Nº 163 MONDO SONORO JUNIO 2009

Junio de 2009 nº 163

MUSICAL, GRATUITA E INDEPENDIENTE

LOS DELINQÜENTES

NUEVA ÉPOCA THE HORRORS

MUTANTES ACTUALES

PHOENIX

Y ADEMÁS ESTE MES...

THE PAINS OF BEING PURE AT HEART • ESTEREOTYPO • IGLOO • ANNI B. SWEET • PLACEBO • TARÁNTULA • CAPSULA • THE NEW RAEMON • FEVER RAY WILCO • ANNTONA • THE SWEET VANDALS • JOLIE HOLLAND • PÜLSAR • CORAZÓN • SOUVENIR • TRAIL OF DEAD • 77 • JOAN MIQUEL OLIVER • MAXÏMO PARK

Más info en: www.mondosonoro.com

ENTRADAS AGOTADAS

OASIS

JUEVES 16

FANGORIA I GANG OF FOUR I GLASVEGAS KEVIN SAUNDERSON PRESENTS: INNER CITY LIVE MYSTERY JETS I TELEPATHE I THE WALKMEN

ALDO LINARES I ANNI B SWEET I LA BIEN QUERIDA I THE BISHOPS I CHRISTIAN SMITH THE CORONAS (IRL) I JUSTUS KÖHNCKE I NAIVE NEW BEATERS I NO REPLY I OBLIQUE I WE ARE STANDARD

KINGS OF LEON

VIERNES 17

CHRISTINA ROSENVINGE I COOPER I THE HORRORS JAMES HOLDEN I JAVIER CORCOBADO I MAGAZINE I MAXÏMO PARK NACHO VEGAS I PAUL WELLER I YUKSEK

BOYS NOIZE I FIGHT LIKE APES I GLASS CANDY I INFADELS DJ'S I JOE CREPÚSCULO I NUDOZURDO

FRANZ FERDINAND

SÁBADO 18

2 MANY DJ’S I ELBOW I FOALS I JOSELE SANTIAGO I THE JUAN MACLEAN LILY ALLEN I PEACHES I RUSSIAN RED I TELEVISION PERSONALITIES AEROPLANE I BELL X1 I DELOREAN I GUI BORATTO I L.A. I THE MIGHTY STEF I RATOLINES STEVE AOKI I TADEO I THE UNFINISHED SYMPATHY I THE WAVE PICTURES

THE KILLERS

DOMINGO 19

«RINÔÇÉRÔSE» I CALEXICO I CATPEOPLE I FRIENDLY FIRES I GIANT SAND HELL I LATE OF THE PIER I LAURENT GARNIER I PETER DOHERTY THE PSYCHEDELIC FURS I TV ON THE RADIO I WHITE LIES BIRDY NAM NAM I DAVID KITT I FLOW I KLAUS & KINSKI I LYKKE LI I POPOF Y MUCHOS MÁS...

ALMU

LA SUERTE HAY QUE BUSCARLA*

RAÚL

JOSÉ

GEMA

18 LLAMADAS* PERDIDAS

TENGO AGUJETAS DE TANTO BAILE*

FIBERFIB.COM

CORTOS-ARTE-MODA-TEATRO-DANZA-CURSOS ORGANIZA

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CON EL PATROCINIO DE

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HOY HE VISTO AMANECER* EN EL RECINTO

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PRODUCCIÓN

Visita las tiendas: Donostia c/Garibai, 11 Madrid c/Augusto Figueroa, 3 Madrid c/Espoz y Mina, 13 Zaragoza c/Pedro Maria Ric, 22 Valencia c/Martinez Ferrando, 3 Las Palmas c/Cano, 20 Barcelona c/Carrer del Rec, 71

MondoSonoro · Junio 2009 /5/

staff

sumario

The Horrors P.27

Los Delinqüentes P.29

XX

Coordinador general Sergio Marqués (sergio@mondosonoro.com) Coordinador publicidad Dani López (dani@mondosonoro.com) Coordinador editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com) Coordinador redacción Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Redacción Xavi Sánchez Pons (xavi@mondosonoro.com) Luis J. Menéndez (ljmenendez@mondosonoro.com) Mondoweb www.mondosonoro.com Coordinador contenidos web Xavi Sánchez Pons Diseño web Roberto Lorente (roberto@mondosonoro.com)

xx XX

Depósito legal DL-L-174/95 Impresión Rotimpres ◗ Edición estatal Redacción Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Publicidad Dani López (dani@mondosonoro.com) David Morell (david@mondosonoro.com) Tlf./Fax 933 011 200 Diseño gráfico y maquetación David Morgado (maquetacion@mondosonoro.com) ◗ Ed. Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) (andalucia@mondosonoro.com) Redacción Arturo García Publicidad Azahara Gozález Tlf./Fax 958 506939 ◗ Aragón (aragon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Rafa Angulo Tlf./Fax 976 388 892 ◗ Asturias-Cantabria Redacción/publicidad Asturias José Luis Quirós Tlf./Fax 985 17 22 86 (asturias@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Cantabria Ernesto Castañeda (cantabria@mondosonoro.com) Tlf./Fax 657 674 197 ◗ Illes Balears (baleares@mondosonoro.com) redacción/publicidad Pablo Ochando Tlf. 659 190 479 ◗ Catalunya (xavi@mondosonoro.com) Redacción Xavi Sánchez Pons Publicidad Itzbi Solís (itzbi@mondosonoro.com) Tlf./Fax 933 011 200 ◗ Com. Valenciana (valencia@mondosonoro.com) Redacción Raúl Serrador Publicidad Gemma Pinilla Tlf./Fax 963 220 026 ◗ Euskal-Herria (zarata@mondosonoro.com) Redacción Eli Ibarra Publicidad Eunate Saiz (607 66 20 55) Tlf./Fax 94 415 4551 ◗ Galicia-Castilla y León (galicia@mondosonoro.com, castillayleon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Carlos D. Landeira Tlf. 615 914 379

Phoenix P.30

The Pains Of Being Pure At Heart P.13

◗ Madrid (madrid@mondosonoro.com) Redacción Luis J. Menéndez Publicidad Luis Fernández M. Tlf./Fax 915 400 055 Colaboradores: Textos Adrián Santos, Arnau Sabaté, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Daniel F. Marco, Diego R. J., Francesc Feliu, Enrique Peñas, Fernando Navarro, Javi López, Javi Pulido, Joan Cabot, Jordi Nopca, José Manuel Cisneros, Joseba Vegas, Jorge Obón, Juan Alonso, Laura Fernández, Luis Argeo, Marcos Arenas, Miguel Ángel Sánchez Gárate, Mertxe V. Valero, Miguel Amorós, Nacho P.L., P. Muñoz, Robert Aniento, Toni Castarnado Fotografía Albert Jódar, Colectivo Anguila, Dani Cantó, Fernando Ramírez, Nacho Ballesteros

NOTICIAS

entrevistas

escaparate

6.Linda Mirada Proyecto sorpresa de Bart Davenport 7. Fabio McNamara y Glitter Klinik McNamara vuelve a lo grande

27. The Horrors juicios y prejuicios 29. Los Delinqüentes el duende de las garrapatas 30. Phoenix Paris la nuit

41. Anntona, Jollie Holland, The Sweet Vandals...

mondofreako 11. The Pains Of Being Pure At Heart 12. Placebo 13. Tarántula 14. Stereotypo 16. Igloo 17. Cápsula 18. Maxïmo Park 20. Annie B. Sweet 23. Fever Ray

“no sólo comparte la opinión de sus colaboradores sino que se acuesta con ellos, excepto con Borja Rosal porque canta como Germán Coppini”

Edita Sister Sonic, S.L. Aptdo. 21.022, 08080 Barcelona Tlf./Fax 933 011 200 E-mail mondo@mondosonoro.com

Conciertos 33. Cultura Urbana 35. Azkena 36. SOS 4.8 38. Lev Festival / Tremendo

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43.Wilco Disco del mes

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5 5 COPIAS DEL NUEVO DISCO DE

MENDETZ

“SOUVENIR”

57. Cine Eduardo Chapero-Jackson 58-59. Mondo Recomienda 61. Conexiones

mondoweb 62. Correo

/6/ Junio 2009 · MondoSonoro Linda Mirada Foto Alex Serrano

NOTICIAS

TAN cerca... ◗ SINGLE, proyecto de Teresa Iturrioz e Ibon Errazkin, vuelve a dar que hablar.

Con un nuevo disco a la vuelta de la esquina, los dos ex Le Mans publican un single de título “Mr. Shoji”, con la canción titular en la cara A y una versión instrumental de la misma en la cara B. Publica Elefant y se encarga de la portada Javier Aramburu. ◗ COHETE publican el que será su primer álbum. Doce canciones de pop surrealista en castellano que beben de Jonathan Ritchman y XTC. El disco, autoeditado, se titulará “Cohete” y será distribuido por Nuevos Medios a partir del próximo 14 de junio. ◗ ANTONIO VEGA, una de las leyendas del pop español gracias a sus años dorados en Nacha Pop y a una carrera en solitario más que respetable, falleció el pasado 12 de mayo a los 51 años de edad a causa de un cáncer de pulmón. ◗ Ya está en las tiendas la primera referencia de DOBLE VIDA, un sello catalán que sólo editará discos de vinilo en siete pulgadas compartidos siempre por un grupo nacional y otro foráneo que presentarán, además, canciones inéditas. El primer single de Doble Vida es un split de EXTRAPERLO y de los neozelandeses THE RUBY SUNS. ◗ LA BIEN QUERIDA entrará en el estudio a grabar nuevamente de la mano de David Rodríguez un Ep de cuatro canciones. La grabación promete tener un acabado más “rockero” que la del disco, y la propia Ana Fernández-Villaverde nos ha confirmado que les dará a las canciones “un aire krautrock, a lo Neu!”.

Está previsto que lo publique en Elefant el próximo otoño.

TAN lejos... ◗ RIVERS CUOMO, líder de Weezer, acaba de poner en circulación un DVD en directo titulado “Not Alone-Rivers Cuomo & Friends Live At Fingerprints” que incluye una actuación grabada en una tienda de discos de Long Beach en California y diversos extras.

Las canciones que interpreta Cuomo en este DVD también se pueden adquirir en un EP del mismo título.

Linda Mirada, un proyecto sorpresa En ocasiones, el mundo de la música pop nos obsequia con alguna sorpresa fura de lo común. Eso es precisamente lo que supone “ China es otra cultura” (La Cooperativa/Nuevos Medios, 09), obra creada por la española Ana Naranjo con la ayuda del trovador soul pop Bart Davenport.

A

veces uno tiene que reconocer que es un bocazas y punto. Las canciones de Linda Mirada me parecieron inocentes en una escucha rápida y superficial, pero sólo había que dedicarles el tiempo suficiente para engancharse a unos temas que han salido a la luz por el mero gusto de grabarlos. “Tenía una maqueta desde hace seis años y quería terminarla. Al principio empecé a componer con un amigo y después con un programa muy sencillo del Mac. No tenía idea de hacer nada, pero es lo que le digo a mi padre: ‘hay gente que a mi edad estudia un máster, pues yo quiero grabar un disco’”.

Tres puntos por la actitud para Ana Naranjo. Ella se lo guisa, ella se lo come, fiel a la verdad absoluta de “solo no puedes, con amigos sí”. “El año pasado vino Bart Davenport a tocar y le comenté que no sabía qué hacer con la maqueta. Él ya la

había escuchado, le apetecía grabarlo y me decidí a hacerlo. Ahora autoproducirte es algo cool, pero antes era de grupo maquetero que no sale adelante”. La tecnología estaba de su parte y por el clásico método de ensayo y error dio forma a unos temas en los que la presencia del synthpop y la espontaneidad del indie de los ochenta es un aliciente junto a letras sin mayores pretensiones que contar sus propias historias sin ningún complejo son su punto fuerte. “He compuesto la mayoría al piano y a la guitarra, aunque no toco demasiado bien. Cuando aprendí a grabar lo hacía básicamente todo con sintetizadores y si tenía que meter una guitarra lo hacía yo misma.

Hay muchas cosas que son plug-ins. Cuando empecé fue como un vicio, es como cuando te enganchas a un videojuego”. Otro triple por la sinceridad, porque casi nadie reconoce estas cosas,

Se presenta el libro póstumo de Sergio Algora

◗ THE STONE ROSES celebran el veinte aniversario de su disco de debut reeditándolo en una edición de lujo plagado de extras y de memorabilia. “The Stone Roses” estará disponible a partir del 11 de agosto en tres formatos diferentes que incluirán disco de caras B, demos, un libreto de cuarenta y ocho páginas con textos de Mark Ronson, Bobby Gillespie, Noel Gallagher… ◗ Los pioneros del metal gótico PARADISE LOST publican sus maquetas oficialmente en un CD titulado “Drown In Darkness-The Early Demos”. Estas crudas grabaciones están acompañadas de seis canciones en directo del bootleg “Plains Of Desolation”. Todos los temas han sido remasterizados digitalmente y la edición será estrictamente limitada. ◗ PAUL BANKS, conocido por ser el cantante y guitarrista de INTERPOL, editará el 4 de agosto su primer disco en solitario bajo el alias de Julian Plenti.

El álbum, titulado “Skyscraper”, será editado por Matador. ◗ VAN SHE editan “Ze Vemixes”, un disco de remezclas en el que ellos mismos (bajo su alias como remezcladores, Van She Tech) reinventan canciones suyas como “Strangers”, “Cat & The Eye” o “Changes”. El álbum se publicará como CD extra en una nueva edición de “V”, su último trabajo, en unos meses o como descarga digital un poco antes. n

que por otra parte, hacemos todos. Más complicado será ver a Linda Mirada encima de un escenario.

“Quisiera que fuera algo chulo, no ir yo sola con las bases programadas. Además tengo bastante pánico escénico. Jamás he tocado en directo y siempre me había gustado la idea de un grupo fantasma como The Archies o La Casa Azul. Preferiría ser la canción del verano a ser cabeza de cartel en un festival”. Poco a poco, sin hacer ruido, “San Valentín” empezó a circular por los blogs y descubrimos una canción con la que hasta un gafapasta podría bailar. “La pincharon en Siglo XXI y abrí un MySpace con la excusa. Empezó a tener un montón de visitas y me escribieron Anorak preguntándome si podían hacer una remezcla. Me gustó mucho, porque es pop de sintetizadores en la línea de los primeros discos de Depeche Mode o de Yazoo. Me encantaría editarla en vinilo, porque tengo muy en la cabeza el concepto de maxi-single de los ochenta. El problema es que eso es caro y no sé si me los voy a comer.

El disco, distribuido por Nuevos Medios, lo voy a sacar bajo un sello ‘fantasma’ que se llama La Cooperativa”. ■ Javi Ruiz

Marc (Dorian) y Mendetz Foto Jorge Obón

Heineken celebra el Día de la Música El domingo 21 de junio se celebra el Día de la Música Heineken, que en esta ocasión organizan conjuntamente Heineken y Radio 3. Para esta edición, la más ambiciosa de cuantas se han celebrado hasta la fecha, se ha juntado a los nombres más destacados del panorama alternativo español para una serie de sorprendentes duetos que presentarán en directo -de forma completamente gratuita- en diferentes ciudades del territorio español y que, como guinda, verán la luz en un disco que se regalará posteriormente. En Madrid las bandas confirmadas hasta el momento para actuar en el Matadero el día 21 son Vetusta Morla, Christina Rosenvinge, Catpeople, Lori Meyers, Cuchillo, Klaus & Kinski, Extraperlo, Julio De La Rosa, Nudozurdo, Mendetz, Russian Red, The Sunday Drivers. En Barcelona el escenario estará en la Plaza de la Odisea (Maremagnum) con Inhabitants, Remate, Templeton, Alondra Bentley, Christina Rosenvinge y Vetusta Morla. En Valencia (Sala The Face) estarán La Bien Querida y Manos De Topo. Y en Orense (Campus Universitario) Tachenko, The Requesters, L.A. y Lori Meyers. n

Raúl Usón, editor de Xordica presentaba, en el zaragozano Bar Bacharach que regentase el desaparecido artista, “No tengo el placer”, el libro póstumo de Sergio Algora (El Niño Gusano, La Costa Brava). Además se reedita su anterior manuscrito, el titulado “A los hombres de buena voluntad”. Algora nos ha dejado en esta obra historias que van desde un universo canalla hasta la muerte, pasando por enormes dosis de humor, ironía y el preciosismo al que nos tenía acostumbrado. Todo un regalo que no esperábamos, aunque supiera que Algora seguía trabajando en nuevas historias, que nos llega a poco más de un mes de cumplirse el primer aniversario de la desaparición de una de las mentes más brillantes de la cultura del pop de este país. Info: www.xordica.com

Sergio Algora Foto Mertxe Valero

Glitter Klinik Foto Archivo

MondoSonoro · Junio 2009 /7/

NOTICIAS

festivales

Konono Nº1 Foto Archivo

◗ Cruilla de Cultures Festival de música eminentemente étnica (con alguna incursión en el pop) que se celebra en Mataró entre el 2 y el 18 de julio.

Por allí van a desfilar una pléyade de artistas como Konono Nº1, Hugh Masekela, The Wailers, Taj Mahal, Jaime Roos, Manel, Joan Miquel Oliver, Los Chichos, Los Delinqüentes, Flowklórikos, Rafael Lechowski, Emeterians, Black Ghandi, Raynald Colom, Tribukada, Alma Afrobeat Ensemble, La GigoElectro Brazz, Che Sudaka y otros. www.cruilladecultures.com

La Habitación Roja Foto Archivo

La Habitación Roja, reediciones con extras Si La Habitación Roja no están en la primera división de la música nacional es porque somos un país de panderetas sin electrificar, no por falta de canciones. A través de seis discos de estudio, quince Ep’s, una recopilación de temas inéditos e infinidad de conciertos desde que en 1994 editaron su primera referencia (“Popanrol”, Grabaciones en el Mar) han creado un universo costumbrista de perdedores solitarios, amores que duelen y estribillos (casi siempre) demoledores. A la espera de su séptimo álbum, previsto para septiembre, Mushroom Pillow reedita sus cuatro primeros trabajos en edición de lujo. Sin duda la etapa más pop (1998-2003) de los valencianos, antes de que Steve Albini puliera detalles en la voz y la batería acercando la potencia del directo a unos discos a los que el sonido no hacía justicia. Con nuevos diseños a partir de una excelente sesión de fotos realizada por Chus Antón en Noruega, cada uno de los álbumes viene acompañado de un segundo CD con canciones inéditas, maquetas y caras B de la mayoría de sus numerosos Ep’s. Cuatro conciertos especiales –Madrid, Valencia, Zaragoza y Marbella, de 18 al 21 de junio- con repertorio de estos discos serán el broche de una reedición más que recomendable. ■ J. Batahola

Ojos de Brujo Foto Archivo

Fabio McNamara y Glitter Klinik, juntos y revueltos Ocho años han pasado desde que Luis Miguélez, ese creador de espíritu chochirenacentista, publicara junto a Fabio McNamara, la marica más viperina de todas las que parió la movida, el que muchos consideran como uno de los mejores discos de glam rock en español, “Rock Station” (Tacones Altos/Boozo, 00). Ahora vuelven en “Bye Bye Supersonic” (Algoenblanco, 09).

“

The Right Ons Foto Anguila

La UFI sigue batallando

fección con todo tipo de programaciones (en las que se nota la residencia teutona) iluminadas por las letras de Fabio. “Somos rápidos a la hora de entrar en acción, llegamos al orgasmo con facilidad y repetidas veces. Nosotros grabamos todo lo que se nos ocurre desde el primer momento que empezamos a trabajar en una canción”. Así lo demuestran cortes como ‘El Gran Caracán’, sentido homenaje a Kimera Nakachian, aquella princesa asidua de las fiestas de la jet set marbellí y famosa cantante de ópera hoy en horas bajas, “Kimera es otra mera coincidencia en nuestras vidas , apareció mientras estábamos charlando y tomando un café y al final se convirtió en la inspiración de la canción ‘El Gran Caracán’, aunque tengo que señalar que en la letra no está claro de que Kimera hablamos”; ‘España es diferent’, petardada folklórica con cara de paella que “refleja lo que para los extranjeros sedientos de sol y diversión significa España, hemos jugado con el wachi wachi y los tópicos como el jamón, el torero, gitana y olé...” o “Chica de la Calle 32”, una canción detrás de la que “no hay ninguna persona en especial, habla de las chicas de la calle, de las que se hacen la calle y cualquiera puede sentirse libre de identificarse con ella”. ■ Estela Aparisi

Î

La UFI (Unión Fonográfica independiente, asociación que agrupa a los principales sellos del sector independiente español) celebrará el día de la música (21 de junio) por séptimo año consecutivo de la mano de la cadena de tiendas Fnac. Y lo hará en seis ciudades diferentes. La programación más ambiciosa de todas, la que tendrá lugar en Madrid, no ha sido confirmada a la hora de escribir estas líneas, así que os tocará estar al tanto de la página web de la UFI (www. ufimusica.com) para conocerla. Lo que sí está claro a estas alturas es el cartel de las otras cinco ciudades, que queda tal que así: en Málaga Sr. Chinarro, The Right Ons y Scud Hero; en Marbella La Habitación Roja, Hablando En Plata y Ledatrés; en Bilbao La Banda Trapera Del Río, Esne Beltza y Los Punsetes; en Murcia Cooper, Pájaro Sunrise y Pigmy; y en Sevilla los que compartirán escenario son Francisco Nixon, La Macanita y Tokyo Sex Destruction. Los conciertos, como en años anteriores, serán totalmente gratuitos. ■

Ese disco ha dado muchas satisfacciones a muchas personas y ha traspasado fronteras por lo cual es un orgullo”, comenta Miguélez.

Poco ha cambiado desde entonces, unas cuantas arrugas de más, un estudio de grabación propio perfectamente equipado con los últimos gadgets electrónicos y un grado de misticismo desconocido que les acerca, así budísticamente, a la perfección y el conocimiento (que ya son muchos años).

“Seguimos siendo puros, castos y casi vírgenes. El misticismo es un lado que nunca habíamos mostrado anteriormente”. ¿Algo que juega a su favor o se vuelve en su contra? La cuestión es que vuelven al tajo con discursos igualmente frívolos (“para muchos es frivolidad y para otros es una forma de vivir”) y descarados en “Bye Bye Supersonic”.

“Una mezcla de muchas vidas guardadas en sarcófagos de amor”. Nada más y nada menos que veinte canciones (trece actuales y siete recuperadas de maquetas del 99) en las que “todo es espontáneo y no hay normas. La inspiración llega en cualquier momento, hablando por teléfono, leyendo una revista, en un taxi... Hay veces que grabamos muchas cosas con unos ritmos y después se los cambio, hay veces que la canción sale de un riff de guitarra y otras veces de una frase que se nos ocurre”.

Aquí encontramos los guitarrazos rockeros habituales de Miguélez que casan a la per-

Más información en: www.mondosonoro.com

◗ Caixa Sabadell Etnival La ciudad de Girona acogerá durante los próximos 18, 19 y 20 de junio el Caixa Sabadell Etnival, concretamente en su quinta edición, un evento centrado por encima de todo en la música de raíces, sean del flamenco, la rumba o la música balcánica.

Actuarán de forma totalmente gratuita (excepto el concierto de Raimundo Amador del jueves 18) artistas como La Troba KungFú, Ojos de Brujo, Shantel & Bucovina Club Orkestar, Balkan Beat Box, Xazzar... www. obrasocialcaixasabadell.org/etnival

Maceo Parker Foto Archivo

◗ Pirineos Sur La decimoctava edición de uno de los festivales más veteranos y con más solera en nuestro país se celebrará del 9 al 26 de julio en el Auditorio Natural de Lanuza y Sallent de Gallego (Huesca). Allí podremos ver entre otros a 17 Hippies, Shantel & Bucovina Club Orkestar, Eli ‘Paperboy’ Reed, Marianne Faithfull, Willie Colon, Dirty Dozen Brass Band, Fez City Clan, Hip Hop Roots, The Wailers, Rap’Susklei, Taj Mahal, Maceo Parker, Omara Portuondo, Pablo Milanés, Ojos de Brujo... www.pirineos-sur.es

Hablando en Plata Foto Archivo

◗ Zaragoza Ciudad El Zaragoza Ciudad vuelve durante los días 3 y 4 de julio en Las Playas del Ebro siempre con la rima y los ritmos gordos como nexo de unión. Y es que hay pocas ciudades en la que se respete y se disfrute tanto el rap como en Zaragoza. Se han confirmado los nombres de Rap’susklei, Xhelazz, Violadores del Verso, SFDK, Hablando en Plata, Dj Premier y Blaq Poet. www.zaragozaciudad.com ■

festivales 2009 ❱〉 BBK Live,

❱〉 Derrame Rock,

grandes nombres

y van catorce

Uno de los grandes eventos en directo de cuantos se celebran en nuestro país. Este año en un más difícil todavía, cuentan con Depeche Mode como reclamo principal, pero el resto de la programación está lejos de cojear…

Basement Jaxx, Editors, The Ting Tings, Vetusta Morla, The Gaslight Anthem, Motor, Laín el jueves 9 de julio, el viernes 10 Jane’s Addiction, Kaiser Chiefs, Dave Matthews Band, Chris Cornell, Babyshambles, Supergrass y El Columpio Asesino. Y el sábado 11, Placebo, Primal Scream, Fischerspooner, Cycle y Ama Say. www.bilbaobbklive.com

Editors Foto Archivo

The Wedding Present Foto Archivo

❱〉 El Contempopránea

completa su parrilla Con la incorporación de la formación sueca de pop Lacrosse y de La Bien Querida, se cierra definitivamente la selección de artistas que completarán el cartel del festival Extremadura Contempopránea que se llevará a cabo durante los días 23, 24 y 25 de julio en Alburquerque (Badajoz). Actuarán The Yellow Melodies, Lentejas Los Viernes, Vetusta Morla, Catpeople, La Buena Vida, Ellos, Cooper, La Bien Querida, Cola Jet Set, The Wish, The Wedding Present, Lacrosse, Russian Red, Sidonie, Love Of Lesbian, We Are Standard, Half Foot Outside... www.contempopranea.com.

Como cada verano, llega el Derrame Rock. Con el apoyo de Sennheiser e incluyendo el proyecto Derramidea y un concurso de maquetas, el festival reunirá durante los días 10 y 11 de julio en el Recinto Deportivo de Agones (Pravia, Asturias) a una larga lista de artistas de rock tanto estatales como internacionales. Entre ellos Koma, Burning, Avalanch, Def Con Dos, Gatillazo, Boikot, Habeas Corpus, Rosendo, Hamlet, Sex Museum o Uzzhuaïa; entre los extranjeros, Gamma Ray, Kreator, Turbonegro, Soulfly o Backyard Babies. www.festivalderramerock.com

Backyard Babies Foto Archivo

❱〉 Más nombres para el

❱〉 Quince años de

FIB Heineken

Monegros Desert Festival

Del 16 al 19 de julio, el FIB Heineken o Festival Internacional de Benicàssim celebrará sus quince años de trayectoria defendiendo géneros como el indie, el brit pop, la indietrónica o incluso el techno. Aunque todo el mundo conoce ya a los principales cabezas de cartel del evento (Oasis, Kings Of Leon, Franz Ferdinand y The Killers), el goteo de nombres que se suman al cartel no ha parado en ningún momento, pese a tener ya todas las entradas agotadas.

Entre los artistas que se han dado ha conocer en las últimas semanas podemos citar a Kevin Saunderson, Telepathe, James Holden, Corcobado, Glass Candy, The Juan Maclean, Delorean, The Wave Pictures, <Rinôçérôse>, Calexico, Pete Doherty o Birdy Nam Nam. www.fiberfib.com

The Killers Foto Archivo

Cradle Of Filth Foto Archivo

❱〉 Kobetasonik,

metal on metal Los aficionados al metal tienen una cita ineludible en el Kobetasonik, un festival en el que se darán cita buena parte de los grandes nombres del estilo y que se celebrará el viernes 19 y el sábado 20 de junio en en el recinto Kobetamendi de Bilbao. El viernes el cartel lo componen Marilyn Manson, Machine Head, Journey, Trivium, Cradle of Filth, Suicidal Tendencies, Catedral, Hot Leg (ex The Darkness), Devildriver, Gojira, Crucified Barbara, Idi Bihotz. Al día siguiente será el turno de Mötley Crüe, Dream Theater, In Flames, Thin Lizzy, Anthrax, Hatebreed, Papa Roach, Dragonforce, Buckcherry, God Forbid, Lauren Harris y Ekon. www.kobetasonik.com

Incluso si eres uno de los asistentes habituales al Monegros Desert Festival, esta edición no va a ser como las demás.

Y es que el próximo sábado 18 de julio Fraga, en Huesca, va a acoger ni más ni menos que la edición número quince de este completo y masivo evento dedicado en cuerpo y alma a la música electrónica y a sonidos limítrofes. Entre los nombres más destacados encontrarás los de Orbital, Carl Cox, Dave Clarke, Vitalic, Richie Hawtin, Ricardo Villalobos, Luciano, Sven Väth, Crookers, Tiga, Ben Sims, Technasia, Josh Wink, Cristian Varela, Brodinski, Marco Carola o Dj Hype. Y ampliando la paleta estilística, se les sumarán propuestas como Nach, Calle13, Tego Calderón, Toteking Band o 3 Monos. www.monegrosfestival.com

Carl Cox Foto Archivo

❱〉 Ribagorza Pop Festival

❱〉 Metallica y compañía en el

x

Sonisphere

Cuarta edición que tendrá lugar en la localidad aragonesa de Graus, a los pies de los Pirineos, entre el 25 y el 27 de junio. Con buena parte del cartel aún por confirmar, sí que podemos deciros desde ya que el primer día estarán actuando allí Manel; que un día después, el viernes 26 está confirmada la presencia de Bigott, El Niño De La Hipoteca, Raimundo Amador, Krakovia, Los Delinqüentes y El Columpio Asesino; y que el sábado 27 será el turno de Acetileno, Coti, Love Of Lesbian, Tako y Cistitis & The Pajer. Permanece al tanto de las novedades en la página web www.ribagorzapopfestival.com

Krakovia FotoArchivo

Animal Collective FotoArchivo

❱〉 Sónar, electrónica

y todo lo demás Hemos hablado ya en varias ocasiones de la programación del Sónar de este año, que se celebrará durante los días 18, 19 y 20 de junio en diversos escenarios (CCCB, MACBA, Fira Gran Vía 2). Los nombres principales ya están claros, desde Orbital a Grace Jones, pasando por Animal Collective, Carl Craig, Jeff Mills, Alva Noto, James Murphy & Pat Mahoney, Crystal Castles, Late Of The Pier, Buraka Som Sistema, Fever Ray, Ebony Bones o Konono Nº 1. Lo que ahora se suma dentro de su programación (el domingo 21) es el Sónar Kids con la participación de una larga lista de artistas visuales (como Jordi Labanda o Yuri Suzuki) y músicos (Laurent Garnier, Griffi, La Mala...). www. sonar.es y www.sonarkids.com

Aunque habrá algún despistado que seguirá considerando que el Sonisphere es la nueva gira de Metallica, lo cierto es que sus compañeros de viaje andan pisando muy fuerte, trepando y subiendo posiciones en el escalafón de leyendas del metal moderno. El próximo 11 de julio en el Parc del Fòrum de Barcelona, Ulrich, Hetfield, Hammett y Trujillo desplegarán su indudable potencial y lo harán después de que otros ilustres del rock duro estadounidense como Slipknot, Machine Head, Down, Mastodon y Lamb Of God nos hayan dejado sin aliento, o de que Soziedad Alkohólika y The Eyes hayan ayudado a calentar a la audiencia como es debido. www.sonispherefestivals.com.

Metallica FotoArchivo

The Divine Comedy Foto Archivo

❱〉 Absolut Faraday 2009,

indies en la costa Siempre que nos referimos al Absolut Faraday acabamos haciendo hincapié en el bonito y calmado escenario de Vilanova i la Geltrú, lo cual puede ser injusto si atendemos a los esfuerzos por darle forma a un cartel interesante. Durante los días 3, 4 y 5 de julio, podremos disfrutar con, entre otros, Manel, The New Raemon, Joe Crepúsculo, Dorian, Half Foot Outside, Extraperlo, Charades, Margarita, The Lions Constellation, The Divine Comedy, 1990’s, The Leisure Society, Boat Beam.... www.faraday.tv.

Napalm Death Foto Archivo xxxxxxxxxx Foto Archivo

❱〉 Metal contemporáneo

en el Piorno Rock Con una clara apuesta hacia los sonidos más actuales del rock duro, el festival Piorno de Granada busca convertirse en la cita más importante de Andalucía para los seguidores de los sonidos extremos. Bandas precursoras en el metal contemporáneo como Soulfly, Napalm Death, Brujería, Entombed o The Haunted, se unen a formaciones en claro auge como Caliban o Dagoba en un cartel de una décimo quinta edición prometedora (la mayoría actúan por primera vez en el sur de España). En el apartado nacional Hora Zulú, Demiurgo, Xkrude, Brutal Thin y Hormigón. El 6 de junio en el Recinto Ferial de Pinos Puente (Granada). www.myspace.com/festivalpiornorock

Nacho Vegas Foto Archivo

❱〉 Sonorama,

un verano distinto No todo van a ser playas en agosto. También existen zonas en las que disfrutar de excelentes paisajes y mejor música. El Sonorama Ribera es un ejemplo.

Se celebra durante los días 13, 14 y 15 de agosto en Aranda de Duero (Burgos) y además de conciertos se programan catas de vinos, almuerzos en bodegas y muchas cosas más igualmente interesantes. Podrás disfrutar de nombres fundamentales para la música de nuestro país, desde Vetusta Morla a Nacho Vegas, pasando por Loquillo, Kiko Veneno, Mala Rodríguez, La Habitación Roja, Dorian, Sr. Chinarro, Lagartija Nick, Catpeople, We Are Standard, The Unfinished Sympathy, Manos de Topo, Second, Depedro o Elastic Band www.sonorama-aranda.com.

MONDOFREAKO

The Pains Of Being Pure At Heart Foto Archivo

MondoSonoro · Junio 2009 /11/

The Pains Of Being Pure At Heart

CORAZONES ENVENENADOS La banda indie pop del momento viene de Brooklyn y ha entregado uno de esos discos que valen un potosí. “The Pains Of Being Pure At Heart” (Houston Party, 09) es todo un caramelo envenenado repleto de canciones para el recuerdo.

A

toda escena pasada le llega el revival y desde hace unos meses le ha tocado al shoegazing y al C-86, dos corrientes musicales que dieron brillo al pop independiente durante la segunda mitad de los ochenta. The Pains Of Being Pure At Heart son, sin duda, el grupo que mejor ha sabido revivir la esencia de ese pop ruidoso, saltarín y nervioso que tantas alegrías nos brindó y nos ha brindado a lo largo de los años. Más C-86 que shoegazer, el cuarteto de Brooklyn sabe muy bien de dónde viene, y ha construido su discurso mirándose en el espejo de bandas señeras del estilo como The Vaselines, The Pastels, Black Tambourine, Talulah Gosh, The Wedding Present (con los que giraron hace unos meses) o The Field Mice. (Kip Berman, guitarra y voces) “Me encantan The Pastels y también mucho The Vaselines. Como muchos adolescentes norteamericanos descubrí a The Vaselines gracias a Kurt Cobain. A partir de ahí, empecé a investigar sobre otras bandas parecidas y Glasgow estaba llena de ellas, grupos como Teenage Fanclub, Strawberry Swichblade, Orange Juice y Belle And Sebastian. Sé que son grupos de épocas diferentes, pero excepto Belle And Sebastian, ninguna de esas bandas ha sido contemporánea a mi juventud, así que las

aprecio como una versión idealizada, fuera del tiempo, de la ciudad de Glasgow”. (Peggy Wang, teclista y voces) “Soy fan de The Wake, The Close Lobsters, Bubblegum Splash!, The Rosehips… Adoro toda la colección de ‘Sound Of Leamington Spa’. Son unos geniales recopilatorios con desconocidas bandas escocesas y británicas de los ochenta. Kurt y yo estamos muy metidos en ellas. También hay un montón de grupos que sacaron

del C-86, pero no creo que tengan la patente absoluta de las buenas canciones. Lo que quiero es escuchar buenas canciones pop a las que pueda sentirme cercana, y creo que nuestras canciones emocionan porque son muy próximas, sobre todo en ese sentimiento de no encajar”. (Kip Berman) “Honestamente, no somos unos nostálgicos de esa época. Somos americanos y para nosotros sería ridículo buscar redimir un género que estaba tan relacionado con las experiencias de los adolescentes británicos creciendo en la era de Thatcher”. Otro de los valores añadidos de los neoyorquinos es su condición de caramelo envenenado. Detrás de su look amable y de su pop saltarín, se esconden unas oscu-

“Siempre me han gustado las canciones bonitas sobre cosas desconcertantes” un par de Ep’s o una canción en un recopilatorio aquí y allá que son demasiados para poner aquí, pero estoy muy metida en todo el pop lo-fi”. Ahora bien, si por algo destaca el cuarteto norteamericano dentro de todo este revival es por dar un nuevo aire a toda esa escena que recupera. Las excelentes canciones de su debut son mucho más que simples ejercicios de estilo, son, más allá de sus deudas, toda una celebración de los estribillos soñados, de los coros inspiradísimos y de la distorsión pop de ley.

(Peggy Wang) “Adoro a las bandas de la era

rísimas letras que hablan sobre el incesto o el suicidio, con una buena dosis de la angustia postadolescente más autodestructiva. (Kip Berman) “Siempre me han gustado las canciones bonitas sobre cosas desconcertantes. Sólo queremos ser una banda de pop, y sólo podemos cantar sobre cosas que sabemos y que hemos experimentado”. De ese contraste surgen unas piezas capaces de cortar la respiración, verdaderas gemas de pop emocional que enganchan desde la primera escucha. Sirva de ejemplo una canción como “A Teenager In Love”,

que detrás de su pop preciosista, casi celestial, a la Holiday (banda señera, también de Brooklyn, del indie pop de los noventa) esconde una historia sobre un adolescente heroinómano. (Peggy Wang) “Oh sí, me encantan Holiday. Los solía pinchar en el programa de radio que tenía en la universidad. Mi canción favorita es ‘Obviously Love’. No formaban parte de ninguna escena, pero cualquiera que estuviera metido en el indie pop norteamericano de finales de los novena era fan suyo”. Por último, hay que destacar la facilidad con la que Brooklyn, hogar de The Pains Of Being Pure At Heart, alumbra grupos indispensables dentro del indie pop más exquisito. Una lista en la que tienen cabida The Essex Green, The Ladybug Transistor, Holiday, Vivian Girls… (Kip Berman) “Me encantan Crystal Stilts, y Gary de Ladybug Transistor es amigo nuestro. Mis otras bandas favoritas de Brooklyn en este momento son Knight School, Chairlift, Zaza, Cause Co-Motion, Vivian Girls y The Depreciation Guild (esta última es la increíble banda de Kurt, nuestro batería)”. (Peggy Wang) “Soy fan de Crystal Stilts y Cause Co-Motion. Hace unas semanas vimos a una banda llamada Sisters que están muy bien. Gary de Ladybug está en otra banda llamada Still Flyin’ que son muy divertidos de ver en directo”.

■ Xavi Sánchez Pons “The Pains Of Being Pure At Heart” está publicado por Houston Party. The Pains Of Being Pure At Heart ESTARÁN EN el ESTRELLA DAMM PRIMAVERA SOUND

(MONDOFREAKO /12/ Junio 2009 · MondoSonoro)

Placebo Foto Joseph Llanes

Placebo

Alegría oscura “Battle For The Sun” es la luminosa respuesta a ese ¿qué ha sido de Placebo? que todos nos hemos preguntado alguna vez. Al menos, tan luminosa como pueden serlo ellos, que no es mucho, pero en vista de los resultados, no es poco. Placebo creen en la vida, en las oportunidades y, sobre todo, en ellos mismos. Pero que nadie espere panderetas. Aquí la alegría es esquiva y oscura. Como siempre, pero con futuro.

S

tefan Olsdal, bajista y miembro fundador de la banda está contento, y si una no hubiese escuchado antes el álbum culpable de esta entrevista, podría llegar a pensar que está hablando con el líder de una banda de power pop. No es el caso, pero tras la decadencia y casi desaparición como grupo que supuso el final de gira de “Meds”, no deja de resultar excitante escuchar a alguien como Stefan hablar de renacimiento, ganas e ilusión. “Durante la última gira Brian (Molko) y yo sentimos que sólo éramos una banda en nombre.

No había alegría ni comunicación y así es imposible avanzar o componer. Teníamos que hacer algo y la solución pasó por un divorcio con nuestro batería”. Se refiere a Steve Hewitt, miembro de la banda desde 1996 y al que ahora sustituye Steve Forrest, un chaval de California de apenas veintidós años que parece ser una de las claves de este renacimiento.

“Steve es muy joven y está viviendo ciertas cosas por primera vez como grabar un

disco, salir en la tele o dar una gira delante de mucha gente, así que todo lo hace con mucha emoción. Sin embargo ¡Brian y yo llevamos haciendo esto desde hace quince años! Steve nos da la energía y la alegría de alguien joven y está resultando muy positivo para nosotros”. Un cambio al que se unen otros como el hecho de que grabasen el disco sin una compañía a sus espaldas, con la libertad añadida que esto supone, o la elección del productor Dave Bottrill, conocido por su trabajo con Tool, y la de Alan Moulder (My Bloody Valentine, Smashing Pumpkins) en las mezclas. “Esta vez decidimos trabajar con gente con más experiencia y más éxito y estamos encantados con el resultado. Alan, por ejemplo, consiguió mezclar exactamente el sonido que teníamos en la cabeza. Suena fácil pero es toda una ciencia”. Finalmente, una suma de condicionantes que han hecho posible “Battle For The Sun”, un disco que desde el propio título remite a esa luminosidad y optimis-

mo que no se les va de la boca. “Este trabajo supone una reacción al anterior, que era mucho más oscuro y sin esperanza. Ahora hemos visto que la vida consiste en decidir y nosotros decidimos una vida con más luz. Por eso el título habla de la lucha por el sol”. Ahí es nada. Luminosidad, alegría, optimismo. Bien. ¿Pero en qué se traduce eso en un disco de Placebo? pues en un disco de Placebo, similar en la forma como demuestran las rotundas “Kitty Litter”, “Devil In The Details” o “The

del álbum es “Bright Lights”. “Lo cierto es que todavía no hemos decidido si es un tema de Placebo (risas). No, lo que pasa es que es bastante pop, porque a nosotros también nos gusta mucho música como la de Blondie o Abba y no tenemos miedo a hacer cosas diferentes”. Dicho esto, que no se asuste nadie, Placebo son felices pero no por ello dejan de ser Placebo. “Claro que nunca vamos a hacer letras de pop o alegres porque no es nuestro estilo. Placebo implica un toque

“Steve nos da la energía y la alegría de alguien joven y está resultando muy positivo para nosotros” Never-Ending Why”, pero renovado en el fondo.

Un fondo que sale a la luz en tres de los temas más visiblemente optimistas del álbum. A saber, “Kings Of Medicine” (“nuestra demostración de amor a The Beatles”) o “Ashtray Heart”, un nombre que los más fanáticos recordarán por ser también el que la banda utilizó durante su primera semana de vida, y que ahora reciclan en una canción con coros en castellano (“corasón de cenicero”) del propio Brian. “Los coros surgieron durante un viaje a Nicaragua de Brian con un amigo, parece ser que allí era el único que fumaba y se pasaba el día pidiendo un cenicero”. Vaya. Pero definitivamente, la canción más alegre y menos Placebo

de oscuridad, lo nuestro son las emociones humanas difíciles”. Así que no hay razón para temer cambios inesperados e incómodos.

“Podemos entrar en estudio y grabar como diez ‘Nancy Boys’ pero así no puede avanzar un grupo. The Rolling Stones se dedican a hacer esto ahora y cada disco suena igual que el anterior. Nosotros avanzamos pero seguimos sonando a nosotros mismos. No es como si de repente Placebo hubiese grabado un álbum de jazz o de country”.

■ Cristina V. Miranda “Battle For The Sun” está publicado por Pias. placebo estarán en el bilbao bbk.

(MondoSonoro · Junio 2009 /13/ MONDOFREAKO)

!!!

wala wala!!!

“Liam nunca ha visto a mi hijo en persona. Solo fotos” Noel Gallagher de Oasis, en Q

Tarántula “He demostrado ya que puedo ser sucia y macarra. Ahora quiero demostrar que soy capaz de cantar como una hija de puta” Peaches, en Dazed & Confused

“Si escribiera un libro sobre mi vida hablaría de Blur, orgías, vómitos y Vicodine” Graham Coxon de Blur, en NME

“’Wonderwall’ de Oasis es la peor canción de la historia” Thurston Moore de Sonic Youth en Uncut

“Nunca he dicho que sea un genio, pero está claro que tengo un don” Lenny Kravitz, en Q

“Me gusta mil veces más cómo canta Muni Camón que Lucinda Williams” Remate, en Supernovapop

Condes del underground El retorno de Tarántula llega con Joe Crepúsculo convertido en una de las nuevas estrellas de la independencia patria. No teman, las limusinas y los pases VIP para los Premios de la Música no les han cambiado. “Humildad trascendental” es un arrabalero tratado de rock fronterizo, una colleja de las que suenan en la nuca del Sistema Solar.

P

or algún motivo hablamos de “La Bola de Cristal”. Será porque siempre he pensado que, si siguiera en antena, Tarántula serían las actuales estrellas del programa. “Joël sería un electroduende”, comenta Vicente Leone, cantante y letrista del grupo. Mientras, Dani Descabello, guitarra, habla sobre el marxismo y la televisión. Junto a Joël Iriarte, Joe Crepúsculo, forman Tarántula, grupo crucial a la hora de hablar de la buena salud de la escena independiente barcelonesa, no tanto por su impacto sino por su actitud: llevan tan al límite lo que se supone que puedes y no puedes hacer cuando haces rock que el simple hecho de que existan es una influencia liberadora para cualquiera que los tenga cerca. “Siempre hemos dicho que Tarántula es una intersección de tres puntos”, explica Daniel, “un cruce de caminos.

Es algo que ninguno de los tres haríamos por separado pero sí hacemos juntos. A mí me gusta llamarlo choque de almas”. “La verdad es que hacemos lo que nos rota”, añade Joël. “No tenemos mucho problema en agitar referentes”. Y sobre el disco y lo que podamos decir de él: “A según qué edades es mejor dedicarse a otra cosa, es que no has llegado al punto de empezar a entender de qué va toda la monserga mediática. Dentro del disco hay temas para cantar en un bar y otros que estarían fuera de lugar”.

Respecto a su anterior “Esperando a Ramón”, un clásico underground al que algún día habrá que hacer justicia, “Humildad trascendental”, segundo largo de los del Baix Llobregat, ofrece menos rave, debido a la salida de la formación de Eneko Trece, y un sonido rock fronterizo: entre la nueva ola y la Movida, el rock de garrafa y la alta literatura, Derribos Arias y Parálisis Permanente y estos dos y La Polla Records, todo librado junto a unos pistachos regados de botellas de Estrella

Dorada bien frías y el fútbol de fondo. “Vivimos en el borde de la frontera, claro, somos bordelino-fronterizos. Nuestro característico sonido fronterizo, de necesidad, está en la frontera entre Barcelona y el Baix Llobregat, ribera de donde surgió Tarántula como Excalibur en manos de la Dama del

venga a ensayar y le obligaremos a recogernos en casa con su limusina. Seremos tres idiotas dentro de una limusina”. El caso es que “Humildad trascendental” no ha supuesto un gran cambio respecto a “Esperando a Ramón”, al menos en cuanto al tipo de letras -bella prosa digna de eruditas moscas de bar-. “Es que nos gusta mucho hacer lo que nos gusta mucho”, repite Daniel. Vicente añade: “Con la edad vas madurando. Te vuelves más rata de cloaca, más vieja y más podrida por dentro. La maduración es como cuando una mosca pone huevos en un cadáver y luego viene otro insecto y hace lo mismo y es un revolotear de bichos y surge la vida de la

“Ya dijimos que estábamos en crisis, cuando nadie se daba cuenta y ahora, amigos, lo de ahora es mucho peor...”

Lago, pero impregnados hasta la cejas de espuma fabril”. El disco empezó a componerse antes de “Escuela de Zebras” (Producciones Doradas, 08) y “Supercrepus” (Producciones Doradas, 08), pero aun así resulta divertido hacer una lectura de “Humildad trascendental” y especialmente de temas como “Mítico culo” teniendo presente todo lo que ha sucedido y la de páginas que se han llenado hablando de los dos álbumes publicados por Joël como Joe Crepúsculo. “El mundillo del rocanrol es así, se sostiene con mentiras, como muchas cosas importantes de la humanidad. Tiene mérito saber vender el producto, aunque más mérito tiene saber aplicarse el cuento...

Las letras del disco estaban listas mucho antes del caso Crepúsculo. Siempre nos hemos adelantado, es fácil a raíz de nuestra conexión con civilizaciones extraterrestres más avanzadas. Ya dijimos que estábamos en crisis, cuando nadie se daba cuenta y ahora, amigos, lo de ahora es mucho peor: Los cuatro jinetes. ¡Prepárense!”. “Vamos a intentar aprovecharnos al máximo de él”, bromea Vicente cuando preguntas por el efecto que puede tener la atención que ha despertado Joël sobre el grupo. “Le vamos a robar cuando

podredumbre. Pura maravilla. El dinero, sin embargo, no lleva a ningún lado”. Eso explica por qué han optado de nuevo por autoeditar su actual álbum a través de Producciones Doradas, en formato vinilo y con arte a cargo de JoderArt, además de colgar todo el disco en su web. “Porque así haces las cosas a tu manera y no a la de los demás. Todo el mundo parece cortado por el mismo patrón y llega a ser un deseo de muchos. Nos han vendido tan bien la moto, que ahora parece no haber otras maneras de funcionar si no es pasando por el tubo y, además, con una sonrisa de oreja a oreja. En todo caso, este disco está editado por Producciones Doradas, donde no solo está Tarántula, si no que hay varios grupos. Editamos con Producciones Doradas precisamente porque hay libertad absoluta de movimientos y porque compartimos con el resto de grupos algunas premisas políticas, como la descarga gratuita en la web de todo lo que editamos”.

■ Joan Cabot “Humildad trascendental” está publicado en vinilo por Producciones Doradas y puede descargarse de forma gratuita en www.produccionesdoradas.com

Tarántula Foto Inma Varandela

“Queremos sacar de sus pedestales a Nirvana y a Led Zeppelin” Brandon Flowers de The Killers, en NME

(MONDOFREAKO /14/ Junio 2009 · MondoSonoro)

Estereotypo Foto Archivo

Estereotypo

Empieza la fiesta A fuerza de pelear desde la retaguardia del indie estatal, Estereotypo han logrado acercarse a la línea del frente. Guitarras y ritmos de baile son las armas con las que defienden un cancionero adictivo y un directo de alto voltaje. Insistir en esa estrategia es lo que ha llevado a que Astro reedite “Join The Electro Funky Party!”, su disco de debut.

“

Desde el principio teníamos una idea bastante clara de lo que queríamos, y por eso no hemos ido dando tumbos. La línea de Etereotypo es la de hacer indie rock actual mezclado con electrónica, algo festivo y enfocado al directo”, nos comenta David Van Bylen, vocalista del grupo.

Quizá esto explique la rápida progresión de la carrera de la banda. Estereotypo se forman en el año 2006: su maqueta fue elegida como la mejor del año 2007 por la edición cántabra de MondoSonoro; en 2008 autoeditaron su trabajo de debut, “Join The Electro Funky Party!”, y en 2009 fichan por Astro Records, que lo reedita, ahora con distribución nacional. Este crecimiento resulta especialmente llamativo si tenemos en cuenta que vienen de Cantabria, una región que no suele mostrase demasiado receptiva hacia música como la que ellos practican. “Allí nos sentimos una

▲ Sube el grupo catalán Manel por dar un paso adelante para la música indie cantada en catalán. El motivo es su participación en el festival The Great Escape, en Brighton.

anomalía, aunque últimamente no tanto, quizás porque la gente se ha acostumbrado a nosotros”, dice Fran Fernández, guitarrista de la banda. Aunque, ansiosos como se encuentran por llegar más lejos, les cuesta acostumbrarse al ritmo que impone el pasar a jugar en ligas mayores. “Las cosas desde dentro van a un ritmo de espera, espera, espera…”, cuenta Sergio Madrazo, batería del trío. Y es que, escuchando la urgencia que desprende su disco, no da la impresión de que se trate de gente a la que le guste avanzar a ritmo parsimonioso. Lo suyo es una mezcla efervescente de pop, rock y sonidos bailables.

“Nos suelen preguntar que si nos tira más la electrónica o el rock, y la respuesta es que somos fans de la combinación de ambas”, dice Sergio. Pero en su música se encuentran también elementos que se acercan a los tonos oscuros y profundos de Interpol o

▲ Suben los chicos de Love Of Lesbian por sorprender a sus fans con un concierto especial en el tejado de una casa en el casco antiguo de Barcelona.

Editors. De cualquier forma, no parecen estar cómodos con que se les compare con estos grupos. “Aunque tengamos parecidos no somos un clon de ninguno de ellos. Nuestra música tiene una riqueza adicional porque escuchamos música mucho más allá de eso”. Puedo dar fe de que en las paredes de su local de ensayo, donde converso con ellos, conviven pósters de Delorean y We Are Standard con otros de In Flames o Queen.

Y también están colgadas hojas con set lists de conciertos de distintas épocas del grupo;

trabajado”. Pero repiten que Estereotypo es un grupo de directo (“nuestro estilo es muy apropiado para mucho público, para festivales y tal”), y como tal es ahí donde las canciones están pasando su particular prueba del algodón. “A algunas canciones las hemos metido algún pequeño cambio para alinearlas con el estilo que llevamos ahora en directo. De hecho, lo que hacemos es más sencillo que antes en cuanto al uso de bases pregrabadas y programaciones, los instrumentos tienen más peso que

“Hacemos indie rock actual mezclado con electrónica, algo festivo y enfocado al directo” donde se ve que, aunque la mayoría del público va a conocer ahora las canciones de “Join The Electro Funky Party!”, muchos de esos temas forman parte del repertorio de la banda casi desde sus orígenes. De todos modos, no creen que su frescura se haya marchitado todavía. “A pesar del tiempo que ha pasado no cambiaría ninguna canción porque es un disco que me parece que está muy bien, tiene muchos detalles y está muy

▲ Suben Sonic Youth y su distribuidora en España, Popstock!, por poner en marcha el sistema de pre-venta Buy Early Get Now de “The Eternal”.

las secuencias”, comenta Fran. “En alguna hemos buscado un cambio de registro.

A ‘Electro Funky Party’ le hemos dado la vuelta; en lugar de empezar rockera y terminar más bailable, desde el principio ya es superbailonga”, ■ Carlos Caneda Fernández

▲ Sube la radio online y plataforma multimedia scannerFM, que celebra sus cinco años como referencia en nuestro país.

Para ello celebrarán infinidad de fiestas.

SUBEN ▲

▼ Baja Eminem, y no porque no nos haya gustado su nuevo disco, “Relapse”, sino por haberse convertido en un chico bueno.

Nos gustaba más en plan problemático.

“Join The Electro Funky Party!” está publicado por Astro Records

▲ Sube el dúo francés Daft Punk porque, lejos de evitar asociarse con sus referentes más ochenteros, van a firmar la B.S. de la película “Tron 2.0”.

▼ bajan

▼ Baja Britney Spears por haberse fundido en apenas cuatro meses la friolera de siete millones y medio de euros. Hay que ver lo mal repartido que está el mundo.

▼ Baja nuevamente el Festival de Eurovisión, que ha reducido su audiencia en esta edición. Está claro que la gente sigue prefiriendo Chikilicuatre a Soraya.

▼ Bajan los prejuicios de los escritores españoles frente al pop y el rock. Tras Mallo, Calvo, Amat... llega Salvador Gutiérrez Solis y se declara fan de Lori Meyers, del rap...

▼ Bajan también los prejuicios entre géneros musicales en Aragón. Solamente así se entiende un proyecto tan interesante como Kase.O Jazz Magnetism.

(MONDOFREAKO /16/ Junio 2009 · MondoSonoro)

Igloo Foto Miriam Barral

Igloo

Vientos del norte Procedentes de Vigo, Igloo se plantan en la actualidad con un debut titulado “La transición de fase”, un largo que subraya un presente sólido y un futuro prometedor al tiempo que inaugura el sello independiente Ernie Records.

S

oplan vientos de cambio para este grupo procedente del sur de Galicia. Al frente, Beni Ferreiro, que tras años en la formación, toma el mando de Igloo, a la vez que se le suman nuevos y experimentados músicos. Él mismo se encarga de explicárnoslo. “Ya veníamos todos de otras bandas como Deluxe, Overlook... Durante el último año y medio ha habido varios cambios en el seno de la formación, y a la vez se iban cubriendo estas vacantes. Alex Penido, por ejemplo, viene de The Blows. En la mayoría de las bandas de carácter independiente sucede que se cumplen una especie de ciclos”.

Juntos presentan “La transición de fase”, un enorme trabajo que muestra a un grupo maduro, experimentado y listo para ganarse los máximos adeptos posibles. “Te diré que creo que es un buen momento. Van apareciendo grupos con una gran calidad que ya no se conforman con sonar como bandas que

tenemos aquí, sino que las aspiraciones son mayores, y es algo que me parece muy bien. El único problema del panorama independiente sigue siendo que apenas hay apoyo económico por parte de las discográficas y sobrevivir se hace un poco cuesta arriba”. En la búsqueda de un sonido propio, han compuesto temas tremendamente oscuros y subyugadores. “Nos centramos más en el sonido de las guitarras en casi todos los temas. Hay dos o tres pistas muy electrónicas, como son ‘Todos somos átomos’, ‘Azul casi transparente’ y ‘Sin mentiras’”. Los textos que acompañan a dichas composiciones igualmente destilan oscuridad e ira. “Todas las letras tienen un carácter oscuro, supongo que los malditos de la literatura inglesa me hicieron mucho daño, aunque más que melancolía tienden a expresar rabia. Pueden ir desde el reconocimiento del egoísmo ante una relación, a la bipolaridad que todos

tenemos en el fondo”. Por lo tanto, nos topamos de lleno con un álbum que juguetea con la conceptualidad, de tal forma, que en breve quizás se sustente en una batería de vídeo clips que concatenarán la línea argumental de un trabajo que va más allá de la mera sucesión de temas.

“Nos ha surgido la posibilidad de grabar diez videos musicales independientes que luego serán montados en un mediometraje, y nos encanta la idea de hacer este proyecto”. Asimismo destaca la colaboración de Miguel Rivera (Maga) en el tema “Sin mentiras”. “A Mi-

latente hasta este disco, en que lo retomamos y así aprovechamos también para vernos todos de nuevo en Sevilla durante las grabaciones. Fue un gran momento”.

Para que todo este trabajo haya llegado a buen puerto, los vigueses han contado con el inestimable apoyo del nuevo sello discográfico Ernie Records. “Como discográfica se estrena ahora con nosotros, dando un gran paso.

Estamos convencidos de que este hecho será muy importante para todos nosotros, porque se nos permite poder hacer lo que

“Van apareciendo grupos con una gran calidad que ya no se conforman con sonar como bandas que tenemos aquí” guel lo conocí hace unos diez años cuando vino de gira a Galicia, por medio de Adolfo Langa, músico sevillano que también colabora en el disco. Desde entonces se creó un gran vínculo y nos seguimos viendo con bastante frecuencia. El tema en el que colabora Miguel, de hecho, lo montamos con un gran amigo que tenemos en común (Carlos Violadé) hace cinco años y quedó

queramos a la hora de grabar y, hasta en este álbum, de tomarnos todo el tiempo necesario; incluso en la masterización optamos por enviar el disco a Nueva York, donde lo masterizó Allan Douches (Radio 4, The Rapture)”. ■ Carlos D. Landeira “La transición de fase” está publicado por Ernie Records

(MondoSonoro · Junio 2009 /17/ MONDOFREAKO)

NO confidencial

◗◗

Miembro fundamental de Antònia Font, Joan Miquel Oliver también tiene tiempo para publicar discos en solitario, libros de notas y hasta cuestionarios insolentes y malintencionados como el nuestro. Y encima sin perder nunca el sentido del humor. Se ha ganado el cielo.

¿Qué canción te hubiese gustado componer y cuál odiarías haber escrito?

Me hubiera gustado escribir el single de Nena Daconte “Tenia tanto que darte...” y no me hubiera gustado... no sé, todas las canciones me gustan un poco. ¿Qué te inspira más: una caja de Lego, un polo en la playa o las drogas?

La verdad es que no me drogo. Me inspiro solo, pensando. El mundo real no me interesa.

Que Pere Debon y Jaume Manresa sean los únicos miembros de Antònia Font que te acompañan en solitario, ¿significa que son los únicos que te caen bien?

No, todos me caen bastante mal. Son unos cabrones. Jaume y Pere tocan conmigo porque les necesito.

Cuando eras joven tocabas en un grupo rollo Pink Floyd... Algunos creemos que nunca lo superaste.

Pink Floyd es un grupo de puta madre. No seáis tan modernos, cojones. ¿Por qué “Bombón Mallorquín” y no “Frigodedo”?

El dilema fue entre Bombón Mallorquin i Frigopié. ¿Te ha costado mucho escribir frases como: “jo diria ‘cine’ si tengués abril”? Ésta no, pero, por ejemplo “ciclons a damunt es meus papers mapa-mundi” me costó un huevo.

Te montamos una cita con una chica y las candidatas son: Maria de la Pau Janer, Maria del Mar Bonet, Maria Antònia Munar -política mallorquina- o Paquita Tomás -presentadora de un programa de cocina-. ¿A cuál eliges y por qué?

Sois unos cabrones de mierda. Ah, con Paquita Tomás, claro, ya sé quién es... ¿Cuál ha sido el sitio más cutre en el que has llegado a tocar?

En los hoteles, supongo, barbacoa, animadoras, etcétera. ¿Estás de acuerdo con nosotros en que el éxito de tu libro sólo demuestra lo perdidas que andan las letras catalanas?

No sois mas cabrones porque no os entrenáis. ¿Cuál es el personaje más famoso que se cuenta entre tus seguidores?

David Trueba, el Follonero, Chenoa... ¿Habéis apuntado a Pau Debon a clases de baile? Últimamente se mueve con más garbo.

Pau lo hace muy bien. Lo he visto yo a las seis de la mañana levantar un bolo después de tres conciertos seguidos el mismo día. ¿Qué le dirías a uno de esos fans tuyos que tiene tus discos pirateados?

Que haga lo que le salga de los cojones. ¿Le romperías las piernas a algún crítico musical de este país?

A ti, hijo de la gran puta, que sé dónde vives.■

Cápsula

Cápsula Foto Jon Fernández

Joan Miquel Oliver Foto Archivo

Joan Miquel Oliver (Antònia Font)

Hollando la cima Ya estuvieron presentes en la sección Escaparate de esta revista con “Song & Circuits” (Liliput, 07), el que se puede considerar el primer disco oficial del trío. Pero la cosa comenzó hace muchos años, concretamente en 1997 en su Buenos Aires natal. Tras recorrerse las carreteras de medio mundo, llegan a este 2009 ya asentados en Bilbao con “Rising Mountains”, un título que responde a su filosofía de vida

S

u filosofía ésta repleta de coherencia, perseverancia y calidad en la composición de canciones, amén de un bagaje cultural impepinable, como lo atestigua, entre otras cosas, la versión de “Mejor no hablar de ciertas cosas” de sus paisanos Sumo. Coni Dutchess y Martín Ladrón de Guevara son dos terceras partes del grupo. “Hace dos años publicamos ‘Songs & Circuits’, que nos dio muchas satisfacciones, la posibilidad de girar en Europa, Sudamérica y Estados Unidos y tocar en festivales.

‘Rising Mountains’ sigue el camino que abrió ‘Songs & Circuits’, pero llegando a nuevos lugares sonoros. Hay canciones garageras que pasan por el space rock, el pop o incursiones psicodélicas. Por eso lo dividimos en dos caras, a la vieja usanza del LP de vinilo. Una cara A donde están las canciones más enérgicas y guitarreras, y una cara B donde ganan terreno las atmósferas y los ambientes lisérgicos, por eso al escucharlo del tirón da la sensación que el disco se va abriendo a medida que avanza”. Buena parte de la culpa del sonido, que apabulla, es de Ivan Julian, ex guitarrista de los Voidoids de Richard Hell. “Lo conocimos a través de Matt Verta Ray (Heavy Trash) que nos dijo que sería la persona ideal, por nuestro sonido afilado en las guitarras. Cuando estuvimos en el

estudio para las primeras mezclas, íbamos escuchando las canciones con Ivan y entraban a oírlas Matt y Dougie Bowne, baterista que trabajó con Iggy Pop o Brian Eno. Son gente que respira música y que nos daban su opinión sobre nuestras

elogiosos, y les comparaba con “The Velvet Underground, The Cramps y The Who cubiertos de glam corroído”. Un subidón en lo profesional que certifica cuán grande es su directo.

Pero ciñámonos a “Rising Mountains”, y las comparaciones respecto a su disco anterior.

El uso vocal, por ejemplo. Cuando canta Coni, la voz femenina inyecta sensualidad. Cuando lo hace Martín, en cambio, furia y excitación.

“Nos conocemos hace mucho así que la labor de repartirnos las voces sale naturalmente. No pensamos quién tiene que cantar cada canción, sino en un sonido que tenemos en mente y tratamos de atraerlo hacia nosotros, como un imán.

“Es un mundo de rugidos garageros con coros kraut, Keith Richards y voces West Coast, Van Morrison... Kim Deal” canciones y les gustaban. Nos decían si les recordaba a un grupo u a otro. Obviamente estábamos flipando. Ivan Julian fue fundamental para ‘Rising Mountains’.

Para nosotros era un regalo poder oírlo opinar sobre los arreglos del disco”. Otro momento a destacar vino de la mano de su paso por el festival South By Southwest, de Texas. “Es un festival que se realiza en la ciudad de Austin, que tiene ciento treinta salas de conciertos. Más que España y Francia juntas, creemos. Este es el segundo año que nos invitan al festival y pudimos comprobar que, del año pasado a este, se multiplicaron los seguidores del grupo”. En el que dicen es el mayor festival del mundo, Cápsula descargaban decibelios mientras David Fricke, veterano crítico musical de Rolling Stone llenaba su libreta de adjetivos

En algunas canciones, empieza cantando Martín y la siguiente parte la canto yo.

Sale de la confianza que nos tenemos.

Es un mundo de rugidos garageros con coros kraut, Keith Richards y voces West Coast, Van Morrison o Catherine Ribeiro haciéndose amiga de Kim Deal. Por momentos aparecen unas combinaciones impensables. En canciones como en ‘The Sea Cave’ o ‘Magnetic Brain’ en vez de narrar historias, cantamos desde un lugar más primitivo. Y en directo esa energía se multiplica. Disfrutamos mucho de los conciertos y parece que la gente se lo pasa en grande también. Nosotros lo agradecemos”. ■ Álvaro Fierro “Rising Mountains” está publicado por B-Core.

(MONDOFREAKO /18/ Junio 2009 · MondoSonoro)

Maxïmo Park Foto Archivo

Maxïmo Park

confianza ciega Pertenecen a la prolífica generación de principios de esta década en Inglaterra. Un momento en que la convergencia de ciertas afinidades por el pop más bailable y el revival post-punk dieron lugar a la aparición de bandas de debut llamativo y actitud de estrellas. Ahora, muchos luchan por mantener la llama del talento. Maxïmo Park estrenan “Quicken The Heart” tan convencidos como el primer día.

“

No creo que exista eso de la maldición del tercer álbum. Hay gente que hace malos discos y nosotros los hacemos buenos, eso es todo. El fracaso suele llegar a aquellos que porque han tenido éxito con el primer álbum, intentan repetir la misma fórmula. Nosotros hicimos un segundo disco muy diferente y fue todavía más exitoso. No tenemos control sobre ciertas cosas, así que has de tener la tranquilidad de que si a la gente no le gusta, al menos a ti sí”. Así de primeras, este discurso sobre ‘hacer el disco que quieres y sentirte bien contigo mismo’ no podría resultarme más manido, pero si algo tiene Paul Smith, vocalista de la banda, es carisma, avalado en este caso por una realidad. “Quicken The Heart” no aporta un cambio radical en el sonido de Maxïmo Park pero demuestra su falta de miedo ante cierto tipo de experimentación y elecciones arriesgadas. Por ejemplo, la de su primer single, “The Kids Are Sick Again”. “Sabemos que es una canción

complicada para las radiofórmulas, pero queríamos demostrar a la gente que estamos haciendo cosas nuevas, cosas que no habíamos hecho nunca. En cierto modo se trata de un tema muy monótono pero es el ritmo y el tipo de atmósfera que queríamos crear, sin prestar tanta atención a las guitarras y a la melodía como siempre hacemos.

Es una canción diferente y elegirla como single es nuestra forma de retar al oyente, de ofrecerles un gancho para que busquen más en el álbum”. Una búsqueda que seguramente reconfortará a los fieles seguidores de la banda con canciones como “Roller Disco Dreams”, pura esencia Maxïmo Park, la enérgica “Wraithlike” o el sentido del humor de “Let’s Get Clinical”. De hecho, el cuidado de las letras siempre ha sido uno de los puntos fuertes de la banda, un mimo que sigue presente en este último trabajo. “En realidad no es que creamos que las letras son más importantes que la música, pero si no tienes nada que decir mejor

no lo digas. Yo no podría escribir algo que no tuviese sentido para mí, pero no soy un poeta. Me gusta dedicarme a las letras aunque siempre buscando ese feeling con la música”. Y para provocar la llegada del ‘feeling’ lo mejor es el estudio constante. Smith se reconoce un insistente consumidor de cultura y por ello casi cualquier cosa podría en un momento dado resultar una influencia en su música. Aun-

mos creado antes con guitarras y teclados, pero no deja de ser un disco de pop”. Paul Smith habla despacio y con seguridad, y tras los casi veinte minutos de conversación telefónica asintiendo para mis adentros, me doy cuenta de lo convincente de su discurso. Smith transmite pasión por aquello de lo que habla, de nuevo, una actitud que podría resultar trillada pero que en este caso, convence. “Si no creyésemos

“The Smiths cambiaron mi vida cuando era un adolesente.

Tengo mucha confianza en el poder de la música”” que si se trata de destacar una… “cuando escucho el álbum no puedo evitar pensar que las guitarras suenan muy My Bloody Valentine, aunque por otra parte, ¡no hay nada como My Bloody Valentine! Así que vamos más allá, también hay influencias del post punk, de los cincuenta…”. Una variedad de sonidos que no impide que ellos, ante todo, se sigan considerando una banda de pop. “Cada uno de nuestros discos ha partido de unas necesidades específicas. El primero era más pop, el segundo más intenso y dramático y con éste hemos buscado un resultado más bailable, aunque al mismo tiempo también más atmosférico. Hemos conseguido reflejar ambientes que nunca había-

que nuestro disco es bueno no se nos ocurriría lanzarlo, ya hay demasiados discos malos en el mercado. Al final, no se trata de vender más sino de intentar cambiar la mente de las personas al menos por tres minutos”. Ante tal afirmación y a pesar de que apenas nos queda tiempo, no puedo evitar preguntarle si de verdad cree que la música puede cambiar la vida de una persona. “¡Claro! The Smiths cambiaron mi vida cuando era un adolesente . Tengo mucha confianza en el poder de la música”. n Cristina V. Miranda ““Quicken The Heart” está publicado por Warp/Pias. Maxïmo Park estarán actuando en el FIB Heineken.

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29 DE MAYO EN CINES

(MONDOFREAKO /20/ Junio 2009 · MondoSonoro)

10

S

DISCO

Ramón Rodríguez Tras varios años al frente de Madee, el catalán Ramón Rodríguez está saboreando el éxito en castellano como The New Raemon.

Sus canciones han calado en un público distinto. Veamos si ahora sus gustos también son distintos de los que le suponemos.

Bob Dylan “Blood On The Tracks” (1975) Uno de los mejores discos de todos los tiempos.

Rabia y decepción a raudales, escrito por Dylan mientras su relación con su primera mujer se iba al garete. A sus crudas letras me remito.

Paul Simon “Paul Simon” (1972 El debut de Paul Simon en solitario es simplemente colosal. Un excepcional compositor y guitarrista, por no hablar de lo bien que canta y las entrañables historias que cuenta en este álbum.

Bonnie ‘Prince’ Billy “The Letting Go” (2006) Otro cantautor, este más contemporáneo pero con un talento desbordante. Escoger un disco suyo es complicado, lo mismo me ocurre con Dylan (sí, está claro que tengo una fijación con él).

Anni B. Sweet Foto Haussman

Anni B. Sweet

Dulce tentación Los tiempos cambian que es una barbaridad. El blog a blog ha tenido la culpa de que hayamos deseado tener “Start Restart Undo”, el disco de la malagueña Anni B. Sweet en nuestras manos desde mucho antes de que pisara el estudio para empezar a grabarlo. Por algo la tuvimos en nuestras Fiestas Demoscópicas.

C

omo en el caso de La Bien Querida, para Anni B. Sweet Internet se ha convertido en el medio en el que dar a conocer canciones que hubieran necesitado de muchas noches sobre pequeños escenarios para llegar a ser conocidas. “Creo que Myspace es una herramienta eficaz en este terreno. Cuando subí mis primeras canciones comenzó a moverse todo de una manera muy rápida, a través de la página contacté con Arindelle Records (y ellos con Subterfuge que es quién saca el disco) y con Brian Hunt, que al final lo ha producido”. Algo que no ha cambiado es que cada cierto tiempo se ponga de moda un estilo y como setas después de la tormenta aparezcan unos cuantos artistas haciendo lo mismo (cada uno a su manera) que, casi sin dudarlo, renegarán de pertenecer a ninguna “escena”. El sabor de esta temporada son las chicas que hacen algo parecido al folk y quién sabe lo que durará pero lo que está claro es que, como casi todas las “escenas” que hemos vivido en los últimos quince años, dejará un buen puñado de grandes canciones. Al final, la unidad básica de todo esto, es lo más importante. Ana López, todavía muy joven, ha visto por fin un resultado tangible desde que empezó a escribir canciones. “Empecé a componer cuando tenía siete años, entonces escuchaba los discos de mi hermano mayor; cosas como John Travolta, Christina Rosenvinge, Radio Futura, Mike Ríos o Víctor Jara. Cuándo empecé a hacerlo seriamente… siempre que compon-

go en ese momento me parece bastante serio, teniendo siete años y teniendo veintiuno”. Con el tiempo sus influencias, que no esconde en ningún momento, han cambiado; como las de todo el mundo. “En esta última época, he tenido en mente a Ben Lee, She & Him, Fiona Apple, Eric Andersen, Betty Hutton, Beatles, Bob Dylan, Feist, Cat Stevens… cosas muy

desaparecerá en cuanto me suba a ese escenario”. No tenerlo sería bastante inconsciente con el disco tan caliente. “Es mi primera vez en esto, no sé qué puede pasar y el no saber da miedo. Soy de esas personas que piensan que un disco nunca se termina del todo”. En todo caso, no será como al principio. “Mi primera actuación sola fue en Las Noches Árticas en Fuenlabrada, lo recuerdo con mucho cariño. Era la primera vez que tocaba la guitarra en un escenario. En cuanto empecé a tocar se hizo un gran silencio. Fue precioso, me encantaría volver a sentirlo”. Debe de estar hasta el moño de que le mencionen el nombre de Russian Red en cada entrevista, así que tendré el buen gusto de no hacerlo. Aun

“Cuando subí mis primeras canciones a Myspace, comenzó a moverse todo de una manera muy rápida” diferentes a las de antes aunque los discos que recuerdo con más cariño de mi adolescencia son cosas como Bee Gees, Etta James, Nina Simone, Pink Floyd, Django Reindhart, Neneh Cherry... A diferencia de hoy, escuchaba más jazz, blues y soul”. Pues más o menos igual, todos nos hemos ido forjando un carácter y un criterio.

El mío me dice que su álbum de debut contiene un número de temas muy por encima de la media, y que si la espiral del éxito fácil no consigue atraparla, estaremos ante una artista que dará muy buenos momentos. Por ahora, y con el disco recién publicado, estará tocando en el FIB. “Nunca he ido a un festival como público y tampoco como músico.

Esto para mí es grande y es un gran halago que hayan querido contar conmigo.

Tengo unas ganas enormes y a la vez tengo un gran miedo que supongo que

así, no le ha importado compartir productor.

“A Brian Hunt lo conocí por Myspace. Me gustó lo que tenía colgado en su página y yo necesitaba alguien que me grabase un par de canciones que había compuesto.

El resultado me gustó bastante, de ahí a repetir con él en el disco. Me ha aportado mucho: puntos de vistas diferentes, soltura, sinceridad… Al disco le ha dado originalidad, además de muchas otras cosas”. Once canciones en inglés y una en castellano tan dulces y recomendables como su nombre. “Cuando grabé mis primeras demos, mis amigos decían que mi voz sonaba dulce, pero las letras no lo eran tanto, de ahí lo de ‘Anni sé dulce’”.

■ J. Batahola “Start Restart Undo” está publicado por Subterfuge. annie b. sweet estará en el fib heineken.

Eric Bachmann “To The Races” (2006) Conocida y reconocida es mi admiración por Archers Of Loaf y Crooked Fingers (los otros proyectos en los que estuvo y sigue involucrado Bachmann). Éste es su primer disco en solitario. A sus pies.

Joan Manuel Serrat “Mi niñez” (1971) Mi padre, sin saberlo, fue quién despertó mi pasión por la música de la mano de los discos de este artista y de los de Bob Dylan (otra vez) y The Beatles. Este es el disco de Serrat que más cosas me transmite.

Egon Soda “Egon Soda” (2008) El debut de Egon Soda (la banda de Ricky Falkner), es un disco que crece y crece con las escuchas y que está entre lo mejor que se ha escrito aquí la última década. Hablarán maravillas de él en los años venideros, tiempo al tiempo.

GRAND ARCHIVES “GRAND ARCHIVES ” (2008) Aprovechando que visitaron nuestro país hace nada, os invito a que descubráis esta obra. Un grupo que tiene una personalidad especial y que contagia muy buenas vibraciones cada vez que suenan en un tocadiscos. A ver qué tal se defienden en directo, en disco han demostrado sobradamente su talento.

LLUIS LLACH “COM UN ARBRE NU ” (1972) Antes hablaba de mi padre, ahora es el turno de mi madre. Ella solía pinchar esos primeros discos de Lluís Llach en el comedor de nuestra primera residencia en Vilassar de Dalt. Éste es junto a “I si canto trist” el que encuentro más fresco. El joven Llach me recuerda a Jacques Brel y al primer Leonard Cohen, además canta de fábula y escribe unas letras con mucha profundidad. Un ejemplo: “Ma tristesa”. Grandioso.

NUEVA VULCANO “JUEGO ENTRÓPICO ” (2005) He aquí el mejor trío de nuestro país. Producidos con maestría por Santi García (que pareado más tonto, oigan). Me apasionan sus dos discos, por no hablar de esos suculentos Ep’s que vienen publicando desde hace ya algunos años. Suenan compactos como nadie. Las palabras de Artur Estrada son de un acierto y un ingenio apabullantes, sin duda uno de nuestros letristas con más carácter.

THE REPLACEMENTS “LET IT BE ” (1984) Santi García a veces me da envidia sana, en este caso por tener una copia en vinilo (por la que pagó en eBay una pequeña fortuna) de esta referencia de The Replacements. “Let It Be” es su obra más celebrada, la voz rota de Paul Westerberg estremece mucho, nadie se desgañita con tanta sinceridad. n

Ramón Rodríguez Foto Lyona

(The New Raemon)

3Y4

JULIO 2009

LAS PLAYAS DEL EBRO, ZARAGOZA

www.zaragozaciudad.com

Bono (dos días): anticipada 30 € taquilla 40 €

Entrada por día: anticipada 20 € taquilla 25 €

Más gastos de distribución colabora:

patrocina:

organiza:

(MondoSonoro · Junio 2009 /23/ MONDOFREAKO)

EN LA

MALETA

Txarly Brown Foto Archivo

TXARLY BROWN Coleccionista, director del desaparecido sello discográfico Novophonic, diseñador gráfico, pinchadiscos, y responsable de “Achilifunk” (07) y “Más Achilifunk” (Love Monk, 09), Carles Closa es uno de los nombres imprescindibles en el resurgir de la rumba. ◗ ¿Por qué motivos empezaste a pinchar? ¿Para ligar, para ser una estrella?

Para oír la música que me gustaba al máximo volumen posible. En mi casa no podía hacerlo, sólo con auriculares. Si te hace falta pinchar para ligar tienes un problema.

◗ Por contra, ¿cuál de tus discos favoritos nunca ha sonado en una sesión tuya y por qué motivo?

El remix en doce pulgadas de Jesús Bola del “Volando voy” de Camarón de la Isla (Polygram, 1990). La gente no me lo perdonaría. ◗ ¿Qué es lo que más te gusta y lo que más odias de otros Dj’s?

Me encantan los que pinchan para la gente y odio a los que pinchan para ellos. En particular odio a los Dj’s de música electrónica incapaces de darse cuenta de que sólo son el vehículo de la alienación de toda una generación. Lo que hacen es reproducir sonidos sin alma destinados a potenciar los efectos de las drogas. Y ojo, estoy a favor de la legalización de todas las drogas. ◗ ¿Hasta qué punto es importante que la gente baile más o menos para cambiar la línea de tu sesión?

Es lo más importante. A mí que no bailen me asfixia. En un club sólo pincho para que bailen. Para lo otro está la radio. ◗ ¿Vinilo o CD? Vinilo si me los llevas tú y si pincho en mi ciudad, CD y unos pocos vinilos si hay aeropuertos de por medio. ◗¿Qué opinión tienes de la relevancia que se le da en la actualidad a los Dj’s?

Me repatea que a un imbécil que, a fin de cuentas sólo pone discos, se le hagan entrevistas cuando el éxito de muchas salas está en los camellos. Entrevistad a los camellos. ◗ ¿Cuál ha sido la mejor sesión que has protagonizado hasta la fecha? ¿Por qué?¿Y la peor?

La última siempre es la mejor, sino no pincharía. La peor ninguna, si no estoy bien o no me apetece no voy y me quedo tan pancho.

Por suerte no como de pinchar. ◗¿Cuáles son tus Dj’s favoritos?

Makala, Oriolet y Miguelito Superstar. ◗ ¿Cuántos discos sueles comprar?

Gasto al mes doscientos euros aproximadamente. La cantidad de discos varía según el precio. ◗ ¿Te molesta que siempre se asocie el concepto de Dj a la electrónica?

Sí y mucho.■

Fever Ray

personalidad gélida Toda la música de Karin Dreijer Andersson, tanto al frente de The Knife, como en solitario en Fever Ray, tiene la rara virtud de crispar los nervios a unos pocos, pero de gustar a muchos como si fuera un asunto religioso. Esta vez, en “Fever Ray”, Dreijer ha ralentizado el tempo y, desde el punto de vista de su nueva maternidad, nos trae un disco que conjuga vida diaria y cripticismo exótico.

L

os hermanos Andersson decidieron darle un descanso a The Knife hace poco más de dos años. Desde entonces, Karin, la voz mutante del dúo, ha vuelto a ser madre y ha publicado “Fever Ray”, un álbum en solitario que ralentiza y corrige la oscuridad del sonido de The Knife para hacerlo aún más único. Pero aunque sea más orgánico y reflexivo, sigue habiendo demasiados puntos en común con el grupo madre. “Supongo que Fever Ray suena un poco como The Knife porque hago la mitad de toda su música, y porque con este disco he seguido donde lo dejé con ‘Silent Shout’, y no es que quisiera cambiar mucho, sino que Olof (Dreijer, hermano de Karim) y yo decidimos tomarnos un descanso de nuestro trabajo en común, por eso me planteé hacer algo como esto”. Ese “esto” es misterioso, oscuro y acuoso, conceptos que se contraponen con los tonos pasteles que suelen invadir las mentes de muchos músicos cuando tienen la casa atestada de pañales. “Pues yo no puedo ver el mundo de color de rosa en el momento en el que te haces madre o padre y tienes que estar despierto las veinticuatro horas. Durante el primer año, entre el embarazo y la lactancia, te das cuenta de que todo es muy frágil y te hace realmente consciente de la muerte”. Todo esto se ha expresado con las letras más crípticas que le hayamos conocido a su autora por aquí. “No ha sido así en todas las canciones. Parte de las letras son más abiertas, con elementos muy claros de realidad, como en ‘Seven’, donde se mezcla el amor con las pastillas de detergente y lo que ocurre en el jardín de casa. Al mismo

tiempo me gusta jugar con el contraste, porque también hay ideas que nacen de ese momento en el que tienes que cuidar de tu bebé y a veces no comes lo suficiente y estás muy cansada, por lo que la mente empieza a soñar durante el día en vez de por la noche, por eso el disco se desarrolla en un lugar que

un elemento necesario para su narrativa musical.

“No, la verdad que no le dije nada al director sobre que trabajara con agua o no, pero es cierto que es un elemento en mi música y en mis letras. Lo único que hablé con Andreas Nilsson, el director de ‘If I Had A Heart’, es que queríamos que tuviera alguna conexión con ‘Dead Man’ de Jim Jarmusch, esa película en la que Johnny Depp termina en una canoa navegando hacia la muerte. Nos pareció una idea interesante para plantear este vídeo”. A continuación, Karin no llega a aclarar qué relación existe para ella entre el agua y la vida o la muerte.

Le cuesta dar explicaciones personales y prefiere escaparse, cuanto más lejos, mejor. “El sonido del disco es una evolución natural para mí. Fíjate

“Lo que de verdad me gusta es ir a Youtube y ver los vídeos que hace la gente con mis canciones” está entre la realidad y los sueños”. Así los oyentes son más libres de adaptar este sonido a su imaginación. “Sí, pero no me comunico mucho con la gente que escucha mi música. Lo que de verdad me gusta es ir a Youtube y ver los vídeos que hace la gente con mis canciones, pero atiendo en general poco al público. Puede ser algo muy extraño cuando discutes tu música con quien que la escucha, y que es gente que no conoces. Mi prioridad en ese sentido es componer y grabar música en el estudio, y en el momento en el que me doy cuenta de que he escrito una canción buena, ese es mi triunfo. Lo que ocurre después no significa mucho para mí. La gira que voy a hacer es un puro experimento. Habrá gente montando la escenografía y llevando a cabo experimentos muy visuales, pero no tendré mucho que ver con ellos”. Sorprende que Karin deje tanto al criterio ajeno cuando, por ejemplo, sus últimos vídeos tienen tantas cosas en común, como el agua, confinada o corriendo, que parece

que Olof, por ejemplo, ahora mismo está trabajando en una ópera, y como yo, estamos trabajando en música menos bailable porque necesitamos probar cosas distintas. En este momento quería que la música reflejara más mi estado actual, más tranquilo y físico”. Hay que insistir con la persona que se esconde tras esa constante careta. La crítica se afana por describir su música con adjetivos nuevos, y gran parte del público no sabe muy bien cómo ubicarla aunque la adoren. “No creo que lo que haga sea tan diferente al resto, es sólo música. Es pop con cierto toque de experimentación, pero sobre todo es melodía en canciones, por lo que no me siento aislada con mi sonido. Lo que puede tener de especial tal vez son más mis ideas sobre cómo enfrentarme a la industria y al público, ahí es donde me puedo sentir un poco sola”. ■ Jorge Obón “Fever Ray” está publicado por Nuevos Medios.

Fever Ray estará actuando en Sónar 2009.

Fever Ray Foto Archivo

◗ ¿Qué disco de rumba o flamenco nunca falla en una sesión tuya?

“Que mala suerte la mía” de Los Amaya, que incluimos en “Achilifunk”.

LEVI’S LIVE UNBOTTONED Desabrochando a

Algora

Películas musicadas Segundo clasificado del Levi’s Live Unbuttoned, Víctor Algora no es un recién llegado. En su historial cuenta con haber debutado ya discográficamente y haber trabajado junto a artistas como Florent (Los Planetas), Hidrogenesse o Nacho Canut.

C

Le Grant Foto Albert Jodar

Le Grant

Luces en la oscuridad Premiados anteriormente en algún otros concursos, los barceloneses Le Grant se han erigido en ganadores del Levi’s Live Unbuttoned gracias a un directo sólido y a unas canciones que, sonando muy actuales, rinden un modesto y sincero homenaje a la década de los ochenta.

G

anar un concurso como el Levi’s Live Unbuttoned no es algo que suceda todos los días, sobre todo teniendo en cuenta la dura competencia que ha habido para hacerse con la primera posición. Los barceloneses Le Grant lo han conseguido con una propuesta que nos remite directamente al pop oscuro y a la electrónica de los ochenta, pero pasada por un filtro de actualidad. Eso vendría a significar que, como se apuntó en las páginas de MondoSonoro, Le Grant “es un grupo que gustará por igual a seguidores de Catpeople, The Sound o The Church”. Y el texto no iba desencaminado. De hecho, Le Grant guardan relación estilísticamente con nuevas formaciones afincadas en la Ciudad Condal como los gallegos Catpeople, Astradyne o Anika Sade.

Por eso no extraña que definan su música como “directa, dinámica y con toques oscuros”. La formación la componen Manel Casado (sinte y voz), Adam Bellini (bajo y voces), Jose Pomar (guitarra) y David Villa (batería), todos ellos aficionados desde siempre a la música y ahora buscando una oportunidad a partir de sus composiciones propias. “De momento la música vive en nosotros hasta que nosotros podamos vivir de ella”.

Su aventura empezó por diversos motivos.

Dicen que “por inquietud, por pensar en un disco... por muchas cosas”. El caso es que ahora, pese a que se consideran un grupo fundamentalmente de directo (de hecho, su actuación abriendo para Delorean y Extraperlo tuvo mucho que ver en que se hayan erigido en ganadores de este concurso) ya cuentan con un repertorio con el que presentarse en sociedad. Se trata de las seis canciones incluidas en su “Le Grant Demo 2009”, donde incluyen

piezas oscuras como “Eyes”, composiciones bailables y electrónicas como “The Feel” o pop de guitarras con espíritu ochentas como “Honey Ribs”. De momento se trata de una maqueta, pero “nos gustaría publicar disco a finales de este año 2009, pero de momento no hemos pensado en sello”. De todos modos y volviendo al galardón conseguido, Le Grant no son unos recién llegados a esto de los concursos. Sin ir más lejos, el pasado año ganaron el Indie-Pendent. “La verdad es que nos hemos presentado a varios con el objetivo de promocionarnos”. Bien, en ese caso, queda claro que lo han conseguido. Ahora habrá que volver a verles en concierto, esperemos que pronto, sea a solas o acompañando a algún artistas de renombre. Ellos no se inmutan lo más mínimo a la hora de apuntar que les gustaría telonear a U2, “porque en dos días nos podrían ver cien mil personas (risas). Aunque hablando en serio, estaría bien tocar con (cada uno expone sus preferencias) Editors, New Order, Peter Murphy o Dire Straits”.

para darle esa forma poética que a mí me interesa. Necesito mostrar mis ocurrencias desde la irrealidad pero también siendo lo más honesto posible”. Y con la canícula amenazándonos el cogote, este madrileño de adopción nos cuenta al preguntarle por sus ‘planes de verano’ que anda metido en un proyecto experimental con Florent de Los Planetas, con quien ya colaboró en su primer trabajo.

“Es algo que ya hemos llevado al directo en algunas ciudades y esperamos llevarlo a más. Es una mezcla de música y poesía improvisada muy interesante y muy cinematográfica también. Seguiremos además con los directos, preparando el nuevo disco y exploraré más mi faceta de pinchadiscos, que también me gusta mucho’’. En el mes de octubre Víctor se meterá de lleno en la grabación de su segundo larga duración (sin contar la compilación de remezclas y versiones que vio la luz en 2008). Nos sopla que será un trabajo menos electrónico, quizás más conceptual, y muy inspirado en la cultura americana. Con él Algora confirmará que pertenece a esa estirpe de músicos que secuestran del aire las melodías más hermosas para tratarlas con mimo y envolverlas con un gran lazo de origen electrónico.

Para conocerles un poco más, visita : www.myspace.com/algoramusica ➲ Agora visten Jeans Levi’s® 501® y tops de Levi’s® Red Tab”

Para conocerles un poco más, visita : www.myspace.com/legranttheband ➲ Le Grant visten Jeans Levi’s® 501® y tops de Levi’s® Red Tab”

Algora Foto Alfredo Arias

Desabrochando a

ine, cine, cine: más cine por favor, que toda la vida es cine... Uy, perdón, si de lo que tratamos aquí es de música.

Pero la culpa de este desvarío la tienen ellas, las composiciones que Víctor Algora factura y que el próximo otoño va a reunir para dar cuerpo a su segundo disco. Ellas cumplen al cien por cien con la máxima de ser pequeñas películas pop de apenas cuatro minutos. Séptimo arte en formato canción. “Me dí cuenta de ello cuando escuché ‘Planes de verano’ (su primer elepé). El sonido de muchos temas era muy proyectable, como de banda sonora, pero fue una búsqueda inconsciente. Además, me fascina todo lo relacionado con la época dorada de Hollywood, todas aquellas estrellas en blanco y negro, sus dobles vidas, sus desgracias: Marilyn, Montgomery Clift, Steve McQueen... y todo lo relacionado con el cine fantástico”. Cinematografía pura, elegante y sentimental revestida de pop electrónico, ese género a medio camino entre la tradición y lo contemporáneo en el que se encuentra como pez en el agua. “Me siento cómodo en las dos vertientes, aunque si te digo la verdad mis preferencias se decantan más hacia el pop tradicional. Por decir algo, te diría que opto por la electrónica para el estudio, siempre mezclada con las guitarras, pianos y los instrumentos de viento, y un concepto más de grupo para el directo”. Y aunque en los escenarios se hace acompañar por Los Perros de Terciopelo, él solito se ha currado todos los cortes del que será su nuevo disco, un álbum que promete estar plagado de imágenes, de metáforas, de visiones irreales (o no tan etéreas), que le vinculan directamente con universos poéticos y oníricos. “Las historias que canto surgen de forma natural, de una vivencia real o inventada, de alguna persona cercana a mí o simplemente de darle la vuelta a algo que ya existe. Luego lo retuerzo todo

(MondoSonoro · Junio 2009 /27/ ENTREVISTA)

The Horrors Foto Tom Beard Main

The Horrors

juicios y prejuicios Tras el ruido mediático que supuso su irrupción en la escena independiente hace un par de años con su disco de debut, The Horrors se sacan de la manga “Primary Colours”, un imponente segundo álbum en el que bajo la batuta de Geoff Barrow de Portishead y el cineasta Chris Cunningham llevan varios pasos más allá su grotesco universo de pesadillas y sombras chinescas. Cuidado, tienen peligro.

E

l tribunal popular de MondoSonoro procede hoy a juzgar a la banda británica The Horrors por los cargos de hype sin fundamento, alboroto público y apropiación indebida del trabajo de Geoff Barrow y Chris Cunningham, productores (algunos sospechan que algo más) del segundo álbum de los de Southend, de nombre “Primary Colours”. Repasaremos punto por punto cuáles son los principales argumentos de la fiscalía y, sentados en el banquillo, responderán ante las acusaciones Rhys Webb -conocido artísticamente como Spider Webb; teclista- y Joshua Hayward -que utiliza indistintamente el sobrenombre de Joshua Third o Joshua Von Grimm; guitarrista-. Y el primer conflicto con el que nos encontramos a la hora de enjuiciar a Rhys y Joshua es de procedimiento: tenemos ante nosotros a dos mozalbetes lechosos y barbilampiños que aparentan no contar aún con edad para acudir a votar en las próximas europeas, aunque en sus respectivos Myspaces -conducidos por fans- se asegura que han cumplido, respectivamente, veintiséis y veinticuatro años. “Tenemos dicienueve”, juran sobre La Biblia, antes de volverse mudos otra vez y provocar un incómodo silencio en la sala. Entonces, cuando publicasteis “Strange House” ¡¡¡¿sólo teníais diecisiete años?!!!

“Sí”. Más silencio. ¡Guau! Parece impensable para una banda en España. “Cada miembro de The Horrors tiene un diferente background musical pese a su juventud”, dice Spider Webb, que a partir de ese momento llevará la voz cantante por lo que queda de declaración.

“Cuando era casi un crío yo escuchaba sobre todo soul de los sesenta. Después pasé a interesarme por el garage y la psicodelia, lo que poco a poco fue llevándome al punk”. Joshua por su parte “venía de escuchar

a Sonic Youth. Me gustaba maquillarme y era el chico raro del pueblo, un pueblo muy pequeñito”. ¿Y qué hay de esa escena gótica de la que os habéis convertido en flamante nuevo símbolo? “No, ninguno viene del rollo gótico”. Resulta extraño escuchar eso de los labios de un chaval que pasa por el sobrino de Gómez Addams. ¿Creéis en el rock’n’roll sin una fuerte carga visual? ¿Hay espacio para unos The Horrors desprovistos de imagen? “Si te acuerdas de Nirvana, ellos iban por ahí con sus tejanos rotos y sus camisas de cuadros, que era la ropa que vestían a diario, y cuando se hicieron grandes los chavales de todo el mundo copiaron esa imagen y se convirtió en un símbolo. En nuestro caso pasa algo parecido: no podemos evitar si los chavales se identifican con The Horrors y se visten como nosotros”. Un miembro del jurado arquea la ceja. Sigamos…

T

urno de la defensa. La banda ha dado un giro de ciento ochenta grados en los dos años que han pasado desde que os estrenarais con “Strange House” hasta este segundo disco. Como el gusano que se convierte en mariposa, de torpes émulos de Lux Interior habéis mudado en la gran esperanza blanca del noise rock internacional. Y no es sólo que en “Primary Colours” se reconozcan las influencias de grupos tan admirables como Can, Joy Division o The Jesus & Mary Chain, sino que las canciones están bien construidas y cuentan con un sonido propio y totalmente reconocible. ¿Podéis explicarnos cómo se hizo posible el milagro? “En estos dos años la banda ha sufrido algunos cambios físicos y, sobre todo, químicos. No hemos parado de tocar en directo y eso nos ha he-

cho mejores, mucho mejores. Además, nos hemos forzado a crear algo nuevo intercambiándonos los instrumentos, poniéndonos a nosotros mismos en dificultades, porque no le encontrábamos sentido a repetir el primer disco. La otra gran novedad es que nos hemos interesado profundamente en el trabajo de producción en el estudio, nos hemos implicado mucho en las técnicas de grabación hasta el punto de que el próximo disco posiblemente lo produzcamos nosotros mismos”. ¿Cómo conocéis a Geoff Barrow? “Nos seleccionó para el festival All Tomorrow’s Parties en el que Portishead ejercían de comisarios. Él nos introdujo en grupos de electrónica experimental de los sesenta como Silver Apples o The United States Of America y otras bandas psicodélicas de la Costa Oeste y nos abrió la puerta de un tipo de música que no sabíamos que

calidad sonora suficiente pero el resto está directamente sacado de la demo. Y algo parecido sucedió con Geoff. De hecho, la grabación fue muy doméstica: para ‘Who Can Say’ por ejemplo, el siguiente single, grabamos las voces en mi apartamento”.

Los que ven en The Horrors la última triquiñuela de los responsables de marketing de la industria discográfica inglesa recuerdan también los incidentes que tuvieron lugar en la sala Moby Dick de Madrid hace ya un año, cuando el cantante Faris Rotter se colgó por los cables del techo de la sala y la emprendió a golpes con una bola de espejos que terminó causando heridas a algunos de los asistentes. ¿Reencarnación del espíritu del “Por favor mátame” o truco publicitario? “Recuerdo ese concierto como el más increíble que hemos dado nunca. Había algo muy poderoso en el aire, una gran conexión con el público.

No somos deliberadamente violentos, fue

“Estamos interesados en hacer sonidos que jodan la cabeza de quienes nos escuchan” estaba ahí… El disco suena totalmente diferente como consecuencia de trabajar con él, pero al mismo tiempo su mayor valor como productor, al igual que sucede con Albini, es que deja que hagas las cosas a tu manera y se limita a capturarlo”. Entonces ¿qué les diríais a quienes ven la mano maestra de Geoff Barrow de Portishead dirigiendo todo el cotarro? “En cierto modo el disco ya existía antes de empezar a grabarlo. La primera persona que se interesó por la producción fue Chris Cunningham. Desde que hizo el clip de nuestro primer single, Chris siempre ha estado muy implicado con la banda y cuando puede se viene con nosotros de gira. Pensamos que podría ser interesante colaborar juntos, aunque él no tenía ninguna experiencia como productor musical, así que le pasamos la maqueta de ‘Three Decades’ y él reutilizó las guitarras y los sintetizadores. La voz y la batería tuvimos que volver a grabarlas, porque no tenían la

tan sólo el resultado de la comunión entre una banda y su público intentando disfrutar al límite de la música”. ¿Al final os metieron alguna demanda por aquello? “No, no…”, responden con la boca pequeña. “Aunque sí que es verdad que la seguridad de la sala nos habría dado de hostias si no hubiéramos corrido a refugiarnos en el camerino hasta que la cosa se calmó un poco. Pero te aseguro que los únicos que no disfrutaron de aquel show fue el staff de la sala”. La absolución final queda aplazada hasta su actuación en la edición 2009 del festival Primavera Sound.

Entretanto The Horrors, lejos del arrepentimiento, juegan a la provocación. “Estamos interesados en hacer sonidos que jodan la cabeza de quienes nos escuchan”.

■ Luis J. Menéndez “primary colours” está publicado por xl/popstock!

The Horrors estarán en el Estrella Damm Primavera Sound y en el FIB Heineken.

Jueves 18 15/20竄ｬ

viernes 19 GRATis

sﾃ。ADO 20 GRATIS

COLABORADORES

Los Delinqüentes Foto Globodejeréret

(MondoSonoro · Junio 2009 /29/ ENTREVISTA)

Los Delinqüentes

El duende de las garrapatas Hemos tenido que esperar algo más de lo prometido, pero ya tenemos aquí “Bienvenidos a la época iconoclasta”, el cuarto disco de estudio de este dúo jerezano con mucho arte y mucha desvergüenza también. Siguen siendo los mismos garrapateros flamencos de siempre, pero esta vez aún más rockeros.

E

l nuevo disco de Los Delinqüentes se venía anunciando desde finales de 2007, pero no ha sido hasta este mayo que “Bienvenidos a la época iconoclasta” ha visto la luz. “Se empezó a gestar a principios de 2008 y en mayo del año pasado ya lo habíamos acabado de grabar. Entonces hubieron cambios en EMI (su anterior discográfica) y nos dijeron que querían cambiar detalles del contrato. Nosotros dijimos que también queríamos cambiar cosas. A partir de ahí se abrieron las negociaciones y se empezó a alargar todo. Al final llegamos a un acuerdo. El disco es nuestro, lo hemos pagado nosotros, El Volcán lo edita y EMI lo distribuye. Llegamos a plantearnos el autoeditarlo, pero, como se retrasaba tanto, decidimos sacarlo así y tenerlo ya en la calle. De hecho tenemos canciones para otro disco”. Son Marcos del Ojo “Canijo” y Diego Pozo “Ratón” los que contestan al unísono o completándose las frases. Es tal la compenetración que hay entre ellos que a veces no sabes quién de los dos contesta la pregunta. Y es que ya son más de diez años los que llevan juntos pasando muchas alegrías y también alguna pena. Pero volvamos al nuevo trabajo. Son trece las canciones que vienen acreditadas, aunque después se descubre otra más (la divertida “Paco Atraco”) al final del disco y tras una larga espera. “Pues se va a editar también en vinilo y ahí hay otra canción más (‘Sandías de cartón’)”, advierten. Y aunque en el libreto del disco parecen disculparse por pisar otros espacios musicales: “Nos hemos desviado un poco de nuestro territorio habitual en cuanto a concepto y sonido”, cuando se lo comentamos, no parecen estar tan convencidos de sus palabras.

“En realidad hemos hecho lo que nos pedía

el cuerpo, hemos metido más guitarras eléctricas y le hemos dado una nueva producción. Y es lo que estamos haciendo en directo, porque por lo menos seis temas del disco hace tiempo que los tocamos. La diferencia más grande es que hay temas en los que no hay guitarra flamenca, y eso antes no lo habíamos hecho nunca”. Pues también hay bulerías (“Quítate la ropa”), reggae psicodélico (“Donde crecen las setas”), cabaret ska (“Gas butano”), pop (“¿Quién es más poderoso el aire o el fuego?”) o country blues (“Antiguo Teatro Callejero”), palos o géneros musicales que no habían explorado detenidamente. Todo ello junto a clásicos garrapateros que mantienen su vital naturalidad y actitud callejera (“Cicatrizando”, “El loro”). Aunque las canciones están compuestas de la misma manera de siempre, Canijo lleva las ideas con la guitarra y esas letras cotidianas, divertidas y surrealistas y Ratón le pone los arreglos y coproduce junto al fiel Josema García-Pelayo. “Escuchamos muchos estilos de música y a la hora de hacer las canciones todo nos sale de forma natural.

Si en un tema entra el reggae, pues lo metemos. Lo hemos hecho así desde el primer disco. La diferencia de estilos no es nueva en nosotros, pero quizá sí que se nos asocia más con la rumba”.

N

nunca han ocultado sus raíces, (patentes desde su nombre), ya que grupos como Veneno o Pata Negra siempre han sido sus incunables. Y si Veneno fue el encuentro explosivo entre un payo que le gustaba el flamenco, con dos flamencos que les gustaba el rock, Los Delinqüentes son payos haciendo rock flamenco. “Cuando empezamos, los tres veníamos del rock. En nuestras familias

nadie hacía flamenco. Al contrario, el padre de Canijo tocaba en una banda de rock y mi tío Miguel en otra. Con diez años ya escuchábamos a los Beatles, los Stones o Pink Floyd. Por otro lado, en la calle todos los colegas con los que nos juntábamos, o eran gitanos, o flamencos, y con ellos no paraban ‘los cantos regionales’. Jerez es la ciudad donde los payos y los gitanos están más integrados, allí todo está mezclado”.

Quizá por eso de mezclar las cosas siempre les ha gustado invitar a sus amigos músicos. Desde su primer disco, tenían una lista con todos los artistas con los que querían colaborar. Ahora ya les deben quedar pocos. Por otro lado, ellos mismos son una de las bandas más solicitadas como invitados. “Nos gusta mucho colaborar y que colaboren con nosotros, porque eso le da al trabajo otro aire”. Cierto. La diferencia de personalidades de los invitados en este nuevo

hizo voces y Muchachito con la flamenca y coros. ¡Ah! Y la Gigoleto pusieron sus metales en ‘Arena en los zapatos’. Dani Macaco al final no pudo venir. Esto es lo que nos gusta, la variedad y si el cuerpo nos lo pide, pues palante”. Pero si algo hay que reconocer de estos músicos pendencieros son sus electrizantes directos. Ellos junto a la Banda del Ratón son de esos grupos que sin apoyo mediático han conseguido una legión de fans a base de trabajarse los escenarios. “Los conciertos son nuestra eucaristía. Ahí no hay trampa ni cartón y son siempre diferentes.

Eso la gente lo valora”. Ahora que parece que la única fuente de ingresos para los músicos son los conciertos, ellos anuncian que abrirán una sala en Jerez. “Se va a llamar Tío Zappa.

Tío, porque todas las peñas se llaman tío ‘algo’ y Zappa... no hace falta explicarlo”.

Para acabar, hay que recordar que nunca olvi-

“Los conciertos son nuestra eucaristía.

Ahí no hay trampa ni cartón y son siempre diferentes” disco ayuda. Y ellos nos lo repasan. “Roberto de Tabletom era uno de los pocos que nos faltaba. Es el gurú de Málaga. Ha sido todo un honor para nosotros. Julieta Venegas nos la presentó Kiko y ella nos dijo que era ‘recontra-fan’ nuestra y se sabía muchas de nuestras canciones. Con Leiva (Pereza) ya había relación porque estuvimos en un disco suyo. Es un flipao del rock’n’roll.

Vino, se trajo la guitarra y al final también se animó a cantar. En su canción (“Camino de los bares”) parecemos los Tequila. Con ‘Sorderita’ (ex Ketama) hicimos un tango moruno que nos encanta. Él también era uno de los invitados pendientes. Además lo conocimos en un partido de fútbol benéfico de toreros versus artistas (risas). En ese tema también está Raúl Rodríguez (Martirio, Kiko Veneno) con su tres cubano electrificado y con distorsión. También está Kiko que

dan a su compadre Migué que murió en 2004.

El título del disco es el nombre que éste puso a una obra de teatro en 1999 y que se narra en “Antiguo Teatro Callejero”. Además le dedican la bonita y emotiva “El jardín”. Y nos anuncian que ya está casi acabado el disco homenaje que han arreglado con canciones de Migué cantadas por él y con colaboraciones de diferentes músicos como Rafael Amador, Juanito Macandé, El Torta de Jerez... “Manu, el hermano de Migué, ha hecho un gran trabajo recopilando poemas y canciones que dejó. Será un disco-libro, ‘Cómo apretar los dientes’ a nombre de Matajare que era su proyecto. Sólo tenía veintiún años, pero era un pedazo artista”.

■ Miguel Amorós

“BIENVENIDOS A LA ËPOCA ICONOCLASTA” está publicado por el volcán música

Phoenix Foto Antoine Wagner

(ENTREVISTA /30/ Junio 2009 路 MondoSonoro)

(MondoSonoro · Junio 2009 /31/ ENTREVISTA)

Phoenix

El grupo que mejor ha sabido moverse dentro de la resbaladiza línea que separa el indie del mainstream regresa con “Wolfgang Amadeus Phoenix”, excelente continuación del celebrado “It’s Never Been Like That”. Los franceses entregan una obra que condensa todos los aciertos de su carrera, dejando claro que su pop rabiosamente cool irradia clase, inteligencia y personalidad a raudales

“

El cuarteto parisino fue desde el principio mucho más grupo de lo que le suponíamos”, afirmaba Luis J. Menenédez sobre Phoenix en el pasado número de MondoSonoro.

Y razón no le faltaba. Los franceses fueron uno de los mayores hypes de principios de siglo gracias a dos desiguales discos, “United” (2000) y “Alphabetical” (2004), que apenas presentaban un par de singles memorables por cabeza. Canciones como “Too Young”, “If I Ever Feel Better” o “Run Run Run”, eso sí, hacían intuir todo el potencial de un grupo que aún estaba por estallar. Ese momento llegó con “It’s Never Been Like That” (2006), un trabajo que abandonaba los pastelosos arreglos electrónicos que malbarataban su talento como hacedores de hits, y abrazaba el pop infeccioso de guitarras bonitas y nerviosas recuperando las enseñanzas de algunos de los grupos más cool de los ochenta (Orange Juice, Aztec Camera o Prefab Sprout). Ahora, tres años después de ese paso de gigante, regresan con un nuevo disco que construye un sólido puente entre los singles arrolladores que les hicieron conocidos a principios de su carrera, y el pop más directo, ganador y orgánico de su penúltima entrega. Al habla Laurent Brancowitz, guitarrista y una de las cabezas pensantes del grupo junto al cantante Thomas Mars. “Hemos cambiado de discográfica y este nuevo disco era una especie de reto. Eso sí, no teníamos ninguna atadura artística ni idea preconcebida antes de entrar en el estudio. Nos encanta tener esa sensación de libertad y no saber nunca por dónde te va a llevar el proceso de creación de un disco. Nos lo pasamos en grande trabajando así, y eso no va a cambiar nunca…”. Consciente o no, esta nueva formulación del sonido de la banda viene acompañada de un cambio ostensible en la imaginería que les rodea. Acusados muchas veces de ser un grupo francés que se avergonzaba de sus raíces, los Phoenix actuales enriquecen su propuesta recuperando en sus canciones la mitología histórica de Versalles, su barrio natal y una de las zonas de París más legendarias. Tradición y modernidad se dan la mano en “Wolfgang Amadeus

la zona. Sus mitos, los edificios históricos, lo que ha pasado a lo largo de los años…

Está bien recuperar las raíces, de alguna forma enriquece tu propuesta”. Ahora bien, esa fijación con Versalles no solo mira al pasado.

La canción más arriesgada del disco, un tema casi instrumental de siete minutos de duración titulado “Love Like A Sunset”, tiene su origen en la actualidad. “‘Love Like A Sunset’ es una especie de experimento, una banda sonora para escuchar en el coche cuando pasas por unos túneles que van de Versalles al centro de París. Es una canción que teníamos antes de empezar la grabación que al final nos llevó mucho tiempo acabarla. La duración original era de treinta minutos y al final se ha acabado quedando en siete.

No teníamos muy claro si incluirla en el disco pero al final lo hicimos porque nos convenció el resultado”.

E

sta especie de “vuelta a los orígenes” de Phoenix también se ha visto reflejada en la producción del disco. “It’s Never Been Like That” fue grabado en Berlín, y este “Wolfgang Amadeus Phoenix” en un estudio de París propiedad de Philippe Zdar (Cassius), un amigo de la banda que ya se encargó de la mez-

“A mí me gusta pensar que somos una banda de rock y no de pop” cla de “United” y que ahora ha acabado como co-productor casi por accidente. “En un principio Philippe Zdar no iba a producir el disco.

Simplemente nos iba a ayudar un poco en el estudio, que es suyo, e iba ser el ingeniero de sonido. Su implicación en la grabación cambió cuando empezó a dar ideas sobre algunas canciones, a sugerir arreglos nuevos… Sus sugerencias eran todas muy interesantes y ha acabado co-produciendo el disco con nosotros”. La mano de Zdar se nota sobre todo en unos prístinos arreglos electrónicos que enriquecen un discurso brillante

“Somos un grupo que se pasa horas buscando el arreglo perfecto” Phoenix” de la misma forma que lo hacían en “María Antonieta”, película de Sofia Coppola (actual pareja sentimental de Thomas Mars) rodada, precisamente, en el lujoso Palacio de Versalles. El título de su nuevo disco y canciones como “Lizstomania” (dedicada a Franz Liszt, considerado por muchos como el primer fenómeno pop de la historia de la música) o “1901”, dejan clara esta fascinación por el pasado.

“Ahora que lo dices algo de razón tienes con la comparación con ‘María Antonieta’ (risas). El disco habla sobre cierta mitología francesa, cosas con las que crecimos, cosas que en nuestros primeros discos no aparecían porque no nos parecían cool. Ahora ya no nos da miedo hablar de nuestras raíces. Somos de Versalles y las canciones hablan de cosas y personajes de

canción. Nos hemos pasado dieciséis meses grabando. Sobre lo de Fleetwood Mac si te soy sincero sólo conozco un par de canciones. La verdad es que nos comparan a un montón de grupos que no conocemos.

Nos ha pasado siempre”. Para la grabación de “Wolfgang Amadeus Phoenix” han utilizado un curioso juego de cartas conocido como “Oblique Strategies”, creado en los años setenta por Brian Eno y Peter Schmidt. “Sí, es un juego de cartas creado por Brian Eno en los setenta que ofrece soluciones al proceso creativo. Cuando estás creando y tienes una duda, coges una carta al azar que te da un consejo”. ¿Funciona? “La verdad es que sí. En muchos ocasiones nos ayudó a salir de callejones sin salida”. El momento de gracia creativa que vive Phoenix en la actualidad se ha visto traducido en una línea ascendente de popularidad. Cosa rara. El pasado mes de abril fueron el grupo invitado en una de las entregas del genuino e inigualable “Saturday Night Live” yanqui, el programa de televisión humorístico más grande del planeta. ¿El primer paso para conquistar las Américas? “Lo de ‘Saturday Night Live’ fue una experiencia alucinante. Un sueño hecho realidad. Estar rodeado de algunos de los mejores cómicos estadounidenses del momento, ver cómo hacen el programa in situ… ¡Nos trataron como reyes! La explicación de cómo llegamos a tocar en ‘SNL’ con ni siquiera el disco editado y sin apenas intermediaros fue simple. Nuestro disco se filtró hace unos dos meses en Internet y alguien del staff del programa se lo bajó y decidió llamarnos. Me encanta que aún haya cosas

donde todo está cuidado al detalle, donde todo es fruto de un sabio proceso de composición y de un concienzudo trabajo en el estudio. Dignos herederos de los Fleetwood Mac de “Mirage” y “Tango In The Night”, dos de los discos con más clase de los ochenta, verdaderas cumbres de la producción más exquisita, sofisticada y emocionante, Phoenix son capaces de darlo todo por el arreglo perfecto, por ese punteo de guitarra soñado que convierta una canción en algo especial. Lo suyo es pop de laboratorio con alma. Algo dificilísimo de conseguir. “Somos un grupo que se pasa horas buscando el arreglo perfecto. Para conseguir la magia se necesita suerte y esfuerzo. Y eso es lo que buscamos. Podemos grabar rápido también, todo depende del momento, si creemos que esa espontaneidad va con la

de la carrera de un grupo que no se puedan controlar…”.

D

os cosas para acabar. La primera relacionada con la recopilación que Kitsuné ha editado recientemente bajo el título de “Kitsuné Tabloid By Phoenix”, un disco donde los franceses seleccionan sus canciones favoritas. Una de las elegidas es el “Rise Above” de Kiss, un tema que Thomas Mars y Laurent Brancowitz versionaban en uno de sus primeros proyectos musicales cuando eran unos adolescentes. Ojo que la historia tiene miga. “El grupo se llamaba ‘Darlin’, como una canción de The Beach Boys, uno de nuestros grupos favoritos en esa época. Teníamos dieciséis años y estábamos con los dos futuros miembros de Daft Punk. También nos gustaba mucho Kiss, por eso hacíamos esa versión. Sonábamos como una banda de punk rock porque no sabíamos tocar.

Lo mejor es que llegamos a sacar un single con el sello de Stereolab. Les enviamos la maqueta, y les gustó (risas)”. La segunda, una sorprendente declaración que realiza Brancowitz cuando le comento lo raro que me parece que una banda de pop tan bien armada como la suya se deje llevar por algunos tics rockeros encima de un escenario. “El componente rock siempre ha estado presente en Phoenix. De hecho, a mí me gusta pensar que somos una banda de rock y no de pop. De todas formas para nosotros la música es un todo y no somos muy amantes de las etiquetas.

Lo que hacemos nos sale de forma natural”. ■ Xavi Sánchez Pons

Francia Mola Después de habernos brindado en los últimos años una larga lista de influyentes artistas (de Daft Punk a Air, Benjamin Diamond o Etienne De Crecy), los franceses no se han dormido en los laureles y continúan moviéndose con buenas ideas.

No nos engañemos, el pop y la electrónica se les dan más que bien, de ahí que a toda esa generación se les puedan sumar infinidad de nombres, desde Yuksek a Hushpuppies. Descubran aquí a algunos más.

Adam Kesher

Totalmente desconocidos en nuestro país, Adam Kesher –un grupo, pese a su nombre- se están convirtiendo en una grandiosa promesa gala gracias a canciones tan redondas como “Ladies, Loathing And Laughters” o “Local Girl”, en las que pop, rock y electrónica se combinan con un registro vocal muy a la Kere Okereke. Los chicos de Phoenix, que no tienen un pelo de tontos, les invitan de vez en cuando como teloneros. En breve publican segundo largo.

Data Seguidor de Kiss y de Daft Punk como los chicos de Phoenix, Data empezó a gozar de cierta popularidad gracias a la electrónica de piezas como “Aerius Light” o por sus remezclas para Felix Da Housecat o Chromeo, aunque en “Skywriter”, su recién publicado primer larga duración, este joven parisino apuesta por el pop.

The Dø Posiblemente el grupo indie del momento en Francia (su debut es número uno allí), The Dø es un particular dúo chicochica de estética tan moderna como excéntrica.

Tan pronto pueden acercarse a Pj Harvey como ofrecer pequeñas muestras de bonito pop de dormitorio o sonar puntualmente a The Ting Tings. Su hit “On My Shoulders” suena en los bares y locales más cool. En julio estarán en Barcelona y Madrid.

Naïve New Beaters Acaban de publicar su debut “Wallace”, aunque su single “Bang Bang” les convirtió meses atrás en uno de los grupos indies más populares en tierras galas. Eso sí, su estilo electrónico y bastante macarra poco tiene que ver con la clase de Phoenix.

De momento, el próximo mes de julio podrás verles formando parte de la parrilla del FIB Heineken.

The Shoes Canela fina la de The Shoes, procedentes de Reims (como Yuksek o Brodinski) y a quienes les llueven elogios hasta en Inglaterra. Suenan pop cuando están juntos, pero sus remixes electrónicos les han hecho famosos en todo el globo terráqueo. Por sus manos han pasado desde Santogold a Late Of The Pier, Ladyhawke o Telepathe.

Esperamos su debut en largo. n Joan S. Luna

Tote King

(MondoSonoro · Junio 2009 /33/ CONCIERTOS)

Dizzee Rascal

Common

Hablando en Plata Foto Miguel Ángel Sánchez

Xzibit

Nach

V FESTIVAL CULTURA URBANA Lugar Telefónica Arena (Madrid) Fecha 16-5-09 Estilo rap Público Público lleno hasta la bandera Promotor Planet Events Tras concebirse en el Matadero de Legazpi, reafirmarse en el Parque Juan Carlos I y pinchar en hueso el pasado año en otro parque, el de la Marina de San Sebastián de los Reyes; la quinta edición del Cultura Urbana ha encontrado su localización idónea: el Telefónica Arena de la Casa de Campo. El festival, uno de los mayores eventos de la temporada estival de nuestro país y definitivamente, la referencia en cuanto al hip hop estatal concierne, congregó el pasado sábado a más de quince mil personas en torno a un denominador común: la cultura hip hop. La gran apuesta de las fiestas de San Isidro fue todo un éxito de organización, amparada con una masiva asistencia, que desde primeras horas de la mañana, dejaba respirar el ambiente en los aledaños del bosquejado pulmón de la capital. Con un cartel significativamente más plural que el de las pasadas ediciones, ganando así en diversidad y perspectiva, respondía, en parte, a la demanda crítica que en anteriores ocasiones venían manifestando artistas y disqueras que no tenían

relación directa con el sello discográfico que originó el evento. Pero centrándonos en lo meramente musical, el cartel del de este año tenía por encima de un elenco de imponentes nombres, dos en particular: Common y Xzibit, que actuarían en el Escenario Diesel. El de Chicago demostró la clase que atesora, con una puesta en escena contundente y cuidada. Aunque para algunos supusiera un punto de finura en el contexto global, lo que fue incontestable es que los americanos siguen estando un nivel por encima, ¿será cuestión del ADN? Lástima que algunos tuvieran prejuicios en ese sentido y desecharan la actuación de Common, que si bien es cierto se perdieron un buen directo, al menos Rapsusklei vio su pabellón a rebosar en el momento de actuar. Un par de horas antes, el polifacético Xzibit firmó el mejor directo de todo el día. Haciendo un repaso por sus temas clásicos –incluido “Paparazzi”-, el californiano volvió a rubricar un excelente directo, como días antes lo hiciera para el público barcelonés. Sonido estratosférico

el mostrado en ambas realizaciones. Una de las sorpresas más agradables que nos dejó la velada fue el francés de moda, Sefyu, quien mostró con sobrados dotes el porqué destaca en la primera plana del rap galo. Por su parte, el máximo exponente del grime británico, Dizzee Rascal, vio desde sus primeras estrofas como el escenario principal se iba despoblando según avanzaba su repertorio. Ni que decir tiene que eso no sucedía cuando sobre la tarima actuaba un artista nacional. Si con Juaninacka -seguramente debido al temprano horario-, el pabellón estaba a medio llenar y con Duo Kie la cosa iba subiendo, cuando le tocó el turno a Nach, la gente tuvo que recurrir al graderío para poder ver algo más que una sombra del alicantino por encima de las cabezas que tenían por delante.

Sobre el nivel de los directos de todos ellos, poco hay que añadir, porque se les ha visto ya en sobradas ocasiones con las mismas responsabilidades, cumpliendo con el expediente de manera satisfactoria. Sobre el mismo terreno también pasaron los malagueños de Hablando en Plata, para presentar en sociedad su reciente “Libertad/Hambre”. Mención aparte para Le Flaco y ToteKing, porque ambos apostaron por una fórmula que parece ganar cada día más adeptos en nuestro rap: el plasmar un directo con músicos. El resultado, como suele suceder con estas experimentaciones, depende de los gustos personales de cada uno.

Mientras todo esto transcurría, simultáneamente en el escenario Urban se daban cita alguna de las formaciones con mayor progresión del panorama, como Dogma Crew, Artes, Hermanos Herméticos, A3 Bandas o Acqua Toffana -por citar algunos-, y en donde muchos se perdieron una de las actuaciones tapadas de la noche: la de Mucho Mu, que al parecer, estuvo acertado en su reaparición con el público madrileño.

Por otro lado, uno de los mayores aciertos que ha tenido la organización ha sido la apuesta firme y concisa por el break, dándole un pabellón entero para la realización de la V Eastpak Breakdance Battle y otorgándole unos horarios en los que no coincidía con los directos multitudinarios. Allí mismo, en el Pabellón Satélite, asistimos a la ya tradicional Red Bull Batalla de Gallos, donde además tuvieron lugar los directos mestizos de Rapsusklei y Hermano L, ambos con su singular aportación. De camino al escenario Ecko & Hip Hop Nation, que encarnó una especie de apartado chill out del festival, donde muchos parábamos para reponer fuerzas escuchando la exquisita música que salía de los platos de algunos dejotas como Caution, Kanzer, Delise o Jeckey, asistimos a la interesante exposición de obras que utilizan el vinilo como soporte para expandir los colores que manan de los aerosoles.

Precisamente el graff vuelve a quedarse como la asignatura pendiente, más que por la gente del festival es por los impedimentos que deben poner los propietarios de los recintos, siempre contrarios a este tipo de exhibiciones. Para aquellos que piensan que el hip hop es vandalismo, me planteo que, con más de quince mil visitantes, no fue suficiente muestra de civismo el que no hubiera ni un altercado y donde, no lo olvidemos, se dejaba acceder a menores.

Ojalá el año que viene el graffiti se muestre tan urbano como es y no tenga que ser escondido como un elemento vanguardista para un público cool, que si bien es una vertiente más de dicho arte, no es el primario. La climatología y el enclave fue perfecto para desarrollar las exhibiciones de skate y basket, que también formaban parte del programa, que tuvo un fin de fiesta accidentado con Q-Bert y sus problemas de sonido.

Alberto Comeche

Eli “Paperboy” Reed

Mike Farris

Lugar Mendizabala (Vitoria-Gasteiz) Fecha 14/15/16-05-09 Estilo rock y soul Público 35.000 personas aprox. Promotor Last Tour International Los prolegómenos de este Azkena 2009 pivotaban básicamente sobre dos nombres: Eli “Paperboy” Reed y The Black Crowes. El primero vive su momento dulce (bendita coyuntura del neo-soul) y los segundos resarcían a su público tras el amago de hace cuatro ediciones. Además, ambos representan el espíritu de este festival por encima de otros notorios ilustres.

Uno demuestra que el relevo es posible y los otros que se puede seguir creciendo en paralelo al devenir del rock. Por supuesto, estuvieron a la altura, pero vayamos por orden. La inaugural jornada del jueves sirvió precisamente de eso, de inauguración. Burning, otra metáfora de lo que significa el certamen, correctos. El supergrupo The Freeks no pudo librarse del escollo de un sonido irregular y The Breeders fue puro ejercicio de nostalgia a través de un frío pase.

Juliette Lewis hizo lo que ya sabíamos y reiteró que canciones, lo que son canciones, pocas son las que tiene dignas de mención.

Al día siguiente se duplicó la asistencia del jueves por los nombres arriba expuestos, básicamente. Elliot Brood, al igual que el joven soulman bostoniano, se benefician de la ola americana que no termina de orillar, y son dignos merecedores de ello, como sucede por

ejemplo con Two Gallants, a los cuales se les compara. Economía de medios en temas cocinados desde la frontera canadiense que sirvió de perfecto nexo para Dr. Dog. Un último disco de mediana repercusión, bizarrismo estético, melodías y repuntes de pop que soslayan el juego de poner etiquetas. Influencias de The Band y Beatles, y listo. Fabulous Thunderbirds poco aportaron al músculo del festival. Verbena al viejo estilo (fraseos de armónica exasperantes y demás) que canalizó a la gente en dirección al segundo escenario. Eli “Paperboy” Reed y sus True Lovers triunfaron sobremanera. Se le esperaba con impaciencia a tenor de lo oído en sus pasadas actuaciones españolas y el verbo se hizo carne. El joven y paliducho Reed arengó a las masas al viejo estilo de los carismáticos soulmen negros, reutilizando todos los tics y clichés del género, y aquí no hay grises.

O lo haces bien, o caes en el más absoluto de los ridículos. El veinteañero ha mamado música desde la cuna y ahora exuda soul. “Roll With You” ha sido como el evangelio para muchos, ambrosia tanto para el neófito como para el veterano. Y así fue. UK Subs substituían a Bad Brains y a The Zombies se les archivó en la sección “viejas glorias” del festival. No hay discos hoy en día como “Odissey & Oracle”,

pero tampoco Rod Argent es el que fue hace cuarenta años. Pasaron la prueba con decoro, eso sí. Soul Asylum se hicieron famosos en los noventa y no han podido quitarse esa imagen de encima, a pesar de que hayan transcurrido casi veinte años desde “Runaway Train”. Si uno no se esperaba nada, algún punto positivo consiguieron arañar, a pesar de lo anodino que resulta su cancionero en general. Los nervios ante la perspectiva de tener a los hermanos Robinson delante no permitían tampoco concentrarse mucho. Y los de Atlanta, léase The Black Crowes, con Luther Dickinson sustituyendo a Marc Ford, posiblemente dieron el mejor concierto de la historia de este festival. Ni el fan más optimista se creía tantas concesiones al repertorio clásico, al “Shake Your Money Maker” (1990) y a “The Southern Harmony And Musical Companion” (1992). “Sting Me” y “Twice As Hard”, sólo para empezar, y “Goodbye Daughters Of The Revolution” completó el tridente inicial. Los cuervos comenzaron a volar alto por Mendizabala, ora restregándose en jams brutales (tremendo el desarrollo de “Poor Elijah” de Robert Johnson) ora volcándose en el rock and roll (“Jealous Again” por ejemplo, o “Thick N Thin” como bis).

El sábado, Dan Auberbach sorprendió gratamente. La segunda mitad de Black Keys se ha afeitado, pero su sonido sigue siendo rudo, con predilección por los graves y la escala

TSOOL

The Black Crowes

Alice Cooper Fotos Fernando Ramírez

Azkena RockFestival 2009

pentatónica del blues siempre presente. A Woven Hand siempre es mejor verles en sala y más apto para sentirte intimidado. The New Christs no le dicen mucho a uno si ya están vistos, y Mike Farris & The Roseland Rhythm Revue triunfaron como Eli el día anterior. Una impepinable sección de metales y dos coristas de gospel negras fueron los highlights sobre los que el ex Screaming Cheetah Wheelies se sustentó para ofrecer su liturgia de soul y rock. Maestro de ceremonias nato, no tuvieron que pasar dos minutos para poner patas arriba al respetable. Una fuerza en bloque arrolladora que si no te hacía mover el cuerpo era porque estabas muerto. Molly Hatchet pasaron sin pena ni gloria, y TSOOL abusaron de un cancionero atípico para conciertos y un sonido cargado de graves, poco útil para el pop y la psicodelia. Más de lo mismo para Fun Lovin’ Criminals. Parcos en repertorio conocido y sonido desentonado. Alice Cooper no cumplió con las dos expectativas que se podían albergar: temas míticos y show. Pobre este último, nos aferramos pues a las canciones de los setenta y ochenta donde el señor Fournier alcanzó la cumbre (“Under My Wheels”, “No More Mr. Nice Guy”, “Billion Dollar Babies”) y dejamos de lado sus últimos discos. El broche de, ejem, plata, con el que se cerró una edición que este año rindió homenaje a Lux Interior, Ron Asheton y, por supuesto, y como viene haciendo desde hace ocho años, al fan del rock. Álvaro Fierro

Peaches PJ Harvey y John Parish

The Prodigy Fotos Pablo Almansa

( CONCIERTOS /36/ Junio 2009 · MondoSonoro)

Estrella Levante S0S 4.8 Lugar: Recinto La Fica (Murcia) Fecha 1 y 2/05/09 Estilo varios Público 40.000 personas (sold out) Promotor Región de Murcia, Cool-Tura De menos a más fue transcurriendo una segunda edición del SOS 4.8 que consolida a la cita murciana como alternativa urbana y moderna en el calendario de festivales primaverales de nuestro país. Y decimos de menos a más, porque la primera jornada comenzó salpicada por un chaparrón a mediodía (vaya con las previsiones) y por cierta confusión entre el público por el sistema de adjudicación de entradas para la actuación de Pj Harvey y John Parish en el Auditorio (Escenario MondoSonoro.com). El caso es que, en el momento que la organización colgaba el cartel de no hay billetes, el sol se asomó de nuevo y aquellos que se habían hecho con un asiento en el impresionante Auditorio Víctor Villegas se aferraron a su butaca apercibidos por las azafatas de que si entrabas no podías salir. Un contrato que muchos hubieran querido romper, y no por el sensacional concierto que ofrecieron el tándem Harvey-Parish sino por la desproporción de sonido, afilado y agudo que sufrimos sobre todo los que habitábamos en los anfiteatros. Ahora bien, no nos vamos a poner ahora con discusiones sobre física y sí rendirnos a la química que Pj tiene con el público español. Con vestido blanco satén de dudoso gusto, no tardó en saltar el corralito en el que se situaba junto a Parish y los tres músicos que completaban una formación rockera al uso. “A Woman A Man Walked By”, su último álbum todavía calentito, fue el guión de un concierto de una hora en la que abrió con el single “Black Hearted Love”, y en el que siguieron “Sixteen, Fifteen, Fourteen” o “The Crow Knows Where All The Little Children Gone”. La Harvey se daba paseos por el escenario, ora desafiante ora lisérgica, mientras Parish alternaba guitarra eléctrica estrujando las válvulas de su AC30 con un banjo de sonido futurista e incluso un ukelele. Sonidos acústicos esporádicos en un set electrizante que culminó con la emocionante “April” y el coso puesto en pie, incluso los que vieron el concierto desde fuera a través de una pantalla gigante. El festival ya marchaba viento en popa hacia su primera jornada de éxito aunque a lo largo de la noche hubo que saltar algún que otro charco o chasco. Tras Klaus&Kinski, los murcianos de moda, con nuevo Ep bajo el brazo y Mäximo Park, dignos sustitutos de Los Planetas, con un concierto discreto y mucha entrega por parte del bueno de Paul Smith para un público todavía frío, llegó Duffy. Mona monísima, la triunfita galesa, resolvió el expediente –que nunca se debió abrir- con un concierto pastiche soul, r&b de piano bar que sirvió si acaso para amenizar la cena a más de uno para después ponerse a gusto como hizo Pete Doherty antes de pisar con sus Babyshambles el escenario Estrella Levante. Tras una actuación cuajada de gracietas y exhibiciones sobre cómo mantenerse en pie en un escenario con más de veinte gin tonics, Doherty salvaba los trastos con su hit “Fuck Forever” y se lanzaba a un público enloquecido, quizás la mejor decisión de la noche para una banda que no da más de si. Salvados estos charcos, tocaba moverse de un puñetera

vez y tenías dos opciones: entrar en trance con la descarga de break beat peleón de unos The Prodigy en 3D que empequeñecieron el equipo de sonido del escenario principal o pirarte al escenario Radio 3 y adherirse al electro glam más burdo y divertido de Peaches, sin duda lo mejor de la noche. Lástima que en la duda te perdieras la mitad del vestuario que la canadiense iba deshojando cáscara a cáscara –al final una mallita color carne- mientras recorría su último trabajo “I Feel Cream” restregándose por el suelo, lanzando estupros al aire y saltando a la barrera para azuzar a una plebe que a esas alturas no le cabía la lengua en la boca. Suerte que llegó el bueno de Miqui Puig con una sesión meritoria (desde Soft Cell a MGMT) para que el personal recuperara la compostura antes de decir hasta mañana.

Y mañana era hoy para algunos claro está. Si en la primera jornada el SOS 4.8 2009 se ganó el éxito a los puntos, el sábado lo hizo por K.O. Para empezar, el sonido en el escenario MondoSonoro.com, o sea en el Auditorio, encumbró más si cabe la deliciosa actuación de Matthew Herbert y su Big Band. Lo cierto es que no se sabe quien juega con quien, si Herbert –y sus samplers- con los músicos o estos y sus metales preciosos con él. El resultado es casi una performance con guiños irónicos y mucho sentido del humor aunque sin perder elegancia. El respetable con sonrisa de oreja a oreja, algunos más si cabe, en el momento en que el Barça le estaba metiendo cinco chicharros al Madrid. Los merengues tuvieron un excelente momento para reflexionar sobre la goleada con Spiritualized, abrían el escenario grande y se cascaron uno de esos sets lisérgicos y abrumadores propiciados por un Jason Pierce espesito. Mejor salir pitando para el escenario de Radio Nacional, y nunca mejor dicho porque la armada patria movía pieza y lanzaba la noche. Los murcianos Noise Box y y el gran Ross encendieron la mecha que mantuvo Russian Red cada vez con mejor planta en los escenarios y que Second terminó de explosionar con un concierto para el recuerdo. Se dieron un baño ante una multitud que no paraba de corear temas de toda su discografía, algunos como “Invisible” revestidos para la ocasión. El quinteto murciano aprovechó que momentos antes Keane habían abierto la hora del pop mediático con un concierto colosal, magnético para un público que con su hitazo “Everybody’s Changing”, babeaba y convertía en líder mesiánico al guapito de Tom Chaplin. Así se atrevió incluso con el “Under Pressure” de Bowie y Mercury. Con esta eclosión festiva los fuegos de artificio los pusieron Underworld, tan sencillos como hiperbólicos, y su “Born Slippy” ni que pintado para mirar desde el aire el recinto ferial La Fica donde se podía leer que habrá más versiones del Estrella Levante SOS 4.8. Para acabar, uno se pudo vaciar con unos 2Many Dj’s apabullantes y un Matthew Herbert a los platos al que tuvieron que cortar. Lo dicho, esto ya no hay quien lo pare.

Arturo García

Vive La Fête

Alva Noto

Moderat Fotos Ernesto Castañeda Migoya

Vetusta Morla Fotos Virginia Martínez

( CONCIERTOS /38/ Mayo 2009 · MondoSonoro)

L.E.V. Lugar Universidad Laboral Ciudad de la Cultura (Gijón) Fecha 1/2-05-09 Estilo electrónica Público lleno Promotor Laboratorio de Electrónica Visual El L.E.V. o Laboratorio de Electrónica Visual se presentaba en su tercera edición vestido con sus mejores galas para reivindicarse como una de las muestras de arte más vanguardistas e interesantes de nuestro país. Partiendo de la base de que el evento se organiza en el impresionante recinto de la Universidad Laboral de Gijón, no es difícil imaginar un festival con un sabor especial y que, en este pasado puente de mayo, dejó con una sonrisa de oreja a oreja a la gran mayoría de sus asistentes. Las actuaciones se desarrollaron en la iglesia, el ESAD (Escuela Superior de Arte Dramático) y, como novedad para este año, se estrenó un nuevo escenario en el Teatro de la Laboral. La propuesta también incluyó workshops, conferencias y actividades escénicas que se sumaban a los lenguajes visuales y sonoros que predominaron durante todo el fin de semana.

La noche del viernes comenzaba para nosotros con el artista y cinematógrafo Peter Greenaway, que presentó un espectáculo en diversas pantallas lleno de pequeñas historias independientes con una calidad visual impresionante que no dejó a nadie indiferente y que presentaba un formato muy alejado de las principales obras que el inglés ha desarrollado durante los últimos veinticinco años. Ya en el teatro pudimos seguir nuestro recorrido particular presenciando la actuación de Daedelus.

El americano mostró un discurso lleno de hip hop deconstructivista y estilos sonoros varios que combinó a la perfección con sus particulares bailes que, dicho sea de paso, recordaban a un espantapájaros electrónico conectado a un enchufe de alto voltaje. La noche iba llegando a su punto dulce y con una cuidada puesta en escena se presentaba uno de los platos fuertes del día: Moderat (propuesta que reúne a Modeselektor y Apparat). El trío alemán acertó en contenidos musicales y desarrolló un concierto lleno de bases rotas combinadas con una dulzura pop de muchos quilates y que, acompañándose del espectacular trabajo visual del colectivo Pfadfinderei, sirvieron como cierre del primer día. El día siguiente

se dibujaba lleno de grandes nombres y no defraudó. La berlinesa AGM nos dio la bienvenida a la iglesia en la noche del segundo día, inundando el aire del recinto sagrado con texturas industriales y acariciando los oídos del respetable con su sugerente voz. Un directo audiovisual vanguardista, sensible y con influencias claras de los maestros del ruidismo de los años noventa. Vuelta al teatro y final de la actuación de Eedl, idm patrio lleno de paisajes sonoros de mucha calidad que nos preparó para los platos fuertes del cartel del festival.

Alva Noto venía dispuesto a configurar un ejercicio maestro de cómo se manejan las frecuencias a nivel audiovisual. Su directo fue una comunión entre sonidos e imágenes interpretada de manera impecable por el teutón del sello Raster Noton. Inmediatamente después empezó a tocar el señor Richard D. James más conocido como Aphex Twin, maestro de maestros que esta vez vino acompañado de Hecker, quien se encargó de manejar el sistema de sonido 6.1 que se montó en exclusiva para el set del inglés. La suya fue una actuación que se paseó por los más granado de su discografía y que tuvo momentos de auténtico delirio en lo que fue una suerte de “Dj set” con una estructura clara hacia la pista y que lució sobremanera con unas visuales que distorsionaban una y otra vez la cara del genio inglés. Kettel planteó su discurso melódico e intimista de forma correcta y con mucha entrega de cara a un público que encaraba la parte final de un festival que llamaba a su fin de la mano de Byetone, segundo hombre de Raster Noton en el L.E.V. El alemán puso el broche de oro gracias una actuación impecable en la que desarrolló un espectáculo arrollador que recordaba a un ferrocarril alemán empujado por un propulsor nuclear: electro frío e industrial no apto para cardíacos. Un sobresaliente pues para esta tercera edición del festival que, aunque echó en falta a pioneros asturianos de las artes audiovisuales como Roberto Lorenzo, fue una muestra de calidad artística indiscutible.

Julián Andrés Dóniz

Tremendo Pop Festival Lugar Monzón (Huesca) Fecha 24/25-05-09 Estilos indie Público Casi lleno Promotor Asociación San Mateo La segunda edición del Tremendo Pop Festival que se desarrolla en la oscense localidad de Monzón apostaba este año por algunas de las figuras que han tenido mayor protagonismo en nuestras páginas. Comenzaba el viernes con enormes sonrisas entre el respetable, las que Tachenko y su enorme vitalismo provocan en cada uno de sus conciertos. Los zaragozanos, una vez más, nos dejaban con ganas de más canciones. Vetusta Morla lo consiguieron, a pesar de algunos problemas de garganta de su cantante, se metieron en el bolsillo a un público que empezaba a ser bastante numeroso y cantarín en las primeras filas. Batidora Dj, un clásico en los festivales aragoneses, amenizaba los cambios entre grupos con buen gusto. Tocaba salir a escena a Catpeople, quienes venían a presentar su segundo trabajo. La banda demostró que van más allá de meras comparaciones. A día de hoy se puede hablar de ellos como una de las bandas más sólidas del panorama estatal. Como sólida es la propuesta de We Are Standard. Nada que ver con el concierto de este verano en Paredes de Coura. El que firma tenía tremendas agujetas el día siguiente y un agudo dolor en el cuello tras la enérgica actuación de los vascos. Por si fuera poco, Chema Rey y el reincidente en el Tremendo Dj Amable acabaron de ponerle la guinda a la noche del viernes.

Tras las bajas de Polock (“asuntos contractuales”) y Half Foot Outside (alergia de su vocalista, Brian Hunt), la segunda jornada comenzó con el consiguiente baile de horarios entre Chema Rey, de nuevo, y los barceloneses Le Grant. La lluvia, la resaca o el fútbol provocaron que en el comienzo de Lori Meyers, cabezas de cartel, se registrara una pobre entrada que, por supuesto, fue

creciéndose a golpe de estribillos coreables para todo hijo de vecino (del “na na na naaa naa” de “Luces de Neón” para arriba), doble batería, preciosamente sincronizada, breves guiños al “Boys Don’t Cry” de The Cure y un bis coronado por la canción en la que Noni, según él mismo, canta mal adrede, “Alta Fidelidad”. Brazos en alto y la afición, mucho más numerosa que al principio, entregada.

A continuación, la gran sorpresa del festival: y es que, como decía aquel anuncio de Crowded House, “conoces más canciones de Vive La Fête de las que piensas” y, si no, vas a gozarlo igual. Para eso está ahí esa devoradora de escenarios que es su rubísima cantante, Els Pynoo (¿o era Priss, la de “Blade Runner”?), siempre de puntillas sobre el escenario y sin parar de contonearse con esa energía cabaretera suya, a ritmo del tecnopop más cool o del rock’n’roll más guarro.

Hedonismo, maquillaje, crestas postizas y, de postre, un “Jesucristo Superstar” a lo AC/DC combinado con el tema popi-kitsch “Palomitas de Maíz (Hot Butter)”. Muy rico. Y de la rubia... a la morena. Cycle estrenaron “Sleepwalkers”, sobre el escenario, presentaron a su nuevo cantante masculino (van a uno por disco: el actual, un clon de Alex Kapranos, pero en blando) y volvieron a jugar las bazas de La China Patino: miradas felinas, tocamientos impuros y esa sensación de “ya visto” de siempre. The Glimmers terminaron de romper al respetable comenzando la sesión con una versión friki del “Así me gusta a mí” de Chimo Bayo, para coquetear con sintetizadores techno noventeros, clásicos de New Order, Prodigy, Bob Marley y el siempre agradecido “Killing In The Name” de R.A.T.M. El año que viene más. Ya veremos si mejor.

Rafa Angulo y Virginia Martínez

escaparate

Trail Of Dead

Souvenir Vienen de: Pamplona Publican: “Drums, Sex And Dance” (Jabalina, 09) En la onda de: The Ting Tings, Yelle, Hot Chip

Corazón Foto Luís G. Morais

Vienen de: Madrid Publican: “Nuevo futuro” (Elefant, 09) En la onda de: Family, Ellos, La Buena Vida

este era un momento decisivo para Trail Of Dead, grupo que cumple quince años de trayectoria y que ahora vuelve sobre sí mismo, con un título que hace referencia al psicoanálisis (“The Century Of Self” es un documental de Adam Curtis sobre el impacto de las teorías de Sigmund Freud). “En este tiempo hemos aprendido a conocernos mejor, y eso creo que se refleja en este álbum. Los dos discos anteriores recibieron algunas críticas muy injustas, pero intentamos aislarnos de todo eso, también de la salida de Interscope, y tener una mentalidad positiva a la hora de ponernos a trabajar con estas canciones.

Hemos echado la vista atrás, pero sólo para quedarnos con lo bueno, y en ese sentido sí puede que sea nuestro álbum más personal”. ■ Enrique Peñas

Souvenir Foto Archivo

Frente a grupos como Corazón no hay término medio. O les adoras o les odias. El exceso de glucosa, melancolía y romanticismo en sus canciones no admite medias tintas, pero soporta bastante bien el paso del tiempo. Cuatro años después de publicar “Melodrama” regresan con “Nuevo futuro”. Carlos (voz), cincuenta por ciento del grupo me explica lo complicado que puede llegar a ser poner un disco en las tiendas. “Entramos en el estudio para componer en verano de 2007 y no terminamos hasta principios de 2008. El disco ya estaba grabado, pero quisimos que lo masterizara Javier Alarcón y andaba bastante ocupado. Elefant quería aprovechar el veinte aniversario del sello y al final ha salido en marzo”. Casi un año con el disco parado debe dar lugar a demasiadas dudas en el resultado final, aunque en este caso no ha sido así. “Sigo escuchándolo y los temas aguantan bien, me suenan muy frescos. Por primera vez no cambiaría nada de lo que hemos grabado, a pesar de que creo que una canción es como un cuaderno; que nunca se acaba”. La elegante producción de Ibon Errazkin viste con multitud de detalles escondidos donde menos te lo esperas, unas canciones que presentarán en directo el 13 de junio en la sala Siroco de Madrid. “Grabando con él es más difícil que te canses que si todos los arreglos son tuyos, porque te reconoces demasiado en cada detalle. En ‘Melodrama’ siempre tuve la sensación de que a los temas les faltaba pulso, e Ibón ha aumentado el tempo de las canciones tal y como estaban en las maquetas. Les ha dado vida y color, y de alguna manera nos ha ayudado a terminarlas. Está abierto a cualquier bizarrada que se te ocurra”. n Javier Ruiz

Corazón

Jason Reece, batería (también voces y guitarras) de la banda formada en Texas.

Como novedad, en esta ocasión renuncian a los overdubs clásicos en su sonido para optar por una grabación en directo en la que, por supuesto, se mantiene la densidad habitual, unas veces escorándose hacia un rock casi progresivo y otras dando paso a un auténtico fuego cruzado de guitarras. “La idea no era sonar exactamente como si tocásemos en directo, sino grabar en directo, son cosas distintas; es decir, queríamos cuidar el sonido en el estudio, pero de una forma diferente, y que además se ajusta muy bien a nuestra forma de tocar”. Después de que sus dos últimos trabajos (“So Divided” y “Worlds Apart”) pasasen bastante desapercibidos,

Después de la introspección y el susurro delicado, inevitablemente, uno acaba a la larga decantándose por el hedonismo y los movimientos de cadera al son de sintetizadores analógicos. Al fin y al cabo, todos somos esclavos de la pista de baile... Este es el caso del dúo navarro Souvenir, que mantiene una línea continuista en su última obra “Drums, Sex And Dance”. Reivindicadores a ultranza de la faceta musical de aquella diva incomprendida que fue Brigitte Bardot, Patricia De La Fuente y Jaime Cristóbal parece que han dejado a un lado los sonidos ochenteros en pro de unas melodías más contundentes acordes a los tiempos que corren.

“Se trata de un disco más rave, más anguloso y agresivo, incluso en las voces, que nuestro anterior álbum. Estilísticamente es siempre difícil delimitar claramente lo que nos ha influido, porque creo que puede tener tanto peso un tema de ahora producido por Hot Chip como una producción de Bobby Orlando de 1981 o el punch de la batería y las guitarras de una canción de The Sonics”, explica el propio Jaime.. “Estamos en un plan muy de vivir el momento y disfrutar de la vida y lo que vaya surgiendo, lo cual creo que se ve bastante claro en el espíritu de nuestro último trabajo... Tenemos varios proyectos en mente paralelos a Souvenir que seguramente iniciaremos durante este año.

Estamos en un punto en el que nuevos instrumentos y gente con la que conectamos musical y vitalmente nos están inspirando y motivando para explorar otros caminos”, completa Patricia. n Sergio del Amo

Pocas bandas en la actualidad están trabajando tan duro en nuestro país. Estos coruñeses tienen las cosas muy claras y han apostado fuerte por su primera obra de estudio “Música para animales”, un trabajo que a priori puede llevar lugar a equívocos. “En el grupo somos de escuelas muy dispares y se refleja en la música que hacemos. Sí escuchamos hardcore, sí escuchamos metal, pero también nos gusta el rock, el indie, el reggae, el punk… no nos cerramos a nada porque señores, no somos sectarios”. En sus respuestas se puede vislumbrar algunas de las características reflejadas en su grabación: concisión, riesgo y fuerza.

“Decidimos montar nuestra propia oficina porque nunca nadie conocerá tanto las necesidades como alguien cercano y literalmente pegado a la propia banda. Escapamos de todo intermediario innecesario. Para sacar este disco hemos tenido ofertas de sellos que, en su día, eran referencia para nosotros. Tras escucharlas y hacer valoración de cómo está el panorama musical, decidimos crear nuestro sello, Baten Records”. Componen con estrictas reglas de compromiso, una proyección no siempre lograda por otras bandas de la comunidad gallega.

“Galicia, en su contexto, siempre ha sido rica en tendencias y en vanguardia. Pero a lo largo del tiempo ha existido ese caciquismo que tanto autodiscrimina e identifica esta tierra.

A día de hoy es más de lo mismo, dudo que volvamos a un movimiento como en la década de los ochenta en Vigo, pero tenemos multitud de grupazos con una proyección no sólo nacional”. La gira de presentación del álbum acaba de comenzar.

“Ahora toca carretera y fiesta”. n Carlos D. Landeira Pülsar Foto Archivo

T

ras abandonar Interscope, Trail Of Dead (en realidad el nombre completo es ...And You Will Know Us By The Trail Of Dead) emprendió su particular travesía del desierto hasta publicar el que hace su sexto álbum, “The Century Of Self” (con una trabajada portada obra del propio líder del grupo, Conrad Keely), alcanzando quince años de una carrera que con “Source, Tags & Codes” (2002) parecía preparada para despegar definitivamente, pero que todavía hoy sigue en segunda línea. “No nos planteamos si nuestro momento pasó o no; el éxito o la repercusión es algo relativo. Simplemente ese fue un disco más y ahora lo que nos ocupa es este trabajo, en el que seguimos intentando ofrecer algo distinto y creativo, ése es nuestro principal objetivo”, comenta

Trail Of Dead Foto Archivo

Vienen de: Estados Unidos Publican: : “The Century Of Self” (Superball/Pias, 09) En la onda de: : Jane’s Addiction, Sonic Youth, Mercury Rev

Pülsar Vienen de: : A Coruña Publican: : “Música para animales” (Baten/Tábano Records, 09) En la onda de: Standstill, Sick Of It All, Hamlet

Anntona

The Sweet Vandals Vienen de: Madrid Publican: “Love Lite” (Unique Records, 09) En la onda de: Sharon Jones & The Dapkings,, The Cherry Boppers

Jolie Holland Foto Archivo

Viene de: Portland Publica: “The Living And The Dead” (Anti/Pias, 09) En la onda de: Eilen Jewell, Tom Waits, Erin McKeown

las fui grabando en casa y colgando en Myspace un poco a lo loco, para cachondeo general”. Para la ocasión, Manu Sánchez ha reclutado puntualmente a Ariadna (voz en “Podía volar”, el corte más ‘punset’ del conjunto) y también a Cristina Clovis y Ana Fernández-Villaverde (La Bien Querida, con quien ya había colaborado antes). “Es un lujazo, porque le dan al disco una riqueza que de otra manera no conseguiría; es un contrapunto, y además yo no hubiese cantado esas canciones, porque son más de amor y me corto con esas cosas, me da vergüenza. Estoy acostumbrado a que Ariadna cante en el grupo y a no responsabilizarme de las letras, y por eso ahora a lo mejor me daba cierto reparo”. ■ Enrique Peñas

The Sweet Vandals Foto Archivo

“Durante los últimos años, he empezado a entender en qué consiste mi trabajo. Al principio el concepto global de ser músico profesional me parecía algo muy confuso. Muchas de las canciones antiguas que escribía eran para mí y mi círculo de amigos. Somos artistas que pasamos por tiempos duros intentando sobrevivir en América, y vemos nuestra cultura como una luz asustadiza. Cantaba esas canciones pensadas para un pequeño grupo de gente, e iban a parar a uno más extenso que no conocía. No entendía cómo esos extraños respondían a mis canciones sobre suicidios y oscuridad”. Jolie Holland salió propulsada como un meteorito de las entrañas de The Be Good Tanyas, gracias a que el visionario Tom Waits le echó el ojo y la recomendó a Anti, su sello discográfico. El celestial “Catalpa”, el inmaculado y enigmático “Escondida” y la vuelta de tuerca de “Springtime Can Kill You” supusieron trabajos de un valor más que destacable. En su cuarta obra, escala a golpe de folk, guiños jazzies y rock académico, depurando su estilo y haciendo más llevable su propuesta. “Grabar un disco es siempre una experiencia purgatoria y purificadora. Estoy convencida de que, si haces algo sinceramente y con amor, te reportará esta clase de experiencias. Fue muy bueno trabajar con toda esa gente maravillosa”.

Cortes de trazo brusco como “Corrido por Buddy”, la presencia de los omnipresentes Marc Ribot y M Ward en “Palmyra”, el homenaje oculto a Tom Waits en “Love Henry” o el pop de los sesenta vestido de novela de Jack Kerouac en “Mexico City”. n Toni Castarnado Jolie Holland estará actuando en Mallorca (11 junio), Alicante (12), Barcelona (13), San Sebastián (14) y Bilbao (15).

Jolie Holland

convertido en una especie de superestructura. Lo que intento es buscar una manera de no coartarme”.

Empieza el disco y suena “Nunca es tarde”: solipsismo, drogadicción, chicas, amor y hasta juegos vocales a lo The Beach Boys. Parece un chiste, pero no. Hay bastante de personaje, apunta, aunque toda ficción tiene su parte autobiográfica: verdades como puños y letras que a veces bordean el absurdo y otras son de un particular costumbrismo del que también participan Los Punsetes; pequeñas viñetas de una vida en paralelo. “Empecé con Anntona hace unos dos años, con canciones que llevaba a los ensayos y no gustaban al resto de Punsetes, que me ponían a caldo. Normalmente las tiraba, pero también había alguna que me gustaba mucho, así que

No son precisamente de los que levantan una increíble expectación en casa. Por contrapartida la banda de funk y soul madrileña arrasa en Francia y Alemania, sede de su discográfica. “La relación empezó con un concierto que dimos en Berlín en mayo de 2006. Tocamos en el festival de funk Soul Ascension con la plana mayor del género. Allí estaba Henry Storch, el capo de Unique. Curiosamente el club se llamaba Love Lite, como el título de nuestro nuevo disco”, explica Santi Martín, el bajista. En este segundo álbum el quinteto ha virado más hacia el soul, un giro natural y premeditado a la vez.

“Nos encanta el soul y en el otro disco no tuvimos tiempo para abordarlo. Ahora hemos podido recapacitar y ha sido claramente la música que más hemos explorado”. En sus surcos desfilan invitados del pedigrí de Muchachito Bombo Inferno, Speak Low, Sheila Cuffy o The New Mastersounds. “Nuestro primer disco era más crudo, con más grooves y con menos melodía. En este álbum hemos hecho un esfuerzo importante para que los once temas sean canciones y tengan una melodía reconocible”. Reverenciados por popes como Paul Weller o Snowboy –“mucho orgullo”, como apostilla el batería Javier Gómez- su fuerte son los festivales por todo el mundo. Su incursión en el mundo de la publicidad con su música para anuncios de Fiat y Nike es otra de sus epopeyas. “El anuncio de Fiat nos ha abierto puertas en Inglaterra. Permite que un público que esté en su casa cenando y viendo la tele se pueda interesar por el grupo”. ■ Miguel Ángel Sánchez Gárate

Salta a la vista que ‘77 están influenciados por AC/DC, pero al menos huyen de la moda de las bandas clónicas y escriben sus propios temas, logrando unos resultados sorprendentes que han plasmado en un primer disco también editado en compacto y vinilo. “Empezamos porque escuchábamos discos de AC/ DC con Bon Scott y nos venían ganas de pillar una guitarra, subir a un escenario y hacer un show de rock’n’roll.

Sería una gilipollez decir que hemos reinventado el rock o algo similar. Cogemos el estilo que más nos mola y componemos en esa línea, no vemos dónde está el problema.

Los bolos se llenan allí donde vamos, el disco está funcionando muy bien y recibiendo muy buenas críticas. Lo que se escucha en el disco, si se pone al volumen suficiente, es lo que se puede escuchar en nuestros conciertos.

Queríamos un sonido natural de cada instrumento, captarlo todo bien para luego mezclarlo y fuera. No nos gusta añadir efectos o trucos de estudio, no nos gustan los discos que ‘suenan a plástico’”. Con todo, y a pesar del buen recibimiento del que está gozando “21st Century Rock”, son conscientes de la situación del hard rock en este país. “Todos sabemos qué vende en este país y los que hacemos hard rock lo tenemos difícil, aún más los que cantamos en inglés. Nosotros lo que aportamos es shows de electrizante hard rock’n’roll, diversión al fin y al cabo, pero sabemos que nuestro sitio está en países como, por ejemplo, Inglaterra o Alemania”.■ Xavier Llop ‘77 Foto Archivo

L

a hoja de servicio de Manu Sánchez es breve, pero sin desperdicio: guitarrista y compositor de Los Punsetes, ahora presenta en solitario “En la cama con Anntona”, más íntimamente absurdo (o absurdamente íntimo, según se mire) y con forma de pop tan humilde como verdadero. Seguro que conoces a alguien y no te atreves a decírselo: “Perdón por lo de puta y gilipollas, a veces se me va un poco la olla” (“Y además bastante fea”). O puede que estés en el grupo de quienes ocultan lo evidente (“Todo el mundo tiene porno en casa”) o simplemente en el de aquellos que se ponen serios para buscar la felicidad (“Ausencia de miedo”). “Si se te ocurre una frase y tiene sentido, tienes que ir a muerte con ella. Pero es que estamos en la época de lo políticamente correcto, que se ha

Antonna Foto Archivo

Viene de: Madrid Publica: : “En la cama con Anntona” (Gramaciones Grabofónicas, 09) En la onda de: Los Punsetes, Joe Crepúsculo, The Magnetic Fields

‘77 Vienen de: Barcelona Publican: “21st Century Rock” (Weight Recordings, 09) En la onda de: AC/DC, Supagroup, Airbourne

MondoSonoro · Junio 2009 /43/

THE ANSWER

“Everyday Demons” SPV

HARD ROCK

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No debe resultar sencillo practicar un hard rock inspirado en el legado de mitos como Led Zeppelin sonando fresco, actual y convincente. Por eso, la mayoría de quienes se atreven a emular a ídolos de ese calibre, acaban conformándose con quedarse en meras copias, más o menos apañadas, que ni tan siquiera pueden plantearse un acercamiento al nivel de sus bandas de referencia. No es éste el caso de The Answer. Una formación que llamó la atención de los aficionados al hard rock con su disco de debut, sobre todo por saber conjugar las lecciones de los maestros con las dosis de actualización imprescindibles para escapar al habitual más de lo mismo. Confirmada después su solvencia sobre las tablas, los norirlandeses presentan ahora su segunda entrega abriendo ligeramente su abanico de influencias, aunque sin apartarse de los argumentos que les convirtieron en grupo joven de cabecera entre los que apuestan por las guitarras hirientes, los registros vocales con agudos pronunciados y la base rítmica de pegada dura y seca. Así pues, aquí encontramos canciones redondas con respeto a los grandes, más allá de la copia sin sustancia o el simple estancamiento. Xavier Llop

IMELDA MAY

“Love Tattoo” Universal

ROCK

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Si hace unos meses eran Kitty Daisy & Lewis quienes ponían de moda los tupés, los trajes blancos y el rock’n’roll cincuentas, ahora es esta irlandesa la nueva representante casi anónima del rockabilly y los atuendos con pieles de leopardo. Lejos de sonar añeja y desfasada, la guapa cantante de Dublín derrocha frescura y buenas vibraciones. Con todos los ases en la mano, y todos esos referentes claros en su imaginario (de Gene Vincent a Stray Cats, pasando por mujeres tan indispensables como Wanda Jackson y Rosie Flores) tiene además a su favor saber combinar su respeto por el sonido clásico del rockabilly y el rock’n’roll de la vieja escuela con estudiadas dosis de swing, calypso o burlesque. Con una banda de músicos de primer nivel que la arropan con calidad y unas canciones con mucho potencial, May nos obliga a menear los pies y esbozar una sonrisa. La atómica representación de “Johnny Got A Boom Boom” sería una de las canciones de la temporada, así como la elegante y sensual “Big Bad Handsome Man”. En cuanto al resto del minutaje, un perfecto equilibrio entre piezas más rápidas y desatadas y otras mucho más tranquilas que mantienen siempre el nivel. Toni Castarnado

URSULA 1000 “Mystics”

ESL Music/Actúa

ELECTRÓNICA

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Clasificar la música de Ursula 1000 resulta ser una ardua tarea para cualquiera. Los aires bossanova y easy listening que el estadounidense había explotado en sus anteriores trabajos en “Mystics” se ven influenciados por ritmos donde los beats se entremezclan

con el funk, el electro más delicado e incluso algún devaneo cuanto menos house-flamenco como en el caso de “Do It Right”. Su sonido se ha endurecido teniendo en cuenta sus precedentes. A pesar de su bagaje musical, el eclecticismo que muestra en este álbum resulta ser el mayor punto flaco al no saber uno en qué estaba pensando Alex Gimeno al combinar los trece temas que conforman su sexto largo. “The Wizard” (y sus reminiscencias árabes) o los aires dub de “Zombies” no consiguen aguantar el tirón del que para muchos es considerado una de las mayores promesas de la electrónica yanqui. Seguramente el hecho de haberse convertido en un artista fetiche para los desfiles más snobs de Prada o Issey Miyake le han hecho explorar terrenos perfectos para formar parte del hilo musical del club de moda, pero no más.

Sergio del Amo

vinilos

wilco, disco de continuidad

HABEAS CORPUS “Rarezas”

Lengua Armada

HARDCORE

1111

Como si del “Never Mind The Bollocks” de Sex Pistols se tratara, este disco empieza con los mismos ritmos punks de “God Save The Queen”. Y es que la primera parte de “Rarezas” está formado por versiones realizadas por Habeas Corpus de bandas como Agnostic Front, El Corazón del Sapo, Sick Of It All, Motörhead, U2 o Sangre Azul.

Luego aparecen tres temas propios, inéditos pero en versión demo. Las cuatro últimas canciones son remezclas de temas antiguos de Habeas Corpus, comprendiendo remixes electrónicos, versiones dub o piezas cantadas por otros (como Evaristo de La Polla/ Gatillazo). Lo más destacable, a parte de representar material “nuevo” para llevar a los oídos, es el esfuerzo. Porque la banda madrileña debe haber dedicado muchas horas para poder cantar en catalán (“Vosaltres i/o nosaltres”) y en euskera (“Iraultzen Buruan Dago”), además de para adaptar al castellano las canciones originales en inglés antes de versionarlas. Quizás lo menos destacable sea la floja revisión de “Sunday Bloody Sunday”. Jordi Forés

CHRIS ECKMAN

“The Last Side Of The Mountain” Glitterhouse Records

FOLK

11114

Todo, absolutamente todo lo que envuelve este nuevo disco de Chris Eckman es pura belleza poética. Y no solo por los versos del esloveno Dane Zajc, musicados aquí por el The Walkabouts, sino porque toda la historia que lo rodea y su proceso de gestación es puro romanticismo. Y además lo comparte y te lo cuenta en su interior. Sentido homenaje ejecutado con pasión y sinceridad que va a contribuir, si cabe, a difundir una obra poética en gran parte desconocida en esta parte del continente. Eleva la voz del poeta musicando sus versos traducidos del esloveno al inglés -único pero, si lo hay-, aunque así se vuelve más universal e incluso puede que en boca de Eckman el original sonase algo forzado. Sin embargo, como epílogo nos obsequia con un cálido recitado del homenajeado. Unas palabras ya de por sí cargadas de contenido y emoción a las que consigue arropar de una musicalidad que hasta el momento todo lector imaginaba a cada lectura. Imbuido te quedas ante el fuerte magnetismo que desprende esa enigmática melancolía resultado de una delicada orquestación y de unos arreglos preciosos. Si lo dudan, escuchen el dueto de “Who Will Light Your Path?”. Y todo subvencionado con fondo público. Una lección para la señora Sinde. Celestí Oliver

Wilco Foto Archivo

WILCO

“Wilco (The Album)” Nonesuch/Dro

ROCK

1114

Despejemos dudas desde el principio. ¿Es mejor este nuevo trabajo de Wilco que su anterior “Sky Blue Sky”?

Sí, pero no. Sí en el sentido de que resulta ser un álbum más completo, con un mayor número de detalles en los que se nota una banda muy conjuntada capaz de lograr un sonido tramado hasta la perfección más absoluta. Un disco, además, en el que la diferencia de calidad entre las canciones no es tan abismal como en el anterior. Sin embargo no me parece mejor álbum en el sentido de que no tiene tantas composiciones valiosas y de peso dentro del cancionero de la banda como la ya clásica “Impossible Germany” “Shake It Off” o “On And On And On” . Y, ojo, he dicho “tantas” porque por ejemplo “I’ll Fight” se me antoja como una de las mejores canciones que haya compuesto

Jeff Tweedy. Entonces, ¿cuál es el problema? Pues que una carrera tan sólida, forjada a base de discos imprescindibles como “Yankee Hotel Foxtrot” o “Summerteeth” y que ya empieza a tener un largo recorrido, empieza a resentirse. Wilco se han metido en ese largo túnel en el que corres el peligro de que cada disco sea recibido por tus seguidores con el habitual y lógico agrado del que espera algo para él valioso, pero que sin embargo no acabe resistiendo la comparación con hitos del pasado quedando, los nuevos discos, condenados a la coletilla “de uno más”. Porque “Wilco (The Album)” ya muestra desde su título una intención nada disimilada de hacer balance. Son ya dos discos y un lustro de carretera en los que Wilco forman una auténtica banda sin idas y venidas y eso se nota. No hay más que ver el cada vez mayor protagonismo del peculiar sonido de la guitarra de Nels Cline, que ya se ha convertido en sello característico de la banda con esas filigranas en los punteos, un peso que se deja sentir mucho en “Bull Black Nova”, una pieza de más de cinco minutos psicodélica, densa y con un amenazante crescendo que es junto a la ya mencionada “I’ll Fight” de lo mejor del álbum. Tras estas tenemos una vez más un buen número de medios tiempos “marca de la casa” que en ocasiones consiguen emocionar como en “One Wing” y “Country Disappeared” o entristecer como en la balada “Solitaire”. Todo tan correcto que no hace más que provocarme una pregunta: ¿Se han acomodado Wilco amodorrados por el peso de la fama? Don Disturbios

en la onda

BOB DYLAN

UNCLE TUPELO

“No Depression” (Rockville, 1990)

NELS CLINE

“Street Legal” (Columbia, 1978)

ROCK

ALT-COUNTRY

JAZZ

1114 En la segunda mitad de los setenta, al igual que Wilco ahora, Bob Dylan no tenía nada que demostrar y por eso dio un giro en su sonido orientándolo más hacia el pop-rock. En la época, el álbum fue recibido con cierta tibieza por la crítica, aunque alcanzó una más que respetable repercusión en las listas. Nadie lo pondría en un Top Ten de sus mejores trabajos.

Igualito que el último de Wilco.

11114 La década de los noventa se estrenaba con un disco y un grupo que ha ido ganando repercusión con el tiempo. Tanto es así que junto con otras revisiones distintas de la música de raices americana como las de The Jayhawks, Cracker, Smog o Lambchop se ha cimentado un fenómeno tan actual como la americana.

No está de más saber de dónde vienen para entender hacia dónde van.

“Coward” (Cryptogramophon, 2009)

111 Incorporado a Wilco en 2004, el peculiar sonido de este mago de las seis cuerdas está definiendo una nueva etapa, Un toque muy personal cimentado gracias al uso de los pedales y a su participación en más de ciento cincuenta proyectos que van del jazz al rock más raro. Su último trabajo te dará las claves para entender por qué está considerado uno de los mejores guitarristas de la actualidad. D.D.

(vinilos /44/ Junio 2009 · MondoSonoro)

chaco brodas, griffi y su familia rapera THE BLACK CROWES “Warpaint Live” Eagle Records

ROCK

Chacho Brodas Foto Archivo

CHACHO BRODAS “Date cuenta” Del Palo/Warner

RAP

1111

El pasado 17 de febrero el grupo barcelonés Sólo Los Solo hacía pública una separación oficiosa desde la gira posterior a la edición del insuperable “Todo el mundo lo sabe” (Del Palo, 05). Para entonces, Griffi ya había publicado el debut de su nuevo proyecto, Chacho Brodas. Lo que había comenzado como una aventura loca junto a unos cuantos amigos asociados a Del Palo fue tomando empaque, sirviendo en bandeja al productor una nueva lista de prioridades

que, enfrentado ahora a su segundo asalto, no ha tenido más que pulir, eliminando todo cuanto había de disperso en su debut. “Date cuenta” deja claro el nuevo credo de Griffi, de su cada vez más acentuada inclinación por la música de baile y el hedonismo (“Quítatelo todo” y “Cheap Motel” son un buen ejemplo de esto último, “Date cuenta” deja claras las intenciones desde el principio), sin olvidarse de su ya clásico groove marciano (“Kinki Sistema”). Si “Los impresentables Chacho Brodas” (Del Palo, 07) fue un despliegue delirante, “Date cuenta” no lo es menos. Griffi saca la paleta entera, no se guarda nada, y el resultado es por fuerza un disco que sólo podría haber imaginado él. Sigue con una cabeza de ventaja. Joan Cabot

BOB MOULD

NEW YORK DOLLS

ULTRAPLAYBACK

Anti/Pias

Atlantic/Dro

Transpop Records

“Cause I Sez So”

“Life And Times” POP

111

El bueno de Bob Mould (Hüsker Dü, Sugar) se va haciendo mayor insistiendo en los mismos postulados. Sigue ahondando en su talante por lo que en su momento se llamó rock alternativo americano. En “Life And Times” deja de lado los intentos de electrónica con cierto aire hedonista y pretencioso que en su anterior “District Line” llegaban incluso a provocarnos algo de sonrojo. Aquí el experimento es el tenue y atmosférico “Lifetime”, con el que sale airoso. Ahora suena más instintivo e impulsivo. Más inmediato. Recupera parte de su esencia, de aquel “Workbook” de hace ahora veinte años y lo hace con tres piezas angulares de corte acústico que abren el disco. Rock fibroso y robusto que se vuelve aún más urgente en los siguientes cortes antes de llegar a su punto más flojo: las baladas y el pastelón que resulta ser “I’m Sorry, Baby...”, primer single y propia de una secuencia cinematográfica de amor adolescente de instituto yanqui. Por quién es y por lo que supuso siempre le acabamos dando más de una oportunidad. Por ser parte viva de un épico pasado con el que nos sigue recreando.

Incluso recluta en las baquetas a un añorado Jon Wurster, de Superchunk. Celestí Oliver

ROCK

“Por fin ricos y famosos” 1114

La solidez del álbum de retorno de New York Dolls sorprendió incluso a aquellos incrédulos que no tenían ninguna fe depositada en ellos. Pero como en el caso de The Stooges, también podía haber salido rana. Una vez superadas las desconfianzas y descubriéndoles tan saludables sobre los escenarios, “Cause I Sez So” demuestra ser un disco en el que los estadounidenses han hecho lo que les apetecía hacer, sin más. Un sonido más clásico, la presencia de más medios tiempos, la producción de un Todd Rundgren que ya les produjo su álbum de debut, y alguna sorpresa que otra. Si recordamos que David Johansen ya probó con Big Bands a lo Cab Calloway, el folk de Harry Smith o el soul de Motown, no nos sorprenderá encontrarnos con esas sorpresas. Aunque el sello característico de las muñecas de Nueva York está presente en cada uno de los cortes del disco.

La elegancia de “Better Than You”, el rhytm & blues y el funk de “This Is Ridiculous” o el pop a lo John Lennon de “Lonely So Long”.

Sin embargo, es “Temptation To Exist”, el corte que más se aparta del formato original, el más especial del lote por su atrevimiento y creatividad. Toni Castarnado

POP

111

La factoría de ese exquisito cadáver que fue el FEA catapultó a un sinfín de despreocupados amantes del electro-pop más bizarro que, a base de sintetizadores y unas buenas dosis de humor freak, alimentaron las monótonas noches barcelonesas. Ultraplayback podrán ser considerados por algunos un producto carente de gracia, pero desde el minuto uno con “One Hit Wonder” demuestran que lo suyo es un homenaje patrio al espíritu de verbena del que The B’52’s hicieron gala por medio mundo. Esa oda a la multiculturalidad del extrarradio tildada de “Ciclonita YeYe”, su particular jingle a lo Movierecord en “Mal Dance” o el particular tributo que rinden a Love Of Lesbian en “Gas” hacen de “Por fin ricos y famosos” un más que correcto ejercicio de hedonismo donde las letras surrealistas se conjugan con unas melodías que bien podrían firmar los propios Cycle.

El envoltorio de la banda puede a priori tirar para atrás a aquellos que no están acostumbrados a las formas del género, pero he de confesar que desde que oí por primera vez “Osama Acid” me es del todo imposible quitarme de la cabeza la imagen de Bin Laden dándolo todo en un after. Sergio del Amo

111

Aunque estuvieron parados durante un porrón de años, los hermanos Robinson siempre han sabido cómo explotar su marca.

Discos en directo (“Freak n´Roll”), recopilatorios, discos ocultos (“The Lost Crowes”), una actuación acústica de la pareja también comercializada y bautizada como Brothers Of A Feather, y así hasta la aparición de “Warpaint”. Una vez firmado su regreso discográfico, ahora toca exprimir al máximo ese disco. Y qué mejor que tocar entera una obra que tuvo a muchos defensores y a una buena colonia de detractores. Algo parecido a lo sucedido en su día con “Three Snakes And One Charm” o el lúdico-festivo “By Your Side”. Seguramente, su actuación en el Azkena Rock habrá levantado una polvareda de reacciones diversas, y para quienes se postulen a favor, que serán la mayoría, la edición de este trabajo les vendrá de perlas.

En el primero de los compactos interpretan “Warpaint” al completo. En el segundo episodio reside la gracia del artefacto, con media docena de canciones. El medley inicial original de Delaney Bramlett, “Torn And Frayed” de The Rolling Stones o la tremenda lectura de “Hey Grandma” justifican su adquisición. Toni Castarnado

BOAT BEAM

“Puzzle Shapes” Origami

FOLK

1114

Si existe el pop de cámara, Boat Beam podrían ser el ejemplo perfecto: un trío de cuerdas (guitarra-chello-viola) apoyado con piano es la columna vertebral de su música. Este barco tiene tres capitanas de continentes diferentes (Josephine, la cantante, es australiana; Alisha vino con su viola de Estados Unidos y la madrileña Aurora completó el triángulo) que han sabido aguardar el momento perfecto para editar su debut, rodado en decenas de conciertos con los que han levantado bastante expectación. Todas las canciones, excepto la primera (“The Rainy Pauly”) y la última (“Puzzle Shapes”), venían grabadas de Australia y se completaron aquí.

La ejecución es impecable, aunque se puede echar en falta un poco de intensidad en algunos momentos y algún estribillo al uso (en eso también son distintas). A cambio nos regalan preciosos juegos corales, finales con sorpresa que hacen crecer los temas (“Session Cats”, “Lion Hunt”) y, en conjunto, una banda sonora perfecta para desconectar del mundanal ruido. P. Muñoz

JOAN MIQUEL OLIVER

“Bombón mallorquín” Blau/Discmedi

POP

1111

El debut de Joan Miquel Oliver en solitario ”Surfistes en càmera lenta” (Blau, 06) fue un divertimiento, el recreo de un músico con tiempo y ganas de poner a prueba sus límites más allá de los que imponía un grupo, Antònia Font, de repente convertido en uno de los referentes de la música pop en catalán. Con su grupo tomándose un respiro tras una agotadora gira con la que también se puede dar por cerrado un ciclo vital para

los mallorquines, el guitarrista y letrista retoma su proyecto personal y lo hace con un ”Bombón mallorquín” que, ya desde los primeros compases de ”Lego” , resulta un trabajo mucho más consciente y personal.

Nacido a mediados de los setenta, Oliver ofrece su personal retrato generacional, una visión tan ligada a las pequeñas y grandes cosas de esta isla que quizás muchos de los que no la hayan vivido nunca llegarán a comprender la carga de nostalgia de esa foto de portada o del helado que da nombre al disco.

Esa nostalgia es algo nuevo, porque aquí Oliver ya no es tanto un niño-hombre como un hombre echando de menos el niño que fue.

Oliver ha doblado la apuesta y entregado su trabajo más arriesgado e íntimo. Y ahí reside su grandeza. Joan Cabot

PECKER

“Pecker” Warner

POP

111

Pecker es un joven músico oscense que se trasladó a Barcelona a principios de siglo y que editó su primer trabajo en 2004. Desde entonces, tres discos y una carrera musical llena de éxitos (fue número dos varias semanas en la listas de ventas del iTunes latino en Estados Unidos) respaldan su bagaje musical.

Su nuevo trabajo está formado por diez cortes de pop electrónico junto a un bonus track que se esconde cinco minutos después de la última canción y que ha titulado “Nocturna”, tema de electrónica efervescente y que sugiere la cara más bailable de un artista que, en directo, puede presentarse como una propuesta absolutamente festivalera. El resto del disco se construye sobre una base pop en todas sus variantes, pero siempre con la electrónica como telón de fondo. “Supernova”, que es la canción que abre el disco, está dominada por armonías vocales, y “Yo piloto”, la canción que le sigue, es una clara muestra de cómo la música disco y el pop orgánico de los sesenta y setenta caló hondo en las influencias de Raúl Usieto, Pecker. Aunque la tesitura global lo sitúe como un trabajo ideal para pinchar en cualquier guateque veraniego, también llega a su punto acústico en el ecuador del disco. A pesar de todo, es altamente recomendable para mañanas soleadas que requieren optimismo. Arnau Sabaté

SCARLET’S WELL. “Gatekeeper” Siesta

POP

1111

Parece que fue ayer pero hace ya diez años y seis discos que Bid, el que fuera cabeza pensante de aquella cima del pop raro que fueron The Monochrome Set, entró en nuestra vidas de nuevo para no irse jamás con Scarlet’s Well, un grupo de pop ilustrado que va por libre, que no necesita espejos en los que mirarse y que casi, gracias a Dios, nadie conoce. Y es que da gusto que aún existan grupos como este, pequeños secretos, milagros pop, a los que se llega de forma limpia y natural, sin corromper. “Gatekeeper” nos devuelve a una banda en estado de gracia capaz de armar once canciones de pop leído y campestre, carne del club de lectura más extraño que uno se pueda imaginar (ojo a canciones como “New Friends”, “My Little Doll” o “Golden, It Is, Beautiful”), llenas de pequeños detalles que las hacen grandes. Una fórmula, la de Bid y compañía, que hubiera hecho las delicias de Mike Alway y su sello Él Records. No en vano Siesta, fiel seguidora del universo Alway, se ha encargado de editar todos y cada uno de los discos que Scarlet’s Well nos han regalado a lo largo de casi una década. Xavi Sánchez Pons

(MondoSonoro · Junio 2009 /45/ vinilos)

cooper, un corredor de fondo

top10 internacional PATRICK WOLF “The Bachelor” Naïve

POP

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

THE FELICE BROTHERS “Yonder Is The Clock” Team Love

THE HORRORS

“Primary Colours” XL/Popstock!

PHOENIX

“Wolfgang Amadeus Mozart” V2/Nuevos Medios

THE PAINS OF BEING PURE AT HEART “The Pains Of...”

Houston Party

WILCO

“Wilco (The Album)” Nonesuch/Dro

DAN DEACON

“Bromst” Carpark/Green Ufo’s

PASSION PIT

“Manners” Frenchkiss/Sony BMG Import

PATRICK WOLF “The Bachelor” Naïve

ZOMBIE NATION

“Zombielicious” UKW Records/Kompakt

CAMERA OBSCURA “My Maudlin Career” 4AD/Popstock!

1111

Alejado de los principales focos de atención (suponemos que a su pesar), Patrick Wolf lleva cuatro álbumes luchando por convencernos de su genialidad. Y cerca ha estado de conseguirlo. “The Bachelor”, como antes “Lycanthropy”, “Wind In The Wires” o “The Magic Position” muestra una propuesta sólida, compleja y personal que mezcla elementos muy diversos (desde folclore irlandés –algo excesivo en “Blackdown”- a electrónica ochentas, pasando por mucho pop de cámara pelín afeminado y rabia digital en compañía a Alec Empire), aunque supone solamente el cincuenta por ciento de “Battle”, el nuevo proyecto de Wolf (que se completará el próximo año con “The Conqueror”). Mientras haya quienes sigan cotorreando que si Bowie por aquí, que si Bowie por allá, algunos seguiremos pensando que si a Wolf no le perdiese su estética cada día más extrema, su nombre sonaría mucho más y se le situaría en la posición que merece. Porque Wolf, ante todo, es un artista nato con sus más y sus menos, a la manera de un Owen Pallett (Final Fantasy), como si de un Arthur Russell melodramático se tratase, y sobre todo sin la sobreexposición mediática de Rufus Wainwright, un creador excesivo en sus formas capaz de ofrecer discos que quizás no deslumbren, aunque sí se basten para mostrar que esconden algo especial (de ahí que artistas tan dispares como Matthew Herbert o la actriz Tilda Swinton se sientan honrados de colaborar con él). Como sus predecesores, “The Bachelor” no es un disco para escuchar a todas horas, ni siquiera para ser un inseparable compañero de viaje durante una etapa de nuestras vidas, pero sí para recordarnos de nuevo que Wolf no es como los demás. Joan S. Luna

top10 nacional

Cooper Foto Luis G. Morais

COOPER

“Aeropuerto” Elefant

POP

1114

Lo mejor que se puede decir de Alejandro Díez a estas alturas es que ha conseguido, con el paso de los años, desmarcarse de cualquier limitación que podría haberle caído por la adscripción que durante tanto tiempo mantuvo hacia unas hechuras tan codificadas como eran las vestiduras mod de Los Flechazos, sin por ello renunciar a sus señas de identidad. Quizá ello estreche su acceso a actuales círculos foráneos adeptos a aquella estética, como él mismo reco-

noce, pero tal objeción no deja de ser una nimiedad si uno atiende a la consolidación de un discurso que sólo entiende de estribillos radiantes, armonías canónicas y un oficio que no se aprende en ninguna escuela, y que ya rara vez llega a empalagar. Así pues, y como dicen los anglosajones, la mejor noticia en su caso es la ausencia de noticias: el continuismo de su fórmula se concreta (como no podía ser menos ya que gran parte de su material procede de recientes Ep’s) en la irresistible adherencia de “Hyde Park”, los quiebros melódicos tan de la estirpe de Teenage Fanclub de “La edad de la inocencia” o la vitalista revisión de los Nacha Pop de “El sueño”, puntos álgidos de un “Aeropuerto” tan transitable como acogedor. Carlos Pérez de Ziriza

THE LIONS CONSTELLATION “Flashing Light” B-Core

ROCK

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

THE PEPPER POTS “Now!” Black Pepper

THE SUNDAY DRIVERS “The End Of Maiden Trip” Mushroom Pillow

LOS DELINQÜENTES

“Bienvenidos a la época iconoclasta” El Volcán Música

TARÁNTULA

“Humildad trascendental” Producciones Doradas

CHACHO BRODAS “Date cuenta” Del Palo/Warner

IGLOO

“La transición de fase” Ernie/Locomotive

ESTEREOTYPO

“Join The Electro Funky Party!” Astro

PAL

“Error de fábrica” Limbo Starr

LINDA MIRADA

“China es otra cultura” La Cooperativa/Nuevos Medios

FABIO & GLITTER KLINIK “Bye Bye Supersonic” Algoenblanco

1111

La primera vez que oí hablar sobre The Lions Constellation fue bajo la referencia de “Motown noise”, etiqueta que describe un híbrido imposible pero que cobra sentido cuando escuchas como la banda consigue mezclar el groove del sonido Madchester con la crudeza del garaje primitivo. Hablar de The Lions Constellation significa hablar de referentes, más aun cuando descubres que el cuarteto catalán lo lideran los hermanos RJ Sinclair y Graham, con un claro bagaje musical en Tokyo Sex Destruction e It’s Not Not el primero y pinchadiscos residente de la [2] del Apolo, el segundo. Quienes les conozcan sabrán que su gusto refinado por la música se decanta por un sonido que empezó a gestarse durante los sesenta, evolucionó en los ochenta, y en los poderosos noventa acabó de pulirse. El sonido en concreto tiene un denominador común, la psicodelia que crearon bandas como 13th Floor Elevators y que luego grupos como Spacemen 3 se encargaron de pulir. En “Flashing Light”, The Lions Constellation (grupo demoscópico de esta publicación hace unos meses) beben mucho de estas influencias y, además, las mezclan con un punto lumínico que recuerda a The Jesus And Mary Chain más ruidosos. El resultado es un disco que suena como si no hubieran pasado los años y que llega al clímax en “Where Did You Go”, “She’s My Heroine” y “My Girl”, respectivamente. Si eres de singles, no te pierdas “The End Of Our Days”. Arnau Sabaté

BEN KWELLER

THE LEGENDS

PROJECT PITCHFORK

ATO Records/Naïve

Labrador/Popstock!

Trisol/Locomotive

“Over And Over”

“Changing Horses” COUNTRY POP

1111

Ben Kweller es un tipo que cae simpático. Desde los tiempos de Radish, aquella banda de grunge pop con la que se dio a conocer en los noventa, se ha hecho con un grupo fiel de seguidores disco a disco. Un fandom que ha disfrutado de sus notables canciones de pop amable y costumbrista, de bellas y sencillas melodías, y de tiernas letras, que le han convertido en un cantautor de buen corazón más que sólido. El que esto escribe siempre ha sentido una especial devoción por Kweller, y ha visto en él a un eterno adolescente que se mira en el Ron Sexsmith más pop y accesible a la hora de escribir su celebrado cancionero. Ahora, con este “Changing Horses”, el bueno de Ben da un paso adelante en su carrera con un sentido álbum de country pop bonito a rabiar que rescata el espíritu, entre otros, de Gram Parsons, John Denver o Cat Stevens. Un disco, en definitiva, del que te enamoras al instante gracias a canciones como “Ballad Of Wendy Baker”, “Wantin’ Her Again”, “Hurtin’ You”, “On Her Own” o “Homeward Bound”.

Xavi Sánchez Pons

POP

“Dream, Tiresias!”

1114

Johan Angergård fundó The Legends hace una década como ese entretenimiento con el que ocupar el (poco) tiempo que le dejaban libre Club 8 y Acid House Kings, bandas de las que era líder y que colocaron a Suecia en el mapa del pop alternativo. Sin embargo, me atrevo a asegurar que su proyecto doméstico, aquel con el que Johan decidió volcar su pasión por el pop gótico de The Cure y New Order, ha terminado por superar en trascendencia y sobre todo en resultados a los que en su día se convirtieron en emblema de Labrador (sello que, por cierto, también regenta). Con “Facts And Figures” (2006), The Legends “completaron” un perfecto ejercicio de techno pop que desmentía aquello de que los chicos tristes no bailan. Su continuación, este “Over And Over”, no tiene empacho en rendirse al éxito de vecinos y compañeros de sello para ampliar la paleta de colores. Ahí está el clásico sonido lavadora que tanto rédito le han sacado The Raveonettes, canciones de pop siniestro en la onda de The Mary Onettes y hasta autohomenajes -“Monday To Saturday” podría estar en un disco de Club 8-. Cambia la brocha, siguen las melodías perfectas. Luis J. Menéndez

ROCK

1111

Los de Hamburgo vuelven con nuevo disco, definiéndose a si mismos como los dioses del electro, algo demasiado presuntuoso a mi parecer, por mucho que no deje de ser cierto que fueron uno de los precursores en ese estilo electrónico alemán que muchos otros han copiado, imitando bases y el registro tan rasgado y personal de Peter Spilles. Cuatro años han tardado en publicar este álbum y la culpa la tiene precisamente el que Spilles estuviese sumergido en sus proyectos paralelos, lo que no ha impedido que “Dream, Tiresias!” vuelva a dejar claros los motivos por los que cuentan con una legión de fans incondicionales.

Temas como “Nasty Habit” nos recuerdan a esos Pitchfork más evolucionados, mientras que con “No God” nos traen a la cabeza toda esa herencia techno que reside en ellos. Además se incluyen tres temas extra, remezclas de su single “Feel” por parte de [:SITD:], Die Krupps y NOISUF-X dando cada uno un toque diferente y adaptándolo perfectamente para las pistas de baile más duras.

Eduard Tuset

(vinilos /46/ Junio 2009 · MondoSonoro)

the pepper pots, motown en girona

THE PEPPER POTS “Now!”

Black Pepper

SOUL

11114

Ay si Berry Gordy diera una escucha a “Now!”. Saltaría de la silla enloquecido y emocionado en busca del teléfono al oír los primeros compases de “Real Tru Love” para fichar ipso facto a The Pepper Pots. Y quién sabe si, a pesar de su avanzada edad, relanzar el sello Motown como Dios manda. Y es que el tercer disco del grupo de Girona es el sueño de cualquier enamorado de aquello que se conoció como “El sonido de la joven

The Pepper Pots Foto Archivo

América”, personificado en grupos enormes y atemporales como Martha Reeves And The Vandellas, The Temptations, Marvin Gaye, The Supremes, Mary Wells, Tammi Terrell o The Four Tops. The Pepper Pots, ayudados por la mano sabia de Binky Griptite (una de las figuras del sello Daptone Records, actual cuna del soul con pedigrí), han dado un paso de gigante en su nueva entrega, dejando el ska-reggae de sus dos primeros trabajos casi apartado (el estilo que les dio a conocer sigue presente en las excelentes “Dream Guy”, “Starlight” o “Take A Chance”), para abrazar de forma magistral e inspirada el soul de alma más pop y de voces femeninas casi celestiales (ojo a Adriana, Mercè y Marina, desde ya las Supremes catalanas). Este genial y novedoso giro estilístico, apoyado en una numerosa base rítmica que clava absolutamente todos los arreglos que uno pueda imaginar, convierte a “Now!” en uno de esos discos en los que absolutamente nada tiene desperdicio. A sus pies.

Xavi Sánchez Pons

PUMUKY

XAVIER BARÓ

MONO

FISCHERSPOONER

DEPECHE MODE

Jabalina

Quadrant

Conspiracy/Green Ufos

FS Studios/Popstock!

Mute/Emi

“Lluny del camí ral”

“El bosque en llamas” POP

1111

La piromanía nunca habría resultado tan sugestiva sin “El bosque en llamas” que nos propone Pumuky en su segundo largo, un álbum que invita a la introspección y que realmente duele en el alma gracias a la épica de algunas de sus creaciones y a unas letras que, sin necesidad de barroquismos, desprenden desamor y también esperanza por los cuatro costados. Desde su punto de partida con “El innombrable” (una de las intros más sobrecogedoras que el pop español ha dado en los últimos años) pasando por ese sentido grito al volver a empezar de “Los enamorados”, Jaír Ramírez y su troupe se consolidan como una de las bandas más auténticamente sentidas del panorama patrio. A pesar de tanto desamor, los lloros y la desesperación acaban canalizándose en pro de la esperanza y el arrepentimiento como en el caso de “Puzzle” y “La metamorfosis”, donde las cenizas permiten a nuestro protagonista reclamar la segunda oportunidad que durante toda su vida ha anhelado. No todos podrán adentrase en el universo de Pumuky, pero quienes lo consigan se encontrarán algo grande.

Sergio del Amo

CANÇÓ

“Hymn To The Immortal Wind” 1114

Si en su anterior disco, “Flors de joglaria” (Quadrant, 06) Xavier Baró enterraba el hacha verbal y anímica que exhibía en “Cançons del temps de destrals” (Satchmo, 04), sus nuevas canciones vuelven a acercarse a la oscuridad, esta vez con un marcado acento autobiográfico. Ya sea recuperando el órgano litúrgico (Víctor Verdú: espléndido en temas como “Ora Catalina” o “Valls estranyes”) como defendiendo únicamente con su guitarra composiciones sinceras y desgarradas (“Una nit als aiguamolls” o “Miro amb els meus ulls”, llena de símbolos sobre una realidad deshumanizada, fotocopiada de la nuestra) el cancionero de Xavier Baró avanza, calavérico y siniestro, ajeno a modas y concesiones de ningún tipo. En “Lluny del camí ral” se mantiene fiel al espíritu trovadoresco que defiende a capa y espada, pero esta vez salpicado por matices psicodélicos, voluntad experimental y referencias a William Blake o a episodios bíblicos que enriquecen un poco más su universo singular y necesario.

Jordi Nopca

POST-ROCK

1114

Música para el fin del mundo. Es inevitable comenzar con la propia definición de Mono en el comentario sobre su último disco, un canto más a la naturaleza y sus fuerzas regentes. “Hymn To The Immortal Wind” es pura épica continuista dentro de la coherente obra de la banda japonesa, pero sería injusto decir que es un disco reaccionario, cuando la verdadera magnitud artística está cada vez más meridianamente medida en el mantenimiento de una integridad y profundidad de la que Mono hace gala en cada segundo. Es muy difícil resistirse a escuchar canciones nuevas como estas como si ya estuvieran compuestas hace años, décadas, siglos incluso; es casi imposible caminar de noche escuchando temas como “Burial At Sea” y no pensar que los elementos naturales que nos rodean (reducidos ya a mero atrezzo corporativo y publicitario) son más actores que elementos pasivos. Exactamente igual sucede con la música de Mono: podrá intentar mercantilizarse, se la podrá acusar de previsible, pero jamás dejará de ser real gracias a nuevos pasos como este.

Nacho P.L.

“Entertainment” ELECTRÓNICA

“Sounds Of The Universe” 1114

Las plumas, el rimmel y la parafernalia operística estaban predestinados a pasar a mejor vida. Los que en su momento fueron estandartes de aquel hype llamado electroclash, eran conscientes de que la gallina de los huevos de oro acabaría autodestruyéndose. Vamos, lo de siempre: renovarse o morir. Si en “Odyssey” ya empezaron a darnos alguna pista de por dónde iban a ir los tiros, en “Entertainment” se reafirman como un dúo que mama vilmente del synth pop más delicado. El mismísimo Dave Gahan debe entonar “Door Train Home” en su tiempo libre. Teniendo en cuenta que el Ep “The Best Revenge” pasó hace unos meses sin pena ni gloria, el batacazo se avecinaba mortal. Todos nos equivocamos alguna vez, incluso un servidor. Aunque los ramalazos de rock star que afloraban en su anterior álbum gracias a Dios han pasado a un segundo plano, temas como “Supply & Demand” o ese broche final llamado “To The Moon” nos redescubren a un grupo que parece que empieza a tomarse en serio lo que hace. Y eso sin necesidad de volver a “Emerge”, lo cual se agradece de buen grado. Sergio del Amo

POP

1111

En una maniobra similar a la que han llevado a cabo The Cure en sus últimos discos, Depeche Mode aprietan los dientes para hacer frente a la evidencia de que las canciones ya no les salen tan redondas como hace quince años. Pero a diferencia de aquellos, Gahan, Gore y Fletcher todavía nos regalan perlas como ese magnífico single que es “Wrong”, chirriante crescendo en pos de la perdición.

Es la mejor puerta de entrada a “Sounds Of The Universe”, un álbum que se encuentra tan sólo un peldaño por debajo del excelente “Playing The Angel”. Ben Hillier repite a los mandos y Gahan vuelve a contar en “Hole To Feed”, “Come Back” y “Miles Away/The Truth” con sus tres momentos momentos de gloria. Las suyas son las composiciones más ásperas y agresivas de una colección de canciones de sonido industrial y ya de por sí saturado, en la que no hay espacio para las cuerdas y apenas caben los medios tiempos de antaño -el anecdótico instrumental “Spacewalker”, “Jezabel” reivindicando la nocturnidad de “Violator” y poco más-. Un álbum en el que las letras hablan de amores perdidos, del tiempo perdido y de gente que no sabe cómo encontrarse. Luis J. Menéndez

(MondoSonoro · Junio 2009 /47/ vinilos)

la nueva indietrónica PASSION PIT “Manners”

Frenchkiss/Sony BMG Import

POP

1111

Cuando Michael Angelakos grabó y le dedicó unas pocas canciones (las que acabarían en el ya recomendable “Chunk Of Change EP”) a su pareja seguramente no imaginaba que la repercusión que obtendría le obligaría a poner en marcha una formación como Dios manda.

Ahora, dirigiendo la nave y al frente de un quinteto, Angelakos publica su merecido y esperado primer álbum, con la producción de Chris Zane (Les Savy Fav, Asobi Seksu) que, en Estados Unidos, mantiene el espíritu independendiente al aparecer vía Frenchkiss. Y lo que nos presenta es un total de once fantásticas gemas de indie pop electrónico y luminoso, cuyo valor puede conquistar tanto a seguidores de los Death Cab For Cutie de “Plans” como a quienes prefieren a Hot

Chip, Junior Boys o incluso MGMT. No hay material de relleno, solamente preciosas canciones para disfrutar y soñar, desde la ya conocida “Sleepyhead” (única pieza repescada del EP) a “The Reeling” (que ha remezclado Calvin Harris) pasando por “Little Secrets” (con las simpáticas voces infantiles de The PS22 Chorus) o “To Kingdom Come”. Para redondearlas, les echan una mano diversos miembros de grupos como Antibalas, Frances o Les Savy Fav. Uno de esos discos que crece, y mucho, desde la más absoluta falta de pretensiones. Joan S. Luna

Passion Pit Foto Archivo

JONATHAN RICHMAN

IRON AND WINE

GOMEZ

REMIGI PALMERO

HOWLING BELLS

Munster

Sub Pop/Popstock!

ATO/Naïve

La Casa Calba

Independiente Records

“¿A qué venimos sino a caer?”

FOLK

1114

El universo alucinado del ex-The Modern Lovers Jonathan Richman toma cuerpo (más si cabe) en esta edición de Munster que recoge varias de sus últimas creaciones en idiomas diferentes al suyo materno.

Castellano, francés e italiano se agolpan, nunca mejor dicho, en lo más cercano al romancero-en-chanclas que haya estado nunca un peregrino que no conoce esa traba tan contemporánea de los complejos. Y es que ya quisieran muchos discos de los mal llamados serios, la profundidad y enjundia de los dardos que Richman deja esparcidos entre quien se deje atrapar por esta celebración, muy mediterránea, de la vida misma, soleada y lluviosa al mismo tiempo, irónica rumba demente con un manejo de lenguas ajenas superior -digámoslo porque es de justicia- al que tiene de la propia el españolito medio. Y es que, valioso paraguas para desamores y días torcidos, las canciones aquí comprendidas vienen de la mano de un trovador de Massachusetts que mira a los chuzos de punta a la cara y ha sabido escoger un camino difícilmente imaginable hace cuarenta años.

Escuchen al valiente. Nacho P. L.

“Around The Well” FOLK

“A New Tide” 1111

Después de abrir horizontes musicales con “The Shepherd’s Dog”, un trabajo que irradiaba fogonazos de obra magna, Sam Beam se aleja de la orquestación y busca en los cajones para compilar este prodigio de excelsa sencillez. Compuesto por descartes, rarezas y versiones vehiculadas con guitarra acústica y voz como principales elementos y elevadas hacia cimas de hipnótica sensibilidad mediante magnéticos recubrimientos instrumentales. Beam recupera la voz íntima de sus primeras grabaciones, la mezcla con muestras de su producción más reciente y el resultado es doblemente milagroso. Ahora que ha trascendido y ha dejado de ser considerado como un mero cantautor con guitarra de palo, el de Florida vuelve a desnudarse y nos invita a escucharle de nuevo. Hoy, que parece que nos esforzamos para que nos guste casi cualquier cosa que simplemente se presente con autoestima y envoltorios atractivos, emociona encontrar discos concebidos para ser escuchados poco a poco.

Jorge Ramos

POP

“Sense comentaris” 111

Poco queda a estas alturas de la banda que nos deslumbró a todos hace once años con su estreno, “Bring It On”, con el que ganaron el prestigioso Mercury Prize.

La carrera discográfica de los de Southport ha ido desde entonces construyéndose desde la más íntima de las independencias, desoyendo las corrientes y géneros en boga y apostando por sus influencias norteamericanas y las aportaciones nacidas de préstamos de artistas como The Beta Band o Nick Drake. En su sexto larga duración, el grupo de Ian Ball sigue marcando terreno por su estrecho camino. Su mayor activo, la capacidad de saber regenerarse y editar once nuevos temas que ya no brillan con el fulgor con el que lo hacían sus primeras composiciones, pero que al menos se equiparan a la media de su notable discografía. Los bellos arreglos con los que arropan “A New Tide”, los guiños psicodélicos de “Win Park Slope”, el folk desértico de “Other Plans” o el pop sin complejos de “Little Pieces” son argumentos que consiguen que siga valiendo la pena mantener un ojo atento a la propuesta de estos ingleses. Robert Aniento

CANCIÓN DE AUTOR

“Radio Wars”

111

A finales de los setenta, hablar del cantautor valenciano Remigi Palmero comportaba referirse a Pep Laguarda y Juli Bustamante.

Los tres representaban el llamado “rock mediterrani”, facturado en Valencia y a medio camino entre los sonidos más rock (Bustamante), la canción de autor (Palmero) y el folk místico-cotidiano (Laguarda). Treinta años más tarde, de los tres, el único superviviente con una cierta regularidad discográfica ha sido Bustamante, que a lo largo de esta década ha publicado cuatro álbumes.

Muchos nos temíamos que Palmero hubiera querido seguir el ejemplo de Laguarda, que desde “Brossa d’ahir” (1977) desapareció del mapa musical: Las últimas noticias palmerianas se remontaban al año 1994, momento en que publicó “Línia de foc” (EGT). “Sense comentaris” es su vuelta al ruedo: directa, mínima (voz y guitarra) y con un punto chulesco que se agradece. “Cuines bé l’arròs a banda”, “La selva” o “Deixa’t en pau” son tres ejemplos magníficos de un regreso dedicado a los guerreros desaparecidos y del cual esperamos una continuación antes que desaparezcan otros quince años. Jordi Nopca

BUSCA LA GUÍA DE FESTIVALES 09 DE

MONDOSONORO A PARTIR DEL 10 DE JUNIO

ROCK

114

Bendecidos en buena medida por la crítica especializada, los australianos Howling Bells acometen la reválida de su disco homónimo de debut con un resultado en principio de alivio. La voz de Juanita Stein (comparada a la de Debbie Harry), las guitarras sucias, el intento de muro sónico, la eterna moda oscura y la que ya está aquí, esto es, la shoegazer, son los tags que habría que aplicarle a un disco como “Radio Wars”, un puñado de canciones con espíritu de obra conjunta, épica y compacta. Y bien, ¿qué o cuánto hay de adjetivos tales? Pues menos de lo que parece porque si bien la primera impresión general es la de alivio, suficiencia al pasar el mencionado examen del segundo disco, estos alumnos parecen haber salido de la prueba tan satisfechos de sí mismos que uno espera una grata sorpresa, pero si uno analiza lo escrito no da para más que para eso, el aprobado. Por mucho que vayan presumiendo de haber pasado de curso este verano en los festivales de su Gran Bretaña de acogida, no son los salvadores de ninguna facultad, ni de la oscura ni de la gazer. Que se sientan anónimos en medio de la clase, vaya.

Nacho P. L.

(MondoSonoro · Junio 2009 /49/ vinilos)

FILASTINE

“Dirty Bomb” Jarring Effects

ELECTRÓNICA

111

Con su inseparable carrito de la compra cargado con un radiocassete y un bafle, este guerrillero vuelve a las trincheras más torpederas. Se posiciona con todo un cóctel molotov de ritmos vibrantes, beats y sonidos corrosivos que no conocen fronteras. A esto se le llama arqueología sonora. Viajero incansable, no para de absorber lo bueno y malo de la calle, lo que en ella late, lo crudo y sucio de sus miserias. Aquello que palpita y vive, vamos. Despedaza todo lo que se le pone a tiro lo y lo convierte en munición para su metralleta cargada con sinfín de ritmos. Dubstep, hip hop abstracto, beats repetitivos y extremadamente ásperos, mucho sampler, también mucho Bollywood y electrónica dolorosa salpicada de géneros orientales y occidentales. Desde lo balcánico o árabe hasta lo más caló.... Esto y más es “Dirty Bomb”, el segundo álbum de este activista y también músico del dúo Sonar Calibrado. Rabia, inconformismo y una realidad contada tal cual es, sin intermediarios ni corruptelas de ningún tipo. Cuenta el dolor de la pura verdad convirtiendo lo más mundano en denuncia. Lo suyo es lucha armada y un gran compromiso social que demostrará en Sónar 09. Celestí Oliver

CHRIS ISAAK “Mr. Lucky”

Reprise/Warner

POP

111

Para los no iniciados, la voz de Chris Isaak irá siempre asociada al éxito de “Wicked Game”, pero tratar al mejor discípulo de Roy Orbison de “one hit wonder” es tan injusto como decir que su música es soft-rock para maduritas que se congratulan de que un guapo de su talla no haya tenido suerte con el género femenino y además se lamente por ello.

Claro que ese canto a su mala suerte siempre generará cierta esperanza por acogerlo entre sus brazos y despertará miles de suspiros románticos. Los mismos que levanta ese falsete prodigioso que enamora y se empasta en un confortable colchón de notas que no tienen nada de estridentes. Sin ser nada del otro mundo este “Mr. Lucky” saca de un silencio de siete años a su autor y lo pone de nuevo en la palestra para que todos saquemos nuestros pañuelos y nos sonemos los mocos que su sencillez emocional provoca. Si tuviera imitadores sería para acabar con todos ellos a gorrazos, pero afortunadamente él es el auténtico. Don Disturbios

OBITS

“I Blame You” Sub Pop/Popstock!

ROCK

111

Resulta siempre agradable saber que los amigos están y están bien, como en este caso ocurre con Rick Froberg, ex-Drive Like Jehu y Hot Snakes (¡ahí es nada!). Froberg se juntó hace ya tiempo con tres acólitos y han pasado dos años largos dando conciertos y forma a este debut largo que ni inventa la rueda ni lo pretende. Guitarras roñosas y un

olor a garaje y humedad que tira para atrás, melodías que suenan a veterano y ritmos que avanzan a veces desde el rockabilly, las más desde el puro punk, a una especie de sonido deconstruido y erigido una y otra vez en continuo movimiento. Uno se alegra enormemente de ver cómo uno de los talentos surgidos en Estados Unidos en la década de los noventa sigue en perfecto estado de forma y añade muescas a su fusil, no obstante no sería justo abandonar estas líneas dando la impresión de que Obits suenan a gloria bendita a la que sonaban las bandas mencionadas: el grado de tensión y perturbación queda aqui relegado por una mayor estandarización y asunción de unos cánones que Froberg domina como nadie. Un interesantísimo “debut” que contiene una versión de “Milk Cow Blues” del mítico Kokomo Arnold y que produce Eli Janney (Girls VS Boys).

Nacho P.L.

dan deacon, la revancha de los novatos

JUNIOR BOYS

“Begone Dull Care” Domino/Pias

ELECTRÓNICA

1111

Junior Boys editan su tercer disco y se reivindican como los embajadores del electropop cósmico y melancólico, con permiso de Hot Chip cuando se ponen tiernos. “Begone Dull Care” sigue la estela de sus excelentes predecesores “Last Exit” (2004) y “So This Is Goodbye” (2006), ofreciendo pequeñas odiseas de pop espacial y sintético para que baile el alma. El dúo canadiense entrega tan sólo ocho cortes, lo que hace que el disco se consuma con apetencia una vez tras otra.

La principal característica de sus nuevos temas es el apego hacia un sonido más disco, sintético y químico (puede que el hecho de que Greenspan pusiese las voces al último trabajo de Morgan Geist haya influido) en favor de su faceta pop. Y siguen teniendo una efectividad melódica epatante. Todos los temas son excelentes y responden a un discurso conexo, comenzando por el sonido post-industrial de “Parallel Lines”, continuando con el otro hit más inmediato del álbum, “Bits & Pieces”, junto al pedazo de single que es “Hazel”; la dulce tristeza que transmiten “Dull To Pause” y “Sneak A Picture”, la progresión melódica y arreglos de cuerda de “The Animator”… Javier López

Dan Deacon Foto Archivo

DAN DEACON “Bromst”

Carpark/Green Ufo’s

ELECTRÓNICA

11114

No nos dejemos llevar por el aspecto de payaso que se gasta Dan Deacon. La suya es una propuesta musical tan meditada como repleta de referencias, y hasta leo por ahí que producto del paso del neoyorquino por las escuelas de música moderna de su ciudad. Lo que pasa es que acostumbrados como estamos a verle hacer el cabra micrófono en mano entre su público, cuesta trabajo tomárnoslo del todo en serio. Nuestro error se hace manifiesto nada más pulsar el play de “Bromst”,

que por aquello del momento que nos toca vivir ha recibido comparaciones con el trabajo de Panda Bear, pero al que encuentro mucho más cercano del espíritu irreverente de labels como Rephlex y Tigerbeat6. Como aquellos, Deacon le saca partido al clásico sonido ratonero y juguetón de videoconsola de 8-bits y hasta en ocasiones recurre a las voces hinchadas de helio tipo “Alvin y las ardillas”. Sin embargo, Deacon encuentra la fórmula para esquivar lo que de otro modo sería mera gamberrada y se descuelga con once frenéticas composiciones, arrebatadas y hasta emocionantes, que remiten por igual a la polirrítmia africana, la escuela minimalista y el copy&paste tal y como lo definieran Coldcut. Luis J. Menéndez

INFERNOISE

OFFICIAL SECRETS ACT

RIVERBOAT GAMBLERS

ARTHUR CARAVAN

Locomotive

One Little Indian/Popstock!

Volcom

La casa calba

“The Chainsaw’s Law” METAL

“Understanding Electricity” 111

La escuela Pantera continúa teniendo muchos adeptos repartidos por todo el mundo.

No me atrevo a decir que Infernoise sean de los más aventajados, pero que el mismísimo Timo Tolkki de Stratovarius acepte producir su primer disco supongo que quiere decir muchas cosas. Un álbum de presentación en el que la banda española (con miembros de Ángeles del Infierno y Sway) pretende asaltar el mundo del metal actual, algo que sin duda puede lograr gracias a temas trash como “Crossing The Valley Of Death”, la más rápida “All My Rage” o la hard-rockera “Rebel On The Way”. Son sólo tres de las diez descargas puramente metálicas que contiene “The Chainsaw’s Law”, aunque otras tres ya formaban parte de “Hellrider”, el maxi de calentamiento grabado en el año 2003. Por aquél entonces Infernoise ya empezaba a darse a conocer a base de reinterpretar el sonido de Phil Anselmo y compañía, creando una imagen en concordancia basada en los tatuajes, las melenas, la ropa de color negro y las poses de mala leche. Todo ello para forjar un ruido que parece sacado directamente del infierno. Jordi Forés

POP

1111

Sorpresa, sorpresa. Con desparpajo y seguridad arremeten los londinenses Official Secrets Act su asalto a las pistas y corazones de la audiencia moderna. Intuyo que sabiéndose superiores a muchos de sus rivales, añado. Sí, porque imagino el regocijo en el momento en que compusieron tamaño himno como “The Girl From The BBC”, intrigaron acerca del orden de unos temas que vienen a engrosar la lista de los mejores posibles en estos fugaces tiempos últimos o el revuelo y excitación de unas cabezas que sabían que iban a tener un disco con el que directivos y fans (¿qué orden ha tomado prioridad?) afianzarían su amor por un sub-género que por cada alegría acostumbra a dar no pocos, ni discretos, resbalones. No contentaremos desde aquí a los amantes de las referencias nominales, ni a los nostálgicos, ni a los que quieran creer que la originalidad de este grupo es la tabla de salvación de nada conocido: lo primero sería muy obvio y la segunda argumentación es consecuencia de la primera, porque Official Secrets Act no son originales, y ahí radica la pureza del buen gusto y el talento en muchas más veces de las que solemos creer. Nacho P.L.

“Arthur Caravan”

“Underneath The Owl” ROCK

111

Jugando al despiste. Ésa es la impresión que me da respecto a la descarga de Riverboat Gamblers después de haber escuchado varias veces “Underneath The Owl”. Y es que la música del quinteto tejano bascula entre el punk-pop de las bandas del sello Lookout y el rock’n’roll modernillo de, por ejemplo, The Hives. Con el agravante que, de vez en cuando, se van a los extremos: en “Dissdissdisskisskisskiss” parecen una banda de hardcore melódico de Epitaph y más tarde otra distinta de pop baboso a lo Oasis (“The Tearjerker”). Es por ello que la escucha de este disco confunde, no acabas de saber muy bien de dónde te vienen los tiros y, a pesar de que sea una colección de hit-singles muy efectivos, hay algo que no acaba de oler bien. Además, que este álbum lo publique una marca de ropa urbana como Volcom no ayuda a dar crédito a la banda en cuestión.

De cualquier forma, por ahora lo mejor es desprenderse de todos los prejuicios y postjuicios para poder disfrutar al máximo de las canciones redondas de Riverboat Gamblers.

Más tarde ya veremos si es aplicable aquél viejo refrán de “quien mucho abarca poco aprieta”. Jordi Forés

POP DE AUTOR

1114

Arthur Caravan homenajean desde su nombre –y con una pequeña distorsión vocal– a un poeta-boxeador que vehiculó su obra a través de los cinco números de la revista “Maintenant” (1912–1915). Arthur Cravan desapareció en el año 1918, durante una travesía por el Atlántico. Noventa años después, ha resucitado en Alcoi, y además de sumar una “a” en su apellido se ha multiplicado por cinco: Pau Miquel Soler, Toni Blanes, Pau Aracil, Jordi Richart y Pablo González. Juntos han escrito un disco que calcula muy bien la intensidad y que presume de espíritu viajero, que se cuela puntualmente en sus letras (“Scotland-Hrvatska”), o construye una estampa costumbrista en la que aparecen una extensa galería de referencias (Brian Eno, Lou Reed o John Coltrane, entre otros, en “Menjars al llit, somnis a la taula”).

Por si fuera poco, ofrecen una versión del “Suzanne” de Leonard Cohen –a partir de la que hizo Toti Soler en “Liebeslied” (Edigsa, 1972)–, adaptan al poeta Gabriel Ferrater (“A mig matí”) y se atreven con unos silbidos estilo Peter, Björn And John en una de las mejores canciones del álbum, “L’amor és cec”.

Jordi Nopca

(vinilos /50/ Junio 2009 · MondoSonoro)

bob dylan, una leyenda incombustible CHICKTONES “Suerte”

Lengua Armada

ROCK

114

Trío con base en Santander, Chicktones necesita poco tiempo –segundos- para explicar desde el inicio qué son: tres músicos rindiendo pleitesía al rock and roll fronterizo y a la estética que se abraza a éste. Cada vez más cercanos a un sonido más honky y menos ortodoxo, con el castellano por bandera y acercándose a amigos como Quique González o Deltonos (no en vano el vocalista Fernando Macaya milita en la célebre banda cántabra) que a mitos como Gene Vincent, parece ser esa la clave del sonido del grupo: una concepción nada ansiosa ni grandilocuente de lo que es música de género, sabedora de sus limitaciones técnicas y expresivas y a la vez de que la cima de sus virtudes ha sido conquistada hace más de sesenta años. En el debe cabe apuntar los textos que se asoman a ese aterrador pozo que es el que faculta al oyente para adivinar la siguiente rima, pero en definitiva se trata de una apuesta original dentro del cada vez más amplio catálogo de Lengua Armada. Nacho P.L.

Bob Dylan Foto Archivo

BOB DYLAN

“Together Through Life” Sony BMG

BLUES-ROCK

111

El que lo dice lo es, el mundo al revés. Escucho el disco de Bob Dylan y esa frase se formula en mi cerebro una y otra vez. El mundo al revés. Justo cuando Dylan saca una obra que considero menor es cuando más repercusión, popularidad y ventas consigue. Una obra que, comparada con trabajos como “Time Out Of Mine” (1997) o “Modern Times” (2006), palidece. Un disco en el que Dylan se transmuta en el espíritu de Willie Dixon (“Jolene”, “My Wife’s Home Town”), Flaco

Jiménez (“This Dream Of You”) o, si lo prefieres, se mete en la piel de Ry Cooder con la diferencia de que el señor Cooder lleva décadas profundizando más y mejor en el legado musical de esos Estados Unidos de América que tantas buenas tardes nos han deparado.

Un Dylan que se deja ayudar por Robert Hunter (Grateful Dead) en la letras (como si él necesitara ayuda para escribir siquiera una línea de texto), por Mike Campbell (Heartbreakers) en las guitarras y un fenomenal David Hidalgo (Los Lobos) y que consigue recrear ese ambiente de humo y bourbon grasiento y etílico que destila tradición por los cuatros costados.

Muy logrado, pero si no lo firma Dylan no le hace caso ni Dios. Don Disturbios

OBLIQUE

CAMERA OBSCURA

Greenland/EMI

4AD/Popstock!

“Without Making Noise” ELECTRÓNICA

SCOTT MATTHEW

“My Maudlin Career” 1114

Los hijos pródigos nacionales suelen encontrar las mieles del éxito antes fuera de nuestras fronteras. Este es el caso de la banda canario-catalana Oblique, que con “Without Making Noise” se reafirman como una de las bandas de electropop más contundentes de nuestro país. Después de recibir un sinfín de críticas cuanto menos positivas por parte de la prensa italiana y germana, Juan Ramón González y Sonia Son siguen manteniéndose fieles a una fórmula que combina las melodías electrizantes y los sintetizadores de herencia ochentera bajo una producción que no tiene nada que envidiar a tótems todopoderosos del género como Tiga o Ladytron.

Los beats industriales de “Over”, el debut con reminiscencias a pà amb tomaquet de “Contagi” y la inclusión de su primera balada (“Synthetic Brightness”) hacen de este álbum una ecléctica simbiosis de electrónica oscura apta para ser demolida en la pista de baile.

Aunque se trata de un género vilmente explotado durante los últimos años lo cierto es que temas como “My Medicine” o la canción que da título al álbum les convierten en una banda de referencia del electro patrio.

Sergio del Amo

POP

“There Is An Ocean That Divides And With My Longing...”

1114

Ya avisó nuestra querida Tracyanne, voz y espíritu de Camera Obscura, en una entrevista reciente: “No vamos a cambiar de estilo ni nada parecido”. No mentía. Nuevo disco de los escoceses y como botón decir que la principal novedad no es siquiera musical (el cambio de discográfica a la mítica 4AD). En cuanto al contenido, más de lo mismo, sin que esto tengo que suponer algo malo. Pop de orfebrería que suena a los girl-groups de los cincuenta y los sesenta, a Phil Spector y a folk anglosajón, letras que hablan del amor y de lo cotidiano a partes iguales y todo arreglado lo más retro posible por el sueco Jari Haapalainen (Peter, Bjorn & John, Ed Harcourt), quien seguramente tiene mucho que ver en que el disco recuerde en exceso a The Concretes.

Abren muy luminosos, con el single “French Navy”, y ya estamos en aviso de lo que nos espera: la voz de Tracyanne se oye más que nunca y los arreglos instrumentales ganan al tono melancólico por naturaleza de sus primeros discos. Hay grandes canciones (“You Told A Lie”, “My Maudlin Career” o “Honey In The Sun”), pero (duele decirlo), deja una ligera sensación de que la fórmula puede agotarse.

Dani Arnal

Glitterhouse

POP

111

Segundo disco del australiano, muy en la línea del primero, es decir, cerca de los crooners indie que ilustran las portadas de las publicaciones más cool del panorama (parte de culpa la tiene su aparición en “Shortbus”).

De momento no tiene el talento barroco de Rufus Wainwright ni la clase de Antony, pero la verdad es que no anda muy lejos.

Composiciones altamente sentimentales, con letras desnudas y crudas sin caer en lo blando, una voz magnífica que explora los registros líricos más emocionales con nota, estética y actitud ligeramente andrógina y, en general, buenas canciones. “For Dick”, con una cuidadísima instrumentación cala desde la primera escucha. En “Ornament” se gusta con el ukelele y los ritmos más alegres.

“Community” muestra la voz más intensa y llena de matices de todo el disco, que no es decir poco, y la muy animada “Thistle”, con unos arreglos de viento cabareteros nos termina de demostrar que no todo son ritmos pausados y tedio en su imaginario musical.

Una fiesta con Devendra Banhart y un tema a trío con las CocoRosie y tendrá su lugar en el posmodernismo. Dani Arnal

ZOMBI

“Spirit Animal” Relapse

ROCK

1114

Ocurre que cada vez que acudo (permítase esta subjetividad no disimulada) a las creaciones de Zombi, más fuerte se hace una sensación extraña que me sugiere que la capacidad de habla está sobrevalorada en el ser humano. Si a eso se le suma la posibilidad de que nuestra especie vuelva a un estado de animalidad mucho más acentuada como vía de escape a muchos de los problemas que ella misma se ha creado, se podrá entender el potente influjo que ejercen los de Pittsburgh sobre el abajo firmante que, no obstante, está en condiciones objetivas de afirmar que si “Surface To Air” era eminentemente atmosférico, este “Spirit Animal” lleva la tierra casi como sangre. Mucho se ha escrito sobre las filias de este dúo y sus nombres de referencia, se ha llegado a decir que son lo más bizarro de Relapse (no, ¿verdad?), pero a mí me gusta imaginar al activista John Zerzan y su ejército primitivista escuchando a Zombi, conspirando, planeando su revuelta neoludita y obteniendo un irrenunciable placer de las máquinas por última vez al grito de “¡Viva el polirritmo!”. Nacho P. L.

THE WHISPERTOWN 2000 “Swim”

Acony/Naïve

POP

111

La voz de Morgan Nagles (al igual que me ocurre con Alison Mosshart) es de las pocas capaz de dejarme cautivado a pesar de su delicado timbre a caballo entre lo infantiloide y la pseudo-afonía. Si a esto le añadimos los acompañamientos de Vanesa Corbala y unos músicos que uno no sabe a ciencia cierta si reivindican el folk melancólico o el country alejado de los estereotipos de Garth Brooks, la fórmula de los estadounidenses se

postula como un ejercicio de reinvención pop con marcadas dosis yanquis.

Mezclado por Thom Monahan (culpable del ascenso meteórico de Devendra Banhart, sin ir más lejos) este “Swim” mama de la sonoridad nostálgica de los trovadores contemporáneos y lo onírico en piezas como “Pushing Oars”, la preciosista “Atlantis” o “From The Start/Jamboree”, digna de ser interpretada por el propio Dylan embutido en unas botas de piel de cocodrilo. Como no sólo de baladas folk-pop vive el ser humano, “Erase The Lines” es la encargada de adentrarse en un terreno más cercano al rock con tintes psicodélicos en la que, sin duda, resulta ser la canción más sorprendente de este álbum donde la (tópica y manida) expresión menos es más cobra todo su sentido. Sergio del Amo

CURSIVE

“Mama, I’ve Swollen” Saddle Creek/Popstock!

ROCK

1114

Ha transcurrido más de una década desde que Tim Kasher, viejo amigo de Conor Oberst, publicase al frente de Cursive el visceral y sincero “Such Blinding Stars For Starving Eyes”, una obra cuyos minutos iniciales nos dejaron a algunos sin aliento y con el corazón compungido. Los doce años que lo separan de “Mama, I’ve Swollen” subrayan, además de la capacidad de Kasher y los suyos de ir mutando de piel sin dejar de ser nunca ellos mismos, dos tópicos de una indudable certeza. Por un lado, que la vida (la gente por tanto) es muy injusta y, por el otro, que hay demasiados tontos con suerte. Solamente echando mano de frases tan manidas puede uno entender que Cursive no sean más respetados y que veamos cada dos por tres salvadores del indie estadounidense, cuando pocos firman en sus discos canciones tan emocionantes y preciosas como “From The Hips”, “I Couldn’t Love You” y “Donkeys”. Y es que “Mama, I’ve Swollen”, como si de un exorcismo se tratase, se centra en nuestra incapacidad de madurar cuando toca, no cuando nos apetece, en cómo adaptamos el concepto amor a nuestro orgullo, qué papeles interpretamos en la vida y cómo canalizamos nuestras frustraciones. El corazón de Kasher en nuestras manos. Joan S. Luna

SWEET OBLIVION

“Black Sheep Serenade” Lucinda Records

ROCK

111

Sweet Oblivion vuelven con su segundo largo para dejar claras dos cosas: que ya no son única y exclusivamente el nuevo grupo de Alfonso Arana (ex Cujo) que son una banda consolidada, y para sugerir que las buenas sensaciones que dejó “Wasted Lovesongs” (2007) van a acrecentarse con estos doce nuevos temas, llenos de inspiración, rock’n’roll tradicional y unas letras para no perder la atención ni un solo momento.

Este cuarteto vasco ejecuta el rock y el folk de manera impecable y muy atrayente al público. No se puede pasar por alto que lo que engatusa al oyente de Sweet Oblivion, al margen de sus melodías cuidadas al máximo, es el juego de voces que efectúan a las mil maravillas Alfonso y Ce. El grupo se pasea por los medios tiempos con acierto como en “Where The Sun Never Leaves” o “Come & Swear”, pero es en temas como “One Of A Kind” o “Moonlight” donde las voces se mezclan en un aura especial y emotiva, llevándolo hasta su máxima expresión y el resultado salta a la vista, buenos temas.

Gran paso delante de Sweet Oblivion.

Marcos M. Lora

(MondoSonoro · Junio 2009 /51/ vinilos)

anti

“Antiaventura” Federación de Universos Pop

POP

11114

Posiblemente ya conozcas los antecedentes: Tito Pintado, voz de dos bandas imprescindibles en la escena musical de los noventa como fueron Penelope Trip y Telefilme, grabó un mini en solitario bajo el nombre de anti.

Un magnífico trabajo de extraño pop electrónico, en la línea de los citados Telefilme, que pasó de puntillas entre las novedades musicales de aquel año. Eso fue en 1998, y desde entonces poco hemos vuelto a saber de él más allá de colaboraciones puntuales con Single, Le Mans, Corazón o Tamara Superstar. Su regreso, de puntillas, de la mano de un modesto a la vez que entusiasta sello sin apenas referencias, posiblemente no le vaya a sacar de la posición de culto en la que muy a su pesar se encuentra, pero vuelve a señalarle como un enorme talento que la música de nuestro país no debería permitirse el lujo de perder. Adoptando por vez primera el castellano como voz, componen esta aventura doce piezas con las que Tito saca a pasear algunas de su filias manifiestas -la cold wave, el reggae o la sampladelia- para dar forma a un discurso musical que, en realidad, sólo remite a sí mismo. Luis J. Menéndez

KASABIAN

“West Ryder Pauper Lunatic Asylum” Sony Bmg

ROCK

111

Los de Leicester son como ese tipo que llega el último a la fiesta, cuando sólo quedan los culos de las botellas, muchos destrozos por explicar y los cuatro calaveras arrastrando lo que queda de su dignidad. Llegaron tarde a los años de vigor del rock británico en los noventa, algo que no ha supuesto un problema en el mercado inglés pero que explica la tibieza con la que han sido recibidos sus anteriores álbumes fuera de las Islas. Aquí dan un paso firme en cuanto a ambición con un trabajo digno. La colaboración en las producciones de Dan The Automator y Dan Nakamura ha añadido musculatura a unas canciones que bien podríamos creer inspiradas en “Songs In A&E” de Spiritualized o en el “Riot City Blues” de Primal Scream, de quien incluso toman prestada la épica, aquí algo forzada. Los singles ”Underdog” y ”Fire”, te hacen preguntarte qué hubiera pasado si un disco así hubiese aparecido durante nuestra resaca de The Stones Roses, pero al final acaba emergiendo de entre los escombros de la coartada conceptual del disco el grupo hecho de parches (“Swarfiga” es ”If They Move Kill’em” y ”Vlad The Impaler” algo así como Happy Mondays tocando el ”Swastika Eyes”) y te acuerdas de Regular Fries. Si no funciona es porque ya lo hemos visto antes y porque lo recordamos mejor. Joan Cabot

VV.AA.

“Dancehall: The Rise Of Jamaican Dancehall Culture” Soul Jazz Records

DANCEHALL

11114

Publicado para completar el extenso y profundo trabajo de Beth Lesser editado en libro junto a este doble disco, “Dancehall: The

Rise Of Jamaican Dancehall Culture” recorre los orígenes y la época dorada de una vertiente de la música jamaicana que vive un momento de especial vigencia ahora mismo a tenor de su influencia en los trabajos de M.I.A vía Switch, Buraka Som Sistema y demás representantes del baile global. Con el dancehall, se dejó atrás la espiritualidad -hasta lo pastoso- del roots reggae y sus artistas se sumergieron en el retrato social crudo y sin moraleja o, simplemente, practicaron el escapismo hedonista; al fin y al cabo el dancehall se convertiría en la banda sonora de todas esas bravas fiestas en descampados y parques de Kingston y oscuros clubs de la babilónica Londres. En este caso tan importante es la aportación de deejays y cantantes como Yellowman, Cutty Ranks, Barrington Levy, General Echo, Eek A Mouse o Ini Kamoze como el trabajo de productores visionarios: Junjo Lawes, Sly & Robbie, Joe Gibbs, Winston Riley... Tipos que harían del reggae uno de los estilos más sofisticados e imaginativos de su tiempo. Incluso después de tantos años estos temas siguen sonando vigentesy contagiosos Joan Cabot

La selección Jäger:

disco rock de jarvis cocker

VALERO

“Bar Bodega Salvat” Autoeditado

POP

1111

Por fin tenemos entre las manos la primera referencia oficial de Valero, quinteto barcelonés de exquisito pop de guitarras. Los catalanes debutan con un mini-lp, “Bar Bodega Salvat”, en el que se confirman todas las bondades que apuntaban en su fase maquetera. Adoran las melodías trabajadas, los coros que se pegan y emocionan, y las guitarras excelsas y cristalinas (gastan una clase brutal para ser unos debutantes) para facturar una suerte de power pop de baja fidelidad que nos hace pensar en algunos de los grupos más grandes de la independencia anglosajona reciente. Teenage Fanclub, The Posies, los mejores Luna, los The Shins del primer disco, o esa gema de pop vitaminado a reivindicar desde ya que fueron Arlo, se dan cita en un disco que es una excelente carta de presentación. Canciones como “Happy Song” (la más destacada del lote), “Your Sister And You” y “Give It A Try”, son ya favoritas para este verano que se acerca.

Xavi Sánchez Pons

PAL

“Error de fábrica” Limbo Starr

ROCK

1111

Unos nacen con estrella y otros estrellados.

Los de Torrijos, esa pequeña población toledana en la que ha sido inoculado el virus del rock enfermo (ahí están también La Débil y The Home Phonema para corroborarlo) pertenecen, sin ningún lugar a dudas, al segundo grupo. Lo que en su caso estoy seguro que hasta les resultará halagador: sus canciones suenan como si el James Spader de “Crash” se liase a rockear tras estampar el coche en el arcén para hacerle un cunilingus a Rosanna Arquette. Mal rollo total. “Error de fábrica” aprieta el acelerador para dejar atrás las atmósferas que rebajaban la tensión de su disco de debut. A ello ayuda la producción a cargo de David López y la propia banda, una producción en carne viva y desprovista del mínimo artificio. Olvídate pues de los medios tiempos y demos la bienvenida a una concepción del rock kamikaze, que les emparenta -inevitable la comparación tanto por intenciones como por resultados- con Triángulo De Amor Bizarro, herederas como son ambas formaciones de una tradición artpunk que va de los Velvet Underground más aguerridos a aquellos Pixies desquiciados.

Luis J. Menéndez

Jarvis Cocker Foto Archivo

JARVIS COCKER

“Further Complications” Rough Trade/Popstock!

POP

1111

Hace once años que Jarvis Cocker alumbró “This Is Hardcore”, el mejor disco de Pulp y una reflexión, profunda, sincera, divertida a ratos, y muy oscura, sobre el hecho de abandonar los años mozos y entrar en la edad adulta. Cocker tenía en ese momento treinta y cinco años, y en una pirueta genial que dejó a cuadros a todos los que veían en él a la futura estrella de masas del pop británico, propinó el primer disparo de muerte al brit pop, describiendo con precisión quirúrgica todas las miserias que se escondían detrás de una pop star. Ahora, con cuarenta y cinco años cumplidos, y tras un primer disco en solitario

que recuperaba gran parte de las carga más pop y accesible de Pulp, regresa al terreno oscuro y confesional de “This Is Hardcore” con un álbum de pop encabronado, casi rock (produce de forma cruda Steve Albini), que pone música y letra al proceso de desintegración que ha sufrido su matrimonio, hoy en fase de divorcio. “Further Complications.” convence y sorprende por sus guiños al garage de escuela Nuggets de “Angela” y “Pilchard”, por los aires Roxy Music de “Homewrecker!”, por samplear a Glass Candy en “You’re In My Eyes (Discosong)” y por el espíritu nada disimulado de los David Bowie y Lou Reed de los setenta que recorre todo el disco. Xavi Sánchez Pons

(vinilos /52/ Junio 2009 · MondoSonoro)

el disco definitivo de the felice brothers TORTOISE

“Beacons Of Ancestorship” Thrill Jockey/Popstock!

POST-ROCK

The Felice Brothers Foto Archivo

THE FELICE BROTHERS “Yonder Is The Clock” Team Love

AMERICANA

11114

Sin palabras me han dejado los desarrapados más geniales de América. Y es que un servidor es de los que opina que a The Felice Brothers les hacía falta un disco tan redondo como este para acabar de consagrarse entre los grandes y borrar de un plumazo todas las coletillas y comparaciones con The Band y Bob Dylan.

Unas canciones con las que ir más allá de lo logrado con unas apabullantes actuaciones en directo que jamás dejan indiferente a nadie y que suelen convertirse en una orgia melódica totalmente enraizada en la tradición encarnada por el folk de esa América que tantos sinsabores provoca en los europeitos de pro. Y es que los tres hermanos Felice, con el apoyo de Clapton y Farley, tienen el culo pelado de tocar allí donde sea

(empezaron en el metro neoyorquino), en las condiciones que sean –ya sean materiales o etílicas- y con un desparpajo tan genuino y vital que es lo que acaba diferenciándolos del resto. Pero si a esa innata habilidad para liarla en directo con sus guitarras, acordeones, violines y voces rotas por el alcohol y el desvarío no le añades un buen puñado de canciones, no destacas demasiado en un país en las que hay innumerables bandas de tu palo. Por eso a The Felice Brothers les va a sentar fenomenal un álbum tan redondo como este.

Redondo tanto por los retazos de realidad que muestra en sus letras como por el poder de canciones como la trepidante “Run Chicken Run”, la vibrante y emotiva “Sailor Song”, que recuerda al Tom Waits más lacónico, la intensa epopeya lírica y melódica de la arrebatadora “Boy From Lawrence County” o el desenfado melódico extraído de un granero en el que una vieja banda golpea el suelo con sus botas mientras el arco del violín se desmadra en su vaiven en “Penn Station”... Tan enorme como apabullante. Don Disturbios

DIE KRUPPS

GIORGIO TUMA

KISSOGRAM

SPV

Elefant Records

Roadrunner/Divucsa

“Volle Kraft Null Acht” ELECTRÓNICA

“Rubber & Meat”

“My Vocalese Fun Fair” 111

Desde sus inicios, Die Krupps se han adentrado en terrenos diferentes dejándose remezclar por otras bandas (Frontline Assembly o Nitzer Ebb). Y ese es el concepto sobre el que se cimienta este disco, una actualización de su “Volle Kraft Voraus” en pleno año 2009. Esta vez bandas de electronic body music más actuales como Spetsnaz, Funker Vogt o grandes monstruos como KMFDM o Girls Under Glass cogen las riendas de estas nuevas adaptaciones.

Aunque, eso sí, quizás la más destacada sea de uno de los grupos más clásicos, Project Pitchfork, que aceleran y desaceleran el ritmo de “Das Ende Der Trauma” hasta hacerla sonar muy diferente. Echándole un vistazo a las listas alternativas alemanas comprobamos que este disco, así como la versión a cargo de los nombrados Spetsnaz como primer adelanto, han pegado más fuerte que nunca en las pistas de baile. Ojalá eso pasase aquí, pero desgraciadamente esto no es Alemania. Un buen disco para fans e incondicionales de la escena oscura electro. Por cierto, rebobinad la primera canción y os encontraréis con una canción extra oculta. Eduard Tuset

POP

1111

“My Vocalese Fun Fair” es un disco entrañable, luminoso y cálido de pies a cabeza, escrito y concebido por Giorgio Tuma y Alice Rossi y confeccionado instrumentalmente –con cuidado artesanal– por el sexteto Os Tumantes, que tienen la intención de recoger la inspiración ecléctica de uno de los grupos psicodélico-festivos más importantes de finales de los sesenta, Os Mutantes.

Pero la psicodelia y tropicalia brasileñas presentes en este segundo disco de Tuma son únicamente una excusa para integrarlas en un discurso pop mayúsculo, que empieza con tranquilidad, igual que una montaña rusa (“Two Happy Sad Guitars”) y se convierte rápidamente en una aventura trepidante (“Saltamontes”) cuya máxima virtud es el optimismo y la alegría estival. Las catorce canciones de “My Vocalese Fun Fair” presentan melodías muy bien acabadas y tienen en la integración de la flauta (en canciones como “Let’s Make The Stevens Cake!”) una de las señas de identidad diferenciales de Tuma y sus Tumantes.

Jordi Nopca

POP

111

Tercer disco de estos berlineses, que tras dejar muy buen sabor de boca con sus trabajos anteriores, vuelven a la carga con “Rubber & Meat”, consiguiendo que se les siga teniendo en cuenta. Jonas Poppe y Sebastian Dassé, cabezas pensantes del proyecto, se han ayudado en la producción de Pelle Gunnerfeldt (The Hives, Moneybrother…) y, francamente, han dado forma a un buen trabajo. El disco es un compendio de brillantes melodías y estribillos bailables hasta la extenuación. Hace poco lo hemos podido apreciar de primera mano, tras haber teloneado a Franz Ferdinand por la península, y así de paso presentar estas canciones, algunas de ellas hits electropop de la talla de “The Desert” o la canción titular, muy propias ambas para un loco desenfreno en la pista de baile. Y a pesar de que se toman sus propios descansos en temas poco trascendentales, vuelven a destacar en “Lucy”, “Prominent Man” o en la efectista “Bucharest”. Y es que no se nos escapa que Kissogram han ganado con la incorporación de un batería y que ahora su música resulta mucho más compacta y efectiva.

Marcos Martin

1111

Con 2010 a la vuelta de la esquina, el postrock es a la música un recuerdo tan borroso y desagradable como la etapa de Van Gaal para el barcelonismo. Por eso, antes de enfrentarme a su sexto largo, si alguien me hubiera preguntado si era necesario un nuevo disco de Tortoise yo habría dicho rotundamente “no”. Con “Standards” (2001) y “It’s All Around You” (2004) los de Chicago habían tomado una senda peligrosa, practicando una suerte de free jazz progresivo del que ya sólo ellos podían disfrutar; la esperanzadora colaboración con Bonnie ‘Prince’ Billy, el disco de versiones “The Brave And The Bold”, terminó en mera anécdota. Sin embargo “Beacons Of Ancestorship” vuelve a hacerme disfrutar. Sin situarse a la altura de su impresionante trilogía inicial, volvemos a encontrar inspirados y sorprendentes giros melódicos (“Prepare Your Coffin”, “Charteroak Foundation”) con las guitarras otra vez protagonistas. En cierto modo funciona a la manera de un “grandes éxitos” en el que están presentes todas las caras de McEntire y Cía: la electrónica, los delirios rítmicos a todo trapo y las atmósferas morriconianas de siempre. Luis J. Menéndez

PETER BRODERICK

“Home”

Bella Union

FOLK

1111

No deja de ser curioso que justo antes de dejar Portland, Oregon (su ciudad natal y, además, uno de los epicentros creativos de la música independiente americana) para largarse a vivir a Copenhague, este jovenzuelo (veintiún años) grabara un disco titulado “Home”.

Como si ya estuviera echando de menos su propio hogar, o anhelando uno del que forme parte y al que pertenezca en su nueva vida en la capital danesa, “Home” es exactamente eso: una abstracción sonora, con forma de disco de folk, sobre la búsqueda (o la huida) del hogar. Cercano al folk gélido de Bon Iver (esa voz multiplicada en el espacio, esa cosa mística inconcreta), Peter Broderick ha grabado un extraño disco, en el que crea espacios sonoros que parecen paisajes, a veces bosques abandonados, a veces agua estancada (“Sickness, Bury”). Con un fingerpickin’ virtuoso que podría remitir al Mark Kozelek menos terrenal (“And It’s Allright”, “Below It”), Broderick transforma las canciones, las deforma hasta dejarlas en la esencia total (“Not At Home”), llegando a momentos de auténtica desolación emocional, espiritual (“There And Here”). Fernando Navarro

ZOMBIE NATION

“Zombielicious”

UKW Records/Kompakt

ELECTRÓNICA

1111

Florian Senfter cumple diez años de trayectoria (publicó su primer Ep en Gigoló Records en 1999), editando un disco de estudio impecable, repleto de cortes tan pisteros como sus producciones más famosas (“K4000”, “Money Talks”, “Blood Angels” bajo al alias John Starlight, el célebre “Lower State Of Consciousness” junto a Tiga como ZZT). Un

trabajo que le mantiene en el olimpo de la electrónica hedonista bien parida. Porque el de Munich ha conseguido aunar en “Zombielicious” dos conceptos no siempre parejos en la escena electrónica actual, sonar bailable, ácido y moderno sin caer en paroxismos, en la línea del sonido matón de Boys Noize y Soulwax (de los que, dice, ha aprendido a jugar con el ruido), pero ofrecer también una lección magistral de producción musical y mantener su toque germánico. Entrega catorce piezas que se mueven en varias direcciones, pero casi todas son capaces de poner cachonda a una pista de baile. Empezando por esa apertura rockera de bajo tremebundo (“Más de todo”), siguiendo por su devaneo cósmico en “Supercake 53”, el neoacid house que desplega en “Worth It Pt1” y “Shottieville”, el guiño a Justice en “Mystery Meat Affair”, ese hit orquestal y nervioso que es “Seas Of Grease”... Javier López

BEN LEE

“The Rebirth Of Venus” New West

FOLK

11

Ben Lee pasa por ser el cantautor australiano más importante de la actualidad. No es que la tierra de los canguros haya destacado alguna vez por su proyección internacional de este tipo de artistas, por lo que el título no es tampoco ninguna marca considerable.

Para su séptimo trabajo de estudio, Lee ha decidido rendir homenaje a la feminidad. De ahí que le dé por defender a la descarriada Yoko Ono, o sea tan poco sutil a la hora de definir su lado femenino en títulos como “I’m A Woman Too” o “Boy With A Barbie”. Lee abandona asimismo su temario acerca de las rupturas y abraza la felicidad de su reciente matrimonio y paternidad en temas también algo evidentes como “What’s So Bad (About Feeling Good)” o “I Love Pop Music”. Pero el problema de “The Rebirth Of Venus” no viene tanto del concepto de la propuesta como de su ejecución. La mayoría de temas del disco dejan un regusto pasteloso y el folk simplón del autor no mejora el tono obvio de sus letras. Lee tan solo apunta maneras en la luminosa “Sing” y en los tonos ochenteros con los que engalana a “Wake Up To America” y la ya mencionada “Boy With A Barbie”.

Robert Aniento

BRAKES

“Touchdown” FatCat/Popstock!

POP

1114

Por fin se ven cumplidas las esperanzas que los ingleses habían despertado; las pistas que habían ido dejando en sus dos primeros discos. La banda formada por miembros de British Sea Power, The Electric Soft Parade y The Tenderfoot ya generaron atención con su fenomenal estreno de 2005, “Give Blood”, que tuvo por continuación el no menos inspirado “The Beatific Visions”.

Ahora, Eamon Hamilton y cía cambian a Rough Trade por FatCat y nos entregan su obra más compacta y disfrutable. Los ritmos mutantes y las melodías contagiosas se yuxtaponen en destellos de genio como “Eternal Return”, “Worry About It Later” o “Don’t Take To Space (Man)”. No resulta complicado comparar a los de Brighton con los seminales Pixies, de los que parece que han cogido el relevo para este nuevo milenio. Como prueba definitiva, el ruidismo melódico de temas como “Red Rag” o “Hey Hey”. Pero más allá de testigos y comparaciones, el cuarteto no sólo ha sabido superar las marcas conseguidas con sus otras bandas; con “Touchdown” se convierten en el secreto indie británico mejor guardado. Robert Aniento

LAVENTANA)

Australian Blonde Foto Alfredo Arias

(MondoSonoro · Junio 2009 /55/

POR Y PARA LA MÚSICA EN DIRECTO

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Subterfuge

Veinte años en la brecha El tópico sería decir que veinte años han pasado volando, pero no sería cierto. Ha habido mucho sudor, mucho esfuerzo, muchas alegrías y también decepciones. Ahí precisamente está la gracia de dirigir Subterfuge, uno de los sellos más emblemáticos de la independencia estatal.

E

n 1989, pensar en la escena independiente era casi una utopía, un sueño apenas prendido con los alfileres de los fanzines. Y precisamente de ahí surgió Subterfuge, por entonces un pequeño referente de la cultura underground y que ahora celebra su vigésimo aniversario como sello. Carlos Galán, el capo de todo esto, lo explica así: “Cuando editamos nuestra primera referencia yo tenía veinte años y Gema [del Valle, la segunda de a bordo] dieciséis, así que es media vida. Cuando surgió la necesidad de que entrase más gente nos empezamos a organizar, más que a profesionalizar. Nadie nos enseñó nada, aunque tuviésemos referentes de otras compañías”. Otros sellos se quedaron por el camino, pero Subterfuge logró consolidar su apuesta hasta convertirse en historia viva del indie tal y como lo conocemos hoy.

Suyos fueron los primeros lanzamientos de

Australian Blonde, Manta Ray, Los Fresones Rebeldes, Mercromina o Sexy Sadie, convirtiéndose en nombre indispensable para comprender la edad de oro de una escena que tuvo su punto más álgido (en cuanto a ventas) con la publicación de “Devil Came To Me” (1997), el segundo álbum de Dover, grupo que se convirtió en fenómeno de masas despachando quinientas mil copias de su disco. “Pasamos a jugar en la liga de los ‘mayores’ y conocimos a gente nueva del sector, a otro tipo de medios, etcétera. Naturalmente eso generó expectativas, pero desde el principio sabíamos que era algo especial, que Dover iba a haber sólo unos.

También creo que sirvió para que la independencia fuese más respetada; joder, para demostrar que se podían vender medio millón de discos desde un cuarto piso sin ascensor”. Luego llegaron nuevos fichajes, desde Fangoria a

Najwajean, dando cuenta de una heterodoxia estilística que siempre ha sido marca de la casa. “Subterfuge ha llevado desde el principio la línea de lo que nos gustaba, es lo que siempre nos ha interesado, nuestra propia autosatisfacción”. También crearon una división dance que con el tiempo pasó a mejor vida, igual que otras apuestas muy especiales que permitieron recuperar incunables de Los Vegetales o Alaska y los Pegamoides.

“Desgraciadamente, la situación del mercado nos fue amputando brazos que habíamos desarrollado, no sólo ‘Satanic Charme’, sino también ‘Canciones desde la Tumba’ o ‘Música para un Guateque Sideral’… Nos gusta pensar que están crionizados como Walt Disney y que algún día los despertaremos”. Marlango, Mastretta, L-Kan, Humbert Humbert, The Unfinished Sympathy, Tulsa, TCR, Fromheadtotoe, Cycle o Pauline en la Playa son algunos de los muchos nombres que han estado o siguen estando en nómina, y junto a ellos las refrescantes novedades de Lidia Damunt, Templeton, McEnroe o Anni B. Sweet. “Hemos hecho y seguimos haciendo lo que nos da la gana, sin presiones del mercado ni de escenas” ■ Enrique Peñas

Asturias

Savoy (Gijón) 11/06 El Mentón de Fogarty 13/06 Club Sibarita

Castilla León

Atomiko Cafe (Ávila) 04/06 Miguel Costas

Euskadi

Musutruk (Gernika) 12/06 ProjectdeFak

Galicia

Aturuxo (Bueu, Pontevedra) 05/06 El Tío Calambres 13/06 Pony Bravo 26/06 Las Culebras 28/06 Le Petit Ramon

Imprescindible

“Pizza Pop” (1993)

11114

Si hay un disco generacional en el indie de los noventa, ése es “Pizza Pop”, con “Chup Chup” como himno indiscutible que todavía hoy perdura en la memoria colectiva (gracias también a su aparición en la película “Historias del Kronen”). Temas como “September Song”, “I Want You” o “Hole In My Head” confirmaban además que estábamos ante un grupo de largo recorrido.

RECOMENDABLES

Mastretta

“Melodías de rayos X” (1998) 1111 Dentro de la colección ‘Música para un Guateque Sideral’ apareció este primer disco del multinstrumentista Nacho Mastretta (clarinete, piano, saxo, guitarra, moog, percusiones, etcétera), que desde entonces ha permanecido fiel a Subterfuge. Un sonido único con influencias que van de la bossa a la chanson, con un aire cinematográfico y jazzístico que se mantiene hasta hoy más allá de las modas.

Mercromina “Desde la montaña más alta del mundo” (2005) 11114 El grupo de Joaquín Pascual fue uno de los que empezó y acabó su carrera en Subterfuge, despidiéndose justo con su mejor disco. Distorsiones y texturas que les acercaban al shoegazer, sin perder la esencia pop, con temas como “Lo que dicta el corazón” o “La gran aventura” (con colaboración de Fernando Alfaro) poniendo la guinda a una trayectoria de ensueño.

Café Auriense (Ourense) 27/06 Le Petit Ramón La Fábrica de Chocolate (Vigo, Pontevedra) 06/06 El Tío Calambres 26/06 Le Petit Ramón

La Rioja

Biribay (Logroño) 06/06 Vilma y Los Señores Dolby (Alfaro) 19/06 Kérkennai

7D:7BK9?7 O 9;KJ7 Cortijo El Cartero (Vejer, Cádiz) 07/06 Las Culebras 21/06 Kumar Woodstock (Cádiz) 06/06 Las Culebras

La Sala Café Club (Ceuta) 05/06 Las Culebras Malandar (Sevilla) 20/06 Kumar

7H7=äD" 87B;7H;I" 97J7BKz7" CKH9?7 O L7B;D9?7 Salamandra (Barcelona) Teatro de la Estación (Zaragoza) 05/06 Pony Bravo 10/06 Olga Román & 27/06 Ácido C

Aragón

LIPA combo

Cataluña

Australian Blonde

Clavicémbalo (Lugo) 12/06 Pony Bravo

Clap (Barcelona) 06/06 Pony Bravo Harlem Jazz Club (Barcelona) 11/06 Olga Román &

LIPA combo

Café del Teatre (Lleida) 05/06 Miguel Costas

Murcia

Audit. Calasparra (Murcia) 12/06 Olga Román &

LIPA combo

97IJ?BB7 B7 C7D9>7" ;NJH;C7:KH7 O C7:H?: Extremadura

Mercantil (Badajoz) 04/06 Las Culebras 10/06 Kodjo Senyo 12/06 Los Guapos Barrocco (Cáceres) 13/06 Los Guapos

Madrid

Clamores (Madrid) 04/06 El Mentón de Fogarty

Galileo (Madrid) 09/06 Olga Román &

LIPA combo

Gruta 77 (Madrid) 03/06 Miguel Costas La Boca Lobo (Madrid) 12/06 Kodjo Senyo 13/06 Ácido C Sensorama Jazz Café (Madrid) 20/06 Kérkannai

Esta información puede sufrir alguna alteracióndebido a la antelación con que es elaborada.

UN PROGRAMA DE:

NOVEDADES

Psycho Loosers

CON LA COLABORACIÓN DE:

“Las chicas que me destrozaron el corazón” (2009) 111 La parte más freak del sello tiene en este álbum su última entrega, con diseño exclusivo de Miguel Ángel Martín y catorce temas de teen-punk de este grupo salmantino con influencias que van de Parasites, Green Day o Nerf Herder a Siniestro Total o Airbag. Y además, haciendo buenos los tópicos del género: películas de ciencia ficción, asesinos en serie y euforia juvenil.

Anni B. Sweet

“Start. Restart. Undo” (2009) 1114 Con la vitola de haber logrado el número uno en la lista maquetera de la edición madrileña de esta revista, la malagueña Ana López debuta en largo con estas doce canciones de folk-pop, armadas a partir de la sencillez y en las que hay ecos que pueden ir de Cat Power a Kate Bush, amén de la inevitable comparación con Russian Red. Produce el ubicuo Brian Hunt (Templeton). ■ E. P.

GOVERN DE LES ILLES BALEARS Conselleria d’Educació i Cultura

The End Foto Archivo

(MondoSonoro · Junio 2009 /57/

MONDO MEDIA)

CINE

Eduardo Chapero-Jackson

Si de algo nos podemos sentir orgullosos en este país es de la gran cantera de excelentes cineastas que, desde el formato cortometraje, nos están brindando alegrías. Eduardo ChaperoJackson es uno de los más destacados y premiados. Ahora, con el proyecto “A contraluz” tú también sabrás por qué.

D

icen algunos psiquiatras que eso de querer contar historias es algo que nunca es sano del todo porque siempre hay algo de pornografía emocional a no ser que se haga de manera completamente aséptica. Eduardo Chapero-Jackson tenía claro que él quería hacerlo. “Rodar cortos es casi una locura, pero luego funcionan porque hay muchísima creatividad”. Aunque el cine no fuera su primer vehículo de expresión, sabía que había que prepararse. “De pequeño iba mucho a las salas con mi padre, pero no era algo sobre lo que pensara. Me aficioné a la fotografía y estudiando Bellas Artes me di cuenta de que lo que me apasionaba era la literatura y el cine”. Con más querencia al editor de textos que al pincel, tardó bastante en decidirse a proyectar en una pantalla lo que le rondaba por su cabeza.

“Hice un curso de interpretación porque pensaba que era importante a la hora de construir personajes. De las escuelas sales muy preparado a nivel técnico, pero muy desnudo para trabajar con actores y respecto a la escritura”. Era el momento de empezar a pensar en ello y lo hizo de la manera más sensata,

antes de empezar a rodar el segundo gané el premio Bancaja, uno de los que mayor dotación económica tienen”. A este siguieron algunos tan importantes como los del Festival de Venecia, el de Málaga, el concurso “Versión Española-SGAE” y los más de cincuenta que consiguió con “Alumbramiento”. “Ayudan a conseguir más dinero, a recuperar el que has invertido y a que te tomen más en serio”. Los productores te pueden tener en cuenta, pero el público sigue con el mismo problema: ¿Dónde los veo?

“El circuito de festivales está más sano que nunca y hace posible que los cortos se estrenen. No creo que sea minoritario porque me encuentro con gente de todas las edades, aunque es muy difícil salir de círculo. Si tienes suerte alguna televisión te lo compra pero las salas ya ni los programan, los han sustituido por los trailers. Es algo muy legítimo, pero no es fácil para el espectador”.

Bajo el título conjunto de “A contraluz” y gracias a la colaboración entre Prosopopeya y los cines UGC Ciné Cité sus tres cortometrajes podrán verse a precio reducido en salas de Madrid, Valencia, Cádiz y Valladolid. Una experiencia nueva que

“Hice un curso de interpretación porque pensaba que era importante a la hora de construir personajes” por su cuenta. “Entré a trabajar en Sogecine y estuve allí hasta que ahorré dinero para poder hacer el primer corto. Dejé un trabajo que me gustaba para arriesgarme con mi proyecto. La producción fue a medias entre Prosopopeya y yo, pero me gasté todos mis ahorros. ‘Contracuerpo’ (2005) era una historia sobre la pérdida de la identidad y la autodestrucción. Gracias al pequeño éxito conseguí más financiación, aunque volví a arriesgar todo lo que tenía. Dos semanas

podrá funcionar o no, pero sin duda sentará un precedente. “La fórmula de pasarlos como un trabajo homogéneo puede ser buena porque los hábitos de consumo audiovisual han cambiado mucho por razones económicas y de tiempo. Ahora es un gran momento para las series de una hora y para los contenidos para móviles”. Aunque se plantearon de manera independiente, todos tienen en común la pérdida de identidad y la belleza que es posible encontrar en el dolor, sea cuál sea la forma en la que éste

se manifieste. “El hilo conductor es buscar los límites de la existencia. La idea de pérdida es algo que está presente en todos los cortos. Me atrae la zona oscura de nosotros, el dolor: cómo nos enfrentamos a ello y cómo lo intentamos sanar. Buscábamos un título y ‘A contraluz’ hablaba sobre las sombras. Era como una radiografía para ver qué es lo que realmente va tan mal ahí dentro. Al poder proyectar los tres juntos me di cuenta de que salían de la misma inquietud”. Las tres historias son duras, y aunque en todas consigue acercarse al sufrimiento de forma poética, tal vez sea en “Alumbramiento” (2007) donde el espectador sale más impactado. “Fue a partir de ver a mis abuelos morir. De alguna forma no fueron unas muertes todo lo buenas que podían haber sido. Es algo que me da miedo pero que a la vez me atrae y que, tratado de la manera adecuada, puede tener algo bello quitándole dramatismo por lo que tiene que ver con despertar a la inercia ciega en la que caemos en la vida. Ahora el corto se pasa en congresos nacionales de psicólogos y de psiquiatras que tratan la muerte y el duelo, y el personaje de la mujer del hijo es como un alter ego de lo que a mí me hubiera gustado hacer”. Estrenado en la Expo de Zaragoza gracias a una afortunada casualidad, su último cortometraje (“The End”, 2008) coincide con algunas teorías económicas que hablan sobre cómo el agua pasará a ser uno de los recursos más valorados del planeta en un futuro no muy lejano. Eso sí, sin atisbo de moralina ecológica. “Surgió porque gané un premio que consistía en rodar un western, y quería una dramaturgia de hoy en día que reflejara la naturaleza humana. El proyecto era caro y difícil. No queríamos que la financiación viniera de empresas que pretenden lavar su imagen”. Coherente, humilde como pocos a pesar del reconocimiento público de su pequeña –por el momento- obra, se muestra muy cauto al hablar del siguiente paso: su primer largo.

“Es una historia compleja y complicada de hacer, pero con la que estamos muy ilusionados porque me gustan los riesgos. Se llama ‘Verbo’ y es una especie de película de aventuras en la que la música va a ser muy importante”. ■ J. Batahola

Chapero Jackson Foto Sara Zorraquino

Luces y sombras Chapero-jackson nos recomienda ◗ Cortos que son auténticas obras de arte Si tuviese que escoger alguno, diría las animaciones de los hermanos Quay. Crean unos mundos extraños y hechizantes, que parecen salidos de una lata de película abandonada hace cien años en algún sótano del casco antiguo de la Praga de Kafka. ◗ En el ámbito de la música Mazzy Star es mi banda favorita. Es pura belleza. Su sonido me transporta a un estado etéreo, de luces y penumbras, de terciopelo. Es tremendamente evocador y sugerente. Utilizo mucho la música cuando escribo mis guiones. ◗ En cuanto a largometrajes Me resulta muy difícil escoger. “Mulholland Drive” de David Lynch, por su maestría en plasmar la zona que une lo real con la experiencia psíquica y onírica, es bellamente aterrador. “El espíritu de la colmena” de Víctor Erice, la película sobre la infancia que más me conmueve; porque respeta el misterio poético de la imagen en el cine. “Mi tío” de Jacques Tati, por su humanidad y encanto, por su virtuosismo en la puesta en escena. “Cielo sobre Berlín” de Wim Wenders y “La ley de la calle” de Coppola, por atreverse con el blanco y negro y con lo existencial, ambas son joyas. ◗ Del mundo de los libros La obra del escritor y psiquiatra Alexander Lowen, padre de la bioenergética y gran divulgador, posiblemente quién ha entendido mejor el nexo cuerpo-mente-entorno. ◗ De lo pictórico Dos trabajos, el de Dr. Seuss y el de Mark Rothko. El primero es un autor y dibujante de cuentos para niños. El segundo por exactamente las mismas razones que Mazzy Star, para mí es su símil pictórico, lo que me hace añadir a la lista a la fotógrafa Sarah Moon, que podría estar retratando mundos creados por esa música, como de un romanticismo decadente. ■

mondorecomienda

LA ENTREVISTA Jim Jamusch Foto Archivo

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ FANZINES

DVD MúSICA

Björk

Voltaic Universal (1111) Que “Volta” no haya sido el disco más popular de Björk no significa que no podamos sentirnos orgullosos de su autora, quien parece huir del éxito y de la comercialidad como del diablo. “Voltaic” es un lanzamiento ambicioso compuesto por dos compactos y dos DVD’s. Un compacto en directo; un DVD que recoge un concierto en París y una actuación modesta y exclusiva en Reykjavik; otro DVD en el que se recuperan los cinco clips promocionales de “Volta”, dos making off y el trabajo de diez artistas visuales para la islandesa. Para completar el lanzamiento, un álbum de remezclas repleto de nombres destacables (Simian Mobile Disco, Matthew Herbert, Ratatat o Alva Noto). Un lujo. J.S.L.

Jim Jarmusch

Jim Jarmusch empaquetado

L

Arcade Fire

The Wildhearts

Más que un completo video para fans, “Miroir Noir” es un recuerdo de la última gira hasta la fecha de Arcade Fire, que recoge una hora de actuaciones improvisadas, tomas de directo en diversos lugares y filmaciones en las que se antepone el valor documental a la calidad. El segundo disco de la edición especial incluye apariciones televisivas y los spots publicitarios de “Neon Bible”. Ernesto Bruno

Ginger creó esta banda a principio de la década de los noventa y su nombre al igual que los miembros siempre ha ido yendo y viniendo. Ahora aprovechan su exitosa gira del año pasado por clubes para sacar en un DVD con la mayoría de temas que se incluyeron en su último disco del año 2007, todo grabado excelentemente y en directo desde el estudio de grabación. Eduard Tuset

Miroir Noir Mercury/Universal (1114)

Live In The Studio. A Film By Tim Smith Locomotive (1114)

cómics

e pese a quien le pese, Jim Jarmusch se convirtió hace tiempo en la gran referencia del cine indie americano. Lejos quedan ya aquellos años de estudiante perdido en el underground artístico y musical de Nueva York. Pero en su esencia, el ya veterano director de Akron, Ohio, nunca ha perdido las coordinadas básicas en las que tan bien se ha movido dentro y fuera del círculo cinematográfico: perdedores solitarios, antihéroes urbanos, clichés de la estética outsider americana, buena música y ritmo vital reposado. Eso, bien combinado, no sólo gusta a cinéfilos. Y si no, haz la prueba. Consigue la caja de seis DVD’s que la colección Filmoteca FNAC lanza este mes con los primeros trabajos de Jarmusch. Revísalas y enséñalas a quienes aún no conozcan alguna de ellas.

Siempre se descubre algún detalle. En su primera película, “Permanent Vacation” (1980), el joven universitario se dejó influir por los consejos de su mentor, Nicholas Ray, y se gastó el dinero de su beca en realizar una película sin corsés académicos. Ocupa el disco uno de la caja. El segundo disco rompe el orden cronológico, pues está dedicado a “Mystery Train” (1989), en la que nos per-

mite apreciar las dotes interpretativas de Joe Strummer, que hace un papel de borracho llamado Elvis. “Noche en la tierra” (1991) ocupa el número tres en la caja, y quizá lo más valioso de su quinta película sea, sin demérito, la banda sonora de Tom Waits, con quien ya había trabajado en casos anteriores. “Extraños en el paraíso (1984) es un auténtico filme de culto, en el que Jarmusch juntó en escena a tres hipsters como el intocable John Lurie, el antiguo batería de Sonic Youth, Richard Edson, y la actriz húngara, Eszter Balint, que nos muestran una perspectiva distinta de Estados Unidos en blanco y negro y a ritmo del “I Put A Spell On You” de Screamin’ Jay Hawkins. Este cuarto DVD incluye el vídeo “Enero 1984: ‘Stranger Than Paradise’ en Cleveland”, de su hermano y artista, Tom Jarmusch. Los dos últimos discos están dedicados a “Down By Law” (1986), donde el trío Waits, Lurie y el italiano Roberto Benigni comparten celda y fuga por los pantanales de Louisiana. Los extras del último disco (todos ellos procedentes de “Down By Law”) alimentarán la leyenda de Jarmusch entre sus seguidores más fieles.

■ Luis Argeo

Libros

Las calles de arena Paco Roca Astiberri (1114)

Manchester, mucho más que una ciudad

Omega, el desconocido Jonathan Lethem Panini (114)

Siguiendo la línea del clásico “Por favor, mátame” y de su propio libro sobre el punk británico (“Punk. An Oral History”), el periodista británico John Robb acaba de publican en Inglaterra “The North Will Rise Again”. A lo largo de casi cuatrocientas páginas, se suceden millares de declaraciones de artistas de Manchester que ayudan a desarrollar toda la historia musical de la ciudad desde 1976 hasta 1996, con lo que se habla sobre el punk, el post-punk o los años de Madchester. Entre los entrevistados podrás encontrarte a miembros de grupos como Buzzcocks, The Fall, The Smiths, The Stone Roses, Happy Mondays, Oasis, 808 State y muchos otros, así como a periodistas entre los que destaca el legendario y ya fallecido Tony Wilson.n

Tras casi dos décadas de carrera, Paco Roca consiguió un sorprendente reconocimiento masivo que desembocó en el Premio Nacional de Cómic 2008, con “Arrugas”, una enternecedora novela gráfica sobre la tercera edad. Su continuación vuelve a dejarnos boquiabiertos en el aspecto técnico, y propone un viaje por los vericuetos del realismo mágico.

L. J. M.

Jamás he leído el cómic original creado en 1975 por Gerber & Skrenes, así que resulta complicado atribuir logros o lastres al trabajo del novelista Jonathan Lethem (“La fortaleza de la soledad”, en la que los comic books juegan un papel importante). Lo que sí sé es que “Omega, el desconocido” nos deja a medias a causa de un ritmo irregular y una trama pelín psicotrónica. Joan S. Luna

Zot 1

Buñuel en el laberinto de las tortugas

Freddie y yo

Fermín Solís Astiberri (1111)

Mike Dawson La Cúpula (1114)

Astiberri reedita la que posiblemente sea la obra más madura y arriesgada de las firmadas por Solís hasta la fecha. El dibujante describe a su manera lo que pudo haber sido el rodaje de “Las Hurdes, tierra sin pan” (1933), dejando a la vista un laborioso trabajo de documentación. De todos modos, si por algo destaca es por la sorprendente capacidad de acercarnos al universo del cineasta aragonés. J.S.L.

Seamos claros: Jamás he conectado lo más mínimo con Queen. Lo curioso es que no es necesario vibrar tanto con ellos como Mike Dawson para disfrutar de las trescientas páginas de “Freddie y yo”, y eso ocurre porque todos hemos vivido algo parecido con nuestros respectivos ídolos musicales. El resultado es entrañable y contagioso, de dibujo simpático y lectura fluida. J.S.L.

Scott McCloud Astiberri (1114) Conocemos a Scott McCloud mayormente por sus didácticos e intensivos estudios sobre el lenguaje del cómic (“Entender el cómic” y “Hacer cómics”, ambos también publicados por Astiberri en nuestro país). Todo ese conocimiento se intuía ya en “Zot”, su más celebrado título de ficción (o más concretamente, de ciencia ficción), en el que el de Massachussets crea un divertido híbrido. L.J.M.

La banda

Mawil Bang Ediciones (111) Antes de ser conocido como dibujante de cómics, el alemán Mawil fue bajista.

En este trabajo nos relata sus andanzas en ese mundo, la forma en la que empezó como bajista en una banda de hip hop y acabó formando parte de Tine Melk. Una historia simpática, no demasiado atractiva en lo visual, pero con la que conectará cualquiera que haya tenido su propio grupo. Enrique Gijón

Catálogo de Novedades Acme

Chris Ware Reservoir Books (11114) Autor del imprescindible “Jimmy Corrigan”, Chris Ware es uno de los artistas del mundo del cómic más inteligentes, increíbles e influyentes. Estamos ante una obra de arte absoluta e indiscutible más allá de sus historietas. Por su estética, por su colorido, por su personalidad y por su forma de navegar de la más fina ironía a la dureza emocional más descarnada. J.S.L.

(MondoSonoro · Abril 2009 /59/ MONDORECOMIENDA)

LA ENTREVISTA

LOS CLIPS DEL MES Dash Shaw Foto Archivo

LIBROS

◗ Eminem “We Made You” (111) Aunque esté intentando limpiar algo su imagen, Eminem sigue repartiendo a diestro y siniestro contra otros artistas. El problema es que, de tanto repetirla, la fórmula empieza a perder fuerza y acaba recordando a cualquier comedieta estadounidense.

La música es mi amante

Duke Ellington Global Rhythm (1111) Edward Kennedy Ellington, más conocido como Duke Ellington, vivió en su propia piel la evolución del jazz y conoció a todos sus protagonistas. En estas memorias publicadas apenas unos meses antes de su muerte no solamente relata su experiencia, sino que nos describe uno por uno sus encuentros con músicos, artistas, cineastas en un texto plagado de anécdotas y con un epílogo muy revelador. E.B.

◗ Maria Taylor “Time Lapse Lifeline” (1114) Solamente por los cameos de otros músicos, el nuevo clip de la ex Azure Ray ya vale la pena. Y es que tiene su gracia ver qué tal se desenvuelven en un clip ajeno miembros de The Donnas, Whispertown 2000, Tilly And The Wall o Har Mar Superstar.

England’s Dreaming Jon Savage Reservoir Books (1111)

Publicado originalmente en 1991, “England’s Dreaming” se ha convertido con el tiempo en un auténtico clásico para entender lo que supuso el punk y lo que representaron Sex Pistols en el momento de su aparición (sirvió de base a la película “The Filth And The Fury”). A lo largo de unas algo excesivas setecientas páginas, Savage describe cada momento en profundidad y entrevista a diversos espectadores que vivieron todo aquello. E.B.

◗ Bigott “She Is My Man” (1114) Exactamente igual que su música, el nuevo clip del aragonés Bigott es grande en su modestia. Con pocos recursos, pero con imaginación puede uno crear vídeos destacables. Aunque claro, con una canción como “She Is My Man” fácil lo tenía.

Dash Shaw

tratado umbilical Kahlo en el país de las dadanoias Kahlo Norma Editorial (1114)

Colaboradora de la revista musical Rockzone y una de las bloggers más activas y populares de nuestro territorio, Kahlo nos presenta un cuidado resumen de lo que ofreció en Internet en sus primeros años como pin up del ciberespacio: Infinidad de fotografías, textos breves, reflexiones sobre el papel de la mujer o sobre su cómo entender la propia sexualidad. E.G.

El sonido de Sinatra Charles L. Granata Ed. Alba (111)

Libro para los auténticos iniciados en el mundo de Frank Sinatra que quieran saber mucho más del trabajo del crooner durante los procesos de grabación a lo largo de casi seis décadas de trabajo (1939-1994). Sus páginas y especificaciones muestran también la evolución del material y de los equipos, por eso también es recomendable para cualquier ingeniero de sonido o profesional del ramo. Marcos Arenas

Después del complejo “La boca de mamá”, Dash Shaw publica en nuestro país su obra más ambiciosa hasta la fecha. “Ombligo sin fondo” (Apa Apa Cómics, 09) son más de setecientas páginas que se sumergen en los sentimientos más contradictorios de una familia estadounidense.

P

ocos cómics, sobre todo que provengan del indie norteamericano, van a publicarse en España durante este año con el volumen de “Ombligo sin fondo”. Setecientas veinte páginas escritas y dibujadas por Dash Shaw, un joven de veintiséis años que ha sorprendido a propios y extraños con una obra en la que las emociones chocan, en la que nos metemos en los corazones tristes y muchas veces amargados de unos hijos que se enfrentan al divorcio de sus padres, ya ancianos, tras cuarenta años de matrimonio. El amor y el desamor, las relaciones entre padres e hijos, entre hermanos y hermanas, el dolor enquistado, la frustración y la impotencia. “Me interesa el amor, pero, honestamente, no me interesan las familias. No me malinterpretes, adoro a mi familia. Lo que ocurre es que ‘Ombligo sin fondo’ es mi primer experimento con una historia guiada por los personajes, así que pensé que centrarme en una familia podía funcionar bien para explorar distintas personalidades.

Las familias engloban a personas que se ven obligadas a ponerse o no de acuerdo con las demás. Es una situación extraña cuando hay gente junta con sentimientos complicados y cruzados respecto a los demás. Las familias son así constantemente, no como las relacio-

nes que hay en el trabajo o en la escuela”.

“Ombligo sin fondo” supone una propuesta inusual en el indie estadounidense, sobre todo por su extensión. “Bueno, tiene un montón de páginas, pero la verdad es que se lee extremadamente rápido. Y no ocurren tantas cosas.

En algunos casos, solamente te encontrarás con una única viñeta y en otras quizás con doce. Con eso quiero decir que está en algún lugar entre un libro largo y uno corto. He intentado huir del encasillamiento. Los entornos inusuales me parecen más excitantes”.

Shaw destaca también la influencia que ha tenido el manga en la concepción de esta novela gráfica, aunque sea algo que se observe “fundamentalmente en el ritmo. Obviamente, un cómic de setecientas páginas que te lleva apenas unas horas leer debe estar influido por el manga.

Los cómics americanos no son así. Por otro lado, creo que también ocurre con los dibujos. Cuando estaba trabajando en el libro, se lo mostré a David Mazzucchelli y lo primero que me dijo fue ‘parece manga’. Supongo que eso es porque a él le interesa el mismo manga que a mí y lee muchos. Pero por supuesto, no recuerda para nada a ‘Dragon Ball Z’”. ■ Joan S. Luna

◗ Tarántula “Con toda la marcha” (11) Tarántula son de esos que se lo guisan y se lo comen, de ahí que mantengan su espíritu (esta vez mucho más borrachuzo que de costumbre) en cada paso que dan, desde sus discos hasta sus clips. Aquí se lo pasan en grande sin gastarse un duro.

◗ The New Raemon “La cafetera” (111) Ramón Rodríguez sigue presentando clips de las canciones de su “A propósito de Garfunkel”. En esta ocasión, Alejandro Marzoa (teclista de Manos de Topo) dirige un simpático vídeo en el que el catalán acaba convertido en una piñata gigantesca.

◗ Elvira “Monstruos” (1114) Si algo demuestra el clip del proyecto en solitario del guitarrista de Standstill es que debemos tomarnos mucho más en serio su trabajo. Bonitas y emotivas canciones por las que le acaban moliendo a palos. n

MondoSonoro · Junio 2009 /61/ mondomedia

CONEXIONES Undertones ofrecerán su música en directo desde distintas ciudades del mundo: Dublín (Irlanda) -el hogar de Guinnessademás de Nueva York (Estados Unidos), Lagos (Nigeria), Yaundé (Camerún) y Kuala Lumpur (Malasia). Más información en www.guinnessmedia.com. ◗ La cadena de restaurantes de comida mejicana La Panza Es Lo Primero te regala en exclusiva una canción de Ariel Rot en su página web www.lapanzaesprimero.com ◗ Surf In The City, esa fiesta organizada por la firma de ropa Roxy que nos recuerda aquello que cantaban The Refrescos de que en “Madrid no hay playa” y lo combate con clases de surf, además del concierto de Anni B. Sweet y otras actividades culturales, cambia de día y recinto y pasará a celebrarse en el Lago de la Casa de Campo el 14 de Junio. ◗ Tal y como está el tema, con los videojuegos copando la mayor parte de la tarta de la industria del entretenimiento, el que Metallica promocionen su colección de canciones para Guitar Hero ya casi resulta más relevante que un nuevo disco. Así se demostró el pasado 7 de mayo en la presentación del videojuego que tuvo lugar en la sala La Riviera, una de las de mayor capacidad de la capital.

◗ Diesel lanza una nueva fragancia en colaboración con el rapero Common (cabeza de cartel de la reciente edición del festival Cultura Urbana) a la que han llamado “Only The Brave”.

◗ Greenpeace celebró su vigésimo quinto aniversario en el parque Tierno Galván de Madrid el pasado mes de mayo con conciertos de música clásica, batucadas y un chill out en el que la música corría a cargo de HD Substance.

◗ La compañía cervecera Guinness anuncia los detalles de las celebraciones que se llevarán a cabo con motivo de su 250 aniversario y que culminarán con el “Arthur’s Day”, el 24 de septiembre de este año. Ese día grandes artistas como The Black Eyed Peas, The Enemy, DJ David Holmes, Soul II Soul, Reverend & The Makers, Estelle, Kasabian, Mongrel, Noah And The Whale, The Wombats, Mystery Jets o The

◗ Este mes de junio estará disponible en España “Vans: Off The Wall Stories Of Sole”, un libro que recopila increíbles historias y fotografías que han hecho parte de los orígenes, vida y evolución de Vans. En este libro encontrarás historias sobre riders como Tony Alva, Steve Caballero, John Cardiel, Shaun Palmer y Joel Tudor; leyendas del punk rock; inspiraciones musicales como Kiss, Descendents, AFI y Bad Brains; y artistas como Robert Williams, Mister Cartoon y Neckface… entre muchas otras historias originales, nunca antes contadas. ◗ Radio 3 está de enhorabuena: el último estudio de audiencias, el EGM del último trimestre, señala un incremento de los oyentes del treinta por ciento. 387.000 seguidores fieles de una Radio 3 que está a punto de conmemorar su trigésimo aniversario

◗ La cadena de TV Cuatro convoca su primer concurso de videoclips. El plazo para enviar las obras finaliza el 15 de julio, y a partir de ese momento el público podrá votar sus favoritos a través de la web www.cuatro.com/purocuatro.

Los grupos ganadores tendrán como premio la emisión de sus videoclips en espacios de la cadena y la grabación de una actuación para su posterior emisión, además de la firma de un contrato editorial y de management. ◗ Movistar creará durante dos meses siete locales de ensayo gratuitos para grupos noveles en una iniciativa que por el momento se llevará a cabo en Sevilla, Valencia y Barcelona.

El sistema de reserva se llevará a cabo a través de sms (tienes toda la información en www.telefonica.es/saladeprensa). La empresa de telefonía da así un paso más en su apoyo a los artistas noveles, tras la creación en febrero de 2008 del Sello Movistar, primer sello musical exclusivamente digital y el lanzamiento de los dos primeros grupos fichados, Ragdog y 84.

Vans

Elvis Rever Foto Archivo

◗ El grupo de Bilbao Elbis Rever se ha erigido en ganador de la primera edición del Festival de Música Sin Códigos organizado por Licor 43. Además de una ayuda económica, el premio consiste en aparecer destacados en un disco compacto junto a otros nueve finalistas (Polock, Fairlight, Replicantes, The Red Crayon Aristocrat Club, Neonflash, Cruelty Without Beauty, Line, Moto y Electroputas) y en protagonizar dos conciertos de presentación en Bilbao (4 de junio) y Madrid (11 de junio). Para asistir a los conciertos, visita www. festivalsincodigos.com. El jurado del concurso incluía a los miembros de Hidrogenesse y Balago, al director de La Revista 40, al ilustrador Jordi Labanda y a Gema del Valle de la discográfica Subterfuge.

◗ Shots, el Certamen Internacional de Cortometrajes Fantásticos que organiza Scifiworld, la única revista dedicada al cine fantástico en España ha finalizado. El jurado estaba compuesto por Nacho Cerdá, Ángel Sala y Antonio Reis. En esta primera edición se han recibido más de trescientos cortometrajes a concurso de temática fantástica que semana a semana se han publicando en el portal Scifiworld.es para someterse a votación popular. www.scifiworld.es/shots. ◗ Los Guapos, Los Peces, Miguel Costas, Narf o Pony Bravo, entre otros, son los artistas que han sido seleccionado por la Asociación de Intérpretes y Ejecutantes para la segunda edición del Artistas en Ruta de este 2009. Tienes el listado completo de músicos y todas la fechas en www.aie.es. ◗ Pull & Bear presenta una iniciativa a nivel mundial que busca nuevas ideas artísticas, sociales, medioambientales o deportivas para convertirlas en proyectos reales, el jurado lo componen nuestra Mala Rodríguez, Lizzy Jagger, Brando De Sica y el Dj Steve Aoki. Toda la información en www.pullandbear.com ■

MONDOWEB

/62/ Junio 2009 · MondoSonoro

E-MAIL: Envía tus cartas a mondo@mondosonoro.com

POR TORQUE MONDITO

C

uando decidimos poner a Green Day en portada de nuestro número de mayo, contábamos con que la decisión generaría una avalancha de hate-mails acusándonos de vendidos, horteras y viejunos (por ese mismo orden). Un error de cálculo que demuestra que no provoca el que quiere sino el que puede.

Apenas unos pocos comentarios en el foro de nuestra web, para colmo algunos elogiosos, se hacían eco de nuestra “apuesta” por los Rolling Stones del punk pop. ¿Astenia primaveral? ¿Hemos agotado la capacidad de sorpresa y os podéis esperar cualquier cosa de la portada de vuestra revista favorita? Sea lo que fuere, nos llama la atención que mucho más debate público hayan generado un par de líneas, en principio inocuas, y para nada malintencionadas, que firmaba el buenazo de Joan S. Luna a propósito del concierto de presentación del nuevo álbum de Mendetz en Barcelona. De hecho, sus dardos poco envenenados ni tan siquiera se dirigían a los autores de “Souvenir”, sino a su esforzados teloneros, los por mí desconocidos Ultraplayback. Decía Joan tal que así… “Ultraplayback, por su parte, presentaban disco, ‘Por fin ricos y famosos’.

Y lo hicieron con ganas y buen humor, algo que solamente quedo lastrado por una propuesta que cuesta tomar en serio (¿les importa eso?) excepto en un par de momentos. Eso sí, la gente se lo pasó más que bien con piezas como ‘Osama Acid’ o ‘One Hit Wonder’”. Parece ser que la banda proviene del entorno FEA, ese Festival de coña especializado en subir astracanadas al escenario como si de una versión indie-cañí de Eurovisión se tratara. Con esos datos y tras echar un vistazo a los vídeos que aparecen en su Myspace, lo que me deja totalmente loco es que se molesten porque alguien no les tome en serio. Lean, lean. “Es posible que nuestra propuesta no sea fácil. Es posible que nuestra propuesta sea demasiado

sofisticada. Al fin y al cabo, detrás de los seis miembros de Ultraplayback hay tres profesionales de la música, dos postgrados de filosofía, y uno de bellas artes. Por supuesto, con la ayuda de otra mucha gente. Pero en un par de momentos, parece que se puede tomar en serio. En definitiva, se nos puede tomar en serio de manera intermitente. Parece. Cada mes se descargan más de 20.000 mp3 desde nuestra página. No sé si esos se lo toman en serio. NPI. Pero hay gente que se lo ha tomado en serio. El jurado que nos dio el tercer premio de Bilborock.

Las quinientas personas que acudieron a la presentación del disco en BeCool, sin teloneros, y pagando una entrada similar a la de ayer (a favor que era finde). Y los que se quedaban fuera por aforo lleno.

Esos también se lo toman en serio. Los que vinieron ayer a vernos. Los que no vinieron a vernos a nosotros, pero bailaron y se lo pasaron más que bien con nuestras canciones. La sala, (gracias Raquel), que nos invitó a participar en la fiesta Revolta. Los Mendetz, con los que recordamos los tiempos en que tocábamos juntos en el Big Bang, y Way les hacía de técnico de sonido. Los Furguson, que no nos habían visto nunca y nos vinieron a felicitar. Hay más gente que se toma muy en serio nuestra propuesta. Nacho Vigalondo nos puso en la banda sonora de ‘Los Cronocrímenes’, su opera prima y la única película española que estuvo en Sundance el año pasado. Y tocamos en su presentación de Sitges. No haces esas cosas si no te tomas en serio la propuesta. Jorge Riera utilizó una parte de la canción de ‘Putokrio’ para escribir una episodio de su acojonante serie de animación en ‘Adult Swim’. Para hacer eso también hay que tomárselo en serio.

Love Of Lesbian ha incorporado la canción en la que les hacemos un homenaje (‘Gas’) en una parte de su show. Tampo-

co haces eso por que sí. Pero a Joan le cuesta tomar en serio nuestra propuesta.

Y a mucha gente. Sobre todo a la crítica.

Por eso existe Ultraplayback. Para poner eso en evidencia. Para reivindicar lo serio que es divertirse. Para plantar cara a esa tiranía que dice lo que se puede tomar en serio y lo que no. Y para hacer una fiesta con todos los que escapan de ella”.

Firmado Capitán Minifalda. La cosa sigue un buen rato, en éste y otros mensajes, con la misma dinámica de que veinte mil fans no se pueden equivocar, comparándose con B-52’s y afirmando que fulanito y zutanito -quienes al final de la conversación terminan revelándose como colegas del Capi, ex de otro ilustre grupo de chiste, Focomelos- han elegido uno de sus temas para colocarlos en no sé qué proyecto, película o serie de televisión. Por lo menos la discusión da pie a que los foreros abran otro debate de carácter mucho más general sobre cómo se asume por parte de los grupos la opinión sobre su trabajo y, al más puro estilo “Watchmen”, sobre quién critica al criticante.

“Observo un hecho muy extendido en este país que afecta a grupos y ultrafans de la música... las malas críticas. ¿Por qué afectan tanto las malas críticas? ¿Por qué en cuanto hay una crítica (que no necesariamente ha de ser mala) desfavorable, aparecen los fans diciendo el típico ‘no tienes ni puta idea’ o el propio grupo defendiéndose como si fuese el peor de los ataques hacia su integridad?

La prensa inglesa es feroz con según qué discos y grupos, la americana es en algunos casos mordaz... Me pregunto cómo se tomarían comentarios de ese estilo algunos grupos de aquí. Hay que saber encajar las críticas, y más si uno toca en un grupo; estás expuesto a que hablen mal de ti”. Lo dice un ilustre forero al que tenemos más que identificado y que aporrea la los parches en una de esas bandas de las que todo el mundo dice que muy pronto llegará lejos: Hola A Todo El Mundo. Ya veremos lo que

CONCURSOS WEB

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cuenta cuando saquen su primer disco y les toque recibir palos, ya… “La verdad es esa, pero creo que no se trata algo exclusivo en el mundo de la música. España es un país de ‘criticones’ y quizás deberíamos haber aprendido ya a convivir con ello.

No puedes gustar a todo el mundo y una crítica no es más que una opinión que, al menos para mí, todas tienen el mismo valor, tanto el que te pone mal como el que te pone bien. Las vacas sagradas no existen. Aunque eso sí, un músico también puede hacer una crítica a un crítico que le ha criticado”. Dice otro rizando el rizo. Toma, pues claro. Pero ¿no decía Ringo Starr a propósito de un plumilla que la diferencia entre uno y otro es que él se olvidaría del otro en cuanto la entrevista terminase y se diera media vuelta, mientras que el periodista recordaría aquel momento toda su vida? Pues eso, ¿en qué quedamos? ¿Quién es aquí la estrella? Lo que me da que pensar… Porque si nos atenemos a la cantidad de veces que diferentes miembros del staff de MondoSonoro han sido interrogados sobre la identidad de este humilde juntaletras que responde al nombre de Torque Mondito, estaréis de acuerdo conmigo, apreciados lectores, en que por encima de todo y de todos aquí la única estrella que hay soy YO. Aumento de sueldo ¡ya! Y hasta el próximo número. ■

www.mondosonoro.com LA PREGUNTA DEL MES:

LOTES DE DISCOS DE VINILO FORMADOS POR UN MAXI REMIXES DE

el 79% DE LOS LECTORES DE MONDOSONORO no sabrían decir si joan s. luna es el que sonríe satisfecho o el que grita de terror

BLOC PARTY

¿Cómo se llama el director de “Rockanrolla”?

Y POR EL NUEVO DISCO DE

SCOTT MATTHEW

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