RockZone 106 - 09/2014 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: The Dillinger Escape Plan (Barcelona) ©Eric Altimis

EDITORIAL

Si en alguna ocasión confeccionar el número de septiembre ha supuesto un problema porque durante los meses de verano costaba cerrar contenidos interesantes, este año no ha sido el caso. Como veréis a continuación, artistas de primer nivel como In Flames (quienes por primera vez ocupan nuestra portada), Slash, The Gaslight Anthem, Avenged Sevenfold, Four Year Strong o The Haunted han coincidido en lanzar nuevo material y, por suerte, hemos podido charlar con todos ellos. Esperamos que la lectura de la revista de este mes os ayude a superar la depresión postvacacional y a prepararos para un otoño que se presenta cargado de grandes novedades. Enjoy!

SUMARIO

nยบ 106

9 / INTERFERENCIAS

24 / FOUR YEAR STRONG

36 / WOVENWAR

40 / AVENGED SEVENFOLD

56 / GODSMACK

60 / RESURRECTION FEST

100 / TV SMITH

104 / THE HAUNTED

28 / ILL NIÑO

32 / SLASH

44 / THE GASLIGHT ANTHEM

48 / IN FLAMES

72 / DISCO DEL MES

74 / CRÍTICAS

108 / ESPECIAL FOTOS

114 / LOVE OF LESBIAN

SUMARIO

nº 106

120 / HELLTRIP

122 / CRUCIFIED BARBARA

126 / EN DIRECTO

148 / DE GIRA + AGENDA

150 / ÚLTIMAS PREGUNTAS

TÚ OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY O HÁZNOSLA LLEGAR A ROCKZONE@ROCKZONE.COM.ES

INTERFERENCIAS

TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: Javier Guerrero Calduch Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Santi Comelles, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordi Forés, Javier Yela, Luis Benavides, David Sabaté, David Fuster, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Karles Sastre, Salva Rubio, Kiko Vega, Sofía Cuevas, Gonzalo Puebla, Ignacio Pato, Fer Díez, Toi Brownstone, Burzum Turner, Alejandro Lozano. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Rubén Cougil (Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57), Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Mariño (Smartita), Israel Higuera (wirrak). Foto de portada: DR

new del mes_SLIPKNOT COMO UN CICLÓN, SLIPKNOT HAN ARRASADO LA ACTUALIDAD METÁLICA CON LA PUBLICACIÓN DE ‘THE NEGATIVE ONE’ Y LA PORTADA DE ‘THE DEVIL IN I’, SINGLE DE UN NUEVO ÁLBUM QUE, TRAS SEIS AÑOS DE SILENCIO, SE ESPERA PARA ESTE OTOÑO.

mediados de julio, una serie de teasers y la afirmación de que su nueva obra estaba “en un 98%” completa por parte de Corey Taylor puso a todos sus fans en alerta, pero a principios de agosto no se hablaba de otra cosa en la comunidad metálica mundial: Slipknot estaban realmente de vuelta, y con menuda canción. Fue el día 1 cuando los de Des Moines colgaron en streaming una toma de contacto inicial con su nueva obra, una ‘The Negative One’ que, cuatro días después, el 5, ya contaría con un potente videoclip que no dejaría a nadie indiferente. El tema, que musicalmente rememora su etapa más salvaje situada entre su célebre debut homónimo de 1999 y el brutal Iowa de 2001, era además reafirmado con un trabajo audiovisual que no dejaba demasiado espacio para lecturas alejadas de su demostrada visceralidad, incluso reforzado con elocuentes cabras y una S final formada por ellas. Poco después, todavía sin desvelar quién ha sido el encargado de sustituir a Joey Jordison en la batería, la

formación estadounidense mostró la portada del que será el primer single del álbum que dará, seis tortuosos años después, réplica a All Hope Is Gone: ‘The Devil In I’. Su nueva obra, de la cual no se conoce todavía título, fecha o tracklist final, será la primera sin el bajista Paul Gray, tristemente fallecido en 2010, y también sin su batería de toda la vida, Joey Jordison, quien abandonó la formación en 2013. Por si acaso, Chris Adler, el talentoso batería de Lamb Of God, quiso atajar rápidamente los numerosos rumores que lo situaban tras los parches de esta nueva andadura de Slipknot una vez miles de personas en todo el globo escucharon la canción. El batera ya negó categóricamente su participación en este trabajo en una entrevista en ABC News Radio, pero aun así quiso volver a salir al paso de tales afirmaciones en su propio Facebook: “Como les conté, no he tenido ni tengo nada que ver con eso. Me siento alagado con la asociación y las comparaciones, pero no tengo ninguna participación en su grabación”.

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INTERFERENCIAS

LO PEOR DE MÍ_ EL JUEGO DEL TELÉFONO

ecordáis aquel juego con el que nos entreteníamos de pequeños? Una persona decía una palabra al oído de otra, ésta la repetía a la siguiente, y así sucesivamente hasta llegar al final de la cadena, donde la última persona decía en voz en alta la palabra que había entendido y provocaba la risa de los demás, pues raramente coincidía con la inicial. En el último Resu tuve la oportunidad de comprobar cómo el juego sigue de lo más vigente. Por el ‘efecto teléfono’, una trifulca entre Phil Anselmo y parte de la organización durante el concierto de Watain (Phil tiró un gato de trapo a una de las llamas del escenario y no se tomó nada bien que le llamaran la atención), al día siguiente se había convertido en que Erik de Watain se había mosqueado con el gesto y había expulsado del escenario al cantante de Down. Por otro lado, dos personas distintas me preguntaron por mi presunto cabreo con Pilar Rubio porque nos había echado a un grupo de periodistas de la zona de prensa, cuando la realidad es que apenas había visto de refilón a la presentadora unos segundos y en ningún momento observé ningún incidente. El del teléfono era un juego tonto, pero ponía en evidencia la distorsión que adquiere la información cuando se transmite. Así que cuando les cuenten algo de oídas, pónganlo en cuarentena. (JORDI MEYA)

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INSTANTGRAMO

@RockZone ¿Con qué disco y/o concierto habéis disfrutado más este verano? @kiwipunx Sin duda, The Hunting Party de Linkin Park. @YouInDiscWorld We Butter In The Bread With Butter en Madrid. Cuánta epicidad en un bar tan pequeño. De lo mejor de mi vida. @pabsensi Con el de Za!. @jacolv Disco: Once More ‘Round The Sun. Concierto: Airbourne. @deguenfurecido DNR de @ProtestTheHero. @mmiguelez83 De momento con el de Ty Segall en el @Primavera_Sound de Porto, aunque mañana voy a ver a Church Of Misery y promete. @MarggotJ Son varios, pero si tengo que elegir uno sería M.I. de Masked Intruder, y concierto... ¡Turbonegro en el Resu sin duda! @dudekillerboy @RSD_Spain @RockZone Encontrarte por las mañanas al cantante de High On Fire con sus gafitas todo pijo en el buffet del hotel. #RF2014 @grunxandmore @RockZone ¿La revista no se vende en formato papel? 10

Aquí os dejo la foto que me hice con Pete Koller de Sick Of It All en el Resurrection Fest hace unos días. Fue en la sesión de firmas que hizo la banda, y la verdad, tengo que decir que son gente encantadora. Y luego el concierto brutal, ¡como todo lo que hacen! ¡Esperemos volver a verlos pronto por España! (KARLA NUCKLEHEAD) *¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección.

LA COLUMNA DE ASSAF ¡¡¡Pues vaya mierda de verano!!! Primero: ¿Dónde coño está el calor? He pasado de ir en bolas por casa (haceos todos esa imagen) a ponerme el jersey el 15 de agosto. ¡Vaya timo! Voy a votar a Podemos las próximas elecciones a ver si de una puta vez solucionan esto. Segundo: Brian, en serio... ¿Dónde y cuándo escribiste el último disco de The Gaslight Anthem? Porque es evidente que estaba lloviendo todo el día cuando empezaste el proceso... ¿Qué estabas, en Escocia? ¿La selva venezolana? ¿El último día del Resu? A ver qué crítica le hacen los pajilleros de esta revista... Si os queréis cortar las venas, amigos, ya sabeis: podéis usar el último vinilo de éstos a modo de cuchillo. Tercero: hablando del Resu, ahí sí que estoy mosca. A las dos de la tarde del jueves van y ponen la mejor banda del festi (¡¡Acid Mess, sois Dios!!), ¡y ya luego no queda nada más por ver! Menos mal que estaba el tío ése del Bandera Negra para amenizar la verbena... Cuarto: eso sí, el acontecimiento cultural del año ha sucedido este verano; ¡¡nuestro amigo Sylvester Stallone se ha superado otra vez!! Los Mercenarios 3 sigue encumbrando más allá del Olimpo la franquicia de fuertudos viejunos. ¡¡Grandes!! Menos mal que aún nos queda Portugal... (ASSAF LASZEWICKI)

¡YA A LA VENTA!

BACK TO THE FRONT Disponible en CD EDICIÓN LIMITADA, CD ESTÁNDAR, LP NEGRO y en DIGITAL. La banda pionera del death metal sueco está de vuelta con L.G Petrov al frente.

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DEVIL SEED Disponible en CD JEWEL CASE, CD EDICIÓN LIMITADA, LP+CD y en DIGITAL. Los lobos salen de la cueva para volver a aullar en el nombre del heavy metal.

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EXIT WOUNDS Disponible en CD EDICIÓN LIMITADA, CD ESTÁNDAR, LP NEGRO y en DIGITAL. El regreso del thrash metal innovador

INTERFERENCIAS

DEMO-LEDORES_POR pau navarra MALKE

Meltdown

G·NOMA

2014

Meltdown EP

Cauces

(AUTOEDITADO)

David (guitarra), Mario (bajo) y Albert (batería) son Malke, una banda barcelonesa de post rock y post metal que se formó a raíz de conocerse en portales de música, eso sí, previo rodaje en otros grupos. El pasado junio presentaron 2014, una radiografía en forma de EP que viene a mostrar su estado de forma actual. Creado en el Post Estudio, la verdad es que la obra sorprende porque el trío no ha optado por una grabación 100% profesional como tantas otras formaciones contemporáneas, pero bueno, no será precisamente en Demo-ledores donde le hagan un feo a un trabajo maquetero. ‘Conciencia’ no mata, es algo reiterativa, aunque el bajo la pete tan fuerte como en Motörhead, pero en ‘Nebula’ ya desentrañamos su fortaleza como grupo: las atmósferas densas. En ‘Santos’ vuelven a sacar músculo, con ciertos recursos sorprendentes y mucha neblina hacia su mitad, mientras que ‘Aurea’ y ‘Hemisfere’ son más movidos, pero no menos oscuros. Aquí encontrarán las habituales influencias de Tool, Russian Circles, Toundra o Pelican, y es que quizá esta avalancha de grupos instrumentales empiece a cansar a más de uno, aunque ya sabemos que no hay ‘Malke’ por bien no venga.

Con una juventud insultante, con edades comprendidas entre los 16 y los 19 años, el quinteto Meltdown nos hace llegar su primer y variado EP. Hardcore metal es lo que despachan estos guipuzcoanos, con derroches melódicos como en la ruda ‘Hollow Chest’, aunque en líneas generales, de distorsión pesada y cuerda gorda cuando se sueltan la melena, también con valiosa madurez en cuanto se lo proponen. ‘Odyssey’ quiere incrustarte la cara en el barro, tiene un aire inicial algo southern metal o sludge, aunque luego acelere, te rompa con un breakdown o aporte un meritorio pasaje lisérgico que, acertadamente, prosigue en la francamente buena ‘From Bitten Lips To Broken Dreams’. Eso sí, la final ‘Bukkake Party’ no pega ni con cola en un trabajo tan serio, y no por la tralla que te escupen a la cara estos chiquillos vascos, sino porque su título ya lo dice todo… Cosas de la edad, aunque sea un pecado fácilmente perdonable. Mención especial merece el vocalista Julen Sarasua, quien disfruta de un chorro versátil y potente más que notable. Cuando tengan pelos en los huevecillos, no quiero ni imaginar lo que Meltdown lograrán con sus futuras aventuras musicales. El terror de las nenas.

Cauces de G·Noma está muy currado, aunque quizá abusa de la sobreposición de voces, tanto en el caso de las gritadas como en el de las coreadas. A la larga atosigan un poquito al oyente, la verdad… Igualmente, desde ese río con el que abren que te sitúa en su título hasta la propia ‘Cauces’ final, a lo largo de sus 55 minutos ofrecen todo un viaje más que influenciado por el metal progresivo de Dream Theater, Planet X, Ayreon y similares, aunque por su agresividad ante los micrófonos, con su particular forma de entender este estilo. Lo suyo es una especie de prog con metal moderno y juegos de voces propios del metalcore, para entendernos, con un papel esencial reservado a su cantante, teclista y programador Israel Curbelo. En ‘Un Cristal Rompiéndose’, por ejemplo, con su impetuoso inicio y ritmos sincopados parecen unos Symphony X latinos. Lo dicho, un poco más de espacio entre cada fraseo vocal, y la clavan. Pese a todo, muy meritorio y, en materia instrumental, excelentemente ejecutado. G·Noma saben muy bien lo que quieren y aportan una personalidad inquebrantable (‘Cada Amanecer’) poco vista por estos lares. Los amantes de las bandas citadas los disfrutarán.

Malke.bandcamp.com

www.youtube.com/watch?v=JfLoTyyfcHE

www.g-noma.es

2014

8th edition

DEALMA

ASSESSORATO della Pubblica Istruzione, Informazione, Spettacolo e Sport ASSESSORATO del Turismo, Artigianato e Commercio

COMUNE DI CAGLIARI ASSESSORATO ALLA CULTURA ASSESSORATO AL TURISMO

CONTATTO DAMEN SAMUEL

DORIAN GRAY LENI KRAVAC

THE OSCILLATION

DEPRODUCERS OH ME MY

BUD SPENCER BLUES EXPLOSION GIOVANNI TRUPPI MOUSE ON MARS TRAVELLER FLUON THE ORB THE MARIA ANTONIETTA

MATTEO AMBU

BOLOGNA VIOLENTA

LUMINAL

STEFANO CHERCHI LILIES ON MARS FABIO CANU ARCHIE PELAGO JULES NOT JUDE RITA REDSHOES

VERTICAL DANCERS DUKE GARWOOD JACK JASELLI organization & production : VOX DAY Vox Day

REGIONE AUTONOMA DELLA SARDEGNA

infoline +39 070 840345| www.voxday.com

SEPTEMBER26th OCTOBER5th

Festival delle Culture Resistenti

m usic A RTS & culture

Old Neighborood of Castello>CAGLIARI

CIVIC THEATER> OLD GHETTO HALL PALAZZO SIOTTO>KASTÈ CLUB UNIVERSITY LIBRARY HALL BASTION OF SAINT REMY SANTA CROCE THEATER

INTERFERENCIAS

PISANDO FUERTE_HURRICÄDE

FORMACIÓN: Oskar (voz, guitarra), Gerard (bajo), André (batería) PROCEDENCIA: Girona AFINES A: Touché Amoré, Drive Like Jehu, No More Lies PRESENTAN: Anachronisms (Saltamarges/Caleiah/Bridal Horse, álbum)

FotoS: ÀLEX TREMPS

scuchas screamo moderno y echas de menos algo parecido, intenso, auténtico y creíble por estos lares? Deja de buscar. Hurricäde serán tu nueva banda favorita. “El screamo y el post hardcore son dos etiquetas que siempre nos han perseguido y es totalmente coherente porque han sido las bases y referencias musicales sobre las que se asentó el grupo”. Los catalanes no son unos advenedizos, y mucho menos unos oportunistas. Ahora presentan el genial Anachronisms, pero sus dos referencias previas, a medio camino entre el punk rock y el post hardcore, aliñadas a gritos, son su mejor coartada. “Antes de tocar como Hurricäde, los tres estábamos en otros grupos de punk y rock, André y yo estudiábamos juntos en Girona e íbamos a los mismos conciertos. En el 2007 coincidió que estas formaciones llegaron a su fin y formamos un nuevo grupo. Los tres compartíamos las mismas inquietudes musicales y teníamos ganas de hacer la música que realmente sentíamos”, recuerda su cantante y guitarra, Oskar. “Con el EP Pariah’s Pharos encontramos las sonoridades con las que realmente nos sentimos cómodos y en Anachronisms hemos podido darle más vueltas”, cuenta Gerard, bajista. “En este último disco hemos seguido los pasos ya marcados en el Pariah’s Pharos pero acentuando la parte rítmica y primitiva, tomando algunas ideas

más propias del math rock. Aunque a la hora de la verdad, cuando nos encerramos en el local, tocamos sin más, sin estar pensando mucho lo que estamos haciendo y dejando que la cosa fluya”. Esta última referencia ha sido grabada, mezclada y masterizada en los Estudios Ultramarinos por los hermanos Garcia. Gran acierto. El productor, Santi, también conocido por sus labores al frente de No More Lies, ha dejado huella en la banda, y mucho antes de entrar a grabar en el estudio. “Su banda ha sido una referencia ya desde que íbamos al instituto, igual que todo lo que se movía en la sala Atzavara Club y el Sant Feliu Fest. Lo bonito de todo esto es que a día de hoy somos amigos de la gente de Sant Feliu de Guíxols y, entre otras cosas, hacemos discos juntos”. A la pregunta sobre la música que escuchan, la respuesta no podía ser más extensa y deberán disculpar mi resumen: “¡Podrías hacernos una entrevista entera sólo con esta pregunta! A los tres nos gustan grupos y estilos muy diferentes, pero es cierto que tenemos un gran número de puntos en común. Hemos escuchado y escuchamos grupos franceses como Daïtro, Sed Non Satiata, Plebeian Grandstand o Mihai Edrisch… Nos gustan mucho La Quiete y Raein de Italia, grupos americanos como Fugazi, Slint, Swing Kids, Botch, Indian Summer o Drive Like Jehu; sin olvidar nunca a las perlas que han salido de casa como Based On A Lie, HHH, E150, Omega Cinco, Moksha, Bikini Summer y tantos otros”.

Con un disco tan impecable como Anachronisms es inevitable pensar qué pasaría si fueran de Barcelona o Madrid. ¿Serían la sensación del 2014? ¿Quizás habrían explotado antes? “Para nosotros nunca ha sido una barrera no tener el grupo afincado en una gran ciudad ya que estamos acostumbrados a subirnos a una furgoneta y plantarnos donde haga falta. No sabemos cómo hubiera sido tener el grupo en la ciudad, pero seguramente no muy diferente ya que siempre intentamos salir de la cueva lo máximo posible”. Con los pies en el suelo y ética punk siguen su camino. “Nosotros partimos de la idea que una banda de punk debe autogestionarse, funcionar de forma DIY. Eso hace que muchas veces exista un trabajo que nos ocupa cierto tiempo además del que ya invertimos en componer y tocar. Dedicamos el máximo de tiempo posible a la banda, haciendo constantemente malabares con el grupo y la vida personal de cada uno sacrificando bastantes cosas”. Por si fuera poco, forman parte del núcleo duro del sello independiente Saltamarges. “Decidimos montar este sello después de la gira europea de 2009, ya que dos miembros actuales del sello tenían muchas ganas de crear alguna plataforma que ayudara a bandas locales a poder editar sus trabajos. El sello no tomó forma hasta 2011. La verdad es que hoy en día no es fácil hacer que el proyecto siga adelante, pero cuando después de unos meses de trabajo te llegan las copias de alguna banda del sello y ves ese trabajo materializado en un disco, todo cobra sentido”. Como cuando reciben críticas positivas y les invitan a tocar en festivales veraniegos como el citado Sant Feliu Fest. (LUIS BENAVIDES)

INTERFERENCIAS

ZoNA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, JORDI FORÉS FOTOS: DR

QUENTIN TARANTINO, GLORIOSO BASTARDO Juan Manuel Corral (DOLMEN)

leído

y homenajes que se

antes a Juan Ma-

encuentran tras sus fo-

nuel Corral, con-

togramas. De hecho,

había

cretamente a propósito de

llega

sentenciar

su estudio sobre las produc-

que “tal vez la única

ciones de la Hammer. Pero

intención de Tarantino

como parece que el crítico

sea la de disfrutar al máximo con su trabajo y este deleite lo

gallego ha visto más pelícu-

obtiene evocando todos los elementos que pertenecen a su

las que discos he escuchado yo durante toda mi vida, ahora

formación cinéfila. A docente artístico no le gana nadie”. Por

tenemos la oportunidad de leer Quentin Tarantino, Glorioso

tanto, cuelga al enfant terrible de Hollywood la etiqueta de

Bastardo, su nuevo libro sobre el famoso director de Pulp Fic-

profesor antes que la de creador, la de divulgador de cine

tion. Aunque sigue cometiendo ligeros errores a la hora de des-

más que la de autor. A pesar de que chirría la frivolidad de

cribir algunas escenas de los films, es de elogiar que se atreva

algunos pies de foto, lo cierto es que la presente edición de

a rajar cuando cree que debe hacerlo. Corral analiza una a

Dolmen se completa con abundante material gráfico y biblio-

una todas las pelis realizadas por Tarantino y le agradece-

grafía anexa, por no entrar en el capítulo musical, la otra gran

mos que desvele los múltiples paralelismos, guiños, referentes

pasión del glorioso bastardo.

SUEÑO Haruki Murakami, ilustrado por Kat Menschik (LIBROS DEL ZORRO ROJO)

on las tres de la

pias inercias e ir durmiendo para contrarrestarlas. Mi vida era

madrugada

una simple reiteración, no iba a ninguna parte. El sueño no lo

una calurosa no-

necesito”. Pero claro, los momentos de máxima lucidez se com-

che de julio. Me he desper-

binan con instantes de visiones y sombras, hasta que la mujer

tado y no puedo seguir dur-

que no duerme registra una expansión de la conciencia tal que

miendo, así que decido co-

llega a una escalofriante reflexión sobre la muerte: “Consiste en

ger un libro. Mi elección no

permanecer eternamente despierta con los ojos clavados en las

es casual: Sueño, de Haruki

tinieblas”. Este relato inédito en castellano, escrito en 1990 por

Murakami, que trata sobre

el mismo autor de Tokio Blues, 1Q84 y Kafka En La Orilla, está

una ama de casa japonesa, modélica, que tiene una vida ruti-

brillantemente complementado por unas oníricas ilustraciones

naria hasta que no puede dormir durante 17 noches seguidas.

de la artista alemana Kat Menschik que brillan según la luz que

Entonces aprovecha esa tercera parte en que ha ampliado su

reciban. Cuando termino de leer el libro de Murakami suena el

tiempo vital para hacer lo que más le gusta: leer, escuchar músi-

despertador: es hora de ir a currar. Sólo he dormido tres horas,

ca, pasear… “¿Qué era mi vida? Ir consumiéndome en mis pro-

¿tendré sueño?

SOLIDARIDAD CON PATRICIA Daniel García (AUTOEDITADO)

ERRATA STIGMATA Beto Hernández

(FULGENCIO PIMENTEL)

Fanzine en estado puro, tanto en su contenido (político) como en su forma (fotocopias). Patricia es una vecina de Hortaleza condenada a tres años de cárcel y a pagar 9.000 euros de multa por un delito de lesiones a un policía al participar ésta en una acción de Stop Desahucios. El cómic de 22 páginas pretende dar a conocer este caso de abuso policial y represivo a la vez que ayudar a costear parte del dinero que se le exige. Puedes pedirlo en solidariosenapuros@ gmail.com o leerlo online en ISSUU. SG

...NO OPTION! Nº 3 Y 4 Pep Pérez

(ENTRECOMIC COMICS)

Personaje de culto para los seguidores de la producción de Beto Hernández, Errata Stigmata apenas ha protagonizado un puñado de historias en 30 años, pero el cariño que ha dejado en sus lectores ha sido imborrable. Recopiladas ahora en castellano pueden leerse estas historias, publicadas originariamente en Love & Rockets, conteniendo material publicado en los 80 y en los posteriores años 2000. Para incondicionales y coleccionistas de detalles varios. SG

LA MUJER REBELDE - LA HISTORIA DE MARGARET SANDER Peter Bagge

Segunda tanda de esta space opera pop patria ofrecida en cuadernillos de hipnótico diseño y color. En los números 3 y 4 Pep Pérez ofrece una buena ración de referencias a la cultura popular, así como unos cuantos planos demenciales, buenos y excitantes. En formato mudo y a través de varias historias que avanzan en paralelo, esta fantasía de ciencia ficción pone al lector a cien con sus ‘continuará’ de campeonato y las ganas de ver cómo va deshaciéndose la madeja hasta dejar ver el lienzo completo. SG

(LA CÚPULA)

Gracias al libro Todo El Mundo Es Imbécil Menos Yo ya conocíamos la habilidad de Peter ‘Odio’ Bagge a la hora de narrar contenidos periodísticos y de opinión en formato cómic. Ahora se estrena con la biografía de Margaret Sander, activista de los derechos de la mujer y partidaria del control de la natalidad, abarcando su vida desde finales del XIX hasta su muerte en el siglo XX ya con la invención de la píldora. Agudo, eficaz, divertido. Todo lo que es Peter Bagge se mantiene en este trabajo. SG

LOS CABALLEROS DE LA ORDEN DE TOLEDO

Javierre y Juanfran Cabrera (ARIAN/AUTOEDITADO)

De la mano de dos veteranos del underground patrio llega este interesante proyecto de cinco comic books ambientados en la España de los años 20 y con García Lorca, Buñuel y Dalí como protagonistas en su época de estudiantes. Tanto el dibujo como el guión son exquisitos y el acercamiento a estos personajes de nuestra cultura desde esta perspectiva de intriga, acción y humor supone una lectura muy refrescante. Toda la info, en la página del crowdfunding del proyecto. SG

TERRY

VV. AA. (FULGENCIO PIMENTEL)

Antología de cómics, algunos procedentes de su catálogo de autores, que ofrece un acercamiento sincero y directo a su línea de publicación, así como nos permite disfrutar de un buen puñado de creadores muy variados. Incluyendo material inédito en castellano, sus historias, que rozan la locura underground en gran parte del tomo, son potentes en lo visual y atractivos en sus matices en la mayoría de los casos. Ideal tanto para coleccionistas de este tipo de tomos como para regalar y quedar como un/una señor/señora. SG 17

TOI’S IN THE ATTIC LOS PELIGROS DE LAS VENDING MACHINES

ecordáis las leyendas urbanas de bichos encontrados en hamburguesas de McDonald’s o las ranitas en las bolsas de lechuga Florette? Uno de estos rumores al final se convirtió en realidad cuando se hicieron virales las imágenes de una rata en el interior de una vending machine en una estación de metro. En los últimos años la presencia de estas expendedoras es habitual, aunque nada tiene que ver con su popularidad en Japón, donde se cuenta con una por cada 50 habitantes, y con una oferta que abarca desde refrescos de Inframán hasta muñecas hinchables. Aquí ya sabemos que salvo contadas excepciones venden tabaco, bebidas y snacks. Estaba de cañas en un bar, cuando por casualidad me percaté de la presencia de una expendedora de mecheros y papel de fumar totalmente camuflada bajo pegatinas y graffitis como si fuera Schwarzenegger en Depredador y que, ¡ojo! funcionaba, y el papel hasta pegaba. Entonces me acordé de la ruleta rusa de las máquinas: la expendedo-

ra de condones de los lavabos de los bares que, con el empujón de Durex, Benetton y otras marcas, tuvo repercusión durante algún tiempo hasta que el hype cayó en el olvido. Resulta sorprendente que algunos de estos dispensadores del amor sigan sobreviviendo en la actualidad cuando no parecen muy rentables, y además que, ¿quién se atreve a comprar un paquete de gomas en un antro en el que siempre huele a chotuno y hace un calor insoportable, teniendo la opción de comprarlo en otros establecimientos más fiables? Por no hablar de su mantenimiento y control. Que levante la mano el que haya visto en alguna ocasión a un reponedor comprobando fechas de caducidad y recargando cajitas. ¿Ninguno, verdad? ¡Mal rollo! Entre gomas en dudoso estado y ratas en el metro, hasta comprar un triste Phoskitos en una de estas máquinas se convierte en actividad de riesgo, así que, mejor si le hacemos un poco de gasto al de la tienda de la esquina, ¿o qué? (TOI BROWNSTONE)

TV EYE BATI DOS VERAN I EGOS

omo una batidora en la que mezclas violentamente multitud de frutas, cereales y cerveza, estupefacientes, lo que cada uno desee para su batido favorito, este verano he hecho lo mismo a mi pantalla de televisión, con el mando a distancia de artefacto terrible, temible a altas horas de la madrugada. Es el lastre que arrastramos los siniestros eclécticos, señor Meya, ¡ser noctívagos! Así, pasaba de una serie a otra, y tiro porque me toca. De repente, un documental de nazis refugiados en el Mediterráneo, con un primer capítulo escalofriante sobre los que se alojaron en nuestras costas. Sí, la verdad está ahí fuera, que diría el póster de Mulder. En otro canal, me reencuentro con sitcoms noventeras, del estilo Fraiser o Senfield (lo siento, jamás aguanté Friends). Ah, el buen psiquiatra, o el propio Senfield y sus excéntricas amistades. Recordando los viejos tiempos del colegio, amigos, the good old times. Aunque debo reconocer que, aparte de esperar la próxima temporada de The Bing Bang Theory, a la que dedicaré una columna un mes de éstos, igual que la serie True Detective, no os preocupéis, es a Men At Work. Desgraciadamente ha durado sólo tres temporadas, pero qué tres temporadas. Reconozco que al principio no le pillé el punto, luego alcanzas el límite enfermizo de ver capítulos repetidos. Si es posible en inglés; con el doblaje pierde matices. No es que varíe mucho del resto de sitcoms mencionadas, ciertos patrones se repiten: las conversaciones en la cafetería, los líos estrambóticos en lo laboral y personal… Además, se sitúa en algo muy cercano a RockZone: la redacción de una revista. No es una de las mejores sitcoms, pero mejor que la chorrada -escupid a vuestro móvil o pantalla del ordenador, anda valientes- de Cómo Conocí A Vuestra Madre, es. Y es un placer encontrarse a James Lesure. No podemos decir que su registro sea ecléctico; cada serie en la que aparece actúa de sí mismo. Incluso en la entretenida y extinta Las Vegas. Vamos, que las líneas se acaban, y si queréis disfrutar un poco más de vuestras vidas, echad un vistazo a la serie o haceros del Espanyol. (IGNACIO REYO)

DE CULTO_Angelo Badalamenti DISCO BÁSICO: Music From Twin Peaks (1990)

AFÍN A: Vangelis, The Cranes, Bauhaus

onocido fundamentalmente por su fidedigna alianza con David Lynch, Badalamenti es ya un clásico en vida en cuanto a compositores de bandas sonoras se refiere. Está en el olimpo de los Maurice Jarre, Bernard Herrmann, Ennio Morricone o John Williams. Porque, aparte de ser artistas que hacen más grandes las películas a las que añaden su score, son capaces de abolir o crear estados de ánimos, imaginarias bandas sonoras de vigilia. Una de las particularidades de Badalamenti es la mezcolanza que realiza entre composiciones ambientales, sugerentes, bajo las que subyace algo desconocido, con canciones al uso. ¿Quién no recuerda ‘Wicked Game’ de Chris Isaak mezclada con Powermad, las interpretaciones a lo Elvis de Nicolas Cage y las siniestras piezas de la propia cosecha de Badalamenti en Corazón Salvaje? Lo mismo se aplica a Blue Velvet, Mulholland Drive, y un largo etcétera. Fuera del radar de Lynch también funciona su poder de evocación. Secretary es una rara avis digna de los mejores cinéfilos. Pero volviendo a su asociación, deberíamos destacar dos

bandas sonoras en las que sobresale el excelso, imaginativo instinto del autor. Por una parte, la banda sonora de la serie Twin Peaks; las canciones etéreas, casi torch songs entonadas por la cándida Jule Cruise, separadamente de la ambientación que da al pueblo. Sólo la entrañable canción de entrada merece que agradezcamos hasta la eternidad su labor. Quien me lo niegue, le reto a un paseo por los bosques de la supuestamente idílica localidad. Por otra parte es capaz de emocionarnos, llorando en la travesía que realiza Alvin Straight, personaje real, interpretado superlativamente por el entrañable Richard Farnsworth, en la reconciliación con su hermano a través de una cortadora de césped. Sin dejar su pátina, es capaz de transformar sus oscuros sonidos hacia una atmósfera relajada, bucólica, preciosista. Las eternas disyuntivas, sueño o pesadilla, amor u odio… Dejaros arrastrar como olas del mar y susurros del viento bajo la música del maestro. En ocasiones os parecerá ahogaros… aguantad, al final siempre veréis la luz de una dorada o grisácea luna sobresaliendo. (IGNACIO REYO)

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame particular es The Age Of Quarrel de Cro-Mags. Antes de que la música underground se convirtiera en algo más a comercializar y ser asumida por las masas, hubo un tiempo donde el underground no sabía a dónde podía dirigirse. Hoy, la música se divide en unos cuantos géneros ya creados y destinados a audiencias, a las que se les ha lavado el cerebro para creer lo que les cuentan. Trágico y

divertido al mismo tiempo. La verdad es que en la música nunca ha habido reglas. Has de escuchar simplemente lo que te gusta, independientemente de que lleven los pantalones adecuados o hagan los acordes de guitarra que, se supone, han de sonar. El único compás que has de seguir es el que te manda tu corazón, y la mente es la que decide si te gusta o no. Cuando veo lo que es la escena musical hoy, no puedo evitar pensar que estamos atrapados en una segregación musical. Me recuerda a cuando empecé a escuchar música heavy. Creciendo como metal kid, fui lo suficientemente afortunado de experimentar el heavy metal mientras empezaba a descubrir el punk rock. Las bandas de metal, las que conocía y amaba, no

tenían ningún miedo en declarar su amor por el punk rock viendo la lista de bandas que decían que se tenían que escuchar. Eso me hizo meterme en una espiral de búsqueda. El único problema es que cuando di un paso dentro de ese mundo no estaba preparado para la sacudida con la que iba a ser recibido. Escuchaba bandas con el pelo corto con más mala leche que cualquier banda de cliché metal, cantando sobre NO tomar drogas y NO beber (Minor Threat). Vi a rastafaris más rápidos y duros que cualquier banda de speed metal (Bad Brains). Vi a un skinhead con todo su cuerpo tatuado hablando sin tapujos de su devoción al movimiento Hare Krishna, pero, al mismo tiempo, tan heavy como Motörhead (Cro-Mags). En otras palabras, mi iniciación en el punk rock me cambió del todo. Tuvo un gran efecto en mí como persona. Agradezco al destino que pudiese descubrirlo. The Age Of Quarrel de Cro-Mags fue uno de los álbumes hecho por una de esas bandas de las que estoy agradecido haber encontrado.

Por un lado contenía la dosis necesaria de punk rock que se le suponía en canciones como ‘World Peace’, ‘Hard Times’ y ‘Do Unto Others’, pero al mismo tiempo tenía canciones más lentas con esas guitarras estridentes en ‘Seekers Of The Truth’, ‘Malfunction’ y ‘Show You No Mercy’, lo que hacía que lo pudiésemos catalogar como un álbum de crossover. Algo que tampoco se podía pasar por alto era la increíble voz de John Joseph, que sonaba como un Ian Mackaye poseído por Lemmy Kilmister. Finalmente teníamos una banda que se cruzaba con el metal sin ningún problema. Era una afirmación de todo aquello que amaba de esos dos mundos. El tiempo no ha hecho más que jugar a favor del disco, conservando toda su fuerza y dureza. The Age Of Quarrel es uno de los pocos álbumes que utilizo como barómetro para las nuevas bandas cuando se me acercan diciendo que son punk-as-fuck. Normalmente se les caen los huevos al suelo tan sólo oír el inicio de ‘We Gotta Know’. Nos vemos, DANKO JONES

INTERFERENCIAS

DE CINE_CON KIKO VEGA 22 JUMP STREET. INFILTRADOS EN LA UNIVERSIDAD LA RE-SECUELA

ebería ser obligatorio: cada verano, una nueva aventura y un nuevo caso para la pareja de polis más divertida del siglo. Jonah Hill y Channing Tatum demuestran que no hay nadie con más ni mejor química en la actual comedia americana. Pero más allá de su función de alma y productores de la película, hay que destacar a Phil Lord y Chris Miller, que si con Lluvia De Albóndigas parecían tener algo que decir, poco tiempo después se muestran como los absolutos genios renovadores del sentido de la diversión, algo que han demostrado con creces en la primera parte de Infiltrados y, madre mía, en esa inagotable fuente de maravillas que es La Lego Película, probablemente y junto a Team America o South Park, la mejor muestra de animación que hemos visto en nuestra vida. Es tan potente el material que manejan que incluso son capaces de dar otra vuelta de tuerca

UNDER THE SKIN

LA PIEL QUE HABITA EL ENIGMA DE OTRO MUNDO

a lo meta, con unos diálogos que hacen especial hincapié en el hecho de que la secuela de un éxito debe ser más potente, más cara, más lujosa y más espectacular. Y vaya sí lo es. Lo es 22 jodidas veces. Infiltrados En La Universidad es tan buena como lo fue la primera parte y, si me apuras, 22 veces más divertida y ambiciosa, pero siempre desde el lado de la bendita locura imposible, porque aquí no hay ni rastro de sentido común. Como fan que soy del humor escatológico, es increíble lo bien que se lo puede pasar uno con humor blanco de calidad sin salidas de tono ni momentos groseros: estos tíos son los Beastie Boys del cine. Desde el prólogo, que incluye un simpático ‘previously’ recordatorio, la jugada queda clara: Lord y Miller vacían los cargadores del espectáculo y del cartoon a quemarropa. Quizás sea un poquito menos violenta que la primera y es posible que se eche en falta algún secundario o un villano a la altura de sus protagonistas, pero ahí está Ice Cube con más presencia y alguna sorpresa, abusando del metalenguaje y sabiendo en todo momento qué pasará a continuación. O no, porque los créditos finales de Infiltrados En La Universidad ponen muy difícil el desarrollo normal de una hipotética tercera entrega. Y son otra obra maestra. Ya espero nuevo curso.

na cosa os voy a decir respecto a Under The Skin: es una película que hay que oír en el cine. Sí, has leído bien: hay que oírla en el cine. En estos tiempos de ripeos y demás ilegalidades domésticas, es necesario destacar algunos títulos que no pueden disfrutarse fuera de una sala de cine como lo harías desde la butaca, y el nuevo film de Jonathan Glazer es uno de ellos. El director se apoya en un score sobrecogedor de Mica Levi para ambientar aún con más fuerza la historia y el viaje de

la extraña alienígena (espléndida Scarlett Johansson), porque si hay algo que el director de Karma Police domina a la perfección es trabajar la música. Sería muy estúpido por mi parte recomendar una película tan bizarra, casi muda y experimental como Under The Skin al espectador habitual de las salas comerciales, así que no lo haré. En cambio, quien disfrute del cine más oscuro y difícil, estará encantado con la desolación marginal, el desasosiego y el mal rollo que inundan esta película rodada con cámaras ocultas. Y digo inundan porque es una película muy líquida, aunque no fluida. Destacan en esas localizaciones líquidas las dos secuencias más traumáticas de la película: la terrible del mar embravecido y la secuencia submarina. Puede que no sea la obra redonda que esperaba por esa ausencia de ritmo constante, pero sin duda estamos ante una de las apuestas más atractivas del último fantástico.

Las Arnette Sessions nos muestran el lado más cercano, íntimo y crudo de los músicos que se acercan a la redacción de la revista RockZone. A pelo, sin segundas oportunidades ni efectos especiales, este formato no es apto para productos prefabricados, sólo para quienes disfrutan y respiran la música .

>> APHONNIC INTERPRETAN ‘AHORA QUE TENGO 33’ DE SU ÚLTIMO DISCO HÉROES EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE.

asta hace poco los vigueses Aphonnic se sentían poco valorados, a veces ninguneados por el público, los medios y hasta por otras bandas con las que habían compartido escenario. Pero con la edición de su nuevo álbum Héroes parece que su suerte está cambiando. Aphonnic tuvieron hace un año la primera señal de que algo estaba ocurriendo cuando en apenas 15 días consiguieron recoger una cifra superior a los 6.000 euros que habían solicitado a través de una plataforma de crowdfunding para poder tirar adelante la mezcla de su cuarto álbum con el norteamericano Paul Levitt (Circa Survive, All Time Low, The Eyes) y su posterior edición. Por casi primera vez en sus 13 años de carrera, sintieron que lo que hacían, no sólo les importaba a ellos, sino que también había un público dispuesto a apoyarles. “Lo del crowfunding fue una sorpresa, y más como estamos ahora, todos con el ojete apretado y

mucha gente sin trabajo”, nos cuenta Chechu, su vocalista. “Después de tantos años de llevarnos hostias, de mucho curro, es una alegría. Desde que ha salido el disco hemos notado más repercusión a todos los niveles. Parece que todo el mundo está flipando... y nosotros también estamos flipando. Si te digo la verdad, vemos a la gente más emocionada que nosotros, porque llevamos tanto tiempo que siempre vamos paso a paso. Diría que éste es nuestro mejor momento. Estamos más ilusionados que nunca, con más ganas de hacer cosas y con la gente más receptiva”. El grupo, que completan Richy al bajo, Iago a la guitarra y Alén a la batería, explica que la edición de 10.000 copias que regalaron en 2009 de su anterior disco 6 Bajo Par a través de esta revista fue la semilla de la que ahora recogen los frutos. En él, la banda cambiaba el inglés por el castellano y se alejaba del nu metal de sus inicios incorporando más melodía y dando más protagonismo

a los teclados para acercarse al rock alternativo. “Fue lo mejor que pudimos hacer”, dice Chechu respecto al cambio de idioma. “Ibas a los conciertos y había conexión al momento. Y tampoco mi inglés era... bueno, era bochornoso (risas). Viéndolo en frío era un hándicap, porque la base musical estaba, pero faltaba llegar a la gente con las letras. En castellano es más difícil elaborarlas, pero es mucho más fácil conectar”. De su carácter entre la resignación y la resistencia, entre el fatalismo y el orgullo, surge también el concepto detrás de Héroes que se explicita en el tema ‘Mi Capitán’. “Grupos como nosotros no salen hacia arriba, en parte, porque la gente sigue queriendo a los héroes de siempre. Aunque estén demacrados”, señala el vocalista. “La calavera del Capitán América de la portada refleja un grupo grande que está en épocas bajas. La gente prefiere a los grupos que fueron algo que a los que pueden ser”. 23

FOUR YEAR STRONG

NUEVA LEGISLATURA Hace tres años parecía que Four Year Strong iban a dar el salto a la primera división con In Some Way, Shape Or Form, donde su popcore se acercaba al rock de estadios de Foo Fighters. Sin embargo, el disco no acabó de funcionar y en 2013 decidieron tomarse un descanso en medio de rumores de que se habían separado. Lejos de ser cierto, la banda vuelve con un nuevo EP que debería reconectarlos con los fans de siempre. Texto: Jordi Meya Fotos: DR

“Siempre hemos intentado hacer buenas melodías, pero queremos que se nos considere de la misma manera que a una banda de metal o una de hardcore” DAN O’CONNOR

a historia de Four Year Strong no tiene, por desgracia, nada de original. Banda logra hacerse un nombre en la escena underground con sus dos primeros discos (It’s Our Time, Rise Or Die Trying), banda ficha por una multinacional con la

que consigue un mayor éxito (Enemy Of The World), banda rompe con la multi cuando no consigue repetirlo con su siguiente obra (In Some Way, Shape Or Form), banda pasa por una crisis y finalmente vuelve a un sello independiente para recuperar el terreno perdido y darse una segunda oportunidad. Y en eso

están Dan O’Connor (voz, guitarra), Alan Day (voz, guitarra), Joe Weiss (bajo) y Jake Massucco (batería), quienes en julio publicaban el EP Go Down In History (Pure Noise). Sus cinco canciones, producidas como Enemy Of The World por Machine, recuperan el vitalismo melódico de sus primeras obras y encajan como 25

FOUR YEAR STRONG

escuchado a Ryan Adams, a Death Cab For Cutie… No creo que se note en nuestra música, pero me inspira mucho escuchar cómo tocan la guitarra y cómo hacen melodías”.

un guante con el espíritu del Warped Tour, donde han participado por enésima vez este verano. Como mínimo, sus fans de siempre lo han recibido muy positivamente y, aunque sepa a poco, es un buen punto de partida para reconstruir su carrera. Teniendo en cuenta que vuestro último disco es de 2011, ¿por qué lanzáis un EP en lugar de un álbum entero? Seguramente teníais material suficiente para grabarlo, ¿no? DAN O’CONNOR “Así es. Lo que ocurrió es que nos tomamos un montón de tiempo libre para estar en casa con la familia y cuando empezamos a componer no sabíamos para qué sería. Si para un disco, un EP, un single… Pero como este verano estábamos en el Warped Tour, decidimos que queríamos lanzar algo nuevo para que coincidiese, y como antes ya teníamos otra gira programada, no teníamos tiempo suficiente para grabar un disco entero. Así que optamos por grabar sólo estas canciones y editarlas”. ¿Qué hicisteis durante este tiempo libre? Incluso surgieron rumores de que os 26

habíais separado... ¿Había algo de cierto en ellos? “No, para nada. Yo me casé y he tenido un bebé hace poco, otros dos se compraron casas y estuvieron ocupados con eso… hacíamos vida totalmente normal. Alan empezó un nuevo proyecto llamado The Here And Now, Joe empezó un negocio de muebles, así que cada uno hizo cosas por su cuenta, pero todos seguíamos en contacto”. ¿Estabais un poco quemados? “Sí, necesitábamos un respiro. Después de sacar In Some Way, Shape Or Form terminamos nuestro contrato con Universal, así que no le debíamos nada a nadie. Era el momento perfecto para hacer un parón, porque luego cuando ficháramos por un nuevo sello íbamos a tener un montón de obligaciones”. ¿Hay algún artista o disco que te haya inspirado en los últimos tres o cuatro años? “La verdad es que he escuchado música más tranquila y también más rock clásico durante este tiempo. He prestado mucha atención a guitarristas muy buenos de bandas de metal o de cosas más suaves. He

Go Down In History suena más a vosotros que In Some Way, Shape Or Form, que era más maduro… “Desde luego el EP es más animado y tiene más energía. Creo que salió así por el descanso que nos tomamos. Simplemente teníamos más energía y salieron temas más rápidos, pero nos sigue encantando In Some Way, Shape Or Form. Creo que efectivamente mostraba una cara más madura porque era lo que queríamos, queríamos crecer. Si el disco sonaba distinto es porque cambiamos nuestra manera de componer. Escribimos música y letra al mismo tiempo, cosa que no hacíamos antes. Cualquier artista que lleva tiempo funcionando quiere cambiar, crecer y probar cosas nuevas porque si no acabaríamos haciendo una copia mala de Rise Or Die Trying. No es lo que queremos. Le dedicamos mucho tiempo, y creo que sigue siendo uno de nuestros mejores trabajos. Me encantan las canciones y suena genial”. A pesar de eso, el disco no acabó de funcionar comercialmente. ¿Te sentiste decepcionado? “No, porque tampoco era un disco pensado para sonar en la radio. Sabemos que no somos un grupo para la radio y más ahora que las emisoras de rock están muertas. No compusimos con eso en mente. Mucha gente lo pensó porque había algunas canciones más lentas y había

muchas melodías, pero no era nuestra intención”. Con este EP habéis vuelto a un sello independiente. ¿Cómo valoras ahora vuestro periodo en una multinacional? “Cuando sacamos Enemy Of The World todo fue genial. El problema fue con el siguiente disco, porque la división del sello donde estábamos, Motown, cerró y nos pasaron a Universal Republic. No conocíamos a nadie allí y nadie nos conocía, no había relación. Así que sabíamos que en cuanto saliera el disco todo habría terminado”. Teniendo en cuenta el tiempo que ha pasado desde el último disco, ¿os daba miedo que vuestros fans hubieran crecido y ya no se acordaran de vosotros? “Para serte sincero, pensaba que podía ser peor porque nunca hemos sido una banda que tenga mucha presencia en las redes sociales. Y supongo que eso también explica por qué la banda no es más conocida. Pero es que empezamos el grupo en

una época en que todavía no era tan importante, así que no es algo natural para nosotros. Personalmente no me paso el día conectado a Twitter, no me interesa. Si pensáramos en hacer eso sólo para ganar dinero, preferiría irme a casa y montar otro negocio. Si estamos en el grupo es para hacer música y pasarlo bien. Ya hay demasiados grupos que le dedican demasiado tiempo a las redes”. ¿Mental y físicamente, es duro volver a salir de gira cuando te has acostumbrado a la vida doméstica? “Para mí es duro porque he tenido un hijo, pero en cuanto hemos vuelto a la carretera ha sido como si nunca hubiéramos parado. Es algo totalmente normal. Ha sido fácil”. A pesar de que vuestra música es muy melódica y pop, suena hecha por hombres, no por críos. ¿Crees que es uno de vuestros retos hacer este tipo de música con una perspectiva más adulta? “No lo sé. Siempre hemos intentado hacer buenas melodías, pero queremos que se nos considere de la

misma manera que a una banda de metal o una de hardcore. Alan y yo cantábamos juntos en el coro de la escuela, así que tenemos muy buen oído para las armonías vocales, y por eso somos capaces de cantar en directo lo mismo que cantamos en disco. Apenas usamos Auto-Tune o trucos de ésos. Podemos utilizar para arreglar una palabra concreta, pero no nos gusta cómo suenan nuestras voces procesadas”. Y en cuanto al próximo disco, ¿tendremos que esperar mucho tiempo para poder escucharlo? “No lo sabemos. Siempre estamos componiendo y después del Warped, la idea es volver a casa y entrar a grabar. Antes de que acabe el año lanzaremos algo nuevo. Puede que sea otro EP o que sea un álbum. Ya veremos. Pero no tendrás que esperar un año para escuchar nueva música nuestra. Creo que en el futuro vais a tener más canciones de Four Year Strong que nunca antes”.

ILL NIÑO

todo por la Familia Ill Niño

Que una banda como haya sido capaz de sobrevivir cuando la corriente musical les jugaba en contra dice mucho del compromiso que estos tipos tienen con lo que hacen. Till Death, La Familia, su séptimo trabajo, defiende con orgullo el metal latino. Texto: David Garcell Fotos: DR

principios de la pasada década, cuando el nu metal y el llevar chándal encima de un escenario estaba al orden del día, Ill Niño aportaron un poco de variedad al

estilo con las influencias derivadas del origen latino de sus componentes. Sus dos primeros trabajos, Revolution Revolución y Confession, que llegó a Disco de Oro en Estados Unidos, pegaron muy fuerte, pero con el tercero

One Nation Underground, en el que parecieron querer competir con Linkin Park, las cosas empezaron a torcerse y dejaron de formar parte del todopoderoso sello Roadrunner. A medida que los gustos del público cambiaban

“Como músicos necesitábamos hacer algo un poco diferente, con otro enfoque más intuitivo. Salió del estómago, sin pensar mucho sobre qué hacer” Crist ian Machado que vuelve a haber un interés por ellos también en su país. Durante un parada forzosa dentro de la gira, ya que una llanta de su autobús de gira se estaba saliendo, el vocalista Cristian Machado atendió nuestra llamada. Aparte de este pequeño problema mecánico, ¿cómo os va en el Mayhem Tour? CRISTIAN MACHADO “El Mayhem está buenísimo. Los crowds están buenísimos, están llegando pronto para ver al grupo y en realidad ha sido una experiencia muy brutal para nosotros. Hemos podido recordarle a mucha gente que todavía existimos. Durante muchos años nos hemos dedicado al mercado internacional, pero hacía mucho que no estábamos en una gran gira por Estados Unidos como ésta”.

hacia otros sonidos, la relevancia del grupo fue disminuyendo, y trabajos como Enigma o Dead New World pasaron con más pena que gloria. A pesar de ello, el grupo encontró en el mercado internacional la suficiente aceptación para ir tirando adelante. Pero con la edición de Till Death, La Familia (Victory) y un puesto en el Mayhem Tour junto a Avenged Sevenfold, Korn y Asking Alexandria entre otros, el grupo de New Jersey ha comprobado

Es buena señal, el estatus del grupo se mantiene. “Para mí fue una gran sorpresa, yo no sabía que tanta gente nos iba a recordar. Y no sabía que tanta gente que no nos conocía iba a abrir los brazos al grupo. Ha sido una experiencia súper buena, conocer a tanta gente nueva y ver a tantos fans viejos del grupo”. Muchas veces se ha comentado que para entrar en este tipo de giras como el Ozzfest, los grupos tenían que pagar para poder tocar. ¿Sigue siendo así? ¿Cómo funciona?

“Nosotros no pagamos para estar en la gira, nuestra compañía disquera es uno de los spónsors y a nosotros nos pagan por tocar, gracias a Dios. Aunque no nos pagaran, todos los gastos del autobús, la gasolina, la crew, lo tenemos pagado por la compañía. Y además, con la venta de merchandising y la garantía que tenemos nos da para cubrirlo todo”. A estas alturas de la carrera del grupo, ¿cuál es la actitud a la hora de encarar la creación de un nuevo disco? “Hicimos el disco muy liberados. Hicimos todo lo que quisimos hacer con las palabras y la música. No hubo ninguna presión de la disquera. Queríamos hacer cosas más modernas y no tan atados a los discos viejos. Como músicos necesitábamos hacer algo un poco diferente, con otro enfoque más intuitivo. Salió del estómago, sin pensar mucho sobre qué hacer. Los muchachos del grupo me dieron una música muy buena y fue una gran sorpresa para mí cuando la escuché. Para mí fue un tremendo honor cantar en el álbum y poder dedicarme sólo a las palabras y las melodías. No tuvimos mucho tiempo para hacer el disco, apenas dos meses y medio para escribirlo y grabarlo. Quizá por eso fue más intuitivo, como te decía. Hay una mezcla de nuestra música del pasado e influencia de grupos nuevos que nos gustan. Tiene cositas un poco más progresivas. Diría que la palabra es ‘refrescante’”. 29

ILL NIÑO Comparado con el anterior Epidemia, el disco es más luminoso también. “Sí, sí, en relación tiene más melodía y la voz está un poco más presente. Yo diría que la voz da complemento a la música. Me gustaron mucho las canciones que me mandaron y quería complementarlas sin quedar atado al estilo antiguo de la banda. En este momento de nuestra carrera podemos hacerlo, no hace falta hacer siempre la misma clase de obra. Terminamos con algo que suena un poco diferente pero que tiene la identidad de Ill Niño. Sobre todo quería darle vida a las canciones”. El título también da la idea de esa hermandad que siempre habéis profesado, pero no sé si ahora que sois más mayores y tenéis hijos, la familia es aún más importante que antes. “El título del disco tiene que ver con la familia, pero no sólo con nuestros hijos y esposas, sino con el grupo de fans que nos han seguido desde el principio. Para nosotros ellos son la familia. Para mí el título es un homenaje a ellos, a todos los que nos han seguido a pesar de todos los cambios, 30

de los diferentes discos, de las giras… Es algo que no vamos a olvidar nunca. Anoche después del show tuvimos a unos amigos en el autobús a los que conocemos por ser fans. Estuvimos tomando tragos, dándonos unos shots de Jack Daniels, y cada vez que íbamos a dar un trago gritábamos ‘till death la familia’. Eso explica mucho lo que significa el título. Es gente que siempre lleva al grupo en la boca y en la mente, que nos representa a nosotros y al metal latino. Pero también hay letras más personales y oscuras como ‘Blood Is Thicker Than Water’, que habla sobre la pérdida de mi abuela y haber pasado por la experiencia de verla morir en mis manos”. Hablando de esta fidelidad, la carrera del grupo empezó muy fuerte, pero luego hubo unos años que pareció que quizá vuestra popularidad bajó un poco. ¿Cómo habéis vivido esos años? ¿Sentís que os ha costado manteneros y que tenéis que volver a luchar para recuperar el nivel? “Nunca hemos pensado en tirar la toalla, pero muchos grupos pasaron por lo que pasamos nosotros. Fue el cambio del clima musical. En Estados

Unidos se notó mucho más que en otros países. En Inglaterra y Estados Unidos los medios tienen mucho que ver con la popularidad de los grupos y la verdad es que no nos prestaron mucha atención. La radio, las revistas, los periódicos estaban más entregados a grupos nuevos de metalcore y nosotros quedamos como viejos. Y ahora está pasando algo similar, el metalcore se está quedando viejo y están regresando muchos grupos clásicos. Para nosotros es raro porque nunca nos fuimos. Sí tomamos breaks, estuvimos un par de años que no hicimos nada, porque no somos unos críos, tenemos familia y no podemos estar siempre entregados a las giras y a hacer álbumes. Quizá haber descansado cuando la música estaba cambiando nos perjudicó un poco, pero en realidad en muchas partes del mundo como Europa, Australia, Sudamérica, Centro América, Rusia, Asia, no afectó tanto. Siempre que hemos ido hemos vendido bastantes tickets. La fama del grupo no bajó. En España no lo sé, la verdad”. Pero al final, si los grupos aguantáis, aunque no estéis de moda, también os hace ganar el respeto de los medios y os vuelven a prestar atención. “Yo creo que en el metal generalmente es así. Hay grupos clásicos que fueron gigantes y hay otros que por no tener un estilo moderno no pudieron pasar a la próxima etapa. Gracias a Dios para nosotros la historia ha sido bastante poderosa. Que los medios no nos hayan apoyado tanto no significa que el grupo estuviera muerto”.

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Encontrar a tu media naranja no es tarea fรกcil, pero el legendario Slash por fin parece haberla localizado en la figura del cantante Myles Kennedy. Su sociedad creativa vuelve a dar buenos frutos en el hard rockero World On Fire. Texto: Roberto Bua Fotos: DR

SLASH

o hay muchas oportunidades de encontrarse con alguien a quien universalmente se le considera un icono. Slash lo es a todas luces. Su imagen con el torso descubierto, una Gibson hasta las rodillas, gafas de sol y su inseparable chistera ya forman parte de la imaginería de la historia del rock’n’roll, y por supuesto canciones como ‘Sweet Child O’ Mine’ o ‘November Rain’ no faltan en los playlists de las emisoras de rock en todo el mundo. Si gracias a ellas y a la indudable química que desprendía junto a su archienemigo Axl Rose, Slash probó las mieles del éxito con Guns N’ Roses desde su dolorosa salida del grupo en 1996, el guitarrista ha logrado conservar su aura de guitar hero con distintos proyectos. Tras volver a comprobar lo difícil que puede ser lidiar con el ego de un cantante en Velvet Revolver, Slash decidió tomarse su carrera en solitario en serio y desde hace tres años se hace acompañar por una banda estable formada por Myles Kennedy, el aclamado vocalista de Alter Bridge, y dos fieles escuderos, Todd Kerns (bajo) y Brent Fitz (batería). El último día del pasado mes de mayo teníamos el honor de reunirnos con el hombre en persona en el SoHo Hotel de Londres para hablar de World On Fire (Warner), el segundo álbum que graban juntos y que se publica el 15 de septiembre. Educado y formal, muy lejos quedan los tiempos de desfase que relataba en su muy recomendable biografía, a sus 49 años Slash parece por fin haber encontrado la paz.

World On Fire es el segundo álbum que haces con Myles

And The Conspirators. Después de muchos años trabajando con gente distinta, parece que por fin has encontrado a los músicos ideales para ti. ¿Te sientes aliviado de poder contar con una banda estable? “Definitivamente fue una sorpresa porque no estaba buscando nada en particular. Hice ese disco en solitario con diferentes cantantes y para mí era un proyecto único, sólo para divertirme. En ese disco tuve a Myles, pero no le conocía de nada, nunca le había escuchado cantar, sólo había oído hablar de él. Así que me dije ‘veamos, qué hace este tal Myles’. Y cuando vino vi que era jodidamente fenomenal. Entonces decidí salir de gira, pero era una locura porque necesitaba a una persona que pudiera cantar todas esas canciones y también temas viejos de mi catálogo. Alguien me dijo que Myles era la persona y se lo pedí, pero no sabía si me diría que sí porque también tiene Alter Bridge, pero cuando lo hizo, entonces me tuve que poner a formar una banda. Escogí a varios músicos que conocía, pero mientras estaba probando baterías, alguien me dijo que tenía que probar a este chico de Canadá, Brent Fitz, que vive en Los Vegas. Así que lo probé y era el batería perfecto. Y fue él quien me presentó a Todd Kerns, el bajista. El primer día que ensayamos todos juntos pensé que era una gran banda de rock’n’roll, son buenos músicos pero no van de pose. Tocan muy bien, pero con pelotas. Giramos durante un año y medio y pensé que si volvía a hacer un disco en solitario, lo haría con todos ellos. Fue una bendición”. Háblanos un poco sobre la

“No hago discos para encajar en lo que se hace en un momento determinado, nunca lo he hecho, y mucho menos con lo que se hace ahora” grabación del disco. ¿Fue muy parecida a la de Apocalyptic Love? “Fue muy parecido. Escribí toda la música en la carretera y cuando volví a casa empecé a trabajar con Brent, y empecé a trabajar con mis diferentes riffs e ideas, y se las mandé a Myles que estaba de gira con Alter Bridge. Luego hicimos preproducción y fuimos al estudio. La mayor diferencia es que usamos un productor distinto que fue genial. El primer disco lo grabamos todo en directo; éste lo grabamos en directo pero también hicimos overdubs. Fue todo muy rápido”. La producción de Michael Baskette para el álbum es muy moderna, pero el disco también tiene ese aire clásico de hard rock. ¿Dónde crees que encaja en el panorama actual? ¿Hay alguna banda contemporánea a la que te consideres afín? “No hago discos para encajar en lo que se hace en un momento determinado, nunca lo he hecho, y mucho menos con lo que se hace ahora. Las bandas que me gustan son todas de metal. Apenas hay bandas de hard rock... Hay una en Los Ángeles que se llama Hillbilly Herald y Monster Truck en Canadá, también Scorpion’s Child, pero son 33

“Escucho lo que hago y creo que estoy mejorando, pero nunca dejaré de esforzarme por mejorar. Nunca me siento y pienso ‘soy genial’”

bandas que apenas tiran adelante, les cuesta conseguir un contrato. En el mundo comercial no hay nada que me atraiga”. Tengo curiosidad por saber qué bandas de metal te gustan... “Me encantan Gojira, Kvelertak. Creo que el metal ha logrado aislarse de la industria, y eso es algo que admiro. Nunca ha dejado de intentar innovar. Recuerdo cuando salieron Pantera. No siempre me gustaban las voces, aunque a veces funcionaban porque tenían melodía. Pero musicalmente me encantaban. Creo que lo que hacían

todavía se nota en grupos actuales, y eso me gusta. Me gusta porque el metal no es conformista, pero también hay mucho metal comercial y no lo soporto. Nickelback y esas cosas”. Después de dos discos con esta banda, ¿considerarías hacer otro álbum con invitados? “Posiblemente el próximo disco... Lo que está claro es que Myles va a necesitar un descanso en algún momento. Cuando acabe esta gira voy a hablar con él y ver qué es lo que quiere hacer y todo eso. Es posible que haga un disco con invitados cuando hagamos un parón con este

grupo. Eso me daría la oportunidad y el tiempo para hacerlo, pero tengo que querer hacerlo. Hay un par de tíos con los que me gustaría trabajar, pero es un proyecto complicado logísticamente”. ¿Qué te da Myles que no te hayan dado otros cantantes? “No lo comparo con nadie con quien haya trabajado antes. Myles llegó en un momento en que había tenido mis últimas palabras con el anterior cantante con el que había estado y me encontré con un vocalista con mucho talento y también compositor. Pero por encima de todo eso es un tío muy

guay, muy humilde. Un contraste brutal con lo que yo estaba acostumbrado. Sobre todo necesitaba a alguien con quien poder trabajar que no fuera difícil, alguien que fuera natural. Alguien que quisiera trabajar tanto como yo y hacer las mismas cosas que yo. Para mí fue un alivio y me he divertido mucho con él”. Como guitarrista, ¿cómo dirías que tu estilo ha evolucionando? ¿Todavía sientes que puedes mejorar? “Escucho lo que hago y creo que estoy mejorando, pero nunca dejaré de esforzarme por mejorar. Nunca me siento y pienso ‘soy genial’. Me gustaría estar al nivel de muchos guitarristas que admiro, pero no lo estoy”. Vaya, eso viniendo de ti suena raro (risas). Has escrito varias canciones consideradas clásicos del rock’n’roll. ¿Pesa eso a la hora de empezar a componer un tema nuevo? “No. Cuando compongo no pienso en nada de eso. Sólo intento escribir algo que mole. Cuando escribes una canción de rock’n’roll y se convierte en un hit no es algo que puedas planear. Si te sientas y lo intentas estás quitando el elemento musical natural y suena forzado. Tuve mucha suerte con Guns N’ Roses porque teníamos arreglos muy poco ortodoxos, que no encajaban con nada, pero tocó la fibra de la gente. Pero no se puede planear, simplemente ocurre”. Este verano estás girando con Aerosmith. Ellos fueron la primera banda grande

que se llevó a Guns N’ Roses para tocar en estadios. ¿Qué recuerdas de aquella gira? “Aerosmith eran y todavía son una de mis bandas favoritas. Cuando tenía 14 años y cogí una guitarra, su disco Rocks fue fundamental para mí. Me pusieron en la dirección correcta y definieron mi estilo. Para mí girar con ellos fue un gran honor. Y además, nos hicimos amigos y lo hemos sido desde entonces. Recuerdo la experiencia porque ésa fue la gira en la que todo explotó. Fue un hito en nuestra carrera”. ¿Cómo te sientes al volver a girar con ellos? “Estoy muy emocionado. No tenía la idea de girar hasta septiembre, cuando saliera el disco, pero entonces recibí la llamada cuando estaba en el estudio y pensé que sería genial. Ya no quedan bandas como Aerosmith. Quizá sólo AC/DC. Mi música encaja perfectamente con ellos, así que es un paquete muy lógico”. Aerosmith siempre han sido una banda muy explosiva internamente, pero siempre han encontrado la manera de resolver sus diferencias. ¿Desearías haber podido hacer lo mismo con Guns N’ Roses? “Es completamente distinto. Conozco a los tíos de Aerosmith y sus diferencias son muy diferentes a las nuestras (risas). Nuestras diferencias son insalvables, las suyas son mucho más pequeñas en comparación. Dentro de esa banda son importantes, claro, pero lo que pasa con ellos o con los Stones es muy distinto a lo nuestro”.

¿Todavía tienes esperanzas de relanzar Velvet Revolver o es un capítulo cerrado? “Está dormido. No tenemos a ningún cantante. Obviamente, cuando más tiempo pasa, cada vez hay menos que puedan cantar rock’n’roll. Si apareciese alguien, la banda está lista, pero por ahora cada uno hace sus cosas, aunque seguimos atentos por si encontramos a alguien. Nunca nos hemos separado, simplemente paramos. Hicimos muchas pruebas con cantantes, pero llegó un momento en que necesitaba hacer otra cosa y empecé con mi primer disco. Antes de coger a Scott (Weiland) estuvimos seis días a la semana durante diez meses probando a gente y fue duro. No quería volver a pasar por eso”. ¿Sigues trabajando con Slasher Films, tu productora de películas de terror? “Sí, estamos trabajando en algo nuevo. La industria del cine es muy lenta. Tengo cinco o seis guiones muy buenos, pero hay uno que ya estamos desarrollando y es genial. Es como un thriller hardcore que ocurre a principios del siglo XIX. Es como un western, en invierno. Imagina Montana en invierno. Nueve convictos que son asesinos brutales tienen que ser transportados, todos encadenados, de la cárcel al juicio donde los van a colgar. Y hay un tío responsable de llevarlos a todos. De hecho es un remake de una vieja película. No he visto la original, me acaba de llegar a casa, pero todavía no la he visto”.

WOVENWAR

AMARGO DESPERTAR ________ Está permitido caerse, lo que no está permitido es quedarse en el suelo. Los miembros de As I Lay Dying se vieron obligados a aplicarse está máxima cuando el cantante Tim Lambesis fue encarcelado el año pasado. Wovenwar es su manera de dejar atrás la pesadilla que les ha tocado vivir. Texto: Jordi Meya Fotos: DR

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osiblemente, a excepción del de Lostprophets, el caso de As I Lay Dying sea uno de los que más ha impactado a la comunidad musical en los últimos tiempos. Para los más despistados, contaremos telegráficamente que Tim Lambesis, el vocalista del grupo, fue detenido en mayo de 2013 acusado de conspirar para asesinar a su esposa y condenado, un año más tarde, a cumplir una sentencia de seis años en prisión. Naturalmente, esta situación totalmente inesperada, mas teniendo en cuenta que As I Lay Dying

grupo con el vocalista Shane Blay, anteriormente en Oh, Sleeper. El debut homónimo de Wovenwar, que conserva sus trazos de metal pero con una orientación más melódica, veía la luz hace un mes a través de Metal Blade y en octubre podremos verles en directo como teloneros de In Flames en Madrid, Barcelona y Zaragoza. ¿Cómo te sientes respecto a este disco? ¿Lo ves como un renacimiento para la banda, como que empezáis de cero…? JOSH GILBERT “Es una mezcla de las dos cosas. Yo lo veo como la oportunidad de sacar algo bueno de una mala situación. Empezamos este proyecto con la idea de que nada nos frenara de hacer exactamente la música que queríamos. Compusimos sin pensar en quién sería el cantante o qué tipo de voz tendría. Para nosotros era algo nuevo más que el renacimiento de As I Lay Dying. Más bien era el renacimiento para nosotros cuatro”. eran reconocidos como una banda de metal cristiano, dejó al resto de miembros del grupo en una más que difícil situación. Por si fuera poco, Lambesis, que atribuyó su conducta al abuso de anabolizantes, les acusó a través de la prensa de haberle abandonado a su suerte y de haber usado la religión como una vía para vender el grupo. Ante la imposibilidad legal de seguir usando el nombre y quizá también para distanciarse de cualquier asociación negativa, Nick Hipa (guitarra), Phil Sgrosso (guitarra), Josh Gilbert (bajista) y Jordan Mancino (batería) decidieron formar un nuevo

¿Cómo se involucró Shane en la banda y cómo varió la idea que teníais vosotros una vez empezasteis a trabajar con él? “Nick y Shane habían estado juntos hace 10 ó 12 años en Evelynn, una banda de metal técnico. Prácticamente se conocen de toda la vida. Yo conocía a Shane de ese grupo y también porque durante un año tocó con Between The Buried And Me. Luego le había visto varias veces en la carretera con As I Lay Dying porque solía visitar a Nick. En los dos últimos años, Nick había estado grabando cosas con él, así que

estaba familiarizado con su voz y me gustaba mucho. Shane tiene un rollo muy positivo y cuando tuvimos unas cuatro canciones compuestas, Nick sugirió que por qué no probábamos que Shane pusiera unas voces. Así que se vino a mi estudio, escribió algunas letras, algunas melodías, y lo grabamos. Luego se lo llevamos al resto del grupo y al sello y les gustó muchísimo. Así que seguí trabajando con él y de golpe teníamos medio disco hecho. Nunca hubo una prueba oficial o una audición, fue todo muy natural. Una vez el tren se puso en marcha, ya no paró”. ¿En qué momento fuisteis conscientes de que éste no iba a ser un disco nuevo de As I Lay Dying, sino el debut de una formación nueva? “Creo que cuando empezamos a componer ya lo sabíamos. No queríamos hacer algo que compitiera con el sonido de As I Lay Dying. No queríamos a un tío que estuviera gritando todo el tiempo o que los riffs fueran parecidos porque siempre sería visto como el hermano pequeño de As I Lay Dying. Queríamos distanciarnos, pero tampoco demasiado porque siendo los mismos cuatro músicos es inevitable que se note la influencia de ese grupo. Pero no trabajar en los confines de As I Lay Dying nos permitió experimentar mucho más, queríamos que fuera mucho más dinámico y no que los temas tuvieran 220 bpm de principio a fin. Queríamos poder hacer algo melódico durante una estrofa entera o poner una parte acústica. Es algo que nunca habíamos podido hacer porque no encajaba en nuestro estilo. Así que cuando la gente escuche el disco verá la influencia de 37

As I Lay Dying, pero también muchas otras cosas distintas”. Considerando todo lo que ha pasado, habéis sido capaces de hacer el disco bastante rápidamente. ¿Fue centrarse en hacer el disco una manera de aislaros de todo el ruido provocado por el caso de Tim? “Fue exactamente así. Dos semanas después de que todo explotara, teníamos que salir de gira con Killswitch Engage y Miss May I. Era una gran gira por la que teníamos mucha ilusión, pero naturalmente tuvimos que cancelarla. Como no tenemos otros trabajos estábamos todos en casa sin hacer nada, así que quedamos para comer y todos tuvimos claro que no teníamos otra opción que seguir haciendo música juntos, como habíamos hecho en los últimos años. Todos hemos estado en el grupo desde que éramos adolescentes. Yo entré cuando tenía 19 años, Phil cuando tenía 17, así que no conocemos otra cosa. Sólo sabemos hacer música. Así que decidimos quedar y hacerla. En ese punto no habíamos hablado con 38

nadie, ni siquiera el sello, no hicimos un anuncio oficial porque estábamos muy agobiados. No sólo con lo que salía a la luz pública, sino con muchas cosas que estaban ocurriendo por detrás, como por ejemplo qué iba a ocurrir con el nombre del grupo. Así que tener un vehículo para poder sacar toda la frustración fue uno de los pocos motivos que teníamos para animarnos”. Una de las cosas más difíciles para un grupo nuevo es escoger un buen nombre. ¿Cómo se os ocurrió Wovenwar y qué queríais transmitir con él? “Hubo grandes peleas para decidir el nombre (risas). Todo el mundo tenía uno, e incluso cuando estábamos grabando el disco, todavía no habíamos tomado una decisión. Había varios nombres que nos gustaban, pero una vez empezamos a mirarlo en serio, vimos que la mayoría ya estaban registrados por otras bandas o empresas. Así que al final nos decidimos por Wovenwar, que era el que proponía Nick. Es una palabra

que no existe, pero el significado que tiene para nosotros es que el ser humano nace limpio, pero luego todos los prejuicios o el odio que permites que entren en tu vida están tejidos (woven en inglés –ndr.) por tu entorno. Lo cual quiere decir que, si quieres, tienes la habilidad para poder controlarlo o cambiarlo. Básicamente, eres tú quien permite o no que todo eso entre en tu vida. Ésa es mi interpretación del nombre, aunque si le preguntaras a Nick, quizá te daría una respuesta un poco distinta”. Grabasteis con Bill Stevenson, con quien ya habías hecho Awaken, el último disco de As I Lay Dying. Creo que hizo un gran trabajo entonces, ¿pero qué os empujó a trabajar con él teniendo en cuenta que buscabais un sonido nuevo? “Queríamos mantener la agresividad de As I Lay Dying aunque fuera menos metal, pero los tonos de las guitarras, el bajo y la batería eran los mismos. Dedicamos mucho más tiempo a la voces simplemente porque lleva cinco veces más grabar voces

“Ninguno de nosotros odia a Tim, pero para que en el futuro exista la posibilidad de que volvamos a ser amigos, antes tendráN que resolverse un montón de cosas en privado” JOSH GILBERT cantadas que gritadas. Es mucho más meticuloso. Shane y yo grabamos las voces en 14 días, que parece mucho, pero teniendo en cuenta que todo es cantado, no es tanto. Cuando cantas, o afinas o no afinas. Tienes que clavarlo. Y al mismo tiempo, también tenía que grabar el bajo. Así que durante dos semanas estuvimos trabajando doce horas diarias, Bill, Shane y yo en un pequeño estudio. Por la noche estábamos hechos polvo. Nos íbamos a comprar un burrito y nos quedábamos sentados sin decir nada. Para serte sincero, fue agotador. Es quizá la experiencia más dura que he vivido en un estudio”. Supongo que para Metal Blade es importante poder vender Wovenwar como ‘la nueva banda de los miembros de As I Lay Dying’. ¿Os sentís cómodos con eso? “Creo que todos nos sentimos cómodos. No estamos avergonzados de lo que hicimos musicalmente con As I Lay Dying y estamos orgullosos de todo lo que conseguimos. Tenemos que entender que somos un grupo nuevo y que habrá mucha gente que no sepa quiénes somos o ni siquiera qué ha ocurrido con As I Lay Dying, así que cualquier mención ayuda. Parece que todo el mundo se entere de todo, pero si cuelgas algo en Facebook, sólo el 10% de la gente realmente ve tu post. Es muy posible que todavía haya fans que no sepan exactamente quiénes somos Wovenwar”.

Vivimos en una sociedad muy obsesionada con el sensacionalismo. ¿Qué has aprendido sobre ti mismo y sobre la sociedad a raíz de todo el caso de Tim? “Me abrió los ojos acerca de cómo los medios manejan la información. La mayoría de la prensa trabaja con datos correctos, pero también publican cosas sin contrastarlas. Por ejemplo, se publicó una entrevista con Tim en la web de Alternative Press en la que nos acusaba de muchas cosas, como que ya no creíamos en la misma religión, y nadie nos llamó para que diéramos nuestra opinión. Yo visité dos veces a Tim para ver cómo estaba y me decepcionó mucho que no lo mencionara. Pero lo más decepcionante han sido las webs cristianas que olvidaron todos los hechos y sólo cogieron las citas en las que Tim decía que sólo decíamos que éramos cristianos para poder tocar en los festivales cristianos. Las webs conservadoras cristianas lo sacaron todo completamente de contexto. Dieron por buena la información sin tener en cuenta que la fuente era Tim. Es decepcionante que construyan una historia a partir de unas declaraciones suyas simplemente para conseguir más clicks en su web”. ¿Ha afectado todo esto, no tu fe, pero sí la manera en la que ves la religión organizada? “Todo el mundo en As I Lay Dying y también en Wovenwar tiene sus

propias creencias. Desde gente que no cree en Dios, como Shane, y otros que sí creen pero tienen diferentes opiniones sobre qué significa el cristianismo. No creo que nadie quiera hablar sobre sus creencias en una entrevista porque es algo personal, y por eso nos molestó tanto que se publicaran esas acusaciones sin ni siquiera contrastarlo con nosotros. Supongo que es la naturaleza de la prensa, pero hace daño. No hirió nuestros sentimientos, pero sí nos abrió los ojos sobre cómo una mentira puede publicarse y expandirse por internet sin que pase nada”. Uno de los principios del cristianismo es saber perdonar. ¿Crees que podrás perdonar a Tim? “Sí. Creo que todos hemos perdonado a Tim por lo que hizo. Es una línea fina. Ninguno de nosotros le odia, pero para que en el futuro exista la posibilidad de que volvamos a ser amigos, antes tendrán que resolverse un montón de cosas en privado. Básicamente, hemos estado esperando a que Tim hiciera un gesto y por el momento no lo ha hecho”. Quizá primero tiene que perdonarse a sí mismo… “Quizá sea eso. No lo tengo claro. Todos hemos estado en contacto con él y le hemos dicho lo que queríamos decirle, pero no podemos poner una fecha para que él cambie. Pase lo que pase, no creo que ninguno de nosotros vuelva a sentirse cómodo para poder hacer música con él”.

AVENGED SEVENFOLD

Antes de que vendieran millones y llenaran arenas, Avenged Sevenfold eran una banda más de metalcore surgida de California. Con motivo del décimo aniversario de Waken The Fallen la banda revisa su pasado con una edición especial, y nosotros lo hacemos con el guitarrista Synyster Gates. Texto: Jordi Meya Fotos: DR

l 26 de agosto de 2003 el sello Hopeless Records editaba Waken The Fallen, el segundo álbum de Avenged Sevenfold, una joven banda de Hungtinton Beach que trataba de abrirse paso en una escena en la que Atreyu, Eighteen Visions o Bleeding Through les llevaban cierta ventaja. Su combinación de dejes de heavy metal clásico con influencias y una estética más cercana al punk rock pegó fuerte y en poco tiempo el grupo se pondría a la cabeza del movimiento. Pese a la inmadurez de algunas ideas, el disco ya apuntaba lo que en años posteriores, con mucha más lucidez, afloraría en obras de tanto éxito como City Of Evil o Nightmare. Aunque con un año de retraso, el grupo ha querido celebrar el décimo aniversario del álbum que les puso en el mapa con una edición conmemorativa que incluye un montón de demos y un directo. En medio de su gira como cabezas de cartel del Mayhem Tour, Synyster Gates, que se estrenaba como guitarrista del grupo en este disco, encontró diez minutos para comentar la efeméride. ¿Cuándo fue la última vez que escuchaste Waken The Fallen y qué sensación te dejó? SYNYSTER GATES “Hace mucho que no lo escucho. Hace poco escuché las demos que van incluidas

en la reedición. Fue bastante increíble escuchar cómo habíamos escrito canciones más caóticas y extrañas de las que luego se publicaron en el disco. Las demos son un descontrol. Fue divertido”. ¿Todavía reconoces el grupo en ese disco o lo ves como si fuera otra banda? “Sí, es una versión más inmadura de nosotros. Hay melodías malas y algunas partes horteras (risas), pero creo que se ve la dirección en la que íbamos y que teníamos una visión. Mola saber que teníamos eso de tan jóvenes. Me hace sentir orgulloso”. ¿Crees que tenéis fans nuevos que quizá todavía no lo han escuchado? “Sí, desde luego. Era el décimo aniversario, así que era una excusa perfecta. Y los viejos fans también tienen algo extra con las demos y el DVD con el documental”. Sobre la grabación del disco en sí, ¿fue muy diferente a cómo lo hacéis ahora? “En realidad no. Creo que ya usamos Pro Tools y componíamos de la misma manera. Quedábamos y escribíamos. Ahora lo hacemos en otro sitio, pero todos vivimos muy cerca, a cinco minutos andando, así que quedamos para tocar. Nunca nos hemos ido a L.A. o a un estudio para componer, sólo vamos al estudio para grabar”. 41

AVENGED SEVENFOLD

suerte de empezar a ganar dinero muy pronto, y nos permitió seguir adelante”.

En comparación a vuestro debut Sounding The Seventh Trumpet, Waking The Fallen era más melódico y con más voces limpias. ¿Fue algo que M. Shadows quería hacer o toda la banda quería ir en esta dirección? “Yo no estuve involucrado en Sounding The Seventh Trumpet, pero ahora que Jimmy (Sullivan) y yo estábamos en el grupo todos querían evolucionar. Fue muy divertido experimentar musicalmente. Ellos tenían diferentes ideas, pero no sabían exactamente cómo hacerlo. Pero con mi background musical y con el talento genial de Jimmy fuimos capaces de probar muchas cosas nuevas. Para nosotros las melodías eran mucho más atractivas que los gritos”. El disco también tiene más solos de guitarra. ¿Fue cosa tuya? “Sí, sí. Queríamos ser los mejores músicos posibles y hacer más melodías. Nuestras bandas favoritas, Guns N’ Roses, Metallica, Pantera, todas tenían solos, todas tenían grandes guitarristas solistas. Y yo como guitarrista solista quería 42

explorar también eso y divertirme”. Cuando el disco se publicó os hizo ganar mucha atención. ¿Crees que fue el momento definitivo para haceros despegar? “Sí, dimos un gran paso adelante. Nos permitió ponernos a la cabeza de la escena del metalcore, o como quieras llamarla. Nosotros queríamos hacer un nuevo tipo de metal, que fuera melódico pero también heavy. Pero no dejaba de ser una escena pequeña, mientras que ahora es algo global. Nos gustó ganarnos el respeto porque éramos el pez grande en el estanque pequeño, supongo”. Muchas de las bandas de esa escena ya no existen. ¿Os consideráis unos supervivientes? “Cuando eres joven, sales de gira y no te preocupas por el dinero o ninguna de esa mierda, pero tuvimos la suerte de empezar a ganar dinero antes de que nos preocupara el dinero (risas). Cuando tienes 30 años no puedes irte dos meses en una furgoneta y no poder pagar el alquiler, alimentar a tus hijos… Pero como te decía, nosotros tuvimos la

Muchos grupos hacen giras temáticas centradas en un disco, donde lo interpretan entero. ¿Tenéis pensado hacer algo parecido con Waken The Fallen? “¡Espero que no! (Risas) Mola hacerlo si es el veinte aniversario, Metallica lo han hecho, Stone Temple Pilots también, y otros, pero personalmente no me gustan esas giras. Pero quién sabe, igual si los fans lo piden mucho lo haremos algún día”. ¿Serías capaz de tocar todos los temas del álbum si tuvieras que salir al escenario en una hora? “No, joder, no. Necesitaría al menos dos semanas para ensayar (risas)”. A pesar de lo jóvenes que erais, el disco era bastante ambicioso, con canciones muy largas. ¿Era ambición o una temeridad? “Waken The Fallen fue un proceso de aprendizaje. No habíamos trabajado todavía con un productor y aún teníamos las partes gritadas. Creo que fue en City Of Evil cuando de verdad fuimos capaces de grabar la música como la oíamos en nuestras cabezas. No me avergüenzo de ningún disco, Waken The Fallen estaba cerca de lo que queríamos hacer, pero todavía nos faltaba un poco”.

HIMNO

FOUR YEAR STRONG

NACIONAL

Con una actitud cercana y un puñado de canciones que fusionaban la energía del punk rock con el romanticismo de Bruce Springsteen, The Gaslight Anthem supusieron un soplo de aire fresco en el panorama del rock contemporáneo. Pero siete años después de su formación, la banda está decidida a madurar para trazar su propio camino. ¿Lo conseguirán? Texto: Roberto Bua Fotos: DR

o siempre es bueno tener mucha información de un disco antes de haber podido escucharlo. Uno se crea un cuadro mental de cuál será su contenido y luego, cuando no encaja, se produce una disonancia un tanto incómoda. Brian Fallon, líder de The Gaslight

Anthem, había repetido por activa y por pasiva, desde incluso antes de entrar a grabarlo, que su nuevo álbum iba a deparar un montón de sorpresas, que iban a romper con lo que se esperaba de ellos y que iba a abrir una nueva etapa para el grupo. “Sabíamos que teníamos que cambiar para poder seguir siendo una banda

relevante para nosotros mismos. No había nada más que decir o hacer en el terreno que ya habíamos pisado antes”, había declarado. Ya se sabe que es una retórica que usan muchos grupos para crear expectación, pero en este caso le creímos. Y bueno, puede que Get Hurt (Universal), su quinto trabajo, muestre alguna novedad, pero desde luego no es la revolución que se nos había anunciado. A finales de junio la banda de New Jersey se encontraba en Londres para realizar una ronda de entrevistas, una de ellas para esta casa. Si desde nuestro primer encuentro con ellos hace más de cuatro años para la portada que les dedicamos al salir American Slang siempre había habido una total sintonía, en este caso las cosas no fluyeron como se esperaba. El siempre afable Brian se mosqueó nada más hacerle la primera pregunta y apenas participó durante el resto de la entrevista, algo que sus compañeros, el guitarrista Alex Rosamilia y sobre todo el batería Benny Horowitz, intentaron compensar, pero el mal humor del cantante también pareció intimidarles. Significativo es que al final ambos se disculparan por la actitud de su compañero. A pesar de su imagen de niño bueno, ya en la última gira Fallon había dado muestras de tener carácter al enfrentarse a varios fans que gritaron “Bruuuuuce!” en un concierto en Nueva York y al cabo de unos días escribía en su blog un largo alegato en el que intentaba distanciarse de la influencia de Bruce Springsteen o Pearl Jam, dos artistas a los que siempre ha reivindicado. Algo 45

THE GASLIGHT ANTHEM

“Hemos probado cosas nuevas. Aprendo de todo lo que hago, de cada proyecto, de cada disco. Todos lo hacemos” BRIAN FALLON

un tanto extraño ya que en el caso particular de Springsteen, de quien han recibido un notable apoyo, había servido para que el grupo creciera. Quién sabe, quizá simplemente Fallon no tenía el día, pero desde luego haría bien en encajar mejor los comentarios, aunque no sean de su agrado. Esta banda es demasiado buena para que se estropee por chiquilladas así. Cuando empezasteis a trabajar en Get Hurt anunciasteis que queríais hacer algo muy distinto, pero el disco suena más a una progresión natural de Handwritten que a una ruptura tipo lo que hicieron Radiohead con Kid A o U2 con Achtung Baby. ¿Por qué sentíais esta necesidad de cambiar y qué pensáis que tenga el disco que sea completamente distinto? BRIAN FALLON “¿No crees que sea distinto? ¿Has escuchado el primer tema, ‘Stay Vicious’? Yo no diría que eso es una pequeña progresión. Y todo el mundo está de acuerdo con eso”. Puede, pero no es comparable 46

a los ejemplos que he citado. Por cierto, ¿es el “singning la, la, la, la” de ‘Stay Vicious’ un homenaje al ‘The Passenger’ de Iggy Pop? BRIAN “No”. Ah, OK. ¿En algún momento habéis perdido la fe durante el proceso? En plan, ‘queremos hacer algo distinto pero no sabemos exactamente cómo’. ALEX ROSAMILIA “Claro que sí. Ahora sentía más presión. Antes igual tenía seis meses para escribir algo totalmente distinto, igual ahora sólo tengo tres horas. A veces no tienes tiempo suficiente para escuchar lo que has creado para saber si funciona, pero creo que en general ha salido muy bien”. Veníais de trabajar con Brendan O’Brien en Handwritten, ¿fue trabajar con un productor británico una manera de refrescar la grabación? ALEX “Bueno, ya habíamos hecho dos discos con un productor británico antes”. BENNY HOROWITZ “Bueno, Mike Crossey es irlandés (risas). No creo

que fuera una cuestión de refrescar el proceso por su nacionalidad, sino de trabajar con alguien que tuviera otra manera de ver las cosas. Hacer las cosas de manera distinta a como las hemos hecho en el pasado. Mike es irlandés, pero podríamos haber hecho lo mismo con alguien de otra nacionalidad que tuviera la misma personalidad”. Me refería sobre todo a que ha trabajado con bandas con un sonido más británico como Arctic Monkeys, The 1975 o Foals. BENNY “Ah, vale. Los grupos con los que ha trabajado son una indicación de por qué queríamos trabajar con él. El disco de The 1975 o el de Arctic Monkeys, no he escuchado el de Jake Bugg, eran buenos y podíamos imaginarnos yendo en esa dirección”. ¿Qué temas queríais explorar en las letras esta vez? Parece más personal, ¿pero lo es en realidad o has escrito desde la óptica de distintos personajes? BRIAN “No escribo historias. No escojo temas sobre los que hablar, no va así. No sé si nadie lo hace. Es raro. Lo que dices me suena más para hacer un proyecto, pero no puedo decirte si es más personal o menos”. ‘Underneath The Ground’ tiene un rollo parecido a The

Horrible Crowes. ¿Te ayudó ese proyecto a encontrar nuevas maneras de componer también para Gaslight? También parece que has encontrado nuevas maneras de tratar tu voz en este disco. BRIAN “Oh, sí. Hemos probado cosas nuevas. Aprendo de todo lo que hago, de cada proyecto, de cada disco. Todos lo hacemos. Intentamos expandirnos y ver dónde nos lleva”. ‘Stray Paper’, en la que canta Sharon Jones, tiene un aire bastante 60’s, algunos sonidos de guitarra son más ochentas, mientras que ‘1.000 Years’ suena más contemporánea. ¿Queríais hacer un disco atemporal que no encajara en ninguna época determinada? BRIAN “No, lo que intentamos fue hacer un disco moderno”. ALEX “Si suena a los 80 es por mi culpa”. BRIAN “Estoy aprendiendo mucho sobre este álbum”. La melodía de ‘Break Your Heart’ recuerda mucho a la de ‘Southern Accents’ de Tom Petty. ¿Fue una inspiración para ese tema? BRIAN “No”. Cuando Bruce Springsteen o Tom Petty se retiren va a quedar un gran vacío en el rock popular americano y no parece que nadie quiera llenarlo. Por muy buenos que sean Wilco o My Morning Jacket, parece haber una distancia entre ellos y el público para que se conviertan

en grupos realmente masivos. ¿Os gustaría ser esa banda? BRIAN “Bueno, no es lo que intentamos”. Pero parecéis más cercanos... BRIAN “Wilco están de gira con Bob Dylan, son una banda muy grande, mucho más grande que nosotros. Son mucho más conocidos, al igual que My Morning Jacket. Son bandas gigantes en América. Puedes ver a Jeff (Tweedy) en la portada de la revista Time, pero no me verás a mí. Estaría más que contento de seguir sus pasos. Yo creo que Jeff es el próximo Tom Petty o Bruce o Bob Dylan. Jeff y Wilco están a ese nivel. Creo que hay muchos grupos que van por delante nuestro, como The National. Con Kings Of Leon el tiempo dirá, ¿quién sabe? Todavía son jóvenes. Podría ser cualquiera. Pero no puedes decirte a ti mismo ‘voy a ser el próximo Tom Petty’…”. Claro que no, pero quizá por vuestro background punk rock parecéis más cercanos. BENNY “Y eso mola, pero no creo que haya nada que podamos hacer al respecto. Nos presentamos de la manera que somos y hacemos la música que queremos. Apreciamos mucho la relación con nuestros fans porque cualquiera que olvida eso no puede tener una carrera, pero creo que es la gente la que determina esas cosas, no depende de nosotros. Si hay gente que se siente más conectada a nosotros, pues perfecto”.

otoño os traeréis a Bayside. ¿Es una manera de seguir conectados a esa escena? BRIAN “No es que intentemos seguir conectados a una escena, sino que esos grupos son amigos nuestros y nos gusta girar con amigos. Eso es todo”. BENNY “Son grandes bandas”. Y está muy bien que ahora que os habéis hecho más populares que ellos, les sigáis apoyando y los deis a conocer. Yo descubrí a The Boucing Souls porque abrieron para Green Day. BRIAN “De eso se trata, de pasar el testigo. Es bueno darlos a conocer”. BENNY “Nosotros crecimos en New Jersey y cuando tienes 14 años en una pequeña ciudad y te gusta el punk rock, The Bouncing Souls son como Bruce Springsteen. Son los mejores. Recuerdo que la primera vez que les conocí para mí fue una locura. Y luego llegamos a un punto en el que tocábamos en los mismos sitios que ellos. Cada paso que hemos dado ha sido más surrealista. Pensar que haya mil chavales que puedan descubrir a The Bouncing Souls por nosotros mola mucho. Y siempre es bueno tener a grupos buenos abriendo para ti porque te hacen currar más (risas)”. ¿Hay algún grupo más con el que os gustaría girar? BENNY “Hay muchos grupos que me gustan, pero no sé si encajaríamos. Me encantaría poder ver a Radiohead cada noche, pero no sé si encajaríamos con ellos (risas)”.

Hablando de vuestras raíces punk, os habéis llevado a The Bouncing Souls de gira y cuando vengáis a Europa en 47

L E R I VIV E T N E PRES

IN FLAMES

no son ajenos a la polémica que pueda generar su UNDÉCIMO álbum Siren Charms, que verá la luz el 8 de septiembre. Pero para bien o para mal, la banda sueca está más que acostumbrada a recibir severas críticas por parte de sus seguidores cada vez que alteran su sonido. ¿Y sabéis qué? Les da exactamente igual. Texto: Jordi Meya Fotos: DR In Flames

unto a At The Gates y Dark Tranquillity, In Flames fueron responsables de crear a principios de los 90 el llamado Sonido Göteborg o death metal melódico, cuya influencia todavía resuena con fuerza en nuestros días a través de un montón de bandas, desde Killswitch Engage a Trivium. Pero si su papel en la historia del metal está garantizado gracias a discos como The Jester Race o Whoracle, lo cierto es que a lo largo de su carrera el grupo sueco también ha despertado la ira de sus seguidores en su intento de llegar a un público más mayoritario. Trabajos como Reroute To Remain (2002) o Soundtrack To Your Escape (2004), en los que presentaban un sonido más moderno, incluso con acercamientos al nu metal de Korn, fueron vistos como meros ejercicios para introducirse en el mercado americano y vividos como una traición a sus raíces. Aunque posteriormente la banda ha ido alternando discos más tradicionales como Come Clarity con otros en los que los sintetizadores y elementos electrónicos han ganado protagonismo, posiblemente las reacciones que pueda despertar Siren Charms (Epic/Sony) sean de lo más viscerales. Grabado en los Hansa TonStudios de Berlín, los mismos donde David Bowie grabó su rupturista trilogía berlinesa junto a Brian Eno o donde U2 reinventaron su sonido con Achtung Baby, su undécimo álbum apenas podría considerarse un disco de metal si no fuera por la contundencia de algunos riffs y arrebatos puntuales de fuerza. Canción tras canción, el vocalista

Anders Fridén utiliza su registro más melódico y por momentos (‘Paralyzed’, ‘Trough Oblivion’, ‘With Eyes Wide Open’) casi te parece estar escuchando a una versión metalizada de los propios U2. Algunos lo atribuirán a que desde la salida del guitarrista Jesper Strömblad en 2010, único miembro que quedaba de la formación que había grabado su debut Lunar Strain, ya nada volverá a ser lo mismo, pero como apuntaba, las ganas de no quedarse estancados han sido siempre una constante en su discografía, y cabe recordar que ya en su tercer álbum grabaron una versión de Depeche Mode. Nada de esto parece turbar la mente del guitarrista Björn Gelotte cuando una mañana de agosto le llamamos a su casa de Göteborg, donde se encuentra recuperándose de una leve resaca. “Anoche estuve en un festival en el que tocaron Queens Of The Stone Age. Estuvieron fantásticos, pero llegué muy tarde a casa”, dice riendo. La seguridad con la que defiende su derecho a hacer lo que les apetezca a él y a sus compañeros Anders Fridén (voz), Nicles Engelin (guitarra), Peter Iwers (bajo) y Daniel Svensson (batería) es difícil de rebatir, pero los días 7 de octubre en Madrid, 8 en Barcelona y 9 en Zaragoza, el público español emitirá su veredicto. Estoy seguro de que Siren Charms va a sorprender a muchos de vuestros fans, pero no sé si positivamente. BJÖRN GELOTTE “Sí, tenemos tendencia a hacer eso (risas). Pero las cosas son así. Nunca sabes lo que puede pasar. La verdad es

que nunca pienso demasiado en ello. Lo que hacemos es música para nosotros, la que nos gusta. Componemos en base a lo que nos inspira en ese momento, a lo que sentimos que disfrutaremos tocando en directo. Cuando ya está todo grabado y las canciones están terminadas, si a nosotros nos gustan, no hay nada más que discutir. Que a la gente le guste o no, no cambia nada. Respeto que a los demás no les pueda gustar, pero no me afecta”. ¿A qué atribuyes que el nuevo disco sea tan melódico? “Para mí la melodía siempre ha sido muy importante. Creo que es clave en la música. Las partes rítmicas son necesarias, pero la melodía es lo que me atrapa y lo que me va directo al corazón. Para mí no es importante si la melodía la aporta la voz, las guitarras, los teclados... pero tiene que estar ahí. Todo el mundo en la banda crea las melodías a su manera”. La primera vez que escuché el disco pensé en Host de Paradise Lost. Fue un disco por el que recibieron muchas críticas por su sonido más electrónico, pero que con el tiempo ha acabado siendo visto como uno de sus mejores trabajos. ¿Crees que puede ocurrir lo mismo con Siren Charms? “Es posible porque ha ocurrido antes. Cuando hicimos Reroute To Remain no cambiamos nada en cuanto a la composición pero cambiamos de estudio, y grabamos con otro tío que tenía otro sonido, y a mucha gente

“La realidad es que la gente se hace mayor y su gusto musical y sus preferencias cambian, es un hecho, y lo mismo nos ocurre a nosotros” BJÖRN GELOTTE no le gustó. Pero cambiar no es algo malo... de hecho, es necesario. Hay gente que piensa que lo último bueno que hicimos es The Jester Race, otros que piensan que es Clayman, para otros es Soundtrack To Your Escape, y así podría seguir. La realidad es que la gente se hace mayor y su gusto musical y sus preferencias cambian, es un hecho, y lo mismo nos ocurre a nosotros. Tampoco puedo decir que me gustan todos los discos que grabaron Metallica, porque hay algunos que no me gustan, pero también han creado alguna de la mejor música que he escuchado. Evolucionar es parte de ser músico”. ¿Crees que dentro del metal la gente es especialmente reacia a los cambios? “Quizá sí. Creo que en general les pasa a los fans de cualquier estilo. Todo el mundo tiene su opinión y

eso está bien. Tenemos la libertad para escuchar lo que queremos, de decidir qué nos gusta y qué no, y a veces también depende de tu propio estado de ánimo que algo te guste o no. Que lo que transmite la música cuadre con lo que necesitas sentir en ese momento. Si la gente es conservadora, pues bien, y si es abierta de mente, pues aún mejor. Lo único que importa es que la gente disfrute con lo que decide escuchar. Sin ir más lejos, dentro del grupo, Anders es súper abierto, le encanta cualquier estilo, escucha de todo y se inspira en todo. Y Anders te diría que yo soy más bien cerrado, más tradicional. Siempre escucho los mismos discos, un par de Rainbow, algunos de Deep Purple, Whitesnake, Metallica, pero apenas me interesa escuchar nada nuevo. Por eso respeto a la gente que se parece a mí (risas)”.

¿Puedo deducir entonces que la dirección de Siren Charms ha sido cosa de Anders? “No. Es algo que surge de manera natural en nosotros. Queremos hacer cosas nuevas, es así de sencillo. Queremos desafiarnos. Lo bueno de In Flames es que podemos hacer lo que queramos, no hay límites. Y eso es genial. Por supuesto no haría un disco electrónico porque ni siquiera me gusta la electrónica (risas), pero puedo hacer un disco de In Flames de la forma que más nos apetezca. Obviamente toda esta libertad conlleva algo de responsabilidad, pero ésa no es complacer a los demás, sino precisamente complacernos a nosotros mismos”. Lo que está claro es que lo fácil sería hacer un disco de death metal melódico a la vieja usanza y rentabilizar 51

In FLAMES un sonido que ahora mismo está muy en boga. ¿Crees que vuestra integridad reside en resistiros a hacer precisamente eso? “Es que es importante que cada disco refleje dónde se encuentra el grupo en ese momento. Es muy posible que el próximo disco suene completamente distinto, no tengo ni idea, y eso mola. Podríamos hacer un álbum como el que dices y seguramente gustaría a mucha gente, pero no a nosotros. Al final somos nosotros quienes nos subimos a un escenario para defender los discos y no podemos hacerlo bien si no es algo en lo que creamos. El público lo notaría porque no nos estaríamos divirtiendo. Esta integridad es algo de lo que nos sentimos muy orgullosos. La música es para nosotros, no para la discográfica, no para el management, no para los periodistas, ni siquiera para los fans. Si intentáramos complacer a toda esta gente, siempre estaríamos un paso por detrás, perdidos en la oscuridad intentando adivinar qué quieren los demás. Es mucho más sencillo hacer lo que nosotros queremos hacer. Si quieres llamarlo integridad, me parece muy bien (risas)”. 52

Aunque no escuches música nueva, ¿eres consciente de que hay un montón de grupos ahora mismo a los que habéis influenciado? “Sí porque giramos mucho y nos encontramos con muchos grupos, tanto veteranos como jóvenes. Y de vez en cuando alguien te dice lo importante que ha sido uno de nuestros discos o que han crecido con In Flames, y naturalmente te hace sentir muy orgulloso. Lo mismo nos ha ocurrido a nosotros respecto a grupos con los que crecimos y que nos han inspirado. Por ejemplo, Metallica, Maiden, son bandas de las que puedo decir con orgullo que me han influenciado”. En vuestra gira europea, que pasará por España en octubre, tendréis a Wovenwar y While She Sleeps como teloneros, que podríamos meter dentro de ese metalcore que habéis influenciado. ¿Ha sido algo consciente? “La mayoría de veces podemos escoger con qué grupos queremos girar. Así que sí, fue una decisión consciente. También tienes que tener

en cuenta las preferencias de cada país, pero sobre todo queremos divertirnos y escuchar buena música cada noche, así que intentamos llevarnos a bandas que nos gustan. Ya habíamos girado con los chicos de Wovenwar y nos llevamos muy bien. Además, siempre es inspirador girar con gente más joven, que no está de vuelta de todo, le da una energía especial a la gira. A veces hemos girado con bandas que no están motivadas o que ya lo han hecho todo en la vida y se nota negativamente”. Para grabar el disco os fuiste a Berlín, a los Hansa TonStudios, donde han grabado David Bowie, Pixies o U2. ¿Cómo afectó al resultado final? “Es interesante porque sí afectó al resultado. Anders visitó los estudios con unos amigos porque es muy fan de los discos que se han grabado allí, y se enamoró del lugar. Cuando volvió a casa, me llamó y me dijo que quería grabar nuestro próximo trabajo allí. Para mí dónde grabamos no es tan importante porque la tecnología te permite grabar en cualquier cosa. Pero Berlín está a sólo una hora y media de Göteborg, así que no es lejos, y es una gran ciudad. Tiene una gran oferta cultural, gastronómica, de todo... No fue una decisión difícil. Pero lo cierto es que el andar por la ciudad le dio un aire melancólico al disco. Lo grabamos en noviembre y diciembre, así que era bastante frío, toda la ciudad tenía un aire muy frío, muy gris. Es una ciudad con un pasado oscuro y la gente vive ahí, en medio de todo esto. Hay muchos rincones

“Es importante que cada disco refleje dónde se encuentra el grupo en ese momento. Es muy posible que el próximo disco suene completamente distinto, no tengo ni idea, y eso mola” BJÖRN GELOTTE que te recuerdan ese pasado, pero a pesar de todo, la gente ha seguido adelante con sus vidas y es optimista. Es una ciudad fantástica. Aunque los riffs y los temas ya estaban hechos de antes, estoy seguro que no hubiéramos podido hacer el mismo álbum en otra parte. Y además, hemos tenido un equipo fantástico. La combinación de todo esto ha influenciado el sonido del trabajo”. ¿El pensar que allí habían grabado Bowie o The Edge te hizo esforzarte un poco más de lo normal? “(Risas) No. Cuando se trata de nuestra música soy muy profesional, así que aunque grabase en un sitio donde nadie ha grabado antes, siempre doy el 100%. Sólo tienes una oportunidad para hacer un disco, así que me lo tomo muy en serio esté donde esté. Quizá tuvo más influencia en Anders porque quería formar parte de esa historia. Le inspiró mucho. Yo no soy tan dramático como él (risas). En mi caso le das al botón de grabar y yo toco, así de fácil”. Tan dramático es que al

finalizar la grabación Anders tuvo algunos problemas de ansiedad, ¿no? “Básicamente acabó agotado. Para él la grabación fue mentalmente muy dura. Lo dio todo. Trabajó muchísimas horas. Vino al estudio prácticamente sin nada. Sólo había escuchado los temas un par de veces, así que para él era un gran desafío crear las melodías, las letras, cantarlas... pero Anders necesitaba sentir la presión: quería sentirse inspirado por la ciudad, por las canciones. Pero tuvo que pagar un precio y al terminar la grabación tuvo que meterse dos semanas en cama para recuperarse”. Hablando del precio que a veces pagáis los músicos, me gustaría saber si sigues en contacto con Jesper. ¿Cómo se encuentra? “Está mucho mejor. No está del todo recuperado pero tiene una gran banda, The Resistance, con muy buenos músicos, y poco a poco va girando más. Me siento muy orgulloso de él”. Ahora que ha pasado más tiempo, ¿cómo ves ahora su salida? ¿Creó algo de inseguridad dentro de la formación? “Todo empezó porque Jesper no se sentía bien. Empezó a tener ansiedad, ataques de pánico y todos los sufríamos, pero no sabíamos cómo afrontarlo. Él tampoco lo afrontaba y además también tenía problemas de adicción, por lo que la tensión dentro del grupo iba cada vez a más, hasta el punto en que ya no podíamos funcionar. Todos

nos sentíamos muy frustrados y por desgracia había mucha negatividad. Cuando ves que alguien que ha sido tu amigo durante 15 años pasa por eso es muy jodido. Teníamos que cambiar esa energía negativa y finalmente Jesper se dio cuenta de que tenía que dejar el grupo. Cuando lo hizo fue un gran alivio. Sabíamos que íbamos a estar mejor sin él por doloroso que fuera. No teníamos dudas de que podríamos hacer otro disco porque llevamos mucho tiempo juntos y muchas de las composiciones eran mías. Nunca me preocupó ese aspecto. Como te decía, estábamos tristes pero aliviados. Y cuando entró Niclas, fue genial, porque es un tipo totalmente positivo, muy feliz y sociable. Era todo lo opuesto a cómo era Jesper en los últimos tiempos. Nos devolvió la alegría por volver a tocar. Le encanta tocar la guitarra. Jesper apenas la tocaba si no estaba grabando o en los conciertos. Ahora Niclas y yo tocamos juntos dos horas antes de empezar un show, así que si le sumas el concierto, básicamente toco cuatro horas al día cuando estamos de gira, lo cual es fantástico. Nunca había podido hacer eso con Jesper. Me siento muy feliz ahora mismo”. ¿Cómo te has sentido al tener que haber asumido la responsabilidad compositiva desde su marcha? “He compuesto de la manera que siempre lo he hecho pero he intentado que los demás pudieran aportar mucho más. Quería que pudieran crear su propia versión de la canción y que cada uno aportara mucho porque son mejores músicos que yo. Yo no toco tan bien 53

la batería como Daniel, ni el bajo tan bien como Peter, así que quería aprovechar eso. En cuanto a las voces, intento dejar el máximo de espacio para que Anders pueda meter sus melodías. Creo que juntos creamos mejores canciones que si uno le dijera a los demás lo que tienen que hacer. Creo que nuestra fortaleza reside en la combinación del talento de los cinco”. Habiendo sido originalmente el batería cuando entraste en el grupo, ¿te entrometes mucho en lo que hace Daniel? “Bueno, su manera de tocar es necesaria para que In Flames suene como lo hace. Haber sido batería me ayuda cuando compongo, porque programo los ritmos y me ayuda a saber lo que es posible y lo que no, pero de ninguna manera me atrevería a decirle a Daniel lo que tiene que hacer. Quizá algún detalle, pero él es un grandioso batería y sabe mejor 54

que nadie cómo tocar”. Todos empezasteis con el grupo siendo muy jóvenes; tú tenías 18 años cuando entraste. ¿Cómo crees que la banda ha moldeado tu personalidad? “Creo que siempre seré un chaval, mi amor por la música me hace sentir así. No tengo las mismas responsabilidades que si tuviera un trabajo normal, pero tengo las mías. La primera es mi familia, mis hijos y mi mujer, con la que llevo 17 años. Seguro que no sería la misma persona de no ser por la música y las experiencias que me ha dado. Estar en el grupo me ha dado mucha confianza. No sé qué clase de persona sería si no hubiera sido por la banda y la libertad que me da. Creo que probablemente no sería tan feliz”. ¿Y qué crees que te diría el chaval que grabó The Jester

Race o Whoracle si escuchase Siren Charms? “No tengo ni idea. Nunca hubiera podido imaginar hacer un disco así en ese momento. Nunca pienso tan a largo plazo. Vivimos en el presente. Es esa mentalidad la que nos da la libertad para hacer lo que haremos. Tampoco me hubiera imaginado hacer Whoracle después de grabar The Jester Race. Cada disco que hacemos refleja el momento que vivimos. The Jester Race fue el primer álbum que grabé y fue una experiencia increíble estar por primera vez en un estudio, y cuando lo escucho todavía siento aquella magia. Y esto es lo que quiero sentir el resto de mi vida con cada disco que grabemos. Estoy seguro que lo sentiré cuando escuche Siren Charms en el futuro”.

GODSMACK

A MIL POR HORA Las calles de Boston han servido de escenario para películas como Infiltrados o El Luchador, han visto victorias y derrotas de sus equipos deportivos, y han retumbado al son de una nutrida escena musical. En su sexto disco, Godsmack han querido recoger el pulso de su ciudad con un ÁLBUM más sucio y rockero. Texto: David Garcell Fotos: DR

ue después de casi 20 años de carrera Godsmack nunca hayan pisado nuestro país explica mucho sobre cuáles son

sus prioridades. Con ellos estamos ante la típica banda que arrasa en Estados Unidos -donde sus ventas han alcanzado la friolera de 20 millones de copias y reciben nominaciones

para los Grammy- pero que nunca ha conseguido alcanzar la misma proyección en Europa. Para que nos hagamos una idea de la dimensión del grupo en su país basta señalar

“Por suerte no hemos tenido problemas con el alcohol o las drogas, eso no ha tenido un efecto en el grupo porque estamos muy centrados en la música, Pero en cuanto a problemas con las mujeres…”

SHANNON LARKIN puede parecer increíble, pero con una fórmula tan básica como fusionar los riffs pesados de Metallica con las melodías oscuras de Alice In Chains, Sully Erna (voz, guitarra), Tony Rombola (guitarra), Robbie Merrill (bajo) y Shannon Larkin (batería) han conquistado el corazón del público americano medio y todo parece indicar que volverán a hacerlo con 1000hp (Spinefarm). Que lo consigan aquí ya es otra historia.

que en 2010 su último trabajo The Oracle fue su tercer disco consecutivo en alcanzar el número 1 de las listas Billboard (un logro sólo conseguido por bandas como, por ejemplo, Van

Halen, U2, Metallica, Dave Matthew Bands y Linkin Park) o que el acalde de Boston declaró el 6 de agosto como el ‘Godsmack Day’ en reconocimiento a su éxito. Desde nuestra perspectiva

¿Cómo explicarías la evolución musical de Godsmack hasta llegar a este disco? SHANNON LARKIN “En cada álbum nos gusta tener un rollo distinto. En Faceless fuimos con el productor David Botrill para hacer un disco muy metálico, hicimos la gira con Metallica y fuimos a por ese sonido. Cuatro años después, con IV fuimos a por un sonido más bluesy y tuvimos al gran Andy Johns produciéndolo, que había trabajado con Led Zeppelin y conoce muy bien el blues, y para The Oracle trabajamos con el productor de Slipknot, Dave Fortman, porque queríamos un disco de heavy metal con pelotas. Para el nuevo queríamos volver un poco a nuestras raíces. Los 57

“Cuando me uní a Godsmack sentí que había encontrado un hogar en el que quizá podría tener una carrera de veinte años. Y ahora se está haciendo realidad” SHANNON LARKIN

últimos años habíamos grabado en Miami, en Hawái, en Los Ángeles, así que volvimos a Boston, donde nació la banda, para tener un sonido más rudo, crudo, más punk rock, para conseguir el sentimiento de cuando el grupo empezó y no tenía nada, tocaba en clubes para 50 personas. Capturar esa energía. Ya nos somos una banda joven, pero tampoco somos viejos (risas). Queríamos demostrar que podemos competir con todos los grupos nuevos que están subiendo”. ¿A qué grupos te refieres? Supongo que estáis en un punto intermedio en que no sois ni una banda clásica, ni una banda nueva. ¿Tenéis que trabajar más duro para competir con unos y otros? “Sí, es raro. Hablo de Avenged Sevenfold o Five Finger Death Punch. No es que queramos competir con ellos, pero no queremos parecer una panda de viejos acabados (risas). Si 58

miras en Wikipedia, donde pone la definición del estilo verás que pone alternativo, heavy metal tradicional y post grunge (risas). Así que supongo que simplemente somos una banda de rock. En cuanto a lo de competir con las bandas de metal tradicional como Maiden, Judas Priest, Metallica, Slayer, y luego en cuanto a rock están AC/DC, que son la más grande, y nosotros estamos un poco entre medio porque tenemos influencias de todos ellos. Queremos mantener la energía. Si sintiéramos que nos movemos por inercia terminaríamos con el grupo. Pero haciendo este disco nunca nos sentimos así, para nada”. ¿Por qué fue tan importante grabar en Boston? ¿Realmente es el entorno decisivo para lo que se escucha en la obra? “Bueno, la primera razón es que Tommy, el guitarrista, y yo vivimos en Florida. Y Sully y Robby todavía viven en Nueva Inglaterra. En realidad son

dos mundos completamente distintos. Nuestra manera de trabajar es que la música sale en un 95% de riffs, escribimos unas veinte canciones con Tony Rombola aquí en Florida y Sully escribió en Boston ocho canciones matadoras. Cuando nos reunimos todos en Florida para empezar la preproducción teníamos un montón de material y Sully tuvo la idea de construir un estudio en Boston donde pudiéramos darle forma a todo ello, terminar la composición y grabar ahí mismo. Quería capturar el sentimiento sucio de la ciudad. Y eso es lo que hicimos. Al final terminamos con 30 canciones cuando nos instalamos en Boston. Grabamos unas 15 porque aparte de las del álbum queríamos tener material extra para bandas sonoras o ediciones especiales. Fue allí donde salió ‘1000hp’ y dijimos ‘vaya, éste es un sonido diferente para el grupo pero también puede gustar a los fans’. Así que nos replanteamos todo el disco para hacer algo coherente en

base a esa canción”. Quizá lo que hace que todo suene a vosotros es ese punto oscuro… “Musicalmente tenemos influencias de Led Zeppelin o Black Sabbath, que son dos bandas oscuras, posiblemente sean las dos mayores influencias colectivas del grupo. Usamos afinaciones graves que hace que el metal y el rock suenen oscuro. Pero en cuanto a las letras es cosa de Sully. Le han pasado muchas cosas. Ha tenido que ir al psiquiatra. Él saca sus problemas a través de las canciones, saca sus demonios de dentro de esa manera. Por suerte no hemos tenido problemas con el alcohol o las drogas, eso no ha tenido un efecto en el grupo porque estamos muy centrados en la música, pero en cuanto a problemas con las mujeres…”. Todo el mundo los tiene… “(Risas) Tienes razón”. El grupo ya lleva veinte años en activo y si te paras a pensarlo, es muchísimo tiempo. Aunque tú entraste en 2002, ¿sientes que han pasado realmente esos años, o han pasado volando? “Efectivamente yo llegué hace doce años, así que no he estado desde el principio. Pero conozco a Sully desde hace 25. Él me llamó para tocar en Godsmack antes, pero en ese momento yo estaba en Amen, la banda punk de Los Ángeles, así que le dije que no podía porque acabábamos de fichar por Roadrunner. Él lo entendió y luego Godsmack tuvieron un éxito enorme y en cambio Amen acabó en nada. Así que me

fui de Amen y dos semanas después, Sully me llamó para decirme que su batería se había ido y si quería unirme al grupo, y esta vez le dije que sí. Pero para contestar a tu pregunta, estos doce años han pasado como un suspiro, aunque depende del momento. Cuando estás un año en la carretera, el tiempo vuela, pero acabas harto de todo. Cuando estás cada noche en una ciudad distinta, a veces cuesta diferenciar un concierto de otro. Pero luego vuelves a casa y al cabo de tres meses ya estás deseando volver a la carretera. Así que sí y no. El tiempo se mueve de manera muy extraña cuando estás en este mundo gitano del rock’n’roll”. Aparte de Amen, también habías estado en Ugly Kid Joe o Candlebox. ¿Qué hizo que te comprometieras con Godsmack? ¿Qué tiene de especial esta banda? “Nunca hemos intentado reinventar la rueda. Aunque hagamos discos diferentes, todavía tenemos un sonido que nos identifica desde el primer día. Y eso es lo mismo que tienen algunas de mis bandas favoritas como los Ramones o AC/DC. Cuando escuchas una canción nueva de Godsmack en la radio, la reconoces. Así que cuando me uní a Godsmack sentí que había encontrado un hogar en el que quizá podría tener una carrera de veinte años. Y ahora se está haciendo realidad. Aún toco con otra gente cuando tengo tiempo libre porque me encanta el funk, el blues, y también toco a veces con Ugly Kid Joe. Me encanta estar ocupado, pero Godsmack es mi hogar. Es algo con lo que siempre puedo contar. Me siento bendecido de que el

grupo siga teniendo éxito porque nos permite seguir haciendo la música que queremos”. Antes has hablado de Amen. ¿Sigues en contacto con Casey Chaos? “Sí. Déjame decirte algo: Casey Chaos está haciendo un nuevo disco de Amen y Dave Lombardo está grabando la batería. No puedo decirte nada más (risas)”. No puedo evitar preguntarte por tu participación en el disco Worship And Tribute de Glassjaw. ¿Qué recuerdas de esa grabación? “¡Oh, Dios mío! Es mi disco favorito que he hecho como batería. Es un álbum cojonudo. Lo que ocurrió es que a Amen nos produjo Ross Robinson, amo a ese tío, y luego le ofrecieron grabar a Glassjaw. Hizo el trabajo pero el grupo no estaba contento con la batería, aunque amaban a su batería no les gustó cómo había tocado, así que Ross me llamó para decirme si quería hacer una sesión por un poco de pasta y si podía aprenderme los temas en tres días. Le dije que sí, me mandó las canciones y me encantó poder hacerlo porque me encanta ese grupo. Fue un poco raro porque fui a L.A. y el batería estaba ahí mientras yo regrababa sus partes, pero todo fue guay. Por cierto, todos los fills los escribió el guitarrista; también es un batería excelente, lo que pasa es que no sabía cómo tocarlos (risas). A día de hoy todavía creo que es mi disco favorito”.

NOFX

RESURRECTION FEST 2014 31 de julio, 1 y 2 de agosto, Viveiro

Texto: Pau Navarra, Gonzalo Puebla, Jordi Meya Fotos: THROUGHTHELENSES.com

En su novena edición, el Resurrection Fest demostró que se puede crecer sin perder el espíritu original. Puede que el recinto se haya expandido, que el número de bandas se haya multiplicado, que el público sea cada vez más variado, pero estamos seguros de que somos muchos los que nos seguimos sintiendo como en casa. 120

MEGADETH

RED FANG

AMON AMARTH

n poco de épica nunca viene mal. La intensa lluvia que cayó casi de forma ininterrumpida durante todo el sábado hubiera puesto a prueba la organización de cualquier festival. Dejando de lado la lógica incomodidad de ir mojado hasta el ojete y de acabar con las zapatillas cubiertas de barro, las actuaciones siguieron programadas como un reloj, como habían hecho en las dos jornadas anteriores. Una buena muestra de que aunque el Resurrection Fest va adquiriendo una mayor magnitud, de momento a nadie se le ha escapado de las manos. Habrá quien añore el ambiente más familiar de las primeras ediciones, o a quien le incomode ver cómo los metalheads van comiendo terreno a los hardcoretas, pero al menos para nosotros resulta un auténtico placer poder ver a Carcass, Lagwagon,

Kreator o Ignite en un mismo cartel, y además, con un excelente sonido como del que gozaron los tres escenarios. El año que viene se cumple el décimo aniversario, así que si todavía nos has tenido el placer de vivir en primera persona el festival, puede ser una ocasión inmejorable. De momento, aquí va un repaso de lo que vivimos en tres inolvidables días. JUEVES Con unos horarios criminales para cualquier aficionado con un mínimo de interés por la escena local y puestos a acudir prontísimo al recinto, inauguramos el Resurrection Fest con los lusos Ash Is A Robot en el Ritual Stage. Con su propuesta excéntrica y nada convencional, pero con muchísima entrega y agradecimiento hacia los presentes, sirvieron de grato aperitivo para Hummano. La banda de Tres Cantos despachó su hardcore

deathcore con muchísima más gente delante de la que pudieran imaginar al principio, y es que su fama ha crecido mucho este último año. Que Turri, el cantante de Thirteen Bled Promises, se subiera al escenario para liarla todavía más se tradujo en la primera gran sesión de violent dancing del evento… Situación que aprovecharon Hyde Abbey y de qué manera. Los catalanes volvieron a hacer botar el escenario Chaos y pese a unas cabriolas un tanto forzadas, dejaron un gran sabor de boca a todos aquellos que se acercaron tan pronto a repartir patadas voladoras. Gran nivel de nuestras bandas más noveles. Por segundo año consecutivo, los chulazos de Rise Of The Northstar llegaban al Resu para sembrar la discordia entre fans y detractores, aunque vista la respuesta del público, parece que hay muchos más de los 61

CONVERGE

MEGADETH

primeros que de los segundos. ‘Sound Of Wolves’, ‘Demonstrating My Saiya Style’… Todo coreadísimo, un fiestón de los buenos. Los franceses tienen todo lo que hay que tener para triunfar, ¡y eso que justo este mes publican su primer álbum! Solapándose un poquito con los galos les llegaba el turno a Cobra de tomar la carpa, y gracias a sus riffazos con aroma stoner, poco a poco hicieron que entrásemos en calor. El derroche de Haritz y cañonazos como ‘General Lee’ o ‘Rebel Scum’ pusieron el resto. Por su parte, Atlas Losing Grip sufrieron uno de los peores sonidos del festival y los temas de State Of Unrest no terminaron de brillar. Aun con todo aprovecharon para soltar alguna canción nueva que aparecerá en su próximo disco. De vuelta al Ritual nos encontramos a unos Minor Empires que ya apuraban

la recta final de su brevísima actuación ante un público expectante. No consiguieron crear ese ambiente tan especial como cuando les hemos visto en sala, pero ‘The Story Of Timothy Treadwell’ o ‘Numbers’ retumbaron de lo lindo, dejándonos un buen sabor de boca. En el escenario principal Red Fang eran recibidos como verdaderos héroes. No hay duda de que los de Pórtland caen simpáticos y su stoner metal disparado con total precisión en temas como ‘Malverde’, ‘Blood Like Cream’ o ‘Prehistoric Dog’ también. Su gran actuación confirmó por qué es una buena idea que en el Resurrection tengan cabida otros estilos. Backtrack retomaron el pulso del hardcore gamberro y macarrilla con mucha actitud y un James Vitalo que no paró de incitar al público a moverse al son de los temas de su reciente Lost In Life.

Kirk Windstein y sus Crowbar fueron posiblemente la banda más estática del festival... Pero los de Nueva Orleáns no necesitan dar brincos ni bailar para que su música llegue con fuerza. Riffs de puro sludge tocados con intensidad bastaron para doblegar nuestra espina dorsal. Aunque seguramente más arropados, en la carpa, el impacto hubiese sido mayor. Cada vez que vemos a Authority Zero sobre un escenario se muestran en mejor forma. Parece que Jason DeVore ha encontrado una formación con la que se siente cómodo y su enérgico hardcore melódico nos puso las pilas en cuestión de segundos. Ni el sentido homenaje a Tony Sly con la brillante ‘Today We Heard The News’ o la acústica ‘Courage’ hicieron bajar la intensidad, dando así uno de los mejores conciertos de la primera

DOWN jornada para los menos metaleros. Amon Amarth rara vez ofrecen un mal show y su actuación en el Resu no fue una excepción. Con más o menos inspiración, de acuerdo, pero hacer que sus canciones hablen por sí mismas y que todo el protagonismo recaiga sobre su cantante Johan Hegg les sigue resultando una fórmula ganadora. Es complicado no conquistar a tus fans soltando canciones como la emocionante ‘Cry Of The Black Birds’, ‘Asator’ o ‘Deceiver Of The Gods’, y más aún con un currado bis, premonitorio de la que nos caería el sábado, que contó con ‘Twilight Of The Thunder God’ y la celebradísima ‘The Pursuit Of Vikings’. No fallan. De The Ocean apenas vimos un par de temas, pero lo que oímos sonó de lujo. Seguro que muchos disfrutaron del despliegue que hicieron de su último plástico, Pelagial. Los grandes nombres del día iban apareciendo poco a poco y Architects confirmaron el buen momento por el que pasan. A pesar de que Sam Carter no estuvo del todo fino a las voces, dieron un buen concierto con un repertorio especialmente centrado en los cortes de Lost Forever // Lost Together, entre los que sobresalieron ‘Gravedigger’ y ‘C.A.N.C.E.R.’. Megadeth, los cabezas de cartel del Resu, fueron una decepción. Dave Mustaine y compañía empezaron enchufados, con unas ‘Hangar 18’, ‘Wake Up Dead’ e ‘In My Darkest Hour’ empalmadas que prometían algo grande, pero poco a poco fueron perdiendo ritmo hasta terminar planos y lineales, con temas como

‘Public Enemy No. 1’, ‘A Tout Le Monde’ o ‘Kingmaker’ despertando muchos bostezos. Los que les vemos cada año ya conocemos hasta cuándo vienen y qué contienen los trillados agradecimientos del pelirrojo líder, así que ni con ésas nos sorprendieron los estadounidenses. Final más que obvio con ‘Peace Sells’ y ‘Holy Wars… The Punishment Due’ y, hala, piloto automático para un show que sonó con gran nitidez en según qué lugar estuvieras, pero muy defectuosamente para gran parte del respetable.

De vuelta a la carpa nos esperaba la burrez de High On Fire. Puede que la voz de Matt Pike (por supuesto, actuando a pecho descubierto) fuera ininteligible, pero la guarra muralla sónica levantada por el trío nos puso palotes a muchos. Aquello fue como ser masoquista y recibir la paliza de tu vida. Empezando con ‘Fury Whip’ y terminando con un rush final con ‘Rumors Of War’, ‘Fireface’ y ‘Snakes For The Divine’, High On Fire hicieron una nada vulgar demostración de poder. Enormes. Para buen thrash de la vieja escuela,

GOJIRA

SKELETONWITCH

GALLOWS el de Kreator. Suerte que ahí estaban los incombustibles germanos para enmendar el fiasco de Megadeth. A base de cera y nada más que cera, los alemanes sólo repartieron tralla desde la inicial ‘Phantom Antichrist’ hasta las finales ‘Flag Of Hate’ y ‘Tormentor’. Entre medio, ‘Endless Pain’, ‘Pleasure To Kill’, ‘Phobia’, ‘Enemy Of God’ o ‘Violent Revolution’ pusieron patas arriba el escenario principal con un Mille Petrozza muy comunicativo que no paró de mandar al carajo a políticos y demás estafadores. Para la parroquia metalera, Kreator fueron los indiscutibles vencedores de la primera jornada del festi. Después de semejante vendaval metálico, nada mejor que finalizar la jornada con algo más melódico, y ahí unos históricos del festival como Ignite vinieron como anillo al dedo. Perfectos de principio a fin tanto en sonido

como en ejecución, fueron unos de los triunfadores del primer día. Tal vez Zoli Téglás no estuviera tan activo como en otras ocasiones (imaginamos que sus problemas de espalda aún se notan) y que llevan ya demasiados años tocando el mismo repertorio, pero cuando suenan ‘Bleeding’, ‘Let It Burn’, ‘Three Years’, ‘Run Run’, su cover del ‘Sunday Bloody Sunday’ de U2 o la mágica ‘Live For Better Days’ con semejante brillantez, no te puedes quejar de ninguna de las maneras. Inmejorable cierre para el primer día. VIERNES Con ya una primera maratón de conciertos en las espaldas fue un poco más costoso levantarse temprano para ver a Teksuo, pero por la calidad plasmada en su bolo, valió la pena. Diego demostró que es un titán, actualmente uno de los mejores

cantantes de nuestro país, pero el resto de banda también rayó a gran altura en canciones como esa versión del ‘Diamonds’ de Rihanna que les ha puesto en el mapa. Pese a la hora, muy bien arropados por sus fieles. El hardcore kid que aún no conociera a Anal Hard es que ha estado viviendo en Marte. Con la coña marinera que les caracteriza, los de El Masnou repartieron risas y cachondeo con su hardcore pasado de vueltas y temas como ‘Sin Identidad’, ‘Jornadas Psicotrópicas’ o, por supuesto, ‘3º - 4ª’. Si son unos habituales del Resurrection Fest, por algo será. A Vortice les tocó solaparse con Anal Hard y tocar a la hora de comer elegida por muchos, así que su show se resintió bastante en materia de público. Aun así, los catalanes superaron esto y también algunos problemas técnicos para hacer atronar a su nuevo álbum Host

A WILHELM SCREAM como merecía. Les hemos visto mejores envites. Que Wormed salieran a tocar antes de las tres y media del mediodía aún nos sigue pareciendo incomprensible. Está claro que los horarios de un festi no obedecen solamente a cuestiones puramente musicales, pero en cualquier país del mundo los madrileños habrían sido encajados en un horario acorde con lo que unos reconocidos maestros del brutal death técnico merecen. Eso sí, éstos salieron a la suya y pronto nos chafaron con una actuación de escándalo. Ver la precisión con la que estos maníacos te empalan y cómo Phlegeton te desmiembra con sus guturales y porcinos es una experiencia que merece ser vivida. Nos dejaron con la boca abierta. Los albaceteños Angelus Apatrida consiguieron congregar a una gran cantidad de gente frente al escenario principal. A estas alturas ya tienen el culo pelado de tocar en grandes festivales y para nada se vieron abrumados por ello. Ni la lesión que aún arrastraba en la pierna David (que tuvo que tocar sentado en un taburete) impidieron que ‘Vomitive’, ‘You Are Next’ y ‘Blast Off’ arrasaran con todo. Un auténtico orgullo ver que tenemos un grupo así en nuestro país y que todavía sigue creciendo. Seguro que en próximas ediciones ocuparan un lugar más alto en el cartel. Tras nuestros thrashers más internacionales, turno en el Ritual Stage para otra banda nacional que podría merendarse perfectamente a casi la mitad de bandas extranjeras del cartel. Abriendo directamente con ‘La Matanza’ y repartiendo mamporros como ‘Campo De Exterminio’ o ‘Cada

Nacimiento Es Una Tragedia’, Looking For An Answer dieron buena cuenta de su temible potencial con un Santi al micro totalmente poseído. Son unos monstruos del grindcore y lo demuestran cada vez que se suben a un escenario. Es muy probable que Born From Pain no le hayan cambiado la vida a nadie, pero desde luego uno sabe perfectamente lo que se encontrará en un show suyo: hardcore rudo y directo, sin complicaciones ni otra concepción mayor que hacer votar al personal. Desde luego, de vuelta al Chaos lo lograron con creces.

A A Wilhelm Scream de una manera u otra ya les tenemos más que vistos por aquí, pero es que su directo es tan infalible como adictivo. Ver a un Nuno Pereira engorilado pero con la sonrisa y el buen rollo por bandera mientras sus compañeros interpretan a la perfección las virguerías que contienen ‘Boat Builders’, ‘Last Laugh’, ‘The King Is Dead’, ‘The Horse’ o ‘I Was Born A Wise Man’ siempre es garantía de salir contento de sus bolos. Además, la aparición en el último tema de los Resukids resultó uno de los momentos más entrañables de esta edición. Aunque parecía que los pobres

OBITUARY

HYDE ABBEY

CARCASS apenas entendieron nada, seguro que más de uno guardará la experiencia para contarla de aquí a unos años. El futuro del festival pasa sin duda por detalles como éste. La actuación de Skeletonwitch despertó muchísima expectación, y a fe que los norteamericanos respondieron con un show a la altura de lo que se les demandaba. Black thrash afilado y veloz es lo que repartieron a diestro y siniestro los de Ohio, que con canciones como ‘Serpents Unleashed’ se ganaron un buen número de nuevos seguidores. Simplemente letales. Tras Bane era el turno de volver al Ritual Stage a por una buena dosis de una de las bandas más importantes de la historia del death metal: Suffocation. Y madre mía, la que montaron los de Nueva York… Dando un fiero repaso a su discografía, los

padres del brutal se cebaron con el público a través de salvajadas como ‘Catatonia’, ‘Effigy Of The Forgotten’, ‘My Demise’, ‘Breeding The Spawn’ o ‘Infecting The Crypts’ en un recital asombroso. A Frank Mullen no le hace falta ir de duro para zamparse al más pintado en el micro, mientras Terrance Hobbs lo pasaba en grande martilleándonos el cerebro con su guitarra y el bajo de Derek Boyer reposaba directamente en el suelo, síntoma del aplastamiento al que nos estaban sometiendo. Los que acudieron al Resurrection Fest por su oferta de metal extremo coincidieron en que la suya fue la mejor descarga de todo el evento. Una tremenda lección de ésas que tardas en olvidar. Monumentales. Llegaba uno de los platos fuerte del cartel. Sin Kirk Windstein, pero con todo un Phil Anselmo como maestro

de ceremonias, Down volvían a pisar Viveiro cuatro años después de su exhibición en 2010. Sin embargo, esta vez no tuvieron su mejor noche. Los temas nuevos como ‘We Knew Him Well’, ‘Witchtripper’ (la cual escribieron tras su anterior visita al Resurrection) o la oscura ‘Conjure’ sonaron de miedo, pero no terminaron de conectar con la audiencia, como sí lo hicieron los clásicos de toda la vida, o lo que viene a ser lo mismo, ‘Lifer’, ‘Losing All’, ‘Stone The Crow’ o ‘Bury Me In Smoke’. Eso y el carisma infinito de Anselmo consiguieron salvar los muebles, pero no cabe duda de que les hemos visto en mejores ocasiones. Menos mal que ahí estaban Raised Fist para borrarnos de un plumazo cualquier mal sabor de boca que pudieran haber dejado los de Nueva Orleáns. A pesar de que declararon llevar casi dos

MEGADETH

TURBONEGRO

RED FANG

FIVE FINGER DEATH PUNCH años sin dar ni un solo concierto, los suecos demostraron estar en plena forma sonando como un misil, y aunque han pasado ya unos cuantos años desde su último disco, Veil Of Ignorance, ‘Friends And Traitors’, ‘Wounds’ y ‘Sound Of The Republic’ petaron de lo lindo en el Chaos Stage. Habíamos cogido carrerilla y ahora venían ni más ni menos que otros imprescindibles del evento como Converge. Los de Massachusetts ya nos tienen acostumbrados a brindar grandes repertorios, y esta vez no fue una excepción. Tanto los temas nuevos (‘Aimles Arrow’, ‘All We Love We Leave Behind’, ‘Trespasses’) como los más antiguos (‘Eagles Become Vultures’, ‘Concubine’ o la aclamadísima ‘Grim Heart/Black Rose’) encendieron a los allí presentes, mientras el señor Jacob Bannon desplegaba toda su elegante violencia ante el micrófono. Jefazos.

Y de aquella maravillosa tortura pasamos a la juerga. NoFx fueron los primeros en ser anunciados para esta edición, y aunque sus conciertos siempre suelen ser un cara o cruz, esta vez sorprendieron a todos para bien. Hablaron menos de la cuenta (aunque sus coñas y chistes siguen siendo imprescindibles) y se dedicaron a tocar, regalándonos un setlist para enmarcar donde sonaron desde ‘Dinosaurs Will Die’, ‘Murder The Government’, ‘Eat The Meek’, ‘Seeing Double At The Triple Rock’, ‘Franco Un-american’, ‘Perfect Government’, pasando por ‘Bob’, ‘Leave It Alone’, ‘Linoleum’, ‘Stickin’ In My Eye’, las versiones de ‘Radio’ de Rancid y ‘The Shortest Pier’ de Tony Sly, hasta el final por todo lo alto con ‘Kill All The White Man’. Sólo se olvidaron de ‘Don’t Call Me White’. En fin, un verdadero escándalo que se tradujo en una fiesta

donde bailó hasta el más tímido del recinto. Ojalá hayan aprendido la lección para futuras visitas. Pasado el jolgorio de Fat Mike y compañía, bien entrada la noche, tocaba cambiar totalmente de tercio para abrazar la misa negra de Watain. Sobra decir que su escenario fue el más espectacular del festi y que no faltaron sus habituales llamaradas, pero los que ya les hubieran visto en sala, incluso varias veces, los notaron dóciles, huérfanos de su áurea amenazadora y transgresora. Para empezar, seguramente fue el primer show en que vimos a Erik Danielsson saltar al escenario sin estar bajo los efectos de algún alucinógeno. Cosas de jugarse el físico con nuevos y peligrosos trucos con el fuego, imaginamos… Al principio el sonido fue embarullado, sólo se oía el bombo de H., pero la cosa fue mejorando.

SICK OF IT ALL

Con un papel destacado reservado a su última obra, no faltaron ‘De Profundis’, ‘Black Flames March’, ‘Outlaw’ o ‘The Wild Hunt’, aunque fue con ‘Malfeitor’ o la imponente ‘Stellarvore’ con la que se ganaron a propios y extraños. Pese a cuajar un buen show, les hemos visto actuaciones mejores. Con Sick Of It All no hacen falta presentaciones, y menos si es en Viveiro. Como si estuvieran en su propia cosa, la comunión con los fans se hizo patente desde ‘Death Or Jail’ para ir repasando lo mejor

de toda su carrera (‘Uprising Nation’, ‘Take The Night Off’, ‘Us Vs. Them’, ‘Just Look Around’, ‘Sanctuary’, ‘Scratch The Surface’, ‘Step Down’...) repartiendo cera como solamente los maestros saben hacer. Que los hermanos Koller aún se muevan por el escenario pegando brincos como si fuesen unos veinteañeros da una idea de su entrega y por qué, después de tantísimos años, siguen siendo el máximo exponente de todo un género. SÁBADO Seguro que muchos hicieron el

esfuerzo de llegar más temprano de lo habitual al recinto para ver la actuación en acústico de Joey Cape. Como él mismo reconoció, la hora y el lugar quizás no fuesen los más adecuados, pero seguro que los pocos valientes que nos reunimos desafiando las primeras gotas de lluvia que cayeron a lo largo del día tardaremos mucho en olvidar una actuación que tuvo como punto álgido el homenaje que le brindó a su amigo del alma Tony Sly con una ‘International You Day’ que se cantó entre el público con la mayor de las solemnidades. Pelos de punta, en serio. A Hamlet en cambio les da igual el cuándo y el dónde, que cuando les toca subir a un escenario se ponen el mono de trabajo para dejar claro el porqué de su estatus dentro de la escena nacional. Con un setlist tirando de sus más tiernos inicios con ‘Irracional’, ‘Habitación 106’, ‘Tu Medicina’, ‘JF’ y especialmente con un Molly on fire que no paró quieto ni un instante (incluso se atrevió a participar en un wall of death mientras cantaba ‘Muérdesela’), dieron una auténtica exhibición de lo que se debe hacer en este tipo de ocasiones para quedarte con todo el público. Ovación y salida por la puerta grande para todo unos veteranos de nuestro metal a los que aún les queda cuerda para rato. Nadie como The Real McKenzies para animar el cotarro, y si encima la lluvia da una tregua, genial pasar un buen rato con la simpatía de los punk rockers celtas. Ataviados con sus archiconocidos kilts, a media tarde los de Vancouver pusieron la tan necesaria sonrisa a una última jornada

ANGELUS APATRIDA

LAGWAGON

que había empezado pasada por agua. En 2010 Gallows protagonizaron uno de los bolos más bestiales y locos que se recuerdan en toda la historia del Resurrection. Mucho ha cambiado desde entonces. Ya no están los hermanos Carter, Wade MacNeil se encarga del micro y ahora la formación se ha reducido a un cuarteto. Pero lo que no ha variado es su espíritu de liarla parda allá donde vayan. Ni corto ni perezoso, el bueno de Wade se bajó al foso a cantar las dos primeras canciones,

‘Last June’ y ‘Outsider Art’, junto a un público al que le faltó muy poco para encenderse. Tal fue la intensidad del arranque que, una vez de vuelta a las tablas, el concierto se resintió bastante. Tampoco ayudaron los dos temas nuevos, ‘Chains’ y ‘Wristslitter’, que adelantaron de su inminente nuevo trabajo que saldrá en otoño, donde se ve que la banda tirará por derroteros algo distintos a lo visto hasta ahora. Aun así, remontaron al final con ‘In The Belly Of A Shark’, ‘Cross Of Lorraine’ y un ‘Orchestra Of Wolves’ que volvieron a aprovechar para bajar al

foso, desatando nuevamente la locura en las primeras filas. La caída del cartel de Pyrexia fue menos dolorosa cuando semanas antes se anunció que Aborted eran sus sustitutos. Parece que al fin el bueno de Svencho ha concretado una alineación que es una auténtica roca, y como su último The Necrotic Manifesto evidencia, la banda se encuentra en un momento dulcísimo. Sin ningún tipo de piedad nos pasaron por encima con bromas entre ellos y tortazos a tope de bestialidad como ‘The Extirpation Agenda’, ‘Necrotic Manifesto’ o ‘Coffin Upon Coffin’. Lo de los belgas fue una actuación para enmarcar. Demenciales. Había muchas ganas de ver a Gojira y los franceses respondieron a las expectativas con un bolo sublime en el que se les vio muy motivados. Por muy cerebrales que parezcan en disco, en directo liberan a la bestia y se comen un escenario tan grande como el Main Stage. Sonidazo apabullante, temazos de la muerte como ‘The Heaviest Matter Of The Universe’, ‘L’Enfant Sauvage’ o ‘Vacuatity’ y una actitud de 10 hicieron que su set pasara volando. No se extrañen si en unos años los tenemos de cabeza de cartel. Bajo un chaparrón del quince, los veteranos Discharge hicieron lo que pudieron para defender su leyenda.

WATAIN

Su hardcore punk sonó tan sucio como los valientes que se revolcaron como gorrinos en el barro. Una bonita estampa. Muchos discutieron la inclusión de Five Finger Death Punch en el cartel y más aún su posición en éste cuando es una formación que todavía dista de tener tantos seguidores por aquí como al otro lado del charco. Bueno, pues los californianos salieron a hacer lo suyo y dieron una actuación más que convincente. Se nota que tienen tablas de sobra y que en su país ya están más que acostumbrados a moverse por escenarios grandes. Tampoco creo que nadie descubriese la pólvora con su directo, pero al menos ‘Burn It Down’, ‘Hard To See’, ‘Burn MF’ o ‘Never Enough’ resultaron la mar de entretenidas, y a buen seguro que se ganaron un par de nuevos fans. La lluvia volvió a arremeter con

fuerza para recibir a los reunificados Judge en el Chaos Stage. Una pena, porque aunque la banda neoyorquina se mostró en buena forma, con el siempre hiperventilado John ‘Porcell’ a la guitarra, ni ellos ni el público se sentían del todo cómodos. A ver si hay suerte y vuelven para hacer una gira en salas. En una carpa a reventar de peña por la lluvia y las ganas de volver a sentir bajo la carne toda su mítica pesadumbre, Obituary nos sepultaron con un show a la altura de la leyenda. Toneladas de moho y descomposición nos hicieron sentir muertos y enterrados, con ‘Stinkupuss’, ‘Infected’, ‘Bloodsoaked’ o ‘The End Complete’ a la cabeza, y los de Florida incluso nos avanzaron parte del material de su inminente nuevo trabajo. John Tardy… Esa voz… Echaron el cierre, como no podía ser de otra forma, con ‘Slowly

We Rot’. Únicos. Por si alguien tenía dudas sobre su posición privilegiada en el cartel, Testament se encargaron de disiparlas con un gran concierto. Otras bandas menos experimentadas se hubieran arrugado ante el aguacero que caía, pero desde el primer tema ‘Rise Up’ de su último disco hasta la fecha, los californianos salieron a por todas. Con Chuck Billy, que conserva intacto su poderío vocal, y un Alex Skolnick que hizo babear a los aficionados a la guitarra, su thrash metal clásico sonó de lo más fresco incluso cuando recurrieron a ‘Over The Wall’ de su debut The Legacy. El cielo dio una más que bienvenida tregua para que pudiésemos disfrutar de Carcass como merecían. Tan histórica formación era una de las más esperadas por los asistentes, y desde luego, éstos no decepcionaron. Con

HAMLET

unos conseguidos juegos de luces amarillos, blancos y fríos, perfectos para cortejar a su enorme lona con la portada de su álbum de retorno, Jeff Walker y sus secuaces se movieron como pez en el agua, nunca mejor dicho, para regalarnos todo un señor bolazo. Con un repertorio fantástico que repasó lo más granado de su discografía, incluso con ‘Genital Grinder’ de Reek Of Putrefaction y ‘Exhume To Consume’ de Simphonies Of Sickness, los ingleses dejaron a sus fans exhaustos con tanto temazo. ‘Unfit For Human Consumption’, ‘The Granulating Dark Satanic Mills’ o ‘Captive Bolt Pistol’ de su reciente Surgical Steel no desentonaron para nada entre ‘Buried Dreams’, ‘This Mortal Coil’, ‘Corporal Jigsore Quandary’ o ‘Heartwork’, así que Carcass se despidieron de Viveiro como verdaderos héroes.

No había mejor manera que olvidarse de que estábamos calados hasta los huesos que entregarnos a la fiesta que proponían Turbonegro. Después de tanta tralla sus riffs stonianos y sus estribillos glam punk, por no hablar de su puesta en escena, le dieron a la noche un aire de carnaval oscuro de lo más apetecible. Tony Sylvester se mostró como un buen maestro de ceremonias, y aunque no es Hank von Helvete, jugó bien su papel. La gente saltó, bailó y cantó con ‘All My Friends Are Dead’, ‘I Got Erection’ o ‘Get In On’, y que nos maten si alguna vez hubiéramos imaginado que una versión de ‘Money For Nothing’ de Dire Straits podía sonar tan bien. Los noruegos lograron que pusiéramos buena cara al mal tiempo, y sólo por eso ya se merecen un 10. El diluvio no paraba y aquello se estaba convirtiendo en un auténtico

barrizal… lo más sensato habría sido optar por la retirada al cámping si no fuese porque quedaba un último cartucho que quemar llamado Lagwagon. Simpático y dicharachero como siempre, Joey Cape volvió al mismo escenario donde había actuado horas antes, solo que ahora acompañado de sus colegas de banda para regalar a los nostálgicos que quedaban en pie una muestra del mejor hardcore melódico, donde no faltó ‘Alien 8’, ‘Making Friends’, ‘Violins’, ‘Bombs Away’, ‘Island Of Shame’, ‘Mary 16’, ‘Razor Burn’ y una nueva dedicatoria especial a Tony Sly rememorando ‘Exit’ de No Use For A Name. Un cierre perfecto para otra brillante edición del Resurrection Fest que nos dejó exhaustos, pero ya contando los días para volver a peregrinar a Viveiro. Y que sea por muchos años más.

DISCO DEL MES

Redeemer Of Souls (COLUMBIA/SONY MUSIC) HEAVY METAL

mi parecer, y en materia de conciertos, Judas Priest, la banda que más he amado en mi vida, son ejemplo de grupo legendario que ha envejecido mal y no ha sabido terminar del todo bien su carrera. Que se rompiera la dupla guitarrera formada por K.K. Downing y Glenn Tipton en 2011, también los dos ases del mástil que más he amado en mi vida, ya fue una tragedia, pero que la banda decidiese seguir con un sustituto en su ‘última gira planetaria’, Epitaph, dio muestras de que había

JUDAS PRIEST

muchos intereses por encima de la propia música. A ver, tampoco seamos ingenuos, porque todas las bandas profesionales están en esto por la pasta, pero una cosa es ser un grupo de sala mediana, que se va de gira para pagarse un piso de alquiler y que con un mercenario sale del paso, y otra muy diferente es llevar más de 40 años encima de los escenarios, llenar estadios, haberlo sido todo en la música e ingresar millones anualmente sólo por royalties o fondo de catálogo. Yo la verdad es que no conozco a nadie que se levante cada día

a las siete de la mañana por amor al arte y sin esperar una remuneración a final de mes, así que, con ciertas licencias éticas y morales, no entiendo que en los países latinos todavía se vea con malos ojos que el ser músico sea una profesión más. Eso sí, el bochorno llegó con la reválida de dicho tour, y, directamente la indignación, cuando Judas Priest van y se embarcan en un nuevo tour americano para presentar esta obra, con Tipton reconociendo entre risas en la radio que, con matices, básicamente mintieron. Todo muy feo… aun-

que escuchando Redeemer Of Souls, totalmente perdonable. Seis años después y alejados de la complicación innecesaria de un doble álbum como Nostradamus, aquí nos encontramos 13 temas que rezuman clasicismo y entrega por los cuatro costados, además de un CD de bonus con cinco temas más que válidos en la edición especial. Rob Halford -cómo no, el vocalista que más he amado en mi vida- se ayuda de la tecnología para plasmar todo eso que ya no puede ofrecer sobre las tablas, y lo cierto es que, le pese a quien le pese, el debutante Richie Faulkner es una pasada de guitarrista. ¡Un jovencito que ha compuesto todo el álbum junto al Metal God y Tipton! ‘Redeemer Of Souls’ es el primer subidón del

bo inglés sale a relucir, con un Halford mostrando todos sus galones. ‘Metalizer’ sigue la línea mostrada en su Angel Of Retribution de 2005; es decir, un corte notable y netamente metálico pero sin llegar a la grandeza de tiempos remotos. Otros como ‘Sword Of Damocles’ o la sureña ‘Crossfire’ no es que sean la repanocha, pero desde luego el estándar de calidad se mantiene en todo momento con un trallazo como ‘Battle Cry’ o el relajado y emocionante final que es ‘Beginning Of The End’. Producido y mezclado por Mike Exeter y el propio Glenn Tipton, y masterizado por Dick Beetham en los 360 Mastering, la verdad es que el sonido grave del disco sorprende al inicio, pero desde luego, aunque a

“si bien tras tantos años ya no son lo que eran en directo, en estudio siguen siendo los incuestionables Dioses del Metal” disco, pero yo personalmente me quedo con ‘Halls Of Valhalla’. Que un combo con tamaña trayectoria aún pueda innovar y cascarse esos pedazo de estribillos merece todos los elogios posibles. A ‘March Of The Damned’ se le ha dado mucho bombo, pero es ‘Down In Flames’ la que debería haberse llevado muchísima más atención. Fresca y rematadamente ochentera, es un auténtico guiño a Defenders Of The Faith o Turbo. Con un inicio de semi balada, ‘Cold Blooded’ es un temazo en toda regla, un medio tiempo donde la categoría del com-

todos nos habría gustado ver a Ken en los créditos, no es Redeemer Of Souls un álbum que los fans acérrimos de la formación británica vayan a despreciar o que se aleje en demasía de lo que cualquier amante del heavy metal más ortodoxo espere de Ian Hill y compañía. Y es que si bien tras tantos años Judas Priest ya no son lo que eran en directo, con incluso algún miembro haciéndote sufrir por cómo le cuesta mantener el tipo, en estudio los de Birmingham siguen siendo los incuestionables Dioses del Metal. PAU NAVARRA

críticas

Freeze the Atlantic

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Liv Puente (voz), Tom Stevens (guitarra), Andy

Gilmour (guitarra), Sean Shreeve (bajo), Guy Davis (batería) PRODUCIDO POR: Guy Davis AFINES A: Hundred Reasons, Hell Is For Heroes, Foo Fighters PÁGINA WEB: www.freezetheatlantic.co.uk

Freeze The Atlantic (ALCOPOP/DESERT PEARL UNION) ROCK ALTERNATIVO

s acordáis del supergrupo formado por dos exmiembros de Reuben y un Hundred Reasons? Nos hicimos eco rápidamente del proyecto Freeze The Atlantic y les seguimos la pista desde el minuto cero, cuando no tenían nada que mostrar al margen de unas fotos en el local. En estas mismas páginas sacamos su EP The Colour By Numbers y su primer largo, Speakeasy. Desde esos primeros ensayos en el 2008 hemos sido testigos de muchos cambios en sus filas, sonido y dirección. Su nuevo disco es homónimo y eso solamente puede significar que sus miembros ahora sí se sienten identificados con el resultado. Liv Puente,

su tercer y esperemos definitivo cantante, juega un papel decisivo en este nuevo comienzo. Conocido en el Reino Unido por liderar la banda de metal moderno Laruso, Puente ya participó en un tema y salió de gira con ellos cuando desertó el anterior frontman. Con su incorporación a jornada completa la banda ha ganado en músculo y contundencia, porque parece haber contagiado su empuje a sus compañeros. La poderosa ‘Welcome Back To Nibelheim’, con esos guitarrones pesados y entrecortados, es un ejemplo claro. Nada que ver con el rock melódico, pulcro y amable de Speakeasy. Cortes como ‘The Last Great Train Robbery’, con unos harmónicos

y un arranque en la onda Hell Is For Heroes y Funeral For A Friend, tienen mucha más grasilla y mala baba. En ‘Hectares’, como más adelante con la foo fightera ‘Like Gravity’, ponen toda la épica en el asador y con la genial ‘Stompbox’ demuestran su lado más canalla y al mismo tiempo accesible, con un estribillo edulcorado y pegadizo digno de Weezer en contraste con unas estrofas escupidas y embrutecidas. Se han encontrado y ya podemos decir que Freeze The Atlantic son una bandaza con todas las letras. Quizás nunca peguen un pelotazo como con sus anteriores bandas, pero si siguen así les esperan grandes cosas. LUIS BENAVIDES

HABLAMOS CON... TOM STEVENS Y SEAN SHREEVE Liv me parece vuestro mejor cantante hasta la fecha. ¿Sentís que ahora sí habéis encontrado la formación definitiva? TOM “¡Eso espero! Ver a Chris dejar la banda nos dejó tocados, pero la incorporación de Liv, como la de Sean al bajo, ha sido muy positiva, y definitivamente ha contribuido en el sonido de nuestro nuevo trabajo”. ¿Cómo os ha afectado su incorporación? TOM “Creo que la voz de Liv ha aportado un tono más gritón a la banda, que pega totalmente con el sonido más duro del nuevo trabajo”. Sí. Los nuevos temas son accesibles como siempre, pero más agresivos. TOM “Totalmente de acuerdo. Creo que es una mezcla. Es un disco más intenso pero no ha sido algo premeditado. Surgió de manera orgánica”. SEAN “Personalmente me encanta esta nueva dirección heavy. No tenemos

por qué sonar siempre contundentes, pero una pegada extra en nuestras dinámicas nos da mucha mayor libertad. ‘Everything All The Time’ y ‘You Drove Me To Taxidermy’ serían buenos ejemplos. En Speakeasy había muy buenas canciones, pero creo que hemos dado un gran paso adelante”. Habéis escuchado mucho rock alternativo de los 90… TOM “¡Correcto! En mi caso, Smashing Pumpkins, Hell Is For Heroes, Dinosaur Pile-Up y Elliott Smith”. SEAN “Es una mezcla de cosas. Como Tom, he escuchado últimamente Smash�� ing Pumpkins, también Deftones, pero también escucho cosas más actuales como Converge y Every Time I Die. ¡Me encantan sus riffs!”. ¿Vuestro batería ha sido de nuevo el productor? TOM “Sí, Guy ha producido el disco y mezclado todos los temas. Todos hemos aportado a las mezclas finales, pero él llevaba la batuta. Me parece

importante tener influencia sobre todo el proceso porque tenemos una visión muy clara de cómo queremos que suene nuestro disco”. SEAN “Grabamos todo por separado, en diferentes lugares, y por eso fue muy importante tener una idea muy sólida de lo que estábamos haciendo. Estábamos seguros de los temas que queríamos y sabíamos cómo debían sonar. Eché de menos, debo reconocer, la espontaneidad de tocar y expandir las ideas todos juntos en un estudio. Espero quitarme esta espina en nuestro tercer trabajo”. ¿Qué me podéis decir de las letras? TOM “Todos hemos contribuido, pero la mayoría son de Sean, Liv y mías. No diría que hay un mensaje concreto porque tendemos a escribir sobre asuntos muy variados. Hay canciones reflexivas como ‘Like Gravity’ u ‘Occams Razor’, pero también algo de ficción y crítica social, como en el caso de ‘Idiot Check’”. (LUIS BENAVIDES)

cr í ticas

THE GASLIGHT ANTHEM Get Hurt

(ISLAND/UNIVERSAL) ROCK

lo mejor es cosa mía, pero tengo la sensación de que, a cada paso que ha dado Brian Fallon en los últimos años, a sus seguidores nos ha puesto el corazón en vilo. Como si esperásemos que en algún momento, de manera irremediable, la fuese a cagar. Esta vez nuestros temores venían por el tan anunciado cambio de rumbo que, según el propio Fallon, iba a significar un punto de inflexión en su carrera. Pero una vez entrados en harina, la verdad es que ni mucho menos es para tanto, ya que salvo algunas pinceladas, este quinto álbum de los

de New Brunswick suena a los The Gaslight Anthem de toda la vida. Y es que más que una metamorfosis radical, Get Hurt es el siguiente paso lógico de una evolución donde ya no queda rastro definitivo del punk rock de antaño, algo totalmente previsible por otro lado. Si acaso, las mayores sorpresas vendrían con el poderoso riff de ‘Stay Vicious’, la balada a lo Horrible Crowes que da nombre al disco, una interesante ‘Underneath The Ground’ con destellos de soul clásico pero que se queda un tanto a medias y la acústica ‘Break Your Heart’, cuya melodía ha tomado ‘prestada’ descaradamente del ‘Southern Accents’ de Tom Petty. Por lo demás, no hay nada que temer y apuesto a que los que les han seguido la pista desde el comienzo no encontrarán muchos reparos para disfrutar de ‘Helter Skeleton’, ‘Stray Paper’, ‘Rollin’ And Tumblin’’, ‘Selected Poems’ (¡Menudo temazo!) o ‘Dark Places’, con la que cierran un trabajo que más que levantar dudas, confirma su regularidad. GONZALO PUEBLA

SUICIDE SILENCE

You Can’t Stop Me (NUCLEAR BLAST) DEATHCORE

ue el responsable de sustituir a Mitch Lucker al micro, Eddie Hermida, sea lo mejor que podemos encontrar en You Can’t Stop Me, el primer álbum de Suicide Silence tras la triste desaparición de su antiguo frontman, es casi una prueba definitiva de que el resto de banda no ha estado demasiado inspirada. Sin ir más lejos, la mejor canción, ‘Ending Is The Beginning’, es una regrabación de su EP de 2005, pero al menos este trabajo ya es mejor que el anterior The Black Crown… Tras la intro ‘M.A.L.’ llega

‘Inherit The Crown’, un tema duro que tampoco llega a chafarte, pero donde el exAll Shall Perish ya evidencia que el recital de rasgados infernales y guturales ensordecedores va a ser una constante. En ‘Cease To Exist’ hayamos a los Suicide que a todos nos gustan, los que te dejan el ano con un diámetro de 20 centímetros, pero ‘Sacred Words’ es melodía de relleno. Y lo peor es que se asemeja a ‘Monster Within’, con Greg Puciato de The Dillinger Escape Plan colaborando. Eso sí, en este disco de contrastes, luego encuentras cortes entretenidos como ‘You Can’t Stop Me’, ‘Warrior’ o ‘Don’t Die’, pero también suculentas brutalidades como ‘Ouroboros’, ‘Control’, donde participa George ‘Corpsegrinder’ Fisher de Cannibal Corpse, o ‘We Have All Had Enough’. You Can’t Stop Me no es el descalabro total que el núcleo duro del deathcore señala, pero tampoco la maravilla que pretende pintar Nuclear Blast. PAU NAVARRA

JUPITER LION Brighter (BCORE)

KRAUTROCK, ELECTRÓNICA

Disfruta de un consumo responsable 35ª

andas como Pony Bravo, Lüger o El Columpio Asesino siguen manteniendo viva la influencia del krautrock a lo largo de toda la geografía de nuestra escena independiente con grandes resultados. También Jupiter Lion, trío formado por José Guerrero (bajo, voz), Gonzo In Vegas (batería) y Sais (teclados), quienes desde Valencia plantean nuevas ecuaciones musicales en torno a patrones rítmicos incansables e hipnóticos aliñados con buenas dosis de electrónica. Si su primer álbum homónimo fue una inmejorable carta de presentación, de la que también se hicieron eco medios internacionales como Spin o The Guardian, ahora con Brighter su proyección aparece casi ilimitada. Más teniendo en cuenta que

en directo sus canciones adquieren grandes dosis de intensidad. En su segundo álbum nos encontramos una versión más definida y trabajada de lo apuntado en su debut, pero conservando la misma frescura. Como unos Kraftwerk orgánicos, Jupiter Lion proponen al oyente un viaje sensorial en el que futuro y pasado se fusionan en un sonido realmente adictivo. Empezando por unas líneas de bajo que oscilan entre la fuerza (‘Doppelgänger’) y la plasticidad (‘Walking In Circles’), siguiendo por una batería que te hace sentir el pulso humano (‘Your God Is Human’) y terminando por unos teclados que llenan los huecos con sugerentes melodías (‘The Golden Emperor’). La central energética sigue a pleno rendimiento. MARC LÓPEZ

cr í ticas

GOATWHORE Constricting Rage Of The Merciless (METAL BLADE)

BLACK THRASH, DEATH METAL

unto a Skeletonwitch y Black Anvil, Goatwhore parecen los grandes triunfadores de la nueva hornada black thrash que ha conseguido romper barreras estilísticas y gustar a un público ajeno al black más subterráneo. Surgir de Nueva Orleáns les ha ayudado, ya no digamos tener como cantante al Soilent Green Louis B. Falgoust II y al exAcid Bath y Crowbar Sammy Duet como guitarrista, pero la verdad es que, de esta ola que tanto está despuntado, ellos son mis preferidos. Siendo Constricting Rage Of The Merciless su ya sexto álbum, la propuesta de los de Louisiana sigue fiel al riffing simplista pero demoledor a lo Celtic Frost (‘Nocturnal Conjuration Of The Accursed’ parece un homenaje), al espíritu punk

C RISE AGAINST The Black Market (UNIVERSAL)

PUNK ROCK, ROCK ALTERNATIVO

on una serie de discos impecables y una credibilidad ganada gracias a unas letras comprometidas socialmente, Rise Against se convirtieron en una inesperada historia de éxito durante la pasada década, capaces de llenar grandes recintos y de darse el gustazo de llevarse a maestros como Bad Religion o Rancid de teloneros. Pero como apuntábamos en la reseña de su último disco Endgame, su fórmula ganadora empezaba a mostrarse agotada. Conscientes de ello, el grupo decidió tomarse un año de descanso antes de ponerse a

de Venom y a la marcha de Motörhead, pero todo bajo su pátina de podredumbre y un sonidazo que busca romperte la cara, como en un bar de moteros, a la primera mirada indiscreta. En tromba entra ‘Poisonous Existence In Reawakening’ para que no te surja duda alguna de que Goatwhore van a por ti, pero es con el navajazo de ‘Heaven’s Crumbling Walls Of Pity’

y el sludge arrastrado de ‘Cold Earth Consumed In Dying Flesh’ que notas que esta banda tiene algo más que las demás de su estilo. ‘Fbs’ puede recordar a los Carpathian Forest más borrachos, y es que, en general, estamos ante otra obra suya de malicia y descontrol. Directo a la yugular, y con sorpresas como ‘Schadenfreude’.

trabajar en su séptimo disco, y si bien The Black Market no supone una ruptura con lo que venían haciendo en los últimos tiempos (el single ‘I Don’t Want To Be Here Anymore’ y la acústica ‘People Live Here’ son de lo más predecibles), como mínimo sí recupera algo de frescura y energía (a de ‘The Eco-Terrorist In Me’ o ‘A Beautiful Indifference’, dos temas que podría haber estado en su segundo disco Revolutions Per Minute, nos remitimos). El componente melódico y algunos estribillos cercanos al arena rock siguen presentes, pero la identificable voz de

Tim McIlrath suena más convincente, haciendo que ‘Tragedy + Time’ o ‘The Black Market’ sean artefactos a los que es difícil resistirse. Por otra parte, se adivina que Rise Against han jugado un poco más en el local de ensayo y por ejemplo ‘Sudden Life’ tiene algo de la épica de Pearl Jam, ‘Zero Visibility’ tiene un riff que te imaginas en un disco de Clutch y ‘Methadone’ se abre con un arpegio que parece de The Police. Sutiles variantes que aportan vitaminas a su sonido en un disco digno de llevar su nombre.

PAU NAVARRA

JORDI MEYA

ANTEMASQUE Antemasque (NADIE SOUND)

ROCK ALTERNATIVO, POST PUNK

na de las grandes sorpresas en lo que llevamos de año nos la dieron estos workaholics cuando un día cualquiera de abril y a través de redes sociales anunciaron un nuevo experimento bautizado como Antemasque, acompañado de un potente single de presentación titulado ‘4AM’, y con el que se confirmaba la presencia de Flea de Red Hot Chili Peppers y David Elitch como colaboradores. A los seguidores de las diferentes etapas y proyectos de Omar Rodríguez-López y Cedric Bixler-Zavala nos resultaba inconcebible que esta pareja tan singular y prolífica a nivel creativo pudiera estar demasiado

tiempo en standby, a pesar del extraño final de The Mars Volta y de los continuos rumores acerca de tensiones y diferencias entre ambos, así que recibimos esta estupenda noticia con alegría y buenas expectativas, que afortunadamente se han colmado. En una época en la que la saturación de elementos es la nota predominante en artes y música en general, con Antemasque se apuesta por lo contrario: soltar mucho lastre en cuanto a densidad de efectos consiguiendo un sonido más fresco y directo con ayuda de guitarras más limpias y estructuras más simples, y volviendo a composiciones muy dinámicas y enérgicas de tres minutos, recuperando así un tono más punk con ‘I Got No Remorse’ y el estupendo ‘In The Lurch’, recurriendo también al power pop en ’50,000 kilowatts’, pero sin dejar de añadir unas gotitas de néctar psicodélico a ‘Drown All Your Witches’ y ‘Providence’. Antemasque es tan accesible y disfrutable de escuchar que cuando uno se da cuenta ya está totalmente enganchado. TOI BROWNSTONE

cr í t icas

PENNYWISE Yesterdays (EPITAPH/PIAS)

HARDCORE MELÓDICO

isto con la perspectiva que da el tiempo, el paso de Zoli Téglás por Pennywise fue lo mejor y al mismo tiempo lo peor que les pudo pasar a los de Hermosa Beach. En el plano positivo, el cambio de micrófono del vocalista de Ignite por Jim Lindberg supuso todo un soplo de aire fresco que les venía siendo más que necesario desde hace un tiempo, y acabaron entregando un All Or Nothing que se puede considerar perfectamente como uno de los mejores trabajos que han firmado (algunos incluso se aventuran a afirmar que es

el mejor de toda su carrera). Lo malo es que tras la salida de Zoli, por lo visto poco amistosa, el listón ha quedado tan alto que ni tan siquiera con el regreso de Lindberg parece que Pennywise vayan a ser capaces de mantener el nivel. Quizás por ello y viendo que la química entre ellos todavía no sea la mejor como para lanzar un nuevo álbum, su primer paso discográfico tras firmar la paz sea un recopilatorio de material descartado durante sus primeros años. Uno de los máximos alicientes de Yesterdays es escuchar viejas composiciones de su bajista original Jason Thirsk, tristemente desaparecido, que aún no habían visto la luz. Y la verdad es que se nota que en ‘Noise Pollution’, ‘Violence Never Ending’ o ‘Thanksgiving’ nos muestran su cara más desenfadada y con la característica voz de Jim de regreso recuperan su sonido de toda la vida. Como artefacto para salir del paso no está mal, pero deberán esforzarse mucho más si quieren volver a la primera línea del punk rock. GONZALO PUEBLA

Wovenwar Wovenwar (METAL BLADE)

metalcore MELÓDICO, ROCK

ras el arresto del vocalista de As I Lay Dying, Tim Lambesis, por el intento de asesinato de su exmujer (un tema más que conocido por todos), el resultante cuarteto que componía la banda decidió continuar adelante bajo un nuevo nombre y con un nuevo frontman. Así nació Wovenwar, la acertada decisión por parte de los músicos de dejar el drama a un lado y centrarse en la música. Liderados por el vocalista de Oh, Sleeper, Shane Blay, la nueva formación nos presenta su primer disco, con el cual pretenden abrir fronteras hacia

un público más genérico y mainstream dentro del metalcore. Y digo esto porque parece que el lado más fiero y metalero de AILD ha sido engullido por la melodía y por estribillos más… sentidos. En estos 13 cortes nuevos, Wovenwar dejan claro que, aunque sigan siendo los mismos músicos de AILD, no tiene nada que ver con ese proyecto. Quizá, como movimiento estratégico, sea una idea muy buena, pero si pensamos en la música resultante, a mí, que soy más brutote, me ha dejado un poco desencantado. A la gente que le guste este estilo (metalcore melódico) probablemente le apasione este álbum, pero personalmente lo veo como un disco para bailar en horizontal con tu novia/o, y llegar al éxtasis llorando. Es una pena que hayan decidido navegar por esta vertiente, pues las escasas partes cañeras del disco son muy buenas. Les seguiré la pista porque, a fin de cuentas, son unos músicos increíbles y siempre queda la esperanza de que vuelvan a darle cera. FER DÍEZ

JOYCE MANOR Never Hungover Again (EPITAPH/PIAS) PUNK POP, INDIE ROCK

on un tercer disco que dura menos que muchos temas de Dream Theater (19 minutos y un segundo para ser exactos), Joyce Manor son el grupo ideal para aquellos que sufren de déficit de atención. Pero que nadie crea que para condensar diez temas en ese minutaje estos chavalines californianos lo apuestan todo a la velocidad. Si algo sorprende positivamente de ellos es que aunque disparan algunos destellos de punk melódico destartalado (‘Victoria’, ‘Heart Tattoo’, ‘The Jerk’, ‘In The Army Now’),

también ofrecen medio tiempos en los que consiguen dibujar emotivas viñetas al estilo de The Promise Ring o Pavement (‘Schley’, ‘Christmas Card’) y que contribuyen a dejarte con la sensación de haber escuchado un disco completo y no una simple y apresurada colección de temas. A pesar de que Joyce Manor nunca recibirán premios por ser los mejores instrumentistas del mundo (ni falta que les hace), es encomiable cómo consiguen dar profundidad a su sonido con recursos como el teclado de ‘Falling In Love Again’ o punteos a lo Johnny Marr de ‘Heated Swimming Pool’ que los acercan al pop británico. El aire nerd del título y la portada (en la que aparece Frances Quinlan, vocalista de la banda Hop Along), que se transmite totalmente a través de la voz inocentona de Barry Johnson y unas letras algo crípticas sobre romances no culminados, terminan por hacerte sentir que pocas bandas más entrañables hay ahora mismo dentro del panorama punk. JORDI MEYA

BELPHEGOR

Conjuring The Dead (NUCLEAR BLAST) BLACKENED DEATH METAL

eniendo en cuenta que Conjuring The Dead es el décimo álbum de estos austríacos, nos da la oportunidad ideal para considerar el momento creativo y musical de esta banda a casi veinte años de su fundación, con el mítico The Last Supper de 1995. A día de hoy, y con una carrera bastante estable, el dúo de la ciudad de Mozart se mantiene fuerte en su defensa del disputado trono del black/death. Una batalla que tiene, y ha tenido, numerosas fases en su desarrollo, desde los más crudos inicios hasta el retorno actual a la forma, pasando por la fase que en

los 2000 tiñó la producción de tantas bandas de resonancias ‘zyklonicas’ y de Morbid Angel. Hoy en día, los Belphegor de Conjuring The Dead se muestran como un grupo fiel a sus señas de identidad, siendo una de ellas el proporcionar suficientes variaciones emocionales como para ofrecer algo nuevo cada pocos segundos, desde los riffs más cortantes de resonancias noruegas, pasando por las guitarras dobladas de melodías épicas de herencia sueca, en concreto de Dissection (sin duda, uno de sus puntos fuertes), hasta los complejos cambios del death metal más floridiano (cortesía, claro está, de la producción de Erik Rutan) y algunos dispersos ramalazos thrash que, a día de hoy, no son tan protagonistas en su sonido, pero tiempo al tiempo. Es posible que no estemos ante el mejor disco suyo (es maldición en las bandas veteranas el no superar sus clásicos pasados), pero los amantes de este grupo estarán más que satisfechos. SALVA RUBIO

críticas

THEORY OF A DEADMAN

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Tyler Connolly (voz), Dave Brenner (guitarra),

Dean Back (bajo), Joey Dandeneau (batería) PRODUCIDO POR: Howard Benson AFINES A: Nickelback, Puddle Of Mudd, Hinder PÁGINA WEB: www.theoryofadeadman.com

P Savages (ROADRUNNER)

ROCK ALTERNATIVO

robablemente, de todos los subgéneros del rock, el llamado post grunge sea el que nos haya deparado algunos de los grupos con menos gracia del planeta. Bajo esa etiqueta se han albergado Puddle Of Mudd, Creed, Nickelback o quienes nos ocupan, los también canadienses Theory Of A Deadman. Inexplicablemente, dada su sosería musical, todos ellos han contado con un gran éxito, pero ya se sabe que el público es soberano y algo deben de tener para que millones de personas conecten con su música. No es casualidad

que Theory Of A Deadman fuera el primer grupo que Chad Kroeger de Nickelback fichara para su sello 604 Records, pues la semejanza entre las dos bandas es mucha y debió pensar que puestos a tener competencia, mejor tenerla controlada y sacar tajada. Su olfato no le falló, y aunque el cuarteto de Vancouver no ha alcanzado las cifras de Nickelback, sus ventas en Estados Unidos y Canadá son bastante espectaculares. Es muy posible que vuelvan a repetirlas con Savages, su quinto trabajo, pues sus canciones encajan perfectamente en ese

sonido de rock radiofónico que tanto gusta al otro lado del Atlántico (‘Drown’, ‘World War Me’) y cuenta con un buen número de baladas levanta-mecheros (‘The One’, ‘Angel’, ‘In Ruins’) que podrían sonar en cualquier serie que cuente con el favor del público femenino. Incluso han incluido un posible hit para las emisoras country como ‘Livin’ My Life Like A Country Song’. Como veis, Theory Of A Deadman no dejan nada al azar, pero suenan más como un producto perfectamente diseñado que como una banda con alma. DAVID GARCELL

HABLAMOS CON... DEAN BACK Habéis vuelto a trabajar con Howard Benson. ¿Qué os da que os gusta tanto? “Sí, es el cuarto disco que hacemos con él, así que casi forma parte del grupo. Nos ayuda con las letras para asegurarse de que cada canción cuenta una historia. Tiene un equipo increíble en el estudio, con ingenieros, técnicos, con los que trabajamos muy bien. Y hasta ahora hemos tenido mucho éxito juntos”. ¿Llegáis al estudio con todo compuesto o hay espacio para improvisar? “Lo que solemos hacer es reunirnos unas dos semanas antes de grabar en una sala y perfilar las canciones tal como las queremos porque no vivimos en la misma ciudad, así que es difícil para los cuatro poder ensayar juntos. Probamos diferentes arreglos y estructuramos los temas. En el estudio más bien nos dedicamos a encontrar sonidos y probar distintos instrumentos”.

¿Cómo surgió la colaboración con Alice Cooper en ‘Savages’? “Teníamos esta canción y Tyler había hecho esa parte que es casi como un rap y pensó que molaría tener una voz con mucha personalidad, como si fuera un personaje, para introducir otro elemento. Nos recordaba un poco al estilo de Axl Rose y recordamos que, en Use Your Illusion, Alice Cooper había colaborado con ellos en ‘The Garden’. Uno de los chicos del sello tiene relación con Alice y se lo propuso. Le gustó mucho la canción y lo hizo genial”. También está Joe Don Rooney de Rascal Flatts en ‘Livin’ My Life Like A Country Song’... “En la letra se menciona un tema de Willie Nelson e intentamos que él cantara esas líneas, pero no pudo ser. Y entonces Tyler invitó a Joe para darle un toque country y tocó varios instrumentos y también puso algo de voz. Le dio un rollo muy especial”.

¿Cuál es vuestra relación actual con Nickelback? Fuisteis la primera banda que Chad Kroeger fichó para su sello. “No he hablado con ninguno de ellos desde hace cinco años. Están tan ocupados y nosotros también, que no hay tiempo. No tocan en los mismos festivales que nosotros, así que nunca coincidimos. Chad fue el que nos descubrió, pero excepto cuando hicimos el primer disco, no hemos coincidido con ellos”. Habéis hecho un par de giras con Mötley Crüe. ¿Cómo se vive ese circo desde dentro? “Fue un sueño hecho realidad. La primera vez fuimos con ellos y Hinder, y poder ver a esos tíos cada día fue muy grande. Fueron muy hospitalarios. El primer día, llamaron a la puerta y nos dijeron que Nikki Sixx quería hablar con nosotros. Nos dijo lo importantes que éramos para la gira y fue genial. Tengo muy buenos recuerdos”. (JORDI PONS)

cr í ticas

BEATSTEAKS Beatsteaks (WARNER)

ROCK

ener entre las manos un nuevo plástico de los alemanes Beatsteaks siempre es motivo de alegría. De una manera u otra, a lo largo de sus casi dos décadas de trayectoria siempre se han caracterizado por ser una formación que rezuma buen rollo por todos sus poros, resultando imposible no esbozar una sonrisa cada vez que suenan de fondo. Y aunque su época dorada donde el punk rock todavía tenía un peso importante en su sonido queda ya un tanto lejana (si aún no les pilotáis id corriendo a haceros con Living Targets y Smack Smash), es de agradecer que llegados a su séptimo disco, de título homónimo, aún suenen frescos y entretenidos de escuchar. Al igual que en el anterior Boombox, la banda ha decidido dar rienda suelta (aún más si

A BIFFY CLYRO Similarities

(14th FLOOR/WARNER)

ROCK ALTERNATIVO

estas alturas no debería extrañar a nadie que Biffy Clyro sean capaces de publicar otra colección de temas apenas un año después del doble Opposites. Para sus seguidores más fieles estaba cantado. Y es que hace cuatro años ya publicaron Lonely Revolutions, una compilación de caras B para los singles de Only Revolutions. ¿Os habéis quedado con el juego de palabras? Pues bien, algo parecido sucede con el presente Similarities, compilación de otros presuntos descartes

cabe) y sin miedo alguno a todas sus influencias que van más allá de los tres acordes. Así que de la misma manera que suenan enérgicos y vitalistas en la inmediata ‘DNA’, ‘Wicked Witch’ o ‘Be Smart And Breathe’, tampoco tienen problema en acercarse al pop más accesible, pero haciéndolo con mucho gusto, eso sí. El bailongo single ‘Gentleman Of The Year’ resulta impecable, al igual que la emocionante ‘Make A

Wish’ y una alegre ‘Pass The Message’, que a buen seguro ganarán muchos enteros en sus conciertos (su verdadero punto fuerte). Tampoco vamos a engañaros y algún altibajo hay en la media hora que dura, pero si se despiden (ojo al simpático detalle de cómo abren y cierran el álbum) con un temazo redondo de los que te alegran el día como ‘I Never Was’, se les perdona todo.

producidos por la propia banda. ¡Y benditos descartes! Si la exploración épica del Opposites te superó, si descubriste a la banda con Puzzle y echabas de menos esa pegada inmediata, prueba con temas milimétricos y adictivos como ‘Euphoria’, ‘Wooden Souvenir’, ‘Fingerhut’ o ‘Fingers And Toes’, por poner sólo unos ejemplos. En general, los 16 cortes de Similarities tienen un gancho incontestable y juntos cuelan como un álbum al uso por su contenida heterogeneidad. Aquí los Biffy tiran a dar, con las florituras justas, las habituales.

Encontrarás temas más delicados y acaramelados (‘The Rain’, la preciosa ‘Watch’), también medio tiempos con esos estribillos más grandes que la vida que tan populares les han hecho (‘Thundermonster’, ‘Fingerhut’) y alguna que otra travesura (‘Milky’, ‘Feverish’); siempre con su sello mágico, personal e inimitable. Con este entretenido disco el trío más grande de Escocia cierra definitivamente su segunda y más popular trilogía, y ya está dándole vueltas al séptimo trabajo. A ver con qué nos sorprenden…

GONZALO PUEBLA

LUIS BENAVIDES

ZEPHYR LAKE Silken

(BOSTON PIZZA)

INDIE ROCK, PUNK

espués del oscurantismo del largo debut Pure Vow, con mucho noise guitarrero, algo de shoegaze punkerizado y algún destello hardcore muy de finales de los 80, llega Silken. Cinco nuevos temas con unos Zephyr Lake en su estado más puro, mucho más directos y por momentos, violentos. El trío comandado por el siempre genial Víctor (The Destroyed Room, Sictor Valdaña & The Check This Outs) se ha rendido a las tinieblas de los bajos fondos. Grabada, mezclada y masterizada en casa, en los conocidos como estudios Janowski, esta

nueva referencia comienza con la inquietante ‘Ennui’, un misterioso ritual (“Give me your nails, give me your skin, give me your faith”) de 3 minutos de duración con un estribillo redondo y adictivo. La autodestrucción llega con ‘Nucleorgasm’, con una cadencia digna de los Nirvana del Bleach y unos riffs agónicos familiares pero igualmente espeluznantes. Con ‘3Y’ los de Barcelona pisan el acelerador, a fondo, y en apenas 2 minutos y medio te pegan una paliza a base de punk rock sucio. Y cuando ya te tienen totalmente rendido a sus pies, la banda que completan Denís a la batería y Pablo al bajo salen por peteneras con ‘Climax’, en una onda entrañable que sólo podría describir citando a los grandes Dinosaur Jr. y Hüsker Dü. El quinto y último corte de este breve pero muy intenso trabajo, lanzado al mundo vía Boston Pizza Records, es ‘Crysanthemum’. Aviso: redobles desafiantes, letras enfermas, coros con bilis y distorsiones afiladas campando a sus anchas. Dales una escucha y te atraparán. LUIS BENAVIDES

HABEAS CORPUS A Este Lado De La Crisis

(POTENCIAL HARDCORE)

HARDCORE

o debemos nada y, por tanto, nada hay que hablar. Y eso es lo justo, lo democrático, lo sensato y lo razonable”. Con este discurso en el que Mariano deja patente la prepotencia del partido al que representa, empieza el último disco de Habeas Corpus. La veterana banda de Madrid tiene clarísimo a qué lado de la crisis se posiciona y que su discurso musical sigue levantando ampollas y sacudiendo conciencias veinte años después de su gestación. En este disco hay canciones con un sonido característico

de Habeas Corpus que les devuelve a su estado de mayor inspiración (‘Ay De Los Vencidos’, ‘Cuántos Muertos Otra Vez’) junto con otras salidas de la vieja escuela del hardcore (‘Los Bienpagados’, ‘Miserables Sindicatos’). También resulta evidente que el experimento junto a Los Chikos Del Maíz bajo el nombre de Riot Propaganda les ha sentado de maravilla, y en A Este Lado De La Crisis podemos seguir disfrutando de un par de cortes de rapcore como ‘Al Antojo De Las Élites’ y ‘En Mitad De La Nada’, que parecen la continuación lógica del disco United Artists Of Revolution. Con todo, sorprende que la parte estrictamente musical del álbum comience y acabe con la guitarra de Mr. Chifly pero en clave acústica, y que él mismo se luzca con unos cuantos solos a lo largo del CD. Y si ‘Y Te Abracé’ es el nuevo ‘Distancia’ de Habeas Corpus, su octavo disco se cierra con otro himno generacional: ‘No Es Tiempo De Llorar’, en el que MARS canta con esperanza “Sólo podemos ya vencer”. JORDI FORÉS

cr í ticas

THE MUFFS

Whoop Dee Doo (BURGER)

PUNK POP

ay datos que de entrada asustan al enfrentarte a Whoop Dee Doo. El primero es darte cuenta que hacía diez años que The Muffs no publicaban un nuevo disco. El segundo, que su líder Kim Shattuck acaba de cumplir 51 años. Pero la parte buena es que tanto el disco como ella suenan como si la banda hubiese estado hibernando en una cápsula espacial y estuviésemos en los 90, cuando The Muffs se codeaban con Green Day y Kim tenía sus trifulcas en la prensa con Courtney Love. Su punk rabioso en ejecución y totalmente influenciado por el pop de los 60 vuelve a depararnos grandes canciones como ‘Weird Boy Next Door’, ‘Paint By Numbers’, ‘Where Did I Go Wrong’ o ‘Lay Down’, con una Kim que sigue

C TOM PETTY & THE HEARTBREAKERS Hypnotic Eye (REPRISE/WARNER)

ROCK’N’ROLL

on 38 años en el negocio, 13 discos en el mercado, más de 80 millones de copias despachadas y una carrera absolutamente intachable junto a sus fieles escuderos, The Heartbreakers, está claro que a Tom Petty no le queda nada por demostrar a estas alturas ni a nosotros nada que exigirle. Lo mínimo que se le puede pedir es que se mantenga con dignidad en estos años que le quedan, y en eso todavía es capaz de cumplir. Su último regalo para los innumerables creyentes que le seguimos, Hypnotic Eye, ni resultará tan sorprendente como Mojo ni

maullando como siempre y que rasga su guitarra aupada por la sección rítmica de Ronnie Barnett y Roy McDonald. Deliciosas son también ‘Cheezy’, una brillante píldora beatleniana con armónica incluida, o ‘Because You’re Sad’, donde la rubia cantante demuestra que sigue rajando como nadie de los hombres que le han hecho daño. Ojalá que aquellos que hayan

descubierto la existencia de Kim a raíz de su fugaz paso por los Pixies se decidan a escuchar este disco, porque tiene bastante más gancho que Indie Cindy. Seguro que la cuenta corriente de Kim estaría bastante más boyante de haber seguido como sustituta de Kim Deal, pero para sus fans es una gran alegría que haya vuelto a casa.

estará entre los mejores de su discografía... y ni falta que hace. Escuchar a estos veteranos dar una auténtica exhibición de cómo sonar clásico y válidos al mismo tiempo con un sonido pulcro y perfecto en plena era digital es algo por lo que deberíamos de seguir dando las gracias. En ‘U Get Me High’, ‘All You Can Carry’ y ‘Red River’ siguen demostrando que pocos como ellos son capaces de hacer temas tan rematadamente sencillos y que, encima, suenen tan bien. Cuando les apetece sonar vigorosos ahí aparece ‘Forgotten Man’, o su lado blues por el que cada

día se desenvuelven mejor (‘Power Drunk’, ‘Burn Out Town’), con Mike Campbell sacando magia de su guitarra, mientras los demás acompañan a la perfección. Insisto en que ni mucho menos esto se acerca a lo mejor que pueden ofrecer, pero continúan dejando en evidencia a sus competidores (ya le gustaría a Springsteen escribir una colección de temas como estos a día de hoy). Las únicas pegas que se le podría sacar son esa horrible portada y que, si no cambian mucho las cosas, nos volveremos a quedar sin verle por nuestro país.

JORDI MEYA

GONZALO PUEBLA

RORY KELLY

Kings Never Sleep (RUSTY KNUCKLES)

HARD ROCK

urioso tipo, este Rory Kelly. Gran guitarrista y excelente compositor, tiene muy claro que los tiempos no están para demasiadas alegrías y lo que ha decidido es ir sacando discos y girando sin ninguna expectativa de éxito. Ama el rock de estadio, pues según me confesó él mismo, sus héroes son gente como Van Halen, Ted Nugent, Kiss, Aerosmith, AC/DC o ZZ Top, y por ahí van los tiros de su música, pero consciente de que esos años dorados pasaron para los músicos jóvenes,

recluta a su propio padre de batería, a un amigo de la infancia de bajista y se lanza a la carretera como si, en lugar de un par de cientos, delante suyo tuviera unos cuantos miles. Un animal de escenario, eso es lo que es, y la fórmula funciona. No vamos a decir que en vinilo son la bomba, pero como otras bandas de su calaña (Nashville Pussy o Supagroup podrían ser otras referencias más contemporáneas que las citadas), sus canciones están hechas para pasar un buen rato, son de ese tipo de composiciones perfectas para ponerte ciego a cervezas un sábado por la noche y yo, por lo menos, ya me conformo con eso, que no es poco. Ahí están atronando con la testosterona a tope temas como ‘Menace To Society’, ‘Lay To Waste’, ‘Kings Never Sleep’ o esa delicia de primitivo rock fronterizo titulada ‘Hasta La Muerta’, que seguro se trata de un nada disimulado homenaje al gran Ennio Morricone. ANDRÉS MARTÍNEZ

CHELSEA GRIN Ashes To Ashes (ARTERY RECORDINGS)

DEATHCORE

yo me pregunto, ‘¿Cómo ha podido llegar tan lejos este grupo, precisamente este grupo, por encima de tantas buenas bandas que escucho a diario en las redes sociales, y que son prácticamente desconocidas?’. Chelsea Grin irrumpió en la escena internacional hace unos cuatro años con su primer trabajo, Desolation Of Eden, con el cual dejaron claro que eran otro clon más dentro del deathcore, otro bodrio al que inocentemente di una oportunidad y escuché sin saber a lo que me exponía.

Luego sacaron My Damnation en 2011 y una vez más cometí el mismo error. Tonto de mí, he vuelto a hacerlo con su tercera entrega, Ashes To Ashes. El disco olía a cambio, a renovación, a profundidad musical. Voces melódicas limpias, melodía musical, interludios electrónicos… más de lo mismo. Otro coñazo para olvidar. Para escuchar música compuesta con una sola cuerda y riffs monótonos, ya tenemos a Emmure. Bueno, perdón, quizá esté siendo algo duro con la banda, no es tan horrible lo que hacen, pero ¿realmente nos hacen falta tantos grupos así? ¿Que nos insulten a la cara con tanto cliché? Sí que es verdad que dentro del universo Chelsea Grin, Ashes To Ashes es sin duda su mejor trabajo, más elaborado y mucho más entretenido, pero yo no soy de los que tragan. Me aburre. En esta época que nos ha tocado vivir, en la que hay más grupos de música que fans que los sigan, no voy a perder el tiempo con ningún grupo que no tenga un ápice de personalidad. FER DÍEZ

cr í ticas

MYRKUR Myrkur (RELAPSE) BLACK METAL

unque el black metal está plagado de grandísimas oneman band, desde luego, no es nada común encontrarse con un proyecto unipersonal capitaneado por una chica. Desde Dinamarca, eso es justo lo que encarna Myrkur, grupo que, pese a tocar black crudo, para nada esconde la feminidad de su naturaleza, creando una bella comunión entre los primeros Ulver, Burzum y Darkthrone, paisajes ambientales y folk de la talla de ‘Frosne Vind’ que la unen a maestros como Empyrium o Agalloch y, lo más chocante,

con poquísimas concesiones a los rasgados típicos del género maldito en ‘Nattens Barn’ o la final ‘Må Du Brænde I Helvede’. La fuerza de Myrkur reside en el culto a la naturaleza, en la fascinación por la soledad y los frondosos bosques de Escandinavia, en las emociones a flor de piel. Tocando la batería es algo tosca, quizá es donde más flojea, pero la verdad es que el contraste de este black metal raw con voz aterciopelada y jodidamente femenina es una experiencia que atrapa por atractiva e inusual. Ahora que está lleno de gafapastas escribiendo sobre black metal sin haber escuchado nunca a Nargaroth, Judas Iscariot o Hades, puede ser su momento si la meten en el saco de Alcest, Deafheaven y Wolves In The Throne Room, pero siendo esto un simple EP homónimo de debut, espero que no se vea engullida por esta moda y, de cara a su primer largo, siga explorando esta senda tan personal y seductora. PAU NAVARRA

THE RIFLES

None The Wiser (COOKING VINYL)

BRITPOP

n su cuarto disco en ocho años de carrera, The Rifles recuperan la formación original. Ausentes en su anterior grabación (Freedom Run, 2011), el batería Grant Marsh y el bajista Robert Pyne vuelven a la banda británica para devolverle la chispa perdida en el álbum precedente. The Rifles vuelven a sonar enérgicos como en sus inicios, y recuperan la capacidad de elaborar melodías simples pero efectivas, vestidas con guitarras indie rock que funcionan desde la

primera canción. Los riffs a lo Strokes de ‘Minute Mile’ son un buen calentamiento para el momento álgido del disco, que son las dos canciones de alta velocidad grabadas en los estudios Black Barn de su adorado Paul Weller: ‘Heebie Jeebies’ y la pegadiza ‘Go Lucky’ son dos himnos al hedonismo estival para cantar a grito pelado que no me extrañaría ver próximamente en alguna campaña de cerveza o producto de consumo juvenil. A partir de aquí, el disco baja de revoluciones, pero también saben moverse bien en los medio tiempos con espíritu positivo-nostálgico: ‘All I Need, ‘You Win Some’ o especialmente el estribillo de ‘Shoot From The Lip’ son bellos momentos pop con los que sentirse eternamente joven. El ramalazo de sus también adorados Oasis se les ve en la acústica ‘The Hardest Place To Find Me’, y aunque el disco tiene altibajos, sí que tiene la capacidad de alegrarte las tarde-noches veraniegas. IGNASI TRAPERO

INCANTATION

Dirges Of Elysium (LISTENABLE) DEATH METAL

na de las cuestiones más debatidas dentro de cualquier campo de lo que conocemos como metal extremo es la evolución del sonido de una banda: ¿Debe un grupo sonar siempre como en su primera demo? ¿O está obligado a ofrecer algo nuevo en cada lanzamiento, por poco que sea? Pero cuando hablamos de un grupo como Incantation, la pregunta cambia: ¿Es necesario evolucionar cuando eres el creador de un sonido, de un estilo que decenas de bandas han imitado en los últimos veinte años? Con éste, su

décimo álbum, Incantation demuestran que, una vez más, pasan por completo de sus imitadores para seguir metiendo el dedo en la llaga como Longino removiendo las entrañas de Cristo por el resto de la eternidad. Lo cierto es que todos los signos de la escuela creada por John McEntee están presentes: los riffs ultra lentos, las melodías más oscuras, las cabalgadas caóticas, la producción old school... Son las señas de identidad de una de las bandas más influyentes de la historia del death metal. Ahora bien, ¿en qué términos de calidad resuelven el álbum? Estamos ante uno que será efectivo para unos, reiterativo para otros, en el que si bien manejan a la perfección su propio lenguaje, queda claro que su principal interés es mantener sus señas de identidad intactas. A veces, lo mejor que se puede decir de una banda es que siguen siendo ellos mismos, e Incantation lo son y, aparentemente, lo seguirán siendo. SALVA RUBIO

THE RIGHT ONS

Volcán (WARNER) INDIE

he Right Ons le han dado una sacudida a su carrera: han cambiado de mánager, de sello y hasta de idioma, para reinventarse en algo similar pero diferente. Personalmente les recordaba de su inicial 80.81 y de conciertos enérgicos en festivales varios, y me sedujeron con su rock árido de tintes negros funk y soul. Pero este cuarto disco y primero en castellano, Volcán, se mueve en otras tierras. En estos años ya habían ido derivando hacia ritmos pop más bailables, y este álbum es seguramente consecuencia lógica de ese cambio de rumbo. Sí que mantienen guitarras con

chispa (en casos como ‘Aturdido’, ‘Más Allá’ o la psicodélica ‘Rojo Intenso’ huelen bastante a los Black Keys; en otros como ‘Un Día Perfecto’, a B.R.M.C., e incluso en la épica ‘Montaña’ te puede venir a la mente Vetusta Morla), pero canciones como ‘Quiere Bailar’, ‘Adiós’, ‘Dentro’ o las armonías vocales de ‘Inconsciencia’ suenan mucho más limpias y blancas. Aquí ya entraría el gusto personal de cada uno (yo me quedo de aquí a Lima con los Right Ons de años atrás), pero como le leía en una entrevista al bajista Juan Rodo ‘Utah’, seguramente se han quedado a medio camino entre los indies a los que no les gusta el rock, y los rockeros a los que no les gusta el indie. Etiquetas al margen, por supuesto que aquí de lo que se trata es de disfrutar de la música tal cual, a partir de emociones primarias e irracionales. Y eso se puede hacer perfectamente con un disco de buenas revoluciones, aunque quizás algo falto de definición. IGNASI TRAPERO 89

cr í ticas

TO THE WIND HAS DE SABER... FORMACIÓN: Tanner Murphy (voz), Ryan Murphy (guitarra), Matt Farage (guitarra),

Tron Laur (bajo, voz), Cory Lamb (batería) PRODUCIDO POR: Kyle Black AFINES A: Gallows, Comeback Kid, Cancer Bats PÁGINA WEB: tothewindnw.com

RECOMENDADO POR:

Block Out The Sun & Sleep (PURE NOISE) HARDCORE

unque oficialmente solamente llevan cinco años funcionando como banda, los lazos familiares que forman el núcleo de To The Wind, los hermanos Tanner (voz) y Ryan Murphy (guitarra) y su primo Cory Lamb (batería), se extienden hasta su niñez, habiendo crecido tocando juntos en distintos grupos. Tras graduarse del instituto y solidificar su formación, la banda de Seattle empezó a tomarse su carrera más en serio y fueron adquiriendo notoriedad dentro de la escena local publicando hasta tres EPs antes de estrenarse a lo grande con Empty Eyes, su primer largo para el sello Pure Noise en mayo de 2013. Ahora nos

llega su continuación y la verdad es que se observa un ansia por adquirir una personalidad más propia sin seguir los postulados más genéricos del hardcore. Producido por Kyle Black, conocido por trabajar con combos como Stick To Your Guns, Comeback Kid o Set Your Goals, el presente Block Out The Sun & Sleep conserva los riffs agresivos, los breakdowns y unas letras llenas de frustración y dolor, pero no se quedan sólo ahí. Por ejemplo, en la canción título se atreven con un tema instrumental de tendencia más post rockera y junto a guitarras con la distorsión a tope, aparecen algunos punteos más cristalinos que le dan una mayor variedad de sonidos. Además, To

The Wind evitan el manido recurso de las voces limpias, y aunque hay algún atisbo de melodía en cortes como ‘21’ o ‘One And The Same’, siempre es entregado con la rasposa y profunda voz de Tanner, uno de esos screamers de vena hinchada. No estamos pues ante un disco para oídos que busquen ser masajeados, sino que Block Out The Sun & Sleep contiene ante todo trallazos como ‘Trapped’, ‘Through My Eyes’ o ‘Growing Numb’, que podrían levantar una gran polvareda en cualquier festival donde tocasen. Tralla de la buena como la que servimos semanalmente en Bandera Negra, nuestra isla sonora de Radio 3. RAMIROQUAI

HABLAMOS CON... TRON LAUR ¿En qué dirías que la banda ha mejorado más respecto a Empty Eyes? “Lo que más se nota es que la banda lleva más tiempo tocando con esta formación y también que pensamos mucho más las canciones. Las estructuras son más pegadizas y las voces se escuchan de manera mucho más clara. Transmiten la misma emoción que antes, pero encima puedes entender lo que las letras dicen. Cada canción cuenta una historia distinta, así que las letras son importantes. Empty Eyes nos dio mucha proyección y pudimos estar en grandes giras, pero siento que con este disco hemos subido a otro nivel musical. Así que estoy muy emocionado por ver qué oportunidades nos saldrán gracias a él”. Musicalmente es más avanzado, habéis trabajado

con más atmósferas y otros recursos no estrictamente hardcore. “Sé lo que dices. Le dedicamos mucho tiempo a que cada canción tuviera su propia atmósfera. Dedicamos muchas horas a cada segundo que escuchas en el disco. No hay nada al azar. También tuvimos mucha ayuda de Kyle Black, tenía un montón de ideas para cada canción. Algunas las usamos y otras no, pero fue genial tener de nuestro lado a alguien tan creativo”. Formasteis parte de la gira de despedida de The Chariot. ¿Cómo fue la experiencia? “Ésa fue la gira más grande que hemos hecho. Fueron más de cinco semanas recorriendo todo Estados Unidos. Cada banda del cartel era distinta, había punk, hardcore y metal, pero todos nos llevamos muy bien. Nos sentimos muy

agradecidos a que The Chariot nos escogieran para la gira porque no nos conocían de nada, aunque nosotros hemos sido fans suyos desde hace muchos años. Fue una gira genial”. Todavía no podéis vivir del grupo y os dedicáis a otros trabajos... ¿Qué tendría que ocurrir para que os decidierais a dejarlos? “Supongo que simplemente que el nuevo álbum nos permitiera estar de gira durante un año entero. El año pasado estuvimos ocho meses de gira, pero el resto del tiempo tuvimos que coger otros trabajos para poder pagar las facturas. De todos modos, aunque el disco tuviera mucho éxito, seguramente seguiríamos haciendo otras cosas porque nos aburrimos fácilmente cuando estamos en casa (risas)”. (JORDI MEYA)

cr í ticas

ENTOMBED A.D. Back To The Front (CENTURY MEDIA) DEATH METAL

iempre he creído que Entombed eran de esa clase de bandas, como Napalm Death u Overkill, de la que más que fan te sientes militante. Esa clase de formaciones que nunca han tenido el respaldo que merecían pero que, contra viento y marea, han conseguido tirar adelante sus carreras y salirse con la suya. Por ello es extremadamente triste ver todo el folletín que ha acompañado a la banda sueca durante estos últimos meses –aunque seguro que la cosa viene de lejos- que ha llevado a que los dos únicos miembros originales, LG Petrov y Alex Hellid, hayan acabado peleados y disputándose el nombre de la banda de una manera rastrera. De momento el vocalista es el que tira para adelante con la banda, bajo Entombed A.D., acompañado

HOWLIN RAIN Live Rain (SILVER CURRENT) ROCK

a sabemos todos que grupos influenciados por el rock que se facturó durante los 70 hay muchos, y hoy en día quizás hasta demasiados, pero lo cierto es que muy poquitos son capaces de salirse de los clichés tan manidos de la escuela Zeppelin o Sabbath para cogerlos e ir más allá de la copia reiterativa con el fin de dar con algo realmente personal. Entre ese diminuto y selecto club de formaciones podríamos citar a Black Mountain, nuestros The Soulbreaker Company y, por supuesto, a Howlin Rain. Hace ya tiempo

por los componentes que habían estado en el grupo durante los últimos años. Todo sería más fácil de digerir si Back To The Front –recordemos, primer álbum en siete años- fuese un disco que nos hubiese dejado a todos con la boca abierta. No es el caso, y el poso de amargura que acompaña al escucharlo tampoco ayuda. Es un buen ejercicio de estilo y el sonido que amamos de Entombed

está ahí desde la inicial ‘Kill To Live’, pero si buscamos motivos que haga a este álbum especial ante otras obras de la banda, no será fácil encontrarlos. Un disco de oficio, pero llegados a este punto, lo mejor sería que Nicke Andersson les diese un sopapo, los pusiera rectos y que todos juntos grabasen un álbum que mirase de tú a tú a Wolverine Blues.

que Ethan Miller decidió aparcar Comets On Fire para terminar de sacar todo el genio que lleva dentro. A lo largo de tres discos hasta la fecha (el cuarto se espera para el próximo curso) ha sabido moldear como pocos el folk, el blues, la psicodelia y el soul en un mix tremendamente colorista. Una paleta de sonidos que como vemos en su primer directo oficial, sobre las tablas deja paso al rock más contundente. Sin el apoyo de los arreglos de viento y la notable ausencia de Joel Robinow a las teclas, Howlin Rain se apoyan aún más en las guitarras para

trasladar al directo unas canciones que cobran su propio sentido encima de un escenario. Grabado durante la gira de presentación de The Russian Wilds, este Live Rain hace honor también a esos mágicos álbumes en directo de la década de los 70, recogiendo a la banda en uno de sus mejores momentos. Tan sólo hace falta escuchar cómo acometen con toda furia guitarrera ‘Phantom In The Valley’ o ‘Lord Have Mercy’ para percatarse de ello. Uno de esos grupos que deberían ser denominados como especie protegida.

RICHARD ROYUELA

GONZALO PUEBLA

NYCTOPHOBIA

Ritual II – The Will Of Darkness (NEGRA NIT)

BLACK METAL

on una producción agresiva y profunda, donde el bajo de Mergunt retumba con potencia, Nyctophobia arremeten con fuerza en su primer trabajo profesional bajo el manto de Negra Nit, quienes les han coeditado un MCD que viene a mejorar, como no podía ser de otra forma, todo lo ofrecido en su demo de 2011. Tras varios cambios en sus filas, los catalanes presentan una honorable tormenta de blast beats que tienen, obviamente, al batería Dreth (exVirium) como máximo

instigador, pero donde también sobresale Louen (Ragnor, también exVirium) en unas facetas vocales que, sin llegar al blackened death, sí presentan una bronca de graves que, visto en el cómputo global de esta media hora, los emparenta con sus compañeros de escena Shemhamphorash o con bandas a piñón fijo como los mejores Dark Funeral, Khold, Urgehal, Koldbrann o Endstille. Riffs punzantes de puño en alto y a toda leche hacen de este lanzamiento una obra que no decae, sin estridencias ni experimentos que no vienen al caso, y que sin descanso te pasa por encima. Su Ritual II – The Will Of Darkness llega a su punto culminante en ‘The Idiot-Crawling Chaos’, un tema mucho más meditado y que muestra todas las vertientes que los de Badalona pueden aportar, además de contar con la colaboración de Fiar de Foscor en las voces. ‘Dead Tongues’ o ‘Embers Dawn’ te harán trizas el equilibrio emocional bajo una intensa lluvia de odio y oscuridad. PAU NAVARRA

SARABIX Krakatoa (AUTOEDITADO) HARDCORE

arabix ponen la directa en la intro ‘1883’ con un tempo frenético y unos coros bien hinchados como mandan los cánones del hardcore melódico clásico. Nos transportan a nuestros tiempos mozos como un entrañable dejavú, y entonces encadenan con ‘Dispuesto’, uno de los cortes más completos. A saber: una buena letra con un estribillo memorable, una base rítmica al límite y unos guitarrazos precisos dignos de Propaghandi y Strung Out. El cuarteto no baja el pistón en ‘El Especial Illuminati’, y realmente asombran al pasarse por el forro los clichés

en la montaña rusa ‘Los Gemelos Zelig’, con unos parones y unos cambios de ritmo que dejarán con el culo torcido a los más puristas del género. Bravo por ellos. Hacen y deshacen con virtuosismo bien entendido. Su osadía firma un rap en ‘El Segundo Discurso’, réplica al tema casi experimental ‘El Primer Discurso’. Quizás por eso este largo debut sobrevuela otras bandas avanzadas a su tiempo, con poso hardcore y fieles al castellano, como los ya míticos Nuevenoventaycinco o los todavía en activo Día De Furia. El respiro a tanta adrenalina llega con la digamos popera ‘Puzzle’, nada que ver con la aniquilación metálica ‘Gamera’, donde aportan bizarrismo y caos vocal sus paisanos Pink Gamera. Dejan para la recta final, armado por Juan Ballester (Virgen, Zombies And Diamonds, Mistol), tres piezas de tupa tutupa cinturón negro como ‘Aftershock’, ‘Tiburones Vs. Naves’ y ‘2 De Octubre’. Gran descubrimiento. LUIS BENAVIDES 93

críticas

FEEDBACK REVIVAL Feedback Revival (FEEDBACK REVIVAL BMI) ROCK AMERICANO

enuda sorpresa, no los conocía y cuando vi el disco en la redacción pensé que tenían una pinta de hipsters que tiraba de espaldas, pero recordé fugazmente el comentario positivo de un buen amigo y me lo llevé para casa. Tremendo, y ahora que por mucho que digan Drive By Truckers han bajado el listón, bien podría este cuarteto de Tennesee agarrar el testigo y conseguir un éxito que sin duda merecen. De momento han conseguido que el mismísimo Jack White les tenga cierta estima y aunque ya han sido comparados con gente como Kings Of Leon, no

hagáis caso... su rollo es otro, mucho más clásico y menos indie. Combinando la lírica y los mundos de Tom Waits con la melodía de Tom Petty, el gusto por el viejo blues, el dramatismo de Johnny Cash y el músculo guitarrero de Black Crowes o los mismos Drive By Truckers, estos jovenzuelos han conseguido grabar un álbum enorme, donde la riqueza estilística es apabullante. Pongamos por caso ese grandioso soul blues titulado ‘Ballad Of Loretta’ y comparémoslo con ‘Delta’, puro blues descarnado con toneladas de melodía y un solo de guitarra matador; nada que ver entre ellas pero emparentadas por un mismo concepto, las dos caras de una moneda. Y todavía hay más, el rock´n´roll tabernero de ‘Jesse James’ convive sin problemas con ‘Soul Feet’, una vacilada por la que seguro que Jack White mataría, mientras que en ‘Josolyn’ casi se pasan al hard rock con ese riff y ese persistente Hammond para luego aplastarnos con ‘Carry On’, un baladón con sabor al mejor rock americano de raíces de Petty o Springsteen. ANDRÉS MARTÍNEZ

STRAIGHT ON

We Take What We Want (AUTOEDITADO) PUNK POP

os fundadores de Straight On, Helena Limonchi y Albert Marcos, vocalista y guitarra solista respectivamente, nunca estuvieron tan cerca de sonar como sus admiradísimos Paramore, los verdaderos culpables de esta fresquísima producción punk pop a caballo entre los estudios Wheelsound y Ultramarinos. Porque si pusieron en marcha en 2011 esta banda fue por el influjo de la talentosa Hayley Williams, y eso no me lo podrán negar estos dos amigos de la costera Platja d’Aro, Girona. Salta a la vista y se confirma tras la escucha de unas melodías servidas con guitarrazos potentes pero

transparentes. Después del EP 13 y un single en castellano de corte más clásico como ‘Recuerda’, el quinteto catalán ha facturado We Take What We Want. El salto cualitativo es innegable, lógico en una banda tan joven que no ha parado de tocar desde su primera referencia, hace ya dos años. Basta con comparar los nuevos aires de temas recuperados como ‘Wanted To Stay’ y una de mis favoritas, ‘My Faith’. La primera toma de contacto es más que satisfactoria con las iniciales ‘Just Break’, ‘Go Home’ y la citada ‘My Faith’. Las letras tienen algo de personales, mucho de sentimentales e incluso rozan el emo cortavenas en piezas afectadas como ‘Alive’ y ‘Asleep’, con frases recurrentes como “We are broken and only we know” y “Tell me how I can feel better, I feel like I was broken”. Cosas de la edad... Bromas aparte, cierran con energía, como tiene que ser tratándose de una banda con tantas cosas por delante, con ‘We Take What We Want’ y un medio tiempo electrizante llamado, curiosamente, ‘Interlude’. LUIS BENAVIDES

HUMOR VÍTREO Percepción (AUTOEDITADO) METAL ALTERNATIVO

n esta vida hay que saber tener paciencia. Demasiados grupos cometen el pecado de meterse en un estudio para grabar un disco cuando apenas llevan unos meses juntos y solamente han tocado en directo para sus cuatro amigos. El resultado suele ser un producto a medio cocer y del que los propios artistas reniegan al poco tiempo. No será el caso de Humor Vítreo, quienes han esperado cuatro años y se han fogueado en los escenarios antes de irse a los The Metal Factory Studios de Madrid para grabar con Alex Cappa su debut. En Percepción nos

encontramos con una banda ya hecha y que tiene bien definida su personalidad. Lo mejor que se puede decir de ellos es precisamente eso, aún partiendo de un metal noventero, Humor Vítreo no suena a ‘copia de’ o a ‘los nuevos tal’, sino a ellos mismos. El quinteto huye de los lugares comunes confrontando la dureza de sus riffs con unos pasajes melódicos que suenan tan rabiosos como poéticos en la boca de Eloy Conde. Que Kantz, vocalista de Tenpel, colabore en ‘A Diez Mil Latidos’ no es una mera anécdota, pues comparten con ellos las mismas ansias de trascender a un estilo en concreto. Así te harán mover la cabeza con la furia de ‘Siempre Yo’ como te darán un baño de épica en ‘En Dos’, te sumergirán en la oscuridad de ‘Normal’ como te ofrecerán un tema coreable como ‘Toda Una Vida’. Quienes disfruten descubriendo a bandas con un sabor especial, tienen una oportunidad de oro para chuparse los dedos. No os defraudarán. DAVID GARCELL

PARAFILIA

Defloración En El Matadero (SPAIN DEATH METAL) BRUTAL DEATH METAL

on semejante portada y título de EP, está claro que Parafilia no están aquí para intentar encabezar la lista de Los 40 Principales. De hecho, con una intro como ‘Banquete Necrófago’, lo único que podría liderar este quinteto valenciano es la lista de los criminales sexuales más buscados por la Interpol. De una crudeza extrema, te prepara para ‘Necropsia Necrofílica’, la marchosa ‘Defloración En El Matadero’ o ‘El Zombificador’, todo ello revestido de carne muerta aún por fornicar y sobre todo, de una sorprendente

producción en los Domer-On Studios de Aspe, Alicante, que les ha dotado de un sonido pulcro y más que nítido, alejadísimo de muchos lanzamientos de esta índole. Seis cortes como vil carta de presentación rematados por la simpatía de ‘Protuberancia Vaginal’ y la algo goregrind ‘Plantación De Cadáveres’, temas no exentos de técnica, riffs carniceros, solos y donde acabarás con la batería de Manuel clavada en el píloro. Y pese a todo, considero que su brutal death es soportable para oídos menos acostumbrados a este tipo de mezquindades, pues para tu desgracia, incluso vas a entender qué diantres escupe Jabi. Mientras mantengas alejada a tu familia de estos malditos energúmenos unos 300 metros, todo irá bien. Diversión totalmente asegurada, como un Chiquipark en el que pudieras degollar a esos estúpidos monitores que te joden la tarde. Directo, conciso y canalla. Parafilia son un amor. PAU NAVARRA

críticas

TALCO

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Dema (voz, guitarra), Gesu (guitarra), Rizia (trompeta),

Cioro (saxofón), Ketto (bajo), Nic (batería) PRODUCIDO POR: Talco AFINES A: Banda Bassotti, Ska P, Obrint Pas PÁGINA WEB: www.talcoska.com

10 Years: Live In Iruña (DESTINY)

SKA PUNK

enos conocidos popularmente que sus compatriotas de la Banda Bassotti, Talco se ha permitido el lujo de hacer balance de los diez años transcurridos desde la edición de Tutti Assolti, su primer álbum de estudio, y en los que han compartido escenario con todo dios, desde NoFx a Rise Against o Iggy Pop. Como su propio título indica, 10 Years: Live In Iruña es un disco en directo en el que la banda italiana repasa los grandes temas de su carrera junto al entregado público de Pamplona a finales de 2013. No faltan en el setlist las fiesteras ‘Tarantella Dell’Ultimo Dandito’, ‘St. Pauli’ (himno oficial de este club de fútbol

alemán), ‘La Torre’ o ‘Danza Dell’Autunno Rosa’ (con un coro tan absolutamente sencillo que hasta mi hija de 2 años es capaz de entonarlo). Más emotivas suenan las populares ‘Fischia Il Vento’ y ‘Bella Ciao’ (colaboración de La Plebe incluida) gracias a un sonido que recoge a la perfección la energía sobre el escenario de estos antifascistas de Venecia y, especialmente, la importancia de la sección de vientos formada por una trompeta y un saxofón que es básica para darle el toque festivo a sus temas. 22 canciones pueden llegar a aburrir a los que no estén familiarizados con el ska punk, pero a mí lo único que me chirría de todo

este trabajo es que el título aparezca en inglés, cuando la única lengua utilizada por Talco es el italiano. Como curiosidades del DVD comentaré que a lo largo de las entrevistas al sexteto se nombran a dos bandas estatales (Ska-P y Obrint Pas), que analizan su cambio radical del 2008 y que reconocen que, a pesar de tener más éxito en Alemania o España, en Italia no triunfan tanto debido a sus letras políticas. Berlusconi, a quien dedicaron su quinto trabajo Gran Gala, ya domina la política italiana, pero a Talco todavía les quedan muchos años por delante y muchas injusticias por denunciar. JORDI FORÉS

HABLAMOS CON... DEMA ¿Por qué os decidisteis a grabar vuestro disco de décimo aniversario en Pamplona? “En 2013 tocamos más que nunca en España, de una manera más organizada, y nos enamoramos del País Vasco. Para nosotros era importante grabar el álbum en un sitio donde fuéramos conocidos y donde nos gustara mucho la gente, y de ahí salió la idea de hacerlo en Pamplona”. ¿Crees que después de diez años estáis en el mejor momento de vuestra carrera? “No, lo mejor todavía está por llegar (risas). Estos años han servido para darnos a conocer, pero todavía queda mucho por hacer. A finales de este año grabaremos un nuevo disco y espero que con él aún lleguemos a más gente”. En vuestra música mezcláis ska, punk, folk… ¿De dónde sale esa mezcla? “A todos nos gustan distintos estilos, pero quien escribe las canciones soy yo, así

que reflejan más bien mi gusto (risas). La gente nos conoce por el ska punk, pero a mí me gustan mucho los clásicos italianos y el folk balcánico, para mí es natural meter todo eso en las canciones”. La política también es muy importante para la banda. ¿De dónde surge vuestro interés? “Proviene de nuestras vidas. Cuando empezamos Talco no teníamos letras políticas, pero vivimos rodeados de política. Desde que iba a la escuela me ha interesado, y ahora es necesario hablar de ello”. Gran Gala estaba dedicado a Berlusconi... ¿Tuvisteis algún problema con el gobierno? “No, no lo tuvimos. Supongo que porque no somos suficientemente famosos en Italia (risas). Hablar de Berlusconi era la excusa para hablar de la mentalidad italiana. Por desgracia, a pesar de la crisis, esa mentalidad no ha cambiado. Ahora tenemos a Renzi, que viene a ser lo mismo. Antes

habíamos tenido a Mussolini, Andreotti, Craxi… No somos buenos escogiendo a nuestros dirigentes”. ¿Crees que por eso no sois más populares en Italia? ¿La gente no quiere escuchar vuestras críticas? “Lo que ocurre es que la escena musical es muy pobre. En los 80 y los 90 había una gran escena independiente, pero ahora todo lo domina el mainstream. Todos los promotores apuestan por lo que es más conocido, se ha perdido la meritocracia. En cambio en Alemania o España sentimos que se apuesta más por propuestas distintas”. ¿El próximo disco será también conceptual? “Sí, pero tendrá una historia particular. Musicalmente será parecido a Gran Gala, con bastante punk, pero tenemos nuevas experiencias, así que habrá sorpresas. Estamos preparados para grabarlo”. (JORDI MEYA)

cr í ticas

HAMILTON LEITHAUSER Black Hours (RIBBON MUSIC) POP ROCK

on The Walkmen en un ‘hiato extremo’ desde finales de 2013, sus distintos miembros se han buscado alternativas en solitario: Walter Martin se decantó por un álbum de canciones infantiles (We Are All Young Together) junto a Karen O (Yeah Yeah Yeahs), Matt Berninger (The National) o excompañeros en The Walkmen; mientras que Peter Bauer también ha editado un disco en solitario, Liberation!. Y el cantante Hamilton Leithauser hace lo propio con este Black Hours. Cada uno es libre de interpretar los títulos relacionándolos o no con la ruptura… Sea como sea, y quizás por su voz tan

característica, seguramente el de Leithauser es el disco de los tres que presenta un mayor continuismo respecto al sonido The Walkmen, alternando tonos intimistas (‘5AM’, ‘St. Mary’s County’), medio tiempos (‘The Silent Orchestra’, ‘The Smallest Splinter’, la stoniana con coros de los 50 doo woop ‘I Retired’) o canciones de pegada más eléctrica, como en ‘Alexandra’. El fornido cantante se ha rodeado de colaboradores de relumbrón para este álbum, contando con Rostam Batmanglij (Vampire Weekend), Morgan Henderson (Fleet Foxes), Richard Swift (The Shins), Amber Coffman (Dirty Projectors) y el también The Walkmen Paul Maroon. Incluso su mujer Anna Stumpf hace coros en la canción ‘I Don’t Need Anyone’. Y el resultado es un notable ejercicio de oscuro y elegante lirismo, con ese dark pop de cámara tan característico, para imaginar que la banda americana sigue viva y dispuesta a seguir regalándonos más extractos de B.S.O. vital, personal e intransferible. IGNASI TRAPERO

BON JOVI

New Jersey (Deluxe Edition) (UNIVERSAL) HARD ROCK

on ‘Livin’ On A Prayer’ y ‘You Give Love A Bad Name’ sonando hasta la saciedad en las radios de todo el mundo, Bon Jovi casi se convirtieron en la banda de rock más grande del planeta. No nos engañemos, nadie daba un duro por ellos y todo indicaba a que en unos pocos años serían tan sólo un recuerdo del pasado, pero llegó el momento de la reválida y Bon Jovi, lejos de repetir la fórmula millonaria de Slippery When Wet, se dejó llevar por sus orígenes de New Jersey, de ahí el título, editando un álbum que les alejaba casi por completo de cualquier

cosa relacionada con el hair metal, demostrando que la banda tenía muchos más recursos de los que nunca se le han reconocido tanto en el pasado, como en el presente y futuro. Es más, New Jersey fue el inicio de una trilogía, que completaba Keep The Faith y These Days, con la cual Jon Bon Jovi, Sambora y cía se ganaron la gloria eterna. A partir de ahí ya fue otro cantar. Los 25 años que han pasado desde su edición original juegan a favor de un disco que contenía un poco de todo. Desde irresistibles temas radio-friendly como ‘Born To Be My Baby’, una especie de ‘The River’ para estadios, a algunas de las mejores baladas/medio tiempos –irónicamente, uno de sus puntos flojos- que nunca grabaron como ‘Wild Is The Wind’ o ‘Stick To Your Guns’, o la inevitable influencia Springsteen, bien entendida, como escuchamos en ‘Blood On Blood’. Un disco de rock comercial prácticamente perfecto cuya reedición debería borrar de una vez por todas los prejuicios que siempre han acompañado a Bon Jovi. RICHARD ROYUELA

RIVAL SONS

Great Western Valkyrie (EARACHE) ROCK

uando hace unos años cayó en mis manos Pressure & Time, el segundo largo de Rival Sons, me encontré a una formación que tenía bien asentadas las bases para poder hacer algo interesante dentro de la superpoblada escena del rock clásico. No me resultaron tan geniales como Graveyard, pero sí más convincentes que unos The Answer que empezaban a perder fuelle. Su siguiente paso fue un Head Down en el que se mostraban más expansivos en su sonido pero irregulares en el resultado final. Ahora

con Great Western Valkyrie parece que han encontrado definitivamente su identidad y viendo que éste ha sido recibido con los brazos abiertos tanto por el público como por la prensa, no cabe duda de que están en un momento clave de su carrera. A lo largo de diez cortes vuelven a evidenciar lo bien que se mueven por el rock más cercano a Led Zeppelin (‘Electric Man’, ‘Open My Eyes’ o esa tremenda ‘Secret’) en su primera mitad. Mientras que en la segunda parte se zambullen de lleno en el misticismo, disfrazándose por momentos de unos The Doors más actuales (la incorporación de un teclista les ha terminado por dar un plus más que necesario), caso de ‘Good Things’ o la deliciosa ‘Belle Starr’, en las que Jay Buchanan muestra una seguridad pasmosa que le confirma como uno de los vocalistas más en forma de la actualidad. Así con todo, Rival Sons avanzan firmes hacia el futuro con uno de los discos rock de la temporada. GONZALO PUEBLA

SÓLSTAFIR Ótta

(SEASON OF MIST) POST ROCK, HARD ROCK

escubrí a Sólstafir con Svartir Sandar, su anterior obra de 2011. Dios mío, qué disco aquél… Un doble álbum desgarrador, precioso y muy difícil de explicar, donde se conjugaba perfectamente post rock con hard rock experimental. Una desatada orgía poética y bucólica. Su sello identifica su estilo como ‘Icelandic heathen metal’, y es posible que por ahí vayan los tiros, pues lo que este cuarteto consigue bebe directamente de su Islandia natal, de su relación con el mar, el entorno y su tierra.

Con piano y susurros abre su también guitarra Aðalbjörn Tryggvason su quinto trabajo a través de ‘Lágnætti’, aunque ésta despegue con rock desbocado, cuerda, brío y emoción en sus múltiples tramos y capas. Volcánicos y aislados como su propio país, no son Sólstafir una banda que se ponga demasiadas fronteras a la hora de componer genialidades oníricas como ‘Náttmál’ o acercamientos al pop bien entendido como ‘Dagmál’ o la inmensa ‘Miðdegi’. Bajo una ejecución aparentemente simple, el grupo consigue levantar catedrales de arena de estilo gótico. Cualquier persona con un mínimo de espiritualidad, tras escuchar el delicado y brillante viaje que es ‘Ótta’, no podrá hacer otra cosa que ponerse las manos a la cabeza, pues aunque este trabajo es diferente a Svartir Sandar, contiene suficientes elementos como para dejar con la boca abierta a cualquiera que se acerque por primera vez a este combo único. PAU NAVARRA

ET E RN A A I C N E C S E A DO L s La voz de los fenecido The Adverts, en un recorrido por la tión historia de la combus el espontánea que supuso punk en Gran Bretaña, de sobre sus acompañantes y gira The Adolescents una el hardcore, más alg abrir que otra perla para s. oídos y mentes obtusa o Fotos: DR Tex to: Ignacio Rey

TV SMITH

on las seis de la tarde y el calor golpea intensamente. Arde la calle al sol de poniente, Radio Futura dixit. Mientras The Adolescents realizan una prueba de sonido de alto voltaje, el carismático TV Smith y su reportero dicharachero favorito, nos refugiamos en una terraza de un bar para charlar durante una

hora del grupo que le hizo inmortal, The Adverts, las giras nostálgicas, discos en solitario, los Ramones, la influencia del glam en el punk, o su gusto por sonidos que no esperarías encontrar en su mente. Enjuto y de talante amable, parece recién salido de 1977, con unas arrugas de experiencia más en su cara. Por la noche, en la tarima, se transformará

en ese punk que lleva gritando a los ojos de Gary Gilmore y escandalizó a los semanarios musicales ingleses llenos de putrefacción. Un concierto enérgico de tres cuartos de hora para dar paso posterior a sus colegas californianos. La conversación se postergaría posteriormente, junto a una encantadora pareja de fans extranjeros que lo han seguido en esta por ahora

última gira europea. Todo un veterano que acarició el astro dorado y por su evolución sónica en The Adverts, le quemaron las alas como a Ícaro. Nada que le impidiera-impida seguir con una prolífica, notable carrera en solitario. No es un tipo que viva del pasado, sino que lo recupera en ocasiones especiales, como la de esta noche burgalesa, y en otras se dedica a dar recitales de sus discos solistas. Un tipo con clase.

drogas, fama o dinero, que es cuando las bandas se vuelven idiotas y hacen el ridículo. Bueno, recuerdo que estábamos ensayando en una sala a la que accedías por unas escaleras, y que compartíamos con otros grupos. En mitad de una canción abrieron la puerta. Aparecieron Robert Plan y Jimmy Page, nos escucharon. Tenían la mente abierta. De hecho, Led Zeppelin fueron al Roxy a ver a The Damned un par de ocasiones”.

¿Cómo fueron los inicios del grupo? “Tenía una banda en la escuela, y Gaye (Black) vino a verla. Quería formar parte. El grupo se disolvió. Le enseñé las canciones que había escrito. Nos mudamos a Londres en el verano de 1976, en plena explosión del punk, algo genial. The Damned, Sex Pistols, The Clash… Fuimos a un festival donde tocaron esas bandas. Ensayamos y creamos la banda”.

¿Notasteis la influencia del punk neoyorquino? Allí empezó todo. “Los Ramones fueron la gran influencia en la mayoría de las bandas inglesas. Desgraciadamente falleció hace poco su batería original. Tocaron los Ramones en el Roandhouse, una gran sala, en el 76. Nunca habíamos visto una banda tocar tan rápido, directos a tu cara. No es que nosotros hiciéramos ese tipo de música, pero nos marcó”.

¿Qué tal la relación con el resto de bandas de la escena? “Nos llevábamos todos bien, nos divertíamos. Tanto The Clash como los Pistols era de buen trato. No hablé mucho con Joe Strummer o Johnny Rotten, sólo en un par de ocasiones, y fueron agradables. Traté más con Steve Jones, Paul Cook y Glen Mattlock. Los Pistols eran buenos tipos. Con los Clash, había mucha amistad con Paul Simonon. Joe Strummer no se mezclaba mucho con la gente. Yo tampoco, así que está bien (risas)”.

¿Sabes que, cuando le pregunté a Neil Gaiman su banda favorita punk, os mencionó a vosotros? Dijo que tener una chica suponía un aliciente. “(Risas) Sí, hace no demasiado leí en uno de sus recitales”.

¿Hubo alguna historia Spinal Tap? “No recuerdo, la verdad… Todo trataba de un regreso a lo básico, sin bromas tontas. No había demasiadas

¿El que Gaye Black, siendo una mujer, formara parte del grupo, os causó problemas? “No, no para nosotros. Ella fue un icono increíble en el punk rock. Eso nos hizo más famosos, era la cara femenina del punk rock. Sí que hubo algunos problemas con gente. Pero Gay no deseaba ser un icono, ni un símbolo sexual, quería ser bajista. Quería que se la respetara como

músico, sin tener en cuenta ser mujer. El bajista a veces toca bien, otras no tanto… Paul Simonon no tocaba bien; Sid Vicious nada. Glenn Mattlock sí que era genial. La apreciación del público podía ser distinta. Tocamos dos años y todavía hablan de nosotros 40 años después”. Bueno, hay gente que asocia la banda con Gaye Black. Me parece injusto. “A mí también (risas). Para mí todo tenía que ver con las canciones y expresarme. Al ser una banda de cuatro personas, cada una pensaba en el grupo de cierta manera, igual que el público”. ¿Y en el grupo realmente no había envidia? “Un poco. El batería, Laurie (Muscat), no conectaba con el resto, era un tipo diferente a la banda. Enseguida buscamos reemplazarlo. No se llevaba bien con Gaye. Yo podía decir que tenía envidia, pero no lo dije. El batería sí lo soltó. En una gira en Irlanda le echamos, y la atmósfera fue a mejor”. Girasteis con Iggy Pop. Iggy en los 70 parecía descontrolado. “En esa gira no. Supongo que eso ocurría en los Stooges. La gira fue en 1976 ó 1977, no bebía ni se drogaba como antes. Había conseguido éxito con The Idiot y Lust For Life. Con los hermanos Sales hacía conciertos increíbles”. No se portó demasiado bien con los hermanos Asheton, ni siquiera con James Williamson. 101

“Los Pistols eran buenos tipos. Con los Clash, había mucha amistad con Paul Simonon. Joe Strummer no se mezclaba mucho con la gente. Yo tampoco, así que está bien”

“Es Iggy. Siempre ha sido así. Es muy difícil en la música la combinación… la química mágica que se da. Yo soy muy fan de los discos con Bowie. También me gusta Kill City”. ¿Crees que fuisteis la respuesta a los llamados dinosaurios de la época? Steve Jones decía que odiaba a esas bandas. Ahora en su programa de radio admite que le gustan hasta Journey. “¿Journey? Hmm… (Risas) El punk rock significaba un movimiento nuevo, un punto en que creíamos que lo anterior no valía nada. Desde luego que cualquier banda de música nos gustaba. Led Zeppelin eran una gran banda. Pink Floyd tenían un lado psicodélico increíble. Me gustaba Bowie, los primeros Roxy Music de Brian Eno están entre mis favoritos”. Hay una teoría que resalta que el punk es una secuela del glam rock. “Bien, hay gran parte de veracidad en esa teoría. Si piensas en el glam rock, o buen glam rock, piensas en canciones de tres minutos, una buena 102

imagen, buenas melodías. El punk rock poseía lo mismo, solo que con una actitud contra el negocio, cambiar las cosas. Era como glam rock con actitud. Lo que no me gustaba eran Journey o Emerson, Lake And Palmer. Actuaban frente a grandes audiencias y no les importaba, les importaba más lo buenos que eran. Tocaban para sí mismos”. ¿Y en lo referido a la prensa británica musical? Siempre ha sido muy crítica con todo, se creían superiores. “En ese tiempo, había algunos buenos escritores, pero no dejaban de ser una extensión de la industria musical. Los sellos promovían sus bandas, no había escritura de verdad, sino negocio. Ahora todo se basa en el negocio”. Firmasteis con Stiff Records y luego os fuisteis. “La gente de Stiff Records fue al Roxy, el primer club punk en Inglaterra. Abrieron en enero del 76. Tocábamos cada semana. Dave (Vanian) de los Damned les comentó que debían ir a vernos. Nos dijeron si queríamos sacar un single, y respondimos ‘joder, claro’ (risas). Hicimos el single, lo sacamos, y luego nuestro mánager prefirió que nos

metiéramos en un sello más grande”. Las revistas criticaron ese single, ‘One Chord Wonders’. “No tocábamos bien, eso no es lo importante. Era nuestro primer single. No sonaba perfecto, como Journey. Sólo como un grupo de tipos que querían tocar. La prensa no nos entendía. Como has dicho, se creían estrellas. Si no les gustaba una banda, la destrozaban. Nuestra primera reseña fue muy mala. Querían cambiar la mente del público”. Hicisteis sesiones con John Peel. “No estuvo en las sesiones”. No es la primera vez que oigo eso. “Ya (risas). Sí que vino a los conciertos. Era muy modesto, humilde. Amaba la música. Si le gustaba la música, la ponía. Tenías la oportunidad de sonar en la radio, el único espacio posible. Eso ya no pasa con las nuevas bandas. Si no suenas en la radio, cómo llegas a la gente. En internet hay tantas bandas e información que resulta imposible. En cambio, entonces, sonaba ese programa tres veces por semana y la gente lo escuchaba”. El segundo single, ‘Gary Gilmore’s Eye’, a pesar del éxito que os reportó, también

recibió acusaciones por mencionar a un asesino. “Era una sátira de cómo la historia fue contada en los diarios. En todos los diarios lo cubrieron de forma amarillista. Muy estúpido. Decidió, en el corredor de la mente, que prefería ceder sus ojos como transplantes. La idea vino de ahí. No tenía un final de canción, y la terminé con dos líneas curiosas. La grabamos en un día en el estudio, con el mismo productor que ‘One Chord Wonders’, Larry Wallis de The Pink Fairies. Y luego fuimos a un gran sello y grabamos un buen disco”. Vuestro debut Crossing The Red Sea With The Adverts… “Fue una grabación fantástica. Ver cómo esas canciones quedaban grabadas por fin... Tuvimos mucha suerte, lo grabamos en los estudios Abbey Road en dos semanas, muy rápido. Grabar en el mismo estudio que los Beatles, que transformaron todo... Lo produjo perfectamente John Leckie. Grabamos justo lo que deseábamos que fuera nuestro primer disco. No tocaría nada de su sonido o interpretación, ni siquiera ahora”. Y aparecisteis en Top Of The Pops. “Bueno… es un programa con el que crecimos. Todos lo veíamos para enterarnos de la música del momento. Era increíble estar en el programa. Desde luego, después era una mierda. No podías tocar, sino hacer mímica, play-back. Nos pusieron delante un grupo de crías adolescentes… No estaban preparados para una banda punk. De hecho, quien nos introdujo se reía de nosotros. La semana siguiente nuestro disco bajó en las listas, cuando siempre pasaba lo contrario,

en teoría. Lo bueno del programa es que, aunque fuera una mierda, todos salían allí. Bowie con ‘Starman’, Mick Ronson… Surgió algo de repente, el punk, y los chavales lo vieron”. Para mí Mick Ronson merece el mismo mérito que Bowie en los discos que grabaron juntos. Los arreglos que creaba, sus partes de guitarra… son de otro mundo. “Mick Ronson es brillante. Mick Ronson es una parte muy importante en Ziggy Stardust. Bowie lo usó, como a tantos otros. Bowie siempre ha sido así, copiando y grabando grandes álbumes”. El siguiente disco, Cast Of Thousands, es muy diferente. “Nos sentimos felices con el disco primero, y queríamos otro diferente. Tratar de explorar, qué podemos crear. No me veía siguiendo el mismo tipo de punk, en plan grrrrr... Preferíamos distintos instrumentos, arreglos”. ¿Qué te parece la idea de que el hardcore jodió al punk? Exene Cervenka, Penelope Houston, creen que lo hicieron todo menos libre. “Yo no culpo a las bandas, critico al público. No me gustaba esa actitud. Ahora tengo mucho respeto por esas bandas. Henry Rollins ha dicho que The Adverts son uno de sus grupos favoritos. Incluso The Adolescents se basaron en alguna canción. Estos años hay un nuevo movimiento hardcore en América y mencionan a The Adverts (risas)”.

perdimos la audiencia, nos echaron de la discográfica… Y también quería moverme y crear. No podía suceder con The Adverts, el guitarrista se fue”. ¿Qué relación tenéis ahora? “Gaye y yo seguimos juntos. El guitarrista, Howard Pickup, murió hace diez o quince años. Desde que dejó la banda no volvimos a hablar. Con Rod, el batería, tuvimos roces. Lo solucionamos y nos comunicamos por Facebook, esas cosas”. ¿Habrá un regreso? “No, nunca. Prefiero tocar con bandas de veinteañeros que sienten la música. La historia de The Adverts está acabada. No me gustan esas bandas que pretenden continuar y sólo hay un par de miembros, o uno de la formación original. Es repetirse. El guitarrista murió, Gaye dejó de tocar el bajo y se dedicó al arte. Prefiero tocar este tipo de conciertos y combinarlos con sacar nuevos discos. Yo toco esto porque me encantan estas canciones, pero hago conciertos tocando mis canciones. Si sólo tocara música de The Adverts, me sentiría muerto interiormente. Mira los Rolling Stones en su actual gira, le dan a la audiencia lo que quiere, sin conexión en un estadio gigante. Ni siquiera viajan juntos. Bueno, los Ramones tampoco, aunque eran una excepción. Me llevaba muy bien con Joey. Volviendo a lo de los Stones o este tipo de bandas, ya no se arriesgan. Mick Jagger sacó un disco en solitario este milenio y lo compraron diez personas (risas)”.

¿Por qué os separasteis? “El disco no vendió. Sin éxito 103

THE HAUNTED

HERIDAS CERRADAS

Obligados a reestructurarse tras la salida de tres de sus componentes, The Haunted se encontraron en la encrucijada más trascendental de su carrera. Pero la vuelta de dos viejos conocidos les ha permitido abrir una nueva etapa con Exit Wounds. Texto: Jordi Meya Fotos: DR

as malas noticias nunca vienen solas, y cuando el vocalista Peter Dolving anunció en febrero de 2012 que abandonaba The Haunted definitivamente (ya había hecho una primera espantada entre 1998 y 2003), provocó un efecto dominó dentro de la banda sueca que resultó en la marcha del guitarrista Anders Bjöler y el batería Per Möller Jensen ese mismo octubre. El reto para los dos miembros fundadores Patrik 104

Jensen (guitarra) y Jonas Bjöler (bajo) era mayúsculo, pero tras discutirlo ambos llegaron a la conclusión de que no estaban dispuestos a tirar por la borda veinte años de carrera dedicados al metal. Para superarlo los dos supervivientes decidieron recuperar al cantante Marco Ora, quien ya había grabado su segundo y tercer disco, al batería original Adrian Erlandsson, con quien Jonas también comparte formación en At The Gates y que sigue militando en Paradise Lost,

y a Ola Englund, exguitarrista de Six Feet Under. Para terminar de crear un entorno favorable, volvieron a recurrir al productor Tue Madsen, con quien habían grabado sus tres últimos discos, para hacerse cargo de los mandos. En enero publicaban el single ‘Eye Of The Storm’ para dejar claro que el grupo seguía en activo y ahora acaban de lanzar su octavo álbum Exit Wounds (Century Media), en el que despliegan un buen equilibrio entre un metal thrashero de la vieja escuela

con sonoridades más modernas. Pese a todo a lo ocurrido, Patrik Jensen se siente todavía con energía suficiente para defender que The Haunted no han perdido su esencia. Este disco llega después de muchos cambios en el grupo. Cuando lo escuchas, ¿te queda un buen sabor de boca o te sabe un poco agridulce dadas las circunstancias? PATRIK JENSEN “La verdad es que tengo muy buenas sensaciones. Lo frustrante es que una banda no funcione, pero escuchar un nuevo disco terminado significa que hemos superado los obstáculos, así que para mí es como una victoria, un hito. Significa que estamos de nuevo en marcha”. ¿Empezasteis a componer el nuevo álbum con la antigua formación o una vez ya estaba la nueva asentada? “Quizá utilizamos algunas ideas antiguas porque Jonas y yo siempre vamos grabando riffs en nuestro ordenador, pero la gran mayoría se compuso una vez ya estaba la nueva formación completa”. ¿Te importa si hablamos un poco de los cambios? ¿Cómo te tomaste que Pete Dolving dejara de nuevo el grupo y luego fueran Anders Bjöler y Per Möller Jensen quienes lo hicieran? “Hemos sido músicos profesionales durante 15 años y hemos visto el declive del negocio musical. Cada vez es más y más difícil sobrevivir haciendo sólo música, y eso puso mucha presión en el grupo. Cada uno

de nosotros quería probar a hacer algo nuevo, teníamos diferentes ideas. Nunca discutimos porque nos teníamos mucho respeto como músicos, pero llegamos a un punto en que lo que queríamos hacer no era compatible con el resto. ¿Has escuchado el disco en solitario de Anders? Es todo instrumental, muy ambiental, muy limpio. Eso es lo que le gusta y llevaba muchos años queriendo hacer eso. Pero Jonas y yo siempre hemos querido hacer metal. Y por eso los dos todavía nos sentimos cómodos estando en The Haunted”. Cuando estalló todo, ¿os planteasteis disolver definitivamente el grupo? “Fue un shock. Pete lo dejó en febrero y nos pusimos a buscar cantante nuevo. En verano pedimos a la gente que nos mandara una grabación o un vídeo cantando algunos temas antiguos. Mientras estábamos en ello Anders y Per lo dejaron, y de inmediato Jonas y yo hablamos sobre lo que íbamos a hacer. Podríamos haberlo dejado, pero decidimos tirar adelante”. ¿Cuándo se involucró Marco? Obviamente no era la primera opción... ¿Temíais que no estuviera en forma o que no quisiera comprometerse? “Las circunstancias por las que Marco lo dejó la primera vez han cambiado. Tenía tres hijos, mientras que el resto no. A nosotros no nos importaba estar siempre de gira, pero para él era muy duro dejar a su mujer y sus hijos. Lo dejó por eso. Y además, también tenía problemas con el alcohol y las drogas y necesitaba alejarse de todo esto. A nivel personal fue bueno para

“Jonas y yo siempre hemos querido hacer metal, Y por eso los dos todavía nos sentimos cómodos estando en The Haunted” PATRIK JENSEN

él dejar el grupo y reconstruir su vida. Han pasado diez años y ahora ha madurado mucho. Está totalmente comprometido, no creo que lo vuelva a dejar. Y además, creo que canta mucho mejor que antes. No sé si has hablado alguna vez con él pero es un tipo muy divertido, es una buena persona para tener en una banda. Así que todo eso hizo que quisiéramos recuperarlo”. Teniendo en cuenta lo que dices de cómo está el negocio, ahora hay que girar incluso más que antes. ¿No supondrá eso un problema para Marco? Y además, Adrian está con Paradise Lost y también en At The Gates con Jonas. “Bueno, es evidente que con todo el tema digital nuestra fuente de ingresos por venta de discos casi ha desaparecido. La parte buena es que la gente tiene acceso gratis a la música, lo cual está bien, yo también soy usuario de Spotify, pero es mentira que eso lleve más gente a los conciertos. Hay tantos grupos girando al mismo tiempo que todo queda diluido y también hace que los grupos cobren menos dinero. Girar nueve o diez meses al año es muy duro, es como ser un marinero en el siglo XIX, y ya no queremos eso. Yo trabajo como asesor informático y Jonas como contable, así que sólo haremos 105

“Si lo único que quisiéramos fuera ser extremos, lo que haríamos es tocar cada vez más rápido o cada vez más lento, pero eso no es lo que hacemos” PATRIK JENSEN festivales o giras cortas. Me sabe muy mal decirlo porque me encantaría poder vivir de la música, pero no es posible hoy en día. Necesito pagar el alquiler y comer. Por eso hemos tenido que cambiar de chip y eso también nos da libertad para que cada uno haga otras cosas por su cuenta”. También ocurre que hay tantos grupos que cuando ya has visto a uno cuatro o cinco veces, priorizas ver a otro que no hayas visto nunca. Igual si cuesta más veros, la gente tendrá más ganas de hacerlo. “Exacto. Por eso queremos que la gente sepa que si tocamos en tu ciudad es mejor que vengas a vernos porque va a ser algo mucho más esporádico que antes. Aprovecha la oportunidad porque puede pasar mucho tiempo hasta que vuelva a ocurrir”. El primer concierto con la nueva formación lo disteis en el crucero 70.000 Tons Of Metal. Como músico, ¿cómo se vive una experiencia como ésta? “Es algo muy raro. Todo el barco es como un hotel de lujo. Hacen eventos de todo tipo, para gente jubilada, de moda… así que está muy cuidado. El ticket más barato cuesta 1.000 106

dólares, y eso te da derecho a una cama en un camarote de cuatro camas, así que vas a compartirlo con gente que no conoces. Si quieres compartirlo con cuatro amigos tuyos, entonces cada uno tiene que pagar 2.000 dólares. Y eso son los peores camarotes, sin ventana. ¿Cuánta gente puede pagar eso? Y además, tienes que pagarte el vuelo a Miami. Así que lo que ocurre es que hay mucha gente de la industria, gente de festivales que va a ver grupos. Pero para nosotros fue bueno porque nos vio esa gente que contrata los festivales para el año siguiente, con lo cual pudo comprobar que la nueva formación funcionaba igual de bien. Gracias a eso pudimos conseguir tocar en varios festivales este verano. Pero aparte de eso, el crucero también fue genial porque el tiempo era fantástico, y la comida y la bebida también (risas). Te ibas a ver a Carcass y luego a Obituary con una puesta de sol preciosa. ¡No hay nada de lo que quejarse!”. En cuanto al álbum parece una mezcla entre algunas partes old school con otras más experimentales. “Para mí lo que hicimos Jonas y yo en el pasado es genial. En cierta manera, con Marco sentimos que hemos vuelto a lo que hicimos en el segundo y el tercer disco. Pero al mismo tiempo tenemos a nuevos miembros que aportan cosas nuevas. Sería imposible para mí estar en The Haunted y no tener presente el concepto de la banda. Cuando escribo riffs pienso en The Haunted, así que es muy difícil que no sonemos a nosotros”. Cuando salisteis se os veía como a una banda situada en

el extremo del metal, pero en estos años han salido bandas mucho más duras. ¿Dónde crees que encaja The Haunted en la actualidad? “No creo que cuando sacamos el primer disco pensáramos que éramos una banda extrema. Teníamos riffs thrash pero también mucho groove con partes lentas. En todo caso sí somos una banda thrash, soy un gran fan de Dark Angel y ellos ya tocaban más rápido que nosotros en los 80. Si lo único que quisiéramos fuera ser extremos, lo que haríamos es tocar cada vez más rápido o cada vez más lento, pero eso no es lo que hacemos. No creo que ser extremo sea un buen objetivo”. Hablando de thrash, Chuck Billy de Testament canta en ‘Trend Killer’. ¿Cómo surgió la colaboración? “Creo que Chuck tiene una de las voces más increíbles de la historia. La primera gira americana que hicimos fue en 1999 abriendo para Testament en la gira de The Gathering. Tenemos muy buenos recuerdos. Por ejemplo, cuando tocamos en Tucson, Arizona, Dave Lombardo de Slayer salió a tocar ‘Raining Blood’ con nosotros y la gente se volvió totalmente loca. Toda esa gira fue genial. Chuck y todos los de Testament son muy buena gente. Siempre vienen a vernos cuando tocamos en la Bay Area. Tenerle cantando en nuestro disco fue un sueño hecho realidad. Nos sentimos como niños pequeños a los que les dan el regalo que esperan en Navidad”.

ESPECIAL FOTO

VANS MUSIC TOUR

BAD RELIGION + AGAINST ME! Aunque ya han pasado un par de meses desde el último Vans Music Tour, todavía seguimos esbozando una sonrisa cada vez que recordamos los dos magníficos conciertos que pudimos vivir en Madrid y Barcelona. Bad Religion repasaron con honores su magnífico catálogo de himnos punk rock y Against Me! derrocharon actitud y energía. Si también tú quieres sonreír, aquí te recordamos la gira en imágenes. fotos: Rubén Navarro, Salva Valverde

¿Es oro todo lo que reluce?

LOVE OF LESBIAN

La suya es una de las historias de éxito más contundentes que se han visto en mucho tiempo por estos lares. De ser una pequeña banda de indie cantando en inglés a una multitudinaria que todos los festivales quieren tener en su cartelera. ¿Es verdad aquel dicho que dice ‘cuidado con lo que sueñas porque se puede cumplir’? Reflexionamos junto a su vocalista Santi Balmes sobre su insólito viaje. Texto: Richard Royuela Fotos: DR 114

upongo que a más de un lector le estÁ sorprendiendo leer un artículo de Love Of Lesbian en las páginas de RockZone. Es más, a nosotros también nos sorprende estar publicándolo, pero al

mismo tiempo, era una asignatura pendiente que siempre parecíamos tener que aprobar en un momento u otro. Es obvio que, si nos ceñimos a lo estrictamente musical, no somos los mayores admiradores de la banda procedente de Sant Vicenç Dels Horts –una ciudad mediana ubicada muy cerca de Barcelona-, pero siempre hemos mantenido una relación más que cordial con sus componentes, que se remonta a los lejanos tiempos en que cantaban en inglés y que con su gira como teloneros de The Cure en el año 2000 parecía que habían llegado al cenit de su carrera. Poco podían imaginar –ni ellos ni nosotros- lo que iban a cambiar las cosas durante los siguientes años del recién estrenado siglo. Y es que, a día de hoy, ellos son nuestro mainstream. Esa maldita palabra que parece tener mucho de peyorativo pero que, al fin y al cabo, es el estatus que le gustaría alcanzar al 99% de los músicos que se dedican a esto. A Love Of Lesbian les han ido aumentando los palos y las críticas a medida que su público no paraba de crecer, y aunque han tenido sus salidas de tono –y no nos referimos a su polémico anuncio para una conocida cerveza-, no es fácil cargarse a un grupo con 15 años de carrera y que tardó más de media década en oler algo que tuviese un mínimo de relación con el éxito, después de haberse chupado incontables kilómetros para tocar delante de cuatro gatos. Como muy bien nos comenta su vocalista Santi Balmes, nada de esto estaba planeado y cuando editaron su cuarto álbum, y primero

“Estar en una banda es un poco entrar en un grupo terrorista. Una vez todos los componentes del grupo deciden dejar sus trabajos y meterse en la aventura, no sabes cómo puedes acabar” Santi Balmes en castellano, Maniobras De Escapismo, en 2005, éste tenía más una intención de testamento que de intentar relanzar una carrera que parecía no ir a ningún sitio. “Nunca pensamos que pasaría nada de esto. Nosotros hicimos el disco en castellano a modo de despedida. Maniobras De Escapismo fue nuestra forma de decir adiós y dar por finiquitada a la banda. Estábamos también cansados de hacer discos y que no se nos hiciera caso, mientras veíamos cómo una serie de bandas parecían tener la constante aprobación de ciertos sectores de la prensa... No éramos los niños mimados de nadie. Éramos un grupo más y gracias, nadie quería apostar por nosotros y en cierta manera, nos vimos forzados a crear nuestro propio público. En esas circunstancias tienes que sacar lo mejor de ti mismo porque estas desprotegido y sabes que nadie te va a ayudar. Quizás fue esa actitud la que nos hizo resurgir en un momento en que el fin parecía estar más que cerca”. Ahí tenemos a Santi Balmes sentado delante nuestro en el interior de una furgoneta de la marca de agua Perrier, para la cual ejerce de

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“Si llega el momento en que te conviertes en una fotocopia tuya será el momento de desaparecer, por duro que sea. A mí los mitos de las desapariciones siempre me han gustado mucho” Santi Balmes

embajador, como si las cosas no hubiesen cambiado excesivamente desde aquellos días. Pero lo han hecho. Y mucho. Sin tener que ceñir la entrevista a la salida de un disco en concreto, con lo que esto supone, es buen momento para charlar sobre cuál es su relación con la magnitud que ha tomado Love Of Lesbian.

e guste o no, Santi Balmes es una de las estrellas máximas de la música estatal actual y probablemente disfruta más de ese estatus de lo que a él mismo le gusta reconocer. Santi es un tío con carisma, sabe que puede jugar a ser el mejor encantador de serpientes, y alguien con esas premisas tiene que disfrutar siendo una estrella del rock, aunque sea a su manera. Aun así jugar ese papel no debe de ser fácil del todo, especialmente en un país donde no hay muchos referentes si de rockstars hablamos, y donde hay que tirar bastante la vista atrás para encontrar aquella generación de Loquillos o Bunburys que crearon un start system inédito por aquí hasta ese momento. “Lo llevo de una manera

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extraña”, dice sobre su relación con la fama. “Te haces muchas preguntas y llegas a muchas conclusiones. Si has llegado a este punto es porque has sabido conectar con la gente. Y has conectado porque explicabas una serie de circunstancias o situaciones que tú vivías y con las cuales la gente se identificaba. Y ahora resulta que todo eso ya no lo vives, has pasado a una nueva vida y has de buscar tus recursos para seguir conectando con la de antes, porque a veces el mundo donde tú estás es muy cerrado y no refleja la realidad a la que antes cantabas”. Aunque uno no pueda ponerse en su piel y entender del todo a lo que se refiere, está claro que detectar el problema debe de ser el primer paso para arreglarlo. Ya no hay vuelta atrás en lo que ha conseguido con Love Of Lesbian, así que mejor asumir las circunstancias –circunstancias que a más de uno le gustaría tener- y agarrarte a esas cosas que hacen que seas un mortal más, independientemente de lo que hagas o de la cantidad de gente que te conozca. “Ayuda que tengas en casa dos hijos y una mujer. Mi mujer decidió seguir trabajando y eso creo

que es bueno para que la pareja, y la familia, pueda seguir manteniendo su identidad original. Notas que las cosas han cambiado cuando quedas con tus amigos un sábado por la mañana y ves que lo que ellos cuentan ya no tiene nada que ver con lo que tú eres ahora. Es una vida como más cuadrada, que era la que yo viví en su momento y mi manera de escapar de aquello era haciendo música. Lo irónico de todo eso es que lo que antes era mi evasión se ha convertido ahora en mi rutina. Da un poco de vértigo. Pero después de todo no me puedo quejar, ya que soy un privilegiado porque apenas nadie puede vivir de la música en este país”. Efectivamente, por desgracia es un privilegio vivir de la música en este país, especialmente si te mueves en el ámbito del pop o el rock en cualquiera de sus variantes. Y eso es un sueño que junto a Santi Balmes también han alcanzado los tres compañeros que iniciaron la andadura junto a él, Jordi Roig (guitarra), Joan Ramón Planell (bajo) y Oriol Bonet (batería), a los cuales se les uniría un poco más adelante

Julian Saldarriaga (guitarra y voz), y que demuestran que Love Of Lesbian van mucho más allá de su cantante, que es la imagen con la que se suele relacionar a la banda. “Me siento muy orgulloso de que seamos los mismos desde el principio”, corrobora el propio Balmes. “No somos los mejores músicos del mundo, tampoco necesitamos serlo, pero tenemos la esencia para hacer que esto funcione. Somos amigos antes que músicos y esa relación siempre ha jugado un papel determinante en el funcionamiento de esta banda”. No únicamente es esa relación personal la que ha hecho que el grupo haya seguido adelante cuando eran una banda pequeña nadando en la indiferencia, o que hayan sabido gestionar un éxito para el que nadie está preparado del todo; también los timings han tenido mucho que ver. El tópico dice que es casi mejor que el éxito te llegue cuando las cabezas están algo más amuebladas, hayas tenido que luchar por ello y que no todo se reduzca al sexo, drogas y rock’n’roll, una trinidad que no por tópica deja de ser real en el mundo de la farándula. “Eso es totalmente cierto”, ratifica Santi. “El inicio del éxito bestial del grupo, que fue cuando se editó 1999, coincidió en muchos casos con paternidades dentro del grupo, y eso te hace ver las cosas con bastante perspectiva. Te vas un fin de semana a tocar para miles de personas, vives tus momentos de rock’n’roll, y resulta que cuando llegas a casa hay alguien esperándote para que le cambies los pañales. Te quedas con cara de tonto como diciendo ‘¿Qué coño pasa aquí?’ (Risas). Es una bofetada de realidad, pero aunque cueste un poco

adaptarse, es una realidad que al final acabas agradeciendo”. Una de las cosas que conlleva el éxito es el odio, las críticas y las envidias. Mientras la adulación crece por un lado –lado importante ya que es el público el que paga las entradas, las camisetas y los discos-, por otro hay un amplio sector de gente que encuentra cualquier motivo para maldecirte. Algunos de estos ataques pueden ser discutibles o tener cierta base de razón –no sólo respecto a ellos, sino de cualquier banda grande-, pero lo que no se le puede echar en cara a Love Of Lesbian es de ser flor de un día y de que el éxito les haya llegado de la nada. Los que sabíamos de la existencia del grupo desde los primeros días, éramos conscientes de que poco les importaba tener que hacer cientos de kilómetros, comer bocadillos en cualquier deprimente área de servicio, simplemente para tocar delante de 30 personas… en un buen día. No es que eso les haga especiales -al fin y al cabo, es la historia de muchas formaciones-, pero nunca hay que olvidar que antes de los cachés con bastantes ceros en los festivales o de las ofertas publicitarias, también hubo números rojos, discos editados con poca repercusión o levantarse el lunes para ir a trabajar con pocas horas de sueño y el cuerpo dolorido por la incomodidad de la furgoneta. ¿Hasta qué punto le molestan a Santi esas críticas sin tener en cuenta lo que la banda lleva a sus espaldas? “Intento no personalizarlo ni tomarla contra nadie, aunque a veces te den ganas. Ahora con el 2.0 todo tu pasado da igual. Antes, cuando éramos chavales, cogías una revista como podía ser Popular 1 y

ahí leías sobre la historia de un grupo y eso te calaba. Ahora no. El pasado no existe. Da igual lo grandioso que pueda ser tu pasado o lo que hayas hecho, que a nadie parece importarle. Es como una sociedad con alzhéimer, pero al revés. Alguien que tiene alzhéimer se acuerda de su infancia pero no de lo que ha hecho hace dos días, pues las cosas ahora funcionan así, pero dándole la vuelta. La historia de la banda le interesa a cuatro fans de verdad. Para el resto somos tan sólo el último disco y el último concierto. No hay más, y es mejor tenerlo claro porque las cosas funcionan así. Ya no sólo en la música, sino en cualquier aspecto de la sociedad”. Y esa actitud del sólo valer lo que eres en el momento actual, ¿cómo se encaja desde el punto de vista de un músico? “Te crea una angustia, no te voy a engañar. No me atrevo a decir que nuestra base de fans puede durar diez años más. Cuando ves a gente de 20 años en la primera fila de los conciertos sí que piensas ‘mira, esto puedo tener futuro al menos diez años más’, pero es que al fin y al cabo tampoco sabes cómo evolucionarás tú como banda de aquí a unos años. Antes los grupos que habían tenido éxito parecían poder vivir una temporada de inercia que les permitía seguir arriba, pero ahora no lo veo tan claro. Siento ser pesimista, pero me engañaría si pienso que de aquí a una década todo seguirá siendo igual”.

l éxito, como cualquiera de las cosas buenas de la vida, tiene su lado oscuro. Tenerlo significa poder perderlo, y si debe ser duro para un grupo ir viendo la indiferencia 117

“Los comentarios más crueles que se han hecho sobre una canción nuestra han sido en el local de ensayo” Santi Balmes

de un público que hasta hace poco te adulaba, seguramente aún lo es más adaptarse de nuevo a una vida convencional. Volver a sacar cabeza en el mundo real no debe ser una situación nada fácil... ¿Teme Santi volver a ese mundo? ¿Se ve trabajando en una fábrica si las circunstancias lo requieren? “Eso es imposible”, suelta con convicción. “Siempre me acuerdo de un reportaje que vi sobre la ETA donde uno de sus miembros comentaba que una vez entras allí, desaparece el futuro porque puedes acabar detenido, muerto o vete tú a saber cómo. Pues estar en una banda es un poco entrar en un grupo terrorista. Una vez todos los componentes del grupo deciden dejar sus trabajos y meterse en la aventura, no sabes cómo puedes acabar. Yo lo que me pregunto es hasta cuándo podré mantener mi honestidad y si seré capaz de detectar mi decadencia como artista. A veces tienes un librillo para hacer 118

las cosas y te crees que lo puedes hacer bien siempre, pero…”. Ese ‘pero’ nos lleva a un punto realmente interesante en la vida de un grupo. ¿Cuántas veces nos hemos llevado las manos a la cabeza viendo cómo alguno de nuestros artistas favoritos hacían un bodrio injustificable? ¿No os habéis preguntado si es que las bandas no tienen a una persona de confianza que les pueda decir la porquería que están haciendo? ¿Son los músicos tan vanidosos que no se les puede decir que lo que están creando es impresentable? La respuesta, a continuación. “Hay un poco de todo eso”, se sincera el cantante. “Suerte que somos muy autocríticos, porque si no podría ser un desastre. Los comentarios más crueles que se han hecho sobre una canción nuestra han sido en el local de ensayo. He llegado a escuchar auténticas barbaridades. Pero aun así, existe la preocupación de perder la realidad, por eso has de mantener

un nexo con tus amigos de toda la vida. Pero a estos también les pasa que como ven que has llegado tan alto, se censuran en decir cosas, porque creen que su opinión no debe de ser válida, cuando es todo lo contrario. Creo que no hemos llegado a eso, pero puede pasar, y si llega el momento en que te conviertes en una fotocopia tuya será el momento de desaparecer, por duro que sea. A mí los mitos de las desapariciones siempre me han gustado mucho (risas)”. La libertad creativa también, a esas alturas, debe de ser un tema complicado. Un autor se supone que siempre debe de tirar hacia donde le indica el corazón, pero cuando uno ha conseguido finalmente llegar a un público multitudinario que quiere unas cosas muy concretas del grupo, no resulta sencillo olvidar que ahí afuera hay un montón de gente esperando tus nuevas canciones y que quizá es mejor satisfacerles si quieres que

esto siga adelante. Incluso aunque a lo mejor no sea lo que te puede apetecer hacer en ese momento... “Sí, eso puede pasar, pero ante la duda tienes que seguir tu propio instinto, aunque pueda suponer un paso atrás respecto a la carrera comercial de la banda. Si sigo haciendo esto es porque me siento cómodo. De momento no he tenido la necesidad de hacer algo que rompa radicalmente con la banda, pero si llegara el momento, creo que lo haría. Tenemos la suerte de que somos un grupo versátil, que no hemos de estar ceñidos a un ejercicio de estilo como le puede pasar a otras bandas. Al final también un fan puede renegar de algo que haces en el momento, pero con la perspectiva se puede entender una evolución y por qué has hecho ciertas cosas en ciertos momentos”.

n esta coyuntura que estamos viviendo de una crisis sin retorno dentro del sector de la música, donde los ingresos por ventas de discos son mínimos, unida a una crisis en general, que obliga a mucha gente a tener que destinar el dinero del ocio a cosas mucho más elementales como comer o pagar el alquiler, hasta una banda como Love Of Lesbian tiene que buscar otros recursos para poder mantener una estructura, que ya va más allá de los propios componentes de la banda. Llegados a este punto la palabra mágica es publicidad, sponsoring o llámenle como ustedes crean conveniente. Algo que parece que por aquí no se acaba de entender de todo, mientras fuera vemos cómo nombres sagrados como Iggy Pop o estrellas actuales como The Black Keys lo hacen sin problema, con muy pocas

críticas y seguramente, sin ningún dilema moral interno. El dinero forma parte del juego de la vida, nos guste o no. Llega el momento de hablar del famoso anuncio de cerveza del verano de 2013. Una acción muy poco censurable de fondo y mucho más criticable por la forma, ya que todos estaremos de acuerdo en que el anuncio tenía poco por donde salvarse. “Ése ha sido el momento más crucial que hemos tenido como banda”, reconoce Balmes. “Recuerdo estar ocho horas discutiendo en un aeropuerto de México, esperando un vuelo que se había retrasado hasta el infinito. Había posturas de todo tipo. Lo más curioso era que ninguno de nosotros lo quería hacer como individuos, pero Love Of Lesbian como banda sí. Fue una situación muy rara que nunca habíamos experimentado”. La decisión final ya la conocemos todos, pero aun así no fue fácil para el grupo llevarla a cabo o afrontarla. “A la gente le cuesta entender que hacer un anuncio así te da un año de libertad para crear. Lo acabas aceptando. Miras para otro lado hasta que pase todo el temporal y luego sigues con tu vida. Acabas alucinando hasta dónde eres capaz de llegar para autojustificarte. Yo fui capaz de llegar hasta el Renacimiento y pensar que Miguel Ángel estaba esponsorizado por la empresa más grande de aquel momento, que era la Iglesia. Hay un sentido de la integridad mal entendido. En un país como España, donde pocas bandas pueden vivir de la música, hay esta mala conciencia de hacer cosas corporativas. Parece que mole estar puteado. Otra cosa ya es la estética o el significado que pueda tener un anuncio o una campaña publicitaria, que se escapa

bastante del control de la banda. La verdad es que parecíamos Flavio Briatore rodeado de todas aquellas tías buenas, pero se hizo, aguantamos el temporal y a por otra cosa. Estoy convencido de que la mayoría de grupos en nuestra situación hubiesen hecho exactamente lo mismo”. Y eso inevitablemente nos lleva al inicio de la conversación. Llegar a un estatus de popularidad al alcance de muy pocos y que te conduce a una serie de situaciones que, por atípicas, son difíciles de gestionar. “Es verdad, pero volvemos a lo mismo, que todo pasa rápido y que nada importa. Y eso también lo valoramos al tomar la decisión de hacer el anuncio. Pensamos en varias cosas a la hora de hacerlo. Una que éramos un grupo con una trayectoria y que nadie nos podía acusar de ser las marionetas de una marca para promocionarse. Otra fue el dinero, algo que nunca negamos que jugaba un papel fundamental. Y la tercera es que todo se olvida, y hay que aguantar la tormenta unos días y luego ya está. Mira los políticos. Aguantan el temporal unos días cuando han hecho alguna de las suyas y luego da la impresión de que eso se ha olvidado. Al final dijimos ‘a la mierda, que digan lo que quieran, porque seguro que todos ésos que nos critican lo hubiesen hecho’. Al final no vas a ser el único gilipollas que dirá que no si te ponen un pastón encima de la mesa. Al fin y al cabo, era una marca de cerveza. Si quieres llegar a final de mes te ves forzado a hacer cosas así. Lo crean o no”. Se abre el debate para quien quiera.

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HELLTRIP

“It’s a long way to the top if you wanna rock’n’roll” cantaban AC/DC, y los asturianos Helltrip bien lo saben. Después de un periodo de incertidumbre vuelven con Extinción y las mismas ganas de comer carretera. Texto: Jordi Meya Foto: DR

n 2010, al poco de sacar su disco anterior, Animal, Helltrip se encontraron con un obstáculo que no tenían previsto en su agenda: Lolo, su anterior guitarrista, dejaba el grupo a punto de empezar la gira de presentación. Pero fichando a Kike Sanchís, el que entonces era su técnico de sonido, para hacerse cargo de las seis cuerdas, la banda de Mieres cumplió sus compromisos y también actuó en Radio 3 y algún festival. Superado el trance, llegaba la hora de ponerse a componer nuevo material y el grupo, que sigue formado por Guzmán Cancedo (voz, guitarra), David Tocado (voz, bajo) y Javier González (batería), admite que necesitó un tiempo de adaptación para que el estilo del nuevo miembro encajara con el del resto. Con ya todo en orden, Helltrip todavía tuvieron que esperar un poco más para

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poder grabar su cuarto disco ya que el dueño del estudio donde graban siempre andaba ocupado en otros proyectos musicales. Pero si lo bueno se hace esperar, Extinción (Clifford Records) demuestra que a pesar de las turbulencias, su rock de alto octanaje no se ha resentido para nada.

nando muy a vosotros. “Claro, al final los temas hasta ahora de todos los discos estaban compuestos por los cuatro. Ahora no está Lolo, está Kike, pero seguimos tres de los que estábamos, así que la esencia de Helltrip sigue estando ahí”.

¿El título de Extinción es una ironía sobre todos los problemas por los que habéis pasado desde la publicación de Animal? JAVIER GONZÁLEZ “Sí, tiene algo que ver. No es que esté basado todo en ello, pero la portada sí que trata de reflejar los problemas que atravesamos y que al final llegamos a una zona con una arboleda y con lluvia”.

¿Os planteasteis aprovechar y cambiar de rollo, o teníais claro seguir en vuestra línea? “Lo que teníamos claro era que nos gustaría hacer un disco un poco más alegre. Parte de la composición del anterior guitarra eran temas más oscuros, incluso tristes. Buscábamos hacer algo más dinámico, más alegre, que fuera más fácil que la gente pudiera cantarlos o moverse cuando los está escuchando”.

Aunque hubo el periodo de adaptación, el disco sigue so-

Muy para el directo… “Sí, buscando también eso, que sean

HELLTRIP

“Buscábamos hacer algo más dinámico, más alegre, que fuera más fácil que la gente pudiera cantar o moverse cuando está escuchando LOS TEMAS” JAVIER GONZÁLEZ

temas coreables, que los estribillos se te queden en la cabeza. Buscar un poco más de diversión a la hora de escucharlos”. ¿Cuál es la mayor dificultad a la hora de conseguir eso? ¿Cuesta intentar ser original? “Lo que más nos costó hasta ahora es intentar hacer eso en castellano. Nuestras mayores influencias siempre fueron de grupos anglosajones y a la hora de hacer las letras en castellano, al principio te choca. No queremos que suene a rock nacional tradicional, queremos que suene a rock anglosajón pero cantado en castellano. A veces te encuentres con problemas de ese tipo. O cuando te pones a grabar a veces hay frases que no quedan bien o que resultan poco originales o demasiado obvias”. Con los cuatro años que han transcurrido desde Animal, ¿os da miedo que esto sea un volver a empezar de cero?

“Sí que es verdad que cuando empiezas de nuevo no sabes si la gente se va a acordar o cómo estará de receptiva, pero bueno, antes de sacar el disco hicimos dos conciertos, uno en mayo y uno en julio, para más que nada ver qué respuesta tenía la gente, y la verdad es que quedamos súper contentos. En la presentación del videoclip en una sala de Oviedo metimos a 150 personas, y eso apenas sin promoción. Y en Llanes lo mismo. Así que sentimos que la gente nos sigue teniendo en cuenta”. Llegados al cuarto disco sois más realistas acerca de lo que supone estar en un grupo. “Somos conscientes de que es súper difícil todo lo que pretendemos. Que ya no es vivir de la música, sino entrar en un circuito nacional de festivales, de salas, que sean las salas las que te llamen (risas). Supongo que es el objetivo que todas las bandas tenemos y que intentamos conseguir. Este disco es como un nuevo boleto de la lotería que se compra y si conseguimos algo más… La verdad es que hasta ahora siempre fuimos en escala ascendente. Hay esperanzas”.

“Ese tema es una versión de un grupo que tenía Guzmán, nuestro guitarrista, y que siempre nos gustó un montón, pero que se quedó a las puertas de todo y no llegó a cuajar. Se llamaban Los Energéticos. Son de Mieres igual que nosotros y nos apetecía hacerles un homenaje, pues como muchísimos otros, se quedaron en el olvido. Probablemente ellos sí lo hicieron pensando en Kiss (risas), es bastante obvio”. De lo que nos llega más de Asturias ahora es metal. “De metal hay un montón de bandas increíbles y muchas de ellas están geniales, pero a nosotros nos gustan más otras como Acid Mess o Attack Of The Brain Eaters, o Alto Volto. Hay bandas de estilos muy diferentes que lo están haciendo genial”. Un grupo con el que os veo girando sería Porco Bravo. “De hecho estoy hablando con ellos porque en Mieres hacemos un festival, pero todavía estamos esperando a ver qué dice el Ayuntamiento por el tema de las subvenciones. Pero sí encajaríamos perfecto con ellos. Estaría muy bien hacer una gira con ellos”.

El tema que cierra el disco, ‘C’mon Yeah’, parece un homenaje directo a Kiss. 121

Si en su próxima gira por España te decides a hablar con alguna de las componentes de Crucified Barbara, más vale que te dejes tu pose de machito en casa porque estas suecas no tragan con chorradas. Texto: Jordi Meya Fotos: DR

ALERTA ROJA CRUCIFIED BARBARA

i para cualquier grupo ya es difícil sobrevivir en la jungla del rock, todavía en el siglo XXI sigue siendo un poco más complicado para una banda formada íntegramente por mujeres. A pesar de los prejuicios Mia Coldheart (voz, guitarra), Klara Force (guitarra), Ida Evileye (bajo) y Nicki Wicked (batería) han conseguido hacer realidad su sueño de hacer de los power riffs y los estribillos metaleros un estilo de vida, y desde hace más de una década llevan agitando sus melenas desde Rusia hasta Australia y han actuado en algunos de los festivales más importantes del continente. Si Lemmy fue uno de los primeros en creer en ellas, por algo sería. Y es que por mucho morbo que despierte ver a cuatro suecas enfundadas en cuero en algunas mentes calenturientas, es evidente que si no hubiera algo más detrás, Crucified Barbara no hubiesen conseguido nada de esto, ni tampoco grabar un cuarto álbum como In The Red (Despotz Records), en el que siguen mejorando como estilistas del hard & heavy. Entre los días 3 y 7 de diciembre estarán presentándolo en Madrid, Barcelona, Valencia, Bilbao y Vitoria, así que yo no me lo pensaría. La primera canción ‘I Sell My Kids For Rock’N’Roll’ es perfecta para abrir el disco. ¿Tuvisteis claro que sería la primera cuando la terminasteis? MIA COLDHEART “No. En el último disco teníamos un tema como ‘Into The Fire’ que es muy rápida, y nos dijimos ‘vamos a ir un paso más allá y hacer algo aún más rápido’, así que nos volvimos locas y tocamos al

límite y gritamos (risas). Tiene una letra sobre la gente estúpida en la industria musical, así que es muy fácil gritar (risas). No pensamos en ella para abrir el disco, pero pronto vimos que quedaría muy bien”.

“El motivo por el que seguimos siendo una banda después de 15 años es porque no hemos dejado que nadie nos controlara” MIA COLDHEART

En cada disco os habéis ido volviendo un poco más heavies… “Simplemente salió así. Escribimos todos los temas de un tirón. Sólo queremos escribir buenas canciones, ése ha sido siempre el objetivo. Nunca decimos ‘vamos a escribir una canción de metal o una canción de rock’, es más dejarse llevar por la energía. Como mucho discutimos el tempo. Nos preocupó un poco escribirlo todo al mismo tiempo porque cuando pasas horas tocando los mismos acordes, es fácil que pienses que todo suena igual. ¡Tampoco hay tantos acordes! Pero al final cuando tuvimos las demos terminadas vimos que era más una paranoia nuestra (risas). Hay canciones con más melodía como ‘Do You Want Me’ que es bastante diferente, es más pop, pero también tiene partes metal. Es muy divertido mezclar estilos”.

¿Cuánto tiempo os lleva hacer un disco normalmente? ¿Sois de darle muchas vueltas? “Me impresionan mucho los grupos que son capaces de componer en la carretera porque es difícil encontrar el tiempo. Nosotras no hacemos eso, como mucho componemos algunos temas en plan de broma con un ukelele (risas). Empezamos a trabajar en serio en el disco en agosto del año pasado. Estuvimos unos seis meses yendo cada día al local de ensayo y componiendo juntas, excepto los fines de semana porque salíamos a tocar. Hemos pasado mucho tiempo juntas. Ha sido una buena etapa del grupo”.

Parecen muy para el directo. “Espero que así sea. Nos gusta tener al público de nuestra parte. Desde el primer disco hemos trabajado para que los temas enganchen. En el primero todo se basaba en los riffs, pero desde entonces hemos trabajado más las melodías y los arreglos. Como giramos tanto vemos qué temas son los más divertidos de tocar o cuáles hacen mover más al público. En el local de ensayo te das cuenta de que hay partes en las que no ocurre nada y entonces

En algunas letras tocáis algunos temas más serios. No sé si estando en una banda de hard rock a veces te sientes limitada por lo que puedes cantar. “Quizá sí. Si miras las letras de las bandas de hard rock hablan mucho sobre la fiesta, el desmadre, dragones… (Risas) pero no estamos muy metidas en eso. Preferimos tener nuestra propia visión. Cuando era joven sólo quería tocar rock’n’roll, pero cuanto mayor me hago, más

es mejor cambiarlas, porque tienes que divertirte tocando, queremos que haya energía todo el rato. Y creo que hemos conseguido eso”.

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“Para mí un músico que deja a su mujer en casa y se acuesta con groupies no vale nada. Desde luego, yo no lo hago” MIA COLDHEART consciente soy de lo que ocurre en el mundo y de mí misma, de la sociedad, así que las otras chicas y yo tenemos una fuerte necesidad de expresarnos. También creo que la gente ahora escucha más nuestras letras. Es importante hablar de cosas importantes (risas), decir lo que piensas. No queremos ser una banda política, pero creo que podemos dar nuestra opinión”. ‘To Kill A Man’ toca un tema sensible como es el de los abusos sexuales. ¿Has padecido tú o alguna miembro 124

del grupo una experiencia de ese tipo? “Por desgracia es algo muy común entre las mujeres. No quiero hablar sobre algo tan personal, pero todas nosotras hemos estado expuestas a ello en algún momento. La verdad es que me cuesta leer el periódico porque casi cada día hay una noticia sobre violencia de género o violaciones. Es casi como las noticias del tiempo. Es muy jodido. Es trágico. La canción tiene un título provocativo, pero si lees la letra o ves el vídeo ves que no se trata sobre que queramos matar a los hombres, pero algo tiene

que cambiar. Hay hombres que se sienten ofendidos porque también hay mujeres violentas, y parece que todos sean culpables, pero…”. La realidad es que hay muchos más casos de violencia por parte de los hombres. “Sí, es muy raro que una mujer haga eso. Me encantaría saber por qué es así. Supongo que hay una parte cultural, de cómo te educan. Creo que es muy importante educar a los niños. No se puede culpar al instinto porque es como decir que todos los hombres

son animales. Es posible controlar ese instinto si quieres”. Por la imagen que proyectáis parecéis muy seguras de vosotras mismas. No hay nada malo en querer aparecer guapas o sexys, pero no sé si ha sido alguna vez motivo de conflicto con vuestras parejas, por ejemplo. “El motivo por el que seguimos siendo una banda después de 15 años es porque no hemos dejado que nadie nos controlara. No sería posible que alguien que intentara controlarnos fuera nuestro novio. Mi primer novio intentó controlarme y fue terrible. Yo sólo tenía 17 años y estuvimos juntos tres años. Llegó a controlarme totalmente, hasta el punto en que dejé de tocar la guitarra durante dos años porque perdí toda la confianza en mí misma. No volví a tocar hasta que encontré a las chicas y la relación ya se había terminado. Toda mi creatividad había muerto porque no se me permitía hacer nada. Cada vez que quería ir a ensayar o quedar con mis amigos era un problema. Pero aprendí la lección. Es muy importante que si notas que alguien te impide ser quien quieres ser, lo dejes”. En el mundo del rock’n’roll parece que los músicos tienen barra libre para flirtear o acostarse con quien quieran, pero si una mujer hiciera lo mismo se la consideraría una zorra. ¿Os habéis encontrado con ese tipo de prejuicios? “No sé qué decirte porque no me rodeo de hombres que tengan esa mentalidad. Si conozco a un tío que se comporta así pienso que él es la

zorra (risas). Quizá está aceptado por la sociedad que un hombre haga eso, pero para mí un músico que deja a su mujer en casa y se acuesta con groupies no vale nada. Desde luego, yo no lo hago”. En las letras y los vídeos de hard rock, las mujeres se han tratado casi siempre como objetos sexuales. ¿Como oyente o fan te has llegado a ofender? “La verdad es que no estaba muy metida en ese rollo. Mi interés por la música vino por el grunge, con Nirvana, Alice In Chains o Hole, y las letras no hablaban en esos términos. Podían hablar de sexo, pero no con ese enfoque. Nunca presté demasiada atención a las bandas de hard rock, pero tampoco es que me ofendieran. Lo mismo con las letras de hip hop. Nosotras también hablamos de sexo, como en ‘Sex Action’, pero es de una manera divertida. Y en el fondo es sólo una canción entre todas las que tenemos, no queremos censurarnos si nos apetece hablar de ello”. ¿Os sorprende haber logrado durar tanto? “Cada día (risas). Es una vida dura porque tienes que dedicar todo tu tiempo a la música. Pero cada año que pasa es un poco más fácil porque es lo único que hacemos. Hemos sido las mismas desde el primer disco y somos amigas, eso ayuda mucho. Estamos muy unidas y siempre pensamos en cómo mejorar. Con este disco empezamos con un sello nuevo y nos ha animado mucho a hacer un gran álbum. Sinceramente, creo que es lo mejor que hemos hecho, así que estamos muy animadas. Notamos un

apoyo de verdad”. Supongo que al principio mucha gente iba a ver a cuatro suecas macizas que tocan y ahora la gente va a ver a Crucified Barbara. “Sí, yo también lo creo. En cada país ha ocurrido lo mismo. La primera vez la gente va a ver a las chicas para ver si saben tocar, pero luego nos los ganamos y ven sólo a una banda, no a una banda de chicas”. ¿Y vosotras mismas? ¿Cuándo os visteis como una banda más y no como una banda de chicas? “Siempre nos hemos sentido así. El problema es que la gente se siga fijando en que somos chicas, y eso hace que te comparen sólo con bandas femeninas. El género no tiene nada que ver con tu talento”. ¿Os veis haciendo esto para siempre o quizá de aquí a diez años querréis cambiar de vida? “Espero poder hacerlo mucho tiempo. He intentado ajustar mi vida al hecho de hacer música, pero es difícil sacrificarlo todo por la banda. Cada año voy aprendiendo cómo ajustarlo. Quiero sentirme en casa cuando estoy en casa y también cuando estoy en la carretera. Seguimos trabajando en otras cosas cuando no estamos de gira, pero espero que llegue el día en que no tengamos que hacerlo. Cuanto más tiempo pasemos juntas, mejores canciones haremos”.

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EN DIRECTO

THE DILLINGER ESCAPE PLAN 25 de junio de 2014 Sala Apolo, Barcelona Texto: Jordi Meya FotoS: Eric Altimis

e resulta un verdadero misterio por qué a The Dillinger Escape Plan les sigue costando tanto atraer al público a sus conciertos. Ocurrió en su anterior visita en 2010 en Razzmatazz 2 y se repitió la estampa en esta última. Una sala a medio llenar, siendo generosos, y una banda dejándose la piel sobre el escenario. ¿Qué más tienen que hacer? La fama de que su directo es incendiario les precede, el nivel de sus discos se mantiene, ahí está su notable One Of Us Is The Killer; cuentan con el favor de la crítica y la admiración de otros músicos, y cualquiera que se entere un poco les reconoce su papel como pioneros del mathcore. Pero sin embargo, por algún extraño motivo todavía son muchos los que prefieren quedarse en casa o ir a ver a grupos con mucho menos que ofrecer que vivir en sus propias carnes

la experiencia Dillinger en directo. Ellos se lo pierden. Los franceses Hypn5e y Vera Cruz (más apagados que en otras ocasiones) habían abierto la velada, pero, sinceramente, sus actuaciones quedaron borradas del cerebro a la que The Dillinger Escape Plan tocaron las primeras notas de ‘Prancer’. La sacudida fue la misma que si de golpe te hubieran enchufado un cable de alto voltaje a la espina dorsal. Con el escenario prácticamente a oscuras, jugando con focos blancos y luces estroboscópicas y dos pequeñas pantallas de vídeo, la puesta en escena volvía a recordar a la de unos Nine Inch Nails pasados de testosterona. De repente tenías a Greg Puciato gritando en primera fila, pasaba medio segundo y veías como Ben Weinman volaba con su guitarra desde uno de los amplificadores, medio segundo más y la imagen

era que Liam Wilson hacía caer su bajo como si fuera una guillotina. Y en medio de todo esto apabullantes, violentas e impecables interpretaciones de artefactos tan complejos como ‘Panasonic Youth’, ‘Understanding Decay’ o ‘43% Burnt’. Este constante bombardeo visual y auditivo el que, al menos a mí, me deja con la boca abierta desde que empiezan hasta que terminan. Y todavía más si como en esta ocasión acaban el show con su versión de Aphex Twin de ‘Come To Daddy’ y una ‘Sunshine The Werewolf’ de Miss Machina en la que llenaron el escenario con fans y Weinman y el bateria Billy Rimer acabaron haciendo crowdsurfing por encima de ellos. Un caos en el que cualquier cosa puede ocurrir, pero que los de New Jersey mantienen, sin que lo parezca, bajo control. Y más allá de sus méritos musicales, ése es su verdadero arte. 127

POWERMAN 5000

sta era la primera vez que Rob Zombie pisaba tierras catalanas. Nunca lo hizo con White Zombie y no ha sido hasta publicar su quinto disco en solitario que sus seguidores han tenido la oportunidad de verle en directo por aquí. Al menos el polifacético artista aprovechó la visita, y el día anterior asistió a la entrega de un premio otorgado por el festival de cine fantástico de Sitges, en la que también se proyectó su película The Devil’s Reject y respondió amablemente a las preguntas de los fans. Abrían la noche Powerman 5000, también conocidos como ‘la banda del hermano de Rob Zombie’. Efectivamente, ahí estaba Spider One con su look a lo Billy Idol ciberpunk y un repertorio que explica por qué el grupo ya no interesa a casi nadie. Fue divertido escuchar temas como ‘Invade, Destroy, Repeat’, ‘Super Villain’ o ‘How To Be A Human’, a los que la gente respondió sorprendentemente bien, pero su propuesta ha quedado, como con 128

SOULFLY

tantos grupos de su época, bastante desfasada. La presencia de Soulfly en el cartel resultaba un poco extraña y definitivamente, casi hubiera sido mejor que se hubiesen quedado en casa. Su show, que abrió con ‘Bloodshed’ e incluyó temas como ‘Back To The Primitive’, ‘Tribe’ o ‘Revegeance’, en la que salieron sus hijos Igor y Ritchie, tuvo sus tres momentos álgidos, cómo no, con tres bombas de Sepultura (‘Refuse/ Resist’, ‘Arise/Dead Embryonic Cells’ y ‘Roots Bloody Roots’), pero ni siquiera eso evitó hacer pensar que la banda se encuentra en su versión menos inspirada y que a Max Cavalera le falta fuelle. Realmente, este hombre debería tomarse un buen descanso y ponerse en forma. Si las producciones de Rob Zombie en Estados Unidos son realmente espectaculares, aquí tuvimos que contentarnos con algo bastante más modesto, aunque cabe decir que la decoración con unos grandes paneles dedicados a grandes monstruos como

King Kong o Frankenstein lucía más que bien. No creo que nadie busque en un concierto de Rob Zombie nada más que no sea diversión, y justo eso es lo que nos ofreció cuando arrancaron con ‘Teenage Nosferatu Pussy’, ‘Superbeast’ y ‘Living Dead Girls’. Con su grandilocuente presencia, a medio camino entre un espantapájaros diabólico y un cowboy zombi, el cantante no paró de correr, bailar y subirse a las tarimas (casi estuvo a punto de caer de una de ellas), mientras su banda arremetía con su machacón rock industrial. El show incluyó versiones de Alice Cooper, Grand Funk Railroad y los dos grandes hits de White Zombie (‘More Human Than Human’ y ‘Thunder Kiss 65’). Lástima que los solos de batería y guitarra (a cargo de un John 5 pintado a lo Wes Borland) rompieran el ritmo del concierto, porque aunque en ocasiones parece que Zombie disfruta más de su carrera cinematográfica que de la musical, en la sala Razzmatazz pudimos comprobar que al hombre todavía le gusta rockear.

ROB ZOMBIE

22 DE junio de 2014 Sala Razzmatazz, Barcelona Texto: Jordi Meya FotoS: Nadia Natario

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BARCELONA METAL FEST 6 de julio de 2014 Poble Espanyol, Barcelona Texto: Jordi Meya, Laura Clavero, Richard Royuela FotoS: Carles RodrĂguez

PARADISE LOST

WITHIN TEMPTATION

iempre es una gran noticia que nazca un nuevo festival en tu ciudad. En este caso era la promotora Doctor Music la que presentaba el Barcelona Metal Fest, aunque con un cartel un poco de circunstancias sin ningún nombre realmente legendario. Eso se notó en una asistencia bastante escasa, que esperamos pueda multiplicarse en ediciones venideras. Ankor tuvieron que abrir en un ambiente aún frio. Y además, no fue el único reto que tuvieron que superar, ya que éste fue el primer concierto que hacían con su nueva vocalista Jessie. Pese a todo, superaron el envite con una más que digna actuación. Luego llegaría el turno para InMune, la banda liderada por el siempre inquieto Morti (Skizoo, El Fantástico Hombre Bala). Su personalidad y carisma unidos a un sonido potente entre el pop y el metal oscurillo fueron suficientes para obtener una entusiasta respuesta. Sôber demostraron estar en un estado de forma envidiable. Se pasean por el escenario con una naturalidad pasmosa

y concentraron todos sus mejores temas en un set algo más corto de lo que suele ser normal. No fueron pocos los que pensaron que el suyo fue el mejor show de la noche. Turno para la propuesta más contundente de la noche de la mano de los ingleses Paradise Lost. Arrancaron con pésimo sonido y algo dubitativos con la death metalera ‘Mortals Watch The Day’. Un Nick Holmes más preocupado de solucionar los problemas de sonido que del público sorprendía inmediatamente después con un ‘So Much Is Lost’ de su etapa más electrónica. Solventados los problemas y con un Nick mucho más relajado e incluso bromista, pudimos disfrutar de algunos de sus mejores temas. Un vaivén entre clásicos del gothic doom como ‘Pity The Sadness’, ‘Gothic’ o ‘Enchantment’ y su repertorio más bailable, con ‘Erased’, ‘Isolate’ o su ya habitual ‘Say Just Words’ como fin de fiesta. La condición de cabeza de cartel de los holandeses Within Temptation les permitió contar con un mayor

SÔBER

despliegue técnico en cuanto a escenografía, con una pantalla gigante en la que distintas animaciones daban un apoyo visual a sus canciones. Un recurso sencillo pero que resultó igualmente espectacular. Aunque por mucha pantalla que lleven, quien sigue acaparando todas las miradas es Sharon den Adel, sin duda una de las frontwomen con más presencia de la escena metalera. Además, para la ocasión había dejado en el armario sus trajes de hada o presencia y lucía una imagen más rockera. Cantó tan bien como siempre un repertorio que se abrió con ‘Let Us Burn’ y que incluyó temas como ‘Our Solemn Hour’, ‘Stand My Ground’, ‘Mother Earth’ y una insólita versión de ‘Summertime Sadness’ de Lana Del Rey en el bis. Within Temptation cumplieron, pero se echa en falta un poco más de emoción o intensidad en algunos momentos que eleven sus conciertos al nivel de bandas que suelen encabezar festivales. Esperemos que el año que viene haya más y mejor. 131

FAITH NO MORE

entro del multitudinario y gran festival Britisth Summer Time que ya llevan celebrando unos cuantos años en el Hyde Park de Londres, nos encontramos con una sorpresa este 2014. Y lo digo porque se decidió dedicar un día al rock más fuerte y bautizarlo como ‘Black Sabbath Time’. Sólo por las pocas bandas que participaban era suficiente aliciente para desplazarse hasta la capital inglesa y disfrutar de un evento único y especial. Para empezar la velada unos Soulfly que sufrieron un sonido nefasto. Su show duró poco más de media hora y sólo destacaría la presencia de Igor Cavalera en las baquetas para ‘Roots Bloody Roots’. Lo demás, realmente malo y digno de olvidar. Los siguientes eran los esperadísimos Motörhead, que volvían a ofrecer una serie de escasos shows tras los problemas de salud de Lemmy en los últimos años. El concierto fue un tanto irregular; no estamos acostumbrados a ver a Lemmy tan, digamos, parado. Lo cierto es que el hombre hace todo lo que puede, pero se nota que sus problemas físicos están muy presentes. Como curiosidad decir que en ‘Killed By Death’ salió su amigo Whitfield Crane (Ugly Kid Joe) para dar un poco de energía. Otra de 132

las razones para asistir al festival era la única fecha europea de Faith No More. Salieron como siempre a matar, en un escenario lleno de flores por todos lados y, vestidos de curas, nos dieron otra lección de buena música. Se nota que todos los miembros de la banda se divierten, empezando por el propio Patton, que llevaba la felicidad en su interior. El setlist fue realmente especial, empezando con ‘Zombie Eaters’, siguiendo con ‘From Out Of Nowhere’ y desgranando poco a poco toda su gran artillería, ya sean ‘Epic’, ‘Midlife Crisis’ o ‘The Gentle Art Of Making Enemies’. Por lo visto, lo que pude vivir allí va a tener continuidad, ya que tocaron un par de temas nuevos. A continuación Soundgarden iban a ofrecer un concierto especial, tocando íntegramente Superunknown con un Chris Cornell fantástico. Pero por si fuera poco, tenían otra sorpresa reservada cuando tocó con ellos Mike McCready de Pearl Jam la propia ‘Superunknow’. Un momento también memorable, en un concierto de por sí enorme, ya que no hubo tregua desde el inicio con ‘Let Me Drown’, ‘My Wave’ o la coreada ‘Black Hole Sun’. El plato fuerte de la jornada estaba reservado para el final, con el, en un principio anunciado,

último show de Black Sabbath en Londres. Se notaba en el ambiente un gran nerviosismo. Muchos habían venido de lugares lejanos a ver este evento que puede convertirse en uno de los acontecimientos de la década. Ver a Black Sabbath es toda una experiencia, y se hace incomprensible que lo quieran dejar cuando la banda está en tan buen estado de forma. Con un setlist impecable en el que el par de temas que tocan de su nuevo disco, ‘Age Of Reason’ y ‘God Is Dead?’, les quedan bordados, la banda echa para atrás en todos los sentidos. Iommi inmenso, Ozzy espléndido, como nunca, Butler la base imprescindible y Tommy Cufletos, de otra galaxia en la batería. Todos tienen su momento de gloria, pero también hay que admitir una cosa: lo más importante son las canciones, y las ejecutan a la perfección. Emocionante es otro de los muchos adjetivos que se le puede poner a un show donde suenan ‘Iron Man’, ‘Children Of The Grave’ o ‘Paranoid’, con ese sonido y esa entrega por parte de los padres del metal. Un evento para recordar de por vida y que esperemos que, si la salud de Iommi lo permite, pueda repetirse en un futuro cercano. Never say die.

BLACK SABBATH

SOUNDGARDEN

BLACK SABBATH TIME

4 de julio de 2014 Hyde Park, Londres (Inglaterra) Texto Y FotoS: Joaquim Valls

BE PROG! MY FRIEND FEST 12 de julio de 2014 Poble Espanyol, Barcelona Texto: Jordi Meya, Laura Clavero FotoS: RubĂŠn Navarro

ANATHEMA

OPETH

nte la gran oferta de festivales existente, la única manera de abrirse un hueco es la especialización. Así lo ha creído la gente de Madness Live!, la cual ha visto en el rock y el metal progresivo una oportunidad para crear un nuevo evento. Si la idea de ver seguidas a siete bandas de un mismo estilo, y más si hablamos de progresivo, nos podía parecer un poco coñazo, la verdad es que las nueve horas que duró el festival pasaron volando. El secreto está en contar con artistas con verdadera personalidad. Los británicos Antimatter la tienen, con un rock atmosférico que incluye pinceladas de trip hop y electrónica. Sus paisanos Tesseract, con el reincorporado vocalista Daniel Tompkins, aportaron un poco más de energía, pero su virtuosismo como instrumentistas todavía no se concreta en un directo que enganche de verdad. Con Alcest el nivel empezó a subir. La luminosidad new age de su último trabajo Shelter fue bien recibida por el público, aunque se notó que a sus antiguos fans lo que les pone de verdad

TESSERACT

es cuando Neige fuerza su voz como en ‘Percées De Lumière’. Les faltó un poco de chispa, pero entraron bien. La gran sorpresa de la jornada vino con Fish. El excantante de Marillion, acompañado por una excelente banda, hizo valer su veteranía y logró contagiar a los asistentes con su entusiasmo y sentimiento. Su look de abuelote, completamente calvo y con barba blanca, contrastó con sus ganas de bailar y moverse y la fuerza de su voz. Los temas de su antiguo grupo (‘Credo’, ‘Assasing’, ‘Fugazi’) fueron los que lograron una mejor respuesta, pero todo su show rodó a un altísimo nivel. A Anathema también se les notó particularmente motivados. Si bien la elección del setlist no dejó mucho espacio para el regocijo de sus fans más veteranos, su entrega compensó una apuesta demasiado centrada en su discografía más reciente. Iniciaron su actuación recreando su particular atmósfera con temas como ‘Untouchable Part 1’ y ‘Untouchable Part 2’, para trasladarnos más tarde a espacios mucho más futuristas de la mano de

‘Closer’. El momento más emotivo de la noche se vivió con ‘A Natural Disaster’ y el dueto entre Vincent Cavanagh y la, cada vez más protagonista, Lee Douglas. ‘Distant Satellites’ fue una de las encargadas de recordarnos que se encuentran en plena promoción de su último y homónimo álbum. La única licencia a sus épocas más oscuras llegaría en forma de despedida, con el ya clásico ‘Fragile Dreams’. Quedaba el plato fuerte y Opeth estuvieron a la altura. Como si quisieran desmarcarse de la etiqueta ‘prog’ de sus últimos trabajos (hasta colaron el ‘You Suffer’ de Napalm Death a modo de chiste), ofrecieron una de sus actuaciones más potentes y metálicas que les recordamos. Volver a escuchar a Mikael Akerfeldt disfrutar gritando con temas de Still Life, Devilerance o Blackwater Park fue brutal. Muy grandes. A su lado Pain Of Salvation parecieron una banda menor, agraviados encima por problemas de sonido. Un final un tanto agridulce para un festival que ya ha confirmado su segunda edición para el año que viene. Ahí estaremos. 135

AZKENA ROCK FESTIVAL 2014

KADAVAR

20 y 21 de junio de 2014 Recinto Mendizabala, Vitoria-Gasteiz Texto: Toi Brownstone FOTOS: DENA FLOWS

espués de tantas ediciones, para muchos la cita rockera anual en Vitoria es ineludible, no sólo por el festival, sino también por el punto de encuentro en el que se ha convertido la ciudad. Tal es así, que a muchos nos dio la sensación de que el cierre de cartel en el mismo mes de junio y, para qué engañarnos, con muy poco gancho y una ausencia importante de nombres realmente interesantes, fue debido a una mala gestión por parte de los organizadores del Azkena Rock Festival, confiados y sabedores de que gran parte de público fiel a este evento no fallaría. Es triste llegar a la creencia de que la promotora esté dejando que la llama del que hasta ahora ha sido el mejor festival de rock en este país se vaya extinguiendo de esta manera en lugar de esforzarse por cerrar un ciclo con elegancia y dignidad. Quizás soy una bocazas, y a lo mejor ese cambio de fechas con respecto a anteriores ediciones se debía a la presencia 136

de un cabeza de cartel muy potente que finalmente no se pudo contratar, desbaratando cualquier estrategia, pero en todo caso la pésima comunicación por parte de la organización hizo que muchos se sintieran decepcionados, y hasta estafados de alguna manera. Una vez asimilado este golpe y mentalizados con el cartel, por fin llegó el viernes 20 de junio, y preparados tras los pintxos y potes de rigor, con nuestras pulseras de acceso bien apretadas y armados con un katxi de cerveza, nos dispusimos a patear por los tres escenarios con la misma ilusión que en años anteriores, aunque con unas expectativas mucho más reales. Por desgracia en la primera jornada falló lo único que se escapaba a las manos de la organización, el factor meteorológico, así que las fuertes tormentas eléctricas y unas trombas de agua considerables marcaron todo el calendario del día, cancelando un par de actuaciones y provocando una auténtica desbandada humana durante la actuación de Seasick

Steve, que corría despavorida hacia la carpa del escenario Raúl Aransaez para resguardarse del chaparrón. Una verdadera lástima. Pero centrémonos en lo que sí vimos, lo que disfrutamos y lo que aborrecimos, que no fue poco. VIERNES Comenzamos el festival abriendo boca con Monster Truck. Los canadienses se desplazaron desde su país únicamente para presentarnos algunos de los temas de su último trabajo Furiosity en tan sólo media hora de actuación, dejando a los presentes con ganas de más. Agazapados en la carpa y tras el aviso de la cancelación del concierto de Bombus por “motivos de seguridad”, fue turno para el primer azkenazo a cargo de los blandengues irlandeses Hudson Taylor. Ya hace tiempo que se evidencia una saturación de bandas de americana, y que el estilo se está desvirtuando gracias a las tropecientas bandas con una estética idéntica,

SCORPIONS

un sonido impoluto, responsables de composiciones repetitivas e insulsas. Con ‘azkenazo’ hablamos de ese fenómeno que suele suceder en cada edición que consiste en que, por determinadas circunstancias, un grupo consigue atraer mayor atención del público de la prevista. En este caso a todos los que estábamos en la carpa no nos quedaba otro remedio que aguantar su turra, y estando al comienzo de un festival, con ríos de cerveza y euforia, la impresión que debió de tener la banda fue la de haber conectado con un público especialmente receptivo y haber dado un concierto espectacular. Seguramente algún promotor les ofrecerá en un tiempo regresar por aquí y montar una gira con numerosas fechas que será un fracaso estrepitoso por falta de asistencia, puesto que se trata de un grupo anodino condenado al olvido inmediato. Lo de The Stranglers sin embargo fue otra historia. Con una extensa carrera a sus espaldas y unas tablas, consiguieron levantar el ánimo de un público bastante afectado por la lluvia, y al final su

actuación se convirtió en una auténtica fiesta. Si fuera fan de Scorpions me adentraría en analizar su actuación con detenimiento, pero como no lo soy, puedo confirmar que fue un auténtico aburrimiento, e incluso sus propios seguidores hablaban de un repertorio atípico marcado por una ridícula conga, y de un concierto regulero cuyo objetivo primordial no iba más allá de cumplir. Escuchar una vez más ‘Still Loving You’ o ‘Wind Of Change’ teniendo a Rock FM machacando estas baladas a diario no era precisamente mi objetivo en el festival. Turbowolf intentaron marcar el punto de inflexión a esta jornada tan irregular. Salieron dispuestos a comerse todo pero, curiosamente, el sonido infame no les acompañó. Consiguieron poner la carpa patas arriba con algunos temas, teniendo a un público muy por la labor de vibrar, pero nos dejaron con la sensación de que el escenario, el abultado público y las circunstancias les venían demasiado grandes. Marah presentaban en ‘primicia mundial’ su último trabajo Mountain Minstrelsy

WOLFMOTHER

Of Pennsylvania y a juzgar por sus publicaciones en distintas redes sociales, estaban encantados de poder participar en el evento, al que lo califican como “el mejor de Europa”, y más aún de beberse hasta el agua de los floreros en distintos bares de la ciudad. Curiosa la historia de este grupo y de las rencillas entre los hermanos Bielanko. Ahora David y Christine llevan las riendas de la banda, y siendo totalmente impredecibles, fueron capaces de ofrecer un show bastante digno. Vino, cantó y venció. Así se podría resumir la actuación de John Garcia con Unida. El que fuera líder de Kyuss, y ya podríamos decir que un habitual del festival con sus distintos proyectos, recuperó los temas de ese flamante Coping With The Urban Coyote, y nos dio una lección de por qué, a pesar de su inestable trayectoria musical, sigue siendo uno de los mejores frontmen que el rock nos ha dado. Al César lo que es del César. Después de tantos años su voz se mantiene perfecta, y su actitud y elegancia chulescas siguen haciendo de él un animal escénico. Volver a escuchar 137

UNIDA

‘Human Tornado’, ‘Black Woman’ o ‘Thorn’ fue una gozada. Mención especial al guitarrista Arthur Seay, con un estilazo impecable y una actitud sobre el escenario muy comunicativa con el público. Sin duda fue el concierto del día y la justificación a la presencia de muchos en Vitoria. SÁBADO Sábado, sabadete. Esta vez algunos veníamos con las pilas extracargadas gracias a un estupendo precalentamiento en los Jardines de Falerina a cargo de los conciertos de Kylesa y Lazer/Wulf fuera de la programación del festival. Esta vez los chaparrones cayeron a primera hora de la tarde, así que cuando llegamos a Mendizabala un sol abrasador achicharraba a los vitorianos Arenna, que consiguieron captar la atención de un gran número de asistentes que iban entrando al recinto, con una actuación espectacular. No me cansaré de repetirlo: si os gusta el stoner con toques lisérgicos, Arenna no fallan. Mejor no se pudo comenzar la jornada. Todavía en horario infantil, la banda revelación del festival, The Strypes, saltaron al escenario con su cuidado look garagero. Una colección de niñatos que parecían salidos de su 138

primera comunión a punto de repartir recordatorios, y que en distancias cortas se apreciaba el azote implacable del acné en sus tiernos e imberbes rostros. Frescos, dinámicos, con temas súper pegadizos de su debut Snapshot, se ganaron sin discusión al respetable. La confirmación de Blondie como cabeza de cartel me pareció bochornosa. Hablamos de un grupo con una carismática e icónica Debbie Harry como líder, que por supuesto hace mucho, y con un puñadito de singles muy jugosos que les hicieron grandes dentro de una escena mítica. Pero Blondie en 2014 no pueden aportar mucho más, y una hora de actuación hasta resultaba ridículo. La abuelita Harry, que tiene casi 70 años, salió con un pijamita de cuadros y apenas tenía voz para cantar. Los clásicos como ‘One Way Or Another’ y ‘Hanging On The Telephone’ resultaron entretenidos, pero la insoportable ‘Maria’ y otras canciones de su último disco fueron un tormento. La inclusión de viejas glorias o bandas clásicas ha sido una constante en las ediciones de este evento a pesar del riesgo que supone jugar con la nostalgia. Unas veces sale bien, pero con Blondie no fue el caso. Todo el mundo estaba encantadísimo de volver a ver a los aussies Wolfmother,

que parecen haber recuperado su estado de gracia tras haber recibido críticas bastante positivas gracias a su tercer álbum New Crown. Sin duda, 100% banda azkenera, ya tenían a Mendizabala ganado y completamente desatado antes de tocar un solo acorde. Dejando de lado el estado de euforia colectivo, centraron el set en su disco de debut, incapaces de superarlo y de quitarse el sambenito de ‘Woman’, que ciertamente es un temazo como la copa de un pino. El concierto se sostuvo gracias a dos o tres singles, pero resultó monótono y terminó haciéndose un poco pesado. Afortunadamente la guinda del pastel la ponían el power trio hard rockero Kadavar. Si con los australianos el público había estado entregado, los que aguantamos en pie hasta las dos de la mañana nos volvimos locos con los alemanes, y en especial con ese gigante llamado Tiger aporreando su batería Ludwig como si en ello le fuera la vida. Con tan sólo dos discos, la fama de Kadavar se va extendiendo como la pólvora gracias a las descargas de adrenalina que provocan entre los asistentes a sus conciertos. Ni les intimidan los escenarios grandes, ni las audiencias masivas. Un buen final para un festival que tal y como se presagiaba, fue bastante irregular, pero que a pesar de todo sigue teniendo una magia especial. Esperemos que la lealtad de los más de 25.000 asistentes en esta edición se vea reconocida y recompensada, y que para el próximo año se gestione mejor una celebración del rock que nunca debería desaparecer. Ni Blondie, ni la conga de Scorpions, ni el frío ni la lluvia harán que cambie de opinión: ¡Larga vida al Azkena!

BRUTAL TRUTH

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20 de junio de 2014 Estraperlo Club, Badalona Texto: Pau Navarra FotoS: Eric Altimis

legir a Looking For An Answer como banda telonera empieza a ser un problema muy serio para las bandas foráneas. Para ser más claros, salir a escena después de sus pavorosas descargas es una buena putada para cualquiera, te llames Napalm Death, Extreme Noise Terror o, en el caso que nos ocupa, Brutal Truth. De acuerdo, hay que ser justos y tener claro que no es lo mismo tocar grindcore con 30 y tantos que con 50 años, pero la verdad es que el salto energético empieza a ser insalvable. Eso sí, que estés realizando tu gira de despedida ayuda a que el público esté mucho más receptivo, y por mucho que suenes a demo ochentera o que haya menos gente en la sala cuando subas al escenario (triste pero literal), los aplausos están garantizados. Pese a encontrarnos en plena ‘semana Hellfest’, con lo mucho que merma el mejor festival del mundo las salas europeas hacia esas fechas, se registró 139

una buena entrada para rendirle un merecido adiós a una de las bandas más grandes que ha tenido el estilo. Era la noche de los estadounidenses ocurriera lo que ocurriera, y Catalunya no les falló. Con todo lo expuesto, sobra decir que Looking For An Answer nos vapulearon desde el primer instante. Ciertos problemas técnicos les obligaron a tomarse las cosas con más calma, pero aunque la mala suerte se cebó con los combativos veganos, poco importó para plasmar otro bolazo con una preciosa ‘Postmortem’ de Slayer de regalo. ‘La Matanza’, ‘Campo De Exterminio’, ‘Ecoterror’… La misma puñetera salvajada de siempre. Con o sin todos los instrumentos a pleno rendimiento, a día de hoy Looking son superiores al resto. Descalzo y con su sombrero de cazador de cocodrilos, Kevin Sharp dio el pistoletazo de salida al show de los protagonistas de la velada. Qué decir

del sonido… Pésimo, indescifrable hasta casi la mitad del bolo. Menos mal que ahí estaban los jetos del batería Richard Hoak para animar el cotarro… Estábamos súper entretenidos con la gigantesca mamada que parecía que le estuviesen haciendo tras el bombo, porque el señor será todo lo técnico y rápido que ustedes quieran, pero ese día lo que salía de los parches parecía una flatulencia de Godzilla. El legendario Dan Lilker (exAnthrax, S.O.D., Nuclear Assault…) también estaba muy metido en el concierto, disfrutando de su bajo y las backing vocals, pero en líneas generales se notó que, tras 24 años de historia, lo que a Brutal Truth seguramente ya no les aguanta es el físico. ¡Y es que la edad no perdona! Quizá su carrera no ha sido todo lo regular que habríamos querido, pero joder, les echaremos de menos. Ahí quedan ‘Birth Of Ignorance’, ‘Simple Math’ o ‘Collateral Damage’ para la posteridad.

MARKY RAMONE’S BLITZKRIEG

iendo que últimamente en este país afloran los festivales hasta debajo de las piedras, no extraña demasiado que hasta un canal de televisión decida montarse uno propio. Así pues, Atresmedia se agenció una de las giras conmemorativas más deseadas de este curso, la del 20 aniversario del Smash de The Offspring, y montó un minifestival de un día para arropar dicho evento bautizado como Neox Rocks. Echando un vistazo rápido al cartel, estaba claro que aquello era más que nada un concierto de los californianos con varios teloneros que, sinceramente, no estaban a la altura para lo que debería ser un evento encabezado por unas superestrellas del punk rock como ellos. Así que optamos por focalizar todas nuestras energías en lo poco interesante que ofrecía la cita a nuestro criterio. Y de lo poco, por no decir los únicos, a los que nos atrevimos a echarles un vistazo de muy buena gana fueron los Blitzkrieg del inagotable Marky Ramone. Vale que sobre el papel una banda de versiones de los Ramones no parece que sea un gran valor, pero si uno dispone de un catálogo 140

de auténticos clásicos, es difícil que la cosa salga mal. Si además le pones un mínimo de ganas, el asunto acabará en fiesta casi seguro. Pero si encima tienes como frontman a Andrew W.K., es prácticamente imposible que no des un señor conciertazo como el que se marcaron en apenas una hora donde sonaron una treintena de canciones de los de Queens. Desde el pistoletazo de salida con ‘Rockaway Beach’, aquello fue un repaso a un pedazo de la historia del punk rock al ritmo del grito “One, two, three, four”. ‘Sheena Is A Punk Rocker’, ‘Rock N Roll High School’, ‘Pet Semetery’ o la sempiterna ‘Blitzkrieg Bop’ convirtieron el foso del Auditorio en un verdadero fiestón. Con esas mismas premisas The Offspring tenían muchos números para triunfar minutos después. Varios amigos me habían comentado lo espectacular de su paso por el Groezrock belga y todo parecía indicar que, esta vez sí, estarían a la altura... Pero nada más lejos de la realidad. Sí, de acuerdo, salieron, tocaron Smash enterito, saltándose únicamente ‘Self Esteem’, que se la guardaron para el final, y fue una gozada escuchar

canciones como ‘Nitro (Youth Energy)’, ‘Genocide’, ‘Killboy Powerhead’, ‘Something To Belive In’ o ‘Not The One’. Pero obviando eso, volvieron a evidenciar todas sus carencias sobre las tablas. Llamadme raro, pero a mí me da mucha rabia ver que mientras tocan semejante repertorio y tienen a unas 4.000 personas absolutamente enloquecidas, sigan tocando con tan poca sangre y ganas. Dexter Holland, dentro de su apatía habitual, estuvo muy justito a las voces, y sólo Noodles puso un poco de garra (tampoco demasiada) con sus saltos y predecibles comentarios sobre los toros, la cerveza y lo mucho que les gusta España. Con un bis en el que despacharon con la misma desgana algunos de sus otros singles más populares, ésos que les hacen salvar un concierto todas las noches (‘All I Want’, ‘Staring At The Sun’, ‘Pretty Fly (For A White Guy)’, ‘The Kids Aren’t Alright’), finiquitaron una hora clavada de concierto, que al menos a mí me supo una vez más a muy poco. Aunque viendo las caras del público al salir del recinto, imagino que debo ser el único que se volvió un tanto chafado a casa.

THE OFFSPRING 20 de Junio de 2014 Anfiteatro Municipal Parque de la Marina, San Sebastián de los Reyes Texto: Gonzalo Puebla FotoS: Francisco Javier Pérez

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EXTREME

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27 DE junio de 2014 Sala Razzmatazz, Barcelona Texto: Jordi Meya Foto: Carles Rodríguez

or lo general no soy muy amigo de esta moda de hacer giras conmemorativas de un álbum en particular. La mayoría de veces el flow que tiene un disco no suele funcionar bien en directo y además, lo previsible de saber qué tema sonará después de otro le quita bastante gracia a los conciertos. Pero en el caso de una banda como Extreme, que lleva muchísimos años sin publicar material relevante, y de un disco como Pornograffitti, sin duda la mejor obra del grupo de Boston, casi se agradece de antemano saber qué se va a encontrar uno. Y eso debieron pensar muchos de sus antiguos fans porque la sala Razzmtazz presentaba un aspecto mucho mejor de lo que a priori cabía esperar. Está claro que la nostalgia funciona y si encima la banda se cree lo que hace, está en un buen estado de forma y suda la camiseta, todavía más. Que Extreme no venían a cumplir con un trámite se vio desde que 142

arrancaron con ‘Decadence Dance’, con un Gary Cherone, como siempre un tanto sobreactuado, pero que explota al máximo su condición de frontman y un Nuno Betancourt que sigue tocando endiabladamente bien y que a sus 47 años todavía provoca suspiros entre el público femenino. Un risueño Pat Badger, a pesar de los problemas técnicos que tuvo con el bajo, y Kevin Figueiredo, el único miembro no original pero que cumple de sobras su función a la batería, completan los Extreme de 2014, quienes, conscientes de que su momento ya pasó, como mínimo disfrutan rememorando sus días de gloria. Musicalmente su mezcla de hard rock a lo Van Halen meets Queen aguanta bien el paso del tiempo y sólo cuando entran los elementos más funk suenan algo desfasados. Después de ‘Li’l Jack Horny’, ‘When I’m President’ y una muy celebrada ‘Get The Funk Out’ llegaba lo que en otra gira se hubiera reservado para los bises:

‘More Than Words’, la balada que les lanzó al estrellato y que transformó la Razzmatazz en un inmenso karaoke. Para lo quemada que está hay que reconocer que supieron interpretarla con bastante emoción. A partir de ahí volvería la electricidad con ‘Money (In God We Trust)’, ‘It (‘s A Monster)’ y ‘Pornograffitti’ antes de que Cherone se transformara en Sinatra para la elegante ‘When I First Kissed You’, que cortó un poco el rollo. ‘He-Man Woman Hater’, ‘Song For Love’, en la que el cantante estuvo fuera de tono todo el rato, y el bonus acústico ‘Hole Hearted’, con guiño al ‘Crazy Thing Called Love’ de Queen, pusieron el punto final a la parte conmemorativa del show. Cinco temas más, donde destacaron la dramática ‘Am I Ever Gonna Change’ y una vacilona ‘Cupid’s Dead’, servirían para cerrar una noche en la que tanto la banda como el público se profesaron el mismo amor que hace 25 años. Donde hubo fuego, cenizas quedan.

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STEVE HARRIS

17 DE JULIO DE 2014 SALA SHOKO, MADRID Texto Y Foto: EDUARD TUSET

oder ver al componente fundador de Iron Maiden en solitario es un lujo, y si como ha sido en esta ocasión es en una pequeña sala de 300 personas, aún lo es más. Cierto es que su disco British Lion ha pasado sin pena ni gloria entre los fans del metal y los fans incondicionales de la Doncella de Hierro, pero la idea de que Steve Harris monte una banda con sus amigos y vaya tocando intercalando las monstruosas giras de Maiden es maravillosa. Ojalá Bruce Dickinson o Adrian Smith se aplicaran en la actualidad este método y siguieran sacando paralelamente discos en solitario. Recién acabada la última parte de la gira homenaje de Maiden England, Steve Harris y su banda British Lion se embarcaron en una aventura de tres semanas de gira en pequeños clubes a través de Europa. Ésta era la segunda vez que pasaban por la Península camino a El Faro, en Portugal,

la segunda residencia de Harris junto a su familia, y por eso aprovecharon y los teloneros que le acompañaban en esta mini gira fueron The Raven Age, liderados por el guitarrista George Harris, hijo del preciado bajista de Iron Maiden. El concierto del año pasado en Barcelona de British Lion fue casi calcado al ofrecido en Madrid, pero con una gran diferencia, ya que la banda se veía mucho más rodada y las canciones cogieron mucho más peso en directo. Steve es el protagonista indiscutible, los fans sólo lo miran a él, pero el resto de la banda ha mejorado considerablemente en su ejecución frente a un público ya rendido desde el inicio. Su cantante Richard Taylor se mueve y se desarrolla bien en el escenario, pero a un servidor le gustaría ver esos mismos temas cantados por alguien más melódico y cercano al hard rock que requieren los temas de British Lion. Su setlist fue la casi ejecución completa de su disco, a excepción,

si no me equivoco, del tema ‘The Lesson’, pero eso no fue todo, ya que cayeron dos versiones, ‘Do Ya Do Ya Want Me’ de Trevor Rabin de Yes y, cómo no, ‘Let It Roll’ de los grandes UFO, la cual fue coreada por toda la sala. Además, volvieron a tocar canciones que no aparecen en el disco como ‘Father Lucifer’ o ‘The Burning’, las cuales esperemos que en breve tengan la oportunidad de salir en un segundo futuro álbum. Pero eso no fue todo: al acabar el show Mr. Harris tuvo un detalle con todos los fans que se esperaban fuera de la sala, que eran casi más de la mitad de los que habían asistido al concierto. Uno a uno fueron volviendo a entrar, se fotografiaron con su ídolo y consiguieron que les firmara discos, las entradas o lo que fuese. Una oportunidad casi única para que un fan de Iron Maiden pueda tener un grato recuerdo y para que todo el mundo sepa por qué ellos son la más grande banda de metal que hay hoy en día. 143

FESTIVAL CRUÏLLA BARCELONA 2014 11, 12 y 13 de Julio de 2014 Parc del FÒrum, Barcelona Texto: Toni Castarnado FOTOS: Carles Rodríguez

BAND OF HORSES 144

DAMON ALBARN

on tanta oferta, con tantos festivales en danza, es difícil detenerse en uno. Hay de todos los estilos, con características distintas, existen a la medida de todo el mundo. Justo la semana anterior a la celebración de éste, en Barcelona y alrededores, hubo hasta cinco en esos mismos días; imposible acudir a cada cita. Quizás sea excesivo, pero mientras aguanten por presupuesto, el público tendrá donde elegir. El Crüilla es de los que está más consolidado, y lo bueno de su propuesta es que abarca de todo, desde su génesis con la world music y el hip hop, o incluso ahora con propuestas de rock más duro, como algunas de las que ha habido este año. El viernes comenzó con Santos. Con nuevas canciones que están rodando, el grupo cada vez está más suelto, con más confianza. Poco después Angus & Julia Stone, con más fuste en directo que en disco, con la peculiaridad de dos voces diferentes pero amoldables, todavía más robustos, con aroma a rock clásico y no tan apegados al folk. Su consistencia contrasta con la clase

BERRI TXARRAK sobre un escenario de Damon Albarn, su porte, su carisma, una banda de músicos fantástica, la combinación de temas más de baile con otros en los que entras en trance, es posible que haya demasiado efecto tobogán. Sin embargo, cuando le ves a él en escena, sabes que algo bueno va a pasar, y que con cada tema sorprenda aunque cambie la dinámica, también es un aliciente. En la carpa pequeña, Nueva Vulcano sudaron la camiseta, más incluso que algunos jugadores de fútbol que por aquel entonces estaban aún en las rondas finales del Mundial. Del hardcore inteligente de Nueva Vulcano pasamos al rock melancólico e hiriente de Band Of Horses. Tras tres intentos fallidos, éste era mi primer cara a cara con el grupo. Con las dudas por culpa de un último disco irregular y confuso, prácticamente no tocaron ni una pieza del mismo. En los tres restantes se centró el setlist, con algún problema de sonido al principio, pero conforme calentaban motores, la banda fue a más, hasta llegar al éxtasis con ‘The Funeral’, una canción que por sí sola ya justifica un

concierto, la existencia de un grupo. Que Vetusta Morla sean un fenómeno de masas no es una sorpresa, muchos grupos suenan como ellos, y que a lo mejor no encajaban mucho en la filosofía del festival por abierto que éste sea, pues también. Que suenan como un cañón no es engañar a nadie, otra cosa es que conectes, que igual son muy monocordes es verdad, a pesar de que los temas de La Deriva funcionan en vivo y además, con creces. Tinariwen son perfectos como banda para un festival así. Por imagen, por sonido (tremendamente psicodélicos), en el Crüilla tendrían que hacer como en el Primavera Sound con Shellac: traerles en cada edición. Lo de Calle 13 fue simplemente curiosidad, observarlo a distancia, ver de qué iba el asunto y a pensar en el día siguiente, aunque antes había una cita con Violadores Del Verso: qué decir que no se haya dicho antes de ellos, son los grandes mecenas del hip hop en castellano, un recital perfecto. A dormir con una sonrisa en la boca. La jornada del sábado tras cargar pilas daba inicio con Valerie 145

JOHN BUTLER TRIO

June. No era el nombre con la letra más grande en el cartel, si bien era de los que había despertado más curiosidad. No dejó a nadie indiferente, por su registro agudo, el uso de instrumentos como el banjo, un blues simple y certero, sus trenzas y un vestido que llevaba locos a los fotógrafos en el foso, y la valentía de cerrar casi a capella, con un ‘Bring On Home To Me’ de Sam Cooke espeluznante. Aquí hay tela, mucha tela por cortar. De John Butler Trio no teníamos certeza de cómo iba a ser su actuación. El eclecticismo, la variedad, un discurso que cambia tanto como un semáforo en una gran ciudad, convertían su actuación en una incógnita despejada de inmediato: ese tipo es un crack, y los que le acompañan también. Su solo de guitarra con acústica de 10 minutos dejó a más de uno sin aire, por algo es una eminencia entre sus compañeros de profesión. Por cierto, se lima las uñas antes de tocar. Del sureño al funk, del rock al folk country, hacen lo que les da la gana, y con buen gusto. Y se divierten, por esa razón se les hacen los conciertos tan cortos en festivales en los que tienen el tiempo 146

IMELDA MAY

acotado. Como Jack Johnson, que no ofreció nada nuevo que no sepamos. Tan amable como siempre, gustó a los que ya sabían a lo que iban, los que no optaron por otros caminos. Caso de Maria Rodés, con un disco delicioso dedicado a la copla en el mercado, que en directo no acabó de cuajar. En otro entorno quizás sí; ese día en particular no fue el concierto deseado. Con The Selecter pasamos de ese tono más gris y tristón a una fiesta sin fin. Su ska elegante convirtió el lugar en una isla de placer. Sonaban de fábula, rejuvenecidos y enérgicos, fueron una de las gemas del día. En cambio, a Imelda May le falló algo. Sin chispa, sin fuerza, teniendo ella demasiado protagonismo, parecía como que tenía miedo escénico, no era la mujer temperamental que nos tenía acostumbrados. En la onda discreta de ‘Tribal’, el concierto tampoco acabó nunca de despegar, ni con sus hits más conocidos en el tramo final. Macklemore & Lewis sí tuvieron la traca (petardos incluidos) que no tuvo la irlandesa. Con una gran producción, pantallas gigantes, proyecciones que te tenían en vilo, un sinfín de músicos sobre

el escenario, y sus singles como reclamo para los adolescentes que se frotaban los ojos ante lo que veían. Lógico, debe ser algo parecido a cuando nosotros veíamos a Kiss por primera vez. Nada que ver, con otro estilo y en otra época, Macklemore & Lewis era el concierto al que fueron algunos padres acompañando a sus hijos. Tras esto, dos opciones, la pachanga de Emir Kusturica o Berri Txarrak. No había color. Y no sólo porque toque celebrar el veinte aniversario del trío de Lekunberri... con ellos no hay excusa. Son una apisonadora, sus canciones te obligan a levantar el puño, corear letras, las referencias son inevitables, el estilo innegociable, las ganas siguen intactas. Y el nivel muy alto. También hicieron versión de Ramones, como Imelda May y Jack Johnson, en este caso ‘I Wanna Be Sedated’. Había muerto Tommy Ramone horas antes, un merecido homenaje. Za! y su directo impoluto quedó para los valientes que aún no tenían los pies machacados. El domingo, la colonia francesa acudía a degustar las piezas de Zaz, un bonito fin de fiesta.

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PORTISHEAD

18 de Julio de 2014 Palacio de los Deportes, Madrid Texto: Ignasi Trapero Foto: Edu Tuset

punto de cumplirse el vigésimo aniversario de su imprescindible Dummy, los británicos Portishead cumplieron una cuenta pendiente: tocar por primera vez en Madrid. Curioso que no lo hubieran hecho hasta ahora, pero más vale tarde que nunca. A pesar de la dificultad de las fechas estivales, más de 8.000 personas se dieron cita en la histórica velada con una de las bandas más personales y ariscas que ha dado la música en las dos últimas décadas. Los de Bristol se presentaron en formato de septeto, con doble percusión, y protagonismo para la oscura guitarra de Adrian Utley, los scratches de Geoff Barrow y, por supuesto, la tortuosa voz de Beth Gibbons. Distante en el feedback con el público (su primer “gracias” tardó nueve canciones; el segundo y último, antes del final, y sólo se humanizó al bajar a las primeras filas 147

con ese intenso ‘We Carry On’ que cerró), toda su expresividad la regala con gestos faciales de sufrimiento y esa maravillosa voz de Billie Holiday de nuestro tiempo. Apoyados en vistosos audiovisuales realizados en directo, Portishead casi calcaron el repertorio del Primavera Sound 2008: protagonismo para Third, paso de puntillas por su disco homónimo y unos cuantos guiños a la joya de la corona Dummy (aunque con alguna ausencia notable como ‘Numb’). ‘Silence’ y ‘Nylon Smile’ precalentaron el ambiente antes del tridente para erizar la piel: ‘Mysterons’, ’The Rip’ y ‘Sour Times’, donde se oyeron unos de los pocos coros del público de la noche. Tras volver al presente con ‘Magic Doors’, ‘Wandering Star’ los dejó a los tres solos ante el peligro, en uno de los momentos más íntimos y emotivos de la velada. ‘Machine Gun’

devolvió la electricidad, antes de que ‘Over’ y ‘Glory Box’ evidenciaran que cualquier trip hop pasado fue mejor. La recta final se inició recuperando la vertiginosa ‘Chase The Tear’ (canción para Amnistía Internacional que editaron en 2009), para acabar con ‘Cowboys’ y ‘Threads’, con esa sirena anunciando que el barco zarpaba. Pero los tópicos bises nos los volvieron a traer al escenario, para regalarnos la dolorosa e insuperable ‘Roads’, y ese ‘We Carry On’ en que Beth bajó al público mientras el resto amartillaba acústicamente a una masa entregada. Deberes hechos con la frialdad que destilan sus canciones, en un viaje de 84 minutos desde el trip hop añejo al krautrock de su pasado más reciente, y donde la oscuridad de sus atmósferas tiñó de negro mate una noche de nostalgia y emociones pendientes.

DE GIRA

IMPERIAL STATE ELECTRIC

12 de septiembre Sala Bóveda (Barcelona), 13 de septiembre Loco Club (Valencia), 14 de septiembre Sala López (Zaragoza), 16 de septiembre Black Pearl (Valladolid), 17 de septiembre El Gran Café (OUrense), 18 de septiembre Jimmy Jazz (Vitoria), 19 de septiembre Moby Dick (Madrid), 20 de septiembre Faan Fest (Oviedo)

stá claro que a Nicke Andersson le gusta nuestro país. Ya con The Hellacopters lo había visitado en múltiples ocasiones, y con su, ya no tan nueva banda, Imperial State Electric lo hace cada vez que publica disco nuevo. Este mes, él y sus compañeros Tobias Egge (guitarra), Dolf de Borst (bajo) y Tomas Eriksson (batería) recorrerán un buen puñado de ciudades para presentar su tercer trabajo Reptile Brain Music (Psychout Records), con el que prosiguen su lucha por mantener vivo el espíritu del rock’n’roll. Con él hablamos sobre su colección de guitarras, su amor por Status Quo y su odio por el saxofón. Después de tres discos, ¿la personalidad de Imperial State Electric se está definiendo como imaginabas al inicio? NICKE ANDERSSON “Lo bueno de la música es que por muy claro que tengas lo que quieres hacer, nunca termina como habías imaginado. Pero eso no significa que sea malo. Tocas con otra gente y no puedes controlar cómo tocan. Estoy muy contento porque 148

lleva unos cuantos años que un grupo sea bueno y creo que ahora lo somos. Si miras vídeos de YouTube de nuestra primera gira verás que ahora somos mucho mejores. ¡Me hace sentir genial! En el estudio es diferente, pero en directo necesitas tiempo para llegar a ese punto. No hay atajos para conseguirlo, sólo puedes tocar mucho en directo”. ¿Qué tipo de disco querías hacer cuando te pusiste a grabar Reptile Brain Music? “La verdad es que soy un tío más de canciones. Claro que las canciones tienen que encajar entre ellas en un disco, pero siempre empiezo por las canciones en sí. Teníamos unas 30 canciones y luego escogimos las que queríamos grabar. Así es como lo hacemos. Supongo que quería darle un poco de variedad. Dentro de esas 30 canciones quizá había cinco que sonaban parecidas, así que sólo escogimos una. Esta banda, comparada con las otras con las que he tocado, es un poco más abierta. Podríamos hacer una balada si quisiéramos, aunque nunca escucharás un saxofón en un disco nuestro”.

¿Cuál es tu problema con el saxofón? “Simplemente lo odio. Lo odio. Sólo funciona en el rock’n’roll de los 50 y a veces incluso ahí puede ser molesto. Para mí un saxofón o bien suena como la banda sonora de Benny Hill (se pone a canturrear la melodía de la sintonía –ndr.) o bien suena a los 80 como Kenny G. Es un instrumento horrible. Tengo muchos discos que me gustan pero entonces aparece un saxofón y lo arruina. Recuerdo un gran tema de Bad Company en el que ocurre eso. Me gusta Bruce Springsteen también, pero no soporto el saxofón. Por supuesto que me gusta el soul, pero ahí es una sección de vientos. Es el saxofón a solas lo que odio. Podría tirarme el día entero rajando sobre el saxofón (risas)”. Me imagino que tienes una gran colección de guitarras. ¿Cómo decides cuáles te llevas de gira? “Sí, tengo demasiadas (risas). Normalmente le pregunto a Tobias qué guitarras se llevará porque tenemos un gusto parecido. Hay guitarras que encajan

AGENDA SEPTIEMBRE bien y otras que no. También depende del número de shows que tenga que hacer. Normalmente cojo las que están en mejor estado porque no hay tiempo para mantenerlas bien. No sé muy bien cómo las escojo, pero sobre todo es por si dan buena imagen (risas)”. ¿Por qué crees que el hombre ha sido capaz a ir a la luna pero no de inventar una guitarra que nunca se desafine? “Yo he pensado lo mismo durante mucho tiempo, pero una guitarra no funciona así. Depende de cómo la toques. Si la tocas mal, se desafina. La culpa es del músico, no de la guitarra. Cuando toco en casa, no se desafina. Pero en directo prefiero sacrificar el quedarme quieto o no poder saltar que la afinación. Además, las guitarras están hechas de madera. Tocas en un club y hay una temperatura, alguien abre la puerta y entra frío, y eso hace que la guitarra también se desafine. No sé por qué es, pero un trozo de madera reacciona así (risas). Así que vayamos a la luna porque esto no podemos arreglarlo (risas)”.

BULLET 24 Barcelona, 25 Almassera, 26 Madrid, 27 Zaragoza BURNT ONES 21 San SebastiÁn, 22 Oviedo, 23 Madrid, 24 Barcelona DANGER DANGER 19 Madrid DCODE FESTIVAL (Beck, MGMT…) 13 Madrid THE DELTA SAINTS 23 Santander, 24 Cangas Do Morrazo, 25 Madrid, 26 Bilbao, 27 Barcelona, 28 Zaragoza DR. METAL FEST (Ez Livin, Sacred Steel…) 20 Barcelona DYNAZTY 12 Madrid ENTOMBED A.D. + GRAVE 28 Barcelona, 29 Madrid, 30 Erandio EZ LIVIN 20 Barcelona, 21 Madrid, 22 Cartagena FAAN FEST (Bad Religion, No Fun At All…) 20 Oviedo GRAHAM PARKER 4 Bilbao, 5 Madrid, 6 Barcelona, 8 Palma de Mallorca, 9 Valencia GRAVEYARD 10 Barcelona HARD-ONS 25 Madrid, 26 Alicante, 27 Badalona, 28 Donosti JACK OBLIVIAN 17 Zaragoza, 18 Barcelona, 19 Madrid, 20 Ourense, 21 Pamplona KATANA 25 Barcelona

En la última gira tocasteis algunas versiones de rock’n’roll clásico. ¿Tenéis planeado hacer algo parecido esta vez? “Es lo que llamamos ‘las canciones boggie’. La experiencia me dice que a todo el mundo le gustan, incluidos nosotros. Aunque no hayas escuchado una canción en particular, tienen ese ritmo y esos acordes que todo el mundo ama. Y si alguien me pregunta que por qué no hago mis propias canciones así, la respuesta es porque es muy difícil (risas). Suena fácil, porque todas las canciones se parecen, como las de Chuck Berry, pero es muy difícil. Chuck Berry era un genio. Pero nos gusta tocarlas para que la gente baile”. Sé que eres un gran fan de Status Quo. ¿Podrías explicar cuál es su grandeza a alguien que creciera odiando ‘In The Army Now’? “Es una gran pregunta porque yo también les odiaba por ‘In The Army Now’ (Risas). Pero Boba Fett de The Hellacopters me dijo que tenía que escuchar sus discos buenos. Fuimos de gira y trajo la cinta de Blue For You y la primera canción ‘Is There A Better Way’ me dejó impresionado, es increíble. Así que ese disco es bueno para empezar con ellos. A veces Status Quo pueden sonar demasiado alegres, pero su disco Quo es mucho más oscuro. También lo recomendaría. On The Level también es bueno”. (JORDI MEYA)

THE JIM JONES REVUE 15 Barcelona, 16 Madrid, 17 Bilbao LEON RUSSELL 8 Madrid, 9 Bilbao THE MARKED MEN 1 Barcelona, 2 Zaragoza, 3 San SebastiÁn, 4 Oviedo, 5 Madrid, 6 Valencia MASKED INTRUDER 2 Barcelona, 3 Madrid PLANET OF ZEUS 20 Barcelona, 21 Zaragoza, 22 Estepona, 23 Cádiz, 24 Madrid, 25 Ourense, 26 Gijón, 27 Vitoria PURPENDICULAR 18 Zaragoza, 19 Bilbao, 20 Madrid, 21 Barcelona RAGE 12 Madrid, 13 Bilbao RICHIE KOTZEN 5 Madrid, 6 Barcelona SCOTT H. BIRAM 15 Barcelona, 16 Madrid, 17 Valencia, 18 Zaragoza, 19 A Coruña, 20 Bilbao, 21 Santander THE SHELL CORPORATION 16 Torrelavega, 17 Oviedo, 18 Lekunberri, 19 Badalona, 20 Blanes SLIM JIM PHANTOM 11 Valencia, 12 Madrid, 13 Barcelona STEAMROLLER 11 Madrid SUPERSUCKERS 17 Logroño, 18 Madrid, 19 Vitoria, 20 Oviedo, 21 Bilbao, 22 CÁceres, 23 CÁdiz, 24 Murcia, 25 Valencia, 26 Lleida, 27 Badalona TIM RIPPER OWENS 4 Almassera, 5 Zaragoza, 6 Cáceres, 7 Madrid, 8 Gijón THE VINTAGE CARAVAN 1 Madrid, 3 Ourense, 4 Cangas del Morrazo, 5 Gijón, 6 Irún, 7 Zaragoza VIXEN 25 Madrid, 26 Bilbao, 27 Barcelona WANDA JACKSON 11 Madrid, 12 Bilbao

ÚLTIMAS PREGUNTAS

KEVIN DEVINE A mediados de julio y aprovechando su presencia en algunos festivales europeos, el pelirrojo cantautor hizo una escapada para visitar y de paso tocar para sus todavía pocos, pero devotos, fans en Madrid y Barcelona. Fue en la capital donde le cazamos para responder a nuestro cuestionario. Texto: Alejandro Lozano FotoS: DR ¿La última vez que te sentiste muy vago? “Pues diría que hoy. Nada más llegar a Madrid, esta mañana, he estado dando vueltas por lugares preciosos, como El Retiro o la Plaza del Sol. Al llegar al hotel después de no haber podido pegar ojo en el avión me he echado una ‘siesta’, como decís aquí, de cinco horas (risas). Así que al despertarme me he sentido demasiado vago como para venir a tocar, pero bueno, aquí estoy”. ¿La última vez que has visto un gran concierto? “Estas últimas semanas he estado de gira con Manchester Orchestra, y en alguna de las fechas también

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coincidimos con Brand New. Todos esos conciertos fueron increíbles, pero como creo que ya me he hecho inmune de tanto verles, diré que el mejor fue The Front Bottoms hace unos días en un festival. Fue el mejor concierto que he visto de ellos”. ¿La última vez que deseaste haber escrito una canción que no era tuya? “Hay una banda que se llama Strand Of Oaks que tiene una canción que me encanta, se llama ‘Goshen 97’. Me gusta mucho esta canción, me recuerdan a The Replacements”. ¿La última vez que alguien te dijo que estabas equivocado?

“Probablemente ayer (risas). Creo que todos necesitamos espejos en nuestras vidas, y alguien que te haga ver las cosas desde otro punto de vista. Porque no necesariamente significa que estés equivocado, sino que tienes que madurar la idea o plantearla de otra manera, lo que no quiere decir que alguna veces nos equivoquemos”. ¿La última vez que infringiste la ley? “Me cuesta pensar en algo interesante que me haya pasado últimamente... No soy nada de peleas, pago mis impuestos... Ahora que lo pienso, hace poco me multaron por exceso de velocidad durante la gira con Manchester Orchestra, así que diré ésa”.

¿La última vez que quisiste pegar a uno de tus compañeros? “Creo que a esa pregunta tengo que decir: ‘Tantas veces como ellos habrían querido pegarme a mí’. A veces viajar con tantos adultos, casi todos entrados ya en los 30, y además metidos durante tanto tiempo en una furgoneta... Siempre hay lugar para decir ‘cierra la puta boca’ en cualquier momento”.

verdad, me cuesta recordar si he llorado a moco tendido últimamente”.

¿La última vez que echaste de menos estar en casa? “Siempre echo de menos estar en casa. Pero siendo exactos, justamente ayer, al meterme en el taxi hacia el aeropuerto, en Nueva York. Pero tengo que decir que después de llegar a un sitio desconecto y no pienso en eso, porque me siento muy afortunado de poder estar fuera de casa”.

¿La última vez que te impresionó una película? “La última vez que vi una película que me gustó fue Dallas Buyers Club, pero he de decir que no me impresionó. La actuación de Jared Leto no me pareció tan sorprendente, creo que fue más tirando a una caricatura que a un personaje real”.

¿La última vez que has disfrutado de una buena comida? “Esta misma mañana he tomado ‘el desayuno’, como decís vosotros (risas). He podido disfrutarlo con tranquilidad”. ¿La última vez que has hecho algo por alguien que no conocías? “Ayer antes de despegar ayudé a una señora a subir el equipaje en el avión”. ¿La última vez que pensaste que habías gastado demasiado dinero en algo? “Pues me suele pasar cuando me gasto mucho dinero saliendo a cenar, o cuando cojo un taxi innecesariamente. Lo típico que miras la cuenta y piensas que lo que has pedido no era como para pagar tanto. Pero bueno, pienso que siempre que gasto dinero en algo es porque de verdad lo quiero o lo necesito. Por ejemplo, hace poco compré con mi mujer unos billetes de avión pero no pienso que fueran caros, porque no tenemos muchas oportunidades de poder hacerlo a menudo”. ¿La última vez que lloraste? “Suelo emocionarme de vez en cuando, ya sea por una película o, por ejemplo, el otro día, que un amigo mío me llamó diciéndome que había tenido un hijo, no pude evitar emocionarme hablando con él. Pero si te digo la

¿La última vez que te sentiste muy afortunado? “Hoy, andando por Madrid y pudiendo ver este tipo de lugares, hace que me sienta muy afortunado de lo que hago”.

¿La última vez que pensaste que eras un genio? “Pues diría que no tiene que ver con la música, sino con la comida. No soy nada bueno en la cocina, así que a veces cuando hago algo como el desayuno, por ejemplo, y lo adorno con una flor o algo así, pienso que he hecho algo espectacular. Pero ahí está mi pareja para decirme ‘¿Crees que te van a dar un premio por esto o algo así?’ (Risas)”. ¿La última vez que alguien te dijo que te quería? “Ayer, justo antes de coger el vuelo”. ¿La última vez que pensaste que Kevin Devine era el mejor artista del mundo? “Mi ego no es tan grande como para pensar en eso con frecuencia, porque soy perfectamente consciente de mi estado en la música actualmente, pero cuando alguna vez se me ha pasado por la cabeza algo por el estilo, siempre tengo una voz interior que me ayuda a evitar esos pensamientos para seguir con los pies en el suelo. Porque a veces pienso que tengo canciones tan buenas como las que puedan tener Arcade Fire o Arctic Monkeys, pero también pienso que no ser tan grande como ellos hace un poco más especial mi música, y ahí es cuando entra en acción esa vocecilla que me ayuda a seguir adelante”.

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2 de septiembre - ROCKSOUND BAR (BARCELONA) 3 de SEPTIEMBRE - WURLITZER BALLROOM (MADRID) ENTRADAS A LA VENTA EN www.CODETICKETS.COM