lamono 75 # more wood

f: magdalena pardo

more wood

staff

il: noemí rebull (flickr.com/ mylittledeer)

Portada: Jorge Tellaeche (tellaeche.com) Edita: Edicions La Nit., S.L.U. Aribau, 15 1º1ª (BCN) / Directora: Eva Villazala > eva@lamono.net / Director adjunto: Julio Amores > julio@lamono.net / Dirección de Arte & Diseño: Hernán Verdinelli > hverdinelli@gmail.com / Maqueta original: Iñaki Guridi & Pau Aguilar (bang-bang.ws) / Directora marketing y publicidad: Anthya Tirado +34 615 087 531 > anthya@lamono.net / Editora Gráfica: Marina Morell > marina@lamono.net / Contenidos: Itzel Mendoza + Eunís Font > itzel@lamono.net + eunis@ lamono.net / Moda: Anthya Tirado + Xavi Ocaña > anthya@lamono.net + xavi@lamono.net / Redactan: Txema Argente + Natalia Brovedanni + Eunis Font + Adriana Giorgelli + Erika Leiva + Claudia Niubó + David Moreu + Xavi Ocaña + Thaïs Planes + Aina Ruiz + Isabel Sánchez + Carles Suñé + Ana Paula Tovar + Lara Turner / Fotografían: Nona Codina + Noemí Elias Bascuñana + Crista Leonard + Amanda m. Jansson & Emma Elina Keira Jones + Magdalena Pardo + Seba Troncoso / Ilustran: Sandra Dieckmann + Noemí Rebull + Sophie Henson / Traducción inglés: Roser Aguirre Molins / Imprime: Comgrafic S.A. / Depósito Legal: B 51664-03 / Distribuye: Tengo un Trato, S.L > www.tengountrato.com

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>FRASE DEL CIERRE: “Que no panda el cúnico” by Anthya & pix >HIT DEL CIERRE: The Trees They grow so high by Erland & The Carnival Lamono no se responsabiliza de la opinión de sus colaboradores.

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actualidad invigente

t: txema argente / il: maría ramos (mariaramosbravo.es)

Más madera Después de que la revolución indignada se haya convertido en una especie de feria (fija y ambulante) denostada casi por la práctica totalidad de la sociedad, es sorprendente comprobar cómo las manifestaciones a favor de sus intereses logran reunir a decenas de miles de personas, todas ellas civilizadamente revolucionarias también. Hubo unos pobres a los que se les ocurrió intentar quemar en la hoguera a algún político y el mundo entero se les echó encima. La corrección política ha llegado para quedarse y no perdona ni siquiera al grito social del hartazgo, que por propia definición debería de aplicar métodos algo más contundentes. Pero los que tiran de los hilos lo han hecho muy bien. Tan bien que han conseguido que el rebaño se autocontrole y se autocensure sin la necesidad de perro pastor.

Porque no deja de ser curioso observar cómo personas que tanto por condición de clase como por estética (física y artificial) deberían estar al lado de los que se quejan, y en cambio sostienen fuertes razones para oponerse a los motivos de la movilización. También ha sido sorprendente el resultado de las elecciones, constatar que la corrupción política es algo inherente a tal actividad y que así lo interpreta la mayoría del pueblo, y por consiguiente se vota al candidato imputado en delitos, porque así debe ser. En cambio, unos cuantos jóvenes desharrapados levantan sospechas de todo tipo porque ¿qué quieren realmente?, ¿nos vamos a creer que están demandando mejoras para todos?, ¿que duermen en el suelo para reclamar una vida más justa y equitativa? ¡Venga hombre, no puede ser! Como decía, los que manejan el cotarro lo han hecho muy bien… tan bien que entre nosotros habitan ya muchas ovejas con genes de perro pastor.

imperdibles

CONVERSE · El abedul Los antiguos druidas basaban su alfabeto en los árboles. El Abedul era el primero de su abecedario y por ello símbolo de un nuevo despertar. En la zona de Pembrokeshire (Reino Unido) es típico que la joven entregue una pieza de Abedul a su amado. De su corteza se obtiene el ácido acetil salicílico (la famosa aspirina), básico para los buenos comienzos de unos cuantos. De inicios sabe mucho Converse que en su colección para la próxima temporada llega con la friolera de ocho líneas distintas. Todas ellas inspiradas en la calle, en las universidades, el mundo del deporte y la cultura americana, pero con matices y esencias distintas que van de lo clásico a lo rebelde. Algodones, fibras, sintéticos y elásticos en una gran variedad de colores y acabados, estampados con todo tipo de prints y serigrafías que van de los looks sweetie de Young Romantics a las prendas futuristas de A New York State of Mind, pasando por el punk de Garage Band. Distintas pero totalmente combinables entre ellas listas para que llevemos a cabo ese comienzo que nos devolverá la oportunidad de acertar o errar, para el que, por suerte, sólo necesitaremos un trocito de Abedul. converse.com

t: xavi ocaña

FRANKLIN & MARSHALL · Amuletos Puedes llevarlos colgados del cuello con un hilo de color rojo, en una pequeña bolsa de tela en el bolsillo o en la cartera. Aún sin darnos cuenta, todos tenemos nuestros propios amuletos y rituales. Si para los antiguos druidas las maderas de los árboles eran auténticos talismanes con los que atraer la fecundidad (hoja de Abeto) o favorecer las uniones afectivas (tronco de Almendro), en pleno siglo XXI, muchos encuentran su suerte día a día en prendas fetiche que han convertido en amuletos personales. Entre éstos se encuentra el team de Franklin & Marshall que una temporada más vuelve a rescatar las buenas vibraciones y el estilo del deporte y las universidades americanas para transmitirlas al mundo con sus nuevas creaciones. La firma toma la estética fresca y urbana a la que nos tiene acostumbrados para renovarla de cabo a rabo a base de nuevas prendas, estampados, colores y materiales.

Desde las camisas de franela con capucha hasta los chalecos de aires college imprescindibles cuando cae la primera hoja seca de los árboles sobre el asfalto. Puedes creer que la suerte se la crea uno mismo o que se tiene por destino, pero si algo te hace sentir mejor, no puede ser tan malo. You’re lucky, lucky, you’re so lucky! franklinandmarshall.com

imperdibles

DAKINE · Viviendo en el árbol

OBEY · Corteza curativa

En los frondosos y ricos bosques del este de Indonesia, en Papúa Nueva Guinea encontramos a la tribu de los Kombai, unas 4.000 personas que han hecho de las copas de los árboles su hogar y su forma de escapar al calor, los mosquitos, las inundaciones y los conflictos. Aunque a través de métodos no tan naturales, en la ciudad todos tenemos cosas de las que escapar y cosas de las que no nos queremos separar.

Para que puedas llevar a cabo ambos objetivos a la vez nació Dakine. En la cima de sus creaciones habitan en armonía funcionalidad y diseño. Y una temporada más renuevan sus estampados, colores y formas en sus nuevas líneas de maletas y bolsas aptas para todas las funcionalidades: desde ir a hacer surf o pasar una tarde de skate hasta improvisar una escapada de fin de semana llevando tu mundo contigo de forma fácil, cómoda y sin renunciar al estilo urbano que nos hace sentir como en casa. Y es que sólo aquellos capaces de aceptar la necesidad de sentirse a salvo, protegido, de tener un árbol al que subir a refugiarse aprenden a confiar, pierden el miedo a las alturas y entienden que lo mejor de la vida está ahí arriba. dakine.com

Los antiguos chamanes además de su aprendizaje con plantas visionarias, en su proceso también incluían el conocimiento que emana de distintos árboles de la selva. Para ello permanecían tres semanas viviendo junto a uno de ellos, ingiriendo su corteza para entrar en contacto con su espíritu y aprender de él para futuras curaciones. Prácticamente el mismo proceso que temporada tras temporada lleva a cabo Obey.

En su nueva colección vuelve haciendo gala de conocer como nadie la esencia más callejera. Nuevas ilustraciones fieles al estilo propagandístico y revolucionario de la marca. Además de una renovada línea de denim, Obey presenta todo tipo de prendas con formas y diseños reinventados para marcar tendencia a base de irreverencia, en una colección sólida que nos lleva de la seguridad del día al descaro de la noche, sin dejar de divertirnos un sólo segundo por el camino. Todos necesitamos curarnos, cada uno tiene su forma y para que funcione tan sólo debes dejar de sentirte mal por lo que te hace sentir bien. Porque tan honesto es comerse la corteza de un árbol, como beberse la ciudad en buena compañía. obeyclothing.com

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GLOBE · El avellano

ROXY · El bosque californiano

Las ramas de este árbol son utilizadas para encontrar agua subterránea y se dice que comer sus frutos abre la mente.

Tal vez por ello desde tiempos inmemorables, el Avellano ha sido sinónimo de sabiduría. Y si hablamos de sabios, en el mundo del surf y el skate no hay nadie más sabio que el team de Globe. Una nueva temporada la firma vuelve cargada de actitud y carácter para vestirnos más allá que de los pies a la cabeza. En su nueva colección hace gala de conocer a la perfección las reglas de la calle y aplicarlas a conciencia.

Las cervezas, los tatuajes y los buenos momentos inspiran sus nuevas creaciones. Una línea de ropa, accesorios y boards con el punto gamberro necesario para sobrevivir a la ciudad, en la que la marca ha puesto los cinco sentidos, conscientes de que en los detalles reside la esencia de las cosas. Puede que el primer paso hacia el conocimiento sea asumir el cambio, la reflexión es la única forma de mantener la puerta abierta a la sabiduría. Porque sabio no es el que más sabe, sino el que es capaz de cuestionarse sus creencias, evolucionar y aprender. globe.tv

Hay momentos en que no necesitamos más que salir a la naturaleza para sentirnos pequeños. Ese es el caso del Parque Nacional Redwood de California que alberga al norte de San Francisco un extenso bosque de árboles gigantescos, de miles de años de antigüedad y capaces de sobrepasar los 100m de altura. Desde esas tierras de la costa oeste de Estados Unidos llega la inspiración para la nueva colección de Roxy. En concreto, desde Venice Beach, la legendaria ciudad testigo del ascenso de grandes prodigios del skate. Los códigos urbanos y artísticos del deporte contagian sus nuevas creaciones. Tonos masculinos como el negro o el gris se funden con sombras azules, lilas y rosas y conviven en armonía con prints geométricos y el street graffiti de sus diseños.

El team de Roxy ha reinventado prendas de un armario muy masculino a base de siluetas delicadas, femeninas y limpias.

Y es que sólo si eres capaz de sentirte pequeño, tendrás la oportunidad de experimentar el infinito ante ti, porque desde siempre, en California y en el resto del mundo, empezar desde abajo alzando la vista hacia arriba ha sido la única forma de llegar a lo más alto. roxy.com

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QUIKSILVER · Paisajes urbanos

55DSL · Cuestión de sueño

Los paisajistas, urbanistas e ingenieros forestales sienten predilección por un tipo de árbol llamado Paraíso. Se trata de la especie más usada en las ciudades debido a su fortaleza: soporta la sequía, el frío de hasta -10ºC y crece muy rápido. Entre esos árboles nos moveremos la próxima temporada en la urbe con la nueva colección de streetwear de Quiksilver. Influenciada fuertemente por los códigos del skateboarding, además de su línea de denim, presenta pantalones en colores tierra que contrastan con coloridas camisetas, hoodies y los prints étnicos que han sido sutilmente colocados en sus diseños. No podemos pasar por alto su colección de accesorios, una de las claves para poner la guinda a un pastel de asfalto con aires forestales. Para que te decores como si del mejor árbol de navidad se tratara, la firma pone a tu disposición todo tipo de creaciones, prestando especial cuidado a los detalles, materiales y acabados envejecidos. Puede que el hecho de que en la ciudad no haya nada más natural que el asfalto, haga que apoyar nuestra mano en el tronco de un árbol o pisar las hojas en otoño nos provoque sentirnos especialmente bien. quiksilver.com

Soñar con madera puede tener varios significados en función de su forma. La madera simboliza la materia prima, la base de todo proyecto. Dicen que soñar con madera húmeda significa fertilidad, que soñarla en forma de ramas secas presagia pobreza y hacerlo en forma de bellos árboles augura prosperidad, satisfacción y ganancias. Seguramente 55DSL soñó con frondosos árboles antes de crear su nueva colección para el próximo otoño/ invierno. Con la filosofía de adaptarse a lo desconocido para exprimir la vida, el team de la marca ha creado unos looks desenfadados y sensuales a base de diseños divertidos e inspiradores. La chica 55DSelle se paseará confiada por las calles de la ciudad derrochando la grunge attitude de la línea Too Good For School, el sex appeal deportivo de Renegade Cheerleader o el espíritu salvaje de las fiestas de Trash Queen. Creaciones hechas para alimentar el hambre de emociones (fuertes). Porque las dudas y la acción nunca han sido buenas amigas, tal vez lo único que necesitamos para empezar a disfrutar sea sustituir el exceso de pensamiento por una siesta bajo un árbol.

55dsl.com

imperdibles

EASTPAK · Tu tipo de árbol En el mundo existen nada más y nada menos que entre 60.000 y 70.000 tipos de árboles. Entre todos ellos se esconde la especie perfecta para cada uno de nosotros. Visto lo visto, no nos va a quedar más remedio que volvernos nómadas e ir saltando de árbol en árbol hasta encontrar el nuestro.

Con esa intención nace la nueva colección de Eastpak para la próxima temporada, que nos prepara para perder el miedo a lo desconocido y alimentarnos de cada descubrimiento. Sus maletas y bolsas son rediseñadas a base de formatos, acabados y colores frescos y trendies. Creaciones innovadoras pensadas para nuevas necesidades resultan en doce estilos distintos de la gama Authentic, entre los que destacamos la línea Timber’Lake. La firma apuesta con fuerza por la filosofía drag and drop y se centra en el uso de materiales sin tratar.

Sólo debes preocuparte por no perder la fe en que hay un árbol ahí fuera hecho para ti, porque sólo entonces estarás listo para volverte nómada y reconocerlo cuando te topes con él. Y es que cuando eso pase, la naturaleza hará el resto. eastpak.com

WRANGLER · Calendario forestal Los celtas basaban su calendario anual en 13 meses de 28 días más uno asociados a 13 tipos de árboles, cada uno con su significado. Sus creencias eran distintas a las del resto y por ello marcaban sus propios tiempos, sus ritmos. Con esta intención nace la nueva colección de Wrangler, bautizada como Mark Your Territory, en honor a los que son dueños de su área y fieles a su identidad, en este caso, sus jeans.

Hechos a mano o a través de técnicas como el láser, con nuevos detalles y acabados como los motivos americanos que plasma en sus vaqueros, la firma lleva la expresión de tu estilo propio a un nivel superior. Podrás personalizar tus pantalones con un rotulador o customizar el parche del bolsillo trasero. Como piezas clave, el Jayne, de cintura alta y ajustado para ellas, y el Vedda, mezclando el talle bajo con el pitillo para ellos. Una propuesta que se completa con la piel y la lana clásicas de Wrangler y sus nuevas chaquetas y camisetas. Un denim inspirado en el desgaste verde, el folk futuro, el grunge y lo urbano, con nuevos acabados, tratamientos y fits jamás vistos anteriormente. Para que tú y el mundo que te rodea seáis el puzzle perfecto que debéis ser, a veces lo conocido no es suficiente y necesitas desafiarte a ti mismo para encontrar lo que estabas buscando. wrangler.com

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TOOTHPASTE · Bambú

BENCH · The little wooden box En el camino por perseguir nuestros sueños y luchar por alcanzar esa ansiada meta llamada vida propia hay momentos en los que el siguiente paso a dar puede ser toda una incógnita. Es entonces cuando lo mejor que puedes hacer por tu futuro es volver al pasado. Volver a tu antiguo hogar en el que, sin saberlo, dejaste una cajita de madera llena de sentimientos que permanecerán por siempre intactos para recordarte quién eres. Temporada tras temporada, Bench vuelve a abrir esa cajita para descubrir sus señas de identidad: lo urbano y la cultura. Con estos fieles compañeros de viaje, la marca nos adelanta sus novedades invernales para que empecemos a desearlas desde ya. La firma asume nuevas formas y colores tanto en sus ilustraciones como en sus diseños. Hecha a fuego lento con la comodidad y el estilo como ingredientes, su nueva colección pretende dar luz al frío y vestirnos para zamparnos la ciudad en cada paseo. Igual que un sendero los árboles marcan el camino hacia el origen, hacia nuestra naturaleza, puede que en el siglo XXI el camino de baldosas amarillas, sea de madera y cruce por mitad de la ciudad. bench.co.uk

En Japón, el Bambú es símbolo de virtud y uno de los amuletos que hay que llevar encima para entrar con buen pie en el año nuevo. Mientras a los nipones les sirve como recordatorio de que hay que ser flexibles para adaptarse a las circunstancias y los devotos del Feng Shui lo utilizan para hacer fluir las energías y atraer prosperidad, para el team de Toothpaste se ha convertido en la materia prima de sus camisetas. El hilo de Bambú es ligero, casi translúcido, más suave que el algodón, se puede lavar a máquina y se seca fácilmente. Fresco en verano y cálido en invierno, era cuestión de tiempo que la revolución del Bambú llegara a la moda. Y lo hace a través de esta firma apasionada por el diseño gráfico, la ilustración y la tipografía. Creaciones únicas, originales, frescas y divertidas estampadas en serigrafía, con una definición perfecta, colores vivos y resistentes al lavado. Presentadas en un packaging muy especial en forma de tubo, su objetivo no es otro que hablarle al mundo, mimarlo y hacerlo mejor. Por ello son more than supercool t-shirts. Y es que, como el Bambú se dobla al viento y se agacha bajo la nieve para levantarse cuando se derrite, tal vez no se trate de cambiar de circunstancias sino de adaptarse a ellas para sacar lo mejor del mundo y de nosotros. toothpastees.com

imperdibles

ELEMENT EDEN · The tree of feelings

RVCA · El bosque de la creación

Hace algunos años encontraron en Noruega el árbol más antiguo del mundo. Se trata de una pícea solitaria llamada Old Tjikko, el clásico navideño, y tiene 9.500 años. Sus ramas y tallos morían, pero la planta volvía a crecer gracias a su capacidad para clonarse de las reservas de sus raíces. El mismo modus operandi de nuestros sentimientos, que vuelven a despertar cuando menos lo esperas. Como por ejemplo, con la nueva colección de Element Eden. Esta es una de esas marcas que logran acariciarnos y ponernos los pelos de punta con cada colección. Su nueva propuesta llega dispuesta a convertirse en la forma de expresión de las chicas de ciudad, capaces de expresarse sin decir una palabra. Comprometidos con el medio ambiente, con los materiales cómodos y funcionales, con el arte y el deporte en sus colaboraciones y la moda tejana en su línea de denim, las nuevas prendas de Element Eden vuelven a proclamarse como las representantes perfectas de la dualidad fuerte y romántica que mejor define a las féminas urbanas. No hay por qué temer a no sentir, porque si un árbol de apenas cuatro metros y medio de altura ha sido capaz de nacer en plena era glaciar, sobrevivir y llegar hasta hoy, nuestros sentimientos también lo harán. elementeden.com

Existe una leyenda que cuenta que cuando los antiguos espíritus del bosque oyen llorar de pena a las hadas, desde el corazón de la tierra hacen brotar un árbol frondoso, de tonos azules, con una luz muy especial que convierte cada lágrima en una nueva hoja de sus ramas que crecen y crecen.

No sabemos si las hadas habrán echado un cable al equipo creativo de RVCA, pero lo cierto es que su legado crece sin parar. Para esta temporada la firma adapta el work wear al mundo de la moda en su nueva colección: End of an Era. La era en cuestión de la que emana su nueva propuesta es la de los finales de los 70, en concreto, del surf, el skate y las BMX. Los iconos de aquellos maravillosos años sirven de inspiración para una colección que presta atención a los detalles limpios, simples y funcionales que rematan cada prenda.

En su línea de denim apuestan por los slim fit, con nuevos colores y lavados. Y aunque su gama de chaquetas son uno de los platos fuertes con diseños clásicos atemporales que van de abrigos a blazers pasando por bombers y cazadoras, no descuidan (todo lo contrario) su línea de camisetas, como las firmadas por artistas de la talla de Ed Templeton en la ArtistNetworkProgram. Cuando algo te duela, siempre te quedará el arte. Y es que mientras el dolor sea creativo, siempre podremos soportarlo. rvca.com

imperdibles

NIKITA · Cielo, árbol, tierra Hay culturas milenarias que creen que los árboles son nexos de unión entre el Cielo y la Tierra, entre lo de arriba y lo de Existe un árbol presente en la ciencia, la religión, la filo- abajo, lo visible y lo invisible, entre los humanos y el mundo. Lo sofía y en la mitología: el Árbol de la Vida. También es que para nuestros ancestros era una línea vertical perfecta conocido como Fresno del Mundo y simboliza el centro del entre cielo-árbol-tierra, en la ciudad, esa línea es horizontal universo alrededor del cuál se extiende el mundo. Un con- y conecta confort-cultura street-estilo. Al menos en el caso cepto místico que alude a la interconexión de toda la vida de Nikita. En su nueva propuesta para cuando los termómeen nuestro planeta. Una vida que en el caso de la moda tros caigan, la firma repite la fórmula cambiando sus ingreurbana, pasa inevitablemente por Carhartt. La firma dientes para traernos una colección muy fresca, en que los abanderada del workwear americano presenta una colec- nuevos colores, cortes y formas no pierden por un segundo ción creada en torno a los principios que la definen: un el carácter original de la firma, que una vez más logra plasdiseño excepcional combinado con calidad, durabilidad y mar en cada creación la esencia de las calles del norte de confort. Una propuesta refinada y robusta a partes igua- Europa. Nos presenta tres líneas que nos llevan del look más les. Los aires de la fábrica volverán a inundar las calles sporty y confortable (Sport & Street), a prendas más sofistidel mundo a través de sus nuevas prendas, en especial de cadas (Fashion Forward) para mezclarlo todo bien en la gama su nueva línea de chaquetas. Porque cuando lo encuen- Street Fashion. Además, Nikita vuelve a convertirse en el tras todo sabe mejor, ya va siendo hora de entender que punto de encuentro entre diseño y arte sumando a su lista de para muchos el centro está escondido en ser capaces colaboraciones especiales el talento de Amy Martino, Harpa de caminar por el bosque sin rumbo y que su único norte Einars y la leyenda del monopatín Mimi Knoop (la primera con sean los sentimientos que llevan consigo a todas partes. una skateboarder). Y es que puede que al final lo que defina lo que somos no sea a qué nos unimos, sino la forma en que carhartt-wip.com lo hacemos, seguir siendo capaces de volvernos árboles, conectar y apostar. nikitaclothing.com

CARHARTT · El árbol de la vida

imperdibles

MAKIA · Madera resistente

ELEMENT · La herencia de los años

La madera es un material famoso por su resistencia, aunque no todas son iguales. La Teca es conocida como la Reina de las Maderas por ser una de las más fuertes. Se vuelve más bella con el paso del tiempo, llegando a vivir en perfectas condiciones más de 25 años a la intemperie.

Una resistencia casi igual que las de las nuevas chaquetas de Makia. De su nueva propuesta, fruto como siempre de la filosofía natural y llena de buena energía típica del norte de Europa, nos quedamos con su línea de outwear.

Abrigos que se convierten en una segunda piel que nos protege de cualquier inclemencia que nos pueda amenazar. Era de esperar, al tratarse de una colección inspirada en la fiebre del oro californiana que experimentó Estados Unidos en 1849, que rinde homenaje a la herencia que el metal dejó en el imaginario popular. Entre sus creaciones, destaca la Raglan Parka, que este año celebra su cuarta temporada como parte de la familia Makia. No es que de forma encubierta se viva mejor, es por la sensación única que experimentas al quitarte la coraza. makiaclothing.com

Es bien sabido por todos que para adivinar la edad de un árbol debemos contar los anillos de su tronco: dos anillos igual a un año. Lo que pocos conocen es que todos esos aros no son iguales: son herencia de sus circunstancias y se manifiestan en tonos claros u oscuros en función de si han crecido en primavera u otoño. Algo parecido sucede con la nueva colección para la próxima temporada de Element, inspirada en las raíces de su fundador, crecido en Nueva Inglaterra rodeado de una fuerte cultura de la vida al aire libre, y con la honesta intención de mejorar el mundo del skateboarding y cuidar el planeta. Para ello nos presenta una nueva línea de denim con nuevos fits y lavados, fabricados en un tejido especial que absorbe la humedad más que ningún otro. Además, el team de la marca ha creado una gama de productos hechos en su totalidad con materiales sostenibles. Con la franela como tejido estrella de la temporada y sus chaquetas como protagonistas de unos looks de aires forestales, como por ejemplo su colección especial Wolfboro. Todos llevamos dentro una herencia clara y oscura que nos ha hecho lo que somos, nuestro pasado es tan responsable de lo malo como de lo bueno que hay en nosotros, por ello se ha ganado a pulso dejar de ser castigado por sus defectos y empezar a ser respetado y valorado por sus virtudes. elementeurope.com

ucon-acrobatics.com

vans.es

www.thequietlife.com

www.stussy.com

rvca.com

l-r-g.com

globe.tv

elementeurope.com

dvsshoes.com

carhartt-wip.com

global.burton.com

akomplice-clothing.com

il: fox tree. sandra dieckmann (sandradieckmann.com)

dvsshoes.com

elementeurope.com

tstshoes.com puma.com

feiyue-shoes.com

quiksilver-europe.es

globe.tv

vans.es

nikeskateboarding.com

makiaclothing.com

suprafootwear.com

converseblog.com/es

il: tukota // the white bison. sandra dieckmann (sandradieckmann.com)

concursos

il: gabriel moreno (gabrielmoreno.com)

BEART (D) · La barba de Miles convertida en arte by GABRIEL MORENO La barba de Miles Dufrasne se ha convertido en una obra de arte con el trazo del pincel del artista e ilustrador Gabriel Moreno. Una vez más Gabriel ha demostrado un magnetismo muy especial a la hora de plasmar su creatividad sobre un lienzo. Sus rostros transmiten una fuerza teñida de ensoñación que nos apasiona. Y en esta ocasión el modelo ha sido el ganador del concurso BEART (D) que finalizó el pasado día 13 de junio. Braun cruZer & lamono premiaron las barbas que sumaron más “likes” y “tweets” en la página web especial creada para la ocasión. El número total de participantes ascendió 113 participantes y todos ellos enseñaron de forma muy personal y propia su estilo de barba. Mostachos, bigotes, barba de tres días, barba espesa. Cada cual a su forma y adaptada a su manera de deslizarse en la vida. Las convocamos para mostrarse de la forma más original posible. Los participantes concursaron con sus fotografías y cinco de ellos se han hecho con un kit completo de Braun cruZer shavers. Miles Dufrasne además se ha convertido en una obra de arte gracias al ilustrador Gabriel Moreno. Su barba ha inspirado la obra que reproducimos aquí y Miles ha recibido en su casa, no sólo un kit completo de shavers y dos tickets para asistir al Braun Battle Of The Year que se celebra en Montpellier (Francia), sino también una reproducción exclusiva de su barba convertida en arte. De nuevo la obra de Gabriel Moreno nos inspira ese realismo mezclado con una personalidad inconfundible de su trazo que nos encanta.

En esta obra que ha realizado del ganador deja patente de nuevo que el arte es una extensión más de su propia vida. ¡Y nosotros lo celebramos!

Podéis ver todas las barbas concursantes en lamonodigital.net/brauncruzer braun.com/cruZer braunbattleoftheyear.com

Antonio Ramíre

– Kit Braun Cr

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Diego Gonzale

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– Kit Braun Cr

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Miles Dufrasner – ganador –

ilustracion Gabriel Moreno, Kit Braun CruZer, entradas Braun Battle of the Year

Koldo Aresti

– Kit Braun Cr

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Pedro J. Doming

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uez

i will be back home Foto: Seba Troncoso (sebastian-troncoso.blogspot.com) Estilismo: Giulia Marsili Grooming: Sara Navarro Asistente de estilismo: Luis Gonzalo Martinez Modelos: Ben & Kremi @ View, Daniela @ Trend Todas las prendas de este editorial son piezas exclusivas de alumnos IED Barcelona iedbarcelona.es

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Celebrate Love

el de portada

t: eunis font

JORGE TELLAECHE

HONESTIDAD

animal Expone sus obras desde los 15 años, vive con una inquietud constante de crecimiento personal y profesional y domina todos los ámbitos artísticos. Jorge Tellaeche: de diseño de interiores a street art pasando por una vuelta a lo animal, a la honestidad de la armónica convivencia con la naturaleza. Una caótica combinación de formas y colores y una lograda tipografía para culminar con la grandeza de sus detalles.

Soy de la ciudad de México, pero por el trabajo de mi padre viví en muchos lugares hasta quedarme definitivamente en Tijuana. Viviendo ahí tuve mi primera clase de arte en la secundaria y mi primera exposición a los 15 años cuando comenzó mi carrera como pintor.

Después me fui a viajar un año por Europa donde experimenté con el arte de una manera más profunda. Al regresar estudié diseño gráfico en Tijuana y al mismo tiempo pintaba y exponía en diferentes galerías de USA y de México. En esos años co-fundé un proyecto que se llama Adapta en el cual nos convertimos en curadores y produjimos exposiciones temporales que se adaptaban a los distintos espacios en los que las hacíamos. En estas exposiciones trabajamos con artistas internacionales como Kelsey Brookes, Daniel Ruanova y Mike Maxwell. También abrí dos despachos de diseño, uno durante la carrera y el otro al terminar.

Hace tres años volví a instalarme en Ciudad de México para retomar mi vida como pintor. Como artista vivo con la inquietud de constante crecimiento y evolución personal y profesional, siempre buscando algo nuevo que decir y nuevas maneras de expresarlo. Llegó un punto en que mi trabajo 100% abstracto ya no me ayudaba a decir todo lo que necesitaba expresar; fue en

esa búsqueda donde me topé con los animales y regresé un poco a mi formación como diseñador gráfico incorporando tipografía, para reforzar lo que quería transmitir. Lo sentía muy actual, muy pop y en contacto con muchos eventos actuales. Me inspiré muchísimo en la naturaleza, por su esencia, su color y su dualidad de perfección e imperfección entre otras cosas. También mi inspiración viene de lo que me rodea, de la información que absorbo todos los días y de gente con la que tengo contacto. Me influyen tremendamente las tendencias, la moda y el diseño en todas sus áreas. Creo que mis trabajos me reflejan directamente a mí y lo que estoy viviendo en cada momento. Soy muy honesto y transparente, no me da miedo evidenciarme. Transmito lo que me inquieta y lo que quiero decir, si tuviera que hacerlo con palabras se me haría muy complicado y aburrido. En mis obras trato de interpretar lo que siento y veo a mi alrededor.

Es una traducción muy directa en la que el filtro solamente soy yo. Acepto muy pocos trabajos que tengan que ver con el diseño gráfico, he preferido dedicarme a la pintura como prioridad, pero acepté dos clientes importantes, Amnistía Internacional y Naciones Unidas. Fue un gran honor participar en ambos pro-

Casco

México para quienes he diseñado varios papeles pintados. Aunque soy amante del diseño de interiores, el street art empezó a interesarme desde el proyecto de City Intervention que hice con Adidas. Y aunque es una plataforma que ha cambiado mucho, yo creo que si se le da el enfoque del nuevo muralista contemporáneo pueden surgir cosas geniales. ¡No debería hacerse con la presión de ir rápido para que no te atrapen! Lo tendría difícil para elegir uno de los dos. Son tremendamente diferentes, los tengo en áreas diferentes en mi corazón pero por el momento quiero echarle más madera a las cosas de la calle. Me fascinaría hacer algo grande en Berlín. He pasado por la moda, el arte, el diseño, la ilustración… pero aún me quedan muchísimas cosas por hacer. Me encantaría poder crear gráficos para platos, y diseñar un set para café o té.

Tengo también mucha inquietud de empezar a hacer escultura. Mi última obra, Animals R Honest, fue una catarsis: pude hablar de muchas cosas que necesitaba sacar. Fue una exposición con muy buena vibra y mucha luz. No todos los cuadros eran con animales, también hice algunas piezas abstractas, y presenté un yectos. En el caso de Amnistía Internacional fue a tra- auto-retrato en el que soy un hombre peludo con cuervés de una agencia en la que trabajé por unos meses nos, como si me estuviera convirtiendo en los animacomo Director de Arte. Pude crear la campaña visual les que pinto. Esto me llevó a mi obra actual. Una nueva desde cero y fue increíble para mí tener una res- serie que refleja una evolución a partir de los animapuesta positiva desde un principio. En el caso de la les, tomando humanos iluminados como personajes ONU fue muy divertido porque, aunque se trataba de que regresan a su esencia animal y como consecuenun proyecto internacional, pude dialogar directamente cia se empiezan a cubrir de pelo por todo el cuerpo y a con ellos y desarrollarlo juntos, además a ellos les adquirir otras características animales. Seres que en interesaba mucho imprimir mi estética visual, así que ese proceso se vuelven más honestos, y viven en perfue como crear algo para mí mismo. Otro de mis pro- fecta armonía con su alrededor. Primero los estoy yectos fue Twig, que empezó hace más de siete años y presentando en forma de camafeos, un elemento grácon el que he podido experimentar y crear muebles, fico que me gusta mucho. La siguiente etapa será moda, diseño de textiles, etc. Es un proyecto que por crear su mundo y ver como interactúan en él. el momento está en pausa porque estoy poniendo mi energía en colaborar con gente que son expertos en tellaeche.com cada una de estas áreas. En diseño industrial estoy colaborando con un proyecto que se llama Diez con el que voy a co-diseñar iluminación, en moda con Wallpaper, Republic en Australia y con Rococo en

Celebrate Life

Welcome to my World

Confident

lamono / núm. 75 / julio - agosto ’11

escultura

t: ana paula tovar

Schedel Groot Albertine

DIEDERICK KRAAIJEVEL

www.oudhout.com

Una carretera y un Mustang llevaron a toda velocidad a Diederick Kraaijevel al camino del arte y de la reconstrucción. Nacido en los Países Bajos en 1963 y con una larga carrera en el periodismo, hace cinco años decidió dejar la cámara de televisión por miles de trozos de madera que va recolectando por donde pasa y transforma en piezas únicas.

Todo para recordarnos que un café instantáneo también puede ser un objeto de arte.

Dennis Hopper

lamono / núm. 75 / julio - agosto ’11

Cuando era niño crecí cerca de las dunas y el mar, entonces solía caminar por esos lugares en busca de cosas interesantes que recolectar: esqueletos de animales en la tierra o piezas de madera de barcos naufragados en la playa. Quizás ese fue el comienzo de lo que hago ahora. Mis piezas son recreaciones de objetos tan comunes como un par de converse, un vaso de café Starbucks o réplicas de automóviles clásicos hechos con madera reutilizada. Se podría confundir con Arte Pop. Y, por supuesto amo a Warhol. Era increíble lo que él hacía: usar cosas comunes como temas. Yo también estoy influenciado por la cultura popular. Me gusta leer, ver, observar, viajar y hablar con las personas. La base de mis creaciones es el reciclaje. Nunca pinto la madera yo mismo, utilizo sólo retazos viejos que rescato de la basura, de contenedores urbanos, de viejas fábricas y de periferias alrededor del mundo. Me gusta sentir la historia detrás de cada pieza y la patina en cada trozo que ha sido pisado una y otra vez y, así mismo, pintado una y otra vez. Ninguna mezcla hecha por mí podría crear ese color. La historia de cada pedazo es elemental y esa pasión proviene de mi pasado, pues estudié Historia durante la universidad. Esos años de estudiante han quedado atrás, cambiar de profesión a los 40 años fue un proceso natural, aunque parezca complicado.

Cuando tenía dieciocho años decidí ser periodista. También era un trabajo muy creativo, pues tenía que pensar en una historia y la forma de llegar a ella. Por largo tiempo fui reportero de televisión, donde trabajaba con otra dimensión: las imágenes. Crear un vídeo de dos minutos todos los días era un gran reto y lo disfrutaba. Durante las vacaciones (cuando me olvidaba de las noticias) necesitaba seguir creando. Creo que las personas nacen siendo artistas (y quizás todos lo seamos). Yo fui afortunado porque mis padres me mandaron a una escuela donde tuve la oportunidad de expresarme creativamente. Me encantaba ser reportero, pero sentía que tenía que seguir mi carrera como artista. Al principio hacía los dos trabajos al mismo tiempo. Pero cuando comencé a tener menos oportunidades de hacer cosas interesantes como reportero, decidí apostar el 110% por las artes. Ahora han pasado cuatro años ya. Al final, fue el amor a la imagen, al icono y mi deseo de recrearlos usando maderas usadas lo que me llevó a cambiar mi profesión. Me encantan las imágenes iconográficas de algunos coches (principalmente clásicos), esas fueron mis primeras piezas: American Muscles Cars.

Si tengo que decidir qué es más emocionante, si ir dentro de un Mustang de verdad a toda velocidad o ver una de mis piezas terminadas, diría que los dos viajes son increíbles.

De hecho, uno de los momentos más memorables de mi vida fue cuando conduje un Mustang, propiedad de mi amigo Warren Cole, durante un viaje desde Texas a Oklahoma de ida y vuelta. Era de noche, todo estaba en penumbras. Después de una semana de un lado a otro, íbamos conduciendo de regreso de Norman (Oklahoma) a Austin (Texas), donde estudiaba un semestre de la universidad. Warren estaba dormido a mi lado y yo estaba al volante, entre éxitos en la radio y armadillos deambulando por la autopista asustados por las luces. Quedaban muchas horas por delante y ¡me sentía tan bien! Libertad al máximo conduciendo un Mustang en una carretera americana. En cambio, crear un Mustang de madera, poco a poco, puede no sonar tan emocionante. Pero, cuando has terminado el trabajo y lo cuelgas en la pared, das diez pasos hacía atrás y ves tu obra. ¡Hombre! ¡Eso puede ser muy agradable también! No puedo mencionar ningún proyecto al que le tenga más cariño en específico. De hecho, siempre en lo que estoy trabajando en el momento se convierte en lo más preciado. Eso que se lleva todo mi esfuerzo, tiempo y energía. Y cuando ves como va creciendo pieza a pieza (como si fuera un mosaico) te llena de vida. Siempre comienzo un proyecto partiendo de una imagen. Prefiero tomar fotografías yo mismo, pero algunas veces me resulta imposible. Cuando la he encontrado, voy a mi gran almacén de madera pintada (tengo alrededor de 10,000 kilos de madera apilada en un viejo cobertizo para bicicletas organizada por colores), escojo lo que necesito para el proyecto, igual que un pintor cuando mezcla colores sobre su paleta y entonces comienzo a trabajar. Hay millones de cosas que me gustaría hacer. Eso es lo grandioso de mi profesión: ¡el horizonte es tan grande! Infinito. Puedo crear lo que sea con un trozo de madera, podría hacerlo, pero no es una obligación. Eso le da mucha libertad a mi mente.

Algún día me gustaría recrear el paisaje de Nueva York (de 5 metros de largo aproximadamente). Realmente el futuro es incierto. Sigo el modelo orgánico: confío en que habrá muchas cosas interesantes en mi camino. Y tengo que decir que la posibilidad de tener proyectos, encuentros y oportunidades interesantes se está haciendo cada vez más grande. Sobretodo, ahora que mi trabajo está comenzando a ser apreciado y conocido en varios lugares del mundo.

100 dollars

All Stars - Aqua

lamono / núm. 75 / julio - agosto ’11

arte

t: aina ruiz

Klub7

El arte de lo natural Klub7 es principalmente un grupo de muy buenos amigos que tuvieron la suerte de encontrarse para crear algo distinto, arte total: distintas disciplinas y técnicas que conforman algo rompedor y desenfadado que ante todo apuesta por la libertad de actuación y de pensamiento. Optan por la madera como un elemento ecológico y a la vez mágico, perfecto para trabajar. La conexión de lo viejo y lo nuevo les permite comprender nuevos horizontes, la búsqueda de nuevos lienzos de madera les divierte, es una especie de pasión colectiva. klub7.de

lamono / núm. 75 / julio - agosto ’11

Si normalmente algunos dicen que tres son multitud muchos dirían que la unión de seis es una barbaridad, pues eso somos nosotros, seis artistas unidos para crear algo diferente. No nos dedicamos a hacer todos lo mismo, cada uno se centra en una disciplina distinta como la ilustración, el cómic, la tipografía, el graffiti, la serigrafía o la ilustración digital. El resultado de nuestro trabajo es Klub7 y, concretamente, somos Dani Daphne, Mike Okay, Lowskii, Otto Baum, Kid Cash y Disko Robot. Hace ya más de 13 años que damos guerra. Klub7 nació en 1998 pintando grafitis en las calles de la pequeña ciudad alemana de Halle. La unión nos permitió evolucionar hacia el diseño colectivo dejando atrás la fiebre del graffiti pero nunca renunciado por completo a nuestras raíces. La vida en Halle era difícil a causa de las altas tasas de desempleo y la limitada actividad cultural, por ese motivo algunos de nosotros nos trasladamos a Berlín y en 2009 abrimos un estudio de arte urbano metropolitano que poco a poco se fue consolidando. La historia del graffiti ya conocía a grupos como Fab Five. Este grupo y otros neoyorquinos de Graffiticrew son nuestras principales influencias. Nuestra marca como grupo es la especialización en diferentes disciplinas que varían desde el arte mural clásico, el diseño de eventos, la customización y las ilustraciones en papel, madera y paredes. La unión hace la fuerza y nuestro colectivo se basa en una longeva y sólida amistad, una gran ventaja para entendernos a la hora de trabajar. Definimos nuestro arte como una mezcla de arte contemporáneo, Pop Art y cómic, todo mezclado con elementos de la cultura pop berlinesa. Todos tratamos de seguir una misma línea artística, a veces hacemos dibujos a mano pero también podemos trabajar con ordenador, lo más importante para nosotros y el punto central de nuestro trabajo es trabajar en equipo, tratar de mostrar la bondad y la humanidad del diseño que se puede comunicar perfectamente con la técnica artesanal. Tenemos una especial sensibilidad en la elección de materiales y técnica, nos interesa explorar nuevas habilidades, queremos probar, investigar y tener la libertad para jugar con nuevas ideas. Uno de los materiales que consideramos más atractivo es la madera porque es natural y real. Pintamos en madera que encontramos por la calle y le damos un nuevo uso. La madera nos cuenta historias y, ¡hay un montón de madera para pintar! Nos gusta reciclarla y así, también hacemos una pequeña contribución al medioambiente. ¿Por qué tenemos que comprar lienzos blancos cuando las ciudades están repletas de desechos de madera que puedes tomar de forma gratuita? Además, su búsqueda es algo divertido, una especie de pasión colectiva y para nosotros es un material muy valioso. Nos gusta habernos convertido

en uno de los exponentes alemanes del Wood Art. Nos fascina la conexión entre lo viejo de la madera y lo nuevo que pintamos en ella, se trata de un viaje en el tiempo entre la antigüedad y los nuevos gráficos. Ver el proceso de transformación de un viejo pedazo de madera es emocionante y nos genera un sentimiento especial, tiene un encanto único.

Cuando encontramos un trozo de madera vemos en él un material cálido con una larga historia, ha crecido como un árbol, ha sido utilizado como parte de una obra arquitectónica y finalmente, después de muchos años ha sido desechado. A veces la tratamos antes de pintarla o la construimos con la unión de varios trozos pequeños creando una unidad, esta combinación nos plantea nuevas perspectivas, como un collage a lo grande. Nos apasiona tanto el arte interior como el exterior, cada uno tiene sus ventajas: en el exterior trabajamos cuando el sol brilla, la cerveza está fría y la parrilla encendida. Hablando en serio, para el exterior buscamos superficies lisas, colores brillantes y, sobretodo estar de buen humor, entonces podemos pintar por todos lados. En el interior nos interesan los bordes y las fronteras que crea la arquitectura, pintar en habitaciones sin límites. Es cierto que hemos tenido clientes que son grandes compañías pero estas marcas nos sirven para ganar dinero y conseguir el tiempo libre que utilizamos para realizar nuestras propias ideas artísticas. Estamos muy orgullosos de lo que hemos conseguido y nuestro objetivo siempre es el mismo: hacer un buen diseño.

Disfrutamos con la libertad, nos encanta pensar libremente y expresarlo también en nuestro trabajo. Disfrutar en todo momento es una de nuestras reglas de oro. Cada día es una nueva aventura, todos los detalles son importantes pero no dejamos que determinen nuestra vida. En muchos de nuestros trabajos mezclamos temas que en realidad no encajan pero nos decimos “bueno, probar algo nuevo que nos ayude a ampliar horizontes es divertido” y realmente a veces los resultados son asombrosos. Nuestro futuro inmediato es muy esperanzador, actualmente tenemos entre manos cuatro exposiciones en Kiel, Munich, Berlín y Eindhoven. No llenaremos las exposiciones con el mismo trabajo, queremos hacer una cosa exclusiva para cada una. Nuestro estilo se expresa en varios sustratos, materiales y por diversos medios, esto es divertido para nosotros y esta es nuestra misión, nuestra meta. ¿Qué más necesitamos? Pues nada más; trabajo, buena vida, estar juntos y vivir en paz con los contrastes. Hemos creado un modelo de vida que no está determinado ni por horarios ni ideologías, buscamos ser una alternativa en la sociedad.

I hear the spirits while I whisper, 2007, 166 x 105 x 37,5 cm

escultura

t: adriana giorcelli miguel

GEHARD DEMETZ

PLASMANDO MADERA Los niños de Demetz están sumidos en la infelicidad, se filtra entre sus pliegues, se insinúa en los rostros, en los ojos ciegos. Sus miradas se dirigen más allá, envueltas en un pensamiento en el que nosotros no estamos incluidos y podemos sólo imaginar. Gehard nos muestra una realidad cruda y desestabilizante, pero lo que vemos se fija en la memoria, nos recuerda lo que hemos sido y lo que habríamos podido ser, y esto nos basta para atraparnos y seducirnos. geharddemetz.com

I have dreamed in German, 2009, 172 x 71 x 58 cm

He nacido en Bolzano y vivo desde siempre en Selva di Val Gardena. Desde pequeño cuando pensaba en mi futuro, lo veía muy claro: quería ser escultor. Mis primeros pasos en este mundo han sido ir a la escuela de arte y a la escuela profesional para escultores en Ortisei. En un primer momento mi intención era volverme un escultor de arte sagrado, hacer santos de grandes dimensiones, con el tiempo mi ambición ha cambiado. Con mi trabajo lo que pretendo es representar niños muy adultos y conscientes de su situación, de las circunstancias que han pasando y de los sentimientos heredados de sus predecesores, sean éstos buenos o malos. Mis discursos nacen de una afirmación de Rudolf Steiner, dice que los niños de seis y siete años tienen la facultad de sentir en su inconsciente pensamientos y culpas heredadas de sus antepasados. La relación con el pasado y con los padres para mí es muy importante. ¡Los niños que represento piensan que el mundo que los rodea no les deja tiempo para ser niños! No tienen tiempo de vivir

su infancia ni recorrer el camino difícil que lleva de la infancia a la edad adulta. Mis personajes llevan objetos comunes: tijeras, paraguas, cinturones… con estos objetos intento crear un contraste entre el niño y el mundo, pero también influenciar el modo de observar mi escultura, decidir el orden de mirada en la pieza. Generalmente cuando se mira una obra nos llama la atención el rostro, yo pretendo llevar la atención antes hacia otro lado. Para potenciar este efecto genero un contraste entre partes de madera natural y partes pulidas, un modo ayuda al otro, la parte áspera del cuerpo del niño amplifica la suavidad y la armonía de las partes lisas de los objetos que suelen ser más oscuros y atraen la atención del espectador. La madera me rodea desde que soy pequeño, me gusta porque es un material orgánico y cálido, con el que se pueden obtener muchos resultados. Las esculturas que hago están construidas con módulos, esta técnica permite modelar y esculpir al mismo tiempo. Construyo los niños pieza por pieza, tal y como sucede en la vida real, pero a mis personajes les faltan algunas partes, pequeños bloques, son niños a los que se les ha privado de algo. Adquiero inspiración de muchas cosas, de mi pasado, de mi niñez, de las noticias, de la religión, de mi familia. A menudo la idea de lo que quiero hacer es muy clara y la congelo, otras veces mi idea va cambiando mientras estoy dibujando y llego a otros resultados. Hay situaciones o noticias que me llevan a reflexionar, me interesan y quiero saber el motivo de mi reacción, busco dentro de mí y de ahí nacen los temas de mis esculturas. A uno de mis trabajos le tengo un particular cariño, es I hear the spirits while i whisper. Habla del intento por parte del niño de poder hablar con el mas allá, de alguna manera como cuando de pequeños teníamos un amigo imaginario. El niño usa un paraguas como transmisor para poderse comunicar, pero también le sirve para protegerse de este mundo que le es todavía extraño. En este momento estoy preparando una exposición personal en la galería Beck & Eggeling de Düsseldorf y otros trabajos para Miami-Basel junto a la galería Jack Shaiman. Últimamente también estoy reflexionando sobre la fuerza de los contenedores como la tánica y el tabernáculo, me recuerdan la importancia de la economía y de la religión y sobre ciertos matices que las vuelven comunes. No tengo proyectos particulares para el futuro, me gusta vivir la vida día tras día. Me imagino dentro de diez años en Selva di Val Gardena… ¡pero espero que con mis trabajos en todo el mundo! De todas maneras sí que hay algo que todavía no he hecho y que me gustaría hacer… ¡Llegar con mi laboratorio a Groenlandia!

I forgot what my father said, 2009, 170 x 45 x 40 cm

FotografĂ­a: Crista Leonard (cristaleonard.com) Modelo: Flor

Chaqueta de lentejuelas Dries Van Noten. Lazo de American Apparel.

Vestido Stella McCartney, perfecto de Balenciaga, zapatos de la estilista.

Anillo Sea of Bees Jewelry, perfecto de Balenciaga.

Contactos: Dries Van Noten. driesvannoten.be American Apparel. americanapparel.net Stella McCartnery. stellamccartney.com Balenciaga. balenciaga.com Sea of Bees jewelry. seaofbeesjewelry.com Boutique Gallery Andorra. gallery.ad

fotografía

t: claudia niubó & eunís font

Alguna vez alguien le habló de las propiedades “mágicas” de la fotografía y decidió probar con sus amigos, por diversión. Ahora es uno de los fotógrafos más cotizados.

Fotografías orgánicas y dinámicas; retratos de una juventud ansiosa por vivir. Sus imágenes transmiten sensaciones, estados de ánimo, deseos de aventuras. Un tratamiento impecable del juego de luces y unas situaciones óptimas para ser retratadas en cualquier anuario californiano. RJ Shaughnessy es un joven fotógrafo de Los Ángeles que descubrió su talento de una forma bien inocente.

No worries!

RJ SHAUGHNESSY

have

fun!

¿Qué despertó tu curiosidad e interés por la fotografía?

Es la forma más fácil de dibujar, pintar, de hacer diseño gráfico, ingenierías, doctorados o salvar el mundo.

Recuerdo que había escuchado la creencia popular de que las cámaras podían robar el alma de las personas.

Siempre me gustó la idea. ¿Cómo eliges a las personas que aparecen en tus fotografías? Busco gente llena de vida, magia y metanfetamina. ¿Cómo consigues que se sientan a gusto cuando la fotografías? Siempre llevo conmigo a una bruja que los hechiza. Antes, cuando tenía 18 años, solía llevar polvo de ángel pero ahora se considera peligroso. ¿Prefieres ser un observador, más que un narrador de la vida de las personas? Me gusta el Observatorio Griffith Park. Ponedlo en Google. Y también me gustan las películas con voz en off. ¿Cómo encuentras situaciones comunes atractivas y las haces interesantes para los otros? Cualquier cosa es interesante de fotografiar, excepto los gatos. Son lo peor.

Algunas de tus fotografías son series de momentos que

tú has compartido. ¿Sueles pasar tiempo con las personas para capturar sus momentos de cotidianeidad?

La gente es increíble. Trato de pasar todo el tiempo que puedo con ellos. Pero si son aburridos me voy. ¿Cuándo tomas una foto, qué es lo que buscas? ¿Has visto El resplandor? Me empeño en que todo el mundo se parezca a las dos niñas gemelas. Diane Arbus y yo tenemos las mismas intenciones.

Imaginamos que deben haberte ocurrido historias muy peculiares: ¿Nos puedes contar una anécdota “psicodélica”? Tengo unas cuantas. Pero cuando has mencionado la palabra “psicodélica” una en particular ha pasado por mi mente y es la que voy a compartir con vosotros. Una vez, cuando tenía 18 años estaba trabajando como asistente de un fotógrafo que disparaba una editorial para una colección denim exclusiva. Él era un poco imbécil y como broma me deslizó ácido mientras estábamos en un helicóptero dirigiéndonos a la sesión. Era mi primera vez en helicóptero, encima de ácido y ¡sin saberlo! Viajábamos él, yo y una modelo. Aterrizamos en el techo de un hotel en Los Ángeles. Todo el tiempo que estuvimos en el aire pensaba que me había picado una araña o algo, pero como necesitaba el trabajo no dije nada a nadie. Por supuesto, el fotógrafo lo sabía así que todo el rato me preguntaba “¿cómo te sientes grandullón?” tratando de hacerme explotar. Todo lo que recuerdo sobre la sesión era que estaba convencido de que mi cara se derretía entre mis manos y me referí a la modelo como “el pingüino”. El fotógrafo para el que trabajaba pensó que era graciosísimo. ¿Qué prefieres la fotografía analógica o la digital? Amo la fotografía en general. ¿Qué elementos técnicos consideras más importantes?

Ninguno. ¿Piensas que todo el mundo puede ser fotógrafo con una cámara? Absolutamente. ¿Dirías que la fotografía es una filosofía de vida? Quizás.

Has publicado libros y trabajado para muchas publicaciones… Pronto publicaré otro libro llamado Stay Cool.

Espero que os guste. rjshaughnessy.com

fotografía

t: carles suñé

BRIAN GABERMAN

El dominio de capturar instantes

Nick Garcia

La humildad le define.

Brian Gaberman empezó a fotografiar a sus amigos mientras ripeaban con sus tablas. Eso pronto se convirtió en su trabajo. Lo tuvo claro tras retratar a solas un truco inédito del grande entre los grandes, Tony Hawk.

Santa Cruz Barn

Decir que soy al skateboarding lo que Frank Cappa a la guerra, un narrado visual, es un cumplido no sé si justificable. Empecé tomando fotos de skateboarding porque cuando cogí una cámara eso era lo que sabía hacer .

Todos mis amigos vivían encima de un skate, así que era justo que retratara eso. No hay otra razón, fue así de simple: recogía con mi cámara lo que tenía delante, y era skateboarding. Para forjar mi estilo tiendo a verlo todo a través de mis ojos, un mundo extraño y de fantasía, e intento materializarlo, hacerlo real. Es lo que imagino que las cosas son, trato de ser honesto, así que hago lo posible por hacer justicia al truco con el skate, si es una foto de skateboarding. Creo que el resto sale del corazón. Que mis fotos se incluyan en varias revistas de skateboarding, me gusta, he publicado bastantes en los últimos tiempos. Me emociona el momento de hacer la foto, una vez hecha, no me preocupo mucho más. Generalmente miro una vez la revista, y no vuelvo a mirarla. Hay muchísimos momentos especiales captados con mi cámara y mi memoria es horrible. Pero probablemente nunca olvidaré cuando empecé en esto. Tuve suerte y pude tomar fotos de Tony Hawk. Nadie sabía quién era yo y no había hecho mucho en el mundo del skate todavía. Estábamos los dos solos en su almacén, en su rampa de patinaje. Tony hizo un

truco que nunca había hecho antes y yo lo fotografié. No podía respirar, porque fue un momento muy especial para mí. Me sentí muy afortunado de estar allí. Hay una situación que aún no he capturado con mi cámara, y me encantaría hacerlo. Soy un gran fan de Tom Waits, el cantante.

Vive a 20 minutos de mi casa y lo veo por los alrededores a menudo. Siempre he querido retratarle. Lo gracioso de todo esto es que tuve la oportunidad de ir a su casa una vez, porque su hijo ripea y tienen una rampa en casa a la que nos invitó. No pude ir porque tenía que hacerme cargo de mi hijo. Todo el mundo que fue pudo estar con Tom, ¡e incluso los invitó a una barbacoa! Me puse muy celoso.

Debería haber ido. Actualmente estoy trabajando básicamente para Element. Siempre hay un catálogo o una campaña de fotos que hacer. Por otro lado, acabo de terminar una exposición de arte en Japón con mi mejor amigo, que es un ilustrador: Matt O’Brian. Hicimos cuatro shows allí de algunas obras de arte desarrolladas alrededor de fotos de mi familia. Son fotos muy íntimas. Así que ahora mismo estoy trabajando en eso, tanto como puedo, sólo por el gusto de hacerlo. Hace diez años que no voy a Barcelona y me gustaría ir para fotografiar el Fórum. gaberman.com

Fog

museo

Pep Torres es un torrente.

Arrollador. Un chorro brutal de energía, proactividad y originalidad. Personaje polifacético, se define como renacentista. Sus múltiples facetas respaldan su definición. La invención, su motor; la lucha por las propias ideas, su filosofía de vida, jinete avezado de los mass media. Generador de ruido mediático. De él y de sus creaciones, se ha hablado por todo el mundo. Director del pionero Museu d’Idees i Invencions de Barcelona (MIBA), se declara defensor a ultranza de lo que dicte el corazón.

Conversamos con un agitador en potencia.

t: carles suñé / f: nona rubio

lamono / núm. 75 / julio - agosto ’11

Pep Torres

Creatividad y corazón a partes iguales Me gusta llamarme renacentista porque ellos tocaban tanto el arte como la ciencia, y eran artistas y tecnólogos a la vez. Así el renacimiento del hombre salía de la oscura etapa de la Edad Media. Me considero igual. Me gusta mucho la ciencia y la tecnología, pero a la vez soy músico, compongo, escribo y adoro el arte y el diseño. Y además hago ilusionismo, soy mago desde hace diez años. Me fui de casa y no tenía un duro. Necesitaba dinero y fui buscando trabajos. Vi un anuncio en La Vanguardia que decía “se busca redactor para revista de creación inminente”.

Y me presenté. Se trataba de una revista erótica que empezaba y que duró diez números. Era muy mala: se llamaba “Barcelona me resucita” en la época del “Madrid, me mata”… y era mala a matar. Me dediqué a escribir esa revista, que montábamos entre dos. Todos los artículos los redactaba yo, básicamente. El otro era el director. Se necesitaban fotos y les dije que por un poco más de dinero las hacía yo. Me dijeron que sí. No tenía ni idea de fotografía. Un amigo me dejó una cámara y me enseñó a revelar.

Fui por todos los garitos de Barcelona tirando fotos a espectáculos eróticos y a tías en pelotas. El concepto inventor tiene una trayectoria romántica, en el sentido negativo de la palabra, que se refiere a una persona solitaria, que se ilumina un día, que trabaja siempre y que está solo, muy desconectado del mundo. Se encentra en ese punto de locura en el que nadie le hace caso, pero piensa que tiene la razón y algún día se descubrirá. Existe este modelo de persona actualmente, pero te lo puedes

encontrar en cualquier área. Quiero decir que hay muchos profesionales que van de iluminados, que son locos, que tal y cual. Como los inventores. Yo trabajo en equipo, creo que el verdadero talento no es tenerlo sino saber rodearte de él. Y si tienen más talento que tú, mejor. Un buen creativo es aquél que sabe encontrar talento a su alrededor y donde uno no llega, su equipo sí. Siempre he sido creativo, he tenido ganas de hacer cosas y mucha imaginación, pero el momento en el que me lancé al vacío y decidí que me quería dedicar a esto fue cuando tenía 32 años. Trabajaba en una tienda de música y en mi tiempo libre hacía otras cosas: intentaba vender objetos, inventos. Siempre al margen del trabajo, al salir. Un día decidí que no, que debía dedicarme por entero a la creatividad, que era bueno en esto. Me despidieron de la tienda porque propuse cosas, invité a los jefes a cenar, les dije todo lo que haría y al día siguiente me echaron. A partir de entonces decidí que seguiría mi camino, así que monté la empresa Afterwork. Me contrataban para buscar las patentes o presentar inventos. Ayudaba a los creativos que por cuestión de trabajo no podían hacerlo. Pero me arruiné. Mis apariciones en Crónicas Marcianas fueron una consecuencia de que me arruinara. Me enamoré de una sevillana y me fui a vivir allí, donde monté la empresa de venta de inventos con el mismo nombre, Afterwork. No vendía ni un kiko. La verdad es que aquello era lamentable.

Se me acabó el finiquito porque alquilé un local, lo pinté, lo monté todo y no ganaba nada. Se me fue acabando el

dinero y pensé ¿ahora qué hago? Me venían inventores, con ideas peregrinas que no había forma de vender. Mis amigos sevillanos, muy cachondos, me decían “quillo, y por qué no inventas las lentillas de sol”, “por qué no...”, y con el cachondeo pensé: “estos inventos no sirven para nada, quizás para la tele”. Así que escribí un mail a Crónicas Marcianas diciendo que era inventor, que tenía un montón de inventos que no lograba vender pero que eran muy divertidos para la tele. Me dijeron me presentara en Crónicas. Hice un programa gratis, a Xavier Sardà le gustó mucho y cuando acabó la sección vino a mi camerino. “Bueno, a partir de ahora, puedes venir cuando quieras” me dijo. “¿Cobrando?”, le pregunté. Y respondió “Hombre, claro. Cobrando”. A partir de ahí, iba una vez cada cuatro o cinco semanas, de manera irregular, hacía la sección de inventos y ganaba dinero. Viajaba de Sevilla a Barcelona. Empecé descubrir cómo se mueven los medios. En Canal Sur quisieron lo mismo que hacía en Crónicas. Así que una vez a la semana iba también al programa de Juan y Medio. Así empecé a conocer a gente de la comunicación. Fue una consecuencia de no tener dinero, no porque a mí me gusten los medios. Soy muy tímido. Cuando acabó mi etapa sevillana, me enamoré de una chica de Barcelona. Y regresé por amor. Todo lo rige el corazón. Soy muy sensible en eso. Se acabó Crónicas y se acabó la tele. En ese tiempo había publicado un libro con Planeta, el Manual del inventor. Ellos mismos me propusieron montar una agencia de prensa para que les hiciera soporte cuando ellos tuvieran algún escritor a quién no podían llevar la campaña. Y monté De buena tinta, una agencia de comunicación para escritores.

Exclusivamente para cultura. Llevaba a los escritores a la tele, hacía notas de prensa, convocaba, los acompañaba, etc. Algunos de los escritores que teníamos en De buena tinta, escribían libros a medias con empresarios, y éstos nos felicitaban por la campaña hecha. Yo me curraba mucho que salieran por la tele porque conocía muy bien el medio y a la prensa. Pronto empecé a hacer acciones para empresas y les sacaba punta para que me apoyaran en esa faceta de inventor que estaba recuperando. Comencé a hacer lo que se le conoce como “ruido mediático”: generar campañas espectaculares en las que los clientes no se creían que salían en 30 televisiones. Mi empresa cambió de nombre a Stereonoise. Todo se debe a una importante campaña que hicimos para Servei Estació, en la que inventamos la lavadora para hombres.

Medios de todo el mundo contactaron con nosotros y al

ver la dificultad en pronunciar De buena tinta por parte de medios extranjeros le cambié el nombre a Stereonoise, por el concepto de ruido mediático, pero un ruido de calidad, un ruido estéreo. El Washington Post consideró la lavadora para hombres el mejor invento del año 2006, y en 2009 la revista Time también calificó uno de mis inventos como de los mejores. Eso está muy bien para el ego, para decirlo en una entrevista y para que los colegas te lo digan. Pero realmente supe estar en mi lugar. El invento que Time nombró era una máquina de vending a pedales en la que los niños en lugar de pagar por las chucherías pedalean para quemar las calorías que van a comerse.

Tenía una carga muy crítica con los alimentos que son poco sanos y esto en los Estados Unidos gustó mucho.

Desde que hicimos la campaña de la lavadora para hombres, intenté encontrar los secretos que hacen que una noticia dé la vuelta al mundo o no. Que sea noticia o no.

Que sea atractiva. Y a base de prueba y error, hace poco, creo que he encontrado el truco para que estas noticias siempre funcionen. En los últimos tiempos hemos salido en el Wall Street Journal, varias veces, en el The New York Times y en la revista Time. Digo prensa internacional, porque es la más difícil, y en la nacional ya hemos salido hasta en la sopa. Ahora he montado el Miba, y no es que cierre una etapa, pero creo que he dicho lo que tenía que decir en ruido mediático, por eso creo que es un buen momento para publicar el libro El arte del ruido, quiero ser generoso compartiendo el conocimiento que he adquirido. No me he dejado nada, lo he explicado absolutamente todo de forma que quien quiera estudiar, aprender o mejorar lo hará. Es como Ferran Adrià, que saca libros de recetas. Me encanta: comparte todo su conocimiento, no lo esconde. Me pareció muy generoso. El secreto para hacer ruido es complicado. Si tuviera que resumirlo de alguna forma, diría el ruido es una consecuencia, no el objetivo. Igual que el dinero. Si te lo planteas como objetivo la has cagado. Pero si es una consecuencia de lo que te pide el corazón, siempre llega. En el caso del museo, no me he planteado que guste a los niños o a un público en concreto, he hecho lo que creía que tenía que hacer. Y finalmente, gusta. Cuando quieres hacer ruido mediático a nivel internacional, debes hacer algo que realmente tú creas que debes hacer, y que sea verdad. Y entonces puedes llegar. El Miba representa todo para mí. He querido esto desde hace muchos años y es el proyecto de mi vida.

Representa la posibilidad de demostrar que las personas pueden tirar adelante sus ideas, como he hecho yo con

este proyecto. Empecé con 300 euros en la cuenta, en julio. Si con ese dinero he podido conseguir todo esto, cualquier persona puede cumplir su sueño. Lo que quiero es que quien entre aquí salga por la puerta con el convencimiento de que puede hacer lo que desea, y se motive.

Como museo de inventos, lo que hace diferente al Miba es que no es un museo histórico. Es un museo que mira adelante, donde creemos que no todo está inventado y en el que decimos al espectador que da igual lo que vea cuando entra aquí porque lo realmente importante es que hará él cuando salga por la puerta. Este es el mensaje. El Miba es una caja de sorpresas, llena de inspiración, creatividad, de mucho humor y buen rollo, y que sólo busca activarte.

Si me tuviera que decantar por un invento en concreto, no sabría hacerlo. Depende del día. Ahora mismo estoy enamorado de uno que nos ha llegado hace poco, y es el invento más inútil del mundo: un interruptor que activa un mecanismo que vuelve a apagarlo. Emana mucha poesía.

Cada vez que lo probamos lloramos de la risa. Lo venderemos en el Miba porque tiene una legión de fans. De todos los inventos ya creados, me hubiera encantado ser el padre de Internet si hubiera tenido conocimientos. Es el invento. No hay más grande, sin duda. El cambio que ha supuesto para el ser humano es casi comparable con la creación del mundo. Hay que tener en cuenta las revoluciones sociales que se producen y afectan a nuestro sistema político. Con todo lo que está pasando, Internet es un invento espectacular fruto de la evolución y del esfuerzo de mucha gente. Y por otro lado, soy un fan del velcro. Soy un emprendedor creativo en mi forma de vivir.

Siempre defiendo que debes pensar, tirar para adelante, y si en el lugar donde estás la estructura se te queda pequeña o te aprieta, fuera. Haz tu camino. Me inspiro muchísimo en la música. En la vida real diría que soy músico, de hecho espero sacar un disco de electrónica un día de estos, que es mi obsesión. Mis referentes son infinitos. He seleccionado gran parte de la música que suena en el Miba: desde Henry Mancini a Burt Bacharach, Joe Williams, las bandas sonoras, Trevor Horn, Röyksopp, Police, rock de los 80, Pink Floyd, no sé. Muchísimos. Si tuviera que escoger una canción que me haya marcado sería Shine on your crazy diamond del disco Wish you were here de Pink Floyd, por el espectacular crescendo del solo de guitarra y lo bien trabajado que estaba todo el ambiente en aquél momento del sinfónico. www.mibamuseum.com

MIBA. f: www.lupproducciones.com

lamono / núm. 75 / julio - agosto ’11

t: isabel sánchez / f: noemí elías bascuñana

Reskate es… un proyecto que trata de revivir tablas de skate en desuso, dándoles un nuevo shape, lijándolas y repartiéndolas entre ilustradores que las recustomizan.

Detrás de Reskate se encuentran… Javier de Riba, Edu Pi (del colectivo Nube) y Minuskula.

Reskate nació… recortando viejas tablas como minilongs para volver a usar como medio de transporte o regalar a los amigos.

Skate y arte… son lo mismo, es ponerse retos.

Reskate representa… reciclaje de tablas e ilustradores. Y, sobre todo, a todos aquellos que en algún momento se frustraron y dejaron esa afición de lado y aún les queda una pizca de ilusión. ¿Es todo reciclable? Todo es reciclable de algún modo y si ya no cumple con su propósito original se le busca otro. Puede pasar de lo práctico a lo estético como último recurso.

Joe Busco… es un explorador australiano que se ha unido a la causa agitado por el viejo Lulo. Se dedica a hacer un seguimiento del ciclo vital de especies amenazadas y/o poco valoradas.

A Reskate le encantaría… poder seguir contando con ilustradores noveles y consagrados que apoyen este proyecto y nos ayuden en esta causa de unir la reutilización con el arte. También poder contar con medios para poder realizar instalaciones a gran escala.

Un objetivo por conseguir… Vivir de esto.

Un objetivo conseguido… Haber contado con grandes ilustradores y personas que han colaborado y ayudado en todo momento y confían en nosotros.

La madera para Reskate es… usada. El soporte, tanto artístico como de transporte. Un material noble y poco valorado hoy en día. Es nuestra materia prima. ¡Más madera! (usada) www.reskateboarding.com

¿Skate or reskate? lamono / núm. 75 / julio - agosto ’11

RESKATE! Esas viejas tablas que quedaron abandonadas y en desuso, ahora están de suerte gracias a Javier de Riba, Edu Pi y Minuskula, los reskatadores, un colectivo que se ha propuesto resucitar esos skates que en algún momento, por una razón u otra, abandonamos. La madera sigue allí; así que tras un trabajo de restauración y customizaje Reskate les vuelve a dar vida. Y con esos reskates también se resucitan las ganas de patinar. ¡Hagamos algo con los skates! ¡Reskatadores somos todos!

postits

lamono & reskate en Bright Tradeshow Picking Europe’s Wood En esta nueva edición de Bright Tradeshow, lamono llega con más madera. La de los artistas Marcos Cabrera, Rubén Sánchez, Ocho Cuervos, Alba del Rey, Hanako Mimiko, Nube+Minuskula, Pepo Moreno, Guim Tió, Chamo y Mina Hamada, que han estampado su arte en tablas reskatadas. Nos hemos unido al equipo de Reskate para irnos de ruta por Europa a recolectar madera con Castora, un espécimen raro de furgoneta que está en peligro de extinción y que hemos encontrado junto al río gracias a las indicaciones del Viejo Lulo. Salimos de Barcelona después de pasar por la tienda de skateboarding Hey Ho! y Antidote, en la que recogeremos las primeras tablas que llevaremos directamente al Bright. En nuestra ruta pasaremos por Annecy, Zurich y Munich, haciendo parada en las tiendas Roll Laden y Planet Sports, que nos entregarán las tablas de sus clientes para que les demos vida directamente en el Bright. Allí volveremos a encontrarnos con una familia incondicional que este año crece, por lo que se acondiciona la tercera planta con el fin de que puedan tener cabida las más de 300 marcas que estarán presentes en el viejo edificio de Lichtenberg. Incorporan además una nueva sección llamada All Tomorrows, una plataforma para diseñadores emergentes, sellos y marcas que se nutren del arte para ofrecer una visión distinta de la moda. También el hall de la entrada, ese espacio que tanto nos gusta por la intervención al linóleo que hay en en el suelo representando algunos de los momentos históricos más importantes vividos en Berlin, se acondiciona para albergar nuevas marcas.

La familia crece y nosotros también nos vamos con una familia numerosa, la que forman nuestros reskatadores. Llegamos así después de una intensa aventura que se resume en tres palabras: Picking Europe’s Wood.lomono comes back to Bright Tradeshow! brighttradeshow.com

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Reskatadores Bright Tradeshow 1· Marcos Cabrera > Marcos Cabrera es un macarra ilustrado. El horror del mundo zombie es el pan de cada día de este artista plenamente identificado con el movimiento skate y el hardcore. marcoslatragedia.com

2· Rubén Sanchez > Color, personalidad, street y una gran dosis de skateboard culture. Eso es lo que transmite Rubén Sánchez en cada una de sus obras, fácilmente reconocibles por salirse de todo los moldes. zoonchez.com

3· Ocho cuervos > Blanco y negro. Ocho cuervos se esconde bajo el pseudónimo VIII, distintos nombres para mostrar a un artista que profundiza en la naturaleza del hombre a través de los animales, la ciudad, la religión y el amor. ochocuervos.com

4· Alba del Rey > Retratos, surfing y skate. El mundo de Alba es apasionante y lo demuestra en cada trazo que dibuja con su lápiz. Puede ilustrar para niños o para un grupo de música y parece que siempre mantenga un estilo naïf que no es real, la lectura está en el trasfondo. domestika.org/portfolios/alba_del_rey_closa

5· Hanako Mimiko > Pura dulzura y puro corazón. Hanako Mimiko dibuja en blanco y negro situaciones cotidianas que llegan al alma por su sencillez. Su obra no se queda en su estudio, en ocasiones sale a la calle en forma de papel pegado en la pared de una esquina cualquiera. mimiko.tumblr.com

6· Nube+Minuskula > Nube son dos chicos inquietos que no pueden dejar de crear. Como alguien bien dijo, apren-

des de lo que te rodeas, constantemente se unen a otros artistas y colectivos para generar nuevos proyectos. En reskate se unen a minuskula, una diseñadora con una gracia, estilo y elegancia natural. Sus diseños son una extensión de sí misma. nubestyle.com · minuskula.com

7· Pepo Moreno > Naïf como ninguno, Pepo Moreno ilustra directamente con rotuladores de colores para crear esos divertidos muñecos que te insultan con el dedo corazón levantado. No tiene pelos en el papel por eso el contraste es tan enriquecedor, tanto en color como en blanco y negro. thefurryandtheyoung.tumblr.com

8· Guim Tió > Las obras de Guim Tió intimidan, parece que digan: “no me mires así que puedo convertirme en piedra”.

Puedes llevar gafas, barba, perilla o un polo de cuadros escoceses, hagas lo que hagas y seas como seas transmitirás a través de su retrato la carga de un peso en el mundo. guimtio.blogspot.com

9· Chamo > Ilustrador y fotógrafo, Chamo San sabe cómo convertirse en ciervo. Él dibuja una delgada línea que separa al hombre del animal, al sentimiento del instinto, a lo fácil y bello de lo difícil y también bello. Su obra respira y transmite por sí misma, sin necesidad de explicaciones. chamonsta.blogspot.com

10· Mina Hamada > “Hice un nuevo libro. Lo hice con la máquina de tipografía y lo encuaderné. El tema es el sonido, las orejas pueden escuchar muchos sonidos...” Con esta explicación de una de sus obras la artista japonesa Mina se define a sí misma mejor que nadie… minazzz.exblog.jp

t: eunis font / f: ana fernández & thomas williams

BREAD & BUTTER · Supershow por sus 10 años Cumplir una década ya es motivo de celebración y si quien la cumple es Bread & Butter, podemos imaginar de qué magnitud será esta celebración. Un año más, y para acompañarles en este hito que será su décimo cumpleaños, lamono va a estar allí, preparados para un espectáculo en mayúsculas en su 25 edición. El antiguo aeropuerto de Tempelhof se prepara para volver a vibrar con las propuestas de una nueva edición de este escaparate de tendencias.

La historia del Bread & Butter tal y como lo conocemos empezó en Colonia el 2001 como una muestra de los diseñadores locales. Desde entonces se celebra cada medio año, en enero y en julio. Ahora es una de las muestras y espectáculo de moda con más reconocimiento internacional. Durante sus diez años de vida el Bread & Butter creció a gran velocidad y como todo adolescente quiso ver mundo. Tras tres eventos en Colonia se trasladó a Barcelona donde se consolidó como imperdible de street y urban wear con la cita obligada de los grandes del sector. Y en lamono no quisimos perdernos este momento de madurez. En la segunda edición del 2009 regresó a Berlín, su ciudad de origen, y nosotros con ellos. lamono, como medio colaborador del evento, puso allí el radar para cazar y llevar a nuestros seguidores las tendencias internacionales. Desde su peculiar ubicación, el Bread & Butter – tradeshow for selected brands prepara este julio, con toda su esencia contemporánea, The Bread & Butter Supershow. Tres días y tres noches de celebración, espectáculos, conciertos, exposiciones y un Grand Opening para darnos la bienvenida. El epicentro seguirán siendo los sectores Denim, Sportswear, Street Fashion, Functional Wear y Casual Dressed Up; ordenados en ocho áreas dentro del mítico aeropuerto de Tempelhof, Sport & Street, Street Fashion, Fashion Now, Style Society, Denim Base, Urban Superior Women, Urban Superior Men y LOCK – Labels of Common Kin. Todo lo in del mundo urbano, del sector progresivo de la moda. Algunos llegarán nuevos para empezar a contar la historia del street wear a partir del año diez del Bread & Butter, otros seguirán fidelizando su devoción por el evento superlativo de la moda y lamono se desplazará a Berlin para estar con todos ellos y disfrutar The Bread & Butter Supershow. breadandbutter.com

imperdibles

Adidas & Foot Locker · Premio para el Sneaker Tweeter VIP* Gastarse 1000 euros en productos Adidas en una tienda Foot Locker de Barcelona sin sacar la cartera del bolsillo. Esta es la vivencia que se llevó el ganador del concurso sneaker tweeters que se alzó con el distintivo Foot Locker Adidas VIP*, dejándose llevar de compras en limusina, con una amiga y acompañado de una estilista particular. A Miles Dufrasne la sonrisa se le quedó enganchada en la cara durante toda la tarde, ¡y no es para menos! La mayor cola de tweets virtual generada hasta el momento. Esa fue la que generó el pasado mes de mayo el concurso sneaker tweeters, una convocatoria para poner a prueba la resistencia del personal en el twitter, lo que a más de uno le hizo perder horas de sueño. La adicción a los sneakers de Adidas tomó forma con tweets de lo más variopintos. Unos aseguraron que se duchan con ellas y otros tienen unas especiales para cada situación. Los mayores tuiteadores recibieron diariamente sus flamantes Adidas en su casa y de entre todos ellos sólo uno, el que más veces se puso a la cola utilizando el hastag #sneakerwayoflife se convirtió en el Foot Locker Adidas VIP*. El tuiteador @anormalday se encontró el pasado mes de mayo una limusine rosa chicle en la puerta de su casa que lo llevó directo al vestidor de Foot Locker, siempre asesorado por la estilista de Adidas que supo encontrar todas las prendas que más se ajustaban a su estilo. Nosotros, como medio oficial del concurso, lo vimos todo de cerca. ¡Y no tenemos muy claro en qué situación de su vida volverá a mantener durante tantas horas seguidas esa sonrisa a medio camino entre la felicidad y la incredulidad! adidas.es footlocker.com

t: nona codina

DESFILE BAU · La genialidad está ahí fuera Hay momentos del año que marcan el paso del tiempo. El desfile de las nuevas promociones de BAU es uno de ellos. Aunque en esta edición algo ha cambiado. No es que nos hagamos mayores, o sí. BAU da un paso más y apuesta por una convocatoria más exclusiva y profesional, en la que las propuestas de los alumnos son examinadas al detalle por unos invitados muy especiales que ocuparon las primeras filas de la pasarela. Todos ellos, diseñadores, prensa y profesionales del sector, prestaron una atención atenta no sólo a las prendas que desfilaron, sino también a la puesta en escena y a la imaginación que cada alumno desarrolló bajo la temática de “conceptos”. Como cada año, lamono estuvo presente como medio oficial. También como cada edición, aunque nos resulte cada vez más complicado, apuntamos con rigurosidad los nombres de los alumnos que más nos impactaron. Natalia Benito nos sorprendió con una colección de hombre pensada con estilo. Marcada por el predominio de los tonos neutros como grises, marrones, negros y el perla como indiscutible protagonista. Natalia se lanza de lleno al diseño de sus prendas sin miedo a arriesgar la masculinidad de sus modelos con transparencias y telas satinadas. Iria Franch abordó el reto haciendo un guiño a los colores de la naturaleza mediante bordados y flecos. Su mujer está en comunión con el entorno por eso se muestra atrevida y sexy vistiendo pantalones cortos de cintura y talle alto, monos ajustados y prendas superpuestas. El hombre se alía con ella y no tiene miedo a mostrar una masculinidad cándida en tonos tierra. Otras propuestas que nos llamaron la atención fueron las de Jordi Álvarez y Alexadra. En definitiva, tanto el nivel de los alumnos como la nueva localización (Palo Alto), la producción y el trabajo de Penique Productions superó la prueba del cambio con nota. baued.es

postits

DIESEL ISLAND · El roble El Quercus robur es símbolo de realeza y nobleza. En la antigüedad, los asturianos realizaban sus juramentos bajo el Roble Sagrado (en lugar de sobre la Biblia, como era habitual) puesto que era considerado un auténtico juez de paz, guardián de la justicia y la veracidad. Algo así como lo que ha sido para los más estúpidos y valientes la experiencia Diesel Island, que este verano vuelve realidad la utopía en Ibiza. La nación más justa, con lo mejor y sin lo peor de cada país, extiende su territorio a la isla. Del 1 de julio al 31 de agosto, podréis acercaros a una playa reservada de S’Estanyol en la que disfrutar de una cerveza Shinga o una copa de Ron Barceló, broncearos en sus hamacas y vivir en primera persona las mejores puestas de sol con una BSO en directo sólo para ti. Además de la costa, el imperio de la firma llegará a la Diesel Store de Ibiza y a la terraza The A-list en el puerto, todo conectado por un servicio de transfer gratuito. Para conseguir tu visado y acceder a los territorios de la Diesel Island, deberás acercarte a las tiendas seleccionadas de la firma en Barcelona, Madrid y Valencia. La inauguración oficial será el próximo 15 de julio, con una fiesta que sacudirá la isla y hará que sólo lo bueno quede en ella. Porque en verano las relaciones aumentan, las dudas se multiplican y la necesidad de verdad se dispara, a falta de robles, siempre nos quedará Ibiza. diesel.com

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ELISAVA· 21 estudiantes y un vistazo a la realidad En medio del boom tecnológico y múltiples problemáticas sociales, este mundo vuelto loco donde tenemos tiempo justo para respirar, las imágenes y la fotografía son un stop sign en el camino que nos obliga a reflexionar sobre lo que está pasando a nuestro alrededor.

Veintiún alumnos del Postgrado de Fotografía y Diseño de ELISAVA (Escuela Superior de Diseño e Ingeniería de Barcelona) exponen La lista de Sandra, un conjunto de fotografías, vídeos y piezas gráficas que representan realidad y ficción así como el análisis del concepto narrativo de la mirada en la que cuestionan y exponen, desde un punto de vista contemporáneo, la situación actual de la política, cultura y sociedad. La exposición tiene lugar en The Private Space Gallery, está comisariada por Isabella Lenzi y recoge los proyectos de Alan Alanís, Johann Albarracín, Catarina Barroso, Juan Sebastián Cárdenas, Elisa Carnicer, Gabriela del Sol, Mònica Figueras, María José Franco, Mª Laura Gutiérrez, Isabella Lenzi, Rachel Mancini, Lluís Andreu Oliver, Juan Diego Otalvaro, David Querol, Ariane Retegi, Josep Mª Rius, Estefanía Soberanis, Judit Taberna, y Josep Vila.

The Private Space. Hasta el 6 de julio. Roc Boronat 37. BCN elisava.net theprivatespacebcn.com

Ártidi EXPONE· Pon luz a tus reivindicaciones Como cada año por estas fechas, la actividad de los alumnos que finalizan el curso en Ártidi es frenética.

Presentaciones de proyectos, exposiciones, trabajos finales… no hay tiempo para el descanso, pero de eso se trata, ya que la realidad que se encuentran fuera, en la calle, no será más diferente. Un clásico ya en la escuela es el proyecto de customización de lámparas al que se enfrentan los alumnos de la rama Experto Europeo en Escaparatismo y Visual Merchandising dentro de la asignatura de materiales y diálogo con el espacio. En esta ocasión la temática gira alrededor de la reivindicación. Incertidumbre, penas, miedo al futuro y los cambios que estamos procesando. Todo eso está plasmado mediante ilustraciones, graffiti y vinilos en las pantallas de unas lámparas de más de un metro que se exponen en la galería Miscelánea durante unos días para continuar después su viaje por otras tiendas y galerías de la ciudad, pues como muchos de los proyectos de Ártidi, se trata de una muestra itinerante.

Miscelánea. Del 28 de junio al 3 de julio. Guardia, 10. BCN artidi.com miscelánea.info

música

t: david moreu / f: albert moreu

NASHVILLE

THREE CHORDS AND THE TRUTH Bienvenidos al profundo sur de los Estados Unidos, el único lugar donde la música es un estilo de vida y las barbacoas siguen marcando el paso inexistente del tiempo, como un reloj de arena que permanece anclado en el pasado. Todos aquellos que decidan perderse algún día en este paraje inhóspito, que mira de reojo al río Mississippi y reverencia a los viejos bluesmen que surgieron en las plantaciones de algodón, puede que encuentren el camino que los lleve directamente hasta Nashville (Tennessee). Una ciudad que se ha convertido en la meca de la música country gracias al glamour sureño, a su iconografía kitsch y a los Honky Tonk más salvajes del mundo.

Historic RCA exterior

nashville.com

lamono / núm. 75 / julio - agosto ’11

El sol brilla en el cielo y el tiempo parece no avanzar, pero Nashville siempre amanece a un ritmo frenético y tiene una banda sonora que hace sonrojar a cualquier otra ciudad.

Los nombres de los artistas, las canciones y los lugares se amontonan en la guía turística, por este motivo debemos mantener la calma y empezar a descubrir la ciudad por sus rincones más emblemáticos. La primera parada de esta ruta es el Country Music Hall of Fame and Museum, un impresionante edificio que costó la friolera cantidad de 37 millones de dólares y se ha convertido en un lugar de peregrinaje obligado para los amantes de la música ranchera.

No en vano, es un microcosmos donde todo gira entorno a la (trágica) historia de este género tan americano, con cientos de películas legendarias, grabaciones antiguas y objetos “vintage” de sus artistas más emblemáticos. Un buen sitio para conocer la vida y la música de estrellas atormentadas como Dolly Parton, Hank Williams, Johnny Cash o Kris Kristofferson. A continuación haremos escala en el famoso Studio B, también conocido como The Home of a 1.000 Hits. Inaugurado en 1957 y gestionado por la discográfica RCA, se trata de uno de los estudios de grabación más antiguos de Nashville y permaneció en activo hasta el 17 de agosto de 1977, justo el día después de la muerte de Elvis Presley. Este dato cobra más significado si tenemos en cuenta que El Rey grabó allí más de 250 éxitos y lo consideraba el mejor estudio del mundo. Pero si este lugar ha pasado a la historia es porque entre sus cuatro paredes nació el sonido “made in Nashville”, con sus coros celestiales, las omnipresentes secciones de cuerda y el olor a música country que desprendían las canciones que allí se grababan. El listado de artistas que se dejaron seducir por la magia del Studio B no tiene desperdicio, con gente tan ilustre como Dolly Parton, Chet Atkins, Willie Nelson, Roy Orbison o The Everly Brothers. Pero la industria musical que floreció en Nashville no habría conquistado el mundo si no hubiera tenido una imagen promocional única. La tarea de anunciar los conciertos fue responsabilidad de una imprenta llamada Hatch Show Print, donde sus empleados creaban los pósteres más auténticos y originales de los Estados Unidos. Actualmente, este lugar sigue en funcio-

namiento y las mayores bandas del mundo aún le encargan carteles para sus shows. Si antes eran Elvis, Johnny Cash y Bob Dylan quienes adoraban aquellas creaciones, ahora son los Beastie Boys, The Strokes y Pearl Jam quienes mantienen viva su leyenda. Aunque el circo de la música haya evolucionado, Hatch Show Print permanece fiel a las técnicas tradicionales, con tipografía móvil e imprentas manuales. Un lugar realmente fascinante y con espíritu de rock n’ roll. Siguiendo esta ruta en busca de las raíces de la música popular americana, no podemos pasar por alto la fábrica Gibson, situada a las afueras de Nashville. Es allí donde las guitarras de esta marca tan emblemática cobran vida gracias a un proceso 100% artesanal, desde el moldeado de la guitarra y el ensamblaje de cada una de las partes, hasta los acabados y la pintura. Un recorrido entre sierras eléctricas, pulidoras y máquinas de secado, donde el olor a madera de roble y barniz invade cada rincón de la nave industrial. Sin duda, lo más impresionante es presenciar el proceso de fabricación de una Les Paul, sabiendo que el sonido único de esta guitarra (que ha dado lugar a canciones legendarias), surgió de una fábrica oscura y húmeda en el profundo sur de los Estados Unidos. Siendo realistas, es evidente que no sólo de música vive el hombre. Así que ahora es el momento perfecto para desviarnos de nuestra ruta y conducir hasta la 5th Avenue. Un buen lugar para descubrir el encanto del “downtown” de Nashville y visitar sus pintorescas galerías de arte, donde algunos de los artistas locales con más proyección internacional exhiben su obra. Destacan salas de exposiciones como la Rymer Gallery, The Arts Company y The Tennessee Art League, cada una con un estilo propio, pero siempre con algún detalle fascinante escondido en sus lofts abarrotados en una segunda planta. Una visita obligada para apreciar el barrio más bohemio de la ciudad. A estas alturas del viaje, puede que más de uno se pregunte ¿dónde están las canciones que han hecho famosa Nashville? Los grandes temas del pasado se compusieron en trenes, en autobuses o en bares de carretera a altas horas de la noche, pero actualmente los grandes éxitos surgen en el Bluebird Café. Un sitio envuelto en una aura de misticismo

gen es lo más parecido al paraíso que hay en la tierra. Y puede que tengan razón. No en vano, el popular Tootsie’s o el pintoresco Margaritaville son algunos de los locales donde las bandas tocan en directo y siempre cuelgan el cartel de aforo completo. Con un poco de suerte llegaremos al hotel antes de que salga el sol y caeremos rendidos a la cama, mientras aún escuchamos ecos de música country. Una pesadilla que al día siguiente querremos repetir de nuevo. Si bien es cierto que en Nashville hay cientos de hoteles y pensiones, uno de los lugares con más glamour es el Hutton Hotel. Un sitio perfecto para cruzarse con las bandas que están de paso por la ciudad y para disfrutar de una estancia de ensueño. Sin olvidar que cada día, de cinco a seis de la tarde, han instaurado la “wine hour” para todos sus clientes. ¿Qué más se puede pedir en la capital de la música? Como los habitantes de esta ciudad acostumbran a decir, “la vida puede resumirse en tres acordes y la verdad”. El resto son leyendas.

Jim Reeves in studio B

que cada día reúne a los mejores compositores de la ciudad y a los jóvenes que aspiran a convertirse en estrellas.

Todos ellos comparten micrófono, cuentan sus anécdotas e interpretan sus canciones antes de que otro artista las grabe y las convierta en hits. En este local es fácil cruzarse con ganadores de premios Grammy, con creadores de números uno y con artistas anónimos (pero adorados por el público que acude en masa a este café y, muchas veces, se queda en la entrada sin mesa). Un buen lugar para pasar una velada íntima y escuchar canciones que, algún día, serán un éxito. Si después de esta sesión de música a la luz de las velas aún tenemos ganas de bailar hasta el amanecer, siempre podemos pedirle al taxista que nos lleve a Broadway Street. En esta calle iluminada por neones de mil tonalidades se encuentran los Honky Tonk más famosos de Nashville, unos bares donde la cerveza es barata, las mesas están sucias y la gente desata sus instintos más salvajes. Para miles de personas, esta ima-

Hatch Show Print. Posters

música

t: lara tuner / f: thomas canet

myspace.com/trianguloamorbizarro mushroompillow.com

Dureza y contundencia. Dos propiedades que asociamos a la madera y, a su vez, dos conceptos que se descubren en la música, las letras y los directos de Triángulo de Amor Bizarro. Sus piezas, reflexivas y con grandes dosis de realidad, convierten los discos de estos gallegos en un reflejo de su momento vital. Tras la buena acogida de Año Santo (2010), acaban de recibir cuatro galardones en los Premios de la Música Independiente, su nombre aparece en los carteles de los principales festivales del país y preparan un nuevo disco porque no les gusta repetirse y aburrir. No paran de moverse pero siempre regresan a su aldea, un lugar que les aporta identidad y que les ayuda a tocar con los pies en el suelo.

Lo que hacemos es salir y tocar desde lo que somos, sin ningún tipo de referencia externa. No nos planteamos lo que tiene que transmitir el grupo, no hay unas pautas.

Intentamos que las cosas salgan como tengan que salir porque, al final, nuestra actitud física y mental se refleja en el escenario. El punk es un poco así, lo que haces lo echas sobre el escenario. Otras veces las canciones las llevamos más al pop y eso también nos gusta. Nuestro primer disco Triángulo de Amor Bizarro (2007) nos sirvió para aprender a tocar. Fue un poco más difícil conseguir aquello que teníamos en la cabeza y nos llevó un poco más de tiempo publicar este álbum que Año Santo (2010), un segundo disco que es mucho más directo. Tampoco es que ahora seamos virtuosos ni mucho menos, pero la realidad es que lo necesitábamos hacer así, como muy inmediato.

Y eso es lo que marca la diferencia entre los dos álbumes, que el segundo va directo de la cabeza al instrumento y sin demasiados filtros. Al final, refleja la etapa vital en la que nos encontrábamos, una época un poco complicada para nosotros. Ahora estamos un poco más positivos y el próximo disco nos saldrá más optimista. Es un positivismo rabioso así que tampoco hay tanta diferencia. Tras actuar en el SOS 4.8 y en el Primavera Sound, tenemos previsto un verano lleno de festivales. Estaremos en el Palmfest, el Contempopránea, el Sonorama y el Arenal.

Nos movemos continuamente y en estos momentos aprovechamos para ir componiendo. Queremos tener canciones nuevas en breve para ir tocándolas y sacar un disco cuanto antes. Funcionamos así. Cuando pensamos que una etapa se está terminando, empezamos a hacer cosas nuevas y es cuando realmente nos salen bien. Para ello, necesitamos encontrar el equilibrio entre el ritmo de los conciertos y la tranquilidad de nuestra aldea. Es una particularidad del grupo que es parte importante de lo que hacemos. En cierto modo, venir de Galicia hace que no tengamos las mismas facilidades que otros grupos pero, por otra parte, nos ayuda a conservar un poco el misterio. Hay muchas bandas que al final se acaban centralizando y pierden un poco la perspectiva. Nosotros siempre nos mantenemos un poco aislados de todo eso. El grupo es así porque nosotros somos de pueblo y desde el principio creímos que era importante seguir siendo lo que somos y haciendo lo que hacemos. Al final, los grupos que siempre están presentes en la escena musical de una gran ciudad se desgastan un poco y nosotros nos mantenemos ahí, a nuestro ritmo. A lo mejor si nos vamos a vivir a una ciudad, sin darnos cuenta cambia el concepto de Triángulo de Amor Bizarro y acabamos pensando en otras cosas. Estamos viviendo en la aldea, hacemos las cosas porque nos apetecen y no pretendemos nada más.

TriĂĄngulo de Amor Bizarro

Madera autĂŠntica

música

t: erica leiva / f: jordi cusso

Sólo hay que mirar para ver santa rita

Para adelante. Nieva, llueva, haga un sol sofocante o caigan ranas saltarinas del cielo. Lo de estas “ninfas drogadas de punk” es auténtica pasión, de esa que no se mide por principio o por final sino por el camino. Ya hablamos de ellas cuando empezaron a subirse tímidamente a un escenario y ahora volvemos a hacerlo porque acaban de sacar disco editado por ellas mismas, presentan videoclip dirigido por Jordi Cussó y porque las queremos. Si alguien te pide que eches más madera a lo que te ha dado por hacer en la vida, piensa en ellas y tómalas como ejemplo.

Si nos pides que definamos nuestra evolución en cinco palabras te decimos sin dudar: intuición, devoción, psicodelia, jolgorio y experimentación. Hemos grabado el disco nosotras mismas, en el tiempo récord de dos días, con muchos nervios y a la vez grandes dosis de expectativa e ilusión. Lo logramos porque tenemos muy buenos amigos que nos ayudaron y animaron. Las ganas que teníamos de grabar un EP eran inmensas. Lo más emocionante del camino es que tiene la dirección que nosotras elegimos y no sabemos a dónde conduce. En los conciertos lo damos todo, no nos transformamos, seguimos siendo las mismas que en nuestro día a día, pero con el aporte de la adrenalina y la catarsis que supone tocar en directo. Ese momento es distinto al resto de lo que nos pasa en la vida.

Eso es seguro. ¿Algo que nos hayan dicho y que nos haya puesto los pelos de punta al acabar un concierto? Nos pone los pelos de punta que nos digan que para ser mujeres no lo hacemos nada mal (risas), bromas aparte, nos hace mucha ilusión cuando la gente nos comenta que vamos

avanzando, que cada vez sonamos mejor y que se nos ve más unidas y cómplices en el escenario. Para grabar nuestro primer vídeo quisimos pasar un día en la montaña, mostrarnos fuera de la ciudad, disfrutando de un entorno natural. El realizador del vídeo es Jordi Cussó y la experiencia ha sido un auténtico calvario, a Jordi no hay dios que lo aguante (risas). Nos obligaba a bailar cuales ninfas drogadas de punk, contorsiones, ¡nieve y viento! es una combinación jodida. Pero al final resulta que el tipo es un máster, y el videoclip es increíble. Rodamos en las montañas de Andorra porque nuestra batería es de allí, y le tenemos un especial cariño a esas tierras, pasamos muchos días en su sala de ensayo. Tanto nosotras como Jordi queríamos localizaciones naturales, bosques, lagos, con un ambiente invernal; aunque hay una gran parte del videoclip que se desarrolla en el desierto de los Monegros. ¿Más madera? El fuego ya está encendido. myspace.com/santaritasound

t: natalia brovedanni

cd’s

SPACE RANGER · WHAT ABOUT THE MAGNETIC FIELDS?

OLD KERRY MCKEE · BLACK BIRDS

(Love Monk) Cuando un trío de Dj´s y productores se sientan frente a unos tremendos sintetizadores, loops a punta pala y las ideas bien claras sale del horno algo tan redondo como este debut, un bonito abanico que repasa la electrónica vintage pasando por el italo, el house y hasta la psicodelia. Muy en la línea de trabajos que salían en los 80, What about the magnetic fields? tiene estribillos pegadizos, ecos espaciales y algunos sonidos conectados con lo más primitvo de la experiencia tecnológica dentro de la música. Para pasar el rato.

(Hoborec/Rub*Dub) Yyyy-ha! Él, guitarra española en mano, tocadiscos antiguo funcionando, armónica, bombo y pandereta en uno de los pies. Así fue como el sueco grabó su tremendo primer EP. Una voz desgarradora, llena de angustia y desesperación, da forma a un trabajo inquietante con muchísima personalidad mediante el que se marca un pedazo de homenaje a la Americana más sucia y minimalista. Sin dudas, un hombre para ver en directo y flipar.

METRONOMY · THE ENGLISH RIVIERA

(Because Music) Música de tienda pero bien hecha. En la línea de Cut Copy, las melodías pop hacen de colchón para algo que podría llamarse indie-disco de falsete pero éstos en una versión mucho más freak que los anteriores.

Es el típico disco que, a medida que lo escuchas, te empuja a abandonar aquel pre-concepto de simplón que tenías entremanos: canciones de seis minutos, partes de free jazz, coros celestiales y un buen puñado de arreglos curiosos le cuelgan como mínimo el cartel de “interesante”. Un disco de bici.

STEARICA · OLTRE

(Homeopathic Records) Diez años juntos, giras europeas a tutiplén, reconocimiento de la revista Wire y un fantástico disco con nota sobresaliente abren camino a un grupo con mucha personalidad. Stearica saben jugar con las texturas, entran de lleno en otra dimensión sonora imprimiendo un sello de identidad a cada pasaje y enseñando por qué compartieron gira con grupos como Acid Mother Temple, The Ex o Girls Againt Boys. Como un volcán en erupción, los italianos construyen climas de un vigor envidiable y a través de una aparente improvisación explotan en mil pedazos cuando menos te lo esperas. Post-rock, psicodelia, progresión y un cúmulo de detalles convierten a este grupo instrumental en imprescindible.

lamono / núm. 75 / julio - agosto ’11

PAUL KALKBRENNER · ICKE WEDER

MAKALA · UNEXPECTED TAPAS

(Paul Kalkbrenner) Paul vive en Berlín junto a un arsenal de máquinas de las que ha sabido extraer tracks futuristas, completamente instrumentales que entregan sonidos para dejarse caer en la arena de cualquier playa con mojitos a la venta. Disco de fácil digestión para afines a la electrónica que desean un ambiente tranquilo, sin alborotos sonoros, con la previsión como aliado y los regular beats asistiendo a la velada. Nada nuevo.

(Lovemonk) El verano es un momento para acudir a curiosos rituales paganos y el más exitoso de todos es la fiesta de pueblos. Makala podría integrar el cartel de la algarabía de temporada de cualquier región a ritmo de rumba, ska y sonidos tropi-vascos. El alemán-guipuzcoano Mikel, un declarado fan de la gastronomía, agita la sartén y lo hace con un recorrido por la música de baile de toda la vida incluyendo elementos tradicionales como las congas o el son cubano. Ideal para el reencuentro familiar.

SONIO · DE NO ESTAR

(Repetidor) Un bucle de piano y guitarra introduce un EP cantado en castellano de lo más nostálgico que apuesta por la repetición, incluso en la melodía de la voz. El proyecto formado por Daniel Ardura (Alado Sincera), Josep Martí (Cataplàusia) y Carles Viarnés (Urban Tactus) que amasa un sonido pop en su versión más intimista, algo estático y falto de estímulos por momentos, pero que presume de calidad con historias contadas en primera persona, llenas de romaticismo (“No son condiciones”) o de una interesante psicodelia hipnótica (“Sobre un plato”). Agradable.

MONOCULTURE · MNC

(Tsunami Music) Electro-rock en un lenguaje de synth-pop oscuro y elegante escriben un proyecto muy necesario cuando se pretende elevar a las masas a un estado de goce absoluto. Los 80 se traducen en sintes con reminiscencias a Daft Punk y los ritmos evocan a contemporáneos como The Whip en su versión más festiva. Un trabajo cohesionado, con puntos elementales, clichés de pistas de baile y una energía muy compacta que, seguramente, sabrán explotar en directo. Ganas de dejarse llevar, no faltan.

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1· Festival Cruïlla Barcelona Es la opción económica y solidaria de festivalear este verano (cada entrada anticipada incluye la donación de 2€ a Amnistía Internacional). En esta edición, no te puedes perder a Antònia Font, Delafé y las flores azules, Very Pomelo, Jack Johnson, dEUS o Maika Makovski. Parc del fòrum.

8 y 9 de julio. A las 18h. 40-80€.BCN. 2· Festival Pop Arb Manel, 4t 1ª, Mazoni, Gentle Music Men, El Petit de Ca l’Eril, The New Raemon, Antònia Font… ¿Quieres más? Pues los tendrás a todos juntos en menos de un mes repartidos por los lugares más emblemáticos de Arbúcies, en Girona. Y además, esta edición acogerá el rodaje de la película de ficción Et dec una nit de divendres, producida en Catalunya. Arbúcies. 8 y 9 de julio. De 11.30 a 3 am.32-47€. GIRONA. 3· FIB Durante estos días pasarán por la costa Azahar artistas como Arcade Fire, Arctic Monkeys, Astrud & Col·lectiu Brossa, Beirut, Cristal Fighters, Plan B, James Murphy, The Joy Formidable, Russian Red, The Strokes, Brandon Flowers y The Streets, entre otros. Este año el festival recupera sus orígenes. Indie, electrónica de vanguardia, sonidos comerciales, guitarras y clásicos del rock. Benicàssim. Del 14 al 17 de julio. 175 €. ALICANTE. 4· Festival Próxims El evento que concentra la proximidad en tiempo y espacio en un sólo acto con la voluntad de dar eco a la música producida en Cataluña.

Ya están confirmados Mishima, Standstill, Mujeres y Anímic, pero aún habrá más. Magia, brisa y buena música. ¿Qué más se puede pedir? Poble Espanyol. 21 de julio. A las 18h. 15-25€. BCN.

5· Low Cost Festival Para los que no puedan ir al FIB o para los que vayan y se queden con ganas de más, Benidorm también acogerá a finales de mes un tentador festival. Hablamos de Mando Diao, Crystal Castles, OK GO, Steve Aoki, Shout Out Louds, Love of Lesbian, Maga, Sidonie y todos los que imagines por 60 euros con el abono de tres días. Benidorm. 21, 22 y 23 de julio. 30-60€. ALICANTE. 6· Festival Sonorama Supongamos que quieres coger un coche y perderte. Pues bien, deberías hacerlo un 13, 14 o 15 de agosto en dirección Aranda de Duero. Y es que esta ciudad de Burgos acoge desde hace catorce años el festival Sonorama, catalogado como uno de los más importantes a nivel nacional en cuanto a pop rock. En esta edición, pisarán los escenarios artistas como Le Punk, Nacho Vegas, Dorian, Los campesinos!, Mishima, La Bien Querida, The Sunday Drivers, Catpeople, Amaral, o Vetusta Morla. Recinto Ferial de Aranda de Duero. Del 11 al 14 de agosto. 60€.

BURGOS. 7· Rototom Sunsplash Es uno de los festivales de reggae más prestigiosos del mundo y este año llega pisando fuerte. Ya está más que confirmada la presencia de parte de la familia Marley, que subirán al escenario en el homenaje a Bob, y de otras viejas glorias del género como Bunny Wailer, Horace Andy, Jimmy Cliff o Linton Kwesi. Las nuevas generaciones quedarán representadas por Queen Ifrica, Gyptian u Ojos de Brujo. Benicàssim. Del 18 al 27 de agosto. 28-280€.

CASTELLÓN.

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