LaCarne Magazine N92 by LaCarne Magazine

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europa y latinoamérica

Nº92 - FEB 2020 - AÑO 9

the last internationale regresan a españa en 2020 EXPERIENCIAS

ghost - puroruido - javier colis - niels nielsen

ENTREVISTAS

fuensanta blanco - miki gázquez - cloaca

investigación

festivales extremeños 2019 - laurel aitken eduardo polonio

N92 aÑo 9 FEB 2020

SUMARIO

experiencias 06 ghost, misa y ritual de nuestro señor oscuro

10 «pUroRuiDo», un proyecto de libre

26 Laurel Aitken, el Padrino del Ska 30 Eduardo Polonio y los pioneros musicales en España

12 Javier Colis, camuflaje sonoro y

entrevistas 40 fuensanta blanco y miki gáz-

16 Niels Nielsen, un chute de energía

44 Cloaca, Garage, Punk y Rock and

improvisación poesía

quez en el centro machado de colonia Roll

investigación 20 Festivales Extremeños 2019, análisis y reflexiones

36 the last internationale regresan a España en 2020

contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición Pedro Gallardo

https://lacarnemagazine.com www.facebook.com/lacarnemag www.twitter.com/lacarnemagazine

Colaboradores

jorge ares, la chica boom, rafael dorado, israel S. marcelo, sweet grovees records, j.g entonado, eva maría aroca

* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

LACARNE

4 LaCarne Magazine

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europa y latinoamĂŠrica

EXPERIENCIAS

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Ghost

misa y ritual de nuestro señor oscuro

disfruté igual, ya que el escenario era mucho más pequeño y a plena luz del día. LEER MÁS

Fotografías por: Eva María Aroca, @Coiranna.

ola a todos, mis queridos lectores! En esta ocasión vengo a contaros cómo fue el concierto que la banda GHOST dio el pasado 11 de diciembre de 2019 en el WiZink Center de Madrid. Todos los fans estábamos deseando que vinieran a dar uno de sus espectáculos, que son sin duda una maravilla en su totalidad. Recordemos que también visitaron España en Mayo de 2019 junto a METALLICA, pero no lo

6 LaCarne Magazine

Breve introducción a Ghost

Ya llevan muchos años en activo, pero digamos que ha sido en los últimos 3 años cuando más fama han adquirido. La banda enmascarada está liderada por Tobias Forge (PAPA EMERITUS I- II- III y CARDINAL COPIA en Ghost, y conocido de bandas anteriores como Crashdiet, Subvision, Magna Carta Cartel y Repugnant), quien es el responsable de toda la parafernalia teatral de terror y humor que caracteriza a la banda. Hasta hace tres años, todo tenía un aire mucho más misterioso, ya que no se sabía con seguridad la identidad de los miembros de la banda, y tuvieron algún que otro problema le-

Él fue quien nos presentó más tarde a CARDINAL COPIA, el actual, pero por poco tiempo, frontman de Ghost. El resto de miembros son conocidos como NAMELESS GHOULS Y GHOULETTES.

The ultimate tour named Death

Un «RITUAL», como son denominados los conciertos de la banda Ghost, a mi parecer deben ser de noche, como ha sido este último. También creo que acertaron escogiendo el WiZink Center (donde también pude verles y conocerles en el año 2017), ya que el sonido es muy bueno, y preparan una sala muy amplia. En esta ocasión, la banda Ghost vino acompañada de dos bandas teloneras: TRIBULATION y ALL THEM WITCHES. TRIBULATION suenan de maravilla en directo, y sus componentes le aportan mucho misticismo a la puesta en escena. Me gustaron muchísimo. Además, estuve todo el tiempo delante de Adam Zaars (Sí, me encanta Adam), quien también fuera integrante de la banda REPUGNANT poco después de la marcha de Tobias Forge. Sin duda, TRIBULATION cuentan con una fan nueva. gal respecto a temas económicos. Finalmente, los anteriores miembros desvelaron la identidad de Tobias Forge como líder. Tobias es el creador de Ghost, ya que él mismo compone todas las letras, la música, y él crea toda la historia con la que llevamos ya cuatro eras. Conocimos a PAPA EMERITUS I con su primer álbum Opus Eponymous, le siguió PAPA EMERITUS II (mi favorito) con el álbum Infestissumam, y posteriormente a PAPA EMERITUS III con el álbum Meliora, quien fuera “secuestrado” en su último concierto, dando pie al final de la tercera era, donde apareció por primera vez PAPA NIHIL. (Padre de todos los Papas, y a quien podemos ver tocando el saxofón).

Le siguieron los chicos procedentes de Tennessee, ALL THEM WITCHES, que, personalmente, creo que son muy buenos músicos porque se escuchaban todos los instrumentos de maravilla, pero quizá no son el estilo que mejor va para ser previos a Ghost. La gente comenzaba a aburrirse un poco, y tras su actuación el público se vino arriba con la música de fondo (Take on me de A-HA) mientras esperábamos ansiosos a Ghost.

¡Oscuridad, incienso y diversión!

Por fin, después de unos treinta minutos esperando, empezaba el misterio de la mano de las canciones que dan inicio al ritual: “Klara stjärnor” de Jan Johansson, y “Miserere mei, Deus” de Gregorio Allegri (esta última pieza me encanta). LaCarne Magazine

Después de la sobrecogedora introducción, empezó el espectáculo con Ashes, tema con el que comienza su último álbum “Prequelle”, y que está interpretada por la hija de Tobias, Minou Forge. Entonces, cae el telón y… ¡FIESTA! Le continuaron los temas “Rats”, “Absolution”, “Faith” y “Mary On A Cross” (este último tema está incluido en su nuevo EP “Seven Inches Of Satanic Panic”), seguido de la instrumental y ecléctica “Devil Church”, para dar paso a una “guerra de riffs” de los NAMELESS GHOULS, con la que dan pie a la potente, y mi canción favorita de Ghost, “Cirice”. Aquí puedes ver el video del tema “Faith”. El Ritual continuó con la también instrumental y sensual “Miasma”, donde hace su aparición estelar PAPA NIHIL, con su dificultad para caminar y su máscara de oxígeno que deja en manos de un ayudante del clérigo, para marcarse un solo de Saxofón que nos deja boquiabiertos y con una sonrisa de oreja a oreja, porque sí, amigos, los rituales son para divertirse. Entre canción y canción, varias charlas y saludos en español por parte de CARDINAL COPIA o CARDI C., quien cambia de vestuario como unas cinco o seis veces durante el show, y también se da un paseo en triciclo por el escenario, recordándonos a la típica escena de la película de terror SAW. “Ghuleh – Zombie Queen” fue el siguiente tema en amenizar la noche. Esta vez sin las “spanish claps” a las que nos tenía acostumbrados el anterior frontman PAPA EMERITUS III. “Helvetesfonster” y las ya conocidas de discos anteriores “Spirit”, “From The Pinnacle To The Pit”, “Ritual”, “Satan Prayer” y “Year Zero” con la que nos calentábamos literalmente con llamaradas de fuego, y con la que los fans coreábamos eso de “Hail Satan, Archangelooo”, canción con la que me gané la atenta mirada del chico de seguridad que tenía justo en fren-

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te. Estaba tan emocionada que quizá pensó que yo iba a saltar sobre el escenario. “Spöksonat” y la preciosa balada “He is” fueron las siguientes, pero no nos relajamos mucho porque enseguida vino una de las canciones favoritas de los fans en los rituales: “Mummy Dust”, la más heavy, con un solo de keytar por parte de una de las GHOULETTES, y con la que todo es una auténtica fiesta cuando empieza a caer el confeti dorado y los dólares, falsos obviamente, con la cara de PAPA NIHIL y con valor de 666$. La nueva y sesentera “Kiss The Go-Goat”, y la discotequera “Dance Macabre” fueron las siguientes en mantener la llama de la fiesta encendida hasta el saludo de despedida de la banda. Los fans que pedían otra canción más hicieron volver a CARDINAL COPIA y los NAMELESS GHOULS de nuevo sobre el escenario para tocar la canción final, “Square Hammer”, que ha sido ganadora del título de “Mejor canción de la década”, al igual que Tobias Forge ha sido reconocido como el mejor artista de género metal de la década. Entre gritos y aplausos por parte de los fans, la banda abandonaba el escenario, exhaustos, mientras sonaba de fondo “Sorrow In The Wind” de Emmylou Harris. En fin, el ritual fue una auténtica pasada. Siempre es un placer ver a esta banda sobre el escenario, es un espectáculo divertido y enérgico, y que deja muy buen sabor de boca. Con ganas de más y de saber cuál es el futuro para el CARDINAL COPIA. De momento, sabemos que este año 2020 estará trabajando en un nuevo álbum. Espero que os haya gustado la lectura. Un abrazo!

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«pUroRuiDo»

un proyecto de libre improvisación LEER MÁS

l grupo pUroRuiDo, conocido anteriormente como JET, ha evolucionado en pocos meses tanto en nombres como en el planteamiento artístico y musical que quiere ofrecer. Según las palabras de Tomás Lucas: “En julio de 2019 se alinearon las mentes y oídos de Tomás Lucas, Elsa Mateu y Javier Entonado, generando una grabación que dio lugar a un disco y a la formación que posteriormente ha ido evolucionando desde su propio nombre original “JET” al nombre actual: “pUroRuiDo”.

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El piano, los instrumentos de percusión, el cello y su electrónica, la trompeta, el fliscorno, e incluso la voz, se complementaron tímbricamente, gestando un proyecto con aires contemporáneos y de libre improvisación, con la única guía de la escucha y el respeto por la música y lo que ella provoca a los músicos que la crean”. Como ya he dicho, el nombre del grupo ha cambiado, y aunque sigamos siendo “pUroRuiDo”, tomará varios “alias” para cada concierto o grabación. Hemos pensado en los siguientes sobrenombres: “a.k.a. 47”, “El Castor de Orcasitas”, “Marion Morrison” o “La Rosa Blanca”.

con ello, sin darle más vueltas a la cabeza. A la vez que los nombres han evolucionado, también lo ha hecho la música y el planteamiento de lo que queremos ofrecer. Ahora es más eléctrico que al principio, y también más performático. Elsa me ha animado a exponer la parte más “payasa” de Arín Dodó. Ella dice que no se atreve a hacer esas cosas, pero me anima a que yo las haga. Y bueno, no necesito mucho para ponerme a ello. Elsa es un buen catalizador. ¿Y Tomás, qué? Pues Tomás es impasible en el escenario, y ante mis payasadas no se inmuta. Ya puede caer una bomba atómica a su lado, que él sigue a lo suyo, dale y que dale a la trompeta y al fliscorno. Ese contraste me encanta. El exceso de Arín Dodó junto al gesto impasible e indiferente de Tomás Lucas. Ya digo, me gusta ese contraste, y me parece una puesta en escena interesante, y eso que está hecha con elementos sencillos.

Estos nombres se nos han ocurrido en conversaciones informales, con unas cervezas delante de nosotros. Y aunque parece bastante irrisorio el asunto (que lo es, porque nos hemos partido de risa varias veces), no deja de ser, desde mi punto de vista, una postura ante el arte. Siempre he intentado hacer música y ya está, que refleje lo que soy, pero sin intentar dar una imagen de algo “elevado” y “trascendente”. Y si hay un poco de humor irreverente, pues mejor. En este grupo estoy a gusto porque con Elsa y Tomás hacemos eso: música. Y disfrutamos

Para ver la evolución de “pUroRuiDo, el grupo anteriormente llamado JET (a.k.a 47, a.k.a El Castor de Orcasitas, a.k.a. Marion Morrison, etc, etc…)” se puede escuchar el disco publicado hace poco en La Tatucera, y también se puede ver un fragmento en video de la más reciente sesión que hemos hecho. Ahí se puede comprobar todo lo que he comentado en este artículo. Tampoco estaría de más que estuvieran pendientes de alguno de los conciertos de “pUroRuiDo”, porque no sabemos cómo serán y cómo evolucionaremos a partir de ahora. Atentamente, J.G. Entonado & Arín Dodó Más información en los siguientes enlaces: www.arintonadodo.com https://arindodo.bandcamp.com/

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Javier Colis

camuflaje sonoro y poesĂa

12 LaCarne Magazine

de creatividad.

avier Colis es un francotirador. Experto en innovadoras técnicas de camuflaje sonoro, siempre armado con energía guitarrera y poesía decadente, que te sorprende desde las sombras con andanadas de creatividad y ausencia de prejuicios. Su bagaje musical es tan amplio y variado como bien conocido, pero ya que estamos dejadme recordarlo a vuela pluma.

Javier Colis frente al espejo

Sólo hace falta citar su participación con Demonios Tus Ojos en el disco homónimo de 1988, publicado por GASA, al lado de Javier Corcobado (voz), Javier Almendral (bajo) y Nacho Colis (batería). Un álbum que de alguna forma enlazaba con “Algún Paté Venenoso”, el último registro de la anterior apuesta de Corcobado, Mar Otra Vez. Antes, Javier Colis ya se había paseado por el sentimiento trágico de la vida con Vamos a Morir, que publicaron dos discos de igual título en 1990 (Triquinoise) y 1992 (Por Caridad Producciones), discográficas emparentadas por su fundador, Javier Piñango. Aunque personalmente sienta una especial predilección por Mil Dolores Pequeños, con una formación que incluía en sus diferentes personificaciones, además del propio Javier Colis, a Jaime Muñarriz, Javier Piñango, Ajo o Markus Breuss, entre otros, que recoge el legado de Vamos a Morir y lo expande hacia los límites del nihilismo. Dejaron cuatro discos para la historia, de los cuales destaco su Opio de 1998 como el más maduro, y donde cobra más sentido que nunca la etiqueta de avant rock. Armonías angulares, guitarras disonantes, y voces letánicas cercanas a la obsesión eran sus ingredientes principales. Todo un festival

Álbumes, por cierto, publicados en el sello Por Caridad Producciones, del que el propio Colis era miembro fundador junto a Ajo y Piñango, y que armaron un catálogo breve pero intenso con producciones de Accidents Polipoetics, Destroy Mercedes, Scorecrackers, Audiopeste o Superelvis (ayer mismo escuchaba aquella K7, “La Suma Persa”, al alimón con Macromassa bajo los apelativos de Macroelvis vs Supermassa). Citemos también su participación activa en Femme Fakir, con un disco de igual título publicado por Luscinia en 2015, que incluye canciones directas, de apariencia sencilla y sin pretensiones, pero engalanadas de arreglos puntillosos que dan como resultado uno de esos discos creativos en su singularidad. Pero es en solitario, opinión personal, donde la música de Javier Colis se muestra más elocuente. En contraposición al concepto, que es más minimalista y recogido, sus niveles de expresividad se expanden en progresión geométrica. Nadie en el Espejo (Luscinia, 2016) es un buen ejemplo de ello. Un álbum sorprendente que se abre con “Espiral”, canción que etiquetarías de inmediato como proveniente del universo Corcobado, pero con inteligentes arreglos de cuerda gracias al violín de Alba Morín (también en “Mono No Aware” y “Plan B”). Inmediatamente después, una alusión “crimsoniana disciplinera” en “Ha Venido Tu Boca”, y sobre todo en “En Deconstrucción #01 y 02”, con esas guitarras sincopadas y contrapuntísticas con el sello personal de Colis, que resultan cortantes y ácidas en su perfecta ubicación con la sección rítmica de bajo (Javier Díez Enea) y batería (Adrián Ceballos). Creedme que estos cortes no están muy lejos del “Electric Counterpoint” de Steve Reich en versión rock alternativo. Ese carácter casi obsesivo permanece a lo largo de todo el disco en temas como “Y no está LaCarne Magazine

bien”, y “Je Vous Salue, Marie”, sólo disipada por momentos más, digamos, melódicos, como la hawaiana “Drácula Enamorado”, con Colis dándole al slack key o algo parecido. Llegados a este punto, personalmente creo que estoy ante un refrescante álbum de rock progresivo si, de una vez por todas, consiguiéramos quitar las telarañas que acogotan el género hasta el reduccionismo. Pero ése es otro debate que no nos ocupa aquí. El culmen del disco o, lo que es lo mismo, mis temas favoritos, llegan casi al final con “Influx Ground Control”, monumental pieza que parte de la improvisación hasta terminar en una implosión eléctrica, sucia y abigarrada, y la relajada y sombría, nunca mejor dicho, “Una sombra”, repleta de desamor y reproches y una guitarra planeadora que lo da todo. “Notas de abajo” (El Muelle Records , 2018) muestra un sonido más expansivo, al menos en lo instrumental, que se inicia con las cargas de profundidad del saxo barítono de Daniel Niño en “Buon Giorno”, y deambula desde el rock crepuscular en “Oh, Dioses”, “No son Espinas” o “De Un Soneto (W.S. 44)” (con una introducción que no hace intuir su desarrollo), a la improvisación de “Bailey Sharrock Blues”, y avalanchas camerísticas de avant rock en las geniales “Notas de Abajo”, “Paseo de Oto-

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ño” (ambas con el violín de Alba Morín) o “La Sonnerie”, un festival o casi duelo contrapuntístico entre la guitarra de Colis, el bajo de Javier Díez Ena, la batería de Jesús Alonso, y el clarinete (barítono, ¿cómo no?) de Pelayo Fernández Arrizabalaga. Y hablando de duelos, la tensa “Pat G en Embajadores” te transporta directamente a O.K. Corral justo antes de la masacre. Y así va fluyendo este maravilloso trabajo, de forma lenta con cambios climáticos suaves que te zarandean a su antojo. Son sólo anotaciones escritas a pie de página (¡qué bien traído!) sobre esta colección de miniaturas musicales difíciles de etiquetar, como todo lo que se escora a la izquierda de la complacencia. Un trabajo equilibrado y narrativo que puentea el rock progresivo con el convencional. Debemos estar atentos a su nuevo proyecto con Juan Pérez Marina para dúo de guitarras improvisadas, llamado Sangre Fácil. Avisados quedáis.

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MĂ S INFO LaCarne Magazine

Niels Nielsen un chute de energía

actualmente en la ciudad vecina, Linköping.

ola a todos! Esta vez vengo a hablaros sobre Niels Nielsen, que, musicalmente hablando, me tiene maravillada.

Él crea música, compone sus canciones, escribe, produce, mezcla, toca la guitarra, sintetizadores, canta, y, si no recuerdo mal, también le he visto tocar la batería. Para mí no fue sólo descubrir un músico, fue descubrir un mundo lleno de sensaciones, estilos y diversión, porque sobre todo en su música se nota que ama lo que hace, y que lo disfruta con todos sus sentidos. Hoy quiero dedicarle estas palabras al inigualable (redoble de tambor) ¡Niels Nielsen!

¿Quién es Niels Nielsen?

Es un chico de Norrköping (Suecia) instalado

16 LaCarne Magazine

A sus 36 años tiene a sus espaldas una amplia trayectoria musical, con influencias de estilos variados, que van desde el metal a la música electrónica, sin dejar de lado el rock y el indie, citando bandas como Dimmu Borgir, Rammstein, Metallica, Beck, Moderat, Depeche Mode y, su banda favorita por excelencia, Radiohead y su líder, Thom Yorke. Ha producido y mezclado para bandas de amigos como Ghost, The Great Discord, MCC (MAGNA CARTA CARTEL), donde además toca la guitarra. También y más recientemente para la banda Starset, Pink Milk, La Fleur Fatale, y un largo etcétera. En solitario tiene más de 6 álbumes y EPs, haciendo una recopilación de más de cien canciones creadas desde el estudio de su casa y bajo su propio sello, The Cortina Collective, siendo su último álbum, Paramount People (2017), un álbum muy personal compuesto

por 15 temas.

banda Ghost) retomó hace un par de años.

“This is nothing” y “All your Friends” están dentro de mis favoritas, y por supuesto su tema más bailable, “Urban Sprawl Begin”, puedes ver el videoclip aquí.

Juntos recorrieron Europa a finales de 2018, aunque en España nos quedamos con las ganas de verlos en directo.

Personalmente, he de decir que la música de Niels Nielsen es para mí un chute de energía, y que su música la escucha desde mi hijo hasta mi padre. Hay armonía y buen rollo en sus canciones, porque él mismo es así, haciendo que sus estribillos y melodías sean muy pegadizas.

El alma muerta de Niels Nielsen

Dead Soul, así es como se llama la banda que creó en 2012 junto al gran cantante Anders Landelius (SLIDIN´ SLIM) y otros colegas. Una banda que mezcla Blues y música electrónica, creando un sonido único que no te dejará indiferente. Dead Soul es sin duda una de mis bandas favoritas. Sus letras son muy profundas, y sus temas son más oscuros, es una combinación perfecta para mis oídos. “Burn Forever”, “The Fool” y “God where are you now” son mis tres canciones top. Puedes ver el video de “The Fool” aquí.

¡¡¡Larga vida al Rock!!!

Una banda llamada SANSUI ROCKNROLL, allá por el año 2007, donde se puede ver a un jovencísimo Niels al frente, junto con otras caras conocidas de sus bandas posteriores (realmente son amigos de toda la vida con un alto potencial creativo), dieron como resultado música rockanrolera y fresca de la que nacieron dos álbumes.

Presente y Futuro

Actualmente Niels está centrado en el nuevo álbum de la banda MCC, que su colega Martin Persner (quien fuera “Omega” de la exitosa

Realmente los fans españoles estamos deseando (me incluyo) que vengan y poder escuchar pronto su nuevo trabajo. Mientras, podemos disfrutar de su música aquí.

Sintetizadores en llamas

No, no es que Niels acabe sus conciertos prendiendo fuego a sus “sintes”. De hecho, él acaba sus conciertos con sus famosos selfies, donde podemos apreciar poco más que sus gafas y su “pelo perfecto”, como él lo llama, con el público detrás. Me refiero a que, desde hace un par de años, Niels colabora como teclista para la banda de metal sueca IN FLAMES, con quienes también ha girado por toda Europa, y con quien sí visitó España el pasado mes de diciembre de 2017, regalándome la oportunidad de conocerle en persona, poder hablar con él un rato, y llevarme su autógrafo y el de los otros miembros de IN FLAMES como un muy valioso tesoro a casa. Niels es un tipo sencillo con ideas brillantes, que simplemente ama la música por encima de todas las cosas, y eso da como resultado grandes éxitos como los que ya acumula en su carrera. En fin, espero que os haya gustado conocer un poco más a este maestro de la música, a quien tanto aprecio y admiro. Recordad que podéis seguirle en sus redes sociales Facebook, Instagram y YouTube. Y también podéis escuchar todo su trabajo en plataformas digitales. Disfrutad mucho de la música y sed felices! Hasta la próxima! LaCarne Magazine

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festivales

Extremeños 2019 análisis y reflexiones

vales de la región. Un dato muy positivo, pero que tiene como contra partida que de los 20 festivales comparados en el intervalo de 2018 y 2019, dos de ellos han desaparecido, aunque también han surgido otros nuevos con renombre.

n el 50% de los festivales extremeños, el porcentaje de artistas locales es igual o superior al 50%.

Verasummer y Rockerfort Fest han sido cancelados, y en cambio surge Udumbara Fest e Interferencias, festivales que desde zonas rurales de Extremadura impulsan proyectos destinados a artistas emergentes de diferen-

Haciendo la comparativa de 20 festivales extremeños, la conclusión es que ha mejorado la presencia de bandas extremeñas en los festiFESTIVALES 2018

ARTISTAS

EXTREMEÑOS

PORCENTAJE

EXTREMÚSIKA

22%

WOMAD

47%

CONTEMPOPRÁNEA

20%

GRANIROCK

33%

PALOMOS

25%

HORTERALIA

25%

FESTIVALINO

33%

VERASUMMER

29%

SUBEROCK

16%

FESTIVADILLO

75%

ITHAKA FESTIVAL

MAYORGA ROCK

15%

ROCKEFORT FEST

EUROPA SUR

PICOTA & ROLL

25%

GUOMAN

67%

VERANILLO FEST

BELLOTA ROCK

34%

ACÚSTICOS AL FRESQUITO

66%

MÚSICOS EN MOVIMIENTO

100%

20 LaCarne Magazine

tes estilos.

propio de bandas regionales, IJEX@WOMAD.

La realidad de los Festivales Extremeños 2019

Aunque la productora externa Womad.org sigue teniendo problemas similares en cuanto al sonido y en cuanto a la paridad, aproximadamente un 25% del cartel.

A continuación, analizaremos cada uno de los festivales: Extremúsika 2019 Extremúsika es el festival con mayor presupuesto de la región, y llevado a cabo por una empresa extremeña, Progevents. El año pasado incrementó en un 10% la presencia de grupos extremeños, y, en cuanto a la paridad en su programación, es una asignatura pendiente, aunque no es de los festivales con menor porcentaje: 18% de bandas o artistas femeninas en su cartel. Womad 2019 Mantiene el mismo porcentaje de artistas extremeños entre sus filas gracias al escenario

Nos daría largo y tendido debatir cómo ha cambiado el tipo de público que acude a este festival. Contempopránea 2019 El número de porcentaje de artistas extremeños en Contempopránea ha bajado en un 13%. Es el festival más emblemático de la región, y estuvo a punto de no realizarse por cuestiones económicas ajenas a la Asociación Contempopránea. Cumplieron con la paridad al tener entre sus

FESTIVALES 2019

ARTISTAS

EXTREMEÑOS

PORCENTAJE

EXTREMÚSIKA

32% 48%

WOMAD

CONTEMPOPRÁNEA

GRANIROCK

22%

PALOMOS

53%

HORTERALIA

50%

FESTIVALINO

60%

VERASUMMER

SUBEROCK

11%

FESTIVADILLO

55%

ITHAKA FESTIVAL

MAYORGA ROCK

28%

ROCKEFORT FEST

EUROPA SUR

25%

PICOTA & ROLL

71% 57%

GUOMAN

VERANILLO FEST

BELLOTA ROCK

44%

ACÚSTICOS AL FRESQUITO

55%

MÚSICOS EN MOVIMIENTO

100%

INTERFERENCIAS

58%

UDUMBARA FEST

100

50% LaCarne Magazine

filas al 48% de grupos o artistas femeninos. Granirock 2019 Granirock compite con Extremúsika en cuanto al tipo de público, aunque se realizan en estaciones del año diferentes, y los presupuestos entre ambos son muy distintos. El Ayuntamiento de Quintana de la Serena ha sabido programar muy bien su cartel si lo comparamos con su rival directo, aunque sí que es cierto que han disminuido el porcentaje de artistas regionales en un 10%, pese a la estrecha colaboración de éste con el festival Bellota rock. En cuanto a la paridad, está aproximadamente en el 40%. Palomos 2019 Gestionado por Fundación Triángulo, el festival ha incrementado aproximadamente en un 28% la presencia de grupos o artistas extremeños en su programación. Un dato enormemente bueno, ya que la mitad del cartel ha sido local. Cumpliendo además con la paridad con un 53% del cartel.

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Horteralia 2019 Horteralia está organizado por la productora extremeña Amantesdementes. Ha aumentado aproximadamente en un 25% la presencia local en su elenco artístico. Otro dato importante e interesante, teniendo en cuenta que este año pasado ha sido su décimo aniversario, y ha configurado un cartel exquisito. Cumplen con la paridad con un 55%. Festivalino 2019 Gran trabajo el que hace el Ayuntamiento de la localidad de Pescueza en diversos aspectos, no sólo culturales, sino también de empoderamiento. Ha incrementado aproximadamente en un 27% la presencia de grupos o artistas extremeños en su programación. Dicho festival sigue creciendo con mayor implicación entre los ciudadanos de la comarca donde se realiza, y el altruismo de grandes artistas nacionales.

En cuanto a la paridad, está aproximadamente en el 40%. Suberock 2019 Organizado por la asociación extremeña Extremasound. Su lema es “Gratis y a la sombra”, y da especial relevancia a formaciones portuguesas. El porcentaje de artistas extremeños ha bajado en un 5%. En cuanto a la paridad, aproximadamente un 33%. Festivadillo 2019 Festivadillo está gestionado por la Asociación Cultural Tritón Ibérico. Teniendo en cuenta que es un festival solidario, y que participa activamente toda la comarca, el año pasado bajó el porcentaje de artistas extremeños en un 20%, pero aun así está en un porcentaje alto de artistas locales. En cuanto a la paridad, sí que los cabezas de cartel de cada día eran grupos femeninos, además muy implicados en la causa, pero el

resto de bandas eran todas masculinas, por tanto, el porcentaje se queda en un 18%. Ithaka Festival 2019 Ithaka Festival está organizado por la asociación madrileña Ithaka. Tras su segundo año en nuestra tierra, el interés por la música electrónica que se hace en Extremadura por parte de la organización es casi nulo. En dos años han programado 35 formaciones electrónicas, de las cuales sólo una ha sido extremeña. Al menos, este año han aumentado el porcentaje en un 6% de artistas locales. En cuanto a la paridad, la cumplen con un 43% aproximadamente. Mayorga Rock 2019 Mayorga Rock está gestionado por la productora extremeña Amantesdementes. Un festival que empieza a consolidarse. Ha incrementado el porcentaje de artistas extremeños en un 8%, y en lo que respecta a la paridad, un 28% aproximadamente. LaCarne Magazine

Europa Sur 2019 Gestionado por asociación extremeña Bonvivant Records. Pese a que es un festival consolidado y que ha cambiado de sede, es un evento donde este pasado año ha tenido un incremento de un 25% de artistas locales. Inicialmente positivo y alto, pero viendo las cifras de hace dos años no es para tirar cohetes. En cuanto a la paridad, la cumplen con un porcentaje de 50%.

man parte del cartel ha incrementado en un 10%. Por otro lado, en cuanto a la paridad, casi se cumple con un 44% del cartel. Acústicos al fresquito 2019 Es un festival organizado por José Carlos García. El año pasado contó con un cartel 100% femenino, del que el 55% de las bandas eran extremeñas. Veranillo Fest Organizado por una productora extremeña.

Picota & Roll 2019 Picota & Roll está organizado por la productora extremeña Picota Producciones.

Ningún artista extremeño ha formado parte del cartel, y en cuanto a la paridad, 0%. Ni bandas extremeñas ni paridad, mucho trabajo por hacer.

Es el festival en el que más ha incrementado el porcentaje de artistas locales, un 46%. En cuanto a la paridad, solo un 14% del cartel.

Músicos en movimiento Músicos en Movimiento es un proyecto de la Diputación de Badajoz.

El festival de los extremos es el evento con más bandas extremeñas, pero con escasa presencia de mujeres entre sus artistas.

Con 4 años de existencia, por el festival han pasado 26 bandas que tocan por diferentes pueblos y localidades de la provincia de Badajoz. El año pasado fueron 19, todas extremeñas.

Guoman 2019 Elaborado por la Asociación Cultural Guoman. Evento consolidado y solidario con muchos años de experiencia. El pasado año bajó el porcentaje de artistas extremeños en un 10%, pero aun así la presencia de bandas locales está por encima del 50%.

En cuanto a la paridad, es una asignatura pendiente, ya que estuvieron en un 22%. Lo que nos llama la atención es que de las 26 bandas que han pasado por el evento, 12 de ellas pertenecen a 5 músicos.

En cambio, tiene una cifra muy negativa en cuanto a la paridad: ningún artista femenino entre las bandas que formaron parte del cartel.

Udumbara Fest 2019 Udumbrara Fest es un festival auto gestionado y organizado por diversos colectivos extremeños agrupados en Konfussion Tribe.

Bellota Rock 2019 Organizado por la Asociación extremeña Bellota Rock.

Con el cartel más largo de artistas electrónicos (100 artistas), donde el 50% de artistas son locales.

Dicho festival es el encargado de elegir las bandas regionales que formarán parte del Granirock.

En cuanto a la paridad, tienen trabajo por hacer porque estuvieron en un 12% aproximadamente.

El porcentaje de bandas extremeñas que for-

Interferencias 2019

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Interferencias es un festival organizado por Asociación Cultural Interferencias Emergentes, donde Antonio Lázaro es uno de sus máximos responsables. A modo de concurso, alberga diferentes sedes en pueblos de la comarca de la Siberia extremeña, con evento final en Garbayuela, donde tiene lugar el acto consumación del festival/ concurso. En esta “final” contaron con 7 formaciones artísticas, donde el 58% fueron extremeñas, y el ganador fue una banda regional oliventina. En cuanto a la paridad, estuvieron en un 28% aproximadamente.

Reflexiones y conclusiones

Al fin y al cabo, en cuestión de un año el porcentaje de artistas extremeños que forman parte de los festivales de la región se ha incrementado notablemente, un dato que habla bien de los programadores de los festivales locales, y una dinámica que, si se mantiene en este 2020, será tremendamente positiva para el futuro de los músicos de Extremadura, y quién sabe si para su profesionalización. De todos los festivales extremeños consultados, incluyendo los desaparecidos y los surgidos nuevos, tenemos un reparto equitativo de festivales de la región en cuanto a provincias. Otro dato positivo, porque en un año se ha eliminado la desigualdad norte-sur en cuanto a este tipo de eventos.

la paridad, como a continuación exponemos en el esquema que hemos elaborado, ya que tan sólo el 55% de los festivales regionales no cumplen con la paridad, en concreto en estos festivales el porcentaje de artistas femeninos es inferior al 35%. EN EL 55% DE LOS FESTIVALES EXTREMEÑOS EL PORCENTAJE DE ARTISTAS FEMENINOS ES INFERIOR AL 35%. * (Toda la estadística en cuanto a la paridad se ha realizado a base de comprobar las webs de cada grupo o banda que forman parte del festival, y contando como formación femenina toda aquella banda o artista que contenga algún miembro mujer en el grupo). * (En dicho artículo no están todos los festivales de la región, pero sí los que, a nuestro juicio, son los más importantes de los realizados en nuestra tierra) FESTIVALES 2019

PARIDAD

EXTREMÚSIKA

18%

WOMAD

25%

CONTEMPOPRÁNEA

48%

GRANIROCK

40%

PALOMOS

53%

HORTERALIA

55%

FESTIVALINO

40%

SUBEROCK

33%

FESTIVADILLO

18%

ITHAKA FESTIVAL

43%

MAYORGA ROCK

28%

Podemos afirmar que surgen brotes verdes en la música en Extremadura en cuanto a los festivales se refiere, que es a lo que se ciñe este artículo, aunque todavía queda mucho trabajo por hacer, ya que en el 40% de festivales los artistas locales están por debajo del 35%.

UDUMBARA FEST

12%

EUROPA SUR

50%

PICOTA & ROLL

14%

VERANILLO FEST

EN EL 40 % DE LOS FESTIVALES EXTREMEÑOS EL PORCENTAJE DE ARTISTAS REGIONALES ES INFERIOR AL 35%.

ACÚSTICOS AL FRESQUITO

100%

INTERFERENCIAS

28%

MÚSICOS EN MOVIMIENTO

22%

GUOMAN

BELLOTA ROCK

44%

Pero, además, otro dato “destacable” con respecto a los festivales extremeños es en LaCarne Magazine

Laurel Aitken el Padrino del Ska

tiendo a la música jamaicana en un referente mundial. No podía ser otro que el Padrino del Ska, Mr. Laurel Aitken. LEER MÁS

ues estrenamos año, y no se me ocurría una mejor manera para felicitaros el 2020 que regalaros un poquito de aire tropical a modo de ritmo jamaicano con el gran Laurel Aitken.

Antes de meternos en materia, vamos a poner las bases de los estilos musicales que se desarrollan en Jamaica.

El Ska, primer estilo musical propio de Jamaica

Así que os propongo un viaje por la isla, donde abordaremos ritmos como el Ska, el Rocksteady y un poquito de Reggae.

Todos conocéis a Bob Marley, y fue un tipo muy importante (consiguió exportar el Reggae a nivel mundial), pero la música jamaicana va mucho más allá.

Y por supuesto, tenemos un invitado especial. Un artista que consiguió mantenerse activo durante hasta casi el final de su vida, convir-

En la isla jamaicana existían ritmos caribeños propios como el Mento y Calypso, sonidos tra-

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Los Djs tenían muchísima popularidad, siendo el más famoso Duke Reid (el gran productor de música jamaicana). Los jóvenes jamaicanos intentaban imitar la música que llegaba de EE.UU., y así empezaron a crear sus propias producciones, donde se mezclaba el R&B con los ritmos del Calypso y el Mento. Así nacía el Ska, el primer estilo musical propio de Jamaica.

El nacimiento del Rocksteady

Con los Sound System se creó una auténtica legión de fans. Cada Dj tenía sus propios seguidores, denominados Rudies o Rude Boys. Se creaban diferentes bandas de Rude Boys que competían entre ellos cantando y bailando en los Dance Hall Crasers. Los Rude Boys se caracterizaban por su manera de bailar y de vestir (de manera elegante y con los pantalones siempre cortos de pierna. Si os interesa este tema, podéis echarle un ojo a la película The Harder They Come, protagonizada por Jimmy Cliff). Entre los artistas más conocidos de la época destacan Derrick Morgan, The Skatalites, Millie Small (con su mítico My Boy Lollipop) o Byron Lee. dicionales de toda la zona. Sin embargo, con la independencia de la isla a finales de los años 50, empezaron a llegar discos de R&B importados de EE.UU. Estos eran pinchados por los Djs del momento en los famosos Sound System en los guetos de Kingston (pequeñas discotecas ambulantes que se creaban a partir del remolque de un camión. Este concepto se desarrollará muchísimo posteriormente, hasta derivar en las raves o free partys). Aquí los jóvenes encontraban una forma de evasión a los problemas socioeconómicos que tenían ante la independencia colonial.

Este movimiento duró hasta el verano de 1967, momento del nacimiento del Rocksteady. El calor vespertino hacía que los Djs aminoraran los ritmos de Ska para que costase menos esfuerzo bailar, creándose así ritmos más lentos. Además, estos ritmos se valían de formaciones vocales, y abandonaban la sección de vientos del Ska tan marcada. Se creó una perfecta fusión entre Ska y R&B. Los fans del Rocksteady serán una nueva generación musical, y eso se nota en las letras de las canciones, un tanto más frívolas (amor, amor y más amor…). Entre sus principales artistas destacan Desmond Dekker, Alton Ellis (uno de mis artistas LaCarne Magazine

favoritos del mundo entero), The Paragons, The Ethiopians, The Heptones o The Melodians.

Fusión musical y tribus urbanas

Todo esto se iba extrapolando al Reino Unido, donde la música jamaicana llegó fuerte y se asentó durante bastantes generaciones, creando varias fusiones musicales. Las tribus urbanas del momento, como los Mods, empezaron a adoptar las formas de los Rude Boys, y empezaron a imitarlos con los cortes de pelo, y la vestimenta. Finalmente, esta tribu urbana evolucionaría en los Skinheads (tranquilo todo el mundo: los Skinheads nacieron como una subcultura en Reino Unido en la década de los 70, como respuesta contraria al pacifismo de los hippies, sin postura política definida, y con una estética de botas y tirantes, basada en las zonas obreras, muy característica. En lo que evolucionaron después, ya sabéis…). Como veis, el boom en Reino Unido de la música jamaicana fue brutal. Y después llegaron Marley y los Wailers con su Reggae, y el mundo ya se volvió loco por la isla. Y si Jamaica ha tenido a un representante de toda su música, ése ha sido Laurel Aitken.

Laurel Aitken, The Boss Skinhead

Laurel Aitken nació en Cuba el 22 de abril de 1927, procedente de una familia de descendencias jamaicana y cubana. En 1938, toda la familia se trasladó a Kingston, donde el joven Lorenzo empezó trabajar para la Oficina de Turismo de Jamaica cantando canciones de MENTO para los turistas que llegaban al puerto de Kingston. Llegó a ser bastante popular como animador de discotecas. Sus primeras grabaciones son de finales de los años 50. Eran canciones Mento como Nebuchadnezzar, Baba Kill Me Goat o Sweet Chariot.

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En 1958 grabó Boogie In My Bones/Little Sheila, el primer disco de música popular jamaicana, que además se lanzó en el Reino Unido. También grabó estos años sencillos más cercanos al R&B, como More Whiskey o Low Down Dirty Girl, grabados por el gran Duke

talites, de nuevo junto a Duke Reid, temazos como Weary Wanderer o Zion. En 1963 se traslada de nuevo a Jamaica. Su reconocimiento empieza a crecer, pero no sólo en Jamaica, también en Reino Unido (donde le denominaban The Boss Skinhead). En este momento, durante las décadas los 60 y 70, se convirtió en un artista muy prolífico, grabando con sellos tan importantes como Blue Beat, Tama, Trojan Records, Rio, SkaBeat o Un-Beat. En los 70 se traslada a Leicester. Durante estos años, su producción sufre un pequeño bajón, así que vuelve a trabajar como animador de clubes nocturnos y restaurantes.

Laurel Aitken, un artista prolífico

Sin embargo, en los años 80 se produjo un renacimiento del Ska a raíz del movimiento 2Tone (un género musical británico que fusionaba el Ska con Punk, Rock y música New Wave. Sus principales representantes fueron The Specials, The Selecter o The Beat, entre otros) y Laurel supo aprovecharlo. Su tema Rudi Got Married fue un éxito total. Laurel Aitken fue un artista prolífico que pasó por el Mento, el Calypso, el Ska, el Rocksteady, el Reggae, e incluso hizo incursiones en el Dancehall en los años 90, y, además, hizo conciertos hasta el final de su vida, en 2005 debido a un ataque al corazón.

Reid, el gran compositor de música jamaicana. En 1960 se mudó al Reino Unido, concretamente a Brixton, firmando con el sello Blue Beat, con quien sacó hasta 15 sencillos. Incluso grabó con la formación nacional más importante y conocida de Jamaica, The Ska-

Recorrió a la cabeza las 3 olas de la música jamaicana, consiguiendo moverse globalmente y colaborando con artistas de todo el mundo (Ska Flames, de Japón; The Buster, de Alemania; Francisca, de Italia; The Toasters o NY Ska Jazz Ennsemble, de EE. UU. o Malarians y Skarlatines, de España). Además, fue el primer jamaicano en grabar y conseguir un éxito nacional. Por todas estas cosas, y por muchas más, os invito a poneros un disquito de Laurel, despejar la pista, y dejaros llevar por el buen rollo que desprenden sus canciones. LaCarne Magazine

Eduardo Polonio

y los pioneros musicales en España caracterizados por la ausencia tanto de protagonismos como de fronteras territoriales. LEER MÁS

duardo Polonio, Enric Cervera, Eduard Altaba, Tres… O cómo rendir homenaje a los pioneros

La escena musical experimental de los 70 y 80 en España fue un milagro. Autores de talento trabajando con más ganas que medios en un país particularmente ingrato con sus artistas en general, y mucho más con los exploradores sonoros ajenos a modas o modismos. No era óbice, sin embargo, para esa explosión de creatividad que se vivió en aquellos años,

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Uno de los pioneros de la música electroacústica en España se llamaba Eduardo Polonio, y venía de pertenecer a los grupos Koan y Alea, gérmenes de la posterior expansión electrónica en el país. En 1976, al lado de otro explorador sonoro como era Horacio Vaggione, ya había perpetrado esa joya titulada “Viaje” (Movieplay, Serie Gong) bajo el apelativo de IT. Una obra multiforme, que en un formato experimental dejaba entrever hechuras del minimalismo repetitivo. Conocería este trabajo bastantes años des-

pués porque mi primer contacto con la música del maestro tuvo lugar en 1987, gracias a la publicación por parte del sello de Andrés Noarbe, Discos Esplendor Geométrico, de “Bload Stations Syntax Error”, y concretamente con el tema que abría el disco, “Valverde”, una genialidad de música cúbica y repetitiva que se explaya en tres dimensiones a través de bucles infinitos, con la participación del guitarrista José Manuel Berenguer (sí, el mismo que posteriormente firmaría otra genialidad titulada “Klänge” -Música Secreta, 1993-), que personalmente me enamoró. Reconozco que no me adentré en el contenido del resto del álbum hasta varios días después, porque mi escucha de esos ocho minutos mágicos de “Valverde”, que aún me acompaña hasta hoy, también fue repetitiva.

En aquel momento supe que no sólo estábamos ante un creador, haciendo un chiste fácil con su apellido, radiactivo, sino, y especialmente, ¡ADICTIVO! El disco, compuesto a partir de maquinaria como Minimoog, Polymoog, EMS Synthi AKS y el ordenador Yamaha CX5MII, por supuesto albergaba muchas más sorpresas como la ambición y complejidad polirrítmica de “¡Estate quieto ya!”, los pasajes más ambientales de “Paseo Japonés en Nairobi”, sin perder nunca la referencia minimal y repetitiva que retorna ya protagónica en “Tratado de Orugas Inquietas”. A partir de ahí, ya convertido en un fan irredento, me haría con “Acaricia la Mañana”, puLaCarne Magazine

investigación electroacústica combinados con improvisación libre eran sorprendentes. Los dos contrabajos de Altaba y Cervera se enredaban con el Minimoog y el órgano Farfisa de Polonio en evoluciones poco frecuentes. Años después incluiríamos un extracto de uno de los temas, “Chaheb”, en el primer y único volumen de la serie “Archiva Abbysalia” (margen Records, 2001), que pretendía, precisamente, sacar de la oscuridad gemas ocultas de la música de vanguardia. Pero más allá de eso, la obra permanecía bien escondida, como suele suceder con los tesoros más codiciados. blicado por UM en 1984, y “Cuenca” (Nuevos Medios 1988). Aprovechando una entrevista con él en Margen Magazine #25, Polonio participaría en uno de los recopilatorios de la serie “Músicas desde el Abismo” que acompañaban la revista con una remezcla inédita del tema “Ataïr”, que ya había aparecido en 1985 en otro recopilatorio en K7, del sello Insane Music de Alain Neffe, concretamente en el Vol. 3 de su serie “Home-Made Music For Home-Made People”.

La recuperación de un clásico

A principios de los 90 (del siglo pasado, se entiende), el contrabajista catalán Enric Cervera, miembro de ese grupo mítico que es Tropopausa, y posteriormente, y entre otros proyectos, con protagonismo en el álbum “Atlas” del grupo Naïf publicado en 1982 por el sello de Albert Giménez, Filobus Records, que también participaba activamente en ese trabajo al lado de otros nombres conocidos como Victor Nubla, Conrad Setó, Oriol Perucho, o el también contrabajista y ex Tropopausa Eduard Altaba, me pasó una casete con 5 temas que contenía una serie de improvisaciones grabadas en vivo por el triunvirato Polonio/Altaba/Cervera. Cuando lo escuché no me podía creer que aquello se mantuviera oculto al conocimiento humano, porque los hallazgos a niveles de

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Y así seguiría de no ser por algunos argonautas modernos que siguen en su búsqueda del vellocino de oro. Me refiero concretamente a la gente de esa factoría denominada La Olla Express, comandada por la artista multidisciplinar Eli Gras. Una lujosa edición en CD, en su serie “Barcelona Documents Musicals”, presenta en su totalidad los 5 temas grabados en directo en 1981 por Polonio/Cervera/Altaba, complementados por otros 6 cortes de Polonio con el artista barcelonés Tres (recientemente fallecido y miembro fundador del grupo de rock progresivo KLAMM) muy bien incorporados en el concepto del álbum. Un disco imprenscindible, como muchas de las producciones de La Olla Express, que reúne en su catálogo desde lujosas retrospectivas de Koniec o Camino al Desván, a nuevos proyectos como la Banda d’Improvisadors de Barcelona, dirigida por el gallego Pablo Rega. Lo mejor es que des una vuelta por su bandcamp y te regocijes.

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magazine

europa y latinoamĂŠrica

entrevistas

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the last internationale regresan a españa en 2020 T

han convertido en habituales de los circuitos festivaleros más relevantes de América y Europa, y les han llevado a ser uno de los grupos favoritos más demandados por el público.

Ahora están a punto de embarcarse en una enorme gira europea que, por suerte para nosotros, les traerá a varias ciudades españolas. Medio mundo sabe ya que el duo formado por Delila Paz y Edgey Pires desde 2008 es Rock sin tregua, letras incendiarias y mucha emoción.

Su primer álbum, We Will Reign (2014), fue un éxito total, y el más reciente, Soul of Fire (2019), ha alcanzado el número uno en la lista de blues de iTunes en Reino Unido con su primer single, Hard Time, colándose, además, en el top 20 en diferentes países del mundo. Rock rebelde y pegadizo en estado puro, que ha conseguido fusionar la poderosa voz de Delila Paz y la furia de las guitarras de Edgey Pires a la perfección.

Sus electrizantes actuaciones en directo se

Música comprometida que nos demuestra que

he Last Internationale ha alternado en escenarios de medio mundo con figuras tan importantes como Robert Plant, Neil Young, The Who, Kings of Leon, Slash, Scott Weiland, Weezer, One Republic, Tom Morello, Lenny Kravitz, Incubus o Royal Blood, entre muchas otras.

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aún podemos hacer cosas, y que el cambio depende de nosotros, mientras somos testigos de uno de los mejores directos del planeta. Os dejamos con la entrevista a The Last Internationale!

The Last Internationale y la revolución desde los escenarios

The Last Internationale, bienvenidos a LaCarne Magazine. Estamos muy emocionados con esta gira de presentación de vuestro nuevo trabajo, Soul of Fire. Un disco increíble y muy potente. ¿Con ganas de volver a Europa? ¡Sí, estamos encantados de regresar a Europa!

Ya habéis estado en otras ocasiones en nuestro país, ¿podéis contarnos qué tal os fue y cómo os recibió el público? Excelente. Los espectáculos siempre son ruidosos, y la fiesta generalmente continúa en las calles. Es totalmente diferente que en los Estados Unidos, donde es ilegal tomar cerveza en las calles en casi todas partes. La gira con los shows en directo comienza este año en España el próximo 16 de febrero en la sala Capitol de Santiago de Compostela. Para aquellos que vayan a veros por primera vez, decidnos ¿qué se van a encontrar en vuestros directos? ¿Cómo es The Last Internationale en vivo? LaCarne Magazine

La gira comienza en Lisboa el 14 de febrero en Lisboa Ao Vivo. El espectáculo tiene muchas improvisaciones. En realidad, nunca seguimos el orden establecido de los temas, por lo que hay mucha espontaneidad en nuestros conciertos. Un espectáculo de rock debería eliminar la barrera entre la banda y la multitud, por eso siempre nos verás entre el público o el público en el escenario. A veces invitamos al azar a los fans a cantar o tocar con nosotros. Es simplemente caos.

Contáis con muchos seguidores en nuestro país (y por todo el mundo) que tienen muchas ganas de veros en directo. ¿Cómo veis desde el escenario la reacción del público ante los nuevos temas? ¿Hay alguna reacción diferente entre el público de España y el de otros países? La multitud ama las nuevas canciones. De hecho, siguen pidiendo canciones del nuevo álbum que todavía no hemos tocado en directo. La reacción tanto en España como en Portugal es similar. Todo lo que se necesita es una

Gira The Last Internationale 2020 en España 16 Feb 2020: Santiago de Compostela Sala Capitol – entradas 14 Abr 2020: Vitoria Sala Jimmy Jazz – entradas 16 Abr 2020: Madrid Cines Palacio de la Prensa (Sala 0) – entradas 17 Abr 2020: Barcelona Sala Apolo – entradas

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persona que haga ruido entre la multitud para encenderlo. Las entradas de la gira por España ya están a la venta en la plataforma Wegow y seguro que ya tenéis sold out en algunas de las salas. ¿Cómo os sentís cuando os dicen que no hay entradas? ¿En qué países soléis hacer más sold out? Vender todas las entradas de un concierto siempre da buen rollo. Hemos vendido todas las entradas en la mayoría de los espectáculos en la última gira. Esta vez reservamos algunos lugares mucho más grandes, al doble o el triple de su capacidad. Por supuesto, nos encantaría tener también sold out en ellos, pero nuestras intenciones iniciales eran atraer a la mayor cantidad de personas posible para que nadie se quede fuera. Siempre da miedo dar un salto tan grande, pero de todos modos siempre nos hemos arriesgado. También tocamos en ciudades que donde no hemos tocado en años, como Madrid y Barcelona. Esperamos que no se hayan olvidado de nosotros. La gira por España se extiende hasta el mes de abril, pero sabemos que tenéis muchas más fechas cerradas por toda Europa. ¿Cuánto tiempo creéis que durará esta gira? ¿Haréis gira por más países/continentes durante este 2020? Definitivamente giraremos mucho más en 2020. Esta gira principal terminará en Oporto, en el Hard Club el 18 de abril. Sin embargo, tenemos mucho más planeado después de eso. Preparar una gira de estas características implica mucho trabajo y tiempo. ¿Cómo os organizáis para tenerlo todo a punto (entrevistas, viajes, dormir, comer, conciertos, descansar)? ¿Tenéis “tiempo libre” o estáis centrados únicamente en el trabajo? Desearíamos tener tiempo libre. Para nosotros, organizar los tours es una tarea muy fácil, pero requieren mucho tiempo. La espontaneidad es muy importante para nosotros en el camino porque rompe la monotonía de horarios fijos y rutinas aburridas. Entonces, si hay algunos días de inactividad, nos gusta decidir cuándo permanecer en la ciudad en ese pre-

ciso momento. Los tour manager generalmente temen esto, ya que les gusta planearlo todo previamente, pero así evitamos tener que estar atrapados en una ciudad en la que no queremos estar. En la última gira, por ejemplo, decidimos hacer una parada en Amsterdam, y terminamos quedándonos allí un poco más de lo que deberíamos. ¡El camino debe ser una aventura! De todos los países de Europa que habéis recorrido hasta ahora, ¿cuál os ha gustado más y por qué? ¿Hay algún país o ciudad en el que queráis tocar y que aún no hayáis visitado? No hay un país concreto que nos guste más. Lo que queremos decir es que te gustan algunas personas más que otras. No se puede poner un valor cualitativo en las relaciones humanas. Eso estaría jodido. Viajamos a las ciudades principalmente para ver caras conocidas y conectarnos con nuevas personas. Si el café también es bueno, entonces genial. Pero, en última instancia, estamos allí para construir un vínculo comunitario y eventualmente comenzar algún tipo de revolución, ya sea cultural, social o política. Hay muchos lugares en los que nos encantaría tocar. Nuestro objetivo es visitar todos los países del mundo.

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fuensanta blanco y miki gázquez en el Centro Machado de Colonia

cereño estuvieran en Alemania dándonos a conocer su trabajo.

n la pasada edición del MUM (Meeting, Music, Market) coincidimos Luziano González, director del Centro Machado de Colonia, los artistas Fuensanta Blanco y Miki Gázquez, y este músico afincado en Alemania, metido a cronista de esta gran revista digital con vocación internacional que es LaCarne Magazine. La buena predisposición por parte de todos hizo posible que, antes de acabar el pasado año, la bailaora emeritense y el cantante ca-

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Fuensanta Blanco y Miki Gázquez en el Centro Machado de Colonia ¿Cómo ha sido vuestra experiencia en el Centro Machado de Colonia? Fuensanta: Me quedo sobre todo con el público, muy entregado. Y con los músicos, que se supieron adaptar perfectamente a lo que yo pretendía. Hubo varios momentos mágicos en los que pude desarrollarme como quise. Volvería a repetir, sin duda.

Miki: Todo lo que sea viajar e ir a sitios diferentes es algo que siempre apetece y que gusta. Así que ha resultado interesante, como otros viajes que he realizado. Miki, a ti te acompañó Harry Alfter, un icono de la música alemana. Hubo gente entre el público que además conocía el video de tu versión de Phill Collins. ¿Sentiste presión? Presión ninguna, todo lo contrario. Ya lo conocía de antes, y ha sido un honor tocar con él. Es uno de los músicos más importantes de Alemania, y creí que vendría al Centro Machado para colaborar en un par de temas. Al final tocó todo el concierto. Estuvo genial! Fuen, la actuación fue en Colonia, pero vino gente de Düsseldorf, Leverkusen, e incluso desde un pueblecito situado a 100 km, según me contó una pareja que se tomaban un vinito en el intermedio. ¿Sentiste presión? Presión nunca, al revés. Es un orgullo y una motivación para hacerlo bien, y que esas personas se lleven un buen recuerdo al hacer el trayecto de vuelta. Intentas agradecerle con tu baile y tu pasión el esfuerzo que han hecho al desplazarse. Miki, has viajado por todo el mundo, tienes trabajos para Netflix con una compañía de California, también en Canadá… ¿Cómo has visto Alemania? Muy bien. El trato fue genial, estuve muy arropado y me sentí como en casa. Me gustaría darte las gracias, Isra, por pasar tanto tiempo juntos, y por acompañarme en el concierto con la percusión. Gracias también al Centro Machado, pues el trato fue impecable. La relación con el público es muy difícil de describir con palabras porque son situaciones para vivirlas. Lo disfruté mucho, y fueron momentos enriquecedores. En cuanto a la ciudad en sí, las visitas fueron maravillosas. Fuen, has viajado por todo el mundo, e inclu-

so has trabajado en Japón varios meses. ¿A ti qué te pareció Alemania? Pues mira, Alemania me encantó. Ya había estado en Berlín, que es una ciudad más grande y cosmopolita, pero Colonia me pareció muy interesante por su mezcla entre tradicional y vanguardista. Tengo un bonito recuerdo de la estructura de la ciudad, que esconde un arte en sus calles que me gustó muchísimo. Pero ten en cuenta que yo bailé en un centro español. La mayoría de la gente con la que traté tenía algo que ver con España, así que ese carácter te hacía parecer como si estuvieras en casa. La gente me trató muy bien, salimos a pasear y todas esas cosas. Y si lo puedo contar, en tu casa lo pasamos genial (risas), con tus niños que son medio alemanes medio españoles. Vaya experiencia! En Alemania, si eres artista te pagan el 50% de la cuota de autónomo. Puedo dar fe. ¿Creéis que esta medida funcionaría en España, o veis posible otras alternativas? Miki: Yo creo que no se debería pagar nada al mes. La medida en Alemania está bien, pero no deja de ser un parche. Los artistas que no son famosos, que día a día se buscan la vida, deberían tributar/cotizar solamente los días que trabajan, y no tener una cuota fija. Fuensanta: En realidad no sé qué medidas serían las adecuadas. Habría que estudiarlo junto a economistas y artistas en diferente situación, pues no todos obtienen los mismos ingresos. Lo que sí te digo es que algo habría que hacer. Un detalle: en España hemos tenido elecciones tres años seguidos prácticamente, y en ningún debate se habló de cultura. No es algo preferente para los políticos. No puedo decir lo mismo de Extremadura, aquí estoy bastante contenta con la inversión en cultura. LaCarne Magazine

Aunque insisto, hay que hacer algo porque nosotros pasamos muchas horas metidos en un estudio, horas de trabajo en las que no se gana dinero, y ni siquiera las puedes contabilizar a la hora de ponerle precio a un espectáculo porque saldría carísimo. Hay que ayudar, no sé cómo, pero ayudar. Al fin y al cabo, lo artístico y cultural es lo que mueve el mundo. ¿Cuáles son vuestros próximos proyectos? Fuensanta: Con respecto al MUM ya están saliendo colaboraciones con Los Niños de los Ojos Rojos, con el compositor artesano David Álvarez, con el fotógrafo Javi Pulpo, con LaCarne Magazine…

Quiero continuar con mis clases, y básicamente seguir en la misma línea, pero abarcando más trabajo que me permita crecer en todos los sentidos, porque yo nunca me conformo (risas). Miki: Para este 2020 ya tenemos preparado nuevo single que saldrá en todas las plataformas digitales, con video-clip incluido. También estamos metidos con la producción del nuevo disco y la promoción de nuevos conciertos.

Además, tengo un proyecto que no puedo contar, pero con el que estoy muy ilusionada.

Por mi parte, agradeceros públicamente por los momentos tan intensos vividos en el Centro Cultural Machado de Colonia. Y desearos que este 2020 sea vuestro mejor año, y que podamos ser testigos de ello aquí, en Alemania. Muchísimos besos para los dos!

Quiero sacar mi espectáculo “La Merenguela” fuera de España, darlo a conocer a todo el mundo porque habla de la mujer, y es muy reivindicativo. Y trabajar en todos los tablaos y teatros que pueda.

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Cloaca

Garage, Punk y Rock and Roll LEER MÁS

Ejemplos pueden ser Bento Veloso, Harakiri o Los Trinches. La verdad, llevamos toda la vida pululando, ya sea por la trastienda del rock and roll como tocando por ahí.

esde el subsuelo coruñés llegan Cloaca. Bento Carroña y Rata Ray, el duo más infame, nos traen su primitivo sonido desde las alcantarillas coruñesas, con producciones precarias para mentes enfermizas.

Es lo que somos y es lo que hacemos!

Hablamos con estos dos personajes adoradores de los sonidos más enérgicos del garage punk de los 60 y el posterior revival de los 80.

Ambos montamos el proyecto centrados en el punk, el garage, el surf, y el rock and roll más primitivo, que es de lo que llevamos mamando toda la vida, pero, la verdad, acabamos haciendo algo que no es una cosa ni la otra, ni sabemos nosotros muy bien lo que es exactamente.

Cloaca, Garage, Punk y Rock and Roll

¿Antecedentes musicales de Cloaca? Ambos venimos de andar haciendo nuestras cosas cada uno por su lado. Trabajos en solitario y bandas locales, que en muchos casos no llegaron a salir del local de ensayo.

¿Influencias de la banda? Es la pregunta más temida de toda entrevista para nosotros. No sabemos nunca qué contestar a eso. Jajaja.

Somos como la mezcla de residuos que cae por nuestra cloaca. Un pedazo de Fuzztones flotando con trozos de Cramps, Link Wray, Dead Moon, o Parálisis Permanente. ¿Cómo definís vuestro estilo?

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gusto tocando, y se nota. ¿Estáis trabajando en nuevos temas? Siempre estamos trabajando en nuevos temas. La verdad es que somos bastante prolíficos, y no paramos nunca de estar haciendo nuevos temas. No sabemos quedar para repasar un setlist para un bolo sin ponernos a meter cosas nuevas que se nos van cruzando por el camino. Ahora estamos encerrados preparando temas para grabar en enero en La Cortina Roja, y aun así tenemos huecos “para algún tema que vamos a hacer”. jajaja. En enero contamos tener grabado material para un Lp, y durante el invierno esperamos conseguir aliar alguna liga del mal que nos ayude a editarlo.

Ésta es peor de contestar que la anterior. No nos paramos mucho a intentar definirnos. Hacemos lo que nos sale, y tiramos para adelante sin pararnos demasiado a pensar en lo que hacemos. Lo hacemos y ya. ¿Qué tal los conciertos de presentación de vuestro primer Ep? ¿Cómo son vuestros directos? El público que asiste a ellos, ¿qué media de edad tiene? La verdad es que bien. Hace un año que sacamos el Ep, y hemos estado tocando todo lo que nuestras vidas nos dejan, y consiguiendo salir algo de casa a montarla por ahí, que es el objetivo de todo esto. Estamos muy contentos de todos los sitios por los que hemos pasado, y de la gente cojonuda que hemos ido conociendo por ahí. Y la verdad es que estamos notando cómo vamos evolucionando y compactando nuestro directo y repertorio. Cada vez estamos más a

¿Quién hace los diseños de vuestras portadas, carteles…? Nos vamos currando nosotros todo como podemos. Como todo. Ahí el peso recae más en Bento Carroña. Es un apasionado de la ilustración y el diseño gráfico, y como se le da bien, nos aprovechamos de él. Al final andamos en estas movidas para cada uno poder hacer las cosas que le gustan. ¿Actualmente Cloaca formáis parte de algún proyecto musical más? Ambos tenemos aparcados otros proyectos en este momento para centrarnos con Cloaca. Pedimos perdón especialmente a Los Trinches, que los tenemos en barbecho. Volveremos!! Los dos estamos liados con curros, estudios, y demás historias. Tenemos disponibilidad limitada, y esta temporada hemos estado centrando el tiempo del que podemos disponer para tirar adelante con este proyecto. Vuestras letras son oscuras, divertidas…, ¿qué os inspira a la hora de componerlas? Las sombras de la naturaleza humana son LaCarne Magazine

una fuente de inspiración inagotable. Y los comics, las pelis de serie B…, jajaja! De A Coruña han salido muy buenas bandas. ¿Cómo está el panorama musical en la ciudad? ¿Qué grupo/s nos recomendáis? Cierto. Galicia en general siempre ha sido una tierra de muchos y muy buenos músicos. Y nuestra ciudad ha parido un montón de buenísimas bandas. Actualmente el panorama está como en todos lados. Sigue habiendo mucha gente con proyectos en marcha, pero cada vez quedan menos sitios en los que poder tocar y desarrollarlos. Sobre todo en los primeros escalones. Pensamos que ahí se junta la falta de cultura de música en directo de las nuevas generaciones, las legislaciones que no hacen más que trabar todo cada vez más. y que, por mucho que nos duela, el rock and roll está pasando otra vez de moda y volviendo al underground. Pero bueno, las cosas nunca fueron fáciles en este mundillo. Pero bueno, siguen saliendo buenas bandas, y siempre hay algún proyecto interesante. Y si no, echadles una escucha a peña como los Playa Desmayo o Moura, por ejemplo. ¿Aconsejarías a un buen amigo que se metiera actualmente en el mundo de la música montando una banda? Rotundamente sí. Eso sí, quien lo haga que sea porque es algo que quiere hacer, porque lo disfruta y le pulsa dentro.

Editar es muy caro, y, para una banda pequeña y desconocida como nosotros, vender discos es un proceso muy lento y complicado que difícilmente compensa la inversión.

Porque todo es una pelea constante contra los elementos a la que no le sacas más partido que el disfrute personal de hacerlo.

En el caso de nuestro Ep, se va vendiendo, pero muy a cuentagotas. En tiendas es difícil vender discos a quien no te conoce, y principalmente van saliendo poco a poco en los bolos.

¿Cómo veis la venta de discos de vinilo hoy en día? ¿Está funcionando bien vuestro 7″? Complicada. Y eso que pensamos que el vinilo es el único soporte físico para la música en el que vale la pena editarla. Pero es difícil.

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¿Por qué habéis apostado por dos sellos discográficos para lanzar vuestro primer trabajo? ¿Dónde se puede conseguir vuestro primer disco?

dos sellos, pinchando en los enlaces. ¿Pensáis que hoy en día es rentable tener un sello discográfico? A un sello pequeño, que se dedique a editar a bandas pequeñas con sus primeros proyectos, es muy difícil sacarle rentabilidad. Como todo negocio, depende de la capacidad de inversión que se tenga, pero la edición de discos en sí es un negocio difícil en sí mismo. Desde nuestra perspectiva, embarcarse a invertir en un disco nuestro, o de una banda como nosotros, es toda una aventura y un acto de fe. Si alguien lo hace, no es sólo por rentabilidad. Si sólo dependiese de la rentabilidad, nadie estaríamos haciendo nada. Un sello discográfico es como una banda, un proyecto altamente emocional y vital. ¿Es sostenible tener una banda de garage punk hoy en día? Depende del callo que le tengas creado al cuerpo. jajajajaja! ¿Hay relevo generacional en esto del garage, punk rock, rock’n’roll…? A nosotros aquí nos da la sensación de que no. La chavalada está a otras historias, y los casos de chavales que arrancan con proyectos así son anécdota. No fue una decisión buscada. Lo grabamos sin intención de editarlo en formato físico en el estudio casero que se estaba montando un colega, Víctor. Pero Sweet Grooves Records nos ofreció participar en la edición si pensábamos editarlo. Rata Ray codirige el Sello Freeky Dicky Records. En ese momento, el sello no estaba en disposición de editar el Ep él solo, pero al aparecer la opción de coeditarlo entre los dos sellos, se tiraron al río sin pensarlo. El disco lo podéis conseguir a través de los

Algo que hablamos muchas veces es que parece que nos estamos metiendo en una época de retorno al underground, a las cloacas. Y sinceramente, no nos parece que tenga que ser algo malo. Podemos incluso verlo como algo natural e inherente al género. ¿Planes futuros de Cloaca? De momento, grabar un buen puñado de temas, intentar editar un Lp cojonudo, e intentar moverlo por ahí adelante.

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