizás realmente sí que haya más de cinco personas en cada ciudad que estén interesadas en ver a Much The Same… CHRIS “No lo creo. Al menos no en Estados Unidos, estoy convencido. Sé que hay gente en California esperando para vernos, pero hablando en serio, te diría que apenas habrá unas 500 personas en todo el país que sepan quiénes somos y que todavía estén interesadas en nosotros. Y quizás incluso esté siendo optimista con esa cantidad. Cuando dimos nuestro concierto de reunión en 2011 fue increíble ver a tantísima gente. Pensábamos ‘¿Dónde estabais hace cinco años?’ (Risas), y en realidad ya estaban todos allí, sólo que en conciertos individuales a lo largo de todo el país. Cuando salíamos de gira para intentar hacer nuevos fans, los chicos solían ir a ver
al grupo que les interesaba o al grupo de sus amigos y se piraban sin ver a las demás bandas que tocaban en el concierto. Y nos pasaba todas las noches. No teníamos dinero suficiente para pagar la gasolina y tocar delante de gente a la que le dábamos igual noche tras noche. Pero Europa fue distinto. Tocamos durante cinco semanas y todos los conciertos fueron geniales. Quizás no hubo muchísima gente, pero a los que estaban allí sí que les importábamos de verdad. Ganábamos dinero suficiente como para movernos hasta la siguiente ciudad sin tener que pagar de nuestros bolsillos. La gente piensa que lo hicimos bien, pero lo cierto es que aún tengo una deuda de 4.000 dólares de la vez anterior que tuvieron que salir de mi cuenta. Nunca hicimos nada de dinero”. Este concierto que vais a dar
“PARA NOSOTROS TENER QUE SALIR FUERA SUPONE MUCHO ESFUERZO, NI SIQUIERA TENEMOS UNA FURGONETA O UN TRÁILER DONDE LLEVAR TODAS LAS COSAS. ES DEMASIADO TRABAJO PARA ACABAR TOCANDO PARA CINCO PERSONAS"
CHRIS ‘GUNNER’ McGRATH
en el Groezrock va a ser vuestra única actuación en Europa. ¿Cómo se dio la oportunidad de que pudieseis cruzar el Atlántico hasta aquí? CHRIS “En realidad fueron un montón de mails que se fueron cruzando. Nuestro batería Mike conoce al tío que lleva el Groezrock desde que él estaba en Break The Silence, así que le envío un mensaje. Otro amigo nuestro que conducía nuestra furgoneta antes y que es nuestro agente en Destiny Booking también le escribió, pero creo que fue Brian de Counterpunch quien finalmente consiguió ponernos en contacto. No sé cuántos de esos mensajes formaron parte del proceso, pero un día recibí un mail de Brian diciendo: “Hey, el Groez quiere que vayáis a tocar”. Y ahí es donde empezamos. Counterpunch tienen gran parte de culpa de que estemos aquí. Ellos también son de Chicago y somos viejos amigos, así que es fantástico que haya sucedido de esta manera”. Lo cierto es que vuestra trayectoria fue muy corta, con apenas un par de álbumes... ¿Qué recuerdas de aquella primera etapa? CHRIS “Hubo muchas pequeñas cosas. Nuestras cinco semanas en Europa fueron sin duda un gran momento, incluso aún sabiendo que al final de esa gira iba a dejar el grupo cuando volviésemos a casa. En un principio ni siquiera quería ir,
pero sabía que iba a ser genial y fue muy duro dejarlo justo después porque fue la mejor gira que hicimos en toda nuestra carrera. Era nuestro mejor momento y al mismo tiempo, estaba pensando: ‘¿Cómo les voy a decir esto ahora a estos chicos? ¿Qué voy a hacer?’. Fue muy extraño para mí estar en la mejor gira de mi vida y saber que no iba a seguir. Aun así, tengo muy buenos recuerdos. Pudimos abrir para varias de nuestras bandas favoritas. Una vez tuvimos la oportunidad de tocar con Bad Religion, también con Thrice e incluso con Rise Against un par de veces, con quienes estuvimos de gira unas semanas junto a Anti-Flag. Hicimos amistad con Strike Anywhere, A Wilhelm Scream, Break The Silence, The Swellers, No Trigger… muchos grupos buenísimos. Supongo que eso es con lo que me quedo a pesar de que hubiese conciertos en los que a la gente le diésemos igual, muchas noches durmiendo en una furgoneta… Me gustaba girar cuando empezamos, porque era más joven. Estuve viviendo con mis padres hasta los 28 años, así que cualquier cosa que fuese salir de casa y hacer algo por mi cuenta ya era excitante, pero al mismo tiempo, era muy frustrante el saber que estábamos haciendo algo bueno pero que nos costaba muchísimo conseguir que nos prestasen atención, especialmente en Estados Unidos. Ésa fue la parte que no me gustó. Echando la vista atrás, me doy cuenta de que no era un buen
tipo con el que estar. Pensaba que todo el mundo eran un puñado de gilipollas y fue difícil lidiar con ello, por eso no duramos demasiado. Me comportaba como un crío, pero ahora es distinto”. (En este momento el resto de miembros del grupo se incorporan a la entrevista –ndr.) Chicos, me gustaría saber cómo vivisteis vosotros el momento en el que Chris decidió dejar Much The Same. DAN O’GORMAN “Bueno, no sé de lo que habréis estado hablando hasta ahora, pero cuando nos lo dijo nosotros ya lo sabíamos, así que no fue una sorpresa. Pero fuimos comprensivos con él y lo aceptamos, aunque sabíamos que eso suponía el fin del grupo”. Sin embargo, a pesar de todo el tiempo que estuvisteis inactivos, hubo muchísima gente que aún se seguía acordando de vosotros e incluso consideran vuestro segundo disco, Survive, como uno de los mejores en la última década dentro del hardcore melódico. DAN “Para mí Survive supuso una gran colaboración por parte de todos nosotros. Todos aportamos algo, íbamos en la misma dirección y no había egos de ningún tipo, así que escuchar que a la gente le gustaba ese disco fue emocionante. Y no teníamos ni idea de todo eso hasta 107
que lo dejamos. Sólo nos estábamos divirtiendo y no pensábamos en nada más. Así que ahora todo esto que está pasando nos resulta raro. Cuando nos pidieron que tocásemos en el Groezrock nos dimos cuenta de que teníamos que empezar a escribir nuevas canciones, porque si no la gente quizás se cansaría muy pronto de nosotros si no ofrecíamos nada nuevo. He estado componiendo con Frank desde hace años... incluso cuando estuvimos separados, seguimos tocando en un grupo junto a Mike. Y quería seguir haciéndolo pero esta vez junto a Chris, porque él sabe darle un toque distinto a las canciones. Si a la gente no le gusta, pueden estar seguros de que hemos hecho todo lo que hemos podido para que estuviesen contentos, pero no estamos acabados. Tenemos muchas ideas... Pero volviendo a Survive, creo que fue la primera vez que colaboramos todos en la composición. La mayoría de canciones de Quitters Never Win eran de Chris, pero cuando hicimos Survive cada uno teníamos muchas ideas distintas para los temas. Fue la primera vez que intentamos escribir un álbum como tal”.
apareciendo en plan ‘si estás escuchando a No Use For A Name, tal vez deberías probar con estas otras bandas’. Estoy seguro que mucha gente nos descubrió de esa manera. Lo que resulta genial del punk rock es que en muchas ocasiones se encuentra en un escalón por debajo de lo que se lleva en cada momento, aunque quizás ahora sea más popular y mainstream que nunca, pero siempre a un nivel muy underground. La gente postea en Facebook y pide nuevos grupos… así que es probable que nuestros discos hayan sido descubiertos de esta manera por muchísima gente”. DAN “Creo que la escena punk rock es más fuerte ahora que cuando éramos un grupo a tiempo completo. Hace diez años este tipo de música no era tan grande. En 2006 tenías que ir de gira tanto como pudieses y acabamos tocando con un montón de bandas de screamo. No quiero decir que no nos lo pasásemos bien con todas ellas, pero en todos los conciertos nosotros éramos como el grupo que no terminaba de encajar. En cambio ahora, en 2016, hay muchísimas bandas, sobre todo en la escena europea”.
Considerando que el impacto que tuvisteis en vuestro momento fue muy pequeño, ¿os ha sorprendido el feedback que habéis recibido a lo largo de los años? FRANK TSOUKALAS “Yo diría que eso se debe a que ahora mismo la gente tiene muchas maneras distintas de escuchar música, ya sea en Spotify o YouTube, con todas esas recomendaciones de grupos que van
En su día se llegó a publicar un disco de tributo en el que se encontraba una banda española llamada Adrenalized que versionaba ‘The Greatest Betrayal’. ¿Habéis llegado a escucharlo? FRANK “Sí, por supuesto. El caballero que lleva el sello japonés que lo público (Torch Of Hope –ndr.) se llama Yuto Suzuki y tiene un excelente gusto musical. Es una locura porque
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hay versiones realmente buenas. Recuerdo pensar en qué demonios iba a salir de aquello, en plan ‘¿Cómo puede haber un disco de tributo a Much The Same? El de Operation Ivy sí que es un álbum de tributo cojonudo’. Me daba igual si alguien se ponía a rapear alguna de nuestras canciones, ¡y hubo un grupo que lo hizo! (Risas) Había un montón de estilos diferentes, y la versión de ‘The Greatest Betrayal’ es fantástica. Yo ni siquiera puedo tocar a esa velocidad (risas)”. CHRIS “La verdad es que en ese álbum había un montón de cosas que pienso que tendríamos que haber robado (risas). Hay canciones que están mejor tocadas que de la manera en la que nosotros lo hicimos”. ¿Tenéis planes de futuro más allá de seguir dando conciertos de vez en cuando? O como me habéis comentado antes, ¿habéis empezado a componer algo nuevo de cara a un posible nuevo disco? DAN “Sin duda ése es el objetivo. Queremos hacer algo nuevo”. CHRIS “Irónicamente ahora mismo tenemos más canciones nuevas escritas que conciertos que dar”. FRANK “De hecho, mañana tocaremos dos temas nuevos. Al igual que las canciones de Survive fueron un esfuerzo grupal, las que estamos haciendo ahora también lo son, junto con Mike, que es alguien nuevo en la banda. Está siendo muy divertido y tengo muchas ganas de tocarlas y saber qué es lo que piensa la gente sobre ellas”. Para terminar, ¿habrá alguna posibilidad de que os volva-
mos a ver de nuevo en Europa, pero esta vez con una gira de varias semanas y que pase por España? Conozco muchísima gente que tiene un gran recuerdo de cuando estuvisteis en 2007. CHRIS “Es totalmente posible, pero para ello nuestros hijos tienen que ser más mayores y probablemente necesitemos sacar un nuevo disco. Es difícil salir de gira durante cinco semanas teniendo una familia. Nunca volvería a hacerlo. Este viaje de cuatro días es el más largo que he hecho lejos de mi mujer y mis hijos desde que los tengo. Es duro. Y no quiero juzgar lo que la gente puede o no puede hacer al ir de gira, porque es su vida, pero para mí no funciona de esa manera. Quiero estar
ahí para los míos, así que deberían ser viajes cortos. Pero como hemos dicho, cuando saquemos un nuevo disco habrá más oportunidades para tocar y resultará más fácil venir a hacer una fecha como la del Groezrock y añadir uno o dos conciertos más. Eso tiene más sentido que estar volando de un lado para otro, así que estoy seguro de que volveremos otra vez a Europa”. FRANK “Cuanto antes saquemos un nuevo álbum, más rápido irán saliendo las cosas. Ahora mismo estamos muy centrados en escribir material nuevo, aunque tampoco tenemos la oportunidad de juntarnos siempre. Por suerte, gracias a la tecnología de hoy en día podemos grabar una melodía que se nos ocurra y enviársela al otro en un momento, como
hemos hecho en el avión de camino hasta aquí. Tenemos muchos puntos de partida”. CHRIS “Además, hay más motivación para girar cuando tienes algo nuevo que ofrecer”. FRANK “Por ejemplo, ahora mismo tengo ganas de escuchar todas las canciones del nuevo disco de Face To Face. He escuchado todas sus canciones un millón de veces y me encantan, pero quiero escuchar todas las nuevas en directo. Y espero que si al final acabamos escribiendo un nuevo trabajo, alguien pueda decir lo mismo de él”.
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ANNEKE
EL REENCUENTRO
LA ENCANTADORA ANNEKE VAN GIERSBERGEN SE PRESENTARÁ EN EL FESTIVAL BE PROG! MY FRIEND AL FRENTE DE SU ÚLTIMO PROYECTO THE GENTLE STORM, AUNQUE NOS ASEGURA QUE TAMBIÉN HABRÁ MOMENTOS PARA RECORDAR A THE GATHERING... TEXTO: JORDI PONS FOTOS: DR
ACE UN AÑO aparecía en el mercado The Diary, el debut de un nuevo proyecto, The Gentle Storm, comandado por Anneke Van Giersbergen y el también holandés Arjen Anthony Luccasen. Aunque Anneke ya había colaborado con él en tres discos de su grupo Ayreon, en este nuevo proyecto fueron más lejos que nunca confeccionando un doble álbum en el que ofrecían las mismas once canciones con dos enfoques distintos: uno con un tratamiento acústico y usando instrumentos exóticos (de ahí lo de ‘Gentle’) y otro a base de metal progresivo (de ahí lo de ‘Storm’). Tan contentos quedaron con el resultado que decidieron formar una banda con otros músicos y salir a la carretera para presentarlo. El 2 de julio estarán abriendo la segunda jornada del Be Prog! My Friend en el Poble Espanyol de Barcelona.
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Te he pillado en un día libre. ¿A qué sueles dedicarte cuando estás en casa? ANNEKE VAN GIERSBERGEN “(Risas) Me transformo en una ama de casa y me dedico a cosas muy mundanas, hacer la colada, cocinar, pero también me ocupo de mi tienda online, de planear próximas giras... siempre estoy ocupada. Pero está bien. Hoy tenemos sol en Holanda, así que estamos felices (risas)”. ¿Vas a preparar algo especial para tu concierto en el festi-
val Be Prog!? “Lo más especial es que tocamos junto a bandas fantásticas. Hace siglos que no tocamos en España, así que eso también hace que sea especial. Vamos a tocar el repertorio de The Gentle Storm, pero también habrá cosas de The Gathering, de Devin Townsend, de Ayreon, de mis discos en solitario... Tenemos un set bastante progresivo para este festival. Tenemos muchas ganas”. Supongo que una cosa buena de tu situación actual es que puedes tocar en festivales de rock, de metal, progresivos... ¿Te gusta tocar para públicos distintos? “Sí, desde luego. Incluso con The Gathering ya era así. Tocábamos en festivales góticos, en festis de rock o de metal. En Holanda ahora tengo una carrera más mainstream, así que también toco en festivales de pop o de reggae. Me gusta porque nunca es igual, no es nada previsible. La atmósfera es distinta en cada caso. En un festival como el Be Prog! la gente conocerá muchas de mis canciones, pero en uno más pop tienes que convencer al público de otra manera. Tienes que enamorarlos, y eso me gusta”. ¿Tienes un retrato robot de tus fans? Conozco a tipos metidos en el metal extremo que te adoran... “(Risas) Tengo la suerte de tener a gente que me sigue y a los que les
gustan las sorpresas. Mi carrera es una locura. Como te decía, en Holanda tengo un público más mainstream, pero también vienen metaleros. En algunos países tengo fans más jóvenes y en otros más viejos. Todos tienen sus preferencias, pero todos muestran interés por lo que hago. Es una bendición. A veces creo que no es por la música, sino por mi manera de expresarme. Cuando toco en acústico hago temas de The Gathering, pero también de Dolly Parton o Bruce Springsteen, y veo a metaleros cantando esos temas (risas). Así que supongo que lo que importa es que le pongo mucho amor en todo lo que hago”. Hoy mismo se ha anunciado que Alone Records va a lanzar la edición en vinilo de dos de tus discos y un directo. ¿Cómo te asociaste con un sello de aquí? “No lo hice personalmente, sino mi equipo (risas). Fue idea de mi management hacer esas ediciones y por lo que he visto, han quedado geniales. Pronto estarán disponibles en mi web”. ¿Eres coleccionista de vinilos? ¿Te gustan las ediciones especiales? “Quizá coleccionista es una palabra demasiado importante, pero crecí en los 80, así que me encanta el vinilo. Hace unos años mi marido me regaló un tocadiscos muy bueno y lo tenemos en la cocina. Me pongo mucho vinilo
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cuando cocino (risas). Tengo algunos discos nuevos, el último de Mastodon era muy chulo, pero sobre todo tengo un montón de antiguos de Sting, Michael Jackson... De hecho tengo los vinilos de mi hermano porque se mudó fuera. Tiene mucho progresivo como Genesis, Pink Floyd, Alan Parsons... Me gusta porque gracias al vinilo escucho discos enteros de nuevo, cosa que no hago cuando uso Spotify”. Hace un año salía el disco de 112
The Gentle Storm. Parece que ha funcionado muy bien... “¡Sí! Para serte sincera, estoy extasiada. Este disco surgió de manera muy espontánea. Cuando le envié un email a Arjen para hacer un disco, no imaginaba que un año después tendríamos un doble álbum conceptual. Formé una banda con los mejores músicos de metal de Holanda sólo para poder tocar este disco. Hemos estado un año de gira y ha tenido más éxito de lo que esperaba. Realmente me ha sorprendido porque
cuando empiezas algo nuevo, nunca sabes cómo saldrá”. Habías trabajado con Arjen en algunos discos de Ayreon... ¿Qué te animó a llevar vuestra relación creativa un paso más allá? “Creo que Arjen es, junto a Devin Townsend, la persona que más sabe qué hacer con mi voz. Saben lo que pueden sacar de ella y me siento muy realizada cuando grabo con ellos. Me permiten experimentar y el resulta-
do siempre es de una gran calidad. Además, me apetecía hacer algo un poco más duro. Es increíble lo que hace este hombre”. Siempre has estado muy abierta a trabajar con otros artistas. ¿Es una manera de ampliar tu creatividad? “Desde luego. Creo que trabajar con un mismo grupo de personas, como The Gathering, es algo mágico porque te conoces muy bien y siempre surgen ideas. The Gathering teníamos un sonido muy rico porque todos los miembros contribuían. Pero cuando me lancé en solitario me volví loca, y muchos de mis amigos, fueran Moonspell, Within Temptation o Devin, me pidieron colaborar, y el 90% de las veces dije que sí. Para mí era como estar en la hora del recreo. Me sentía como una esponja absorbiendo todas esas experiencias. Sentí que crecí muy rápidamente como cantante. Me gusta muchísimo”.
hacer lo que te apetece en cada momento. “Tienes razón. The Gathering era una banda muy variada estilísticamente, pero en solitario puedo hacer lo que quiera. Después de irme del grupo hice cosas más rock y otras más tranquilas porque necesitaba expresar diferentes sentimientos. Pero ahora siento que tengo que centrarme un poco más porque estoy exhausta (risas). Me he sentido tan inspirada con The Gentle Storm que voy a centrarme en mi disco para que salga en 2017 y quizá algunos shows en acústico. Pero nada más, porque quiero hacer un gran álbum”.
¿Y ahora te centrarás en The Gentle Storm o seguirás combinándolo con tu carrera en solitario? “La idea es ir combinándolo. Arjen empezó a escribir por su cuenta justo al terminar el disco de The Gentle Storm y yo también. Pero la banda de directo de The Gentle Storm es tan fantástica que me van a acompañar en mi próximo disco, así que de nuevo será un álbum más duro y progresivo. Pero en los próximos años es posible que hagamos otro disco con Arjen como The Gentle Storm”.
En los últimos meses hemos tenido varias casos de acoso sexual dentro de la industria musical, siendo el de Kesha el más célebre. ¿Alguna vez te has encontrado con una situación así? “La verdad es que no. Creo que la gente fuera de la escena metal o prog no entiende cómo son en realidad. Puede que llevemos chupas de cuero o el pelo largo, a veces sucio, pero la gente es súper amable. Yo fui una de las primeras mujeres en la escena metal europea, pero cuando muestras calidad y perseverancia, te ganas el respeto de los hombres. Creo que en el mainstream no se entiende esto. Puedes encontrarte algún gilipollas, por supuesto, pero en general siempre me he sentido bien tratada. Probablemente en el mundo del pop, donde hay muchísimo dinero de por medio, las cosas sean distintas”.
Aunque The Gathering ya era una banda ecléctica, pareces estar disfrutando mucho de
Finalmente quería preguntarte por los conciertos del 25 aniversario de The Gathering que
“REALMENTE ME HA SORPRENDIDO EL ÉXITO DE THE GENTLE STORM PORQUE CUANDO EMPIEZAS ALGO NUEVO, NUNCA SABES CÓMO SALDRÁ” ANNEKE disteis en 2014. Supongo que fue muy especial para ti. ¿Cómo fue tu relación con los otros vocalistas? ¿Sois como una gran familia ahora? “La verdad es que sí. Gracias a esos conciertos nos acercamos mucho. Naturalmente cuando me fui, cada uno siguió su camino, pero poco a poco volvimos a encontrarnos. Soy muy feliz porque hay grupos que nunca vuelven a hablarse. Cantar con Silje (Wergeland), Marike (Groot) y Bart (Smits) fue un gran placer. No siento que deba volver a The Gathering, pero me gustó mucho poder formar parte de eso. Nunca lo olvidaré”. La verdad es que para los fans también es una alegría. Ves a grandes grupos que no son capaces ni de salir juntos cuando les incluyen en el Rock And Roll Hall Of Fame y dan bastante pena. “Es totalmente cierto. Pero la naturaleza humana es así. La gente se pelea y no es capaz de superarlo. Por eso creo que hacer algo hermoso para los fans está muy bien. Me siento orgullosa de haberlo logrado”.
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AC/DC 10 DE MAYO DE 2016 ESTADIO DE LA CARTUJA, SEVILLA TEXTO: RICHARD ROYUELA FOTOS: SERGI RAMOS
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uien dijo aquello de que la realidad supera la ficción bien sabía lo que se hacía... Ni el más demente de los apostadores se hubiese jugado un euro a que un día veríamos a Axl Rose al frente de AC/ DC, pero 2016 será recordado por ver esta unión imposible encima de un escenario. Es una pena que todo haya ido de esta manera, con la salida de Brian Johnson –al que nunca se le podrá agradecer lo suficiente su aportación a la banda-, pero el circo del rock’n’roll se llama así por algo. La entrada del vocalista de Guns N’ Roses ha creado una enorme polémica, pero musicalmente está funcionando y concierto a concierto está convenciendo hasta a los más escépticos. Dicen que el volumen de entradas devueltas ha sido masivo –la propia banda autorizó a que fueran devueltas por quien se sintiera engañado-, pero lo cierto es que pocos huecos se vieron en La Cartuja de Sevilla –una asistencia mucho mayor que la que registró en la gira de Black Ice, aunque en aquella ocasión también hubo un show en Bilbao- y el lleno en el siguiente concierto en Marsella
fue espectacular. Para añadirle más bizarrismo al asunto Axl, todavía no recuperado de su lesión en el pie, volvería a salir apoltronado en su trono como en los primeros conciertos de la reunión de Guns, así que, definitivamente, para bien o para mal, esta última parte de la gira europea de Rock Or Bust suponía algo irrepetible. Sí, seguramente todo invitaba a un fracaso, pero tan sólo es necesario oír las primeras notas de ‘Rock Or Bust’ para darse cuenta de que esto funciona y que, prejuicios al lado –quien los tenga, claro-, aquí hay una banda revitalizada que ha oxigenado su repertorio. Axl le ha dado nuevos aires a los temas sin dejar de lado ni un segundo la fidelidad a los originales, y Angus parece mucho más relajado al tener a alguien a su lado en plena forma y que es capaz de cantar cada nota como es debido. De ahí que se hayan recuperado temas olvidados desde hace tiempo como ‘Rock ‘N’ Roll Damnation’ o ‘Riff Raff’ que nunca habían hecho con Brian Johnson, que la duración de sus conciertos haya aumentado de nuevo y que incluso estén añadiendo temas
sobre la marcha como pasó en la siguiente fecha marsellesa con ‘If You Want Blood’, cosas inimaginables hasta hace poco en una banda que hace de la rigidez una de sus banderas. Axl está sencillamente inconmensurable, disfrutando como un niño cada estrofa que sale de su boca, hasta tal punto que ahora ya se hace complicado imaginarse a la banda sin él a las voces. Porque así es, pondría la mano en el fuego a que estamos viviendo el nacimiento de la tercera etapa de AC/DC y con algún reajuste más –ya puestos no vendrá de aquí- como la sustitución de Chris Slade, al que se le notó que no llega a las nuevas exigencias que demanda ahora el grupo, puede que todavía quede algún momento de gloria que ya habíamos dado por perdido. Axl ha devuelto a la banda intensidad, crudeza y energía, y Angus, que podrá ser de todo menos tonto, ya sabe que con el gunner a su lado se le arreglan un montón de problemas de golpe. Pese a quien pese, siguen siendo más grandes que la vida. Anda que el día que se ponga a cantar de pie... 115
MUSE 6 DE MAYO DE 2016
BARCLAYCARD CENTER, MADRID TEXTO: REBECA CASTELLANOS FOTO: LIVE NATION ES
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principios de mayo, en la madrileña Plaza Felipe II se daba una de la grandes citas musicales del año. Pese a que el tiempo podría haber mermado los ánimos de las miles de personas que se congregaron, haciendo largas colas durante dos jornadas, la recompensa era mayor. Muse estaban en la ciudad presentando su Drones World Tour y desde que se accede al Barclaycard Center, todo es una experiencia. En el mismo instante en el que el acomodador abrió la puerta del sector en el que tenía mi asiento, no pude contener un grito ahogado de sorpresa. Esa inmensa estructura imponía, pero no revelaba todo el potencial que tenía tal obra de ingeniería. De Staat salieron a comerse el escenario, pero estaban siendo eclipsados por lo poco que se desvelaba del espectáculo que más tarde presenciaríamos. Cuando
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las luces de un Barclaycard Center a rebosar se apagaron y ‘Drones’ empezó a sonar, me recorrió un escalofrío por toda la espalda mientras unas esferas flotaban por encima del respetable. En el momento en el que los primeros acordes de ‘Psycho’ sonaron con fuerza, se desató la locura entre el público. El show se repartía por tres grandes plataformas conectadas por pasillos. La central giraba sobre sí misma y nos permitía disfrutar de la banda al completo. Y sin olvidar las pantallas de leds, el confeti, lonas enormes de proyección y la brutal producción de iluminación. Muse hicieron un recorrido por su último trabajo, Drones, en profundidad. Tocaron canciones como ‘Reapers’ (en la que Bellamy lanzó su guitarra por los aires), ‘Dead Inside’, ‘The Handler’ o ‘Mercy’. Sonaron los clásicos ‘Bliss’, ‘Stockholm Syndrome’, ‘Starlight’, ‘Supermassive Black Hole’, ‘Citizen
Erased’ o ‘Time Is Running Out’. No se dejaron en la recámara los singles de los infames Resistance y The 2nd Law. Matt Bellamy es un artista único y excepcional, pero en ningún momento hizo sombra a Chris Wolstenholme y a Dom Howard. Dos horas y media de concierto y empezó ‘Man With A Harmonica’ de Ennio Morricone como introducción del que fue el broche de oro, ‘Knights Of Cydonia’. Queridos lectores, mi relación con Muse se ha ido enfriando a lo largo de los últimos seis años. En la adolescencia era de los grupos que más estimaba, pero con el paso del tiempo simplemente escuchaba los discos nuevos cuando salían y, a veces, mi disco preferido de ellos, Black Holes And Revelations. Por lo que, ese día después de tanto tiempo, me reconcilié con los de Devon. Resumiendo: impecables, perfectos e impresionantes.
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GROEZROCK 29 Y 30 DE ABRIL DE 2016 MEERHOUT, BÉLGICA TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: RUBÉN NAVARRO
PEARS 120
RANCID
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i hemos de ser sinceros, éste ha debido de ser el primer año en el que no hemos sentido tantas ganas porque llegase esa cita de finales de abril y principios de mayo en la que hacemos travesía hasta la localidad belga de Meehout. Entre el cartel más bien tirando a flojo que presentaba el Groezrock para esta edición (la de su 25 aniversario, ni más ni menos) y los problemas que causaron los recientes atentados en el aeropuerto de Zaventem, obligando a desviar más de un vuelo, no es que fuésemos con muchos ánimos, la verdad sea dicha. Pero aun así, el Groez es una cita obligada en el calendario para todos aquellos que gustamos del punk y el hardcore en todas sus vertientes, por lo que volvimos a plantarnos allí un año más dispuestos a combatir el frío y el barro bajo el cielo gris belga a base de cerveza y zapatilla.
VIERNES 29 Algo más tarde de lo habitual daba el pistoletazo de salida la primera jornada del festival. Acostumbrados a despertarnos bien pronto para no perdernos nada, en esta ocasión las actuaciones comenzaron a las cuatro de la tarde en lugar del mediodía, dado que este año se había reducido notablemente el número de formaciones participantes. No así los siempre engorrosos solapes que nos traen más de un quebradero de cabeza a la hora de elegir las formaciones que vamos a ver y cuáles se verán sacrificadas. A nosotros nos pilló una señora cola para poder recoger nuestras acreditaciones, lo que provocó que nos perdiésemos algún que otro nombre interesante como The Aggrolites, que abrieron en el Monster Stage con su dirty reggae, Four Year Strong o el mini set acústico
que ofreció Frank Turner en el stand de American Socks. Una vez dentro, y tras dar una primera vuelta de reconocimiento para aclimatarnos a la nueva distribución del recinto que se estrenaba este año, nos dirigimos al escenario grande para arrancar de una manera inmejorable con Less Than Jake. Ya les habíamos visto justo la noche anterior en la prefiesta que se celebra todos los años a modo de calentamiento, pero no nos importó para nada volver a rememorar nuevamente temas como ‘All My Best Friends Are Metalheads’, ‘History Of A Boring Town’ o esa ‘Gainesville Rock City’ con la que se despidieron y, al mismo tiempo, nos dieron la bienvenida. Imposible empezar con mejor humor, y eso que poco después volvimos a encontrarnos con Frank Turner. Junto a sus siempre eficaces 119
FOUR YEAR STRONG
Sleeping Souls, el inglés nos ofreció una versión reducida de lo que ya pudimos ver unas semanas antes en su visita por nuestro país, aunque igualmente efectiva. Y es que con las ganas que le ponen y tirando de sus éxitos más directos (‘Get Better’, ‘If I Ever Stray’, ‘The Road’, ‘Recovery’, ‘Four Simple Words’) es complicado que llegue el día en que den un mal concierto. El reloj marcaba ya la hora de la cena y recuperamos fuerzas antes de que Hatebreed saliesen a escena. Adelantaron ‘A.D.’ como anticipo de su nuevo plástico, The Concrete Confessional, cuya salida quedaba a la vuelta de la esquina, y a partir de ahí, comandados por Jamey Jasta, empezaron a descargar algunos de los balazos más celebrados de su catálogo como ‘Destroy Everything’, ‘I Will Be Heard’, ‘Honor Never Dies’ y ‘Live For This’. Sin sorpresas, vaya. Tras comprobar que todo seguía en orden TERROR 120
LESS THAN JAKE
con los de Connecticut, decidimos hacer nuestra primera incursión en la carpa de Impericon, donde llegamos a tiempo para pillar los últimos instantes de la actuación de Saosin. Por lo poco que vimos, podemos intuir que sus seguidores debieron quedar más que contentos con el regreso de un Anthony Green que parecía completamente poseído con una actitud de lo más mesiánica. Seguro que para más de uno fue toda una experiencia mientras esperamos que llegue Along The Shadow. Cambio de tercio en el mismo escenario para ver nuevamente a No Fun At All, a quienes también vimos en la prefiesta del jueves. La carpa estaba ya hasta arriba de gente y el suelo comenzaba a dejar de ser césped para convertirse en un lodazal, pero aun así aguantamos para botar con ‘Suicide Machine’, ‘Believers’, ‘Beachparty’, ‘Should Have Known’, ‘Master Celebrator’ o la siempre acertada
‘Alcohol’. Regresábamos al Monster Stage para acabar el día con el plato fuerte de la jornada y del festival. Si en 2014 fue el Smash de The Offspring y el año anterior vimos a Social Distortion interpretar de arriba a abajo su álbum homónimo, en esta edición tocaba otro clásico del punk rock de los 90. Ni más ni menos que Rancid y el legendario ...And Out Come The Wolves. Muchos se habían quejado de que tal vez la inversión del Groezrock por conseguir la exclusividad de este concierto en Europa en todo el año hubiese podido afectar a la composición del resto del cartel, ¿pero qué quieren que les diga? Fue ver a Mat Freeman arrancarse con el solo de bajo de ‘Maxwell Murder’ nada más empezar y ya nos olvidamos de todo. Lars Frederiksen como siempre se encargó de tirar del carro, mientras que Tim Armstrong parecía ir a su bola, aunque
YOUTH OF TODAY
a eso ya estamos más que acostumbrados. Y a pesar de esa barbaza digna de un homeless que se gasta en los últimos tiempos, la imagen de su Gretsch desgastada colgando por los tobillos es ya tan carismática que uno no puede evitar pensar que está presenciando lo más parecido a The Clash a día de hoy. Por supuesto el repertorio fue absolutamente imbatible: ‘11th Hour’, ‘Roots Radicals’, ‘Time Bomb’, ‘Lock, Step & Gone’, ‘Ruby Soho’, ‘Journey To The End Of East Bay’, ‘She’s Automatic’, ‘As Wicked’... Un sueño hecho setlist con el que nos pasamos una hora entera cantando, bailando y pogueando de tal manera que parecía mentira que estuviésemos sufriendo unas temperaturas tan bajas. Quizás el bis resultó algo breve y prescindieron de muchos de sus otros temas más reconocidos, pero igualmente títulos como ‘Fall Back Down’, ‘I Wanna Riot’ y ‘Radio’
pusieron el punto y seguido perfecto para clausurar el primer día del evento. SÁBADO 30 Esta vez sí que hicimos los deberes bien y a primera hora del mediodía ya estábamos pisando el verde de Meerhout para ver cómo a los israelís Not On Tour, liderados por su vocalista Sima, abrían fuego en una segunda jornada que se nos presentaba la mar de entretenida. Mientras nos desperezábamos vimos algunos sets muy breves por parte de Teen Agers, que culminaron su concierto en el Watch Out Stage con una cover de The Get Up Kids, Venerea, que representaron lo mejor de la vieja escuela del hardcore melódico venido desde Suecia, o unos divertidísimos The Bennies que consiguieron ponernos definitivamente a tono con su rock fiestero de melodías pegadizas y teclados
BROKEN TEETH
bailongos. Sin duda estos australianos fueron una de las sorpresas del festival gracias a canciones tan cachondas como ‘My Bike’ y ‘Party Machine’. Con Frank Carter y sus Rattlesnakes la cosa ya empezaba a ponerse seria nada más comenzar la tarde. El tatuadísimo pelirrojo era uno de los nombres que más ganas teníamos de cazar antes de verle desembarcar en el próximo Resurrection Fest, y no nos decepcionó en absoluto. Como ya hacía en Gallows, Carter es garantía de locura, mala leche y espectáculo. Salió con el cuchillo entre los dientes con ‘Devil Inside Me’ e incitando a que la gente subiese al escenario para saltar desde él, algo que el público no dudo en hacer. Tampoco se cortó en subirse hasta una de las columnas de la carpa para lanzarse desde allí y, a continuación, montar un circle pit enorme en mitad del barro. Verle cantar de manera triunfal ‘I Hate You’ mientras el público le elevaba 121
JULIETTE LEWIS
FACE TO FACE
TOUCHÉ AMORÉ
THE HIVES
sobre el escenario fue sin duda una de las imágenes que se nos quedarán grabadas en la retina de este Groez. Muy grande. Era el momento del bocata, el kebab, la pizza o lo que cada uno prefiriese antes de comenzar una maratón sin freno de un escenario a otro. Juliette Lewis And The Licks supusieron el puntillo rockero del festi entre tanto punk y hardcore, y la verdad es que nos sentó de maravilla a esas horas. Con una figura espectacular gracias a ese traje de cuero blanco y con pinturas de guerra dispuesta a presentar batalla, la actriz australiana nos hechizó con versiones de Led Zeppelin o Creedence Clearwater Revival y algún que otro de sus primerizos hits como ‘Hot Kiss’ y ‘You’re Speaking My Language’, bien secundada por Brad Wilk de Rage Against The Machine tras la batería. Vuelta al Impericon para presenciar otro de los conciertos que habíamos marcado en rojo en los horarios. Si lo de Frank Carter ya fue muy cafre, lo
que hicieron Letlive. sencillamente no encuentra calificativos. Ya en la primera canción Jason Butler estaba lanzando los pies de micro al aire o arrancando la bandera blanca que llevaban como telón de fondo para envolverse en ella y saltar al público. Y así continuó durante los 40 minutos más trepidantes de todo el fin de semana. Es cierto que el sonido tan terriblemente saturado hacía difícil distinguir un tema de otro (aunque la mayoría fueron de The Blackest Beautiful, más su recién estrenado nuevo single, ‘Good Mourning, America’), pero era tal la violencia con la que nos atacaban que no podías evitar contagiarte con su ferocidad. Jason es una auténtica bestia del escenario, capaz de arrasar absolutamente con todo sin importar las consecuencias. Al igual que Frank Carter, éste también se subió hasta lo más alto de una de las columnas del escenario para cantar desde ahí arriba, antes de que destrozaran por completo sus instrumentos. Top 3 en
nuestro ránking particular de conciertos de esta edición. Sin palabras. Salimos corriendo para no perdernos ni un instante de otro de nuestros imprescindibles en el cartel. Much The Same volvían a Europa diez años después para una fecha exclusiva en el Groez, y no fueron pocos los que se desplazaron hasta allí únicamente por ellos, certificando el culto que han levantado los de Chicago en todo este tiempo de parón. Sin embargo, se nota que la exigencia de la banda ha pasado a un nivel menos profesional y más amateur, ya que a pesar de que es innegable de que se les vio muy motivados, sonaron bastante guarretes y cometieron algún que otro gazapo de principiante. Eso no quita que la gente se viniese arriba desde el momento en que soltaron ‘The Greatest Betrayal’ hasta ‘Gut Shot’, pasando por ‘American Idle’, ‘Masquerade’, ‘Quitters Never Win’, ‘Stitches’ y algún tema nuevo que estrenaron por primera vez. Quizás no fuese una de las mejores actuaciones
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SUM 41
del festival, pero desde luego sí una de las más intensas. De nuevo salimos por patas hacia el escenario principal para pillar a unos Me First And The Gimme Gimmes que ya llevaban unos minutos destilando su particular sentido del humor. Del mismo modo que Less Than Jake fueron el grupo fiestero del día anterior, los californianos pusieron la nota divertida de la jornada gracias a sus camisas hawaianas y sus aceleradas versiones de ‘Jolene’, ‘Take Me Home, Country Roads’, ‘Ghosts Riders In The Sky’, ‘Summertime’, ‘I Belive I Can Fly’, ‘Over The Rainbow’ y ‘End Of The Road’. Nos sorprendió comprobar que el bueno de Jay Bentley aún sigue sustituyendo a Fat Mike al bajo, por lo que tampoco vimos muchas variaciones respecto a
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cuando pasaron hace unos años por España. Face To Face también son ya unos sospechosos habituales de la pradera belga y evidenciaron el buen momento por el que pasan desde que decidieran regresar al ruedo. Ya fuese tirando de piezas de su recién estrenado Protection (‘Bent But No Broken’, ‘I Won’t Say I’m Sorry’, ‘Fourteen Fifty-Nine’) o de sus clásicos (‘Blind’, ‘Walk The Walk’, ‘Disconnected’), los californianos sonaron compactos y sólidos como pocos grupos durante el fin de semana. Puede que los años y los kilos de más hayan pasado factura a la imagen de Trever Keith, pero aun con todo dejaron bien claro que la veteranía es un grado muy a tener en cuenta. Lo que la organización no tuvo en
consideración fue colocar a la misma hora a Sick Of It All y la ‘reunión’ de No Use For A Name. Y es que aunque a los neoyorquinos ya les hemos visto en infinidad de ocasiones, uno sabe que su directo les garantiza que acabarán en el pódium de vencedores en cualquier festival en el que participen. Pero claro, la oportunidad de volver a escuchar las canciones en directo del recordadísimo Tony Sly sin duda iba a ser uno de los momentos más especiales del evento. O al menos eso pensábamos, ya que el experimento no acabó resultando todo lo brillante que debería. Con Scott Shifflet como segundo guitarra (ojo a este hombre, que esa misma tarde se marcaba ya su tercer concierto seguido tras haber hecho lo propio
FRANK TURNER
horas antes con Me First And The Gimme Gimmes y Face To Face... Se ganó una medalla como mínimo) y Matt Riddle tomando las riendas de las voces, el asunto empezó bastante bien con ‘Justified Black Eye’ y ‘Dumb Reminders’. Pero las colaboraciones de Sima de Not On Tour en ‘Chasing Rainbows’ y Spike de Me First And The Gimme Gimmes en ‘Coming Too Close’ resultaron de lo más esperpénticas. ¿En serio no les había dado tiempo a aprenderse las letras como para tener que recurrir a cantarlas en modo karaoke con la chuleta en la mano? Menos mal que ahí estaba el bueno de Joey Cape para salvar el envite y hacer justicia a himnos como ‘Soulmate’, ‘For Fiona’, ‘Exit’, ‘On The Outside’ e ‘International You Day’ ante la presencia de las
THE LOVED ONES
hijas del propio Sly. Llegaba la hora de echar el cierre y todos nos preguntábamos si Sum 41 serían capaces de estar a la altura como cabezas de cartel del último día del evento. Deryck Whibley, aunque algo delgado, parecía recuperado del susto que hace unos meses casi le manda al otro barrio, y el regreso a las seis cuerdas de Dave Baksh suponía todo un plus. Incluso el inicio empalmando ‘Over My Head (Better Off Dead)’, ‘Motivation’ y ‘The Hell Song’ hacía presagiar que íbamos a disfrutar de lo lindo recordando nuestros años mozos... Pero desafortunadamente jugaron la carta de sabotear su propio concierto intentando imitar a Green Day con parones innecesarios entre tema y tema, versiones descafeinadas (el ‘We
Will Rock You’ de Queen casi irreconocible no pudo sobrar más) y bajando el ritmo del concierto con temas de sus últimos trabajos (‘Walking Disaster’, ‘Underclass Hero’, ‘Sick Of Everyone’, ‘Screaming Bloody Murder’) que pasaron sin pena ni gloria. Es que hasta habiendo conseguido terminar por todo lo alto haciendo botar a todo el público con ‘In Too Deep’ y ‘Fat Lip’ como cierre, tuvieron la mala idea de regresar al escenario para tocar dos temas más que no estaban previstos (‘My Direction’ y ‘Summer’) ante la insistencia del público, pero dejando una sensación algo agridulce. Una manera un tanto irregular de clausurar otra edición de un Groezrock que confiamos en que vuelva a su mejor nivel para el próximo año.
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BRUCE SPRINGSTEEN & THE E STREET BAND 14 DE MAYO DE 2016 CAMP NOU, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ
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na más para Barcelona”, soltó Bruce Springsteen después de tres horas y media de actuación, y el Camp Nou volvió a rugir. Mientras interpretaba junto a su incombustible E Street Band la versión de ‘Twist And Shout’ con la que suele cerrar sus conciertos en estadios, la pregunta ya no era la misma que en anteriores ocasiones, ‘¿cómo lo hace?’, sino ‘¿por qué lo hace?’. A sus casi 67 años, Springsteen no tiene nada que demostrar, pero sigue entregándose como si el estatus legendario de su directo tuviera que pasar una reválida cada vez que pisa un escenario. En esa lucha contra el paso del tiempo, imposible de ganar y que ya se ha cobrado dos víctimas en la última década, Danny Federici y Clarence Clemons, de momento Springsteen sigue plantando cara y resiste, resiste como un campeón, o mejor dicho en su caso, como un Jefe. Algunos fans más puristas siguen sin aceptar el lado más populista que adopta cuando actúa en estadios y que se visualizó en Barcelona cuando entre la disyuntiva de interpretar ‘Glory Days’ o ‘Growing Up’ de su primer disco, tras
haber recogido una pancarta de un fan, se decantó por el hit de Born In The USA. Esa actitud de darle al público lo que quiere es posiblemente la que le ha llevado a dejar de interpretar íntegramente el reeditado The River, como había estado haciendo los últimos meses en Estados Unidos, consciente de que difícilmente el fan casual, que en un gran número es el que le permite llenar recintos gigantescos, mantendría su atención durante el tramo más intimista del doble álbum. Y puede que Springsteen subestime a su público y puede que me fastidie que me haya privado, quizá para siempre, de escuchar en directo temas como ‘Stolen Car’ o ‘Wreck On The Highway’, pero dio tanto a cambio que yo al menos me resisto a ponerle pegas. La primera hora fue arrolladora con ‘Badlands’, ‘No Surrender’, ‘My Love Will Not Let You Down’ (Max Weinberg en nivel Dios en la parte final) y una buena selección de las dos primeras caras de The River, eso sí, con una intrusa y festiva ‘I’m Going Down’ sustituyendo ‘Independance Day’. Springsteen tenía ganas de fiesta y el público también, y eso marcó el guión
de la noche, pero en un repertorio de ¡36 canciones! también hubo lugar para zambullirnos en las aguas más oscuras del río con la propia ‘The River’, una espeluznante ‘Point Blank’ (genial el trabajo de Steve Van Zandt con la guitarra y los coros) y la épica ‘Drive All Night’, deleitarnos con una rejuvenecida ‘I Wanna Marry You’ (preciosa intro), sorprendernos con la rareza ‘I Wanna Be With You’ o ser testigos de su homenaje a Prince con una brillante ‘Purple Rain’. Pero como decía antes, esta nueva maratón tenía aires de celebración (el mosaico con su nombre en la grada norte del estadio seguro que le puso in the mood) y el de New Jersey tiró de rock’n’roll (‘Ramrod’, ‘Darlington County’), clásicos (‘Thunder Road’, ‘Tenth Avenue Freeze Out’) y hits (‘Born In The USA’, ‘Born To Run’, ‘Dancing In The Dark’) para firmar otra noche memorable. Vista la buena forma exhibida, y con la inyección de juventud que ha dado a la banda un Jake Clemons totalmente asentado como sustituto de su fallecido tío, no tengo dudas de que aún viviremos alguna más en el futuro. Y eso es el mejor regalo que a estas alturas puede entregarnos. 127
WOLFMOTHER 13 DE MAY0 DE 2016 SALA APOLO, BARCELONA TEXTO: OSCAR FERNÁNDEZ FOTOS: ERIC ALTIMIS
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ue Andrew Stockdale no ha tomado las decisiones más adecuadas a lo largo de su carrera es algo evidente: cambios de formación, discos en solitario que sonaban como Wolfmother o bien otros sin prácticamente promoción... Todos estos factores hundirían la carrera de cualquier músico, pero viendo el show que realizaron Wolfmother en Barcelona, no parece que éstos le hayan afectado demasiado. Al australiano se le vio con ganas (ayudaron las botellas de vino que le acompañaron durante el concierto) y conjuntado con sus compañeros, generando que la noche fuera completa. Despojado de la profesionalidad de otras giras, en las que la necesidad de buscar el sonido perfecto en cada tema implicaba el parón correspondiente para cambiar de guitarra, Stockdale se agarró al sonido de una Gibson SG, mucho más
directo y desgarrado. Arropado por un batería de pegada musculosa y un bajista multidisciplinar entre pedaleras, teclados, etc., aplicó un sonido más real y directo. El arranque del show con ‘Victorious’, ‘California Queen’, ‘New Moon Rising’ y ‘Woman’ fue apostar por el caballo ganador. La voz de Andrew brillaba y éste buscó el feeling con un público entregado de inicio y que respondió llenando prácticamente el local. Se le notaba cómodo y soltó algún speech que quizás sobró, pero que teniendo en cuenta las dos horas de duración del show, no fue un aspecto del todo negativo y sirvió de conexión con la audiencia. En relación al setlist, éste se basó en su primer álbum (hasta nueve temas sonaron), recurriendo a los cortes más efectivos de sus anteriores obras y de la actual. Visitaron a The Doors a modo de interludio en medio de ‘White Unicorn’ de una manera algo
deslavazada y poco inspirada, pero no importó, ya que retomaron con ganas el punto anterior para seguir desarrollando la descarga por el terreno más directo. Para el bis se guardaron tres cartas de su debut y aunque la interpretación de ‘Vagabond’ con una jam poco inspirada y desaprovechada junto al guitarrista de Electric Citizen quedara deslucida, el final con ‘Colossal’ y todo un hit alternativo como ‘Joker And The Thief’, con una sala cargada de energía y ruido, hizo borrar cualquier mal momento. Merece destacar como complemento la actuación de Electric Citizen. Dispusieron de poco tiempo y su propuesta a nivel de banda es algo estática, pero su sonido heredero de los 70 y su frontwoman aplican el punto justo de teatralidad. Una voz entre PJ Harvey y Sabbath funcionó muy bien como aperitivo de lo que veríamos más tarde. 129
DE GIRA
SATANIC SURFERS 1 DE JUNIO JERUSALEM, VALENCIA 2 DE JUNIO SALA EVENTUAL, MÁLAGA 3 DE JUNIO SALA CATS, MADRID 4 DE JUNIO LANGREO ROCK, LANGREO 5 DE JUNIO RAZZMATAZZ, BARCELONA
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n unos días Satanic Surfers estarán en España acompañando a Good Riddance y Blowfuse en una gira ideal para los amantes del skate punk. Los suecos se reunieron el año pasado para actuar en festivales después de una década de estar separados. Y muy a gusto se debieron sentir, porque parece que están dispuestos a reactivar el grupo de manera permanente. ¿Habíais girado con Good Riddance antes? ANDY DAHLSTRÖM (bajo) “Sí, giramos juntos por Canadá en 1999, creo, pero eso fue antes de que yo estuviera en el grupo”.
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El verano pasado os pudimos ver en el Resurrection Fest. ¿Qué recuerdo tienes de ese concierto? “Recuerdo que tocamos muy tarde, pero fue muy divertido. El público estuvo genial. Dog Eat Dog tocaron también ese día y me divertí mucho. ‘Who The King Who The King Who?’. Llegar hasta el festival fue una pequeña odisea, y luego conducimos por la noche para poder llegar a Francia. ¡Pero todo salió bien!”. Dado que el año pasado hicisteis festivales y ahora estáis ahí de nuevo, ¿significa que Satanic Surfers están
aquí para quedarse? ¿Podría haber un nuevo álbum? “¡Desde luego! Estamos aquí para recuperar el espíritu de Satanic Surfers y volvernos locos. Ya tenemos algunos temas escritos y digamos que son muy rápidos y mejores de lo que nadie haya escrito nunca”. No pasa año sin que veamos la reunión de varias bandas... La última, la de Misfits. ¿Por qué crees que está ocurriendo? ¿Crees que el hecho de que los festivales necesiten nombres grandes tiene mucho que ver? “Bueno, lo que estamos viviendo es
AGENDA JUNIO el renacer del rock’n’roll moderno. Algunas reuniones son vitales para que esto esté pasando. Y las viejas leyendas del rock casi nunca dicen que no cuando les ofrecen mucha pasta”.
5 SECONDS OF SUMMER 10 BARCELONA, 11 MADRID
Para mucha gente la nostalgia es algo negativo, ya que implica vivir en el pasado. ¿Crees que Satanic Surfers ofrece sólo eso o hay algo más? “Entiendo esa manera de pensar y hasta estaría de acuerdo. Si te limitas a vivir sólo de los recuerdos, éstos igualmente palidecen. Pero Satanic no vamos de eso. Aunque toquemos sólo canciones viejas y usemos nuestro legado, le ponemos un montón de nueva energía. Si no fuera así, no lo haríamos”.
ATREYU 25 BARCELONA, 26 PAMPLONA, 27 MADRID
¿Qué ambiente se respira dentro del grupo en comparación a cómo era en 2007 cuando os separasteis? ¿Os divertís más ahora simplemente porque no es una obligación? “Desde luego es muy divertido. Aun así, en 2006 también hicimos cosas maravillosas. Creo que si disfrutamos más del grupo ahora es porque somos más viejos y más sabios”.
LUMINEERS 26 BARCELONA, 27 MADRID
¿Te resulta fácil volver a tocar los temas antiguos o tenéis que ensayar mucho para que suenen bien? “Muchos de los riffs todavía los tengo en los dedos y me salen sin pensar. Creo que siempre será así. Pero igualmente, ensayamos mucho para cuadrar todos los pequeños detalles”. Para el sector más joven de vuestro público, ésta puede ser la primera oportunidad de veros en directo. ¿Qué dirías que se están perdiendo de los viejos días? “(Risas) El loco pelo rubio de Ulf (Eriksson, exvocalista -ndr.)”. Todos habéis estado involucrados en otras bandas, ¿pero sentís que Satanic Surfers es como volver a casa, o para vosotros es otro grupo más? “Desde luego hay algo especial y sagrado en Satanic. Sí, quizá es como nuestro hogar”. (JORDI MEYA)
AZKENA ROCK FESTIVAL (Danzig, The Who, Refused...) 17-18 VITORIA CONVERGE 18 MADRID, 19 BADALONA HAKEN 2 BARCELONA, 3 MADRID JAMIE LAWSON 2 MADRID JOSEPH ARTUR 5 MADRID, 6 BARCELONA KING KOBRA 7 MADRID, 8 BARCELONA
MAD COOL FESTIVAL (The Who, The Prodigy, Biffy Clyro...) 16-18 MADRID MADRID SUMMER FEST (Sinister, Suru...) 11 MADRID MATT SIMMONS 22 BARCELONA, 23 MADRID MIKE FARRIS 3 PAMPLONA, 4 SANTIAGO DE COMPOSTELA, 7 VALENCIA, 8 MURCIA, 9 BARCELONA, 10 MADRID, 11 BILBAO NEIL YOUNG 20 BARCELONA NIGHT DEMON 10 MADRID, 11 SALAMANCA, 12 OURENSE, 13 BARCELONA, 14 LLEIDA PAUL MCCARTNEY 2 MADRID PENTATONIX 22 BARCELONA, 23 MADRID QUIREBOYS 10 BARCELONA PRIMAVERA SOUND (Radiohead, PJ Harvey, Suede...) 2-4 BARCELONA RATOS DE PORAO 16 MURCIA, 17 MADRID ROBERT JON & THE WRECK 10 BARCELONA, 11 CADRETE, 12 LEÓN, 13 LIÉRGANES, 14 CANGAS DO MORRAZO, 15 A CORUÑA, 16 OURENSE, 17 GUADALAJARA, 18 AVILÉS, 19 ALDEAMAYOR, 21 MÁLAGA, 22 ESTEPONA, 23 MURCIA, 24 CASTELLÓN, 25 BILBAO RUMJACKS 29 BARCELONA, 30 MADRID SCORPIONS 30 BILBAO ZAKK WYLDE 13 MADRID, 14 BARCELONA, 15 BILBAO