Revista Acuarela no.5 by Revista Acuarela

acuarela REVISTA

PUBLICACIร N BIMESTRAL DIGITAL NO. 5 ENERO - FEBRERO 2018

Rukiye Garip MI CLO

Estampaciรณn de Camino Lรณpez

DOSSIER

Acuarelas marinas

PASO A PASO

de Carmen Sรกnchez Solano

Feliz Año Nuevo

Enero

Febrero

Desde Revista Acuarela les queremos desear un exitoso y colorido año 2018 y esperamos que nos sigan acompañando durante todo este ciclo que comienza. En exclusiva para nuestros lectores, tenemos el calendario 2018 ilustrado con doce excelentes acuarelas, que irán entregándose completamente gratis mes a mes en formato PDF imprimible. El archivo de descarga está disponible en nuestras redes sociales.

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en portada Creo que la característica principal de cualquier obra se oculta en lo más pequeño. Hago mis fotos de forma realista. Todo lo que es hermoso para mí en la naturaleza puede ser un tema para mis obras. Quiero plasmar la belleza natural que se pierde inexorablemente con el paso del tiempo”. Rukiye Garip

editorial

ada vez las convocatorias que lanzamos tienen más eco entre nuestros seguidores de redes sociales, cosa que nos alegra enormemente, por supuesto. Pero, por otro lado, nos da pesar que solamente sean seleccionadas diez obras para la sección Dossier, cuando recibimos casi trescientas, por ejemplo. En verdad quisiéramos darle un espacio a todas pero no es posible; al menos no en esta ocasión.

Yuli Castro Carranza

Directora y editora responsable

María José Barrera Garrido Joaquín Puertas Martínez Colaboradores

Contacto:

revistaacuarela@gmail.com

Lugar y fecha de edición:

El Rompido (Huelva), España, 08.01.2018 Revista Acuarela no se hace responsable de las opiniones vertidas por los colaboradores y entrevistados en sus artículos y reportajes, ni por los anunciantes. Revista Acuarela recibe únicamente obras en formato digital para su publicación. Revista Acuarela le da el crédito correspondiente al artista que se adjudica la autoría de las obras que se publican en sus diferentes secciones y se deslinda de toda controversia surgida por cuestiones de derechos de autor. Sin embargo, se compromete a corregir cualquier situación que por error se pudiera cometer a este respecto, aclarando que en ningún momento obra de mala fe. Queda prohibida su edición, comercialización, impresión, transmisión total o parcial por cualquier medio y en cualquier soporte sin la autorización por escrito del editor. ISSN: 2530-7789 Derechos Reservados 2017

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Además de agradecerles la respuesta que tienen en nuestras propuestas, quiero anunciarles dos buenas noticias: Una, que a partir de este número contaremos con la colaboración de los artistas María José Barrera Garrido y Joaquín Puertas Martínez, quienes estarán a cargo -cada quien- de una sección que enriquecerá enormemente los contenidos de la revista. Ustedes mismos podrán comprobarlo y me darán la razón en lo que les digo. Y, por otro lado, les comunico que mantendremos abiertos de forma permanente los talleres en línea que hemos empezado hace tiempo. Es decir, dejaremos abiertas las fechas de inscripciones para darles la oportunidad de que cada quien se acerque en el momento que pueda. Los diferentes talleres que estarán disponibles los estaremos anunciando en nuestras redes sociales, para que estén enterados. Por ahora, tenemos confirmados tres con diferente temática y de distintos niveles y, poco a poco, se irán sumando a nuestra plantilla docente más artistas para acercarles la acuarela a quienes deseen aprender o perfeccionar su técnica. Como siempre, pongo a su disposición las páginas de esta revista y les pido que se acerquen y nos compartan las noticias que quisieran ver publicadas aquí. Estamos abiertos a servir de puente de comunicación y darle difusión a todo aquello que merezca la pena que se conozca en el mundo. Sí, en el mundo, porque ¿sabían que ya nos leen en toda Europa, en toda América y en varios países de Asia y África?

“Hagamos que la acuarela nos salve”

sumario

DOSSIER MARINAS

ESTAMPACIÓN

TRAZOS

p6 Selección de diez acuarelas de acuerdo a la convocatoria lanzada en nuestras redes sociales.

p12 De Camino López. Inovadora alternativa a los usos y aplicaciones de las ilustraciones en acuarela.

p16 De igualdad. Acuarela ganadora en el VI Certamen de Pintura y Escultura del CERMI-Aragón.

TUTORIAL

LAS ETIQUETAS

EN PORTADA

p18 De Carmen Sánchez Solano. Paso a paso de una acuarela marina.

p22 Por María José Barrera G. La información que contienen las etiquetas de las acuarelas.

p26 Rukiye Garip. Entrevista a la acuarelista turca.

TRAS LA ACUARELA

LIBROS

TALLER EN LÍNEA

p46 Por Joaquín Puertas Martínez. Análisis de una obra de Rukiye Garip.

p48 The Alhambra Sketchbook. De Luis Ruiz Padrón.

p50 De Joaquín González Dorao. Algunos de los trabajos de los participantes.

DOSSIER

Artistas que vale la pena seguir

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Anna Stebakova

Maribel Garrote Rey

REVISTA ACUARELA 7

Ignacio Gonzรกlez

María Luisa Peman

REVISTA ACUARELA 8

Pablo García Fernández

Mariam MartĂnez C.

REVISTA ACUARELA 9

Miguel Torralba Saura

REVISTA ACUARELA 10

Mario Fonseca

Aurora Tamayo

José Redondo

Si tienes acuarelas realizadas con este tema y quieres participar en la selección de las obras que serán publicadas en el próximo número, envía tus fotografías con buena resolución, sin marcos ni contornos ni firmas digitales al correo revistaacuarela@gmail.com Cada viernes se irán publicando en la página www.facebook.com/revistaacuarela las obras que cumplan con los requisitos y de todas las recibidas se seleccionarán diez. Fecha límite de recepción de imágenes: 8 de febrero de 2018

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Tema para el próximo dossier: árboles/vegetación.

Estampación de acuarela

La propuesta creativa de Camino López

amino López, madrileña de 35 años fundó hace varios años su empresa creativa dedicada a la acuarela y al diseño. Mi Clo es su marca de prendas de vestir estampadas con diseños originales que conforman una serie de colecciones temáticas y atemporales en prendas de carácter funcional.

Con el paso del tiempo, sus colecciones de estampados se fueron diversificando y las temáticas se volvieron más narrativas. Así, sus clientes empezaron a demandar motivos cada vez más personalizados hasta llegar a lo que es hoy su empresa.

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Esta idea nació como una vía de expresión y creció con la motivación de otorgarle a las personas la garantía y satisfacción de vestir y usar prendas únicas e irrepetibles. Su principal herramienta de ilustración es la acuarela y, gracias a las técnicas digitales modernas de estampación, puede plasmarlas con todo detalle en prácticamente cualquier material y soporte.

Tras su incursión en los textiles, centró su atención en la cerámica. Aunque ya había diseñado algunas vajillas y piezas decoradas para algunas series de la marca, descubrió el potencial que le

brindaba este soporte, pues le permitía solapar y combinar piezas y diseños en un mismo conjunto, lo que le daba la posibilidad de ofrecer colecciones completamente personalizadas. Por lo general, las personas contactan a Camino López buscando regalos especiales, que suelen ser para bodas porque para esa ocasión las vajillas son el regalo más socorrido. Éstas son de porcelana de alta calidad que suelen tardar entre 2 y 3 semanas en estar listas, depen-

diendo del número de piezas e ilustraciones que cada cliente requiera. El proceso de elaboración de cada vajilla, en términos generales, es el siguiente: primero se hace un trabajo de documentación en el que cada cliente le proporciona a Camino López todos los detalles posibles: sus inquietudes y deseos, la historia que quiere que sea ilustrada, su relación con los novios (en el caso de las piezas para bodas), su estilo de vida, etc. Todos estos datos per-

De este modo se tiene como resultado un producto artesanal irrepetible y original.

“Generalmente los clientes me contactan porque quieren hacer un regalo especial. Y una buena manera es ilustrando (y estampando) una historia”.

En 2011 nace “Mi Clo”, la marca de prendas estampadas de Camino López, que tiene a la acuarela como principal herramienta de ilustración y que se apoya en las técnicas digitales de estampación, lo que hace posible llevar la acuarela a prácticamente cualquier soporte. www.mi-clo.com

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miten conceptualizar el proyecto y decidir la temática. Posteriormente, se realizan propuestas de diseño combinando la parte narrativa y figurativa con elementos decorativos. Una vez aprobados los bocetos, se desarrolla la gráfica y se manda imprimir en calcas vitrificables que son montadas, una a una, en cada pieza cerámica para posteriormente entrar a cocción al horno.

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¿Por qué decidiste utilizar la acuarela como medio de expresión para tus proyectos? Siempre he necesitado ilustrar y expresarme gráficamente. La acuarela es un medio para hacerlo que, paradójicamente, me permite ser más libre: al ser una técnica tan difícil de controlar me resulta más fácil dejarme llevar y centrarme más en la historia o en el universo que la ocupa e ir interpretándola. No creo que la acuarela se pueda dominar por completo, pues está en su na-

“Mi proyecto es muy amplio. Realmente trata de contar historias, de expresar gráficamente mi forma de entender el mundo”. turaleza el no hacerlo. Me gusta mucho dibujar a línea. Bien a lápiz o con tinta. Me encanta combinar el dibujo a línea con el dibujo a mancha de la acuarela y también servirme de herramientas digitales que me permiten crear diferentes composiciones con los mismos elementos, algo muy necesario a la hora de diseñar colecciones de

estampados y series gráficas. ¿Enseñas a otras personas a hacer lo que tú haces? Una parte de mi trabajo actual es justamente eso. No sólo doy clases de acuarela en mi estudio en Madrid, sino que además enseño técnicas de ilustración para estampados

en el Instituto Europeo de Diseño e imparto diferentes cursos de diseño de estampados y conceptualización de proyectos. Además de monográficos de decoración cerámica con calcas. Así que por supuesto, estoy muy dispuesta a enseñar lo que he aprendido y además, veo a la gente con mucho entusiasmo por aprender.

hacer ciertas cesiones, o bien encontrar la manera de llegar a quien realmente le puede interesar, que es lo realmente difícil. Particularmente, vivo de lo que genera mi proyecto, de Mi Clo, de encargos de ilustración de todo tipo y sobre toca clase de soportes y de las clases

y cursos que organizo. Trabajo sola, siempre con proveedores que me ayudan a producir, pero todo lo hago yo sola. www.facebook.com/MiClo.design www.instagram.com/mi_clo www.caminolopez.es

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¿Crees que es posible hoy en día vivir del arte? Sí, por supuesto. Aunque depende un poco de cómo pretendas vivir y de lo ambicioso que cada quien sea. También creo que hay que ser consciente de que cuando uno quiere comercializar su arte, tiene o bien que

Trazos

de igualdad

Recientemente fueron entregados los premios del VI Certamen de Pintura y Escultura, organizado por el Comité de Entidades de Representantes de Personas con Discapacidad de Aragón (España).

l objetivo de dicha convocatoria es promover, a través de la expresión artística, la integración y el conocimiento de las instituciones europeas entre los aragoneses con discapacidad. A esta sexta edición se presentaron más de 160 obras realizadas por personas con discapacidad, en cinco categorías: discapacidad física y orgánica, intelectual, mental, visual y auditiva.

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En la categoría de discapacidad física y orgánica, los ganadores fueron: “Sakura (cerezo en flor)” de María Jesús Gómez Marco y “¡¡Los cinco sentidos!!” de Javier Esteban Santos. En

la categoría de discapacidad intelectual: “Atardecer” de Pablo Solano Bes, “Fusilamientos del 3 de mayo” de Julio Obama Obama y “Mi calle” de Toño Romero Portero. En la categoría de discapacidad mental: “Naturaleza viva” de Francisco Ruzafa Caro y “El peso del cerebro” de Luis Barrachina Royo. En la categoría de discapacidad visual: “Caos” de Laura Labat Fuertes y “Mis flores preferidas” de María José Lafuente Córdoba. Y en la categoría de discapacidad auditiva: “Nuestra Tierra” de Rogelio Santolaria-Gil. Todos ellos disfrutaron de un viaje para dos personas a Bruselas.

Arriba: María Jesús Gómez Marco recibiendo su reconocimiento por haber ganado en la modalidad de pintura. Centro: Acuarela galardonada “Sakura (cerezo en flor)”. Abajo: Ganadores del VI Certamen de Pintura y Escultura del CERMI- Aragón junto a sus acompañantes visitando la sede del Parlamento Europeo en Bruselas (Bélgica).

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T U T OR IAL

PASO A PASO

OBRA MARINA H/H

por Carmen Sánchez

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imer paso: Observar. Miro un rato lo que me llama la atención. Pueden ser las formas, la luz, el color, el movimiento, la calma o lo que quiero captar en la marina. La imagino ya pintada y “congelo” esa imagen en la cabeza. Esto es muy importante al pintar marinas, porque

el mar, el cielo y sus nubes, están en c.- Centro de interés: según la ley constante movimiento y es necesario de los tercios. decidir desde el primer momento la d.- Líneas de dirección: Con ellas imagen que queremos plasmar. doy el movimiento y dirijo la mirada del espectador, siempre juegan A partir de ahí, seré fiel a esta imagen a favor del centro de interés. En el en todo el proceso, dejando al azar cielo, las nubes nos ofrecen unas lisolo aquellas manchas con que nos neas de gran fuerza que podemos sorprende el agua y el color. utilizar si nos interesa. e.- Otro concepto de composición a Segundo paso: Dibujar. tener en una marina, es determinar Dibujo muy poco a lápiz, apenas los a qué le vamos a dar más protagotrazos principales para definir las áreas nismo: al cielo o al mar, ya que darle generales. Suelo ir dibujando sobre la la misma importancia a ambos dismarcha con el pincel, ajustándome a persa el interés, por lo que una vez los siguientes criterios de composición elegido uno, el otro trabaja en fun(Fig. 1): ción del elegido. a.- Elección del Formato: generalmente horizontal. b.- Situación de la línea del horizonte: por encima o por debajo de la mitad del formato, según tenga mas protagonismo el cielo o el mar.

Teniendo todo ello lo más claro posible, sacamos nuestros pinceles y colores y nos ponemos a pintar. Con el papel prácticamente horizontal, mojo todo con agua limpia, siempre trabajo en húmedo o semihumedo,

moviendo el papel, según me interese que corra el color.

Método de trabajo: Con el papel bien mojado, aunque no chorreando para que la pintura se sujete y teniendo claro cómo van las formas de claros y oscuros, comienzo pintando las formas de Cobalto y Celúreo, empezando desde la parte de arriba del papel. (Fig. 2 y 3)

Fig. 1

Fig. 2

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Tercer paso: Pintar el cielo. Trabajo generalmente con 5 colores: azules Cobalto y Cerúleo, en este caso, me dan un tono medio, que es a su vez el que define el color del cielo; Gris de Payne, Siena tostada y Alizarín para los tonos obscuros. Los tonos claros saldrán solos con el agua.

Fig. 3

Fig. 4

Pinto ahora las formas de Gris, dejando entre ellas el blanco del papel.

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Paso el pincel sin pintura por los bordes de ambas formas y las integro con el papel pero sin mezclarlas entre ellas demasiado para que cada una mantenga su identidad y obtengo las formas mas claras y transparentes del cielo. El papel sigue mojado, cada vez menos, pero puedo añadir en cada forma más color, ayudando al pigmento cada vez más denso a integrarse en el papel para dar mas fuerza, pero con mucha delicadeza. Si lo que tenemos es que quitar color, lo hacemos con un pincel o paletina sintético con agua limpia (Fig. 4). Hay que trabajar con decisión, sin miedo, moviendo las formas con el color y el pincel, pero

cuando notemos que el papel se va secando, es momento de parar y no insistir, mirarlo y dejar que la acuarela nos regale sus formas y sus manchas caprichosas y preciosas. Cuarto paso: Pintar el mar. Mojo la superficie del papel con una aguada de un color más claro del cielo. Con Siena tostada y Azul ultramar dibujo con el pincel la forma de Los Corrales, añadiendo pintura más o menos densa para dar la sensación de volumen, integrandolas con el fondo (Fig. 5). Para añadir las sombras, observo el mar, miro qué color de fondo tiene. Éste varía según la estación del año, la zona geográfica, la luz, la hora, etc.: puede tirar a verde, a tierra, a gris o a azul intenso. Con el color que veo añado algunos toques direccionales de sombras.

luces, integrando todo con el fondo con cuidado y sin insistir. El pigmento y el agua en acuarela tienen vida propia y a veces me dejan participar en ese juego. Entonces, es cuando lo paso bien.

Fig. 5

Fig. 6

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Con pinceles sintéticos saco cla- mi acuarela, porque es cuando todo lo pensado previamente ha ros, si los necesito (Fig. 6). funcionado. Quinto paso: últimos ajustes. Para mí cuando no tengo que ha- Pero a menudo en este paso, mocer nada en este paso, es cuando jando el papel nuevamente, añarealmente estoy contenta con do formas, ajusto los tonos, saco

LO TÉCNICO DE LA TÉCNICA

por María José Barrera Garrido

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uando compramos acua- las marcas profesionales tie- u s u a r i o s l o c o n o c e n , c o m o relas vemos que en las nendicha información en sus p o r e j e m p l o a z u l u l t r a m a r , etiquetas viene mucha etiquetas. rojo cadmio, amarillo limón. información que, si sabemos Este nombre no está reguleerla adecuadamente, nos lado y aunque por lo general será muy útil. Aunque la son llam ados igual po r c asi mayoría de dicha informatodas las marcas, podemos ción viene en forma de siglas, encontrar que un mismo símbolos y números, una vez color se denomina de disque entendemos su signifitinta forma según el fabricado, sabremos leerlas sin proc ante, inc luso que un c o lo r blema y podremos comprenllam ado de la m ism a f o rm a der también las cartas de color puede variar de tonalidad de las distintas marcas que hay s e g ú n l a m a r c a . Ta m b i é n en el mercado. e n c o n t r a m o s n o m b r e s p e rsonalizados o llamativos La ASTM (American Society for que tienen unos determinaTesting and Materials) asociados fabric antes y ot ro s no. ción americana para el ensayo de materiales, es la que indica Todo esto puede ser confuso que todas las etiquetas de piny necesitamos una forma de turas deben informar sobre el saber exactamente qué es nombre genérico y el número lo que contienen los tubos o del sistema índice del color del pastillas de ac uarela y para pigmento que contiene. Esta ello hay una nomenclatura asociación se fundó en 1898 y general o núm ero de í ndi c e es una de las organizaciones En las acuarelas suele apa- d e c o l o r q u e a p a r e c e e n de desarrollo de normas más r e c e r t a m b i é n u n c i r c u l o los etiquetados y c art as de grande del mundo. rodeando las siglas AP (appro- c o l o r e s . E l n o m b r e c o m e r ved product), lo cual signi- cial suele aparecer en varios Pero en el etiquetado además fica que no contienen ningún idiom as. de estos dos datos que nos material en cantidad suficiente indica la ASTM, nombre gené- para resultar tóxico o susceptirico y el número del sistema ble de provocar problemas de índice del color del pigmento salud. Por lo tanto, podemos NÚMERO DE ÍNDICE DE que contiene, vemos mucha distinguir fácilmente la acuaCOLOR más información que varía de rela de calidad frente a otras unas marcas a otras, como que no lo son al ver que tienen E s t a l v e z l a i n f o r m a por ejemplo la resistencia a la este símbolo. ción más importante que luz, el grado de transparencia, podemos encontrar en el el país de fabricación u otros envase. Corresponde a un datos. Fue Winsor & Newton c ódigo de letras y núm e ro s en el año 1982 la primera NOMBRE COMERCIAL que identifica el pigmento marca de acuarelas que facilitó que contiene el color. Es al usuario este tipo de infor- E s e l n o m b r e q u e d e s i g n a u n a n o m e n c l a t u r a e s t á n mación. Actualmente todas a l c o l o r y p o r e l q u e l o s d a r p a r a t o d a s l a s m a r c a s

¿CÓMO LEER LAS ETIQUETAS DE LAS ACUARELAS? Cada fabricante tiene su nomenclatura y cada vez son má s l os c olores que tienen u n nom bre u otro según las marcas. Por ejemplo, el rosa permanente de Winsor & Newton es PV19 igual que el Rojo Rubí de Scmincke, por tanto, éste es un caso de cómo a un mismo color se le denomina de difer ent e form a. Al f ijarnos en L o s p i g m e n t o s t i e n e n u n a nú mer o índic e de c olor evid e n o m i n a c i ó n g e n é r i c a tamos esta diversificación f o r m a d a p o r d o s o m á s d e nom enc latura. l e tr a s y u n nú m er o. Pero hay que tener en La primera letra es P sigla c u e n t a q u e e n a l g u n o s de p i gm ent o . L a s eg u nd a y c o l o r e s a u n q u e e l í n d i c e tercera designa el grupo o de color sea el mismo hay f a mi l i a d e co l o r a l q u e p er- v a r i a n t e s q u e s e p r o d u tenece. Cada color tiene cen al manipularlos en el su sigla: Pigmento amari- laboratorio. Esto ocurre, l l o PY , na ra nj a P O, r ojo P R , p or ejem plo, c on los tonos v i o l et a P V , a z u l P B, v er d es tierras. Casi todos tienen la PG , t i erra s P B r, negr o P Bk misma de nominación PBr 7, y b l a nco P W. pero su tonalidad es diferente; parten del mismo A e s t a s si gl a s l e a comp a ña p i g mento pero al ser m aniu n n ú m e r o e n c a d a t o n a l i - pulado de una forma u otra dad o color, por ejemplo da una tonalidad distinta, en el caso del azul ultramar e n e s t e c a s o e l c a m b i o d e o s c u r o e s P B 2 9 . S e a c u a l nomenclatura obedece a un s e a l a m a r c a d e l p r o d u c t o cambio en el resultado final p a r a e s t e c o l o r a z u l u l t r a - d e l a m anipulac ión del pigm a r a p a r e c e r á e l m i s m o mento. Así tenemos con PB7 c ó d i g o s i e m p r e , a u n q u e colores como el rojo inglés, algunas marcas puedan el ocre amarillo, tierras d e n o m i n a r e s t e c o l o r c o n s o m b r a s n a t u r a l e s y t o s t au n n o m b r e p e r s o n a l , e s t o d a s o sienas. se hace sobre todo por marketing comercial y para que A l g u n o s c o l o r e s p u e d e n el usuario no identifique estar compuesto por una fácilmente su equivalencia m e z c l a d e p i g m e n t o s e n o t ra s m a rca s . como puede ser el verde Hook er, resultado de PG36

+ PY110, o el sepia compuesto por tres pigmentos PBr25+PG7+PBk7. Esto ocurre, por ejemplo, cuando se quiere obtener una gama de c olor m ás c om ple t a y e n algunas marcas para ofrecer un tono diferente. También se hace para abaratar el coste en caso de pigmentos caros, entonces se opta por una sustitución de mezcla de pigmentos que nos da un tono sim ilar, c om o pasa por ejemplo con muchos c obaltos. Debemos mirar la etiqueta de estos c olores y v e re m o s si el pigm entos ha s i do sustituido o no: el azul cobalto puro es PB28, pero se puede obtener un tono similar con PB2 9 + PB15 (azul ult ram ar y az ul Phtalo). Algunas m arc as c omo Vang Gogh venden un azul cobalto compuesto por PB29 + PW4, que no es otra cosa que una mezcla de azul ultramar y blanc o de c hina.

TRANSPARENCIA U OPACIDAD DE LOS COLORES En el etiquetado también se indic a el grado de t rans parenc ia u opac idad de lo s c olores. No hay una no rm a estandar para asignar el grado de transparencia, pero se suele hablar de

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p u e s t a p o r l a AT S M , r e g u lado y publicado por la Sociedad de Coloristas de Inglaterra en colaboración con la Asociación Americana de Coloristas y Químicos Textiles. Todos los códigos para pigmentos y tinturas están disponibles en el índice internacional de l co l o r.

cuatro categorías: trans- la que se mide con estos parente, semitransparente, b a r e m o s . E n l o s c a s o s e n s e mio p a co y o pa co. los que se considera excelente la permanencia hablaCuando hablamos de pintura m o s d e c o l o r e s q u e n o s e a la acuarela el grado de alteran en 100 años o más t r a n s p a r e n c i a d e l c o l o r e s y en el c aso de c olores que un factor importante a la desaparecen rápidamente hora de adquirir y elegir una hablamos de colores que se p i nt u ra f rent e a ot r a . v en a l t erados en dos años. La simbología utilizada varía de unas marcas a otras, pero es normal encontrar un cuadr ad o si n f o nd o o b l a nco s i es transparente, uno dividi do p o r u na d ia gona l s i es semitranparente, con una mitad blanco y la otra mitad ne gr o si es semiopa co y u n cuadrado negro en caso de c ol o res o p a co s . Ta mbi én p o d emos v er i nd icada la transparencia por una s let ra s, si end o T t r a nsparente, ST semitransparente, O opaco y SO s e mio p a co .

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PERMANENCIA O RESISTENCIA A LA LUZ

tiñen el papel. Otras marcas c om o Sc hm inc ke Ho r adam , utilizan un símbolo indicando el grado de tinción de c ada c olor: un tri ángulo vacío o blanco significa que el pigm ento se le v ant a del papel; un triáng ulo c o n la mitad blanca y la otra mitad negra significa que se levanta parcialmente el A u n q u e e l e s t á n d a r m á s pigm ento; m ientras que un u s a d o e s e l d e l a A S T M triángulo negro indica que exi s t en otros, c om o el bri- esos colores tiñen el papel, tánico cuyo baremo va de es decir, que no se puede 1 a 8 , s i e n d o 8 e l n ú m e r o rem over c on agua. indicado para los colores d e p er manenc ia exc elente. O i ncl uso algunos f abric antes usan estándares propios NÚMERO DE SERIE de su marca. Por ejemplo en Wi ns or & Newton podem os E s e l n ú m e r o q u e c a d a ver indicada la permanen- comerciante indica como cia con el siguiente sistema serie de distinto precio. Así, d e g r a d a c i ó n : A A p a r a la serie 1 suele ser menos colores muy permanentes, costosa que la 2. Es decir, A p a r a c o l o r e s p e r m a n e n - c uanto m ayor el núm e ro de tes, B para colores mode- la serie más caro el color. radamente duraderos y C N o r m a l m e n t e e l p r e c i o para colores fugaces, es viene determinado por la d e c i r d e p o c a p e r m a n e n - calidad del pigmento usado cia. O algunas marcas como en su fabric ac ión. Ta l e n s , M i l l e j o o M a i m e r i suele indicar la resistencia a la luz por cruces o estrellas. NÚMERO DEL COLOR

Las etiquetas también nos informan acerca del grado de permanencia del color que contiene, según un GRANULACIÓN baremo que varía de unas mar ca s a ot ra s. En algunas marcas vemos que se marca con una G S e gú n la A ST M l a es ca l a es : algunos colores, esto signiI . Exc elent e, I I . Mu y b u ena , f i c a q u e e s e c o l o r m u e s t r a III. Los colores pueden des- t end enc ia a la granulac ión. vanecerse con un paso de tiempo moderado, IV. Los colores se desvanecen rápidamente, V. Los colores TINCIÓN DE COLORES de s a p a recen ráp i d a ment e. Este aspecto se refiere a A p ar t i r d el I I I , no s e r eco - a q u e l l o s p i g m e n t o s c u y a s mienda su uso en traba- partículas son tan finas jos artísticos. Para reali- que al aplicarse sobre el zar estos estándares se ha papel, éste se tiñe, por lo p r o c e d i d o a s o m e t e r a l o s que al querer levantarlo con colores a condiciones de luz e s p o n j a o p i n c e l h ú m e d o s y h u m e d a d q u e s i m u l e n e l no es posible. Al m enos no p a s o d el t i em p o y obs er v a r en su totalidad. Su simbolosu comportamiento. El paso gía varía dependiendo de la d e l t i e m p o a f e c t a a t o d o s marca, por ejemplo, Cotman los pigmentos, pero algunos de Winsor & Newton usa las se ven menos alterados que l e t r a s S t ( s t a i n i n g c o l o u r ) o t r o s y e s t a r e s i s t e n c i a e s para indicar los colores que

Igual que cada color tiene un nombre puesto por el fabricante, del mismo modo también tiene un código num éric o que lo ide nt i f i c a.

OTROS DATOS En las etiquetas también vienen otros datos como: el nombre del fabricante, el lugar donde se fabrica, la cantidad de producto que contiene, apto o no apto para uso infantil (normalmente en las acuarelas prof esionales aparec e no apt o para uso infantil), la página web del fabric ante, c ó di go de barras, símbolos de reciclado o cualquier informac ión que el f abric ant e c re a que es de interés.

EJEMPLO DE UNA ETIQUETA DE ACUARELA DE PASTILLA REMBRANDT

NOMBRE COMERCIAL

COLOR SEMITRANSPARENTE

NÚMERO ASIGNADO A ESTE COLOR POR ESTA MARCA

NÚMERO DE SERIE

GRADO DE RESISTENCIA A LA LUZ: EXCELENTE, SE GARANTIZA UN MÍNIMO DE 100 AÑOS DE SOLIDEZ

ÍNDICE DE COLOR: EL COLOR ÍNDIGO ES EL RESULTADO DE LA MEZCLA DE AZUL FTALO (PB15) Y NEGRO HUMO (PBk6)

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ETIQUETAS DE ACUARELA EN BARRA DE WINSOR & NEWTON

Rukiye Garip

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Revista Acuarela: ¿Dónde naciste y dónde vives actualmente? Rukiye Garip: Nací en Bartın y vivo en

Balıkesir (Turquía).

RA: ¿Cuándo comenzaste a pintar? RG: Empecé a pintar cuando era una niña

muy chica, de alrededor de 5 o 6 años. Mi interés en la pintura me llevó a elegir una escuela secundaria profesional y continuar con la educación artística en la Universidad. RA: ¿Cuántos años llevas de carrera artística? RG: Tengo un título en el Departamento de Pintura en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Gazi. Trabajé como profesora de arte durante 20 años y luego he estado trabajando en mi estudio desde 2009. Mientras pintaba va-

rias técnicas, comencé a pintar acuarela hace 4 años. Mi entrada en el escenario del arte como totalmente profesional sucedió hace 3-4 años, aproximadamente. RA: ¿Cómo fue tu llegada al mundo del arte? ¿Por qué empezaste a pintar? RG: Después de que me retiré de mi trabajo como maestra de arte, tuve la oportunidad de dedicar más tiempo a pintar y comencé a dar clases de pintura a varios grupos en mi estudio. Después de cambiar a la acuarela, esta téc-

RA: ¿Por qué elegiste la acuarela como técnica pictórica para expresarte? RG: También trabajé con otras técnicas pero, desde que conocí la acuarela, estoy encaprichada con ella. Mientras estoy trabajando con mis pinceles sobre papel puedo sentir el significado de un poema, la armonía de la música y la dinámica de la danza. Mientras trabajo con acuarela, desde el principio hasta el final, siento la misma emoción y siento que mi espíritu se relaja. Puedo sentir la satisfacción de una aventura que es rápida, emocionante y llena de sorpresas. Y todo eso lo puedo

sentir solamente con la acuarela. RA: ¿Qué otras técnicas dominas? RG: Óleo, carbón, pastel seco y técnicas mixtas. Con esas técnicas, participé en exposiciones grupales e individuales antes de pasarme a la acuarela. RA: ¿Qué motivos o elementos enconstramos en tus obras? RG: Mi intención principal es recordar la belleza de la naturaleza que, inevitablemente, se ha ido olvidando debido a la vida urbana y a los problemas que nos trae: los valores humanos perdidos y la enfermedad del consumismo. Las texturas y los detalles que utilizo en mi trabajo representan la vida natural y las conexiones que hay en ella. La transparencia del agua y los reflejos establecen la primera condición para cuidar

y comprender las criaturas de la naturaleza. Creo que hay cualidades ocultas en cada detalle que hacen que cada una de ellas sea especial. Es por eso que una roca entre cientos de rocas, una sola hoja entre miles de ellas puede expresar su propósito de existencia. Para mí, trabajar de forma realista es mucho más que pintar cómo se ven las cosas a simple vista. Necesito tener un vínculo emocional con cada tema de mi trabajo, me interesa dar la sensación de

serenidad a mis espectadores. Algunas de mis composiciones tienen más de un foco. Me gusta hacer que los espectadores se detengan por largos ratos, sorprendiéndolos con detalles inadvertidos cada vez que se acercan a ver mis obras. Creo que cada detalle cuenta para crear el buen lenguaje artístico que no necesita ser explicado. En mis pinturas hay, sobre todo, agua y reflejos, cielo y tierra, árboles, plantas, etc. Todo lo que constituye el ciclo de la vida. La armonía perfecta, la conexión, el compartir, la simpatía, el cuidado. Los recuerdos de lo que hemos abandonado y necesitamos desesperadamente encontrar de nuevo para obtener serenidad en nuestras almas.

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nica se hizo irremplazable para mí y con mi incursión en exposiciones internacionales, ingresé oficialmente en el mundo del arte.

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RA: ¿Cómo se puede definir tu arte en tres palabras? RG: Realista, detallado y transparente.

tura durante el día y deseo continuar, llevo mis materiales a mi casa y trabajo toda la noche en mi pintura.

RA: ¿Es difícil como mujer ser artista en tu país? RG: Creo que la vida es más difícil para las mujeres que para los hombres, por el simple hecho RA: ¿Cuánto tiempo llevas para de serlo, en todo el mundo. En crear una pintura de principio a mi país el hombre y la mujer son fin? iguales y en ambos sexos particiRG: Mis cuadros son detallados pan en la vida social. No tengo y tienen un estilo realista. Tengo problemas en la vida social o arque planificar la composición, tística de mi país.

el dibujo, los tiempos preliminares y estudiar los colores a usar. Algunas veces toma tres horas, a veces lleva tres días. Mi trabajo más largo tomó 5 días. GeneralÓleo, carbón, pastel seco y téc- mente, paso mis 3-5 horas para nicas mixtas. Con esas técnicas, pintar en un día. participé en exposiciones grupales e individuales antes de pasar- RA: ¿Tienes alguna manía o cosme a la acuarela. tumbre especial cuando pintas? RG: Me gusta pintar sola en el esRA: ¿Dónde te gusta pintar? tudio mientras escucho música RG: Me gusta mucho pintar en clásica y siempre hay una taza de mi estudio con música para escu- té al lado de mi trabajo. Incluso a char. Cuando no termino mi pin- veces me olvido de beberlo.

RA: ¿Crees, a partir de tu experiencia personal, que las personas pueden vivir del arte? RG: Desde mi punto de vista, creo que la definición de arte que se acepta y tiene lugar en el mundo de hoy se cuestiona con un nuevo punto de vista y se debe hacer una nueva definición. Hay un ambiente en el arte contemporáneo que excluye las habilidades y el talento y que no cumple con ningún criterio. No tiene sentido nombrar una situación donde no hay criterios definidos.v

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RA: ¿Qué colores hay en tu paleta? ¿Cuál es tu color favorito? RG: Todos los colores excepto blanco y negro. Mis colores preferidos son el azul ultramarino, el magenta, el marrón Van Dyke, el siena tostado, el rosa ópera, el viridian y el ocre amarillo. El azul ultramarino es mi color más utilizado y favorito en todas mis pinturas.

RA: ¿Cómo se puede combinar la vida familiar o personal con la vida de un artista? RG: Organizar el arte y la vida familiar requiere una planificación dura y buena para una mujer artista. Debe dedicarse a los asuntos de las compras, las relaciones con los miembros de la familia, la organización de la vida social y, finalmente, puede ponerse a pintar. Para una mujer, el trabajo intenso requiere el apoyo exitoso de los miembros de la familia. Mi esposo es mi mayor seguidor y asistente en este sentido.

RA: ¿Obtienes fácilmente los materiales artísticos que necesitas? RG: No suelo encontrar materiales profesionales en la ciudad donde vivo. Por lo general, compro desde otras grandes ciudades o en otros países por medio de internet.

RA: ¿Ha habido momentos en los que hayas pensado dejar de pintar y dedicarte a otra cosa? RG: No, porque además de la pintura tengo muchas cosas que hago y que me complementan. Estoy en mi estudio entre las 11 y las 18 horas todos los días de la semana, excepto los domingos, y doy clases tres días a la semana. Suelo hacer paseos por la naturaleza los fines de semana para alimentar mi alma y tomar fotos para mis pinturas y también dedico mi tiempo en escribir poesía, leer libros y coser mi propia ropa.

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RA: ¿Con qué frecuencia necesitas comprarlos? RG: Por lo mismo que no encuentro materiales con facilidad, trato de comprar en grandes cantidades. Desde que comencé a dedicarme de lleno a la acuarela, he comprado materiales unas 6 ó 7 RA: ¿Das clases de acuarela ac- veces. RA: Y si no estuvieras pintando, tualmente? ¿qué estarías haciendo? RG: Doy clases tres días a la se- RA: ¿Qué marca de acuarelas es RG: No me puedo imaginar mi mana a un número limitado de tu favorita? vida sin pintura, pero suponiénestudiantes en mi estudio. Debi- RG: Uso Winsor & Newton y tam- dolo, como tengo estudios en do a mis propias obras de arte y bién Schmincke. Diseño de Moda, probablemente mis responsabilidades personaestaría dedicada a ello, diseñado les, no tengo la posibilidad de ha- RA: ¿Y qué papel? disfraces o cosas así. También cerlo más, aunque probablemen- RG: Arches, Saunders Waterford, podría viajar más y visitar más lute en un futuro organice algo. Fabriano y Twinrocker. gares históricos, que me gustan.

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RA: ¿En qué formato usualmente pintas? RG: Por lo general, pinto en 35x56 cm y 56x76 cm. Mis temas favoritos son aquellas cosas que atrapan mi interés, las huellas de mi memoria de mi vida pasada, la belleza natural en su mayoría, aunque sustancialmente todo puede ser tema de mis pinturas. Piedras, hojas, peces que se ven en el agua, series de sauces solitarios, reflejos en el agua, retratos, bodegones y series de herrumbre, básicamente. RA: ¿En cuántas exposiciones has participado, aproximadamente? RG: En 8 individuales y en 35 exhibiciones grupales internacionales en EUA, China, Taiwán, Rusia, Eslovenia, Austria, Grecia, Francia, Australia, México, Serbia, Albania, Bulgaria y Corea. RA: ¿En este momento tienes obras en exposición? RG: Las próximas exposiciones que tengo programadas son: Melbourne Australia, enero de 2018; San Petersburgo, Rusia, febrero de 2018 y Taipei,Taiwán, mayo de 2018. RA: ¿Eres miembro de alguna asociación o grupo de acuarelistas? RG: No. Soy completamente independiente. No soy miembro de una asociación o grupo.

RA: ¿Cuál es la mayor satisfacción que tienes como artista? RG: Cuando la gente que no ve la ficha técnica o cartel en las pinturas, exclama: “Esta pintura pertenece a Rukiye Garip”. ¡Eso me hace muy feliz! También cuando las personas cuando ven mis pinturas, les evoca un sentimiento de calma, serenidad y paz. Y que mi nombre vaya asociado a ese sentimieto.

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RA: ¿Qué ventaja y desventaja crees que hay en pertenecer a asociaciones de artistas? RG: Pertenecer a una asociación también puede limitar su capacidad para moverte libremente además de las ventajas que este grupo le ofrece. La discriminación positiva hacia sus propios miembros por parte de las asociaciones a veces puede evitar que sean objetivos. Poder actuar sin las ventajas de un asociado y estar involucrado en organizaciones de importancia internacional nos permite medir nuestro propio lugar de forma más precisa y objetiva.

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como las vías de un tren, de objetos mundanos creados por la sociedad industrializada que forman parte de la realidad cotidiana y que casi nunca nos paramos a observar por desidia o por lejanía de nuestra zona de confort.

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Por Joaquín Puertas M.

sta obra se enmarca dentro del realismo y, en este caso concreto que nos ocupa, se caracteriza por la creación, en base a imágenes triviales

Sin duda, la artista quiere mostrarnos estos objetos para hacernos recordar en todo momento la importancia de lo real. El origen de este movimiento data de principios de los años 60 del siglo pasado y se debe sobre todo a la fotografía en la que prima el deseo de reproducir fielmente la realidad que nos rodea convirtiéndola en expresión artística.

El tren, las piedras, las vías ferroviarias, el pasado y el presente se aúnan en un conjunto que nos evoca recuerdos casi olvidados y oxidados que evolucionan con la tecnología pero que siempre formarán parte de nuestra memoria; en este caso, en forma de obra arte. Composición: La composición de esta acuarela es de formato casi cuadrado con diagonalidad intencionada. Quizá un poco asfixiada al límite del horizonte, aunque esto nos da pie a la imaginación permitiendo al observador imaginar qué hay cuando levantamos la vista. El motivo central de la obra, el carril

v Obra “Railway 2” 56 x 65 cm Artista: Rukiye Garip

TRAS LA ACUARELA la vía del tren está plasmada con precisión para, posteriormente, poder aplicar el color. No se deja nada al azar.

Técnica:

La zona más próxima al espectador, con la primera traviesa nos da la suficiente información como para creernos el resto del conjunto pictórico: la textura del hormigón, el carril metálico, las eclisas

En esta obra se observa la necesidad del dibujo previo realista, con gran detalle. Cada piedra del balasto, cada mancha, cada pieza que compone

El tratamiento de la atmosfera está realizado con maestría, dotando al conjunto de lejanía y profundidad al aclarar el fondo mediante lavados y dejando blancos en el papel para lograr esos niveles de contraste.

con su herrumbre tras el paso del tiempo, que manchan el horm i g ó n , etc. La luz, aparentemente escasa, domina toda la obra. El contraste entre zonas de luces y sombras nos lleva a iluminar la escena en su justa medida para resaltar esos detalles que normalmente pasan desapercibidos. La paleta de color es limitada en cantidad de colores, sienas y azules y un poco de tinta neutra, aunque no así en resultado cromático: el nivel de detalle cromático es suficientemente amplio para la obra.

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ferroviario queda patente pero va más allá mostrándonos en detalle las eclisas (sujeciones) a las traviesas de hormigón. Para darle un toque más humano, nos coloca ese papel arrugado que ha traído el viento o que un niño ha tirado por considerarlo imperfecto, ¿quién sabe por qué acabó ahí? ¿Es, quizás, un símbolo d e l a n i ñe z pe r di da o arrebatada?

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Libros

TEXTO E ILUSTRACIONES Luis Ruiz Padrón TRADUCCIÓN Josephine Watson EDITORIAL Gustavo Gili, SL LUGAR Y AÑO DE EDICIÓN España 2017 NO. DE PÁGINAS 64 págs. MEDIDAS 17 x 24.5 cm ENCUADERNACIÓN Rústica sin solapa ISBN 978-84-252-3004-2

LUIS RUIZ PADRÓN en éste, su cuarto libro, nos invita a recorrer uno de los sitios más emblemáticos de Andalucía y España, desde el punto de vista arquitectónico, histórico y turístico: la Alhambra. Apoyándose en los recursos y principios de los urban sketchers, todos los dibujos están realizados in situ y trabajados, posteriormente, con tinta y acuarela. Casi cincuenta dibujos conforman esta edición que se encuentra disponible en inglés y español en todas las librerías de España, en Amazon y en la página web de la editorial: www.ggili.com Para conocer más sobre el autor, visitar www.luisruiz.es

TALLER EN LÍNEA

CUADERNO DE VIAJE Joaquín González Dorao

ace unas semanas, Joaquín González Dorao impartió para nuestros lectores un taller en línea titulado “Creación de una doble página de un cuaderno de viaje”. Mediante fotografías, videos y asesoría personalizada, los participantes pudieron desarrollar su propia versión de la propuesta planteada: un viaje imaginario por las calles de Madrid, además de sus

Cuaderno de Madrid de Moira González

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Cuaderno de Córdoba de Ana Belén Martínez Sánchez

Cuaderno de Austin de Moira González

Cuaderno de Madrid de Ana Belén Martínez Sánchez

Cuaderno de Casares de Domingo Gil Delgado

Cuaderno de Madrid de Marie Lac REVISTA ACUARELA 51

propios registros personales de sus viajes. La buena noticia es que, a partir de ahora, quien deseé tomar este taller en línea podrá hacerlo sin importar la fecha de inicio ni el horario. Cada quien elige el lunes que más le acomode y durante cinco días podrá trabajar guiado en todo momento por Joaquín. Informes, programa del taller e inscipciones: revistaacuarela@gmail.com

TALLERES EN LÍNEA sin fecha específica de inicio

OR TUN ID ÚN ICA AD

Taller: “Paisaje a caballo” Imparte: Mauri Virtanen País: Ecuador Requerimientos: nociones de dibujo y conocimientos básicos de acuarela

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Taller: “Página doble de un cuaderno de viaje” Imparte: Joaquín González Dorao País: España Requerimientos: nociones generales de perspectiva

Taller: “Lluvia y agua en acuarela” Imparte: Yuli Castro Carranza País: México Requerimientos: conocimientos básicos de acuarela

Elige la semana que tengas disponible para dedicarte a trabajar en el taller de tu elección y comienza inmediatamente. Informes e inscripciones: revistaacuarela@gmail.com