DISEÑO EDITORIAL UG Dirección editorial Suárez Vera Scarleth Titulo original: Biografía de los 5 Diseñadores Editoriales más destacados del mundo Publicado originalmente por Espinoza Vidal Héctor Emilio 2023 Diseño de la cubierta: Cruz Veliz Cesar Alexander Adaptación y edición de contenidos Espinoza Vidal Héctor Emilio Macías León Carlos Enrique Cruz Veliz Cesar Alexander Diagramación Scarleth Suárez Vera Kristel Loor Tumbaco Investigación Espinoza Vidal Héctor Emilio Macías León Carlos Enrique Cruz Veliz Cesar Alexander Folleto evaluado por los integrantes del grupo Universidad de Guayaquil, 2023 Guayaquil, Ecuador
Índice
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Introducción
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Jonathan Barnbrook Los inicios con el «lettering» de bandas musicalesDDD Diseño gráfico y políticaDDD La colaboración con Damien HirstDDD Las portadas de los álbumes de David BowieDDD La portada de «La naranja mecánica»DDD La música electrónica con Fragile SelfDDD Diseñar para una gran audienciaDDD
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Saul Bass Aprendiendo de los maestrosDDD Aprendiendo de las tendencias editorialesDDD Rompiendo Moldes: The man with the golden armDDD Dos genios unidosDDD Trayecto en el cineDDD SUS DISEÑOS MÁS EMBLEMÁTICOSDDD IDENTIDAD CORPORATIVADDD
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Massimo Vignelli Su obraDDD EL LEGADO DE MASSIMO VIGNELLIDDD Ellen LuptonDDD extra boldDDD Pensar com tiposDDD El ABC de la BauhausDDD O ABC da BauhausDDD
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DDDA Bauhaus e a teoria do designDDD DDDDiseño gráfico: Nuevos fundamentosDDD
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Paula Scher DDDComienzos DDDPrimero trabajosDDD DDDTrabajos hechos con CBS RecordsDDD DDDHistoria curiosa con uno de sus trabajosDDD DDDRelación con el Public theater DDDHonores y premios DDD ReferenciasDDD
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Introducción En el vibrante mundo del diseño editorial, hay figuras que trascienden las páginas impresas y las portadas de libros para convertirse en leyendas vivas. Estos diseñadores han dejado una marca indeleble en la industria, influenciando no solo la estética de la comunicación visual, sino también la forma en que percibimos y comprendemos el mundo que nos rodea. A lo largo de las siguientes páginas, exploraremos las vidas y obras de cinco de los diseñadores editoriales más influyentes de todos los tiempos. Desde la innovación audaz de Jonathan Barnbrook hasta la elegancia atemporal de Massimo Vignelli, pasando por la icónica simplicidad de Saul Bass, la pedagogía inspiradora de Ellen Lupton y la creatividad audaz de Paula Scher, este libro nos llevará a un apasionante viaje a través de sus carreras, sus influencias y sus contribuciones invaluables al mundo del diseño gráfico y editorial.
los desafíos que enfrentaron, las inspiraciones que los impulsaron y las lecciones que dejaron para las futuras generaciones de diseñadores. Prepárese para sumergirse en el fascinante mundo de la creatividad, la innovación y la pasión por el diseño editorial a medida que exploramos las vidas y legados de Jonathan Barnbrook, Saul Bass, Massimo Vignelli, Ellen Lupton y Paula Scher. Estas páginas están destinadas a celebrar su influencia duradera y su contribución inestimable al arte de contar historias visuales. Bienvenidos a un viaje a través del tiempo y la imaginación, donde las palabras y las imágenes se entrelazan para honrar a los maestros del diseño editorial.
Cada capítulo de esta obra busca arrojar luz sobre la trayectoria de estos diseñadores, destacando sus logros más significativos y las ideas que han marcado tendencia. Descubriremos cómo sus obras han influido en la forma en que percibimos la tipografía, la identidad visual y la comunicación visual en general. A través de sus historias personales, aprenderemos sobre
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Jonathan Barnbrook
Los inicios con el «lettering» de bandas musicales
Probablemente la mayoría de la gente haya visto (o quizás incluso comprado) alguna creación de un diseñador gráfico en vez de escuchar su nombre o de ver su rostro. Esto se aplica a todos, incluso a Jonathan Barnbrook, autor de proyectos gráficos que, seguro que habrás visto, como las dos últimas portadas de los discos de David Bowie. En el último, (Blackstar), lanzado dos días antes de la muerte de Bowie, solo había una estrella negra y símbolos gráficos, que se referían al nombre de la estrella de rock británica.
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Jonathan Barnbrook nació en Luton (Reino Unido) en 1966. Estudió en el Saint Martin’s College of Art and Design y en el Royal College of Art. Comenzó a dedicarse al diseño gráfico a los 16 años, atraído por las portadas de discos y las formas de las letras de los nombres de bandas musicales. Por el nombre y el lettering, dice Barnbrook, se puede ver toda la ideología y filosofía de una banda. Cuando la portada de un álbum funciona, sucede algo mágico y, de alguna manera, te gusta más la música que escuchas. Desde el principio, empezó a dibujar letras y luego familias enteras de caracteres tipográficos. Antes de terminar el college ya era muy conocido, con trabajos publicados en varias revistas de diseño europeas, estadounidenses y japonesas. Tras finalizar sus estudios, en 1990, fundó su estudio personal, Barnbrook Design, y unos años más tarde, en 1997, su type foundry (fundición tipográfica), Virus Studio.
ño gráfico con una conciencia social». La exposición, titulada «Friendly Fire», refleja su producción más política y una visión creada por el deseo de formular una crítica de su propia profesión y la sociedad. Barnbrook fue responsable de montar la exposición y, por supuesto, de la creación del catálogo adjunto, «Barnbrook Bible». La fuente Mason En 1992 la fundición tipográfica estadounidense Emigre incorporó en su catálogo dos de sus fuentes, Exocet y Mason. En realidad, Barnbook llamó en un principio a esta última fuente ‘Manson’, pero, tras recibir numerosas quejas porque recordaba al apellido del conocido asesino en serie de California Charles Manson, el nombre fue modificado. La fuente Mason forma parte de la colección permanente del MoMA desde 2011.
El catálogo de la exposición «Friendly Fire»
Diseño gráfico y política Barnbrook siempre ha utilizado el lenguaje del diseño gráfico no solo para producir diseños, sino también para comunicar sus ideas, a menudo de naturaleza política. El diseño gráfico no puede ser solo una herramienta al servicio de las multinacionales y del lucro para incentivar el consumo de productos. En su perfil en la web del Design Museum, que le dedicó una retrospectiva en 2007, lo definen como un «pionero del dise-
Para Barnbrook, el trabajo político nos brinda la oportunidad de devolverle significado al diseño, que no siempre lo tiene. A menudo, cuando se piensa en diseños políticos y propagandísticos, se piensa en regímenes totalitarios, mientras que el diseño gráfico comercial se considera desprovisto de ideas políticas. Para Barnbrook, ser diseñador gráfico comercial ya es una idea política muy fuerte. «Ignorar los problemas en torno a las
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fábricas que explotan a los trabajadores, ignorar el hecho de que estás accediendo a impulsar sin descanso una economía de mercado es una decisión política». En 2001 trabajó como director de arte para la revista Adbuster, una organización canadiense sin fines de lucro, ambientalista y «antipublicidad». En esa época, creó un cartel publicitario de gran formato con una cita de Tibor Kalman: Designers, stay away from corporations that want you to lie for them (Diseñadores, alejaos de las corporaciones que quieren que mintáis por ellos), expuesto por primera vez durante una conferencia de miembros de AIGA (American Institute of Graphic Arts) en Las Vegas.
El cartel publicitario con la cita de Tibor Kalman La colaboración con Damien Hirst
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En 1997 colaboró con Damien Hirst, una estrella en ascenso del arte contemporáneo en esa época, hoy día uno de los artistas contemporáneos más conocidos. Con —y para— Hirst hizo su monografía I Want to Spend the Rest of My Life Everywhere, With Everyone, One to One, Always, Forever, now. En el libro, cada obra se trata de manera diferente, con elementos especiales como «pop-ups» y pegatinas, y donde el nombre de Hirst se muestra como si fuera un medicamento. La monografía, que desde entonces ha recibido numerosos premios de diseño, fue el punto de partida para otra colaboración entre Hirst y Barnbrook: la puesta en escena de Pharmacy, un restaurante-cafetería en Notting Hill.
La cubierta de la monografía dedicada a Damien
Hirst «I Want to Spend the Rest of My Life Everywhere, With Everyone, One to One, Always, Forever, now. »
La portada de Heathen
El interior de la monografía dedicada a Damien Hirst «I Want to Spend the Rest of My Life Everywhere, With Everyone, One to One, Always, Forever, now. » Las portadas de los álbumes de David Bowie La colaboración más conocida de Barnbrook es, sin duda, la de David Bowie. Comenzó con la portada del álbum Heathen de 2002 y continuó hasta los dos últimos álbumes de Bowie, The Next Day y ★ (Blackstar). Este último también ganó el Grammy en la categoría Best Recording Package.
La portada de The Next Day
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La portada de Blackstar Para los tres álbumes mencionados anteriormente, Barnbrook diseñó las fuentes. Para The Next Day creó una fuente modernista falsa, Doctrine (también utilizada para el sitio web del estudio). La imagen de portada ocupa la portada de un antiguo álbum de Bowie (Heroes), tapada con un rectángulo blanco, como ocurre con los carteles cubiertos por otros carteles. Para Blackstar creó una fuente formada por símbolos gráficos vinculados a la estrella. La fuente es de código abierto y se puede descargar desde el sitio web bowieblackstar.net
La portada del vinilo de Blackstar En una entrevista a la revista Creative Review, hablando de Blackstar, dijo que la idea surgió de las muchas discusiones que tuvo con Bowie. Discusiones estimuladas por una reunión de Barnbrook con el escritor William Burroughs 25 años antes. En aquella reunión se habló de tipografía
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y Burroughs le dijo que las formas de las letras volverían a ser jeroglíficos, similares a los de los antiguos egipcios. En 2013, el Victoria and Albert Museum dedicó una exposición a David Bowie, «David Bowie Is». Para la ocasión, Barnbrook diseñó el catálogo. En las primeras páginas hay una serie de símbolos gráficos, cada uno inspirado en un momento clave de la carrera de David Bowie.
La música electrónica con Fragile Self En los últimos años, junto con su esposa Anil Aykan, ha dado vida a un proyecto de música electrónica llamado Fragile Self: un dúo que se centra tanto en las imágenes como en la música. Su álbum tardó varios años en realizarse e incluye un tomo de 480 páginas que muestra los detalles poéticos de cada canción.
La portada de «La naranja mecánica» En 2014, para celebrar el cincuentenario de la primera edición, la editorial inglesa Penguin confío a Barnbrook la portada de La naranja mecánica. En manos de Barnbrook, la portada se convierte en un círculo naranja con solo una parte del título —el título original en inglés es A Clockwork Orange—.
El libro del dúo electrónico Fragile Self
La portada de «La naranja mecánica»
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Diseñar para una gran audiencia En una entrevista a la revista It’s Nice That, Barnbrook dijo que le fascinaban los proyectos muy grandes, como los Juegos Olímpicos o la Copa del Mundo, visibles en todo el mundo. Una fascinación que no se debe a la satisfacción de su ego, sino al increíble poder del diseño gráfico para poder comunicarse con tanta gente. Cuando un proyecto gráfico, además de enorme, también tiene éxito, da la sensación de que no ha sido diseñado por nadie. Ya lo dijo Milton Glaser en una entrevista hace algún tiempo, hablando de su famoso «I ♥ NY»
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Saul Bass
El diseñador gráfico Saul Bass no solo ostenta el honor de ser considerado únicamente como padre de los títulos de crédito contemporáneros y pionero en el uso de motion graphics sino que es uno de los profesionales más influyentes y estudiados de su heneración, A través de su aportación en películas como Vertigo, Psycho, Ocean’s Eleven o The Age of Innocence, el estilo de Bass ha influenciado a toda una generación de diseñadores gráficos. En todas esas facetas, Saul Bass se muestra como uno de esos creadores con talento capaz de elevar su tarea al nivel de lo artístico y llevar a la excelencia las posibilidades expresivas del medio gráfico. Su estilo se caracteriza por una capacidad para analizar y sintetizar, extrayendo una frase o una imagen que encierra toda la esencia del men-
saje a transmitir. Este estilo propio parte de una estética basada en el uso de una gama de colores planos, usualmente limitada a la combinación de los colores rojo, negro y blanco en distintas variaciones4. En cuanto a las formas, sobresale una marcada tendencia a la simplificación de elementos basada en el citado principio de sintetizar y simbolizar con el habitual uso de formas geometrizadas sencillas y muy expresivas.
Aprendiendo de los Maestros Saul Bass nació en el Bronx de Nueva York el 8 de mayo de 1920, en una familia de inmigrantes europeos. Su vocación por el arte estuvo clara desde el principio, y ya desde niño Bass «lo dibujaba todo». Tras terminar el instituto, sus buenas notas le permitieron estudiar, entre otras escuelas, en la Art’s Student’s League bajo la tutela de
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Howard Trafton, compaginando en estos años (desde 1936) A principios de los años 40 asiste a las clases de Gyorgy Kepes en el Brooklyn College, artista que acababa de pasar algo más de un lustro como profesor de The New Bauhaus. American School of Design, fundada en Chicago por Laszlo Moholy-Nagy en 1937. Gracias a Kepes recibe una formación sólidamente entroncada con la tradición cartelística europea, tradición ésta que, como señala Jaime Brihuega, está a su vez íntimamente ligada con las vanguardias y que, como medio con un lenguaje propio, ha experimentado una evolución tan rica como la que haya podido tener el propio cuerpo del arte del siglo XX. En efecto, los estilos que crearon los diversos movimientos artísticos durante los primeros años del siglo XX dejaron su impronta sobre el diseño coetáneo, pero fue en Alemania donde se produjo la consolidación de este nuevo formalismo. Un buen ejemplo de esta unión entre disciplinas lo encontramos en las artes gráficas por excelencia: el cartel y el diseño editorial, que comparten con el lenguaje pictórico el uso del color y la forma y añaden la tipografía a la ecuación. La tipografía busca estímulos y conocimientos en el estudio de tales pinturas, que comunican las formas visuales del mundo moderno y son los mejores
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maestros del orden visual». Para Moholy-Nagy la tipografía, desde Gutemberg hasta los primeros carteles, «fue un mero intermediario entre el contenido de un mensaje y el receptor del mismo». Sin embargo, con los primeros carteles, «comenzó una nueva etapa de desarrollo; uno empezó a tener en cuenta el hecho de que la forma, el color, el tamaño y la disposición de material tipográfico (letras y signos) tienen un fuerte impacto visual. La organización de estos posibles efectos visuales confiere también una validez visual al contenido del mensaje; esto significa que el contenido queda definido pictóricamente también mediante la impresión… esta es la tarea esencial del diseño-visual tipográfico». El diseño de los libros de la Bauhaus (Fig. 2) casi siempre a su cargo, demuestran su característica concepción del racionalismo y cuentan con una tipografía propia, denominada «tipografía de la Bauhaus», que pese a sus variaciones17 se compone de tipos de palo seco y numerales de gran tamaño acompañados de áreas rectangulares o «filetes» de color (generalmente rojo, contrastando con el negro de los tipos y el blanco del fondo, colores fetiche de Saul Bass) que pueden ser utilizadas para enfatizar y organizar el texto o simplemente como sobria decoración de la página.
Los créditos y cartel de la película The man with the golden arm son un excelente ejemplo de la asimilación del uso de estos «filetes», en este caso actuando como marco del. En cuanto al uso de las tipografías, tanto en éste como en otros trabajos de Bass siempre encontramos una supremacía de la función informativa de las mismas, aunque sin descuidar ni el lado emocional ni las posibilidades del movimiento. Bass es un maestro a la hora de mantener la independencia de texto e imagen a la vez que crea una alianza definitiva entre ambos.
Y es que, si bien podemos rastrear en el trabajo de Saul Bass algunas de las propuestas de su
maestro Gyorgy Kepes, como las intervenciones en arte cinético, el uso del color e incluso el sentido del humor que destilan algunas de sus obras, la influencia europea recibida a través de su tutor se deja entrever sobre todo en aquellos trabajos que, como éste, están marcados por un alto grado de conceptualismo y abstracción, basada en una síntesis de los mensajes visuales con los menores recursos gráficos posibles. 1. Aprendiendo de las tendencias editoriales Además de todas estas influencias recibidas a través de su formación académica, el bagaje visual de Saul Bass estaba muy ligado al diseño editorial a través de las revistas. Esto debido a que en sus años durante su formación compaginó sus estudios con colaboraciones freelance en departamentos artísticos y estudios de diseño y en casi todas ellas encontramos buenos ejemplos de la asimilación del estilo moderno europeo por parte de sus colegas diseñadores, tendencia alentada por ciertos editores ya desde la década anterior. Entre dichas revistas, destaca la labor de dos de las pioneras en la contratación de directores artísticos comprometidos con el estilo visual del Movimiento Moderno, en particular, Fortune – una revista para hombres de negocios– y Scope; ambas contaron en diferentes períodos con la
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colaboración del diseñador alemán Will Burtin. Formado en la Werkschule de Colonia y emigrado a América en 1938, Burtin fue un teórico muy activo. En uno de sus ensayos afirma que «transmitir significados, facilitar el entendimiento de la realidad y de ese modo ayudar al progreso futuro es una maravillosa y desafiante tarea para el diseño Pese a ser consciente de que sus revistas iban dirigidas a un público selecto, confiaba en que el diseño en estilo moderno podría llegar a tener un papel importante en todos los niveles de la sociedad. Lo cierto es que, observando otro tipo de revistas, dirigidas a un público más amplio, no es tampoco infrecuente encontrar huellas más o menos evidentes de la influencia del estilo moderno europeo. Un caso ejemplar es el que encontramos en la revista para mujeres Woman’s Home Companion.
Vemos aquí cómo el ilustrador Walter Skor pasa del estilo clásico de ilustración de la época a la irrupción del estilo moderno en su diseño para la portada de mayo de 1952. En esta última, la
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eliminación del fondo tradicional en sí es una novedad, pero en este caso además estamos ante un claro homenaje a la obra de Piet Mondrian La consecución de este mismo objetivo fue la que motivó a Saul Bass en el uso pionero de una solución estéticamente similar para el packaging de la película de Otto Preminger The man with the golden arm, que como veremos a continuación supuso un antes y un después en el diseño de títulos de crédito al abrir una nueva etapa de colaboración entre el cine y el diseño gráfico. 1. Rompiendo Moldes: The man with the golden arm Como hemos dicho, Saul Bass fue alumno de Kepes a principios de los años 40, siendo esta formación definitiva para el paso de los diseños gráficos de Bass al me- dio fílmico por el que alcanzó definitivamente la celebridad. Después de la primera colaboración entre Bass y Otto Preminger para The Moon is Bl, el director vuelve a contar con él para su siguiente película, The man with the golden arm. Gracias a la apuesta pionera de Preminger, en esta ocasión Bass fue contratado para crear una identidad gráfica completa para el film, que estaría presente tanto en los elementos de la campaña publicitaria como en los propios títulos de crédito, independientes pero basados en la misma idea para lograr una imagen de con-
junto coherente. Aún hoy, ante el cartel original de Bass se perciben las evocaciones vanguardistas de su diseño, a la vez que transmite la idea de que estamos ante una película novedosa y arriesgada, y que a buen seguro vamos a ver un trabajo personal y diferente.
Sobre un fondo negro, unas agresivas barras blancas laceran la pantalla en todas direcciones hasta que, coincidiendo con el clímax final de la música, se funden en una sola línea gruesa que se transforma en la imagen estilizada y angulosa de un antebrazo. La imagen se congela, y entonces aparece el rótulo «directed and producted by Otto Preminger» en una sencilla tipografía Sans Serif (o de palo seco) colocada sobre el brazo y en el centro de la pantalla. Y así, en sólo un minuto y veintidós segundos, Saul Bass cambió el curso del diseño gráfico comercial al introducir en una pantalla de cine los primeros motion graphics de la historia de los títulos de crédito. Continuando con el arte ruso, pero cambiando a la corriente constructivista,
encontramos una gran similitud en la concepción del espacio y el movimiento entre este trabajo de Bass y el cuadro de El Lissitzky Golpea a los blancos con la cuña roja.
En efecto, nos hallamos ante una similar utilización de la forma para cumplir objetivos idénticos en cuanto a la sensación transmitida, cambiando en el caso de los créditos de Bass los conflictos y violencia de la «vida moderna posrevolucionaria» por los conflictos y la violencia –ficticios pero entroncados en la corriente del realismo social norteamericano de la vida de un heroinómano en los suburbios de Chicago. Pese a la novedad que supone para Hollywood
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este tipo de diseños en movimiento acompasado con la música, lo cierto es que la relación entre el sonido y las artes visuales es antigua y profunda, desarrollándose incluso independientemente del uso del celuloide o el vídeo. Este pionero del diseño en movimiento creía en una doctrina muy espiritual sobre la forma de los objetos y su correspondiente forma sonora, de ahí esa importancia del acompañamiento musical. Pese a sus diferencias en el enfoque profesional, el hecho es que los estudios de Fischinger y los créditos de Bass para The man with the golden arm e incluso los de Anatomy of a murder y Bonjour tristesse, tienen un estilo muy similar en cuanto a la animación y a la sincronización de imagen y sonido; con ellos, Preminger anunciaba que estaba produciendo una nueva clase de cine dirigido a una audiencia adulta y moderna. El fondo de música de jazz de Elmer Bernstein reforzaba esa impresión, ya que era el estilo musical que causaba sensación entre los urbanitas más a la última, cumpliéndose así el objetivo último buscado por Bass con el uso de los motion graphics al comunicar de forma clara y efectiva el mensaje buscado por su cliente, el director Otto Preminger. Las continuas innovaciones plásticas y técnicas
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a las que asistimos actualmente buscan en última instancia sorprender para vender, por lo que estamos evidentemente ante dos cosas distintas. Es por ello que creemos que el verdadero nacimiento de los motion graphics actuales se sitúa en 1955, fecha en la que Saul Bass y Otto Preminger deciden animar el citado logotipo creado por Bass para los carteles y convertirlo en el motivo de los títulos de crédito. Por primera vez en un diseño animado se cumplen todos los requisitos para considerar que nos encontramos ante un claro ejemplo de motion graphic design. Dos genios unidos A lo largo de su carrera, Bass trabajó con muchos directores importantes, como Stanley Kubrick (en Espartaco), Robert Wise (West Side Story), Edward Dmytryk (La gata negra), John Frankenheimer (Plan diabólico) o, ya en la última parte de su carrera, Martin Scorsese (en diversos filmes, de Uno de los nuestros a Casino). Pero sin duda, el otro gran director, además de Preminger, al que irá unido su nombre por siempre es el de Alfred Hitchcock. La primera colaboración con el británico fue en los magistrales títulos de crédito de Vértigo (1958), para los que creó unos sugerentes juegos de animaciones basados en espirales que la pelí-
cula relacionaba con imágenes como el moño de Kim Novak o el abismo al que estaba a punto de precipitarse James Stewart. Uno de los carteles más icónicos de Saul Bass fue el que realizó para la película ‘Vértigo’. Dominio público Para Con la muerte en los talones (North by Northwest, 1959), Bass concibió unos dinámicos créditos repletos de líneas horizontales y verticales que irrumpían y desaparecían al ritmo de la música compuesta por Bernard Herrmann, siguiendo los procedimientos rítmicos de los cortometrajes vanguardistas de los años veinte de la corriente del “cine absoluto”, basada en la representación de formas geométricas o abstractas. Trayecto en el cine El diseñador gráfico Saul Bass trabajó tanto para la industria cinematográfica como para empresas estadounidenses diseñando sus identidades corporativas. Bass comenzó su carrera en Nueva York hasta que a finales de los años cuarenta se mudó a Los Ángeles para dedicarse de forma independiente a la publicidad. Un día, el cineasta estadounidense Otto Preminger lo invitó a diseñar el poster de su película Carmen Jones (1954) y quedó impresio-
nado por su trabajo, así que le pidió también que diseñara la secuencia de los títulos. Así, Saul Bass comenzó a trabajar en el cine y diseñó los títulos de películas como The Big Knife (1955) de Robert Aldrich y The Seven Year Itch (1955) de Billy Wilder. A lo largo de su trayectoria colaboró con varios cineastas, incluidos Martin Scorsese y, por supuesto, con Alfred Hitchcock. Vértigo (1958), Intriga internacional (1959) y Psicosis (1960) fueron las tres películas en las que Saul Bass colaboró con el aclamado director británico y en las cuales dejó su sello, un estilo que muchos aún consideran de los más llamativos e inquietantes del cine estadounidense.
La obra de Saul Bass sigue siendo una influencia importante en el mundo del diseño gráfico y cinematográfico, y su legado perdura a través de sus trabajos atemporales y su impacto en la industria del diseño. Saul Bauss ha sido uno de los diseñadores gráficos más importantes del siglo pasado. No solamente dejó su huella artística imborrable
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en la industria del cine, sino que también es el responsable de algunos de los diseños gráficos de las organizaciones y empresas más importantes de los Estados Unidos. Bass nació en la ciudad de Nueva York, un 8 de mayo del año 1920.
un mundo nuevo para todos los diseñadores. Durante la edad dorada de Hollywood, los títulos de crédito resultaban meramente informativos para la gran mayoría de creativos, pero Saul Bass supo ver en ellos un lienzo en el que explayarse.
El cineasta independiente Otto Ludwig Preminger, impresionado con el estilo de Bass, le pidió que le diseñara el poster de su cinta Carmen Jones.
En su origen, los títulos de crédito no eran más que una sucesión de nombres en blanco sobre fondo negro, ordenados por tamaño y jerarquía. Como es natural, el carácter únicamente informativo de los títulos de crédito no llamaba la atención sobre el espectador en absoluto. Pero todo esto cambió con la llegada del neoyorquino Saul Bass en torno a los años 50.
Pero esto no fue todo, tan encantado quedó con el trabajo que le pidió que también diseñase los títulos. Este fue el inicio de una sociedad artística que prosperaría en futuras películas de Preminger. También trabajaría junto a otros célebres directores como ser Martin Scorsese y Alfred Hitchcock. Otra actividad que desplegó, vinculada al cine, fue la dirección de cortometrajes, incluso por uno, Why Man Creates, editado en 1968, recibiría un Premio Oscar. Y en lo que respecta al diseño de marcas reconocidas, se encuentran entre sus clientes ATT, Warner comunicaciones, Minolta, United Airlines y Bell. Falleció en la ciudad de Los Ángeles un 25 de abril del año 1996, a los 75 años de edad. Saul Bass supo aprovechar la oportunidad de abrir
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En 1920, en el barrio neoyorquino del Bronx, nació Saul Bass. Se formó en la «artes League» de Nueva York, pero no fue hasta el comienzo de su relación con el diseñador húngaro György Kepes, cuando su estilo comenzó a definirse. Gracias a las influencias del Bauhaus y el constructivismo ruso que Kepes aprendió del famoso fotógrafo, pintor y profesor de la escuela berlinesa, László Moholy-Nagy, Bass supo aportar algo nuevo y rompedor a la industria cinematográfica del momento. En 1950 decidió abrir su propio estudio de diseño en la ciudad de Los Ángeles, donde pese a querer enfocarse principalmente en la publicidad, acabó
por descubrir un auténtico filón gracias al encargo del director Otto Preminger. Preminger solicitó a Bass llevar a cabo el poster de su película, «Carmen Jones», y el director quedó tan maravillado que se puso en manos del diseñador para realizar los títulos de crédito. La crítica, y en particular los directores de cine del momento quedaron encandilados por el trabajo de Saul Bass, y su estudio comenzó a desarrollar multitud de encargos para películas de todo tipo. Tras casarse con su mujer Elaine, llevaron a cabo varios encargos de manera conjunta, ya que esta también era creativa. Posteriormente se atrevió incluso a dirigir varios cortos, hasta alzarse con el Oscar por «Why Man Creates» en 1986. Tras probar suerte con los largometrajes, volvió a su faceta de diseñador gráfico comercial, creando numerosos logotipos, hasta su fallecimiento en 1996. SUS DISEÑOS MÁS EMBLEMÁTICOS A lo largo de su extensa carrera, Bass llevó a cabo numerosos carteles, títulos de crédito e incluso identidades corporativas. Estas son algunas de sus obras más emblemáticas.
IDENTIDAD CORPORATIVA Durante esta época llevó a cabo logotipos de gran importancia como las del conglomerado de empresas estadounidense «AT&T», la línea de vuelos «United Airlines», la emblemática empresa de telefonía «Bell», la archiconocida marca de pañuelos desechables «Kleenex», la marca de «Warner Communications» o la marca de cámaras fotográficas «Minolta».
Los diseños de Saul Bass perdurarán en el tiempo gracias a ser inmortalizado en el celuloide, pero la brecha que abrió en una industria tan hermética como la cinematográfica, para que cientos de creativos desarrollaran sus diseños, quedará para la posteridad.
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Massimo Vignelli
Massimo Vignelli, importante y afamado diseñador gráfico e industrial italiano del siglo XX. Trabajó en varios trabajos importantes de diseño, diseño de muebles, diseño de salas de exposición y diseño de almacenes. Creó su propia firma, Vignelli Associates, junto con su esposa. Basó su obra en el modernismo y simplicidad, que se manifiesta a través de su gusto por el uso de diseño geométricos.
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Asistió a la Escuela de Arquitectura en la universidad de Venecia. En los comienzos de su carrera profesional, su área de especialización será el diseño gráfico para la creación de productos e identidades corporativas. A finales de la década de 1950, obtuvo una beca para estudiar en Estados Unidos. En 1957 se casó con Lella Vignelli, a quien conoció cuando impartía unas clases sobre arquitectura. Unos años más tarde, y juntos, establecieron su propio estudio de arquitectura, que se especializó en diseño de productos domésticos, accesorios de oficina y logotipos. En 1965 el matrimonio se mudó a Chicago, donde fundaron Unimar International, que se centró específicamente en el diseño gráfico para las grandes empresas. Pronto se convertiría en la empresa más grande del mundo dentro del sector por su expansión. La firma consigue crear identidades corporativas de las empresas más famosas del momento. Vignelli diseñó la señalización del sistema de Nueva York. Posteriormente, Vignelli y Lella fundaron otra firma, Vignelli Associates. Vignelli creó el sistema de señalización y orientación para el Metro de DC y sugirió que se llamara “Metro” como muchos otros metros de la capital. Su nombre original era una mezcla de varios estados y grupos de transporte.
Una vez más su empresa logró captar de nuevo a las empresas con mayor renombre en todo el país. Además de llevar la dirección de arte en todas sus empresas, Vignelli también escribió un libro titulado: Vignelli
su muerte en el año 2014.
Paralelamente, Massimo Vignelli ha enseñado y dado conferencias sobre diseño en las principales ciudades y universidades de los Estados Unidos y del extranjero. Es expresidente de la Alliance Graphique Internationale (AGI) y AIGA, vicepresidente de la Architectural League y miembro de IDSA (Industrial Designers Society of America). Massimo Vignelli murió el 27 de mayo de 2014, después de un largo periodo luchando contra una enfermedad crónica. A él se le atribuye una de las tipografías más utilizadas y conocidas como la Times Roman, Futura, Bodoni y la entrañable Helvética. Massimo era un diseñador apacible que siempre enfatizaba en el proceso de diseño, más útil que “bonito”, con propósito claro y evidente. Actualmente, la Universidad de Luisiana cuenta con un edificio del Archivo Vignelli, donde está reunida toda su herencia material, de un diseñador que sólo dejo el lápiz y el papel hasta el día de
Quizás, la clave de su buen diseño se resume en la siguiente frase que preside la home de su página web: «Me gusta el diseño para ser semánticamente correcto y consistente desde el punto de vista sintáctico, pragmático y comprensible. Me gustaría que fuera visualmente potente, elegante, intelectual y, sobre todo, atemporal».
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Su obra. Para entender la transcendencia del trabajo de Massimo Vignelli como diseñador simplemente hay que recordar que su trabajo es materia de estudio y que muchos de sus diseños, pertenecen a las colecciones permanentes de museos como The Museum of Modern Art (MOMA), The Metropolitan Museum of Art y The Cooper-Hewitt Museum.
A los diseños de Massimo Vignelli le sobreviven sus gestos desinteresados en pro de la cultura y la educación universal. Su humildad a la hora de reconocer que era la referencia de muchos diseñadores y, ante el hecho de que otro diseñador pudiera aprender de su trabajo, es clara cuando afirmaba: “Pienso que debe ser útil pasar alguno de mis conocimientos profesionales, con la espe-
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ranza de que los jóvenes diseñadores mejoren sus habilidades. La creatividad necesita el soporte del conocimiento para poder ser mejor”. Estas palabras forman parte de la introducción de su obra The Vignelli Canon EL LEGADO DE MASSIMO VIGNELLI En el año 2010 Massimo Vignelli publicó el «Vignelli Canon». Un libro de gratuito (disponible en su sitio web) en el que aglomeraba promulgaba sus principales ideas y concepción del diseño. En él trata lo que él denomina «elementos intangibles», como la sintaxis, la atemporalidad, la semántica y la disciplina necesarias para desarrollar un proyecto correctamente. También habla de los «elementos tangibles», como colores, soportes físicos o tipografía. «Vignelli Canon» fue concebido por Massimo como un compromiso para con las nuevas generaciones de diseñadores. Su aportación al mundo del diseño fue una constante a lo largo de su vida. «Como diseñador, tenemos tres niveles de responsabilidad; el primero es para con nosotros y la totalidad del proyecto en todos sus detalles; el segundo es hacia nuestros clientes, para resolver el problema de la manera más económica y eficiente; el tercero es hacia la sociedad, el consumidor, el beneficiario del diseño final.»
Ellen Lupton
Además de su trabajo práctico en el diseño, Lupton ha desempeñado un papel importante en la educación y la investigación sobre diseño. Como autora prolífica, Lupton ha escrito varios libros influyentes sobre diseño y tipografía, que se han convertido en lecturas fundamentales para diseñadores y estudiantes de diseño en todo el mundo.
Reconocida diseñadora gráfica, curadora y escritora estadounidense, nacida en 1963 en Filadelfia, Pensilvania. Es conocida por su destacada contribución al campo del diseño y su labor como educadora en el ámbito del diseño gráfico. Lupton obtuvo su licenciatura en diseño gráfico en la Universidad de Cooper Union en Nueva York y posteriormente completó una maestría en diseño gráfico en la Universidad Estatal de Míchigan.
Además de su labor como diseñadora y escritora, Lupton ha sido curadora de exposiciones de diseño en el Museo de Arte Cooper-Hewitt, el Museo de Diseño de Baltimore y otros lugares. Su experiencia en la curaduría le ha permitido abordar el diseño desde una perspectiva más amplia y presentar proyectos que exploran la intersección del diseño con otros campos como el arte, la arquitectura y la tecnología. A lo largo de su carrera, Ellen Lupton ha recibido numerosos premios y reconocimientos por su contribución al campo del diseño. Su enfoque interdisciplinario, su dedicación a la educación y su capacidad para abordar el diseño desde una perspectiva crítica han dejado una huella significativa en la comunidad del diseño y han inspirado a
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muchas personas a explorar y apreciar el poder del diseño en nuestra sociedad.
Pensar com tipos
A continuación, una pequeña reseña de algunos de sus libros Extra bold
Tan práctico como informativo, el libro Extra Bold es un manual de diseño pensado para todas y todos. Sus historias abren el diseño a nuevas personas y prácticas hasta ahora pasadas por alto. Parte ensayo y parte cómic, fanzine, manifiesto y guía de supervivencia, este maravilloso libro está repleto de historias e ideas nunca antes vistas en un libro de diseño.
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Pensar con tipografía es un recurso importante en el momento de tener que rellenar una página en blanco, se han dirigido preguntas como ¿Qué fuente usar? ¿Qué tamaño? ¿Cuál letra tipográfica debería utilizar? Este libro trata de la importancia de saber utilizar la tipografía en el diseño. Este trabajo está dirigido a lectores y escritores, diseñadores y editores, profesores y estudiantes cuyo trabajo esté relacionado con la vida impredecible de la palabra escrita.
El ABC de la Bauhaus La Bauhaus y la teoría del diseño
el diseño, el psicoanálisis, la geometría, la educación infantil y la cultura popular. O ABC da Bauhaus A Bauhaus e a teoria do design
Publicado por primera vez en 1991, El ABC de la Bauhaus se ha convertido en una referencia ineludible y un verdadero clásico entre los diseñadores. El libro nos cuenta los orígenes y el florecimiento de uno de los fenómenos más ampliamente debatidos, diseccionados, imitados y difundidos del diseño moderno, la Bauhaus, y el impacto creativo que su experimento pedagógico supuso para
El ABC de la Bauhaus, publicado por primera vez en 1991, describe los orígenes y el impacto de la Bauhaus. El libro en sí es un manifiesto de los ideales de la Bauhaus, que sintetiza el concepto editorial, la tipografía y la artesanía.
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Diseño gráfico: Nuevos fundamentos
Diseño gráfico: Nuevos fundamentos han pasado a la categoría de clásico por aportar un nuevo enfoque en el aprendizaje del diseño gráfico. Ellen Lupton y Jennifer Cole Phillips analizan las estructuras formales del diseño y se las explican a los estudiantes con un lenguaje actual, lleno de referencias contemporáneas y numerosos ejemplos visuales. El resultado es un magnífico manual básico de diseño, riguroso y atractivo, dirigido a todos aquellos que quieran comprender el diseño gráfico desde una perspectiva crítica e informada. El libro,
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Paula Scher
arte tipográfico “me enamore de la tipografía de un modo inesperado, me influyo la cultura contemporánea, el papel de fumar zigzag, las historietas zap, los periódicos y revistas underground y tapas de disco” (Scher, 2020) Primero trabajos. Su carrera comenzó en el trayecto de los años 1970 y principios de 1980, en la cual sus obras donde los usos de la tipografía llamativa predominantemente llamativas se hacían vigentes y características de su trabajo.
Comienzos. Paula Scher nació el 6 de octubre de 1948, en Washington, hija de un cartógrafo y una profesora, fue criada en un ambiente contaminado entre Washington D. C. y Filadelfia. De pequeña se le detecto que tenía un gran coeficiente cuantitativo, gracias a esto su familia pensó que sería alguien con grandes dotes en las matemáticas, lo cual no termino así, ya que ella se sentía apasionada por el medio del arte. No se conoce más contexto de su pasado, pero sí de su trayectoria.
Trabajo con CBS Records en los años 70, combinando su ilustración con tipografía que contrastaba o asimilaba a su trabajo, muchas personas pasaban por la misma a obtener uno de sus trabajos, volviéndose exitosa y muy conocida en el medio.
Estudio bellas artes en Pensilvania, en la escuela de arte Tyler, allí fue alumna de Seymour Chwast con quien se casó en 1973. En ese trayecto fue en donde cayó enamorada del
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Trabajos hechos con CBS Records
The Three Degrees - Standing Up For Love (1977)
Eddie Harris - Bad Luck Is All I Have (1975)
Bob James & Earl Klugh (1979) Eric Gale - Ginseng Woman (1976)
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Historia curiosa con uno de sus trabajos La ilustración más famosa de la respectiva autora es: Boston – Boston (1976)
en venir. Pero cuando muera mi lapida dirá “Diseño la tapa de Boston” Vivo con ese terror desde entonces y creo que podría volverse realidad (Scher, 2020) Relación con el Public theater. Su primer trabajo con el Public theater fue realizado en el año de 1994, en el cual esta les diseñaría un logo que los caracterizara ya que tenían problemas en hacer un nombre reconocible al solo verlo.
La cual vendió 6 millones de ventas en el primer mes de su lanzamiento. Ella nos explica el porqué de esa idea. “Querían que fuera futurista. Así que tuvimos esta idea de que la tierra explotaba y que estas eran naves espaciales escapando. Naves espaciales escapando en forma de guitarra. Dejaban el planeta tierra y se iban al cielo” (Scher, 2020) Aunque sorprendentemente revela que le parece tonta la presentación del tapete. La tapa de Boston es tonta. Aun me desconcierta como algo así impacta en la cultura era anterior a star wars. Debió tocar el espíritu de los tiempos
El director y dramaturgo George C. Wolfe (C. Wolfe, 2020) menciona lo siguiente “En ese momento el desafío eran las múltiples identidades era el Public Theater. Alguno lo llamaban Josepp Papp Public Teather y luego estaba Shakespeare en Central Park, quería que todo fuera unificado, que respirara completamente como una institución” Paula Scher en ese momento sabía que tendría que tener un estilo neoyorquino, llamativo y orgulloso, revisando uno de sus libros tipográficos, donde se recopilaba tipografía tipo Wood el cual menciona que son de su agrado porque se sienten poderosos y multiformes.
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Al ver una de las páginas de su libro, se interesó en una de las imágenes presentadas en el libro, un grupo de Rs en sucesión, las cuales se hacían más finas y apretadas mientras se sucedían una a la otra, de ahí originando la idea del logo. Luego de la creación de este se volvió un logo tan icónico que cada que la gente lo viera lo relacionabas al Public Theater. Empecé intentando crear un proceso con las
Honores y premios Durante el transcurso de su carrera cono diseñadora gráfica y tipográfica, Scher ha recibido honores y premios que se nombraran en la siguiente lista: - En 1998 fue nombrada miembro del Salón de la Fama del Club de Directores de Arte. - En 2000 recibió el Premio Chrysler de Innovación en Diseño. - Miembro del consejo nacional del Instituto Estadounidense de Artes Gráficas (AIGA). - Presidenta de su Capítulo de Nueva York de 1998 a 2000.
identidades que creo donde las reviso cinco a diez años porque a veces debo retocarlas. Es difícil adivinar, uno quiere diseñar algo que se adapte a su época, rediseñe el logo de The Public Theater tres veces y nadie lo sabe, lo ajuste, lo desarme, la cambie la fuente. He tenido un romance con The Public Theater. (Scher, 2020)
- En 2001 recibió el más alto honor de la profesión. - La Medalla AIGA, en reconocimiento a sus distinguidos logros. y contribuciones al campo. - En 2006 fue galardonada con la Medalla del Club de Directores Tipo, la primera mujer en recibir el premio. - En 2012 fue honrada con el Premio Design Collab del Museo de Arte de Filadelfia. - En 2013 recibió el Premio Nacional de Diseño
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para el Diseño de Comunicación, presentado por Cooper-Hewitt. - Ha sido miembro de Alliance Graphique Internationale (AGI) desde 1993 y se desempeñó como presidenta desde 2009 hasta 2012.
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