RockZone 122

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: While She Sleeps © DR

EDITORIAL No somos una revista a la que le guste demasiado echar la vista atrás, ni que tenga en la nostalgia su razón de ser. El presente ofrece tantas alternativas y a tanta velocidad que preferimos centrar nuestros esfuerzos en documentar la música de un tiempo que nos trae a bandas tan excitantes como While She Sleeps, nuestros protagonistas de portada. Sin embargo, este mes imperaba una excepción y dedicamos dos artículos a la memoria de Lemmy Kilmister y David Bowie. La desaparición de estas dos leyendas bien merecían un hueco entre la avalancha de lanzamientos que cada mes llega a nuestros oídos. Descansen en paz.

SUMARIO

Nยบ 122

7 / INTERFERENCIAS

26 / AGAINST THE CURRENT

30 / GOODBYE LEMMY

36 / ANTHRAX

42 / WHILE SHE SLEEPS

50 / IAMX

54 / ESPECIAL FOTO: NOTHINK

60 / GOODBYE BOWIE

SUMARIO

Nยบ 122

66 / DISCO DEL MES

68 / CRร TICAS

86 / PANIC! AT THE DISCO

92 / CONRAD KEELY

96 / ENTOMBED A.D.

100 / REVANCHA EXTREMA

106 / EN DIRECTO

116 / DE GIRA + AGENDA

INTERFERENCIAS TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48.

4º 1ª B. 08005 Barcelona.

Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordi Forés, Javier Yela, Luis Benavides, David Sabaté, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Andrea Genovart, Juan Andrés, Eneko Celestino, Jorge Fretes.

Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez.

Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Rubén Cougil (Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57), Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Mariño (Smartita), Israel Higuera (wirrak).

Foto de portada: DR

NEW DEL MES_ AT THE DRIVE-IN AT THE DRIVE-IN ANUNCIAN SU RETORNO PARA 2016 CON UNA GIRA MUNDIAL Y LA PROMESA DE PUBLICAR NUEVA MÚSICA. EL 10 DE ABRIL PODREMOS VERLES EN LA SALA RAZZMATAZZ DE BARCELONA.

L

a carrera de At The Drive-In fue corta, apenas duró ocho años, pero suficiente para dejar una profunda huella en la escena post hardcore. Su separación en 2001, después de la gira de presentación de su tercer y más exitoso álbum Relationship Of Command, dejó un amargo sabor entre sus fans y los propios miembros del grupo. Si durante años sus diferencias parecían irreconciliables, en 2012 decidieron enterrar el hacha de guerra y reunirse para actuar en festivales como Coachella o Lollapalooza; aquí lo hicieron en el FIB. Pero sus conciertos no dejaron buenas sensaciones, y al terminar el verano, cada uno volvió a sus propios proyectos. El inseparable dúo formado por el cantante Cedric BixlerZavala y el guitarrista Omar Rodríguez-López disolvieron The Mars Volta y empezaron un nuevo grupo junto a Flea de Red Hot Chili Peppers, Antemasque, con el que publicaron un álbum en 2014. De hecho, si por algo sorprende este segundo retorno de At The Drive-In es porque Antemasque estaban ya enfrascados

con la grabación de su siguiente disco, en el que ha participado Travis Barker de Blink-182.

Sea como sea, At The Drive-In anunciaban a finales de 2015 su participación en un par de festivales de Estados Unidos y, finalmente, el 21 de enero se destapaba una gira mundial de 26 fechas, incluida una en Barcelona el 10 de abril. Pese a algunas confusiones iniciales, el grupo de El Paso, Texas, se presentará con su formación clásica al completo con el guitarrista Jim Ward, el bajista Paul Hinojos y el batería Tony Hajjar. Pero el gran aliciente de este anuncio es su promesa de publicar nueva música. “Desde 2012, en cualquier entrevista que hemos dado, siempre hemos dicho que la puerta estaba abierta”, declaraba Rodríguez-López al portal Fuse el mismo día del anuncio. “Todos tenemos otros proyectos y familia, así que constantemente estamos mandándonos riffs, pero sin ponernos ninguna presión, sin nunca sentir que es algo que debamos hacer. Estamos dejando que sea natural”. Esto tiene buena pinta.

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LO PEOR DE MÍ_ TODO Y NADA

L

as últimas semanas han sido especialmente intensas en cuanto a noticias musicales se refiere. Mi canal de noticias de Facebook y el timeline de Twitter, y me imagino que también los de muchos de vosotros, se han llenado de posts dedicados a las muertes de Lemmy, Bowie y Glenn Frey (que por cierto, he descubierto que se pronuncia ‘Frai’), la vuelta de Guns N’ Roses, el cartel del Primavera Sound, el retorno de At The Drive-In, el nuevo disco de Weezer... Dado que todos seguimos y somos seguidos por gente con intereses parecidos, podemos llegar a pensar que la burbuja virtual que hemos creado tiene alguna correspondencia con el mundo, llamémosle, real.

Pero basta salir a la calle para ver que todo eso que parece tan importante cuando estamos conectados se esfuma en cuestión de segundos. Todo lo que es relevante en nuestro ámbito deja de serlo cuando salimos de él. Realidades paralelas que todavía estamos aprendiendo a congeniar a marchas forzadas y con el tiempo en contra. Y es que todo va tan rápido que ya se está hablando del estreno del capítulo VIII de Star Wars en 2017, cuando hace apenas unos días hemos visto el VII. (JORDI MEYA)

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INSTANTGRAMO

@antpogar @bmthofficial Para los que lo dejamos todo para última hora cada día es más difícil pillar un concierto, ya me pasó con Muse. @DanusDani @bmthofficial Creo que aquí empieza el luto. @Conserjedenoche ¡¡¡Menos mal que la compré el día que salieron a la venta!!! @laii93 Ya podrían venir también @ThisIsPVRIS, que en abril estarán por Europa… @InvesPolicial Investigación Policial es una de las 15 mejores películas del año según @RockZone. ¡Weee! @sanfreebird72 Buen editorial de @RockZone en enero. Siempre podéis y debéis regalarme música... hay millares de discos que no tengo. And I want them all! @Lucas31323 Escuchando el nuevo discazo de @Ignite2. ¡Esperando a que vengan a España a presentarlo! @HFMNCREW Hola @RockZone, ¿nos habéis bloqueado por ser promotores?

Nos vemos en el streaming del Resu.

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Recupero la foto que me hice con James Mattock, el cantante y guitarrista de Sharks.

Fue en su único concierto que dieron por aquí, en la sala Rocksound de Barcelona. Se les echa mucho de menos. (MARISA)

*¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección.

DESDE EL TÍBER Me han pedido que mi columna sea constructiva. Que escriba sobre cosas que me molan, bandas... Le he dado muchas vueltas al asunto, he estado días y días pensando, pero mis gustos son una puta mierda y a nadie (excepto a los tarados de RockZone) le importan... De repente veo la luz, ¿para qué hacer una columna constructiva cuando prácticamente toda la revista lo es? ¡Vamos a rajar, que para algo es el deporte nacional! Empecemos repasando los nuevos carteles de festivales en nuestro país: el Arenal repitiendo el cartel de 2012, el Azkena más caro que nunca y sin cabezas de peso, el combo Love Of Lesbian + Izal que se repite 50 veces este año, y qué decir del Primavera Sound con los misóginos, lamentables y vergonzosos PXXR GVNG. Es que no pararía... Pero como no quiero buscarle más enemigos a esta revista, vuelvo al modo constructivo: escuchad el álbum debut de Abbath, que mola un huevo, y spam de @eltrashotattoo (MARIUS TIBERIAN)

ROGER HARVEY

PISANDO FUERTE_ IMPLORE FORMACIÓN: Gabriel (voz, bajo), Petro (guitarra), Michael (batería), Arnau (batería de directo)

PROCEDENCIA: Berlín, Kiel, Barcelona AFINES A: This Gift Is A Curse, Downfall Of Gaia, Nails

FOTOS: RUBÉN NAVARRO

PRESENTAN: Depopulation (Pelagic)

“NO QUIERO SER UNA ANÉCDOTA DE NINGÚN ADOLESCENTE, PREFIERO QUE EN 15 AÑOS PUEDA SUBIRME A UN ESCENARIO Y TOCAR PARA LOS SEGUIDORES LEALES Y PARA LOS NUEVOS, NUEVOS. NO PARA LOS NOSTÁLGICOS” GABBO DUBKO DUKKO

G

abriel Dubko, Gabbo para los amigos, debe ser el único músico que ha aparecido en una portada de RockZone sin ni siquiera haber sacado un disco. Fue en el número de enero de 2010, cuando le pedimos que nos hiciera de ‘modelo’ para recrear el póster de la película (500) Days Of Summer para nuestro resumen del año.

Desde entonces siempre nos hacía la coña de que le debíamos una portada y, bueno, de momento no ha llegado el día, pero su carrera al frente de la banda de grindcore crust Implore bien merecía aparecer en esta sección. Gabbo formó la banda en Hamburgo, ciudad a la que llegó después de haber dejado Barcelona, y de haber pasado por Kalsruhe, en el sur de Alemania, Los Ángeles y Suecia ejerciendo su profesión de tatuador, aunque montar este grupo fue siempre su prioridad. “Esta banda realmente empezó cuando conocí a Daniel (Notthoff), el guitarrista”, asegura Gabbo. “Era mi vecino y nos conocimos yendo al Lidl. Pero no nos hicimos amigos hasta pasados unos meses, cuando hablamos en un concierto. Al otro día intercambiamos unas demos y esto empezó a tomar forma. Yo le dije que si montábamos este grupo era para ir a por todas”. Gabbo demostró con hechos que lo suyo no eran simples

palabras y así, para grabar su primer EP consiguió que Christian Bass de Heaven Shall Burn y Kevin Talley de Suffocation se involucraran en el proyecto. “Christian es el primer batería que tuvimos, lo conocí por medio de Paul Seidel (exWar From A Harlots Mouth y ahora en The Ocean –ndr). Él me lo presentó y al proponerle entrar en el grupo, le interesó la idea. Por entonces los tres vivíamos en Hamburgo y podíamos ensayar con cierta facilidad.

Al cabo de un tiempo, Christian entró en Heaven Shall Burn a tiempo completo y esa facilidad se perdió. Al faltar un mes para entrar a grabar Black Knell dijo que no podía porque iba a estar de gira por Sudamérica, para entonces el EP ya se había aplazado una o dos veces... por eso preferí contactar a Kevin Talley. Le envié las demos y le gustó trabajar en ellas, todo a su debido precio, pero fue una alternativa que nos favoreció”. Con ese EP, Implore ya consiguieron girar por la Europa central, Escandinavia, la Costa Oeste de Estados Unidos y México, tirando de amigos y cerrando él mismo los bolos a base de perder horas de sueño.

Posteriormente llegaría la grabación de su debut Depopulation, de nuevo con Jan Oberg en los estudios Hidden Planet de Berlín, que ha sido publicado por Pelagic Records, el sello gestionado por los músicos

de The Ocean. Desafortunadamente, Daniel no pudo seguir en el grupo, siendo sustituido por otro conocido de esta casa, Eduard Petrolillo, viejo amigo de Gabbo y guitarrista de Wilderness, quien ya había suplido a Daniel cuando éste no pudo tocar en Estados Unidos y Rusia. “Petro es un máquina, un soldado de infantería, incansable”, afirma Gabbo.

“Un road warrior en toda regla. Está igual o más tarado de la cabeza que yo”.

A finales del año pasado, el grupo estuvo girando con una de las revelaciones del metal extremo, los suecos This Gift Is A Curse.

Una gira marcada, desgraciadamente, por los atentados de París. “El tour empezó una semana después del tiroteo en Bataclan”, explica Gabbo. “Vimos Europa con otros ojos. Nos pararon en todos los peajes de Francia y hubieron muchos controles de pasaportes en muchas fronteras, esa ‘Union’ Europea se desmorona”. Teniendo en cuenta que su música es de todo menos comercial, Gabbo tiene claro que su camino no será fácil. “Prefiero que nuestra reputación y trayectoria se construya con los años, discos, tours y con una base de fans sólida, que cada ladrillo solidifique la estructura y hagamos esto para quedarnos.

No quiero ser una anécdota de ningún adolescente, prefiero que en 15 años pueda subirme a un escenario y tocar para los seguidores leales y para los nuevos, no para los nostálgicos”. Pero al menos en su nuevo país de adopción ha encontrado un entorno más favorable. “En Alemania hay un mercado, la gente apoya las bandas locales, compra merch y compra música”, nos dice. “¡Y no hay peajes! Después de tocar hasta puede que vuelvas a casa habiendo hecho algo de pasta”.

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LAS ARNETTE SESSIONS NOS MUESTRAN EL LADO MÁS CERCANO, ÍNTIMO Y CRUDO DE LOS MÚSICOS QUE SE ACERCAN A LA REDACCIÓN DE LA REVISTA ROCKZONE. A PELO, SIN SEGUNDAS OPORTUNIDADES NI EFECTOS ESPECIALES, ESTE FORMATO NO ES APTO PARA PRODUCTOS PREFABRICADOS, SÓLO PARA QUIENES DISFRUTAN Y RESPIRAN LA MÚSICA .

>> BESOS ROBADOS INTERPRETAN ‘INSTINTO ANIMAL’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE

2

015 fue un año importante para Besos Robados. El grupo barcelonés publicó su primer álbum De Boca En Boca, ofreció un puñado de conciertos para presentarlo y compartió escenario con bandas como La M.O.D.A., The Rebels o el exPereza Rubén Pozo. “Estamos contentos, pero todo cuesta”, nos cuenta Dani, su cantante, guitarrista y compositor. “Hay que picar piedra.

Supongo que si tienes una promoción fuerte detrás y mucha pasta es más fácil. Hicimos una gira y después del verano volvimos a repetir, y cuando vuelves una segunda o una tercera vez se nota la diferencia. Yo creo que con el segundo disco va a ir mejor, se va a notar el trabajo. Pero hay que estar ahí”. 2015 también supuso la salida de Álex, su antiguo guitarrista -de la formación que completan Josep (bajo) y Esteban (batería)- y la entrada de Andoni, un vasco que desde hace cuatro años reside en Barcelona, donde estudia la carrera de música moderna. “Álex estaba demasiado ocupado y no

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podía comprometerse como el resto”, explica. “Con Andoni hubo feeling desde la primera prueba. Lo pilla todo rápido y estamos súper contentos”.

Al contrario de otras bandas que aparecen en esta revista, no es difícil imaginar su rock’n’roll en castellano funcionando a nivel comercial... sin embargo, aquí nadie regala nada. “Nosotros estamos cerca del mainstream, pero somos de verdad”, señala Dani.

“Las canciones nacen del corazón, no están pensadas para que funcionen comercialmente. Y hacer que eso funcione cuesta”. Y es que, como pronto descubren los músicos, la realidad es mucho más dura de lo que parece.

“Cuando tienes 15 años te imaginas que todo irá rodado y que alguien te fichará y triunfarás. Supongo que es algo que piensan todos los adolescentes que empiezan a tocar y son un poco gallitos. Pero yo llevo muchos años tocando, desde los 18 años, y no hemos podido sacar un disco de verdad hasta ahora. Tampoco esperamos nada. Lo único que queremos es

poder tocar para la gente”. Tras cerrar la etapa de su debut, el grupo ya tiene la vista puesta en su próximo trabajo.

“Ya tenemos el disco compuesto. Y el tercero también”, dice riendo Dani.

“Soy bastante prolífico componiendo.

Pero evidentemente, aún no están montadas. De las 30 que tengamos tendremos que ver cuáles son las que funcionan mejor, hacer la criba y grabar”. Lo que seguramente permanezca sea ese espíritu bohemio y un poco gamberro de sus canciones, aunque Dani matiza que no todo en su vida son chicas y bares... “Si lo piensas, no es nada que no nos haya pasado a cualquiera de nosotros. Lo que pasa es que en un disco se concentra todo en diez, doce temas, pero evidentemente mi vida no es sólo eso. Es como contar las mejores historias que te han ocurrido. Yo trabajo como cualquier hijo de vecino, no estoy golfeando todo el día (risas), es sólo que cuento las partes divertidas... o jodidas. Todo el mundo podría hacer un resumen de sus mejores fiestas y saldría algo parecido”.

CONRAD KEELY

HEXVESSEL

THE MUTE GODS

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ZONA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, JORDI FORÉS, JORDI MEYA FOTOS: DR

HIT EMOCIONAL Juanjo Sáez

(SEXTO PISO ILUSTRADO)

M

e cuenta Juanjo Sáez que ya no es tan fiel a la prensa musical como antes y que

ahora las revistas le sirven de directorio, para orientarse a la hora de buscar grupos nuevos. En su nuevo libro, Hit Emocional, aparecen un montón de bandas, desde Loquillo a Sonic Youth, pasando por Iron Maiden,

disgustos de su vida, vio a los Sepultura de Arise en la sala Zeles-

Metallica y Sepultura, hasta llegar a los Pixies. En una de las lámi-

te y nos hace una crónica en viñetas, también nos narra su mala

nas nos hace un esquema sobre su propia evolución en cuanto a

experiencia en el Doctor Music Festival y la pesadilla de viajar

estilos musicales: “rock> heavy> thrash> indie”. El capítulo donde

en coche a París para ver a Sonic Youth. Otro de los protagonis-

Juanjo explica su iniciación al heavy metal es especialmente en-

tas de Hit Emocional es Jaime Luis Pantaleón, gran colega suyo

trañable, pero es que toda la obra está plagada de anécdotas

desde que coincidieron en el instituto. En definitiva, este libro de

graciosas que buscan la complicidad del lector: en el colegio se

estética fanzinera es una gozada remember, cargado de pura

pasa el tiempo dibujando a Eddie (la mascota de los Maiden)

inocencia juvenil, en el que el artista de Barcelona deja claro que,

en la mesa, el Black Album de Metallica fue uno de los grandes

para él, la música es recuerdos y emociones.

JF

QUINCE ANOS Ê MEDIA VIDA Skarmento (AUTOEDITADO)

P

ara cuatro chava-

El espíritu hazlo-tú-mismo del recorta y pega sigue presente en

les de menos de

esta edición tan especial para el cuarteto de Don Ramiro, pero

15 años montar

se ha de reconocer que la maquetación es resultona y la porta-

una banda en un pequeño

da espectacular. Anécdotas entrañables, aventuras en las giras

pueblo de Galicia y que

y algunos capítulos con títulos dignos de mención: ‘El Año Del

siga activa 15 años des-

Prestige’, ‘Aliento A Txurrasko’, ‘Yo Ya Os Dije Que No Teníamos

pués es todo un logro. Es

Que Haber Venido’, ‘Punkis Ricos En Porto’… La filosofía del grupo

media vida, como afirman

de Lalín queda reflejada en las páginas de este librito: “Skarmento

Skarmento en el título de

sigue siete años después sin cobrar aquel concierto. Por eso nunca

su último trabajo. Y para

tocamos por dinero, porque para que nos lo roben mejor no con-

celebrar esos tres lustros de actividad musical, nada mejor que

tar con él. Mejor tocar directamente para quien no lo tiene”. Puede

publicar un libro en galego/castellano donde recoger su historia

que la historia de Skarmento no sea la mejor ni la más interesante,

(narrada cronológicamente, año a año), muchos carteles antiguos,

pero es la suya, como expresan en un emotivo epílogo, y es

entradas de conciertos, entrevistas, artículos de prensa, fotos, etc.

para sentirse orgullosos de ella.

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JF

RANTIFUSO Nº 12 VV. AA.

(GRUPO RANTIFUSO)

STAR WARS: CONSECUENCIAS Chuck Wendin

ESPID FANZINE VV. AA.

(AUTOEDITADO)

(TIMUNMAS/PLANETA CÓMIC)

El grupo Rantifuso celebra su décimo aniversario de la mejor manera, lanzando un nuevo número de su fanzine. El mimo y cariño que le ponen a la edición se traduce en una excelente calidad del papel, impresión y encuadernación, y por supuesto también en su contenido. Aquí encontramos 22 historias de autores como Nacho Fernández, Elena Martín o Eduardo Ocaña, en las que destacan la variedad de registros, desde la denuncia social de Perra Vida, la emotividad de Inocencia o el amor urbano de Primer Contacto, con el denominador común del ingenio. JM

Entre todos los productos surgidos para dar cohesión al ‘nuevo’ universo expandido de la serie Star Wars tenemos esta primera novela que explora la situación posterior a la derrota de la Segunda Estrella de la Muerte y en cómo el Imperio trata de reorganizarse contra los Rebeldes. Con el mítico Wedge Antilles como motor inicial de la historia, la trama presenta nuevos personajes y planetas con los que ir completando el mosaico entre los episodios VI y VII, siendo ésta la primera novela de una trilogía planificada para contentar a los fans más acérrimos de la saga. SG

AL DESPERTAR DE LA JUERGA

SHAOLIN MUTANTS

(EDITORIAL CORNOQUE)

(ALETA)

Kalitos

Imagina Star Wars en versión Bruguera pero sin nada de lo que conoces de las películas; sólo la visión de Kalitos del universo de George Lucas. Eso es lo que lleva haciendo con sus álbumes de La Guerra Que Dan Las Galaxias. Tras abarcar las tres precuelas ahora llega este cómic, que jugando con la llegada del Episodio VII, recupera a sus personajes originales para una aventura completamente nueva. Todo demencia, costra y macarrismo. Puro underground etílico realizado con cariño hacia una saga que se presta a una y mil revisiones. SG

Pere Pérez

No me divertía tanto con un tebeo de hostias como con el último trabajo para una editorial española de Pere Pérez. En Shaolin Mutants el aficionado al cine de artes marciales y a las producciones macarras USA va a encontrar una mezcolanza repleta de grandes escenas de compbate, dinosaurios, mutantes y kung-fu. Toneladas de kung-fu representado de forma magistral. El tomo es autoconclusivo, por lo que cualquiera que disfrute con este tipo de cómic va a disfrutarlo, pero deja la puerta abierta a posibles secuelas, cosa que sería estupendo. SG

Las escuelas de dibujo son un lugar fantástico para encontrar a compañeros con los que luego embarcarse en la autoedición. Espid Fanzine es el resultado de la colaboración de varios alumnos y exlumnos de esta escuela madrileña en el que ponen todo de su parte para que el resultado sea lo más devastador posible. Nos encontramos ante un fanzine que ofrece materiales de muy buena y diversa calidad en diferentes historias de todo tipo.

Para publicar no hay por qué esperar a que una editorial venga a apostar por tu trabajo; basta que uno mismo crea en ello. SG

UGNIS

Kaoru Okino (EDICIONES IMAGION)

La joven editorial Imagion es la encargada de editar en excelente formato físico el webcómic Ugnis. Manga patrio de aventuras, magia y combates contra enemigos cada vez más poderosos, muy bien dibujado y mejor narrado por su autora, Kaoru Okino. La edición en papel se completa con diferentes extras que no pueden encontrarse en la versión online. Es importante destacar que dentro de la oferta de esta editorial se encuentra el editar siempre material enfocado a público juvenil y con contenido no excluyente. SG 19

DE CINE_CON KIKO VEGA STAR WARS

ACTUALIZACIÓN INSTALADA CON ÉXITO

M

ientras Los Odiosos Ocho (aquí al lado) no paran de crecer en el recuerdo, el esperado regreso galáctico de los hijos de George Lucas, dirigido por uno de los tíos más inteligentes de la industria, no parece pasar de la mera anécdota. Y es que hay más defectos y problemas que virtudes en el universo galáctico, siendo el principal la absoluta prohibición de salirse del camino establecido.

La sensación que tiene uno al ver El Despertar De La Fuerza es la de ver a J.J. Abrams, en

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su silla de director, encañonado por un montón de armas: las del club de fans, las de los hombres de Lucas y los tanques de Disney, con algún francotirador en las azoteas también de la casa. Y es que hay una privación de libertad angustiosa aquí, sin tener que remarcar el calco/remake tan comentado, aunque es cierto que la estructura, situaciones o incluso diálogos vienen de donde vienen. Cuando Abrams se puso manos a la obra con el otro universo galáctico más popular, el de Star Trek, la libertad que tuvo fue plena, algo lógico si tenemos en cuenta que se trataba de un reboot. Aquí no hay nada de eso. Es más, tú puedes ser el próximo director del siguiente episodio: sólo tienes que seguir las instrucciones y no salirte del camino.

El Despertar De La Fuerza es una actualización del mismo sistema operativo: exactamente igual pero más tosco y feo cada vez. Por cierto: ha sido instalada con éxito.

LOS ODIOSOS OCHO LA COSA ÉSA DEL WESTERN

L

os Odiosos Ocho es lo que uno espera de cada cita con Quentin Tarantino: volver a reírse de los viejos tiempos, recordar aquellas canciones que tanto nos gustaban, hablar por los codos tras unos cuantos chupitos y terminar a hostias con desconocidos hasta que te echen del garito. Ahora en 70 milímetros.

Aunque no lo parezca, estamos ante la película más pequeña que haya rodado desde Reservoir Dogs, un detalle que sienta de maravilla a sus tres horas de metraje (si tienes la suerte de calzarte el roadshow con siete kilómetros de celuloide), mucho más llevaderas que algunos estrenos con un tercio menos de duración. El western con nieve, como cada detalle de cada peli del director de Pulp Fiction (1994), no lo ha inventado él.

Con El Gran Silencio (1968) o El Perdón (2000) tenemos algunos ejemplos. Lo guay de esta nueva demostración de onanis-

mo fílmico (porque todo lo que hace es guay) es que Tarantino sigue sacándose la chorra para nuestro gozo. Para el nuestro y para el suyo. Empezando por el detalle de rodar en 70mm una peli de interiores, porque los paisajes, increíbles en esos inmensos planos generales, son poco más que una anécdota situacional. Además del formato, la película utilizada tiene una longitud modificada para poder tirar tomas de planos de cinco o seis minutos. Y luego está el decorado de la obra de teatro en que se desarrolla la segunda mitad de la peli. Esa cabaña del terror, donde nada ni nadie es lo que parece, es otro de los personajes principales de la trama. Algo lógico si encuadras con unas lentes que hacen que se vean todas las paredes de la choza. Esa teatralidad y la modernidad que supone hacer un repaso a la situación tras un intermedio (en la versión de 182 minutos que probablemente no verás) o fundido a negro (en la versión de 167 minutos) en una especie de televisivo ‘Previously on The Hateful Eight…’, justo antes de que comiencen a sucederse los típicos acontecimientos extremadamente violentos/divertidos, dan a sus odiosos ocho un aire de vodevil, de función musical nocturna y alevosa o de macarrada televisiva que le sienta como un jodido guante. Vamos, que otra obra maestra.

TOI’S IN THE ATTIC ¡OH, TIENES UN TATUAJE!

A

loha! Sorprendentes los cambios políticos acaecidos por aquí, que, a pesar de todo, siguen manteniéndonos en ascuas sobre qué va a pasar. No voy a meter un discursito, ni mucho menos, pero ahora que nos venden una nueva era, un futuro prometedor en el que todo va a ser como mucho más liberal y progre, me hace mucha gracia que se revolucione el patio ante la estampa de un diputado con rastas. Y no es que sea fan de ellas, es que me parece ridículo que sigamos viviendo en un país de folklore y pandereta, en el que a la mínima que algo se sale de lo estándar, la práctica habitual sea señalar con el dedo, e incluso ridiculizar públicamente. Esto me hace pensar en lo que me está pasando en la actualidad, por supuesto a otro nivel, con lo que seguro más de un lector se sentirá reflejado. Desde hace años llevo tatuajes, una elección personal sin importancia, lo mismo que ser vegetariano o budista. Hace ya tiempo que superé los comentarios típicos acerca de arre-

pentimiento y lo mal que me quedarán cuando sea mayor, o de tener que justificar cada uno de ellos. Sin duda cada vez hay más aceptación, igual que con el body piercing, pero ahora estoy experimentando otra fase, alucinando mucho con las libertades que se toma la gente al respecto. Desde hace un tiempo y sin venir a cuento, personas desconocidas me han hecho comentarios sobre mis tatuajes, siempre en tono positivo.

Hasta aquí incómodo pero aceptable. Pero otros han ido más allá y los han TOCADO. ¿Con qué derecho? Ni idea, pero como si fuera lo más normal del mundo. Lo peor es que si van en plan halagador no les puedes mandar a tomar por culo, que sería lo suyo. ¿Acaso vamos parando a la gente por la calle para informar de lo bien que les queda un abrigo, o lo fea que es su camiseta? Pues a toda esa colección de gilipollas que van por ahí juzgando libremente les quiero enviar un mensajito: meteos en vuestros propios asuntos. Besis.

(TOI BROWNSTONE)

cómo la mezcla de esas dos bandas crean un sonido sucio, maloliente y pútrido. ¿¡No es

E

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame es el disco Smell The Magic de L7.

Por mucho que las bandas categorizadas como ‘grunge’ odien el término, puedo entender el porqué de ese nombre.

Para mí, grunge es un sonido en sí mismo. Mudhoney de Seattle, Washington, ejemplifican ese sonido. Ellos son la quintaesencia de lo que es una banda grunge. Para mí, el gran problema fue que el público grunge no sabía de dónde el estilo tomó su sonido. En mi opinión, grunge es una maravillosa mezcla de The Stooges con Black Sabbath. En todos los documentales, artículos, reseñas o conversaciones casuales, nunca he visto describir al grunge de esta manera, pero si cierras los ojos, podrás ver 24

maravilloso!? ¿Por qué no considero a bandas como Nirvana o Soundgarden grunge? Porque Nirvana limpiaron su sonido y Soundgarden se fueron hacia el lado Sabbath, y allí se quedaron. Así que, ¿qué otras bandas podrían ser grunge según mi definición? Diría que Tad, de los que ya he escrito antes en esta columna sobre esa monumental obra maestra llamada 8 Way Santa. Y hay otra banda que se podría meter ahí... Serían L7 con Smell The Magic.

Joder, Smell The Magic es una buena patada en el culo. Tan fuerte, que le saldrán hemorroides al que la reciba. Mucha gente ha oído hablar de L7, pero nunca las han escuchado. Empieza con Smell The Magic, su disco de debut para Sub Pop, y te quedarás atrapado para siempre.

El EP empieza con la lenta ‘Shove’ y contiene un tono de guitarra prácticamente perfecto. Es el tono que encapsula mi teoría Stooges/Sabbath.

‘Till The Wheels Fall Off’ es tan heavy como cualquier cosa que hayan podido hacer Soundgarden, mientras que el ‘éxito’ del disco Fast And Frightening, cantado por Donita Sparks, contiene el verso “…Got so much clit she don’t need know balls” dentro de la mejor letra que nunca se ha escrito. Esa canción captura ese momento como ninguna otra lo ha hecho, definitivamente más que ‘Smells Like Teen Spirit’.

Lo que hace del EP algo tan fresco y excitante son las voces compartidas entre las guitarristas Donita Sparks y Suzi Gardner, mientras la bajista Jennifer Finch lleva la voz cantante en ‘(Right On) Thru’. Todas tienen

estilos similares y es difícil distinguir a quién pertenece cada grito y aullido, pero, no os equivoquéis, cada uno es más heavy que el anterior.

Algunos discos, no importa lo brillantes que sean, acaban por ser secundarios y nunca alcanzan el papel principal.

Cuando esto pasa, la amenaza de que acaben siendo sepultados y olvidados es muy real. Así que, para evitar que esto suceda y quizás porque siempre he tenido simpatía por los renegados, quiero mostrar aquí mis reverencias. Y además, es complicado negarlo. ¡L7 fucking rocks!

Hasta el mes que viene, DANKO JONES

AGAINST THE CURRENT

VELOCIDAD DE CRUCERO

SIN NI SIQUIERA HABER PUBLICADO SU PRIMER DISCO, AGAINST THE CURRENT YA SE HAN CONVERTIDO EN LOS ÍDOLOS DE MILES DE JÓVENES DE TODO EL MUNDO. ESTE FEBRERO PODREMOS VER AL NUEVO FENÓMENO DEL POP ROCK AMERICANO MUY DE CERCA. TEXTO: MARC LÓPEZ FOTOS: DR

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O ES NADA COMÚN que una banda tan joven como Against The Current haya girado por todo el mundo promocionando un EP. Y todavía menos que agotaran las entradas en ciudades tan distintas como París o Tokio. Pero si 2015 fue un año increíble para Chrissy Constanza (voz), Dan Gow (guitarra) y Will Ferri (batería), 2016 apunta a que todavía lo será más. Su álbum de debut no aparecerá hasta la primavera (en mayo con casi toda seguridad), pero antes el trío de Poughkeepsie, Nueva York, se lanzará de nuevo a la carretera para seguir ampliando su base de fans.

Es una oportunidad de que los millones de seguidores que acumulan en las redes sociales o quienes les han descubierto por sus versiones de Bruno Mars o Adele constaten de primera mano que son algo más de un fenómeno viral, que son personas de carne y hueso y que, además, saben defenderse encima de un escenario. Es esta voluntad de tocar tanto como puedan la que les llevará a visitar hasta cuatro ciudades de nuestro país este febrero (el día 25 en Zaragoza, el 26 en Valencia, el 27 en Madrid y el 28 en Barcelona). Sería demasiado inocente pensar que todo esto ha surgido de manera espontánea. Al fin y al cabo, Against The Current cuentan con el respaldo del sello Fueled By Ramen, el mismo que lanzó al estrellato a Fall Out Boy, Paramore o Twenty One Pilots, pero lo cierto es que canciones como ‘Outsiders’ o ‘Talk’ tienen un gancho especial y que en Chrissy Costanza tienen un diamante en bruto. Con ella hablamos a finales de enero.

Lo primero que me gustaría saber es si ya habéis terminado de hacer el álbum o si todavía seguís trabajando en él.

CHRISSY COSTANZA “Todavía no están terminadas las mezclas y el mastering, pero ya está todo grabado. Así que estamos en la última fase. Llevamos desde mayo del año pasado trabajando en él. Lo hemos grabado con Tommy (English), con quien ya hicimos el EP Gravity, así que desde el principio nos sentimos muy cómodos con él”. ¿Qué crees que es lo que más sorprenderá respecto a los dos EPs publicados hasta ahora?

“Creo que mostrará un gran paso adelante.

Creo que será una gran sorpresa porque nuestro sonido está evolucionando. Es diferente a todo lo que hemos hecho. Es mucho más maduro e intelectual. Cada canción es distinta y tiene su propia historia, pero a la vez, se complementan muy bien. Es un disco muy dinámico. Creo que lo que más llamará la atención es lo maduro que es”. ¿Te abruma todo lo que está sucediendo con la banda si ni siquiera haber publicado vuestro primer álbum o ya te has acostumbrado a esta nueva vida?

“A veces me abruma, pero ahora esto es lo que hacemos cada día, así que no siento que sea nada extraordinario”. ¿Y cómo os lleváis entre vosotros ahora que tenéis que pasar tantas horas juntos?

“OBVIAMENTE NUESTRA VIDA ES DISTINTA, Y EN CIERTA MANERA LAS ALEGRÍAS PERO TAMBIÉN LOS BAJONES SE AMPLIFICAN PORQUE VIVIMOS EMOCIONES MUY FUERTES. PERO AL FIN Y AL CABO, TENGO 20 AÑOS Y CREO QUE LO QUE YO SIENTO ES UNIVERSAL”

CHRISSY COSTANZA

“Nos caímos muy bien desde el principio, pero nos hemos acercado muchísimo. Siento que somos como una familia, los veo como si fueran mis hermanos. Pasamos tanto tiempo juntos, grabando y girando, que hemos establecido una conexión muy fuerte”.

Siendo la primera vez que aparecéis en la revista, me gustaría que contaras cómo empezó todo. ¿De dónde sacasteis la motivación para tomaros tan en serio el grupo siendo tan jóvenes?

“Dan y Will empezaron a tocar juntos cuando tenían 10 años y siguieron tocando en distintos grupos.

Fueron probando con distinta gente, pero siempre supieron que esto era lo que querían hacer. Así que siguieron trabajando y trabajando para conseguirlo. Luego en 2011 nos conocimos y todo empezó a tomar forma muy rápidamente”.

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¿Y tú cuándo descubriste que querías y podías cantar?

“Llevo cantando desde que era pequeña. Siempre había querido dedicarme a ello, pero no sabía si sería actuando en musicales o en un grupo. Pero cuando conocí a los chicos todo cobró sentido y vi que era exactamente lo que buscaba”. ¿Qué música creciste escuchando o qué cantantes te inspiraron?

“Escuchaba mucho a Frank Sinatra, Led Zeppelin, Madonna, cosas que escuchaban mis padres. También pasé por mi fase de escuchar boy bands, porque es lo que escuchan las niñas... Pero a esa edad más bien escuchaba lo que ponían mis padres”.

Uno de vuestros primeros éxitos fue la versión que hicisteis de ‘Uptown Funk’ de Bruno Mars. ¿Cómo surgió? ¿Os esperabais que tuviera tanta

repercusión?

“Simplemente pensamos que era una canción divertida y que podríamos tocar en directo. A todo el mundo le gustaba esa canción, así que ¿por qué no grabarla? Lo pasamos muy bien haciéndola y en los conciertos es una fiesta”. ¿Sabes si Bruno Mars la ha escuchado?

“No tengo ni idea. Me gustaría pensar que sí, pero no lo sé”.

Esa canción la grabasteis con Cody Carson de Set If Off y en febrero estaréis tocando junto a All Time Low y Good Charlotte, lo que lleva a que en muchos medios se os etiquete como a una banda de pop punk. ¿Os sentís parte de esa escena?

“La verdad es que no nos veo como una banda de pop punk, sino más bien de pop rock, en todo caso.

Entiendo que haya gente que nos ponga en esa categoría y nos gustan muchos grupos de ese estilo, pero creo que en nuestro disco se verá que hacemos música que va más allá de una etiqueta”.

Al igual que muchísimos grupos, habéis recurrido a compositores externos para que os ayudaran a escribir algunas canciones. ¿Cómo lo habéis hecho para que en estas colaboraciones vuestra personalidad no quedara diluida?

“Bueno, en todas las sesiones que hicimos Tommy estaba presente, así que él en cierta manera encontraba el equilibrio para que los temas reflejaran quiénes somos. Pero trabajar con compositores distintos, cada uno con una mentalidad distinta, le ha dado mucha frescura al disco. Como te decía antes, todos los temas son diferentes, pero a la vez tienen sentido juntos. Creo que cada persona va a encontrar su canción favorita, no será un álbum que guste por una sola”.

Pero cuando haces las letras, ¿te basas en tus propias experiencias o puedes identificarte igual aunque salgan de otra persona?

“Sí, la mayoría de letras son sobre situaciones que he vivido. O son cosas que me vienen a la cabeza, cosas que he observado... Pero de un modo u otro todas salen de mí”.

El hecho es que estás viviendo una vida muy distinta a la de vuestros fans... ¿te da miedo pensar que quizá no

conecten con lo que les estás contando?

“Obviamente nuestra vida es distinta, y en cierta manera las alegrías pero también los bajones se amplifican porque vivimos emociones muy fuertes. Pero al fin y al cabo, tengo 20 años y creo que lo que yo siento es universal y lo viven igual las personas que nos escuchan. Todos tenemos las mismas preocupaciones o miedos.

No importa si eres cantante o si eres una estudiante de biología o de inglés; vas a experimentar sensaciones muy parecidas, la incertidumbre del futuro, saber si tendrás trabajo...

Cuando estás creciendo todo el mundo pasa por lo mismo”. ¿Crees que por estar en el grupo estás creciendo o madurando más rápidamente?

“Sí y no. Sí porque tenemos muchas más responsabilidades. Muchas chicas de mi edad ahora mismo están en la universidad, que es una fase de transición porque dejas a tus padres y entras en el mundo real. Y quizá nosotros hayamos entrado en el mundo real directamente sin esa transición. Pero la realidad es que también tenemos un montón de gente que trabaja con nosotros y nos ayuda, así que también tenemos la oportunidad de ser simplemente unos jóvenes que están creciendo. No tenemos que comportarnos como adultos las 24 horas del día. También podemos divertirnos (risas)”. ¿Se enfadaron tus padres porque te saltaras la universidad?

“Mis padres querían que siguiera estudiando porque siempre se han tomado la educación muy en serio,

pero ahora que estoy haciendo esto y ven que es lo que me gusta de verdad, están muy contentos. Son geniales”.

Muchos de vuestros fans son muy jóvenes. ¿Te condiciona pensar que puedan verte como un modelo a seguir?

“Es algo de lo que soy muy consciente, pero no quiero que me vean como un ejemplo ni nada parecido.

Sé que todo lo que haga va a ser mirado con lupa, así que tengo cuidado, porque no quiero ser una mala influencia. Por ejemplo, no quiero que nadie piense que dejar los estudios es buena idea sólo porque yo lo he hecho. Y si alguien se encuentra en una situación parecida y quiere dejarlos, espero que lo piense y tome su propia decisión. No quiero que crea que porque yo lo hice, es lo que hay que hacer”.

Tenéis un seguimiento brutal en las redes sociales. ¿Crees que ahora mismo es un elemento tan esencial como la música en sí para que una banda triunfe?

“Realmente depende de lo que quieras. Si quieres hacer música y que llegue a los demás, es importante.

Pero para nosotros se trata más bien de tener un contacto más directo con nuestros fans, de cuidarles porque queremos tener una carrera larga y queremos asegurarnos de que sientan que estamos pendientes de ellos”.

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GOODBYE LEMMY (1945-2015)

EL PASADO 28 DE DICIEMBRE, EL MUNDO DEL ROCK RECIBÍA UNO DE ESOS GOLPES IMPOSIBLES DE ENCAJAR: LEMMY, EL INCOMBUSTIBLE LÍDER DE MOTÖRHEAD, FALLECÍA A LA EDAD DE 70 AÑOS. SIRVAN ESTAS PÁGINAS COMO TRIBUTO A UNA FIGURA IRREPETIBLE. TEXTO: ANDRÉS MARTÍNEZ FOTOS: DR O SÉ VOSOTROS, pero yo con el tiempo desarrollé un sentimiento (o quizás fuese un deseo) de que Ian Fraser Kilmister, conocido universalmente como Lemmy, iba a ser eterno. Al fin y al cabo, desde mis lejanos años de adolescencia hasta los tiempos actuales, yo lo veía prácticamente igual, sin variar un ápice su imagen y su modo de vida. Mientras muchos de nuestros héroes musicales nos decepcionaban de tanto en tanto en pos de la consabida evolución artística o simplemente por falta de ideas e inspiración, Motörhead eran uno de los pocos grupos en los que siempre podías confiar. ¿Limitados? ¿Poco amigos del riesgo? ¿Comodidad ante una fórmula que les funcionaba a las mil maravillas? Yo lo llamaría coherencia y honestidad, pues sabían muy bien el terreno que pisaban y, en lo suyo, eran los mejores. ¿Por qué cambiar entonces? Además, sólo un necio que escuche una y otra vez ‘Ace Of Spades’ no se daría cuenta de que en la extensa discografía de la banda había mucho más que decibelios descontrolados y velocidad sin límite. Me vienen a la cabeza temas de todas sus épocas, como ‘The Chase Is Better Than The Catch’, ‘Dancing On Your Grave’, ‘1916’, ‘Lost Woman Blues’, ‘Rock And Roll Music’, ‘One More Fucking Time’ o esa hermosa ‘Don’t Let Daddy Kiss Me’, para demostrar que la Cabeza Motorizada eran mucho más que apocalípticos y ruidosos himnos para quedarse sordo de por vida.

Ciertamente se adelantaron al thrash

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metal siendo más veloces que ninguno de ellos, pero también sonaban más punks que cualquier banda punk, y más rockeros que cualquier combo de rock’n’roll. Eran una sencilla, cojonuda y engrasada máquina de hacer rock de alto octanaje, pero con el talento de evolucionar dentro de un estilo único e innegociable. En ese sentido estoy totalmente de acuerdo con las palabras con las que Dave Grohl definió la música de la banda: “Un puente tendido entre AC/DC, Black Sabbath y Led Zeppelin y grupos como Ramones o GBH”.

Estamos de acuerdo en que, en lo musical, Lemmy siempre se ha mantenido fiel a un modo de ver las cosas, pero el respeto y admiración que había cosechado entre seguidores y compañeros de profesión no era sólo por su impecable integridad a la hora de conducir su longeva carrera... También su arrolladora personalidad contribuyó a hacer de él, poco a poco, una leyenda viva. Alguien comentó que si vinieran unas cuantas criaturas del espacio exterior y tuviéramos que explicarles qué demonios es eso del rock’n’roll, tan sólo habría que presentarles a Lemmy. No podría estar más de acuerdo. Su imponente figura con sus ceñidos jeans negros, su canana de balas, sus botas, sus enormes patillas y sobre todo ese Rickenbacker colgando, son una imagen icónica que se ha mantenido imperturbable casi cuatro décadas. Las modas iban y venían, los grupos de éxito igual que explotaban desaparecían con la misma rapidez con la que habían al-

canzado el estrellato, pero Motörhead seguían ahí. Ellos no han tenido que celebrar falsos aniversarios como otros muchos compañeros de profesión. Ya sabéis a lo que me refiero... ‘Vamos a conmemorar el 30 cumpleaños de un artista’, cuando resulta que de esos treinta años, veinte han estado separados. Motörhead nunca han tenido que hacer ese paripé porque simplemente nunca han parado. A pesar de todos los problemas que han tenido que superar, Lemmy siempre estuvo allí, al pie del cañón para seguir adelante con su banda. Nadie iba a arrebatarle su sueño, ni los vaivenes de la industria, ni las modas imperantes, ni siquiera las ingentes cantidades de speed y los litros de Jack Daniel’s con CocaCola que ingería en su dieta diaria, y mucho menos la idas de olla de sus compañeros de viaje. Como dijo su propio hijo en el funeral, “Lemmy era Lemmy las 24 horas del día, ni siquiera se cambiaba a la hora de saltar al escenario”. Un caso raro en la escena rockera.

El 29 de diciembre a las cinco de la mañana me enteré de la noticia. El mítico bajista había fallecido tras no poder superar un agresivo cáncer que le habían diagnosticado tan sólo dos días antes. ¿Un mundo sin Lemmy?

Difícil de digerir. Unos meses antes, entre unos cuantos amigos se encendió un interesante debate sobre cuando Motörhead tuvieron que cancelar el show en medio de la interpretación de su clásico ‘Metropolis’. Fue en Austin, Texas, y tras un “Estoy demasiado enfermo para poder tocar”, Lemmy se 31

retiró del escenario al cual volvió tan sólo para pedir disculpas y prometer que volverían para un nuevo concierto.

Muchos opinábamos entonces que alguien debería hacer parar a este hombre al que la diabetes y los problemas del corazón que le sobrevinieron hará un par de años no habían conseguido que rebajara ni por asomo su hiperactividad. A las continuas giras había que sumarle la grabación de Aftershock en 2013 y la más reciente de Bad Magic. El tipo, a pesar de su salud tan delicada, seguía grabando y girando y, ciertamente, y con todos nuestros respetos, no estamos hablando de un guitarrista de blues o de un artista de country rock. Este hombre se tenía que enfrentar noche tras noche a un repertorio que incluye temas como ‘Ace Of Spades’, ‘We Are The Road Crew’, ‘No Class’ o ‘Stay Clean’… poca broma, cualquiera no puede con eso. Por su seguridad tenía que parar un poco y recuperarse para tomar aliento. Se alzaron voces en contra.

Para muchos, su vida era ésa, y si su

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deseo era seguir en el escenario hasta las últimas consecuencias, ¿quiénes éramos nosotros para contradecirle?

Quizás fue ésa la primera vez que los fans nos sentimos realmente preocupados por él. Su aspecto ya hacía tiempo que se había deteriorado, su extrema delgadez nos compungía cuando le veíamos en cualquier acto, y tampoco faltó quien pensaba que nuestro hombre había quedado atrapado en su propio destino. Tras su muerte lo hablaba con mi buen amigo Richard Royuela, quien confesó con toda la compasión del mundo que en los últimos tiempos la mirada de Lemmy mostraba una mescolanza de melancolía y tristeza. Como responsable de toda la maquinaria de la banda quizás se veía obligado a continuar a pesar de que las circunstancias aconsejaban lo contrario. Quizás algo de eso hubo, pero lo cierto es que parafraseando de nuevo a su hijo Paul Inder, “Lemmy era un guerrero del escenario”, y dudo que nuestro héroe imaginase un final acomodado entre sus antigüedades y

sus recuerdos. La edición de su nuevo álbum nos llenó a todos de esperanza.

No es que el disco fuera bueno (que lo era, y mucho), es que nos traía a unos Motörhead más furiosos que nunca con ‘Victory Or Death’, ‘Thunder And Lighting’, ‘Shoot Out All Of Your Lights’, ‘Electricity’… Joder, aquello era un no parar. Si su salud era extremadamente delicada, era imposible darse cuenta escuchando el que ha sido su última andanada de rock’n’roll, pero ya sabemos que la vida es muy perra.

ECHANDO LA VISTA ATRÁS, recuerdo perfectamente cuál fue mi primer encuentro con la banda; el escaparate de una céntrica tienda de discos de Barcelona fue el lugar.

Allí, orgullosa, se erguía esplendorosa la portada de No Sleep ‘Til Hammersmith, y huelga decir que aquella instantánea me dejó anonadado. Eran los tiempos en que muchos de nosotros, a pesar de nuestra ignorancia, nos dejábamos llevar por el instinto y comprábamos discos por la portada,

y aquella carátula evidentemente te atraía hacía ella como la miel a las moscas. Una banda tocando en un mar de luces con el bombardero cargado de focos planeando sobre los músicos… Joder, en estos tiempos en que los discos han pasado a ser archivos anónimos en carpetas amarillas en un ordenador es cuando me siento más afortunado de haber crecido con la visión de aquellas fantásticas instantáneas, que por otra parte, nunca engañaban. Si una portada te impresionaba es que dentro había algo grande. Y ciertamente, lo que escondía aquella seminal carátula no era grande, era enorme, acababa de descubrir a otra de esas bandas que me acompañaría de por vida. Que os puedo contar, descubrir la música de Motörhead a través de las ultra asesinas versiones live de ‘The Hammer’, ‘Stay Clean’, ‘Bomber’, ‘Capricorn’ o ‘Ace Of Spades’ no tiene precio, y realmente no puedo recordar las horas que me pasaba tirado en la cama de mi minúscula habitación contemplando la pinta de forajidos que Lemmy, Philty y Eddie exhibían en las fotos de contraportada.

Mi bautismo en directo tardó algo más en llegar. Fue en noviembre de 1982 y la banda estaba atravesando por un momento crítico a todos los niveles. Eddie Fast había abandonado el barco y lo había sustituido Brian ‘Robbo’ Robertson, un tipo que procedía de los enormes Thin Lizzy (aunque en aquella época no tenía ni idea de quiénes eran) y que, al parecer, estaba ocasionando bastantes problemas en el seno del grupo. Los recuerdos se me amontonan y no logro precisar si Another Perfect Day, el álbum que grabaron con Robbo, había salido ya

a la venta, pero de cualquier manera aquel bolo fue un auténtico caos que sin embargo disfruté como un loco.

Tenía al puto Lemmy delante de mí y ni siquiera la tangana que el mismo guitarrista organizó con parte de las primeras filas, cuando al parecer alguno de ellos le escupió, deslució mi primera vez con la banda. Los veteranos del barrio que tuvieron la bondad de llevarme con ellos recuerdo que echaban pestes del concierto: “Sin Eddie ya no es lo mismo”, “He visto a Lemmy muy apagado”, “Han sonado como el culo”… Quizás fuera así, ya que no era yo muy exigente en aquellos años de descubrimientos y aprendizaje.

Gocé con la experiencia, pasé nervios (¿O debo decir miedo?) cuando me vi envuelto en el pogo y en el conato de pelea que inició Robbo, pero pude tener frente a mí a Lemmy, al que recuerdo salivando como un animal cada vez que escupía una estrofa delante de su elevado micro, e incluso casi logro agarrar una de las baquetas que Philty arrojaba con saña hacia la audiencia. Para aquel esmirriado chavalín que era yo, fue un bolo perfecto y, sí, Another Perfect Day, a pesar de las críticas que recibió en su día, me parece uno de los discos más arriesgados y brillantes de la carrera de la banda. Más tarde han sido innumerables las veces que los he podido disfrutar en vivo. Inolvidable fue cuando en uno de mis viajes al mítico Monsters Of Rock de Donington los pude ver enfrentándose a la siempre demoledora audiencia inglesa. Fue en agosto de 1986 y después de que Warlock, Bad News (sí, la banda de Neil de la serie Young Ones) e incluso Scorpions recibieran una buena dosis de las típicas botellas británicas llenas de arena y

orines, salieron Motörhead y todo Dios se puso firme. Ozzy Osbourne y Def Leppard, que realizaban el primer show con Rick Allen de nuevo tras el accidente del batería, también cosecharon sonoras ovaciones, pero lo de Motörhead fue distinto. Allí el respeto y el cariño por la banda se podía notar en el aire. Otro momento especial para un servidor fue la visita que nos hizo la banda con motivo de la gira del disco Overnight Sensation. Especial y algo amarga, debo decir. La banda tocaba en la sala Zeleste (hoy Razzmatazz) de Barcelona y todavía no me explico cómo conseguimos una entrevista con el grupo para el fanzine que editábamos en aquellos tiempos.

Conocer a Lemmy, estrecharle la mano y departir con él era algo que evidentemente me hacía una enorme ilusión.

Cuando nos confirmaron el encuentro, automáticamente me trasladé años atrás cuando aquel imberbe niñato compraba nervioso su copia del No Sleep, pero finalmente el sueño no se iba a poder dar, por lo menos conmi-

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go delante. Problemas personales de última hora hicieron, no sólo que me perdiera la entrevista, sino también el concierto. A pesar del palo, recuerdo con cariño la conversación que mantuve con el colega que me tenía que acompañar y que tras haber tenido que lidiar solo con la situación, me gritó al teléfono: “Ha sido increíble, hemos acabado hablando de varios observatorios secretos que los nazis habían instalado en Uruguay, ¿y sabes qué? ¡Tienen máquinas tragaperras en el backstage!”. En aquella entrevista que se realizó cuando Lemmy contaba 51 años, ya proclamaba que su objetivo era “Seguir molestando. Solamente espero el próximo día, lo demás sinceramente no me importa”. Lo hizo, cumplió su palabra. Desde entonces, aparte de directos, recopilatorios o cajas, ha lanzado nueve discos más de estudio, y no creo exagerar cuando digo que entre esas entregas más recientes están algunos de sus mejores trabajos.

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Tras el estreno del documental dedicado a la figura de Lemmy en 2010, fue obvio el incremento de popularidad que experimentó la banda. Algo raro teniendo en cuenta los antecedentes... “Cuando algún artista aparece en el show de David Letterman multiplica la venta de sus discos un 30%, cuando aparecimos nosotros nuestras ventas bajaron ese mismo tanto por ciento”. Bromas aparte, Lemmy, y por extensión Motörhead, comenzaron a ser respetados por todos aquellos que, reconozcámoslo, en su vida habían pinchado discos como Overkill, Bastards o Iron Fist. Ningún problema con eso; lejos de ese supuesto sentimiento auténtico que viene del underground, me alegré de que Motörhead volvieran a encabezar festivales y tocaran en recintos cada vez mayores. Obviamente, los veteranos como yo no podemos evitar un cierto sentimiento de nostalgia cuando recuerdas el ambiente, el público y la ‘hostilidad’ que se respiraba

en aquellas primeras visitas comparándolas con ese último concierto que vivimos en el Sant Jordi Club, donde heavys de la vieja guardia, curiosos y hipsters de diverso pelaje se pusieron de acuerdo para llenar un recinto que tan sólo unos años antes era un sueño imposible para una banda como ellos.

Curiosamente, hasta en esto, Lemmy y su gente ha puesto de acuerdo a todo el mundo. Nadie ha reprochado nada a nuestro hombre cuando su popularidad mediática ha crecido como la espuma. ¿Cuántas veces hemos oído la famosa frase cuando alguno de nuestros grupos ha llegado más lejos de lo que debía? Y sí, estamos de acuerdo en que no arrastran la misma gente que Metallica o cualquier monstruo superventas, pero no me negaréis que en los últimos años hemos visto al entrañable Snaggletooth estampado en el pecho de gente que, como en el caso del logotipo de Ramones, se pensaban que lucían una marca de ropa

en lugar de la mascota más terrorífica de la historia del rock.

Phil ‘Animal’ Taylor, el batería original de la banda, el pendenciero bandolero de cabellera punk que nos aporreó en discos como Bomber, Overkill, Ace Of Spades, No Sleep ‘Til Hammersmith o 1916, nos dejó el 11 de noviembre del año pasado. Hacía tiempo que su momento en Motörhead ya había pasado, pero todos los fans lo recordamos con cariño. Michael ‘Wurzel’ Burston se fue en julio de 2011. Él fue, junto con Phil Campbell, el encargado de llenar el hueco dejado por el incomparable Brian Robertson. Su Stratocaster negra se puede escuchar en incunables como 1916, March Ör Die, Bastards, Orgasmatron, Rock’N’Roll o Sacrifice, y su peso en el sonido y la evolución del grupo es mucho más importante de lo que a simple vista parece. Nunca olvidaré el vídeo de ‘Killed By Death’, donde su imagen de macarra rivalizaba con la

del mismo Lemmy, que reinaba por todo lo alto a lomos de su motocicleta mientras sobaba con lascivia el trasero de su compañera. Curiosamente, ese clip fue la puerta de entrada para muchos jóvenes que quedaron prendados viendo al señor Kilmister atravesando paredes con su moto, siendo acribillado por la pasma y quemado en una silla eléctrica para después resurgir de la tumba montando su Harley. Sencillamente imborrable. Ahora el que ha agarrado su Rickenbacker y se ha largado ha sido el alma, el capitán, el puto jefe del cotarro, y aunque estemos acostumbrados a reuniones más y más estrambóticas, más y más incomprensibles, más y más decepcionantes propiciadas por el poderoso caballero Don Dinero, aquí se acaba la historia. Unos Motörhead sin Lemmy no son viables.

Ayer noche, viendo la bonita ceremonia de su despedida, sentía sincera admiración por una persona que fue capaz de que toda una comunidad de

músicos se reuniera para recordar su vida, su enorme legado que en algunas ocasiones incluso llegó a quedar al margen para que familiares, miembros de su equipo, amigos y compañeros de profesión recordaran su personalidad entre risas y mucha emoción.

A nosotros los fans sólo nos queda una cosa: servirnos un trago de Jack, poner el volumen de nuestro equipo al once, escoger entre la extensa ristra de canciones que nuestro hombre nos ha regalado en los últimos 40 años, hacer sonar unas cuantas de ellas y brindar por él. Mientras lo hacemos, imaginémoslo retomando su amistad con Kelly Johnson, discutiendo con Philty Taylor o recordando con Hendrix los atracones de ácido que ambos se daban en los viejos tiempos, mientras afina una vez más su monstruoso y apocalíptico Rickenbacker, dispuesto a seguir dejando sordo al personal que se encuentre allí donde haya ido. Descansa en paz, maestro.

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ANTHRAX SE HAN TOMADO SU TIEMPO, PERO ANTHRAX ESTÁN DE VUELTA CON FOR ALL KINGS, SU SEGUNDO ÁLBUM DESDE QUE EL VOCALISTA JOEY BELLADONA REGRESARA A LA FORMACIÓN EN 2010. LOS REPRESENTANTES DE LA COSTA ESTE DEL BIG 4 ASEGURAN SENTIRSE MÁS UNIDOS QUE NUNCA. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

En Familia

T

E IMAGINAS que llamen a la puerta, abrir y ver a Scott Ian, Frank Bello y Joey Belladona al otro lado? Pues ésa es la estampa que vivimos el pasado 3 de noviembre.

Aprovechando su visita como teloneros de Slayer, la banda montó una jornada de promoción en Barcelona y, teniendo en cuenta lo cerca que está nuestra redacción de la sala Razzmatazz, estuvimos encantados de cedérsela para que atendieran a los medios.

Aunque todavía faltaban unos meses para que saliera For All Kings (Nuclear Blast), tuvimos la oportunidad de escucharlo entero junto a otros compañeros de la prensa musical, eso sí, con la condición de no publicar nada hasta que se acercase la fecha de edición, que finalmente será el 26 de febrero.

Ni que fuera una primera impresión, al menos teníamos algo que preguntarles sobre su nuevo trabajo, que llevan años preparando. En el reparto que se hizo con los distintos medios, a nosotros nos tocó a Bello, seguramente el miembro que mejor nos cae de todos.

Si encima de un escenario es el músico que más cercano se muestra con el público, en persona se muestra igual, incluso preguntándonos por nuestra situación profesional y personal o cómo había terminado el último capítulo de The Walking Dead que se había perdido. Aquel punto alocado que tenía en los 80 ha dado paso a un carácter mucho más maduro y también profesional. Bello venía a ‘vendernos’ el nuevo disco y eso es lo que hizo.

Algo que bien podría aplicarse a su música. Con los años, Anthrax han perdido aquella vocación innovadora que les llevó a ser pioneros del thrash, colaborar con Public Enemy o Angelo Badalamenti, versionar a Joe Jackson o

“SOMOS DE NUEVO UNA BANDA UNDERGROUND, PERO ESTAMOS DISPUESTOS A LUCHAR. NO PUEDO PARAR DE HACER MÚSICA. ES MI VIDA. NO ME LA IMAGINO DE OTRA MANERA”

FRANK BELLO romper los cánones estéticos del metal saliendo a tocar con bermudas. Y quizá ya no transgredirán, pero al menos tampoco caen en la autoparodia.

Así de entrada, For All Kings me ha parecido muy melódico, más heavy metal que thrash.

FRANK BELLO “Bueno, Anthrax siempre hemos tenido riffs duros y melodía, y eso es lo que hay en este disco. Pero es curioso, porque la gente está destacando que hay más elementos thrash. Desde luego es más rápido de lo que hemos hecho en los últimos discos, lo cual me alegra”.

En los últimos años hemos visto un revival del thrash metal con bandas como Municipal Waste, Warbringer o Toxic Holocaust. ¿Os puede haber influenciado de algún modo?

“La verdad es que no. He estado muy centrado en el nuevo álbum de Anthrax y me he dedicado más a escuchar a clásicos como Sabbath o Maiden que cosas nuevas. Quiero tener la mente limpia para componer. Nosotros hacemos thrash, así que no quiero escuchar más thrash. Quizá ahora que el disco ya está listo, sí lo haga. De bandas nuevas me gustan mucho Rival Sons, aunque son más rock. Crobot también me molan. Pero me encanta saber que el thrash sigue vivo”.

Algo que me ha sorprendido es la cantidad de coros..

“Sí, así es. Tenemos un gran cantante, Joey Belladona, y yo también canto, así que no es un problema hacerlo en directo. Creo que en este disco nos hemos expandido. El último álbum, Worship Music, gustó mucho en todo el mundo, incluso hubo gente que dijo que era el mejor que habíamos hecho, lo cual me gusta mucho porque después de 30 años es un gran cumplido. Sabemos la suerte que tenemos y sabemos lo que queremos conseguir musicalmente. Estamos en un buen momento como compositores. Sólo es cuestión de tomarte tu tiempo para hacerlo bien. No podemos vivir del pasado, y por eso no hemos sacado el trabajo hasta que estuviésemos preparados. Estamos muy felices de que la gente esté abierta a escuchar nueva música de Anthrax y nosotros somos los primeros en tener curiosidad por saber qué es lo siguiente que hagamos. Como compositores tenemos que seguir nuestro instinto”.

Con la vuelta de Joey mucha gente asumió que precisamente queríais volver al pasado, más que mirar adelante. “¿Pero por qué querríamos hacer eso? ¿Quién quiere tocar siempre las mismas canciones? Respeto mucho lo que hemos hecho en el pasado, pero para mantener tu propio interés tienes que hacer cosas nuevas. Me encantaría tocar todos los temas nuevos en directo. Posiblemente no podamos hacerlo, pero creo que sí la mayoría. Sé que 37

todos los grupos que sacan un disco nuevo te dicen que es lo mejor que han hecho, pero sinceramente, creo que hemos subido otro peldaño más”.

Siendo el segundo disco con Joey, ¿fue todo el proceso más fácil? Sobre todo porque el anterior Worship Music lo empezasteis con otro cantante, Dan Nelson.

“Sí, todo fue mucho más rodado. Fue más fácil porque escribimos con Joey en la cabeza. Sabes con lo que puedes contar y lo que va a salir. Juntas nuestros riffs con su voz y sale algo bueno. Charlie, Scott y yo seguimos siendo el núcleo compositivo. Nos vamos lanzando ideas y añadiendo capas hasta que tenemos una canción de Anthrax. Todo el mundo tiene su opinión y tienes que respetar eso, pero hemos mejorado a la hora de llegar a acuerdos”.

Desde fuera dais la imagen de ser tíos con opiniones muy fuertes.

“Estar en una banda es como estar casado. La verdad es que veo más a estos tíos que a mi familia, así que necesitas respeto y espacio. Es algo que aprendes con los años. Cuando empiezas todo es fiesta y estás todo el rato pegados unos a otros, pero luego empiezas a casarte, tener hijos, divorcios... la vida se mueve a tu alrededor y tienes que tener en cuenta la situación vital de cada uno antes de decir algo. Básicamente tienes que ponerte en el lugar de la otra persona y entenderlo. Si la vida personal de cada uno funciona, es mucho más fácil que el grupo funcione. Creo que en Anthrax hemos llegado a entender eso.

Por suerte, ahora con la tecnología es 38

mucho más fácil estar en contacto con los tuyos. Si no existiera, no creo que giráramos tanto. Tengo un hijo de 9 años y puedo, al menos, hablar con él por FaceTime una vez al día. Mi padre nos abandonó cuando yo era pequeño, así que me prometí que sería un buen padre. La familia es lo primero, luego la música. Y todos pensamos igual. La tecnología jodió el negocio de la música, pero al menos nos hizo la vida más fácil para salir de gira”.

Siempre habéis tenido letras con cierto contenido social, y en éste hay ‘Zero Tolerance’. ¿Intentáis estar conectados a lo que ocurre?

“Scott escribe la mayoría de las letras, pero todos tenemos que estar de acuerdo con ellas. Vivimos en Nueva York, así que somos como esponjas, te enteras de todo. Sales a la calle y ves cómo están las cosas, así que por qué no sacarlo en las letras. Tienes que escribir sobre lo que conoces y lo que te afecta. Anthrax siempre hemos sido así”.

En este disco debuta como guitarrista Jon Donais de Shadows Fall. ¿Cuesta integrar a alguien que ya viene de otra banda?

“Sólo es complicado si lo haces complicado. Si le recibes con los brazos abiertos, es fácil. Shadows Fall eran una gran banda y él es un gran guitarrista, pero vino con una total humildad. Cuando escuché sus solos para este disco aluciné, y creo que los fans alucinarán también. Es una mezcla muy buena porque con sus solos puede ir a saco pero también contar una historia. Piensa mucho en sus solos antes de tocarlos. Siempre hemos

tenido buenos solistas, hemos tenido mucha suerte, pero estoy muy orgulloso del trabajo que ha hecho Jon. Como fan, yo mismo, estoy alucinado. Tengo que decir que Anthrax ahora mismo es una banda muy compacta internamente. Tenemos pasión y muchas ganas de tocar. Antes de que haya salido el disco hemos estado un mes de gira con Motörhead y ahora con Slayer durante siete semanas. Y tenemos todo 2016 lleno. Vamos a apoyar este disco a muerte”.

Hoy en día es realmente difícil conseguir un impacto con un

“NO PODEMOS VIVIR DEL PASADO, Y POR ESO NO HEMOS SACADO EL TRABAJO HASTA QUE ESTUVIÉSEMOS PREPARADOS” FRANK BELLO

nuevo álbum. Muchos parecen muertos la semana después de haber salido.

“Sí, da mucho miedo. Siempre hemos sido una banda que gira mucho, pero ahora tienes que ser aún más persistente. Tienes que salir ahí fuera y luchar.

Me recuerda a cuando empezamos.

No era fácil entonces y tampoco lo es ahora. La verdad es que ya no sé si existe el negocio de la música. Los videojuegos son más importantes en la vida de los jóvenes. Por eso me gusta tener nuestros temas en esos juegos porque es una manera de llegar a los nuevos fans. Yo tengo un hijo de 9

años y lo veo. Para ellos, la música no es tan importante, pero para nosotros lo es (risas). Somos de nuevo una banda underground, pero estamos dispuestos a luchar. No puedo parar de hacer música. Es mi vida. No me la imagino de otra manera. Intento verlo de un modo positivo porque todo son ciclos. Si hay que volver a los clubes o tocar diez días seguidos sin descanso, lo hacemos. Tienes que estar en forma.

No hay MTV, no hay radio, la única manera de llegar a la gente es echarte a la calle”.

Tenéis una larga historia con

Slayer. ¿Qué significa para ti girar juntos a día de hoy?

“Somos familia. Hay un gran ambiente. Siempre que terminamos de tocar vemos un rato su concierto. Y cuando ellos terminan, estamos todos juntos en su camerino, hablando, bebiendo, y en los días libres nos vamos a cenar juntos, somos amigos de siempre... El otro día Kerry King, Gary Holt, Tom Araya y yo estábamos hablando de lo bien que lo habíamos pasado en los 80 y los 90 tocando juntos. Ojalá alguien lo hubiera grabado porque fue una conversación muy interesante y divertida. El 95% de los conciertos de 39

FUERA DE ANTHRAX

D

ESDE QUE FRANK BELLO se incorporara a Anthrax poco después de que lanzaran su debut Fistful Of Metal en 1984 (antes ejercía de roadie de guitarra), el bajista siempre ha estado implicado con la carrera del grupo

con una sola excepción: entre 2004 y 2005, cuando abandonó temporalmente Anthrax y se incorporó como bajista de Helmet. Le pedimos a Frank que nos contara qué recuerda de la experiencia. “Fue muy divertido y nos emborrachamos mucho

(risas). Fue uno de los mejores periodos de mi vida. Estuve girando con ellos un año y medio. John Tempesta, con quien fui al instituto, me llamó y me dijo si quería probar con Helmet porque en ese momento estaba en un break con Anthrax. ¡Me encantan Helmet! Así que volé a L.A., toqué con ellos. Me tuve que aprender 37 canciones y las tocamos todas (risas). Cuando acabamos, Page (Hamilton) me dijo ‘¿Quieres girar con nosotros?’. Fue así de fácil. Bebimos mucho durante esa gira (risas). Sigo siendo colega de todos ellos, en especial de Tempesta, que es uno de mis mejores amigos.

Me gustó mucho estar con ellos, pero cuando se produjo la reunión de Anthrax tuve que dejarlo”. Aun así, Bello valora positivamente tener experiencias fuera del grupo y nos explica sus planes al respecto. “Tengo un proyecto paralelo con David Ellefson que se llama Altitudes & Attitudes. Hicimos un EP y tenemos un álbum grabado, pero él está ocupado con Megadeth y yo con Anthrax, así que lo tenemos en la nevera hasta que tengamos más tiempo libre. Es inteligente hacer otras cosas”.

esta gira son sold out, y eso es algo bastante increíble después de tantos años. Si piensas que después de más de 30 años podemos conseguir eso, es para estar muy contentos. Y eso lo verás también cuando estemos encima del escenario”.

Por desgracia Charlie Benante se lo está perdiendo, ya que ahora mismo no puede tocar la batería. ¿Cómo está?

“Ya no lo sabemos, está en manos

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de los médicos. Cuando se encuentre bien, volverá con nosotros. Pero si no puede, no puede. Está fuera de nuestro control. John Dette está sustituyéndole y lo está haciendo genial. Esperemos que los fans lo entiendan”.

Después de tantos años, hoy me he enterado de que Charlie es tu tío. No lo sabía (risas).

“Sí, nos criamos en el mismo hogar.

Somos más como hermanos. Mi madre es su hermana mayor. Su madre era

mi abuela... por desgracia ya murió.

Crecimos tocando juntos... Estoy seguro de que Charlie volverá al grupo cuando esté curado, pero nosotros tenemos que seguir adelante”.

Es curioso ver cómo la primera generación del thrash metal habéis llegado a los 50.

“Sí, y es genial. Eso me inspira”.

Pero tocar este tipo de música es más exigente físicamente que el heavy clásico... ¿Te planteas parar?

“No creo que nadie deba decirte cuándo tienes que dejar de tocar.

Hemos encontrado un nuevo filón musical y eso me hace sentir como si fuera un nuevo comienzo para Anthrax. Miro a Black Sabbath, miro a Iron Maiden, a Judas Priest, y todavía salen a tocar y te vuelan la cabeza. Vamos a girar con Maiden por Sudamérica en marzo. ¿Por qué deberíamos parar cuando nos divertimos tanto?”.

Pero Sabbath lo dejarán tras esta gira, por ejemplo. ¿Ves alguna banda que pueda tomar el relevo de estos grupos míticos?

“Yo espero que sí. Quiero que haya una nueva generación que esté ahí para hacerlo. Nosotros fuimos la siguiente generación en su momento.

Quiero que esta música siga adelante y estoy seguro de que ocurrirá. Pero ya te digo que nosotros no vamos a parar (risas)”.

WHILE SHE SLEEPS

EL GRAN

LOS ÚLTIMOS MESES HAN SIDO TODA UNA VICTORIA PERSONAL PARA WHILE SHE SLEEPS. TRAS PASAR POR UN MOMENTO DE INCERTIDUMBRE EN EL QUE SU VOCALISTA LAWRENCE ‘LOZ’ TAYLOR TUVO QUE PASAR POR EL QUIRÓFANO PARA OPERARSE DE LA GARGANTA, BRAINWASHED HA TERMINADO POR COLOCARLES COMO LA BANDA DE REFERENCIA DENTRO DEL METALCORE BRITÁNICO. Y TODO APUNTA A QUE LA FIEBRE POR LOS DE SHEFFIELD SEGUIRÁ EN AUMENTO DURANTE 2016.

TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR

RUGIDO

ARA SER JUSTOS, debería-

mos empezar a tratar a While She Sleeps como a una firme realidad más que como a una futura promesa. Su irrupción dentro de la escena metalera británica se produjo en 2012 con un debut tan potente como This Is The Six, que ya armó cierto revuelo entre gran parte de la prensa alternativa de las Islas. Tan habituados que estamos a ver que las bandas de allí apenas lleven meses de vida y ya acaparen todas las portadas, lo suyo habría sido acercarse a ellos con cierta desconfianza. Pero tras observar que en su currículum ya llevaban varios años lidiando en la carretera antes de lanzar su primera referencia, las dudas que pudiera haber sobre ellos se empezaban a despejar. Además, su sonido resultaba todo un soplo de aire fresco dentro de un estilo que parece estancado en la reiteración, aunque manteniendo las señas de identidad del género. Y es que escuchando cortes como la propia ‘This Is The Six’, ‘Seven Hills’ o ‘Our Courage, Our Cancer’, resultaba difícil resistirse ante la fuerza de sus riffs y sus grandes coros perfectos para cantar en directo.

Todo parecía irles rodado a Lawrence ‘Loz’ Taylor (voz), Sean Long (guitarra), Matt Welsh (guitarra), Aaran McKenzie (bajo) y Adam Savage (batería) tras haberse formado hace ya una década en su Sheffield natal, donde compartían vecindario con Bring Me The Horizon, los cuales les sacaron de gira, al igual que más tarde hicieran Parkway Drive. Sin duda un espaldarazo necesario para su trayectoria, la cual por poco no se vio truncada a mediados de 2014.

Con su segundo disco bien avanzado en términos de composición, Loz tuvo

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que ser operado de la garganta después de que se le detectase un pólipo.

Afortunadamente, todo salió bien y como pudimos comprobar este pasado 2015 en el Groezrock, donde presentaban su flamante Brainwashed, no han quedado secuelas. Tras pasear por medio mundo sus nuevas canciones, los meses venideros prometen ser igual de ocupados para el quinteto.

De hecho, son uno de los nombres que más ilusión nos ha hecho ver entre las confirmaciones para el Resurrection Fest del próximo julio. Una más que buena excusa para que nos pusiéramos en contacto con su vocalista a principios de enero.

Hola Loz, ¿qué tal estás? ¿Cómo has pasado estas Navidades y fin de año?

LAWRENCE ‘LOZ’ TAYLOR “Muy bien. Tengo mucha familia repartida por toda el Reino Unido y cada vez nos vemos menos, así que aproveché para visitarles. Y también dimos un concierto en nuestra ciudad, el primero ahí en más de un año. Así que estuvo genial ver a la familia y luego tocar en Sheffield... no puedo pedir más”.

Genial. Quería empezar pidiéndote que me hicieses una valoración de lo que ha supuesto este pasado 2015 para el grupo, teniendo en cuenta que habéis publicado un disco tan importante para vuestra carrera como Brainwashed. ¿Se han cumplido todas las expectativas que teníais puestas en él?

“El año anterior a ése fue más complicado porque me tuvieron que operar de la garganta, pero en 2015 por

fin pudimos sacar el disco y yo me recuperé, así que ha sido un año muy positivo. Hemos estado en diferentes partes del mundo y estamos muy contentos por cómo ha ido toda la campaña. No las tenías todas conmigo, la verdad”.

Lo cierto es que el disco ha sido todo un éxito. ¿Sentíais algún tipo de miedo antes de que el álbum viese la luz?

Que quizás la gente no terminase respondiendo como esperabais...

“Sí, porque en esta época es muy fácil que el público se olvide de ti. Gracias a internet la gente puede descubrir nuevos grupos continuamente, así que al no poder sacar el disco ni girar durante un tiempo pensábamos que igual se olvidarían de nosotros. Justo antes de sacar el álbum estábamos bastante nerviosos, pero pronto descubrimos que los fans nos seguían queriendo.

Respecto a la música estábamos muy confiados porque trabajamos muy duro en la composición y la grabación, y al final nos hemos dado cuenta de que no merece la pena preocuparse por si va a gustar o no a la gente; lo más importante es que nos guste a nosotros. Aunque por suerte ha gustado a los fans (risas)”.

Quizás una de las claves es que a pesar de ser un grupo de metalcore, no os limitáis a repetir una fórmula. Vuestros coros son muy característicos e incluso se aprecia cierta tendencia punk o hardcore en vuestra música que resulta muy refrescante para el género...

“Muchas gracias. Por desgracia hay demasiadas bandas que se limitan a seguir las modas, es lo más fácil. Creo que tenemos mucho más que ofrecer que eso. Nuestra música tiene influencias de punk y de metal y todos los estilos que nos gustan. Pero a pesar de eso, no intentamos copiar a nadie.

No creo que haya otra banda que suene como While She Sleeps”.

Por ejemplo, el solo final de ‘Our Legacy’ parece sacado de Rage Against The Machine.

“Sí, como te decía nos inspiramos en todo tipo de grupos. Nos gusta lo que nos gusta e intentamos integrarlo en nuestra música. Puedes establecer conexiones con bandas muy distintas, y eso nos gusta, pero no podrás decir que somos una copia de nadie. Creo que para la gente es difícil predecir cómo va a sonar la siguiente canción o predecir cómo será nuestro próximo

disco, y eso hace que crees una relación más profunda con el artista. A mí me gusta que me sorprendan y es lo que queremos conseguir. Cuando nos pongamos a componer el próximo disco, no tengo ni idea de lo que saldrá. Somos impredecibles incluso para nosotros mismos (risas)”.

Hay un aspecto que tengo la impresión que mucha gente ha pasado por alto y es el contenido político y social de vuestras letras en Brainwashed, algo que quizás no estemos muy acostumbrados a observar en bandas de metalcore. ¿De dónde te viene el interés por estos asuntos?

“La mayoría de mi inspiración para las letras son cosas que observo, cosas que leo en los periódicos o veo en las noticias. He escuchado tantas canciones sobre rupturas amorosas que no

me interesa escribir algo que ya se ha hecho antes un millón de veces. Creo que es más importante hablar sobre lo que nos afecta a nosotros y a todo el mundo. Creo que el mensaje de While She Sleeps es el de conseguir cierta unidad entre la gente que está siendo jodida, despertar algo de rebeldía o curiosidad por lo que le rodea. Nos gusta que la gente que viene a vernos se sienta acompañada y se vaya con la sensación de que unidos somos más fuertes”.

Como has dicho antes, Brainwashed venía marcado principalmente por los problemas que sufriste en la voz y la operación a la que te tuviste que someter. ¿Puedes contarnos qué fue exactamente lo que sucedió?

“Cuando vives en la carretera básicamente tienes libertad para hacer lo

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WSE que te dé la gana, hasta cierto punto.

Y llegó un momento en el que mi mente y mi cuerpo empezaron a resentirse de tanta fiesta. Mi voz empezó a resentirse por culpa de forzarla tanto.

Necesitaba aprender a cuidarla y a usarla bien. En parte fue una señal de alarma de que no podía seguir bebiendo y fumando como si nada. Si abusas de tu voz al final la vas a perder. En mi caso me salió un pólipo y tuve que parar. Fue una putada porque justo ocurrió cuando queríamos grabar el nuevo disco, pero el tener que parar nos permitió ganar tiempo y poder trabajar más los temas. Pero toda la culpa fue mía (risas)”. ¿Pero existía algún tipo de riesgo de que quizás no pudieras volver a cantar igual que antes?

“Lo que pasaba es que usaba mucho más un lado de mis cuerdas vocales que el otro, así que lo sometía a un estrés brutal y por eso me salió el pólipo. Dimos un festival y fue fatal (risas), no podía gritar. Pero no quería que el grupo no pudiera tocar, así que seguimos adelante y cada vez era peor, hasta que acabé escupiendo sangre.

En parte fue una llamada de atención para todos de que debíamos ser más responsables con lo que hacemos. Por 46

“BÁSICAMENTE LA BANDA ES TU SEGUNDA FAMILIA, ASÍ QUE TIENES QUE RESPETARTE Y APOYARTE. SI QUIERES ESTAR EN UNA BANDA Y GIRAR MUCHO, ES IMPRESCINDIBLE” LAWRENCE ‘LOZ’ TAYLOR

suerte, todo salió bien y he aprendido a usar mi voz correctamente”.

La verdad es que es una suerte ver que no han quedado secuelas. Algunos cantantes se excusan en que ya no pueden seguir gritando para no quedarse sin voz muy pronto o porque les resulta aburrido, y es entonces cuando su música empieza a tomar un camino más melódico. ¿Te ves yendo hacia esa dirección?

“Lo que ocurre es que a medida que pasas más tiempo en el estudio y vas aprendiendo, te das cuenta de que la técnica que usas para gritar también te sirve para sostener las notas cuando cantas de otra manera y empiezas a querer investigar eso. A mí me gusta cantar también, pero no me gustan las voces comerciales del metalcore.

Yo quiero que la voz suene fuerte, más como hacían As I Lay Dying o Killswitch Engage al principio. No puedo decir que nunca haré algo más melódico, y quizá experimentemos con eso en el próximo disco, pero me gustaría mantener el poderío de la voz, creo que es algo intrínseco a While She Sleeps. Y no creo que los otros del grupo me dejen cambiar demasiado (risas)”.

Hablando de cambios, alguien a quienes parece que les ha salido muy bien es a vuestros amigos de Bring Me The Horizon. ¿Te sorprende el éxito masivo que están teniendo con That’s The Spirit, teniendo en cuenta que suena tan distinto de sus anteriores obras?

“Sólo he escuchado un par de temas del disco y, sinceramente, no es lo mío. Han tendido más al pop. Pero a la gente le gusta, así que no soy nadie para criticarles”.

Cuando sacaron el álbum, se hicieron públicos los problemas de adicción que había sufrido Oli Sykes. Antes mencionaste que cuando estás de gira puedes hacer lo que te da la gana, pero lo cierto es que también es un estilo de vida que puede inclinarte a la depresión porque hay muchos momentos de soledad y desapego. ¿Cómo te preparas mentalmente antes de salir de gira?

“Lo más importante es tener a gente que te quiere y se preocupa por ti en casa. He tenido la suerte de poder contar con personas que me apoyen

sin que importara lo que está viviendo el grupo. Es muy importante. Si no tienes ese apoyo es casi imposible.

Tengo amigos que me han dejado instalarme en sus casas temporalmente porque no tenía dónde ir, o familiares que me han ayudado a pagar el alquiler cuando lo he necesitado.

Cuando vas de gira estás siempre ocupado, planificando lo que tienes que hacer ese día y al día siguiente, pero es importante no desconectar de las personas que quieres, ni aislarte de los demás. Básicamente la banda es tu segunda familia, así que tienes que respetarte y apoyarte. Si quieres estar en una banda y girar mucho, es imprescindible. Pero es fácil caer en las drogas y el alcohol porque están ahí y es una manera fácil de despreocuparte de todo. Tienes que encontrar un equilibrio entre todas esas cosas”.

Quería que me contases un poco acerca de vuestros co-

mienzos como grupo. Este año cumpliréis una década de vida y aún seguís siendo una banda muy joven. ¿Qué recuerdas de aquellos primeros días cuando erais casi unos niños?

“Desde que tenía 14 años había algo en mí que me hizo querer estar en un grupo, pero nunca tuve la paciencia para aprender a tocar un instrumento, así que empecé con lo de cantar. Básicamente empecé a tocar con amigos y me involucré en la escena local, montando conciertos, tocando en distintos grupos, y así es como conocí a los otros chicos. Empezamos a salir, beber cerveza, fumar porros, fiesta, ir a patinar... y llegó un momento en el que su antiguo cantante quiso dejarlo y me uní a ellos. Decidimos dejar nuestros trabajos y centrarnos en eso. Si no fuera por la escena local y poder haber visto conciertos quizá nunca hubiera llegado a nada, por eso intento seguir apoyándola y animar a

que los grupos vengan aquí. Para mí la música y la comunidad siempre han ido unidas”. ¿Cuáles fueron los primeros grupos que viste en directo que realmente te hicieron pensar ‘yo quiero hacer eso’?

“Posiblemente Killswitch Engage y As I Lay Dying. Son los primeros grupos que me introdujeron en el metalcore.

Mis padres escuchaban Audioslave, Soundgarden, Led Zeppelin... así que de manera natural desde niño estaba rodeado de música rock, pero con esas bandas descubrí algo que era más mío. Y luego empecé a ir a ver bandas locales. Recuerdo que cuando tenía 15 años vi a Kasabian tocar para 200 personas y ahora son una banda enorme. Tengo grandes recuerdos de esa época. Recuerdo coger el tren para ir a Sheffield, coger mi skate y encontrarme con mis amigos para beber e ir a conciertos. Por aquel 47

entonces internet todavía no era tan grande y la gente repartía flyers para promocionar sus conciertos, había un montón de gente activa alrededor de la cultura skate y la música. Todo aquello era muy emocionante”. ¿Tuviste que hacer muchos sacrificios para poder salir de gira? Me refiero a trabajar en cosas que quizás no te gustaban para así poder tener algo de dinero... Muchas bandas, especialmente americanas, parece que vengan de familias ricas porque son súper jóvenes y ya están girando por todas partes. “(Risas) Sé de lo que hablas. Sí, he tenido que sacrificarme por el grupo.

Tengo 30 años y nunca he tenido un coche. Cada penique que he ganado desde que tenía 16 años ha ido a 48

parar a la música. Desde pagarme el transporte, el local de ensayo, comprar equipo, viajar con el grupo, viajar para ver otros grupos... Pero tener esos trabajos de mierda es lo que me demuestra mi gran pasión por la música. Para mí empezó como un hobby, pero ahora es como un trabajo, es alucinante (risas). Cuando eres un crío no piensas en lo que cuesta estar en un grupo, por eso valoro muchísimo cualquier concierto que nos ofrecen en cualquier parte del mundo”.

Desde que publicasteis This Is The Six siempre habéis tenido el apoyo de gran parte de la prensa alternativa. ¿Te preocupa que haya gente que ignore todos esos sacrificios de los que hablas y vea vuestro ascenso tan rápido como un hype o algo sospechoso?

“Sí, desde luego. Pero la realidad es que no teníamos nada (risas). Si no hubiéramos tenido el apoyo de las revistas igual seguiríamos siendo un grupo de amigos tocando en un garaje... Lo cual, sinceramente, es algo que seguiría haciendo, porque aunque no tuviéramos fans, yo querría seguir haciendo música. Cuando sacamos This Is The Six sabíamos que el sello nos iba a apoyar, pero no teníamos ni idea de lo que ocurriría. Los medios británicos a veces pueden ser muy duros, porque les encanta ensalzar un grupo y luego destruirlos, así que daba un poco de miedo recibir su atención. Pero por suerte creo que algunos de los periodistas se volvieron fans de verdad porque nos han tratado muy bien (risas)”.

Recién salido Brainwashed hicisteis una gira conjunta con

“LOS MEDIOS BRITÁNICOS A VECES PUEDEN SER MUY DUROS, PORQUE LES ENCANTA ENSALZAR UN GRUPO Y LUEGO DESTRUIRLOS, ASÍ QUE DABA UN POCO DE MIEDO RECIBIR SU ATENCIÓN” LAWRENCE ‘LOZ’ TAYLOR

Cancer Bats. En cierto modo, veo una mentalidad muy parecida entre los dos grupos.

“Sí, aunque nuestra música suene distinta, tenemos mucho en común.

Tenemos la misma ética. Son unos tíos muy trabajadores, muy humildes y muy majos. Los dos sacamos disco casi al mismo tiempo, así que era una situación ideal. Son de las mejores personas que hemos conocido y nos divertimos mucho con ellos. Ahora puedo decir que somos amigos.

Los canadienses son muy parecidos a los ingleses y hay un montón de grupos de ahí que me gustan y todos parecen tener una actitud muy buena.

Amo a Cancer Bats (risas). Fue una gira muy especial”.

También habéis tenido la suerte de telonear a Parkway Drive en Estados Unidos e in-

cluso participar en el Warped Tour. ¿Qué respuesta habéis obtenido por parte del público americano, considerando que es un mercado incluso más complicado del que hay en Europa y el Reino Unido?

“La última vez que estuvimos en el Warped Tour fue un poco extraño porque el disco había salido hacía poco y todavía no había empezado a hacer ruido. Mucha gente del público ni siquiera sabía que había salido. Pero en general siempre hemos tenido una respuesta positiva y lo pasamos muy bien. Creemos que somos una banda que podría funcionar allí, pero tendríamos que dedicarle más tiempo para progresar. En el Reino Unido es más fácil porque puedes girar por todas partes en poco tiempo, pero llegas a Estados Unidos y te das cuenta de que es un lugar enorme. Definitivamente tienes que dedicarle tiempo y, de hecho, vamos a volver allí en unas semanas”.

En 2014 estuvisteis por primera vez tocando en España teloneando a In Flames. Fue un poco extraño porque tocasteis con algunos miembros cambiados. ¿Qué pasó? “(Risas) Oh, fue una locura. Básicamente lo que ocurrió es que antes de la gira decidimos que sería una

buena idea ponernos en forma. Era una gira larga, así que queríamos estar preparados físicamente. Pero el segundo día, estábamos haciendo unos ejercicios y Adam se rompió el tobillo. Se hizo mucho daño, así que no podía tocar la batería. Entonces Sean, el guitarrista, se ofreció a reemplazarle. Se aprendió todos los temas en un día. Y entonces Aaran, el bajista, dijo que podía tocar también algunas partes de guitarra. Así que estaba todo mezclado (risas). Fue extraño para los fans, pero moló porque no cancelamos ningún concierto”.

Este verano volveréis para participar en el Resurrection Fest. ¿Habías oído hablar del festival anteriormente? ¿Qué esperas encontrarte?

“Sí que conozco el evento porque siempre estoy al corriente de los festivales. Sé que han tocado grandes grupos a lo largo de los años y el cartel de esta edición es genial. Tengo muchas ganas de ver a Norma Jean. Va a molar mucho y es genial poder tocar en un festival español por fin. No sé qué esperar, pero estoy muy emocionado”.

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IAMX

A MENUDO SE HABLA DE LA MÚSICA COMO TERAPIA, PERO EN EL CASO DE IAMX, NOMBRE ARTÍSTICO DE CHRIS CORNER, MÁS BIEN FUE TODO LO CONTRARIO. COMO ÉL MISMO NOS CUENTA, NO FUE HASTA QUE SUPERÓ LA DEPRESIÓN EN LA QUE HABÍA CAÍDO QUE FUE CAPAZ DE VOLVER A CREAR. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

ETANOIA ES TANTO un término griego, unión de las palabras ‘meta’ (más allá) y ‘noia’ (percepción o mente), como uno psicológico, referente al cambio en la personalidad. Es también el título del sexto trabajo del exlíder de Sneaker Pimps. Metanoia (Orphic/ Caroline) puede interpretarse como la banda sonora del viaje que el músico británico emprendió hace dos años. Un viaje tanto interior, como físico, ya que en busca de tratamiento abandonó su residencia en Berlín, donde llevaba viviendo desde 2006 y se había sumergido a fondo en la escena de clubes, para volver a Londres y, finalmente, instalarse en Los Ángeles. Fue allí donde dio forma a un disco donde el enfoque de su dark pop electrónico, que tanto puede gustar a los fans de Depeche Mode como a los de Marilyn Manson, ha tomado un cariz más básico y personal. Pero aunque sus canciones sean más introspectivas, como pudimos comprobar en sus conciertos el pasado noviembre, en escena sigue mostrando la misma fuerza. ¿Habías sufrido una depresión antes o era algo completamente nuevo para ti?

“Había pasado por ello antes, pero sin saber qué era. Ésta fue la primera vez que me la diagnosticaron. Siem-

pre había tenido periodos de bajones muy intensos, pero pensaba que era parte de ser un artista y tener una mente creativa. Normalmente me automedicaba o me sumergía a fondo en el trabajo o en las drogas para superarlo. Pero esta vez ninguna de esas cosas funcionaba, así que choqué con un muro. Me di cuenta que necesitaba ayuda, y poco a poco fui saliendo del agujero”.

Uno de los problemas de la depresión es que, como es algo intangible, es muy difícil de explicar o de ser comprendido, tanto para los que te rodean como para uno mismo. ¿Te sentiste aliviado cuando un doctor te diagnosticó lo que tenías?

“Sí, fue un gran alivio porque estaba muy confundido y tenía mucho miedo de que fuera algo que me acompañara para siempre. Era un sentimiento terrible. Todo el mundo tiene síntomas distintos, pero en mi caso no veía la manera de salir de esto. Sabía que algo estaba muy, muy mal en mi interior y necesitaba que alguien le pusiese un nombre. No sabía qué era una depresión, simplemente no podía dormir. Y el insomnio era tan fuerte que pensaba que igual tenía un derrame cerebral, intentaba encontrarle una explicación física. Pero después de hacer terapia y hablar y hablar

me di cuenta de que es una gran epidemia. Debería ser algo de lo que se hablara públicamente, no debería esconderse. Todo el mundo debería ir al psicólogo del mismo modo que vas al dentista. Es parte de la condición humana. Todos vamos a morir y nadie quiere morir (risas). Todo se basa en ese miedo y, si no lo aceptas, tienes problemas. Si lo aceptas, puedes tener una gran vida aunque lleves ese peso encima”.

Otro de los problemas con la depresión, especialmente si eres artista, es que los medicamentos te anulan la creatividad. ¿Experimentaste esa sensación?

“Sí Eso da mucho miedo porque tu prioridad es encontrarte mejor, pero no quieres renunciar a quién eres.

Pero creo que durante un tiempo tienes que dejar de ser creativo porque en gran parte se basa en cierto desequilibrio, y cuando estás deprimido lo que buscas es precisamente el equilibrio. Las mentes creativas son desequilibradas, pero también pueden ser autodestructivas. Después de una depresión, tienes que volver a establecer una nueva relación con tu mente y tu creatividad. Ahora me conozco mucho más y sé que mi creatividad no va a desaparecer, pero necesito aprender a aceptarla y encauzarla bien. Cuando estás 51

IAMX deprimido entras en un loop de pensamientos negativos y tienes que romperlo. Es posible hacerlo, y cuando lo haces te transformas en una persona más fuerte”.

La manera en que has venido presentando tu música y a ti mi mismo hasta ahora... por un lado te exponías al público, pero también te escondías de él. ¿Crees que en este disco eres más tú y menos un personaje?

“Sí, pero no es que antes me escondiera, porque creo que en la música me exponía mucho. Creo que decía las cosas de manera honesta, cosas que todo el mundo quiere decir y que yo tengo el privilegio de decir.

En cuanto a la manera de presentarme, tampoco creo que me escondiera, sino que exploraba distintas caras de mi personalidad. No es mi yo del día a día, pero es que todos tenemos múltiples personalidades, así que optaba por presentar una de esas caras de manera pública. Quizá era mi yo más extrovertido. En casa soy mucho menos interesante (risas). Si me visto o me pongo una máscara en el escenario es por darle un toque más divertido a mi música, que tien52

de a ser oscura. Pero nunca me he visto como un personaje”. ¿Cuál fue la primera canción que te viste con fuerzas para terminar?

“Fue ‘No Maker Made Me’. La había empezado para el disco anterior, pero no encajaba con el resto. Así que la recuperé y empecé a experimentar con la producción. Fue la que marcó el tono del nuevo álbum. Es una canción anti religiosa. De hecho, el inicio de mi depresión vino porque me volví un ateo radical, perdí todo sentido de espiritualidad, y sentía un vacío enorme. No creía en nada.

Fue entonces cuando empecé un largo viaje de autorreflexión. No es que antes fuera una persona religiosa, pero todos tenemos la necesidad de sentir que hay algo por encima de nosotros que nos guía, y cuando no tienes eso, te sientes muy solo en el universo. Necesitas encontrar un camino, razones para seguir vivo.

Así que puse esa canción al principio del disco porque ahí es donde empezó todo, y a partir de ahí puedes seguir todo el viaje”. ¿No crees que ese sentimiento espiritual o religioso no

son simplemente trampas de nuestro propio intelecto? Al fin y al cabo, el resto de animales viven sin cuestionarse nada; simplemente existen.

Quizá deberíamos aceptar que sólo somos animales.

Tan sencillo como eso. “¡Estoy totalmente de acuerdo! Si puedes aceptar la vida en su nivel más básico y simplemente existir, todo el resto es mucho más fácil. Es irresponsable pensar que hay algo más porque mucha gente jode su vida pensando que tendrá otra y todo estará bien. ¡Es ridículo! La gente vive esperando que algo ocurra, cuando lo importante es disfrutar de cada momento”.

Pienso también que en este disco te presentas más como un cantautor que usa la electrónica como un vehículo, más que como un artista de electrónica. ¿Ha cambiado tu enfoque a la hora de hacer música?

“Llevo tiempo buscando ese nivel de simplicidad. Me encantaría hacer un disco con una guitarra acústica, y es posible que sea lo próximo que haga. Pero también me gustan las técnicas de producción. Lo que me estimula de verdad es mezclar las dos cosas, llevar la tecnología a mi esencia de cantautor. Es un desafío conseguir sonidos que acompañen mis emociones. Es la tecnología lo que me permite superar la carga emocional de hacer un disco de IAMX. Intento escapar de los géneros, o de lo que esperarías de un cantautor a secas o de un artista de electrónica a secas. Es lo que me divierte más como artista”.

Y supongo que cuando actúas en directo también te das cuenta de que un ritmo puede despertar una reacción más fuerte que una letra o una melodía, es una reacción muy primaria.

“Sí, desde luego. Es lo que me gusta de la música dance: perderte en el ritmo. Un ritmo puede ser tan fuerte como una letra. Me encanta ir a una rave o a un club, cuando era un chaval perderme en el ritmo era muy estimulante. Esa combinación es muy interesante para mí. Y lo bueno de la tecnología es que si tienes un ordenador, puedes hacer un disco en tu habitación, no necesitas colaborar con nadie, ni que nadie te juzgue.

Haces el disco y lo sacas. No hay más”. ¿Crees que por eso la música electrónica domina ahora todos los géneros? ”Creo que la música electrónica es tan popular porque técnicamente es más práctica de hacer. Mucha gente joven o sin dinero puede coger un ordenador barato y hacer arte increíble. Eso es una revolución. La música electrónica ha dado a la gente las herramientas para explorar su creatividad. De alguna manera, eso es muy bueno. Por eso está tan presente. A mí me encanta porque puedo estar solo y explorarme y expresarme de manera que no podría si estuviera grabando con una banda. Puedo experimentar más y lanzar mi mensaje.

Es un medio muy poderoso y seguirá ahí durante mucho tiempo”.

“SI PUEDES ACEPTAR LA VIDA EN SU NIVEL MÁS BÁSICO Y SIMPLEMENTE EXISTIR, TODO EL RESTO ES MUCHO MÁS FÁCIL”

NOTHINK

- VUELTA A CASA

EL RETORNO DE NOTHINK HA SIDO UNA DE LAS GRANDES NOTICIAS QUE NOS DEJÓ 2015. EL PASADO 19 DE DICIEMBRE, EL TRÍO SE PRESENTABA POR FIN ANTE SU PÚBLICO CON UN CONCIERTO EN LA SALA PENÉLOPE DE MADRID. TONI VILLÉN ESTUVO CON ELLOS TANTO EN EL CONCIERTO COMO EN LOS ENSAYOS PARA NO PERDER DETALLE DE ESTE ESPERADO REGRESO. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: TONI VILLÉN

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ué cierto es aquello de que uno no sabe lo que tiene hasta que lo pierde. En sus más de diez largos años de trayectoria, habíamos llegado a ver tantas veces a Nothink sobre los escenarios y de tantas maneras distintas que parecía que un concierto suyo era algo que se podía dar por hecho, que el siguiente siempre quedaría a la vuelta de la esquina. Por eso estos tres años de ausencia a más de uno se nos han hecho especialmente largos. Más todavía para los madrileños, que hemos tenido que esperar un año exacto desde que anunciaran su regreso para actuar en el AMFest, pero todo lo bueno se hace de

rogar. La cita no podía pintar mejor teniendo en cuenta que contaban con unos invitados que aparecieron en escena tan ilusionados como los protagonistas de la noche. Viva Belgrado cerraban en la capital un 2015 que les ha consolidado como uno de los referentes de la escena alternativa de los últimos meses. Que su Flores, Carne ha calado entre el público se notó cuando éste coreaba varias de sus letras, mientras los cordobeses desplegaban su post hardcore lleno de intensidad incluso en los pasajes más atmosféricos.

Con la cover de ‘Arcarsenal’ de At The Drive-In dejaron paso a unos Nothink a los que se les veía extra motivados desde el principio.

Arrancaban con esa dupla clásica e infalible que supone ‘Welcome To Hill Valley’ y ‘Kill! Kill! Genocide’, y parecía que no hubiera pasado el tiempo. El trío capitaneado por un Juan Blas exultante que no paraba de alentar al público y secundado por los siempre más comedidos pero elegantemente efectivos Alex Ferrero y Miguel Peñas, fue desgranando poco a poco lo mejor sus tres discos en un repertorio que cualquier fan hubiera firmado gustoso. Desde las complejas composiciones de su debut Bipolar Age con ‘Better Than Yesterday, Worse Than Tomorrow’ y ‘Straight On Back’, que volvió a ser uno de los puntos álgidos, hasta los himnos de dominio público como ‘Polaroids’,

‘Enemy’s Meeting-Point’ o ‘Coleman Fields’, nos hicieron recordar por qué son una de las bandas imprescindibles para entender la música alternativa de aquí en los últimos años. Especial fue el momento en el que acometieron ‘My Broken Lady’ y ‘Wherever The River Goes’ acompañados por Víctor (exToundra y Minor Empires) a la guitarra y Luis López (Lamprologus) a los teclados, en el instante más intimista de la noche, para después rematar la faena de manera soberbia con un tridente de lujo de Hidden State: ‘Era’, ‘In A Row’ y ‘We Live On’, donde coreamos hasta la última nota. Agradecidos tanto ellos como nosotros por tan glorioso reencuentro.

Bienvenidos a casa de nuevo, chicos.

GOODBYE BOWIE

(1947-2016)

EL 10 DE ENERO, EL COMANDANTE TOM VOLVÍA AL ESPACIO PARA SU ÚLTIMA MISIÓN. EL FIRMAMENTO DEL ROCK TIENE UNA NUEVA ESTRELLA, PERO AQUÍ EN LA TIERRA ESTAMOS DE LUTO. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

ACE TRES DÍAS el mundo celebraba su 69 aniversario y la publicación de su nuevo disco Blackstar. Hoy llora su muerte. He decidido escribir este artículo apenas unas horas después que se haya dado a conocer el fallecimiento de David Bowie, víctima de un cáncer. Vaya por delante que lo escribo porque me lo pide el cuerpo, sin intención de querer exponer, valorar o racionalizar su aportación artística (ya habrá decenas de artículos que lo hagan mejor que yo), sino simplemente por puro egoísmo, por querer compartir unas cuantas horas más con él, con su recuerdo, con mis recuerdos... y con su música, que también considero mía.

He recibido mensajes de apoyo, casi como si se me hubiese muerto un familiar. En mi círculo sabían que Bowie era uno de mis artistas favoritos (¡Si hasta me gustan los dos discos de Tin Machine!) y muchos asumen que estoy triste. ¿Debería estarlo? No lo sé. Pero sé que si lo estoy no es por su muerte en sí, ni porque ya nunca volveré a verle sobre un escenario, algo que ya tenía muy asumido, o a escuchar nueva música suya, sino por la constatación de que el mundo tal y como lo conocía ha dejado de existir.

Eso es lo que duele.

Mientras asimilo el shock, lo primero que me llama la atención, para bien, es la gran variedad de temas que la gente ha decidido colgar en sus perfiles de Facebook como homenaje. Si hace una semana, con la muerte de Lemmy, los muros se llena-

H

ron en un 99% de casos con ‘Ace Of Spades’, con Bowie he contado por lo menos 30 temas distintos: ‘Space Oddity’, ‘Heroes’, ‘Changes’, ‘China Girl’, ‘Suffragette City’, ‘Life On Mars?’, ‘Ziggy Stardust’, ‘Ashes To Ashes’... hasta las recientes ‘Where Are We Now?’ y ‘Lazarus’. Una muestra del inmenso catálogo de canciones de impacto que amasó a lo largo de casi 50 años de carrera.

Siempre he pensado que pocos artistas son más merecedores de tener un greatest hits que él. Y me da igual si el gran público desconoce maravillas más oscuras como ‘Warszawa’, ‘Sons Of The Silent Age’, ‘Quicksand’ o ‘Lady Grinning Soul’, porque la gracia de Bowie es que incluso a través de sus singles más populares uno ya puede hacerse una idea de las múltiples facetas musicales que transitó.

Fue precisamente uno de sus mayores éxitos, ‘Modern Love’, la primera canción que recuerdo haber escuchado de él. Me la grabé de la radio en una cinta de cassette y no paraba de escucharla, rebobinarla y volverla a escuchar. Eran los 80.

Gracias a Let’s Dance, Bowie se había convertido en una de las mayores estrellas del planeta. Los vídeos de ‘Let’s Dance’ y de ‘China Girl’ no paraban de salir en la tele, y para mí Bowie era eso, una estrella del pop.

No tenía ni idea de qué había hecho antes, ni de su importancia en la historia del rock. No sabía ni qué o quién era Ziggy Stardust o The Thin White Duke, ni tenía ni idea de quié-

nes eran Mick Ronson, Brian Eno o Tony Visconti; por no saber, no sabía ni quién era Iggy Pop. Pero incluso teñido de rubio chillón y llevar hombreras y pantalones de pinza –repito, eran los 80-, hubo algo en él que me fascinó. Más tarde llegaría el vídeo de ‘Blue Jean’, el de ‘Dancing In The Street’ junto a Mick Jagger (recomiendo recuperarlo para echarse unas risas, aunque entonces nos parecía lo más) y su participación en Live Aid, inputs suficientes para que finalmente un día me decidiera a comprar un disco suyo. Totalmente a ciegas me hice con Aladdin Sane. Supongo que su icónica portada, con ese rayo bicolor pintado en la cara, fue suficiente para disparar mi imaginación adolescente. Y a partir de ahí, no hubo marcha atrás. Sin ningún tipo de orden cronológico, empecé a escarbar en su discografía.

Cada disco que adquiría era un misterio, una pieza más del puzzle que lejos de resolver el enigma de quién era David Bowie sólo hacía que aumentarlo. ¿Qué tenía que ver Let’s Dance con Heroes? ¿O Young Americans con The Man Who Sold The World? Pronto descubrí que aquella etiqueta de ‘camaleón del rock’ no era porque sí.

Su carrera entre 1971 y 1980, entre Hunky Dory y Scary Monster (And Super Creeps), es simplemente imbatible. No puedo pensar en otro artista, a excepción de los Beatles, que siendo tan prolífico, once discos en diez años, tuviera una evolución tan radical y fuera capaz de mante61

ner un nivel artístico de tanta altura.

En una entrevista en los 70, Bowie se autodefinía como un coleccionista, una esponja. Explicaba, como ejemplo, que si conocía a alguien que tenía un acento diferente, era capaz de imitarlo a los pocos minutos. Y lo mismo aplicaba a su música. Si encontraba algo que le motivaba, fuera el soul, el krautrock alemán o la música disco, no dudaba en incorporarlo a su vocabulario. Esta capacidad de absorción también le valió algunas críticas. Había quien lo tachaba de oportunista, alguien que cazaba ideas de otros para presentarlas como propias. Recuerdo que en una entrevista Mick Jagger decía algo así como que “Bowie es muy inteligente.

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Te ve con unos zapatos que le gustan, y al día siguiente se comprará unos iguales y dirá que es el primero que los lleva”. Puede que fuera así, pero si para alguien Bowie no era un innovador, como mínimo hay que concederle el mérito de ser una puerta al underground para el gran público. Quizá muchos de sus seguidores no aprovecharan esa llave, pero muchos otros descubrimos a Andy Warhol, The Velvet Underground, Neu!, Robert Fripp, William S. Burroughs, George Orwell, incluso lo que era la bisexualidad, por él. No sólo Bowie era jodidamente cool, sino que por el mero hecho de escucharle te hacía sentir que tú también lo eras. Y eso, cuando tienes la cara

llena de granos, vale un imperio.

Posiblemente también por eso su influencia se extiende a un montón de artistas como Marilyn Manson, Placebo, Nine Inch Nails, Suede, LCD Soundsystem, Smashing Pumpkins, Scott Weiland, Arcade Fire, The Killers, TV On The Radio, My Chemical Romance, Ty Segall o Lorde.

Cualquiera que haya soñado con ser una estrella del rock, por fuerza, ha soñado en algún momento ser David Bowie.

También yo había soñado con ser Bowie. Pero aunque ese sueño era obviamente imposible, sí conseguí otro. Desde que colgué un póster de sus conciertos en el Miniestadi de Barcelona en julio de 1987 en mi

habitación de casa de mis padres –un póster que me resistí a quitar hasta que el papel ya estaba en proceso de descomposición-, había fantaseado con poder conocerle. Naturalmente, con 15 años, era una fantasía tan inalcanzable como cualquier otra... Pero ocho años más tarde, mágicamente, se hizo realidad.

EL 28 DE OCTUBRE DE 1995 fue uno de los días más felices de mi vida. Era de mis últimos meses viviendo en Los Ángeles, donde había estudiado gracias a una beca, y ejercía de corresponsal de la revista Popular 1, en la que había empezado a colaborar un año antes. Bowie acaba de publicar su disco Outside, que había supuesto su reencuentro con Brian Eno, y se había embarcado en una gira con Nine Inch Nails, quienes se encontraban en su máximo apogeo gracias a The Downward Spiral. Como podéis imaginar, aunque ya le había visto en el 87 y posteriormente en el 90 en la gira de Sound + Vision, la posibilidad de verle otra vez y acompañado de las huestes de Trent Reznor era la hostia. Y aunque fue la hostia verles interpretar juntos un set de cinco canciones entre las actuaciones de uno y otro (impagable ese ‘Hurt’ a dúo), nada comparable a poder compartir 20 minutos de mi vida a su lado. Unos días antes del concierto me habían confirmado que podría entrevistarle. ‘¡¿Qué?! ¡¡¿Cómo?!! ¡¡¡¿De verdad va en serio?!!!’, fue mi reacción. Pues sí iba en serio. No había pasado unos nervios parecidos desde que había hecho el examen de selectividad.

Y llegó el gran día. Intentando que el temblor de mis piernas no me traicionara, anduve por los pasillos del Forum de Inglewood acompañado de su encargada de prensa. Nos cruzamos con Gene Simmons de Kiss, pero no podía distraerme con nada. Era un puto flan. Comprobé mil veces que la grabadora funcionaba, como si de ello dependiera el destino de la humanidad. Me hicieron esperar en un camerino y me volvieron a repetir lo que ya me habían advertido dos veces. Más que una consigna, parecía una amenaza: ‘Está totalmente prohibido tomarte una foto con Mr. Bowie’. Aunque me hubiese encantado inmortalizar el encuentro, en ese momento mi preocupación era otra. Eran tantas las preguntas y tan poco el tiempo, que no se me había ocurrido nada mejor que, inspirado en su método de ‘corte y pega’ para escribir las letras de Outside, y que ya había utilizado en los 70 inspirado a su vez por Burroughs, había recortado una serie de palabras ‘clave’ para que fuera él mismo quien las sacara de una bolsita y fuera construyendo el cuestionario. ¿Le haría gracia o le parecería la mayor chorrada del mundo y ordenaría que echaran a patadas a ese mequetrefe pseudo periodista? En ésas estaba cuando finalmente apareció Bowie. Era más alto de lo que esperaba, tan elegante como imaginaba y jodidamente guapo. Me estrechó la mano y no me costó ni un segundo entender por qué se había tirado a quien le diera la gana, fuera del sexo que fuera. Le expliqué mi ocurrencia y con una sonrisa increíble metió su mano en la bolsita. ¡Sí! ¡Le había encantado el juego! Todo discurrió bien, iba sa-

cando papelitos y contestando las preguntas que le formulaba en base a ellos. Su voz y sus gestos eran tan seductores como los de una serpiente.

Yo hacía como que le escuchaba, pero cada vez que me miraba con sus ojos de distinto color, mi cerebro se fundía. Nunca antes ni después me he sentido enamorado de un tío, pero os aseguro que si en ese momento me llegan a hacer un análisis, mis niveles de dopamina, feniletilamina y serotonina hubieran estado por las nubes. Si estuviera escribiendo para Vice o Playground, ahora contaría que se sacó la chorra y así fue como ‘descubrí el sexo homosexual con una leyenda del rock’. Seguro que sería un gran titular para tener muchos likes en esta época de amarillismo camuflado de modernidad, pero prefiero ceñirme a la realidad.

La guinda fue cuando justo en el último minuto sacó un papel que ponía “Ziggy”. Se llevó las manos a la cara teatralmente y se balanceó hacia

atrás gritando “¡Oh, no!”, como si hubiera mentado a la bicha. “¿Qué voy a decirte de Ziggy que no haya dicho antes?”, me dijo riendo. Pero supongo que viendo mi cara de circunstancias procedió a contarme que en un principio Ziggy iba a ser rubio y por eso aparecía así en la portada del disco, pero que después había decidido teñirse de naranja. Lo dijo como si me estuviese revelando la fórmula secreta de la Coca-Cola.

Seguramente ya lo habría contado miles de veces antes, pero yo quise creérmelo. Además de un extraordinario músico, era un gran actor.

Los 20 minutos más cortos de mi vida se habían consumado. La encargada de prensa entró para acompañarme fuera y mientras Bowie me firmaba un par de discos, le explicó mi ‘gran idea’ para la entrevista y que había disfrutado mucho. Mi cara de imbécil debía ser histórica, pero aun así me invitaron a un concierto que pocos días después daría en el

Hollywood Palladium en la noche de Halloween. Metido en el foso, estuve más pendiente de si me veía que de hacer fotos. Como si fuera a parar de cantar para saludarme, pero el patetismo del fan tiene esas cosas.

Nuestros caminos nunca más se volvieron a cruzar, aunque al año siguiente fui a verle al Doctor Music Festival y a Zaragoza en el 97. Tenía la esperanza de que si se daba la circunstancia, diciéndole ‘soy el de la bolsita de Los Ángeles’, me daría un abrazo como si fuese un viejo amigo y me invitaría a tomar unas copas con él. Al fin y al cabo, si el milagro se había producido una vez, ¿por qué no dos? Pero con los años, el sueño se fue desvaneciendo tanto por su actividad cada vez menor, como por el pragmatismo inherente a hacerte adulto. Hoy, con su muerte, finalmente el sueño se ha desvanecido del todo. Aunque me resista y resista a aceptarlo... Porque tratándose de Bowie, quién sabe.

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DISCO DEL MES

M

Nucleus (NUCLEAR BLAST) ROCK, DOOM METAL

90

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uchísimo tiempo antes de que llegase la explosión mainstream del rock revival, Magnus Pelander ya andaba haciendo de las suyas.

Primero a mediados de los 90 con Norrsken, formación de apenas unos años de vida en los que coincidiría con unos jovencísimos Joakim Nilsson y Rikard Edlund que más tarde acabarían fundado Graveyard. Tras su disolución, Pelander no tardó demasiado en agrupar la banda con la que se daría a conocer: Witchcraft. Sus

WITCHCRAFT

tres primeras obras marcaron un antes y un después en el devenir de un estilo que parecía condenado a ser todo un género de culto.

El sonido y la producción totalmente deudores de los 70, así como su inteligente evolución de las sonoridades retro, hizo que muchos posaran sus miradas en ellos con trabajos tan soberbios como Firewood o The Alchemist. Y a pesar de que formaciones más exitosas que llegaron después como los mencionados Graveyard o Kadavar les deben muchísimo, los suecos han preferido mantenerse

fieles al undergound que les vio surgir, conservando esa aura misteriosa que les hace tan especiales.

Parte de culpa la tiene el propio Pelander, del que se deduce una mente tan brillante como impredecible que inevitablemente acaba traduciéndose en su música.

Ya tuvo que sustituir a todos sus acompañantes tras sufrir una desbandada general en 2012 para ofrecer otro discazo como Legend hace cuatro años, y ahora se ha visto obligado a cambiar de miembros tras la marcha de su base rítmica. Poco importa, ya

que su personalidad es la que manda en este quinto Nucleus, donde ha llevado sus influencias hasta el extremo. La adoración hacia Pentagram, Saint Vitus o los Black Sabbath más primitivos cobra el mayor de los sentidos en un álbum que conecta directamente con sus raíces más doom para ir varios pasos más allá. Si Legend suponía una actualización de su propuesta, haciéndola incluso más accesible dentro de lo que cabe para los oídos ajenos, el álbum que nos ocupa es su particular némesis.

Llama la atención que justamente ahora, cuando más sencillo lo tendría

de perturbadores como la inicial ‘Malstroem’, una montaña de difícil escalada que ya nos pone sobre aviso de lo que nos espera. ‘An Exorcism Of Doubts’ y ‘To Trascend Bitterness’ también suponen duros ejercicios donde las descargas de guitarrazos pesados están a la orden del día, siempre bien comandados por una voz que sabe cómo modularse según el momento. Únicamente el single ‘The Outcast’ podría ser el tema más directo de los aquí reunidos, recordando a lo mostrado en Legend, y eso que cuenta con una segunda mitad tan sorprendente y compleja como fascinante. ‘Helpless’

“POR SI HABÍA ALGUNA DUDA, EL PRIMER GRAN TÍTULO DE 2016 YA SE ENCUENTRA ENTRE NOSOTROS”

para abrirse paso hacia un público más grande, se haya desmarcado de la competencia con una obra de este calibre. Tomemos como ejemplo el tema título.

Una pieza de un cuarto de hora de duración, donde los riffs rocosos como el granito se imponen junto a la desbocada expresividad de Pelander, pero que también dejan huecos por los que se cuelan arreglos de guitarras acústicas, teclados, flautas y hasta un outro de acordeón tras una segunda mitad con un riff en progresión que pone los pelos de punta. Es la piedra angular sobre la que giran otros temas igual

parece imponer algo de calma con unos arpegios llenos de belleza, hasta que nuevamente vuelven la tempestad y las tinieblas.

Todo ello antes de que la apocalíptica ‘Breakdown’ nos borre de un plumazo en otro extenso y agónico corte del que pedirás de rodillas que se prolongue hasta el infinito. Una obra oscura e inaccesible como pocas, de la que por suerte tenemos todo el año para descifrar cada uno de sus enigmas.

Por si había alguna duda, el primer gran título de 2016 ya se encuentra entre nosotros.

GONZALO PUEBLA

HAS DE SABER...

FORMACIÓN: Anders Landelius (voz, guitarra), Niels Nielsen (varios instrumentos) PRODUCIDO POR: Niels Nielsen AFINES A: Nick Cave, Mark Lanegan, Nine Inch Nails PÁGINA WEB: www.facebook.com/deadsoulofficial

DEAD SOUL

L

The Sheltering Sky (SUPERBALL/CENTURY MEDIA) BLUES, ELECTRÓNICA

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a existencia de Dead Soul podría calificarse como un feliz accidente. En 2006, Anders Landelius, el bluesman sueco conocido como Slidin’ Slim, le pidió a su amigo Niels Nielsen, un ingeniero experto en electrónica, si estaría interesado en producirle su siguiente disco. De esa colaboración surgió One Man Riot (2007), y Landelius quedó tan contento con el resultado que le insistió para trabajar de nuevo juntos. Pero pronto verían que las nuevas canciones, en las que Nielsen se atrevió a meter mucho más mano, quizá podían sonar demasiado extremas para los aficionados al blues, así que decidieron

iniciar un nuevo proyecto sin ninguna limitación. Como nombre escogerían Dead Soul para intentar simbolizar el contraste entre la frialdad de las máquinas y el alma de la voz. Su debut In The Darkness aparecía en 2013 y ahora ha llegado su continuación, The Sheltering Sky, donde de nuevo fusionan un montón de estilos de manera bastante singular. Quizás los que tuvimos la oportunidad de verlos como teloneros de Ghost en su reciente tour europeo no fuimos capaces de percibir en vivo lo que son capaces de ofrecer en disco, sobre todo porque en directo los matices de las partes electrónicas y de las guitarras

son más difíciles de apreciar, y también porque quedaron eclipsados por el grandioso espectáculo que nos ofrecieron después Papa Emeritus y sus secuaces. Pero hay que darle una oportunidad a este álbum por canciones como ‘The Fool’ (con ese pegadizo estribillo) o por los oscuros pasajes que nos proporcionan otras como la brillante e hipnótica ‘Shattered Dreams’ o la punzante ‘The Abyss’, donde pareciera que Nick Cave hubiese hecho un pacto con el Diablo vendiendo su alma con Ministry o Nine Inch Nails en medio de una película de David Lynch. O algo así.

KARLES SASTRE

HABLAMOS CON... ANDERS LANDELIUS Y NIELS NIELSEN ¿Cuál ha sido la principal diferencia entre la creación de vuestro debut y este segundo disco?

NIELS “En el primer álbum trabajamos más con material de Anders. En éste, él estaba ocupado con sus cosas, así que tomé la iniciativa compositiva. Aunque luego él también aportó más temas...

Así que acabamos con un montón de material. Probamos muchas más cosas.

Es mucho más variado también. En el primero sólo había un tema rápido; en éste los tempos son más variados.

Tardamos cinco años en hacer el primer disco; para éste sólo tardamos uno. Eso estuvo bien”.

ANDERS “Al menos en las letras el primer disco era más oscuro porque había pasado por un periodo muy difícil.

Estaba cabreado conmigo mismo. Éste es un poco más luminoso. Es curioso

porque en este disco yo he aportado la parte más melódica y Niels la más blues. Es como si nos estuviésemos influenciando el uno al otro. Pero lo más importante es que la música tenga corazón y alma, y eso es lo que echo de menos en muchas bandas industriales.

Por eso creo que la mezcla funciona”.

Sí, porque venís de dos campos muy distintos…

ANDERS “Sí, a mí me gusta el country, el blues, el northern soul… Durante mucho tiempo no escuchaba nada posterior a 1962…”.

NIELS “Y yo odiaba todo lo anterior a 1962 (risas). Creo que eso lo resume todo. Yo crecí escuchando black metal y death metal sueco. Por eso podemos girar con Ghost, porque sé que hay cosas que pueden gustar a ese público, aunque en el fondo seamos una banda electrónica. De hecho, creo

que el próximo disco será aún más electrónico”.

Teniendo una visión tan distinta, ¿os resulta fácil crear juntos?

NIELS “No es una democracia. Lo que yo decido que es lo mejor, es lo mejor.

Y lo que Anders decide que es lo mejor, es lo mejor. Nunca apostaría por hacer algo a medio camino. Nos conocemos muy bien y sé que aunque quizá algo suyo no me convenza de entrada, me acabará encantando. Y viceversa”.

ANDERS “Recuerdo haber leído una larga entrevista con alguien de Rammstein y decía que tenían canciones en sus discos que odiaban, pero que como eran una democracia, si a la mayoría les gustaban, las incluían igualmente.

Para mí eso es raro porque entonces no consigues hacer un disco perfecto”.

(JORDI MEYA) 69

WOLFMOTHER Victorious (UNIVERSAL)

ROCK

70

A

Andrew Stockdale no hay quien le entienda. Hace un par de años parecía sufrir una especie de incontinencia creativa que le hizo publicar en muy poco tiempo su primer álbum en solitario y casi acto seguido New Crown, el tercero de Wolfmother tras haber dejado al grupo ‘aparcado’ para retomarlo poco después.

Una actividad frenética que dejó descolocados a muchos seguidores por el camino y, aunque ambos trabajos estaban llenos de grandes canciones, estaba claro que Stockdale necesitaba centrarse para volver a ser aquél que nos maravilló

con su lejano debut de hace ya una década o el infravaloradísimo Cosmic Egg. Y parece que esta vez con Victorious ha querido regresar por el buen camino.

Se ha puesto en manos de todo un Brendan O’Brien para la producción de un álbum conciso y directo. También la parte promocional por parte de su discográfica tiene pinta de que va a estar a la altura.

El problema viene cuando al escuchar los diez temas que componen la nueva entrega de los australianos, uno siente que hay algo que no termina de cuadrar. Sí, hay un buen puñado de temas marca de la casa que nos recuerdan a los Wolfmother más desenfadados y menos complejos (‘City Lights’, ‘Gypsy Caravan’, ‘Eye Of The Beholder’), e incluso hay un par de cortes como ‘Pretty Peggy’ o ‘Best Of A Bad Situation’ con cierto aroma radio friendly que no les sienta del todo mal, pero se echa en falta algo más de garra, de ingenio, de chispa en general para que termine de encandilar como antaño, resultando demasiado inofensivo por momentos.

Vamos, que sí pero no.

GONZALO PUEBLA

DAVID BOWIE Blackstar (ISO/COLUMBIA)

POP EXPERIMENTAL

80

A

lo largo de su extensa carrera, David Bowie se ganó la reputación de ser un visionario, un revolucionario; fue, y apena tener que escribirlo en pasado, un artista cuya influencia marcó la cultura pop del siglo XX. Pero también se decía de él que era un tipo calculador. Lo que nadie podía imaginar era que su último golpe maestro fuera a ser la escenificación de su propia muerte.

Publicado el 8 de enero, justo el día que cumplía 69 años, ahora sabemos, tristemente, que la estrella negra escogida para titular su vigésimo quinto álbum de estudio era mucho más que una simple elección

estética. Todavía más el vídeo de ‘Lazarus’, en el que se le ve postrado en una cama con los ojos vendados. Los 18 meses que Bowie llevaba luchando contra un cáncer coinciden cronológicamente con la gestación de este disco. Creación y destrucción.

Vida y muerte. Lucidez y caos. Si su disco anterior, The Next Day, aparecido hace tres años sorpresivamente tras una década de silencio, se ajustaba a un formato de canción más convencional, en Blackstar dio rienda suelta a su faceta más experimental.

Su productor Tony Visconti reconocía que en el estudio habían estado escuchando mucho a Kendrick Lamar, y aunque el resultado no suene al rapero californiano, sí comparte ese espíritu por jugar y moldear distintos estilos para crear algo difícil de etiquetar. En sus siete temas hay mucho de jazz (el saxo de Donny McCaslin y el piano de Jason Lindner son claves), de drum’n’bass, de abstracción pop, de su todavía magnífica voz... en definitiva, mucho de Bowie.

El último aliento de un artista irrepetible.

JORDI MEYA

LA SELECCIÓN

BISCUIT Biscuit

(LA CASTANYA)

ROCK’N’ROLL

78

S

i algo han demostrado Biscuit a lo largo de sus dos décadas de existencia es que ni que quisieran les saldría una canción mala. Tienen tan interiorizado el lenguaje del rock’n’roll que siempre encuentran el acorde o la melodía adecuada para hacer que un tema funcione. Pocos meses después de que el sello australiano Off The Hip les publicara un recopilatorio resumiendo su carrera, 20 Years A Million Beers & A Lotta Nerve, los de Vilanova i La Geltrú se destapan con el que quizá sea su disco más crudo y rockero. ¿Será que como muestra de agradecimiento han repescado sus vinilos de Radio Birdman o You Am I? ¿Será que por eso hay un tema titulado ‘Agus Young’ (sic)? Porque a pesar de que han lanzado como primer single ‘Goodbye Again Or’, el tema más pop y elaborado, su sexto álbum va por otros derroteros (y

quizá porque no sabían dónde ubicarlo, ha terminado cerrando el álbum). Mientras que en referencias anteriores les salía una vena más power pop o más country rock, sobre todo en las armonías vocales, aquí la apuesta es claramente por el high energy rock’n’roll.

Riffs ideales para hacer el molinillo con el brazo como los de ‘Welcome To Dundersville’ y ‘Blank Morning (She Said)’ hacen que además de pensar en las Antípodas, también nos acordemos de unos clásicos como The Who. Y aunque también sobresalen la armónica de ‘Duke’s Tale’ o el saxo descendente de ‘Unthinkable’, estamos ante un disco donde las guitarras mandan.

Como debe ser.

JORDI MEYA

I

ntronaut llevan suficientemente tiempo siendo ya algo más que un proyecto paralelo de algunos componentes (o exmiembros en algunos casos) de bandas como Exhumed, Impaled o Murder Construct como para que sean considerados una banda INTRONAUT The Direction Of Last Things con mayúsculas. Y su quinto (CENTURY MEDIA) trabajo discográfico no hace POST METAL otra cosa que confirmar lo dicho anteriormente.

80 Con una formación casi inamovible desde hace años, los californianos demuestran disco a disco que su obcecación por llevar el metal por pasajes progresivos o experimentales está consiguiendo su propósito. El álbum empieza con la fuerza y el vigor que emana una canción como ‘Fast Worms’, dejando claro desde el principio por dónde van a ir los tiros

Y

ANTHRAX For All Kings (NUCLEAR BLAST)

THRASH METAL

80

72

a iba siendo hora de que la paz y la estabilidad reinasen en Anthrax. Después de una década de lo más confusa con las idas y venidas de John Bush, Dan Nelson y Joey Belladonna en el puesto de vocalista, Worship Music puso fin a un auténtico culebrón de ocho años que por poco acaba con toda la credibilidad de uno de los cuatro grandes del thrash.

Y lo mejor de todo fue que además el álbum estuvo más que a la altura, recuperando a los Anthrax más clásicos, con un Belladonna pletórico como hemos podido comprobar también sobre

para adentrarse después en terrenos más líricos o complejos en cortes como ‘Digital Gerrymandering’ o la hermosa ‘The Unlikely Event Of A Water Landing’, para cerrar con la brillante complejidad de una canción como ‘City Hymnal’. Intronaut se han distanciado un poco de su vertiente más melódica y en general se trata de un trabajo más duro de lo que nos tenían acostumbrados últimamente, algo que va

en consonancia con haber contratado a Devin Townsend para que se encargara de las mezclas. Creo que finalmente Intronaut han logrado confirmar en un disco lo que hace tiempo llevan demostrando en vivo abriendo para grupos como Mastodon o Tool: que ya pueden tutearse con los grandes del género se llamen como se llamen. Y eso, sin duda, es una muy buena noticia.

los escenarios. Toda una resurrección cuando ya nadie esperaba nada de ellos y que ahora encuentra continuidad cinco años después en For All Kings, el ya undécimo trabajo de estudio de los neoyorquinos. Al contrario de lo que ocurriese durante los 90, Scott Ian, Charlie Benante y compañía parecen haber decidido aparcar por completo la experimentación para abrazar sus raíces, algo que se acentúa especialmente en cortes como la propia ‘For All Kings’ y ‘Breathing Lightning’, donde los arreglos puntuales y las melodías cobran más importancia que nunca. Pero no os preocupéis,

que los que queráis una buena ración de thrash attack de la vieja escuela la encontraréis en ‘You Gotta Belive’, ‘Evil Twin’ o ‘Defend Avenge’. Aunque lo mejor es cuando consiguen aunar ambas facetas como en ‘Monster At The End’, donde clavan una canción de lo más redonda. Y es que al contrario que otras formaciones, Anthrax son un auténtico bloque donde es complicado destacar a uno de sus miembros por encima de los demás. Otro trabajo que hace justicia a una leyenda últimamente algo infravalorada.

KARLES SASTRE

GONZALO PUEBLA

THE SHRINE Rare Breed (CENTURY MEDIA)

HEAVY ROCK, STONER

80

V

uelve el lobo puesto de ácido desde Venice Beach. En realidad no se ha ido, puesto que estos tres colgados llevan una trayectoria imparable, girando desde hace más de dos años a un ritmo vertiginoso por cualquier rincón del planeta donde puedan encontrar una piscina vacía donde patinar y un enchufe al que conectar su ampli Marshall. Fue este verano, antes de encarar el Motörboat Cruise y su gira europea con Kadavar, cuando se encerraron en un estudio a grabar su tercer álbum. En esta ocasión Rare Breed ha sido producido por

Dave Jerden, conocido por trabajar con Alice In Chains, Social Distortion o Biohazard, que quedó inmediatamente prendado tras disfrutar de una de sus adrenalíticas actuaciones en una tienda de guitarras. Siguiendo la senda de los trabajos anteriores, Rare Breed rebosa energía y macarrismo, está plagado de riffs furiosos a cargo de Josh Landau, con el fuzz ardiendo al once, y apesta a sudor, cerveza y porros. La combinación de punk, sonido garagero, metal clásico y ese punto más stoner puede llegar a provocar lesiones de cervicales, porque desde el momento en que comienza a sonar ‘Coming Down Quick’ es difícil parar de mover la cabeza. Y aunque ‘Death To Invaders’ es uno de esos himnos que te hacen levantar el puño en alto, es ‘Acid Drop’, cuyo nombre no podría ser más adecuado, la suma de todos los estilos que mezclan en su marmita. Es inevitable recordar a bandas como Black Flag, Fu Manchu o Valient Thorr, pero The Shrine hace ya tiempo que tienen identidad propia, y nos gusta.

TOI BROWNSTONE

CONAN

Revengeance (NAPALM)

DOOM METAL

80

E

ra algo que con frecuencia me asaltaba la mente… ‘¿Por qué Conan no me molan tanto como al resto de doomers que conozco?’.

Pues bien, con Revengeance, su tercer álbum, por fin mi cerebro ha hecho ‘click’, y tengo muy claro por qué ha sucedido… Básicamente hay tres motivos: chapa, chapa y chapa. En la inicial ‘Throne Of Fire’ aún puedes intuir ciertos dejes stoner, pero a partir del dilatado ‘Thunderhoof’, el siguiente tema, una mole tocha como la Torre de Babel te cae encima con el sonidaco grave y denso que debe

proporcionar toda banda doom que de verdad ame esta lenta actividad sadomasoquista. En este tema señalado hay angustia real, perfectamente recreada por el intercambio de alaridos limpios y guturales del guitarrista Jon Davis y el bajista Chris Fielding, pero en realidad es el desesperado aparato instrumental de todo el trío al completo el que te subyuga ante esta ruidosa autoflagelación. Con ‘Wrath Gauntlet’, otro largo tema en un álbum rematado por los 12 minutos triposos del monolito ‘Earthenguard’, vas a perder toda esperanza de que un halo de luz arroje algo de optimismo a este pausado martirio. Pero cuidado, que de pronto ‘Revengeance’ arremete sin previo aviso con una primitiva velocidad más que bienvenida, aunque no tarde mucho en caer también hacia el negro pozo que domina al resto de composiciones. Bien, Conan, bien… Por fin conocéis de verdad cuál es el secreto del acero.

PAU NAVARRA

73

MEGADETH Dystopia (UNIVERSAL)

THRASH METAL

75

N

o deja de sorprender que, a estas alturas de su carrera, Dave Mustaine haya decidido renovar la formación de Megadeth de manera tan significativa. El pelirrojo se ha desecho del guitarrista Chris Broderick y el batería Shawn Drover y en su lugar ha fichado a Kiko Loureiro de Angra y a Chris Adler, que ha grabado el nuevo álbum y girará con ellos cuando sus obligaciones con Lamb Of God se lo permitan. Dos nombres de contrastada solvencia que parecen haber inspirado a Mustaine a recuperar la

74

esencia más metálica de Megadeth después de su acercamiento al rock en el anterior Super Collider.

Pero tampoco vayamos a dejarnos llevar por la euforia y a pensar que estamos ante un nuevo Rust In Peace, porque no es el caso. Lo que es seguro es que ayudará a reconciliarles con el sector de sus fans que echaba de menos unas estructuras más trabajadas, solos de guitarra más creativos y riffs más afilados. Todo eso es lo que encontramos en temas como ‘The Thread Is Real’, con una apertura de aire oriental que también impregna algunos de los arreglos, ‘Death From Within’, ‘Bullet To The Train’, la más directa ‘The Emperor’, la instrumental ‘Conquer Or Die’ o ‘Fatal Illusion’, marcada por la línea de bajo de David Ellefson y que a medio camino nos deleita con una parte thrashera donde Loureiro se luce. La voz de Mustaine ha adquirido un tono más grave (seguro que así no sufrirá tanto en vivo), pero en su conjunto la banda suena rejuvenecida.

JORDI MEYA

HIGH HOPES

Sights & Sounds (VICTORY)

MELODIC METALCORE

80

P

uede que High Hopes sean unos desconocidos para la gran mayoría, pero este disco roza el excelente. Si bien yo tampoco conocía esta banda, estoy seguro que Sights & Sounds será uno de mis discos favoritos del año, ¡y sólo llevamos veinte días! Lo tiene todo, partes atmosféricas que te meten en situación de lleno, temazos, actitud, buen sonido, buenas ideas, originalidad y buen hacer en vez de un despliegue de virtuosismo de los miembros. Van directos al grano y para mí ha sido un

amor a primera vista. Con este potencial, el quinteto de Reading tiene todas las papeletas para hacer algo importante. Metiéndonos en materia, cabe destacar el gusto melódico de la banda, a pesar de hacer un metalcore de libro. Después de una intro de apenas unos segundos de duración, nos metemos de lleno en uno de los cortes menos llamativos en cuanto a composición del disco, ‘Pale Blue Dot’, con el que, a pesar de ser un buen tema, no sorprenden. Es en el tercer corte, ‘Revelation’, donde desatan todo su potencial. Después pasamos por otro tramo de disco más ‘basto’, donde comienza la mejor parte del álbum a partir de un bonito interludio.

Así nos llevan hasta el octavo trallazo, ‘Defender’, que junto a ‘The Greater Plan’ y la (casi) instrumental y atmosférica ‘Sights & Sounds’, forman una obra de arte como pocas.

Altamente recomendable si te gusta el metalcore pero estás aburrido de que suene todo igual.

ENEKO CELESTINO

BLACK TUSK Pillars Of Ash (RELAPSE)

SLUDGE METAL

72

E

stoy segura que para Black Tusk publicar este quinto álbum ha debido de ser un auténtico calvario. El fallecimiento del bajista Jonathan Athon a consecuencia de un accidente de moto a finales de noviembre de 2014 supuso un terrible golpe para Andrew Fidler y Jamie May, que además les hizo plantearse si debían seguir adelante en un momento crucial en su carrera. Para afrontar su gira europea con Black Label Society, decidieron contar con su amigo Corey Barhorst, anteriormente miembro de Kylesa, y finalmente éste acabó como miembro permanente de la

banda. Una vez superado el duelo y como homenaje a la memoria de Athon, Black Tusk decidieron sacar a la luz Pillars Of Ash, que fue grabado antes de su accidente, a las órdenes de Joel Grind de Toxic Holocaust. Un disco que llama la atención principalmente por un sonido muy orgánico y crudo, con unas baterías muy directas, plagado de riffs poderosos.

Escuchar estos once temas equivale a al menos a tres sesiones de spinning, porque son absolutamente demoledores, con unas estructuras demenciales, que no dejan recuperar el aliento desde que comienzan los redobles de batería en ‘God’s On Vacation’ hasta ese siniestro piano que cierra el disco tras ‘Leveling’. Pillars Of Ash es un trabajo que con las escuchas va creciendo, y desde luego si lo que se busca es una buena descarga de adrenalina, no es una mala elección, pero, aun sin caer en la monotonía, cuesta engancharse a él puesto que resulta muy difícil encontrar temas que destaquen o que sean más pegadizos. Es un sí, pero no.

TOI BROWNSTONE

CITY LIGHT THIEF Shame (MIDSUMMER)

INDIE ROCK

70

H

ace tres años descubrí a los alemanes City Light Thief por casualidad y, con mucho gusto, me encargué de recomendaros su segundo largo, Vacilando.

Entonces los emparejaba con bandas contemporáneas pero tan dispares como Thrice, Moving Mountains y Touché Amoré. El joven sexteto de Grevenbroich, una pequeña población próxima a Colonia, podía estar muy orgulloso de su segundo disco. Iban sobrados de buenas ideas, que se traducían en unos muy pegadizos y muy resultones temas de post

hardcore. Con el presente Shame, su cuarta referencia después de dos largos y un EP, se produce un giro inesperado, un cambio evidente. Ahora suenan más sosegados y, sobre todo, personales. Los referentes antes citados están en la base de su música, totalmente asimilados, y sus nuevos aires, más artísticos y musicales, con estructuras menos previsibles, pueden descolocar de primeras. La banda no tiene problemas para aparcar su lado más rudo en la pausada y emotiva ‘Younger You’, su pieza más pop hasta la fecha, y tampoco hacen ascos a los ritmos bailongos, de puro indie festivalero, para arrancar ‘Wild Truth’. Se agradece el esfuerzo. Podían haber seguido la senda del bien recibido Vacilando o dar una vuelta de tuerca más a su propuesta. Escogieron la segunda opción, la más arriesgada. Bien por ellos.

Con el tiempo veremos si este meritorio ejercicio supone un verdadero punto de inflexión en su carrera o si se queda en una agradable anécdota.

LUIS BENAVIDES

75

HAS DE SABER...

FORMACIÓN: Juanjo y Miqui (sintetizadores, programación, samplers…)

PRODUCIDO POR: The Suicide Of Western Culture AFINES A: Fuck Bottoms, Spacemen 3, Godspeed You! Black Emperor PÁGINA WEB: www.thesuicideofwesternculture.com

THE SUICIDE OF WESTERN CULTURE

S

Long Live Death!

Down With Intelligence!

(EL SEGELL DEL PRIMAVERA) ELECTRÓNICA, POST ROCK

77

i después de haber puesto a la crítica a sus pies y de actuar en medio mundo gracias a sus dos primeros discos, o de haber fichado por el sello del Primavera Sound, a los miembros de The Suicide Of Western Culture les temblaban las piernas, no se nota en absoluto. Más bien lo contrario. En su tercer álbum, el dúo barcelonés se ha atrevido a abrir más que nunca su sonido. Despojándose de su lado más ruidista, nos ofrecen un álbum más orgánico y accesible, sin que ello implique que han tirado por lo fácil. Si antes optaban por pegarte una bofetada, desgarrando su arsenal de máquinas y sinteti-

zadores, en el brillante, pero quizá equívocamente titulado Long Live Death! Down With Intelligence! ofrecen un espectro de sentimientos más amplio y poliédrico. También más inteligente. Puede que llegues a bailar con su música (con ‘Drugs Bring Me Closer To You’ es casi inevitable), pero desde luego no es su objetivo.

TSOWC tienen una concepción más bien post rockera a la hora de construir sus temas y álbumes. Cada pieza es un viaje en sí mismo, pero a la vez genera un efecto acumulativo de energía y sensaciones del primer al último tema. Unas notas de órgano inician con solemnidad ‘Amor De Madre’, una pieza en la

que va cogiendo impulso una base de lo más inspirada.

En esta línea más ambiental también encontramos ‘You Can Change Everything But Your Mother And Your Football Team’ con unas texturas de lo más interesantes y una línea distorsionada que entra hacia la mitad llena de vitalismo.

Pero la variedad es la que manda, y así, ‘Dyplasia’ se propulsa a base de breaks, mientras que en ‘Still Breathing But Already Dead’ optan por una atmósfera más espacial, que en otro formato tan bien practican Exxasens, o en ‘Headless Saints’ por un acercamiento al shoegaze. Una obra para bucear a gusto.

MARC LÓPEZ

HABLAMOS CON... MIQUI Vosotros venís de un background más rockero... Cuando empezasteis con la electrónica, ¿sentíais cierto respeto o era más bien un juego?

“Cuando éramos más jóvenes escuchábamos más punk y hardcore porque en Terrassa lo que mandaba era eso. Es una ciudad muy punk. Pero a los dos nos cayó un disco de Aphex Twin a la vez y nos entró. Quizá nunca hemos sentido respeto porque venimos de la electrónica muy underground, de la que se lo carga todo y no busca nada. Me da igual coger un bajo que un sintetizador para hacer la misma línea. Somos muy libres”. ¿Cómo os habéis sentido haciendo este tercer disco?

saco tanto en la castaña como en la parte más emotiva. Para mí es la guinda.

Además, tocar en directo te permite ver cuáles son las partes que funcionan mejor, los cuelgues que no funcionan.

Sobre todo ves que las reacciones de la gente no son las mismas que tú tienes respecto a tus canciones. Quizá haga que seas un poco más visceral a la hora de grabar”.

Y el álbum fluye mejor.

“Sí. Nosotros hacemos discos, no sabemos hacer canciones sueltas. El tema 7 está en esa posición por algo. Nos planteamos un todo. Hay temas más oscuros y más claros, pero todos son nosotros.

Por eso nos toca bastante los huevos el modo aleatorio de Spotify. Tenemos claro que hacemos discos”.

“Hemos tenido más tiempo. Se podría decir que de los tres es en el que estamos más sueltos. Hemos ido más a

Habéis tenido bastante repercusión fuera de España. ¿Qué respuesta habéis encontrado

una vez ahí?

“Al contrario que le puede pasar a una banda de punk o de indie, en el mundo de la electrónica Barcelona es una referencia en Europa o en Estados Unidos. Lo ves en sitios como el South By Southwest, donde lo asumen con total normalidad. De hecho, cuando hemos tocado en grandes festivales, haciendo música instrumental con visuales, mucha gente ni sabe de dónde somos. Otra ventaja es que los dos solos tenemos una movilidad bestial a la hora de ir a tocar. Hemos dado conciertos con batería. Y nos planteamos ir a un estudio con nuestros cacharros y grabar como si fuéramos una banda de rock. Pero si incorporáramos a más gente, se complicaría todo. Nosotros por cuatro duros podemos ir a donde sea, pero si fuéramos más no sería tan sencillo”.

(JORDI MEYA) 77

E

PATENT PENDING Riot Hearts Rebellion (RUDE)

POP ROCK

55

ste es un disco que tiene muchos números para pasar desapercibido, es un hecho. Pero si quieres hacer una fiesta con globos de colores, serpentinas, confeti, gominolas, nubes, regalices y tus amiguitas de ‘my sweet sexteen’, póntelo, será gracioso. A decir verdad, el disco empieza sorprendentemente serio, con aires alternativos y profundos, incluso diría que ‘Another Day’ es un buen tema. Pero es una trampa porque en la segunda canción empieza el arcoiris, y no para. Podría parecer que simplemente este estilo tan hortera es malo, pero no, hay casos, como Katy Perry en su forma más mainstream y Forever The Sickest Kids en su forma más ‘underground’, en los que puede funcionar, pero no es el caso. Riot Hearts Rebellion se va descalabrando

L

IMPERIAL JADE Please Welcome (LENGUA ARMADA)

HARD ROCK

80

78

os que seáis del área de Barcelona seguramente recordaréis a Blackway, un grupo de classic rock al que vimos en numerosas ocasiones por la Condal. El tiempo ha pasado y aquellos jovenzuelos se han metamorfoseado en Imperial Jade, convirtiéndose en toda una realidad. Su gusto por el hard rock y por el rock clásico de los 70 ha hecho que se les compare con bandas como The Answer o Rival Sons, formaciones que también beben de las mismas o parecidas influencias, pero dejadme decir que el quinteto catalán suena más honesto, menos previsible y, además,

con cada canción (con excepciones); demasiada purpurina pero sin tirarse a la piscina del todo. Si pretendes hacer un disco de comedia tienes que hacerlo con todos los juguetes, ir a por todas. Aun así, daremos una de cal y otra de arena, y a su favor diremos que estos tíos llevan en activo 14 años, y que hacer un disco tan happy tiene mérito.

Incluso, al escucharlo más de dos veces, empiezas

a entenderlo y sacas canciones agradables de oír, sin prejuicios, que es lo que hace que apruebe este disco. Canciones como ‘It’s All Good Today’, que es una mezcla de Pet Shop Boys y Zebrahead, te hacen sonreír.

Otras como ‘Last Time That I Saw You’ incluso llegan a recordar a los míticos American Hi-Fi o Relient K. Y es que, amigos y amigas, ése es el camino.

tiene mejores canciones.

Pocas veces en los últimos meses he escuchado un inicio de disco tan demoledor como el que forman ‘Satyr’, ‘Mr. Rock’n’Roll’ y ‘A Rollicking Song’. Ecos de Zeppelin y de los Black Crowes del primer álbum se dan la mano en una tríada que deja el listón muy alto, pero no hay que preocuparse porque tienen mucho más por ofrecer que un comienzo sorprendente. El inicio pseudo country de ‘Time Machine’ desemboca en otra perla de exquisito rock’n’roll in your face donde Arnau Ventura, el vocalista, interpreta con un gusto y elegancia tremenda, y menudo estribillo,

amigos... de ésos que es muy complicado encontrar hoy en día. En el boogie blues de ‘High On You’ también se salen con chispeantes duelos de guitarra y armónica, y como no sólo se vive de descontrol rockero, nos regalan una preciosidad titulada ‘Electric Lady’ que nos trae a la mente aquellas baladas de corazón bluesero que nos encontrábamos en los primeros discos de Whitesnake. Este grupo vale su peso en oro. Cuidemos de nuestras bandas, por lo menos, dándoles las mismas oportunidades que a las de fuera.

ENEKO CELESTINO

ANDRÉS MARTÍNEZ

BLACK COBRA

Imperium Simulacra (SEASON OF MIST)

SLUDGE METAL

77

A

grestes, rudimentarios, sin estridencias, pero igualmente personales e imaginativos. De la mano de Season Of Mist, Black Cobra vuelven con un quinto álbum de sonido poderoso y pulcro a partes iguales, bastante stoner, pero que te embiste con su vena hardcore desde el primer instante, cuando ‘Challenger Deep’ te pega un buen meneo. Al dúo de Los Ángeles le va todo suficientemente bien, sabe con seguridad que con esto del sludge difícilmente se va a hacer de oro, y de esta forma es complicado que defraude. Los californianos aciertan al poner en

primer plano la batería del paquidermo Rafael Martinez, básica para comprender su propuesta primitiva, mas en un álbum que se antoja bastante veloz dado que la segunda ‘Imperium Simulacra’ también pisa el acelerador que da gusto.

La dilatada ‘Fathoms Below’ nos lleva al desierto, saca a relucir su versión más árida, pero lo que no cambia es la voz del guitarrista Jason Landrian, y es que sin ser para nada un privilegiado, desde luego hace que la propuesta de Black Cobra sea reconocible al instante. En ésta, un cuelgue totalmente doom regala uno de los clímax del álbum, para que ‘Eye Among The Blind’, ‘The Messenger’ o la mutante ‘Obsolete’, con blast enloquecido incluido, te metan sus ritmos hasta el fondo, y encima lo agradezcas. La inspirada ‘Dark Shine’ o las enérgicas ‘Sentinel (Infinite Observer)’ y ‘Technical Demise’ son más muestras de que Black Cobra siempre han sido una banda que vale la pena, portadora de una fórmula que con cada nueva entrega gana más adeptos.

PAU NAVARRA

WE WERE HEADING NORTH

We Were Heading North (EL HOMBRE BALA)

EMOCORE, POST ROCK

75

W

e Were Heading North, el último fichaje del sello independiente El Hombre Bala Records, es un proyecto en solitario y un proyecto colectivo al mismo tiempo. Me explicaré.

Todo empezó en 2014 con muchos ensayos en el local, un par de conciertos, pero varias bajas en la formación original dejaron el proyecto en punto muerto. Meses después Ione Rodríguez, excomponente de los canarios Letters From Reykjavik, decidió retomar los temas. Para eso tuvo que pedir hora en los solicitados Estudios Guamasa de

Ayoze Hernández y tirar de agenda. El resultado: colaboran la flor y nata de la escena de las Islas, miembros y exmiembros de Isolina, The Mistake, Holy Disgrace y Mento, entre otras. La carta de presentación de We Were Heading North es un EP homónimo de seis temas delicados, por momentos energéticos, con ecos a los ya añorados Maybeshewill, con piezas que te encogen el corazón como la genial ‘People Are The Same Everywhere’ y detalles en las guitarras cristalinas y la progresión de ‘Sillage’ que recuerdan a los últimos The Appleseed Cast. Incluso pueden evocar a las leyendas Sunny Day Real Estate en clave experimental e instrumental en ‘Rave Rain’, otro de los momentos destacados del EP. ¿Y Toundra? Sí, también algo hay de los embajadores del post rock instrumental español, muy especialmente en los tímidos fogonazos de ‘Leitmotiv’. En definitiva, cuatro temazos de seis. Buen promedio para una primera referencia. Este proyecto, personal o colectivo, promete mucho.

LUIS BENAVIDES

79

E

DANKO JONES Live At Wacken (UCR)

ROCK, DVD

75

l pasado verano, dentro de la misma gira que le llevó al Resurrection Fest, Danko Jones visitaba de nuevo el Wacken Open Air, el que asegura que es su festival favorito del mundo. A pesar de ser la meca de los metalheads europeos, el turbo rock del trío canadiense tiene suficiente músculo para salir victorioso de cualquier escenario, ni que sea tan enorme como el de Wacken.

Grabado a plena luz del día, gracias a lo cual podemos ver toda su colección de muecas, el grupo repasa algunos de los temas más significativos de su carrera, como ‘Play The Blues’, ‘Had Enough’, ‘Lovercall’ o la siempre coreada ‘First Date’, sazonados con otros de su último disco como ‘The Twisting Knife’, ‘Do You Wanna Rock’ o ‘Gonna Be A Fight Tonight’. Sus riffs

E

n contra de la opinión generalizada, creo que los 90 fueron una buena época para el metal.

Pero un nombre destacó por encima de todos: Pantera llevaron el clásico heavy metal de toda la vida a una nueva dimensión, y encima lo petaron compitiendo en PANTERA las listas con Madonna o 1990-2000 – The Complete Studio Albums Michael Jackson. En este (RHINO/WARNER) cofre tienes todo lo que METAL hicieron en aquellos mágicos años donde la guitarra del 100 añorado Dimebag Darrell, los alaridos de Phil Anselmo y la aplastante base rítmica formada por Rex Brown y Vinnie Paul nos hicieron a todos seguir sintiéndonos 80

básicos pero súper efectivos le bastan para meterse al público en el bolsillo, y el parlamento en medio de la final ‘Mountain’, con sus menciones a Bon Scott, Randy Rhoads, Dimebag Darrell y otros héroes caídos, es celebrado por todo lo alto. Pero como saben los lectores de RockZone, si hay algo que le gusta a Danko Jones tanto como tocar rock y beber horchata, es hablar

y escribir sobre música.

Y en los extras del DVD encontramos una divertida conferencia grabada en una carpa del mismo Wacken en 2012 donde, durante 50 minutos, disecciona la carrera del grupo de su vida: Kiss. Un documento divertidísimo centrado sobre todo en su teoría de que Peter Criss lleva muerto desde los 70.

orgullosos de apostar por un género que necesitaba un empujón como el que le dieron estos vaqueros infernales. De sus primeros tres discos tras la transformación del glam al agresivo metal se ha hablado tanto que ya no sé ni qué decir. Piedras angulares de la historia del estilo, Cowboys From Hell, Vulgar Display Of Power y Far Beyond Driven son desde el mismo momento de su edición incunables absolutos, discos imprescindibles para entender que el metal todavía podía (y debía) evolucionar a un nuevo estado. The Great Southern Trendkill y Reinventing The Steel

sin embargo deberían ser reivindicados más a menudo, sobre todo el primero, una obra parida en medio de la confusión y el caos y que, en retrospectiva, nos trae a unos Pantera más desesperados que nunca, tremendamente malévolos y con la inspiración por las nubes a pesar de los grandes problemas internos.

Los que ya tengan estas cinco joyas pocos atractivos van a encontrar fuera del conocido tema inédito ‘Piss’; para el resto, una oportunidad única de hacerse con la discografía (casi) completa de una de las formaciones más importantes de su generación.

JORDI MEYA

ANDRÉS MARTÍNEZ

GRASS

Rosamonte (AUTOEDITADO)

HARD ROCK

80

E

n plena fiebre del revival hard rock 70’s, proto hard rock o como demonios se le quiera llamar, sería muy fácil meter a una formación como Grass en ese saco. De la misma manera que es una lectura demasiado sencilla decir que son una banda más con las guitarras al once y los toques justos y necesarios de psicodelia para dar el pego. Para nada. Es cierto que la influencia básica de Grass está en el hard rock añejo, pero ellos han sabido coger la mejor parte de esa influencia. La de hacer canciones claras y directas asentadas, en la mayoría de

casos, en riffs importados del mismo purgatorio. El quinteto procedente de El Masnou, Barcelona, y con componentes curtidos en más de una batalla pese a que su media de edad está por debajo de la treintena, ha entregado un álbum que definitivamente sobresale de la media de lo que estamos acostumbrados a escuchar, y sólo hace falta colgarse un poco de temas como ‘She Took Me For A Ride’, ‘Horizontal Men’ o ‘Can’t Take It Anymore’ para ver que lo suyo va en serio, y que hayan decidido versionear a una leyenda del rock argentino como Pappo demuestra, de nuevo, que sus miras van más allá de las bandas retro.

Un detalle de calidad que redondea un debut en el que poco material sobrante y sí mucho de provecho podemos encontrar. Teniendo en cuenta que su directo es más que solvente, no se me ocurre ningún motivo para pensar que el nombre de Grass empiece a estar en boca de la parroquia rockera a partir de este mismo momento.

CARLOS MARTÍNEZ

TALCO

Silent Town (KASBA MUSIC)

SKA PUNK

75

S

ilent Town es el último capítulo de lo que podríamos calificar como una trilogía accidental que empezó con La Cretina Commedia y continuó en Gran Galà.

Una trilogía impregnada de realismo mágico para criticar la actual sociedad italiana y, por extensión, toda la europea. Pero si en su última obra el grupo de Marghera abrió más que nunca su sonido incorporando influencias más folklóricas, arreglos más elaborados y un tono algo más serio, en Silent Town recuperan el pulso más festivo de sus inicios.

La mayoría de sus doce canciones parecen haber sido pensadas para desatar una grandiosa juerga en sus conciertos. Una decisión acertada teniendo en cuenta que ha sido gracias a su directo que el grupo ha visto cómo su popularidad no cesaba de crecer. Es fácil imaginar a sus fans bailando al ritmo trepidante de ‘Il Tempo’ o ‘Intermondo’, respondiendo el coro de ‘Neverdad’ o gritando la parte de ‘Dalla Pallida Miro’ en la que su cantante Dema se queda solo. Las guitarras aceleradas a ritmo de ska, sus característicos punteos de banjo y la sección de vientos subrayando melodías listas para ser coreadas son la norma en un álbum que establece un puente entre el ska punk americano de los 90 y la patchanka de Mano Negra. Como única excepción encontramos la balada ‘Ovunque’, que suena como un clásico de la canción protesta que podrían haber escuchado nuestros padres antes de convertirse en burgueses.

Música popular en el mejor sentido del término.

MARC LÓPEZ

81

URGEHAL

Aeons In Sodom (SEASON OF MIST)

BLACK METAL

80

A

unque el primer álbum de Urgehal tardara en llegar, siempre han sido asociados con la rama más incorruptible y devota del puro black metal noruego.

Ganándose rápidamente el respeto de le escena, todo pareció truncarse cuando en mayo de 2012 su vocalista y guitarra Trondr Nefas pasaba a mejor vida con sólo 34 años. Pese a tan terrible suceso, Enzifer (bajo, guitarra) y Uruz (batería) decidieron seguir adelante con este trabajo, Aeons In Sodom, que cuenta con una mitad escrita por el líder fallecido y la otra por Enzifer. ‘¿Y quién canta aquí?’, se preguntarán ustedes… Pues

82 82

ahora llega lo mejor: dada su procedencia, no les ha costado nada reunir a la flor y nata del género maldito para poner la blasfema voz al que será su último disco, además de contar con líneas de bajo, solos e incluso letras extra.

De esta forma, Nocturno Culto de Darkthrone emerge en ‘The Iron Children’, Hoest de Taake se sale en ‘The Sulphur Black Haze’, Mannevond de Koldbrann remata una brutal ‘Lord Of Horns’, y así van desfilando Niklas Kvarforth de Shining en la arrastrada ‘Norwegian Blood And Crystal Lakes’, Nag de Tsjuder en la genial ‘Psychedelic Evil’, el gran Nattefrost de Carpathian Forest dignifica una ‘Endetid’ que es todo un panteón de la misantropía… ¡Y hasta el mismo Trondr Nefas se pega solos desde el infierno gracias a la producción! Desde luego, las composiciones están a la altura de semejante plantel. Una gran banda se despide a través del mejor homenaje posible, pero está claro que morirá matando.

PAU NAVARRA

OUR THEORY Renaissance (WE ARE TRIUMPHANT)

POST HARDCORE

70

P

uede que no sea el disco de post hardcore definitvo, pero con unas canciones impolutas y una producción excelente, este Renaissance puede ser la mejor carta de presentación de Our Theory al mundo después de haberse consolidado en la escena francesa. En este EP despliegan todo lo que son, sin medias tintas, energía desatada, pero con clase y elegancia parisina. Empieza ‘Mirror’ con un sample que bien podría tratarse de la base de algún hit de trap

hasta el primer breakdown que te desmonta. A partir de ahí la energía no decae en ningún momento, una lucha constante entre unas melodías vocales pegajosas y deliciosas a partes iguales y una destrucción instrumental masiva. Una mezcla bien conseguida.

Una pena que a veces abusen de repetir partes que podrían ser mejores si las utilizasen de forma más selectiva, porque si no quizá rozaría el notable alto.

Otro punto flojo, intrínseco, es que al ser un EP de cinco canciones bastante parecidas entre sí, no deja lugar a la imaginación. Los cinco temas, aunque buenos, pasan como uno solo.

Puede que si se hubieran arriesgado a presentar más cortes fuera un LP a tener en cuenta este año. Al margen de estos matices, tenemos que destacar también los dos trallazos que cierran el álbum, ‘I Wish You Were Here’ y la guinda del pastel, ‘Unbreakable’, para mí, su mejor tema. Para seguirles los pasos de cerca.

ENEKO CELESTINO

GALGO

Parte II. Manolarga( (AUTOEDITADO)

ROCK EXPERIMENTAL

78

S

i mantienen este ritmo, tendremos otros dos discos del dúo instrumental Galgo en 2016.

Y es que los alicantinos, formados a principios del pasado año, ya han publicado los dos primeros trabajos de una tetralogía muy sugerente. Gus y Miguel, también batería y guitarra de Zombies And Diamonds, una gran banda de la Vega Baja en estado de letargo, montaron este nuevo proyecto de rock con ramalazo experimental para matar las horas. Las ideas en el local fluyeron rápido, evocando a los mismísimos

Sonic Youth y Dinosaur Jr., y sólo un mes después ya grababan en directo la primera parte con su buen amigo Juan Ballester, bajista de Zombies And Diamonds.

En abril de 2015 sacaron Parte I. La Ruta Osicoactiva y unos meses más tarde, el presente Parte II. Manolarga.

La tetralogía está basada en una historia increíble pero real, la del murciano Diego López, el mismo que pintó de color azul la montaña de su pueblo tras recibir mensajes telepáticos de Dios. Las memorias del singular pintor de brocha gorda sirven para titular sus canciones, que se pueden leer del tirón.

Así, los cortes de Parte I. La Ruta Psicoactiva, algo más oscuros y desatados que los incluidos en la presente secuela, explican sus flirteos con la droga, mientras los títulos del más preciosista y contenido Parte II. Manolarga relatan la dura infancia de López, maltratado en ocasiones por Asunción, “la mujer que eligió mi padre celestial para que yo viniese al mundo”.

LUIS BENAVIDES

THE SHOOTERS Dead Wilderness (NOOIRAX/RED SUN)

HARD ROCK, STONER

78

D

esde la edición de su debut Rock Pedal To The Floor les venimos siguiendo de cerca, pero con este tercer disco podemos decir que el cuarteto andaluz ha dado con la piedra filosofal con un tremendo ejercicio de árido y denso proto hard rock donde la etiqueta de ‘stoner’ les queda, sinceramente, muy pequeña. Han alargado la duración de sus composiciones, pero no lo han hecho porque sí, no se han dedicado a destripar sus amplificadores poniendo el volumen al máximo para sonar más y más abruptos.

Tenían ideas, grandes ideas, y las han desarrollado para

beneficio de unos temas que suenan imperiales, poderosos y tremendamente inspirados. ‘Lost In Time’, quizás lo más ‘accesible’ del lote, nos trae su lado más directo y asesino con ese riff que va directo hacia ti sin ningún tipo de rodeo, pero cuando se ponen más espesos es cuando más nos gustan. ‘Candelabrum’, por ejemplo... que el inicio a lo Kyuss no os engañe, pues cuando finalmente explosiona el tema en un viscoso conglomerado de puro sludge, todo se funde en negro para volver de nuevo a otro potentísimo riff enlazado con un pasaje pseudo psicodélico que tira de espaldas. 12 minutos de transgresivo hard instrumental de alta calidad; si te gustan Earthless fliparás con ese corte. ‘Lucifer’s World’ sería otra de las oscuras joyas a destacar. Esta vez se zambullen en el doom mastodóntico y, de nuevo, salen victoriosos con un tema de corazón noventero pero con cierto sabor a setentas. Siguen subiendo y subiendo.

ANDRÉS MARTÍNEZ 83

FLESHGOD APOCALYPSE King

(NUCLEAR BLAST)

SYMPHONIC DEATH METAL

52

N

o te dejes engañar por la esperanzadora intro de King, ‘Marche Royale’, porque es lo único que vas a encontrar medianamente comparable al que, para varios, es el mejor álbum metálico de este siglo, Agony, el segundo trabajo de Fleshgod Apocalypse. ‘In Aeternum’ es un pobre y forzado intento de acercarse a lo que eran hace apenas cinco años, pero con varios estribillos que, aunque nunca han renegado de las voces limpias, ahora van un paso más allá hasta alcanzar lo kafkiano, el ridículo espantoso. ‘Healing Through War’ o ‘Cold As

82 84

Perfection’ ya disparan todas las alarmas: ¿Para qué una banda única va a copiar de una forma tan vil a Septicflesh? ¿Qué necesidad tienen los italianos de asemejarse a los demás cuando eran grandes precisamente por no tener parangón en la escena? La facilona ‘The Fool’ sí tiene un blast beat decente por fin, pero no nos olvidemos de que estamos hablando de una de las formaciones más veloces que ha existido nunca. Parece que se acuerdan mínimamente de qué es el brutal death en ‘Mitra’, pero en resumen, este álbum es un sinfín de preguntas en el aire, un cúmulo de indignación para los que les seguíamos con fervor, y es que si habías pasado tu niñez entre metal clásico y power para ir evolucionando hacia el brutal death y el black, Fleshgod eran lo mejor que te había pasado en la vida. Eran, porque si Labyrinth ya evidenció un estancamiento creativo importante, este King ya envía a los transalpinos directamente a la UCI. PAU NAVARRA

STRAWBERRY GIRLS

American Graffiti (TRAGIC HERO)

ROCK INSTRUMENTAL

80

A

merican Graffiti es el segundo trabajo de los californianos Strawberry Girls, un power trio encabezado por Zac Garren, exguitarrista de la banda de post hardcore melódico Dance Gavin Dance. La joven banda practica una suerte de rock instrumental fuera de lo común, con mucho groove y unos pasajes sólo al alcance de músicos diestros. Su virtuosismo queda fuera de toda duda desde el primer corte, ‘American Graffiti’, una pieza de rock progresivo con ecos de los británicos Muse y Dream Theater. Las

composiciones de la banda están cargadas de intensidad y emoción, vestidas con una extraordinaria audacia instrumental. Algunas partes resultan familiares, porque beben de numerosas fuentes, artistas y géneros.

La primera que llegó a mis oídos, ‘Egypt’, por ejemplo, arranca con un punteo estratosférico que parece sacado del Antenna de Cave In y sigue con una estrofa entre robótica y matemática que desemboca en una explosión de energía positiva al más puro estilo And So I Watch You From Afar, también presentes en el corte titulado ‘Simon Vandetta’.

La banda completada por el batería Ben Rosett y el bajista Ian Jennings, aunque son eminentemente instrumentales, también introducen algunas voces invitadas en este largo. En total, cuatro colaboraciones vocales con artistas solventes pero desconocidos por estos lares. A destacar, la exótica ‘Volcano Worship’, por el contraste entre la sensualidad de Sara Glass y la contundencia de la banda.

LUIS BENAVIDES

KRANG X

(PUNK MACHINE/CRUZADE)

HARDCORE PUNK

80

U

na equis pintada es el único elemento gráfico que aparece en la portada de este disco. Y no es porque los miembros de Krang sigan los preceptos del straight edge (ni mucho menos, en una de las fotos interiores aparecen empuñando latas de birra), sino porque la banda valenciana cumple diez años. Una década de punk, surf y skate en una ciudad que parecía Roma y, para celebrarlo, un álbum especial como este X. En él hay muchos recuerdos y homenajes; en primer lugar, suena una radio sintonizándose y pasamos del ‘Aires De Fiesta’ de

Karina a bailar con el Dr. Zaius (un guiño al título de su primer LP), después escuchamos la famosa melodía de la película Superdetective En Hollywood y ya arranca el hardcore punk vigoroso de Krang.

En el primer corte, ‘Sé Tú Mismo’, uno se da cuenta de que el buen sonido del CD será una constante porque, aunque los instrumentos suenen potentes, en todo momento se entienden las voces y los coros. Y eso es todo un logro para un disco de estas características. El cuarteto de Valencia también incluye un punto emo en la canción ‘2700’, y en ‘Tu Esfuerzo’ le ceden el micro a su buen amigo Ángel de Leave It To Me, el cual imprime un carácter más hardcore y menos punk. No es la única composición antigua que han recuperado y regrabado para la ocasión: hay tres más, a parte de los cuatro himnos que aportaron al 10’ compartido con Chernoville. Krang se despiden a lo grande con ‘Matlock’, un tema que empieza con la sección rítmica a pleno rendimiento.

JORDI FORÉS

LOW

Ones And Sixes (SUB POP)

SLOWCORE

79

L

a pareja formada por el guitarra Alan Sparhawk y la batería Mimi Parker, los fundadores del trío Low, pasarán a los anales del rock alternativo como los padres de subgéneros como el slowcore y el sadcore a principios de los 90. Etiquetas al margen, Low deberían ser recordados por su tenacidad, por su impermeabilidad a las modas y otros factores externos. Low siempre añaden pequeñas variaciones en cada nuevo paso discográfico, pero siguen siendo muy Low. Su marca es reconocible, inspiradora, pero difícilmente imitable. Su

nuevo trabajo, Ones And Sixes, el número 11 en su intachable discografía y quinto para Sub Pop, no es una excepción. Después de trabajar con grandes productores (y músicos) como Dave Fridmann, Steve Albini y Jeff Tweedy en sus últimos discos, el trío de Minnesota que completa el bajista Steve Garrington escogió trabajar con BJ Burton (Volcano Choir, The Tallest Man On Earth) en los estudios que Justin Vernon tiene en Wisconsin. Y de la cabaña de Bon Iver sale este balance: menos guitarrero que The Great Destroyer y más orgánico que Drums And Guns, Ones And Sixes es un disco de contrastes. A un lado, la belleza aflautada de ‘No End’, el color pop de ‘What Part Of Me’ y la calidez folk de ‘Into You’.

Al otro, cortes gruesos como ‘No Comprendre’ y experimentales como ‘Gentle’ y ‘Spanish Translation’. Todos transmiten esa característica serenidad a base de ritmos relajados, voces espirituales, progresiones suaves e infinitos detalles.

LUIS BENAVIDES 85

PANIC! AT THE DISCO

A MI MANERA

PUEDE QUE BRENDON URIE SE HAYA QUEDADO SOLO AL FRENTE DE PANIC! AT THE DISCO, PERO SUS SEGUIDORES ESTÁN MÁS QUE DISPUESTOS A ACOMPAÑARLE EN ESTE NUEVO VIAJE QUE INICIA CON DEATH OF A BACHELOR. TEXTO: ALEJANDRO LOZANO FOTOS: DR/ SARAH BENNETT (DIRECTO)

A

CUATRO HORAS de que el O2 Academy Brixton de Londres abriera sus puertas, ya se podía confirmar que aunque ahora Panic! At The Disco esté comandado en solitario por su afamado vocalista Brendon Urie, sigue despertando la misma expectación, o incluso más, por parte de sus fans.

Los asistentes, muchos de los cuales esperaban desde bien temprano bajo la lluvia, rodeando toda la manzana de la conocida sala del barrio de Brixton, iban a ser un punto a destacar durante el concierto de presentación de su nuevo disco Death Of A Bachelor (Fueled By Ramen/ Warner), por su devoción y amor hacia este grupo. Aunque se hace extraño seguir hablando de grupo desde que hace siete años empezara la paulatina salida de sus miembros originales (el guitarrista y letrista Ryan Ross, el bajista Brent Wilson y finalmente el batería Spencer Smith), dejando al cantante de 28 años como jefe en funciones de aquello que en 2005 tanto impacto tuvo en la escena emo con su debut A Fever You Can’t Sweat Out. Su quinto trabajo bien podría haber venido firmado como un disco en solitario, pero está claro que la marca sigue funcionado. Es siempre una decisión difícil seguir con un proyecto que empezaron cinco y que ahora maneja uno. Pero Urie, que originalmente entró como guitarrista en la banda y sorprendió tanto con su manera de cantar que sus compañeros le

ascendieron para ser la voz principal, parece no estar dispuesto a desprenderse de algo por lo que ha luchado tanto durante estos años.

En Death Of A Bachelor podemos escuchar cómo su voz marca un disco repleto de melodías pop y estribillos corales, en el que incluso hay lugar para la electrónica, el swing o su devoción por Frank Sinatra.

El 12 de enero pudimos charlar con él nada más terminar la prueba de sonido, para luego presenciar una correcta actuación de menos de una hora y media, en la que la falta de canciones de sus dos primeros discos no parecía afectar a los que saltaban y cantaban sus temas más recientes. Sonarían sobre todo canciones de esta conocida ‘segunda etapa’ como ‘The Ballad Of Mona Lisa’, ‘Ready To Go’, ‘Miss Jackson’ o ‘Let’s Kill Tonight’. El sonido era muy bueno y Brendon demostraba que está a un nivel de voz difícil de superar, sobre todo en las nuevas ‘Victorious’, ‘Hallelujah’, o en la versión de ‘Bohemian Rapshody’ de Queen, que terminó con unas estrofas de ‘Oh! You Pretty Things’ como pequeño homenaje al recientemente fallecido David Bowie. De la primera etapa, por así decirlo, tocó ‘Time To Dance’ (con unos agudos que la gente casi interrumpía con aplausos), ‘I Write Sins Not Tragedies’, ‘Lying Is The Most Fun A Girl Can Have Without Taking Her Clothes Off’ y ‘Nine In The Afternoon’, y entre ellos agradeciendo a los que aún confían en él para seguir liderando el grupo a capa y espada.

33

¿Qué tal estás, Brendon?

BRENDON URIE “Muy bien... ¡Pero hace mucho frío en esta ciudad! (Risas)”.

Ya te digo, y los de afuera que te están esperando estarán diciendo lo mismo... ¿Has visto la gente que hay en la cola?

“Sí tío, cuando he llegado he visto que habían ya unos cuantos con mantas, pero con todo el tiempo que he pasado de promo durante el día he llegado justo para la prueba de sonido y no he podido acercarme a saludar”. ¿Qué sientes cuando vienes a un sitio así y te reciben de esta manera?

“Como puedes imaginar, es algo increíble. Ya de por sí, venir a Londres es genial. Llegamos hace dos días, y tengo que decirte que siempre suceden acontecimientos importantes cuando vengo, no sé por qué.

Por ejemplo, grabar en los estudios Abbey Road o tocar en esta increíble sala hace ocho o nueve años… son cosas que han marcado mi vida, por así decirlo”.

Y ayer la triste noticia del fallecimiento de David Bowie... ¿Te afectó de alguna manera? ¿Lo llegaste a tener como influencia?

“Sí tío... Ayer por la mañana me lo dijeron camino a unos actos de promoción y me quedé en shock. Fue de esas cosas que no esperas que vayan a pasar, o por lo menos no quieres imaginar. David Bowie ha sido una gran influencia para mí. Me sentí 88

muy triste todo el día. Aún recuerdo perfectamente la primera vez que vi a Bowie en la película Dentro del Laberinto cuando tenía 5 años. A raíz de eso descubrí que era músico y que era uno de los artistas más grandes del momento, y empecé a escucharlo. Me encantaba cómo era y la música que hacía. Era un artista increíble y nunca se olvidará lo que aportó porque ha sido uno de los más grandes y se mantuvo décadas en el más alto nivel. Lo he admirado desde pequeño”. ¿Has pensado en homenajearlo esta noche de alguna manera?

“Sí, he estado ensayando una parte de una canción que quiero meter.

Quería tener algo para recordarlo hoy aquí”. ¿Cómo ha sido la experiencia de grabar todo el nuevo álbum tú solo a cargo de todos los instrumentos? Habrá sido un reto…

“Ha sido genial. Me encanta aprender de todo y en cuanto a instrumentos, me gusta saber tocar cuantos más mejor. Es lo que he hecho desde pequeño, así que he tenido que descubrir cómo apañármelas yo solo porque no había nadie más con quién contar en este disco. No me considero nadie especial a la hora de tocar la batería o la guitarra, pero creo que tengo el suficiente conocimiento para hacer que suene como yo quiero y mantener el ritmo”.

Pienso que tu voz ha ido progresando increíblemente con los años, sobre todo en los directos.

“Muchas gracias. Sí, la verdad es que he estado dedicado a mi voz desde hace mucho tiempo, sobre todo porque he estado viajando más y forzándola al hablar tanto. Me enseñaron varios trucos que estuve repitiendo durante todos los días, y tuve la oportunidad de probar cosas nuevas, que es algo de lo que estoy muy contento de este disco. Quería intentar llegar a registros que no pensaba que hubiera sido capaz hace unos años, e incluso interpretar personajes en canciones. Me ha resultado muy divertido”.

Los distintos músicos que llevas en la gira, ¿los has elegido tú también?

“Sí, básicamente he contratado a tres amigos míos que me encanta cómo tocan y me llevo muy bien con ellos.

Son personas que me gustan, por así decirlo (risas), y que me lo paso bien con ellos. Tenemos confianza en lo musical sobre todo, y eso lo hace más dinámico a la hora de tocar. Es fundamental que haya buena relación con la gente con la que pasas tanto tiempo”. ¿Cómo fue para ti el empezar a componer letras después de que tu compañero Ryan Ross dejara la banda?

“Pues fue mejor de lo que me imaginé, la verdad. No quería establecer como un trabajo el tener que sentarme a escribir una letra o que fuera tan serio, así que decidí ir apuntando cosas que me hacían gracia o que pensaba que eran interesantes. Por ejemplo, cojo bromas internas que tengo con mis amigos y las hago parte de una canción, como en ‘Don’t Threaten Me With A Good

“No, no ha habido mucha gente que me lo haya dicho. Unos fans me dijeron por Twitter que por qué no ponía simplemente ‘Brendon Urie’ en los carteles en vez de ‘Panic!’. Pero para mí ese nombre lo engloba todo, es algo con lo que he aprendido, y he disfrutado con la música que hacíamos. No podría desprenderme de ello. De hecho, ésa fue una de las razones por las que los demás abandonaron el grupo, porque yo les dije que quería demasiado a esta banda, y ellos querían hacer otra cosa. Yo estaba convencido de lo que quería y no lo iba a dejar ir”.

Time’, que al final del puente dice “te digo muchas veces que no sabes cómo voy de borracho”; era una coña que solía decir un colega y me parecía gracioso (risas). Pero básicamente es eso, intento que sea muy natural y no tenerlo como una obligación en mi cabeza, trato de pasarlo bien mientras lo hago”. ¿Ha sido duro emprender este camino tú solo al frente del grupo después de que Spencer Smith también te abandonara en 2014? ¿Te sentías preparado?

“Sí, estaba preparado y llevaba ya un tiempo decidido a hacerlo. La primera vez que la banda se dividió

fue hace seis, siete años, y cuando eso pasó, estaba decidido a continuar al frente con lo que viniera. Así que estos años me han hecho asentarme y he ido aprendiendo. Ahora puedo hacer lo que quiero de verdad y tengo la máxima libertad. Ha sido muy emocionante poder hacerlo todo y dejarme llevar por las ideas que había estado teniendo en este último año. Por eso pienso que ha sido más fácil para mí grabarlo todo, porque lo tenía dentro de mi cabeza (risas)”. ¿Ha habido alguien que te sugiriera que te cambiaras el nombre artístico y que no siguieras como Panic! At The Disco?

Supongo que las influencias por aquel momento cambiaron con los dos primeros discos... ¿Ahora has sentido otro tipo de influencias en este nuevo álbum?

“Sí, claro, por aquel entonces tuvimos mucho de Queen, Brand New o The Beatles, pero ahora he estado escuchando más Frank Sinatra, también sigo con Queen, Bruce Springsteen, sobre todo grandes artistas en solitario que llevaban a su propia banda. Es la música con la que crecí y que he escuchado siempre, al igual que el hip hop. Escucho mucho a Drake, J Cole, ASAP Rocky y más de ese estilo, hay muchos raperos buenos hoy en día, no puedo nombrarlos a todos (risas)”.

Lo de Brand New lo dices por el primer disco, supongo...

“Sí, bueno, no lo sabe mucha gente, pero la canción de ‘Lying Is The Most Fun...’ es casi una copia de su ‘Sic Transit Gloria’. Por aquel entonces no podíamos dejar de escuchar su álbum Deja Entendu y por eso la melo89

“AHORA PUEDO HACER LO QUE QUIERO DE VERDAD Y TENGO LA MÁXIMA LIBERTAD"

BRENDON URIE

día de la voz es exactamente igual (se pone a cantar una estrofa de las dos canciones –ndr.). Es que son iguales, ¿ves? (Risas)”.

(Risas) Sí, algo había leído por ahí... Imagino que la electrónica también será una influencia últimamente como también fue del debut... Hace no mucho sacaste un tema en el disco de Dillon Francis, ¿cómo fue eso?

“Sí, tienes razón (risas). Dillon y yo somos muy buenos amigos, está loco pero es muy divertido. Es de mis amigos más graciosos (risas). Un día me twitteó y me dijo que quería que hiciéramos algo juntos, así que me llamó y me dijo que quería que le pusiera voz a un tema que tenía para su próximo disco. Me la mandó y se la grabé como pude en ese momento, porque el ritmo de la canción se me metió en la cabeza y rápidamen90

te se me ocurrió la melodía, en dos horas la tenía hecha; la tuve que grabar con los cascos del móvil (risas). Y bueno, me dijo que quedó muy bien y la puso en su trabajo. Me ha atraído mucho la electrónica desde pequeño, y recuerdo que con Depeche Mode tuve un fuerte enamoramiento cuando los escuché por primera vez. Ya en nuestro primer álbum se aprecia que la electrónica era algo que nos gustaba, y ahora en este disco he querido resaltar más de ese aspecto. Ahora mismo la música electrónica es algo muy grande en este mundo musical, Jack Ü por ejemplo están sonando por todos sitios”.

Sí, aunque supongo que tú no estás tan interesado en la electrónica como Skrillex...

“No tanto (risas). Skrillex se pasó de lleno a la electrónica. Aún recuerdo cuando tocamos con From First To

Last en 2005, ese concierto fue increíble. Yo no le conozco mucho personalmente, sólo por lo que me cuenta Dillon, pero ese día no se me olvidará”. ¿Qué recuerdas de tu paso por España? ¿Tienes planeado volver en algún momento?

“Pues mira, llevo diciéndole a mi tour mánager y a todos lo que llevan las giras que estoy como loco por poder volver a tocar en España. Tengo ganas de poder ir a Barcelona, y volver a Madrid. Ese concierto fue muy especial, nos sentíamos privilegiados de poder estar allí tocando y ver que la gente tenía tantas ganas de vernos. De verdad, estoy deseando volver allí”.

CONRAD KEELY

ALLÁ DONDE ME LLEVE EL VIENTO

CONRAD KEELY, LÍDER DE ...AND YOU WILL KNOW US BY THE TRAIL OF DEAD, ACABA DE PUBLICAR SU PRIMER DISCO EN SOLITARIO, ORIGINAL MACHINES. UN TRABAJO EN EL QUE ADEMÁS DE 24 CANCIONES NUEVAS, TAMBIÉN OFRECE UN LIBRO DE DIBUJOS Y FOTOGRAFÍAS INSPIRADAS POR SUS VIAJES ALREDEDOR DEL MUNDO. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

N

O ME EQUIVOCO si digo que ésta es la primera ocasión en la que hemos tenido que marcar el prefijo de Camboya para realizar una entrevista. El país del Sudeste Asiático puede tener muchas virtudes, pero desde luego su relación con el rock no es una de ellas. Sin embargo, no resulta del todo chocante que sea precisamente ahí donde Conrad Keely haya decidido establecer su segunda residencia. Desde que era un niño, el movimiento ha formado parte de su vida. Nacido en Inglaterra, de padre irlandés y madre tailandesa, se mudó con ella a Hawai cuando tenía 5 años. Años más tarde se trasladaría a Olympia, Washington, para empezar su carrera musical y, finalmente, a Austin, Texas, donde junto a su amigo de infancia Jason Reece formó la banda de rock alternativo ...And You Will Know Us By The Trail Of Dead. A pesar de que el grupo consiguió bastante notoriedad en sus inicios, en especial su segundo álbum Madonna (1999), e incluso llegó a fichar por la multinacional Interscope, ni la calidad de su música (una mezcla de At The Drive-In, Sonic Youth y The Who) ni sus pasionales directos (recuerdo su concierto en la sala Apolo como una auténtica salvajada), sirvieron para que lograran acumular una base de fans suficientemente amplia como para trascender el circuito de clubes. Con todo, el grupo no ha parado de girar e ir sacando discos, el último IX en

2014, y parece lógico que necesitaran tomarse un descanso... Momento que Keely ha aprovechado para componer y grabar el heterogéneo Original Machines (Superball Music) mientras aprende a vivir a otro ritmo.

tario sobre el déficit de atención de la gente. Encajaba muy bien con la época en la que vivimos. La gente está más acostumbrada a escuchar temas, o trozos de temas, que un disco entero”.

Actualmente estás viviendo en Kampot, en Camboya. ¿Qué te llevó allí? ¿Necesitabas romper con la vida occidental?

CONRAD KEELY “Bueno, sí. Supongo que no siempre decides estas cosas. Simplemente viajas y de golpe encuentras un lugar donde todo tiene sentido para ti. Así que regresas, hasta que te das cuenta que quizá es donde deberías estar. Cuando vuelves a casa quizá ves que tu hogar o tu estilo de vida no es el que realmente te llena. Para tener la libertad personal que busco y la vida que quiero llevar, éste es el lugar ideal”.

Normalmente se asocia ese déficit de atención a las nuevas generaciones, pero la realidad es que es algo que sin querer nos afecta a todos.

Yo mismo no escucho música igual que hace diez años. ¿A ti no te ha afectado?

“Si es un disco con el que no estoy familiarizado o no me interesa demasiado me cuesta escucharlo entero, pero me sigue gustando escuchar un disco de principio a fin, un disco y después otro. Supongo que depende de cada persona. Realmente no creo que el problema del déficit de atención sea algo generacional, pero los artistas estamos preocupados porque los jóvenes de ahora son los oyentes del futuro, y desde luego los medios están determinando que necesiten distintos estímulos continuamente”.

Supongo que grabar algo en solitario te ha dado la libertad para hacer lo que quieras, ¿pero tenías alguna guía de lo que querías hacer, o simplemente te dejaste llevar?

“Estaba totalmente abierto a todo.

Permití que las ideas vinieran a mí con total libertad. No me censuré en absoluto, dejé que las canciones se desarrollasen solas. Y por eso son relativamente cortas, tan concisas, porque nos las forcé para que fueran otra cosa que la idea original. En su mayoría las compuse con mi iPad. También es implícitamente un comen-

Ayer falleció David Bowie y escuchando tu álbum no he podido evitar pensar que fuera una influencia para ti.

“Desde luego fue una influencia durante mi infancia. Crecí con Ziggy Stardust y un poco más tarde Low, el disco que hizo con Brian Eno, tuvo una gran influencia en mí. Era alguien que nunca tuvo miedo de to93

mar riesgos y experimentar, y eso es algo que siempre he intentado”. ¿Llegaste a conocerle?

“No. Estuve sólo a un grado de separación de él. El productor que trabajó con nosotros en The Century Of Self, Mike McCarthy, grabó con él 94

poco después. Pero nunca le conocí en persona. Me hubiera encantado, está claro, pero no fue posible”.

Dado que también eres un artista plástico y diseñador gráfico, ¿trabajas las canciones del mismo modo que ha-

rías una pintura? Empezando con un boceto para luego ir perfilándolo, ¿o no tiene nada que ver?

“En realidad no tengo un método concreto, pero te diría que hago canciones de un modo bastante menos estructurado que haría un cuadro.

Cuando trabajo en un cuadro, primero hago un boceto a lápiz, luego lo perfilo, luego le pongo color… hay un método. En cambio con la música puede ser mucho más diverso. Me puede venir letra y música al mismo tiempo o sólo una de las dos cosas.

Puedo tardar minutos o puedo estar días en acabar un tema. No hay una analogía”.

De hecho, el disco viene acompañado de un libro con tus dibujos. ¿Hay una relación directa entre los temas y los dibujos o son totalmente independientes?

“No, quería que fuera algo orgánico y natural. Hay canciones que quizá evoquen un paisaje, pero en realidad el libro es más una compilación de dibujos y fotos que he hecho recientemente. El concepto principal del libro son los viajes y cómo viajar afecta tu inspiración. Por suerte, estoy en un sello que cree en mí y que me ha permitido llevar a cabo un proyecto así”.

El disco lo compusiste mientras viajabas o estabas de gira... y ese movimiento se nota al escucharlo.

“Sí, desde luego. Hay un tema que se llama ‘Drive To Kampot’ que escribí yendo en taxi. Cuando lo escucho me siento en movimiento, puedo ver los campos, los niños corriendo, las vacas, el paisaje y el sentimiento de estar viajando. Los temas que escribí estando de gira también me recuerdan sitios concretos. ‘Spotlight On The Victor’ la escribí en Indianápolis, que es una ciudad industrial y deprimente, y el tema también tiene esa calidad. Pero no todos los temas son

así. Hay algunos que escribí en mi casa que suenan totalmente relajados, estáticos. Al menos yo puedo escuchar la diferencia. Para mí el entorno lo es todo. No quiero volver a grabar encerrado en un estudio en una gran ciudad. Es mucho más inspirador saber que fuera de donde estás creando hay un paisaje hermoso y tranquilo. En el escenario ideal, grabar un disco tiene que ser como estar de vacaciones. Cuando sientes que estás haciendo horas en una fábrica es bastante frustrante”.

También tengo entendido que algunos temas surgieron de las últimas sesiones del disco de ...Trail Of Dead.

“Sí. Cuando hicimos IX en los estudios Sonic Ranch estuvimos horas y horas grabando improvisaciones que nunca llegamos a usar. Nunca habíamos hecho algo parecido y me pareció muy interesante, así que me dediqué a revisar algunas de esas jams, y por ejemplo, 10 segundos de una pieza instrumental de 8 minutos me sirvieron como catalizador para construir un tema nuevo a partir de ellos.

Como construir una escultura a partir de un pequeño trozo de papel de aluminio”.

Y en cuanto a …Trail Of Dead, ¿tenéis algo en proyecto o ahora mismo estáis en hiato?

“Por ahora nos estamos dando tiempo libre para que cada uno haga sus proyectos, pero seguro que en algún momento haremos otro disco nuevo.

Simplemente no sabemos cuándo.

Pero todo está bien con ellos. De hecho, el bajista Autry Fulbright llevaba muchos años animándome para

“VIVIR EN CAMBOYA HACE QUE VEAS LAS COSAS DE OTRA MANERA Y QUE, EN CIERTO MODO, RECUPERES EL ESPÍRITU POR EL QUE EMPEZASTE A HACER MÚSICA”

CONRAD KEELY

que hicera algo en solitario”.

Desde fuera parece bastante incompatible llevar una carrera musical desde Camboya... ¿Te planteas seguir dando conciertos, por ejemplo?

“Sí, claro. Voy a salir de gira con este álbum. Todavía no he pensado cómo hacerlo, pero básicamente una vez tenga las fechas, buscaré a los músicos apropiados. Tengo amigos en Estados Unidos y Europa que estarían interesados en hacerlo, incluso tengo amigos en Camboya que pueden hacerlo. La verdad es que no estoy preocupado por eso. Vivir aquí hace que veas las cosas de otra manera y que, en cierto modo, recuperes el espíritu por el que empezaste a hacer música. No necesitas un agente de contratación, ni una discográfica. Se trata de juntarte con unos amigos músicos, ir a un bar y tocar para la gente que está ahí”.

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ENTOMBED A.D.

PACTO DE CABALLEROS L-G PETROV ES, POR MÉRITOS PROPIOS Y AL MISMO TIEMPO, UNA DE LAS GRANDES VOCES DEL DEATH METAL Y UNO DE SUS MÚSICOS MÁS ENTRETENIDOS CON LOS QUE CONVERSAR. AGRADECIDO, SIMPÁTICO, HUMILDE, ENTREGADO, APASIONADO. A PROPÓSITO DE DEAD DAWN, EL SEGUNDO TRABAJO DE ENTOMBED A.D., NOS PONEMOS EN CONTACTO CON ESTE ABSOLUTO JEFAZO. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR ACK TO THE FRONT, el álbum con el que Entombed A.D. se resarcieron tras los problemas con la matriz base, no me acabó de convencer. A mi parecer, a ese debut le faltaba agresividad, mugre, un punto de maldad… Todo lo contrario que a Dead Dawn (Century Media), un segundo álbum que corrige

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y de qué manera todo lo que le achaco al anterior. Y no sólo lo pienso yo…

El mismo Lars-Göran Petrov, alma y voz de la formación, casi que opina lo mismo en la conversación que leerán a continuación.

Recapitulando, cabe recordar que Entombed A.D. se formaron hace nada, en 2014, pero que ya tengan

dos álbumes en las calles sólo obedece a que son una extensión de los míticos Entombed una vez las discrepancias con el guitarrista Alex Hellid llegaron hasta un punto de no retorno.

De esta forma, nuestro interlocutor, además de Nico Elgstrand (guitarra), Victor Brandt (bajo) y Olle Dahlstedt (batería), son Entombed en toda regla,

tras tantísimos años en la brecha.

Con este improbable hecho es con el que abrimos fuego con el feliz cantante del grupo al otro lado del teléfono. ¿Cómo estás, desde dónde me llamas?

L-G PETROV “Estoy bien, gracias…

Estoy en las oficinas de Century Media, llevo hablando por teléfono desde las once de la mañana (risas) (Son las seis de la tarde –ndr.)”.

Vaya, lo siento (risas).

“No te preocupes, es maravilloso.

Aprecio mucho todo esto, ¡está guay, tío! Todo por el metal… ¡Metal!”.

y también, obviamente, los herederos de esos legendarios y remotos Nihilist.

Así, Entombed A.D. son una de las bandas más grandes del death metal sueco, unos auténticos abanderados del Sonido Estocolmo.

A los escandinavos no sólo las cosas les van bien a nivel creativo, pues actualmente están tocando ante unas audiencias que no estaban acostumbrados a ver durante su larga trayectoria.

Cada vez son reclamados en mejores y mayores giras y festivales, pues está claro que, por muy raro que parezca, Entombed A.D. están viviendo en estos días su mejor momento como banda

¿Cómo estás viviendo esta segunda juventud con Entombed A.D.? Creo que ahora mismo la banda está girando más que nunca, y tocando en festivales más enormes a cada año que pasa…

“Sí, es algo muy emotivo porque con el último álbum, Back To The Front, para hacer nuevas canciones estuvimos algo así como 18 meses hasta que lo grabamos, y ahora tenemos un nuevo trabajo sin que hayan pasado seis años entremedio, sólo han transcurrido dos años… Así que lo hemos hecho rápido. Con el nuevo disco hemos tenido más ofertas de giras, han venido a nosotros más festivales… Sólo tienes que mirar nuestra agenda para este año, así que sí, somos como chicos jóvenes otra vez… ¡Sí! (Risas) Estoy muy contento con tocar en grandes festivales como Hellfest, Wacken y demás. Esto va a ser grande”. ¿Estás disfrutando más que nunca con el grupo?

“LA PRODUCCIÓN DE DEAD DAWN ES UN POCO MÁS CRUDA QUE LA DE BACK TO THE FRONT, Y NO ES MÁS PUNKI, PERO SÍ ALGO MÁS AGRESIVO”

L-G PETROV

“Sí, sí, actualmente somos productivos como el infierno (risas), y ahora debemos hacer más discos e irnos de gira.

El ciclo ha vuelto a empezar de nuevo.

Sólo el hecho de estar aquí sentado, estar aquí hablando contigo, es la mejor cosa que hay en el mundo”.

Oh, gracias.

“Mola tío”.

El grupo se encuentra en un gran estado de salud, pero bajo Entombed A.D. ésta es la segunda obra… ¿Cómo recuerdas la transición desde Entombed hacia Entombed A.D.? ¿Fue algo natural, traumático… extraño?

“No, nosotros nos consideramos lo mismo a pesar de lo que ocurriera. No somos toda la banda, pero sí los que queríamos seguir tocando música. Eso nos rondaba, y por eso decidimos continuar cuando surgió todo ese… drama. No quisimos que ese drama fuera un hecho del todo, porque somos músicos y esto es lo que mejor hacemos. Así que, en resumidas cuentas, Entombed A.D. es la misma banda, saliendo adelante con el segundo o el undécimo disco, cosa que la gente se debería de tomar con la misma seriedad porque estamos aquí para quedarnos. Estamos ahí fuera de nuevo, hemos tocado durante 25 años, y estamos abiertos a todo lo que venga, porque estamos muy, muy contentos con cómo está yendo todo. Tenemos el 97

“SOLAMENTE SOY UN HEADBANGER NORMAL QUE AMA TOCAR MÚSICA, QUE SÓLO HACE LAS COSAS QUE DEBE HACER”

L-G PETROV

nuevo trabajo ahí fuera ahora mismo, vamos a salir a la carretera otra vez y estamos tocando más que nunca, como bien has dicho”.

Para ser honestos, ¿qué ocurrió con Alex? ¿Mantenéis algún contacto con él?

“No, después de lo que pasó no tengo ni idea de qué ha estado haciendo, no ha habido contacto… Tampoco he tenido tiempo para pensar acerca de ello. Hemos estado concentrados con los chicos creando nuevas cosas, y eso es lo que mola… ¡Vuelven los buenos tiempos! (Risas)”.

Yendo ya a vuestro reciente álbum, escuchando ‘Dead Dawn’, ‘Black Survival’ o ‘As The World Fell’ puedo apreciar death metal más duro si lo comparamos con Back To The Front, pero al mismo tiempo, no os olvidáis de vuestro legado death’n’roll con un temazo 98

como ‘Total Death’ o la oscura canción ‘Hubris Fall’. Para resumir: es un álbum muy bien equilibrado. ¿Qué opinas tú?

“Sí, es bueno oírte decir eso (risas), es lo que tengo en mente (risas). La producción es un poco más cruda que la de Back To The Front, y no es más punki, pero sí algo más agresivo.

Pienso que el trabajo de Jacob Hellner es exactamente el que queríamos, ha realizado justo la producción que buscábamos. Cuando nos lo mostró completo dijimos ‘¡Sí, jodidamente grande!’. Tienes canciones agresivas, luego cabreadas, también doomy, y también melódicas, pero no melódicas en plan happy, más bien en el sentido de la asistencia funeraria (risas). Pero está guay, creo que nos llevamos a la gente de nuevo a la cripta cuando escucha estas canciones por todo lo que te he dicho, y es genial mantener estos sentimientos, algo atractivo, algo triste, algo violento (risas). Las he mostrado a algunos de mis amigos y suelen ser

muy honestos; les gustan”.

Dead Dawn ha sido grabado por bastante gente, incluido vuestro guitarrista Nico Elgstrand… ¿Por qué habéis escogido a cada uno de los productores?

“Nico estuvo ahí, como también Jacob Hellner estuvo trabajando en ese sonido apocalíptico, así como ofreciendo un nuevo punto de vista. Él vino con un nuevo enfoque e hizo del álbum aquello que exactamente deseábamos.

Siempre es bueno tener gente de fuera viniendo y echando una escucha, porque después de tantos años aún sigues aprendiendo nuevas cosas (risas). Las labores de mezcla fueron geniales y Nico estuvo ahí casi todo el tiempo porque para mí es claustrofóbico estar en un estudio demasiado tiempo (risas). Creo que suena fresco, pero mantiene la ambientación old school”. ¿Cómo llegasteis a una porta-

da realizada por Erik Danielsson de Watain? ¿Es un buen amigo de la banda?

“Sí, sí, somos casi de la misma ciudad y es un buen amigo. Hizo las cosas rápido y nos parecía guapo, tenía ideas potentes y eso era bueno para empezar, así que le emplazamos a seguir trabajando en ello. Nosotros seguimos haciendo canciones y él continuó haciendo el artwork, y todo se unió de forma genial con ese montón de cosas en la cabeza de un hombre. Creo que es un buen artwork con el que todo se completó. Yo todavía no tengo el álbum en casa (risas), pero creo que así está bien porque de esta manera es todo más excitante (risas)”.

opino yo. Sacamos el disco, tenemos dos grandes vídeos ahí fuera, pero por supuesto tenemos que combinarlo todos con nuestras bandas normales, así que no hay prisas. Hemos sacado tiempo para hacer conciertos y tal, lo cual mola”.

cosa de esta gira es estar todos juntos y pasar un gran rato… Conozco a los chicos de Behemoth desde hace muchísimo tiempo y nunca habíamos girado juntos, así que finalmente ocurrirá. Genial, fantástico... es todo lo que puedo decir (risas)”.

Así, ¿habrá shows?

“Sí, ha echado a andar ahora con un equipo al que aprecio mucho. Tenemos material por llegar, pero todo se está planeando porque nosotros tenemos que girar mucho. Es justo el principio de nuestro tour con Behemoth, y también con Abbath e Inquisition, así que va a ser genial (risa malvada)”.

Bandas como Nihilist o Entombed, Carnage, God Macabre, Grave, Unleashed, Dismember, Treblinka, crearon el Sonido Estocolmo, el genuino death metal sueco. ¿Imaginabas cuando empezaste que inspirarías a miles de formaciones en todo el planeta?

“Bueno, en la historia siempre ha habido chicos jóvenes tratando de hacer música brutal, y algunos han tenido éxito (risas). Todos llegan de lo clásico o la música legendaria y nunca habían contado con ello en los viejos tiempos, cuando eran realmente muy jóvenes como para apreciarlo. Ahora la generación más joven está llegando y trata de tocar, y creo que es positivo que trate de hacerlo y no tenga éxito practicando exactamente lo mismo, pero sí como una nueva ola a partir de lo que hayan escuchado antes. Nos sentimos honorados cuando eso ocurre”.

Por si fuera poco, acabas de publicar con Victor el sensacional primer álbum de tu nueva banda, Firespawn… ¿Cuál es el origen de este proyecto?

“Sí, somos todos buenos amigos y un día dijimos ‘venga, vamos a hacer un grupo’, y mira, a veces eso ocurre. Y sí, somos los de Entombed A.D., Alex (Impaler) de Necrophobic, luego hay de Unleashed, Matte Modin de Raised Fist… ha tocado las baterías más rápidas en mucho, mucho tiempo, y con ello estoy muy contento, por supuesto (risas). La criatura se ha formado de manera independiente y todos nos hemos sentido absolutamente completos de la forma más veloz posible (risas)”.

Sí, vuestro futuro más próximo pasa por esa gira con Behemoth y compañía, pero luego os vais a Estados Unidos con Amon Amarth. ¿Estás más nervioso o excitado de lo habitual? Volviendo un poco a mi primera pregunta, esto es como una segunda juventud…

“Sí, bueno, es como un nuevo comienzo con cada álbum, pero girar con estas grandes bandas hace que todo sea mucho más excitante (risas).

Tenemos los festivales en verano, y luego haremos el tour como cabezas de cartel. Más tarde, hacia América de nuevo, Suramérica, va a ser un año brutal… (Risas) Un montón de cerveza y headbanging (risas)”.

Has chillado como nunca antes en el debut de Firespawn…

“Infernalmente sí (risas). Hoy en día es realmente fácil grabar un disco.

Grabé cinco temas en un par de horas, y al día siguiente hice dos o tres más. Fue muy pero que muy rápido, y todo fue muy pero que muy bien,

Eso suena muy bien… (Risas) ¿Y cuál es tu banda favorita para irte de gira o el músico más divertido en la carretera?

“Oh, seguro que el tío más simpático con el que estar en un autobús de gira es Abbath, y creo que con Inquisition también puede ser muy divertido. La

¿Consideras que L-G Petrov es un cantante legendario?

“Mmm… Eso es algo que deben decidir otros (risas). Pienso de mí mismo que solamente soy un headbanger normal que ama tocar música, que sólo hace las cosas que debe hacer.

La gente debe decidir si soy legendario o si ya aburro (risas)”.

99

REVANCHA EXTREMA AHORA TODO VA RAPIDÍSIMO. LE DAMOS CARPETAZO A UN AÑO Y, HALA, A DEVORAR LAS PRÓXIMAS NOVEDADES. TODO PARECE DISEÑADO PARA QUE NOS ZAMPEMOS SINGLES O ÁLBUMES EN ESCASOS SEGUNDOS, PERO EN LA MÚSICA, COMO EN MUCHOS OTROS ASPECTOS DE LA VIDA, A VECES VALE LA PENA ECHAR EL FRENO Y OBSERVAR CON PERSPECTIVA LO QUE HAN DADO DE SÍ DOCE MESES DE INTENSO TRABAJO ARTÍSTICO.

CON 2015 YA LO HICIMOS CON LOS FAMOSOS TOPS NACIONAL E INTERNACIONAL DE NUESTRO NÚMERO ANTERIOR, PERO ESTA VEZ HEMOS QUERIDO FIJAR NUESTRA MIRADA SÓLO EN EL METAL EXTREMO MÁS SUBTERRÁNEO, DONDE DE VERDAD SE CUECE LO MÁS ROMPEDOR Y SINCERO DE ESTE ESTILO QUE TANTO AMAMOS. A CONTINUACIÓN OS OFRECEMOS VEINTE PEQUEÑAS CRÍTICAS DE VEINTE JOYAS SUBTERRÁNEAS APARECIDAS EL PASADO CURSO, DOS DECENAS DE ESTUPENDOS ÁLBUMES QUE VAN DESDE EL FUNERAL DOOM AL BRUTAL DEATH, PASANDO POR EL BLACK METAL O EL DEATH DE TODA LA VIDA, Y QUE, ADEMÁS, NUNCA FUERON RESEÑADOS EN LAS PÁGINAS DE ROCKZONE. ES MUY COMPLICADO QUE NO DESCUBRAS EN ESTA REVÁLIDA UNA NUEVA BANDA U OBRA QUE TE VUELE LA CABEZA. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

PRIMIGENIUM

SOIJL

CRUCIAMENTUM

ForTheChildrenOfThisWorld

Endless Elysian Fields

Charnel Passages

(BLACKSEED PRODUCTIONS)

(SOLITUDE PRODUCTIONS)

(PROFOUND LORE)

C

on este irónico título de obra y canción, los longevos Primigenium volvieron a la actualidad black metalera el pasado mes de noviembre.

ForTheChildrenOfThisWorld es un mini álbum de sólo cuatro temas, pero que contiene toda la gélida sabiduría de uno de los padres de este estilo dentro de nuestro Estado. Voces desesperadas, velocidad y emotividad teñida de depresión y luto es lo único que te darán Gorbag a la batería y Smaug The Bastard en todas las cuerdas, tanto vocales como instrumentales.

Te helará la sangre.

N

ingún sello grande sabe ya lo que es el buen doom gótico y/o melódico. Ninguno. No te dejes embaucar por las enésimas vueltas a las raíces de My Dying Bride, Paradise Lost o la porquería que actualmente publican Draconian. Escarba, busca… llega al debut de los suecos Soijl. En términos doom no hay mayor garantía que los rusos Solitude Productions. No te alejes mucho del paquete de Kleenex porque esto va de llorera. Con gente de Saturnus, Vanmakt o Skald. Sentimiento verdadero, guturales de verdad. Algo tremendo. Ya me lo diréis…

Y

a avisando con demos y algún EP, a Cruciamentum un solo álbum les ha valido para atraer las miradas de todo el underground extremo.

Profound Lore tienen un gusto exquisito a la hora de cazar formaciones, y lo cierto es que los ingleses practican un oscurísimo death metal que, como te vayan formaciones del palo Funebrarum, Disma, Dead Congregation o los mismos Incantation, ya estás perdido.

Furioso y tétrico a partes iguales.

Un inexorable camino hacia la perdición. Recuerden el nombre de este combo porque en breve Cruciamentum serán de culto.

BELL WITCH Four Phantoms (PROFOUND LORE)

V

olvemos otra vez al catálogo Profound Lore, y también de nuevo a las palabras mayores. Qué es el funeral doom en cuatro movimientos, esto es lo que Four Phantoms significa.

Desde Seattle y con sólo cuatro temas, Bell Witch trazan un bellísimo lienzo de muerte y lentitud, tan evocador y onírico en ciertos momentos como opresivo y devastador en tantos otros. Un dúo de músicos que con su segundo álbum ya se sitúa entre Evoken, Mournful Congregation, Ahab y el resto de maestros del estilo. Absolutamente imprescindible.

LEVIATHAN Scar Sighted (PROFOUND LORE)

P

ortadas, lectores recomendándomelo… ¿¡Pero qué pasa!? Reconozco que no le echaba el guante a Leviathan desde su Massive Conspiracy Against All Life de 2008, cuando no eran más que el enésimo y correcto proyecto black estadounidense capitaneado por un solo músico, así que este Scar Sighted me pilló en fuera de juego. Mucho ha crecido Wrest como artista desde entonces, pues hay que reconocer que las disonancias de este álbum y las ambientaciones esquizoides, incluso jazzísticas, las ha bordado. Igualmente, los acostumbrados a Deathspell Omega o a marcianadas a lo Dødheimsgard tampoco van a descubrir aquí la sopa de ajo. Angustioso discazo.

ABYSSAL

NECROGOD

PUTREVORE

Antikatastaseis

The Inexorable Death Reign

Tentacles Of Horror

(PROFOUND LORE)

(IRON, BLOOD & DEATH CORPORATION)

(XTREEM MUSIC)

T

remebundo agujero negro tolemaico. La primera impresión ante la devastación black death de Abyssal es que va a aniquilarte con un caos a lo Teitanblood, pero lo suyo se reencarna en algo más astral, nigromántico, quizá más Portal o Mitochondrion. También hay doom, y ambient, incluso luz, y es que este engendro desbordante emerge como una pesadilla lovecraftiana ejecutada desde las montañas de la locura. Profound Lore firmaron un año antológico, y nada mejor que someterse a este lóbrego apocalipsis para tomar conciencia de ello.

R

ogga Johansson de Paganizer siempre tiene dos millones de proyectos paralelos y todos acostumbran a molar mazo. Necrogod, la nueva criatura death del sueco junto al costarricense Ronald Jimenez, no rompe esa regla, y de hecho, también cumple con otra de sus clásicas características: es jodidamente old school. Rogga lo toca todo, incluso programa las baterías, y la verdad es que el americano gasta un chorro viciado muy a tener en cuenta.

Un EP de ésos que divierte de veras para escuchar en modo bucle. ¿Hueles ya el moho?

N

o abandonamos el universo Rogga Johansson porque ahora nos vamos a otro de sus proyectos que más satisfacciones nos está brindando últimamente. Junto a nuestro Dave Rotten de Avulsed a las cadavéricas voces, lo que Putrevore ofrecen en su tercera obra sigue siendo death metal en su más tumefacta, dura y antigua tradición. La alianza sueco-madrileña sigue dando frutos totalmente podridos, grumosas y alevosas muestras de nulo respeto hacia los muertos. Joder Dave, si es que cuando sacas ese vozarrón nos pones a todos chotos.

SKEPTICISM

PUTRIDITY

INIQUITOUS DEEDS

Ordeal

Ignominious Atonement

Incessant Hallucinations

(SVART)

(WILLOWTIP)

(NEW STANDARD ELITE)

S

e dice que, junto a Thergothon, Skepticism fueron los pioneros del funeral doom. Esto debería ser suficiente como para lanzarse de bruces a por su último álbum, pero si encima llevaban siete años sin publicar, hacerse con este Ordeal debería ser ya un imperativo legal. 77 contemplativos minutos pondrán a prueba tu devoción por este estilo, pero la mayor sorpresa vendrá cuando descubras que fue grabado durante un concierto, constando así de seis temas nuevos y dos antiguos. Elegante y épico, pero mejorable sobre todo en las labores del batería.

B

rutal death de otra galaxia. Los italianos Putridity volvieron a por su corona con Ignominious Atonement, una auténtica atrocidad musical a la que poquísimas formaciones pueden aspirar. Un descomunal ejercicio de músculo y desmedida técnica que te mutilará entero, empezando por los genitales. 26 minutos de holocausto sonoro con sierras mecánicas como ‘Dead Festering Drainage’, ‘Obstinacy To Heal The Malformed’, ‘The Bone Sculpture’ o la horripilante ‘Mortifying Carnality’. Una hecatombe que te hará papilla.

Lo imposible.

E

l conocimiento de este asfixiante álbum se lo debo a un post de Jonathan Pernía de PitchlineZine, una de nuestras webs más reputadas en cuanto a metal extremo se refiere. Al César lo que es del César, y nosotros a disfrutar con esta maravillosa animalada llamada Incessant Hallucinations, el debut de Iniquitous Deeds tras un EP de 2012. Lo que estos estadounidenses practican es un endiablado brutal death altamente técnico y retorcido, negro como el azabache, repleto de recovecos y mil detalles que te harán desear un rápido fin. Pérfido tornado.

KRAANIUM Chronicles Of Perversion (COMATOSE MUSIC)

S

i el slam fuera un arte culinario, los noruegos Kraanium serían los Ferran Adrià del gremio.

En Chronicles Of Perversion, su cuarto álbum, de nuevo no hay ni trampa ni cartón. Todo está en la portada, como en tantísimos discos brutal. Perforación anal post mortem, gore a tope, guitarras de acero fundido, maldades inimaginables regurgitadas desde truculentos guturales y, en definitiva, un pantagruélico fiestón del headbanging y la depravación desde el pitido inicial. Abran bien las orejas, si quieren también los demás orificios, y disfruten. Esta peña es todo amor.

HORRENDOUS Anareta (DARK DESCENT)

A

nareta de Horrendous ha sido distinguido como el mejor álbum de 2015 según la revista Decibel. Qué quieren que les diga…

Considero que, como la prensa británica, los yanquis suelen barrer para casa, aunque eso no quita que este disco sea, como mínimo, diferente. Con un ojo puesto en el heavy metal clásico, también en el progresivo, Horrendous ofrecen aquí death metal técnico y ‘positivo’.

Sí, sí, como leen… Death que invita al optimismo, que en muchos momentos suena hasta bonito. Parece una herejía, pero no se les pueden negar las agallas.

PURTENANCE

VORUM

UNDER THE CHURCH

…To Spread The Flame Of Ancients

Current Mouth

Rabid Armageddon

(XTREEM MUSIC)

(SEPULCHRAL VOICE)

(PULVERISED)

C

on unos inicios erráticos a principios de los 90, parece que desde que volvieran en 2012 Purtenance han encontrado la continuidad de la que nunca gozaron. …To Spread The Flame Of Ancients contiene todo lo que podrías esperar de un combo enmarcado en la tradición death finesa.

Medio tiempos ceremoniales, la justa velocidad, un gutural como mandan los cánones y certeros guiños que pondrán a tono a los fans de Funebre, Abhorrence, Convulse o Depravity.

Esos teclados tenebrosos que surgen de vez en cuando… ¡¡Argh!!

M

e pillé en su momento su único álbum hasta la fecha, Poisoned Void, y si por su portada esperaba algo a lo Watain, me llevé una buena reprimenda. Eso sí, no lo recuerdo tan enajenado como este EP… Esto es ruidoso, histérico, muy war metal. Death black anárquico y desencajado propio de un manicomio. Qué formas tan rudas, ¡menudo estropicio! Vorum facturaron el pasado mes de mayo una macarrada que quita el hipo, un boca-culo de libro que te hará aborrecer toda la obra del Señor. Cochino, punk, sacrílego y sarnoso.

S

odomy And Blasphemy’, ‘Magus’, ‘Walpurgis Night’, ‘The Trail Of Cthulu’… ¿Qué más necesitas? Under The Church tienen lo necesario para hacer de tu leve existencia un martirio repugnante. Death metal por y para fanáticos del rollo, apasionado por lo mórbido, anclado en el pasado, a rebosar de gusanos. Master, Nihilist, Autopsy… Un álbum que es todo un homenaje al death sueco, aunque profundice en todo lo realmente purulento del género. Una tumba abierta en la que querrás revolcarte como un cerdo desollado. Esto sí es cabrón.

SADISTIK EXEKUTION

MGLA

ARCHGOAT

30 Years Of Agonizing The Dead!

Exercises In Futility

The Apocalyptic Triumphator

(NUCLEAR WAR NOW!)

(NORTHERN HERITAGE)

(DEBEMUR MORTI)

E

s evidente que estamos ante una recopilación… ¡Pero menuda recopilación! La gente de Nuclear War Now! tiene la bondad de reunirnos en este plástico las demos Agonizing The Dead (1992) y Suspiral (1991), además de los EPs Demon With Wings (1996) y Sadistik Elektrokution (1997). Por si fuera poco, estas descargas bastardas vienen acompañadas de un trabajado libreto repleto de fotos y una entrevista actual a Dave Slave. Como pueden comprobar, todo un festín con estos míticos bárbaros de Australia. ¡Putos amos!

A

lta poesía desde Polonia.

Mgła quisieron conmemorar sus 15 años de carrera con un álbum inconmensurable, las seis canciones que dan nombre a este Exercises In Futility, y la verdad es que este hito musical es de todo menos vacuo, frívolo o superficial. El black más emotivo del curso, de ése con el que resulta imposible no acabar con los brazos abiertos, a la espera de que esta refinada lluvia espiritual te cale hasta las entrañas. Discos como éste justifican por qué el black metal es de lo poco que da sentido a la vida. Majestuoso.

N

i de coña llega al nivel de cerdada y agresividad del último trabajo de Revenge, pero ojito igualmente… Fundados en 1989 y desaparecidos en el 93, desde que Archgoat retomaran su actividad en el año 2004 que le ha dado unas cuantas alegrías al war metal. Éste es justo su tercer álbum tras seis años sin publicar un largo, pero está a la altura de las expectativas. Ritmos mórbidos, ciertos blasts que van a hacer daño y, sobre todo, una voz cantando desde el inframundo que merece un imperio.

‘Grand Luciferian Theophany’, grandiosa.

DEIPHAGO Into The Eye Of Satan (HELLS HEADBANGERS)

A

mo a Deiphago, y su Into The Eye Of Satan también ha servido para certificar un gran año para el war. Los psicópatas del black filipino, ahora afincados en Costa Rica, volvieron el pasado año para reclamar nuestras cabezas y ofrecerlas en sagrado sacrificio, todo ello entre explosiones de guitarras intolerantes e intolerables, solos invertebrados y una velocidad descacharrante. Es difícil discernir qué trabajo suyo es más inhumano, pero lo que está claro es que con Deiphago la música extrema cobra un nuevo sentido. Las únicas letras que importan son las suyas.

THE DARKNESS 14 DE ENERO DE 2015 SALA BIKINI, BARCELONA TEXTO: TOI BROWNSTONE FOTOS: ERIC ALTIMIS

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D

espués de la traca navideña, nada mejor que marcar el comienzo del año con un buen concierto. Es como volver al hábitat natural. En esta ocasión el pistoletazo de salida lo daban los británicos The Darkness, a los que teníamos muchas ganas de ver después de haberse metido al público de nuevo en el bolsillo con su último trabajo, Last Of Our Kind, tras unos años de gran inestabilidad que casi acabaron con la banda.

Las expectativas eran altas y así lo notó la sala Bikini, que registró una entrada excelente con un público, además, muy variado. Tras una extensa intro de gaitas por fin la banda salía al escenario, atacando con ‘Barbarian’, tema inicial de su último disco que deja bastante que desear. Desde el primer momento Justin Hawkins dejó claro, no sólo que le faltaba escenario, puesto que estaba imparable, sino también que

su estado vocal está mejor que nunca.

Sonido muy sólido, con una banda muy compenetrada y afianzada, sobre todo gracias a la base rítmica a cargo de Frankie Poullain, con ese look y esa presencia escénica imbatibles, y Rufus Taylor, el hijo del batería de Queen, cuyo fichaje, un tanto accidental tras la repentina marcha de Emily Rose Dolan, ha sido un tremendísimo acierto, aportando a The Darkness una dosis de estabilidad y una contundencia necesarias. Y por supuesto, el nivel de las guitarras a cargo de los dos hermanos, que resultó insuperable. Tras el primer tema vino el primer parón de muchos, algo que a la larga terminó rompiendo el ritmo del concierto, aunque también nos dio varios momentos de diversión, con el cantante haciendo bromas constantemente e interactuando con el público. El repertorio se basó casi exclusivamente en Permission To Land, deleitando a los presentes,

que pudimos vibrar con ‘Growing On Me’, ‘Black Shuck’, ‘I Believe In A Thing Called Love’, ‘Friday Night’, la baladita ‘Love Is Only A Feeling’ o ‘Get Your Hands Off My Woman’, que sonó apabullante. Si bien estábamos encantados con que el setlist estuviera plagado de temas del primer disco, resultaron incomprensibles las ausencias de pepinazos del último, como ‘Open Fire’ o ‘Last Of Our Kind’, sobre todo viendo lo bien que funcionaron ‘Mudslide’ y ‘Roaring Waters’, así como un bis final bastante anodino que nos dejó con ganas de más.

Es innegable que disfrutamos de un buen concierto, muy divertido, con un sonido demoledor y repleto de temas estupendos, y además con el respetable entusiasmado, pero ¿recordáis haber tenido esa sensación de que podría haber sido muchísimo mejor? Pues así salimos muchos de la sala Bikini.

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EINDHOVEN METAL MEETING 11 Y 12 DE DICIEMBRE DE 2015

EFFENAAR, EINDHOVEN (HOLANDA) TEXTO Y FOTOS: EDUARD TUSET

BEHEMOTH 120

NIFELHEIM

O

tra vez tocaba ir a Eindhoven para asistir al último festival de metal del año.

En esta ocasión ya no valían excusas: asistir iba perfecto para romper el ritmo de trabajo de diciembre y poder ver bandas que cuesta que se acerquen por aquí. Lástima no haber estado el día antes ya que Grave y Malevolent Creation estaban de gira, pero por desgracia no siempre es posible hacerlo todo.

VIERNES 11 El viernes fue llegar, coger el pase de fotos y entrar en la pequeña sala District 19 para ver la parte final de Todestriebe y comprobar que las nuevas hornadas rusas saben tocar buen black metal... Aunque la primera banda que interesaba fueron los noruegos Aeternus, unos clásicos del black y death metal que convencieron en su actuación en la sala grande, la denominada Large Stage, abriendo con ‘Sworn Revenge’, uno de los clásicos temas de su primer disco. Su cantante Ares está hoy en día a un nivel increí-

CRAFT

ble y, sinceramente, hacía tiempo que no disfrutaba de calidad en un concierto de este estilo. Luego les tocaba el turno a los thrashers Onslaught mientras Dan Lilker de Nuclear Assault, Brutal Truth y demás se ponía al lado del merchandising a promocionar su libro Perpetual Conversion, una biografía de su vida que me estoy leyendo en este momento y que vale mucho la pena. Pero volvamos a los británicos, a los cuales había visto hacía menos de un mes en la sala Bóveda de Barcelona. Se marcaron un excelente concierto y sobre todo destacaron los temas ‘Let There Be Death’ y ‘Fight With The Beast’ de su disco The Force y ese final con ‘Death Metal’ y ‘Onslaught’ de su maravilloso Power From Hell. Tras una breve espera no me muevo del Large Stage porque iba a empezar la sesión de black thrash por la que había venido al festival... los suecos Nifelheim llenaban el escenario con calaveras, pinchos y cuero para descargar un exclusivo setlist en la celebración del 20 aniversario de la aparición de su disco homónimo.

Los dos hermanos más fans de Iron Maiden sobre la tierra, es decir, Erik ‘Tyrant’ Gustavsson y Pelle ‘Hellbutcher’ Gustavsson, tocaron todo ese disco de 1995 alterando el orden de algún tema si mi memoria no me falla. ¡Cómo suenan ‘Sodomizer’ o ‘Possessed By Evil’ en directo! Las tachuelas iban cayendo sobre el escenario como si fueran casquillos de metralleta, pero no paraban, y también nos deleitaron con temas de su último EP Satanatas y se iban del escenario ya que entraron con algo de retraso. Pero no, no era suficiente y les dejaron tiempo para una más y, cómo no, ‘Storm Of The Reaper’ sonó pero de una manera loca ya que sus riffs de inicio fueron alargados hasta que a Hellbutcher le apeteció entrar a cantar. Brutal, sin palabras. De lo mejor del festival.

Después de ese concierto nada les podía superar y fui a ver a lo que creía que era una joven banda local, Heretic. No me esperaba ver black’n’roll bien hecho por unos veteranos de la escena como el que sonó 109

NECROS CHRISTOS

en esa pequeña sala. Ése es uno de esos momentos en los cuales te apuntas mentalmente que has de investigar un poco más a esta banda cuando llegues a casa. Me perdí a Conan para ver el show de Nifelheim completo, esas putadas que suceden en los eventos que solapan horarios entre escenarios… y por desgracia no sería la única banda que me hubiese gustado disfrutar y no pude ver en ese gran fin de semana. Eso sí, me dio tiempo para ver un poco el show de God Dethroned, esos holandeses veteranos dentro del death metal más oscuro, que con casi 25 años a las espaldas y con nueve discos sacados nunca defraudan. Cambio de tercio y directamente a ver a Gehennah. Sí, los suecos, los que te incitan a beber y a desfasar continuamente con temas como ‘Metal Police’, ‘Piss Of I’m Drinking’, ‘We Love Alcohol’, ‘Say Hello To Mister Fist’ o esa divertida versión de GG Allin llamada ‘Drink, Fight And Fuck’. Lástima que ellos no fueran los

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CANDLEMASS

últimos de la noche ya que tocaba no pasarse mucho para ir a Behemoth, a quienes hacía una infinidad de tiempo que no veía en un escenario (sinceramente, ya ni me acuerdo de la última vez que vinieron de gira por nuestras salas). Los polacos te pueden gustar o no, su cantante Nergal te puede caer bien o no, pero a mi parecer es una de las grandes bandas dentro del black metal mundial de hoy en día.

Han renovado el género y en directo son una máquina perfectamente engrasada. Su puesta en escena es impecable y sólo el inicio con ‘Blow Your Trumpets Gabriel’ ya te deja sin habla.

Nergal gesticula, juega con la adoración de la oscuridad donde un solo halo de luz se centra en él haciéndolo inclinar y dando ese toque teatral que tan bien interpreta sobre el escenario.

Sonaron cinco temas de su último disco The Satanist y de sus inicios sólo nos deleitaron con un par de temas de Satanica, ‘Decade Of Therion’ y ‘Chant For Eschaton 2000’, con la

que casi dan cierre a la noche más alguna cosa de Thelema.6. Ellos eran los cabezas de cartel de esa noche de viernes, pero para mí los suecos Candlemass era la banda fuerte de la velada (con permiso de mis queridos Nifelheim). Mats Levén es uno de los mejores vocalistas que hay dentro del heavy metal en la actualidad. Verlo y escucharlo en directo, sea en la banda que sea, es un regalo de los dioses. Es verdad que se hace raro no ver al bajista y alma máter del grupo, Leif Edling, en vivo, pero su sustituto, el teclista Pier Wiberg, cumple su papel a la perfección. Tocaron muchos temas, entre ellos algunos que ni esperaba: ‘Solitude’, ‘A Cry From The Crypt’, ‘Bewitched’, ‘Dark Reflections’, ‘At The Gallows End’, ‘Crystal Ball’, ‘Emperor Of The Void’, ‘A Sorcerer’s Pledge’, ‘The Dying Illusion’, y seguro que me dejo algún otro. Su sonido y puesta en escena rozó la perfección. Ellos son los amos del doom y me supo igual perderme a Vampire, a los cuales ya

NUCLEAR ASSAULT

había visto y sé que su disco funciona más que su directo. Eso sí, lástima que por trabajo no pude repetir con Candlemass en el show de Valencia que hicieron a la semana siguiente.

SÁBADO 12 Segunda jornada del festival después de dar unas vueltas por Eindhoven y arruinarme en vicios varios. Volvía a pisar la Sala Effenaar. Primera reflexión que después comprobé que también sucedería ese día: un poco más de variedad en la luz hubiese sido perfecto, ya que la secuencia de color siempre era la misma, saturada muchas veces, con los mismos tonos y no ayudaba ni a los fotógrafos como un servidor ni al público. Empezamos con Angelus Apatrida, que hacían un parón en su tour para tocar en este festival. Nos demostraron su gran talento en una District 19 completamente abarrotada, donde se pusieron a presentar su último disco Hidden Evolution. Siempre es un placer ver a Gui-

llermo y David dándolo todo sobre un escenario. Escaleras hacia arriba y nos situamos para ver a Necros Christos, quienes realizaron el mejor concierto de ese día. Para quienes no conozcan a estos alemanes tan sólo he de decirles que ir a uno de sus conciertos es como asistir a una ceremonia. Rojo infernal, riffs profundos y apocalípticos que ya son su marca de fábrica, melodías con rasgos doom sacadas de su herencia recibida a través del black y del death metal, la voz profunda y cavernosa de Mors Dalos Ra en primera línea y desde hace dos años, con Iván Hernández (exLegen Beltza y Clockwork) dominando los blast beats en la batería.

Empezaron con la intro donde se susurra su nombre como si fuera una plegaria para atronar con los bucles infernales de ‘Tormented Flesh On The Mount Of Crucifixion’, y desde allí todo el público presente entró en trance. Si no me equivoco, sonaron temas como ‘Ball Of Ekron’ y ‘Black Bone

Crucifix’, y en todo momento mantuvieron esa intensidad que es necesaria para mantener un show de sus características. Es aquí cuando uno piensa lo importante que es ver a ciertas bandas con un sonido perfecto como el que Necros Christos tuvo esa tarde.

Shores Of Null y los grandes doomers Ahab, a los cuales había visto el año pasado, fueron víctimas de los horarios de esa tarde.

Tocaba ver a Vektor, quienes acompañaban a Angelus por toda Europa, y sinceramente fue una grata sorpresa ver ese estilo de thrash metal prog que bebe de fuentes tan distintas pero que seguro que los amantes de Voivod y del metal progresivo más loco apreciaran a estos chicos de Arizona de manera muy cercana. Tocaron temas como ‘Cosmic Cortex’ o ‘Tetrastructural Minds’ mientras en la sala pequeña Disabuse se preparaban para tocar, unas leyendas holandesas pioneras en el hardcore, punk y thrash local. Su primer disco Sorrow And Perdition de 1989 retumba en muchos sitios de Europa, y verlos en directo hoy en día ya no es lo mismo, pero estando allí era un deber estar presente aunque mucha gente creo que no pensó lo mismo. Pero el festival black thrash empezaba para mí con una a sala a rebosar con los alemanes Desaster tocando a un palmo de mi cara y repasando toda su discografía, incluyendo temas cercanos como ‘Satan’s Soldiers Syndicate’ o himnos de su primera época como ‘In A Winter Battle’ o ‘Teutonic Steel’, con esa gloriosa intro bajo un infierno de riffs, tachuelas y cervezas al aire dentro del mosh pit.

Con una carrera rápida subiendo esos peligrosos escalones que hay entre ambas salas empezaban a sonar las primeras notas de los suecos Necrophobic con la vuelta a las voces de

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ROMPEPROP

su primer cantante Anders Strokirk después del despido de su anterior vocalista. Y gracias a eso ahora sí que pude disfrutar de unos Necrophobic en plenitud de facultades, ya que a pesar de que quería ver solamente un rato de su directo, me quedé casi todo el concierto disfrutando como un poseso, en especial con ese final con temas de su primer disco como ‘Before The Dawn’ y ‘The Nocturnal Silence’.

Eso sí, a mitad de show bajé para ver un rato de los ingleses Solstice, que con su doom metal épico tantas buenas cosas han conseguido, pero no sé si fue por el subidón metalero que llevaba con Desaster y Necrophobic que no conseguí entrar para nada en ese concierto a pesar de que su excelente vocalista Paul Kearns estuviera a un gran nivel, tal como me comentaba un amigo. Lo siento, poco más puedo decir.

Tiempo para recordar a unos clásicos como Nuclear Assault y aprovechar

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SAMAEL

para disfrutar de esta reunión, ya que era el último show que hacían sobre tierras europeas por el momento. John Connelly y Dan Lilker son el alma de la banda, sobre todo el vocalista John que ya sólo cuando estaba preparando el show reía con los fotógrafos mientras se ponía un dossier con los temas bajo sus pies, sólo por si se le olvidaban en algún momento, nos comentó. En el Rock Fest de Barcelona no pude disfrutar por completo de su concierto y esta vez fue mi venganza personal, disfrutando como un enano con temas como ‘Betrayal’ o ‘Sin’, o bien botando como un poseso en ‘Critical Mass’ con un sonido perfecto y en una sala donde todo el mundo saltaba sin parar. Mientras, Lvcifyre sonaban desgarradores bajo una luz roja demoníaca en la pequeña sala District 19... una pena no poder ver su show completo ya que con sólo dos discos, The Calling Depths y Sun Eater, ya empiezan a tener un nombre entre el metal

más extremo y apocalíptico, pero estoy seguro de que próximamente podré disfrutar de ellos otra vez. Después tocaba turno a Rompeprop, una de las bandas más propensas a sonar a chiste dentro de la escena. ¡Qué equivocado estaba! Un directo genial, con sentido del humor, sangre, médicos locos, bajos pornográficos y un ambiente espectacular entre grupo, público y organizadores del evento, que se apuntaron a salir al escenario para pasarlo bien y lanzar balones de playa a la gente. Ahora les tocaba a dos de los platos fuertes del festival: Marduk y Samael. Los primeros ofrecieron un concierto parecido al de su última gira, aunque esta vez al menos al inicio del show se les pudiera ver, aunque poco a poco la abusiva máquina de humo se les comiera otra vez en el escenario. Con su setlist de nuevo se dejaron grandes temas sin tocar, ya que por ejemplo de Panzer Division Marduk sólo sonó ‘502’. Pero bueno,

NECROPHOBIC

mientras sigan tocando temas como ‘The Black…’ de su primer disco creo que la gente se lo perdonará. Durante este show vino el momento cómico para un servidor: abajo, en el bar donde hacían comida y despachaban todo tipo de bebidas, sonaba música ochentera, del estilo de Madonna, A-ha y similares, perfecta para relajar tu mente mientras devorabas lo que fuera. Eso sí, quien mejor se lo pasó fue la cantante de Izegrim, Marloes Voskuil, y sus estupendas amigas que bailaron tema tras tema durante mucho rato para disfrute de ellas y de sus espectadores. Los suizos Samael actualmente son un grupo que amas u odias, ya que su vuelta a la electrónica metalera durante estos últimos años a muchos fans cerrados de miras no les gusta. A mi parecer siguen siendo un excelente grupo y esta vez teníamos la posibilidad de escuchar ese gran disco de 1994 llamado Ceremony Of Opposites en su integridad, y también

con un poco de esa última influencia musical que la banda ha vivido. Tocaron todo el disco en orden y añadieron al final temas como ‘Reign Of Light’, ‘Rain’ o ese ‘My Saviour’ final de ese gran disco llamado Passage.

Era tarde y mucha gente optaba por retirarse o ir a los bares cercanos, pero se equivocaban porque aún tenían que tocar Craft, Mournig Beloveth y Hooded Menace. Ver a Craft era algo que pensaba que no haría nunca. Su camiseta resumía perfectamente al grupo: “White noise and black metal – Soundtrack to the end of the world”. Luz casi perfecta, y su cantante Nox, con chaleco de cuero y patas de gallo colgando de él, usaba su voz más necro para tocar temas de esos grandes cuatro discos. Sintonía total cortada porque un imbécil se le ocurre tirar un vaso lleno al grupo. Su bajista para el concierto y le dice al público que al próximo vaso que se lance el show se acaba, y él mismo bajará y

buscará al tío para romperle la cara.

Veo de lejos al borracho... pero por suerte el concierto continúa y me quedo con la sensación de que nunca más podré volver a verlos en directo.

De Mourning Beloveth poco puedo decir ya que los irlandeses no sonaron bien y ver al majestuoso Frank Brennan con demasiado alcohol encima no ayudaba. En cambio, Hooded Menace presentaban su último disco Darkness Drips Forth y vi poco de ellos por desgracia a pesar de que su primer disco Fulfill The Curse está entre mis favoritos del género. Eso sí, su parte final de show tuvo ese ingrediente doom death que adoro y que abanderaron bandas como Paradise Lost y My Dying Bride en los 90, y fue una bonita manera de acabar el festival. Ahora sí, tocaba irnos, guardar la cámara e ir a por un poco de fiesta en el Café Te Jack, a escuchar clásicos del metal y beber unos buenos tragos de vodka antes de volver a Barcelona.

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NOWAYOUT 18 DE DICIEMBRE DE 2015 RAZZMATAZZ 2, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: RUBÉN NAVARRO

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L

o que son las cosas.

NoWayOut cesaron su actividad hace cuatro años tras la gira de presentación de su último disco Tabula Rasa sin que nadie explicara realmente el motivo, aunque podría incluirse en ese cajón de sastre de las ‘diferencias creativas y personales’. Y sin que tampoco se sepa muy bien por qué, de golpe anuncian un show único para celebrar el décimo aniversario de su álbum Bipolar y agotan las entradas en apenas una semana para el concierto programado en la sala pequeña de Apolo. Tan alta demanda cogió desprevenido al cuarteto, pero haciendo gala de buenos reflejos decidieron trasladarlo a un Razzmatazz 2, que si bien no se llenó del todo, presentó una buenísima entrada. Era muy curioso pasearse por ahí y ver como aquel público adolescente que les seguía entonces ahora está rozando los 30.

Si para Noel (voz, guitarra), Txosse (voz, guitarra), Félix (voz, bajo) y Oxi (batería) subirse de nuevo juntos a un escenario era algo muy especial – quizá sobre todo en el caso de Oxi, que había abandonado el grupo en 2008-, está claro que para sus fans también lo era y el ambiente era parecido al de la típica reunión de antiguos alumnos de instituto. Como grupo invitado actuó una banda afín y vecina como Heatache, quienes también llevaban desde 2009 sin tocar. Punk pop de manual, con versión de Lagwagon incluida, y también el estreno de alguna canción nueva fueron suficientes para caldear el ambiente. NoWayOut sabían que saldrían con el partido ganado, al fin y al cabo la combinación de su disco más popular unido al efecto nostalgia era garantía de éxito, pero eso no quitaba que se les notara algo presionados de entrada. Esa responsabilidad hizo que estuvieran

tensos en los primeros compases, por mucho que Félix no parara de botar y moverse (tanto lo hizo que desenchufó el cable del bajo). Pero poco a poco, gracias a la increíble respuesta ante temas como ‘Efectos Secundarios’, ‘No Voy A Salir’, ‘Lejos De Aquí’ o ’27 (Sigo Como Siempre)’ y la tranquilidad de que la banda estaba sonando de lo más potente (nadie hubiera dicho que llevaban años sin tocar juntos), se sintieron cada vez más cómodos. Los rostros se fueron relajando y se produjeron momentos de gran emotividad como la entrega de una tarta de cumpleaños a Txosse o la versión de ‘Cracovia’ de Without dedicada al tristemente fallecido Ferran Bonet, bajista de esa banda y de Bullitt. Un recordatorio de que todos estamos en este mundo por un tiempo limitado, así que mejor dejarse de pequeñas rencillas y disfrutemos de lo que nos une. Ojalá NoWayOut tomen nota.

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DE GIRA

MILLENCOLIN

18 DE FEBRERO SALA JIMMY JAZZ, VITORIA 19 DE FEBRERO SALA PENÉLOPE, MADRID 20 DE FEBRERO SALA APOLO, BARCELONA

H

abéis tocado muchas veces en España, ¿te acuerdas de la prime-

ra vez?

FREDRIK LARZON (batería) “Oh, me temo que no recuerdo mucho de esos primeros conciertos (risas). Hace mucho tiempo, debía ser en el 95 ó 96. Sí recuerdo que tocamos varias veces en la sala Garatge de Barcelona. Fueron shows con mucha energía, hacía tanto calor que casi me desmayé. Nos alucinaba que gente tan lejos de casa conociera nuestras canciones y les gustara tanto el grupo, e hicieran crowd surfing, pogos y bailaran. Me gusta mucho la comida y el vino de ahí, así que estoy emocionado con poder volver”.

En esa época, vuestro público tenía más o menos vuestra edad. ¿Se os hace raro ver ahora gente en las primeras filas que quizá ni había naci-

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do cuando sacasteis vuestro primer disco?

“La verdad es que no. Por supuesto estamos encantados de que haya gente nueva. Si son más jóvenes o más viejos no importa. Siempre ha sido así. Alguna gente estaba ahí cuando empezamos, otros nos descubrieron por el videojuego de Tony Hawk y ahora hay quienes nos descubren por la radio o por algún link de Spotify o lo que sea. Cualquiera me vale”.

Vuestro último True Brew ha sido muy bien recibido entre vuestros fans. En él volvíais un poco a las raíces punk rock. ¿Fue algo que buscasteis premeditadamente?

“Sí, empezamos a hablar hace años sobre lo que queríamos hacer y cómo hacerlo. Todos queríamos hacer algo más agresivo y más melódico, que te hiciera sentir la esencia de

Millencolin de inmediato. Algo en plan vieja escuela pero con una producción modera. Estoy muy contento con que Nikola (Sarcevic) escribiera unas letras más políticas, creo que era algo necesario en este momento.

Grabamos toda la música en nuestro propio estudio, Soundlab Studios, y luego nos fuimos a Fascination Street, donde Nikola grabó las voces con Jens Bogren, que también mezcló el disco”. ¿Sigues escuchando mucho punk rock actualmente?

“Sí, claro. Mucho. Compro muchos discos, el 99,99% en vinilo, pero también escucho muchas cosas online, tanto viejas como nuevas. La mejor banda ahora mismo de punk es G.L.O.S.S., de Estados Unidos. Pero no sólo escucho punk rock, escucho de todo”.

Con el retorno de Refused y

AGENDA FEBRERO Satanic Surfers parece que estemos de nuevo en los 90. ¿Qué piensas de sus reuniones?

“Es genial que hayan vuelto. Mucha gente ha esperado mucho tiempo para volver a verles. Las dos bandas son amigas nuestras y hemos girado juntas, así que estoy muy feliz por ellos”.

El disco está lleno de grandes canciones. ¿Escribisteis muchas para llegar a estas 13?

“Grabamos 17 canciones y las que no usamos en el disco las sacaremos pronto. Nikola y Mathias tenían bastantes ideas cuando empezaron a componer, así que todo fue como una seda. El motivo por el que tardamos siete años entre M15 y True Brew fue que giramos un montón durante esos años y quisimos tomarnos medio para descansar del grupo, recargar pilas y volver a inspirarnos”.

Dos de esos años los dedicasteis a la gira de aniversario de Pennybridge Pioneers. ¿Cómo fue revivir esas canciones? ¿Tenéis pensado hacer algo parecido con algún otro disco? “¡Fue genial! Nos lo pidieron como un favor para una sala que iba a cerrar en nuestra ciudad. Pero entonces gente de todas partes, Japón, Sudamérica, del sur de Europa, empezó a comprar entradas y volaron para ver el concierto. Así que al ver eso, promotores de todo el mundo nos pidieron si estaríamos interesados en repetirlo.

Fue muy divertido y diferente volver a aprenderse todos los temas de un disco antiguo, incluso había algunos que nunca habíamos tocado antes. Y también fue diferente porque la gente ya sabía el orden del setlist. Supongo que podríamos hacerlo de nuevo, pero no hemos planeado nada parecido por ahora”.

THE ARISTOCRATS 20 SEVILLA, 21 MURCIA, 22 MADRID, 23 ALMÀSSERA, 24 BARCELONA AGAINST THE CURRENT 25 ZARAGOZA, 26 VALENCIA, 27 MADRID, 28 BARCELONA THE BLIND SHAKE 24 BARCELONA, 25 ALICANTE, 26 MADRID, 27 OVIEDO BLUES PILLS 26 BARCELONA, 27 MURCIA, 28 SEVILLA DOCTOR DOOM 11 ZARAGOZA, 12 BARCELONA, 13 DONOSTIA, 14 MADRID GAMA BOMB 17 MADRID, 18 ZARAGOZA, 19 ALDAIA, 20 LOS PALACIOS GANG GREEN 26 VITORIA, 27 BARCELONA KATAKLYSM 3 BARCELONA, 4 MADRID LIONHEART 20 MADRID, 21 MURCIA, 22 BARCELONA LUCA TURILLI’S RHAPSODY 12 MADRID, 13 L’HOSPITALET DE LLOBREGAT MACHINE HEAD 6 SANTIAGO DE COMPOSTELA, 10 GRANADA, 11 MADRID, 12 BARCELONA MARS RED SKY 10 DONOSTIA, 11 GIJÓN, 12 SANTIAGO, 13 MADRID, 14 ZARAGOZA MAYDAY PARADE 19 BARCELONA, 20 MADRID MORE THAN A THOUSAND 2 MADRID, 3 BARCELONA PARKWAY DRIVE 8 BARCELONA, 9 MADRID PETER & THE TEST TUBE BABIES 19 VIGO, 20 MADRID, 21 LA BISBAL PRIMAL FEAR 5 BARCELONA, 6 MURCIA, 7 MADRID PRIMORDIAL 16 MADRID SAXON 5 PAMPLONA

Habéis sido capaces de manteneros los cuatro juntos durante todos estos años... Algo muy poco común. ¿Cuál dirías que ha sido el secreto?

“No hay secreto. Supongo que es lo mismo con tus amigos, es una cuestión de respeto y comprensión. También hace mucho tiempo que entendimos que era muy importante que fuéramos nosotros quienes tomáramos las decisiones del grupo. Y también hemos tenido la suerte de trabajar con sellos que han confiado en nosotros”.

(DAVID GARCELL)

SYMPHONY X 25 BARCELONA, 26 BILBAO, 27 MADRID SMALL JACKETS 12 MADRID SOULFLY 12 VITORIA, 13 ALMÀSSERA, 14 ZARAGOZA THE WINERY DOGS 8 BILBAO, 9 MADRID, 10 BARCELONA TONIGHT ALIVE 2 MADRID, 3 BARCELONA UK SUBS + TV SMITH 11 BARCELONA, 12 MADRID, 13 VITORIA VINTAGE CARAVAN 19 BILBAO, 21 MADRID, 22 BARCELONA WOLF ALICE 5 MADRID, 6 BARCELONA X AMBASSADORS 14 MADRID, 15 BARCELONA