Millerntor Gallery #6 "Waterproof" by GUDBERG NERGER

WATERPROOF

A RT

MUSIC

C U LT U R E

14. â&#x20AC;&#x201C; 17.07.2016

INHALT CONTENT 4

EINLEITUNG | INTRODUCTION

VORWORT | PREFACE

Doris Volk

Ewald Lienen

10 JAHRE VIVA CON AGUA | 10 YEARS OF VIVA CON AGUA

IST AM ENDE NICHT EH ALLES POLITISCH? | ISN‘T IT ALL POLITICAL IN THE END? 32

Der politische Handlungsspielraum der universellen Sprachen Kunst, Musik und Sport | The political sphere of influence of the universal languages of art, music and sport

34 Kunst und Politik | Art and Politics 40 Musik und Politik | Music and Politics 44 Fußball und Politik | Football and Politics 52

ÜBERSICHT | OVERVIEW

GLOBALER RAUM | GLOBAL SPACE 58

Nicht-Orte | Non-Places

66 Grenzenlose Raumpflege | Borderless Space Planning 70 Viva con Agua Schweiz meets Viva con Agua Kampala 74

Raumüberwindung mit Smartphones | To conquer distances inside andoutside with smartphones

URBANER RAUM | URBAN SPACE 80 Street Art und Recht auf Stadt | Street art and right of the city 84 Raumaneignung, Kunst, Protest und Utopie im Sport | Appropriation of space, art, protest and utopia in sport

ZEIT UND RAUM | TIME AND SPACE

92 Handeln im Öffentlichen – der bleibende Moment |

Entering public space – the lasting moment

96 Das Millerntor – ein Stadion aus Liebe, Lärm und Politik | The Millerntor – a football ground made of love, noise and politics

100 Chancen des virtuellen und globalen Raumes |

Chances ot the virtual and global space

104 PERSÖNLICHER RAUM | PERSONAL SPACE

106 In die Enge getrieben | Cornered

110 KLANGRAUM | SOUND SPACE

112 Mensch ist Klangraum | People are soundspaces

116 Straßenmusik | Where the noises from the streets cannot be heard

122 BILDUNG | EDUCATION

124 Water Art Sanitation Hygiene – Kunst und Entwicklungszusammenarbeit |

Water Art Sanitation Hygiene – Art and Development Cooperation

144 Symposium

146 FREUND*INNEN | FRIENDS 180 MITWIRKENDE A–Z | CONTRIBUTORS A–Z 434 FAMEILY

470 DANKE | THANK YOU

478 VON TROPFEN & REGENBÖGEN | OF DROPS & RAINBOWS

485 IMPRESSUM | IMPRINT

SPENDENKONTO | DONATION INFORMATION

[TO] FLOAT AN IDEA – EINE IDEE IN DEN RAUM STELLEN Die Idee, ein Fußballstadion mitten im Herzen einer Großstadt in ein Gesamtkunstwerk zu verwandeln, bestehend aus Kunst, Musik und Kultur, gemischt mit enormen Verbindungen und kollektivem Engagement, ist weltweit einzigartig. Der Antrieb dafür ist die gemeinsame Vision des Netzwerks Viva con Agua: Alle für Wasser – Wasser für alle! Viva con Agua (VCA) ist ein Netzwerk von Menschen und Organisationen, das sich für den weltweiten menschenwürdigen Zugang zu sauberem Trinkwasser einsetzt. Mit kreativen und freudvollen Aktionen machen wir auf das globale Thema WASSER aufmerksam und generieren gleichzeitig Gelder für Wasserprojekte im Globalen Süden. In welchem Fußballstadion, wenn nicht in dem des FC Sankt Pauli, wäre eine soziale Galerie wie die Millerntor Gallery besser angesiedelt. Die Werte von Viva con Agua treffen sich mit denen des Fußballvereins und seiner Fanszene. Die Forderung nach der weltweiten Durchsetzung der Menschenrechte können beide Vereine gemeinsam noch lauter formulieren. Gemeinsam mit AktivistInnen, KünstlerInnen, MusikerInnen, Kulturschaffenden, SportlerInnen, Fußballfans, Initiativen, Projekten, Bündnissen, Netzwerken, Vereinen, Kooperativen und vielen anderen, mit denen wir die Vision einer positiven globalen Zukunft teilen, transformieren wir das Millerntor-Stadion dieses Jahr zum sechsten Mal in ein verbindendes buntes Festival für kreatives Engagement. Dabei öffnen wir den Raum des Fußballstadions für kreative Diskurse. Wir stellen Ideen für vielfältige gesellschaftliche Partizipationsmöglichkeiten in den Raum und widmen uns verschiedenen Ebenen: Welche Herausforderungen birgt und welche Möglichkeiten bietet der Globale Raum? Welche Akteure entscheiden über Entwicklung und wer gestaltet Stadtraum? Welche Faktoren beeinflussen die individuelle Wahrnehmung von Zeit und Raum? Wo beginnt und endet mein persönlicher Raum? Welche Sinne spricht ein Klangraum an? Und wie verhält sich Wasser im Fußballraum? Das Millerntor Gallery Kollektiv

EINLEITUNG INTRODUCTION

The idea to transform a football stadium located in the heart of a metropolis into a complete work of art consisting of visual arts, music and culture mixed with enormous connections and collective commitment is unique around the globe. The driving force for this project is the shared vision of the network of Viva con Agua: All for water – water for all! Viva con Agua (VCA) is a network of people and organisations that has committed itself to the creation of a worldwide humane access to clean drinking water. With creative and joyful actions, we draw attention to the global issue of WATER and at the same time, generate funds for water projects in the Global South. Where else than in the stadium of FC Sankt Pauli would a social gallery such as the Millerntor Gallery be better located? Viva con Agua's values match perfectly with the football club and its fan scene. Both associations together can express even louder the demands for a worldwide enforcement of human rights. Together with activists, artists, musicians, cultural activists, athletes, football fans, initiatives, projects, alliances, networks, associations, cooperatives, and many more, with whom we share the vision for a positive future, we transform the Millerntor Stadium into a connecting, colourful festival for creative commitment for the sixth time. Thus, we open the football stadium‘s space for creative discourses. We present ideas to increase the possibilities for social participation and address different levels: what kind of challenges and which possibilities does global space offer? Which players decide on developments and who designs urban space? Which factors have an influence on the individual‘s perceptions of time and space? Where does my personal space begin and where does it end? Which senses are evoked by a “sound space”? And how does water behave in a football space?

The Millerntor Gallery Collective

VORWORT PREFACE

Â© Stefan Groenveld

VORWORT | PREFACE

WELTVERBESSERUNG KUNSTGEMACHT

2016 – das heißt 6 Jahre Millerntor Gallery und vor allem 10 Jahre Viva con Agua de Sankt Pauli e.V.! Aus diesen beiden ursprünglich wilden Ideen haben sich inzwischen ernst zu nehmende Vereinsarbeit und Social Business entwickelt – mit einem kontinuierlich wachsenden internationalen Netzwerk, unermüdlicher Kreativität und daraus entstehenden vielfältigen sinnstiftenden Aktionen unter dem verbindenden Ziel „Alle für Wasser – Wasser für Alle“. Und immer mit dem FC St. Pauli als freundschaftlichem Partner an der Seite und dem Viertel St. Pauli und seinen BewohnerInnen als tragende Basis. Die Millerntor Gallery ist aus einer typischen impulsiven Viva con Agua-Aktion herausgewachsen und verkörpert die Idee von VCA in Reinkultur: Durch ein Festival aus Sport, Musik und Kunst unter einem Dach zeigt sich die erlebbare Umsetzung des All-Profit-Gedankens und die Möglichkeit für ein niedrigschwelliges soziales Engagement mit Freude und Verbindungen. Gesellschaftliches Engagement kann durch die soziale Idee der Millerntor Gallery so einfach sein: Kunst kaufen, das eigene Zuhause schöner gestalten und dabei zusätzlich sozialen Mehrwert generieren!

World improvement made by art 2016 - this marks six years of Millerntor Gallery nd notably, 10 years of Viva con Agua de St. Pauli e.V.! Both of these originally wild ideas have developed itself into serious association work and social business - with a continuously growing international network, tireless creativity has resulted into meaningful actions for the shared goal of „all for water - water for all“. With the FC St. Pauli we always have a reliable partner our side, with the St Pauli district and its inhabitants as a supporting base. The Millerntor Gallery grew out of one of the typical impulsive Viva con Agua actions and now embodies the idea of VCA in its purest form: a festival with sports, music and art combined under one roof showing the perceptible realization of the all-profit idea and the possibility for a low-treshold social engagement with happiness and connections. Thanks to the social idea of the Millerntor Gallery social engagement can be so simple: buying art, prettifying your home and generating further social benefit! Within this context, this year’s topic of the Millerntor Gallery refers to the realization of visions and possibilities - to float an idea - the spaceship of the Millerntor Gallery creates

ample scope and every idea can be transformed into positive values. Viva con Agua and the Millerntor Gallery clearly prove that visionary ideas can become a reality. The goal to create worldwide access to fresh drinking water is possible – as of now the donations raised by Viva con Agua Agua have already created this essential access for two million people.

Freuen wir uns also auf weitere bahnbrechende Ideen, überschäumende Kreativität und grenzenlosen Idealismus und feiern die MTG#6!

We are really looking forward to further groundbreaking ideas, exuberant creativity and unlimited idealism and celebrate the MTG#6!

Doris Volk, Geschäftsführerin Viva con Agua de St. Pauli e.V.

Doris Volk, Managing Director Viva con Agua de St. Pauli e.V.

VORWORT | PREFACE

In diesem Zusammenhang verweist das Thema der diesjährigen Millerntor Gallery auf die Realisierung von Visionen und Möglichkeiten. Eine Idee in den Raum stellen – das Raumschiff Millerntor Gallery lässt dafür viel Spielraum und jede Idee kann zu positiven Werten transformiert werden. Viva con Agua und die Millerntor Gallery beweisen eindeutig, dass visionäre Ideen real werden können. Das Ziel eines weltweiten Zugangs zu sauberem Trinkwasser ist möglich – schließlich wurde durch die Spenden von Viva con Agua die Förderung von Wasserprojekten und damit die Unterstützung für mehr als 2 Millionen Menschen bereits erfolgreich umgesetzt!

VORWORT | PREFACE

AUS DER TIEFE DES RAUMES Das Millerntor-Stadion ist ein Ort, den ich in erster Linie aus meiner Perspektive als Trainer kenne. An der Seitenlinie coache ich unsere Mannschaft bei den Spielen, unter anderem im Bestreben darum, den freien Raum zu finden, der das Tor, der den Sieg ermöglicht. Freiraum gibt es schon lange in unserem Stadion, abseits des Rasens. Geschaffen von den vielen Menschen auf den Rängen, die den Raum für anderes nutzen als für Fußball. Nämlich für gesellschaftliches Engagement und eine klare Haltung. Im letzten Jahr habe ich bei der Millerntor Gallery #5 meine Perspektive wechseln können. Runter vom grünen Rasen, eingetaucht in die einzigartige Atmosphäre, die kreative Kraft und Offenheit, die dieses internationale Kunst-, Musik- und Kulturfestival im Millerntor-Stadion verströmt. Dazu braucht es Menschen, die nicht in Grenzen denken. Menschen, die Kreativität leben, Raum lassen für Anderes, für andere Herangehensweisen und Perspektiven. Die Raum lassen für Menschlichkeit. Viva con Agua macht das schon seit zehn Jahren in unzähligen Projekten. Die Millerntor Gallery ist das kreativste, künstlerischste, verbindendste all dieser Projekte. Hier werden nicht nur Fußball, Kunst, Kultur und Musik symbiotisch miteinander verbunden, sondern auch Gedanken genreübergreifend verknüpft. Hier wird Raum gelassen, um Bewusstsein zu schaffen und Raum zu füllen, ohne Freiraum zu nehmen. Gerade in diesen Tagen müssen wir alles daran setzen, kreative Lösungen zu finden, um allen Menschen auf diesem Planeten ein menschenwürdiges Leben zu ermöglichen. Die Millerntor Gallery ist dazu ein Schritt in die richtige Richtung. Walk on, Ewald Lienen, Cheftrainer FC St. Pauli

VORWORT | PREFACE

From the depth of the room The Millerntor Stadium is a place I know best best because of my perspective as a manager. I coach our team from the sidelines at every match in order to find the free space, which makes the goal, the triumph, possible. Free space already exists for a long time in our stadium, apart from the turf. Built by the people on the stadium stands who use this space for many more things apart from soccer. Especially for social commitment and a strong stand. Last year at the Millerntor Gallery #5, I had the possibility to change my perspective. Down at the green turf, plunging into a unique atmosphere of creative power and openness, which this international art, music and cultural festival emits in the Millerntor Stadium. For this, you need people who are open-minded. People, who are living creativity, giving space for something different, for other approaches and perspectives. Giving space for humanity. Viva con Agua does exactly this in countless projects for ten years now. The Millerntor Gallery is the most creative, most artistic and most connecting project of all. Not only does football, art, culture and music get connected in a symbiotic way, thoughts across all genres are also linked.t is a place to create awareness without taking free space. Especially in days like these it is important to find creative solutions to enable all human beings on this planet to lead a humane life. The Millerntor Gallery is one step in the right direction. Walk on,

Ewald Lienen, Head Coach FC St. Pauli 11

ALLE FÜR WASSER WASSER FÜR ALLE

Viva con Agua setzt sich dafür ein, dass alle Menschen weltweit einen Zugang zu sauberem Trinkwasser bekommen. Infos, Mitmachen 12

& Spenden unter:

vivaconagua.org

Dürfen wir vorstellen: Viva con Agua

We would like to introduce: Viva con Agua

Viva con Agua de Sankt Pauli e.V. ist ein gemeinnütziger Verein, der sich dafür einsetzt, dass alle Menschen weltweit einen Zugang zu sauberem Trinkwasser bekommen. Das ist an sich erstmal nichts außergewöhnliches, denn zum Glück gibt es viele Organisationen die sich des globalen Themas WASSER annehmen und Spenden für Wasserprojekte sammeln. Das Besondere an Viva con Agua ist aber das „WIE?“! Eine Antwort auf diese Frage haltet ihr zum Beispiel gerade in den Händen: Den Katalog zu unserem Kunst- & Kulturfestival MILLERNTOR GALLERY.

Viva con Agua de Sankt Pauli e.V. is an NGO committed to establish access to clean drinking water for all humans worldwide. Thankfully numerous organizations are committed to the global issue WATER and raise funds for waterprojects. Therefore what we do is not extraordinary.

Viva con Agua hat es sich zum Ziel gemacht LEBENSFREUDE auszustrahlen und möglichst viele Menschen damit anzustecken. Wir sind der festen Überzeugung, dass sich auch ernste Themen dieser Welt mit Freude angehen und bewältigen lassen. Wir feiern das Leben und möchten vermitteln, dass ENGAGEMENT Spaß macht. Deshalb werdet ihr Viva con Agua immer mal wieder im Zusammenhang mit Musik-, Sport- und Kunstevents wahrnehmen. Sollte euch unsere Art, die Welt ein bisschen besser zu machen, ansprechen, freuen wir uns über euren Support: In Form von Spenden oder durch den Kauf eines Kunstwerks hier bei der MILLERNTOR GALLERY.

What makes Viva con Agua unique is HOW we do things. One particular example is in your hands right now: The catalogue of our art- and culture festival MILLERNTOR GALLERY. Viva con Agua is dedicated to radiate JOY and inspire as many people as possible. We have the firm conviction that even serious issues can be overcome with joy. We want to celebrate life and want to convey that SOCIAL COMMITMENT can be fun. Therefore you’ll frequently notice Viva con Agua in the context of sport-, musik- and cultural events. If this way of making the world a better place appeals to you we look forward to your support: In form of donations or through buying artwork here at the MILLERNTOR GALLERY.

ALLE FÜR WASSER – WASSER FÜR ALLE! Spendenkonto: Viva con Agua de Sankt Pauli e.V. IBAN: DE58 2005 0550 1268 1351 81 BIC: HASPDEHHXXX Oder online unter vivaconagua.org

10 YEARS OF VIVA CON AGUA

10 JAHRE VIVA CON AGUA

10 JAHRE VIVA CON AGUA Ich habe 2013 von Viva con Agua erfahren, da war die Idee dazu gerade 8 Jahre alt; 8 Jahre gelernter Lektionen, Erfahrungen, Netzwerken und vor allem Zugang zu sauberem Wasser. Es ist sehr leicht, sich nach 10 Jahren Existenz zurückzulehnen und sich vorzustellen, den Zeittest bestanden zu haben und davon auszugehen, dass man gut etabliert ist. Aber schau' es dir von einer menschlichen Perspektive an. Ein zehn Jahre altes Kind ist noch immer verletzlich, lebt noch bei seinen Eltern und ist zudem sehr abhängig von ihnen, geht noch zur Schule, schließt noch immer neue Freundschaften, geht noch immer auf Abenteuerreise, entdeckt sich immer noch selbst, macht immer noch Fehler und am Wichtigsten, wächst noch immer. Aber unter diesen vielen Zehnjährigen auf dieser Welt gibt es ein paar ganz spezielle Zehnjährige, welche den Gleichaltrigen in allem einen kleinen Schritt voraus sind. Für mich ist Viva con Agua solch ein Kind. Obwohl nur zarte zehn Jahre alt, hat es das Kind geschafft, so viele Freund*innen anzuziehen, so viele Erwachsene zu inspirieren und ist trotzdem so bescheiden, immer noch von denen zu lernen, die "über" und "unter" ihm stehen. Ausgehend von dieser Demut und Offenheit schafft es das Kind immer mehr Freundschaften zu schließen; Freund*innen mit so vielen Fähigkeiten; Freund*innen, welche diesem Kind mit all ihrem Können und ihren Stärken vertrauen und auf einem nachhaltigen Level „best friends forever“ werden. Ich nutze diese Analogie des Jungen und der Freundschaft, weil ich in den 3 Jahren, die ich Viva con Agua nun kenne, so viele Bemühungen gesehen habe, Freundschaften zu schließen und diese zu pflegen. Nach den zehn Jahren Viva con Agua kann ich sagen: Im Laufe des Alterns – nach 20, 30, 40 Jahren – behalte die Mentalität des zehnjährigen Kindes, welche dich so weit gebracht hat. Lerne weiter, schließe neue Freundschaften, bleibe fröhlich und bescheiden. Das macht das Wasser umso süßer. Nobert Latim

10 YEARS OF VIVA CON AGUA

Â© Stefan Groenveld

TEN YEARS OF VIVA CON AGUA

10 JAHRE VIVA CON AGUA

I got to know of Viva con Agua in 2013; that’s when the idea of it was 8 years old; 8 years of lessons learnt, experiences made, networks built and most of all access to clean water created. It is very easy to relax after 10 years of existence and to think that you have stood the test of time and hence you're well-established, but look at it from the human perspective. A ten-year-old child is still vulnerable, still lives with the parents and is very much dependent on them, still going to school, still making friends, still having adventures, still discovering him/herself, still making mistakes and most importantly, still growing. And yet amongst the many 10-year-olds in the world, there are those “special” 10-year-olds who are just a step ahead of their "agemates" in all ways and for me this is the kind of child Viva con Agua is. Despite being only at the tender age of 10, this child has managed to attract so many friends, inspire so many grown-ups and yet still remain humble enough to learn from those both “above” and “below” him/her. From this humbleness and openness this child manages to get even more friends; friends with so many skills, friends who are willing to trust this child with their skills and strengths and on a more sustainable level, become BFFs. I use this analogy of a young boy and friendship because over the 3 years I've known VCA, I've seen just how much effort is made in creating and maintaining friendships. So after 10 years of Viva con Agua what I'll say is, as you grow older, 20, 30, 40 years from now, maintain the 10 year old boy/girl mentality that has brought you this far; keep learning, keep making friends, stay happy, remain humble – it makes the water sweeter. Nobert Latim

Die Kultur dient dem Menschen ganzheitlich. Alle KapazitĂ¤ten des Menschen werden durch Kultur gelehrt. Es geht nicht nur um Unterhaltung. Wenn man das erst einmal verstanden hat, dann geht man morgens aus dem Haus, hebt den Kopf und betrachtet die Architektur und geht nicht nur des Weges um am Arbeitsplatz anzukommen. Kunst erst verleiht dem Individuum sensible Antennen fĂźr die wesentlichen Dinge des Lebens, jenseits der materiellen Welt. Kunst ist wie Gymnastik am Morgen. Die Gymnastik macht den KĂśrper elastisch und die Kunst macht den Geist elastisch. Jean Blaise 28

Culture serves the human being holistically. All human capacities are taught by culture. It is not about entertainment. Once you understood that, you walk out of the house in the morning, raise your head and look at the architecture instead of walking your way only for the purpose of going to work. It is art that gives the individual sensitive antennas to sense the essential things in life, apart from the material world. Art is like gymnastics in the morning. Gymnastics makes the body flexible and art makes the mind flexible. Jean Blaise

IST AM ENDE NICHT EH ALLES POLITISCH? ISNâ&#x20AC;&#x2DC;T IT ALL POLITICAL IN THE END?

IST AM ENDE NICHT EH ALLES POLITISCH? | ISN‘T IT ALL POLITICAL IN THE END? 32

DER POLITISCHE HANDLUNGSSPIELRAUM DER UNIVERSELLEN SPRACHEN KUNST, MUSIK UND SPORT Ästhetische Erfahrung und Politik in der Millerntor Gallery Die Millerntor Gallery macht gesellschaftliche Herausforderungen sinnlich erlebbar. Mittels einer Ästhetisierung von gesellschaftlichen und somit auch politischen Themen entsteht eine Gemeinschaft, die verändern möchte. Hochtrabende Worte, die ich anhand des Theoretikers Jacques Rancière erklären möchte. Dieser beschäftigte sich u.a. mit der Ästhetik als Politik, wobei zunächst auf Rancières Politikbegriff verwiesen sei. Politik im Rancière'schen Sinne meint eine Neuordnung der gesellschaftlichen Anteile. Das bedeutet der Kampf zwischen Macht und Machtlosen lässt sich nicht durch Politik lösen, sondern ist Politik selbst. Wenn die 'Anteillosen' der Gesellschaft sich ihrer Position bewusst werden und an dieser Situation etwas ändern wollen, geschieht Politik. Laut Rancière haben Politik und Kunst die Gemeinsamkeit, einen spezifischen Raum zu gestalten. Er argumentiert weiter, dass Politik und Kunst nicht zwei getrennte Wirklichkeiten, sondern vielmehr ursprünglich miteinander verbunden sind. Ästhetisch in Rancières Kontext bedeutet, dass die Kunst nicht durch Kriterien technischer Perfektion gegeben ist, sondern durch das Zuweisen zu einer Form des sinnlichen Erfassungsvermögens – also nicht das Machen, sondern das Sein qualifizieren die Kunst. Das Sein ist auch bedingt durch den Raum, in der die Kunst präsentiert wird.

The political sphere of influence of the universal languages of Art, Music and Sport. Aesthetical experience and politics in the Millerntor Gallery The Millerntor Gallery makes it possible to sensually experience social challenges. Through the aestheticization of social and thus political issues, a community that wants change is born. I would like to explain these somewhat lofty words with the help of the theoretist Jacques Rancière. His work involved, inter alia, aesthetics as a political mean, but our focus will begin with his theory of politics. Politics, by Rancière's definition, means a reorganization of social shares. This implies that the struggle between those with power and the powerless cannot be solved by politics, but is politics in itself. When those without a share become aware of their position and want to change it, politics happen. According to Rancière, politics and art art share the idea of building a specific space. He further argues that politics and art are not two separate realities, but naturally connected. Aesthetics in this context means that art is not achieved through criteria of technical perfection, but rather by assigning it to a form of sensual comprehension – it is not the creation but rather its mere existence that justifies the artwork. The existence also depends on the space in which the art is presented.

Lasst uns also zusammen malen, zeichnen, tanzen, kicken, musizieren, singen, springen, spielen, sprühen, bolzen, laufen und lachen. Und gemeinsam die Welt verändern.

The Millerntor Gallery is a place where social relations are renegotiated and the voiceless are heard through the aesthetics. The demonstration of ideas of a different social order has the potential to change the existing order and create political room to change. The shared aesthetic experience develops meaningful potential and connections. Even music and sports qualify through their freedom from obstacles and universal comprehensibility for creating connections. They also hold, similarly to art, an emancipatory ability and room for political change. Their language doesn't consist of words and sentences, but rather of emotions, associations and the shared aesthetical experience. The resulting personal connections allow equality in behaviour and communication. Socially manifested hierarchies are irrelevant. So let's paint, draw, dance, kick, make music, sing, jump, play, spray, run and laugh together. Let's change the world together!

Anna Lafrentz

Durch die gemeinsame ästhetische Erfahrung entstehen sinnstiftendes Potenzial und Verbindungen. Auch Musik und Sport qualifizieren sich durch ihre Hürdenfreiheit und universelle Verständlichkeit zum Kreieren von Verbindungen. Analog zu Kunst kann auch ihnen eine emanzipatorische Fähigkeit und politischer Handlungsspielraum zugesprochen werden, denn die benötigte Sprache besteht nicht mehr aus Worten und Sätzen, sondern aus Emotionen, Assoziationen und eben der gemeinsamen ästhetischen Erfahrung. Dadurch entstehende persönliche Bezüge ermöglichen ein gleichgestelltes Agieren und Kommunizieren. Gesellschaftlich manifestierte Hierarchien sind irrelevant.

IST AM ENDE NICHT EH ALLES POLITISCH? | ISN‘T IT ALL POLITICAL IN THE END?

Die Millerntor Gallery ist ein Raum, der gesellschaftliche Verhältnisse neu verhandelt und Stimmlose durch die Ästhetik hörbar macht. Das Aufzeigen von Ideen einer anderen gesellschaftlichen Ordnung besitzt das Potenzial, die bestehende Ordnung tatsächlich zu verändern und gestaltet somit politischen Handlungsspielraum.

KUNST UND POLITIK | ART AND POLITICS

KUNST UND POLITIK – EINE BEZIEHUNG Art & Politics – A Relationship Very often and especially when it comes to the Millerntor Gallery, I am labelled as a political and socio-critical artist. I instantly take this classification as a form of appreciation. Still, I ask myself if these attributes mean that the art is easily accessible and purposeful - because, if you have something to say, you better do it clearly and unambiguously. I don't know if there is an aesthetic aspiration that suspends me or if I am a political artist at all. Some of my works refer to a political subject, but a good idea is not necessarily critical or political. Artists who I see as consistently political are often those who are anonymous and who are facing political persecution. Politics is their reality and the subjects are just there. Only under these circumstances would I call art political – or when it actually intervenes a political process. This, I certainly have not done in my art yet. A few years ago, we hosted a group of activists from London at the Gängeviertel. The subject of the workshop was artistic intervention. The question was, if we can make a change with art – we were asked to position ourselves in a room. I was the only person leaning against the wall in the “No” area. Everybody was surprised. Maybe I just wanted to provoke – a general no to all art is surely a exaggeration – regarding my art, it is the truth.

KUNST UND POLITIK | ART AND POLITICS

Immer wieder und insbesondere im Zusammenhang mit der Millerntor Gallery werde ich als politischer oder sozialkritischer Künstler bezeichnet. Ich empfinde diese Einordnung unmittelbar als Anerkennung. Und doch frage ich mich, ob diese Merkmale von Kunst immer auch bedeuten, dass sie leicht zugänglich und zweckorientiert ist. Denn, wer etwas zu sagen hat, macht es bestenfalls deutlich und unmissverständlich. Ich weiß nicht, ob mir da nicht ein ästhetischer Anspruch im Weg steht und ob ich also überhaupt ein politischer Künstler bin. Einige meiner Arbeiten, habe ich auf ein politisches Thema bezogen aber nicht immer ist eine gute Idee zugleich kritisch oder explizit politisch. Künstler, die ich als konsequent politisch wahrnehme, sind die oft Unbekannten, die politischer Verfolgung ausgesetzt sind. Das Politische ist ihre Gegenwart und die Themen sind einfach da. Politisch würde ich Kunst deshalb, mit Überzeugung, nur in diesen Fällen nennen oder auch dann, wenn sie faktisch in Prozesse eingreift. Das habe ich mit meinen Arbeiten bisher sicher nicht getan. Vor ein paar Jahren hatten wir im Gängeviertel eine Londoner Aktivistengruppe zu Gast. Thema des Workshops war: Künstlerische Intervention. Zu der Frage, ob wir mit Kunst etwas verändern könnten, sollten wir uns im Raum positionieren. Ich lehnte mich als einziger

KUNST UND POLITIK | ART AND POLITICS

im "Nein-Bereich“ an die Wand. Die anderen waren überrascht und vielleicht hatte ich ja auch provozieren wollen – natürlich war ein Nein bezüglich aller Kunst übertrieben, in Bezug auf meine eigenen Arbeiten aber war es die Wahrheit.

Die zeitgenössische westliche Kunst gilt als frei. Im historischen Vergleich oder auch mit diktatorisch geführten Staaten mag das zutreffen, und doch wird politische Kunst auch in der westlichen Welt mit juristischen und polizeilichen Mitteln bekämpft, sobald sie nicht in Galerien und Museen stattfindet, sondern im öffentlichen Raum oder in Institutionen. Es sind selten einzelne Werke und Aktionen, die einen Impuls zur Veränderung geben. Eher passiert das schrittweise durch vielfache Kritik-Aktionen an Zuständen, durch wiederholte Grenzüberschreitungen oder weil Kunst, wie der Theaterregisseur und Flüchtlingshelfer Frank Alva Buecheler im vergangenen Jahr auf einer Podiumsdiskussion im Rahmen der Millerntor Gallery sagte, „das Menschliche rehabilitieren kann“. In Gesellschaften, in denen die Kunstfreiheit nicht gesetzlich geschützt ist und die Kunst kaum wertgeschätzt wird, kann schon die bloße Existenz von öffentlichen Wandgemälden etwas anstoßen. Dort ist womöglich schon der Wunsch Künstler zu sein politisch. In unserer Gesellschaft kann man zwar weitgehend unbehelligt arbeiten, der Abnutzungseffekt ist aber auch entsprechend hoch und Kunst ist für die meisten Leute kaum noch mehr als eine von vielen Unterhaltungsformen. Künstler werden gebucht, verzieren mit domestizierter Street Art öffentliche Gebäude, manchmal nach Kundenwünschen. Kunst wird online massenhaft konsumiert, abfotografiert, geteilt, geliked, mit Hashtags versehen, taucht manchmal leicht entfremdet in der Werbung oder auf T-Shirts von Textilgiganten wieder auf. Kapitalismus eben, macht Spaß, macht kaputt.

The contemporary western art is considered free. Looking at it historically or regarding countries governed by dictators, it might be true, but political art is also being attacked through legal means in the western world – once it occurs in a public space instead of an art gallery. It is rarely an individual work or particular action that initiates a change. It happens rather gradually through multiple critical action, through consistently pushing the boundaries or in some cases when art itself – as the director and refugee supporter Frank Alva Buecheler said at a panel discussion during the Millerntor Gallery – ''can rehabilitate the humane''. In societies where artistic freedom is not protected by law and art is barely appreciated, the mere appearance of a mural can be indecent. In that case, even the desire to be an artist might be political. In our society, artists can basically work undisturbed, however the work loses its effect fairly quickly, so art becomes just one of the many forms of entertainment to a majority of people. Artists are being booked to decorate public buildings with domesticated street art – sometimes based on the client's vision. Art is being consumed by the masses on the internet, it is being photographed, shared, liked, hashtagged and sometimes, in a modified form, it appears in ads and on T-shirts by major brands. That's capitalism – it's fun – it destroys.

Es wissen heute fast ausnahmslos alle, dass der Kapitalismus ein ungerechtes und bisweilen mörderisches System ist. Einige finden das vielleicht weniger oder auch gar nicht schlimm und viele – mich eingeschlossen – offenbar nicht schlimm genug, um das System radikal in Frage zu stellen.

Today, nearly everybody knows that capitalism is an unfair and murderous system. Some people might find it less terrible or not even bad at all and many people – including myself – obviously do not find it bad enough to actually question the system. My selection of paintings and sculptures in which I show Asian children paddling in a sneaker evoked reactions like: ''Yes, I get it – that's not okay – very bad even'' – some people just take a selfie with the huge sneaker. A short insight, a little sympathy, before they go right back to the brighter side of life. Action that can be directly related to the consumption of art is rare. Unless you want to take 'turning your back on something' for action. In this case, the person purposely extends the work and intensifies the imagery of ignorance. What is the goal of political art? Who does it touch and affect? Only those who mostly agree with the artist's vision anyway. What can be done about that? Without getting cynical... is that avoidable at all? Does art have to be so shocking to be able to captivate even the insensitive and ignorant people? In the fashion of the horrible images on cigarette boxes? Are those few who can be inspired to change their habits worth the multiple drastic actions? Could a flood of actions lead to overstimulation?

KUNST UND POLITIK | ART AND POLITICS

Meine Reihe von Bildern und Skulpturen, bei denen asiatische Kinder in Turnschuhen paddeln, rief Reaktionen hervor wie: "Ja, ich habe verstanden, das ist echt nicht gut, schlimm sogar." Manche haben einfach ein Selfie neben dem ”geilen Riesensneaker“ gemacht. Kurze Erkenntnis, kurzes Bedauern und dann wendet man sich wieder den schönen Dingen des Lebens zu. Selten folgt Aktivität, die als direkte Reaktion auf das Betrachten von Kunst zu werten wäre. Wobei ”sich abwenden“ natürlich auch Aktivität ist. So erweitert die Person gewollt das Werk und vertieft dabei die Symbolik der Gleichgültigkeit. Welche Ziele aber hat politische Kunst? Wen erreicht sie? Nur die, die ohnehin weitgehend mit der Position des Künstlers übereinstimmen? Was lässt sich dagegen tun? Ohne Zynismus ... geht es überhaupt ohne? Müssen wir so hart schockieren, dass die Kunst auch die weniger sensiblen Betrachter nicht los lässt? In der Art von Schreckensbildern auf Zigarettenschachteln? Sind die Wenigen, die zum Nachdenken oder ändern von Gewohnheiten gebracht werden viele extreme Aktionen wert? Wirkt eine große Menge von Aktionen bei den anderen womöglich inflationär wie bei einer Reizüberflutung? Gibt es Empörungskapazität? Wären direkte – künstlerisch verpackte – Handlungsanweisungen eine Alternative? Oder Agitprop? Peinlich. Was ist die Sache der Kunst? Mediale Inszenierungen, wie die des Zentrums für politische Schönheit? Der Holländer Renzo Martens lässt kongolesische Plantagenarbeiter Skulpturen aus Schokolade für den hiesigen Kunstmarkt produzieren. So können sie das 7.000-fache ihres normalen Lohnes verdienen. Ihre Arbeiten kosten hier bis zu 13.000,- Euro.

KUNST UND POLITIK | ART AND POLITICS

Für ein anderes Projekt hat Martens Kongolesen mit Kameras ausgestattet, damit sie die fotografische Verwertung ihres eigenen Elends nicht ausländischen Profifotografen überlassen müssen. Sie konnten mal eben so natürlich nicht mit professionellen Fotografen konkurrieren. Die Ergebnisse waren von entsprechend schlechter Qualität. Solche Projekte sind künstlerisch großartige Arbeiten, aber was können sie bewegen? Wer kann es sich leisten, mehrere tausend Euro für Kunst und eben auch sozialkritisch/politische Kunst auszugeben? Oft sind es die unstrittigen Profiteure des kapitalistischen Systems, denn keiner sonst kann es sich leisten. Balancieren Sie über die Gestaltung ihrer Innenwände nur ihr Gewissen sozial-global-ästhetisch aus? Wir alle strafen etwa einen kunstfreundlichen Unternehmer oder Unternehmensberater, nach dem Kauf eines unserer Werke, bei weinoder bierseligem Nahkontakt meist nicht mal mehr mit versteckter, ironisch-höflicher Kritik. Man prostet sich zu, als gratuliere man sich gegenseitig dazu ein guter Mensch zu sein. An Elendsfotos verdienen auch weiter die internationalen Bildagenturen und es ergötzen sich daran Besucher bei fancy Eröffnungen oder schlendern, mit einem guten Glas Weißwein in der Hand, einfach daran vorbei. Künstlerische Freiheit bedeutet ohne Angst vor Repression, mit Zugang zu Material, Technik, ohne existenzielle Angst arbeiten zu können. Für das Ergebnis und die Kraft des politischen Ausdrucks ist diese Freiheit nicht maßgeblich. Politisch ambitionierte Galeriekunst ist meist eher Spektakel, die Kritik daran ist

Is there a capacity for outrage? Could a straight, artistically-designed manual be an option? Or Agitprop? Embarrassing. What is the matter of art? Media staging – just like 'das Zentrum für politische Schönheit' does it? Renzo Martens from Holland has plantation workers from Congo producing chocolate sculptures as art for the European market. That way, the workers can earn seven thousand times more than their usual income. Their works are sold for up to 13,000 Euro. For another project, Marten has equipped Congolese people with cameras, so that the imagery of their misery is not exclusively in the hands of foreign professional photographers. Of course they were not able to compete with the professionals, so the results were of poor quality. Those projects are artistically great works, but what is the impact? Who can afford to spend thousands of Euros on art – especially political art? Mostly those who are the undoubted beneficiaries of the capitalistic system – no one else can afford it. Do they clear their conscience through the decorations on their walls? When we sell one of our works to some artloving business person, we don't even bother them with polite ironical critique while having a drink together as we celebrate each other for being a good person.

International agencies benefit from images of misery while delighted art lovers pass by the work with a glass of wine attached.

Von Nils Kasiske

KUNST UND POLITIK | ART AND POLITICS

oft schon politischer. Die Street Art hat ebenso einen Großteil ihrer subversiven Kraft verloren – zumindest in den USA und Europa. Nicht umsonst hat Brad Downey schon vor Jahren in Lüneburg zu einer Street ArtAusstellung einfach ein McDonalds-Logo auf einer Häuserwand hinterlassen – nirgends aber einen Hinweis auf den Urheber oder den künstlerischen Gedanken. Einer der wenigen, der sich bisher jeglicher Instrumentalisierung widersetzt hat, ist der italienische Künstler Blu. Um seine Murals in Berlin und zuletzt auch in seiner Heimatstadt Bologna den Aufwertungsstrategien von Immobilieninvestoren zu entziehen, hat er sie vernichtet. Ohne politische Kunst wäre diese Welt sicher ein schlechterer Ort. Ja, Kunst kann etwas verändern. Nicht immer zum Besseren, manchmal gar zum Schlechten. Aber das ist egal. Denn die Kunst darf alles. Erst wenn Kunst nichts muss, wird sie interessant und wirksam.

Artistic freedom means to have a chance to work without the fear of repression or existential worries and with access to tools and materials. Freedom is not significant for the result and the political expression. Politically motivated gallery art is mostly a spectacle – criticizing it is often more political. Street art also lost the majority of its subversive power – at least in the US and Europe. There was a reason when, a few years ago at a street art exhibition in Lüneburg, Brad Downey put the McDonald's logo on a wall, without leaving a copyright notice or thoughts on the artistic vision. One of the few artists who has so far resisted any kind of instrumentalization is the Italian artist Blu. He destroyed his own murals in Berlin as well as in his hometown Bologna, to eliminate the value-improving potential for property investors. Without political art, the world would certainly be a more miserable place. Yes, art can change things. Not always for the better. Sometimes even for the worse. But that doesn't matter - because art may do whatever. Only when art does not need to achieve anything, then it becomes effective. by Nils Kasiske

WIE KLINGT GESELLSHAFTLICHE VERÄNDERUNG?

MUSIK UND POLITIK | MUSIC AND POLITICS

Politische Pop-Musik zwischen Folklore und Diskursgeballer

Wenn in Dokumentationen über rechte Szenen die zentrale Bedeutung von Musik als identifikationsstiftendes Moment und Konzerte als Ort der Vernetzung und Verstärkung aufgezeigt werden, wird mir immer ganz anders. Denn: Ich will keine Extremismustheorie bestätigen. Nicht mal in meinem Kopf will ich argumentieren, dass – oberflächlich betrachtet – das selbe Prinzip etwa für linke Konzertveranstaltungen gilt. Meistenteils alkoholisierte Menschen beweisen in tendenziell einheitlichem Erscheinungsbild mit gereckten Fäusten, dass sie gegen das System sind und den Szene-Kodex bedienen. Und selbst wenn man die unsägliche Pseudo-Argumentation der „Zwei Seiten einer Medaille“ aus guten Gründen übergeht, bleibt doch so manches zweifelhaft an linker Musik: Adorno rotiert mit Sicherheit im Grab, wenn er uns Lieder singen hört über Gewalt, Gegengewalt und Gegengegengewalt. Es gibt starke Hierarchien, die die Menschen auf oder die Entscheidungsträger*innen hinter der Bühne über Andere stellen, auch wenn alle ganz dringend für Gleichheit sind. Vielfach entsteht der Eindruck es würde zum Chor gepredigt und damit das bestätigt und wiederholt, was sowieso schon alle, die dazugehören, denken (dürfen). Es wird sich gegenseitig auf die Schulter geklopft. Die Revolution und alles, was vor ihr geschieht, läuft damit Gefahr zu Folklore zu werden. Wozu dann das Ganze? Weshalb freuen sich die Alt-Linken vom Feuilleton gegenwärtig dermaßen, gerade in Bezug auf Rap-Acts, den Next-Level-Shit in Sachen Polit-Pop auszurufen? Kann Musik tatsächlich etwas beitragen oder womöglich sogar verändern? Ich wünsche mir nichts mehr als das. Der Glaube daran hat beinahe schon etwas Ersatz-Religiöses. Ich habe hinsichtlich der – sagen wir mal – Wirksamkeit meines eigenen polit-musikalischen Outputs nichts in der Hand, außer eine gefühlte Empirie aus Zuspruch des Publikums und die Schenkelklopfer der Kritiker*innen. Ver-

HOW DOES SOCIAL CHANGE SOUND LIKE? Political pop music between folklore and discourse banging Whenever the significance of music as a key factor for identity and concerts as spaces for connections and amplification are shown in documentations about the right-wing scene, I feel like I am getting sick. Because: I don’t want to confirm a theory of extremism. Not even theoretically do I want to argue that – superficially – the same applies for left-wing concerts. Mostly intoxicated people with mostly uniform appearances raise their fists and prove that they are against the system and part of the scene. Even if you ignore the unspeakable pseudo argumentation of „two sides of the coin“ for good reasons, doubts on leftwing music remain: Adorno is surely turning in his grave if he hears us singing songs about violence, counter violence and counter counter violence. There are strong hierarchies that dictate that some people or decision makers who are in the background of the stage are better than others, even though everyone is for equality. Oftentimes it seems that everyone is preaching to the choir and therefore just confirming and repeating what is already (allowed to be) believed. They pat each others' backs. The revolution and everything that happened before is in danger of becoming folklore. So what is it all good for? What are the old left-wing people from the feuilleton so happy about, especially when looking at rap acts and shouting out the next-level shit for political pop? Can music really contribute or even change something? There‘s nothing I wish more. wish is almost like a religion. Regarding the - let’s say - effect of my own politically musical output I do not have anything in my hand except the sensed empiricism of positive feedback from the audience and the critics. Last year an online journalist called me a sort of „rapping sociology undergrad“. That does not sound like street or class war. I had to live with it.

gangenes Jahr bezeichnete mich ein Online-Journalist gewissermaßen als „rappendes Soziologie-Grundstudium“. Das klingt natürlich nicht unbedingt nach Straßen- oder Klassenkampf. Musste ich mit leben. Aber tatsächlich ist es auch keine leichte Aufgabe, Party und Politik unter einen Hut zu bekommen und dabei auszuhalten, dass das alles nicht außerhalb kapitalistischer Verwertungslogik stattfindet. Schlau sind die, die mit der Kapitalisierung der antikapitalistischen Haltung offensiv kokettieren und damit linke Realkeeper entwaffnen. Überhaupt ist Gefälligkeit mindestens so problematisch wie Verkürzung. Gegen Nazis sind doch alle irgendwie. Und „die da oben“ gehören abgesägt. Ich habe selbst keine Ahnung, wie man politishe Musik richtig macht. Ich schwinge mich seit Jahren im Prinzip nur von einer Baustelle zur nächsten und veröffentliche nebenbei Songs. Aber aufzugeben mittels Musik gegenwärtige Entwicklungen zu kommentieren, in Debatten einzusteigen und Diskursverläufe zu dokumentieren, kommt irgendwie auch nicht in Frage. Natürlich unterliegt so ein Lied dem Durchsetzungsvermögen der so genannten Realpolitik. Aber es schreibt sich doch unter Umständen in die Biographie von Menshen ein. Und die machen dann aus der Symbolförmigkeit von Text und Beat etwas Handfestes. Und solche sichtund spürbaren Schritte wiederum wachsen womöglich zu Schüben innerhalb von Bewegungen an. Sie schlagen neue Richtungen ein, trampeln neue Pfade aus und bestimmen die Geschwindigkeit. Und unterwegs wird ein Liedchen gepfiffen. Vielleicht vom Dagegen-Sein, vielleicht von einer Utopie. Vielleicht klingt es offen und großherzig, vielleicht hart und zynisch. Aber es will etwas. Bewegen zum Beispiel. Mag sein, dass diese Überlegungen genau die Kollektivität adressieren, die wir bei den Feind*innen auch verabscheuen. Mag sein, dass sich hier der nächste naive Fettnapf auftut. Aber bisher hab ich keine brauchbare Alternative dazu gefunden dem fadenscheinigen Entertainment der Musikindustrie einer Gesellshaft voller Backlashes mit Substanz zu antworten. Von Sookee

But actually it is not an easy task to link party and politics together and to bear in mind that nothing is happening outside of the capitalistic logic of utilization. Those who are smart talk openly about the capitalization of the anti-capitalistic attitude and in that way disarm left wing real keepers.Generally, kindness is at least as problematic as shortening. Everyone is against Nazis somehow. And the ones at the top need to be abolished. I do not know, how to create political music correctly. For years now I have worked on several construction sites while producing and releasing songs.

It can be that these thoughts exactly address the collective that we detest about our enemies at the same time. It can be that this is becoming the next naive faux pas. But so far I have not found a viable alternative to the hypocritical entertainment of the music industry, to answer a society full of backlashes with something substantial.

MUSIK UND POLITIK | MUSIC AND POLITICS

But giving up on commenting the current developments, joining debates and documenting discourses through music is not an option either. Of course a song is a subject to assertiveness of the current real politics. But perhaps it engraves itself into the biographies of the people. And they create something tangible out of the symbols of text and beat. And such visible and noticeable steps in turn might possibly grow into big steps within movements. They take on new directions, trample new paths and choose the pace. And on trips they whistle a song. Maybe about generally being on the opposite side, maybe about utopia. Maybe it sounds too open and generous, maybe too hard and cynical. But I want something. To move for example.

From Sookee

ÂŠ Strassenkoeter

unbearbeitetes Bild aus dem Shooting mit Strassenkoeter

ROBIN HIMMELMANN

Torwart des FC St. Pauli | Goalkeeper of FC St. Pauli

Nach den Landtagswahlen im März hast du einen Post (siehe Bild) auf deiner Facebook-Fanpage verfasst. Was hat dich dazu bewegt?

Was sagst du persönlich dazu: haben Fußball und Politik nichts miteinander zu tun? Trittst du als Privatperson auf, wenn du dich politisch positionierst?

During the weeks before the elections, surveys showed some possible redistribution of votes. When I turned on my TV in the evening and saw the first prediction, I already felt uncomfortable. I guess that a lot of people did not really think about where to put their cross. voted out of frustration, without realizing the proportions. A day later, I used my fan page as a platform to express my thoughts and to try and make people change their way of thinking. This can always lead to a discussion. I was surprised that there was so little negative feedback, even those who reacted negatively in the beginning changed their position during the discussion because they did not want to be pushed in the right-wing direction. What is your personal opinion, do you think football and politics should not be mixed? When you position yourself politically, are you doing it as a private person?

FUSSBALL UND POLITIK | FOOTBALL AND POLITICS

In den Wochen vorher hat ja die ein oder andere Umfrage stattgefunden hatte und eine gewisse Umverteilung der Stimmen hatte sich angedeutet. Als ich dann abends den Fernseher angemacht habe und direkt die erste Hochrechnung sah, hatte ich schon kein gutes Gefühl. Ich vermute, dass viele Leute sich nicht großartig Gedanken über ihr Kreuz gemacht haben. Vielleicht haben sie aus der ein oder anderen Unzufriedenheit hinaus gewählt, ohne wirklich an das Ausmaß zu denken. Einen Tag danach habe ich meine Fanpage genutzt, um mitzuteilen, was mich so beschäftigt und um einen Denkanstoß zu geben. Dadurch hat sich ja dann auch eine rege Diskussion ergeben. Ich war sehr erstaunt, dass wenig Negatives kam und auch diejenigen, die am Anfang negative Kritik geäußert haben, sind dann im Laufe der Diskussion immer mehr von ihrem Standpunkt zurückgewichen, weil sie nicht wollten, dass sie in die rechtsorientierte Richtung gedrängt werden.

After the regional elections in March, you wrote a post on Facebook. What made you write it?

I think it is difficult to separate the private person from the public athlete. If I had written about my dissatisfaction on my private page and some fans or press representatives had seen it, I would have been asked about it as a

FUSSBALL UND POLITIK | FOOTBALL AND POLITICS

Siehst du Potenzial in dir als Person, die in der Öffentlichkeit steht, die viele Follower hat und medienwirksam agieren kann? Ich glaube, grundsätzlich haben alle Personen des öffentlichen Lebens mehr Möglichkeiten andere Leute zu erreichen als reine Privatpersonen. Letztlich hat jeder das Recht seine eigene Meinung zu haben und auch kundzutun. Ich bin der Meinung, dass man das dann trotzdem nicht zu populistisch formulieren sollte. Klar, kann sich jeder hinstellen und irgendwas propagieren, aber ich glaube schon, das sollte einen gewissen Rahmen halten. Ich habe in meinem Post auch extra versucht, niemanden direkt anzugreifen oder vor den Kopf zu stoßen, sondern ich wollte mein Gefühl, was ich beim Durchschauen der Ergebnisse hatte, zum Ausdruck zu bringen. Ich habe nicht einmal die AfD in irgendeiner Form in meinem Beitrag erwähnt. Das hätte ja theoretisch genauso gut

person of public life. I really don’t think that sports and politics can be completely divided because I think that everyone has their personal interests in sports and politics and they often depend on each other. If I go and vote as a private person, I am still the football player. Additionally, social and political life is also reflected in sport, so it is impossible to separate them. Do you see some special potential in your role as a person of public life who has a lot of followers and can be seen in the media? I think that generally people of public life have better possibilities to reach others compared to people privately. In the end, everyone has the right to speak their own mind. But I still think it is unnecessary to express yourself in a very populist way. Of course, everyone can propagate something but in my opinion it should be done within reason. In the post I wrote, I really tried to not piss someone off, I just wanted to express my feelings that I had while watching the election results. I never even mentioned the AfD. So it could as well have been about the results of the NPD in Sachsen-Anhalt. That everyone directly associated my post to the AfD shows the general mood, they all knew what it was about, although it was not named in my post. In my opinion you should express yourself, you should push positive things but also name negative things to push people’s awareness. To me it is important to stand for what I think, even in public, without being populistic.

FUSSBALL UND POLITIK | FOOTBALL AND POLITICS

Ich glaube, dass es schwierig ist, da Privatperson und Sportler voneinander zu trennen. Wenn ich das auf meiner privaten Seite gepostet hätte und es hätte jemand mitbekommen von Presse oder Fans, dann wäre ich ja auch nicht nur als Privatperson auf den Post angesprochen worden, sondern als Person des öffentlichen Lebens. Ich glaube keinesfalls, dass Sport und Politik völlig getrennt sein können, weil ich der Meinung bin, jeder hat sein sportliches Interesse und sein politisches Interesse und das geht halt oft auch miteinander einher. Wenn ich als Privatperson wählen gehe, bin ich ja dennoch auch Sportler. Zudem bildet sich auch beim Sport gesellschaftliches und politisches Leben ab, so dass es nicht zu trennen ist.

Do you think you can be some kind of role model for kids and teenagers?

FUSSBALL UND POLITIK | FOOTBALL AND POLITICS 48

Richtung NPD-Ergebnisse in Sachsen-Anhalt gehen können. An der direkten Zuordnung zur AfD sieht man eine gewisse Stimmungslage, weil jeder eigentlich wusste, worum es ging, obwohl es nicht im Text stand. Ich finde, dass man sich mitteilen und positive Dinge pushen und auf negative Dinge aufmerksam machen kann. Wichtig ist mir, eine Haltung zu Dingen zu haben, die ich auch öffentlich vertrete, ohne populistisch aufzutreten.

Actually, I have never thought about that. I think this world is a complicated place, especially to youngsters. What we see through media in daily life is not easy to understand. We cannot imagine how it feels to leave your entire home, hoping to find a better place to live somewhere, with less hunger, less misery and without war. We are free to move almost anywhere without having to be afraid that some house may collapse or some bomb may explode and without worrying about where to

Glaubst du, du kannst eine Vorbildfunktion haben, gerade für Kinder und Jugendliche?

find food for the next few hours. So it is hard for the youngsters to participate in this topic, to understand it, and to finally say „he/she has this opinion and I agree with that “. And because of all this I would answer this question with a no. But who knows, maybe someone agrees with me and will carry it out for him or herself.

Da habe ich mir ehrlich gesagt noch nie Gedanken drüber gemacht. Ich glaube grundsätzlich ist es für die Jüngeren gerade sowieso eine relativ komplizierte Welt. Gerade was jetzt täglichen in den Medien passiert. Das Ganze zu verstehen ist glaube ich nicht ganz so einfach. Wir können uns hier nicht vorstellen, unsere Heimat aus dem Grund zu verlassen, dass wir uns woanders ein Leben mit weniger Hunger, weniger Elend und ohne Krieg erhoffen. Wir können uns fast überall entspannt bewegen, ohne dass wir Angst haben müssen, dass ein Haus einstürzt oder ein Bombe explodiert oder wir nicht wissen, wie wir uns die nächsten Stunden etwas zu essen beschaffen können. Somit ist es

What would you say: is there a difference between the political statements of Fc St. Pauli compared to other clubs? I think the big banner on the opposite side (Editor‘s note: „No football for fascists“) and all the other political statements around there are unique in Germany. I could not think of any other club that would allow something like this in their stadium, something that is perma-

schwierig für die Jüngeren, generell das Thema aufzugreifen, zu verstehen und dann zu sagen „der hat die und die Meinung und das finde ich gut“. Daher würde ich diese Frage zurzeit eher verneinen. Aber vielleicht gibt es den ein oder anderen, der das gut findet und sich das vielleicht dann auch für sich selbst vornimmt. Was würdest du sagen: Sind die politischen Statements beim FC St. Pauli anders als bei anderen Vereinen?

Fühlst du dich wohl in diesem politisch aufgeladenen Umfeld, wo es gerade in der Fanszene um mehr geht, als nur darum, ob der Ball jetzt ins Tor geht und in dem es sehr viel Engagement und Nebenschauplätze gibt?

Do you feel at home in this political environment where the supporters are interested in much more than if the ball reaches the goal and where you can find a lot happening besides the football game? Yes, I definitely feel at ease here. Even though we, the players, are way less involved than the supporters, we definitely have possibilities to take action, especially to help. But I would not describe myself as politically active. I still think there are some things you could do. That’s why I feel very comfortable in this club and in this environment.

FUSSBALL UND POLITIK | FOOTBALL AND POLITICS

Ich glaube, der große Schriftzug auf der Gegengeraden (Anm. der Red.: „Kein Fußball den Faschisten“) und auch die übrigen politischen Statements im Umlauf der Gegengerade sind einmalig in Deutschland. Ich wüsste da jetzt keinen anderen Verein, der so etwas in seinem Stadion zugelassen hat, was dauerhaft und deutlich sichtbar ist. Und generell gibt es politisch ja eine klare Positionierung. Die gibt es mit Sicherheit bei dem ein oder anderen Verein auch, aber ich glaube, das soziale und politische Engagement und die Positionierung des Vereins hier ist eine Besonderheit.

nent and really shows that there is a clear political positioning. Of course you might find this in other clubs too but I feel like the social and political commitments and statements and the positioning of the club are quite special.

Ja, ich fühle mich hier definitiv wohl. Wobei wir als Fußballer bei Weitem nicht so extrem involviert sind, wie die Fans. Wir haben hier und da mit Sicherheit Möglichkeiten uns einzubringen und gerade auch zu helfen. Jedoch würde ich mich nicht als wahnsinnig politisch engagiert bezeichnen. Dennoch glaube ich schon, dass es gewisse Dinge gibt, die man tun kann. Deswegen fühle ich mich hier im Verein und in diesem Umfeld sehr wohl.

[TO] FLOAT AN IDEA â&#x20AC;&#x201C; EINE IDEE IN DEN RAUM STELLEN

EINGANG ENTRANCE

KANDIEVAN SKATEN KIDS CORNER

ESSEN / FOOD

COCKTAIL BAR

BIER / BEER

TATTOOS

SOFT DRINKS

MTG MERCH

STREET ART WORKSHOP

VORTRÃ&#x201E;GE / LECTURES

FILM

LIVE MUSIC

VIVA CON AGUA

KUNSTLADEN / ART STORE

W.A.S.H. STATION

MATE DRINKS

SIEBDRUCK / SERIGRAPHY

PHOTOBOX

MEDIENPARKPLATZ GEGENGERADE SÜDTRIBÜNE BALLSAAL SÄULENGANG HAUPTTRIBÜNE NORDPLATZ KULTURRANG KAFFEE / COFFEE

CHURROS

GLOBALER RAUM GLOBAL SPACE

Â© Stefan Groenveld

Globaler Raum – so groß und prall gefüllt mit so viel Leben. So viele unterschiedliche Orte und Städte, sehr viele Menschen. Überall. So viel Schönheit. So viel Müll. Viel Menschengemachtes. So vielseitige Natur, so unendlich viele Tiere. So viel Potenzial. So unglaublich viel kaputt zu machen. Wo wollen wir eigentlich hin? Raimar Tontsch

Global space â&#x20AC;&#x201C; so huge and filled with so much life. So many different places and cities, so many people. Everywhere. So much beauty. So much waste. A lot of man-made things. Such a diverse nature, a countless diversity of animals. So much potential. So unbelievably much to destroy. Where do we want to go actually?

NICHT-ORTE

Fabian Beckert

NON-PLACES

GLOBALER RAUM | GLOBAL SPACE

Endlose Kilometer auf der Autobahn, Zwischenstopps an Raststätten, stillschweigendes Verharren in Zügen, Warten auf eben jene an Bahnstationen, die Erledigung des Wocheneinkaufs oder die schnelle Besorgung im nächstgelegenen Shoppingcenter, all dies sind Beispiele aus dem tagtäglichen Leben, in der Stadt oder sonst wo, welche sich in sogenannten „Nicht-Orten“ abspielen (können). In Abgrenzung zu traditionellen Orten, welchen eine geschichtliche, emotionale oder soziale Identität auferlegt wird, fehlen Nicht-Orten diese Eigenschaften, sie sind bloße Räume des Durchquerens, des Passierens – Transitorte. Wie bei den meisten Dingen, sind diese Zuschreibungen immer in Relation zum jeweiligen Individuum zu sehen. So können Räume, die von vielen Menschen als Nicht-Orte angesehen werden, für andere durchaus mit einer Prägung versehen sein, etwa, weil sie den eigenen Arbeitsplatz darstellen. Die Annahme, welche sich bei der Bezeichnung „Nicht-Ort“ einstellt, der Raum sei nur von zweitrangigem Interesse, ist demnach nur bedingt richtig. Es sind Orte, welche keine sind, dessen Bedeutungen zugleich unwichtiger nicht sein können, sie jedoch im gleichen Maße nicht wegzudenken sind.

Endless kilometres on highways, stopovers at rest stops, silent transitions in trains waiting for the eventual train station, performing the weekly shopping routine or running the quick errand at the nearby shopping center. All are examples of everyday life, in the city or elsewhere, which take place in so-called ‘non-places’. Non-places lack the characteristics and distinction of ‘traditional places’ upon which historical, emotional or social identity are imposed, simply filling the void of places to be crossed, places to be passed – places of transit. As with most things, these attributes are seen in relation to the respective individual. Thus, places that are regarded by many people as non-places can be decorated with meaning for others, say, should they represent a workplace. The label portrayed with the term ‘non-place’, signalling a space of secondary importance is therefore only partially adequate. These are places which are none, whose meanings cannot be of less importance; but which to the same extent, we cannot imagine life without. Fabian Beckert 59

Zusammen ergeben viele unterschiedliche Namen ein anderes Land

GRENZENLOSE RAUMPFLEGE BORDERLESS SPACE PLANNING We are from the initiative „Refugees Welcome Karoviertel” and we have been asked to write something about “global space”. It’s up to me to explain why that doesn‘t really work. I will try to:

Refugees Welcome Karoviertel ist ein wilder Haufen sehr, sehr unterschiedlicher Frauen und Männer, die sich im Sommer 2015 zusammen versammelten und entdeckten, dass man auch im kleinsten Quartier der Stadt mit Liebe, Verstand, zwei Händen und ein bisschen Hartnäckigkeit zwar die Welt nicht aus den Angeln heben kann, aber die herrschenden Verhältnisse zumindest zeitweilig zum Keuchen bringen. Und das so vorbildlich, dass RWKaro, das ist die Kurzversion von „Refugees Welcome Karoviertel“ eine Blaupause wurde für unzählige Initiativen von Flensburg bis Garmisch.

Refugees Welcome Karoviertel is a wild bunch of very different women and men who came together in summer 2015. We discovered that even in the smallest Hamburg district you will not make a difference immediately but with love, intellect, two hands and persistence you can urge the system to change the status quo. We‘ve been so successful that RWKaro – Refugees Welcome Karoviertel - became the prototype for countless action groups from Flensburg to Garmisch. In the beginning, it was imperative to fix the notion that any human in the world should have the right to freely choose where and how long he or she wanted to be or stay. Additionally, it was important to make clear that humans needed help to cross the borders of countries where inner and outer borders are essential elements of inner structures. The colourful teams of RWKaro Initiative from the tiny Karoviertel have not stopped to demand better conditions for the arriving refugees, while showing through our own activities that a diverse community can make a difference, a difference that originated from humanity instead of through stupid, shallow rules.

In dieser Zeit ging es hier wie da darum, möglichst viel an Boden für die Haltung zu gewinnen, dass jeder Mensch auf der Welt das Recht haben soll, selbst zu entscheiden, wo er wie lange sein oder bleiben möchte. Und dass er dabei, in Ländern in denen innere und äußere Grenzen offensichtlich wesentliche Strukturelemente sind, Hilfe beim Grenzübertritt braucht. Und die bunten AGs der RWKaro Initiative aus dem popeligen Karoviertel haben dabei bis heute nicht nachgelassen, hartnäckig und radikal bessere Bedingungen für Ankommen-

GLOBALER RAUM | GLOBAL SPACE

Wir von der Initiative Refugees Welcome Karoviertel mögen an dieser Stelle was zu „globalen Räumen“ erzählen. Und an mir bleibt es nun hängen zu erklären, warum das eigentlich gar nicht geht. Ich versuch’s:

de zu fordern und durch eigene Aktionen zugleich zu belegen, dass die Zivilgesellschaft in ihrer versammelten Unterschiedlichkeit Dinge bewegen kann, die sich aus guten Gründen an Mitmenschlichkeit orientieren und nicht an dumpfen und doofen Regeln.

GLOBALER RAUM | GLOBAL SPACE

Wir haben uns also im letzten Jahr um Menschen gekümmert und nicht um Räume und aber dabei anscheinend Räume erweitert. Wichtig aber ist heute nicht, wo wir es getan haben, sondern dass wir überhaupt was getan haben: Die einen haben die Hände gefaltet, andere T-Shirts auf Kante, einige von uns haben zusammen mit flüchtigen Köchen Servietten gefaltet und dann waren noch die von uns, die gemeinsam versucht haben Nazis zu falten, damit sich am Ende die Menschlichkeit besser entfalten kann, in diesem Globalisierungsraum, der keine Grenzen kennt und eigentlich gar keiner ist. Denn „globaler Raum“ ist eigentlich Mumpitz und ein Quatschbegriff. Ein Raum lebt ja gerade davon, dass er begrenzt, umfangen und eben drinnen ist. Räume sind prinzipiell und eigentlich immer drinnen. Das kann ziemlich gut sein und sinnstiftend. Wenn es regnet zum Beispiel oder wenn einer ein Dach überm Kopf braucht, wenn wir es muggelig haben wollen oder wenn wir mal schlimme und geheime Dinge tun wollen, die niemanden was angehen. Draußen geht Raum geht einfach nicht. Wenn wir dann also von Räumen draußen in der Welt reden, meinen wir eigentlich Flächen. Flach, 2D und draußen eben. Ganz bestimmt und besonders weil sie in der Regel oberflächlich sind. Das kann man besonders schön erkennen,

Last year we cared about humans and not about space but by doing so we apparently opened space. But today it is much more important that we that we have done something - not where we did something. A few folded their hands. Others folded shirts, a few folded napkins with refugee cooks - and then there were those who tried to fold Nazis in order for humanity to unfold easier - all in this global space that doesn’t know borders and which isn‘t actually space itself. The term “global space” is nonsense. Space is defined by being bordered, surrounded and being inside. Space and rooms are inside principally. That may be quite good and meaningful - for instance if it’s raining or if one needs a home. When we want to have a cozy place, or a place to do things that‘s no one else‘s business. Outdoor “space” doesn’t work. When we talk about space outdoors, we talk about surface area. Plain, 2D and outdoors. Mostly and especially because they are plain. You know this is true if you take a step back or many steps up. Up to the only space where it doesn‘t matter whether there‘s a brick missing in the Great Wall of China: the outer space. The one who has a view of Earth from outer space will come to a surprising conclusion: There are no borders in this sphere, not a single one, nothing. No space, no borders. Even the coastline is just land covered by water. And while looking down at Planet Earth, one quick glance over our shoulders into the endless distance of the universe is enough to realize the silliness of our thoughts and opinions.

wenn man mal ein Schritt zurücktritt, oder viele Schritte z.B. nach oben. In den einzigen Raum, dem es innen und außen komplett egal ist ob er einer ist oder ob aus der chinesischen Mauer ein Zinken bricht: der Weltraum, das Universum, das All. Wer von dort auf die Erde schaut, wird eine überraschende Feststellung machen:

Was kapiert? Dann nix wie runter und weiter reden, weiterkämpfen Wenn Samer, Mokuko, wenn Lina und Sarah mit den Kindern hierhergekommen sind, um zu bleiben, für eine kleine oder eine lange Zeit, dann sollte das für uns komplett OK, nachvollziehbar und akzeptabel sein. Willkommen neue Nachbarn. Schön wäre das und klug wäre das und notwendig sowieso.

If Samer, Mokuko, Lina and Sarah came here to stay for a short or a long time then it should absolutely be OK, it should be comprehensible and acceptable to us. Welcome new neighbours. That would be nice and clever and necessary in any case. Only as long as there are borders, and as long as humans have to break free from borders to move freely or to meet anywhere else, we in all the Karoviertels of the world will fold hands, shirts, do cooking together and fold napkins. As well as misanthropes. Whoever it is that doesn’t want this, whoever it is that wants us to become expendable, has to accept reality and reality knows no borders. Georg E. Moeller, escape agent at Refugees Welcome Karoviertel (RWKaro)

GLOBALER RAUM | GLOBAL SPACE

Es gibt überhaupt keine Grenze auf dieser Kugel, nicht eine einzige, nix, Null, nada. Keinen Raum, keine Grenzen, selbst die Küsten sind nur Land mit Wasser drüber. Und wenn wir da schon mal so schön auf unseren Planeten gucken, reicht ein flotter Blick über die Schultern in die uncheckbaren Weiten des Universums, um sich der Bedeutung von blödsinnigen Haltungen und Auffassung klar zu werden.

Understood? Then back down to Earth, go on talking, go on fighting,

Nur solange es Grenzen gibt und Menschen aus Begrenzungen ausbrechen müssen um sich bewegen zu können oder woanders zu versammeln, solange werden in allen Karovierteln der Welt wilde unterschiedliche Menschen immer und immer wieder die Hände falten, T-Shirts auf Kante legen, zusammen kochen und Servietten und auch Menschenfeinde zusammenfalten müssen. Wer das nicht will, wer uns überflüssig machen will, muss die Wirklichkeit anerkennen und die kennt keine Grenzen. Georg E. Moeller, Fluchthelfer bei Refugees Welcome Karoviertel (RWKaro)

VIVA CON AGUA SCHWEIZ MEETS VIVA CON AGUA KAMPALA

Â© Stefan Groenveld

Die Vorstellung, Viva con Agua in einem afrikanischen Land neu zu starten, tatsächlich neu zu denken, unter ganz anderen gesellschaftlichen und politischen Rahmenbedingungen, ist extrem inspirierend. Vor gut einem Jahr fand dieses Thema in meinen Erzählungen über das VCA Netzwerk immer mehr Platz auf meiner Agenda. Die Geschichte weniger Leute, die sich einem Thema annehmen und andere mit ihrer Energie und Motivation begeistern, ist auch für mich neue Begeisterung für Viva con Agua.

GLOBALER RAUM | GLOBAL SPACE

Und doch blieb die Vorstellung dieses wachsenden Netzwerks, dass sich Kampala stetig formt, abstrakt. Relativ weit weg, nicht fassbar. Als ich nun mit vielen anderen Menschen zusammen das Land Uganda besuchen durfte, erfuhr ich mehr von den Menschen vor Ort. Den Aktivitäten, den Projekten, auch ein bisschen über die gesellschaftlichen Umstände, in die das Engagement von VcA eingebettet ist. 80% der Menschen in Uganda sind unter 30 Jahren. Viele junge Menschen sehnen sich nach Veränderung, wünschen sich einen Neustart nach 30 Jahren Ein-Parteien-System. Auch der Antrieb, sich für andere zu engagieren, ist zu spüren. So existieren bereits hier – in vor allem städtischen Gebieten Ugandas – ähnliche Erlebnisräume wie bei uns in europäischen Ländern: Verbindende Aktivitäten mit der Idee, damit soziale Themen zu kommunizieren. Und auch hier scheint die Lösung simpel: Tu Dinge, die Dir selbst Spaß machen. Ansonsten scheint das Feuer relativ rasch wieder erloschen. Und auch in Kampala ist die Herausforderung, die Erlebnisräume an Anreize zu knüpfen, in der Verbindung mit den eigenen Interessen der eingebundenen Akteure. Insofern gibt es – ob in Kampala oder Kiel – sehr viele Gemeinsamkeiten: Solidarität für andere ist möglich, wenn man auch hier den richtigen Ton trifft. So lassen sich Brücken schließen, Lücken füllen, Möglichkeiten zum Engagement schaffen im Kontext von Kunst, Musik und generell kulturellen Aktivitäten. Die letzten Jahre hatte ich die Möglichkeit, immer wieder einzutauchen in die Kultur der von uns unterstützen Projektländer. Und eine Erkenntnis war stets, wie wenig das Potenzial von Kooperation, von Zusammenarbeit, von Miteinander der vor Ort tätigen Initiativen genutzt oder eventuell auch gewünscht wird. Wie viele technisch hervorragende Projekte zu wenig ankommen bei den Menschen, die soziale Komponente zu kurz kommt. Ich sehe hier tatsächlich eine Chance von Viva con Agua: Räume schaffen, die gefüllt werden mit freudvollen Aktivitäten. Gefüllt werden von Einzelpersonen, losen Projekten oder bereits etablierten Organisationen. VcA als Plattform zur Vernetzung. Als Akteur, der mithilft, soziales Engagement in Uganda und anderen Ländern des Globalen Südens etwas neu zu denken. Dafür braucht es die große Überzeugung und den Mut weniger, um viele zu inspirieren. Gregor Anderhub

The idea to expand Viva con Agua in an African country, actually rethinking under completely different social and political parameters, is extremely inspiring. A year ago, this topic found more and more space in my agenda whenever I spoke of the VcA network. The stories of these people and their energy and motivation towards this topic, also ignited new enthusiasm in me for Viva con Agua. However, the idea of a growing network in Kampala was still abstract. Far away and intangible. When I visited Uganda with other VcA people, I learnt a lot from the locals: the activities, the projects, the social circumstances, all of which shapes the engagement of Viva con Agua there.

So far, there are many similarities – whether being in Kiel or in Kampala: solidarity for others is possible when you are able to set the right tone. Then, it is achievable to build bridges, to fill gaps, to create possibilities for dedication in the context of art, music and cultural activities in general. In the last years, I had the possibility to plunge into the culture of our project countries. And the insights were always the same: there is a lot more potential for cooperation, collaboration and togetherness in the local initiatives. A lot of great technical projects cannot reach the people because the social component falls short.

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Eighty percent of the people in Uganda are under 30. A lot of young people wish for change, wish for a restart after having a one-party system for 30 years now. Also, the will to help others can be felt everywhere. That‘s why – especially in the urban parts of Uganda – similar places for experiences already exist, just like the ones in Europe: connecting activities with the idea of communicating social topics. And also here the solutions seem to be quite simple: do what you enjoy. Otherwise the fire will extinguish pretty quickly. Even in Kampala, it is a challenge to connect the places for experiences with incentives connected to the activists‘ own interests.

I see a big opportunity for Viva con Agua to create places that can be filled with joyful activities. Filled by individuals, loose projects or established organizations. VcA as a platform for networking. As a protagonist who helps to rethink the social engagement in Uganda and other countries in the Global South. All you need is a strong conviction and the courage of a few people to inspire many.

Gregor Anderhub

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RAUMÜBERWINDUNG IN DER GEGENWART – DIE GUTEN SEITEN DES SMARTPHONES TO CONQUER DISTANCES INSIDE AND OUTSIDE – SOME GOOD THINGS ABOUT SMARTPHONES

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In unserer globalisierten und technisch hochvernetzten Welt sind Smartphones zwar immer noch Statussymbole und Luxusobjekte und trotzdem - scheinbar alters- und geschlechtsunabhängig - allgegenwärtig und selbstverständlich. Und irgendwie auch abgrenzend. Wer auf sein Telefon schaut muss sich nicht mit der Umwelt auseinandersetzen, vermeidet direkte soziale Interaktion. Und zieht damit eine (unbewusste?) Grenze um den persönlichen Raum. Doch bei all seinen negativen Auswirkungen, die nicht unterschlagen werden sollten, kann in unserer Gegenwart die Bedeutung des Smartphones nicht mehr ignoriert werden. So sehr die zunehmende Digitalisierung im Kleinen Grenzen zieht, Anonymität steigert und überwacht, so bedeutet es außerhalb unserer westeuropäischen Lebensrealität auch das Gegenteil. In 2015 kam eine Debatte auf, die für mein Empfinden ans Absurde grenzt, basierend auf der Frage: „Wieso haben die, die angeblich alles verloren haben, ein Smartphone?“. Gefragt wird nach den Menschen, die aus ihrer Heimat flüchten mussten, um hier eventuell ein Leben ohne Angst zu finden. Es wird nicht danach gefragt, wie diese scheinbar unüberwindbaren Distanzen überwunden werden konnten. Stattdessen bleibt das selbstständige Denken irgendwo zwischen Wand und Tapete hängen. Wieso wird nicht voller Staunen danach gefragt, wie es diese Menschen geschafft haben, alle Hindernisse zu überwinden? Wie ist das möglich? Der Schritt zum nächsten Gedanken erfordert eigentlich noch keine große Leistung: Was nimmst Du mit, wenn Du alles zurücklassen musst und einen Weg vor dir hast, der so viele Gefahren birgt, dass diese deine Vorstellungskraft übersteigen? Du musst völlig un-

In our globalized and technical, highly-linked world, smartphones are still seen as status symbols. They are omnipresent and apparently used irrespective of age and gender. Still, they seem to limit social contact. If you look at your phone, you avoid interacting with the real world around you. You put up (unconscious?) borders. But even if there are these and all the other unnamed negative consequences, we can no longer ignore how much smartphones actually matter. Even if it creates new “borders”, pushes anonymity and monitors – it has a lot of functions that matter in a whole new way, mostly outside our western European reality. In 2015, there was a discussion that made me feel absurd. The question “Why do those, who are expected to have lost everything, own a smartphone?” came up. Really? Are we talking about those people who had to flee from their home to maybe find a life without fear, misery and war? Instead, we should focus on what these people actually accomplished – and how they managed to conquer their challenging journey. To think one step further seems easy: what do you take with you if you have to leave home immediately, with no homecoming in sight? When you have a journey in front of you that you know almost nothing about. You will have to make your way through totally unknown distances without any infrastructure and you might have to leave your loved ones behind without knowing if you will ever see them again. So, what is the easiest way to stay in touch? All these needs are partly fulfilled by a smartphone: Orientation, communication, information. And after reaching the destination, a smartphone even becomes your translator, information source, communicator and memory stick.

And thinking even further will bring up the fact that big smartphone companies also cater to other markets and not just Europe. And there, they sell cheaper smartphones with different functions. Our view on smartphones is not a worldwide status quo. It’s a paradox. Our technical networks become more advanced each day. At the same time, it feels like the real networks tend to be left behind. We own more and more things – and become socially poor. Someone will always feel envious. Even if it seems like we have everything in our western European world. So down with Eurocentrism. Let’s find a way back to solidarity and empathy. The people who meet misery with envy make me feel like I want to throw my expensive smartphone in the faces of all the politicians and right-wing populists as hard as I can. It’s them with all their stereotypes that divide us into “them” and “we”. For me, there is only one world. We all share it and the only way to make a change is to stand together in unity. The technical possibilities to support this are already in our hands.

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bekannte Distanzen überwinden, dich in Gebieten ohne jegliche Infrastruktur orientieren und vielleicht auch noch Menschen zurücklassen, von denen Du nicht weißt, ob Du sie wiedersehen wirst. All das - Orientierung, Kontakt, Informationszugang - bietet ein Smartphone. Wenn dann die räumliche Distanz überwunden ist, dann wird das Smartphone zum Helfer zur Überwindung ganz anderer Distanzen und Grenzen. Übersetzen, informieren, erinnern, mitteilen. Noch eine Stufe weiter zu denken würde bedeuten, sich bewusst zu machen, dass die großen Hersteller von Smartphones durchaus unterschiedliche Modelle auf unterschiedlichen Märkten anbieten. Da werden dann weniger avancierte Funktionen geboten – und dafür sind die Anschaffungspreise nicht vergleichbar mit denen in Westeuropa. Unsere Sicht auf das Luxusobjekt und Statussymbol Smartphone ist nicht die Sicht aller. So werden wir paradoxerweise immer vernetzter und gleichzeitig immer fremder, materiell immer reicher – und sozial immer ärmer. Irgendwer fühlt sich immer benachteiligt, irgendwer gönnt immer den anderen nichts. Obwohl wir scheinbar alles haben. Raus aus dem Eurozentrismus. Rein in Solidarität und Empathie. Und der Reflex der an der Debatte beteiligten Menschen, auf Not mit Neid zu reagieren, der sorgt dafür, dass ich mein teures Smartphone regelmäßig mit aller Kraft in die Gesichter all der PolitikerInnen und RechtspopulistInnen schmeißen möchte, die Vorurteile hochstilisieren und zu einer immer weiteren Unterteilung in „die“ und „wir“ beitragen. Es gibt für mich nur diese eine Welt. Und wir können nur gemeinsam und solidarisch etwas verändern und verbessern – die technischen Möglichkeiten haben wir ja schon.

Paula Marwedel

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Urbaner Raum – hier ein Platz, da ein Bäumchen, dort ein Haus – noch eins und noch eins und noch eins. Viel Platz? Wohl kaum. Mein Platz. Dein Platz. Unser Platz? Der eine sagt Ja, der andere Nein. Was machen wir mit dem Platz?

Raimar Tontsch

Urban space â&#x20AC;&#x201C; here's a place, there's a tree, and a house over there â&#x20AC;&#x201C; another one and another one and another one. Much space? Hardly. My space. Your space. Our space? One says yes, the other one says no. What do we do with the space?

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Street Art und das Recht auf Stadt „Verboten!“ - das Ballspielen, die Wiese betreten, die Wände bekleben. Eltern haften für ihre Kinder. Der öffentliche Raum ist geprägt von Vorschriften und Einschränkungen, ausgesprochen von staatlichen Institutionen, aber auch durch eine immer größere Anzahl privater Akteure. Verbote haben eine Kontrollund Disziplinierungsfunktion, die wichtig ist, um das friedliche Zusammenleben zu sichern. Gleichzeitig führt aber die Vielzahl an Regularien auch zu der Frage: „Wem gehört die Stadt?“ Wer hat das Recht den urbanen Raum zu gestalten und die Art seiner Nutzung zu bestimmen? Städte unterliegen heute einem Konkurrenzkampf um Wirtschaftlichkeit und Standortvorteile. Stadtplanung gleicht immer mehr einem Konzept, das dem Management eines Wirtschaftsunternehmens ähnelt. Der urbane Raum wird zu einer funktionalen Bühne vor dem Ziel der größtmöglichen Kapitalanhäufung. Henri Lefebvre, der Vater der Recht-aufStadt Bewegung, bezeichnet diesen Prozess als eine Art der Kolonialisierung des städtischen Raumes, dessen Angepasstheit und Sterilität im Sichtbaren nur durch bunte Werbung durchbrochen wird. Moderne Stadtplanung zielt ab auf Ähnlichkeit, auf die Wiederholung bekannter infrastruktu-

Street art and right to the city “Prohibited!“ – Ball games, walking on the grass, plastering the walls. Parents are liable for their children. Public space is shaped not only by regulations and restrictions of public institutions but also by a growing amount of private players. Laws are supposed to provide control and discipline, which are important to guarantee peaceful coexistence. At the same time, the expansive amount of regulation leads to the question: “Who owns the city?” Who has the right to shape the urban space and to decide the way it is used? Cities nowadays are subject to competition for profitability and locational advantages. City planning becomes more and more like a company’s economic concept. Urban space is turned into a functional stage with the aim of accumulating as much capital as possible. Henri Lefebvre, the father of the right to the city movement, calls this process a kind of colonialization of urban space, whose conformity and sterility in everything visible is only interrupted by colourful advertisements. Modern city planning aims at similarity, repetition of known infrastructural elements and economic optimization at the expense of declining individuality. This leads to the alienation of humans from their environment. The city as an erratic space, as a place of exch-

Street Art ist eine Option sich die Stadt als Spielplatz zurückzuerobern, die Machtansprüche auf den urbanen Raum in Frage zu stellen und gegen die künstliche Ästhetik geplanter Städte zu wirken. „Wer Graffiti anbringt, der beansprucht ein Stück Raum für sich, auf dem er sich äußern

ange, social interaction and as a living space gets lost in these processes and subsequent alienation. The identification with the own living environment decreases. Public space, however, is mostly defined by the participation and creativity of its residents. The feeling of belonging to a place, a quarter, a city and the sense of responsibility relies to a great extent on the individual’s possibilities of participation. The privatisation of cities through the sell-out of formerly public spheres to investors and the artificial formation of public space negate participation and activity; it accelerates repression. Street art is a way to reconquer the city as a playground, to question the claims to power on urban space and to counteract the artificial aesthetics of planned cities. “Whoever applies graffiti claims a piece of space in which one can express oneself.” Street art, starting from small tags over graffiti up to murals claim back a part of the city with every piece of work. But why do humans leave marks? Leaving symbols is also about leaving a trace. Here, the necessity becomes obvious: not to get lost in this predetermined world but to express presence at a place. Street Art can stand for political activism, for protest, for expressing the belonging to a space, for rebellion. Also, it is possible that

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reller Elemente und ökonomische Optimierung um den Preis eines rückläufigen Individualismus‘. Dies führt zu einer Entfremdung der Menschen von ihrer Umgebung. Die Stadt als diskursiver Raum, als Ort des Austauschs, der sozialen Interaktion und als Lebensraum geht im Zuge dieser Prozesse und der damit einhergehenden Entfremdung verloren. Die Identifikation mit dem eigenen Lebensumfeld nimmt ab. Öffentlicher Raum definiert sich aber wesentlich durch die Anteilnahme, das Mitwirken und -gestalten der dort Ansässigen. Das Gefühl von Zugehörigkeit zu einem Ort, einem Viertel, einer Stadt und das damit einhergehende Verantwortungsbewusstsein ist stark abhängig von den Möglichkeiten der Partizipation des Einzelnen. Die Privatisierung der Städte durch Veräußerung von ursprünglich öffentlichen Bereichen an Investoren und eine artifizielle Gestaltung des öffentlichen Raumes negieren Anteilnahme und Aktivität, sie forcieren eine Disziplinierung.

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kann.“ Street Art, angefangen bei dem kleinen Tag über Graffiti bis hin zu Murals, erobern mit jedem Werk einen Teil der Stadt zurück. Doch warum setzt der Mensch Zeichen? Bei dem Hinterlassen von Symbolen geht es auch darum, sich kenntlich zu machen, eine Spur zu hinterlassen. Hier wird ein Bedürfnis deutlich, in dieser vorgegebenen Welt nicht unterzugehen, sondern die eigene Präsenz an einem Ort auszudrücken. Street Art kann für politischen Aktivismus stehen, für Protest, für einen Ausdruck der Zugehörigkeit zu einem Ort, für Rebellion. Ebenso möglich ist es aber, dass Künstler die Stadt nur ästhetisch verändern möchten. Immer greifen sie jedoch direkt in das sichtbare Bild des öffentlichen Raumes ein. Auch wenn dies nicht zwingend mit einer politisch intendierten Botschaft geschieht, handelt es sich bereits um eine Form der Partizipation und eine die vorgegebenen Disziplinierungen in Frage stellende Handlung. Street Art ist daher ein emanzipatorisches und subversives Element eigen. Im illegalen Bereich durch die nicht genehmigte Aneignung des Raumes, im legalen Bereich durch die Vermittlung von Botschaften und die soziale Komponente, die Street Art in sich trägt, immer aber durch die Veränderung des Urbanen und die aktive Teilhabe. Street Art führt auf verschiedenen Ebenen zu mehr Demokratie im öffentlichen Raum. Sie birgt die Möglichkeit das Lebensumfeld aktiv mitzugestalten und stellt Beschränkungen durch Privatisierung, territoriale Ansprüche und die Deutungshoheit im öffentlichen Raum in Frage. Street Art kann somit eine Möglichkeit der Wiederaneignung des Urbanen sein. Sie führt weiterhin zu einer Demokratisierung von Kunst, da Street Art von Jedem ohne Eintrittsbarriere rezipierbar ist. Im Moment auf der Straße stellt sie eine nicht-kommerzielle Form von Kunst dar und ist dem institutionellen Diskurs enthoben. Eine weitere Ebene ist die der Kommunikation. Street Art eröffnet Möglichkeiten im urbanen Raum Botschaften zu vermitteln und außerhalb von Massenmedien und Werbung in die öffentliche Diskussion einzugreifen.

artists simply want to aesthetically alter the city. However, they always intervene in the visible image of the public space. Even when this is not always connected to a politically motivated message, it is a form of participation and an action questioning the dictated repression. Hence, Street art bears an emancipatory and a subversive element. In illegal spaces through the prohibited appropriation of space, in legal spaces through the mediation of messages and the social component always constituting part of Street art and always through the alteration of the urban space and active participation. Street art leads on different levels to more democracy in the public space. It bears the possibility to actively design the environment and question the limitations of the public space that derive from privatization, territorial claims and the prerogative of interpretation. This way, street art can be a possibility to reclaim the urban space. It further leads to a democratization of art, since street art can be received by anyone without any barriers. On the streets it is a non-commercial form of art, one that is detached from institutional discourse. Another level is communication. Street art opens up the possibility to convey messages in public space and intervene in public discussion away from mass media and advertisements. Street Art thus opens perspectives in the right to the city discussion from alienation to appropriation of civic space. It has a symbolic character in the demands for more right to the city and can be a loophole through the fence of prohibitions. Street art has – next to the potential of encouraging political discussion – the ability to build bridges, for instance when Street art is created within the framework of a festival together with the inhabitants of a quarter and the neighbours: as a collaborative project to win back living space. In this case, Street art is not only fighting back alienation through transformation of visible spaces but it also connects people with the help of art. This effect does not only become clear in social projects such as Favela Painting in Rio de Janeiro but also in other urban art festivals around the

Damit eröffnet Street Art in der Recht auf Stadt Diskussion Perspektiven von der Entfremdung zur Aneignung des urbanen Raumes. Sie hat symbolhaften Charakter in der Forderung nach mehr Anrecht auf Stadt und kann ein Schlupfloch durch den Verbote-Zaun sein.

Von Corinne Küllenberg

by Corinne Küllenberg

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Street Art hat neben dem Potential der politischen Diskussionsanregung auch die Fähigkeit Brücken zu schlagen, z.B. wenn Street Art im Rahmen eines Festivals mit den Bewohnern eines Stadtviertels und den Nachbarn geschaffen wird: als gemeinschaftliches Projekt zur Rückgewinnung von Lebensraum. Hier wirkt Street Art nicht nur gegen die Entfremdung durch die Umgestaltung des sichtbaren Raumes, sondern führt über die Kunst Menschen zusammen. Dieser Effekt wird nicht nur in sozialen Projekten, wie bspw. Favela Painting in Rio de Janeiro, sondern auch bei anderen Urban Art Festivals auf der ganzen Welt deutlich. Die Partizipation und das Interesse unterschiedlichster Menschen verdeutlicht den Wunsch nach Selbstwirksamkeit und Identifikation mit der Umgebung. Es zeigt, dass es einen Bedarf gibt sein Umfeld aktiv zu gestalten und sich anzunähern: an den urbanen Lebensraum aber auch an seine Nachbarn. Ein Wunsch nach einer städtischen Lebenswelt, die nicht geprägt ist von artifizieller Stadtplanung, sondern die gestaltet wird von Menschen für Menschen und dabei Raum für Freiheit und Individualität lässt.

globe. The participation and interest of different people underlines the desire for self-efficacy and identification with the environment. It shows the existing need to actively design surroundings and the necessity and to approach not only the civic living space but also one’s neighbours. A desire for an urban living environment which is not imprinted by artificial city planning but which is designed by human beings for human beings and which leaves space for freedom and individuality.

Bäumer 2009 Bäumer, Tobias: Zeichen setzen! P.S. Graffiti sind Krieg. In: Schönberger, Klaus; Sutter, Ove (Hrsg.): Kommt herunter, reiht euch ein ... Eine kleine Geschichte der Protestformen sozialer Bewegungen. Berlin, Hamburg: 2009.

Lefebvre 2014 (1970) Lefebvre, Henri: Die Revolution der Städte. Neuausgabe mit einem Vorwort "Die Revolution der Städte wieder lesen" von Klaus Ronneberger. Hamburg, 2014. © Stefan Groenveld

Â© Russell Hurd

RAUMANEIGNUNG, KUNST, PROTEST UND UTOPIE IM SPORT APPROPRIATION OF SPACE, ART, PROTEST AND UTOPIA IN SPORT However, one can only speak of „appropriation of space“ in its original meaning, if a space is additionally reinterpreted symbolically, that means it is being used in a different way than it was originally intended. The actual meaning of the space comes to reality when a space is symbolically reinterpreted into something new and different from its originally intended use. The actual meaning of the space is replaced by something else. For instance, a child draws a soccer goal with chalk onto a brick wall resulting in the child believing the drawing is an actual soccer goal. Often, children reinterpret space and objects while playing. Streets turn into tennis courts, the field becomes the field of dragons, the soda can turns into a ball and the trash can becomes the goal. This childlike instinct is also found in athletes. They turn their city into their playground in which they redesignate space for their sport, even though that space was not intended to be used for skateboarding, free running, urban golfing, urban boccia or urban climbing. The appropriation of space can be intentional but also happens unintentionally, and mentally as well as emotionally. While some people constantly seek out and conquer new space for practicing their chosen sport - due to their lack of free space – others consciously work out in places in which they will be seen and in which they get the attention they seek. Even the ordinary runner reinterpreted the urban space about 50 years ago, when he relocated his running routine from the back of the

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Menschen eignen sich jeden Tag Räume an, um dort Sport zu treiben. Das geschieht sowohl in der Natur z.B. beim Wassersport, Wandern oder Mountainbiken als auch in Räumen, die von Planern und Architekten dafür gestaltet wurden, wie Sportplätze und Sporthallen. Von Raumaneignung im eigentlichen Sinne spricht man aber erst dann, wenn ein Raum auch symbolisch umgedeutet wird, d.h. er wird anders genutzt, als ursprünglich vorgesehen. Der eigentliche Sinn des Raumes wird durch einen anderen ersetzt. Beispielsweise malt ein Kind auf eine Mauer mit Kreide ein Tor und geht danach felsenfest davon aus, dass es auch ein Tor ist. Kinder deuten Räume und Dinge beim Spielen häufig symbolisch um. Dann wird aus der Straße der Tennisplatz und aus dem Feld die Drachenwiese, aus der Getränkedose der Ball und aus dem Mülleimer der Korb. Dieser kindliche Spieltrieb zeigt sich auch bei Sportlern. So machen sie die Stadt zu ihrem Spielplatz, indem sie Räume für den Sport umwidmen, die dafür nicht vorgesehen sind, beispielsweise beim Skateboarden, Parcour & Freerunning, Urban Golf, Urban Boccia oder Urban Climbing. Die Raumaneignung geschieht dabei sowohl bewusst, als auch unbewusst, mental als auch emotional. Während manche Menschen aus Mangel an Bewegungsräumen täglich neue Räume für die Sportausübung suchen und erobern, treiben andere ganz bewusst ihren Sport an Orten, an denen sie besonders gesehen werden, um Aufmerksamkeit zu erzeugen.

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Auch der gewöhnliche Jogger hat die Stadträume umgedeutet, als er vor ca. 50 Jahren begann, seinen Dauerlauf in die Stadt zu verlegen und nicht mehr extra einen Sportplatz aufsuchen wollte, um sich körperlich zu ertüchtigen. Die symbolische Umdeutung führte schließlich zu einer Veränderung der sozialen Beziehungen. Die alltägliche räumliche Praxis in den Städten veränderte sich dauerhaft (Menschen joggen in der Stadt), wie auch das Erleben dieses Phänomens im öffentlichen Raum (symbolische Dimension): Waren Jogger damals merkwürdige Exoten, sind sie heute Teil des gesellschaftlichen Mainstreams. Die symbolische Umdeutung von Räumen wird auch in der Kunst angewandt, wofür es zahlreiche Beispiele im Bereich Street-Art oder Performance-Kunst gibt. In Verbindung mit Sport geschieht dies aber eher selten. Jedoch kennen wahrscheinlich viele die Videos von Remi Gaillard, der als Footballspieler einen Müllsack in die Müllabfuhr schießt oder eine Baustelle zum Weitsprungfeld umdeutet. Die Umdeutung von Räumen hat stets auch etwas Widerständiges und Protesthaftes an sich. Jemand, der einem Raum eine andere Bedeutung zuweist, wendet sich auch gegen die gesellschaftlich definierten Konventionen und Interpretationen eines Raumes. Eine Umdeutung kann aber auch als Akt der Befreiung angesehen werden, wenn es um das Recht auf Raumbestimmung geht und damit letztlich um Selbstbestimmung. Nicht ohne Grund hat der französische Philosoph und Soziologe Henri Lefebvre als einer der Wegebreiter des Raumaneignungskonzeptes auch das Recht auf Stadt formuliert. Im Sportbereich findet man weltweit Protestformen, bei denen symbolische Umdeutungen des öffentlichen Raumes stattfinden. Man denke nur an die monatlichen Critical Mass Fahrraddemos, die öffentlichen Übungen der chinesischen Falun Gong Bewegung oder an die Protestaktion des Vereins Roter Stern

usual sports to the streets of the city in order to push himself. The symbolic reinterpretation eventually led to a change in social relationships. The daily spatial practice in cities changed permanently (people running in cities), as well as the experience of that phenomenon in the public space (symbolic dimension): were runners in that time strange and exotic, and are today’s runners part of the social mainstream? The symbolic reinterpretation of space is also being used in art with numerous examples in street art or in performance art. Yet it does not happen often in combination with sports. However, many probably know of Remi Gaillard’s videos in which the soccer player kicked a trash can into the garbage truck or in which he turned a construction site into a broad jump pit. The reinterpretation of space always symbolizes resistance and protest. When someone designates a new meaning to a space, this person also turns against socially defined conventions and interpretations of that space. Yet a reinterpretation can also be seen as an act of liberation, especially when it comes to the right of determining space and therefore of self-determination. The French philosopher and sociologist Henri Lefebvre was t he pioneer of the concept of appropriation of space for a reason, since he also constructed the municipal right. In the global sporting world, there are many forms of protest in which symbolic reinterpretations of public space occur. Remember the monthly Critical Mass Bicycle demonstrations, the public practices of the Chinese Falun Gong movement, or the protest of the Roter Stern Flensburg club that practiced in front of the Flensburger City Hall to bring attention to the lack of sufficient training grounds. Sports and the arts have an immense influence on our society, because they impress us daily and therefore they change us and our lifesty-

les. In his theories about space, time, city and state, Lefevbre criticized the modern society in which the Hegelian rationalism and Logos prevailed, in which the individual was shaped into uniforms, and in which a distrusting society disintegrated. In contrast, Lefevbre described the utopia of differential space. Here, the fragments of society are pieced back together, and through Nietzsche’s emotionally sensual life and experience it is strengthened and shaped, specifically through spontaneity, Eros, playfulness, art and resistance. Sports can help to make these utopian visions of reality. People can move together, play together, and clear their heads. Apart from the newest and most exclusive sports and workouts, they can also reclaim their streets and their districts again, and get to know, understand and respect their fellow men better. The one who forgot how to go about that simply needs to remember how they used to play as children. Jan-Henrik Stephan

URBANER RAUM | URBAN SPACE

Flensburg, der vor dem Flensburger Rathaus sein Mannschaftstraining abhielt, um auf die mangelnde Verfügbarkeit von Trainingsplätzen hinzuweisen. Sport & Kunst üben einen beträchtlichen Einfluss auf unsere Gesellschaft aus, weil sie täglich auf uns einwirken und damit unsere Einstellungen und unsere Lebensart verändern. Lefebvre kritisiert in seinen Theorien über Raum, Zeit, Stadt, Staat die moderne Gesellschaft, in der die hegelianische Ratio und Logos vorherrschen, in der das Individuum in Formen gepresst wird und eine misstrauische Gesellschaft in Fragmente zerbricht. Demgegenüber formuliert Lefebvre die Utopie des differenziellen Raumes. Hier werden die Fragmente der Gesellschaft wieder zusammengeführt und stärker durch Nietzsches emotional-sinnliches Leben und Erleben geprägt d.h. durch Spontaneität, Eros, Spieltrieb, Kunst, Widerstand und Festivalisierung. Der Sport kann dabei helfen, diese utopische Vision Wirklichkeit werden zu lassen. Menschen können sich gemeinsam bewegen, spielen und den Kopf frei bekommen. Sie können sich auch außerhalb von szenigen, leicht exklusiven Trendsportarten ihre Straße und ihr Viertel zurückerobern und dabei ihre Mitmenschen besser kennenlernen, verstehen und respektieren. Wer vergessen hat, wie das geht, muss sich nur daran erinnern, wie er früher als Kind gespielt hat. Jan-Henrik Stephan

ZEIT UND RAUM TIME AND SPACE

Zeit und Raum – die eine kann nicht ohne den anderen sein und umgekehrt. Doch sie wollen unterschiedliche Dinge. Sie steht für Vergänglichkeit, er für Beständigkeit – und trotzdem geht es gut. Seit jeher. Wie nur?

Raimar Tontsch

Time and space â&#x20AC;&#x201C; One cannot live without the other and vice versa. But they want different things. One is standing for evanescence, the other for stability â&#x20AC;&#x201C; and nevertheless it works out. All along. But why?

HANDELN IM ÖFFENTLICHEN – DER BLEIBENDE MOMENT

In vielen unserer Projekte handeln wir interimistisch und haben als Ziel, Menschen zusammen zu bringen. Wir machen das, indem wir eine neue Erzählung an oder in einen Ort oder eine Situation/Gegebenheit bringen. Wir laden gerne ein und inspirieren gerne. Mit der Fokussierung auf diese ersten Schritte zum Prozess einer Veränderung sind wir nicht diejenigen, die die Last eines langen, ausdauernden Prozesses (urbaner) Veränderung tragen. Dennoch kann große Energie freigesetzt werden, wenn 10, 50 oder 100 Leute sich treffen und das Zusammensein über alle Unterschiedlichkeiten hinweg als Bereicherung ansehen. Denn genau das ist auch öffentlicher Raum: der Raum, wo wir “dem Anderen” begegnen, denjenigen Menschen, die anders sind als ich.

Entering public space – the lasting moment Raumlabor loves the idea of public space as a place of interaction between people. This way, public is seen as a practice, rather than a status. Turning a place into a public place happens by people using it, by appropriations, interpretations, basically by inscribing multiple activities into a space and therefore bringing it to life. “Acting in public” was the title of our book in 2008. Since then, our enthusiasm to focus on architecture as a practice has has continued to grow. In many of our projects, we work on a temporary basis and aim to bring people together. We do this often, by proposing a new narrative for a place or a situation. We like to invite and inspire. We do acknowledge that by focusing on these first steps to the process of transformation, we are not the ones who bear the burden of a long, enduring process of (urban) change. Nevertheless when 10, 50 or 100 people meet and see their togetherness as an accomplishment, it can release great energy. As this is also public space: the place, where we meet the “other”, the ones that are different to myself. This sounds banal, but put it in relation to a society in where narratives of fear and alienation grow stronger, in which trust in each other is a precious good, in which the very competition of everyone against / with everyone has become the basic principle of society. Then being together, having space and time to discover each other respectfully, can be precious.

ZEIT UND RAUM | TIME AND SPACE

Raumlabor arbeitet mit dem Verständnis von öffentlichem Raum als ein Ort, wo Menschen sich begegnen und austauschen. Öffentlichkeit wird als Handlung und Aufgabe angesehen, nicht als Zustand. Einen Ort in einen öffentlichen Platz umzuwandeln geschieht dadurch, dass Menschen ihn benutzen, ihn sich aneignen, ihn interpretieren und mit neuen Bedeutungen aufladen – genau genommen, dass verschiedenste Handlungen in den Raum getragen werden und ihn so zum Leben erwecken. “Acting in public” war der Titel unseres Buches, das 2008 erschienen ist. Seitdem ist unsere Begeisterung, Architektur als eine handelnde Praxis auszuüben stets gewachsen.

ZEIT UND RAUM | TIME AND SPACE

Das klingt einfach, aber in einer Gesellschaft, in der Erzählungen von Angst und Verfremdung größer werden, in der gegenseitiges Vertrauen ein wertvolles Gut ist, in welcher der starke Wettbewerb jeder gegen jeden Grundsatz der Gesellschaft geworden ist, dort kann Zusammensein, Raum und Zeit haben, einander mit Respekt zu begegnen und sich kennen zu lernen, sehr kostbar sein.

Da dies fast schon wie ein Manifest klingt, kommen wir mal zum Konkreten und schauen uns ein paar Beispiele an. Nehmen wir das Küchenmonument – ein aufblasbarer Raum, der so freundlich und nett aussieht und Platz zum Zusammenkommen für 100 Menschen bietet, die Möglichkeit einen eigenartigen öffentlichen Raum in Besitz zu nehmen und ihn komplett in einen Speisesaal für eine Nacht zu verwandeln. Wir sehen das Küchenmonument als ein Werkzeug / eine Möglichkeit, schwierige öffentliche Orte in Besitz zu nehmen, sie mit Aktivitäten zu füllen und mit der sozialen Konstruktion aller eingeladenen Menschen und ihrer Freunde eine neue Form des Zusammenseins zu gestalten, die diesen Moment teilt. Eine zweite Arbeit ist die fountain house Serie. Bis heute gibt es zwei: das erste kleine fountain house wurde in Hong Kong aufgebaut, das zweite und größere in Montreal. Das Programm des fountain house nimmt Orte zu gemeinsamer Nutzung von Wasser als Vorbild. Es sind kleine Architekturen, pavillonartig, die

As this sounds quite like a manifesto, let's get real and look into some examples. Take the Kitchen Monument – an inflatable space that look so friendly and kind and offers room for 100 people to come together, inhabit a really odd urban space and completely transform it into a banquet hall for one night. We see the Kitchen Monument as a tool for inhabiting difficult urban spaces, reload them with activities and with the social construction of all the invited guests and their friends – to create a new form of togetherness from this shared moment. A second work of ours that is worth looking into in this context is the fountain house series. To date, there are two: the first, smaller one was produced in Hong Kong, the second and bigger one in montreal. The program of the fountain house picks up on the archetype of places for the collective use of water. They are small architectures, pavilion-like, that contain a place to access drinking water. We like this resource to be freely available for all. Imagine if this would be the case in all our cities? In many places? Would we just stop buying these little plastic bottles of water sold everywhere? Would the poor and homeless improve their lives? Would we all have a place to relax for a moment and to recharge in a poetic atmosphere? Maybe. We feel it could be a great extension of public programmes, if all cities had pavilions like this. Maybe this could help us to meet, exchange, transgress boundaries of society – as described above.

einen Ort mit Zugang zu Trinkwasser beinhalten. Wir wünschen uns, dass diese Ressource für jeden frei verfügbar ist. Stell dir vor, wenn das in all unseren Städten der Fall wäre? An vielen Orten? Würden wir aufhören, diese kleinen Plastikflaschen zu kaufen, die überall im Verkauf sind? Könnten die Armen und Wohnungslosen ihr Leben verbessern? Hätten wir alle einen Ort, um für einen Moment in einer poetischen Atmosphäre runter zu kommen und wieder Energie zu sammeln? Vielleicht. Wir von raumlabor fühlen, dass das eine großartige Erweiterung von öffentlichen Angeboten sein könnte, wenn alle Städte Pavillons wie diese hätte. Wahrscheinlich könnte uns das helfen, uns zu treffen, auszutauschen, gesellschaftliche Grenzen zu überschreiten - so wie eben beschrieben. Das Stadion des FC Sankt Pauli ist an Spieltagen auf anderer Ebene so eine Art Pavillon, wo sich Menschen treffen. Es ist das Fussballspiel, was die Menschen zusammen bringt, das Erlebnis des Spiels zu teilen und sich auszutauschen. Jedes Mal, wenn die Millerntor Gallery das Stadion in Besitz nimmt, und den Raum durch Kunst, Kultur und Musik in einen anderen Kontext setzt, entstehen neue Möglichkeiten zu einem Austausch für die Menschen, die dorthin kommen. Mit dem Hintergrund von Viva con Agua ist es auch hier wieder das Wasser, was uns zusammen bringt. Die Millerntor Gallery verwandelt diesen Austausch zu einem Zurückgehen zur Quelle mit der Idee: “Art creates water.”

The FC Sankt Pauli‘s stadium on match days is also such a kind of pavilion where people meet. It's the football match that brings people together, sharing the experience of the match and having an exchange. Anytime the Millerntor Gallery enters the stadium transforming the space and putting another context of art, cultural happening and music to it, there are new possibilities for exchange with the people who are there. As with Viva con Agua, it is water that brings us together. The Millerntor Gallery transforms this exchange into a return to the source, with the idea: “art creates water”.

Markus Bader, raumlaborberlin

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DAS MILLERNTOR – EIN STADION AUS LIEBE, LÄRM UND POLITIK Wann wurde das Millerntor-Stadion gebaut? So einfach diese Frage wirkt: Es gibt mehr als eine Antwort darauf. Wie man diese Antwort formuliert, hängt wiederum eng damit zusammen, wie man das Millerntor sieht: als reines Bauwerk aus Beton, Stahl, Glas und Rasen – oder als sozialen Raum, den erst die Menschen in ihm „zu Ende bauen“ – mit dem was sie sind und was sie tun. Es war ein langer Weg vom ersten „Millerntor-Vorgänger“ bis zum vollständig rekonstruierten Stadion von heute. Was 2015 mit der Einweihung der neuen Nordtribüne abgeschlossen wurde, begann im März 1911 mit 3000 Metern Segeltuch und einem Schwung Eisenstäbe. Mit diesen einfachen Mitteln steckten die frühen braun-weißen Fußballer ihre noch sehr provisorische, mit Steinen, Nägeln und Glas durchsetzte Spielfläche auf dem Heiligengeistfeld ab, um bei Punktspielen Eintritt nehmen zu können.

The Millerntor – a football ground made of love, noise and politics When was the Millerntor Stadium built? A seemingly simple question – but it has more than one answer. The choice and wording of this answer is closely related to how you see the Millerntor: as a mere building made of concrete, steel and glass with a pitch inside – or as a social space which can only ever be fully built by the people inside it, with everything they are and everything they do. It has been a long journey, from the first of the Millerntor‘s predecessors to today’s fully reconstructed, modern stadium. It was completed in 2015 with a ceremonial opening for the new North Stand, the last of four successively built new stands. This construction began in March 1911, with 3,000 metres of sailcloth and a couple of iron rods. The early brownand-white FCSP footballers used these simple means to separate their primitive pitch – often

Das Millerntor, wie wir es heute kennen, entstand erst Mitte der 80er-Jahre: „Gebaut“ von Fans aus der Hafenstraße und ihren Freunden, die mit den ersten Totenkopffahnen auch eine völlig neue Art von Fankultur mitbrachten – eine Fankultur, für die Politik im Stadion, kritisches Denken und Kreativität vollkommen selbstverständlich waren. „Kein Fußball den Faschisten“: Dieser zentrale Satz für den FC St. Pauli prangt heute in riesigen Lettern auf der Gegengerade. Für die Statik des Millerntors ist er mindestens eben-

littered with stones, nails and glass – from the surrounding Heiligengeistfeld (the large free urban space where the Millerntor still stands today), so that they could charge a small fee for viewing the games. It was the first of many incarnations of the Millerntor. Two of them where ruined shortly after their opening by agricultural exhibitions – the town of Hamburg had the right for joint use of the area. One was destroyed at the end of the Second World War and was rebuilt shortly after by members and even players of FC St. Pauli. The one which later became a “cult” ground in the 80s was opened twice: first in 1961, celebrated as “Hamburg‘s most modern football ground”. And again in 1963, after having been upgraded with a desperately-needed drainage system to cope with the Hamburg rain.

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Es war die erste von vielen Inkarnationen des Millerntors, alle auf dem Heiligengeistfeld. Gleich zwei davon, die ersten richtigen Rasenplätze, wurden nach ihrer Einweihung von Landwirtschaftsausstellungen verwüstet, denn die Stadt hatte ein Mitnutzungsrecht für die Fläche. Eine wurde am Ende des Zweiten Weltkrieges zerstört und von Mitgliedern und Spielern wieder aufgebaut. Die später als „Freudenhaus der Liga“ (J. Wontorra) bekanntgewordene Variante wurde gleich zweimal eingeweiht: 1961, als damals „modernste Sportstätte Hamburgs“. Und 1963, weil das neue Stadion im „Hamburger Wetter“ zur Schlammwüste geworden war – eine Drainage wurde nachgerüstet.

The Millerntor we know today came into being in the 1980s: “Built”, or transformed, by a group of fans from the nearby “Hafenstraße” squads and their friends. Along with the first “Jolly Roger”-style skull-and-crossbones flag, they brought a completely new kind of fan culture – a fan culture that considers (left wing) politics in the stadium, critical thinking and creativity as inherent traits of being an FC St. Pauli supporter. 97

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so tragend wie Tribünen, Mauern, Pfeiler und Dächer. Dasselbe gilt für die Stadionordnung, die seit Anfang der Neunziger rechte und diskriminierende Parolen verbietet. Damals ein Novum in Deutschland. Wann also wurde das Millerntor wirklich gebaut? Vielleicht kommt man der Wahrheit am nächsten, wenn man es nicht als Bauwerk sieht, sondern als Prozess. Ein Prozess, der niemals ganz vollendet ist und niemals ganz vorbei, ein Prozess, an dem jede und jeder mit ein bisschen Engagement teilhaben kann – und der längst nicht nur an den Spieltagen stattfindet, sondern immer wieder neu: Im Fanladen und in den Fanräumen. Im Clubheim und in der Geschäftsstelle. Beim Antirassistischen Einladungsturnier „Antira“. Bei den „Fußball und Liebe“-Festivals 2013 und 2015. Bei unzähligen Veranstaltungen. Und natürlich auch in der „Millerntor Gallery“.

Christoph Nagel (1910 – Museum für den FC St. Pauli e.V.)

“No football for fascists”: Today, this central motto of FC St. Pauli is painted in giant letters on the “Gegengerade”, the Millerntor’s east stand. For the statics and construction of the Millerntor, it is at least as load-bearing and fundamental as any of the stands, walls, pillars and roofs. The same applies to the official stadium rules, which, starting with the early 90s, expressly forbid right-wing paroles as well as discrimination. Back then, this was an absolute novelty in Germany. So when was the Millerntor truly built? Perhaps we can arrive closer to the truth if we do not see it as a building but rather as a process.A process that is never fully completed, a process that everyone can participate in with a little commitment – and a process which does not only go on during match days, but also in-between: at the “Fanladen” (the club‘s famous fan project) and in the “Fanräume” (the supporters‘ rooms in the Gegengerade). At the FCSP clubhouse and the FCSP headquarters. At the bi-annual anti-racist football tournament (AntiRa). At the “Football and Love” festivals 2013 and 2015. At countless activities and events. And, of course, at the Millerntor Gallery.

Christoph Nagel (1910 – Museum for FC St. Pauli e.V.)

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CHANCEN DES VIRTUELLEN UND GLOBALEN RAUMES – IM WANDEL ZUR GESELLSCHAFT 3.0 © Stefan Groenveld

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Unsere technologischen und sozialen Möglichkeiten sind so groß wie nie. Unsere Welt scheint auf Hochtouren zu laufen, doch warum geht es nicht voran? Jede gleichgesinnte Person müsste übereinstimmen, dass viele Länder strukturell entgleist sind. Unser Verlangen nach dem Schnelleren, Größeren und Besseren hat uns gelähmt. Die entstandene Unentschlossenheit der Politiker hat sich als paralysierend für die innovativen Kräfte Europas gezeigt. Das politische System hat sich selbst überlebt. Die Distanz zwischen Wähler und Kandidat war niemals so groß. Im Laufe der Zeit ist eine Parallelwelt zu der konventionellen Realität entstanden. In dieser Parallelwelt werden täglich nachhaltige Werte kreiert, welche nicht mit finanzieller Vergütung einhergehen. Ich rede von einer Welt, in der Menschen in Zusammenarbeit Möglichkeiten erschaffen und diese miteinander teilen. Ich mag behaupten, dass die Gesellschaft eine neue Ära einleitet, welche Gesellschaft-3.0-Bürger genannt werden kann. Nach diesem Empfinden liegt es an uns, dem globalen Gesellschaft 3.0 Bürger, unser soziales und ökonomisches System neu zu erfinden und eine Welt zu kreieren, die gewinnbringend ist: in Werten und besonders im Glücklichsein. Wo kann man diese Welt finden? Überall. Der wahrscheinlich einfachste Weg ist das Internet, eine Welt bestehend aus (virtuellen) sozialen Netzwerken. Das Internet, mit seinen Vorteilen und Schattenseiten, hat uns einen sozialen Umbruch verschafft und ebnet den Weg zur Gesellschaft 3.0. Virtuelle und soziale Netzwerke sind Orte, an denen sich Gleichgesinnte treffen und sich verbinden. Buchstäblich zeichnet sich eine neue Welt für Mitglieder dieser Netzwerke ab: Ein Reichtum an Ideen, Wissen und vielen wunderbaren Menschen. An diesem globalen 102

Chances of the virtual and global space – in transition to Society 3.0 Our technological and social mobility are greater than ever. Our world seems to have shifted into top gear, but why are its wheels not turning? Every right-minded person must agree that our countries are being derailed structurally. Our craving for the faster, bigger, and better has crippled us. The resulting indecisiveness of our political leaders has proven to be paralyzing for the innovative forces of Europe. All in all, our political system has survived itself. The gap between the voter and candidate has never been so wide. A new world has risen in parallel to our current conventional economic reality, which is creating sustainable value every day. This added value does not always go hand in hand with monetary reward. I’m talking about a world where people work together in coalitions of opportunity and temporary collaborations. These people share. In this world, it is understood that sharing is equal to multiplying. Society is ushering in a new era, which can be called Society 3.0. So, it is up to the global Society 3.0 citizen to reinvent our social and economic system and to create a world that is profitable in value and especially in happiness. Where can we find this world? Everywhere. Probably, the easiest way is to go on the Internet, the world of (virtual) social networks. The Internet, with its downsides and benefits, has brought about a social upheaval and is paving the way for Society 3.0. Virtual and social networks are places on the Internet where like-minded people find each other and connect. A new world literally opens up for members of these networks; there’s an abundance of ideas, knowledge and lots of amazing people. There are almost natural universal ethics and an unwritten constructive code of conduct is upheld. Many discussions take place in and

Ort scheint es eine universelle Ethik mit ungeschriebenem Verhaltenskodex zu geben, den es einzuhalten gilt. Da die Meinungen vieler genutzt werden, anstatt nur die des Experten, gewinnt Authentizität in den sozialen Medien an hoher Bedeutung. Viele Diskussionen finden in dieser und über diese Welt statt, in denen Verantwortung gezeigt wird. Die gesellschaftlichen Werte von morgen entstehen durch Wissen, Energie und Menschen als selbstbestimmte und bedeutungsvolle Wesen. Sie stammen von Leuten, die dasselbe Ziel ansteuern. Somit wird Zugang immer wichtiger als Besitz, was bezeichnend für die Gesamtgesellschaft ist.

Ich kann und möchte die Risiken des Internets als immerzu verfügbares Medium nicht schönreden, dennoch kann man es auch nicht mehr ignorieren. Es schafft eine globale Plattform, in der hierarchische soziale Strukturen abgeflacht werden. Soziale Netzwerke, unendlicher Zugang zu Wissen und unbegrenzte Arten von Zusammenarbeit können bereits weltweit gefunden werden. Wenn diese Informationen geteilt werden, öffnen wir unseren Kosmos für eine neue Art von „Power to the People“! Let’s unite! Larissa Siewert

The added value of tomorrow arises from the mobility of knowledge, energy and people as self-managing and meaningful beings. It arises from people who strive for the same goal from within their social network structures. In this way, access becomes more important than possession, which is illustrative of society as a whole. Every statement you make about yourself will result in dozens being made by others through logical connections between pieces of information. In principle, information is verified very well in this manner because the opinions of many are used instead of one expert, which is why authenticity is one of the most important values when operating within social media. I find this to be a nice side effect. Collaboration is a form of mutual reward working together, organizing together, and creating value together without money changing hands. The old way of thinking would call this ‘free of charge’. I prefer to call it reciprocity. People help each other in exchange for recognition, status, welfare or just for the fun of it. Call it intangibles or social capital.

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Zusammenarbeit ist eine Form von gegenseitiger Belohnung – zusammen arbeiten, zusammen organisieren und zusammen Werte erschaffen ohne dass Geld von der Hand geht. Laut altem Gedankengut nennt man dies „unentgeltlich“, ich ziehe den Begriff Reziprozität vor – das Prinzip der Gegenseitigkeit. Menschen helfen einander im Austausch von Anerkennung, Status, Wohlbefinden oder einfach zum Spaß. Man kann es auch immaterielle Werte oder soziales Kapital nennen.

about this world while – an important factor on my part – a lot of responsibility is shown.

I can’t and don’t want to judge the risk of the Internet as an all-time available medium, however it is not possible to ignore it anymore. One chance it provides is that these developments flatten hierarchical societal structures. Social networks, infinite access to knowledge and unlimited forms of collaboration are about to be found on multitudinous virtual platforms, introducing a new sort of ‘POWER TO THE PEOPLE’! Let’s unite.

Larissa Siewert

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PERSÃ&#x2013;NLICHER RAUM PERSONAL SPACE

Persönlicher Raum – ich brauche das einfach! Ist es überhaupt möglich, dass das jede/r versteht?

Personal space – I totally need this! Is it even possible that everybody understands this?

Raimar Tontsch

PERSÖNLICHER RAUM | PERSONAL SPACE

IN DIE ENGE GETRIEBEN

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Es gibt da diese Szene in Alfred Hitchcocks „Die Vögel“, in der Tippi Hedren vor den angreifenden Möwen in eine Telefonzelle flieht. Die Wände sind aus Glas, die Vögel sehen ihr Opfer, visieren es an, starten zermarternde Angriffe wie siegessichere Kamikaze-Flieger. Aus freiem Raum wird Klaustrophobie, aus Freiheit wird Enge. Dem Opfer wird schlagartig bewusst, dass Instinkte und Ängste es in diesen Raum trieben, dass Sicherheit eine Illusion ist. Dort endet es: im ewigen Glauben an Sicherheit. Deswegen wird getrieben. An Eingängen zu Blöcken, an Wurstbuden und Toiletten, bei Märschen und an Bahnhofsgleisen. Deswegen stehe ich plötzlich allein in den Katakomben. Die Gruppe ist keine mehr. Während mein Kumpel noch in irgendeinem überfüllten WC ansteht und meine Schwester das Ende einer dreißig Meter langen Warteschlange an der Trinkbecher-Rückgabe begründet, versammeln sich hinter mir Scharen von Agent Smiths mit Knöpfen im Ohr. „Verlassen sie bitte zügig den Innenraum!“ Für meinen ersten Einwand, noch fünf Euro auf der elektronischen Bezahlkarte zu haben, werde ich beschmunzelt. Für den zweiten Einwand, ich müsse in Richtung meines Autos und nicht in Richtung Hauptbahnhof, mustert man mich mit regulierenden Kabelbinderblicken. Zum dritten Einwand kommt es nicht. Es wird nicht diskutiert, es wird nicht verhandelt. Schließlich geht es um die gute, alte Sicherheit, der Fan ist schlecht, trinkt Alkohol und braucht statt Service einen Marschplan – natürlich wegen „Gefahr im Verzug“. Die Wege der modernen Fußballstadien sind künstliche Kanäle in einer Matrix aus Einbahnstraßen, Sackgassen und Schleusen. In Dortmund wurden Tottenham-Fans ein Spielball dieser Matrix. Von Polizei und Ordnern zunächst verspätet, dann falsch geleitet, gerieten die Weitgereisten in eine derart verkorkste Situation, dass sie Gefahr liefen den Anstoß zu verpassen. Die Titelzeile am nächsten Tag: „Tottenham-Fans attackieren

Cornered There is a scene in Alfred Hitchcock's ''The Birds'' in which Tippi Hedren flees into a phone booth to escape the attacking seagulls. The walls are made of glass, the birds can see their prey, they target it, then they begin to attack with the confidence of kamikaze pilots. Free space becomes claustrophobia. Freedom turns into a cage. The victim becomes aware of the fact that fears and instincts have pushed it into that space, and that safety is an illusion. There it ends – the infinite belief in safety. That's why it's being pushed. At the entrance areas, the sausage booths and restrooms, at marches and at the gates of the rail station. All of a sudden I find myself standing alone in the catacombs. The group isn't one anymore. While my friend is still waiting in line for the crowded restroom, my sister stands at the end of a thirty meters long queue to return her cups. A swarm of Agent Smiths with earplugs is gathering behind my back. ''Please leave this area!'' My first objection, which was that I still have five Euro left on my electronic deposit card, is answered with a smirk. For my second objection, where I indicated that I would like to get to my car and not the central station, I get more of a zip tie look. There wouldn't be a third objection. No discussions – no negotiations. It's all about the good old safety after all. The fans are mean, they are drinking too much alcohol and before good service, they need a safety scheme – because of potential danger. The corridors of modern day football stadiums are artificial canals in a matrix of one-ways, dead-ends and locks. In Dortmund, Tottenham fans once became a punching ball of the matrix. Delayed and misled by stewards and police, the people ended up in a situation in which they almost missed the kickoff. The next day's headline: ''Tottenham fans attack stewards''. No word about

Stadionordner“. Von logistischen Fehlern von Seiten der Behörden hörte man solange nichts, bis die Fans der Spurs ihr Schweigen brachen – über ihre Käfighaltung und die daraus entstandene Aggression, das beklemmende Gefühl vom Verlust der Individualität hier und gleichzeitiger Gefahr von Gruppendynamik dort. Seitens der Polizei ist es völlig normal geworden, wichtige Details in Pressemitteilungen einfach zu verschweigen, u.a. dass die „Fehlleitung der Fans durch die Polizei zusammen mit dem Schließen der Drehkreuze zu einer potenziell gefährlichen Situation geführt“ hat. Sicherer sind da natürlich Pfefferspray und Schlagstock, und zwar für Fans, die wegen Fehlleitung fast den Anpfiff verpassten und im Zwinger gehalten wurden. Druck spielt hierbei eine wichtige (psychologische) Rolle. Er ist es, der den persönlichen Raum infiziert, ihn mit inneren Konflikten füllt und das „Erlebnis Stadion“ zu einem Laborexperiment macht. Mein Vater ist inzwischen 65 Jahre alt. Er fährt wegen diesem Druck seit Jahren nicht mehr zu Auswärtsspielen. Mich macht das unendlich traurig. Er sagte einmal, dass ihn „das ganze Drumherum müde macht und zermürbt“. Die ständigen Probleme bei individueller Anreise, personalisierte, nicht (spontan) übertragbare Friss-oder-stirb-Tickets, die vorgegebenen Anfahrtswege auf 8 Euro-Parkplätze, die willkürlichen Kontrollen auf dem Weg zum Stadion, vor Kneipen in der Stadt oder bereits zwanzig Kilometer zuvor an einer Raststätte, das ausschließlich alkoholfreie Bier für Gäste, während sich der Rest des Stadions nahe des Delirium tremens befindet. Was bleibt ist ein Raum, in dem leider zunehmend systematisch getrieben wird, ein Raum, über den sich Hitchcock freuen würde. Spannung pur. Heiko Rothenpieler Freier Journalist & Blogger (Die Schottische Furche)

the failure of the authorities until the Spurs fans broke their silence – about the cage they found themselves in and the resulting aggression, the oppressive feeling of both losing individuality and the growing group dynamics. For the police, it has become the norm to skip important details in a press release – for instance, the fact that the danger was caused by police who closed the gates and misled the crowd. Sticks and pepper spray seem to be the safer measure to face a confused crowd, trapped in a cage, about to miss the game. Tension plays a significant part here. It is tension that infects the personal space and fills it with inner conflicts to turn a stadium experience into an experiment.

My father is 65 years old. Due to the tension, he won't visit away matches anymore, which makes me very sad. He once said that he finds the whole scheme very tiring and weary. The constant issues with arrivals, the personalized eat-or-die tickets, the guidance to 8 Euro parking spots, the random security checks on the way to the stadium or in front of bars in the stadium area or even twenty kilometers away at the autobahn gas station, the alcohol-free beer for visitors, while the rest of the stadium crowd can drink itself into oblivion. What's left is a space in which we are increasingly and systematically pushed. A space that Hitchcock would like. Tension. Heiko Rothenpieler

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Wir treten durch die Tür und die Mauern stürzen ein. Die Wände fallen in sich zusammen, die Farben verschwinden. Es gibt keine Fenster mehr, keine Türen, keine Gardinen. Kein Schutz, keine Grenze, keine Wahl. Vor uns liegt das Innere. Vor uns liegt das Nichts. Vor uns liegt nichts außer uns. Wir haben nichts an uns. Wir haben keinen Spiegel. Wir erkennen uns nicht. Mitten im Inneren. Allein. Einsam. Unbekannt.

Wir trennen Innen von Außen. Wir begrenzen unseren Raum. Wir ziehen eine Mauer um uns. Gestalten ihr Äußeres, streichen ihre Wand in Farben, die uns gefallen. Bauen Fenster ein, damit man hineinschauen kann und hängen Gardinen auf, damit wir sie zuziehen können. Wir bauen Türen, um jemanden einzulassen. Wir bauen Schlösser, um jemanden auszusperren. Und manchmal verschenken wir unseren Schlüssel.

Stein auf Stein, Hand in Hand werden Mauern gebaut. Wir bauen Häuser, wir bauen Schutz. Wir bauen Grenzen, wir bauen Sicherheit. Trennung, Abstand, Struktur. Stein für Stein für Stein.

MAUER

We are entering and the walls fall apart. The walls fall apart, the colours disappear. There are no windows anymore, no doors, no curtains. No safety, no boundary, no choice. Inside lies ahead of us. The void lies ahead of us. Nothing apart from ourselves lies ahead of us. We can’t recognize ourselves. Inside. Alone. Lonely. Unfamiliar.

We separate inside from outside. We limit our space. We build a wall around us. Design its appearance, paint its walls in colours we like. Include a window, so that one can look inside and hang curtains on, so that we can draw the curtains. We build doors, to let someone in. We build locks, to shut someone out. And sometimes we give our key to someone.

Brick on brick, hand in hand walls are build. We build houses, we build protection. We build boundaries, we build safety. Separation, distance, structure. Brick by brick by brick.

WALL

Katharina Rhinow

Tag für Tag für Tag. Stein für Stein für Stein. Bis der nächste Sturm kommt, um unsere Mauern zu stürzen. Bis wir den nächsten Schlüssel verschenken, um jemanden einzulassen. Bis wir bereit sind, uns selbst einzulassen. Bis wir bereit sind für unser Innerstes.

Wir öffnen unsere Gardinen wieder. Öffnen die Fenster. Und manchmal auch die Tür. Aber wir vergessen nie abzuschließen. Wir drehen den Schlüssel. Einmal, zweimal, dreimal. Trennen Innen von Außen. Erheben die Mauer.

Wir greifen einen Stein. Dann einen nächsten. Wir beginnen unsere Mauer wieder aufzubauen. Schützen uns vor den Blicken der anderen. Schützen uns vor den eigenen Blicken. Wir streichen unsere Wände, wir richten uns ein, hängen die Gardinen wieder auf. Wir gestalten unseren Raum. Bis wir uns wiedererkennen. Irgendwo zwischen Innen und Außen.

Katharina Rhinow

Until the next storm comes to topple our walls. Until we give away the next key, to let someone inside. Until we are ready to let ourselves in. Until we are ready for our inside.

We open our curtains again. Open the windows. And sometimes the door. But we never forget to lock the door. We turn the key. Once, twice, thrice. Separate inside from outside. Build our walls. Day by day by day. Brick by brick by brick.

We grab a brick. Then the next one. We start to rebuild our walls. Protect ourselves from others‘ glimpse. Protect ourselves from our own glimpse. We paint our walls, furnish, hang on the curtains again. We rearrange our room. Until we recognize ourselves. Somewhere between inside and outside.

KLANGRAUM SOUND SPACE

Klangraum – er findet sich immer und überall. Immer. Immer? Immer! Hörst du ihn?

Raimar Tontsch

Sound space â&#x20AC;&#x201C; it can be found always and everywhere. Always. Always? Always! Can you here it?

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KLANGRAUM | SOUND SPACE

Wir alle wissen, was wir meinen, wenn wir sagen, dass Musik uns berührt. Wir beziehen uns dabei meist auf die emotionale Ebene. Die körperliche Wirkung von Musik spielt in unserer Gesellschaft kaum noch eine tragende Rolle. Dabei ist sie genau das – tragend. Musik fängt auf, sie umarmt Dich, sie macht Dich leichter. Und das nicht im übertragenden Sinne, sondern ganz konkret.

People are soundspace We all know what we mean when we say that music touches us. By that we usually refer to the emotional effect it has on us. The physical effect of music barely plays a major role in our society, yet, it is exactly that - major. Music holds you, hugs you, takes weight off your shoulders. Not only in a metaphorical way but quite literally.

Unsere Vorfahren, jene Pioniere, die einst die ersten Klänge und Instrumente erschufen, begriffen vielleicht nicht gleich die Physik hinter der Musik, ihre Wirkung auf den menschlichen Körper muss jedoch von der ersten Schwingung an spürbar und fesselnd gewesen sein. Seither singen wir Melodien für unsere Kinder, peitschen unsere Truppen mit treibenden Rhythmen in den Kampf und heilen Krankheiten und körperliche Beschwerden mit dieser schönen Physik. Musik wirkt.

Our ancestors, creating the very first sounds and instruments, may have not been able to fully grasp the physics behind music but, from the very beginning, they surely must have felt what impact the sound waves had on their human bodies. Since then, we have been singing melodies to our children, we have accompanied our troops into battle with driving rhythms and we have used this beautiful branch of physics for the cure of illnesses and physical pains. Music works.

KLANGRAUM | SOUND SPACE

MENSCH IST KLANGRAUM

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KLANGRAUM | SOUND SPACE

Unsere Ohren können wir verschließen, unsere Körper sind dem Schall dennoch widerstandslos ausgeliefert. Wird ein Körper von Schall getroffen, reagiert er – dabei reflektiert der menschliche Körper nur sehr wenige Schallanteile, umso mehr wird absorbiert – es wird also buchstäblich Energie aufgenommen. Die Resonanzräume in Kopf und Brust werden angesprochen und antworten, ob sie wollen oder nicht. Jedes einzelne Teilchen im Körper wird stimuliert – jedes Teilchen antwortet. Nicht alle Teilchen im Universum kennen den Menschen, aber jedes einzelne Teilchen kennt Musik. Musik ist Schwingung und Schwingung ist die Sprache des Universums. Wir alle lieben den Klang des Waldes, lassen uns vom Plätschern eines Bachs berauschen und sind ergriffen von Walgesängen unter Wasser. Und doch gehen wir zunächst rational und emotional darauf ein, bevor wir in die körperliche Auseinandersetzung gehen. Dabei wäre es nur allzu vernünftig, davon auszugehen, dass sich nicht nur unsere Seelen in der Natur wohlfühlen, sondern erst recht unsere Körper. Hier kennen sie die Hits. Hier können sie mitsingen. Menschen begreifen sich nicht als Klangkörper, weil niemand ihnen sagt, dass sie einer sind. Alles in uns schwingt und klingt. Jeder von uns ist ein Klangraum. Die meisten sind verschwendet – nicht für unsere Teilchen – die haben ihren Spaß – wir, die Gäste in unseren Klangkörpern, hören nicht richtig hin. Als Folge dessen fühlen wir uns nicht richtig und kommunizieren sehr fehlerhaft mit uns selbst und miteinander. Wir spielen unsere Instrumente nicht gut. Wer ein Musikinstrument gelernt hat, holt mehr aus seinem Klangraum. Am Kontrabass ist es für jeden Menschen direkt und deutlich spürbar, da ein gewaltiger, schwingender Kor-

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We can shut our ears, yet, our bodies are constantly exposed to sound. Once a sound wave hits a body, the body reacts. The amount of sound that is reflected by the human body is insignificant, most of it is being absorbed – the body literally consumes energy. Resonating cavities inside the skull and the chest react and respond - whether they want to or not. Every part of the body is being stimulated, every single part responds. Not all particles in the universe are aware of the existence of human beings but every single particle knows music. Music is vibration and vibration is the language of the universe. We all love the sounds of the jungle, the rippling rivers that soothe our minds and the thrilling whale songs underwater. And yet we approach these sounds both rationally and emotionally before we even think of examining them from a bodily perspective. Isn‘t it reasonable to assume that if our souls feel at home surrounded by nature that our bodies would do so even more so? After all, this is a place where they know the lines – and they can sing along. Humans do not perceive themselves as a sound space because nobody has told them that they are a sound space. Everything in us vibrates and resonates. Each one of us is an accessible space for sound. We as human beings might actually waste the majority of our musical potential, our particles, however, use all of it – they are listening, they are playing. We, who are guests in our bodies, do not listen closely enough. As a result, we do not feel well and often miscommunicate with ourselves and with each other. We do not play our instruments properly. Those who have learned to play an acoustic instrument are more familiar with their personal sound space than others. Playing the

Die ultimative körperliche Erfahrung von Musik ist das klassische Orchester. Wenn bis zu achtzig Meister ihres Handwerks, mit geschulten Ohren und Jahrzehnten der Hingabe im Herzen, zusammen ihre perfekt aufeinander abgestimmten Instrumente erklingen lassen, kreieren sie eine einzigartige Welle, die so mächtig ist, dass sie jeden Körper in ihrer unmittelbaren Umgebung einnimmt. Deswegen ist es in einem Konzertsaal still, während das Orchester spielt. Die einzelnen Körper im Saal begreifen sich, zusammen mit den Musikern, den Instrumenten und dem Gebäude als Klangraum. Sie sind Teil der Musik. Ob sie es wollen oder nicht. Eine Schallwelle hat drei Phasen – Einschwingen, Schwingen, Ausschwingen. Wiederholen wir das Ganze, bekommen wir Rhythmus. Einigen wir uns auf eine stabile Grundschwingung, können wir miteinander spielen und zusammen klingen. Dann ist Harmonie.

Noah Felk

double bass, the effect is instantly obvious due to the instrument‘s huge resonating body, which transfers a significant part of its energy onto the human body that touches it. To master the violin requires even better senses, which means: continuous practice. Humans, however, do not like to practice - they like and they want - despite the fact that it might be more reasonable and effective to continuously deal with their individual sound space in order to be a better, stronger and more stable version of themselves than most of the other continuous activities in our daily lives – even yoga. Musical education has an effect on almost all parts of our brain. The interpretation of music is one of the most complex processes that takes place in our heads. People who sing automatically stimulate themselves and feel happy even when they sing the most depressing song in the world. The ultimate bodily and musical experience comes from listening to a classical orchestra. When up to eighty masters of their craft, with trained ears and decades of musical dedication, come together to play their perfectly tuned instruments, they produce a sound wave so unique and powerful that it captures every single body within close proximity. This is the reason why it is quiet inside a concert hall when the orchestra is playing. All the bodies in the concert hall, together with the musicians, their instruments and the building itself, turn into one single space of sound. They become part of the music. There is no escape.

KLANGRAUM | SOUND SPACE

pus sehr viel Schwingungsenergie auf den Menschen überträgt. An der Geige braucht es schon deutlich schärfere Sinne und intensive, kontinuierliche Auseinandersetzung – also üben. Menschen üben nicht gern – sie haben gern und hätten gern. Dabei wäre die Auseinandersetzung mit sich selbst als Klangraum womöglich ein weitaus zuverlässigerer Weg zu einer besseren, stärkeren und stabileren Version von sich selbst, als die meisten anderen kontinuierlichen Tätigkeiten in unserem Alltag – selbst Yoga. Musikalische Bildung wirkt sich auf nahezu alle Bereiche unseres Gehirns aus. Die Interpretation von Musik gehört zu den komplexesten Vorgängen in unserem Kopf. Wer singt, stimuliert sich selbst und macht sich selbst dann noch glücklich, wenn es der traurigste Song der Welt ist.

A sound wave consists of several phases: attack – sustain – release. If we repeat these phases we create rhythm. When we agree on a common vibration, we can play together and create sound collectively. Then there is harmony. Noah Felk

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WHERE THE NOISES FROM THE STREETS CANNOT BE HEARD

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STRASSENMUSIK Wohin der Lärm der Straße nicht dringt, kommt die Stadt etwas zur Ruhe. Aber hier, in der nicht zwitschernden Stadt der Tauben, kann selbst die Ruhe anstrengend und aus Stein sein. Hier rangeln die breitschultrigen Schaufenster miteinander, hier stehen die Tische Eck an Eck und wenn die Instrumentenkoffer endlich um die Ecke biegen, dann lauschen ihre Träger schon mit angespitzten Ohren – ob sie heute wohl die ersten sind? Sie sind es und die Koffer schnappen auf. Die Musik weiß der Ruhe jetzt Lebendigkeit zu geben und die Menschen auf dem Parkett der Straße zu versammeln. Kleingeldprinzessinnen, Gehwegbohème, Straßenstreicher, Virtuosen und Dilettanten – das Kuratorium der Stadtoffiziellen hält sich vornehm zurück. Allein die offenen Koffer, die vor ihnen liegen, entscheiden über das Nachtmahl der Musiker. Je länger, je lauter drin die Münzen klingeln, desto genüsslicher darf am Morgen der Kater buckeln. Die Musiker auf den Straßen aber wissen, dass kein nächster Morgen kommt, solange nur die Instrumente nicht schlafen. So treiben sie durch die Stadt. Und die liebe Nacht lang hält das Pflaster seinen Kopfstein hin für das große Konzert, frei schwebt der endlich Lied gewordene Lärm über Straßen, Plätze, Brücken und nachtschwärmend finden Menschen und Musik immer wieder zueinander, um dem Lärm der Stadt einmal abzutrotzen, was sie nur allzu oft den verschlossenen Türen und den geschlossenen Räumen überlässt: Das schöne Leben. 20vor8

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WHERE THE NOISES FROM THE STREETS CANNOT BE HEARD

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Where the noises of the street cannot be heard the city comes to rest. But here, in the non-twittering city of pigeons, even silence can be exhausting and be made of stone. Here, the broad-shouldered shop windows huddle together, here, the tables are lined up next to each other. When the instrument cases finally come around the corner their carriers prick their ears – will they be the day’s first? Indeed, they are and the cases snap open. The music knows how to give vibrancy to the silence and how to gather the people on the dance floor of the streets. Loose change princesses, pavement bohème, vagabonds, virtuosos and dilettantes – the city officials grandly avoid the place. The opened cases alone decide upon what the musicians will have for dinner. The longer and louder the change rings, the longer and the blues in the morning will be. But the musicians know: there will be no tomorrow, if the instruments never sleep. That’s how they drift through the streets. And the entire night the pavement offers its cobbles for the big concert, the sounds and noises hovering over streets, open spaces and bridges. Nighthawks and music come together time and time again to wrench from the noises of the street something that far too often is reserved for closed rooms and closed societies: the good life.

20vor8

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STRASSENMUSIK

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Ein Halbkreis um Freunde im offenen Raum und Das Blech der Posaune blitzt und blankt und Der Nacktfuß wärmt auf Asphalt und Ein Kind wirft eine Münze und klatscht und Das Stirnrunzeln beim Vorbeigehenden und Das Wippen beim Stehenden und Ein Schleifen vom Stachel auf Beton und Ein Pling vom Banjo und Ein Tsch von der Snare und Die schwarze Flöte streckt sich zum Himmel und Der Brunnen dahinten rauscht und Das Ordnungsamt nimmt Notiz und Der Bass auf Eins und Drei und In Fußgängerzonen dieses Landes und In Kurorten mit Casino und Weiterfahren später und Spielen jetzt und Touristenkörper hinter iPad und In tauben Küstenorten und Wo kommt denn ihr her und Könnt ihr auch Mazeltov und Geht das auch leiser und Jetzt der Refrain und Welches Lied gleich und Das Akkordeon wiegt sich und Die Mandoline zupft und Die Geige schruppt und Die Irritation in der Einkaufsmeile und Das Fotomotiv für Instagram und Ein Traum für das Stadtmarketing und Das Eis tropft und Die Mutter zerrt am Kind und Ein Zwinkern aus dritter Reihe und Die halbe Stunde ist gleich vorbei und Wer zählt die Münzen und Wer holt gleich Bier?

BUSKING

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A semi-circle of friends in an open space and the brass is shining brightly and the naked foot basks and a child throws a coin and applauds and the frowning of the passerby and bobbing of the crowd and the grinding of a spike on concrete and a pling from the banjo and a tschh from the snare and the black flute reaches skywards and the city fountain rushes and the municipal department takes note and the bass on one and three and in pedestrian zones of this country and in health resorts with casinos and later moving on and playing now and tourist body behind iPad and in numb coastal towns and where do you come from and can you play Mazeltov and be quiet and now the refrain and where do we play tomorrow and which song next and the accordion swaying and the mandolin picking and the violin screeching and the irritation in the shopping street and the scene for Instagram and perfect for the city marketing and the ice melts and the mother pulling the child and a twinkle from row three and half an hour is nearly over and who counts the coins and who gets us some beer?

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BILDUNG EDUCATION

Â© Stefan Groenveld

WATER ART SANITATION HYGIENE – KUNST UND ENTWICKLUNGSZUSAMMENARBEIT

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Warum wendet Viva con Agua Kunst in Form der Millerntor Gallery an, warum eigentlich auf Projektreisen und was bringt das Ganze?

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Diese Frage stellt sich für mich als Künstler erst einmal gar nicht. Für jemanden, den die Kunst und ihre Stärke fast das ganze Leben begleitet, ist die Möglichkeit zur Kommunikation via Kunst gleichzustellen mit der Möglichkeit zur Kommunikation via Sprache. Obwohl ich eigentlich nicht so der Schreiber bin, versuche ich trotzdem hoffentlich ein wenig erfolgreich einen kleinen Einblick in meine Gedanken zu bringen. Kunst ist Kommunikation, Esperanto, und mit Sicherheit eine Form, Menschen zu erreichen. Seine Meinung zu äußern, seine Gefühle mitzuteilen und Themen zu visualisieren. Was Kunst für eine Macht hat, wurde schon häufiger auf politischer Ebene auf teilweise tragische Weise klargemacht. Also warum nicht Kunst verwenden, um aufmerksam zu machen auf eine Problematik, die jeden Menschen betrifft. Den Mangel an sauberem Trinkwasser und sanitärer Grundversorgung in manchen Teilen dieser Welt. Für die Millerntor Gallery kommen Künstler*innen aus der ganzen Welt, um mit Sicherheit auch ihre Kunst zu präsentieren und Reichweite zu generieren. Spätestens aber, wenn man als Künstler die Produktionszeit der Millerntor Gallery mitgemacht hat, sich ausgetauscht hat, die Liebe in diesem Betonklotz spüren und mitnehmen durfte, zu einem Kollektiv zusammenwächst, wird einem klar, dass man mit seinen Arbeiten mehr

Water Art Sanitation Hygiene – Art and Development Cooperation Why do we rely on art so much – from the Millerntor Gallery all the way to the project areas of Viva con Agua? What is all this good for? As an artist that question does not necessarily come to my mind. Believing in art and the power of art since an early age, I consider art to be as potent a means of communication as language. Even though I do not deem myself a writer, I will try to give an inside into my thoughts using this medium nonetheless. Art is communication, Esperanto, and must surely be regarded as a means of communication. Via art one may express one’s views, one’s emotions and may visualise certain themes. The magnitude of power that is inherent in art has been demonstrated more than once on the political stage – sometimes in a tragical way. So why not use art to address a problem that affects every human being: A shortage of access to clean water and sanitation in many parts of the world. Artist from all around the world come together at the Millerntor Gallery, in parts initially to simply present their art. Once they have taken part in the production week at Millerntor Gallery, exchanged thoughts and felt the love inside the cold concrete block and grew into a collective they agree: as an artist, one is capable of more than increasing the

bewegen kann als nur Zahlen auf dem Konto oder auf seinen Social-Media-Kanälen. Schon die Natur zeigt, dass man in einem Schwarm stärker ist als allein. Kunst bestimmt nicht jeden, aber mit Sicherheit eine große nicht unerhebliche Masse von Menschen. In der Millerntor Gallery findet der Besucher eine große Auswahl an künstlerischen Arbeiten. Das erhöht die Chance, dass jeder dort etwas findet, was ihn anspricht, zum Nachdenken anregt, dazu verleitet sich näher mit VcA zu beschäftigen und vielleicht etwas für die Verschönerung der eigenen vier Wände mitnimmt. Also lassen wir IKEA-Prints IKEA-Prints sein und kaufen ehrliche Kunst und unterstützen damit Menschen, die es nötiger haben als ein schwedisches Möbelhaus, welches für seine günstigen Hotdogs bekannt ist.

Von außen betrachtet gehen wir dorthin und malen mit einheimischen Künstlern und Kindern eine Wand an. Doch ist man ein Teil dieses Prozesses, merkt man, wie das, was wir dort tun, positive Auswirkungen auf alle Beteiligten hat.

Besides taking part in the Millerntor Gallery, an artist may employ his resources on project trips. This year I got to travel to Uganda with Viva con Agua. It has been my second time and I am thankful for that opportunity. There are a lot of ups and downs in an artist’s life. The thought about one’s future always lingering in the back of the head and I personally also contemplate my role in society a lot. In Uganda I got to experience how my art changes not only my life but also that of many others permanently. This happens indirectly through the revenue the work I donate to the Millerntor Gallery generates, which Viva con Agua will be able to use for water projects. It happens directly through the emotions my art stirs within my heart and that of the local people on the other hand.

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Neben der Millerntor Gallery hat man als Künstler auch die Gelegenheit, seine Ressourcen auf Projektreisen einzusetzen. Ich konnte dieses Jahr zum zweiten Mal mit VcA nach Uganda reisen. Dafür bin ich sehr dankbar! Es gibt im Leben eines Künstlers viele Aufs und Abs. Ein latent im Nacken sitzender Gedanke um Zukunft und Existenz und die Findung der Rolle in dieser Gesellschaft beschäftigen mich persönlich sehr. Als ich in Uganda war, durfte ich erfahren, wie mein Schaffen nicht nur mein Leben, sondern nachhaltig und auf mehreren Ebenen das Leben vieler anderer Menschen verändert. Zum einen natürlich durch den Erlös aus den Werken, die ich der Millerntor Gallery zuhause spende und die VcA für Wasserprojekte einsetzen kann, zum anderen – und für mich noch wichtiger – durch die Bewegung, die meine Kunst in den Herzen der Menschen vor Ort und mir auslöst.

digits on a bank or social media account. Already from nature we have learned, we are stronger as a swarm. Art does not influence everybody, but certainly the majority of society. Visitors at the Millerntor Gallery will encounter a broad selection of artistic works. This increases the chances they will find a piece that appeals to them, stimulates their thoughts, motivates them to take a closer look at Viva Con Agua and maybe to buy art to embellish their homes. Buying honest art straight from its creator surely is more worthwhile than picking up some print at the nearest IKEA store.

Viewed from the outside, it might appear as though we go to Uganda and simply draw on a wall with local artists and children. But as a part of this process one comes to realise that what we do has a positive impact on all those involved. Our motives address the challenge of access to water and sanitation. We enter into dialogue, convey a message and increase the awareness for the problem. We come as white people, but instead of clothes, food and other material goods, we bring the willingness to spend time and pay attention. We grow into a team notwithstanding skin colour, a team that creates something the relevant people are touched by. These are the people who did not 125

Wir thematisieren mit unseren Motiven die Problematik, kommen ins Gespräch, vermitteln eine Botschaft und verfestigen diese durch den Prozess. Wir kommen als Weiße an einen Ort und bringen nicht wie gewohnt Kleidung, Essen oder andere materielle Dinge mit. Wir bringen Zeit und Aufmerksamkeit mit. Wir werden unabhängig von Hautfarbe ein Team, das etwas erschafft, was viele Menschen erreicht. Die Menschen, um die es geht. Die Menschen, die nicht das Glück hatten, sauberes Wasser aus dem Wasserhahn trinken zu können, sich darüber Gedanken zu machen, welchen Klostein ich ins Klo hänge, bevor ich meine Kinder ins Auto setze und in die Schule bringe. Diese Kunst bleibt im besten Falle sehr lange im urbanen Raum und wird in das Leben und den Alltag integriert. Ein angenehmer Nebeneffekt ist, dass Farben das Leben schöner machen und wir nicht nur plakativ oder auf einer tieferen Ebene Messages droppen, sondern auch einfach die Umgebung ein wenig schöner machen. 126

find themselves in the lucky position to simply draw clean drinking water from the tab, who never got to wonder what urinal cake to place in their toilet before putting their children in the car to drive them to school. The art we create together will ideally be a part of the local urban space and become a part of everyday life. And as a pleasant side effect, our art is not just dropping a profound message but also makes the area look a little more beautiful. Artist from various cultural backgrounds and participants in the workshops meet as equals. We will get our hands dirty together, we will joke around and enter into dialogue. We do not come to preach i.e. about hygiene, but we create art together, sharing our tools. I am convinced that this is the right way and a sustainable one. I do however realise that we have a long way to go. In Uganda, artists who create their work on walls is not necessarily highly regarded. Working on walls is often associated with house painters who are emplo-

yed to place brand logos around town. Unlike our art, big companies pay the house owner for those paint jobs on their walls, we thus have financially strong competitors. Breaking up those structures will be a long process, it will take time until my Ugandan friends will be able to live of their passion – and potentially be a role model for generations to come. Obviously to the locals it means more to see someone from their own background working on a wall as an artist than a Muzungu. Seeing how VcA Kampala has grown in its first year, how the artists I worked with courageously and passionately follow their own way fills my heart with joy. It feels good to see how the workshops created sustainable projects at school, how the murals are being taken care of and how young ones carry the torch into their communities. I am thankful for everything I could teach, but even more so for everything I was taught. Art is a wonderful tool, let's use it together against social injustice! All for water, water for all! Bobbie Serrano

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In den Workshops begegnen wir uns auf Augenhöhe. Sowohl Künstler aus verschiedenen Ländern, als auch die Teilnehmenden der Workshops. Man macht sich zusammen dreckig, flachst 'rum und kommt ins Gespräch. Nicht als Prediger irgendwo zu stehen und gebetsmühlenartig seinen Text über z.B. Hygiene runterzurasseln, sondern gemeinsam etwas mit dem Werkzeug Kunst zu erarbeiten, ist meiner Meinung nach nachhaltiger und ein richtiger Weg – und trotzdem ein langer. Denn ich habe auch gemerkt, dass Künstler sein in einem Land wie Uganda nicht so ganz gefeiert wird. Unsere Arbeit verbindet man im ersten Moment damit, einen Coca-Cola-Schriftzug oder andere Werbung an die Wand zu bringen und als Hauseigentümer auch dafür entsprechend bezahlt zu werden. Wir haben also finanzstarke Mitbewerber. Es liegt ein langer Prozess vor uns, diese Strukturen GEMEINSAM zu brechen, damit meine ugandischen Freunde ihrer Leidenschaft und Bestimmung nachgehen und davon auch ihr Leben bestreiten können – um vielleicht auch ein Vorbild für die Generation danach zu sein. Denn natürlich ist es immer noch etwas anderes, wenn ein Mensch aus ihren Reihen, mit demselben Background an der Wand steht, als wäre es ein Muzungu. Es füllt mein Herz voll Freude, wenn ich sehe, wie VcA Kampala im ersten Jahr gewachsen ist. Wie die Künstler, mit denen ich arbeiten durfte, mutig und voller Leidenschaft ihren Weg gehen. Wie durch die Workshops an Schulen Nachhaltigkeit entsteht, bemalte Wände gepflegt werden und kleine Kinder anfangen, die Thematik in die Community zu tragen. Ich bin dankbar für alles, was ich weitergeben durfte. Aber viel dankbarer für das viele, welches ich mitnehmen und vor allem lernen durfte! Kunst ist eine von den guten Waffen, lasst sie uns GEMEINSAM gegen die sozialen Ungleichheiten und sinnvoll einsetzen. Alle für Wasser, Wasser für Alle! Bobbie Serrano

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DAS BILDUNGSPROGRAMM DER MILLERNTOR GALLERY #6 WIRD DURCHGEFÜHRT VON … 128

THE EDUCATIONAL PROGRAMME OF MILLERNTOR GALLERY #6 IS REALISED BY â&#x20AC;¦ 129

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Farbfabrique im Gängeviertel Die Farbfabrique im Gängeviertel ist eine selbstverwaltete offene Werkstatt für Siebdruck und Kunst. Hier soll jeder/jede Interessierte die Möglichkeit erhalten künstlerische Techniken sowie Siebdruck zu erlernen und eigene Projekte umzusetzen. Gedruckt werden kann mit wasserbasierten Farben auf Papier, Stoff, Metall, Holz unter Anleitung des Siebdruck-Teams oder nach Teilnahme an einem Einführungskurs auch eigenverantwortlich. Hierbei wird je nach Projekt und Intention der Nutzer_innen ein entsprechendes Entgelt für die Arbeitsflächennutzung sowie den eventuellen Verbrauch von Materialien erhoben. Jeden Donnerstagabend von 18-22 Uhr laden wir zur offenen Werkstatt ein, bei der jeder vorbeikommen und sich informieren kann. Die Werkstatt ist frei buchbar für Kurse, Gruppen und Einzelpersonen, die frei, halbkommerziell oder kommerziell arbeiten wollen. Sowohl temporär als auch längerfristig ist es möglich, per Projektbeteiligung einen Arbeitsplatz in der Werkstatt zu mieten. Außerdem steht der Raum auch für Veranstaltungen zur Verfügung.

„Farbfabrique im Gängeviertel“ is a self-governed open workshop for screen printing and art. Every interested visitor gets the opportunity to learn creative techniques as well as screen printing and to realise own projects. Printing with water-based colours is possible on paper, fabric, metal, and wood, under the instruction of the screen printing team or independently after participation in an introductory course. Depending on the project and intentions of the user, remuneration is charged for the usage of work area and consumed materials. Every Thursday evening from 6 to 10 pm we invite everyone to visit and to catch up on the open workshop. The working space is bookable for courses, groups and individuals who pursue free, semi-commercial or commercial purposes. It is possible to rent a workplace through temporary or long-term participation in a project. Besides, the place is available for events.

Bei der Millerntor Gallery findet ihr uns an einem eigenen Stand wo wir mit euch eure mitgebrachten Klamotten live mit Motiven diverser KünstlerInnen des Gängeviertels sowie Motiven von Viva con Agua und der Millerntor Gallery bedrucken. Kommt vorbei! Kontakt: Anfragen und Anmeldung zu Kursen: farbfabrique@dasgaengeviertel.info Anmietung: fabrique@das-gaengeviertel.info

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EDELDING – is a duo full of action. They work as a pair, or together with other artists, especially on walls or for their own merchandise series. Their drawings are always a symbiosis of typography and illustration, because the picture forms the idea and the word is sending the idea on a journey. They try to see different topics metaphorically and build forms and figures around slogans. With brush and paint roller they generate huge, colored spaces crossed by clear, hard outlines. Their message is supposed to stay shapeable and invite the beholder to search for an individual meaning. It is very important to them that their work is free and supports the urban art scene or charity projects.

Bei der Millerntor Gallery #6 geben die beiden einen Workshop für Schüler und Schülerinnen in Sachen Wandgestaltung.

At Millerntor Gallery #6, the two artists will offer a workshop on murals for students.

www.edelding.com

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EDELDING – das ist ein Duo mit viel Tatendrang. Zu zweit oder in Zusammenarbeit mit befreundeten Künstler*innen gestalten sie vor allem Wände und Shirts der eigenen Merchandise-Serie. Ihre Bilder sind immer eine Symbiose aus Typografie und Illustration, denn das Bild formt die Idee und das Wort schickt die Idee auf Reisen. Sie versuchen verschiedene Themen stets metaphorisch zu sehen und stricken Formen und Figuren um einen Slogan. Mit Pinseln und Farbrollen entstehen große farbige Flächen, durchzogen von klaren, harten Outlines. Ihre Message soll formbar bleiben und den Betrachter zur Suche auffordern. Wichtig ist ihnen vor allem, dass ihre Arbeit frei ist und die Urban Art Szene oder soziale Projekte unterstützt.

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Street Art School St. Pauli Die Street Art School St. Pauli wurde im September 2015 in der Rindermarkthalle St. Pauli, im Herzen der Stadt eröffnet. Getragen wird sie vom gemeinnützigen Verein streetart school st. pauli karo schanze e.V. , der ein Jahr zuvor von einer kleinen Gruppe Street Art-begeisterter Hamburger gegründet wurde und sich aus Mitgliedsbeiträgen und Spenden finanziert. Der Verein unterstützt junge Graffiti- und Street Art Künstler und die Entwicklung der Kunstform im Allgemeinen. Die unterschiedlichen Akteure der Szene – dazu gehören auch die Kritiker – sollen in Workshops, Ausstellungen und in „der School“ zusammengebracht und eine lebendige Diskussion über Ideen, Techniken und Entwicklungen in der Szene ermöglicht und gefördert werden. Offizieller Zweck des Vereins ist die „Förderung der Kunst und Kultur, Bildung und Erziehung, insbesondere bei Jugendlichen“, so die Satzung, die sich die Gründungsmitglieder gegeben haben. Derzeit werden folgende Punkte angeboten: • Workshops, Schulungen, Führungen, Ausstellungen zum Thema Street Art • „offene“ Atelierarbeiten • Ideelle, materielle und finanzielle Unterstützung von Künstlern und Workshop-Teilnehmern aus bedürftigen Familien Die Angebote werden sowohl in den Räumen der School, als auch außerhalb in Schulen, Museen, öffentlichen Veranstaltungen wie der Millerntor Gallery, etc. angeboten. www.street-art-school.de

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The Street Art School St. Pauli was opened in the heart of the city in the Rindermarkthalle St. Pauli in September 2015. It is enabled through the non-profit association 'streetart school st. pauli karo schanze e.V.', which has been formed a year earlier by a small group of Street Art loving citizens of Hamburg, and funded through membership fees and donations. The association supports young Graffiti and Street Art artists as well as the development of the art genre in general. The different actors of the scene – among them also the critics – are supposed to be brought together in workshops, exhibitions and in 'the School' to enable and promote lively discussions on ideas, techniques and developments in the scene. The official purpose as stated in the statute determined by the founding members of the association is the 'promotion of art and culture, education and upbringing, especially for youths'. At the moment, the following things are offered: • Workshops, trainings, guided tours, exhibitions around the topic of Street Art • 'open' studio work • Non-material, material and financial support of artists and workshop participants from families in need The events are offered in the premises of the School, as well as in external schools and at open events such as the Millerntor Gallery.

Unser Workshop bei der Millerntor Gallery widmet sich ganz dem Thema der Mode... und all dem Abfall, der durch sie entsteht. Angefangen bei der Herstellung, über den Verkauf, bis hin zu unserem Handeln. Was können wir tun, um dieses Problem zu bewältigen?

Jyoti – Fair Works is a german-indian Fair Trade Label, producing social and environmentally sustainable. Our goal is to produce clothing and accessoires that bring joy not only to our customers but also to everyone being involved in the production – from the cotton farmer to the weaver to the sewer. To make sure we reach our goals, it is important to us to know the people that are involved – including the whole value creation chain.

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Jyoti - Fair Works Jyoti - Fair Works ist ein deutsch-indisches Fair-Trade-Label, das sozial und ökologisch nachhaltig produziert. Unser Ziel ist es, Kleidung und Accessoires herzustellen, die sowohl unseren Kunden, besonders aber auch allen an der Produktion beteiligten Menschen Freude bereiten – vom Baumwollbauer über den Weber bis hin zu den Näherinnen. Um das garantieren zu können, ist es uns wichtig, die Menschen zu kennen, die an der Produktion unserer Kleidung beteiligt sind – und das entlang der gesamten Wertschöpfungskette.

Our workshop at Millerntor Gallery will be all about fashion... and the waste byproducts that come along with it. Starting with the production itself, including the sales process and our very own actions. What can we do to resolve this problem?

www.jyoti-fairworks.org 133

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JournAfrica! ist Deutschlands führendes Online-Magazin zu Afrika. Afrikanische JournalistInnen aus über 50 Ländern liefern News und Lesestücke aus erster Hand. JournAfrica! setzt da an, wo andere Medien aufhören. Unser dezentrales Korrespondentennetzwerk, bestehend aus afrikanischen JournalistInnen, FotografInnen und BloggerInnen liefert Analysen, Reportagen und Hintergrundberichte. Unser langfristiges Ziel: eine vielfältige und hintergründige Afrikaberichterstattung, die unserem Informationsbedarf gerecht wird Kontakt: info@journafrica.de Für die Millerntor Gallery haben wir einen zweistündigen Workshop vorbereitet. Gemeinsam mit euch werden wir der Frage auf den Grund gehen, warum wir uns so wenig für Afrika interessieren – und was wir daran ändern können.

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JournAfrica! is Germany’s leading online magazine on Africa. We combine African perspectives with professional journalism. In order to do so, we collaborate directly with authors on site. Our constantly growing network of African journalists, bloggers, photographers and cartoonists brings firsthand information directly to you. Our vision: a new way of reporting on Africa. Thoughtful analysis, well-narrated stories and reports on everyday life rarely gain entry into the German media landscape. JournAfrica! offers a reporting style in opposition to the one-sided norm. It is time to see Africa from a different angle. Contact: info@journafrica.de For the Millerntor Gallery we’ve prepared a two-hour-workshop. We raise the question why we usually have so litte interest in Africa – and what we easily can do about it.

KinderKulturKarawane Tiempos Nuevos Teatro aus San Antonio Los Ranchos, El Salvador sind vom 25.05. bis zum 26.07.2016 im Rahmen der KinderKulturKarawane in Deutschland auf Tour.

www.kinderkulturkarawane.de

TNT was founded in 1993 in El Salvador, shortly after the armed conflict ended. The first members were influenced by the tradition of Educación Popular and were mainly active in the rural areas of Chalatenango. It is especially the youth of these communities which is known for their violence, with little access to education, culture or work opportunities. This is where TNT takes action and playfully offers new perspectives to the youngsters via art. “Access to culture is a basic right, and learning how to express oneself creatively and artfully is a crucial element in the emotional and holistic development of children and youth,” is what is at heart of the organization's mission. Participating in a tour with KinderKulturKarawane is a unique experience and opportunity for the TNT youth, allowing them to widen their horizons and participate in a cultural exchange with the youth in Europe. Seven young artists will be playing The colour of pain, stories about fleeing from poverty, hunger, environmental damage and war – and about the search for a better life. Since 1999 KinderKulturKarawane has been inviting youth culture projects of the Global South every year to tour in Europe and present their theatre, dance, music or circus performances, inspiring their (mainly young) audiences.

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TNT wurde 1993 gegründet, kurz nach Ende des bewaffneten Konflikts in El Salvador. Die ersten Mitglieder waren der Educación Popular verbunden und kümmerten sich um die Bevölkerung der ländlichen Regionen von Chalatenango. Gerade die Jugend dieser Gemeinden gilt als gewalttätig und hat wenig Zugang zu Bildung, Kultur und Arbeit. Hier setzt TNT an und will dem Nachwuchs künstlerisch und spielerisch neue Zukunftsperspektiven ermöglichen. „Der Zugang zu Kultur ist ein Grundrecht und künstlerisch-kreativer Ausdruck ist ein notwendiger Baustein für die emotionale und ganzheitliche Entwicklung von Kindern und Jugendlichen“, ist das Credo der Organisation. Für die Jugendlichen von TNT ist die Teilnahme an der KinderKulturKarawane eine einzigartige Gelegenheit, den eigenen Horizont zu erweitern und in einen kulturellen Austausch mit Gleichaltrigen in Europa treten. Die sieben jugendlichen KünstlerInnen spielen Die Farbe des Schmerzes, Geschichten über Flucht vor Armut, Hunger, Umweltzerstörung und Krieg. Und der Suche nach einem besseren Leben. Die KinderKulturKarawane lädt seit 1999 jedes Jahr Jugendkulturgruppen aus dem Globalen Süden ein, die mit Theater, Tanz, Musik und Zirkus das (meist junge) Publikum in Europa begeistern.

Tiempos Nuevos Teatro from San Antonio Los Ranchos, El Salvador is touring Germany between May 25 and July 27, 2016 on invitation by KinderKulturKarawane.

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Über den Tellerrand Flüchtlingshilfe, die schmeckt! Das Satellitprojekt „Über den Tellerrand Community HAMBURG“ organisiert Kochabende, inspiriert durch „Über den Tellerrand kochen“ mit Sitz in Berlin (ueberdentellerrandkochen.de). In Hamburg haben sich verschiedene Einzelpersonen, bereits bestehende Initiativen (Café International im Thalia Theater Gaußstraße) und Vereine („Die Insel hilft e.V.“) zu einem gemeinsamen „Über den Tellerrand Community HAMBURG“-Satellitprojekt verbunden, die gemeinsam als Netzwerk auftreten, jedoch verschiedene Kochevents nach Berliner Vorbild, teils stadtteilbezogen, organisieren. Seit Juli 2015 finden mindestens einmal im Monat Kochabende statt – bisher standen syrische, eritreische, deutsche und iranische Speisen auf dem Programm. Bei den Kochabenden treffen sich Beheimatete und Neuankömmlinge. Es wird geschnibbelt, geschnackt und sich auf Augenhöhe ausgetauscht. Im Rahmen des Millerntor Gallery Festivals hast du die Möglichkeit, mitzukochen! In einer Kleingruppe werden leckere Speisen aus verschieden Ländern gemeinsam zubereitet und ein internationaler Austausch ermöglicht. hamburg@ueberdentellerrand.org www.on.fb.me

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„Beyond one’s own nose“ Refugee aid that tastes well! The satellite project “Über den Tellerrand Community HAMBURG” is organising cooking evenings inspired by the Berlin-based project “Über den Tellerrand kochen” (ueberdentellerandkochen. de). In Hamburg several individuals, existing projects (“Café International” at Thalia Theater Gaußstraße) and associations (“Die Insel hilft e.V.”) have connected to a joint “Über den Tellerrand Community HAMBURG”- satellite project which acts as one network, but is organising different cooking events following the example from Berlin, partly district-wide. Since July 2015, cooking events have been taking place at least once a month. Until now, Syrian, Eritrean, German and Iranian dishes have been on the menu. At the cooking events locals and newly arrived people meet. Together they cut, talk and exchange on the same level. Within the scope of the Millerntor Gallery Festival, you have the opportunity to join a cooking event! In small groups delicious dishes from various countries are prepared together and an international exchange is enabled.

Focus The Important Wie kannst du den Raum erkennen? Den Raum, den du anderen in deinem Leben gibst. Den Raum, den du dir selbst gibst. Den Raum, den du anderen zugestehst. Und natürlich welchen Raum du deinen Träumen, Wünschen, Ängsten und deiner Liebe gibst.

Dieser Workshop wird dir zeigen, wie du deinen Raum erkennen und bewusst kontrollieren kannst. Wie du deine Präsenz verbesserst durch Bewegung und Tanz. Es geht um führen/sich einlassen und darum, deinem Selbstbewusstsein mehr Raum einzuräumen. Denn letzten Endes bist nur du für die Beziehung zu dir selbst verantwortlich. Seit Jahren arbeite ich als Lehrerin verschiedener Tanzstile wie Ballett, Paartanz und Jazz-Dance. Auf der Bühne stand ich schon im jüngsten Alter und durfte viel Erfahrung damit sammeln, was es bedeutet, wirklich authentisch zu leben. Ich helfe Menschen ihrer Stimme Raum zu geben und ihre inneren Stimmen zu Wort kommen zu lassen. Tanzen, Singen, Unterrichten und Meditieren sind meine persönlichen Helfer, um meiner wahren Natur immer näher zu kommen. Auf dieser abenteuerlichen Reise begleite ich Euch auch gerne ein Stück! Beste Wünsche, Laura Chase

Focus The Important Learn how to focus the space. The space you give others. The space you give yourself. The space you allow others to occupy. And the space you give your hopes, dreams, fears and love. In the end everything leads us back to our relationships. The relationship you have to yourself or to the people around you. How to lead your own life and how to follow your desires. The Balance defines who you are.

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Am Ende geht es immer um das eine, um Beziehungen. Die Beziehung, die du mit dir selbst pflegst und jene, die du mit anderen eingehst. Wie kannst du dein Leben selbstbestimmt meistern und dabei selbst eine Führungspersönlichkeit sein? Und wie kannst du deinen Bedürfnissen gerecht werden und dich bewusst auf sie einlassen?

FOCUS the important

This Workshop will help you discover how you can control your space and the space you give others through dancing. It will be a lesson in self-awareness and you discover what leading/following truly means and how you can create exactly the relationship to yourself you want. For Years I‘ve been working as a Dance Teacher (Ballroom, Ballet, Jazz Dance) or performed on stage. I teach people how to use their voice and help them to discover their inner voices. Dancing, singing, teaching, meditation are my tools to learn how to be more authentic and true to my nature. It is an adventurous journey and I‘d love to travel with you, too! Best Wishes, Laura Chase 137

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PLIETSCH – LIEBE, WEN DU WILLST PLIETSCH ist ein Bildungs- und Schulaufklärungsprojekt zu sexueller Orientierung und geschlechtlicher Vielfalt. Ein Team ehrenamtlicher Youthworker*innen zwischen 18 und 35 Jahren, die selbst schwul, lesbisch, bi und/oder trans* leben, moderiert diese Workshops. Unser Ziel ist es, den Jugendlichen und jungen Erwachsenen durch die direkte Begegnung authentische Einblicke in scheinbar bisher unbekannte Lebens- und Liebesformen zu vermitteln und typische Vorurteile und Klischees zu hinterfragen. Dadurch fördern wir die Akzeptanz von LGBTI*, decken Diskriminierung auf und unterstützen die Auseinandersetzung mit der eigenen Identität, um Selbstvertrauen und Selbstbestimmtheit zu fördern. Die Akzeptanz verschiedener Lebensweisen liegt dem Leit- und Menschenbild der AIDS-Hilfe Hamburg e.V. von Beginn an zu Grunde. Die zunehmende Entwicklung einer rückwärtsgewandten Diskussion über Sexualpädagogik

PLIETSCH - LOVE WHO YOU WANT Plietsch is an education project on sexual orientation and gender diversity. A team of volunteer Youth Workers, between 18 and 35 years, who are gay, lesbian, bi and / or trans*, are moderators of these workshops. Through direct encounters, we aim to provide young people authentic insights into unknown aspects of life, love and questioning prejudices and stereotypes. This way we foster acceptance of LGBTI* people dealing with their own identity in order to promote self-confidence and self-determination to prevent discrimination. Accepting different lifestyles is a fundamental principle in the mission statement and human image of AIDS-Hilfe Hamburg e.V. The development of a backward-looking debate on sex education and setbacks in dealing with the diversity of sexual identities and orientations in education, prompted AIDS-Hilfe Hamburg to create Plietsch. The Youth Workers' years of

experience with prevention work on HIV, AIDS and STI mean they can contribute directly to the project. Our team works with different teaching methods that are adapted to the age and understanding of participants. With Plietsch the Youth Work Team is active against discrimination and hostility because successful health promotion can only thrive in a climate of acceptance and solidarity!

BILDUNG | EDUCATION

sowie Rückschritte im Umgang mit der Vielfalt sexueller Identitäten und Orientierungen im Schulunterricht veranlasste die AIDS-Hilfe Hamburg dazu, PLIETSCH ins Leben zu rufen. Die jahrelange Erfahrung der Youthworker*innen in der Präventionsarbeit im Bereich HIV, AIDS und STI können sie direkt einbringen. Unser Team arbeitet mit verschiedenen pädagogischen Methoden, die an das Alter und Vorwissen der Teilnehmer*innen angepasst sind. www.aidshilfe-hamburg.de/gruppen-workshops/youthwork/

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Christine Kristmann & Eva-Maria Glitsch Wir sind Performance-Künstlerinnen, leben und arbeiten in Hamburg, Stuttgart und Leipzig. Zusammen verwirklichen wir Projekte im Bereich Musik, Tanz, Performance und Vermittlung und forschen zu Körper und Stimme im (öffentlichen) Raum. In Zeiten, in denen die Menschen wieder vermehrt auf die Straße gehen und an Orten, an denen viele Menschen ihre Stimme erheben, hinterfragen wir kritisch wer das Wir in einer schreienden Masse ist. Wie beeinflusst Klang die Bewegung des Einzelnen und der Gruppe, und wo löst sich meine eigene Bewegung in der Bewegung der Gruppe auf? Körper und Stimme besetzen Raum und schaffen Atmosphäre. Lässt sich ein Raum in einen anderen Raum übertragen? Gemeinsam mit Euch möchten wir verschiedene öffentliche Räume auf Klang, Körper und Bewegung untersuchen. Verschiedenste Erfahrungsräume von Kirche bis Fußballstadion können miteinander verschränkt werden. Durch chorisches Sprechen, Rhythmisierung, Veränderung der Klangfarbe, Wortverstümmelung, Fragmentierung und Methoden der Collage sowie choreografischen Verfahren, Bewegungen, Gesten und Tanz möchten wir unsere eigene Körper- und Klangskulptur schaffen.

Christine Kristmann & Eva-Maria Glitsch We are performance-artists, living and working in Hamburg, Stuttgart and Leipzig. Together we realize projects in the fields of music, dance, performance, mediation and we research body and voice in public space. In times where people often take the street and raise their voices in public places, we challenge who the WE in a screaming crowd is. How does sound influence the movement of an individual and a group and where dissolves my own movement within the movement of the group? Body and voice occupy the room and create atmosphere. Is it possible to transfer one room into another room? Together with you we would like to investigate public rooms regarding sound, body and movement. Different rooms of experiences – from church to soccer stadium – are able to interconnect with each other. Through choral speaking, rhythms, changes of timbre, mutilation of words, fragmentation and methods of collage as well as through choreographic procedures, movements, gestures and dance we would like to create our own body- and sound-sculpture.“

Tamara Jarchow, Dozentin für virtuelle Kommunikation und Kreatives Schreiben im Netz arbeitet in Hamburg und in ihrem virtuellen Heimathafen, der Cloud. Alle Workshops und Seminare sind auf ihrer Homepage zu finden: www.schreibluft.com Flute den Raum mit Deinen Ideen! Wir treffen uns in der Gallery#6!

Schreibluft – a compound noun made from two (German) words; alone they mean ’writing’ and ’air’ but when combined, they conjure up a myriad of possibilities - ’Schreibluft’ might be a gale force wind or just a breath of fresh air, it could even be both at the same time. It has the the power to tumble old structures and bring about change. ’Schreibluft’ simply creates breathing space through writing. By using the ideas behind Diversity Writing, we allow ourselves to see the world through new eyes: everyone has things on their mind and stories to tell, be they beautiful, joyful or dramatic... Creative writing provides us with the opportunity to give voice to this vast collection of impressions. There’s no right or wrong in creative writing, it encourages personal development: it’s not the result that counts, but the process which allows our experiences, our personal inner wealth, to become an inexhaustible source of inspiration.

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Schreibluft – das kann Sturm und frischer Wind zugleich sein. Sie kann eine neue Ordnung bringen und hat die Kraft, alte Strukturen aufzulösen. Sie verschafft einfach schreibend Luft zum Atmen... Mit der inneren Haltung des Diversity-Writing öffnen wir uns der Welt mit neuem Blick: Jeder von uns trägt große und kleine Themen mit sich durchs Leben. Schöne, freudvolle, dramatische... das Kreative Schreiben gibt uns die Möglichkeit, all diese gesammelten Eindrücke zum Ausdruck zu bringen. Kreatives Schreiben kennt kein „richtig oder falsch“, es fördert die persönliche Entwicklung: Nicht das Ergebnis ist wichtig, sondern der Prozess, der unsere Erfahrungen als unseren inneren Reichtum zu einer unerschöpflichen Inspirationsquelle werden lässt.

Tamara Jarchow, Lecturer for Virtual Communication and Creative Writing on the Net, works in Hamburg and in her virtual haven, the Cloud. All workshops and seminars can be found on her homepage: www.schreibluft.com Flood the space with your ideas! See you at the Millerntor Gallery#6! 141

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Marie-Delphine Darmstaedter Yoga bedeutet für mich nicht nur Bewegung, Dehnung und Kräftigung, sondern vor allem das Aufbauen der verlorengegangenen Verbindung von Körper und Geist. Denn durch den ständigen Alltagsstress und den schnelllebigen Lebensstil der heutigen Generation liegt die Verankerung der meisten Menschen nicht in sich selbst, sondern wird oft durch Suchtmittel oder Äußerlichkeiten kompensiert. In meinen Vinyasa-Flow-Klassen versuche ich genau diesem Phänomen durch eine dynamische Synchronisation von Atmung und Bewegung auf den Grund zu gehen und die Praktizierenden wieder in ihren eigenen Körper zurückzuholen – die Gedanken zur Ruhe zu bringen. Vinyasa bedeutet übersetzt die Verbindung von Atmung und Bewegung, welche durch kraftvolle Körperausrichtungen (Asanas) dynamisch miteinander verbunden werden. Ich freue mich über jede*n, die*der Lust hat, Teil der Klasse zu sein. Ob Anfänger*in oder Fortgeschrittene*r, durch verschiedenste Variationen kann jede*r in seiner eigenen Praxis mehr über sich und Vinyasa Yoga kennenlernen. Ich unterrichte als selbstständige Yogalehrerin an der „Schule für Schauspiel Hamburg“ im Bereich Yoga und Körpertraining. Schreibt mir gerne bei Anfragen für Einzel- oder Gruppenstunden und wir sehen uns auf der Matte. mariedelphineyoga@gmail.com 142

Yoga is more than movement, stretching and strengthening to me. Yoga also incorporates the reconstruction of the lost connection between body and mind. As a result of permanent stress and the fast-paced lifestyle of today’s generation, most people find their anchorage not within themselves, but mostly in different types of addictions and a general outwardness. During my Vinyasa Flow classes I try to get to the bottom of that exact phenomenon by synchronizing the breath and movement, while helping the students feel their own bodies again and calm their minds and thoughts. The word Vinyasa literally means the connection between breath and movement, which are dynamically being linked through powerful body alignment (Asanas). I am more than happy to welcome everyone who wants to be part of the class. It doesn’t matter if you’ve never done Yoga before or if you are an advanced yogi. Through different variations everyone can learn more about themselves and Vinyasa Flow in their own practice. I am currently teaching Yoga and bodywork as a self-employed yoga instructor at the „Schule für Schauspiel Hamburg“. If you have any questions concerning private or group sessions, feel free to contact me on my email and I will see you on the yoga mat.

Als Kind einer buddhistischen Familie lernte Sabeth schon als Kind, die östliche Philosophie mit der westlichen Lebensweise zu vereinen. Um den Geist besser zu verstehen und wissenschaftlich zu betrachten, studierte sie Psychologie und lernte, was Meditation und Bewusstsein für einen Einfluss auf die Wahrnehmung der Welt haben. Dementsprechend ergänzen sich in ihrem Yogaunterricht Psychologie, Spiritualität und der Körper zu einem ganzheitlichen Gesamtansatz. Beim Ineinanderfließen der Asanas ist die ganze Bandbreite, von energetisierend und stärkend bis zu achtsam zur Ruhe kommend, Teil Ihrer Vinyasa-Stunden, was zu einem Zustand der inneren und äußeren Ausgeglichenheit führt. Neben den Yogastunden sind auch ihre Sitzungen als systemische Beraterin und Therapeutin durch diesen Stil geprägt.

Born into a Buddhist family, Sabeth learned from young age how to combine and connect eastern philosophy with western lifestyle. Aiming to get a better understanding of the mind and to analyse it from a scientific perspective she studied psychology and learned about how meditation and being conscious can influence the perception of so called reality. Therefore, the physiological body, psychologic knowledge and contemplative techniques complement each other in her yoga lessons. The flowing Asanas of the Vinyasa style cover the whole spectrum from energising over strengthening to mindfully relaxing, which leads to a balanced state of internal and external harmony. Besides her yoga lessons Sabeth also works as a systemic coach and therapist, using this holistic approach.

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Sabeth Ciric

s.ciric@gmx.net 143

DAS SYMPOSIUM IM RAHMEN DER MILLERNTOR GALLERY #6 „Wie gestalten Kunst und Sport den gemeinschaftlichen Raum?“

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Sieht man die Millerntor Gallery als Eingriff in den öffentlichen Raum, mit dem Ziel, diesen zu beeinflussen, ist es unumgänglich, dass wir uns auch auf einer theoretischen Ebene mit gesellschaftlichen Diskursen auseinandersetzen. Im Rahmen des Symposiums der Millerntor Gallery #6 beschäftigen wir uns gemeinsam mit Expert*innen und Vertreter*innen aus Kunst, Kultur und Fußball mit Fragen der Raumgestaltung und des Zusammenlebens. Welche Rolle spielen Kunst und Sport in der Stadtraumentwicklung und wie viel Platz gibt es eigentlich? Welches Bedürfnis an Freiraum und freien Gestaltungsmöglichkeiten gibt es und wie werden diese genutzt? Wie können wir in unserer Stadt partizipative, diskriminierungsfreie Gemeinschaftsräume bilden, welche für alle zugänglich sind? Ständig hören und lesen wir von Verdrängungsprozessen, doch welche gibt es und wie können wir ihnen begegnen? Wie können Kunst und Sport als eine Anregung zur öffentlichen Debatte dienen? Schließlich bleibt die zentrale Frage: Ist die Stadt für alle da? Samstag, 16.7.2016, 15 bis 17 Uhr im Ballsaal auf der Südtribüne

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THE MILLERNTOR GALLERY SYMPOSIUM „How are art and sport shaping the public space?“ Considering the Millerntor Gallery an intervention in public space and considering this intervention to be aimed at shaping that space, one must must realise the necessity of an investigation into social discourse on a theoretical level.

How do art and sport influence urban space? How much space is available? How great is the need for free space and for opportunities to freely shape this space? How are those opportunities used? How to create a public space that invites participation and is both non-discriminatory and open to everybody? We hear and read about displacement processes on a regular basis. What processes are there and how to meet the challenge they pose? How might art and sport initiate public debate?

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The Millerntor Gallery Symposium thus invites experts and representatives of art, culture and football to come together to debate the matter of living in and shaping the public space.

Unterstützt von der DFB-Kulturstiftung.

Finally, one question remains to be answered: Does the city belong to all its inhabitants? Saturday, 16th July 2016, 15:00 to 17:00 h inside the „Ballsaal" in the south stand

Gefördert von der Landeszentrale für politische Bildung Hamburg.

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FREUND*INNEN FRIENDS

FREUND*INNEN | FRIENDS Â© Stefan Groenveld

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Die Welthungerhilfe ist eine der größten privaten Hilfsorganisationen in Deutschland. Sie leistet Hilfe aus einer Hand: Von der schnellen Katastrophenhilfe über den Wiederaufbau bis zu langfristigen Projekten der Entwicklungszusammenarbeit mit einheimischen Partnerorganisationen nach dem Prinzip der Hilfe zur Selbsthilfe. Seit der Gründung im Jahr 1962 wurden mehr als 7.350 Projekte in 70 Ländern mit 2,66 Milliarden Euro gefördert – für eine Welt ohne Hunger und Armut.

Welthungerhilfe is one of the largest private aid agencies in Germany. It offers integrated aid, from rapid disaster aid and reconstruction to long-term development co-operation projects with local partner organizations, based on the principle of providing help to strengthen capacity building. Since its founding in 1962, it has provided 2.66 billion Euro worth of funding for more than 7,350 projects in 70 countries – for a world without hunger and poverty.

www.welthungerhilfe.de 149

FREUND*INNEN | FRIENDS

Wir sprudeln vor Ideen Wir fördern Wasser. Nicht mit Brunnen oder Pumpen, sondern mit Ideen – zum Beispiel mit künstlerischen. So haben wir unter dem Motto "Immer schön trinken" elf Künstler dazu aufgerufen, noch nie dagewesene Wasserflaschen zu kreieren. Dabei konnten sie ihrer Kreativität komplett freien Lauf lassen. Alle elf Werke sind jetzt in der Millerntor Gallery ausgestellt und stehen zum Verkauf. Natürlich für einen guten Zweck, denn der Erlös fließt in die Projekte von VIVA CON AGUA. Also auch in neue Brunnen und Pumpen, um Wasser zu fördern.

We sparkle ideas We promote water. Not by digging wells or installing water pumps but by coming up with ideas - for example with artistic ideas. Thus we called out eleven artists to create water bottles that have never been seen before under the motto „Drinking water is always nice“. There were no limits placed on creativity. All eleven artworks are exhibited at the Millerntor Gallery and up for sale. Naturally the money will go to a good cause, as the revenue goes to Viva con Agua‘s water projects, towards wells and water pumps - to promote water.

Und dann hatten wir noch eine Idee, um das Wassertrinken zu fördern. Denn auch hier in der Millerntor Gallery soll keiner durstig bleiben, darum lautet ein weiteres Motto von uns: "Wasser geht auf uns". Wer sich am Getränkestand also für frisches, kaltes, klares Wasser von VIVA CON AGUA entscheidet, muss dafür keinen Cent flüssig machen.

And we even had another idea to promote the drinking of water. At the Millerntor Gallery no one should be thirsty, therefore we created another motto „Water is on us“. Everybody who chooses to go for fresh, cold, clear water from Viva con Agua at the refreshment stand does not have to pay a single cent.

Warum wir finden, dass Wassertrinken immer eine gute Idee ist und darum mit guten Ideen unterstützt werden sollte? Weil Wasser Gesundheit pur ist.

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Why do we find that drinking water is always a good idea? Why do we promote it with good ideas? We do it because water simply equals pure health.

Gegründet 1999 ist die Abteilung Fördernde Mitglieder ein Zuhause für alle Mitglieder, die zwar nicht aktiv im FC St. Pauli Sport treiben, sich aber dennoch in den Verein einbringen und ihn mit entwickeln wollen. Mit den selbst verwalteten Mitgliedsbeiträgen von derzeit mehr als 14.000 Mitgliedern in der AFM helfen wir, Projekte in der sportlichen Nachwuchsarbeit für alle Young Rebels des Vereins sowie für die Fan- und Vereinskultur zu realisieren, die anderweitig nicht finanzierbar wären. Die Festlegung der Förderung der Nachwuchsarbeit und der Fan- und Vereinskultur als zentrale Abteilungszwecke stellt sicher, dass bislang mehr als 75 Prozent der Abteilungsgelder in konkrete Projekte und Maßnahmen in diesen beiden Bereichen fließen.

AFM-Mitglieder spielen eine zentrale Rolle im Verein – ob über die sportliche Nachwuchsförderung einerseits oder die Unterstützung der stetigen Weiterentwicklung der sozialen und kulturellen Bedeutung des FC St. Pauli und seines Umfelds andererseits. Wir freuen uns immer über Neumitglieder, die die Arbeit der AFM mit gestalten und ausbauen wollen und hierfür zahlreiche Vorteile und Vergünstigungen wie die Bevorzugung bei der Vergabe von Eintrittskarten, Dauerkartenrabatt, Ermäßigungen auf Fanartikel und Auswärtsfahrten und vieles mehr genießen. www.fcstpauli-afm.de

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Darüber hinaus wollen wir mit unserem Engagement zu einem sozialen und integrativen Miteinander im Verein beitragen und die Identifikation mit dem Verein fördern. AFM-Mitglieder können sich auch aktiv in verschiedene AFM-eigene Projekte und Aktionen wie das Young Rebels Magazin, das AFM-Radio, die Ü50-Treffen oder die Tresenbewirtung in den Fanräumen an Heimspieltagen einbringen. Mit der AFM-Kartenbörse können Fans außerdem an allen Heimspieltagen kostenlos nicht benötigte Karten abgeben als auch Karten für das Spiel erwerben.

Founded in 1999, the „Abteilung Fördernde Mitglieder (AFM)“ (department for supporting members) is a home for members who are not active athletes of the FC. St Pauli, but who still want to contribute to the club and further develop it. With the membership fees of nearly 14,000 members, we help to establish projects to encourage young talent for all Young Rebels of the club, as well as projects for the fan and club culture which could not be financed otherwise. By focusing on supporting the work of the young talents as well the fan and club culture as central department purposes, it has ensured that up to now, 75 percent of the department‘s funds can be invested in projects and activities in these two areas. In addition to that, we want to strengthen our commitment to the club‘s social and integrative cooperation and promote identification with the club. AFM members can also actively participate in various AFM projects and activities such as the Young Rebels magazine, the AFM Radio, the 50+ meetings and counter service in the „Fanräume“ on home match days. Fans also have the possibility to sell or purchase non-essential tickets on home match days via the free AFM ticket exchange. We always welcome new members who are interested in forming and developing the work of AFM and who want to profit from the benefits such as privileged rights in the ticket allocation, discounts for season tickets, discounts for merchandise products and trips to away matches and many more.

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Fanräume e.V. Der Traum von eigenen Räumen für Fans im „eigenen“ Millerntor-Stadion erfüllte sich im Juni 2013. Ab 2007 hatte der von Fans des FC St. Pauli gegründete Verein Fanräume e.V. mit unzähligen Aktionen und Veranstaltungen mit riesiger Unterstützung insbesondere der St.-Pauli-Fans genügend Geld gesammelt, damit die Räume gebaut werden konnten.

The dream for a dedicated room for fans in the Millerntor stadium eventually came true in June 2013. Since 2007, the association „Fanräume e.V.“, which was founded by fans of the FC St. Pauli, has realised numerous activities and events, with the support of the many FC St. Pauli fans, in order to collect enough money for the construction work.

Heute sind die Räume in der Gegengerade Heimat des Fan-Projekts Fanladen St. Pauli und der Abteilung Fördernde Mitglieder (AFM). Der von Fanräume e.V. verwaltete Fansaal und ein Konferenzraum sind unverzichtbare und ständig genutzte Orte für Treffen, Feiern, Konzerte und gesellschaftspolitische Veranstaltungen rund um den FC St. Pauli, seine Fans und den Stadtteil. Mit eigenen Veranstaltungen (z.B. einer regelmäßigen TalkSchau) bringt sich Fanräume e.V. zum Thema Fußballkultur ein.

Today, these rooms, located in the „Gegengerade“ (back straight), are home to the fan projects „Fanladen St. Pauli“ and the „Abteilung Fördernde Mitglieder (AFM)“. The fan hall and conference room (both managed by „Fanräume e.V.“) are vital and frequently used to host meetings, parties, concerts and socio-political events for, with or about the FC St. Pauli, their fans and the district. With its own events (e.g. the regular „TalkSchau“), the „Fanräume e.V.“ calls attention to topics such as soccer culture.

Unser aktuelles Projekt: Das in den Räumen betriebene Fanräume-Archiv, in dem Medien schwerpunktmäßig zum FC St. Pauli und zum Fußball allgemein gesammelt und präsentiert werden, soll noch 2016 online durchsuchbar sein.

Our latest project: the creation of the „Fanräume Archiv“, where the topic of the FC St. Pauli and football in general that can be found in the media are collected and presented, which is supposed to be made accessible online within the year of 2016.

www.fanraeume.de

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Auf dem Weg zum FC St. Pauli-Museum „Ein Verein wie kein anderer verdient ein Museum wie kein anderes“: So lautet das Motto von 1910 – Museum für den FC St. Pauli e.V. Der 2012 von Fans gegründete Förderverein plant, finanziert und baut das braun-weißeste Museum der Welt – und zwar nirgendwo anders als in der Gegengerade des Millerntor-Stadions.

Im „Bauch“ dieses legendären Ortes, rechts neben den ebenfalls von Fans geplanten und realisierten Fanräumen, wird eine braun-weiße Informations-, Erinnerungs- und Kommunikationsstätte mit Ausstellung und Archiv entstehen – ein Platz, der informiert und inspiriert, begeistert und berührt. Für langjährige Fans, aber auch für alle Neugierigen aus Nah und Fern, die wissen wollen, wie ein kleiner Stadtteilverein aus Hamburg zu einem der bekanntesten und beliebtesten Fußballclubs Europas werden konnte – ohne große Titel und ohne großes Geld. Mach mit und schreib Geschichte! Die Mitgliedschaft bei 1910 e.V. kostet nur 24 Euro im Jahr. Mehr Informationen: www.1910-museum.de www.facebook.com/1910eV

The Gegengerade is the legendary place where the first skull-and-crossbones “Jolly Roger” flags were waved in the 1980s. It is the birthplace of a new kind of fan culture that had never before been witnessed in German football: critical, political (decidedly leftwing) and creative. In the basement of this history-making site, right next to the “Fanräume“ (supporters' rooms) which have also been planned and realised by fans, the members and friends of 1910 e.V. are building a brownand-white centre for information, tradition, and communication, including permanent and temporary exhibitions and a professional archive – a place to inspire, delight and to touch people's hearts. For long-standing FCSP fans as well as for all people near and far who want to learn how a small local club from Hamburg managed to become one of the best known and loved football clubs in all Europe – without winning big titles, without big money.

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Die Gegengerade ist bekanntlich der Ort, an dem Mitte der 80er Jahre die ersten Totenkopf-Fahnen wehten – Geburtsort für eine Fankultur, wie es sie im Fußball bis dahin noch nicht gegeben hatte: kritisch, politisch und kreativ.

On the way to the FC St. Pauli Museum “A club like no other deserves a museum like no other”: This is the motto of 1910 – Museum for FC St. Pauli e.V. This registered non-profit, member-based association was founded in 2012 by FCSP supporters with the aim of planning, financing and building a brown-and-white FCSP museum in the Millerntor Stadium's East Stand, the famous “Gegengerade”.

Join us and make history! Membership at 1910 e.V. is open to international members and is available for only 24 Euros a year.

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Hanseatic Help 2015 erreichten eine Million geflüchtete Menschen Deutschland, etwa 70.000 suchten Unterkunft in Hamburg. Die Situation überforderte Behörden und soziale Träger. Doch neue Herausforderungen schaffen den Raum für neue Chancen, neue Ideen, neue Lösungen: aus dieser sogenannten Krise erwuchs eine Renaissance der gesellschaftlichen Solidarität mit hilfsbedürftigen Mitmenschen. Allein in Hamburg bildeten sich hunderte unabhängige Initiativen zur Hilfe und Unterstützung für die ankommenden Menschen. Ein besonderes Beispiel ist die Kleiderkammer Messehallen, Ursprung des gemeinnützigen Vereins Hanseatic Help. Seit August 2015 entstand aus ersten Kleidungsspenden in der Ecke einer 8000 m2 großen Messehalle ein logistisches Zentrum für eine IT-basierte Verteilung von Sachspenden für die ganze Stadt Hamburg. Innerhalb weniger Tage versammelten sich tausende Freiwillige, um einfach zu helfen. Nur wenige Monate später hat der im Oktober gegründete Verein Hanseatic Help über drei Millionen gespendete Artikel verteilt und geliefert: an mehr als 25.000 Hilfsbedürftige und über hundert Organisationen in Hamburg, in zahlreiche weitere Regionen in Deutschland und inzwischen sogar nach Griechenland, Irak, Syrien, Kenia, Israel und in die Ukraine. In wenigen Monaten wurde Hanseatic Help zu einem positiven Beispiel für mitmenschliche Reaktion von weiten Teilen der deutschen Gesellschaft. Hanseatic Help folgt simplen Regeln: Spenden sammeln. Spenden gut sortieren. Spenden schnell und effizient verteilen. An hilfsbedürftige Menschen, unabhängig von Geschlecht, Herkunft, Politik und Religion. Einfache Soziallogistik, basierend auf den Prinzipien der Humanität und Solidarität. Und dann? #EinfachMachen! www.hanseatic-help.de

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Hanseatic help In 2015, one million refugees came to Germany, and 70,000 looked for shelter in Hamburg. State administration and traditional humanitarian organizations struggled to handle the situation accordingly. But new challenges create room for new chances, new ideas and new solutions: this so-called “crisis” has caused a renaissance of public solidarity for people in need. In Hamburg alone, hundreds of independent initiatives gathered and managed to step in immediately. An outstanding example is Kleiderkammer Messehallen, initiated by the charitable organization Hanseatic Help. Started in August 2015 in a corner of an 8000 m2 exhibition hall, it soon became the logistical hub for an IT-based distribution for donations in kind for the whole city of Hamburg. After just a few days, thousands of volunteers joined the common cause. After just a few more months, Hanseatic Help has distributed and delivered more than three million items to more than 25,000 people in need and to more than a hundred organizations in Hamburg, to several other regions in Germany, and even to Greece, Ukraine, Iraq, Syria, Israel and Kenya. In just a few months, Hanseatic Help become an acclaimed reference for the welcoming reaction of the German society. Hanseatic Help follows these plain principles: Collect donations. Sort them well. Distribute them fast and efficiently to people in need, regardless of gender or ethnic origin, political view or religion. Simply social logistics, simply based on the principles of humanity and solidarity. Always honouring their claim: #EinfachMachen!

Die KurzFilmAgentur Hamburg (KFA) fördert die Verbreitung und öffentliche Wahrnehmung des Kurzfilms. Hervorgegangen aus dem NoBudget Kurzfilmfestival (seit 1994 Internationales KurzFilmFestival Hamburg) wurde sie 1992 gegründet. Die KFA versteht sich als Schnittstelle zwischen Filmschaffenden und Nutzern. Die zentralen Schwerpunkte ihrer Arbeit sind der KurzFilmVerleih, der KurzFilmVertrieb, das Internationale KurzFilmFestival und das Mo&Friese KinderKurzFilmFestival. Daneben führt die KFA zahlreiche andere Kurzfilm-Projekte durch.

KURZ FILM AGENTUR HAMBURG The short film has long been seen as an independent genre with specific means of expression. Due to its briefness the short film offers filmmakers artistic possibilities that full-length films lack. There is much room for experimentation and imagination is not restricted. The KurzFilmAgentur Hamburg (KFA) promotes the distribution and the public perception of the short film. In 1992, the agency emerged as a spin-off from the NoBudget Short Film Festival (renamed Hamburg International ShortFilmFestival in 1994).

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KURZ FILM AGENTUR HAMBURG Der Kurzfilm wird seit Langem als eigenständiges Genre mit besonderen Ausdrucksmöglichkeiten begriffen. Bedingt durch seine Kürze eröffnet der Kurzfilm Filmemachern künstlerische Möglichkeiten, die dem Langfilm meistens fehlen. Dabei ist das Experimentierfeld groß und der Fantasie werden keine Grenzen gesetzt.

The KFA serves as a link between filmmakers, exhibitors and audiences. At the heart of the agency’s work are its theatrical distribution and sales departments (ShortFilmDistribution and ShortFilmSales) as well as the International ShortFilmFestival and the Mo&Friese Children’s ShortFilmFestival. In addition, the KFA is involved in a large number of other short-film-related projects.

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RESTART ist ein Onlinemarktplatz, der Kunst von Geflüchteten* vertreibt. Das Ziel ist es, Geflüchteten* den Einstieg in die Kunstbranche zu erleichtern und dabei aktiv zu unterstützen. Während sich die meisten Initiativen danach richten, Flüchtlinge in den klassischen Arbeitsmarkt zu integrieren, wendet sich RESTART an die Kreativschaffenden unter ihnen. Das Konzept von RESTART basiert auf der Überzeugung, kurzweilige (Spenden-)Aktionen durch ein sich selbst tragendes Social Business zu ersetzen. So bietet RESTART nicht nur eine Plattform, die Talente in den Vordergrund stellt, sondern die Möglichkeit, sich ein eigenes Standbein aufzubauen. Neben dem Verkauf originaler Kunstwerke, bietet RESTART Prints auf diversen Produkten an, um sie sowohl jedem zugänglich zu machen, als auch für die KünstlerInnen wiederkehrendes Einkommen zu ermöglichen. (55% der Profite gehen an die KünstlerIn). RESTART ermöglicht Integration auf vielerlei Ebenen. Unabhängig vom Verkauf der Kunstwerke sieht sich das Team in der Verantwortung, KünstlerInnen miteinander in Kontakt zu bringen und Ihnen Zugang zu Werkstätten und Materialien zu ermöglichen. Dank der Zusammenarbeit mit Galerien, Institutionen und Museen finden in regelmäßigen Abständen Kunstausstellungen statt, auf denen Einheimische und Newcomer zusammenkommen. www.restart.rocks * RESTART entfernt sich von der Stigmatisierung von Menschen in benachteiligte Gruppen. Im Gegenteil, unser Fokus liegt auf den Talenten und auf der schnellstmöglichen Integration unserer neuen Nachbarn.

RESTART aims to support refugees* in establishing themselves in the art business. While there are many initiatives working on integrating refugees in the usual job market, we want to address the creative minds among them. As a benefit corporation, RESTART not only creates a platform that appreciates talents but offers an opportunity to earn their own income. In addition to selling the artwork itself, RESTART will offer art prints that enable recurring income from each piece (55% from each sale). Besides facilitating access to the art market, RESTART connects artists among each other and helps out with art studios and material. Collaborations with galleries, institutions and museums enable regular exhibitions that bring locals and newcomers together. People who had to give up everything will find support in making a new start, without having to leave their personality, creativity and previous careers behind. The concept of RESTART is based on the belief of replacing short-term based charity with long-term oriented capacity building. As a social business, our biggest goal is to achieve maximum social impact through entrepreneurial action. Different from traditional marketplaces, RESTART provides unique artworks to everyone while actively facilitating new beginnings for refugee artists. * RESTART is the opposite of stigmatizing people into disadvantaged groups. On the contrary, we focus on people’s talents and work on the rapid integration of our new neighbors.

‫تهدف مبادرة ريستارت إلى دعم الفنانني الالجئني في تأسيس وبدء مشوارهم املهني‪ .‬في حني يوجد العديد من املبادرات‬ ‫التي تعمل على ايجاد فرص عمل للقادمني الجدد ضمن مجاالت العمل تقليدية‪ ،‬نسعى في ريستارت للتركيز على الفنانني‬ ‫واملوهوبني من بينهم‪.‬‬ ‫ ‬ ‫ريستارت‪ ،‬كشركة ربحية تسعى ليس فقط إليجاد منصة تعرض وتق ّدر األعمال الفنية واملواهب اإلبداعية‪ ،‬ولكن توفر أيضا ً‬ ‫للفنانني املشاركني فرصة لكسب دخلهم بأنفسهم‪ .‬باالضافة لبيع األعمال الفنية األصلية سيتم بيع طبعات ونسخ‪ ،‬حيث‬ ‫وتعرف‬ ‫تعود نسبة من الربح للفنانني )‪ ٪٥٥‬من كل عملية بيع(‪ .‬باإلضافة إلى تيسير الوصول للسوق الفنية‪ ،‬املبادرة تصل‬ ‫ّ‬ ‫الفنانني ببعضهم البعض وتساعدهم في توفير املراسم ومواد الرسم‪.‬‬ ‫التعاون بني صاالت العرض‪ ،‬املعاهد واملتاحف سيوفر امكانية اقامة معارض متكررة تساعد في وصل السكان املحليني‬ ‫والجيران الجدد‪.‬‬ ‫األشخاص الذين اضطروا للتخلي عن الكثير‪ ،‬سيلقون ال ّدعم للبداية من جديد‪ .‬دون التخلي عن شخصيتهم‪ ،‬إبداعهم‬ ‫وخبراتهم املهنية السابقة‪.‬‬ ‫املفهوم وراء مبادرة ريستارت يقوم على االيمان بجدوى استبدال االعمال الخيرية املؤقتة بتوجيه وبناء القدرات والخبرات‬ ‫على املدى الطويل‪.‬‬ ‫كشركة اجتماعية‪ ،‬هدفنا األكبر هو تحقيق أقصى تأثير اجتماعي عن طريق املشاريع‪ .‬على خالف اسواق العمل‬ ‫التقليدية‪ ،‬تؤمن مبادرة ريستارت أعمال فنية أصيلة وفريدة للجميع‪ ،‬مع تسهيل البداية للفنانني الالجئني‪.‬‬ ‫* مفهوم ريستارت هو نقيض وصم الناس وتأطيرهم ضمن مجموعات متضررة‪ ،‬على العكس من ذلك‪ ،‬نر ّكز على املواهب‬ ‫ونعمل على تسريع دمج الجيران الجدد في املجتمع‪.‬‬

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ikonoTV präsentiert ART SPEAKS OUT Kuratiert von Vanina Saracino

ikonoTV presents ART SPEAKS OUT Curated by Vanina Saracino

Der Klimawandel ist eine der dringendsten Angelegenheiten unserer Zeit und kann nicht allein durch politische Entscheidungen gelöst werden, sondern verlangt von jedem Einzelnen in verantwortungsvoller Weise zu handeln. Kann Kunst eine Form des Handelns sein? Die Geschichte deutet an, dass es so ist. Vor allem Bilder haben die Kraft, einen Umschwung im individuellen Bewusstsein zu bewirken und langsam eine neue kollektive Notwendigkeit, ein neues Dringlichkeitsgefühl sowie neue Verhaltensweisen in Gesellschaften zu implementieren.

Climate change is one of the most urgent and pressing issues of our time, and it cannot be solved through political decisions alone, but requires every individual to act in a more responsible way. Can art be a form of action? History suggests it can. Images in particular have the power to create a shift in individual awareness and slowly implement a new collective need, a new sense of urgency and, ultimately, a new behavior in societies.

„Art Speaks Out“ wurde ursprünglich für ein spezielles 24-Stunden-Programm im Videoformat konzipiert. Die Reihe besteht aus einer Selektion außergewöhnlicher Videoproduktionen, die sich mit den Schlüsselfragen der globalen Erwärmung, des CO2-Ausstoßes, der Urbanisierung und der Desertifikation befasst. Diese spezielle Auswahl für Viva con Agua und die Millerntor Gallery bietet Arbeiten von AK Dolven, Simon Faithfull, Markus Hoffmann, Antti Laitinen, Arjen de Leeuw, Gianluca Abbate, Daniel Beerstecher, Isadora Willson Gazmuri, Isabelle Hayeur, Oto Hudec, William Lamson, Gwen MacGregor, Romy Pocztaruk, Johanna Reich, Su Rynard und Linda Sanchez

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Initially conceived as a 24-hour special video program, Art Speaks Out brings together a selection of outstanding video works to address the key issues of global warming, carbon emissions, urbanization and desertification. This special selection for Viva con Agua and the Millerntor Gallery features works by AK Dolven, Simon Faithfull, Markus Hoffmann, Antti Laitinen, Arjen de Leeuw, Gianluca Abbate, Daniel Beerstecher, Isadora Willson Gazmuri, Isabelle Hayeur, Oto Hudec, William Lamson, Gwen MacGregor, Romy Pocztaruk, Johanna Reich, Su Rynard and Linda Sanchez.

About ikonoTV Founded by Elizabeth Markevitch, ikonoTV is the first television channel broadcasting art and only art 24/7 on HD. Since 2010, this unique project brings to everybody’s home curated exhibitions of art films, by working in close collaboration with more than 1000 international artists, over 200 collections, image archives and the most important museums worldwide. By showing art free of any additional commentary and sound, ikonoTV allows an international audience to experience the moving image as a pure form of narration, and reinforces the idea of art as a truly universal and timeless language.

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Über ikonoTV wurde von Elizabeth Markevitch gegründet und ist der erste TV-Sender, der 24/7 Kunst – und nur Kunst – in HD-Qualität zeigt. Seit 2010 bringt dieses einzigartige Projekt kuratierte Ausstellungen von Kunstfilmen in jedermanns Wohnung, indem es eng mit über 1000 internationalen KünstlerInnen, über 200 Sammlungen, Bildarchiven und den wichtigsten Museen weltweit zusammenarbeitet. Mit der Präsentation dieser Kunst frei von zusätzlichen Kommentaren und Ton erlaubt ikonoTV einem internationalen Publikum ein Bewegtbild als eine reine Erzählung zu erleben und unterstützt damit den Gedanken, dass die Kunst eine wahrhaft universale und zeitlose Sprache ist.

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Kampf der Künste ist Deutschlands größter Poetry Slam-Veranstalter mit bis zu 50.000 Besuchern pro Saison. Er bespielt mit verschiedenen Slam-Formaten die renommierten Theaterhäuser Hamburgs wie das Deutsche Schauspielhaus, das Ernst Deutsch Theater, das Thalia Theater, die Laeiszhalle und noch viele mehr. Der größte Coup bisher war der Weltrekord-Slam auf der Trabrennbahn mit über 5.000 Zuschauern. Neben den großen Bühnen ist Kampf der Künste auch in kleinen Clubs aktiv und betreibt dort Nachwuchsförderung, mit einem besonderen Fokus auf die U20-Szene. Die Auftretenden können mit dem richtigen Talent schnell vom Underground auf die größeren Bühnen aufsteigen. Innerhalb der Hansestadt kooperiert Kampf der Künste mit Institutionen wie dem Bucerius Kunst Forum, dem Literaturhaus Hamburg, der NGO Viva con Agua und dem Straßenmagazin Hinz und Kunzt. www.kampf-der-kuenste.de

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Kampf der Künste is Germany’s largest poetry slam organizer, attracting up to 50,000 visitors a year. They dish a variety of slam formats and are guests at the most renowned theaters in Hamburg such as the “Deutsches Schauspielhaus”, the “Ernst Deutsch Theater”, the “Thalia Theater”, the “Laeiszhalle”, and many more. Their largest coup to date is the world record slam at the “Trabrennbahn Hamburg”, which brought in over 5,000 guests. Aside from the big stage, Kampf der Künste is also involved in small clubs, where they actively promote young talent with a focus on individuals under 20. The poets have – with the right talent – the chance to fast track from the underground into the limelight. Kampf der Künste cooperates with Hamburg institutions like the “Bucerius Kunst Forum”, the “Literaturhaus Hamburg” and NGOs like “Viva con Agua” and “Hinz und Kunzt”.

Secret Wars is the first live art battle in which two teams are given 90 minutes to create their piece of art on a wall. They are neither allowed to use sketches created in advance nor to use any other colour except black. Once 90 minutes have elapsed, the audience and two jury members will give out one point each, the audience by making noise and the jury by rating the style. The last and often essential point is given to the team who is able to sell their artwork at the higher price point. Both artworks will be auctioned off on the same evening, raising money for Viva con Agua‘s projects. Creative agency LukiHQ initiated this event five years ago in Hamburg and they’re still going strong. “Collaborating with Millerntor Gallery was only a matter of time and we are thrilled to paint in the stadium for the third consecutive year now.”

Yves Zeh

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Secret Wars ist das erste Live-Art-Battle, bei dem zwei Teams 90 Minuten Zeit haben, ihr Artwork an die Wand zu malen. Dabei dürfen die Teams nur mit Schwarz malen und auf der Bühne keine Skizzen verwenden. Sind die 90 Minuten um, entscheiden das Publikum anhand von Lautstärke und zwei Jurymitglieder anhand von Style jeweils über einen Gewinnpunkt. Der dritte und oftmals entscheidende Punkt wird durch den höheren Versteigerungswert vergeben, denn beide Artworks werden noch am selben Abend für Projekte von Viva Con Agua versteigert. Das LukiHQ ist als Kreativagentur dabei der Initiator und pflegt das Event seit über fünf Jahren in Hamburg. „Die Zusammenarbeit mit der Millerntor Gallery war nur eine Frage der Zeit, und wir sind super glücklich, dass wir nun das dritte Jahr in Folge unters Stadiondach zum Malen dürfen.“

www.lukihq.com www.facebook.com/secretwarshh

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CUCULA – Refugees Company for Crafts and Design ist ein Modellprojekt, das Geflüchtete dabei unterstützt, sich selbst eine berufliche Zukunft aufzubauen. CUCULA bedeutet in der westafrikanischen Sprache Hausa „etwas zusammen machen, etwas verbinden, aufeinander aufpassen“. In der realen Begegnung entstand durch das gemeinsame Bauen – über sprachliche und kulturelle Barrieren hinweg – als Vorschein einer konkreten Utopie „Eine Firma von und für Flüchtlinge“. Anfang 2014 startete das Projekt und hat sich mittlerweile zu einem realen Betrieb entwickelt, das als Manufaktur Designmöbel nach den Entwürfen von Enzo Mari produziert. Die gemeinsame Produktion eröffnet Geflüchteten die konkrete Perspektive, sich ihren Aufenthalt zu sichern und ihre Ausbildung selbst zu finanzieren. CUCULA ist zudem Verein, Plattform für interkulturellen Austausch und Bildungsprogramm mit schulischen Angeboten wie Deutschunterricht, Alltagshilfen und Rechtsberatung. In einem kleinen Team und durch die Unterstützung vieler Ehrenamtlicher und Freunde sucht das Projekt nach neuen Wegen und nachhaltigen Lösungsvorschlägen für die Flüchtlingspolitik. www.cucula.org facebook: Cucula.Refugees.Company

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„CUCULA – Refugees Company for Crafts and Design“ is a project that supports refugees in building up their occupational future. CUCULA means, in the Western African language Hausa, „to do something together, to connect something, to look out for others“. When they met and started building something together, they crossed language and cultural borders and through that, formed the first steps towards the concrete utopia of “a company by and for refugees”. The project started in the beginning of 2014 and is now a company that produces designer furniture according to Enzo Mari‘s drafts. The collective production gives refugees a concrete perspective to ensure their stay and to finance their own education. CUCULA is also an association, a platform for intercultural exchange and an educational programme with scholastic offers such as German language courses, to help with the daily routine and legal advice. With a small team and with the support of volunteers and friends, the project is always looking for new ways and sustainable approaches for the refugee policy.

Groundkeeper Playin´Movement www.groundkeeper.net

Get you city, your room back with Groundkeeper The sun invites you to play. Question is: what to play, where and who with? Search, discover and reinvent yourself, your sport, your surroundings and your training partners. Wherever you are, you will find people who are on the lookout themselves. Expand your sports network, wherever you are and no matter how long you are already living there. Groundkeeper is a platform which enables you to discover and revive spaces for sports and exercise e.g. streets, paths, nature and public places. You will not only be able to find a fitting training partner, you will also be part of the preservation of local sports infrastructure. You will contribute to a compilation of the space in your city that can be used for sport and exercise. The digital infrastructure of Groundkeeper is the heart of the first technology-orientated social business of the sports sector, thus generating economizing effects in all sports sectors. The profits of Groundkeeper will be reinvested directly into the local space for sports and exercise, so that in the future, promotion of sustainable play of all people and a free and equal access to sport can be ensured. At the moment Groundkeeper is in development and will hopefully – with your support – reach your city within next year. Let‘s play and reclaim our city!

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Erspiel´ Dir mit Groundkeeper Deine Stadt, Deinen Raum zurück! Die Sonne verführt zum miteinander Spielen. Doch mit wem, wo und was? Suche, entdecke und (er)finde einfach Dich, Deinen Sport, Deine Umgebung und Deine Spielkameraden neu. Egal wo Du bist, wirst Du Menschen finden, die ebenfalls auf der Suche danach sind. Erweiter einfach Dein Netzwerk zum Spielen, egal wo und wie lange Du dort bereits wohnst. Groundkeeper ist eine Plattform, die es ermöglicht, spielerisch alle Sport- und Bewegungsräume wie z. B. Straßen, Wege, Natur, öffentliche Freiflächen und Plätze gemeinschaftlich neu zu entdecken und wiederzubeleben. Bei Groundkeeper findet man nicht nur endlich wieder den passenden Mitspieler, sondern trägt gleichzeitig zur Erhaltung der lokalen Sportinfrastruktur bei und ermöglicht eine spielerische Zusammentragung aller Bewegungsräume und Sportflächen. Die digitale Infrastruktur von Groundkeeper ist das Herzstück des ersten technologieorientierten Social Business des Sportsektors und erzeugt damit Ökonomisierungseffekte in allen Sportsektoren. Die Gewinne von Groundkeeper werden direkt in die lokalen Sport- und Bewegungsräume reinvestiert, damit auch in Zukunft ein nachhaltiger Spieltrieb aller Menschen gefördert und ein freier und gleichberechtigter Zugang zum Sport sichergestellt werden kann. Derzeit befindet sich Groundkeeper noch in der Entwicklung, wird aber mit Deiner verspielten Unterstützung hoffentlich nächstes Jahr auch Deine Stadt erreichen. Lasst uns spielen und unsere Stadt zurückerobern!

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Goldeimer Kompostklos Goldeimer betreibt mobile Komposttoiletten auf Großveranstaltungen und holt das Tabuthema Sanitärversorgung zurück an den Wohnzimmertisch. Durch den Vertrieb von eigenem Klopapier und Präsenz auf den größten und kleinsten deutschen Festivals in Deutschland werden mehrere gesellschaftliche Herausforderungen des 21. Jahrhunderts in den Fokus der Öffentlichkeit gerückt: fehlender Zugang zu sanitären Anlagen und der verschwenderische Umgang mit lebenswichtigen Ressourcen wie Wasser, Boden und Nährstoffen. Die Goldeimer-Crew setzt vor allem Kunst, Musik und ein Augenzwinkern ein, um seine Inhalte zu kommunizieren. 100 % der zukünftigen Erlöse des drei Jahre alten Social Business Start-Ups werden in Projekte der Welthungerhilfe und Viva con Agua fließen. www.goldeimer.de

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Goldeimer runs mobile compost toilets at major events and publicly addresses the taboo topic of sanitary provision. Through the distribution of its own brand of toilet paper and its presence at the biggest and smallest festivals throughout Germany, it is possible to highlight social challenges of the 21st century: missing access to sanitary facilities and the waste of essential resources such as water, soil and nutrients. Above all, the Goldeimer crew applies art, music and a twinkle in the eye when communicating their contents. 100% of the prospective revenues of the three-yearold social business is used to fund projects of Welthungerhilfe and Viva con Agua.

www.feinstes-leitungswasser.org

Finest! tap water promotes the consumption of tap water as the most ecological, most handy and the cheapest choice of water consumption and combines it with collecting donations for water projects in favour of people who lack access to clean drinking water altogether. With Finest! tap water, we seek to redirect the money spent on bottled mineral water (above all in restaurants, bars, cafes, hotels as well as in companies) in the form of donations given for tap water towards the realisation of water projects in other parts of the world. Finest! tap water is the smart, conscious and responsible alternative that helps save costs and tons of (unnecessary) waste.

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Feinstes! Leistungswasser Wir lieben Leitungswasser, denn ökologischer, praktischer und preiswerter geht’s einfach nicht. Mit Feinstes! möchten wir Restaurants, Bars und Unternehmen ermutigen, Leitungswasser in ihren Alltag zu integrieren, ob als natürliches Produkt auf der Getränkekarte oder als Mitarbeiterwasser in der Kantine. Feinstes! wird mit Spenden für Viva con Agua Trinkwasserprojekte weltweit verknüpft, um das Privileg saub eren Trinkwassers weiterzugeben.

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recolution Ein Modelabel, bei dem ein einziger Buchstabe den Unterschied macht. Schließlich geht es um mehr als nur um Kleidung. Es geht um einen klaren Stil, der sich gut anfühlt. Im Herzen und auf der Haut. Jedes Stück der recoluzzer ist aus reiner Bio-Baumwolle, hergestellt und verarbeitet in Portugal und der Türkei. Unter fairen Bedingungen. Ehrlich ohne Aber. Aus Respekt vor der Natur. Aus Liebe für eine lebenswerte Welt. Seit 2010 steht das Hamburger Label recolution für lässige, urbane und norddeutsche Kleidung. Hinter dem Label stecken die beiden Nordlichter Jan Thelen und Robert Diekmann. Während des Studiums kamen sie der Thematik und Notwendigkeit von Nachhaltigkeit und ethischem Konsum näher und gründeten ein Unternehmen, das nach ihren Wertevorstellungen arbeitet. Ihre Streetwear ist zu 100 % GOTS-zertifiziert (Global Organic Textile Standard). Das internationale Öko-Textilsiegel garantiert eine in allen sozialen und ökologischen Aspekten kontrollierbare und nachhaltige Produktion, frei von schädlichen Umwelteinflüssen, Ausbeutung und Kinderarbeit. Die recoluzzer unterstützen gemeinsam mit verschiedenen deutschen Künstlern und Musikern die Idee von globalem Bewusstsein und nachhaltigem Handeln, um das soziale und ökologische Gleichgewicht unserer Welt zu bewahren und sie noch für viele nachfolgende Generationen zu einem lebenswerten Ort zu machen. recolution ist stoffgewordene Leidenschaft für Qualität und Kreativität, soziales Miteinander, Natürlichkeit und Nachhaltigkeit. recolution – wear your attitude www.recolution.de

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recolution A fashion label where one letter makes the difference. It’s not only about clothing. It’s about a clean style that feels good. In your heart and on your skin. Each garment is made of pure organic cotton. Produced in Portugal and Turkey. Under fair conditions with no ifs or buts. Respecting nature and out of love for a world worth living. Founded in 2010 in Hamburg, recolution stands for casual, urban and hanseatic fashion. The brains and spirits behind the label are Jan Thelen and Robert Diekmann. During their studies, they got in touch with the complex subject and necessity for sustainability and ethical consumption. As a result, they founded a company that works according to their own values. recolution street wear is completely GOTS-certified (Global Organic Textile Standard). The international eco product seal guarantees a textile production that is controlled and sustainable in all social and ecological aspects and that is free of harmful influences to the environment, free of exploitation and child labour. Hand in hand with various German artists and musicians, the recoluzzers support the idea of global conscience and sustainable acting, in order to keep the social and ecological balance of our world and to make it a place worth living for many generations to come. recolution is turned-into-fabric passion for quality and creativity, social togetherness, genuineness and sustainability. recolution – wear your attitude

www.soulbottles.de www.facebook.com/soulbottles

soulbottles – the world’s cleanest drinking bottle as Millerntor Gallery limited edition For the third consecutive time, soulbottle offers its drinking bottle in a Millerntor Gallery limited edition. soulbottles are 100% plastic-free drinking bottles that are made of glass and produced in Germany in a fair and climate-neutral way. 1 euro per sold soulbottle will be used to establish drinking water projects in cooperation with Viva con Agua. The Berlin-based start-up cooperates with family-run businesses and processes traditional materials such as glass, ceramic and natural rubber. The classic soulbottle designs are created by young international designers – this way, entrepreneurial spirit is combined with long-standing expertise.

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soulbottles – die sauberste Trinkflasche der Welt als Millerntor Gallery Limited Edition Zum dritten Mal in Folge gibt es zur diesjährigen Millerntor Gallery wieder soulbottles im limitierten Millerntor Gallery Look. soulbottles sind 100 % plastikfreie Trinkflaschen aus Glas, fair und klimaneutral in Deutschland produziert. Pro verkaufter soulbottle fließt ein Euro in den Aufbau von Trinkwasserprojekten von Viva con Agua e. V. Das Berliner Jungunternehmen arbeitet dabei mit Familienunternehmen zusammen und setzt auf traditionelle Materialien wie Glas, Keramik und Naturkautschuk. Die Motive der soulbottles stammen von internationalen jungen Gestalterinnen und Gestaltern. So verbindet sich kreativer Unternehmergeist mit hoher Qualität und langjähriger Erfahrung.

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Lemonaid Lemonaid Beverages ist ein Social-Business-Projekt aus Hamburg, das durch den Verkauf von hochwertigen Erfrischungsgetränken Gutes tut. Wir produzieren 100 % biologische und fair gehandelte Limonaden (Lemonaid) und Eistees (ChariTea). Für unsere Frischsaftlimonaden verwenden wir beste Direktsäfte und verzichten auf Konservierungsstoffe und Aromen. Unsere Eistees werden mit echtem Blatt-Tee aufgebrüht und mit Bio-Agavendicksaft oder Honig verfeinert. Zusätzlich zum fairen Handel wird mit jeder verkauften Flasche der eigens gegründete gemeinnützige Lemonaid & ChariTea e. V. und damit Sozialprojekte in den Anbauregionen unterstützt – getreu der Maxime „Trinken hilft“. In den vergangenen Jahren wurden so mehr als 1.000.000 Euro für entwicklungspolitische Projekte erwirtschaftet. www.lemonaid.de www.charitea.com www.lemonaid-charitea-ev.org

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Lemonaid Beverages is a Hamburg-based social business which pursues charitable aims through the sale of premium quality soft drinks. We produce 100% organic and fair-trade lemonades (Lemonaid) and iced teas (ChariTea). For our lemonades, we use the very best fresh juices, with no preservatives or artificial flavourings. Our iced teas are brewed from real tea leaves, and rounded off with either organic agave syrup or honey. Beyond fair-trade, every bottle sold funds the charitable organization “Lemonaid and ChariTea e. V.” and supports social projects in the regions where our ingredients are grown – true to our motto, “Drinking helps”. To date, the Lemonaid & ChariTea e.V. has raised over one million Euro for development projects.

Wir verbinden mit unserer Arbeit immer noch einen politischen Anspruch. Der solidarische Handel ermöglicht es uns und unseren Kundinnen/Kunden zu zeigen, dass ein anderer Handel und eine andere Wirtschaft möglich sind. Wir wollen keinen Welthandel, der immer zu Lasten der wirtschaftlich Schwachen geht, der sie arm und abhängig hält. Wir glauben nicht, dass der „Faire Handel“ schon die endgültige Lösung des Problems ist. Aber der solidarische Handel, wie wir und viele andere ihn betreiben, zeigt zumindest, dass man Kaffee auch trinken kann, ohne dass Bäuerinnen/ Bauern ausgebeutet werden. Neben dem solidarischen Handel engagieren wir uns auch in Hamburg nach Kräften, indem wir Veranstaltungen organisieren und mit anderen Gruppen Kontakt halten.

solidarisch

kaffee

solidarisch

El rojito is an association trading with coffee since 1987 in order to support producers. We are • human beings with political demands, who try to collectively formulate and implement these • a company, which means that we are not independent from economical constraints and create economic benefit for all participants of our actions • a fair trade organisation, which combines economical actions with ethic demands. In the early years of the company we worked mainly on a voluntary basis, but now the majority of work is paid. We still connect a political demand with our work. Solidarity trade enables us to show our customers that a different trade and a different economy are possible. We oppose global trade that is always at the expense of the economically weak. We do not believe that „fair trade“ is the final solution to the problem. But solidarity trade, like we run it, shows that it is possible to drink coffee without exploiting the farmers. Besides the solidarity trade, we are also actively committed in Hamburg; we organise events and keep in touch with other groups.

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El rojito el rojito ist ein Verein, der seit 1987 mit Kaffee handelt, um die ProduzentInnen zu unterstützen. Wir sind • Menschen mit politischen Ansprüchen, die versuchen, diese gemeinsam zu formulieren und umzusetzen; • eine Firma, d. h. wir unterliegen wirtschaftlichen Zwängen und haben wirtschaftlichen Nutzen für alle an unserem Handeln Beteiligten; • eine Fairhandelsorganisation, die wirtschaftliches Handeln mit politischen und ethischen Ansprüchen verknüpft. In den Gründerjahren wurde vorwiegend ehrenamtlich gearbeitet, jetzt wird der größere Teil der Arbeit bezahlt.

kaffee

www.el-rojito.de

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CHURROMUSICCYCLE - CMC Mobile Garküchen sind in anderen Ländern feste Bestandteile des Alltags. Sie sind dort Ausdruck einer weniger normierten Stadt, eines gelebten öffentlichen Raums, der auf die Bedürfnisse der StadtbewohnerInnen zu reagieren weiß. Hierzulande haben Garküchen dagegen Seltenheitswert - und wenn, dann sind sie hoch reguliert statt niedrigschwelliges Tool für Kleingewerbetreibende und selbstgemachtes Straßenleben zu sein. Das CHURROMUSICCYCLE ist (aufbauend auf den XYZ CARGO Cycles von Till Wolfer/ N55) eine mobile Garküche und fährt an den Ort des Geschehens – dahin, wo Stadt gestaltet wird bzw. das CHURROMUSICCYCLE eröffnet einen Raum, wo dies geschehen kann. Der Churro (live von STUDIOBUEHLER) wird dabei mit verschiedenen „Inhalten“ gefüllt und zitiert den kulturellen Einheitsbrei, den es überall auf der Welt gibt. Teresa Majewski bringt dabei die Stadt zum Klingen: durch die portablen Turntables und ein kuratiertes DJ-Programm kommentiert und ermöglicht das CMC urbane Musikströme, die sich vor allem draußen abspielen. www.churromusiccycle.tumblr.com www.studiobuehler.com www.fluxusquadrat.tumblr.com www.xyzcargo.com

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CHURROMUSICCYCLE - CMC Mobile street kitchens are a common part of everyday life in most countries of our world. At these places they embody a less standardized city. They are part of a lively public space that knows how to react to the needs of its citizens. In contrast, our part of the world doesn’t really know the culture of mobile street food – and if it occasionally knows it, street kitchens are over-regulated enterprises instead of being an easily accessible tool for small entrepreneurs and DIY-street-culture. The CHURROMUSICCYCLE wants to change this. It is a mobile street kitchen (based on XYZ CARGO Cycles by N55 & Till Wolfer) driving to those places-to-be, where the city is shaped - or it opens the space for doing so. On site, the CHURROMUSICCYCLE serves the Churro dish (live from STUDIOBUEHLER) filled with “specific content” – quoting the cultural pulp present everywhere in our world. At the same time Teresa Majewski (fluxus² e.V.) works on making the surrounding walls sing – using portable turntables and a well-chosen set of DJs to re-shape the sound of the city. CHURROMUSICCYCLE is a concept & event which you can also rent. CMC is open for cooperation: for events, interventions, openings, festivals, parties or any kind of other activity – talk to us!

www.ethnotek.de

Ethnotek Bags & Backpacks - Keeping culture alive! Ethnotek is creating high-class backpacks and bags for long distance trips and for everyday life – and in that way, supports artisans all around the world. During his trip through the remote mountain area of North Vietnam, founder Jake Orak discovered the Black-Hmong tribe, a community of artisans who produce handmade textiles out of hemp on self-made looms. It is an ancient handicraft that is passed on from generation to generation – but which is on the verge of disappearing. Here begins our story and our mission: ‚Keeping culture alive!‘ Every bag is decorated, inside and out, with handmade textiles. The textiles are handmade by artisans in an ancient tradition. By processing these textiles, we are supporting the artisans and their families directly in their native villages. Our partner villages are allocated all over the world in Ghana, Guatemala, India, Indonesia and Vietnam. We follow the Direct Trade Concept and buy the traditionally-made textiles with fair payment directly from the artisans. This way, we ensure progress in keeping their native culture of traditional textile production at their genuine places alive. We create a global demand for local manual work and prevent the artisans from becoming working nomads that need to move to big industry centres. Our motivation is to recognize and to appreciate cultural differences. Our way is to keep the ancient culture of textile production alive through global trade.

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Ethnotek Taschen & Rucksäcke - Keeping culture alive! Ethnotek entwickelt hochwertige Rucksäcke und Taschen für lange Reisen und den Alltag und unterstützt damit Kunsthandwerker auf der ganzen Welt. Während einer Reise durch die abgelegenen Bergregionen Nord-Vietnams entdeckt Ethnotek-Gründer Jake Orak den Black-Hmong Tribe, eine Gemeinschaft von Kunsthandwerkern, die handgewebte Textilien aus Hanf auf selbstgebauten Webstühlen herstellen. Ein uraltes Handwerk, weitergegeben von Generation zu Generation – das jedoch vom Aussterben bedroht ist. Hier beginnt unsere Geschichte und unsere Mission: „Keeping culture alive!“ Jede unserer Taschen wird mit handgefertigten Stoffen von innen und außen verziert. Die Stoffe werden von Kunsthandwerkern in Handarbeit und nach alter Tradition hergestellt. Mit der Verarbeitung dieser Stoffe unterstützen wir die Webmeister und ihre Familien direkt in ihren Heimatdörfern. Unsere Partnerdörfer sind auf der Welt verteilt in Ghana, Guatemala, Indien, Indonesien und in Vietnam. Wir folgen dem Direct-Trade-Konzept und kaufen traditionell gefertigte Stoffe zu fairen Preisen direkt bei den Webmeistern. So schaffen wir es, die ursprüngliche Kultur traditioneller Textilherstellung an ihren genuinen Orten am Leben zu erhalten. Wir erzeugen eine globale Nachfrage nach lokaler Handarbeit und verhindern, dass die Menschen als Arbeitsnomaden aus ihren Dörfern in die großen Industriezentren gedrängt werden. Unsere Motivation ist es, kulturelle Unterschiede anzuerkennen und wertzuschätzen. Unser Weg ist es, durch globalen Handel die ursprüngliche Kultur der Textilherstellung zu erhalten.

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1337mate Die Brüder Daniel Plötz und Claudius Holler gründeten im März 2004 die Werbeagentur ZWOG GbR, später ZWOGEE GmbH, aber glücklich wurden sie damit nicht, da es zu wenig wirkliche Abwechslung gab. 2010 brachte dann ein spannendes Spielfeld: man selbst als eigener Kunde – mit einem Produkt, hinter dem man mit vollster Überzeugung steht, das man nicht klassisch bewirbt, sondern ehrlich kommuniziert. Über zwei Jahre dauerte es, bis nach einigen Test-Abfüllungen der Businessplan und ein eigenes Rezept standen: 1337MATE – ohne künstliche Zusätze und Farbstoffe, dafür mit mehr Koffein und vegan. Das Etikett dient seit jeher als Spielfeld unterschiedlicher Künstler, es sind bereits 50 Motive entstanden. Seit Frühjahr 2016 besteht nun eine Kooperation mit der Millerntor Gallery und es werden Etiketten mit Motiven einzelner Künstler aus diesem Kontext hinzukommen. Seit 2010 sind die Brüder zudem Besitzer einer Werfthalle in Boizenburg. Hier entsteht der Fairhafen – ein Gemeinschaftsprojekt mit ortsansässigen Kulturvereinen, Jugendlichen vor Ort, der Stadt, SkateAid und vielen anderen tollen Menschen –, welcher durch die Gründung einer gGmbH ein offizielles Dach bekommen wird. Eine große Skate-Anlage konnte hier bereits realisiert werden. Ein Indoor-Bereich, ein selbstverwaltetes Hostel, ein Beachclub, ein Jugend-Treff und weiteres werden folgen. Der Fairhafen soll zukünftig Ausbildungsplätze und Raum für Integration bieten. Aktuell stehen diverse Veranstaltungen bevor, etwa im Juni mit der Amadeu-Antonio-Stiftung und im August mit SkateAid. www.1337mate.com twitter: @1337MATE

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1337mate In March 2004, brothers Daniel Plötz and Claudius Holler founded the advertising agency ZWOG GbR (later ZWOGEE GmbH), but they weren’t quite satisfied with it, they felt there was a lack of variety. 2010 brought an exciting pitch: being your own client – with a product you are fully convinced of and which will not be promoted in the traditional way but through honest communication. It took more than two years to finalise the business plan and an own recipe (after a couple of bottling tests): 1337MATE – without artificial colours and additives, but with more caffeine and vegan. The bottle label has been the playground of various artist since production started. Up till today they created more than 50 motifs. Spring 2016 marked the beginning of a cooperation with the Millerntor Gallery, adding motifs of artists related to the event to the bottle labels. Since 2010 the two brothers also own the Werfthalle in Boizenburg, the birthplace of the Fairhafen. This is a communal project involving local cultural associations, youths of Boizenburg, the city, SkateAid and many other

amazing people. The foundation of a gGmbH brought Fairhafen under a legal umbrella. A big skating facility has already been realised. An indoor area, a self-administered hostel, a beach club, a youth centre and many more will follow. The Fairhafen also intends to be a place for training as well as a space for integration. There will be different events this summer with partners like SkateAid and the Amadeu-Antonio-Foundation.

HafenCity university This year, an installation for Viva con Agua‘s project „Feinstes“ was created by students from the Faculty of Architecture at the HafenCity University, as part of the two-weeks long „Stegreifwettbewerb“. Since the MTG#2, student designs have supported the exhibition; for example, the „performative architecture“, the cistern design by Sandra Theismann and Anna Stadler and the stack of paper lectern by Cathleen Hille and Miriam Schmidt were developed in context of the accompanying seminars. Lisa Blümel‘s interactive canister room and Viva con Agua‘s hero „Shero“ from Kewan Ghods and Stephan Berthold, which was materialized through cooperation with „Hanseatische Materialverwaltung“, were created for the MTG#4. Ulrich Hellmann and Emils Kepitis created the „information kiosk“ concept for the MTG#5. The „Feinste Rauminstallation“ by Nils Schröder and Mehmet Deniz is designed as a tree of life; the drawing of drinking water as a social interaction in a special place.

Matthias Kulcke

FREUND*INNEN | FRIENDS

HafenCity Universität Hamburg Eine Rauminstallation für das Viva con Agua-Projekt „Feinstes“ haben Studentinnen und Studenten der HafenCity Universität, Fachbereich Architektur, in diesem Jahr im Rahmen eines zweiwöchigen Stegreifwettbewerbs entworfen. Ab der MTG#2 haben studentische Entwürfe das Ausstellungsdesign unterstützt; so wurden im Rahmen von begleitenden Seminaren, wie z. B. der „performativen Architektur“, das Wasserkästendesign von Sandra Theismann und Anna Stadler sowie das Versteigerungspult aus Papierstapeln von Cathleen Hille und Miriam Schmidt entwickelt. Auf der MTG#4 entstanden der interaktive Kanisterraum von Lisa Blümel und die Viva con Agua-Heldin „Shero“ von Kewan Ghods und Stephan Berthold, die in Zusammenarbeit mit der Hanseatischen Materialverwaltung und durch das Engagement des studentischen Realisierungsteams Wirklichkeit wurden. Für die MTG#5 2015 entwarfen Ulrich Hellmann und Emils Kepitis ein Infokioskkonzept. Die „Feinste Rauminstallation“ von Nils Schröder und Mehmet Deniz ist als Lebensbaum konzipiert; das Zapfen von Trinkwasser als soziale Interaktion an einem besonderen Ort.

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FREUND*INNEN | FRIENDS 176

Welcome United 03 Welcome United 03 startete im Sommer 2014 als ein Fußball-Integrationsprojekt unter dem Dach des SV Babelsberg 03. Den Impuls gab die damals ehrenamtlich arbeitende Flüchtlingshelferin, Manja Thieme. Zusammen mit dem Fanprojekt Babelsberg organisierte „Nulldrei“ regelmäßige Trainingseinheiten und diverse Freundschaftsspiele. Ziel und Anliegen ist die Integration der Spieler in die Vereinsstrukturen und unsere Gesellschaft. Nachdem für die Geflüchteten Spielerpässe organisiert wurden, startete das Team in den regulären Spielbetrieb. Die Spieler wurden Mitglieder des Vereins und erhielten somit die gleichen Rechte und Pflichten wie alle anderen Teams des Vereins. Eine weitere Besonderheit ist die geschlossene Unterstützung quer durch alle Bereiche des Vereins. Die Nordkurve Babelsberg sammelte z.B. Geld für die erste Ausstattung und wurden somit „Trikotsponsor“ des Teams.

The integrative soccer project Welcome United 03 started in the summer of 2014 under the umbrella of SV Babelsberg 03. The idea came from Manja Thiema, a volunteer helping refugees. Together with the fan project Babelsberg, „Nulldrei“ (03) organised regular trainings and friendly matches. The goal was the integration of players into the club‘s structures and the overall society. After organising player passes for the refugees, they could start joining the matches. The players became members of the club and received the same rights and duties like all other teams in the club. Another feature is the comprehensive club support for this team. The „Nordkurve“ Babelsberg, for example, collected money for the first team equipment and became the team‘s jersey sponsor.

Welcome United 03 subsequently received extensive media response. Our players had the possibility to bring attention to their stories, their fears, their sorrows as well as their hopes – a representative of many refugees all over Europe. The hope is to establish tolerance for refugees in our society and to create a climate of helpfulness and altruism. Babelsberg 03 also offers - under the umbrella of Welcome United 03 - soccer trainings for unaccompanied underage refugees. They will be part of future tournaments and friendly games. Some of the players have already formed part of the club‘s junior teams and play for points for Blue & White.

FREUND*INNEN | FRIENDS

Welcome United 03 erfuhr in der Folge ein starkes Medienecho. Unsere Spieler bekamen die Möglichkeit, stellvertretend für viele Flüchtlinge in Europa, ihre Geschichte, ihre Ängste, ihr Leid aber auch ihre Hoffnungen an Menschen heranzutragen, mit denen sie ihre Erfahrungen sonst nie hätten teilen können. Die Hoffnung ist, dass auf diesem Wege dazu beitragen wird, in unserer Gesellschaft mehr Verständnis für geflüchtete Menschen aufzubringen und somit ein Klima der Hilfsbereitschaft und der Nächstenliebe zu fördern. Babelsberg 03 bietet zudem unter dem Dach von Welcome United 03 ein Training für minderjährige unbegleitete Flüchtlinge an. In der Zukunft werden die Spieler an Turnieren und Freundschaftsspielen teilnehmen. Einige Spieler aus diesem Kreis sind bereits in die jeweiligen Jugendmannschaften des Vereins gewechselt und kicken um Punkte für Blau & Weiß.

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FREUND*INNEN | FRIENDS

Gängeviertel Am Anfang der mittlerweile fast siebenjährigen Geschichte stand die Besetzung zwölf leerstehender denkmalgeschützter Häuser mit Kunst und Kultur. Die „Kupferdiebe“-Galerie und die Puppenstube existierten zu dieser Zeit bereits, andere Galerien entwickelten sich. Drei davon beherbergen inzwischen das Café „Nasch“, den Umsonstladen sowie Werkstätten. Gerade dieser Wandel entspricht dem Motto „Komm in die Gänge“, denn das Viertel steht für Offenheit, Vielseitigkeit und Experimente - für Möglichkeitsräume. Die Galerie Speckstraße und der Raum linksrechts blieben erhalten, sie werden ehrenamtlich betrieben und seit vier Jahren von der Kulturbehörde gefördert. Seit der Wiedereröffnung der „Fabrique“ ist der „MOM art space“ hinzu gekommen und bietet einen großen, für die Verhältnisse des Gängeviertels, eher ungewöhnlich „cleanen“ Raum für die Kunst. Diese findet darüber hinaus überall Raum: die Gänge, Höfe und Nischen verändern sich ständig und sind zu einem Anziehungspunkt nicht nur für Künstler geworden. Für viele Besucher des Gängeviertels hat diese „Freiluftgalerie“ ihren besonderen Reiz. Seit 2013 werden die Häuser schrittweise saniert. Das „Kupferdiebehaus“ und das „Jupihaus“ sind fertiggestellt und bezogen worden, die „Fabrique“ hat im März eröffnet. Seit dem ist das Angebot riesig, bunt und verdammt schön. Wir können uns vor Anfragen kaum retten und wollen allen den Raum geben, den Hamburg sonst scheinbar nicht mehr bieten kann. Die Verhandlungen zur Übernahme der Häuser in die Selbstverwaltung waren mittlerweile erfolgreich und seit Herbst 2015 hat die Gängeviertel Genossenschaft 2010 eG die Verwaltung der sanierten Häuser übernommen. Die Verhandlungen seit dem Planungsstopp laufen weiter und die langfristige Zukunft steht noch in den Sternen. Noch ist unklar, wie lange die Galerie Speckstraße weiter existieren kann, welches Haus als nächstes saniert wird und in welcher Konstellation diese Planungen und Arbeiten umgesetzt werden. Eines aber ist sicher, das Viertel wächst und täglich kommen Menschen um Teil zu werden, Ideen einzubringen, zu helfen und Fragen zu stellen. Das freut uns und bestärkt uns, doch wird es in den Verhandlungen und für die langfristige Erhaltung des Projekts und der Häuser um das schnöde Geld gehen. Deshalb laden wir alle ein auch KulturgenossIn zu werden, zeichnet Anteile oder werdet Fördermitglieder des Vereins Gängeviertel e.V..

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FREUND*INNEN | FRIENDS

Gängeviertel Almost seven years ago, twelve vacant and listed buildings were occupied with art and culture. At that time, the „Kupferdiebe“ gallery and the „Puppenstube“ had already existed, and over the years other galleries have also come into existence. Three of these former spaces for the arts are now home to the Café „Nasch“, the „Umsonstladen“ and studios. It is precisely this type of change that reveals itself in the dual nature of the project‘s motto: „Komm in die Gänge!“ (Come into the alleys! / Get a move on!), because the quarter is committed to openness, diversity and experimentation by opening spaces of possibility. The galleries „Speckstrasse“ and „Raum linksrechts“ are managed by volunteers and funded by Hamburg‘s Cultural Office. Founded after the reopening of the “Fabrique”, the “MOM art space” is the latest addition to Gängeviertel’s studios. Compared to the others, it is an unusually spacious and relatively “clean” space for art. However, art can be found everywhere: the alleys, courtyards and niches are constantly evolving and have become an attraction not only for participating artists but also for our many guests that enjoy the special charm of Gängeviertel‘s open-air gallery. Since 2013, several of the buildings have entered the renovation phase. The „Kupferdiebe“ house and the “Jupihaus” have now been completely renovated and filled with tenants, and the „Fabrique“ has opened as of March this year. Ever since then, what Gängeviertel has to offer is diverse and damn beautiful. We cannot even handle all the requests from interested parties, even though we want to provide everyone with the space that they are looking for and that Hamburg is not able to offer them. The negotiations with the city regarding the management of the buildings have been successfully completed. Since the fall of 2015, the “Gängeviertel Genossenschaft 2010 eG“ has taken over the management of the refurbished buildings. Negotiations still continue today after further planning had been previously halted, and the long-term future is still written in the stars. It is not clear yet how much longer the “Speckstraße” gallery will continue to exist, which building will be refurbished next and how exactly the planning and works will be implemented. However, one thing is for certain. The Gängeviertel will keep on growing and new people continue to join us on a daily basis to contribute their ideas, to help and to pose questions. This makes us both very happy and determined to continue negotiations to ensure the long-term conservation of the project and the buildings, even though this entails arguing over money. We thus invite you all to become “Kulturgenosse” (Companion of culture), subscribe to shares or to become supporting member of the association “Gängeviertel e.V.”.

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MITWIRKENDE CONTRIBUTORS

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Fred Naujoks was born in 1986. He is an artist based in Freiburg. From a young age he has always been enthusiastic about street art and the range of possibilities that can arise from the use of something as simple as aerosol. He especially loves the combination of lifelike and realistic depictions, which he sees as one of the key characteristics of street art. He develops his love for details with brushes and works on canvases to combine the style of the streets with the delicacy of painting. Over the years, he connects the photorealistic elements more and more with the fascination of abstract art; this way he is reflecting life in today's society and its conflict with nature.

www.justcobe.com facebook: teamcobe instagram: fred_naujoks

MITWIRKENDE | CONTRIBUTORS

Fred Naujoks ist ein Freiburger Künstler, der 1986 geboren wurde. Schon früh begeistert er sich für Streetart und die vielfältigen Möglichkeiten, die sich aus der Kunst mit der Dose ergeben, vor allem aber die naturgetreue realistische Darstellung in Kombination mit der Streetart Charakteristik. Diese Detailliebe baut er mit dem Pinsel weiter aus und so entstehen zahlreiche Werke auf Leinwand, die den Stil der Straße mit der Feinheit der Malerei kombinieren. Über die Jahre verbindet er die photorealistischen Elemente immer mehr mit der Faszination der abstrakten Malerei und spiegelt dadurch heute das Leben in der Gesellschaft im Konflikt zur Natur wider.

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AHMED ELRADI

“My art is always moving between abstraction and surrealism, relying on imagination to question the technical work. It tries to always search for answers through the use of artistic expression of color and shape by creating characters. It is both familiar and mysterious. It moves in a vast space trying to find patterns and a special relationship, aiming to combine them, so they can find their own technical formula, a deeper and more beautiful appeal.”

instagram: ahmed_elradi

MITWIRKENDE | CONTRIBUTORS

„Meine Kunst bewegt sich immer zwischen Abstraktion und Surrealismus. Sie greift zurück auf die Vorstellungskraft um die technische Arbeit in Frage zu stellen. Dabei versucht sie immer durch den Einsatz des künstlerischen Ausdrucks von Farbe und Form nach Antworten zu suchen. Sie ist gleichzeitig vertraut und geheimnisvoll. Meine Kunst bewegt sich in einem riesigen Raum und versucht, Muster und besondere Beziehungen aufzudecken, versucht sie zu kombinieren, damit diese ihre eigene technische Formel und ein tieferes und schöneres Privates finden.“

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ALANIZ

„If you want to paint the streets, it is necessary to know the streets. You should have an inkling of who you’re talking to and what you want to communicate. It shouldn’t be a monologue. And if you look and listen carefully, you’ll immediately learn something new. It adds to your persona… it offers a new mosaic piece of yourself. Every person shares a unique and different knowledge with you, I really believe this. It’s not just about being here, but truly appreciating to be here, to care for those around you, to look out for their welfare, just as you would for your own.“ Argentinian-born Alaniz, who calls Berlin his home, creates art that’s deeply intertwined with this kind of humanism.

www.globalstreetart.com/alaniz facebook: alanizart instagram: alanizart flickr: photos/elverborragico

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„Wenn du in den Straßen malen willst, ist es notwendig, die Straßen zu kennen. Außerdem solltest du zumindest eine Ahnung davon haben, mit wem du redest und was du kommunizieren willst. Es sollte kein Monolog sein. Und wenn du nur vorsichtig schaust und hörst, wirst du unmittelbar etwas Neues lernen. Es fügt sich an deine Identität an... es eröffnet ein neues Mosaikstück deines Selbst. Jede Person teilt einzigartiges und unterschiedliches Wissen mit dir, das glaube ich wirklich. Es geht nicht nur darum, hier zu sein, sondern darum, es wirklich wertzuschätzen hier zu sein, sich für die um dich herum zu interessieren, sich um ihren Wohlstand so zu bemühen wie um deinen eigenen.“ Die Arbeit des argentinischen Künstlers Alaniz, der Berlin seit 4 Jahren seine Heimat nennt, ist tief in dieser Art von Humanismus verwurzelt.

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ALANNA LAWLEY Lawley absorbs her environment’s physical terms, creating both site-specific architectural constructions masquerading as photographic collages and smaller-scale magazine works that investigate how fragmented spaces can generate experiences of disassociation, anxiety and isolation. With her magazine constructions, Lawley disrupts the planes of the aspirational, sterile spaces featured in interior design magazines, creating deeply layered compositions that deny the viewer to fully orientate themselves in a specific time or place. Lawley graduated with first-class honours in Fine Art from Chelsea College of Art and Design (2005). Selected exhibitions and commissions include: All four one / one four all, The Kranich Museum, Hessenburg, Germany (2015), The Positioning Project #1, Centrum Berlin (2013); Architecture as Human Nature, Supermarkt, Berlin (2012); Duett, with Matt Giel, Grizzly Grizzly, Philadelphia (2012); Creekside Open with Mark Wallinger, APT Gallery, London (2009).

www.alannalawley.com

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Lawley absorbiert die physikalischen Gegebenheiten ihrer Umwelt und kreiert damit ortsspezifische architektonische Konstruktionen, verkleidet als fotografische Collagen und in kleinerem Maß, Magazinarbeiten, die erkunden, wie fragmentierte Flächen Erfahrungen von Distanzierung, Angst und Isolation hervorrufen können. Mit ihren Magazinkonstruktionen unterbricht sie die Ebenen der angestrebten sterilen Flächen in Design-Magazinen und schafft damit eine tiefgreifende Schicht-Komposition, welche dem Betrachter keine vollständige Orientierung in einer speziellen Zeit oder einem Ort erlaubt. 2005 schloss Lawley das Chelsea College of Art and Design in Fine Arts mit First Class Honours ab. Ausgewählte Ausstellungen und Kommissionen umfassen: All four one / one four all, The Kranich Museum, Hessenburg, Germany (2015), The Positioning Project #1, Centrum Berlin (2013); Architecture as Human Nature, Supermarkt, Berlin (2012); Duett, mit Matt Giel, Grizzly Grizzly, Philadelphia (2012); Creekside Open mit Mark Wallinger, APT Gallery, London (2009).

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ALBRECHT KLINK

Albrecht Klink lives and works in Berlin, Germany.

www.albrecht-klink.de

MITWIRKENDE | CONTRIBUTORS

Albrecht Klink lebt und arbeitet in Berlin.

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ALICE PASQUINI

Alice Pasquini’s artwork is seen not only on urban surfaces and walls, but also in galleries and museums in more than one hundred different cities around the world. Alice travels continuously and her preferred canvases are city walls. The Roman artist, both a street artist and painter, as well as an illustrator and set designer, has developed different threads in her research, from narrating feminine vitality to manipulating the three-dimensional possibilities of her work. She moves from urban explorations to installations using found materials. Sydney, New York, Barcelona, Oslo, Moscow, Paris, Copenhagen, Marrakesh, Berlin, Saigon, London, and Rome are some of the cities where her works can be found. Alice graduated from the Academy of Fine Arts in Rome, and has lived and worked in Great Britain, France, and Spain.

www.alicepasquini.com facebook: Alice.Pasquini.Art instagram: alicepasquini twitter: alicepasquini tumblr: alicepasquini.tumblr.com

MITWIRKENDE | CONTRIBUTORS

Alice Pasquinis Werke kann man nicht nur auf urbanen Flächen und Wänden finden, sondern auch in Galerien und Museen in über hundert verschiedenen Städten weltweit. Alice reist ununterbrochen und bevorzugt als Leinwand vor allem städtische Mauern. Die Straßenkünstlerin, Malerin, Illustratorin und Bühnenbildnerin aus Rom hat in ihren Auseinandersetzungen verschiedene Themenschwerpunkte entwickelt – von der Schilderung femininer Lebendigkeit bis hin zur Manipulation der dreidimensionalen Möglichkeiten ihrer Arbeit. Ihre Kunst reicht von urbanen Erkundungen bis zu Installationen mit Fundstücken. Sydney, New York, Barcelona, Oslo, Moskau, Paris, Kopenhagen, Marrakesch, Berlin, Saigon, London und Rom sind einige Städte, wo man ihre Arbeit finden kann. Alice machte ihren Abschluss an der Academy of Fine Arts in Rom und hat bisher in Großbritannien, Frankreich und Spanien gelebt und gearbeitet.

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ARMAH presented by ‘be part of‘

Armah‘s artistic working method is that he thinks visually. With a fine sense for the visual communication of a core statesmen, he directly and associatively transmits events and experiences into abstract and figurative compositions. For him, art is realistic pragmatism as well as the struggle for spiritual freedom, which he tries to gradually achieve with every finished topic and serial conception. Armah feels that the deeper understanding of an artist is only then important, if the works trigger an emotional reaction first. This reaction is prior to any contextualization and gives the work its significance. Armah‘s art is about sincerity and therefore often painful self-reflection, about the development of attitude and character building as a foundation for genuine discourses of identity and self-determination.

www.armah-art.com facebook: armah.art instagram: armah.art

MITWIRKENDE | CONTRIBUTORS

Die künstlerische Arbeitsweise Armahs hat etwas Katalysierendes. Er denkt in Bildern. Ereignisse und Erlebnisse setzt er unmittelbar, assoziativ und mit einem feinen Sinn für die visuelle Vermittlung einer Kernaussage in abstrahierten und figurativen Kompositionen um. Für ihn ist Kunst sowohl lebensnaher Pragmatismus als auch ein ständiges Ringen um geistige Freiheit, welcher er mit jedem abgeschlossenen Thema und seriellen Gesamtkonzept ein Stück näher zu kommen versucht. Die tiefere Auseinandersetzung mit dem Künstler empfindet Armah erst dann als wichtig, wenn bei der Betrachtung seiner Werke eine emotionale Reaktion hervorgerufen wird. Diese Empfindung steht für ihn vor jeglicher Kontextualisierung und verhilft dem Werk selbst zu seiner Bedeutung. In seiner Arbeit geht es dem Künstler schlussendlich um ehrliche und damit auch oft schmerzhafte Selbstreflexion, um die Entwicklung von Haltung und Charakterbildung als Basis für aufrichtige Diskurse über Identität und Selbstbestimmung.

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ARNALDO GONZÁLEZ

Arnaldo González was born in 1986 in Caracas, Venezuela. In 2007, he began his art studies at the „Universidad Nacional Experimental de las Artes“ in Caracas and graduated in 2011 with special distinction in the field of interdisciplinary multimedia art. In 2014, he started his Master in Fine Arts at the „Academy of Arts in Social“ in Ottersberg, Germany. In 2015, he won the second prize at the Altonale 17 festival in Hamburg. „Melorgánico“ is a series of collages that represents the changes of immigrants in new locations, such as the variations in their identity.

www.arnaldogonzalezvisual.hol.es facebook: arnaldogonzalezvisual instagram: arnaldogonzalez.visual tumblr: arnaldogonzalezvisual vimeo: arnaldogonzalezvisual twitter: AdoZalezVisual

MITWIRKENDE | CONTRIBUTORS

Arnaldo González ist 1986 in Caracas, Venezuela geboren. 2007 begann er sein Kunststudium an der „Universidad Nacional Experimental de las Artes“, Caracas, das er im Bereich „interdisziplinäre Medien“ 2011 mit besonderer Auszeichnung abschloss. In 2014 begann er seinen Masterstudiengang (Fine Arts) an der „Hochschule für Kunst im Sozialen“ in Ottersberg (Niedersachsen). In 2015 hat er den 2. Platz des altonale17 Kunstpreises gewonnen. "Melorgánico" ist eine Serie von Collagen, welche die Veränderungen von Einwanderern an neuen Orten, wie zum Beispiel die Variationen in der Identität, repräsentiert.

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ART.MANN

„Art.Mann“ is an art project by Hamburg-based artist Sebastian Artmann (born Mark). His sculpture and wooden diorama art is characterized by its morbidly charming attitudes and lots of fur as working material. His body of work intends to spread live-affirming principles via fantasy creatures. Reza Yousofy is a sculptor of large-scale artwork from Iran. Both artists combine their skills to create the emotional art installation. „Tree of Life“ is a life-sized tree installation that reflects life-affirming attitudes, power of nature, restart and concentration of the very essence of life in times when death, suffering and despair threaten to take over. In the process of this installation, Reza tries to overcome the struggle of his escape from Iran while Sebastian works on the long-suffering and recent death of his father-in-law and mentor. Visitors can harvest the fruits of the artists‘ sufferings from the “Tree of Life”.

www.sebastianartmann.de facebook: mrartmann instagram: sebastianartmann

MITWIRKENDE | CONTRIBUTORS

Hinter „Art.Mann“ als Künstlername und Lebensphilosophie verbirgt sich der Hamburger Künstler Sebastian Artmann (geb. Mark). Seine Mixed-Media Skulpturen und Dioramen sind geprägt von morbidem Charme und jeder Menge Fell. Dahinter verbergen sich lebensbejahende Botschaften, die er auf immer neue Weise umzusetzen sucht. In diesem Jahr erarbeitet Art.Mann gemeinsam mit dem iranischen Bildhauer Reza Yousof eine Großinstallation. „Tree of Life“ ist eine emotionale Auseinandersetzung mit dem Glauben an das Leben. Eine Hommage an Lebensfreude und Kraft der Natur, Neubeginn und Besinnung auf die Essenz des Lebens, wenn Tod, Trauer und Verzweiflung alles beherrschen zu scheinen. Die Früchte dieses Leidens beider Künstler können die Besucher direkt vom Baum des Lebens ernten. Reza verarbeitet darin seine Flucht aus dem Iran, während Sebastian die Krankheit und den kürzlichen Tod seines Schwiegervaters und Mentors zu überwinden sucht.

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ARTHAUS:NOWODWORSKI „Die Aufgabe der Kunst ist es, veränderte Perspektiven aufzuzeigen und neue Räume zu öffnen, wo sie keiner sieht.“

In dem Objekt „HOPE“ wird die Welt mit ihren unterschiedlichen Breitengraden als Scheibe dargestellt. Schriften werden zu Zeichen und Symbolen, sind im Fluss. Unterschiedlichkeit, „unterschiedlich sein“, verschmilzt, verwandelt sich in positive Energie, wird eins und gibt der Welt eine neue Chance.

„The task of art is to show altered perspectives and to open new spaces where nobody is aware of.“ Frauke and Dietmar Nowodworski create a liaison between materials and movement. Their main emphasis is on object art and kinetic art. The combination of abstraction and kinetic offers the possibility to perceive extra space.These artists are restless seekers, keen to discover the „actual state of the world“, that they question constantly with their work.

MITWIRKENDE | CONTRIBUTORS

Frauke und Dietmar Nowodworski kreieren eine Liaison zwischen Materialien und Bewegung. Ihre Schwerpunkte sind Objektkunst und Kinetic Art. Die Verbindung aus Abstraktion und Kinetic bietet die Möglichkeit einen zusätzlichen Raum wahrzunehmen. Diese Künstler sind rastlos Suchende, Fragende nach dem „Ist-Zustand der Welt“, den sie mit ihren Werken beharrlich in Frage stellen.

The object „HOPE” depicts the world with its different latitudes as a disc. Scripts convert into characters and symbols, in a flow. Diversity and „being different“ merge, becoming one. Diversity transforms into positive energy and become a unity, giving the world a second chance.

www.nowodworski.de www.artlet-studio.de facebook: Dietmar Nowodworski

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ASHENAFE MESTIKA presented by Welthungerhilfe

“My name is Ashenafe Mestika. I was born in 1987 in Addis Ababa, Ethiopia. I graduated from Addis Ababa University School of Fine Art & Design in 2007. Then I joined Entoto Technical and Vocational Education Training College where I received a Diploma in Painting. Now I am a full-time studio artist and a member of the Ethiopian Visual Artists Association. I have participated in different group exhibitions. I always want to connect with my surrounding and observe the balance of life; I love social issues because it gives me a lot of ideas and inspiration for my art works. When I paint I feel like I am writing a diary. I love complementary colors and ideas. It has a big role in my art work to show the balance of life, the visual and ideal information I perceive from my surrounding. I believe life is balanced in complementary arrangement.”

MITWIRKENDE | CONTRIBUTORS

„Mein Name ist Ashenafe Mestika. Geboren bin ich 1987 in Addis Ababa, Äthiopien. 2007 habe ich die Addis Ababa University School of Fine Art & Design abgeschlossen. Anschließend besuchte ich das Entoto Technical und Vocational Education Training College, wo ich ein Diplom in Malerei erhielt. Jetzt bin ich ein Vollzeit-Studiokünstler und ein Mitglied der äthiopischen Vereinigung visueller Künstler. Ich habe an verschiedenen Gruppenausstellungen teilgenommen. Thematisch setze ich mich mit meiner Umgebung auseinander und beobachte das Gleichgewicht des Lebens. Ich liebe soziale Themen weil sie mir eine Menge Ideen und Inspirationen für meine künstlerischen Werke geben. Wenn ich male, fühlt sich das wie Tagebuchschreiben an. Ich mag komplementäre Farben und Ideen. Eine große Rolle in meinem künstlerischen Schaffen spielt die Darstellung des Gleichgewichts des Lebens und die visuellen Eindrücke, die ich von meiner Umgebung empfange. Ich glaube daran, dass das Leben in komplementären Arrangements ausbalanciert ist.“

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ASTRO

Astro created his first graffiti art in 2000 in the northern suburb of Paris. Focusing on lettering and Wildstyle at first, this self-taught and passionate artist brings his knowledge and technique towards an abstract art that mixes curves, calligraphy and dynamic shapes. Inspired by artists such as Hartung, Vasarely and Mucha, Astro has created his own world by exploiting the subtlety of shadows and lights, the strength of colours, and the perspective of depths. At ease with large formats, through walls on which he inscribed his art in the heart of the city, this muralist also likes working in a studio. Thanks to the spontaneous and impulsive imprint which characterizes him, Astro deceives the viewer’s eye by distorting the flatness of facades and paintings, creating impressive optical illusions. Astro is also the creator of a new technique called “CelloGraff” which he developed and uses since 2006 with the artist Kanos. His energy and his originality make Astro one of the major street artists, as shown by his presence at many international festivals (USA, UK, Italy, Germany, Portugal…). Astro is now part of the CBS crew from Los Angeles.

www.astrograff.com facebook: astro-ODV instagram: astro_odv_cbs

MITWIRKENDE | CONTRIBUTORS

Astro schuf sein erstes Graffiti-Kunstwerk im Jahr 2000 in der nördlichen Vorstadt von Paris. Die Ursprünge des leidenschaftlichen Autodidakten liegen im „lettering“ und „Wildstyle“. Auf diesen Kenntnissen und Techniken aufbauend, entwickelte Astro seine abstrakte Kunst, die Kurven, Kaligraphie und dynamische Formen miteinander vermischt. Er bezog seine Inspiration von Künstlern wie Hartung, Vasarely und Mucha und entwickelte anschließend seine eigene Welt indem er die Subtilität von Licht und Schatten, die Stärke der Farben und die Perspektive von Tiefe ausnutzt. Bei der Arbeit an großen Formaten, wie an den Wänden im Herzen der Stadt, auf die er seine Kunst anbringt, fühlt er sich ebenso zuhause wie im Studio. Durch seine ihm eigene, spontane und impulsive Art, gelingt es Astro das Auge des Betrachters zu täuschen indem er optische Illusionen durch die Verzerrung der Flachheit von Fassaden und Malereien kreiert. Außerdem ist Astro der Urheber einer neuen Technik, genannt „CellGraff“, die er gemeinsam mit dem Künstler Kano entwickelte und die er seit 2006 in seinen Werken anwendet. Seine Energie und Originalität machen Astro zu einem der führenden Street Artists, was in seiner Teilnahme an einer ganzen Reihe internationaler Festivals (USA, Großbritannien, Italien, Deutschland, Portugal, ...) Ausdruck findet. Astro ist heute Mitglied der CBS Crew aus Los Angeles.

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BERND MUSS

Bernd Muss, a Hamburger through and through, has been tattooing for over 20 years and is a passionate artist. His style is just like his home city: often breezy like the wind, but also flowing calmly like the river Elbe at the front door. He‘s continuously seeking the new but never losing sight of the purpose - that‘s how Bernd moves forward through the world.

www.berndmuss.de facebook: tattoofreestyle instagram: berndmuss

MITWIRKENDE | CONTRIBUTORS

Bernd Muss, Hamburger Jung, seit über 20 Jahren Tätowierer und Künstler aus Leidenschaft. Sein Stil ist wie seine Heimatstadt: manchmal stürmisch wie der Wind und manchmal ruhig fließend wie die Elbe vor der Haustür.Stetig auf der Suche nach Neuem, doch nie das Ziel aus den Augen verlierend, so treibt er voran.

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BOBBIE SERRANO

Bobbie Serrano is an illustrator and artist. His work is influenced by human and animal as well as by his desire to make new experiences and trying new techniques. With his “birds” the social worker reflects on social problems, his existence in society and the problems of intercommunication between human relationships in a simple and reduced way. He also cooperates with partners from music, fashion and media departments and is a versatile supporter of Viva con Agua.

www.bobbieserrano.de facebook: studioschinken instagram: bobbie.serrano

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Bobbie Serrano ist Illustrator und Künstler. Seine Werke sind thematisch von Mensch und Tier ebenso geprägt, wie von seinem Willen stets neue Erfahrungen zu sammeln und weitere Techniken auszuprobieren. Der studierte Sozialarbeiter setzt sich mit seinen „Birds“ auf einfache und reduzierte Weise mit sozialen Problemen, seinem Dasein in der Gesellschaft und mit den Problematiken zwischenmenschlicher Beziehungen auseinander. Ebenso arbeitet er mit Partnern aus der Musik-, Mode- und Medienbranche zusammen und ist vielfältiger Unterstützer von Viva con Agua.

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BOJE ARNDT KIESIEL

Boje Arndt Kiesiel grew up in Northern Germany at the Baltic Sea and started to graffiti in Lübeck in 1989. Now his work regularly deals with the downsides of consumerism, commercial fiction and the consequences of dehumanization in modern society, or draws on inner spaces as a positive resource and comprises most notably socio-critical sculptures and atmospheric paintings. He lived for several years in Hamburg, and is now based in Berlin.

www.kiesiel.com facebook: BojeArndt.Kiesiel instagram: bojearndtkiesiel tumblr: bojearndtkiesiel www.dieartothek.de/artistBio

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Boje Arndt Kiesiel ist in Norddeutschland an der Ostsee aufgewachsen und hat 1989 mit Graffiti in Lübeck angefangen. Heute befasst sich seine Arbeit regelmäßig mit den Schattenseiten des Konsums, der kommerziellen Fiktion und der Folgen der Entmenschlichung in der modernen Gesellschaft oder erhebt Anspruch auf Innenräume als positive Ressource und schließt einen Kompromiss zwischen sehr beachtenswerten sozialkritischen Skulpturen und atmosphärischen Gemälden. Er lebte mehrere Jahre in Hamburg, heute ist sein Standort Berlin.

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BOOGIE

Boogie was born in the Ore Mountains in East Germany and spent his early years there. From the age of seven, he’s been living in Switzerland and currently works as a designer and graffiti artist. He became involved in graffiti around 1994 and has since gained worldwide popularity through his unique comic-like, well-colored and clean style. Some would say Boogie‘s style is somewhat mainstream, but others call it a great way to open this form of art to a wider audience, thus at the same time giving them greater acceptance.

www.boogieismyfriend.com www.homboog.com

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Boogie ist gebürtiger Erzgebirger, der seit einigen Jahren in der Schweiz als Designer und Graffitikünstler lebt. Seit 1994 ist er mit der Sprühdose unterwegs und hat durch seinen unverkennbaren comichaften, farbenfrohen und sauberen Stil mittlerweile weltweit Bekanntheit erlangt. Manche bezeichnen Boogie‘s Style als Mainstream-Graffiti – andere als eine gelungene Art, diese Kunstform auch für eine breitere Masse greifbar zu machen und ihr somit gleichzeitig mehr Akzeptanz zu verschaffen.

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BUKI AKOMOLAFE Growing up in Germany and Nigeria, Buki Akomolafe tells stories through fashion – marked by travel, cultures, people and encounters. Inspired by menswear and life between the two worlds, she brings together cuts, techniques and materials, such as a ‚patchwork‘ of individual memories, to create a fashion combining the worlds. The result is a new awareness of fashion and materials from ‘foreign’, unknown cultures. Materials, colors and craft techniques identify different ways the individual dresses. African, patterned fabrics called Waxprints are amplified and modified by the quilting technique. The material is stiff and takes on a new form. The generosity of the West African cuts is combined with the classic European tailoring.

www.bukiakomolafe.com instagram: bukiakomolafe

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Mit Ihrer Mode erzählt die in Deutschland und Nigeria aufgewachsene Designerin Geschichten – geprägt vom Reisen, verschiedenen Kulturen, Menschen und Begegnungen. Inspiriert von der Herrenmode und dem Leben zwischen zwei Welten setzt sie Schnitte, Techniken, Materialien wie ein ‘Patchwork’ aus einzelnen Erinnerungen des Hier und Dort zusammen und schafft es, eine Mode zwischen zwei ‚Welten‘ zu kreieren. Dadurch wird jeweils der einen Welt die andere Welt eröffnet. Es entsteht ein neues Bewusstsein für Mode und Materialien aus ‚fremden‘, unbekannten Kulturen. Materialien, Farben und Handwerkstechniken kennzeichnen auf unterschiedlichste Weise die einzelnen Kleidungsstücke. Afrikanische, gemusterte Stoffe, sogenannte Waxprints werden durch Quilttechnik in ihrer Wirkung verstärkt und verändert. Das Material wird steif und bekommt eine neue Form. Die Großzügigkeit der westafrikanischen Schnitte wird mit der akkuraten klassischen europäischen Schnittführung kombiniert.

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CARSTEN NICOLAUS MOHR presented by ‘be part of‘

Carsten uses the most common analogue and basic printing techniques to generate more complex patterns and imagery of greater depth. Most of his current works are linocut blockprints and/or monoprints, printed in multiple layers. Carsten focuses on the build-up of our identities, of the paradoxes within them and the different layers of self-perception. His works show deconstructed figurative motives that are recombined uniquely in each single print. Born in 1978, Carsten lives and works in Hamburg.

www.carstennicolausmohr.com instagram: carstennicolausmohr flickr: carstennicolaus

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Zur Erstellung seiner Drucke verwendet Carsten die einfachsten und gebräuchlichsten Formen des analogen Druckens, mit denen er Bilder von hoher Komplexität und Tiefe generiert. Die meisten seiner Arbeiten sind Linolschnitte und/oder Monoprints, die er in mehreren Vorgängen übereinander druckt. Carsten setzt sich mit dem Aufbau unserer Identitäten, mit den in ihnen entstandenen Paradoxien und den unterschiedlichen Ebenen der Selbstwahrnehmung auseinander. Seine Arbeiten zeigen dekonstruierte figurative Motive, die sich in jedem Druck einzigartig neu zusammensetzen. Carsten, geboren 1978, lebt und arbeitet in Hamburg.

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CASPAR HÜTER

The material that Caspar Hüter uses normally gets little attention, because it has its specific function: it conceals or obscures rooms or spaces. In his exhibitions, the original function will be reversed and the material turns into objects or into the room itself.

www.caspar-hueter.de

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Bei Caspar Hüters Installationen tritt ein Material in den Vordergrund, das gewöhnlich wenig Beachtung findet, da es einer bestimmten Funktion dient: Es verdeckt oder verdunkelt Räume. In den Ausstellungen wird die ursprüngliche Funktion des Materials ins Gegenteil verkehrt, es wird zum Objekt verwandelt bzw. zum Raum selbst.

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CHRISTA LEDER Christa Leder has worked as a professional photographer since 1978. She worked as a photo journalist and had been a lecturer in the fields of photography, photographic laboratory and photography tours for 20 years. Since 1999 she has worked as a free photographic artist with approximately 60 exhibitions. She runs her own atelier and photographic studio in Lenningen near Stuttgart since 2004. She is fascinated by the existence of art in nature and what can be created with light in photography. She usually does not intervene in the situation. She just waits for the right moment or looks for it. She captures the beauty in photography like she sees it, to let people feel what she feels. Out of the 4 basic elements of life she feels especially connected to the element water. “The same stays only in change, the source only lives in changes.” (Georg Friedrich Jünger) This quote expresses symbolically what is reflected in her water photography: water creates art – art creates water.

www.fotoart-christa-leder.de

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Christa Leder arbeitet seit 1978 im professionellen fotografischen Bereich. Hier war sie als Reportagenfotografin tätig und 20 Jahre Dozentin für die Bereiche Fotografie, Fotolabor und Fotoreisen. Seit 1990 ist sie freie künstlerische Fotografin mit rund 60 Ausstellungen und seit 2004 mit eigenem Atelier und Fotostudio in Lenningen bei Stuttgart. Ihre Faszination ist das Vorhandensein der Kunst in der Natur und was mittels Licht in der Fotografie entstehen kann. Sie greift so gut wie nie in das Vorhandene ein. Wartet höchstens auf den richtigen Moment oder sucht ihn. Sie hält Schönes mittels der Fotografie so fest wie sie es sieht, um andere Menschen an dem teilhaben lassen zu können, was sie dabei empfindet. Von den 4 Grundelementen des Lebens fühlt sie sich mit dem Element Wasser ganz besonders verbunden. „Nur im Wechsel bleibt ein Gleiches, nur im Wandel lebt die Quelle.“ (von Georg Friedrich Jünger) Diese Worte drücken Sinn-Bildlich aus, was sich in ihren Wasserfotografien wiederspiegelt: Water creates Art – Art creates Water.

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CP KRENKLER dieses Projekt wird von Frank Otto und dem Séparée 31 gefördert

Herausgekommen ist dabei eine Serie intimer Einblicke in kleine Läden, Kinos, Kneipen, Kaschemmen. CP Krenkler hat mit ihrer Arbeit – im doppelten Sinne – das Innere nach Außen geholt und hat all die Betreiber, Türsteher, Wirte und Besucher vor ihren Läden porträtiert. Sie verbindet in ihren Fotografien Mensch und Architektur und hat damit eine Arbeit geschaffen, die den Kiez zwischen Dokumentation und fotografischer Erzählung als Zeitdokument festzuhalten vermag.

In 2013 CP Krenkler started the documentation of „Esso-Häuser“. After the hasty evacuation of the housing complex in winter 2014, an unknown artist sprayed „Buy, buy – St. Pauli“ onto the site fence in bright, neon orange, which inspired CP Krenkler to continue taking photographs of the neighbourhood. A series of intimate insights into small stores, cinemas, bars and dives evolved from this. CP Krenkler brought out the inside – in a double meaning – and portrayed all the managers, bouncers, innkeepers and guests in front of their places. In her photography, she connects humans and architecture and created a work that is able to capture the scene between documentation and photographic narration as a contemporary document.

www.krenkler.eu facebook: Paul Paul instagram: CP Krenkler

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2013 begann CP Krenkler mit der Dokumentation der Esso-Häuser. Nach der überstürzten Räumung des 1960er-Jahre-Wohnkomplexes im Winter 2014 sprayte ein unbekannter Graffiti-Künstler in knalligem Neon-Orange „Buy, buy – St.Pauli“ auf den Bauzaun und inspirierte CP Krenkler dazu, den Kiez weiterhin fotografisch zu begleiten.

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CRANIO Fabio de Oliveira Parnaiba, better known as Cranio (“Skull” in English). He was born in 1982 and grew up in Sao Paulo. It was in 1998 that Fabio began to cover the gray walls of his home town with his work and besides spray, he always carries a lot of creativity and good humor in his backpack. The trademark Blue Indian was the result of his search for a character that could show the indigenous people from Brazil. It could not have been chosen better. With their typical blue and distinctive shape, the Indians find themselves always in funny and curious situations, provoking the observer to think about contemporary issues like consumerism, corrupt politicians and the environment. Cranio gets his inspiration from life, cartoons and the famous painter Salvador Dali. The artist has been improving his techniques, innovating in the context, but without losing the style he is known for. One of the best comments that defines Cranio’s work came from a British collector: “Cranio has developed an unique and significant group of characters who are not only vibrating, but also wants to be seen. Furthermore, the images created by him always pass a message of important concepts we often forget in our lives. These set of qualities is what makes his art excellent to appreciate and great to think and philosophize about.”

www.cranioartes.com facebook: Cranio-Artes instagram: cranioartes

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Fabio de Oliveira Parnaiba, besser bekannt als Cranio (auf deutsch „Totenkopf“). Er wurde 1982 geboren und wuchs in Sao Paulo auf. 1998 fing er an, die grauen Wände seiner Heimatstadt mit seiner Kunst zu bedecken und neben Sprühdosen trägt er immer einen Haufen Kreativität und gute Laune in seinem Rucksack mit sich. Das Markenzeichen Blue Indian war das Ergebnis seiner Suche nach einem Charakter, der die indigenen Menschen von Brasilien darstellen könnte. Er hätte es nicht besser wählen können. Mit ihrem typischen Blau und ihrer ausgeprägten Gestalt finden sich die Indianer selbst immer in lustigen und neuen Situationen wieder, die den Betrachter anregen, über die gegenwärtigen Themen wie Konsum, korrupte Politiker und die Umwelt nachzudenken. Cranio bekommt seine Inspiration aus dem Leben, von Cartoons und dem berühmten Maler Dalí. Der Künstler hat seine Techniken optimiert, im Kontext erneuert – jedoch ohne den Stil zu verlieren, für den er bekannt ist. Einer der besten Kommentare, die Cranios Arbeit beschreiben, kam von einem britischen Sammler: „Cranio hat eine einzigartige und signifikante Gruppe von Charakteren entwickelt, die nicht nur vibrieren, sondern auch darum bitten, gesehen zu werden. Des Weiteren übermitteln die von ihm geschaffenen Bilder auch immer die Botschaft wichtiger Konzepte, die wir oft in unserem Leben vergessen. Diese Vielfalt von Eigenschaften ist es, was seine Kunst so besonders zum Wertschätzen und großartig zum darüber Nachdenken und Philosphieren macht.“

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DAN KÜNZLER Abandoned land, architectural garbage, hiding places and forgotten buildings – I consider these places to be the “inside pockets” of a city. Untapped places, which I need to explore and equip it with my own ideas to free myself of cultural codes and stereotype. Unknown places that have become more alien to us due to endless restructuring and planning. I am particularly interested in the atmosphere of such places and consider myself a temporary refugee from civilization - especially then these places become attractive and valuable for me. Borders are used to exclude people, identities or ideas - but in most cases one has it in its own hands if one is "inside" or "outside". With a little skill, a healthy level of audacity and curiosity, one slips from "inside" to "outside" or the other way around. The more you look, the more you will find.

www.insidepocketsofthecity.com www.blog.insidepocketsofthecity.com

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"Verlassene Grundstücke, architektonischer Müll, Rückzugsmöglichkeiten, zurückgelassene und vergessene Gebäude- all diese Plätze betrachte ich als die „Innentaschen" einer Stadt. Mich beschäftigen unerschlossene/ ungenutzte Orte, welche ich erforschen und mit meinen eigenen Ideen ausstatten muss, um mich selbst von kulturellen Botschaften und Stereotypen zu befreien. Unbekannte Orte, welche durch endlose Restrukturierung und Planung umso fremder für uns werden. Ich interessiere mich besonders für die Atmosphäre solcher Orte und betrachte mich als temporären Zivilisationsflüchtling - gerade dann werden diese Orte besonders anziehend und wertvoll für mich. Meine momentane Arbeit handelt (symbolisch) von Grenzen, Vorgaben, Wegen und Entscheidungen. Grenzen werden verwendet um Menschen, Identitäten oder Ideen auszuschließen – meistens jedoch hat man es selber in der Hand ob man „drinnen" oder „draußen" ist. Mit etwas Geschick, einem gesunden Niveau an Dreistigkeit und Neugier schlüpft man von drinnen nach draußen oder eben umgekehrt. Je mehr man sucht, desto mehr wird man finden."

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DEENESH GHYCZY “All of my paintings are divided into separate but interconnected series. Two of them that I‘m currently focusing on are called „Into the Void“ and „Boundaries“. The first one is about people jumping or falling into an undefined scenic space. The background interacts here with the person carrying or holding him or her. I am particularly interested in this in-between state, between the sole discretion to take the plunge and arriving in the unknown. The essential courage for change, letting go and having faith in yourself, stretched into eternity. The second series, „Boundaries“, is also about letting go and having faith. Like in all my paintings in this series, the depicted person is alone with him or herself, and the viewer takes the position of a voyeur. I‘m exploring the boundaries of freedom in a seemingly restricted situation. Voluntarily limited by complete surrender to a person or a situation, the protagonists let go and have faith in their own decision. Where are the boundaries of fear, pleasure and dignity?”

deenesh.com facebook: dghyczy instagram: deeneshghyczy twitter: deenesh_G tumblr: deeneshghyczy

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„Meine gemalten Werke sind in verschiedene, aber zusammenhängende Serien unterteilt. Zwei dieser Serien sind „Into the Void“ und „Boundaries“. Die erste handelt von Menschen, die in einen undefinierten malerischen Raum springen oder fallen. Der Hintergrund interagiert dabei mit der Person, trägt oder hält sie/ihn. Mich interessiert vor allem dieser zwischenzeitliche Zustand, zwischen der alleinigen Entscheidung den Sprung zu wagen und der Ankunft im Unbekannten. Der grundlegende Mut für Veränderung, Loslassen und Vertrauen in sich selbst, ausgedehnt in Ewigkeit. Die zweite Serie, „Boundaries“ handelt ebenso vom Loslassen und Vertrauen haben. Wie in allen meinen Bildern, ist die dargestellte Person allein mit sich, der Betrachter nimmt dabei die Position eines Voyers ein. Damit erkunde ich die Grenzen der Freiheit in einer scheinbar geheimen Situation. Freiwillig eingeschränkt durch vollkommene Hingabe, lassen die Protagonisten los und haben das Vertrauen in ihre eigene Entscheidung. Wo sind die Grenzen der Angst, des Vergnügens, der Würde?“

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DEER BLN CHRISTIAN ROTHENHAGEN

CHRISTIAN ROTHENHAGEN / deerBLN is a Berlin-based artist / illustrator. His work addresses urban landscapes and their demographic changes. It‘s not about the obvious beauty or the city people, but about the architectural soul / always with a very personal view. His body of work focuses on Berlin and San Francisco, where he spends a couple of weeks every year - mainly to draw. California faces a drought. And that causes a new way of thinking / even in such a lavish society like the US.

www.christianrothenhagen.com / www.deerblnstudio.com facebook: deerBLN instagram: deerbln

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CHRISTIAN ROTHENHAGEN / deerBLN ist Künstler / Illustrator / ... aus Berlin. Er beschäftigt sich mit dem architektonischen Stadtbild und dessen demographischer Veränderung. Dabei geht es nicht um das vornehmlich Schöne einer Stadt oder um deren Bewohner, sondern um die architektonische Seele / immer mit sehr persönlichem Blick. Seine Arbeiten fokussieren sich hauptsächlich auf Berlin und San Francisco, wo er seit Langem jährlich mehrere Wochen verbringt - hauptsächlich um zu zeichnen. Kalifornien trocknet aus. Selbst in der amerikanischen Verschwendungsgesellschaft sind dahingehend Restriktionen notwendig.

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DESTREET presented by VcA Kampala It’s hard to believe, but during his childhood Destreet hardly received any acclaim for his work. He left home believing that while alive, he has to prosper and contribute to changing the world through his multimedia artistic skills. He was able to self-learn by helping out at several art studios. Whilst doing that, he also formed a bigger artist movement called Destreet Art Foundation aiming to help people by discovering their talents themselves when they couldn’t afford to pay for school. Today, Destreet is amongst the most highly ranked visual artists alive in Uganda. He has been able to attract international media screening and publishing of Destreet Art Studio including the Germany GEO magazine early 2016. Furthermore, he has had five international travelling exhibitions in Europe in the past years. He usually sells his art designs to close friends and upcoming musical artists in Kampala at a very small amount. He continues working, never seeing success himself, even though his handmade art t-shirt designs are the present feature of the real Ugandan art style and his paintings are now worth hundreds of dollars. He uses his art to support several humanitarian projects, for example the first Viva Con Agua visit to Uganda in 2011.

www.destreetart.webs.com / www.nationalstreetgallery.com facebook: Destreet Art instagram: destreetart

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Es ist schwer zu glauben, aber während seiner Kindheit erhielt Destreet kaum Würdigung für seine Arbeiten. Er ging von zu Hause weg, mit der Maxime, sich weiter zu entwickeln und dazu beizutragen, die Welt mit seinen multimedialen künstlerischen Fähigkeiten zu verändern. Er brachte sich selbst viel bei, indem er in verschiedenen Kunststudios half. Später gründete er eine größere Künstlerbewegung, die Destreet Art Foundation, mit dem Ziel, Leuten, die sich keine schulische Ausbildung leisten konnten, dabei zu helfen, ihre eigenen Talente zu entdecken. In Uganda zählt Destreet heute zu den höchstangesehenen visuellen Künstlern. Seine Werke wurden in internationalen Zeitschriften veröffentlicht, unter anderem im deutschen GEO Magazin. Außerdem wurden seine Kunstwerke in den letzten Jahren auf fünf Wanderausstellungen in Europa ausgestellt. In der Regel verkauft er seine Kunstwerke zu sehr niedrigen Preisen an enge Freunde oder an aufstrebende Nachwuchskünstler in Uganda. Destreet hört nicht auf zu arbeiten und sieht nicht seinen eigenen Erfolg, obwohl seine handgemachten Kunst-T-Shirts das aktuelle Feature des „real Ugandan art style“ (wahrer ugandischer Kunststil) sind und seine Gemälde für mehrere hundert Dollar verkauft werden. Er unterstützte zahlreiche humanitäre Projekte mithilfe seiner Kunst, unter anderem den ersten Besuch von Viva Con Agua in Uganda im Jahr 2011.

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»DISRUPTION – SPIEL MIT MEDIALEN GRENZEN«

#Disruption #Gesellschaft #Grammatik #Hacking #Intervention #Irritation #Medium #Regeln #Sozialisation #Spiel #Wirklichkeit Teilnehmende am Projekt sind: Gabriel Betheln, Sandra Böhme, Federico Braunschweig, Steve Braun, Mounir Brinsi, Philipp Eyrich, Angelika Huber, Julius Jurkiewitsch, Joachim Kircher, Katharina Kiupel, Magali Louvel, Eva Maria Neubauer, Sebastian Plönges, Jens-Ole Remmers, Haidrun Saiboth, Waldemar Scheck, Josefa Schundau, Diego Sindbert, Elisabeth Thallauer, Michael Türsch

»Disruption – playing with medial borders« A well-performing medium remains invisible. Modern and complex societies use more or less explicit rules to coordinate the behaviour of their members. We internalise many of these rules during the process of socialisation and henceforth comply with them automatically and unconsciously. Art and artistic interventions can provide opportunities to question routines, to challenge perceptions and to raise the beholder’s awareness for deviant perspectives. In the course of our project, philosophical theory and artistic practice will go hand in hand: we will examine, question and irritate the invisible medium called social reality. #Disruption #Society #Grammar #Hacking #Intervention #Irritation #Medium #Rules #Socialisation #Game #Reality Participants of the project: Sandra Böhme, Steve Braun, Mounir Brinsi, Philipp Eyrich, Angelika Huber, Julius Jurkiewitsch, Joachim Kircher, Katharina Kiupel, Magali Louvel, Eva Maria Neubauer, Sebastian Plönges, Jens-Ole Remmers, Haidrun Saiboth, Waldemar Scheck, Josefa Schundau, Diego Sindbert, Elisabeth Thallauer

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Intervention von Kunststudenten der Akademie der Bildenden Künste in Nürnberg und Berufskünstlern Ein funktionierendes Medium bleibt unsichtbar. Komplexe moderne Gesellschaften verfügen über mehr oder weniger explizite Regeln, die das Verhalten ihrer TeilnehmerInnen koordinieren. Viele dieser Regeln werden im Zuge gesellschaftlicher Sozialisation erlernt und anschließend unbewusst oder gewohnheitsmäßig befolgt. Der Kunst und ihren Interventionen kann es gelingen, Routinen zu hinterfragen, Wahrnehmungen zu verschieben und ihre BetrachterInnen für abweichende Sichtweisen zu sensibilisieren. Im Rahmen des Projekts soll das unsichtbare Medium gesellschaftlicher Wirklichkeit, sein Regelwerk und dessen scheinbare Selbstverständlichkeit in philosophischer Theorie und künstlerischer Praxis untersucht, hinterfragt und irritiert werden.

Sebastian Plönges www.aus-aktuellem-anlass.de facebook: ausaktuellemanlass instagram: ausaktuellemanlass tumblr: ausaktuellemanlass

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EDITH SCHAAR

Edith Schaar was born in 1926 in what is now Poland. After the Second World War, she fled to Tating in Schleswig-Holstein. She took painting lessons with Friedrich Karl Gotsch, a master student of Oskar Kokoschka. Her artistic path began. She went on to study with Willi Baumeister and Paul Klee’s pupil Elisabeth Kadow. To finance her lessons, she modeled for sculptors. While exhibiting her own work extensively, Edith taught at the University of Arts in Ottersberg. There, she became acquainted with the art historian Diether Rudloff. They moved to the village La Floresta in Spain. They dreamt of opening a free art academy in a romantic castle. But the dream did not come to fruition due to Rudloff’s sudden death. Edith remained in La Floresta, working and teaching till this day.

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Edith Schaar wird 1926 im heutigen Polen geboren. Im 2. Weltkrieg flieht sie nach Tating in Schleswig-Holstein. Sie nimmt Zeichenunterricht bei Friedrich Karl Gotsch, einem Meisterschüler von Oskar Kokoschka. Ihr Werdegang als Künstlerin beginnt. Es folgt ein Studium bei Willi Baumeister und der Klee Schülerin Elisabeth Kadow. Um ihr Studium zu finanzieren, steht sie Bildhauern Modell. Neben ihren Ausstellungen unterrichtet Edith an der Hochschule für Künste in Ottersberg und begegnet dem Kunsthistoriker Diether Rudloff. Mit ihm wandert sie nach La Floresta in Spanien aus, um dort in einem romanischen Schloss eine freie Kunstakademie zu eröffnen. Der Traum einer Akademie bleibt durch Rudloffs überraschenden Tod unerfüllt. Edith bleibt auch nach seinem Tod in La Floresta und arbeitet und unterrichtet bis heute.

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ELHASSAN ELMUONTASIR ELHENDARI Elhassan Elmuontasir Elhendari was born in 1986 in Omdurman, Sudan. He studied Graphic Design, Technical Education and International Relations at the Sudan University of Science. He is one of three artists who together call themselves Khaish Studio and has already brought it to national prominence in Sudan. “My CV is all about the thoughts I have been having since I was 1 day old, everything I thought about but I didn't do. Painting is a way to challenge and disrupt – to destroy the wicked one, the evil one or the chosen one, a way to destroy all the form and shapes, to build new ones or it could be a chance to be the politician, the rebel, the opposition, the philosopher, the outcast or the superficial, the house wife or maybe I'll support all beliefs or oppose them all, maybe, with painting. I'll escape all the roles expected from men, maybe I'll impersonate them all, maybe I'll paint pure ugliness, maybe pure light, maybe important issues, maybe I'll paint just for fun and money. Maybe I'll showcase my best paintings, maybe I'll show only a lie and give you pain, maybe I'll tell the real stories and reach you, maybe I'll just tell my fantasies, the sick ones. So maybe painting is my microphone, my own radio station, maybe it just gives me something to do, maybe you'll never know what my paintings are about. Maybe I'll tell you.”

facebook: KhaishGalleryOfArt instagram: eelhassan

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Elhassan Elmuontasir Elhendari ist 1986 in Omdurman im Sudan geboren. Er studierte an der Sudan University of Science Grafik-Design, Technical Education und Internationale Beziehungen. Er ist einer von drei Künstlern, die sich gemeinsam Khaish-Studio nennen und es im Sudan bereits zu nationaler Bekanntheit gebracht haben. ”Meine Arbeiten drehen sich um alle Gedanken, die ich seit meinem ersten Tag habe. Alles, worüber ich nachgedacht habe, alles, was ich nicht getan habe. Die Malerei ist ein Weg zu hinterfragen und zu stören – die Bösen wie die Auserwählten, alte Formen und Muster zu zerstören. Es ist für mich auch eine Chance, klassischen männlichen Rollenbildern zu entfliehen und diese in Frage zu stellen – so kann ich Politiker, Rebell, Oppositioneller, Philosoph oder Hausmann sein. Außenseiter. Oberflächlich. Ich unterstütze verschiedene Lebensentwürfe und durch meine Malerei möchte ich sie entpersonalisieren. Mal ist sie schrecklich, mal hell erleuchtet, sie kann ernst sein, Probleme thematisieren, einfach nur Spaß bringen, oder Geld. Vielleicht zeige ich meine besten Arbeiten, vielleicht nur die schlechtesten. Vielleicht bin ich ehrlich, oder nur eine Lüge, die verletzt. Vielleicht erreicht Dich meine Wahrheit, vielleicht ist es nur Phantasie. Vielleicht ist der Pinsel mein Mikrofon, Meine Bilder sind meine Radiostation. Vielleicht wirst Du nie was damit anfangen können. Vielleicht erzähle ich es Dir“

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ELIOT

ELIOT ist Künstler, Musiker und Kurator. Er zählt zu den Pionieren der deutschen Hip Hop Bewegung.

He is one of the pioneers of German Hip Hop movement. His great interest in everyday objects, mass media, scurrility and particularly junk food is the content of his work. In the style of pop art ELIOT combines the roughness of his graffiti past with stencil, embroidery and screen printing.

www.supereliot.de facebook: eliotthesuper

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Sein großes Interesse an alltäglichen Gebrauchsgegenständen, Massenmedien, Skurrilität und insbesondere Junk Food ist Inhalt seiner Arbeiten. Im Stil der Pop Art kombiniert ELIOT die „roughness“ seiner Graffiti-Vergangenheit mit Stencil, Stickerei und Siebdruck.

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ELLE P.

elle p. is an artist whose work combines and explores a remarkable range of media – music, video, singing, performance, installation. Her work focuses on the close link between imagery, space, sound and word, and communicates with found or ad hoc circumstances while holding up an improvisatory character. elle p.‘s performances and video installations react to actual conditions that challenge her artistic actions in a kind of chain reaction and reflect on the female positioning in the art world. The vocal all-round talent‘s quirky, experimental compositions embody autobiographical elements which are the basis for her artistic creations, music performances and club shows. The interplay of her own multi-tracking vocal technique, the irony of text content and new media generates a flamboyant mix of digital art, music and poetry. elle p. lives and works in Berlin.

www.elle-p.com facebook: xiphonelle instagram: elle_p_broadcast tumblr: ellethumb

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elle p. ist Künstlerin und Musikerin. Der Fokus ihrer künstlerischen Arbeit liegt auf der engen Verknüpfung von Bild, Raum, Klang und Wort. Sie kommuniziert mit vorgefundenen oder eigens geschaffenen Gegebenheiten oder wendet sich dagegen, ohne dabei ihren improvisatorischen Charakter zu verlieren. elle p.‘s Performances und Videoinstallationen sind ein Reagieren auf Gegebenheiten, die das künstlerische Handeln in einer Art Kettenreaktion vorantreiben. Sie reflektieren die eigene Positionierung innerhalb eines Kunstgeschehens. Eigene, experimentelle Kompositionen des stimmlichen Allround-Talents bilden in Verbindung mit autobiografischen Elementen die Basis für das künstlerische Schaffen, die Musikperformances sowie die Clubauftritte der Künstlerin. Dieses Zusammenspiel von Stimme, Gesang, der Ironisierung von Textinhalten und Neuen Medien bringt eine spannungsreiche Mischung aus digitaler Kunst, Musik und Poesie hervor. elle p. lebt und arbeitet in Berlin.

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FABIAN WOLF

Fabian Wolf (born 1982 in Hamburg, Germany) works as a freelance artist in Hamburg. His personal work is mainly influenced by historical events, the Asian and American cultures, the social mirror and its surroundings, and the urban nightlife. The repetitive and inconspicuous events in peoples’ lives are the source of his inspiration.

fabian-wolf.com facebook: fabian.wolf.artist instagram: fabian.wolf

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Fabian Wolf (geboren 1982 in Hamburg) arbeitet als freier Künstler in Hamburg. Die Einflüsse seiner Arbeiten bezieht er aus geschichtlichen Ereignissen, der amerikanischen und asiatischen Kultur, des gesellschaftlichen Spiegels seiner Umgebung sowie dem städtischen Nachtleben. Es sind wiederholende und unscheinbare Situationen im Leben der Menschen, die seine Inspirationsquelle bilden.

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FEDERICO URIBE

“My commitment is to create beauty. I am not interested in an intellectual interpretation of my work. I do not believe in the effectiveness of political statements through art. What matters to me is to create an image that is beautiful and poetic and that will stick to the memory. It is all about transmitting a sensation, creating an emotion and producing a smile on the face of the viewer. To smile is to feel and understand beyond any possible explanation.”

www.federicouribe.com facebook: ArtbyFederico

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„Ich verfolge das Ziel, etwas Schönes zu erschaffen. Ich bin nicht interessiert an einer intellektuellen Interpretation meiner Arbeit. Ich glaube nicht an die Wirksamkeit politischer Statements durch Kunst. Für mich zählt, ein Bild zu erschaffen, welches schön und poetisch ist und in der Erinnerung haften bleibt. Es geht nur darum ein Gefühl zu übermitteln, das Aufflammen einer Emotion zu bewirken und ein Lächeln auf das Gesicht des Betrachters zu zaubern. Lächeln bedeutet zu fühlen und zu verstehen, jenseits jeglicher Erklärung.“

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FERNANDA BRANDAO & ROMAN RÜTTEN

WE DON‘T OWN THIS LAND, WE BELONG TO IT! „In the West European culture we define a “room” as something private, something safe, something that we own and where we can freely express ourselves. Separated by walls, ceilings, floors and doors, we often forget the fundamental: that every room is only a component of a complex habitat, a whole living environment. The destruction and pollution of our planet is affecting our whole fragile ecosystem. The Amazon Rainforest is often called the „Lungs of the World” and together with other rainforest regions, it is the heart of nature conservancy discussions. The destruction of the rainforest is the root of many problems like abnormal water circulation, the greenhouse effect, extinction of indigenous cultures, the loss of faunal biodiversity, etc. All rainforests are crucial for the preservation of the limited, drinkable and fresh water resources. As a matter of urgency, we have to realize that the whole earth is our home.“

www.fernanda-brandao.de facebook: FernandaBrandaoOfficial instagram: fernanda_brandao

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WE DON‘T OWN THIS LAND, WE BELONG TO IT! „In der west-europäischen Kultur definieren wir einen Raum als etwas privates und sicheres, dass wir besitzen und in dem wir individuell existieren. Abgegrenzt durch Wände, Decke, Boden und Türen vergessen wir aber etwas fundamentales: Jeder Raum ist nur Bestandteil eines komplexeren Raumes, eines Lebensraumes! Zerstörung und Verschmutzung des Planeten beeinflussen unser gesamtes Ökosystem. Das Amazonas Gebiet repräsentiert nicht nur die „Lunge“ der Welt, sondern ist mit anderen tropischen Regenwäldern das „Herz“ der Naturschutz-Diskussionen. Die Zerstörung der Regenwälder ist als Ursprung u.a. folgender Probleme zu erkennen: Störung des Wasserkreislaufs, Treibhauseffekt, Vernichtung indigener Kulturen und Verlust der Artenvielfalt von Tieren und Pflanzen. Regenwälder sind entscheidend für den Erhalt der begrenzten Ressourcen an Trinkwasser und frischem Wasser. Wir müssen dringend lernen die Erde als unsere gemeinsame Heimat zu betrachten.“

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FLYING FÃ&#x2013;RTRESS

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www.flying-fortress.blogspot.de facebook: Flying-Fortress

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FOTOGRAFIEN Studenten der Hochschule für Angewandte Wissenschaften

»Sport und Fotografie: Was hat Fotografie mit Sport zu tun?«Studenten der Hochschule für Angewandte Wissenschaften unter Leitung von Prof. Linn Schröder.

Annabelle Sternhagen, Robin Hahn, Jasmin Müller, Louisa Steckling, Lena Grönlund, Veronika Schröter

The students of the photography course of Prof. Linn Schröder at the ‚Hochschule für Angewandte Wissenschaften‘ in Hamburg show extracts of their works, which were created during the summer semester 2016. Within Linn Schröders series, every single frame already forms a self-contained work. She then puts them together and creates a coherent, atmospherical succession. That’s why her photography resembles rather poetry than prose. In cooperation with the students, a wall will be composed where the works are connected as a dialogue. A collective idea will be introduced and carried into the exhibition.

www.design.haw-hamburg.de www.vorlesungsverzeichnis.design.haw-hamburg.de www.linnschroeder.de www.ostkreuz.de/fotografen/linn-schroeder

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Die Studierenden des Fotografie-Kurses von Prof. Linn Schröder an der Hochschule für Angewandte Wissenschaften in Hamburg zeigen Auszüge ihrer Arbeiten, die während des Sommersemesters 2016 entstanden sind. In Linn Schröders Serien bildet jedes Bild eine in sich geschlossene Arbeit. Diese Mikroarbeiten fügt sie assoziativ zusammen und stellt sie in einen atmosphärischen Zusammenhang. Was so entsteht, ist eher ein Gedicht als eine Geschichte. Zusammen mit den Studenten wird eine Wand bespielt, an der die Arbeiten in einen Dialog zueinander treten. Es wird eine gemeinsame Idee in den Raum gestellt und in die Ausstellung hineingetragen.

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FRANZISKA OPEL

Franziska Opel (*1984, DE) studied at the Academy of Fine Arts in Hamburg with Matt Mullican and Wigger Bierma. In 2014, she graduated with distinction. In 2012, she received the annual Karl H. Ditze scholarship for diploma students. Seduction, loops and playing with ambivalent charged symbols are recurring themes in her work. In clear and powerful visual language she refers to iconic signs and gestures, which she reconnects and questions. Her poetic texting, imaging and video editing often lead to elaborate installations. Her work has been exhibited i.a. in Köln, München, Berlin, Sofia, Graz, Milano and Prague. She is the publisher and editor of „Hartikel“, a critical online platform on art and culture, since 2015.

www.franziskaopel.de www.hartikel.de

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Franziska Opel (*1984, DE) studierte an der Hochschule für bildende Künste Hamburg bei Matt Mullican und Wigger Bierma. 2014 machte sie ihr Diplom mit Auszeichnung. 2012 erhielt sie das Jahresstipendium der Karl H. Ditze Stiftung für Diplomstudierende. Verführung, Kreisläufe und das Spiel mit ambivalent aufgeladenen Symbolen sind immer wiederkehrende Themen ihrer Arbeit. In einer klaren und kraftvollen Bildsprache beruft sie sich auf ikonische Zeichen und Gesten, die sie inhaltlich verknüpft und kritisch hinterfragt. Dabei münden ihre poetischen Text-, Bild- und Videoarbeiten oftmals in aufwendigen Installationen. Ihre Arbeiten wurden u.a. in Köln, München, Berlin, Sofia, Graz, Mailand und Prag ausgestellt. Seit 2015 ist sie Herausgeberin und Redakteurin der kunst- und kulturkritischen Online-Plattform „Hartikel“.

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FREAKHEADS

Manuela and Marcus Tanzen, in real life author/corrector and architect, are not only parents of the teenage artist Liam, but they have also been pooling their creative forces in the creation of the freakheads for several years. Each figurine measures about 20 cm and is a unique specimen. Every detail is modeled by hand, consisting of very different materials such as polymer clay, driftwood, discarded clothes, and other artifacts of everyday life. Their joint sense of humor, paired with an affectionately critical view of urban people, drives the couple to develop various characters and to endow them with a biography and the corresponding clothing and equipment.

www.freakheads-hamburg.de facebook: Malte van Houten instagram: freakheads

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Manuela und Marcus Tanzen, im richtigen Leben Autorin/Lektorin und Architekt, sind nicht nur Eltern des künstlerisch bereits aktiven Teenagers Liam, sondern bündeln seit einigen Jahren ihre kreativen Kräfte in der Erschaffung der freakheads. Jede der knapp 20 cm kleinen Figuren ist ein Unikat; sämtliche Details sind handmodelliert oder bestehen aus verschiedensten Materialien wie Fimo, Treibholz, ausrangierten Klamotten und anderen Fundstücken des Alltags. Der gemeinsame Humor und ein liebevoll-kritischer Blick auf die Menschen in der Stadt treiben das Paar an, verschiedenste Charaktere zu entwickeln, ihnen ein Leben und die entsprechende Ausstattung zu verpassen.

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FROST

For more than ten years, Frost187 has been a sprayer in his neighbourhood St. Pauli. Using this name, he has been active outside the borders of his quarter, having worked all over Germany and in other European cities. It has been three years since he devoted himself to art. He incorporates influences that he sees on the streets and during his travels into his paintings.

www.vandalsport.de facebook: Frost 187ers instagram: freezy.187

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Frost187 sprüht seit über 10 Jahren hauptsächlich in seinem Viertel St. Pauli. Mit seinem Namen ist er aber auch über die Stadtteilgrenzen hinaus in der Republik und den europäischen Städten aktiv. Seit 3 Jahren nun widmet er sich der Kunst. In seine Bildern lässt er die Eindrücke, die er auf der Straße oder auf Reisen wahrnimmt, einfließen.

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GALAL YOUSIF Galal Yousif was born 1986 in Rufaa, southeast from Khartoum. He studied Arts at the Sudan University, focused on sculptures. Since 2011 he runs the Khaish studio in Khartoum with Hazim al Hussain and Elhassan Elmuontasir Elhendari. “I draw, to feel that I am doing a little change in my life. Even if it is just a bit. All what raises my worries, concerns and interests is from the periphery of my life. The large and small details inspire me. The decorations, ornaments and strong african colors as it´s humans, all this urging me to draw and draw it but not as it is, it gives some of which reflected within myself to come out differently from what I had seen for the first time. My simple life inspires me on my childhood, the colors of my rural area overlooking the Nile with its humans, homes and culture of it´s simple human in its deep meaning. All I had drawn and I will draw is from my simple life inspiration, but the African character is stronger in its nature as well as in my activities. Africa is what determines my activity, Africa is the motherland.”

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Galal Yousif wurde 1986 in Rufaa südöstlich von Khartoum geboren. Er studierte Kunst an der Sudan University mit dem Schwerpunkt Skulptur. Mit Hazim al Hussain und Elhassan Elmuontasir Elhendari betreibt er seit 2011 das Khaish Studio in Khartoum. „Ich zeichne für das Gefühl, in meinem Leben etwas zu ändern, zumindest ein wenig. Alles was mein Interesse weckt, meine Sorgen, meine Gedanken, ist aus meinem persönlichen Umfeld. Die großen und kleinen Details inspirieren mich. Dekorationen, Ornamente, starke afrikanische Farben und die Menschen, die sie tragen. All das drängt es mich, wieder und wieder zu zeichnen. Jedoch nicht so, wie es jeder sieht, es ist eher eine Art der Selbstreflektion, um die Dinge anders zu sehen, als beim ersten Mal. Es ist das einfache Leben, das mich inspiriert. Die Kindheit, die Farben der ländlichen Gegend aus der ich komme, mit Blick auf den Nil, seine Menschen und seine tiefere Bedeutung. Alles was ich jemals zeichnete und zeichnen werde, handelt von diesem einfachen Leben, das Afrikanische in mir prägt meine Arbeit. Afrika ist das Mutterland.“

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GIANT INC.

Natalya Posukhova‘s (Giant Inc.) work gives life to the world between the seen and the unseen. Our childhood imaginings of good and evil, the beautiful and the ugly, the cruel and the kind are given form beneath her elegant hand. Her formative years in Russia and Ukraine shaped the Gothic influences so clearly seen in her illustrations while her emergence into womanhood in Europe adds the humour and the ‚joie de vivre‘ with which she decorates her drawn landscape. Eternally childlike, Natalya (Giant Inc.) immerses us in a world where beauty triumphs and even the melancholy can seem divinely touched by her pen.

www.giantinc.cc facebook: giantincillustration instagram: giant_inc twitter: Giant_Inc

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Natalya Posukhova‘s (Giant Inc.) Arbeit bringt Leben in eine Welt zwischen dem Sichtbaren und dem Unsichtbaren. Unsere Kinderträume von Gut und Böse, Schönheit und Hässlichkeit, Kaltherzigkeit und Güte finden Ausdruck unter ihrer feinfühligen Hand. Ihre prägenden Jahre in Russland und der Ukraine formten die gotischen Einflüsse, die so deutlich in ihren Illustrationen hervortreten, während das Leben in Europa ihre Zeichnungen mit einer gewissen Leichtigkeit und ‚joie de vivre‘ schmückt. Mit einer immerwährenden Kindhaftigkeit lässt Natalya (Giant Inc.) uns in eine Welt eintauchen, in der die Schönheit triumphiert und die Melancholie durch ihren Stift erfassbar wird.

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GRETEL&GRETEL

Alina Treptow, born in 1988, finished her Bachelor study in Illustration in 2015 in Kiel. Parallel to her mostly large format paintings, she started her street art project Gretel&Gretel in 2013 using mostly paste ups to beautify the streets of her hometown Kiel. Her art is mostly a mix of imaginative and emotional portraits. It is more of an intuitive than a conceptual process. At the beginning of a painting, the ideas are rather abstract and only become more concrete during the process of painting. Most of her works are a mix of charcoal, acrylic, and oil paint. However, she also loves to experiment with other mediums such as crayons.

facebook: gretelundgretel

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Alina Treptow, 1988 geboren, beendete ihren Bachelor-Studiengang Illustration 2015 in Kiel. Parallel zu ihren meist großformatigen Malereien begann sie 2013 unter dem Pseudonym Gretel&Gretel die Straßen von Kiel mit kleinen Kunstwerken in Form von Paste-ups zu verschönern. Ihre sehr emotionalen und fantasievollen Arbeiten beschäftigen sich vor allem mit der Darstellung von Menschen. Die Bilder entspringen der Spontanität und Intuition. Am Anfang steht meist eine abstrakte Ideedadurch ist der gesamte Entstehungsprozess sehr frei. Die meisten ihrer Arbeiten sind eine Mischung aus Zeichenkohle, Acryl- und Ölfarbe. Sie experimentiert aber auch gern mit anderen Medien, wie z.B. Buntstiften.

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GUAPO SAPO

From Hamburg and Hannover, but with international roots in Chile, Peru, Ukraine and France. And like typical collectives, the individual disciplines and personal imprints of ISAKOV, JU MU and KRASHKID are mixed up into a boisterous self-realization. What started out as a friendship and mutual inspiration between light art, graphics, fine arts and illustration became an essential element to their creative craft. From project to project, the styles are newly combined: figurative characters and creatures meet ethnic ornaments and experimental paintings. But above all, they travel, celebrate, and create together, enjoying art in all its facets.

guaposapo.de facebook: guaposapos instagram: guaposapos

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Aus Hamburg und Hannover, allerdings mit internationalen Wurzeln in Chile, Peru, Ukraine und Frankreich. Und wie es mit Kollektiven immer so ist, vermischen sich hier die individuellen Disziplinen und Pr채gungen von ISAKOV, JU MU und KRASHKID zu einer ausgelassenen Selbstverwirklichung. Was als Freundschaft und gegenseitige Inspiration zwischen Lichtkunst, Grafik, freier Kunst und Illustration begann, ist mittlerweile best채ndiges Element ihres kreativen Schaffens. Projekt f체r Projekt werden die Stile gemeinsam neu kombiniert: fig체rliche Charaktere und Wesen treffen dabei auf Ethno-Ornamentik und experimentelle Zeichnung. Aber vor allem wird zusammen gereist, gefeiert und alles gestaltet, was ihnen in die Finger kommt.

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HAROLD ORTIZ

He is a visual artist and lives and works in Medellin, Colombia. Ortiz studied Fine Arts at the New York Academy of Art. In 2013 he created and produced The Timebag Project. During a self-residency exercise on the abandoned railway workshops of El Ferrocarril de Antioquia, Ortiz explorations on different media, based on his reflections of the contemporary society, led to his development of social and political concepts using installations created from common materials, objects, abandoned spaces and deteriorating systems such as oxidation. Ortiz site-specific art installations have been reviewed by diverse international publications, including the New York-based digital publication Art Report and have been exhibited in projects in Colombia and the US. His illustration artwork has been awarded at international events in countries such as Portugal, Mexico, Brazil and Colombia.

www.harold-ortiz-sandoval.culturalspot.org facebook.com: Harold-Ortiz-Sandoval

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Der Künstler lebt und arbeitet in Medellín in Kolumbien. Ortiz studierte bildende Künste an der New York Academy of Art. Er kreierte und produzierte „The Timebag Project“ im Jahr 2013. Im Verlauf einer „self-residency“-Übung in der verlassenen Eisenbahnwerkstatt von El Ferrocarril de Antioquia versuchte sich Ortiz an verschiedenen Medien. Diese Arbeit basierte auf Reflexionen über die gegenwärtige Gesellschaft. Er entwickelte soziale und politische Konzepte mithilfe von Installationen, die er aus gängigen Werkstoffen, Alltagsgegenständen und verlassenen Orten schuf und die er, beispielsweise durch Oxidation, veränderte. Ortiz ortsbezogene Installationen wurden in einer Reihe internationaler Publikationen besprochen, unter anderem in der digitalen Zeitschrift Artreport aus New York. Außerdem wurden Ortiz Kunstwerke in Kolumbien und den Vereinigten Staaten ausgestellt. Seine Illustrationen wurden auf internationalen Events, beispielsweise in Portugal, Mexiko, Brasilien und Kolumbien ausgezeichnet.

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HAZIM ALHUSSAIN

Hazim Alhussain was born in Khartoum and spent his childhood in Qatar. After graduating from high school he returned to Sudan and studied Fine Arts at the University of Science and Technology. Since his graduation, he rose to fame as part of Khaish studios, making a name for themselves even outside of Khartoum. “I totally depend on the artificial conflict of colors, whereas the body expresses a state of artificial aesthetic disintegration and distortion. In addition to the inconsistency among the parts, this is the style I select to portray the human quest for eternity and for lasting happiness.”

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Geboren in Khartoum, verbrachte Hazim Al Hussain seine Kindheit in Katar. Nach der High School ging er zurück in den Sudan und studierte Malerei an der University of Science and Technology. Seit dem Abschluss seines Studiums hat er sich, als Teil des Khaish Studios, über Khartoum hinaus einen Namen gemacht. ”Ich fühle mich vollkommen abhängig vom künstlerischen Konflikt der Farben. Wohingegen der Körper einen Zustand ästhetischen Zerfalls und der Verzerrung zum Ausdruck bringt, der die Inkonsequenz zwischen beidem ergänzt. Aus diesem Ansatz entsteht mein Stil, mit dem ich versuche, das menschliche Streben nach Ewigkeit und andauerndem Glück zu porträtieren.“

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HA-ST

Playground – space – hope – future – space of art – idea – an image helps to visualize ideas and to publish our thoughts. In the same way the image affords an opportunity to converse and dispute with. The spectators may not agree with the artist’s opinion a priori. This arrangement of our pictures presents the current political situation. Freedom is a state of mind. Is art free? Can art be free? Is freedom a kind of art? Can art imply freedom? Can art be freed? When is art free? Can art be free? What does FREE mean? I’m just asking!

MITWIRKENDE | CONTRIBUTORS

Spielraum - Freiraum – Hoffnung – Zukunft – Kunstraum – Idee – Unsere Idee visualisieren wir durch die Komposition unserer Bilder und veröffentlichen so unsere Gedanken. Dadurch bieten wir selbstverständlich eine „Angriffsfläche“ für den Betrachter, der schließlich nicht Apriori mit unserer Aussage einverstanden sein muss. Der damit gegebene Impuls regt zum Gespräch oder sogar zum Disput an. Mit dem Arrangement unserer Bilder möchten wir der politischen Situation einen Raum geben. Freiheit ist ein Geisteszustand. Ist die Kunst frei? Kann die Kunst frei sein? Ist Freiheit eine Kunst? Befreit die Kunst? Kann man die Kunst befreien? Wann ist die Kunst frei? Darf die Kunst frei sein? Was bedeutet FREI? Ich frage NUR!

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HENRY J. WINTHERBERG

Henry J. Wintherberg works in various fields of art, but mainly as a painter and sculptor. He works with brushes and canvas, combining different materials such as oil, acrylic, spraypaint, gesso and pigment to the complexity of material and technology based on his core themes of abstraction and superposition, form and reproduction.

www.wintherberg.de facebook: henryjwintherberg instagram: henryjwintherberg

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Henry J. Wintherberg arbeitet in verschiedenen Bereichen der Kunst, jedoch hauptsächlich als Maler und Bildhauer, an der Vielschichtigkeit von Material, Technik und Themen, mit dem Pinsel, mit Druck- und Mischtechniken, mit Öl, Acryl, Lack, Papier & Pigment, Gips & Gesso, an Abstraktion und Überlagerung, an Form und Reproduktion.

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BILD KANN MAN IMMER NOCH NICHT Ã&#x2013;FFNEN

HKDNS

He conjures a smile on our faces. It is not the obvious, it is the second glimpse. However the one that stays. HkdNS, companion of traditional street art in the streets of Hamburg. He smiles, looks skeptical from time to time, twinkles, or is in for a surprise. HkDNs, born… came to street art, it is not possible to imagine our streets without him. HKDNS is you, because: Hier Könnte Dein Name Stehen! (Here could be your name)

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Er zaubert uns ein Lächeln ins Gesicht. Es ist nicht das Offensichtliche, es ist der zweite Blick. Dann jedoch der, der ‚haften‘ bleibt. HkdNs, Begleiter traditioneller Streetart aber auch allein auf Hamburgs Straßen. Er lächelt, schaut aber auch schon mal skeptisch drein, zwinkert oder wird vor lauter Verwunderung zum Vielauge. HkdNs, geboren ..., ... zur Streetart gekommen, ist aus unseren Straßen nicht mehr wegzudenken. HKDNS bist du, denn: Hier Könnte Dein Name Stehen! sagt *marymee* über ihn

*marymee* says this about him.

www.wintherberg.de facebook: henryjwintherberg instagram: henryjwintherberg

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HUBERT KRETZSCHMAR presented by Licht Feld Gallery

Hubert Kretzschmar was born in 1954, in Karlsruhe, Germany. He began his career as a graphic artist and illustrator after studying visual communication and painting at Essen‘s Folkwangschule, under Willy Fleckhaus and Helmut Sundhausen, and with Josef Beuys in Düsseldorf in 1974. In 1978, he settled in New York (where he still lives) and devoted himself to illustration and pioneering works of photography, video, sculpture and computer graphics. During the 1980s, he participated in, and extensively documented the movement of the graffiti-art scene off the streets and into New York‘s fine-art galleries. He has designed iconic album covers for legends of rock and pop music (Rolling Stones, Led Zeppelin, Iggy Pop, Kraftwerk to name a few), as well as graphics and designs for most major record labels. His commercial client roster includes names like Apple, TimeWarner, Viacom, Sony, Nike and Thurn und Taxis.

www.hubertworks.com facebook: hubertart instagram: HUBERTART www.lichtfeld.ch/wordpress/my-product/hubert-kretzschmar

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Hubert Kretzschmar wurde 1954 in Karlsruhe geboren. Er begann seine Karriere als Grafik-Künstler und Illustrator, nachdem er – unter Willy Fleckhaus, Helmut Sundhausen und 1974 in Düsseldorf mit Josef Beuys – visuelle Kommunikation und Malerei an der Folkwangschule Essen studierte. 1978 ließ er sich in New York nieder, wo er heute noch immer lebt. Er widmet sich ganz der Illustration und Pionierarbeit in Fotografie, Videoproduktion, Skulpturieren und Computergrafik. In den 1980er Jahren nahm er an der Bewegung der Graffiti-Kunstszene von der Straße in die Museen der schönen Künste teil und dokumentierte diese umfassend. Er entwarf kultige Album-Covers für Legenden aus der Rock- und Popmusik (unter anderem Rolling Stones, Led Zeppelin, Iggy Pop, Kraftwerk) und Grafiken und Designs für die meisten großen Plattenfirmen. Seine geschäftliche Kundenliste beinhaltet Namen wie Apple, TimeWarner, Viacom, Sony, Nike und Thurn und Taxis.

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HUMAN FLASHBOY

Human Flashboy has a soft spot for old and used things from which he makes installations that take the viewer on a journey. The hustle and bustle usually leave no room for imagination. People quickly forget to walk through life with the eyes of an exploring kid.

facebook: Human.Flashboy

MITWIRKENDE | CONTRIBUTORS

Human Flashboy hat ein Faible fĂźr alte und gebrauchte Dinge aus denen er Installationen fertigt, die den Betrachter meist mit auf eine Reise nehmen. Hektik und Alltagsstress lassen meist keinen Platz fĂźr Fantasie. Die Menschen vergessen schnell mit Kinder-Entdeckeraugen durch's Leben zu laufen.

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ITSTHEVIBE

„It´s the vibe“ ist eine Kunst-Initiative. Klein, aber unabhängig.

„It‘s the vibe“ is an art initiative. Small, yet independent. Artists work on inspiration, spontaneously or with months of preparation. Taking place mostly in an urban environment, the majority of the pieces are ephemeral, and pictures are just souvenirs. As ideas are sometimes based on people‘s unconscious suggestion and because individual realization often comes from collective inspiration, thank you, even if you don‘t know why.

www.itsthevibe.org instagram: itsthevibe_._org tumblr (one project): berlintakesthepiss

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Einige Künstler lassen sich spontan zu ihren Werken inspirieren, andere benötigen monatelange Vorbereitung. Der Großteil der Werke, die meistens in einer urbanen Umgebung entstehen, ist von Vergänglichkeit geprägt und Bilder sind nur Souvenirs. Weil Ideen manchmal auf Basis von unbewussten Anregungen anderer Menschen entwickelt werden und weil die individuelle Umsetzung oftmals vom Kollektiv inspiriert wird, ist euch zu danken, auch wenn ihr nicht wisst warum.

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JAKOB SINN

Jakob Sinn is a musician and photographer. He was born in 1980 and actually commutes between Paris and his hometown Hamburg. While working as a musician for nearly 15 years, he accidentally discovered his passion for photography a few years ago. Since then he uses this media as a second creative outlet and sometimes even combines both arts. His timeless and mainly black & white pictures mostly give the viewer a kind of melancholy and often have a mysterious character. Many of his works also have a strong graphic approach, like his creation „Waiting for you“ which will be displayed at the Millerntor Gallery #6 .

www.jakobsinn.com tumblr: itsasinn

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Jakob Sinn ist Musiker und Fotograf. Er wurde 1980 geboren und pendelt aktuell zwischen Paris und seiner Heimatstadt Hamburg. Während er bereits seit fast 15 Jahren als Musiker arbeitet, entdeckte er vor ein paar Jahren quasi zufällig seine Leidenschaft für die Fotografie. Seitdem nutzt er das Medium als zweites kreatives Ventil und kombiniert zuweilen auch beide Kunstformen. Seine zeitlosen und überwiegend in schwarzweiß gehaltenen Bilder vermitteln dem Betrachter zumeist eine gewisse Melancholie und haben häufig einen geheimnisvollen Charakter. Viele seiner Arbeiten haben zudem einen starken grafischen Ansatz, was auch auf das in der Millerntor Gallery #6 ausgestellte Werk “Waiting For You“ zutrifft.

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JENS RICHTER

Jens Richter (*1982) studied History of Arts and Communication Design. Since then, he commutes between the desk and the studio in Mannheim, changes graphic tablets on canvas and agitates his circadian rhythm. On the search for possibilities of combinations and visual psychological manipulations, he extends his repertoire and his sentiments. His work at times may be clean or dirty, charming or even scary. The main focus of his works is concentrated on the interplay between classical subjects and modern aesthetics.

www.aus-aktuellem-anlass.de facebook: ausaktuellemanlass instagram: ausaktuellemanlass tumblr: ausaktuellemanlass

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Jens Richter (*1982) studierte Kunstgeschichte und Kommunikationsdesign. Seitdem pendelt er in Mannheim zwischen Atelier und Schreibtisch, tauscht Grafik-Tablett gegen Leinwand und ärgert seinen Biorhythmus. Auf der Suche nach Kombinationsmöglichkeiten und Gedankenspielen erweitert er sein Repertoire und seine Ansichten. Arbeitet mal sauber, mal dreckig, mal charmant und mal beängstigend. Der Schwerpunkt seiner Arbeiten liegt im Wechselspiel von klassischen Sujets, gepaart mit moderner Ästhetik.

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JENS-OLE REMMERS

Sebastian Plönges

Piece of art or product? Advertising or art? High or mass culture? Contrary to common distinctions Jens-Ole Remmers‘ collages are referring to something in between. A third place, a synthesis: both/ and instead of either/or. They find their origins in the imagery of a global economy: banana boxes from Brasil, Californian citrus fruit cartons, packaging material of small Corsican agricultural cooperatives; colourful symbols and typographic logos – some of them well-known, some alien to the (German) beholder – provide the raw material for artistic reappropriation. The global market is brought into shape, alleged antagonisms start to communicate: both sides inspire and pervade each other. Jens-Ole Remmers‘ collages invite us to cross boundaries and borders, (at least) in a double sense. And they are very beautiful.

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Werk oder Ware? Werbung oder Kunst? Hochoder Massenkultur? Jenseits althergebrachter Gegensätzlichkeiten verweisen Jens-Ole Remmers’ Collagen auf ein Dazwischen. Auf einen dritten Ort, auf eine Synthese. Sowohl-als-auch statt entweder-oder. Sie schöpfen aus dem Bildfundus der globalisierten Ökonomie: brasilianische Bananenkisten, kalifornische Zitruskartons, Verpackungsmaterial korsischer Agrarkooperativen. Farbenfrohe Symbole und typografische Logos – manche allgegenwärtig, manche (dem deutschen Betrachter) fremd – bilden den Grundstoff einer Wieder-Aneignung durch die Kunst: Der Weltmarkt wird in Form gebracht, ein Wechselspiel beginnt. Im Kontext der Collage kommunizieren die vermeintlichen Gegensätze. Es entsteht etwas Neues. Beide Seiten inspirieren und durchdringen sich. In diesem mindestens doppelten Sinne sind Jens-Ole Remmers Collagen Einladungen zur Grenzüberschreitung. Und sie sind sehr schön.

Sebastian Plönges

facebook: Jens-Ole Remmers, Jens-Ole Remmers JOR BRANDS

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JIM AVIGNON

Jim Avignon is painter, illustrator and conceptual artist and one of the most unusual figures in the contemporary German art scene. His paintings are a mash-up of cartoonish figuration, expressionist composition and dominantly featured titles – always in line with the mantra “a maximum of expression with a minimum of lines.” His art remains affordable and is meant for everyone. He has no agent, and no works for sale in the internet. When he is not painting, you will find him in rundown underground bars, where he performs as “neoangin” - notorious lo-fi electronic shows somewhere in-between funny and subversive.

www.neoangin.info facebook: jimavignon

MITWIRKENDE | CONTRIBUTORS

Der Autodidakt Jim Avignon ist Maler, Illustrator und Konzeptkünstler und eine der ungewöhnlichsten Persönlichkeiten in der aktuellen deutschen Kunstszene. Es ist noch nicht entschieden, ob Jim Avignon nun Popart, Streetart, ein Picasso on acid – oder einfach nur der schnellste Maler der Welt ist. Als sicher gilt aber, dass der “Tizian des Techno”, so der „Spiegel“, gerne die Konfrontation mit dem Establishment sucht. Sein Markenzeichen sind leuchtende Farben, Witz, unprätentiöses Material und ein enormer Output – und wenn er nicht malt, dann ist er mit seiner Ein-Mann-Heimelektronikband „Neoangin“ in deutschen Clubs unterwegs.

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JOACHIM BUCHHOLZ

A spectator who gazes upon a painting by Joachim Buchholz for the first time will discover a confusing play of colours. Some of his creations, which are interspersed with levels, spaces and colours, may appear to be the opposite of abstraction due to its liveliness and superabundance. The reduction of colours and geometry causes the spectator’s mind to give a “meaning” to the things his eyes perceive or to find known forms in the work. This is neither the artist's intention, nor can it be prevented. The artworks are named after the stars that can be seen from Earth and have been known to mankind since ancient times. This will contribute to how a spectator that is familiar with certain narratives perceives the art and gives the artwork an additional dimension and a depth that is connected with tradition.

www.joachimbuchholz.com

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Wer die Malerei von Joachim Buchholz zum ersten Mal betrachtet, wird ein verwirrendes Spiel mit Farben entdecken. Manche seiner von Ebenen, Räumen und Farben durchwimmelten Bilder erscheinen durch ihre pralle Lebendigkeit und Überfülle eher schon als Gegenteil der Abstraktion. Die Reduzierung auf Farben und entstehende Geometrien verführen den Betrachter auf Grund der Disposition des menschlichen Hirns dazu, „Sinn“ in das Gesehene zu bringen, oder bekannte Formen in den Bildern zu erkennen. Dies ist weder intendiert, noch zu verhindern. Die Bilder sind nach Sternen benannt, die von der Erde aus sichtbar und seit dem Altertum bekannt sind. So spielt dies bei dem mit bestimmten Narrativen vertrauten Betrachter mit in die Rezeption der Arbeit hinein und gibt den Bildern eine weitere Dimension und eine mit der Tradition verbundene Tiefe.

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JOBRAY presented by VcA Kampala

OLEGO JOB ANOMET aka JOBRAY. “I am a Ugandan-based visual artist using all ideal powers and potentials based in art and all creative experiences to groom myself into an excellent and exemplary young artist. I want to inspire young people – both girls and boys – with the power of creative thinking, open-mindedness and self-confidence, and to use images and illustrations to express their thoughts.”

MITWIRKENDE | CONTRIBUTORS

OLEGO JOB ANOMET aka JOBRAY. „Ich bin ein visueller Künstler, wohnhaft in Uganda, und nutze alle Kräfte und Potentiale, die in der Kunst zu finden sind und auch alle kreativen Erfahrungen. Damit möchte ich selbst zu einem exzellenten und exemplarischen jungen Künstler werden, der Mädchen und Jungen mit der Kraft kreativen Denkens, Aufgeschlossenheit und Selbstvertrauen dazu inspiriert die eigenen Gedanken durch Illustrationen und Bilder auszusprechen.

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JÖRG NIEMANN

The perception of spaces influences our mood, our thoughts and our actions. Jörg Niemann is a carpenter and studied product design at the Academy of Fine Arts in Hamburg, until 2014. In his artistic work, he concentrates on models and the perception of spatial conditions. Through meticulously planned arrangements, he creates moments of interaction between the viewer and space, opening up unusual perspectives. For the Millerntor Gallery #6, he is recreating a part of the grandstand in a small-scale sculpture. Together with the depicted space, his model creates a play area for spatial discovery. The work is a scenographic staging of space as a model.

www.joerg-niemann.com

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Die Wahrnehmung von Raum beeinflusst unsere Gemütslage, unser Denken und unser Handeln. Jörg Niemann ist Tischler und studierte bis 2014 Produktdesign an der Hochschule für bildende Künste in Hamburg. In seiner künstlerischen Arbeit beschäftigt er sich mit Modellen und der Wahrnehmung räumlicher Situationen. Durch akribisch geplante Anordnungen schafft er Momente der Interaktion zwischen Betrachter und Raum, die ungewohnte Sichtweisen ermöglichen. Für die Millerntor Gallery #6 modelliert er einen Teil der Südtribüne als Miniaturskulptur. Dieses Modell bildet zusammen mit dem dargestellten Ort eine Spielwiese für räumliches Entdecken. Die Arbeit ist eine szenografische Inszenierung von Raum als Modell.

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JOSÉ ANGEL HECHEVARRIA LABARTA

José Angel Hechevarria composes significantly in Caribbean style. The colors not only emphasize “la vida tropical” but also mirrors the Cuban soul. Color as a Caribbean reality. Even in everyday life. Color and music as a cultural attitude, a core value that makes living with problems of daily routine easier. Not contrived but as a part of the Cuban lust for life. José Angel is one of the many outstanding Cuban artists who received a fantastic education at the Art Academies of Cuba, and who stand out because of their technical skills. The Cuban art scene does not experience a boom by chance. It is influenced by US tourism, which caused quite a hysterical run on Cuban art.

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José Angel Hechevarria komponiert im karibischen Stil. Die Farben betonen nicht nur „la vida tropical“ sondern spiegeln deutlich die kubanische Seele wider. Farbe als karibische Realität. Auch im Alltag. Farbe und Musik als kulturelle Grundhaltung, ein Grundwert, der Probleme des Alltags gelassener erleben lässt. Nicht gekünstelt, sondern Teil der kubanischen Lebensfreude. Jose Angel ist einer von vielen hervorragenden Künstlern, die an den Kunstakademien Kubas eine fantastische Ausbildung genossen haben, die durch große technische Fertigkeiten besticht. Nicht zufällig erlebt die kubanische Kunstszene heute einen Aufschwung, geprägt durch den US-Tourismus, der geradezu einen hysterischen run auf Kubanische Kunst ausgelöst hat.

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JULIAN GORTEN

Big black sculptures, masks, and reliefs contrast against a white wall illuminated by cold fluorescent light. The smell of burnt wood and varnish fill the air. Julian Gorten’s works appear archaic and brutal. Trial-and-error is an important method for his work: “What does not fit, is made to fit.” The artist sees his role in providing the best possible conditions so that things can develop and materials arrange themselves to strong images. He wants to prevent getting in the way of the course of things merely in favor of an idea, but wants to make decisions instinctively on behalf of the strength of the structure of imagery.

www.juliangorten.com instagram: juliangorten

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Große schwarze Skulpturen, Masken und Reliefs zeichnen sich stark vor einer weißen Wand ab, angestrahlt durch kaltes Neonlicht. Es riecht nach verbranntem Holz und Lack. Die Arbeiten von Julian Gorten wirken archaisch und brutal. Sie entstehen nach dem Trial-and-Error-Prinzip: „Was nicht passt, wird passend gemacht.“ Der Künstler sieht seine Aufgabe darin, günstige Rahmenbedingungen zu schaffen, damit Dinge passieren können, damit sich Materialien zu kraftvollen Bildern anordnen. Er will nicht dem Verlauf im Wege stehen, nur um einer Idee gerecht zu werden, sondern instinktiv die richtigen Entscheidungen zugunsten der Wirkungsstärke des Bildgefüges treffen.

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JULIAN HOFFMANN presented by Galerie Schimming

The opus rises, blooms and thrives. Julian Hoffmann, master of drastic transformations, created – with talent and skills – new charming artworks out of the flotsam of our consumer world. He looks and finds, and he puts together what doesn´t belong. In the end, something rises out of the waste, a sun, which at first was just a yellow spot. Hoffmann’s artworks have many facets. They are multi-layered – different tiers overlay each other within the artwork. Figure and ground are hard to separate. A flood of words, phrases, and letters flow through the pieces. Hoffmann’s art doesn´t confront us with the full range of contradictions. It´s not his intention to replace art with documentation. Julian Hoffmann chooses the topics and motives of his artwork from real life.

www.galerieschimming.com

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Das Werk wächst, blüht und gedeiht. Julian Hoffmann, Meister drastischer Transformationen, hat mit Talent und Können aus dem Treibgut unserer Konsumwelt neue Werke geschaffen, die bezaubern. Er findet und er sucht, er fügt zusammen, was nicht zusammengehört. Am Ende steht, aus dem Abfall erstanden, eine Sonne, wo anfangs nur ein gelber Fleck war. Hoffmanns Werke tragen viele Facetten. Sie sind mehrschichtig – verschiedene Ebenen im Idealraum des Bildes überlagern sich. Figur und Grund sind schwer auseinanderzuhalten. Eine Flut von Wörtern, Phrasen und Buchstaben durchströmt die Bilder. Hoffmanns Kunst konfrontiert uns nicht mit dem vollen Umfang dieser Widersprüche. Er will nicht Kunst durch Dokumentation ersetzen. Julian Hoffmann wählt die Themen und Motive seiner Kunst aus dem gelebten Leben.

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KABUL KNIGHTS Kabul Knights is designed by Azim Fakhri, who wants to promote the human rights struggle through his arts. Kabul Knights is the chosen name of this movement with the purpose of helping and restoring the people of Afghanistan, without expecting anything in return. Azim wants to portray a voice, a shoulder and the hope of all who encounter his arts. He wants to be the voice of the voiceless people, a shoulder for those who have lost their family members during war, and the hope is to be a messenger of peace not only to Afghans but to other nations. Azim returned to Afghanistan, having lived most of his life outside of Afghanistan until 2002, after the fall of the Taliban. He brought with him the knowledge of culture to help him in his venture for the development of his country. The art created by Azim often reflect the life in his generation and their importance. He portrays these elements to establish a social consciousness that he feels is missing in his society. His art of complaint, for instance, is replacing the AK47 with guitar. It has become an inspiration for many young Afghans.

www.kabulknights.com facebook: kabulknights instagram: azimfakhri twitter: kabulknights

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Kabul Knights – entworfen von Azim Fakhri, der durch seine Kunst den Kampf für Menschenrechte vorantreiben möchte – hat zum Ziel, den Menschen in Afghanistan zu helfen, ohne eine Gegenleistung von ihnen zu erwarten. Azim möchte eine Stimme sein für die, die ohne Stimme sind. Eine Schulter für die, die während des Krieges Familienangehörige verloren haben. Hoffnung möchte er nicht nur für die Afghanen sein, sondern auch für andere Nationen. Nachdem er bis 2002 die meiste Zeit seines Lebens im Ausland gelebt hat, kehrte er nach dem Sturz der Taliban nach Afghanistan zurück. Sein Kulturverständnis hilft ihm bei seinem Projekt, sein Land wieder aufzubauen. Seine Kunst spiegelt oft das Leben in seiner Generation und deren Wichtigkeit wider. Er stellt diese Elemente dar, um ein gesellschaftliches Bewusstsein zu etablieren, welches seiner Ansicht nach in seiner Gesellschaft fehlt. In seiner Anklagekunst ersetzt er z.B. eine AK47 mit einer Gitarre. Seine Kunst wurde eine Inspiration für viele junge Afghanen.

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KATHARINA SCHNITZLER

Titel der Installation: Afrikaner auf AfD Tapete

“1000 Africans”, images of people entering the coasts of Europe that triggered diverging emotions. Sympathy, horror, fear, and distance. Images that come closer and closer and start stirring the pot of intractable resentment. Helplessness, carelessness. Looking. Looking away. Taking away. Giving. Helping. Help. One’s own life. Katharina Schnitzler confronts us with perception and our accepted realities. She creates worlds of images that subjectively meet people’s needs for solutions. In her work, she layers countless textures, coats of paint, drawings, and words. Paintings and drawings emerge – installed, poetic, deep, witty and closely interwoven, and therefore both brutal and beautiful!

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„1000 Afrikaner“, Bilder von Menschen vor den Küsten Europas, divergierende Gefühle auslösend. Mitleid, Schrecken, Angst, Distanz. Bilder, die immer näher kommen, anfangen zu rühren, im Brei ungelehriger Ressentiments. Hilflosigkeit, Unachtsamkeit. Hingucken. Weggucken. Wegnehmen. Geben. Helfen. Hilfe. Eigenleben. Katharina Schnitzler konfrontiert uns mit der Wahrnehmung und unseren angenommenen Realitäten. Sie schafft Bildwelten, die auf subjektive Weise das menschliche Bedürfnis nach Lösungen erfüllen. In ihrer Arbeit überlagert sie unzählige Texturen, Farbschichten, Zeichnungen und Text. Es entstehen Gemälde und Zeichnungen – installiert, poetisch, tief, witzig, eng verwoben und dabei brutal und schön zugleich!

Title of the installation: Africans on AfD wallpaper

www.katharina-schnitzler.de facebook: Katharina Schnitzler

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KERA

Christian Hinz / Kera, who was born in Berlin in 1985, occupies himself with colours, printing techniques and facade design for more than 16 years. At the same time Kera always found new impulses through his love for haptic and technically things. Especially the interconnection of working with the computer and the transfer to the wall excites the artist. The playground can never be big enough. When looking at his artwork, one sees a reflection of his graphic design studies, his passion for geometric lines and spaces as well as him handling spray cans, wall colour and brushes for years. His artwork is abstract but at the same time spatial. Aesthetics and graphic arts play an important role together.

www.kera1.de facebook: kera1kera1 instagram: kera.1 tumblr: kera1.

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Der 1985 in Berlin geborene Christian Hinz / Kera beschäftigt sich seit über 16 Jahren mit Farben, Drucktechniken und Fassadengestaltungen. Seine Liebe zum Haptischen und Handwerklichen hat ihm immer wieder neue Impulse gegeben. Gerade die Verbindung zwischen dem Arbeiten am Computer und der Übertragung auf die Wand reizt den Grafiker und Künstler. Dabei kann die produzierende Fläche nicht groß genug sein. Sein Grafikdesign-Studium und seine Leidenschaft zur Linie und Fläche spiegeln sich in seinen Arbeiten sichtbar wieder, sowie der jahrelange Umgang mit der Sprühdose, Wandfarbe und Pinsel. Die Arbeiten sind abstrakt, aber doch räumlich zugleich. Dabei spielen Grafik und Ästhetik eine große Rolle.

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KLEBEBANDE

Bei der Millerntor Gallery 2016 werden sie das Key Visual fürs 10 jährige Jubiläum von VIVA CON AGUA gestalten.

Tape is the new paint for us! Bruno „BeezeBoe” Kolberg, Bodo Höbing and Nikolaj „NkoBu” Bultmann are the Klebebande. The Berlin artist collective is one of the German pioneers of tape art movement. The Klebebande works on several surfaces, they install three-dimensional formations, create rooms, shape cityscapes, manage workshops and perform live in front of an audience. Tape art is their passion. Urban designs and architectural structures, the contrast between nature and the digital world, influence them a lot. They combine organic and geometric forms and contrast them. They will create the key visual for the 10th anniversary of Viva con Agua at Millerntor Gallery 2016.

www.klebebande-berlin.com facebook: klebebandeberlin instagram: klebebande twitter: klebebande behance: klebebandeberlin

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Tape is the new paint for us! Bruno „BeezeBoe” Kolberg, Bodo Höbing und Nikolaj „NkoBu” Bultmann sind die Klebebande. Das Berliner Künstlerkollektiv gehört zu den deutschen Pionieren im Tape Art Bereich. Die Klebebande arbeitet auf den verschiedensten Untergründen, formt dreidimensionale Gebilde, gestaltet Räume, prägt Stadtbilder, führt Workshops durch und tritt als Live Act vor Publikum auf. Tape Art ist Leidenschaft. Urbane Motive und architektonische Strukturen, der Kontrast von Natur und digitaler Welt. Sie kombinieren organische und geometrische Formen und stellen sie einander gegenüber.

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KOMMUNE UNE

„With my objects I show magical insights into new worlds that accompany us on a different timeline. The film shows banal moments of water, visualized with a high-speed camera. The decelerated pictures appear motionless in a moment, only to erupt into a stormy reaction. My works are in the exhibition as an advertising campaign for the non-labeled, naturally occurring, all-belonging water.“

facebook: kommune.une instagram: kommune.une

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„Mit meinen Objekten zeige ich magische Einblicke in neue Welten, die uns auf einer anderen Zeitachse ständig begleiten. Der Film zeigt banale Momente des Wassers - sichtbar gemacht mit einer Hochgeschwindigkeitskamera. Die entschleunigten Bilder wirken in einem Moment bewegungslos, um sich dann in einer heftigen Reaktion zu entladen. Meine Arbeiten verstehen sich in dieser Ausstellung als Werbemaßnahme für das nicht gelabelte, natürlich vorkommende, allen gehörende Wasser.“

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LENAS WONDERLAND ‘be part of‘ Gewinnerin

Art from St. Pauli Lena Kaufmann‘s artworks are carefully made by hand with great attention to detail. Her style is a mixture of traditional tattoo images, pin-up art and influences of the 1930-1950‘s. All put to the present time and rounded off with a serving of pop art. She received special attention for her unique painted lifebuoys. Many of these have a long history. With her art, she breathe new life into those rings - without losing their old charm and connects the historical with the modern.

lenas-wonderland.de facebook: st.pauliWonderland instagram: lenas_wonderland www. sway-books.de/non-books/lenas-wonderland

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Kunst aus St. Pauli Lena Kaufmanns Kunstwerke werden in aufwendiger Handarbeit mit viel Liebe zum Detail angefertigt. Ihr Stil ist dabei eine Mischung aus traditionellen Tattoo-Motiven, Pin-Up Malerei und Einflüssen der 1930-50er Jahre. Das Ganze in die heutige Zeit versetzt und mit einer Portion Pop-Art abgerundet. Aufmerksamkeit erlangte sie besonders mit ihren einzigartigen bemalten Rettungsringen. Viele dieser, teils antiken, Ringe haben eine lange Geschichte. Mit ihrer Malerei haucht sie ihnen wieder Leben ein und verbindet dabei das Historische mit der Moderne – ohne dass sie dabei ihren alten Charme verlieren.

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LIAM TANZEN

Liam Tanzen is a cartoonist and an illustrator from Hamburg. The 15-year-old pupil focuses on drawing portraits using mainly pencil and fineliner pens. His motives originate from his fields of interest; whereas in the past years, his portraits featured mostly soccer players, Liam currently portrays rap artists and other people who fascinate him. Liam’s Rappertoire includes a wide variety of German and international rap artists in predominantly monochromatic drawings. He was able to present this to a wide audience, thanks to various exhibitions and publications, i.e. JUICE magazine and Affordable Art Fair 2015.

www.fussballvomfeinsten.de instagram: liam_tanzen

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Liam Tanzen ist Zeichner und Illustrator aus Hamburg. Der 15-jährige Schüler konzentriert sich auf das Zeichnen von Portraits, die hauptsächlich mit Bleistift und Fineliner entstehen. Seine Motive kommen aus den Themenwelten, die ihn beschäftigen: Waren dies früher in erster Linie Fußballer, sind es heute hauptsächlich Rapper und andere Menschen, die ihn faszinieren. Liams Rappertoire umfasst heute eine Vielzahl von deutschen und internationalen Künstlern in überwiegend monochromen Bildern. Diese konnte er bereits in Ausstellungen und verschiedenen Publikationen (z.B. JUICE Magazin, Affordable Art Fair 2015) einem größeren Publikum präsentieren.

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LILY MIXE

Lily Mixe is a graphic artist from Paris, now based in London, UK. Lily’s artwork ranges from paper to canvas, to found objects, and the surface of walls in the streets.

Das Zentrum ihrer Arbeit ist die Natur und besonders der Ozean. Die Objekte sind andersirdisch, Aliens von unserem eigenen Planeten. Einzelproben, die daran erinnern, wie schön und komplex unsere Erde sein kann und wieviel noch unbekannt und unentdeckt ist. Lily möchte der natürlichen Welt eine visuelle Stimme geben und die Natur so zelebrieren, wie wir es mit wertvollen Steinen und seltenen Artefakten tun.

At the core of her work is nature and particularly, the ocean. The subjects are otherworldly, aliens from our own planet. Specimens that offer reminders of how magical, beautiful and complex life on Earth can be and how much of our own planet is unknown and undiscovered. Lily wants to give a visual voice to the natural world and celebrate nature in the same way we value precious stones and rare artifacts.

www.lilymixe.com facebook: Lily-Mixe instagram: lilymixe twitter: lilymixe

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Lily Mixe ist eine Grafik-Künstlerin aus Paris, die nun in London lebt. Lily‘s Kunst reicht von Papier über Leinwand bis hin zu Fundobjekten und den Wänden an der Straße.

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MARCEL ARTS

The project „Gesichter&Grimassen“ (faces & grimaces) by Marcel de Medeiros was meant to be a creative practice. Out of geometric shapes which are combined over and over again, visionary faces occur. Although the caricatures are drawn randomly and without any template, people often recognize their maths teacher, facility manager or even themselves in them. The project „Gesichter&Grimassen“ is reproduced onto wallpapers, stickers, shirts, graffiti or on canvas.

www.artsdomarcel.wix.com facebook: Marcel de Medeiros

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Das Projekt „Gesichter&Grimassen“ von Marcel de Medeiros ist ursprünglich als eine Kreativitätsübung gedacht. Aus geometrischen Formen, die immer wieder miteinander kombiniert werden, entstehen fantasievolle Gesichter. Obwohl die aus freier Hand gezeichneten Karikaturen rein zufällig und ohne Vorlage zustande kommen, erkennen die Leute oft ihre Mathelehrer, Hausmeister oder sogar sich selbst darin. Das Projekt „Gesichter&Grimassen“ wird auf Tapeten, Aufkleber, T-Shirts, Graffiti oder auf Leinwand vervielfältigt.

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MARCEL TESKE

Marcel Teske lives and works as an independent artist in Berlin. The focus of his artistic work is the drawing in the foreground. The topic of his pieces is mainly on the dispute of social conflicts and abuses. Figures and room are the most concise elements in his artworks because of this reason.

www.gro-teske.com facebook: Marcel Teske

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Marcel Teske lebt und arbeitet als freier Künstler in Berlin. Die Schwerpunkte seiner künstlerischen Arbeit ist die im vordergrundstehende Zeichnung. Die Themen seiner Arbeiten beziehen sich überwiegend auf die Auseinandersetzung gesellschaftlicher Widersprüche und Missstände. Figuren und Raum sind daher die prägnantesten Elemente in seinen Werken.

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MARCO PEZZOTTA presented by Placentia Arte

Safari is a computer-generated image illustrating an African sunset, of the image that is normally associated with it. The structure of such stereotypical representations is repetitive, making them iconic: black shapes contrasted on a red/yellow gradient sky. This color combination, when viewed upside down, resembles the German flag. Thus, Safari evokes the presence and involvement of Western power in shaping global identity. The urge for exporting and consuming exoticism has created problematic archetypes that always resurface in critical time.

www.marcopezzotta.com

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Safari ist eine computergenerierte Bilddarstellung eines afrikanischen Sonnenuntergangs, von dem Bild, was wir normalerweise damit verbinden. Die Struktur einer solchen stereotypischen Darstellung wiederholt sich und wird damit ikonisch: ein Kontrast aus schwarzen Schatten auf einem rot-gelben abfallenden Himmel. Diese Farbkombination gleicht, auf den Kopf gestellt, der deutschen Flagge. Safari beschwört damit die Präsenz der westlichen Macht, die mit der Gestaltung globaler Identität einhergeht. Der Drang, Exotismen zu exportieren und zu konsumieren hat problematische Vorbilder geschaffen, die immer in kritischen Zeiten münden.

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MARIE LIENHARD

Marie Lienhard (FR) is studying Fine Arts at the State Academy of Fine Arts, Stuttgart, Germany; currently in Mariella Mosler’s class. Previous professors: Nicole Wermers (2012), Martin Kollar (2011), Sascha Weidner (2010) & Werner Pokorny (2009-2010) ‘Logics of Drops’ Video 3’57,’’ 2016. What we see, is what we dream, consults a guidance system for the self and the possible. However, what we see, what we dream, is broken and challenged by some scenes. Then we imagine an infinity of reality constructing possibilities. It takes hold of us like vertigo.

www.marie-lienhard.com facebook:marie.lienhard

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Marie Lienhard (FR) studiert Freie Kunst an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste, Stuttgart, derzeit in der Klasse von Mariella Mosler. Frühere ProfessorINNen: Nicole Wermers (2012), Martin Kollar (2011), Sascha Weidner (2010) und Werner Pokorny (2009-2010) ‘Logics of Drops’ Video 3’57’’, 2016 Was wir sehen, was wir träumen hält Rücksprache mit einem Orientierungssystem für das Selbst und das Mögliche. Was wir sehen, was wir träumen aber wird mit manchen Anblicken durchbrochen, gebrochen. Dann erahnen wir eine Unendlichkeit an Realität konstruierenden Fähigkeiten. Es erfasst uns wie ein Schwindel.

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MARTIN DORSCH

What capabilities does any visual representation have? It is this core question that Dorsch’s pixel works ask. Can a portrait show all facets of a person for instance? In his search for answers the works go to the extremes of abstraction and simplification to uncover inherent contradictions. Effects of proximity versus distance intensify the experience: it is possible to recognize persons but individual attributes are lost. The works combine traditional craft and computing, planning and chance. The uniformed pixels come alive, tangible and individual, creating their own aesthetic that competes against the motif. What kind of work do we see in the end?

www.martindorsch.de facebook: Martin-Dorsch

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Was kann eine bildliche Darstellung wirklich leisten? Um diese zentrale Frage kreisen Dorschs Pixelarbeiten. Kann beispielsweise ein Porträt einen Charakter mit allen Facetten abbilden? Auf der Suche nach Antworten gehen die Arbeiten in die Extreme der Abstraktion und Vereinfachung. Sie decken innere Widersprüche auf, Nah-Fern-Effekte intensivieren die Erfahrung: Man erkennt noch Porträtierte, aber individuelle Merkmale lösen sich auf. Weiterhin verschmelzen computerbasierte und handwerkliche Arbeit, Planung und Zufall. Die für uns alltäglichen, uniformen Pixeldarstellungen werden lebendig, greifbar, bekommen individuelle Merkmale und erschaffen eine eigene Ästhetik, die mit dem eigentlichen Bildmotiv konkurriert. Was für eine Art Werk sehen wir am Ende?

329

MEIN LIEBER PROST

„I‘m a happy anarchist, not an angry vandal.“ - Mein Lieber Prost

www.meinlieberprost.com facebook: MeinLieberProst

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„Ich bin ein glücklicher Anarchist, kein verärgerter Vandale.“ - Mein Lieber Prost

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MICHEL LAMOLLER

Michel Lamoller moves between photography and sculpture. His real work begins after he takes a photo and fully exposes it several times. He creates multi-layered sculptures by layering photos and treating each layer manually with a scalpel knife. By doing this, a new, real space is added to the space illusion of the photo.

www.michel-lamoller.com facebook: Michel Lamoller

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Michel Lamoller arbeitet an der Schnittstelle zwischen Fotografie und Skulptur. Seine eigentliche Arbeit beginnt, wenn ein Foto aufgenommen und mehrfach ausbelichtet wurde. Fotografien werden geschichtet und manuell mit dem Skalpell bearbeitet. So entstehen vielschichtige, dreidimensionale Skulpturen, bei denen in die Raum-Illusion des Fotos ein neuer Raum hinzugefĂźgt wird.

333

MIK RAHNER

Mik Rahner, born in Munich in 1970, grew up in a family of artists and is the 4th generation devoted to painting. At the age of twelve, he attended his first drawing and painting courses, and in the early 1980s, he was captivated by graffiti art. Since then his street artwork has become part of the cityscape. Since obtaining his diploma in Communication Design in 1996, he worked as a designer and director in the motion design industry. In 2002, he moved to Hamburg where two years later, he co-founded the design studio Emmar. For the Millerntor Gallery #6, he joins forces with his wife Manou Rahner and motion designer and VJ Carsten Schmidt (schmidt8.net).

www.mikrahner.com

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Mik Rahner, geboren 1970 in München, ist in einer Künstlerfamilie aufgewachsen und in der 4. Generation mit der Malerei verbunden. Mit zwölf Jahren besucht er die ersten Mal- und Zeichenkurse, begeistert sich in den frühen 80er Jahren für Graffiti-Kunst und ist seither immer wieder mit Streetart-Arbeiten im Stadtbild präsent. Seit seinem Diplom für Kommunikationsdesign 1996 arbeitet er als Designer und Regisseur im Bereich Bewegtbild-Design. 2002 macht er in Hamburg fest, wo er zwei Jahre später das Designstudio Emmar mitbegründet. Für die Millerntor Gallery #6 arbeitet er mit seiner Frau Manou Rahner und dem Motion Designer und VJ Carsten Schmidt (schmidt8. net) zusammen.

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MORGEN. Beate Kapfenberger und Martha Starke

Experimenting, designing and creating – for space, browser and printer. The trans-disciplinary collective “morgen” was founded at the start of 2015 by Beate Kapfenberger, Martha Starke and Stephan Kurz. The communication designers explore topics concerning society and culture. They create space for encounters – between visitors and the installation. Space, where you are allowed to have fun. In their last installation “position”, visitors at cultural events were able to speak their minds about art via telephone receivers. All individual opinions were welcome – the opinions were collected in a sound installation and surprised the audience.

http://morgen.jetzt/

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Experimentieren, Konzipieren und Gestalten – für Raum, Browser und Drucker. Das transdisziplinäre Kollektiv morgen. wurde Anfang 2015 von Beate Kapfenberger, Martha Starke und Stephan Kurz gegründet. Die Kommunikationsdesignerinnen hinterfragen gesellschaftsund kulturrelevante Themen. Sie schaffen Raum für Begegnung – unter den Besuchern, mit der Installation. Raum, in dem man Spaß haben darf. In ihrer letzten Installation „position“ dürfen die Besucher von Kulturveranstaltungen an Telefonhörern alles über Kunstwerke äußern. Jegliche Position ist erwünscht – die unterschiedlichsten Meinungen treffen in der Soundinstallation aufeinander und schaffen es, das Publikum zu überraschen.

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NEAL MCQUEEN

Die im Rahmen der MTG #6 gezeigten Fotos zeigen Menschen und Orte, welche unmittelbar in der fortlaufenden europäischen Krise involviert sind. Eine Krise, die gerade dabei ist unsere europäischen Gesellschaften in Hochgeschwindigkeit zu verändern.

Born 1969 in Hamburg. Traveler, musician and living artist, hedonist and humanist, activist. Worked under several names as a musician, music producer, DJ, sound engineer and song writer from 1989 until 2011. Photographer since 2011, covering a wide field of work. 90 % of his work is black & white photography. From April 2015 up to the current day, he’s been traveling Europe to work on independent documentaries. Since October 2015, he has been in Lesbos, Greece and has been working on a long-term documentary called „Perilous Hope“. This documentary is featuring the refugee crisis in Greece and shows the backgrounds and current developments. For this, he has also traveled to other places like Idomeni and Piraeus. All 3 projects from that time period are blogs and free to access. He provides NGOs, NROs and volunteers with photos, and worked with the journalist Shira Rubin on a story for IRIN news, about how care is being provided for mentally and physically ill refugees during the crisis. He has also been working with the New Internationalist from Oxford, as well as with the Italian journalist Pio d´Emelia.

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Geboren 1969 in Hamburg. Reisender, Musiker und Lebenskünstler, Hedonist und Humanist, Aktivist. Arbeitete von 1989 bis 2011 unter verschiedenen Namen als Musiker, Musikproduzent, DJ, Tontechniker und Songwriter. Fotograf seit 2011, eine große Bandbreite von unterschiedlichen Feldern abdeckend. 90 % seiner Arbeit ist Schwarz-Weiß-Fotografie. Seit April 2015 bis zum heutigen Tag in Europa unterwegs, um an unabhängigen Dokumentationen zu arbeiten. Seit Oktober 2015 lebt er die meiste Zeit auf Lesbos/Griechenland, um an der Langzeit-Dokumentation „Perilous Hope“ über die Flüchtlingskrise und ihre Hintergründe zu arbeiten. Für diese Dokumentation ist er unter anderem auch nach Idomeni und Piräus gereist. Alle drei Projekte aus der Zeit sind frei zugängliche Blogs. Er unterstützt diverse, in der Krise tätige NGOs, NROs und die Freiwilligen mit Fotos, arbeitete mit der Journalistin Shira Rubin an einer Story über die Problematik der Behandlung von Flüchtlingen mit psychologischen und körperlichen Verletzungen, welche auf IRIN News veröffentlicht wurde. Außerdem arbeitet er zusammen mit dem Aktivisten-Magazin New Internationalist aus Oxford und dem italienischen Journalisten Pio d´Emilia.

The photos exhibited at the MTG #6 show people and places involved in the ongoing European crisis. A crisis, which is rapidly going to change all of our societies in Europe.

www.neal-mcqueen.com facebook: derBruemmer tumblr:trulight tumblr: periloushope

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NICO SAWATZKI

“I deal with spatial constructions in the broadest sense. Impressions I have gathered as a graffiti artist or just hanging around looking at an interesting angle of a building in urban structures generally defines my work. It does not matter whether the illustration may actually exist or whether prospects or views are exactly consistent. Therefore, I am not guided in coloring even the naturalistic original. In color compositions, I let myself be influenced by graffiti. Common combinations to produce a possible aggressive or morbid picture mood, one that just catches your eye and aimed at a strong contrast effect, barely noticeable. I construct my paintings on a playground-like surface for the viewer in which he or she can introduce and explore their own associations. Here I try to move towards the fine line between the reference to architectural conditions and the completely non-objective painting.”

www.nicosawatzki.de facebook: n.cosawatzki instagram: nicosawatzki

MITWIRKENDE | CONTRIBUTORS

„Ich befasse mich mit Raumkonstruktionen im weitesten Sinn. Eindrücke die ich als Graffitimaler gesammelt habe oder einfach ein Blick auf einen interessanten Winkel eines Gebäudes beim Herumlungern, urbane Strukturen im Allgemeinen bestimmen meine Arbeiten. Es ist nicht entscheidend ob das Dargestellte real existieren kann oder ob Perspektiven exakt stimmig sind. Daher orientiere ich mich bei der Farbgebung auch nicht am naturalistischen Original. Bei Farbkompositionen lasse ich mich immer wieder von Graffiti beeinflussen. Gängige Kombinationen um eine möglichst aggressive oder morbide Bildstimmung zu erzeugen, eine die einfach nur ins Auge sticht und auf eine starke Kontrastwirkung abzielt, eben auffällt. Ich konstruiere in meinen Bildern eine Spielfläche für den Betrachter in der er entdecken und eigene Assoziationen einfließen lassen kann. Dabei versuche ich mich auf einem schmalen Grat zwischen dem Bezug zu architektonischen Gegebenheiten und der komplett gegenstandslosen Malerei zu bewegen.“

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NILS KASISKE

Nils Kasiske conjures up and mocks passing fashions and current hypes. His work connects classical and contemporary iconographies in amusing exaggerations. Image cultivation and stardom are presented in an ironic manner that ridicules the longing for role models and authority figures. Kasiske‘s current body of work samples various styles of established artists. Undermining the idolization of celebrity, he replaces it with sharp irony: Jesus Christ, Snoop Dogg, Angela Merkel and the remote control are all equally holy – you can pick and choose your idol – whatever suits.

www.nilskasiske.de facebook: NilsKasiske instagram: nilskasiske

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Nils Kasiske beschwört und verspottet die alten und neuen Geister des Hypes. In Stil und Thema fügt er klassische und zeitgenössische Ikonen zusammen. Dem Phänomen der Überhöhung anderer und des Selbstkultes verleiht er amüsante Formen und präsentiert so die Lächerlichkeit an der ewigen Sehnsucht nach Autoritäten. Kasiske sampelt in einem Teil seiner aktuellen Arbeit berühmte Stile etablierter Künstler. Seine dreiste Form der Anerkennung untergräbt blinde Anbetung und stellt die ironische Anbetung, ein typisches Phänomen unserer Zeit, ins Rampenlicht. Jesus Christus, Snoop Dog, Angela Merkel und die Fernbedienung sind irgendwie heilig. Je nach Bedarf. Nicht mehr, nicht weniger.

343

NINA K. DOEGE

“My artistic intervention in terms of installed objects allows the observer to get an extended view regarding the space and his or her own position within this given space. The exterior circumstance often finds its reference to the interior situation (and vice versa). Space and objects inevitably start a dialogue in which the recipient enters and instantly becomes part of the communication. In addition to the elaboration of installation objects, smaller partly wall-related pieces come into being. They work as reference to studies of certain materials and forms. Surface and haptic and their specific impact play a central role in this. These works function on their own and shows an important process within my work.”

www.nkdoege.de instagram: NINAKDOEGE

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„Meine installierten Objekte werden so gesetzt, dass sie den Blick des Betrachters in Bezug auf den Raum und auch auf seinen eigenen Standpunkt erweitern. Dabei zeigt der außenräumliche Umstand oft einen Bezug zum Inneren (und umgekehrt). Das Objekt und der Raum gehen einen Dialog ein, in den der Rezipient unmittelbar mit einsteigt. Neben der Ausarbeitung installativer Objekte entstehen kleinere, zum Teil wandbezogene Arbeiten, welche auf die Untersuchungen bestimmter Materialitäten und Formen verweisen. Sie funktionieren als eigenständige Werke und zeigen einen wichtigen Prozess innerhalb meiner Arbeit.“

345

NOIRT

Noirt is unmistakable for its absurd, arcane and dystopic work, consisting of illustrations, paintings, digital and object art. Recent collaborations include Viva con Agua at the „Neusicht Kunst- und Kulturfestival“, the Fumetto Comix Festival‘s satellite exhibition and various local exhibitions. The artist Kaspar Wyss, born in 1983, lives and works in Lucerne.

www.noirt.ch facebook: noirt.ch instagram: noirt_by_nature

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Noirt zelebriert Absurdes und Abgründiges, dystopisch und unverwechselbar, im Bereich Illustration, Malerei, Digital- und Object-Art. Zu sehen war dies bereits in Zusammenarbeit mit Viva con Agua beim „Neusicht Kunst- und Kulturfestival“, in der Satellitenausstellung des Fumetto Comix Festivals und in verschiedenen lokalen Einzelausstellungen. Der Künstler Kaspar Wyss, geb. 1983, lebt und arbeitet in Luzern.

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OIBEL1.

On his shoulder lies a tattoo that says „Spread Love Bitchez“. His name is Sam Oibel 1., he is an artist, born and raised in Zurich. His interest for art and music started at an early age. After doing rap music for a few years he decided to dedicate himself fully to art and soon developed an unique style. All paintings, no matter if they are full of loud colors or just simply black lines, convey a lot of energy. His inspiration comes from everywhere; when he paints, he lets his thoughts and feelings flow freely into surrealistic subjects on canvas. „I like the fast and simple way“, he says, where he mostly paints without using any sketch.

www.oibelart.com facebook: oibelart instagram: OibelArt twitter: Oibel1

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Auf seiner Schulter steht „Spread Love Bitchez“. Sein Name ist Sam Oibel 1., er ist ein Künstler, geboren und aufgewachsen in Zürich. Schon in jungen Jahren befasste er sich mit Kunst und Musik. Nach einigen Jahren als Rapper unterwegs, beschloss er, sich ganz der Malerei zu widmen und konnte bald einen unverkennbaren Stil entwickeln. Alle Bilder, ob grell farbig oder nur schwarze Linien, vermitteln viel Energie. Die Inspiration kommt von überall her, beim Malen lässt er seinen Gedanken und Bewegungen freien Lauf und setzt diese surreal auf der Leinwand um. „Ich mag die schnelle und einfache Art und Weise“, sagt er, wobei er meist malt ohne vorher zu skizzieren.

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OLIVER HEINEMANN & PIET NIEMANN Die Hamburger Architekturfotografen Oliver Heinemann & Piet Niemann widmen sich in ihren freien Arbeiten der sozial-dokumentarischen Fotografie und visualisieren mit zunächst nüchtern wirkenden Aufnahmen gesellschaftliche Momentaufnahmen unserer Zeit.

They have observed a phenomenon that seems to be a result of our societies increasing urge for individualization and self-fulfillment – the ignorance of social disasters outside of the industrial hemispheres. The increasing numbers of people now fleeing these crises make those hidden problems too evident to disregard. The reaction in many places to this confrontation with reality is rejection and the result of this attitude can be experienced throughout Europe.

www.oliverheinemann.de www.pietniemann.de facebook: OHArchPhoto facebook: Piet-Niemann instagram: oharchphoto instagram:_piet_niemann twitter: OHArchPhoto

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Dabei beobachten sie eine Begleiterscheinung des zunehmenden Individualisierungs- und Selbstverwirklichungsdrangs in unserer Gesellschaft – die Verdrängung von Missständen außerhalb der industrialisierten Hemisphäre. Mit der zunehmenden Anzahl der Menschen, die aufgrund dieser Krisen nach Europa fliehen, gelangen die ausgeblendeten Probleme nun unaufhaltsam in den Alltag der westlichen Gesellschaft. Die Reaktion auf diese Konfrontation mit der Wirklichkeit ist vielerorts Ablehnung. Wozu diese Haltung führt, lässt sich an vielen Orten innerhalb Europas erfahren.

The Hamburg-based architectural photographers Oliver Heinemann & Piet Niemann dedicate their free time to social documentary photography and visualize socially relevant moments of our time with seemingly distant imagery.

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PAUL KINTU presented by VcA Kampala

Paul Kintu, 30, from Kampala, Uganda, was inspired to paint by a visit to the Ngoma Art Studio in Bukoto. During the first year, he worked as a brick layer in the day and painted at night. When he sold his first paintings in 2004 at the AKA Gallery, he realized that it is actually possible to be a full-time artist. His art is inspired by current events surrounding him. He uses mainly acrylic and oil on canvas to broach central problems and environmental issues. He is also influenced by the naive style of children‘s paintings, fascinated with capturing childhood memories and bringing them back to life on canvas.

MITWIRKENDE | CONTRIBUTORS

Paul Kintu, 30, aus Kampala, Uganda, wurde durch einen Besuch des Ngoma Kunststudios in Bukoto zum Malen inspiriert. Im ersten Jahr arbeitete er tagsüber als Maurer und nachts malte er. Erst als er seine ersten Gemälde 2004 in der AKA Galerie verkaufte, erkannte er, dass es möglich ist, ein Vollzeitkünstler zu sein. Seine Kunst wird inspiriert vom Tagesgeschehen seiner Umwelt. Er arbeitet hauptsächlich mit Acryl und Öl auf Leinwand, um zentrale Umweltprobleme und -fragen zu thematisieren. Beeinflusst wird er auch durch den naiven Stil von Kinderzeichnungen, denn es fasziniert ihn, Kindheitserinnerungen einzufangen und auf der Leinwand wieder zum Leben zu erwecken.

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PETER WHITE

Peter White is an independent photographer based in Northern Germany. For his latest project he got in contact with different graffiti artists all over Europe and followed them on their night activities through trainyards and tunnels. His photos showcase the places, actors, resulting artworks and give the viewers a glimpse into the special scene.

facebook: peterwhitephoto instagram: peter_white_photography

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Peter White ist ein unabhängiger Fotograf aus Norddeutschland. Für sein aktuelles Fotoprojekt hat er sich an die Fersen verschiedener Graffiti-Künstler aus Europa geheftet und sie auf ihren Streifzügen durch die Nacht, in Depots und in U-Bahnschächte begleitet. Er hält die Orte, Akteure und die so entstehenden Werke mit seiner Kamera fest, um dem Rezipienten einen kleinen Einblick in die Szene zu gewähren.

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PLOTBOT KEN

The fallow wasteland and off-spaces serve as a source of inspiration for the dark age scenarios and bleak motives of his art. At the same time, Plotbot KEN’s works are a mirror image of our time. This urban artist always moves beyond the beaten tracks of the city, be it deserted factory building, disused bunkers or abandoned industrial sites. Plotbot KEN is one of the young urban artists in Germany worth mentioning.

www.plotbotken.deviantart.com facebook: Plotterroboter instagram: ken_plotbot

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Die Brachen und Off-Spaces dienen als Inspirationsquelle für die Dark-Age-Szenerien und düsteren Motive seiner Kunst. Gleichzeitig sind Plotbot KENs Werke wie Spiegelbilder unserer Zeit. Ob verlassene Fabrikgebäude, abgewrackte Bunkeranlagen oder stillgelegte Industriebetriebe – der Urban Artist bewegt sich abseits der abgetretenen städtischen Felder. Plotbot KEN gehört zu den nennenswertesten jungen Urban Art Künstlern Deutschlands.

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POLYBROS

Polybros is the artist duo Ansgar Frings & Henry J. Wintherberg. Polybros builds contemporary objects and sculptures in the tension of modern, polygonal structures, between assemblage and found objects. The shapes, geometric structures, surface material, textures, and the transformations between single object and complete work, banality and artwork, are central elements. Formally, the works are not pure sculpture, not object, not painting. And yet they are all, with traces of the architecture of Spoerri and Duchamp, abstract, critical and concrete.

www.polybros.de

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Polybros ist das Künstlerduo Ansgar Frings & Henry J. Wintherberg. Polybros baut zeitgenössische Objekte und Skulpturen im Spannungsfeld moderner, polygonaler Grundstrukturen, zwischen Assemblage und Objet trouvé. Dabei sind die Form, geometrische Strukturen, Material und Oberfläche - und die Transformationen zwischen Einzelobjekt, Gesamtwerk, Banalität und Kunstwerk - zentrale Elemente. Formal betrachtet sind die Werke nicht rein Skulptur, nicht Objekt, nicht Malerei. Und doch sind sie all das, mit Spuren aus der Architektur, von Spoerri und Duchamps, abstrakt, kritisch, konkret.

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FOTO

PUMPUM

PumPum works as a graphic designer and illustrator. She drew a lot and discovered her interest in graphic design, which brought her to study it at University of Buenos Aires. A few years later she became part of Diseño 3 as a lecturer. During this time she began to create a wide range of possibilities to illustrate a whole universe of characters and figures. In this cosmo, sensuality lived next to punk rock in clear shapes and happy shining colours. She initiated different artistic and commercial projects with a focus on illustration and painting. The hunt for new challenges and experimenting with different media and techniques brought her drawings to the city walls, which gave a special freedom and impartiality to her work. From then on, she devoted herself to urban intervention. She often works with local and international artists – always dedicated to the mural and urban intervention. While steadily being a part of various creative and artistic projects, exhibitions, publications, challenges, festivals and many more, she expands to different, newer artistic expressions as well as different media, products, textile and fashion.

pum-pum.com.ar facebook: holapumpum instagram:holapumpum twitter: _pumpum

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PumPum ist eine Grafikdesignerin und Illustratorin. Schon immer zeichnete sie viel und entdeckte darüber ihr Interesse für Grafikdesign, welches sie dann schließlich zum Studium dessen an der Universidad de Buenos Aires bewegte. Einige Jahre später war sie als Dozentin Teil von Diseño 3. In dieser Zeit fing sie an, aus den vielfältigen Möglichkeiten der Illustration ein ganzes Universum an Charakteren und Figuren zu erschaffen. In diesem eigenen Kosmos lebt die Zärtlichkeit neben dem Punk Rock in klaren Formen und froh leuchtenden Farben beisammen. Sie realisierte daraufhin diverse künstlerische als auch kommerzielle Projekte mit den Schwerpunkten der Illustration und der Malerei. Die Suche nach neuen Herausforderungen und das Experimentieren mit verschiedenen Medien und Techniken brachte ihre Zeichnungen an die Wände der Stadt, was ihren Illustrationen eine ganz besondere Freiheit und Unbefangenheit erteilte. Seitdem hat sie sich der urbanen Intervention verschrieben. Dabei arbeitet sie oft mit vielen lokalen und internationalen Künstlern zusammen – stets dem Muralismus (der Wandmalerei) und der urbanen Intervention gewidmet. Während sie ständig an den unterschiedlichsten kreativen und künstlerischen Projekten, Ausstellungen, Publikationen, Wettbewerben, Festivals u.v.m. teilnimmt, experimentiert und öffnet sie sich parallel immer weiter neuen künstlerischen Ausdrucksformen und anderen Medien, Produkten, Textilien sowie auch der Mode.

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PUSH presented by affenfaust

PUSH is a Hamburg-based sculptors crew who have been installing plastic works in the public space since 2011. The cooperation is based on a strong will to create the own environment. Coming from the streets PUSH nowadays show their works in all kinds of spaces. Styrodur is the preferred medium. For special ideas PUSH also experiments with wood + steel+ turf, photo projects or at last reproduction with thermoforming film. The word PUSH has a great variety of meanings, most of which are an invitation to go forward and to increase motivation. The crew name is also competing with the daily flood of brand messages that are dominating the public space. Since 2013 PUSH works closely with the „Affenfaust Galerie“, and they are also part of establishing the „Street Art School St.Pauli-Karo-Schanze e.V.“

www.affenfaust.org facebook: styrocuts

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PUSH ist eine Hamburger Bildhauer-Crew, die seit 2011 plastische Objekte im öffentlichen Raum installiert. Basis der kollektiven Zusammenarbeit ist der unbedingte Wille sein Umfeld zu gestalten. Ausgehend von den Straßen des eigenen Wohnviertels zeigen PUSH ihre Werke mittlerweile in allen denkbaren Umgebungen. Styrodur ist das bevorzugte Arbeitsmaterial. Zu speziellen Ideen experimentieren PUSH mit verschiedensten Medien wie Holz + Stahl + Rasen, Fotoinstallationen oder zuletzt der Vervielfältigung mit Tiefziehfolie. Der Name PUSH bedeutet die Aufforderung, sich gegenseitig nach vorne zu bringen und Initiative zu ergreifen. Er dient als Symbol des Aufstands gegen die ständige Flut kommerzieller Markenbotschaften. Seit 2013 arbeitet PUSH fest mit der „Affenfaust Galerie“ zusammen, außerdem sind sie am Aufbau der „Street Art School St.Pauli-Karo-Schanze e.V.“ beteiligt.

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QUINTESSENZ

Quintessenz is timeless philosophic and state of the art. The abstract imagery of the artist duo Quintessenz from Berlin and Hannover are maps and sketchbook, at the same time in play with colors, materials, image motifs, places and forms. Once engrossed in the picture, a world opens up for artists and beholders that can‘t be more beautiful: as in a dream, the pledges of art and culture history are arranged to form a new whole and completed with the individual artists’ touch. With their pieces, Quintessenz presents an extract of the pictorial world between art and design, between ornamentation and sculpture, between painting and installation. (…) The timeless Quintessenz is state of the art!

Maxi Kretzschmar, Kunst- und Kulturmanagerin

Maxi Kretzschmar, Art and cultural manager

www.quintessenz-creation.com facebook: QuintessenzCreation/ instagram: quinte55enz

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Quintessenz ist zeitlos philosophisch und State of the Art. Die abstrakten Bildwelten des Künstlerduos Quintessenz aus Berlin und Hannover sind Landkarte und Skizzenbuch zugleich im Spiel mit Farben, Materialien, Bildmotiven, Orten und Formen. Einmal im Bild vertieft eröffnet sich für die Künstler und für die Betrachter eine Welt, wie sie schöner nicht sein kann: Wie in einem Traum sind Versatzstücke der Kunst- und Kulturgeschichte zu einem neuen Ganzen arrangiert und mit der individuellen Künstlernote vollendet. Quintessenz präsentiert mit ihren Kunstwerken einen Auszug aus ihrer Bildwelt zwischen Kunst und Gestaltung, zwischen Ornamentik und Plastik, zwischen Malerei und Installation. (...) Die zeitlose Quintessenz ist State of the Art!

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RADIKAL ZÄRTLICH

Radically Tender Due to the high demand last year, we will have a tattoo corner again this year. But instead of only two artists, there will be a whole pack coming: local heroes Pengi and Tobias Tietchen; Caro Ley, Ana Work and Gael Cleinow from Berlin; the ladies from Deuil Merveilleux in Brussels, San Coloured Skins and Capitaine Plum; the Franconian Imknotmink and Julia Chochola from Prague. If you want to make an appointment, just send an email to radikalzaertlich@gmail.com with the name of the tattooist you want to get tattooed by in the subject line and you will hear back from us. We will also propose flash designs that you can look up and reserve online as well as directly onsite.

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Nach dem großen Andrang im letzten Jahr wird es auch dieses Jahr wieder ein Tattoo-Corner geben. Anstatt nur zwei Künstler zu verpflichten, kommt dieses Jahr eine ganze Meute: Lokalmatadore Pengi und Tobias Tietchen, die Berliner Caro Ley, Ana Work und Gael Cleinow, die Ladys von Brüssels Deuil Merveilleux San Coloured Skins und Capitaine Plum, der Franke Imknotmink und Julia Chochola aus Prag. Wer einen Termin möchte, einfach eine Mail an radikalzaertlich@gmail.com mit dem Namen des Tätowierers/der Tätowiererin im Betreff, Ihr hört dann von uns. Einige von uns werden auch Wanna-dos anbieten, die man sich vorher online und direkt vor Ort anschauen und reservieren kann.

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Capitaine Plum

Ana Work

Pengi

Tobias Tietchen

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Caro Ley

Julia Chochola

369 Gael Cleinow

imknotmink

San Coloured Skins

RAMBA ZAMBA

instagram: gigiamando

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What‘s the look? Look for Flamingo information Yes, there‘s one thing, one thing that still holds true What‘s that?

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RO presented by VcA Kampala

“My work brings together soccer and art onto one platform. Growing up in Uganda, the art of making football is one of the strongest memories to date. We all made our own footballs using available materials. The kids from the urban areas made footballs from plastic bags and rubber bands while those from the rural villages made footballs from organic materials, particularly banana fibers. All these footballs were different; the ones made from plastic bags and rubber bands were filled with pressure while those made from organic materials were often stuffed, making them heavier. But they all had one thing in common: a sense of identity and unification.”

www.ronaldkerango.webs.com facebook: Ronald Ro Kerango instagram: ronaldkerango twitter: artfullro

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„Meine Arbeit vereint Fußball und Kunst auf einer Ebene. Ich wuchs in Uganda auf und die Kunst, Fußbälle selbst herzustellen, ist eine meiner stärksten Erinnerungen. Wir alle machten Fußbälle selbst mit vorhandenen Materialien. Die Kinder aus den städtischen Gegenden formten ihre Fußbälle aus Plastiktüten und Gummibändern, die Kinder aus den ländlichen Dorfgemeinden aus organischen Materialien, vor allem Bananenfasern. All diese Fußbälle waren unterschiedlich. Jene aus Plastiktüten und Gummibändern waren mit Druck gefüllt, während die Bälle aus organischen Materialien meist ausgestopft waren, um sie schwerer zu machen. Aber alle hatten etwas gemeinsam: ein Gefühl der Identität und der Vereinigung.“

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ROBERT BARSUHN

Robert Barsuhn ist ein deutscher Grafiker, Illustrator, Maler und Zeichner.

Robert Barsuhn is a German graphic artist, illustrator, painter and draftsman. „I have fished the motives for this project from the sea of internet images. The drawing area becomes an arena. I play with repetitions and similarities that lead to a kind of pattern. These forces attract, repel, hover, rise and fall. The difficulty is to find a balance. The subject order and chaos steadily accompanies my work. In an apparent chaos, there is a certain pattern or an order and aesthetics.“

robertbarsuhn.com facebook: Robert Barsuhn instagram: robertbarsuhn

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„Die Motive für dieses Projekt habe ich aus dem Bildermeer des Internets gefischt. Die Zeichenfläche wird zur Arena. Ich spiele mit Wiederholungen und Ähnlichkeiten, die zu einer Art Muster in der Darstellung führen. Dazu wirken Kräfte, die anziehen, abstoßen, schweben, steigen und fallen. Die Schwierigkeit dabei ist, ein Gleichgewicht herzustellen. Das Thema Ordnung und Chaos begleitet mein Schaffen stetig. In einem scheinbaren Chaos gibt es ein gewisses Muster bzw. eine Ordnung und Ästhetik.“

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ROBERT HOFFMANN presented by Only Art Club

Robert Hoffmann is known for his diverse and contrasting works that are influenced by social media, pop culture and the aesthetics of urban street art. Consisting of various materials such as neon tape, newspaper, corrugated cardboard, linen and acrylic, the artworks are composed of typographical elements in all shapes and sizes, creating a stimulating chaos of color, shape and structure. For Robert Hoffmann, art opens up the possibility to start a dialogue through an object – without even the need to be physically involved. Art can trigger a monologue or a dialogue on the piece of work; the reaction it creates by engaging others with it, is what makes it quite fascinating.

www.roformat.com instagram: robert.roformat twitter: InfoRoformat

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Robert Hoffmann ist bekannt für seine vielschichtigen und kontrastreichen Arbeiten, die durch die sozialen Medien, die Pop-Kultur sowie die Ästhetik der urbanen Streetart beeinflusst werden. Bestehend aus diversen Materialien wie Neon-Tape, Zeitung, Wellpappe, Leinen und Acryl, sind die Kunstwerke aufgebaut aus typografischen Elementen in allen Formen und Größen, welche ein stimulierendes Chaos aus Farbe, Form und Struktur erschaffen. Für Robert Hoffmann eröffnet Kunst die Möglichkeit, einen Dialog durch ein Objekt zu starten – ohne die Notwendigkeit, selbst physisch involviert zu sein. Kunst kann somit einen inneren Monolog oder einen Dialog über das Objekt auslösen – die Reaktion, die dieses durch den Einbezug anderer kreiert, ist das, was Kunst in seinen Augen so faszinierend macht.

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ROSWITHA GOBBO

“Recycle Me!” is a temporary project, which inspires the visitor to rummage through vintage clothes. Visitors can give ideas for a redesign of these clothes on the spot to the artist Roswitha Gobbo and order it from her. The sales price, which is to be determined by the visitor, goes to Viva con Agua! The project broaches the issue of virtual water consumption and the exploitation of workers in industrial nations. It proposes quite a unique solution. Roswitha Gobbo is a sound artist who works with time-based media. By doing so, she extends her field as she requires it.

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„Recycle Me!“ ist ein temporäres Projekt, das den Besucher anregt, in Altkleidern zu stöbern. Seine Ideen zu einem neuen Kleidungsstück kann er der anwesenden Künstlerin, Roswitha Gobbo, als Bestellung aufgeben. Der Verkaufspreis, den der Besucher selbst bestimmen darf, geht an Viva con Agua! Das Projekt thematisiert den virtuellen Wasserverbrauch und die Ausbeutung der Arbeitskräfte in den Industrienationen und schlägt dabei eine recht eigenwillige Lösung vor. Roswitha Gobbo ist Klangkünstlerin, die gerne mit zeitbasierten Medien arbeitet. Dabei erweitert sie ihr Spielfeld je nach Bedürfnis.

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SABINE SKIBA

Sabine Skiba discovered her love of photography shortly after graduating from school. The freelance photographer has been living in Hamburg since 2006 and focuses on fashion and lingerie photography. In her spare time she’s obsessed with travelling around the globe. And again, the camera is never missing as Sabine tries to capture as many stories about the people and their surroundings in her photos. On the volcanic island of Iceland she was especially fascinated by the game between fire and ice, and its transformation into water: the elixir of life.

www.sabine-skiba.com facebook: SabineSkibaFotografie instagram: sabine_skiba

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Sabine Skiba entdeckte ihre Liebe zur Fotografie kurz nach dem Abitur. Seit 2006 lebt die freie Fotografin in Hamburg. Ihre Arbeits-Schwerpunkte liegen eigentlich im Bereich der Fashion- und Dessous-Fotografie, wobei sie in ihrer Freizeit das Reisen um den Globus liebt. Auch hier darf die Kamera natürlich nie fehlen, die in Momentaufnahmen die Lebensumgebungen und -geschichten von Menschen festhält. Auf der Vulkaninsel Island war sie besonders fasziniert von dem Spiel zwischen Feuer und Eis, die in ihrer Verbindung zu Wasser werden: dem Elixier des Lebens.

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SADHUX presented by VcA Kathmandu

“I am an street artist based in Kathmandu, Nepal. I finished my Bachelor in Fine Arts in 2011 and since then I have been working as an artist. My art is mix of elements inspired by contemporary events and sometimes addresses social issues. My works are inspired by street art and graffiti. The contemporary art scene in my country was boring. Then I found street art and graffiti that really appealed to me. My designs are inspired by my own roots that extend to the subculture.”

www.adityaryal.com facebook: SadhuX/ aditya.aryal instagram: saadhux

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„Ich bin ein Street-Artist aus Kathmandu in Nepal. Ich habe 2011 meinen Bachelor in Bildender Kunst gemacht und seitdem habe ich als Künstler gearbeitet. Meine Kunst ist eine Mischung aus Elementen, inspiriert von der Gegenwart und manchmal auch mit einem Bezug zu sozialen Themen. Meine Arbeit wird vor allem inspiriert durch Street-Art und Graffiti. Die zeitgenössische Kunstszene in meinem Land war langweilig. Dann fand ich Street-Art und Graffiti, was mir wirklich gefiel. Meine Motive sind inspiriert von meinen eigenen Wurzeln, die sich bis zur Subkulturerstrecken.“

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SARAH LÜDEMANN Apollo und Dionysus zu vermählen. In Schönheit kleiden das Unaussprechliche. Logisches Arrangement von Mutationen. Das haarige Biest bist du selber. Komm wie du bist. Es gibt keine Kontrolle, nur Imagination.

Sarah Lüdemann‘s works are generally on the cusp of seductive sensuality and utter brutality, serenity and irritation. She works with video, sculpture, drawing and performance; she initially studied Fine Art, Linguistics, Psychology and Philosophy at Cologne university, was selected for an influential residency with Mona Hatoum at Fundación Marcelino Botín in 2010 and received the South Square Trust Award to do an MA Fine Art at Central Saint Martins, London, which she completed with distinction in 2011. Recent shows include Ones & Zeros (solo), HDLU, Zagreb and Carnal Desires, Museum Villa Rot, Burgrieden.

www.sarahluedemann.com facebook: sara.genesis.79

MITWIRKENDE | CONTRIBUTORS

Sarah Lüdemanns Arbeiten bewegen sich grundsätzlich an der Schneide zwischen verführerischer Sinnlichkeit und äußerster Brutalität, Klarheit und Irritation. Sie arbeitet mit Video, Skulptur, Zeichnung und Performance, studierte zunächst Kunst, Linguistik, Psychologie und Philosophie an der Universität zu Köln, wurde 2010 für eine einflussreiche Residency mit Mona Hatoum in der Fundación Marcelino Botín ausgewählt und erhielt den South Square Trust Award, um am Central Saint Martins, London einen MA Kunst zu absolvieren, den sie 2011 mit Auszeichnung abschloss. Letzte Ausstellungen u.a. Ones & Zeros (solo), HDLU, Zagreb und Fleischeslust, Museum Villa Rot, Burgrieden.

And to marry Apollo and Dionysus. To clad in beauty the unspeakable. To arrange with logic those mutations. The hairy beast is you. Come as you are. There is no control, only imagination.

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SASAN

I was born in Iran, grew up in Kenya, studied art in Northern Ireland and have worked for many years in both South Africa and the United Arab Emirates. Home to me is always the place where I currently reside, which for the past three years has been Berlin. Always keen to tell a story visually, I found myself illustrating editorials and comics for magazines and newspapers around the world. My preferred medium is a simple black ink pen and I get lost for hours and hours cross hatching away.

www.sasanpix.com facebook: sasanpixillustrations instagram: sasanpix twitter: sasanpix

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Ich wurde im Iran geboren, bin in Kenia aufgewachsen, habe Kunst in Nordirland studiert und für viele Jahre in Südafrika und den Vereinigten Arabischen Emiraten gearbeitet. Zuhause ist für mich dort, wo ich mich gerade aufhalte. Die letzten drei Jahre war es Berlin. Ich mag es, Geschichten visuell zu erzählen und fand mich wieder im Illustrieren von Editorials und Comics für Magazine und Zeitungen auf der ganzen Welt. Mein bevorzugtes Hilfmittel ist ein einfacher Stift mit schwarzer Farbe – und ich verliere mich in endlosen Stunden der Kreuzschraffur.

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SASCHA BOLDT

„The Light of Art is in your Heart!“ - „If you choose Art-Art chooses you!“

In his art Sascha Boldt emphasises the connection of various layers of reality. Accumulated under the generic term „HybridRealism“ his work represents a construction-like character. In serial work groups and collaborations, various interfaces between seemingly everyday reality and reality that is compressed into art are developed and highlighted. The starting point of his art are obsessively archived sources from different media, which are revised in various stages and become interrelated. Multifaceted picture elements provide an entry into the perception of levels of reality existing in parallel and their hybrid nature is used to highlight specific contextual meanings and spaces of opportunity.

MITWIRKENDE | CONTRIBUTORS

Sascha Boldt beschäftigt sich in seiner Kunst mit der Verknüpfung verschiedener Realitätszusammenhänge. Akkumuliert unter dem Begriff „HybridRealismus“ haben seine Arbeiten einen konstruktionshaften Charakter. In seriellen Werkgruppen und Kollaborationen werden unterschiedliche Schnittstellen zwischen scheinbar alltäglicher und zu Kunst verdichteter Realität herausgearbeitet und hervorgehoben. Ausgangspunkt seiner Kunst sind obsessiv archivierte Quellen aus den verschiedensten Medien, die in diversen Stufen überarbeitet und miteinander verknüpft werden. Vielfältige Bildelemente bieten den Einstieg in die Wahrnehmung parallel existierender Realitätsebenen und zeigen in ihrem hybriden Charakter Bedeutungszusammenhänge und Möglichkeitsräume auf.

„The Light of Art is in your Heart!“ - „If you choose Art-Art chooses you!“

www.sascha-boldt.com facebook: saschaboldt instagram: sascha_boldt twitter: SaschaBoldt1 tumblr: saschaboldt www.saschaboldt.blogspot.de

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SEBASTIAN ASIEDU

Sebastian Kwasi Asiedu has never been to Ghana. Nevertheless, he was in many other places, e.g. on a pirate ship in the Caribbean or on a portable toilet in South Africa. He was born in 1983 at what is nowadays known as Hamburg‘s Art and Media Campus, where his creative spirit was put into his cradle. Kind of. In the end, he chose not to study but to photograph and assist for plenty of semesters. When he’s not on the move for a photo production, he is living his passion for portraits and subjects of the human species, realizing collaborations from nude to public and recently creating objects of desire. How charming, surprising or misleading the results of his split creative work are, was recently shown in his first solo exhibition at Raum linksrechts. And now also in the Millerntor toilets.

www.asiedu.eu facebook: sebastian.asiedu

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Sebastian Kwasi Asiedu war noch nie in Ghana. Dafür aber an vielen anderen Orten, wie z.B. auf einem Piratenschiff in der Karibik oder einem Dixi-Klo in Südafrika. Geboren wurde er 1983 auf dem heutigen Kunst- und Mediencampus Hamburg, wo ihm der kreative Spirit in die Wiege gelegt wurde. Quasi. Studiert hat er dann nicht, sondern viele Semester fotografiert und assistiert. Wenn er nicht gerade auf Fotoproduktionen unterwegs ist, geht der Menschenfreund seiner Leidenschaft für Portraits und Subjekte der menschlichen Art nach, realisiert Gemeinschaftsarbeiten von Akt bis öffentlich und macht neuerdings Objekte zur Begierde. Wie charmant, überraschend oder irreführend die Ergebnisse seines gespaltenen Schaffens sind, war kürzlich in seiner ersten Einzelausstellung im Raum linksrechts zu sehen. Und jetzt auf dem Millerntor-Klo.

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SEBASTIAN BIENIEK

Sebastian Bieniek was born in 1975 in Poland and moved to Braunschweig in 1997 to study art under the performance artist Marina Abramovic. His best-known artworks are radical performances and conceptual paintings, which often have humorous and ambivalent messages, and his so-called „Double-faced“ photographs also illustrate humor, ambivalence and illusion. In 2015, „The Culture Trip Magazine“ selected Sebastian Bieniek as one of the „Top 5 Influential Contemporary Berlin-Based Artists“. Bieniek’s work has recently been exhibited in Views (Arts Society Bahrain - Kingdom of Bahrain), The Imitation of the Imitation (Potemka Gallery - Leipzig/ GER) and The Melancholy of Elephant (Fotogalerie Friedrichshain - Berlin/ GER).

www.bieniek.at facebook: bienieksebastian instagram: sebastianbieniek tumblr: sebastianbieniek www.ello.co/bieniek

MITWIRKENDE | CONTRIBUTORS

Sebastian Bieniek, geb. 1975 in Polen, zog 1997 nach Braunschweig, um dort Kunst bei der Performance-Künstlerin Marina Abramovic zu studieren. Zu seinen bekanntesten Arbeiten zählen radikale Performances und konzeptuelle Gemälde, auf denen er sich oft humorvoll mit dem Thema der Ambivalenz auseinandersetzt. Seine sogenannten „Doublefaced“-Fotografien sind ebenfalls auf Basis dieses Themas entstanden. „The Culture Trip Magazine“ wählte Sebastian Bieniek im Jahr 2015 zu einem der „Top 5 Influential Contemporary Berlin-Based Artists“. Bienieks Arbeiten wurden in diesem Jahr bereits in Views (Arts Society Bahrain- Königreich Bahrain), The Imitation of the Imitation (Potemka Galerie - Leipzig/ DE) und The Melancholy of Elephant (Fotogalerie Friedrichshain - Berlin/ DE) ausgestellt.

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SEBASTIAN GÄBEL

Sebastian Gäbel (*1973) works in the transitional zone between sculpture and sound production. His installations are characterized by multi-sensual and site-specific properties. The works that are displayed at Millerntor Gallery are part of the Schall und Rauch (“sound and smoke”) project, which was originally presented at the Gothenburg International Biennial for Contemporary Art 2015. Ten pianos served as raw material for a series of objects that addressed the evanescence of identity-establishing status symbols and the change in societal cultural interest. The audience is invited to participate and use the sculptures as sound source. Gäbel lives and works in Berlin and Gothenburg.

www.sebastiangaebel.com instagram: jpsebastian

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Sebastian Gäbel (*1973) arbeitet in der Übergangszone zwischen Skulptur und Klangproduktion, seine Installationen zeichnen sich durch multisensuelle Eigenschaften und raumgreifende Dimensionen aus. Die Werke, die in der Millerntor Gallery gezeigt werden, entstammen dem Schall und Rauch-Projekt, das im Herbst 2015 bei der Gothenburg International Biennial for Contemporary Art vorgestellt wurde. Zehn Klaviere dienten hierbei als Grundmaterial für eine Serie von Objekten, die die Vergänglichkeit identitätsstiftender Statussymbole und die Wandlung kultureller Interessen behandelten. Das Publikum ist eingeladen, die Skulpturen als Klangquelle zu benutzen und die Ausstellung zu beschallen. Gäbel lebt und arbeitet in Berlin und Göteborg.

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SEBASTIAN WELLS

When Babelsberg 03 founded the football team „Welcome United“ in the summer of 2014, it was the first team in Germany to consist of only refugees. Football in Babelsberg has not solved any of the world’s crisis but it certainly did help a handful of people to arrive in a foreign country and, for at least 90 minutes a week, get back a little part of the joiede-vivre that seemed to be lost forever after the flight.

sebastianwells.de facebook: SportfotoWells instagram: wells_sebastian twitter: sportfoto_wells tumblr: sebastianwells

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Im Sommer 2014 gegründet, ist das Fußballteam „Welcome United“ von Babelsberg 03 das Erste in Deutschland, das nur aus Flüchtlingen besteht. Fußball in Babelsberg hat noch keine Krise der Welt gelöst, aber es hat einigen Menschen geholfen, in einem fremden Land anzukommen und – für mindestens 90 Minuten in der Woche – einen Teil der Lebensfreude zurückzugewinnen, die vor der Flucht für immer verloren schien.

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SHAMSIA

Shamsia Hassani is an Afghan graffiti artist and teacher at Faculty of Fine Arts, Kabul University. In her graffiti, Shamsia often paints women in burqas or women in symbolic shapes, and fishes, symbolic of the atmosphere flowing around her and her own life experiences. She is the first female graffiti artist and first 3D street art artist from Afghanistan and uses her art to help and bring positive changes to people and specifically, to wash away the depressing memories of long-time war which took place in her country. She has been part of solo and group exhibitions inside and outside of Afghanistan (e.g. Germany, Australia, Iran). Shamsia, who is also one of the founders of Berang Arts Organization, puts her best effort to exchange her contemporary arts experiences with her students and present more artists to the community.

facebook: Shamsia Hassani instagram: Shamsia hassani

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Shamsia Hassani ist eine afghanische Graffiti-Künstlerin und Lehrerin der Fakultät Bildende Kunst an der Kabul University. In ihren Graffitis malt Shamsia oft Frauen in Burkas bzw. Frauen in symbolischen Formen. Und Fische – Symbole für die Atmosphäre, die um sie herum strömt und ihre eigenen Lebenserfahrungen. Sie ist der erste weibliche Graffiti-Künstler und 3D-Street-Art-Künstlerin in Afghanistan und benutzt ihre Kunst vor allem, um Menschen positive Veränderungen zu bringen und bedrückende Erinnerungen eines langen Krieges wegzuwaschen, der in ihrem Land stattfand. Sie war Teil von Einzel- und Gruppenausstellungen innerhalb und außerhalb von Afghanistan (z. B. Deutschland, Australien oder Iran). Shamsia, die außerdem eine der Gründer von Berang Arts Organization ist, steckt viel Mühe in ihr Projekt, die Erfahrungen mit zeitgenössiger Kunst mit ihren Studierenden zu teilen und der Community weitere Künstler zu präsentieren.

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SHARK Harun “Shark” Dogan initiated the world’s first coloured graffiti magazine and is considered a pioneer of the hip hop/street art scene. Born in Switzerland to Turkish parents, he is an internationally successful artist and entrepreneur. Even though it might seem hard to believe, the Swiss graffiti scene has an excellent reputation around the world and even in the Bronx, where it all originated in the 1980s. Harun “Shark” Dogan is amongst those who contributed to the Swiss scene‘s popularity. He made a name for himself as a break dancer and graffiti artist and organized the biggest hip hop party in Luzern as a sixteen year-old. In 1991 he published the world’s first hip hop magazine in colour, “Make`t`Better“. By then, “Shark” had become well known in the European scene. In 1992 Dogan founded the street art fashion brand Wrecked Industries which five years later grew into the first 360 deal music label. This was in 1997 and is yet another example of Dogan’s innovative spirit and his strong business acumen. From 2003 onwards, Dogan and his agency www.icon-lab. com focused “solely” on graffiti and graphic design. He won competitions like the “Got To Be Trendscout“ (Sony & Schwarzkopf) and travelled the world as a blogger for his clients. Since 2008 “Shark” and his business partner Christoph Wyer are in charge of their agency “Rawcut Design Studio”.

www.rawcut.com.tr / www.rawcut.ch facebook: shark001

MITWIRKENDE | CONTRIBUTORS

Harun „Shark“ Dogan initiierte das erste farbige Graffiti-Magazin der Welt und gilt als Pionier der europäischen HipHop-/Street Art-Szene. Der Sohn türkischer Eltern wurde in der Schweiz geboren und ist ein international erfolgreicher Künstler und Unternehmer. Kaum zu glauben, doch die Schweizer Graffiti-Szene genießt international einen exzellenten Ruf – selbst in der New Yorker Bronx, wo anfangs der 1980er-Jahre alles seinen Ursprung hatte. Zur Popularität dieser Szene beigetragen hat u.a. Harun „Shark“ Dogan. Früh machte er sich als Breakdancer und Graffiti-Künstler einen Namen, 1988 organisierte er, im Alter von 16 Jahren, die dato größte Hip Hop-Party in Luzern und publizierte ab 1991 „Make`t`Better“ – das erste Graffiti-Magazin der Welt in Farbe. Damit wurde „Shark“ in der europäischen Szene definitiv zum Begriff. 1992 gründete Dogan den Street-Art-Fashion-Brand Wrecked Industries, der fünf Jahre später zum ersten 360-Grad-Modell eines Musiklabels wurde. Und das im Jahre 1997. Ein weiteres Indiz für Dogan’s Innovationsgeist und seinen guten Geschäftssinn. 2003 konzentrierte sich Dogan fortan mit seiner Agentur www.iconlab.com „nur noch“ auf Graffiti und Grafikdesign. Er gewann Wettbewerbe wie „Got To Be Trendscout“ (Sony & Schwarzkopf) und reiste als Blogger für Kunden um die Welt. Seit 2008 führt Shark zusammen mit Business Partner Christoph Wyer die Agentur „Rawcut Design Studio“.

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SHRADDHA SHRESTHA DEADLINE

Shraddha Shrestha is a designer, illustrator, as well as a mural artist from Kathmandu. Her work revolves around cartoons, comics, and fantasy dealing with her emotional and social experiences. She enjoys classical animations, political art from the world war, especially photo montage, and is inspired by them. She is also experimenting with street art and loves to play around with paper cut-outs, collages and her imaginary characters. She tags herself as „Deadline“. People ask, „Why Deadline?“ Because she hates that word! Makes sense?

www.shraddhashrestha.carbonmade.com facebook: deadline0 instagram: deadlinedeadline

MITWIRKENDE | CONTRIBUTORS

Shraddha Shrestha ist eine Designerin, Illustratorin und Wandmalerin aus Kathmandu. Ihre Arbeiten entstehen rund um Cartoons, Comics und Fantasie, welche sich mit ihren emotionalen und gesellschaftlichen Erfahrungen auseinandersetzt. Sie mag klassische Animationen, politische Kunst aus dem Weltkrieg – vor allem Fotomontagen – und zieht daraus ihre Inspiration. Zudem experimentiert sie mit Straßenkunst und liebt das Spiel mit Scherenschnitten, Collagen und ihren imaginären Charakteren. Sich selbst bezeichnet sie als „Deadline“. Viele fragen „Warum Deadline“? Weil sie dieses Wort hasst. Macht das Sinn?

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SIMON NELKE presented by Galerie Schimming

Bringing it to light, layer by layer. Foregrounding the shadows of the visible, making an image motif of the hidden. Since the beginning of his studies, Nelke deals with the striking persistence of human beings. Layering and partial removing of the oil colors are the basis of his artworks. Thereby former parts of the picture appear again. His spectral palette is enormous and also includes black and white parts. In various ways, Nelke’s artwork reminds one of the big Emil Nolde. The violet-, blue-, green- and pink-shades create an exotic impression – in Nelke’s artworks as well as in Nolde’s artworks. The creative self-confidence is obvious in all of his art pieces. Mystic subjects of painting of the occident as well as of the orient and of the world of native people procreate the dimension of the hidden.

www.galerieschimming.com facebook: simonnelkeHH instagram: simon_nelke

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Das, was darunter liegt, Schicht für Schicht zu Tage fördern, ans Licht bringen. Die Schatten des Sichtbaren in den Vordergrund stellen, das Verborgene zum Motiv machen. Seit dem Beginn seines Studiums befasst sich Nelke in auffälliger Beharrlichkeit mit dem Menschen. Schichten und partielles Abreißen der Ölfarbe bilden die Grundlage seiner Arbeiten. Dadurch kommen frühere Teile des Bildes wieder zum Vorschein. Seine Palette ist im Spektralen umfangreich und enthält gelegentlich schwarz-weiße Anteile. Nelkes Malerei erinnert in mannigfaltiger Hinsicht an den großen Emil Nolde. Die Violett-, Blau-, Grün- und Rosatöne erzeugen sowohl bei Nolde als auch bei Nelke einen exotischen Bildklang. In allen Arbeiten Nelkes manifestiert sich ein schöpferisches Selbstbewusstsein. Mystische Motive des Abend- und Morgenlandes wie auch aus der Welt nativer Völker zeugen von der Dimension des Verborgenen.

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SOLARA SHIHA supported by RESTART – ein Onlinemarktplatz für Kunst von Geflüchteten (www.restart.rocks)

Solara is a Syrian architect and artist based in Berlin. She obtained her Bachelor and Diploma in Architecture from Tishreen University in Latakia, where she taught Architectural Theory for two years before receiving a scholarship to join a Masters program at TU Berlin. She started drawing as a child and has developed a sense for details and ornaments ever since. One of the main subject she works with is the feeling or situation of loss; loss of loved ones, memories and places. She nevertheless often uses bright, strong colours and an excessively ornamental style. Her work was exhibited three times in Berlin, and she is the artist director of RESTART.

www.solaresque.com facebook:Solaresque instagram: solarestics other: www.restart.rocks

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Solara ist eine syrische Architektin, wohnhaft in Berlin. Ihren Bachelor und ihr Diplom schloss sie an der Tishreen University in Latakia ab, an der sie zwei Jahre lang Architekturtheorie unterrichtete, bevor sie das Stipendium für einen Master an der TU Berlin bekam. Schon als Kind fing sie an zu zeichnen und hat seitdem ein Gefühl für Details und Verzierungen entwickelt. Eines der Hauptthemen, mit dem sie arbeitet, ist das Gefühl oder die Situation des Verlustes; Verlust von geliebten Menschen, Erinnerungen oder Orten. Trotzdem nutzt sie oft starke, leuchtende Farben und einen exzessiven Ornamentstil. Ihr Werke wurde bereits dreimal in Berlin ausgestellt. Sie ist zudem die künstlerische Leiterin von RESTART.

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STEFAN GROENVELD presented by VcA Kampala

“Photographs are for the future. Only when something is no longer there, you will notice that you don‘t have a photo of it. Therefore, most people are only aware of the value of an image much later. My camera is my key. It’s an door opener to other people’s lives. Sometimes for a few seconds, sometimes for a lifetime. Such intimate moments are an honor for me. Every split second of these connections change my life and my point of view.”

www.groenveld.de facebook: StefanGroenveld.Fotograf.Hamburg

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“Fotografien entstehen für die Zukunft. Erst, wenn etwas nicht mehr da ist, wirst Du merken, dass Du kein Foto davon hast. Der Wert eines Bildes wird den meisten Menschen daher oftmals erst viel später bewusst. Die Kamera ist für mich der Schlüssel. Mit ihr öffne ich Türen und betrete das Leben anderer Menschen. Manchmal für Sekunden, manchmal für sehr viel länger. Diese intimen Momente begreife ich als Auszeichnung. Als Chance. Und jeder dieser Augenblicke verändert mich und meine Sichtweise.”

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STEFFEN Z WOLFF presented by VcA Köln

Hailing from Baden, the artist moved to Cologne in order to pursue a degree in Media. After having spent some time in Berlin and Hamburg, he settled on the banks of the Rhein for the second time. Despite always being on the go as a popular photographer, media designer and consultant, his passion for graffiti has accompanied him for more than 20 years and never stood in his way. On the contrary, his objective has always been to use the interaction of motive, colour and shape to convey the desired statement.

facebook: steffenzwolff

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Das Studium der Medien zog den gebürtigen Badener nach Köln, wo er nach Ausflügen in die Hauptstadt und Hamburg wieder am Rhein sein Zuhause fand. Dass ihn trotz seiner Umtriebigkeit als gefragter Fotograf, Mediendesigner und -berater, Graffiti seit über 20 Jahren begleitet, steht ihm nicht im Weg. Ganz im Gegenteil, schließlich geht es ihm immer wieder um das Zusammenspiel von Motiv, Farbe und Form und diese in die gewünschte Aussage zu transportieren.

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TAMARA NAHAR supported by RESTART – ein Onlinemarktplatz für Kunst von Geflüchteten (www.restart.rocks)

Tamara started drawing in 2008, while she was still studying at the faculty of Fine Arts in Damascus. After graduating in 2012, she participated in a postgraduate programme about art from 2013 to 2015. In 2012 she found her preferred artistic style: abstract expressive. Through this style, she is able to express her feelings in a way that is different from the forms in real world. Her motivation is the everyday stories of people, how they live and experience life. She participated in several workshops and exhibitions since her arrival in Germany. This also includes the exhibition in Berlin called RestART.

facebook: Tamara-Nahar-Art-works

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Tamara fing 2008 an zu zeichnen, noch während ihres Studiums an der Fakultät für Bildende Künste in Damaskus. 2013 bis 2015 belegte sie zudem einen Masterkurs in Kunst. 2012 fand sie ihren Lieblingsstil: abstrakt-expressiv. Durch diesen Stil war es ihr möglich, ihre Gefühle auszudrücken, auf einem ganz anderen Weg, als den in der realen Welt. Ihre Motivation sind Alltagsgeschichten der Menschen, wie sie leben und was sie erleben. Sie nahm an verschiedenen Workshops und Ausstellungen teil, seitdem sie nach Deutschland kam. Dazu gehört auch die Ausstellung RestART in Berlin.

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TAN “The signs and stimuli of the contemporary come quickly and go directly into my work. I attempt to present and spread before people‘s eyes, a reality whose elements are in a controlled state of disorder. My recent body of work consists of pieces that explore the combination of photography and painting. I experiment with a wide range of topics and subjects, linked to the concept of selection and graphic compilation, producing a large body of work that is experimental and in search of conceptual diversity. Each of the series of paintings that I’m working on unfolds as an album, an archive of found random images and a binnacle of content. This produces an unsettling vision of specific themes, where nature, science and technology interact and merge, operating as a platform that contains and displays multiple layers of meaning... I work with silkscreen as the main technique for image transfer as it accommodates to my dynamic, fast and intuitive working pace. I try to transcend the medium and create layered narratives that allow for multiple interpretations of images. These generate a direct and immediate thematic assimilation in the viewer, and gives way to a distinct aesthetic experience.”

MITWIRKENDE | CONTRIBUTORS

„Die Zeichen und Impulse des Zeitgenössischen kommen schnell und fließen direkt in meine Arbeit. Ich versuche, zu präsentieren und nach außen zu gehen, bevor die Augen der Leute eine Realität sehen, deren Elemente in einen kontrollierten Status der Unordnung geraten sind. Meine aktuelle Arbeit besteht aus Teilen, die die Kombination von Fotografie und Malerei erkunden. Ich experimentiere mit einer großen Bandbreite verschiedener Themen und Subjekte, verbunden mit dem Konzept der Auswahl und grafischen Zusammenstellung, und produziere einen Großteil an Werken, der experimentell und nach der Suche konzeptioneller Unterschiedlichkeit ist. Jede der Gemäldeserien, an der ich arbeite, entfaltet sich als ein Album, ein Archiv zufällig gefundener Bilder und ein Kompasshäuschen von Inhalt. Das erschafft eine aufregende Vision bestimmter Themenwelten, in denen Natur, Wissenschaft und Technik interagieren und verschmelzen, und als eine Plattform funktionieren, die verschiedene Bedeutungsebenen beinhaltet und zeigt... Ich arbeite mit Siebdruck als Haupttechnik von Bildübertragung, weil es meiner dynamischen, schnellen und intuitiven Arbeitsgeschwindigkeit entgegenkommt. Ich versuche, über das Medium hinauszugehen und geschichtete Erzählungen zu schaffen, die verschiedenartige Interpretationen der Bilder ermöglichen. Diese generieren eine direkte und sofortige thematische Einverleibung des Betrachters und ermöglichen eine individuelle ästhetische Erfahrung.“

www.tanvargas.com facebook: tanvargas instagram: tanvargas twitter: tanvargas tumblr: tanvargas

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TASEK

TASEK lives and works in Hamburg, Germany since 1997. He studied Design and Painting in Hamburg, established the „getting-up“ Urban Art Studios, and started developing art projects in the early 2000s. TASEK was involved in many projects around the globe (USA, Brazil, India, UK, France, Australia…)Collaborating with universities, schools, agencies as well as with social and cultural projects is a vital part of his work. His artwork is always in delicate correspondence with urban space. In simple and abstract ways he seeks a sensitive but critical approach to this world with „too much of everything“ in it. A contradiction lies within. His thoughtful and clear words embrace matter with pure emotion.

www.tasek.de facebook: tasek instagram: tasek__

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TASEK lebt und arbeitet seit 1997 in Hamburg. Er studierte Design und Malerei in Hamburg, gründete die „getting-up“ Urban Art Studios und startete mit der Entwicklung von Kunst-Projekten in den frühen 2000ern. TASEK war in viele Projekte auf der ganzen Welt (USA, Brasilien, Indien, UK, Frankreich, Australien...) involviert. Die Zusammenarbeit sowohl mit Universitäten, Schulen und Agenturen, als auch mit sozialen und kulturellen Projekten- ist fester Bestandteil seiner Arbeit. Seine Werke korrespondieren stets mit öffentlichen Räumen. In einfacher und abstrakter Art und Weise sucht er einen sensiblen aber kritischen Zugang zu dieser Welt mit „zuviel von allem“ drin. Der Widerspruch liegt mittendrin. Seine überlegten und klaren Worte umarmen Material mit reiner Emotion.

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Making Of aus dem Shooting

THOMAS KOCH

Der Hamburger Künstler ist ein Alltime-Viva con Agua-Supporter und in der Millerntor Gallery seit Beginn dabei. In diesem Jahr lässt er die rote Hölle losbrechen: Bereits zum dritten Mal inszeniert er die Mannschaft des FC St. Pauli fotografisch und packt dieses Jahr nochmal eine Schippe drauf. Entstanden sind spektakuläre, sehr detaillierte und ästhetische Werke, welche auf heiligem Rasen unter den Hammer kommen! So wird verbunden, was in der Millerntor Gallery zusammen gehört: Viva con Agua und FC St. Pauli, Kunst und Sport für Wasser.

Thomas Koch is a photographer, illustrator and designer. He‘s known for his close-up portraits, from bums to kings, where photography is combined with elements of street art, painting and digital art. Because of the various techniques and its combination, his work is very multi-faceted, which is unrivaled in the art market. His work have been presented at several national and international exhibitions and events. The Hamburg-based artist is an all-time Viva con Agua supporter and was part of the Millerntor Gallery since the beginning. This year he unleashes the red hell. For the third time in a row, he‘s photographing the FC St. Pauli‘s team and has brought it up to the next level. The result are spectacular, highly detailed and aesthetic works, which will be sold on sacred turf under the hammer! Through this, he combines what unites the Millerntor Gallery: Viva con Agua and FC St. Pauli, art and sports for fresh water.

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Thomas Koch ist Fotograf, Illustrator, Designer und scheut sich nicht, all dies miteinander zu verwursten. Bekannt ist er für seine Close-Up-Portraits von „Pennern bis zu Königen“, in denen Fotografie, Streetart-Elemente, Malerei und Digital-Art aufeinander treffen. Aufgrund der verschiedenen Techniken, und der Kombination dieser, zeigt sein Werk ein extrem breites Spektrum, was auf dem Kunstmarkt seinesgleichen sucht. Seine Werke wurden bereits national und international in verschiedensten Ausstellungen und Veranstaltungen der Öffentlichkeit präsentiert.

Thomas Koch is also part of the SUTOSUTO art team with Frau Meier.

Außerdem ist Thomas Koch dieses Jahr auch wieder mit Frau Meier als SUTOSUTO am Start.

www.thomaskoch.gallery

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TINDI presented by VcA Kampala

Ronnie Chris Tindi‘s focus is painting, mainly acrylic painting, but he also explores other disciplines of art such as sculpture through recycling. He loves to illustrate his dreams as an artist by painting them on canvas. His work is mainly about hope and beauty. All his pieces are in an impressionistic style and sometimes mixed with cubism and symbolism. Tindi is also engaged in the building of the arts industry in Uganda and is currently vice president of „Uganda Visual Artist and Designers Association“ (UVADA). He was shortlisted as one of the top 10 contemporary artists in Uganda by „The Culture Trip“ in 2014.

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Ronnie Chris Tindis Schwerpunkt ist die Malerei, hauptsächlich Acryl-Malerei, aber immer öfter entdeckt er auch andere Felder der Kunst für sich, wie z.B. das Erstellen von Skulpturen aus recycelten Materialien. Er liebt es, seine Träume zu illustrieren und sie als Künstler auf die Leinwand zu bringen. Seine Arbeiten beschäftigen sich hauptsächlich mit Hoffnung und Schönheit und sind überwiegend impressionistisch – manchmal in Verbindung mit Kubismus und Symbolen. Darüber hinaus engagiert sich Tindi aktiv für die Kunst in Uganda und ist derzeit Vize-Präsident in der „Uganda visual artists and designers association“ (UVADA). „The Culture trip“ setzte ihn zudem im Jahre 2014 auf die Shortlist der besten zeitgenössischen Künstler Ugandas.

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TOBIAS KROEGER

Tobias Kroeger is an artist born in 1977 in Bremen, Germany. He painted his first graffiti in 1990 at the age of 12, and in 1997 he started working as a freelance graphic artist. Back then Kroeger‘s work was mainly influenced by the New York graffiti scene. In 2013, Kroeger changed his field of work to canvas and contemporary art. He makes use of traditional techniques like classical painting in oil or acrylic, creating, according to the artist, ‚an exciting discussion regarding present and past, masses and individuals, communication and isolation‘, all reflected in one of his latest works. His portraits are experiments, explorations of the unknown. The graphic elements are used as a symbol of unfollowed dreams and heteronomy in our society.

www.tobiaskroeger.com

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Es geht um Authentizität, Identität und Manipulation. Wie frei sind wir eigentlich? Was machen äußere Zwänge mit uns und sind wir bereits auf dem besten Weg zu einer dystopischen Gesellschaft? Aus der Graffiti-Bewegung der 90er stammend waren Kroegers Arbeiten stark vom New Yorker Stylewriting beeinflusst. Sein zeichnerisches Können ermöglichte es ihm jedoch schnell in seinen Arbeiten eine bildnerische Freiheit zu erlangen, die ihn vom Graffiti weg und letztendlich zur Figuration und zum Portrait führte. Seitdem malt er seine eigenartigen Portraits in Öl und Acryl auf Leinwand oder mit Fassadenfarbe und Sprühdose im urbanen Raum. Viel Verstörendes ist in Tobias Kroegers Arbeiten präsent aber ebenso subtile Ironie. Eine düstere, entindividualisierte Zukunft wird hier mit einem Blick auf unsere Gegenwart angedeutet, in der wir durch die Diktatur des Mainstream unweigerlich den Verfall von Individualität vorantreiben.

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ULI PFORR

Uli Pforr‘s (*1978 in Dortmund/ GER) paintings are mainly acrylic-oil-mixtures painted on canvas or timber boards. Through intensive and lively colors structured by clean marker lines, his work is a combination of art and graphic. His way of working is very intuitive as he combines experiences and encounters from the real world with magical and sometimes obscure characters from his dreams. Inspired by dubious milieus, border crossers and metropolitan stories hidden from everyday life, Uli creates large-sized scenes that are lively and full of characters. Sometimes the honesty in his paintings can hurt, but in the end these fantastic and narrative worlds with their bizarre characters always remain surreal.

www.ulipforr.de facebook: ulipforr instagram: uli_pforr .facebook: moewenkick

MITWIRKENDE | CONTRIBUTORS

Uli Pforrs (*1978 in Dortmund/ DE) Bilder sind in Acryl-Öl-Mischtechnik auf Leinwand oder auch Holztafeln gemalt. In seinen Arbeiten verbindet er das Malerische mit dem Grafischen, indem er wilde Farbflächen aus Acryl mit klaren Linien aus Marker ordnet. Seine Arbeitsweise ist eine sehr intuitive - Erfahrungen und Begegnungen aus der echten Welt mischt er mit märchenhaften Wesen oder auch düsteren Gestalten, die ihm in seinen Träumen begegnen. Ihn inspirieren zwielichtige Milieus und Grenzgänger, Geschichten aus der Großstadt, die im Alltag verborgen bleiben. So entstehen großformatige, figurenreiche Szenen mit einer manchmal fast beängstigenden Ehrlichkeit, letztendlich bleiben die fantasievollen, narrativen Bilderwelten mit ihren skurrilen Persönlichkeiten jedoch stets surreal.

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VARIOUS & GOULD

The Berlin-based artist duo Various & Gould has been closely collaborating since 2005. After studying at the Berlin-Weissensee School of Art, the artists graduated in 2010. The creation of Various & Gould is based on the simple but striking formula: 1+1=3. Mutual passions including their love for paper, enthusiasm for accidental beauty in everyday life and art in urban space form the core of their artistic practice. Screen printing and collage are their specialty. Various & Gould often deal with themes such as work, migration, (sexual) identity or the financial crisis in a playful manner. Influenced by (political) poster graphics, Dada and Pop Art, vivid colors combined with typography and encrypted messages are the characteristics of their work.

www.variousandgould.com facebook: various.and.gould instagram: variousandgould twitter: variousandgould

MITWIRKENDE | CONTRIBUTORS

Die in Berlin lebenden Künstler Various & Gould widmen sich seit 2005 ihrem gemeinsamen Werk. Im Jahr 2010 haben beide ihr Studium an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee abgeschlossen. Various & Gould stehen für die schlichte aber wirkungsvolle Formel: 1 + 1 = 3. Gemeinsame Interessen wie die Liebe für Papier, die Begeisterung für zufällige Schönheit im Alltag und vor allem die Arbeit im öffentlichen Raum, bilden die Grundlage für ihre Kollaboration. Siebdruck und Collage sind ihre absolute Leidenschaft. Auf meist spielerische Weise nehmen sie Themen wie u.a. Arbeit, Migration, (sexuelle) Identität oder die Finanzkrise in Angriff. Ihre Werke sind beeinflusst von (politischer) Plakatgrafik, Dada und Pop Art. Sie zeichnen sich oft durch eine starke Farbigkeit und eine vieldeutige Verknüpfung von Symbolen, Assoziationen und Stilen aus.

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VIVIANE GERNAERT

The works of Viviane Gernaert refer to contemporary films. She focuses on staged fights and the aesthetic representation of violence. Her figures are snapshots of a fraction of movement and represent a crucial moment of the cinematic presentation. If you look carefully at them, they seem so aesthetic that any moment of violence, fight and brutality seems faded out. The focus lies on the ambivalent and fragile relation between art, aesthetics and violence. The artist meets the challenges to capture the rapidity of combative actions within a sculpture. Her objects are characterized by instability and frailty of an unfinished plot. Due to these facts, they suggest the before and after in time and disarm the observer with their dynamic rigidity.

www.viviane-gernaert.de

MITWIRKENDE | CONTRIBUTORS

Viviane Gernaert bezieht sich in ihrer künstlerischen Arbeit auf zeitgenössische Filme. Ihr Interesse gilt dabei dem inszenierten Kampfspiel und der ästhetisierten Darstellung von Gewalt. Ihre Figuren sind Momentaufnahmen eines Bruchteils von Bewegung und repräsentieren einen entscheidenden Augenblick ihrer filmischen Vorlage. Betrachtet man die kraftvollen Momentaufnahmen, wirken sie jedoch derartig ästhetisch, dass jegliches Moment von Gewalt, Kampf und Brutalität ausgeblendet erscheint. Der Blick richtet sich auf das ambivalente und empfindliche Verhältnis zwischen Kunst, Ästhetik und Gewalt. Die Künstlerin stellt sich der Herausforderung, die atemberaubende Geschwindigkeit kämpferischer Aktionen in der Starre einer Skulptur einzufangen. Ihre Objekte sind geprägt von der Instabilität und Fragilität der nicht abgeschlossenen Handlung. Sie suggerieren auf diese Art und Weise das zeitliche Vorher und Nachher und entwaffnen den Betrachter durch ihre dynamisch anmutende Starre.

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WE ARE BÜRO BÜRO

WE ARE BÜRO BÜRO is an art, illustration and graphic design collective based in Hamburg and Braunschweig (Germany), run by Julian »BITER« Faudt and Stefan »STUKA« Mückner. With a shared background in illustration, graphic design and graffiti, the passion and knowledge the pair have for original creation and innovative design is visible within everything they create, be it branding, album artwork, illustration, or mural pieces. The work of We Are Büro Büro acts as small portals into alternate realities where clean finishes, considered color palettes and playful, cartoonish figures align.

www.wearebuerobuero.de facebook: wearebuerobuero instagram: wearebuerobuero behance: wearebuerobuero

MITWIRKENDE | CONTRIBUTORS

WE ARE BÜRO BÜRO ist ein Kunst-, Illustrations- und Design-Kollektiv mit Sitz in Hamburg und Braunschweig, geführt von Julian »BITER« Faudt und Stefan »STUKA« Mückner. Basierend auf ihren gemeinsamen Wurzeln in den Bereichen Illustration, Grafikdesign und Graffiti, fließen ihre Leidenschaft und ihre Fähigkeiten für Originalität und innovatives Design in alles ein, was sie gestalteten: vom Branding, über Album-Cover und llustrationen bis hin zu Wandarbeiten. Die Arbeiten von WE ARE BÜRO BÜRO öffnen eine Tür zu alternativen Realitäten, in denen klare Formen, ausgewogene Farbpaletten und spielerische, comicartige Elemente zusammentreffen.

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WOW123

Ingo Clauß, Kurator Weserburg | Museum für moderne Kunst

„From tradition to innovation, from continuity to the break thereof, Markus Genesius consistently evolves his style of writing. Tried and tested creations of form are refined; others are questioned, rethought and rewritten. In spite of the complex composition using dense graphical structures and polygonal forms, his pieces convey a tremendous dynamic. This tension creates a special kind of aesthetic, which distinguishes itself from the rest and always challenges the observer. WOW! is therefore not only a personal signet, but also at times the first reaction when confronted with this art.“

MITWIRKENDE | CONTRIBUTORS

„Zwischen Tradition und Innovation, zwischen Kontinuität und Bruch entwickelt Markus Genesius sein Style-Writing konsequent weiter. Bewährte Formfindungen werden verfeinert, anderes wird in Frage gestellt, überdacht und neu ausformuliert. Trotz des komplexen Aufbaus mit dichten grafischen Strukturen und vieleckigen Formen geht von seinen Pieces eine ungeheure Dynamik aus. Diese Spannung schafft eine besondere, aus der Breite herausragende Ästhetik, die immer auch eine Herausforderung für den Betrachter ist. WOW! ist dementsprechend nicht nur ein persönliches Signet, sondern bisweilen die erste Reaktion, wenn man dieser Kunst gegenübertritt.“

Ingo Clauß, curator Weserburg / Museum of Modern Art

www.markus-genesius.com facebook: markus.genesius instagram: markus_wow123_genesius

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FAMEILY

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ALEX DIAMOND

FAMEILY

Alex Diamond wurde von Jörg Heikhaus im Jahr 2004 als Kunstprojekt ins Leben gerufen. Obgleich er das ursprüngliche Projekt bereits vor Jahren abgeschlossen hat, etablierte sich Alex Diamond als sein Künstlername. Jörg versteht sich als „direkter und ehrlicher Geschichtenerzähler“. Der Hauptteil seiner Arbeit besteht aus der Analyse und Interpretation von Gegenwartskultur und ihrer wiederkehrenden Erkennungsmuster. Der künstlerische Fokus liegt dabei auf dem Studium der gesellschaftlichen und kulturellen Aspekte des menschlichen Zusammenlebens. Jörg arbeitet hauptsächlich mit Holz. Seine oft geschichteten, stets akribisch gearbeiteten und höchst detaillierten skulpturalen Holzschnitte, die er mit diversen Färbetechniken mischt, sind inzwischen zum unverwechselbaren Markenzeichen der Kunst von Alex Diamond geworden.

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Alex Diamond was initially created as a stand-alone art project by Jörg Heikhaus in 2004. Outliving its original intent, Alex Diamond eventually came to establish itself as his stage name. A determined and straightforward storyteller, most of Jörg‘s artwork can be seen as an exploration of contemporary culture and its recurring social recognition patterns. The artistic focus is on the study of social and cultural aspects of human coexistence. Jörg works primarily with wood. His often layered, meticulously crafted and highly detailed sculptural woodcuts, which he mixes with various dyeing techniques, have become the distinctive hallmark of art by Alex Diamond.

www.alexdiamond.net facebook: TADMC instagram: alexxxdiamond tumblr: tadmc

FAMEILY

ARTONE

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ArtOne (*1971) ist ein in Hamburg geborener Maler, der im Alter von 15 Jahren als Graffiti Writer in der aufkommenden Hip Hop-Szene mitgewirkt hat. Im Zeitraum zwischen 1988 und 1993 entstand ein Großteil seiner Werke, die in diversen Ausstellungen gezeigt wurden. Heute ist er hauptberuflich als international gefragter Kunsthandwerker im Interieurbereich tätig. 2010 kehrte ArtOne zu seinen Wurzeln zurück, und kombiniert nun sein berufliches Know-How mit seiner Leidenschaft Graffiti.

ArtOne is an artist born in Hamburg in 1971, who began as a graffiti writer at the age of 15 in the booming hip hop scene. Between 1988 and 1993 he created the larger part of his artwork that was shown in various exhibitions. Today he is mainly working as internationally acclaimed artisan in interior design. In 2010 he returned to his roots and now combines his professional know-how with his passion for graffiti.

www.atelierartone.com

FAMEILY

BJÖRN HOLZWEG

Auf dem Wege wilder Tiere begibt sich Björn Holzweg mit seiner Recherche in unbekannte Gefilde. Die dort entdeckten Geschichten von Freiheitskämpfern und Revolutionären bringt er wieder ans Tageslicht. Somit lenkt er den Blick auf vergangene und aktuelle Geschehnisse, die abseits der alltäglichen Wahrnehmung liegen. Es geht ihm dabei nicht um die Vermittlung einer konkreten Aussage – welche Moral man daraus zieht, das ist ein jedermann selbst überlassen. Der 1979 in Leipzig geborene Künstler lebt und arbeitet seit 2004 in Hamburg. Seine Kunst findet ihre Gestalt in Malerei, in Zeichnungen, Skulpturen und Aquarellen. Judith Hofer

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On the route of wild animals Björn Holzweg resorts to unknown territories. The stories of freedom fighters and revolutionizers discovered there, he brings to light again. With that he directs the view to past and current incidents, which are out of daily sight. For him, it is not important to mediate a concrete statement – it‘s up to oneself to get the moral out of it. The artist, born in Leipzig in 1979, lives and works in Hamburg since 2004. His art takes form in paintings, drawings, sculptures and watercolors.

www.bjoernholzweg.com facebook: bjoernholzweg instagram: bjoern_holzweg

FAMEILY

C.O.B. COLOURS OF BUNTWÄSCHE

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C.O.B. - Colours of Buntwäsche leben und denken in Hamburg und gestalten zu dritt für Äthiopien. Denn: „Sauberes Wasser, Sanitärversorgung und Hygiene (WASH) sind Grundbedürfnisse des Menschen und für eine gesunde Entwicklung des Einzelnen, sowie für die nachhaltige Entwicklung von Gesellschaften, unverzichtbar.“ WASH-Netzwerk & VENRO C.O.B. hat auf einer Viva con Agua-Projektreise in Addis Abeba mit der Welthungerhilfe seinen Anfang genommen, wo Schablonen für WASH geschnitten und umgesetzt wurden. Ziel ist es, Menschen das Thema Hygiene künstlerisch näher zu bringen. Mit Stencils, Plakaten und Stickern fallen sie dieses Jahr in die Millerntor Gallery ein. Sonst sind sie auch bei Los Piratoz anzutreffen. Ob auf der Fusion, im Gängeviertel oder auf ausgedienten Kasernen: ihr kreativer Raum ist vielseitig.

C.O.B. - Colours of Buntwäsche live and think in Hamburg and they create for Ethopia. “Clean Water, Sanitation and Hygiene (WASH) are basic human needs and indispensable for the development of healthy individuals as well as for the sustainable development of human societies.” WASH Network & VENRO C.O.B. started their work during a Viva Con Aqua project trip together with Welthungerhilfe to Addis Ababa, where stencils were cut out and implemented for WASH. Their main goal is to introduce people to hygiene in an artistic way. This year, they will enter the Millerntor Gallery with stencils, posters and stickers. You can also meet them with Los Piratoz. Whether at the Fusion Festival, in the Gängeviertel or on disused barracks: their creative space is versatile.

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DARKO CARAMELLO

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In der formalen Gestaltung sieht Darko Caramello Nikolic sein Œuvre als Hybrid zwischen dem Suprematismus und der Urban Art. Sein Werk ist durchgängig konzeptioneller Natur und von abstraktem Charakter. Inspiriert wird der Künstler von Mustern und Strukturen jeder Art, an jedem Ort. Im Inhalt orientiert er sich gern an philosophischen Fragestellungen der Aufklärung. Diese Fragen erneut, und zwar in Form und Farbe zu stellen, ist für ihn eine spannende Art um an neue Lösungen heranzugehen.

From a formal perspective, Darko Caramello Nikolic regards his oeuvre as a hybrid between suprematism and urban art. His work is of thoroughly conceptional nature and of abstract character. He is inspired by patterns and structures of all sorts, by every place he visits. On the content side he orientates himself on the philosophical questions of the Enlightenment. Posing these questions again, in the form of shape and colour, is the most exciting way for him to find new answers.

www.darko-caramello.com facebook: aramello.darko

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DAVID SHILLINGLAW

„David ist ein Gedanken-Abenteurer – die linke entdeckt die rechte Gehirnhälfte. Unbeantwortet, impulsiv, instinktiv und ruhelos – David malt nicht, er erschafft Zeit. David Shillinglaw scheut nicht davor zurück, seiner Kunst eine persönliche Note zu verleihen. Er lässt die wahrnehmungsbasierten Belange über seinen eigenen Weg, als Mann mit eigenem Sinn für Humor, einfließen. Das Ergebnis ist eine kraftvolle und frische Interpretation der Alltags-Realität. Seine Kunst hat einen Anklang von Pop, aber ein freundlicher, subtiler, unauffälliger Pop, welcher das Gewöhnliche präsentiert und den Betrachter begeistert, wenn er zeigt, dass man die besten Unterhaltungen mit sich selbst führt.“

Jaybo Monk

„David is a mind adventurer, where the left half of the brain explores the right one. Unanswered, impulsive, instinctive and restless - David doesn’t paint or draw, he creates time. Evident in all his work is that David Shillinglaw is not afraid to humanise his art. He incorporates the perceptual concern of his journey as a man with his own sense of humour. The result is a powerful and fresh interpretation of everyday reality. His art has the appeal of pop but a friendly, subtle, self-effacing pop that presents the ordinary and delights the viewer when he shows that you have the best conversation with yourself“. Jaybo Monk

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www.davidshillinglaw.co.uk facebook davidshillinglaw instagram: davidshillinglaw twitter: dodeshillinglaw tumblr: davidshillinglaw

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ELMAR LAUSE

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Elmar Lause ist ein Sammler: Plattgedrückte Coladosen, Klebebildchen fürs Poesiealbum, bunte Plastikmonster, alte Familienfotografien, Geweihe, Comicbilder, Zeitungsausschnitte und andere scheinbar belanglose Kleinigkeiten des alltäglichen Lebens bewahrt er in Kistchen, in Alben und Vitrinen sorgsam auf. Sie sind die Grundlagen für die skurrile, schräge Bilderwelt des Hamburger Künstlers. Elmar Lause mag es, das Gewohnte zu manipulieren, dem Bekannten etwas Unerwartetes, Überraschendes zu entlocken. Er arbeitet gerne mit Versatzstücken unterschiedlicher Bildwelten: Comic und Werbung, Kunst und Kitsch, Videospiele und Graffiti. In seiner Malerei, seinen Collagen, Fotoübermalungen und Skulpturen überlagern sich diese unterschiedlichen Elemente unserer Wirklichkeit und verbinden sich zu fantastisch-verrückten Inszenierungen.

Elmar Lause (born 1973 in Bochum, Germany) is a collector of flattened Coke cans, scrapbook stickers, multi-colored monsters made from plastic, vintage family photographs, antlers, comic strips, newspaper tear sheets and other seemingly irrelevant small details of everyday life that he carefully retains in boxes, albums and in display cabinets. All of them form the foundation of the artist’s odd and queer world that he evokes in his works. Elmar Lause enjoys manipulating the familiar and extracting something surprising and unexpected from the habitual. He works with the set pieces of various imageries: comic and advertisement, art and lowbrow kitsch, and video games and graffiti. In his paintings, collages and installations, these different elements of our reality are superimposed and in their combination, yield fantastic and crazy orchestrations.

www.elmarlause.com Elmar Lause Art instagram: Elmarlause

FAMEILY

HENNING HEIDE

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Henning Heide ist ein Hamburger Fotograf mit dem Schwerpunkt People, Portrait und Landschaft. Neben seiner Tätigkeit für Werbeagenturen, Musiklabels und Magazine arbeitet er auch immer wieder an freien Ideen, Herzensangelegenheiten und Charityprojekten. Die eingereichte Arbeit zeigt eine Straßenszenerie in Shashamane, Äthiopien - dem heiligen Land der Rastafari. Das Foto entstand am Ende eines langen Tages, während einer Projektreise in Äthiopien mit Viva con Agua und der Welthungerhilfe.

Henning Heide is a photographer from Hamburg, always looking for people, portraits and landscapes. Beside his work for advertising agencies, music labels and magazines, he always tries to keep working on free ideas, heartfelt projects and charity. His work for Millerntor Gallery shows a street scenery in Shashamane, Ethiopia – the holy land of Rastafari. The picture was taken at the end of a long day, during a project trip with Viva con Agua and Welthungerhilfe.

www.henningheide.com facebook: henning.heide.39 instagram: henningheide behance: henningheide

FAMEILY

LOW BROS

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Im Zentrum der Werke von Low Bros stehen meist stilisierte Tierfiguren mit menschlichen Attributen, die Elemente der Jugendkultur der 80er und 90er Jahre wie Graffiti, Hip Hop und Skaten aufgreifen - den wichtigsten Aktionsfeldern in der Jugend der Künstler. Die Protagonisten ihrer Werke verkörpern dabei Codes und Haltungen der Großstadt, welche mit Ursprünglichkeit von Tier- und Naturmotiven kontrastieren, die ebenfalls fester Bestandteil ihrer Bilderwelt sind. Auf diese Weise entsteht ein eigenes Low Bros-Universum, das aus der Ambivalenz zwischen Urbanität und Natur seine Spannung bezieht.

The work of Low Bros often focuses on stylized animal characters with human features and addresses graffiti, hip hop, skateboarding and other elements that had influenced and shaped the artists’ youth in the 1980s and 1990s. The protagonists of their work embody codes and attitudes of street life, which are in contrast to the natural purity of animal and nature motifs, also integral to their work. This tension drawn from the ambivalence between urbanity and nature results in their own Low Bros universe.

www.lowbros.de facebook: lowbros tumblr: lowbros. instagram: low_bros

FAMEILY

MAXIMILIAN MAGNUS

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Maximilian Magnus Arbeiten spiegeln eine wilde Fahrt von Emotionen getrieben von den immensen sozialen und kulturellen Unterschieden während seiner Reisen und Residenzen in einer Serie von großformatigen abstrakten Gemälden, Zeichnungen, Collagen und Videokunst wider. Die Kombination der verschiedenen Medien entwickelt sich zu sinnigen Botschaften, tief inspiriert von menschlichen Emotionen in Bezug zur Außenwelt. Der Künstler vereinigt dies alles in dem Gesamtkunstwerk “Move the World”, das neben seiner eigenen Kunst auch Projekte anderer Künstler involviert. Magnus lernte klassische Bühnenmalerei an der Louis Lepois Schule in Baden-Baden und erhielt 2007 ein Stipendium für den Aufenthalt in Robert Wilsons Watermill Center. Seine Arbeiten wurden unter anderem auf der Miami Art Basel und der Biennale für junge Kunst in Moskau gezeigt.

Driven by the immense social and cultural differences that Maximilian Magnus encountered during his travels and residencies, the artist‘s works mirror a wild journey of emotions manifested in a series of large, abstract paintings, drawings, collages and video works. The combination of different mediums develop into a graspable message that is deeply inspired by human emotions with regards to the environment. The artist unites everything within the overall work of art “Move the World”, which also involves projects from other artists besides himself. Magnus studied classic scenic painting at the Louis Lepois school in Baden-Baden and received a scholarship to reside at Robert Wilson‘s Watermill Centre in 2007. His works were shown at Miami Art Basel and the biennale for young artists in Moscow amongst others.

www.maximilianmagnus.com facebook: maximilian.m.schmidbauer instagram: maximilianmagnus

FAMEILY

MITTENIMWALD

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mittenimwald startete 2006 mit Stickern und ist seitdem aus dem Bereich Street Art nicht mehr wegzudenken. Er bevorzugt es, als Vollzeit-Künstler allein zu arbeiten und ist somit keiner Crew zuzuordnen. Er arbeitete für eine lange Zeit in verschiedenen Werbeagenturen, wo er lernte Menschen zu beeinflussen. Seine Inspiration zieht er aus aggressiver Werbung, Provokation und Punk. Seine Bilderwelt variiert von schönen Frauen, über Revolutionen und Pop-Ikonen bis hin zu Diktatoren mit Botschaften wie „Fuck Art“, „I love $$$“, „Enjoy Capitalism“ und dem allseits bekannten „Vandalism“, mit der Absicht sich kritisch selbst zu reflektieren. Durch das „Zerrütten“ der farbigen Werbebotschaften nimmt seine Kunst Bezug zu Punk und revolutionären Symbolen.

mittenimwald has been involved in street art since 2006 when he began with stickers. He prefers not to be affiliated with any crew, as he likes working alone as a full-time artist. He had worked in advertising agencies for a long time, and there he learnt to influence people. His inspirations are aggressive advertising, provocation, and punk. His imagery varies between beautiful women, revolutionaries, pop icons and dictators with messages such as “fuck art”, “I love $$$”, “enjoy capitalism” and the always reoccurring “vandalism”, meant to prompt critical self-reflection. By subverting the advertising-colored messages, he is balancing his art with references to punk and revolutionary symbolism.

www.mittenimwald.de

FAMEILY

QUEEN KONG

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KĂźnstlerduo QueenKong: Geboren in New York, lernen laufen in Mexiko, wachsen in Kolumbien auf, werden weise in der Schweiz. Mehrschichtigkeit verbunden mit Einfachheit. Erfahrungen, Begegnungen und die Ăśrtlichen Gegebenheiten sind Basis ihrer Inspiration.

Artist duo QueenKong: Born in New York, starting to walk in Mexico, growing up in Colombia, getting wise in Switzerland. Multilayer associated with simplicity. Experiences, encounters & local conditions are the foundation of their inspiration.

www.queenkong.ch facebook: queenkong.ch instagram: queenkongswitzerland

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REBELZER

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Rebelzer - still on the run since 1995 Rebelzer. Für die Öffentlichkeit bekannt wurde er mit seinen Freaks. Seine Freaks, nordisch freche Charaktere, die durch ihre Einfachheit und gute Laune bestechen. Schwarze Linien auf weißem Hintergrund geben den Freaks ihren individuellen Charakter und bringen ihre Aussage durch den Ausdruck auf den Punkt. Reduzierung auf ein Minimum. Ob am Hamburger Millerntorstadion, in Galerien oder an europäischen Häuserfassaden – Rebelzer blieb über die Jahre seinen Freaks treu und schaffte damit einen Wiedererkennungswert, der unverkennbar für ihn steht.

Rebelzer - still on the run since 1995 Rebelzer. In public he is known for his freaks. The freaks are Nordic naughty characters that stand out for their simplicity and good humor. Black lines on white background give the freaks their own characters. The statements are spot on and minimalistic, reduction to a minimum. Whether at Millerntor Stadium, in galleries or European walls – Rebelzer remained faithful to his freaks and thus obtained a trademark that is distinctively his.

www.rebelzer.com facebook: rebelzersfreaksfanseite

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RIPS1

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Linus von Moos hat seine kreative Ader schon in seiner Kindheit entdeckt. Als kleiner Junge versuchte er seinen perfekten Superhelden zu zeichnen. Zeichenblock und Stift waren seine ständigen Begleiter. Er entwickelte seine Kreativität kontinuierlich weiter und malte wann und wo er nur konnte. Durch das Breaken kam Linus von Moos, besser bekannt als Rips1, zum Graffiti, und er fing an zu sprayen. Für ihn hatte die kreative Arbeit große Bedeutung und eine befreiende Wirkung. Als weiteren Entwicklungsschritt absolvierte er eine Lehre als Dekorationsgestalter. So lernte Rips1 das Gespür für Materialien und verschiedene Techniken kennen– stets mit dem Ziel, Neues auszuprobieren. Rips1 ist Illustrator, Grafiker, Sprayer, Flyer-Designer, Dekorationsgestalter – schlicht gesagt ein experimentierfreudiger, kreativer Mensch, welcher mit seiner Kunst seine Vielseitigkeit auslebt.

Linus von Moos discovered his creativity when he was a child. As a little boy, he tried to draw his perfect superhero. A sketchpad and a pen were his constant companions. He developed his creativity and drew constantly – whenever and wherever he could. His love for breakdance brought Linus von Moos, also known as Rips1, to graffiti and he began to spray. To him, creative work had great importance and a liberating effect. He went on to complete an apprenticeship as a decorative designer, learning the sense of materials and different techniques, and always aiming to try new things. Rips1 is an illustrator, graphic designer, sprayer, flyer designer, and decoration designer – simply put, an experimental, creative person who expresses his versatility through his art.

www.rips1.ch facebook: Rips1 instagram: rips1

FAMEILY

SUTO SUTO

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Die zwei alten Bekannten Thomas Koch (strassenkoeter) und Frau Meier haben sich jetzt - nach mehreren gemeinsamen Arbeiten - zusammengetan und sind von nun an als SUTO SUTO in der Kunstwelt unterwegs. Oftmals basierend auf eigenen Fotografien, entwickelt das Duo eine ganz eigene Bildsprache: Fotografie verbindet sich mit Design, Realismus triftt auf Absurdes, detaillierte Zeichnungen gehen eine Symbiose mit großflächigen Malereien ein. Ergebnis dieser Mixtur ist eine verdichtete Art der Darstellung, die sehr tiefe, eindringliche und organisch anmutende Illustrationen hervorbringt. Diese Fusion verschiedenster Techniken prägt den Stil von SUTO SUTO. Beispielhaft für die gemeinsame Arbeit ist das Seemann-Mural in der Boilerman Bar, das in Kooperation mit dem 25hours hotel und der Millerntor Gallery entstand.

The two, old friends Thomas Koch (strassenkoeter) and Frau Meier have now - after several joint operations - teamed up and are going through the art world as SUTO SUTO. Often based on their own photographs, the duo developed a unique visual language: photography flows into design, realism meets the absurd, detailed drawings form a symbiosis with large paintings. The result of this mixture is a concentrated kind of representation that creates very deep, insistent and seemingly organic illustrations. This fusion of different techniques defines the style of SUTO SUTO. Exemplary of their common work is the sailor mural in the Boilerman bar, which was developed in cooperation with 25hours Hotel and Millerntor Gallery.

FAMEILY

TESE DSF

Er beschäftigt sich seit ca. 25 Jahren mit Kunst und gestaltet in der ganzen Welt Wände und Züge. Spezialisiert hat er sich allerdings auf Züge. Bei dieser Ausdrucksform ist er einer der wenigen Hamburger, die seit Jahren konsequent und aktiv sind. Durch seine leicht provozierende Art eckt er oft an. FuCK the NoRm! Er mag es bunt und groß! Denn: Wer kann, der kann! Und er kann... Ps. Eine Dose = 20 Tags... Jeder hat eine Dose, aber wo sind 20 Tags?

For approximately 25 years he has been dealing with art and creating walls and trains all around the world. But he specializes in trains. Regarding this form of expression, he is one of the few people from Hamburg that are consistent and active for years now. He scandalizes through his provocative manner. FuCK the NoRm! He likes it colorful and big, because: Who can it, can do it! And he can... PS. One can = 20 tags...Everyone has a can, but where are the 20 tags?

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instagram: teasedsf tumblr: teasedsf

FAMEILY

ZEZÃO

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Zezão, José Augusto Amaro Capela mit bürgerlichem Namen, begann in den 90ern mit seinem Bestreben, die Unterwelt von São Paulo mit Grafitti zu erobern. Zezão glaubte, dass es sein Recht ist, die bewährten Pfade mit seiner Kunst zu verlassen und neue Wege zu beschreiten. Er arbeitete in der Abwasserkanalisation, Entwässerungskanälen, im Schutt verlassener Ruinen und an dunklen Orten unter Viadukten und zog so die Aufmerksamkeit auf eine Stadtlandschaft, deren Existenz viele Menschen kaum würdigen. Später erweiterte er seinen Wirkungskreis: er nahm alltägliche Gegenstände aus dem Müll und verschaffte ihnen eine neue Bedeutung dadurch, dass er sie neu arrangierte und anmalte. Für seine Holzcollagen benutzt er Stücke, die er auf der Straße findet, wie zum Beispiel Holz, was normalerweise für Zäune verwendet wird. Zezão regt den Dialog zwischen Unterwelt und der Oberfläche an. Seine Arbeit enthält politische, soziale und umweltbezogene Botschaften. Zu den Orten, an denen er bereits ausgestellt hat, zählen Brighton, Florenz, Hamburg, London, New York, Paris, Prag und andere Städte.

Zezão, whose real name is José Augusto Amaro Capela, began his quest to conquer the underworld of São Paulo with graffiti in the 1990s. Zezão believed it was his right to depart from the well-trodden paths with his art and to break new grounds. He worked in sewerage systems, in drains, in the rubble of abandoned ruined buildings and dark spaces below viaducts, and so drew attention to a cityscape whose existence many people could barely imagine. Later he broadened his activities: he took everyday objects from the trash and created new existence for them by inventively assembling and painting them. For his wood collages he uses objects found in the street such as pieces of lumber used for barricades. Zezão inspires dialogue between the underworld and the surface. His work contains political, social and environmental messages. Places where he has exhibited in the past include Brighton, Florence, Hamburg, London, New York, Paris, Prague and others.

www.zezaoarts.com.br facebook: zezao instagram: zezao_sp twitter: zezao_sp

DANKE THANK YOU

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DAS TEAM | THE TEAM

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DAS TEAM | THE TEAM

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â&#x20AC;Ś and all supporters, volunteers, art dealers and rainbow drops who brought the Millerntor Gallery to life and contributed their potential to keep it alive and fresh like clean water. Thank you!

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VON TROPFEN & REGENBÖGEN OF DROPS & RAINBOWS In unserer Welt haben alle Farben Recht. In unserer Welt sind alle Farben echt. Wir bilden uns auf Farben nichts ein, wir interpretieren nichts hinein und schon gar nicht bewerten wir sie. Unsere Farben haben keine Hierarchien, sie beurteilen sich nicht nach ihrem Aussehen oder ihrer Herkunft – alle Farben sind schön! Und sie sind überall willkommen. Mit Glitzer und Konfetti feiern sie das Leben und die Solidarische Farbraumnahme. Beim gemeinsamen Tanzen zu lauter Musik durch die Wellen der Sonne bis zum Tiefenrausch der Nacht, ergeben sie gemeinsam ein leuchtendes Farbspiel. In unserer Welt dürfen alle Farben reisen wohin sie wollen und die Schönheit der anderen Farben erleben, sich mit ihnen mischen, denn es gibt weder Grenzen noch Hürden. Wir betrachten uns als Tropfen, die das Licht der Sonne reflektieren. Wir schenken unseren Betrachtern Farbe ohne selbst ein Objekt von Farbe zu sein. Dafür lieben sie uns. Wir werden dadurch weder wichtiger noch richtiger als die anderen Teile des Systems, aber wir fühlen uns einfach wichtig und richtig. Davon wird die Welt nicht schlecht. Wenn wir als Tropfen zusammen sind, geht einiges. Als Flüsse sind wir die Pinsel der Natur – wir ziehen scheinbar willkürliche Linien in die Landschaft – wir wenden nur wie es uns treibt und die Natur es uns erlaubt – so ähnelt unsere vermeintlich willkürliche Zeichnung am Ende doch stark einer komplexen Schallwelle, die ein nicht hörbares, jedoch fühlbares

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In our world, all colors are right. In our world, all colors are real. We are not proud of colors, we do not overvalue or praise them. Our colors have no hierarchy, they are not to be judged by looks or origin – all colors are beautiful – and they are welcome everywhere. With glitter and confetti, they celebrate life and conquer the color space collectively. In our world, all colors may travel wherever they want, discover the beauty of all the other colors, live and blend with them – because there are no borders. We like to think of ourselves as drops reflecting the light of the sun. We emit colors for the eye of the beholder without being an object of color ourselves. They love us for that. It makes us neither more relevant nor right than other parts of the system, it just makes us feel right and relevant. It won't hurt anybody and it's not going to end the world. When we as drops come together, the sky is the limit. As rivers, we are the brushes of nature – we seem to draw random curves onto the scenery – we only turn as the natural flow allows us to – this way, our random drawing eventually closely resembles a sophisticated soundwave that may not be audible but a sensible visualization of a natural sound like the twittering of a bird. Hypothetically, a river can draw any wave of any color. A river scenery from a bird's eye view feels very much like a symphony written with love. We create friction with the world like a bow on a string of a violin. We make music. We must dance.

visualisiertes Vogelzwitschern sein könnte. Ein Fluss kann theoretisch jede Klangfarbe zeichnen. Der Anblick einer Flusslandschaft aus der Vogelperspektive fühlt sich an wie eine Sinfonie, die mit Liebe geschrieben wurde. Wir reiben uns an der Welt wie ein Bogen an der Saite einer Geige. Wir machen Musik. Wir müssen tanzen. Als Ozean halten wir die Welt in Bewegung. Wir halten jeden Organismus und das Leben an sich geschmeidig. Als Regen liefern wir, was wir können. Am liebsten aber sind wir in der Luft. Als Wolke feiern wir, bis uns die Luft ausgeht. Da oben haben wir Platz zum Tanzen. Weniger Reibung – mehr Licht. Wir geben uns Raum, um die Farben zu sehen, die jeder einzelne Tropfen durch seine Reflexion produziert. Wir erfreuen uns an der Schönheit des Anderen mehr als an der eigenen. Wir können unsere eigenen Farben gar nicht sehen – sie sind für die anderen da. Es gibt Momente, da läuft es – wenn das Kollektiv der Tropfen im gemeinsamen Flow ist und jeder sich nach dem Licht seines Nächsten ausrichtet, erschaffen wir etwas Großes und werden dabei als Regenbogen sichtbar. Für uns ist es vielleicht nur ein gutes Gefühl – „Wir tun das Richtige und Wichtige“ – und es macht unser Miteinander zu einem Genuss. Sind wir als Tropfen mittendrin, dann sehen wir den Regenbogen an sich gar nicht, sind wir doch Teil und nicht Betrachter dessen. Wir wissen aber, dass wir an einem ganz bestimmten Ort in der Ferne für andere als etwas Einzigartiges und atemberaubend Schönes sichtbar werden. Der Anblick eines Regenbogens mit dem Wissen, dass man als Tropfen selbst in der Lage ist, Teil eines Regenbogens zu sein, inspiriert und beflügelt – und alles, was du dafür tun musst, ist als Tropfen dabei zu sein.

As oceans, we are moving the world. We keep every organism vivid and life itself smooth. As rain, we deliver as much as we can. We favor being in the air though. As clouds, we go wild as long as we have air. Up there, we get the space we need. Less friction – more light. We give each other space to be able to see the colors each one of us emits by reflecting the light of the sun. We are delighted by our neighbors' beauty more than our own – since we cannot see our own colors – they are there for others. There are moments of flow – when the drops are aligned and perform collectively regarding each others' light and colors, they create something bigger than themselves as they become visible in the form of a rainbow. It just might be a good feeling to us – ''doing the right thing and being relevant'' – and it makes us enjoy ourselves as an alliance. As drops in a cloud we don't even see the rainbow, since we are part of it. Nevertheless, we do know that somewhere in a distant place we are visible to someone as a unique and breathtakingly beautiful thing. It is inspiring and motivating to see a rainbow knowing that you can be a part of it – and all you have to do is just be there as a drop.

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ONLY WITH YOU, WE COMPLETE THE RAINBOW

Bunt geht erst mit vielen verschiedenen Akteuren. Etwas wirklich zu bewegen auch. Wir danken allen Unterstützern & Partnern der Millerntor Gallery #6 für ihr überragendes Engagement und ihren tollen Einsatz. Jeder Einzelne trägt damit zur Realisierung der Projekte von Viva con Agua bei.

Colorful is only possible when many different players participate. To really move something as well. We like to say thank you to all supporters & partners of the Millerntor Gallery for their phenomenal support and their efforts. Every single one contributes to the projects of Viva con Agua.

Liebsten Dank an alle Besucher*innen und Kunstkäufer*innen der Millerntor Gallery #6!

Dear visitors and art buyers of the Millerntor Gallery #6, thank you so much!

1910 Mal Danke an alle Freund*innen und Mitwirkende, speziell an die MTG Allstars und all unsere Partner :

1910 times thanks to all friends and contributors and especially to the MTG Allstars and all partners:

DANKE | THANK YOU

NUR DANK DIR KOMPLETTIEREN WIR DEN REGENBOGEN

Malerei Lewien, El Rojito, Schanzenbäckerei, Hendricks Gin, Mara & Holger Cassens Stiftung, 1910 Museum, Förde Show Concept, Barkassen Meyer, Hagen & Kruse, Christie's, Upsolut, Affordable Art Fair, Tellerrand Consulting, Pyjama Park Reeperbahn, Kleine Konditorei, Conleys, Affenfaust Galerie, Galerie Drewes, Art Hotel Körschen, Freshfields, Beebob Media, Scandic Hamburg Emporio, Charitea Mate, Art Hotel Koerschen, Secret Wars, Congstar, Feinkunst Krüger, 25 Hours, Klabautermann Images, Festoon, Inline Kurier Hamburg, 1337MATE, Upsolut Merchandising GmbH, Superbude, Golden Hands Gallery, Schwarz Hansen, Akelius GmbH, dreitagewoche, mehrblick, Pulse Advertising, Fanladen FCSP, springstoff, 1910 Museum, Fanräume, USP, Roll'n'Soul, EDEKA Struve, alle Mitarbeiter*innen des FC Sankt Pauli, alle Fans des FC Sankt Pauli, alle Mitarbeiter*innen von Viva con Agua & Goldeimer, alle Ehrenamtlichen des Viva con Agua-Kosmos, alle Künstler*innen und alle, die die Millerntor Gallery #6 in welcher Form auch immer unterstützt haben.

and all those who supported the Millerntor Gallery #6 in some way.

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DANKE | THANK YOU

Ein dickes Dankeschön an unseren Hautsponsor:

A big thank you to our main sponsor:

Merci beaucoup, liebe Partner:

Merci beaucoup, dear partners:

Herzlichen Dank an unsere langjährigen Förderer für ihre großzügige Unterstützung:

Heartfelt thanks to our long-time supporters for their generous support:

Grazie mille, liebe Sponsoren und Institutionelle Förderer:

Grazie mille dear sponsors and institutional supporters:

GUDBERG NERGER Gefördert von ENGAGEMENT GLOBAL im Auftrag des:

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Big Ups für die großartige Musik an:

Big Ups for the great music from:

4xSample, Amewu, Andreas Liebert, Antje Schomaker, B-Base (BACKSPIN DJ Team), Ben Galliers, Blackout Problems, BUDDI, Cäthe, Churromusiccycle, Clockwerk, Clueso, Max Herre, Samuel Yirga, DJ Direction, DJ Master Quest, DJ Playdead, Docnest, DODO Soundsystem, Falk Schacht, Funksnotdead, Günther, Incredible T., Underpressure Soundsystem, Jupiter Jones, KandyVan, Kollektiv 22, Leila Akinyi, Lidenbrock, Liza&Kay, Meinherz, Mirko Machine, Onkel Toms Hüte, Open Season Soundsystem, Pedestrians, Pohlmann, QNOE, Rhonda, SaraJane, Schwule Mädchen Soundsystem, Swearing at Motorists, The Lytics, The Sea and Ease, The Trouble Notes, Tim Neuhaus, Tischdisko, TORPUS & the ART DIRECTORS

Muchas gracias to the artists of the auction:

1010, Albrecht Klink, Alice Pasquini, Andreas Schulze, Boje Arndt Kiesel, Cranio, David Ostrowski, Felipe Pantone, Frederico Uribe, Heiko Müller, Helge Schneider, Herakut, Hubert Kretzschmar, Isabell Kamp, Jakob Sinn, Jens-Ole Remmers, Julian Hoffmann, JR, Katharina Schnitzler, Lutz Rainer Müller, Maximilian Magnus, Michail Pirgelis, Nneka, OZ, Pilar Ovalle, Quintessenz, Rebelzer, Sebastian Bieniek, Sebastian Gäbel, Shephard Fairey, Strassenkoeter, Till Julian Huss, TOAST, Tornow, Udo Lindenberg, Walter Dahn.

...und alle, die das Programm bereichern:

DANKE | THANK YOU

Muchas gracias an die Künstler*innen der Auktion:

…and to all who enrich the programme:

Farbfabrique, Street Art School St. Pauli, Edelding, Ethnotek, Kinderkulturkarawane, Über den Tellerrand Community Hamburg, JournAfrica!, AIDS-Hilfe Hamburg, Jyoti Fair Works, Sabeth Ciric, Christine Kristmann & Maria Glitsch, Tamara Jarchow, Laura Chase, Marie-Delphine Darmstaedter, Jörn Dobert, Jan-Henrik Stephan, Maarten Thiele, Oke Göttlich, Jonas Nipkow, Hanseatic Help und viele mehr!

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Ebenso wie die Millerntor Gallery an sich, ist auch dieser Katalog ein Kollektivprodukt. Wie ein Puzzle setzt sich Artikel für Artikel und Übersetzung für Übersetzung aneinander. Am Ende bleibt es ein Puzzle und keine Skulptur aus einem Guss. Gruß und Kuss, euer Lieblingskollektiv.

Like the Millerntor Gallery itself, even this catalog is a collective product. Article after article and translation after translation are set together like a puzzle. In the end it stays a puzzle and is not a sculpture of a piece. Love and kisses, your favourite collective.

IMPRESSUM IMPRINT VERLAG GUDBERG NERGER GmbH ISBN 978-3-945772-22-5 HERAUSGEBER ART CREATES WATER gemeinnützige Unternehmergesellschaft (haftungsbeschränkt), Handelsregister: Amtsgericht Hamburg, HRB 140091, Neuer Kamp 32, 20357 Hamburg, Tel: +49 (40) 412 609 15 V.I.S.P. Anna Lafrentz REDAKTION Millerntor Gallery Kollektiv FOTOS VCA Stefan Groenveld CORPORATE DESIGN ON&ON GESTALTUNG Sina Kropshofer, GUDBERG NERGER

SPENDENKONTO DONATIONS EMPFÄNGER Viva con Agua de Sankt Pauli e.V. KONTO 1268 135 181 BLZ 200 505 50 BANK Hamburger Sparkasse IBAN DE58200505501268135181 BIC(SWIFT) HASPDEHHXXX

HEUTnEen

SCHON N E BRUNN T

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