RockZone 119 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Berri Txarrak © Toni Villén

EDITORIAL Parkway Drive ocupan por segunda vez nuestra portada a raíz de la publicación de su nuevo disco Ire y como anticipo de la gira que realizarán por aquí en febrero. Aún quedan unos meses, pero escuchando sus nuevos temas es fácil imaginar la que se puede liar en los conciertos. Como es habitual, algunos fans han dejado escuchar sus críticas a través de las redes por la orientación más comercial que han tomado. Ya sabemos lo que mola hacerse el duro, pero ponedle Ire a toda castaña a alguien que no esté acostumbrado a este tipo de sonidos y preguntadle si le parece que esté escuchando una moñarrada. Esperamos con ganas que nos contéis cómo ha salido el experimento. Enjoy!

SUMARIO

Nยบ 119

7 / INTERFERENCIAS

32 / THE WONDER YEARS

46 / PARKWAY DRIVE

54 / CARCASS

68 / CRร TICAS

92 /

104 / IMPERIAL STATE ELECTRIC

108 / EN DIRECTO

JON SPENCER BLUES EXPLOSION

38 / DEAFHEAVEN

42 / EXXASENS

58 / HATE ETERNAL

66 / DISCO DEL MES

96 / CORDURA

100 / KILLING JOKE TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY O HÁZNOSLA LLEGAR A

126 / DE GIRA

ROCKZONE@ROCKZONE.COM.ES

SUMARIO

Nยบ 119

INTERFERENCIAS TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordi Forés, Javier Yela, Luis Benavides, David Sabaté, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Salva Rubio, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Ignacio Pato, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Andrea Genovart, Juan Andrés, Eneko Celestino. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Rubén Cougil (Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57), Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Mariño (Smartita), Israel Higuera (wirrak). Foto de portada: DR

NEW DEL MES_PANIC! AT THE DISCO LA BANDA DE BRENDAN URIE ANUNCIA EL LANZAMIENTO DE SU QUINTO DISCO DEATH OF A BACHELOR PARA EL PRÓXIMO 15 DE ENERO. SERÁ EL PRIMERO CON EL CANTANTE COMO ÚNICO MIEMBRO ORIGINAL DEL GRUPO.

anic! At The Disco volverán a escena recién empezado 2016 con la publicación de su quinto álbum, titulado Death Of A Bachelor (DCD2/Fueled By Ramen). Pero tras la salida definitiva el pasado abril del batería Spencer Smith debido a sus problemas de adicción, y más recientemente del bajista Dallon Weekes, es evidente que más que de un grupo debemos hablar del proyecto personal del vocalista Brendan Urie. Los once temas del álbum han sido compuestos por él mismo y también se ha encargado de la producción en colaboración con Jake Sinclair (Fall Out Boy, Taylor Swift). Según ha comentado Urie, el álbum ha estado inspirado por su vida junto a su mujer Sarah Urie. “Escribí el disco entero en la casa donde vivimos y refleja mucho el estilo de vida que tenemos, que es muy distinto al que tenía antes”. Musicalmente, Urie asegura que es un poco diferente y ha citado a Frank Sinatra y Queen como influencias. “Cada

vez que hacemos un nuevo disco, para mí siempre está evolucionando y cambiando en el mejor de los sentidos. Habrá una nueva energía en el directo”. En un comunicado escrito en su página web, Urie explicaba un poco más sobre el significado del disco, del cual ya se han lanzado tres adelantos, ‘Hallelujah’, ‘Victorious’ y ‘Emperor’s New Clothes’. ”Cuando era un niño y escuchaba una canción que me gustaba en la tele, saltaba y corría hacia el piano para intentar sacarla de oído. Cuando tenía 10 ó 11 años me construí una batería en el garaje hecha de cajas de detergente vacías, sillas viejas y latas de pintura. A esa edad, mis padres me compraron mi primera guitarra. (…) A esa temprana edad me di cuenta de que la música formaría una gran parte de mi vida. No tenía ni idea. Death Of A Bachelor es en honor a los tiempos que pase solo cuando era un niño. Es el principio de una nueva era”.

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LO PEOR DE MÍ_ RECHAZADOS

unque ya tuve la oportunidad de dar mi opinión sobre el retorno de Refused cuando escribí la crítica de su último disco hace unos meses, no he podido resistirme a volver a hablar de ellos después de ver su increíble concierto el pasado 5 de octubre en la sala Apolo de Barcelona. Como dije entonces, me parece muy respetable quien haya decidido eliminarles de su vida por cuestiones ideológicas, con eso no me meto aunque no lo comparta, pero me sigue sorprendiendo que haya tantísima gente que haya decidido ignorar, cuando no despreciar, lo que el grupo sueco todavía ofrece hoy en día. Freedom contiene más, y mejores ideas, que el 90% de los discos que se publican y en directo Refused siguen siendo una apisonadora. En un mundo ideal, mucho del público que pudo verles abriendo para Rise Against correría a empaparse de su música, pero por desgracia, me temo que la mayoría seguirán conformándose con botar cuando suene ‘New Noise’ y poco más. Quizá tengan que volver a separarse para que se les valore como se merecen. Manda huevos. (JORDI MEYA)

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INSTANTGRAMO

@ivetteherrero @RockZone @bmthofficial Llevadme porfa, porfa, porfa, porfa, porfa... @liidiasanchez Respirando. Que voy a poder ir por fin a un concierto. SOS. @grungepenguin Voy a llorar. Ahora vuelvo. @VMandrea24 Hola, voy a llorar. @daradreamsaloud ¡¡¡Ay que me da un ataque muy grandeeeeeeee!!! @alvaro93pg ¡¡Dios, me has alegrado la mañana en verdad!! @saritta88 ¡¡¡Vamooossss!!! ¡¡Voy sí o sííí!!

Ésta es una foto muy especial, ya que estoy con Tony Sly. Se hizo en la sala El Loco, en la gira que hizo con Joey Cape en 2010. Saludos. (VIR PARRA)

@mak3noise ¿Sabéis si vienen con PVRIS?

Compra merchandising. Sí, sí, así como suena, compra merch, hijo de la gran puta. Ahora vendrá el mongol, el listo y el soplapollas linkeándome a Fugazi y dándoselas de enterado. Siempre he sido un acérrimo defensor del antimerch, aunque con total hipocresía ya que mis gafas de sol, gorras, camisetas, pantalones y hasta calzoncillos son de grupos. Salgo pues del armario. Ya no mola comprar música si no es en vinilo, de hecho, ni para comprar entradas nos acercamos ya a las tiendas de discos. Y aunque un grupo haya tocado diez veces en tu ciudad por cuatro duros, siempre habrá personajes con su merch de turno (con el que se podrían haber pagado tres entradas) que siguen sin ir a los shows. Si la gente no va a bolos y no compra música, la única manera que tienen las bandas para subsistir es el merch. Así que, por favor, los que amamos de verdad esto: compremos merch. Josemi gordooooo. (MARIUS TIBERIAN)

@ThePurpleEleph ¡Habrá que ir!

@raul_lopez Es ya casi un juego contar los ‘onceavos’, ‘doceavos’, ‘treceavos’, etc. en la @RockZone. En la de abril van ya dos en 72 páginas.

DESDE EL TÍBER

*¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección.

ROGER HARVEY

DEMO-LEDORES_POR PAU NAVARRA BONEFLOWER

LA IRA DE JACK

THIS THING CALLED LIFE

I’LL BE THE BONES, YOU’LL BE THE SOUL

INERTE

S/T

(AUTOEDITADO)

Observando el cuidadísimo diseño que presenta I’ll Be The Bones, You’ll Be The Soul esperas que eso también sea replicado en lo musical, y desde luego así ha sido. Nada se les puede reprochar a Boneflower. Partiendo del rock alternativo ultra emotivo para llegar al screamo y el post rock, los madrileños ofrecen cinco temas que tocan la fibra de veras, como en ‘Unfading’ o ‘Unexplainable’, donde los gritos desgarrados se funden con la belleza instrumental para desnudar su alma ante el oyente. ‘I’ll Be The Bones, You’ll Be The Soul’ sería otro punto álgido del trabajo, una lluvia torrencial que muestra toda su capacidad compositiva. Por el contrario, ‘Neverending’ desentona algo ante el resto de cortes. No es hasta que estalla que me ha captado, pues su primera parte rompe con el contexto intimista y sobre todo underground del EP, sonando demasiado asequible y, entre comillas, comercial. Pese a esto, darán que hablar, seguro.

Grabado este mismo verano en los estudios Dial Rock bajo la tutela de Jonathan Muñoz, Inerte es el segundo EP de la banda madrileña La Ira De Jack. Fuertemente influenciados por Hamlet o Sôber, la verdad es que en la nota de prensa que nos han facilitado considero que se han dejado otra de sus más claras referencias… Y ésa no es otra que Marea. Cierto es que el combo bebe del metal, pero en las labores vocales de Óscar, sobre todo en la forma de encarar los estribillos, la sombra de Kutxi Romero es alargada, y ya no digamos en esos juegos de guitarra, esos solos. ‘Inerte’ seguramente sería el mayor ejemplo, pero hay otros como ‘Cripta’. Eso sí, en la recta final del lanzamiento La Ira De Jack está más presente que nunca y ‘Superficial’ y ‘Espectro’ se distinguen entre lo más cañero y metálico de esta colección de temas. Entre el rock y el metal nacional se encuentra este combo, así que si te van las bandas citadas, no dudes en probar con ellos.

Vaya por delante que This Thing Called Life no son la típica banda de metalcore saltarina y flequillera que algunos imaginan. Practican una mezcla de metal con hardcore, sí, pero quizá sea su conexión con los ya extintos Dellamorte Dellamore, un combo algo más liviano, la que lleve al equívoco. Dicho esto, lo suyo es una pesada y bastante opresiva aleación de post hardcore y southern metal, emparentándose con Every Time I Die, Converge, Poison The Well, Birds In Row o Norma Jean antes que con grupillos para niños del palo Parkway Drive, Architects y derivados. Este nuevo EP fortalece esta teoría y de qué manera, ofreciendo tres temas tan rudos como inteligentes que, además, apuestan definitivamente por el castellano. Grabado y mezclado por Iván Ferro en los Kollapse Studio y, lo que es más importante, con una masterización a cargo de Brad Boatright en los Audiosiege de Pórtland, esta rocosa tríada te hará sangrar los oídos.

http://boneflower.bandcamp.com/releases

www.facebook.com/lairadejackband

com/album/s-t

https://thisthingcalledlife-band.bandcamp.

SI QUIERES APARECER EN ESTA SECCIÓN, MANDA TU MAQUETA AQUÍ: ROCKZONE (DEMO-LEDORES) C/ZAMORA 46-48 4º 1º B 08005 BARCELONA 10

LAS ARNETTE SESSIONS NOS MUESTRAN EL LADO MÁS CERCANO, ÍNTIMO Y CRUDO DE LOS MÚSICOS QUE SE ACERCAN A LA REDACCIÓN DE LA REVISTA ROCKZONE. A PELO, SIN SEGUNDAS OPORTUNIDADES NI EFECTOS ESPECIALES, ESTE FORMATO NO ES APTO PARA PRODUCTOS PREFABRICADOS, SÓLO PARA QUIENES DISFRUTAN Y RESPIRAN LA MÚSICA .

>> JOEY CAPE Y CHRIS CRESSWELL INTERPRETAN ‘TO ALL MY FRIENDS’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE

i hace dos meses os ofrecíamos la actuación de Chris Cresswell de The Flatliners en la que le acompañaba Joey Cape de Lagwagon, este mes os ofrecemos la segunda parte, en la que intercambian los papeles. Joey nos regaló una magnífica versión de ‘To All My Friends’, el tema que cerraba Double Plaidinum de Lagwagon y que también había grabado en acústico con Jon Snodgrass de Drag The River en el álbum conjunto que grabaron bajo el nombre de Livebirds. De hecho, Joey publicaba en septiembre un disco en solitario titulado Stitch Puppy (Fat Wreck) de sonido acústico y tono tristón. Él es el primero en reconocer que los últimos años no han sido fáciles. De ahí que las letras de Hang, el último disco de Lagwagon, también fueran bastante oscuras. “Stich Puppy fue inspirado por un muñeco que mi hija me hizo hace unos años”, nos cuenta. “Stich es mi posesión más preciada. Míralo así: si mi casa se quemara, después de mi familia y

los animales, salvaría a Stich”. Entre esas tragedias que ha vivido, naturalmente se encuentra la muerte de su gran amigo Tony Sly de No Use For A Name. “Era un gran compositor, un gran letrista y una de mis personas favoritas. No soy creyente, pero cuando estoy componiendo, grabando o tocando, a veces pienso ‘¿Qué pensaría Tony?’. Me gustaría contar con su aprobación”. Es esa honestidad ante los golpes de la vida la que domina al protagonista del álbum. “Parece que Stictch Puppy está solo, que es lo que sientes cuando pierdes a alguien. Todos nos quedamos a ciegas en algún momento, pero eso te hace aprender. La vida está llena de decepciones, deslealtades y abandonos, pero tenemos que elegir entre rendirnos o salir reforzados. Veo la belleza en esas cosas. Así es como veo Stitch Puppy. No se rinde”. Joey escribió el disco a lo largo de unos pocos meses y lo grabó en una semana, lo que le inspiró para empezar el sello One Week Records, en el

que los artistas tienen que grabar con él sus discos en ese tiempo. De ahí que el resultado sea crudo, aunque haya arreglos de piano, interpretados por Brian Wahlstrom, y violoncelo por parte de Serina Chang. También en él encontramos al propio Criss Cresswell en tres temas y a Yotam Ben Horin de Useless ID en otros tres. “Esas oportunidades simplemente surgieron”, explica. “Cada vez que colaboras con alguien, el resultado es algo nuevo. En el futuro me encantaría hacerlo con John K. Samson, Jack Dalrymple, Dan Andriano o Paul Westerberg”. El pequeño vocalista siempre ha estado abierto a otros proyectos fuera de Lagwagon, pero la gran actividad que tiene ahora mismo con el grupo nos hace preguntar cómo piensa compaginarlo con su carrera en solitario. “Mi primer compromiso es con Lagwagon, pero no me gusta el tiempo libre. Mientras tengamos periodos de descanso, seguiré haciendo discos como éste y girando por mi cuenta. Creo que es complementario”.

NOTHING‘S GONNA STOP US

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THE SHELTERING SKY

BLOOM

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Imagina que NICK CAVE se junta con NINE INCH NAILS y con JOHNNY CASH. ¡LA PRÓXIMA GRAN BANDA SUECA QUE DARÁ MUCHO DE QUE HABLAR!

¡Masterizado por Jens Bogren (OPETH, PARADISE LOST, BETWEEN THE BURIED AND ME, etc.)!

Estarán en nuestro país teloneando a GHOST los días 25 de noviembre en Madrid (sala Riviera) y el 30 de noviembre en Barcelona (sala Apolo).

¡Un disco de metal progresivo perfecto para fans de OPETH, KARNIVOOL y HAKEN!

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PISANDO FUERTE_ KIDS OF RAGE FORMACIÓN: Quim (voz), Jorge (guitarra), César (guitarra), Pol (bajo), David (batería) PROCEDENCIA: Barcelona AFINES A: Comeback Kid, Bane, Down To Nothing PRESENTAN: Whatever May Come (Useless Pride)

“PARA NOSOTROS LA EXPRESIÓN ‘WHATEVER MAY COME’ TIENE UN SIGNIFICADO DE LUCHA Y CONSTANCIA. ESTAREMOS AQUÍ SIN IMPORTAR LO QUE VENGA, Y AQUÍ SEGUIREMOS” QUIM

a lucha de Kids Of Rage por mantener vivo este proyecto, después de incontables entradas y salidas durante los tres últimos años, ha tenido premio: su primer largo, Whatever May Come. Las nuevas y, esperemos, definitivas incorporaciones han sentado de lujo al remozado quinteto de Barcelona, ahora más enérgico y contundente que nunca. Sólo dos quintas partes de los autores del EP The First Step, su prometedora carta de presentación, continúan al pie de cañón, Quim (cantante) y Jorge (guitarra). “De cara al exterior puede que alguno se sorprenda al ver cambios y no entienda por qué no habíamos conseguido una formación estable desde el principio, pero para nosotros ha sido todo bastante lógico: algunas bajas no las hemos podido evitar y otras han sido necesarias. En esencia seguimos siendo Kids Of Rage”, explica el guitarra. Y es que los nuevos componentes -miembros y exmiembros de bandas amigas como Read My Lips, My Silence o Crack Del 29- se han volcado en el proyecto, respetando la identidad de Kids Of Rage. “Afortunadamente, los nuevos miembros han sabido encajar a la perfección y las influencias musicales de los cinco son muy parecidas. Han aportado ideas muy buenas”, subraya Quim. Así, entre las bandas de cabecera de los ‘niños de la rabia’ continúan

inamovibles Bane y Comeback Kid, dos bandas con mensaje en las que intentan reflejarse. “Siempre hemos intentado que las personas que nos escuchan se sientan muy identificadas con nuestras letras. No nos consideramos derrotistas ni NMA (Negative Mental Attitude), como tantas otras bandas que nos gustan. Sabemos que la vida es como es. Cruda, difícil, amarga y triste en muchos aspectos. Pero siempre con una idea clara: hay que salir de ese pozo y superarse, con todo lo que tenga que venir. Whatever May Come, ¿te suena? (Risas)”, continúa el cantante. Gestados en El Masnou, como sus hermanos mayores Anal Hard o Releasing Hate, Kids Of Rage van a por todas y confían llegar lejos con esfuerzo y sacrificio. “Para nosotros la expresión ‘whatever may come’ tiene un significado de lucha y constancia. Estaremos aquí sin importar lo que venga, y aquí seguiremos”, afirma Quim. Asumen con ilusión el trabajo que hay detrás de la presentación de su nuevo disco, más allá de los ensayos y de las horas de furgoneta. “Cada día hay trabajo y surgen cosas. Hay que cerrar conciertos, planificar todo, discutir ideas, estar al loro de las redes sociales y actualizarlas a menudo. Puede quemar y hay que saberlo llevar”, prosigue el cantante. El último fichaje, David, conocido por sus labores tras los parches en Read My Lips

y My Silence, se ha encontrado un grupo humano con ambición y, sobre todo, muy compenetrado. “No sé bien cómo sería antes, pero ahora en el ambiente se respira mucho compromiso. Las cosas van bastante rápido y no podemos saber si será la formación definitiva, pero hoy por hoy estamos a tope y muy unidos”, asegura el nuevo batería. Whatever May Come verá la luz de la mano de un sello francés como Useless Pride Records. Que una banda relativamente joven como Kids Of Rage reciba más atención por parte de un sello al otro lado de los Pirineos dispara todas las alarmas: ¿Qué pasa en nuestro país? Porque existen sellos pequeños, DIY, pero falta infraestructura y público. “Si te guías por la asistencia a festivales como el Resu o conciertos de grupos punteros del género como Terror, parece que el hardcore aquí goza de buena salud. Pero si te pasas por los conciertos que se hacen cada fin de semana en sitios como el Kasal de Roquetes, te das cuenta de que esto sigue siendo algo minoritario y que siempre vamos los mismos cuatro gatos”, lamenta Jorge. En la siempre titánica misión de mover una banda de hardcore por la Península, Kids Of Rage esperan contar con el apoyo de Criminal Hardcore Crew, un colectivo del que forman parte junto a otras bandas y aficionados al hardcore cuyo lema es ‘la unión hace la fuerza’. “Intentamos hacer intercambio de conciertos entre nosotros y cada año organizamos un festival. Para estar en este colectivo se exige trabajo, ganas y no pensar sólo en tu grupo”, resume el guitarra. No se puede resumir mejor. El hardcore va de eso. (LUIS BENAVIDES)

DE CINE_CON KIKO VEGA SITGES 2015

48 FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINEMA FANTÀSTIC DE CATALUNYA

CON EL PALMARÉS ción ha sido la primera película calentito del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, vamos manos a la obra con una de las ediciones con mejores títulos en años. The Invitation, lo nuevo de Karyn Kusama (Jennifer’s Body), se llevó merecidamente el premio a la mejor película con la mejor historia del subgénero ‘cenas chungas’ que hemos visto en años. La Bruja, película inaugural dirigida por Robert Eggers, es otro acierto y un clásico instantáneo. Terrible, insoportable, obra maestra. Habrá que marcar de cerca su remake de Nosferatu. Otra de las sorpresas de la edi20

del polivalente Joel Edgerton, que además se ha llevado el premio a la mejor interpretación masculina. The Gift es una inteligente reinvención de la historia de invasiones (graduales) domésticas que adquiere un valor añadido al pervertir los patrones habituales del (sub) género. Otro habitual de la costa, Eli Roth, vuelve a la carga con su película menos violenta y más divertida. De nuevo con un guión a seis manos (Nicolás López y Guillermo Amoedo), el director de Hostel presenta un reciclaje de Hard Candy desde ese punto de vista tan

personal (y gañán) marca de la casa. Divertida por cafre. Mr. Right, de Paco Cabezas, es la mejor película del director de Tokarev. Viendo los antecedentes y el reparto que maneja, no era difícil. Eso sí, aún le falta un poco para redondear sus trabajos, ya que la historia (de Max Landis) está llena de lugares comunes que ya se fotografiaron mucho mejor. Volvía el belga Jaco Van Dormael (Mr. Nobody) con El Nuevo Nuevo Testamento, una comedia que viene del país que me ha adoptado y que, sorpresa, es divertida. Ojo a la pequeña Pili Groyne, a la que vimos en Alléluia y que se ha llevado el premio a la mejor actriz. Anabel, de Antonio Trashorras, es un sencillo paso al frente en forma de pesadilla diabólica para tres desde el mismísimo salón de su casa. Merecido premio Noves Visions Plus. Enumerar los créditos y homenajes de Tales Of Halloween daría para un suplemento de RockZone, así que me limitaré a recomendar su visionado a finales de mes, cuando esté disponible en vuestra tienda de pelis favoritas. Resumiendo: Halloween 3 on steroids. Love & Peace era una de las tres pelis de Sion Sono que estrenaba el festival, además de ser su primer guión (escrito hace 28 años) y la primera de sus películas apta para niños. Todo

esto podría dar a entender que hay algo malo en ella, pero no. Es absolutamente redonda. Dos premios importantes, guión y jurado, para The Final Girls, una de esas metacomedias perfectamente calculadas que, sinceramente, veo carente de alma. La película de Todd Strauss-Schulson gustará a los fans del género menos pasionales; el resto levantará la ceja. Una de mis favoritas, Bone Tomahawk, se quedó el premio a mejor director y también el José Luis Guarner. Esta adaptación bastarda de la novela de Jack Ketchum Al Otro Lado Del Río es la primera película como director de S. Craig Zahler, un tipo que escribe líneas como balas y que transforma un western de gente buena en la pesadilla de esta edición. Green Room, de Jeremy Saulnier, se fue de vacío. Nieta simpática de la comisaría de John Carpenter con agujeros de guión que le juegan una mala pasada. La enésima revisión de Macbeth, a pesar de las brujas (hipster), era demasiado osada para un certamen como el de Sitges, aunque se agradece que no llegue a las dos horas. Demon, del recientemente desaparecido Marcin Wrona, se quedó con la mejor fotografía de forma merecida. Un decadente retrato de posesiones y bodas incómodo y arriesgado que no conectó con el público como esperábamos.

ZONA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, JORDI FORÉS FOTOS: DR

LOS ÚLTIMOS DÍAS DE ROGER LOBUS Óscar Gual

(ARISTAS MARTÍNEZ)

unca tuve la oportunidad de despedirme de mi padre, ya que un infarto lo dejó seco

cuando el hombre tenía poco más de 50 años; teníamos asuntos pendientes, como Junior y su padre Roger Lobus en esta novela. Al menos el protagonista tiene la oportunidad de compartir esos últimos días de tratamiento paliativo en el

enfocar la escena musical, buscó refugio en sus viejos discos y en

hospital, aunque al final no sirvan tampoco para saldar cuentas

pocos meses pasó de ser considerado el gurú musical del instituto

familiares. Los Últimos Días De Roger Lobus incluye agudas re-

a un solitario trasnochado”. Con abundantes guiños remember

flexiones sobre la muerte, la redención, la conciencia y también

(Junior calza unas Reebok The Pump, come pastelitos tipo Pantera

sobre la ciencia ficción, pero con un tono desenfadado y poco

Rosa, ve películas de Bruce Lee, nombra a Axl Rose en un par de

dado a la tragedia. No en vano, Gual presenta una galería de

ocasiones, etc.), de este libro sólo se me escapa el significado

personajes entrañables y carismáticos, como ese heavy drogadic-

final de ese pasaje gore contra un monstruo llamado Llaga. Por lo

to que culpa a Kurt Cobain de todas las desgracias del mundo:

demás, se trata de un buen ejercicio de exorcismo de los demo-

“Fue incapaz de reciclarse o adaptarse a la nueva forma de

nios interiores por parte de su autor.

HOMBRES DE ALAMBRE Stavros Milos (AUTOEDITADO)

i en RockZone ya

que parodia al anterior Papa y al lema del Encuentro Mundial

nos hicimos eco de

de las Familias celebrado en Valencia: ¡Benedicto: equis, uve,

Como El Gallo De

palito! Stavros nos desvela además cuáles son sus placeres

Morón, el prometedor debut

tangibles pero también sus miedos patológicos, y es que esta

literario de Stavros Milos, no

obra está llena de pasajes autobiográficos y de amigos comu-

podíamos pasar por alto su

nes que perfectamente podrían ser los tuyos. De los cuentos

segundo libro. Hombres De

de ficción me quedo con el que narra una reunión inverosímil

Alambre no tiene nada que

de antiguas mascotas olímpicas; ¿qué esperabais de un tipo

ver con aquél y demuestra que el autor es capaz de narrar

que vive recluido en la Albufera, que relaciona las cagadas

en diversos formatos: relatos breves de un par de páginas,

de paloma con los relojes de Dalí y al que se la sopla los

ocurrencias de un párrafo o sentencias de una línea. Sea cual

controles de alcoholemia? Para acabar, un recordatorio a los

sea la forma, el espíritu ingenioso, surrealista y absurdo planea

músicos llorones: “Dedicarse a la música es duro, pero más

sobre las 300 páginas y se ve plasmado gráficamente en unas

duro es ser puta en el desierto o vomitar sin gravedad”. Genio

ilustraciones que parecen garabatos infantiles. A destacar la

y figura.

ZANARDI

Andrea Pazienza (FULGENCIO PIMENTEL)

LAS CATACUMBAS DE SALEM

MIRA QUE ERES PERRO

(THE ROCKETMAN PRO-

(LA CÚPULA)

VV. AA.

Vallès

JECT/AUTOEDITADO)

Fulgencio Pimentel presenta el primer tomo de dos con los que pretende recuperar y editar la obra completa de Andrea Pazienza, Zanardi. El primer tomo dedicado a este autor italiano cuenta con las historias Día, Un Thriller Escolar, El Palo, Verde Matemático, La Propiedad Transitiva De La Semejanza 1 y 2, Noche De Carnaval, Zanardi El Inexistente y La Primera De Las Tres, aparte de abundante material extra sobre el creador. Su atractivo blanco y negro, el aroma años 80 que desprende y la variedad en el dibujo del artista hacen de este trabajo un tomo hipnótico. SG

Las Catacumbas De Salem es un proyecto colaborativo con nueve historias de corte gótico y siniestro ambientadas en la ciudad de Salem y protagonizadas por terrores icónicos de la cultura popular (brujas, demonios y demás) con un cuidado tono en los guiones y resultado irregular en el acabado gráfico, ofreciendo diferentes estilos cada uno de su padre y de su madre, lo que puede descolocar a algún lector despistado. Un volumen muy entretenido y con grandes aciertos para disfrutar del terror como mandan los primordiales. SG

Dentro de la colección El Víbora Comix, se publica esta antología de historias cortas de humor grotesco, feísta y agresivo publicadas en la histórica cabecera El Víbora. Los canes sirven varias veces como hilo conductor y a medida que avanza la lectura el desfase se incrementa hasta llegar un momento en el que el título del recopilatorio cobra todo el sentido que éste busca. Un material muy bueno que nos permite recuperar pequeños pedazos de la historia del tebeo patrio a la vez que nos echamos unas cuantas risotadas salvajes. SG

PAULA CRUSOE: NÁUFRAGA

FANHUNTER ESSENTIAL

LOS LIBROS DE BOND

(DIBBUKS)

(PANINI)

(PLANETA CÓMIC)

Mathilde Domeneq

Publicación enfocada a público infantil y juvenil, pero el adulto que lo regale también debería echarle un vistazo ya que se trata de uno de los álbumes más deliciosos que he leído este mes. Esta historia de una familia perdida en una isla desierta tras un naufragio brilla por saber conjugar de manera muy efectiva la comicidad y plasticidad de su estilo con los momentos amargos que depara el primer número, que son un par y bastante gordos. Lo dicho, toda una sorpresa que te atrapará en cuanto leas sus primeras páginas. SG

Cels Piñol

Ha llovido mucho desde que se editó en 1998 la primera serie regular de Fanhunter. También ha pasado más de una década desde que estos números se recopilaron; por ello, Panini y Cels ofrecen en tapa dura los ocho números de la mencionada etapa. Referencias culturales frikis, cómics, cine, música, videojuegos. Todo esto fluye con total naturalidad en estos comic books que no han perdido nada de magia, recomendados no sólo a los nostálgicos, sino para quienes deseen recuperar un pedacito de la historia reciente del cómic en España. SG

Alastair Dougall

Ahora que llega Spectre y todos los fans de la saga 007 aguantan la respiración ante el pepinazo que promete ser, Planeta Cómic edita estas tres guías visuales con abundante material sobre la serie cinematográfica. El Libro De Bond, Los Villanos De Bond y Las Chicas De Bond desgranan las aventuras del espía acompañándolas de imágenes de las propias cintas y textos explicativos. Material en esencia visual, quizá la única pega es que el repaso sólo alcanza hasta Quantum Of Solace, quedando Skyfall fuera de la colección.

SG 23

TOI’S IN THE ATTIC U2 Y LOS PAYASOS

loha, amigos! Hace unos días U2 ofrecieron cuatro conciertos consecutivos en el Palau Sant Jordi de Barcelona. A estas alturas, ¿dan para tanto? Parece ser que sí, puesto que a pesar de los elevados precios de las entradas consiguieron venderlo todo. Si bien la calidad de sus últimos discos es cuestionable, no se puede más que admirar su extensa trayectoria y la capacidad de haberse mantenido juntos en lo más alto durante casi 40 años, reinventándose en varias ocasiones, porque desde luego nada tiene que ver su disco de debut Boy con su punto de inflexión Achtung Baby, o su último lanzamiento, Songs Of Innocence. U2 desde hace ya bastantes años se han convertido en una banda polémica, provocando amor y odio a partes iguales. ¿Por qué? Pues no puedo dar una respuesta concreta, aunque sí recalcar tres cosas: Bono es un gilipollas histriónico, los fans más acérrimos son un coñazo, y es una banda tan mainstream, que sus conciertos se han convertido en citas

obligatorias para ese colectivo de idiotas que van a fichar al concierto ‘grande’ del año, éstos que agotan entradas a precio de cabaret, en detrimento de los asiduos a música en directo. No, no asistí a ninguno de los conciertos, aunque no me hubiera importado nada haber podido corear ‘Bullet The Blue Sky’ o ‘Even Better Than The Real Thing’, porque otra cosa no, pero hitazos tienen para parar un tren, y los setlists fueron magníficos. Pero cuando empecé a ver imágenes de las crónicas del último concierto con la aparición estelar de Javier Bardém, con una boa y una peluca rubia, haciendo el idiota, y su querida Pe, os juro que se me revolvió el estómago. Peor que la versión de ‘La Macarena’ en la gira PopMart. ¡Qué ridiculez! Harta me tienen estas celebrities que por el simple hecho de ser fans reciben un trato tan exclusivo. Y mejor no hablo del imbécil de Manel Fuentes con su Bruce Springsteen, porque entonces sí que me enciendo. (TOI BROWNSTONE)

18.12.15 GRANADA Industrial Copera 19.12.15 MÁLAGA Eventual Music 26.12.15 DONOSTI Doka Kafe Antzokia 27.12.15 ZARAGOZA Sala López

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bién, que no podía comprar discos que me gustasen porque si no los querría para mí.

ste mes el elegido para mi Hall Of Fame particular es Volume 1 de The Travelling Wilburys. Una vez me invitaron a la fiesta de cumpleaños de un amigo de la familia. Eran aquellos tiempos de cuando los niños se están convirtiendo en adolescentes, y es casi imposible para los padres comprarles los regalos adecuados... Así que mi madre me dio algo de dinero para comprarle algunos discos (o mejor dicho, cassettes), ya que pensó que si a mí me gustaba la música, a él también le gustaría. De manera obediente, me fui a la tienda de discos, pero de camino me di cuenta que, probablemente, no le gustaría el hard rock o heavy metal, ya que no era un amigo tan cercano, y tam26

Así que para asegurarme le compré el primer álbum de The Travelling Wilburys, Volume 1. Si le gustaba la música suave podría disfrutar con algo que fuese un poco más rockero, y si le gustaba más la caña, quizás algo más suave le podía encajar. Estaba totalmente fuera de onda, le gustaba el rap. Todavía fue peor. Acabamos no yendo a la fiesta por alguna razón que se me escapa, pero el cassette de The Traveling Wilburys se quedó en la habitación de mis padres, así que un dia que no tenía nada que hacer le pregunté a mi madre si podía quedarme con él y ella estuvo de acuerdo. Mi introducción al mundo de The Traveling Wilburys no fue debido por unas ganas exageradas de conocerlos, sino por simple aburrimiento. Por suerte, lo que parecía ser al principio un disco demasiado blando, a años luz del thrash y punk que escuchaba, me fue cautivando por su

canciones y melodías, por no mencionar esa formación estelar con Harrison, Dylan, Orbison, Lynne y Petty. A día de hoy todavía puedo escuchar ese disco de principio a fin como si fuera la primera vez. No puedo decir lo mismo de otros discos de mi colección de bandas más duras. Yo ya sabía quién era Harrison, Dylan y Orbison, pero el que más me enganchó fue Jeff Lynne, con el que no estaba familiarizado por entonces. Fue mi llegada al mundo de la ELO con su influencia en canciones como ‘Heading For The Light’, ‘Margerita’ y ‘End Of The Line’. Fue sólo cuestión de tiempo que echara la vista atrás y me sumergiera en el

catálogo de la Electric Light Orchestra. Con dos de sus cinco componentes muertos en la actualidad, es un grupo que se olvida con demasiada frecuencia y superado por las discografías individuales de cada una de ellos. Es fácil ver el porqué. Cuando uno observa lo que han conseguido cada uno de sus componentes y a lo que han llegado, ¿por qué una banda de finales de los 80 que los hizo salir en la MTV iba a dejar huella en la cultura popular? A veces los grandes proyectos salen cuando se hacen para pasar un buen rato y nadie tiene ninguna expectativa. Hasta el mes que viene, DANKO JONES

OJITO A... KITAI FOTO: SERGIO LÓPEZ

Este mes vengo a hablaros de Kitai, un cuarteto que tiene unas ganas locas de comerse el mundo. Sus temas así lo demuestran, son urgentes con muchos cambios de recorrido e incluso precipitados. Suena a tópico, pero su energía en el escenario es destacable, y es un grupo que es conocido por el boca-oreja en el panorama, debido principalmente a eso. La banda esta formada por Deivhook a la batería, Fabio al bajo, Edu a la guitarra y Alex a la voz. Del batería cabe destacar sus andanzas por Estados Unidos, que fortificaron su estilo. De Fabio, que viene a ser como un reloj de potencia en la banda. Edu le aporta un toque británico a las guitarras, rozando ese indie influido notablemente por Muse e incluso Bloc Party. Por último, Alex, de procedencia rusa, es la guinda de carisma que

colma la sabrosa tarta que forma Kitai, con un cierto aire a Ian Curtis, el vocalista de Joy Division. Acaban de publicar el tema ‘Sur’ como adelanto de Que Vienen, su nuevo trabajo. Mezclan metal alternativo con indie rock y en su repertorio también hay lugar para los medio tiempos y baladas. Bajo mi punto de vista, es una banda que va a dar muchísimo que hablar. Si queréis comprobar cómo las gastan en directo podéis cazarlos en alguna de estas fechas de su gira de otoño: 13 noviembre - sala El Sol (Madrid). 14 noviembre - Teatre Lloseta (Mallorca). 20 noviembre - Polaroid Club (Granada). 28 noviembre - sala Sidecar (Barcelona). 11 diciembre - Siberia Fest (Valencia). (LIBERTY MARIO)

VAMOS DE TIENDAS CON RECORD STORE DAY

GRANS RECORDS Dirección: Carrer La Palma 19, Lleida Año de fundación: 2013 Especialidad: vinilos de todos los estilos, nuevos y de

segunda mano. CDs de ocasión y de grupos locales. E-mail: gransrecords@gmail.com

¿Cómo decidiste abrir una tienda? DOMÈNEC MERCHAN “Unas vacaciones en tienda de campaña en Menorca dan para mucho. Hablábamos Belén, mi mujer, y yo de vinilos, de un gran lote que adquirí una vez y que vendí entre mis amigos tras quedarme yo con un montón de álbumes. Los dos éramos aficionados y coleccionistas de discos y la idea era fácil: juntar dinero para un gran lote y conseguir un puesto en el mercadillo de antiguo de Lleida. La cosa cuajó y buscar un emplazamiento fijo fue el siguiente paso. De allí en adelante, de los discos de segunda mano pasamos a los álbumes nuevos, los 30

nos hemos adentrado en el mundo de los equipos de sonido, y ahora mismo, disponemos de un surtido de amplificadores y tocadiscos para los amantes del vinilo. Hay todavía mucha gente con equipos muy alejados de la alta fidelidad, y es allí donde se disfruta la música en todo su esplendor. Para el RSD 2015 editamos un 7” conjuntamente con Ponent Roots, unos chicos de Lleida que le pegan fuerte a la música negra organizando conciertos y festivales. Ahora mismo estamos embarcados en tres proyectos más que tienen, como fruto, la edición de una pieza de vinilo”.

libros y las camisetas”. ¿Cuáles han sido los mayores cambios que ha experimentado la tienda desde que se abrió? “En los dos años que llevamos los cambios han sido muchos. Para empezar los muebles con que empezamos la aventura, hechos con palets reciclados, han pasado a la historia. Ahora son todos nuevos, y hechos por nosotros. Los principales cambios han sido asentarse en la ciudad, darse a conocer. Eso nos ha permitido ampliar el tipo de discos que tenemos a la venta, y ampliar enormemente el material nuevo. También

¿Cuál crees que es el disco que más has vendido en tu tienda? ¿Y cuál el que se sigue vendiendo? “Sin ninguna duda Metallica y Iron Maiden se llevan la palma, pero hemos encontrado un filón con un disco que nos guardamos en secreto, y que todos los vendedores en internet tienen a un precio exagerado. Nosotros lo tenemos un poco más barato y lo vendemos mucho. Ahora ya se ha descatalogado y estamos buscando un nuevo grial”. ¿Recomendarías a alguien abrir una tienda de discos en estos

momentos? “Uno de los veteranos disqueros de Barcelona, ya retirado, nos recomendó que siempre hablásemos mal del negocio, o alguien abriría una tienda al lado de la nuestra. La verdad es que sólo por la gente que hemos conocido y por todos los grandes discos que hemos descubierto merece la pena abrir una tienda de discos”. ¿Qué supone para ti y para tu negocio el Record Store Day? “El RSD lo vivimos en persona con mi pareja antes de tener la idea de comerciar con álbumes. Pasamos un RSD por Barcelona visitando tiendas y viendo conciertos a los pocos días de conocernos. Para nosotros y con dos RSD como tienda, supone una fiesta en toda regla. A parte de editar el 7” junto a Ponent Roots, organizamos conciertos y pinchadas fuera de la tienda con servicio de barra. Juntamos sillas y mesas para que amigos y curiosos puedan compartir con nosotros un día tan especial. Evidentemente se venden discos, de eso se trata, pero nos lo tomamos como el día en que la tienda es algo más que una tienda. ¡Es el día perfecto para sacar un par de platos a la calle y hacer sonar vinilos sin parar!”.

WILD AND RARE ES UNA SECCIÓN DE ROCKZONE EN SOLIDARIDAD CON OXFAM Y APOYADA POR ASICS. LOS INVITADOS EN NUESTRO OCTAVO CAPÍTULO SON DENNIS LYXZÉN Y DAVID SANDSTRÖM DE REFUSED.

ienvenidos de nuevo a Wild And Rare! Esta sección consta de dos partes que podrás disfrutar dándole al play en el vídeo superior. En WILD, los artistas contestan las preguntas no convencionales (y a veces salvajes) de nuestros lectores. Si quieres participar en ella, estate atento a nuestro Facebook, desde donde os convocaremos para que podáis preguntar aquello que siempre habíais querido, y nunca os habían dejado, a vuestros músicos favoritos. En RARE, cada artista dibuja una parte de una obra colectiva que una vez finalizada será única e irrepetible. Una vez completada será sorteada entre los que hayan hecho un pequeño donativo en nuestro proyecto en solidaridad con Oxfam Intermón. El 100% de lo recaudado irá destinado a Oxfam.

Este mes los invitados son Dennis Lyxzén y David Sandström, cantante y batería de Refused. La influyente banda sueca pasó por Madrid y Bilbao acompañando a Rise Against para presentar su disco de regreso, Freedom, pero entre medio hizo una parada en Barcelona para actuar en una sala Apolo abarrotada. Unas horas antes del concierto nos encontramos con los dos miembros fundadores en la terraza de la Apolo para que respondieran a vuestras preguntas, desde que evaluasen su posible impacto en la escena actual a lo que hacen con sus mascotas cuando van de gira. A pesar del tono político y serio de sus letras, la verdad es que ambos mostraron un gran sentido del humor e incluso nos (os) felicitaron porque les había gustado mucho el cuestionario. Esperemos

que también os guste a vosotros y os damos las gracias por la aportación que podáis hacer para Oxfam Intermón. Cada donativo cuenta. Haz tu aportación aquí.

THE WONDER YEARS

b uen o s ve c i n o s

A PESAR DE QUE NI SU IMAGEN NI SU MÚSICA SE RIGEN POR LOS CÁNONES DEL POP PUNK, THE WONDER YEARS SE HAN CONVERTIDO SORPRENDENTEMENTE EN LOS MAYORES VALEDORES DEL GÉNERO. EN SU QUINTO ÁLBUM NO CLOSER TO HEAVEN PROSIGUEN SU VIAJE HACIA NUEVOS TERRITORIOS. TEXTO: ALEJANDRO LOZANO FOTOS: DR

THE WONDER YEARS

“Sí, la verdad es que no hemos parado (risas). El Warped Tour ha sido increíble. Ahora hemos estado haciendo unos conciertos algo especiales para gente que compró el nuevo álbum con antelación, y así también poder estar en contacto con ellos y además practicar lo nuevo; nos lo hemos pasado muy bien. Merecíamos este pequeño descanso antes de empezar la gira a mediados de octubre”.

UANDO EL SEXTETO FORMADO POR Dan ‘Soupy’ Campbell (voz), Josh Martin (bajo), Matt Brasch (guitarra), Casey Cavaliere (guitarra), Mike Kennedy (batería) y Nick Steinborn (teclados, guitarra) salió por fin de aquel sótano en Lansdale, Pennsylvania, no podía imaginar que en poco menos de diez años tendrían cinco álbumes de estudio y se convertirían en los representantes más válidos del pop punk de nuestros días. Después de haber conquistado a la gran mayoría de sus fans tras Suburbia - I’ve Given You All And Now I’m Nothing y su continuación con The Greatest Generation, vuelven a tener nuevo material con el que hacer las delicias de sus más fieles seguidores, No Closer To Heaven (Hopeless). Tan esperada era su llegada que consiguió superar su cifra de ventas en la primera semana con más de 22.000 copias, lo que suponía su mayor éxito hasta la fecha, y no han defraudado a nadie. Habiendo pasado dos años entre cada disco, con éste se produciría una situación diferente, ya que entre medias de este lanzamiento, su entrañable cantante, Soupy, superó una pequeña crisis compositiva en 34

la que no se sentía seguro de seguir abriéndose en cada letra como acostumbraba. Su proyecto más folky en solitario como Aaron West And The Roaring Twenties le valió como vía de escape durante ese mínimo descanso de sus ‘maravillosos años’ para volver con más fuerza que nunca, y así lo demuestra junto al resto de los suyos con nuevos himnos como ‘I Don’t Like Who I Was Then’, ‘I Wanted So Badly To Be Brave’ o la increíble ‘Cigarettes And Saints’. Mientras se preparan para una larga gira, que compartirán junto a grupos tan dispares como Motion City Soundtrack o Enter Shikari, su bajista Josh Martin (a falta de encontrarse mal de la garganta Soupy) nos atendía desde el otro lado del charco para, entre otras más cosas, comentarnos cómo cosecharon este reciente éxito que, posiblemente, les haga estar más cerca del cielo de lo que se piensan.

Cierto, he visto que os habéis juntado con Motion City Soundtrack en una gira conjunta. “Eso es. También nos acompañarán State Champs y You Blew It”.

¿Qué tal estás, Josh? ¿Dónde te pillo ahora mismo? JOSH MARTIN “Muy bien. Estoy en casa ahora, de relax estos días”.

¿Cómo fue la idea de hacer esta gira juntos? “Pues conocimos a los chicos de Motion City Soundtrack cuando tocamos juntos durante el Warped Tour de 2013, y para nosotros fue como un sueño poder estar tocando con ellos cada noche. Hemos sido muy fans del grupo desde I Am The Movie. De hecho, una de las canciones que más nos influenció cuando empezamos The Wonder Years fue ‘My Favorite Accident’, queríamos que nuestro sonido se pareciera a esa canción, era nuestro modelo a seguir (risas). Han sido una gran influencia para nosotros desde entonces, y cuando se lo propusimos, aceptaron encantados. Estoy ansioso por compartir escenario con ellos y, sobre todo, por verles tocar. Son una banda muy divertida en directo”.

Imagino que ha sido un verano duro con el Warped y ahora la promo del nuevo disco.

Sí, es verdad. Lo que no sabía era que habían sido tan influyentes para vosotros,

además de amigos. “Bueno, como sabrás, en esta comunidad es fácil salir de gira, pero a veces hay gente con la que te llevas bien y otra con la que no. Aunque nosotros no hemos tenido malas experiencias con nadie todavía pero, ya sabes, hay de todo. Así que poder estar con gente a la que admiras y que además sean unas personas maravillosas lo hace todo más fácil. Es genial hacer giras así”. Ahora que ya se ha publicado No Closer To Heaven, ¿qué sensaciones habéis encontrado en vuestros fans y en la valoración de la prensa musical? “La verdad es que todo parece ir muy bien. La gente nos ha hecho llegar sus buenas sensaciones sobre el nuevo disco por medio de redes sociales, les hemos ido preguntado cuál era su canción favorita y esas cosas, tenemos mucho interés en saber lo que opinan. Y bueno, en la prensa parece que opinan bien con lo que hemos presentado, así que no podría ir mejor (risas)”. No es para menos, ya que habéis vuelto a sacar un álbum mejor que el anterior. ¿Hubo más presión de la habitual? “Bueno, siempre hay presión cuando entras a grabar, pero creo que es más una presión autoimpuesta por nosotros mismos. Hemos intentado hacer el disco lo mejor posible porque creemos en la música que podemos hacer. Nos gusta desafiarnos en cada disco para hacerlo lo mejor posible. Cada vez que se graba un álbum ya sabes de antemano que

habrá gente a la que no le va a gustar, pero el tema es abstraerte de todo lo que puedan pensar los demás, o las cifras de ventas y esas cosas, para que sea lo más honesto posible y que nosotros nos sintamos orgullosos de lo que hemos hecho, eso es lo importante”. En cuanto a vuestro cantante, Soupy, parece haber cambiado sus letras por algo menos personal de lo que acostumbraba... ¿Puede ser? “Es cierto que todas las canciones que habíamos compuesto anteriormente hablaban de sus experiencias personales y eran muy literales, pero esta vez ha intentado mantenerse apartado de eso, ha querido cantar sobre algo que pueda tener más repercusión en la gente que nos escucha, sin que fuera demasiado político o reivindicativo, que fuera lo suficientemente significativo para cada uno. Siguen siendo tan honestas como acostumbraba, pero no tan literales, por así decirlo (risas)”. ¿Puede que ese alterego que se creó en su proyecto en solitario como Aaron West And The Roaring Twenties le haya ayudado a sentirse más inspirado a la hora de no contar su vida personal y crear una ficticia? “No sé, yo diría que con ese proyecto ha querido caracterizar más a un personaje de una novela, por así decirlo, pero no pienso que haya sido para cambiar su escritura en The Wonder Years. Creo que todos los que formamos el grupo aportamos en todo el proceso creativo, ya sea en las letras o en lo instrumental”.

“SIEMPRE HAY PRESIÓN CUANDO ENTRAS A GRABAR, PERO CREO QUE ES MÁS UNA PRESIÓN AUTOIMPUESTA POR NOSOTROS MISMOS” josh martin

Alguien que parece haberse establecido como un miembro más de vuestra formación es vuestro productor, Steve Evetts. ¿Cuál es el secreto de tan buena relación? “Como sabrás, es el tercer disco consecutivo que grabamos con él, y es una pasada poder tenerlo con nosotros durante todo este tiempo. Es la única persona que ha sabido hacia dónde queríamos dirigirnos desde que empezamos a trabajar con él en Suburbia, y además nos encanta estar en California, donde solemos grabar con él, y relajarnos en la playa. Es un sitio que te ayuda a ser creativo”. Sin haber cambiado vuestro estilo, me parece que habéis sabido diferenciaros de vuestros trabajos anteriores con un sonido más agresivo a veces, y muy delicado en otras. “Sí, como te decía, ha sido un reto que nos hemos tomado en serio, y debido a tantas influencias que tenemos entre nosotros, y toda la música nueva que sale hoy en día, es difícil estancarse en algo concreto. Está claro que tenemos una base con la 35

“QUEREMOS DISFRUTAR DE TODO ESTO MIENTRAS DURE. YO NO PENSABA QUE FUÉRAMOS A SACAR MÁS DE UN DISCO, IMAGINABA QUE HARÍAMOS ALGÚN EP DESPUÉS DE ESO Y NO LLEGARÍA A MÁS”

josh martin

que nos sentimos cómodos, pero creo que hemos ido cambiando en cada disco porque nunca hemos querido hacer lo mismo. No queremos ser el tipo de banda que se repite una y otra vez. Supongo que a ti te pasará algo parecido con tus artículos: a nadie le gusta estar repitiéndose en lo que hace, ya me entiendes. Siempre hay algo nuevo que puedes descubrir y que te influya de alguna manera”. ¿Hay alguna canción que te haya gustado grabar por encima del resto? “Mi canción favorita del álbum es ‘The Bluest Things On Earth’. Salió muy bien desde el principio. Me encanta lo rápida que suena, el estribillo es genial. Pienso que tiene unos arreglos de guitarra increíbles. Me siento muy contento por cómo quedó. Me quedaría con ésa”. A mí la que más me sorprendió, por ese cambio del que hablábamos, fue ‘Stained Glass Ceilings’. La colaboración con Jason Alexander Butler de letlive. me parece que encaja a la perfección. ¿Cómo surgió lo de sumarle a la grabación? “Es un cantante con un talento impresionante, capaz de hacer unas letras increíbles. Hemos sido también muy seguidores de letlive. y también estuvimos con ellos en el Warped de 2013. Pensamos que era muy buena idea llamarle para que pusiera su voz y letra porque creemos que tiene una relevancia bastante significativa a la hora de dirigirse a la gente. Él tiene ese tipo de voz social que representa

la canción y que, pensamos, podía ayudar a darle más fuerza. Fue una pasada verlo grabar y tenerlo en el estudio. Tenías que haberlo visto, tío... fue llegar y clavarlo”. Por el bien del estudio, espero que no pusiera tanto énfasis como en sus conciertos. “(Risas) Se portó bien en cuanto a destrozar cosas. Sacó mucho de su carisma, por supuesto, pero no hasta ese punto. Fue divertido verle”. Algo que también me resultó curioso es la gira que hacéis el próximo febrero con Enter Shikari por el Reino Unido. Supongo que aunque vuestra música sea diferente, como con letlive., lo que más os une es vuestra sinceridad a la hora de ejercer como banda, ¿no? “Sí, sobre todo pienso que lo importante en este mundillo es juntarte con gente que, al igual que nosotros, entienda y comparta los mismos valores éticos, por decirlo de alguna manera. Esa sinceridad la tratamos de proyectar siempre hacia la gente que nos sigue. Cuando Enter Shikari nos ofrecieron irnos en esta gira con ellos nos sentimos muy ilusionados por tener esta gran oportunidad de recorrer el Reino Unido con ellos. Todo lo que nos han contado sobre ellos son cosas buenas, nos han dicho que son unas personas maravillosas. Va a resultar interesante ver el tipo de gente que vendrá a los conciertos, porque ellos abarcan tantos varios tipos de música como de fans, y quiero ver cómo nos lleva eso a nosotros a ser un poco más conocidos en un público

diferente al nuestro”. Ahora que habéis cumplido diez años como banda, ¿habéis alcanzado lo que esperabais cuando empezasteis? “No podía ni imaginarme que tocaría con un grupo de música durante diez años (risas). Nosotros tratamos de vivir todas estas oportunidades que estamos teniendo con el máximo esfuerzo y diversión posible. Queremos disfrutar de todo esto mientras dure. Yo no pensaba que fuéramos a sacar más de un disco, imaginaba que haríamos algún EP después de eso y no llegaría a más. Hemos tenido la oportunidad con Hopeless de poder grabar estos tres álbumes y estamos muy agradecidos de que nos la hayan dado. Queremos llevarlo con la mayor humildad y hacer que dure lo máximo posible. Haber tocado en sitios como España, por ejemplo, es algo increíble”. Yo estuve en el show de Madrid y aún guardo un muy buen recuerdo. ¿Volveréis en algún futuro próximo? “Fue un concierto muy divertido, como en Barcelona, tengo que decir. Pues mira, hace un momento me preguntaba una chica de Portugal si pasaríamos también por allí, pero tengo que morderme la lengua y contestarte lo mismo: nos encantaría poder pasarnos por allí, estaríamos encantados. Aún nos queda un año largo de gira, así que ya lo veremos. Ojalá que sí”.

DEAFHEAVEN

CUANDO CAE LA NOCHE

LAS EXPECTATIVAS LEVANTADAS RESPECTO AL TERCER ÁLBUM DE DEAFHEAVEN ERAN MUY ALTAS, PERO EL GRUPO CALIFORNIANO HA RESPONDIDO A ELLAS CREANDO UNO DE LOS MEJORES DISCOS DEL AÑO. EN LOS SURCOS DE NEW BERMUDA ENCONTRAMOS TODO LO HERMOSA, MISTERIOSA Y FEROZ QUE PUEDE SER SU MÚSICA. Y UN POCO MÁS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR/CARLES RODRÍGUEZ (DIRECTO)

UCHO HAN cambiado las cosas desde que Deafheaven aparecieron en estas páginas en el verano de 2013. En aquel momento acababan de publicar su segundo disco Sunbather, y aunque ya empezaban a publicarse algunas críticas alabando su peculiar ingenio para hilvanar influencias del black metal y del post rock, sus dos figuras principales, el cantante George Clarke y el guitarrista Kerry McCoy, todavía no eran conscientes de lo que tenían por delante. Mientras en los foros y redes sociales se formaban encendidos debates cuestionando su pedigrí metalero o su repentina aceptación por parte del público hipster, la demanda iba subiendo, y el grupo, que renovaría su formación con Shiv Mehra (guitarra), Stephen Lee Clark (bajo) y Dan Tracy (batería), empezaría a agotar las entradas para sus conciertos en clubes y a ser solicitado para actuar en los principales festivales de Estados Unidos, Europa, Asia y Australia. Por primera vez en su carrera, Clarke y McCoy habían encontrado la estabilidad, tanto económica como personal, para encarar sus siguientes pasos con cierta tranquilidad. Y a pesar de eso, cuando iniciaron la creación de New Bermuda (Anti-), el cerebro de Clarke empezó a ser un mar de dudas. Aun habiendo conseguido todo por lo que había luchado, no podía evitar sentirse desplazado e incapaz de saborear el buen momento que estaba viviendo. Hablando con él, te das cuenta

de que es una persona más bien introspectiva, algo parco en palabras, pero también que es precisamente ese mundo interior el que le permite navegar por la compleja música que le sirven sus compañeros. Ahora mismo estás en pleno ciclo de promoción del disco. ¿Te llega a aburrir hablar del grupo o de ti mismo con la prensa? GEORGE CLARKE “No, no me molesta. Creo que es importante que la gente entienda el disco y la banda, y la única manera de hacerlo es haciendo entrevistas (risas)”. El título New Bermuda puede ser interpretado como una metáfora para muchas cosas. ¿Podrías explicar qué significa para ti? “Sí. Se refiere a un nuevo comienzo. O las cosas que implican volver a empezar. Dejar el pasado atrás e intentar reconciliarte con asuntos personales que tenías pendientes. Pero siendo más específico, se refiere a mi traslado a Los Ángeles”. ¿Por qué te fuiste a vivir allí? “Me mudé porque San Francisco se estaba volviendo demasiado cara para mí. Mi novia y yo queríamos poder vivir juntos y eso nos era imposible en San Francisco. Tenemos muchos amigos en L.A., así que no íbamos a estar solos. Al principio me costó un poco ajustarme a la ciudad, pero he

aprendido a aceptarla y ahora me gusta, la verdad”. Leí una cita tuya en la que considerabas que al mudarte allí sentías que habías entrado en tu edad adulta. “Sí. Sabía que una vez tuviéramos nuestro propio hogar y mi vida se estabilizara, me convertiría en un adulto. Nunca había experimentado ese tipo de responsabilidad. Fue todo bastante rápido e intenso. Ha sido una transición extraña, un cambio de ciudad, de vida, muchos cambios… por eso decidí escribir sobre ello”. Y cambios también en la propia carrera de la banda. ¿En qué punto notasteis que estaba tomando un rumbo que no habíais anticipado? “Sobre todo cuando empezamos a recibir un montón de ofertas para tocar a nivel internacional. Fue entonces cuando empecé a pensar que la banda podía convertirse en mi carrera”. Debido a eso, las circunstancias en las que creasteis New Bermuda fueron muy distintas a las de Sunbather. ¿Disfrutaste más del proceso? “Cada disco pasa por un periodo difícil cuando lo estás creando, pero esta vez fue bastante divertido y me gustó que todo el mundo estuviera involucrado. En general creo que fue una experiencia mejor”. 39

“POR CADA ELOGIO RECIBIMOS LA MISMA CANTIDAD DE ODIO. CREO QUE ESO ME MANTIENE BASTANTE EQUILIBRADO” GEORGE CLARKE

¿Crees que el contar con una formación estable tuvo una gran influencia en el disco? “Sí, la tuvo. Kerry sigue siendo el compositor principal, pero todo el mundo pudo aportar sus ideas. Creo que la música se benefició de ello y hemos salido reforzados como grupo claramente”.

No sé lo que piensas, pero el trabajo de Dan a la batería me parece espectacular… “Sí, es increíble. Creo que esta vez ha subido a otro nivel y su aportación es fundamental. Siempre ha sido un batería fenomenal, pero creo que este disco es su plataforma para enseñárselo a todo el mundo”.

La larga gira de Sunbather supongo que también fue una prueba definitiva de vuestra solidez. “Sí, puede ser duro, pero puestos a tener un trabajo, éste es el más divertido que puedas tener. Me parecería injusto quejarme porque cada trabajo tiene sus dificultades. En nuestro caso la mayor es estar fuera de casa, pero no lo cambiaría por nada. Además, tenemos la suerte de que somos todos buenos amigos. Ocasionalmente alguien te pone de los nervios, pero todos estamos al mismo nivel”.

En el disco hay muchos pasajes melódicos y muchos cantantes hubieran estado tentados de ir en esa dirección. Sin embargo, tú te has mantenido fiel a tu estilo. ¿Pensaste en algún momento en cambiarlo? “Estoy abierto a la idea. Si podemos incorporar voces limpias de una manera que resulte interesante, lo haremos. Pero esta vez pensaba que las canciones necesitaban esas voces más agresivas. Creo que he madurado en ese estilo y además, el contraste entre las voces duras y las

partes más suaves de nuestra música queda muy bien. Pero quizá en el futuro probemos voces limpias, no lo descarto”. También creo que tu papel en el grupo es muy generoso. La voz aparece sólo en momentos muy concretos, dejando que el resto de la banda pueda explayarse. “Sí, me gusta ese enfoque minimalista. Quiero que los demás tengan espacio para respirar e ir tan lejos como quieran. Nuestras canciones son largas, y creo que podría llegar a ser agobiante si cantara todo el tiempo”. ¿Escribes tus letras como si fueran poemas? “Sí, intento ser un poco poético. Las letras necesitan tener carácter y un significado personal”. Kerry ha mencionado a Oasis

“SIEMPRE HE PENSADO EN MI MANERA DE ACTUAR EN DIRECTO COMO UN CRUCE ENTRE PHIL ANSELMO Y FREDDIE MERCURY” GEORGE CLARKE

empieza a sentirse inútil. Básicamente eso es lo que me pasó”. ¿Te estás acostumbrado a los elogios? “No lo sé (risas). Por cada elogio recibimos la misma cantidad de odio. Creo que eso me mantiene bastante equilibrado”. No te afecta ni por un lado ni por otro… “No. Simplemente estoy feliz de que la gente venga a los conciertos y nos apoye comprando el disco. Aprecio mucho que la gente invierta su tiempo en nosotros”.

como una inspiración, pero la parte final de ‘Gifts To The Earth’ me recuerda más a algunos pasajes más épicos de Guns N’ Roses. ¿Te gustan? “(Risas) Cuando era un niño escuchaba a Guns N’ Roses, pero no creo que sean una influencia directa. Pero me parece una comparación guay. No me molesta para nada (risas)”. El disco empieza con la frase “¿Dónde se fue mi pasión?”. ¿Realmente la habías perdido? “Sí. Cuando me mudé a Los Ángeles tuvimos mucho tiempo libre y empecé a sentirme estancado y deprimido. No estaba haciendo nada y no sentía

emoción por nada. Una falta total de pasión. Sunbather sonaba como alguien que no tiene nada pero es capaz de disfrutar de la vida. Sonaba edificante. En cambio, New Bermuda es mucho más tenso”. ¿Pero todos los elogios que habías recibido por Sunbather no te servían para animarte o como estímulo? “No era una cuestión de falta de confianza. Cuando no tengo nada que hacer o en lo que centrarme, me deprimo fácilmente. Una vez empezamos a hacer el disco, la cosa cambió totalmente. Creo que cualquier persona que esté mucho tiempo sin trabajar

Bueno, por si necesitas que te suba el ego te diré que me pareces uno de los artistas más elegantes que he visto encima de un escenario en tiempo. Eres casi como un bailarín. ¿En quién te inspiraste para actuar así? “Siempre he pensado en mi manera de actuar en directo como un cruce entre Phil Anselmo y Freddie Mercury (risas). No sé, me gusta ese rollo. Es la manera en la que la música me hace mover”.

EXXASENS

objetivo:

la tierra

EL POST ROCK ESPACIAL DE EXXASENS SIGUE PROPAGÁNDOSE POR EL UNIVERSO Y CAPTANDO LA ATENCIÓN DE UN PÚBLICO CADA VEZ MÁS INTERNACIONAL. PRIMERO FUE RUSIA, AHORA JAPÓN… ¿HASTA DÓNDE LLEGARÁN? TEXTO: MARC LÓPEZ FOTOS: MARC DURÁN

orDi rUiZ siempre había

soñado con viajar al espacio exterior... Pero de momento se conforma con traspasar nuestras fronteras al frente de Exxasens, el proyecto que fundó en 2008 y que desde 2011 se ha consolidado como banda con las aportaciones de Cesc Céspedes (bajo), Oriol Planells (batería) y Sergio Ledesma (teclados, electrónica). El roce hace el cariño, y los miles de kilómetros que los barceloneses han viajado por toda la geografía nacional y europea han sido claves para que la complicidad entre ellos se haya multiplicado exponencialmente. De igual manera, la experiencia adquirida al compartir escenario con bandas como Maybeshewill, 65daysofstatic, Tides Of Nebula o Toundra han ayudado a que, en su quinto trabajo, Back To Earth (Aloud Music), esta sensación de banda, que ya transmitían en directo, se haya hecho más notable gracias a un sonido más orgánico y a la participación por primera vez del colectivo en las composiciones. El propio Jordi nos cuenta cómo ha vivido la evolución desde dentro. En primer lugar, felicidades por el nuevo disco. ¿Cuál fue la génesis de Back To Earth? ¿Tenías una idea clara de hacia dónde tirar? JORDI RUIZ “Muchísimas gracias. La verdad es que este disco, como cualquier otro de Exxasens, no se concibe con una idea clara en un inicio. El punto de partida siempre es comenzar componiendo y produciendo canciones completas. Es en la etapa final, cuando ya está completo el repertorio del disco, cuando se termina de ajustar y arreglar el soni-

do de las canciones en función de la temática elegida”. Aunque el grupo empezó como tu proyecto personal, poco a poco se ha ido conformando en una banda. ¿En qué medida ha cambiado esto la dinámica creativa? “Este álbum es un híbrido entre composición personal y de grupo. Se han compuesto tres temas, ‘Hugeness’, ‘Supernova’ y ‘Bright Side Of The Moon’, donde cada uno de los miembros de la banda ha aportado su granito de arena, y donde la composición ha sido totalmente colectiva. En el resto de temas me he encargado de la composición y arreglos, como he hecho en el resto de álbumes de Exxasens. En esta obra el papel de los músicos que forman la banda ha sido decisivo, sobre todo en la grabación del álbum, ya que cada uno ha interpretado al 100% su instrumento, incluyendo la batería, elemento que se graba de forma real por primera vez. En los anteriores trabajos estaban programadas”. Las bases suenan algo más contundentes. ¿Es consecuencia de haber tocado mucho en vivo? “Creo que más bien es una consecuencia de que estas baterías estén tocadas por una persona real, en este caso, Oriol Planells, un grandísimo batería que mama de estilos tan dispares como el blues, el progresivo o el metal. Como te comentaba, en los anteriores álbumes las baterías estaban programadas perdiendo de esa forma ese toque orgánico y de contundencia que este álbum sí tiene.

Además Oriol le pega muy fuerte”. Una de las principales novedades del disco es la mayor presencia de voces. ¿A qué se debe? ¿Será una tendencia que irá a más en próximos discos? “Creo que más bien es un recurso que hasta ahora Exxasens no había utilizado pero que sin duda utilizará en un futuro. Todo dependerá del momento y de si las canciones que vayamos componiendo se enriquecen o no introduciendo voces. Digamos que no nos cerramos puertas”. ¿Te gustaría destacar algo de la grabación en sí? “Pues básicamente el proceso. Hasta este disco todo el proceso de grabación, producción y arreglos lo había realizado en mi casa. En este hemos hecho un mixto. Hemos grabado baterías y bajo en el 7Barbas Estudio de Barcelona y todo lo que son sintetizadores, teclados y guitarras, como en el resto de álbumes, en la tranquilidad de mi casa. Cualquier músico que haya grabado en un estudio sabrá que el tiempo es limitado, si reservas el estudio durante X días y tu presupuesto no es muy grande, tendrás que limitarte a grabar lo que puedas sin tiempo prácticamente para experimentar, realizar arreglos... Es esa parte la que a mí más me emociona y la que creo que define el sonido de Exxasens, es por ello que toda la parte armónica la grabamos en mi casa, para, de esta forma, no tener limitaciones de tiempo”. ¿Por qué os decidisteis a re-

éxito notable teniendo en cuenta la exigencia de este tipo de público. Otro punto clave para nuestra carrera es que una discográfica japonesa, Ricco Labal, haya editado el disco en Japón y sudeste asiático”.

grabar ‘Your Dreams Are My Dreams’? ¿No estabas satisfecho con la versión original? “’Your Dreams Are My Dreams’ es la segunda canción que grabé con Exxasens. La verdad es que estoy muy satisfecho con el resultado que obtuve hace ocho años; con pocos medios conseguí hacer sonar medianamente decente un tema que para mí es marca de identidad del proyecto. Para este disco me planteé como un reto regrabar el tema, pero esta vez con una banda de verdad, es como hacer más terrenal el sonido del Exxasens y, a la vez, demostrar que un tema grabado hace ocho años puede continuar sonando actual después de tanto tiempo. Además, encajaba muy bien con el concepto del disco, Back To Earth, volver a la tierra”. La imaginería y ambientación espacial sigue presente en este álbum. ¿Lo ves como algo intrínseco en Exxasens? “Totalmente. Siempre hemos intentado apoyar la música de Exxasens con visuales ambientados en la conquis44

ta del espacio, eso se aprecia muy bien en nuestros directos. Con este nuevo álbum, Back To Earth, vamos a intentar derivar la temática hacia cosas más terrenales. No es que estemos cansados del espacio, pero sí creemos que ahora es el momento de investigar otros mundos, sobre todo desde el punto de vista de lo visual y del directo”. ¿Os planteáis la carrera del grupo con un enfoque internacional? ¿Es incluso ahora más una prioridad tocar fuera que por aquí? “Pues nuestro objetivo básicamente es orientar nuestra carrera fuera de estas fronteras. Acabamos de realizar una minigira por el norte de Europa, por Francia, Alemania, Holanda y Luxemburgo, y la experiencia ha sido más que positiva. Poco a poco nuestra música empieza a encajar en otros circuitos no necesariamente asociados al de la música instrumental. Como ejemplo, el haber tocado en el festival ProgPower, referente del género progresivo y donde hemos tenido un

Supongo que una de las cosas buenas de tocar con bandas extranjeras y para el público de fuera es que puedes valorar en qué nivel se encuentra tu grupo. En ese sentido, ¿crees que Exxasens puede mirar de tú a tú a cualquier banda con la que habéis compartido escenario? “La verdad es que no nos gusta compararnos con ninguna banda. Por nuestra parte cada concierto nos lo tomamos con una profesionalidad extrema, intentamos dejarnos la piel haya diez personas como mil, y a nivel técnico invertimos lo necesario para sonar como cualquier banda grande. Digamos que nos gusta quedar bien con nuestro público y para ello hay que dar lo mejor de uno mismo. A parte de horas de ensayo hay que trabajar muy bien la producción del directo y hay que saber acompañarse de grandes profesionales para poder tener los resultados que uno espera, y creo que en el punto en el que estamos eso ya lo hemos conseguido”. Por último, ¿qué sueño os queda todavía por cumplir? “El mayor sueño sería poder llegar a vivir de esto, aunque siendo realistas, es bastante improbable”.

PARKWAY DRIVE

salto al vacio

YA EN SU ANTERIOR ÁLBUM, EL EXITOSO ATLAS, PARKWAY DRIVE DEJARON ENTREVER QUE EN SU SONIDO HABÍA CABIDA PARA ALGO MÁS QUE SÓLO METALCORE. APENAS TRES AÑOS MÁS TARDE, LA BANDA MÁS GRANDE DE SU GENERACIÓN DENTRO DE SU ESTILO VUELVE CON UNA OBRA QUE SUENA COMO UNA DE ESAS OLAS QUE TANTO LES GUSTA CABALGAR: MÁS GRANDE, FURIOSA Y DESAFIANTE QUE NUNCA. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR

E SUELE OCURRIR con bastante frecuencia el llegar tarde a la hora de descubrir a muchas bandas. Pongo un ejemplo: en abril de 2012 unos amigos vinieron de visita a Madrid para asistir al concierto que Parkway Drive ofrecieron en la sala Arena dentro del Vans Tour. Aunque por aquel entonces no conocía ni tampoco había prestado mucha atención al grupo, decidí acercarme con ellos para echar unas cervezas antes de entrar. Os podéis imaginar entonces cómo me quedé cuando me encontré con una señora cola que llegaba hasta el final de la calle llena de chavales esperando a que abriesen las puertas. ‘¿Tan buenos son como para mover tantísima gente?’, pensé para mis adentros. Ese mismo verano, al asistir al festival Area 4 en Alemania, pude observar que la fiebre por Parkway Drive era todo un fenómeno a nivel global, ya que seguramente fue su camiseta la que más vi entre el público durante aquellos días... y eso que ni tan siquiera participaban en el evento. Fue justamente a mi regreso a España cuando empecé a indagar el porqué tanto furor coincidiendo con el lanzamiento de su cuarto largo, Atlas. Comparado con sus anteriores trabajos, se notaba que los australianos tenían ganas de abrirse y esquivar la dichosa etiqueta del metalcore. Igualmente, recuperé sus discos anteriores y aunque me resultaban interesantes, no terminaba de conectar del todo con ellos. Hasta que un año después tuve la oportunidad de verles en directo (curiosamente, en otro Vans Tour) y ahí ya lo comprendí todo, tras caer aplastado por su descomunal fuerza sobre las tablas y la locura que desataban en la pista. Viendo los pre-

cedentes, parecía claro que Winston McCall (voz), Jeff Ling (guitarra), Luke Kilpatrick (guitarra), Jia O’Connor (bajo) y Ben Gordon (batería) se encontraban en su punto álgido desde que hace algo más de diez años se animaran a montar su propia banda de hardcore en la bonita localidad australiana de Byron Bay, y que incluso su salto a recintos más grandes estaba llamando a la puerta. Dicho y hecho. El próximo mes de febrero -el 8 en la Razzmatazz de Barcelona y el 9 en el Palacio de Vistalegre de Madridaterrizarán en nuestras tierras para presentar Ire (Epitaph), una obra que además de continuar alejándoles del sonido de sus inicios, es la mejor carta de presentación para poder tocar en pabellones ante miles de personas. Algo que, como suele ocurrir en estos casos, no ha tardado en crear división entre sus seguidores. Pero como bien nos comentó el buenazo de Winston desde la otra punta del mundo, él prefiere quedarse con la parte positiva de todo el asunto. Viendo el buen humor que gastó durante toda la entrevista, no lo ponemos en duda. Me he enterado de que has sumado el paracaidismo a vuestras actividades de ocio en lo días libres de gira. ¿Cuándo empezó esta nueva afición? WINSTON McCALL “(Risas) Todo empezó con el vídeo de ‘Vice Grip’, no lo había hecho antes. La verdad es que siempre he tenido miedo a las alturas, así que el paracaidismo no entraba en mis planes (risas). Pero una vez lo probé, me volví un adicto”. Nunca lo he hecho, pero tiene

“PERSONALMENTE PREFIERO QUEDARME CON LO QUE ME DICE UNA PERSONA A LA CARA QUE CON LO QUE PUEDA DECIR ALGUIEN DE MANERA ANÓNIMA A TRAVÉS DEL ORDENADOR” WINSTON MCCALL

que dar mucho miedo… “Así es, pero tienes que hacerlo. Da miedo pero es increíble”. ¿En algún momento, cuando estás en caída libre, llegas a pensar que vas a morir, o todo ocurre tan rápido que no piensas en nada? “Para serte sincero, nunca he pensado que iba a morir. Todo está mucho más controlado de lo que piensas. Cuando estás a esa altura y vas a saltar, piensas que hasta que se abra el paracaídas vas a estar totalmente aterrado, pero la realidad es que llegas a disfrutarlo porque te han enseñado cómo funciona todo el mecanismo, y algo muy grave tiene que pasar para que falle. Es increíble poder disfrutar de las vistas que tienes una vez se abre el paracaídas. Por ahora todo ha ido muy bien; el día que algo falle y tenga que abrir el paracaídas de emergencia, me cagaré encima (risas)”. Muy bien. Pasando ya a la música, en Atlas ya disteis ciertas pistas de vuestra intención de abrir más vuestro

sonido y de ir abandonando la etiqueta ‘metalcore’. Viendo lo bien que funcionó, ¿visteis claro que era la línea que queríais continuar con Ire? “En parte sí y en parte no. Creo que en Atlas abordamos nuevas cosas pero siempre dentro del sonido muy específico de Parkway Drive. Si escuchas los cuatro primeros discos sonaban muy parecidos, aunque en Atlas nos abriéramos un poco. Esta vez queríamos redefinir cada aspecto de ese sonido. En lugar de reciclar el estilo que habíamos ido construyendo, creamos el nuevo disco a partir de los pequeños giros que habíamos dado, convirtiéndolos de esta forma en las partes centrales de los temas. Así que creo que hemos conservado la esencia de lo que somos, pero al mismo tiempo, hemos ampliado un montón lo que éramos”.

Escuchando el disco, tengo la sensación de que os habéis tenido que divertir mucho probando tantas ideas distintas... ¿Disfrutasteis más del proceso de composición esta vez? “Sí, totalmente, al 100%. No fue porque no nos divirtiéramos en el pasado, sino porque fue un poco más fácil. Ahora sabemos mejor cómo hacer las cosas. Empezamos el grupo siendo unos chavales que no tenían ni idea y a quienes el productor decía cómo hacer las cosas. Fue así como fuimos aprendiendo. En cambio ahora tenemos todo ese conocimiento y hemos podido usarlo para crear algo totalmente diferente. Nunca me había divertido tanto, pero tampoco nunca había trabajado tanto. Por eso nos llevó más tiempo acabar el álbum. Tuvimos que dejar de lado lo que habíamos aprendido durante diez años,

todos los instintos y sistemas que teníamos para componer, en plan ‘tienes una parte rápida, un blast beat, un breakdown’… Para nosotros eso ya no podía funcionar, así que tuvimos que empezar desde cero. Trabajamos con un montón de ideas, porque todo era posible. Cualquier cosa podía servir para crear un nuevo tema”. Tanto las letras de Deep Blue como Atlas tenían un trasfondo de amor por la naturaleza y el medioambiente. En cambio un título como Ire resulta muy explícito, más cabreado. ¿Querías cambiar también el tono de las letras? “Sí. En el pasado escribía usando muchas capas. Había un mensaje, pero quedaba oculto bajo muchas metáforas con las que quería darle un sentido artístico. Esta vez tenía menos

PARKWAY DRIVE espacio en la propia música para incorporar mis letras, por lo que tenía que ser más directo. Así que busqué más una conexión humana que no el usar palabras que sonaran bien. Quería que quien escuchara el disco captara de inmediato que soy un ser humano y que estoy muy cabreado, en lugar de tener que descifrar cómo me sentía leyendo el libreto. Eso era lo importante”. Pero es curioso porque la banda, y vosotros como personas, transmitís la imagen de ser gente feliz, muy amable, pero al mismo tiempo, sois conscientes de lo que ocurre a vuestro alrededor. ¿No te daba miedo romper esa imagen y mostrar un lado más oscuro? “No, para nada me preocupaba eso. La parte amable que ves de mí es gracias a que el lado oscuro sale en las canciones. Las dos partes funcionan juntas y forman parte de la misma persona. Eso es algo que también quería mostrar. No por el hecho de que haya negatividad en las letras, y mucha rabia y resentimiento, quiere decir que seas peor persona. Por eso el disco se titula Ire. Negar estos sentimientos es negar que eres humano y 50

“LA HISTORIA DE ESTA BANDA ES UN CONTINUO ‘¿QUÉ COÑO HACEMOS AQUÍ?’. NUNCA HUBO NINGÚN PLAN” WINSTON MCCALL

que hay cosas que te pueden cabrear. Si no aceptas esos sentimientos, te estás desarmando”. Sin embargo, en la educación y las relaciones personales en general, la tristeza o la rabia son vistas como sentimientos negativos, pero si no los aceptas, es imposible que aprendas cómo procesarlas. “Sí, ése es el problema. He leído muchos libros y he hablado con mucha gente al respecto. El hecho de negar sentimientos que forman parte de tu personalidad sólo puede hacerte daño. Creo que dado el clima social y político, ignorar esa rabia es como meter la cabeza en la arena y autoengañarte. Lo importante es aprender a procesar esas emociones y conducirlas hacia algo positivo”. ¿Cuándo fue la última vez que sentiste que no habías gestionado bien una situación a nivel emocional? “(Risas) Cada dos semanas me ocurre. Es un desafío (risas). Nuestro estilo de vida es muy complicado e implica separarme de la persona a la que amo. Así que mentalmente tenemos mucha mierda que procesar. Y también hay asuntos políticos en los que

estamos involucrados que no son fáciles de gestionar, porque se mezclan aspectos emocionales con aspectos racionales. No es fácil desconectar uno de otro y siempre tienes que revisar cuál será la mejor manera de afrontarlos”. Volviendo al disco, sin duda el tema que más llama la atención es ‘Writings On The Wall’. Cuéntame cómo surge una canción así. ¿Os llevó mucho acabarla tal y como queríais? “De hecho, sí. Soy un súper fan de Tom Waits y Nick Cave. Son mis dos influencias principales. Pero si tuviera que quedarme con uno, te diría Tom Waits porque me encanta lo emocional y crudo que es. Hace música muy dura sin hacer música dura. Su uso de la percusión unido a la narrativa es espectacular. Así que tenía esa idea de usar las patadas y las palmadas y un día a las seis de la mañana me puse a escribir la letra. Fue la primera canción que escribí y les dije si querían probarla. Obviamente suena muy diferente a Tom Waits, pero el germen de la idea surgió de él. Fue una batalla enorme terminar esa canción. Te diría que me llevó un año de clases de canto el estar preparado para cantar un tema así, sin gritar (risas). Tuve que

construir una voz, que no era un grito, pero que tuviera la misma energía. Fue un gran desafío. Pero ver cómo algo que tenía en la cabeza se convertía en algo aún más grande de lo que había imaginado fue increíble”. En cierto modo, lo que está sucediendo con algunos grupos de metalcore es lo mismo que le pasó al nu metal. Llegó un momento en el que todos los grupos empezaron a sonar tan exactamente igual que muchos se vieron obligados a moverse en diferentes direcciones para así evitar sonar caducos al poco tiempo. Por ejemplo, uno de los primeros en hacerlo fueron Deftones. ¿Piensas que animareis a que otras formaciones sean más valientes a la hora de salir de esa zona de comfort? “¡Espero que sí! Es muy interesante que menciones a Deftones porque una de las primeras personas en escuchar el disco nos dijo que le recordaba a lo que ellos habían hecho (risas). Pero la razón por la que hicimos esto no fue tanto porque estuviéramos hartos de que todos los grupos sonaran igual, sino porque después de diez años nos apetecía hacer algo distinto. No queremos destrozar lo que hemos hecho, pero tampoco seguir haciendo lo mismo sólo porque es la opción más segura. No sabemos qué respuesta tendrá, pero es lo que queremos hacer en este momento. Lo cierto es que vivimos en una época en que se pone mucho énfasis en las etiquetas: metalcore, deathcore, black metal, death metal… Ves un montón de chavales discutiendo por dos bandas que suenan casi idénticas pero que, por algún detalle, una

entra en una categoría y la otra no. Para mí es tan… estúpido (risas). Un sonido es un sonido. Si te gusta lo escuchas, y si no, tampoco se acaba el mundo. Cuanto más rápido se dé cuenta la gente de que puede escuchar lo que quiera y que puede crear lo que quiera, mejor. Puede que haya bandas que decidan que quieren seguir haciendo el mismo disco durante diez años, pero no es nuestro caso”. Pero estarás al corriente de que algunos fans han puesto a parir el nuevo disco... ¿Te afecta de algún modo? “Si no les gusta, no les gusta. Entiendo que haya críticas porque el álbum suena distinto, pero lo cierto es que hemos tenido esas críticas desde el primer trabajo. Cuando sacamos el EP Don’t Close Your Eyes, ya hubo quien dijo que no era tan bueno como los dos temas que habíamos sacado en nuestro primer split. Y cuando sacamos Killing With A Smile, hubo quien dijo que no era tan bueno como el EP. Así que en cada paso que hemos dado hemos tenido crítica. Es imposible complacer a todo el mundo”. A pesar de todo esto, hay algo que me resulta llamativo. La gente, cuando un grupo cambia su sonido, normalmente siempre suele quejarse de que se han ablandado o han incluido partes melódicas. Sin embargo, puede que vosotros hayáis variado algo vuestro sonido, pero no se puede decir que sonéis más suaves. Sigue habiendo riffs muy pesados y tú sigues gritando como una bestia. “(Risas) Sí, así es como son las cosas.

Hay mucha música ahí fuera y cada uno decide lo que ama y lo que odia. Y todo el mundo quiere que el resto sepa exactamente lo que piensa de cada banda. Cada vez que tienes una respuesta negativa, parece que todo el mundo te odie. Sabíamos cuando sacamos ‘Vice Grip’ como single que provocaría esa reacción negativa, pero cuando empezamos a tocarla, a los tres conciertos, ya se había convertido en el tema con una mejor respuesta. La gente la canta, sonríe, me han dicho que les parece genial… Así que aunque tengas 600 comentarios negativos, ¿cómo son de representativos respecto a los miles que sí les gusta? Son como una gota en el océano. Y personalmente prefiero quedarme con lo que me dice una persona a la cara que con lo que pueda decir alguien de manera anónima a través del ordenador (risas)”. Las líneas de guitarra más melódicas me han recordado mucho a In Flames. ¿Les consideras otra influencia básica en este disco? “No, para nada (risas). Es muy interesante porque cada vez que alguien nos dice que algo les recuerda a otra banda, no tiene nada que ver con la idea que teníamos. Hay gente que nos ha dicho que le recuerda al metal de los 80, pero nunca hemos escuchado metal de los 80 (risas). Quizá un poco de Iron Maiden, como mucho. Tocamos en muchos festivales y vemos todo tipo de bandas, pero en el autobús apenas escuchamos nada (risas). No escribimos con ninguna influencia en mente. Si Jeff nos enseñaba un riff, no pensábamos si sonaba a otra banda. Te diría que hace mucho tiempo que no componemos a base de influencias 51

“QUERÍA QUE QUIEN ESCUCHARA EL DISCO CAPTARA DE INMEDIATO QUE SOY UN SER HUMANO Y QUE ESTOY MUY CABREADO, EN LUGAR DE TENER QUE DESCIFRAR CÓMO ME SENTÍA LEYENDO EL LIBRETO. ESO ERA LO IMPORTANTE” WINSTON MCCALL

externas. La influencia principal era la de no descartar nada. Quizá en el pasado hubiéramos desechado un riff porque no nos encajaba en lo que pensábamos que era Parkway Drive. Esta vez eso no ocurrió. Pero me divierte ver las comparaciones que hace otra gente, porque para nada era nuestra intención”. Por cierto, ¿qué te ha parecido el nuevo disco de Bring Me The Horizon? “¡Me encanta! Creo que es jodidamente increíble. Respeto muchísimo que hayan querido hacer algo distinto. No diría que es un disco heavy, pero para mí eso no es lo más importante. Lo impresionante es la cantidad de sonidos que cubren en tan poco tiempo, y los hacen todos bien. A muchos grupos les cuesta conseguir un buen sonido en cinco discos. Ellos han conseguido un montón de sonidos en un solo disco y te aseguro que eso no es nada fácil. Han dado un paso jodidamente atrevido”. Cuando entrevistamos a bandas australianas siempre aparece vuestro nombre como los responsables de haberles abierto las puertas. ¿Os tratan los otros grupos especialmente bien debido a eso? “No sé. Somos gente amigable, así que supongo que nos tratan bien por ese motivo. Creo que es una cuestión personal más que otra cosa. De hecho, te diría que es casi al contrario. Dado que nosotros sabemos lo duro que es abrirte paso a nivel internacional, intentamos ponerlo un poco más fácil a los demás (risas). Quizá hemos abierto las puertas a otras

bandas, pero no siento que nadie nos deba nada”. Antes hablábamos de vuestra buena imagen, y en directo llama mucho la atención que, a pesar de la brutalidad de vuestra música, siempre estáis sonriendo. En cierta manera me recordáis a Sick Of It All. Por muy agresivo que sea su sonido, mantienen un actitud positiva, sin intentar demostrar lo duros y malotes que son como otros grupos de metal. ¿De qué bandas aprendisteis esta actitud positiva? “Nosotros crecimos en la escena hardcore, no en la metal. Nos gustaba la música rápida y dura, pero las bandas tenían un mensaje. Grupos como Sick Of It All, Madball, Hatebreed y un montón de bandas australianas que nunca han salido de ahí son con las que crecimos. Las letras siempre eran edificantes, aunque la música fuese rabiosa. Por eso nunca he salido al escenario como una persona agresiva que sólo escupe rabia y es amenazante, porque ése no soy yo. No tenemos un alter ego para actuar en directo, nos mostramos como somos”. Hace poco estuve visionando otra vez vuestro DVD Home Is For The Heartless y me sorprendió la cantidad de sitios tan poco habituales en los que habéis llegado a tocar. ¿Crees que seguirá siendo posible hacer este tipo de tours, en los que vais a lugares exóticos y os vais de aventura por el mundo, ahora que Parkway Drive cada vez es

más y más grande? “Espero que sí (risas). Hemos estado en un montón de lugares, pero todavía nos quedan muchos más. Ese deseo no nos ha abandonado. Nosotros venimos de un pueblo pequeño, así que tenemos la perspectiva de una comunidad pequeña. Pero tengo un globo terráqueo en mi mesita de noche y cuando lo miro y veo en todas las ciudades donde he estado, puedo recordar perfectamente cómo son. Aparte de África, hemos estado en todos los continentes. Empieza a ser difícil encontrar sitios exóticos. La idea de Home Is For The Heartless era ir a lugares donde nadie nos hubiese escuchado, y funcionó muy bien. Yo creo que en algún momento haremos otro DVD parecido”. ¿Pero alguna vez no habéis pensado ‘qué coño hacemos aquí’? “(Risas) Sí, muchas veces. Pero la historia de esta banda es un continuo ‘¿Qué coño hacemos aquí?’ (Risas). Nunca hubo ningún plan (risas). El plan era empezar una banda para que nuestros amigos pudieran hacer mosh y dejarlo al cabo de seis meses. El hecho de que hayan pasado doce años significa que el plan no ha salido bien (risas). Pero simplemente nos adaptamos a cada situación. Si se cancela un vuelo o se pierde el equipaje, seguimos adelante. Tenemos tanta, tanta suerte de hacer lo que hacemos, que nada puede amargarnos (risas). Nadie en este grupo lo permitiría (risas)”.

CARCASS

a muerte CARCASS SON LOS CABEZAS DE CARTEL DEL DEATHCRUSHER 2015, UNA GIRA QUE REÚNE ALGUNAS DE LAS BANDAS MÁS SIGNIFICATIVAS DE LA VIEJA ESCUELA DEL METAL EXTREMO, Y QUE LLEGARÁ A NUESTRO PAÍS A FINALES DE NOVIEMBRE. SU LÍDER JEFF WALKER NOS DA LOS DETALLES CON SU PARTICULAR HUMOR BRITÁNICO. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

N SU PRIMERA DÉCADA de vida, la comprendida entre 1985 y 1995, Carcass se establecieron como una de las formaciones clave para entender la evolución del metal extremo abriendo las puertas a nuevos estilos como el grindcore y el death metal melódico. Naturalmente, cuando reaparecieron en 2007 para actuar en un par de festivales, el panorama musical había cambiado totalmente y la relevancia de Carcass se fundamentaba más en lo que habían sido que en lo que podrían volver a ser. Seguramente por eso el grupo prefirió centrar sus esfuerzos en realizar una gira de reunión que en ponerse de inmediato a grabar un nuevo álbum. Cuando éste finalmente llegó en septiembre de 2013, Surgical Steel (Nuclear Blast), ni Michael Amott ni Daniel Erlandsson estaban ya en la formación, pero Jeff Walker (voz, bajo) y Bill Steer (guitarra) se las habían apañado para firmar junto a Ben Ash (guitarra) y Daniel Wilding (batería) un más que notable trabajo que no ponía en entredicho su leyenda. Quienes pudieron verles en la edición del año pasado del Resurrection Fest saben también que su directo es intachable, y por eso las próximas actuaciones el 26 de noviembre en Madrid, el 28 en Bilbao y el 29 en Barcelona junto a tres nombres de peso como Napalm Death, Obituary, Voivod, y los suizos Herod como invitados, se auguran como tres citas ineludibles para los amantes del metal.

JEFF WALKER “Es bastante fácil hacer las llamadas, mandar un email… pero esperar que todo el mundo deje a un lado sus egos y se coma el orgullo es otra historia (risas). Pero fue bastante sencillo porque todos los grupos nos conocemos. Carcass giramos con Obituary el año pasado, Napalm Death con Voivod, Carcass con Voivod, así que fue una cuestión de ponernos de acuerdo y hacer los sobornos necesarios (risas)”.

El mes que viene estaréis en España encabezando el Deathcrusher Tour. ¿Fue complicado implicar a todas las bandas?

¿Cómo te sientes tocando con ellos en 2015? “Estamos felices. Son bandas de nuestra generación; ésta una gira old school, lo cual me motiva bastante más que girar con grupos nuevos que me importan un pimiento. Es una cuestión generacional. Hemos sido y somos fans de estos grupos y está bien que podamos tocar todos juntos. Todos podríamos hacerlo por nuestra cuenta, pero esto hace que se convierta más en un evento y que podamos tocar en salas más grandes y, espero, para más gente”.

en nuestra discografía. Es un disco fuerte de Carcass. Creo que pasó el examen, y se sigue vendiendo, así que creo que todavía no ha llegado a todo su público potencial. Por eso seguimos promocionándolo dos años después”.

Obviamente tenéis una larga relación con Napalm Death. De hecho, les diseñaste la portada de Scum. ¿Recuerdas qué te motivó a hacer ese dibujo? “Es sencillo: me lo pidió su batería de entonces, Mick Harris, que era amigo mío. También estaba en una banda con Bill y conocía a Jim, que tocó el bajo en la cara B, así que tenía sentido que me lo pidieran”.

¿Cómo te sientes respecto a la formación actual de Carcass? ¿Te sigue pareciendo nueva o ya es como si llevarais toda la vida juntos? “Ni una cosa ni la otra. Es posiblemente la mejor formación en directo con Wilding a la batería. Y quizá también la que tiene mejor imagen gracias a la narizota y el pelo de Ash (risas)”.

Han pasado dos años desde que editasteis Surgical Steel. ¿Cómo ves el disco ahora? “Creo que encaja bastante bien

Una de las cosas que me gustan de ti es que no eres nada pretencioso… “Somos buenos actores (risas)”.

Como los tíos de Napalm... “Bueno, de acuerdo (risas)”. ¿Cómo lidias con toda la mierda y los gilipollas que dominan el mundillo musical? “Cojo aire y… Intento evitar todo eso. Hemos tenido bastante éxito haciendo las cosas en nuestros propios términos. Como sabes, este negocio es como un cártel o un club privado, y es difícil entrar en él. Nosotros tuvimos nuestros logros y hemos podido tocar en grandes conciertos, así que se nos han abierto las puertas. Creo que sobre todo porque hemos dejado que hablara la música. Hemos tenido cierto éxito con nuestro disco de retorno y eso hace que sea más difícil ignorarnos”. ¿Qué significa Carcass para ti en este momento de tu vida? “Es mi vida. Es lo que me ocupa todo el tiempo”. Te lo pregunto porque, al contrario de otros músicos, no parece que estés en el grupo por una cuestión puramente profesional, sino porque te gusta.

“Bueno, para serte sincero empiezo a acusar el cansancio después de tres años de conciertos, ya que empezamos a tocar antes de que saliera el disco. Han pasado cuatro años desde que empezamos a componerlo y grabarlo… así que necesito un descanso para recargar las baterías. Pero está bien estar ocupado mientras siga habiendo demanda. Esta gira es la última a gran escala antes de que bajemos el ritmo. Necesitamos tiempo si queremos tener la oportunidad de volver a grabar un nuevo trabajo”. ¿Así que podemos esperar un álbum nuevo en el futuro? “Mejor que no lo ‘esperes’. Grabaremos algo cuando estemos listos. No tenemos ninguna prisa. Tiene que ser realmente bueno y tenemos que sentirnos inspirados para hacerlo”. Cada fan tiene su disco favorito, pero normalmente se destaca Heartwork como vuestro álbum más completo. ¿Lo es también para ti? “En realidad no… No suelo estar de acuerdo con lo que dice la gente.

Creo que fuimos mucho más arriesgados en los primeros discos, lo que pasa es que Heartwork tenía una mejor producción y un sonido de guitarras que nunca ha sido superado”. Cuando aparecisteis hace 30 años erais vistos como una banda muy extrema, pero actualmente casi sonáis como una banda clásica. ¿Lo compartes? “Sí, sonamos blandos comparados con lo que se hace hoy en día. La verdad es que en 1987 la afinación de nuestras guitarras era algo que nunca se había escuchado, mientras que ahora es lo normal en el metal moderno. Siempre bromeo con que sonamos como Saxon comparado con algunas de las bandas que aparecieron después de nosotros. Pero te aseguro que prefiero sonar clásico como los viejos Saxon que como la aburrida música moderna que se hace hoy en día (risas)”.

HATE ETERNAL

GRACIAS A SU PASADO EN MORBID ANGEL Y A SU FACETA COMO PRODUCTOR, ERIK RUTAN SE HA GANADO UNA MENCIÓN DE HONOR DENTRO DEL METAL EXTREMO, PERO SOBRE TODO ES POR HATE ETERNAL QUE SU NOMBRE SIEMPRE SERÁ ASOCIADO CON EL DEATH MÁS CRUENTO. A PROPÓSITO DE SU ÚLTIMO INFERNUS, LA INSTITUCIÓN NOS MUESTRA SU MUNDO DE UNA FORMA CERCANA, MUY ALEJADA DE LA IMAGEN QUE SU MÚSICA PROYECTA. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

O ES NINGÚN SECRETO QUE Erik Rutan es uno de mis músicos fetiche. Cualquier persona que haya formado parte de la mejor banda de death metal de la historia, Morbid Angel, ya de por sí cuenta con mi más sincera gratitud, pero si encima ha conseguido enarbolar la bandera del brutal death con uno de los monstruos más letales que pueblan la escena actual, la cosa se convierte en devoción. Y ya no digamos si regenta los solicitadísimos Mana Recording Studios, donde hoy en día se factura un discazo detrás de otro, sin tregua, de bandas que van desde Goatwhore a Tombs, pasando por Belphegor, Cannibal Corpse, Madball, Krisiun, Pathology, Devourment o incluso Crisix, que no se lo pensaron dos veces a la hora de confiarles el mastering de su último Rise… Then Rest. Desde 1997, Rutan ha comandado con inflexible determinación a su criatura Hate Eternal, convencido de que, cuando las grabaciones a otras bandas se lo permiten, puede volver a la carretera con un álbum que demuestra que siempre se codeará con los más grandes del género. El cantante y guitarra tan sólo tiene que planteárselo, ponerse a ello, y secundado por instrumentistas de altura como J.J. Hrubovcak (bajo) y Chason Westmoreland (batería), entregar otra obra que deje a la escena boquiabierta. Con Infernus (Season Of Mist) de nuevo lo ha vuelto a conseguir, y ya van seis. Con la experiencia que te pueda dar llevar desde el 87 en el death metal, realizando sus primeros pinitos junto a Ripping Corpse, es mucho lo que el de New Jersey puede enseñarnos sobre riffs, música extrema y producciones apabullantes, y todo eso con una sonrisa pintada en la cara, ésa que acostumbran a exhibir los que viven como les da la real gana, disfrutando con lo que hacen. Supongo que tu trabajo en los Mana Recording es más estresante que nunca y que no te deja demasiado margen para otras cosas en tu tiempo libre… ¿Es por eso que esta vez habéis tardado cuatro años en publicar un nuevo álbum? ERIK RUTAN “Sí, te has informado bien para esta pregunta… El fenómeno del estudio, mis producciones, piensa que produzco una media de doce o 15 álbumes entre cada disco de Hate Eternal, y eso me ocupa muchísimo tiempo entre cada disco que hacemos, pues a mí me gusta permanecer muy centrado en cada obra 59

que realizo a cada momento, con las canciones que trabajamos o en los álbumes que hago para otra gente. Entre cada tour programado produzco a otras bandas, pero sí que es cierto que esta vez nos hemos tomado más tiempo del usual, que acostumbra a comprender un ciclo de tres años, y eso se ha dado porque hemos tenido que encontrar a un nuevo batería y luego hacer con él el disco. Para mí las cosas se prolongan porque no quiero andarme con urgencias, porque para mí cada álbum es demasiado importante. En cuatro años teníamos un montón de material y sólo diez canciones entran en un álbum, así que nos tomamos mucho tiempo para figurarnos qué temas serían los mejores para el disco. Escribo 60

toneladas de material y normalmente J.J. también compone todo el tiempo, así que escribir no es problema porque lo hacemos muchísimo… Son mis producciones programadas las que suelen marcarnos la senda de lo que hacemos, y me encanta producir, pero… Son dos carreras en una sola persona, y a veces es desafiante, pero me encanta estar envuelto de eso”. Como decías, éste es el primer trabajo con Chason como batería… ¿Cuál ha sido su papel en las canciones? ¿Puedes notar su influencia en Infernus? “En el momento en que Chason hizo la grabación ya teníamos todas las canciones escritas, ingeniadas,

así que trabajamos juntos en las canciones, pero no cambiaron porque todos los temas ya estaban terminados cuando empezamos con él. Habíamos perdido meses y meses buscando al batería correcto… Chason le dio un nuevo fuego a las canciones, les dio una nueva dinámica, ciertamente. Puso su sabor y sentimiento en sus partes porque es un batería alucinante, tiene mucho poder en el golpeo y un sonido realmente único. Sus baterías tienen un impacto real en el disco, pues hizo un gran trabajo”. Con canciones como ‘Pathogenic Apathy’, ‘La Tempestad’, ‘Infernus’, ‘Zealot, Crusader Of War’ u ‘Order Of The Arcane

Scripture’ estáis explotando vuestra clásica forma de tocar death metal extremo, brutal y realmente rápido, por supuesto, pero en mi opinión, el nuevo disco fluye en harmonía como por ejemplo vuestra obra maestra I, Monarch. Infernus no es una abrasiva bola de odio sin piedad como Fury & Flames, por ejemplo… En estos términos, ¿qué te parece lo que comento? “Infernus es algo así como explorar quién soy como músico, y cambiar está bien, intentamos cambiar con las canciones juntos, pero para mí personalmente sentí que tenía más por ofrecer, así que es algo así como dar rienda suelta a los recursos y, al mismo tiempo, seguir ofreciendo todo aquello que hace de Hate Eternal excitante, sin mostrar un grupo completamente cambiado. Somos una banda de death metal; eso es lo que somos y lo que siempre seremos. En general son canciones rápidas, muy agresivas, pero hay mayores dinámicas en este álbum, más melodía, más variaciones y tempos distintos, y por ejemplo la canción más lenta que hayamos hecho. Siento que en mi carrera, ya sea con Ripping Corpse, Morbid Angel o Hate Eternal, siempre he tratado de expandir todo lo que he hecho, así que para mí Infernus representa lo que Hate Eternal debería ser en esta etapa de mi carrera, 18 años después de iniciar esta banda. Así que en este momento hemos explorado nuevas ideas, cambiando el tipo de fórmula de lo que es Hate Eternal, aunque nunca vayamos

a dejar de ser una formación de death metal. Amo el death, es la ley para mí, pero por ejemplo creo que Phoenix trató de expandir un poco más lo que fue Fury & Flames, que te estrujaba el cerebro, y esto ya venía de King Of All Kings, por ejemplo, que era como un completo blitzkrieg directo a la cara, con ese punch, así que para mí Infernus es el trabajo más dinámico que hayamos hecho, sin duda, y con él hemos tratado de marcar nuestro territorio ofreciendo nuevas cosas pero con antiguos elementos, con las viejas vibraciones. Estoy muy contento con cómo está yendo el disco y con la respuesta que está teniendo, que incluso me está superando. Es muy reconfortante… Ha sido un duro trabajo sacar adelante Infernus, así que ver que la gente y los fans responden mejor que nunca es genial para mí”. ¿Por qué ‘La Tempestad’ como título de canción? “Bien, antes que nada, amo el español, amo esa lengua, estoy tratando de aprenderlo, pero créeme, no lo hablo demasiado bien… (Risas) En serio… Pienso que el español es una lengua fantástica, así que tenía ese concepto para la canción, pero no sé por qué escogí ‘La Tempestad’. Para mí el español es una lengua increíble, y honestamente creo que, aquí, en América, es realmente la segunda lengua. La verdad es que me gustaría aprender más… Toqué con Pete Sandoval durante muchos años en Morbid Angel y obviamente él lo hablaba muy a menudo, así que pienso que es genial, que es una gran lengua… por eso tomé esa idea y la

incorporé dentro de una canción”. Ya que sacas a Pete Sandoval, ¿cómo recuerdas tu pasado en Morbid Angel? ¿Estás interesado en su nuevo material o en sus planes futuros sin Dave Vincent? “Oh tío, mis años con Morbid Angel fueron fabulosos, me encantaron, tengo muchos grandes recuerdos. Podría estar diez días hablando de mis vivencias junto a Morbid Angel, para mí fue… Empecé a tocar con ellos a los 21 años, girando primero con Covenant y ya tocando en Domination, Entangled In Chaos, Formulas Fatal To The Flesh, luego grabando Gateways y girando posteriormente… Guardo grandísimos recuerdos de Pete, Trey (Azagthoth), Steve (Tucker) y David, también de cuando estuvo Jared (Anderson, sólo en la banda entre 2001 y 2002, falleciendo en 2006 –ndr.), así que aprendí muchísimo durante todos los años tocando con Morbid Angel porque fue una gran experiencia con gente de gran talento, muy preparada. Grandes recuerdos, como decía, y sinceramente creo que siempre seré parte de ellos, los amo, y sigo en contacto con Trey, Steve, David y Pete, seguimos hablando con mucha regularidad. Pienso que están trabajando muy duro ahora en nuevo material, así que esperemos a ver qué pueden entregar”. Personalmente estoy feliz con que dejaras Morbid Angel porque también amo a Hate Eternal (risas). “Oh, gracias tío… No fue fácil, ¿sabes? Cuando dejé Morbid Angel, 61

“SI TE SUBES A UN ESCENARIO Y NO SABES TOCAR TU INSTRUMENTO, QUIZÁ TE DEBERÍAS PLANTEAR LO QUE ESTÁS HACIENDO”

creo que en 2003 ó 2002, no recuerdo bien, no fue una decisión sencilla porque me encantaba formar parte de ellos, pero creí que era momento de mirar por mí mismo, y cuando me vi entre crear mi propio estudio, seguir con Hate Eternal, y Morbid Angel, fue complicado decidirse. Tengo a Morbid Angel en gran estima, respeto a Trey, Pete, Steve, David, pero hice esa elección, y cuando la hice Hate Eternal sólo teníamos un disco, Conquering The Throne, que grabé yo mismo en mi

estudio. Era un estudio pequeño, pero creía en mis producciones, en labrarme una carrera como productor y junto a Hate Eternal, trayendo algo nuevo. Pasé nervios, pues fue una decisión vital, una de las más duras que he tenido que tomar en mi vida… Honestamente, me encantó estar en Morbid Angel, me alegro de su éxito final, lo guardo muy adentro de mi corazón, pero entendí que era mi momento para llevar a cabo todo eso. Esos tipos no pensaban en nada para un futuro, aunque Morbid Angel

ya está bien, y fue una decisión durísima, una de las más complicadas que he tenido que tomar, como ya he dicho, pero cuando miro atrás, he sacado cinco álbumes con Hate Eternal desde que los dejé, he producido unos 75 discos, así que he construido el estudio, mi nombre como productor, y Hate Eternal han seguido hasta ahora como puedes comprobar… De esta forma, opino que esa decisión tan importante fue la correcta”. Al final Hate Eternal firmasteis con Season Of Mist. ¿Por qué les escogisteis y qué pasó con Metal Blade? “Terminamos con Metal Blade y éramos agente libre, así que un día hablé con Michael (Berberian), el propietario de Season Of Mist, acerca de mi visión de Hate Eternal y el nuevo álbum, y sentí muy buenas vibraciones con ellos, sobre qué éramos Hate Eternal y qué buscábamos hacer. Me encanta Metal Blade, no ha habido ningún follón, son grandes personas, un sello estupendo e hicieron un gran trabajo con nuestros dos álbumes con ellos (Fury & Flames de 2008 y Phoenix Amongst The Ashes de 2011 –ndr.), pero Season Of Mist han tenido un montón de ideas acerca de los diferentes packagings, todas las diferentes versiones que puedes ver para este álbum. Tenemos la mayor demanda de material que hayamos tenido nunca en la historia de Hate Eternal, cuatro vinilos distintos, una descarga de audio en alta definición, una bandera de Hate Eternal en el digipack de los CDs, varios modelos de camiseta con sus respectivos

“NO SOY UN GRAN FAN DE LAS BATERÍAS DEPURADAS O DE LA FORMA ANTINATURAL DE GRABAR ÁLBUMES DEMASIADO PERFECTOS. NO REALIZO DISCOS DE ESA FORMA” ERIK RUTAN diseños… Season Of Mist están realizando un trabajo fantástico, no sólo con el packaging, sino en materia de promoción, mostrando la ingeniería de sonido en revistas de estudios, al igual que en revistas normales… Es genial estar casados con ellos y amo a Metal Blade, pero el contrato se terminó y ahora Season Of Mist es el lugar adecuado para nosotros en este momento”. Si analizas la discografía de Hate Eternal, vuestros seis álbumes, ¿cómo describirías cada uno de ellos? “Conquering The Throne fue el pistoletazo de salida con una fórmula cruda, lo sacamos hace 16 años, y puede parecer que es mucho tiempo, pero es que realmente lo es… Conquering The Throne fue una aportación a la escena porque, para ser de finales de los 90, contiene un estilo agresivo y brutal de practicar el death metal, así que fue un pequeño empuje en esa evolución. Todo ahí es crudo, Conquering es realmente así, tiene un enfoque agresivo. Si pienso en King Of All Kings me vienen recuerdos fantásticos de mí, Derek (Roddy, batería por aquel entonces –ndr.) y Jared (de nuevo Anderson –ndr.) trabajando juntos en él,

grabando los temas, y sobre todo tengo grandes recuerdos con ellos girando… 45 semanas con King Of All Kings. Giramos un montón con ese disco, trabajamos realmente duro. Para mí King Of All Kings es el principio de lo brutal, es definitivamente uno de mis álbumes favoritos de mi colección. Es algo así como un experimento de diferentes cosas, King es como un rugido de varios enfoques con un punto de anarquía que lo hace especial. Una amalgama de características que lo hace único, con un montón de ideas interesantes. Fury & Flames (sí, se saltó I, Monarch –ndr.) fue algo divertido en lo que trabajar, pero acabó siendo algo que nunca había pensado que fuera. Fury & Flames es un muy violento y agresivo álbum, es pura violencia como King Of All Kings… pero éste fue uno de los álbumes más complicados que he hecho porque había perdido a Jared, falleció, y por eso puse una parte de emoción en Fury, es un disco donde solté mi ira. Pienso que Fury & Flames se encuentra en el lugar más emocional de mis obras, tiene un significado especial para mí. Phoenix Amongst The Ashes es algo así como las partes de Hate Eternal que siempre perduran, expandiéndolas

hacia diferentes territorios hasta llegar a Infernus. En el nuevo álbum hemos tratado de expandirlas incluso más, manteniendo las raíces de lo que es Hate Eternal desde el principio hasta ahora, pero mirando al futuro al adentrarnos en nuevas parcelas que nunca habíamos visitado en el pasado. Han pasado muchas cosas que han inspirado este álbum, así que pienso… Es un poco difícil de decir, pues si me lo preguntas diré que todos, pero realmente creo que Infernus es el mejor álbum que hemos hecho. Estoy muy orgulloso de todos los que hemos hecho, pero en serio creo que Infernus es el disco más redondo que hemos logrado. Es rápido y con diferentes dinámicas y tempos, tiene ambiente y personalidad. Es sencillo decir que ‘éste es mi favorito’ o ‘éste es el mejor’, pero Infernus de verdad cubre muchos aspectos que queríamos conseguir, y puedo decir sin ninguna duda que es mi producción favorita de todos los discos que he realizado, de todos los álbumes en los que he trabajado. Es justo el camino que quería seguir”. Háblame de esa grabación. “El último disco es especial para mí porque lo grabamos en cinta

analógica, y eso no lo había hecho en bastante tiempo. Lo hicimos en una máquina de 24 pistas que compré en los Morrisound hace doce años. Trabajamos con ello para lograr algo diferente, algo crudo, pues para mí debemos hacer lo más heavy que podamos como banda. Por eso decidí hacerlo en analógico, y debo decir que fue una experiencia fantástica. No hay nada mejor para captar sonidos que la cinta, la cinta tiene un sonido increíble por encima del digital, desde mi punto de vista. Hay una gran diferencia entre registrar sonidos de forma digital o analógica. Yo creo en las interpretaciones de los músicos, en captarlas de la mejor forma posible, y en estos momentos estamos escuchando un montón de álbumes 64

con todas las baterías cuantificadas, calificadas y retocadas, donde todo es perfecto, y a mí no me gusta grabar así, a mí me gusta ver el trabajo del músico y capturar la mejor actuación que pueda darme en ese momento. Pienso que eso es muy importante, y por eso afirmo que ésta es la mejor de las producciones que haya hecho porque capta las grandes vibraciones de este álbum, las baterías son naturales al haber utilizado la cinta. Quiero decir que estoy orgulloso de todas las grabaciones de los últimos años, han sido un montón de discos, pero esta vez quise aflojar el paso y hacer las cosas de una forma que nunca había hecho en el pasado. Así que decidí, hace tres años, centrarme en los cinco discos que habíamos hecho, algunas

veces más y otras menos, para maximizar esos momentos y para maximizar esas obras. Fuimos fuertes hacia ahí y es una producción de Hate Eternal diferente, aunque es una música diferente también, obviamente, pero también mi grabación favorita con la banda”. ¿Qué te parecen las nuevas bandas de death metal? ¿Cómo ves el futuro de la escena? “En primer lugar, pienso que el death metal está en plena forma con un montón de bandas asombrosas, con las formaciones clásicas siguiendo muy fuertes, como Morbid Angel, Deicide, Suffocation, Cannibal Corpse… Luego también tenemos la siguiente ola de grupos con Nile,

“MIS AÑOS CON MORBID ANGEL FUERON FABULOSOS, ME ENCANTARON, TENGO MUCHOS GRANDES RECUERDOS. PODRÍA ESTAR DIEZ DÍAS HABLANDO DE MIS VIVENCIAS JUNTO A ELLOS” ERIK RUTAN

Hate Eternal, Krisiun, Aeon, hay un montón de bandas asesinas… Por supuesto las nuevas formaciones aportan cosas diferentes, así que pienso que el death metal sigue fuerte y que va a continuar así, lo veo cada vez que sacamos un nuevo disco y cada vez que salimos de gira. Hay muchos fans leales ahí fuera, así que pienso que el death metal existirá siempre mientras la gente siga creando música de calidad. A mí me da ambición de ayudar y ser parte de ello para mantener al death metal vivo, para que siga siendo excitante, entretenido y también apasionado. Mientras haya gente como yo el death metal existirá, pues también hay mucha gente así por el mundo. Hace un mes sacamos un gran trabajo, y a Krisiun les estuve produciendo otro fantástico disco, así que opino que el death metal va a seguir siendo fuerte y que nadie va a poder matarlo. Para mí es un género musical fabuloso y le auguro un futuro brillante”. ¿Te interesa el deathcore? O como productor, ¿cuál es tu opinión de esas grabaciones antinaturales o robóticas? “Yeah, honestamente no soy un gran fan de las baterías depuradas o de la forma antinatural, sí, de grabar álbumes demasiado perfectos. No me gusta mucho eso y no realizo discos de esa forma. Entiendo hacia qué lugar va esa música, como Fear Factory, Meshuggah y cosas por el

estilo, puedo entender algo de eso, hacia dónde se dirige ese tipo de producciones, pero opino que en este momento hay demasiadas bandas y productores llevando eso al exceso. Ésa es mi opinión, y por supuesto mi opinión es una entre millones, pero pienso que la gente está yendo demasiado hacia las mismas simples baterías, hacia el Pro Tools, hacia los efectos, pero yo sólo quiero conseguir nuevos tonos de batería en un disco usando diferentes amplificadores, diferentes micrófonos, tratando de conseguir nuevas cosas en cada obra. No que suene diferente; que suene como la banda. La gente me dice ‘tú tienes varios sonidos’, y no, para mí se trata de brindar el sonido de cada grupo individualmente, no el que tienen todos los demás. Pienso que el carácter personal que cada formación tiene se pierde cuando la gente y los músicos hacen lo mismo una vez tras otra, y eso es algo que concierne a los productores. Yo trato de usar esas técnicas, esas técnicas manufacturadas; yo uso Pro Tools, pero yo no abuso de Pro Tools. Yo realmente quiero capturar la atmósfera en las actuaciones, en los tonos, para volver algún día hacia atrás y pensar en mis grabaciones favoritas de todos los tiempos, y cuando lo haga quiero ver eso. Es más complicado grabar de esta forma, no tengas duda alguna, es más sencillo grabar una batería disparando una máquina, o grabar una guitarra y

copiar y pegarla… Es más sencillo hacer obras así, pero nunca he tirado por el camino fácil en mi vida, no escogí el death metal para hacer esa mierda. Al final del día, yo trabajo con gente que quiere publicar el mejor álbum que puedan hacer, y algunas veces logran realizarlo. Para mí es importante que cada músico se sienta bien con lo que ha hecho, que saque lo mejor que tenga dentro, y no un copiar y pegar, y luego borrar… Personalmente no creo en esta forma de grabar, no es lo que hago, prefiero bandas que sean bastante más naturales”. ¿Tenéis planes de gira ya? ¿Volveréis a pasar por aquí? “Vamos a ir a Europa el próximo año, por supuesto, y vamos a empezar a girar por Estados Unidos hacia octubre, noviembre, como cabezas de cartel. Vamos a volver a Europa, Australia, Sudamérica y Centroamérica el próximo año, así que seguro que volvemos a España en 2016, por fortuna”. Erik, muchas gracias por tu tiempo. Espero oír tu castellano la próxima vez que toquéis por aquí… “(Risas) Yo hablo español un poquito (lo dice con un acentazo yanqui que tira de espaldas –ndr.)”. Necesitas mejorar (en castellano –ndr.). “(Carcajada) Trabajo muy duro para ello, te lo juro… Muchas gracias a ti por la entrevista”.

DISCO DEL MES

All Hail The Swinelord (SEASON OF MIST) BLACK METAL, SLUDGE METAL

i has tenido que mirar dos veces quiénes firman nuestro Disco del Mes, tranquilo, porque hasta All Hail The Swinelord tampoco el cuerpo técnico de RockZone tenía ni idea de la existencia de This Gift Is A Curse. Eso sí, fue escuchar su segundo trabajo en largo y tener muy claro que estábamos ante algo gordo, ante un bofetón extremo cuyas virtudes debían ser proclamadas a los cuatro vientos. Jordi Meya y servidor nos miramos a los ojos y nos dijimos, ‘qué coño, si somos la mejor revista alternativa de rock, metal, hardcore y punk del país es para hacer cosas como ésta’. Y aquí estamos,

THIS GIFT IS A CURSE

listos para analizar al detalle este discazo y empezar a abrirles fronteras a estos suecos también en nuestro territorio. Creados en Estocolmo en 2008 por el cantante Jonas A. Holmberg y el batería Johan Nordlund, pronto This Gift Is A Curse tomaría forma con la alineación que ha conservado hasta el día de hoy, la que se completa con Patrik Andersson a la guitarra y Lars Gunnarsson al bajo. Si buscan la experiencia previa de estos cuatro músicos no encontrarán más que la desconocida formación Seven Nautical Miles en el caso de Johan, y eso no deja de ser otro atractivo

más a la hora de enfrentarse a un combo como el que nos ocupa, que parece estar rompiendo moldes al mismo tiempo que se foguea artísticamente. En marzo de 2010 entraron en los míticos Sunlight Studios para crear su primer EP homónimo junto a Tomas Skogsberg, y tras armar cierto revuelo en su país y empezar a dar shows, su debut en largo I, Gvilt Bearer agotó sus ediciones iniciales en 2012. Poco más se sabe actualmente de This Gift Is A Curse, solamente que, como su ópera prima, este nuevo All Hail The Swinelord ha sido grabado en una localización secreta, en este caso una casa

abandonada cercana a su ciudad. Entrando ya en materia, lo que aquí encontramos puede parecer que es fácilmente describible en palabras, pero claro, una vez trasladado al plano musical, una vez alguien se somete a ello por propia voluntad, la experiencia es muchísimo más enriquecedora. La formación escandinava se halla adscrita al black metal, por supuesto, pero su envidiable pulsión ruidista y ambiental los posiciona en algunos momentos cerca del drone, y eso cuando no dan rienda suelta a su vena más cavernícola y primitiva, consiguiendo de esta forma una agresión cercana al

‘New Temples’ y la caótica, excelente y sobrecogedora ‘Rites’ continúan mostrando su vertiente más asesina y cruda, pero en la ya mencionada ‘XI: For I Am The Fire’ nos adentramos a su vena más atmosférica, a veces casi post. This Gift Is A Curse tienen similitudes con Downfall Of Gaia, también con Wolves In The Throne Room o Der Weg Einer Freiheit, aunque desde luego su música no vaya destinada a emocionar o a sentir la presencia de lo divino, pese a conseguirlo en ciertos momentos por la vía del dolor y el suplicio, como en ‘We Use Your Dead As Vessels’, más que por la de la adoración y el retiro.

“ESTO ESTÁ CREADO DESDE EL MÁS SINCERO ODIO Y LA MÁS PROFUNDA MISANTROPÍA” sludge metal y el hardcore. El primer y tormentoso corte, ‘Swinelord’, resume esta idea a la perfección, pero lo que también se nota desde un primer momento es que Johan Nordlund es uno de los fundadores de la banda, y que desde luego ejerce como tal tras los parches. Haciendo uso de sus plenos derechos, en ‘XI: For I Am The Fire’, la agónica ‘Hanging Feet’ o ‘Askrådare’, el lapso final de más de 11 minutos que más los acerca a Deafheaven, su batería retumba con fuerza, en numerosas ocasiones llevando la voz cantante de los temas por encima de las guitarras incluso.

Este álbum pasará desapercibido entre las huestes del black metal más clásico, el puro y duro de caras pintadas y pinchos, pero que Season Of Mist crea en This Gift Is A Curse debería ser suficiente garantía. Desde luego, quien encuentre aquí alguna mota de hipsterismo no está en sus cabales, pues la propuesta de los suecos se nos presenta descarnada, libre de toda influencia más allá de sus propios demonios. Esto está creado desde el más sincero odio y la más profunda misantropía. Tienen mi bendición. PAU NAVARRA

COUNTERPARTS

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Brendan Murphy (voz), Jesse Doreen (guitarra),

Adrian Lee (guitarra), Brian Kaczmarczyk (bajo), Kelly Bilan (batería) PRODUCIDO POR: Will Putney AFINES A: Stray From The Path, Silverstein, Northlane PÁGINA WEB: http://counterpartshc.com

Tragedy Will Find Us (PURE NOISE)

POST HARDCORE, METALCORE

79 RECOMENDADO POR:

n el cuarto trabajo de Counterparts destacan los contrastes, las luces y las sombras, que definen aún más el sonido y la técnica de estos cinco chicos de Hamilton, Ontario. Si amas el downbeat aliñado con paisajes acelerados y armonías imposibles, ésta es tu banda. Nacida en 2007, y con una progresión imparable, Counterparts se sitúan en la parrilla de salida a la hora de representar los sonidos puramente hardcore, con una lírica angustiada y riffs de hormigón que combinan a la perfección con un entorno vocal rasgado, pero apasionado a la par. Mucha melodía y ambientes muy dispares

harán las delicias de aquellos que busquen hacer headbanging en la ducha. Un disco que habla de superación personal, de tocar fondo, de vislumbrar que, cuando te encuentras en esos jodidos momentos, la única alternativa posible es tirar para arriba. Muchas similitudes con bandas que transitan las diferentes atmósferas que nos puede ofrecer un estilo bajo el paraguas del hardcore con toques metaleros como Saints Never Surrender, Hundreth, It Prevails, Defeater o Architects. En canciones como ‘Stranger’ podrás encontrar ritmos imposibles unidos a una deliciosa mezcla de velocidades que, interpretadas de manera im-

pecable, y unidas a unos riffs monstruosos, te despeinarán tu tupida melena. Canciones de superación personal, motivacionales a tope como ‘Burn’ o ‘Drown ’con claros horizontes de tranquilidad o, en el lado opuesto, bombazos como ‘Tradegy’ o ‘Choke’, te cargarán la pila al máximo y te ayudarán a comenzar tu jornada con positivismo y con un punto de vista quizás diferente al que impera en esta sociedad desquiciada. Como reza una de las cuñas de nuestra isla Sonora conocida en los mapas como Bandera Negra, en Radio 3 Extra, esto es… ¡Hardcore del bueno! RAMIROQUAI

HABLAMOS CON... BRENDAN MURPHY Teniendo en cuenta los cambios de formación que ha ido sufriendo el grupo, ¿es justo decir que Jesse y tú sois los motores de Counterparts? “En la mayor parte Jesse escribe toda la música y yo hago las letras. Alex, el guitarrista que teníamos antes también participaba, pero nunca fue una pieza fundamental. No creo que los cambios tengan mucho que ver con cómo sonamos, pero sí en nuestra manera de funcionar. Antes teníamos a gente a la que no le gustaba girar, y en ese sentido ahora es más fácil”. ¿Qué idea teníais cuando empezasteis el grupo? “Sólo pensábamos en tocar por nuestra zona y quizá hacer una gira nacional. Pero ahora giramos todo el tiempo, no sólo en Canadá, sino en todo el mundo. Hemos superado

de lejos los objetivos que teníamos al principio, así que ahora tenemos que plantearnos nuevos objetivos”. Por ejemplo en este disco habéis experimentado un poco más. “Desde luego. Cuando llevas suficiente tiempo en un grupo te vuelves inmune a las críticas, así que cuando nos pusimos a hacer este disco no descartamos nada. No queríamos limitarnos a ningún estilo. Obviamente no vamos a abandonar lo que hacemos, pero preferimos probar algo nuevo y cagarla, que quedarnos estancados”. El disco habla sobre un momento difícil de tu vida. ¿No te resulta doloroso tener que cantar estos temas noche tras noche?

guste recordar esos momentos, pero sin ellos no sería la persona que soy ahora. También me hace apreciar mucho más lo que tengo ahora. En el fondo me siento agradecido porque cuando peor estoy emocionalmente, mejor estoy creativamente. Es una mierda, pero es así (risas)”. En junio estuvisteis tocando en Barcelona en nuestro concierto de aniversario junto a Every Time I Die. ¿Te sorprendió la respuesta de la gente? “Sí, fue una locura. Era nuestra primera vez en España, así que ver a tanta gente cantando nuestros temas fue totalmente inesperado. Ahora sabemos que cuando estemos en Europa, podemos ir a España y, al menos, habrá alguien (risas). Para nosotros eso ya es

“Sinceramente creo que me ayuda. Me ayuda a crecer. No es que me

mucho (risas)”. (JORDI MEYA) 69

GRAVEYARD Innocence & Decadence (NUCLEAR BLAST)

ROCK

uando leo a algunos grupos decir aquello de que no escuchan música actual para así no verse influenciados por ella, no se me que ocurre una banda que pueda hacer más justicia a semejante afirmación que Graveyard. Desde que lanzaran su debut allá por 2007, los suecos parecen vivir aislados en una burbuja temporal en la que palabras como ‘Pro Tools’ o ‘Auto-Tune’ directamente ni existen. Sus tres álbumes anteriores eran un buen ejemplo de lo realmente bien que se puede llegar a sonar en pleno siglo XXI con una producción analógica, y su esperadísimo Innocence & Decadence lo vuelve a

poner de manifiesto otra vez. Aunque si por algo han destacado dentro del revival setentero ha sido porque al contrario que la mayoría, saben de la importancia de escribir buenas canciones. Un concepto que otros no parecen tener tan claro y que ellos dominan a la perfección. Ya sea cuando se ponen a disparar rock’n’roll desenfrenado en ‘Magnetic Shunk’, ‘Never Theirs To Sell’ y ‘Hard-Headed’ o a adentrarse en terrenos más tenebrosos como la hipnótica ‘Can’t Walk Out’, siempre salen airosos imprimiendo su propia personalidad. Por supuesto, a la hora de bajar las revoluciones lo siguen bordando. ‘Exit 97’ es otra balada sentida para añadir a la colección y los coros soul de ‘Too Much Is Not Enough’ se me antojan como una deliciosa sorpresa. De las pocas novedades que encontraremos, junto a un repentino blast beat en ‘From A Hole In The Wall’. Y aunque puedan volver a pecar de continuistas, cuando uno tiene las ideas tan claras y las ejecuta tan bien como para parir maravillas como ‘Stay For A Song’, pocas quejas puede haber. GONZALO PUEBLA

BLACK BREATH

Slaves Beyond Death (SOUTHERN LORD)

DEATH METAL, HARDCORE, CRUST

erá por el tremendo hostiazo que supuso Heavy Breathing… Será porque Sentenced To Life no sólo lo superó, sino que lo elevó al cubo… Será por todo ello que este tercer álbum de Black Breath no me ha impactado tanto como sus predecesores. Empieza ‘Pleasure, Pain, Disease’ y, efectivamente, su sonido sigue ahí, Kurt Ballou les tiene pillado el truco y lo ha vuelto a conseguir, pero claro, aunque su abrasiva mezcla de thrash metal a lo Slayer, death de Estocolmo, hardcore y crust continúa brindándote momentos de

extremo placer, eso no sólo lo has oído ya, sino que encima recuerdas haberlo hecho en mejores ocasiones. Te desmadras con ‘Slaves Beyond Death’, cabeceas con la flamígera ‘Reaping Flesh’, por supuesto; el chorro de Neil McAdams tiene un punto incluso más infeccioso que antes, pero pasajes memorables, auténticos rompenucas sin remedio como antaño, poquitos, seguramente con el cañonazo ‘Burning Hate’ a la cabeza. Y se suceden los cortes, y llegas al final, y entonces te preguntas: ‘¿Y ya está?’. De nuevo, será que, realmente, Slaves Beyond Death no es tan bueno como sus anteriores lanzamientos, y será también que la banda de Seattle no ha sabido ni golpearnos, ni sorprendernos, como hace unos pocos años, por mucho talento y aún más mala uva que sin duda sigan atesorando. Mi diagnóstico es claro: a esta obra le falta ritmo, y sobre todo, velocidad. Otra vez será, tranquilidad ante todo. No seré yo quien dé por muertas a estas bestias salvajes. PAU NAVARRA

LA SELECCIÓN

VLACK

There Is No Death (BCORE)

ROCK, PUNK, METAL

ras la desgraciada disolución de Rippers poco ha tardado Marc Teichenné en tener listo un nuevo proyecto. No nos ha de extrañar; este tipo tiene demasiado talento dentro y una vez finiquitada su banda madre (¿La mejor banda de punk rock del país?) siguió dando rienda suelta a sus infinitas inquietudes en formaciones tan interesantes y diferentes entre sí como Tesseire o los maravillosamente inclasificables Pudör Crònica, formación que ya simultaneaba con Rippers. En Vlack ha derramado todas sus emociones en un trabajo en el que excepto la batería de Narcís Prat (Moksha), todo lo demás está compuesto, grabado y tocado por nuestro hombre. Un alud de sonidos de distinto pelaje es lo que esconde aquí dentro. Mucho hardcore, grandes cantidades de rock en el más amplio sentido de lo que esa palabra implica y, por supuesto, toneladas de punk rock, en sonido y

actitud. No, no esperéis nada demasiado diferente a lo que nos tenía acostumbrados en los Rippers... quizás Marc haya querido exorcizar sus demonios o expresar sus atormentados sentimientos a través de lo que mejor se le da: punk rock oscuro y afilado, y lo ha hecho de perlas. La velocidad de ‘Hooked’ convive a la perfección con el dramático tremendismo de ‘Into The Wind’, que a su vez encaja como un guante con la dulce oscuridad de ‘The Awakening’ o la crudeza de ‘Our Trip’. Imagino que un disco como éste quedará en el limbo del underground nacional y será una lástima, porque en un tiempo donde la música se consume más que se disfruta, There Is No Death llena como pocos. ANDRÉS MARTÍNEZ

COHEED AND CAMBRIA

The Color Before The Sun (300 ENTERTAINMENT)

ROCK ALTERNATIVO

espués de siete discos conceptuales que conformaban la saga galáctica The Amory Wars, Claudio Sanchez debía estar tan liado con las tramas y subtramas como sus propios seguidores. Así que por primera vez se decidió a dejar de lado los personajes que dan nombre a su grupo e inspirarse en su propia vida para crear las diez nuevas canciones de The Color Before The Sun. Gracias a ello, nos encontramos a un Sanchez más cercano que habla de su traslado a un apartamento en Brooklyn (‘Island’), su paternidad (‘Atlas’, dedicada a su hijo, es uno de los highlights del disco) o la aceptación de su nueva vida (‘Peace To The Mountain’) en lugar del mundo de fantasía que había creado. A nivel musical, parece que el nuevo

‘77

Nothing’s Gonna Stop Us (CENTURY MEDIA)

ROCK’N’ROLL

a iba siendo hora de que los hermanos Valeta viesen recompensados sus años de esfuerzo dejándose los huevos en cada escenario donde les dejasen enchufar los amplis para descargar su enérgico rock’n’roll acedeciano. Las giras por el extranjero y codearse con formaciones como Bullet o los Imperial State Electric de Nicke Andersson, que les produjo su segundo álbum, deben de haber sido, entre otros muchos, motivos suficientes para que todo un sello como Century Media haya decidido apostar nuevamente por el producto

rumbo también le ha servido para simplificar un tanto sus composiciones y aunque sus tendencias épicas y progresivas siguen ahí (sobre todo en los 6 minutos de la heavy ‘The Audience’), en líneas generales su octavo trabajo es el más directo, conciso y luminoso que hayan hecho. Tanto los estribillos como los coros y juegos de guitarras de ‘Island’, ‘You Got Spirit, Kid’

o la romántica ‘Here To Mars’ les acercan más que nunca al punk pop, con las melodías acentuadas por un tono vocal de Sanchez que cada vez se parece más al de Michael Jackson (¿O no?). Es posible que Coheed And Cambria no vuelvan a igualar el nivel de sus tres primeros discos, pero el haber soltado el lastre del pasado les abre nuevas posibilidades.

español tras los fichajes de Angelus Apatrida y Toundra. Por supuesto, los propios ‘77 eran conscientes de que ante semejante oportunidad no podían entregar cualquier cosa siendo ésta su primera presentación a nivel internacional por todo lo alto. Y evidentemente, no han errado el tiro. Con una renovada y jovencísima sección rítmica, Nothing’s Gonna Stop Us nos presenta a unos ‘77 con ideas frescas a pesar de tener su base musical bien arraigada. Títulos como ‘It’s Alright’ y ‘Tonight’ muestran que su fórmula de rock directo sigue funcionando perfectamente,

pero si hay alguien que todavía piense que son una mera banda de tributo, quizás se vea sorprendido por la oscuridad que desprenden en ‘Street Dogs’ o la imponente ‘Too Young To Go’. El contraste llega con cortes en una línea mucho más amable como en la genial ‘Nothing’s Gonna Stop Us’, con un aroma muy Thin Lizzy, la joyita ‘No One Like You’ a cargo de LG en las voces o el misil rockanrolero que es ‘Tightrope’. Y es que esta peña lo deja bien claro en el tema que cierra el álbum: ‘We Want More Rock And Roll’. Imparables.

DAVID GARCELL

GONZALO PUEBLA

LOMA PRIETA Self Portrait (DEATHWISH INC.)

POST HARDCORE

asta ahora Loma Prieta se habían caracterizado, tanto en disco y aún más en directo, por apretarle al máximo las tuercas al post hardcore. Su violenta manera de atacar sus instrumentos, la rabia que desprendían sus temas y sus ansias de experimentar habían sido suficientes para obtener algo de notoriedad y poder girar con ciertas garantías dentro del circuito underground. Y no es que su quinto álbum vaya a lanzarlos al estrellato, pero desde luego tiene más posibilidades de cazar a un mayor público. Los de San

Francisco no han perdido ni un ápice de intensidad, pero aparece aquí de manera más modulada y su caos se intuye más organizado. Además, por primera vez, las melodías vocales, aunque aparezcan gritadas y enterradas bajo un manto de distorsión, resultan incluso pegadizas. De ahí que ‘Roadside Cross’, ‘More Pefect’, ‘Never Remember’ o ‘Satellite’, con la incorporación de algunos elementos de indie rock, suenen más a Japandroids, Desaparecidos o Touché Amoré de lo que nunca hubiéramos podido imaginar. Aunque quien ame su lado más disonante no quedará defraudado con trallazos como ‘Black Square’ o ‘Net Gain’, en los que desbarran a gusto. Si cogieras a sus vecinos Deafheaven (con quienes comparten productor, Jack Shirley) y sustituyeras su background metal por uno punk, es muy posible que acabaras con un resultado muy parecido, haciendo de este Self Portrait el hermano sucio y gamberro de New Bermuda. Poca broma. JORDI MEYA

TRIVIUM

Silence In The Snow (ROADRUNNER)

HEAVY METAL

unca he comprendido muy bien por qué Trivium despiertan cierta antipatía entre algunas facciones del público metalero, pero con sus últimas entregas sus detractores cada vez tienen más razones de peso para cargar contra ellos. Y es una lástima, porque a pesar de algún altibajo, su carrera parecía estar enderezada en la buena dirección con trabajos como Shogun y el interesantísimo In Waves. Pero aquella colaboración junto a David Draiman de Disturbed para parir algo tan insípido como Vengeance

Falls cortó repentinamente su buena progresión. Y desafortunadamente, Silence In The Snow no es una obra que les haga recuperar las buenas vibraciones. Más bien al contrario. Da la sensación de que a Matt Heafy y compañía les escasean las ideas cada vez más y el rumbo hacía el power metal que aquí presentan tampoco resulta una buena opción. No es que les critique por querer probar algo distinto, de hecho hay momentos en los que la cosa funciona como en ‘Blind Leading The Blind’ o el medio tiempo ‘Until The World Goes Cold’, pero son pocos. El registro de Heafy llega a cansar, abusando en exceso de las notas sostenidas en los estribillos. Se echa en falta el dinamismo de la segunda voz de Corey Beaulieu, que en esta ocasión no abre la boca en todo el disco. Si a eso le sumamos cortes tan normalitos como ‘Dead And Gone’ o ‘Rise Above The Tides’, mucho me temo que se les está pasando el arroz. Y algunos se quejaban de The Crusade... GONZALO PUEBLA

BOYSETSFIRE Boysetsfire (END HITS)

POST HARDCORE

ocos grupos deben de haberse tomado su regreso tan en serio como lo han hecho Boysetsfire. Desde que anunciaran su vuelta en 2010 han creado su propio sello, End Hits Records, con el que reeditar en vinilo algunos de sus álbumes clásicos o sacar splits junto a colegas como Funeral For A Friend, girado constantemente por Europa y especialmente en Alemania, donde incluso han celebrado su propio mini festival, y publicado un notorio álbum de retorno como lo fue While A Nation Sleeps... del que ahora nos llega su sucesor apenas dos años más tarde. Además de tratarse de un disco superior

a aquél, no es casualidad tampoco que hayan decidido titularlo con su propio nombre, ya que aquí encontraremos todo lo que un fan de los de Delaware puede esperar. No todos los grupos saben navegar tan bien por los sentimientos y hacerlo de una manera tan brillante como ellos. Desde la furia desatada de ‘Don’t Panic’, ‘The Filth Is Rising’ y ‘Coward’, donde Nathan Grey se deja la voz y hasta las entrañas, pasando al extremo opuesto con las emocionales y melódicas ‘Fall From Grace’ y ‘Torches To Paradise’, o incluso mezclando ambas facetas (‘Savage Blood’, ‘Cutting Room Floor’). Pero es curiosamente cuando atacan su lado más punk donde son capaces de dar con verdaderos himnos en ‘One Match’ y ‘Heaven Knows’, esta última con un sorprendente giro más oscuro hacia la mitad. Con un quinto trabajo así, no me cabe duda de que Boysetsfire se encuentran con más ganas que nunca para continuar con su legado. ¿Será esta vez cuando por fin podamos verles tocar de nuevo en España? Ojalá. GONZALO PUEBLA

MOTÖRHEAD Bad Magic (UDR)

HARD ROCK

on todo lo que se ha escrito ya sobre ello, redundar en cómo está gestionando Lemmy los últimos días de su carrera, y por extensión, de su vida, creo que no aportaría nada al debate. Eso sí, en lo que me gustaría incidir es, a diferencia de sus directos, en cómo Motörhead siguen aguantando el tipo, y de qué manera, en sus más recientes obras de estudio. Si actualmente les estamos viendo completar con suma dificultad sus descargas en vivo, cuando no cancelando algunas fechas directamente, en sus últimos discos observamos que siguen a pleno rendimiento, con su

pacto con el Diablo aún vigente. Kiss Of Death, Motörizer, The Wörld Is Yours y Aftershock están ahí para corroborarlo, y desde luego el álbum que viene a conmemorar su 40 aniversario, Bad Magic, no va a romper esa racha. Con sus más y sus menos, por supuesto, la leyenda sigue despachando clasicismo en ‘Fire Storm Hotel’, una inusitada ración de velocidad en ‘Thunder & Lightning’, ‘Teach Them How To Bleed’, ‘Electricity’ o la épica ‘Evil Eye’, aporta peligrosidad en ‘Tell Me Who To Kill’ o la heavy ‘Choking On Your Screams’, o todavía tira de imaginación en ‘Shoot Out All Of Your Lights’ o ‘Sympathy For The Devil’. Cada palabra mascullada por Kilmister cobra aquí mayor sentido, parece que cada miembro del trío quiera reivindicar su gran papel en esta extensa página de oro del rock. La semi balada ‘Till The End’ suena realmente a despedida, así que disfrutad de Bad Magic porque, esta vez sí, todo apunta a que nos encontramos ante el último trabajo de Motörhead. Semper fidelis. PAU NAVARRA

PEARS

Go To Prison (FAT WRECK)

HARDCORE

acar tu primer trabajo con un sello tan mítico como Fat Wreck está al alcance de unos pocos. Grabar un disco entero en apenas 14 horas también. Pero PEARS (en mayúsculas) son capaces de esto y mucho más. O eso creo después de escuchar su debut, Go To Prison. PEARS son la formación más burra de la decadente Nueva Orleáns, una bendita anomalía en la histórica cuna del jazz, y, aunque formados en 2014, vienen perfectamente rodados de Lollies, su anterior banda. Con un logo calcado al de los seminales Fear y una

versión del ‘Judy Is A Punk’ de los Ramones, queda claro que estos cuatro amigotes no han venido para innovar ni complicarse la vida. En 22 minutos despachan diez temas rápidos, donde ’You’re Boring’, con tan sólo 53 intensos segundos, se lleva la palma. En cuanto a los referentes, Go To Prison es un trabajo de hardcore directo y honesto, en la onda de los padres Black Flag, algo evidente en piezas como ’Forever Sad’, o de sus contemporáneos OFF!, presentes de alguna manera durante todo el disco pero de forma evidente en el riff y los coros de ‘Breakfast’. PEARS tienen un lado melódico y trufan el disco con partes deudoras de otros grandes como los Descendents. De hecho, cierran el trabajo con un guiño clarísimo a su disco del 87, el genial All. Mientras escribo estas líneas la banda ya trabaja en su segundo trabajo, y además adelanta dos temas, ’Snowflake’ y ‘Anhedonia’. Seguiremos informando porque se merecen tenerlos en el radar. LUIS BENAVIDES

BUTCHER BABIES Take It Like A Man (CENTURY MEDIA)

GROOVE METAL, NU METAL

on un par de playmates saliendo a escena desnudas de cintura para arriba, es normal que Butcher Babies se hicieran pronto con un hueco en un mundo a menudo tan cavernícola, machista y bobalicón como el del metal. El onanismo sigue siendo el deporte número 1 en una escena donde ser soltero, gordito y freak está a la orden del día, así que las vocalistas Carla Harvey y Heidi Shepherd sabían muy bien lo que se hacían cuando crearon la banda. Se autodenominaron ‘slut metal’, y hasta aquí todo bien: quien quisiera asistir a un club de

rock y striptease al mismo tiempo, pues lo tenía a huevo, y quien creyera que sólo eran un subproducto para gilipollas americanos, pues a otra cosa, mariposa. El problema viene cuando, tras publicar su debut Goliath con Century Media, que no son tontos, las chicas empiezan a reclamar algo de respeto, exigiendo que la gente se fije un poco más en sus temas, apareciendo más recatadas, aunque tampoco demasiado… Claro, entonces ya estamos ante una incongruencia, y es cuando servidor pilla Take It Like A Man para destrozarlo sin piedad… Y se lleva la gran sorpresa. Y se la lleva porque le sorprende su fiereza en ‘Monster’s Ball’ e ‘Igniter’, con mención especial a ‘The Butcher’, ‘Dead Man Walking’, ‘Blood Soaked Hero’ o una ‘Marquee’ 100% Slipknot, y por encima de todo, porque Carla y Heidi berrean que da gusto. Su valía musical no es directamente proporcional al tamaño de sus senos, pero quien disfrute de yanquiadas sobreproducidas y riffs facilones y gruesos, aquí tiene un auténtico festín. PAU NAVARRA 75

QUEENSRŸCHE

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Todd LaTorre (voz), Michael Wilton (guitarra),

Parker Lundgren (guitarra), Eddie Jackson (bajo), Scott Rockenfield (batería) PRODUCIDO POR: Chris ‘Zeuss’ Harris AFINES A: Crimson Glory, Fates Warning, Pink Floyd PÁGINA WEB: www.queensrycheofficial.com

Condition Human (CENTURY MEDIA)

HEAVY METAL, METAL PROGRESIVO

on el segundo trabajo ya en nuestras manos de los nuevos Queensrÿche, entendamos por ‘nuevos’ los de Todd LaTorre como cantante, y con el debut de los Operation Mindcrime de Geoff Tate también publicado, debería ponerse el punto y final a uno de los seriales que más ha dado que hablar en el metal desde tiempos remotos. Aunque parece que la mala sangre ha cesado entre ambos frentes, la cosa parece que sigue dando que hablar. Cosas del signo de los tiempos que nos ha tocado vivir. Viendo lo ofrecido por Queensrÿche en Human Condition, no es complicado apostar que la mayoría de

fans de la banda van a estar de su lado. Si en su anterior y homónimo álbum nos encontrábamos a una banda con ganas de dejar sus últimos años en el olvido de la manera más rápida posible, grabando un disco directo y sin concesiones que, al menos, dejara claro que por encima de todo eran un combo de heavy metal, en Human Condition el quinteto de Seattle sigue esa senda, pero hecho todo de una manera más trabajada y poniendo un poquito de todos esos elementos que crearon una carrera impecable hasta el infravalorado Promise Land. Las melodías de guitarras de la inicial ‘Arrow Of Time’ dejan bien claro que

Queensrÿche están de vuelta y que su intención es defender el legado de la formación. Definitivamente, en muchos momentos (‘Hellfire’ o ‘Eye9’ son buenos ejemplos) nos encontramos a los Queensrÿche más heavies desde los lejanos tiempos de The Warning. ¡Cómo lo echábamos en falta! Y para aquellos más enamorados de su faceta progresiva, la tremenda ‘Human Condition’ resume en 7 minutos todo lo que son. Todd LaTorre sobresale en todo momento y en definitiva, ésta es la prueba de que hemos recuperado a una gran banda que estaba cayendo en picado, pero que todavía puede dar guerra. RICHARD ROYUELA

HABLAMOS CON... MICHAEL WILTON Siendo éste el segundo disco que grabáis con Todd, ¿fueron las cosas más sencillas? “Sí. Todo estaba mucho más calmado en todos los aspectos, con la discográfica, con el management... Así que no teníamos que preocuparnos por nada que no fuera la música. Tuvimos más tiempo para prepararlo también. Había mucho menos estrés, Todd se sentía mucho más cómodo en el grupo y con mucha más confianza, así que la creatividad fluyó mucho mejor”. ¿Estás sorprendido por lo bien que ha encajado Todd? “Sí. Si analizas la situación, es casi un milagro. Ha sido cuestión de tener paciencia e ir concierto a concierto. Nuestras canciones no son fáciles de cantar, pero después de dos años, Todd ya las domina y tiene una voz más fuerte. Era inevitable que necesitara adaptarse”.

El nuevo disco es más duro y más épico que el anterior. ¿Crees que en el homónimo no disteis lo mejor de vosotros? “El hecho de que escogiéramos a un productor como Zeuss y nos ayudara a recuperar algunos de los elementos del pasado fue muy importante para conseguir un mejor resultado. Volvimos a hacer arreglos más raros, como hacíamos en Rage For Order, y las guitarras están más presentes, así que eso le dio ese toque más duro y progresivo que comentas. Creo que tiene cosas del pasado, pero con un sonido moderno”. Zeuss ha trabajado con bandas como Hatebreed o Crowbar… “Sí, pero cuando hablamos con él no estaba interesado en hacernos sonar más pesados. Quería hacernos sonar a Queensrÿche, pero traerlo al presente. Y ésa era la misma visión que teníamos

nosotros. Se puede distinguir perfectamente cada instrumento y no está muy comprimido, así que no fatiga el oído. Trabajamos mucho en los temas, lo hizo genial”. Teniendo en cuenta lo ajustados que son los presupuestos de grabación hoy en día, tuvo que ser un desafío plantearse un álbum como éste. “No es ningún secreto que los sellos ofrecen cada vez menos dinero para grabar, pero somos una banda con experiencia y sabemos ser eficientes. De hecho, nosotros hicimos una campaña en Pledge Music para conseguir algo de dinero extra. No lo habíamos hecho antes, pero funcionó muy bien. Le recomendaría que lo haga a cualquier grupo que tenga una buena base de fans”. (JORDI MEYA) 77

BUCKCHERRY Rock N Roll (BOMB)

HARD ROCK

iempre han creado cierta polémica cuando su nombre salía en conversaciones de garito. Para unos, la última gran banda del hard rock en su vertiente más callejera, para otros, una pequeña decepción después del sorpresón que significó su ya lejano y magnífico debut. Y lo cierto es que si sobre las tablas de un escenario siempre se han mostrado imperiales, en vinilo no acababan de cuajar. Dos o tres buenos singles por álbum pero ningún disco que realmente pudiera aguantar el pulso. Ahora vuelven despojados de cualquier tipo de presión, han dejado de buscar el pelotazo fácil para contentar a otro tipo de público y, sencillamente, han recuperado sus raíces como banda de sucio y grasiento hard rock. Su título es toda una declaración de principios

SILVERSUN PICKUPS Better Nature (NEW MACHINE)

ROCK ALTERNATIVO, INDIE

lo tonto y sin aparecer en los grandes titulares, Silversun Pickups se están afianzando como una de las formaciones más solventes y fiables del panorama indie rock americano. Desde que les descubrimos con aquel magnifico Carnavas (uno de los mejores debuts de la pasada década), no hemos dejado de seguirles en cada pasito que daban. El último de ellos no ha sido otro que el de dar carpetazo a su primera etapa con Dangerbird Records mediante un recopilatorio de singles y crear su propia disquera, New Machine, con la que

y los dos pepinazos con los que abren el álbum hacen que realmente pensemos que la cosa va en serio. La contundencia sleazy de ‘Bring It On Back’ y los festivos vientos de ‘Tight Pants’ ponen el listón muy alto, y ‘Wish To Carry On’, a pesar de ser mucho más melódica, tampoco rebaja el nivel. No señor, no está nada mal. Quizás la balada ‘The Feeling Never Dies’ no suene demasiado inspirada, pero

‘Cradle’ enseguida pone las cosas en su sitio gracias a un gran riff y a un estupendo estribillo. Finalmente, para los que, como el que subscribe, echaseis de menos a los Buckcherry más macarras, meteros en vena ‘Sex Appeal’ o esa sensual ‘Get With It’, donde exhiben de nuevo su lado más degenerado. Seguid por ese camino, que sin duda es el vuestro.

lanzar su cuarto álbum, Better Nature. Estamos pues ante un combo que parece despedirse definitivamente de sus juveniles inicios para abrazar con fe ciega la madurez compositiva. Ya dejaron entrever tales intenciones en Neck Of Woods, pero aquí han sabido interpretarlas y llevarlas a cabo muchísimo mejor. La carta de presentación con ‘Nightlight’ no puede ser mejor. Sutiles, elegantes, oscuros cuando es requerido, sin olvidar las guitarras punzantes. En esa línea ‘Connection’ y ‘Latchkey Kids’ serán los momentos más inmediatos junto al pop agradable de ‘Circadian

Rhythm (Last Dance)’, en la que el juego de voces entre Brian Aubert y Nikki Monninger sigue funcionando estupendamente. Sorprenden las bases neoclásicas a cargo del teclista Joe Lester en ‘Tapedeck’ para acabar con un final casi imperial, al igual que las atmósferas etéreas de ‘Pins & Needles’ en el que podría ser el mejor estribillo de todo el lote. Hubo quien les colgó en su día el sambenito de ser los nuevos Smashing Pumpkins, aunque visto lo visto, ya le gustaría a Billy Corgan sacar álbumes tan sólidos como éste a día de hoy.

ANDRÉS MARTÍNEZ

GONZALO PUEBLA

CARNIVOROUS VORACITY

The Impious Doctrine (AMPUTATED VEIN)

BRUTAL DEATH METAL

a inagotable factoría brutal death del País Vasco sigue produciendo grupos de innegable talla mundial, y Carnivorous Voracity son el enésimo ejemplo de ello. Si Debasement Incarnated, su EP de debut, ya quitaba el hipo, cuatro años después, y de nuevo con el apoyo del sello nipón Amputated Vein, su primer largo The Impious Doctrine nos muestra a un monstruo imposible de domar, con un poderío técnico fuera de toda duda y un impecable dominio del irresistible arte del slamming. La intro ‘Raised Toward Heaven’ deja las cosas claras desde el principio: vas a asistir a

una mutilación bajo juicio sumarísimo, y ‘Epiphanies Of Perverse Egocentrism’, ‘Steeped In Magnanimity’ o la impresionante ‘Grotesque Expiation Of Dissolute Lambs’ dan buena fe de ello. Seyerot se muestra imponente al micro, dando una auténtica lección de lo que debe aportar un verdadero vocalista de brutal death, alcanzando su punto álgido en ‘Secularize’ al mostrar más matices, y luego volviendo a la mortandad más devota con ‘Anatomic Human Degradation’. El espectacular despliegue de recursos que resulta ‘Serpent’s Nest’ te deja alucinado, y es que si bien es cierto que la escuela euskaldún no destaca por salirse de los cánones preestablecidos de este estilo, es de justicia reconocer que, sin llegar a la imaginería de Wormed, Carnivorous Voracity sí aportan atractivos ganchos desde un control del brutal total y absoluto. ‘The Threshold Of Obliteration’ o ‘Anthropophagous Infanticide’ así lo certifica, y es que estamos ante un trabajo imposible de obviar para cualquier fan del metal más extremo posible. PAU NAVARRA

GIRL BAND

Holding Hands With Jamie (ROUGH TRADE)

POST PUNK, NOISE ROCK

os autores del presente Holding Hands With Jamie están en boca de todos. No son una banda indie rock al uso como cabría esperar por sus pintas y por los medios que se han hecho eco de su propuesta... Estos cuatro jovenzuelos con cara de no haber roto nunca un plato sorprenden en la primera toma de contacto, en cuanto atacan el micro y los instrumentos, con esa fea pero atractiva virulencia. Desde su formación en 2011, cuando escogieron su nombre, Girl Band, tan ridículo como engañoso, estos irlandeses se han propuesto salir de la norma

y explorar otros caminos sin miedo a perderse. Holding Hands With Jamie, como los dos EPs previos de la formación, despierta sentimientos encontrados. Supongo que es normal cuando escuchas del tirón anticanciones afiladas y primarias, sonidos martilleantes, sin estructuras convencionales. Su ruidosa y rítmica forma de entender el, digamos, post punk, puede descolocar y cuesta de digerir, incluso para aquellos que han curtido sus oídos horas y horas con terroristas del volumen y la intensidad como Swans. Antes de pensar que exagero escuchad este artefacto del diablo. Para entendernos, este largo debut podría pasar por una loca versión krautrock del legado de Nirvana (‘Pears For Lunch’) o como unos Metz pasados de vueltas (la parte final de ‘Paul’ es uno de mis momentos favoritos). Este enfermizo trabajo producido por la propia banda asfixia (‘Fucking Butter’ son 7 minutos y pico de agonía en aumento), pero te deja con ganas de más. ¿Masoquismo? Un poquito. LUIS BENAVIDES

ERED

Night Of Eternal Doom (WAR ANTHEM)

BLACKENED DEATH METAL

ara entender el blackened death de Ered hay que viajar hasta su creación como grupo, el ya lejano 1996. Dissection reinaban con su frío melodic black desde Suecia, y desde ese país Necrophobic también lograban la aleación perfecta entre black metal y death. Junto a Sacramentum o Unanimated, son referentes indispensables para explicar la propuesta actual de los catalanes, que parece que también está rompiendo moldes en Europa con su fichaje por el sello alemán War Anthem Records y las buenas puntuaciones que Night Of Eternal Doom está cosechando en los medios más reputados. Así, Ered se enmarcan en el gélido y afilado sonido de mediados de los 90 en vez de buscar el animalismo súper destructor que parece

LEON BRIDGES Coming Home (COLUMBIA)

SOUL, R&B

uy mal tienen que andar las cosas en la industria para que sellos tan enormes como Columbia anden a la búsqueda desesperada de jóvenes talentos a los que subir al estrellato de la noche a la mañana. Un ejemplo muy claro lo encontramos en Leon Bridges, un chico de 26 años que hasta hace bien poco se ganaba la vida como camarero en un bar mexicano de Fort Worth, Texas, hasta que un buen día Austin Jenkins, guitarrista de White Denim, quedó fascinado con él. Tras escuchar un par de canciones que el propio Bridges había compuesto,

dominar hoy en día el blackened por la influencia de Behemoth, Belphegor o Arkhon Infaustus. Aquí hay punteados, aquí hay sentimiento, la pausa necesaria en los momentos que lo precisan, cierto macarrismo, pero desde luego blast beats tampoco faltan en ‘Night Of Eternal Doom’, zarpazos impecables como ‘Nocturnal Revelations’ o ‘Eternal Wisdom’, la endiablada ‘Pestilent Black Fog’ o un venenoso puñal

como ‘Blackwitch’. Cuando llegas a ‘Dark Temple Congregation’ tienes la sensación de que esto es un no parar, un toma y daca constante en una negra carrera por superar la calidad del anterior corte, así que no es de extrañar la implicación en este trabajo de Bloq Estudi, los habituales Moontower y también los Necromorbus suecos para la masterización. Un gran álbum digno de otro tiempo.

decidió alquilar un estudio para unas sesiones. A finales de 2014, Columbia se hacía con sus servicios y en verano de este mismo curso ponía en circulación su debut Coming Home, convirtiéndose de manera inmediata en the next big thing para los medios especializados. Tal es su impacto que incluso aquí llegó a llenar La Riviera y Bikini en su primera visita hace apenas un par de meses. Y todo ello con un solo disco que no lleva ni medio año en el mercado. Así que la pregunta que cabe hacerse está clara: ¿Realmente merece tanto revuelo el chaval? Pues la

verdad es que a aunque presenta un par de singles bien resultones como ‘Coming Home’ o ‘Better Man’ que destilan el encanto del viejo soul de los 60 en la onda de Sam Cooke u Otis Redding, el álbum se queda corto. Sus temas más animados carecen de punch y en las baladas se echa en falta algo más de dramatismo. Todo demasiado pulido para el gran público a pesar de esa producción vintage. Aun con todo, no deja de ser un trabajo agradable de escuchar en ciertos momentos, así que mantengamos un voto de confianza.

PAU NAVARRA

GONZALO PUEBLA

SIROLL!

Més Llenya! (BLOOD FIRE DEATH)

CROSSOVER METAL

n su cruzada contra el pop rock català, Siroll! no dejan títere con cabeza en su segundo álbum, Més Llenya!. Efectivamente, si en las letras meten el dedo en la llaga sobre algunos de los asuntos más candentes de la realidad de Catalunya, en el plano musical son un obús. He puesto este CD en el coche a un volumen moderado y los altavoces no han dejado de vibrar en todo el viaje, así como mis piernas... También me ha traído algún problema doméstico con mi mujer por la barbaridad sonora que estaba escuchando en casa. Y eso que el metalcore

de tintes death no es mi rollo al 100%, pero debo reconocer que esta gente de la Catalunya Central son unos amos y que me han engorilado sobre todo en canciones como ‘Dret I Deure’ o ‘Següent’ (imagino la que se debe liar en el pit cuando suena esta última). Si buscamos referencias cercanas nombraría a The Eyes, a nivel estatal citaría a Versvs y, más lejos, a Hatebreed. Es una pena que la voz principal de Gou a veces ni se entienda por lo gutural que es, así que animo al resto de componentes de Siroll! a meter más coros, porque cuando lo hacen queda de puta madre. Además, es un acierto que todas las voces sean en catalán, porque de no ser así el grupo perdería personalidad. Més Llenya! dura menos de 25 minutos (el corte ‘902’ es medio minuto de ultra rápido deathcore) y, gracias al Diablo, no contiene demasiados solos de guitarra... Así que, ya sabes: enciende tu mechero Zippo y empieza a quemarlo todo. JORDI FORÉS

TAME IMPALA Currents

(CAROLINE/UNIVERSAL)

ROCK PSICODÉLICO

os cambios suelen comportar conflicto o confusión. Y éste es un disco en el que el cambio es protagonista por partida doble: por temática, y por forma. Kevin Parker da un paso más en el habitual proceso individualista de creación, y lo hace absolutamente todo en el tercer álbum de la banda australiana: compone, escribe, toca todos los instrumentos, produce, y esta vez, hasta hace las mezclas. Según explicaba en una entrevista a Pitchfork, el leit motiv del disco es más el cambio personal interno que el que puedan provocar factores externos (como su

ruptura con Melody Prochet, cantante de Melody’s Echo Chamber), y es explícito ya en títulos como ‘Yes, I’m Changing’, ‘New Person, Same Old Mistakes’ o ‘Past Life’. Sea como sea, los cambios se reflejan en el abandono de la psicodelia rockera de aires setenteros y el flirteo con sintetizadores y vocoders de una década después. Los sonidos resultantes son más domesticados, bailables y digeribles para públicos más mayoritarios, pues si nos dicen que ‘Let It Happen’ es el nuevo single de Daft Punk, podría colar. Y aunque eso no tenga por qué ser malo, es cierto que puede dejar descolocados a los fans más puristas de la banda que vibraron con ‘Innerspeaker’ y ‘Lonerism’, y que pueden echar de menos las guitarras pretéritas. Los momentos de brillo de aire dream pop (la ya citada ‘Yes I’m Changing’, ‘Eventually’, ‘The Less I Know The Better’) se alternan con otros de más tedio, y al final el conjunto acaba resultando, a mi juicio y percepción, algo irregular. IGNASI TRAPERO

SLAYER

Repentless (NUCLEAR BLAST)

THRASH METAL

odríamos ponernos estupendos y considerar que un disco de Slayer sin Jeff Hanneman ni Dave Lombardo no es un disco de Slayer. Incluso ir más allá y considerar que, sin ellos, el grupo no debería ni existir. Pero cuando uno es capaz de mirar la vida, no desde el prisma de un simple fan, sino de alguien adulto, responsable de tirar adelante su propia subsistencia, puede llegar a entender por qué Tom Araya y Kerry King se resisten a lanzar la toalla. Slayer es su banda, su vida, lo que les da de comer, y nadie puede obligarles a renunciar a ello. Sobre todo cuando todavía se sienten

con ánimo para tirar adelante la nave a pesar de las penosas circunstancias que han vivido en los últimos años. Repentless, su duodécimo álbum de estudio, es ante todo un ejercicio de resistencia y hay que decir que en buena parte salen como vencedores. A pesar de que es King quien se ha ocupado de toda la labor compositiva -a excepción de ‘Piano Wire’, uno de los temas que Hanneman dejó antes de fallecer-, en Repentless se repasan los distintos registros que el grupo ha ido cultivando a lo largo de los años: ráfagas de thrash (‘Chasing Death’), temas más lentos (‘When The Stillness Comes’), más punk (‘Atrocity Vendor’) o más groove (‘Implode’) con un Araya en buena forma, una efectiva producción de Terry Date, y esos cambios de marcha que les salen cojonudos. Nada nuevo, de acuerdo; nada mejor que antes, cierto; pero escuchar Repentless en plena hora punta sigue provocando ganas de prenderle fuego a todo. No se me ocurre un mejor test que ése. JORDI MEYA

GRAVE

Out Of Respect For The Dead (CENTURY MEDIA)

DEATH METAL

ltimamente la única duda que me asalta a la hora de enfrentarme al nuevo álbum de cualquier banda clásica de death metal es si la obra se moverá entre el notable o el excelente. Estamos de enhorabuena, la racha nos está llenando de dicha, y como no podía ser de otra forma, Grave tampoco nos han fallado. Algunos se pondrán las manos a la cabeza, pero junto a Vomitory, son mi banda favorita de death sueco. No por innovación, ni por reinvención, tampoco por impacto, sino precisamente por todo lo contrario: por su perseverancia, por su

lealtad, por no volverse locos ante ese injusto papel secundario que históricamente les ha tocado vivir, por muchos cambios de miembros que hayan sufrido. A lo largo de 27 años, las tropas de Ola Lindgren han defendido el grumoso y ortodoxo death de su tierra, y como en Out Of Respect For The Dead, te lo han tirado a la cara con orgullo. Esta vez, además, con especial acierto, tirando de caña desatada como en ‘Redeemed Through Hate’ o ‘Deified’, pero optando también por volver a la lejana eclosión del death doom en ‘Out Of Respect For The Dead’, ‘The Ominous “They”’ o ‘Flesh Before My Eyes’, que pueden ser tan veloces como lentas, condenándote también a chapotear por una hedionda ciénaga con ‘Plain Pine Box’ o la dilatada ‘Grotesque Glory’. Sin aspavientos, otra vez Grave saldrán a la carretera como segundo plato de alguna larga gira. Yendo a lo suyo, meándose en las modas o en las últimas tendencias metálicas. Como siempre ha sido y siempre será. PAU NAVARRA

MAIEUTISTE Maieutiste

(SEASON OF MIST/LES ACTEURS DE L’OMBRE)

BLACK METAL

uizás el black metal ya no sea lo que fue, quizás el black metal haya sido engullido por la industria y esa pureza primigenia se haya ido diluyendo en grupos cada vez más inofensivos, pero si eres de los que así piensas, acuérdate de que, casi siempre, hay algún clavo en el que agarrarse. Este sexteto francés podría ser ese clavo siempre y cuando seas abierto de miras y tus gustos vayan un poco más allá de la caña burra sin más. Maieutiste lo petan con un black metal tan épico como el de los Emperor de los mejores años, pero aunque ésas son

sus señas de identidad más identificativas, se atreven a incorporar otras influencias que en un concepto como el suyo encajan a la perfección. ¿Sonoridades jazz bajo un manto de black más oscuro que una noche transilvana? Por supuesto que sí, y queda cojonudo. Lo mismo que los fugaces retazos de folk o los pasajes ambientales que fusionan con sus demoníacos riffs y que irremediablemente nos recuerdan enormemente a los Burzum más experimentales. También podríamos hablar de los solos de guitarra preñados de recuerdos del thrash más maníaco. Si nos dijeran que Kerry King ha colaborado metiendo su B.C. Rich en algunos temas, nos lo creeríamos fijo. De todas maneras, que su riqueza estilística y su sinfónico concepto no te engañen: esto es black metal en todo su esplendor. Si eres de los que títulos como De Mysteriis Dom Sathanas, In The Nightside Eclipse o Hvis Lyset Tar Oss son biblias para ti, lánzate a por este blasfemo debut y ya me contarás. ANDRÉS MARTÍNEZ

MAYDAY PARADE

Black Lines (FEARLESS)

ROCK ALTERNATIVO

espués de una década bastante exitosa en la que Mayday Parade han ido ganando adeptos con un pop punk de perfecta factura, pero no demasiada sustancia, el grupo de Florida ha optado por aventurarse un poco más en su quinto álbum. La elección de Mike Sepone como productor ha sido acertada, teniendo en cuenta el buen trabajo que había hecho con Brand New o Taking Back Sunday, y su toque se deja notar en un sonido más orgánico y visceral. Saliéndose de su zona de confort, el quinteto abraza algunas influencias

del rock alternativo de los 90 (la línea de bajo distorsionada de ‘Hollow’ recuerda a Nirvana, y el riff de ‘Let’s Be Honest’ a Stone Temple Pilots), así como de la segunda ola del emo de los 2000 (desde los propios Brand New a Jimmy Eat World). Son matices que enriquecen enormemente a lo que nos tenían acostumbrados y que podría abrirles una nueva etapa en su carrera, ahora que tanto ellos, como muchos de sus seguidores, han dejado la adolescencia bastante atrás. Los recursos instrumentales son también mayores y los músicos suenan reales, más sueltos, en lugar de procesados por un software. De igual manera, Derek Sanders arriesga más usando distintos registros de voz. No faltan algunas de esas baladas que tanto les gustan (‘Letting Go’, ‘Narrow’, ‘Until You’re Big Enough’), pero incluso éstas suenan más honestas. Hasta el tema final, ‘One Of Us’, un himno de celebración que podría ser un pastel total, te deja con buen sabor de boca. En breve los tendremos por aquí. DAVID GARCELL 83

BACKYARD BABIES Four By Four (GAIN)

HARD ROCK

iempre consideré que Backyard Babies, a pesar de conseguir el mismo éxito (o incluso más) que sus contemporáneos escandinavos, estaban un escalón o dos por debajo. Cierto que Total 13 supuso una sacudida tremenda en aquel panorama dominado por Turbonegro, Gluecifer o los añorados Hellacopters, pero después de eso no vino nada más destacable. Discos tan sólo correctitos se fueron sucediendo, diluyendo el impacto inicial hasta desembocar en la separación final. Ahora vuelven y, sinceramente, aunque no esperábamos nada, la sorpresa ha llegado pero en forma de un disco

terriblemente flojo. Los dos primeros cortes, sin embargo, no auguran la debacle que viene poco después. ‘Thirteen Or Nothing’ y sobre todo ‘I´M On My Way To Save Your Rock´n´roll’ quizás suenan excesivamente pulidas pero con toda la mala baba que se les presupone a una banda como ellos. A partir de ahí todo se viene abajo entre power ballads a lo Bon Jovi como ‘Bloody Tears’ o ‘Mirrors’ o vergonzosos intentos de acercarse al punk melódico que bandas más honestas como Green Day componen mil veces mejor. Escuchad ‘Piracy’, ¿es eso lo que esperábamos de un nuevo álbum suyo? ¿Y qué me decís de ‘Never Finish Anything’? Un despropósito incomprensible. Recuerdo la sensación de decepción cuando después de Total 13 nos descolocaron con Make Enemies Is Good; pocos lo defendimos entonces, pero aquél como mínimo era un disco que conservaba su esencia. Nada de esto se puede decir de esta media hora escasa de una banda que, visto el resultado, hubiera permanecido mejor separada. ANDRÉS MARTÍNEZ

BÖIRA

Si De La Runa Naixés (AUTOEDITADO)

POST ROCK

ace poco más de un año Böira sólo era un divertimento musical integrado por miembros y exmiembros de bandas como Wilderness, Bloq y Teserac que trabajaba en la banda sonora del corto Sagnant. Lo más difícil, imagino, fue amoldar sus primeras composiciones al montaje realizado por los responsables del film. Cada nota de su etéreo y vitalista post rock debía encajar, también las dinámicas e intensidad. Este esfuerzo les sentó bien y salieron del estudio reforzados, enamorados del proyecto y mucho más conscientes de sus posibilidades.

Así, tras esa peculiar génesis cinematográfica, Böira publican Si De La Runa Naixés, su primera referencia. En este EP de cinco temas encontramos piezas con desarrollos largos como la inicial ‘El Que Escolten Els Abres’, que no baja de los 9 minutos. En este tema el quinteto dibuja unos paisajes otoñales cargados de melancolía, con los teclados llevando la batuta, y mucha épica en cuanto entran los guitarrazos. En otros temas tienen suficiente con apenas cinco minutos para ponernos la piel de gallina. Me refiero a la desoladora ‘Glasgow’, un claro guiño a sus admirados Mogwai, y ‘Volcano’, mi pieza favorita por ese punteo loco muy And So I Watch You From Afar y una explosión de júbilo expresada con unos coros ‘uoh uoh uohs’ ultrapegadizos. Si mantienen este buen nivel en su futuro álbum, con unos siete o más temas, se habrán ganado jugar en la primera división estatal junto a sus hermanos mayores Syberia, Toundra y Viva Belgrado. LUIS BENAVIDES

PALMA VIOLETS Danger In The Club (ROUGH TRADE)

INDIE ROCK

veces, donde no llega la música, llegan las empatías. Y supongo que si tienes 20 años y escuchas un disco de cuatro jovenzuelos hablando sobre chicas, juergas y desamores, puedes conectar con él aunque musicalmente no sea la bomba. Posiblemente el gran problema de Palma Violets sea el mismo que con tantos otros grupos jóvenes británicos: la prensa musical inglesa te los intenta colar como the next big thing y acaba siendo contraproducente para sus propios intereses. A estos londinenses los comparan con The Libertines, por esa fama boca-oreja de sus

conciertos e internet previa a la publicación de su primer disco, 180, editado en 2013, y cierta afinidad sonora (‘The Jacket Song’ podría ser perfectamente de Pete Doherty). A mí me parece que la comparación les va enorme, y que ni tan siquiera llegan a jugar en la misma división que The Vaccines. Como en su primer disco, hay canciones resultonas (‘Hollywood (I Got It’)’, la clashiana ‘Girl, You Couldn’t Do Much Better On The Beach’, ‘Gout! Gang! Go!’, ‘English Tongue’), de cantar a berridos con una cerveza en la mano. Pero suenan desganados y cansinos, como si se estuvieran quedando sin batería. Sólo hay que escuchar lo desaprovechada que está una melodía redonda como la de ‘Coming Over To My Place’, arrastrándose a 2 km/h hasta convertirse en anodina. Cuando ya hace tiempo que dejaste atrás la veintena y necesitas mucha más electricidad que la que te dan estos chicos, o a ellos les falta sangre en las venas, o a ti ya te pillan muy lejos sus historias como para que te la cuelen. IGNASI TRAPERO

VV. AA.

Fat Music Vol. 8 Going Nowhere Fat (FAT WRECK)

PUNK ROCK

at cumple 25 años siendo un sello de referencia del punk rock y lo celebra con una gira especial y la edición de un recopilatorio, el octavo volumen de la serie. En la era de internet parece que estas compilaciones carecen de sentido, pero el bueno de Fat Mike siempre ha ido a su bola y los de la vieja escuela aplaudimos iniciativas como ésta. Y precisamente son los grupos veteranos los que más nota sacan a lo largo de las 25 canciones incluidas en este CD: Lagwagon y ese punto heavy que dejan relucir en ‘The Cog In The Machine’, Mad Caddies y

su reggae de buen rollo, Me First And The Gimme Gimmes (siempre resultones, también en directo), Good Riddance y el hardcore punk con energía y melodía de ‘Running On Fumes’; Less Than Jake, que siguen ofreciendo un skacore para no dejar de bailar, Strung Out (la banda más heavy del hardcore melódico por culpa de la afinación de sus guitarras), Snuff y su skacore de acento británico… Por tanto, el pasado y el presente de la discográfica salen bien parados en este catálogo, pero tengo mis dudas acerca del futuro del género, ya que de las nuevas generaciones apenas llaman mi atención un par o tres: Get Dead, gracias al ska punk desgarrado de ‘Welcome To Hell’, Night Birds y su punk bien ejecutado a lo Anti- Flag, y Western Addiction, el grupo más hardcore y con unas grandes voces en ‘Ex-Humans’. El álbum acaba con la sorprendente ‘Monsters’ del musical Home Street Home, un tema escrito por el propio Fat Mike. JORDI FORÉS 85

CANCER MOON Flock, Colibri, Oil (MUNSTER)

ROCK

veces es complicado decidir si los discos deben ser juzgados por lo que supusieron en el momento de su edición, y por lo mucho o poco que rompieron moldes, o simplemente por cómo suenan en el momento actual, hayan pasado diez, veinte o mil años. El segundo trabajo de los bilbaínos Cancer Moon, Flock, Colibri, Oil, de 1992, sería uno de ellos. Probablemente si alguien nacido en los albores del siglo XXI escucha un trabajo como éste puede –sólo puede, que también quede claro- que

se quede indiferente y que no encuentre nada de especial a un discurso que desde ese momento ha sido regurgitado una y mil veces. Pero eludir la importancia histórica del álbum también sería un pecado. Flock, Colibri, Oil fue uno de esos discos que ayudaron a dar forma a todo ese indie estatal que intentó reinar en los 90, y del que se vuelve a hablar ahora mismo, y que a base de proto punk, noise y psicodelia dejaba claro que las fuentes de inspiración eran muchas y variadas. Es una pena que las versiones de The Scientist y Suicide que hicieron durante esa época se quedaran fuera del vinilo, ya que en aquellos tiempos los temas extras iban para los CDs y no los vinilos. Grabado en unos paupérrimos cuatro días, la urgencia, espontaneidad y fuerza que desprende el álbum dos décadas después sigue funcionando a la perfección, así que a la mierda las coyunturas y a recuperar este álbum con el mejor de los espíritus. RICHARD ROYUELA

YO LA TENGO

Stuff Like That There (MATADOR)

INDIE ROCK

n amigo me decía el otro día que había descubierto a Yo La Tengo con este álbum y le habían encantado, y se sorprendió cuando le dije que era un disco de versiones. Probablemente ésa sea la mejor manera de demostrar la personalidad propia y la homogeneidad que le dan los de Hoboken a las relecturas que han hecho de otros artistas, ejercicio que han hecho varias veces en tres décadas de trayectoria. No sólo en aquel lejano Facebook (1990), sino también cuando Georgia Hubley, Ira Kaplan y James McNew se convirtieron

en la falsa banda Condo Fucks y editaron Fuckbook (2008). La ironía y el reírse de sí mismos son otro de los sellos distintivos del trío (aquí reconvertido en cuarteto, con la incorporación de Dave Schramm a la guitarra eléctrica), como puede verse en el apocalíptico vídeo de la maravillosa relectura del ‘Friday I’m In Love’ de The Cure. Igual de delicadas son las versiones del ‘My Heart’s Not In It’ de Darlene McRea, ‘Im So Lonesome I Could Cry’ de Hank Williams, ‘I Can Feel The Ice Melting’ de The Parliaments... También vuelven a reversionarse a ellos mismos, reinventando canciones propias como ‘All Your Secrets’, ‘The Ballad Of Red Buckets’ o ‘Deeper Into Movies’. Y lo rematan con dos nuevas canciones, ‘Ricketty’ y ‘Awhileaway’, perfectamente integradas en la línea acústica intimista del resto del disco. Un álbum donde más que cantar, parecen susurrar suaves melodías, ideales para afrontar esta época de malditos fríos e introspecciones que se nos viene encima. IGNASI TRAPERO

REVENGE

Behold.Total.Rejection (SEASON OF MIST) WAR METAL

uando el batería, cantante y cerebro de Revenge, J. Read, dio carpetazo a Conqueror, desde luego no fue para redirigir su carrera hacia sonoridades más tranquilas. Si aquéllos fueron uno de los principales instigadores del war metal, también llamado bestial black metal, su presente proyecto creado en el 2000, y ya de nuevo considerado de culto, iba a seguir exactamente las mismas tesituras. Nada de alejarse de lo que Blasphemy, Sarcófago o Beherit empezaron a perpetrar hace tantísimos años atrás, ni hablar de

dejar de estar emparentados con otros combos igual de perniciosos como Bestial Warlust, Morbosidad, Deiphago o Archgoat. Los que anden metidos en este rollo sabrán perfectamente de lo que hablo, pero los que no, imaginad un blast beat que ultrapasa cualquier cosa que hayáis oído antes, que se te clava con saña en el cerebro y que apenas da respiro alguno, con voces infernales que no dan tregua, demoníacas y puercas a partes iguales, sin ofrecer estribillo ninguno o alguna tonada a la que aferrarse. El black más despiadado que exista, falto de épica o cualquier romanticismo, solos indescifrables, y todo unido al más bruto y tosco death metal e, incluso, más en el caso de Revenge, con un purulento toque grindcore. Marrano, impío, una orgía para el verdadero metalhead extremo que nunca tenga suficiente en lo que a depravación musical se refiere. Revenge es entrar en el snuff del heavy metal, y como en el submundo de los homicidios filmados, una vez dentro ya no hay vuelta atrás. PAU NAVARRA

KATHON

Death Among Flowers (AUTOEDITADO) POST PUNK

a Girona más misteriosa y oscurantista nos brindó grandes momentos desde los 80 con formaciones como Kitsch y, años más tarde, el dúo Fang. Salvando las diferencias, que no son pocas, los también gerundenses Kathon recogen el testigo a su manera y se postulan como salvadores de un género, el post punk siniestro, cada vez más minoritario cuando no impostado. Y es que lejos quedan ya los años gloriosos de Joy Division, Bauhaus o The Mission. El trío Kathon, que toman prestado el nombre de un inquietante y tóxico conservante presente

en infinidad de productos domésticos, se formó hace seis años con la intención de seguir esa senda, como también hicieron con más o menos fidelidad muchas otros, desde los Pixies a PJ Harvey. Así pues, la gestación de su primera referencia, Death Among Flowers, ha sido lenta pero segura. La voz cavernosa de Mon, con momentos pletóricos (‘No Place’), nos agarra con fuerza mientras nos habla de la necesidad de salir del agujero de la soledad (‘E Risk’), de recuerdos confusos (la garajera ‘Blacklight’) e incluso de pesadillas con vampiros (‘Silent Film’). Instrumentalmente, Kathon se han empapado de mucha música y se nota en los recursos que utilizan, desde el punk rock enérgico de toda la vida al post rock más ambiental. Miman hasta el último detalle de este disco de seis temas teñidos de negro en los estudios Ultramarinos Costa Brava. La banda firma una carta de presentación excelente, con temas que entran bien y te envuelven mejor. LUIS BENAVIDES 87

THE FLIPPERS Psicodelicias (VINILÍSSSIMO)

GARAGE ROCK

omo un pozo sin fondo podríamos catalogar la existencia de bandas de garage aparecidas en Sudamérica y en España –esa segunda parte de Algo Salvaje parece estar muy cerca- durante la época de los 60. Lejos de llamar la atención por lo supuestamente exótico de su propuesta, lo consigue por la calidad que atesoraban esas grabaciones. Ejemplos como el de Los Saicos, que a estas alturas ya parecen un referente del garage mundial, son el perfecto ejemplo de ello y álbumes como este Psicodelicias, segunda obra de los colombianos The Flippers, editado originalmente en 1967, demuestran que no estaban solos en el camino. Formados en 1964 como una banda de clubes de baile tomando a los Beatles como gran

TAU CROSS Tau Cross (RELAPSE)

METAL, CRUST

odos conocemos y amamos a Rob ‘The Baron’ Miller. Eran los 80 y con su banda Amebix nos ofreció dos fantásticos discos (además de otros tantos EPs y un poderoso directo) de crust metal punk que todavía hoy, muchos de nosotros seguimos teniendo muy presentes. Tras una reunión que nos traería un álbum más y unas cuantas giras, la banda volvió a desaparecer hace un par de años dejándonos la duda de dónde se habría metido este culo inquieto. Aquí tenemos la respuesta. Una nueva banda formada para la ocasión con algunos colegas

referencia, fue en este segundo trabajo cuando el cuarteto alcanzó su plenitud. Los de Liverpool seguían siendo su gran referente, la inicial ‘Sargento Flippers’, una reinterpretación de ‘Sgt. Peppers’, no da pie a engaños, pero los colombianos supieron crear un respetable engendro de garage, pop y psicodelia basado en versiones adaptadas de algunos de

los grandes, caso de cortes como ‘Demuéstramelo, Baby’ de Mitch Ryder o una primitiva versión de ‘La Tierra De Las 1.000 Danzas’, así como algún apañado tema propio como ese ‘Flipprotesta’ que se acabó convirtiendo en su canción bandera. Directo, simple y crudo, justo lo que tenía que ser un bien disco de rock a mediados de los 60.

de combos amigos como Voivod, Mysery o Plague. El tipo no se ha andado por las ramas, ha seguido su feeling y ha continuado haciendo lo que mejor sabe hacer, aunque con matices importantes. Sonando más metálico que nunca sorprende que se haya sumergido en un tema tan barroco como ‘Hangman’s Hull’, donde se acerca a los terrenos arcaicos de Pentagram, pero no seré yo quien me queje. Según se comenta, ha ejercido un gran control sobre el disco y atravesando una etapa un tanto oscura, sus composiciones han ido por ese halo de macabra

negatividad. El sonido, el concepto artístico, los textos, todo se mueve en una negritud perturbadora tan sólo rota por su característico y punkarra tono vocal. Por lo demás, las guitarras de Andy Lefton y Jon Mysery hacen daño de verdad, sus riffs cortan como putas cuchillas y es evidente que temas tan abruptos como ‘Lazarus’, la mastodóntica ‘Our Day’ o ‘Stonecracker’ se sustentan en el excelente trabajo de este dúo de hachas, que ha realizado un trabajo encomiable. Decir tremendo es poco. Retorcido metal torturado de alto octanaje.

RICHARD ROYUELA

ANDRÉS MARTÍNEZ

BLACK REBEL MOTORCYCLE CLUB Live In Paris

(ABSTRACT DRAGON/PIAS)

ROCK

ualquiera que haya visto a Black Rebel Motorcycle Club sabe de la tortuosa y oscura electricidad que se vive en sus conciertos. A lo largo de sus 17 años de carrera, los de San Francisco se han encargado de dejarlo documentado en diversos CDs y DVDs (Live In London, BRMC Live), y ahora vuelven a hacerlo en formato de doble CD más DVD: se trata del concierto en Le Trianon de París del 24 de febrero de 2014, durante la gira de Specter At The Feast (el disco dedicado al padre del guitarra y colíder de la banda, Robert Levon Been,

fallecido en el backstage del Pukkelpop de 2010). El bolo parisino documentado en esta grabación empieza con ese disco tocado de principio a fin, con todo su dolor y tineblas emocionales. La segunda parte del show, más enérgica y desbocada, ya incluye canciones de sus cinco discos de estudio precedentes (sin contar el experimental The Effects Of 333) y muchos de sus hits. Como en ocasiones anteriores, la estética del DVD está cuidada meticulosamente para sobredimensionar la música a otro nivel de percepción. Dirigida por Bartleberry Logan, la película ganó premios en Gran Bretaña al mejor film de conciertos en vivo. El DVD se complementa, además, con el documental 33’3% Documentary de Yana Amur. En él se alternan entrevistas a los tres miembros de la banda con imágenes de gira y curiosidades (como Robert tocando el ‘I Wanna Be Sedated’ de los Ramones frente al espejo). Un pack para fans que ayudará a pasar el tiempo que falte para que editen su próximo álbum. IGNASI TRAPERO

DAVID GILMOUR Rattle That Lock (COLUMBIA)

ROCK PROGRESIVO

omo les está pasando a muchos músicos de su generación, David Gilmour se ha dado cuenta de que el final empieza a verse en el horizonte, y de alguna manera están mostrando una productividad que no deja de ser sorprendente. Hace un año tuvimos ese extraño híbrido llamado The Endless River bajo el nombre de Pink Floyd que finiquitaba de manera definitiva la mítica formación con un homenaje al fallecido Richard Wright, y ahora nos obsequia con este Rattle Than Lock, un bonito álbum donde muchas de las letras son de su mujer,

Polly Samson, y que no deja de ser un compendio de las reflexiones de vida de un hombre de 69 años. Lo mejor que podía hacer Gilmour a estas alturas –y más si hablamos de un disco altamente autobiográficoes no querer reinventar la rueda y por ello siempre tiene un punto emocionante reencontrase con esa guitarra y esa voz que son ya parte de la historia. Los tres temas instrumentales son el punto más irregular del álbum, pareciendo bocetos más atmosféricos que canciones en sí mismas, pero a la que Gilmour fusiona esa inconfundible manera de cantar y tocar en modestas pero efectivas piezas como ‘Dancing In Front Of Me’ o ‘Today’, que de manera inequívoca nos recuerdan a la banda madre, vemos que la magia y la clase siempre están ahí a poco que se esfuerce en buscarlas. Rattle That Lock no nos cambiará la existencia a sus seguidores, pero si un día tengo que dejar un testamento en vida, no me importaría que fuese similar a éste. RICHARD DOYUELA

PRESS TO MECO Good Intent (BEST BEFORE)

ROCK ALTERNATIVO

escubrí a los jovencísimos Press To Meco en 2013 y compartí en esta misma revista mis impresiones sobre su primer EP, Affinity. Entonces me robaron el corazón por su precoz personalidad y esa capacidad para ensamblar como nadie partes realmente contundentes y melodías pop a tres voces dignas de los mejores Beach Boys. Su primer largo, el presente Good Intent, está a la altura de mis elevadas expectativas. Podría parecer que el power trio es demasiado conservador al recuperar tres temas antiguos, los inspirados ‘Honestly’, ’Affinity’ y ‘Tired Bones’, y repetir productor,

Neil Kennedy (Polar, Giants), que esta vez ha capturado mucho mejor el lado salvaje de la banda sin restarle ni un ápice de su ingeniosa frescura melódica. Por lo demás, Good Intent es el disco imprevisible que esperábamos. Y es que en los 3 minutos y pico que dura un tema como ‘Family Ties’, ‘Diffusion Of Responsability’ o ‘Means To An End’, la entrañable banda formada por Luke Caley (guitarra), Adam Coffey (bajista) y Lewis Williams (batería) es capaz de casi cualquier cosa. Los giros súbitos y cambios de rollo son algo muy habitual en ellos, y te dejan agradablemente loco por su descaro y maestría. Como los añorados Reuben, Press To Meco son insultantemente buenos con sus respectivos instrumentos y tienen la mano rota escribiendo riffs eminentemente metálicos de la escuela deftoniana con grandes estribillos dignos de Weezer. Escúchalo y acabarás bailando como un poseso, igualito que el protagonista de Napoleon Dynamite en el videoclip de ‘Means To An End’. LUIS BENAVIDES

esfuerzo ha valido la pena. Vamos a ser claros: si fuesen un combo procedente de los bosques de Luisiana ya estaríamos todos dando la brasa en foros, blogs y demás redes sociales, pero no, proceden de Barcelona y seguro que lo van a tener más difícil. Escuchad, fanáticos BLACK WEST de Phil Anselmo y compañía, 49/14: The Last Dream un tema como ‘Betrayer’. No (AUTOEDITADO) sólo es que ese riff podría SLUDGE METAL mover una montaña, es también el gusto exquisito que 78 tienen a la hora de incorporar unas voces realmente mpezaron en la escena originales o la habilidad para hardcore, pero poco ir construyendo el ambiente a poco su estilo fue para crear un monstruo evolucionando hacia un metal metálico que finalmente te apocalíptico bien metido en engulle sin piedad. Una los terrenos sludge. Recuerdo brutalidad de canción. que su anterior trabajo me Densos y apocalípticos, su impresionó; joder, cómo gran activo son una colección sonaba aquello, y siguiendo de demoníacos riffs que van la senda abierta a golpe soltando como obuses bien de machetazos por gente apoyados por una base como Down, Corrosion Of rítmica tan rocosa como Conformity o Crowbar, el contundente. ‘What Is Wrong cuarteto catalán completaba With Me’ o ‘Smaller Than una mutación que acaba Keys’ son buenos ejemplos, de cristalizar en todo su y dejadme que destaque esplendor en esta monumental también ‘1966’, una oda segunda obra. El parto ha de puro metal ralentizado sido largo y complicado, a lo Alice In Chains por la mucho han tenido que sudar que muchos de los grandes y trabajar para que estas nombres que destacamos mes canciones vean la luz por a mes en RockZone matarían. fin, y hemos de decir que el ANDRÉS MARTÍNEZ

IRON AND WINE & BEN BRIDWELL Sing Into My Mouth

(BLACK CRICKET/BROWN/CAROLINE) AMERICANA

demás de ser los cantantes/líderes de Iron & Wine y Band Of Horses, Sam Beam y Ben Bridwell son amigos desde hace mucho tiempo, cuando crecieron juntos en Columbia, Carolina del Sur. Según explicaba Bridwell, 15 años atrás solían enviarse cassetes o CDs intercambiando la música que escuchaban en aquellos tiempos. Y mientras sus respectivas carreras musicales iban avanzando, nunca encontraban el momento de realizar un viejo sueño conjunto: grabar un disco de versiones entre los

dos. El momento llegó el año pasado, cuando por fin tuvieron un hueco común en sus respectivas agendas para encontrarse, tocar y grabar el álbum, en los estudios Echo Mountain de Asheville, en Carolina del Norte. En algunos casos, las versiones se acercan bastante al original (‘Done This One Before’ de Ronnie Lane, ‘Any Day Woman’ de Bonnie Raitt, ‘Magnolia’ y ‘You Know More Than I Know’ de John Cale…), y en otros, se las llevan a su terreno de sonidos country, americana y música de raíces. Así, relecturas como ‘God Knows (You Gotta Give To Get’)’ de El Perro Del Mar, ‘Am I A Good Man?’ de Them Two, el ‘Bullet Proof Soul’ de Sade o ‘This Must Be The Place’ de Talking Heads poco tienen que ver con la materia prima, para discurrir por su vena folk. Seguramente, el único pequeño ‘pero’ del disco sea, precisamente, esa homogeneidad un tanto repetitiva... Aunque siempre será mejor homogeneidad bien tocada que el eclecticismo mediocre. IGNASI TRAPERO

THE WIDOWBIRDS Black Into The Blue (WHISTLING DIXIE) ROCK

o hace demasiado The Widowbirds me regalaron una de las mejores noches de rock’n’roll de los últimos años. Un garito pequeño, una audiencia reducida pero entregada y una banda dándolo todo es suficiente para que una noche de viernes sea prácticamente perfecta. Sin embargo, ese oficio, esa emoción, ese carisma que la banda australiana desprende sobre un escenario, no es capaz de trasladarlo al vinilo. Son muchas referencias ya en las que Widowbirds no acaban de arrancar, siguen sin mostrar el enorme potencial que poseen en su interior. Simon Meli sin duda es un cantante

excepcional. Si hablamos de rock clásico sólo se me ocurre el nombre de Mike Farris para tratar de ejercer un paralelismo cercano, y Farris, amigos, son palabras mayores. El problema es que Meli es tan buen vocalista como mediocre compositor, y esas impolutas influencias (las que van de Led Zeppelin hasta Howlin Wolf pasando por Humble Pie, Faces o los mismos Kinks) no se ven plasmadas en composiciones rotundas. En cada disco pasa lo mismo, un temazo de apertura (en este caso ‘The Rain Has Come’) y luego la decepción que va llegando lenta pero inexorablemente. A pesar de todo, hemos de decir que Black Into The Blue mejora con mucho su predecesor Heart’s Needle. De vez en cuando se descuelgan con alguna pequeña sorpresa como el tema título, donde exhiben cierto regusto soul, o en ‘Sweet Trouble’, donde se acercan a los Black Crowes de The Southern Harmony. De todas maneras, que esta review no frene tu decisión de ir a verlos en directo si se acercan a tu ciudad, porque ahí, te lo aseguro, se muestran imbatibles. ANDRÉS MARTÍNEZ 91

THE JON SPENCER BLUES EXPLOSION

JON SPENCER ACABA DE CUMPLIR 50 Y LA BLUES EXPLOSION ESTÁ A PUNTO DE LLEGAR A LOS 25, PERO EL EVIDENTE PASO DEL TIEMPO NO MARCHITA LA PASIÓN DEL TRÍO POR EL ROCK’N’ROLL MUGRIENTO, RÍTMICO Y SUDOROSO. EN FREEDOM TOWER - NO WAVE DANCE PARTY 2015 RECUPERAN GROOVE PARA BAILAR AL RITMO DE LA CIUDAD QUE LOS ACOGIÓ TRES DÉCADAS ATRÁS: NUEVA YORK. TEXTO: IGNASI TRAPERO FOTOS: DR

RAS UNOS AÑOS DE LO que Jon Spencer calificó de “siesta” de la banda, 2012 supuso el retorno de la Blues Explosion junto a sus inseparables Judah Bauer (guitarra) y Russell Simins (batería). Tres años después de aquel visceral Meat + Bone, y tras recuperar la excitación de tocar juntos por todo el mundo, la Blues Explosion se volvió a meter en el estudio para grabar un disco que, casi sin querer, acabó mirando a la ciudad que nunca duerme. El décimo álbum de la banda recupera los ritmos sincopados y sinuosos, capaces de romperte la cintura como un central encarado por Messi. Más cercano a Orange o Acme que a Now I Got Worry, la Blues Explosion parece haber recuperado la chispa perdida en grabaciones anteriores. Esa chispa que se incrementa cuando tocan en directo, como tendremos ocasión de volver a vivir este mes de noviembre en una gira que les lleva a Bilbao, Barcelona y Madrid. Aprovechando una pausa antes de reemprender la segunda parte de este tour europeo, hablamos con Jon Spencer sobre el nuevo disco, el cuarto de siglo de trayectoria de la banda, sus recomendaciones musicales en el aparentemente inofensivo panorama musical actual o el nuevo disco de Boss Hog tras 15 años de ausencia. La última vez que hablé contigo fue hace tres años, cuando publicasteis Meat + Bone. Cuéntame, ¿cómo ha ido todo desde entonces?

JON SPENCER “Desde que publicamos Meat + Bone la Blues Explosion ha girado un montón; nos pasamos entre año y medio y dos años de gira, tocando por todo el mundo. Disfrutamos muchísimo. Lo pasamos muy bien trabajando juntos, así que decidimos grabar otro álbum. No recuerdo exactamente cuándo empezamos a escribir canciones para el nuevo disco, Freedom Tower, pero en cierto punto empezamos a escribir y a trabajar duro. Así que en los últimos dos o tres años hicimos un montón de conciertos y grabamos el nuevo disco”. Habéis estado probando nuevas canciones en los conciertos antes de publicar el álbum. ¿Qué tal fue? “Sí, hemos estado tocando las nuevas canciones durante mucho tiempo antes de entrar en el estudio. Una vez tuvimos escrito el disco completo, empezamos a tocar pequeños conciertos secretos en Nueva York con la intención de probar el nuevo material y ver cómo funcionaba con el público. Fue un buen ejercicio, porque nos permitió ajustar y retocar las canciones, cambiar algunas partes... me ayudó a centrarme en las cosas que estaba tocando con mi guitarra”. Así, ¿estos conciertos fueron decisivos para decidir qué canciones entraban en el disco? “Ayudaron, y tanto que sí”. Leí que, una vez publicado el

trabajo, que también hicisteis una minigira dentro de Nueva York, en diferentes partes de la ciudad. “Sí, una vez el disco estaba hecho, durante la semana de publicación hicimos una gira por los cinco distritos de Nueva York. Fue muy divertido. Nunca había tocado antes en Staten Island o en el Bronx, así que fue muy interesante para nosotros tocar por toda la ciudad. Estuvo muy bien hacerlo (risas)”. ¿Y por qué habéis centrado el álbum específicamente en Nueva York? “No fue algo que planeásemos de antemano, ni teníamos la idea de hacer un disco conceptual. Pero en cierto punto me di cuenta de que teníamos unas cuantas canciones que hablaban sobre Nueva York. Teníamos más canciones de las que necesitábamos para completar un álbum, así que teníamos que descartar algunas. Cuando empecé a mezclar el disco, empecé a seleccionar las canciones que hablaban sobre Nueva York. ¿Por qué pasó esto? Ya sabes, Nueva York es una parte muy importante de nuestras vidas. La Blues Explosion ha estado aquí durante 30 años, ha sido nuestro hogar, nuestra base de operaciones. Tenemos la ciudad enfrente de nuestra cara cada mañana, y nos enfrentamos a ella cada día. Es una ciudad tan grande, tan viva y que puede resultar tan caótica, que es difícil enfrentarse a ella. Pero para la Blues Explosion es también una gran fuente de inspira93

ción, una gran influencia que sacamos de la ciudad: de los edificios, del metro, de los olores, de los sonidos... y de manera más específica, del arte y de la cultura. Yo me mudé a Nueva York por el arte y la cultura. Quería estar más cerca de aquellos músicos, artistas, pintores o cineastas a los que admiraba. Había una especie de imán que me atrajo hasta allí. Era algo único para mí. A un montón de gente todavía le pasa. Hemos cogido un montón de cosas de Nueva York. Imagino que por todas estas razones, tenía cosas sobre la ciudad en mi cabeza y en mi sangre, y acabaron saliendo”. ¿Ha cambiado mucho Nueva York desde que llegaste hace 30 años? “Sí, un montón. Han pasado 30 años y muchas cosas han cambiado, pero me gustaría que quedase claro que Freedom Tower no es un disco hecho desde la nostalgia, como un viaje triste por el tiempo. Algunas canciones hablan del viejo Nueva York que ya no existirá nunca más, pero también hay temas sobre la ciudad de hoy en día. O canciones sobre el Nueva York en nuestra imaginación, o el cine, o la 94

tele, o un sitio que ni siquiera existe. Claro que es triste que un restaurante haya cerrado, o un bar, o una librería... o por supuesto, que un amigo muera, o que se muden a otra ciudad. Pero estas cosas pasan en una ciudad tan grande, es necesario que haya este movimiento y seguir adelante”. Grabásteis el disco en The Daptone House, ¿verdad? “Sí, fuimos al estudio Daptone, en Bushwick. Daptone es un sello local famoso por sus grandes discos de soul, de gente como Sharon Jones, Charles Bradley y diferentes artistas. Cuando escribíamos las canciones, sentimos que iban a tener más alma, que iban a ser más soul o funky. En mi cabeza veía que iba a ser un disco de baile, festivo. Pensé que iba a ser bueno trabajar con alguien que entendiese este tipo de música, y estaba claro que los ingenieros y la gente del estudio de Daptone lo iba a entender. Fue una gran experiencia”. Hace unos meses Sharon Jones vino a Barcelona y fue fantástico verla actuar con toda esa energía tras haber superado su enfermedad. No

sé si sentisteis toda esa energía o ese espíritu al grabar vuestro nuevo disco allí... “Lo intentamos. Ciertamente, Sharon Jones es una magnífica artista, es fantástico verla actuar. Y sí, creo que la Blues Explosion comparte algo de esa energía, esa pasión, y esa alma. Me gusta creer que es así”. Me ha parecido que Freedom Tower tiene más groove, más ritmo, que el anterior Meat + Bone, que era más primitivo. “Sí, echando la vista atrás, creo que Meat + Bone era un disco más rock’n’roll, más sangriento, y Freedom Tower es más afilado, más limpio, más centrado, con más énfasis en todos esos ritmos,y ese groove... ésa fue la razón por la que escogimos mezclarlo así”. La Blues Explosion está a punto de cumplir 25 años. Cuando miras atrás hacia toda esta trayectoria, ¿qué ves, qué sientes acerca de todo lo que habéis hecho como banda? “Bueno... me siento orgulloso. Imagino que no pienso demasiado en ello, en todos estos años y toda esta historia,

porque seguimos siendo una banda en activo. Así que me centro en lo que va a pasar, en qué tengo por delante. Seguimos escribiendo grandes canciones, seguimos haciendo grandes discos y tenemos un montón de grandes conciertos por hacer (risas). No me fijo demasiado en el pasado”. Y hace poco cumpliste los 50... ¿Ha cambiado mucho para ti el tipo de vida que llevas en este mundo del rock’n’roll? Supongo que te sientes muy distinto a cuando tenías 20 ó 30 años... “Sí, claro que me siento distinto. Pero mi entusiasmo, mi amor y mi pasión por esta música siguen igual. Sigo haciéndolo, y no es que la Blues Explosion me haga rico y famoso. Conlleva un trabajo duro, pero es mi pasión, mi obsesión. Lo hago porque me siento bien. Y mientras pueda seguir teniéndome en pie, respirando, continuaré haciéndolo”. Quería preguntarte también por todos esos pósters y dibujos fantásticos con los que anunciáis los conciertos. ¿Quién los hace? “Oh, eso es cosa de un artista llamado Brian Waters. Es un músico y muy buen DJ de Los Ángeles. Era el líder de la banda de André Williams, y también tocaba en un grupo llamado The Flash Express. Ha tocado en unas cuantas bandas en L.A.. Es un muy buen músico, ¡y también se ha convertido en un gran diseñador! (Risas) Nos hizo de DJ en algunos conciertos en primavera en L.A., y nos dijo: “¡Voy a hacer un dibujo para anunciar el concierto!”. Y ha seguido haciéndolos”.

Cambiando de tema, aparte de la gira europea para promocionar el nuevo disco, ¿qué planes tienes con tus bandas paralelas, como Heavy Trash o Boss Hog? ¿Vas a hacer cosas nuevas con ellos? “Con Heavy Trash hicimos algunos conciertos en verano, pero ahora no tenemos nuevos planes ni actividades. Con Boss Hog estamos intentando acabar un disco que grabamos el año pasado. Intentaremos acabarlo (risas)”. ¡Eso es una gran noticia, porque hacía un montón que no publicabais nada! “Sí, hace muchísimo ya. Pero seguimos saliendo y haciendo música...”. ¿Y haréis shows con Boss Hog? “Nos gustaría, pero creo que primero tendremos que esperar hasta que el disco esté acabado”. Voy terminando, Jon. Con toda esta situación global de guerras, terrorismo, refugiados... ¿No echas en falta un movimiento musical que alce la voz contra todo este mundo de mierda en el que vivimos hoy en día? No sé, como pudo ser el punk en los 70, el hip hop en los 80, el grunge o las riot grrrls en los 90... “Guau... eh... Puede ser cierto que no hay ningún movimiento visible protestando contra todo eso, pero siempre hay cosas malas que ocurren en el mundo. Sí, supongo que no existe ningún tipo de movimiento de protesta musical así, pero desde mi punto de vista, el punk rock tenía que ver más con la rebelión de la juventud

“NO CONSIDERO EL PUNK ROCK COMO UN MOVIMIENTO MUSICAL DE PROTESTA. TENÍA UN PUNTO NEGATIVO, MÁS QUE DE QUERER ARREGLAR LAS COSAS” JON SPENCER

que con un tipo de protesta política. No considero el punk rock como un movimiento musical de protesta. Tenía un punto negativo, más que de querer arreglar las cosas. Esperemos quizás que la gente más joven se una para hacer música para protestar contra todo eso”. ¿Alguna recomendación de bandas que hayas escuchado últimamente, sean de Nueva York o de otros lugares? “De Nueva York, los Daddy Long Legs. Tocan una especie de punk blues, son de Brooklyn, del sello Norton Records. De Minneapolis, los We Are Hex. De Detroit, una banda llamada Danny & The Darleans, que me gustan mucho. De Montreal, Bloodshot Bill (teloneó a Heavy Trash hace unos años en La [2] de Apolo -ndr.). Y en Barcelona (y en el resto de la gira española -ndr.) tocaremos con Gemma Ray, que es una gran artista, cantante y compositora”. Tienes que escuchar a The Excitements. Son de Barcelona y son fantásticos. “¿The Excitements? OK, los buscaré. Gracias por la sugerencia”.

CORDURA

Astros AlineAdos COMO EN CADA NUEVA ENTREGA, CORDURA HAN VUELTO A ESTRUJARSE EL CEREBRO PARA NO CAER EN LA REPETICIÓN DE FÓRMULAS ANTERIORMENTE USADAS. EN SU QUINTO ÁLBUM, EL MAL YA ESTÁ HECHO, PONEN EL PUNTO DE MIRA EN LAS GALAXIAS MÁS LEJANAS SIN DESPEGAR LOS PIES DE LA TIERRA. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: ZEFE

UNQUE SUENE RARO, hay ocasiones en que la falta de expectativas puede ser lo mejor que le suceda a un grupo. Tomemos como ejemplo a los bilbaínos Cordura. Más de una década de actividad, cinco discos de estudio que 96

evidencian una interesantísima evolución sin ataduras de ningún tipo y, a pesar de todo ello, un repercusión bastante justita a la par que inmerecida. Pero precisamente el no tener que satisfacer ni rendir cuentas a nadie que no sean ellos mismos es lo que les ha per-

mitido ir perfilando su personalidad. Siempre coherentes con sus ideas, pero con el espíritu aventurero de querer darle una nueva vuelta de tuerca a su sonido en cada lanzamiento, El Mal Ya Está Hecho (Monos Sobre Ruedas) no es una excepción. Una vez más

mejor que ellos mismos para que nos contasen lo que se esconde detrás de uno de esos trabajos que requieren la máxima dedicación por parte del oyente. La misma que ellos han puesto para darle forma.

han tenido que apretar los dientes y sudar en el local de ensayo para darle un nuevo aire a sus composiciones, acercándose por momentos a la psicodelia e incluso al space rock. Pero aunque sus propios miembros, Anero (voz), Michi (guitarra), Beko (bajo) y Unai (batería), nos reconozcan haber pasado últimamente muchas horas escuchando a Monster Magnet o Black Mountain, que nadie espere que se les haya ido el asunto de las manos, porque la crudeza de su propuesta sigue intacta. Nadie

Con cada nuevo disco siempre habéis buscado hacer algo distinto con vuestro sonido. En éste parece que os acercáis más a la psicodelia y al space rock sin olvidar vuestra base. MICHI “Como siempre nos ocurre a la hora de comenzar a componer un disco, tuvimos una fase de bloqueo que duró unos cuantos meses. Una de las ideas que tuvimos para salir del callejón, que finalmente no se llevó a cabo, fue tirar todo el material que teníamos a medias y empezar de nuevo haciendo un disco concebido como una obra coherente al estilo de, por poner dos ejemplos, Dopes To Infinity de Monster Magnet o ...And The Circus Leaves Town de Kyuss. Discos que se conciben como obras totales en cuanto a composición y sonido aunque disten mucho de ser conceptuales. Finalmente, no nos deshicimos de todas las canciones, porque teníamos buen material, pero algo de ese espíritu pudo influir en la dirección a tomar. Al mismo tiempo, las bandas que nos estaban haciendo probar riffs, sonidos... estaban siendo, entre otras, Motorpsycho, Amplifier, The Soundtrack Of Our Lives, Black Mountain, The Black Crowes, Witchcraft... junto con otras habituales en nosotros. También influye que Unai lleva ya con nosotros seis años y tiene un gran bagaje en cuanto a psicodelia 60’s, y han sido años de aprendizaje mutuo. O cierto equipo con el que me hice y con el que empecé a experimentar. Y ciertas

“A NIVEL MUSICAL NO SE TRATA DE UN DISCO CONCEPTUAL, PERO HAY UNA CIERTA INTENCIONALIDAD EN CONSEGUIR UNA OBRA REDONDA, SIN ARISTAS” MICHI

deudas pendientes que siempre te quedan del disco anterior, que quieres plasmar en esta ocasión. De ese modo, empezamos a conseguir ver la luz entre pruebas, canciones inacabadas, bocetos y fracasos. Por tanto, el porqué llegamos hasta aquí no obedece a un motivo consciente ni deliberado, sino a varios factores que confluyen en este álbum, toneladas de ideas rondando en nuestra cabeza que podremos haber llevado o no a buen puerto, o que hemos traducido a nuestro lenguaje como buenamente podemos. Está claro que representa nuestros gustos, pero también nuestras diferencias: ir con una idea y que te la volteen por completo. O que te aporten algo distinto que la enriquece. Y eso, cuando pasa, es cojonudo. A nivel de sonido también hubo una serie de bandas que nos hicieron plantearnos ciertas cosas o cierto enfoque. Black Angels, Pond, Tame Impala, Ty Segall... Grupos que quizás no han influenciado en cuanto a composición porque las fuimos descubriendo con el material más o menos terminado, pero que han dejado su huella en cuanto a arreglos, producción, enfoque o incluso actitud. Todo ello trasladado a nuestra manera de tocar e interpretar. No tenemos otra, pero básicamente nos gusta aprender”. Tanto la portada, el sonido, como las letras de Anero ayudan a que la idea de una obra sobre el espacio y el tiempo 97

“LA AMBICIÓN TIENE QUE SER DE ÍNDOLE CREATIVA, SIEMPRE. Y CREO QUE HAY QUE SER EGOÍSTA CON LO QUE HACES, QUE ES EL MODO DE SER HONESTO” MICHI

coja mayor fuerza. ¿Tiene el disco algún tipo de historia conceptual o un hilo a seguir entre todos los temas? Y en caso afirmativo, ¿fue algo premeditado o surgió así? ANERO “En lo que me concierne, quería darle otro enfoque. Son muchas letras las que he escrito y me lo planteé como un reto. Hablar de lo mismo de siempre desde otra perspectiva más espacial, más hipnótica y menos directa. Tampoco es que sean mensajes indescifrables ni encriptados, se entiende fácilmente de lo que hablo aunque con la suficiente libertad como que para cada cual haga sus interpretaciones. No hay una conceptualidad en el disco más allá del enfoque”. MICHI “A nivel musical no se trata de un disco conceptual, pero hay una cierta intencionalidad en conseguir una obra redonda, sin aristas. Por eso no hay ningún tema corto y rockero como en otros discos, porque no encajaban, no conseguíamos darles sentido ni ubicación. Hemos buscado, más que una unidad conceptual, un álbum que fluya de principio a fin”. ¿De dónde sale el título del 98

álbum? ¿Qué es lo que queréis decir con ello? ANERO “Esta frase la tenía en la recámara desde hace muchos años como un posible título de canción. Había una banda de hardcore punk que se llamaba así y se grabó directamente en mi diminuto cerebro. Me parece lo suficientemente evocadora para que cada persona la haga suya a su manera y encaja muy bien con el ambiente que se respira a lo largo del disco”. MICHI “La portada reafirma además el aura oscura e incluso amenazadora de la frase. También puede resumirse del siguiente modo: el disco está terminado, no hay vuelta atrás. Pero, claro está, tiene mil interpretaciones distintas; que cada uno haga la suya. Pero por ejemplo, no hay más que escuchar el tema título para empezar a sacar lecturas”. En Metrópolis ya incluisteis algún arreglo de mandolina y aquí habéis apostado por un instrumento tan exótico como el sitar en ‘Justicia Poética’. Contadme cómo cosas así pueden pasar de ser una simple

broma a tomarlo como una idea realmente seria. MICHI “De entrada no te entiendo, ¿cómo va a tratarse de una broma? Más bien se trata de añadidos que haces a las canciones porque las enriquecen, cosa que llevamos haciendo desde el primer disco con pianos, voces, acústicas… Sólo que en estos dos casos son instrumentos algo más atípicos para el estándar de una banda, pero nada que no se haya hecho antes. En el estudio tienes la posibilidad de colorear y enriquecer las canciones, que aunque si bien sabes que no podrás recrear después al tocarlas, hacen del disco algo distinto al directo. Te puedo comentar que la idea de la mandolina de ‘Tierra De Por Medio’ viene de que dicho tema tiene mucho que ver con 16 Horsepower y Woven Hand, y pensé en añadirle o bien un banjo o una mandolina. Sólo que la mandolina era algo que quería usar desde que vi a Christopher Thorn de Blind Melon tocarla durante ‘Walk’ en un Azkena. Es un instrumento que tiene una sonoridad increíble. Dicho y hecho, conseguimos una prestada gracias a los mil y un contactos de Unai, le cambié la afinación, aprendí a to-

carla mínimamente y metí el arreglo. Para este disco tenía ganas de usar un banjo, pero ninguna canción me lo pedía. Pero resulta que Borja Muro, uno de los productores, toca el sitar y tienen uno en el estudio. Y ‘Justicia Poética’ pedía algo en esa línea, transportando la melodía principal de guitarra a dicho instrumento. La inspiración viene de la gran cantidad de bandas que lo han usado, sean The Beatles, Led Zeppelin, Monster Magnet, Type O Negative o también de la propia naturaleza de la línea de guitarra que tiene un punto exótico. Al final quedó como un prólogo y epílogo que enriquecen la canción, pero incluso me queda la espina clavada de no haberlo integrado en medio de la canción como parte fundamental de la misma o en un desparrame de lisérgica psicodelia de 10 minutos. Otra vez será”.

Es el modo en el que das lo mejor de ti mismo, porque no miras al exterior, ni a las expectativas de nadie, ni te condicionas en ninguna dirección. Y como resultado puedes obtener un disco de avant-garde o uno de riffs a lo Ramones. Eso da igual. Mientras sea lo que realmente quieres hacer será lo correcto y la opinión de los demás es secundaria. Y si consigues conectar con la gente, mejor que mejor. Pero si es que no, sigue a lo tuyo. Al menos el resultado será fruto de la sinceridad y serás dueño de tus aciertos y tus fracasos. Es tal y como veo las cosas, vaya. Podrá parecer un enfoque poco ambicioso, pero, créeme, es justo lo contrario. La ambición, grande o modesta, tiene que ser de índole creativa, siempre. Y creo que hay que ser egoísta con lo que haces, que es el modo de ser honesto”.

El no tener que rendir cuentas a nadie y que tampoco haya expectativas de ningún tipo, ¿os da más libertad a la hora de asumir riesgos en el aspecto creativo al contrario que otros grupos que puedan estar con más presión? MICHI “La verdad es que, hablando de bandas que no nos dedicamos profesionalmente a esto, es decir, que no dependemos de la música para comer, me sorprende la pregunta. Partamos de una base: si tienes que obtener un sueldo son comprensibles ciertas concesiones a lo que no sea tu gusto personal, a lo que se espera de ti, al menos viviendo donde vivimos. Lo hacemos todos con nuestros trabajos, a diario. Pero olvidando eso, por supuesto que gozamos de la mayor de las libertades, pero creo que esa debería de ser la motivación de toda banda.

Durante el proceso de composición cada uno habéis pasado por diferentes experiencias: paternidades, rupturas sentimentales... ¿Crees que eso ha afectado de alguna manera al grupo? ¿Os sirve la banda como refugio para aislaros de vuestro día a día? MICHI “Han pasado cosas, como en todas las vidas. Incluso algunas realmente graves, como reformas del hogar o dolorosas derramas comunitarias. El grupo está unido, porque ante todo somos amigos y eso es algo que se extiende desde los ensayos a las vidas de cada uno. Tenemos una necesidad de hacer música y da la casualidad de que juntos nos sentimos bien y tenemos química. Y no, no llamaría refugio o escapismo a lo que hacemos juntos. Es algo bastante mejor que eso. Como vía de escape, en mi caso, me

gusta correr. La música es algo que tengo que hacer, que va mas allá de un mero entretenimiento, una necesidad en la que intento dar lo mejor de mí mismo junto a mi gente”. Está claro que a vuestra edad ya no sois unos chavales. ¿Cuesta cada vez más con los años sacar adelante un grupo de vuestro nivel y mantener la llama o lo lleváis incluso con más ganas que al principio? MICHI “Depende. Tienes más obligaciones y condicionantes, pero si no intentas lo imposible como girar constantemente, soñar con profesionalizarte, etc. esto es totalmente sostenible. También es importante no frustrarte por no conseguir llegar más allá y que el día a día, mantenerte creativo, sea lo que te satisfaga. Lo que cuesta cada vez más es componer canciones que consideres mejores que las anteriores y que sean dignas de ser publicadas, pero eso nos lleva pasando desde hace más de diez años cuando empezamos a componer el segundo disco. Sólo que, además, cada vez somos más exigentes. Se trata de una autoexigencia fruto del respeto hacia la música y el saber que existen discos tan buenos, que lo mínimo que puedes hacer es dar el máximo siempre. Así que sí, hay más ganas que al principio, porque te das cuenta de la importancia que tiene conseguir sacar adelante la banda después de todos estos años y que cada vez disfrutes más, sea en directo o en el local. Y eso es todo un triunfo y un éxito”.

KILLING JOKE

EL SONIDO DE LA TIERRA VOMITANDO. ASÍ DEFINIÓ EN UNA OCASIÓN EL BATERÍA BIG PAUL FERGUSON LA MÚSICA QUE KILLING JOKE LLEVAN HACIENDO DESDE 1978 Y QUE HA CONSEGUIDO LA ADMIRACIÓN DE PERSONAJES TAN RELEVANTES COMO DAVE GROHL, TRENT REZNOR O JIMMY PAGE. EN 2015, EL ÚLTIMO VÓMITO DE LA BANDA LLEVA EL NOMBRE DE PYLON. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

URGIDOS DE LA ESCENA post punk británica pero influenciados igualmente por los pioneros de la electrónica alemana, Killing Joke han sido un referente para un montón de bandas industriales, metaleras y del rock alternativo. Ahí está la cantidad de versiones que se han hecho de sus canciones para corroborarlo. Pero el grupo se niega a ser simplemente un nombre del pasado y sus últimos trabajos, incluido Pylon (Spinefarm), aparecido el 23 de octubre, resuenan con la misma fuerza que lo hacían décadas atrás. En ello mucho ha tenido que ver que desde principios de esta década, la formación original, que además de Ferguson incluye al vocalista Jaz Coleman, el guitarrista Kevin ‘Geordie’ Walker y el bajista Martin ‘Youth’ Glover, decidiera reunirse. Sus habilidades musicales están fuera de duda (Youth, por ejemplo, es uno de los productores británicos más reputados gracias a su trabajo con Primal Scream o The Verve), pero es evidente que la excéntrica, provocativa y carismática personalidad de Coleman ha sido fundamental en su gran proyección pública. Coleman, conocido también por desaparecer durante largas temporadas o irse a vivir a los lugares más exóticos, fue el encargado de hablarnos sobre este nuevo capítulo de Killing Joke entre sonoras carcajadas. Tengo curiosidad por saber dónde vives actualmente. ¿A qué lugar llamas hogar? JAZ COLEMAN “Para serte sincero, no lo sé. Vivo entre seis lugares distintos. Vivo en Praga, también paso temporadas en Francia, en Suiza, en Rusia, porque estoy trabajando con la Orquesta Sinfónica de San

Petesburgo… Y cuando hace frío en Europa, me voy a Nueva Zelanda, allí cojo un avión y me voy a una isla del Pacífico. Ahí es donde tengo mi casa. Es un jodido paraíso, pero me gusta la mierda (risas)”. ¿Y ahora mismo dónde estás? “Ahora mismo estoy en Praga. Estoy en un apartamento y tengo unas vistas preciosas. Me gusta el lado oscuro de esta ciudad”. Y su buena cerveza… “Sí, es excelente. Y es más barata que el agua. Pero llevo sin beber ocho años”. Bien por ti. “¡Por mí y por todos los demás! (Risas)”. ¿Por qué decidiste dejar de beber? ¿Fue una decisión tuya? “Sí, lo fue. Mi médico me dijo que tenía muy malas noticias para mí. Tenía el colesterol disparado y me dijo que sólo podía tomar dos copas al día. Y pensé que tomar sólo dos copas sería muy aburrido, así que decidí parar por completo. Estaba jodidamente gordo. Parecía Orson Welles. El alcohol no es una buena droga para mí, nunca sabía cuándo parar. Pero no fui a Alcohólicos Anónimos ni nada. No dejé de ir al pub, sólo dejé de beber. Es mucho más difícil dejar de fumar. Por cierto, ¿desde dónde llamas tú?”. Desde Barcelona. “¡Oh! Estuve en Barcelona hace un par de semanas. He estado yendo allí desde que tenía 4 años. Solía ir cada año a las montañas de Montserrat. Iba al cámping La Ballena Alegre. Hace mucho tiempo… Es un sitio muy espiritual para mí. ¡Los catalanes 33 sois

“KILLING JOKE ES UNA BANDA DIFÍCIL DE CLASIFICAR. LO VEO CUANDO ENTRO EN UNA TIENDA DE DISCOS: NUNCA SÉ SI NUESTROS DISCOS ESTARÁN EN LA SECCIÓN DE PUNK, DE METAL O DE POP ROCK. NUNCA NOS HEMOS ENCASILLADO”

unos bastardos locos! Me encantaría que un día Catalunya fuera independiente y también que lo fuera el País Vasco. Sería algo hermoso. Creo en la autodeterminación de los países pequeños. Los mejores para gobernar cualquier territorio son los indígenas de ese lugar. Creo en un mundo unido, pero una unión de naciones, no en una Europa homogénea que anule todas las culturas. Creo en la diversidad, en los distintos colores. Así que adelante con la independencia, ¡vamos!”. Ahora mismo Europa afronta muchos retos. La crisis de los refugiados, por ejemplo. Si dependiera de ti, ¿qué harías al respecto? “El que los refugiados vengan a Europa es debido a un par de cosas. La primera es que la OTAN bombardeó Libia fomentando la revolución en varios países árabes y armando varias facciones de Siria para desestabilizar

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el régimen de Al Assad. Y la segunda es el dominio de las multinacionales de la economía en los países del norte de África. Así que debemos tomar responsabilidad. ¿Qué haría yo? Primero, disolver la OTAN. Me gusta más la idea de una unión militar europea, independiente de Estados Unidos. Ellos son los mayores responsables de las guerras que han ocurrido desde la Segunda Guerra Mundial. Y lo segundo que haría es ampliar la ayuda humanitaria. Desmantelaría todo el armamento nuclear. Reino Unido se está gastando un billón de libras en actualizar su programa nuclear. ¿Para qué gastarnos todo ese dinero si nunca se podrán utilizar esos misiles? Incluso si quisiéramos, necesitaríamos la luz verde de Estados Unidos. Es una locura. Con ese dinero podríamos garantizar la sanidad pública para los próximos diez o quince años. Y también reestructuraría el sistema bancario para que los bancos centrales dejaran de tener tanto poder”.

Estando de acuerdo contigo, ¿no crees que también se debería interpelar más a los países árabes para que asuman su responsabilidad? Algunos de ellos son de los más ricos del planeta… “Para mí Arabia Saudí es un país repugnante. Cortaría las relaciones diplomáticas con ellos. Han decapitado a más gente que los de Isis (risas). Es un país donde los derechos de una mujer se rigen por las normas absurdas y arcaicas del Viejo Testamento. ¡Deberíamos de haberles mandado los tanques hace años! (Risas) Y hablando de geopolítica, también les daría un país a los gitanos, para que los gitanos de toda Europa pudieran vivir. ¡Y también vendería Ucrania a los rusos a cambio de gas! (Risas) ¡Y también creo que los alemanes deberían trabajar mucho más! (Risas)”. Siempre me ha parecido que la música de Killing Joke se-

ría muy apropiada como la banda sonora para el fin del mundo. ¿Es ésa vuestra intención a la hora de crearla? “No, no. La motivación es totalmente egoísta. Hacemos música porque nos hace mejores personas. Es una manera de canalizar nuestras tendencias agresivas y nuestro miedo al mundo moderno. Es una manera de procesar esta oscuridad colectivamente y encima podemos compartirla con miles de personas en los conciertas. Para nosotros es una terapia. Puedes verlo como un antídoto contra la enfermedad del mundo moderno”. De hecho, vuestros conciertos pueden ser vistos como una celebración de la oscuridad. “No lo sé. Nunca he visto a Killing Joke en directo... Pero me encanta la música que hacemos”. ¿Cómo compararías hacer un disco hoy a como lo hacíais cuando empezasteis? “Es igual de dramático que cuando tenía 18 años. Pero hay cosas que han mejorado. Seguimos gritándonos, pero al menos no nos pegamos. Es un poco más civilizado. Pero tienes que tener en cuenta una cosa: la gente no cambia (risas). Pero es maravilloso. Hemos aprendido a vivir con ello. Killing Joke es una unión de alianzas. Todo el mundo tiene su relación con Youth, su relación con Geordie, con Big Paul, conmigo… así que eso nos abre muchas posibilidades. Eso es lo que lo hace interesante. A mí me gusta trabajar con todos ellos. Me gusta escribir letras con Big Paul porque pensamos igual. Y cuando Paul hace coros es difícil distinguir si

es su voz o la mía”. Aunque sea muy creativo, poner todas esas ideas en orden no tiene que ser fácil… “No lo es. Por eso discutimos tanto. Por ejemplo este disco tiene diez canciones, pero en realidad grabamos 15 que son las que aparecen en la edición deluxe. En realidad grabamos 17, pero descartamos dos. Pero no nos poníamos de acuerdo en qué otras cinco dejar fuera, así que lo hicieron fuerzas externas. Pero para mí la edición deluxe es la que vale. A mí me enferma que esos cinco temas hayan quedado fuera en el disco normal porque son fantásticos. ¡El disco son 15 canciones! No son canciones menores, no son caras B. ¡El álbum con 15 canciones es una jodida obra maestra!”. Lo que está claro es que conserváis la misma mala leche e intensidad de siempre. ¿Cuál es el secreto? “Ser pobres (risas). La pobreza y la rabia (risas). El no sentirte demasiado cómodo y mantener un pie en la calle es la forma con la que consigues no ablandarte. La mayoría de nuestros amigos no tienen dinero, lo están pasando mal. Observamos todo lo que ocurre y eso nos ayuda a crear. Lo mejor para componer es olvidarte de que estás haciendo música y hacer lo que te dé la gana. Si haces eso, la música aparece sin ningún tipo de proceso intelectual. Está ahí. La música sale de ti. Es espontáneo”.

sea tu favorita? “Mmm… Hay muy buenas versiones. Estoy intentando recordar algunas. Helmet hicieron una muy buena de ‘Primitive’. Foo Fighters hicieron una muy buena de ‘Requiem’. Fear Factory hicieron una fantástica de ‘Millennium’. Supongo que lo que intento decirte es que no tengo una favorita. Hay muchas”. Este verano habéis tocado en bastantes festivales de metal. ¿Te sorprende que os reclamen para actuar en ellos? “Tocamos en festivales de todo tipo, metal, dance, indie… La verdad es que me sorprende porque nosotros venimos de una tradición punk, pero me encanta ser aceptado por la comunidad metal. Es maravilloso. Está claro que hacemos música con energía y supongo que eso es en lo que conectemos. Pero Killing Joke es una banda difícil de clasificar. Lo veo cuando entro en una tienda de discos: nunca sé si nuestros discos estarán en la sección de punk, de metal o de pop rock. Nunca nos hemos encasillado”. Os vi en el Hellfest y os acompañaba un tío escupiendo fuego y bailando. ¿Quién era? “¡Es un jodido loco que conocí en un bar de Praga! (Risas) Sólo actuó con nosotros en el Hellfest y luego cogió un taxi y se fue a París. ¡Y quería que le pagásemos el taxi! (Risas) La última vez que le vi fue subiendo a ese taxi (risas)”.

Muchos grupos distintos han hecho versiones de temas de Killing Joke. ¿Tienes una que

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IMPERIAL STATE ELECTRIC

TENIENDO EN CUENTA QUE GÉNEROS COMO EL RHYTHM AND BLUES, EL SOUL O EL PROPIO ROCK’N’ROLL NACIERON EN LOS CAMPOS DE ALGODÓN DONDE TRABAJABAN LOS ESCLAVOS NEGROS HACE VARIAS DÉCADAS ATRÁS, RESULTA CURIOSO QUE UNO DE SUS MÁXIMOS EXPONENTES EN LA ACTUALIDAD VENGA DE LA FRÍA SUECIA. NICKE ‘ROYALE’ ANDERSSON LLEVA CULTIVANDO MAGISTRALMENTE TODO ESE MARAVILLOSO LEGADO DESDE HACE AÑOS CON IMPERIAL STATE ELECTRIC. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR UNQUE NICKE ANDERSSON nos reconoce que le gustaría que los días fuesen más largos, uno tiene la sensación de que realmente él cuenta con una hora extra de más. Sólo así se podría explicar de dónde ha sacado tanto tiempo para elaborar un currículum tan basto como el suyo. Veamos: comenzó como batería de los seminales Entombed para poco después pasarse a la guitarra y liderar uno de los combos más queridos de finales de los 90 por parte del público rockero, The Hellacopters. Con el permiso de los noruegos Gluecifer, se convirtieron en la banda más sólida de la oleada escandinava que explotó a comienzos del nuevo milenio. Su separación en 2008 dejó un legado de siete álbumes de estudio, decenas de canciones, conciertos inolvidables, proyectos paralelos tan geniales como The Solution o Death Breath (sin olvidarnos de su faceta como productor) y una verdadera legión de fans que sueñan con que llegue el día en que vuelvan a pisar un escenario... algo que de momento parece quedar un tanto lejos. Y es que, desde 2010, Nicke lidera con un ritmo imparable a Imperial State Electric. Formación que completan Dolf de Borst (bajo), Tobias Egge (guitarra) y Tomas Eriksson (batería), con los que ya ha publicado cuatro discos, siendo el último de ellos Honk Machine (Psychout). Con motivo de la gira que les llevó a presentarlo en has-

ta ocho ciudades de nuestra geografía el pasado mes de septiembre, el guitarrista de la sempiterna gorra descolgó el teléfono para charlar unos instantes con nosotros unos días antes de aterrizar en España. ¡Ah! Y si por alguna razón no les habéis podido pillar en esta ocasión por vuestra ciudad, no os preocupéis porque ya están preparando su siguiente trabajo de cara al año que viene. En vuestro anterior álbum, Reptile Brain Music, creo que encontrasteis un buen equilibrio entre la energía rockera y las melodías del pop más clásico. ¿Con qué intención encarasteis la creación de Honk Machine? NICKE ANDERSSON “Bueno, ésa siempre ha sido la cuestión para mí. Siempre estoy escribiendo canciones. Siempre. Nunca he estado en la situación de tener que enfrentarme a una hoja en blanco a la hora de preparar un nuevo disco. Así que algunas canciones de este álbum son antiguas y otras muy recientes. Antes de entrar al estudio, los chicos y yo revisamos las demos que tenemos y escogemos los temas que pensamos que estaría bien grabar. En esta ocasión tampoco ha sido diferente en ese aspecto”. ¿Dirías que con estos dos últimos discos habéis establecido las bases definitivas de lo que es el sonido de Imperial

State Electric? “Bueno, no lo sé. Ante todo, no creo que sea asunto mío ser el que juzga eso... Pero quién sabe cómo sonará nuestro siguiente trabajo. No pienso demasiado en ello. Sólo me preocupa tocar buenas canciones y sacar lo mejor que tengo. Puede que en el próximo álbum haya algunas sorpresas, o tal vez ninguna. Simplemente dejas que las canciones te lleven a donde ellas quieran”. Tienes la fama de ser un compositor muy prolífico. ¿Cuántas canciones tenías preparadas esta vez? “Creo que estuvimos trabajando con unas 50. Luego grabamos 15 y de ahí elegimos las once que acabaron en el disco. Desde entonces he seguido escribiendo muchas más, así que tendremos un montón para el siguiente. También Tobias y Dolf escriben temas, lo que pasa es que yo soy más rápido (risas). Creo que todos somos bastante buenos, pero cuando Tobias ha terminado tres canciones, yo ya tengo listas otras 30”. Tengo la sensación de que, si por ti fuese, sacarías un disco cada dos meses. “Bueno, quizás no cada dos meses, pero si cada seis. Eso estaría bien”. Tal y como se hacía en los 60. Recuerdo que, por ejemplo, The Beatles eran capaces de 105

contemporáneos. No hay muchas cosas dentro del rock’n’roll a día de hoy que suenen bien. Obviamente pensaría en productores ya clásicos, aunque quizás no sean tan buenos ahora como lo fueron en los 60 y los 70. Bob Ezrin era bueno, y sigue siéndolo tanto como entonces. Eso sería increíble, pero no creo que vaya a pasar”.

editar dos álbumes cada año y ambos eran fantásticos. “Sí, pero no sólo The Beatles, la mayoría de bandas funcionaban así. Y en los 70 era igual. Ya hemos planeado que nuestro próximo disco, que ya estamos grabando, salga lo más pronto posible para así tener listo otro más antes de que acabe 2016. Creo que así es mejor. El rock’n’roll es lo más importante para mí y me lo tomo muy en serio. Pero al mismo tiempo, no creo que los grupos deban tardar cuatro años para hacer un disco. Eso es mucho. La vida es demasiado corta (risas)”. En Honk Machine tanto Dolf como Tobias se encargan de cantar un tema cada uno, al igual que ya hicieran en Reptile Brain Music. ¿Es una manera de decirle a la gente que éste no es sólo tu grupo y dar una sensación de verdadera unidad? “No, no es por eso por lo que lo hacemos. Simplemente, ahora mismo tenemos tres personas en la banda que pueden cantar, y eso es bueno. Si por mi fuese, yo no cantaría tantas. Pero como te dije, les animo para 106

que escriban sus propias canciones. Quizás tengan más protagonismo en el nuevo disco. Eso espero. Creo que así es más interesante. Siempre me han gustado los grupos que tienen más de un cantante. Por ejemplo, como hemos comentado, The Beatles tenían tres, y eso era genial”. Nuevamente te has encargado de la producción. ¿No es demasiado estresante tener que preocuparte de tantos aspectos del grupo? “Sí lo es (risas). Pero es algo que tengo asumido. No es una vida fácil la de tener un grupo de rock’n’roll. Es complicado. Si tuviese dinero o ganase la lotería, entonces sí que tendríamos un productor. Me gustaría tener a alguien que se hiciese cargo de todo eso. Pero en este momento es lo que tenemos, así que intento hacerlo lo mejor posible. En un mundo perfecto sería estupendo que tuviésemos a alguien externo para ayudarnos”. ¿Y con quién te gustaría colaborar si tuvieses la oportunidad de hacerlo? “Oh, la verdad es que no tengo ni idea. No escucho muchos discos

Y como productor, ¿no tienes esos momentos en los que escuchando una canción por décima vez ya no sabes si es buena o mala? “Bueno, la manera de resolver ese problema es no hacerlo diez veces, sino sólo una y ya está (risas). Una de las claves de ser productor es tomar decisiones muy rápido, y creo que soy muy bueno en eso. Si hay algo que no me gusta instantáneamente, entonces lo dejo fuera. Lo mejor es escuchar a tu instinto y así no tendrás que hacerlo diez o más veces”. Ahora que me has dicho lo de que no hay muchos productores buenos haciendo rock’n’roll en la actualidad, debo decirte que Graveyard son uno de mis grupos favoritos de los últimos años y muchísimas veces he pensado en lo fantástico que sería que trabajaseis juntos. Sé que sois buenos colegas y creo que ambos compartís los mismos puntos de vista en muchas cosas. “Oh tío, es genial escuchar eso. Pero creo que Graveyard ya son muy buenos. Son perfectos tal y como son, así que no sé qué podría aportarles. Pero sería estupendo, son una banda increíble. Y sí, creo que tenemos una ma-

nera muy similar de pensar y eso es lo que me gusta de ellos. Tienen buenas canciones y son buenos intérpretes, pero no buscan una técnica perfecta, algo que es totalmente inútil en mi opinión. Me gusta más la parte emocional y creo que ellos también piensan así”. Volviendo a lo que me has comentado antes, estos días he visto un par de fotos en las que se os ve que ya estáis manos a la obra con otro nuevo disco... ¡No paráis! “Bueno, he probado a irme de vacaciones un par de veces y no me gusta nada (risas). Me preguntaba: ‘¿Dónde está mi guitarra?’ (Risas). No sé, quizás sea un poco raro, pero creo que es necesario para hacer este tipo de trabajo. Simplemente disfruto haciendo música y creo que lo seguiré haciendo. Es lo que hago”. Iba a preguntarte sobre si tienes alguna intención de retomar The Solution o Death Breath, pero viendo la actividad que tienes con Imperial State Electric, me temo que andas demasiado ocupado... “Tienes razón. Me encantaría que los días tuviesen más horas. 24 horas no son suficientes. Tenemos un álbum de Death Breath que lleva casi terminado desde hace años. Y en cuanto a The Solution, me encantaría, pero es demasiado trabajo. Scott Morgan está viviendo en Estados Unidos y no podemos llevar a todos los músicos hasta allí. Cuesta muchísimo dinero y muchísimo tiempo, así que de momento creo que seguiré haciendo cosas con Imperial State Electric (risas)”. Imagino que debes de estar

cansado de que te pregunten siempre por una posible reunión de The Hellacopters, así que no lo haré... pero sí quería preguntarte sobre si sigues teniendo contacto con el resto de la banda y en qué andan metidos cada uno a día de hoy. “Sí, siempre he estado hablando con ellos. Con los que más contacto tengo es con Robert y Boba, porque siguen activos tocando música e imagino que por eso mantenemos tan buena relación. No tengo ni idea de lo que hace ahora Strings, ni tampoco Kenny. Pero sí que hablamos a menudo”. También quería aprovechar para preguntarte si sabes algo acerca de Biff Malibu, el excantante de Gluecifer. Desde que lo dejaron ha desaparecido del mundo de la música y pienso que es una lástima. Me parecía el mejor cantante de todos los que salieron de la ola escandinava. “Sí, era un cantante fabuloso. Creo que ya no toca música y ahora trabaja en la televisión y en la radio. La última vez que le vi creo que fue en 2008, cuando en un concierto salió a cantar con nosotros en la última gira de The Hellacopters en Dinamarca”. Hace un tiempo tuve la ocasión de entrevistar a tu buen amigo Dregen de Backyard Babies y me gustaría conocer tu punto de vista sobre una pregunta que le hice en su momento. ¿Cómo explicas que surgieran tantas bandas de Escandinavia al mismo tiempo, a finales de los 90, y en una misma zona?

“SI QUIERES IR DE FIESTA, ESPAÑA SIEMPRE ES UNA BUENA OPCIÓN”

“No tengo ni idea. No sé qué te diría Dregen, pero recuerdo recibir una carta de Captain Poon de Gluecifer cuando salió el primero disco de The Hellacopters y me contaba que hacían algo parecido. También Turbonegro, aunque ellos ya estaban ahí antes. Incluso en Finlandia salieron grupos como The Flaming Sideburns. No sé por qué pasó todo eso, pero me alegro de haber formado parte de aquello. Fueron buenos tiempos”. Una de las características de aquellas bandas es que siempre estabais girando por España y, además, en muchas ciudades, no sólo Madrid y Barcelona, al igual que la gira que habíes hecho por aquí. ¿Qué es lo que tiene de especial nuestro país que os guste tanto? “Bueno, España fue una de las primeras giras que hicimos con The Hellacopters, y por alguna razón, parece que la gente de allí abrazó rápidamente el espíritu del rock’n’roll. En otros países simplemente llegas, tocas y te vas, pero en España al público le gusta el genuino y verdadero rock’n’roll. Y tocar en un grupo de rock significa que tienes que ir a donde a la gente le guste eso (risas). Siempre lo hemos pasado bien. Si quieres ir de fiesta, España siempre es una buena opción”.

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RISE AGAINST + REFUSED + BERRI TXARRAK 6 DE OCTUBRE DE 2015 PALACIO DE LOS DEPORTES, MADRID TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: NADIA NATARIO

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REFUSED

magínate que invitas a tus mejores amigos a tu fiesta de cumpleaños y éstos acaban abriendo todos los regalos y comiéndose la tarta entera. Pues más o menos eso es lo que les sucedió a Rise Against a su paso por la capital. Lo siento por ellos, pero es de ser muy poco inteligente el llevarte de gira a bandas que te superan de largo en directo corriendo el riesgo de quedar mal ante tu público. Pero no adelantemos acontecimientos. Semejante triple cartel como el de aquella noche no es de los que solamos ver mucho por nuestras fronteras, y aunque a las tres bandas participantes las hemos podido disfrutar en multitud de ocasiones, era una cita obligada en esta recta final de la temporada. Con una nueva disposición más reducida y acorde a las características

del evento, el Palacio abrió bien pronto a media tarde y cuando Berri Txarrak irrumpieron en escena ya había un buen número de personas en la pista. Parece increíble que aunque lleven más de dos décadas en esto a los de Lekunberri no se les haya ido en ningún momento el hambre de tocar en directo. Sin duda estas fechas abriendo para sus colegas de Chicago han debido de ser muy especiales para ellos y se les notó. Con la entrega ya habitual, Gorka, David y Galder optaron por un repertorio de grandes éxitos recogiendo lo más potente de Denbora Da Poligrafo Bakarra (‘Zerbait Asmatuko Dugu’, ‘Etsia’, ‘Hitzen Oinarri Ahula’ y la bailonga ‘Lemak, Aingurak’) y un buen puñado de clásicos, algunos de los cuales echábamos últimamente

BERRI TXARRAK

en falta como ‘Folklore’, ‘Berba Eta Irudia’, ‘Bueltatzen’ o ‘Gelaneuria’. La esperadísima colaboración de Tim McIlrath en ‘Denak Ez Du Balio’ no decepcionó a nadie y, como era de suponer, fue la más coreada antes de que un rotunda ‘Ohiu’ pusiese el listón muy alto para cualquiera que se atreviese a salir tras ellos. Obviamente, a Refused no les tembló el pulso ni lo más mínimo. Capitaneados por un coqueto y espasmódico Dennis Lyxzen, los suecos los tuvieron bien puestos para basar su actuación en el polémico Freedom. Abriendo con el misil que es ‘Elektra’ para después ir adentrándose en terrenos más escabrosos (‘Françafrique’, ‘Thought Is Blood’, ‘Servants Of Death’, una ‘366’ dedicada a los refugiados de Siria e incluso un breve guiño a Slayer) 109

RISE AGAINST

de los que consiguieron salir airosos poniendo a botar a todo el Palacio gracias al mayor empaque que ganan en vivo. De los comentarios sobre que en el pasado eran más jóvenes y dijeron muchas tonterías, preferimos que cada cual saque sus conclusiones, pero desde luego las críticas sobre su regreso aún colean. Nuevamente ‘New Noise’ desató la locura y ‘Tannhäuser/Derivé’ los despidió entre una nube de humo, pasándole la patata caliente a los que se suponía que tenían que ser los protagonistas de la velada. Pero como ya hemos podido ver varias veces a lo largo de los años, el fuerte de Rise Against desde luego no está en sus

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directos. Por un momento llegamos a pensar que esta vez la cosa iba a ser diferente, ya que en los primeros compases ‘Satellite’ y ‘Give It All’ consiguieron poner patas arriba a todo el público. Pero sólo fue un espejismo, ya que a medida que iban pasando los temas, más se iba desinflando el grupo. La voz de Tim (lesionado de su mano izquierda en un aparatoso accidente de bicicleta y que obligó a que se viesen acompañados esta vez por Neil Hennessey de The Lawrence Arms a la guitarra) hace tiempo que no está para muchos trotes y aunque el setlist se acomode a un registro más melódico (‘The Dirt Whispered’, ’Make It Stop (September Childrens)’,

‘I Don’t Wanna Be Here Anymore’), el pobre las pasa canutas para llegar a las notas. Únicamente cuando tiraron de sus primeros hits como en ‘Survive’, ‘Prayer Of The Refugee’ o ‘Black Masks & Gasoline’, donde Gorka les devolvió el favor en forma de colaboración, nos hicieron recordar el porqué han alcanzado su estatus actual. Por si no hubiese suficientes altibajos, la parte acústica con ‘Hero Of War’ y ‘Swing Life Away’, aunque emocionantes, bajaron aún más el tempo del concierto. Al menos con ‘Savior’ consiguieron cerrar con cierta dignidad una fiesta en la que los vencedores fueron los que aparecían en letra pequeña en el cartel.

THIRTY SECONDS TO MARS

NEOX ROCKS 27 DE SEPTIEMBRE DE 2015 POLIDEPORTIVO MUNICIPAL SAN ISIDRO, GETAFE TEXTO: CINTYINTHESKY FOTO: TILLATE

a segunda edición del festival Neox Rocks se iniciaba con la actuación de los madrileños Bultur, que presentaron Out In The Cold con un directo potente y oscuro con reminiscencias de bandas del post punk británico como Joy Division o Editors, seguidos por Belako, grupo que no había tenido ocasión de ver en vivo y que resultó una revelación: buenas canciones, actitud y mucha fuerza. Sin duda, ambos supieron aprovechar la oportunidad de presentarse ante un nutrido grupo de espectadores que, poco a poco, iban llenando el recinto. Los siguientes en salir a escena fueron Palma Violets. Los londinenses ofrecieron una actuación bastante mediocre pese a la calidad de sus álbumes de estudio, en la que no faltaron temas como ‘Danger In The Club’ o ‘Best Of Friends’. Tras ellos, Demob Happy aportaron la nota más dura al festival. El atronador sonido de la banda se hacía por

momentos insoportable, aunque no podemos negar la contundencia de su directo. Llegó el turno de The Sounds, una de las propuestas más esperadas, y es que siempre vale la pena ver a Maja Ivarsson y los suyos con su savoir faire sobre las tablas ofreciendo un set plagado de singles entre los que se encontraban ‘Song With A Mission’, ‘Painted By Numbers’, ‘Tony The Beat’ o la imprescindible ‘Hope You’re Happy Now’. Dover, que pese a encontrarse en un buen momento y obsequiarnos con algunos himnos generacionales de su discografía como ‘Serenade’ o ‘Devil Came To Me’ no estuvieron a la altura, dieron paso al plato fuerte de la noche, la banda angelina Thirty Seconds To Mars quienes, con la formación incompleta -el batería, Shannon Leto había causado baja por un ‘inesperado’ problema médico días antes–, abordaron el escenario principal a ritmo de ‘Up In The Air’ y fueron

desgranando buena parte de sus éxitos de tintes épicos durante hora y media. No fallaron las indispensables ‘Search And Destroy’, ‘This Is War’ o ‘Kings And Queens’ y, aunque Jared Leto no se hallaba en su mejor momento vocal, se atrevió con un set acústico durante el que pudimos disfrutar de composiciones como ‘The Kill’ o ‘Hurricane’. Si bien es cierto que la ausencia de Shannon y la imperdonable sustitución del mismo por un repertorio pregrabado de baterías y samples hizo que el sonido no fuera demasiado bueno, se esforzaron por complacer a un público enloquecido que coreaba todas las canciones mientras el mesiánico Jared Leto corría de un lado a otro sin que nadie tuviera a bien de advertirle que la virtud es el justo equilibrio entre el defecto y el exceso, y de que la interactuación con el público no compensa la carencia musical de una banda que, pese a su potencial, no consiguió dar lo mejor de sí. 111

ASKING ALEXANDRIA + AUGUST BURNS RED + IN HEARTS WAKE 6 DE OCTUBRE DE 2015 RAZZMATAZZ 2, BARCELONA TEXTO: LUIS BENAVIDES FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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IN HEARTS WAKE

os británicos Asking Alexandria están exprimiendo al máximo su último trabajo, de 2013, y aprovechan estos últimos bolos para testar dos nuevos temas. El resto son alto secreto. De momento. Aunque no las tenía todas conmigo, la combinación de los tres nombres del cartel funciona, y muy bien, entre la muchachada. Una cola larguísima girando la esquina de la sala mediana de Razzmatazz, que acabó superando los tres cuartos de su capacidad, es la mejor prueba. Los primeros en salir al escenario fueron In Hearts Wake. Los hermanos pequeños de Parkway Drive recordaron que era su segunda vez en la capital catalana, y se notaba porque ya tenían un buen puñado de seguidores con ganas de saltar y cantar cada uno de sus temas. Los de su debut, Divinitation, como el devastador ‘Survival (The Chariot)’, muy celebrado, pero también los más nuevos, como ‘Badlands’ y ‘Breakaway’, extraídos de su tercer

AUGUST BURNS RED

trabajo, Skydancer, de 2015. El público, con una media de edad rozando la veintena, vino con los deberes hechos y se sabían al dedillo el repertorio. Asking Alexandria estaban de cabeza de cartel, sí, pero no eran el único reclamo. El joven quinteto de Byron Bay dejó el listón muy alto, sobre todo en cuanto a energía y eficacia, después de hacer cantar a toda la sala el estribillo de su himno ‘Divine’. August Burns Red subieron más si cabe el nivel de la noche con un metalcore bastante más interesante, y no me refiero únicamente a su mayor pericia con los instrumentos, que también, pues detrás del metal moderno de la banda de Pennsylvania se esconden unos muy buenos y muy completos músicos. A destacar ese viaje al lejano Oeste con la fronteriza ‘Majoring In The Minors’, un momento impagable en plena vorágine metalizada. Como los primeros, el quinteto norteamericano llegaba a Barcelona con nuevo trabajo

bajo el brazo, Found In Far Away Places, pero optaron por repasar su ya extensa discografía en apenas tres cuartos de hora. Ni sobró ni faltó nada. Asking Alexandria no empezaron con muy buen pie cuando su espigado nuevo cantante, Denis Stoff, dijo que estaba encantado de tocar en Madrid. Todos allí se tomaron el desliz con deportividad y a los dos segundos ya estaban aplaudiendo como si nada, entre risas. Y tirando alguna pieza de ropa interior femenina. ¡No es broma! Como ya avanzaba, sólo tocaron dos temas nuevos: ’I Won’t Give’ y ‘Undivided’, y me atrevería a decir que están sufriendo una metamorfosis similar a la protagonizada por sus paisanos Bring Me The Horizon. La música pop, en su más amplio sentido, gana peso en su propuesta, guste más o menos a sus seguidores de siempre. Su directo sigue siendo demoledor, pues la Razz 2 retumbó con sus viejos temas y todos salieron contentos. 113

TASTE OF CHAOS 3 DE OCTUBRE DE 2015

SAN MANUEL AMPHITHEATER SAN BERNARDINO, ESTADOS UNIDOS TEXTO Y FOTOS: RUBÉN NAVARRO

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JIMMY EAT WORLD

DASHBOARD CONFESSIONAL

uando nuestros compañeros de Alternative Press ‘filtraban’ los rumores de un posible regreso del Taste Of Chaos, cinco años después de su última edición, con un cartel que no podría haber imaginado ni tan siquiera en mis sueños más húmedos, tuve claro que, de confirmarse, mi próximo destino sería California. Para muchos de nuestros lectores, entre los que me incluyo, nombres como Jimmy Eat World, The Used, Story Of The Year o Finch van directamente ligados a nuestra adolescencia y han sido una parte muy importante en nuestra evolución musical... y para muchas de las bandas que hoy les han tomado el relevo en esto de llenar grandes salas e incluso estadios. Y es que si bien la gran mayoría de las bandas que tocaron, a excepción de Adair, siguen en esto de la música, su tirón ya no es lo que era. A pesar de todo la ocasión reunió alrededor de 12.000 fieles en una calurosa tarde noche de octubre a los pies de las colinas de San Bernardino, con unas vistas increíbles en todas

direcciones. Debo admitir que los refrescos gratuitos de Rockstar y la sombra de su paradita en el festival tuvieron mucho que ver con que me perdiese las dos primeras bandas, que habían ganado un concurso para participar en el festival, y de paso empalmé con Adair, que sinceramente jamás me habían llamado la atención mientras estaban en activo. A juzgar por lo que escuché a lo lejos, tampoco me perdí nada. Seguidamente sin pena ni gloria pasaron por el escenario Greek Fire, la banda formada por los dos guitarristas de Story Of The Year. No fue ni por falta de empeño ni de calidad, pero lo cierto es que no encajaron en un cartel donde primaba la nostalgia. Esta vez me quedé cerca del escenario para no perderme ni un segundo de Finch, siguientes en nuestro repaso a la primera década de los 2000, y tremenda fue mi sorpresa al ver el ingenioso mecanismo para realizar el cambio de bandas en cuestión de segundos. ¡¡Un escenario que rotaba sobre sí mismo!! Toda una obra de

MARK HOPPUS

ingeniería que nos ahorró bastantes horas perdidas a los allí presentes (y también nos lo puso muy difícil para ir a comer y al baño). Pero volviendo al tema, Finch fueron los primeros en despertar el adolescente interior de los allí presentes. Sin ser una fiesta sobre el escenario, la banda de California vino a ofrecernos lo que se esperaba de ellos. Un repaso a los clásicos de su disco debut como ‘New Beginnings’ o ‘What It Is To Burn’, junto a lo mejor de su segundo trabajo y, por supuesto, algún que otro tema de su último álbum Back To Oblivion. Tras ellos unos Story Of The Year que no están dispuestos a rendirse a pesar de las dificultades que se presentan en su camino, saltaron al escenario con la energía que les caracteriza. Su actuación se vio algo perjudicada por la falta de un segundo guitarra, ahora que Phil se ocupa de las cuatro cuerdas tras la marcha de Adam, pero a pesar de ello una magnífica y electrizante puesta en escena hizo que el público se viniese arriba. La verdad es que personalmente me quedé con ga115

THRICE

nas de más, pero la fiesta debía seguir. The Movielife trajeron desde Nueva York su rock alternativo con pinceladas de aquello que en su día se llamó emo, para recordar a la gente quiénes fueron en su día los iniciadores de lo que, muy probablemente, significó la semilla del pop punk. Su vuelta a los escenarios, una de tantas que hemos vivido últimamente, no pasó desapercibida para los melómanos. Con un duro sol todavía cayendo sobre el escenario, Saves The Day salieron a medio gas dispuestos a pasar un buen rato a base de bromas internas que su frontman Chris no dejaba de soltar. Algo que me chocó es que precisamente Chris no iba armado con su guitarra y campaba libremente a sus anchas, micro en mano, con esa poca gracia que caracteriza a los guitarristas cuando no tienen su instrumento entre las manos. La verdad es que su setlist no estuvo a la altura de la ocasión y

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me faltaron muchos de sus grandes hits, pero aun así, salvaron la tarde con ‘At Your Funeral’. Casi se puede hablar de culto cuando uno se refiere a Daryl Palumbo y a su séquito de fans. Siempre va a haber alguien que se vuelva loco al nombrarle a él o a cualquiera de sus bandas. Así pues, en el pleno remember del 2000 en que nos encontrábamos, cuando llegó el turno de Glassjaw, San Bernardino enloqueció por completo. Los movimientos de Palumbo, junto con la hipnotizante música de los de Long Island, convirtieron aquello en una fiesta con himnos de la talla de ‘Tip Your Bartender’, ‘Mu Empire’ y cerrando con ‘Pretty Lush’ y la salvaje ‘Siberian Kiss’. Puede resultar tentador si uno es muy fan de Blink-182 y le sobra la pasta pensar que podría ser brutal para tu boda invitar a Mark Hoppus como DJ para que anime el cotarro, ¿verdad?

SAVES THE DAY

Pues sería un gran error. Si bien hizo pasar un buen rato a la gente a base de tonterías y poniendo grandes temas de muchas bandas que se echaron en falta allí como My Chemical Romance, el bajista de Blink se dedicó a pinchar un tema tras otro con mezclas terribles que eran para echarse las manos a la cabeza. Obviamente también hizo lo propio con los temas de su banda, a los que les añadió un toque extra cantando parte del estribillo de algunas canciones. La cosa comenzaba a ponerse emocionante con una recta final de infarto. The All-American Rejects nos deseaban una feliz vuelta al 2005 y arrancaban con ‘Dirty Little Secret’. Toda una declaración de intenciones para ganarse al público. Y vaya si lo lograron. Divertidos como siempre, estuvieron sobresalientes tanto en ejecución como en la elección de los temas de su repertorio. Sin ser mi banda favorita

THE ALL-AMERICAN REJECTS

de las allí presentes, debo admitir que probablemente el suyo fue el mejor concierto de la noche. Quizá fue que ya se hacía tarde, o que quedaba demasiado poco para Thrice, o que las baladas ñoñas de Dashboard Confessional me recordaban mucho a los amores de adolescencia, pero no llegué a conectar con ellos y me tomé un breve descanso para cenar y escuchar de fondo su concierto. El público se vino arriba con ‘Vindicated’ y ‘Hands Down’, que cerraron su set antes de dar paso al que para mí era el plato fuerte de la noche. Tras una actuación que me resultó un tanto fría en el pasado Hevy Fest, Thrice volvieron a recordarme la banda que eran sobre el escenario. Con un repertorio impecable que sólo se podría haber mejorado alargando su concierto dos horas más, derrocharon energía y sentimiento en cada canción.

La verdad es que desprendieron muy buenas vibraciones, así que espero que algo muy bueno vaya a salir de su vuelta. Y yo me vuelvo a preguntar, ¿cuanto más vamos a tener que esperar para verles en España? Jimmy Eat World podrían haber sido perfectamente los encargados de cerrar la velada, pero el honor se lo llevaron The Used más por fama que por mérito. Los de Jim Adkins no se quedaron lejos de los Rejects y se marcaron un show de lo más completo. Los de Arizona tocaron 17 temas que se nos quedaron cortos y, de no ser porque Jim interpretó ‘Kill’ en su reciente visita a la Península, hubiese salido bastante mosqueado de allí. Como decía, The Used han seguido una extraña proyección a lo largo de su carrera, convirtiéndose durante los últimos años más en un fenómeno fan que en una gran banda. Una carrera que apuntaba muy alto con sus prime-

ros trabajos, se vino abajo, en mi opinión, cuando su batería original se vio obligado a abandonar la formación. Casi al mismo tiempo Bert comenzó a ser un problema para el grupo tanto dentro como fuera de los escenarios, hasta el punto en que él mismo dijo basta. Si bien es cierto que últimamente la banda parece que ha recuperado la senda, lejos están de sus gloriosos días. Fue muy de agradecer que Bert estuviese especialmente acertado en las voces, algo a lo que ya me había resignado a no volver a ver jamás. No voy a ocultar que fue un gran momento revivir temazos como ‘The Taste Of Ink’, ‘Buried Myself Alive’ u ‘On My Own’. Y con esto se cerró una nueva edición de un festival que desde aquí deseo que haya vuelto para quedarse y que, si se permiten peticiones, no me importaría que el año que viene contase con artistas de la talla de Underøath, Saosin y Atreyu, por decir unos pocos.

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UNCLE ACID & THE DEADBEATS 17 DE OCTUBRE DE 2015 SALA BIKINI, BARCELONA TEXTO: TOI BROWNSTONE FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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SPIDERS

o hay mejor plan para un sábado que poder asistir a un concierto, y si encima se trata de Uncle Acid & The Deadbeats presentando The Night Creeper, pues mucho mejor. Un disco conceptual que a muchos de sus seguidores no ha terminado de convencer... Aun así, no éramos pocos los que teníamos ganas de ver a estos chavales de Cambridge. Algunos aprovechábamos esta ocasión para estrenarnos, y otros acudieron decididos a quitarse una espinita que se les quedó clavada tras su actuación en el Azkena Rock Fest de 2013, que había resultado un tanto decepcionante con respecto a sus discos, quizás por cierta falta de rodaje. Spiders, una potente banda de hard rock clásico de Göteborg, fue la encargada de calentar el ambiente. Aunque por aquí no sean muy conocidos, cuentan con un buen currículum: han tocado en el

Sweden Rock Festival y han girado con Graveyard y Kvelertak. Un set de media hora con temas muy pegadizos, como ‘Mad Dog’ o ‘Why Don’t You’, y la estupenda balada ‘Hard Times’, destacando la voz de su cantante Ann-Sofie Hoyles. Temas más ochenteros que setenteros, que afortunadamente se alejan de la apuesta de bandas como Kadavar o los ya mentados Graveyard, cuya fórmula ya hace tiempo que empezó a resultar muy repetitiva, recuperando un sonido más fresco y directo. Tras la estupenda actuación de los suecos era el turno de los ingleses. Sin estar la sala Bikini a rebosar de público, lo cierto es que se registró una buena entrada y la gente estaba muy motivada. Comenzaron con el mismo tema que abre su último trabajo, ‘Waiting For Blood’, e inmediatamente nos cautivaron. Como primera impresión eran destacables el

sonido, muy potente, la cohesión de la banda, muy sólida, y la impresionante pesadez de los riffs. Aunque a lo largo de su actuación no dejaron de lado The Night Creeper, incluyendo ‘Murder Nights’, ‘Pusher Man’ e ‘Inside’, hicieron un buen repaso a sus trabajos anteriores, con temas como ‘I’ll Cut You Down’ o ‘Death’s Door’ de su debut Blood Lust, o ‘Mind Crawler’ y ‘Poison Apple’ de Mind Control. Las dobles melodías, que hacían recordar a Black Sabbath, e incluso a Bigelf, sonaron brillantes, y la ejecución de los temas fue perfecta. No nos dieron ni un respiro. Daba gusto girarse y ver a toda la sala headbangueando a la vez y disfrutando con entusiasmo. Uncle Acid & The Deadbeats nos hicieron viajar en el tiempo a un breve momento en que se hermanaron la psicodelia y la génesis del metal más tenebroso, y fue una experiencia fabulosa. 119

IMPERIAL STATE ELECTRIC 2 DE OCTUBRE DE 2015 SALA BUT, MADRID TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTO: LUCÍA SIVERIA

ebe ser jodido que mientras uno se esté trabajando un presente de lo más brillante, la gente siga insistiendo en recordarte sólo por lo que hiciste en el pasado. Está claro que a estas alturas la sombra de The Hellacopters no va a desaparecer a la hora de hablar de Nicke Andersson y sus Imperial State Electric, pero de la misma manera, y ya llegados a su cuarto álbum, hay que saber reconocerles que han hecho méritos para que se les valore por lo que son. Porque puede que ninguna de sus obras aguante comparaciones frente a discos como Payin’ The Dues o By The Grace Of God, pero siguen siendo ejercicios de rock’n’roll melódico de gran factura y en sus directos guardan la mejor de sus armas. Como ya viene siendo habitual año tras año, volvieron a marcarse una señora gira con varias fechas por toda la Península que finalizó en la capital para presentar el recién estrenado Honk Machine. Antes 120

de que se abrieran las puertas de la sala, tuvimos la suerte de acercarnos a la Cuervo Store donde los suecos ofrecieron un cortísimo set acústico para ir calentando motores de cara a lo que vendría más tarde. Una vez dentro, pudimos comprobar primero cómo los californianos Zig Zags se desenvolvían con un estilo rocoso y sin miramientos, recordando por instantes incluso a unos primerizos Metallica. Poco después les llegó el turno a unas jovencísimas Lizzies que están ganando puntos para convertirse en toda una revelación en cuanto salga su debut. Aunque apenas superen la mayoría de edad por un par de añitos, estas chicas ya tienen mucho ganado con una grandísima presencia escénica y unos temas que rezuman ese aroma de la NWOBHM más clásica, como ‘The Eight Ball’ o su single ‘Viper’. Con una buena entrada de público los protagonistas de la noche aparecieron para, sin más preámbulos, empezar a electrizarnos con ‘Let Me

Throw My Life Away’. Y de ahí ya no bajaron para despachar en poco más de hora y media más de una veintena de canciones entre las que destacarían las nuevas ‘Anywhere Loud’ y ‘Colder Down Here’, junto a otras que ya se las puede considerar clásicos, como ‘Deja Vu’, ‘Lee Anne’ o ‘Uh Huh’. Los punteos y las guitarras al aire continúan siendo una constante, tanto que el nivel de sincronía que han alcanzado a estas alturas es tal que parece que Nicke y Tobias Egge han ensayado hasta el más mínimo de sus movimientos. Y por si alguien echa en falta algo más de salvajismo, siempre está ahí el señor Dolf de Borst para agarrar el micro y zarandearnos con ‘Reptile Brain’ o una perfecta ‘Search And Destroy’ de The Stooges para revolucionar las primeras filas. Una contundente ‘Throwing Stones’ se encargó de cerrar mientras la banda se gustaba para nuestro deleite. Porque aunque sólo sea rock’n’roll, nos sigue encantando.

SUFJAN STEVENS 29 DE SEPTIEMBRE DE 2015 AUDITORI DEL FÒRUM, BARCELONA TEXTO: IGNASI TRAPERO FOTO: DANI CANTÓ

a noche pinta a grande de antemano. Abren la velada los canadienses Austra, llevándose toda la atención Katie Stelmanis. Su prodigiosa voz de cantante de ópera da personalidad a una propuesta de pop electrónico que cumple su función de abrir el apetito musical. Y lo cierto es que, tras el maravilloso Carrie & Lowell, el público está famélico por escuchar al músico de Detroit, acompañado de un cuarteto de multiinstrumentistas que, como él, irán cambiando y combinando teclados, piano, guitarras, banjo, o lo que haga falta (James McAlister a la batería, y el trío polivalente que forman Casey Foubert, el barbudo Steve Moore y el contrapunto femenino, en las manos y voz de la cantante Dawn Landes). Tras ligeros desajustes de volumen en las iniciales ‘Death With Dignity’ y ‘Should Have Known Better’, empieza a fluir la magia, empezando por un silencio desde la grada casi absoluto (y totalmente inédito en este país de maleducados habituales). Todo

fruto de la extrema delicadeza sonora que supura de la frágil voz de Sufjan, las maravillosas armonías vocales con Dawn, o esos suaves punteos de guitarra, como quien acaricia un gato ronroneante, o un cuerpo ajeno y deseable. La sensación de paz, armonía e hipnosis se incrementa con el juego de luces o las nueve pantallas verticales que cuelgan del techo, generando un efecto de cámara lomográfica Supersampler o, hasta por momentos, de ventanales de una catedral que le dan un toque casi religioso a canciones como ‘Drawn To The Blood’ o ‘John My Beloved’. Da lo mismo que estés en la fila 1 o en la 30, porque Sufjan parece susurrarte ‘Eugene’ al oído, desde la calidez y la nostalgia de quien recuerda su infancia y lo comparte contigo. En algún momento se sale del guión y pinta de otros colores más impetuosos ‘4th Of July’, reforzando el mensaje: “We’re all gonna die”. Podríamos hacerlo gustosos allí mismo, mientras por nuestra piel de gallina y el pelo erizado se deslizan

‘No Shade In The Shadow Of The Cross’, ‘Carrie & Lowell’ o ‘All Of Me Wants All Of You’, que cierra un primer bloque de diez canciones del nuevo disco, enhebradas con cuidadosa artesanía emocional. ‘The Owl And The Tanager’ abre el paréntesis que completa con las celebradas ‘Vesuvius’ y ‘I Want To Be Well’, antes de acabar al piano con el cierre de su último álbum, ‘Blue Bucket Of Gold’, y un interminable loop instrumental casi tántrico, entre contraluces blancos en la oscuridad. No se vayan todavía, que aún hay más: despojado del color negro, ya con su característica gorra, y más próximo y terrenal que en la primera parte, Sufjan y la banda siguen masajeándonos el alma con media docena de canciones antiguas, para rematar el éxtasis emocional escenario-grada, ‘Chicago’. Más de dos horas después, volvemos a la realidad, y hasta parece que sea menos mala. O, al menos, da la sensación de que las tristezas cotidianas se puedan convertir en belleza. 121

IT’S NOT DEAD 10 DE OCTUBRE DE 2015

SAN MANUEL AMPHITHEATER SAN BERNARDINO, ESTADOS UNIDOS TEXTO Y FOTOS: RUBÉN NAVARRO

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LESS THAN JAKE

BAD RELIGION

ientras todo el mundo se volvía loco hace un par de semanas con la ‘visita’ de Marty McFly al futuro, unas semanas antes yo había decidido viajar al pasado. Bueno, en realidad no, pero casi... De vuelta al mismo recinto donde la semana anterior había disfrutado del Taste Of Chaos, esta vez tocaba viajar a la época dorada del punk rock y skate punk de los 90 de la mano de un festival que no podía celebrarse en otro lugar que no fuese California. Kevin Lyman, más conocido por ser el artífice del Warped Tour, volvía a hacer de las suyas convocando a una alineación de lujo encabezada por NoFx, Bad Religion, Descendents y Pennywise. Todo eso bajo un nuevo nombre, pero con el espíritu original. Algo más complicado fue esta vez estar en todas partes, pues al escenario principal se le sumaban dos pequeños haciendo que las actuaciones se sucediesen constantemente. Con todo el día por delante, decidí que Duane Peters Gunfight sería una buena manera de comenzar el festival, con el mítico cantante de U.S. Bombs al frente. Todo un

personaje digno de ver en directo. De ahí di el salto al Old Skool Stage para ver el grupo/parodia Manic Hispanic, compuesto por miembros de Death By Stereo, The Adolescents y Agent Orange entre otros, que se dedicó a hacer versiones adaptando las letras a la cultura latina. Superado el shock volví al escenario principal para ver a H2O. Me encantaría hablar de su música, pero dado que sus canciones son cortas, que el tiempo que tocaron fue limitado y que su cantante, Toby Morse, se pasó más rato quejándose de lo pronto que era y de lo grande que era el foso, no quedó demasiado tiempo para lo importante. ¡Y eso que el hombre se pasa el día con el rollo del PMA! Corriendo me fui a ver a Agent Orange y llegué a tiempo de verles interpretar ‘Everything Turns Grey’. Con eso me di con un canto en los dientes. Aunque me hubiese gustado quedarme más tiempo, el deber me llamaba de nuevo en el escenario principal. Y digo ‘deber’ por no decir fiesta. Lo de Fishbone fue espectacular. De lo más divertido que pude ver a lo largo de la jornada. Tras ellos, gracias al escenario rotativo, el

NOFX

50% de Goldfinger (su cantante John Feldmann y el batería Darrin Pfeiffer) junto a Mike Herrera de MXPX y Philip Sneed de The Story Of The Year salieron enchufadísimos a ofrecer un recital con lo mejor de su discografía. Ni el sofocante sol pudo con John, que no paró ni un instante. Totalmente abstraído por el conciertazo que estaban dando casi se me pasa dejarme caer por Pulley, y si os soy sincero quizá hubiese preferido quedarme donde estaba. No es que diesen un mal concierto, pero quizá llevaba demasiado tiempo sin escucharles como para conectar con ellos. Me quedo con su show en Barcelona de 2002. Los siguientes en mi lista de imprescindibles eran 7 Seconds, brindándonos su hardcore punk a través de temas como ‘Still Believe’ o ‘Walk Together, Rock Together’. La banda contó con un espectador de lujo, el proskater Steve Caballero. Era hora de tomarse un merecido descanso, ¿y qué mejor que relajarse viendo volar por los aires a grandes skaters y BMXers en un halfpipe de 5 metros? Por si fuese poco, allí a mi lado tuve al mismísimo Paul Van Doren disfrutando como un niño. ¿Que 123

DUANE PETERS GUNFIGHT

REEL BIG FISH

quién es? El responsable del calzado del 90% de los que estáis leyendo esto. De vuelta a la música nos topamos con los incombustibles Strung Out. Jamás les he visto dar un mal concierto, y esta vez no fue la excepción. Los años no parecen pasar para ellos, pues siempre ofrecen calidad y energía a partes iguales. Una pena que no pudiesen tocar durante más tiempo. A pesar de ello nos dejaron para el recuerdo ‘Too Close To See’, ‘Velvet Alley’ o ‘Matchbook’. Se me volvió a ir el santo al cielo y tuve que acabar corriendo para ver algo de The Dickies. Para una única canción me di el paseo, y ésta fue ‘She’ de The Monkees. Y no, Leonard no sacó la marioneta en forma de pene. Como un bumerang regresé de donde vine para ver a unos Reel Big Fish que no acabaron de convencerme. Creo que la sombra de Fishbone todavía planeaba sobre el escenario y, aunque las comparaciones son odiosas, no hubo color a pesar de no ser exactamente el mismo estilo de banda. Mi primera visita al Big

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Ernie Stage fue para ver a The Briggs, que supuso un soplo de aire fresco para mí gracias su punk rock de la nueva escuela, al que un servidor está más habituado. Además, fueron un muy buen aperitivo para Anti-Flag. Los de Pittsburgh saltaron al ruedo acompañados de una piñata en forma de Donald Trump que lanzaron al público, una nueva muestra de la lucha política que siempre empapa sus letras. Muy correctos en la ejecución pero quizá no tanto en la elección de su setlist (hasta la segunda parte), y no faltó su ya clásica invasión del público con sus instrumentos, incluida la batería. Una locura absoluta teniendo en cuenta que, para entonces, el número de asistentes debía ascender a 15.000. Todavía inmersos en la histeria colectiva, Kevin salió al escenario a darnos las gracias a todos y a hacer girar la ruleta que contenía los nombres de los cuatro platos fuertes de la noche para decidir quién tocaría primero. Descendents fueron los elegidos, aunque aún quedaba tarde por delante hasta su

turno. Less Than Jake fueron los encargados de mantener el ritmo que había cogido el escenario principal y, a pesar de no desprender la energía que les caracteriza, los allí presentes gozamos como niños con su ska punk de Florida. No me cansaré de verles tantas veces como haga falta. Poco pude ver de The Interrupters, algo que me fastidió un poco ya que tampoco pude verles en la última edición del Groezrock, y para redondearlo todo justo cuando pasé por delante, a lo lejos, salía Tim Armstrong a tocarse un tema con ellos. Patada al suelo de resignación y de nuevo media vuelta para ir a ver al hombre más inexpresivo del punk rock, que no es otro que Greg Attonito de The Bouncing Souls. Por suerte todo lo que no transmite él, lo transmite su música y en especial su himno ‘True Believers’, que no podía faltar en un día como aquél. La decepción de la tarde me la llevé con The Vandals, que en ningún momento me evocaron a las tardes de skate con walkman y cassette de las que tan bue-

ANTI-FLAG

nos recuerdos guardo. Ni su sonido fue bueno, ni parecían la misma banda. A pesar de no estar incluidos en el top 4 de la noche, Lagwagon ocupan en mi olimpo de dioses del punk rock melódico la misma posición que NOFX o Pennywise, así que verles saltar al escenario rodeados de familia, amigos y auténticas leyendas de la música alternativa me puso la piel de gallina, a la espera de lo que estaba por venir. Un recital que, junto al de Strung Out y gracias a la fuerza de su ultimo trabajo Hang, fue de lo mejor que pasó por el festival. Los rápidos cambios entre bandas en el escenario principal hicieron que mi paso por los conciertos de Swingin’ Utters y The Adolescents fuesen meramente presenciales y para tomar la ‘postal’, así que lamento no poder decir nada de ellos. Me van a llover críticas por esto, pero he visto tres veces a Descendents desde que han reaparecido y no soy capaz de verle el lado bueno a eso. Milo rara vez da la talla, y si lo hace no es para

durar todo el concierto y va perdiendo fuelle a medida que pasan los temas. Sí, son un clásico y las canciones se vibran igual, pero si fuese un seguidor de verdad creo que me ofendería. Dicho esto, quizá fuese yo el único analizando tan al límite su actuación a juzgar por lo mucho que se vio disfrutar a los casi 20.000 asistentes que se reunieron finalmente. NoFx fueron los siguientes en encarar la recta final de un festival que ya llegaba a su fin. Bromas. Temazos. Bromas. Interrupciones. Más temazos. Y así hasta completar un total de veinte canciones al más puro estilo de Fat Mike y los suyos. Poco más se puede decir de un concierto de NoFx, ya que a pesar de las payasadas que hacen entre parones e incluso mientras tocan, en ejecución son unas auténticas máquinas. Tras un excelente repaso a su brillante discografía, dieron paso a Bad Religion. Una auténtica obra maestra. Ésa es la única manera de definir el conjunto de interpretación y selección de setlist de estos caballeros. Sin llegar

a ser una fiesta, cosa que jamás han sido, y con un Greg Graffin en su papel de orador del punk rock, los temas se sucedían uno tras otro a un ritmo vertiginoso, llevándonos al éxtasis en cada estribillo, riff y redoble de batería. No faltaron las míticas -¿A caso tienen alguna que no lo sea?- ni las favoritas del público. Llegó la hora de recibir a los últimos reyes de la noche. Tras un pequeño retraso de media hora debido al fallo del mecanismo para dar la vuelta al escenario, Pennywise pisaron el escenario con la garra necesaria para volver a poner al público en marcha. Con una selección de auténtico lujo, los de Jim pusieron el broche final a una noche para el recuerdo que tiene todos los números para repetirse el año que viene a juzgar por el éxito que tuvo. Llegados a este punto, sólo me queda añadir una última cosa: Tony, el otro día más que nunca, te echamos muchísimo de menos. Never Forget.

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DE GIRA

ZEBRAHEAD

18 DE NOVIEMBRE SALA BÓVEDA, BARCELONA

pesar de que hace 15 años que vivieron su mayor éxito con Playmate Of The Year, el nivel de actividad de los punk poperos Zebrahead parece más alto que nunca. Dos años después de su último disco, los californianos acaban de sacar del horno su decimosegundo álbum Walk The Plank (Rude), y entre medio todavía han tenido tiempo de publicar un recopilatorio de viejos temas regrabados y un split, Out Of Control, con los japoneses Man With A Mission. Pero quizá la mejor noticia para sus fans de aquí es que el 18 de noviembre estarán de nuevo actuando, eso sí, en una única fecha en Barcelona acompañados de MxPx y Daylight. Hablamos con su vocalista, Ali Tabatabaee. Me gustaría empezar hablando un poco de ti. Naciste en Irán y tu familia se mudó a Estados Unidos cuando tenías 6 años. ¿Qué recuerdo tienes de tu infancia? ALI TABATABAEE “Recuerdo ir en bi-

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cicleta en casa de mi abuela. Recuerdo pasar tiempo con mi familia, en casa de mis padres. Tengo algún vídeo jugando con mi hermana… Era pequeño y tampoco recuerdo mucho, pero tuve una buena infancia”. Estoy seguro de que muchos ciudadanos norteamericanos consideran Irán como un país diabólico. ¿Cómo te sientes al respecto? “Bueno, creo que gracias a mi origen pero también por haber podido girar por todo el mundo, he tenido la oportunidad de conocer a mucha gente distinta. Al final te das cuenta de que todo el mundo es igual, la única diferencia es el lugar donde has crecido. Desde luego no hay que creerse todo lo que sale en la tele. Si la gente tuviera la oportunidad de hablar directamente se solucionarían muchos problemas”. Estudiaste medicina. ¿Te imaginas cómo sería tu vida si fueras médico en lugar de can-

tante de rock? “(Risas) Bueno, tengo muchos amigos que estudiaron conmigo que han acabado siendo médicos, así que más o menos me puedo imaginar cómo es. Es una gran profesión y mis amigos parecen felices, pero no me arrepiento para nada de haber escogido mi camino”. Hablando ya de Zebrahead, en abril publicasteis The Early Years – Revisited. ¿Qué os motivó a hacerlo, a regrabar esos temas? “Como sabrás, Dan (Palmer) y Matty (Lewis) no son miembros originales, aunque Matty lleva con nosotros diez años y Dan un par. Así que cuando tocamos en directo, ellos le han dado su propio toque a los temas y habíamos hablado de regrabarlos con ellos. Encontramos tiempo entre giras y lo hicimos. Fue divertido hacerlo porque a medida que vas tocando en vivo los temas van cambiando y ya casi no recuerdas ni cómo eran al principio. Las nuevas versiones se acercan más a cómo suenan los

AGENDA NOVIEMBRE temas ahora cuando vienes a vernos”.

AMMUNITION 3 EL ALBIR, 5 BARCELONA, 6 ZARAGOZA, 7 ERANDIO, 8 MADRID

Y en mayo publicasteis un split con Man With A Mission. ¿Con qué banda soñarías poder hacer algo parecido? “Por desgracia ya no existen, pero me hubiera encantado poder hacer algo con Beastie Boys. Eran mi banda favorita. De hecho, también tocamos en un festival en Japón con ellos. Eran buenísimos”. ¿Es acertado decir que sois más populares en Japón que en Estados Unidos? “Sí. Hemos tenido suerte con Japón. Allí sonamos en la radio, salimos en la MTV y cuando vamos a tocar viene a vernos mucha gente. Es un gran mercado para nosotros”. Ahora acabáis de publicar un nuevo álbum, Walk The Plank. Después de tantos años en activo, ¿qué significa sacar otro disco? ¿Crees que puede marcar alguna diferencia en vuestra carrera o es más bien para hacer felices a los fans que ya tenéis? “Creo que cada vez que tocamos en directo ganamos nuevos fans. Tenemos una base de fans bastante grande, y eso es lo que nos permite hacer más discos. Creo que con Walk The Plank podemos hacer que crezca aún más. Creo mucho en este disco. Hemos experimentado un poco más. Hemos metido un sitar en un tema, otros son más acústicos, pero también hay los temas más punk. Esperemos que nuestros seguidores aprecien esa variedad”. Aunque vuestros conciertos son una fiesta, en vuestros álbumes siempre hay algunas canciones más serias. ¿Os importa ser vistos simplemente como una banda divertida? “Desde que empezamos hemos hecho canciones de fiesta y otras más serias, pero el directo es una parte muy importante del grupo y los fans vienen a pasarlo bien. Siempre hemos intentado tener un equilibrio entre las dos cosas. Hay canciones que funcionan mejor en directo, pero hay otras que se disfrutan más escuchándolas en casa. Somos conscientes de ello y por eso sobre las tablas solemos tocar el material más animado, pero sin renunciar a usar otros registros en disco”. (JORDI MEYA)

ANTHRAX + ANGELUS APATRIDA 2 VALENCIA APOCALYPTICA 1 PAMPLONA, 2 MADRID BACKYARD BABIES 14 BARCELONA, 15 MADRID BLACK STAR RIDERS 12 BILBAO, 14 MADRID, 15 BARCELONA CHILDREN OF BODOM 1 MISLATA, 2 BARCELONA CROBOT + SCORPION CHILD 25 BARCELONA, 26 MADRID, 27 GIJÓN, 28 VIGO, 29 BILBAO DEATHCRUSHER TOUR (CARCASS, OBITUARY…) 26 MADRID, 28 BILBAO, 29 BARCELONA THE DELTA SAINTS 10 BILBAO, 11 ZARAGOZA, 12 A CORUÑA, 13 CANGAS DO MORRAZO, 14 AVILÉS, 15 LEÓN, 17 VALLADOLID, 18 MADRID, 19 ESTEPONA, 20 MURCIA, 21 BARCELONA, 22 ALMÀSSERA THE DICTATORS 10 BARCELONA, 11 VALENCIA, 12 MADRID, 13 BURGOS, 14 VITORIA, 15 BILBAO, 16 SAN SEBASTIÁN FEAR FACTORY 16 MADRID, 17 BARCELONA FOO FIGHTERS 19 BARCELONA FM 20 BARCELONA, 21 MADRID GAMMA RAY 12 VILLAVA, 14 SANTIAGO DE COMPOSTELA, 18 SEVILLA, 20 MURCIA, 21 MADRID, 22 BARCELONA GHOST 25 MADRID, 30 BARCELONA HOWLIN’ RAIN 11 MADRID, 12 ZARAGOZA, 13 VITORIA, 14 HONDARRIBIA, 15 BARCELONA JETHRO TULL 20 BARCELONA, 2 MURCIA, 22 GRANADA, 23 MADRID THE JON SPENCER BLUES EXPLOSION 6 BILBAO, 7 MADRID, 8 BARCELONA KADAVAR 20 BARCELONA, 21 MADRID MICHAEL SCHENKER’S TEMPLE OF ROCK 10 VITORIA, 11 BURGOS, 12 GIJÓN, 13 BILBAO, 14 PAMPLONA, 16 SEVILLA, 18 VALENCIA, 19 MADRID, 20 GRANADA, 21 ALICANTE NEVER SAY DAY TOUR 2015 22 BARCELONA, 23 MADRID ONSLAUGHT 1 BARCELONA, 3 ALICANTE, 4 ALMÀSSERA, 5 MURCIA, 6 MADRID, 7 SALAMANCA, 8 SAN SEBASTIÁN PARADISE LOST 5 SANTANDER, 6 SANTIAGO DE COMPOSTELA, 7 MADRID, 8 BARCELONA PENTAGRAM 21 BARCELONA RIVERSIDE 1 BARCELONA SLAYER + ANTHRAX + KVELERTAK 1 MADRID, 3 BARCELONA TREMONTI 27 MADRID, 28 BARCELONA