RockZone 114 - 05/2015 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Raised Fist © Eric Altimis

EDITORIAL

Confeccionando el número de este mes en algún momento nos hemos sentido como si hubiésemos viajado atrás en el tiempo y estuviéramos trabajando en una revista en los 90. Las entrevistas con Faith No More, L7, Therapy? o Jawbox y un Disco del Mes dedicado a Nirvana han sido los culpables de este agradable déjà vu musical que se desvanecía cuando nos ocupábamos de bandas más actuales como In Hearts Wake, Chunk! No, Captain Chunk! o All That Remains. Y ejerciendo de puente entre generaciones tenemos a los incombustibles Anti-Flag, quienes por primera vez, y ya tocaba, protagonizan nuestra portada. Enjoy!

SUMARIO

nº 114

7 / INTERFERENCIAS

32 / IN HEARTS WAKE

48 / ANTI-FLAG

56 /

72 / DISCO DEL MES

74 / CRíTICAS

110 / THERAPY?

CHUNK! NO, CAPTAIN CHUNK!

114 / JAWBOX

36 / ALL THAT REMAINS

42 / FAITH NO MORE

60 / ESPECIAL FOTO

66 / L7

104 / LIEUTENANT

108 /

118 / EN DIRECTO

134 / DE GIRA

KASPAROV VS DEEP BLUE

SUMARIO

nº 114

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INTERFERENCIAS

TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: Javier Guerrero Calduch Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordi Forés, Javier Yela, Luis Benavides, David Sabaté, David Fuster, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Salva Rubio, Kiko Vega, Sofía Cuevas, Gonzalo Puebla, Ignacio Pato, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Andrea Genovart. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Rubén Cougil (Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57), Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Mariño (Smartita), Israel Higuera (wirrak). Foto de portada: DR

new del mes_PRIMAVERA SOUND 2015 POR SU MAGNITUD DE ARTISTAS PARTICIPANTES Y DE ASISTENTES, TODO APUNTA A QUE EN 2015 EL FESTIVAL PRIMAVERA SOUND VOLVERÁ A SER TODO UN ÉXITO. THE BLACK KEYS, THE STROKES O PATTI SMITH SE ENCUENTRAN ENTRE SUS PRINCIPALES RECLAMOS.

as fechas (del 27 al 30 de mayo) y el lugar (el Parc del Fòrum de Barcelona) están claras. El (bendito) problema es el de siempre: organizar bien la ruta para poder disfrutar del máximo de conciertos entre la amplísima oferta que propone la programación del Primavera Sound, que lo ha llevado a convertirse en un festival de referencia a nivel mundial. Aunque el cartel esté dominado en su mayoría por artistas que podríamos cobijar bajo el gran paraguas del indie, como cada año, los aficionados a sonidos más cercanos a los de esta revista también tienen donde rascar. Así de primeras nos vienen a la cabeza los nombres de Electric Wizard, Sunn 0))), Brand New, Exxasens, The Black Keys, Death From Above 1979, Earth, Pallbearer, Run The Jewels, Voivod, Sweater-Kinney, American Football, Babes In Toyland o Fucked Up. Como es habitual, el festival también nos brindará la oportunidad de ver por primera vez las reuniones de The Replacements, Mineral o Ride o a artistas

consagrados como Patti Smith, Anthony And The Johnsons, Spiritualized, Underworld, Eels, Swans, Belle & Sebastian, Interpol, OMD o Einstürzende Neubauten. Ah, y sobra decir que no faltarán Shellac. Los fans de The Strokes también podrán comprobar cómo se las apañan en solitario sus dos miembros principales Julian Casablancas con The Voidz y Albert Hammond Jr.. Por supuesto también estará representada la escena nacional con la participación de Nueva Vulcano, Perro, Mourn, The Suicide Of Western Culture, Nuria Graham, Los Punsetes o Sr. Chinarro, entre otros. Los abonos pueden comprarse a 185 euros hasta el 4 de mayo, fecha a partir de la cual pasarán a valer 195 euros. También pueden adquirirse abonos VIP al precio de 250 euros. Al igual que en las dos ediciones anteriores, RockZone contaremos con un stand en el recinto en el que os tendremos algunas sorpresas preparadas. Para toda la información sobre el festival visita: www.primaverasound.com

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INTERFERENCIAS

LO PEOR DE MÍ_ RECHAZADOS

omo era de esperar, el retorno discográfico -ahora sí, confirmadode Refused para el próximo 29 de junio está provocando todo tipo de reacciones. En cuestiones musicales, los hay quienes se han emocionado con ‘Elektra’, el primer adelanto que han ofrecido, otros a quienes ha dejado más bien frío, y algunos que directamente piensan que es una basura. Pero es en el aspecto más filosófico donde se están produciendo los debates más airados. Es evidente que los principales culpables de tal controversia son los propios Refused, quienes siempre se vieron como algo más que un grupo de música. Ahora son esclavos de sus propias palabras y tendrán que vivir con ello, aunque un tipo inteligente como Dennis Lyxzén seguro que tendrá un argumentario más que preparado para justificar todas sus acciones. Es cierto que ya su gira de reunión de hacer un par de años y la próxima edición de un nuevo álbum contradicen muchos, sino todos los principios que sostenían en los 90, certificando que Refused no son ni más ni menos que como todos los demás. ¿Decepcionante? Quizá. Pero, llámenme descreído, hace muchísimo que dejé de tener fe en la política. Ni que venga de una banda tan buena como Refused. (JORDI MEYA)

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INSTANTGRAMO

@matamusica Brutal la versión del #breed de #nirvana que nos han regalado @obsidiankingdom y @RockZone para el @RSD_Spain. @JoveDinamic Molt gran el Bipolar Sessions 2 i molt gran The Anti-Patiks vs NoFx. Estic plorant... @cunadizer Un Change.org para que @RockZone deje de perpetrar discos de versiones. Firma la petición. @AmrotLomba Bueno, tocará ir a Barcelona al décimo aniversario de @RockZone. @poppiefresh No quiero alarmar a nadie, pero un mes para @brandnewrock en Madrid y con sold out. @PunkOrNot Desde que @RockZone sólo está en formato digital nos vemos obligados a llevarnos el móvil al baño para leerles mientras… ya sabéis. ;) #caca Es más, a veces tomaba un montón de kiwis sólo para ir más al baño y así tener la excusa para releerme los números de la @RockZone. @AristoclesV Estoy llorando... casi dos horas y media de System, ya tengo la tarde hechísima. 8

¡Hola RockZone! El año pasado, con Damon Albarn (ídolo de juventud para mí) en el SOS 48 de Murcia. Un tío majo que se dejó querer... Un abrazo. (JAVIER ZAMORA)

*¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección.

DESDE EL TÍBER ¿Ves, hijo? Todo lo que ves aquí antes era hardcore… Parece que todo lo que hago en mi vida se me va de las manos; empecé a montar conciertos de mierda para terminar trabajando en la que, para mí, es la mejor agencia de música de este Estado, y de unas bromas ‘inocentes’ ha terminado saliendo esta columna, probablemente de mierda también, pero tiempo al tiempo. Se supone que ésta tenía que servir de carta de presentación, contaros mis gloriosas batallas en la industria musical, de cómo se hacen las cosas desde cero en tiempos críticos… en resumen: de lo puto amo que soy. Pero no, voy a sacar mi lado más sensible… Si algo me tiene hasta el nabo hoy en día son las exigencias de la gente, parece que hay que dar explicaciones de todo: de por qué un grupo no pasa por Aldehuela de Santa Cruz, no viene en furgoneta, el concierto no es gratis, no regalan merchandising y no tocan su primer disco. Nuestro país apesta, estamos a tomar por culo, vale una pasta llegar hasta aquí, los que nos gobiernan son unos capullos y tenemos una suerte increíble con la oferta de giras, conciertos y festivales de la que disponemos, y aun así, desprestigiamos el trabajo de los demás e imponemos cómo hacerlo. Menos Facebook y Twitter, y más ir a conciertos. Farting te quiero. (MARIUS TIBERIAN)

INTERFERENCIAS

DEMO-LEDORES_POR pau navarra THE THOUSAND FACES

CROWS

ALTARAGE

Crows

MMXV

(AUTOEDITADO)

A The Thousand Faces les conocí en Sevilla, y la verdad es que me causaron una grata impresión. De acuerdo, sobre las tablas les falta sacarse de encima esa timidez tan propia de su corta edad, pero en ellos se ve que hay madera, que saben llevar el tempo de un show y también compenetrarse para aportar algo más al público que el ver a cuatro chicos tocando su instrumento. Me aseguraron que este EP inicial ya no les representa, pero vamos, que en él ya se observa ese thrash moderno y punzante de cuidadas guitarras, que no rehúye de los buenos solos y que incluso se permite cierto coqueteo con el core. Aquí ya se les nota inspirados en ‘Harvest Your Breath’ o ‘The March Of The Jackal’, aunque quizá le sobre a cada tema un minutito con tanta intro… ‘Tyrant Of Nowhere’ en cambio va a piñón desde el principio, y lo bien que le sienta al ritmo interno del EP. Van para arriba. https://thethousandfacesband.band-

Mete a Black Breath y Nails en una batidora y a ver qué sale… Seguramente los barceloneses Crows, cuatro tipos que en estos nueve temas suenan más que abrasivos. ‘Dormant’ ya empieza el trabajo en plan bestia, pero ‘Worthless’ certifica que te van a despachurrar gracias a los guitarrazos de Ben. De la misma forma, para cuando llegue ‘Breathe The Failure’ la batería de Marcos ya echará humo de tanta caña. Iván se deja la voz literalmente, el chico se desgañita hasta límites dolorosos, y de esta forma tenemos a un combo bien apuntalado por el bajo de Víctor que tira y de qué manera de un hardcore tan encolerizado como el de ‘Untouchable’ o ‘Blind’, grindcore y crust. Llevan poquito en activo y en directo aún no son una masacre, pero podemos asegurar que en CD canciones como ‘The Woodland’, ‘Spiral’ o la alocada ‘Falling Apart’ suenan como una amputación sin anestesia alguna. Les seguiremos, que la cosa promete.

Javier Gálvez de Horn Of The Rhino nos mandó un enigmático mail con el link que conducía a esta negra demo, la primera de Altarage. Suponemos que está enrolado en tan abyecto proyecto, o quizá lo personifica en solitario, pero lo cierto es que, por cómo suena, detrás de este oscurísimo culto podría estar cantando el mismísimo Cthulhu. Todo esto son conjeturas, claro… lo que apuntamos podría ser erróneo, ya que aquí no hay más luz que la ínfima arrojada en estas líneas. MMXV son solamente dos cortes, ‘Altars’ y ‘Vortex Pyramid’, pero la verdad es que someterse a ellos es un pasaporte para traspasar un umbral hacia muy funestos destinos. Death metal pesadísimo, de distorsión aberrante, profundo como el pozo más lóbrego del séptimo infierno, blast dañino y una voz que más que humana es un rumor, el ulular de un viento abisal. Enfermos de Portal, Dead Congregation o Teitanblood, ni os lo penséis.

camp.com/album/involution-ep

http://crowsmetalband.bandcamp.com

https://altarage.bandcamp.com/releases

Involution

SI QUIERES APARECER EN ESTA SECCIÓN, MANDA TU MAQUETA AQUÍ: ROCKZONE (DEMO-LEDORES) C/ZAMORA 46-48 4º 1ºB 08005 BARCELONA 10

Las Arnette Sessions nos muestran el lado más cercano, íntimo y crudo de los músicos que se acercan a la redacción de la revista RockZone. A pelo, sin segundas oportunidades ni efectos especiales, este formato no es apto para productos prefabricados, sólo para quienes disfrutan y respiran la música .

>> David Ruiz y Joselito Maravillas de La M.O.D.A. interpretan ‘Catedrales’ en la redacción de RockZone.

esde fuera hubiera podido parecer que al conjunto de Burgos formado por David Ruiz (voz, guitarra), Adán Ruiz (guitarra, mandolina), Alvar de Pablo (saxofón), Jorge Juan Mariscal (bajo), Caleb Melguizo (batería) y Joselito Maravillas (acordeón) todo le hubiese venido de cara desde la publicación de ¿Quién Nos Va A Salvar?, su debut en castellano tras un par de EPs en la lengua de Shakespeare. Gracias en gran parte a su directo, que les ha llevado a tocar en grandes festivales como el BBK Live, Crüilla o a abrir para bandas como Dropkick Murphys y Frank Turner, han ido ganando adeptos cada fin de semana que salían a recorrer la geografía ibérica. Un tour de más de 90 conciertos a lo largo de un año que finalizó el pasado mes de noviembre con tres llenos consecutivos en la sala El Sol de Madrid, donde pudimos comprobar de primera mano todas las tablas que han adquirido en este tiempo. Entre medias de las actuaciones, la banda iba escribiendo nuevos temas que diesen forma a su segundo 14

álbum La Primavera Del Invierno (PRMVR/Gran Sol). “Yo creo que cuando tienes la necesidad de hacer algo y lo tienes ahí dentro quemándote, no hay otra alternativa. En ningún momento te planteas ‘No, ahora no se puede, no hay tiempo’. No. Lo hay, lo buscas. Muchos días me han dado las mil escribiendo letras o componiendo en el local. Ha sido una locura pero en plan positivo, porque estamos a tope, ensayamos cinco días a la semana... Y ha salido así. Ha sido duro en cuanto al tiempo porque no daba para más, pero yo creo que cuando tienes claro algo y vas a por ello a muerte, sale sin planteártelo. No había otra opción”. Un aspecto que más llama la atención del nuevo disco son las letras, con una tendencia más poética. “Ha sido un proceso de sacar toda la mierda que tienes en la cabeza, de poner en orden las cosas y que no quieres decir lo mismo que han dicho otros, pero tampoco quieres decir lo mismo que has dicho en el primer disco. Lo que he intentado es seguir con mi estilo, si es que lo tengo, y hacer que fuesen mejores. Que las lea y me

sienta más orgulloso de una metáfora, de una rima...”. Por su propia esencia La M.O.D.A. es un grupo nacido para tocar en directo y ya lleva unas cuantas semanas en la carretera presentando su nuevo disco, además de haber confirmado su presencia en varios festivales. Pero su ambición no acaba aquí, y como ya han hecho en el pasado, tienen la mirada puesta en llevar su música más allá de nuestras fronteras. “Bueno, si hace falta nos vamos a tocar por la calle como ya hicimos. Eso también es lo bueno de no tener que depender de nadie. Pero sí, es uno de los planes para este disco, más que para este año. Yo sé que este año vamos a salir y hacer algo fuera, no está cerrado ni te lo puedo confirmar, pero sí que tenemos muchísimas ganas de ir por ahí, aparte de Europa, Latinoamérica es lo que nos molaría, porque además no hemos estado nunca a título personal. Y si no es a finales de este año, lo haremos el que viene, pero vamos a ir fijo. También nos llegan mails de gente que nos escucha desde Perú y nos pincha en la radio. Nos flipa”.

INTERFERENCIAS

PISANDO FUERTE_THE REBELS FORMACIÓN: Alex Gallardo (voz, guitarra), Charly Barrena (guitarra), George CL (bajo), Gonzalo Ramos (batería)

PROCEDENCIA: Madrid AFINES A: Nirvana, Stone Temple Pilots, Green Day PRESENTAN: Always Now! (Chitón)

“Somos de las últimas generaciones que tuvimos la suerte de poder ir a conciertos con 15 años. Ahora los jóvenes no pueden, y eso es una manera de castrar sus inquietudes y libertades” ALEX GALLARDO

veces me gustaría que la gente viese lo que implica todo esto”, dice Gonzalo, el batería de The Rebels, una hora antes de ofrecer su concierto en la sala BeGood de Barcelona. El “todo esto” al que alude es lo que ocurre desde que un músico se levanta hasta que se sube al escenario. En su caso implica, por ejemplo, que ayer acabaran de recoger a las dos de la mañana de la presentación del festival Gigante en Madrid y a las seis y media ya estuvieran en la furgoneta para chuparse 600 kilómetros. Pero su reflexión, más que una queja, suena como una mera constatación de los sacrificios que implica estar en una banda, y poner en valor lo que han conseguido. “Hablas con muchos músicos de muchos ámbitos y ves que el mundo está lleno de giras deficitarias. Pero hay que hacerlas y a nosotros no nos va mal. Nos va humildemente bien. Llenamos la sala El Sol de Madrid, nos tiraron sujetadores… No nos podemos quejar”, dice riendo Alex, su cantante y guitarrista, cuya melena teñida de rosa y su afición a romper guitarras le ha conllevado varias comparaciones con Kurt Cobain. Pero a pesar de haber conseguido algunos logros significativos

-tocar en estadios abriendo para Bon Jovi en sus dos últimas visitas, colar su tema ‘Ding Dong Ding Dang’ como música oficial del Mundial de Moto GP-, con su primer disco Worldmakers (2010), no es hasta que han publicado el segundo, Always Now!, y han reestructurado su formación, que The Rebels han sentido una verdadera aceptación. “Cuando grabamos el primero queríamos hacer el mejor disco de la historia, le dedicamos todo y pensábamos que íbamos a hacer el Sgt. Pepper’s”, explica Alex. “Estaba grabado como si fuéramos cuatro o cinco, cuando éramos tres. En cambio, cuando hicimos éste nos dijimos ‘vamos a hacer un disco con las canciones que tengamos, como sonamos en el local, y a quitarnos de la cabeza la grandilocuencia’. Por ejemplo hay partes de solos donde no hemos metido guitarras debajo, y que se queda únicamente el bajo y la batería. Pero el año pasado tocamos en el BBK Live y otros festivales más grandes y en directo queríamos llenar más. Por más que pongas dos amplis no suena igual que dos guitarras, y por eso entró Charly”. Este nuevo enfoque se traslada en la frescura que desprenden las canciones de Always Now!, en las que la banda ofrece un festín de melodías y guitarrazos muy

influenciados por el grunge y el punk de los 90. “No podemos evitar haber tenido 15 años y flipar con la música con esa edad”, reconoce Alex. “Nevermind de Nirvana, Dookie de Green Day y Smash de The Offspring fueron los tres discos que me marcaron. Yo con 14 años tocaba la guitarra para ligar, pero iba de vacaciones a Huelva y me ponía a tocar canciones de esta gente y no les hacía ninguna gracia. Y llegaba un chico más mayor y se ponía a tocar flamenco y lo flipaban. Al final vi que lo que me gustaba era más la música que ligar (risas)”. Lo cual le lleva a hacer una reflexión un poco más general. “Somos de las últimas generaciones que tuvimos la suerte de poder ir a conciertos con 15 años. Ahora los jóvenes no pueden, y eso es una manera de castrar sus inquietudes y libertades. Mi primer concierto con 16 años fue The Offspring con L7 y The Vandals de teloneros. No había ido a ningún concierto solo, únicamente a los Rolling Stones con mi padre, y cuando empezaron L7 me fui adelante y lo di todo, con The Vandals lo redí todo y cuando salieron Offspring estaba muerto de cansancio y lo vi desde el baño echándome agua”. “Por suerte el reguetón no era de nuestra época”, apostilla cómicamente Gonzalo. ¡Por suerte!

INTERFERENCIAS

DE CINE_CON KIKO VEGA IT FOLLOWS

VENGADORES: LA ERA DE ULTRÓN

¡QUE VIENE, QUE VIENE!

ACCIÓN-REPETICIÓN

es algo que no termina de molar demasiado.

de David Robert Mitchell, que rodeado de gente guapa y sin adultos ha sorprendido a propios y extraños con una revisión de los horrores que han poblado el cine durante toda

ue servidor haya disfrutado enormemente de It Follows, de sus chicas, de sus chicos, de sus miedos o de su música no significa que esté ante uno de los films de género más originales que me haya echado a los ojos recientemente. Es más, me parece un cúmulo de buenos prestados y mejores robados a los que les ha sentado de fábula la capa de pintura hipster de la que es tan difícil huir. Casi tanto como esa cosa a la que hace referencia el título. Macedonia de referencias y estupendo trabajo de cámara para el segundo largometraje

su historia. Hay un par de influencias notables en It Follows: Halloween y Carnival Of Souls. De la primera, además de los sintetizadores tan de John Carpenter, absorbe los barrios y los perfiles de los personajes principales, mientras que de la segunda directamente toma prestados momentos concretos, como la carrera en la playa o alguna aparición sobrecogedora. Hay mucho más, claro, pero también aporta un lado aventurero que parece salido de Los Cinco o de Scooby Doo muy de agradecer, casi tanto como el detalle de que, aunque con un par de retrasos, también vaya a estrenarse en España, casi junto a su compañera The Guest. El fantástico está en forma y nosotros tan contentos. Que no decaiga la cosa… Que siga la fiesta.

in llegar a dar una de cal y una de arena, Vengadores: La Era De Ultrón baja el nivel de diversión pop y desenfado de la maestra Guardianes De La Galaxia en favor de masacrar al espectador a base de repetición constante. Tan grande como su predecesora (o más), La Era De Ultrón arranca con una secuencia de las que hace unos años se habría reservado para el momento cumbre de una película así. Pero claro, ¿cuántos momentos no son cumbre en algo como La Era De Ultrón? Nada falta aquí: chistes privados, peleas entre todos los miembros del equipo, personajes nuevos, destrucción de ciudades y plataformas voladoras... Y todo funciona, aunque nuestra capacidad para asimilar proezas superheroicas puede que haya llegado al límite con El Soldado De Invierno y la anterior peli de los Vengadores. Las peleas de esas películas podrían intercambiarse con las situaciones del nuevo film, y eso

Además, hay señales de agotamiento en una fórmula que, a priori, no debería agotarse. Puede que el problema venga de la presión por ensamblar cada paso y cada arco argumental en una misma dirección, perdiendo la frescura del qué pasará, señalando el camino con demasiada antelación (de ahí que la citada peli de James Gunn o las aventuras en solitario, como el último Iron Man o el segundo Capitán América, sean más efectivas) y, en cierto modo, castrando de manera demasiado brusca la libertad creativa de los involucrados (¿Alguien se molesta en saber cuántos guionistas hay aquí?), y por eso veo con algo de fatiga (pero siempre disfrutando, ojo) el pasar de los minutos de una secuela que, lejos de arriesgarse en forma y fondo, decide jugar sobre seguro y poner al equipo a hacer lo que mejor sabe. Puestos a desear alguna mejora, tampoco estaría mal que se revisara el tema de las secuencias post créditos, puesto que la supuesta información que avanzan no sólo no pilla por sorpresa a nadie, también desaprovecha la ocasión de hacernos babear con algo inesperado. Y eso que en La Era De Ultrón pasan por Wakanda mientras Idris Elba hace el Tonetti por Asgard, perdiendo un tren que habría estado bien coger...

DE CULTO

THE DOORS SIN JIM MORRISON

DISCO BÁSICO: Other Voices (1971) FORMACIÓN: Ray Manzarek (teclados, voz), Robbie Krieger (guitarra, voz), John Densmore (batería)

AFINES A: The Doors, The Cult, Echo And The Bunnymen

astantes pensaréis que se me acaba de ocurrir esta idea tras un viaje de peyote. La realidad es que no, que The Doors tuvieron una segunda –e incluso tercera vida- que merece ser recordada. Las hagiografías oficiales tienden a anular al grupo tras el inesperado fallecimiento del Rey Lagarto. Lo cierto es que el grupo ya estaba componiendo canciones para un séptimo álbum mientras Morrison descansaba en París. ¿Por qué ese olvido a The Doors? La historia se cuenta como se quiere, e incluso los implicados prefieren olvidarla. The Doors, sin Morrison al frente, grabaron dos notables discos, en los que, obviamente, se nota la ausencia de nervio, oscuridad, tensión, que Morrison daba al grupo. Más acertados en Other Voices que en Full Circle, demostraron que el nivel compositivo, pese a la ausencia de la cara visible y uno de los mejores letristas y cantantes del rock, no había desaparecido. El primer disco post Morrison obtuvo puestos decentes en las listas estadounidenses, mientras Full Circle

se hundió irremediablemente y dio final a esta especie de segunda etapa de The Doors. ¿Qué pasó después? Aunque Manzarek y Krieger tenían buenas voces, necesitaban de algo más; un líder escénico, un cantante de intransferible personalidad. Se ha rumoreado que Iggy Pop pudo haber reemplazado a Morrison. Lo descartaron de inmediato. Pasaron bastantes años hasta que, en los 90, en la ceremonia de integración en el Rock N’ Roll Hall Of Fame, se reunieran con Eddie Vedder. Para Densmore fue el mejor tributo posible al compañero caído. En el nuevo milenio, a través del canal VH1, se dio la última reunión de los supervivientes junto a un selecto grupo de elegidos, a la vez que editaban un disco tributo en el que regrabaron canciones. El ganador por KO sería Ian Astbury, tanto que el teclista y el guitarra decidieron continuar el grupo sin la autorización de Densmore, que los obligó a cambiar la nomenclatura. Sería su última gran etapa de gloria. (IGNACIO REYO)

INTERFERENCIAS

ZoNA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, RICHARD ROYUELA FOTOS: DR

LEMMY - LA AUTOBIOGRAFÍA Ian Kilmister con Janiss Garza (ES POP)

é que más de un fan

humor tan pecu-

de Motörhead, y de

liar, y tan inglés

dos, me matarán por

por otra parte,

decir esto, pero Lemmy está ya

Lemmy va des-

en decadencia. Todavía puede

granado los dife-

dar de sí en sus discos de estu-

rentes episodios

dio, pero echar un ojo a cual-

de una vida que

quier foto actual de un hombre que creíamos indestructible y

valdría por 40

ver lo justo que está en un escenario (de ahí que de manera in-

de las nuestras. Una vida entregada al rock’n’roll, a los ex-

teligente esté dosificando sus conciertos) no deja mucho lugar

cesos de todo tipo, a su colección de memorabilia nazi y,

a la discusión. Una pena, porque es justo en estos últimos años

en definitiva, una existencia consecuente con lo que siempre

cuando su figura se está reivindicando como se merece, mi-

ha predicado, y que rezuma una sinceridad muy difícil de ver

rando de tú a tú a cualquier rockstar de primera. Precisamente

en personajes de tal calibre. Un documento para enamorarse

fue con la edición original de este libro, White Line Fever, allá

del personaje y que mejor lo disfrutemos hasta su última gota,

por 2003, cuando mucha gente acabó por rendirse ante la

porque, a no ser que alguien me corrija, nadie puede aspirar

evidencia de la grandeza de este hombre. Y es que el libro no

a coger su trono una vez nos deje. Decir que esta obra es

tiene una sola página de desperdicio. Haciendo gala de ese

imprescindible sobra, ¿no?

LA CHICA DEL GRUPO Kim Gordon (CONTRA)

a mayoría de noso-

de Sonic Youth, con el grupo finiquitado y su vida destrozada

tros siempre asociará

al ser abandonada por su marido Thurston Moore en favor de

a Kim Gordon como

alguien más joven. Con ese final como punto de partida, La Chica

la bajista de Sonic Youth,

Del Grupo desgrana la vida de Kim Gordon contada en primera

pero Kim Gordon fue más

persona, sobre la cual siempre planea un sentimiento de melan-

que eso... aunque ella, a lo

colía, de que cualquier tiempo pasado fue mejor y que, como

largo del libro, no esconde

cualquier buena madre, al final su gran motivo de lucha es su hija

en ningún momento que ése

Coco Haley, que a sus 20 años se encuentra dando sus primeros

fue el punto focal sobre el

pasos universitarios. Una vida interesante, siempre con obstáculos

cual su carrera se fue desarrollando. El primer capítulo del libro es

a superar –en el mundo del rock no era fácil ser mujer hace más

pura antología. Uno de los relatos más sinceros y desgarradores

de veinte años- y ese regusto de que le hubiese gustado tener un

que uno pueda haber leído en una obra dedicada a algo relacio-

mejor final del que ahora parece tener su vida. Brutalmente hones-

nado con el mundo del rock. En él, Gordon explica con todo tipo

to y de lectura absorbente, al final del libro es imposible no sentir,

de detalles y logrando transmitir su desazón la última actuación

todavía más, admiración por Kim Gordon.

CARROÑERO Vilbor y Montalba (LA CÚPULA)

Relato épico ambientado en una ficcionaria Edad Media -con ecos de nuestro mundo actual- en la que dos ejércitos verán cambiar el curso de los acontecimientos cuando un antiguo desertor, actual ladrón y asesino, ingresa en las filas de una de las facciones. Espectacular el acabado gráfico de Vicente Montalba con unas tintas y texturas soberbias para un relato amargo escrito por Ricardo Vilbor e ideal para los amantes de las fantasías bélicas medievales llenas de sangre y cafradas. SG

BATMAN/ LOBO

Alant Grant y Simon Bisley, más Neil Gaiman

EL LIBRO DEL TAO Lao-Tsé

(HERDER MANGA)

En formato manga esta nueva entrega de Herder y sus adaptaciones de textos filosóficos trae algunos de los versos fundacionales del taoísmo adaptados al mundo actual en varias historias cortas que se entrelazan y cuyos ejemplos no escaparán al entendimiento de nadie. Una lectura que deja bastante limpio el espíritu e invita a reflexionar sobre uno mismo y cómo (no) nos adaptamos a lo que la vida nos ofrece, acompañado además del siempre resultón acabado gráfico de toda la línea. SG

KICK-ASS 3

Mark Millar y John Romita Jr. (PANINI)

JACO EL PATRULLERO GALÁCTICO

Akira Toriyama (PLANETA CÓMIC)

Akira Toriyama, uno de los autores más importantes de manga de las últimas tres décadas, ofrece después de diez años su primera historia larga, recopilada ahora en formato tomo. El atractivo añadido a este Jaco El Patrullero Galáctico es que entronca con los primeros pasos de Dragon Ball, convirtiéndose así en una suerte de precuela con elevadas dosis y estilo Dr. Slump con un diseño de personajes divertidísimo y un grafismo exquisito. Cualquier fan de Toriyama no debe dejarlo pasar. SG

MUNDO LOCO ATAK

(FULGENCIO PIMENTEL (E HIJOS))

(ECC)

Para el cruce entre el Caballero Oscuro y el sangriento cazarrecompensas DC optó por explorar dicha situación en su línea Otros Mundos, ofreciendo un relato fuera de continuidad y desatado. Alant Grant, uno de los guionistas encargados de Lobo en el pasado y un increíble Simon Bisley, también viejo conocido del personaje, ponen a Batman en más de un apuro en este sangriento tebeo que, como colofón, ofrece el relato de Neil Gaiman Un Mundo En Blanco Y Negro. Demencia garantizada. SG

Final para la serie Kick-Ass, en la que su autores han invertido cerca de ocho años de trabajo. Tras el spin off Hit-Girl y Kick-Ass 2, Millar cierra la historia casi de manera circular, pero dejando a sus personajes en el extremo opuesto en el que empezaron, mostrando casi un halo de luz y esperanza entre tanta miseria (y elevado gore). El canto épico del perdedor gracias al dibujo de Romita Jr. alcanza un nivel espectacular y deja el listón muy alto dentro de los comic books USA. SG

Álbum ilustrado pensado para el disfrute tanto de niños como de adultos, una de las ideas detrás esta línea editorial, y fantástico para jugar juntos. El adulto verá en las hermosas ilustraciones un sinfín de momentos que le harán replantearse el mundo en el que vive, y el pequeño podrá configurar miles de preguntas acerca de las situaciones extrañas que se narran y que no son sino una denuncia de muchos de los síntomas del extraño (y a veces enfermo) mundo en el que vivimos. SG 23

TOI’S IN THE ATTIC ESCUCHAR MÚSICA

ómo escucháis música? ¿Os lo habéis planteado? No me refiero tanto a la forma de hacerlo, en el coche, delante de un ordenador o con auriculares, que también influye, sino más bien a la manera en asimilar lo que se escucha. En la era del pleistoceno medio en la que unos cuantos crecimos, el acceso a la música era tan limitado que los afortunados que nos hacíamos con un disco cada tres meses lo devorábamos de cabo a rabo. Ahora es facilísimo acceder a un catálogo infinito y a un montón de información sobre grupos y lanzamientos. En ningún momento me pienso poner nostálgica pensando que cualquier tiempo pasado fue mejor. Si uno siente interés y dedica cierto tiempo a la música puede descubrir cosas interesantísimas, independientemente de la edad. Entonces, ¿de qué coño estás hablando hoy, Toi? Pues hablo de experimentar todo tipo de sensaciones y emociones y de descubrir miles de matices. ¿Recordáis cuando empezasteis a escuchar música, que

todo era sorprendente y novedoso, súper emocionante? Daba igual el estilo, ya fuera death metal o punk rock, lo cierto es que nuestros oídos eran inexpertos e incapaces de diferenciar más allá de un riff de guitarra poderoso, una voz espectacular o un tema redondo. Escuchábamos música de una manera más global, como un todo, pero a la vez con mucha pasión y bastante ingenuidad. Hace tiempo me di cuenta de cuánto disfruto al identificar las distintas partes que conforman una canción, separar los instrumentos o apreciar producciones diversas, y la sensación que esto me produce es cojonuda, como si hubiera llegado la cima. En la actualidad vivimos de forma trepidante. Todo es muy efímero y parece que la vida es demasiado corta como para detenernos en un disco, pero en verdad os digo, hermanos, que merece la pena echar el freno y aprender a escuchar música en profundidad. Sólo así conseguiremos mantener viva la pasión por ella. (TOI BROWNSTONE)

TV EYE TH E EN D

undido a negro. Diez segundos en completa oscuridad. Así terminó una de las mejores series de la historia de la televisión. Quiénes la hayáis visto, sabréis cuál es; un final sin final, un engaño de ficción para creer que el personaje principal ha muerto. Con similar técnica, la historia de TV Eye va a terminar, una saga de columnas asediada por el asesinato de la ausencia de lectores, de la metamorfosis del papel a lo digital. Lo siento, siempre seré un romántico y preferiré leer una revista que adaptarme a leer en nuevos formatos que acaparan demasiada información y no obtienen su propósito. Mi intransferible opinión personal. Para qué escribir, si aunque haya mil temas no hay un público que los vea, digo, lea. No es la cuestión de que haya 56 canales y nada en ellos, es la cuestión de que hay más de 56 canales y nadie los sintoniza en esta época de celeridad, de pulverización. Flirteamos con las series desde los ordenadores, hemos perdido la paciencia de seguirlas por televisión, de esperar cada semana, de dejar fluir los

pensamientos de lo que hemos visto durante unos días. De reflexión, en conclusión. También existe el problema de la saturación, de ese subterfugio que nos han querido vender de la era dorada de la televisión, de que todo lo que escupe la pequeña pantalla en el formato de serie es bueno. Nunca ha sido tan bueno, ni nunca fue tan malo. Es la puta realidad, no hay lugar para disyuntivas, dudas, ensayos sobre la pantalla global. Es el fin del mundo como lo conocemos, y no me gusta. En esta vida hacen falta más sociópatas como Heisenberg y menos Gustavos, que son los que en verdad nos engañan, estafan, quieren jodernos vivos. Menos placebos, menos excesos de todo sin pensamiento. Nos hace falta sentir que nosotros estamos vivos y los demás muertos. Nos hacen falta tantas cosas… desde la noche de los tiempos. Somos un experimento abocado al fracaso, y aun así, con el honor que me permite la derrota, algún día proclamaré ‘I won’. (IGNACIO REYO)

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame particular es el álbum Forest Of Equilibrium de los ingleses Cathedral. Vayamos a 1991. Un año clave en la historia de la música popular. Nirvana editan Nevermind y se define toda una generación alrededor de ‘Smells Like Teen Spirit’. Metallica, por su lado, lanzan su gigante álbum homónimo que acaba vendiendo 16 millones de copias en todo el mundo. La música se convierte en algo importante, nace la nación alternativa y el metal se convierte en algo popular. Mientras el resto del mundo estaba dándole vueltas a sus obsesiones, en otro lado, de una manera tranquila y lánguida, Cathedral editaban su álbum de debut, Forest Of 26

Equilibrium, y a alguno nos pilló desprevenidos. Desprevenidos porque su vocalista era Lee Dorrian, que provenía de los pioneros del grindcore, Napalm Death. Cathedral, pese a sonar heavies hasta decir basta, estaban muy lejos de lo que era el sonido nihilista de Napalm Death. Llevó un poco de tiempo acostumbrarse a ello, pero una vez lo conseguí, el disco no hizo más que ganarme escucha a escucha. Recuerdo escuchar por primera vez Forest Of Equilibrium y pensar ‘¿Cómo este tío podía estar haciendo aquello y ahora hace esto?’. No podía entenderlo. Lo más fácil era etiquetarlo como una banda doom y evidentemente Black Sabbath eran su mayor influencia. No hay que olvidar que estamos hablando de un momento donde el thrash metal estaba siendo relevado por el death metal, aunque ambos estilos convivían en paz. Y ahora nos encontrábamos con esta tortuga sónica que estaba reclamando su propio espacio. Valía la pena darle una oportunidad.

‘Soul Sacrifice’ es la única canción, de las siete que tiene el disco, que se puede describir como rápida, y eso si somos generosos... Una excepción, ya que canciones como ‘Comiserating The Celebration’ o ‘A Funeral Request’ las entendí a la perfección… cuando empecé a fumar porros. Con el subidón de maría, Cathedral cobraban todo el sentido del mundo. Eso iba a la perfección con la llegada de bandas como The Melvins y pronto empezamos a poner nuestros singles de 7’’ a 33 revoluciones para que encajaran a la perfección con nuestro colocado estado mental. Así que imaginaros mi satisfacción cuando tocamos en el Festival Ilha Do Ermal de Por-

tugal en el año 2004, donde tocaban Cathedral y además nos tocó compartir camerino con ellos. No podía perder la oportunidad de charlar un rato con Lee Dorrian, y eso es lo que hice. Toda la banda era muy maja y tenían rabia como grupo, cerrando el círculo que habían empezado con Forest Of Equilibrium. El año que viene se celebrará el 25 aniversario del álbum Nevermind y también del Black Album de Metallica. Sin lugar a dudas surgirá por doquier una veneración absoluta a esos discos, mientras yo, apartado tranquilamente en un rincón, levantaré mi copa por el gran Forest Of Equilibrium. ¿Queréis uniros a mí? Hasta el mes que viene, DANKO JONES

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WILD AND RARE ES UNA NUEVA SECCIÓN DE ROCKZONE EN SOLIDARIDAD CON OXFAM Y APOYADO POR ASICS. LOS INVITADOS EN NUESTRO SEGUNDO CAPÍTULO SON FREDDIE Y PETE DE THE VACCINES.

ienvenidos de nuevo a Wild And Rare! Esta sección consta de dos partes que podrás disfrutar dándole al play en el vídeo superior. En WILD, los artistas contestan las preguntas no convencionales (y a veces salvajes) de nuestros lectores. Si quieres participar en ella, estate atento a nuestro Facebook, desde donde os convocaremos para que podáis preguntar aquello que siempre habíais querido, y nunca os habían dejado, a vuestros músicos favoritos. En RARE, cada artista dibuja una parte de una obra colectiva que una vez finalizada será única e irrepetible. Una vez completada será sorteada entre los que hayan hecho un pequeño donativo en nuestro proyecto en solidaridad con Oxfam Intermón. El 100% de lo recaudado irá destinado a Oxfam.

Los invitados de este mes son Freddie Cowan y Pete Robertson, guitarrista y batería respectivamente de The Vaccines. El grupo británico de indie rock se encontraba en Barcelona dando entrevistas para promocionar su tercer álbum English Graffiti, que verá la luz el 25 de mayo. Aunque en un principio se mostraron un poco intrigados con algunas de las preguntas que les habíais planteado, la verdad es que entraron totalmente en el juego y no se mordieron la lengua a la hora de contestar. En el vídeo podrás descubrir si ligan más ahora que antes de estar en el grupo, si alguna vez han practicado sexo escuchando su música, en qué circunstancias se produjo su encuentro con Lady Gaga, cómo fue la experiencia de telonear a The Rolling Stones o cuánto bebieron durante la filmación

del anuncio para una conocida marca de cerveza que protagonizaron el pasado verano. Esperamos que te divierta y no olvides hacer tu aportación para Oxfam Intermón. Haz tu aportación aquí.

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INTERFERENCIAS

VAMOS DE TIENDAS CON RECORD STORE DAY sigues vendiendo? “Creo que Kind Of Blue de Miles Davis sigue estando en el pódium, aunque hay discos que se siguen vendiendo muy bien. Bring The Family de John Hiatt, Grace de Jeff Buckley, A Love Supreme de Coltrane y, por supuesto, cualquiera de Dylan o Neil Young”.

POWER RECORDS Dirección: Calle Villarias 5, Bilbao Año de fundación: 1990 Especialidad: Vinilo, tanto nuevo como de segunda mano.

Stock de CDs de jazz, blues, soul, rock, reggae... Página web: www.powerrecordsbilbao.com

¿Cómo decidisteis abrir una tienda de discos? JON BARRASA “Ha pasado mucho tiempo, pero se puede decir que el motivo por el que se abrió la tienda en aquel momento fue el de rellenar un hueco en la oferta de tiendas de discos en el Bilbao de 1990; una tienda que, siendo relativamente generalista, huyera de la radiofórmula y la música más comercial”. ¿Cuáles han sido los mayores cambios que habéis experimentado desde que se abrió? “Aparte de la ubicación, ya que hemos cambiado dos veces de local aunque siempre en la misma calle, también hemos compartido el espacio con otros negocios. 30

Cómics, ropa... Pero realmente el espíritu de la tienda sigue siendo prácticamente el mismo que cuando empezamos. Bueno, ahora tenemos mucho material de segunda mano y cuando abrimos no, pero básicamente se mantienen las esencias”. ¿Puedes citar algunos clientes famosos? “De todo un poco: Billy Corgan, Elliott Murphy, Pablo Milanés, los Jayhawks, Quique Gonzalez, Javier Bardem, Steve Wynn, Howe Welb, Kiko Veneno, y un larguísimo etcétera”. ¿Cuál crees que es el disco que más has vendido en tu tienda? ¿Y cuál el que todavía

¿Cuál ha sido el álbum más curioso que has vendido? “Podría ser Akelarre Sorta de William S. Fischer, un disco muy bizarro que se publicó en el año 1972, en el que se interpretaban canciones tradicionales vascas con arreglos y maneras blaxploitation”. ¿Ese disco que nunca te falla cuando te piden consejo? ¿Y aquél que consideras que siempre debe estar? “Responder a esta pregunta se me antoja casi imposible; cada persona es diferente y busca también algo diferente. Ése es el asunto, conseguir interpretar los gustos y deseos de cada cliente. Y en cuanto a obras imprescindibles sucede lo mismo. Me resulta muy difícil elegir entre cualquier disco de Elvis, Monk, Led Zeppelin, Reed, Hendrix, Mingus, Hooker, Gaye, Cooke, Black Sabbath, Aretha, Beatles, Ellington, Stones, Motörhead…”. Explícanos alguna anécdota imposible de

olvidar. “Me acuerdo de una ocasión bastante surrealista en la que una señora de cierta edad entró toda decidida pidiendo “figuritas del niño Jesús”. Cuando le explicamos que estaba en una tienda de discos y no de objetos religiosos, contestó que al ver tanto colorido le había parecido de lo más normal hacer la pregunta”. ¿Recomendarías a alguien abrir una tienda de discos en estos momentos? “Sinceramente, creo que no”. ¿Ha cambiado tu relación como fan de la música desde que has abierto la tienda? “Todos cambiamos con el tiempo y nuestra capacidad de emocionarnos va disminuyendo pero, en cualquier caso, la música sigue proporcionándome mucho placer”. ¿Qué supone para ti y para vuestro negocio el Record Store Day? ¿Cómo se ha vivido en la tienda y qué perspectivas tienes para las próximas ediciones? “Desde el primer año que celebramos el Record ha sido un acontecimiento muy importante para nosotros, quizás el momento más intenso y gratificante del año. Esperemos que esto siga siendo así en las próximas ediciones”.

Justo 364 días después de probar el éxito con Earthwalker, los australianos In Hearts Wake publican Skydancer, un álbum más agresivo que definen como “el complemento masculino” de su anterior obra. Texto: David Garcell Fotos: DR

menudo se teoriza sobre la influencia que el entorno de los artistas tiene sobre su música. Por ejemplo, muchos grupos escandinavos explican 32

que empezaron a tocar porque no tenían nada mejor que hacer que refugiarse en un local de ensayo en los largos meses de oscuridad y frío. Pero lo cierto es que en la otra parte del mundo, donde las condiciones am-

bientales son mucho más favorables, también hay individuos que optan por encerrarse y sudar con el volumen a tope con sus compañeros en vez de hacer actividades recreativas al aire libre o simplemente tumbarse a tomar

IN HEARTS WAKE metalcore abierto de miras. En todo caso, su procedencia, Byron Bay, la paradisíaca zona de la que también surgieron Parkway Drive, se deja notar en unas letras que animan al oyente a tomar conciencia sobre el deterioro del medio ambiente y su colaboración activa con organizaciones ecologistas. Su tercer álbum, Skydancer (UNFD/Rise), en el que participan Jonathan Vigil de The Ghost Inside, Marcus Bridge de Northlane y J Hurley y Ben Marvin de Hacktivist, no es una excepción. El 16 de junio estarán presentándolo en Barcelona abriendo para Every Time I Die en el concierto de décimo aniversario de esta revista.

“Earthwalker era un poco más ligero y Skydancer es mucho más oscuro y pesado” BEN NAIRNE

el sol. Es el caso de los componentes de In Hearts Wake, Jake Taylor (voz), Ben Nairne (guitarra), Eaven Dall (guitarra), Kyle Erich (bajo, voz limpia) y Caleb Burton (batería), quienes desde 2006 llevan practicando un

Tengo entendido que grabasteis Skydancer al mismo tiempo que vuestro disco anterior, Earthwalker. ¿Si hubiera sido por vosotros, habríais preferido editarlo al mismo tiempo como un doble álbum? BEN NAIRNE “Bueno, todo el proyecto fue concebido como un doble álbum, pero decidimos editar la segunda parte Skydancer un año después como una sorpresa en lugar de publicarlo todo al mismo tiempo. Nadie esperaba que lo hiciéramos, aunque habíamos dado algunas pequeñas pistas, y me alegro de haberlo hecho así”. Dado que las canciones de Skydancer son ‘viejas’ para vosotros, ¿cómo os sentís ahora mismo respecto a ellas? “Todavía me siento tan emocionado respecto al disco como cuando lo estábamos grabando. Estoy impaciente porque la gente por fin pueda escucharlo y tocar estos temas en directo”.

¿Puedes explicar un poco de qué manera se complementan ambos discos? “Dentro de este proyecto Earthwalker es la parte femenina y Skydancer la masculina. Creo que los dos conceptos se reflejan tanto en las letras como en la música. Earthwalker era un poco más ligero y Skydancer es mucho más oscuro y pesado”. ¿Fue difícil escoger qué canciones irían en cada álbum o lo teníais todo planeado de antemano? “Cuando entramos en el estudio no teníamos ni idea de cuáles irían en cada disco, pero a medida que las íbamos grabando y nos familiarizábamos con los temas fue bastante fácil decidir cómo íbamos a agruparlas”. Earthwalker tuvo bastante éxito en vuestro país, alcanzando el número 5 de las listas australianas... ¿Cómo ha cambiado vuestra carrera en el último año? “Definitivamente Earthwalker ha llevado al grupo a otro nivel en cuanto a tours. Hemos girado más a nivel internacional y hemos dado conciertos bastante grandes después de ese disco. A nivel personal la vida sigue más o menos igual. Todavía tenemos que volver a nuestros trabajos ordinarios cuando no estamos de gira para poder financiar lo que más amamos hacer”. Parece que la escena metalcore en Australia está en un gran momento con grupos como The Amity Affliction o Northlane. ¿Cuál es vuestra relación con otras bandas? ¿Y 33

IN HEARTS WAKE

“Donamos dinero a una ONG para que plantara un árbol por cada preorder de Earthwalker hecho en la web 24 Hundred de Australia. Se acabaron plantando casi 1.300 árboles nativos australianos en las zonas que más lo necesitaban. Hace poco nos han mandado fotos de la diferencia increíble que se ha logrado en esas zonas”.

“La música es una gran plataforma para llegar a la gente, así que, ¿por qué no aprovecharlo para concienciar a la gente e informar sobre cómo podemos solucionar nuestros problemas?” BEN NAIRNE

crees que Parkway Drive han abierto muchas puertas para que bandas más jóvenes sean más conocidas fuera? “Australia tiene una comunidad muy unida dentro de la música dura y lleva siendo así durante bastante tiempo. Nos encanta tocar con otros grupos australianos y siempre es genial ver que a otros amigos les va bien a nivel internacional. Desde luego Parkway Drive han contribuido mucho a que bandas más jóvenes tengan una oportunidad fuera, incluidos nosotros, pero ningún grupo llega muy lejos si no trabaja duro”. ¿Qué elementos crees que hacen de vuestra música algo distinto a la de otras bandas de metalcore más genéricas? “Mezclamos música dura con partes instrumentales muy calmadas y creo que eso es lo que nos diferencia de 34

otras bandas de este género. Tomamos influencias de una gran variedad de estilos y eso nos ayuda a escribir y tocar música de la forma en que lo hacemos”. Parecéis muy concienciados con el medio ambiente. ¿Es una influencia directa del lugar de donde procedéis? “Sí, creo que tiene mucho que ver con el área donde crecimos y vivimos. Byron Bay es un oasis en la costa este de Australia, rodeado de paisajes preciosos y unas playas maravillosas. Queremos mantener la belleza de nuestro hogar, y la mejor manera es cuidar el planeta lo mejor que podamos”. De hecho participasteis en una campaña para plantar árboles. Cuéntanos, ¿cómo surgió la idea y cómo funcionó?

¿Crees que es importante que las bandas se involucren de manera activa con este tipo de organizaciones para hacer llegar su mensaje? Muchas veces parece que a los grupos sólo les interesa conseguir espónsors... “No creo que las bandas tengan necesariamente que involucrarse con organizaciones, pero sí que difundan un mensaje positivo. La música es una gran plataforma para llegar a la gente, así que, ¿por qué no aprovecharlo para concienciar a la gente e informar sobre cómo podemos solucionar nuestros problemas?”. Estaréis tocando en Barcelona con Every Time I Die. ¿Qué esperáis del concierto y qué puede esperar la gente de vosotros? “Bueno, viendo el nivel de los grupos que tocarán allí, estoy seguro de que el concierto será una pasada; ya estamos impacientes por estar ahí. Podéis esperar un show con muchísima energía, muchos sing-alongs y participación del público”.

TODO PASA, TODO QUEDA

Desde 1998, Phil Labonte lleva manejando All That Remains con firmeza sin escuchar las voces críticas que le acusan de comercializar cada vez más su música. Pero si algo se aprende hablando con el que fuera el primer cantante de Shadows Fall es que lo que digan los demás, más que poco, le importa nada. Texto: DAVID GARCELL Fotos: DR

“Cuando entré en el ejército ya sabía a lo que me exponía. Si tomas esa decisión sabes que vas a dejar de pertenecerte y pasas a ser propiedad de otro” PHIL LABONTE

urgidos de la misma escena que nos dio a Killswitch Engage y Shadows Fall, en Europa All That Remains no son tan populares como sus vecinos de Massachusetts. Sin embargo, en Estados Unidos su metalcore altamente melódico suena con frecuencia en las emisoras de rock y sus discos se cuelan en la parte alta de las listas de ventas. Su última referencia The Order Of Things (Razor & Tie/Music As Usual), aparecida el pasado 24 de febrero, se convirtió en su cuarto álbum consecutivo en debutar en el Top 25 de Billboard y su single ‘This Probably Won’t End Well’ parece destinado a seguir los pasos de anteriores hits como ‘Stand Up’ y ‘What If I Was Nothing’. Su éxito ha conllevado que las opiniones políticas de su vocalista Phil Labonte tengan cada vez más repercusión y que casi siempre vayan acompañadas de polémica. Un papel, el de chico malo del metal, con el que se muestra encantado, pero que incomoda algo a sus compañeros Oli Herbert (guitarra), Mike Martin (guitarra), Jeanne Sagan (bajo) y Jason Costa (batería), quienes prefieren marcar distancias y apenas conceder entrevistas. Últimamente parece que en muchas entrevistas contigo hay más interés en tus ideas políticas que en tu música. ¿Te molesta o es algo que buscas? PHIL LABONTE “Este año voy a cumplir 40 años, soy un tipo mayor, y desde que salí del ejército con 21 años me ha interesado la política. Llevamos bastante tiempo con el grupo y tenemos éxito, así que supongo que ahora la gente se fija más en lo que digo, pero no es nada distinto a lo que decía hace 15 años. Simplemente es que ahora la gente presta más atención”.

ALL THAT REMAINS

Muchas veces los músicos se limitan a decir lo que es políticamente correcto, no lo que piensan de verdad. “Así es, y me cabrea mucho. La gente dice unas cosas en privado y otras en público. Y por otra parte, muchos músicos sólo dicen cosas banales en las redes sociales. No soy un político, así que puedo decir lo que pienso y si a alguien no le gusta, pues perfecto. Creo que en el rock y el metal faltan personajes más atrevidos”. 37

Te defines como un libertario, partidario de que los gobiernos tengan el menor poder posible y la gente apenas pague impuestos... ¿Pero no crees que no es una cuestión de si el gobierno interviene o no, sino de que haga bien su trabajo? Lo digo porque en los países escandinavos el poder público está muy presente y los ciudadanos pagan muchos impuestos, y son algunos de los más avanzados del mundo. “Pero no creo que lo sean gracias al gobierno, sino por una cuestión cultural. Son los ciudadanos quienes deciden a quién ponen en el gobierno, así que el mérito es suyo. Al menos es así en las democracias occidentales. No es el sistema más fácil porque cuando se trata de problemas que afectan a una minoría es muy difícil que se hagan leyes que los protejan. En Estados Unidos tenemos muchas minorías que sufren las consecuencias de una mala legislación, y desde su perspectiva viven auténticas tragedias. Así que la cuestión es tener a una buena sociedad para que elija buenas gobiernos”. Pero para tener buenas sociedades necesitas una buena educación, y eso depende del gobierno. “Bueno, no creo que el gobierno tenga que proveer la educación. De hecho la mejor educación en Estados Unidos la ofrece el sistema privado. Yale, Harvard, Stanford son instituciones privadas y todo el mundo quiere ir a ellos. Así que el gobierno ofrece buena parte de la educación, pero no significa que sea la mejor o que 38

tenga que ser así en el futuro. El problema es que la gente ha delegado la función de educar a sus hijos al gobierno, pero si hubiera suficiente gente dispuesta a asumir esa responsabilidad y a quitar a sus hijos de la escuela, las cosas podrían cambiar. Así que de nuevo es un problema de la sociedad”. Volviendo a tu etapa en el ejército, ¿qué te impulsó a alistarte? Me sorprende que un músico, que soléis ser gente más bien rebelde, encajara en un mundo lleno de órdenes y reglas. “Bueno, cuando entré ahí ya sabía a lo que me exponía. Si tomas esa decisión sabes que vas a dejar de pertenecerte y pasas a ser propiedad de otro. Fuera del ejército puedes decidir qué quieres hacer con tu cuerpo, si quieres tatuarte o fumar… pero no en el ejército. Si no sigues las reglas, tienes un montón de problemas. Personalmente me adapté. Lo mejor es no llamar la atención. Sé uno más, mantén la cabeza baja, escucha las órdenes y todo te irá bien (risas)”. ¿Pero te alistaste por patriotismo? “Mi padre era del ejército del aire y en ese momento no sabía qué hacer con mi vida. El mundo militar me era muy familiar, de pequeño miraba películas de guerra y jugaba a ser soldado, así que me parecía algo interesante. Pero no me creía un tipo duro, ni un héroe de guerra, aunque creo que es bueno ponerte en una situación en la que tienes que enfrentarte a tus propios límites”. ¿Crees que algo de lo que

aprendiste ahí te ha servido para el grupo, por ejemplo la disciplina? “Sí, sin duda. Creo que te ayuda a mentalizarte para cuando te encuentras en una situación que no te es cómoda, no puedes simplemente parar o rendirte. Cuando vuelves del ejército todo el mundo te dice que pareces una persona distinta, y en mi caso también fue así”. También tienes una tienda de armas en New Hampshire. ¿Podrías explicarme por qué crees que es una buena idea que todo el mundo tenga un arma? “Bueno, creo que no lo planteas bien. No creo que sea una buena idea que todo el mundo tenga armas. No hay nada malo en que la gente no tenga armas, pero quien quiera hacerlo tiene ese derecho. Es simplemente eso”. Bueno, hablemos de música. The Order Of Things apareció hace algo más de un mes. ¿Contento con la aceptación que está teniendo? “Sí, estoy contento. Cuesta un poco que la gente haga suyos los temas nuevos, pero ya estamos viendo a la gente cantando algunos en la gira que hemos acabado con In Flames, así que la sensación es positiva”. Con cada disco que sacáis parece que el grupo se hace más popular. ¿Os afecta de alguna manera a la hora de componer? ¿Os sentís con más libertad o por el contrario os forzáis a escribir en base a una fórmula que sa-

“La verdad es que me cuesta escuchar FORMACIONES de metal que me atrapen. A mí me gusta que la música sea pegadiza; si me engancha, me da igual de quÉ estilo sea” PHIL LABONTE

béis que funciona? “En Estados Unidos hay mucha gente que nos pide que hagamos otro disco como The Fall Of Ideals, pero nos ha ido bien manteniéndonos firmes y siguiendo nuestro instinto, así que nos centramos en lo que nos hace felices. Nunca sabes lo que ocurrirá, pero siempre es mejor que primero seas tú quien está feliz con lo que haces”. Algunas de las nuevas canciones son las más melódicas que habéis hecho nunca. ¿Hasta qué punto esta orientación está ligada a tu propia evolución como cantante? “No lo sé. En realidad son las ideas que tenemos las que determinan el sonido de las canciones. Cada canción es un mundo. Si se nos ocurren buenas ideas para las melodías, entonces tiramos por ahí, pero en otros casos las buenas ideas surgen para voces gritadas y eso es lo que hacemos. Por ejemplo en ‘No Knock’, intentamos pensar en una buena melodía al estilo de Alice In Chains, pero no lo conseguimos y al final dijimos ‘A la mierda, no vamos a

forzarlo si no nos sale’. Y acabamos con una parte gritada mucho mejor. Así que más importante que el estilo en el que canto es cuán de bueno es el resultado”. En este álbum han ganado peso las voces de Jeanne. ¿La animó alguien a que participara más o fue ella quien lo pidió? “Empezó a hacer coros en directo hace unos cuantos años y poco a poco se fue sintiendo más cómoda en ese terreno. Si algo no hace esta banda es desestimar ideas de nadie. Nunca decimos ‘no podemos hacer eso’, así que cuando Jeanne sugirió meter alguna voz o cuando lo sugería el productor Josh Wilbur, todos estábamos por la labor. Cuando escuché su voz en ‘Divide’ me emocioné tanto de lo bien que quedaba que propuse que hiciera ella todo el estribillo sin mi voz. Al final no lo hicimos así, pero fue genial ver los nuevos matices que nos aporta”. Al parecer estás encantado con la labor de Josh Wilbur.

¿Después de cuatro discos con Adam D. necesitabais aire fresco o queríais trabajar con Wilbur en particular por alguna razón? “No, de hecho empezamos a trabajar con Josh porque no podíamos cuadrarnos con la agenda de Adam. Pero una vez vimos que Adam estaba liado con Killswitch Engage, nos reunimos con Josh y conectamos en seguida. No me sorprendería si repetimos con Josh en el próximo teniendo en cuenta el calendario de Adam con Killswitch”. ¿Qué es lo que más te gustó de Josh? “Tiene muy buenas ideas. Se le ocurren progresiones de acordes, partes de batería, de todo, que funcionan muy bien. Es un tío fácil con el que trabajar. Si tiene una idea no fuerza la situación para que acabe en el disco, simplemente lo propone. Sabe que el álbum lo firma la banda, no el productor”. Nunca has ocultado que te gusta el pop. ¿Cuándo empe39

zaste a apreciar este tipo de artistas? Porque en el mundo del metal está muy mal visto, la verdad... “(Risas) Siempre me ha gustado el pop. Creo que cuando tenía 18, 19 años me olvidé de ese rollo de ‘todo lo que escuche tiene que ser extremo’. Escuchaba country, a los Cranberries, Sara McLachlan… así que hace mucho que dejé de ser alguien que exclusivamente escucha música metal”. ¿Qué estás escuchando ahora mismo fuera del metal? “Me gusta el dubstep. Escucho a Skrillex. También me gusta mucho el nuevo de Taylor Swift, creo que es genial. También me gustan Bring Me The Horizon. La verdad es que me cuesta escuchar formaciones de metal que me atrapen. A mí me gusta que la música sea pegadiza; si me engancha, me da igual de qué estilo sea”. ¿Considerarías trabajar con alguno de esos fabricantes de 40

hits como Max Martin o Butch Walker? “No tengo problema en trabajar con otra gente. Josh nos ayudó con la composición y las letras, pero tampoco tenemos un deseo enorme de trabajar con alguien en particular. Confiamos en nuestra habilidad para escribir temas con gancho”. Habiendo sido el primer vocalista de Shadows Fall, temporalmente de Killswitch Engage y por supuesto de All That Remains, ¿tienes una explicación de por qué los tres grupos compartís ciertos elementos musicales? ¿Es casualidad o hay alguna razón en concreto? “Supongo que los tres grupos surgimos al mismo tiempo de la misma escena y eso hizo que los distintos músicos tuviéramos unas influencias parecidas. Estaban Killswitch Engage, Unearth, pero también As I Lay Dying, God Forbid, Lamb Of God… Más o menos todos surgieron a finales de los 90, principios de los

2000. El hecho de que Adam D. produjera a muchos de estos grupos también hizo que las bandas tendieran a un mismo sonido, y que algunos músicos estuviéramos en varios grupos hizo que todo se unificara y se crease una renovación dentro de la escena metal”. Me ha sorprendido leer que éste es el primer disco en el que dices la palabra ‘fuck’. ¿Lo habías evitado de manera consciente hasta ahora? De nuevo, no es nada común dentro del metal… “(Risas) La verdad es que cuando escribo intento que sea un poco poético. No me considero un poeta, pero no me gusta usar palabrotas. Pero en ‘No Knock’ había un par de huecos donde los ‘fucks’ encajaban perfectamente con la actitud de la canción. Sólo es en una canción. Dos ‘fucks’ en toda una discografía”.

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REYES DE POR VIDA

FAITH NO MORE

El regreso de Faith No More con Sol Invictus tras 18 años de silencio discográfico bien merecía hacer algo especial. Por eso pedimos a uno de sus mayores fans que fuera el encargado de entrevistarles… Éste es el resultado de la charla mantenida entre David González de Berri Txarrak y Billy Gould. De bajo a bajo. Texto: David González (Berri Txarrak) Fotos: DR

ería POR allá el 2002 cuando recibí una llamada del técnico de sonido de PI L.T., mi banda por aquel entonces. “David, oye, tengo en el estudio a un tío mezclando un disco. Creo que es el bajista de una de esas bandas que tanto te gustan... ¿Te apetece pasar por aquí a conocerle?”. Billy Gould fue uno de los motivos por los que yo estoy en la música. La primera vez que escuché Faith No More me explotó la cabeza. Esa sólida sección rítmica, esa voz y esa manera de crear líneas de bajo cambiaron mi vida para siempre. Faith No More son una de esas bandas adelantadas a su tiempo, incomprendidas en su día (por suerte, eso se acabó), en gran parte por su eclecticismo y capacidad para desenvolverse magistralmente ante cualquier estilo musical. Si hay algo difícil para una banda es conseguir desarrollar un sonido personal y un sello de identidad que te diferencie del resto, que te haga reconocerlos al instante. Ésas y más virtudes son precisamente las que hacen de Faith No More una formación única. Organizamos un coche y en menos de dos horas estábamos en Azkarate, en la puerta del estudio. Todo lo que vino a continuación fue algo mágico. Billy resultó ser un tío muy cercano y agradable, con mucho sentido del humor y muy atento, de esas personas

capaces de hacerte sentir como si lo conocieras de siempre. Después de coserle a preguntas y hablar sobre música nos fuimos a cenar al pueblo. Recuerdo mirar a mi alrededor y pensar ‘Joder, estoy cenando con Bill Gould’, mientras hablaba de aquel mítico concierto en Sevilla en el 92, de cómo Mike Patton acabó vaciándose una botella llena de orina por la cabeza... Volvimos al estudio y nos despedimos. Desde entonces nos hemos cruzado algunos mails. Me gusta enviarle los discos que voy grabando y pedirle opinión, ya que siempre saca tiempo para escucharlos y contestarme. Pues bien, 13 años después la historia se repite y se cierra un círculo. Esta vez Jordi Meya es quien me llama por teléfono. “David, mañana tengo confirmada una entrevista con Faith No More. Será con Billy Gould, ¿te apetece hacerla?” (Moltes gràcies, Jordi). A pesar de no haber estado nunca en ese lado de la cancha, no dudo ni un instante y decido convertirme en periodista por un rato, algo muy inquietante y divertido. Hago los deberes y a las 19:40 del día siguiente (horas antes de subirme a un escenario a tocar) descuelgo el teléfono y marco el número de un hotel en Pórtland, Oregón. Es la recepcionista, muy amable, quien da paso a mi llamada a la habitación del Sr. Gould. “Una suite con vistas

al mar”, pero esta vez “al mar de mis sueños cumplidos”. Hola Billy, ¿cómo estás? Primero de todo agradecerte tu atención y enhorabuena por este nuevo disco. BILLY GOULD “Hola David. Bien, gracias. Estamos muy contentos, recién empezada la gira y muy emocionados con el nuevo disco”. Ya que no soy periodista, aprovecho. Sé que nunca habéis sido muy amigos de las entrevistas y la promoción... ¿Cómo va vuestra relación con la prensa? ¿Cómo está siendo la aceptación del álbum? “Es muy interesante. Creo que la respuesta de la prensa está siendo muy buena. No sé qué esperábamos exactamente porque este disco, sin dejar de ser un disco de Faith No More, es diferente de los anteriores. Solíamos hacer trabajos que la gente no acababa de entender y la respuesta con éste ha sido muy positiva, así que está siendo una agradable sorpresa. Supongo que siempre esperamos que el disco sólo guste a un tipo específico de gente...”. ¿Cómo ha sido el proceso de composición y grabación de Sol Invictus? “Nos llevó un par de años todo el 43

proceso. Comenzamos escribiendo poco a poco. Primero hicimos una canción, luego la siguiente... Sin llegar a pensar en hacer un álbum realmente. Teníamos un montón de ideas, pero se trataba de llegar al punto en el que todo el mundo estuviese listo para hacer el disco. Y esto nos llevó un tiempo. Así que una vez que nos decidimos a hacer el álbum, lo siguiente fue no decírselo a nadie. Pensamos ‘vamos a empezar a trabajar y a ver qué tenemos’. No había expectativas, no teníamos la obligación de editar un disco. Tan sólo nos pusimos a escribir música. Así que estábamos en nuestro local de ensayo y comencé a montar unos micros que tenía por ahí, de una manera muy casual. Y todo fue muy humano, estábamos los miembros del grupo y nadie más. Fue genial”. Tú eres el principal compositor de Faith No More. ¿Cómo o de dónde nace una canción vuestra? “Es como un gran puzzle. Para mí hacer música es como la arquitectura, y todas las piezas tienen que encajar juntas. Como una gran máquina. Hubo un poco de todo. A veces hacíamos jams y otras trabajamos con ideas que traíamos de casa. Para este disco el proceso no ha sido muy distinto de los anteriores. Al final lo que realmente tratas de hacer es escribir una canción. Es como luchar en una guerra: usas todo lo que tienes. Si tienes ideas previas, genial, y si sale alguna nueva jameando, pues genial también. Usas cualquier cosa porque al final lo verdaderamente importante es cómo de buena es una canción”. 44

Una de vuestras características más notorias es la sección rítmica que formas con Mike Bordin. ¿Componéis la base primero, por lo general? “En algunas de las canciones sí, pero no en todas. La sección rítmica es el esqueleto de la canción, siempre ha sido muy importante en Faith No More porque si lo piensas, llevo tocando con Mike Bordin desde 1981. Es muy sencillo componer con alguien a quien conoces tan bien. Sabemos lo que hacemos. No somos los mejores músicos del mundo, pero nos conocemos muy bien”.

echo en falta en otros grupos’. Hace que me sienta mejor. La música que falta en nuestras vidas es nuestra mayor influencia, realmente”.

Después de varias escuchas se podría decir que los teclados están mejor integrados y hay mucho más piano en Sol Invictus a diferencia de antaño… “Sí, es lo que queríamos hacer. Es un poco más natural. Se siente más como una banda tocando junta en el local con un piano de verdad. No se trata de un sampler o un sintetizador. Y para nosotros ha sido como cuando bebes un vino que ha estado en una barrica mucho tiempo; el piano tiene madera, tiene una cierta sensación más real”.

¿Cuál es tu canción favorita del disco, la más especial, casual a la hora de componer? ¿Hay alguna que te gustaría destacar? “Cambia cada día. La pasada semana era ‘Sunny Side Up’, y esta semana es probablemente ‘Sol Invictus’”.

¿Cuáles han sido las principales influencias a la hora de hacer Sol Invictus? “Hay una gran cantidad de música que no me gusta. Cuando escucho música nueva, mucha de ella no me impresiona. Lo que pienso es ‘¿Qué me gustaría escuchar? ¿Qué me falta?‘. Hay algo que no conecta conmigo. Así que pienso ‘quiero componer música que tenga eso que

¿Podrías nombrar alguna banda que se salve y os haya inspirado? “The Fall, The Cramps, The Kinks...”. Ya sé que es pronto, pero ¿seguís trabajando en cosas nuevas? “Tenemos algunas otras ideas muy buenas, creo. Espero que algún día se conviertan en música de Faith No More”.

¿Y la canción más divertida de tocar en directo? “De momento sólo hemos tocado unas pocas en vivo. Anoche por ejemplo tocamos ‘Separation Anxiety’ por primera vez. Siempre es algo extraño porque cuando tocas una canción por primera vez no te sientes con tanta confianza aún. Diría que me encuentro muy cómodo tocando ‘Superhero’, por ejemplo”. ¿Tenéis alguna manía antes o después de subir a un escenario? “No hacemos nada especial. Yo me siento como una mierda 20 segundos antes de salir a tocar. Y de

“Volver con Jim Martin habría sido como vivir en el pasado en vez de en el presente… dejamos de ser creativos con Jim en 1992, 1993” BILLY GOULD

pronto se me pasa”. Sí, a mí también me pasa… es como que te retraes para, de seguido, explotar encima del escenario. “Sí, sí... Siempre pasa lo mismo cada vez, ¿verdad? Un vez que hemos tocado, todo es genial, pero siempre es muy difícil antes de tocar. No puedo hablar con nadie, es una sensación mala”. Tengo entendido que el más reacio a poner en marcha un disco nuevo era Mike Patton. ¿Qué hay de cierto en eso? “No sólo él. Todos teníamos nuestras reservas ante la idea de hacer un nuevo trabajo. Pero sí es cierto que, sin ser el único, Mike Patton tenía las suyas, indudablemente”. Pasan más de diez años desde que, en el 98, decidisteis dejar Faith No More y volvéis con el Reunion Tour en 2009. ¿Qué diferencia habéis encontrado

en la escena musical, industria, el público, los directos, desde entonces? “¿Sabes lo que veo? Veo que aunque el negocio está haciendo menos dinero que antaño, la mentalidad es más conservadora. Creo que la forma en la que los medios trabajan en relación a la música está más orientada que nunca al dinero. Quizás sea porque hay menos dinero moviéndose... hay menos romanticismo en lo que a la música se refiere. Se trata más sobre las redes sociales, el negocio... los grupos hacen todas esas tonterías relacionadas con las redes sociales, las mailing list, etc. Pero eso no tiene nada que ver con tocar música, no existe el estilo de vida, no hay cultura. La parte cultural de la música está jodida”. Volvéis con un disco autoproducido, lo habéis hecho todo vosotros. De hecho, tú te has encargado de la producción y grabación... ¿Cuáles son las ventajas e

inconvenientes de esto? “Las ventajas fueron poder trabajar sólo con los miembros de la banda y que cualquier cosa que hicimos era exactamente lo que queríamos hacer. Eso es fantástico y te da mucha fortaleza. Es como si tienes un restaurante y en la parte de atrás tienes la huerta en la que cultivas los vegetales que sirves a los comensales. Ahora bien, la parte negativa es que es algo muy desafiante porque no hay nadie para ayudarte (risas). El resultado tiene que ser bueno y tienes que arreglártelas para solventar todos tus problemas, porque ni siquiera grabamos en un estudio profesional. Tan sólo era un local de ensayo. Hubo algunos retos a la hora de hacer que sonara bien porque no es un lugar diseñado para grabar. Eso fue complicado, pero al final funcionó. Encontramos la forma de hacerlo y a mí, como ingeniero de sonido, me hizo mejorar y aprender muchas cosas”. En esta época de las reuniones de grupos creo que sois de 45

las pocas bandas que habéis vuelto estando más en forma que cuando lo dejasteis. ¿Es cosa mía o vosotros también tenéis esa sensación? “Creo que sí. Creo que ahora todos juntos estamos muy centrados. En el pasado siempre había alguien que no estaba contento. Siempre había alguien descontento. Y ahora no es el caso. Es verdad que sólo llevamos tres shows en esta gira... así que pregúntame de nuevo en un par de meses (risas). Quizás alguien esté descontento. Puede que sea yo, no lo sé... De momento el grupo está muy centrado, como un equipo”. Tuve la oportunidad de veros tres veces en la gira pasada y transmitíais mucha solidez y confianza... “Sí, creo que también somos mejores músicos después de estos años”. ¿Se os pasó por la cabeza 46

llamar a Jim Martin para hacer la reunión? ¿A día de hoy mantenéis algún tipo de contacto con él? “Yo no hablé directamente con él, pero creo que teníamos que tomar una decisión sobre si queríamos que fuese una reunión nostálgica o si queríamos que fuese algo más con la vista puesta en el futuro. Y lo cierto es que dejamos de ser creativos con Jim en 1992, 1993. Pudimos haberlo hecho ya que las ofertas económicas eran muy buenas, pero no habríamos sido demasiado diferentes de esas otras bandas que se han vuelto a juntar. Habría tenido ese tipo de energía y no queríamos hacer eso. Habría sido como vivir en el pasado en vez de en el presente”. Eres un bajista muy influyente para muchos de nosotros. Además de tu manera de tocar y componer, tienes un sonido muy característico y

personal. Zon tiene parte de culpa... ¿Podrías hablarnos de tu configuración actual y tu nuevo modelo de bajo? “Zon Guitars es un fabricante de guitarras y bajos de San Francisco, que es donde vivo, así que allí nos conocimos y me construyó un bajo en 1991. Me dijo que me haría un instrumento que me iba a gustar, pero yo no pensaba igual porque estaba muy contento con el bajo que usaba por aquel entonces. Cuando me dio el Zon se convirtió en algo muy personal. Es el único bajo que he usado desde entonces. Y este año me dijo ‘¿Sabes? Creo que deberíamos fabricarlo para ponerlo a la venta y que la gente pueda comprarlo’. Me pareció una gran idea y actualmente están fabricando mi modelo. Tuve la idea de poner un previo dentro del propio bajo que se llama Parallel Drive Circuit. Lo que hace es darte la opción de tener un poco más de grano, que es lo que hacía yo con mis amplificadores. De

“Hoy en día no se entiende la música como UN estilo de vida, no hay cultura. La parte cultural de la música está jodida” BILLY GOULD esa forma es posible tener mi sonido sin que importe tanto qué amplificador uses”. Así no te preocupas de los amplis. Allá donde vayas siempre consigues el mismo sonido… “Los amplificadores suenan tan distintos los unos de los otros y son tantas las veces que he tocado con amplificadores que no me han hecho feliz o directamente me han cabreado... Así que creo que es bueno obtener el sonido lo más cercano a la fuente que sea posible. Al menos el sonido que salga de este bajo será el que tiene que ser”. Te sigo en tus redes sociales y eres una persona muy comprometida social y políticamente. En concreto con muchos conflictos en Europa del Este. Sé que eres un enamorado de la península balcánica. ¿Qué relación tienes con esos países? “He pasado mucho tiempo allí y tengo muchos amigos. Creo que lo que ocurre allí afecta al resto del mundo y aunque no tenga mucha presencia en los medios y no salga en las noticias, cuando ves cómo actúa la gente en sitios así, entiendes tu propia situación. América mantiene una postura muy ignorante en lo que se refiere a la zona de los Balcanes. A pesar de estar involucrados en lo que ocurre

allí, en Estados Unidos no se escribe sobre ello. Y creo que es fundamental que la gente sepa qué es lo que está pasando y cómo pasaron ciertas cosas. Como se suele decir, ese lugar es como el canario en la mina, ¿sabes a lo que me refiero? Lo que ocurre allí es en cierta manera sintomático de lo que ocurre en otros lugares. La diferencia es que allí no suelen tratar de ocultar los hechos”. ¿Qué ha sido de Bill Gould en todos esos años que Faith No More ha estado parado? “He estado produciendo discos todo el tiempo. Tengo un sello discográfico llamado Koolarrow en el que tratamos de editar música internacional. No me refiero al estilo world music, sino a música internacional porque cuando vives en Estados Unidos sólo recibes música propia de aquí o de Inglaterra. Y en mi opinión la música procedente de Estados Unidos es la peor música del mundo. A día de hoy la música contemporánea es horrible... Así que he tratado de crear una especie de oleoducto para traer aquí cosas interesantes que están pasando en otros lugares de forma que los americanos puedan ver que hay algo diferente ahí fuera”. Sí, conozco algunas bandas de Koolarrow... “Las bandas son diferentes del resto y entre sí. Es un sello muy pequeño y soy yo tratando de mantener una mirada abierta al mundo”.

de rock en tocar en el festival pop Viña Del Mar. Y todo el mundo nos odió, nos odiaron tanto que gran parte del público se fue. Pero lo retransmitieron por televisión para todo el país y muchos chavales, que nunca habían visto algo así, lo vieron. Y para ellos fue como si se les abriese el mundo. En la época de Pinochet todo era muy conservador y nosotros éramos una cosa muy extraña apareciendo en televisión. Y es así como surgió esa conexión. Después estuve viviendo allí algún tiempo en la época de King For A Day”. La última vez que actuasteis lo hicisteis en el estadio Bicentenario, ¿verdad? “Sí, es una locura ,¿verdad? Y también he hecho algún show con The Talking Book allí. Realmente tenemos una gran conexión con Chile”. ¿Y en Estados Unidos? “Esta vez vamos a hacer más conciertos. Hay mucha gente a la que gustamos en Estados Unidos. Creo que en el pasado no entendían realmente a esta banda, y no culpo a la gente. Creo que la culpa es de las revistas y los medios de aquí, los cuales son muy conservadores. No sé qué mierda les gusta o qué está de moda por aquí ahora, pero todo lo que decían sobre nosotros no era correcto. No entendían al grupo. Pero creo que ahora, 18 años después, nos entienden mejor y nos aprecian más. Hubo tiempos duros para nosotros por aquí, pero ahora todo es mejor”.

¿Qué pasa en Chile con Faith No More? Allí sois una banda enorme… “Tocamos en Chile hace mucho tiempo y fuimos una de las primeras bandas 47

ANTI-FLAG

YES, WE PUNK! DESDE SUS COMIENZOS, EL PUNK ROCK SIEMPRE HA SIDO VISTO COMO EL SONIDO LIGADO A LA LUCHA TANTO POLÍTICA COMO SOCIAL. SON INCONTABLES LAS BANDAS QUE LO HAN USADO COMO ALTAVOZ PARA LLAMAR A LA ACCIÓN, PERO PODRÍAMOS CONTAR CON LOS DEDOS DE UNA MANO LOS QUE SE HAN MOSTRADO TAN ACTIVOS COMO ANTI-FLAG DURANTE MÁS DE DOS DÉCADAS DE CARRERA. AMERICAN SPRING ES SU DÉCIMO ÁLBUM DE ESTUDIO Y EL ENÉSIMO ESFUERZO DE UNOS LUCHADORES INCANSABLES PARA REMOVER CONCIENCIAS A BASE DE GUITARRAZOS. Texto: GONZALO PUEBLA Fotos: MEGAN THOMPSON

asta con echar un vistazo a la nota de prensa promocional que Anti-Flag nos han enviado con motivo de su nuevo disco, American Spring (Spinefarm), para darse cuenta de que no son una banda al uso. Mientras otros se habrían dedicado a mencionar logros como números de ventas, festivales en los que han participado o productores de renombre con los que han trabajado, ellos prefieren hablar detalladamente de cada una de las canciones de su nueva obra y los diferentes mensajes sociopolíticos que esconden. Ente ellos están la lucha contra las desigualdades sociales, la pobreza, el uso de armas de fuego, el sexismo, el abuso sobre los derechos de los trabajadores, la homofobia, la guerra y la violencia en cualquiera de sus formas. Y es que, desde hace más de veinte años, para el combo de Pittsburgh separar música y activismo político resulta inconcebible. Desde su mítico debut Die For The Government en 1996, su compromiso ha permanecido inquebrantable, alcanzando su cenit en trabajos como The Terror State, For Blood And Empire y The Bright Lights Of America, estos dos últimos editados bajo el paraguas de una major como RCA. Algo que les acarreó varias críticas por parte de algunos seguidores... Pero tras su salida del mismo, la banda siguió demostrando su actitud combativa con dos de sus discos más cortos e intensos, The People Or The Gun y The General Strike, demostrando así que su ideología seguía intacta más allá de quien sacase al mercado sus álbumes. American Spring supone la vuelta

de los Anti-Flag más hímnicos, los de las canciones con estribillos redondos con las que cantar verdades como puños ante las injusticias del mundo y una nueva llamada a la acción por parte del pueblo ante la situación global. De la influencia que han tenido movimientos como el 15-M, la Primavera Árabe u Occupy Wall Street y muchísimos otros asuntos más hablamos con Justin Sane (voz, guitarra), cofundador junto al batería Pat Thetic de un grupo cuya alineación la completan el también vocalista y bajista Chris #2 y el guitarra Chris Head. A pesar de la seriedad con la que explica los temas a tratar, Justin se nos descubre como un interlocutor agradable y educado con el que poder mantener una conversación. Antes de despedirnos nos comentó que “casi seguro que nos veremos en España este verano o antes de que celebréis las elecciones generales en noviembre. Mantened los ojos abiertos”. Así lo haremos. Tras vuestros dos últimos discos, que estaban formados por canciones breves y directas, American Spring vuelve un poco a lo que hacíais en álbumes como The Terror State y For Blood And Empire, que contaban con una mayor diversidad entre canciones. ¿Cómo definirías musicalmente este trabajo? JUSTIN SANE “Creo que este álbum cubre una buena parte de lo que es la música punk rock, porque Anti-Flag siempre han estado influenciados por todas las variantes de este estilo. Ahora mismo el punk es muy diverso. Tienes bandas primigenias como los Sex Pistols y The Clash, otras más basadas

en el rock’n’roll de la vieja escuela con los Ramones en esa categoría, en los 80 apareció el hardcore con Black Flag, que fue moviéndose hacia un sonido más moderno como pudieran ser Rise Against o incluso NoFx. También podríamos citar a Rage Against The Machine que, aunque no sean realmente una banda de punk, han tenido una gran influencia en nosotros. Y también grupos como Social Distortion o Bad Religion, que llevan en esto desde hace muchísimo tiempo, comenzaron sonando de una manera y a lo largo de los años han cambiado un montón, pero aún se mantiene su esencia punk. Pienso que nosotros somos muy similares a ellos. En toda nuestra carrera hemos explorado muchos estilos, tanto dentro como fuera del punk rock, y esa diversidad creo que ha quedado realmente reflejada en este disco. ‘Set Yourself On Fire’ para mí está muy influenciada por los primeros Social Distortion, lo mismo pasa con los Ramones en ‘Brandenburg Gate’”. Precisamente ‘Brandenburg Gate’ es una de las canciones que más me han gustado. En ella participa Tim Armstrong de Rancid y personalmente siempre he visto una fuerte influencia de ellos en la música de Anti-Flag. ¿Cómo se produjo esta colaboración? “Por supuesto. Rancid también han sido una influencia muy grande para nosotros. Probablemente estén en mi top 3 de grupos favoritos de todos los tiempos (risas). El caso es que la guitarra principal tanto en Rancid como en Social Distortion tiene mucho que ver con la manera en la que yo toco, y creo que eso se puede notar

“En toda nuestra carrera hemos explorado muchos estilos, tanto dentro como fuera del punk rock, y esa diversidad creo que ha quedado realmente reflejada en este disco” JUSTIN SANE

en ‘Brandenburg Gate’. Mientras trabajábamos en esa canción, en mi cabeza estaba pensando en un sonido más cercano a los Ramones, pero después se fue transformando hacia algo más parecido a Rancid. No lo hicimos intencionadamente, pero cuando la terminamos nos dimos cuenta de que sonaba así. Conocemos a Tim desde hace años, él sabía que estábamos preparando un nuevo disco y nos había comentado que le gustaría colaborar de alguna manera, así que pensamos que sería genial que participase en este tema. Él no vive muy lejos de donde estuvimos grabando, así que vino. Fue muy excitante tenerle en el estudio, porque cuando llegó básicamente ya habíamos terminado casi todo con una semana de antelación, pero en ese momento estábamos muy cansados (risas). Pero cuando introduces a alguien nuevo en un proyecto suele traer una nueva energía, y Tim supuso toda una inyección para nosotros.

Trabajó muy duro para que las voces sonasen bien, grabó un montón de veces e incluso si le decíamos que estaban perfectas, él insistía en hacerlo mejor. Nos decía: ‘No quiero dejar tirados a mis amigos’. Realmente le importaba, y lo apreciamos muchísimo. Quería que fuese algo genial y creo que lo consiguió. Cuando lo escuchas en la canción sabes que es Tim Armstrong. Una de las cosas de las que más contento me siento es que en la letra aparece la palabra ‘salvation’, y la canta igual que en el tema de Rancid del mismo nombre (risas)”. Como suele ser habitual a lo largo de vuestra trayectoria utilizáis imágenes muy directas y potentes para las portadas, pero en este caso aún más si cabe... “Sí, uno de los objetivos principales de American Spring es que la gente se enfrente a sus propios temores. El diseño del disco muestra dos caras

desde una perspectiva política. Por ejemplo, cuando un joven punk ve a un policía piensa en que es un racista, o si es un soldado, que éste es un asesino. Cuando se trata del americano medio, blanco y conservador viendo la cara de una mujer musulmana, piensa en terrorismo, o si es un chico negro con capucha, que se trata de un pandillero. Lo que intentamos decir con esto es que todos tenemos esas ideas preconcebidas, nadie escapa de ellas. La portada con la mujer musulmana sirve para desafiar a la gente de derechas y el soldado de la contraportada para hacerlo con los de izquierdas. Eso nos demuestra la hipocresía de ambas partes y que la verdad se encuentra más bien en el medio. Lo primero que debemos hacer es pensar en los demás como seres humanos y darnos cuenta de que tenemos más similitudes que diferencias. La única manera de conseguir esto es que la gente sea consciente de esos miedos. 51

“En la última gira conocí a un chico que trabaja en la Casa Blanca y que se interesó POR la política gracias a Anti-Flag” JUSTIN SANE Cualquier sociólogo te dirá que debido a que vivimos en una cultura en la que nos están constantemente golpeando a través de mensajes, ya sean de una manera más obvia o subliminal, eso nos crea miedos en nuestro interior. No importa si tienes una mentalidad abierta o no. Por lo tanto, para cambiar eso, la gente debe ser consciente de ello y así poder superarlo para ver las cosas de una manera distinta. Ése es nuestro principal desafío con el artwork de este disco. El siguiente punto sería preguntarnos cómo asociamos la violencia a ciertos grupos, porque algunas personas se sienten cómodas relacionándola con diferentes tipos de gente. Por ejemplo, en América, cuando en las noticias vemos que los soldados han matado a cinco sospechosos de terrorismo en Pakistán, la gente se siente segura, dicho de una manera un tanto extrema, ¿me entiendes? Pero al mismo tiempo, si el que ha muerto ha sido un soldado americano, la gente se siente

molesta. Parte de que aparezca la flor explotando en la cara de la mujer musulmana tiene que ver con que seguramente muchas personas la vean y no tengan ningún problema con ella, pero en el caso del soldado quizás se sientan incómodos. Lo que queremos decir es que todos deberíamos sentirnos mal respecto a la violencia independientemente de quién se trate, no sólo contra un grupo de personas. Se trata de cómo la gente percibe que la violencia es más justificable en unos casos que en otros. No debería ser aceptable bajo ninguna circunstancia”. El título, American Spring, hace una clara alusión a los acontecimientos que se han producido en los últimos tiempos en zonas como Egipto o incluso en España, donde ha habido una reacción por parte del pueblo ante lo que estaba sucediendo con la clase política. ¿Crees que eso es posible de llevar a cabo en

una sociedad, digamos, más estabilizada políticamente como es la americana? “Sí que lo creo. Lo que estamos haciendo con el título es una referencia a un montón de cosas. Obviamente la Primavera Árabe lo ha inspirado. Por desgracia, no terminó como a mí me hubiera gustado, pero creo que se consiguieron muchos logros con ella. Fue una manera muy innovadora de que la gente joven usase la tecnología para movilizarse y organizarse. Lo que veo interesante de la Primavera Árabe es que ofrece muchísima esperanza porque sucedió en una parte del mundo donde la revolución se consideraba imposible. Creo que la situación política en países como Grecia, España, Europa o los Estados Unidos, donde tenemos un sistema político muy restringido con sólo dos partidos que son muy parecidos y están manejados por corporaciones y bancos, hace que mucha gente no tenga esperanzas en ningún tipo de cambio. Pero la Primavera

Árabe nos mostró que siempre existe la posibilidad de cambiar y lograr grandes conquistas. Y mucha gente no lo vio venir. Es un ejemplo de que los cambios que queremos que sucedan no se hacen de la noche a la mañana. Tenemos que seguir luchando por ellos. Normalmente tiene que haber muchas batallas perdidas antes de que ganemos. Cuando miras la historia de los movimientos por los derechos civiles en América, los afroamericanos lucharon durante muchísimo tiempo únicamente para no tener que sentarse en la parte de atrás de los autobuses, usar la misma fuente o servicios públicos que la población blanca, y más tarde tener el mismo horario de trabajo. Y siguen luchando a día de hoy. Los esfuerzos llevan tiempo, las victorias no suelen llegar de manera fácil. Así que para nosotros es importante ver algo como la Revolución Árabe porque se dio en un entorno en donde no parecía posible que sucediese. Creo de verdad que es sólo el comienzo y en Estados Unidos hay mucha gente que está preparada para un cambio significativo. Si te fijas en la Revolución Francesa o en la caída en 1975 del general Franco, la gente que estaba en lo alto del liderazgo en ese momento no se esperaban algo así”. En cierta manera, ya hubo algún brote de esto que estamos hablando con el movimiento Occupy Wall Street, en el que participasteis actuando con vuestras acústicas. ¿Qué conclusiones sacasteis de aquella experiencia? “Sin duda fue un gran ejemplo. Lo que se hizo fue crear un foro público

para que los americanos manifestasen su insatisfacción con el Gobierno. Y no sólo había gente de izquierdas, también de derechas. Todos. Le dio un lugar a la gente para poder ir al centro de la ciudad y decir: ‘Esto es lo que no me gusta y esto es lo que quiero cambiar’. Aquí nunca habíamos tenido algo así desde hace décadas y supuso todo un nuevo fenómeno. Uno de los asuntos más significativos que se expuso a la opinión pública fue la igualdad económica, el asunto del 1% contra el 99%. Muchos nunca habían llegado a pensar en algo como esto antes de Occupy Wall Street y ahora es un hecho muy importante que mucha gente se está empezando a cuestionar. Como resultado de ello, los políticos han empezado a moverse en direcciones diferentes. También puso de relieve entre la gente la idea de descentralizar el poder, de votar por consenso y dirigir la democracia para que no tengamos representantes corruptos que pertenecen a las corporaciones y toman decisiones para nuestra comunidad. No necesitamos a esa gente para que tome decisiones por nosotros, podemos hacerlo nosotros mismos, lo cual sería sencillamente la verdadera democracia que no tenemos ahora mismo. Por todas estas razones, en la subculturas hay mucha gente que empieza a estar disgustada, por lo que creo que es posible que algo así suceda en América. También la población ha comenzado a rechazar la austeridad. Los trabajadores están empezando a organizarse por sus derechos, que era algo que ni siquiera existía hace un par de años. Obviamente, es muy importante no permitir que los bancos arruinen nuestras vidas, que creo que es lo que está pasando en Grecia,

y supongo que lo mismo sucede en España”. Sí, aquí en España a raíz del 15-M y los indignados han surgido nuevos partidos políticos que han conseguido establecerse como una alternativa real al bipartidismo imperante que llevamos sufriendo desde hace años. ¿No te gustaría que en Estados Unidos tuvieseis al menos una tercera opción de voto que no fuesen ni los demócratas ni los republicanos? “Tienes razón, aunque sí que tenemos una tercera opción, el problema es que es una por la que nadie va a votar (risas). De todas maneras, creo que nos estamos acercando cada vez más a que la gente considere de verdad esa opción. Necesitamos alternativas. Hay un senador independiente que no es ni republicano ni demócrata llamado Bernie Sanders. Él votó contra la guerra de Irak, ha estado luchando contra los criminales de los bancos de Wall Street... Es alguien muy cercano a los intereses de la gente y su voz cada vez va siendo más fuerte debido a todo esto de lo que hablábamos antes. Mucha gente está buscando una alternativa y por eso creo que todavía hay esperanza para el cambio”. Volviendo a centrarnos un poco en Anti-Flag, vosotros siempre os habéis definido más como un colectivo que como un grupo de música. Tanto en vuestra página web como en los libretos de vuestros álbumes se pueden encontrar varios ensayos que refuerzan vuestros mensajes 53

e ideas. ¿Hasta qué punto consideras que conseguís influir de la misma manera que un político, a una escala distinta obviamente, en la opinión de la gente que os escucha? “Nosotros somos más efectivos como músicos porque es lo que mejor se nos da hacer (risas). En mi experiencia personal, el punk rock es lo que me introdujo a tener una conciencia política y convertirme en un activista, o en términos más simples, preocuparme por el mundo y el resto de las personas. Sentir empatía. La manera en la que podemos influir como si fuésemos políticos es presentando a la gente las ideas que tenemos en el grupo. Las canciones por sí mismas no cambian el mundo, pero quienes las escuchan pueden salir ahí afuera e intentar hacerlo. Para darte un ejemplo, con The Terror State dimos una serie de conciertos para conmemorar nuestro décimo aniversario, y muchas personas con las que hablaba después de las actuaciones nos comentaban que por la manera en la que sonaba ese disco les había hecho interesarse por luchar en conseguir un mundo mejor, entonces fueron a la universidad y se convirtieron en trabajadores sociales, o que se hicieron abogados y luchaban contras las compañías petrolíferas. En la última gira conocí a un chico que trabaja en la Casa Blanca y que se interesó por la política gracias a AntiFlag. Me dijo que está en un pequeño grupo de consejo y que no le prestan mucha atención, pero su voz está ahí y tiene la oportunidad de crear un impacto. Creo que ésa es la mejor contribución que podemos hacer como grupo, que la gente aprenda ideas de las que no había oído hablar antes 54

e intente aplicarlas al mundo. Para mí es algo increíble, porque cuando empezamos la banda nunca hubiera imaginado que años más tarde alguien vendría y me diría: ‘Hago lo que hago porque descubrí a tu grupo y tu música y eso me llevó a querer ser la persona que soy hoy’. Es la herramienta más grande que tenemos para intentar cambiar el mundo”. La gran mayoría de vuestras canciones, por no decir casi todas, tratan sobre política o asuntos sociales. ¿En ningún momento has sentido la necesidad de expresar otro tipo de sentimientos más personales en las letras? “Bueno, lo primero de todo es que cuando comenzamos Anti-Flag lo hicimos para poder discutir sobre asuntos políticos, que era algo en lo que ya estábamos muy metidos por aquel entonces. Como resultado de ello se creó una especie de pensamiento alrededor del grupo que esperaba que estuviésemos conectados a determinadas ideas cuando escribíamos las canciones. Tenemos eso muy en cuenta porque no queremos convertirnos en personas alienadas para la gente que nos escucha y la cual sigue considerando atractivo el mensaje que mantenemos desde que empezamos. Creo que hay espacio para que ese mensaje evolucione dentro de nuestra música y cambie, pero al mismo tiempo pienso que debemos mantenernos honestos a esa idea. Aun así hay un hueco en los debates políticos o las canciones para ser personal. Por ejemplo, en

‘Break Something’ hablamos sobre los derechos de los trabajadores y la frustración de ser explotado, pero también hay un parte personal con la que intentamos empatizar con la gente que tiene un trabajo que piensa que no está yendo hacia ningún lugar y se sienten frustrados. Personalmente, cuando yo me siento así, en lugar de reaccionar de una manera violenta prefiero focalizarme en la música de manera que la gente pueda escucharla y al cantarla conviertan esa rabia y frustración en algo positivo. Pero también es lanzar a esas personas la idea de que no están solas. En la canción ‘Believer’ hay una referencia muy clara al hecho de que nuestro bajista perdiese a su hermana a causa de las armas de fuego (en febrero de 2007, la hermana del bajista Chris #2 y su novio fueron asesinados, dejando huérfanos a sus dos hijos -ndr.) y ser capaces de relatar aquello de una manera más personal lo acerca a las historias de Mike Brown, que fue asesinado por un policía en St. Louis, o de Eric Garner en Nueva York. Une esos asuntos sociales a nuestras experiencias personales. Mike Brown y Eric Garner no son sólo dos personas que fueron asesinadas. Esa gente tenía

“Una de las cosas buenas que tiene unir la música y la política es que la música nos permite celebrar la comunidad que formamos todos” JUSTIN SANE

familias que ahora tienen que lidiar con el dolor que va mucho más allá de la brutalidad policial. Para nosotros es algo más profundo”. ¿Y alguna vez os habéis sentido perseguidos por parte de ciertos estamentos políticos u os habéis visto obligados a cancelar alguna actuación debido a la censura? Te pregunto esto porque aquí en Madrid hace muy poco un grupo vasco llamado Soziedad Alkoholika vio como su concierto era censurado por el ayuntamiento de la ciudad. “Sí, entiendo. La verdad es que tras el 11-S nos encontramos muchos lugares donde no querían que tocásemos. Hemos pasado por eso. Cada vez que haces una declaración política o social habrá gente que quiera limitar tu libertad de expresión. Es de lo que estábamos hablando al principio de la entrevista; los miedos de la gente y la dificultad de abrir sus mentes a otros tipos de pensamiento. Hemos sufrido cosas como éstas, pero al mismo tiempo es importante mantener tu mensaje y sobre todo no tener miedo. Algunas veces ha sido

imposible tocar en ciertos sitios, pero lo importante es ser valiente y seguir intentándolo. Es una lástima que la libertad de expresión sea suprimida de esta manera, porque creo que la diversidad y libertad de ideas es el aspecto más importante en una sociedad abierta y libre. Habrá gente que diga cosas que no nos gustan, tanto en la izquierda como en la derecha, en ambos lados. Pero mi experiencia me ha enseñado que todas las ideas tienen el derecho a ser escuchadas, para que así la gente pueda decidir una vez tengan toda la información. Por ejemplo, en América los neonazis pueden hablar libremente en público y yo no estoy de acuerdo con ellos, pero creo que tienen derecho a decir lo que quieran porque mucha gente les escuchará y estarán en desacuerdo con ellos. Podríamos salir diciendo que no deberían hablar en público, pero entonces estarías convirtiéndote en un dictador. ¿Quién debería decidir que no tengo derecho a expresarme en público? Si yo hiciese eso, entonces otra gente podría decir que yo tampoco tengo derecho a hacerlo y se convertiría en una discusión sin fin. Así que es importante luchar por la libertad de expresión de todos, incluso cuando no estamos de acuerdo con ellos”. Para acabar, si dejaseis de hacer música y dar conciertos, ¿crees que podríais seguir activos como colectivo y que la gente os prestaría atención

igualmente? “Mmm... es una buena pregunta (risas). Creo que si algún día dejamos la música, individualmente cada uno de nosotros seguirá involucrado en política o activismo de una manera u otra. Creo que tendríamos la habilidad de organizarnos con alguna gente y seguir colaborando en las actividades que hacemos. Es muy importante para nosotros. Pero como te comentaba antes, Anti-Flag es mucho más poderoso como banda. Una de las cosas buenas que tiene unir la música y la política es que la música nos permite celebrar la comunidad que formamos todos. El activismo y la política no tienen por qué ser algo serio, también tiene que tener algo de diversión. La música nos permite crear un espacio para reunirnos y expresar la manera en la que nos sentimos. Como decía Emma Goldman, “No quiero ser parte de ninguna revolución donde no se me permita bailar”. Y pienso que es una gran verdad. Luchar por los cambios es un trabajo duro, hace sentir a la gente muy quemada y cansada, así que es importante pasarlo bien también. En lo que a mí respecta, la música debe ser el centro del activismo. Creo que no aguantaría una cosa sin la otra. Pero es difícil de decir. No sé si Anti-Flag durará otro año u otros veinte, ya tengo bastante con lidiar con mi día a día (risas)”.

CHUNK! NO, CAPTAIN CHUNK!

LIBERTAD Y FRATERNIDAD Al igual que los protagonistas de Los Goonies, película de la cual sacaron su nombre, los franceses Chunk! No, Captain Chunk! se embarcaron hace ocho años en una aventura que parecía imposible: competir de tú a tú con las bandas de punk pop americanas. Texto: Jordi Meya Fotos: DR

espués de haber terminado una exitosa gira británica junto a Yellowcard y Less Than Jake, Bert Poncet, vocalista de Chunk! No, Captain Chunk!, se encuentra disfrutando de unas cortas vacaciones

en el sur de Francia. Más vale que las aproveche, porque a partir del 19 de mayo, fecha en la que se publicará su tercer álbum Get Lost, Find Yourself (Fearless), él y sus compinches Paul Cordebard (guitarra), Eric Poncet (guitarra), Mathias Rigal (bajo) y Bastien

Lafaye (batería) apenas tendrán un día libre. La popularidad alcanzada con su primer disco Something For Nothing (2010) y en especial con Pardon My French (2012), amén de sus giras junto a A Day To Remember, Motionless In White y dos presencias en el Warped

posicionaros en el mercado americano. ¿Cuál dirías que ha sido el secreto? BERT PONCET “(Risas) No lo sé. Yo diría que hemos tenido mucha suerte. No hicimos nada en especial, simplemente hicimos lo correcto en el momento adecuado. Fichamos con Fearless Records y eso ha sido lo mejor que nos podía pasar. Siempre ha sido duro, pero ahora creo que lo es incluso más que una banda obtenga reconocimiento por su música, especialmente para una banda francesa, o como dices, española. Es difícil poder girar a nivel internacional, que te fiche un sello de fuera… Así que estoy convencido de que fue suerte”.

Tour, les ha colocado en una situación totalmente excepcional. Y es que, ¿quién podía pensar que un grupo francés tuviera la más mínima posibilidad de hacerse un hueco en una escena tan nutrida como la del pop punk americano? Precisamente sobre esta cuestión empezamos charlando con Bert. Para muchos grupos españoles, y me imagino que también franceses, es muy sorprendente lo bien que habéis logrado

Explica un poco más cómo fichasteis por Fearless. “Es un poco largo (risas). ¿Recuerdas cuando existía MySpace? Pues ganamos un premio por el diseño de nuestra página que había hecho el tío de un sello pequeño americano llamado InVogue. Escuchó nuestra música y nos fichó, y eso nos llevó a fichar por una compañía de management llamada The Artery Foundation. Creo que todavía existe, pero ya no estamos con ellos. El caso es que fueron ellos quienes consiguieron que nos fichara Fearless y gracias a eso conseguimos empezar a girar por Estados Unidos, tener más promoción, más presupuesto para grabar... Y eso es todo (risas)”. Vuestra música tiene muchas influencias americanas. ¿Qué acogida tuvisteis en la escena francesa en un principio? “¡Nos odiaban! (Risas) Había muchos celos. Mucha gente nos odiaba porque no entendían cómo nos podía haber fichado un sello americano. También

“La realidad es que si somos conocidos en Francia es gracias a que somos conocidos en otros sitios” BERT PONCET

hubo gente que nos apoyó, pero había esa sensación de ‘por qué nosotros’. Tampoco nosotros lo entendíamos (risas). Pero ahora, cuando giramos en Francia, vemos a gente que nos odiaba y que ahora se alegra por nosotros. Creo que la percepción hacia el grupo ha cambiado hacia mejor, aunque la realidad es que si somos conocidos en Francia es gracias a que somos conocidos en otros sitios”. ¿En qué momento decidisteis dejarlo todo y apostar al 100% por la banda? “Empezamos el grupo en 2007. Yo estaba estudiando Derecho en París y en 2010, cuando nos fichó Fearless, me di cuenta de que no quería ser abogado, sino músico…”. La diferencia con alguien que empieza un grupo en Estados Unidos o el Reino Unido es que sabes que la música puede ser una carrera profesional. En España es prácticamente una lotería y todo el mundo prefiere apostar por opciones más seguras. “Puede parecer que en Estados Unidos es más fácil girar y que te fiche un sello, pero hay tanta gente intentado lo mismo que diría que es incluso más complicado. En Francia puedes tener una buena carrera si eres DJ o haces rap, pero es verdad que si haces rock es más difícil. Por eso me siento tan agradecido por 57

“El Warped Tour es la experiencia más loca que pueda vivir un grupo de rock. Es un sueño, pero es una gira muy larga y agotadora y también cuesta mucho dinero” BERT PONCET tener esta oportunidad”. ¿Y cuál es vuestra relación con las bandas americanas? ¿Os miran por encima del hombro? “La mayoría de las veces son bastante abiertas, pero siempre te encuentras con alguna que actúa de una manera un poco extraña. Como franceses somos conscientes de que venimos de otra cultura, así que es posible que ellos piensen que los raros somos nosotros (risas). Aunque nos gusta la fiesta y divertirnos, somos muy estrictos a la hora de trabajar, somos una banda fácil con la que girar y nunca hemos tenido ningún problema. En cada gira hacemos amigos”. En Get Lost, Find Yourself habéis trabajado con Kyle Black. En el mercado estadounidense 58

se presta mucha atención a los productores, así que, ¿fue decisión vuestra o del sello? “Absolutamente todo se tiene que hablar con el sello, tienes que ponerte de acuerdo. En nuestro disco anterior trabajamos con Joey Sturgis y tuvimos una buena experiencia, pero esta vez queríamos un sonido más natural. También queríamos trabajar con alguien que se involucrara en la composición porque con Sturgis lo escribimos casi todo nosotros. Estuvimos en octubre en Los Ángeles componiendo con otra gente y uno de ellos era Kyle. Es un tío muy majo y nos gustó cómo hace que suenen sus discos. Estamos muy orgullosos de cómo ha salido todo. Aunque esté menos producido, a mí me suena mejor”. En el pop punk está muy de

moda esto de escribir con gente externa. Cuéntanos un poco cómo son estas sesiones... ¿Vais con una idea vuestra previa o componéis desde cero los temas? “Depende del caso. Por ejemplo estuvimos con Mike Green, que ha trabajado con All Time Low y Mayday Parade, y nos dijo ‘Bueno, contadme de qué va el grupo, qué ideas tenéis’. Estaba muy interesado en lo que nosotros queríamos y lo apreciamos mucho. Nos pusimos en el estudio con cada instrumento y empezamos a improvisar, y a partir de ahí fuimos construyendo temas. Fue muy interesante, porque nosotros tenemos nuestra propia manera de componer, pero los productores americanos saben lo que funciona y lo que no. Saben que la voz, el estribillo, es lo más importante. También compu-

simos con Eric Runz, y en cambio con él fue ‘Tengo una idea con la guitarra y os la voy a enseñar’, y empezó a tocar y a cantar. La verdad es que sonaba genial, pero estaba menos centrado en nosotros. O nos decía ‘hoy vamos a escribir una balada’, o ‘hoy una heavy’. De todos modos hicimos tres temas con él, y me gusta mucho cómo quedaron también”. ¿Pero no crees que el hecho de que esta gente trabaje con distintos grupos acaba provocando que todos sonéis demasiado parecidos? “La verdad es que cuando acabamos estas sesiones no estábamos al 100% convencidos. Volvimos a casa y las volvimos a escuchar y cambiamos todos los arreglos precisamente por eso, para hacerlos más nuestros y que sonara a Chunk!. Creo que hacerlo es necesario para cualquier banda que trabaje con alguien externo”. También es importante que uses tus propias palabras y hables de lo que conoces, si no puede sonar todo muy falso... “Eso es muy interesante porque, para serte sincero, no somos muy buenos escribiendo letras. Aprendimos inglés en la escuela, pero no es nuestra lengua. Así que lo que hicimos fue sentarnos con los productores y hablar sobre nosotros, de cosas personales, de cosas del grupo… y de esas conversaciones salieron ideas para letras con las que nos podíamos identificar. Steve Klein, que estaba en New Found Glory, nos ayudó muchísimo con las letras y las mejoró mucho. Es muy bueno con las palabras”. Hablando de New Found

Glory... ¿Cómo fue la gira? Y el hecho de trabajar con Steve, a quien expulsaron del grupo, ¿no os supuso ningún problema con ellos? “Oh, la verdad es que no hablamos de eso. Por desgracia no pudimos tocar con ellos en España. Tuvimos muy mala suerte. Para nosotros tocar con New Found Glory era un sueño. Empezamos en los Países Bajos y cuando estábamos en Alemania nos paró la policía. Empezaron a mirar toda la furgoneta, el backline, el equipaje… Pensábamos que todo estaba bien, pero entonces nos dijeron que tenían que pesar la furgoneta. Pusieron unas plataformas debajo y nos dijeron ‘Lo sentimos pero la furgoneta es demasiado pesada. No podéis seguir conduciendo’. Y nosotros nos quedamos flipando. Así que no teníamos elección. Tuvimos que dejar la furgoneta con el conductor en la carretera y volver a casa. Nunca hemos tocado en España y nos sentó fatal. Todo por culpa de un jodido policía (risas). Esperamos poder hacer una gran gira por Europa como cabezas de cartel, y pasará por España”. También habéis estado en un par de Warped Tours, que me imagino que es otro sueño cumplido. ¿Cómo te sentiste conviviendo con algunos de tus músicos favoritos? “El Warped Tour es la experiencia más loca que pueda vivir un grupo de rock. Es un sueño, pero es una gira muy larga y agotadora y también cuesta mucho dinero. Recomendaría a cualquier grupo que vaya a tocar en el Warped que esté muy preparado. Las dos veces fueron muy positivas y tuvimos bastante público. Es el me-

jor verano que puedas vivir porque, aunque sea agotador, puedes tocar con tus grupos favoritos ante miles de personas cada día. Mi grupo favorito es Yellowcard y ellos también tocaron en los dos Warpeds que estuvimos, en 2012 y 2014”. Habéis estado en un par de recopilatorios de la serie Punk Goes… que edita Fearless. Vuestra versión de ‘All Star’ de Smash Mouth os dio un gran empuje, pero me gustaría saber cómo os sentís al tener que tocar cada noche un tema que no es vuestro. “Creo que hacer versiones en 2015 es muy útil porque no hay mucha gente que escuche música rock. Es una manera fácil de promocionarse porque la gente conoce la canción original. Bandas como Our Last Night se han hecho populares por una versión. Para nosotros hacer ‘All Star’ fue una buena elección porque encaja con la imagen del grupo y cada vez que la tocamos tiene muy buena reacción. Aunque sea una versión, sentimos que la hicimos nuestra, con nuestro sonido. Así que no me siento nada mal o avergonzado por haber aprovechado esa oportunidad”. Por cierto, aunque me gustan Los Goonies, tengo que decirte que vuestro nombre es un coñazo para escribirlo en artículos. “(Risas) Lo sé, lo sé... Puedes escribir ‘CNCC’, tienes permiso (risas)”.

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BERRI TXARRAK Como celebración de su 20 aniversario y el lanzamiento de su impresionante triple álbum Denbora Da Poligrafo Bakarra, Berri Txarrak andan inmersos en una larga y exitosa gira. Armada con mi cámara, tuve la oportunidad de unirme a ellos en sus conciertos en la sala Joy Eslava de Madrid y Apolo de Barcelona, para los cuales agotaron las entradas. Ésta es una mirada sobre cómo es estar detrás del escenario y encima de él con una de las bandas más carismáticas de Europa. TEXTO Y fotos: NADIA NATARIO

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El regreso de L7 a los escenarios, y en particular la confirmaci贸n de su presencia en la pr贸xima edici贸n del Azkena Rock Festival en junio, han sido de las mayores sorpresas que nos ha dado 2015 hasta el momento. Texto: Toi Brownstone Fotos: DR

ace menos de un año pocos podíamos imaginarnos que las cuatro guerreras de Los Ángeles podrían superar sus diferencias y volver a rockear sobre los escenarios. Suzi Gardner, Dee Plakas, Jennifer Finch y Donita Sparks fueron muy grandes en los años 90. No tanto en términos de ventas, pero sí para la generación que crecimos con ellas. Eran unas tías muy macarras, muy divertidas y muy callejeras, y sabían tocar. Dejaron tal vacío en la escena rockera tras su separación en 2001 que el entusiasmo de los fans a la hora de mantener su legado vivo ha sido esencial para su regreso. Poder charlar con una de mis grandes heroínas de la juventud fue un tremendo regalazo. Donita es una diosa, y transmite unas vibraciones increíbles.

Siguiendo la línea de acontecimientos, parece que el punto de partida para llegar a la reunión de L7 surgió recopilando material para el documental en el que estáis trabajando, L7: Pretend We’re Dead, así que creo que primero debemos hablar de ello un poquito. ¿Cómo surgió la idea de un documental en lugar de escribir una biografía del grupo o incluso tu autobiografía? Ahora mismo doy por sentado que éste era un proyecto enteramente tuyo al principio... DONITA SPARKS “L7 teníamos un montón de material en película analógica que comencé a digi-

talizar porque no quería que se perdiera, así que también comencé a escanear muchísimas fotos que conservaba. Jennifer también guardaba muchos vídeos... Fue entonces cuando conocí a esta directora de cine, Sarah Price, y le conté que tenía todo este material. Se animó a echarle un vistazo y cuando revisó todo nos dijo que quería hacer una película sobre L7. Apenas nos conocía y estaba muy impresionada con toda la documentación que teníamos del grupo. Quería grabar material adicional y hacernos entrevistas, y nos pareció genial. Un libro hubiese estado bien, pero supongo que como queríamos mostrar todos estos vídeos al público, bueno, no todos (risas), finalmente decidimos seguir adelante con el documental”. ¿Fue difícil contactar con la banda y decidir trabajar en este proyecto todas juntas? “La verdad es que fue costoso, sí. Nos llevó bastante tiempo ponernos de acuerdo. Algunas de nosotras ni siquiera estábamos en contacto. De hecho no tenía ningún dato de contacto de Jennifer o Dee. Finalmente pude conseguir sus direcciones de e-mail y les escribí saludándoles, les conté acerca de esta directora interesada en rodar un documental sobre nuestra banda y les propuse participar en él. Y costó bastante tiempo conseguir una respuesta, porque en realidad a ninguna nos apetecía que nos grabaran en la actualidad siendo entrevistadas. De momento las entrevistas únicamente son en audio, hablando sobre imágenes de vídeo y fotos. De todas formas, ahora 67

que nos estamos reuniendo al final esto va a ser grabado con cámaras (risas). Ahora mismo esto se está convirtiendo en un gran final para el documental, todo muy cliché, con nosotras reuniéndonos y volviendo a tocar en directo. Es muy divertido todo esto que está pasando”. ¿Cómo te sientes ante la tremenda respuesta de vuestros fans tras el anuncio de vuestra vuelta? “Me siento tremendamente feliz. Tras la separación del grupo en el año 2000, L7 apenas tenía presencia en internet, parecía que nunca hubiésemos existido. Las entrevistas que habíamos tenido durante los años 90 no estaban disponibles online. Al cabo de un tiempo, cuando surgió YouTube, fueron los fans los que empezaron a subir viejas entrevistas y actuaciones, y gracias a ello mantuvieron nuestro grupo vivo. Simplemente por un propósito histórico. Ni siquiera sentíamos el deseo de volvernos a reunir, ni nos planteábamos que pudiera suceder, pero resultaba triste que no estuviésemos presentes en las redes. Así que la gente empezó a subir vídeos en YouTube, yo empecé a subir material a nuestra página de Facebook... Fue entonces cuando descubrí que había páginas de L7 creadas por fans antes de que existiera la nuestra. ¡Nos estaban manteniendo vivas, joder! Tal ha sido el efecto que vamos a terminar ofreciendo unos cuantos conciertos... ¡Es increíble! Ahora mismo nos apetece un montón, creo que es el momento perfecto para hacer esto. Hace un par de años algunas de mis compañeras tuvieron serios problemas de salud que imposibilitaban una reunión. Ahora podemos hacerlo, aunque seamos más viejas (risas). Ha68

bría sido genial juntarnos hace cinco u ocho años, pero no pudimos, así que éste es el momento”. Hablando de internet, y principalmente de las redes sociales como Facebook o Twitter, de Kickstarter para conseguir financiación para el documental y de la recién creada L7 Army, creo que han sido herramientas esenciales para conseguir que os reunáis. ¿Estás de acuerdo en que sin las posibilidades que os ha dado internet esta reunión nunca habría ocurrido, o al menos hubiese sido mucho más lenta y costosa? “Sin duda habría sido mucho más difícil, y no creo que hubiese sido posible sin la página de Facebook, porque cuando nuestro agente contactó conmigo proponiéndome buscar fechas para tocar en algunos festivales, resultó que muchos no estaban interesados en una reunión de L7. En ese momento me cabreé mucho (risas), sobre todo porque en FB contábamos con más de cien mil seguidores y no podía entender que no quisieran contar con nosotras para festivales. Me pareció muy raro teniendo tantos fans, y viendo a un montón de bandas tocando en festivales cuyo número de seguidores no se acerca ni remotamente a los que tenemos. En diciembre de 2014 dejé un mensaje en la página diciendo a la gente que si querían vernos en directo necesitábamos su apoyo para conseguir actuaciones, contar con su entusiasmo, que compartieran nuestras fotos y nuestros vídeos, básicamente todo lo que estábamos publicando en la página. Y lo hicieron, y lo siguen haciendo. Nuestro regreso ha sido impulsado por nuestros fans, y no por una compañía

discográfica o una compañía de management, ni tampoco por promotores. Ni siquiera por la propia banda. ¡Han sido nuestros fans! ¡Es alucinante! Incluso han conseguido que volvamos a ser amigas. Los fans han conseguido que haya un acercamiento entre nosotras en el terreno personal. ¡Es cojonudo!”. Recuerdo haber leído tu mensaje y daba saltos de alegría pensando en vuestro regreso. “¡Oh, muchas gracias! Somos muy afortunadas de tener tan buenos fans. Créeme, las reacciones de la gente en estos dos últimos años me han hecho muy feliz y me han llegado a abrumar, puesto que durante mucho tiempo pensé que nos habían olvidado completamente y me sentí muy aislada, y ahora recibo comentarios muy cariñosos de seguidores continuamente y no puedo sentirme más agradecida”. Ahora que volvéis a la carretera, ¿qué expectativas tenéis de estos conciertos y de la banda en general? Y los fans, ¿qué pueden esperar de vuestro retorno? “Los fans deben hacerse a la idea de que no vamos a tocar ninguna canción nueva. Nos vamos a centrar en Bricks Are Heavy, Hungry For Stink, Smell The Magic y algo de The Beauty Process. Vamos a tocar todas las canciones favoritas de los fans. No es que L7 tengamos un montón de hits propiamente dichos, pero vamos a tocar las canciones que los fans quieren. Les van a encantar. Van a escuchar lo que quieren escuchar. No vamos a hacer como otros artistas que vuelven y tocan temas inéditos. Vamos a tocar ‘Monster’, ‘Shit List’, ‘Fuel My Fire’, ‘Fast And Frightening’…”.

“Cuando nos hicimos más populares empezamos Rock For Choice, una organización a favor del derecho de las mujeres al aborto. Pero nuestro objetivo principal era rockear, y eso es lo que hacemos” DONITA SPARKS ¡Genial, genial! “En Estados Unidos tenemos una expresión que es ‘meat and potatoes’. Le dije a Suzi “nada de verduras, vamos a ir directas a la carne y a las patatas” (Risas). Vamos a por lo más potente del catálogo de L7”. Dejando a un lado los conciertos que ya habéis confirmado, si todo esto funciona bien, ¿os habéis planteado algún objetivo más allá, como grabar, por ejemplo? “Mira, tenemos muchísimas ganas de volver a España y este año sólo tocamos en el Azkena Rock Festival, porque sólo vamos a estar en Europa girando 18 días. Y el motivo es que algunas de nosotras tenemos trabajos cotidianos. Ya sé que no suena muy a rock’n’roll, pero el tiempo pasa y tenemos que mantenernos, así que no podemos ausentarnos de nuestros trabajos demasiado tiempo. Me encantaría pasar dos semanas tocando en España, te lo

juro. El próximo año tenemos intención de volver, quizás tocar en un par de festivales, pero lo que nos gustaría sería tocar en ciudades como Madrid, Barcelona o Bilbao. A lo mejor tenemos la posibilidad de hacerlo a finales de este año, nunca se sabe, pero lo que sí sabemos es que queremos volver y tocar en salas. No tenemos intención, al menos de momento, de grabar ningún disco. Ahora mismo lo que queremos es pasarlo bien y disfrutar de este momento y no preocuparnos ni tener otras presiones. A veces componer surge de forma muy espontánea y natural, pero en otras ocasiones cuesta mucho trabajo, y ahora mismo no queremos trabajar (risas). Sólo queremos divertirnos y volver a aprender a tocar nuestras viejas canciones. Suzi no ha tocado la guitarra en 15 ó 20 años. Guarda la guitarra debajo de la cama y no la coge nunca para tocar. ¡Tiene que volver a practicar y tocar los temas otra vez! Pero que nadie se preocupe, lo está haciendo genial. La gente va a

disfrutar”. A principios de marzo leí en una entrevista que te hicieron para LA Weekly en la que comentabas que todavía no os habíais visto. ¿Habéis empezado ya a ensayar? “Pues nuestro primer ensayo es este domingo (22 de marzo –ndr.). He estado juntándome con Suzi últimamente para practicar con las guitarras, como solíamos hacer antes, con amplis pequeñitos (risas), también he visto a Dee, y a Jennifer (la nombra con mucho énfasis –ndr.). Ellas viven en la parte oeste de Los Ángeles, Suzi y yo al este, así que ahora mismo soy la que me muevo de un lado a otro todo el rato, porque tengo tiempo y porque realmente me apetece, porque me da la sensación de que estamos todas bastante nerviosas ante ese momento tan cliché de entrar al local y volvernos a reencontrar después de tantos años. Estamos nerviosas por volver a vernos 69

“Se echa de menos bandas femeninas en una escena más dura, con guitarras distorsionadas y esa angustia tan característica de los 90” DONITA SPARKS

y tocar juntas. Es como cuando metes el pie un poquito en el agua en lugar de tirarte de golpe. Pero finalmente nos tiraremos al océano del rock’n’roll el domingo”. ¡Cómo me gustaría poder presenciar ese momento! ¿Cómo definirías a L7 en los 90? Porque a veces es difícil etiquetaros... Se os asociaba al movimiento riot grrrl en ocasiones, y en otras simplemente se os destacaba como una banda de chicas. “Yo diría que éramos punk rockers que tocábamos mucho hard rock. Éramos una banda muy underground de punk rock, tocando mucho hard rock y metal, pero a la vez llegamos a ser bastante mainstream, así que nos encontrábamos entre dos mundos 70

a la vez, y ser mujeres nos convertía un poco en participantes de un freak show al principio. Pero cuando la música empezó a destacar por encima de nuestro aspecto conseguimos atraer a un público mixto y muy variado de hombres y mujeres a los que nuestro género no les interesaba en absoluto. Claro que éramos feministas, pero no estábamos en un púlpito adoctrinando sobre nuestras ideas. Sólo queríamos tocar rock’n’roll. Cuando nos hicimos más populares empezamos Rock For Choice, una organización a favor del derecho de las mujeres al aborto para la que conseguimos recaudar muchos fondos y contar con muchas bandas que nos apoyaron. Pero nuestro objetivo principal era rockear, y eso es lo que hacemos”. Te puedo asegurar que tan-

to vuestra actitud, vuestra presencia, así como vuestra energía fueron una tremenda influencia en muchas chicas entonces. Erais el ejemplo de que las chicas podían rockear tanto como los chicos, sin tener que vender ninguna imagen o tratar de ser ningún tipo de modelo para nadie. Muchas queríamos ser como vosotras. ¿Eres consciente de la influencia que tuvisteis en adolescentes en aquella época? “Me hace gracia esto porque ayer por la noche estuve cenando con Allison Roberts de The Donnas, ¿las conoces?”. Sí, las vi un par de veces en concierto. Me gustan mucho. “Ayer estaba cenando con ella porque la hemos entrevistado para el documental, y me contó que a los 14 ó 15 años ella y Maya, la bajista de su grupo, nos vieron en directo, y que ese concierto les cambió la vida. Así que sí soy consciente de ello y me hace muy feliz, porque cuando vi a The Ramones me pasó exactamente lo mismo. No es una cuestión de género, sino de ver a alguien que te impacta tanto que a partir de ahí tu vida cambia. Sé que Johnny Ramone cambió mi vida

porque toco la guitarra como él. Toco con las piernas muy separadas, que es un estilo totalmente de Ramones. Si desafío a alguien en un escenario soy el jodido Dee Dee Ramone. Creo que es bueno mostrar tus influencias y llegar a ser una influencia”. Donita, fuiste responsable de uno de los momentos más memorables de la historia del rock, para bien o para mal. Tenía que sacar este tema. Estoy hablando del incidente con el tampón. ¿Realmente crees que fue tan impactante como para que siga estando presente en nuestros recuerdos en la actualidad o crees que se magnificó porque la protagonista era una mujer que se pasó de la raya? ¿Afectó de alguna manera a L7? “(Risas) Realmente no soy consciente de que nos afectara como banda. Sé que se habla todavía de ello, y me parece bien. Durante un tiempo me avergoncé bastante sobre todo porque no quería que mi madre se enterase (risas), pero hace un tiempo mi amigo Dave Catching, de The Eagles Of Death Metal, me contó que vio uno de esos programas de VH Music en plan ‘Los 100 momentos más impactantes en la historia del rock’, y cuando lo vio me dijo que realmente era lo más impresionante que había visto en el rock’n’roll. En ese momento fue curioso porque me invadió una especie de sentimiento de orgullo (risas), viniendo de un gran amigo al que conozco de hace tantos años, así que pensé que debía recibir con los brazos abiertos el haber sido la protagonista de algo tan impactante. Es divertido y mola (risas), aunque

puedo entender que haya quienes lo encuentren asqueroso (risas), pero... ¡Que se jodan! Es historia, ¿OK?”. Asistí a un concierto vuestro en el Garage de Londres en el que se celebró un sorteo entre el público que consistía en pasar una noche con Dee. Fue todo muy divertido, pero siempre me quedó una duda: ¿El sorteo estaba amañado? Porque los rumores decían que el ganador en realidad era uno de vuestros roadies... “(Risas) ¡Noooo, no, no! ¿Estabas allí? El ganador era un completo desconocido. No recuerdo su nombre, supongo que Dee sí, o debería (risas). Desconozco qué sucedió en la parte trasera del autobús, le tendrías que preguntar a Dee en el Azkena (risas). ¡Mis labios están sellados! ¡No voy a decir nada! No sé exactamente qué pasó (risas)”. Si tengo oportunidad se lo preguntaré (risas). No sólo L7, sino también Babes In Toyland y Sleater-Kinney se han reunido... ¿Crees que estas reuniones son una coincidencia o que han sucedido por alguna razón? Quizás son una respuesta a una necesidad subyacente de una mayor presencia femenina en la escena rockera... “Creo que son las dos cosas. En nuestro caso, como ya te he explicado, es una coincidencia, y no se ha producido antes debido a muchas circunstancias, entre ellas por temas de salud. No tenía ni idea de que las otras bandas también se iban a reunir. Dicho esto, quizás sí es cierto que

sea necesario que nuestras bandas vuelvan a estar activas. Hay una nostalgia tremenda por las bandas de los años 90, y desde luego esto afecta a las bandas de mujeres, porque en la época había muchas mujeres tocando rock’n’roll, muchas más que en la actualidad. Hay muchas bandas enfocadas en otros estilos, pero sí es verdad que se echa de menos bandas femeninas en una escena más dura, con guitarras distorsionadas y esa angustia tan característica de los 90. En la pasada década el público se hartó de esa angustia y frustración, pero tal y como está el mundo, más jodido que nunca, parece que hay cierta nostalgia por la angustia otra vez, y que es necesario liberar esa frustración. ¡Qué coño! ¡Hagámoslo!”. ¿En qué estado se encuentra Los Ángeles musicalmente en la actualidad? “Apenas voy a conciertos últimamente, pero hay bandas que me encantan. Por ejemplo Skating Polly, un grupo formado por dos hermanas. Si no me equivoco van a telonear a Babes In Toyland en su gira europea. Son buenísimas. Tijuana Panthers o The Crawlers, que son una mezcla de surf y The Doors, Bleached también me gustan… No puedo quejarme, Los Ángeles sigue dándome buenos grupos”. Donita, qué ganas de veros en Vitoria en junio... Va a ser una fiesta, no hay duda. “Sí nena, tú lo sabes. Vamos a daros mucha caña”.

VV. AA.

DISCO DEL MES

Whatever Nevermind (ROBOTIC EMPIRE) ROCK ALTERNATIVO

odos tenemos una serie de discos que, de tan y tan escuchados, llega un momento en que no podemos escucharlos más. Sabemos que son buenísimos, pero los hemos quemado hasta tal punto que volver a ellos lo único que pueden provocarnos es, lamentablemente, aburrimiento. Esta sensación aún se acrecienta más cuando algunas de sus canciones se han convertido en hits universales que te ves obligado a oír, aunque no quieras, de manera casual, ya sea en el supermercado, en una fiesta donde pinche un DJ perezoso o si pillas un taxista que lleva Rock FM en

la radio. Y es una putada, porque sabes que la excitación que sentiste cuando cataste por primera vez esa conjunción de melodías y acordes nunca volverá a ser la misma. Es evidente que Nevermind de Nirvana entra en esta categoría de clásicos sobreexplotados y por eso agradezco tanto que el sello Robotic Empire, al igual que hiciera el año pasado con In Utero, haya armado, junto a un puñado de grupos de la escena independiente americana, este disco tributo con motivo del Record Store Day. Gracias a Whatever Nevermind he podido volver a recordar la grandeza de

sus doce canciones originales, más el tema oculto ‘Endless Nameless’ y ‘Even In His Youth’, la que fuera cara B del single ‘Smells Like Teen Spirit’, sin que me salga un sarpullido; además de disfrutar con algunas de las bandas que más me gustan del momento. En su gran mayoría, sobre todo las más cercanas al mundo stoner, han optado por sumergirse en ese espíritu a menudo enfermizo de Nirvana que quedaba oculto bajo sus pegadizas melodías, a la vez que transmitir su propia personalidad. Precisamente hablando de ‘Smells Like Teen Spirit’, ¿se os ocurre

un marrón mayor para un músico que tener que hacer una versión de este tema? ¿Qué se puede hacer con un himno generacional como éste que no resulte redundante o ridículo? Pues bien, los garageros Young Widows dan en el clavo teniendo los huevos de modificar su archiconocido riff principal y la melodía, en una versión que seguramente encantaría a un Kurt Cobain hastiado con la universalidad de su propia creación. A continuación Torche ofrecen un efectivo ‘In Bloom’ subiendo la saturación de los amplis, pero con máximo respeto a la original, quizá porque, en el fondo, es un tema que usa las mismas armas que ellos. Más interesante es la aportación de Kylesa con

White Reaper con una ‘Territorial Pissings’ en clave punk lo-fi. Por el contrario, los japoneses Boris rompen la baraja y nos arrastran a los infiernos con una agónica pero fascinante ‘Lithium’, irreconocible hasta que rescatan la melodía del estribillo como si fuera cantada por un espectro. La Dispute bordan ‘Polly’, llevándola a su terreno simplemente modulando levemente el riff y con Jordan Dreyer recitando la letra como tan bien se le da. Al mismo nivel y con un enfoque similar están sus colegas Touché Amoré con ‘Lounge Act’, en cuya primera parte escuchamos a Jeremy Bolm cantando con un nuevo registro. Otra demostración de la clase que tienen. Pygmy Lush llevan ‘On A Plain’ en-

“Gracias a ESTE TRIBUTO he podido volver a recordar la grandeza de sus doce canciones originales” ‘Come As You Are’, quizá la segunda canción más célebre de Nevermind. Los de Georgia ralentizan un poco la original y quien toma la estrofa es Laura Pleasants, mientras Phillip Cope se reserva la segunda parte del estribillo, dándole un toque fantasmal muy chulo. Los desaparecidos Cave In están presentes con una fiel versión de ‘Breed’ que grabaron en 2001 con Kurt Ballou de Converge. Resultona pero poco más, lo mismo que las que más tarde hacen Circa Survive de ‘Drain You’ -aunque resulte curioso escuchar a Anthony Green fuera de sus habituales agudos- o

tre algodones hasta que la atizan con un final noise y Nothing abandonan su habitual guitarreo shoegaze para servir una sobria ‘Something In The Way’ con piano. Finalmente, la banda de sludge metal Thou, con algo de historial a la hora de versionar a Nirvana, es la encargada de echar el cerrojo con los dos bonus tracks antes mencionados pasados por su filtro sonoro muy cafre. Sé que algún día volveré a escuchar Nevermind entero, pero tengo claro que antes caerán bastantes más escuchas de este magnífico homenaje. JORDI MEYA

críticas

LA PARADE

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Sergio Nevado (voz, guitarra), Javi Vera (guitarra),

Rubén Vera (bajo), Álvaro Mérida (batería) PRODUCIDO POR: Juan Blas AFINES A: Viva Belgrado, Standstill, La Dispute PÁGINA WEB: www.facebook.com/laparadeband

RECOMENDADO POR:

L Sombra Y Cuerpo (BOCA BOCA)

POST HARDCORE

as músicas que provienen del sur de la Penísula están de enhorabuena, y para hacer honor a la verdad hay que decir que La Parade han conseguido finalmente crear un sonido propio que se une al de una lista de bandas muy prolíficas que demuestran la buena salud de las tierras andaluzas como fábrica de talento intachable. Aún con el buen sabor de boca de su anterior trabajo Voces Del Exilio, en el que realizaban una declaración de intenciones muy clara, la banda de Granada presenta los temas de este delicioso álbum, en el que técnicamente encontramos una evolución lógica, pero muy acertada, y en el que se

denota una prudente sensatez fruto de su experiencia encima de los escenarios. Podríamos definir a La Parade como una banda de post hardcore en toda regla, con desarrollos instrumentales llenos de claros y sombras, donde gritos y silencios se unen en perfecta armonía para desarrollar un álbum completo, redondo, poético y sin lugar a dudas, muy pero que muy virtuoso, satisfactorio por los cuatro costados. Grabado en el estudio-hotel Westline, por donde pasaran bandas como Toundra, Same Old o Autobahn, Juan Blas (Nothink, Minor Empires) ha sabido otorgar a esta banda el sonido que merecía, con una limpieza absoluta, una

batería letal y, en esencia, una producción excelente. Cortes como ‘Ascendencia’, con una sobriedad exquisita, ‘Doppelgänger’, con una línea vocal desgarradora y una contundencia pasmosa, les acercan a bandas como Viva Belgrado o Touché Amoré como referencias para descubrir Sombra Y Cuerpo, cuyos ocho temas no dejan de sorprendernos a cada escucha y con los que difícil es que los pelos no se pongan de punta. Textos en castellano y pureza rítmica podrían ser los calificativos para un disco que tiene mucho recorrido, como esperamos que tenga la carrera de La Parade. RAMIROQUAI

HABLAMOS CON... SERGIO NEVADO Decidisteis subir Sombra Y Cuerpo apenas un mes después de grabarlo y sin anunciarlo. Supongo que dice mucho sobre vuestra filosofía como grupo. ¿Cómo la resumirías en tus propias palabras? “Creo que si un grupo se preocupa demasiado por su imagen y la promoción pierde la autenticidad artística y acaba manipulando de alguna forma la percepción de la gente. Hacemos música y es eso lo que tiene que llegar al público. Creemos que debe ser difundida libremente mediante descarga gratuita. Ya no se necesita un soporte físico para que la gente pueda escucharnos, y si alguien quiere apoyar al grupo puede comprar el disco, pagar la descarga en nuestro Bandcamp o asistir a nuestros conciertos. Como no teníamos presión para promocionar el disco nos gustó la idea de dar la sorpresa y publicarlo sin más. La parte negativa es que va a ser muy difícil contar con el apoyo suficiente de sellos DIY para editar en vinilo como en el disco

anterior, ya que suelen pensar que afecta a las ventas”. El disco aparece sólo un año después de vuestro debut. ¿No os daba miedo no haberos dado suficiente tiempo para madurar o de que ambos se pareciesen demasiado? “A mí personalmente sí, pero teníamos los temas y queríamos grabarlos. Es casi un recopilatorio entre temas antiguos, algunos anteriores a Voces Del Exilio, ideas que no llegaron a finalizarse y otras nuevas”. El disco lo grabasteis como trío tras la salida de Aurelio como bajista. ¿Qué pasó con él? “No conseguimos ponernos de acuerdo en la dirección que debía tomar la banda y Aurelio no estaba cómodo con la parte más melódica del grupo y de las canciones de Sombra Y Cuerpo. Al final la cosa se hizo insostenible, el grupo estuvo a punto de disolverse, pero al margen de lo que pasó con La Parade seguimos siendo buenos amigos. En el

estudio Javi grabó todas las partes del bajo, los demás instrumentos los grabamos en directo Álvaro, Javi y yo”. En algunos momentos he pensado que sonáis como Standstill lo harían de haber seguido más cercanos al hardcore. “Standstill han sido una de la principales inspiraciones para la música que hemos venido haciendo, pero ahora estamos haciendo cosas que van por un camino distinto, menos gritado y oscuro. No sé cómo evolucionará La Parade a largo plazo, pero sí sé que lo siguiente que hagamos va por una senda distinta al sonido de Standstill y a lo que hemos hecho hasta ahora”. Con la gente de Viva Belgrado, ¿os veis como bandas hermanas o algo así? “Cándido y yo tocábamos en un grupo antes de Viva Belgrado y de La Parade, compartimos muchas influencias, gustos y también la forma de entender la música. Ambos grupos somos buenos colegas”. (JORDI MEYA)

cr í tica s

FAITH NO MORE Sol Invictus

(RECLAMATION RECORDINGS/PIAS) ROCK ALTERNATIVO

engo bastante comprobado que el disco favorito de Faith No More para sus fans suele ser el primero que escucharon de ellos. Lo que significa que en la etapa entre 1985 y 1997 cada vez que sacaban un disco no dejaban de seducir a nuevos seguidores gracias a postularse como una banda diferente y original. Pero después de 18 años de exilio voluntario, las circunstancias han cambiado y probablemente Sol Invictus sólo convenza a quienes crecieron con ellos y entiendan que, si bien no está al nivel de The Real Thing o Angel Dust (algo que era poco realista de

esperar), éste es un disco que sólo Faith No More podían hacer. Fieles a su modus operandi, Sol Invictus tiene su propia personalidad dentro de su eclecticismo, en este caso marcada por el gran protagonismo que ha tomado el piano de Roddy Bottum. Eso le confiere un tono más ¿adulto, maduro, reposado? del que nos tenían acostumbrados, pero no exento de su excentricismo habitual. Algo por otra parte inevitable teniendo al frente a un Mike Patton que bajo ninguna circunstancia hubiera aceptado grabar un nuevo disco sólo con el fin de revivir tiempos pasados. Lo más cercano que están de sonar como los Faith No More clásicos (si es que eso existe) es el single ‘Superhero’, pero la mayor parte del álbum refleja que ha sido él quien ha llevado la batuta acercándose a Mr. Bungle (la circense ‘Rise Of The Fall’), Tomahawk (‘Cone Of Shame’) e incluso a su faceta de crooner retorcido (‘Matador’, ‘From The Dead’). Eso sí, acompañado por una banda cuya química sigue siendo única. JORDI MEYA

WHILE SHE SLEEPS Brainwashed

(SEARCH AND DESTROY/SONY) METALCORE

iendo lo estancada que parece estar la escena metalcore desde hace ya un tiempo, no resulta muy complicado explicar los motivos que han llevado a While She Sleeps a estar en boca de todos. Sin hacer nada especialmente novedoso, los de Sheffield han sabido usar los elementos de siempre para terminar destacando por encima de la media, convirtiéndose en una de las puntas de lanza dentro del género en la actualidad. This Is The Six ya avisaba de algo muy serio, y con Brainwashed no han hecho más que confirmarlo. Algunos temían que los problemas

vocales de Lawrence Taylor fuesen a suponer un problema en el futuro inmediato, pero basta escuchar esa entrada a grito pelado de ‘New World Torture’ para dejar claro que en su garganta no quedan secuelas. En esta apertura podemos notar que While She Sleeps han sido capaces de expandir de manera inteligente su sonido. Pueden sonar pesados y arrolladores, melódicos y épicos sin caer en la ñoñería. Y cuando se trata de poner la directa, apenas tienen rival como demuestran en la abrasadora ‘Brainwashed’. Otro tema sorprendente es ‘Four Walls’, con esos coros de tono fúnebre que dan paso a otra canción completísima y con aires de himno, al igual que el binomio formado por ‘We Are Alive’ haciendo las veces de introducción de ‘Our Legacy’, con un juego de guitarras en limpio que culmina con un solo de locura a lo Tom Morello. Hasta en ‘Life In Tension’ se atreven con un estribillo de lo más pegadizo, para más tarde aniquilarnos con ‘Method In Madness’. Un auténtico discazo más que necesario. GONZALO PUEBLA

LA SELECCIÓN

VV. AA.

RockZone - The Bipolar Sessions #2 (AUTOEDITADO)

ROCK, METAL, PUNK

uizá no sea lo más elegante del mundo reseñar un disco que nosotros mismos hemos editado, pero ¡qué coño! Estamos orgullosos de haber podido hacer realidad por segunda vez un proyecto como The Bipolar Sessions. La fórmula ya la conocéis, 16 grupos de aquí haciendo versiones de 16 grupos que alguna vez han sido portada de la revista. Variedad, desde luego, no falta. El sector punkarra disfrutará con la acelerada versión de ‘Modern Man’ de Bad Religion a cargo de Adrenalized, la rockerizada ‘Buddy Holly’ de Weezer que han hecho Secret Army o el doblete que han hecho The Gundown con los Descendents. Quienes amen el metaleo a tope babearán con las versiones que Hummano, Hyde Abbey, Teksuo y Thirteen Bled Promises han hecho de Biffy

Clyro, Rage Against The Machine, Muse y System Of A Down respectivamente, con breakdowns y voces guturales a cascoporro. En la categoría de sorpresas encontramos a Cálido Home llevándose al folk a Queens Of The Stone Age, a Cheeto’s Magazine convirtiendo ‘Basket Case’ en una ópera rock, a Obsidian Kingdom (en la foto y audio) retorciendo el ‘Breed’ de Nirvana o a Rebuig pudriendo en catalán a Them Crooked Vultures. Bullitt, The Anti-Patiks, Somas Cure, Inmune y Marvin completan un doble vinilo que también se puede descargar en https://soundcloud. com/rockzonemag. ¡De nada! JORDI MEYA

cr í tica s

DEATH CAB FOR CUTIE Kintsugi (ATLANTIC)

INDIE ROCK

o sé por dónde empezar...’, canta Ben Gibbard nada más arrancar Kintsugi, y no es para menos. Los de Seattle no están pasando por su mejor momento, y no sólo en cuanto a lo musical me refiero. Tras la voluntaria e insustituible marcha de su guitarrista y productor Chris Walla el pasado verano, la mala aceptación por parte de público y medios de comunicación de su anterior Codes & Keys, el sonado divorcio de Gibbard con la New Girl, Zooey Deschanel, en 2012, que además se juntó con un hiato de la banda... No eran buenas premisas para encarar esta nueva grabación. Aun contando con la participación de Walla a lo largo del disco, no sería en la producción donde se iba a concentrar esta vez, ya que ese puesto

D THE PRODIGY

The Day Is My Enemy (TAKE ME TO THE HOSPITAL)

ELECTRÓNICA

e igual manera que parecía casi impensable que The Prodigy se desmarcaran hace seis años con un discazo como Invaders Must Die, resultaba lógico mantener las altas expectativas respecto a su continuación. Sin embargo, y tras escuchar detenidamente este sexto trabajo, uno se queda con la impresión de que a Liam Howlett le ha vuelto a suceder lo mismo que con Always Outnumbered, Never Outgunned, cuando tuvo que enfrentarse ante el reto de superar o tan siquiera igualar aquella montaña llamada The Fat Of The

lo dejaron en manos de Rich Costey (Muse, Foster The People) por primera vez. Aquel sonido tan delicado y característico que aportaba la segunda cabeza pensante del grupo se iba a ver suplido, desafortunadamente, por algo más pop. Siendo un ferviente amante de este, ahora, trío, se me hace difícil encontrar temas a destacar. ‘Little Wanderer’, ‘The Ghosts

Of Beverly Road’, ‘Good Help (Is So Hard To Find)’, ‘Ingenius’ o ‘Hold No Guns’ intentan identificarse con su sonido y melodía habituales, pero no llegan a cuajar. Ni siquiera el single ‘Black Sun’ podría llegar a ser la próxima canción favorita del ficticio Seth Cohen. Esperemos que encuentren la manera de volver a empezar.

Land. The Day Is My Enemy se nos descubre por tanto como una obra previsible y falta de ideas respecto a la frescura que ofrecía su antecesor. El corte titular se encarga del pistoletazo de salida con esos beats tan característicos llenos de pegada electropunk. Incluso me atrevería a decir que estamos ante el disco más trallero de su catálogo, ya que a lo largo de una hora apenas ofrecen tregua, tan sólo encontrando respiro en ‘Beyond The Deathray’. Y a pesar de contar con un buen puñado de cortes que desatarán la euforia en directo, caso de ‘Wild

Frontier’, ‘Destroy’ (donde recuperan el sample de ‘Omen’), ‘Rhythm Bomb’ o la rotunda ‘Wall Of Death’, se hace bastante complicado de seguir, especialmente si no tienes el oído acostumbrado a este tipo de género (como le sucede a servidor), dando la sensación de que estás escuchando el mismo tema en bucle. En cualquiera de los casos la ausencia de nuevos recursos resulta preocupante, mas si viene de una formación que en su momento resultó tan rompedora como The Prodigy. Howlett haría bien en llevar sus maquinitas al taller y reparar la avería.

ALEJANDRO LOZANO

GONZALO PUEBLA

SIX FEET UNDER Crypt Of The Devil (METAL BLADE)

DEATH METAL

l alto ritmo de publicación que Six Feet Under siempre se han impuesto no acaba de jugar a su favor, y a veces, sus vueltas de tuerca, menos. A Undead y Unborn les separó un año, y este nuevo trabajo llega con sólo dos de diferencia respecto a este último, pero como ya habrán imaginado, no alcanza su nivel. Que Chris Barnes te asegure durante una entrevista que tiene a la mejor y más fiable formación que haya reclutado nunca y a las dos semanas eche a media banda tampoco debe de ayudar, pero que encima esta vez haya grabado el álbum entero con Phil Hall

(Iron Reagan, Municipal Waste), su hermano Josh y Brandon Ellis de Cannabis Corpse ya es la leche. Ojo, que Steve Swanson y compañía siguen en el grupo, esperan turno para salir de gira, pero éste ha sido su enésimo capricho. Ya le conocemos; su banda, sus reglas. Este chico funciona a venazos… Aquí hay temazos como ‘Open Coffin Orgy’ o ‘Slit Wrists’, pero en general el resultado es mucho más veloz y afilado de lo que nos tienen acostumbrados, menos death’n’roll, aunque cuidado, que justo al final se encuentra lo mejor… ‘The Night Bleeds’ saca a relucir todo el flow que Six Feet Under puedan almacenar, es de ese tipo de tema vacilón que sólo Barnes puede concebir, y luego tenemos ‘Compulsion To Brutalize’, otro puñal brutote que sube el listón del disco. Te molarán más o menos las decisiones que tome tan entrañable fumeta, pero la verdad es que siempre hay algo que ensalzar en sus obras. Un crack donde los haya al que siempre es un placer sufrir. PAU NAVARRA

cr í tica s

TRIBULATION

The Children Of The Night (CENTURY MEDIA)

ROCK, HEAVY METAL

a no queda nada del death metal que practicaban Tribulation antes, sí en cambio permanece intacta esa carga ocultista o ese aroma propio de los films de terror que tanto veneran. Por si no lo apuntaba de forma suficientemente clara su segundo álbum, The Formulas Of Death, con The Children Of The Night rubrican de la mejor manera su transformación a banda de rock tenebroso con tintes progresivos y voz destrozada propia del black. No debería

ser mi rollo, pero lo cierto es que su nueva obra me ha encantado. Seguramente éste sería el disco que harían Watain si finalmente se desligaran completamente del género maldito, pues lo cierto es que el parecido entre las voces de Erik Danielsson y Johannes Andersson es asombroso. Por aquí aletea rock setentero, incluso sixties, cierto regusto a Goblin, e incluso ‘Winds’ tiene un aire muy de cabalgada Ghost. ‘Melancholia’ es una de las que mejor ejemplifica esta reconversión, y esos guiños a Iron Maiden son de los que no pasan por alto, pero si realmente quieres sacarte el sombrero ante los suecos no te pierdas una delicia instrumental como ‘Själaflykt’ o la tétrica ‘Strains Of Horror’. ¡Benditos teclados, pedazo de solo! Otro temazo es ‘The Motherhood Of God’, con otra salida guitarrera a lo Maiden que te va a emocionar de veras. Bellísima ‘Holy Libations’. Material vintage en manos de unos finos restauradores. Van a triunfar. Otro disco del año. PAU NAVARRA

SCOTT WEILAND & THE WILDABOUTS Blaster (SOFT DRIVE) ROCK

cott Weiland, hijo de puta! Una vez hecha esta apreciación, ya es posible hablar de Blaster, el último trabajo del que ahora reniega de la banda que le hiciera grande, Stone Temple Pilots. El cantante, después de una época bastante tumultuosa, ha decidido continuar su andadura en solitario con The Wildabouts, la banda que le ha acompañado en los últimos años, consiguiendo así total control a nivel compositivo. Blaster es principalmente un disco de rock con melodías muy pop,

y que descaradamente fusila la esencia del glam de T. Rex a lo largo de sus doce cortes, incluyendo de hecho una versión prescindible del himno de la banda liderada por Marc Bolan, ‘20th Century Boy’. Resulta bastante curioso que un corte tan mediocre como ‘White Lightning’ fuera elegido como single de un disco que, en términos generales, ayuda al cantante a recuperar cierta dignidad perdida en estos últimos años, y que desde luego confirma que se encuentra en un momento más centrado, con una primera parte bastante interesante gracias a ‘Modzilla’, ‘Way She Moves’ o ‘Amethyst’, con estribillos muy pegadizos y sólidos riffs. Desafortunadamente este saco lleno de estilos y sonidos mezclados, al que le falta definición y contundencia, termina por deshincharse. Se echa de menos ese halo de esplendor e intensidad que antaño envolvía al cantante, y que en ningún momento termina de romper. A Weiland se le debe exigir más, porque puede. TOI BROWNSTONE

POISON IDEA

Confuse & Conquer (SOUTHERN LORD) HARDCORE, PUNK

ra cuestión de tiempo que Poison Idea tuvieran un testamento discográfico, si es que esto va a ser su testamento; un álbum que definitivamente hiciera justicia poética a la grandeza de su legado. Si no son la banda más grande –en todos los sentidos de la palabra- del hardcore punk, poco debe faltar. Esta vez nada podía fallar y las cartas puestas encima de la mesa eran a caballo ganador. Por un lado fichaje por Southern Lord, que ha ido reeditando durante estos dos últimos años sus primeros trabajos, y por otro lado producción de Joel Grind, en un bonito paso de

testigo geográfico en plan ‘las leyendas de Pórtland dan su bendición al nuevo genio punk de la ciudad’, hacía presagiar que algo grande se estaba cociendo. Al fin y al cabo, Southern Lord no iban a poner el prestigio de su nombre en entredicho por un intento fallido. Y ahí estamos, con Poison Idea reinando en todo su esplendor. Confuse & Conquer es lo mejor que han ofrecido Jerry A. y los suyos desde el ya lejano Blank, Blackout, Vacant. Aquí encontraremos todos los elementos que han hecho de Posion Idea una banda de leyenda: desde los arrebatos hardcore punk, caso de la inicial ‘Bog’, hasta punk rock de manual como demuestra una canción como ‘I Don’t Know You’, encontrando esos sentidos homenajes a al rock’n’roll escuela New York Dolls como la excelente ‘Hypnotic’. Nada nuevo bajo el sol, pensarán algunos... Exacto, y eso, a estas alturas y más si está bien hecho, es todo lo que le podemos exigir a Poison Idea a día de hoy. RICHARD ROYUELA

ALL TIME LOW Future Hearts (HOPELESS) POP PUNK

e imagino que los críticos de cine deben sentir algo parecido cuando les toca reseñar la típica comedia juvenil a lo que me pasa a mí cuando me asignan un disco de pop punk. Por un lado sabes que ya no formas parte del público objetivo al que va dirigido, y por otro que las motivaciones que hay detrás de la obra son más comerciales que artísticas. Pero aun así, de la misma manera que Una Rubia Muy Legal no es lo mismo que American Pie, tampoco es lo mismo un disco de 5 Seconds Of Summer que uno de Blink-

182. ¿Y dónde encajan All Time Low? Después de seis discos, todavía no lo tengo del todo claro. Aunque siempre han sido capaces de facturar algunas canciones pegadizas (‘Weightless’ me sigue pareciendo un temazo), sus álbumes han sido demasiado irregulares y con excesivas concesiones a lo que, se supone, la radio espera de ellos. Vamos, que les cuesta poco bajarse los pantalones con tal de intentar vender un poco más. Future Hearts no escapa de estas premisas, pero no llega a irritar como Dirty Work y tiene mejores temas que Don’t Panic, sus dos últimos trabajos. Marcan así una curva ascendente gracias a la chispa de ‘Kicking & Screaming’, ‘Somethin’s Gotta Give’, ‘Kids In The Dark’ (con un rollo muy The Sounds) o ‘Don’t You Go’. Incluso las dos baladas, la folkie ‘Missing You’ y la más orquestal ‘Tidal Waves’, en la que participa Mark Hoppus, elevan el nivel respecto a otras que habían grabado en el pasado. Si tuviera 16 años, posiblemente me fliparía. DAVID GARCELL

críticas

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Patty Walters (voz), Andy Gestead (guitarra),

Benjamin Biss (guitarra), Alistair Testo (bajo), Patrick Foley (batería) PRODUCIDO POR: James Paul Wisner AFINES A: Set It Off, Blink-182, Plain White T’s PÁGINA WEB: http://asitisofficial.com

AS IT IS

Never Happy, Ever After (FEARLESS)

POP PUNK

n su política de expansión internacional, Fearless Records fichó en 2014 a los británicos As It Is. El grupo fundado por dos compañeros de universidad, Patty Walters y Benjamin Biss, apenas llevaba un año en activo, pero la repercusión obtenida entre la comunidad pop punk por cuatro EPs autoeditados fueron suficientes para que el sello norteamericano decidiera apostar por ellos. Y lo hizo a lo grande. El verano pasado los fletó durante cinco semanas a Florida para que grabaran con el productor James �� Paul Wisner (Paramore, Underoath, Dashboard Confessional), y se nota que está tratando el lanzamiento de su primer

disco como si fuera una de sus máximas prioridades. En cierta manera es comprensible... As It Is reúnen los requisitos necesarios para triunfar entre el público teen de hoy en día (chicos guapetes con cara de no haber roto nunca un plato, canciones pegadizas y hábiles con las redes sociales), ¿pero garantizaba eso que fueran capaces de grabar un buen disco? Never Happy, Ever After resuelve la incógnita más o menos a su favor. Inspirándose en ban-

género. Todo está en su sitio y bien ejecutado: unos pocos pildorazos efervescentes, casos de ‘Speak Soft’, ‘Cheap Shots & Setbacks’ o ‘Turn Back To Me’, medio tiempos (‘Can’t Save Myself’), baladitas (‘Drowning Deep In Doubt’, ‘My Oceans Were Lakes’) y algunas gotas de emo (los juegos vocales entre Patty y Benjamin en ‘Silence (Pretending So Comfortable)’ o ‘Dial Tones’ recuerdan a Taking Back Sunday). Con su debut, As It Is han demostra-

das que triunfaban hace una década como Blink-182, The Starting Line, Panic! At The Disco o The Early November, el quinteto de Brighton ha fabricado un álbum que cumple con los cánones del

do dominar a la perfección lo que otros han hecho antes; ahora les toca encontrar su propia personalidad de cara al siguiente. Cosas de la edad. DAVID GARCELL

HABLAMOS CON... PATTY WALTERS Justo hoy ha salido vuestro primer disco. ¿Te sientes como si fuera Navidad? “(Risas) Sí, exactamente así. Siento la misma emoción y los mismos nervios que si fuera el día de Navidad y abriera los regalos. Además, esta noche damos un concierto en nuestra ciudad, así que está siendo un gran día de verdad”. ¿Te sorprende el revuelo que se ha creado alrededor del grupo? “Sí, ha habido mucho ruido a nuestro alrededor, así que me siento aliviado de que por fin salga el álbum de una vez. Es genial que la gente se sienta orgullosa de lo que hemos hecho. Tener fans es algo increíble para nosotros, porque nosotros también somos

fans de otros grupos y sabemos lo que eso significa”. El grupo lo empezasteis Andy, Ben y tú, pero a Alistair y Patrick�� los reclutasteis des� pués de hacer varias pruebas. ¿Os costó encontrar la química entre todos? “Bastante (risas). Nos llevó un tiempo encontrar un sonido que pudiéramos considerar nuestro, pero la manera fue colaborar al máximo a la hora de componer y no desechar ideas de nadie. Nos costó un par de años, pero al final lo conseguimos”. Oigo mucho de Blink-182 y Panic! At The Disco en vuestros temas. ¿Son dos de vuestros grupos favoritos? “Sí, sí. Blink-182 es uno de los grupos

que los cinco escuchamos de pequeños. Para mí fueron una gran inspiración, pero tenemos gustos bastante eclécticos... En cierta manera, creo que nuestro disco tiene un poco de aire nostálgico de grupos que salieron a principios de los 2000”. Mucha gente os considera un grupo de pop punk, mientras que otros os ven como una banda de pop sin más. ¿Cómo lo ves tú? “Veo razones para que la gente lo vea de una manera o la otra. A mí me gusta pensar que estamos en medio. Tenemos mucha melodía, pero también tenemos energía. Quizá diría que somos una banda pop punk; desde luego no somos una banda hardcore (risas)”. (JORDI MEYA)

cr í ticas

MY MORNING JACKET The Waterfall (ATO/PIAS)

ROCK, INDIE

ace ya muchísimo tiempo (concretamente desde el fabuloso Z) que My Morning Jacket consiguieron desmarcarse por completo de toda la corriente neoamericana, country alternativo o como ustedes lo quieran llamar. Al igual que otros maestros del estilo como Wilco, el conjunto liderado por Jim James va completamente por libre, descolocando y puede que incluso perdiendo a algunos seguidores veteranos por el camino, pero siempre yendo a su bola. Algo que se acentuará más si cabe con la salida de The Waterfall, al que le seguirá otro nuevo lanzamiento presumiblemente ya para el año que viene. En su séptimo trabajo de estudio los de Lousiville han optado por sumergirse en su faceta más experimental

SOUL ASIDE Canvas

(AUTOEDITADO)

ROCK ALTERNATIVO

a última apuesta de la agencia Blood Fire Death me ha dejado muy descolocado. Para bien. Y es que nos tienen acostumbrados a la tralla más inhumana, música celestial para los oídos de muchos de vosotros, pero esta vez se han embarcado en el lanzamiento de algo radicalmente opuesto: el primer largo de Soul Aside, Canvas, una propuesta mucho más templada, preciosista y eminentemente melódica. En las filas de Soul Aside, formados en 2010 y afiliados oficialmente al post rock más accesible, he descubierto y descubriréis miembros y

y rebuscada. Puede que no lo parezca así cuando nos dan la bienvenida con ‘Believe (Nobody Knows)’, un temazo que entra de primeras más acorde a sus primeros discos, al igual que ‘Big Decisions’. Pero según vayamos avanzando iremos sorprendiéndonos con el pop en falsete de teclados ochenteros ‘Compound Fracture’, los ritmos cambiantes llenos de teclados y psicodelia de ‘In Its Infancy (The Waterfall)’ y ‘Spring (Among The Living)’,

el folk inquietante de ‘Like A River’ o los desarrollos de cocción lenta de ‘Tropics (Erase Traces)’, antes de que finalicen con la sosegada y extensa ‘Only Memories Remains’. Posiblemente nos encontremos ante su álbum más arriesgado y habrá que ver cómo es recibido al igual que su posterior continuación, pero lo que está claro es que My Morning Jacket, a su manera, siguen siendo únicos pese a quien pese.

exmiembros de Madee, Sargon, Foscor y Lux Divina, entre otras. Esto explicaría en buena parte la solvencia de los ocho temas que conforman el presente disco, porque el trabajo de las guitarras es brillante sin sonar pedante o enrevesado, y el resultado es tremendamente adictivo. La sección rítmica está a la altura, con una precisión inmejorable y la dosis justa de contundencia, siempre al servicio de la melodía y belleza de estas composiciones. Grabado, mezclado y masterizado por los hermanos Santi y Víctor Garcia en los Ultramarinos

Costa Brava, Canvas es una suerte de rock alternativo en inglés deudor de incontables bandas de finales de los 90 y primeros 2000 que ellos y nosotros amamos, desde Alice In Chains a Thrice o Incubus (el estribillo de ‘Lilith’), y harán las delicías de los seguidores de paisanos como Minor Empires (la redondísima ‘Void’), Toundra (hay algo de los madrileños en ‘Microglia’) o los propios Madee (en ‘Protectress’ las comparaciones son inevitables). En resumidas cuentas, escucha ultra recomendable.

GONZALO PUEBLA

LUIS BENAVIDES

DODHEIMSGARD A Umbra Omega (PEACEVILLE)

AVANT-GARDE EXTREME METAL

ómo y cuando les da la real gana. A espaldas del mundo, sin prestar oídos a nada que no sea su propia música. Importándoles un comino lo que se comente de ellos, aunque siempre sea totalmente entusiasta. Y desde luego, editando para una militante minoría. En efecto, ocho años después de Supervillain Outcast, Dødheimsgard están de vuelta con su quinta obra tras más de dos décadas de carrera. El minutito introductorio de ‘The Love Divine’ te pone en guardia ante una banda que exige los cinco sentidos,

pero como acostumbra a pasar, cuando ‘Aphelion Void’ arranca sigues sin estar preparado para los noruegos. Voces enloquecidas, marcianas, saxos, disonancias, baterías de Terghl totalmente enrevesadas, parones, guitarras acústicas, industrial… Más de un cuarto de hora de viaje astral; un solo corte y ya estás flipando en colores, abrumado. Las cuatro canciones siguientes transcurren por los mismos derroteros, disparándose ‘God Protocol Axiom’ con melodic black para caer en un trance decadente con pianos grandilocuentes, jazz y todo lo que puedan imaginar. Todas sobrepasando ampliamente los 10 minutos, como planetas distantes a explorar con incredulidad y, a pesar de la belleza paisajística, con la constante sensación de que algo va increíblemente mal. Si el último de Mayhem te pareció una locura, espera a que Dødheimsgard te echen el guante. Una formación como pocas quedan. Arte total. PAU NAVARRA

ROYAL THUNDER Crooked Doors (RELAPSE)

HARD ROCK, GRUNGE

arece que a Royal Thunder les gusta tomarse las cosas con calma, puesto que han pasado ya tres años desde su estupendo debut, CVI. Lejos de caer en el olvido, los de Atlanta vuelven a recuperar nuestra atención con uno de esos discos que cautivan a la primera escucha. Comenzar Crooked Doors con ‘Time Machine’ es como un amor a primera vista. Maravilloso y apabullante. La voz de Mlny Parsonz es intensa, poderosa y emocionante, dotada de tal versatilidad que abarca infinidad de registros, dejándonos sin aliento. Por

alguna extraña razón, o quizás no tan extraña, en muchos momentos recuerda a Janis Joplin. Juzgar un disco por una canción es prácticamente un suicidio, pero en este caso es fácil identificar el motor principal de esta banda. Una vez superada la euforia inicial, resulta fascinante apreciar esa extraña combinación entre sonidos muy setenteros y otros pasajes con referentes más noventeros. Lisergia mezclada con guitarras angustiosas a cargo de Josh Beaver, que recuerdan a algunos de los grandes de Seattle, como en ‘Wake Up’, algo no tan raro teniendo en cuenta que la propia cantante alaba públicamente la época en la que se crió musicalmente, y temas de largo recorrido como ‘Forgive Me, Karma’ o ‘Ear On The Fool’. Es una incógnita el devenir de Royal Thunder en el futuro, que gracias a este disco parece prometedor, pero lo que sí está claro es que no hay que perderle la pista a Mlny Parsonz, porque puede dar mucho que hablar. TOI BROWNSTONE

cr í ticas

MINSK

The Crash And The Draw (RELAPSE)

SLUDGE METAL, POST METAL

e aquí un álbum muy, muy exigente. Primero porque puedes pensar que tras esos tonos oscuros con pinceladas doradas, por muy molona que sea la portada creada por Orion Landau (YOB, Red Fang) para el retorno discográfico de Minsk tras seis años de silencio, se esconde el enésimo intento de Relapse por obtener otro pelotazo a lo Mastodon. Pero evidentemente, hay que acudir a lo musical para juzgar con ecuanimidad, y ahí el renovado quinteto sorprende de veras, evidencia todos los cambios que pueda presentar un grupo tras tanto tiempo sin publicar. Los casi 13 minutos que inauguran el largo, ‘To The Initiate’, ya muestran nuevas pulsiones post metal, voces limpias

M THE SATELLITE YEAR Brooklyn, I Am

(CARGO/MIDSUMMER/ENGINEER)

ROCK ALTERNATIVO

e congratula ver a los alemanes The Satellite Year tan ilusionados con su segundo largo, Brooklyn, I Am. Han tardado cuatro años en darle continuidad al proyecto musical iniciado con Mission: Polarlights, un sorprendente y muy meritorio debut que todavía recuerdo por una emotividad desbordante y una producción exquisita. Algo me dice que estos chavales son unos grandes perfeccionistas y por eso no han sacado antes el presente Brooklyn, I Am. Eso podría explicar estos cuatro años en silencio,

forjadas con castañazos sludge, con angustia y primitivismo, lapsos evocadores como el que abre ‘Within And Without’, o incluso psicodelia como la que aparece en su último tramo. Menudo berrido, ya que estamos… Grabar en un sinfín de estudios con habituales de Eyehategod, Voivod o Indian les ha dado músculo y mejor pegada, pero eso no ha impedido que en ‘The Way

Is Through’ desplieguen el post rock más accesible que puedas imaginar en su primera mitad. En su cuarto álbum hay ideas buenísimas (‘The Blue Hour’), también magistrales tramos ambient como ‘Conjunction’, y es que incluso se atreven con algo de tribal en ‘To You There Is No End’. Quizá 75 minutos sean demasiados, pero lo cierto es que aquí no hay ni un instante fútil.

de trabajo en la sombra. Bueno, eso y la renovación de tres quintas partes de la formación... Sea como sea, ni el tiempo ni las nuevas incorporaciones han pasado factura a los de Saarbrücken. La esencia emo pop de los mejores The Satellite Year sigue intacta, quizás algo más contundente y orgánica en función del tema. Entre los doce nuevos cortes he descubierto cañonazos con una épica espacial que servidor situaría en un punto equidistante entre los últimos Further Seems Forever y 30 Seconds To Mars en canciones como ‘That This Was Wrong’,

‘Hurricane/Welcome Home’ o ‘Fireworks’, tonadillas punk poperas pretendidamente evolucionadas o para adultos (hay mucho de Amberlin en ‘Early In December’ y ‘No Clubs For This Town’) y aderezos electrónicos muy bien metidos en, por ejemplo, ‘Tarantino: Part II’ o ‘Not A Relief, Not A Resort’. Con su trabajo anterior no tuve suficiente con las tres o cuatro escuchas de rigor para hacer la reseña, y con el presente Brooklyn, I Am voy por el mismo camino. Desde luego, este álbum engancha.

PAU NAVARRA

LUIS BENAVIDES

TURBOWOLF Two Hands (SPINEFARM)

ROCK

ecuerdo que descubrí por pura casualidad a Turbowolf un buen día mientras hacía zápping y de repente me topé con el videoclip de ‘A Rose For The Crows’. Rápidamente corrí a escuchar su debut homónimo, con el que quedé fascinado ante esa macabra mezcolanza de hard rock, punk, metal, stoner, psicodelia, detalles electrónicos, suciedad y mala baba. Por nuestras fronteras aún siguen resultando un tanto desconocidos para la mayoría (a pesar de que estuvieron en el pasado Azkena), pero en su Inglaterra

natal ya son muchos los que han fijado sus miradas en ellos y contaban este segundo largo, Two Hands, como uno de los más esperados de esta primavera. Pero desgraciadamente parece que nos encontramos ante el llamado síndrome del ‘segundo disco’. Ya saben: típico grupo que saca un gran primer trabajo y no es capaz de replicarlo con el siguiente. Como si oliesen la oportunidad que se les presenta para llegar a un público más grande, la banda ha pulido en exceso su fórmula para hacerla más asequible, pero en el camino ha perdido casi por completo esa actitud cafre que nos encandiló de ellos. Hay temas con vocación clara de singles, casos de ‘Nine Lives’ y ‘Rabbits Foot’, pegadizas y efectivas. Hasta ‘Mk Ultra’, una breve y oscura balada, tiene su gracia, pero el resto resulta demasiado estándar y previsible. Apenas un par de pepinazos como ‘Invisible Hands’ y ‘American Mirrors’ nos recuerdan el porqué un día llegaron a llamarnos la atención. Una lástima. GONZALO PUEBLA

DELTA SPIRIT Into The Wide (DUALTONE)

ROCK

uando la carrera de Delta Spirit cumple prácticamente una década, es innegable que su sonido se ha expandido a lo largo de los años. Lejos quedan ya aquellos inicios folkies de sonidos más austeros, y si uno escucha las canciones de Ode To Sunshine (2008) y luego se pone este Into The Wide, podría incluso llegar a pensar que se trata de dos bandas distintas. Habrá quien prefiera sus discos iniciales y habrá quien se decante por los Delta Spirit actuales, pero eso es sólo cuestión de gustos y percepciones. Lo cierto

es que los californianos de 2015 suenan, sobre todo, épicos. Trasladados desde hace algo más de un par de años a Brooklyn, la banda de Matt Vasquez parece haberse querido desmarcar de sus raíces como banda y también ha hecho mudanza sonora. El disco empieza a todo gas con el triplete ‘Push It’, ‘From Now On’ y ‘Live On’, que lo pone todo patas arriba, haciendo gala de la intensidad de la que tienen fama sus directos. Cuando el disco baja de revoluciones (‘Take Shelter’, ‘Hold My End Up’…) no pierde capacidad emotiva ni epopéyica, con esos sintetizadores y ecos ochenteros acompañando a guitarras o batería. O también con esos cambios de ritmo in crescendo de la canción que da título al álbum. La fuerza indie rock del disco se equilibra con melodías más cercanas al pop, navegando en esas aguas en las que tanto se bañará un público más selectivo como otro menos inquieto, e incluso algún nostálgico de las atmósferas reverberadas de tres décadas atrás. IGNASI TRAPERO

cr í ticas

MARIANNE FAITHFULL

Give My Love To London (MATADOR)

ROCK ADULTO

scribir sobre figuras legendarias de la historia del rock que ya llevaban tiempo siéndolo cuando tú ni siquiera habías nacido puede llegar a ser imponente. Y más cuando tienen la aureola maldita de Marianne Faithfull. Camino de cumplir los 70, con cinco décadas de carrera y veinte álbumes a sus espaldas, es de esos personajes con los que podrías estar horas escuchando sus historias de vida, dispuesto a creértelas todas. Seguramente su peso simbólico en la historia de la música popular contemporánea lo delata

la alineación de lujo que ha colaborado en este disco, tocando, cantando y/o componiendo. Pocos serían capaces de reunir a Nick Cave, Steve Earle, Roger Waters, Anna Calvi, Warren Ellis, Jim Sclavunos, Adrian Utley, Brian Eno, Mick Jones, Ed Harcourt… y paro ya, porque me quedo sin espacio. Así es imposible que salga un mal disco. Seguramente lo más sorprendente es la energía que desprende, saltándose las limitaciones y corsés que podrían imponer la edad o el desgaste de una vida llevada al extremo. Porque aunque la voz delate su edad, la fuerza de canciones como ‘Sparrows Will Sing’, ‘True Lies’ o ‘Mother Wolf’ podría hacernos dudar, y uno no sabe si la está escuchando a ella o a Nick Cave hecho mujer haciendo exorcismos con los Bad Seeds. Y cuando toca disimular asperezas y suavizar atmósferas, se hace, y punto (‘Love More Or Less’, ‘Going Home’…). Como dicen en la Champions, simplemente, #Respect. IGNASI TRAPERO

BRAWLERS

Romantic Errors Of Our Youth (ALCOPOP)

ROCK ALTERNATIVO

arece que fue ayer cuando escribía encantado la reseña del primer EP de los Brawlers, I’m A Worthless Piece Of Shit, y ya tenemos aquí su largo debut. El tiempo pasa volando y este cuarteto de Leeds se ha propuesto aprovechar cada segundo al máximo. En la misma línea de su carta de presentación, con una suerte de punk rock fresco e irreverente, el cantante Harry George Johns y compañía, exmiembros de bandas tan molonas del underground británico como Castrovalva

y Dinosaur Pile-Up, ofrecen ahora en Romantic Errors Of Our Youth otros diez motivos para pasar un rato divertido. Me siguen recordando a los últimos Everclear en temas de heavy pop ultramelódicos con estribillos de ésos que no te quitas de la cabeza (la despechada ‘Annabel’, la adictiva ‘High Again’ y el hitazo ‘Two Minutes’, que dura justamente dos gloriosos minutos), pero tampoco me han pasado desapercibidas unas formas bastante más primitivas que en su primer EP (el bajo neumático de ‘Holding Back’, la casi jurásica ’N.O.R.E.S.T.’ o la rápida ‘(I’m Having A) Nervous Breakdown’). Remilgos, los justos. Estos cuatro gamberros de barrio quieren hacer ruido y sólo bajan un poco la intensidad en la parte final del plástico con ‘Windowmisser’, una muy buena pieza de power pop bailongo en la onda Head Automatica, y con el tema que da nombre al disco, ‘Romantic Errors Of Our Youth’, con unos coros muy pegadizos. Gran debut y mejor porvenir. Up the punks! LUIS BENAVIDES

SATHANAS

Worship The Devil (DOOMENTIA) THRASH METAL, DEATH METAL

acía tiempo que no sabíamos nada de la banda de Pennsylvania... Si la memoria no me falla, desde 2012 con la edición de La Hora De Lucifer, y como siempre, y a pesar de no tratarse de un nombre importante, estos tipos nunca fallan. Si los sigues como yo desde que debutaran en los lejanos 90 con aquel magnifico Black Earth, sabes que este trío es experto en mezclar de manera bastarda el black, el death y el thrash añadiendo sus evidentes influencias de heavy metal clásico al mejunje. Pues bien, esta vez se han olvidado un tanto del

black metal para potenciar su lado más thráshico sin olvidarse de los tradicionales guturales death, dando como resultado un disco mucho más directo que golpea a la boca del estómago para dejarte sin aliento tras unas pocas escuchas. Quizás sea cierto como he escuchado por ahí que suena algo más accesible, si es que esa palabra define que se muestren más concisos y que nos ofrezcan su mejor colección de temas en bastante tiempo. ‘Written In Blood’ por ejemplo suena descomunal, sus influencias del death escandinavo (más concretamente de sus hermanos Unleashed) están muy presentes aquí; lo mismo que ‘Upon The Age Of Darkness’, un pepinazo de black death old school que haría volverse loco al mismo Pau Navarra, nuestro redactor más maníaco y extremo. Sathanas están de vuelta, amigos, celebrando sus 25 años de pleitesía al Maligno con un discazo absolutamente brutal que reafirma su estatus de banda ya clásica, aunque sea dentro del oscuro underground. ANDRÉS MARTÍNEZ

DISGRACE

True Enemy (CLOSED CASKET ACTIVITIES) HARDCORE

i Disgrace aún no les suenan de nada, esperen, que enseguida les ponemos en situación. Este cuarteto de Orange County presenta miembros de Nails, Creatures o Forced Order, o dicho de una forma igualmente atractiva: Taylor Young (voz), Kyle Scott Thomas (guitarra), Leopoldo Orozco (bajo) y Michael Cesario (batería) militan también en Twitching Tongues. Como imaginarán, este debut en largo tiene que ir de hardcore embrutecido, de castañazos duros y robustos, y vaya si tira por ahí… Disgrace nos apalean con hostias metalizadas a lo

Merauder, Cold As Life o All Out War, pero como les gusta comentar, influencias de bandas de death metal como Bolt Thrower también pueden aflorar en, por ejemplo, ‘Uncreation’ o los riffs de ‘The Forgotten Land’. En total tenemos doce cortes en 31 minutos sin concesiones, que pueden hacer mucho daño en directo y donde el músculo, gracias a Dios, le gana la partida a absolutamente todo. ‘1.000 Voices’ es puro macarrismo, ‘Conquered’ va directamente a joder, ‘Segue’ nos da un poco de paz, pero no por mucho tiempo… ‘Bootlicker’ y una ‘The Dawn’ con solazo incluido siguen martilleando, aunque cada una con sus matices, y por su parte ‘Conclusion’ cierra la obra en plan pasaje sludgero, casi Down. El presente True Enemy es de esa raza de álbumes hardcore a la que no le pides nada más. No te cambiará la vida, pero cojones, cómo te la alegra. Puñetazos a mansalva y una buena pizca de clase. PAU NAVARRA 89

cr í t icas

HAVALINA HAS DE SABER... FORMACIÓN: Manuel Cabezalí (voz), Jaime Olmedo (bajo), Javier Couceiro (batería) PRODUCIDO POR: Manuel Cabezalí AFINES A: Amplifier, Exxasens, The Cure PÁGINA WEB: www.havalina.es

A Islas De Cemento (ORIGAMI)

INDIE ROCK, POST PUNK

unque hay algunas excepciones, la música no engaña a la hora de descubrir las intenciones que hay detrás de ella. Hay tantísimos grupos supuestamente indies a los que se les nota que lo que desean es que los cace una multi, los haga sonar en radiofórmulas y puedan llenar recintos deportivos, que dan risa. Naturalmente no es el caso de Havalina. En su quinto disco en castellano, en el que debuta el bajista Jaime Olmedo, el trío madrileño vuelve a demostrar que no está por la cultura del pelotazo, sino que su relación con sus canciones y el oyente busca ser a largo plazo. La contención con la

que desarrollan sus pasajes instrumentales, la cadencia con la que Manuel Cabezalí canta cada palabra, las voladuras controladas que ejercen las guitarras son perfectas embajadoras de la manera en la que están desarrollando su carrera: con paciencia, disciplina y pasión. A partir de unas letras poéticamente angustiosas que invitan a la reflexión, escritas a medias entre Manuel y su hermano, Havalina han extremado su sonido en múltiples direcciones. Hay canciones que, si no fuera por la voz, bien podrían encajar en el repertorio de alguna banda de rock instrumental gracias a su riqueza para tejer arpegios y efectos (‘Cristales

Sobre El Asfalto Mojado’). En algunas la balanza se decanta más hacia el post punk ochentero y el shoegaze (‘Un Reloj De Pulsera Con La Esfera Rota’), en otras se desmelenan con su pasión por el stoner (el dúo formado por ‘Dónde’ y ‘Cementerio De Coches’ es tremendo). Y entre medio son capaces de escribir temas de gran sensibilidad sónica como ‘Ya Va Siendo Hora’ o ‘Ulmo’. La portada ilustra perfectamente el universo oscuro, desolador, pero a la vez hermoso de un grupo que con Islas De Cemento rubrica una trilogía accidental, empezada con Las Hojas Secas y continuada en H a gran nivel. JORDI PONS

HABLAMOS CON... MANUEL CABEZALÍ Siendo un trío, ¿cómo vivisteis la salida de Ignacio? “Ignacio se fue porque uno va cumpliendo años y sumando responsabilidades, haciéndolo más complicado de compaginar con tener una banda. Es la historia de siempre. La verdad es que fue una pena, pero ya la mitad de la gira de H no pudo hacerla él y vino Jaime de suplente. Lo cual fue bueno. Teníamos buena relación con él y una vez Ignacio lo dejó, la transición fue fácil, porque si no hubiéramos tenido que parar más tiempo”. ¿De dónde salen estos temas? “Empezamos en 2014. Decidimos empezar a improvisar en el local con Jaime, por rehacer un poco la banda, pasar más tiempo juntos y ver qué pasaba. Era un método que apenas habíamos practicado antes. Grabamos todas las improvisaciones y luego yo las estuve juntando con poemas de un libro que ha escrito mi hermano José Juan, Manual Para Conductores Borrachos,

y posteriormente de nuevo en el local todos juntos le dábamos forma. Casi todas surgieron así, excepto alguna donde la letra es mía”. ¿Vuestra familia os educó en el ámbito artístico? “No, venimos de un pueblo muy pequeñito de la sierra de Huelva. Mis padres se vinieron a Madrid cuando yo tenía meses, y éramos de clase media muy media. En la familia por parte de mi padre sí que hay un tío que lleva el coro de la iglesia, pero nunca hemos tenido una educación artística potente. Pero ha salido así. Una hermana mía también canta y mi hermano tiró por la literatura”. En todos vuestros discos hay contrastes, pero en éste más. “La verdad es que no estaba buscado, pero surgió así. Cuando estábamos con Ignacio teníamos un disco en mente, pero cuando se fue, toda la idea se fue al traste. En un trío la interacción es muy importante, y todos estábamos expectantes para ver qué saldría. Es

verdad que el álbum es muy variado, muy extremista. Hay canciones más cañeras que nunca y otras mucho más tranquilas. Nos apetecía mucho jugar y llevarlo todo hasta el final”. A pesar de esa variedad, siempre hay una melodía que ejerce de ancla. Es quizá lo que os hace diferentes. “Sí, pero en este disco he intentado cantar de otras maneras, hay un par de canciones menos melódicas donde he intentado enfadarme y pegar un par de gritos (risas). Yo creo que no importa el registro, además de la voz siempre hay varias cosas que nos unen, porque si no seríamos como cinco bandas distintas. Yo creo que Havalina tiene un sonido muy propio, y eso me hace mucha ilusión. Una de mis bandas favoritas es Sonic Youth, que tienen muchas obras, pero no importa cuál escuches; a los cinco segundos sabes que son ellos. Creo que con nosotros ocurre lo mismo”. (JORDI PONS)

críticas

KING PARROT Dead Set (AGONIA) CROSSOVER THRASH, GRINDCORE

asta con que Phil Anselmo se involucre en algún proyecto para que el valor de las acciones de dicha banda empiece a cotizar mareantemente al alza. A veces el subidón es fruto de la práctica desleal y el producto en sí no aguanta el test de estrés, pero en otras ocasiones está plenamente justificado. King Parrot han tenido al Pantera en la mesa de control para su segundo álbum, Dead Set, y durante dicho apadrinamiento Max Cavalera o Chuck Billy de Testament no han escatimado en elogios

hacia los australianos. Bien, si ante este tipo de estrategias acostumbro a tener mis reservas, basta con someterse a un destroce mayúsculo como ‘Home Is Where The Gutter Is’ para rendirse ante estos cachondos de las antípodas. Ojo, King Parrot no ofrecen ninguna revolución, pero está claro que tienen altas dosis de furia que despachar en cualquier escenario del mundo. Ya desde ‘Anthem Of The Advance Sinner’ la cosa va de caña. Tiran de thrash y blast beat en ‘Need No Savior’, ‘Hell Comes Your Way’ está creada para hacerte trizas, ‘Tomorrow Turns To Blood’ es una auténtica carnicería, ya no digamos las aplastantes ‘Sick In The Head’ o ‘Dead Set’… El sonido va a quemar y seguramente las nuevas generaciones no entenderán esta producción, pues las guitarras están subidísimas y hieren, y la voz de Youngy es bastante molesta. No esperes aquí un fiel revival o algo parecido… Esto es bestialismo, sodomía, caos y miseria. PAU NAVARRA

THE MAINE

American Candy (BIG PICNIC) POP ROCK

on un título como American Candy y una portada con un rosado globo de chicle en primer plano, parecía claro que el nuevo disco de The Maine iba a encaminarse por terrenos más pop y ligeros que los dos anteriores Pioneer y Forever Halloween. En ambos el grupo de Arizona ganó madurez musical y logró posicionarse como un grupo con más credibilidad de la que podían apuntar en sus inicios, pero quizá a costa de perder algo de inmediatez. En su quinto trabajo la banda consigue equilibrar ambas facetas canalizando lo aprendido

en los últimos años con unas canciones que podrás pasarte canturreando todo el verano. ‘English Girls’, ‘Diet Soda Society’, ‘I Am Pretty?’ –tres temas en los que salta a la vista lo mucho que les marcaron Third Eye Blind- o ‘Same Suit, Different Tie’ producen un buen rollo increíble, al igual que ‘My Hair’, en la que John O’Callaghan suena convincente y divertido animando al oyente a dejarse crecer el pelo antes de que “te quedes calvo como un viejo”. Por su parte, ‘Miles Away’ o ‘(Un)lost’, con dos estribillos marca de la casa, o la balada antisuicidio ’24 Floors’, son suficientes para advertir que The Maine han conseguido algo en lo que hoy en día fracasan tantísimas bandas de vocación mainstream: mantener su personalidad. Lástima que su intento de crear un himno al estilo del ‘Hey Jude’ de los Beatles en ‘Another Night On Mars’ les haya quedado un poco regulero, porque en líneas generales estamos ante uno de los discos más completos de su carrera. JORDI MEYA

SUN & SAIL CLUB

The Great White Dope (SATIN) ROCK, METAL, PUNK

un & Sail Club no buscan una gran repercusión mediática, ni tienen afán por ganar pasta. Este proyecto completamente DIY ha sido creado por pura diversión, pero es inevitable prestar atención a este cóctel explosivo formado por Scott Reeder y Bob Balch de Fu Manchu con el legendario bajista de Kyuss, Scott Thomas Reeder. Mannequin, su punto de partida, fue una buena tarjeta de presentación pese al exceso de vocoder en las voces, que terminó atenuando la contundencia de sus composiciones. En esta ocasión Balch prefirió enmendar este

‘error’ y recuperar una parte más melódica reclutando acertadamente a Tony Adolescent de The Adolescents. ¿El resultado? Un festival de riffs demoledores con fuzz a niveles inverosímiles, unas baterías espectaculares y unos estribillos repetitivos y muy pegadizos, que comienza como un puñetazo en la cara con ‘Krokodil Dental Plan’ y ‘Dresden Firebird Freakout’. Exceptuando ‘Fever Blister And The Great White Dope’ y ‘Cypherpunk Roulette’, con Bob Balch en su máximo esplendor y con estructuras y desarrollos más elaborados, los temas se suceden a un ritmo trepidante, son muy agresivos y juegan mucho con el punk de la vieja escuela, descubriendo a Bad Brains, The Adolescents y a los propios Fu Manchu como principales fuentes de inspiración. Puede parecer un sinsentido que Sun & Sail Club suenen tanto a Fu Manchu, pero a través de The Great White Dope Balch consigue recuperar esa energía y frescura que muchos añorábamos. TOI BROWNSTONE

NOFX AND FRIENDS Home Street Home (FAT WRECK CHORDS) ÓPERA PUNK

ue Fat Mike es un hombre que se aburre con lo que puede conseguir de NoFx no es ningún secreto. De ahí que en estos últimos años lo hayamos visto liarse en proyectos ambiciosos resueltos, en su mayoría, de la mejor manera posible, caso del inolvidable reality Backstage Report. Ahora nos llega la banda sonora de Home Street Home, el musical al que Fat Mike lleva tiempo dando vueltas y que finalmente ha visto la luz. Valorar las canciones de un musical sin haber visto la obra en cuestión no suele ser fácil. La mayoría están al servicio, como

debe ser, de lo que sucede en el escenario, y fuera de él pierden significado. Obviamente no he tenido la oportunidad de ver la función, que por otro lado ha cosechado unas críticas aceptables, pero aun así escuchar las versiones de estudio en las que participan artistas como Frank Turner, Matt Skiba y miembros de formaciones como Descendents, Lagwagon, Dropkick Murphys o Dance Hall Crashers no está nada mal. A favor de Home Street Home podemos decir que es una historia bien construida –una crónica punk de personajes marginales, rechazados por la sociedad o sus familias, centrada en la calle y donde Fat Mike deja ver algunas de sus obsesiones, como el fetichismo- y que pone de manifiesto que el tipo es bastante más que un compositor punk rocker. Un experimento interesante y bien articulado, que sirve para callar a todos aquellos que ven al líder de NoFx simplemente como a un descerebrado. RICHARD ROYUELA

críticas

JUDAS PRIEST

Defenders Of The Faith - Special 30th Anniversary Edition (SONY) HEAVY METAL

or algún extraño motivo, aun siendo considerado una de sus obras más celebradas, Defenders Of The Faith nunca ha obtenido ese reconocimiento de clásico del que sí disfrutan indudablemente British Steel, Screaming For Vengeance o incluso Painkiller. Es difícil encontrar una respuesta a ello, porque lo cierto es que está a la misma altura de los antes mencionados. Y solamente hace falta comprobarlo, una vez más, en esta edición de 30 aniversario, para corroborar que sigue manteniendo todo

su mojo intacto. El inicio con ‘Freewheel Burning’ y ‘Jawbreaker’ pocos rivales tiene en su discografía y es la quintaesencia de lo que, se supone, es el sonido Judas Priest. El resto del álbum no se queda detrás. El inicio de ‘The Sentinel‘ es pura historia del metal y ‘Eat Me Alive’ es uno de los ‘mejores clásicos que no son clásicos’ en los que uno puede pensar. La edición 30 aniversario, editada a todo lujo, se completa con un concierto en el Long Beach Arena acontecido en mayo de 1984, y éste nos muestra a unos Judas Priest sin paliativos, reinando en todo su esplendor a base de clásicos atemporales. Y es que hablamos de 1984, uno de los años dorados del heavy metal, del cual Defenders Of The Faith es uno de sus mayores exponentes y que, para qué nos vamos a engañar, forma parte de una historia que será muy difícil que se vuelva a repetir. El heavy metal vuelve al underground y parece complicado sacarlo de ahí, pero siempre nos quedarán joyas inmortales como ésta para rememorar su época dorada. RICHARD ROYUELA

RED CITY RADIO Red City Radio (STAPLE)

PUNK ROCK

raíz de la salida el año pasado del guitarrista y cantante Paul Pendley, Garrett Dale se ha quedado como único vocalista de Red City Radio y entendemos también que como máximo responsable de su dirección musical. Quizá eso explique el pequeño giro que presentan en su tercer álbum, acercándose a un rock americano de corte más clásico, y por qué han decidido titularlo con el propio nombre del grupo. ¿Estamos ante un nuevo inicio? Es posible que sí. Si alguien se pregunta cómo sonaría Bruce Springsteen si

hubiese nacido unos años más tarde y le hubiera dado por hacer punk rock, aquí encontrará la respuesta. Es evidente que bandas como Hot Water Music, Against Me! o, por supuesto, The Gaslight Anthem han puesto de relieve la influencia del icono de New Jersey en la escena punk rock, pero aquí se manifiesta de manera aún más explícita. En sus diez canciones, comandadas en todo momento por la profunda y raposa voz de Dale, los de Oklahoma se regalan con un festín de estribillos vitalistas (‘Stranger’, ‘Two Out Of Three Ain’t Rad’, ‘Rest Easy’), guitarrazos a lo Social Distortion (‘Watcha Got’, ‘In The Meantime’) y temas de carretera (los 7 minutos de ‘I’ll Catch A Ride’) a los que no costaría encontrar un hueco en la discografía de Springsteen. No hacen nada especialmente nuevo, pero con un disco sin un solo tema malo, ejecutado con pasión y pensado para arrasar en directo, el futuro de Red City Radio se presenta más prometedor que nunca. JORDI MEYA

críticas

HARDCORE SUPERSTAR HAS DE SABER... FORMACIÓN: Joakim ‘Jocke’ Berg (voz), Vic Zino (guitarra), Martin Sandwik (bajo), Magnus ‘Adde’ Andreasson (batería) PRODUCIDO POR: Hardcore Superstar AFINES A: Backyard Babies, Buckcherry, Hanoi Rocks PÁGINA WEB: www.hardcoresuperstar.com

HCSS (GAIN MUSIC) HARD ROCK

ardcore Superstar tuvieron la mala suerte de coincidir en el espacio (Escandinavia) y el tiempo (finales de los 90) con otras bandas que eran mucho mejores que ellos. Que los suecos quedaran como los segundones de la clase ante nombres de la talla de The Hellacopters, Gluecifer o Backyard Babies era lógico. Pero, paradojas de la vida, el cuarteto liderado por ‘Jocke’ Berg ha logrado sobrevivirles y, después de veinte años, cuenta con una popularidad más que aceptable en su país y sigue haciendo escapadas fuera con regularidad. Quizá por eso, llegados a su décimo álbum, han decidido darse una

especie de autohomenaje y recuperar las primeras maquetas que grabaron en 1994 para inspirarse. O quizá es que andaban cortos de ideas, quién sabe. El álbum se inicia con cuatro temas de puro sleazy, con riffs rockeros y estribillos descarados con los que se les suele identificar, siendo ‘Don’t Mean Shit’ el más destacable, pero sinceramente, a todos les falta algo más de punch. El quinto corte, la larga ‘Fly’, suena como una balada grunge hecha por Mötley Crüe. No es una buena idea sobre el papel y tampoco lo es una vez escuchada. ‘The Ocean’ opta por un estilo más metal para pasar en cuanto entra la voz

hacia un rollo a lo Jane’s Addiction, pero la mezcla no acaba de estar bien resuelta. ‘Touch The Sky’ es algo más prometedora gracias a un toque glam futurista, aunque su estribillo resulta demasiado genérico. ‘Growing Old’ se inicia con unos teclados muy prog rock antes de que, ahora sí, un riff cortante y la ejecución vocal de Berg tengan la fuerza necesaria. Ésta se mantiene en la setentera ‘Glue’, con un estribillo muy Mötley Crüe, y la final ‘Messed Up For Sure’, con la que logran remontar algo el vuelo... Aunque si quieren seguir volando otros veinte años, más vale que sus próximos trabajos sean bastante mejores que éste. JORDI MEYA

HABLAMOS CON... ‘JOCKE’ BERG He leído que para inspiraros para este disco recuperasteis algunas de vuestras primeras maquetas, ¿pero han acabado algunos de esos temas en el disco? “Sí, tres de esas canciones las cogimos para hacerles algunos retoques y han acabado en el disco. Son ‘Glue’, ‘Fly’ y ‘Growing Old’. Todavía nos sonaban tan bien que nos parecía un desperdicio no usarlas. Y a partir de ahí nos pusimos a escribir temas nuevos”. ¿Y por qué no las habíais usado antes? “Lo que pasó es que nos habíamos olvidado de esas maquetas. Las hicimos hace veinte años. Fue un fan quien las encontró y se las dio a Martin. Cuando él las escuchó me dijo ‘Tienes que escuchar esto. ¡Es

la hostia!’. Y yo también aluciné. No recordaba que cantara tan bien hace veinte años (risas). La verdad es que tenemos mucho material que nunca hemos usado por lo que fuera... Quizá recuperemos algo más en el futuro”. En algunos de vuestros discos habéis tirado más hacia el sleazy de los 80, en otros al hard rock de los 70, éste es un poco más grunge… ¿Qué os marca la dirección? “Sobre todo la música que escuchamos. Esta vez escuchamos mucho a Alice In Chains, Mother Love Bone, y se nota sobre todo en las guitarras. Además no nos gusta hacer el mismo disco dos veces... Siempre queremos ofrecer algo fresco”. ¿Cómo te sientes estando en un grupo que lleva dos

décadas en activo? “No es nada común que un grupo dure tanto. ¿Y sabes cuál es el secreto además de ser amigos? Nos repartimos todos los ingresos al 25% y eso ayuda a evitar que haya discusiones por el dinero”. Aunque el grupo es famoso en Escandinavia, en un país como España seguís siendo una banda pequeña. “En Italia metemos a mil personas, en Finlandia 2.000, en Japón 1.500. En enero tocamos en el Whisky A Go Go de Los Ángeles, por primera vez en diez años, y agotamos las entradas. El propietario nos dijo que no había pasado desde hacía un año y medio. En España es bastante menos, sí, pero espero que cambie algún día”. (DAVID GARCELL)

críticas

SOMAS CURE Mitos

(AUTOEDITADO/FAIR WARNING)

METAL ALTERNATIVO

espués de haber hecho bastante ruido con sus dos discos anteriores, los madrileños Somas Cure tenían la oportunidad con su tercer trabajo de ampliar sus horizontes, tanto musicales como de público. Y eso es lo que Mitos transmite: una banda suficientemente segura de sí misma como para dar un paso más allá, y sin dejar atrás su estilo, moldearlo de tal manera que pueda llegar a más gente. Eso se aprecia especialmente en el tratamiento vocal de Txema Fonz, mucho más melódico y con la producción de Carlos Santos dando más visibilidad a buenas letras como la de ‘El Buen Soldado’. La consecuencia inmediata es que estamos ante su colección de canciones más accesibles hasta la fecha, acercándolos a un sonido que bien

ÓSSERP

Sang I Sutge (VARIOS SELLOS)

METAL EXTREMO

enudo hostiazo’, piensas cuando ‘Ensorrant Castells’ empieza a supurar por los altavoces de tu equipo. La mescolanza de propuestas extremas de Ósserp es brutal... Quizás le den más vidilla al grindcore y al death sueco de la vieja escuela (Entombed style), pero los demoníacos riffs del black metal también asoman con fuerza, así como la guarrería crust. Un lacerante acople, un riffaco de puro death, unas líneas de bajo distorsionado y un blast beat descomunal saludan los primeros

podría seducir a los fans de Sôber gracias a estribillos de índole épica como los de ‘Llueve’ o ‘Despierto’. Aun así, Somas Cure no se han olvidado de sus raíces metálicas y tanto los riffs (‘Di Mi Nombre’) como los punteos (‘Helios’), como algunos arrebatos guturales (‘En El Reino Del Lobo’), los mantiene conectados al death metal melódico escandinavo, algo que

refuerza que hayan optado por la masterización de Mika Jussila en los Finnvox Studios. Cierra el disco ‘Nunca Jamás’, una balada con piano y cuerdas que, aunque personalmente no me convence, como mínimo reafirma que Somas Cure actúan sin complejos. Y eso, para cualquier banda que aspire a tener un futuro, es fundamental.

compases del tema título, otra de esas bombas que te dejan noqueado. A estas alturas ya casi estamos seguros de que han mejorado ostensiblemente su anterior EP Sota El Cinturó D´Orió, idea que queda confirmada con la audición de ‘Heretant Enemics’, uno de esos temas que si hubiera sido parido en la Escandinavia de los 90 sería hoy un clásico absoluto. Producido, grabado y mezclado en Barcelona por Aleix Archs y Jordi Mas (tan sólo el master lo ha realizado en Pórtland Brad Boatright), el sonido que han sacado demuestra que no hace falta

irse demasiado lejos para mirar de tú a tú a cualquier producción con un nombre mediático en los créditos. Os lo advertimos, no se andan con tonterías, esto es media hora de infierno metálico sin ningún tipo de concesión. Un pedazo de disco que deben de conocer todos aquellos que, orgullosos, lucen sus parches de Napalm Death, Bolt Thrower o Entombed. Éstos ni son suecos ni británicos; son catalanes y suenan igual de dañinos y poderosos que cualquiera. Yo de ti no me los perdería.

DAVID GARCELL

ANDRÉS MARTÍNEZ

RYAN BINGHAM Fear And Saturday Night (AXSTER BINGHAM)

AMERICANA

ien saben los aficionados al americana que la figura de Ryan Bingham resulta imprescindible para entender el devenir del género en la última década. Para quienes no le conozcan, este cantautor de Nuevo México inicialmente se ganaba la vida participando en rodeos y montando toros. Una inoportuna lesión hizo que prestase mayor atención a su pasión por la música y tras dos álbumes autoeditados, Marc Ford, guitarrista de The Black Crowes, le descubrió para así dar salida a dos obras maestras como

Mescalito y Roadhouse Sun. Su carrera alcanzó su punto álgido cuando en 2010 ganó el Oscar por el tema ‘The Weary Kind’ para la película Crazy Heart. Pero entremedias también tuvo que sufrir el suicidio de su padre y la muerte de su madre por alcoholismo. Toda una vida de película a la que ahora hay que sumar un nuevo capítulo, el quinto ya, llamado Fear And Saturday Night. En él hallamos a un Bingham establecido y felizmente casado con un primer retoño en camino. Es por ello que el álbum fluye de una manera más pausada y reflexiva cuando se hace acompañar únicamente por su acústica en ‘Nobody Knows My Trouble’ o ‘My Diamond Is Too Rough’, tallando diamantes de buen country rock. También hay huecos para que sus fieles escuderos, Dead Horse, luzcan en las algo más rockeras ‘Top Shelf Drug’, mi preferida ‘Hands Of Time’ y la vitalista ‘Adventures Of You And Me’. Lejos de sus mejores obras, pero mejorando notablemente sus dos últimas referencias. GONZALO PUEBLA

evolucionar y de empezar de cero otros proyectos sin ese encorsetamiento forzado por su entorno. El presente Everything Ever Written llega cuando todos dábamos por póstumo su anterior trabajo, el alegre Post Electric Blues. Fue el primero que autoeditaban, al margen de IDLEWILD Everything Ever Written las presiones e imperativos (ESSENTIAL) de la industria discográfica, ROCK para unos 3.000 seguidores a través de su propia página 70 web. Con Everything Ever Written repiten estrategia. Producido por el guitarra Rod Jones y financiado por sus on 100 Broken seguidores, en su séptimo Windows y, sobre todo, The Remote Part, largo encontramos una banda en proceso de reinvención, la carrera de los escoceses acercándose al rock más Idlewild pasaba por su mejor clásico y atemporal, con momento, y los más talluditos predominio del sosiego por recordaréis temas tan encima del impulso. Hacen memorables como ‘American algo así como americana a English’ o ‘A Modern Way la escocesa (lo bordan en Of Letting Go’. A partir de ‘Come On Ghost’, ‘Every aquí, todo fue cuesta abajo. Little Means Trust’ y ‘So Los propios miembros de la Many Things To Decide’) banda, aunque sacaron otros sin renunciar a la distorsión discos más que correctos, (‘On Another Planet’) y sin aborrecieron por manido cortarse ni un pelo (el rollo y quizás ya previsible rock funk de ‘Collect Yourself’ y las guitarrero que todos, público programaciones ochenteras y sellos, esperábamos de de ‘Left Like Roses’). ellos. Eso explicaría la LUIS BENAVIDES necesidad casi vital de

críticas

CODY BEEBE & THE CROOKS Out Here (AUTOEDITADO) ROCK

ue en los controles del disco encuentres un nombre como el de John Goodmanson ya es una garantía de calidad. Este tipo, famoso por involucrarse sólo con artistas que le motiven, ha trabajado con gente de la talla de Mother Love Bone, Alice In Chains o Sleater Kinney y ahora está como loco con este quinteto de Seattle que, en cierto modo, recoge el testigo de aquellas bandas que reinventaron el panorama musical en los 90. A pesar de que ellos se autodefinen como una banda de simple y

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contundente rock americano, su personalidad está muy cerca de la de gigantes del grunge como Soundgarden y Pearl Jam, sobre todo de estos últimos. El tono vocal de Cody Beebe es muy parecido al de Eddie Veder, y es inevitable que te vengan a la cabeza discos como Ten o Vs escuchando sus canciones, pero es absolutamente cierto que ese toque de roots music que añaden de manera convincente les viene muy bien y les aparta de ser unos simples imitadores. No me gustaría ser exagerado, pero que me maten si por ‘Never Too Young’ no planea la sombra de Temple Of The Dog. ¿Y qué decir de ‘Alleway’? Rock musculoso de guitarras robustas y melodías embaucadoras. Algo más brutotes se ponen en ‘Hold The Line’, otro pepinazo de riffs gruesos y contundentes, pero enseguida se encargan de ir rebajando la tensión con composiciones de pulso más tradicional como esa bella ‘Sweep’ donde mandan los pianos y las acústicas. Precioso disco. ANDRÉS MARTÍNEZ

ESKORBUTO

Los Demenciales Chicos Acelerados (MUNSTER) PUNK

sí de salida parece casi un oxímoron que, Eskorbuto, la banda más autodestructiva que ha dado nunca el punk estatal, se aventurara a hacer una compleja obra conceptual. Pero así eran ellos, les importaba todo una mierda y hacían lo que les daba la gana. Quizás tampoco debería de sorprender tanto porque los tres Eskorbuto nunca negaron que eran fans de bandas clásicas como Led Zeppelin o The Who, a los cuales intentaron emular creando su propio Quadrophenia. Por loca que pudiese parecer la idea, lo

cierto es que Iosu la tocaba más de lo que muchos creían, ya que después de haber sentado cátedra con dos de los discos más punks nunca hechos, Eskizofrenia y Anti Todo, tampoco había mucho más donde rascar siguiendo esa dirección. Los Demenciales Chicos Acelerados fue una obra conceptual sobre la represión de las dictaduras políticas –por hacer un resumen ligerocon momentos musicales brillantes y otros que no tanto, pero para la que el tiempo ha jugado a su favor. Fue llevar su punk de guerrilla a otra dimensión y hacerlo con bastante criterio. De la historia del disco mejor hablar en otro momento... Editado originalmente por Discos Suicidas, el grupo vendió el mismo master a Twins, que lo editó unos meses más tarde. ¿Quién podría hacer eso sino Eskorbuto? Aquí tenemos la edición original, con una de las mejores portadas que nunca haya dado el punk patrio. Sin ser su mejor disco, imprescindible en cualquier colección. RICHARD ROYUELA

GRAVEYARD

The Coffin Years (BLACKSEED PRODUCTIONS) DEATH METAL

entro de nuestro territorio, seguramente sean Graveyard los que mejor han asimilado el viejo sonido death metal de Estocolmo. Con mucho más reconocimiento fuera de nuestras fronteras que aquí, un clásico ya, lo que nos presentan en The Coffin Years es un distendido paseo por todo ese material que han ido almacenando entre 2007 y 2014 en splits, regrabaciones o registros en vivo. Lo que podría ser visto como una compilación de relleno adquiere un plus de divertimento porque la verdad es que son canciones de difícil acceso a no

ser que seas un auténtico enfermo de ellos, con el añadido de que, además, cada uno de los cortes cuenta con su particular historieta en el libreto, como esa abominable ‘Blood Of Vengeance’ del Party.San de 2013, una ‘Ridding A Pale Horse’ tomada de su gira con Tormented o una ‘Walking Horrors Of The Undead’ made in Obscene Extreme. El cachondeo que se llevan con que algunos soplagaitas crean que su habitual versión de ‘Cenotaph’ de Bolt Thrower sea suya cuando la ejecutan en directo les sirve para brindarla junto a otras versiones como una ‘Deaf Forever’ de Motörhead que madre mía, ‘The Usurper’ de Celtic Frost, ‘Corporal Jigsore Quandary’ de Carcass, ‘Remember The Fallen’ de Sodom o una ‘In The Shadow Of The Horns’ de Darkthrone realmente ladina. A todos esos cortes súmenle temones propios como ‘One Of Them’, ‘What Dwells Beneath’ o ‘Silent Whispers Of The Graveless’ y, hala, tarde de lo más entretenida. PAU NAVARRA

MORGOTH Ungod (CENTURY MEDIA) DEATH METAL

an pasado 19 años desde su última obra, más de dos décadas si nos fijamos solamente en sus álbumes dignos de mención, pero el rumor es cierto: el Enemigo Oscuro ha vuelto a la Tierra Media para sembrarla otra vez de desdicha y pavor. En efecto, Morgoth retornan con Ungod, un álbum que, desde luego, si algo destila es puro clasicismo y cero intenciones de desviarse de todo aquello que les dio un nombre por siempre recordado. Death metal lacerante a medio tiempo, no demasiado dado al blast beat, que a

medida que avanza deja páramos yermos y millares de viudas. Lo que todos y todas esperábamos de una nueva obra suya, vamos. ‘God Is Evil’ desprende canas y patas de gallo, espaldas dobladas de tanta furgoneta, ese death metal que sólo la vieja guardia sabrá agradecer, y lo mismo puede decirse de canciones como ‘Descent Into Hell’, ‘Snakestate’, ‘Black Enemy’ o ‘Prison In Flesh’. Hasta ‘Ungod’, un tema instrumental, luce en esta colección. De los años mozos de la banda sólo aguantan los guitarristas Harald Busse y Sebastian Swart, pero eso es más que suficiente para que los teutones nos den numerosos motivos para seguir amando el metal muerto hasta el fin de nuestros días. Además, el cantante Karsten Jäger de Disbelief ha hecho un trabajo excelente. A ver si ahora se animan Bolt Thrower y tenemos la fiesta completa. Cerrar con otro tema sin voz como ‘The Dark Sleep’ no me parece lo más acertado, pero lo dicho… Mucho pedigrí. PAU NAVARRA

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críticas

VV. AA.

¡Chicas! Vol. 2 (MUNSTER)

POP, ROCK

esde que apareció hace un par de años el primer volumen de ¡Chicas! que ese doble álbum ha sido un referente personal a la hora de celebrar un cielo soleado o intentar huir de esos días grises que se meten en la cabeza de uno sin saber muy bien por qué. Aquello era una absoluta reivindicación del pop (femenino), repleto de temazos irresistibles y versiones imposibles (de The Rolling Stones sin ir más lejos). Nunca esperé una continuación de aquel álbum, pues ¿hasta dónde llegó la producción en aquella época?, y por eso he recibido con júbilo la llegada de un nuevo volumen que, ya de paso, me hace pensar que igual hay un tercero. De nuevo jugando con el concepto de incluir canciones de vocalistas femeninas que apenas dejaron producción,

MI CAPITÁN Drenad El Sena (MUSIC BUS)

POP ROCK

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or fin ha visto la luz el disco de debut de la banda ‘accidental’ Mi Capitán. Y es que Mi Capitán surge como resultado de unas jam sessions protagonizadas por un puñado de amigos, que casualmente son integrantes de algunos de los grupos indies más importantes de nuestro panorama, como son Standstill y Love Of Lesbian. Se juntaron por entretenimiento y también para oxigenarse de sus respectivas bandas. Y la cosa cuajó. Se lo pasaban bien, pero también consiguieron captar la atención del público sin

y las que la dejaron, Paloma San Basilio o Rocío Durcal, lo hicieron en otros ámbitos bien diferentes, este nuevo volumen es otro pleno al 15 en lo que se refiere a canciones pop de tres minutos absolutamente redondas. De entre las 28 piezas es complicado encontrar momentos que destaquen por encima de otros -me quedo con ‘Tú No Eres Ye-Ye’ de Blanca Aurora

por esa letra tan tremenda-, básicamente porque sería injusto dejar a cualquiera de estas canciones de lado. Triste que nos traguemos toda esa parafernalia hipster que reivindica formaciones de tercera de otras épocas cuando en nuestra propia casa tenemos material de primera. Imprescindible de nuevo.

apenas hacer promoción. Prueba de ello fue su primer concierto, en el que colgaron el cartel de sold out como resultado de un boca-oreja natural. Drenad El Sena es un disco concebido a la vieja usanza; como si fuera un vinilo. Se compone de diez temas, y lógicamente empieza con uno de sus pelotazos, ‘Acaba Con Él’, un corte perfecto que lo tiene todo: riff cortante, corporeidad sonora rotunda, letra vivaz e interpretación más que correcta por parte de Gonçal Planas. Le sigue ‘Es Suave la Voz’, un medio tiempo con una melodía

de clara ascendencia britpop. ‘El Coleccionista’ es uno de los temas que concentra mayor épica. Es una progresión que va de menos a más, que recuerda a sus amigos Sidonie. ‘Algo Inesperado’ es otro de los momentos álgidos del álbum. En definitiva, el debut de Mi Capitán convence, y lo hace porque es directo y sin pretensiones. Es un trabajo homogéneo, que plasma muy bien un momento determinado, aunque bien es cierto que la distancia entre los hits y el resto todavía es bastante notable.

RICHARD ROYUELA

LLUÍS S. CEPRIÁN

LIEUTENANT

El siempre discreto Nate Mendel sale momentáneamente de la sombra de Foo Fighters para lanzar su primer disco en solitario bajo el nombre de Lieutenant. Hablamos con él sobre cómo se siente siendo el protagonista después de toda una vida ejerciendo el papel de secundario. Texto: Jordi Meya Fotos: DR

ate Mendel debe ser uno de los músicos más modestos y tímidos de los que actualmente tiene la oportunidad de tocar en estadios. Por eso no sorprende que lanzara su primer trabajo en solitario If I Kill This Thing We’re All Going To Eat For A Week (Dine Alone/Music As Usual) sin que apenas hubiera trascendido ninguna noticia de que lo estaba grabando y con muy poca fanfarria. Aun así, el debut de Lieutenant contiene unas notables canciones de indie rock por parte del que también fuera bajista de Sunny Day Real Estate y The Fire Theft, que merecen cierto reconocimiento más allá de la proyección que conlleva ser miembro de Foo Fighters. Aunque las situaciones no tengan nada que ver, su, llamémosla, estrategia recuerda bastante a la que el propio Dave Grohl utilizó cuando lanzó el primer disco de Foo Fighters, haciéndose cargo de todos los instrumentos, incluida la voz, y utilizando el nombre de un grupo en lugar del propio. Mendel, que ya ha empezado a dar algunos conciertos, en los que le acompañan miembros de Fleet Foxes, Snow Patrol o The Bronx, tiene claro que su prioridad sigue siendo Foo Fighters, pero, a sus 46 años, está claro que se

ha ganado el permitirse darse un capricho. Tu disco como Lieutenant apareció en marzo casi por sorpresa. ¿Habías mantenido el proyecto en secreto a propósito? NATE MENDEL “Sí, no quería meterme presión. No quería encontrarme en la situación de anunciar que iba a hacer un disco y si luego no me hubiera gustado, verme obligado a publicarlo igualmente”. ¿Cuándo empezaste a pensar en hacer un álbum por tu cuenta? “De manera seria, hará unos tres años. Había estado componiendo con guitarra por diversión, haciendo maquetas caseras, y en un momento dado tenía como unas 40 ideas. Pensé que igual estaría bien concentrarme y terminar 13 canciones salidas de ahí. Así que me impuse cierta disciplina y trabajar de nueve a cinco tantos días como podía para conseguirlo”. ¿Cuando eras un chaval habías aprendido a tocar música con una guitarra y luego cambiaste al bajo o empezaste directamente con

el bajo? “La verdad es que cuando era un niño empecé tocando el violín. Y luego ya empecé a tocar el bajo en grupos durante 25 años. Nunca me había tomado en serio aprender a tocar la guitarra. Me gusta haberme centrado en el bajo. Muchos grupos tienen a guitarristas que acaban tocando el bajo, pero a mí me gusta el bajo, es mi especialidad. Pero llegó el momento en el que me apetecía coger ideas que tenía y que no encajaban en Foo Fighters, y para eso necesitaba hacer un cambio de chip”. Otra sorpresa es escucharte cantar, porque ni siquiera en directo sueles hacer coros con Foo Fighters. ¿Te costó autoconvencerte de que podías cantar en un álbum entero? “Sí (risas). A veces canto en la ducha, en el coche, en el karaoke, pero en este disco me apetecía escribir las letras… La verdad es que soy bastante introvertido y para ponerte delante de un micro hay que ser extrovertido, así que tuve que aprender cómo hacerlo. Creo que no ha salido mal del todo (risas)”. ¿Cuál fue la canción que te costó más escribir?

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“Sonic Highways era una idea tan ambiciosa que es natural que el proceso eclipsara el resultado” Nate Mendel “La primera que me viene a la cabeza es ‘Artificial Limbs’, porque pensaba que era una canción con mucho potencial, pero se me escapaba cómo hacerla. Quería hacer un gran himno, pero me daba miedo que acabara sonando como un tema de un musical de Broadway, y si la hacía más suave, no tenía el poderío que quería, así que me costó encontrar el enfoque adecuado. Cuando aprendes a tocar un instrumento, a medida que ganas habilidad te resulta más fácil encontrar partes adecuadas, y el estribillo de esa canción necesitaba a un cantante muy resolutivo, así que

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tuve que esforzarme mucho hasta encontrar algo que me resultara satisfactorio. Fue un gran desafío. Esa canción fue una putada (risas)”. En el disco sólo te acompaña Joe Plummer, el batería de The Shins, algo que recuerda mucho al enfoque que tuvo Dave en el primer disco de Foo Fighters. ¿Te animó Dave a hacerlo así o es que no querías tratar con otros músicos? “De hecho Taylor (Hawkins) me animó a también tocar la batería en el disco, pero no soy demasiado

bueno (risas), y habiendo tocado con baterías tan buenos toda mi vida, pensaba que sería un poco penoso. La verdad es que quería mantener el control de todo y quizá tener a alguien que me ayudara en cosas puntuales. Prefería tener interpretaciones correctas pero que fueran mías, que no tener a un genio que lo tocara perfecto. Pero aun así, conté con un gran batería”. Bueno, y también hay otros invitados interesantes por los que me gustaría preguntarte... Uno de ellos es Page Hamilton de Helmet,

LiEUTENANT por ejemplo. “Conozco a Page desde hace años. Me gusta el hecho de que se toma muy en serio su instrumento y le gusta experimentar. Recuerdo que estaba encallado con una idea y él me ayudó a darle vida”. Jeremy Enigk está en ‘The Place You Wanna Go’. Aunque habías vuelto a girar con Sunny Day en 2009, supongo que no habíais grabado juntos desde The Fire Theft, ¿no? “Bueno, hace un par de años grabamos un tema de Sunny Day, pero básicamente hacía mucho tiempo. La verdad es que nos entendemos muy bien. Me encanta cómo canta. Le mandé el disco y se mostró muy entusiasmado con la idea de que estuviera haciendo algo por mi cuenta y parecía que de verdad le gustaban los temas. Acabó haciendo coros en muchas canciones”. También en ‘The Place You Wanna Go’ toca Chris Shifflet. ¿Se cabrearon los otros Foo Fighters de que sólo le invitaras a él? “(Risas) Quería tener cuidado porque no quería que pareciera

“No sé si pienso en esos términos. Para mí es simplemente otra vía para hacer música. Me siento muy cómodo siendo bajista, pero quería experimentar cómo era eso de escribir letras y cantar delante de la gente. Y por ahora me gusta. Sinceramente, dudo que eclipse lo que hago como bajista, pero me gusta tenerlo como algo en paralelo”. que me estaba aprovechando de Foo Fighters. Pero terminé el disco y había una línea de guitarra que no me salía muy bien. Así que pensé ‘a la mierda, voy a llamar a Chris’. Y en dos minutos la tenía grabada (risas). Pero me gusta que sólo haya un tío de mi banda. Es una manera de mantener la conexión pero sin que eclipse el resto”. Grabaste el disco en vuestros Studios 606. ¿Tienes las llaves de ahí? ¿Puedes usarlo cuando te dé la gana o tienes que pedirle permiso a Dave Grohl? “Bueno, siempre hay mucha actividad ahí. Todos tenemos proyectos paralelos y además lo alquilamos a otras bandas para poder pagar las facturas, así que tienes que buscarte un hueco, no es tan fácil (risas)”. Para mucha gente siempre serás el bajista de Sunny Day Real Estate y para otros siempre serás el bajista de Foo Fighters. ¿Es Lieutenant una manera de que se te aprecie por tus propios méritos y no como parte de una banda?

¿Crees que te leerás las críticas de tu disco de manera distinta a como lo haces con los discos de Foo Fighters? ¿Te dolerá más si lo dejan mal? “Supongo que sí porque mi responsabilidad con Foo Fighters se limita a lo que hago con el bajo. Pero en este disco están mis palabras, mi voz, así que tendré la sensibilidad a flor de piel. Dicho esto, no pienso leer ninguna crítica que se publique (risas)”. ¿Y estás contento con cómo ha sido recibido Sonic Highways? Parece que la serie eclipsó un poco el disco... “Es posible, pero éramos conscientes de que era una idea tan ambiciosa que es natural que el proceso eclipsara el resultado. No era simplemente hacer otro disco de estudio. Creo que el álbum ha funcionado bien, pero no me sorprende que la serie tuviera más atención”.

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KASPAROV VS. DEEP BLUE

OK COMPUTADORa

SU NOMBRE NO ES ESPECIALMENTE FÁCIL DE RECORDAR, PERO UNA VEZ ESCUCHES LA SUGERENTE MÚSICA DE KASPAROV VS. DEEP BLUE ES MUY PROBABLE QUE NO TE OLVIDES DE ELLOS. Texto: IGNACIO REYO Foto: DR

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an editado un EP homónimo y acaban de terminar de grabar su primer disco en largo. Los burgaleses Kasparov Vs. Deep Blue son uno de los grupos que, con tan corta experiencia, más posibilidades tienen de poder generar algo diferente, al menos en su comunidad autónoma, Castilla y León. Su amalgama de sonidos, que evoca a Radiohead, Sigur Rós o Mogwai, depende de la sinergia que crean entre todos, como respon-

“Nuestra expresión artística favorita es la música, pero no la única” SAMUEL PEÑAS

de Samuel Peñas, su guitarrista, que actúa como portavoz del grupo que completan Jag Stone (voz, guitarra, piano), Pablo ‘Pollos’ Sedano (batería), Miguel Velasco (electrónica, sintetizador), Pablo Lobo (guitarra, sintetizador) y Héctor Monje (bajo). “Efectivamente existen muchos gustos diferentes en el grupo. Somos seis componentes, y además ninguno de nosotros tiene un campo cerrado de influencias musicales. Si a esto le sumas el que todos somos consumidores casi compulsivos de música, el resultado es una extensión prácti-

camente inabarcable. Tampoco hay ninguna premisa de estilo, esto es lo que más nos gusta. Nos centramos en las zonas comunes. Solemos partir de algunas ideas concretas que han surgido en casa, pero luego es curioso cómo se llega a coincidir en determinadas intenciones musicales, viniendo de sitios tan a priori distintos. Es algo que comentamos muchas veces ensayando a lo mejor una parte de una canción, intentando encontrar adjetivos para definirla y poniendo ejemplos de grupos cada uno diferentes”. Un grupo que como su propio nombre indica no se queda en la superficie, que aglutina enjundia tanto en continente como en contenido. Una cuestión que se afirma a nivel visual, en la presentación de este primer artefacto. “Sí, nuestra expresión artística favorita es la música, pero no la única”, asegura Samuel. “Además es la que mejor suma con el resto. El diseño de la portada es de Óscar Ortega, de Molde Estudio. Tenía libertad absoluta, lo único que le dijimos era que no queríamos nada relacionado con el ajedrez. Es muy bueno y es una portada que estoy seguro de que aguantará muy bien el paso del tiempo, de hecho ahora me gusta más que el primer día. En los conciertos también intentamos incorporar elementos visuales, con proyecciones que acompañen y aporten cosas”. Otro apunte es el del ajedrez, el origen del nombre del grupo, por las seis ínclitas partidas entre una computadora y el célebre jugador, en 1996, y que se repetirían al año siguiente. En la primera ocasión ganando el ruso, en la segunda perdiendo. “Bueno, lo de las partidas de Garry Kasparov con el ordena-

dor de IBM supongo que lo conoce casi todo el mundo. Hombre versus máquina, tecnología y emoción, guitarras y sintetizadores. Es una declaración de intenciones en cuanto a pasar del circuito comercial”. Ya han dado conciertos teloneando a grupos queridos por esta revista como Toundra, y están a la espera de las gestiones para su nuevo álbum, acá, el diseño, la masterización y ese tipo de detalles que son de alta importancia. Cuando le pregunto a Samuel por el nuevo disco, todavía se encontraban en el estudio de grabación. De hecho, en la conversación que tenemos suenan temas del artista de culto del country Gene Clarke o la buena nueva de Tame Impala ‘Let It Happen’. ¿Cómo será la verdadera apuesta, ópera prima del grupo? “Parece que será más atmosférico que el EP. Estamos grabándolo, y lo bonito es que hay bastantes cosas que no sabemos hacia qué dirección se desarrollarán. El sonido actualmente es más vintage, pero también va a haber partes con mucha intensidad. Algunas canciones ya las habíamos tocado en directo y otras las acabamos de hacer. Hay una que estamos acabando en el estudio directamente”. Éste es el presente más inmediato de un grupo de nombre difícil de recordar en esta época de celeridad y consumo fácil. Esperemos que su explosión no sea de combustión espontánea, sino que sea un longevo fuego en una escena, la española, que necesita propuestas heterogéneas, fuera del circuito de grupos obvios.

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THERAPY?

Veinte años DESPUÉS de publicar su totémico Troublegum, Therapy? vuelven A entregarnos un disco repleto de canciones vibrantes y una buena dosis de humor negro. Nunca es tarde si la dicha es buena. Texto: Jordi Meya Fotos: DR

n un mundo dominado por el grunge y el britpop un trío de Irlanda del Norte encontró una brecha para hacerse oír. Y el público escuchó. Más de un millón de personas compraron su segundo largo Troublegum y, durante unos años, su perfecta mezcla de

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rock, post punk y metal formó parte de la banda sonora de esos dorados 90. Pero su momentum pasó y poco a poco Therapy? fueron perdiendo relevancia, con cada disco que publicaban obteniendo menos repercusión que el anterior. Pese a todo, el grupo nunca ha tirado la toalla y se ha adaptado a esta situación echándole a me-

nudo más coraje que inspiración. Pero a raíz de la gira en 2014 para celebrar el 20 aniversario de Troublegum, Andy Cairns (voz, guitarra), Michael McKeegan (bajo) y Neil Cooper (batería que lleva con ellos desde 2003) parecen haber reavivado su fuego interno para presentar un nuevo álbum, Disquiet (Amazing Record Co.), que

la motivación durante tanto tiempo para escribir un nuevo disco, grabarlo, promocionarlo, etc.? MICHAEL McKEEGAN “Siempre nos ha gustado la música que hacemos y la música en general. Tenemos la suerte de que la música es nuestro hobby y también nuestro trabajo. Siempre hemos sido conscientes de que no podíamos dar nada por seguro. Sabemos que no podemos ser vagos o repetir lo mismo una y otra vez y pensar que a todo el mundo le gustará. En realidad es bastante simple: se trata de no olvidar por qué empezamos el grupo”.

recuerda a sus mejores momentos. En él pintan un retrato bastante negro de la realidad, pero con un indudable gancho melódico. Su bajista nos contó cómo han llegado a él después de años de vivir en la trinchera. Disquiet es vuestro álbum número 14. ¿Cómo se mantiene

El álbum se grabó hace un año. ¿Cómo has llevado este tiempo de espera? “En realidad ha sido genial porque he podido escuchar un gran disco en casa sin que nadie más lo tuviera (risas). Pero ahora me interesa escuchar lo que los demás tienen que decir. La suerte es que Therapy? no depende de ninguna moda, así que da igual que el disco saliera hace un año o ahora. Tenemos nuestro propio ritmo. Grabamos el álbum por nuestra cuenta y luego lo presentamos a varios sellos para ver cuál mostraba más entusiasmo. Muchos sellos conocen a Therapy? y piensan ‘OK, lleváis mucho tiempo, tenéis fans y venderéis cierto número de copias’, pero queríamos a alguien que tuviera un plan, no simplemente que lo editara y esperara a ver qué pasaba. Así que estuvo bien ocuparse primero de la parte creativa y luego de la del negocio, para que el sello no pudiese entrometerse en la música o la imagen del grupo”. ¿Pero todavía hoy hay algún

“Nosotros siempre nos hemos promocionado a través de la música, porque tus canciones siempre estarán ahí, pero tu pelo es posible que no” MICHAEL MCKEEGAN

sello que os diga ‘deberíais cortaros el pelo de esta manera o haceros más tatuajes’? “No en los últimos 15 años (risas). Ese tipo de charlas se acabaron hace mucho tiempo. Creo que saben que no encajamos en una escena o una moda. Nunca ha sido nuestro estilo. Empezamos antes que el grunge y nunca encajamos en eso. Tampoco encajamos en el nu metal, ni tampoco en el nuevo punk. Creo que en realidad a los sellos les gusta que no pertenezcamos a un género concreto. No necesitamos a nadie que nos diga cómo debemos vestir o qué decir en las entrevistas. Es una buena posición en la que estar. A veces te encuentras con bandas jóvenes en la carretera y te cuentan que el sello les ha pedido que echen a su cantante o que fichen a un batería más guapo… auténticas locuras. ¿Para qué fichas a un grupo si luego quieres cambiarlo para que se parezca a otros 15 grupos iguales?”. La paradoja es que aunque ahora los sellos hayan perdido mucho poder, los grupos parecen más dispuestos a aceptar ese tipo de cosas. “Nosotros hemos estado en sellos independientes y en multinacionales, y también tuvimos nuestro propio sello cuando empezamos el grupo, y cada 111

THERAPY? una de esas situaciones puede ser muy buena pero también muy mala. Creo que algunos combos no tienen claro lo que quieren ser y por eso es fácil manipularles. La industria musical ha cambiado mucho y los grupos pueden ser más independientes, pero es necesario que sepas quién eres y qué sonido quieres primero. A veces es culpa del sello y a veces de la propia ingenuidad de las formaciones. Así es como se aprende”. Vuestros fans siempre se han acercado a vosotros por vuestra música y vuestra actitud. ¿Crees que eso explica que el grupo siga todavía vivo? “Es muy posible. Cuando empezamos obtuvimos mucha atención, también de la prensa mainstream, pero eso pasó. Y lo entiendo, porque esos medios siempre se fijan en qué es lo próximo, qué es lo nuevo. Nosotros siempre nos hemos promocionado a través de la música, porque tus canciones siempre estarán ahí, pero tu pelo es posible que no (risas). Yo soy un gran fan de Thin Lizzy y está claro que Phil Lynott no tenía la típica imagen de estrella del rock, pero su carisma y su talento para escribir canciones hicieron de él unos de los mejores frontmen de la historia. Tampoco James Hetfield tenía 112

la energía de esa gira se trasladó a Disquiet”.

la típica imagen de estrella cuando empezaron. Ésa es la gente que me interesa”. ¿Os frustra pensar que puede haber gente de 18 años que podría disfrutar con Disquiet pero que quizá no os dé una oportunidad sólo por ser una banda vieja para ellos? “Para serte sincero, la situación ha mejorado. Cuando el rock’n’roll empezó era música para adolescentes, y luego te casabas, tenías hijos y dejabas de escucharlo. Pero ahora hay mucha gente de nuestra edad que viene a vernos. A veces nos dicen ‘hacía diez años que no os veía’. Ahora hay gente de todas las edades en los conciertos, y es bonito”. ¿Fue la gira de aniversario de Troublegum una manera de reconectar con esos fans? “Sí, vimos a mucha gente en esa gira a la que hacía mucho que no veíamos (risas). Fue una celebración. Queríamos tocar esas canciones y que la gente lo pasara bien. Y esa gira también nos sirvió para entrar con una nueva energía en el estudio. Queríamos volver a hacer himnos, que la gente se identificara con ellos. Ya teníamos las canciones escritas, pero sin duda

Todos vuestros discos siempre se comparan con Troublegum. ¿Crees que habéis hecho obras mejores que pasaron desapercibidas por culpa de eso? “Creo que el álbum Infernal Love, que salió después de Troublegum, es igual de bueno, pero como era tan distinto, la gente no le dio una oportunidad. Pero con los años muchos se han dado cuenta de que nuestra intención nunca fue hacer otro Troublegum. Tenemos discos más experimentales y con cada uno aprendes algo. Suicide Pact - You First me gusta mucho también, pero se consideró demasiado ruidoso; en cambio Disquiet, al igual que Troublegum, es un trabajo más centrado en las canciones”. ¿Ese lado experimental es una influencia directa de haber crecido escuchando post punk en los 80? “Piensa que en Irlanda del Norte la escena alternativa no era muy grande, quizá había tres tipos que escuchaban metal, dos que escuchaban punk y cuatro góticos (risas). Escuchabas a Joy Divison, Slayer, Kraftwerk, Swans, pero también música pop como Bryan Adams (risas). Era una mezcla curiosa. Cuando venía un grupo todo el mundo iba a verlo. Ibas a ver a Discharge, a GBH, y luego a Siouxie And The Banshees, The Smiths y luego a Metallica. La escasez te obligaba a tener una mentalidad abierta (risas). A mí me gustan mucho las canciones melódicas, pero también las cosas ruidosas y experimentales. Me gusta escuchar música que no haya oído antes, que incluso ni entienda. Creo que algunos

“Tenemos discos más experimentales, PERO en cambio Disquiet, al igual que Troublegum, es un TRABAJO más centrado en las canciones” MICHAEL MCKEEGAN

ellos. También nos llevamos muy bien con Neil, el batería. Es muy importante. Puede que la tensión creativa funcione aunque te lleves mal, pero quizá sólo dures uno o dos discos”.

de esos elementos los mezclamos con estructuras más tradicionales para crear nuestro sonido”. A pesar de que Disquiet es muy melódico, las letras son oscuras. ¿Es algo irlandés? Lo digo porque en vuestro folklore todo el mundo canta las canciones, pero si escuchas las letras suelen ser deprimentes. “(Risas) Sí, sí, es un gran ejemplo. La filosofía irlandesa es que la vida es negra, pero todos estamos unidos y hay que luchar. Básicamente es instinto de supervivencia. La poesía y la literatura irlandesas son muy oscuras. Pero también hay humor negro. Usamos el humor como mecanismo de defensa. Hacemos bromas de las cosas malas que nos ocurren. Creo que en Disquiet

hay bastante humor negro. Pasan cosas extrañas en Irlanda y siempre se ve el vaso medio vacío, pero quiero que el grupo al final te deje con un pensamiento positivo”. Llevas media vida al lado de Andy, y como en cualquier relación tan larga habréis tenido épocas mejores y peores... ¿Cómo definirías vuestra relación actualmente? “Nuestra amistad va más allá de la banda. Es de locos pensar que nos conocemos desde hace más de 25 años. Nuestras familias se conocen muy bien. Cuando nació mi segundo hijo, los padres de Andy vinieron a verle. De no llevarnos bien no creo que el grupo hubiese durado tanto. No entiendo esos grupos que se odian entre

A nivel personal, ¿cómo habéis llevado el pasar de ser una banda de mucho éxito a una que quizá tiene que volver a cargar sus amplificadores y a viajar en furgoneta? “Siempre hemos pensado que el mundo no nos debía nada. No esperamos ningún privilegio. Es verdad que vendimos un millón de discos y que mucha gente escuchó nuestra música, pero siempre me he sentido agradecido por haberlo vivido. Pero tienes que entender que empezamos el grupo cargando amplis y conduciendo una furgoneta. Venimos del mundo del Hazlo Tú Mismo. No esperamos que nadie haga las cosas por nosotros. Siempre tienes que valorar que todavía haya gente que quiera escucharte. No empezamos el grupo para vivir en una mansión y conducir un Porsche, sino para hacer música. Y llevamos haciéndolo 25 años, es algo maravilloso porque hay muchísimos grupos que no llegan a grabar un segundo disco. Nosotros hemos hecho 14”.

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JAWBOX

Casi dos décadas después de LA desaparición DE JAWBOX, la reedición en vinilo de su álbum de rarezas My Scrapbook Of Fatal Accidents nos permite recordar a una de las bandas más significativas del post hardcore made in Washington de la mano de su cabeza visible, J. Robbins. Texto: Jordi Meya FotoS: DR

aga lo que haga, desde formar otros grupos como Burning Airlines o los actuales Office Of Future Plans, a producir a Modern Life Is War, The Sword o Murder By Death, a dirigir el sello DeSoto Records, el nombre de J. Robbins siempre será asociado al de Jawbox. El grupo que fundó en 1989 con Kim Coletta (bajo) y Adam Wade (batería) -después de haberse curtido tocando en la última formación de Government Issue- publicó dos álbumes en Dischord, el sello de Ian 114

MacKaye de Fugazi, antes de que, en plena fiebre nirvanera, la multinacional Atlantic Records decidiera ficharles para lanzar su tercer álbum For Your Own Special Sweetheart en 1994. Como era de esperar, su apasionado post hardcore cerebral no caló en las masas (sólo el single ‘Savoury’ tuvo algo de repercusión en la MTV), y tras publicar un disco homónimo en 1996, les echaron de patitas a la calle. Un año después, tras que su segundo batería Zach Barocas decidiera dejar el grupo, Jawbox optaron por separarse, no sin antes editar My Scrapbook Of

Fatal Accidents, un álbum que recopilaba material disperso en singles y recopilatorios, así como su participación en las imprescindibles Peel Sessions de la BBC. El mismo que el sello alemán Arctic Rodeo Recordings ha recuperado para lanzarlo en un precioso doble vinilo turquesa. ¿Es Jawbox algo en lo que pienses a menudo o sólo cuando haces entrevistas como ésta? J. ROBBINS “Jawbox formó parte de mi vida durante mucho tiempo, así que

tar Scrapbook? “Fue idea de Frederik, el jefe de Arctic Rodeo Recordings. Todo lo que hacen está hecho con mucho gusto, así que tenía claro que harían un buen trabajo. De hecho él ya quería haber lanzado el vinilo del último disco de Jawbox, el homónimo, pero tenía apalabrado hacerlo con Dischord, así que acordamos hacer éste”. Aunque este disco fuera un recopilatorio de rarezas, para mí define muy bien lo que era el grupo. ¿Piensas lo mismo? “Sé por qué lo dices... Por ejemplo la versión de ‘Static’ de las Peel Sessions para mí es mucho mejor que la que apareció en el disco Novelty. La verdad es que estoy de acuerdo contigo”.

me costó dejar de pensar en el grupo. Sigue estando presente en mi vida porque seguimos siendo amigos. He hecho mucha más música después de Jawbox, y creo que con más claridad porque entonces éramos muy jóvenes, pero a nivel personal sigue estando ahí. Tuvimos mucha suerte con todas las experiencias que vivimos, nunca querría olvidarlas. Es como un sentimiento de familia. No necesariamente piensas en tus primos cada día, pero siempre están ahí”. ¿De quién fue la idea de reedi-

Originalmente la idea de que hicierais este disco salió de los fans, ¿verdad? “Mmm… creo que no. Me parece que fue Kim quien lo propuso. Teníamos mucho material disperso por ahí en recopilatorios y splits, muchos de ellos descatalogados, descartes de los discos y por ejemplo las Peel Sessions nunca se habían publicado, así que era una manera de recopilar todo eso y resumir la historia del grupo, porque creo que en ese momento ya teníamos decidido que el grupo iba a terminarse”. Fue como poner el último clavo en el ataúd… “Bueno, no hicimos un show de despedida, así que el disco fue una manera de sustituir eso. Era el punto final”. Habéis añadido la versión de ‘Cornflake Girl’ de Tori Amos que aparecía como tema ocul-

to en vuestro último disco. “Sí, porque no iba a estar en la reedición de ese disco con Dischord. No recuerdo el motivo... Estábamos hablando de un grupo que lleva separado muchos años, desde 1998, así que se me escapan muchas cosas (risas). Pero pensamos que sería una buena idea incluirlo en la de Scrapbook”. Siempre tuvisteis mucho gusto haciendo versiones y en Scrapbook hay varias, de The Cure, Cole Porter, Buzzcocks… ¿Cuál era vuestro enfoque a la hora de hacer covers? “Muchas versiones las hacíamos porque nos invitaban a hacerlo. Seguramente no habríamos escogido a The Cure para ello, pero unos amigos nuestros estaban haciendo un disco tributo benéfico con versiones de The Cure y nos pidieron hacerlo. No recuerdo para qué hicimos la versión de Cole Porter, pero en general nuestra idea es que no tenía sentido tocar una versión exactamente como la original. Puede ser divertido para el directo, pero si vas a grabarla merece la pena darle otra perspectiva. Creo que eso es lo que hicimos con todas. Parte de la motivación para hacer versiones también venía por las letras, algo que me apeteciera cantar, como por ejemplo en el caso de la de Buzzcoks. Podía ponerle emoción de verdad”. En el caso de Tori Amos sorprendió porque no es normal hacer una versión de un artista contemporáneo... “Bill Barbot, el otro guitarrista, la eligió porque Tori Amos era compañera nuestra en Atlantic Records, así que era como una broma privada. Ella es de Maryland, nuestro estado, y no la 115

conocíamos de nada, pero era un ejemplo de una persona que había llegado a ser alguien grande viniendo de nuestra misma zona. Parecía que su ambición siempre había sido ser una gran estrella, mientras que nosotros éramos simplemente cuatro personas haciendo música. No teníamos ambición, sólo queríamos experiencias. La verdad es que no me gusta Tori Amos, pero esa canción me molaba y musicalmente era interesante aprenderla. Fue divertido hacerla, pero no fue elección mía”. En los 90 viviste la eclosión de la música alternativa, con todas las multis fichando bandas undergrounds... ¿Cómo recuerdas ese periodo? “Fichar por Atlantic nos supuso hacer una gran dosis de reflexión, pero cuando lo pensamos vimos que si no lo hacíamos, sería algo de lo que nos arrepentiríamos porque siempre nos hubiera quedado la duda de qué hubiera pasado. Otro factor es que nuestro batería hubiera dejado el grupo porque quería volver a estudiar, y de hecho, cuando nos separamos, es lo que hizo. Así que fichar por Atlantic nos dio muchas oportunidades y en general creo que acertamos, porque hicimos nuestra mejor música en ese período ya que pudimos centrarnos al 100% en el grupo. Filosóficamente es cuestionable y tal como soy ahora quizá no hubiera tomado la misma decisión, pero no me arrepiento. Aunque creó cierto polémica, nosotros y nuestro entorno cercano sabía que queríamos llevar nuestro enfoque del Hazlo Tú Mismo a una multi. Tuvimos que contratar a un mánager porque el 116

“Creo que he hecho cosas mejores que Jawbox, pero es algo totalmente subjetivo. Ante todo me siento agr adecido de que a alguien le interese lo que hago, sea lo que sea” J. ROBBINS sello nos obligó, pero nuestro mánager era un buen amigo nuestro y nos conocía muy bien. En realidad nos seguíamos autogestionando, seguíamos teniendo el control creativo absoluto. Mirando atrás es evidente que las multis no tenían ni idea de lo que estaban haciendo, pero no querían perder la oportunidad de hacer negocio con esa nueva ola cultural. Nosotros también nos beneficiamos de ello durante un par de años hasta que se dieron cuenta de que no vendíamos tantos discos como ellos esperaban y que nunca tendríamos un hit. Creo que nuestros fans entendieron que no lo hicimos para convertirnos en estrellas del rock. Para mí es fascinante mirar atrás y ver cómo el mundo corporativo intentó hacer negocio de algo que no entendía”. Es extraño pensar que una multi pudiera creer que iba a forrarse con grupos como vosotros o Melvins. Quizá lo que buscaban era comprar credibilidad más que otra cosa. “Yo creo que no querían perder la oportunidad de intentarlo y nosotros salimos beneficiados. Del mismo modo que Shudder To Think, nosotros también nos beneficiamos del hecho de que ninguna multi pudiera fichar a Fugazi. Fugazi era la banda que todas querían, así que nosotros éramos segundas opciones. Pero nosotros no teníamos toda una estructura montada

como Fugazi, era un hobby con el que perdíamos dinero, así que si viene alguien y te ofrece suficiente dinero para que puedas estar en el estudio siete semanas sin poner un centavo, es difícil decir que no. En cualquier caso, gracias Fugazi (risas)”. Como productor llegaste a grabar Bipartite con Aina y otras bandas de aquí adoptaron ese sonido de Washington D.C.. ¿Te sorprendía que vuestra influencia llegara tan lejos? “La verdad es que es algo en lo que ni siquiera pensábamos. Claro que era una sorpresa y era muy halagador, pero en realidad no era distinto a lo que nos sucedía a nosotros. Para mí la música es un diálogo constante entre la gente que la hace y la que la escucha. Todos estamos influenciados por lo que escuchamos, así que aunque sea sorprendente, es algo totalmente normal”. No tienes sentimientos encontrados respecto a que, luego, todo lo que hagas se mide por lo logrado con Jawbox. “No. Yo creo que he hecho cosas mejores que Jawbox, pero es algo totalmente subjetivo. Ante todo me siento agradecido de que a alguien le interese lo que hago, sea lo que sea”.

EN DIRECTO

GODFLESH 20 de abril de 2015 La [2], Barcelona

Texto: Pau Navarra FotoS: Carles RodrĂguez

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n muro de sonido insalvable, inabarcable. Un volumen al linde de la resistencia humana. Orejas constreñidas, bordeando el dolor. Sin teloneros, para qué… Los míticos Godflesh, o lo que es lo mismo, el guitarrista y cantante Justin Broadrick y el bajista G.C. Green, solos ante el peligro, sin ningún miedo; un formato dúo que desde hace décadas se basta y se sobra para apabullar a cualquier audiencia con una caja de ritmos infernal y unas proyecciones que tampoco es que sean la octava maravilla. Serios como su propia música, al grano y sin florituras, tan simples y arrolladores como sólo podrían serlo sus canciones. Los ingleses nos dejaron de vuelta y vuelta, planchados, en un show devastador en todos los sentidos. Por si alguien no se había dado cuenta de que venían a presentar

su EP Decline & Fall y sobre todo el álbum A World Lit Only By Fire, ambas publicaciones aparecidas el pasado año, Godflesh iniciaron su descarga con ‘New Dark Ages’, ‘Deadend’, la ominosa ‘Shut Me Down’, ‘Life Giver Life Taker’, la brutal ‘Carrion’ y ‘Towers Of Emptiness’ del tirón. Abundante material actual que nada tiene que envidiar a sus temas más pretéritos. Ni una queja entre el público. Tampoco se podrían haber oído… Todo aún más cruel y destructivo que en formato álbum. Pausas las justas, para afinar las cuatro cuerdas, un “thanks”, beber algo de agua y disparar la siguiente salva con la que despachurrarnos desde un modesto portátil. No hacía falta más, y tampoco lo queríamos. A Broadrick se le vio disfrutar, cabeceando mientras el público se rendía a bailar un trance tan hipnótico como hiriente. Pendiente de todo también, como cuando pidió a la

mesa que reiniciaran unos visuales que habían agotado su recorrido a medio tema. De la misma forma, Godflesh sacaron a desfilar sus barbaridades más longevas, ‘Christbait Rising’, ‘Streetcleaner’ o las esperadas ‘Spite’ y ‘Crush My Soul’, para despedirse en el bis con la ampliamente gritada ‘Like Rats’. Acoples como para ocasionarnos sordera crónica, una reverencia y, si todavía estáis de pie, felicidades: quizá estáis preparados para vivir en Birmingham. Salimos de ahí pálidos, entumecidos, sin siquiera preguntarnos dónde estaban todos esos fanáticos del post metal, cómo diablos no se había llenado La [2] de Apolo para rendir la merecida pleitesía a tan ineludible nombre propio del metal industrial. Bandera blanca, piedad. Por lo más sagrado, clemencia, por favor. El término ‘ruido’ cobró un nuevo sentido para los asistentes. Apocalípticos. 119

SLEEP

24 de abril de 2015

Sala Bikini, Barcelona Texto: Jordi Meya FotoS: Eric Altimis

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a última vez que Matt Pike estuvo en Barcelona acabó ingresado en un hospital después de que sufriera un aneurisma cerebral. Como consecuencia el bolo que tenía previsto ofrecer con Sleep dentro del Primavera Sound se suspendió, y muchos pensaron que quizá la oportunidad de ver alguna vez a una de las mejores formaciones de stoner doom del planeta se había ido para siempre. Pero tres años más tarde, con un Pike totalmente recuperado, como vimos en el último Resu, y con motivo de la presentación del Kristonfest 2015, el trío californiano regresaba para saldar cuentas pendientes. Y encima en la sala que cuenta con el mejor sonido de la ciudad. Quizá el hecho de que fuera su única fecha en España, y sólo una de las dos en suelo europeo, hizo que viniera mucha gente de fuera, pero aun así, me sorprendió encontrarme con una sala llena hasta

la bandera, teniendo en cuenta que, no nos engañemos, Sleep nunca fueron demasiado populares en su momento o que High On Fire, la que, desde que Sleep se disolvieran en 1998, es la banda principal de Pike, apenas ha congregado a un par de centenares en anteriores visitas (veremos qué ocurre cuando regresen en junio). El trío empezó con las primeras notas de ‘Dopesmoker’ y, por un momento, pensé que bien eran capaces de tocar sólo ese tema, que en disco dura 63 minutos, y largarse, pero en su lugar ofrecieron una versión ‘reducida’ de unos 20. En realidad hubiese dado igual, porque más que los temas, lo importante aquí es la experiencia en sí. Los monolíticos riffs se repiten y repiten y repiten hasta que pierdes consciencia de cuántas vueltas llevan. Sin embargo, aunque cada uno de ellos parezca estar en su mundo, van sincronizados como un puto reloj: Al

Cisneros cantaba y tocaba el bajo a menudo con los ojos cerrados, Pike subía y bajaba su mano izquierda por el mástil con la misma intensidad que si estuviera lijando mármol, sosteniendo las notas magistralmente, y Jason Roeder, también batería de Neurosis que les acompaña desde 2010, elevaba los brazos como si con cada golpe en los parches lo estuviera dando con una maza en lugar de una baqueta. Sería fácil caer en una retahíla de adjetivos superlativos, y estoy seguro que muchos lo vivieron así, pero por mucho que vibrara con ‘Dragonaut’, ‘Aquarian’ o ‘From Beyond’, mentiría si no dijera que en algún momento no desconecté o que cuando, después de una hora y 45 minutos terminaran con el corte final de Jerusalem, casi agradecí que no salieran para hacer un bis. Y es que la droga dura más vale tomarla en pequeñas dosis. 121

ROYAL BLOOD 1 DE ABRIL DE 2015 LA RIVIERA, MADRID Texto: Gonzalo Puebla FotoS: Rubén Navarro (Barcelona)

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esde el debut de Arctic Monkeys me cuesta recordar una banda británica que con tan sólo un disco haya llegado tan lejos y levantado tanto revuelo como Royal Blood. No debería sorprender tanto ya que en las Islas son expertos en crear hypes de la nada, pero desde luego había muchas ganas y sobre todo curiosidad por ver si el dúo formado por Mike Kerr y Ben Thatcher estaría a la altura de todas las alabanzas y premios que les están cayendo en su primera cita en suelo español (obviando su actuación en el DCode del año pasado coincidiendo justo con el lanzamiento de su álbum homónimo). Pasaremos rápidamente por la demostración de los teloneros Bad Breeding, que protagonizaron los 20 minutos más anodinos que recuerdo en muchísimo tiempo. Punk rock gritón y simple que no impresionó a prácticamente nadie por mucho que su vocalista se empeñase a revolcarse por el suelo y bajar al foso. Dudo

que alguien se acordase de ellos a la salida. Con puntualidad británica, como no podía ser de otra manera, a las diez de la noche los dos de Brighton irrumpieron triunfales en escena, conscientes de que tenían una sala abarrotada y la audiencia a su favor desde el inicio. Despegaron con ‘Hole’, oscuro tema de uno de sus primerizos EPs y ya comprobamos que, a pesar de ser dos, se las apañan más que bien para sonar como un cohete. Ni el mal sonido habitual de La Riviera pudo con ellos. Tenían una hora justa por delante y durante los primeros compases consiguieron levantar al público gracias a singles tan efectivos como ‘Come On Over’, ‘Figure It Out’ o ‘Little Monster’, que cayeron casi de seguido. Mike es el que se encargaba de encender al respetable con sus riffs deudores de Josh Homme lanzados desde su bajo mientras la pegada en los parches de Ben hacía el resto. Parecían dispuestos a taparle la boca a más de uno que dudase de su valía,

pero la cosa empezó a decaer cuando justo a la mitad de su actuación comenzaron a hacer excesivos parones entre tema y tema para coger aire, cortando por completo el clímax. ‘Blood Hands’, ‘Better Stangers’ o ‘Ten Tonne Skeleton’ sonaban tenebrosas, sexys y abrumadoras al mismo tiempo, pero contrastaban con la frialdad con la que se comportaban. Tampoco ayudó el numerito final en el que Ben se paseó por la barra en mitad de la final ‘Out Of The Black’ saludando a la gente y firmando discos. Un baño de masas en plena actuación, vaya. La pose altiva se les podría perdonar si realmente hubieran demostrado más interés por tocar que por jugar a ser estrellitas del rock por unos instantes. Así que por el momento tendremos que esperar a su siguiente entrega para certificar si lo suyo es flor de un día o no, pero por lo que a ellos respecta, parece que con lo poco mostrado hasta ahora ya se sienten más que satisfechos. 123

NOEL GALLAGHER’S HIGH FLYING BIRDS 22 DE MARZO DE 2015 ANCIENNE BELGIQUE, BRUSELAS (BÉLGICA) Texto Y FotoS: RUBÉN NAVARRO

or salir un poco de la rutina, nuestro plan del domingo 22 de marzo consistió en montarnos en un avión y visitar la capital de Bélgica, aprovechando que Noel Gallagher pasaba a presentar su segundo disco acompañado de sus High Flying Birds. Los que hayáis sido seguidores del mayor de los hermanos Gallagher a lo largo de su carrera, sabéis de sobras que Noel no es precisamente la alegría de la fiesta, y a su edad no tiene la más mínima intención de cambiar su actitud sobre el escenario. Pero siendo francos, mientras no cambie su manera de escribir, sus trabajos tendrán una clara garantía de calidad que queda plasmada en sus directos. Y eso es lo que importa. Sin demasiados preámbulos sonaron las primeras notas de una ‘Do The Damage’ mucho más enérgica que su versión en disco, transmitiendo muy buenas sensaciones a un público que recibió al de Manchester y a su banda entre gritos de histeria y vasos de cerveza 124

volando. Le siguieron ‘(Stranded On) The Wrong Beach’, ‘Everybody Is On The Run’ y una versión semiacústica de ‘Fade Away’ rescatada de The Masterplan, el disco de caras B de Oasis. La noche acababa de empezar y Noel Gallagher y compañía ya se habían metido al respetable en el bolsillo, que canturreaba un sonoro “¡Oé, Oé, Oé, Oée... Noeeel, Noeeeel!” entre canción y canción. Superado el momento de exaltación general, regresamos al repertorio de presentación de su flamante Chasing Yesterday con ‘In The Heat Of The Moment’ y ‘Lock All The Doors’, que suena como un temazo de Oasis vitaminado y con extra de radiofórmula. La banda quitó el pie del acelerador interpretando ‘Riverman’, pero ni con ésas el ánimo se vino abajo, y los brazos que ondeaban bufandas del Manchester City pedían más. Y hablando de fútbol, como buen seguidor de este deporte Noel no se olvidó de mencionar el derbi que se jugaba aquel mismo día entre

el Anderlecht y el Club Brugge para animar todavía más a los presentes. Totalmente desprevenidos nos cogieron los primeros acordes de una versión light de ‘Champagne Supernova’ que no llegó a estar a la altura de la original, y es que muy a nuestro pesar, este tema está hecho a medida para Liam. Debo reconocer que llevaba poco estudiado su nuevo trabajo, pero la perfecta comunión entre su material anterior y los nuevos temas hicieron que el concierto fuese de lo más ameno en todo momento. Tras un guiño a sus verdaderos inicios -sí, estoy hablando de Definitely Maybe- con ‘Digsy’s Dinner’, Noel anunció el último tema de la noche antes del esperado bis. Como no podía ser de otra manera, ‘Don’t Look Back In Anger’ se coló entre las escogidas para cerrar la velada, junto con ‘AKA... What A Life!’ y la inesperada ‘The Masterplan’. Esperemos que tras sus visitas festivaleras Noel se acuerde de nuestras acogedoras salas para repetir experiencia.

THE DAMNED 17 de abril de 2015 Razzmatazz 2, Barcelona Texto: Toi Brownstone FotoS: Eric Altimis

a noche en que The Damned tocaron en Razz 2 volvieron a lucir las crestas, los imperdibles y las chupas de cuero con pinchos. Los punks más clásicos volvieron a salir de sus cuevas y se mezclaron con modernos, rockeros y hasta pijos. Una audiencia de lo más variopinta, con una horquilla de edad excepcionalmente amplia, ocupaba gran parte de la sala, muy motivada ante lo que prometía ser una lección magistral de punk de la vieja escuela. Justo como recordaba sus shows en Londres. Había pasado demasiado tiempo desde la última visita de los ingleses, y se notaba cierto nerviosismo en el ambiente. Todos los que en alguna ocasión habíamos podido verlos en directo sabíamos que The Damned nunca fallan. Sus recitales siempre se han

caracterizado por ser enérgicos y muy divertidos, pero el paso de los años no perdona, y el temor a ver a una banda vieja y decrépita arrastrándose estaba presente, pese a que nadie se atreviera a admitirlo. Algunos ya habíamos visto a Captain Sensible asomándose desde la furgoneta que los transportaba al recinto, con una chillona camiseta naranja y sus clásicos pantalones de uniforme de cocinero británico saludando efusivamente al respetable. Cuando la banda saltó al escenario con ‘Disco Man’ empezó la fiesta. La primera parte del show fue demoledora, con ‘Love Song’, ‘Machine Gun Etiquette’ y ‘I Just Can’t Be Happy Today’. Cervezas volando por los aires, empujones y patadas, y gente coreando apasionada. A pesar de que la calidad del sonido de la sala no es la más óptima, la banda

sonaba contundente y muy sólida, y era muy expresiva de cara al público. Había dinamismo y mucha entrega. Pero sin duda, aparte del gran Captain Sensible, que se metió al público en el bolsillo con sus speeches, el protagonista con mayúsculas fue David Vanian, al que se le debería otorgar ya el título de crooner del punk. Digno heredero del Elvis más Vegas, con un look espectacular, demostrando que su voz no ha perdido un ápice de energía y dando una lección de elegancia. The Damned demostraron la versatilidad en su estilo, que los ha convertido en un referente del movimiento, de que los veteranos pueden seguir dando espectáculo, que ‘Neat Neat Neat’ es un himno vital, y que terminar un concierto con ‘Smash It Up’ es el mejor repunte a una noche cojonuda. ¡Que vuelvan ya! 125

SICK OF IT ALL 17 DE ABRIL DE 2015 SALA BUT, MADRID

Texto: Gonzalo Puebla FotoS: Javi Pérez

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ANGEL DUST

a tercera cita con el Route Resurrection Fest llegaba a Madrid como fecha ineludible para los seguidores del hardcore. Nuevamente todo unos clásicos del festival de Viveiro como Sick Of It All pisaban nuestro territorio para presentar su reciente Last Act Of Defiance, pero antes pudimos comprobar cómo se las gastaban las dos bandas teloneras. Angel Dust consiguieron desconcertar a la gran mayoría de los asistentes. Para algunos demasiado old school, para otros insuficientes como para formar parte de un cartel de este calibre. A mí al menos me agradó no tener que encontrarme por enésima vez al típico grupo clónico de machocore, y con una cañera revisión del ‘Nervous Breakdown’ de Black Flag se ganaron mi simpatía. Bien por ellos. Muchos contaban a The Ghost Inside como el plato fuerte de la velada. Podrán gustar más o menos (si me preguntan a mí, les diré que me sonaron como tantísimas

THE GHOST INSIDE

otras formaciones de metalcore que salen hasta de debajo de las piedras), pero nadie podrá negar que los tipos en lo suyo son muy buenos. Uno echaba un vistazo al público y parecía que el grupo principal eran ellos. Mosh pit continuo y exhibición de molinillos en la pista sin parar al ritmo que imponían los breakdowns de temas como ‘Dear Youth (Day 52)’, ‘Unspoken’, ‘Out Of Control’, ‘Move Me’ o ‘Dark Horse’. Más de uno abandonó la sala tras la actuación de los californianos. Pobres ignorantes, peor para ellos porque se perdieron una nueva lección de los indiscutibles reyes del New York Hardcore. Da igual que te llames Madball o Agnostic Front, simplemente el nivel que se gastan estos tipos encima de las tablas es inalcanzable para el resto. Poco importa que lleven casi tres décadas repartiendo cera porque es salir y con sólo dos temas los hermanos Koller ya le han puesto más ganas que todos los

gupos anteriores. Les hemos podido ver mil veces pero no nos cansamos de ellos y parece que por su parte aún queda mucho para que les suceda lo mismo. Tanto si son los clásicos de siempre (‘Injustice System’, ‘Just Look Around’, ‘Sanctuary’, ‘Step Down’, ‘My Life’, ‘World Full Of Hate’) como los que llevan tanto tiempo en el setlist que ya lo parecen (‘Death Or Jail’, ‘Take The Night Off’, ‘Uprising Nation’) o las nuevas canciones que casi funcionaron como tales (‘DNC’, ‘Get Bronx’, ‘Road Less Traveled’), los de Queens las atacan como si fuese la última vez que lo fueran hacer, pero manteniendo ese buen rollo que tan diferentes les hace a los demás. Buena prueba de ello fue el comentario socarrón de Lou antes de que estallase el wall of death en ‘Scratch The Surface’: “Nosotros somos quienes inventamos esto. Ahora lo hace todo el mundo... Deberían pagarnos por ello”. No le falta razón. Jefazos eternos. 127

RAISED FIST 31 de marzo de 2015 Razzmatazz 3, Barcelona 136

Texto: Jordi Meya FotoS: Eric Altimis

RISE OF THE NORTHSTAR

eniendo en cuenta lo poco que se prodigan Raised Fist en los escenarios desde que hace años se dieron cuenta de que se ganaban mejor la vida haciendo otras cosas, todo hacía pensar que la sala 3 de Razzmatazz se quedaría pequeña, y más teniendo en cuenta que venían acompañados de un grupo al alza como Rise Of The Northstar, a los que les falta muy poco para llenar ellos solos este tipo de locales. Y así fue, con un petón de los buenos que ayudó a crear ese efecto sauna que tanto les pega a los bolos de hardcore. Through The Lies abrieron la noche con hardcore old school, ramalazos melódicos a lo Ignite, algunos breakdowns y ciertos tupa-tupas. Muy buena energía por parte del quinteto de El Masnou, que logró arrancar los primeros molinillos en el pit. Buena señal. Rise Of The Northstar habían actuado hacía poco

con Madball en la sala adyacente, pero aunque aquí estaban más limitados de espacio, volvieron a liarla parda. Es evidente que los franceses saben animar al personal con un repertorio que invita continuamente a la participación del público (los ‘wha-ha-ha-ha’ de ‘Sound Of Wolves’, los ‘sa-sa-sa-sa-sa’ de ‘Samurai Spirit’…) por parte de un Vithia con auténticas maneras de MC. Los riffs de ‘Welcame (Furyo State Of Mind)’ o ‘Demonstrating My Saiya Style’ hacen brincar y cantar como en su día hacían Biohazard, así que nadie dude de que su ascenso se debe a algo más que una acertada cuestión estética. Raised Fist salieron a matar con ‘Sound Of The Republic’ y una exhibición de saltos y patadas de kárate por parte de Alle Hagman, pero ‘Flow’, el tema que cayó de su último disco From The North a

continuación, fue precisamente lo que les faltó en la primera parte del concierto. Fue frustrante comprobar cómo eran incapaces de empalmar dos o tres temas seguidos, y cada vez que lograban encender la mecha con la vacilona ‘Some Of These Times’ o recuperando un fogonazo como ‘Tribute’ de Fuel, a continuación el grupo se tomaba un buen rato para afinar y coger aire, algo que se agravó todavía más cuando tuvieron un problema con el pedal del bombo. Ya en la segunda mitad la intensidad de la banda subió muchos puntos, y seguro que más de una se mojó cuando Hagman exhibió sus horas de gimnasio quitándose la camiseta, pero tocando poco más de 45 minutos y por muy bien que sonaran ‘Perfectly Broken’ o ‘Friends Of Traitors’, parece claro que a los suecos les ha pasado factura la falta de continuidad en la carretera. Nadie dijo que hacer hardcore fuera fácil. 129

MOONSPELL 25 de marzo de 2015

Sala Razzmatazz 2, Barcelona 136

Texto: Laura Clavero FotoS: Carles RodrĂguez

SEPTICFLESH

lo largo de dos décadas en activo, Moonspell han ido explorado, con más o menos fortuna, distintas vertientes del gothic metal en cada uno de sus discos. En esta última gira por nuestro país los portugueses se presentaban con Extinct bajo el brazo, un álbum que recupera su esencia más melancólica, dejando atrás los sonidos más metálicos de su anterior Alpha Noir. Como invitados de honor, los griegos Septicflesh, que se apoderaron de la sala con su propuesta de death metal sinfónico. Una ocasión perfecta para comprobar cómo suena en directo su último y majestuoso trabajo Titan. Liderados por su carismático cantante Spiros ‘Seth’ Antoniou ataviado con una llamativa chaqueta-armadura imitando la masa muscular, demostraron una espectacular presencia escénica de lo más teatral. Discusiones aparte acerca de la necesidad de llevar bases pregrabadas para recrear su

complejo universo sinfónico, lo cierto es que gozaron de un excelente sonido. Un setlist en el que mezclaron algunos de sus temas más populares de trabajos previos como ‘The Vampire From Nazareth’, ‘Pyramid God’ o ‘Anubis’ con otros de su último disco, como ‘Prototype’ u ‘Order Of Dracul’, para despedirse por todo lo alto con ‘Prometheus’. Todavía con el excelente sabor de boca que nos habían dejado los helenos, era el turno de que Moonspell demostraran que todavía se encuentran en una extraordinaria forma. Fieles a ese estilismo de dudoso gusto, sobre un escenario en el que resaltaba una especie de construcción tubular que escondía los teclados y un cráneo de carnero coronando la batería, los cinco miembros salieron a por todas. Como siempre, un pletórico y encantador Fernando Ribeiro a la cabeza demostraba que, además de un excelente músico, también es

un magnífico comunicador capaz de charlar perfectamente en español con su audiencia. Apostaron por un repertorio centrado en temas de su último disco, sumados a un repaso por canciones míticas de sus primeros y fundamentales Wolfheart e Irreligious, sin concesión alguna a sus discos intermedios. Temas como ‘Breathe’, ‘Malignia’ o el homónimo ‘Extinct’ sonaron con fuerza inusitada, mientras los sonidos árabes de ‘Medusalem’ o el rock gótico festivo de ‘The Last Of Us’ demostraron por qué, en palabras del propio Ribeiro, Moonspell cree mucho en sus últimos trabajos. La cuota de temas clásicos contó con un gran número de imprescindibles de la talla de ‘Opium’, ‘Vampiria’, ‘Mephisto’ o la incombustible ‘Alma Mater’, para terminar los bises con ‘Wolfshade’ y una gloriosa ‘Full Moon Madness’. Parece que los directos de Moonspell se asemejan a los buenos vinos; mejoran con los años. 131

SKELETONWITCH 22 de abril de 2015 Razzmatazz 3, Barcelona Texto: Andrés Martínez FotoS: Carles Rodríguez

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GOATWHORE

o llegamos para ver a Mortals, pero sí para que la poderosa maquinaria metálica de Goatwhore nos pasara por encima como si fuera un estampida de búfalos enfurecidos. De hecho, tras la interpretación de las dos primeras bombas, ‘Poisoned Existence In Reawakening’ e ‘In Deathless Tradition’, ya pensamos que las estrellas de la noche lo iban a tener crudo para superar lo que estábamos viendo sobre las tablas. Su amalgama de sonidos extremos es tremendo. Cuando quieren son más thrashers que nadie, pero este cuarteto procedente de los pantanos de Nueva Orleáns no se corta un pelo y lo mismo se atreve a abrirnos en canal con algún ramalazo sludge, que nos vuela la cabeza con el death más cavernoso, que nos regala unos cuantos riffs de puro black metal, que se lanza a una carrera de grindcore asesino. El metal extremo en estado puro. Suenan engrasados, dañinos y contundentes, como un puto reloj suizo, y mientras el

gigantón Louis Ben Falgous (recordemos, también voceras de Soilent Green) se deja la garganta en cada frase, su colega a las seis cuerdas, Sammy Duet, nos destroza a base de solos y riffs afilados como hojas de afeitar. ‘FBS’ sonó increíblemente veloz, y cuando acabaron de atacar ‘Apocalyptic Havok’ juro que hubo una desbandada general de público que se abalanzó hasta el puesto de merch como si les fuera la vida en ello. Absolutamente brutales. Si la memoria no me falla, Skeletonwitch se presentaban por primera vez ante el público de Barcelona. Los que habían visto a la banda en el Resurrection Fest hablaban maravillas, pero había que comprobar si los oscuros acontecimientos familiares acontecidos entre los hermanos Garnette habían dejado huella en el grupo. La salida del cantante Chance Garnette fue suplida para la gira europea por Andy Horn, un tipo con poca presencia pero con una garganta de lija que cumplió a

la perfección con su papel. Su thrash maníaco empapado de heavy metal clásico nos ha regalado momentazos en cada uno de los discos que la banda ha editado, y esas superlativas composiciones las saben defender en directo, de eso no cabe ninguna duda. Ya sea cuando atacaban esos cortos y certeros latigazos que tan bien se les dan como ‘Infernal Resurrection’, ‘Serpent Unleashed’ o ‘I Am Of Death’, o cuando se zambullían en sus temas de corte más tradicional como ese infernal ‘Cleaver Of Souls’, se mostraban impecables, y eso que el sonido no estuvo tan afinado como con Goatwhore. Tras verlos por fin sigo pensando que tienen en Scott Hedrick y Nate Garnette uno de los duetos de guitarra más originales de la escena extrema, por no hablar del tipo que carga con el Rickenbacker, Evan Linger, un bajista de dedos prodigiosos que incorpora unos arreglos realmente sorprendentes. Una noche para el recuerdo. 133

DE GIRA

GOD IS AN ASTRONAUT

2 de mayo Sonora (Bilbao) 6 de mayo Arena (Madrid) 7 de mayo Music Hall (Barcelona)

n nada los irlandeses God Is An Astronaut estarán por nuestras tierras ofreciendo tres conciertos en los que anticiparán algunos de los temas que formarán parte de su séptimo álbum de estudio, cuyo título, Helios/Erebus, todavía no había sido desvelado en el momento de hacer esta entrevista. Pese a mantener ese dato en secreto, Torsten Kinsella (guitarra, teclados, voz), fundador del grupo junto a Niels (bajo), su hermano gemelo, hace 13 años, se mostró absolutamente franco a la hora de valorar la recepción de su anterior disco, Origins, en el que introdujeron algunas voces a su post rock instrumental, y cómo éste ha condicionado la creación del siguiente. Por lo que cuenta podemos esperar unos conciertos de alto voltaje, con God Is An Astronaut volcándose en su faceta más cañera. Antes que nada me gustaría saber en qué punto estáis de la grabación del nuevo disco. TORSTEN KINSELLA “¡Ya lo hemos terminado! Saldrá el 20 de junio, creo. Vamos a empezar a tocar algunos nue-

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vos temas en directo en las fechas que tenemos próximamente”. ¿Sigue la misma dirección que Origins? “Es completamente distinto. En Origins quisimos experimentar, cambiar de sonido, de estilo. Creo que fue una estupidez más que otra cosa. Queríamos demostrar a la gente que dice que somos una banda genérica que podíamos hacer otras cosas. De ahí salieron cosas interesantes, pero obviamente no es lo que nuestros fans quieren. Hacerlo fue liberador, pero éste está mucho más definido. Suena a nosotros. Es más oscuro, más duro. Un poco distinto a lo que hemos hecho, pero más parecido a lo que hacíamos al principio”. ¿Pero tu opinión sobre Origins se basa en el hecho de que no fuera bien recibido o es que no te sentiste cómodo tocando sus temas en directo? “En realidad algunos temas funcionaron muy bien en directo, como ‘Red Moon Lagoon’ o ‘The Last March’. Ese tema

me gusta mucho y debería haber sido lanzado como single. Había doce canciones en ese disco y quizá deberíamos haberlo dejado en ocho y menos temas con el vocoder. Pero mi opinión es simplemente mi opinión sincera. Lo que tengo claro es que nunca volveré a escuchar la opinión de los demás y del público. Cuando llevas un cierto tiempo todo el mundo se queja. En ese momento llevábamos más de diez años y ese trabajo fue una reacción hacia los que decían que no aportábamos nada. Pero aprendimos la lección. Nosotros hacemos lo que hacemos y si a la gente no le gusta, pues que escuchen otro grupo. Así que me arrepiento mucho de haber escuchado a los demás. El nuevo álbum es justo lo que a mí me gustaría oír de un disco nuestro. Dicho esto, me gustan todos nuestros trabajos, pero quizá Origins es el que menos. Creo que forzamos el poner voces, y me arrepiento. El nuevo disco es la progresión natural de Age Of The Fifth Sun, más duro, más complejo. De verdad creo que es de lo mejor que hemos hecho. Si es tan bueno como All

Is Violent, All Is Bright es algo que decidirá la gente”.

AGENDA MAYO AC/DC 29 Barcelona, 31 Madrid

Es interesante lo que dices sobre no escuchar a los demás, porque con las redes sociales es casi imposible no saber lo que opinan de ti. “Artísticamente es destructivo. Sacas un disco y tienes diez opiniones al segundo en tu Facebook, cuando ni siquiera le han dado una oportunidad. Antes le dedicabas más tiempo a cada disco que escuchabas antes de emitir una opinión. Hoy en día no es así. Lo acabo de ver con Death Cab For Cutie o Muse. Sacan un tema y la gente inmediatamente llega a conclusiones sin ni siquiera haber escuchado el álbum. Tienes que tener mucho cuidado. Cuando leí la mayoría de opiniones sobre Origins eran gilipolleces. De nuevo, insisto en que a partir de ahora no escucharé lo que diga nadie más. No espero que nadie me de palmaditas en la espalda. Si dejamos de gustar a la gente, pues vale”. Te veo un poco pesimista… “Siempre he tenido oscuridad dentro de mí. Quizá se fue un poco en Origins, estaba más feliz, pero… Siempre hay una batalla entre la negatividad y el positivismo. La música me ayuda a derrotar la negatividad. Este disco se hizo para escapar de ella, de las frustraciones. Me aseguré de que nada positivo entrara en este disco. Es un álbum oscuro”. Dado que dices que el disco es más duro, ¿vais a centrar el repertorio de vuestros conciertos en los que encajan en esa faceta del grupo? “En directo siempre lo hacemos, especialmente si tocamos en salas pequeñas sin apenas producción. El nuevo disco tiene cuatro temas duros y cuatro más suaves. En directo escogeremos los más duros, aunque en los conciertos siempre incluimos tres temas más ligeros para que no sea monótono”. Hoy en día es más difícil mantener la atención del público también en los conciertos. Casi todos acabamos mirando el móvil en algún momento... ¿Has notado un cambio en la reacción de la gente en los últimos años? “Sí. Supongo que antes la gente hablaba entre ellos en un concierto y ahora lo hacen a través de las redes sociales. Por eso necesitas esforzarte más y ser el centro de atención. Tienes que ser más interesante que lo ocurre en el móvil (risas). Pero la verdad es que cuando tocas intentas centrarte en lo que estás haciendo y olvidarte del resto”. (JORDI MEYA)

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