BALLETIN DANCE 255 by Balletin Dance

ISSN 1850-6275 . Año 23 . Nº 255. Julio 2016 . Revista mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires

LA REVISTA ARGENTINA DE DANZA

MARIA MARTA COLUSI Argentina, Inquieta y Curiosa

ENTREVISTAS Andrea Chinetti Miguel Angel Elías Lola Brikman César Corrales Elena Algado Miguel Angel Corbacho

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Nota de Tapa 4 La Argentina que Cautivó a Sasha Waltz

Staff

Actualidad 8 De Regreso 13 Noticias Breves

editora general Agustina Llumá editores asociados Diego Llumá Martín Goyburu

Provincias 14 Buenos Aires. Tres Funciones con Estrenos 36/39/41 Noticias Breves

escriben en este número Nahuel Aguirre Beatriz Cotello Gustavo Friedenberg Román Ghilotti Natascha Ikonicoff Laura Lifschitz Fátima Nollén Stella Salomón Daniel Sousa Gabriel Vaudagna Arango en nuestra sede Juan Martín Caset corresponsales Mercedes Borges (Cuba) Rosa C. Corral (Holanda) Beatriz Cotello (Austria) Fátima Nollén (Inglaterra) diseño Jorge García jorgeg.dg@gmail.com INTERIOR DEL PAÍS: $ 20

BALLETIN DANCE REDACCIÓN Adolfo Alsina 943 - 4º piso oﬁcina 410 (C1088AAA) Buenos Aires - Argentina Tel/Fax: (# 54 11) 4331-0412 De lunes a viernes de 10 a 17 hs gacetillas@balletindance.com.ar www.balletindance.com.ar Balletin Dance, La Revista Argentina de Danza®, es una publicación mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires. ISSN 1850-6275

Flamenco 16 Invierno ﬂamenco

Declarada de Interés Municipal por el Honorable Concejo Deliberante de la Ciudad de Buenos Aires. Ordenanza Nº 49.027/95. Auspiciada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Resolución Nº 12/96. Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura y Comunicación de la Nación. Resolución Nº 291/97 y 514/01. Auspiciada por la Dirección General de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto desde 1998. Auspiciada por la Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires. Disposición Nº 122/99. Auspiciada por el Instituto Nacional del Teatro (2003/04, 2009/11). Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación. Resolución Nº 2681/12. Balletin Dance integra la Asociación de Revistas Culturales Independientes de Argentina (AReCIA). Directora y propietaria: Agustina Llumá. Cuit: 2721765023-8. Reg. Nac. de la Propiedad Intelectual: Nº 5279010. Fotocromía: Trazos Imagen Digital: 4116-5848. Impresión: Gráfica Laf, Monteagudo 741/45, Vª Lynch, San Martín, Buenos Aires, Tel/Fax: 4116-5845. Diseño de logo: Jorge García. Queda prohibida la reproducción total o parcial de las notas sin autorización por escrito de Balletin Dance. Los artículos firmados no reflejan necesariamente la opinión de la editorial. Balletin Dance no se responsabiliza por el contenido de los avisos publicitarios, por su mensaje, ni por la veracidad de sus ofertas que son de entera responsabilidad de los anunciantes.

Informe 18 Ellas, las que Dieron el Salto

María Marta Colusi Foto . Edgardo Rudnitzky

Comentarios 26 No Ortivarse 28 Tres Fidelidades

Internacionales 44 Reino Unido. César Corrales 46 España. Salir de la Burbuja 52 Austria. Shakespeare Dances Neumeier 2016 54 Cuba. Festival Internacional 48/51/53 Noticias Breves

Entrevistas 24 Lola Brikman 30 Andrea Chinetti-Miguel Angel Elías 34 Jóvenes en Búsqueda de la Danza Argentinos en el exterior 42 Italia: Jessica Najmanovich 42 Rumania: Brenda Angiel In Memoriam 43 Eloy Pericet Blanco 43 Zarko Prebil

Cartelera 10/23/36 Espectáculos Balletin informativo 55/56/57/58 Audiciones, ayudas económicas, becas, festivales, ﬁnanciamiento, premio, residencias, subsidios, puntos de venta

Sumario Julio 2016 Año 23 Nº 255

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La Argentina que Cautivó Nota de tapa / Por Laura Lifschitz

a Sasha Waltz

Tras completar su formación como bailarina en la mítica compañía de Sasha Waltz, la argentina María Marta Colusi se reencontró con el público local en la germana puesta de Dido y Eneas de Henry Purcell el mes pasado en el Teatro Colón. Balletin Dance dialogó acerca de esta vuelta al país y de cómo en Europa se puede comenzar una carrera pasados los 30 años

Le pido que se imagine un momento de su formación en Argentina Se me viene a la cabeza la pasión por el trabajo, creer en lo que uno hace. Mis maestros fueron Roxana Grinstein, quien me subió al escenario, y Ana María Stekelman. Ellos fueron modelos que han creído en su danza como expresión, en su propio lenguaje del movimiento. ¿Ese fue el puntapié para buscar nuevos horizontes con la beca Antorchas en 2012 para ir a Francia, luego Holanda y ﬁnalmente recalar en Alemania? Sí, siempre fui muy inquieta y curiosa. Estando en Argentina participé de la escena independiente y en el medio entré al San Martín. Ya no tenía a dónde ir, había llegado a un techo. Tenía 33 años. En nuestro país sos grande para bailar en un elenco. No es como en Alemania. Yo con esa edad empecé mi carrera en Europa en una compañía internacional. Mi opción era ser una creadora, y si bien siempre hice mis pequeños proyectos, no era mi momento todavía. Quería saber cómo se expresaba el cuerpo en otros lugares, no sólo como una destreza física sino como concepto que va más allá de una cuestión técnica. En Francia no descubrí cosas muy nuevas. Descubrí que toda la información que tenemos en Argentina se parecía a lo que recibía en París. Pero la gran diferencia es en cuanto a la educación de la danza. En Argentina hay mucha información, todo da vueltas, todo el mundo sabe, pero hay pocas personas que saben de verdad, salvo en investigación Susana Tambutti o Marina Giancaspro, entre otros, desde un punto de vista técnico y docente. Esto es algo

Bailar con Sasha Waltz “No es algo artiﬁcial, sino orgánico”, dijo Colusi Foto . Máximo Parpagnoli

que me ocupa. Un colega de la compañía de Sasha Waltz, Juan Kruz Diaz de Garaio Esnaola, que fue a Argentina, me dijo: “Parece que allí saben mucho, pero en realidad no”.

¿Se reﬁere a poder ir más allá de las formas coreográﬁcas? ¿La necesidad de conocimiento de otros planos de la cultura y el pensamiento? Exacto. Aquí en las formaciones de danza hay que transitar por ese lugar, hay que ir a otros lugares del pensamiento desde el punto de vista técnico. Entonces cuando lo bailás, cuando lo enseñás, tiene otra profundidad. Por otro lado, me parece que en nuestro país no hay dinero ni tiempo necesario para abrirse y relajarse en una situación de poder aprender. Hace diez años, en la compañía teníamos tres meses de “research”. Cuando hay tiempo, hay espacio para poder reflexionar. En la actualidad en la compañía de Sasha Waltz es convocada por proyecto y gran parte de los bailarines no son alemanes. Ella busca intérpretes de todas las nacionalidades porque es un concepto de compañía internacional: bailarines con diferentes cuerpos, diferentes comidas, formas de pensar, diferentes paisajes. Tiene toda la paleta de colores para hacer lo que ella quiera. Por eso los bailarines formamos parte de la investigación y coreografía. En Dido y Eneas en el Colón, excepto dos bailarines que tenían obligaciones previas, fuimos los originales. Nosotros trabajamos en nuestra propia coreografía. Por eso vamos siempre que se monta la obra, no nos la queremos perder. La obra se estrenó luego de que la compañía se despegara de la órbita estatal, del teatro de la Schaubühne Am Lehniner Platz, para ser independiente: Sasha Waltz and Guests. Cada bailarín trabajó en sus propios materiales y luego Sasha los montó, hizo la régie. JULIO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 5

Su actuación en Dido & Eneas le abrió varias posibilidades para volver a la Argentina Fotos . Máximo Parpagnoli

Desde su estreno Jochen Sandig -el marido de Sasha- siempre quiso llevar la obra a la Argentina. Es una obra muy placentera.

¿Qué sucede con el trabajo técnico que pide la compañía? En la danza contemporánea, y en Europa, la homogeneidad del cuerpo de baile es lo que menos cuenta. No importa la línea, sino que tengas una propuesta interesante, que tengas buena fisicalidad. No se resume en un bonito cuerpo. La compañía ofrece la posibilidad de que vayas creciendo con las obras y que te vayas transformando. Bailar es mucho más que verse bien, no está ligado a una destreza física. Es un arte, una pasión, una expresión. Lo que tiene Sasha es que busca intérpretes que puedan sostener sus elementos técnicos, lo que vos ponés cuando bailás. Con Sasha todo parte de uno. Cada material que hacés está dentro de tus capacidades físicas, de tu forma de expresión, de tus cualidades de movimiento. No es algo artificial sino orgánico. Si bien podés cambiar tu manera de bailar, hay algo base que siempre va a estar que es tu forma de movimiento. Por eso la gente puede permanecer en las piezas. ¿Qué otros proyectos tiene en carpeta? En diciembre vuelvo con Topo, un dúo que estrené en 2015 en el Dock Elf con un subsidio del Senado de Berlín, con Ayaka Azeki, y el pintor Kazuki Nakajara más la música y la instalación 6 .. BALLETIN DANCE .. JULIO 2016

sonora de Edgardo Rudnitizky, mi pareja. Luego tenemos un proyecto con él, Sueños, vinculado a un fotomontaje. Estamos trabajando con objetos sonoros para una performance, porque con Edgardo trabajamos muy bien y confío plenamente, la cuestión del sonido, el cuerpo y los objetos que hacen sonido en la escena en forma viva. Luego la docencia, mis workshops de improvisación y repertorio de Sasha Waltz que empecé en 2010 cuando salí de la compañía como estable para empezar a trabajar por convocatoria de proyectos. Me gustaría darlos nuevamente en Argentina, dicté workshops en dos oportunidades en la Universidad Nacional de las Artes (UNA), en este último viaje también. Veo a una gente joven con un empuje impresionante en nuestro país y con una fisicalidad increíble. Creo que es algo que más y más me gustaría profundizar. Mi idea es devolver -como fueron para mí las funciones en el Colón- todo lo que aprendí en estos años, poder compartir con la gente joven de mi país. Y voy a bailar durante muchos años más.

¿Qué le produjo su vuelta con la puesta de Dido y Eneas en el Colón? Me abrió varias posibilidades para volver a la Argentina en 2017. Fue muy emocionante. Me reencontré con toda la gente, mis colegas, maestros. Me sentí muy bien recibida. Fue una manera de devolverle a mi país mi evolución como artista. Para mí ir al Colón fue cerrar un círculo, fue muy fuerte. Empezar y volver al mismo lugar: planté un árbol, escribí un libro, volví al Colón. Fue muy hermoso. __BD

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ACTUALIDAD

De Regreso

El Ballet Nacional dirigido por Iñaki Urlezaga bajo las órbitas del Ministerio de Desarrollo Social, regresa a su actividad, siempre con entrada gratuita, con nuevo nombre

La temporada 2016 del Ballet Nacional Danza, se inició el mes pasado con actuaciones y clínicas (clases) en el Teatro Gran Ituzaingó (24 de junio), Palpalá y San Salvador de Jujuy (1º de julio), Santiago del Estero (3 y 4), Termas de Río Hondo (6), nuevamente Tucumán (donde realizaron audiciones para seleccionar bailarines, los días 8, 9 y 10 de julio), La Rioja (13), La Plata (17 y 18) y Lomas de Zamora (28 de julio). Allí llevaron un programa integrado por Carmen (Alberto Alonso-Georges Bizet) y Bolero (Aurel Millos-Maurice Ravel). La actividad del cuerpo nacional de ballet, continuará con los lineamientos de la gestión anterior, conformado por bailarines

Técnica Repertorio Elongación y más... Gabriela Alberti - Lía Furiasse Miguel Gómez - Jorge Tirigal y 16 maestros más Cuenca 2953 - Villa del Parque - 4501-0947 Mail: info@institutodanzave.com.ar Instituto Danzave 8 .. BALLETIN DANCE .. JULIO 2016

Iñaki Urlezaga y Eliana Figueroa en Carmen Foto . Carlos Villamayor

de todo el país, con actuaciones en todo el territorio argentino, donde además dictan talleres gratuitos, con el objetivo de acercar el arte a la comunidad, y seleccionar a futuros integrantes. Las siguientes actuaciones serán en el Teatro Coliseo de Buenos Aires, del xx al xx de agosto, con el mismo programa al que se suma Cuentos de Chopin, un estreno de Iñaki Urlezaga sobre música de Frederic Chopin. Los acompañará la Orquesta Académica de Buenos Aires dirigida por Carlos Calleja. __BD

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Abismarse

Danza en Morón

El Hacedor de Mundos

De Analía Rosenberg. Con Maia Mónaco (voz), Jack Syzard (danza) y músicos en vivo. Sábados 21:30 hs, hasta el 27 de agosto. Centro Cultural Rector Ricardo Rojas (Av. Corrientes 2038, Tel: 4954-5521).

En julio: Compañía de Danza Pucará de Alexis Mirenda (3), Herederos Ballet de Cintia Armando junto a la Compañía de Danzas Argentinas de Ituzaingó de María del Carmen Tormo (10), Me Paro un Rato de Carmen Mesa (17), Mágico Rock (15 hs y 17 hs). Domingos 20 hs. Teatro Municipal Gregorio De Laferrere (Brown y San Martin, Morón, Tel: 4483-1412). Entrada gratuita. Carmen Mesa. Foto: Pablo Goldberg

Club de Trapecistas Estrella del Centenario. Domingos 3, 10 y 17 a las 19 hs. Domingos 24 y 31 a las 17 y 19 hs. Club De Trapecistas Estrella del Centenario (Ferrari 252, Tel: 4857-3934). Martes 19 a las 15 hs y 17:30 hs, a la gorra en Centro Cultural Resurgimiento (Gral. José Gervasio Artigas 2262)

Artax La Punta del Ovillo. Idea y Dirección Sol Gilgorri. Con Daniel Sciarrone, Antonella Simone, Donna Wisner, Emilia Reinhold, Emilia Tiemroth, Sabrina Algaze, Tamara Seufer, Stefania Melero, Alejandro Saucedo y Sofía Bovino. Jueves 24, 20:30 hs. Espacio Viceversa (Gorriti 5839, Tel: 47735125).

El País del Espejo

Doña Rosita, la soltera

Dirección: Victoria Castelvetri. Intérpretes: Ana Inés García, Caterina Mora, Milva Leonardi, Quillen Mut Cantero y Renato Valença. Asesores: Luis Biasotto y Juan Ignacio Vallejos. Sábados 21 hs. Centro Cultural Rector Ricardo Rojas (Av. Corrientes 2038, Tel: 4953-3556).

Crave (Ansia) De Sarah Kane. Intérpretes: Florencia Tevez, Milagros Vera, Agustina Malfitano, Lujan Marangos y Agustín Daulte. Sábados a las 19 hs. Espacio Cultural Urbano (Acevedo 460, Tel: 4854-2257)

Cuatro Noches ... y el miedo a estar solo. De Ignacio González Cano. Compañía Tempotango. Coreografía: Ignacio González Cano, Manuco Firmani y Soledad Fernández. Elenco: Manuco Firmani, Florencia Segura, Johanna Aranda, Leonel Di Cocco, Natalia de Assuncao, Nicolás Minoliti, Ines Zunino, Jimena Hoeffner, Fernando Carrasco, Nuria Hortiguera, Pamela Colaneri, Rodrigo Calvete y Romina Miguel. Sábados trasnoche (00:30 hs). Hasta Trilce (Maza 177, Tel: 4862-1758). 10 .. BALLETIN DANCE .. JULIO 2016

cartelera

Caipirinha

…o El lenguaje de las flores. De Federico García Lorca. Dirección: Hugo Urquijo. Asesoramiento coreográfico: Cecilia Elías. Con Virginia Innocenti, Rita Cortese, Graciela Dufau, Arturo Bonín, Silvia Baylé, Carolina Gómez, Flor Benítez, Emilia Paino, Sebastián Vitale, Elis García, Andrea Lovera, Juan Andrés Romanazzi, Fiorela Duranda y Valentina Goldzen. Jueves a sábados 20 hs y domingos 19 hs. Teatro Regio (Av. Córdoba 6056, Tel: 6056-4772).

Dirección: Inés Armas Coreografía: Ana Armas, Daniela Fiorentino e Inés Armas. Con Ana Armas y Daniela Fiorentino. Sábados 17 hs. En vacaciones martes y sábados 17 hs. Teatro Pan y Arte (Boedo 876, Tel: 4957-6922).

El Tango es puro cuento Dirección: Ignacio Gonzalez Cano. Coreografía: Manuco Firmani. Con Ana Rodríguez, Federico Coates, Black Rodríguez Méndez, Manuco Firmani, Pablo Conde, Jesús Paez, Melisa Fardin, Camila Pina y Florencia Segura. Sábados y domingos, jueves 21 y 28 y viernes 22 y 29, a las 16 hs. Centro Cultural Borges (Viamonte 525, Tel: 5555-5359).

El Cascanueces

En el aire

…y las princesas encantadas. Ballet Metropolitano. Dirección: Leonardo Reala y Juan Lavanga. Versión infantil. De jueves a domingos, del 21 al 31 , a las 11 hs. Teatro Coliseo (Marcelo T de Alvear 1125, Tel: 4816-3789).

Compañía ARiesgo. Dirección: Juan Cruz Berecoechea. Asistencia coreográfica: Santiago Palavecino. Intérpretes: Pablo Cordero Jaure, Victoria Aldatz, Patricio Ardissone, Andrés Bollati, Max Cargnello, Lucrecia Galarza, Elina Marchini Solaligue, Marcos Miño, Ricardo Pallonari, Antonella Pereyra, M. Sol Perez Gallardo, Juan Francisco Rodriguez. Domingos 19 hs. Ciudad Cultural Konex (Sarmiento 3131, Tel: 4864-3200).

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BALLETIN DDANCE ANCE DID ACTIC O DIDA TICO El área de actualización docente de Balletin Dance, dirigida por Alicia Muño Muñozz, presenta los próximos cursos de

PEDAGOGIA DE LA DANZA E-LEARNING (POR INTERNET) Dir ec ción Direc ección ción:: Alicia Muñoz

Tut or utor or:: Marcio Chinetti

Las teorías cognitivas y constructivistas del proceso de enseñanza-aprendizaje al alcance del maestro de danza Para docentes, profesores, maestros (y alumnos avanzados que piensen comenzar a dictar clases) de todas las disciplinas de la danza

Planif ic ar lo pr endiz aje Planific icar loss AApr prendiz endizaje ajess Inicia: 19 de julio · Cómo se planifica una buena enseñanza · El por qué y el para qué de los proyectos · Tipos de proyectos · Cómo establecer metas y objetivos · Cómo organizar los contenidos · Cómo diseñar las estrategias · Cómo establecer los tiempos

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Compartí con colegas de diferentes países, esta experiencia enriquecedora, sin moverte de tu casa

brevesactualidad

Nuevas fechas En entrevista con el diario Página 12, Jorge Telermann anunció nuevas fechas para la apertura de los teatros a su cargo. El director del Complejo Teatral de Buenos Aires (que nuclea a cinco salas bajo la órbita del gobierno de la ciudad) adelantó la apertura del Teatro de la Ribera que reabrió el 17 de junio dirigido por Diana Teocharidis (con la obra El Andador), aseguró que el 1º de marzo de 2017 comenzará la programación en el Teatro General San Martín y que a finales del próximo año lo hará el Teatro Presidente Alvear. También señaló que la programación 2017 se anunciará antes de lo habitual, y que estará integrada por obras seleccionadas mediante una convocatoria abierta a artistas de todo el país. El funcionario también explicó que modificaron el plan de obras del Teatro San Martín, “haciéndole una renovación integral”, que se trata de una obra “más amplia. Se va a intervenir todo, desde el primero hasta el último piso. Va a ser nuevamente un espacio agradable para los casi 700 trabajadores que hay en el teatro”. El plan pasó entonces de 72 millones de pesos a 250 millones. Sin embargo, días más tarde, el viernes 24 de junio, el mismo matutino publicó un artículo en el que se anunció un nuevo cambio de fecha. “El gobierno porteño volvió a retrasar la finalización de la puesta en valor y obra del Teatro General San Martín, esta vez para mayo de 2017”.

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Cierre de salas Así como a fines del año pasado cerraba la sala Apacheta, y a principios de este lo hizo el espacio cultural Pata de Ganso conducido por María José Goldín y Pablo Barboza, este mes se anunció el fin de La Casona Iluminada. Los centros no logran financiar sus actividades, en medio de los aumentos desmedidos de los servicios de electricidad, gas y agua, sumado al incremento de los alquileres al momento de renovarlos. Desde la Casona indicaron: “Nos apena darles esta noticia”; el motivo: económico, “los dueños de las paredes decidieron alquilar nuestro espacio a un nuevo inquilino, quien hizo una oferta económica superadora”. El ciclo Teatro Bombón que celebraría este año su décima edición, “continuará creciendo como un proyecto de intervención de diferentes espacios y fiel a su propósito, buscará expandirse en la ciudad y mucho más allá de Buenos Aires”.

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PROVINCIAS | BUENOS AIRES

Tres Funciones con Estrenos Por Stella Salomón

El ballet del Sur dirigido por Ricardo Alfonso, presentó junto a la Orquesta Sinfónica Provincial bajo la batuta de Federico Sardella, un programa clásico y neoclásico en acabada muestra, en su sede, el Teatro Municipal de Bahía Blanca, a ﬁnes de mayo A teatro colmado, el Ballet del Sur inició la temporada 2016, con tres funciones (20, 21 y 22 de mayo). Dos de ellas con entrada gratuita, en el marco del plan cultural AcercArte del Gobierno de la Provincia de Buenos Aires. Al estreno asistieron el Secretario de Cultura bonaerense (Alejandro Gómez), la Subsecretaria de Gestión Cultural (Rocío Irala y Hernández) y la Directora Provincial de Programación Cultural (Cecilia Kuska). Balletin Dance conversó brevemente con Alejandro Gómez, quien aseguró que las ovaciones que recibieron del público tanto el ballet como la orquesta, testimonian que la función que presenció fue muy buena. “Fue muy interesante poder ver el nivel de los bailarines. Se nota técnica y el trabajo en conjunto entre el director del ballet Ricardo Alfonso y su asistente, también coreógrafo, Bernard Courtot, quienes junto a Jorge Agesta le imprimen además de la excelencia, la pasión por lo que hacen. Eso se nota en el resultado de las galas”.

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El funcionario, además, explicó que para la gobernadora, María Eugenia Vidal, “la cultura es una de las prioridades y la muestra de ello, es el desarrollo del programa cultural AcercArte, de excelencia y gratuito, que en Bahía Blanca incluyó dos funciones del Ballet y la Sinfónica, además de las otras once disciplinas, que recorrerá por primera vez los 135 municipios de la provincia. También, se harán obras para que el Teatro Argentino pueda funcionar técnica y estructuralmente, la recuperación del Anfiteatro Martín Fierro, y la creación del Festival Internacional de Jazz de la Provincia, también en Bahía Blanca”. Puntualmente en referencia a Bahía Blanca, dijo: “Los Organismos Artísticos del Sur tienen desde hace varias décadas reclamos desatendidos. Si bien no podemos solucionar todos ellos ya mismo, estamos trabajando para mejorar sus condiciones, por eso es que estoy convencido que todas las funciones programadas van a llevarse a cabo”.

Ballet del Sur, “excelencia y pasión por lo que hacen” Foto . Raúl Lázaro

Comentario Divertimento de Napoli dio apertura al espectáculo, en reposición de Bernard Courtot de Boutellier según la coreografía original que August Bournonville elaborara sobre partituras de varios autores: Holger Paulli, Edward Helsted, Hans Lumbye y Niels Gade. La música aparece a nuestro oído del siglo XXI como un tanto predecible, de la misma manera que la danza, aunque no exenta de proezas. La noche del 22 de mayo, Carolina Basualdo y Gorky Flores aportaron su técnica solvente al pas de deux inicial. La Tarantella que conforma el final de la obra, con sus originales y variados contrapuntos, fue ejecutada con la necesaria alegría y destreza por solistas y cuerpo de baile. Entre Azul y Verdi (Giuseppe Verdi - Ricardo Alfonso en reposición de Courtot), recuerda a La Primavera de Boticelli: fondo oscuro, levedad en sus personajes y lo que se asemeja a un canto a la juventud que coincide con la primavera de la vida, aunque la densidad de esa expresión pictórica contraste con la evanescencia de la danza en la comparación. Los bailarines abordaron con soltura los interminables y volados enlaces neoclásicos; fueron todos ellos alternadamente primeras figuras, solistas y cuerpo de baile en un intercambio de roles hábilmente elaborado por Alfonso. El estreno de La Source, pas de deux de Bernard Courtot, sobre música de Leo Delibes y Ludwig Minkus, sugirió el esplendor del Romanticismo, con el piano en escena, muy bien ejecutado por Ignacio Ares. La coreografía muy lograda, muy elaborada y salpicada de pequeñas proezas que desembocaban en difíciles compromisos para los bailarines. Con aptitud, Basualdo y Flores, nuevamente, sortearon las dificultades técnicas y dieron paso generoso a la interpretación. En el cierre, Raymonda (Alexander Glazunov - Marius Petipa en reposición de Courtot), mostró reminiscencias árabes y húngaras alternándose en la bella partitura. Resultó muy grato a la vista, el absolutamente homogéneo grupo de parejas bailando en simultáneo. Muy buenas variaciones fueron las ofrecidas por Flavia Correa y Estefanía Segovia. Basualdo se mostró enigmática y dominante en su solo, muy segura y expresiva, y recibió por él un merecido aplauso. Correctísimo el pas de quatre encarado por Manuel Martínez, Gorky Flores, Julio Bernal y Mariano Balloni. Para destacar fue la actuación de Jean de Brienne, bailarín francés recientemente incorporado a las filas del Ballet del Sur, quien aportó a cada uno de sus roles una técnica depurada y su gallarda presencia. __BD

GABRIELA PUCCI Ex 1era. Bailarina del Teatro Colón Ganadora del Premio a la Maestría Artística - Moscú 1977 Ex Maestra y Ensayista del Ballet del Mercosur Ex Coach personal de Maximiliano Guerra

Danza Clásica Principiantes · Intermedios · Avanzados Niños · Adolescentes · Adultos Asesoramiento para Profesionales Tel: 6010-4559 · gabrielapucci@fibertel.com.ar JULIO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 15

FLAMENCO

Invierno ﬂamenco Por Gabriel Vaudagna Arango

El invierno traerá a Buenos Aires variadas propuestas en la cartelera ﬂamenca, mientras llegan maestros a dictar cursillos de baile, los artistas locales apuestan a la creación de espectáculos en dónde la búsqueda de la danza explora otros sentidos del ser ﬂamenco El bailaor Pol Vaquero desde España presentará junto a Yanina Martínez un show de tablao en el cierre de Binomios en el Perro Andaluz. Alicia Fiuri encabeza a un grupo de bailaoras de distintos países que llegan a mostrar Entre Mujeres al Centro Cultural Borges. Por último Marina Lila Sainz y Marcos Dech Milanich retoman Diáfano Flamenco una creación que explora otros sentidos en el baile. El último Binomio El 15 de julio a las 21 hs, se presentan como cierre del ciclo Binomios del Perro Andaluz el bailaor español Pol Vaquero y la artista local Yanina Martínez, junto a músicos locales. Ella es una reconocida bailaora y docente que este año ha convocado al bailaor con el que compartirá cartel. En una breve entrevista realizada desde España con Balletin Dance Pol Vaquero, recordó que había visitado Buenos Aires hace unos quince años, junto al grupo Azúcar Moreno y “de aquella vez que me quedé maravillado del país y de la gente”. Ahora se contactó a través de las redes sociales, con Martínez, y además de la actuación programada también dictará una serie de cursillos. Acaba de estrenar en Madrid su nuevo espectáculo 21 Pasos junto al bailaor David Paniagua, y ha trabajado en compañías de gran prestigio como las de Antonio Canales y el Ballet Nacional de España.

¿Qué diferencia encuentra en el trabajo realizado en esas compañías y en su propio proyecto? La diferencia es la tranquilidad, porque cuando estás bajo la dirección de otros directores tú te limitas a dar lo que te pidan, pero cuando creas algo propio te involucras en él desde otro lugar, tienes que guiar a los artistas que lleves y tienes otra responsabilidad. ¿Qué referencias tiene sobre el ﬂamenco en Argentina? Tengo referencias de las alumnas que vienen a España a tomar clases, que son pocas, y veo que el nivel es alto. Y espero encontrarme con muchas ganas allá de trabajar y estudiar. Entre Mujeres El sábado 16 de julio (con repeticiones los sábados 23 y 30), estrena en el Centro Cultural Borges Entre Mujeres, el espectáculo multicultural encabezado por Alicia Fiuri, junto a Mariana Fernández (Argentina), Ana Butrón Parra (España) y Francisca Durão (Portugal). Un elenco femenino potente que reúne por primera vez en Buenos Aires lo mejor del flamenco de los tres países, con la participación de Claudia Montoya en cante y Fernanda de Córdoba en guitarra. Entre Mujeres propone un viaje por el mundo femenino del baile flamenco, según Francisca Durão el espectáculo está dedicado a todas las mujeres que inspiran. “A las mujeres-madres, a las mujeres enormes. Mujeres de taco y de vestido. Mujeres-hombres, tal cual Gael García Bernal de polleras, en alguna de las locuras de Almodóvar. Mujeres-poder. Mujeres de labios rojos. Mujeres verdaderas. Mujeres de piernas largas, o más chicas, pero mujeres con pasos grandes. Mujeres que caminan bailando. Mujeres que bailan caminando, y también las que piensan que no lo pueden hacer. Mujeres con Mujeres, sin ser Mujerío”. Diáfano Flamenco Marina Lila Sainz y Marcos Dech Milanich presentan Diáfano Flamenco el 6 de agosto y el 22 de octubre en el Cultural Discepolo de Morón (centro cultural y sala de teatro mítica del oeste del conurbano bonaerense). En el espectáculo estrenado en el ciclo Binomios del Perro Andaluz el pasado año, la danza, la música, la luz y el flamenco, atraviesan los cuerpos, volviéndolos translucidos, diáfanos. Los acompañan también Fernanda Pol Vaquero, este mes en Buenos Aires Foto . gentileza del artista

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Dedicado a todas las mujeres Foto . gentileza de prensa

de Córdoba en guitarra, Álvaro González y Eugenio Romero en cante, interviniendo otros artistas invitados. Según la propia Marina Sainz a la pregunta por qué Diáfano o cuánto tiene de diáfano el flamenco comenta: “La respuesta dependerá de qué significado de diáfano elegimos. Nosotros utilizamos todos los significados (la danza también). En la puesta del espectáculo usamos el pasaje de la luz por los cuerpos.

La iluminación va de la mano con el baile. Y es que creemos que el baile como la música atraviesa los cuerpos y los transforman lo mismo que hace la luz en un cuerpo diáfano”. Para finalizar la bailaora sintetizó: “No sé cuánto de diáfano tiene el flamenco, no sé si el flamenco es traslucido o transparente. Los cuerpos lo son en el contacto con la luz. El baile lo es en contacto con la luz o con la música”. __BD

Flamenco traslúcido o transparente… Foto . Paola Evelina

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INFORME

Ellas, las que Dieron el Salto Por Daniel Sousa

Formadas en el rigor de las danzas clásica y contemporánea, descollaron y consiguieron el reconocimiento masivo en la revista, el tango y el teatro musical. ¿Hay lugar para la frustración en ellas? Opinan Cecilia Narova, Alejandra Suárez ‘la Coneja’ y Melina Greco “La vida te da sorpresas, sorpresas te da la vida…”, podrían cantar a coro estas mujeres versátiles, parafraseando a Rubén Blades. Vedetes y acróbatas, tangueras e intérpretes de teatro musical, todas ellas se asomaron al mundo de la danza desde niñas, entre tutús y zapatillas de punta, y sin embargo hoy se sienten más cómodas sobre zapatos de taco aguja, bañadas en cristales, envueltas en satén, o bien ocultas detrás de la máscara de algún personaje de esos que permiten aunar el baile con la canción. Las de hoy y las de ayer, jóvenes y maduras, todas ellas hermanadas por un patrón que se repite: mujeres que iniciaron sus carreras artísticas en el rigor de las danzas clásica y contemporánea, y que, acaso por un designio del destino, un día pegaron el salto y descollaron en el teatro de revista, la comedia musical, la televisión o el tango danza.

La lista es extensa, por cierto. Desde la máxima show woman argentina, Moria Casán, que mucho antes de llegar a la marquesina del Maipo y patentar su “lengua karateca” estudió danza clásica y española, hasta Mora Godoy (egresada del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón), Adabel Guerrero (que pasó por la compañía de Iñaki Urlezaga), o integrantes de la factoría Tinelli como la coach Georgina Tirotta, Gisela Bernal y la cordobesa Mariana Conci, de presencia destacada en Stravaganza. Y la nómina sigue: Sandy Brandauer (que ensayó sus primeras pirouettes en la Escuela de Danza Clásica de Bahía Blanca), Daniela Fernández, María Giammaría, Susana Agüero, Sandra Guida (que abrazó el ballet a los siete años por consejo de su pediatra), Marixa Balli, Reina Reech, Lorena Liggi, Andrea Estevez (que llegó a audicionar para el American Ballet antes de sufrir una lesión). Y más: Soledad Bayona (formada inicialmente en la técnica del modern jazz por Margarita Fernández y Laura Roatta), Magui Bravi (otra bailarina que integró las huestes de Urlezaga), las internacionales Laura Lago (de la Escuela Nacional de Danzas y Taller del San Martín al Lido de París y al Moulin Rouge) y las siempre recordadas Ambar La Fox, Violeta Montenegro, Ethel y Gogó Rojo, y Nélida Lobato, entre muchas otras. De Morón a París ¿Qué hay detrás de la decisión de torcer el rumbo de una carrera hecha de sueños y sacrificios? ¿Es, al fin, la natural evolución de una artista, o queda una frustración grabada de por vida? “En mi caso todo se dio muy naturalmente”, confiesa ante Balletin Dance Cecilia Narova, cuyo derrotero fue desde la Escuela Municipal de Danzas de Morón, de donde egresó a los trece años, al escenario del Maipo, de la mano de Antonio Gasalla y Tato Bores, y luego a París, con el suceso de Tango Argentino. “Desde chica quería bailar danza clásica y llegar al Colón. Por eso mis padres me dieron esa formación. Audicioné en varias ocasiones pero nunca quedé. Entonces, mi maestro Norberto Guichenduc, le propuso a mi familia ayudarme a entrar en el ballet de Santiago Ayala ‘El Chúcaro’, en el que él ya trabajaba. Fue así que me eligieron y bailé muchos años con ellos, hasta que en una gira por Europa (NdR: marcada por problemas económicos) decidí quedarme en España”, recuerda. El coreógrafo argentino Ricardo Ferrante la introdujo en los espectáculos de revista de la Madre Patria, a la par que Narova estudiaba danza “De ningún modo debería ser frustrante optar por uno u otro camino”, entiende Melina Greco Foto . Adrián Fiesta

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Cecilia Narova y Juan Carlos Copes en la película Tango: “Fue como bailar con Fred Astaire”, evoca la artista Foto . archivo fílmico

jazz con el maestro Goyo Montero, recientemente fallecido. Se lució allí en varios títulos. Años después regresó a Buenos Aires para audicionar ante Pedro Sombra con la ilusión de trabajar con Gasalla en la meca de la revista porteña. Y una vez más el sueño se hizo realidad. Al año siguiente ya había ascendido a vedete principal y llegó a reemplazar a la mítica Lobato en 1982, cuando su salud resquebrajada la obligó a bajarse del éxito de La Mariposa en el Maipo. En aquella obra la descubrió el escenógrafo Claudio Segovia, que después, ya como director, la convocó para Tango Argentino, donde interpretó el rol de Milonguita y bailó temas como La Cumparsita y Verano Porteño (junto a Luis Pereyra y Pablo Verón en distintas temporadas). Con Juan Carlos Copes quedó inmortalizada en una escena de la película Tango, de Carlos Saura.

Viajó a España como bailarina folklórica y regresó como vedete consagrada ¿Cómo lo tomó su entorno más cercano? Mientras yo me sintiera feliz, para ellos estaba todo bien. Mis padres me habían señalado un camino y sabían que no me iba a desviar por trabajar en la revista. Incluso cuando vieron mi primer desnudo yo me sentí un poco mal pero a ellos les cayó bien porque era en un cuadro de baile, que era lo que yo más amaba.

No más Reemplazo También en el caso de Alejandra Suárez, ‘la Coneja’, la imposibilidad de acceder a la compañía del Colón fue determinante a la hora de imprimir un cambio en su carrera. Estudió en el Instituto Superior de Arte de nuestro primer coliseo en “una época en la que no se hacían concursos para ingresar al Ballet. Entonces la edad se me pasaba y yo veía que no tenía ninguna posibilidad de conseguir un puesto”, comenta. Cansada de ser refuerzo de cuerpo de baile cortó por lo sano y buscó nuevos horizontes. Un amigo le avisó de una audición para el musical Sugar, que protagonizaría Susana Giménez en 1986. Se presentó y quedó. Giménez la llevó luego a la televisión, donde su imagen como asistente de la animadora se hizo popular. De ahí al teatro infantil, sin escalas: primero con Las Trillizas de Oro y Víctor Laplace en Dulces Sueños, en el Liceo, y más tarde en Los Susanos son el Show, con Karina K, Robertino Loras, Rafael Blanco y otros.

Además de bailar clásico, usted hizo el Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín ¿El pasaje al musical y la televisión lo vivió como un fracaso? Para nada, lo disfruté muchísimo. Yo quería bailar, hacerme un lugar en el medio, y con Sugar y lo que vino después (Cabaret, entre otras obras) lo conseguí. En el Colón siempre iba a ser un

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reemplazo. En cambio, en el musical me dieron un lugar y me sentí muy cómoda. Siempre les digo a mis alumnos (hoy dirige su propia escuela en Riviera Park, cercana a Nordelta) que un bailarín con técnica de clásico puede adaptarse a cualquier cosa. Yo puedo dar fe de eso.

¿Y sus padres? ¿Cómo lo vivieron? Para ellos fue difícil, sobre todo para mi mamá. No podía creer que queriendo ser bailarina clásica terminara en la calle Corrientes haciendo comedias musicales. Pero en el fondo yo sabía que nunca iba a ser ‘clásica clásica’. El detonante de mi transformación fue haber visto A Chorus Line (1980) con Susana Agüero, y luego la compañía de Béjart, el Ballet del Siglo XX, con Jorge Donn. Cuando uno es chico está abierto a todo. Otra Salida “La adaptabilidad lo hace crecer a uno como artista”, analiza Melina Sol Greco, cuyas raíces se hunden en la danza contemporánea pero alcanzó relieve internacional gracias al tango y la acrobacia. “Quedarse encerrado en lo que se estudió me parece súper valorable, pero yo siempre sentí el deseo de investigar en otras áreas para seguir formándome. Son elecciones que una va haciendo, lugares donde va encontrando que se siente cómoda y puede vivir de lo que le gusta”.

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“Cuando uno es chico está abierto a todo”, dice ‘La Coneja’, que cambió el Colón por los musicales y la televisión Foto . gentileza de la artista

“No hay que ver una guerra entre la danza clásica, el contemporáneo, el musical, el tango, el jazz…”, continúa. “Somos todos de la misma familia y cada uno va eligiendo su camino. De ningún modo debería ser frustrante una elección de este tipo”. Melina se formó en la Escuela Nacional de Danzas y en el Taller del San Martin, y se perfeccionó luego en los Estados Unidos. “Es muy difícil ingresar a una compañía de danza contemporánea porque no hay muchas. Por eso, al darse la posibilidad empecé a hacer shows convencionales de tango (con el grupo Corporación Tangos), luego un musical de tango (Tanguera), y más tarde una obra totalmente acrobática como Stravaganza”, repasa. “Esto tiene que ver con mi personalidad, pero también con una realidad económica. El circuito comercial de trabajo le ofrece al artista otras cosas”.

¿Cree que podría haber hecho carrera en una compañía contemporánea formal? Tal vez ese trabajo no coincida con mi perfil. Soy muy inquieta, por eso después de salir del Taller no me atrajo la idea de integrar algún grupo independiente hasta que surgiera una propuesta de una compañía grande. Rápidamente encontré otra salida. Nunca me sentí frustrada. Lo mío fue una elección muy consciente y con verdadero placer. __BD

Organizacion Danzamerica

Org Danzamerica

Danzamerica JULIO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 21

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Del 15 al 17 en Centro Cultural Sábato (Uriburu 763), Milonga Parakultural (Scalabrini Ortiz 1331), Milonga La Bruja (Av. Cordoba 5064), Academia Roberto Herrera (Sarandi 426 1° Piso). Programación: www.colectivocultural.com.ar.

Furtivo De David Señoran. Con Patricia Ferraro, Rodrigo Jesús Colomba, Inés Silvestre, Joaquín Toloza y Gastón Gatti. Sábados 21 hs. La Fábrica Espacio de Arte (Acevedo 768, Tel: 4776-2346). Foto: Coty Cibils

La Corporación Idea y dirección: Ramiro Cortez y Federico Fontán. Con Abril Lis Varela, Ariel Calderón, Diego M. Gómez, Emanuel Zaldua, Jazmín Jazmín Cañete, Julieta Ciochi, Juliana Gonzalez Carreño, Lucila Sol, Lucía Giannoni, Mauro Podesta, Natalia Lopez Godoy, Paz Masi, Rocio Mercado, Sebastián A Reinoso Salinas, Victoria Castelvetri. Jueves de julio y agosto 22:15 hs. Timbre 4 (México 3554, Tel: 4932-4395). Foto: Ignacio Cangelo

Mundodanza

cartelera

Festival Colectivo Cultural

De Laura Falcoff. Con Flor Alonso, Camila Florines, Katia Pazanin, Exequiel Etelechea/Joni Buk, Lucas Mauriño y Maxi Navarro. Domingos 17 hs. El Galpón de Guevara (Guevara 326, Tel: 4554-9877).

Itinerante El Teatro San Martín en los Barrios. Hasta el 17 de julio en Parque Patricios (Av. Caseros y Monteagudo). ¡Jettatore! De Gregorio de Laferrère. Dirección y adaptación: Mariana Chaud. Diseño coreográfico: Manuel Attwell. Domingos 3, 10 y 17, a las 18 hs. Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín. Dirección: Andrea Chinetti. Hasta Siempre de Analía González, Chopin Número 1 (dúo) de Mauricio Wainrot y Bolero de Ana María Stekelman. Domingos 10 y 17, a las 15 hs. Hasta Siempre Foto: Irupé Tentorio

Peter Pan

Lisístrata La Crueldad de los Animales De Juan Ignacio Fernández. Dirección: Guillermo Cacace. Entrenamiento corporal: Andrés Molina. Actúan: Héctor Bordoni, Ana María Castel, Fernando Contigiani García, Gaby Ferrero, Esteban Kukuriczka, Sabrina Marcantonio, Iván Moschner, Denisse Van der Ploeg, Nacho Vavassori y Sebastián Villacorta. Domingos 18 hs. Apacheta Sala Estudio (Pasco 623, Tel: 4943-7900).

La Dama Del Mar Lo Que Atrae y Espanta al Mismo Tiempo. De Henrik Ibsen. Compañía teatral Flor de un día. Versión: Diego Lerman, Marcelo Pitrola y María Merlino. Dirección: Diego Lerman. Entrenamiento y asesoramiento coreográfico: Leticia Mazur. Elenco: María Merlino, Marcelo Subiotto, Esteban Bigliardi, Flor Dyszel y Mario Bodega. Jueves a sábados 21 hs, domingos 20 hs. Teatro Sarmiento (Avenida Sarmiento 2715, Tel: 4808-9479).

…o la Rebelión de las mujeres. De Arístofanes. Versión: Rodolfo Roca. Dirección: Roberto Monzo. Con: Ivana Averta, Facundo Buggiani, Constanza Canónico, Nicolás Carbó, Natalia Chiesi, Agustín Clusellas, Gisella Crimi, Paola Cerolini , Juan Marcelo Duarte, Belén Ezquerra, Mariano Retorta, Magdalena Helou, Andrea Isola, Pilar Leon, Rosana López, Florencia López Petruzzi, Florencia Maluf, Rosario Maranesi, Ignacio Milazzo, Antonella Piersanti, Gustavo Reverdito, Francisco Tortorelli, Juan Trzenko, Jorge Valdez, Daniela Viegas, Miguel Angel Villar y Jonathan Yoffe. Sábados 22:30 hs. Teatro Andamio 90 (Paraná 660, Tel: 4373-5670).

…todos podemos volar. Dirección: Ariel Del Mastro. Coreografía: Gustavo Carrizo. Con Fernando Dente, Natalie Pérez, Ángela Torres, Nazareno Mottola, Gabriel Goity y elenco. De martes a domingos 15:30 y 18 hs. Teatro Gran Rex (Av. Corrientes 857, Tel: 4322-8000).

Martes de Danza Amores Divos por la compañía Casta Diva de Mónica Fracchia (5 y 12, 20 hs), Eternos Viajeros del Río por el Grupo Pucará de Alexis Mirenda (19 y 26, 20 hs). Centro Nacional de Música y Danza (México 564, Tel: 4361-1672). Entrada gratuita.

Muestra cuatrimestral Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín. Dirección: Norma Binaghi. Muestra de final de cuatrimestre. Jueves 14, a las 17 hs. Teatro de la Ribera (Av. Pedro de Mendoza 1821). Entrada gratuita.

Raíces Compañía Sariri del Ande. Dirección: Oscar Rea López. Con Sebastián Ávila, Valentina Borgonovo, Melisa Dominguez, Roxana Farfán, Irina García, Karen Navarro, Oscar Rea, Jesús Rea, Romina Robles, Laura Velásquez y Wilson Zambrana. Viernes 22 y 29, 21:30 hs. Teatro Empire (H. Irigoyen 1934, Tel: 4953-8254).

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E N T R E V I S TA

El Cuerpo en Estado de Arte Por Agustina Llumá

Con veinticinco años en su haber, la Fundación Arte y Movimiento se ocupa de incentivar la realización de actividades artísticas, con foco en la inclusión, entendida desde diferentes aspectos. Su presidenta, Lola Brikman, reﬂexiona en esta entrevista sobre los alcances de la educación por el arte A poco de haber sido designada con el título Académico de Honor por la Honorable Academia de Folklore de la provincia de Buenos Aires, Lola Brikman se mostró agradecida a la vez que sorprendida, pues las danzas tradicionales no son su especialidad; más allá de conocerlas en profundidad, y disfrutarlas absolutamente, como “a cualquier danza, siempre y cuando esté bien hecha”. La Fundación Arte y Movimiento realiza numerosas acciones vinculadas fundamentalmente con la danza libre “en términos de Laban”, o danza creativa, pero no descarta por ello ningún otro estilo de danza y ballet, e incorpora actividades que suman bellas artes y música. Su tarea de formación profesional se centraliza en el Centro de Educación Corporal A-771, fundado hace más de 36 años, un Instituto Superior de Formación Artística abalado por Ministerio de Educación de la Nación de la Argentina, que otorga títulos con validez oficial de alcance nacional e internacional. Allí se cursan el Profesorado de Expresión Corporal (carrera de grado) y el posgrado Arte en la Diversidad, destinada a docentes, profesores de educación física, psicólogos y maestras/os jardineras, entre otros.

“Con el tiempo hay una cosa que se me afirma más -aseguró la presidenta-: lo importante es la poética del movimiento, que en un momento de la historia de la danza estaba sólo en manos de los genios”. ¿Qué es exactamente la poética del movimiento? “Es tener el cuerpo en estado de arte, es querer transmitir cierta espiritualidad (aquello que los religiosos ponen en la religión)”. Las grandes obras de arte, “traspasan el tiempo y el espacio”, afirmó. Para Brikman, la inclusión tiene dos alcances. Por un lado incluir en la sociedad al excluido, pero en otro aspecto es incorporar en lo cotidiano diferentes aspectos de la cultura, acercarles a los chicos otros estilos, “para mí no es mejor la danza libre que la danza clásica, ni que la folklórica”, aseguró. La idea es “tener conocimiento de lo que el arte te ofrece para vivir, que la danza es el arte del cuerpo y del espíritu. Para nosotros el cuerpo no es solamente un instrumento, estamos en el siglo XXI, y el entrenamiento en cualquier lenguaje del movimiento debe ser tomado como profesión, es decir, como gente responsable y comprometida. Tener un cuerpo entrenado en situación de arte, en situación receptiva, de dejar una huella de armonía en el otro. Recién ahora la enseñanza tradicional está entendiendo que es fundamental el cuidado de la educación artística, por lo que el arte dio, que provocó cambios, crecimientos y modos de estar en el mundo con libertad y respetuosamente. Como Isadora Duncan: cuánto hizo no sólo por el arte, sino por los derechos de la mujer, ya antes de 1910: hace un siglo. Docentes del Centro de Educación Corporal Fotos . gentileza de la Fundación Arte y Movimiento

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Lola Brikman reconocida por la Academia de Folklore de la provincia de Buenos Aires

reográficas y ellos también tienen talleres de expresión corporal, danza folklórica, computación, lecto escritura, están abiertos a la comunidad, con probados progresos en los chicos”. En la Escuela 8, del distrito 5 de la ciudad de Buenos Aires, en el barrio de Barracas, la Fundación lleva a cabo desde hace varios años, un proyecto de inclusión con pequeños de barrios marginales. “Pero van a la escuela, el director apoya mucho esto. Los últimos dos años fue conmovedor, porque los chicos eligen venir a la clase (de expresión corporal o folklore), usan el recreo para bailar. Acompañamos esa experiencia con Educación Para la Salud, con la Dra Silvia Benasayag, que dicta charlas a padres y chicos”. “Pero el proyecto que más nos está ocupando, por estos próximos dos años, es el de contribuir con herramientas desde el arte y el movimiento para disminuir la violencia. Comenzamos con talleres en Bariloche donde funciona un grupo de investigación. Estamos trabajando en ver qué modo de intervención podemos implementar, en el nivel inicial y primario, para comenzar, para generar una huella en los pequeños que de pie a la armonía, al entendimiento y a la escucha de otro. No es nada sencillo, pero sabemos que tanto la danza como el canto y la música pueden contribuir. Estamos incorporando otras escuelas de capital, de la localidad de Navarro y Mar del Plata en Buenos Aires, y de otras provincias”. Algunos Proyectos Experiencias con personas en situación de riesgo social (inicialmente junto al gobierno de la ciudad de Buenos Aires) en Hogares de Paso, “lugares especialmente preparados para recibirlos, donde la gente va a almorzar, a bañarse”. Hace unos quince años trabajan con la Fundación Cherry Breitman, “abocada a chicos con síndrome de down. Aunque ahora ellos ya tienen sus docentes y yo solamente los guío. Seguimos con el grupo Danza Siete, que todos los años hace muestras co-

Invitación “Yo invito a que se reflexione un poco más sobre estos temas. Incluso me gustaría que se forme en la Fundación, un grupo de graduados interesados en seguir reflexionando sobre nuestra tarea, sobre diferentes estilos de la danza. Que tengan inquietud por seguir creciendo, porque uno de los riesgos es quedarse solamente con los saberes adquiridos al terminar la formación académica”. __BD

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C O M E N TA R I O

No Ortivarse1 Por Román Ghilotti

En el entramado social, el intercambio intersubjetivo constituye una marca contundente de las relaciones humanas, aquello dialógico puede, junto con hablarse, sentirse y hacerse. En El Extranjero se ofrece Menea Para Mí, de Mariana Cumbi Bustinza, un espectáculo de danza, música y teatro Diálogo de voces, cuerpos y emociones podría ser una completa caracterización del amor, y de eso se trata Menea Para Mí: es una de amor. El Maxi y La Pao son la pareja de amor, pero hay otras relaciones amorosas, diversas en intensidad y modalidad, y hay también situaciones que cruzan sus vidas: alegría, familia, quimeras e ilusiones, amistad, y violencia, fanatismo, droga, cárcel y muerte.

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La vida de Maxi hace de hilo conductor de una historia que se cuenta por fragmentos, casi relámpagos anecdóticos que hilvanan la vida en un barrio bajo, marginal. No faltan los espantos como el paco, los abusos sexuales y la muerte violenta, los malos tratos por prepotencias, peleas y exclusiones; tampoco las alegrías por ternura, sensualidad o ardor y estados festivos: la cumbia en baile y canto, la pasión quemera (ser hincha de Huracán), el juego y la broma entre amigos. En un espacio que sintetiza una zona urbana desangelada, una esquina o un fondo de casa, con basura en el piso, con ropa colgando, los intérpretes van de jean, zapatillas y prendas deportivas. Allí deambulan entre un no hacer nada y hacerlo todo. Sus modos de hablar empujando frases, sus tonos y su léxico lunfardo villero hacen parte de una construcción en la que los cuerpos también empujan y arraciman las acciones, el entrelazado de relaciones de grupo e individuales. Hay una constante que expresa un ímpetu siempre alerta, se diría incansable, que insiste en supervivir. La distancia objetiva que se manifiesta entre lo deseadosoñado y lo concreto del recorte marginal de su pertenencia es lo que reaparece en cada situación: el goce de lo buscado es efímero e intenso, breve porque la dureza y la condición precaria de su entorno sólo da lugar a un corto acto feliz.

Cumbia en canto y baile Foto . Fernando Lendoiro

Una de las canciones (Facundo Salas) dice que un ángel los protege y no los juzga pero los conmina a levantarse y enfrentar la vida que es sólo sobrevivir. Esto es lo que se ve: bailan y cantan cumbia, con lo cumbiero bien presente, expansivo, potente, divertido, melancólico. Actúan momentos de dinámicas diversas, violentos o tiernos, individuales, de pareja o colectivos, trazos de esa dura realidad. En función, los intérpretes (Ezequiel Baquero, Luciano Crispi, Vanina Cavallito, Catalina Jure, Germán Matías, Micaela Quintano, Victoria Raposo, Florencia Rebecchi y Victoria Schwint), sostuvieron con excelentes performances y riqueza de matices la puesta de Bustinza que expuso con rigor la poética potente a la vez que austera de Menea… Ese diálogo entre emociones, cuerpos y voces de la escena se trascendía a la platea donde, probablemente, no había ángeles, pero sí personas que, posiblemente, no pertenecían a la vida marginal que se mostraba pero que podían, desde lo emocional que se producía, reflexionar hasta dónde compartirse u ortivarse son nuestras maneras sociales de interactuar. __BD 1 Ortiva, y de este, ortivar, ortivarse. Lunfardo. Que traiciona, no apoya, niega o desconoce a otros.

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E N T R E V I S TA

En la Agridulce Espera Por Natascha Ikonicoff

Desde el cierre del Teatro San Martín, el Ballet Contemporáneo gira de sala en sala en busca de un lugar que pueda alojarlo. Balletin Dance se reunió con sus ﬂamantes autoridades, Andrea Chinetti, directora, y Miguel Ángel Elías, co-director, para averiguar cómo se vive este particular momento Esta entrevista tuvo lugar una tarde de junio, en la sala redonda del primer piso del Teatro 25 de mayo, donde el BCTSM se encontraba trabajando temporalmente. “Acá es divino, es como la rotonda del Colón”, dijo Chinetti des-dramatizando la situación. “Pero en este piso los bailarines se resbalan, no entran todos. No hay espejo, las barras no son buenas, tenemos sólo dos duchas, los camarines son pequeños y están todos hacinados… ¡Imaginate qué incomodo! Por ser una sala prestada, hubo días que no contamos con todo el horario necesario. Estamos acostumbrados a trabajar siete horas diarias. Pero bueno, es un proceso, una crisis que estamos viviendo y que tenemos que pasar”. Ya a partir de este mes, el elenco estará alojado en una de las salas del Ministerio de Desarrollo Social de la Nación, creada el año pasado para albergar a la compañía de Iñaki Urlezaga en el Hogar Garrigós del barrio de La Paternal. “Es una sala muy grande, Temperamental: danza marcadamente teatral Foto . Gustavo Gavotti

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muy linda, con piano. La Ministra de Bienestar Social [Carolina Stanley] e Inés Vernengo, una ex integrante de la compañía, nos ofrecieron el espacio. Tardamos un poco en mudarnos porque había un problema con la calefacción, pero el Teatro se ocupó de solucionarlo. Estamos llegando a buen puerto”, aseguró la directora.

¿Qué piensan del cierre del Teatro San Martín? Miguel Ángel Elías: Era muy difícil seguir manteniendo el teatro abierto dentro de una obra edilicia. La sensación es que las remodelaciones no se iban a terminar nunca. Me parece que era necesario atacar el problema de lleno, fue una decisión importante. ¿Cómo están llevando este desarraigo temporal? Andrea Chinetti: Después de 35 años en el San Martín, para mi es una tristeza enorme, angustiante. Además, por fin teníamos nuestra sala de ensayos y clases, con la infraestructura que exige una compañía de treinta y pico de personas. Pero de repente, nos encontramos en una sala prestada.

¿Todo este movimiento modiﬁcó en algo lo planiﬁcado para este año? MAE: No. Hay que terminar de configurar los espacios en donde vamos a estar, pero la idea es mantener las temporadas. En todo caso, se atrasarán un poco, pero no vamos a sacrificar alguna. AC: El sábado 18 de junio estrenamos aquí, y luego estaremos en el Auditorio de Belgrano con dos estrenos nuevos, una obra de Carlos Casella y otra de Elizabeth de Chapeaurouge, además de una reposición de Chopin de Mauricio Wainrot. En julio tenemos dos funciones en una carpa muy grande que va a haber en Parque de los Patricios, como parte del programa El San Martín en los Barrios. Después, estamos tratando de cerrar un ciclo a fin de año en el Teatro Coliseo, pero todavía no está definido. A comienzos de junio, en el acto de entrega del Premio María Ruanova, realizado en el Salón Dorado de la Casa de la Cultura del gobierno de la ciudad de Buenos Aires, Mauricio Wainrot, cuestionó el maltrato estatal al punto de dudar acerca de la continuidad del BCTSM, “hace un año que la compañía está padeciendo”, dijo quien fuera su director hasta diciembre del año pasado.

¿Qué opinan de sus aﬁrmaciones? AC: Sí… ayer hablé media hora con él. Son esas cosas que dice Wainrot cuando está un poco enojado. Él es así, se enoja. En realidad nosotros salimos del teatro en marzo y recién ahora nos dieron la sala. Mientras, estamos en un lugar donde los bailarines no están felices porque tiene sus inconvenientes. Esa infelicidad, no es el clima que uno elegiría para trabajar. Pero es transitorio.

Inﬁma Constante: poética de suspensión de cuerpos y rítmicas Foto . Antonio Fresco

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¿No consideran que se los está descuidando? AC: Se tomó una decisión, no sé si apresurada, pero sin dudas correcta. Y esas cosas se les escaparon de alguna manera. Estuvo muy bien armada la logística para sacar las cosas del teatro, pero no estuvo bien armada la logística de a dónde iban, ni cómo. El Gobierno de la Ciudad [del que dependen] nos dio el Teatro 25 de Mayo, y yo empecé a buscar salas en febrero. No te puedo explicar la cantidad que vi (…) No es fácil encontrar un lugar para un ballet. ¿Tienen pensado seguir los mismos lineamientos que Wainrot? AC: El San Martín tiene un lineamiento, una mirada popular y social. Me encantaría tener un Kylián en la compañía, o hacer una apertura a los coreógrafos independientes. Con Wainrot hemos trabajado con muchos en estos años. También me gustaría promover la creación coreográfica dentro del grupo; traer un maestro, hacer talleres coreográficos para que se desarrollen no sólo como intérpretes sino como coreógrafos, que es una gran problemática en nuestro país. Además, quisiera trabajar en ámbitos no convencionales, incluir más a la escuela, hacer una obra con el Grupo de Titiriteros del Teatro, todos juntos”. Es decir, que si bien con Mauricio Wainrot “seguimos trabajando juntos” hay muchas ideas diferentes a la gestión anterior.

Andrea Chinetti “A mayor entrenamiento, mayor libertad” Foto . gentileza de la directora

MAE: Nosotros hicimos carrera a lo largo de estos años en el San Martín y entonces nos nutrimos de todas las personas que formaron parte. Creemos también que, con todo ese bagaje, podemos tener una impronta personal ¡Todo un desafío! La idea es fortalecer este espacio desde un sistema que queremos formar, ver cuáles son los nexos o vínculos que podamos generar para que esto realmente sea una máquina de producción artística en la que todos estén comprometidos y entusiasmados. Es un momento de entusiasmo, pese a todas las dificultades, y estamos aprendiendo a fortalecernos.

¿Hubo alguna repercusión ante el cambio de directivos del Ballet? MAE: Quieras o no, al cambiar la persona, hay una diferencia. Además, la personalidad de Wainrot es muy fuerte. De todos modos, tuvimos muchos gestos de adhesión, y eso nos ayuda a estar confiados y con ganas de estar en este lugar. Vamos a seguir con la idea de mantener el estándar y el nivel de excelencia en lo artístico. AC: Y sobre todo algo que Wainrot nos ha enseñado muy bien, que es a mantener al bailarín muy entrenado. MAE: A mayor entrenamiento y más herramientas, mayor libertad. Así, cuando está en el escenario, el bailarín realmente lo siente como un lugar de plenitud. __BD

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C O M E N TA R I O

Tres Fidelidades Por Román Ghilotti

En nuevo programa del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, dirigido por Andrea Chinetti, contó con coreografías de Anabella Tuliano (Ínﬁma Constante), Silvina H. Grinberg (Temperamental) y Ana María Stekelman (Bolero), y pudo verse de jueves a domingos, en el Teatro 25 de Mayo hasta el 3 de julio La coreografía de Tulliano (2013) ocurre sobre un fondo de estrellas. Así, la levedad de movimientos que da inicio, con muchachas flotando sostenidas por partenaires, instala una poética de suspensión de cuerpos y rítmicas. A medida que avanza el trabajo, poco a poco, ese flotar sideral va dando lugar a desarrollos con más peso, continuidades más a piso. En los encadenamientos de secuencias se suceden cuartetos, parejas y finalmente un solo. Contrapuesto a esto, las formas, de cortes neoclásicos con una impronta muy personal de Tulliano, van resultando más ricas y complejas a medida que aparecen menos bailarines en escena. La constante, que se exhibe como mínima en el trabajo, muestra el detalle de la forma como un presente que se evanesce mientras se construye en el cuerpo: un pequeño detalle en la inmensidad. El segundo trabajo que se presenta, Temperamental, según se indica en el programa de mano, toma como referencia para su construcción “los cuatro temperamentos: melancólico, flemático, colérico y sanguíneo”. Los temperamentos clásicos, con sus asociaciones de potencias, dinámicas y emotividades desplegadas en los cuerpos, fueron recorridos, recortados y modificados por Grinberg en su enfoque del asunto. Así, expresiones potentes y exaltadas, a veces en secuencias de marcados contrapuntos, otras en despliegues más continuados, hacen a gran parte del trabajo de grupo. Hay un cambio de esta tesitura con una entrada en una modalidad de danza más marcadamente teatral, no sólo por la aparición de la palabra dicha sino también por una impronta situacional directa y clara. Una suerte de predicador o coach de cuerpos y almas conduce al grupo. El grupo responde a sus órdenes con actos, formas y manifestaciones de variados temples anímicos. El juego insta a tener en mente las modificaciones y las soluciones que, desde perturbadas condiciones del alma se producen por voluntarias aperturas y entregas expresivas. A esto, Grinberg, como suele hacer en sus trabajos, inyecta tramos y detalles de humor que potencia las metáforas que expone, en este caso, aquellas de los caminos de ayuda hacia las mejores plenitudes del ser.

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Bolero: tango, folklore y contemporáneo al servicio de una forma cuidada Foto . Alicia Rojo

Y cierra el programa la reposición de Bolero. La versión que hace Stekelman, conforme a su propia tradición creativa, pone tango, folklore y contemporáneo al servicio de una forma cuidada. Inicia y concluye la coreografía con un solo en zapateo folklórico. Este reaparece, siempre asociado al ostinato de redoblantes, a lo largo de la pieza. Conjuntamente, tango y contemporáneo, más hibridados, aparecen como entrando y saliendo de los cuerpos de los bailarines, médiums del discurso formal. De esta manera, combinados, los aspectos de contenido de lenguajes y los otros, más abstractos, dan una línea de construcción coreográfica que termina por ser muy apegada a algunas de las ideas fuerza del propio Maurice Ravel en su partitura. El BCTSM en función respondió con rigurosa eficiencia a las tres propuestas de las tres coreógrafas quienes, por su parte, afirmaron su fidelidad a sus estilos propios en sus creaciones. __BD

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E N T R E V I S TA

Jóvenes en Búsqueda de la Danza Por Nahuel Aguirre

Gestores, investigadores, bailarines y creadores. Luego de la convocatoria sub-30 realizada por el Centro Cultural Rojas, Balletin Dance entrevistó a algunos jóvenes coreógrafos que actualmente se encuentran en procesos de creación. Desde diferentes estilos dentro de la danza contemporánea estos artistas tienen más similitudes de las que imaginan El ambiente de la danza independiente es casi infinito, siempre se gestan nuevos proyectos y espacios para jóvenes artistas. Federico Amprino, Sabrina Wehner, Jesús Guiraldi, Camila Florines, Luciano Cejas y las chicas del grupo La Montón son algunos de estos coreógrafos que estrenarán obras entre agosto y octubre. Cada uno con diferentes estilos y procesos similares, intentan encontrar un movimiento genuino. Camila Florines, con sus 22 años monta una obra relacionada con los roles de las personas en la sociedad. Cómo se asumen en diferentes estados o situaciones. Este trabajo llamado Cromática, surge de una tesis elaborada para el Taller de Danza Contemporánea del Teatro General San Martin. Quienes también se vinculan con esta institución son los integrantes de CoVar, compañía dirigida por Sabrina Wenher. Este grupo actualmente trabaja sobre una obra a cargo de Federico Amprino llamada: Ex-traños todos. Según palabras del coreógrafo la idea surge del sentimiento de estar expuesto a la vida y tratar de encajar en la sociedad luego de habitar un espacio cómodo como el vientre materno.

Luciano Cejas y la Compañía IFA con su obra Los Moribundos, intentan descubrir cómo los miedos afectan al cuerpo. Mediante la investigación técnica e improvisada, los intérpretes de su compañía tratan de abordar los miedos desde diferentes experiencias. La Montón, integrado por Samanta Leder, Delfina Thiel y Lucía García Pulles, es un grupo cercano a la danza experimental. Ellas investigan sobre los estados de alerta o emergencia que tiene el cuerpo en situaciones límites como catástrofes o simulacros. Esta obra en proceso aún no tiene nombre pero será estrenada en octubre en el Centro Cultural Ricardo Rojas. Jesús Guiraldi, por su parte, trabaja en un proceso para una obra unipersonal llamada Un Día Uno. La misma abordará sus experiencias individuales como persona y como bailarín. También trabaja a partir de la investigación con la improvisación con composiciones originales junto a músicos. Estas obras próximas a estrenar tienen procesos similares. Parten de la improvisación y algunos ideales dentro de la experimentación: buscan “un movimiento honesto” según Guiraldi, quien intenta comprender sus movimientos y su danza en base a este procedimiento. Wehner y Amprino también intentan que sus pautas guíen a los intérpretes a esa meta. Según sus palabras: “Nos gusta trabajar a nivel interpretativo. Que los bailarines lleguen a sentir sensaciones para poder transmitirlas. Fusionar su estilo con mi idea

La Montón en ensayo Foto . Florencia Fredes 34 .. BALLETIN DANCE .. JULIO 2016

Los Moribundos de Compañia IFA Foto . Pamela Davalos

y empezar a buscar la idea que me interesa contar. Trabajar con un grado de verdad muy importante. Lo interesante es su particularidad y encontrar los puntos de conexión desde lo físico.” Camila Florines destacó el nivel de importancia de la propia danza de cada intérprete: “Siento que mi trabajo es reflejar con el cuerpo lo que cada uno trae. Una mezcla, de lo particular de los intérpretes y mi estilo, mi mensaje. Me gusta la sorpresa de lo que interpretan ellos como personas, con mis pautas”. Ninguno pierde dentro de esta búsqueda la intención de su mensaje, sin embargo intentan negociar con los cuerpos que serán canal de comunicación hacia el espectador. Luciano Cejas por ejemplo mencionó su forma de componer: “Me doy el lugar de crear con ellos. Desde el concepto del miedo, coreografías, preguntas y respuestas que surgen, intentamos llevarlo al cuerpo improvisando”. Las integrantes de La Montón, más seguras a la hora de hablar sobre improvisar y componer, destacaron que su investigación intenta mezclar experiencias físicas en base a una idea que se modifica, a medida que logran entender el movimiento en dicho estado. “De una idea pasamos a la empírea y de la experiencia volvemos a rever el concepto inicial.” Si bien todos apuestan a la improvisación o experimentar con lenguajes, ninguno deja de lado la técnica que termina siendo una herramienta que nutre a cada cuerpo para después desplegarse en escena. Florines afirmó: “Siento que la técnica sólo es una herramienta para que cada uno haga su propia búsqueda”. Pero el ambiente no se nutre únicamente de las técnicas de movimiento corporal, hay una infinidad de lenguajes artísticos que hacen que muchas obras sean interdisciplinarias. Estos jóvenes con sus ganas de crear, gestar y moverse hacen necesaria la aparición de nuevos espacios o híbridos. A pesar de que no hay que perder la base del movimiento y la danza, hay que reconocer los diferentes paradigmas que circulan y nutren al lenguaje. Para La Montón, “lo nuestro sigue siendo el cuerpo, pero debemos ver otras disciplinas para enriquecerlo y abrir posibilidades de movimiento. Hay que seguir apostando al hacer, juntarse y probar, generar energías y vínculos que ayuden. No esperar que venga una propuesta de arriba, o de afuera, sino que tenemos que armar una movida propia. ” __BD

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El Ballet de la Universidad Nacional de Cuyo que dirige Pamela González, encomendó una nueva creación al coreógrafo brasileño Sergio Berto, que se estrenará este mes y continuará en cartel durante el resto del año en diversos ámbitos de la institución mendocina (Nave Universitaria y Hall de la facultad de Filosofía y Letras). Se trata de Todo mi Ser, encuadrada en el ciclo Las Estaciones del Ballet, con música del compositor Yiruma, que se estrenó en el marco del programa Permanecer es Pertenecer de la Subsecretaría de Permanencia y Egreso de la Uncuyo (interpretada en vivo por la pianista Alejandra Olmedo y el violinista Emir Manzur). Inspirada en el otoño mendocino, la obra habla de partidas, llegadas, reencuentros y despedidas, y de la búsqueda del amor verdadero. El Ballet de la UnCuyo nació en 1950 cuando la Universidad fundó el Departamento de Arte Escénico y Coreográfico (a cargo de Nina Verchinina, primera bailarina del Ballet Ruso del Coronel de Basil), convirtiéndose en la universidad pionera del país en la práctica y la enseñanza de la danza clásica. Luego de diez años de intensa actividad el elenco pasó por un período de receso hasta 1971, cuando fue refundado por María Teresa Carrizo a quienes siguieron Angelle Kaizer (Holanda), Octavio Cintolessi (Opera de París), Luis Agüero (Teatro Colón de Buenos Aires), Lyde Peralta (Ballet del Marqués de Cuevas), entre otros. Gran parte de su actividad se lleva a cabo en la Nave Universitaria y en salas del Gran Mendoza y otros departamentos provinciales, con algunas giras a las provincias vecinas. El Ballet desarrolla además actividades destinadas a la formación de espectadores, con el programa Bailando en la Escuela, desarrollado en escuelas primarias y el programa La Escuela va al Teatro que permite a los niños acceder a una sala teatral, donde el elenco puede mostrar integralmente sus posibilidades expresivas.

Saltimbanquis Libro y letras: Sergio Bardotti. Música: Luis Bacalov. Dirección: Pablo Gorlero. Coreografía: Verónica Pecollo. Con Mariano Mazzei, Julián Rubino, Magalí Sánchez Alleno, Laura Silva, Agustín Maccagno, Mariel Rueda, Sheila Saslavsky, Francisco Tortorelli, y niños. Sábados y domingos 15 hs. En vacaciones: de martes a domingos 15 hs. Teatro Regio (Av. Córdoba 6056, Tel: 6056-4772).

Shrek El Musical Dirección: Carla Calabrese. Dirección Musical: Gaby Goldman. Coreografías y Asistencia de Dirección: Alejandra Rappazzini. Libro: David LindsayAbaire. Música: Jeanine Tesori. Adaptación al castellano: Marcelo Kotliar y Carla Calabrese. Con Pablo Sultani, Melania Lenoir, Roberto Peloni, Talo Silveyra, Andrés Bagg, Mariú Fernández, Maia Contreras y elenco. Funciones en inglés y en castellano, de martes a domingos, mañana, tarde y noche. Teatro Maipo (Esmeralda 443, Tel: 5352-8383).

Sizigia De Nicolás Miranda. Ganadora del premio coreográfico de la Fundación Julio Bocca. Comparte función con Flyplats por la Compañía Covar dirigida por Sabrina Wehner. Domingos 10, 24 y 31, 18 hs. Espacio de Arte Viceversa (Gorriti 5839, Tel: 4773-5125).

cartelera

brevesprovincias

Otoño Mendocino

Solos con la danza Danza contemporánea. Marcela Chiummiento, Rodrigo Morero, Gustavo Long, Helena Wroblewski, Virginia Moreda, Agustina Paez, Ana González Vañek, Rita García, Marisa Troiano, Yoko Pao y Gustavo Soto. Viernes de agosto 23 hs. Teatro La Mueca (Cabrera 4255, Tel: 48672155).

Volver a Jugar

Sergio Berto recreó el otoño mendocino Foto . Marcos García | Los Andes 36 .. BALLETIN DANCE .. JULIO 2016

Les Ivans Circo. De Iván Sirczuk e Iván Zlachevsky. Para niños de 3 a 12 años. De miércoles a sábados a las 17:30 hs, jueves 21 y 28 también 15 hs. Ciudad Cultural Konex (Sarmiento 3131, Tel: 4864-3200).

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brevesprovincias

Falta de calefacción La Escuela de Danza de Bahía Blanca, instituto de nivel superior, dependiente de la Dirección General de Cultura y Educación bonaerense, tuvo que suspender una vez más el dictado de clases debido a la falta de calefacción. Alumnos, padres y docentes de la institución, marcharon hacia el Consejo Escolar en busca de soluciones para este problema que se arrastra desde hace quince años. El invierno en la ciudad portuaria es duro, crudo, y prácticamente todos los años al llegar los fríos más intensos el tema de la falta de calefacción es recurrente. Natalia Martirena, vicedirectora de la institución que alberga a casi mil alumnos, explicó al diario La Nueva, que la Provincia de Buenos Aires alquila el añejo edificio desde hace más de 30 años, y que la concentración no tenía ánimos de generar tensión ni polémica con el Consejo Escolar, sino conocer las posibilidades de solución para este problema. La licitación para la reparación definitiva, que demandará unos cuatrocientos mil pesos, se realizará recién dentro de seis meses (cuando el invierno haya terminado). El deterioro edilicio, y abandono de las autoridades provinciales, se manifestó este año en otras dos oportunidades: al romperse una puerta de vidrio, “lamentablemente se asistió a una nueva prueba de la desidia en el mantenimiento de las escuelas”, afirmó entonces el gremio docente; y al encontrarse roedores, situación que también afectó a otros colegios y jardines de la ciudad.

Falta de Espacio La Escuela de Danzas de la ciudad de La Plata, que depende de la Dirección General de Cultura y Educación de la provincia de Buenos Aires, se enfrenta a problemas edilicios (situación similar a su par de la ciudad de Bahía Blanca), pero ésta, además, no ha conseguido validar sus títulos a nivel nacional. El problema principal de la escuela platense, es la falta de espacio para la cantidad de alumnos inscriptos (cerca de novecientos), aulas ineptas para el dictado de clases de danza y falta de mantenimiento. Por ello, el diputado Juan Cocino encabezando el bloque de diputados del Frente Amplio Progresista de la Provincia redactó un proyecto (respondiendo a reclamos que ya llevan unos treinta años) en el que insta a la Dirección a que arbitre los medios para que la Escuela cuente con un edificio acorde a sus necesidades. Las mismas deficiencias se presentan en los edificios de la Escuela de Teatro y la de Danzas Tradicionales, por lo que hubo un anteproyecto (nunca se concretó) que postulaba nuclearlos en un único y nuevo edificio (en calle 63 entre 7 y 8).

Salón de actos de la Escuela de Bahía Blanca, visto desde el escenario Foto . archivo

La Noche Más Larga La tradicional celebración del solsticio de invierno en Ushuaia, la ciudad más austral del mundo, la Fiesta Nacional La Noche Más Larga (18 y 19 de junio) se vivió con la actuación de artistas locales, con entrada libre y gratuita. En medio de los reclamos de varios gremios estatales en pedido de mejoras salariales, y ante los aumentos desmedidos en servicios eléctricos y de energía (la calefacción allí es de primera necesidad), la fiesta se realizó en Yámana Bar+Patín (de la pista de patinaje), donde la Banda Municipal de Música inauguró una noche a pura música con variados estilos, con grupos y Dj, mientras que en el Gimnasio de Empleados Públicos se presentó un espectáculo de folklore, nuevamente con la Banda Municipal, cantantes, músicos y bailarines de la ciudad, entre los que se mencionan Folklore en Zapatillas, Archipiélago Del Sur, Ballet Ushuaia y Ballet Cruz Del Sur.

Cuento bailado A fines de junio, la Escuela de Ballet y el Ballet Juvenil de Verónica Turtola presentó Perdidos en el Bosque, basada en el cuento Hansel y Gretel, en el Complejo Cultural Guido Miranda, de Resistencia, Chaco. La obra desarrollada con gran despliegue de vestuario y escenografía fue protagonizada por Alba Gonzalez, Analía Grassia y Marcos Ortega, con coreografía de Priscila Benoist, Constanza Aguirre Hayes y la propia Turtola.

El ediﬁcio de la Escuela de La Plata, no alcanza para albergar a todos los inscriptos Foto . archivo 38 .. BALLETIN DANCE .. JULIO 2016

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El Ballet de la provincia de Salta que dirige Paula Argüelles presentará Giselle protagonizado por Marianela Nuñez y Alejandro Parente, el miércoles 20 y jueves 21 de julio, en el Teatro Provincial de Salta (en el marco de la gira nacional de la bailarina argentina). Serán acompañados por la Orquesta Sinfónica provincial, dirigida por Yeny Delgado. Por otro lado, el elenco presentó nuevamente El Ballet es Puro Cuento, en el marco de un ciclo “didáctico”, destinado a la platea infantil, para escuelas secundarias y de danzas, con entrada gratuita. La obra cuenta con música clásica y de películas y narra la historia de Anita, una adolescente que sólo sueña con bailar, que interactúa con hechiceras. Por otro lado, también bajo al órbita provincial, se lanzó el ciclo Danzas en el Hall, realizado en la Casa de la Cultura, un día al mes, durante todo el año y con entrada gratuita. La experiencia reflejará todos los géneros de danza con invitados locales. En junio fue el turno de la Fundación Norte y Sur dirigida por Ariel Romero, mientras que el Ballet Folklórico de la Provincia de Salta General Martín Miguel de Güemes dirigido por Lito Luna, presentará este mes variados cuadros folklóricos.

Reconocimiento Nacional Cristina Prates se hizo acreedora del Premio a la Trayectoria Nacional, por la Región Centro-Litoral, en la 31ª Fiesta Nacional del Teatro realizada a fines de mayo en Tucumán. Bailarina, coreógrafa, actriz y docente, nació en Buenos Aires, pero se formó en el Instituto Superior del Profesorado de Danzas y Expresión Corporal de Rosario, Santa Fe, donde se radicó a temprana edad. Es una de las fundadoras del Instituto Superior de Danzas Isabel Taboga (donde ejerce la docencia al igual que en la Escuela Provincial de Danzas Nigelia Soria), fue una de las promotoras de Danza Abierta y creadora del grupo de teatro-danza Seisenpunto. En 2010, fue declarada Artista Distinguida de la Danza en Rosario. Por otra parte Vilma Rúpolo fue reconocida por la Región Cuyo. Bailarina, coreógrafa, actriz, directora y docente, nacida en Mendoza. Dirige la Compañía El Árbol Danza-Teatro y el Ballet de la Universidad Nacional de Cuyo donde encabezó la Comisión de creación del Profesorado Universitario de Danza, proyecto en el que sigue trabajando. En 2014 recibió la Distinción Legislativa de la Provincia de Mendoza “Don José de San Martín” por sostener el pensamiento sanmartiniano promoviendo el noble y generoso Patriotismo de Mendoza. Fundó el “Festival de Danza de Nuevas Tendencias” que lleva 20 años ininterrumpidos y dirigió varias ediciones de la Fiesta Nacional de la Vendimia.

El Ballet de Venado Tuerto, en homenaje Foto . gentileza del elenco

brevesprovincias

Clásicos e infantiles

Homenaje El 8 de julio el Ballet Estable Municipal de Venado Tuerto celebró su 15° aniversario, bajo al dirección de Alicia V. de Luciani con la asesoría permanente de Ethel Lynch. “Con Ethel Lynch [quien fuera maestra de Luciani] hemos conformado un hermoso equipo de trabajo, siempre bajo su dirección. Sin ella dudo que todo el esfuerzo realizado en esta ciudad hubiera sido posible”, expresó la directora a esta revista. “Quién la conoce sabe de lo buena maestra y persona que es, no sólo viajaba mensualmente para avanzar en el aprendizaje, sino que nos dio la posibilidad de traer a grandes coreógrafos como Oscar Araiz, Norma y Nydia Viola, José Zartmann, Norberto Guichenduc, entre tantos otros, para perfeccionarnos en nuestro trabajo. Una humildad pocas veces vista en este ambiente”. “Desde 1988 ella trajo un gran cambio a la cultura local, apostó a Venado Tuerto, pese a todo, y así es que tuvimos el placer de conocer y ver bailar a Julio Bocca, Hernán Piquín, Cecilia Figaredo, el Ballet Argentino, el Ballet Folklórico Nacional, por mencionar algunos, gracias a sus gestiones”, dijo quien además dirige la Escuela Regional de Danzas Prof. Ethel Lynch de aquella localidad. La compañía que funciona bajo las órbitas municipales, ha conseguido poco a poco, lograr su estabilidad, con sueldos mensuales para todos sus artistas. La función de comienzos de mes, fue una buena ocasión para brindar un homenaje público a Ethel Lynch: “es muy importante para nosotros demostrarle nuestro amor”, finalizó Luciani.

Vilma Rúpolo, reconocida el mes pasado Foto . gentileza INT JULIO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 41

A R G E N T I N O S E N E L E X T E R I O R | I TA L I A

En la Toscana Italiana

Jessica Najmanovich se encuentra trabajando en el Ballet de Siena, dirigido por Marco Batti, una maravillosa ciudad antigua, a 50 km de Florencia Najmanovich se formó durante tres años en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, cuando obtuvo una beca completa para continuar sus estudios en la Escuela del Teatro Bolshoi de Brasil (Joinville, Santa Catarina), donde se graduó en diciembre de 2014. “Fue una experiencia maravillosa, desde el punto de vista académico como personal” recordó la joven junto a Balletin Dance. Allí fueron sus maestras Galina Kravchenko, Ludmila Sinelnikova, Larissa Araujo y bailó bajo la dirección del propio Vladimir Vasiliev. Poco antes de graduarse, fue contratada por el Salzburger Landestheater de Austria, para la producción de El Lago de los Cisnes, “donde tuve el privilegio de bailar durante tres meses bajo la dirección de Peter Breuer y de participar en la Gala Internacional. Mi estadía allí me marcó para siempre y me hizo soñar que regresaría al Viejo Continente”. Fue bailarina del Sodre de Montevideo dirigido por Julio Bocca, durante 2015, donde también vivió “una experiencia inolvidable”, pero Europa la convocaba y así armó sus valijas. “La vida me llevó a Italia. A través de una audición, llegué a Siena y me encontré con un excelente maestro poco conocido en la Argentina, el maestro Marco Batti quien dirige la Escuela y el Balletto di Siena”, aseguró. “En Italia me siento como en casa -confesóme encuentro maravillada por el recibimiento y por el afecto que todos me han demostrado, por las enseñanzas y consejos. Encontré un grupo de personas trabajadoras, excelentes en lo profesional y muy humanas”. La bailarina afirma que toda su vida ha estado cargada de felicidad, “aprendí un poco de todos los maestros, sigo aprendien-

A Jessica Najmanovich su amor por la danza la llevó a Europa Foto . gentileza de la bailarina

do y siento un profundo agradecimiento hacia ellos. Como a mis padres, porque sin su apoyo, nada hubiera sido posible”. Para el futuro Najmanovich se sueña en Europa, “si la vida no me lleva por otros rumbos” y por supuesto le gustaría volver a bailar en la Argentina. Para finalizar la jovencita compartió: “Amo el ballet, la danza. Amo el escenario, los aplausos, son mi vida. Pero también soy muy apasionada por la vida, me encanta la amistad, soy soñadora, espero enamorarme, y quizás estudiar otra cosa”. __BD

SIBIÚ

Volar en Rumania

Brenda Angiel Aerial Dance Company en Air Condition Foto . Grant Halverson | ADF 42 .. BALLETIN DANCE .. JULIO 2016

La compañía de danza Aérea de Brenda Angiel se presentó en el Festival Internacional de Artes Escénicas de Sibiú, Rumania, el mes pasado. El festival considerado el tercero de Europa por su alcance y dimensión, reunió a más de 70 países, en 350 eventos en 60 lugares diferentes, y con más de 50.000 espectadores diarios, durante 10 días. La compañía argentina se había presentado en la edición anterior con Ocho, espectáculo de tango aéreo y a pedido del director artístico presentaron ahora Condición Aérea. __BD

Eloy Pericet Blanco

IN MEMORIAM

Sevilla, España, 1932 Sevilla, 26 de mayo de 2016

Con la muerte de Eloy, ﬁnaliza una estirpe Foto . archivo

Tercera generación de una familia emblemática en la difusión y enseñanza de la Escuela Bolera (también llamada clásica española, que brillaba en la España romántica durante los siglos XVIII y XIX), Eloy Pericet había visitado la Argentina por última vez en 2012. Si bien su salud se había deteriorado en los últimos tiempos, no se hizo público, por lo que su partida resultó inesperada para toda la comunidad. La saga Pericet, ha sido de fundamental importancia para la historia de la danza bolera. Podría decirse que Eloy fue de todos sus hermanos, quien se centró en la docencia y la metodología de la enseñanza del sistema pedagógico (alejándolo de la influencia del ballet clásico académico, desarrollando además una nomenclatura de pasos propia). El mayor, Ángel Pericet Blanco (fallecido en 2011) se especializó en la coreografía, mientras que las dos mujeres (Carmelita y Amparo) se dedicaron al baile y a la docencia. Juntos recorrieron el mundo, manteniendo especial vínculo con

Buenos Aires, donde pasaron gran parte de su tiempo. La Consejera de Cultura de Sevilla, expresó en referencia a esta irreparable pérdida, que “decimos adiós a un gran maestro, una persona que consagró su vida a la danza con enorme generosidad y que ha dejado un inmenso legado para futuras generaciones, con el recuerdo de su gran humanidad y de su magisterio inabarcable”. El Centro de Documentación de las Artes Escénicas de Andalucía (Cdaea) y el Centro Andaluz de Danza (CAD), ambas instituciones dependientes de la Consejería de Cultura, publicaron en el año 2013 el libro Escuela Bolera Sevillana: Familia Pericet, escrito por la periodista Marta Carrasco, que refleja la particular historia de esta familia y recoge el manual de pasos que su padre, Ángel Pericet Jiménez, y su abuelo, Ángel Pericet Carmona, elaboraron para plasmar las enseñanzas de la Escuela Bolera. Este manual ha servido de guía a varias generaciones de bailarines desde 1943 y aún en la actualidad sigue vigente. __BD

IN MEMORIAM

Zarko Prebil Zarko Prebil se inició en el ballet en Yugoslavia, a los 11 años, donde llegó a ser primer bailarín en Zagreb (1951 -1955) y Belgrado (1955-1965). Para continuar su aprendizaje, se trasladó a Rusia donde estudió con Asaf Messerer, Alexei Yermolaev, Leonid Lavrovsky y Marina Semionova, entre otros. Se graduó como maestro y coreógrafo en el Instituto de Estado para el Teatro de Artes de Moscú (1966 a 1975), bajo la tutela de Nikolai Tarasov. Trabajó en Italia desde 1968 (Opera de Roma y San Carlo de Nápoles) donde realizó gran parte de su carrera (desde 1978 al frente de la Academia Nacional de Danza) y repuso versiones de los grandes clásicos en toda Europa y en diferentes países del mundo. Llegó a la Argentina en reiteradas oportunidades. Al Teatro Colón en 1980 por primera vez, para montar su encantadora versión de Don Quijote, que repuso personalmente en 2010, y El

Split, Croacia (Yugoslavia), 1934 - Roma, Italia, 12 de junio de 2016 Cascanueces. Además fue director del Ballet Estable del Teatro Argentino de La Plata en la temporada 2001, donde montó Don Quijote y Chopiniana. Sus puestas se caracterizaban en ser extremadamente refinadas, con el más puro rigor académico, realistas, con el equilibrio justo entre pantomima y baile, y entre escenas de cuerpo de baile y los protagonistas. Era un hombre educado, con una inteligencia viva, que despertaba amores y odios en quienes lo trataban. Su metodología docente tenía una lógica científica, cuidaba la organicidad, la pureza, la formalidad y la musicalidad absoluta. En noviembre de 2014, recibió el Premio a la Trayectoria, en un acto celebrado en la Opera de Roma, donde aprovechó para dirigir al público un largo discurso, en el que recordó su carrera, agradeció y también pidió disculpas, a antiguos alumnos y bailarines. __BD

Zarko Prebil Foto . archivo

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INTERNACIONALES | REINO UNIDO

César Corrales:

Un Nombre para Recordar Por Fátima Nollén desde Londres La historia de Cesar Corrales es tan atractiva como su talento en escena. Con 19 años, este bailarín de origen cubano y criado en Canadá, ganó en mayo el Premio Bailarín Emergente del English National Ballet y el People’s Choice otorgado por el público de la compañía que dirige Tamara Rojo La idea del concurso, es foguear a los bailarines jóvenes del ENB, reconocer y nutrir el talento de la casa para promover la excelencia del conjunto. Por primera vez el concurso fue transmitido en vivo por internet. Cesar Corrales eligió Diana y Acteón y el argentinísimo Contrabajo para un Hombre Solo de Julio Lopez-Astor Piazzola. En un encuentro exclusivo en la Markova House, Corrales dijo a Balletin Dance que vio “millones de veces” el video con Maximiliano Guerra y muchos otros tangos para empaparse del ritmo y el estilo. “La primera vez que lo vi tenía 10 años y me enamoré de la obra cuya fuerza está en los pequeños pasos”. Feliz por su logro y antes de bailar El Corsario en París, el solista junior del conjunto nacional inglés contó su historia. Cesar Corrales en Contrabajo para un Hombre Solo Foto . Laurent Liotardo

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Una formación poco ortodoxa Hijo de los bailarines y maestros cubanos Taina Morales y Jesús Corrales se crió en las escuelas y teatros donde sus padres trabajaban. “Soy una persona muy visual y de chico creaba mis salticos y giraba a mi manera”, dice con acento cubano. Desde los 8 trabajó su flexibilidad y disciplina con gimnasia artística. A los 12, comenzó ballet formalmente, en la escuela del Ballet Nacional de Toronto “porque mi mamá no quería ser mi maestra”, dice riendo. La danza pavimentó el camino para ser el Billy Elliot de la producción de Chicago y Toronto a los 13 años, experiencia que le enseñó a usar el escenario. A los 14 se retiró del musical para tomar clases diarias con sus padres. Objetivo: ser bailarín. “Eso generó una relación muy linda, descubrí que la mejor forma de crecer sería con ellos y los seguí”. Cesar hacía clases cuando los estudios estaban libres. “Recuerdo que a veces solo hacía mi clase de dos horas con mi madre a las 7:45 de la mañana y pasaba directo a la clase de la compañía que ella también daba. El director me dejaba porque veía mi nivel”, y se tienta cuando Balletin Dance sugiere que era un polizón.

“Empecé a extrañar mi tiempo en el escenario, por eso intentamos el Prix de Lausanne (2013), mi primera competición clásica a los 16... tarde para exponerme al mundo del ballet”, reflexiona. De elecciones difíciles Siguiendo a su madre al Ballet Nacional de Noruega, se presentó al Premio YAGP (Youth America Grand Prix) en Bruselas, donde ganó esa etapa y aceptó un contrato con la segunda compañía del American Ballet, la ABT Studio Company para luego ganar la final en Nueva York del YAPG. Lo interesante, es que otro bailarín habría aceptado la oferta del American Ballet Theatre que siguió. Pero Cesar consideró que estaría mejor en una compañía más chica donde progresaría más rápido. “Fue duro elegir el ENB”, cuenta. “Tenía ofertas del Royal, el Houston Ballet y otras compañías de Estados Unidos, y no quería cerrarme puertas. Pero en el ENB había buenos maestros, como Loipa Arujo, que conoce mucho a mis padres. Sabía que podría aprender y bailar a la vez. Desde el primer día me dieron oportunidades aquí, confían en mí y les estoy muy agradecido, fue la decisión correcta. Y hay muchos cubanos”, agrega. Bailarín Emergente Este es un concurso interno y en temporada, y exige más horas de ensayo. La compañía ayuda a preparar a los competidores. Para Corrales, fue “un gran honor” ganar porque competía con sus compañeros. “La transmisión por internet, también me dio exposición internacional”, afirmó. En ésto coincide Henry St. Clair, director artístico del portal Crystal Ballet y maestro, quien siguió el proceso. “Tener un público de billones de personas obliga a enfocarse en la tarea que ya es difícil en presencia de cámaras, jueces y público. Cesar transportó al escenario con honestidad y pasión lo que es capaz de hacer en el estudio. En una audición hay que ser el mejor en algo que te distinga del resto y trabajar en ello. Cesar lo hizo y su repertorio mostró lo mejor de él”, comentó a Balletin Dance. Por su parte, Tamara Rojo dijo que Corrales “es un artista carismático, de técnica depurada y capaz de moverse de formas muy diferentes, además de entender al público”. Ambiciones y Consejos “Hoy hay que tener mente abierta”, confesó el joven bailarín, “poder pasar del clásico, al carácter y al contemporáneo. Quiero ser un bailarín honesto y diferente, buena persona e inspirar a otros”. Si uno quiere algo “debes desearlo verdaderamente y mostrarlo en tu trabajo. Para hacer esto hay que sacrificar mucho, creer en uno mismo e identificar dónde está nuestro talento”, afirmó. Sin dudas, el brillante bailarín está diseñando su destino a cada paso y el futuro de la danza está seguro en sus pies. Recuerden su nombre. __BD

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I N T E R N A C I O N A L E S | E S PA Ñ A

Salir de la Burbuja Por Gustavo Friedenberg

Se deﬁnen como una “joven compañía profesional nacida de la ilusión y la pasión”. Ellos son Elena Algado y Miguel Ángel Corbacho, conocidos, entre otros méritos, por los ocho años que destacaron como bailarines principales del Ballet Nacional de España (2004-2012). Actualmente recorren el mundo con Las Moiras, una obra llena de sutilezas inspirada en el mito griego sobre las hilanderas del destino. Ellos son Entredós “En el mundo de la danza española y el flamenco está todo inventado”, dijo Miguel Angel Corbacho al recordar los orígenes de Las Moiras. Querían marcar una diferencia con los espectáculos en cartel, “se está usando mucho el efectismo, el aplauso fácil, buscar lo más virtuoso posible para arrancar el aplauso del público, sin profundizar, ni dejar al público que vuele con su imaginación con lo que está viendo”. Por otro lado, consideraron crear en un formato más pequeño, más asequible a la hora de venderlo. “La idea original de Entredós por ejemplo, era una compañía mediana, en nuestro primer espectáculo éramos doce personas en el escenario”, recordó Elena Algado. Pero fundamentalmente, se debió a “la necesidad interpretativa. Las Moiras tiene mucho de interpretación, no nos queríamos dedicar a

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hacer unos palos del flamenco y ya está. Queríamos investigar, buscar algo diferente”, completó la bailarina. “Me interesaba que ella pudiese transformarse en animal, o en persona, tal vez alguna Diosa, y fue Fernando Valero (productor de la compañía) quien me acercó este mito, que son tres hermanas. Yo dije, ¡ya está! Porque ella puede encarnar el papel de las tres Moiras y yo el de La Vida, una persona cualquiera”, confesó Corbacho. “Lo difícil luego, fue como hacíamos que la gente entendiera el hilo argumental”, remarcó ella.

¿Para el trabajo compositivo se pensaron como personajes? MC. Si. Contamos con un director escénico que nos ha ayudado. Nosotros somos bailarines, no actores, nos faltaban las pautas para ayudarnos a meternos según qué papel; ella hace

Las Moiras, una obra llena de sutilezas inspirada en el mito griego sobre las hilanderas del destino Foto . marcosGpunto

tres personajes con caracteres completamente diferentes, y yo hago desde el nacimiento hasta el ocaso, la vejez, pasando por la juventud: necesitábamos de alguien que nos marcara una forma de seguir, para que esto se viese en escena. EA. Las Moiras llegan por madurez artística. Necesitábamos ese punto de dar un pasito más, dedicarnos no solamente al baile, sino probar algo diferente como la interpretación. Al principio, cuando te sales de ser una ovejita -por así decirlo-, cuando estás en el Ballet Nacional de España (o en una compañía que te van dirigiendo), tú tienes que hacer esto de ésta forma y tal. Cuando sales, te quieres comer el mundo, probar todos los estilos y piensas ahora voy a bailar esto y lo otro. Ahora, tampoco sé si seguiremos por este punto. A mí también me gusta el “toma que toma!” (risas)

En una entrevista señalaron que no es su intensión encarar la muerte dramáticamente sino como algo natural ¿Cómo lo ven en relación a la vida del bailarín? EA. No la veo dramática. Hace dos años me rompí el talón de Aquiles, y mi médico me dijo que nunca volvería a bailar igual que antes. Yo no le hice ni caso, seguí para delante. Pero llegó un momento, cuando pasas dos meses en una silla de ruedas, que también pensé ¿y si no puedo volver a bailar? ¿qué sería de mí? ¿Cómo me lo tomaría? No creo que sería una tragedia. Echaría de menos subirme a un escenario, pero eso en algún momento va a llegar. No significa que en algún momento voy a ser secretaria, siempre voy a estar vinculada a la danza. MC. Yo no creo que mi vida artística termine nunca, porque si no estoy bailando estaré coreografiando, que es algo que me encanta. EA. Siempre he pensado que era invencible, jamás había tenido una lesión, y de buenas a primeras das un salto caes mal... y ¿qué

haces? Tampoco lo veo trágico. La vida del bailarín, aunque no sea subido a un escenario, es larga y extensa, se pueden hacer muchísimas cosas.

¿Cómo fue ese pasaje, al salir del Ballet Nacional? EA. Esa burbuja… MC. Yo encantado (risas). Estuvimos nueve años en la Compañía Andaluza, pasamos directamente al BNE donde hemos estado ocho años, el bagaje artístico que teníamos era ya basto, teníamos treinta y cuatro años, con una madurez mental y artística. Entonces para mí fue una liberación. También ves la cruda realidad, porque si es verdad que en todo momento has estado arropado, no te tenías que preocupar de nada, solamente con tu mochila ibas a ensayar, te ponían en el hotel, te llevaban al teatro, salías a bailar y ya está. Ahora te das cuenta de todo lo que tienes que estar pendiente a tu alrededor aparte de bailar. El tema de vuestra obra es el destino: ¿Qué hay para ustedes en el futuro próximo? EA. Por lo pronto seguimos con Las Moiras, tenemos algunas próximas fechas, y nuestra cabeza no para: ya está en el próximo espectáculo. MC. Estuvimos en la Argentina con el BNE con La Leyenda, un homenaje a Carmen Amaya. EA. Me encantó Buenos Aires, la comida, la gente, ese público maravilloso, todo. Quiero volver. ¿Es posible ser profeta en la propia tierra? MC. Puede ser, pero es difícil. Yo no soy tan buen Relaciones Públicas, yo sólo se bailar y crear. Para llegar a muchos sitios, y conseguir determinadas cosas, hay que ser muy buen RRPP. __BD

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Finalmente, luego de un mes de licencia, Julio Bocca se reintegró al Ballet Nacional de Uruguay, Sodre (Servicio Oficial de Difusión, Radiotelevisión y Espectáculos), para tranquilidad de todos los orientales, con la codirección de Sofía Sajac y Lorena Fernández como asistente de la dirección. En junio hicieron una gala integrada por Paquita, Petite Mort y Gracias, y Coppelia para escuelas rurales. A fines de mes, llegó Andrea Chinetti para preparar Un Tranvía Llamado Deseo de Mauricio Wainrot, y para agosto prevén Carmen de Marcia Haydée antes de salir de gira a Cali (Colombia). En octubre será el turno de Onegin de Cranko, la audición anual para contratar a nuevos bailarines, y nuevas giras a Guatemala, Buenos Aires, Barcelona y Madrid, hasta finalizar el año.

Regalo de cumpleaños El Ballet Folklórico Nacional de El Salvador, viajará del 16 al 25 de septiembre a Barcelona (España) en el marco de los festejos por su 39º aniversario, invitados por el Consejo Internacional de Organizaciones de Festivales de Folklore (CIOFF). “Es como un premio por nuestra participación en Francia el año pasado”, afirmó Roberto Navarrete, director del elenco desde hace veintiún años. Su tarea se centra en “hacer una alianza entre investigación, lo puro del pueblo y el espectáculo” por un lado, a la vez de “respetar las danzas de nuestros maestros, como llamamos a los naturales”, por el otro. Para ello han sumado a su staff, un equipo de investigadores que les permita conocer de manera más profunda las danzas, para “desarrollar nuevas propuestas de calidad, que muestren la identidad de los salvadoreños y que no sean aburridas”. Así, nacieron Los Talcigüines que sintetiza esta expresión de Texistepeque, Tashtule sobre las danzas de occidente (salvadoreño), y se encuentra en proceso de creación de la película Somos Hijos del Sol, orientada a las danzas de oriente. Pero además, el 10 de junio, la Secretaría de Cultura de la Presidencia recibió un donativo de la República de China (Taiwán), destinado al Ballet Folklórico Nacional y a la Compañía Nacional de Danza (CND), que consiste en once pasajes de avión a Catalunya (para participar en el Festival CIOFF JIF) y mil dólares para la compra de vestuario que la CND usará en El Cisne Negro y Memento Mori, estrenados el 25 de junio en el espectáculo Segunda Vista, en el Teatro Presidente. En un acto realizado en el Museo Nacional de Antropología Dr. David J. Guzmán, en el que actuaron las dos compañías, el embajador chino Andrea S. Y. Lee, dijo: “En nombre de nuestro gobierno hacemos entrega de este donativo que permitirá que la cultura de El Salvador llegue al continente europeo. Es un honor contribuir a la difusión de su cultura a nivel mundial”.

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Graciela Figueroa, Julio Bocca y Sofía Sajac, en conferencia en el Auditorio Adela Reta Foto . Pablo Vignali | La Diaria

brevesinternacionales

De regreso

Contemporáneos Hasta diciembre, coreógrafos y bailarines volcados a lo contemporáneo se congregarán en la séptima edición del ciclo Montevideo Danza en la Sala Zavala Muniz del Teatro Solís. Serán siete espectáculos con producción de Leonardo Durán y curaduría de Carolina Silveira. En julio será el turno de Perderse en Casa, del argentino Iván Haidar, en agosto Enigmas Como Ofrendas para el Pozo de Julieta Malaneschii, en septiembre El Espejo de la Mente de Eugenia Silveira, en octubre Otrotiempo de Laura Pirotto, en noviembre Caravana Sísmica de Carolina Guerra, y el cierre del ciclo estará a cargo de Aparejo de Victoria Pin.

Cuatro Décadas La Compañía Nacional de Danza de Ecuador (CNDE), celebra su aniversario en la capital ecuatoriana, con El Carnaval de Los Animales de Hervé Maigret, basado en la idea de un circo antiguo “donde se recrean miniestructuras con animales en situaciones sorpresivas y lúdicas, para descubrir el animal que llevamos dentro, que nos ayudará a conocer nuestro propio ser, con la ironía, broma y humor propios del festivo carnaval”. “Cuarenta años de vida institucional reflejan el empoderamiento que ha habido y la posibilidad, desde el Estado, de preocuparse por la danza, que piense en la danza y que también procure difundir los trabajos de danza por todo el país”, afirmó su directora Josie Cáceres. Esta será una oportunidad para destacar la trayectoria de la compañía que ha contribuido al fortalecimiento de esta disciplina en Ecuador, destacándose su continua búsqueda de lenguajes contemporáneos, su profesionalismo y el fomento de la creación nacional. Para la ocasión, se presentó una nueva imagen institucional y se entregó el reconocimiento a la trayectoria por parte de la Asamblea Nacional en el teatro de la CNDE.

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Cambio directivo

Premios Benois

Tras el anuncio de Jorge Amarante de su regreso a la Argentina, luego de dos años fecundos al frente del Ballet de Monterrey, la compañía mexicana anunció a su sucesor: el cubano José Manuel Carreño, a partir de noviembre de este año. “Tendremos lo que siempre habíamos deseado: un bailarín del American Ballet Theatre”, señaló Yolanda Santos de Hoyos, fundadora del elenco regio. Será el segundo director con este antecedente, pues Robert Hill cumplía con ese mandato. Carreño había dirigido al Ballet San José Cleveland (Silicon Valley) en California, Estados Unidos, desde 2013 hasta su disolución a fines de enero de este año, con un interesante repertorio.

El 17 de mayo en el escenario del histórico Teatro Bolshoi de Moscú, se realizó el acto de entrega de premios del Benois de la Danse 2016 junto a una gala coreográfica. El premio especial conjunto ruso-italiano Benois-Massine fue concedido a la primera bailarina del Ballet del Teatro Bolshoi Ekaterina Krysanova, mientras que Oleksandr Ryabko, principal del Ballet de Hamburgo recibió una distinción a la maestría artística. Edward Watson (primer bailarín del Royal Ballet de Londres) y John Neumeier, fueron reconocidos por su trayectoria. Además, los galardonados fueron: Mejor coreógrafo: Yuri Possokhov (Bolshoi Ballet) y Johan Inger (Holand Dance Theatre). Mejor bailarina para Alicia Amatriain (Stuttgart Ballet) y Hannah O’ Neill (Paris Opera Ballet). Mejor bailarín: Kim Kimin (Paris Opera Ballet). Mejor escenógrafo: Ren Dongsheng (Beijing Dance Academy). El jurado de esta edición estuvo integrado por Yury Grigorovich (presidente), Marie-Agnès Gillot, José Carlos Martínez García, Johannes Öhman, Xiao Suhua, Elisabetta Terabust, Yury Fateyev y Linda Shelton. En la gala a beneficio, se vieron fragmentos de Divertissement of the King del coreógrafo de 23 años Maxim Petrov, Carmen de Johan Inger (Emilía Gisladöttir-Daan Vervoort), Emperor Yu Li de Zhang Yunfeng (Hu Yuting-Sun Ke), Cenicienta de Mauro Bigonzetti (Virna Toppi-Christian Fagetti), Giselle (Rebecca Bianchi-Claudio Cocino), Tchaikovsky Pas de deux (Emily Slawski-Dmitry Zagrebine y Un Tranvía Llamado Deseo de John Neumeier (Alicia Amatriain-Jason Reilly). La segunda parte incluyó La Esmeralda (Hannah O’Neill y Hugo Marchand), la 3ª Sinfonía de Gustav Mahler de John Neumeier (Silvia Azzoni-Oleksandr Ryabko), L’Arlésienne de Roland Petit (Bianchi-Alessandro Riga), What Love Tells Me de Neumeier (Silvia Azzoni y Alexandre Riabko), Hero of our Time de Yuri Possokhov (Olga Marchenkova-Artemy Belyakov), Schéhérazade de Michel Fokine (Kimin Kim-Nadejda Batoeva), Romeo y Julieta de Kenneth MacMillan (Edward Watson-Lauren Cuthbertson) y Silvia de Frederick Ashton (Oksana Skorik-Filipp Stepin).

Huelga ibérica Treinta y tres (de los cuarenta y dos) bailarines del Ballet Nacional de España, entraron en huelga junto a cinco músicos, manifestándose contra los contratos temporales, poco antes del estreno del Homenaje a Antonio Ruiz Soler, el 18 de junio. “Ante la negativa del Instituto Nacional de Artes Escénicas y de la Música (INAEM) de reconocer la naturaleza indefinida de nuestros contratos -actualmente en fraude de ley-, donde la alternativa es una contratación diferente que priva de una estabilidad artística para el futuro del Ballet Nacional de España”. Los bailarines del BNE como los de la CND renuevan sus contratos anuales de forma automática temporada tras temporada, todos los septiembres, siempre que el director artístico así lo disponga (algunos se continúan desde 1995). Pero este año, el INAEM decidió que esas renovaciones debían estar sujetas a un proceso selectivo administrativo. “El contrato temporal nos exime de todo derecho”, dijo el bailarín Ángel Manarre a la agencia de noticias Efe, el mes pasado. “No queremos ser fijos, sino tener un contrato indefinido que nos permita tener prestaciones, si termina nuestra relación con el BNE”. El INAEM (que ya ha perdido instancias legales de dos bailarines ante la Magistratura), propuso antes de la gira de la compañía por China, un cambio que consiste en firmar un contrato de tres años, para renovar la planta completa pasado ese lapso. Los bailarines cobran entre 1.100 y 1.500 euros al mes. Los sindicatos que forman el comité de empresa del INAEM (los interlocutores con el Ministerio de Cultura), no apoyan estos paros, que se ejecutan de forma unilateral por parte de los trabajadores, por lo que para algunos la huelga podría considerarse “no legal o alegal”.

Yuri Grigorovich y John Neumeier en la entrega de premios Foto . Jack Ante JULIO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 51

Por Beatriz Cotello

Shakespeare Dances Neumeier 2016 INTERNACIONALES | AUSTRIA

En este año celebratorio de Shakespeare, el Theater an der Wien ofreció un programa de coreografías de ballet con temas shakespeareanos del coreógrafo John Neumeier, realizadas por su compañía de ballet de Hamburgo El programa incluyó las comedias As you Like it de 1985 (Como les guste o Como gustéis) y Twelfth Night de 1996 (Noche de Reyes) y entre ellas, la tragedia de Hamlet, estrenada en 1997. John Neumeier es un médium muy adecuado de la gracia y el humor que Shakespeare infundía a sus comedias, así como de los dramáticos conflictos que encarna el príncipe danés. En el primer ballet se desarrolla esa historia de confusiones y enredos, de personajes enviados al exilio (simbolizado por una acumulación de valijas y baúles) y otros que huyen y se refugian en el bosque disfrazados del sexo contrario, en una escenografía que representa a esa selva con árboles que parecieran salidos de viejos grabados. Jacques, el relator dice: “El mundo entero es un escenario y todos los hombres y mujeres, meros comediantes…”. Recorre el escenario en bicicleta y va presentando las escenas: la pelea entre el heredero del duque y su hermano, un idilio pastoral, confusiones del amor. Por fin todo se aclara, los amantes se reconocen, los enemigos se reconcilian, todos son felices y aparecen las parejas célebres de Shakespeare: Romeo y Julieta, Otello y Desdémona, Hamlet y Ofelia. El acompañamiento musical consiste en variadas piezas de Mozart, en posteriores transformaciones Neumeier le ha agregado al principio y al final, fragmentos de conciertos de Vivaldi. Hamlet se transporta al mundo musical del siglo XX, con un triple concierto del compositor inglés Michael Tippet. La obra se inicia con la despedida de Ofelia, cuando Hamlet parte a estudiar. Al morir su padre, regresa a Dinamarca, donde las mujeres de la corte, están de luto, recubiertas con mantos negros; el padrastro exige un cambio de humor, y ellas se quitan los mantos revelando vestidos de fiesta floreados. A un costado, la madre y el padrastro (en calzoncillos) ejecutan una pantomima del amor propiamente dicho.

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Carolina Agúero y Konstantin Tselikov en Noche de Reyes Foto . Kiran Steven West

Luego Hamlet se ve delante del espectro de su padre, recibe el mandato, el telón se levanta y la escena aparece dividida por un gran panel rojo. Hamlet interactúa con su madre cuando irrumpe el espectro paterno rompiendo la división. Bailan las damas de vestidos floreados con caballeros de frac. La boda se ha realizado. El trujamán llega en su bicicleta con el cuerpo de Ofelia. Edvin Revazov como Hamlet y Florian Pohl como su padre ofrecieron una actuación de intensa profundidad. La comedia Noche de Reyes es la historia de una pareja de mellizos que viajan en barco donde son sorprendidos por una tormenta. Tratan de salvarse en un bote salvavidas, pero Sebastián (Konstantin Selikov) se pierde entre las olas mientras que Viola (Carolina Agüero) llega a tierra en el país del Conde Orsino (Darío Franconi), que está enfermo de tristeza. Viola está desconsolada, pero pronto aparece su hermano (ingresa al escenario en una cama de hospital). Ambos se disfrazan de payasos y distraen a Orsino de su tristeza. Con diferentes fragmentos musicales de Antonio Vivaldi, la pieza se desarrolla alternando escenas narrativas y otras de baile puro. De ellas, se destaca la de damas isabelinas con vestidos de terciopelo y gorgueras de la época. La escena final es un gran conjunto de solistas y cuerpo de baile, y para el saludo, todos se colocan narices de payaso. Los miembros del Ballet de Hamburgo dieron una nueva muestra de su competencia como bailarines y su excelente expresión dramática. Varios argentinso se incluyen en su plantel: Carolina Agüero (primera bailarina), Darío Franconi (solista), Florencia Chinellato fue Celia en Como les Guste (solista) y Lucía Ríos como dama de la corte (corps de ballet). __BD

brevesinternacionales

Homenaje El Festival de Música y Danza de Granada ofreció el primer homenaje a Maya Plisetskaya en España, con una gala especial a cargo de la CND que dirige José Carlos Martínez, en el escenario de los Jardines del Generalife, en junio, que se repetirá en diciembre en el Teatro de La Zarzuela, como cierre de las actuaciones de Don Quijote. Después de los fastuosos homenajes de Moscú (noviembre 2015) y Londres (en marzo), la bailarina fue homenajeada en la Península Ibérica, donde pasó gran parte de su vida. La gala se integró con pas de deux de El Lago de los Cisnes, El Cisne de Ricardo Cué, un fragmento de Raymonda, In the Night de Jerome Robbins, Romeo y Julieta (por Alicia Amatriain y Mikhail Kaniskin) y Carmen de Johan Inger (por Emilia Gisladöttir y Daan Vervoort).

Premio Rechazado Hans van Manen rechazó el premio que le hiciera la Opera Estatal de Turquía como Coreógrafo del Siglo, manifestando la falta de derechos humanos y libertad de prensa de aquel país. A los 83, van Manen, una de las figuras esenciales de la danza holandesa, expresó: “mientras ese país silencie la libertad de prensa y encarcele a periodistas, no puedo aceptarlo (…) La resolución ha sido personal. No pretendo llamar la atención”, aseguró. También se refirió al arresto de Ebru Umar, una periodista holandesa de ascendencia turca, detenida en Turquía, que logró regresar a Holanda tras intensas gestiones diplomáticas. Mehmet Balkan, director del Ballet Estatal de Turquía lamentó la decisión y dijo que “ojalá podamos hallar en el futuro otra manera de colaborar. Su aportación a la danza es incalculable”. Esta es la tercera distinción que rehúsa el artista, provenientes antes de Grecia y Portugal.

Maya Plisetskaya homenajeada Foto . Museo del Teatro Bolshoi de Moscú

Caballero El coreógrafo inglés Matthew Bourne ha sido nombrado Caballero (Sir) por el Príncipe de Gales. Recordado por su personal visión de El Lago de los Cisnes interpretada por hombres en 1995, es el único británico en haber recibido el premio Tony a la mejor coreografía y al mejor director musical y cinco premios Olivier. Su próximo proyecto está inspirado en la película Las Zapatillas Rojas (de 1948), que estrenará en noviembre de este año. Al recibir la distinción señaló que “La gente piensa que va a durar para siempre, lleno de ideas, que nunca va a terminar, y se preocupan. Me siento inspirado por el talento joven con quienes trabajo y me empujan para hacerlo mejor y para encontrar nuevas maneras de realizar”. El periodismo aprovechó para consultarle su opinión sobre la salida de Gran Bretaña de la Unión Europa, “sería un salto a la oscuridad para todos esos millones de trabajadores de la industria creativa que se benefician tanto en el país como en el extranjero, la vitalidad del sector económico británico permanecería empobrecido considerablemente. Estoy a favor de la estancia en Europa. Soy un artista, y esto para mí es el sentido natural de la colaboración: usted obtiene mucho más de los demás y del trabajo en conjunto”.

“No pretendo llamar la atención” aseguró van Manen Foto . Erwin Olaf

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INTERNACIONALES | CUBA

Festival Internacional

Del 28 de octubre al 6 de noviembre, se realizará el 25º Festival Internacional de Ballet de La Habana Alicia Alonso, uno de los eventos más antiguos y prestigiosos del mundo de la danza, con más de 50 años de historia

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El Festival, de carácter bienal, tendrá entre sus sedes principales el Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso, el Teatro Nacional (salas Avellaneda y Covarrubias), el Teatro Mella y el Teatro Karl Marx. Como siempre, las primeras figuras y el afamado cuerpo de baile del Ballet Nacional de Cuba, protagonizarán los espectáculos junto a estrellas y conjuntos invitados procedentes de cantidad de países. También se estrenarán coreografías creadas expresamente para este evento de autores nacionales y extranjeros. En forma paralela, se realizarán exposiciones en galerías de arte de La Habana, y se brindarán conferencias, presentaciones de libros y ciclos de cine y video. Entre los grandes clásicos que se verán este año, ya se han confirmado el infaltable Giselle, La Bella Durmiente del Bosque, Don Quijote, El Lago de los Cisnes, La Fille mal Gardée y obras tradicionales del elenco, entre las que se mencionan Dido Abandonada, Paquita, La Flauta Mágica, Las Sílfides, Carmen, El Jardín de las Lilas. Por otro lado, se ofrecerá un curso internacional de ballet sobre la técnica, el estilo y los conceptos interpretativos de la escuela cubana, dirigido a profesionales, maestros y estudiantes de nivel avanzado en la sede del Ballet Nacional de Cuba (del barrio El Vedado). Con cupos limitados, los estudiantes recibirán cinco clases de técnica dictadas por diferentes profesores y maîtres de ballet y cinco tickets para las funciones en los diferentes teatros durante el Festival. Los extranjeros deben viajar con visa de turista (hasta 30 días y un seguro médico autorizado en Cuba), pueden alojarse en hoteles o en casas de familia autorizadas. La inscripción cierra el 15 de septiembre. Informes: Ballet Nacional de Cuba, Cátedra de Danza, Calle Calzada Nº 510 entre D y E, El Vedado, La Habana. Tel: (#527) 835-2952, Email: catedradedanza@ cubarte.cult.cu. Los argentinos interesados en asistir al Festival como espectadores, deben comunicarse con Miguel Angel Martí, de la agencia de viajes cubana Paradiso: ventas4@ paradis.artex.cu. __BD El Ballet Nacional de Cuba en Giselle Foto . Alicia Sanguinetti

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balletin informativo Audiciones Australia. La Sydney Opera House seleccionará nueve bailarines varones para la temporada 2017. Los ensayos comenzarán en diciembre 2016 y el primer estreno será en enero de 2017 en la Opera House de Sydney. Los interesados deben tener experiencia profesional, de técnica avanzada, con habilidades excepcionales en danza contemporánea, improvisación y contact, capacidad de trabajo en equipo y estar dispuestos a colaborar en el proceso creativo. La audición será solo por invitación, la inscripción se realiza on-line: https://opera.org.au/. España. La compañía Sol Picó convoca a bailarines varones profesionales de diferentes edades y disciplinas artísticas, con ganas de diversión, locura y con propuestas arriesgadas, para su nueva producción. El 15 de septiembre se realizará una preselección, de los participantes que participarán en un laboratorio-audición (del 19 al 23 de septiembre en Barcelona), en el que se elegirán a los intérpretes que formarán parte de la nueva obra que reflexiona sobre la masculinidad y el papel del hombre en el Siglo XXI. Para postularse, los interesados deben enviar un link a un vídeo en internet de dos minutos de duración máxima, titulado “Soy el hombre que quiero ser” (bailado, cantado o hablado, que de cuenta de tu mundo interior y de lo que eres capaz), que incluya datos de contacto, a: solpicodiffusion@solpico. com, antes del 1º de agosto. Informes: www.facebook.com/Sol.Pico.cia.danza/. Estados Unidos. La compañía BodyVox, residente en Portland, Oregón, busca bailarines profesionales para la temporada 2016/2017 con experiencia teatral, físico atlético y fuerte base de danza contemporánea. Se ofrece contrato de 11 meses. La audición se realizará el 17 de julio, los interesados deben comunicarse con Una Loughran, a: una@bodyvox.com. Informes: http://bodyvox.com/audition. Europa. Aerowaves, plataforma dedicada al descubrimiento de nuevos talentos de la danza en Europa, financiada por la Unión Europea, abrió su convocatoria a coreógrafos: Aerowaves Twenty 17. Los interesados deben inscribirse antes del 12 de septiembre, por internet, en: www.aerowaves.org/artists/opportunities-for-artists. Noruega. Carte Blanche Dance Company seleccionará seis bailarines de 25 años como mínimo, con experiencia profesional de al menos tres años, en danza contemporánea, improvisación y performance en una audición a realizarse los días 17 y 18 de septiembre en Bergen (sólo por invitación). La inscripción cierra el 1º de agosto y debe realizarse por E-mail, a: audition@ncb.no, enviando Cv, carta de motivación (en inglés), fotografía y vídeo. Mayores informes y ficha de inscripción: http://carteblanche.no/.

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balletin informativo sostenido de la actividad artística. Los interesados deberán presentar en cualquier época del año, una serie de variados documentos (certificados por juez de paz, autoridad policial o Escribano Público, que serán evaluados por el Comité Coordinador de Programas para Personas con Discapacidad. Informes: Comisión Nacional Asesora para la Integración de las Personas con Discapacidad (CONADIS), Julio A. Roca 782, piso 4 (CP 1067), Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Tel: 0800-333-2662, E-mail: consulta_programa@conadis.gob.ar.

Becas La Escuela para la Formación de Bailarines (EFOBA) del Instituto Danzave dirigido por Lía Furiasse, en el barrio de Villa del Parque de la ciudad de Buenos Aires, otorgará dos becas de estudio completas, hasta fin de año. Los interesados deben comunicarse por mail: info@institutodanzave.com.ar, o por teléfono: 4501-0947 Alemania. Pina Bausch Fellowship for Dance and Choreography 2017. 2º edición. La Fundación de Arte de Renania del Norte-Westfalia (Kunststiftung NRW) y la Fundación Pina Bausch ofrecen cuatro becas de danza y coreografía, para bailarines y coreógrafos (sin límite de edad), de todo el mundo con el fin de ofrecerles conocer la experiencia de pertenecer como miembro temporal en una compañía a elección del participante. La inscripción cierra el 15 de septiembre. Los becarios serán seleccionados por un panel de jueces integrado por Ana Laguna, Yorgos Loukos y Christophe Slagmuylder. Los becarios presentarán las experiencias realizadas durante este proceso y sus resultados en una presentación pública final en Wuppertal. En este momento, los becarios de la edición anterior comienzan sus experiencias: el coreógrafo Jared Onyango de Kenia (con Francesco Scavetta y Wee en Oslo) Eurípides Laskaridis de Grecia (con Lemi Ponifasio en Nueva Zelanda), la argentina Ayelen Parolin (Bélgica) y Anton Valdbauer (Suecia), presentarán sus experiencias en Wuppertal en enero de 2017. Información detallada y postulaciones en: https://fellowship.pinabausch.org/en/application.

Festivales Irlanda. Tipperary Dance Platform 2016 dirigido por Alexandre Iseli y Jazmín Chiodi, seleccionará obras de videodanza, para participar de la séptima edición del Festival internacional de danza contemporánea, realizado en el condado de Tipperary, del 10 al 16 de octubre

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de 2016. Podrán postularse videos innovadores que exploren el cruce interdisciplinario del video y la danza (arte contemporáneo de calidad, basados en la danza o estrechamente relacionados con el rendimiento físico). La duración de la obra no podrá exceder los 15 minutos. La inscripción se hace on-line, hasta el 16 de julio: www.eventbrite.com. Chile. Bestias Danzantes. Festival de cine. 2º edición. Podrán postularse films de danza (cortos de danza, danza para la cámara, video danza), de cualquier estilo, de uno a quince minutos de duración. La inscripción cierra el 31 de julio, y se realiza on-line: https://filmfreeway.com/festival/BestiasDanzantesDanceFilmFestival. Informes: bestiasdanzantes@gmail.com.

Financiamiento La Dirección Nacional de Innovación Cultural, dependiente de la Subsecretaría de Economía Creativa del Ministerio de Cultura de la Nación, puso en marcha el primer Concurso Nacional de Innovación Cultural que premiará dos tipos de proyectos: aquellos que propongan el desarrollo de herramientas tecnológicas para museos y patrimonios culturales, y aquellos que promuevan la inclusión de nuevos públicos en el ámbito de la cultura. Se convoca a emprendedores, desarrolladores, artistas, gestores culturales y estudiantes mayores de 18 años. La inscripción se realiza on-line y cierra el 18 de julio: convocatorias.cultura.gob. ar/innovacion. Se seleccionarán veinte proyectos que recibirán un presupuesto máximo de $ 200.000 para desarrollar su propuesta, además participarán de una clínica de innovación cultural y serán “incubados” durante seis meses, prototipados y testeados en universidades públicas de nuestro país. Consultas e informes: concurso.innovacion@cultura.gob.ar.

Premio Portugal. Premio Iberoamericano Jóvenes Talentos Braga ‘16. Dentro de la celebración de Braga 2016 Capital Iberoamericana de la Juventud, el municipio portugués puso en marcha esta convocatoria dirigida a jóvenes de los veintiún países que integran la Organización Iberoamericana de la Juventud (OIJ, Argentina está incluida) de 10 a 18 años de edad. El concurso fomenta el surgimiento de pequeños artistas y la divulgación de talentos (danza, música, canto, artes del espectáculo, magia, teatro u otras actividades que pueden ser presentados en un escenario). Los concursantes deben inscribirse (individualmente o en grupo), a través del correo electrónico: ciaj2016@cm-braga.pt, enviando una maqueta de su pre-

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Residencias China. Crystal Ruth Bell Residency. 3Âş ediciĂłn. Ofrece una residencia de dos meses para todo tipo de investigadores en PekĂn (Beijing) de noviembre a diciembre de 2016. PodrĂĄn postularse curadores, escritores, investigadores, documentalistas, fotĂłgrafos, coreĂłgrafos, cocineros, diseĂąadores, activistas, arquitectos, cientĂficos y artistas visuales (de cualquier nacioanlidad, edad y nivel de formaciĂłn), para participar con un proyecto que refleje intereses acordes con los de Crystal: curiosidad, dedicaciĂłn, perseverancia, palabras y mapas. Las propuestas se valorarĂĄn en funciĂłn a su viabilidad y su creatividad. El programa de residencias cubre un apartamento en el centro de Beijing, gastos de viaje y visa, cena de bienvenida y orientaciĂłn de llegada, apoyo y coordinaciĂłn del proyecto, 1.000 dĂłlares para cubrir comidas y gastos diarios, y una exposiciĂłn final. Los interesados deben postularse on-line, antes del 31 de julio. Informes: www.chinaresidencies.org.

EspaĂąa. La BlueProject Foundation de Barcelona ofrece tres residencias artĂsticas para 2017, para artistas de cualquier edad, nacionalidad y disciplina artĂstica que podrĂĄn postularse en forma individual o grupal. Los interesados deberĂĄn postular propuestas originales e inĂŠditas (obras de pintura, escultura, arquitectura, fotografĂa, mĂşsica, diseĂąo, escritura, eventos, gestiĂłn cultural, ediciĂłn, gastronomĂa, ecologĂa, danza, teatro, o cualquier otra forma artĂstica y cultural), en cualquier formato o tĂŠcnica. El premio consiste en la realizaciĂłn y producciĂłn del proyecto en un plazo mĂĄximo de un mes, que serĂĄ el tiempo de duraciĂłn de la residencia, una exposiciĂłn durante 2017 en la Sala de Proyectos de la BlueProject Foundation, el uso de espacios de trabajo para la realizaciĂłn de las obras y un total de 12.000 euros que se repartirĂĄn entre los tres ganadores. Informes: www.blueprojectfoundation.org/es/.

Subsidio Programa Para la PromociĂłn de las Actividades ArtĂsticas de las Personas con Discapacidad. Destinado a brindar ayuda econĂłmica a organismos gubernamentales (provinciales o municipales) y organizaciones de la sociedad civil sin fines de lucro, para la adquisiciĂłn de elementos (bienes nuevos) que promuevan la actividad artĂstica de las personas con discapacidad. Se otorgarĂĄ un monto mĂĄximo de 100.000 pesos. Informes: consulta_programa@conadis.gob.ar, Av. Julio A. Roca 782, Piso 4, Buenos Aires, Tel: 0800-333-2662.

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