Revista Final

Frank Ocean fue headline en Coachella después de seis años sin presentarse en vivo.

“Ha pasado mucho tiempo. Todo el mundo habla de eso, de cuanto tiempo ha pasado”, dijo Frank Ocean a su público masivo en este Festival de Música y Artes de Coachella Valley, durante la noche del pasado domingo. “Pero los he extrañado demasiado”.

Frank Ocean dio inicio a su esperada actuación como uno de los artistas principales de este festival con una hora de retraso. Minutos antes del show, los miembros de su equipo revoloteaban alrededor en la parte delantera del escenario por debajo de una pantalla monolítica, como si aún estuvieran montando el set. Horas antes, internet ardió cuando fans de Ocean se enteraron que dicho concierto (el primero en vivo desde 2017, ya que por la pandemia arruinó su plan de encabezar Coachella 2020) no se retransmitiría en directo, como se estaba previsto.

Después continuó con un tema inédito de 2021 titulado Come On World, You Can’t Go!, cuya letra explica su conflicto como artista: (“No seré grande hasta que pueda escapar”). Tal vez Frank hubiera conseguido escapar, pero ahí estaba de nuevo.

Debido a su actuación frente a miles de personas, el cantante junto con su equipo hicieron el diseño meticuloso el escenario principal planeado para que pareciera un estudio de grabación, donde permanecía Frank en el centro encorvado en torno a un micrófono, mientras toda la banda tocaba tras él en vivo y el personal del estudio acataba cada solicitud del cantante.

A las 11 de la noche, con la pantalla del escenario principal anunciando que “Frank comenzará a las 10:05”, el público ya estaba agotado y muy inquieto. Los asistentes del concierto, algunos llevaban sus prendas falsas hechas a mano de Frank Ocean, otros vestidos totalmente con looks del color de Channel Orange, desesperados todos se preguntaban si aparecería Frank de una vez por todas.

Cuando Frank subió al escenario por fin, parecía ansioso, al igual que también emocionado. Su actuación comenzó con una versión ampliada de Novacane, single de su mixtape, Nostalgia Ultra de 2011, que marcó sus inicios de su carrera. Sabes cuál es, ¿no? Esa en la que canta a una chica que conoció en Coachella.

Durante dos de sus canciones más populares, “Nikes” y “Nights”, Frank optó no cantarlas en vivo, y en lugar de eso saltó por el escenario y tocó frente a la cámara, con una sonrisa que dejó ver los grillz en uno de sus dientes delanteros.

La razón por la que casi la mayoría de sus fans esperaban un espectáculo más llamativo, despierta preguntas, pero el show que ofreció (frenético, desordenado, lleno de dolor) generó auténticos momentos de éxtasis. Fue bueno y fue especial. Aunque está claro que no hubo bastante tiempo para que los asistentes entendieran esta motivación de Ocean para estar allí, una cosa sí quedó clara: Frank sigue amando esas canciones.

Tal vez Frank solamente necesitaba vivir un momento así, al igual que como todos nosotros sus fans

Daniel Dumile era el nombre real de MF Doom, quien nació en Londres pero creció en Nueva York. Inconfundible por su máscara metálica, al igual que lo fue por su estilo suave, inteligente, y su voz grave pero tranquila y fuerte a la vez.

Participó en proyectos junto a grandes como Madlib, Danger Mouse, Ghostface Killah, Gorillaz, además de sus proyectos en solitario, como ‘Operation: Doomsday’ o ‘MM…Food’.

La historia de MF Doom viene asociada con el personaje de cómic Doctor Doom, Marvel. Dumile solía llevar la cara tapada completa en sus primeros bolos, y fue la máscara de este mencionado personaje la que sirvió para taparle desde entonces. De ahí el Doom.

El MF es también por su máscara, por Metal Face. Ha habido otras interpretaciones, como Metal Fingers (utilizada en alguna mixtape), no descartaría que hubiera un secreto todavía oculto detrás de esas dos letras.

La máscara no es exactamente la del Doctor Doom, sino que viene de la utilizada en Gladiator, muy similar, y que quizá estuviera inspirada en el cómic inicialmente.

MF DOOM falleció el 31 de octubre de 2020 en Leeds, Inglaterra. En ese año, se demoró dos meses en salir al público el hecho, todo esto por motivos de las restricciones derivadas de la pandemia, era una situación sensible para la familia del músico.

Ahora, Jasmine Dumile declaró que padeció una condición llamada angioedema, es una inflamación que se origina por debajo de la piel causada por reacciones alérgicas, fue provocada por el tratamiento médico para su condición de hipertensión; añadió que DOOM tenía otras condiciones de salud y enfermedades, incluyendo problemas en los riñones.

Además de comentar públicamente las razones de su fallecimiento, se afirmó que el equipo legal de Jasmine hará una detallada investigación en el tratamiento que recibió Daniel Dumile, por negligencia médica en la administración de medicamentos y no recibir la atención constante que necesitaba.

El valor que tiene MF Doom no solamente está en su magnífica discografía y sus colaboraciones con gente del nivel de Ghostface Killah, Bobbito García, Madlib, DJ Danger Mouse o Thom Yorke, sino en el que siempre fue fiel a un estilo oscuro, misterioso, sucio y poco más arraigado al sonido underground e incluso acercándose al estilo del afrocentrismo.

En una época en la que la mayoría de raperos no tenían ningún tipo de problema en suavizar y edulcorar sus sonidos, Doom pasó toda esa vorágine de los 2000’s no solo haciendo discos

oscuros y que fueron poco accesibles, sino incluso utilizando otros apodos que podían hacer perder la pista a aquellos que sentían admiración por él y conocían su trabajo.

Es por todo esto que el respeto que se tiene por el artista es muy grande. No solo se trata de haber cimentado toda una carrera que fue basada en el rap más auténtico de la costa este, sino también por tratarse de uno de las pocas excepciones a la hora de ignorar por completo el camino del dinero fácil y seguir a lo suyo.

Doom se fue a su manera, falleciendo un día y siendo comunicada su muerte dos meses después. Un hombre que descolocó (de la mejor manera) a lo largo de toda su carrera y que fue completamente fiel a sí mismo y para nada hacia las directrices del dinero y las comercialidades que solo podemos echarlo de menos.

Talento, constancia, secretismo y honestidad elevadas al máximo nivel solo como Mf Doom lo pudo haber hecho… justo todos estos valores nos falta que haya en este género desde hace tiempo para disfrutarlo como lo hacía MF D .

El talento, la constancia, el secretismo y la honestidad elevadas al máximo nivel.

Una rareza que sigue sus propias reglas

We Are Who We Are, la primera serie de Luca Guadagnino sobre la deriva existencial adolescente.

We are who we are habla sobre la adolescencia y sobre el despertar y evolución sexual de jóvenes en una base militar del ejército estadounidense en suelo italiano. Sobre todo se centra en Fraser (Jack Dylan Grazer), un chico al que uno querría tirar por la borda en alta mar, y la amistad que desarrolla con Cait (Jordan Kristine Seamón), una persona reservada pero popular y con un grupo de amigos siempre dispuestos a romper toda norma y fumar y beber y pegarse unas fiestas de campeonato.

En un contexto social actual donde las etiquetas están muy presentes, Guadagnino, que ha escrito la serie con el novelista Paolo Giordano (La soledad de los números primos) y Francesca Manieri (El milagro), prefiere adentrarse en estos temas como son la orientación sexual, la identidad de género, el culto religioso, también realidades no neurotípicas sin mencionar etiquetas.

La decisión coloca al espectador en una especie de limbo donde todo es posible, donde siempre está la sospecha, donde hay margen para que el personaje pueda oscilar, meditar o reafirmarse. Y tiene sentido. ¿Al fin y al cabo, la adolescencia no es una etapa de crecimiento, de cuestionarse la identidad de forma constante, de descubrirse a uno mismo, de meditar aunque sea en silencio?

La mentalidad de Guadagnino dinamita las expectativas de lo que deberían ser los arcos dramáticos de los personajes, ofreciendo pinceladas y en algunos casos proponiendo retratos inacabados (en los secundarios). De repente, hay un final (precioso) y te quedas con más impresiones que conclusiones con respecto a la naturaleza que tiene Fraser, de la relación entre las madres, de Cait, de las amistades en la base militar. Quien esperase que se resolvieran dudas de forma convencional, estaba más que equivocado.

¿Esto en qué convierte a We are who we are? Pues en una obra que confía en la idea de evocar más que de deletrear conceptos y conflictos con diálogos, también permitiéndose la licencia para desbordar la sexualidad y los sentimientos de los personajes. Sólo hay que ver episodios como el cuarto y el séptimo, que representan dos caras de una misma moneda: la euforia y la desolación, dos estados muy vinculados a la adolescencia, cuando toda vivencia se siente elevada al cubo. Son dos episodios, por cierto, imperdibles.

Y, como Guadagnino tiene un talento natural para retratar sitios, capturar luz, insinuar conflictos y crear momentos, la serie de HBO es una experiencia estimulante para dejarse llevar sin esperar conclusiones que en la vida real raramente tenemos.

Justocuando están a punto de cumplirse dos años del lanzamiento de Motomami, Rosalía parece estar preparada para empezar a darle forma a su nuevo proyecto.

Rosalía cerrará pronto una de las etapas más importantes de su carrera. Motomami (su tercer álbum de estudio y el cual la convirtió en la española más relevante de los últimos años a nivel internacional) llegará a su fin con el desenlace de esta gira que se extendió por todo el mundo. Será entonces el fin de un ciclo y el inicio de uno nuevo.

La cantante ha pasado estas últimas semanas en España para presentarse en sus dos fechas en el Primavera Sound. Fue en el concierto de Madrid, donde habló sobre la vida del artista.

“Llevo casi un año fuera de mi hogar, de mi familia y miento si no les digo que siento el peso de no estar con los míos. Mi abuelo decía: “Que triste es la vida del artista”. No creo que esté triste esta vida, pero los que la estamos viviendo extrañamos a la gente que queremos con el corazón”.

Fueron demasiados los que aseguraron que Rosalía estaba anunciado que, una vez que se terminara el Motomami World Tour, tomaría un descanso en su carrera.

“Creo que ahora mismo es el momento de volver al estudio, de hacer nueva música... Dependerá así mismo del tipo de espectáculo que haga más adelante. El show que decida hacer también determinará cómo me plantearé todo”.

No obstante, el descanso también forma parte de sus planes a corto plazo.

“Me gustaría tener un momento para poder leer, para poder ver películas, para poder tomármelo con más calma. Pero tengo muchas ganas de volver al estudio. Tengo muchas ideas ya, siempre voy teniendo ideas y las voy guardando en notitas por lo que tengo ganas ya de sacarlas”

No sería nada extraño pensar que Rosalía está utilizando la música no solo como refugio del dolor, sino como vehículo para interponerse ante toda la adversidad.

Las letras, el diseño artístico, la música, producciones... Crear un álbum no es para nada un desarrollo fácil, pero cuando hay una historia que contar, la realidad cobra una nueva dimensión. Tus memorias dejan de ser tuyas para pertenecer al público.

“Motomami” conquistó a todo el Mundo, por ello, la presión se aumenta cuando se planea hacer algo posterior. Las expectativas son muy altas, y difíciles de cumplir. “El crecimiento del artista hace crecer también a los fans, pero es inevitable que se sientan decepcionados, porque ellos probablemente esperan algo continuista, creen que conocen al artista”, dice Rosalía, que tendrá que realizar un cierto balance entre su naturaleza disruptiva y sus sonidos escuchados por su parte. “El flamenco representa mi fundación. Pero mi vida está dedicada a la música, a aprender más sobre música. No sería fiel a mí misma si decidiera hacer una sola cosa”, refiriéndose a “El mal querer”, el proyecto que la catapultó a la fama. Rosalía vuelve a romper con lo establecido para darnos unos ritmos muy innovadores.

Un retrato crudo de la marginalidad

La Haine (El Odio), dirigida por Mathieu Kassovitz estrenada en 1995, es una película que no da rodeos. Desde el principio, arroja al espectador sin piedad hacía un mundo de crudeza y de desesperación en las calles de los suburbios de París. Esta obra de culto del cine francés no solo impacta visualmente, sino que también plantea una crítica social incisiva que mantiene su relevancia en la actualidad.

La trama de La Haine es desarrollada en el transcurso de un día y sigue a tres amigos: Vinz (Vincent Cassel), Saïd (Saïd Taghmaoui) y Hubert (Hubert Koundé). Estos jóvenes, provenientes de diferentes orígenes étnicos, representan a una generación atrapada en la espiral de la violencia, la marginalización y la discriminación en la periferia de París. La película da comienzo con una escena impactante en la que un joven llamado Abdel queda en estado crítico después de un encuentro con la policía, y los amigos se embarcan en un viaje lleno de tensión y peligro para vengar a su amigo.

La crítica social en La Haine es muy evidente y mordaz. En la película manifiesta la falta que hay de oportunidades y esperanza para todos los jóvenes en los barrios marginales, así como también la discriminación racial, brutalidad policial que se enfrentan. A través de estos tres personajes de sus tres protagonistas, la película examina cómo cada uno lidia con la ira y la frustración que siente ante su desdicha. Un recordatorio contundente que las tensiones sociales y la desigualdad pueden ocasionar una explosión de violencia si no se abordan adecuadamente.

El tiempo se convierte en un testigo silente pero implacable. Los personajes recorren los suburbios mientras los minutos avanzan sin tregua. Esta atención a la duración del día genera una rara sensación de amenaza que se acrecienta a medida que transcurren las horas. La película captura con maestría la influencia del tiempo en la vida de estos jóvenes, llevándolos hacía un ciclo de incertidumbre y peligro que se despliega hasta el terrible final. Por otro lado, el hip hop y reggae está en su banda sonora, aportan una atmósfera única y vibrante a la narrativa. Estos géneros musicales reflejan las voces y preocupaciones de los personajes, así como el entorno urbano en el que se desarrolla.

El film fue un éxito crítico, que también se destacó en varios festivales de cine, como en el de Cannes en 1995.

Hablar sobre la película Amores Perros desde la perspectiva de un mexicano significa sentir un cierto orgullo de que exista una obra de ese tipo y que su importancia sea tan relevante de forma internacional, lo cual permitió que el mundo pudiera ver una pieza demasiado real de nuestro país.

Presentada por vez primera en el Festival Internacional de Cine de Cannes el 14 de mayo de 2000, Amores Perros marcó cierto momento histórico al ser una pieza que representaba una nueva era del cine mexicano, una más honesta, y cruda, junto de la mano de individuos que veían de cerca esa realidad. Alejandro González Iñárritu, hasta ese momento comunicador de profesión, creó una ópera prima que no podía compararse con ninguna otra cinta cinematográfica.

Cruda, rápida y trágica, la cinta abordaba la vida en la ciudad desde tres perspectivas, que incluso se podían separar por clases sociales: la alta, en la historia de una modelo (Goya Toledo); la media-baja, con el relato de Octavio y Susana (Gael García y Vannesa Bauche); y la baja, con “El Chivo” (Emilio Echeverría), historias

conectadas cuyo tema común son los perros. A través de ellos, no sólo presentó un drama complejo en el que se involucra la cultura mexicana, sino que mostró los distintos tipos de vida que pueden habitar en un espacio, cómo todos estos son tan distintos y similares en varios aspectos cotidianos.

Iñárritu formó parte de los factores que determinarían el futuro del cine en México. Posterior a su obra, Alfonso Cuarón tuvo una mayor oportunidad de tener su papel en extender el significado del nuevo cine mexicano, mostrando historias reales que se encargarán de hacer que México fuera protagonista, junto con los personajes. Por supuesto, esto disparó la fama de Gael García Bernal, convirtiéndose en el actor favorito del país en ese tiempo por la promoción que tuvo.

El director de fotografía Rodrigo Prieto estableció su estilo en esta obra con un estilo que iba acorde a la época: El fin del siglo en México, justo cuando se acercaba un cambio. El soundtrack, que incluían las canciones

de las bandas más relevantes de la época en Latinoamérica también fue clave para generar esa identidad en la pantalla grande.

De hecho, actualmente corren los rumores que este año se va a lanzar esta versión de la Criterion Collection en la que está trabajando Rodrigo Prieto. La Criterion es conocida por seleccionar las piezas fílmicas que, son clave para la historia del cine. Y Tu Mamá También de Alfonso Cuarón tiene su lanzamiento, también se espera que los 20 años que cumple Amores Perros se concrete la llegada de esta misma transmisión.

Recientemente, Adriana Barraza, quien interpreta a la madre de Octavio, habló sobre su experiencia durante la cinta y cómo fue trabajar en una obra que serviría para que todos encontraran el éxito posterior.

No cabe duda que Amores Perros es una de las mejores obras que llegaron al cine mexicano, y que impulsaron a toda una nueva generación de cineastas que cada año tratan de tener una entrada a los festivales de cine y así luchar contra el cine mainstream que ahora se ha apoderado de las carteleras. Esta cinta representó un sueño para cine nacional, que esperemos nunca muera

Todos los planetas, todos los viajes

Raúl Alejandro Ocasio Cortés (San Juan, Puerto Rico, 1993) justo acaba de regresar de un viaje y al terminar su sesión de fotos se marchará a Nueva York porque unos pocos días después de nuestro encuentro lanzará su tercer álbum, Saturno. Se trata de un proyecto en el que ha estado trabajando durante mucho tiempo y del que se encuentra especialmente satisfecho. También está preparando su gran actuación estelar en los Latin Grammys. Rauw Alejandro lleva el pelo teñido de un azul y parece mucho más joven que los 29 años que tiene, casi como un jugador de una selección sub 21 de fútbol, este es el deporte que más le apasiona y del que quiso ser una estrella hasta que la música y un sistema de streaming le convirtió en la estrella que es hoy en día Rauw.

Después de sus dos álbumes de estudio, Afrodisíaco y Vice Versa, ahora está presentando su trabajo más personal hasta la fecha, con un aire nostálgico pero a la vez desbrozando y trazando nuevas melodías con raíces de los clubs noventeros, el freestyle o el house. Todo está listo para que se convierta en uno de los discos más escuchados y bailados que habrá en todo el año.

¿Cómo era la música que escuchabas cuando comienzas a tener conciencia? Mi madre me decía que cuando ponía música siempre me encontraba bailando,

no importaba el género. En Puerto Rico, la cultura es bien musical. Mi papá tocaba la guitarra y empezó de joven con una banda de rock. Interpretaba música típica de Puerto Rico, los folclores y en todo eso andaba yo metido. Mi padre y mi madre siempre tocaban en el coro de la iglesia. Recuerdo que iban dos veces a la semana a ensayar, y les acompañaba. Me gustaba mucho la dinámica que había en ensayos y siempre que se podía me metía con un instrumento. En mi mente, nunca tuve ese pensamiento de ser cantante. La música era placer, pasión, algo que me ponía bastante feliz siempre.

Cualquier adolescente que tiene mil historias de las que estar al pendiente…

Estaba pendiente de muchas cosas, del deporte, del fútbol; pero siempre que tenía tiempo sacaba mi guitarra. Yo recuerdo que siempre traía unos audífonos conectados. Cuando yo llegaba a la escuela, con mi mochila, tenía que poner una canción, para poder sentirme en el mood. O tenía que poner un tema particular también, para sentirme como si fuera un video musical en mi mente.

Pasaste de ser alguien que escucha música, a ser uno de los intérpretes más influyentes del momento. ¿Cuándo se hace ese salto a ser un creador y no solo alguien que escucha?

Pienso que al estar conectado siempre con la música, inconscientemente mi

cuerpo, mi mente, la estudiaba. Gracias a la música, esa preparación que tuve me ayudó a cuando dije: “ok voy a ser cantante”. Desde pequeño, siempre imitaba a: Luis Fonsi, David Bisbal… eran los artistas más grandes del momento.

Pensabas en el público que ibas a tener delante en tu carrera…

Soy bien de intuición. Cuando yo decidí empezar a hacer música, tenía como 19 años. Le doy gracias a Dios que entré en este mundo después de mi niñez, adolescencia, que trabajé y pude asistir a la Universidad. Hice todas mis cosas como una persona normal. Fue cuando tenía 22 años, empecé a tocar para mis amigos y les decía: “hice una canción, ¿quieren escucharla?”. Se escuchaba bien, muy diferente.

Tu carrera, en este momento, te lleva nada menos que a grandes alturas, como de viaje de Puerto Rico a Saturno… Siento que he estado viviendo en Saturno toda mi vida, porque mi madre siempre decía: “vives en otro planeta, el espacio”.

¿Qué tiene este planeta Saturno que no lo tengan otros planetas?

Una vez leyendo un poco sobre este cuerpo celeste, decía que era el planeta de mi signo; que es menos denso que agua, digamos que si lo pones en el mar, flota. Por lo que me gusto ese significado que le dieron y lo adapté.

El fin de

“La muerte es natural”. Con esta afirmación justifica Donald Glover la decisión de poner fin a Atlanta con su cuarta temporada. El protagonista, creador, guionista, director, productor de la serie de FX habló sobre las razones que han llevado a fijar el momento del desenlace.

“Siento que cuando las condiciones son adecuadas para algo, suceden, y cuando las condiciones no son adecuadas, no suceden. Nunca pensé en la longevidad, porque las cosas empiezan a ponerse raras”, ha comentado a la prensa.

“La historia era la que era. Y la historia realmente fuimos nosotros, los guionistas y el equipo del set. Realmente era por lo que estábamos allí, y creo que termina perfectamente”.

Glover afirma que la decisión de terminar Atlanta no está relacionada con su acuerdo con Amazon Prime Video, con quien firmó un contrato en 2021. Él no se opone a la idea de retomar la serie de alguna manera en el futuro: “Si se presenta una razón para hacerlo, por supuesto. Un especial de Navidad. Siempre depende. Me gusta mantener abiertas mis opciones”

Natalie Portman y su relación con

Natalie Portman empezó desde muy joven a actuar y Leon: The Professional fue la película que le abrió las puertas de la industria del entretenimiento. Pero a casi 30 años de su estreno, tiene detalles que le incomodan de cierta forma a la actriz.

Así reveló ella misma en una reciente entrevista, Natalie recordó un poco de su trayectoria, resaltando la etapa que tuvo en aquella cinta en la que debutó teniendo tan solo 13 años de edad, siendo muy pequeña.

Natalie Portman apareció en Leon: The Professional en la que interpretó a una niña que después de una serie de circunstancias entre su familia y la policía, queda huérfana. Y es en ese momento que su vecino, quien es un asesino a sueldo bastante habilidoso, la adopta –por decirlo de alguna manera–, y cuida de unos peligrosos y sanguinarios agentes, además de que la entrena en el uso de armas también

La película fue dirigida por Luc Besson y aunque sigue siendo una cinta que a día de hoy es bastante bien valorada, también despertó bastantes críticas. ¿Por qué? Sobre todo, por el hecho de que el personaje adolescente parece enamorarse del asesino quien ya está entrado en años, además de que la imagen de Portman en este papel, como ha dicho la actriz, se sexualizó en algún punto.

Natalie no se reserva cuando se trata de comentar sobre el grado de incomodidad que tuvo con esta cinta, reveló que después de mucho tiempo, hay ciertos aspectos de la película que encuentra bastante vergonzosos y difícil de ver nuevamente hoy en día.

“Es una película que todavía es querida, y la gente aún se me acerca por ella más que por cualquier otra cosa que haya hecho, y me dio mi carrera. Pero cuando la ves ahora, tiene aspectos que son cringy (vergonzosos) por decir lo menos. Es complicado para mí”, dijo Natalie.

Para la mayoría de los fans, esta película es

la mejor que ha hecho Luc Besson en su carrera como cineasta. Sin embargo, se enfrenta precisamente a todos estos señalamientos anteriormente mencionados, junto con otros que han tenido lugar desde hace algunos años y han salido a la luz.

Un ejemplo son las declaraciones que Natalie Portman hizo de Leon: The Professional en el 2018 cuando reveló que tras aparecer en la película, hubo muchas conductas sexualizadas respecto a ella desde diferentes lugares. La actriz recordó que algunos críticos de cine hacían comentarios refiriéndose al tamaño de su pecho, además de que recibió un mensaje de un hombre que le dijo que había tenido fantasías con abusar de ella, lo cual es bastante desagradable.

Natalie Portman también dio su opinión sobre las acusaciones que diversas mujeres hicieron contra Luc Besson por abuso sexual. Por lo que preguntaron si cuando lo conoció de pequeña, sospechó de él…

“Realmente no lo sabía. Yo era una niña trabajando. Era una niña solamente. Pero no quiero decir algo que invalide o minimice la experiencia que alguien más haya vivido en el pasado….”

Una figura icónica del tenis

La leyenda de la WTA Serena Williams, quien ya se encuentra retirada, era muy conocida por sus atrevidos atuendos durante toda su época de jugadora. La estadounidense deportista se ha sincerado sobre su decisión de llevar atuendos extraordinarios y sobre cómo se le presentaron la gran oportunidad de diseñar sus propios atuendos que utilizaba en cada uno de sus partidos.

A lo largo de su carrera, la 23 veces campeona de Grand Slam fue criticada por los medios y los aficionados por su tipo de cuerpo. Sin embargo, recientemente admitió que el hecho de ser diferente a las otras jugadoras la motivó a crear su propio estilo de vestir.

Williams habló sobre sus problemas corporales y de cómo empezó a diseñar sus propios trajes

Conocida por sus atrevidos atuendos durante su época de jugadora

después de que la marca Puma lo aprobara. “Una cosa que me encantó cuando empecé con Puma es que me dieron muchas oportunidades de diseñar algunas de las cosas que llevaba, al menos de decir que esto es lo que quería llevar”. “Sabía que no me parezco a las demás. No juego como las demás. Y soy diferente, está claro que soy diferente. Soy una chica negra deportista que juega al tenis”.

Saltburn inquieta hacía el espectador desde el minuto uno. Al ritmo de una música gloriosa de orquesta, Oliver Quick (Keoghan) camina por los grandes pasillos de la Universidad de Oxford, Inglaterra. En una escena paralela, está hablando de su amigo Félix (Jacob Elordi) y de cuánto lo adora por ser el joven más popular. Al inicio, le cuesta poco acercarse al exclusivo círculo de amigos al que pertenece, pero la directora genera una gran casualidad en la historia para que ellos afinen su amistad y pronto afloren los deseos obsesivos.

Oliver no tenía forma de acercarse a Félix, quien es un joven amable y extremadamente popular para las mujeres, el hijo de una familia inglesa que vivía en un gran castillo con mayordomo, sirvientes y un laberinto incluido en el jardín. Pero se hicieron muy amigos. Oliver, un inglés de clase media con una historia muy desconocida en el inicio de la película, comenta a Félix las adicciones de su madre y la muerte de su padre. Y así encuentra la compasión de su amigo, a quien invita a pasar vacaciones en Saltburn, donde se encuentra la casa familiar.

Saltburn, es una casa inventada al gusto tenebroso de Emerald Fennell,

es la primera crítica al lujo británico que hace la directora de “Promising Young Woman” (filme con el que ganó varios premios Oscar en 2021). Y Oliver Quick, tal vez no será gemelo de Tom Ripley en “The Talented Mr. Ripley” (1999), pero su carácter obsesionado con la riqueza y el lujo de su nuevo amigo sin duda es la inspiración de la directora para dar forma al personaje de Keoghan, solo que con un toque de conde Drácula atractivo y aún mucho más morboso que los demás.

Primero, Fennell engaña al espectador con la historia de Oliver Quick, supuesto joven desdichado. Cualquiera que lo escucha sabe que dice mentiras, aunque por ratos parece honesto. Después, la directora hace de Félix un millonario engreído y libertino que no se sabe bien el nombre de todos sus ancestros. Y a la familia de Saltburn (madre, padre, hermana y primo), Fennell la describe como si fueran reyes apartados de la civilización quienes no conocen la real ubicación de la emblemática ciudad de Liverpool y pasan la tarde viendo televisión en saco y corbata, o solo fumando un cigarro en la sala de su grande hermosa mansión.

Por un lado, Oliver está descrito en el guion con un alma de vampiro, fría y muy capaz de chupar la sangre de las personas, alimentarse de su debilidad y su hospitalidad. La escena que causó demasiada controversia sucedió en un momento de dolor y perturbación del personaje por la muerte de su amigo. Vemos como él se tira a la tierra de la tumba y protagoniza un momento sexual, bastante justificado por el comportamiento obsceno que demostró previamente en la película.

Es muy impresionante el trabajo de Fennell. Esto se explica con la insistencia de obtener la undécima toma perfecta en la controversial escena del desnudo muy explícito de Barry Keoghan, cuando Oliver logra su cometido para quedarse con el castillo y lo celebra bailando por los pasillos de su nueva casa.

En general, desde trabajar con el director de fotografía de “La La Land” y “Babylon”, hasta la repetición de las tomas tan difíciles con sus actores, Fennell siempre quiso la mejor cinematografía para su película, y eso también se nota entre escenas de las conversaciones en Oxford y otras más importantes, como la fiesta de cumpleaños de Oliver que termina en catástrofe.

Inquieta al espectador desde el minuto uno, nada será lo que parece.

NO ES PARA TODOS

Flower Boy, también conocido como Scum Fuck Flower Boy, es un álbum que marcó un gran punto de inflexión en la carrera de Tyler, the Creator. Fue lanzado el 21 de julio de 2017 a través de Columbia Records, este álbum se distingue por su enfoque introspectivo y melódico, alejándose de los sonidos más agresivos y provocadores que se encuentran en los trabajos anteriores del artista.

La producción de este álbum fue en su mayoría manejada por Tyler, the Creator. Su habilidad para abordar múltiples aspectos de la producción,la composición y la organización de las pistas, esto ha sido una de las características más destacadas de Flower Boy. Este enfoque más melódico e introspectivo en la producción ha sido

un factor clave en la recepción positiva del álbum tanto por parte del público como de la crítica. Una de las fortalezas de Flower Boy son sus colaboraciones de alto perfil. Este álbum cuenta con participación de artistas como Frank Ocean, A$AP Rocky, Lil Wayne, Kali Uchis, Estelle, Jaden Smith y Steve Lacy de The Internet. Estas colaboraciones no solo aportan una riqueza y diversidad musical en este álbum, sino que también complementan a la gran visión artística de Tyler, the Creator.

Las letras del álbum abordan temas complejos como la identidad, soledad y el amor. Estos temas han generado mucha especulación y discusión, lo que ha contribuido a la gran relevancia que tiene Flower Boy en la cultura del hip-hop y la música en general.

En cuanto a la recepción crítica, Flower Boy ha sido ampliamente elogiado y recibió una nominación en los Grammys en la categoría de Mejor Álbum de Rap en 2018. Además, ha aparecido en varias listas de los mejores álbumes del año, consolidando su estatus como uno de los lanzamientos más importantes que hubo en 2017 en el mundo del hip-hop y en la música en general.

Flower Boy es un álbum que destaca tanto por su producción de alta calidad como por su enfoque introspectivo y temático . Con colaboraciones estelares y una recepción crítica positiva, este álbum no solo es un hito en la carrera de Tyler, the Creator sino también una obra significativa en el panorama del hip-hop contemporáneo que hay actualmente.

Concluye su cuarto álbum

El cuarto álbum de estudio de A$AP Rocky está terminado. La estrella de “Fashion Killa” reveló que la continuación del disco “Testing”, de 2018, solo necesita algunos toques finales antes de que sea compartido con el mundo.

Desde 2018 los fanáticos han estado esperando lo que viene después. Aunque confirmó el año pasado que está trabajando en un nuevo álbum llamado Don’t Be Dumb, la información sobre el proyecto ha sido escasa. No está confirmado si canciones que lanzó el año pasado como “Same Problems?” y “RIOT (Rowdy Pipe’n)” estarán incluidas en este nuevo proyecto. Pero recientemente, Rocky dio algunas pistas sobre su dirección artística prevista para el nuevo álbum que está en camino.

“Como siempre, he estado experimentando mucho, y lo que más me he gustado de todo esto es que se siente como que mi mejor trabajo hasta esta fecha. Me da mucha emoción en lo que he estado trabajando, me siento orgulloso de más de finalmente lanzarlo”,

dijo Rocky en una entrevista reciente. Su trabajo anterior, Testing, ya lo vio desviándose hacia una dirección más experimental en su sonido, parece que continuará en Don’t Be Dumb.

“Quiero dejar expectativas amplias y abiertas. No quiero hablar de qué esperar de esto, solo quiero que la gente lo experimente de la manera que les parezca natural”, concluye Rocky.

Reveló que el proyecto lo llevará en una nueva dirección experimental.

Al respecto, la pareja de Rihanna bromeó: “Está terminado y sólo le estamos dando los últimos retoques. En este nuevo material me muestro vulnerable, sin filtros, hablo de mi situación, de toda esta etapa. Mi edad y cómo veo las cosas, mis compañeros, los chicos más jóvenes, los chicos mayores, es sólo mi perspectiva”.

Asap Rocky ha entregado su corazón y toda su alma en sus letras “vulnerables”, en las que compartió su “perspectiva” sobre las relaciones que lleva con sus compañeros de la industria, de la comunidad en la que se ve envuelto diario durante todo el tiempo que lleva de ser la gran estrella que es hoy en día.

Asap Rocky compartió su último sencillo, ‘Same Problems?’, el cual ha dedicado a todos los artistas de hip-hop, los cuales murieron muy jóvenes.

Rocky comentó: “Sin comentar demasiado, sólo quería tocar algo un poco diferente, es opuesto a ser solamente un fanfarrón, extravagante y el contenido que hay de rap habitual para mí y para la mayoría”.

Por otra parte, Rocky dijo que el regreso musical de Rihanna es “simplemente increíble”.

La familia de A$AP Rocky y Rihanna aumentó a cuatro con el nacimiento de su bebé, Riot Rose, en agosto. La pareja de la lista A mostró las primeras fotos de Riot junto con su hermano mayor, RZA, en una adorable sesión de fotos familiar el mes pasado. Han logrado formar una de las familias más mediáticas del medio, reciben a su primogénito RZA Athelston Mayers, el 13 de mayo de 2022, la pequeña Riot Rose, el 3 de agosto del 2023

A$AP ROCKY

LA NUEVA MUSA DE LA MODA

De chica Disney a icono de moda, Zendaya se ha convertido en nuestra nueva musa de estilo.

Atrevida con predilección y pasión por los colores vibrantes. Zendaya ha pasado de ser una chica que obtuvo importantes papeles en distintos shows de Disney, a ser una de las actrices más populares de la industria y la intérprete más joven en llevarse a casa un premio Emmy. También ha logrado posicionar como una gran referente de la moda a nivel mundial. Poco a poco, la joven actriz se ha ido ganando un gran puesto en la lista de las “celebrities con mejor estilo”. Con cada una de sus diferentes propuestas en todos estos años se han ido superando sin ningún problema. Más innovadores, son más originales, atrevidos y también experimentales... La evolución que tuvo Zendaya es una de las más icónicas de todos los tiempos y por ello hemos decidido hacer un análisis de su estilo y sus mejores looks.

En solo unos pocos años, Zendaya se convirtió en una de las celebrities más elegantes de la industria audiovisual. Cuenta con la ayuda de su estilista personal, Law Roach, pero no cabe duda de que sus modelos pasan primero por su visto bueno y por su aprobación antes de implementarlos.

Law Roach es estilista y diseñador de moda estadounidense, quien ganó reconocimiento en la industria del entretenimiento por su trabajo en la moda de celebridades. Law Roach ha ganado un mayor reconocimiento internacional gracias a su colaboración

con Zendaya, a quien ha vestido para numerosos eventos, desde alfombras rojas hasta ceremonias de premios.

Su asociación con Zendaya ha sido destacada sobre todo por su enfoque innovador y arriesgado en la moda, desafiando las convenciones y así estableciendo nuevas tendencias. Por medio de estas prendas logra transmitir la fuerte personalidad de la actriz, quien es audaz, atrevida, rompedora única, que es lo que la caracteriza.

Cada vez que ella pisa una alfombra roja consigue cautivar e impactar con sus outfits a miles de personas, convirtiéndose en una de las estrellas indiscutibles de cada evento al que siempre acude sin falta. Con cada uno de sus atuendos que presenta siempre se encuentran entre los más alabadas del acto hasta tal punto que parece imposible que se supere en su próxima aparición, pero siempre lo hace.

Una de las cualidades que atribuye la nueva musa de la moda se aplica en la de representar perfectamente la temática del evento (como lo hace en cada una de las presentaciones o premiers de películas en las que participa), una de las muchas razones por las que siempre es considerada como una de las figuras públicas mejor vestidas y más apropiadas.

Recordemos un ejemplo de esto con su propuesta de su vestido cubierto de telarañas para Spider Man.